Théorie de la conception graphique - Espace

1. Introduction: En tant que graphiste, la plupart des designs sur lesquels vous travaillez finiront par être plats. Pas dans le sens où ils ne seront pas beaux, mais au sens littéral du Ils seront imprimés sur des feuilles de papier, du tissu ou affichés sur des écrans plats de téléviseurs, moniteurs et d'appareils mobiles. Vous vous demandez peut-être comment pouvons-nous même parler d'espace sans trois dimensions, alors comment pouvons-nous même parler d'espace que nous le pouvons. Outre la largeur et la hauteur de votre œuvre d'art, pour créer des designs convaincants, vous devrez également impliquer la profondeur. Dans ce cours, nous aborderons le chevauchement, la superposition, la perspective, l'espace négatif, la proximité , la forme et tout ce qui peut vous aider à rendre vos designs attrayants, attrayants et spacieux Nous analyserons également des centaines de designs incroyables issus de tous les domaines de la conception graphique pour vous aider à visualiser et à comprendre facilement tous les termes et règles abordés dans ce cours. En plus du projet de cours passionnant que vous terminerez, je l'espère, à la fin du cours, vous disposez également de la feuille de travail d'analyse et du glossaire des termes qui vous aideront à mettre en pratique tout ce que vous avez appris J'espère que vous êtes aussi enthousiastes que moi à l'idée de vous lancer et plonger dans l'océan de connaissances et de magnifiques exemples de conception graphique. 2. Espace: Des espaces comme une marchandise en graphisme, de même que l'achat d' un terrain ensuite faire construire votre maison dessus. En tant que graphiste, vous obtenez un canevas avec une orientation et un rapport d'aspect spécifiques. Et c'est à vous de décider comment le remplir avec les éléments que vous utiliserez dans votre composition. Lorsque vous avez beaucoup d' informations à afficher sur une seule page, par exemple dans un magazine ou sur une seule page d'un site Web. Vous devrez trouver comment équilibrer tout, assurant que votre design finira par paraître encombré, déroutant, et cela peut être aussi difficile si vous n' avez pas beaucoup d'éléments à utiliser. Dans InDesign, vous pourriez avoir l'impression que votre design finira par paraître vide et non professionnel. C'est une erreur très courante chez les designers qui commencent tout juste que l'emballage de trop de choses dans un design qu' ils ont essayé de remplir tout l'espace disponible avec des éléments, sans laisser aucun espace négatif. Et c'est également un terme important dont nous discuterons beaucoup plus en détail. Mais en général, nous considérons tous les éléments que vous placez dans votre espace de conception positif, alors que tout ce qui est laissé vide, même s'il n'est pas complètement blanc, nous considérerions comme un négatif espace, ou parfois nous l' appelons également espaces blancs. En particulier lorsque nous parlons de design d'impression, où le blanc est évidemment la couleur du papier. Dans les prochaines vidéos, nous allons approfondir et découvrir tous les différents principes et méthodes de conception que vous pouvez utiliser pour améliorer l'espace de vos compositions. Mais d'abord dans cette vidéo, il y a quelques termes généraux importants sur l'espace dont j'aimerais parler et vous montrer quelques exemples créatifs de ces règles en action. Donc, normalement, lorsque nous parlons d'espace, nous faisons référence à un volume qui a de la hauteur, largeur, mais aussi de la profondeur. Mais il y a une contradiction ici parce qu'en tant que graphiste, presque tout le temps, on travaillerait dans des plans bidimensionnels. Donc, qu'il s'agisse d'une page imprimée ou d'un écran, il ne s'agit toujours que de largeur et de hauteur. Cependant, il existe de nombreuses façons et méthodes différentes que vous pouvez impliquer la profondeur de votre conception et la rendre plus tridimensionnelle. Et c'est crucial car vous voulez que vos spectateurs aient l'impression qu'ils peuvent entrer dans l'espace que vous créez sur votre canevas. Vous voulez les intégrer dans vos compositions et vous voulez les conserver longtemps possible en rendant votre design captivant et captivant. Jetons un coup d'œil à quelques techniques pour impliquer la profondeur ou l'espace. Tout d'abord, vous pouvez utiliser la taille. Nous en avons deux excellents exemples, l' affiche Oceans Eight et le logo de la Barnes Foundation par pentagram. Dans ces deux exemples, nous pouvons constater que tout ce qui semble être plus grand se sent plus proche de nous. C'est un fait simple que nous voyons également dans la vraie vie. Partout où il y a une perspective, choses qui se trouvent plus loin sont de plus en plus petites. C'est par exemple pourquoi ces deux kayaks au premier plan de cette illustration ont presque la même taille que cette montagne en arrière-plan. Ou ils occupent la même quantité d' espace dans la composition. Mais nous savons par expérience qu' il y a une perspective ici et que cette montagne en arrière-plan est-elle en fait plus grosse que ces deux coyotes au premier plan ? Mais en revenant à ces deux exemples ici à droite, la personne de gauche, qui est Sandra Bullock, est la plus proche de nous. C'est pourquoi elle semble être la plus haute par cette personne ici à droite, semble être la plus courte, mais bien sûr, nous comprenons immédiatement qu' elle est plus loin dans l'espace. La même chose se produit ici avec le logo Barnes Foundation, où la marque principale sur le dessus est divisée en cinq formes rectangulaires. Et certains d'entre eux sont plus grands que les autres. Et immédiatement , ceux qui sont plus petits ont l'impression d'être plus loin dans l'espace. Et c'est en fait intentionnel car ces cinq formes censées représenter la structure du bâtiment de la Fondation Barnes. C'est un excellent exemple de nombreux autres principes de conception également utilisés comme l'espace négatif, mais aussi le rythme alternant, où nous avons des formes plus grandes et plus petites qui s'alternent entre elles et de nombreux autres principes comme la simplicité, le cadrage et la cohérence. Une autre technique courante pour impliquer de l'espace ou de la profondeur dans votre composition consiste à dépendre de l'intensité des couleurs. Et cela signifie que les couleurs plus vives, saturées et surtout les couleurs chaudes, ont tendance à être plus proches de nous ou à se sentir plus proches de nous. Comparez deux couleurs avec moins d'intensité et des tons plus froids. Cela a également un rapport avec le monde physique et la façon dont nous apprenons à voir choses comme des paysages où nous avons beaucoup de distance que nous pouvons voir tous en même temps. Et il existe un terme appelé perspective atmosphérique, dont nous parlerons également plus en détail une fois que nous aurons parlé de perspective. Mais ce que cela veut dire, c'est que plus quelque chose est éloigné, plus ses couleurs sont fraîches et délavées grâce au volume d'air ou ciel entre nous et cet objet. Donc, pour simplifier ce que je viens de dire, plus quelque chose s'éloigne, plus il commence à se mélanger avec la couleur du ciel. Et nous pouvons le voir en action ici sur l'illustration où les couleurs de premier plan sont plus foncées, plus saturées et plus chaudes alors que nous sommes plus délavés, ces couleurs saturées apparaissent plus loin en arrière-plan et ils se rapprochent également des couleurs du ciel. Mais même sur ce design ici, nous pouvons voir que l'espace est impliqué par les couleurs les plus vives et saturées au premier plan ou à l'avant de cette forme cylindrique. Alors que nous avons des couleurs plus douces et plus délavées à l'arrière de ces rubans formant le cylindre. 3. Techniques pour utiliser l'espace dans le design: Une méthode très puissante et simple impliquer l'espace et surtout la profondeur, consiste à utiliser le chevauchement entre les formes, comme dans ce cas, on voit immédiatement que cette feuille est probablement la plus proche de nous, alors que la personne ici est la plus éloignée. Ainsi, en superposant les choses les unes sur les autres et en indiquant profondeur avec des ombres tombantes subtiles ou des effets hors limites, nous pouvons rapidement et efficacement établir la profondeur. Et la même technique peut être obtenue, bien sûr, même sans utiliser d'ombres tombantes. Dans ce cas, nous avons un chevauchement entre le type et l'image. Cette lettre a donc l'impression qu'elle est derrière l'image. Par exemple, celui-ci est devant lui. Et même en s'appuyant sur l'apparence de ces deux lettres du titre, le designer a déjà réussi à créer une composition intéressante. Mais en plus de nous, les téléspectateurs qui connaissent de la profondeur, nous devons aussi travailler un peu plus fort que d'avoir ce titre d'aventure écrit sur une seule ligne placée au-dessus d' une image qui le serait plus ennuyeux que ce que nous pouvons voir ici. Cette couverture du magazine élégant est également un excellent exemple de profondeur. Avoir cet athlète sauter par-dessus la tête de mât. Mais en plus de la profondeur ici, nous sous-entendons également la hauteur en ayant beaucoup d' espace vide ou négatif ici au milieu. Cela rend immédiatement cette sensation beaucoup plus élevée que si la partie centrale de la composition était remplie de texte ou d'images. Et très probablement, la raison pour laquelle ils ont décidé de ne pas ce texte agrandir ce texte que ce qu'il apparaît actuellement, est parce qu'il y a une autre chose qui peut aider à impliquer de l'espace. Où que vous placez, plus près du haut de votre cadre ressentirez toujours un peu plus loin que tout ce qui se trouve en bas. Maintenant, cela revient à la façon dont nous voyons les paysages. Habituellement, tout ce qui se trouve au fond est plus proche de nous. C'est le premier plan. Et au fur et à mesure que nous allons plus loin dans la composition ou le cadre, nous verrions des choses plus éloignées. Rappelez-vous simplement l' illustration avec les kayaks au premier plan et les montagnes à l'arrière. Donc, même si rien n' indique si ces textes sont plus proches ou plus éloignés que ce que nous voyons ici en haut. Et même si les détails sont en haut, semblent plus grands que ce que nous avons en bas en raison du positionnement du texte haut volant en bas, on a toujours l' impression qu'il se trouve au premier plan. Je pense que c'est pourquoi il n'était pas nécessaire de rendre cela plus grand que ce qu'il est actuellement. Cette affiche utilise également avec confiance cette compréhension que partout où elle est plus proche du sommet, elle s' alimente plus loin. Mais, bien sûr, elle repose également sur la perspective. Nous pouvons donc constater que les lignes parallèles mènent toutes à un point de fuite au loin. Et vous pouvez probablement imaginer que ce serait bizarre si c'était la forme opposée, les textes en haut se sentent plus proches de nous et que le reste retourne plus loin dans l'espace, cela pourrait encore fonctionner. Il ne serait tout simplement pas aussi équilibré et naturel que ce que nous avons sur cette affiche. Il existe également un autre moyen important de catégoriser l'espace ou de penser à l'espace chaque fois que vous concevez, vous pouvez créer des espaces ouverts ou fermés. Et chacun d'entre eux aura un effet important sur la façon dont votre design est perçu par nos spectateurs. Les espaces ouverts sont généralement plus accueillants. Pourquoi les espaces fermés peuvent-ils contenir et conserver les informations ensemble de manière plus rigide. Il y a quelques excellents exemples d'espaces ouverts utilisés sur ce tableau, comme le parc national des Arches de l'Utah et la composition de Zurich, en Suisse, où les lettres flottantes, n' ayant qu'un ombre portée subtile, établissez un grand espace blanc ouvert qui est complètement moins bordé. On a donc l'impression que nous pouvons entrer dans cet espace de n'importe quelle direction. Alors que nous sommes ici avec le New York Magazine, nous avons une limite très forte, ce cadre qui ferme tout, créant cet espace clos. Ne pensez donc pas que cela soit moins attrayant ou attrayant à regarder, mais cela donne définitivement un ton différent de communication visuelle. Un autre exemple où nous avons ces cadres très rigides qui contiennent et regroupent la taxe et la plupart de l' illustration ensemble, la composition générale n'est toujours pas trop proche cause de la petite les détails qui sortent des cadres. Comme cette personne ici, les oiseaux volent à travers ces cadres et même cette plante qui sort du côté droit. Ainsi, dans ce cas, cet effet superposé ou hors limites hors cadre aide vraiment à ouvrir la composition qui aurait fini par être beaucoup plus fermée sans eux. Et enfin, un autre terme mérite d'être mentionné est Fengshui, qui est en fait utilisé pour la décoration d'intérieur et l'aménagement du mobilier dans l'espace. J'aime aussi le considérer comme quelque chose qui peut être utilisé pour des compositions en graphisme, qui indique que chaque objet dans l'espace existe eux et par rapport à leur environnement. Et c'est une explication parfaite de la façon dont vous devez penser à l'espace dans vos compositions. Tout ce que vous placez sur votre toile ou tout ce que vous laissez côté aura un effet sur tous les composants avec lesquels vous travaillez. 4. Profondeur: Dans la vidéo précédente, nous avons déjà établi quel point il est important d'établir profondeur de vos compositions, car c'est la propriété manquante que nous n'avons pas dans un plan bidimensionnel chaque fois que notre travail est effectué. apparaîtra sur un bout de papier ou un écran. Alors que notre toile aura toujours de la hauteur et de la largeur, nous n'aurions pas la profondeur. C'est donc quelque chose que nous ne pouvons que sous-entendre. Et même si nous avons déjà appris quelques façons de le faire, maintenant dans cette vidéo, nous allons examiner quelques exemples et méthodes créatifs supplémentaires qui méritent d'être discutés et se souvenir de chaque fois que vous devez créer de la profondeur dans vos propres compositions. Commençons donc par quelque chose de très simple. Cette vue isométrique d'un cube, on peut aussi appeler le cube Necker, qui est un excellent exemple de stabilité multiple, où nous pouvons décider si nous regardons l'avant de cet objet ici. ou ici en haut. Donc, si vous considérez que cette partie est plus proche de nous, cela signifie que nous regardons ce cube d'en bas. Si nous considérons que c'est plus proche de nous, nous avons l'impression que nous regardons le cube d'en haut. C'est quelque chose que nous avons abordé beaucoup plus en détail dans la section psychologie du design lorsque nous passons revue les principes de Gestalt. Mais la raison pour laquelle je le montre ici aussi, c' est parce que c' une façon très courante représenter la profondeur de l'illustration. Et nous verrons plus tard d'autres dessins isométriques. Mais pour l'instant, ce sur quoi je voulais attirer l'attention, c'est que même si nous avons établi de la profondeur dans cette composition, on ne sait toujours pas ce qui est plus proche et le plus éloigné de nous. Et cela est dû au manque d'informations visuelles. Maintenant, une fois que vous commencez à introduire des formes de champ, les couleurs et les dégradés s'ombragent. La compréhension du volume et de la profondeur devient beaucoup plus facile. Donc ici, personne n' aura du mal à comprendre que ces détails sont les plus proches de nous, alors que ce détail est le plus éloigné. Mais même lorsque vous utilisez des couleurs et des ombres, vous risquez parfois de confondre vos spectateurs, intentionnellement ou non. Par exemple, imaginez simplement regarder cette petite section ici. Et lorsque vous le voyez seul, vous pouvez voir un cube à l'envers, même si dans la composition actuelle, s'agit d' une zone vide. Et c'est clair quand on regarde ensemble l'ensemble de la composition. Mais encore une fois, en l'extrayant, nous pouvons facilement confondre le spectateur appuyant sur le principe Gestalt appelé fermeture. Vous pouvez également créer des motifs intéressants comme celui-ci où il n'y a pas d'ombrage, une seule couleur, le noir est utilisé. Et ces formes triangulaires comme des cônes ne sont même pas reliées les unes aux autres. Mais notre esprit se sent tout de suite dans cet espace vide au milieu. Et nous imaginons que ce n'est pas seulement un cercle, mais une sphère réelle, qui a encore une fois du volume. Donc non seulement la hauteur et la largeur, mais aussi la profondeur. Et la principale raison pour laquelle nous le voyons ainsi, c'est parce que ces pointes sont plus petites que nous avons l'impression d'être plus éloignées de nous. Alors que les cônes sont ici sur le devant ou plus grands, mais ils ont aussi ces formes elliptiques qui décrivent que c'est un espace vide de rappel libre. Parfois, des indices très subtils de ce genre peuvent aider vos spectateurs à comprendre ce que vous avez réellement, même sous une forme abstraite comme celle-ci. Et si vous n'êtes pas doué dessiner ou si vous n'avez pas passé du temps à étudier comment dessiner des forums tridimensionnels, je vous recommande vivement de passer un peu de temps à le faire. Parce que croyez-moi, cela va beaucoup vous aider à pouvoir représenter la profondeur de vos compositions, même sans compter réellement sur des dessins ou des illustrations. Maintenant, lorsqu'il s'agit de compositions réelles, montrer ou sous-entendre la profondeur n'a pas besoin d'être écrasant. Vous n'avez donc pas besoin de l'exagérer. Et comme la plupart du temps, moins c'est plus. Donc, plus vous pouvez être subtil, mais toujours atteint la profondeur, mieux c'est. Et le bel exemple de cette retenue en action est cette couverture du roman de Zelda Fitzgerald, où le seul détail qui implique de la profondeur est cette petite section du visage. Donc, au lieu d'avoir plus de détails sur le formulaire de lettre, cela atteint déjà ce sentiment de profondeur. Et c'est un excellent choix, car ce sera naturellement un point focal. Nous sommes toujours attirés par le regard des visages, même si nous les voyons de côté. Voici une composition similaire, encore une fois, portrait et une forme de lettre combinés ensemble, mais d'une manière complètement différente. Ici, nous pouvons voir l'image complète et la lettre V enclenche le portrait, le côté gauche derrière le visage et s'interrompt à nouveau par les lèvres et le menton. Et puis de l'autre côté de la lettre, il arrive clairement devant le corps, mais encore une fois légèrement derrière la tête. Ainsi, cette action consistant à passer de l'arrière-plan au premier plan puis revenir à l'arrière-plan crée un sentiment incroyable de profondeur. Mais encore une fois, comme avant, de manière très subtile. 5. Courbes, lignes et ombres: J'adore aussi cet exemple où nous avons cette épaisse ligne courbée blanche qui s'entremêle, encore une fois, le modèle dans la composition. Et je le montre encore pour sa subtilité car même si nous avons une ombre portée très subtile sur cette zone, ce qui aide à séparer cette courbe de la courbe derrière elle. Nous n'avons toujours pas d'indication supplémentaire si cette courbe ou cette courbe est plus proche ou plus éloignée de nous. Et la raison pour laquelle cela n'était pas nécessaire est dû au fait qu' un autre principe de Gestalt est utilisé, appelé continuité, qui stipule que le spectateur sera en mesure de continuer les détails même s' ils ne le sont pas. complètement visible. Nous pouvons donc suivre cette forme, qui est clairement la plus proche de nous parce qu'elle se trouve devant le modèle, puis elle passe derrière la personne. Mais nous pouvons immédiatement le connecter à cette autre section ici. Donc, si nous le retracons, nous pourrons dire que cette section se poursuit ici et qu'elle va plus loin. Et très probablement, puisque cette forme commence au premier plan et remonte plus loin dans l'espace, cette section serait plus proche de nous et l'autre forme serait en dessous. Donc, s'il y avait de l'ombrage, j'imagine que pour apparaître ici, ces formes jettent son ombre sur l'autre forme. Et outre le principe de contiguïté, cela signifie que le principe de simplicité est également utilisé, ce qui signifie que seuls les détails nécessaires sont introduits dans la composition et tout le reste est sorti. Vous vous souviendrez peut-être que j'ai parlé perspective atmosphérique dans la vidéo précédente. Les détails les plus proches de nous ont tendance à se sentir plus chauds et plus vibrants dans leurs couleurs. Et voici un exemple parfait, juste pour vous le rappeler, où nous pouvons voir que ce sont les couleurs principalement utilisées au premier plan sur les personnages, alors que ces couleurs sont plus froides et moins saturées. couleurs utilisées en arrière-plan. Une fois encore, sur la montagne, le ciel, et même ces détails ici en bas. Et même si cela est plus important pour l'illustration, il peut toujours être utilisé dans vos compositions graphiques. Une autre façon intelligente d' obtenir de la profondeur dans vos compositions est l'utilisation de la texture. Dans ce cas, nous avons ces trous de balles, qui impliquerait qu'il y vitre ou un écran devant la couverture de ce magazine et que des coups de feu ont été tirés et que le verre s'est cassé. Mais en plus de cette texture établissant quelque chose qui est le plus proche de nous, encore plus de profondeur créée dans la composition en ayant le personnage principal, Daniel Craig, James Bond, devant la tête de mât, ce qui est une technique très courante avec les magazines. Ensuite, avoir des lignes couvertes et le reste de la topographie et des images de support sur le dessus ou devant le personnage principal de la composition. Ainsi, même sans les trous de balle, il y a trois plans ou couches distincts l'un sur l' autre ici. Et cette couche de texture supplémentaire en ajoute la quatrième. Voici un autre excellent exemple de la profondeur avec la texture. Dans ce cas, outre la perspective évidente que l'on peut voir sur les lettres établissant des détails qui vont plus loin dans l'espace. Nous avons également l'impression que ces lettres sont debout dans l'eau, ce qui est obtenu avec cette texture déformée sur ces détails réfléchis pour chacune des formes de lettres. Donc, même s'il n'y a pas de détails qui se chevauchent ici et qu'il n'y a pas d' ombrage du tout, nous avons toujours l'impression qu'il y a une distance dans la composition, mais aussi qu'il y a un plan ou une surface d'eau. J'adore les solutions simples comme celle-ci parce qu'elles sont si efficaces. Donc, au lieu d'utiliser plus de reflets et d' ombrages sur l'eau, cela implique simplement d'avoir ces ondulations ou ces textures sur les détails réfléchis. Enfin, voici un autre exemple de texture utilisé pour créer de la profondeur. Mais encore une fois, on a l'impression qu' il y a une fenêtre ou un écran semi-transparent et que les détails qui sont plus éloignés de nous sont flous. Alors que le visage qui se sent le plus proche de nous est le plus proche cet écran semi-transparent est plus clair ou plus mis au point. C'est une solution géniale pour que le visage se démarque vraiment du reste des détails et permet également à la typographie d'être lisible au-dessus de cette image. Une fois que tous les détails en dehors du visage sont flous, il est facile de placer du texte dessus car maintenant ils interfèrent beaucoup moins en raison du fait qu'il y a maintenant une faible fréquence en termes de charge visuelle. En plus d'impliquer la profondeur, texture peut être utilisée pour de nombreuses raisons différentes en design graphique. Et c'est pourquoi nous y reviendrons et parlerons davantage dans une autre vidéo. 6. Superposition et chevauchement: chevauchement ou la superposition d' images et de typographie dans vos compositions peuvent également contribuer à atteindre la profondeur. Et il peut également être utilisé pour mettre l'accent sur d'autres choses comme le mouvement et l'écriture. Dans certains cas, vous pouvez également utiliser cette approche pour compresser davantage d'informations visuelles en une seule composition qui ne serait pas possible autrement. technique la plus importante sur laquelle nous nous appuyons lorsque nous utilisons des applications de conception pour créer des chevauchements et des superpositions entre nos éléments est l'utilisation de couches. Ils sont fondamentaux pour chaque projet de graphisme. Il est presque impossible de travailler sans eux. Par le passé, avant l'ère numérique et l'édition assistée par ordinateur, il était bien sûr beaucoup plus difficile de le faire parce qu'il n'y avait tout simplement pas de couches. Et la seule façon dont les graphistes pourraient le faire en découpant littéralement les choses et en plaçant les choses les unes sur les autres. Bien sûr, il s'agit d'une méthode très limitée car vous ne pouvez pas vraiment ajuster l' opacité de ces composants. Il existe également de nouveaux modes de fusion qui peuvent aider à créer des interactions intéressantes entre vos couches. Nous avons donc vraiment parcouru un long chemin depuis. Et c'est principalement à cause la simplicité ou de la facilité de travailler avec des calques qui s' affichent dans de nombreux projets de conception graphique. Et l'utilisation commune de la transparence étant utilisée comme partie intégrante des compositions. Parce que si vous y réfléchissez, chevauchement et la superposition dépendent de la visibilité ou de la transparence, qui peuvent devenir un élément de conception actif, tout comme la couleur, le texte et l'imagerie. Ainsi, comme toujours dans cette vidéo, nous allons examiner certaines utilisations créatives des chevauchements et des superpositions. Même si nous en avons vu quelques exemples dans les vidéos précédentes, il y a beaucoup plus à découvrir ici et beaucoup plus d' inspiration que vous pourrez appliquer à vos projets. J'ai déjà mentionné les modes de fusion ou le mélange de calques au début de cette vidéo. Et c'est quelque chose que nous pouvons voir être utilisé dans bon nombre de ces exemples. Cependant, le mélange n'est pas toujours nécessaire. Nous pouvons également simplement utiliser la transparence, ce qui rend certains éléments plus transparents que d'autres. Ainsi, par exemple, le logo des bandes PG et le logo MasterCard dépendent davantage mélange que de la transparence. Et si vous utilisez souvent les modes de fusion dans des applications telles que Photoshop, vous aurez même l'intention de savoir quel mode de fusion est utilisé. Dans ce cas, pour les bandes PG, je crois qu'elles se multiplient alors que sur MasterCard, cela ressemble davantage à une superposition. C'est certainement une bonne idée de se familiariser avec ces modes de fusion. Mais n'ayez pas l'impression de devoir tous les apprendre. Parce qu'en fonction des images ou des composants que vous envisagez de fusionner, ils créeront toujours un résultat légèrement différent. Donc, même après un an d'utilisation, je les expérimente et parfois les feuilletons tous avant de décider lequel est celui qui fonctionne le mieux dans ma composition. intéressant de mélanger au lieu d'utiliser la transparence, c'est que les deux éléments que vous mélangez ensemble resteront complètement opaques ou visibles. Et voici un excellent exemple de cela. Encore une fois, nous avons l'illustration du scat et nous avons aussi le type au-dessus de celui-ci. Et rappelez-vous ce que j'ai dit, parfois nous utilisons cette technique de chevauchement ou superposition pour pouvoir compresser plus d'informations visuelles dans notre toile. Dans ce cas, en utilisant la technique de chevauchement, il a été possible de maximiser la taille de l'illustration et de la topographie. Les deux remplissent donc complètement la toile. Et en raison de l'utilisation intelligente de la superposition, nous pouvons toujours les voir tous les deux. C'est aussi comme un défi que vous envoyez à vos spectateurs lorsque vous faites ce genre de choses. Ils doivent donc travailler un peu plus fort pour comprendre ce qu'ils voient. Parce que, bien sûr, ce n'est pas aussi clair que d'avoir ces deux détails l'un à côté de l'autre, mais tant qu'il y a suffisamment de différence dans les couleurs des détails qui se mélangent, ce ne sera pas le cas. gênant ou déroutant vos spectateurs. Au lieu de cela, elle sera plus intrigante et engageante. Notez qu'il y a en fait un petit indice ou aide visuelle sur le côté gauche de cette affiche « made in Japan », qui est exactement le même que celui qui est superposé dans la composition. Mais ces textes sont beaucoup plus faciles à lire ici. Ainsi, même si nous ne voyons que cela pendant une fraction de seconde, cela nous aidera à identifier ce que nous pouvons voir dans la topographie principale plus large. Et dans ce cas, ce n'est pas seulement la superposition qui rend difficile la lecture du texte, car la lisibilité est encore réduite ou diminuée par la fabrication des trois mots au Japon. fusionné physiquement l' un dans l'autre. Ainsi, par exemple, la lettre a, que nous pouvons voir ici, est utilisée à la fois pour le mot « made made » et «  Japon » en bas. Mais remarquez que même le mot dans est lié à l'autre caractère final du mot Japon. Et si cela ne suffisait pas, il y a même un autre petit détail intéressant ici. Le caractère E du mot fait comporte deux barres au lieu d'une seule. Et je ne sais pas pourquoi cela était nécessaire, surtout parce que ces écarts ici ne sont pas égaux. Celui du milieu est donc plus large que les deux autres. La seule chose à laquelle je peux penser, c'est que sans ces deux barres, cela aurait été un peu trop d'espace négatif ici par rapport au reste de la composition. Il était donc probablement nécessaire d' atteindre le bon équilibre visuel. En revenant au mélange, je crois encore une fois, c'est multiplié ou il pourrait s'agir d'une lumière dure, ou peut-être même de superposition, ou peut-être même de superposition, pas sûr à 100%. Cependant, le fait d'avoir ces couleurs complémentaires superposées les unes sur les autres nous aide vraiment à séparer les deux couches que nous voyons l'une sur l'autre, les choses peuvent devenir encore plus nombreuses intéressant une fois que vous commencez à combiner, superposer et à se chevaucher dans une seule composition. Donc, dans ce cas, c'est une combinaison très similaire. Même les couleurs sont similaires. Et nous pouvons voir que le mélange se produit dans certains domaines, comme ici, ici, là etc. Partout où vous voyez cette couleur bleue plus foncée, c'est là que les deux mots haut et cinq sont visibles en même temps en raison de la superposition ou du mélange. Mais remarquez qu'il y a aussi des chevauchements ici car dans certaines parties, les deux mots se couvrent en fait. Comme dans ce cas ici, le texte bleu disparaît derrière le texte rouge. La même chose se passe ici. Encore une fois, le texte bleu se trouve derrière le texte rouge. Et si vous passez un peu plus de temps à analyser tous les détails entrelacés ici, vous vous rendrez compte que chaque fois le texte bleu arrive devant, il va se fondre dans le rouge. texte. Bien que le texte rouge soit entièrement opaque et qu'il ne se fonde pas avec les textes bleus chaque fois qu'il se trouve se fonde pas avec les textes bleus en arrière-plan. Il est donc important si vous travaillez avec plusieurs effets, dans ce cas, chevauchements et des superpositions, que vous respectiez une règle spécifique. Dans ce cas, garder un mot opaque et seul l'autre est utilisé pour le mélange. Sinon, s'il n'y a pas de système, cela peut devenir déroutant et vous risquez de perdre les intérêts de vos téléspectateurs. 7. Devant ou derrière: Voici un autre excellent exemple de superposition de choses les unes sur les autres. Dans ce cas, le mélange n' était pas nécessaire principalement en raison de la différence entre les deux choses qui se trouvent l'une sur l'autre. Il y a donc un contraste énorme entre cet art au trait fin du paresseux et la grosse typographie blanche derrière elle. Et en fait, on ne sait pas clairement ce qui se trouve devant et ce qui se trouve derrière. Je considérerais surtout que c' au premier plan parce qu'il est plus grand. Et si vous vous souvenez, lorsque nous pensons à l'espace, ce qui est plus grand, nous sommes toujours plus proches de nous. Maintenant, il y a une chose à laquelle vous devez vraiment faire attention une fois que vous commencez à superposer ou à chevaucher des choses les unes sur les autres. Et voilà les tangentes de votre composition. Et c'est en fait un domaine que nous aborderons beaucoup plus en détail sur ce sujet. Mais ce que cela signifie essentiellement que vous devez éviter que les détails de différents éléments ne se heurtent les uns aux autres ou que leurs bords rencontrent exactement dans la même position. Parce que cela peut finir par être déroutant et distrayant, sans savoir ce qui est réellement plus proche et plus éloigné de nous. Donc, dans ce cas, en raison du contraste élevé entre les deux éléments qui se trouvent l'un sur l'autre. Nous n'avons pas vraiment à trop penser aux tangentes. Mais je pense néanmoins que cette région est un peu trop proche l'une de l'autre. Le haut du O est donc parfaitement aligné. Deux caractéristiques importantes des paresseux, comme le nez et les yeux. Donc, si cela ne tenait qu'à moi, j'aurais déplacé le paresseux un peu plus haut pour que ces détails ne soient pas en conflit avec cette ligne de l'o peut-être une décision intentionnelle pour le placer exactement là. Cependant, cela serait déjà considéré comme une tangente subtile mais encore perceptible. Si j'étais très difficile et critique, je dirais qu'il y a une autre petite tangente ici. Encore une fois, la ligne atteignant le coin de cette lettre exactement à ce moment-là. Et même cette petite ligne ici suit presque exactement la fin ou coordinateur de cette lettre ici à gauche. Et la même chose se passe ici et ici. Encore une fois, la ligne est parfaitement tangente aux courbes de la typographie. Par exemple, jetez un coup d' œil à cette illustration ici. La façon dont ces légumes sont superposés les uns sur les autres et à nouveau mélangés les uns aux autres permet de les voler tous sont visibles et reconnaissables, même dans ce style hautement stylisé ou abstrait. version. Mais pour s'assurer qu'il est clair qu'ils sont les uns sur les autres, même si nous pouvons les voir à travers eux, le concepteur ou l' illustrateur s'est assuré qu'il n'y a pas de tangentes dans cette composition. Ainsi, par exemple, la carotte et l'oignon ici ont un chevauchement évident. Imaginez si la carotte a été poussée un peu vers la gauche et qu'il y avait une tension là-bas. Ensuite, nous perdions immédiatement ce sentiment de profondeur et les choses commenceraient à paraître trop plates. Ensuite, vous comptez uniquement sur le chevauchement et non sur les superpositions. Ensuite, vous pouvez encore introduire des effets subtils tels que des ombres portées pour indiquer l'espace et la profondeur. Dans ce cas, nous avons un ensemble d'outils de type parfaitement large, à l'exception de la lettre au dos, qui est en rouge. Mais remarquez que certaines de ces lettres ont une ombre subtile sur elles. C'est le plus visible ici sur le W, peux aussi le voir un peu ici sur le rouge, je peux aussi le voir un peu ici sur le rouge, et peut-être même si légèrement ici sur le M. Encore une fois, lorsque vous introduisez des effets comme celui-ci, assurez-vous que vous êtes très subtil avec elle. Utilisez donc le moins de quantité nécessaire. Supposons donc que vous ayez créé un calque pour l'ombre qui est réglé sur 100 % d'opacité. J'y retournerais jusqu'à 0 %, en l' augmentant lentement jusqu'à ce qu' il soit déjà suffisant pour être perceptible. La première fois que vous pouvez commencer à le voir , cela suffira, comparativement à une baisse lente de 100 % jusqu'à ce que vous pensiez ou croyez que c' est devenu assez subtil. Alors, passez lentement de 0 % à la hausse au lieu de le faire dans l'autre sens. N'oubliez pas qu'au début, j'ai mentionné que vous pouvez obtenir du mouvement en superposant ou chevauchant des choses les unes sur les autres. Et dans ce cas, c'est un excellent exemple de la même image. utiliser trois fois dans différentes couleurs mélangées ensemble. Et simplement en les faisant pivoter à l'intérieur de la composition, simule toujours aussi légèrement ce mouvement que nous nous attendions à voir lorsque nous regardons le cycliste grimper sur une colline et se débattant, penché à gauche et à droite. Ce type de composition fonctionne bien lorsque vous faites attention aux détails répétés, dans ce cas, la banque étant proche l'une de l'autre. Nous avons donc une ancre visuelle dans la composition et les choses ne seront pas trop déroutantes. Nous avons ici un autre exemple brillant de quatre images complètement différentes utilisant des couleurs différentes mélangées les unes aux autres. Et ces couleurs sont en fait les couleurs de l'encre utilisée dans l'impression. Cyan, magenta, jaune et noir. Et ce qui rend cette composition vraiment attrayante, je crois, c'est que nous avons le réglage d'image principal noir, qui se sent le plus fort ou qui a le plus de poids visuel, étant très statiques et centrés par les trois autres images sont beaucoup plus dynamiques. Et il y a même à la trajectoire que nous pouvons remarquer. On a donc presque l' impression que la composition a un mouvement de gauche à droite. Je suis sûr que vous avez vu des exemples de ces types de compositions où deux choses complètement différentes sont exposées l'une sur l'autre. C'est ce qu'on appelle en réalité l'exposition multiple en photographie. Cependant, il est devenu une tendance dans le design graphique. Et maintenant, il existe tellement d'utilisations créatives différentes que vous pouvez trouver cette méthode particulière. Et j'aime beaucoup cet exemple parce que tout d'abord, il utilise le visage d'une femme, ce qui est toujours un excellent moyen d' attirer l'attention des gens. Mais il y a aussi les livres qui se rapportent au sujet. Dans ce cas, vous l'avez fait. Il s'agit de lire. Pour obtenir ce type d'effet, vous n'avez pas besoin d' utiliser les modes de fusion. Il suffit simplement d'aligner les deux calques l'un sur l'autre et d'utiliser masques de calque pour afficher et masquer certaines parties de chacun de vos calques. Ainsi, en cas de modification de l' opacité de chaque calque, vous devez réduire progressivement la visibilité des éléments. Alors que le visage est entièrement visible sur le côté gauche et que les livres sont entièrement visibles sur le côté droit. Ils se nourrissent lentement l' un dans l'autre. Mais cette transition n'est pas comme un dégradé linéaire car nous pouvons voir les livres plus en haut, alors qu'en bas, ils disparaissent beaucoup plus rapidement. En revenant au mélange et à l'effet de superposition, vous pouvez également être extrêmement intelligent et créatif dans la façon dont vous l'utilisez dans vos compositions. Comme dans le cas de cette affiche du Fight Club. Mais le profil des deux principaux acteurs est fusionné. Et le mélange qui en résulte ici au milieu forme en fait la silhouette ou la phase du troisième personnage du film a été interprétée par Helena Bone et Carter. Bien sûr, quelque chose comme ça est très difficile à réaliser, car il faut vraiment trouver les bonnes images pour que ce type de composition fonctionne. Mais quand c'est le cas, il crée un design très attrayant et captivant. 8. Forme et forme: Chaque graphiste doit apprendre à travailler et à tirer le meilleur parti des formes et des formes de ses compositions. Dans cette vidéo, nous aborderons quelques termes importants que vous devriez connaître. Mais nous examinerons également quelques exemples incroyables et créatifs. Alors que les formes et les formes jouent un rôle important. Tout d'abord, la différence entre la forme et la forme est que nous parlons de formes bidimensionnelles, cercles, de rectangles, de triangles et même de lignes. Alors que les formes sont des objets tridimensionnels tels que des cubes, des sphères, des cylindres, des cônes, etc. J'adore ce projet où l'on peut voir la photographie et la composition originales ici en haut à gauche. Et puis, sur le côté droit, nous voyons une version abstraite stylisée qui utilise des forums. Et puis, en bas, une autre version abstraite, qui repose uniquement sur des formes. Dans la vie réelle, les formes et les formes sont très différentes les unes des autres. Lors de la conception graphique, les formes et les formes sont toujours représentées dans un plan bidimensionnel, la page imprimée ou un écran. Et nous devons nous fier à des éléments tels que l'ombrage et perspective pour nous assurer que la forme est toujours tridimensionnelle. Et c'est quelque chose dont nous avons déjà parlé. Cela implique l'espace ou implique les forums tridimensionnels. Mais même lorsque vous travaillez avec des formes, vous pouvez toujours impliquer de la profondeur. Par exemple, encore une fois, en utilisant l'ombrage ou même la texture dans le cas de cette composition. Un autre terme important qui mérite d' être rappelé lorsque nous parlons de formes est de savoir si quelque chose est une forme positive ou négative. La façon la plus simple d'expliquer cela est que lorsque vous regardez des formes positives, elles contiennent des détails, alors qu'une forme négative n'a qu'un contour. Ainsi, dans le cas de cette composition, par exemple, nous voyons quelques formes positives comme ce triangle noir ou ces triangles avec les images de personnes à l'intérieur. Et ceux-ci sont combinés avec tous ces triangles superposés au-dessus d'eux, qui n'utilisent qu' un contour fin. Et ce sont ceux que nous appellerions des formes négatives. Dans la vidéo précédente, nous avons discuté superposer des objets superposés les uns sur les autres. Et ici, vous pouvez voir à nouveau un excellent exemple chevauchement de formes positives et négatives l'une sur l' autre peut créer une composition très intrigante et équilibrée. Bien sûr, il n'est pas nécessaire de combiner des formes négatives et positives tout le temps. Vous pouvez aussi simplement compter sur des formes négatives créant une composition intéressante comme dans ce cas, encore une fois, nous ne voyons que les contours de cette forme et tous les autres détails qui l'entourent. Et ce qui rend cela encore plus intéressant, c'est que nous pouvons également voir le contour et être un cercle parfait, même s'il n'y a pas de ligne qui retient les choses ensemble. Donc, dans un sens, ce cercle qui n'est même pas là, nous imaginons seulement qu'il ne s'agit même pas d'une forme négative. C'est moins que ça. Il peut être considéré comme une forme cachée. Et rappelez-vous que la fermeture est l'un des principes de Gestalt qui peut rendre les conceptions intéressantes. Encore une fois, nous comptons sur notre spectateur pour imaginer ces détails manquants et relier les éléments qu'il voit. Les formes et les formes peuvent être classées comme étant organiques ou géométriques, parfois aussi appelées inorganiques. Et dans cette composition, nous pouvons voir un excellent jumelage de la forme S et des forums. Nous avons donc ici ce cercle, qui est une forme, puis nous avons ces formes liquides tridimensionnelles. Et alors que le cercle en arrière-plan est de forme géométrique, ce liquide au premier plan est une forme organique. Tout peut être considéré comme organique, c' est-à-dire plus qu'une simple combinaison de formes géométriques simples ou géométriques. Mais un autre attribut très commun que nous associerions formes et formes organiques est que leur contour est principalement constitué de courbes. Et même s'ils ont des coins, ils sont généralement arrondis. Nous avons ici un autre bel exemple de combinaison de formes géométriques et organiques. Ces cercles et les lignes, toutes des formes géométriques. Ici, nous avons une forme organique. Il s'agit également d'une forme organique. Encore une fois, même s'il n'a pas de contour, nous considérerions cela comme une seule forme. Et puis il y a aussi une autre forme organique ici en haut à gauche, équilibre bien ce que nous avons ici à droite et contribuant également à créer cette composition diagonale. Maintenant, même quand nous regardons des photographies comme dans ce cas, cette dame ici ou les fleurs derrière elle. Nous pouvons également considérer ces formes organiques. Par conséquent, ces termes s'appliquent toujours même lorsque nous pensons en trois dimensions. 9. Primitifs ou composés: Une autre façon importante de classer les formes est que , qu' il s'agisse de primitives ou de formes géométriques simples , encore une fois, des cercles, des triangles, des carrés ou des formes composées de plusieurs formes fusionnent ensemble. Ainsi, dans le cas de cette affiche, par exemple, nous voyons beaucoup de triangles les uns sur les autres, mais ceux-ci seraient considérés individuellement comme des primitifs ou des formes simples. Alors que la topographie et les lettres peuvent déjà être considérées individuellement comme des formes composées. Par exemple, la lettre e peut être composée de quatre rectangles, 123 et quatre. Vous pouvez donc imaginer ceci et toutes les autres lettres formées à partir de formes simples. Et il existe d'excellents exemples conception de logo où vous pouvez créer des formes composées intéressantes simplement en les sous-entendant, en plaçant quelques formes simples ou primitives l'une à côté de l'autre. . Dans ce cas, ces rectangles sont affichés en symétrie radiale et ils forment un espace négatif intéressant qui est en train de devenir une autre forme, cette étoile, qui par défaut serait considéré comme une forme composée. Voici un autre exemple plus tridimensionnel grâce à ces dégradés et à l'ombrage. Mais si vous considérez simplement que c'est une ligne simple et épaisse qui a été tordue et pliée en elle-même. Une fois de plus, nous avions à l'origine une forme simple qui a ensuite créé une forme composée à la fin ou une forme composée, si nous considérons cela comme tridimensionnel. Et voici un autre excellent exemple de logo. Eh bien, nous pouvons constater que même au sein d'un objet individuel, nous pouvons faire une transition harmonieuse entre une forme géométrique et une forme organique. Nous pouvons donc considérer qu'il s'agit d'une sphère si nous imaginons qu'elle soit fermée. Mais nous pouvons également voir cette spirale liquide qui continue monter et de s'enrouler autour de cette sphère invisible. Ainsi, vous pouvez déjà voir le motif selon lequel les intérêts visuels peuvent être atteints, généralement en combinant des choses contrastées, qu' il s'agisse de formes négatives et positives, de formes organiques et géométriques, ou des formes simples et composées. Et un autre terme qui mérite d'être rappelé, surtout si vous êtes intéressé par la conception d'icônes, est les formes abstraites, qui, encore une fois, une forme de formes composées. Ou plus précisément pour créer une représentation simplifiée de formes ou de formes réelles et de symboles tels que ces panneaux de salle de bains sont des exemples parfaits de formes abstraites. Ainsi, même s' ils sont extrêmement simplifiés par rapport à ce qu'ils représentent, ils peuvent être reconnus par le sceau. Et l'avantage de ce processus de simplification est qu' ils deviennent beaucoup plus universels. Nous ne pouvons donc nous associer qu' aux genres de ces deux personnages, mais nous ne pouvons pas voir leur âge, leur origine ethnique ou aucun autre attribut. Enfin, il est important de mentionner qu'il existe réellement une psychologie des formes. Toutes les formes primitives ont donc associé des sentiments qui leur sont liés. Et le meilleur exemple pour comprendre cela est de penser à l'envers du film de Pixar, où tous les personnages ont traits et des personnalités très distincts. Mais lorsque vous regardez leur design, vous pouvez voir qu'ils sont également composés des formes au-dessus d'eux. Donc la colère ressemble presque à un simple carré, alors que la tristesse ressemble à un cercle ou à une ellipse, dégoût est des sous-verres probablement à un triangle, principalement en raison de la jupe qu'elle porte. Alors que la joie et la peur sont composées formes et d'associations un peu plus complexes. Cela ressemble donc plutôt à un point d'interrogation. On peut donc voir cette forme antérieure, à la fois dans son corps mais même sur ses cheveux. Nous avons ce genre de point d' interrogation, de forme. Et la joie ressemble généralement à l'histoire, surtout quand elle étale ses bras et ses jambes, étant excitée tout le temps. Sur ce tableau, j'ai une liste des attributs ou traits les plus couramment associés auxquels nous penserions lorsque nous examinons des primitives spécifiques. Et vous pouvez voir qu'il y a même une grande différence entre voir des lignes horizontales et verticales. Alors qu'une ligne horizontale peut signifier un déplacement dans le temps, une ligne verticale semble plus stable ou statique, ce qui peut signifier un engagement. Par exemple, les cercles et les formes rondes ont généralement une ambiance émotionnelle positive pour eux, et c'est pourquoi ils sont si couramment utilisés dans les illustrations pour enfants. Une fois de plus, nous pouvons voir même à partir de ces formes très simples, que nous pouvons encore reconnaître ces animaux. Et nous avons également ce bel exemple de baleine formée au sein d'un cercle. Dans ce cas, ces formes rondes contribuent à rendre tout plus mignon, amical ou accueillant. Et même avec la typographie, vous pouvez utiliser ces connotations ou associations aux traits que j'ai mentionnés précédemment. Dans ce cas, les longues lignes verticales et l'angle aigu ici en bas rendent cette composition assez spectaculaire. Et cette forme peut symboliser la force, la puissance ou la bravoure. Par cette conception, entièrement composée de typographie, se sent beaucoup plus solide, statique et équilibré, principalement grâce au fait qu' il forme un carré parfait, mais aussi les coins arrondis subtils aident à rend cela un peu plus accessible par rapport à la conception précédente. Et une dernière chose que je voulais mentionner, c'est que vous pouvez également utiliser la juxtaposition lorsque vous montrez certains objets que nous connaissons d'une manière complètement différente, comme ce crâne ou la balle de golf s'est transformée en cube ou en carré. La création de versions inhabituelles objets familiers peut toujours créer une grande valeur de choc, ce qui attirera certainement l'attention de vos spectateurs. 10. Texture: Il est facile de négliger la texture comme élément de design. Cependant, lorsqu'il est utilisé intelligemment dans les compositions, il peut créer du contraste et de la profondeur et même évoquer les émotions de nos spectateurs. Maintenant, comme tout le reste du design, vous ne devriez jamais utiliser de texture uniquement pour le bien. Il doit toujours renforcer et soutenir le message de votre composition car nous ne sommes pas utilisés correctement, les textures peuvent facilement devenir distrayantes. Ce que j'aime vraiment les textures et la raison pour laquelle j'aime les utiliser dans mon travail, c'est que normalement nous ne pouvons compter que sur la vision de nos téléspectateurs. Les gens regardent donc le design que nous créons. C'est le seul sentiment qu'ils utilisent. Cependant, une fois que vous introduisez la texture, qu'elle soit physique ou virtuelle, vous compterez sur leur sensation de toucher. Et dans la vraie vie, nous ne pouvons maintenant sentir les choses qu'avec nos mains, mais tout ce qui touche notre peau, nous réagirons à cette sensation est incroyablement sensible. Vous pouvez même sentir qu' un seul poil tombe sur votre main, par exemple. Ainsi, même lorsque vous ne faites que montrer ou impliquer des textures dans vos compositions, expérience passée de votre spectateur interaction avec ces textures sera rappelée. Et leur expérience visuelle en regardant votre design sera enrichie de la sensation de toucher qu'ils imaginent dans leur tête. Maintenant, j'ai mentionné qu' en graphisme, les textures peuvent également être tactiles et physiques et ne sont que virtuelles. C'est donc quelque chose qu'ils peuvent réellement vivre et toucher. Un bon exemple de cela, une technique d'impression spéciale est un patron. Et le boss lorsque certains détails tels que la topographie sont pressés dans le papier ou poinçonnés. Et cela peut même être combiné avec encres spéciales utilisées sur les mêmes zones, ce qui peut encore augmenter le contraste comme dans cet exemple où nous avons le carton brut à côté de ceux-ci divorcés ou pressés typographie couverte par cette encre métallique spéciale dans le thème de la conception d'impression, nous parlerons beaucoup plus de ces techniques d'impression et de diverses autres techniques d'impression qui peuvent aider à améliorer votre composition et attrayant par rapport aux textures tactiles et physiques pour lesquelles nous devons nous appuyer sur ces techniques d'impression spéciales. Vous pouvez également utiliser des textures numériques où vous sous-entendez simplement certains matériaux. Cela ressemble encore une fois à impliquer profondeur avec toutes les techniques que nous avons déjà abordées. Et certaines textures comme ce rideau en plastique peuvent également ajouter de la profondeur à la composition. Chaque fois que vous décidez d' utiliser une texture dans votre composition, vous devez toujours penser à ses qualités. Dans ce cas, la texture est très réfléchissante et elle va capter toutes les lumières de l'environnement. Et cela fonctionne incroyablement bien dans ce cas, parce que nous pouvons voir cette lumière violette réfléchie qui , autrement, ne sera pas visible parce qu'il n' y a rien d'autre en arrière-plan qui pourrait autrement indiqué. Il est très courant pour les publicités, en particulier pour les boissons et les jus, que nous voyions une forme de liquide également utilisée comme texture dans la composition. Comme ici, nous avons toutes ces belles petites gouttes à côté des tranches d'oranges. Et dans ce cas, non seulement les gouttes peuvent être considérées comme des textures, mais même les oranges elles-mêmes. Et dans ces cas, en plus de la sensation de vision et de toucher, nous déclenchons également la sensation de goût. Ainsi, montrer de délicieux plats ou même des ingrédients d'une boisson est toujours un excellent moyen d'attirer attention de vos spectateurs et de les rendre assoiffés ou affamés. 11. Liquides: Ici, nous pouvons voir quelques textures virtuelles vraiment sympas appliquées à la topographie. La plupart d'entre eux simulent des liquides. Comme dans ce cas, nous avons une représentation bidimensionnelle du liquide. Ici, nous avons un rendu 3D montrant cette forme organique abstraite d'une sorte de liquide. On dirait plutôt de l'huile. Ensuite, nous avons ici un autre lettrage numérique cool à la main, qui simule la peinture goutte à goutte. Et très semblable à cela, cette composition qui dit « sale » est une combinaison très cool de quelque chose qui est complètement numérique, c' est-à-dire le lettrage à la main, mais combiné avec un réel d'une main qui se salit, rend l'ensemble de la composition beaucoup plus puissante et percutante. Les rendus 3D sont également couramment utilisés pour introduire des textures dans le travail, vous pouvez trouver des tas d'exemples différents de cela, comme ce poil et pour cent ici à droite, qui a l' air si doux et vous Je veux couper la laisse comme un ours en peluche. Et encore une fois, pour augmenter les intérêts visuels, vous pouvez toujours combiner des textures complètement différentes et contrastées, comme ici nous avons cette texture très douce sur l'un des forums. Par l'autre, l'un semble beaucoup plus net, plus rigide et plus froid. Voici une autre composition intéressante qui montre que vous n'avez même pas besoin d' introduire deux textures différentes pour créer un contraste. Parce qu'en appliquant la texture uniquement sur une section, dans ce cas, 1,5 de la composition, nous avons immédiatement créé un grand contraste entre les deux côtés. Et comme nous avons une topographie sur cette affiche, il convient également de mentionner que même du texte forme une texture dans votre travail, ce à quoi vous ne penseriez pas normalement parce que tout le monde est de lire la taxe qui est placée dans une composition. Mais lorsque les textes sont déformés ou même tournés de 90 degrés comme ici, il est plus facile de se concentrer sur la qualité texturale du texte, qui repose principalement sur la police de caractères que vous utilisez dans votre travail. Et aussi des éléments tels que le suivi ou l'espacement des lettres, l'interligne ou l'interligne, et bien sûr, la couleur, échelle et même la position du texte dans la composition. Dans ce cas particulier, je pense que le designer a choisi intentionnellement cette police de caractères audacieuse et volumineuse, qui tourne à 90 degrés sur le côté, se lit toujours parfaitement en allemand, la langue que c'est le cadre. Cependant, en raison de son épaisseur et de son orientation, il peut également nous rappeler des caractères japonais écrits verticalement plutôt qu' horizontalement. J'ai juste essayé de plisser les yeux et vous pourrez probablement imaginer les personnages japonais. La texture virtuelle est également très couramment utilisée dans illustration numérique pour simuler supports traditionnels tels que la peinture ou les crayons sur toile. Par exemple, nous pouvons voir ici une illustration sans texture. Et puis une fois que nous introduisons la texture devient beaucoup plus intéressante et semble plus naturelle. Il peut contribuer à réduire la rigidité et structure des illustrations vectorielles. Voici un autre bel exemple d'illustration qui repose fortement sur des textures. Et j'adore le fait que la zone centrale devienne le point focal, non seulement en la plaçant dans une couleur contrastée avec l'environnement, mais aussi en n'ayant aucune texture dessus. Donc, même si nous voyons de la texture tout autour, cette partie centrale est complètement propre. Et même si les textures sont complètement virtuelles et que tout est en format numérique, cela nous donne toujours la même sensation lorsque nous touchons différentes textures dans un format imprimé. Enfin, il convient également de mentionner un autre terme utile que vous pourriez entendre, surtout si vous vous intéressez à la conception Web ou à la conception UX. C'est le skeuomorphisme , une technique utilisée pour simuler des objets réels. Il y a eu une grande tendance où toutes les icônes ont été créées avec cela. Et ici, nous pouvons voir une comparaison des anciennes icônes utilisant le skeuomorphisme hors de chacune. Les plus réalistes sont probablement les nœuds et la nouvelle norme, qui ont tous deux montré ces objets en 3D, même s'ils sont restreints dans ce petit format carré. Mais plus important encore, ils impliquaient également des textures des objets originaux. Dans ce cas, le papier ici est le vote dont la bibliothèque est faite et la comparer à cette direction complètement différente est le design plat où tous ces détails skeuomorphes sont supprimés. Les tendances du graphisme vont et viennent comme dans la mode. Vous ne devriez donc pas ignorer quelque chose simplement parce qu' actuellement n'est pas utilisé ou n'est pas à la mode. Et la plupart du temps, quand quelque chose se sent dépassé, finira par revenir et redevenir tendance, peut-être avec la combinaison d'un autre style. 12. La perspective: Perspective est un terme que vous entendiez la plupart du temps mentionné dans le contexte de l'architecture, du dessin, de l'illustration ou de la photographie. Cependant, il joue également un rôle très crucial dans la conception graphique. C'est également un moyen de simuler la profondeur que nous connaissons dans la vie réelle dans nos compositions. Mais cela peut également ajouter beaucoup de dynamisme et élan à nos conceptions pour comprendre la perspective. Tout d'abord, nous devons comprendre le terme « point de fuite », qui est un point dans l'espace. Toutes les lignes parallèles en retrait semblent converger. Donc, pour donner un sens à cela, dans le cas de cette première composition ici, l'affiche du blâme, nous aurions un point de fuite quelque part ici, près de ce point focal de la composition dans laquelle les hommes se tiennent debout La porte. Mais l'important ici, c'est que si nous connectons ces deux lignes qui sont censées être parallèles l'une à l'autre, où qu'elles se rencontrent, quelque part au loin, ce sera un point de fuite. Maintenant, lorsque vous utilisez la perspective dans vos conceptions, vous pouvez décider du nombre de points de fuite vous ne voudriez pas utiliser. Un seul point de fuite suffit déjà à rendre les choses réalistes. Dans le cas de ces photographies ici sur le côté gauche, vous verrez principalement le point de fuite au milieu, mais toutes les lignes parallèles reculées convergent vers. Nous pouvons donc voir toutes ces lignes pointant là. Ainsi, ceux de droite et même les arbres ont l' impression de pointer tous vers la même position. La même chose que nous pouvons voir ici, un point de fuite évident ou aligné sur l'horizon. Mais même lorsque nous regardons les gratte-ciel, nous pourrons trouver ce point de fuite une fois de plus, toutes ces lignes parallèles convergeraient vers. Et enfin, une autre photographie où encore une fois, vous pourrez trouver très facilement le point de fuite de cette perspective à un point pour vous aider à imaginer comment fonctionnent les points de fuite, voici quelques exemples simples. Tout d'abord, nous pouvons voir la perspective à un point, encore une fois, le point de fuite étant au milieu, suivi de la perspective à deux points, où nous avons un point de fuite sur le à gauche et un autre à droite. Par conséquent, comparé à la perspective à un point, où les lignes horizontales étaient encore complètement droites. Ici, les lignes parallèles horizontales commencent également à reculer dans l'espace dans les deux sens. Mais remarquez à quel point les lignes verticales sont toujours droites. Cependant, une fois que nous avons introduit un troisième point de fuite, comme dans ce cas, nous en avons deux, puis il y en a le troisième. Même les lignes verticales commenceront à reculer et à converger dans l'espace. L'utilisation d'une perspective à trois points est un excellent moyen de mettre l'accent sur la hauteur. Et selon que vous placez votre troisième point de fuite sous le niveau de l'horizon ou au-dessus, vous pourrez créer un point de vue complètement différent ici, lorsque le troisième point de fuite est placé au-dessus de la ligne d'horizon, nous obtiendrions la vue de la grenouille lorsque nous regardons vers les choses. Et même s'il ne s'agit pas d'objets totaux, si vous avez les points de fuite les uns des autres, vous obtiendrez une distorsion extrême, qui pourrait faire paraître les choses beaucoup plus grandes que ce qu'elles ont réellement sont. Et d'un autre côté, si vous placez votre troisième point de fuite sous la ligne d'horizon, vous obtiendrez une vue d'oiseau lorsque vous regardez les choses en bas, cela peut être utilisé si vous le souhaitez affichez beaucoup de choses et vous voulez vous assurer qu'elles s' intègrent toutes dans votre composition. Et c'est probablement le meilleur type de vue en perspective, qui peut couvrir la plus grande distance au sein d'une composition. Maintenant, si vous voulez rendre les choses encore plus compliquées, vous pouvez même aller au-delà de trois points de fuite au sein d'une composition telle que ce dessin utilise en fait une vue en perspective à cinq points, où nous avons les quatre points de fuite ici sur les bords de cette sphère. Et puis le cinquième serait ici au milieu. Et si vous voulez voir ces perspectives plus complexes en action, je vous recommande vivement de découvrir le travail de l' artiste coréenne surprenante Kim UMG. Ici, vous pouvez voir deux de ses dessins incroyablement complexes. Et ce qui est incroyable chez lui, c' est qu'il les tire complètement de son imagination et sans croquis. Il a donc tout prévu dans sa tête quand il a commencé à dessiner. Et la plupart du temps, il est en train de dessiner avec de l'encre. Il ne s'agit donc même pas d' utiliser une gomme à effacer. 13. Lignes de disparition: Mais comme ce cours porte sur le design graphique, revenons à quelques exemples très créatifs de la perspective utilisée à nouveau. Comme avec cette affiche du Tour de France, nous pouvons clairement voir ces lignes parallèles. Dans ce cas, il s'agit en fait de lignes de mouvement exagérées. On peut voir ici, ce qui met vraiment l'accent sur la vitesse et la puissance du cycliste. Et ce qui est génial dans cette composition, c' est que le point de fuite se trouve à proximité de ces monuments, la Tour Eiffel et l'Arc de Triomphe. Sur ce tableau, vous trouverez de nombreux autres excellents exemples où perspective est principalement utilisée pour mettre l'accent sur le mouvement et la vitesse. Comme pour l' affiche des voitures, une fois de plus, nous avons une distorsion très extrême, amplifiée par le fait que la voiture est si proche de nous. Et lorsque nous atteindrons la hiérarchie des sujets, nous parlerons beaucoup de domination et d'accent. Il s'agit en fait d'un parfait exemple de position dominante dans une composition où la caractéristique dominante est le pneu et les vues en perspective, en particulier lorsque les points de fuite sont proches. peuvent entraîner ces distorsions extrêmes qui peuvent aider à insérer plus d'informations dans une composition et mettre en évidence des détails spécifiques comme celui-ci. La même chose que nous pouvons voir ici sur cette affiche. Mais en plus d'avoir le point de fuite, encore une fois, dans un point focal fort où se trouve le soleil, toutes ces lignes de mouvement amplifient l'effet de la perspective. Et en plaçant ce détail sur le handicap de ce personnage si près de nous dans cette distorsion extrême, il est beaucoup plus grand qu' il n'apparaîtrait normalement lorsqu' une distorsion forte comme celle-ci est utilisée. . Il est également important d'apprendre un autre terme appelé « eshortening », qui explique les différences proportions et nous aide à comprendre ce que nous envisageons. Vous n'avez pas toujours besoin de vous fier à des illustrations. Si vous souhaitez introduire la perspective dans vos compositions. Vous pouvez voir ici quelques exemples où c'est principalement la topographie qui crée la perspective, comme dans cette affiche, nous avons ces simples textes de contour en 3D utilisant une perspective à deux points. Et parce que nous voyons ces personnages d'en bas, cela signifie que la ligne d'horizon doit se trouver quelque part en dessous d'eux. Et ensuite, une autre technique utilisée ici qui peut également rendre des compositions comme celle-ci plus intéressantes est qu'en réalité la ligne d'horizon est probablement sur un angle. Je dirais quelque chose comme ça. Et la façon dont je peux le dire, c'est que les lignes verticales censées être droites sont également inclinées. Je ne suis pas sûr à 100 %, mais il y a peut-être même un troisième point de fuite ici. Donc, si nous devions relier toutes ces lignes verticales, et si elles semblent reculer dans l'espace, nous pourrions trouver un troisième point de fuite quelque part ici, qui encore une fois, comme vous vous en souvenez, peut aider à rendre les choses beaucoup plus grandes que l'art, surtout sous cet angle, les regardant d'en bas, nous parlerons davantage de points de vue une fois que nous aurons atteint le sujet de l'équilibre. Mais pour l'instant, jetons un coup d'œil à quelques autres exemples comme celui-ci. Encore une fois, s'appuyant principalement sur la typographie pour obtenir une perspective ou cette mise en page avec le texte amplifié utilisant une distorsion extrême. Et même dans la conception de logo, perspective peut être utilisée comme avec celle-ci, l'image des constructions. Et j'adore à quel point ce design est intelligent. Parce que non seulement nous pouvons voir qu'il y a ces cubes en perspective et qu'ils ont encore un point de fuite quelque part ici dans l'espace. Mais il repose également sur le principe de conception de la fermeture car ces détails ne sont pas connectés. C'est seulement notre esprit qui relie les détails manquants. Mais plus important encore, et ce qui rend cela vraiment intelligent, c'est que nous obtenons également ces chiffres ici. Numéro un, c'est ce qui le relie à la marque réelle, les constructions. Maintenant, alors que la perspective peut nous aider à simuler un espace tridimensionnel, les vues axonométriques sont considérées comme des éléments plus similaires à 2,5 dimensions. C'est quelque chose qui n'est pas complètement naturel. Ce n'est pas quelque chose que vous verriez dans la vraie vie, mais nous comprenons toujours qu'elles représentent la hauteur, la largeur et la profondeur, encore plus faciles que les compositions utilisant la perspective, vous pouvez penser à l' axonométrique projections en tant que version simplifiée de la perspective. Et ce qui rend ces points de vue uniques, c'est qu' il n'y a aucune distorsion. n'y a donc pas de lignes en retrait ni de points de fuite, ce qui signifie que les objets lorsqu'ils s'éloignent dans l'espace ne deviennent pas plus petits. Voici donc un bon exemple de projection axonométrique où les quatre lettres ont exactement la même taille, même si l' on a l'impression que T est le plus éloigné de nous, il est toujours exactement de la même taille comme la lettre E au recto. Et c'est en fait la projection axonométrique la plus courante. Ce que nous appelons la vue isométrique, où les angles pour montrer les trois côtés, gauche, droite et haut sont égaux. Voici donc une simple comparaison des différents types de projections axonométriques. Et celui-ci est isométrique où, comme vous pouvez le voir ici, est l'angle de 30 degrés utilisé pour montrer le côté gauche de l'objet. Et cet angle serait égal, ce serait encore 30 degrés. Mais pour les vues isométriques, vous devez également vous assurer que la même longueur verticalement sera égale aux deux autres côtés du cube. Donc, tous les côtés auront exactement la même longueur par rapport à cela. En vue diamétrique, la hauteur ne sera pas la même. Il y a donc déjà une distorsion subtile, mais il n'y a toujours pas de lignes en retrait. Cela n' introduit donc pas de perspective, il change simplement le point de vue de la projection. Enfin, dans les projections trigométriques et axonométriques, tous les côtés du cube auraient une longueur légèrement différente. Par conséquent, cette arête n'est pas égale à l'arête verticale, et elle n'est pas égale à l'arête du côté droit. Voici un autre exemple de comparaison des trois options de projection axonométriques que vous pouvez utiliser, dont la plus courante doit être la vue isométrique. C'est ce que vous verriez la plupart du temps dans la conception graphique et l'illustration. L'un de mes exemples préférés pour la vue isométrique est le jeu mobile appelé Monument Valley. Il y en a deux au moment de l' enregistrement de cette vidéo. Et la raison pour laquelle j'aime ce jeu parce qu'il affiche et utilise l'étrange illusion d'optique qu'une ligne que nous sentons connectée comme cette plate-forme ici, elle commence par être au fond de cette tour. Mais à la fin, sans réellement montrer augmentation de l' altitude ou de la hauteur, elle finit par se connecter au centre de la tour. Donc, il parvient en quelque sorte à monter autant, encore une fois sans montrer de changements de hauteur, même ce petit détail ici, cette colonne semble reposer sur cette plateforme, mais ce personnage dans le le jeu peut réellement le traverser et marcher dessus de ce côté-là. Même si logiquement, ce point devrait être beaucoup plus élevé que cette plateforme. Voici une autre illustration intéressante qui joue avec cette étrange sensation optique que nous ressentons lorsque nous regardons des illustrations isométriques. Donc, dans ce cas, nous avons deux lettres placées l'une sur l'autre, vous et P, ce qui représente la hauteur. Et même s'il n'y a aucune indication d'espace, nous aurions normalement l'impression que ce détail est plus proche de nous. Celui-là en haut. Mais en ayant ces lettres et ces lignes de connexion, nous pouvons comprendre qu'elles sont réellement au-dessus les unes des autres. Mais tout comme pour la perspective, lorsque vous souhaitez utiliser isométriques ou d'autres vues axonométriques, vous n'avez pas à vous fier aux illustrations. Vous pouvez également recréer la même expérience simplement en vous appuyant sur la typographie. Et cette affiche est un excellent exemple, mais vous en trouverez également d'autres sur ce tableau, comme celle-ci ici, également une autre affiche à droite, et même celle-ci où une chronologie avec ses légendes sont créées dans une projection isométrique. 14. Lignes de tête: Et coopérer des lignes de pointe dans votre composition peut être un autre excellent moyen d' aider vos spectateurs et d'orienter leurs yeux vers certaines parties de votre conception. La meilleure façon de les utiliser est de les faire pointer vers un point focal dans la composition ou d' indiquer une direction ou un mouvement spécifique. Au début, vous pourriez penser que les lignes directrices et la perspective sont la même chose, mais en fait, elles sont très différentes parce que vous pouvez utiliser des lignes de pointe même sans perspective. Voici donc un excellent exemple. Cette affiche rétro de New York présente toutes ces lignes colorées indiquant une direction de gauche à droite, principalement parce que nous ne pouvons pas voir où elles commencent ici sur le côté gauche, mais nous pouvons voir cette fin pointes sur la droite. Et l'illustrateur ou le designer introduisant ces lignes dans la composition a réalisé plusieurs choses différentes. Tout d'abord, il est utile de se concentrer sur la Statue de la Liberté car toutes ces lignes pointent vers cette partie du dessin, mais elles sont également utilisées pour établir la profondeur, comme certaines de ces lignes, comme vous pouvez le constater, se présentent devant le Chrysler Building au premier plan. Bio, certaines lignes vont derrière ça. Et la même chose se produit ici avec la Statue de la Liberté. Encore une fois, nous avons une ligne qui passe derrière elle et une autre ligne devant elle. La variation de la profondeur de ces lignes, mais aussi la variation de leur épaisseur et de leur couleur contribuent également à ajouter un rythme visuel dans la composition. Et le rythme est un principe très important dont nous discutons beaucoup plus en détail sur le sujet de l' unité et de l'harmonie. Voici une autre illustration qui montre que nous n'avons pas vraiment besoin de perspective pour que les lignes directrices fonctionnent. Dans ce cas, le point de vue est placé au-dessus de ces coureurs et ces lignes diagonales qui représentent la piste sur laquelle ils courent peuvent être considérées comme des lignes de pointe, aidant à nouveau. pour établir le mouvement vers l'avant des athlètes. Maintenant, bien sûr, il n'est pas nécessaire d'éviter la perspective. Si vous souhaitez créer ou introduire lignes de pointe dans votre composition, ils veulent de l'argent. Ils peuvent vraiment bien travailler main dans la main. Dans ce cas, je considérerais que les courbes de la plage sont les premières lignes. Et ils créent évidemment ce grand sens de la perspective car ils se rapprochent tous les uns des autres ici au loin. Et ces lignes nous aident également à attirer notre attention sur ce point focal ici, qui est l'avion sur cette brillante affiche du film Dune sorti en 2021. Nous avons également une courbe très forte, la pointe de ce mois de juin dans le monde désertique des Irakiens qui relie le titre et ce personnage ici en bas. Mais ce qui est étonnant dans cette composition, c' est que la même courbe que nous voyons ici forme également une section de quelque chose que nous pouvons imaginer être une planète. Et comme il s'agit d'une histoire de science-fiction qui se déroule à l'avenir, dans l'espace, les planètes jouent un rôle énorme. Mais en plus de cela, elle peut également être considérée comme la première lettre du mot juin. Et j'admire vraiment le designer qui a créé cette composition parce qu' il y a tellement de significations cachées dans ce design extrêmement simpliste. C'est un excellent exemple de la règle moins c'est plus en action, mais elle montre également la puissance et la force de la simplicité. Principe Gestalt. En allant de l'avant, voici une autre illustration brillante où les lignes principales sont en fait indiquées par la lumière et l'ombre. Il peut être difficile de le remarquer à cette taille. Mais il y a un personnage ici au fond où le cheval et mène aussi un autre cheval. Et même si ces personnages sont minuscules, grâce aux lignes principales, presque tout le monde finira par les remarquer. Et les lignes principales dans ce cas, comme je l'ai dit, sont créées par la lumière et l'ombre. Ces lignes, ainsi que ces lignes, sont toutes pointées vers le bas autour cette section où nous avons les personnages. Et ce qui rend cette illustration encore plus intéressante, c'est qu' au lieu de n'avoir que des lignes parallèles utilisées comme lignes de départ, elles se forment presque comme des flèches. Nous pouvons donc voir le bout de cette flèche ici et il y a les deux côtés de celle-ci. Et la même chose ici. Encore une fois, ça ressemble à une flèche pour moi. Ce n'est donc qu'un autre exemple magistral de la façon dont vous pouvez utiliser les lignes de pointe pour attirer l'attention de vos spectateurs sur les détails importants de votre composition. 15. Espace négatif: Si vous êtes intéressé par la conception graphique à terme, fort probable que vous ayez déjà rencontré des espaces négatifs ou des espaces blancs. Dans cette vidéo, je vais vous montrer de nombreux exemples expliquant pourquoi il est si important d'utiliser et d'utiliser espace négatif dans vos compositions. Et nous apprendrons différentes façons de l'utiliser, que ce soit pour créer un certain type d' esthétique ou d'humeur, ou pour ajouter des significations cachées à vos créations. Alors tout d'abord, pourquoi s' appelle-t-on l'espace négatif ? La raison en est que tous les éléments que nous mettons dans nos compositions occupent un espace positif, de sorte les espaces vides environnants peuvent être considérés comme négatifs. Maintenant, vous avez probablement deviné que l'espace négatif peut être tout aussi important que l' espace positif de vos compositions. Et trouver un équilibre entre ces deux éléments est une tâche essentielle et cruciale pour chaque graphiste, la meilleure façon de se souvenir l'importance et de la relation entre ces deux types d'espaces dans vos compositions, c'est penser à la respiration. Quelque chose que nous devons tous faire constamment tout au long de notre vie, la plupart du temps, même sans y penser. Et vous penseriez que la respiration est l'élément important de ce processus. Cependant, sans avoir préalablement nettoyé vos poumons et respirer, vous ne pourrez jamais respirer. Vous pouvez donc considérer l'espace positif dans conception graphique comme l'élevage en partie, et l'espace négatif comme étant le souffle. L'un ne peut exister sans l'autre. Et cela doit également être un bon équilibre entre respiration et l'extérieur ou l'espace positif et négatif. Et vous pouvez trouver beaucoup d'autres analogies qui permettent de comprendre comment fonctionne cette relation. Comme dans la musique, par exemple, sans faire de pause ou de pause entre les sons, nous ne pourrons pas profiter de la musique car elle finira par être un bruit constant. Et même dans la musique pop, partie la plus percutante d' une chanson est généralement juste après une pause plus longue, et généralement cela se produit juste avant le refrain, la partie répétée de la chanson revient. Vous pouvez voir que la pause dans la musique ou l'espace négatif dans design est réservé aux détails les plus importants ou les plus percutants. conséquent, si vous regardez cette conception par exemple, nous pouvons constater que ces espaces seraient considérés comme des espaces positifs. Et aussi évidemment toute la typographie que l'on peut voir ici au milieu, également en haut, et aussi ici en bas. Mais déjà entre eux, nous avons un espace négatif ici et ici. Mais les plus remarquables sont ces zones plus vastes où, encore une fois, nous n'avons rien, juste un fond blanc. Et plus précisément dans les imprimés où le papier est blanc, nous appelons cela des espaces blancs. Il existe également un moyen utile de catégoriser l'espace négatif. Vous pouvez l'utiliser au niveau micro ou macro. Dans ce cas, ces zones plus grandes seraient des espaces macro négatifs, tandis que les espaces plus petits entre les lettres, par exemple dans la topographie, seraient considérés comme des espaces micro négatifs. espaces entre les caractères peuvent également être considérés comme des espaces négatifs passifs, tandis que les espaces que vous laissez intentionnellement vides, comme toutes ces grandes zones, vous pouvez considérer les espaces négatifs actifs. Et dans la plupart des compositions, vous aurez toujours une combinaison d'espaces négatifs micro et macro ou passifs et actifs. Puisque nous parlons de musique, voici un excellent exemple de festival de musique classique où nous ne voyons aujourd'hui qu'une façon brillante d' utiliser l'espace négatif. Mais aussi un excellent exemple du principe Gestalt, qui est une méthode qui peut aider votre spectateur à voir plusieurs significations différentes dans le même design. Dans ce cas, vous pouvez donc considérer ces deux violons les sujets placés devant cette toile de fond blanche, qui entoure la toile de fond blanche, serait le terrain et la violence serait la figure. Cependant, si vous vous concentrez sur le contour ou le contour, étranger par les violons, il ressemble à un visage et surtout accentué par ce nœud papillon. Nous le regardons à partir de maintenant. Cet espace vide devient une personne et la figure dans la composition et la violence deviennent le sol ou le décor. Et la plupart du temps, si vous souhaitez utiliser la règle de base figure dans votre travail, vous devrez utiliser un espace négatif pour suggérer des significations supplémentaires. Et vous pouvez en voir de nombreux autres exemples sur ce tableau, comme l'ampoule qui forme également un pont, la fumée qui forme également le contour de la phase Sherlock Holmes. Ces deux enfants jouent au football ici. Mais entre eux, nous pouvons également voir les contours de l'Afrique, ou cette superbe affiche créée par Oilly Moss, par les falaises et les montagnes forment également le contour d'un arbre. 16. Significations cachées: Si vous souhaitez voir d'autres grands exemples d'espaces négatifs utilisés dans les illustrations, je vous recommande vivement de découvrir toutes les œuvres ou compositions de mousses du légendaire designer Paul Rand. L'espace négatif peut également être utilisé dans la conception du logo. Et je suis presque sûr que vous êtes également tombé sur cet exemple du logo FedEx où la raison de ce suivi serré ou de cet espacement étroit des lettres était de créer cette petite flèche entre le E et x. Et c'est une solution géniale pour cette entreprise, car cette flèche suggère la rapidité de livraison. Mais en plus d'utiliser un espace négatif pour obtenir ce type de sens cachés, nous pouvons aussi compter sur lui pour introduire des tensions dans notre composition ou même pour obtenir une humeur ou une esthétique spécifiques. Dans la conception éditoriale, en particulier pour les mises en page dans les magazines, vastes zones d' espace négatif aboutissent à un échec plus luxueux et sophistiqué. Et cela se résume généralement au fait que si vous avez beaucoup d'espace vide, cela signifie que vous devrez avoir plus de pages dans votre magazine, ce qui entraînerait le coût de fabrication. l'impression et même la livraison à augmenter. Voici une étude très intéressante menée par Sally Lin Meyer, qui a reconnu que plus vous avez d'espace négatif dans un magazine, plus le revenu moyen des ménages de leur lectorat est élevé . On peut donc voir ici certains des écarts simplifiés pour montrer les espaces positifs en noir et les espaces négatifs en blanc. Il est donc clair que, par exemple, le New York Times Time Magazine a beaucoup d' espace négatif par rapport au magazine ok, qui est presque complètement rempli d'espace positif à un point que le plus dans certains cas, il est probable que l'on puisse même se sentir encombré. Et pourquoi le revenu moyen des ménages du lectorat de ce magazine est d'environ 150 000$ par an. Le lectorat des magazines OK ne se rapproche que de 40 000$ par an. Ainsi, lorsque nous regardons le magazine diffusé comme celui-ci, nous pouvons immédiatement repérer la grande quantité d'espace négatif utilisé ici sur le côté droit. Et outre le sentiment de sophistication, nous pouvons également obtenir un sentiment de calme, qui met parfaitement l'accent sur le sujet de cet article, qui concerne la nature d'un lieu. L'utilisation de grandes quantités d'espace négatif dans les publicités peut également aider à attirer l'attention des spectateurs, car la même règle s'applique ici. La plupart des annonceurs aiment mettre autant d'informations que possible dans une composition. Et de façon controversée, ce sont ceux que nous ignorerions le plus probablement. Cependant, une publicité comme celle-ci dans un magazine ou la rue attirerait immédiatement notre attention. Mais assurez-vous que chaque fois que vous utilisez quantité extrême d'espace négatif comme celui-ci, il devrait toujours y avoir une raison à cela. Donc, dans ce cas, encore une fois, cela aide non seulement à attirer l'attention des gens, mais aussi à souligner la petite échelle de ce arbre de Noël, qui est un moyen parfait pour visuellement impliquent la vente de Noël. Fondamentalement, il essaie d'indiquer que la vente est si tôt que le sapin de Noël n'est encore qu'un petit arbre dans le sol. Et la façon dont le designer a assuré que nous pouvons immédiatement dire qu'il s'agit d'un petit arbre, c'est que nous avons ici un objet très reconnaissable, cette bulle rouge qui établit les proportions. Et voici une autre publicité où au lieu de l' espace négatif utilisé pour créer cette juxtaposition entre grand et petit. Ici, il est plus utilisé pour obtenir cette sensation luxueuse qui, encore fonctionne parfaitement avec le produit annoncé. Et il serait dommage de ne pas mentionner les publicités d'Apple lorsque nous parlons d'espace négatif, car c'est une marque qui l'utilise clairement dans presque tout ce qu'elle fait et innove. Ils en ont fait un élément distinctif ou un composant de leur marque. Vous pouvez donc voir qu' ils utilisent beaucoup d'espace négatif, il s'agisse d'un instantané d'une de leurs pages Web ou d'un de leurs grands panneaux publicitaires. Et c'est encore une fois, une utilisation intelligente de l'espace négatif car évidemment le produit dans ce cas est l'iPad Mini. Et la façon dont ils ont gardé tout libre ici, et l'utilisation d'une petite zone sur le côté droit indique à quel point ce produit est petit, même lorsqu'il est affiché sur un panneau publicitaire massif comme celui-ci. un. Ainsi, en utilisant cet espace négatif, ils pourraient créer ce jeu de mots visuel. Mais n'oubliez pas que c'est aussi un excellent moyen d'attirer l'attention du spectateur car nous n'avons pas habitude de voir ces panneaux d'affichage vierges, mais seulement une petite petite information cachée sur les deux côtés. 17. Proximité: La proximité est un principe de conception et également un principe gestalt qui stipule que les objets placés plus près les uns des autres se sentent plus liés que les objets plus éloignés les uns des autres. Il est très similaire à la technique du regroupement dans le design graphique, que nous aborderons plus en détail dans le domaine de l'unité et de l'harmonie, mais qui le domaine de l'unité et de l'harmonie, est à peu près plus complexe que le simple regroupement les choses ensemble. Et dans cette vidéo, nous allons regarder exemples très créatifs d'utilisation de la proximité et de jouer avec elle. En commençant par cette couverture de livre inhabituelle, qui repose uniquement sur la typographie, mais elle utilise également ces étranges espaces importants entre certaines lettres. C'est quelque chose que nous appelons crénage lorsque vous ajustez individuellement l' espacement entre les caractères et, dans ce cas, n' est pas utilisé pour créer une composition visuellement équilibrée. Au contraire, il crée davantage une valeur de choc. Et même si je n'ai pas lu le livre, je suppose que les grandes villes devraient avoir plus d'espace pour les rendre plus habitables. Mais plus important encore, cette couverture va en fait à l'encontre de la règle de proximité. Parce que pour que les mots soient lus comme un seul, nous voudrions normalement avoir les caractères proches les uns autres et avoir un espacement équilibré ou égal entre eux. Alors que les personnages censés être proches les uns des autres sont repoussés ou s'éloignent plus loin, ce qui diminue leur proximité. Et il est important de se rappeler qu'en tant que graphiste, une fois que vous avez appris et compris une règle, vous pouvez toujours la retourner et l'utiliser de la manière inverse que la plupart des gens s'attendent. De cette façon, vous pouvez être sûr que vous attirerez l' attention de vos spectateurs et ils seront intrigués de découvrir pourquoi vous vous êtes opposé à quelque chose qui serait plus naturel, plus il y a opposé à quelque chose qui serait plus naturel, plus d'informations ou les options que vous devez afficher dans vos conceptions, plus il est important d'utiliser la proximité. Dans le cas d'un site Web, par exemple, options similaires doivent être placées les unes des autres. Comme toutes les pages sont accessibles depuis la même zone. De plus, les boutons les plus importants sont placés côte à côte, mais ils sont également placés à proximité du titre principal et du slogan sur le site. Mais il y a aussi une autre utilisation très créative de la proximité en ayant ce ballon orange juste devant cette forme blanche, que nous associons immédiatement à un œuf ou à une omelette. La proximité du ballon avec cette forme était donc nécessaire pour introduire ce sens caché. De même, nous avons également ce billet très intelligent de McDonald's sur leurs réseaux sociaux. Ces deux pantoufles placées l'une à côté de l'autre forment le logo emblématique de la marque ou de cette Toyota Edward, où les trois raquettes de tennis forment ensemble le logo de la marque. Et aussi dans ces Lego Edwards, proximité joue un rôle très important dans chacun d'entre eux, les ombres indiquent l'imagination des enfants qui joueraient avec ces blocs. Ainsi, même quelques blocs simples attachés les uns aux autres peuvent déjà aider enfants à imaginer des choses comme un char, un navire ou un dinosaure. Et toutes ces compositions dépendent principalement du voisinage ou de la proximité des ombres et des blocs Lego. Et même si nous savons que ces deux choses n'appartiennent pas les unes aux autres, les placer si près l'une de l'autre nous fait quand même croire qu'elles sont connectées. J'ai aussi beaucoup aimé cette affiche de la mélodie dorée des mots car une fois de plus, nous pouvons voir la proximité utilisée de deux façons différentes. Tout d'abord, nous avons le modèle très proche de nous, et en fait avec son dos vers nous, cela donne déjà l'ambiance à cette composition et attire également notre attention. Mais il est encore amplifié par la topographie, qui, une fois de plus, n' essaie pas d'obtenir une bonne lisibilité, est plutôt utilisée pour rendre cette conception plus dynamique. La proximité de ces lettres est donc une fois de plus inhabituelle et contribue à rendre l'ensemble de la composition plus intéressante. Et juste pour rester avec des exemples typographiques, nous avons déjà vu que le crénage extrême ou l' espacement des treillis peuvent être utilisés pour mettre en valeur certaines choses dans une composition. Pour cette couverture particulière, les espaces entre les mots sont complètement supprimés et les spectateurs ont le défi de pouvoir comprendre ce qu'ils voient ici. Parce que la lisibilité en souffre énormément une fois que vous supprimez les espaces entre les mots. Ce n'est donc qu'un autre excellent exemple de la façon dont vous pouvez faire preuve de créativité dans la façon dont vous utilisez la proximité dans votre travail. 18. Conclusion: Félicitations pour avoir terminé ce cours de la série de théorie du design graphique. J'espère que vous l'avez trouvé utile et inspirant. N'oubliez pas de parcourir le glossaire des termes PDF, de revue tout ce que nous avons couvert, et si vous vous sentez prêt, au questionnaire pour tester vos connaissances. Revenez à tout moment sur les références des tableaux millénaires que nous avons utilisés dans ce cours pour vous aider à vous souvenir des choses dont nous avons parlé ou à définir inspiration pour votre prochain projet de design, veuillez nous faire savoir si vous avez senti qu'il manquait quelque chose ce cours ou si vous avez des suggestions sur la façon dont nous pouvons l'améliorer, envoyez-nous un courriel à info sur le site designer.com, et nous vous répondrons dès que possible possible. Nous apprécions vraiment votre contribution et votre aide. Il est maintenant temps pour vous de choisir votre prochain sujet et de plonger dans un autre cours de théorie de la conception graphique. N'oubliez pas qu'il n'y a pas de bon ou de mauvais ordre pour terminer cette série. Toutes les règles que nous couvrons sont tout aussi importantes et tout est lié. Mais le plus important c'est de bien comprendre ces règles et de les appliquer à vos projets. Je suis sûr que vous utiliserez ce que vous avez appris pour créer quelque chose d'incroyable. Et j'ai hâte de le voir.