Théorie de la conception graphique - Unité et harmonie

1. Introduction: Parmi tous les termes couramment utilisés dans le contexte du graphisme, l'unité et l'harmonie sont probablement les plus ambigus. Il existe de nombreuses façons d' unifier les éléments d'un design afin de créer des compositions agréables et d'obtenir de la cohérence Dans ce cours, nous apprendrons techniques les plus couramment utilisées, notamment la répétition, rythme visuel, la variété, le cadrage , les motifs de regroupement, etc. Nous analyserons également des centaines de designs incroyables issus de tous les domaines de la conception graphique pour vous aider à visualiser et à comprendre facilement tous les termes et règles abordés dans ce cours. Avec le projet de cours passionnant que j'espère que vous terminerez à la fin du cours. Vous disposez également de la feuille de travail d'analyse et du glossaire des termes pour vous aider à mettre en pratique tout ce que vous avez appris J'espère que vous êtes aussi enthousiastes que moi à l'idée de vous lancer et plonger dans l'océan de connaissances et de magnifiques exemples de conception graphique. 2. Unité et harmonie: Il est essentiel de parvenir à l'unité et à l'harmonie dans vos designs pour créer des compositions et des mises en page agréables Ces deux termes semblent très similaires et peuvent presque être considérés comme des synonymes l'un de l'autre. Cependant, il existe une différence subtile entre leurs significations. J'aime bien penser que nous parvenons à l'unité en appliquant tous les principes de conception. Et l'harmonie est quelque chose que nous atteignons en plus de l'unité en peaufinant ces principes et en décidant dans quelle mesure ou avec quelle intensité nous les appliquons à notre design. Donc, si vous voyez les choses de cette façon, vous pouvez atteindre l'unité sans harmonie. Mais on ne peut pas atteindre l'harmonie sans unité. Mais quels sont les principes dont nous avons réellement besoin pour parvenir à l'unité ? Eh bien, vous pouvez penser à presque tous les principes de l'invité et ils vous aideront à créer l'unité. L'une des évidences est la similitude et la continuité. Par exemple, avec ces trois couvertures différentes pour ces livrets, nous pouvons immédiatement constater qu' il existe une sorte de lien ou unité entre eux grâce aux éléments qui se répètent Nous avons donc la typographie placée dans la même position avec le même format et la même taille Même si les couleurs de ces lignes épaisses changent entre les trois livrets, il y a une couleur qui se répète, c'est le gris, nous pouvons voir dans chacun d'entre eux. Mais en plus de cela, ces angles de 45 degrés sont également les mêmes dans les trois compositions. Et même l'épaisseur de ces lignes est la même sur toutes. En les disposant les unes à côté des autres, on a presque l' impression que ces lignes peuvent être poursuivies d' une couverture à l'autre. Dans le cas d'une série comme celle-ci, vous souhaitez atteindre cette unité non seulement au niveau du design, mais également entre les différentes versions de housses. Dans le même temps, vous devez également vous assurer qu'il y a suffisamment de différence entre eux, ce qui peut être obtenu en incluant une sorte de contraste. Maintenant, le contraste est certainement quelque chose avec lequel vous pouvez perturber l'harmonie du design, mais une utilisation intelligente du contraste peut en fait mettre l'accent sur l'unité. Voici une autre série de compositions de l'incroyable artiste Magda Lopez Et nous pouvons voir dans son travail qu'il utilise de nombreuses manières différentes pour perturber l'harmonie de chacune de ces compositions Soit en découpant, soit en séparant les soit en recouvrant les visages de carrés Mais même lorsque ces détails perturbateurs sont introduits, ils sont toujours liés à la composition générale. Par exemple, ici, ces dégradés fonctionnent parfaitement avec les dégradés utilisés en arrière-plan et également avec les dégradés utilisés sur le Même de tels détails perturbateurs peuvent contribuer à créer l'unité et l'harmonie. Mais en voyant quelques exemples de ce projet côte à côte, nous pouvons également constater que l'ensemble de la série présente une certaine harmonie. Ainsi, même les compositions individuelles présentent des similitudes entre elles. Et cela permet d'obtenir un résultat agréable lorsqu'ils sont tous disposés les uns à côté des autres. Ainsi, pour les réseaux sociaux basés sur l'image comme Instagram, il est également important d' harmoniser les différentes publications. Ici encore, l'harmonie reposera d'abord sur les principes de conception utilisés, ainsi que sur les éléments récurrents ou les couleurs, les formes et même le traitement des images. La répétition et la cohérence sont deux grands sujets que nous aborderons beaucoup plus en détail dans les prochaines vidéos. Mais il existe également quelques méthodes intéressantes qui vous permettent d'éviter de créer résultats ennuyeux, même lorsque vous créez une seule composition ou une série de compositions comme celles-ci. Mais si vous répétez ou réutilisez constamment les mêmes éléments et le même type de composition, cela peut facilement devenir ennuyeux. Il est également important d'utiliser des éléments tels que le rythme et la variété. Encore une fois, des sujets que nous aborderons de manière beaucoup plus détaillée dans les prochaines vidéos. En regardant ce fil Instagram, nous pouvons voir, par exemple, que la couleur d'arrière-plan ou la couleur dominante de chacune de ces publications existe . Même si une palette de couleurs particulière est utilisée, vous ne verrez pas le fond jaune utilisé sur deux publications côte à côte. C'est ici, en haut. Alors le suivant est en bas. Et là encore, il semble que ce soit la couleur dominante là-bas. Il en va de même pour ce fond violet. Nous pouvons voir un exemple ici, un autre là, et nous pouvons dire qu'il est peut-être également dominant dans celui-ci. Et il en va de même pour ce fond turquoise. Nous en avons un ici, un autre là-haut et un autre là-bas. La similitude entre les deux contribue à créer une unité, mais le rythme et la variété appliqués rendent l'ensemble du flux plus dynamique et plus intéressant à regarder. N'oubliez donc pas que créer de l'harmonie ne consiste pas uniquement à ajouter de la structure à votre design. C'est plus sophistiqué que ça. Par exemple, vous pouvez créer une composition harmonieuse en utilisant l'asymétrie ou le manque de symétrie, comme sur cette série d'affiches sur le design de l'expérience utilisateur où aucune d' entre elles ne possède de ligne de symétrie centrale Et la plupart du temps, nous avions un objet beaucoup plus gros placé d' un côté et un plus petit de l'autre côté. Ces deux éléments s' équilibrent donc toujours ou créent un équilibre visuel dans la composition. Et l'unité est atteinte en utilisant une grille dans le design et en alignant les éléments les uns sur les autres. Mais aussi la cohérence et la répétition des couleurs et des formes de toutes les affiches de la série. Lorsqu'il s'agit de parvenir à l'unité avec l'illustration, c'est généralement une question de style. Ainsi, si un style distinct et très reconnaissable est appliqué à tous les détails d'une illustration, on aura l'impression que tout est en harmonie et que tout est lié ou uni. Nous avons ici quelques bons exemples, comme cette couverture de livre de cuisine, où les différents objets sont illustrés dans ce style distinct avec arêtes vives et des proportions légèrement irrégulières. va de même pour l'illustration biaisée des légumes et des fruits, où encore une fois, même si les formes sont variées et qu'il y a beaucoup de couleurs différentes, le style des dessins est le même De plus, l'unité est créée par des détails répétés ou récurrents tels que les yeux et les bouches souriantes lors de la création d'un ensemble d'icônes pour l'impression ou un projet Bien entendu, il est également très important de créer une unité, car vous voulez vous assurer qu'ils ont l'impression de faire partie de la même série. Et cela peut être réalisé une fois de plus en veillant à ce que l' épaisseur de la ligne, les couleurs et les rayons utilisés sur les coins arrondis soient cohérents les couleurs et les rayons utilisés sur les coins arrondis Même une page de journal peut retrouver son unité ou son harmonie en réutilisant ou en répétant certains attributs ou détails Ici, nous pouvons voir que la couleur verte est utilisée en combinaison avec le noir sur toute la page. Et même s'il s'agit d'articles indépendants, l'ensemble de la mise en page semble connecté et unifié. Et un autre domaine du design graphique où l'unité et l'harmonie sont toutes deux extrêmement importantes est l'image de marque , où le logo de l'entreprise et tous les autres actifs de la marque, tels que la couleur et les polices de caractères sélectionnées, doivent être utilisés de manière cohérente partout où la marque apparaît pour que les gens puissent la reconnaître, maintenant que nous savons à quel point il est important atteindre l'unité et l'harmonie dans nos designs. Dans les prochaines vidéos, nous aborderons certaines méthodes et techniques qui peuvent nous aider à les atteindre. 3. Répétition: La répétition est un moyen très simple d'apporter de l'unité à vos créations, car lorsque vous répétez les mêmes éléments encore et encore, ils auront évidemment l'impression d'être liés les uns aux autres. Mais bien sûr, il y a bien plus que l' unité que vous pouvez réaliser en utilisant la répétition. Cela peut également mettre l'accent sur les éléments répétés de votre composition, pour les mots répétés à l'écrit ou à la parole. Un bon exemple en est cette affiche du Joker, qui ressemble presque à des affiches posées les unes sur les autres et déchirées Et le détail clé est ce grand sourire bizarre qui apparaît encore et encore, légèrement décalé à chaque Ici, les éléments répétés sont légèrement chaotiques. Et cela fonctionne très bien pour ce sujet ou l'affiche représentant l'état mental du personnage principal du film. Dans ce design, une grille très stricte est utilisée pour les éléments répétés, ce qui était nécessaire pour attirer l' attention sur cette transition subtile qui se produit ici, en une grille très stricte est utilisée pour les éléments répétés, ce qui était nécessaire pour attirer l' attention sur cette transition subtile qui se produit bas, où la lettre commence à tourner, finalement devenir le logo Nescafé, dont la première lettre est la première Le petit slogan ci-dessous dit : «   Rien ne vous réveille en tant que Nescafé Le but de cette affiche est donc de montrer le temps que vous passez à dormir et comment une tasse de café vous aidera à vous réveiller. Vous pouvez constater que la répétition est une excellente méthode pour attirer l'attention des gens, car au début, il est rare de voir un détail répété tant de fois qu'il ressemble presque à une erreur. Mais nous sommes également curieux de constater les différences et de découvrir pourquoi elles ont été introduites. Interrompre quelque chose qui a été répété à de nombreuses reprises peut créer une emphase et un point focal très forts Cet Edward en est également un parfait exemple, où nous avons ici un petit objet qui a presque disparu parmi ce motif de cercles rouges. Et même si cette boule est de la même taille que les autres cercles, et même de la même couleur cause de cette ombre subtile. Et bien entendu, cette ligne blanche qui le traverse permet toujours de le séparer du reste des instances répétées. En masquant et en ne faisant qu' une subtile différence entre toutes les occurrences répétées, vous pouvez, encore une fois, créer un petit défi visuel ou un jeu pour les spectateurs, ce qui contribue toujours à rendre vos designs plus attrayants. Voici un autre surligneur très intelligent, une publicité. Comme il s'agit d'une aiguille dans une botte de foin , le mot foin est répété, et le mot aiguille est surligné, ce qui crée un point focal fort Dans cet exemple, la typographie est utilisée presque comme texture. Nous avons donc ce gros bloc de texte que nous n'avons pas vraiment besoin de lire. Il suffit de lire l'un des mots et de constater immédiatement qu' il est identique d'un bout à l'autre, grâce au fait que tout est parfaitement aligné, à l' exception, bien sûr, de seul mot, qui est l'ensemble du message ou de l'objectif de cette publicité Voici un autre exemple de répétition de la typographie, où encore une fois, même si on peut le lire, il sert également de toile de fond à ce modèle Créer ce rectangle plein et souligner que cette collection est destinée répétition printanière peut également être un excellent outil lorsque vous souhaitez montrer ou représenter l' avancement de votre conception. Comme dans cet exemple, où nous pouvons voir une personne en surpoids ou obèse et une autre personne bas de l'échelle qui est très en forme et athlétique. Et c'est l'utilisation intelligente de cette posture qui ressemble d'abord davantage à une, puis qui finit par passer à quelque chose qui ressemble plus à une posture grosse à une posture en forme. Le même résultat est obtenu dans ce design, où les lettres forment les escaliers de la scène emblématique du film Rocky. Et même si nous n' en sommes ce moment précis où il atteint cette troisième lettre dans notre esprit, nous pouvons déjà immédiatement en voir la direction et le mouvement, et l'ensemble de l' affiche devient très dynamique. Autre exemple intéressant de répétition, où la même silhouette d'une tête de femme est utilisée dans différentes couleurs superposées créer une toile de fond ou un contenant pour les principaux éléments typographiques cette mise en page Et la répétition fonctionne généralement très bien en combinaison avec le rythme. Dans ce cas, le rythme est établi en alternant entre le grand texte et le texte plus petit. Encore une fois, du gros texte, puis des textes plus petits, et encore une fois, du texte plus grand en bas. Et vous n'avez même pas besoin de plus d'allers-retours que ces quelques fois pour déjà établir ce rythme visuel dans votre composition. C'est un autre sujet que nous aborderons de manière beaucoup plus détaillée dans l'une des prochaines vidéos. 4. Cohérence: Bien que la cohérence sonne et ressemble à la répétition, elle est tout de même légèrement différente et a une signification différente dans le design graphique. Comme nous l'avons vu dans la vidéo précédente, la répétition consiste à reproduire et à créer plusieurs instances des mêmes éléments dans notre composition Notre cohérence repose davantage sur la réutilisation du même type de police, la même couleur ou même du même traitement sur les images tout au long de notre conception pour atteindre l'unité Et la cohérence devient encore plus importante une fois que votre travail commence à prendre de l'ampleur. Ainsi, par exemple, dans un magazine, vous voudriez que les numéros de page soient placés de manière cohérente numéros de page soient placés de manière et que tous les détails pieds de page et des en-têtes soient également Mais il en va de même pour les livres pour lesquels on peut s'attendre à ce que les marges soient les mêmes et , bien entendu, à la même typographie pour le corps du texte, les en-têtes et les titres des chapitres Sans cohérence, nous ne reconnaîtrions pas nos couvertures de magazines préférées dans le kiosque à journaux. Et nous pouvons voir ici deux excellents exemples du magazine Dazed and Red, qui montrent qu'ils utilisent régulièrement le titre même si la couleur change d'un numéro à l'autre Le fait qu'il s'agisse du même type de face et de la même taille, et qu'il soit également dans la même position , garantit la cohérence nécessaire. Dans le cas de Time Magazine, ce n'est pas seulement le titre qui est utilisé comme élément récurrent pour garantir la cohérence, mais aussi le cadre rouge emblématique, comme nous l' avons mentionné lorsque nous avons parlé d'unité et d'harmonie, dont les illustrations peuvent également être utilisées pour créer Bien entendu, il est essentiel que le style des illustrations soit le même. C'est pourquoi les magazines engageraient des illustrateurs pour créer toutes les illustrations nécessaires à un article spécifique Comme dans cet exemple, nous pouvons voir que non seulement les couleurs de ces illustrations sont harmonieuses et unies, mais que ces poses étranges et compressées créent ou établissent également la cohérence. En matière de design UX, certains éléments sont cohérents tout au long de notre expérience, navigation sur une application ou un site Et c'est la plupart du temps, le menu en bas et aussi le menu en haut à droite ou en haut à gauche. Mais pour garantir un apprentissage fluide aux nouveaux utilisateurs de notre application, il est également utile de placer ces éléments communs de manière cohérente dans notre conception. Nous devons donc non seulement être cohérents dans notre travail réel, mais également être cohérents par rapport aux attentes des utilisateurs en fonction de leur expérience passée avec d'autres applications. En matière de design réactif, nous devons également nous assurer cohérence entre les différentes tailles d'écran. Lorsque le visiteur consulte le site sur un ordinateur, il doit avoir une apparence et un toucher très similaires à ceux qu'il verrait sur un appareil mobile. Nous pouvons donc voir ici la version de bureau de ce site et la version mobile à côté. Encore une fois, comme avant, la cohérence est obtenue en utilisant les mêmes couleurs, les mêmes caractères typographiques et, dans ce cas, le même style que celui attendu pour les images et les boutons. La cohérence est également cruciale pour les emballages, où si vous avez des saveurs différentes , par exemple, vous devez toujours vous assurer que les utilisateurs peuvent immédiatement reconnaître qu'ils font partie de la même marque. Et même si les couleurs de ces boissons sont complètement différentes, grâce au fait que tous les autres éléments sont cohérents, il est facile de les reconnaître comme différentes saveurs d' un même produit. La cohérence jouera également un rôle crucial dans une conception de présentation réussie, où la plupart du temps, vous ne voudriez pas choquer le public avec des diapositives complètement différentes. Et en réutilisant les mêmes couleurs, polices et même la même position pour certains éléments, vous réduisez la charge cognitive des membres du public Cela signifie essentiellement qu'ils sont à l'aise car ils voient des formes, des couleurs et des dessins familiers parmi toutes les diapositives de la présentation. Et ils peuvent vraiment prêter attention et se concentrer sur le contenu réel de la présentation. Sans cohérence, les marques n'auraient pas l'air professionnelles. C'est donc crucial également pour le design d'identité et pour les réseaux sociaux, où vous avez besoin d'unité et d'harmonie entre le flux d'images. Et encore une fois, la cohérence et utilisation répétée du même type, des mêmes visages, des mêmes couleurs et des mêmes éléments vous aideront grandement à y parvenir. Et il existe un autre outil très couramment utilisé pour garantir la cohérence de la conception graphique, à l'utilisation d'une grille. Et vous pouvez voir sur cet exemple de mise en page de magazine même à cette distance, que même à cette distance, nous pouvons repérer des éléments alignés à la même position dans la composition. Cette image est donc dans le même alignement que celle ci-dessus sur une autre planche. Ou encore une fois, voici un autre alignement. Le texte présent sur cette page ou sur cette planche est donc également aligné à la même position que sur cette page. Et travailler avec des grilles dans le design est un sujet énorme et très important Nous en parlerons donc beaucoup plus en détail une fois que nous aurons abordé le sujet intitulé espace. 5. Rythme visuel: Le rythme est un autre principe qui va de pair avec la répétition. C'est très similaire, mais au lieu de répéter les choses de façon très ordonnée, généralement lorsque nous utilisons le rythme dans le design, cela signifie que nous introduisons une sorte de motif alterné au lieu d'avoir simplement une grille statique de toutes les copies d'un même objet. Lorsque nous utilisons le rythme, nous suggérons le mouvement et l'action dans nos compositions. Le rythme est un terme qui est généralement mentionné à l'origine lorsque nous parlons de musique. Mais tout comme la communication et la parole ont leur propre rythme et leur propre rythme, nous pouvons parfois parler vite ou ralentir. Et cela peut aider à attirer l'attention des gens. C'est la même chose que nous pouvons faire en matière de communication visuelle. design graphique peut donc également avoir son propre rythme visuel et son propre tempo visuel Jetons donc un coup d'œil à certains de ces exemples pour mieux comprendre comment appliquer le rythme. Et nous découvrirons également qu'il existe en fait cinq manières différentes d' utiliser le rythme dans cette vidéo. Voici une superbe affiche illustrée du film Les Sept Samouraïs Akira Kurasava qui mise Et dans ce cas précis, il s'agit d'un rythme régulier. Il y a donc ici quelques éléments différents utilisés pour introduire le rythme dans la composition. Tout d'abord, nous avons ces gros coups de pinceau. Nous commençons donc par un coup de pinceau noir. Ensuite, il y a un écart, puis vient un autre coup de pinceau. Maintenant, il y a même une sensation de mouvement avec les coups de pinceau, et même s'il est un peu difficile dire de quelle direction ils viennent, l'impression que le premier allait probablement vers la droite, puis le suivant vers la gauche, puis encore une droite, puis encore une fois vers la gauche. Comme je l'ai dit, ce n'est pas tout à fait clair parce que nous ne pouvons pas voir tous les coups de pinceau. Ils sont donc recadrés dans cette composition, mais il y a toujours un sentiment d'alternance de directions qui crée déjà un rythme Au lieu de montrer clairement ou clairement qu'ils vont tous dans la même direction, ce caractère aléatoire crée déjà intérêt visuel qui peut être introduit en utilisant le rythme Mais bien sûr, en ajoutant ces coups de pinceau et en laissant un espace entre eux, on crée également du rythme Nous avons des détails sombres, puis nous avons ces détails clairs ou ces espaces blancs. Encore une fois, nous avons un coup de pinceau. Encore une fois, blanc, noir, blanc, noir. contrebalançant les couleurs de En contrebalançant les couleurs de ces coups de pinceau et l'espace blanc entre eux, nous avons les couleurs opposées ou inverses utilisées sur les lettres placées au centre de la composition Sur le trait de pinceau noir, nous avons une lettre blanche. Ensuite, sur l'espace blanc, nous avons une lettre noire. Et ainsi de suite. Donc, même si nous regardons simplement les lettres et lisons le mot samouraï, nous voyons également un rythme avec l'alternance des couleurs Mais ce qui réunit vraiment tout et qui met vraiment l'accent sur le rythme de cette composition, ce sont les personnages de samouraïs eux-mêmes et leur placement ou leur alignement dans la composition On commence par la gauche, puis on va à droite, puis on revient en arrière, et ainsi de suite. Nous poursuivons ce mouvement en zigzag. En ce qui concerne les samouraïs et le texte au milieu, je dirais que c'est un rythme irrégulier, comme je l'ai déjà mentionné au début Mais en regardant les coups de pinceau et les espaces blancs qui les séparent, on pourrait aussi parler de rythme aléatoire. Comme la taille de ces coups de pinceau et l'espace entre eux sont totalement aléatoires , aucun espace ou épaisseur égal n'est appliqué. Et je pense que cela contribue à renforcer cette tension au sein de cette composition, qui correspond très bien au thème du film. Nous avons donc à la fois un rythme régulier, mais aussi un rythme aléatoire ou légèrement chaotique à la fois. Et même si on pourrait penser que deux types de rythmes différents peuvent s'affronter, dans ce cas, ils fonctionnent parfaitement ensemble. Cette mise en page utilise un rythme similaire mais repose uniquement sur la typographie Et ici, au lieu d'avoir sept sections distinctes, nous en avons dix, ce qui est évidemment un nombre pair. Le concepteur pourrait donc placer les cinq premiers de ces commandements sur la gauche lorsqu'il les alignerait sur la gauche, tandis que les autres, 6-10, seraient alignés sur la droite Mais au lieu de créer deux colonnes complètement distinctes, ce que nous pouvons imaginer , le designer a décidé de fusionner les deux et de créer cette dynamique intéressante en utilisant à nouveau un rythme régulier. Cela pourrait en fait être contreproductif ou source de confusion si vous deviez lire ces commandements dans le bon ordre S'il y avait un problème en lisant le premier puis le sixième, je ne recommanderais pas d' utiliser cette mise en page. Mais comme l'ordre dans lequel vous lisez ces commandements n'a pas vraiment d'importance , cela fonctionne parfaitement, car c'est à vous, en tant que spectateur, de décider si vous voulez les lire dans cet ordre. Donc, en allant de haut en bas, vous suivriez l'ordre prévu, qui serait le numéro 12345, puis vous continueriez sur le côté droit du numéro six au numéro dix Ce qui permet d'établir le rythme ici c'est simplement l' alignement du texte, mais aussi la subtile différence de couleur du texte. Remarquez que le texte des chiffres et du corps du texte est inscrit en noir sur le côté gauche. Ils sont donc tous placés en noir. Bien qu'ils figurent sur la droite, les chiffres et le corps du texte sont placés dans une nuance de gris. Même en utilisant simplement la couleur, il aurait suffi séparer les uns des autres, mais pour rendre ce schéma ou ce rythme plus évident, nous avons également utilisé l'alignement, où nous avons cet retrait sur les chiffres du côté droit par rapport à tous les nombres que nous avons ici sur le côté gauche, qui crée cette structure ou ce groupe distinct ici le côté droit. 6. Rythme fluide et progressif: Un autre type de rythme intéressant que vous pouvez introduire dans vos compositions est appelé rythme fluide. Et pour cela également, nous avons quelques exemples ici au tableau. Commençons par cette illustration dans laquelle nous avons un maillage de lignes bleues en arrière-plan qui est perturbé ou déformé par le mouvement de ce voilier ici en bas à gauche Au cas où la ligne resterait complètement droite, ce serait un rythme régulier. Mais comme ils sont maintenant déformés, comme nous l'avons mentionné, cela crée ce rythme fluide Les lignes se sont donc transformées en petites vagues, et chacune de ces vagues est légèrement différente l'une de l'autre. Encore une fois, il n'y a pas de réelle régularité chez eux. C'est pourquoi je dirais que c'est un rythme fluide. La même idée peut également être appliquée simplement en utilisant la typographie Et je pense que c'est un parfait exemple de cela, où même sans voir la moindre trace ou signe d'une plage ou de la mer, nous pouvons toujours imaginer le rythme magnifique des vagues qui s'abattent sur une plage de sable Outre la courbure rythmique de la typographie, ces couleurs, le bleu de la mer et le jaune du sable, présentent évidemment une forte touche bleu de la mer et le jaune du sable Voici une autre composition géniale utilisant un rythme fluide. Mais je crois que je dirais même que c'est un rythme fluide, une distorsion rythmique aléatoire, ou un petit détail de cette typographie qui est utilisé pour créer le rythme et la dynamique uniques de cette composition Le rythme fluide est quelque chose que nous voyons souvent dans la nature. Comme je l'ai dit sur la plage, mais aussi dans le désert. Les dunes de sable sont formées et façonnées de telle sorte qu' elles recréent ce magnifique rythme fluide. Il peut être reproduit non seulement en design graphique mais également en architecture, comme le montre parfaitement cet exemple Il existe un autre type de rythme intéressant appelé rythme progressif, dans lequel nous changeons une caractéristique chaque fois que quelque chose se répète. Dans ce cas, au lieu de simplement répéter le même texte encore et encore et de s'aligner parfaitement les uns sur les autres, nous avons déjà un petit mouvement vers l' avant si nous partons du bas, donc un léger retrait à chaque fois vers la droite Mais ce qui le rend intéressant, c'est que même s' il y a une différence dans le début du texte, la lettre B est parfaitement alignée dans toute la composition. Et ce qui change entre chaque ligne, c'est la façon dont la lettre S est étirée de ce côté et ici. Alors qu'il est ici en haut, il commence à être plus petit, mais déjà légèrement étiré. Au fur et à mesure que nous descendons, cela s'étire de plus en plus. Alors que nous voyons le contraire se produire sur la droite, où l'étirement de la lettre E augmente à mesure que nous montons. Il existe également une différence subtile dans étirement de la lettre B dans chaque rangée Comme vous pouvez le voir ici sur le côté droit, n'est pas une ligne parfaitement droite, mais elle n'est pas aussi visible que ce que l'on peut voir sur la lettre E des deux côtés. Les rythmes progressifs peuvent être utilisés pour renforcer votre composition, un peu comme un crescendo dans la musique où l'on augmente lentement l' intensité ou un diminuendo, un autre terme utilisé en musique pour diminution lente et progressive Et puisque nous parlons de musique, jetons un coup d'œil à cette affiche d'un festival de jazz. Nous avons là encore une utilisation très intéressante du rythme. Et je me demande si vous serez maintenant capable de déterminer par vous-même quel genre de rythme vous pouvez trouver ici. Si vous regardez la composition dans son ensemble, vous choisirez probablement un type de rythme spécifique, mais vous pouvez également examiner certaines parties la composition séparément ou individuellement. Et dans ce cas, vous pouvez également remarquer différents types de rythmes utilisés à différents endroits. Une solution évidente serait donc ici en bas, où nous avons le même type de lignes, les lignes en zigzag, répétées une fois Il y en a des noirs, puis des blancs. Vous pouvez appeler cela un motif alterné si vous considérez qu'il lignes blanches et noires côte à côte. Ou si vous considérez qu'il s'agit simplement lignes noires entourées d'un espace blanc. Vous pouvez même appeler cela un schéma régulier. Mais en regardant la composition dans son ensemble, je dirais que nous pouvons voir un bel exemple d'utilisation d'un rythme aléatoire. On y parvient en répétant ces formes géométriques, mais pas de façon ordonnée. D'ailleurs, ces formes nous rappellent également les instruments comme les symboles. Nous avons également une version abstraite d'un clavier, d'un piano. Et il y a même les boutons que l'on voit normalement sur un instrument à vent, comme un saxophone ou une clarinette en bas et aussi ici sur le côté droit Alors pourquoi le concepteur a-t-il eu la bonne idée d'introduire ce rythme aléatoire dans ce cas au lieu des autres types de rythmes que nous avons vus Eh bien, parce que cela fonctionne parfaitement avec le type de festival dont il s'agit. Si vous connaissez le jazz, vous savez probablement que tout tourne autour de l'improvisation. C'est donc le caractère aléatoire de la musique qui la rend unique et reconnaissable La leçon à en tirer est donc qu'en tant que designer, vous devez toujours avoir une bonne compréhension du sujet de votre design. Ainsi, par exemple, si vous devez concevoir une affiche pour un type de musique que vous ne comprenez pas, vous ne serez probablement pas en mesure de saisir l'essence du sujet et créer une composition efficace. Je ne dis pas que vous ne devriez pas travailler sur des projets dont le sujet ne vous est pas familier. Il s'agit plutôt de passer temps à faire des recherches avant de commencer à créer vos concepts de design. C'est très important. Ainsi, même si vous n'êtes pas du tout familiarisé avec le sujet, passer du temps à savoir ce que vous allez concevoir fera une énorme différence dans la qualité de votre travail. 7. Variété: La variété est un excellent moyen de s'assurer que vous suscitez de l'intérêt pour votre travail et que vous ne perdez pas l' attention de vos spectateurs. Il peut être appliqué à peu près à tout ce à quoi vous pouvez penser, de la musique aux vêtements que vous portez ou à la façon dont vous parlez ou agissez. C'est à vous de le nommer. Mais plus particulièrement en design graphique, c'est un excellent outil pour créer des compositions plus engageantes. Et vous pensez peut-être que la variété est en fait presque le contraire de l'unité. Ainsi, lorsque nous avons parlé d'unité, nous avons mentionné que tous les composants et éléments de notre design devaient être connectés les uns aux autres d'une manière ou d'une autre. Mais lorsque nous avons de la variété, cela semble presque contre-productif, car il faudrait introduire des différences entre les éléments Mais ce qui est intéressant, c'est que vous pouvez réellement atteindre l'unité en utilisant la variété. Alors laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Voici un excellent exemple de couverture ou de mise en page de magazine qui utilise un indense ou un alignement inhabituel du corps du texte Et cela est encore souligné par ces lignes colorées à côté d'elles sur le côté gauche. Nous avons donc les lignes bleues, les rouges et aussi les vertes. Il y a donc certainement une variété à la fois dans les couleurs et dans les retraits utilisés Cependant, il y a aussi une certaine structure ici. Notez que la ligne bleue est toujours utilisée lorsque le retrait est le plus grand Nous pouvons donc voir que l'espace ici est exactement le même. Et encore une fois ici sur la droite. Ensuite, nous avons la ligne verte, qui forme un retrait d' environ la moitié de la taille du bleu Et encore une fois, c'est exactement la même distance ici, et ici aussi. Vous pouvez voir que si nous devions relier ces deux lignes ici, elles seraient exactement dans la même position. Enfin, la ligne rouge forme la ligne la plus éloignée vers la gauche Et c'est encore une fois répété dans ces trois colonnes. Et il est toujours dans la même position même si les choses semblent un peu aléatoires à cause de la variété des retraits. Il y a toujours de la structure ici, grâce à la répétition et même au rythme appliqué aux différents retraits. Lorsque vous suivez le texte du début à la fin, vous remarquerez qu' il n'y a en fait aucun schéma dans la façon dont ces retraits sont utilisés Nous commençons donc par le bleu, puis le rouge, puis le vert, puis le rouge vient, puis le bleu, puis le rouge à nouveau, puis le vert. n'y a donc pas de véritable schéma ici en termes de rythme. Ce serait un rythme aléatoire, mais comme les retraits individuels sont répétés et utilisés exactement de la même manière à chaque fois, nous pouvons toujours parler de répétition ou de rythme, et cela forme toujours une unité dans la composition globale Voici un autre bel exemple de la façon dont variété et l' unité peuvent aller de pair. Dans cette composition monochromatique, tout utilise la même couleur bleue Et presque tous les détails sont créés à partir de lignes simples. Et la typographie principale elle-même, l'école de design de Prague, finit par faire partie de ce maillage ou de ce motif de lignes bleues horizontales La structure ou la grille de cette composition sont ces lignes bleues. Bien que la variété s' applique principalement à la typographie et à la façon dont chaque lettre est étirée manière différente, afin que nous puissions toujours lire ce texte Certaines lettres comme ici sont toujours en largeur normale, ainsi dans cette zone et ici en bas. Bien qu'il existe des exemples extrêmes d'étirement, par exemple ici sur la lettre G, ainsi que sur lettres H et D. Vous pouvez donc voir que, tant que vous trouvez un bon équilibre entre unité et variété dans votre composition, elle fonctionnera, communiquera le message, mais en même temps, elle sera intéressante et engageante pour vos spectateurs. Mais comme toujours avec tous les autres principes de conception, vous devez être très doué pour affiner la quantité de variété que vous introduisez. Si vous en ajoutez trop, votre design peut être source de confusion. Et voici un exemple intéressant où nous avons certainement beaucoup de variété. Et si tout ce texte manuscrit que nous pouvons voir se former presque comme une texture dans cette composition était composé de mots différents Cela peut sembler accablant et déroutant parce que nous voudrions le lire, mais il serait très difficile de comprendre où le texte commence et où il se termine Mais comme ici, il n'y a deux ou trois mots répétés encore et encore, cela ne gêne pas vraiment. Ici encore, la variété est donc définie à la bonne dose lorsqu'elle ajoute de l'intérêt, sans pour autant détourner l'attention du message véhiculé par l' affiche 8. Maîtres de la variété: Maintenant, je ne peux pas parler de variété sans parler à d'incroyables graphistes. Je suis sûr que vous avez entendu parler de David Carson qui est vraiment révolutionnaire dans le domaine du graphisme Et je dirais qu'il est le mieux placé pour repousser les limites de la variété utilisée dans les compositions. Le fait qu'il enfreint à peu près toutes les règles relatives aux formes de conception graphique, à son propre système unique, façon dont il assemble les choses. Et même si la plupart du temps, il est difficile de comprendre ce que vous voyez, cela attire certainement votre attention et vous donne envie de regarder la composition. Un autre artiste qui mérite d'être mentionné, qui utilise la variété avec brio est Asian Tro, également connu sous le nom de Bogsm Je recommande vivement de consulter le profil de ses mains, car vous verrez des œuvres incroyables et dans presque toutes ces œuvres, vous verrez à quel point il apporte de la variété à ses compositions. En regardant cette affiche par exemple, vous pouvez voir qu'il y a déjà toutes sortes de formes ici. Des formes géométriques parfaites comme un cercle aux formes organiques aux bords irréguliers. Et presque aucun des éléments ou attributs n'est répété. Nous savons maintenant que le meilleur moyen de créer de l'unité et de l'harmonie dans un design est de répéter des éléments ou de créer des composants récurrents. Alors qu'ici, les choses qui se répètent sont beaucoup moins perceptibles, elles sont presque déguisées Si nous regardons attentivement, nous pouvons remarquer que certaines couleurs se répètent. Comme ça. bleu apparaît à nouveau ici sur la droite, même s'il est légèrement plus foncé, c'est toujours la même teinte. Cette couleur de brique rougeâtre est utilisée dans toute la composition, elle est donc assez constante Mais le blanc est également utilisé dans quelques domaines. Et puis il y a une couleur de surlignage qui ne se répète nulle part ailleurs, ce jaune ici sur ce rectangle. Nous avons également des nuances de gris noir ou foncé utilisées dans quelques zones également sur cette forme. D'ailleurs, encore une fois, cette forme est la seule à utiliser un dégradé, ce qui la rend plus tridimensionnelle que le reste de la composition. Et encore une fois, nous n' avons ici que cette seule forme qui utilise un très fort motif à contraste élevé, tandis que toutes les autres sont propres et n'utilisent pas de motifs. La texture est quelque chose qui est utilisé sur quelques zones ici, là-haut, également en bas et même sur le cercle. C'est donc quelque chose qui se reproduit plus souvent que les autres composants et qui est à peine perceptible Mais il y a aussi ces très fines lignes blanches qui apparaissent sur quelques zones. On dirait presque des égratignures sur l'affiche. Parce qu'ils sont irréguliers. Mais même s'il y a beaucoup plus de variété que des éléments répétés dans cette composition, elle reste harmonieuse et équilibrée. David Carson et Le travail de David Carson et de Bogazm est un bon exemple du fait qu'une fois que vous êtes parfaitement à l'aise dans l'application des règles du graphisme, vous commencerez à repousser les limites et créer des versions extrêmes, en contradiction avec ces règles, tout en utilisant juste assez de principes de conception pour faire fonctionner les choses et créer quelque chose que les gens peuvent comprendre et apprécier 9. Encadrement: cadrage est l'un des moyens ou méthodes les plus faciles à comprendre pour créer une unité dans la composition du design graphique Et c'est quelque chose dont nous avons déjà parlé lorsque nous avons discuté principes du Guest Start ou de la psychologie du design. Nous parlons ici de régions communes, c'est-à-dire de zones de notre conception qui devraient être regroupées. Et la plupart du temps, cela se fait en utilisant des cadres. Même si, encore une fois, cela semble évident et simple, vous pouvez faire preuve de beaucoup de créativité dans façon dont vous appliquez des cadres dans votre design. Et il y a en fait beaucoup de sophistication et de nuances que vous pouvez ajouter à la façon dont vous les appliquez à votre design. Dans cette vidéo, nous analyserons et examinerons quelques exemples brillants où cadrage est utilisé de manière très professionnelle Commençons par cette affiche nocturne, où le texte rebondissant forme un cadre dans la composition Ici, cette ligne blanche interrompue plusieurs fois forme toujours ce rectangle visible, que nous comprenons immédiatement comme un cadre. Et ce qui est intéressant, c'est que le texte est conservé dans ce rectangle. Même s'il se déplace vers le haut et vers le bas, il forme toujours une limite. De ce fait, la typographie se transforme presque en une animation d'une balle rebondissant de haut en bas dans un espace clos J'adore le fait que le rectangle lui-même soit en arrière-plan, alors que la typographie commence derrière l'athlète, puis elle passe devant, et très probablement encore une fois, elle revient en arrière Chaque fois que vous introduisez de la profondeur en créant ces détails entrelacés, comme dans ce cas, la photographie et ce cadre, et la typographie se déplaçant dans l'espace, la photographie et ce cadre, et la typographie se déplaçant dans l'espace, cela permet également d'établir cette relation particulière entre ces détails entrelacés, comme dans ce cas, la photographie et ce cadre, et la typographie se déplaçant dans l'espace, cela permet également d'établir cette relation particulière entre vos composants. Et cela crée déjà en soi une forme de cadrage. Alors pensez-y. Même la typographie à elle seule, sans ce rectangle, encadrerait déjà, d'une certaine manière, l'athlète Parce qu'il commence derrière, puis arrive devant. Encore une fois, nous ne savons pas si ces deux lettres sont derrière lui ou non, mais nous avons ce genre de sensation simplement en les cachant derrière son bras ici. C'est un excellent exemple de la façon dont notre esprit peut s'égarer, simplement en étant déclenché par un petit détail, comme chevauchement entre la personne et la typographie En tant que graphiste, votre tâche consiste donc à réfléchir à ces déclencheurs que vous pouvez introduire dans votre travail, aider vos spectateurs à commencer à émettre des hypothèses sur ce qui se passe réellement dans votre composition. Les marges sont également utilisées en conception graphique pour former des cadres dans des compositions. Encore une fois, sur ce design, nous avons une marge assez large. C'est donc ce que je considérerais comme la marge, cette zone grise. Et il a la même taille en haut, en bas, à gauche et à droite. Il fonctionne de la même manière qu'un poteau, comme celui que vous placeriez dans un cadre photo accroché au mur, c'est-à-dire le carton découpé au milieu. Ce qui crée à nouveau un espace vide ou un espace blanc autour de l' image réelle dans le cadre. Et tout comme pour les cadres d'image dans les dessins, l' ajout d'un espace blanc sur les bords aide toujours à attirer l'attention du spectateur le centre de la composition. Cela fonctionne particulièrement bien lorsque la composition elle-même est alignée au centre. Et si vous avez un contraste élevé dans les valeurs tonales et les couleurs entre les zones de marge et la composition qu'elles contiennent, ce que nous pouvons voir clairement ici, nous avons une zone de marge très claire et une région plus foncée au centre Mais cette conception particulière utilise également quelques solutions intéressantes supplémentaires. Dans les marges, nous avons une fine ligne blanche supplémentaire qui s'imbrique avec cette image déformée de la statue Nous pouvons donc constater que certaines zones sont cachées. La statue arrive donc devant cette ligne blanche. Ici en bas, la ligne blanche est devant. Encore une fois, c'est similaire à cette affiche rebondissante. Il fait des allers-retours dans l'espace. Encore une fois, la tête arrive devant. Mais ce n'est pas tout : à certains endroits, comme ici en haut, la statue fait à certains endroits, comme ici en haut, la saillie dans l' espace des marges C'est quelque chose que nous appellerions normalement effet ou une méthode hors limites Vous pouvez accentuer ou augmenter la sensation de profondeur. Et c'est toujours une bonne chose dans le design car, bien entendu, tout est bidimensionnel. Nous travaillons sur une feuille de papier ou un écran plat. Et tout ce qui donne une impression plus tridimensionnelle ou introduit cette profondeur captivera les spectateurs et les invitera à regarder votre composition Et si cela n'était pas déjà intéressant, le concepteur a également ajouté du texte sur les côtés gauche et droit, ce qui est un peu difficile à lire. Mais il faut probablement le lire dans cette direction. Mais il n'est pas nécessaire de lire ce texte ou de lui donner un sens, car il agit également comme une forme de dispositif de cadrage, maintenant la composition unie des deux côtés Même s'il est assez lâche et aléatoire, il forme presque un support de chaque côté. Dans cette composition, nous pouvons voir que vous pouvez avoir plusieurs éléments et plusieurs cadres utilisés dans le même design Et si vous les équilibrez bien et que les intégrez à votre sujet, ils peuvent très bien fonctionner en harmonie ensemble. 10. Formes uniques de cadrage: Il existe de nombreux autres exemples sur ce tableau où nous voyons à nouveau la marge utilisée. Et encore une fois, comme dans cette illustration, nous voyons ces subtils effets hors limites où, encore une fois, certains détails dépassent les marges Nous avons également d'autres exemples, comme cette affiche ici, où encore une fois, la typographie est utilisée pour former le cadre Ou un autre plus bas, où encore une fois, le sujet est entouré de typographie Et dans ce cas, j' appellerais même la typographie la marge, même si dans ce cas ce n'est pas le cas Malgré tout, nous avons une marge plus étroite de ce côté, alors qu'elle est plus large à droite et en haut Il y a aussi une illustration amusante ici, le sujet réel, dans ce cas le chat qui joue de la guitare forme le cadre de la composition. Si nous dessinons un rectangle ici, nous pouvons voir que le chat s'y intègre parfaitement, même si l'illustration ne fait que suggérer que ce cadre Grâce à la fermeture selon le principe du guestle, nos yeux et notre esprit relieront automatiquement ces zones vides Comme vous pouvez le constater, les cadres ne doivent pas toujours être un élément indépendant. Il peut même être créé ou suggéré par le sujet même de votre composition. Il s'agit d'un autre exemple intéressant, lorsque la zone de marge ou le cadre la composition contient les informations réelles, alors que le centre où nous nous attendons à ce que le sujet apparaisse est complètement oublié, et il s' agit en fait d'un espace négatif. N'oubliez pas qu'en tant que graphiste, votre tâche consiste à attirer l' attention de vos spectateurs. Et parfois, le contraire de ce à quoi les gens sont habitués, ou les solutions habituelles, comme garder les marges libres ou vides, peuvent produire une composition plus unique et plus excitante. Jusqu'à présent, nous avons surtout vu des cadres rectangulaires géométriques. Mais bien sûr, vous pouvez utiliser des formes plus organiques et courbes ainsi que des cadres comme dans cette composition Cette forme fonctionne comme un cadre et maintient le sujet une fois de plus, sujet sortant en utilisant l'effet des limites extérieures Mais en plus de cela, nous avons également une certaine typographie utilisée sur les bords Et si je devais les relier entre eux, ils formeraient également cette limite ou ce cadre presque invisible qui sert toujours de moyen de maintenir le tout ensemble. Et cela crée en fait un joli contraste. Ce texte noir uni est écrit tout autour de ce pasteur plus doux pour colorer les formes courbes du centre Vous pouvez également prendre en compte fait que votre cadre peut se fondre dans votre composition ou faire le contraire, et vraiment se démarquer en utilisant un contraste élevé. Nous avons déjà vu d'excellents exemples de ces deux solutions. Et c'est à vous de décider si vous voulez attirer l' attention sur le cadre ou lui donner moins d'importance. C'est également une autre technique courante en design graphique que la typographie est utilisée comme cadre ici Au lieu de formes géométriques ou organiques, nous avons en fait ces chiffres qui peuvent également être des lettres de l'alphabet appliquées comme cadre pour la scène que nous pouvons voir dans cette composition. Il serait dommage de ne pas mentionner ou montrer un exemple des magazines National Geographic ou leur site Web lorsque nous parlons de cadres, car ils ont leur cadre jaune emblématique. Et j'ai choisi cette couverture en particulier parce que dans ce cas, elles étaient vraiment audacieuses. Et ils couvraient à peu près non seulement une grande partie du cadre, mais même le titre ou le titre du magazine Et s'ils peuvent le faire, c'est parce que tout le monde reconnaît qu'il s'agit du magazine National Geographic, principalement grâce à son cadre emblématique. Et la principale raison pour laquelle cette composition fonctionne si bien, que cet arbre sort du cadre à la fois en bas et en haut, et que le titre est masqué, c'est parce que l'article principal ce numéro traite des arbres les plus hauts Et comme il est difficile de montrer ces arbres dans leur intégralité, le designer a décidé de se concentrer sur une section plus petite et souligner leur hauteur en fonction de la quantité de couverture qu'ils occupent . Mais bien sûr, aussi en montrant une personne ici sur le côté. Bien entendu, il s'agit également d'un élément crucial la composition, car sans personne dans l'image, il est toujours difficile pour nous de relier ou de comprendre les proportions d'une chose. Donc, si vous voulez que vos spectateurs aient une idée de l' échelle d'un objet, il est toujours bon de placer une personne ou un objet couramment utilisé dans la composition, car nous pouvons tous nous identifier à cela. D'ailleurs, vous avez peut-être remarqué que pour créer une unité dans cette composition, nous avons utilisé la même couleur que celle utilisée sur cette ligne de couverture de soutien. Nous pouvons voir ce grimpeur varier en termes de placement Cette personne et cette ligne de couverture sont parfaitement placées selon la règle des tiers. Il y a donc de nombreuses raisons d' aimer cette couverture de magazine. 11. Motif: Les motifs sont très couramment utilisés en design graphique, mais ils sont également très importants dans design de mode et le design d'intérieur. Et nous pouvons voir des modèles tout le temps autour de nous. On le voit sur les papiers peints des chambres. Nous pouvons le voir sur les vêtements que nous portons, les produits que nous achetons. Et le fait que nous les voyions si souvent montre à quel point ils peuvent être attrayants et pourquoi il est si important d' apprendre à les appliquer dans vos compositions de conception graphique. Alors plongeons-nous dans le vif du sujet et découvrons les différents types de motifs que vous pouvez créer. Et encore une fois, découvrez-en quelques utilisations très créatives. Tout d'abord, voici un emballage très coloré et éclatant pour cette canette de cidre. Et nous pouvons voir que le motif ici en arrière-plan est le même que celui utilisé sur la boîte elle-même. Et il sert de toile de fond sur laquelle les informations principales sont présentées dans un cadre séparé. Et le reste de l'information est complètement isolé de ce modèle, en utilisant, encore une fois, une couleur de fond unie Maintenant, ce que nous pouvons apprendre de cet exemple en particulier, c'est que même si vous utilisez un motif de haut en bas dans une composition, dans ce cas, la canette, vous pouvez toujours vous assurer que la lisibilité et la lisibilité de la typographie de votre design n'en souffriront pas Et cela peut être réalisé simplement en recouvrant certaines parties du motif. Avec ces formes bloquées unies, remarquez que même le logo lui-même utilise une couleur d' arrière-plan unie. Encore une fois, assurez-vous qu'il se démarque de ce schéma dynamique et animé. Voici un autre bel exemple de motifs utilisés sur l'emballage d'un produit. Dans ce cas, il s'agit de papiers d'emballage utilisant des motifs réguliers dont les motifs sont des formes géométriques. C'est pourquoi nous appelons motifs de détails répétés. C'est un terme utile à retenir. Nous appelons les motifs réguliers lorsque les motifs se répètent de manière prévisible. Par rapport à cela, si nous regardons cette affiche, par exemple, d'Ikea, il s'agit plutôt d'un motif irrégulier où les deux motifs changent et où même la façon dont ils se répètent est imprévisible. C'est également un autre excellent exemple où le designer lance un défi au spectateur. Il n'est donc pas facile de trouver le message caché dans cette composition. Mais vous finirez par le lire. Il dit : où sont mes nouvelles chaussettes ? Et aussi, vous finirez probablement par trouver le point d'interrogation ici en bas. Et la façon dont le designer a réussi à s'assurer que nous puissions toujours lire ce texte sous forme de texte est bien sûr avoir les chaussettes qui forment ces lettres légèrement plus proches les unes autres que le reste des chaussettes qui les entourent. Mais aussi en utilisant des couleurs plus contrastées qui ressortent un peu plus que les autres chaussettes de la composition générale. Pour mieux le repérer, si vous plissez les yeux en regardant cette affiche, vous verrez que couleurs les plus contrastées sont toutes utilisées sur les chaussettes qui forment les lettres Voici une autre composition intéressante où l'on peut voir l'utilisation d'un motif irrégulier, même si le motif, qui est ce triangle, est répété. Dans ce cas, le poids répété est toujours imprévisible. Et puisque nous avons parlé de cadrage dans la dernière vidéo, vous pouvez voir que même ces formes géométriques transformées en motif peuvent servir de cadre Parce que l'image de cette femme, dans ce cas, est placée dans le motif lui-même. N'ayez donc pas l'impression d'être limité à l'utilisation de motifs uniquement en arrière-plan. Comme vous pouvez le constater, ils peuvent même devenir des récipients ou des supports pour le sujet principal de votre composition. Ou voici un exemple encore plus extrême, lorsque le motif lui-même devient le sujet. Et si cela a été possible, c'est parce que motif géométrique emblématique du film brille tellement qu'il suffit de le montrer en arrière-plan pour que nous puissions immédiatement l' associer au film, à la scène en question ou au petit garçon conduisant son tricycle dans les couloirs de l'hôtel Voici un autre excellent exemple où un motif devient beaucoup plus intégré à l'ensemble de la composition, joue un rôle plus important et devient le sujet lui-même. Et encore une fois, je dirais que c' un motif irrégulier parce que nous n' avons pas de motif clair qui se répète. Mais si nous considérons toujours qu'il s'agit d' un modèle, c'est parce qu'il utilise toujours des éléments récurrents, comme les éléments floraux, mais aussi des éléments tels que ces montres, les tasses à thé et les services à thé. L'avantage des motifs est que, puisqu'ils reposent sur des éléments ou des motifs répétés, ils fonctionnent parfaitement pour atteindre l'unité et l'harmonie dans vos compositions. 12. Motifs homogènes: Si vous envisagez de devenir modéliste, vous devrez apprendre à créer des motifs homogènes. Cela signifie essentiellement que vous aurez créé une vignette dans laquelle vous pouvez avoir plusieurs motifs, mais que cette vignette sera répétée de manière fluide, soit en utilisant une grille standard et simple, soit une grille de transition brique par ligne, soit brique par colonne. Jetons donc un coup d'œil à quelques exemples sur ce forum ici. Tout d'abord, en commençant par ce joli motif sur le thème de Paris, et en utilisant le style des croquis ou des illustrations dessinées à la main. Il s'agit donc d'un modèle homogène utilisant une grille standard ici. Si nous prêtons attention aux éléments répétés, nous pouvons remarquer les détails les plus marquants, comme la tour Eiffel, que nous pouvons voir ici Et puis ça se répète encore une fois ici. Mais on peut aussi en voir un petit bout ici, sur les bords. C'est donc un bon point d'ancrage visuel qui nous permet d' identifier la taille d'une tuile. Je dirais donc que le carreau se trouve à peu près par ici. Je vais donc le déplacer légèrement vers le haut, et je crois que c'est à peu près le carreau qui se répète à la fois horizontalement et verticalement dans ce modèle. La façon dont vous pouvez vous assurer qu' un motif homogène soit intéressant, même lorsqu'il utilise cette grille standard, est de vous assurer que les bords de votre carreau sont cachés ou très difficiles à trouver. Le moyen le plus simple d' y parvenir est d' avoir des objets qui se chevauchent, sorte qu'ils interrompent le bord de la tuile Comme dans ce cas, je crois que ces quais sont exactement placés sur le bord du carreau Ils ne sont donc pas parfaitement placés dans le carreau, mais ils sont divisés entre les deux bords du carreau. Et une fois que nous aurons vu les carreaux comme un motif homogène, ils seront assemblés. Une autre chose utile à retenir lorsque vous concevez des modèles est de travailler avec une sorte de hiérarchie au sein des éléments de vos modèles. Ce que je veux dire, c'est que vous devriez avoir des éléments remarquables dont le contraste peut être plus grand ou plus élevé être plus grand ou plus élevé que le reste des éléments Mais vous devriez avoir beaucoup de petits détails différents qui peuvent facilement servir de matériau de remplissage pour vous assurer que le motif ne présente pas de gros trous ou de trous à l'intérieur Dans ce cas, par exemple, je dirais que ces pots sont les détails les plus remarquables, ou nous pouvons les appeler les éléments du héros, les tasses J'appellerais les informations secondaires ainsi que quelques éléments plus importants. Mais il y a aussi ces petits éléments tels que les fleurs et les sacs, qui ressemblent davantage à des produits de remplissage que j'ai mentionnés plus tôt Et pour obtenir une harmonie au sein de votre motif, vous devez vous assurer que les mêmes composants ou éléments ne sont pas placés les uns à côté des autres, afin de ne pas avoir exactement les mêmes détails plusieurs fois au même endroit. Au lieu de cela, vous utilisez un rythme visuel, les dispersant plus loin les uns des autres et en veillant à ce qu'il y ait toujours de la variété entre les éléments Remarquez comment, en une phrase, j'utilise à peu près tous les termes que nous avons abordés jusqu'à présent dans cette rubrique. Cela montre simplement à quel point ces principes de conception sont liés et à quel point vous devez vous fier plusieurs règles et principes pour obtenir un résultat satisfaisant dans vos conceptions. terminer, je voulais juste montrer ces quelques images ici au bout du tableau, les motifs de la nature. qui, encore une fois, prouve simplement que si nous trouvons les modèles attrayants, c'est parce que nous sommes tellement habitués à les voir tout autour de nous dans le monde. Qu'il s'agisse du motif d'une araignée B, la magnifique symétrie radio d'un flocon de neige ou même des hexagones N'oubliez pas que la nature est une grande source d'inspiration pour créer de superbes designs, pas seulement lorsqu'il s'agit de concevoir des motifs. 13. Regroupement: Le regroupement est une autre méthode utilisée en conception graphique pour unifier les éléments de vos compositions Cela peut être réalisé de différentes manières, en plaçant vos éléments les uns à côté des autres, en vous fiant principalement à leur proximité ou en utilisant dispositifs de maintien ou des conteneurs pour les maintenir connectés les uns aux autres. Nous pouvons également utiliser des lignes entre les objets pour les connecter. En s'appuyant sur le principe du « guest out », sur une connectivité uniforme, ou en utilisant des cadres et des lignes de division, pour créer des régions communes Encore une fois, un autre principe du guest out regrouper les informations visuelles dans vos compositions, surtout si elles sont complexes et comportent un grand nombre d'éléments. C'est important car cela aide les spectateurs à trouver l'ordre dans lequel ils doivent recevoir les informations. Mais il peut également établir une hiérarchie dans cette vidéo. Comme toujours, nous examinerons exemples très créatifs de compositions graphiques et d'illustrations, appuyant fortement sur le regroupement. Pour commencer, voici un superbe design d'affiche de festival où, comme toujours, nous avons beaucoup de détails typographiques, où, tout d'abord, nous avons tous les noms des artistes, puis nous voyons également sur quelle scène ils se produiront Ainsi, lorsqu'il y a beaucoup d'informations à afficher, le regroupement devient essentiel. Sans elle, l'ensemble de cette affiche n' aurait pas vraiment atteint son objectif. Voici un autre exemple, la page de table des matières d'un magazine, similaire aux affiches d'un festival, généralement présentes sur ces pages. Nous avons également beaucoup d'informations à afficher et elles sont également utilisées pour navigation dans le magazine dans ce cas. Comme ce magazine en particulier, il y a deux sections ou catégories d'articles principales, l'une intitulée Fun et l' autre intitulée Kids, et un autre groupe plus restreint apparaît dans chaque numéro. fait d'avoir ces groupes permettant aux spectateurs de trouver les articles qui les intéressent les aide à trouver leur chemin dans le magazine, au-delà du simple fait de voir les numéros de page ici. Lorsqu'il s'agit de concevoir des menus pour les restaurants et les bars, il est également crucial de créer des groupes car, une fois de plus, nous avons beaucoup d' informations à afficher. Et nous voulons nous assurer que nos spectateurs puissent trouver les informations pertinentes le plus rapidement possible. Parce qu'il n'y a rien de pire que de se battre pour trouver les bons plats quand on a faim. Comme je l'ai déjà dit, le regroupement peut être réalisé de nombreuses manières différentes, soit en utilisant des cadres réels pour séparer une certaine partie de l' information du reste, soit en ayant un arrière-plan de couleur unie sur une section, ce qui, encore une fois, la distingue vraiment des autres. Parfois, une seule ligne suffit pour séparer, dans ce cas, l'adresse et les identifiants réseaux sociaux situés en bas de la page. Eh bien, souvenez-vous que nous avons parlé de cohérence, qui est également un moyen de parvenir à l'unité dans un design. Eh bien, dans ce cas, toutes les catégories utilisent le même type de face, ainsi que la même taille et la même couleur, même sans utiliser de ligne de division ici. Tout simplement parce que nous avons ces titres de catégories ici, nous pouvons déjà imaginer qu'il s' agit d'un groupe différent de celui du haut. N'oubliez donc pas que lorsque vous avez beaucoup d'informations à afficher, vous devez faire très attention à l'intensité des groupes que vous créez. Certains groupes peuvent être plus pertinents que d'autres, comme dans le cas présent. Je pense que cette section latérale est celle qui ressort le plus. Il saute presque hors de la page à cause de la couleur d'arrière-plan à contraste élevé qui y est utilisée Et cela doit être intentionnel car peu importe ce que vous commandez, vous aurez probablement certains côtés. Et pour ce qui est de la hiérarchie des groupes, je dirais que c' est la section «   happy hour » qui vient en deuxième position. Et c'est également important parce que la plupart des gens voudraient commander des boissons même s'ils ne commandent pas de nourriture. 14. Récipients et dispositifs de retenue: Mais prenons maintenant un peu de recul et examinons quelques exemples. Quand il y a beaucoup moins d'informations à afficher. Même dans le cas d' une illustration dépourvue de toute typographie, regroupement a un rôle crucial à jouer Vous vous demandez peut-être ce qui est considéré comme un groupe dans cette illustration, car c'est moins évident. Mais les mêmes principes que ceux que nous avons vus dans les exemples précédents, plus complexes, sont également appliqués ici pour aider le spectateur à comprendre ce qu' voit et à lire cette illustration. Donc, tout d'abord, les couleurs utilisées nous aident à voir ce qui est le plus proche de nous et ce qui se trouve plus loin dans le dos. De cette façon, ces couleurs plus foncées, bleutées et verdâtres sont utilisées pour établir et créer le premier plan de l' Ensuite, ces couleurs plus douces et plus chaudes sont utilisées pour établir le juste milieu. Enfin, la combinaison de quelques autres tons chauds et la couleur de fond est utilisée pour créer le fond avec ces trois sommets situés ici dans les montagnes. J'adore la façon dont ces montagnes se fondent dans le décor. Et il en va de même ici avec le lapin au premier plan. Tu te souviens quand nous avons parlé de cadrage ? Cela serait considéré comme la marge de cette illustration au lieu de l'effet hors limites habituel, où l'illustration recouvrait des parties de la marge ici, alors que c'est le contraire qui se produit et où la marge se chevauche ou se répand dans l' La forme générale de ce rectangle ici et du cercle ici en haut est également considérée comme un moyen de regrouper l'illustration ou informations au sein de l'illustration. Normalement, nous appellerions ces formes qui maintiennent des objets ensemble un dispositif de maintien ou un contenant. Et vous en trouverez de nombreux exemples sur ce forum. Comme dans ce cas, la lettre D est le contenant ou le dispositif de stockage qui contient toutes les informations de l'illustration. Et l' intérêt visuel est créé par tous ces petits détails qui franchissent légèrement franchissent légèrement les bords ou les limites de la forme de la lettre. En ce qui concerne la conception de logos, il est également très courant d' utiliser un dispositif de maintien pour maintenir les objets ensemble. Comme dans ce cas, nous avons un cercle invisible. C'est donc en se basant sur le principe de fermeture de l' arrêt réservé aux clients que nous pouvons imaginer qu'il existe une forme qui maintient tous ces légumes ensemble. Dans ces deux autres exemples, nous avons des cercles réels et des formes géométriques qui forment ces dispositifs de maintien. Même lorsque vous utilisez simplement deux cercles simples dans un logo, il est déjà utile de regrouper les éléments. Comme dans ce cas, nous avons ce texte entre les deux cercles. Cela nous aide à relier le texte du haut et le texte du bas. Nous savons donc qu'à l'intérieur des deux cercles, ces deux textes sont connectés l'un à l'autre. Alors que le texte défini dans une taille plus petite à l'intérieur d'un deuxième cercle formera immédiatement un groupe avec l'autre texte dans la même position. Voici un autre design percutant, basé sur le regroupement ou l'utilisation d'un dispositif de maintien, en l'occurrence la première lettre du titre du film, Valerian Tous les personnages et vaisseaux spatiaux importants sont combinés et regroupés à l'aide de cette seule lettre Et le contenu de cette section est bien équilibré en utilisant beaucoup d'espace négatif sur le côté droit et un peu sur la gauche. Bien entendu, outre le principal intérêt visuel regroupé sous cette forme de lettre, nous avons également deux groupes supplémentaires ici. Nous avons le texte ici en haut. Et aussi un autre groupe important en bas, où nous avons le nom des deux acteurs principaux, le titre du film et la date de sa sortie. N'oubliez donc pas d'appliquer le regroupement dans vos créations, qu'elles soient complexes ou simples, car cela conduira toujours à une composition plus unie et plus esthétique 15. Conclusion: Félicitations pour avoir terminé ce cours de la série sur la théorie du graphisme. J'espère que vous l'avez trouvé utile et inspirant. N'oubliez pas de parcourir le glossaire des termes, au format PDF, de revue tout ce que nous avons abordé et, si vous vous sentez prêt, passer en revue tout ce que nous avons abordé et, si vous vous sentez prêt, de répondre au questionnaire pour tester vos connaissances Revenez à tout moment aux références sur les tableaux Miller Not que nous utilisons dans ce cours pour vous aider à vous souvenir des sujets dont nous avons parlé ou à trouver l'inspiration pour votre prochain projet de design. Faites-nous savoir si vous pensez qu'il manque quelque chose à ce cours ou si vous avez des suggestions pour l'améliorer. Envoyez-nous un e-mail à Info at Sm Designer.com et nous vous répondrons dès que possible Nous apprécions vraiment votre contribution et votre aide. Il est maintenant temps pour vous de choisir votre prochain sujet et de vous lancer dans un autre cours de théorie du graphisme. N'oubliez pas qu'il n'y a pas de bon ou de mauvais ordre pour terminer cette série. Toutes les règles que nous couvrons sont également importantes et tout est lié. Mais le plus important est de bien comprendre ces règles et de les appliquer dans vos projets. Je suis sûr que vous utiliserez ce que vous avez appris pour créer quelque chose d'incroyable, et j'ai hâte de le voir.