Teoría del diseño gráfico: color y contraste

1. Introducción: Te resulta difícil decidir qué colores usar en tus composiciones, saber qué combinación o armonía funcionaría mejor, qué color debería ser dominante, o cómo lograr el contraste en tu paleta elegida. El color y el contraste son esenciales para dar sentido a los objetos que nos rodean y a nuestro entorno. El color es probablemente el elemento visual más importante de cualquier proyecto de diseño gráfico. A medida que desencadena emociones automáticas y sería para la mayoría de la gente incluso entender lo que están mirando. De igual manera, el contraste es otro elemento crucial que atrae la vista, separar detalles unos de otros y agrega interés visual a una composición. En este curso, aprenderás a utilizar estos dos componentes significativos del diseño gráfico. Cubriremos la teoría del color, las armonías de colores, los significados de los colores, y analizaremos mucho trabajo creando para entender y apreciar diversas formas de contraste. Al final de este curso, tendrás más confianza en elegir paletas de colores para tus proyectos. Haciendo que destaquen detalles importantes en tus composiciones. asegura de ver el siguiente video en caso de que este sea el primer curso que está tomando de la serie de teoría del diseño gráfico. Te daré algunos consejos útiles sobre cómo sacar el máximo provecho de este curso. 2. Términos y definiciones: Probablemente hayas oído hablar de tonalidad, saturación y valor o brillo. Estas son cosas bastante básicas que lo más probable es ya sepas si estás utilizando alguna de las aplicaciones de Adobe, mayoría de las aplicaciones lo mostrarían como una barra vertical, pero también se puede representar con a ternera de color de 360 grados. Y es por eso que normalmente cuando nos referimos aquí, serían 360 números, lo que representa los 360 grados de círculo completo. La saturación es un término del que probablemente hayas oído hablar. Y ésta es importante, pero probablemente no tan importante como el croma. Chroma es el término que normalmente usamos para definir la pureza de un color. El mayor valor de croma que puedes obtener cuando tienes un color sin mezclarse con nada más. Entonces, por ejemplo, leer un rojo completo sería el croma más alto que puedas obtener. Y luego una vez que empieces a introducirle diferentes formas, como el blanco, terminarás teniendo diferentes tintes de rojo. O si mezclas negro, terminarías teniendo diferentes tonos de rojo. Y por último, si agregas gris, cualquier tipo de gris, terminarás teniendo diferentes tonos de rojo. Y cuando hablamos de saturación es ligeramente diferente porque es más una medida comparativa donde se compararía la intensidad de un color con el color más vibrante o de mayor intensidad, que normalmente fijaremos como un 100 por ciento. Entonces si te imaginas el selector de color en Photoshop como un sistema de coordenadas, saturación sería el eje x y el eje y sería brillo o valor, que define cuán brillante u oscuro es un color. Ahora hasta ahora suena bastante simple, pero se complica porque el matiz en realidad puede afectar e impactar el valor de un color. Y aquí hay un ejemplo perfecto. Para que puedas ver los colores en la parte superior y luego debajo de él, puedes ver esos valores. Por lo que incluso si eliges solo colores puros con ese croma más alto, aún tendrás diferencias en su valor. amarillo, por ejemplo, es un color muy brillante, de alto valor en comparación con esto, azul más oscuro es muy bajo en términos de valor. Así que trata de no confundir valor con estaño, sombra y tono porque incluso sin mezclar blanco, negro o gris en los colores puros, aún tendrías diferencias entre los valores. Y por eso es tan importante cuando estás eligiendo un tema de color, qué colores eliges, porque puedes terminar teniendo una clave baja u composición oscura si eliges colores más oscuros o una composición vívida y brillante, si escoges colores más brillantes o de mayor valor, pronto, te voy a mostrar un montón de ilustraciones y ejemplos que te ayudarán a dar más sentido a estos términos. Pero primero, me gustaría aburrirte con solo un poco más de ciencia porque siento que esto también es muy importante cuando hablamos de colores. Ahora, el probablemente el diagrama más fácil aquí que se puede entender es esa rueda de color que mencionamos anteriormente. En este particular, se pueden ver los colores primarios resaltados. Entonces estos son los que más salen de este círculo. Entonces tenemos los colores secundarios, que son siempre y mezcla de los dos colores primarios vecinos. naranja, por ejemplo, se compone de amarillo y rojo. O el verde se compone de amarillo y azul. Y por último, el púrpura se compone de azul. Y lee, una vez que empieces a mezclar colores secundarios con colores primarios, obtendrías colores terciarios. Y esos son los de este círculo más cercano al punto central. Ahora como diseñador o ilustrador, la rueda de color también es importante para que puedas encontrar armonías de color, pero lo más importante, para encontrar colores de cortesía. Estas son grandes pares de colores y funcionaron muy bien juntos. Entonces la forma en que puedes encontrarlas es muy sencilla. Donde tengas, digamos amarillo. Sólo tienes que ir al lado opuesto de la rueda de color y encontrarás el color complementario, que es morado o al mismo para el azul, el color complementario será naranja y para rojo va a ser verde. Esto ya es una armonía de color, pero vamos a aprender mucho más sobre esto y todos los demás tipos diferentes de armonías entre colores. Ahora además de la rueda de color, también podemos categorizar los colores en función de la temperatura, y eso es lo que puedes ver aquí en la parte inferior. Entonces se mide en Kelvin y los valores más bajos o las piedras más cálidas, mientras que los valores de Kelvin más altos serían los tonos más fríos. En el medio tenemos blanco, que es 5500 Kelvin, y la luz solar es en realidad un poco más baja que eso, es 4900 Kelvin. Ahora esta forma de categorizar colores es más importante para el cine y la fotografía. Pero aún como diseñador o ilustrador, es bueno saber que es sólo otra forma de categorizarlos. Y podría conseguir mucho más científico que esto si comenzáramos a hablar de longitud de onda. Pero una vez más, cuando se compara el color, temperatura y la longitud de onda, probablemente ya puedas ver las similitudes. Pero sigamos adelante y hablemos un poco sobre los espacios de color. Como diseñador, esto definitivamente es muy importante para, UM, más probable es que ya esté familiarizado con las diferencias entre CMYK y RGB. Por lo que se trata de dos espacios de color utilizados para diferentes medios. Mi RGB se utiliza principalmente con dispositivos que necesitan luz para representar colores como un proyector, cámara y monitor, CMYK sería utilizado para imprimir. Y este diagrama aquí muestra realmente bien que el espectro visible de colores es en realidad más grande que RGB y CMYK. Y RGB también es más grande de lo que podemos representar con tinta CMYK o cian, magenta, amarilla y negra. También podría ser útil recordar que CMYK se llama el método de color sustractivo, donde se está empezando por el blanco. Entonces eso es simplemente el color del papel. Entonces lo estás restando hasta llegar al negro, que es el color más intenso a la hora de imprimir. Por el contrario, RGB es un método de color aditivo donde terminas teniendo blanco al combinar o mezclar todos los colores juntos, generalmente lo que hay que recordar es que los colores que tú ver en tu pantalla no van a ser tan vívidos y vibrantes una vez que estén impresos. Entonces esto es lo que normalmente pasaría una vez que imprimiera una imagen. Se pone un poco, lo saturado y los colores se lavan ligeramente. Esto es nuevamente por la diferencia en el espectro. Una vez más, todos estos colores vibrantes en estos rincones aquí y también aquí y allá son los que CMYK no puede representar. Y de nuevo, este es un tema enorme que podríamos hablar de ICC, perfiles de color, gestión del color, y colores puntuales. Pero no voy a entrar en demasiados detalles. Una vez más, cubriré estos en el curso que mencioné anteriormente en el inicio. Pero seguir adelante, quería mostrarte algo extremadamente importante. Esto es algo que me llevó años descubrir y entender la importancia de esto es clave y contraste. Estos son dos términos que normalmente se escucharía por separado. Pero una vez que empieces a pensar en los dos juntos como un par, ahí es cuando empieza a tener sentido y ahí es cuando te ayudará a crear composiciones realmente llamativas, ya sea fotografía , ilustración o diseño gráfico. Entonces ambos términos, c0 y contraste, tiene algo que ver con el valor. Y se puede ver aquí en la parte superior que el tercio superior de ese sistema de coordenadas representaría los valores clave altos de los colores que tenemos tonos de tecla media o carne en el centro, y luego clave baja o valores más oscuros en la parte inferior. Y contrastar, de nuevo, probablemente ya estés familiarizado con medios que tienes colores al lado del otro que son claramente diferentes el uno del otro. Cuanto mayor sea el contraste suele ser más llamativo que las diferencias. Y aquí hay un gráfico muy interesante que muestra la combinación de clave y contraste simplemente usando valores de escala de grises. Pero por supuesto, esto también se aplicaría a las imágenes en color y para que esto sea más fácil entender y visualizarlo mejor. Aquí hay un par de retratos que muestran exactamente el mismo emparejamiento de estos dos términos. Entonces en la parte superior izquierda tenemos la clave alta, bajo contraste, seguido de Heikki medio contraste, y finalmente Heikki, imagen de alto contraste. Entonces todos son muy brillantes, por lo que el valor es alto, pero estamos aumentando el contraste. Y principalmente en este caso, los labios son la característica sobresaliente en el lado derecho, casi se siente como si quisiera saltar de la pantalla. Y así es como los contrastes se pueden utilizar como punto focal en la composición. Más abajo tenemos la fila de teclas media, nuevamente de izquierda a derecha, aumentando el contraste. Y finalmente en la última fila, tenemos todos los retratos clave bajos. Y de igual manera aquí tenemos loci, bajo contraste a la izquierda. Y luego llegamos al buen viejo John, vago a la derecha con llave baja, alto contraste. Ahora, este tipo de imágenes suelen ser las más llamativas porque tienes mucho negro y luego tienes algunas poderosas ráfagas de vite en ciertos lugares. Y por supuesto, el mayor contraste que puedes lograr en una composición es el negro puro, junto al blanco puro. 3. Significados de los colores: Muy bien, así que ahora que hemos cubierto los fundamentos de los fundamentos de los colores, hablemos del significado del color. Y esto es más psicología del color. Y es aquí donde empezamos a ver algunos ejemplos interesantes. Entonces primero, aquí está rojo. Ahora, si quieres aprender más sobre el significado de RAB, realidad tengo un video separado sobre eso, que puedes volver a encontrar en la descripción a continuación. Y en pocas palabras, el rojo es genial para captar la atención. Es un color muy llamativo, sobre todo cuando se combina con blanco y negro. Y puede llevar muchos significados desde el poder, la agresión y la fuerza hasta la última fertilidad. Y en algunos lugares el mundo también prosperidad en general, cuando usas rojo en tu composición, puede ayudar a tomar decisiones rápidamente. Es casi como un llamado a la acción. Continuando, tenemos azul, que es el color del cielo y ver, por lo que naturalmente tendría un efecto calmante, pero también puede representar confianza, purura, tranquilidad, y estabilidad. En realidad es el color más utilizado en Internet y entre las corporaciones, especialmente para las marcas que están relacionadas o asociadas con la seguridad y la limpieza. Y dato interesante sobre el azul es que en realidad ralentiza nuestro metabolismo. Entonces por eso nuevamente lo consideramos un color calmante. Avanzando, tenemos verde, que se asocia con la naturaleza, el crecimiento y el equilibrio. Simboliza la armonía, la serenidad, y también se puede utilizar para la seguridad, al igual que el azul. Solo piensa en el Hombre Verde en el semáforo. Es un color definitivamente usado a menudo por marcas médicas y ecológicas. Continuando, tenemos amarillo, que es el color del sol, y por lo general representa alegría, felicidad y energía. Ahora recuerda cuando hablamos valor entre todos los diferentes usos, y el amarillo es uno de los colores de mayor valor. Por lo que definitivamente hay una conexión ahí. Por qué normalmente nos asociaríamos con la energía en general, cuando miramos el color amarillo, evoca sentimientos agradables y amistosos y a menudo se usa en la industria del entretenimiento y para los juguetes. No obstante, eso también puede significar que a veces puede sentirse un poco infantil. Por supuesto, no se sintió infantil en Kill Bill, pero solo hay que estar al tanto de ese aspecto de este color. A continuación, echemos un vistazo a púrpura. Ahora, esto suele asociarse con la realeza, lujo, la nobleza y la ambición. Por lo que es ideal para marcas de lujo y bienes y servicios de alta gama. Vale la pena recordar que el púrpura es el color menos claro por los hombres, pero en realidad está en el color favorito de los tres primeros para las mujeres. Y por último pero no menos importante, echemos un vistazo a la naranja. Ahora, este es el color de la comunicación y el optimismo. Combina la energía del rojo y la felicidad del amarillo. Y por lo general puede dar la sensación de calor y puede asociarse con el verano. Ahora quiero que muestre intencionalmente que puede representar tantos sentimientos y emociones diferentes desde el muy desalentador y deprimente Apocalipsis Now hasta películas como Lion King e incluso lugares divertidos como campamentos de verano. Para resumir, los significados de los colores no son como una ciencia exacta en comparación con las cosas anteriores de las que hemos hablado. Es más personal y los colores pueden tener diferentes efectos en diferentes personas y diferencia cultural de nuevo, realmente puede impactar la percepción del color. 4. Armonías de color: Ahora mencioné armonías de colores anteriores y esta es la siguiente sección en la que me gustaría centrarme, empezando por la más fácil entender los colores complementarios. Ahora estos son los dos colores en los lados opuestos de la rueda de color. Al usar esta armonía de color en tu composición, puedes lograr un resultado muy llamativo y tendrás el mayor contraste entre los colores. Y hay una razón por la que Hulk lleva bolígrafos morados, lo que realmente ayuda a enfatizar aún más la intensidad del personaje. Sólo para resaltar dos cosas más aquí. Me encanta la forma en que nos hemos dividido entre los tonos más cálidos y los tonos más fríos en la parte inferior en esta composición. Nuevamente, es un ejemplo perfecto de armonía complementaria o el cartel de arte para la película Parasite, donde tenemos los tonos más fríos en la parte superior y los tonos más cálidos en la parte inferior divididos por las escaleras, que obviamente es una parte muy importante de la película. Y este contraste en los colores también representa las diferencias sociales entre las dos familias. Si aún no lo has visto, recomiendo mucho porque hay muchas composiciones realmente geniales y edición en la película. Ahora avanzando, tenemos nuestra próxima Harmony llamada split cortesía, que es similar a la cortesía con la diferencia de que aquí tenemos un color base. Entonces en el lado opuesto de la rueda de color, en realidad tenemos dos colores adyacentes utilizados dentro de la paleta. Esta paleta sigue siendo enérgica, aunque no sea tan llamativa como la armonía complementaria. Pero podemos ver aquí un par de ejemplos realmente bonitos, mostrando que puede ser una paleta realmente divertida para trabajar. Pasando, tenemos Tríada, que puede ser un poco más complicado que las dos anteriores. Aquí, de nuevo, la mejor práctica es elegir un color base y luego los otros dos deben ser más como un color complementario. Por lo que no deberías usar los tres colores por igual en cambio, tener un buen equilibrio entre ellos. Una de mis armonías de color favoritas tiene que ser colores analágicos, que son perfectos para establecer un cierto ambiente. Nuevamente, confiando en los significados de los colores que describimos anteriormente en esta paleta, elegirías colores adyacentes entre sí en la rueda de color. Y en este caso, para crear contraste, se basaría principalmente en el valor, los tonos y los tonos. último pero no menos importante, tenemos Tetra, la paleta de colores, donde tenemos cuatro colores en un rectángulo dentro de la rueda de colores. Esencialmente, estos cuatro colores se pueden dividir en dos pares de cortesía. Esto es de nuevo, un poco más complejo y no tan fácil de tirar como los otros que hemos visto hasta ahora. No obstante, sedes hábilmente y con un buen equilibrio entre los colores selectivos, puede, nuevo resultar en grandes composiciones y en realidad se puede incluso tener armonías de color V dudo emparejamiento diferentes tonalidades entre sí. Por lo que podrías terminar teniendo una paleta de colores monocromática cuando estás usando un solo tono y solo estás combinando diferentes tonos, tonos y tintes. Y podemos ver lo bien que esto podría funcionar en estas ilustraciones aquí. Y luego hablamos de colores acromáticos. Ahí es cuando puramente confías en diferentes tonos de gris. Ahora de nuevo, intencionalmente quería mostrarte que cuando trabajas con valores en blanco y negro o gris desde el cráneo de aspecto muy amenazante de la izquierda, en realidad puedes terminar teniendo estos lindas ilustraciones tiernas también. Por lo que una paleta de colores nunca debe ser una restricción de cómo va a verse tu trabajo. Se trata más de enfatizar un cierto estado de ánimo o atmósfera. Y una vez que aprendas a trabajar con ellos, realmente se va a mostrar y ayudar a que tu trabajo se vea más profesional. Ya que estamos hablando de armonías, quería mencionar también la regla 603010, que se utiliza principalmente en el diseño de interiores. No obstante, también se puede aplicar al diseño gráfico e ilustración. Y se sabe que es una gran manera de equilibrar las proporciones entre tus colores seleccionados. Y normalmente la forma en que trabajarías con esto es que escogerías tu color base, que va a componer aproximadamente el 60% de la composición. Estos colores deben ser generalmente un alto valor croma o color puro, seguido de como color complementario, que es el 30 por ciento dentro de la composición. Y por último, el diez por ciento sería tu color de acento, que realmente destacaría y normalmente sería un color complementario a tu color base. Y aquí hay dos ejemplos cuando se aplica en diseño de interiores. Pero como dije, se puede aplicar a todo tipo de cosas desde packaging, diseño, branding, y para ser honesto por todo lo visual. 5. Percepción del color: Ahora ya hemos hablado mucho de la percepción del color, pero quería asegurarme de que entiendas que no sólo los significados que asociamos dos colores los que son importantes, sino también el demográfico de tu público objetivo. Los colores pueden ser percibidos de manera diferente por los géneros y también los diferentes grupos de edad, no hablar de personas de diferentes partes del mundo. Buenos ejemplos son el rojo y el blanco, que tienen significados completamente diferentes en la parte occidental y oriental del mundo. Y por último pero no menos importante, hablemos un poco sobre daltonismo, que es de nuevo, muy importante para ti como diseñador gráfico entender porque esto realmente puede impactar y afectar la forma en que trabajas. daltonismo se reduce la capacidad de ver los colores o la diferencia entre los colores. Y es mucho más común entre los hombres que las mujeres. Y de nuevo, este es un tema mucho más complejo y no quiero estandarizar ni generalizar, pero por lo general las hembras son mucho mejores en diferenciar los colores que los hombres. Una vez más, esto tiene mucho que ver con la genética. Ahora puedes ver aquí los tres tipos principales de daltonismo y sus estadísticas entre la población. Y cada vez que creas diseños, estos son los que necesitas para vigilar y asegurarte de que las composiciones que creas no usarán pares de colores que sean duros o imposibles para ver con este tipo de habilidades de visión disminuidas. Una gran herramienta gratuita que puedes descargar tanto para Mac como para PC se llama Color Oracle, que ya tengo corriendo aquí en segundo plano, y actualmente está configurada en visión normal. Pero permítanme acercar aquí en melanoma. Y si presiono un atajo que configuro, puedo cambiar rápidamente a simular uno de los tipos de daltonismo. Y si quisiera, incluso podría cambiar a los otros tipos como tweets y OPIA, una vez más, se verá ligeramente diferente. Por lo que esto de nuevo es sólo una manera simular el daltonismo y de ayudarte a ver dónde voy a necesitar más contraste entre colores, especialmente para la tipografía. Esto es importante porque usar pares de colores uno al lado del otro que son difíciles de diferenciar afectará la legibilidad. En Photoshop, en realidad tienes los dos tipos principales de daltonismo como opción de corrección de color, que puedes encontrar en el menú Ver Configuración de prueba. Y ahí verás el colordaltonismo poner una OPIA y van a tenor OPIA. Espero haberlo pronunciado correctamente. Y solo puedes usar el comando o control Y atajo para cambiar entre el daltonismo seleccionado. Nuevamente, esto es sólo una simulación y volver a ver los colores normalmente. En la parte inferior, se puede ver que seleccioné intencionalmente dos colores que no funcionarían bien juntos para ese tipo particular de daltonismo. Por lo que los textos casi por completo desaparece por, si cambio a la otra daltonismo, verá que los textos en la parte superior desaparecerán. Una vez más, volviendo a la normalidad y una vez más a verla o simular ese daltonismo. También hay un sitio web realmente genial donde puedes decolorciego a prueba de tu sitio web. Solo tienes que poner tu URL y elegir qué tipo de daltonismo te gustaría simular. Y luego podrás verlos uno al lado del otro. Entonces los colores originales y cómo las personas con ese colordaltonismo verían los colores. Y puedo ver nuestro sitio, la asignación designer.com. Probablemente este color debería cambiar porque es un poco difícil de ver sobre el fondo blanco. Y eso es todo lo que quería cubrir en este video. Espero que te haya parecido útil. Si aún no te has suscrito, asegúrate de hacerlo ahora en caso de que no quieras perderte los próximos episodios de esta serie. 6. Ilustración: Vamos a saltar directamente a mirar un par de ilustraciones increíbles para aprender sobre el contraste. Entonces, en primer lugar, ¿por qué es el contraste en el principio de diseño? Bueno, porque es una herramienta fundamental en la comunicación visual, y no importa lo que hagas como creativo, es algo que realmente tienes que entender y utilizar en tu trabajo. Yo diría casi cada vez no importa lo que hagas, ya sea fotografía, diseño UX, ilustración, diseño gráfico. Es algo que realmente necesitas entender y utilizarlo conscientemente en tu trabajo. A lo largo de este video, voy a escoger un par de ejemplos y estoy tratando explicarte cómo se está implementando contrastes porque casi todo lo que usas en tus diseños. Entonces todos los elementos que coloques en tu diseño pueden utilizar el contraste, ya sea escala, orientación, color , valor, o casi cualquier cosa que puedas pensar. Cualquier atributo puede tener un efecto contrastante cuando se usa deliberadamente, cuando se trata de ilustraciones en particular, contraste se usa generalmente como dispositivo de narración de historias. Es algo que puedes usar para crear tensión, interés. Por lo que incluso en esta primera ilustración llamativa, hay un claro uso del contraste. Y principalmente se trata estas formas redondas suaves y las esquinas afiladas. Y es un buen ritmo que se crea aquí. Por lo que siempre tenemos la forma redonda y luego un punto afilado, forma redonda y una, un punto afilado y que va a lo largo de todo el diseño. Ahora por supuesto, también hay contrastando el color o valor. Pero lo más importante, diría que se trata del contraste de forma en este caso, eso realmente está haciendo efectiva esta ilustración. Ahora bien, este es un buen ejemplo de ver cómo se puede usar el contraste para contar historias. Por lo que tenemos dos colores muy contrastantes, temperatura en esta imagen. Tenemos los tonos cálidos dentro la luz que viene del libro, y luego tenemos todos esos tonos fríos a su alrededor en el entorno. Entonces en este caso, el contraste establecer no sólo nos ayuda a enfocarnos en el detalle más importante de la ilustración, sino que también cuenta esa historia, esa calidez o energía positiva que viene de leer el libro crea este ambiente encantador y pacífico para esta pareja, o haciendo un estilo diferente, pero muy similar a este. Tenemos a alguien trabajando en el bosque. Y de nuevo, tenemos contraste establecido, en este caso con una paleta de colores más monocromática en las partes más oscuras y una vibrante paleta de colores en la parte que es iluminada por la antorcha. Y en esta composición, el contraste está ayudando también a establecer movimiento o dirección. Por lo que tenemos aquí establecida una dirección clara. Y una vez más, el aspecto de la narración también es importante. Tenemos animales y personajes que reaccionan a la luz. Y también tenemos estas cosas aterradoras aquí en la oscuridad. Entonces, sin ningún texto ni explicación, entendemos claramente lo que está pasando en esta ilustración y podemos relacionarnos con ella. Ahora otra palabra clave de la que tenemos que hablar cuando se trata de contraste es la yuxtaposición. Significa colocar dos elementos diferentes uno al lado del otro, o dos cosas que están en contraste entre sí. Y se utiliza en publicidad y en todo tipo de comunicación visual para captar la atención del espectador. Entonces la yuxtaposición se basa en el contraste, y es un buen ejemplo de tener dos cosas diferentes que son similares en forma, pero obviamente muy diferentes en la vida real, un plátano y un tiburón combinados juntos y creando ese valor de choque que se utiliza de nuevo para captar la atención de la gente. Ahora cuando miras esta ilustración, ya puedes empezar a pensar en qué propiedades se utilizan para establecer el contraste. Y en realidad hay muchos de ellos. Uno obvio, por supuesto, es la escala. Por lo que tenemos un carácter enorme, que ni siquiera está en el marco, pero podemos ver la escala desde la sombra que se proyecta sobre estos pequeños personajes de pie en el medio. Pero además de eso, también hay otras cosas que ayudan a crear el contraste. Y si echamos un vistazo más de cerca, probablemente se pueda ver mejor que también haya una diferencia en la textura. Entonces a través del fondo y la sombra está texturizada, el personaje en el medio está completamente limpio, por lo que no hay textura en él en absoluto. Y sí, la textura juega un papel muy importante en establecer el contraste también. Solo piensa en una portada de libro donde tengas un bonito detalle de émbolos o algo que tenga una lámina. Por lo que de inmediato tienes una textura. Vamos a diferencia entre los detalles en relieve o completos en comparación con el resto de la cubierta. Y aunque esa diferencia textural no sea táctil, no es algo que realmente puedas sentir. Cuando miras una ilustración como esta, ya tienes eso en la parte posterior de tu cabeza. Casi sientes la diferencia entre las dos superficies. Ahora por supuesto, también hay valor y color contrastantes. El personaje principal comparado con el entorno. Y como consejo profesional, siempre debes preservar los detalles más brillantes y oscuros hasta el punto focal de tu composición. Lo que quiero decir con eso es en este caso, obviamente ayuda llamar atención sobre el personaje porque tenemos este color brillante en el pantalón y tenemos los detalles más oscuros, probablemente en la ilustración uno al lado del otro. Pero aquí hay otro brillante ejemplo de utilizar este contraste extremo y utilizarlo en el punto focal, donde obviamente tenemos aquí el detalle que es el más oscuro, que es este edificio contra las nubes blancas brillantes en el fondo. Otra ilustración del mismo artista amor y la Sibila, te recomiendo encarecidamente que echa un vistazo a su obra. Cuando vayas al tablero de Milano, simplemente haz click en el enlace y luego simplemente explora todos los proyectos que tiene en Behance. Es muy recomendable porque puedes aprender mucho sobre composición desde simplemente mirar su trabajo. Pero de nuevo, como acabo de decir, los detalles más contrastantes son los puntos focales muy claramente establecidos en la composición. Y otro ejemplo de otro artista, nuevamente tenemos un punto focal muy claro, nuevamente, establecido al poner esos dos colores contrastantes extremos uno al lado del otro. Ahora el contraste también es una gran herramienta para establecer distancia o profundidad en tu composición. Y esa es una cosa que llamamos perspectiva atmosférica, lo que significa que cualquier cosa más alejada de nosotros tiende a perder su saturación o vibración. Y obviamente hay aire entre tú y la distancia, y eso empieza a disminuir el color y más lejos está algo, los colores más apagados se verán, y cuanto más se va a mezclar también con cualquier color que sea el cielo. Esto se usa muy comúnmente en pinturas, en ilustración, y también lo podemos ver aquí muy claramente. Por lo que tenemos estos tonos más fríos en primer plano, contrastados por los tonos más cálidos en el cielo. Y todos los detalles que van más lejos en distancia se van a acercar más al color del cielo. Pero de nuevo, como dije, el contraste es lo principal que es establecer esa distancia. A pesar de que estamos mirando una ilustración plana bidimensional, todavía sentimos que hay una vasta distancia a la que podemos recorrer cuando estamos mirando esta obra de arte. Ahora, incluso una ilustración como esta que es perfectamente simétrica, puede tener una composición dinámica muy interesante al tener ese contraste en los colores de la izquierda y la derecha. Esta técnica de contrastar con los colores de cortesía utilizados para iluminar la escena es muy común también en la fotografía, y veremos un par de ejemplos más adelante. Pero cuando se trata de usar una paleta de colores limitada, también es importante usar el contraste como herramienta para separar detalles o caracteres en este caso. Por lo que probablemente haya cuatro o cinco colores utilizados en esta ilustración. Pero lo más importante, nunca verás dos de los mismos colores cerca uno del otro. Entonces tomemos este personaje aquí en medio de, por ejemplo. Por lo que tiene mangas amarillas y morado oscuro para el pantalón. Su color de piel es azul, directamente al lado o a la izquierda y a la derecha, tenemos personajes con diferentes colores de piel. Por lo que son más magenta. Sus pantalones son ambos de color cian, por lo que no van a chocar con este otro personaje en el medio. Y el único detalle superpuesto que es del mismo color en este caso es este pequeño detalle aquí. Entonces tenemos el tono de piel de nuestro personaje central ese cian, por favor al lado o superpuesto con este color azul del pantalón de este otro personaje. Entonces esto se consideraría un error si no fuera intencional, sino porque este Illustrator está usando los colores contrastantes uno al lado otro y creando un hermoso ritmo. En esta línea de caracteres, estas pequeñas áreas de mezcla entre los caracteres no está causando ningún problema. En todo caso, lo hace más interesante y permite al espectador trabajar un poco más duro para entender lo que está pasando. Pero en general, si sigues los colores de izquierda a derecha, como escanear a través de la imagen, siempre verás un hermoso patrón y ritmo creado. Así que vamos a seguir el color magenta. Primero. Lo tenemos aquí en la falda, luego usamos más en la piel, luego bajando a la falda, luego otra vez sobre la piel, luego viene aquí abajo en el perro de lo que lo tenemos también en la piel, luego abajo al pantalón que aquí arriba en el altavoz. Y la piel, también el pájaro que lo tenemos nuevo en estos detalles en el medio y luego la piel al final. Para que puedas ver cuán bellamente esta ilustración realmente guía el ojo del espectador a través de toda la composición. Ahora antes de pasar a hablar un poco más sobre fotografía, He aquí otro brillante ejemplo de contraste establecer con muchos aspectos diferentes de esta composición. En primer lugar, tenemos una poesía y una forma geométrica muy fuerte detrás de ella. Entonces en este caso, la forma geométrica y los detalles orgánicos, la cara ya está creando contraste. Y luego tenemos también el contraste extremo de blanco y negro uno al lado del otro, que es físicamente el contraste más alto que puedes lograr. Y es por eso que las ilustraciones en blanco y negro de la tipografía pueden ser tan efectivas. Pero lo más intrigante es tener el mismo color usado en el vello facial o barba y bigote en este personaje que el color utilizado en esa forma en el fondo. Y lo único que realmente los separa es esa delgada línea negra aquí. Así que de nuevo, al pensar en las cosas que ya hemos cubierto, podría estar diciendo que aquí no hay suficiente contraste. No obstante, la falta de contraste puede ser igual de efectiva como el contraste. Recuerda que dije, creando tensión visual. Entonces, ya sea mediante el uso del contraste o haciendo lo contrario también creará esa misma tensión exacta. Aprender a utilizar un principio de diseño es el primer paso para entenderlo, pero luego el siguiente paso, o más adelante cuando tengas más confianza en usarlo, es aprender a empujar el límite hasta que todavía funciona, pero se trata sólo de trabajar. Este es un ejemplo perfecto de ambos tener, de nuevo, colores blanco y negro uno al lado del otro, teniendo formas orgánicas y geométricas una al lado del otro. Pero entonces también teniendo esa separación de contraste muy baja entre dos detalles importantes, nuevo directamente uno al lado del otro. Por lo que de nuevo, hay tensión creada en muchos niveles. Estos detalles o soluciones sutiles y menos obvios son los que realmente hacen que tu trabajo se vea profesional. Esto es lo que normalmente diríamos que hay que desarrollar un ojo para que pueda crear algo así. El mejor ejercicio para hacer es siempre realmente prestar mucha atención y analizar cualquier cosa que veas que te guste. Y trata de identificar realmente qué hace interesante ese trabajo, lo que lo hace destacar, y cómo se utilizan o no todos estos principios para crear un efecto específico. 7. Fotografía y película: Ya vimos algunos ejemplos sorprendentes de ilustraciones donde se utiliza el contraste, ya sea para establecer el punto focal o para ayudar a contar la historia. Aquí hay algunos ejemplos de tipografía, y lo más importante, un recordatorio de algo que ya cubrimos en otro video sobre la teoría del color. En ese video, explico e entro en detalle la diferencia entre valor y contraste y la relación entre ellos. Y estas nueve imágenes aquí que puedes ver en mi pantalla son ejemplos perfectos del pequeño diagrama aquí en el lado izquierdo. Por lo que podría haber escuchado este término clave baja o alta clave y fotografía. Y eso es esencialmente es jugar con tonos más brillantes u oscuros. Y de nuevo, aunque se trata fotografía y fotos que estamos viendo, es el mismo principio exacto que puedes utilizar en tus composiciones de diseño gráfico. La lección más importante a aprender aquí es que no siempre es el contraste más alto Eso te va a dar el mejor resultado. Realmente depende del tipo de estado de ánimo o atmósfera que esté planeando establecer en su composición. Entonces, por ejemplo, una imagen como esta con alto contraste puede ser igual de efectiva como una imagen con bajo contraste o un ejemplo extremo donde casi todo se mezcla, pero aún podemos ver los detalles importantes. Entonces piensa en el contraste como un slider que puedes ajustar en tu composición. Puedes bombearlo y crear algo muy dramático cuando usas mucho contraste o puedes usarlo con moderación, tal vez solo utilizarlo en ciertas partes de tu composición. Al igual que aquí es un ejemplo asombroso de Florida tupida, donde de nuevo obviamente tiene una alta clave, composición de alto contraste, pero el alto contraste solo se utiliza en estos importantes puntos focales de la composición. Y otro ejemplo asombroso de yuxtaposición de dos cosas colocadas una encima de la otra y alineadas de esta manera particular. Eso hace que se vea muy interesante, si te gustan las películas y otros bienes estudian para entender cómo usar el contraste sería Sin City, donde obviamente ha sido realmente increíblemente utilizado en todo el conjunto película. Y en realidad ambas películas son ejemplos perfectos de ello. Casi todas las escenas son completamente en blanco y negro y los detalles de contraste más alto siempre se utilizan para el propósito de contar historias. Por lo que tenían destacando esos detalles únicos que son importantes para un personaje específico. Pero luego también hay muchas escenas en las que tendrías colores saliendo del entorno blanco y negro. Nuevamente, se utiliza para enfatizar ciertos detalles y crear puntos focales. El efecto pop de color, por supuesto, también se utiliza en la fotografía para volver a separar ciertos detalles del entorno. Y esto, de nuevo es algo que yo llamaría un uso muy obvio del contraste. Quizás hasta un punto que sea overthe-top o un cursi, mientras que tienes un contraste más sutil en composiciones cuando se trata de fotografía. Cuando, por ejemplo, se tiene un solo árbol que parece que está parado en el centro del tiro. Pero en realidad ese árbol es el que cayó y todos los demás árboles están de pie. Dado que se trata de una vista de pájaro, probablemente tomada con un dibujado, pero con ese uso muy interesante y sutil del contraste, tenemos una composición muy única. No digo que debas evitar usar demasiado contraste en tus composiciones. De nuevo se trata de encontrar el equilibrio adecuado para lo que estás tratando de decir. Porque recuerda, te estás comunicando visualmente y es encontrar ese tono de voz que funciona mejor para la historia que estás contando. 8. Diseño gráfico: Así que saltando directamente en ella, Tenemos una imagen muy icónica para empezar, graffiti de Banksy, que muestra muy bien muchos aspectos de las cosas que ya discutimos en la primera parte de este tutorial. Por lo que tenemos un contraste extremo de blanco y negro uno al lado del otro. Pero también tenemos un pop de color en las flores. De manera que ese contraste en la saturación crea aquí un punto focal claro. Pero también podemos ver un uso claro de la yuxtaposición. Cuando tenemos dos cosas contrastantes juntas. Todos sabemos que una persona como esta no estaría tirando flores por ahí por algo mucho más dañino. Pero tener ese valor de choque existe lo que hace que estos graffiti sea tan popular y tan poderoso. Ahora bien, esto es bastante común que los carteles de películas también utilicen contraste extremo. Y la combinación negra, blanca y roja es muy popular en todo tipo de diseños porque el rojo es un gran punto culminante o color pop. Y el blanco y negro, como ya discutimos, es el contraste extremo. Entonces el par más impactante que puedes armar. Pero además del contraste en color y valor, también hay otras cosas que contrastan en esta composición. Uno de ellos es la dirección o ángulo, porque tenemos una línea muy clara divide la composición aquí en el medio. Pero esa línea se repite con los hombros de Russell Crowe en la parte superior, y luego también con el sombrero del personaje de Christian Bale en la parte inferior. Por lo que estas tres líneas son casi paralelas y crean un movimiento diagonal muy fuerte dentro del cartel. Pero contrastando eso, tenemos otro ángulo muy fuerte que va casi en la dirección opuesta. Y eso es creado por el rifle que sostiene Christian Bale. Y además de eso, también tenemos contraste en la tipografía. Por lo que los apellidos y nombres muy diferentes en cuanto al peso de línea. Y eso crea un muy buen contraste. Y esta es una forma muy típica de usar el contraste en la tipografía para establecer jerarquía y también para crear similitud entre elementos. Ahora aquí tenemos una portada de revista brillante, de nuevo, completamente monocromática, por lo que sólo tenemos en blanco y negro. Y en ese sentido, el logo del viñedo en la parte superior ya está utilizando el contraste extremo del blanco y negro. Pero me encantó el camino en esta portada particular cómo se superpone la silueta o el retratar o entrar en una parte particular del logotipo. Crea una buena interacción sin dificultar la lectura. Ahora, además del obvio contraste entre el espacio blanco y negro en la portada, lo que crea la propia silueta. También tenemos un contraste entre ese bloque plano de color y las gafas fotorrealistas detalladas reales, lo que crea un punto focal perfecto hacia adelante la composición, y además ayuda a reconocer el persona en la imagen. Ahora incluso en branding, tendrás contraste además nuevo al obvio contraste de valor de blanco y negro, nuevamente tenemos un contraste secundario de las formas redondas en el lado izquierdo y las líneas rectas en el lado derecho. Y ese puede ser un ejemplo fácil de recordar que por lo general en un buen diseño bajo la superficie, hay todos estos contrastes secundarios adicionales, terciarios establecen. Entonces siempre hay uno que es obvio, pero hay otras adicionales que puedes encontrar. Si comienzas a pelar de capas y realmente empiezas a entender cómo se ha creado algo y cuál fue la intención. Así que siempre ten en cuenta que cada vez que creas algo además del contraste obvio, siempre puedes tener algunos ocultos, menos reconocer una mezcla usos más sutiles del contraste también. Aquí hay un gran cartel que fue creado el 100 aniversario del estilo o movimiento Bauhaus. Y esto captura a la perfección nuevo muchas capas de contraste. Por lo que tenemos las formas geométricas contrastantes superpuestas una encima de la otra. También tenemos colores contrastantes, pero luego también tenemos contraste en el borde, detalle o claridad. Entonces si bien cada forma tiene una esquina muy claramente definida, el otro lado de la forma se mezclará y desaparecerá, creando una hermosa mezcla entre estos elementos para establecer el equilibrio entre el lado izquierdo y el derecho de esta composición, tenemos la afilada esquina visible de la forma en la parte superior del lado izquierdo, mientras que en el de abajo tenemos esa esquina visible afilada a la derecha. De manera que eso ayuda a tener aproximadamente misma cantidad de volumen de color, tanto en el lado izquierdo como en el derecho. O también puedes dividir la composición de esta manera. Y de nuevo, tendrás más o menos el mismo tipo de equilibrio. Y por cierto, no se puede simplemente confiar en el contraste para crear una gran composición. Siempre hay que emparejarlo y combinarlo con otros principios como el equilibrio. En este caso, hemos visto ejemplos de utilizarlo junto con ritmo y patrón en las ilustraciones del episodio anterior. Aquí hay otro gran ejemplo de contrastes utilizados en la tipografía. Por lo que tenemos dos mensajes diferentes superpuestos uno encima del otro. Y la razón por la que todavía podemos leerlo es porque son claramente diferentes. Uno es un tipo sin serif condensada, que sólo tiene los contornos. Y el otro es más de un impuesto de tipo guion escrito a mano, que obviamente también es diferente en color, pero también tiene un poco de una cualidad tridimensional a la misma. Por lo que de nuevo, para que esta composición funcionara, fue necesario establecer múltiples capas de contraste. Algunos más obvios, algunos un poco más sutiles. Ahora también hay un efecto psicológico de contraste. Hay una razón por la cual la mayoría de las tiendas web tendrían productos similares dispuestos uno al lado del otro. Entonces te permite compararlos y encontrar cuál es mejor, más rápido, más grande, etcétera, así sucesivamente. Probablemente uno de los ejemplos más minimalistas y al mismo tiempo más profesional de esto sería Apple, donde volverías a ver los diferentes modelos uno al lado del otro. Y aquí de nuevo, además de la obvia diferencia de tamaño, que podemos ver claramente cuando estos dos se ponen uno al lado del otro. También tenemos contraste en el uso del fondo de pantalla, que define claramente la versión pro diferente a las otras dos. En UX y el diseño web el contraste es crucial porque principalmente se utilizan en los elementos con los que puedes interactuar, ya sean diales como estos, o botones o cualquier otro elemento de navegación. Pero incluso dentro de los contenidos, se tendría un contraste establecido sobre el impuesto para asegurarse de que es fácil encontrarlo. Y al mismo tiempo para crear jerarquía y similitud, tenemos el mismo color y fuente e incluso colocación utilizada en todos estos iconos o elementos aquí en esta pantalla. 9. Cultura popular: Y por último, aquí hay algunos ejemplos más. Nuevamente, solo para mirar diferentes aspectos de formas de usar el contraste. Un artista que realmente me gustaría destacar quién es en mi opinión, un maestro de usar el contraste es Olly Moss. Así que echa un vistazo a su trabajo. Estos carteles son todos de él aquí en la parte superior. Y su trabajo, además de utilizar el contraste, también es muy reconocible por el uso inteligente del espacio negativo, ya sea para crear un emparejamiento inteligente de la silueta o perfil de Clint Eastwood y la pistola, en este caso, o el pino que se crea como secundario leído desde las montañas y los cantos rodados en primer plano. Lo que quería volver a sacar este cartel de Olly Moss, porque esto tiene múltiples formas de usar el contraste, tenemos estas líneas fuertes en el lado izquierdo y derecho, que también de nuevo tensión y realmente ayuda a enfocar y dirigir el ojo del espectador hacia el centro y están usando contraste. Tenemos los detalles más brillantes y oscuros justo al lado del otro, creando un punto focal sobre el personaje femenino. El mismo alto contraste usado en el título, que también es al mismo tiempo los dientes. Pero entonces también tenemos el contraste en escala con este enorme, gigantesco simios que tenían y el pequeño personaje frente a él. Ya que estamos hablando de King Kong. Esto es otra vez, otro ejemplo de un diseño icónico del enorme monstruo, el simio y la pequeña pequeña frágil hembra es como el último contraste que se puede armar en un marco y en un composición. Esa yuxtaposición extrema de poner dos cosas completamente diferentes una al lado de la otra crea una tensión muy poderosa y una historia convincente que contar. El mismo tipo de pares de personajes contrastantes se pueden encontrar también en programas de televisión como The Mandalorian. Nuevamente, personajes completamente diferentes en un viaje juntos crean una historia muy poderosa y atractiva. Y al igual que antes, no es sólo su tamaño, sino también su comportamiento lo que es diferente. Las cosas que son diferentes. En este caso, la especie también es diferente. Y las interacciones de estos personajes contrastantes, lo que hace que una historia interesante quizá no sea tan extrema, pero el mismo contraste en pareja de personajes se puede ver en Logan, también en la última versión de dios del juego de guerra, o incluso Last of Us. Y de nuevo, el hecho de que en esta composición, además de tener juntos estos dos personajes contrastantes, también existe el contraste extremo en blanco y negro en valor que ayuda a amplificar la tensión y hace que toda la composición sea más interesante para mirar. Y por último pero no menos importante, otro artista que quería destacar de quien puedes aprender mucho sobre usar el contraste en tu composición. Es magnesia López. Produjo una increíble cantidad de carteles, la mayoría de los cuales probablemente te familiarices si estás usando Pinterest o eres manos porque su trabajo está por todo Internet. Y uno de los principales atractivo de su trabajo, además de ser muy creativo, es el uso inteligente del contraste multicapa. Y por ahora, después de pasar por tantos ejemplos, estoy seguro que puedes detectar la mayoría de estas V de usar contraste, por ejemplo, en esta composición o aquí hay otra. Nuevamente, muchas formas inteligentes de introducir contraste, ya sea formas agudas y redondas una al lado de la otra, o colores vivos brillantes junto a detalles oscuros, o la inesperada combinación de dos imágenes, en este caso, creando el punto focal en el centro de la composición. Realmente espero que estos ejemplos te ayuden a poder utilizar y utilizar el contraste en tu propio trabajo. Entonces para resumir, lo más importante a la hora de contrastar es que hay que usarlo en cada composición, pero hay que aprender a tonificarlo arriba y abajo dependiendo de lo que te gustaría lograr, aumentar el contraste si quisieras crear un diseño dramático, impactante y tonificarlo si quieres ser un poco más sutil, pero además no olvides establecer múltiples capas de contraste. Entonces además del contraste obvio, siempre tienes algunas formas más matizadas de introducirlo en tus comps. Y no tiene sentido enumerar lo que puede ser contrastante en InDesign porque cualquier cosa puede ser contrastante como lo hemos visto a partir de estos muchos ejemplos que cubrimos, sólo depende de su creatividad y decisiones creativas de cómo lo estás utilizando para tu trabajo. 10. Comprobador de contraste en línea: Cuando se trata de contraste, una de las cosas más importantes como diseñador gráfico que hay que considerar es asegurarse que haya suficiente contraste para el texto porque eso está efectuando legibilidad. Este es un sitio web brillante para el que el enlace puedes encontrar debajo de este video y también en los tableros de melanoma donde puedes probar combinaciones de colores, teniendo un color de fondo y el color del texto. Y podrás obtener calificaciones y ver qué tan bien se va a realizar ese contraste. Entonces en este caso, tenemos una puntuación muy alta con este color azul oscuro utilizado para el texto y el uso de color azul brillante para el fondo. Pero veamos qué pasa si cambio el color del texto. Sólo voy a ir más alto aquí arriba, e inmediatamente la calificación va bajando, así que obtenemos una calificación muy pobre. Entonces esto definitivamente no va a ser suficiente contraste para un pequeño impuesto, pero ni siquiera funcionará para texto grande. Estas cotizaciones aquí a la derecha son sólo para fines de vista previa, pero siempre se puede ver esto en pantalla completa también, solo para ver el resultado de la combinación de colores. Y realmente me gusta esta opción aquí, que puede ayudarte a arreglar el contraste. Por lo que una vez que haga clic en esto, puede seleccionar lo que permite cambiar. En este caso, sólo voy a decir ajustar ambos colores e inmediatamente agregamos de nuevo a una puntuación más alta. Lo bueno es que puedes copiar estos códigos hash una vez que hayas encontrado la combinación correcta. Pero también puedes cambiar el selector a otros modos de color. Entonces en lugar del código hexadecimal, también puedes obtener códigos RGB, CMYK, incluso de laboratorio. Y si decides copiar esto, basta con hacer clic en este pequeño icono aquí, que luego podrás utilizar en cualquier aplicación de Adobe. Ahora en caso de que te estés preguntando cómo funciona esta puntuación, puedes encontrar más explicación al respecto. En realidad es de acuerdo con las Pautas de Accesibilidad al Contenido Web, que define dos niveles de contraste. El WA es el nivel mínimo de contraste, y la AAA es el contraste mejorado o ideal. En el siguiente video, te voy a mostrar otra herramienta muy interesante de 3M. Se llama el software de atención visual. Esta no es una aplicación gratuita, pero es un gran plug-in que puedes usar en aplicaciones de Adobe. Y verás cómo se puede usar la inteligencia artificial para predecir al instante lo que verán los espectadores a primera vista cuando estén mirando tus diseños. Como verás, tanto el color como contraste en tus composiciones tiene mucho que ver con lo que gente te estará prestando atención. 11. Software de atención visual Parte 1: Aquí estamos en Photoshop y como pueden ver, ya tengo el plug-in de software de atención visual 3M abierto en el lado izquierdo. Y si te estás preguntando cómo instalar este plugin, probablemente el más fácil si vas al menú de plugins y eliges plugins del navegador. Esto te va a llevar a la app Creative Cloud, donde puedes buscar plugins y solo necesitas escribir 3M aquí en el lado izquierdo. Este plugin está actualmente disponible para Photoshop, Illustrator y Adobe XD. Pero por ahora, simplemente volvamos a Photoshop y echemos un vistazo a cómo podemos mejorar el diseño de este empaque de chocolate y hacer que sea más fácil para los compradores encontrar la información relevante al respecto. Por cierto, este diseño fue creado por Nina, quien es una de nuestras alumnas miembros. Y se presentó para uno de los muchos proyectos creativos que ofrecemos en este programa de tutoría. Si te interesa saber más información al respecto , El enlace se encuentra en la descripción a continuación. Entonces ahora que tengo este diseño cargado en Photoshop, puedo usar el plugin para probar cómo va a funcionar este diseño. En primer lugar, tenemos que elegir qué tipo de contenido es este. Esto es empaque. Entonces voy a seleccionar eso. Pero por cierto, se puede ver que aquí hay bastantes opciones. Y si por alguna razón no cae en ninguna de estas categorías, siempre se puede elegir otra. Porque este plugin está usando inteligencia artificial. Ayuda si eliges la categoría correcta al principio. Y después de eso, todo lo que tienes que hacer es simplemente golpear Analizar. Ahora para hacer las cosas más rápidas y suaves, ya tengo algunos resultados aquí, y en realidad te voy a mostrar cómo refino el diseño basado en la retroalimentación que obtengo del plugin. Sólo voy a encender Show, que me va a dar un mapa de calor en primer lugar, pero puedo cambiar a hotspots y secuencia de la mirada también. Generalmente toma alrededor de diez a 20 segundos generar análisis, principalmente dependiendo de la complejidad del diseño en el que se esté ejecutando el análisis. Todos los resultados siempre se generan como grupos separados aquí a la derecha. Para que puedas encenderlo y apagarlo fácilmente solo para ver el diseño original y la información que fue generada por el plug-in. Entonces cuando estás haciendo clic en estas opciones aquí a la izquierda, en realidad estás cambiando entre capas en el documento. Y al echar un vistazo al mapa de calor, ya puedo ver un par de cosas. En primer lugar, el estrangulador de marca o Rica, es bastante bueno. Destaca, pero no tanto como la ilustración. Lo que se pierde por completo es la información real en la parte inferior. Entonces eso ni siquiera está cubierto por la mirada del espectador según el plugin, en esta instancia, la ilustración misma está captando demasiada atención y se pierde información importante si nosotros cambiar a hotspots, una vez más, sólo confirma que la ilustración es dos dominantes actualmente. Pero, ¿cómo funciona realmente este plugin? Es importante entender que para poder mejorar nuestros diseños. Entonces bajo el capó, el plugin en realidad está analizando una compleja relación entre los cinco elementos visuales que puedes ver aquí. Por lo que agregan bordes, intensidad, rojo, contraste verde, azul, contraste amarillo y caras. Y también es importante mencionar que el plugin en realidad está simulando la primera mirada en lugar de la visión consciente. Entonces a primera vista es algo que es universal en todo el mundo. Y es algo que hacemos sin pensar es que los primeros 35 segundos cuando miramos algo. Entonces eso es lo que el plugin puede simular muy de cerca. Ahora, volviendo a nuestro diseño, por fin podemos mirar la secuencia de la mirada, que también es muy útil. Esto esencialmente nos está dando las primeras cuatro ubicaciones donde nuestro ojo de los espectadores se sentirá atraído. Y en este caso, los cuatro se quedan dentro de la ilustración. Por lo que ni siquiera van en el nombre en la parte superior ni la información en la parte inferior sobre el sabor y el tipo de chocolate que este empaque es de cuatro. Entonces en cuanto a los objetivos de este diseño, que la información en la parte inferior, en la parte superior debe ser notable o rápidamente reconocible. Actualmente estamos bastante lejos de. Este es un buen ejemplo de a veces un bonito diseño colorido puede verse bonito, pero podría no ser efectivo en términos de cuál es el objetivo real del producto. Así que ahora que tenemos nuestros comentarios del plugin, echemos un vistazo a la segunda versión del diseño. Este es un cambio sutil. Entonces todo lo que he hecho aquí es hacer que la ilustración sea un poco más considerada. Por lo que tiene menos contraste y menos saturación. De esta manera estamos reduciendo también la intensidad y el contraste de bordes, e incluso el contraste para los colores como hemos visto antes. Y traté de hacer que la información en la parte inferior sea mucho más dominante, así que acabo de hacerla más grande. Entonces echemos un vistazo a los resultados ahora. Nuevamente, empezando por el heatmap, que los rojos son los detalles más dominantes. Y luego entra en amarillo, verde, y luego azul. Azul marcando las áreas que aún atraen atención pero la menor atención en comparación con esos otros detalles. Por lo que logramos lograr un poco de mejora aquí, tenemos un poco de la atención ahora bajando sobre esta información en la parte inferior. Por lo que los espectadores probablemente van a leer qué tipo de chocolate es este, y tal vez incluso el sabor. Lo cual de nuevo, podemos ver si solo vuelvo a mostrar el diseño. Entonces los textos de frambuesa allí en la parte inferior, pero lamentablemente sellan la ilustración es dos dominantes y sigue atrayendo demasiada atención. Entonces si cambiamos a hotspots, eso nuevamente confirma que esta zona aquí en la parte superior aún no es lo suficientemente importante ni lo suficientemente notable. Y dentro de la ilustración hay áreas que son realmente alto contraste y simplemente realmente atraen demasiado de la atención. Si cambio a la secuencia de la mirada, eso muestra de nuevo que todo comienza aquí en esta cascada, luego salta hacia abajo sobre la información en la parte inferior, luego vuelve a subir al pájaro en la ilustración. Y sólo al final, subiría al logo en la parte superior. En lugar de esto, preferiría ver algo así como el número uno en la parte inferior, luego el número dos en la parte superior. Y entonces el número 34 puede estar en algún lugar de la ilustración en el centro. Por lo que una vez más, tenemos que volver al tablero de dibujo y refinar nuestro diseño. Entonces a partir de esta segunda versión, me mudé a una versión mucho más simplificada. Todavía tiene parte de la ilustración original, pero de una manera mucho más simplificada. Por lo que estamos tratando de realmente mantener la atención en los elementos importantes y mantener toda la ilustración más como una lectura secundaria. Entonces volvamos a ver, los resultados para esta versión. Aquí está el mapa de calor. En primer lugar , lamentablemente, la ilustración sigue atrayendo muchos de los intereses. Y cuando miramos los hotspots, parece que incluso un pequeño detalle de fondo como este puede confundir a los espectadores. Y en lugar de mirar la información aquí en la parte inferior, sus ojos se sentirán atraídos por ese detalle innecesario allí, que simplemente está justo ahí con el propósito de decoración. Entonces cambiamos a secuencia gay. Podemos ver que sigue pasando demasiado tiempo aquí en el centro, así que todavía no estamos ahí. Pero aquí hay otra versión que vuelve a refinarse aún más. Permítanme simplemente cambiar de ida y vuelta entre 34. Como se puede ver, lo principal que he hecho aquí es reubicar algunos elementos, también ampliar elementos en la ilustración. Y lo más importante, trasladé este colorido pájaro al fondo, ya que sé que está atrayendo atención y no quiero dejarlo fuera del diseño, entonces probablemente sea mejor colocarlo donde quiero que se dirija la atención. Lo mismo con el perezoso, aunque va a atraer la atención en el centro, es una buena manera de liderar o transferir la atención desde los dos detalles importantes arriba y abajo. Antes de explicar todas mis otras decisiones de diseño y cómo mejoro el diseño, echemos un vistazo al análisis de esta versión. Entonces aquí está el mapa de calor, como acaba de ver de nuevo, el diseño y el mapa de calor. Y podemos ver que ya está mucho mejor. Por lo que tenemos bastantes áreas activas aquí en la parte inferior y también en la parte superior. Pero principalmente lo que me interesa es ver los hotspots y la probabilidad de la atención captan los ciertos elementos. Y puedo ver ahora que la imagen de marca o el logotipo va a ser los más fuertes donde hay 84 por ciento de posibilidades de que la gente preste atención a esta parte, entonces secundaria va para ser este detalle aquí en la parte inferior. Y entonces sólo tercero va a ser la ilustración en el centro. Entonces ese es el orden correcto que quería lograr. Pero echemos un vistazo a la secuencia k también. De manera similar, nos muestra el número uno en la parte superior, luego el número dos, el número tres, y el número cuatro nuevamente volviendo a bajar. Entonces estoy muy contenta con esto. Esto es mucho mejor que con lo que empezamos. Y solo para entender cuáles son las decisiones que tomé, solo voy a apagar los resultados y mostrarte que incluso las cosas simples como realmente atenuación o los elementos de fondo pueden marcar una gran diferencia . Por lo que todavía podemos ver estas hojas aquí, y todavía crea esa vibra colorida selva. Pero en comparación con el diseño original, que era demasiado colorido y demasiados pequeños detalles añadidos. Esto es mucho más controlado, pero también hay pequeños trucos que se utilizan aquí para dirigir la atención del espectador. Observe estos triángulos aquí en el fondo, que se supone que son árboles. Todos apuntan a esta área donde quiero atraer la atención de la gente. E incluso entre estos dos detalles, la parte superior y la inferior, tenemos estas hojas actuando como un pequeño camino visual entre esos dos detalles que queríamos destacar. Es importante entender que usted como diseñador gráfico, sigue en control y usted es el que tiene que tomar las decisiones basadas en el análisis o los resultados que el plugin puede generar. 12. Software de atención visual parte 2: Entonces entender cómo crear composiciones efectivas y usar el color, el contraste, topografía y la jerarquía sigue siendo muy, muy importante para cada diseñador gráfico. Tienes que confiar en tus conocimientos y mejorar ese conocimiento para poder crear mejores diseños. Y el plug-in solo está ahí para ayudarte a tomar esas decisiones e iterar. Al igual que lo que he hecho aquí, pasando por un par de etapas hasta llegar a un punto con el que estoy contento. También puedo mostrar estos resultados a mi cliente. Puedes ver y comparar tu historial de análisis de VS en la aplicación web si te inscribes para una suscripción completa, que incluye acceso a la aplicación web y todos los plugins disponibles para Illustrator, Photoshop y Adobe XD. Por lo que podemos comparar fácilmente la primera versión, la última, seleccionándolas y eligiendo comparar. Y luego podemos cambiar entre heatmap. hotspots son secuencia gay. Y si queremos, también podemos descargar el reporte como PDF que podemos compartir con nuestro cliente en caso te interese lo que está pasando bajo el capó. También puedes consultar la pestaña de elementos visuales, que crea estas imágenes en escala de grises que muestran exactamente esos cinco elementos visuales de los que hemos hablado. Los bordes, la intensidad, los diferentes contraste de color y caras. Y en ciertos casos es posible que desee verlos por separado y tal vez te ayude a refinar aún más tus diseños. Ahora, volviendo a Photoshop, hay otra característica importante que quería resaltar y que son las áreas de interés. Esto es algo que puedes hacer en cualquiera de las aplicaciones de Adobe utilizando la herramienta rectángulo. Y si selecciono esta área aquí en la parte superior y esta área en la parte inferior, seleccionando estos dos rectángulos y eligiendo la opción convertir a áreas de interés aquí a la izquierda, la plugin ahora va a entender que estos son detalles importantes dentro del diseño. Y si vuelvo ahora y hago otro análisis, de esta manera, podré concentrarme en las dos áreas resaltadas y realmente compararlas entre sí. Por lo que puedo ver en esta instancia, los detalles de la marca en la parte superior son en realidad más fuertes que los detalles en la parte inferior. Y esto normalmente usaría como paso final después refinar todo y sé que el diseño general funciona, siempre puedo refinar pequeños detalles como escalar las cosas hacia arriba y hacia abajo, reduciendo un poco el contraste, y realmente solo ajustando los resultados finales concentrándose en estos puntos de interés. Al inicio del video, mencioné que el plugin también está disponible para Illustrator y Adobe XD. Y solo quería mostrarme con otro de nuestros alumnos el trabajo. En este caso, es el diseño de app Philips creado aquí en Adobe XD. Aquí, el plugin de software de atención visual de 3M te dará una opción adicional para poder seleccionar hasta cuatro tableros de arte para analizar y al mismo tiempo. Por lo que en este caso puedo seleccionar esta pantalla inicial, entonces tal vez esta pantalla adicional donde elegimos ingredientes y luego los pedidos. Así que simplemente estoy manteniendo presionado la tecla Mayús y seleccionando estos tableros de arte. Sólo voy a acercar un poco más cerca para que podamos verlos mejor. Y una vez que golpee a analizar, después de un poco de carga, volveré a obtener los mismos resultados en todos los tableros de arte seleccionados. Entonces tenemos nuestros mapas de calor, tenemos nuestros hotspots, y también la secuencia de la mirada. Y ya aquí en la primera pantalla puedo ver que los iconos sociales son simplemente demasiado grandes y atrayendo demasiada atención. En cambio, deberíamos tener la opción de inicio de sesión mucho más notable. En esta otra pantalla, que es la lista de verificación. De nuevo, podemos revisar nuestro mapa de calor, los hotspots y la secuencia gay. Creo que principalmente basado en los hotspots, la imagen está atrayendo un poco demasiada atención. Nuevamente, aquí, podríamos necesitar equilibrar un poco las cosas y asegurarnos de que la imagen no esté atrayendo demasiada atención. Y en cambio tenemos un poco más de contraste o visibilidad sobre los ingredientes reales aquí en el centro. Y eso es todo lo que quería mostrarte en este video. Espero que lo hayas encontrado interesante y perspicaz. Siempre es bueno entender cómo involucrar mejor a los espectadores con tus diseños y cómo mejorar tus composiciones con esa primera mirada en mente. 13. PROYECTO: técnicas de Adobe Photoshop: En Adobe Photoshop, cuando abres un archivo PSD, encontrarás capas más antiguas aquí en el panel Capas. Y ya están organizados de una manera que facilita encontrar cosas. Entonces, por ejemplo, los detalles del texto están todos agrupados. Y también tenemos todos estos elementos aquí en el medio en ese grupo de capas. Para poder verlos individualmente, solo hay que abrir el propio grupo y luego seleccionar una capa. No obstante lo es. No obstante, hay una forma más rápida de llegar a las capas. Es decir, si utiliza la herramienta Mover, si tiene desactivada la opción de selección automática, pero asegúrese de tener las entidades de capa seleccionadas. Puede usar la tecla de comando o control para hacer clic rápidamente en Detalles y tenerlos seleccionados aquí en el panel de capas. Entonces esa es una forma rápida de llegar a ellos. Ahora bien, si tiene activada la selección automática, esto sucederá automáticamente sin mantener presionado el atajo de teclado que acabo de mencionar. En realidad lo prefiero sin el selecto mayor. Así que asegurémonos de que solo cambie capa cuando realmente quería. Ahora digamos que tenemos esta capa seleccionada aquí en el medio. En lugar de aplicar un ajuste directamente a esta capa, lo que recomendaría hacer es agregar una capa de ajuste desde este ícono aquí en la parte inferior, puedes encontrar todos los ajustes. Pero recomiendo usar la saturación de tonalidad la mayor parte del tiempo cuando se trata de fijar los colores de un detalle existente. Entonces ahora que se agrega esta capa de ajuste y podemos hacer doble clic en este icono para llegar al panel de propiedades donde podemos hacer nuestros cambios. Aquí, podemos empezar a mover las cosas. Pero note que cuando estoy haciendo esto, en realidad afecta todo lo que está debajo de esta capa de ajuste. Entonces ahora sólo la capa que queríamos apuntar , pero todo lo demás. Es importante entender que sólo los detalles que están debajo cambiarán. Entonces, por ejemplo, esta capa, que es la de la derecha, como puedes ver, no está cambiando de colores porque eso está por encima de las otras capas. Ahora mientras muevo este ajuste de tonalidad, ya puedo ver un par de mejores composiciones. Por lo que puede mejorar el contraste y las armonías entre los colores ya haciéndolo a nivel global como este. Pero recomiendo hacer esto de manera más individual. Entonces, la forma en que puedes hacerlo es manteniendo presionada la tecla Alt u Opción y haciendo clic entre la capa de ajuste y la capa a la que quieres que apunte. De esa manera se crea una capa de ajuste recortada o una máscara de recorte. Y si enciendo y apagando esta capa ahora podemos ver que el ajuste que creamos está afectando directamente a la capa debajo de ella. Y eso es lo único que cambia cuando muevo el control deslizante de tonalidad. Ahora además del deslizador de matiz, también puedes ajustar la saturación para que puedas aumentarla o disminuirla, haciendo que los colores sean más monocromáticos o más pastorales. Si es sólo reducir la saturación. Y en realidad no es recomendable hacer cambios con semejanza, pero también puedes experimentar con esto si quieres. Estos realmente pueden lavar los colores. Por lo que es mejor confiar principalmente en los cambios de matiz y saturación para estos ejercicios, también desea evitar el uso de la característica coloreada porque eso solo convierte como capa seleccionada en una sola elimina todas las variaciones en el uso. Entonces no voy a encender eso. En cambio, sólo voy a tratar de encontrar un color que tenga suficiente contraste de su entorno. Y al mismo tiempo también funciona como una bonita armonía de color con todos los elementos juntos. Entonces ahora si escondo este panel, se puede ver que puedo encender y apagar fácilmente el ajuste que creé. Entonces es completamente no destructivo. Y también puedo hacer doble clic en ese icono para volver a los cambios que apliqué y hacer más cambios cuando quiera. Una vez que termines con todas las mejoras que has creado, asegúrate de guardar el archivo PSD y exportarlo como JPEG, que será la forma más fácil de subirlo y compartirlo. 14. PROYECTO - técnicas de Adobe Illustrator: En Adobe Illustrator, podrás utilizar una característica muy útil para lograr rápidamente mejores resultados. Esto se llama la función de re-color de la obra de arte. Y recomiendo usar la herramienta de selección, no la herramienta de selección directa en este caso. Entonces, con esto, puede seleccionar componentes o grupos de objetos más grandes. En este caso, todo este Banner se puede seleccionar así. Pero si no estás seguro de lo que estás seleccionando, también es bueno mantener abierto el panel de capas donde realmente puedes hacer un seguimiento de lo que estás apuntando actualmente. Entonces en este caso, solo puedo comprobar activando y desactivando esta selección que ese es el banner que voy a hacer cambios también. Por lo que una vez que estés seguro de que lo seleccionas lo correcto, solo puedes hacer clic en este ícono aquí en la barra de Opciones. En, en caso de que no veas este icono, solo tienes que ir al menú Ventana y asegúrate tener activada la opción de control. Una vez que hagas clic en la función, se abrirá este panel flotante, que podrás moverte. Y te dará un par de opciones. En primer lugar, puedes ver todos los colores incluidos en la selección. Y luego también se pueden ver los colores representados en esta rueda de colores. Ahora no voy a entrar en demasiados detalles sobre cómo funciona esta característica porque voy a mostrar eso en videos separados. Pero por ahora, solo te voy a mostrar rápidamente si solo muevo estos colores, puedo ver cómo cambia el banner de la derecha. Y cuando llego a un resultado más agradable que el original, todo lo que tengo que hacer es hacer clic en algún lugar afuera y luego ya está aplicado. Entonces, si queremos ver ahora antes y después, podemos usar la función de deshacer. Entonces fue antes y rehacer para ver los cambios que aplicamos. Ya que el tema de estos estandartes es la primavera y la primavera se trata de los bonitos colores verdes frescos. Siento que ya está funcionando mucho mejor que el original. Pero después de aplicar la obra de re-color, podemos por supuesto entrar en la selección detalles individuales como el fondo aquí, usando la herramienta de selección directa, la flecha blanca. Con esto, puedo apuntar objetos individuales como el fondo en este caso. Y puedo cambiar sus colores usando el panel de color o el panel de muestras. Y en realidad guardé un par de muestras útiles aquí con las que puedes experimentar. Y se puede ver de inmediato cómo estos cambian la composición. Entonces si queremos conseguir algo de color muy fresco o pálido en el fondo, eso puede ayudar a establecer más contraste. Por supuesto, puedes decidir usar algo más oscuro que el fondo. Tan solo ten en cuenta que quieres crear una bonita armonía de color y además quieres tener suficiente contraste. Entonces una cosa que el acero no está funcionando bien en este caso es esta pequeña cinta de aquí, que es la parte llamada a la acción de la pancarta. Entonces si tengo ese seleccionado, puedo ver que esto es en realidad un gradiente. Entonces no es un solo color, es un gradiente. Y la forma en que podemos cambiar esto más fácil es presionando G en el teclado, lo que hará que aparezca el anotador de gradiente. Y entonces puedo seleccionar colores individuales dentro del gradiente. Entonces, por ejemplo, si quiero deshacerme de este color marrón aquí, ahora solo puedo elegir un color muy rápidamente del panel de color o incluso del panel de muestras. Y una vez que encuentre algo que funcione bien, digamos que tal vez este morado, en realidad crea más contraste. Entonces puedo hacer clic de distancia y echarle un mejor vistazo. Si aun así quiero hacerle cambios. Una vez más, lo voy a seleccionar con la herramienta de selección directa. Después presiona G en el teclado, y luego puedo seleccionar otro color. A lo mejor hacer que el más brillante o algo en la línea de esto. Y si hago clic de distancia ahora, otra vez, puedo comprobar si funciona o no. Ahora todavía no estoy contento con esta composición. Qué logramos mejorarlo en comparación con cómo empezó. Y en caso de que no estés seguro de si realmente estás logrando mejoras o no, lo que puedes hacer es crear un tablero de arte duplicado mediante el uso de la herramienta de tablero de arte. Simplemente mantenga pulsada la tecla Alt u Opción mientras arrastra la mesa de trabajo por su etiqueta. De esta manera podrás realizar un seguimiento fácil de los banners originales y las versiones que estás mejorando. Asegúrate de guardar el archivo de Illustrator sí para poder volver a los objetos con los que trabajaste y continuar realizando cambios en ellos si lo deseas, sin embargo, para poder compartir el resultado final, asegúrese de guardar su trabajo como JPEG, ya sea yendo a exportar para pantallas o tomando una captura de pantalla. Y en caso de que uses dos tableros de arte, incluso puedes tomar una captura de pantalla de ellos lado a lado, lo que hará que sea más fácil para todos ver los cambios que lograste. Buena suerte y diviértete con estos ejercicios. No puedo esperar a ver cómo implementas todas las cosas que aprendimos en este curso y cuánto podrás mejorar el impacto de estas composiciones fijando esas armonías de color y contraste. 15. PROYECTO - Adobe Illustrator - ilustración de color: Siempre he sido un gran fan de la función de re-color de las ilustraciones. Te gustaría usar esta función normalmente cuando quieras mejorar la paleta de colores de una ilustración. Por ejemplo, tenemos una hermosa ilustración aquí en el lado izquierdo con magníficos colores otoñales. Y del lado derecho tenemos dos instancias de la misma ilustración donde estoy contento con la composición general, pero no estoy 100% seguro de los colores. Con la nueva y mejorada obra de re-color, podremos usar la ilustración de la izquierda como referencia y hacer coincidir los colores para nuestra ilustración de la derecha. Entonces probemos esto. Voy a seleccionar esta ilustración aquí. Haga clic en el icono de re-color de la ilustración aquí en la barra de control. Por cierto, si no ves esto, sólo tienes que ir al menú Ventana y elegir control. Así que una vez que tenemos eso seleccionado, aparecen estos nuevos cuadros de diálogo flotantes, que podemos movernos fácilmente. Yo sólo lo voy a guardar en algún lugar en el medio. Y fíjate que tenemos la opción aquí llamada Color Theme Picker. Entonces esta es la nueva característica cool que quería mostrarles. Yo pinchando sobre esto, podemos seleccionar una ilustración. Esto se agrupa aquí en el lado izquierdo. Y es importante porque si no estás agrupando las cosas, esta herramienta no podrá muestrear todos los colores incluidos al mismo tiempo. Por lo que una vez que haga clic en él, dará cuenta de que ya se ha aplicado en el lado derecho, y yo sólo intencionalmente guardé la versión original aquí en el medio para que pueda comparar las dos. Pero podemos ir mucho más allá si solo queremos muestrear una cierta área de esa ilustración de la izquierda con el mismo tema de color Picker, podemos simplemente dibujar alrededor del área que nos interesa. Digamos algo así. E inmediatamente la ilustración cambia en el lado derecho. Ahora déjame volver a seleccionar todos los colores una vez más, y luego solo refinemos un par de cosas. Este color amarillo, sólo voy a moverme un poco más hacia las naranjas, algo así. Y luego la carpa con el color verde se ve bastante bonita. Pero tal vez queremos también cambiar a un poco e ir hacia los morados aquí. Creo que eso va mejor con la paleta de colores general. Y puedes pedir el comparar los colores de antes y después. Pero usemos de nuevo la obra de arte de re-color, en este caso en la ilustración del medio. Voy a mover esto ligeramente a la izquierda y mostrarte un par de características geniales adicionales. En primer lugar, los colores originales que tenemos aquí, podemos refinar ajustando estos valores aquí en la parte inferior. Este es el brillo que podemos reducir y hacer que todos los colores sean más oscuros o más brillantes. También podemos cambiar a saturación, donde podemos desaturar los colores arrastrándolos hacia la izquierda o agregando colores más vivos si lo arrastra hacia la derecha. Esto ya estaba disponible en versiones anteriores, pero sólo era mucho más largo para llegar a. Ahora, con este menú rápido es mucho más rápido y más fácil hacer estas cantidades. Pero mi nueva característica favorita dentro de la obra de re-color tiene que ser la sección de colores dominantes que podemos jugar con las proporciones de los colores dentro de la ilustración. Entonces por ejemplo, si quería ver más de este color, que está aquí del lado derecho, solo puedo arrastrarlo más a la izquierda y se puede ver cómo empieza a apoderarse del color del cielo. Entonces si lo arrasto hacia atrás, ahora tenemos más de eso. O de nuevo, puedo rastrearlo y luego tenemos de nuevo más del color a la derecha. También tenemos aquí los dos iconos con los que podemos aleatorizar los colores. Este de aquí aleatoriza el orden de los colores, lo que puede crear resultados bastante sorprendentes. Y luego también tienes la aleatorización de la saturación y brillo de los colores. Una vez más, estos ya estaban disponibles antes. Simplemente es más rápido llegar a este momento, siempre podemos restablecer los colores rápidamente antes de salir de la función de re-color. Y si quieres llegar a todas las opciones avanzadas o al cuadro de diálogo original, solo tienes que hacer clic en la opción Avanzado aquí en la parte inferior. Y esta debería ser la forma más familiar de ver la característica de las ilustraciones de re-color. Si tienes un grupo, solo puedes usar la herramienta de selección directa y resaltar también las partes que deseas realizar cambios. Entonces utilicé la herramienta flecha blanca o herramienta de selección directa, resáltalo el lado derecho de este grupo. Y ahora vuelvo al mismo icono. Elige eso, y luego vuelve de nuevo, vincula los colores de armonía y arrástralo al otro lado. Por lo que rápidamente creamos un lado complementario a la obra de arte original. Entonces en el lado izquierdo tenemos los colores cálidos. Del lado derecho tenemos los tonos más fríos. Probablemente ya puedas ver el potencial en esta herramienta, pero déjame guiarte por todo lo que puedas hacer con ella. En realidad voy a cambiar de ida y vuelta entre obras de arte aquí. Entonces tengo tres ejemplos diferentes. De nuevo, tengo el original a la izquierda y voy a aplicar los cambios a la derecha. Voy a incluir tanto el fondo en este caso como la obra de arte en sí. Sube a volver a colorear obras de arte. Y comencemos aquí en esta pestaña llamada asignar. Ahí están estas dos áreas principales, la Editar y Asignar. Ahora, cuando añadimos en asignar, una de las primeras cosas que me gusta hacer es guardar los colores actuales como un nuevo grupo de colores. Esa es la opción aquí arriba en la parte superior. Si hago clic en eso. Esto va a generar para mí. Y cuando hago clic en Ok, en realidad va a generar eso aquí en el panel de muestras. Ahora, eso es genial. Entonces en realidad no hemos cambiado ningún color todavía. Acabamos de crear un grupo de colores. Por supuesto, también puedes hacer eso seleccionando algo y haciendo clic en el mismo icono aquí en el panel de muestras. Pero siempre que trabajo en Illustrator, también me gusta mantener las cosas ordenadas. Y en este caso de nuevo, eliminaría cualquier muestra innecesaria para poder hacer clic en el menú del panel, el menú del panel de muestras, elegir Seleccionar todo sin usar, y luego podemos eliminarlas. Entonces solo golpeando el bote de basura y borra. Y ahora solo lo tenemos simplificado a ese grupo de colores que tenemos actualmente en la ilustración. Una vez más, voy a seleccionar estos, volver a la función de re-color de las ilustraciones y ahora puedes ver que el grupo de colores se queda ahí. Entonces si hago algún cambio aquí, sólo voy a hacer un cambio drástico y silencioso en primer lugar, eligiendo una de las reglas de armonía de la parte superior. Por lo que esta es la opción de color de cortesía donde tienes los dos lados opuestos de la rueda de color. Y en este caso, tenemos estos colores, pero claro que podemos moverlos por ahí y también podemos hacerlos más oscuros. Digamos sólo estos también. Voy a reducir en brillo. Y pusimos los colores arriba, algo así. Esa ya es una paleta de colores duotono tranquila, agradable. Por lo que tenemos la paleta de colores original realmente simplificada a dos conjuntos de colores. Y eso se puede ver aquí. Por lo que los tonos más cálidos originales se convirtieron en este color parduzco, oxidado. Y luego tenemos todos los tonos más fríos convertidos en algo similar a lo que eran originalmente también. Por lo que estos conjuntos que se crearon del mismo tono solo tienen variación en su saturación y brillo. Pero esencialmente tenemos dos colores y en realidad podemos ver eso aquí arriba también. Ahora si me gusta esta versión, puedo guardar estos colores haciendo clic de nuevo en la opción Nuevo grupo de colores. Así que ahora tenemos dos sets it, y si quiero seguir avanzando y explorando diferentes colores, puedo volver aquí y tal vez solo cambiemos esto. Ir hacia el morado o el magenta, y también tal vez cambiarlos y moverlos más hacia los tonos azules también, algo así. De nuevo, puedo guardar esto con la opción de grupo de colores. Lo bueno es que una vez que tienes múltiples grupos de colores, puedes cambiar de ida y vuelta entre ellos. Ahora obviamente, usar las reglas de armonía suele ser bastante drástico en cuanto reducir la cantidad de colores que tienes. Si quieres ser un poco más sutil, reduciendo la cantidad de colores, hay una mejor manera de hacerlo. Y déjame mostrarte esto volviendo a la versión original en color. Por lo que todo lo que tienes que hacer es dar clic aquí en la sección donde dice auto. Observe también aquí en el lado izquierdo, podemos ver el número de color actual. Entonces aquí hay 24 colores. Cuando presiono la flecha hacia abajo aquí en la sección de color, voy a reducir los colores solo por uno. Entonces eso es ahora 23. Pero entonces puedo usar las flechas hacia abajo también en el teclado o la flecha hacia arriba para aumentar y disminuir la cantidad. Y digamos que voy a bajar a 20. Por lo que eliminé por colores. La forma en que puedo ver los cambios a la derecha es simplemente haciendo clic en algún lugar del cuadro de diálogo. Entonces ahora que he hecho eso, puedo ver la diferencia. Bueno, por el momento para los colores no hace mucha diferencia porque probablemente había bastantes colores similares. Pero si voy más allá de eso, Digamos que voy para abajo. Ahora, en realidad puedo ver estas actualizaciones en vivo en el lado derecho. Así como sigo reduciendo los colores, la cantidad de colores o reduciendo en la obra de arte también, hasta volver a los colores originales. Para que yo pueda empezar desde abajo también, digamos dos en este caso que 3456 y así sucesivamente y así sucesivamente. Entonces esta es una forma realmente genial de comprobar cuántos colores realmente necesitas, cuántos colores diferentes necesitas. Y ese es un error muy común con muchos ilustradores que están empezando que están usando demasiados colores. No hay armonía entre ellos, o eso es simplemente exagerar por completo la cantidad de colores que tienen. Por supuesto, eso también puede ser un estilo. Pero lo he visto muchas veces que por cofre refinar un poco la cantidad de colores o simplemente tonalidades en la obra de arte puede mejorarlo mucho. Entonces esta característica, te recomiendo encarecidamente que la revises y juegues alrededor de la forma en que el bit, solo para ver un experimento, qué puedes llegar a y cómo puedes mejorar tus ilustraciones. Ahora, siempre que desee restablecer rápidamente los colores sin salir del cuadro de diálogo Volver a colorear ilustración, puede simplemente hacer clic en la herramienta cuentagotas aquí en la parte superior. Por lo que una vez que haces clic en eso, vuelve a la forma en que era antes de llegar a esta característica. Y luego cuando quieras tener un mejor vistazo a todos los colores que actualmente tienes aquí. Por supuesto, puedes desplazarte hacia abajo e ir a través de ellos. Observe entonces que la parte inferior que tendrá en caso de que la tenga en su obra de arte. Los colores blanco y negro, y por defecto no están cambiando. Por lo que están restringidos o bloqueados. De alguna manera, puedes desbloquearlos si lo deseas haciendo clic en las flechitas y también haciendo clic en el área de muestras de color junto a ellas, tienes que decir que quieres agregar un nuevo color ahí. Y ahora estos también cambiarán cada vez que estés aplicando opciones de re-color aquí. Por lo que sólo voy a quitar esto otra vez. Quiero mantenerlos en blanco y negro en este punto. Pero te voy a mostrar una característica realmente cool y esta es una de mis opciones favoritas, que realmente está escondida. Está en este pequeño menú desplegable de aquí. Por lo que en el área del selector de color, se puede entrar en los diferentes modos de color como RGB, CMYK, Lab, incluso. Pero el mejor es el Global Adjust. Cuando haces clic en eso, lo que puedes hacer es ajustar la saturación, aumentar o disminuir globalmente en la obra de arte, lo cual es una opción brillante. Entonces es básicamente como la característica de saturación en Photoshop. Puedes bombear los colores o reducir la intensidad de los colores. Y luego de manera similar a eso, también puedes aumentar el brillo general. Nuestros reducen el brillo. Y me gusta el hecho de que también exista una opción de luminosidad separada, que como pueden ver, hace algo ligeramente diferente. Entonces esto puede ir hasta el blanco y el brillo en realidad no llegará al blanco solo va a crear la versión más brillante de cada uno de esos colores. Entonces es un poco diferente esos dos. Y luego la otra característica realmente genial aquí es la temperatura. Entonces solo voy a resetear los colores y luego empezar a aumentar la temperatura, que hará que todo esté realmente caliente. Y entonces puedo ir en la dirección opuesta cuando podemos hacer que todo sea realmente frío. Es casi como una transición diurna y nocturna de que podemos pasar de la luz del día a la noche. Y luego lo arrasto todo el camino a la derecha. En este caso, parece un esquema de color otoñal. Por lo que incluso solo jugando con la temperatura, se puede llegar a tantas variaciones interesantes diferentes. Ahora, si solo quieres cambiar un color específico, también puedes hacerlo. Pero antes que nada, hay que encontrarlo. Por lo que aquí en esta lista, puedes encontrar un determinado color. Digamos sólo éste de aquí. Y sólo para volver a comprobar, dónde está este color en la obra de arte, puedes hacer clic en este icono con ese. Se puede resaltar exactamente dónde está. Y esto en realidad es un toggle que puedes apagar. Por lo que una vez que sepas dónde están esos colores, puedes apagarlo. Y luego vuelves a ver los colores originales o reales o los colores actuales. Pero si mantienes esto encendido, incluso puedes alternar rápidamente todos los diferentes colores en la obra de arte y puedes ver dónde están. Ahora, en realidad hay que dar clic en él para seguir viéndolo. Pero hacer clic y mantener pulsado te mostrará temporalmente dónde están esos colores. Entonces, por ejemplo, si solo bajo un poco, aquí tenemos algunos bonitos colores. Ahora, puedo apagar esto para que podamos ver qué va a pasar. Pero al tener este color ahora seleccionado, puedo empezar a jugar con las cosas. Tal vez volver a valores RGB o brillo de saturación de tono. Y si apenas empiezo a mover los tonos por ahí, ya se pueden ver esos colores cambiando. Entonces esta es una forma mucho más controlada de hacer cambios porque sé exactamente con qué colores me estoy metiendo y dónde están en la obra de arte. Entonces, en cierto modo, es como una función de búsqueda que les gusta ahí. Ahora junto a él, tenemos otros dos iconos que también me gusta usar. Estas son las características aleatorias. Así que de nuevo, voy a volver a los colores originales y tal vez pasemos a otra ilustración solo para que podamos ver otra cosa. Voy a seleccionar la obra de arte de re-color. Voy a probar este primer icono aquí. Esta es la opción para cambiar aleatoriamente el orden de los colores. Entonces lo que hace esto es que va a barajar los colores alrededor, así que no va a cambiar. El color. Paleta es sólo baraja los colores alrededor. Por lo que cuando hago clic en eso, se puede ver que ya está sucediendo. E incluso si estás usando degradados en tu obra de arte, como en este caso, va a funcionar muy bien. Y crea algunas variaciones muy interesantes. Ya se puede ver la diferencia ahí. Entonces sigue siendo muy similar porque solo estamos usando los mismos colores en un orden diferente, pero crea variaciones realmente geniales y únicas. Si quiero estropear un poco más las cosas , puedo usar la otra opción también, que va a aleatorizar el orden de los colores, pero también su saturación y brillo. Entonces cuando haga clic en eso, entonces comenzaré a ver variaciones más únicas también. Así que solo puedes aplicar cambios con un ícono y luego aplicar cambios con el otro. Y entonces eventualmente comenzarás a conseguir más diferencia entre el original y el nuevo. Ahora esto es realmente, como dije, simplemente baraja colores y aleatorizar estas cosas. Por lo que realmente no tienes mucho control sobre ella. Si quieres más control, te sugeriría usar la otra pestaña llamada Editar. Porque aquí es donde se pueden ver todos los colores en una rueda de colores. Por lo que aún podemos volver a los colores originales haciendo clic en la herramienta cuentagotas. Y entonces lo que voy a hacer es antes que nada mover uno de estos colores. Para que puedan ver como lo estoy moviendo en la rueda de colores, veo inmediatamente los cambios aquí a la derecha. Al moverlo en la rueda de colores, estoy ajustando su tono y saturación. Cuanto más lejos esté el color al borde de la rueda de colores, más saturado esté, y cuanto más cerca esté del centro, más desaturado estará. Y por supuesto, la rueda de colores tiene los 360 grados de todos los colores que tenemos en el espectro. Entonces podemos usarlo así, pero también podemos cambiar a este pero también podemos modo aquí debajo de la rueda de colores, lo que va a cambiar la forma en que funciona la rueda de colores. En este caso, el matiz todavía va a funcionar de la misma manera. Pero ahora en lugar de la saturación, tenemos el brillo de los colores. Los estudiosos más oscuros van a estar en el centro y los colores más brillantes estarán en el borde. Y siempre hay una tercera propiedad que puedes ajustar también. Y eso es con este deslizador de aquí. Entonces cuando tengas el brillo configurado en la rueda de colores, entonces aquí abajo tendrás esta saturación, que obviamente afectará a todos los colores, no solo a uno seleccionado. Esto es como un escenario global aquí. Si vuelvo a cambiar a la rueda de matiz original, entonces puedo ajustar el brillo aquí abajo. Por lo que estas son características muy útiles cuando se está trabajando en el modo de edición. Puedes ser muy específico sobre los colores que estás cambiando. Además también los puedes ver mucho mejor, por lo que tienes una mejor comprensión de lo que estás haciendo con ellos. Pero lo mejor que puedes hacer aquí es la opción link harmony colors. Por lo que una vez que haces eso, mira los colores juntos para que mantengan las diferencias relativas entre ellos. que significa que si empiezo a mover alguno de ellos, todos los colores van a cambiar juntos. Puedo llegar muy rápidamente con looks completamente diferentes. Podría haber noches demasiado coloridas de diferentes facciones peleando entre sí en esta ilustración. Pero claro, podemos hacer cosas adicionales aquí en este modo, podemos cambiar a estas diferentes vistas, como las barras de colores. Por lo que en lugar de verlos como una rueda de colores, los puedes ver como barras. Y cuando tengas las barras, obtendrás las mismas opciones que teníamos en la pestaña Asignar. Por lo que las opciones al azar. Pero también puedes arrastrar y soltar colores manualmente para intercambiarlos. Entonces si arrastra tal vez uno de estos colores aquí desde la derecha, uno de los colores verdes, y los sueltas en uno de los morados. Se puede ver cómo se intercambiaron y yo también lo puedo mover hacia atrás. Por lo que a veces también es una característica interesante, sobre todo si no tienes demasiados colores en una obra de arte. Podría ser útil revisar esto y mostrarles un par de cosas más, voy a cambiar de nuevo a la segunda obra de arte, y voy a volver a colorear la obra de arte. Por lo que de nuevo, aquí tenemos 24 colores. Y digamos que nos gustaría unirnos a algunos de ellos juntos porque sientes que son demasiado similares. Así que en lugar de tener tres colores separados para estos rosas pálidos o colores durazno, puedo fusionarlos arrastrándolos y soltándolos el uno sobre el otro. Las filas que acaba de arrastrar y soltar el uno sobre el otro. Y ahora puedes ver que aquí tenemos tres colores que están todos fusionados en uno. A lo mejor podemos hacer lo mismo aquí abajo y arrastrar a estos dos también, los fusionamos. Tal vez incluso estos dos se puedan fusionar entre sí. Y entonces sólo estamos simplificando realmente los colores. Entonces es similar cuando estamos usando la reducción, pero en este caso lo estamos haciendo manualmente y puede ayudar a veces a tener más control. Entonces ahora siento que todos los colores amarillos están más o menos aquí juntos. Si empiezo a hacer cambios, puedo convertir muy rápidamente cualquier cosa que originalmente fuera amarilla en más, digamos púrpura en este caso, o azul. Pero volviendo a los ajustes complementarios que teníamos antes, cuando tienes muchos de los colores originales comprimidos en solo dos colores. En estos casos, a veces podrías sentir que te gustaría tener una separación entre ellos. Entonces te gusta lo que estás diciendo, pero tal vez algunos de los colores originales deberían separarse. Por lo que de manera similar a la fusión, también puedes desenfundir algunos de los colores. Entonces digamos en este caso, me gustaría agarrar los colores amarillos, todos estos. Y para separarlos, todo lo que hay que hacer es dar clic en este icono. Así que los seleccioné manteniendo pulsada la tecla Shift. Por lo que puedo agregar múltiples colores una vez más y luego dar clic en ese icono que hay a la izquierda. Y ahora pueden ver que tenemos nuestros amarillos de vuelta a la normalidad. Ahora por supuesto, si todavía quiero hacer cambios en ellos, sólo puedo aplicar un cambio y luego ajustar el tono y así sucesivamente y así sucesivamente. Entonces tienes un control realmente muy preciso sobre a qué colores se van a recurrir. De qué fin son tantas formas diferentes con esta herramienta que puedes lograr resultados sorprendentes. 16. Conclusión: Enhorabuena por completar este curso de la serie de teoría del diseño gráfico. Espero que lo hayas encontrado útil e inspirador. No olvides pasar por el glosario de términos PDF, revisar todo lo que cubrimos, y si te sientes listo, toma el quiz para poner a prueba tus conocimientos. Vuelve en cualquier momento a las referencias en los tableros mileniales que usamos en este curso para ayudarte a recordar las cosas de las que hablamos o definir inspiración para tu próximo proyecto de diseño, por favor háganoslo saber si sintió que faltaba algo este curso o si tiene alguna sugerencia sobre cómo podemos mejorarlo, envíenos un correo electrónico a info en la asignación designer.com, y nos pondremos en cuenta en cuanto posible. Realmente agradecemos su aportación y ayuda. Ahora, es hora de que elijas tu próximo tema y te sumerjas en otro curso de teoría del diseño gráfico. Recuerda, no hay orden correcto o incorrecto para completar esta serie. Todas las reglas que cubrimos son igualmente importantes y todo está relacionado. Pero lo más importante es conseguir una buena comprensión de estas reglas y aplicarlas en tus proyectos. Estoy seguro de que usarás lo que has aprendido para crear algo increíble. Y no puedo esperar a verla.