Transcription
1. 1 état et cadre: La chose la plus difficile à faire est de créer quelque chose à partir de la toile vierge qui vous regarde, et je trouve qu'il est vraiment utile de l'avoir planifié d'action. Vraiment, cela peut m'aider à travers cela pour que j'ai, ah, expérience de dessin
plus réussie. Donc, les deux ingrédients essentiels que je trouve utiles sont un état d'esprit et un cadre. Prenons d'abord l'état d'esprit. J' aime diviser l'état d'esprit en deux types de pensée différents. Le premier est le design abstrait par rapport à ce que l'on pourrait appeler un état d'esprit littéral. L' idée générale du design abstrait est vraiment de transmettre un sentiment, alors pour ce faire, vous pensez à la silhouette et à la proportion. Vous envisagez de fusionner des formes, concevoir des formes, par
exemple, concevoir des formes d'ombre, concevoir des formes légères. Et encore une fois, lorsque vous fusionnez des formes, vous commencez à trouver des formes qui ont un langage propre. Ils véhiculent un sentiment qui leur est propre, et tout est très intuitif, bien cervelé genre de choses. Donc gradations silhouettes abstraites noir et blanc, simples pièces de puzzle noir ou blanc sur un sol sombre ou clair. Cela n'a peut-être pas de sens en ce moment, mais il le fera, et tout cela est principalement concerné par les éléments du design et les principes du design. Ce n'est pas vraiment le dessin, mais il est plus concerné par la composition, le flux et l'impact des images sur la page contrastent maintenant cela avec un état d'esprit littéral , et c'est ce que vous pouvez attendre. C' est une sorte de spectacle, tout approche. On pourrait dire que c'est plutôt un manuel, et c'est le genre de chose qu'on fait quand on commence parce que c'est un genre familier de sécurité, et personne ne nous a appris quelque chose de différent. Tout est là pour que vous puissiez voir. Il n'y a pas de mystère. Tout est écrit. Ces deux approches ont leur force et leur faiblesse. Tout dépend de votre objectif et de ce que vous essayez d'atteindre, mais vous pouvez utiliser. Vous pouvez commencer à utiliser un et l'équilibrer avec un autre. Vous pouvez aller et venir entre ces mentalités, et c'est pourquoi l'état d'esprit est très puissant, car il vous donne des choix non seulement en vous aidant à démarrer, mais en vous gardant sur la bonne voie jusqu'à la fin. Je dirais qu'un état d'esprit abstrait est un peu plus avancé et un peu plus difficile à faire, et l'état d'esprit littéral est ce que nous commençons en tant que débutants, et nous sommes à l'aise avec cela, juste en regardant les choses et traduire exactement ce que nous voyons sur la page. Mais ces deux ensembles d'esprit Air que vous devriez être conscient et peut vraiment vous aider dans ce processus
créatif. La deuxième clé est vraiment un cadre qui nous aide à cerner la complexité de la tâche. Et je l'ai divisé en trois idées clés. La première idée dans ce cadre est l'histoire. L' histoire est le moteur qui conduit tout ça. C' est vraiment l'histoire de l'émotion a du contenu. C' est vraiment la grande idée. Une émotion est le roi L'émotion est comme le catalyseur qui tend la main et attire l'
attention des gens . Maintenant, ton idée. Votre idée. Encore la technique de Trump. Les idées conduisent tout ce processus. Donc, si vous avez un dessin de peinture de film mal présenté quel que soit le support est, si le message tend la main et attrape les gens. Si le message ou l'idée est assez fort, les gens ne seront pas dérangés par la technique. Cependant, vous pourriez avoir un dessin magistral avec une grande technique, mais il pourrait se détacher comme ennuyeux ou raide parce que l'idée n'est pas là. C' est juste toutes sortes de détails de surface qui a l'air superbe et pourrait même regarder photo riel et impressionner le public. Mais c'est tout. Et puis ils passent à autre chose. Ou s'ils ne sont pas impressionnés par la technique et que l'idée n'est pas assez forte, ils s'ennuieront. C' est donc un risque inhérent au simple dessin de jolies images. Et croyez-moi, j'adore les jolies photos. Mais si nous pouvons glisser dans une sorte d'idée qui lui donne un autre niveau d'intérêt, je pense que cela renforce notre cas, pour
ainsi dire, parce que plus nous donnons aux téléspectateurs d'options pour se rapporter à notre pièce, plus ils vont traîner autour, regarder et être en mesure d'y entrer. La deuxième idée importante dans ce processus et c'est vraiment une sorte de flux de travail est conçu. Pensez simplement à ces trois étapes comme un flux de travail qui organise et accélère votre processus. Le design est concerné par la composition, la silhouette, choses comme la proportion, la valeur et la forme une forme a un langage de forme qui est très puissant, qui transmet l'émotion. Donc, plus nous en savons à ce sujet, mieux serait en mesure de l'utiliser pour toucher nos spectateurs et communiquer notre idée avec nos designs. La troisième idée clé de ce flux de travail est la peinture ou le dessin La scène est technique. Tout est question de rendu et de finition. C' est vraiment juste la mécanique de sortir ce truc. Sur le papier, ce sont les écrous et les boulons de l'ensemble du projet. C' est la façon de faire étape par étape. C' est le rendu, qui transmet essentiellement la forme avec la lumière et l'obscurité. Et c'est le polissage de finition, si vous voulez. Ok, donc ce sont les deux idées principales, l'état d'esprit et c'est une sorte de cadre ou de flux de travail. Et ces choses sont là pour vous aider à réfléchir au processus, organiser le processus, puis à le faire. Bon, passons à l'étape suivante.
2. 2 Théorie de l'art 1: Parlons donc de la théorie de l'art pour un instant parce que les théories vont Teoh aider à empêcher notre processus de courir hors de la route, pour
ainsi dire va nous guider à travers le chaos, l'expérience chaotique de créer quelque chose de rien qu'il peut être si souvent Donc. J' ai un triangle qui représente la hiérarchie. C' est une hiérarchie des idées et de l'organisation des idées. Le tiers inférieur du triangle est la base. C' est la chose que nous devons mettre en place d'abord pour construire et atteindre les deuxième et troisième niveaux. Vous pouvez penser à ce triangle comme la façon dont nous faisons l'art en théorie, et le premier niveau est la forme. Donc c'est la première et probablement la chose la plus facile que nous pouvons dessiner est juste vous plat deux
forme de D. Donc à ce niveau, c'est avant tout à D. C'est iconographique, c'est plat et Onley exprime deux dimensions et la proportion est importante. Ainsi, la forme et la proportion ou la silhouette et la proportion sont les choses les plus faciles à commencer. Pour faire avancer le dessin et nous donner une base solide pour passer au niveau suivant, allons montrer quelques exemples deux formes D peuvent être catégorisées en géométriques comme des triangles, cercles, des carrés. Et puis vous avez des formes organiques qui ne tombent pas dans la catégorie des lignes droites. Mais ils sont plus curvilignes, avec moins d'angles droits ou aigus et encore, plus de courbes, plus organiques, plus naturel de sentiment pour eux. Non seulement nous utilisons les formes pour faire démarrer le dessin sur le papier, mais nous avons utilisé ces formes pour composer ce qui se trouve dans le cadre, et nous avons utilisé ces formes pour obtenir une bonne lecture. Nous avons besoin d'une bonne composition, bonne lecture, pour que les gens puissent voir clairement ce que nous disons. La silhouette est importante ici, et le dynamisme des formes, c'est-à-dire, les formes sont-elles dynamiques ? Ont-ils un sens de l'orientation ? Et leur langage de forme nous communique-t-il une émotion ? C' est donc le premier niveau de la fondation. Il nous aide à entrer dans le dessin et à le démarrer et nous met en place pour le niveau suivant. Et c'est la forme. La forme est liée à tout ce qui nous donne un sens de trois dimensions pour transmettre l'
illusion de la forme utilisera efficacement des choses de valeur comme la perspective, fois linéaire et atmosphérique. L' éclairage de l'éclairage est énorme et l'atmosphère. Vous avez donc une perspective linéaire et une perspective atmosphérique. Ces trois ou quatre choses sont essentielles pour nous aider à passer de deux formes D plates à trois formes D et a été Jetez un oeil à ce que cela ressemblerait en quelque sorte si nous commençons avec une forme de rectangle plat A à D et que nous utilisons des lignes de profondeur ou des contours croisés pour dessiner sur le service. Affaiblir facilement transformé cela en une forme de trois D. C' est aussi simple que ça. Nous pouvons prendre cette forme géométrique à six côtés, transformer en un objet à trois D en lui donnant un coin intérieur. Si vous avez deux plans en relation avec le coin intérieur de Forman, vous avez instantanément trois D et vous utilisez la profondeur de la. Flynt est à l'intérieur de la forme pour le transmettre. Donc, vous avez plan un avion être et où ils se rencontrent des formes et coin intérieur. Cela vous donne l'illusion de profondeur. Vous pouvez également renforcer ce type de perspective linéaire avec l'éclairage. Donc, si nous ajoutons de la lumière en haut à droite, nous pouvons commencer à attribuer de la valeur aux plaines et vraiment vendre cette illusion. Maintenant, il n'y a pas de doute dans l'esprit du spectateur ce que nous regardons dans l'espace et comment il est allumé. Donc, à cette étape du processus, forme fait regarder les choses trois D. Et pour ce faire, il aide si votre forme a plusieurs côtés deux ou plus, droite, parce que l'un est aplati deux d. la
forme fait regarder les choses trois D.
Et pour ce faire,
il aide si votre forme a plusieurs côtés deux ou plus,à
droite,
parce que l'un est aplati deux d.
besoin de deux ou plusieurs côtés pour le faire paraître. Trois D. Il doit s'asseoir dans l'espace de façon convaincante, et pour tirer ça, nous avons besoin d'éclairage et de perspective. Et la scène est principalement concernée par le rendu. Et c'est
aussi l'utilisation de la perspective de la ligne de valeur . Transmettre l'illusion de forme en trois D sur une surface plane deux D. Jusqu' à présent, nous avons une feuille de route par laquelle nous avons commencé avec la forme. Nous sommes passés à la forme et nous avons pu passer à la phase suivante et dernière, qui est la phase détaillée. La majeure partie du travail a été fixée, probablement à 70 % environ, et ce dernier élément représentera 30 % de l'ensemble du travail. Mais les choses ici vont commencer à ralentir considérablement. Où sur les 2 premières étapes, les choses se sont probablement allées assez vite. C' est dans l'étape détaillée où les choses ralentissent, même si c'est seulement 30% du travail, cela pourrait prendre 70% du temps à faire, parce que les détails sont difficiles à faire dans leur temps et dans les 2 premières étapes, beaucoup moins dans termes du coût de temps. Ainsi, les détails sont principalement concernés par la texture, la couleur, le matériau et les détails de surface. Dans cette phase, nous allons prendre ce cube que nous avons rendu si bien avec sa perspective de valeur d'éclairage, et ensuite nous allons y ajouter de la vie. Nous commencerons par des choses importantes comme peut-être rompre un avantage. C' est juste qui lui donnerait une sorte de sens de l'histoire, écrit cogné dans quelques choses. On va mettre des fissures majeures à la surface. D' accord, cassez-les et nous ajouterons des détails tertiaires pour que les fissures soient des exemples de détails
primaires et secondaires. Ces petits pores qui indiquent que c'est du
ciment ou du calcaire ou n'importe quelle sorte de roche. On est juste en train d'obtenir des précisions sur le matériel. On va juste l'embellir. On va le polir et le transformer en quelque chose. Vraiment, c'est l'illusion de quelque chose qui vit qui respire. C' est en fait ici sur la terre, quelque chose auquel nous pouvons nous rapporter. Donc, cette phase est le visage de finition. C' est le rendu en partie, c'est l'autre partie de rendre son réalisme, donner à cette chose une vie,
quelque chose que nous pouvons rapporter à l'émotion. Et c'est aussi notre brossage. Donc tout ça va prendre beaucoup de temps plus que les 2 premières étapes. C' est 30% de la conception globale, mais cela prend 70% du temps. Mais c'est cette étape de polissage nécessaire qui peut amener les gens en contact avec les gens en clarifiant notre message et en donnant vie à notre art avec ce niveau supplémentaire de soin de polissage. Bon, passons à l'étape suivante.
3. Histoire 1: nous lisons pour savoir que nous ne sommes pas seuls. C. S. Lewis, grand auteur et théologien. J' adore cette photo à gauche. Vous l'avez probablement vu avant étaient les mots de la page ou comme littéralement mettre leurs bras autour de cette personne, les
réconfortant. C' est ce qu'une histoire conduit et peut briser l'isolement si bien montré dans cette illustration et l'illustration sur la droite. Ce gamin est debout sur les épaules de géants symbolisés par ces livres, dit d'atteindre le sommet. Nous sommes sur les livres que nous avons lus, donc l'histoire est importante. C' est probablement la tradition la plus importante que nous ayons la plus importante tradition humaine
que nous ayons . Chaque bonne histoire contient une leçon qui peut aider à guider la culture et les individus pour nous
aider à devenir meilleurs. Et nous pouvons nous voir et nous identifier avec les expériences de vie des autres dans l'histoire. Parce que si vous y pensez, nous sommes dans le grand récit. Nous sommes nous-mêmes dans une histoire, et nous sommes confrontés au bien et au mal, à l'amour, à des problèmes complexes que nous devons résoudre. Et une bonne histoire a, ah, un anneau de vérité à elle. C' est authentique, et c'est ce que nous voulons tourner pour le moment pour notre projet. On n'a pas besoin d'un roman. On n'a pas besoin d'une longue histoire. Tout ce qu'il nous faut, c'est une idée. Donc, si vous avez une idée ou une pensée, c'est assez bon. Si tu as une petite histoire, c'est bien. Et c'est ce qu'on va développer ici. L' histoire est vraiment importante parce que c'est la colle qui tient tout ensemble. Et non seulement cela, c'est l'huile qui fait avancer tout histoire. Si l'histoire est le est vraiment le royaume que nous vivons et que nous respirons, alors l'émotion est le roi. émotion est roi dans l'histoire parce que l'émotion est le catalyseur. C' est comme l'enzyme qui fait démarrer le processus. Il a le potentiel de s'enflammer, de tendre la main et de vraiment vous attraper. Ils peuvent saisir vos émotions et vous attirer, donc l'émotion est essentielle. Comme je l'ai déjà dit, c'est le roi du Royaume de l'Histoire. Alors explorons cette idée de l'histoire et utilisons-la comme catalyseur. Le démarrage, notre processus pour nos besoins allait juste avoir besoin d'une idée. Alors nous allons ah, explorez ça maintenant
4. Histoire 2: Examinons la mécanique de l'histoire très brièvement, et j'ai un guide de planification pour vous aider à démarrer notre histoire et à bouger. Donc la première étape sera de choisir une scène. Vous pouvez utiliser une scène d'un film, un livre, un rêve que vous avez une pensée que vous avez eue, ou même une expérience dans la vie réelle. Pour ce projet, j'ai utilisé une scène tirée d'un goudron et d'un roman d'Edgar Rice Burroughs. Alors lisons-le dans cette scène de la jungle. Les contes de Tarzan sont confrontés à l'idée de Dieu, et il pense qu'il est le roi de la jungle. Et donc il veut juste défier Dieu. Trouvez Dieu défie Dieu. Mais il est aussi curieux de connaître la nature de Dieu. Donc il fait le tour de la jungle demandant aux indigènes, les animaux qui ont obtenu est. Alors lisons ceci. Et donc Tarzan Harang, la lune. Et quand Goro ne répondit pas, pneus et des singes cirés Roth, il gonfla sa poitrine géante et dépouilla ses crocs et jeta dans les dents du
satellite mort . Le défi du singe de taureau vous n'êtes pas Bulla Meow à miaou, Il a pleuré. Tu n'es pas le roi de la jungle. Tu n'es pas si grand. Harz au puissant chasseur Mighty Hunter. Aucun là-bas Si grand Tarzan. Mais s'il est capable de miauler pour miauler, Tarzan peut le tuer. Descends, Goro. Grand lâche et se battre avec Tarzan. Mais la lune ne répondit pas à la vantation des huit minutes. D' accord, alors quand j'étais enfant, Tarzan était mon super-héros préféré. J' ai adoré tout sur les goudrons et tout ce qu'il faisait, comment il avait l'air, tout sur la jungle. Tout ça m'a fasciné. C' est donc le terrain à partir duquel je construirai mon image. Donc, la deuxième étape après avoir choisi une scène, vous voulez utiliser un mot ou une phrase pour décrire le sentiment principal du personnage, la scène ou
le rythme de l'histoire. Ce n'est pas si facile à faire parce que vous vous forcez à éditer toutes sortes de mots
étrangers, mais c'est bien. Donc je veux ce pelage. Inaccessible sont juste quand vous cherchez Dieu. C' est ce que vous sorte de certains des mots qui sont appropriés pour il est inaccessible et ainsi de suite. Donc c'est le sentiment que je veux traverser. La prochaine chose que vous dio est la troisième étape choisir des images de référence inspirantes. C' est un tableau d'humeur. Fondamentalement, tout
ce type de planification est un tableau d'humeur. C' est ce qu'on appelle dans l'industrie cinématographique de Games TV animation. Ils passent par ce processus. Donc, c'est vraiment une bonne chose si vous êtes intéressé par ce genre de travail ou de créer un travail comme ça. Donc il y a une idée ici sur les images ou les idées de pollinisation croisée, et cela signifie simplement simplement combiner juste pour combiner deux choses et vous venez avec quelque chose de nouveau, non ? Si vous combinez un insecte avec un avion de chasse ou un poisson avec une sorte de sous-marin, vous aurez quelque chose de nouveau. C' est donc l'idée de la pollinisation croisée. Nous pouvons le faire avec des idées. Vous pouvez le faire avec des images, et c'est la nature de créer de nouvelles choses est de les fusionner ensemble et de voir ce qui se passe. C' est des trucs amusants. C' est une expérience, et tu ne sais pas ce qui va sortir. Donc, nous avons ici nos images de référence pour lesquelles j'ai exploré Internet, et regardons cela. Ce que je pense de ce paragraphe. Cette scène dans le livre d'Echo Rice Burroughs. Je pense à Dieu, je pense à la lune, évidemment. Et je cherche juste des images qui me frappent, et je vais juste l'attraper et le mettre dans le tableau d'humeur. Donc j'ai, vous savez, l'univers, le système solaire. En regardant vers le haut, vous pouvez voir la petite personne par rapport au vaste univers. J' aime ce sentiment. C' est cette description, visuellement, du mot admiration qui me vient à l'esprit,
vous savez, vous savez, moitié Dome ici, vous avez juste la courbure de la terre, le soleil à nouveau, le solaire système. Et puis nous avons la lune ici. On a, tu sais, un peu de jungle dans ces deux jungle brumeuse droite, les vignes et les feuilles, le brouillard, le mystère. Et puis j'ai des pierres ici, ici. J' adore Rocky, tu sais, les textures. Et puis nous avons des fossiles ici. droite ? Donc, tout ce truc est vient à l'esprit, textures, lieux, sentiments. Hum, et j'ai tout mis dans le tableau d'humeur. J' ai ce petit indice là-bas. Croiser les objets pollinisés pour garder les choses fraîches, intéressantes et inventives. pollinisation croisée est donc la mère la plus importante de toutes les inventions. c' est juste qu'il pose vraiment la grande question. Que se passerait-il si je faisais ça ? Tu sais, ce qui va être le résultat ? Et c'est toi en tant qu'artiste qui pose cette grande question. Donc c'est un tableau d'humeur. C' est de ça qu'il s'agit. C' est comme ça que tu en fais un. Et c'est un moyen très efficace de sortir les choses devant vous sur le mur ou dans la
boutique photo . C' est vraiment de mettre comme un cadre autour de l'infini, à droite, parce que vous pourriez juste partir et ne jamais prendre de décision. Donc vous vous forcez à prendre une décision ici, et il y a les trois étapes. Il suffit de choisir une scène, transmettre un sentiment simple lorsque vous dessinez, puis de saisir des images de référence
inspirantes et passons à l'étape suivante
5. Rendu 1: jusqu' à ce point dans notre exploration de têtes créatives. Nous avons discuté de deux ingrédients clés pour commencer. L' un est l'histoire, l'autre est l'état d'esprit. Et maintenant que nous avons ces assez bien triés, nous avons besoin d'un ingrédient clé de plus. Nous devons mettre ce truc sur le papier, donc je vais vous suggérer deux étapes. Le premier est de créer un peu de chaos aléatoire. La seconde est d'imposer de l'ordre à ce chaos avec deux techniques de rendu simples. Et avec de la chance, notre tête créative viendra la vie des orteils sous nos yeux mêmes. Alors prenons le rendu de l'étape 2 en premier, et nous ferons la partie chaos après ça. Maintenant, il peut sembler évident ce qu'est le rendu, mais allons-y et clarifions nos termes. Juste pour qu'on soit tous sur la même page. Alors, qu'est-ce que le rendu ? rendu est le processus par lequel nous dessinons ou peignons, et nous prenons quelque chose qui est plat et deux d et nous faisons trois d. Nous lui donnons la forme. C' est ce que le rendu fait. Et voici quelques conseils sur la façon de l'aborder pour ce projet. Disons que nous avons quelques formes plates en D, comme un cercle un triangle et une forme organique aléatoire n'a pas d'importance ce que c'est. Ils sont tous plats. Une façon simple que vous pouvez prendre vos deux formes D plates et les faire trois D est par quelque chose appelé contour croix ou lignes de profondeur, ce qui signifie simplement dessiner au-dessus de la forme, transformant le cercle en une sphère. Le triangle en un cône et la forme organique en plus d'un blob de trois D et vous êtes juste suivre la surface avec partiellement lèvres est dans le cas de la sphère dans le cône et la forme
organique ou vous tolérez. Vous pouvez créer une quantité infinie de surfaces en utilisant cette technique simplement en dessinant la surface comme si vos yeux, vos yeux air, sentir cette surface, traduire cette sensation à votre main dans le stylo ou le crayon sur le papier. Une autre façon de rendre et de faire quelque chose de trois D est d'utiliser ce qu'on appelle une tonalité de modélisation, et c'est juste d'imaginer que vous êtes la lumière ou qu'il y a une source de lumière
vient d'une certaine direction et que vous utilisez une tonalité pour repousser les côtés. Laisse-moi te montrer ce que je veux dire. C' est simplement si vous l'êtes si l'appareil photo est la lumière, ou si vous êtes la lumière qu'une partie de la forme qui est la plus proche de vous. Le plus proche de la lumière sera la lumière elle et les parties de la forme qui commencent à se détourner de la lumière ou de refuser le début de la lumière pour devenir plus sombre. Donc, vous ajoutez juste un ton de modélisation à citer, poussez les côtés en arrière à droite Là vous allez. Donc vous êtes passé de deux D à trois D très simplement avec cette technique, et j'ai appris ça de Glenville Poo, qui est un professeur incroyable. Tu dois le vérifier pour le dessin de figure. Mais juste ce ton de modélisation et l'idée de repousser le côté vous ramènera de deux D à trois D assez maniablement. Parlons de l'étape numéro un,
qui posait un chaos aléatoire,
de la matière première pour que nous puissions concevoir notre tête créative. Parlons de l'étape numéro un, qui posait un chaos aléatoire, de la matière première pour que nous puissions concevoir notre tête créative
6. Rendu: maintenant, nous avons fait un pas vers le premier, ce qui comprenait certains aspects de la reddition et de l'imposition de l'ordre sur le chaos. On a sauté en avant pour une raison. Je pense que ça va avoir du sens. Mais maintenant, revenons à l'étape 1, qui est le chaos où nous allons juste jeter des bas, des formes
aléatoires, des
lignes, des tons et travailler à partir de là. Mais avant d'entrer dans cela, je veux juste vous rappeler des idées simples quand il s'agit de rendu lors du rendu, nous utilisons des valeurs claires et sombres pour transformer la forme, tout comme nous l'avons fait avec les tons de modélisation sur les bords, repoussant les côtés en arrière. Et cela ressemble à si nous mettons une gradation il suit les lois de la lumière de telle sorte que si les lumières venant du haut, vous obtenez un point culminant caractéristique. Avoir l'ombre du cœur de ton réfléchie. Regardez, venant de gauche, vous obtenez la même chose venant de droite et d'en bas, où que soit le point culminant, c'est là
que se trouve la direction de la lumière, et ensuite elle suit. Ces cinq zones, essentiellement de mise en évidence demi-ombre de noyau de lumière réfléchie la lumière, et si elle vient du centre, vous êtes la source de lumière. On dirait ça. Ok, si clair et sombre tourné forme. C' est comme ça que nous voyons la forme. C' est ce changement de valeur qui le fait paraître trois D et solide. Et je mettais juste une gradation. Ils sont là pour un magasin juste pour le rendre rapide. Voilà donc les règles. Si nous voulons faire des choses, aller bosse et regarder trois d, vous savez probablement déjà ceux si vous le faites, un petit examen ne fait jamais mal. Et si tu ne le fais pas, tu apprends quelque chose de nouveau. Les outils standard nous donnent la forme. Mais que se passe-t-il si nous voulons créer de la profondeur d'une manière différente ? On veut pousser. Donc ça fait sauter ce truc. Et si on veut pousser, pousser à droite et créer une sorte de profondeur dans le plan photo pas forcément
tomber , mais pousser dans ce qu'on va faire ? Il y a juste utilisation sombre. Les sombres vont apparaître comme si nous étions en train de pousser et de créer une ombre, non ? Donc si je crée quelque chose comme
ça, on dirait que soudain j'ai creusé un trou dans ce cercle et ce que nous allons à l'intérieur. Les sombres et les ombres semblent s'éloigner de la caméra. Ils s'éloignent de nous, alors que les lumières semblent venir vers la caméra. Assez simple. Donc tout ce que je fais, vous savez, je peux créer toutes sortes de gradations là-dedans pour qu'il semble commencer peu profond, bouger profondément, voir si je pense bien, puis revenir à peu profond, juste vers la surface de cette lance. D' accord, donc j'ai créé une sorte de creux, et c'est fondamentalement tout. Très simple, mais efficace. Si vous utilisez les sombres,
les sombres pousseront dans les ombres de Crète, ce qui donnera l'impression que la partie du formulaire s'éloigne de la caméra. Donc je peux créer un petit cran ici quelques encoches et commencer à vraiment sculpter cette chose d'une manière différente. Encore une fois, si vous avez déjà vu
ça, ce sera évident. Mais pour ceux d'entre vous qui ne l'ont pas
fait, ce sera très utile avec les ténèbres que vous poussez. Donc si j'utilise des bords durs comme si tu découpes peut-être une fenêtre ou une porte dans quelque chose. Si tu créais
une sorte de paysage urbain,
un bâtiment,
quelque chose comme ça. paysage urbain,
un bâtiment, un bâtiment, Il pourrait s'agir d'une porte, d'une fenêtre juste parce qu'elle a des bords durs. C' est dans l'ombre. Si tu n'avais pas la maîtrise de ça, maintenant tu le fais encore. Donc, dans cette instance système, en utilisant la lumière sombre pour tourner le formulaire et le faire sauter. Et dans ce cas, vous poussez et vous créez de la profondeur directement dans le plan d'image à l'aide d'ombres. Ces techniques vont absolument vous aider à trouver et rendre votre tête créative étaient presque tout le chemin là-bas en termes de création de trois D illusion. Mais nous avons encore un truc dans notre manche, donc c'est vérifié.
7. Rendu 3: Très bien, faisons un exercice de plus, en utilisant la valeur pour créer une forme très rapidement et voyons à quel point il est facile de créer une illusion de forme. Laisse-moi juste donner un ton ici et rendre cette chose ondulée. Souvenez-vous de la règle. Tout ce qui vous attend. Si vous êtes la source de lumière, c'est dans la lumière. Quels que soient les avions qui vous attendent, c'est léger. C' est le plus léger. Ok, si cet avion commence à se détourner, il devient plus sombre. Très simple. Donc, si c'est le même plan, c'est la même valeur. Si c'est un plan différent, c'est une valeur différente. Donc d'accord, donc nous avons une certaine valeur. Allongez-vous ici. On en a juste mis un autre ici. On verra à quel point c'est facile. Tout ce que j'ai à une certaine valeur et quelques bords déjà. Il semble que certaines parties se lèvent et viennent vers nous. Certaines parties ont l'air de s'en aller. Ok, les avions plus légers nous font face parce que nous sommes la source de lumière. Ils semblent donc plus légers et ceux qui semblent s'éloigner sont sur un plan différent . Comme ces gars ici, non ? Ces gars ici sont sous un angle différent. Il y a un autre avion. Ils se détournent de la lumière ou refusent les lumières pour qu'elles soient plus sombres et dans l'ombre . Si nous mettons juste dans un ton et ensuite nous mettons une autre variable de bords où nous ramollissons les bords ici et là, droite, nous vendons vraiment l'illusion. Certaines des formes sont rondes et s'éloignent lentement de la lumière afin qu'elles aient des bords souples. Si elle a un bord dur, comme ici sur la gauche, cela signifie que les surfaces se détournent rapidement de la lumière comme un narc, il forme texturale de forme géométrique, ou l'Irak. Mais s'il y a un changement progressif que sur vous devez faire est de créer un bord doux. Pensez à des bords durs et souples et vous serez d'accord. Alors on y va. On a cette chose qui ressemble à du métal maintenant, et tout ce qu'on a fait était de reconnaître où le placement de la lumière waas et les formes de ces
formes par rapport à la lumière, où elles font face à la lumière, son virage loin de la lumière. Et puis on peut faire croire qu'il est en train de se heurter vers nous ou sur une sorte de tendance à
s' éloigner de nous, et c'est vraiment si facile. Vous devriez essayer ça et juste jouer avec ça parce que ça va payer des dividendes quand vous allez dans des formes plus complexes que vous essayez de vendre. Et c'est vraiment une sorte de, ah forme étude quelque chose que vous pouvez jouer avec et devrait jouer autour devrait expérimenter avec cela jusqu'à ce que vous comprenez comment faire cela. Voici vos pommes de terre de réunion pour exprimer trois formes D, donc vous pouvez voir comment cette partie ressemble à nous dans cette partie. On dirait que ça va disparaître. Et ces deux avions, celui-ci et celui-ci, ils font face à nous pendant que ces deux avions ici, ils sont face à nous sous un certain angle et ils ont une valeur similaire. Vous êtes face loin de nous dans le même angle. Puis celui-ci revient pour y faire face. Celui-ci est à, ah, une pente plus douce. Donc, il devient plus de lumière droite, et cela se heurte à nouveau vers nous. C' est une illusion, parce qu'on dirait que ça pourrait aussi s'éloigner de nous, non ? Et puis vraiment venir, accélérant venant vers nous, puis obliquement face à nous et puis rouler doucement à droite ? Ou ça pourrait aller dans l'autre sens, on dirait que c'est, tu sais, heurté vers nous et qu'il descend un lent accéléré, puis une pente plus douce et qu'il change soudainement de direction et qu'il remonte et descend, droite ils semblent donc venir ou sortir de toute façon. C' est le genre de contrôle que vous pouvez avoir avec seulement des valeurs, arêtes et la compréhension que les plans qui font face à la lumière reçoivent le plus de lumière. Les avions qui sont orientés loin de la lumière obtiennent le plus d'obscurité. Ok, quelque chose à penser à un simple exercice. Mais c'est la viande et les pommes de terre de la façon dont je crée l'illusion de la forme. Quand je peins, dessine, crée, c'est juste ça. Et maintenant, passons à jeter un peu de chaos. Ça devient excitant. D' accord, on se verra dans la prochaine
8. Chaos 3: D' accord, laissons un peu de chaos. Toi, c'est la partie amusante. Et vous voulez créer un dialogue entre vous et l'art émergent autant que possible parce que qui a le contrôle ? Droit ? Et c'est amusant de ne pas avoir le contrôle dans une certaine mesure. Donc nous allons avoir besoin de quelques choses. Trois choses formes, valeurs et bords pour nous guider ainsi que l'orteil naturel du cerveau cherchent l'ordre dans le chaos. Et nous allons juste tirer parti de ça à notre avantage pendant que nous jetons la forme. Donc c'est tellement amusant. J' ai hâte de te montrer ça. Maintenant, vous pouvez utiliser la boutique photo. Vous pouvez utiliser tout ce que vous pouvez utiliser de la peinture au charbon de bois, aquarelle. Vous le nommez pour faire ce stylo de processus à l'encre. Et je vais juste regarder ça et tu vas voir ça quelque chose. Il y a des bords durs, des bords
souples. Il y a une forme, il y a une silhouette globale, et je vais juste utiliser les principes de l'éclairage et suivre quelques règles dont on
a déjà parlé. Et je vais trouver juste les bords. Quelque chose que je félicite pour deux. Je peux également introduire plus de lumière à l'intérieur droit. Et bientôt, je vais commencer à voir quelque chose. Quand je jouerai un peu avec ça, je vais commencer à voir quelque chose. Tu vas voir quelque chose de différent de moi, non ? C' est la beauté de ça. Mais je vois déjà quelque chose. Alors laissez-moi voir si je peux,
vous savez, vous savez, prendre un petit pinceau et me mettre à zéro sur des trucs. Il est donc bon de commencer avec une grosse brosse
grasse qui est très suggestif. Donc nous avons juste, vous savez, suggéré des trucs et des gros brosses hors de contrôle fonctionnent. Eh bien, pour ça, vous pouvez le garder en basse résolution comme si c'était un peu flou, et vous ne pouvez pas vraiment voir ce qui se passe. Ça sort des cinq, mais maintenant je vais utiliser la lumière pour le faire venir et l'obscurité pour le repousser ou repousser les côtés. Et je vais m'accrocher. Je vais m'accrocher sur deux bords. Donc je vois ce bord juste ici, non, et ça pourrait être une prise d'oeil, non ? Je ne sais pas ce que c'est, mais c'est quelque chose là-bas. Voici un ancien pour essayer de construire ces formes à partir de cela, et je peux utiliser les contours croisés droit pour faire quelque chose bosse. Même chose de l'autre côté. Quoi que ce soit, je ne sais pas. Faisons ça,
tu sais, tu sais, faisons-en une sorte de savoir. Je pense à ce que je sais sur, vous savez, chiens, nez ou un écureuil, et puis je vois que cette forme pourrait venir devant cette forme,
créant des dents. J' ai juste un peu de joues bouffantes ici, donc je regarde vraiment les bords. Aiken
, je regarde les formulaires que je peux commencer à clarifier, n'est-ce pas ? Quoi ? Des choses derrière quoi ? Les choses vont devant d'autres choses. Et ce n'étaient
que de que de petites années. Et je joue juste autour. Je laisse cette chose me suggérer ce qu'elle veut. Et puis j'essaie de faire ça au mieux de mes capacités,
compte tenu de ce que je sais à propos , anatomie, de l'anatomie,
de l'anatomie
humaine ou de l'anatomie animale. Dans ce cas, on fait,
vous savez, vous savez, têtes
créatives. Donc je cherche des nez, des
têtes, têtes, yeux, choses
différentes que je pourrais saisir, mais j'utilise, vous savez, je cherche des bords que je pourrais saisir et commencer à pousser et tirez. Donc si je pousse ici,
vous savez, vous savez, je peux repousser cette partie derrière cette structure de l'année en l'assombrissant. C' est ce genre de chose qui le pousse dans l'ombre où j'avais,
comme si on avait parlé de ça qui pourrait être dans l'ombre, jetant de l'ombre sur le côté de tout ce que c'est. Donc je joue ici, tu sais, j'ai une autre année de ce côté. Je ne sais pas ce que c'est. Tu sais, c'est juste se présenter à moi, et je l'utilise pour être créatif, non ? Et puis ça pourrait être une sorte de poignet avec une sorte de main, tu vois ? Donc c'est anthropomorphe ici. Ok, c'est une sorte de cou bizarre. Ça pourrait être un cou allongé. Ça pourrait être un costume. Et puis je peux utiliser mes lumières pour cogner, faire bouger les choses, le
pousser. Pousser vers l'avant. Droit. Je peux l'utiliser pour les faits saillants. Faites-le paraître humide. Ça dépend du matériel, non ? Comme si les yeux brillaient de cette cornée, non ? Quoi que ce soit, je ne sais pas, non ? Et c'est comme ça que tu le ferais. C' est comme ça que je ferais de toute façon, donc tu vas trouver ton processus, tu sais, t'
arrive d'une certaine façon. Ça va être naturel pour toi. Eh bien, peut-être un peu différent de moi. Mais je suggère de jouer comme ça, en vous donnant de la matière première juste pour commencer à construire, parce que c'est difficile à faire à partir de seulement la page blanche blanche. C' est un peu intimidant. Alors donne-toi un peu, c'est un jeu matériel avec, et tu vas trouver des trucs que tu n'aurais jamais trouvé si tu avais
essayé de le dessiner correctement. C' est un peu subconscient, et ça et çaressemble
beaucoup à la vidéo de dessin automatique que j'ai faite sur YouTube. Vous pouvez vérifier ça. Le dessin automatique implique ce type de processus. C' est très méditatif et financier, et la chose commence à émerger d'une certaine façon, et, euh, c'est totalement, totalement bien. Bon, passons à la démo du rial maintenant, où nous allons juste pour ça du début à la fin. OK, vous
voir attendre une chose de plus qui, je pense, pourrait être vraiment utile quand vous choisissez vos formes et que vous lancez un chaos aléatoire. Vous pouvez choisir des formes qui sont caractéristiques des têtes, comme des ovales, formes
droites ou même triangulaires que vous pourriez utiliser des formes au carré, droite et juste essayer orteil ont assez de variation dans le centre de celui-ci au milieu de celui-ci que commence à vous suggérer des choses. Vous pouvez aussi utiliser, hum, des
formes qui sont un peu comme une tête et des épaules, , comme un buste ou comme un triangle cou et, vous savez, épaules dans un peu de la poitrine, droit ? C' est un peu suggestif de la silhouette d'une tête humaine, non ? Alors choisissez vos formes. Vous pouvez totalement fixer des formes de chaos complètement aléatoires. Ou vous pouvez vous donner une petite pause en utilisant des formes qui sont comme des têtes elles-mêmes, n'est-ce pas ? Ils pourraient être triangulaires carrés circulaires, plus comme un buste ou tout ce que vous savez, cou de la
tête peu ses épaules juste pour vous donner ah indice. Presque comme un début de saut. Ok, j'espère que ça a du sens, et vous pouvez utiliser le langage de forme. Donc, si vous voulez transmettre l'émotion qui est un peu effrayant ou craintif, vous pouvez utiliser des triangles si vous voulez utiliser des formes rondes amicales et heureuses. Ok, si tu veux des carrés
solides, forts et
masculins. Ok, donc c'est un peu sur le langage de la forme. trucs de Spiky sont effrayants. Et les choses rondes sont heureuses et amicales et légères. Donc juste un peu sur le langage de forme là-bas qui pourrait vous aider. Bon, maintenant passons à la démo.
9. Outils pour commencer.: OK pour cette exploration Creative Heads, et je vais utiliser des outils de base. Le premier est le couteau à palette pastel pan. Et je vais aller Teoh par un peu de couleur bleue avec ça juste pour obtenir un peu de valeur. Quelques ondulations et variations. Quelque chose que je pourrais saisir facilement, d' accord. J' ai soulevé ça très vite. Le deuxième outil est le crayon de couleur de course de cola. J' adore ces crayons là-bas. Tellement incroyable. Je les utilisais tout le temps quand j'étais un animateur faisant deux animations D, et je l'adore parce que c'est la pointe est un peu cireuse, donc il saisit la valeur papier soyeux de celui-ci. Je peux juste obtenir toutes sortes de bonne valeur de ton jusqu'à environ 70% de gris, donc ça ne va pas jusqu'au Black pour que je puisse contrôler mon sac. Utilise de cette façon, et je peux, bien
sûr, le
garder net. Et je peux obtenir de très belles notes de ce truc. Et ce n'est pas sale non plus, parce que ce n'est pas du charbon de bois ou du plomb, donc ça ne me salit pas sur toute ma main et sur tout le papier pour que ça marche. Eh bien, alors je vais utiliser une gomme magique en caoutchouc que j'ai coupé les bords. Donc c'est très ciselé si j'ai besoin d'avoir le bord très fin comme les cheveux. Je ne devrais pas faire ça avec ce truc, ou je pourrais être très agressif à ce sujet et juste prendre un tas d'informations. Le 2e 1 est le Tom Bow Mano Zéro Aimez ce gars. Vous en avez probablement un vous-même ou en avez entendu parler. Et cette chose est vraiment bon pour obtenir des faits saillants et de petits détails. Alors c'est tout. Alors, nous allons entrer.
10. Matières brutes: Très bien, nous avons fait tout notre travail créatif. Nous avons choisi la scène, nous avons le sentiment de base que nous voulons traverser. Et nous avons choisi nos images de référence pour créer un tableau d'ambiance. Et c'est honnêtement, la partie la plus amusante et excitante du processus parce que c'est le point culminant de tout notre
travail acharné . Et nous allons prendre toute cette inspiration et cette énergie et l'appliquer au papier au mieux de nos capacités. Et n'oubliez pas, nous avons une carte que nous allons suivre pour ne pas nous perdre. Nous allons commencer avec de la matière première et commencer à construire la forme dans ça. Donc, la première étape importante est de définir des formes organiques aléatoires avec
un minimum de contrôle. C' est pourquoi nous utilisons la casserole évanouie pour cela et juste s'amuser. Il suffit de le sentir, le
poser au hasard et de commencer une sorte de conversation qui vous aide à taquiner l' image qui commence à émerger devant vous sur le papier. Donc, jusqu'à présent,
ce que j'ai fait est de mettre de la valeur avec un couteau à palette pastel, et je suggère juste des choses que je ne veux pas aller dans l'obscurité et je ne veux pas être à la lumière parce que j'ai besoin d'une certaine valeur là-bas. Donc, mais la suggestion est suffisante pour que je commence à sculpter Intuit toe, réellement visualiser et voir quelque chose dedans, puis sculpter une forme hors de lui. Maintenant, je sais généralement pourquoi je tire à cause de mes recherches que j'ai faites à l'avance et je vais prendre cette forme de lune et je veux un visage là-dedans quelque part. Donc, la plus grande chose pour moi dans la phase de conception est d'aller pour la silhouette et proportion, même si je suis en quelque sorte d'entrer dans certaines des caractéristiques du visage en ce moment, j'en ai assez du pastel mis vers le bas que j'aime sentiment global que la silhouette me
donne jusqu'à ce point dans le processus. Et j'aime la proportion, la hauteur, l'avec des coupes intéressantes dans et hors et des angles. Donc, c'est ma première préoccupation ou considération est juste orteil avoir une silhouette cool avec juste quelques suggestions de forme à l'intérieur. Donc en ce moment avec le crayon bleu, j'ai fait un peu du profil du visage, et maintenant je vais chercher où sont les bords de ce design ? Où est-ce que c'est vraiment commencer et s'arrêter ? Quelle est la taille ? Quelle est l'étroitesse ou quelle est sa largeur ? Et quel est le langage de forme dans l'ensemble ? Et est-ce que cela va transmettre mon histoire et mon émotion d'inaccessible ? Ah, nous resterons en dehors de trop de détails et resterons simples. C' est ce à quoi je pense à ce premier passage dans le design. Bon, passons à l'étape suivante du processus.
11. Étape 2: Ok, les gars, personne. Je veux dire, absolument personne ne va au cinéma ou lit un livre. S' ils connaissent la fin, ça n'arrive pas. Tu es d'accord avec ça ? Je veux dire, on sait en quelque sorte où ça va. Nous avons fait un peu de planification, mais nous ne savons pas exactement où ça va finir. Et c'est bien parce que cela vous intéresse et que vos téléspectateurs sont intéressés. Mais vous êtes l'architecte de cette vision. Vous êtes le visionnaire. C' est toi qui fais que ça arrive, et tu dois t'intéresser. Il doit y avoir une histoire, et elle a sa propre histoire intégrée. Il y a un début, un milieu et une fin à ce processus de conception de cette création sur le papier. Vous devez créer votre propre drame ici et en faire partie. Ce dessin est comme un personnage marchant sur scène. Les lumières vont sur le livrer leurs lignes, prendre un arc et marcher hors scène. C' est une performance et vous obtenez de briller. Donc maintenant, nous sommes fermement au milieu de ce drame artistique tel qu'il se joue sur la page, et nous prenons la prochaine étape d'imposer l'ordre sur ce chaos organique que nous avons d'abord
établi étaient en utilisant la ligne et nous utilisons le ton étaient en utilisant des contours croisés pour dessiner sur le formulaire pour le faire passer de plat et deux d deux autres trois d et nous utilisons la valeur pour utiliser la
valeur sombre pour repousser les choses dans l'espace. Et nous utilisons la valeur de la lumière pour faire apparaître les choses comme si elles se rapprochaient de la caméra . Des trucs assez simples. Alors que nous ajoutons de la structure au chaos organique qui s'est produit en premier, nous allons aussi utiliser l'anatomie et les détails identifiables. Et voici quelques-uns des outils à notre disposition sur notre ceinture à outils. Un autre outil très important pour faire quelque chose de structurel dans trois D est l'éclairage. Après tout, sans lumière, on ne voit rien. Donc la lumière révèle les plans de la forme, et ils sont différents. La valeur est un plan différent, Donc non seulement je veux utiliser l'éclairage et la valeur pour décrire la forme et réalisé cet objet devant nous, je veux l'utiliser pour créer un focus de mise au point spectaculaire quelque part sur la pièce afin que je puisse diriger l'œil du spectateur vers un endroit précis de mon dessin qui a un gain, et ce sera une expression de la narration principale plus à ce sujet plus tard. Mais pour l'instant, je travaille juste toute la pièce, faisant le tour d'une section à l'autre pour essayer de vraiment comprendre et clarifier les formes qui sont dans mon esprit et qui émergent également de la page. Et je laisse la page ou plus au point,
le dessin dicte ce que vous voyez se passer en ce moment et dicte les choix que je fais. Encore une fois, j'ai un récit principal que j'essaie d'exprimer que nous avons travaillé avec soin, et pourtant je laisse aussi place au dessin pour me parler. Je suis toujours engagé dans ce dialogue, ce processus, cet appel et cette réponse, si vous voulez, comprendre ce que cette chose est réellement et c'est difficile et c'est amusant. Bon, alors passons à l'étape suivante
12. Étape 3: nous nous occupons maintenant de la partie technique du processus. L' histoire et le design sont fermement fixés, et maintenant c'est juste la peinture droite à partir d'ici ou le dessin droit dans ce cas. Dans cette phase, je vais mettre l'ombre principale passée, plus les détails secondaires et ajouter quelques textures de base. Maintenant, lors du rendu, vous voulez vous assurer qu'il a plusieurs côtés. Il se trouve dans l'espace de manière convaincante, et nous le faisons en utilisant la perspective et l'éclairage afin que nous puissions utiliser la perspective atmosphérique. Perspective linéaire. Nous travaillons sur des objets architecturaux ou géométriques, atmosphériques si nous travaillons sur des choses géométriques ou organiques, et s'il y a un sentiment d'espace profond qui aide beaucoup. Mais pour ce personnage, je vais me concentrer sur l'éclairage et la valeur pour vendre l'illusion. J' utiliserai une tonalité de modélisation pour repousser les côtés, et j'utiliserai des contours croisés pour décrire la surface de la forme et sa direction dans l'espace au spectateur. Et je sens juste le dessin avec ma main,
comme si ma main avait des yeux, et une autre façon de le décrire est d'imaginer une fourmi marchant sur la surface de quelque chose de
pomme four . Disons qu'il suivra la courbure exacte de la pomme et de chaque recoin, chaque sommet et vallée. Et c'est ce que je pense et je ressens en dessinant ça, euh, et Tran en essayant. Traduisez cela à travers le crayon pour que vous sentiez les formes venant vers vous et
disparaissent . Donc j'ai le visage assez bien réalisé ou sur le chemin d'être réalisé. Vous pouvez voir comme ça. L' avant de la joue qui fait face à nous est plus léger, et à mesure qu'il se détourne, il devient plus sombre. Les ailes de l'sait la partie qui a du volume est plus léger, et il va dans la boule du nez. Il fait un peu plus sombre sous le nez du filtre. Il fait plus sombre. La lèvre inférieure est plus foncée, certains vous disent juste quels avions vous font face, quels avions sont, Ah, pas face à vous ou pas face à la lumière. Et je suis juste en train de traverser et, vous savez, recherche d'anatomie. Vous cherchez des façons de décrire le formulaire. J' utilise le côté du crayon, ce qui est vraiment efficace pour poser de larges étendues de valeur, et il a la sensibilité dont j'ai besoin lorsque je fais cela, vous pouvez également hacher avec la pointe d'un crayon aiguisé qui fonctionne un peu peu sur la qualité du
mensonge. Vous pouviez voir que j'étais juste en train de remonter le contour extérieur du front et sous le menton. Et renforcer que cela a un effet en quelque sorte de contenir la forme et de dire, Regardez ici, c'est à la fois rendre ce personnage un peu plus audacieux, un peu plus solide quand vous avez ah ligne de contour plus épaisse autour de tout le design . Maintenant, j'utilise juste deux tons pour repousser cette zone du cou dans l'espace et aussi nouiller autour juste pour trouver de la structure à l'intérieur. C' est une partie de ce détail secondaire n'est pas encore défini, donc je vais pour les détails secondaires dans cet espace, par
exemple, ces formes rétrécissent. Je regarde ma référence, et je regarde ces formations rocheuses, les coquilles et les fossiles, et je tire de cela maintenant, inspirant de cela et j'utilise le motif pour. Donc, ces formes répétées sorte de formes triangulaires coniques dans la plus grande
forme triangulaire est un motif, et si vous pouvez trouver une forme agréable ou un motif, vous pouvez prendre ce motif ou cette forme et le répéter tout autour de votre conception afin que Dans l'ensemble, il a, euh, des formes
coniques. Ou dans l'ensemble, il a des formes carrées ou circulaires ou des formes triangulaires, sorte que le design semble cohérent. Donc, la vraie règle de base rapide est que vous pouvez prendre une forme et la répéter trois fois dans votre design et le rendre grand, moyen et petit en termes de taille. Donc, par les détails secondaires, je veux juste décrire cela un peu mieux. Vous prenez les formes principales, puis à l'intérieur de ces grandes formes, vous commencez à affiner et à détailler de quoi cette chose est faite. C' est ce qu'on appelle l'indication matérielle, et si c'est un rocher, tu veux commencer à le faire ressembler à un rocher. Si c'est une coquille ou si elle est faite de verre ou de plastique, vous commencez à le rendre en conséquence. Donc, après avoir bloqué les formulaires principaux dans votre conception, la prochaine passe serait les détails secondaires, donc vous pouvez l'utiliser comme un flux de travail qui sera très efficace et accélérera vraiment votre processus de
dessin. Ok, passons à la séquence suivante et finale
13. Étape 4: D' accord. Cette étape suivante et finale du processus est la phase de raffinage et de finition. Je vais ajouter des détails tertiaires et affiner les textures, et nous allons vraiment essayer de lui donner vie. On va essayer de faire en sorte que ça ait l'air réel. On va passer de quelque chose qui a forme et substance à une entité vivante et
respectueuse avec une histoire et un avenir. Et elle est vivante. C' est la magie. Et le but de cette étape est de réalisme, vie, émotion, technique et d'affiner chaque partie du dessin afin que l'illusion soit maintenue et que le spectateur achète crochet, ligne et plongeon. Et peut-être que si on a de la chance, ils seront même touchés par ça à un certain niveau. Ou peut-être juste être excité en voyant à quel point c'est cool. Donc, dans cette phase, je veux faire attention à faire le tour de toute la conception et à prendre soin de toutes les facettes de celui-ci. Tout devrait être porté au même niveau de finition. Toutes les textures, l'éclairage, les valeurs, toute l'anatomie devraient vraiment lire et travailler ensemble comme une histoire visuelle cohérente. Maintenant, il y a
une minute, j'ai dit que le but de cette phase était de transformer cette chose en une entité vivante et
respectueuse avec un avenir. Et peut-être qu'il a même l'air de Riel. Maintenant achète Riel. Je ne veux pas forcément dire que ça ressemble à une photo. Il pourrait être stylisé ou très caricaturé dans son apparence. Mais ce que je veux dire, c'est qu'il capte un aspect de la réalité. , En général,c'est une réalité intérieure qui affaiblit se rapporte à ses humains, comme une émotion ou un état d'esprit lié à une expérience que nous avons eue, réelle
ou imaginée. Donc c'est important parce que tout, chaque aspect physique de ce dessin,
le papier ,
le crayon tout est psychologique, le moteur de motivation qui conduit. Ce sont les pensées et les émotions. Ce sont les biens incorporels, et ce n'est qu'une projection de cela. Et c'est fascinant. Cela signifie que vous avez accès au potentiel créatif. Vous avez des pensées, vous avez des sentiments, des émotions. Vous avez des rêves, et ce sont les choses qui vous rendent humain et vous êtes capable de tirer parti de ces choses. Il faut juste de la pratique et du courage pour commencer à faire des déclarations sur papier basées sur ces choses. Quelque chose à propos du langage de forme que j'ai mentionné précédemment que je veux revenir est quand vous utilisez des formes. Vous voulez penser à ces formes les plus simples et
les plus claires que vous pouvez utiliser, comme des cercles, des carrés, des triangles et ainsi de suite. C' est important parce que les formes ont leur propre psychologie. Il y a une psychologie des formes. Par exemple, formes
rondes rondes ensemble dans un design transmettent des sentiments ou des pensées amicaux, heureux, flottants et légers. Si vous avez des formes triangulaires avec des points sur eux, elles transmettent l'obscurité. Ils véhiculent une menace. Ils pourraient être dangereux et ainsi de suite. Les formes carrées sont solides, stables, ennuyeux. Et vous voulez être conscient de cela afin que, selon ce que vous avez conçu et ce que vous
essayez de transmettre avec votre design, vous pouvez simplement utiliser ces formes. Vous n'avez pas à essayer si fort et à créer des choses à partir de l'air mince. Juste utilisé le langage de l'émotion qui est de dessin de design, et c'est très simple et amusant à faire. Maintenant, c'est juste mettre des textures là sur le côté de la tête. Je pensais à une sorte de,
euh, encore une fois, une sorte de texture de roche, une érosion qui serait usée que les roches pourraient avoir. Et donc je m'amuse vraiment. Maintenant, j'ai mis un ton. Vous êtes la moitié arrière de la conception pour une sorte de calmer vers le bas afin que vous voyez l' avant du visage plus parce qu'il a plus de valeur. Contraste. Je raffine les formes d'ombre. Je raffine essentiellement les détails secondaires et tertiaires. Les détails tertiaires seraient ceux à nouveau, ces petites formes de roche que je mets sur le côté de la tête, le très petit genre de micro-détails cils, trous de
nez, texture de
la peau et coule, rides fissures dans les roches. Et je suis encore assez bien, appuyant fortement sur mon tableau d'humeur avec ma toute la référence photo. Et je suis juste un peu de regarder cela et de trouver des endroits sur le design où je peux mettre ces formes ou mettre ces textures pour Mettre ces détails. Donc j'ai une grosse pointe à l'avant et en haut de la tête, et il a un accent de couleur, et je mets aussi une gradation là pour lui donner juste un peu plus de poids et attention que la moitié arrière du design, mais pas autant que le visage lui - même. Donc je veux vraiment que je veux que je ne sois pas diriger votre oeil à travers cette pièce, donc je veux avoir une lecture primaire secondaire et tertiaire, la lecture primaire va avoir la plus détaillée. Le plus de contraste, la lecture secondaire la plus couleur aura un peu moins, et la troisième lecture encore moins. Et c'est comme ça que je vais orchestrer cette pièce parce que je veux que l'œil du spectateur s'y
déplace. Je veux avoir quelque chose dont on doit parler, c'est qu'il y a un gain à ce truc. Si je mets des détails partout et de la texture partout et la même quantité de contraste partout, alors les gens ne sauront pas nécessairement où regarder, et ils peuvent devenir confus et désintéressés. Mais si j'organise certaines de ces choses et utilise certaines choses plus que d'autres dans certaines régions et que je l'utilise comme assaisonnement comme le sel et le poivre, les gens ne seront pas fatigués et dépassés à cause de la quantité de détails qui leur arriveront. Ils seront en mesure de jeter les yeux sur un certain endroit et de le regarder et de l'apprécier , puis de passer dans la paix à travers des zones qui n'ont pas autant , puis de passer dans la paix à travers des zones qui n'ont pas autantde
détails. Ce genre de chose me fait une expérience de visionnement plus agréable dans mon esprit, comme si je vais dans un musée. Je suis vite débordée. Il y a trop d'informations et je veux juste arrêter. Je veux sortir de là, donc nous ne voulons pas que nos spectateurs aient ce genre d'expérience avec nos œuvres d'art. On veut qu'il reste dans les parages. Nous voulons qu'il s'attarde et en profite. On veut lui donner un salaire. Nous voulons lui donner des petits espaces qu'ils découvriront plus tard. Nous voulons lui donner des passages d'éclairage juste impressionnant, détails d'anatomie
cool qui sont comme des bonbons pour les yeux et juste submerger,
hum d'une bonne façon et d'une manière qu'ils finissent par avoir une grande expérience en regardant votre cœur. Rappelez-vous, et c'est vraiment important que toutes vos techniques et astuces doivent être au service votre récit, donc vous ne voulez pas qu'elles s'opposent à cela. Vous voulez qu'ils l'expriment d'une manière claire. Si vous pouvez le gérer au fur et à mesure que nous descendons au tronçon de la maison, je veux revenir au thème. C' était d'un livre d'Edgar Rice Burroughs, et c'est une scène où Tarzan criait à l'utilisation de la lune en essayant de trouver qui Dieu Waas. Parce que c'était un nouveau concept pour Tarzan, Tarzan et pensait qu'il était le Seigneur de la Jungle. Mais maintenant il y avait une rumeur qu'il y avait un Seigneur qui était plus puissant que lui. Alors il interrogeait la jungle autour de lui et toutes les formes de vie en demandant s'ils savaient pour Dieu. Alors il grimpa cet arbre le plus haut, et il cria à la lune et la lune s'appelait Goro. Goro n'a pas répondu aux pneus et quand il n'a pas fait de Tarzan a fait ciré Roth. Il disait qu'il gonflait sa poitrine géante, qu'il portait ses crocs de combat et qu'il lançait des insultes sur lesatellite
mort,lui
invitant à descendre et à le défier satellite
mort, , le
combattre et que Tarzan le tuerait s'il le faisait. Mais la lune Goro, sans surprise, ne
descendait pas de son haut perchoir et ignorait plutôt Tarzan, qui pensait que c'était extrêmement lâche. Donc, voici Tarzan, Seigneur de la Jungle, crie sur ce disque brillant et
argenté dans le ciel. Et je voulais faire un croissant de lune demi-lune avec un visage,
regardant loin, regardant loin, ignorant donc le profil qui est caractéristique de quelqu'un qui nous ignore, et j'ai ajouté une texture fossile et rocheuse parce que c'est caractéristique de ce qui se trouve sur le Lune. Et j'ai utilisé des formes triangulaires caractéristiques de quelque chose qui pourrait être dangereux et menaçant. Et Tarzan pensait que le déménagement était une menace potentielle et il essayait de savoir si c'était vrai ou non. C' est ce
que j'ai trouvé,
et je pense que c'était à peine réussi. C' est ce
que j'ai trouvé, C' était amusant, mais je vous remercie d'être passé. J' espère que vous avez vraiment trouvé cette leçon perspicace et agréable et juste un résumé rapide. On a fait un gars de la planification des têtes créatives. C' était un tableau d'humeur où nous avons choisi une scène d'un livre, d'un rêve ou d'un film. Et puis nous avons choisi un sentiment global que nous voulions transmettre. Nous avons rassemblé des images de référence inspirantes. Nous avons eu une phase de conception et dans une phase de dessin technique à terminer. J' espère que cela vous aidera vraiment dans votre processus créatif. Et j'aimerais voir votre création, alors s'il vous plaît postez-les. D' accord, on se voit la prochaine fois. Et d'ici là, n'oubliez pas de continuer à créer
14. Étape 5 de niveau secondaire créatif: non, euh
Chris Petrocchi, I help artists grow on their journey
