La composition pour l'illustration : 10 conseils de dessins pour Procreate

1. Introduction: Se sentir à l'aise avec des arrière-plans de dessin pour votre œil vers commence par une grande composition. Salut, je m'appelle Eva Nicholas. Je suis illustrateur et designer basé en Europe. J' adore créer des environnements et des petites histoires. C' est pourquoi dans cette classe, j'aimerais partager avec vous ce que j'ai appris sur la composition et vous aider à devenir plus confiant lors de la création de vos propres œuvres d'art uniques. Nous allons utiliser différentes polices, des moments d'histoire, certains sont de mon carnet de croquis de voyage pour passer par 10 conseils sur façon d'améliorer rapidement et facilement vos compositions étape par étape. Nous vous parlerons de ce qui rend une conception de composition solide et agréable et comment organiser des éléments déséquilibrés dans vos œuvres afin qu'elles fonctionnent bien ensemble, ainsi que de la façon dont vous pouvez engager votre public à travers votre regard. J' ai inclus des exemples amusants et des exercices pour renforcer votre confiance dans la création de vos propres compositions, mettant l'accent sur ce qui est important dans vos illustrations, qui donne lieu à des œuvres d'art agréables dans l'ensemble. Pour pratiquer de manière rapide et facile, nous allons utiliser des illustrations de carnets de croquis pour parler de la façon d'engager votre public, des schémas de composition, comment diriger l'œil du spectateur autour de l'image, poids visuel, compositions statiques et actives, point de vue et bien plus encore. Au cours de ma carrière, j'ai eu la chance de travailler pour une entreprise locale et internationale comme Lego, [inaudible] Procter & Gamble et leurs marques comme Ariel et Wella. J' ai travaillé sur l'art conceptuel, le script couleur, illustrations de personnages, les animations, l'emballage et d'autres concepts divers. cours de route, j'ai beaucoup appris sur les compositions et les illustrations, et je veux vous aider à renforcer votre confiance en planifiant comment créer des liens dans vos illustrations et en mettant en avant ce qui est important dans vos œuvres d'art. J' utiliserai Procreate, mais n'hésitez pas à utiliser n'importe quel autre logiciel numérique, stylo et crayon, ou d'autres outils traditionnels. Que vous soyez débutant, commenciez à en apprendre davantage sur les compositions, ou que vous soyez un peu plus expérimenté illustrateur cherchant à améliorer vos compétences, ces cours sont faits pour vous. Commençons par créer des compositions impressionnantes. se voit dans la classe. 2. Aperçu du cours: n'y a pas de règles incassables quand il s'agit de la façon dont vous devez composer vos images. Après tout, qui aime les règles ? Eh bien, peut-être à part ton ancien directeur d'école. Il y a cependant plusieurs lignes directrices et conseils que vous pouvez utiliser pour améliorer vos compositions et vos illustrations. Tout d'abord, définissons ce que cela signifie réellement quand on dit composition. La composition fait référence à la façon dont les différents éléments sont disposés dans le cadre de votre illustration ou de votre peinture. Comme je l'ai déjà dit, il n'y a pas de règles strictes ou rapides, mais il y a d'autres lignes directrices. Cela dit, beaucoup d'entre eux ont été utilisés dans l'art depuis des milliers d'années et ils aident vraiment à réaliser designs plus agréables et j'ai généralement une ou plusieurs de ces directives dans mon esprit lorsque je mélange mes illustrations. Essayez d'abord et avant tout de vous amuser à esquisser vos idées et d'améliorer vos compositions et la mise au point de vos images avec différentes techniques en cours de route. En tant que projet, vous allez esquisser une composition simple, y compris un objet ou un personnage comme focus, puis appliquer au moins trois conseils dans les règles des compositions que je partagerai avec vous pendant la classe. ensemble, la composition est un sujet assez complexe, donc je l'ai fait bouillir jusqu'aux conseils simples pour vous pratiquer et facilement obtenir des compositions agréables. À la fin de ce cours, vous devez savoir comment améliorer vos images avec le placement des éléments et engager votre public. J' ai divisé la classe en deux parties principales. La première partie est le placement et le flux de l'œuvre, y compris la création d'une image visuellement agréable, la mise au point de votre illustration comme un moment d'histoire, règle des tiers, schémas de compositions, lignes directrices, négatif espace, et en mentionnant également le recadrage et le chevauchement. Dans la deuxième partie, nous allons parler de l'accent et des émotions de l'histoire, aussi la hiérarchie de l'image, quelle est la manière visuelle ? Comment pouvons-nous mettre en œuvre l'équilibre des couleurs ? Comment pouvez-vous créer l'unité et la simplification dans votre image, liens et les rythmes, la symétrie. Nous parlerons également des compositions statiques et passives et du point de vue. Pour vous aider à pratiquer autant que possible, nous aborderons cette classe comme une pratique de carnet de croquis en travaillant avec autant d'exemples que possible. Nous allons également nous concentrer et utiliser les contours et les formes simples comme les carrés, les cercles, les triangles, etc. pour nous concentrer sur la composition globale plutôt que trop de détails dans les œuvres d'art. Ne vous inquiétez pas trop au sujet des illustrations finies super polies. Essayez de travailler avec des formes simples, des croquis rapides et des expériences. Obtenir salissant et pas trop joli et trop rendu avec vos croquis et concept. Par exemple, un caractère générique dans le paramètre de jungle. Le chat sauvage serait l'objet principal de l'histoire ici. Ou vous pouvez créer un personnage sur la prairie au loin. Ou il peut s'agir d'un phoque ou d'une mouette au bord de la mer, ou d'une jolie petite maison dans les montagnes, le choix est à vous. J' ai également préparé quelques fiches d'exercices pour vous permettre de pratiquer les conseils et les exemples dont nous parlerons. Commençons à esquisser. 3. Focus: Comme l'une des premières choses que je voudrais vous mentionner avant de plonger dans différents conseils sur la façon d'améliorer vos compositions, est de penser à votre histoire et à l'accent de votre image. En d'autres termes, pensez à ce que vous voulez exprimer et à quoi correspond votre image, ou à quoi voulez-vous que l'image soit. Lorsque vous prenez cette décision, vous pouvez commencer à mettre en œuvre différentes méthodes sur la façon de mettre en valeur les éléments sélectionnés dans votre œuvre avec différents outils et conseils dont nous parlerons pendant ce cours. Qu' est-ce que je veux dire par sélection de la mise au point de l'image ? Regardons un exemple simple. Je vais créer ces deux boîtes identiques, et dans la première, nous aurons peu d'objets. Créons des cercles. Ces objets seront distribués sans aucun ordre. Si je vous le demande, lequel est le plus important ? Quand vous regardez cette image à gauche, vous ne le sauriez probablement pas. Nous pourrions simplement dire que ce peut être un motif, mais pas comme une image autonome avec une histoire. Maintenant, regardons l'image sur la droite et changeons une petite chose. Et maintenant ? Savez-vous où vous devriez regarder d'abord ou peut-être ce que vous remarquez en premier ? Un simple changement comme celui-ci peut vous faire commencer à penser, quoi sert cette image ? Pourquoi cet élément est-il différent ? Ainsi, vous pouvez commencer à penser à mettre l'accent sur différentes parties de l'image et à amener le spectateur de vos œuvres à la partie que vous voulez qu'elles regardent d'abord. Regardons un autre exemple et cette fois un peu plus excitant peut-être ou intéressant. Comme je l'ai déjà mentionné, je voudrais que vous simplifiiez vos formes afin de traduire rapidement vos idées en esquisses de composition d' équilibre sans stress de réalisme et trop vous soucier des détails finaux de la illustration. Voici quelques exemples de la forme que j'utiliserais fréquemment lorsque je fais des esquisses. Vous pouvez imaginer ce premier exemple de forme se traduisant en un arbre, ou la même forme en montagnes ou un toit de la maison. Parce que nous aimons tous généralement les personnages, créons le personnage dans l'esquisse suivante. Vous pouvez vous entraîner à construire des personnages à partir de formes simples comme ici. Bien sûr, c'est un peu plus compliqué avec certains personnages que d'autres, mais ces formes simples peuvent fonctionner assez bien si vous voulez construire un personnage, par exemple, comme un sceau. Je peux utiliser une forme pour son corps et d'autres formes plus petites pour ses nageoires ou nageoires et une forme de cercle plus simple pour sa tête. Maintenant, créons le monde simple pour lui. On peut y penser. Ils sont généralement autour de l'eau. Je vais faire cette ligne simple, pour suggérer l'océan puis le cercle pour suggérer le soleil pour créer cette grande idée de paysage. Ensuite, je plaçais notre croquis du sceau dans une image, et j'ajouterais un rocher pour qu'il s'assiette sur quelque chose qui ne flotte pas dans les airs. Pour ajouter un peu plus de détails dans notre esquisse, j'ajouterais quelques lignes suggérant que le soleil se réfléchisse dans l'eau, des lignes plus longues aux lignes plus courtes pour montrer un peu de perspective. Comme vous pouvez le voir dans cet exemple, vous pouvez rapidement atteindre un moment d'histoire avec le focus, avec ces formes simples. Dans l'exemple précédent, nous avons créé le focus avec une valeur différente où l'un des éléments était juste plus sombre. Les personnages sont aussi l'une des choses que nous remarquons d'abord dans les images. Vous pouvez imaginer que lorsque les humains vivaient dans la nature, ils ont dû scanner l'environnement à la recherche d'autres êtres vivants. S' il y a un danger pour eux. Comme je l'ai mentionné, vous remarquez le personnage d'abord dans les œuvres d'art ou leurs yeux. Nous pouvons également utiliser des personnages dans nos œuvres pour mettre l'accent sur la partie où nous voulons. Un autre avantage de l'utilisation de personnages est que le spectateur peut sympathiser avec le personnage et imaginer comment il pourrait se sentir comme. Les images avec les personnages sont généralement plus attrayantes. Lorsque vous êtes satisfait des formes globales, vous pouvez toujours ajuster et adoucir certains des angles du personnage pour apporter un peu plus de réalisme ou si vous n'aimez pas les angles pointus. Par exemple, vous pouvez adoucir les angles de la tête du personnage, vous pouvez ajouter un petit demi-cercle comme un museau du joint, et nous pouvons également ajouter un peu plus de détails dans la prochaine étape pour le rendre un peu plus mignon. Pensez à raconter une histoire avec vos objets et personnages et comment vous pouvez mettre l'accent sur l'image. Comment vous sentez-vous en regardant ce paysage ? Je dirais que nous représentons un espace relaxant, calme et simple avec ce personnage assis sur le rocher regardant le soleil. J' en parlerai encore plus sur les idées narratives dans les chapitres suivants. Pour résumer, ce que j'aimerais que vous tiriez de cette première leçon, comme vous l'avez vu dans le titre, c'est de penser à l'orientation de votre image. Ce que je veux dire, c'est l'histoire, et de quoi est l'image ? Pourquoi créez-vous ce visuel ? Qu' est-ce que vous voulez que votre public regarde d'abord ? Qu' est-ce que tu veux qu'ils ressentent ? Cela peut être très simple. Par exemple, le calme, la relaxation, ou une sensation de vacances. Maintenant, passons à la vidéo suivante. 4. Règle des tiers: Dans cette vidéo, je voudrais parler d'une règle des tiers, dont vous avez peut-être déjà entendu parler car c'est probablement la technique de composition la plus connue et il y a une raison à cela. Règle des tiers fait un bon site pour n'importe quelle composition. Mais avant cela, rendons notre personnage de croquis un peu plus mignon avec quelques détails et des formes plus douces parce que qui n'aime pas les joints mignons ? Eh bien, peut-être que c'est juste moi, mais de toute façon, vous pouvez trouver quelques références de la vie réelle pour vous aider avec cette étape et comme vous pouvez le voir, un doux et la forme de son dos pour être un peu plus autour donc plus mignon. J' adoucit aussi les formes des nageoires et de la tête, mais dans l'ensemble, j'essayais de garder les formes de triangle originales. Pour créer un peu plus de personnalité et de réalisme, créons un œil, nez et quelques taches sur le dos du sceau. Avec le petit ajustement à notre croquis, parlons de ce qui est la règle des tiers et comment vous pouvez l'utiliser. C' est en fait assez simple, ces ruraux est de couper le cadre en neuf parties égales ou rectangles égaux, trois en travers et trois en bas comme vous pouvez le voir ici. Dans la plupart du temps, vous allez placer les éléments de l'importance dans ces trois points d'intersection. Je l'ai dit la plupart du temps parce que c'est agréable de l'avoir près de ces intersections, mais il n'a pas besoin d'être super rigide et placé exactement dans ces endroits. Cette composition est largement utilisée dans les films , donc vous l'avez peut-être déjà remarqué là-bas aussi. Maintenant, nous pouvons nous entraîner avec une autre composition pour notre histoire de phoques avec l'océan, et cette fois il peut être cadre vertical et nous pouvons également ajouter quelques éléments pour créer un peu plus d'histoire. Comme je viens de le mentionner, et vous pouvez le voir ici, j'essaie de placer les éléments les plus importants de l'illustration du croquis. Quelque part sur les lignes sont créés par la règle des tiers ou les intersections de lignes. Vous pouvez voir que je place le bébé phoque sur le rocher sur le côté gauche de l'image, sur la première ligne verticale et entre les deux lignes horizontales, la fin de la plage, je veux dire où l'eau touche la plage et vous pouvez voir généralement les bulles des vagues. Cette partie est assise sur la ligne horizontale inférieure et le soleil est aligné sur la ligne horizontale supérieure. Vous pouvez également voir que la plus grande partie du parapluie sur le dessus de l'image et la tour sur le bas de l'image, ils suivent également la scission de la règle des tiers et vous pourriez vous demander, ok, alors ce qui serait arriver si je ne placerais pas ces éléments sur les lignes ? Par exemple, si je mettais notre joli sceau avec sa roche au milieu de l'image, ça pourrait se sentir étrange et non équilibré. En d'autres termes, cela conduirait à la composition moins attrayante. Vous pouvez essayer cela et déplacer ces éléments autour et voir ce qui vous semble bon. Si votre premier instinct était de placer les éléments au milieu, ne vous inquiétez pas, nous avons une tendance naturelle à vouloir jouer le sujet principal des croquis et de l'illustration au milieu de l'image, mais mettre nos personnages hors... centre en utilisant la règle des tiers conduira plus souvent qu'autrement à la compensation plus attrayante. Comme je l'ai dit, essayez d'expérimenter et de voir ce que vous aimez le plus. En ce qui concerne l'histoire comme je l'ai mentionné précédemment, ajouter quelques éléments peut créer différents champs dans différentes lignes de l'histoire afin que vous puissiez le savoir par rapport à l'exemple de gauche où nous nous concentrons sur le sceau et juste lui regardant le coucher du soleil. Maintenant, sur l'exemple à droite, vous pouvez imaginer que nous sommes assis sur la tour à regarder le phoque et le coucher du soleil sous le parapluie dans l'ombre. Il y a un peu différents points de vue dans les lignes de l'histoire. L' un concerne le phoque qui regarde le coucher du soleil, et l'autre, nous regardons le phoque avec le coucher du soleil. Vous pouvez jouer avec différents éléments et voir quelle histoire ou quel type d'histoire vous pouvez créer et parce que beaucoup d'entre nous aiment beaucoup d'exemples, allons obtenir plus d'idées comment vous pouvez pratiquer ces formes simples et règle des tiers. Peut-être faisons une autre mise en page horizontale. Quelque chose qui est très populaire par opposition à leur art dans le design d' intérieur dans des formes simples qui sont montagnes et coucher de soleil. Ce qui pourrait être parce que les gens aiment vraiment imaginer des vacances et c'est assez inspirant de regarder les montagnes probablement. Pour ces formes, vous pouvez commencer avec quelques vagues et formes triangulaires comme avant. Pour indiquer les montagnes, placer ces formes dans un tiers inférieur de l'image, comme vous pouvez le voir et placer le soleil sur la ligne verticale gauche de la règle des tiers. Lorsque vous esquissez ces lignes pour la règle des tiers, vous pouvez voir que nous pouvons encore mieux équilibrer cet exemple d'esquisse. Quelles seraient les figues simples ici ? Je dirais de faire le montage sur la gauche un peu plus haut afin que le sommet de la montagne soit aligné avec l'intersection gauche vers le haut de la ligne horizontale supérieure, une gauche la ligne verticale. Maintenant, il y a un meilleur équilibre, il est donc plus facile pour nous de regarder cette composition. Les montagnes sont généralement idéales pour pratiquer des formes simples et les compositions simples. Qu' est-ce qui est similaire à ces formes ? Vous pouvez aussi imaginer de l'eau dans une tempête créant de grandes vagues qui ressembleraient presque à une montagne. Vous pouvez créer cette forme sur la gauche où vous mettrez ces grosses vagues, qui se cassent, sorte que vous mettiez de la mousse sur ces vagues. Ce point de rupture ou le sommet de la vague à gauche serait aligné à nouveau comme la montagne avant sur la ligne horizontale supérieure à l'intersection de la ligne verticale gauche, et parce que cette vague est beaucoup plus grande et assez dominante dans ce croquis par rapport à la montagne dans notre croquis précédent. Maintenant, je peux équilibrer cette image en rendant le soleil en fait plus petit et je garde le soleil à l'intersection sur la ligne verticale droite et la ligne horizontale inférieure. L' exemple suivant serait une composition similaire à nos premières images avec l'océan où vous pouvez simplement dessiner une ligne, mais cette fois il sera au milieu. Je trouve ça assez génial, mais vous pouvez juste dessiner une ligne et ça commence déjà à ressembler à quelque chose. Ensuite, je voudrais ajouter quelques fleurs dans le coin inférieur droit, remplissant la zone de la ligne horizontale verticale droite et inférieure sous l'intersection avec les formes rondes simples. Ils indiquaient déjà peu de fleurs et à cause de la perspective, je dessinais quelques plus grandes formes rondes plus près du bord du dessin, ce qui signifie plus près de nous, et en avançant plus près de l'horizon, les fleurs deviendraient de plus en plus petites. Comme la prochaine chose, je vais ajouter du caractère, comme avec le sceau dans la première image. Ce caractère sera placé sur la ligne verticale gauche de la règle des tiers. Ce personnage, nous aurons un chien parce qu'il est toujours amusant d'aller au milieu avec un chien parce qu'ils sont juste heureux de tout quand vous allez sur une promenade avec eux. Comme je l'ai mentionné, ce caractère est placé sur la ligne verticale gauche entre les deux lignes horizontales, et il est au milieu, donc il n'est pas à l'intersection de ces lignes. C' est similaire à notre exemple de sceau. C' est aussi parce que nous avons d'autres éléments dans ce croquis sur le côté droit où vous pouvez voir le montage sur le dessus, qui est de remplir l'espace sur le coin supérieur droit et aussi nous avons les fleurs dans le coin inférieur droit afin que tous ces trois principaux éléments de composition sont en équilibre les uns les autres. Si vous imaginez qu'il n'y a pas de fleurs ou peut-être pas de montagnes, et je n'aurais que le personnage avec un chien. Je placerais probablement ce personnage avec un chien dans le coin inférieur gauche de l'intersection de la ligne horizontale et verticale. Le prochain exemple de croquis est aussi avec les montagnes parce que pourquoi pas et ils sont juste si simple et grand à dessiner. Cette fois, faisons une composition un peu différente, je vais créer la piste de ski et j'ajouterai une peau de skieur ou de personne. Nous équilibrons cette composition avec l'ombre de la montagne. Peut-être que vous pouvez imaginer que ces roches se cassent et créent l'ombre spatiale, et je place cela entre les deux lignes horizontales et sur la droite où le déclin. Notre personnage est maintenant à l'intersection de ces lignes dans le coin inférieur gauche. Pour finir cette composition, elle sera joliment encadrée par la chaîne de montagnes. Le sommet des montagnes est bien aligné avec la ligne horizontale supérieure. Ici, je veux vous montrer un exemple où vous pouvez pratiquer avec seulement deux éléments et la composition très simple. Par exemple, vous pouvez placer des éléments sur les deux intersections dans les deux coins donc peut-être un dans le coin supérieur droit et un dans le coin inférieur gauche, comme ici je place un chat sur l'intersection gauche et l'intersection supérieure droite aurait une fenêtre simple. Cette composition est très simplifiée, mais elle fonctionne et elle est facile à suivre et agréable à regarder. Cela a été inspiré par les images de Santorin, donc si vous êtes à la recherche de compositions et d'inspiration d'un vrai live, c'est un endroit agréable à regarder. Le dernier exemple rapide est une mer, soleil de l' océan et le bateau suivant la même structure est la première image avec un sceau et le soleil. Pour résumer cette première étape, comment améliorer vos compositions je dirais que j'utilise cette règle des tiers le plus de toutes les règles et ce sera une victoire rapide. Si vous n'utilisez rien d'autre, considérez cette règle des tiers et vous verrez amélioration très rapide des compositions d'équilibre tout de suite. Essayez de vous rappeler que la composition forte est une lorsque les éléments importants se situent aussi près de l'intersection de la règle des tiers ou des troisième lignes que possible, parce que c'est là que l'œil du spectateur est naturellement dessiné. Maintenant, lorsque vous allez à l'extérieur ou regardez les références photographiques, essayez de connaître cet équilibre de composition et si vous avez besoin d'un peu d'aide, vous pouvez toujours vérifier votre appareil photo ou un téléphone. Bien sûr, de nombreux producteurs d'appareils photo ont en fait inclus un affichage de cette grille dans un mode d'affichage en direct, alors n'oubliez pas de consulter le manuel de votre appareil photo pour voir comment activer cette fonctionnalité et prendre de nombreuses photos de référence. Encore une chose que je voulais vous montrer dans cette catégorie, parce que cela fait aussi partie d'exemples de géométrie. On peut mentionner le ratio d'or. Vous l'avez probablement vu aussi, et cela pourrait avoir l'air compliqué pour vous, alors vous pensez comment vous devriez même les appliquer, ou avez-vous vraiment besoin d'appliquer cette règle dans votre art ? Je dirais que vous n'avez pas nécessairement à appliquer à chaque image, mais il est certainement bon de savoir ce que cela signifie et d'où cela vient réellement. Pourquoi parlons-nous du rapport d'or du tout ? Vous trouverez qu'ils sont autour de la nature comme des coquillages ou des fleurs. Ils sont en fait assez peu d'opinions sur ces règles et certains des produits sont conçus juste autour de cette règle. Il peut certainement être votre outil pour créer vos compositions car il est également scientifiquement prouvé et beaucoup d'œuvres maîtresses dans le passé utilisent cette règle. Par exemple, Mona Lisa. Vous pouvez l'essayer et voir si vous aimez l'utiliser comme guide pour les compositions. Ici, vous pouvez voir comment j'appliquerais la règle du ratio d'or à nos exemples déjà planifiés. Si vous êtes intéressé par cette règle plus il y a d'innombrables conceptions en ligne où les gens l'utilisent afin que vous puissiez explorer cette option et la tester vous-même. Comme vous le savez déjà, il y a plus à la composition que la règle des tiers et le ratio d'or alors passons à la vidéo suivante. 5. Trames de composition: Les schémas de composition peuvent également être d'une grande aide pour vous lorsque vous mélangez vos illustrations. Vous pourriez vous demander, qu'est-ce qu'un schéma de composition ? Il s'agit d'une structure géométrique ou d'une forme sur laquelle vous pouvez baser votre image, pour vous aider à créer la composition. Ça a l'air très scientifique. En termes simples, vous pouvez utiliser, par exemple, un triangle comme base pour votre composition, puis vous placerez tous les éléments de votre illustration dans ce triangle. La composition de triangle est en fait l'un de mes favoris à utiliser. Regardons quelques exemples. Permettez-moi de vous montrer quelques idées pour ce type de composition. Vous pouvez l'imaginer mieux. Ce qui me viendrait à l'esprit et probablement le vôtre aussi, ce sont des montagnes. Parce que, comme je l'ai mentionné dans la simplification des formes, les montagnes ressemblent généralement à des formes triangulaires. Prenons d'abord ce triangle et ensuite nous pouvons commencer à ajouter quelques éléments supplémentaires dans cette zone. Pour rendre ces idées plus mignonnes et ajouter un peu d'histoire, nous pouvons esquisser moins de carrés avec des triangles pour indiquer les maisons. Un autre détail que vous pouvez ajouter sont des formes ovales pour indiquer les arbres. En ajoutant ces quelques formes pour les maisons et pour les arbres, vous pouvez déjà créer plus d'histoires dans cette mise en page. J' ai choisi ces formes ovales pour les arbres, parce que j'imagine de grands arbres ronds, que l'on peut généralement voir en Toscane. Je peux déjà imaginer être en vacances en Italie, ce qui est agréable. Vous pouvez déjà considérer, comme dans les exemples précédents, ceux-ci peuvent créer calme et détente lorsque votre public regarde l'image, et vous avez déjà une petite histoire avec quelques coups simples. Avec la même composition de triangle à l'esprit, créons un autre exemple. Cette fois, je peux créer une grande montagne en arrière-plan, peut être petite montagne au premier plan, et pour adoucir ces formes pointues, je peux remplir la partie triangle de la composition avec route sinueuse et en forme douce colline au premier plan. Pour remplir l'espace à droite, je peux ajouter quelques arbres pour créer une idée de forêt. Voici un autre exemple pour une composition de triangle. Il n'a pas toujours besoin d'être monté ou d'une colline. Ici, comme vous pouvez le voir, j'esquisse le bateau sur l'océan, et j'utilise la voile du bateau et les nuages en arrière-plan pour remplir la composition en forme de triangle. Eh bien, il y a une autre idée que vous pouvez considérer comme un fruit suspendu bas pour cette composition triangulaire, vous l'avez peut-être deviné. Un autre type de montagne, mais peut-être cette fois, il peut être un désert, qui crée des montagnes avec une grande quantité de sable. Pour ajouter un petit moment d'histoire, je peux ajouter la lune au ciel. Je crois que cela ne perturbe pas la composition du triangle, car la grande forme de l'image est toujours dans la partie de la forme de base du triangle. Similaire à notre exemple, vous pouvez également créer une montagne, mais pas avec la colline au premier plan, mais peut-être vous pouvez y ajouter un lac avec quelques feuilles de palmier et un petit bateau. Tout s'inscrit dans la même composition. Un exemple de plus où les gens aiment généralement utiliser un triangle compositions, ses caractères. Vous pouvez également le remarquer dans de nombreuses animations de dessins animés. La plupart des personnages, quand ils parlent les uns aux autres, ils sont dans la composition du triangle. La composition triangulaire fonctionne également très bien si vous créez un personnage dans la scène. Ici, dans mon exemple de croquis, vous pouvez imaginer seulement deux enfants qui parlent l'un à l'autre. J' ai vu une composition similaire comme celle-ci dans l'animation appelée artiste des chats. Si vous ne l'avez pas vu et que vous aimez les chats, vous pourriez profiter beaucoup de ce film. Maintenant, déplacons nos exemples sur le côté, et je veux vous parler de plus de schémas de compositions. Les schémas les plus de noms de la composition visuelle, ont d'abord été étudiés par l'artiste américain Henri Rankin. Il a même publié un livre sur les compositions visuelles. Il mentionne sept schémas de composition de base. En d'autres termes, des formes sur lesquelles baser votre composition. Il mentionne des triangles, des écailles, des cercles, croix, des races, des formes en S, des formes en L et des formes de poutres. De nos jours, nous avons encore plus de formes à choisir. Permettez-moi de vous esquisser un aperçu de ces formes. Comme vous pouvez le voir, nous avons croix, triangle de cercle, ligne diagonale. Ensuite, nous avons en forme de L, Z, V, ce genre de forme tourbillonnante, en forme de U, en forme d'étoile, C , I, notre forme de verre, que vous pouvez utiliser pour la composition, alors nous avons une étoile, alors nous avons cette forme de diamant, S et autre forme de U. Ces neuf taches que vous pouvez également imagerie en règle générale de tiers composition, la forme avec deux points où vous placeriez plus d'éléments là. Pour moi, toutes ces formes ressemblent un peu plus à un vieux signe nordique. Vous pouvez apercevoir dans les côtés historiques de sculpté dans la roche. Ils sont également assez agréables à regarder. Maintenant, je vais le déplacer sur le côté. Nous allons esquisser des exemples en utilisant certaines de ces formes comme composition de base. Bien sûr, je vous suggère de pratiquer, et d'essayer toutes les formes. Ici, je vais commencer par l'exemple avec la composition en forme de V. Pour la forme en V, j'imagine un ravin. Comment allons-nous créer un ravin ? Probablement avec deux rochers ou deux montagnes, et peut-être que je peux ajouter la rivière au fond du ravin, ou encore, quelques maisons mignonnes. Comme ça, vous avez déjà un moment d'histoire de symbole. Pour ajouter un peu plus de réalisme, j'ajoute déjà quelques formes tonales. Par exemple, une montagne peut être plus légère et la montagne peut être plus sombre. Vous auriez déjà un peu plus d'éléments différents dans la même scène. Comme exemple suivant, je prends la composition C. Ici, vous pouvez imaginer différents éléments. Mais pour moi, j'imagine d'abord quelque chose comme un arbre. Où vous pouvez imaginer couronne de l'arbre sur le dessus de l'image, remplissant la composition en forme de C, et le reste du corps, le tronc de l'arbre suit bien, la forme de C et à la fin je peux ajouter peu de buisson dans le coin droit de la composition. Ce serait la partie la plus importante de la composition en forme de C, et comme un point secondaire, je peux mettre une petite maison à la distance qui ne sera pas si visible, mais encore ajouter un peu d'un moment d'histoire. Ensuite, en tant que composition en forme de L, vous pouvez également prendre un arbre comme exemple, ce qui fonctionnerait très bien, mais prenons un autre élément pour ce visuel. J' irais pour une maison, remplissant la partie gauche de l'image avec la forme principale de la maison, et la partie inférieure de l'image, je me sentirais avec un paysage que vous pouvez imaginer comme une prairie. Maintenant, la maison et la prairie remplissent principalement le bas et le côté gauche de l'image, créant la forme de L. Comme dernier exemple, je voudrais vous montrer comme type de conversation Z, pour le type Z. Aussi type S de la composition, vous pouvez utiliser une rivière ou un chemin. Comme vous pouvez le voir, je dessine la rivière. Sur le côté gauche, j'y ai ajouté quelques petits caractères. Peut être un buisson dans le coin inférieur gauche, et dans le coin supérieur droit, j'ai ajouté une petite maison. Mais l'objectif principal de cette image est la forme de la rivière ou d'un chemin. Vous pouvez en fait avoir beaucoup de plaisir à expérimenter et à vous contraindre à vraiment s'intégrer dans ces différentes formes de composition. Il peut vous aider à biseauter un très intéressant et de nouveaux types de compositions dans les moments de l'histoire dans vos visuels. Je vais également préparer cette feuille de fichier d'exercice où vous pouvez pratiquer tous ces différents schémas de composition, sorte que vous pouvez télécharger cette feuille et esquisser et pratiquer autant que vous voulez. Passons maintenant à la vidéo suivante. 6. Lignes principales: Maintenant, parlons des lignes de départ et pourquoi les utiliser. Comme son nom l'indique, les lignes directrices aident à guider le spectateur à travers l'image et à concentrer l'attention sur les éléments importants. Tout ce qui vient d'un chemin ou d'un mur ou de motifs, peut être utilisé comme une ligne de tête. C' est un autre exemple avec lequel j'aime jouer dans les images. Presque tous les grands artistes utilisent des lignes directrices parce que c'est un excellent outil pour diriger l'œil de votre public vers des endroits où vous voulez qu'ils se concentrent. Certaines personnes appellent les lignes de tête aussi les lignes d'énergie. Comme je l'ai mentionné, tout cela vous aidera à planifier pour guider le spectateur à travers les endroits de l'image que vous voulez qu'il regarde. L' une des choses les plus utiles qui utilise les lignes de début, est le regard du personnage ou l'endroit où le personnage regarde. Parce que nous, humains, avons tendance à regarder dans cette direction, parce que nous supposons qu'il y a quelque chose d'intéressant que nous voulons probablement voir, donc vous voulez toujours vérifier où les autres humains ou créatures regardent. Le regard de caractère en est un exemple. J' ai également mentionné le chemin ou d'autres choses parce que les lignes directrices ne doivent pas nécessairement être droites. En fait, les lignes courbes peuvent être des caractéristiques de composition très attrayantes. Regardons quelques exemples de la façon dont vous pouvez utiliser vos lignes de tête dans les conversations. En prenant les mêmes croquis de moment d'histoire que nous avons travaillé avec avant, vous pouvez remarquer dans la première image avec un sceau, comme je l'ai mentionné , le sceau regarde le soleil, donc nous suivons le regard du personnage. Il regarde le soleil. Le soleil a une forme ronde. Nous suivons cette forme jusqu'au sceau, puis nous avons aussi le reflet du soleil dans l'eau, sorte que nos yeux montent et descendent du soleil au bas de l'image. Cela nous maintient engagés dans la partie médiane, donc très simples lignes de conduite, mais nous garder concentrés sur ce qui est important dans le moment de l'histoire. Nous avons un type similaire de lignes de début dans la deuxième image. Mais en plus de cela, nous avons aussi le parapluie dans le coin supérieur droit, et là nous utilisons également la partie du parapluie pour ramener la ligne directement au joint. J' utilise aussi le placement de la tour sur la plage pour ramener l'œil vers le phoque. Aussi la forme ronde des roches sur lesquelles le phoque est assis, ramène mon œil vers le soleil, et le soleil vers le phoque. Dans l'exemple en haut à droite où nous avons le skieur, aussi le skieur est idéalement placé juste sous le sommet de la montagne, que vous remarquerez aussi comme l'une des premières choses parce que le sommet de la montagne ne ont quelque chose de très intéressant derrière elle, puis votre oeil glisserait vers le bas vers le skieur. La piste de ski peut également fonctionner comme une ligne d'attaque, donc vous vous concentrez sur celle-ci. Ensuite, j'utilise aussi l'ombre de la montagne pour ramener l'œil vers le skieur, et la partie inférieure de l'ombre est assez droite, conduisant votre œil vers le skieur, et parce que le skieur va en descente, vous regarderait la direction où il va, puis vous retournerez à travers l'ombre de la chaîne de montagnes, pour revenir au skieur. Dans l'exemple de la grande mer et des grandes vagues de tempête qui se cassent dans l'océan, vous pouvez suivre le bord sinueux de cet océan jusqu'au sommet de la vague de rupture, retour au soleil. Ensuite, il y a beaucoup d'espace négatif, donc vos yeux redescendent vers l'océan, et encore une fois nous tournons au milieu de l'image, nous gardant engagés. Ensuite, nous avons l'image avec le personnage et le chien marchant dans la prairie. Nous remarquons que les personnages sont des directions de marche vers le coin supérieur droit où nous avons le montage, ce qui nous ramène aux personnages, et puis nous avons quelques fleurs qui vont de plus en plus petits, et ceux-ci sont regarder dans la direction de nos personnages, et cela ramène également notre regard vers les personnages. Ensuite, nous avons la forme de la chaîne de montagnes et nous pouvons suivre à nouveau le contour de la montagne qui nous ramène aux personnages. Regardons plus d'exemples parce que c'est toujours amusant à explorer. Cette fois, je vais créer un personnage différent, et comme beaucoup de gens comme le chat, créons ce champ tropical du jour saint avec un gros chat. Je placerai le chat sur la ligne verticale de la règle des tiers sur le côté gauche de l'image, et j'utiliserai le regard du chat, où le chat regarde, comme une ligne d'attaque allant vers le côté droit de l'image. Vous pouvez déjà imaginer un moment d'histoire où ce grand chat pense peut-être à la chasse, quelque chose ou à quelque chose d'intéressant. Ensuite, j'utilise ce congé tropical pour ramener l'œil du spectateur vers le chat. En tant que lignes de conduite subtiles, je peux placer le nuage dans le fond du chat. Aussi la queue incurvée du chat nous aide à créer cette ligne invisible, ramenant notre œil vers le visage du chat. Pour souligner cela, je peux ajouter un peu d'herbe penchée vers le visage de chat. L' une des formes les plus évidentes ou les plus utilisées pour les lignes d'attaque, sont les rivières ou les chemins. Prenons un exemple. Je peux avoir un village simple avec peu de montagnes en arrière-plan, quelques maisons, et la rivière ou un chemin nous mènerait directement au milieu du village. Parce que nous avons ces formes montantes en arrière-plan, cela va créer ces formes répétitives, qui nous aiderait aussi à ramener notre regard vers le centre du village, et à rendre cette composition encore plus forte et à ajouter plus de lignes de conduite vous pouvez à nouveau créer quelques formes d'herbe dans les coins du bas de l'image. L' exemple suivant, j'irais peut-être aux Pays-Bas, et créer un moulin à vent. Je suis sûr qu'il y a d'autres moulins à vent ailleurs dans les autres parties du monde, mais comme les endroits en Europe sont plus proches de l'endroit où j'ai grandi, quand je vois un moulin à vent, je pars de l'imagerie des Pays-Bas. Ce serait ma scène hollandaise ou néerlandaise, et ici je placerais, encore une fois, le moulin à vent dans un tiers de l'image, et l'horizon suit également la règle des tiers. Comme une ligne d'attaque serait la forme d'un chemin créé à partir du champ de fleurs. Nous avons à nouveau un personnage avec un chien, et le personnage regarde le moulin à vent, et le soleil est à nouveau placé juste au-dessus des personnages, et les bras du moulin pointent vers le personnage. Comme exemple suivant, je voudrais vous montrer, par exemple, collines avec un vignoble ou une lave dans les champs, qui poussent de la même manière qu'un vignoble. Vous pouvez utiliser les lignes du vignoble ou la lave dans les champs comme lignes d'attaque. Ici, notre principal objectif de l'image sera la maison. Les collines de l'image ramèneraient notre regard vers la maison et la forme du vignoble ou de la lave dans les formes du champ, conduirait notre regard autour de l'image. De plus, nous avons aussi la route où nous avons le personnage à nouveau avec le chien, accord peut-être que nous avons trop de chiens maintenant. Mais vous pouvez imaginer où le personnage, et le chien marche. Encore une fois, ce type de composition nous garde engagés au milieu de l'image, et notre œil tourne autour. Dans l'exemple suivant, j'utilise un océan ou une mer avec le bord de mer, comme avec nos exemples de phoques, et nous avons peu de dunes de sable ou de collines, caractère marchant avec le chien à nouveau, et nous pouvons ajouter Lama la prochaine fois ou une autre créature où vous pouvez aller faire une promenade avec. Vous pouvez voir que les personnages marchent vers le coucher du soleil, et les collines créent de belles lignes de départ vers les personnages. Comme dernier exemple, nous avons une scène avec un lac ou un océan, montagnes, et quelques coteaux. Ceci est très similaire aux vignes ou à la lave dans les champs, où les collines, le soleil, les trois, et les montagnes vous aident à créer les lignes directrices de l'image. J' espère que je vous ai montré assez d'exemples où vous pouvez imaginer qu'il y a d'innombrables façons d'utiliser les lignes directrices dans vos images, et est l'un des moyens très efficaces pour laisser votre spectateur autour de l'image pour les aider à regarder ce que vous vouloir. S' il vous plaît, allez-y et faites de l'exercice sur la façon dont vous pouvez utiliser les lignes de début dans vos esquisses. Passons maintenant à la vidéo suivante. 7. Espace négatif: Dans cette partie, je voudrais vous parler de l'espace négatif ou des zones de calme. Vous pouvez imaginer que l'espace positif est le sujet de l'image. Dans notre exemple, ce serait le joint mignon sur la roche et le soleil, avec le reflet du soleil sur l'eau. L' espace négatif est la zone qui l'entoure. L' utilisation d'un espace plus négatif donne à l'image un endroit où respirer alors qu'en face. Quand il n'y a pas trop d'espace négatif, cela peut se sentir un peu trop claustrophobe et créer un sentiment à l'étroit dans votre image. Prenons les deux exemples du chapitre précédent, notre sceau sur la roche. Ici, vous pouvez voir l'espace négatif est tout le ciel autour du soleil au-dessus du sceau, et cela nous aide à équilibrer l'image. Parce que tout l'espace négatif que vous n'avez rien à regarder pour que vos yeux soient naturellement tirés du haut de l'image jusqu'au sceau où nous voulons que le public regarde. Que se passerait-il si je déplaçais toute la composition avec le personnage vers le haut ? Maintenant, notre sujet principal et le focus de l'image seraient beaucoup plus haut dans le visuel, ce qui créerait une composition différente. Maintenant, tout mon espace négatif est au bas de l'image et cela conduirait l'œil d'un spectateur hors de l'image, et nous ne voulons pas cela. moment, nos yeux vont de bas en haut de l'image, créant ce sentiment pressant où le sceau et le soleil sont trop entassés en haut de l'image. Vous pouvez l'équilibrer à nouveau en ajoutant plus d'éléments au premier plan. Ici, nous pouvons ajouter un autre sceau sur la roche à l'avant pour équilibrer la narration de la composition. Maintenant, nous avons un peu d'espace négatif sur le ciel et un espace négatif dans l'eau, et nous avons nos sceaux et le moment de l'histoire sur la ligne horizontale gauche de la règle des tiers composition, si vous vous en souvenez aussi. Nous avons également un très bel équilibre entre l' espace négatif et l'espace actif dans cet exemple aussi. Le placement des éléments au milieu, pas trop loin vers le haut, fait de votre oeil pour cercle autour de l'image, et nous voulons garder le spectateur engagé. Permettez-moi d'apporter quelques autres exemples de croquis et de voir combien d'espace négatif et l'espace actif que nous avons dans ces compositions également. Comme vous le voyez dans le premier exemple des deux personnages avec la prairie de fleurs et la montagne en arrière-plan. L' espace négatif principal est utilisé dans les fleurs simplifiées dans la prairie, en arrière-plan, même s'il y a quelques éléments, mais ils se mélangent ensemble. Cela peut être considéré comme un espace négatif, ce qui est plus comme un espace calme avec pas trop de détails. Ensuite, nous avons aussi le ciel avec peu de choses qui se passent là-bas. Lorsque vous regardez l'exemple avec le chat et la fenêtre, la plupart de l'image est en fait un espace négatif, ce qui attire notre attention principalement sur le chat et la fenêtre comme un élément principal. Plus vous avez d'espace négatif dans l'image, plus l'accent est mis sur les autres éléments de la composition. Dans l'exemple sauvage, plupart de l'espace négatif est dans le ciel et dans la prairie derrière lui. C' est un concept similaire à celui de gauche avec un champ de fleurs de montagne. Dans la composition du chat sauvage, l'accent principal est le chat, puis nous avons peu de feuilles tropicales qui font également partie de l'espace actif. L' espace actif, les feuilles et le chat, et un espace passif négatif est le champ dans le ciel et le fond. Dans l'exemple de plage en bas, il y a beaucoup d'espace négatif parce que j'utilisais surtout des formes simples. La seule partie active est le personnage avec un chien et une partie du soleil et de la réflexion. Vous savez tout de suite où regarder, et quel est le centre de l'image aussi. L' exemple en bas à droite, nous avons des montagnes et des collines vallonnées et l'eau, et ici vous pouvez décider combien d'espace négatif et l'espace actif que vous utiliseriez ici, en fonction de la quantité de détails. Les zones où vous ne mettrez aucun détail seront l'espace négatif. Plus vous ajoutez de détails à certaines zones comme les arbres ou les détails sur le champ deviendront votre focus sur l'image, qui est plus l'espace actif. Sur l'exemple à droite, nous avons le moulin à vent, et le personnage à nouveau dans la prairie de fleurs. L' espace négatif peut être le ciel et les formes simplifiées du champ de fleurs à nouveau, se mélangeant ensemble. Pensez toujours à la façon dont vous pouvez équilibrer l'espace négatif et l'espace actif dans vos images. Vous pourriez aussi vous demander pourquoi ai-je besoin de l'équilibrer ? Regardons quelques exemples où nous essayons de remplir tout l'espace. Aussi l'exemple, si nous utilisons beaucoup d'espace négatif, peut être que vous pouvez considérer trop d'espace négatif, et je vais vous montrer cela à nouveau sur l'exemple du sceau. abord, regardons l'exemple où nous utilisons beaucoup d'espace négatif, et comment cela vous fait sentir. Je vais rendre le sceau et le rocher très minuscule. Dans cet exemple, vous pouvez commencer à sentir qu'il y a un sentiment de vide ou vous pouvez imaginer un long chemin à parcourir. Ce n'est pas une mauvaise chose d'utiliser trop d'espace négatif ou trop d'espace actif, mais vous avez juste besoin d'avoir à l'esprit, qu'est-ce que cela signifie réellement, ou quelle humeur cela crée-t-il ? Une grande quantité d'espace vide dans la combinaison avec un minuscule caractère mettra l'accent sur le sentiment de solitude. Ou si quelqu'un a abandonné le personnage dans cette partie de l'histoire. Ou le personnage pense à un long chemin à parcourir. Par exemple, comme je l'ai mentionné avec la moitié de l'image de l'espace vide, vous pouvez exprimer un long voyage devant ou derrière le personnage. Vous pouvez également utiliser l'espace vide comme une émotion positive, et vous pouvez transmettre un sentiment de faible rythme de vie opposé à des endroits bondés. Maintenant, jouons avec l'exemple bondé. Je prendrai les phoques sur les rochers et j'essaierai de créer une colonie de phoques ici. Parce que pourquoi pas ? Je peux déjà imaginer être là. Les espaces bondés en contraste avec l'exemple gauche de la solitude ou de l'espace vide peuvent également nous faire sentir tendus, stressés ou trop serrés, et vous pouvez jouer avec les expressions des personnages. Mais dans ce cas, vous pouvez imaginer la colonie de phoques et ils sont heureux d'être ensemble. C' est bondé, c'est fort, peut-être que c'est amusant pour eux. Ils jouent dans l'eau. Pensez à l'espace négatif et à l'espace actif pour votre narration et les visuels, comment vous pouvez l'utiliser pour vos images. Encore une fois, quel sentiment vous voulez créer pour votre public. Ici, quand vous jouez, déplaçant différents éléments dans la composition, je tiens à souligner une chose, ce avec quoi beaucoup de gens luttent, et c'est un chevauchement et le recadrage des lignes. C' est aussi appelé lignes convergentes. Cela signifie que vous ne voulez pas que vos lignes et arêtes de vos formes se chevauchent dans l'image. S' ils se chevauchent dans ces endroits étranges, l'image deviendrait moins lisible. Qu' est-ce qui rendrait cette image difficile à lire ? Ou il se sentira également pas équilibré, est si je place le sceau sur la roche juste à côté du soleil. Dans la vraie vie, vous pouvez avoir cet angle en regardant le joint, mais comme vous créez la composition et que vous voulez l'avoir mieux, vous placeriez le joint plus à la vie sorte que le bord du nez du joint et le bord de le soleil ne touche pas ou ne sont pas alignés au même endroit parce que cela ne fonctionne pas si bien. En plus du chevauchement des objets pour rendre l'image plus lisible, vous pouvez améliorer vos images avec les objets avec une variété de tailles, de hauteur et de formes. Comme vous pouvez le voir, j'ai créé les roches et les joints dans différentes formes et différents emplacements dans l'exemple précédent. Beaucoup de gens ont un problème avec cela, et je vois beaucoup d'artistes débutants faire cette erreur. Si tous les objets sont juste à un endroit à côté de l'autre, sans créer de chevauchement dans l'illustration, l'image entière peut sembler très plate et ennuyeuse et difficile à lire. Vous pouvez créer la profondeur et l'image facile à lire simplement en déplaçant les objets autour et en les plaçant dans un bon ordre équilibré. Vous pouvez remarquer sur cet exemple simple que vous pouvez créer un alignement beaucoup plus intéressant en déplaçant simplement les objets autour. Déjà ce réglage simple, il vous aide à créer la profondeur dans votre image et un alignement agréable et lisible de l'objet. Passons maintenant à la leçon suivante. 8. Poids visuel: Que signifient les gens quand ils parlent de poids visuel ? Pensez à ce que chaque élément de la composition a le pouvoir d'attirer l'œil du spectateur. Plus la force est grande, plus l'œil est attiré par cet élément. Le poids visuel est également influencé par les lignes d'attaque dont nous avons déjà parlé. Le poids visuel et la direction visuelle sont à la fois importants pour atteindre la hiérarchie, l' écoulement et la rime, ainsi que l'équilibre dans votre composition. Commençons par un exemple que nous avions examiné auparavant. Tu te souviens de celui-là ? Sur le côté gauche, nous avons des objets identiques et sur le côté droit nous avons un objet plus sombre que les autres dans la composition. La pondération visuelle dans cet exemple est créée par un contraste de valeur. Les éléments plus sombres ont généralement plus de poids visuel que les éléments plus légers. De cette façon, remarquez ce point plus sombre beaucoup plus vite que les autres points dans le bon exemple. Vous remarquez des éléments de valeur foncée encore plus quand il y a beaucoup d'éléments lumineux autour. Il peut y avoir une seule partie sombre de l'image. Si vous n'êtes pas sûr de ce qui est la valeur. La valeur fait référence à la légèreté ou à l'obscurité d'une couleur. Pour connecter la couleur avec nos valeurs ici, vous pouvez simplement déplacer la diapositive de saturation là-bas et vous pouvez imaginer notre couleur ici à partir de violet clair, violet moyen et violet foncé de couleur. Mais il y a plus au poids visuel que le simple contraste de valeur. Parlons d'autres fonctionnalités que vous pouvez utiliser à votre avantage lors de la création de votre composition et dans cette partie, nous allons pratiquer quatre de ces fonctionnalités. On est déjà mentionné valeur, alors nous avons la taille, la couleur, et les objets d'intérêts comme les visages ou les figures. Je vais prendre notre dessin de croquis de prairie comme exemple. On parle de taille. grands éléments ont plus de poids visuel que les petits éléments dans les compositions, et comment utiliser la taille dans cet exemple de dessin ? En rendant simplement certaines des fleurs plus grandes. En tant que spectateur, vous savez qu'il y en a plus vite. Ça veut dire qu'ils ont une plus grande vague visuelle. Parler de valeur dans la catégorie suivante, créer un contraste de valeur dans la même image. Si nous rendons certaines des fleurs plus sombres comme vous le voyez, elles se démarqueront du champ des fleurs de plus en plus et de la même façon que la montagne à gauche en arrière-plan, avec une valeur plus sombre se distingue plus que la plus claire maintenant, lorsque nous changeons les tons de valeur de ces montagnes. Dans la catégorie des couleurs, ici je peux juste ajouter une couleur à l'une des fleurs à l' image désaturée globale et ces fleurs se démarque tout de suite. Comme les couleurs sont sujet assez complexe, je vais vous montrer plus d'exemples dans le chapitre suivant, et dans la dernière catégorie, objets d'intérêt, qui peuvent être des visages ou des figures, nous pouvons considérer que certaines choses sont juste plus intéressant que d'autres pour nous en tant que public. J' ai déjà mentionné que nous remarquons généralement les personnages en premier et cela peut être surtout parce que nous pouvons commencer à nous imaginer dans la situation, que nous pouvons voir dans les images. Ici. Nous pouvons peut-être nous imaginer marcher le chien dans le champ des fleurs. On peut peut-être déjà imaginer l'odeur des fleurs et la douce brise dans notre phase. Dans cet exemple, nous avons la petite figure avec un chien, que vous connaissez tout de suite. Si c'était juste une fleur dans cette composition, vous pourriez ne pas lui donner autant d'importance ou le poids visuel en tant que spectateur ou public. En outre, plus l'élément est complexe ou complexe, plus il attirerait à l'œil du spectateur. Vos propres intérêts peuvent également jouer un rôle lorsque vous remarquez des éléments dans la composition. Si vous êtes plus intéressé par les chiens que par les chats, alors une image d'un chien attirera votre attention plus que l'image d'un chat. De plus, votre expérience passée peut jouer un rôle ce que vous remarquez en premier ? Si vous avez peut-être eu une mauvaise expérience avec les chiens, vous pourriez les remarquer d'abord pour éviter le danger. Essayez de toujours considérer le public pour votre art. Quelles pourraient être leurs expériences passées ou quel pourrait être leur intérêt ? Pour pratiquer plus, obtenons un autre exemple pour toutes ces catégories. Cette fois, je vais prendre deux maisons simples comme composition. Dans la première catégorie ou la première image, j'utilise la taille est un poids visuel. Je fais la maison dans le coin inférieur droit beaucoup plus grande que la maison en arrière-plan. Parce que c'est plus grand, c'est plus important. Il a un poids visuel plus grand, que la petite maison en arrière-plan en raison de sa taille. Dans la catégorie suivante, si je faisais cette petite maison en arrière-plan, dans la valeur plus sombre et créer un contraste de cette façon, vous remarqueriez plus vite et considérez son peu plus important maintenant. En plus de cela, si je voulais rendre les fenêtres de la grande maison sur le coin droit plus sombres, vous les remarqueriez aussi plus vite maintenant et leur donner plus d'importance. Compte tenu de la prochaine catégorie de couleur, si je ferais le cadre des fenêtres à droite ou d'autres couleurs plus saturées par rapport au reste de l'image, vous les remarqueriez encore plus vite. Enfin et non des moindres, tester le dernier groupe de cette leçon, en ajoutant deux chiffres dans notre esquisse de composition. Maintenant, après avoir ajouté deux caractères qui pourraient parler l'un à l'autre, nous avons un poids visuel différent autour de la composition de l'image. Parce que vous les remarquez et vous commencez à vous demander, quelle est l'histoire là-bas ? Qu' est-ce qu'ils font ? Et ainsi de suite. Essayez toujours de considérer le poids visuel de vos éléments dans les compositions, en tenant compte de la taille, du contraste de valeur, de la couleur, et des objets d'intérêt comme des visages ou des figures, ce qui fait que l'œil du spectateur voyage autour de l'image, remarquant différents éléments dans vos compositions. C' est ce que nous voulons généralement réaliser dans nos images, gardant le public engagé. Passons maintenant à la partie suivante. 9. Équilibre des couleurs: Dans cette vidéo, je voudrais vous montrer d'autres exemples de balance des couleurs et comment vous pouvez jouer avec la vague visuelle en termes d'utilisation des couleurs et de valeurs de couleur dans vos compositions. Allons pratiquer un peu d'équilibre des couleurs. Même si certaines personnes considèrent les tons de valeur ennuyeux à pratiquer, cela vous aide à voir la structure de vos images plus facilement. Avec le même exemple du milieu, vous pouvez vous entraîner à créer différentes structures de valeur sur la même image. En utilisant différentes valeurs, vous créeriez un poids visuel différent et un contraste différent. Ici, j'utilise trois tons de valeur. Dans le premier exemple, valeur sombre pour la montagne dans les fleurs de premier plan, ton moyen pour le milieu et la valeur de lumière pour les nuages et le ciel. Ici, je souligne les fleurs au premier plan et la montagne avec ces valeurs sombres afin que vous les remarquiez plus vite. Dans le deuxième exemple opposé au premier exemple, nous avons un ciel sombre contre la montagne avec une valeur de lumière et vos yeux y sont attirés en premier. Ensuite, dans un troisième exemple d'esquisse, nous avons des valeurs sombres pour les tons moyens et clairs pour les montagnes, et les fleurs au premier plan, laissant le ciel pour la valeur médiane et le poids visuel inférieur. Comme vous pouvez le voir dans ces trois exemples de structures de valeurs différentes, vous pouvez jouer autour de quelle partie vous voulez mettre accent sur le plus et attribuer le poids visuel le plus important. Maintenant, si tu me demandes comment je les mets en couleur ? Vous devez simplement attribuer la valeur de lumière au violet clair par exemple ou au bleu clair, valeur de ton moyen au violet moyen ou au bleu moyen, et aux valeurs sombres aux couleurs foncées comme le violet foncé ou le bleu foncé. Comme je l'ai esquissé ici comme un exemple de palette de couleurs. Dans la prochaine partie, je vais également vous montrer comment vous pouvez jouer avec ces plus dans Procreate. Mais avant cela, regardons plus d'exemples de la façon dont vous pouvez jouer avec la balance des couleurs. Ici, je voudrais mentionner les tons de couleurs chauds et froids et l'équilibre des couleurs créant avec ces fonctionnalités. Habituellement, les tons de couleurs chaudes avancent au premier plan, puis ils pèsent plus que les couleurs fraîches qui résident dans l'arrière-plan. Certaines personnes disent que le rouge est considéré comme la couleur avec le poids visuel le plus lourd. Pensez à ce que vous voulez mettre l'accent ? Comme je l'ai mentionné, les gens sont généralement attirés par les couleurs chaudes. Ici, j'ai trois exemples de croquis. Dans le premier exemple, je fais le milieu jaune et un ciel bleu. Nos yeux seront attirés d'abord vers cette couleur saturée brillante du milieu, et dans ce cas, c'est le milieu du champ de fleurs orange vif. Si nous pouvions inverser cette combinaison de couleurs et utiliser l'orange vif sur le ciel et la montagne, vous seriez attiré par le ciel beaucoup plus que sur le champ de fleurs ? Et si la plupart de nos couleurs étaient chaudes et lumineuses ? Ensuite, vous seriez attiré par les plus saturés ou les zones du contraste. Comme je l'ai mentionné, le rouge est considéré comme l'une des couleurs les plus lourdes. Vous pouvez rendre les fleurs au premier plan plus saturé rouge, et aussi vous pouvez faire un ciel bleu contre la montagne orange qui créerait le contraste de ces tons chauds et froids de sorte que vous auriez à la fois des tons rouges très saturés dans le premier plan, ainsi que le contraste des tons chauds et froids. Vous remarquerez ces deux parties le plus dans cet exemple. Parce que je crois que plus d'exemples aident toujours, allons apporter nos croquis, ce que nous avons regardé avant et jouer encore plus avec l'équilibre des couleurs avec ces images. Ici, je vais continuer avec l'exemple du milieu en utilisant plus de tons verts maintenant. Si vous n'avez pas beaucoup travaillé avec le vert, le vert peut être difficile à utiliser. Si vous voulez vert vif, essayez toujours d'aller plus jaunie avec les tons ou utiliser plus jaune vert saturé pas lumineux, parce que cela peut rendre vos images à la soie à la recherche ou trop saturé. Comme vous pouvez le voir, j'utilise ce vert jaune clair dans l'exemple, et quand je suis heureux avec ces tons verts, j'ajouterais le ciel beige, pour ne pas rivaliser trop avec les autres couleurs. Son poids visuel est très petit comme vous pouvez le voir, donc vous ne le remarquez pas trop parce que je ne veux pas souligner le ciel dans cette image. Je veux aussi que la montagne se fond davantage en arrière-plan, ne se démarque pas trop, parce que ce n'est pas important pour l'histoire que je crée maintenant. J' utilise des tons gris à faible saturation pour la montagne. D' autre part, je veux que les fleurs au premier plan se démarquent le plus, et je veux que le spectateur les remarque d'abord. Par conséquent, j'utilise des tons chauds dans cette partie de l'image. Ils peuvent être par exemple, orange vif, rose vif, rouge vif ou d'autres tons chauds saturés. Le reste des fleurs dans la section médiane de l'image serait jaune clair. Ce jaune clair est proche de la tonalité de valeur du champ vert, parce que je ne veux pas que les fleurs de la section centrale se démarquent plus. Je veux qu'ils se fondent avec le champ de fleurs, parce que dans cette partie je veux que le public remarque le personnage plus pas les fleurs. Pour ajouter plus à cet équilibre des tons de couleur et de la valeur, j'ajouterais une couleur rouge vif à notre personnage afin que vous puissiez imaginer que le personnage porterait un manteau rouge ou vous pouvez ajouter un cheveu rouge ou une couleur rouge au chien, ou un bandana rouge. Je suis sûr que vous pouvez penser à quelque chose où ajouter des tons rouge vif aux personnages. autre chose est que je peux ajouter des ombres. Par conséquent, des valeurs plus sombres sous les fleurs au premier plan pour les aider à se démarquer encore plus. J' ai également décidé de mettre l'accent sur la montagne en arrière-plan avec des valeurs un peu plus sombres parce que je veux que le spectateur remarque la montagne en fait un peu plus parce qu'elle aide l'histoire et la profondeur de l'image. Pour l'exemple du sceau, je vais opter pour un choix de couleurs plus évidents, et c'est des tons de couleur bleue pour l'eau et la zone du ciel. Je vais faire ressortir le sceau en utilisant la couleur blanche. Les tons clairs contre les tons de valeur moyenne créent un contraste agréable de sorte que vous le remarqueriez plus facile sur fond. Si je faisais le phoque gris clair, tu ne le verrais pas si facilement. Le rocher sur lequel il est assis n'est pas si important pour mon histoire et l'image, donc je le colorierais en gris, se mélangeant avec l'aquarelle petit peu. Mais c'est bon dans ce cas. Pour aider les joints à se démarquer encore plus, j'ajoute une valeur plus foncée. Une ombre sur la roche de sorte qu'il y a plus de contraste dans les valeurs dans la zone près du sceau. Les yeux du public sont attirés par cette zone. En ce qui concerne le reste de l'image, je vais probablement rendre le soleil jaune plus tard. Mais pour l'instant, je vais le garder blanc parce que j' aime la simplicité de cette combinaison de couleurs. Le deuxième exemple est similaire, mais maintenant je détourne la mise au point du sceau. Je veux que le spectateur se concentre sur les autres éléments de l'image, pas seulement sur le sceau. J' ajoute des tons chauds de couleurs vives sur le sable de la plage, le soleil et le parasol sur le dessus de l'image, de sorte que vous les remarqueriez d'abord dans ce croquis. Parce que j'insiste sur l'expérience de la plage. Dans l'idée de chat sauvage tropical, je vais commencer par un ton vert subtil pour l'arrière-plan parce que je prévois une zone orange chaude pour le chat de se démarquer contre le vert de l'environnement. J' utilise deux tons du vert, mais ils sont proches en valeur, donc ils ne créent pas trop de contraste dans les zones de l'image que je ne veux pas. Pour amener le public et plus concentré à la phase du gros chat, je ferais le nuage derrière le blanc afin qu'il y ait plus de contraste dans ce domaine. En plus de cela, je crée également un motif sur sa fourrure. Dans les taches et les motifs aident également à attirer l'attention du spectateur. Parce que l'utilisation de motifs crée également un poids visuel et un intérêt visuel pour les parties de l'image que vous souhaitez mettre en valeur dans la composition. En fin de compte, j'ajouterais des fleurs rose vif près du visage du grand chat, pour aider le public et le spectateur à guider l'œil vers cette partie de l'image encore plus. Dans l'exemple suivant, nous avons un autre champ de fleurs. Ici, j'imagine des champs de tulipes avec un moulin à vent, quelque chose comme en Hollande. Dans ce dessin, j'utilise principalement des zones de couleur chaude et ne crée pas de contraste fort pour aucune partie de l'image en particulier. Je veux que le spectateur découvre le personnage par lui-même un peu plus tard et pas tout de suite, évidemment. Regardez ici, voici un personnage, je veux qu'ils remarquent le champ de fleurs, puis découvrent lentement des parties de l'image. Comme je l'ai mentionné, l'accent est plus sur la couleur lumineuse globale du champ de fleurs. Le jaune que j'utilise dans le ciel est jaune plus désaturé, dans des tons clairs. Par conséquent, le champ de fleurs roses peut se démarquer beaucoup mieux. Si le ciel était trop saturé, il aurait une vague visuelle plus forte et donc se battre avec l'équilibre de la composition ici. Pour aider le moulin à se démarquer de l'arrière-plan et le souligner un peu plus, j'utilise un ton de couleur légèrement plus sombre que le fond, mais c'est toujours dans ces tons jaunes beige, et puis j'ajoute aussi quelques verts à la arbres près du moulin à vent. Ils contrastent bien avec le fond et le champ de fleurs. Mais ils sont encore assez proches dans les tons de valeur, donc ils ne se distinguent pas trop. Pour l'exemple suivant, j'utilise un schéma de couleurs de tons froids. Parce que j'imaginais des montagnes enneigées, et peut-être, comment puis-je faire en sorte que ce skieur se démarque de l'image ? Comme vous pouvez le voir, presque tout dans notre image sur la gauche est dans des couleurs désaturées, seul le skieur est dans la zone de couleur rouge, donc vous ne le remarqueriez pas tout de suite. Pour mettre davantage l'accent sur les montagnes, ils ont juste un ton de valeur légèrement plus sombre que le reste de l'image. La piste de ski, les nuages et le ciel sont dans les tons très clairs. Nous avons seulement ces trois couleurs simples, mais l'image fonctionne bien et vous savez tout de suite où regarder en premier. Pour aider le spectateur à remarquer encore plus le skieur, pas seulement la couleur de son manteau ou de sa tenue, j'utilise des tons de valeur légèrement plus foncés pour les ombres de la région montagneuse. Comme vous pouvez le voir sur le trajet sur ces deux troisièmes lignes, sur la ligne horizontale, lorsque vous imaginez la règle des tiers divisés. Dans l'exemple suivant, nous avons ce petit village de cubes contre les montagnes. J' utilise le même ciel jaune que dans le champ de fleurs en haut à droite, et j'utilise des tons verts subtils. Les jaunes et les verts sont dans les tons similaires parce que ici j' essayais d'aller pour une variation de couleur plus subtile. Pour mettre l'accent sur les maisons, je vais chercher des tons plus rougeâtres pour les toits. Pour aider les lignes de début, j'utilise des tons plus foncés pour l'herbe au premier plan de l'image. Dans cet exemple, la route menant vers le village, il est calme, fort, et conduit l'œil vers le milieu de l'image. Je n'ai pas besoin de mettre autant l'accent sur les maisons du village. Ensuite, regardons l'exemple sur le coin inférieur droit, où nous avons une autre maison, quelques collines, et le personnage marchant vers cette maison. Je veux que vous essayez une combinaison de couleurs différentes dans ce croquis, donc je vais plus pour les tons violets afin que nous puissions imaginer des champs de lavande, qui peuvent être beaux à explorer. La plupart des couleurs dans ce croquis, sont des tons de couleur calmes et froids. Pour souligner la maison, le personnage et le chien, j'utilise des tons plus chauds. Le personnage a des vêtements orange vif ou jaune vif. J' utilise la même couleur pour le toit de la maison, et le reste de l'image est plus dans les tons de couleur froids. Aussi pour créer encore plus d'attention et amener le spectateur au personnage, j'utilise également les tons de valeur plus sombres au premier plan, sorte que vous remarqueriez le personnage là-bas mieux. Dans l'exemple d'esquisse du bas, vous pouvez tester différentes combinaisons de couleurs peut-être inhabituelles aussi. Ici, j'imagine dans certains champs, ou vous pouvez penser à des vignes, et ensuite nous avons des montagnes, des arbres, et le soleil. Le choix de couleur le plus évident serait le vert, bleu et peut-être le jaune pour le soleil. Peut-être que vous pouvez essayer aussi rose pour les montagnes, ou n'importe quelle combinaison de couleurs que vous pouvez penser ici. Mais alors j'ai décidé que j'irais juste pour le jaune pour l'une des montagnes et le soleil. Je mets l'accent sur le soleil et l'un des champs. Le premier plan serait vert, sorte que la montagne jaune se démarquerait mieux. Dans l'exemple suivant, nous avons le personnage avec le chien à nouveau, marchant vers le coucher du soleil sur la plage. Ici, j'irais pour des tons colorés plus inattendus, je mettrais l'accent sur les dunes de sable et j'utiliserais des tons de couleur rose pour ceux-ci. Mais je ne veux pas qu'ils se démarquent trop de l'image. Tous les éléments au premier plan sont dans des zones de couleur chaude, et ils sont assez proches en valeur. Si vous deviez rendre cette image noir et blanc, le rose et le jaune seraient assez similaires. Ensuite, pour l'arrière-plan, j'utilise des tons de couleur très désaturés, aussi pour la mer et le ciel et le soleil, gardant l'attention du spectateur au premier plan. Le dernier exemple ici est encore l'océan. Mais ici, comme vous pouvez le voir, nous avons plus comme le ciel orageux et les eaux orageuses. Je peux utiliser une combinaison de couleurs différente de ce que nous avions dans les deux premiers exemples avec le joint. Lorsque vous pensez à la tempête, nous avons généralement un ciel plus sombre parce qu'ils sont pleins de nuages et que nous aimons la lumière du soleil. Je rends le ciel un peu plus sombre que les exemples précédents. J' utilise également une valeur similaire du bleu sur l'eau, donc je peux garder la simplicité dans l'image. Pour souligner le soleil en arrière-plan, j'utilise le jaune parce que nous avons déjà assez fort élément de composition sous la forme de la vague sur la gauche. J' utilise des tons de couleurs larges pour me démarquer déjà sur le fond, donc je peux m'en sortir avec le ton jaune plus vif sur le côté droit de l'image. Tout est encore assez équilibré. 10. Équilibre des valeurs: Nous avons déjà mentionné les valeurs dans la partie précédente, mais je voulais vous montrer un peu profond et le processus que je fais habituellement dans la procréation pour voir si mes couleurs fonctionnent bien, aussi en échelle de gris et les valeurs. Cela peut être fait aussi avec la couche de réglage dans Photoshop, mais dans la procréation, cela fonctionne un peu différemment. Ici, je copierais mon calque avec l'esquisse colorée, puis sélectionnez la saturation et le réduisais à zéro pour voir toutes les valeurs. Ici, je remarque tout de suite que je peux ajouter plus de contraste à mes images, et par conséquent, je décide d'ajouter des tons plus foncés et plus clairs à tous les croquis. Même si la couleur est plus amusante à jouer et plus attrayante pour la plupart des gens lorsqu'ils créent des œuvres d'art, les valeurs sont plus importantes que la couleur pour concevoir et se retrouver avec des œuvres d'art équilibrées et faciles à décoder. Même à l'époque des films en noir et blanc, vous êtes capable de comprendre les images sans couleur. Aussi dans les œuvres, le public remarquera cette partie le plus, et donc la valeur de chaque couleur est importante pour vos compositions d'équilibre. Ici, dans la procréation lorsque je suis satisfait de mes valeurs ajustées, je vais déplacer mon calque avec des esquisses précédemment colorées au-dessus du calque noir et blanc, comme vous pouvez le voir ici, et le définir à la couleur. Lorsque vous êtes satisfait et que vous ne planifiez pas d'ajustements supplémentaires à vos esquisses, vous pouvez fusionner ces calques ensemble. Lorsque vous créez une composition de valeur, vous créez également de la profondeur dans les images et les paysages. Avec cela à l'esprit, le moyen rapide de comprendre le paysage et de créer un sens de la profondeur en utilisant valeurs est de faire ou de construire l'image de fond en premier plan, commençant par des pierres claires en arrière-plan et en devenant plus sombre dans chaque nouvelle couche. Est-ce que cette classe n'est pas sur les styles d'illustration et de finaliser les œuvres d'art, je ne vais pas polir et finaliser toutes les illustrations, vous pouvez regarder quelques-unes de mes autres cours pour en apprendre davantage sur l'ensemble de mon processus d'illustration. Par exemple, la classe d'illustration d'affiches de voyage, ou vous pouvez suivre la clause d'illustration numérique et de processus de création brève. Mais juste pour vous montrer rapidement, je nettoie généralement les bords des illustrations soit avec un pinceau comme celui-ci, soit j'aime aussi utiliser l'outil de sélection, puis ajouter des textures à la fin. 11. L'unité et la variété: En tant qu'artiste, vous voulez probablement créer des images différentes, parfois avec un sujet très difficile et compliqué. Il peut s'agir d'une architecture sophistiquée, feuillage occupé, de la nature ou d'un paysage rempli de nombreux personnages. L' une de vos compétences devrait être la capacité de gérer efficacement la complexité. Trouver un design solide et clair, et regrouper les éléments, nous vous aiderons beaucoup. De cette façon, je veux vous montrer l'unité et regrouper les éléments dans les images. Il s'agit d'une astuce rapide ou d'une solution rapide à la simplification. Vous devez d'abord décider si les zones les plus importantes de votre scène, puis commencer par mélanger ces objets en premier. Vous pouvez les considérer comme les parties les plus importantes de votre illustration. Ensuite, vous pouvez penser à la façon dont vous ressentiriez le reste de votre scène avec un objet simplifié plus petit et moins important et vous les unifieriez ensemble. Prenant l'exemple du champ de fleurs et du moulin à vent, je simplifie le champ de fleurs et les fleurs en formes rondes similaires de la même couleur, sorte qu'ils se fondent ensemble dans un grand champ de fleurs, ce qui aide le moulin à se démarquer un peu plus. Si je veux souligner certaines des fleurs, je peux commencer à travailler avec différentes formes des fleurs. Donc, ils enverraient plus de cette composition. Plus les fleurs uniques et spéciales que vous créeriez dans cette zone, plus l'accent serait mis sur cette partie de l'image et le champ de fleurs serait moins unifié. Dans les deux autres exemples, nous avons l'unité dans les formes des collines en arrière-plan du village. Sur le premier exemple, ils sont tous les mêmes, et ils font partie du même groupe d'éléments créant l'unité mentionnée. Pour apporter de la variété dans cette zone, vous pouvez simplement changer la forme de l'une des montagnes et le spectateur serait attiré par cette zone tout de suite. La montagne se distinguerait beaucoup plus des autres. Dans le dernier exemple, nous avons des arbres plus semblables dans les scènes créant à nouveau une unité simplifiée. Tous les arbres ressemblent à quelque chose en Toscane, en Italie. Si vous voulez rendre l'un des arbres différent à nouveau, il se distinguera plus de la même manière que nous l'avons fait avec la montagne. Une autre chose à considérer ici est que chaque paysage a son mod et ses formes spéciales. Comme je l'ai mentionné, certaines des formes d'arbres que je connecte avec la Toscane, en Italie. Un arbre n'est pas seulement un trois, mais il est également disponible dans différentes tailles, formes et attitudes. Pensez à ce que vous voulez dire. Est-ce un jeune arbre, une vieille pierre, a-t-il des feuilles qui tombent, ou est-ce qu'il fleurit au printemps ? Dans notre cas, la Toscane, comme des arbres ou des formes étranges peut évoquer différents paysages. Lorsque vous créez la forme étrange de l'arbre, qui peut ressembler à une sucette, il peut également indiquer un paysage extraterrestre. Pour résumer l'unité et la variété, pensez aux objets et zones de votre image souhaitez-vous faire de l'espace, et en tant qu'élément principal de votre œuvre d'art, et d'autre part, quelles zones devraient se fondre plus ensemble, vous voulez les simplifier et ils créeraient l'unité. Pour créer cette unité avec de la variété, travaillez avec des objets similaires, avec de légères différences. Unity est une question de parties distinctes de l'œuvre travaillant ensemble, comme nous l'avons fait dans le champ de fleurs. Pour les zones de vos illustrations que vous souhaitez mettre au point, qui sont les plus importantes, crée des formes spéciales différentes des autres zones et du reste des objets de votre illustration. Comme dans notre exemple avec l'arbre extraterrestre magique, avec la forme spatiale. Les autres arbres sont similaires et créent l'unité dans l'œuvre et ils se fondent plus ensemble. Aucun d'entre eux ne se distingue trop. Passons à la partie suivante. 12. Compositions statiques et dynamiques: Dans cette partie, je vais vous montrer comment vous pouvez penser à l'équilibre et au rythme en termes de compositions statiques, actives et hors équilibre. Ici, je vais prendre comme exemple de composition statique, notre belle prairie de fleurs et le village avec des montagnes rondes en arrière-plan. Ces compositions évoquent généralement la paix et le calme. Pourquoi c'est ça ? Eh bien, le monde entier qui nous entoure tend à être statique et constant. Ce sont des objets immobiles, quelque chose sur lequel nous pouvons compter, quelque chose d'attendu. Par conséquent, ces paysages évoquent la tranquillité et la sérénité. En raison de toutes ces conditions, compositions statiques stables nous font généralement sentir en harmonie et en équilibre. Les gens connectent aussi généralement la sérénité à la beauté. Donc composition statique est également un moyen d'exprimer une idée esthétique, et comment vous pouvez facilement atteindre cet équilibre et des compositions statiques pacifiques, vous pouvez simplement travailler avec des lignes verticales et des lignes horizontales parallèles à l'image comme votre ligne directrice principale. Comme vous pouvez le voir ici, l'horizon de mes deux exemples est aligné en parallèle avec les bords de l'image. Si vous pensez à des compositions statiques, symétrie est le moyen le plus simple d'atteindre l'équilibre dans la composition. Dans les arts visuels, la symétrie est obtenue par un tel placement d' objets lorsqu'une partie de la composition reflète l'autre. D' un autre côté, si vous voulez créer une composition plus active dans vos images, vous pouvez sentir leurs horizons. Alors changeons cela dans notre illustration de prairie. Par exemple, nous pouvons faire courir la fille avec le chien sur la colline, et créer plus d'action de cette façon. En construisant l'horizon, vous pouvez presque sentir le vent dans ses cheveux courir parmi les fleurs en bas de la colline. Mais n'oubliez pas de garder les nuages alignés sur le bord de l'image au lieu d' être alignés avec la prairie inclinée pour créer ces effets de colline raide réalistes. Si les nuages étaient alignés sur la colline, l'image entière aurait l'air d'être détournée. Créons un autre exemple. En ce moment plus dramatique et hors équilibre. Je vais prendre l'inspiration du village et des montagnes en arrière-plan, ce que nous avons ici dans le coin inférieur gauche, et je vais créer une autre colline, mais cette fois avec une falaise. J' ai placé la maison au bord de la falaise. Vous commencerez à vous sentir très mal à l'aise parce que vous n'êtes pas sûr à quel point cette maison est placée sur la colline et à quel point elle est équilibrée sur le sol. Pour le rendre encore plus dramatique et déséquilibré, vous pourriez même remplir les murs de la maison. Ici, je vais esquisser quelques formes plus simplifiées et abstraites afin que nous puissions comparer des compositions plus statiques et actives. Sur le premier exemple abstrait sur le côté gauche, vous pouvez voir quelques blocs placés les uns sur les autres et ils se reposent calmement et vous ne vous attendez pas à ce qu'ils bougent. Sur le deuxième exemple sur le côté droit, vous pouvez presque imaginer toutes les formes en mouvement parce qu'elles sont si différentes. D' après l'expérience de la vie, nous savons que ces objets ne resteraient pas immobile à cause de la gravité s'ils étaient disposés de cette façon. Ensuite, vous pouvez bien sûr travailler avec la combinaison d' objets à la recherche active et statique pour atteindre votre narration désirée. Si vous regardez notre quatrième exemple, une partie de l'image est statique comme la colline, et une autre est plus active ressemblant à l'arbre incliné penché vers la fille au sommet de la colline et nous ne savons pas à quel point l'arbre est stable. Essayez donc de jouer avec différents angles dans vos images pour créer des versions statiques et actives de vos compositions, soit en créant des compositions symétriques très statiques comme cette maison reflétée dans le lac, soit en jouant avec une vue de fenêtre et de créer des angles subtils avec des escaliers, ce qui ajoute un peu d'équilibre actif à la composition, mais ils se sentent toujours très statiques et sûrs pour nous. 13. Le point de vue: Le point de vue à partir duquel nous voyons les personnages et les paysages est également important pour l'ambiance et l'histoire que vous voulez raconter avec vos images. En commençant par notre dessin du sceau, nous avons deux points de vue, se concentrant sur le coucher du soleil et le sceau, en soulignant l'ampleur du coucher de soleil sur la première image, ou dans la deuxième image, nous nous concentrons sur le moment apaisant sur la plage, assis sur la serviette sous le parapluie rouge. Si vous êtes celui à porter, acceptez ceci et passez à l'étape suivante. Vous pouvez rendre les objets, vous ne voulez pas que le public regarde d'abord, flou et déplacé. Parce que j'allais toujours d'abord aux objets mis au point, les zones nettes de l'image. Avec cela à l'esprit, si je voulais encore souligner le sceau sur la roche dans la deuxième image, je pourrais rendre floues le parapluie rouge et la serviette jaune au premier plan. Le public se concentrera sur le phoque et le coucher du soleil en arrière-plan. Essayez de considérer, que voulez-vous à l'épaisseur de votre image ? La prochaine considération concernant le point de vue est l'angle à partir duquel vous pouvez voir l'image. Prenant notre exemple avec la prairie pleine de fleurs, je créerais une vue à vol d'oiseau en regardant de la falaise sur la prairie. Je vais placer un personnage ici. Cela peut être un moyen rapide et efficace de présenter une scène que vous voudriez que l'histoire se produise. C' est aussi ce qu'on appelle la vue d'oiseau. Vous l'avez probablement remarqué aussi dans les films, quand ils montrent l'emplacement complet et ils l'appellent aussi établir des plans. Ensuite, ils feraient un zoom avant sur l'emplacement et l'histoire commencera. De plus à ceux-ci, lorsque nous plaçons un personnage sur l'emplacement supérieur de notre image. Comme dans cet exemple, le personnage est debout sur la falaise en regardant vers le bas, nous créerions le sens du pouvoir pour ce personnage. Parce qu'il aurait une vue d'ensemble des caractères d'édition dans l'emplacement. Il serait donc plus en position de pouvoir et de contrôle. D' autre part, les personnages ou les objets montrent du haut semble souvent petit et insignifiant. En utilisant cet effet, vous pouvez également créer un sentiment de confusion et de dépression du caractère que nous avons dans notre exemple dans la vallée. même, regarder le paysage ou Demême, regarder le paysage ou un personnage d'en bas, la perspective de bas en haut, ou la vue de l'œil de vers, apporte le sentiment de grandeur et la puissance des objets au-dessus de nous. Comme dans cet exemple sur la droite, le petit insecte regarde vers les fleurs, qui semblent maintenant très dominantes par rapport aux vues précédentes quand on les regarde juste par le haut et elles sont assez petites. Vous pouvez également remarquer cet angle dans les films quand ils montrent les personnages de héros et que nous les regardons par le bas. Ces personnages se sentiraient forts et confiants pour nous. Regardons deux autres exemples. J' ai esquissé ces paysages lors d'une des randonnées dans les Alpes, essayant différents angles. Ces différents points de vue peuvent apporter une ambiance nouvelle et intéressante à vos œuvres. Lors de la création de nouveaux emplacements, les angles n'ont pas besoin d'être très différents et très dramatiques, comme la vue de l'œil vers et le bug dans l'exemple précédent du champ de fleurs. Vous pouvez considérer des différences plus petites dans les vues comme ici. Sur la droite, nous avons plus statique et venant de vue de l'image en utilisant une ligne horizontale. Nous regardons le train, le pont et les montagnes depuis l'avant de vous, créant calme et paix avec les lignes horizontales. Ou dans l'exemple à gauche, nous créons un angle légèrement différent, à partir de la vue angulaire supérieure, et nous montrons un peu plus de la profondeur de la vallée et créons également une composition légèrement plus dynamique. C' est tout votre choix. Quel sentiment et l'humeur que vous aimeriez créer avec votre point de vue. Essayez également de considérer différents angles lors de la création de vos œuvres car cela influencera le sentiment et l'humeur de l'art que vous créeriez. 14. Exemples de composition: Après avoir passé quelques conseils de composition, j'ai préparé d'autres exemples pour vous afin que nous puissions nous entraîner et nous améliorer ensemble. Essayez de deviner quelles règles de composition j'utilise dans chaque exemple. Faisons ça. Bien sûr, ce n'est pas en direct, mais vous pouvez crier les réponses à votre écran. Je le fais souvent, en commentant ce que je vois en regardant quelque chose. De plus, ces dessins peuvent être aussi amusants à imaginer comme un carnet de croquis de voyage parce que la plupart de ces dessins proviennent de dessins à l'extérieur. Dans ce premier exemple, nous avons la forêt d'hiver, inspirée du paysage autrichien. On dirait une scène de nuit, mais en hiver, il fait sombre à quatre heures. Non, je n'étais pas assis quelque part dans la neige la nuit à dessiner. Quelles règles de composition voyez-vous dans cet exemple ? Si vous avez dit des lignes directrices, en regardant la rivière, vous avez raison. Vous pouvez le voir tout de suite conduire votre regard vers le couple sur le pont. Ensuite, oui, si vous avez dit la règle des tiers, vous avez raison. Cela ressemble à un jeu de nuit, mais de toute façon, la règle des tiers est aussi l'une de mes règles préférées à appliquer. Autre chose ? J' utilise également la composition statique en créant avec les grands arbres alignés avec un cadre photo, ainsi que la balance des couleurs en utilisant le rouge sur le personnage par opposition aux couleurs froides du reste de l'image. Dans le deuxième exemple, l'arbre et le couchant du soleil, quelles règles voyez-vous ? Si vous réglez à nouveau une règle des tiers ? Tu as raison. Un autre ? Oui. J'utilise des lignes de conduite avec les pas dans la neige. Qu' est-ce que tu vois d'autre ? En plus de la règle des tiers et des lignes de tête, j'utilise aussi la structure de composition en forme de L créée à partir du grand arbre à gauche et des forêts en arrière-plan. J' utilise également une balance des couleurs pour souligner le coucher du soleil avec des couleurs chaudes comme le focus principal de l'image, par opposition au reste de l'image avec les zones de couleurs fraîches. Avez-vous remarqué autre chose ? Il y a aussi un contraste de valeur dans le ton de couleur très clair de la neige par rapport à la couleur sombre de la valeur de la couleur des trois bases, et pour conclure les idées pour les règles de composition dans ce dessin, nous avons aussi l'unité avec la variété, créé par similarité trois formes. Ils sont tous pareils, mais légèrement différents. Certains sont un peu plus grands avec formes légèrement différentes et vous repérez également toutes les lignes de tête dans cette illustration, il y en a pas mal quelques-unes. En plus de la règle des tiers et des lignes de tête, j'utilise également la structure de composition de forme. Exemple suivant, renne avec cette diapositive. Ceci est inspiré par un vlog de voyage que j'ai vu sur YouTube. Vlogs sont en fait formidables pour briser ces croquis rapides de paysages si vous ne pouvez pas être là. Il s'agit d'un renne qui glisse près du village de Santa en Finlande. Oui, vous pouvez vraiment faire ça, que voyez-vous ici ? Quelles règles de conversation ? Oui, aussi la structure des valeurs. Si vous avez pensé à cela, vous remarquerez probablement la conception d'arbre et la structure de valeur très similaires comme dans l'exemple précédent. Vous remarquez probablement à nouveau, vous avez besoin de la variété de blé. Qu' est-ce que tu vois d'autre ? Aussi la règle des tiers. Encore une fois, si vous y pensez. En plus de cette liaison de couleur, j'ai utilisé des couleurs chaudes pour un coucher de soleil et des couleurs fraîches pour l'environnement. Notez que j'ai également utilisé du violet au lieu du blanc pour la neige pour rendre l'image plus colorée. Si vous voulez plus d'inspiration pour les couleurs de la neige, vous pouvez regarder le film Frozen. Ils ont utilisé tant de palette de couleurs différentes. Ce film est une grande inspiration pour les paysages de neige. J' ai également utilisé l'espace négatif parmi les arbres, ce qui aide à créer ces structures de composition en forme de V. En dehors de l'espace négatif et de l'espace moins occupé dans le ciel, vous pouvez voir que j'ai utilisé de l'espace négatif dans la zone de neige et souterraine parce que je veux que le public se concentre sur les autres éléments de l'image, qui est le renne avec un traîneau et la conception des arbres avec le coucher du soleil. Passons au climat chaud. J' ai fait ces croquis dans Marlborough Sounds en Nouvelle-Zélande. Je pouvais passer plus de temps à observer les formes des paysages parce que je n'étais pas gelé ici quand je planifiais. Quelles règles de composition remarquez-vous dans l'exemple supérieur ? Si tu pensais à des lignes de tête, tu as raison. Sous la forme de rivage et de buissons sur la gauche pour ramener le public au bateau, et parce que parfois les esquisses de la vie réelle ont besoin d'être améliorées, comment pourriez-vous améliorer cette composition en connaissant tous les conseils à ce jour ? Si vous avez dit de déplacer le bateau et de l'aligner davantage avec la règle des tiers, vous avez raison. Si je faisais le croquis, je déplacerais le bateau plus vers la droite, alignant sur la ligne horizontale de la règle des tiers. Une autre chose que je fais ici est que j'équilibre les couleurs en utilisant des tons chauds pour les zones sur lesquelles je veux me concentrer. Par exemple, la plage était trop chaude, donc je ne voulais pas que le public la regarde comme une première chose. J' ai utilisé des tons plus cool, le spectateur remarquerait d'abord les montagnes, parce que c'était l'élément que je veux souligner dans ce croquis. Quelles règles voyez-vous dans les exemples avec la fille et le chien devant la jambe avec un kayak au milieu ? Oui. Nous avons encore des lignes de conduite ici. La ligne de buisson cahoteuse à gauche conduit l'œil à la surface du lac, puis de l'autre côté, la chaîne de montagnes ramène l'œil à la surface. Nous pouvons également suivre le regard de la fille jusqu'au milieu du lac et ensuite utiliser les lignes bleues du lac pour nous ramener à la fille. En plus de cela, j'utilise des tons de couleurs chaudes pour souligner les kayaks à gauche et la fille à droite. Comment pourriez-vous améliorer ce croquis ? Par exemple, je pourrais déplacer la fille plus vers la gauche pour être sur la ligne verticale de la règle des tiers, et peut-être que nous pourrions faire les couleurs du lac dans des valeurs plus sombres, afin qu'elle et les kayaks envoient plus. Que voyez-vous dans l'exemple du bas avec les deux randonneurs ? Encore une fois, l'une des règles utilisées ici est la balance des couleurs. J' ai utilisé des tons de couleur désaturés pour l'environnement. Je veux dire en arrière-plan et des tons plus chauds pour les personnages dans le croquis. J' utilise également les lignes de début ici sous la forme de feuilles de livre, le conduire l'œil des bords de l'image aux personnages. J' ai fait le croquis tout sur les montagnes afin que nous puissions améliorer l'histoire en rendant les randonneurs plus visibles et dominants dans l'image, ou nous pourrions faire l'arrière-plan hors de la mise au point pour aiguiser les deux personnages si vous voulez apporter plus attention à eux. Ici, j'esquisse la règle des tiers grille sur toutes les images, sorte que vous pouvez comparer où nous pourrions déplacer les éléments pour les nourrir à l'intersection des lignes. Passons à l'exemple suivant. Ces croquis proviennent de Battery Point à Hobart, en Tasmanie. C' est un beau port. Avec beaucoup de maisons mignonnes. J' aimerais revenir en arrière parfois faire esquisser plus de l'architecture. Que voyez-vous ici ? Oui, c'est une autre image. La règle des tiers est une chose suivante. Essayez de remarquer le focus de ces images. Ce que j'essaie de souligner. Dans la première image est le bateau, dans la deuxième image, le bateau aussi, et dans la troisième, j'ai beaucoup de gens avec des chiens sur la plage parce que c'était probablement une plage de chiens. Vous pouvez également remarquer la couleur et la balance des valeurs, l' accent sur les caractères de cette esquisse. Sur les deux premières images, j'utilise des tons blancs contre bleus pour souligner les bateaux, et sur l'image du bas, j'utilise le rouge sur les personnages contre l'herbe verte pour souligner cette partie de l'image. Avez-vous remarqué d'autres règles sur les croquis ? Oui. J'utilise à nouveau les lignes de conduite de la même manière que dans les exemples précédents, les montagnes et la surface de la mer,. et l'espace négatif et l'espace occupé ou actif avec beaucoup d'éléments en elle. Maintenant, je vais vous montrer quelques-unes de mes illustrations les plus planifiées, pas comme un carnet de croquis de voyage. Voici mes affiches de voyage où j'ai pensé encore plus à la composition avant de commencer à illustrer.. Que voyez-vous ici ? Ouais, la règle des tiers encore. Avez-vous aussi le schéma de composition triangle avec la sensation statique calme à elle parce que je voulais le sentir très équilibré et détendu, et vous repérez également toutes les lignes de tête dans cette illustration. Il y en a pas mal. En plus de cela, nous avons un espace négatif pour garder la zone vide pour que le spectateur lève les yeux, et enfin, tons de couleur chaude contre des tons froids et des tons moins saturés en arrière-plan. J' utilise toujours une palette de couleurs limitée pour ces illustrations aussi. Moins de couleurs, mieux pour moi. Il le rend plus simple et vous pouvez aligner la palette de couleurs limitée avec votre palette de couleurs de design d'intérieur. Voyageons maintenant à Pari ou Paris. À présent, vous pouvez probablement voir tout de suite serait règles que j'ai utilisé ici à nouveau, règle des tiers , lignes de début, l'espace négatif et les zones occupées avec le personnage dans le focus. Avez-vous également remarqué les formes triangulaires répétitives dans cette mise en page ? J' ai essayé de les mettre en œuvre aussi. Passons maintenant au sud, à Venise. Pouvez-vous repérer toutes les règles de composition ? Oui. Règle des tiers encore, les lignes de tête. Il s'agit d'une composition statique avec la plupart des lignes alignées sur les bords de l'image pour évoquer à nouveau le calme, il y a un équilibre des couleurs, des tons chauds pour les zones de mise au point, et une couleur fraîche pour les zones Je ne voulais pas que le spectateur fasse autant d'attention. J' utilise également un espace négatif dans des zones plus fréquentées comme les zones actives. Pouvez-vous repérer la structure de la composition ? Ici, j'essaie d'utiliser le schéma de composition en forme de T, et le dernier exemple, la fille arrosant les plantes. Quand j'ai esquissé ces images, peut-être que ce soit moi parce que j'ai beaucoup de plantes à la maison. Cela peut être très relaxant dimanche, encore une fois, dans cette illustration, je voulais évoquer le calme des Badlands, donc, composition très statique, et que voyez-vous d'autre ? Oui, la règle des tiers à nouveau, et le regard des personnages comme des lignes directrices aident vos yeux à aller et venir dans l'image. Parce que la fille regarde le chat et le chat regarde la fille en arrière. La mise au point de cette image est sur les personnages. En dehors de la règle dont nous avons parlé avant qu'ils ont remarqué les personnages généralement en premier. Je contribue également à les amener à se concentrer avec une valeur très sombre tons, les cheveux noirs du personnage, et la fourrure noire sur le chat. J' ai mentionné avant que les valeurs sombres sont généralement remarquées beaucoup plus rapidement dans l'illustration que les valeurs plus légères. Dans cet exemple, j'ai aussi pensé au jeu de composition des étoiles. Vous pouvez également considérer les neuf spots répartis autour de l'image comme un schéma de composition. Même si cette image semble très occupée avec tous les plans et détails. Comme vous le savez, j'ai essayé de garder un peu d'espace négatif aussi. C' est tout pour ces exemples, j'espère que vous vous êtes amusé à repérer les règles de composition utilisées dans ces images, et j'ai hâte de voir vos croquis et comment vous mettrez en œuvre toutes les règles de composition et quelles histoires vous seriez créer dans vos illustrations. 15. Cours de BONUS: Bon retour pour une autre vidéo. Je suis content que tu sois là. Comme vous pouvez probablement le constater par le titre, cette vidéo est un tutoriel de dessin. Aujourd'hui, nous allons dessiner cette montagne fraîche avec la lumière du coucher du soleil dans Procreate. Au cours de ce tutoriel facile sur Procreate Mountain, je vous guiderai à travers chaque étape du processus. Même si vous n'avez aucune expérience avec Procreate ou le dessin, essayez de vous amuser pendant le processus et, au final, vous pouvez vous retrouver avec cette montagne fraîche prélasser au soleil. Au cours de ce tutoriel, nous commencerons par la couleur du ciel en arrière-plan, puis nous créerons le cadre de notre fenêtre , puis nous ajouterons plus de couleur au ciel, puis nous plongerons dans le dessin du paysage de montagne avec une forêt de pins au premier plan. Je voulais créer ce tutoriel pour vous comme une façon amusante de voyager à travers l'art, car cette illustration a été inspirée par les montagnes suisses et le simple fait de passer du temps dans la nature, car je pense que la nature peut nous donner beaucoup d' inspiration pour notre art. Cette vue de fenêtre sur la montagne a été inspirée par l' une des journées passées en montagne où j'ai eu la chance d' avoir une vue magnifique sur une montagne, ce qui n'arrive pas tous les jours, [RIRES] avec cette lumière fascinante changeait au cours de la journée, qui était très intéressant pour le dessin et l'illustration. Par conséquent, je voulais partager cela avec vous. J'espère que lorsque vous regarderez et suivrez ce tutoriel, vous serez très heureuse de ce que vous avez créé et que vous aurez l'impression, oh, j'ai hâte de partager ma bouche et mes illustrations. Lorsque vous le partagez sur Instagram, assurez-vous de me taguer sur l'image, pas seulement dans la description, car ainsi je pourrai voir votre illustration, et peut-être la verrez-vous dans l'une des prochaines vidéos, comme ces superbes illustrations réalisées par merveilleuses personnes créatives qui regardent mes cours. Si vous ne le savez pas encore, vous pouvez trouver encore plus de tutoriels et de cours de dessin sur mon site Web. Il existe Procreate et d'autres tutoriels, et j'y ai plus de 27 cours. Il existe une variété de niveaux allant du niveau débutant au niveau plus avancé, et vous pouvez également trouver différents sujets. Pour ce didacticiel, la taille du canevas est de 3 000 x 3 000 pixels et le profil de couleur est Display P3. J'ai lié la palette de couleurs dans la description si vous souhaitez utiliser la même palette de couleurs que celle que j' utilise au cours de ce tutoriel. J'ai également inclus des pinceaux de pin amusants et gratuits pour procréation, que vous pouvez télécharger pour ce tutoriel. Nous passerons un moment ensemble, alors si vous le souhaitez, apportez de l'eau, préparez peut-être du thé ou une autre boisson, ou même préparez une collation. Je bois généralement de l'eau ou du café et prends peut-être d'autres collations pendant que je dessine, alors quand tu seras prête, commençons. Cliquez d'abord sur l'icône en forme de clé et activez le Guide de dessin. Cette grille nous aidera à créer un cadre pour notre fenêtre dans l'illustration. Cliquez sur « Modifier le guide de dessin » pour vous assurer de disposer de cet exercice pour notre grille, que vous pouvez ajuster, vous pouvez ajuster, mais j'ai testé certaines de ces tailles de grille pour les adapter à notre illustration afin que le cadre de notre fenêtre ne soit ni trop grand, ni trop fin ou trop épais. Va ici. Si vous pouvez faire correspondre la taille correctement, vous pouvez l'écrire ici 112. Vous pouvez voir le nombre changer ici. Lorsque vous avez terminé, cliquez sur « Terminé », évidemment, [RIRES] et vous devriez voir la taille de la grille dans ce type de forme et de taille. Ensuite, vous pouvez cliquer sur « Terminé » et nous verrons la grille ici. Maintenant, je vais effectuer un petit zoom arrière pour faciliter la création du cadre, car nous aurons aperçu des paramètres ici. Cliquez sur l'outil de sélection. Comme vous pouvez le constater, l'aperçu de l'outil de sélection se trouve ici. Maintenant, assurez-vous que l' outil de sélection de rectangles est sélectionné. [RIRES] Quoi qu'il en soit. Maintenant, je l'avais désactivé. Nous avons maintenant l' outil rectangle et, en me basant sur notre grille, je vais créer un rectangle ici en partant de ce point et en essayant de terminer ici sans lever le crayon. Ne vous inquiétez pas s'il n'est pas parfait, Ne vous inquiétez pas s'il n'est pas car nous pourrons l'ajuster plus tard. Maintenant, quand je suis dans ce coin, je peux relâcher, et à partir de la palette de couleurs que j'ai créée pour vous et que vous pouvez télécharger sur mon site Web, vous pouvez prendre la deuxième couleur de la première rangée, qui est le bleu clair, et nous allons créer la partie du ciel. Faites-le glisser et déposez-le dans notre forme. Vous pouvez voir tomber ici, vous pouvez voir le seuil ici, et en faisant glisser le pointeur vers la droite, assurez-vous qu'il est à 100  %, car nous voulons remplir toute la forme, puis relâchez. Il est tombé à 19 pour cent , mais ça devrait aller. Maintenant, cliquez à nouveau sur l'icône ondulée pour quitter l'outil de sélection. Maintenant, je vais cliquer sur l'outil en forme de flèche pour ajuster nos formes. Ici, assurez-vous que le clipsage est activé et nous ajusterons certains de ces coins pour les adapter à notre grille. Lorsque vous effectuez un zoom arrière, touchez l'écran avec les deux doigts à l'extérieur du carré afin de ne pas le redimensionner. Maintenant, je peux l'ajuster ici. Parfait. Ici, ça a l'air plutôt bien. Je peux vérifier. Je pense que c'est une bonne chose. Vérifions ce côté. C'est très bien. Voilà, déplacons-le un peu. Pour quitter l'outil, cliquez à nouveau sur la flèche et effectuez un zoom arrière. Maintenant, une partie de notre ciel est déjà créée. Maintenant tu te demandes où se trouve le cadre ? [RIRES] Créons le cadre et en faisant cela, je vais simplement changer la couleur de l'arrière-plan. Pour modifier la couleur de l'arrière-plan, cliquez sur la couche de couleur d' arrière-plan et sélectionnez la première couleur de la palette de couleurs, qui est la plus foncée. C'est un peu orange, mais on dirait du noir. Quoi qu'il en soit, nous avons maintenant le cadre de notre fenêtre, ce qui est génial. À l'étape suivante, je créerai l'encadrement de la fenêtre. Pour ce faire, je vais créer une autre couche parce que nous voulons la placer au-dessus des autres couches sur lesquelles nous allons dessiner. Je vais passer aux pinceaux. Dans le dossier de calligraphie, je vais sélectionner le pinceau Monoline. [MUSIQUE] [MUSIQUE] Je vais m' assurer que le pinceau est réglé à 200 % Il suffit donc de le faire glisser vers le haut, puis de relâcher, et maintenant nous allons tracer quelques lignes ici. Encore une fois, nous pouvons les ajuster, en veillant d'abord à changer la couleur en fonction de la couleur du cadre, le ton le plus foncé ici, et maintenant je peux tracer quelques lignes. Comme vous pouvez le voir, ils peuvent vaciller. Il suffit de tenir le crayon et de toucher l'écran pour tracer la ligne droite, puis de relâcher, et vous avez la première partie du cadre. Maintenant, créons-en un autre [RIRES]. Pas du tout droit, touchez à nouveau l'écran, parfait. Le troisième ici, maintenez et touchez l'écran. Nous avons maintenant créé toutes les lignes. Cette partie semble un peu plus grande Nous pouvons donc à nouveau utiliser l'outil à flèches et nous assurer que les lignes se trouvent au milieu. Lorsque vous voyez la ligne jaune ici, vous pouvez vous assurer que les lignes de votre cadre se trouvent au milieu de la toile. Vous pouvez maintenant le publier, et nous avons une partie de notre fenêtre. Maintenant, je vais créer une autre couche pour notre ligne horizontale juste pour m'assurer de pouvoir la placer correctement avant de les fusionner. Je vais dessiner avec le même pinceau, puis le maintenir en haut de l'écran. Je pense que c'est bien, nous avons donc cette forme de cadre symbolique. Maintenant, je vais accéder à cette couche, cliquer sur la couche et sélectionner Fusionner vers le bas, et nous aurons notre cadre de fenêtre. en revenir à la couche ciel, je vais sélectionner la couche et utiliser Alpha Lock Je ne peux donc dessiner que dans ce cadre, et vous pouvez voir un petit bout de ce motif à carreaux derrière notre forme. Maintenant, je vais aller dans un autre dossier de pinceaux. Nous allons sélectionner la brosse douce afin de créer le dégradé sur notre ciel. Accédez à la palette de couleurs, et nous avons déjà défini le bleu. Maintenant, je vais sélectionner cette troisième couleur dans la première rangée, qui est ce ton plus clair, beige, presque bleu. Donc quelque chose entre les deux. Je vais placer le pinceau sur un cercle, disons sur n'importe lequel, et je vais tracer une belle ligne autour de la partie horizontale du cadre de la fenêtre. Vous pouvez tracer cette ligne plusieurs fois pour vous assurer d' obtenir de belles couleurs à l'aérographe mais plus unies. Ensuite, je vais passer à la palette de couleurs, et je vais sélectionner cette quatrième couleur dans la première rangée, qui est ce joli ton orange, et je vais dessiner sous la deuxième couleur et encore une fois, je vais dessiner quelques fois pour m' assurer d'avoir une belle couleur vive ici. Encore une fois, en passant à la palette de couleurs, je vais prendre ce ton vert plus foncé et dessiner sur la partie inférieure. Ici, en appuyant plus doucement à l' endroit où les deux couleurs se rencontrent, puis en appuyant un peu plus fort en bas, pour créer un joli dégradé. Maintenant, je peux accéder au menu des effets et sélectionner le flou gaussien. Ici, je peux faire glisser un peu vers la droite, pas trop, pour qu'ils ne soient pas complètement flous. Disons que 40 % suffiraient, 40 %, je pense que c'est bien. Ensuite, pour quitter l'outil, cliquez à nouveau sur l'outil et il est désélectionné. Nous avons maintenant créé notre couleur de fond. Créons maintenant la montagne. Pour ce faire, je vais créer une autre couche pour notre montagne. Accédez aux pinceaux et allez dans le dossier de calligraphie pour prendre notre pinceau monoline. Mais maintenant, comme vous le voyez, c'est assez grand, alors réduisons-le un peu, 40 % devraient suffire. Maintenant, je vais prendre une couleur différente, qui est ce violet plus foncé, et nous allons dessiner notre montagne. Je vais commencer quelque part au milieu et tracer une ligne. Mais comme vous pouvez le constater, le cadre se trouve derrière Nous ne voulons donc pas le faire car nous n'avons créé que la couche d'arrière-plan. Je vais revenir en arrière, et pour ce faire, je vais sélectionner notre cadre de fenêtre, cliquer sur sélectionner, je vais cliquer sur Inverser, maintenant vous ne voyez plus grand-chose se passer mais nous avons sélectionné cette partie. Maintenant, je peux créer une autre couche, sélectionner le cadre de notre fenêtre et le faire glisser et déposer à l'endroit, parfait. Comme vous pouvez le voir ici, nous avons créé un cadre. Maintenant, nous pouvons retourner sur notre montagne et dessiner la montagne sans craindre de perdre sa forme. Ils ne sont qu'à l' endroit où nous voulons. Nous allons maintenant prendre notre couleur violette, qui se trouve dans la deuxième rangée, comme première couleur. abord, je vais tracer une ligne droite ici, toucher et maintenir l'écran, et pour dessiner le sommet de la montagne, je vais simplement tracer quelques lignes ondulées Cela n'a pas besoin d' être parfait parce que formes des montagnes sont pleines de rochers, donc vous ne voulez pas elle soit trop parfaite, car créer plus de lignes ondulées pour ces montagnes plus C'est intéressant qu'une simple forme droite, qui peut sembler un peu plus stylisée Je vais donc opter pour forme plus réaliste de la montagne. Ici, sur les bords, je vais m' assurer de relier les lignes et, comme vous pouvez le voir, Procreate redresse en quelque sorte les lignes pour moi, ce que je ne veux pas Je vais donc les annuler et les relier à nouveau pour m'assurer de pouvoir remplir par glisser-déposer, comme nous le faisions auparavant. Maintenant, nous avons notre forme de montagne, qui est géniale. étape suivante, nous allons créer un peu de couleur sur la forme de notre montagne, mais notre grille peut être un peu gênante maintenant. Je peux donc désactiver le guide de dessin ici En cliquant sur l'icône en forme de clé, en cliquant sur l'icône sélectionnant le guide de dessin et la grille, parfait. Maintenant, je vais aller le dossier de l'aérographe et reprendre la brosse souple. Avant de peindre au sommet de la montagne, je vais utiliser l'Alpha Lock pour ne pouvoir dessiner que sur la forme de la montagne. Avec le pinceau doux, je vais accéder à la palette de couleurs et sélectionner la deuxième couleur dans la deuxième rangée, et je vais réduire légèrement la taille du pinceau . Faisons 14 %, et je peindrai sur le côté gauche de la montagne. Je peux peindre un peu plus doucement et appuyer plus fort sur certains de ces bords. Je peux créer de super jolis dégradés. Encore une fois, appuyez plus fort sur le bord supérieur gauche et appuyez plus doucement ici. Maintenant, je vais revenir à la palette de couleurs, et maintenant je vais prendre cette troisième couleur dans la deuxième rangée. Je vais peindre un peu de rose dans certaines de ces parties ici et un peu ici. Je pense que cela fonctionne bien. Je peux également toucher un peu plus doucement ici ce qui nous permet d'avoir une belle pente sur la montagne. Ça commence déjà à être très beau. Nous allons maintenant créer une deuxième chaîne de montagnes sur une nouvelle couche. Cliquez sur le signe plus pour créer une nouvelle chaîne de montagnes ici, accédez à la palette de couleurs et prenons cette couleur brune, qui se trouve sur la troisième rangée et la première couleur ici. Je vais retourner dans le dossier de calligraphie et sélectionner le pinceau monoligne. Je vais créer une forme souple ici créer une forme souple ici en m'assurant couvrir la partie inférieure de la montagne. Ici, je vais simplement connecter les formes et y glisser-déposer la couleur. Maintenant, je vais retourner dans le dossier de l'aérographe, prendre le pinceau doux et sélectionner la couleur de la montagne afin de pouvoir mélanger un peu plus les couleurs. Pour ce faire, je vais cliquer sur le bouton Modifier et sélectionner ici la couleur de la montagne. Je vais également verrouiller cette couche par Alpha, afin de ne pouvoir peindre que dans cette forme, et peindre doucement sur le dessus de cette couche. Assurez-vous de ne pas perdre le bord de cette couche en dessinant trop dessus. Maintenant, je vais créer une autre couche au-dessus la deuxième chaîne de montagnes et créer une troisième couche de chaîne de montagnes. Je vais retourner dans le dossier de calligraphie et sélectionner le pinceau monoline. Maintenant, sur cette couche, nous allons sélectionner la première couleur de la troisième rangée, qui est cette couleur marron plus foncé. Nous allons dessiner ici une autre chaîne de montagnes une forme légèrement différente celle de la chaîne de montagnes précédente, alors essayez de créer un contour un peu différent de celui que vous avez fait auparavant. Maintenant, je vais fermer la forme derrière le cadre et faire glisser la couleur ici à nouveau, donc maintenant tout semble correct. Je vais retourner dans le dossier de l'aérographe et sélectionner la brosse souple. Cette fois, je vais prendre la couleur du cadre, qui est cette couleur marron plus foncé, qui ressemble presque à un noir dans la première rangée de la palette de couleurs. Avant cela, je vais également verrouiller cette couche en mode alpha, afin que vous puissiez voir la miniature à carreaux. Maintenant, je vais brosser doucement à l'aérographe la partie inférieure de cette chaîne de montagnes, quelque chose comme ça, ce qui est beau, peut-être un peu plus et parfait. Nous pouvons maintenant passer à l'étape suivante de notre processus. Maintenant, nous allons commencer à créer des ombres sur notre montagne. Pour ce faire, je vais créer une autre couche au-dessus de la couche en forme de montagne, en cliquant sur le signe « Plus », en cliquant sur la couche et en sélectionnant Clipping Mask. Je créerai les ombres uniquement au-dessus de la forme de la montagne. Je vais aller dans le dossier de calligraphie et sélectionner à nouveau le pinceau monoline. Cette fois, nous allons sélectionner la couleur violette, qui se trouve ici dans cette première rangée, au milieu de ces trois nuances de couleurs. Avant cela, je vais régler le pinceau pour revenir à environ 30 %, et je vais commencer ici sur la gauche. Je vais me concentrer sur la création formes un peu plus droites et non arrondies, car nous créons une surface censée ressembler à des rochers ou à des montagnes. abord, je suis en train de créer une forme plus grande sur la partie inférieure de la montagne, et comme vous pouvez le constater, la forme n'est pas parfaite Vous pouvez donc vraiment jouer avec ces formes qui montent et descendent, en veillant à ce qu'elles ne soient pas trop rondes. Ensuite, nous terminerons ici en bas à droite et nous assurerons de fermer cette forme ici afin de pouvoir faire glisser la couleur sur en bas à droite et nous assurerons de fermer cette forme ici afin de pouvoir faire glisser la première partie de la forme, car nous voulons créer une ombre partant du bas et la lumière provenant du côté gauche de la montagne. Ajoutons d'autres ombres ici. Je vais créer une autre forme aléatoire ici. Encore une fois, faites glisser et déposez la couleur, partant du côté ici. Maintenant, je vais créer une ombre un peu plus grande ici, sur le bord. Fermez la forme, faites-la glisser et déposez. Encore un ici. Je vais ajouter d'autres formes depuis le côté droit de la montagne, [MUSIQUE] et quelques formes ici. [MUSIQUE] Essayez de créer des formes qui ne soient pas identiques ou espacées de manière uniforme, afin d'avoir un peu de variété. Je vais peut-être ajuster cette forme ici en haut pour qu'elles ne soient pas exactement les mêmes. Cela fonctionne bien. Accédez à la palette de couleurs et sélectionnez la première couleur parmi ces trois couleurs sur le côté droit, sur la première ligne. Nous allons sélectionner Alpha Lock sur cette couche. Accédez à la brosse souple dans le menu de l'aérographe, réduisez la taille du pinceau, environ cinq pour cent. Nous allons peindre à l'intérieur de la forme sur le côté gauche, dans nos ombres. Assurez-vous de ne pas couvrir l'intégralité des formes d'ombre, afin de toujours avoir de la variété. [MUSIQUE] Maintenant, je vais revenir à la palette de couleurs et sélectionner cette troisième couleur ici dans la première ligne de ce groupe de couleurs. Je vais peindre sur le côté droit de nos ombres ici pour ajouter un peu plus de variété aux tons d'ombre. Si vous avez nos deux formes, vous pouvez réduire la taille du pinceau d'environ 4 % juste pour peindre dans la forme que vous souhaitez. Parfait. Maintenant, je vais agrandir légèrement le pinceau, environ 7 %, et peindre la partie inférieure de l'ombre. [MUSIQUE] Cela fonctionne très bien. Je vais maintenant créer une autre couche en cliquant à nouveau sur le signe plus dans le menu Calques, créant à nouveau le masque de découpage et en sélectionnant le pinceau monoligne de calligraphie. Cette fois, en sélectionnant cette couleur de gauche parmi les deux couleurs de la deuxième rangée, en assurant que nous sommes sur la bonne couche, je vais dessiner d'autres formes sur le côté gauche de la montagne. [MUSIQUE] Maintenant, en dessinant ceci, je pense que c'est le bon moment pour mentionner que vous pouvez également consulter mon cours de composition et en savoir plus sur la façon de prendre des décisions créatives lorsque vous dessinez des objets dans vos compositions. [MUSIQUE] [MUSIQUE] De plus, comme dans ce tutoriel, j'adore travailler avec la couleur et la lumière Si vous voulez en savoir plus sur la théorie des couleurs et de la lumière, vous pouvez consulter ma masterclass sur la couleur et la lumière pour en savoir plus sur la façon dont la lumière influence les couleurs que nous voyons et comment nous pouvons l' appliquer à notre illustration. Parfait. Maintenant, je vais également verrouiller cette couche par alpha et sélectionner ce rouge plus foncé sur le côté droit. Je vais passer à l' aérographe, encore une fois, sélectionner la brosse douce, en la rendant plus petite, environ 4 %. Réduisons-le encore, 3 % devraient fonctionner mieux, et peignons sur le côté droit des formes que nous venons de créer. Cela a l'air très joli. Maintenant, créons une autre couche avec une lumière plus belle sur la montagne, créant un masque à découper, en accédant au dossier des pinceaux de calligraphie, en utilisant la ligne monoligne et en revenant à la palette de couleurs. Cette fois, sélectionnez cet orange plus clair dans la troisième rangée, au milieu de la palette de couleurs. Maintenant, je vais dessiner d'autres formes et combler les lacunes sur la montagne que nous n'avons pas encore peintes. Peut-être une forme ici. [MUSIQUE] Cette fois, je peux réduire légèrement la taille du pinceau , et passer à 20 %, afin de créer des bords plus nets. Parce que là, je n'aime pas la douceur de la fin du surlignage, alors je peux en supprimer un peu. Nous pouvons créer cette sensation d' arêtes plus nettes, comme une surface rocheuse sur une montagne. Pour en revenir au pinceau, je vais dessiner une autre forme, [MUSIQUE] en l' ajoutant simplement entre deux autres couleurs, ce que nous avons déjà. Dessinons une autre forme ici, glissons et déposons la couleur dedans. Cela fonctionne bien. Encore une fois, bloquons cette couche par alpha, et maintenant, sélectionnons l'orange plus foncé dans cette rangée, accédons au dossier aérographe, sélectionnons le pinceau doux et peignons sur le côté droit des reflets. Parfait. C'est chose faite. Maintenant, créons quelques arbres au premier plan. Le paysage n'est pas si simple. Pour créer les arbres, je vais créer une autre couche au-dessus de la première chaîne de montagnes, mais toujours en dessous du cadre de la fenêtre. Pour dessiner les arbres, j'ai créé un pinceau très amusant que vous pouvez télécharger également sur cette page, et j'en ai deux avec une variation de couleur et sans variation de couleur. Je vais prendre ces trois pinceaux en branches de pin, accéder à la palette de couleurs et sélectionner d'abord la couleur la plus foncée, laquelle nous allons commencer. Je vais faire le pinceau à environ 8 % et je vais commencer à dessiner l'un des plus grands arbres de la ville. Je vais commencer par le haut en exerçant pression plus légère vers le bas, et en utilisant plus de pression pour agrandir un peu le pinceau. Ensuite, avec les mouvements de haut en bas, je commencerai à créer des branches ici en utilisant d'abord une pression plus douce, puis plus de pression. descendant, je peux créer le pinceau le plus grand et le régler à 10 % pour avoir plus de contrôle. Ensuite, en déplaçant le pinceau à 14 %, vous pouvez sentir le crayon créer de plus grandes formes plus près du tronc. Il existe différentes manières de créer de beaux pins, mais ce n'est qu' une des méthodes. Parfait. Vous pouvez jouer davantage avec elle si vous le souhaitez. Mais c'est bon pour le moment. Maintenant, créons plus de lumière sur cet arbre. Pour ce faire, je vais créer une autre couche. Sélectionnez ici le deuxième pinceau, qui possède la variété de couleurs, et passez à la deuxième couleur en partant de la droite sur la ligne inférieure. Maintenant, je peux créer un peu plus de couleurs, en m'assurant que certaines de ces couleurs plus sombres apparaissent toujours en arrière-plan et y dessinent quelques lignes. Maintenant, je vais [inaudible] utiliser cette troisième couleur ici et ajouter un peu plus de lumière. Je vais refaire le pinceau à 14  % et dessiner quelques points saillants ici [MUSIQUE]. Quand je suis content, je peux fusionner ces deux couches. Je vais verrouiller cette couche par alpha-verrouillage et retourner à la section aérographe, prendre ce pinceau, prendre la couleur la plus foncée et mélanger légèrement l'arbre avec l'ombre ici [MUSIQUE]. Parfait. Nous avons maintenant notre premier arbre. Maintenant, je peux dupliquer cet arbre à l'aide de l'outil à flèches, je peux déplacer l'arbre, assurant de ne pas agrandir car il peut devenir surdimensionné. Avec un outil de sélection uniforme, je peux réduire légèrement l'arbre. Parfait. Je peux dupliquer à nouveau cet arbre et le réduire à nouveau. Cette fois, je vais également utiliser l'outil de forme libre et rendre l'arbre un peu plus étroit. Je vais dupliquer à nouveau cette couche. Voici un autre arbre, dupliquez-le à nouveau et créez un autre arbre en arrière-plan à l'aide d'un outil de sélection uniforme. Maintenant, je peux accéder au premier arbre que nous avons créé, dupliquer cette couche, car c'est notre plus grand arbre. Maintenant, je peux le déplacer ici même s' il est un peu coupé, le réduire légèrement, dupliquer à nouveau le premier arbre, le déplacer, le réduire, dupliquer à nouveau la deuxième couche et le réduire. Lorsque vous êtes satisfait, vous pouvez sélectionner tous ces arbres et les regrouper. Comme aucun d'entre eux ne se chevauche, je peux les aplatir. J'ai tous les arbres sur une seule couche. Parfait. Nous avons donc créé notre illustration avec vue sur les montagnes, ce qui, je l'espère, vous a beaucoup plu et à bientôt dans le prochain tutoriel. [MUSIQUE] 16. Réflexions finales: Félicitations, vous avez fini le cours. Merci beaucoup d'être ici. J' espère que vous apprécierez la classe et que vous avez appris beaucoup de choses nouvelles. J' aimerais que vous pratitiez ces compositions en profondeur autant que possible. Un orateur a dit « Apprenez les règles comme un pro pour que vous puissiez les briser comme un artiste. » Lorsque vous vous sentez plus à l'aise et confiant avec l'application des règles, faites vos compositions, puis cassez-les et expérimentez. Si vous voulez approfondir vos connaissances acquises dans ce cours, vous pouvez également consulter ma classe sur Perspective in Color and Light. Alors il suffit de visiter la vue d'ensemble de mes cours. Comme je l'ai déjà mentionné, en tant que projet de classe, j'aimerais que vous pratitiez avec les règles et combiniez certaines d'entre elles dans un ou plusieurs de vos croquis. Par exemple, vous pouvez créer la prairie avec la fille marchant le chien ou chat tropical sauvage, comme je vous l'ai montré dans mes exemples. Vous pouvez également télécharger les fiches d'exercices et pratiquer différents conseils dont nous avons parlé. Veuillez partager votre projet avec d'autres camarades de classe dans la section projet. J' ai hâte de voir toutes vos œuvres d'art impressionnantes, et si vous voulez que je partage également vos illustrations sur Instagram, s'il vous plaît étiquez-moi dans votre image et posez avec le tag art côté de la vie. Last but not least, si vous aimez la classe, s'il vous plaît laisser un commentaire parce que je l'apprécie beaucoup, et aussi cela aiderait d'autres personnes à découvrir cette classe. Vous pourriez même contribuer à leur apprentissage et à leur parcours artistique. Si vous connaissez d'autres personnes qui voudraient améliorer les compositions, n' hésitez pas à partager ce cours avec eux. Si vous avez des questions ou des suggestions comme d'habitude, veuillez laisser un commentaire dans la section de discussion et j'aimerais vous aider. Merci encore beaucoup d'être ici et de vous voir dans la prochaine classe.