Créer de la profondeur grâce à la valeur des couleurs et au contraste : Bien peindre à l'aquarelle

1. Introduction: Salut les gars, je suis Aima Kessy et je suis un artiste aquarelle. Bienvenue dans mon deuxième cours de Skillshare. Dans la dernière classe, nous nous sommes concentrés sur l'apprentissage de techniques de base de l'aquarelle, et sur l'application de ces techniques à des formes simples de cactus. Dans cette classe, nous allons l'aborder d'un cran où nous apprendrons à créer plus d'objets dans nos peintures, à l'utilisation des valeurs de couleur et du contraste, donnant essentiellement vie à nos peintures. J' ai choisi un succulent pour ce cours, pour démontrer comment je combine et applique ces techniques pour nous construire des couches de couleurs. J' aime leur belle forme, et je pense qu'ils sont un grand sujet car ils sont simples mais assez difficiles pour nous, pour pratiquer les compétences qui vont certainement améliorer vos aquarelles. En explorant le processus de superposition dans les aquarelles, vous serez plus confiant dans votre propre processus de peinture, sachant quelles techniques utiliser et quand les appliquer. Je crois qu'il n'y a pas de façon unique de créer de l'art. Certaines techniques et approches peuvent être plus efficaces pour certaines et moins pour d'autres. Mais en combinant les choses qui fonctionnent pour vous, vous allez étendre votre propre processus créatif, pour créer quelque chose qui vous sent plus. Espérons qu'en explorant ces processus ensemble, vous pouvez acquérir des connaissances qui peuvent vous aider dans votre propre processus de peinture et votre parcours créatif. 2. Contenu du cours: Avant de commencer, nous allons avoir besoin de matériel. Tout d'abord, du papier aquarelle. J' utiliserai mon papier Fabriano Artistico Pressé à froid avec un poids de 300 g/m². Pour la démonstration des techniques de base, j'utiliserai également le papier Canson Heritage Cold Ppressed en 300 g/m². Ce papier est un peu moins cher que le bloc Fabriano, mais toujours assez bon, donc j'aime l' utiliser plus pour la pratique des lavages et de la peinture légère. Nous aurons également besoin de peinture aquarelle. Je vais utiliser mes aquarelles tube Winsor & Newton, que j'ai pressé dans cette palette de voyage en aluminium. Si tu m'as rejoint dans la dernière classe, tu sauras que j'aime serrer mes pigments dans la partie supérieure du puits en pente. Cela signifie que je reçois un mélange plus aqueux de pigment au fond du puits où l'eau s'accumule et je peux simplement saisir directement du pigment avec ma brosse humide si je voulais un mélange plus concentré. Pour ce cours, j'utiliserai ce plateau en porcelaine pour mélanger mes couleurs. C' est en fait un plat de service que j'ai trouvé dans un magasin de ustensiles de cuisine. J' adore mélanger les aquarelles sur la porcelaine parce qu'elles ont tendance à ne pas battre à la surface, et elles ont l'air aussi vibrantes qu'elles le feraient sur le papier. Aussi, celui-ci s'adapte bien sur ma table, donc c'est un bonus. J' ai généralement des petits bols ou des assiettes au cas où j'aurais besoin de l'espace de mélange supplémentaire, mais pour ce cours, nous ne mélangerons pas trop de couleurs, alors utilisez ce que vous êtes à l'aise d'utiliser. Ensuite, nous aurons aussi besoin de quelques pinceaux. J' utiliserai des pinceaux ronds en taille cinq, trois, deux et zéro. Tant que vous avez un bon pinceau de taille moyenne et un petit pinceau pour les détails, vous êtes prêt à partir. Ce ne sont que quelques-unes des brosses que j'ai apprécié en utilisant beaucoup. Comme vous le savez, les pinceaux Raphael ici sont un peu plus grands que la taille moyenne donc la taille cinq ici équivaut à une taille six des autres longueurs de pinceaux. Ils sont facultatifs mais j'utilise aussi une brosse plate comme brosse mélangeuse juste parce qu'elle est beaucoup plus ferme que mes pinceaux ronds, je peux prendre beaucoup plus de pigment avec elle et ne pas m'inquiéter d'être trop rugueuse avec la brosse. J' utilise parfois ce pinceau ciseau pour adoucir les bords et récupérer les reflets. Je vais également vous montrer comment je corrige une petite erreur de peinture avec elle plus tard en classe. Il nous faut aussi de l'eau. J' ai généralement deux bocaux à mélanger, un pour les couleurs fraîches et un pour les couleurs chaudes. Ceci est pour éviter l'eau sombre boueuse lorsque les couleurs complémentaires se mélangent. Vous aurez également besoin d'un crayon HB, d'une gomme à effacer et d'une serviette en papier ou de mouchoirs. Ces deux articles sont facultatifs, mais j'aime utiliser un chiffon de coton parfois pour tamponner ma brosse et utiliser une bouteille à pression pour activer et diluer le pigment. Vous pouvez simplement utiliser une serviette en papier à la place d'un chiffon en coton. Enfin, si vous allez tracer votre dessin succulent en utilisant l'image de référence ou le dessin au trait que j'ai fourni, alors vous aurez besoin d'un papier calque, d'un clip juste pour garder le papier en mouvement lors du traçage, ou vous peut également simplement utiliser un bon vieux ruban de masquage. Enfin, un stylo aiguisé. Rappelez-vous, vous n'avez pas besoin d'avoir les marques exactes que j'utilise. Tant que vous utilisez des fournitures de bonne qualité, alors vous êtes prêt à partir. 3. Utiliser un modèle et transposer un dessin: Pour ce cours, je vais utiliser une photo de référence d'un succulent que j'ai dans mon jardin. J' ai fourni cette image de référence et dans le dessin au trait du succulent dans la section « votre projet » de la classe. Vous pouvez suivre et peindre avec moi jusqu'à ma démonstration, mais je vous encourage également à essayer de prendre quelques-unes de vos propres photos pour référence, si vous avez quelques plantes succulentes autour de la maison. Pourquoi utiliser la référence ? Tout d'abord, cela nous aide à mieux comprendre notre sujet, surtout lorsque nous travaillons sur quelque chose que nous ne connaissons pas. Il nous donne des informations sur les caractéristiques d'un sujet, telles que les détails, les textures, les couleurs, les lignes, etc. Il est également utile dans l'étude de l'anatomie et des poses. Surtout dans les cas où une précision réaliste est nécessaire , une référence peut être non seulement pratique, mais essentielle. Je pense qu'au fur et à mesure que nous nous familiarisons avec nos sujets et que nous nous appuyons sur ces connaissances par l'observation et la pratique, nous développons essentiellement notre bibliothèque visuelle mentale et notre mémoire musculaire. Nous serons en mesure de mieux rappeler ou de tirer parti d'une collection de données brutes pour nous aider dans nos dessins et notre processus de création. photos de référence peuvent également être utiles pour les moments où nos sujets ne sont pas facilement disponibles pour nous. Comment pouvons-nous utiliser la référence ? La première méthode consiste à rassembler des éléments de plusieurs sources différentes, puis à combiner ces choses pour créer quelque chose de nouveau et plus propre. Cela demande beaucoup de compétences et de pratique, mais c'est certainement l'une des façons les plus efficaces d'utiliser la référence, surtout dans la pratique de développer notre propre style. D' autres méthodes d'utilisation de la référence sont le traçage et la copie. Maintenant, ces deux mots seuls peuvent provoquer un débat dans la communauté artistique. Mais personnellement, je pense que c'est plus la façon dont nous abordons ces méthodes qui nous aidera ou nous gênera dans notre pratique. C' est là que le fait de refléter notre processus d'apprentissage et de pratiquer délibérément constitue une partie essentielle de l'amélioration de nos compétences. J' ai récemment commencé à tracer la forme des fleurs et des plantes dans le seul but de pratiquer certaines techniques d'aquarelle et des études de couleur, ce que nous allons également faire dans cette classe. Eh bien, je ne me concentre pas trop sur le côté dessin des choses, je suis toujours en train d'observer attentivement la forme du sujet au fur et à mesure que je trace. J' utilise mes propres photos ou des images gratuites en ligne pour ces pratiques. C' est plutôt l'apprentissage intentionnel, vous sortez de la méthode et tant que vous ne violez aucune loi sur les droits d'auteur. Où peut-on trouver des références ? Le mieux est d'utiliser des références en direct ou de prendre vos propres photos. Lorsque vous utilisez des images en ligne, essayez d'utiliser des images sous licence Creative Commons, mais prenez également note des conditions d'utilisation de chaque image sous cette licence. Les images gratuites sont également un bon endroit pour trouver des références, et peut-être des images dans le domaine public. N' oubliez pas que si vous avez l'intention de vendre votre œuvre ou de l'utiliser à des fins commerciales, vous devez connaître les droits d'auteur. Acheter les licences appropriées ou obtenir le consentement et la permission au besoin. Cela comprend les œuvres non commerciales qui sont utilisées à des fins de pratique. D' accord. Maintenant que nous avons mis ça hors du chemin, commençons sur notre succulent dessin. L' objectif de cette pratique est d'apprendre à appliquer les techniques d'aquarelle pour créer la profondeur et la forme de notre sujet. D' où pourquoi je vais tracer la forme de base de la succulente. Je vais commencer par utiliser du papier calque pour tracer ma photo de référence à l'aide d'un crayon HB. Je suis en train de tracer à partir de la partie médiane de la succulente juste pour que je puisse observer comment les feuilles se chevauchent les unes les autres. Maintenant, je vais aller de l'avant et ajouter quelques feuilles supplémentaires. Une fois que je suis satisfait du dessin, je le dessine avec un stylo aiguisé afin qu'il soit plus visible derrière un papier aquarelle épais. Comme je n'ai pas de boîte lumineuse, je prends simplement le dessin au trait et le papier aquarelle jusqu'à une fenêtre et je commence à tracer légèrement le contour avec mon crayon. 4. Valeurs et couleurs: Qu' est-ce qu'une valeur ? La valeur décrit les différentes nuances de gris entre le noir et le blanc, et elle est exprimée dans une échelle de gris comme celle-ci. Dans la théorie des couleurs, la valeur fait référence à la légèreté ou à l'obscurité d'une couleur. Puisque l'aquarelle est un milieu transparent, nous allégeons généralement la valeur d'une couleur en la diluant avec plus d'eau au lieu d'ajouter du blanc. Pourquoi la valeur est-elle importante ? Tout d'abord, cela nous aide à définir la forme et à créer une illusion spatiale. Comme la lumière et l'obscurité sont aux extrémités opposées l'une de l'autre, elles créent un contraste qui aide à séparer visuellement les objets et à créer l'illusion de l'espace dans une peinture. Si vos valeurs sont trop proches les unes des autres, il y a moins de contraste et peut entraîner une composition moins que percutante. Le changement progressif de la valeur suggère également la masse et le contour de la surface d'un objet. Dans cet exemple, la gradation des valeurs bleues suggère la courbe de la forme et indique qu'elle a de la masse. Cela est dû à la façon dont la lumière frappe l'objet. Maintenant, il y a quelques éléments à la lumière et aux ombres, et ça peut être un sujet assez technique, que je n'aborderai pas ici. Mais essentiellement, la combinaison de la lumière et ombres est ce qui crée cette gamme de valeurs, qui crée alors l'illusion de forme. Tout comme les plages de valeur d'une couleur, nous pouvons utiliser la valeur de la couleur dans notre peinture pour transmettre la source de lumière et comment elle illumine notre sujet. Maintenant que nous en savons plus sur les valeurs, nous allons préparer nos couleurs et créer un tableau des valeurs de couleur qui nous aidera dans notre peinture. Pour le succulent que je vais peindre aujourd'hui, j'ai choisi d'utiliser ces couleurs ; vert aqua, quinacridone violet, térahertz, quinacridone rouge et gris de Payne. N' hésitez pas à jouer avec différentes couleurs. Nous allons commencer à changer les valeurs pour le vert aqua. Nous allons commencer avec la couleur la plus sombre, donc je vais attraper beaucoup de pigment sur ma brosse avec moins d'eau. Je crée lentement une flaque d'eau du pigment, laquelle j'ajouterai progressivement plus d'eau en éclaircissant la couleur. Si je sens que j'ai ajouté trop d'eau, j'ajoute simplement plus de pigment et vice versa. Si j'ai trop d'humidité sur mon pinceau, je le tamponne un peu sur mon chiffon en coton ou une serviette en papier. Vous pouvez créer autant de niveaux de valeur que vous le souhaitez, condition que vous ayez une belle plage de valeurs foncées à moyennes et lumineuses. Je vais étiqueter les noms des pigments juste pour référence future. Je vais continuer à créer le reste des graphiques de valeurs. J' ai décidé de regarder du vert powerline avec le gris de Payne juste pour voir comment ils s'inscriraient dans mon jeu de couleurs. Puis j'ai joué autour de lui en mélangeant mes deux couleurs principales juste pour voir quelle autre utilisation je peux obtenir d'eux. Maintenant, je vais créer des tons plus foncés du vert aqua en le mélangeant avec sa couleur complémentaire, le rouge. Je joue avec ajouter plus de rouge ou vert aqua au mélange. J' ai remarqué que l'ombre avec plus de vert aqua a créé une teinte similaire au gris de Payne, donc je vais l'utiliser pour les parties plus sombres des feuilles. J' utiliserai le gris de Payne quand j'ai besoin d'une concentration plus épaisse de la couleur, surtout lorsque j'utilise un pinceau plus petit. C' est tout pour notre tableau de valeurs. Nous pouvons ensuite l'utiliser comme guide pour nous assurer que nous avons une bonne gamme de valeurs en plaçant son code-à-côte avec notre peinture. N' oubliez pas que nous n'avons pas à peindre tous les niveaux de valeur pour montrer une transition transparente de la lumière vers l'obscurité. Vous pouvez le décomposer en trois à quatre niveaux pour représenter une plage légère, moyenne et foncée qui peut certainement donner une bonne quantité de contraste pour les profondeurs visuelles. Créer un graphique de valeurs de couleur serait également une bonne pratique pour vous aider à mieux évaluer votre rapport eau/couleur lors de la peinture. Vous pouvez certainement jouer avec cela plus, alors amusez-vous à expérimenter vos couleurs. 5. Techniques d'aquarelle: Dans cette leçon, je vais passer par les techniques d'aquarelle que nous allons utiliser tout au long de la classe, qui sont mouillées sur humide et humide sur sec. Comprendre ces bases vous aidera non seulement à créer vos propres aquarelles succulentes, mais vous pouvez très certainement les appliquer à vos autres peintures aussi. La couleur de l'eau comme son nom l'indique, utilise de l'eau pour que les pigments s'écoulent et créent toute la magie sur le papier. Il a certainement un esprit propre, et c'est la beauté de celui-ci. Comprendre et maîtriser les techniques de base peut vous aider à travailler ensemble avec le médium pour créer certains effets et vous aider à mieux exprimer votre créativité. Commençons par mouiller sur mouillé. Lorsque vous travaillez humide sur mouillé, nous appliquons d'abord un lavage d'eau sur le papier avant d'ajouter nos pigments. C' est idéal pour quand vous voulez des saignements lisses de couleur, des bords diffus doux, et quand vous voulez que les pigments se fassent de façon transparente sur votre papier, à travers ma démonstration de peinture. Je vais tomber dans ma deuxième couleur pendant que le lavage est encore humide et mélangé un peu avec la pointe de ma brosse. Comme ce que je fais ici. Maintenant, je vais mélanger trois couleurs sur ce pétale ici. Pendant que le lavage est encore humide, je vais charger avec plus de pigment sur ma brosse pour augmenter la couleur sur la partie inférieure du pétale. Ici, je vais peindre sur la couche de peinture séchée pour construire la couleur du pétale autour des côtés. Encore une fois, j'ai mouillé toute la forme avec de l'eau avant de tomber dans mes pigments. Remarquez comment le pigment coule à travers l'humidité et crée de jolis bords mous. Selon la façon dont le papier sèche, il se peut que vous deviez parfois effacer les bords pour aider le pigment à se mélanger un peu plus. Maintenant, nous allons faire un peu de levage pour révéler les points forts de notre pédale. Je répète le même processus de mélange de couleurs à travers humide sur humide. Mais cette fois, je laisserai certaines personnes dans les zones où les faits saillants seront assis. Ensuite, je nettoie et humidifie ma brosse sur mon chiffon de coton avant entrer et de soulever plus de pigment dans la zone de surbrillance. Depuis mes pinceaux moins d'humidité que le lavage, il agit comme un [inaudible] jusqu'à la peinture. Puisque j'ai soulevé de la peinture sur mon pinceau, je dois la nettoyer et la tamponner à nouveau avant de soulever plus de pigment. Pendant que je soulève, je sculpte essentiellement la forme du point culminant et ramollit les bords autour d'elle lorsque je balaie ma brosse à travers. Selon l'humidité de vos lavages et la quantité de pigment sur le lavage. Vous devrez peut-être soulever deux ou trois fois. Maintenant que ce pétale est sec, nous allons approfondir les couleurs et créer une gamme de valeurs plus graduelle. Je mouille le glaçage comme je l'ai fait avant et je laisse tomber les couleurs là où je voulais. Ensuite, j'édite une nuance plus foncée de couleur ici tandis que les lavages sont encore humides de sorte que les couleurs se fondent doucement avec le reste du lavage. Maintenant, ajoutons un peu de texture à cette pédale. Je mouille la zone de la forme et la laisse déposer un peu dans le papier avant de tomber dans de petites taches de pigment avec la pointe de ma brosse. Notez qu'il y a plus de pigment et moins d'humidité dans ma brosse et que le lavage n'est pas aussi humide. Sinon, le pigment sera juste dispersé dans l'humidité. Les couleurs de cette pédale ont commencé à se calmer, mais il y a encore de l'humidité sur le papier. C' est à ce stade que nous pouvons créer des textures intéressantes. J' ai un peu humide ou une brosse et j'utilise la pointe pour mouiller dans peu d'humidité qui pousse le pigment pour créer de minuscules fleurs d'eau. Je répète cela plusieurs fois jusqu'à ce que j'obtienne un défaut multiple sur mon pétale. Revenons en arrière et construisons les couleurs sur cette pédale. Je vais travailler dans ce coin, donc je ne mouille qu'une zone plus grande que celle où je veux la peinture au sol. Je plume les bords bien avant de travailler sur une autre partie du pétale et de travailler séparément parce que je veux être en mesure d'avoir plus de contrôle sur les lavages et l'écart entre les deux couleurs me permet de le faire. Maintenant, je mouille tout le côté de cette pédale et je laisse tomber le pigment dans la même zone que dans le premier lavage. Je continue à soulever et à ramollir les bords jusqu'à ce que le pigment s'installe un peu plus. Passons à un peu humide sur sec. Travailler humide et sec est lorsque nous appliquons de la peinture directement sur du papier ou sur une couche de peinture déjà séchée. vitrage est une technique exécutée pour superposer des couleurs humides et sèches en couches. Nous pouvons obtenir quelques résultats grâce à cette technique. Le premier est de construire des couleurs couche par couche pour faire apparaître progressivement la forme de notre sujet. Cette couche est maintenant séchée. Je vais utiliser la même force de couleur et superposer un autre lavage sans ajouter plus de pigment, la couche elle-même construit les couleurs. Maintenant, je commence à obtenir la séparation dans les valeurs de couleur. Je laisserai ça sécher avant d'appliquer une autre couche. vitrage peut également réduire l'intensité d' un lavage en le superposant avec sa couleur complémentaire. Ici, j'applique un peu de vert à ce carré rouge et désaturant un peu la couleur. Vous pouvez également changer la teinte du lavage complètement en le vitrant avec une autre couleur, par exemple, deux couleurs primaires pour obtenir une belle glaçure de couleur secondaire. Travailler à sec et humide nous donne également plus de contrôle sur nos coups de pinceau, en particulier lors de la création de détails ou lorsque nous avons besoin de peindre des bords durs propres. Maintenant, nous pouvons soit laisser un bord dur, soit l'adoucir rapidement avec une brosse propre et humide, comme ce que je fais ici. Une autre technique sur mouiller et sécher pour créer des textures ou approfondir la couleur sur une zone est le brossage [inaudible]. Je ne vais pas l'utiliser dans ma démonstration, mais c'est une technique amusante à jouer avec, et vous pouvez certainement l'appliquer à votre peinture succulente si vous le souhaitez. abord, je nettoie et tamponne la majeure partie de l'humidité de ma brosse , puis je l'aplatit pour que les poils soient écartés en petites sections. Je prends ensuite un peu de pigment et le teste sur un morceau de papier avant de balayer doucement à travers la zone que je veux assombrir ou ajouter de la texture aussi. Répétez ceci quelques fois jusqu'à ce que vous en soyez satisfait. Mais laissez la peinture s'installer un peu entre quelques coups. Nous allons finir notre cube avec les deux derniers calques pour lui donner plus de dimension avant de terminer cette leçon. 6. Premier lavis: Avant de commencer le premier lavage, je vais juste regarder en arrière ma référence et voir s'il y a quelque chose que je veux ajouter ou modifier. En regardant de près l'image, il y a de beaux petits poils autour de chaque feuille, ce qui lui donne cette bordure blanche. J' ai décidé d'ajouter ces lignes supplémentaires aux feuilles, mais nous allons la peindre comme un bord propre au lieu de poils fins. Je dessine légèrement avec mon crayon HB et dessine quelques lignes comme guide pour me rappeler comment j'ai l'intention de le peindre plus tard. Ensuite, je vais juste réactiver mes pigments et prendre un mélange frais de vert aqua. On va commencer par la première feuille. Comme dans la leçon précédente, je vais surtout travailler mouillé sur mouillé, donc je vais commencer par mouiller toute la feuille avec de l'eau. Je m'assure de couvrir toute la zone et d'atteindre le bord de la forme. Une fois que j'ai peint toute la forme, je vérifie mon glaçage à l'eau et je m'assure que j'ai un éclat uniforme d'eau. Je sèche ma brosse sur une serviette en papier afin qu'elle soit assez humide pour balayer les flaques d'eau ou l'excès d'humidité que je peux voir sur le papier. En regardant la photo de référence, je garde à l'esprit où elle peut voir la lumière frapper la feuille. Je tombe dans mon pigment juste à côté du bord et je le laisse saigner à travers l'humidité tout seul. Je continue de tomber et de balayer en couleur où je voulais aller et laisser une partie de ce papier blanc pour le point culminant. Maintenant, ajoutez la deuxième couleur et faites la même chose. Ensuite, j'utilise une brosse propre et humide et plume doucement le pigment avec la pointe de ma brosse juste pour l'aider à se mélanger un peu. Je nettoie à nouveau ma brosse et je l'humidifie avant de soulever un peu de ce pigment. J' essaie de sculpter la forme du point culminant que je peux voir sur la photo de référence, gardez à l'esprit, vous pourriez avoir à soulever quelques fois. Je nettoie ma brosse et l'humidifie sur le chiffon de coton chaque fois que je retourne et soulève. Étant donné qu'il n'y a pas trop de pigment sur ce lavage, je peux parfois m'en sortir avec simplement tamponner l'excès d'humidité et revenir pour soulever une fois de plus sans nettoyer ma brosse. Ce que je veux faire attention, c'est que je ne brosserai pas le pigment que je viens de soulever. Pendant que la rondelle se décharge encore, je vais utiliser la pointe de ma brosse propre et humide pour ranger les bords de la forme. Essentiellement, je tire juste le pigment qui est déjà sur le papier au bord de la forme et je m'assure que ces bords sont propres et bien rangés. Comme le lavage commence à s'installer, je remarque que certains pigments commencent à se glisser dans le point culminant, donc je le soulève encore quelques fois. Parfois, vous avez juste besoin de garder un œil, surtout quand ils sont encore un peu d'humidité sur le papier. Sur la feuille suivante. Je vais répéter le même processus que j'ai fait avec la première feuille, en gardant à l'esprit les parties de la feuille que je veux laisser plus léger. Parfois, il aide à incliner votre papier à un angle pour vérifier si vous avez un éclat uniforme d'eau. Après avoir frotté un peu de pigment sur ma brosse, j'humidifie parfois doucement sur une serviette en papier pour me débarrasser de tout excès d'humidité avant de le laisser tomber dans mon glaçage à l'eau. Je le fais habituellement quand je sens que le glaçage à l'eau est assez humide, et je ne veux pas ajouter plus d'humidité, autant plus que mon pigment est déjà assez dilué. Je ramollit ce bord ici où je laisse un peu de ce point culminant en utilisant une brosse propre et humide. Ensuite, je nettoierai ma brosse à nouveau et je commencerai à soulever plus de ce pigment. J' ai décidé d'ajouter un peu de point culminant sur le côté gauche de la feuille, donc je vais juste les soulever. Je remarque un peu d'un bord dur qui se forme lorsque je soulève, parce que la partie supérieure du papier a commencé à sécher un peu. J' essaie de plumer le pigment doucement avec la pointe de ma brosse. J' ai décidé d'ajouter un peu de pigment avec une brosse légèrement humide. Soyez prudent lorsque vous faites ce truc, car si les rondelles sèchent trop, alors ajouter une quantité d'humidité pourrait créer une floraison et déplacer les pigments sur notre lavage. Sauf si vous essayez de créer une texture, il est parfois préférable de laisser le lavage sécher complètement avant d'essayer de le réparer. Sinon, on pourrait finir avec un plus gros gâchis. Je vais continuer à peindre le reste des feuilles en répétant le processus humide sur mouillé et de levage. Je me réfère souvent à la référence que je peins pour m'aider avec des détails comme l'éclairage et la forme. En réévaluant, j'ai décidé de peindre le reste des feuilles. Je vais continuer à peindre les feuilles du milieu en tant que telles, et pour les feuilles les plus extérieures, je veux que les couleurs deviennent progressivement plus claires vers la base. En ce qui concerne la partie centrale de la succulente et pour les feuilles plus petites, ou nous utilisons un mélange de térahertz et vert aqua, il semblera avoir un changement progressif de couleur du centre vers l'extérieur. Je laisse tomber le pigment dedans et laisse un peu d'espace entre les bords. Alors que le papier est encore humide, je vais entrer avec la brosse propre et humide pour le ramollir et le tirer vers le bord de la forme. Je le fais parfois pour les côtés des feuilles pour me donner un très léger surlignement suggestif d'une courbe dans la forme. Ici, je ramollit les bords et tire le pigment avec ma brosse propre et humide. J' ai décidé de créer un point culminant plus distinct en soulevant plus de pigment. Nous allons continuer à peindre le reste des feuilles comme prévu. Avant de soulever dans des zones plus petites comme celle-ci, une piscine, inscrivez la brosse dans un point pendant que je suis en train d'amortir l'excès d'humidité. Je commence à travailler sur les feuilles extérieures maintenant. J' ai mouillé toute la forme ici. Maintenant, je vais utiliser une brosse propre et humide, que j'ai aplati un peu et pousser le pigment vers le haut parce que je veux que la base de la feuille soit plus légère. Je tourne le papier autour pour entrer dans un angle confortable pour que je puisse faire plus de levage vers le haut. Je vais peindre le reste des feuilles extérieures de la même manière, sauf ici, je laisse tomber le pigment à court de la base et ensuite le mettre en plumes vers le bas à l'aide de la pointe de ma brosse propre et humide. Vous pouvez travailler de l'une ou l'autre façon pour créer les mêmes résultats. Je vais continuer à peindre le reste des feuilles extérieures. J' ai remarqué que j'ai peint la violette un peu à l'extérieur du bord. J' ai essayé de le réparer en cartographiant la zone serait un tissu et en lisant le pigment. Cela n'a toujours pas fonctionné trop bien, cependant, après avoir mis en plumes les bords et soulevé la partie surlignée de la feuille, j'ai décidé de la quitter avant maintenant et d'y revenir plus tard. Maintenant, nous allons travailler sur les minuscules feuilles dans la partie centrale de la succulente. J' utilise ma brosse ronde extra courte Rafael et taille 2 pour cette zone. Je peins les feuilles pendant que je dessine en térahertz. Pour cette feuille, je vais laisser une bordure blanche sur les côtés. Je vais peindre mon glaçage d'eau en conséquence. Je ferai la même chose pour le reste des feuilles, en gardant à l'esprit les parties où je veux garder une bordure blanche. Je mélange du vert aqua avec le terahertz. J' utilise juste un lavage de vert aqua pour les feuilles légèrement plus grandes. Je ramollit les bords ici et je mélange un peu de térahertz à la partie supérieure de la feuille, c'est tout. Une fois que tout sera sec, nous serons prêts pour la deuxième couche. 7. Deuxième lavis: Maintenant que nous avons notre lavage de base, nous sommes prêts à ajouter notre deuxième couche de couleur. Assurez-vous toujours que tout est complètement sec avant d'ajouter une autre couche de couleur. C' est pour ne pas déranger ou déloger le pigment qui n'a pas encore été déposé sur le papier. Maintenant, en regardant en arrière notre graphique de valeurs de couleur, notre deuxième couche devrait être quelque part dans la plage médiane des valeurs. Nous n'avons pas besoin de peindre tous les niveaux de valeur, mais avoir une gamme légère, moyenne et foncée nous donnera certainement une bonne quantité de contraste pour une profondeur visuelle. Nous allons également commencer à utiliser certaines de ces nuances. Je crée un mélange frais de cette nuance plus foncée de vert aqua en le mélangeant avec un peu de rouge qui est sa couleur complémentaire. D' accord, commençons par la première feuille. Cette fois, quand j'applique mon glaçage à l'eau, je laisse un peu d'espace sur les côtés parce que je veux peindre bords durs et créer un peu de bordure autour de la feuille. Comme ce qu'on a fait avec les plus petites feuilles au centre. Comme au premier lavage, je laisse un peu de papier blanc pour conserver la partie plus légère de la feuille. Puis avec une brosse propre et humide, je commence à soulever. J' ai un peu plus de pigment dans mon pinceau cette fois. J' ai utilisé une pointe de ma brosse pour contourner soigneusement les bords de la partie inférieure de la feuille. Je tombe dans ma deuxième couleur pendant que le lavage est encore humide. Pendant que la couche est encore humide, j'utilise ma brosse propre et humide pour effacer doucement les bords et aider les pigments à se mélanger un peu. J' utilise des mouvements de traction et de balayage doux avec la pointe de ma brosse. Ensuite, je sculpte dans les reflets pour soulever et adoucir le bord sur le côté droit de la feuille. J' ai rapidement rangé un bord que j'ai raté pendant que le papier est encore humide. Encore une fois, j'ai appliqué un lavage d'eau à l'endroit où je veux que le pigment coule. Je prends un peu d'humidité et j'attrape un peu plus de pigment sur mon pinceau. Puis je le dépose là où je le veux. Vous remarquerez que je suis capable de peindre un bord dur plus près de la pointe de la feuille parce que cette partie du papier est sèche. J' ai mouillé la zone juste en dessous où je veux le bord dur sorte que le reste du pigment va toujours se fondre en douceur. J' utilise un mélange légèrement plus concentré de vert aqua et je l'ajoute alors que le papier est encore humide. Je vais continuer à soulever et à mettre en plumes les bords pendant que je vais. Je peins essentiellement et soulève comme je l'ai fait sur la première couche, sauf avec un peu plus de pigment et quelques détails de ton moyen. Je décide d'ajouter un peu plus de violet ici alors que le papier est encore humide. D' accord, je vais continuer à peindre les prochaines feuilles dans le même processus humide de mélange de couleurs, d'approfondissement et de levage. Je vais aussi ramollir et ranger les bords au fur et à mesure que je vais. Rappelez-vous, je combine aussi humide et sec lorsque je peins un bord propre et dur et que je tire le pigment vers le glaçage de l'eau que j'appliquerais à l'avance. Cette couche arrivait très bien jusqu'à ce qu'une partie du lavage commence à sécher. Et comme j'appliquais un pigment plus sombre, je commençais à obtenir des bords durs sur la partie centrale supérieure. J' ai essayé de la plume avec une brosse humide , mais il y avait encore un peu d'humidité dans la brosse. Donc c'était plutôt créer une fleur d'eau et pousser le pigment. J' ai essayé de tomber dans un peu de couleur et de le mettre légèrement en plumes avant de m'arrêter pour aggraver les choses. Nous allons le laisser sécher pour l'instant et l'enregistrer dans la couche suivante. J' ai décidé de me concentrer sur la partie vert aqua de la feuille ici. Je vais approfondir la teinte violette dans la couche suivante. La couche est encore humide ici et je balaie une ligne légère de vert aqua avec ma brosse humide. Ensuite, je prends rapidement un mélange plus concentré du vert et crée un autre détail de ligne sur la feuille. Parce que la couche est à un bon niveau d'humidité et que j'arrive avec plus de pigment et moins d'eau dans ma brosse, j'ai cette belle ligne diffuse qui ne se répand pas trop. D' accord, je vais répéter le même processus pour le reste des feuilles. Nous allons commencer à définir les zones sombres du centre maintenant. Nous commencerons par utiliser un mélange légèrement aqueux de la couleur de l'ombre. J' ai accidentellement peint sur cette petite feuille ici. J' ai donc attendu que la couche sèche avant d'utiliser ma brosse ciseau légèrement amortie pour récupérer le coin de la forme. J' ai frotté la zone doucement, puis je l'ai tamponnée avec un tissu, répétant cela quelques fois jusqu'à ce que le pigment soit enlevé. Maintenant, je vais continuer à peindre le reste des feuilles. Je commence par appliquer une couche de ton moyen de vert aqua avant de laisser tomber plus de pigment pour augmenter la valeur de couleur. Je commence à ajouter plus pigmenté mélange de terra verticalement aux feuilles centrales et à mélanger dans un peu de vert aqua. Je peins aussi une autre couche de terra verticalement droite sur du papier pour les minuscules feuilles au centre, en gardant à l'esprit de laisser un peu de bords mis en évidence. 8. Ajouter des détails et de la profondeurs grâce aux couleurs: Nous allons continuer à augmenter les valeurs de couleur sur certaines parties des feuilles et ajouter dans les ombres. Commençons à assombrir les ombres dans les feuilles au centre. Le pigment est épais, mais a assez d'humidité pour qu'il circule en douceur. Je peins l'ombre dans humide sur sec pour cette feuille, puis ramollir les bords avec une brosse propre et humide. Comme une partie du pigment pénètre dans la zone humide, j'essaie de le décolorer et d'adoucir les bords durs. Ensuite, j'ajoute plus de pigment et augmente la forme. Ici, j'humidifie un peu la zone avant appliquer l'ombre afin d'obtenir des bords légèrement diffus. Je ne veux pas qu'il coule, donc il y a plus de pigment et moins d'eau dans ma brosse. Au départ, je voulais seulement travailler sur la partie supérieure de la feuille, donc je mouille seulement la moitié de la forme. Mais j'ai décidé d'assombrir aussi la zone d'ombre que je peux voir sur la feuille dans ma photo de référence. J' utilise un mélange plus pigmenté de la couleur de l'ombre ici. Je travaille sur l'assombrissement du violet séparément sur certaines feuilles parce que je n'en ai pas vraiment besoin pour se fondre sur la même couche avec les autres couleurs à ce stade, si je le fais, alors je vais mouiller toute la feuille et travailler dessus dans son ensemble. Sinon, je vais travailler sur les zones séparément pour obtenir un peu de ce bel effet de vitrage où les différentes couches de couleur se chevauchent. Cette partie supérieure de la feuille que j'ai assombri plus tôt est maintenant sèche, donc je vais appliquer un autre glaçage d'eau à toute la forme. C' est parce que je vais appliquer une couleur près de la zone violette, et je veux des bords diffus doux pour l'endroit où les couleurs se rencontrent. C' est cette feuille qui avait besoin d'un peu de réparation. Je commencerai par ajouter un lavage moyen de la couleur de l'ombre dans mon glaçage à l'eau, laissant une petite zone où je peux voir la brillance sous-lavée à travers. Ensuite, j'ajoute rapidement un pigment plus foncé à la zone de base et le taquiner dans la feuille. Je nettoie et humidifie ma brosse et utilise des coups doux pour aider à mélanger le pigment avec le reste des couleurs alors qu'il est encore humide. Je pense que ça a l'air beaucoup mieux maintenant. Je vais continuer à assombrir les parties des feuilles et ajouter plus d'ombres. J' augmente les mi-parcours ici et je travaille mouillé sur mouillé pour obtenir ce doux saignement de couleur. Je mouille la zone où je veux que la couleur s'adoucit , puis commence à augmenter et à peindre dans l'ombre, créant une belle transition progressive de l'obscurité à la lumière. Je commence à ajouter une autre couche de couleur pour approfondir les ombres. Maintenant, j'ajoute quelques contours d'ombre juste pour montrer un peu de séparation entre les feuilles. J' humidifie légèrement la zone avant de peindre dans une ligne fine et ramollit les bords là où j'en ai besoin. Je crois que j'ai exagéré un peu cette partie, mais c'est bon. Si vous n'êtes pas sûr des parties à assombrir, c'est là que votre référence peut être utile. D' accord. Je pense que je suis content de ce succulent, donc je vais m'arrêter ici. Mais je vais vous montrer une alternative de la façon dont je glaçure les feuilles extérieures pour faire baisser un peu le niveau d'intensité. J' ai mouillé la partie inférieure de la feuille ici en utilisant un léger lavage de la couleur de l'ombre, je peins la partie supérieure de la feuille et laisse une petite bordure autour des côtés. Ensuite, je tire le pigment dans la glaçure humide de sorte que les bords se fondent doucement. N' hésitez pas à expérimenter différents éléments et à combiner des informations provenant de plusieurs références pour ajouter à votre propre touche artistique. 9. Projet de classe: Pour votre projet de classe, vous pouvez choisir d'utiliser l'image de référence que j'ai fournie dans la section Ressource de classe ou vous pouvez choisir de peindre votre propre succulente en fonction de vos propres images de référence. Maintenant, c'est entièrement à vous de décider si vous voulez tracer la forme ou si vous voulez dessiner avec la main libre, si vous cherchez à pratiquer vos compétences de dessin aussi. Maintenant, vous n'avez pas besoin de peindre une peinture succulente complétée avant de télécharger votre projet. Vous pouvez commencer par créer une fiche d'exercices des techniques que nous avons apprises plus tôt et peut-être vous entraîner sur vos échelles de valeur. Pensez à votre projet comme une progression progressive et régulière. Partagez votre progression dans la section Projet, et vous pouvez continuer à y ajouter au fur et à mesure que vous vous construisez jusqu'à la peinture finale. Rappelez-vous, vous pouvez le créer dans n'importe quel style et vous n'avez pas toujours besoin d'utiliser toutes les techniques dans une seule peinture. Jouez avec différentes couleurs et valeurs ou peignez différentes espèces de plantes succulentes. Quoi que vous choisissiez de faire, n' oubliez pas qu'il s'agit d'un processus d'apprentissage. Expérimentez et amusez-vous à découvrir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. 10. Réflexions finales: Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce cours. J' espère que vous serez en mesure de trouver quelque chose d'utile que vous pourrez intégrer dans votre propre pratique. Si vous avez des questions sur les techniques, les matériaux, ou si vous avez des suggestions sur les cours à venir, hésitez pas à me laisser une ligne dans la discussion de classe ci-dessous, ou venez me dire bonjour sur Instagram à mon compte Daintyrebel. N' oubliez pas de télécharger vos projets de cours et si vous voulez partager votre travail sur Instagram, n' hésitez pas à utiliser le hashtag ici. N' oubliez pas de vérifier vos camarades de classe fonctionne aussi bien. Je sais que le processus de superposition prend un peu de temps et cela peut être assez frustrant parfois, surtout quand nous arrivons à ce point dans nos peintures où on a l'impression que ça ne ressemble pas du tout à quoi que ce soit. Ou tu as l'impression de ne pas savoir du tout ce que tu fais. Crois-moi, j'y suis allé plusieurs fois. Dans ces moments, laissez-vous faire une pause ou des pauses. Allez vous promener, prendre une tasse de thé, caresser votre chien ou [inaudible], puis revenez à votre peinture avec un esprit frais. Il est facile de se plonger dans toutes les techniques de la création d' art et il est très certainement important de comprendre et de maîtriser les bases. Mais je vais le répéter. n'y a pas une façon de créer de l'art. Il y a longtemps, nous avons commencé par n'utiliser que nos mains pour peindre avant même d'utiliser des outils comme des bâtons. Avant que quelqu'un ait eu l'idée brillante de toucher les poils aux extrémités de leur état. Juste ce que je veux dire, c'est explorer, expérimenter, jouer et trouver ce qui fonctionne le mieux pour vous et surtout, n'oubliez pas de vous amuser. Merci encore, j'espère vous revoir la prochaine fois. Au revoir.