Outils et techniques d'aquarelle essentiels pour les débutants

1. Introduction: Il y a tellement de choix disponibles pour les outils d'aquarelle, qu'il peut rapidement devenir écrasant surtout si vous êtes nouveau dans le monde de l'aquarelle. Si vous vous demandez quels outils et matériaux vous aurez besoin pour commencer, vous êtes au bon endroit. Salut, je suis Emma. Je suis aquarelle. Bienvenue dans mon cours de Skillshare. Dans le cours d'aujourd'hui, je vais partager quelques conseils utiles et des informations sur la façon de choisir les outils dont vous aurez besoin pour vous lancer dans votre parcours aquarelle. Nous examinerons l'essentiel de différentes peintures, papiers et pinceaux, ainsi outils supplémentaires qui peuvent vous aider à compléter votre pratique de l'aquarelle. Vous apprendrez également comment et pourquoi différents matériaux de qualité sont performants, afin que vous puissiez prendre des décisions plus éclairées lors de l'achat de vos fournitures. Une fois que vous aurez vos outils prêts, je partagerai quelques exercices simples et fondamentaux, afin que vous puissiez commencer pratiquer avec vos outils et apprendre à utiliser les aquarelles. Pour votre projet de classe, vous pouvez combiner les techniques apprises pour créer ce joli petit signet ou carte d'inspiration. Mon but est de fournir quelques idées et informations que vous pouvez utiliser pour mieux décider vous-même ce qui conviendra le mieux à vos besoins. Enfin et non des moindres, j'espère que vous vous amuserez à apprendre le long du chemin alors que vous plongez dans le monde merveilleux de l'aquarelle. J' espère vous voir en classe. 2. Présentation générale: Avant de commencer, je voulais juste souligner que les outils et les marques que je partage dans cette classe sont ceux que j'ai personnellement utilisés. Je ne vous suggère en aucun cas d'obtenir les marques ou les outils exacts parce que je comprends que certaines de ces choses pourraient ne pas être disponibles pour vous localement et que les prix peuvent varier d'un pays à l'autre. En fin de compte, vos préférences personnelles, vos techniques, votre processus de travail, influenceront également votre sélection d'outils. En disant cela, j'espère que les pointeurs que je fournit dans cette classe seront en mesure de vous guider dans la décision des meilleurs outils pour vos besoins. Maintenant, j'ai fourni les liens vers les fournitures et les matériaux que j'ai utilisés dans cette classe, que vous pouvez trouver dans l'onglet Projets et ressources, alors assurez-vous de vérifier cela. D' accord. Sans plus tarder, commençons. 3. Peintures à l'aquarelle: Les peintures à l'aquarelle sont faites de pigment finement broyé mélangé à un liant, également connu sous le nom de gomme arabique. Ce liant est ce qui maintient le pigment en suspension et lui permet d'adhérer en douceur au papier une fois appliqué. De minuscules quantités de solvants sont également ajoutées pour augmenter la performance globale de la peinture. Les trois formes principales de l'aquarelle sont les casseroles, les tubes et les liquides. aquarelles Pan sont des gâteaux secs d'aquarelles, que vous pouvez généralement trouver dans des tailles demi-casserole et pleine casserole. Ils sont généralement emballés dans un ensemble de plastique ou de métal, mais vous pouvez acheter des casseroles individuelles pour créer votre propre palette. aquarelles de tube ont une consistance similaire à l'espace, et sont donc plus lisses et crémeuses en texture. Ils sont parfaits pour mélanger de grandes quantités de peinture, surtout lorsque vous faites de grands lavages ou une peinture à grande échelle. Ils peuvent également être utilisés directement hors du tube pour un mélange plus saturé. Vous pouvez les presser dans une palette vide, les laisser sécher pendant la nuit, puis les réactiver comme vous le feriez pour les aquarelles. couleurs d'eau liquides, comme son nom l'indique, viennent sous une forme concentrée, ce qui nécessite l'utilisation d'un compte-gouttes pour le transférer de la bouteille et sur votre palette de mélange. Maintenant, selon la marque et la ligne d'aquarelles, certaines sont plus concentrées et épaisses parce qu'elles sont à base de pigments, les aquarelles liquides dibase, d'autre part, sont généralement plus aqueuses et plus légères en consistance. Néanmoins, ils ont tous les deux produit des couleurs vraiment vives et saturées. Maintenant que vous connaissez les trois types de peintures à l'aquarelle, voici quelques choses à considérer et à être conscient lors du choix de vos aquarelles. Le premier est la qualité. Généralement, la qualité des peintures peut être divisée en peintures de qualité étudiante et de qualité professionnelle ou artistique. Les peintures de qualité étudiante ont généralement moins de pigment en eux et plus de charges ajoutées. Ils utilisent parfois plusieurs pigments pour remplacer un pigment coûteux, ce qui leur permet de réduire considérablement le coût. Mais cela peut généralement entraîner des couleurs moins vives et parfois une texture craie, ce qui peut causer des couleurs boueuses lorsque vous faites beaucoup de mélange de couleurs. Dans les peintures vraiment bon marché, l'utilisation d'un liant de faible qualité peut également affecter la performance globale du pigment. Cela se traduit généralement par une couverture incohérente et une faible capacité d'écoulement. En disant qu'il existe un certain nombre de peintures de qualité étudiante fiables sur le marché qui sont de bonne qualité et adaptées aux besoins et au budget d'un débutant. Les peintures de qualité professionnelle se composent généralement d' une charge de pigment plus complète et sont formulées avec moins de charges, ce qui signifie qu'elles sont plus riches et plus vives en couleur. L' utilisation de liant et de pigments de haute qualité assure également une distribution plus uniforme et permet à la peinture de mieux se mélanger. peintures professionnelles se composent également d'une large gamme de formulations monopigmentaires, qui fournissent des mélanges plus propres et plus vibrants et lumineux. La prochaine chose à considérer est la permanence ou la résistance à la lumière d'une couleur. La résistance à la lumière ou la permanence se réfère à la durabilité de la couleur à la lumière du jour. Plus la résistance à la lumière est élevée, les couleurs sont stables, ce qui signifie qu'elles ne s'estompent pas ou ne se dégradent pas avec le temps dans des conditions normales de lumière et d'humidité. Les couleurs fugitives d'autre part, vont s'estomper et changer de couleur parce que leurs pigments ne sont pas chimiquement stables. Si vous cherchez à accrocher vos peintures, à les offrir en cadeau ou à vendre des copies originales, alors vous voulez vous assurer que vos pigments ont une bonne cote permanente. Vous pouvez généralement trouver l'indice de résistance à la lumière d'un pigment sur le tube ou l'emballage, ou la brochure fournie avec les jeux de peinture. Sinon, vous pouvez trouver ces informations sur le site de la marque sur leur gamme spécifique d'aquarelles. Ensuite, nous allons examiner différentes propriétés pigmentaires. Ceux-ci sont importants à savoir afin que vous compreniez pourquoi un certain pigment se comporte comme il le fait. Vous pouvez utiliser ces informations lorsque vous essayez d'atteindre un certain résultat ou lorsque vous utilisez différentes techniques d'aquarelle. Le premier est la transparence et l'opacité. Les couleurs transparentes permettent à la lumière de passer à travers et de refléter le blanc du papier, donnant aux couleurs un effet lumineux ou une lueur, ce qui est une qualité unique d'aquarelles. Les couleurs transparentes sont mieux utilisées lors de la construction de couches de peinture pour créer un effet de couleur désiré. Les couleurs opaques, d'autre part, donnent des lavages flutter et une couverture plus complète car lorsqu' utilisées avec la plus grande force, elles ne permettent pas à la lumière de passer à travers eux. Vous pouvez également les utiliser pour tonifier ou désamorcer les mélanges de couleurs. Vous pouvez généralement rechercher ces symboles pour déterminer la transparence et l'opacité d'une couleur. Ensuite, les pigments colorants et non colorants. Comme son nom l'indique, certains pigments se tachent tandis que d'autres peuvent être facilement enlevés, ce soit avec la brosse, une éponge ou une serviette en papier. Selon la façon dont vous prévoyez d'exécuter certaines techniques, gardez à l'esprit la qualité de coloration et de non-coloration d'une couleur. Par exemple, si vous prévoyez de faire des techniques comme le levage, choisissez des pigments qui sont faibles ou non colorants. Enfin, la granulation. Certains pigments contiennent des particules lourdes qui se concentrent dans des motifs lorsqu'ils dessinent sur le papier. Cette caractéristique de granulation est souvent utilisée pour ajouter de la texture visuelle à une peinture. Espérons que les choses que nous avons abordées jusqu'à présent vous donnent une idée de ce qu'il faut surveiller lors de la sélection de vos peintures. Maintenant, si vous recherchez une certaine marque ou si vous voulez en savoir plus sur les différentes caractéristiques et indices de pigment disponibles, je vous suggère de saisir une brochure d'aquarelle de quelques marques dans votre magasin d'art local ou de boutiques d'art en ligne. Sinon, vous pouvez également trouver ces informations directement sur les sites Web des marques. 4. Papier aquarelle: Un papier aquarelle de bonne qualité est l'une des choses clés à avoir pour exploiter pleinement les capacités des aquarelles. Ainsi, vous pouvez utiliser les meilleures peintures et brosses, mais si vous n'utilisez pas le bon papier, il ne permettra pas au reste des outils et du support de fonctionner à sa pleine capacité. Cela peut transformer l'ensemble du processus en une expérience très frustrante. Alors apprenons à en savoir un peu plus sur le papier aquarelle afin que nous sachions ce qu'il faut surveiller et prendre en compte lorsque vous cherchez le papier adapté à vos besoins. Le papier coloré à l'eau est généralement fabriqué à partir de cellulose, qui est dérivée de la pâte de coton ou de bois. Le coton est beaucoup plus solide et plus durable que la pulpe de bois en raison de la longueur de ses fibres et est naturellement exempt d'acide, ce qui signifie qu'il résistera au jaunissement et à la détérioration au fil du temps. Les fibres de coton ont également une meilleure rétention d'eau et peuvent résister à de lourdes applications d'eau et de peinture. Sur la base de ces qualités, un coton 100 pour cent, qui est souvent appelé papier chiffon. Il est généralement considéré comme le papier de la meilleure qualité. Le papier fabriqué à partir de cellulose de bois n'est pas aussi durable que le coton et il doit être traité chimiquement pendant le processus de fabrication pour éliminer la teneur naturelle en acide. Les papiers d'aquarelle sont généralement fabriqués avec un revêtement ou un calibrage de gélatine, amidon ou de substance synthétique. Ce revêtement ou ce calibrage réduit l'absorption, de sorte que la douleur ne pénètre pas directement dans le papier. Sinon, il se comporterait exactement la même chose qu'une serviette en papier. Maintenant, le papier peut être à la fois interne et externe. Selon la qualité du dimensionnement, il affectera le taux d'absorption, ainsi que la propagation de la peinture et de l'eau sur la surface. Ainsi, comme avec les peintures à l' aquarelle, les papiers à l'aquarelle peuvent également être divisés en grade étudiant et artiste. Comme vous pouvez vous y attendre, papier de qualité artistique est généralement fabriqué à partir d'un 100 pour cent de fibres de coton. Ils ont également une quantité équilibrée de taille, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur. L' utilisation d'un calibrage de haute qualité assure également une distribution uniforme de la peinture. Les papiers de classe étudiante sont une option moins coûteuse, car ils peuvent être fabriqués à partir de pâte de bois ou d'une combinaison de pâte de bois et de coton. Bien qu'il ne soit pas aussi solide et résilient qu'un coton 100 %, il peut toujours résister à une bonne quantité de liquides et de techniques de lavage. Cela dit, la qualité au sein d'une classe étudiante peut également varier d'une marque à l'autre et dépendre du processus de fabrication. Donc ici, je vais juste faire une brève démonstration pour illustrer la différence entre le papier de qualité étudiante et artistique. Celle à ma gauche est le papier Canson XL, qui est le papier étudiant et le papier de qualité artistique à ma droite est la marque Arches. Ils sont tous deux presses à froid avec un poids de 300 g/m², mais le Canson XL est fait de pâte de bois, tandis que les Arches sont un coton 100 %. Ici, j'ai appliqué un lavage lourd d'eau et comme vous pouvez le voir, le Canson XL a commencé à flamber en un rien de temps. J' ai laissé l'eau s'asseoir un peu, mais vous remarquerez que le papier étudiant n'absorbe pas vraiment l'eau, ainsi que le papier 100% coton. Mais il en va de même quand j'ai appliqué de la peinture sur le papier. Il semble être assis au-dessus de lui plutôt que de s'y tremper, ce qui pourrait être dû à la taille extérieure et à la teneur en pâte de bois. Comme vous pouvez le voir, le papier de l'artiste prend vraiment bien la peinture et la répartit uniformément sur la surface. qui signifie qu'il a une bonne qualité et une taille équilibrée. La peinture ici est inondée et ne se mélange pas aussi bien en raison du taux d'absorption lent et cela peut probablement provoquer l'apparition d'arrière-plans lorsque vous travaillez avec un lavage vraiment humide. Cela étant dit, j'ai toujours été en mesure de pratiquer avec succès des lavages plus légers de peinture sur ce papier. C' est peu coûteux et je pense qu'il fonctionnera bien pour les projets de médias mixtes et les petites études rapides. Cela dépend aussi du type de peinture ainsi que des techniques que vous envisagez d'utiliser. Regardons ensuite les trois différents types de finition de surface que les papiers d'aquarelle entrent en jeu. Le premier est une texture rugueuse. Comme son nom l'indique, ce papier a la rugosité de surface maximale entre les trois. En raison de la texture rugueuse, il est idéal pour les techniques comme le brossage à sec. Le papier pressé à chaud, en revanche, a une surface lisse, ce qui le rend idéal pour un travail vraiment détaillé. Les papiers pressés à froid se trouvent quelque part entre les deux avec une finition texturée moyenne. Cette surface permet une quantité raisonnable de détails, ainsi que de donner à votre travail une certaine texture, ce qui en fait un choix populaire. Désormais, votre style de peinture influencera également votre choix de finition de papier , car la texture affecte l'apparence du pinceau et des détails. Donc, vous pouvez certainement expérimenter avec l'un ou l'autre, mais pour les débutants, je recommande de commencer avec du papier pressé à froid. Le papier aquarelle est également disponible en différents poids, qui est généralement mesuré en grammes par mètre carré ou en livres. Plus le poids est élevé, le papier est épais, ce qui signifie plus de résistance au déformation et au flambage. Mais cela signifie aussi que les papiers plus épais sont plus coûteux. Un bon poids de milieu de gamme pour commencer est de 300 g/m² ou 140 livres. Il convient pour les travaux de taille moyenne à petite et peut nécessiter un étirement en fonction de la lourdeur de l'application de peinture. Maintenant, le poids papier n'affecte pas la qualité, mais il affecte la quantité d'eau qu'il absorbe. Ainsi, selon votre style de peinture, vos besoins peuvent varier. Maintenant, le papier aquarelle est disponible en plusieurs formats différents, y compris des feuilles en vrac, des rouleaux, blocs et des tampons gommés ou en spirale. Vous pouvez également trouver certains emballés comme des journaux de voyage pratiques. Ainsi, les tampons d'aquarelle sont des feuilles d'aquarelle prédécoupées qui viennent dans un éventail de tailles pratiques. Les coussinets sont collés sur un côté ou sont livrés dans une spirale reliée. Les blocs sont similaires aux tampons, sauf qu'ils sont collés sur les quatre côtés, ce qui maintient le papier à plat et l'empêche de se déformer pendant que vous travaillez. Maintenant que vous en savez plus sur le papier aquarelle, espérons que cela vous donne une meilleure idée de ce qu'il faut surveiller lors de la sélection de votre papier. Mais juste un résumé de certaines des choses à considérer. Pour un papier de bonne qualité et fiable, il est préférable de sélectionner ceux qui sont étiquetés 100 pour cent de coton. Maintenant, en fonction de votre budget et de vos besoins, vous pouvez choisir entre le papier de qualité étudiant ou artistique. C' est compréhensible, vous ne voudriez pas sortir votre papier de qualité d'artiste pour les petites peintures de pratique, mais il est important que vous choisissiez un papier de qualité élève en lisant sur la marque ou même commentaires sur le document. Vous pouvez commencer avec la note d'étudiant, mais je suggère également d'investir dans quelques feuilles d' un papier 100 pour cent de coton de qualité artiste pour créer des peintures finales sur. Maintenant, 100 pour cent de coton est généralement sans acide. Mais pour être sûr, vérifiez l'étiquette sans acide, surtout si vous achetez des papiers de classe étudiante. Dans cette section, je vais juste partager un peu sur les marques et le type de papier aquarelle que j'ai utilisé et que j'aime utiliser. Alors je vais commencer par le papier de qualité artistique. Un de mes favoris à utiliser, qui est le bloc Arches pressé à froid en 300 GSM. Il est collé sur les quatre côtés, sorte qu'il ne nécessite aucun étirement, ce qui est pratique lorsque vous travaillez lourdement sur des techniques humides. Pour ce papier, j'aime l'utiliser pour quand j'ai besoin de peindre en beaucoup de couches et de créer un beau mélange humide sur mouillé comme cette peinture ici, par exemple. Il gère vraiment la peinture très bien et se sent vraiment agréable à peindre humide sur les lavages humides. Les coussinets sont un peu moins chers, bien sûr, et peuvent avoir besoin d'étirer, mais généralement je n'étire pas mes papiers parce que je ne ressens pas vraiment le besoin de planter mon type de peinture. Le plus que je ferai pour garder le papier, c'est de faire pencher les côtés avec du ruban adhésif. Une autre marque que j'aime utiliser est ce bloc Artiano pressé à froid, également en 300 g/m². C' est un coton 100 pour cent et vient également en 20 feuilles, mais c'est un peu moins cher que Arches. Il a une belle texture de surface à peindre et peut également gérer beaucoup de mouillé sur les techniques humides très bien. Celui-ci est le bloc stonehenge aqua pressé à froid, également en 300 GSM. C' est moins cher que les deux journaux précédents, et c'est aussi vraiment agréable à peindre. Il a une belle texture de presse froide et ce sont les peintures pour lesquelles je les ai utilisées. Maintenant, cette prochaine est la série Strathmore 400, qui est un journal de classe étudiante. C' est un poids de 300 g/m², presse à froid et sans acide, mais il n'indique nulle part les ingrédients du papier. Donc, après quelques recherches, j'ai trouvé qu'il n'avait pas de contenu en coton du tout. Mais j'ai utilisé un papier de pratique de bureau et ai trouvé encore assez décent pour l'utiliser pour son prix, en particulier pour peindre des idées grossières ou pour pratiquer des coups de pinceau. Voici donc le papier à aquarelle Canson XL, que j'ai utilisé dans la démonstration de niveau étudiant par rapport à artiste. Comme vous l'auriez vu, ce n'est pas génial pour les applications lourdes de peinture, mais j'aime la surface lisse à froid pour ma citation, peintures et les travaux de style plus illustratif. Normalement, je scannerais ces pièces et améliorerais les couleurs numériquement ou fixerais les bords durs si j'en ai besoin. Je garderai une copie numérique parce que les aquarelles liquides Ecoline ne sont pas aussi légères que la gamme Hydrous du Dr Bh Martin. Ils viennent aussi dans le format spirale, que j'aime utiliser comme revue de pratique pour des formes d'étude plus légères. Maintenant, j'ai acheté des blocs et des tampons pour plus de commodité, mais maintenant j'achète aussi des feuilles pour une option plus économique. Ils coûtent un peu moins cher si vous les obtenez dans de grandes feuilles, vous pouvez ensuite découper en tailles qui correspondent à vos projets. Ce que je recommande est d'obtenir des packs d'échantillons pour que vous puissiez tester différentes marques et types de surface. Espérons que cela vous donne un peu plus de perspective sur le processus décisionnel afin de vous aider à choisir le document le mieux adapté à vos besoins. 5. Pinceaux: Le prochain outil dont vous aurez besoin sont quelques brosses. Maintenant, il y a une variété de pinceaux disponibles pour l'aquarelle, mais dans cette leçon, nous allons surtout regarder des pinceaux ronds. C' est parce que la brosse ronde est une brosse très polyvalente qui peut créer une gamme de coups, c'est donc un excellent endroit pour commencer pour les débutants. Avant de regarder les différents types de cheveux, nous allons nous familiariser avec les termes communs souvent mentionnés en parlant de pinceaux à aquarelle. Le premier est la capacité, qui fait référence à la capacité de la brosse à retenir et à retenir l'humidité. La libération fait référence à la capacité de la brosse à distribuer le liquide lentement et uniformément. point ici fait référence à la visibilité du pinceau pour arriver à un point lorsqu'il est mouillé et conserver ce point pendant la peinture. Snap ou ressort est la capacité d'un pinceau à revenir à sa forme originale lorsqu'il est mouillé. Les pinceaux à faible pression resteront pliés lorsqu'ils sont pressés sur une surface. Généralement, une bonne brosse devrait être capable de tenir une bonne quantité d' humidité et de la libérer en douceur et uniformément sur la surface. Vous voulez qu'il conserve une pointe fine et reprenne sa forme appropriée après chaque utilisation. Bien que l'agitation d'un pinceau peut dépendre de votre style de peinture et de vos préférences personnelles. Les pinceaux sont généralement disponibles en trois types de cheveux différents : naturels, synthétiques ou mixtes. Les poils naturels peuvent varier dans la gamme des poils de sable, écureuil, de bœuf et de chèvre. Le prix peut également varier en fonction de la source de cheveux naturels, mais généralement, ils sont plus chers que les brosses synthétiques. pinceaux à cheveux naturels sont généralement plus durables et ont la capacité de tenir beaucoup de peinture et la capacité de la libérer lentement et uniformément. Cette brosse que j'utilise ici est un Rafael Kolinsky Red Sable et est l'un de mes pinceaux préférés à utiliser. Il conserve une belle pointe fine et a une bonne quantité de printemps et s'enclencher à elle. C' est mon pinceau préféré quand je fais une peinture avec beaucoup de couches et un mélange doux. Les poils synthétiques sont généralement fabriqués à partir de matériaux comme le nylon, taklon ou les fibres de polyester. Ils sont beaucoup plus fermes que les pinceaux à cheveux naturels et reviennent pour se former rapidement. Bien que les brosses synthétiques ne contiennent généralement pas beaucoup de liquide et le libèrent aussi régulièrement que les brosses à poils naturels, ces jours-ci vous pouvez trouver des brosses de bonne qualité qui sont fabriqués pour imiter ces mêmes qualités de près. brosses synthétiques sont certainement une bonne alternative pour un prix plus économique. Maintenant, la brosse que j'utilise ici est une brosse synthétique Princeton Heritage et c'est une brosse de très bonne qualité et abordable pour travailler avec. Il tient un point agréable et le élasticité de la brosse permet des coups plus contrôlés et plus fermes. Il contient également une bonne quantité de liquide. J' utilise habituellement mes pinceaux synthétiques pour une peinture de style plus graphique ou illustratif. Vous pouvez également trouver des pinceaux qui sont fabriqués avec un mélange de fibres naturelles et synthétiques. Encore une fois, la performance et la qualité varieront selon le fabricant et la construction. Selon le mélange de fibres ainsi, vous pourriez en trouver certains avec des poils plus doux ou plus fermes. Cette brosse en velours noir argenté est un mélange de poils synthétiques et d'écureuil. Il a un très beau point pointu lorsqu'il est mouillé et une bonne quantité de flexibilité à la brosse. Il est agréable et lisse à peindre avec, mais il a moins d'accrochage pour que les poils puissent se sentir très doux et un peu disquette par rapport à une brosse synthétique. Le choix d'un pinceau reviendra finalement à vos préférences personnelles car la façon dont certains pinceaux se sentent dans vos mains variera d'une personne à l'autre. Si vous êtes complètement nouveau à l'aquarelle et toujours pas tout à fait sûr du milieu, je suggère de commencer par une brosse ronde synthétique de bonne qualité. Lorsque vous avez eu une sensation pour elle pendant un certain temps, et que vous trouvez que vous appréciez le médium et que vous voulez continuer à explorer, alors vous pouvez aller de l'avant et investir dans une brosse de sable de très bonne qualité. C' est juste une suggestion, bien sûr. Tout dépend de l'endroit où vous êtes dans votre pratique, votre budget, ce que vous préférez, et de votre style de peinture, etc. Ensuite, nous examinerons les tailles de pinceaux. Je recommande d'obtenir un pinceau rond en trois tailles différentes ; grand, moyen et petit, pour couvrir une variété de tâches, grands lavages aux détails fins. Une chose à noter est que les tailles de pinceaux ne sont pas standard pour toutes les marques donc une brosse ronde de taille 6 d'une marque peut ne pas être la même qu'une brosse ronde de taille 6 d'une autre marque. Une fois que vous avez vos pinceaux ronds couverts, une autre bonne brosse à portée de main est une brosse plate ou inclinée, ce qui est bon pour une grande couverture uniforme. Vous pouvez certainement utiliser un grand lavage de brosse rond, mais parfois un pinceau dédié à la tâche peut rendre les choses un peu plus facile. 6. Surface de mélange: Ensuite, nous aurons besoin de quelque chose pour tenir notre peinture et nous permettre de mélanger les couleurs avant de l'appliquer sur du papier. Si vous avez l'un de ces ensembles de moules de voyage pré-emballés, alors vous avez déjà une palette de mélange qui vient avec, ce qui est très pratique, surtout lorsque vous êtes sur la voiture. Mais une fois que vous commencez à mélanger beaucoup de couleurs, vous trouverez peut-être que vous avez besoin de l'espace de mixage supplémentaire, et c'est là que vous pouvez utiliser l'une de ces palettes ici. Il peut être de n'importe quelle taille, et tout dépend de l'échelle de votre travail, ainsi que de vos propres préférences personnelles. Les pastilles de mélange les plus courantes que vous avez pu voir sont celles en plastique avec de petits puits et elles sont très bon marché et faciles à obtenir dans n'importe quel magasin d'art. J' ai utilisé celui-ci pendant des années depuis mes jours de peinture au lycée. Ensuite, j'ai celui qui a plus de puits et il a cette surface de mélange plate au milieu, qui est pratique lorsque vous mélangez deux couleurs ou plus, et que vous voulez ajuster votre rapport pigment/pigment. C' est juste agréable de pouvoir voir vos mélanges sur une surface plane. J' ai depuis passé à utiliser des pastilles de céramique parce que je les trouve très agréable à mélanger et les couleurs ne battent pas et ils glissent juste agréable et doucement sur la surface. J' aime aussi les utiliser avec des parois inclinées parce qu'il permet à l'eau de se flaquer en bas ici, et vous pouvez séparer vos mélanges aqueux de vos pigments plus à la fois. Ceux-ci ne sont pas aussi conviviaux que les plastiques évidemment, mais quand votre peinture à la maison ou dans votre studio, ils sont très agréables et stables et ne bougent pas autant. Ils sont beaucoup plus faciles à nettoyer aussi, ce qui est certainement un plus pour moi. Maintenant, ces palettes sont faites spécialement pour la peinture, donc elles coûteront un peu plus cher, mais si vous êtes à la recherche d'une alternative moins chère alors une bonne vieille assiette fonctionnera tout aussi bien. Si vous avez un ou deux vieux couché autour, peut commencer à les utiliser comme une surface de mélange et il n'aura pas à vous coûter quoi que ce soit de plus. Les assiettes sont parfaites car elles sont en céramique ou en porcelaine, elles seront agréables à mélanger les couleurs et ont une grande surface plane comme celle-ci vous permet de mélanger plus de couleurs et c'est également pratique pour les moments où vous avez besoin d'utiliser un pinceau plus grand. Vous trouverez que beaucoup d'articles de cuisine ou d'articles de cuisine en céramique sont parfaits à utiliser comme une palette de mélange. J' en ai généralement des bon marché de Dyson comme cet encombrement et tu peux en obtenir des qui ont des puits plus profonds si tu fais beaucoup plus de mélanges aqueux. Aussi ceux avec des puits séparés, si vous voulez que vos mélanges restent confinés. Cette plaque ici est également de Dyson et il est assez convivial de voyage et juste pratique à retirer chaque fois que j'ai besoin de cette surface de mélange supplémentaire. Il y a beaucoup d'options et tout se résume à ce que vous préférez travailler avec. 7. Eau + serviette en papier: La prochaine chose dont nous aurons besoin et la plus essentielle pour les couleurs de l'eau n'est autre que l'eau. Tout récipient qui peut contenir une bonne quantité d'eau fera l'affaire. De préférence quelque chose de robuste et stable pour ne pas basculer facilement. Certains artistes aiment utiliser deux bocaux pour séparer leur eau propre et sale. Un pot est utilisé pour rincer tout le pigment et l'autre est gardé propre afin qu'il puisse être utilisé pour ajouter des mélanges de peinture et pour pré-mouiller le papier avant d'appliquer la peinture. Vous voulez être sûr d'utiliser de l'eau propre pour ces choses afin que vous ne finissiez pas avec des couleurs boueuses. Une autre façon d'utiliser deux pots d'eau est de séparer vos couleurs chaudes et fraîches. Tout comme avec le pot sale, lorsque vous mélangez toutes les couleurs ensemble, en particulier les couleurs assis sur les côtés opposés de la roue de couleur, vous obtiendrez un mélange boueux. Garder les deux séparés évitera cela. Cela pourrait fonctionner pour certains, cela pourrait ne pas fonctionner pour d'autres. Il s'agit vraiment d'un choix personnel. Certaines personnes peuvent même avoir un troisième pot d' eau propre si c'est leur façon de travailler préférée. Je préfère séparer mes couleurs chaudes et fraîches et j'ai habituellement ce flacon presser comme eau propre que j'utilise pour activer mes pigments, et quand j'applique un lavage d'eau pour les techniques humides. Peu importe le nombre de pots d'eau ou le type de récipient que vous utilisez, une bonne règle de base à suivre est, une fois que votre eau devient vraiment boueuse, il est temps de la rafraîchir. Enfin, nous aurons besoin d'une serviette en papier. Vous pouvez utiliser un vieux chiffon de coton ou des tissus. Mais essentiellement, vous voulez quelque chose qui peut bloquer l'excès d'humidité sur votre brosse, pour vous aider à contrôler vos rapports d'eau et de pigments. Vous pouvez simplement tamponner votre pinceau doucement sur une serviette en papier chaque fois que vous avez besoin d'éponger l'excès d'eau. Une bonne astuce lorsque vous avez chargé votre pinceau avec du pigment et que vous trouvez qu'il est un peu surchargé, suffit de tamponner le côté ou le ventre de la brosse pour enlever l'humidité supplémentaire sans perdre trop de pigment de la pointe de la brosse. Une serviette en papier est également idéale pour éliminer les erreurs pendant que la peinture est encore humide et pour nettoyer les flaques d'eau indésirables de votre papier. Cela en fait un excellent outil pour les techniques de levage. Vous pouvez gratter la serviette en papier ou le mouchoir et effacer les peintures pour créer des textures intéressantes comme des nuages, par exemple. Nous allons l'explorer davantage dans les prochains exercices de classe. 8. Outils et matériaux supplémentaires: Maintenant que nous avons couvert l'essentiel, nous allons examiner quelques outils supplémentaires que vous avez peut-être déjà ou qui sont facultatifs pour compléter votre pratique de l'aquarelle. Les premiers sont des crayons. Il est bon d'avoir un ou deux à la main pour poser un croquis léger, ou votre papier aquarelle, ou planifier votre peinture, et la composition dans un morceau de papier ou un carnet de croquis séparé. La planification préalable de vos peintures, surtout lorsque vous avez plus d'un élément dans votre pièce, vous permettra d'économiser beaucoup de temps et d'erreurs potentielles. Vous ne voulez pas constamment dessiner et effacer votre papier aquarelle car cela peut l'affaiblir ou même l'endommager. J' utilise habituellement un crayon mécanique ou un crayon traditionnel, et j'utilise une laisse HB pour les deux, ce qui fait des lignes plus légères. Bien sûr, nous aurons besoin d'une gomme. Nous pouvons utiliser n'importe quelle gomme douce qui est douce sur le papier aquarelle. J' aime utiliser des gommes pétries parce qu'il est facile de soulever juste assez de marques de crayon, et de vous laisser avec un guide. Vous pouvez les mouler dans n'importe quelle forme pour un effacement précis, et ils sont généralement assez exempts de désordre, ce qui est génial. Ensuite, nous avons des stylos à dessin. Ces stylos à encre pigmentaire sont généralement imperméables et permanents, et sont disponibles dans une gamme de tailles. Ils sont parfaits pour ajouter des détails à vos peintures, et pour créer un certain style ou look. Maintenant, en plus de l'encre noire, de l'encre blanche et du métal sont également une autre façon d'ajouter des petits éléments amusants à vos peintures. Quels sont les stylos à encre acrylique, guage ou blanc [inaudible] qui sont parfaits pour cela. Vous pouvez également trouver de l'or, encres irisées, ou même des feuilles métalliques d'aquarelles. Un autre moyen facile d'ajouter des textures intéressantes à ce qu'on appelle des rondelles est en utilisant du sel. Il suffit de saupoudrer une partie de la peinture encore humide et de la laisser sécher complètement avant de la frotter doucement pour révéler les textures. Très bien, notre prochain outil pratique est un ruban adhésif de masquage ou un ruban adhésif lavable. Vous pouvez utiliser du ruban adhésif pour coller votre papier sur une planche d'art afin de réduire la déformation du papier, en particulier lorsque vous travaillez avec des techniques mouillées sur mouillé. Les deux bandes sont également parfaites pour créer un joli cadre propre autour de votre peinture. Enfin, un outil que je pense sera très pratique à avoir, surtout quand vous commencez à en apprendre plus sur vos couleurs, et comment les mélanger, est cette roue de couleur. Il y a des informations de base sur la théorie des couleurs, et ils sont tout simplement formidables à avoir comme guide rapide, surtout lorsque vous planifiez vos combinaisons de couleurs, ou que vous faites un mélange de couleurs. 9. Vue d'ensemble de la pratique: Une fois que vous aurez vos outils prêts, nous pouvons commencer la partie amusante. Dans les prochaines leçons, nous allons regarder quelques exercices simples pour vous aider à vous mettre à l' aise en utilisant vos outils, et pour comprendre comment fonctionne la couleur de l'eau, maintenant ces exercices ne sont pas seulement pour les débutants, ils sont également bons comme des échauffements avant de peindre ou comme un rafraîchissement pour les moments où vous traversez un bloc créatif. Vous pouvez toujours vous y référer chaque fois que vous vous sentez sans inspiration ou coincé. 10. Techniques de base: Maintenant, lorsque vous commencez à peindre à l'aquarelle, les deux techniques de base que vous voulez vous familiariser sont la technique humide et humide sur sec. Comprendre ces techniques et apprendre différentes façons de les appliquer peut vous aider à exposer les qualités uniques et belles de l'aquarelle. Commençons par humide -on- mouillé. Wet-sur-mouillé est lorsque vous appliquez de la peinture sur une surface déjà humide. Vous le faites soit en notant d'abord le papier avec une couche d'eau, puis en appliquant de la peinture, soit en déposant de la peinture dans une autre couche de peinture humide. Travailler mouillé sur mouillé est préférable lorsque vous essayez d'obtenir des traits avec des bords plus souples ou une transition et un mélange de couleurs en douceur. Regardons mouillé sur sec. Wet-on-Dry est lorsque vous peignez directement sur papier sec ou sur une couche de peinture déjà sèche, qui est une technique également connue sous le nom de vitrage, humide -on- sec est mieux utilisé lorsque vous voulez plus contrôlé et clairement coups de pinceau définis. Vous pouvez facilement combiner les deux techniques parce que lorsque vous posez de la peinture humide sur sec, vous créez essentiellement une zone humide dans laquelle vous pouvez ensuite commencer à travailler humide sur mouillé. Maintenant que nous connaissons ces deux techniques de base, regardons quelques choses essentielles à prendre en compte lors de la peinture humide sur humide. La première est qu'une plus grande humidité coulera toujours dans une moindre humidité. Ce que cela signifie, c'est que si vos pinceaux sont plus humides que le papier, lorsque vous laissez tomber la peinture, il se dispersera et se répandra dans le glaçage à l'eau. Mais si votre brosse est humide ou a moins d'humidité que sur le papier, elle agira comme une éponge et absorbera l'humidité. Maintenant, cela est utile si vous voulez faire des techniques de levage ou savonner l'excès d'humidité du papier. Parfois, si vous trouvez que lorsque vous laissez tomber de la peinture sur papier humide et qu'il y a à peine un flux ou une dispersion, cela peut être dû au fait que le pinceau a trop peu d'humidité que le papier qu'il est encart essayant d'absorber le liquide à la place de le disperser. Comprendre cette dynamique vous aidera à trouver le juste équilibre entre l'humidité du papier et l'humidité du pinceau. Ce qui nous amène à notre prochain point, qui est les différents niveaux d'humidité du papier. J' ai divisé les niveaux en quatre étapes qui sont très humides, ou inondées, humides ou brillantes, humides et presque sèches. Maintenant, parfois, vous pouvez trouver d'autres artistes l' expliquer en trois ou même six étapes différentes. Mais essentiellement, ce que vous voulez retirer de la compréhension de ces terminologies d'humidité, c'est que les différents niveaux d'humidité du papier influenceront le comportement de la peinture sur le papier. Regardons la première étape, qui est très humide ou inondée. C' est là que vous pouvez voir de l'eau bouillonnant sur la surface et il obscurcit complètement la texture du papier. Lorsque vous avez trop d'eau sur votre glaçage d'eau et que vous entrez avec un pinceau très chargé, la peinture flottera à la surface de l'eau au lieu de couler à travers le papier. Un excès d'humidité provoquera également le pigment à tirer sur les bords de la forme et vous laissera avec ces contours durs quand il sèche. Maintenant, vous pouvez certainement travailler avec un lavage très humide et déplacer la peinture autour en inclinant votre papier ou en laissant la gravité et les peintres faire sa propre chose pour créer de beaux effets organiques et spontanés. Et vous pouvez le laisser sécher tout en voulant des textures intéressantes. Mais sinon, vous pouvez simplement élever l'excès d'humidité avec une serviette en papier ou une brosse. Suivant est l'étape humide ou brillante. C' est là que vous pouvez voir une belle brillance uniforme d'eau et la texture du papier est visible. L' eau est assez réfléchissante, mais vous pouvez toujours voir les petites bosses du papier. Pour que la peinture se répande et se diffuse bien sur toute la surface. Vous voulez qu'il soit à cette belle étape de brillance brillante. Le stade humide est quand ils sont encore de l'humidité sur le papier. Mais l'éclat est devenu mat ou plutôt terne. Ajouter trop d'humidité pendant ce temps va créer ce qu' une fleur ou des arrière-plans au lieu d'un mélange sans couture, parce que l'humidité va pousser le pigment qui ont déjà commencé à se déposer sur le papier. Donc les fleurs et les arrière-plans ne sont pas vraiment une mauvaise chose à moins bien sûr qu'ils apparaissent quand vous vous y attendez le moins. C' est pourquoi il est important de comprendre comment ils se produisent afin que vous puissiez choisir de les incorporer délibérément dans votre peinture et nous allons l'explorer plus loin dans les exercices à venir. L' étape suivante, qui est presque sèche, est celle où il n'y a pas de machine, mais le papier a encore un peu froid à détacher. Si vous voulez commencer à peindre, une nouvelle couche sèche, alors le lavage de couleur précédent doit être complètement sec à avance afin qu'il ne se lève pas ou ne saigne pas quand il n'est pas censé le faire. En sachant à quel point vos brosses sont mouillées et à quel point votre papier est mouillé, c' est une bonne pratique pour le contrôle de l'humidité et du débit. Ce qui à son tour vous permet d'exécuter différentes techniques et d'atteindre les résultats souhaités. Au fil du temps, vous commencerez à en avoir une idée et il deviendra plus intuitif avec la pratique. Gardez à l'esprit que la qualité du papier influera également sur la façon dont la peinture est absorbée et dispersée, comme nous l'avons vu dans la section Outils. Si vous constatez que vous avez encore de la difficulté à travailler mouillé sur mouillé, assurez-vous d'utiliser le bon papier pour le type de peinture que vous faites. Enfin, n' oubliez pas que la peinture coulera là où vous avez appliqué l'eau et restera dans les limites de cette zone humide, sauf si vous étendez la zone et créez plus de formes avec vos coups de pinceau. Selon la quantité de peinture que vous appliquez sur la zone humide. Il peut soit remplir toute la forme ou s'estomper progressivement dans de l'eau claire, créant des bords à plumes doux. Bon, maintenant, commençons à pratiquer ces techniques et apprenons comment nous pouvons créer des lavages plats et gradués. Comment mélanger deux couleurs ou plus, comment soutenir le processus humide sur humide et créer des textures et des effets, puis apprendre différentes façons de combiner les deux techniques. 11. Exercice 1 : Lavis + mélange de couleurs: Dans cet exercice, nous allons commencer par créer un simple lavage plat, qui est fondamentalement une feuille de couleur solide, répartie uniformément. Je vais le faire en utilisant la technique humide et sèche. Je vais peindre directement sur le papier sec. Vous pouvez aller de l'avant et dessiner les formes pour avoir un guide, ou vous pouvez le peindre à main levée si vous préférez. Maintenant, j'ai préparé un mélange uniforme de pigment et d'eau et je l'ai prêt à partir parce que lorsque vous travaillez humide et sec, vous voulez travailler assez rapidement pour que la peinture ne sèche pas avant d'appliquer le prochain coup de couleur. Sinon, il laissera des bords durs ou des rues de couleur inégale. Il est assez facile à contrôler lorsque vous travaillez à une plus petite échelle. Mais pour les zones plus grandes où vous voulez un mélange de couleurs plus lisse et diffus, il est préférable de travailler humide sur le papier mouillé et pré-mouillé. Je suis juste en train de remplir toute la forme avec de la peinture et de m'assurer que je l'étalais uniformément avec mon pinceau. Maintenant, je vais le revoir une fois de plus juste pour l'égaliser et je m'assure qu'il n'y a pas de flaques de peinture debout nulle part. S' il y a un excès d'humidité ou de peinture, assurez-vous de le faire tremper avec votre brosse ou votre serviette en papier afin qu'il ne s' écoule pas dans le lavage et crée un arrière-plan au fur et à mesure qu'il sèche. Maintenant, créons des lavages gradués. Un lavage gradué montre essentiellement une transition de couleur de l'obscurité à la lumière, ou même une transition entre différentes teintes. Je vais créer le premier, humide et sec. Comme nous avons fait le lavage à plat, nous allons appliquer des coups et travailler de haut en bas. La seule différence est que nous allons diminuer la quantité de pigment sur la brosse en le rinçant petit à petit, chaque couple de coups de sorte que la couleur s'éclaircit progressivement et s'estompe. Une autre façon est d'ajouter de l'eau à votre mélange rose pour le diluer, et obtenir les mêmes résultats. Vous pouvez vous entraîner dans les deux sens, mais je vais le démontrer en utilisant la première méthode, qui consiste à rincer le pigment de ma brosse. J' ai préparé un mélange de peinture et je vais juste l'étalonner sur un morceau de papier pour m'assurer que c'est dans une valeur de consistance et de couleur que je suis satisfait. Ensuite, je vais appliquer les deux premiers coups d'une extrémité à l'autre et déplacer légèrement vers le bas chaque coup. Ensuite, je vais rapidement tremper ma brosse dans l'eau et essuyer l'excès d'humidité sur le bord du pot environ une ou deux fois, puis faire quelques coups supplémentaires avec le pigment restant dans ma brosse, chevauchant légèrement le coup précédent que je mis vers le bas. Mon objectif est d'étendre la zone humide afin que la peinture puisse s'écouler à mesure qu'elle s'estompe progressivement. Maintenant, une chose importante à garder à l'esprit est la dynamique de l'eau dont nous avons parlé dans la leçon précédente, où une plus grande humidité coulera toujours dans une moindre humidité. Ici, vous voulez vous assurer que lorsque vous appliquez ou suivez des traits lorsque vous décollez la couleur, votre pinceau n'est pas surchargé et plus humide que le dernier coup, parce que vous ne voulez pas finir par repousser le pigment vers le haut. Si vous sentez que votre brosse est toujours chargée d'humidité, il suffit de la tamponner doucement sur une serviette en papier. Ce que vous voulez faire est d'étendre la zone humide et de coaxer la peinture sur le papier pour s'écouler dans cette nouvelle zone étendue afin qu'elle s'estompe progressivement. Pour finir, j'ai rincé à peu près tout le pigment de ma brosse, et je pose les derniers coups où le rose s'estompe dans l'eau claire. Maintenant, cette méthode de décoloration est très utile pour quand vous voulez adoucir un bord dur et l'éloigner. Maintenant, je vais créer le second en utilisant la technique humide sur humide. Je m'assure de bien mouiller le papier et de le laisser absorber l'humidité pendant environ une minute. Je vais vérifier que j'ai une belle même [inaudible] et pas debout flaques d'eau. Ensuite, j'appliquerai environ deux coups horizontaux de peinture avant de rincer un peu de pigment de mon pinceau. Ensuite, posez un autre coup ou deux qui est plus léger que le dernier. Je vais répéter ce processus jusqu'à ce que je n'ai plus de pigment dans ma brosse. Puisque le lavage est encore humide, je vais juste utiliser le mélange de peinture de ma palette et ajouter quelques coups en haut du lavage juste pour approfondir la couleur un peu plus. Avant de le laisser sécher, j'égalise soigneusement la peinture, en gardant à l'esprit l'humidité de mon pinceau et de mon papier. Ensuite, nous allons nous entraîner à créer un lavage panaché, qui est fondamentalement le mélange de deux couleurs ou plus. Pour garder les choses simples, je vais juste utiliser deux couleurs et les faire se rencontrer au milieu et se fondre pour créer la troisième couleur. Je vais utiliser la rose permanente et le jaune citron profond. Assurez-vous qu'ils sont activés et prêts à partir. Ici, mes mélanges sont assez pigmentés, mais avec assez d'eau pour faciliter l'écoulement. Avec ce premier exemple, je vais travailler humide sur humide donc comme d'habitude, je vais mouiller le papier bien et soigneusement. Ensuite, je vais commencer à peindre ma première couleur de haut en bas en utilisant des traits horizontaux à travers le papier. Je prends juste plus de peinture et l'ajoute du haut juste pour approfondir la couleur un peu plus. Je continuerai à ajouter plus de coups jusqu'à ce que je sois les deux tiers du chemin. Ensuite, je vais rincer ma brosse et prendre ma deuxième couleur. Je vais travailler de bas en haut vers la première couleur. Je vais continuer à peindre des traits horizontaux les deux tiers du chemin, comme je l'ai fait avec le premier. Maintenant, là où deux couleurs se chevauchent, je vais apaiser mon pinceau d'avant en arrière horizontalement juste pour aider les couleurs à se fondre un peu plus. Maintenant, je vais laisser sécher celui-là. Maintenant, dans ce deuxième exemple, je vais vous montrer comment mélanger deux couleurs et créer une couleur de transition comme nous l'avons fait dans le premier. Mais deux lavages de couleur séparés, l'un au-dessus de l'autre. Avec ma première couleur, je vais peindre un lavage gradué, humide et sec comme nous l'avons fait plus tôt, mais en réduisant progressivement le pigment dans mon pinceau, puis en l'ajustant à l'eau claire. Maintenant, je vais laisser cette couche sécher complètement avant le vitrage sur la deuxième couche de couleur. Une fois qu'il est complètement sec, je répète le même processus qu'avant, mais cette fois je regarde de bas en haut. Vous pouvez déjà voir ici où les deux couleurs se chevauchent. Vous obtenez la couleur de transition, qui est une belle teinte verte. C' est essentiellement l'une des façons dont vous pouvez utiliser la technique de vitrage et superposer différentes couleurs transparentes pour obtenir une couleur différente. Ce sont quelques façons de mélanger les couleurs et de créer un lavage panaché, mais vous pouvez également en créer des qui sont plus organiques et pas aussi uniformes et qui peuvent être dans toutes sortes de formes. Ouais, fais un jeu avec tomber dans différentes couleurs ou différentes nuances d'une manière plus irrégulière. Remarquez comment colorier la propagation et faire du papier. Vous pouvez chevaucher les couleurs qui sont des coups de pinceau ou juste qu'il se répand et se mélange sur leur propre. Expérimentez avec elle et amusez-vous. 12. Exercice 2 : Combinaison de techniques: Bon, maintenant regardons quelques façons de combiner la technique humide sur humide et humide sur la technique sèche. Ceci est particulièrement utile lorsque vous voulez plus de contrôle sur vos coups de pinceau, mais vous voulez aussi de jolis mélanges de couleurs douces. J' ai peint quelques formes qui sont maintenant séchées, et je veux y ajouter plus de couches pour lui donner plus de dimension et de forme. Commençons par cette forme ici. Je voulais assombrir la partie centrale ici juste pour lui donner l'illusion de l'espace et montrer qu'il est courbé. Je vais glaçer une autre couche de la même couleur, mais au lieu d'appliquer la peinture d'abord, je vais mouiller une zone plus grande que l'endroit où la peinture va couler. Je laisse juste tomber le pigment au centre où je veux qu'il soit plus sombre et puis je le laisse s'estomper dans le glaçage de l'eau pour obtenir des bords doux des deux côtés. Si la peinture est trop répandue, vous pouvez soit étendre le glaçage à l'eau, soit utiliser une brosse humide et soulever doucement et la plume ou balayer le pigment vers l'arrière. Alors que le lavage était encore un peu humide, je suis tombé dans un peu plus pigmenté et de la peinture pour approfondir la couleur. Très bien, cette suivante ici, je voulais mélanger deux couleurs à la partie inférieure de la feuille, donc je n'ai mouillé que cette partie de la forme avec de l'eau. Puis je suis tombé dans mes couleurs où je les veux, puis pour obtenir un joli bord propre à la pointe de la feuille, je tire simplement la peinture dans la zone sèche. D' accord, je vais en faire un autre ici, et encore une fois, je mouille seulement la partie inférieure de la forme où je veux que la peinture s'estompe. Cette fois, je peins la pointe d'abord humide sur sec et fusionner la peinture dans les zones humides afin qu'elle s'estompe progressivement, comme un lavage graduel. D' accord. J'espère qu'avec les exemples que j'ai présentés ici, vous aurez une idée plus précise de la façon dont vous pouvez adapter les techniques de base pour créer certains résultats et résultats. 13. Exercice 3 : Création de textures + effets: Dans cette leçon, je vais vous montrer quelques façons de créer des textures et des effets intéressants en étendant sur le processus humide sur humide. Il y a quelques méthodes et options à utiliser. Mais essentiellement, vous voulez travailler pendant la scène lorsque le papier est humide ou plus proche de cette étape. La première option que je vais utiliser est du sel. J' ai bien mouillé le papier et je l'ai laissé reposer un peu. Le sel absorbe l'humidité et j'ai un beau Xin brillant pour travailler avec. Ensuite, je viens de tomber dans de la peinture et de créer un simple lavage panaché. Le papier est encore assez humide, mais j'ai laissé tomber un peu de sel juste pour voir comment il réagirait à ce stade humide. Maintenant, vous pouvez voir que les gros morceaux de sel commencent à blanchir un peu la couleur. Mais parce que le papier est tellement saturé, il n'est pas aussi distinct que s'il était humide. Je vais laisser ça s'asseoir un peu plus. Maintenant, au papier a encore une brillance brillante à elle, mais je peux voir que la plupart de l'humidité s'est installée dans le papier et la texture du papier est beaucoup plus visible. Je suis allé de l'avant et j'ai perdu plus de sel. Maintenant, je vais le laisser sécher et travailler sur un autre lavage. La prochaine, je vais utiliser de l'alcool à frotter dans un flacon pulvérisateur, qui est en fait quelque chose que j'ai qui est utilisé comme nettoyant de surface. Semblable au sel, il repousse la peinture et la repousse pour révéler une couleur plus claire. C' est une autre option à expérimenter lors de la création de textures. Jouez avec la façon dont vous l'appliquez. Vous pouvez le vaporiser si vous avez quelque chose de similaire ou vous pouvez utiliser un compte-gouttes et le déposer dans le lavage ou même utiliser des conseils Q et débiter. J' ai laissé mon lavage s'asseoir quelques secondes, puis je suis allé de l' avant et j'ai pulvérisé une partie de cette solution dans le lavage. Comme vous pouvez le voir ici, les effets sont assez importants. Maintenant, je suis juste en train de jouer avec l'ajout d'une couleur plus foncée juste pour voir comment cela va se passer. Vous pouvez voir que ces dernières parties ont été complètement blanchies de l'humidité de sorte que la peinture ne coule pas dans ces zones. Mais certaines parties, vous pouvez voir les couleurs qui se plient encore. Ensuite, nous allons créer des fleurs d'aquarelle, également appelées arrière-plans, ou un effet de chou-fleur. Ils sont essentiellement une marque d'écoulement créée quand beaucoup d'humidité rencontre une zone de moins d'humidité. Lorsque vous ajoutez de la peinture très humide à un lavage déjà dessiné, la différence significative dans l'humidité va repousser les pigments qui ont déjà commencé à se déposer sur le papier, ce qui donne à ces textures imprévisibles. Maintenant, il y a certainement des moments où vous voulez éviter les fleurs, surtout si elles semblent hors de propos dans votre illustration. Mais d'autres fois, vous voulez vraiment les incorporer pour ajouter un intérêt visuel à votre peinture. Commençons à en créer. J' ai laissé la peinture s'asseoir un peu et s'installer sur le papier, mais j'en ai aussi laissé un peu en tirant dans les coins juste pour voir comment cela affectera le lavage. Comme je peins et aussi être conscient des niveaux d'humidité du papier. Comme vous pouvez le voir ici, certaines parties des lavages supérieurs ont une brillance terne, certaines parties encore brillantes, et les parties où l'alcool frottant pulvérisé sont complètement sèches. Ici, je suis tombé dans un peu d'eau avec une brosse très chargée pour créer des fleurs. Puis je continue à laisser tomber plus d'eau que la peinture s'était installée plus dans le papier. Ça devient un peu plus distinct. Ici, je suis tombé dans plus de peinture car le lavage était à un stade humide. Vous pouvez voir comment le flux de peinture a beaucoup ralenti et cela crée bords plus durs au lieu de se mélanger doucement avec le reste de la peinture, comme c'est le cas dans ce coin où le papier est encore humide. Expérimentez avec différents niveaux d'humidité du papier et humidité du pinceau et même votre méthode d'application de peinture ou d'eau sur le papier. Que vous le brossiez, déposez-le, vaporisez ou étendez-le pour voir les différents résultats que vous obtenez. S' il y a un processus que vous aimez vraiment, vous pouvez vous entraîner davantage et l'incorporer dans votre peinture. Une autre technique qui peut être utilisée pour créer certains effets dans les aquarelles est le levage. Lorsque vous levez, la brosse doit être plus sèche que le papier, mais pas complètement sèche. Pour enlever tout excès d'humidité de la brosse, il suffit de débiter sur une serviette en papier. Vous pouvez soulever une ou deux fois. Mais après cela, il est préférable de rincer votre pinceau et de recommencer afin de ne pas étaler la peinture dans la zone que vous venez de soulever. Vous pouvez également jouer avec la forme de votre pinceau et utiliser un trait plus large ou une pointe pointue. Selon la propriété du pigment, vous pouvez facilement soulever les pigments non soutenants qui ont déjà séché en utilisant une brosse DEM et frottant doucement la zone que vous souhaitez soulever, puis en utilisant un mouchoir ou une serviette en papier pour bloquer le pigment. N' oubliez pas que tout ce qui est absorbant peut être utilisé comme instrument de levage. Ici, je vais créer des nuages en utilisant un papier de soie gratté. Il y a tellement de possibilités à explorer. Je vous encourage à expérimenter et à combiner les différentes méthodes et techniques pour découvrir les effets que vous pouvez obtenir. 14. Exercice 4 : Mélange de couleurs: Très bien, donc dans cet exercice, nous allons en apprendre plus sur nos couleurs et savoir quels mélanges nous pouvons créer, surtout lorsque nous travaillons avec une palette limitée. Donc, au début, vous n'avez pas besoin d'obtenir une vaste gamme de couleurs, vous pouvez commencer avec quelques primaires de base et vous familiariser avec le mélange de couleurs, puis construire votre palette à partir de là avec les couleurs que vous trouvez que vous avez tendance à utiliser plus. Bon, donc nous allons créer une roue de couleur de base en utilisant les trois couleurs primaires. Maintenant, les couleurs primaires traditionnelles que nous avons grandi en apprenant sont le rouge, le jaune et le bleu. Mais comme vous le découvrirez lorsque vous mélangez ces couleurs dans n'importe quel support, elles ne produisent pas de mélanges aussi clairs et saturés que lorsqu'elles sont mélangées avec du magenta, du jaune et du cyan. Maintenant, c'est parce que chaque couleur primaire a un biais de couleur chaud et cool. Donc, afin de créer des mélanges vibrants, les deux couleurs primaires doivent être biaisées l'une vers l'autre, ce qui signifie qu'elles doivent tous deux vouloir mélanger la même couleur secondaire. Donc, pour créer un violet vibrant, par exemple, nous devons mélanger un bleu chaud et un rouge frais. Mais si vous mélangez un bleu chaud et un rouge chaud, qui est penché vers le jaune, cela créera une nuance pourpre moins saturée parce que le mélange aura essentiellement les trois couleurs primaires présentes et lorsque vous mélangez les trois primaires, il crée une couleur sourde sourde. Ce que vous trouverez alors que vous avez traité plus dans le mélange de couleurs, c'est qu'il y a un système de mélange de trois couleurs et un système de mélange de six couleurs qui est également connu sous le nom de système primaire split. Le système de mélange à trois couleurs utilise essentiellement le cyan, le magenta et le jaune comme primaires, tandis que le système à six couleurs se compose d'une version chaude et fraîche de chaque primaire. Maintenant, je vais obtenir plus de détails sur ce sujet dans ma prochaine classe, que nous allons explorer plus sur les couleurs, mais pour l'instant, pour garder les choses simples, nous allons nous en tenir à un système de mélange de trois couleurs et désigner le cyan, magenta, et jaune comme couleurs primaires. J' utiliserai mes peintures Winsor et Newton Professional pour cette démonstration et leurs trois couleurs primaires dans la gamme sont, Permanent Rose, Winsor Lemon et Winsor bleu rouge. Maintenant, cela diffère d'une marque à l'autre, sorte que vous pouvez rechercher des informations sur le site Web ou la brochure d'une marque pour voir leurs couleurs primaires désignées ou même des informations sur la température d'une couleur. Maintenant, n'hésitez pas à utiliser les rouges, bleus et jaunes que vous avez actuellement parce que cet exercice vise à explorer les couleurs que vous pouvez mélanger avec la palette que vous avez déjà de toute façon. Bon, alors commençons à mélanger quelques couleurs primaires. Maintenant, je vais créer un triangle simple et faire le mélange sur papier. Vous pouvez faire la même chose ou créer une roue de couleur traditionnelle parce que c'est essentiellement la même chose, mais je travaille juste un peu plus organiquement pour explorer le mélange sur papier et sur ma palette. Donc, je suis juste de rencontrer chaque couleur primaire à mi-chemin et de la mélanger doucement là où elle se rencontre pour créer cette couleur secondaire. Ensuite, je vais faire les mêmes mélanges mais sur ma palette, et peindre cela entre les deux couleurs primaires correspondantes. Maintenant, nous allons commencer à mélanger les couleurs tertiaires, et nous obtenons cela en mélangeant une couleur primaire et une couleur secondaire. Donc ici, j'ajoute un peu plus Permanent Rose au mélange orange pour obtenir une teinte rouge-orange et ensuite je mélange plus jaune dans le mélange orange pour obtenir une teinte jaune-orange. N' oubliez pas que vous pouvez l'analyser sur un morceau de papier pour vérifier le mélange si vous n'êtes pas sûr d'avoir les bons ratios de pigment. Ainsi, comme vous pouvez le voir ici, avec ces trois couleurs primaires qui sont essentiellement proches du cyan, du magenta et du jaune, elles produisent de jolis mélanges de couleurs éclatants. Maintenant, la prochaine chose que vous voulez faire est, si vous avez différentes nuances de rouges et de bleus, disons que si vous aviez un bleu chaud et frais et un rouge chaud et frais, vous pouvez aller de l'avant et expérimenter en mélangeant ceux autour pour voir le différentes nuances de violet qu'ils créent et vous pouvez faire la même chose en mélangeant vos légumes verts et les oranges. Donc ici, je suis juste d'utiliser mon sennelier à l'aquarelle et de mélanger le rouge [inaudible] et quinacridone avec le jaune-bleu et je suis aussi juste de regarder de minuscules barres des deux mélanges et de varier les teintes en y ajoutant plus de rouge ou plus de bleu. Je mélange aussi le Winsor et le Newton Permanent Rose avec le bleu jaune plus sennelier et, comme vous pouvez le voir, ces deux combinaisons ont produit un violet plus lumineux et plus éclatant. Maintenant, l'important n'est pas de trouver la nuance parfaite de violet, d'orange ou de vert. Il s'agit plutôt de savoir comment créer la nuance que vous voulez utiliser dans votre peinture et comme je l'ai déjà dit, cet exercice est destiné à vous aider à mieux connaître vos couleurs et à savoir quels mélanges vous pouvez produire avec la palette vous avez déjà, ainsi que de comprendre pourquoi certains mélanges ne produisent pas de résultats dynamiques. D' accord, maintenant, nous allons nous entraîner à créer des tons neutres sombres. Donc, comme nous l'avons appris plus tôt, mélanger les trois couleurs primaires ensemble crée des couleurs sourdes, moins saturées parce qu'elles se neutralisent mutuellement. Plus les mélanges sont pigmentés, plus ils deviennent sombres et plus proches du noir. Ainsi, vous pouvez créer différentes nuances de gris ou de brun en fonction de la proportion de chaque couleur primaire dans le mélange. Ceci est particulièrement utile lorsque vous voulez créer des tons foncés pour les ombres, créer des tons neutres comme des bruns ou même réduire l'intensité d'une couleur. C' est pourquoi les couleurs complémentaires, qui sont des couleurs situées sur le côté opposé de la roue de couleur, produisent des bruns neutres ou des gris lorsqu'elles sont mélangées, car elles auront essentiellement les trois couleurs primaires présentes dans la combinaison. Souvent, ces mélanges ternes sont appelés un mélange boueux. Donc, nous allons commencer à mélanger quelques de ces couleurs complémentaires juste pour jouer autour et voir les différents bruns ou gris que nous pouvons obtenir. Maintenant, l'orange et le bleu sont des couleurs complémentaires, mais cette orange que j'utilise était plus d'un jaune profond. Donc, il était en fait mélangeant une belle nuance verte parce que ce jaune est plus penché vers le côté plus frais, et donc il s'est bien mélangé avec le bleu. Donc, alors que les couleurs complémentaires créent une combinaison frappante côte à côte, lorsqu'elles sont mélangées ensemble, elles produisent une nuance plus terne rouge. Mais la façon de vraiment profiter de cette combinaison est d'ajouter seulement un peu de la couleur complémentaire de la couleur que vous voulez tonifier. Ainsi, par exemple, la couleur verte dans la nature n'est pas toute vibrante et brillante. Il est en fait composé de différentes nuances de vert et vous pouvez créer un joli vert naturel en ajoutant juste un peu de rouge ou de magenta au mélange. Ainsi, vous pouvez jouer avec les proportions de couleurs pour mélanger une variété de nuances foncées profondes. Très bien, donc j'espère que vous obtenez une compréhension de base des relations de couleur à travers ces exercices simples et l'utiliser pour vous aider à créer des mélanges que vous recherchez. 15. Exercice 5 : Rapports eau et pigments: Dans cet exercice, nous allons pratiquer un rapport pigment et eau pour créer différents niveaux de transparence dans une couleur, ainsi que pour créer une utilisation de transition variable entre deux couleurs. Le premier exercice que nous allons pratiquer est de créer une échelle de valeur. La valeur ici fait référence à la légèreté et à l'obscurité d'une couleur. Dans les aquarelles, nous éclaircissons notre couleur en ajoutant plus d'eau au lieu d'ajouter du blanc. J' ai des morceaux de papier prêts pour que je puisse découper les couleurs avant de les déposer sur mon papier. Je vais utiliser le gris de Payne pour cet exercice parce que c'est une couleur très profonde et vous pouvez obtenir un plus large éventail de valeurs avec elle. D'accord. Je vais commencer par la valeur la plus légère de la couleur. Je crée une flaque de peinture très aqueuse ici. Il y a juste un petit peu de pigment ici avec beaucoup d'eau. Je m'assure que chaque bloc est une augmentation progressive de la valeur. Le rapport entre la quantité de pigment et l'eau finira par augmenter jusqu'à ce que, à sa pleine force, le bloc soit très pigmenté avec seulement un peu d'eau dans le mélange. Maintenant, vous pouvez voir comment utiliser une couleur, vous pouvez toujours obtenir différents niveaux de valeur de couleur, ce qui est très utile pour créer un contraste dans votre peinture. Ici, je commence par la valeur la plus sombre. Au lieu d'ajouter plus de pigment, j'ajoute plus d'eau pour diluer progressivement le mélange. Jouez avec la création d'une échelle de lumière à sombre ou sombre à lumière afin que vous ayez une meilleure idée du contrôle de l'eau et avoir une idée de la quantité d'eau ou de pigment vous avez besoin pour obtenir une certaine valeur de couleur. D' accord. Ensuite, nous allons créer utilisation de transition pour pratiquer un rapport pigment à pigment. Ce sont les différentes nuances de couleurs qui sont produites entre un mélange de deux couleurs. Essentiellement de faire le pont entre les deux. Vous pouvez mélanger deux couleurs sur la roue de couleur, y compris les compléments, mais pour cet exemple, je mélange des couleurs proches les unes des autres sur la roue. Je crée essentiellement un schéma de couleurs analogue. D'accord. Je vais commencer par une couleur pure de rose permanente. Ensuite, je prends un peu de ma deuxième couleur, qui est le jaune de Windsor profond et je l'ajoute au mélange permanent de rose. Le troisième bloc va être à peu près un mélange égal des deux couleurs. n'y a pas de méthode exacte pour quantifier le rapport. C' est vraiment une pratique de jauger combien de pigment un mélange doit avoir pour obtenir une nuance de couleur désirée. C' est pourquoi la création d'une échelle comme celle-ci aide au moins à représenter visuellement le changement progressif de couleur. Dans ce quatrième bloc, il y a plus de jaune dans le mélange que de rose. Le dernier bloc est une couleur pure du jaune. Maintenant, vous pouvez prendre cela d'un cran et créer une échelle de valeur également pour chaque nuance de couleur. Vous pouvez voir comment en utilisant seulement deux couleurs, vous pouvez créer une gamme de vues et de valeurs qui sont importantes pour créer une harmonie des couleurs, ainsi que pour créer plus de profondeur et de contraste dans une peinture. Jouez avec différentes couleurs et vous pouvez également changer de couleur librement sans créer de tableau d'échelle et juste avoir du plaisir à explorer. 16. Exercice 6 : Superposition de couches: Nous avons appris à glacer dans l'exercice des techniques de base en superposant un autre lavage de couleur sur une autre couche de couleur séchée. Dans cette leçon, je vais vous montrer quelques autres façons de pratiquer le vitrage pour comprendre comment fonctionne la superposition. Puisque nous construisons des couches, nous allons travailler de la lumière à l'obscurité. Donc, je vais utiliser deux couleurs comme nous l'avons fait dans la leçon précédente, et obtenir cette gamme de couleurs de transition. Mais je vais travailler principalement avec ces gammes de valeurs plus légères et moyennes. C' est parce que nous voulons conserver la translucidité de la couleur puisque nous les chevaucherons l'un sur l'autre. Donc, pour la première couche de cycles, je les peins sur tout le papier et en variant leurs tailles et leurs mélanges de couleurs. Je travaille de gauche à droite puisque je suis droitier et je ne veux pas accidentellement tacher toute peinture humide avec ma main. Je m'assure également de laisser suffisamment d'espace négatif entre chaque cycle. Comme je pose différents mélanges de couleurs, je pense aussi à chaque placement et je m'assure qu'ils équilibrent la pièce entière. Donc j'essaie de m'assurer que je n'ai pas une nuance de couleur assis lourdement sur un côté, ou dans une ligne très verticale qui peut être un peu distrayant pour les yeux. Une fois que la première couche de cycles est complètement sèche, je vais répéter le processus avec une deuxième couche de cercles qui chevauchent la première. Avec ces derniers cercles, j'ai joué avec la combinaison des différentes teintes dans la même forme. C' est tout pour la première pièce. Dans ce prochain, nous allons créer une jolie lettre de traité décorative. Je vais travailler dans cette valeur plus claire de la couleur, puis vitrer plusieurs lavages de cette couleur dans les zones que je veux qu'elle soit plus foncée. Cette valeur de contraste et de couleur est ce qui donne à la forme plus de forme et de dimension. J' applique le premier lavage de couleur sur toute la forme, puis je laisse sécher complètement. Ensuite, je vais dans le même mélange légèrement aqueux, et peindre les côtés que je veux être plus sombre. Donc ici, je suis en train de tamponner une partie de l'humidité de ma brosse pour l'amener à un point plus fin afin que je puisse travailler avec plus de précision sur les bords de la forme. Ensuite, je répète le processus pour la troisième couche, et je ne peins que les côtés que je veux assombrir. De ce côté de la lettre, au lieu d'un lavage plat, je suis en train de la décoloration et de charger plus de pigment au pot supérieur juste étranger peu plus de contraste. Maintenant encore une fois, une fois que tout est séché, je vais glacer quelques détails amusants en utilisant différentes nuances de bleus et de violets que j'ai sur ma palette. C' est complètement facultatif mais j'ai ajouté de l'encre blanche et de l'encre bronze irisée, tout comme un petit quelque chose de plus. Expérimentez avec ce que vous avez et jouez avec différentes couleurs, techniques et méthodes combinées, et voyez simplement ce que vous pouvez trouver. 17. Exercice 7 : Les coups de pinceau: Très bien, dans les exercices suivants, nous allons nous entraîner à utiliser notre pinceau et explorer les différents coups de pinceau et marques que nous pouvons créer avec elle. Dans cet exemple, j'utilise un pinceau rond. Selon la façon dont il est maintenu et la direction dans laquelle vous le déplacez, vous pouvez créer une large gamme de repères. Ainsi, lorsque vous touchez votre pinceau à un angle, vous pouvez utiliser la pointe même du pinceau pour peindre des lignes minces. Vous pouvez garder votre mouvement stable en plaçant votre doigt sur le papier pour empêcher les poils de bouger de haut en bas. Gardez votre brosse perpendiculairement au papier, et tout en gardant votre poignet fixe, essayez de déplacer votre bras de l'épaule pendant que vous peignez un trait mince. Pour créer des coups plus larges, appuyez sur le ventre de la brosse avec un peu de pression. Essayez de faire varier la largeur de vos coups en appuyant vers le bas, soulevant et en appuyant à nouveau. Vous pouvez utiliser vos papiers de pratique ou même le dos d' une vieille peinture pour cet exercice et essayer de remplir la page avec des lignes fines et entraîner à les peindre près les uns des autres sans toucher. C' est un excellent exercice pour vous permettre d'obtenir plus de contrôle et de confiance de vos coups de pinceau et de développer la mémoire musculaire pour des lignes nettes et confiantes. D' accord, ensuite, vous pouvez essayer de créer des motifs avec vos coups de pinceau en faisant varier la taille et la longueur des lignes. Vous pouvez également pratiquer des traits de lettrage de base pour obtenir une meilleure sensation pour votre pinceau, ou peindre des contours amusants de formes et le remplir avec différentes largeurs de lignes peintes de près. Très bien, donc une autre bonne façon de pratiquer la précision des coups de pinceau est de peindre l'espace négatif ou autour de l'espace positif, qui est autour de votre sujet ou objet. Donc, dans cet exemple, l'espace négatif est l'espace autour des lettres. Vous pouvez utiliser un petit pinceau pour contourner les zones plus serrées comme lorsque vous peignez autour des lettres, et une grande ruée pour des traits plus larges pour remplir le reste de l'arrière-plan. Dans le deuxième exemple, j'ai combiné la technique humide et sec et humide sur humide en mouillant des parties de la peinture avec de l'eau afin que les bords restent doux et diffuse, tandis que je peins autour des lettres à la fois humide et sec et humide sur humide. Ensuite, vous pouvez également explorer les techniques de brossage à sec en tamponnant la majeure partie de l'humidité de votre brosse, puis en peignant avec assez de pigment et de peinture. Donc, ici, j'aplatit doucement le corps de la brosse en appuyant sur une serviette en papier, puis en utilisant mes doigts pour étaler les poils comme un plaisir. Ensuite, je prends de la peinture concentrée et crée des balayages doux à travers le papier. Comme vous pouvez le voir ici, les coups de pinceau sont un autre excellent moyen de créer des textures et des motifs mouillés à sec. Très bien, alors n'hésitez pas à pratiquer également avec différents pinceaux que vous avez et continuer à expérimenter avec une gamme de coups. 18. Projet de cours + démonstration de peinture: Pour votre projet de classe, vous pouvez télécharger tout ou partie des exercices de classe, ou vous pouvez combiner les techniques que vous avez apprises et créer un signet ou une carte d'inspiration comme projet final. Ce que vous choisissez de peindre est entièrement à vous de décider. Vous pouvez être vraiment créatif ici, ou vous pouvez choisir quelque chose d'aussi simple que les formes et les techniques d'exportation et le mélange de couleurs. Tu peux y arriver comme tu veux. J' ai créé deux exemples juste pour vous donner une idée de la façon dont je combine ce que nous avons appris jusqu'à présent dans cette classe. Cette première, j'ai choisi un mot que je voulais incorporer dans ma carte d'inspiration, et j'ai enregistré les coins de mon papier pour obtenir un beau cadre blanc comme sur une carte postale. J' ai décidé d'aller pour un fond de lavage gradué en utilisant deux couleurs, mais j'ai évanoui les bords des deux extrémités parce que je veux garder plus de papier blanc dans la section centrale du papier, qui est où je vais peindre dans ma parole. Ici, je mélange juste un mélange légèrement plus pigmenté de rose et de bleu pour obtenir une belle nuance pourpre que je vais utiliser pour mon lettrage. Maintenant que l'arrière-plan est complètement sec, je vais peindre les lettres à main libre. Mais j'ai noté très légèrement sur le papier où la première, milieu et la dernière lettre irait juste pour me donner un guide. Maintenant, vous pouvez dessiner un guide de crayon très léger du mot et même pratiquer le dessin et le peindre sur une feuille de papier d'entraînement. Ou bien, vous pouvez également peindre l'espace négatif autour des lettres. Je peins assez rapidement parce que je veux que les lettres se saignent les unes dans les autres. Alors que chaque lettre est encore humide, je charge avec un pigment plus sombre et je le laisse tomber au hasard autour de l'ombre. Je joue aussi avec des teintes variées sur chaque lettre juste pour créer un peu d'intérêt. En même temps, je laisse tomber plus de pigment pour approfondir la couleur un peu plus. Pendant que je laisse sécher ça, je peins quelques lignes décoratives autour du mot, jouant avec différents niveaux de transparence et de variation de teinte. J' utilise toujours les deux mêmes couleurs que j'ai fait avec l'arrière-plan, mais en ajoutant soit plus rose ou bleu au mélange pour obtenir les différentes nuances de violet. Je suis aussi tomber dans un mélange de couleurs, donc ils créent un beau mélange humide sur humide. Ici, je me suis assuré que les couches précédentes ont séché avant de vitrer plus de lignes. Très bien, pour finir la peinture, j'ai décidé d'ajouter une éclaboussure en utilisant un mélange plus pigmenté de la peinture. J' ai donc chargé mon pinceau rond avec des pigments en violet et tapé sur un deuxième pinceau sur le papier, puis répété la même chose avec une autre couleur. Une fois que tout a été séché, j'ai décidé d'ajouter quelques détails finaux en utilisant de l'encre dorée. Maintenant, pour mon deuxième exemple, j'ai créé deux signets. Un, une petite peinture de galaxie, et l'autre j'ai créé un motif de formes de triangle. Pour la peinture de galaxie, je vais créer un lavage panaché de violets profonds et de bleus, et je vais mélanger ces couleurs dans humide sur humide. Je continue de tomber dans la peinture plus pigmentée pour approfondir la couleur parce que aquarelles ont tendance à sécher un peu plus léger que ce qu'il semble être quand il est mouillé. J' ai aussi chuté dans du sel pour obtenir quelques belles textures qui se passent, puis j'ai ajouté quelques gouttes de peinture pigmentée gris juste pour ajouter des coups de poing de couleur plus profonde. J' ai laissé la peinture s'installer un peu plus avant de tomber dans une lumière turquoise cobalt pigmentée. À ce stade, vous pouvez voir comment le flux de peinture est un peu plus distinct. Maintenant, je vais le laisser sécher et commencer à travailler sur la deuxième peinture. Avec ce signet, je vais utiliser les deux couleurs glace regardé dans la leçon précédente parce que j'aime beaucoup le combo de couleurs et la gamme de couleurs de transition. Je suis juste en train de peindre dans différentes tailles de triangles et les ajuster étroitement l'un à côté de l'autre avec un léger écart, et je suis juste en train de jouer avec les différentes nuances de vert turquoise et vert jaune. Pour finir cette pièce, j'ai émaillé quelques détails de ligne dans les triangles juste pour créer plus d'intérêt visuel. Maintenant, pour finir notre peinture de galaxie, j'ai éclaboussé un peu de blanc pour créer les étoiles et j'en ai aussi peint avec mon petit pinceau. J' ai ajouté un peu irisé dans les détails aussi, et là vous l'avez. Deux petits signets prêts à l'emploi. D'accord. Espérons que les exemples que je vous ai montrés vous donnent quelques idées sur ce que vous pouvez créer. J' ai hâte de voir vos projets, alors assurez-vous de les télécharger dans la galerie de projets. Si vous avez des questions, incluez-les dans votre projet et je serai sûr de vous aider là où je peux.