Transcripciones
1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi
nombre es Will Elliston Y hoy,
vamos a estar pintando una hermosa
composición floral botánica en acuarela. Esta clase es perfecta para
principiantes o cualquier persona que quiera volver a
los fundamentos una
manera tranquila y creativa flores botánicas son
un tema maravilloso para explorar porque
nos permiten enfocarnos en mezclas suaves, formas
suaves y técnicas simples
pero efectivas que construyen una base sólida
para la pintura en acuarela Exploraremos cómo
pintar tallos fluidos, pétalos
delicados y hojas
llenas de variación de color, todo con un toque ligero y
expresivo. He sido un
artista profesional durante muchos años, explorando muchos
temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes de ciudad
y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando
empecé, no tenía idea dónde empezar o
cómo mejorar. No sabía qué
suministros necesitaba, cómo crear los
efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones
mundiales, aparecido en revistas
y he
tenido la suerte de
ganar premios de organizaciones
muy respetadas
como la Sociedad Internacional de
Acuarela,
la Alianza de Maestros de
Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora
para quienes empiezan, razón por la
cual mi objetivo
es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio
de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando
a través de una pintura completa, demostrando una variedad
de técnicas y explicando cómo uso todos
mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás
seguir a tu propio ritmo y mejorar
tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante
o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de
habilidad. Me gusta comenzar con un
enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas
emocionantes
para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y
hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas
complejos en formas más fáciles que
fomenten la alegría A lo largo de esta clase,
estaré compartiendo
muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir
los errores en oportunidades, quitando el estrés de la
pintura para divertirte. También te proporcionaré
mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta
invaluable a la hora de elegir
y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de
discusión abajo. Me aseguraré de leer y
responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón
Seguir en la parte superior Esto significa que serás el
primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos También puedes seguirme en
Instagram en Will Elliston
para ver mis últimos trabajos Esta clase está diseñada para que el proceso sea fácil y agradable, así que comencemos.
2. Tu proyecto: Gracias por acompañarme hoy. Estoy muy feliz de estar
pintando esto contigo. Crearemos una hermosa pintura
botánica, con flores suaves y elegantes tallos
y hojas suavemente curvadas Este proyecto es
la oportunidad perfecta para practicar
los fundamentos de la acuarela, incluida la mezcla húmeda sobre húmeda
para transiciones suaves de pétalos, colocación y acristalamiento para construir una profundidad
suave y hojas y flores y pinceladas controladas para pintar tallos La mejor parte es que
no hay presión para ser perfecto. Simplemente disfruta del flujo meditativo de pintar la naturaleza en
su forma más agraciada En la sección de recursos, he agregado una imagen
de alta
resolución de mi pintura terminada
para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a
seguir mi pintura exactamente o experimentar con
tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto
de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas
que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el
boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para
aprender a pintar. Es importante
tener el underdrawing correcto para que
puedas relajarte y
divertirte aprendiendo el propio medio
acuarela Cualquiera que sea la dirección
que tomes esta clase, sería genial
ver tus resultados y las pinturas que
creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis
alumnos, así que por favor tome una foto
después y compártala en la galería de proyectos estudiantiles la
pestaña de proyectos
y recursos. Siempre me intriga
ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre
tu proceso y lo que aprendiste en el camino o
si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente
que mires el trabajo del
otro en la galería de proyectos
estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los
demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus
compañeros de Así que no olvides dar me gusta y
comentar el trabajo del otro.
3. Materiales y suministros: Antes de comenzar
con la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que
necesitará para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar
enormemente el
resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para
esta clase y más allá. Son muy útiles para
tenerlas a tu disposición y te
facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias
pinturas. Y como la mayoría de los materiales
que usaremos hoy en día, tiene mucho
que ver
con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que
lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre
amarillo, siena
quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul
Opramarne, azul cobalto, azul
serlean, lavanda, morado, viridian, negro serlean Y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco
para pequeños reflejos No uso ninguna marca
en particular, estos colores los puedes
obtener de cualquier marca, aunque personalmente
uso las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton
o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es
un cepillo redondo sintético como
este cepillo Escoda Pull
o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque
no solo los puedes usar para trabajos detallados
con su punta fina, sino que como pueden contener
mucha agua, también
son buenos para
lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes
en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas
amplias, rellenando áreas grandes y creando
transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se
puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa
que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético
tamaño cero. Todas las marcas las tienen,
y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas
y una punta muy puntiagudos. Son perfectos
para agregar textura o crear
líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes
avisarlos así para lograr
texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los
pinceles. Sobre papel. La mejor calidad
de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se cuinkle fácilmente
y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos
atractivos y aplicar técnicas útiles
como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel base de algodón, no solo te permite reelaborar
errores varias veces, sino que debido a que el pigmento
reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de
errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear
mejores pinturas Yo uso papel arqueros porque eso es lo que hay disponible
en mi tienda de arte local Un spray de agua es
absolutamente esencial. Al usar esto, te
da más tiempo para pintar las áreas que
deseas antes de que se seque. También te permite
reactivar la pintura si quieres agregar una
línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo
para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura
antes de
mojarla en el agua hará que el
agua dure mucho más Siempre es útil
tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar
el exceso de pintura. Además, nunca
se sabe cuándo puede ocurrir una salpicadura
o goteo no deseados que
necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas de agua
para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es
importante que tengan una consistencia
similar a lo
que son en los tubos. De esta manera, es más fácil
recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil
para acelerar el tiempo de secado y controlar la
humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice
mientras pinta. Además, si planeas
pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde
muy nítido y limpio. Y eso es todo
lo que necesitas para pintar. Te animo a
experimentar con diferentes colores y explorar diferentes suministros que
quizás quieras usar. Ahora sigamos adelante y
comencemos la pintura.
4. Consejos para el boceto: Entonces con el boceto, sólo
vamos a
empezar poniendo círculos donde queremos que estén
nuestras cabezas de flores. Voy a hacer tres principales. Y luego después de que hayamos hecho estos círculos usando
un lápiz de plomo suave, los
vamos a conectar aproximadamente con estos tallos. Y entonces solo podemos trabajar a nuestra
manera y construir sobre eso. Entonces podemos pintar el interior, definir los pétalos,
convirtiendo gradualmente formas más grandes en formas
más detalladas. Y luego podemos pasar
a un lápiz más fino por un poco más de precisión
una vez que estemos contentos con la gist general
de la composición, y puedes hacerlo sin
siquiera mirar una referencia Es muy orgánico y
sólo lo estamos jugando de oído. Lo estamos inventando a
medida que avanzamos. Y está bastante bien
equilibrado porque tenemos tres flores, y luego vamos a usar el equilibrio
asimétrico para agregar hojas, cogollos y hacer que se sienta
como si estuviera enraizado, está
bien equilibrado, pero de
manera asimétrica Puedes poner estas hojas
donde sea, de verdad. Trato de mantener el número impar
porque por alguna razón, los números
impares son visualmente más interesantes que los números pares. Esa flor principal de la
izquierda está abierta y frente a nosotros. El de arriba está ligeramente orientado hacia arriba y el de la
derecha está orientado hacia la derecha. Ahora, agregando unos
tallos laterales con hojas. Y cuantas más hojas
quieras pintar,
más tiempo
tardará en pintar, y cuanto menos quieras poner, más rápido será la pintura.
5. Mezclar los colores: Así que comencemos mezclando nuestros colores primero porque no
queremos empezar a lavar y luego tenerlo seco en el papel antes que
tengamos nuestro
segundo color listo. Estoy usando este rosa ópera, que es un color encantador, un color vibrante
encantador. Y de hecho lo puse en
mi sartén carmesí de lazarina porque no necesito
usar demasiado No necesito sacrificar un área entera en mi paleta
solo por ese color. Así que solo aprieto un
poco en su color más cercano, que es un carmesí de lazarina Y en realidad,
no me importa tener mi lazarina carmesí un
poco más Entonces chorreé eso ahí dentro. Y luego después de mezclar ese rosa, voy a poner un poco de azul
cobalto y azul serlean Y cuando agrego ese
rosa ahí, hace un precioso morado. Entonces esos son los colores que
básicamente voy a
tener como base. Tengo morado, rosa y azul. Y están en armonía porque el rosa es su
propio color original, el azul es su propio color
original, y el morado en el medio se compone entre esos dos. Así que todos están en una
hermosa armonía juntos. Y a la hora de
pintar estas flores, casi lo vamos
a hacer al azar. Vamos a
tomar un pétalo rosa,
un pétalo azul, un pétalo morado, y justo lo que
nos parezca bien, vamos a agregar un poco
de rosa donde queramos, un poco de azul donde queramos. Entonces todo depende de ti,
y puedes, por supuesto, seguirme si necesitas la guía
o quieres la orientación. Pero
te animo a que experimentes con qué colores
quieres usar y dónde ponerlos porque tu voz
única brillará a través, y todo es muy emocionante
para que todos lo vean. Bien.
6. Los 2 primeros pétalos: Entonces estoy empezando por humedecer previamente
el área que quiero cubrir porque vamos a permitir que el pigmento fluya hacia
todas esas pequeñas áreas, y al
humedecerlo previamente
para empezar, creamos un límite de hasta dónde queremos que llegue
el pigmento. Y si ya teníamos pigmento en nuestra brocha cuando hicimos esto, si cometimos algún error,
sería difícil volver atrás. Y otra razón por tener
este papel ya pre mojado, simplemente
crea
este flujo natural que se ve
estéticamente agradable No sólo es más fácil, sino que se ve mejor, también. Especialmente porque estamos
construyendo a partir de pigmentos de luz. Si estamos usando un pigmento
muy pesado, probablemente no
me molestaría en volver a mojar o humedecer previamente el papel
e ir directo a él. Entonces empecé con rosa
en la parte superior del pétalo, y en la parte inferior, es
azul, azul serlean Y como dije antes, cuando estábamos mezclando nuestros colores, esos dos colores juntos
hacen un precioso morado. Entonces cuando arremolino mi cepillo
por ahí en el medio, van a armonizar No necesariamente se ve morado porque es una mezcla
bastante débil. Pero puedes ver ahora
tengo algo de
mi morado de mi
paleta y solo agregando unos trazos
alrededor del exterior,
el contorno del pétalo, y luego se desvanece hacia el
centro ya que está mojado y mojado Yendo un poco más fuerte
con el rosa ahora, y un poco de azul, azul serlem T una manera muy relajante de
pintar, de verdad, porque sobre todo con
esta pintura botánica, no
tenemos que pintar
todo de una vez. Podemos descomponerlo
un pétalo a la vez, una hoja a la vez,
un tallo a la vez. Y lo que une a esta composición son los
colores los colores. Así que no necesitan
ser pintadas todas
al mismo tiempo para que se unifiquen
y se vean encantadoras juntas Todo va
a estar conectado. Todo va a estar unificado, pero todavía podemos
tomarnos nuestro tiempo y pintar una pieza a la
vez, así que no hay estrés. Puedes tomarte tu tiempo, tomarte un respiro
si estás ansioso o eres nuevo en la acuarela.
No hay presión. Pasando al segundo pétalo, empiezo con
una base de color púrpura. Y verás en esta pintura cómo casi cada pétalo
pinto de una manera diferente. No es como si lo estuviera
haciendo a propósito. Es solo que hay tantas
maneras de hacerlo. Entonces no creo que ni siquiera
pre moje ese pétalo. Simplemente entré directo a ello. Y ahora estoy agregando
algunos trazos verticales en dirección al pétalo. Y como está mojado y mojado, estos van a difuminar estoy usando este cepillo mediano
a pequeño. No tiene sentido darte un
número del pincel porque cada marca diferente tiene un número diferente
dependiendo de su rango de tamaños. Pero es un cepillo sintético
redondo. Y voy a usar este mismo pincel para
todo en esta pintura. Es el único cepillo
que voy a usar. Porque no es un cepillo diminuto, así podemos usarlo
para áreas más grandes. Estos pétalos son las
formas más grandes que vamos a pintar. Entonces, siempre y cuando sea
lo suficientemente grande como para cubrir esta
área, está bien. Y no es tan
pequeño como para seguir teniendo que recoger más líquido. Es lo suficientemente grande como para
contener suficiente líquido. Y todavía tiene ese punto. Estos pinceles tienen
preciosos puntos finos para los detalles
que pintaremos más adelante.
7. Colores complementarios: En ese segundo pétalo que acabamos de pintar, se
puede ver en la parte superior, es un poco más oscuro
donde está ese morado, y eso no fue
necesariamente intencional, pero hay mucho espacio para accidentes felices
con esta pintura porque cuando miramos esa forma donde
tal vez hay manchas de color no deseadas, no necesariamente
se ve incorrecta porque
pétalos y flores, todos
tienen pequeñas arrugas
y la luz los golpea y tienen sombras
en diferentes áreas Así que en realidad le da
un aspecto orgánico. Puedes salirte con la suya con
muchos errores con esta pintura. Me doy cuenta de que ese segundo
pétalo realmente no
tenía ningún rosa en
morado y azul. Y esta tercera es
es un azul con
una influencia púrpura
en él y en realidad mete un poco de ese verde
en ahora, ese color turquesa Estoy tratando de no
abrumar a cada pétalo. Entonces con cada pétalo, solo
me estoy pegando realmente a dos o tres como máximo colores. Así que rosa y azul para el
primero, azul y morado. Y luego, sí. Con este, es una especie de rosa púrpura. La razón por la que no estoy mojando
previamente este pétalo es porque
quiero que
esta punta, esta parte izquierda del
pétalo esté un poco más oscura, y quiero que haya
un borde un poco más duro. Entonces pinto esa zona, y luego la froto rápidamente
con este pincel y
luego saco ese
lavado a medida que se desvanece, y del otro lado de la misma, podemos empezar a mezclarnos en
ese color azul verdoso La mayoría de los colores
trabajarán en armonía juntos, y no es
necesario que te preocupe
que se mezclen entre sí. Pero hay un par de
excepciones de las que quizás
tengas que desconfiar, y eso es verde y rojo o
incluso rosa y turquesa, lo que estoy haciendo en
este pétalo aquí, porque esos son colores
complementarios uno
frente al otro
en la rueda de colores Entonces, si mezclas
demasiados de esos juntos,
va a hacer gris. Está bien cuando es agradable y
ligero así y hay una fina división entre
el rosa y el verde. Pero si se superponen y se mezclan, se verá ligeramente gris, lo que podría estar bien. De hecho, no va
a ser un gris aburrido porque está compuesto por pigmentos
de colores
en lugar de negros. Pero si quieres vitalidad, es posible que quieras evitar mezclar colores complementarios
o superponerlos. Y luego más adelante, tal vez
queramos incorporar algo de naranja porque hay mucho azul pasando, y si has visto
mis otras clases, sabes lo mucho que me gusta
usar el azul y el naranja juntos porque creo que ese es el par de colores
más fuertes. Son
colores complementarios que
realmente hacen que el uno al otro
se vea bien juntos. Pero si se mezclan, ellos también van a hacer grises. No creo que vaya a
usar el amarillo en esta pintura, pero el amarillo y el morado
son otro par de colores
complementarios que al mezclarse, pueden parecer embarrados Estoy usando morado, mucho
en esta clase, pero no necesariamente amarillo. A,
8. Uso de una rueda de color: Siempre es una buena idea
tener una rueda de colores, ya sea
impresa o en tu teléfono. Es útil tener
como referencia porque entonces puedes ver lo que hay en el lado opuesto de
la rueda de colores cuando estás usando un color para ver
lo que es complementario es. Y puedes usar eso
a tu favor para
hacer que cada uno de esos colores destaquen porque son
complementarios. Se ven encantadoras juntas. Pero también, es útil porque sabes que si
los mezclas juntos, se verán fangosos y
grises y que debes usarlos con precaución
al aplicarlos juntos. Por lo que tener una rueda de colores es
una referencia útil para tener. Y después de un rato,
tendrás una especie de recuerdo
de lo que es contrario. Sabrás que el amarillo
y el morado son opuestos, rojo y el verde son opuestos
azul y naranja, etcétera El rosa, por supuesto, está
en la familia roja. Así que he tenido mucho cuidado aquí usando mi rosa
y verdes juntos. Ahora mismo, tengo mucho
cuidado de no
superponer ese verde con el
rosa que está justo al lado. Pero tenerlos tan
juntos así realmente
los hace
pop y se ven bien. Y en cuanto a mezcla de
colores hasta el momento, aparte de este verde turquesa y el rosa que estamos usando, todo somos colores
inoguos. Y eso solo significa que, en
lugar de uno frente al otro
en la rueda de colores, están adyacentes entre
sí o uno al lado del otro. Entonces comparten la tonalidad,
su tonalidad vecina. Entonces armonizan juntos. Y se ve visualmente cohesivo porque están casi
en la misma familia, el próximo vecino
, por así decirlo Y eso lo hace
bastante cómodo para alguien que lucha por elegir colores
y mezclar colores porque tienen este
efecto armonizante natural para ellos, y no tienes que
preocuparte de que se pongan fangosos lo general, lo que
es un buen plan a la hora de averiguar una combinación de colores es
elegir tu color principal, tu color favorito que
deseas para una pintura, y luego usar los colores
vecinos que están directamente al lado de
él en la rueda de colores Y luego en ciertas áreas, use pequeñas chispas
del color complementario que es opuesto en la rueda de colores. De esa manera, no sólo está bien armonizada la
pintura, sino que se tiene ese elemento
extra de interés desde el color
complementario Por eso creo que pintar
estas flores botánicas es un ejercicio
tan bueno porque nos permite explorar el color
a
un ritmo cómodo, y no necesitamos ser tan
dependientes de ninguna referencia Podemos ser un poco más imaginativos y hay menos margen de error Además, son formas muy
orgánicas y abiertas. Por lo que solo necesitas unas pocas referencias
simples. Simplemente puedes escribir flores en las imágenes de
Google y simplemente
dibujar un boceto simple. Estas flores no son
bonitas en absoluto. No son simétricas,
pero hay algún tipo de belleza en su
imperfección y aleatoriedad Y esa aleatoriedad en realidad se
suma a la intriga con una pintura como esta
si todas fueran muy estructuradas y basadas en la precisión, y matemáticamente los
dividí en
cinco pétalos y los hiciera
todos proporciones pares,
entonces me cinco pétalos y los hiciera
todos proporciones pares, quitaría mucha de A
9. La segunda flor: Como pueden ver ahora, estoy
agregando nuevas capas. Entonces hicimos una capa base con las bonitas
transiciones de colores. Lo dejé secar, y
ahora voy por encima de eso para impulsar
los valores tonales Y luego sumando algunas líneas, unas pinceladas direccionales que vienen del centro
del pétalo hacia el exterior, solo para darle esa
sensación que jalan
hacia el centro Y nuevamente, ese rosa
contrastado con el verde turquesa
realmente lo hace pop Quieres usar tus colores
complementarios donde esté el mayor contraste. Entonces no quería que hubiera una transición suave
donde
esté ese verde y rosa. Porque si van
a tener una transición, significa
que va
a haber mezcla involucrada, y no se pueden mezclar
colores complementarios en este contexto porque se cancelarán entre sí y
se verán grises o fangosos, como dije antes Con esta siguiente flor, voy a pintar,
voy a hacer un esquema de
color diferente. Pero se aplican los mismos principios. Voy a elegir un
color base y trabajar en torno a eso. En realidad voy a usar
esta siena quemada marrón,
que veo la siena marrón o quemada
como una naranja, en realidad, porque es una naranja
ligeramente apagada Y entonces puedo usar el ojo de mi
mente o mi memoria para pensar en lo que está
al lado de naranja o marrón
en la rueda de colores. Bueno, va a ser rojo, así que puedo mezclar un poco de
ese rosa ahí porque el rosa está en el
lado rojo de la rueda de colores. Siempre haciendo el centro
de estos pétalos un poco más claro y un poco más oscuro
hacia el exterior. Ahora podemos agregar un poco más de rojo. Mezclando un poco de ocre
amarillo, en realidad. Dije antes que no
iba a usar el amarillo. Pero técnicamente, el ocre amarillo es casi como un marrón.
No es un amarillo puro. Y aún así,
lo estoy mezclando con este marrón y rojo, así que no es un amarillo puro. Muy sutil, de hecho. Pasando al siguiente pétalo, que va a ser morado. Creo que el morado es realidad el color principal
en esta pintura, lo que en última instancia
unirá todo. Eso no significa que el
morado tenga que estar en todas partes, pero voy a usar el
morado como pequeño motivo. A lo mejor voy a agregarlo en algunas
de las hojas más tarde, el tallo del otro lado, solo para tenerlo bien equilibrado a
lo largo de la composición. Y esto es con lo que puedes
jugar, también. A lo mejor quieres que
el morado sea tu color principal. Entonces cuando se trata de
que pintes esto, puedes intercambiar donde
he ped morado con azul o tal vez quieras rosa
o tal vez quieras verde. Tengo morado en mi paleta, pero eso es solo un
atajo para mí. Puedo mezclar fácilmente el mismo
morado con este rosa, azaren carmesí y Con este, me voy a ir mucho más oscuro en el borde
del pétalo.
10. Frena las reglas: Y luego en el centro, todavía
está húmedo, aunque
no haya mucho pigmento, sólo
voy a dejar caer un
poco de café ahí dentro. Y debido a que está mojado sobre mojado, sólo
va a tener
una buena transición. Esa primera flor que
hicimos a la izquierda, ese es el punto focal, realmente. Esa es la principal característica
llamativa. Por eso incorporé tantos colores y
lo hice un poco más intrincado con más sucediendo
porque no
quieres que múltiples flores
compitan por la atención Quieres uno primario y
luego dos secundarios. Y el primero, nosotros, por
supuesto, tenemos morado, y luego jugamos
con rosa, azul y verde. Este, lo hemos hecho
aún más simple. Tenemos el púrpura
como color principal, y luego estamos jugando con el marrón y el naranja con eso. morado y el naranja son un par de
colores
bastante extraños para armar. Y es un buen ejemplo de
romper las reglas a veces lo que vemos como las
reglas porque
no son ni complementarias
ni inóguas Entonces no están uno
al lado del otro en la rueda de colores y
no están uno frente al otro. Pero sí tienen algún tipo
de armonía inesperada, y eso es porque están a
ambos lados del rojo
en la rueda de colores. Entonces hay una buena distancia
entre ellos, pero algunos lo llamarían un color complementario
dividido, ya que no son opuestos,
pero aún mantienen un fuerte contraste
porque no mezclan tan fácil El rojo es posiblemente el color
más poderoso. Así que tener los colores
que están justo al
lado en la rueda de colores
los hace ricos y vibrantes. El calor de la
naranja empuja hacia adelante, y el púrpura más frío
tiende a retroceder De manera que ese empujar y tirar
crea una especie de energía a la composición. Y romper las reglas
no es necesariamente malo, sobre todo cuando lo
hacemos intencionalmente porque el objetivo del arte es expresar sentimiento, y es haciendo este tipo de cosas lo que crea
sentimiento, lo hace emocionante. Es un
tipo diferente de sentimiento. Es muy singular. Y cuando nos
alejamos de lo que se espera, nos topamos con combinaciones
que se sienten frescas o cargadas emocionalmente
e incluso un poco Nos hace pensar un
poco más al respecto. Aún así, estamos
pensando en el equilibrio, el dominio de estos
colores y el contraste Entonces es un buen recordatorio de que la teoría
del color es solo una herramienta. No es una jaula a la que estemos atrapados en su interior y que tengamos que
seguir directamente. Y una vez que entendemos
estos fundamentos, después de jugar con ellos, podemos aprender cuándo doblarlos
o incluso romperlos para decir algo personal
o expresivo. A
11. La tercera flor: Entonces solo pinté un
par de cogollos ahí, solo una capa inferior suave
por el momento Ahora podemos empezar a trabajar
en nuestra última flor usando este precioso rosa,
el rosa ópera otra vez. Este es un poco más intrincado, al
menos el contorno de la misma, porque
lo estamos viendo en ángulo, las flores orientadas
hacia la derecha Entonces vemos los bordes del pétalo y hace que la
perspectiva sea un poco extraña. Pero aplica el mismo principio. Estamos incorporando esos
encantadores colores vibrantes y no exagerando con la cantidad de colores
que estamos usando, dos o tres como máximo Estoy usando un azul
con el turquesa. Entonces tienes un poco de
ese verde ahí dentro, pero obviamente no es verde. No es obvio el verde. Es un verde sutil
dentro de ese azul. Entonces pinto un lado de él, y luego uso
agua pura en mi pincel solo para fregarlo y llevarlo hacia el borde
del otro lado. Puedes usar ese
mismo pincel diluido para comenzar a pintar
ese siguiente pétalo. Porque estamos
viendo este pétalo, esta flor a un lado, los pétalos se van a solapar, y por eso podría
ser un poco más intrincado porque vamos
a tener que crear un poco de contraste para que
sea fácil diferenciar qué pétalo conecta
con los otros y cuáles están detrás de
él o delante Y podemos usar color y
tono para hacer ese contraste. Te voy a mostrar
lo que pasa
cuando pintas rosa encima de verde. Entonces este no es un verde
muy fuerte. Nuevamente, es un verde
turquesa azulado. Pero voy a
tomar un poco de rosa ahora, pintar el otro
lado de este pétalo para permitir que ese
pedacito verde se seque un poco. Y luego cuando pinte
encima de ella, verás cómo se
ve mucho más oscura. No lo hace se cancela
y lo hace casi un gris o fangoso Pero
eso me parece bien en este contexto porque funciona como
una sombra, de verdad. Le da algo de tono y profundidad, y no me gustaría usar rosa para crear tono
porque simplemente se verá demasiado vibrante. Y no quiero usar el negro porque eso va a parecer demasiado aburrido. Entonces, usar ese verde como una forma crear sombras es
una buena manera de hacerlo. Puedes usar
colores complementarios para crear sombras. El borde de este pétalo
medio es bastante complicado o un poco
no complicado, solo se necesita un poco más de
precisión. Entonces estoy empezando llenando el borde y luego
volviendo a extenderlo. Nuevamente, usando el mismo pincel porque tiene una pequeña propina
agradable. Puede seguir el borde
de esta línea de lápiz. Pero también puede contener suficiente pigmento para
llenar toda el área. Si usas un pincel
que es demasiado pequeño, en realidad es más difícil
porque vas
a tener que ir y venir para
recargar tu pincel todo el tiempo, así que no habrá consistencia
en tus marcas de pincel. E irónicamente, después de ir
más pequeño que este cepillo, el agua deja de unir
los mechones de cabello, pelo
sintético en tu cepillo para crear un punto agradable Hay un poco de resistencia o magnetismo. No
sé cuál es la palabra. La presión del agua une todos estos pelos
para crear un punto fino. Y si tienes un
cepillo que es demasiado pequeño, el agua ya no
los une.
12. Transiciones en capas: Sobre este pétalo verde, se puede ver como la primera capa era verde, y luego la
desvanecimos y esperamos a que se seque, y ahora voy a
volver atrás y
mezclarla al
revés usando este morado y mezclándolo
suave en el medio No quería hacer las dos
mojadas sobre mojadas. Y si no te sientes
cómodo con mojado o mojado, si no
quieres experimentar con él en esta pintura o probarlo, siempre
puedes mezclarlo al blanco
y luego secarlo completamente, y luego del otro lado, mezclar del otro
color al blanco o al otro color que ya está pintado
en la primera capa. No es lo ideal, pero en una forma más pequeña como
esta, es más fácil. En una forma más grande, puede
ser difícil porque
despiertas el pigmento
que está debajo de él y las transiciones no
serán agradables y suaves. Si puedes salirte con la suya mezclando húmedo sobre húmedo,
es mucho mejor. Entonces ahora voy a volver a la harina anterior aquí ahora
que está completamente seca con una segunda capa para darle un poco más de forma
y tres dimensiones a la misma Y ahora estoy usando
un naranja vibrante. No es súper vibrante
como van las naranjas, pero es una
sienna quemada que es Con cada lavado, incluso
esta pequeña forma aquí, estoy tratando de
mantenerlo interesante variando un poco el tono. No es una naranja pura. Ahí hay un poco de
rosa, e incluso el tono es un
poco más claro también. Para ese medio,
tal vez solo voy a agregar algunos hilos Entonces tal vez para este pétalo
en la parte inferior izquierda, podamos
mezclar un poco el color y tener un tipo de color púrpura rojizo o
granate Algunas pinceladas escritivas líneas que se hinchan Porque podrías
imaginarte el pétalo. Lo estamos viendo en ángulo, así que todas esas sombras
serán bastante nítidas. Entonces se
necesita más textura para esos. Nuevamente, marcas de pincel
seco más sutiles. Poco si te imaginas donde el pétalo se arga un poco a medida
que se acerca al medio Entonces esas pequeñas líneas implican las sombras de los trozos arrugada en el fondo del pétalo Básicamente solo estoy usando los mismos colores que
usamos para el underlay, pero un poco más rico, y esta vez
no es húmedo y húmedo, así que tenemos muchos
bordes más duros, un poco más de Usa un poco de
pigmento espeso aquí para
que desangre lentamente y
cree una sombra suave
13. Bordes nítidos: Creo que necesito definir un poco más
el borde de este
pétalo. No hay suficiente sombra ahí, así que usando la punta de mi pincel, usando ese púrpura profundo y luego usando agua solo para esparcirlo
y suavizarlo Tomando un poco de rojo y
mezclándolo con esa naranja de ahí arriba, rojo
cadmio y amarillo cadmio A lo mejor poner un poco de
morado ahí. Ahora pintando los pétalos
de este pequeño capullito. Y estoy usando pintura negativa, estoy dejando fuera una pequeña línea
blanca entre ellos. Se puede ver donde se separan
los dos pétalos. Por supuesto, al final,
podríamos haber usado guash blanco, pero es lo suficientemente simple como
para dejar ahí una pequeña línea En un extremo, tenemos el punto y luego
se curva alrededor, se expande, y luego vuelve
al punto del lado
derecho, también. Y esa curvatura, esa forma le da una dimensialidad
libre a la Y esa pequeña
línea blanca en el medio ayuda a transmitir esa forma también. Porque no hay mucho. Bueno, no hay
antecedentes en absoluto. Literalmente solo estamos
pintando el tema de estas flores y tallos. Entonces para darle una
sensación de tres D y profundidad, tenemos que usar mucha sombra
y tono para crear eso. Y también el control de bordes, lo que estaba hablando
ahora mismo incluso estamos creando un buen borde afilado
porque el control de bordes tiene mucho que ver con los valores y la forma en que usamos los bordes
y valores describe a nuestros espectadores dónde están la luz
y las sombras y cómo eso se relaciona con la forma
y forma del sujeto. Por ejemplo, cuando
colocamos un borde agudo y
oscuro junto a un área clara, le dice al espectador que hay una fuerte transición en profundidad, casi como una cresta o un pliegue. Es una manera de mostrar contraste tanto
en la luz como en la forma. Entonces en estos pequeños cogollos, notarás que
los bordes alrededor la base de los pétalos
suelen ser más agudos y oscuros Eso es porque los
pétalos se están volviendo hacia adentro o retrocediendo en sombra, y estamos usando tanto el valor como un borde definido para
enfatizar esa forma Es nuestra manera de decir que esta parte se está curvando alejándose de la luz Por otro lado, las áreas
en las flores
dentro de los pétalos, se
desvanecen en suavidad, áreas
más claras que están más mezcladas y tienen transiciones más
suaves Y esto da la impresión de
que esas áreas están orientadas más a la luz directamente y curvándose
hacia afuera hacia el espectador Este contraste entre bordes
duros y blandos es algo en lo que podemos ser
realmente intencionales. Incluso en una
composición floral simple como esta, podemos usar la variación de borde
para esculpir las formas y sugerir un juego de
luces sin necesidad de muchos detalles en absoluto Es una de las herramientas más sutiles
y expresivas en acuarela que tenemos. Um,
14. Cómo influir en el enfoque: También es interesante cómo control de
bordes puede
influir en el enfoque. Nuestros ojos se sienten naturalmente atraídos por áreas de fuerte
contraste y nitidez Entonces, si queremos orientar la atención de los espectadores hacia cierta parte de
la pintura, digamos, el centro de la flor, podemos afilar los bordes ahí
y suavizarlos De esa manera creamos una
especie de jerarquía, una jerarquía visual donde ciertas partes salen
hacia adelante y otras se
funden en el perierio
o el fondo Y esto es increíblemente
útil cuando estamos trabajando sin
antecedentes como esta pieza, porque estamos usando el
tema mismo para contar una historia de espacio,
luz y forma. Otra cosa a
tener en cuenta es que los bordes no son solo de contorno. También existen dentro de la forma. Por ejemplo, cuando estamos pintando esos bordes o esos
pétalos como un ángulo, se ven como bordes
o cuando dos colores encuentran dentro de un pétalo, digamos, rosa sangrando en azul, podemos elegir si
dejar que se mezclen suavemente o secar el papel ligeramente para
mantener una transición nítida Y esa decisión cambia lo dimensional que se siente el pétalo. Las transiciones suaves tienden a sugerir curvas
graduales o superficies
lisas, mientras que las transiciones más nítidas planos y cambios
en la estructura Todo esto funciona en
armonía con los valores. Cuanto más oscuro es el valor,
más profunda es la sombra y más
empuja hacia atrás en el espacio. Los valores de luz, por otro lado, tienden a elevarse hacia adelante, tienden a elevarse hacia adelante,
y al gestionar cuán bruscamente se encuentran con sus tonos
vecinos, constantemente
estamos comunicando
algo sobre la forma, aunque no estemos pintando cada detalle. A,
15. Narración: Entonces, si bien puede parecer
una pequeña elección técnica, si este borde
es suave o duro, en realidad
es una de
las herramientas de narración más poderosas en una pintura en acuarela Es como le damos vida
a un trozo de papel plano. Es como guiamos al espectador
sin decir una palabra. Y cuando realmente empezamos a notar y controlar estas
transiciones intencionalmente, es entonces cuando nuestro
trabajo comienza a sentirse más sofisticado
y expresivo. El control de bordes de esta manera, es casi como
puntuación por escrito Es lo que le da esa forma y ritmo a nuestro lenguaje
visual. Y podrías estar pensando,
¿a qué te refieres con contar historias? Es sólo una pintura
de algunas flores. Pero, de hecho, todas las
pinturas cuentan una historia, incluso las más silenciosas y simples, y por narración, no me
refiero a una narrativa literal No siempre se trata de
personajes o eventos. A veces se trata del estado de
ánimo, el movimiento, la luz o la emoción o la forma que guiamos el
ojo de un espectador a través de una pieza. Incluso una sola flor puede expresar toda una gama de cosas
diferentes desde la fuerza, la alegría, la melancolía, solo dependiendo de cómo
queramos pintarla Es un mensaje, de veras. Y en este caso, estamos
usando herramientas de color, forma y composición para
guiar la experiencia de los espectadores. Este suave uso de transiciones
contrastado con bordes duros, las líneas fluidas sugieren
algo suave y elegante Y la forma en que los pétalos se
abren hacia afuera podría evocar una sensación de alcanzar,
florecer o desplegarse Y el equilibrio entre
los tonos cálidos y fríos podría sugerir armonía, contraste. Y estos
elementos sutiles son los que le dan a la pintura su peso
emocional. No es sólo lo que
estamos pintando. Es como lo estamos pintando. Porque hay miles de formas
diferentes de interpretar las flores, y cada
elemento se puede editar. Incluso cuando estás
siguiendo esto, puedes tomar cualquiera de los conceptos de los
que hemos hablado y variarlos para tu
propio mensaje personal o lo que quieras decir o contar. Puedes cambiar el verde
por rojo o lo que sea. Puedes cambiar la rueda de colores. A lo mejor quieres usar
colores más oscuros, colores más claros. Para ser más suave, tal vez quieras
que sea un poco más
organizado y geométrico. A lo mejor quieres que
sea más flojo y implique
menos precisión Cada decisión que tomamos
dónde colocar un borde afilado, qué colores mezclar, cuánto blanco,
queremos dejar. Todo es parte de
esa comunicación. Es como queremos
expresar sentimiento. Entonces, cuando alguien mira
tu pieza o esta pieza, puede
que no piense que
esto cuenta una historia, pero ciertamente siente
algo y puede sentir una sensación de calma,
belleza o movimiento. Y a veces
ni siquiera puedes usar palabras para
describir el sentimiento. Simplemente te hace sentir
extraño o excitado. Y eso es
lo hermoso del arte. No hace falta que lo expliques. Es sólo un sentimiento.
16. Comenzar con las hojas: Ya terminamos las flores, y puedes ver que he
acelerado el metraje porque la siguiente parte
es bastante repetitiva Sólo estamos pintando los
tallos y las hojas. Y los voy a estar
pintando exactamente de la misma manera solo en diferentes ángulos y variando un
poco los colores y los tonos. Terminamos las flores
agregando algunos puntos en el centro donde se
recoge el polen y se mantiene unido. Y eso también es un poco de contraste
agradable. Tener esos puntitos afilados, contrastando las suaves
transiciones de los pétalos, es como el último
contraste de textura. Entonces mi concepto con pintar
estos tallos y hojas, estos tallos, quiero
que haya una
transición general de color No con cada hoja individual, pero puedes
comenzar por la izquierda con este color verde
turquesa. Y a medida que nos
movemos, vamos a variar
el tipo de verde. Entonces este, este verde
que estamos pintando ahora, es un poco más ocre amarillo a
medida que vamos más abajo. Y entonces podemos simplemente seguir atravesando
la rueda de colores, cuanto más nos movemos hacia
el lado derecho. No hay mejor práctica para tu
trabajo con pincel que pintar estas hojas porque están
en todos los ángulos. Se rotan todo el
camino alrededor de 360 grados, y eso significa que vas a tener que trabajar
con tu pincel, cómo rotar tu mano, y la destreza en tu
mano se mejorará mucho Y puede parecer un poco agotador, pero no es un extraño tipo de concentración porque fácilmente
puedes escuchar música volver
a ver esta clase o escuchar cualquier cosa fondo
en
audiolibros Otra de mis clases, aún
puedes concentrarte en mis palabras mientras
pintas esto. Toma de una
parte diferente de nuestro cerebro. No consume
mucha concentración, pero aún tenemos que ser
precisos con nuestro trabajo con pincel. Pero básicamente estamos coloreando. No estamos pensando en
nada demasiado técnico. No hay técnicas difíciles que estemos usando
para rellenar esto. Solo tienes que
morderte la lengua y contener respiración y
asegurarte de no pintar fuera de las líneas.
17. Disfruta el proceso: En realidad es una gran meditación porque no es una concentración
estresante, sino que enfoca la mente y nos lleva
al momento presente. Simplemente estamos siguiendo
las formas que
ya dibujamos y permaneciendo dentro de los bordes y dejando que el pincel se deslice.
Hay un ritmo para ello. Es casi como una coloración
en el libro cuando era niño, pero con un
sentido más profundo de conciencia y flujo y una expresión más creativa y
única para ello. Esta parte del proceso no exige
capacidad técnica, realmente. Es solo constancia,
paciencia y un toque suave. Es uno de esos momentos en la pintura donde puedes dejar de lado la toma de decisiones y simplemente disfrutar del acto
de aplicar color. Y las apuestas son bajas en
esta parte del cuadro. Pero el resultado es
calmante y satisfactorio. Y en cierto modo, este enfoque tranquilo es lo que hace que la acuarela sea
tan terapéutica. No estamos apurados
ni adivinando. Simplemente estamos
con el pincel, el pigmento y
el papel,
y se convierte en una especie
de meditación conmovedora donde el tiempo se ralentiza y nos sentimos más conectados
con lo que estamos haciendo. No solo se trata de crear
una pintura terminada. Se trata de disfrutar
de todo el proceso. Y realmente puedes tomarte
tu tiempo con él, tomar una taza de té o
café o lo que sea que bebas y tener algo de
música de fondo. Entonces, como dije antes, aunque esta pintura no
tiene fondo, aún
podemos crear una
fuerte sensación de profundidad y forma
tridimensional simplemente
a través de nuestro uso del color, valor y control de bordes. Y permítanme repasar algunas formas
en las que podemos hacer eso. Puedes ver ahora estoy
pintando este pequeño capullo debajo de la flor en un tono mucho más oscuro que el que
hemos usado antes. Y una de las formas más
efectivas de crear
profundidad es a través del contraste de valores. Observe cómo los pétalos tienen transiciones
suaves
de claro a oscuro, particularmente hacia su base. Estos sutiles cambios de tono sugieren dónde está golpeando la
luz y dónde cae y
ayudan a que cada pétalo se sienta
curvado en lugar de plano. Lo mismo se aplica a
las hojas también. Algunos son más ligeros y
más translúcidos. Otros van a ser un poco más ricos y oscuros a medida
que continuemos pintándolos. Y estas variaciones ayudan a
establecer una sensación de espacio como si algunas hojas
estuvieran captando más luz mientras que
otras fueran rechazadas. Y eso realmente afecta la
sensación de D libre y forma. Otro elemento
importante son los elementos superpuestos. Se puede ver como algunos pétalos y cogollos están dispuestos de una manera que parecen sentarse frente a otros solo por la forma en
que están en capas. Y este tipo de relación
espacial da la ilusión de profundidad, incluso sin un fondo o
sombras proyectadas detrás de ellas. Es como podemos crear
una jerarquía de espacio
solo a través de una cuidadosa
composición y orden de pintura.
18. Temperatura de color: Al inicio de la clase, hablé de elegir colores, colores que estén adyacentes
entre sí en la rueda de colores o opuestos entre sí en
la rueda de colores. Y otro elemento del color es la temperatura porque eso juega
un papel más importante. Los colores cálidos como
los rosados duraznos que tenemos ahí
y los marrones cálidos, tienden a avanzar
mientras que los colores más fríos como el lilacy y los azules suaves y
los verdes tienden a retroceder Y al colocar estratégicamente colores
cálidos en algunos pétalos
y colores más fríos en otros, podemos empujar y tirar de
ciertos elementos hacia adelante o hacia atrás dentro de la composición para agregar esa sensación de espacio Ya ves como esta hoja que estoy pintando ahora,
la azulada,
se siente como si estuviera
retrocediendo un poco
más que esa verde
que es un poco Y hemos hablado sobre el control de
bordes y cómo eso afecta el
sentimiento de forma. Y también detalle y tamaño. Ese es un
sentido natural de perspectiva. Cuando tratamos de variar la escala
y el nivel de detalle. Observe como algunas de las flores son más grandes y más detalladas, mientras que los cogollos son más pequeños
y mucho más simplificados. Esto imita lo que sucede
en la vida real cuando
observamos algo de cerca y
no más lejos. Y podemos usar esto
a nuestro favor para guiar a los espectadores la
percepción de profundidad. Y otro elemento que es
bastante obvio, en realidad, porque no hay fondo ni sombras, solo blanco puro. Así que necesitamos ser conscientes
del espacio negativo que implica y la colocación
de las flores dentro de
ese espacio negativo. El espaciamiento entre los elementos
y la forma en que se extienden hacia afuera crea una sensación de
movimiento y dimensionalidad Así que realmente no queremos pensar el espacio en blanco como vacío, sino también parte del diseño. Permite que las formas
respiren y destaquen. Es más como si
estuvieran suspendidos en el aire que
pegados a la página plana. Así que incluso sin
antecedentes en absoluto, seguimos trabajando en un sentido invisible de luz,
espacio y estructura. Y estamos usando valores,
temperatura, superposición, control de
bordes y otras herramientas de composición para dar a estas flores un
sentido de vida y forma Y podemos mantener estas
cosas realmente mínimas y aún así evocar un fuerte sentido
de tres D y profundidad Observe cómo estoy
pintando las hojas primero y luego los tallos después porque si primero
pintara los tallos, entonces potencialmente podría
atraparme o obligarme a pintar estas hojas de
una manera que no quiero. Pero si primero pinto las hojas, puedo pintarlas
exactamente como quiero, y luego simplemente puedo
conectarlas muy fácilmente con una sola
línea de barrido en los tallos.
19. Flujo y gesto: Ahora que la pintura
empieza a unirse, realmente
está mostrando una
de las cosas que más me gustan de este tipo de
estilo de pintura,
este estilo botánico. Tiene mucho flujo y gesto a lo largo de
la composición. A pesar de que estamos
pintando algo todavía, solo un corte de flores, está lleno de movimiento. Y eso es lo que realmente es el objetivo de este tipo de pintura
botánica
para darle vida y energía a algo que es
estático a través de la forma en que
colocamos nuestros trazos y
guiamos al ojo del espectador. No estamos pintando
estas hojas ni los tallos que las van a
conectar de manera rígida. No estamos haciendo una línea recta en ninguna de esta composición. No hay una línea recta. Todo es curvo y principalmente
está barriendo suavemente hacia arriba. Y a la hora de hacer
bocetos para esta clase, tratar de elaborar
una composición, los diseños más fuertes
son siempre los que son asimétricos y
tienen este flujo hacia No es una línea recta. Entonces fue intencional. No sólo estoy pensando en
dónde colocar cada elemento, sino en cómo se mueve. Y también voy a clases semanales de dibujo de la
vida, lo que solo ayuda a mejorar
tu boceto de
una
manera muy parecida a un gesto porque no tienes
mucho tiempo para dibujar tu modelo, y no tienes que ir
a la vida dibujando para
practicar el dibujo por gestos Se puede ir a la calle
y pintar a la gente caminando. Y la idea no es pintar de manera realista ni
dibujar de manera realista Es para capturar el espíritu, el gesto, el
sentimiento, el flujo. Captura cómo
se siente algo más de lo que
realmente parece. Y el flujo se trata de conexión, cómo una parte lleva a la
siguiente sin interrupción. Y aquí, las líneas de los tallos simplemente nos llevan de una
flor a otra hoja. Todo es un ritmo conectado. Estas líneas también están conectadas
con líneas implícitas. Si miras alguna hoja aquí, tiene una curvatura y
puedes seguir esa
curvatura alrededor, y va a
conectar con otra parte. No solo estamos punteando
elementos alrededor de la página. Estamos tratando de
crear un camino visual, una sensación de continuidad que haga que toda
la pieza se sienta
unificada y armoniosa. Para lograrlo,
ayuda pensar en una pincelada larga y fluida, pesar de que aquí estamos usando
pequeñas y cortas. El ojo de mi mente pensando en un gran flujo
Puedes ver como ahora que tenemos la mayoría de
los elementos pintados en, ese elemento de púrpura está
surgiendo por todas partes Yo no diría que es
una pintura morada, pero es ese morado
que toca alrededor de
toda la composición, aunque sea bastante sutilmente, eso le da una
sensación de unidad
20. Variación del color: Una de las cosas
que realmente da vida a
estas hojas es
la variación de color, en lugar de pegarse
a un solo verde, hemos permitido que surja toda una gama de tonos orgánicos
terrosos Por supuesto, tenemos múltiples tipos
diferentes de greens. Tenemos ocres, también, marrones e incluso toques
de azul y algo de Y este tipo de variación agrega mucha riqueza y
profundidad a la pintura No queremos que las pinturas se
vean demasiado planas o uniformes porque en
la naturaleza, rara vez lo son. Atrapan la luz de manera diferente. Algunos son más frescos, otros
son mayores o se secan. Por lo que reflexionamos eso
cambiando los colores repentinamente de hoja en hoja o
incluso dentro de una sola hoja, agregando este rojo brillante
encima de ese verde anterior, por ejemplo, ahora mismo. Y hay colores
que no son naturales, como las turquesas brillantes y los azules y
los Quiero decir, lo entiendes
en la naturaleza, pero no del todo en
una sola flor. Pero no estamos tratando de copiar. Estamos tratando de expresarnos y ser juguetones con el color
porque es muy divertido. Así que a pesar de que ahora voy a volver
sobre muchas hojas, empezamos con
una capa y sólo por un poco de interés con algunas de
ellas voy a repasar. Pero la mayoría de estas hojas se hacen por mezcla húmeda
y húmeda, dejando que dos o tres pigmentos
simplemente se fusionen lentamente en el papel sin
mezclarlos completamente en la paleta. Me gusta dejar caer un toque
de color más cálido como siena
quemada o un rojo apagado en la base o a lo largo de un borde, solo para sugerir un poco de calidez Y con este tallo, se
puede ver cómo estoy
empezando de rojo, y de alguna manera voy a mezclarlo con el verde que empecé
del otro lado. A pesar de que estas hojas son elementos de soporte
en la composición, no
son el foco
principal. Este tipo de juego de colores les
da personalidad. Le da a la pintura elementos visualmente interesantes para mirar, y anima al ojo
a moverse por la página. No se trata de
hacerlos realistas. Se trata de
hacerlos sentir vivos, texturizados y creíbles a su manera
expresiva Entonces mientras estás pintando
tus propias hojas, siéntete libre de experimentar. Deja que tu pincel
deambula entre colores y confíe en el agua para hacer algo de la
mezcla por ti también, porque son estas transiciones
inesperadas y pequeñas
irregularidades las que hacen que la pintura se sienta
más natural y sin esfuerzo
21. Simplificación de formas: Al pintar detalles como estas hojas en acuarela y antes con los pétalos, una de las habilidades más
valiosas que
podemos desarrollar es aprender a simplificar porque
es fácil quedar atrapado en tratar de
replicar cada pequeño detalle, las venas, los bordes dentados,
los sutiles cambios de color, pero al hacerlo, a menudo perdemos la frescura y la elegancia que la acuarela es realmente
muy buena para capturar. En esta pintura, deliberadamente
estamos retrocediendo del realismo. En lugar de pintar hojas exactamente como
aparecen en la naturaleza, las
estamos reduciendo a
sus formas esenciales. Su forma esbelta.
Son como, óvalos
puntiagudos, y
están agrupados a lo largo del tallo en una especie de patrón de flujo
rítmico Esta simplificación nos permite
mantener la sensación de
la composición sin
abrumarla. También estamos utilizando la
variación tonal para nuestra ventaja. Observe cómo algunas hojas se
pintan en un solo lavado
plano mientras que otras tienen gradientes suaves o un tono ligeramente más profundo
hacia un borde de la punta Esto de nuevo, ayuda a sugerir luz y forma
sin la necesidad intrincados detalles de sombreado
o dibujo Buscamos detalles implícitos, solo información suficiente para que el ojo del espectador la
llene el resto. Y es un concepto utilizado en estilos minimalistas
más expresivos de pintura. Donde algunas formas cuidadosamente
colocadas y cambios de
color en realidad pueden decir más que una representación altamente
detallada. Otro beneficio de la
simplificación es que deja que las flores
sigan siendo la estrella del espectáculo Si las hojas fueran demasiado
detalladas o coloridas, comenzarían a
competir por la atención. Al mantenerlos
sutiles o estilizados, estamos apoyando la composición en lugar de distraer de ella Una técnica que me gusta
usar es trabajar rápidamente y con un
pincel ligeramente más seco porque esto permite que la textura del
papel rompa la pintura en ciertos lugares Y aunque el pincel seco no es realmente tanto de un
elemento en esta pintura, cuando se trata de
simplificación en general, si se quiere ir
más allá de esta pintura, puede ser bastante útil porque pincel
seco crea un efecto
naturalista encantador, casi como la luz moteada. En la superficie de los objetos, y refuerza esa idea
de sugerencia sobre la precisión Así que no tengas miedo de
dejar ir la precisión. En cambio, piénsalo como
el gesto de la hoja, la dirección que
apunta, cómo se curva, cómo interactúa con
los demás elementos que la
rodean, el otro deja Piensa también en la variación, mezclando el ángulo, la longitud, el color de las
hojas, agrega ritmo y evita que las cosas se
vean demasiado mecánicas.
22. Toques finales: Ahora necesito enfatizar algunos
de estos tallos y tallos. Entonces esta también es una buena
práctica con el pincel. Donde estamos pintando las hojas, tuvimos que hacer diferentes ángulos, y es una forma diferente, pero pintar líneas como esta nos
permite practicar realmente la presión de nuestro pincel porque cuanto más fuerte
presionemos el pincel, por
supuesto, más gruesa será
la línea. Y estas pinceladas
tienen que ser largas y sinuosas e idealmente, tienen que permanecer
del mismo ancho. No queremos que
vaya más y más delgado ni que se tambalee Por lo que ayuda al flujo de nuestro brazo. Empiezo el trazo del pincel. Bueno, antes incluso de iniciarlo, miro el punto A y el punto
B, donde voy a empezar, donde voy
a terminar y tratar hacer un movimiento de barrido largo. Y aquí es donde
gran parte de ella está en capas. Lo tienes superpuesto. Algunos de los tallos están arriba, algunas de las hojas están abajo, y da esa
sensación de profundidad Múltiples colores
ahí también. Y puedes jugar con lo que se superpone y
lo que hay debajo, no
tienes que
igualar lo que estoy haciendo. Porque estoy seguro de que tu dibujo será único y
tendrás que adaptarlo. Pero si usas un lápiz suave, puedes
dibujarlo todo para empezar y asegurarte de que todo tenga sentido antes de poner la
pintura al papel. Entonces, al llegar a estas
etapas finales de la pintura, tomemos un
momento para reflexionar sobre las principales ideas que exploramos a
lo largo de esta clase. Uno de los elementos más
importantes de los que acabamos de hablar
fue la simplificación, no sobre describirlos, sino sugerir las formas También aprendimos las fortalezas
únicas de la acuarela, las transiciones
suaves y las mezclas inesperadas, o la forma en que podemos permitir que el pigmento y el agua hagan parte
del trabajo por nosotros. También se puede ver
el control de bordes, sabiendo cuándo usar líneas
duras definidas versus desvanecimientos húmedos y húmedos suaves Esto nos ayuda a dirigir
la mirada del espectador y crear una sensación de
ligereza y atmósfera. Por supuesto, hablamos mucho
sobre las transiciones de color y cómo los cambios suaves de
cálido a frío pueden agregar profundidad. Son estas pequeñas decisiones las que él la pintura unen y hacen que
la pintura se sienta viva.
23. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo, y
felicita a Johnson completando su acuarela
floral botánica Espero que esta clase
te haya dado la oportunidad de relajarte, practicar algunas técnicas
esenciales y sentirte orgulloso de
lo que has creado. Desde mezclas suaves hasta
capas de colores suaves, has aprendido valiosos
fundamentos que pueden llevarte a todos tus
futuros proyectos de acuarela Incluso si
recién estás comenzando, este tipo de pintura floral es una manera encantadora de generar confianza
y disfrutar del proceso. Recuerda, la acuarela
no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo
personal. Te animo a que sigas
explorando, experimentando y superando tus
límites para crear tus propias obras maestras de
acuarela únicas Al llegar al
final de esta clase, espero que se sienta
más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en
acuarela. La práctica es clave
a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando
y experimentando. Quiero expresar mi gratitud
por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la
acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de
ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me
encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la
galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes
compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta
ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también
en Skillshare Después de poner
tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda
o comentario sobre la clase de
hoy o quieres algún consejo específico
relacionado con la acuarela, comunícame en
la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te
gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería
recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me
llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor
experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en
el botón de seguimiento arriba para que pueda
seguirme en Skillshare Esto significa que serás
el primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos Gracias por formar
parte de esta clase. Espero pintar contigo muy pronto hasta la próxima
vez. Adiós por ahora.
Will Elliston, Award-Winning Watercolour Artist
