NATURALEZA DE SKETCHING curso de bases para principiantes

1. 1 introducción: [ MÚSICA] ¿Alguna vez has querido comenzar un cuaderno de bocetos de viaje o un diario de naturaleza o pintar paisajes hermosos e inspiradores donde quiera que vayas, pero no estás exactamente seguro de cómo empezar? Si es así, estás en el lugar correcto. llamo Sarah y soy una artista de tiempo completo que vive en las Tierras Altas Escocesas. Me especializo en pintura de paisajes y llevo años dibujando la naturaleza, documentando la belleza que encuentro en todo el mundo. Para mí, esbozar la naturaleza es mucho más que un pasatiempo. Es una gran parte de mi alegría personal y práctica artística lo que contribuye a mi mayor cuerpo de trabajo aquí en el estudio. Pero también me encanta verterme a través de mis viejas páginas de cuaderno de bocetos. Me traen tantos recuerdos increíbles. Cuando comienzas tu viaje artístico por tu cuenta, puede ser muy abrumador. ¿ Qué materiales necesitas? ¿ Qué habilidades debes empezar a aprender? ¿ Cómo se sigue mejorando? Bueno, por eso hice este curso fundaciones. Es el curso de inicio perfecto para cualquiera que quiera iniciar su propio viaje artístico. En la escuela de arte muchas veces inicias tus estudios con un año entero dedicado a los fundamentos del arte. Pero como la mayoría de nosotros estamos muy ocupados, he diseñado esta clase para presentarte los fundamentos de lo que necesitas para empezar. En tres horas compartiré lo que me ha llevado más de cinco años averiguarlo por mi cuenta. Aprenderás una base de conocimiento que te seguirá sirviendo en los próximos años. Te presentaré los fundamentos del boceto, la pintura de acuarela, la teoría del color, la perspectiva, y mucho más de una manera libre de estrés y alentador. Esta clase no se trata sólo copiar lo que ves en la pantalla. Se trata de obtener una comprensión más profunda de cómo ver tu mundo desde la perspectiva de un artista y traducirlo al periódico. Además de las lecciones en video, podrás descargar una guía de tareas que te guía a través un proceso paso a paso para tomar lo que has aprendido en esta clase y aplicarlo a su propio viaje de cuaderno de bocetos. Además recibirás mis guías PDF para empezar con acuarela y gouache con detalles de las diversas herramientas y técnicas que necesitarás. Entonces, si estás listo para comenzar tu viaje artístico, haz clic en el siguiente enlace y prepárate para una aventura. [MÚSICA] 2. 1.1: [ MÚSICA]. Hola a todos y bienvenidos. [ Risas] Esta lección se trata prepararte para este curso y establecer tus intenciones. Antes de saltar a eso, solo quiero darte una visión rápida de quién soy y por qué estoy haciendo esto. Tiendo a divagarse un poco, así que voy a editar esto, picar esto para que sea fácil entender y que no pierda nada de su tiempo. Mi viaje de pintura comenzó hace unos seis años. Antes de eso, vivía en Denver y estaba en la industria del diseño de interiores. Previo a eso, fui a la escuela de interiorismo y antes de eso fui a la escuela de arte. Tuve una licenciatura general en dibujo y cerámica y también me dupliqué con diseño gráfico. Siempre he tenido mi ojo en una carrera artística y en la vida artística. Además, cuando vivía en Denver, dirigía un negocio de fotografía de tiempo completo y me especializaba en asignaciones de montaña y bodas. Fue realmente maravilloso. Pero cuando descubrí la pintura, todo cambió. También fue el momento de mi vida cuando estaba tratando salir más al aire libre y simplemente estar inmerso en la naturaleza. Me di cuenta de que no soy una persona de la ciudad. [ Risas] Estaba viviendo en las afueras de Denver, que es una ciudad enorme en Colorado y fue realmente difícil para mí mental y físicamente. Cuanto más salía a la naturaleza, sentí este deseo interno de capturarlo. No sólo con una cámara o un video o algo así, sino porque tenía mis antecedentes en dibujo y siempre había dibujado toda mi vida, eso me sentía muy natural. Empecé a dibujar afuera. Cuanto más hice eso, más adictivo se volvió. [ Risas] Me di cuenta de que era sólo una forma maravillosa de conectarme con la naturaleza y conectarme con lo que realmente era importante para mí. Poco a poco, empecé a incorporar acuarelas. Compré un pequeño kit de acuarela y empecé a ir a los jardines botánicos de Denver casi cada dos días en el verano. Eso acaba de bola de nieve y continuó y luego compré un kit de pintura al óleo y avance rápido hasta ahora. Estoy viviendo en Escocia y pintura es mi carrera de tiempo completo. Ese es mi trasfondo. El motivo por el que hice este curso es porque en los últimos seis años como he seguido creciendo mis habilidades y mi negocio, he tenido cada vez más personas solo queriendo saber cómo iniciar su viaje el manera que lo hice. Si no tienes antecedentes en arte, puede ser aún más desalentador. En los últimos años he sacado muchas clases y tutoriales, pero esta es la primera vez que hago un curso integral de fundaciones y está orientado hacia alguien que no saber exactamente por dónde empezar, que tal vez no tiene ningún trasfondo en el arte en absoluto. Mi objetivo con esta clase es [Risas] no solo enseñarte lo básico, sino animarte a entrar en un viaje de toda la vida, una relación de por vida contigo mismo, con tu arte, y la búsqueda de conectando con la naturaleza. Si estás viendo esto, estoy seguro de que te encanta estar afuera o amar conectarte con la naturaleza ya, y así esto solo te va a dar una forma adicional de sumergirte en la naturaleza y capturarlo y ponerle su propio pequeño giro artístico en él. Uno puede hacerlo ahora o durante la clase en cualquier punto o después de la clase, pero una de las primeras cosas que sugiero es apuntar tus objetivos artísticos y eso puede ser de cualquier cosa, quiero aprender a dibujar un árbol [Risas] o quiero mejorar en montañas o ríos o lo que sea. Quizá sea, quiero hacer bocetos todos los días o quiero esbozar afuera una vez al mes. Todo el mundo va a ir a un ritmo diferente y va a evolucionar a lo largo de tu vida. Esta clase está destinada a ser una introducción a todos los conceptos básicos. Pero de nuevo, este viaje va a ser toda una vida y quiero que lo disfrutes. Yo digo esto todo el tiempo, pero no quiero simplemente enseñarte a copiar algo que ves en pantalla. Todo el punto, la forma en que diseñé estas lecciones, es inculcar una buena base de lo básico para que puedas llevar esas cosas y adaptarlas a tu gusto. Definitivamente van a evolucionar a largo de tus estudios, lo largo de tus estudios, pero está destinado a ser un poco kick-starter, un poco de chispa, en algún lugar para empezar o si ya has comenzado, quizá para llevarte al siguiente nivel o simplemente mostrarte la forma en que hago las cosas. [ Risas] Estamos a punto de saltar a las clases, pero tengo una pequeña historia que quiero contarles. Cuando estaba en la escuela de arte yo estaba en mi adolescencia, a principios de los 20. [ Risas] No tenía ni idea de lo que estaba haciendo con mi vida. Sólo estaba entusiasmado con hacer arte. Es gracioso porque puedo mirar atrás en esto ahora pero en ese momento, sólo estaba obsesionado con absorber todo. Tomé clases en todo. A pesar de que estaba enfatizando en cerámica y dibujo, tomé soplado de vidrio y muebles y diseño de iluminación. Todas estas locuras y todo eso destilado en una lección muy importante, es decir, ser ingenioso. Si no sé hacer algo, encontraré una manera de saberlo. Encontraré una manera de hacerlo. [ Risas] Eso requiere investigación. Eso requiere tiempo y mucho esfuerzo. Pero eso me ha servido bien en el transcurso de mi vida. A lo largo de mi vida me he enseñado tantas habilidades artísticas diferentes basadas en ese concepto y tú también puedes hacerlo. Incluso si acabas de empezar, quiero que empieces a entrar en esa mentalidad de ser ingenioso. De verdad quiero inculcar esa lección en ti también. [ Risas] Una de las mejores cosas que puedes hacer por ti mismo como humano y como artista es nunca dejar de aprender. Esta podría ser tu primera clase o tu clase 20, solo espero que te ayude a llegar a siguiente etapa que estés esperando. Pero no sólo podemos enfocarnos en el destino, tenemos que disfrutar realmente del viaje. Nunca sabemos cuándo va a terminar ese viaje. No ser morboso, pero es verdad. Necesitamos disfrutar cada día, cada vez que recogemos nuestro cuaderno de bocetos o pintamos sobre el lienzo. Ahí es donde está la verdadera felicidad en la vida. Espero que esta clase sea divertida para ti y que aprendas mucho. Empecemos. 3. 1.2 Pintura en la ubicación: [ MÚSICA] En primer lugar, ¿qué es plein air? Pintar sobre el aire plein, como dirían los franceses, es simplemente pintar afuera, pintar al aire libre. Los impresionistas hicieron esto para observar verdadero color y la luz en el paisaje. En su momento, era la única forma en que los artistas podían aprender a pintar lo que realmente sucede en la naturaleza. La luz cambia constantemente y los beneficios de pintar al exterior son numerosos. No hay nada malo en la pintura de fotos de referencia. Lo hacemos todo el tiempo, sobre todo cuando el clima no está a nuestro favor, pero las fotos tienen limitaciones. En primer lugar, las cámaras son máquinas. Al tomar una foto, la cámara está decidiendo qué hacer con la información que tiene frente. Se trata de capturar todo en detalle lo mejor que puede, pero a menos que estés usando técnicas clásicas de fotografía cinematográfica, es realmente difícil capturar lo que realmente está frente a ti sobre todo cuando se trata de iluminación. La mayoría de las cámaras en estos días sobresaturarán los colores, y también ya sea bajo o sobreexpondrán nuestros reflejos y sombras. Esas áreas son donde está algo de la magia y cómo realmente podemos dar vida a nuestras pinturas. Estudiar los efectos de la luz en persona afuera en el aire plein es súper importante. Yo lo pillo, es un reto pintar afuera. [ Risas] Es muy humilde. Incluso si eres un pintor muy competente en el estudio, el momento en que sales, todo cambia. Pero honestamente, a veces es bueno ser humillado. Pero mi mejor consejo es simplemente tomarlo despacio y tratar de no entrar en la mentalidad de tener que producir una obra maestra cada vez que salgas afuera. En cambio, lo que me gusta hacer es simplemente sumergirme en la naturaleza y tratar de capturar pequeñas notas de color. Esto puede incluir solo mezclar algunos colores que veo frente a mí y ponerlo abajo en una pequeña hoja de muestra o podría estar tratando de pintar una escena. Pero la mayoría de las veces, es sólo esbozar, tratar de llegar un poco más lejos en mi entendimiento, y luego en el estudio puedo aplicar lo que aprendí. Cuando estoy sentado frente a un monitor de computadora mirando una foto de referencia, trato de volver a pensar en ese momento en que estaba afuera y trato de recordar los verdaderos colores que vi, sobre todo en el reflejos y sombras donde la cámara tiende a mentir. Para animarme a salir a pintar más a menudo, guardo una bolsa cerca de la puerta. Yo lo llamo mi pintura go bolsa, lo que significa que sólo puedo agarrarlo e irme. Contiene todo lo que necesito para un día de bocetos afuera. Esta estrategia fue un cambio de juego para mí. Yo soy el tipo de persona que sobrepensará las cosas, y si empiezo a pensar en lo difícil que es pintar afuera o tal vez dónde están mis materiales, solo pondré excusas para que no lo haga. El bolso siempre está ahí junto la puerta llamando mi nombre diciendo: “Vamos, vamos”. Porque a lo largo de los años mientras empecé a pintar cada vez más afuera, vi una mejora drástica en mi comprensión del color y luz y mi capacidad para pintarlo. Entonces sé lo importante que es esto, pero sólo necesito un poco de aliento a veces. [ MÚSICA] Empecemos con mi configuración primaria, es decir, todo lo que me gusta llevar conmigo casi a diario. Esta es mi configuración de go-to cuando estoy pintando afuera. En este momento de mi vida, me siento pesado en dibujar con diversos medios, pintar con acuarela y gouache y a veces tinta. Mi objetivo con esta configuración es tener un poco de todo. Al principio, podría sonar como si fuera una locura, eso va a ser demasiado, pero déjame mostrarte. En realidad es muy manejable. Significa que cuando estoy afuera, si el estado de ánimo golpea para algún medio en particular, está ahí listo para irse. [ MÚSICA] Primero lo primero, nunca salgas de casa sin protector solar ni bocadillos. También guardo un trapo o una toalla de papel y termino usando eso varias veces. Este asiento plegable, impermeable, y térmico ha salvado mi trasero tantas veces, literalmente. Muchas veces estoy caminando o caminando por millas antes de encontrar un lugar para pintar. Así que no quiero estar llevando alrededor de una silla grande aunque sea una de esas sillas de camping porque eso se pone pesado después de un rato. Mi mochila no es nada elegante. De hecho, creo que fueron como 15 libras a la venta cuando lo compré y ahora está descontinuado. Pero en realidad tengo un par de opciones para mochilas. Si me llevo mi equipo de cámara conmigo y filmando mis escenas de dron, por lo general traigo mi otra mochila de cámara más profesional, que también puede caber muchos suministros de arte en ella. [ MÚSICA] Utilizo un rollo de cepillo de bambú realmente barato para proteger mis pinceles, pero también para asegurarme pueda encontrarlos realmente fáciles cuando estoy fuera de pintar y mis pinceles están cambiando constantemente. Así que tiraré los que me apetezca usar ese día en mi rollo de pincel antes de salir. Lo mismo va para mis utensilios de dibujo. Me gusta conservar al menos uno de cada uno. Entonces un lápiz, un bolígrafo, un pincel, un marcador blanco, o posiblemente un pincel o algo similar. Compré dos de todos mis utensilios de dibujo favoritos, así que siempre puedo tener uno en mi bolso y otro en el estudio. También guardo un par de clips o abrazaderas en mi mochila porque me gusta doblar mis páginas o mantenerlas juntas cuando hace mucho viento. Este próximo podría ser un poco menos conocido. Se llama visor, y se usa para ayudarte a reducir una composición. Me gusta usarlo sobre todo cuando estoy haciendo bocetos urbanos porque parece mucho más complicado. Así que lo subo y lo muevo hasta que me conformo con una composición que realmente me gusta. [ MÚSICA] Ahora en las cosas divertidas. Hablemos de pintura y paletas. Ahora esto es como lo más personal de la historia. Entonces tómalo con un grano de sal, y no estoy patrocinado por ninguna empresa. Entonces todas mis recomendaciones provienen de años de exploración y práctica y probando un montón de diferentes configuraciones. Honestamente puedo decir que desde que empecé a usar el Pintor Portátil y el Pintor Portátil Micro, mi experiencia plein air se ha vuelto mucho mejor y he aquí el porqué. [ MÚSICA] Me muevo mucho cuando pinto afuera. A veces me siento un minuto, dos minutos, cinco minutos, 10 minutos, o más de una hora. Varía totalmente dependiendo del clima, y mi ubicación, y justo para lo que estoy ahí fuera. A veces solo estoy tomando pequeñas notas de color rápidas o mirando formas específicas, y luego paso al siguiente sitio. Entonces necesito una configuración que sea muy, muy portátil. Estos pequeños Pintores Portátiles son nombrados acertadamente. Son tan increíblemente rápidos y fáciles de configurar y pesan casi nada. Por lo que hace que toda la experiencia sea mucho más cercana para mí. [ Risas] Honestamente me lleva más tiempo encontrar un lugar para sentarme y sacar todas mis cosas de mi bolsa que para armar mi Pintor Portátil y empezar a pintar. Lo que busco en una configuración de gouache es muy similar a mi configuración de acuarela. Necesita ser ligero, muy rápido y fácil de configurar. Después de toneladas y toneladas de experimentación, finalmente he encontrado una configuración que realmente me gusta. Podrían recordarme usando esta caja de paleta de acuarela hermética para mi gouache. Hubo un momento en que esta era la configuración perfecta para mí porque usaba más colores en una sola pintura. Hoy en día, sólo pinto con una paleta limitada y hay muchas razones para eso, de las que hablo en abundancia de mis videos. Esta caja de paleta es mayormente exagerada para mí. En cambio, solo traigo 5-8 tubos de gouache conmigo y lo uso fresco del tubo, que es tan ideal para la forma en que me gusta usar gouache. Pero por supuesto, necesito algo para mezclar el gouache, que es donde entra esta pequeña paleta. Se trata de solo dos piezas de plástico que encajan juntas para hacer una paleta hermética. Si quieres, puedes agregar una esponja Stay-Wet y papel de palet, pero solo mezclo recto sobre el plástico porque como mencioné, me gusta moverme mucho. Así que nunca estoy realmente en un solo lugar el tiempo suficiente para necesitar la esponja y el papel. Otra cosa que cambia mucho son mis cuadernos de bocetos. Constantemente estoy probando nuevos cuadernos de bocetos , papeles nuevos, todo tipo de diferentes tamaños y formas. Pero en su mayor parte, guardo uno o dos en mi bolsa en todo momento. Si me enamoro de un cuaderno de bocetos, compro un montón de ellos. Ya que me gusta usar una variedad de medios, por lo general mantengo un prensado en frío, un prensado en caliente, y un cuaderno de bocetos de medios mixtos en mi bolsa en todo momento. También tengo una mini tabla de dibujo que corté a medida para darme una superficie más estable. ¿ Cuánto crees que pesa esto? Se ve en apenas unos tres kilogramos o alrededor de seis libras y media. Eso es todo lo que necesito para un día completo de pintura al aire plein y bocetos. [ MÚSICA] Pero ¿qué pasa los días en que tengo menos energía o solo voy a un paseo rápido por el barrio? Ahí es donde entra esta bolsa de vagabundos súper elegante. Usualmente lo uso como una bandolera y lo puedo balancear hacia el frente para agarrar mis suministros. Me aseguré de comprar uno impermeable que no tuviera que preocuparme de que mis cuadernos se arruinaran cuando me atrapan bajo la lluvia, lo cual es bastante común en Escocia. Para este kit, tengo una versión pared-down de lo que te mostré antes. Este es mi pequeño cuaderno de bocetos de papel gris de cuatro por seis pulgadas Hahnemuhle . Simplemente adjuntaré algunos de mis utensilios favoritos al exterior con este pincel pequeño, y solo elegiré un cepillo y uno o dos bolígrafos para llevar conmigo. Para pintura, uso el Pintor Portátil Micro. Todo esto se puede sostener en mi mano para que pueda pararme y bosquejar, lo cual es realmente conveniente cuando solo estoy haciendo caminatas rápidas. Pero lo más importante, todo es muy ligero y fácil de configurar y guardar súper rápido. [ MÚSICA] Nada de esto está ambientado en piedra y a veces saco una configuración completamente diferente solo por el infierno de ella, solo para mezclar las cosas. Además, creo que estoy en constante evolución, por lo que mis necesidades cambiarán con el tiempo. Por ejemplo, ya no llevo mis suministros de pintura al óleo afuera. El motivo principal de eso es porque la forma en que me gusta trabajar con aceites es mucho más grande con cuchillos de paleta y necesito mucho espacio de mezcla, y realmente me gusta tomar mi tiempo y escalar las cosas y aléjate de ella y vuelve a ella después de un rato. Es sólo una forma totalmente diferente de trabajar. Pero rápidamente te mostraré mi configuración de pintura al óleo para aquellos de ustedes que están interesados en eso. [ MÚSICA] A esto llamo mi gran configuración porque toma mucho más tiempo y esfuerzo. Ya sea que esté pintando con óleos o gouache o lo que sea, una caja pochade es realmente genial para contener todo lo que puedas necesitar para una sesión de pintura. La mayoría de ellos tienen espacio de almacenamiento en su interior por lo que solo puedes cerrarlo e irte. Tengo dos cajas pochade. Uno es bastante grande y pesa casi seis libras por sí solo. Pero es un kit increíble. Pero solo lo uso cuando estoy de auto de camping o pintando cerca mi auto porque definitivamente no voy a ir de excursión con éste. Mi caja de pochade más pequeña y la que uso más a menudo es el Pintor Guerrilla de seis por ocho pulgadas Thumbbox. Esta cosa es tan rugosa, pesa alrededor de 3.5 libras o 1.7 kilogramos. Pero déjame decirte, este pequeño ha sobrevivido mucho a lo largo de los años. He caído esta cosa por cascadas y acantilados y ha sobrevivido tanto y protegido mi pintura y suministros por dentro. A pesar de que hay increíbles cajas pochade en el mercado que me encantaría probar, simplemente no vale la pena invertir tanto dinero en un kit que no uso muy a menudo porque de nuevo, soy mucho más de un artista portátil cuando estoy afuera. Pero en la rara ocasión en que sé que voy a estar sentada en un solo lugar por un tiempo, tener una caja pochade es agradable poder poner todos tus materiales y solo tener una superficie más estable. Me tomó años construir mis materiales y encontrar cosas que realmente me ayudaron en mi viaje en lugar de dificultarme. He desperdiciado mucho dinero a lo largo de los años en cosas que realmente no necesitaba solo porque vi a otros artistas usándolas. Por lo que les animo a que comiencen a pequeña. Un cuaderno de bocetos, un bolígrafo, un lápiz, un pequeño kit de acuarela. Realmente no necesitas nada demasiado elegante. Al principio, probablemente te enfoques solo en construir el hábito de salir afuera. 4. 1.3: Una de las preguntas más comunes que obtengo es ¿cómo encuentras tu estilo de arte? Odio decirlo, pero tengo una de las peores respuestas. Siempre le digo a la gente que no encuentras tu estilo. Tu estilo ya está dentro de ti. La única forma en que puedes sacar tu estilo para resolverlo es hacer el trabajo. Es para poner en el tiempo pintura después de pintar. El motivo de esto es porque con el tiempo, cuantas más pinturas hagas, más obvio se convertirá en cómo te gusta pintar o dibujar, es decir qué herramientas te gusta usar o no usar, cómo les gusta usarlos o no usarlos. medida que crecemos, muchas veces emulamos diferentes estilos que vemos en línea o en libros y al hacerlo, nos damos cuenta de si lo disfrutamos o no. Cualquiera puede aprender a copiar algo que encontraron en línea o en un libro. Pero si realmente quieres expresar tu estilo artístico interior, tu estética interior, necesitas hacerte una pregunta muy importante. ¿ Cuál es tu porqué? Tu por qué es lo que te impulsa. Es lo que te emociona recoger el lápiz o el pincel y empezar a crear, ya sean retratos o animales o bocetos urbanos o paisajes, necesitas aprovechar eso combustible interior que iba a mantener tu fuego pasando por todas las muchas horas de estudio que requiere. Para artistas autoguiados o artistas que no van a la escuela de arte o pasando un largo curso de educación, es realmente importante aprovechar esto porque te va a ayudar a diseñar tu curso de estudio. Probablemente te ahorrará cientos de horas de enfoque si tienes un plan de autoestudio más orientado a propósito, y si ya sabes cuál es tu estilo y dónde quieres llevarlo, entonces eso es impresionante. Pero para aquellos de ustedes que no tienen idea, tengo algunos consejos prácticos. Abre tu aplicación favorita para guardar fotos. Para mí, ese es Pinterest. Es tan fácil navegar y encontrar cosas nuevas realmente geniales allí. De todos modos, lo que hice fue crear un álbum llamado Inspiring Artwork y en el transcurso de unos meses, empecé a salvar cosas que realmente saltaron y me inspiraron en el momento. Después de un tiempo, entré y miré lo que tenía. Me di cuenta de que esto era muy revelador. La respuesta está en los números. La mayoría de las obras de arte que guardé fue extremadamente expresiva y a veces bastante abstracta. Sí, hay algunos atípicos aquí y allá pero cuando miro a la mayoría, y destilo todo lo que estoy viendo, era tan obvio lo mi estética interior me estaba gritando. Es decir Sarah, solo sé expresiva, tú misma y así empecé a cambiar lo que estudié. Creo que es importante estudiar el realismo y los roles artísticos y todo eso y por eso estás aquí en esta clase. Pero empecé a experimentar mucho más. Empecé a estirar mis piernas artísticas, si quieres. Empecé a abrazar mi amor por paisajes casi abstractos. Cuanto más me ahondé en lo que realmente se siente como yo, empecé a atraer personas de ideas afines, personas que no solo amaban mi estilo sino mi mentalidad y eso es genial para los negocios pero lo más importante, Estoy verdaderamente feliz. Todos los días me despierto emocionado de crear y eso es porque no traté de obligarme a pintar en un estilo específico. Me permití el tiempo de experimentar, para ver lo que me gustaba y no me gustó y luego como llegué a conocerme a mí mismo con el tiempo, me di cuenta cuáles son mis verdaderas pasiones, donde quiero ir con mi arte, lo que me encanta crear y compartir. Todo el punto de esta historia es solo animarte a dejar de tratar de encajar en una etiqueta específica o una caja y simplemente conocerte a ti mismo. Déjate tener tiempo para explorar y experimentar. Cuanto más te conozcas a ti mismo y a lo que te atraen naturalmente, más claridad tendrás en tus estudios. Significa que podrás ver cualquier tutorial de cualquier artista y escoger las piezas que te apliquen y lo que te gusta hacer. 5. 2.1 Conceptos básicos de dibujo: [ MÚSICA] Para empezar, necesitarás un poco de papel. Solo estoy usando papel de computadora porque es realmente barato y fácil de encontrar. [ Risas] Algo para dibujar con como un lápiz mecánico o tu utensilio favorito, un borrador, un poco de té, y tu imaginación. Para los efectos de esta lección, voy a estar usando carbón de leña solo porque es menos reflexivo y no quiero que luches por ver lo que estoy haciendo. Primero hablemos del peso de línea porque cada utensilio va a tener un peso de línea diferente, lo que significa cuán gruesa o delgada es la línea. Me encanta dibujar con lápices mecánicos, pero si miras la punta, puedes ver que es pequeño-minúscula. Compare eso con mi carbón, y se puede ver que el carbón va a poder darme un peso de línea mucho más versátil. El peso de línea es importante en el dibujo de paisaje porque una línea gruesa indica un borde de sombra y una línea delgada indica un borde resaltado, o al menos así es como me gusta hacerlo. Así que vamos a dibujar una forma básica para demostrar esto. Digamos que nuestra fuente de luz viene de la parte superior derecha, por lo que eso significa que el lado inferior izquierdo va a estar en sombra. Sin hacer ningún sombreado, puedo indicar esto oscureciendo ese borde inferior izquierdo. Estoy usando una línea oscura realmente gruesa con una fuerte presión hacia abajo sobre el papel. Entonces a medida que se acerca a la parte superior derecha, estoy dejando que se mantenga realmente ligero y delgado. Entonces con un esfuerzo muy mínimo, podemos empezar a comunicar luz sobre nuestras formas. Una de las razones por las que es realmente conveniente y divertido usar un lápiz de carbón o incluso algunos lápices de grafito es que técnicamente tienes esta gran parte del material con el que trabajar. No solo tienes la punta, también tienes este lado largo plano. Entonces hagamos un ejemplo. Si solo estoy usando la punta, puedo conseguir una bonita línea sólida, uniforme, o puedo empezar a girarla ligeramente hacia un lado y hacerla un poco más gruesa, o puedo presionar todo este borde a lo largo de la superficie del papel y consigue una bonita línea gruesa. Si tienes un lápiz mecánico o un bolígrafo donde es solo una punta pequeña, aún puedes lograr un efecto similar. Tenemos nuestro círculo muy desordenado. La parte superior derecha es conseguir la luz, así que eso se va a quedar así así. Pero luego la parte inferior izquierda, tenemos que falsificar ese grosor de línea llenando eso. Ahora podemos volver a entrar y hacer eso bonito y delgado. Yo exageré un poco el grosor para que aún pudieras verlo ya que es mucho más ligero que el carbón, pero te dan la idea. ¿ Cómo podemos utilizar el peso de línea en un paisaje para nuestro beneficio? Dibujemos una roca sentada en alguna hierba. Si quiero indicar que se destaca una zona de la roca, utilizaré líneas de luz muy delgadas y en mis áreas de sombra, usaré líneas oscuras así como cualquier grietas y grietas y tal. No voy a usar ningún sombreado suave o blending; sólo voy a usar línea y eclosión, que hablaremos pronto. Aquí está mi pequeña roca sentada en la hierba. Simplemente haciendo estas líneas mucho más gruesas y oscuras así como algunas de estas grietas y patrones en la roca, a un vistazo rápido, el espectador va a ver la luz golpeando ese lado. Entonces si quieres llevarlo más lejos, puedes agregar un poco de eclosión. Por lo que no necesitas salir todo con perfecta mezcla y sombreado. Puedes usar una forma de bocetos de taquigrafía como esta para comunicar claramente tu sujeto, pero en una fracción del tiempo. Ahora tengo un bolígrafo con punta de un milímetro y se puede ver que las líneas son relativamente gruesas. Conocer tu herramienta y los tipos de marcas que puedes crear es realmente importante. A veces me resulta divertido desafiarme a mí mismo. Voy a salir con un bolígrafo, y eso es todo con lo que tengo que trabajar. Por lo que tengo que conocer esa herramienta muy bien para poder alcanzar mi objetivo. Toma un par de trozos de papel o una página en tu cuaderno de bocetos y simplemente juega con los tipos de marcas que puedes crear. Comparemos el grafito con el bolígrafo. Otro círculo bulto. Pero de nuevo, tendríamos que fingir esa línea más gruesa en el lado izquierdo. Vamos a fingir que esto es sólo un trozo de Platón, ya que definitivamente no es un círculo perfecto. Es realmente difícil dibujar un círculo perfecto, así que no te pongas abajo si luchas con eso. No tengo ni idea de cómo hice esa tan circular. De todos modos, definitivamente prefiero una forma muy estilizada de bosquejar. Tiendo a hacer una versión de eclosión que es como líneas paralelas. Muchas líneas paralelas. Si quiero darle un paso más allá, es fácil simplemente cambiar ligeramente el ángulo y hacer travesaños. Por supuesto, puedo continuar eso por el tiempo que necesite para representar el nivel de sombreado que voy a buscar. Digamos que tenemos una roca de nuevo. Entonces si iba a sombrear esta roca, podría hacer algo como esto. Esta es otra vez una versión muy abreviada del boceto. Estas líneas son todas paralelas, todas van en la misma dirección, y la cercanía es lo que indica cuánta sombra hay. Si extiendo las líneas como ahí mismo, es un poco más ligero y luego por supuesto el área blanca es mi punto culminante. Puedo hacer esto a cualquier forma. Pero todo el punto de esto es simplemente mostrarte que no necesitas exagerar básicamente. Cuando estás fuera de pintar, estás dibujando sobre la marcha, veces tienes minutos a veces tienes minutospara capturar lo que estás tratando de capturar, no tienes horas. Por lo que encontrar formas de comunicarse en una cantidad relativamente corta de tiempo va a ser muy útil. Nuevamente, si quieres darle un paso más allá y hacer travesaños para hacerlo un poco más detallado o indicar sombra un poco más, sólo tienes que ir en dirección opuesta. También hay una cosa divertida que puedes hacer llamada eclosión de contorno. Digamos que este es el contorno de nuestra roca. En lugar de hacer mis líneas tan perfectamente rectas, comenzaría a curverlas alrededor de la superficie. Algo así, y esta es una versión muy extrema, diría yo. Pero de vuelta con diferentes ángulos, así que solo diviértete con él. Simplemente ve a jugar con algunas formas y empieza a sombrearla. Eventualmente, te conformarás en un tipo de bocetos abreviados que te encantan, que te resultan realmente agradables. Volveremos a nuestra página de carbón para poder demostrar algún sombreado suave mezcla. Aquí vamos. Lo que típicamente me gusta hacer es usar el borde grande de mi grafito o carbón, lo que sea que esté usando, y rellenar todo lo que pueda con esa área más grande. Mi dedo está bajando presión sobre el lápiz de aquí mismo. Sólo voy a tratar de llenar una buena cantidad uniforme de grafito para empezar con. No te preocupes si sales fuera de tus líneas, siempre puedes ajustarlo más tarde. No es tinta. [ Risas] Evita usar la punta porque la punta pondrá más presión sobre el papel y hará una línea más sólida que puede o no ser removible posteriormente. Estoy usando una presión más ligera aquí arriba porque sé que eso va a ser mi punto culminante. Mis líneas van todas en la misma dirección todavía, pero lo cambiaremos arriba en un segundo. Un poco más dura la presión aquí para hacerla más oscura, y una presión más ligera allí para mostrar el punto culminante. Si lo desea, puede volver y limpiar los bordes con una goma de borrar de inmediato o puede hacerlo al final. No voy a tocarlo porque sólo va a manchar por todas partes, pero voy a girar mi papel 90 grados de esta manera. Estoy poniendo más presión en el lado de la sombra otra vez, recordando que ese es mi punto culminante. En este punto, podría simplemente girar mi papel en cada sentido y tratar de conseguir ángulos diferentes y simplemente rellenar un poco más de esa sombra. En todo momento, mi mano va en la misma dirección en diagonal porque en realidad estoy girando en mi codo. Realmente no estoy usando mi muñeca así, realidad se está moviendo donde está mi codo. Por lo que puedo conseguir marcas muy igualadas repetibles de esa manera en lugar de presión y ángulos más caóticos, si trato de usar mi muñeca. Si quieres darle un paso más allá, puedes usar una toalla de papel envuelta alrededor de tu dedo y puedes mezclarla. Estoy usando pequeño movimiento circular. Entonces puedes volver a entrar con otra capa y construirlo continuamente. Depende de ti llevarlo hasta donde quieras, pero esa es la idea general para el sombreado suave. Definitivamente lleva mucho más tiempo, pero puedes obtener algunos resultados realmente geniales. Algunas personas podrían estar preguntándose: “Bueno, ¿cómo supiste dónde poner el punto culminante y dónde poner la sombra?” Eso viene de la observación de la vida. Si necesitas practicar con eso, mira más cosas. No se limite a mirar, realidad observar [Risas] y mirarlo y realmente tratar de notar donde la luz golpea a lo más brillante, donde empiezan a formarse las sombras, donde se oscurecen. Puedes poner una naranja o una manzana delante de ti y encenderla desde diferentes ángulos y empezar a practicar de esa manera. Pero realmente, solo llenar tu biblioteca visual interna con todo tipo de formas diferentes y todo tipo de iluminación diferente será tu mejor profesor. 6. 2.2 hábitos de bocetos: [ MÚSICA] Creo firmemente que mi cuaderno de bocetos es la razón principal por la que he podido crecer tan rápido como lo he hecho en los últimos años. En esta lección, compartiré mis hábitos de cuaderno de bocetos y hablaré de por qué es importante tener contigo un cuaderno de bocetos con la mayor frecuencia que puedas. Podría tener un poco de obsesión con los cuadernos de bocetos. Aunque no lo veo como algo malo. cuadernos de bocetos son un lugar para experimentar, para explorar sin temor a ser juzgados. La mayoría de las veces nadie va a ver nunca lo que hay dentro de tu cuaderno de bocetos a menos que quieras que lo hagan. Elegir un cuaderno de bocetos es tan personal. Para mí, se siente equivalente a comprar ropa. El tamaño y la forma y hasta el color del papel, todo eso depende de cuáles sean tus necesidades como artista. Este es un cuaderno de bocetos que me hice usando mi papel de acuarela favorito. Yo no hice el mayor trabajo con la encuadernación, pero se adapta a mis necesidades. Tiendo a guardar materiales específicos en cuadernos de bocetos específicos. Con un cuaderno de bocetos que tiene realmente bonito papel de acuarela de alta calidad, tiendo a ramificarme en muchos medios diferentes que son más utilizados para medios mixtos aunque la mayoría de las personas que me siguen en redes sociales sólo ven realmente mis pinturas. La mayor parte de mi tiempo practicando se gasta usando muchos materiales diferentes, por lo que poder explorar estos libremente en mis cuadernos de bocetos es crucial para mi crecimiento como artista. Hay esta cosa que he hecho que he visto hacer otros artistas, que es aguantar el inicio un cuaderno de bocetos porque solo tienen miedo de estropearse. He estado allí muchas veces. La forma en que lo supero es usar el primer par de páginas para probar montones de materiales diferentes. No sólo es esto realmente, realmente útil, sino que también se convierte en tu referencia para el futuro de tu cuaderno de bocetos. cualquier momento por la carretera, Encualquier momento por la carretera, estás trabajando ahí, quieres cambiar a un nuevo medio, solo puedes mirar rápidamente tu hoja de referencia y ver cómo se va a comportar ese material. Esta es una gran manera de superar el miedo a estropear tu primera página porque estas páginas de referencia son desordenadas [Risas]. Le da un propósito más allá de algo que se ve bonito. Dos de mis cosas favoritas para bosquejar son rocas y árboles. Este cuaderno de bocetos está dedicado a esos dos temas. Si lo abrimos por un lado, esta es la sección rock [Risas]. Lo llamé Las Mantas Vidas Secretas de Rocas. Tienen su propio idioma. Esto solo está lleno de experimentación, tratando de dibujar diferentes formas, solo divirtiéndote mucho con él porque ¿por qué no? Pero mucho de esto es para que yo practique dibujar y sombrear todas las diferentes facetas de las rocas. No solo sucede de la noche a la mañana. Me ha llevado mucho tiempo llegar a este punto. Algo que recomiendo muy encarecidamente es llevar un pequeño cuaderno de bocetos como este por ahí contigo, ponerlo en tu auto para que siempre esté contigo sobre la marcha. Si estás esperando 15 minutos para una cita en algún lugar, solo puedes sacarla y comenzar a hacer bocetos. Cuanto más lo hagas, más estás construyendo tu memoria muscular. La mayoría de estos apenas se extraen de la imaginación. Empezaré con una forma de símbolo y a partir de ahí trato de visualizar lo que está sucediendo en 3D en el espacio pero de nuevo, esa es su propia habilidad que viene con el tiempo, eso viene con la práctica. También paso mucho tiempo junto al río y me gusta equilibrar piedras. Es una actividad desafiante, pero me parece muy relajante. Un día cuando estaba ahí fuera, acabo de empezar a esbozarlas. Si damos la vuelta al cuaderno de bocetos , voltearlo, tenemos la sección de árboles y la llamé Las muchas maneras de los árboles y sus sueños. Al igual que con las rocas, se trata tanto de la experimentación. Muchas veces empezaré dibujando solo un gesto muy suelto de un árbol, casi como si estuviera haciendo dibujo de figura de gestos. A veces voy a sacar esto al bosque y sacar de la vida y otras veces es sólo de la imaginación y realmente me gusta desafiarme a mí mismo a ser creativo con mis árboles. Algo que hago para practicar el dibujo de árboles es hacer estas formas muy simples y luego tratar de renderlas de una manera más 3D. Apenas comenzando con una simple forma de S, ¿qué puedo hacer para que parezca que tenga algún volumen? Muchas veces con mis árboles, se puede ver el esqueleto de mi boceto hasta la etapa final. Personalmente no me importa poder ver todos esos pequeños lineamientos, hecho me gusta. También puedes ver ese estilo de eclosión de línea paralela que te hablé. Consigue un cuaderno de bocetos, hazlo tu mejor amigo. [ Risas] 7. 2.3 Formas simplificadas, parte 1: [ MÚSICA] Todo en el paisaje se puede descomponer en formas muy simples. Si comienzas a practicar viendo estas formas en tu entorno, estás ayudando a prepararte para dibujarlas. El fundamento de nuestras pinturas, sobre todo cuando se utiliza la acuarela, serán fuertes habilidades de dibujo. Me gusta imaginar estas formas como el esqueleto de nuestra pintura. Si la pintura tiene buenos huesos, puede comunicar su tema mucho mejor. En esta lección, te mostraré cómo simplifico las formas en el paisaje. Pero si quieres más detalle sobre dibujar o pintar árboles o rocas, tengo otras dos clases completas sobre esas materias. Pero por ahora, comencemos con lo básico. Hola a todos del muy frío Noreste de Escocia. [ Risas] Para esta lección, te voy a llevar a través mi proceso para caminar por fuera y mirar objetos como rocas o ramas y simplificarlos hasta su núcleo geométrico simplificado formas. Vamos a estar usando papel de computadora y un sharpie. El motivo por el que estoy usando los insumos más básicos es porque siento que es muy importante cuando empiezas por primera vez a superar el miedo a arruinar. Si estás usando un libro de bocetos caro, suministros caros, a veces eso solo te detendrá. Además con un sharpie, con un marcador, no puedes borrar [Risas] por lo que de inmediato tienes que dejar ir tu miedo a hacer una mala marca o arruinar una línea. Recuerda que cada vez que cometes un error, estás aprendiendo de ello. Si tienes evidencia de errores en tu lienzo o en tu papel, es solo una lección aprendida y vas a hacer una mejor la próxima vez. Sólo voy a estar caminando por mi casa, caminando por el patio. Si vives en una ciudad, puedes ir a un parque local o simplemente podrías caminar por la calle y encontrar un lugar tranquilo lejos de la gente. [ Risas] No hay excusa sin importar qué. Puedes salir afuera y puedes encontrar una roca o una rama y puedes bosquejar. Veamos qué podemos encontrar. A unos pies de mi puerta, eso es una roca. [ Risas] Vamos a esbozarla. Cuando me siento a dibujar esta roca, lo primero en lo que estoy pensando es en cuál es la forma geométrica básica con la que comenzaría. ¿ Sería un círculo o un cubo o algo así? En este caso, voy a decir esfera ligeramente aplanada o círculo. Esa es en su forma más básica. Esto es con lo que estoy empezando. No obstante, se puede ver que el fondo de esa roca está en el suelo, es plano. No es una bola que esté rodando por ahí. Podemos simplificar eso aplanando el fondo. Ya se parece mucho más a la roca, pero podemos ver que hay algunos ángulos en la roca que tienen un poco más de un borde plano o incluso como una sangría. Vamos a tratar poco a poco de hacer esto paso a paso. En el lado izquierdo, puedo ver que ahí hay un poco de borde plano. Eso es lo primero que haré, así que aplanaré ese borde. El frente de la roca viene hacia mí y luego de nuevo. Ahí hay una esquina que está muy redondeada en el frente. En este caso, llevaríamos un poco esta línea plana hacia nosotros y luego la enviaríamos de vuelta. A medida que va atrás, este lado derecho vuelve a estar un poco más aplanado. En lugar de un borde redondo, lo traería un poco más plano. Entonces la parte superior de la roca es bastante plana y sí tiene un poco de un cónico redondeado a ella. No voy a ir completamente plano, pero voy a redondear eso un poco. ¿ Cómo descubrimos dónde sombrearlo para darle más un look 3D? Bueno, ya que el sol no está golpeando esta roca directamente y no hay reflejos ni sombras súper fuertes, solo puedo decidir eso por mí mismo. [ Risas] Dondequiera que haya un poco de sombra en este lado por aquí, puedo simplemente elegir que como mi lado de sombra y este lado superior derecho será mi lado más destacado. Si piensas volver a la lección de bocetos, te mostré mi estrategia para eclosionar, que es como estas líneas paralelas, o crosshatching, que está haciendo lo mismo pero por encima te vas en lo contrario dirección. Depende de ti decidir cómo quieres sombrearlo. Pero voy a usar mi método normal y voy a añadir la sombra a este lado izquierdo. En primer lugar, me quedaré en alguna de esa primera capa. Una cosa que estoy notando es el borde superior de la sombra porque la roca tiene esta gran tapa plana. [ Risas] Se estrecha hacia abajo hacia esta esquina delantera. Mi sombreado va a ir en ángulo hacia esa esquina delantera. Hay un poco de sombra en la parte inferior de este lado derecho de la roca también. Voy a continuar eso por ahí. Tenemos una forma roca básica. Si queremos darle aún más carácter o hacerlo un poco más detallado, podemos añadir más sombreado o rayar o dibujar cualquiera de las líneas y otras marcas que vemos. A lo mejor tendría un poco de sombra aquí porque aquí hay un pequeño chapuzón aquí en la roca. A lo mejor hay una línea rota que recorre la roca aquí y allá porque hay muchas grietas en esta roca y muchos patrones interesantes. A pesar de que es una roca ligera, si miras de cerca, puedes ver eso. Si quieres, puedes dejarlo justo en eso, la forma básica. Esta sería nuestra roca muy simplificada. [ Risas] Veamos qué más podemos encontrar aquí. [ RUIDO] Tenemos algunas ramas que podríamos dibujar. Tenemos otra roca, en realidad un montón de rocas aquí abajo. Vamos a montar y dibujar un par de estas rocas. Oso conmigo con la iluminación porque cuando levante mi papel, va a hacer que el video sea un poco más oscuro, y luego cuando lo baje, el video se va a poner mucho más brillante. En primer lugar, tenemos que decidir qué roca vamos a dibujar. Una de las rocas que realmente me destaca es ésta porque tiene muchas formas frescas pasando. Pero lo primero que noto es esta gran tapa plana. También tiene algunos bordes verticales planos en ambos lados y un gran chapuzón aquí. En este caso, un poco más de sentido pensarlo como un cubo y un cubo que estamos mirando hacia abajo. Lo primero que haría es dibujar un cubo solo para darme un punto de partida. Si estamos empezando con un cubo, este sería mi cubo básico. Oh Dios mío, esto es tan torcido. [ Risas] Si no estás muy familiarizado con dibujar cubos, pueden sentirse un poco complicados al principio. Te he proporcionado algunas plantillas que puedes mirar e incluso rastrear solo para que empieces. Pero como se puede ver, el frente de este cubo es un cuadrado plano grande, y luego los lados y la parte superior vuelven a la distancia un poco. Pero el problema con que este sea mi punto de partida es que esta roca, en su mayor parte, no tiene una gran plaza frontal que estemos mirando. En todo caso, la cima de la roca está tomando precedencia y eso es con lo que debería empezar. Lo que haría en cambio, es dibujar un cubo que estoy mirando hacia abajo. Recuerda, no te preocupes si tus líneas están todas desordenadas porque esto es solo práctica. Estoy mirando hacia abajo a este cubo. Entonces sí, tendríamos bordes como este. Este es un poco de un mejor punto de partida para mi roca. Una cosa realmente útil es intentar imaginarlo en 3D para que puedas imaginar, puedes ver a través de esto, si quieres, puedes dibujar líneas punteadas en el interior. Cómo dibujé este cuadrado con las líneas 3D es, miré esta forma y miré la altura de esta línea, y dibujé esto, la altura de esta línea. Yo copié eso por aquí, pero lo hice en una línea punteada. Esto es aproximadamente de la misma altura que esa, y luego una vez que hice eso, simplemente pude conectar las líneas, y conectar las líneas. Ahí vamos. Sé que no todo el mundo piensa en las formas y el medio ambiente de esta manera. Creo que es sólo por mi experiencia en diseño. A menudo pienso en las cosas de una manera más arquitectónica. Esto me ayuda a visualizar las cosas. Pero si no necesitas esto, está bien, puedes saltarte. Pero estamos usando la forma como inspiración. Empecemos con la parte superior. Puedo ver que el borde posterior de la roca, no está en ángulo, está en diagonal. Por lo que esta diagonal baja a la izquierda, ésta ligeramente a la derecha. Empecemos con el borde trasero y no es completamente plano, pero vamos a empezar con una versión simplificada. Puedo ver que toda la cima de esta roca no es una plaza perfecta, tiene otro divot aquí y sangría [Risas] donde se rompió y los ángulos de vuelta hacia esa esquina trasera. No obstante, hay unos labios, unos cuantos bordes aquí que no quiero ignorar. Se ve así. Tenemos estos bordes y luego se ángulos hacia atrás. Entonces de esta manera sale y luego baja y este lado aquí es un poco más recto. Este es un poco recto y éste sale y abajo. Entonces pude ver donde este borde se inclina hacia atrás. Hay una línea, hay una zona aquí. Aquí hay una cara plana grande que quiero capturar, eso se ve así. Aquí hay un poco de forma de diamante. Voy a hacer eso y solo conectarlos. Esta es una versión muy simplificada. Si queremos, podemos intentar sumar más líneas y facetas. Haz cuantos necesites para ayudarte a entenderlo. [ Risas] Pero para rock-fy esto, como diría yo, es para que esto parezca más como una roca, voy a dibujarla otra vez, pero voy a arruinar un poco los bordes. Ahora estoy usando esto como mi guía y voy a roughen. Estoy dibujando esta forma superior otra vez, pero lo estoy haciendo un poco más irregular. Simplemente simplifique esto. Ahora, una vez más, no tenemos reflejos ni sombras fuertes por lo que esta vez voy a inventar totalmente mis propias reglas. Voy a imaginarme el sol que viene de esta dirección. Si ese es el caso, el sol estaría golpeando esta cima, estaría golpeando un poco aquí, pero todo este lado va a estar en sombra. Una forma realmente divertida de que puedes usar esa técnica de eclosión de la que hablé donde tienes todas estas líneas paralelas es que puedes seguir, puedes usarlas de manera direccional. Si tengo una cara vertical, puedo usar eclosión vertical. Si tengo una forma diagonal u horizontal, puedo usar el mismo ángulo. sólo hacer estas líneas direccionales fáciles, podemos empezar a comunicar la dirección o las facetas en la roca. Podría haber una pequeña sombra aquí abajo y un poco aquí. Si quiero comunicarme menos sombra, acabo de separar mis líneas un poco más. Voy a dejar solo el borde superior porque en realidad o tal vez agrego un poquito de sombra. [ Risas] Rompa un poco. Se puede jugar totalmente con las direcciones de las líneas. Eso es lo básico de cómo rompería eso en las formas simplificadas y poco a poco construiría el realismo hacia una forma de roca. Ahora vamos a ver algunas ramas de árboles. Literalmente estoy girando a la derecha y vamos a mirar este árbol. Me encanta este árbol. A mis gatos también les encanta. Como se puede ver, empezaron a rascarse ahí mismo. Una de las cosas geniales de este árbol es que hay múltiples troncos saliendo de la base de la raíz. Veamos esto como nuestro primer ejemplo. Para los árboles, en lugar de pensar en plazas o círculos, pienso en cilindros. Por cilindro, quiero decir, este cilindro muy simplificado. Esta es la forma que voy a tener presente en todo momento. Estos tubos largos para mí son los más similares a troncos y ramas de árboles. Para empezar cuando miramos esto, podemos ver que hay una base singular y hay múltiples troncos saliendo de ella en diferentes ángulos. Una de las primeras cosas que puedes hacer para aterrizar es pensar la base y muchos troncos de árboles que quieras dibujar saliendo de eso. Para dar eso al siguiente paso, lo que yo haría es dibujar tubos o cilindros como quieras verlos. En su forma más básica, podemos verlo así. ¿ Cómo llevaría esta forma simplificada al siguiente nivel? Por supuesto, cuando miras esto, puedes ver que estos están bastante angulados, están bastante extendidos, mientras que el árbol en sí es un poco más vertical. Eso es porque no se pueden ver todos los troncos desde este ángulo. [ Risas] Este baúl principal aquí está en el frente y luego tienes uno aquí que está un poco detrás de él y luego hay uno allá atrás que está detrás de todos esos. De hecho, tendríamos que tener un tronco principal y luego el otro estaría ligeramente atrás. Para ello, comenzaría con un baúl principal y los aplastaba un poquito más para que ya no se pueda ver la base de ese baúl. Está detrás del baúl principal. Entonces va a haber uno aquí atrás que ni siquiera podrás verlo todo. Así, aunque obviamente eso es extremadamente simplificado. Pero tomamos lo que teníamos antes eso estaba bastante extendido y lo aplastamos un poco juntos e hicimos el ángulo un poco más vertical. Ahora, para llevar esto al siguiente nivel y tal vez darle algún sombreado, lo que haría es tratar ver el esquema real de este árbol. En lugar de simplemente cilindros perfectos, puedo ver que hay un poco de un borde áspero en él. Hay algunos grumos aquí y allá. [ Risas] Las raíces en el fondo bajan a un costado y al suelo. Una de las primeras cosas que haría, dibujar un poco más de un borde irregular para representar esa forma abultada. Entonces en la parte inferior, lo haría salir, ligeramente en la parte inferior. Realmente puedes exagerar eso y es divertido dibujar raíces súper exageradas. Entonces el tronco del árbol detrás de él, nos lumpificaríamos ese un poco. Vamos a mantenerlo simple y empezar con esto. Creo que también tendríamos un poco de labio en esta raíz aquí abajo, pero está detrás del árbol principal. Puedo ver aquí que hay punto culminante en el lado derecho del árbol por lo que el lado izquierdo del árbol va a estar más en sombra. Se puede ver que esto no es una línea perfectamente recta. Estoy dejando que tenga mucha variación. Están bastante unidos porque ahí hay una cantidad decente de sombra. Este sí tiene algo destacado en él, pero no es tanto. Entonces estaría cubriendo éste en más eclosión. Nuevamente, no estamos enfocados en hacer nada perfecto. Simplemente estamos mirando la forma básica y tratando de capturar las cosas de forma rápida y más simplificada. Agregaré un poco de crosshatching aquí para oscurecer esto. Ahí vamos, un tronco de árbol muy básico. Si quieres sumar los troncos de los árboles que están más allá atrás, esos están todos en sombra. Probablemente haría algo como esto donde todo está a la sombra. Sólo para enfatizar realmente el hecho de que está muy de vuelta ahí en las sombras. Cuando solo tienes dos valores, que es blanco y negro, este es el tipo de cosas que hacemos para simplificar. [ Risas] Tomamos decisiones muy fuertes sobre reflejos y sombras. Ahora echemos un vistazo a las ramas. Echemos un vistazo a esta sucursal principal aquí. Echemos un vistazo a éste y un par de estos que están saliendo de un lado. Primero, pensemos en esta rama principal. Una vez más, lo vamos a pensar como un cilindro o un tubo. Voy a dibujarlo en esta ligera diagonal. Si quieres ayudarte a descubrir los ángulos de las cosas, un consejo realmente útil es sostener tu pincel o tu lápiz y coincidir con el ángulo de la misma. Agarras tu bolígrafo o tu lápiz y luego sin mover mi muñeca, yo lo sujetaría hasta mi papel. Ahora sé que este es el ángulo. Me presiona la mano contra el papel para que no se haya movido. Pero ahora sé que este es el ángulo que necesito. Ahí hay uno. [ Risas] Hemos hecho una simple rama saliendo de eso. Como se pudo ver, empecé con básicamente un cilindro. Si lo desea, puede dibujar los extremos en él e intentar imaginarlo como un cilindro. Así. Tenemos esta rama saliendo. Está bien, si tus líneas están pasando por tus otras líneas, recuerda que esto es solo práctica para simplificar las formas. Puedes intentar imaginarlo como un tubo también para que tenga un borde redondeado ya que se adhiere a la rama principal. Al llegar hacia nosotros, podrías imaginarlo como un tubo. Puedes seguir haciendo esto por todas las ramas. Puedes agregar tantos como necesites. Si están en la parte delantera de la rama frente a ti, serías capaz de ver un poco de curva donde se unen. Si están en la parte trasera de la sucursal, no lo verás porque vienen de detrás de la rama. [ Risas] Por supuesto, si estás haciendo un dibujo real, no mostrarías estas líneas pasando por la rama. Lo dibujarías muy ligeramente y luego al final cuando estabas entintando todo o pintándolo, no incluirías esta línea pasando por la rama obviamente. Puedo ver que hay un poco de resaltado en el borde superior de las ramas, a la derecha. El lado inferior va a ser un poco más oscuro. En este caso, añadiría la eclosión toda ahí debajo. Me saltaría esa rama por ahora. Tendría que elegir qué lado de la rama tiene sombra. En este caso, el lado derecho tiene un punto culminante por lo que añadiría un poco de oscuridad en el lado izquierdo, pero la mayor parte está en punto culminante. Lo mismo pasa para éste. Sólo un poquito. Por lo general, cuando estoy dibujando ramas, las que están detrás, acabo de eclosionar. Si miramos a esta rama, podemos ver que se curva muy bien. Todas las agujas u hojas de pino, lo que sea, están fuera a la derecha. Si estoy dibujando esto, voy a ver cómo esto es más horizontal, y luego va casi totalmente vertical. Se curva aquí arriba y luego es totalmente vertical. Es casi como la forma de una F. Sube y luego todo sale a la derecha o arriba a la derecha. Para simplificar eso, tengo mi rama principal y luego esa pequeña rama curva aparece así. Una vez que se levanta bastante alto, comienza a curvarse hacia la derecha. Todas las ramitas hacen lo mismo. Estos incluso tienen sus propias ramitas y así sucesivamente. Pero para simplificar todo este follaje, en lugar de estar aquí parado en dibujar cada pequeño detalle, cada pequeño detalle, lo dibujo en racimos. Ya que estas son puntiagudas, no son realmente grandes hojas viejas, las miraría así. Cúmulos de agujas muy simplificados. Todos van a salir a la derecha. Así. Puedes dibujar tantos como quieras. Podemos añadir un poco de sombra a la parte inferior de esta rama. Entonces así es como trato de simplificar las formas en el paisaje. Pero volvamos al estudio y hablemos un poco más de esto. 8. 2.3 Formas simplificadas, parte 2: A menudo repaso estos conceptos básicos y trato de seguir creciendo mi habilidad de ver formas básicas en el paisaje. Cómo empiezo con un cubo o círculo o esfera o cilindro, luego transformarlo en un objeto más creíble. Cuando se trata de hacer objetos creíbles, sombreado es en realidad bastante importante. Si quieres llevarlo al siguiente nivel, realmente recomiendo practicar todos los diferentes tipos de sombreado. Un ejercicio realmente divertido es practicar sombreado con marcadores. Lo que haré es conseguir un punto culminante, un tono medio, y un tono de sombra. Tampoco me estoy permitiendo mezclarlos. Lo que tengo que hacer es pensar en lo que es mi punto culminante y medio tono y sombra. Estos términos se refieren al espectro de la luz a la oscuridad. En un extremo tenemos nuestras oscuras más oscuras, que es nuestra sombra. El medio de esta sección es el tono medio y la zona más brillante es nuestro punto culminante. Puedes asignar cualquier tono o color a estas secciones, porque al final todas son relativas entre sí. Ya puedo prever algunas personas viendo esto que están pensando, hombre, este es un estilo tan extraño o un estilo grueso muy suelto. Esa no es la taza de té de todos, que entiendo totalmente. Estoy seguro a medida que empieces a ver más clases sobre este tema, encontrarás todo tipo de estilos diferentes y eventualmente uno va a resuenar contigo. En lugar de enfocarme en cómo se ven mis resultados finales, quiero que piensen más profundamente en el proceso. ¿ Cómo puedes integrar las formas básicas y las formas básicas de sombreado en un estilo que realmente te convenga. En esta clase, obviamente nos estamos enfocando en los pasos básicos muy mínimos que debes tomar para dibujar rocas y árboles. Hay tantas otras cosas en el paisaje que tendremos que aprender pero la razón por la que me afinco en rocas y árboles en particular, es porque si entiendes cómo dibujarlas, el paisaje que tendremos que aprender pero la razón por la que me afinco enrocas y árboles en particular, es porque si entiendes cómo dibujarlas, puede aprender a dibujar prácticamente cualquier elemento en el paisaje. Todo comienza con formas básicas. A pesar de que en poco tiempo te voy a enseñar a pintar también rocas y árboles, también quiero señalar que hay tantas otras formas de hacerlo. En la otra clase que tengo sobre las rocas, este es el estilo que cubrimos y este es el estilo que cubrimos en la clase arbórea. Pero todo proviene de la misma técnica de simplificar primero las formas en el paisaje. Con eso dicho, hablemos más de los árboles. Cuando se trata de dibujar árboles, me gusta mantener las cosas mucho más fluidas y orgánicas. Empiezo con una línea de gestos. Con eso quiero decir, solo trato de crear una línea fluida muy suave sin ángulos duros o incómodos. Este será el tronco o el punto central a partir del cual crecerán todas las ramas. Estoy usando sort s-curve para mi tronco pero si estuviera dibujando un pino que son muy altos y rectos, definitivamente usaría más de una línea recta. Probablemente todavía no lo haría perfecto sin embargo. A veces incluso imagino mis árboles como personas de una manera como las ramas de los árboles son brazos que llegan hasta el cielo. Una vez que tenga la forma básica o la estructura subyacente de mi árbol descubrada, puedo agregar la piel como llamo [RIESAS] pero básicamente esto significa la forma real del árbol y la corteza y todos los otros pequeños detalles. La mayoría de las veces trato de agregar un poco de textura o rugosidad al contorno de mi árbol porque corteza suele ser un poco más áspera. Sí, hay árboles lisos pero esto solo ayuda a agregarle un poco más de carácter. Cuando estoy dibujando estas líneas, no estoy súper preocupado por hacer algo perfecto. Quiero que las cosas se vean muy orgánicas, a veces un poco extrañas. Porque si sales y caminas por el bosque, vas a encontrar tantos árboles de aspecto loco. Honestamente, a veces pienso que cuanto más loco, mejor así que tiendo a mover mi lápiz o mi pluma bastante rápido. Esto me obliga a tomar decisiones rápidamente y no exagerar ninguna línea o un área. Porque cuando hago eso, tiendo a hacer que las cosas se vean incómodas y rígidas. Se puede ver a veces dibujo en pautas para mí como mostrar cuán redondo es algo o quizás enfatizar la textura de la corteza o cualquiera de las grandes grietas en un árbol. Por supuesto, un poco de eclosión aquí y allá para algunas de las zonas más sombrías. Si quisieras que esto fuera visible en la pintura final, usarías un marcador o unas líneas realmente oscuras pero también podrías hacer todo esto con un lápiz muy ligero. Entonces cuando pintas sobre él, apenas es visible, así que usa tantas o cuantas líneas como necesites para ayudarte a ver realmente la forma y los detalles del árbol. Veamos rápidamente la forma de las ramas. Siempre los visualizo como tubos. La forma más fácil de empezar es dibujando el punto de inicio y el punto final y luego conectarlos pero generalmente nuestras ramas no son perfectamente rectas. Dibuja unos puntos y practica conectarlos. Cuanto más practiques visualizar las ramas de esta manera, menos frecuencia necesitas dibujar la estructura subyacente por ti mismo pero si eres nuevo en dibujar árboles, me parece que este ejercicio realmente ayuda a descomponer la complejidad de una gran masa de ramas. Al igual que con el cubo y la roca, podemos practicar haciendo los reflejos y sombras. Si imaginamos que el sol está de nuevo en la parte superior izquierda, el lado resaltado estará más cerca del sol y el lado de la sombra estará al otro lado de la rama. Imaginar el tronco y las ramas como tubos lo hará un poco más fácil a la hora de sombrear. Si encuentras que este método está resultando en ramas que se ven un poco demasiado rígidas, puedes probar el método espiral o el método slinky. Empecé a dibujar un gran remolino viejo y delinear esto con la piel o la corteza del árbol. Encuentro que esta es una manera realmente genial para dibujar grandes ramas viejas retorcidas como en un roble. Hacer esto lleva a algunos resultados realmente funky [RUIDO] y realmente puede ayudarte a aflojar y hacer que las cosas se vean un poco más orgánicas y evitar este síndrome de rama rígida. Como dije, eventualmente no necesitarás pasar por todo este trabajo por cada dibujo. Pero comenzar con estos ejercicios es una manera realmente genial de solidificar este conocimiento, todo este concepto en tu mente. De verdad te animo a que prestes atención a estos detalles cuando salgas afuera. La próxima vez que vayas a algún lado, mantente atento a algunas rocas y árboles y ramas. Empieza a recoger los pequeños detalles que ves. Cuanto más llene su biblioteca visual interna, mejor será. Sabemos que los árboles no son solo troncos y ramas, hay algo pasando por encima de todo eso. Las hojas o el follaje o el dosel, como quieras llamarlo. Haremos un ejercicio sencillo para que cuando salgas y veas un árbol que quieres dibujar, puedas empezar con formas simples y luego construir poco a poco el detalle. Empezaremos con un roble, que suele tener un tronco grande que se divide en diferentes piezas. Empecemos con tres cajas. En el primero, dibuja dos o tres círculos que se superpongan. Después dibuja algunos óvalos por debajo que se conectan a un solo punto. Puedes dibujar esto de nuevo en el segundo cuadro o simplemente usar ese primer cuadro como referencia. Pero esta vez en lugar de repetir las mismas formas simples, quiero que dibujes algunas líneas puntiagudas que delinean esos círculos. Entonces intenta dibujar un tronco más orgánico, de aspecto natural que represente esos óvalos originales. Se puede ver que agregué una rama extra a la mía. En la tercera caja vamos a refinar esto un poco más y empezar a agregar un poco de sombreado pero aún vamos a mantenerlo simple. Estoy usando esa simple eclosión direccional que te mostré antes para representar las sombras. Si imagino que el sol está por encima del árbol, las sombras van a aparecer debajo las hojas o en la parte inferior del dosel. Lo mismo en el tronco y las ramas. Al menos hay algunas sombras grandes que caen sobre el árbol desde el dosel de arriba. Puedes usar este método de comenzar con formas muy simples y poco a poco trabajar hasta un dibujo más detallado antes de empezar a pintar. Esto puede ayudarte a familiarizarte con los árboles que estás viendo y hacer algunas corridas de práctica con la composición y sombras y reflejos. Cuán claro y oscuro es algo o los valores serán tan importantes cuando empecemos a pintar. Acostumbrarse a hacer estos pequeños estudios rápidos y bocetos de valor será realmente útil más adelante. Te mostraré cómo me gusta dibujar mis hojas. Normalmente empiezo con forma de ojo de gato o tal vez un limón ligeramente aplanado [Risas]. Cuando estoy dibujando racimos de hojas, trato de hacer muchas formas y tamaños diferentes. No quiero que nada parezca demasiado uniforme o que esté repitiendo notablemente un solo patrón. Pero incluso con algunas de estas simples formas superpuestas, podemos representar rápidamente un cúmulo de hojas pero a veces ni siquiera entro en tanto detalle. En lugar de dibujar cada hoja individual, dibujaré estos racimos blandos, que básicamente estoy esbozando la forma de todas esas hojas individuales. Tal vez arroje unas cuantas líneas o círculos y sólo para romperlo un poco. No tienes que conectar cada línea. Puedes dejar mucho espacio ahí porque cuando pintes esto, estas solo van a ser sugerencias del contorno de las hojas y el dolor o los colores que añades te explicarán el resto. Dibujemos juntos un árbol muy básico. Empezaremos con nuestras líneas de gestos y dibujaremos esas ramas de árboles moviéndose hacia arriba y hacia afuera desde ese punto central. Como se puede ver, moví mi lápiz bastante rápido y realmente no me levanté mucho del papel así que me dan muchas líneas conectadas incómodas. Esta es sólo la estructura subyacente y vamos a hacer algo de tinta en la parte superior. Para representar las hojas de arriba, dibujaremos algunos círculos muy simples al principio. Por cierto, el término adecuado para esta enorme área de hojas por encima del tronco es la corona del árbol. La corona del árbol suele ser mucho más ancha que la base o el tronco del árbol. Cada tipo de árbol es diferente como verás, más dibujas de fotos de vida o de referencia. Cuando empiezo a dibujar con mi bolígrafo, trato de mantenerlo un poco suelto. Una vez más, trato de evitar hacer ramas rígidas, de aspecto incómodo. En cierto modo estoy tratando de sorprenderme con la dirección que estoy haciendo fluir las ramas. Tengo una idea general de dónde quiero que vayan pero en el momento, realmente trato de hacerlo impredecible. En general, solo trato de evitar muchos ángulos perfectos. Algunas de las ramas saldrán del frente del maletero y algunas de ellas estarán detrás. Como mencioné antes, no tenemos que sentarnos aquí y dibujar cada hoja en la corona del árbol pero usando ese círculo subyacente o guía que dibujé, puedo empezar a colocar algunas de las hojas y luego conectarlos de una manera simplificada. No sólo hacer esto alrededor la parte exterior de la corona sino también hacia adentro donde las ramas suben a la corona. Algunas de estas hojas simplificadas están detrás de las ramas y algunas de ellas se dibujan en la parte superior de la rama donde desaparecen detrás de las hojas. Tiendo a alternar mis formas entre más circulares y más puntiagudas. Solo depende de qué tipo de árbol estoy dibujando y de lo áspero que quiera que se vea. Utilizaré mis marcadores para demostrar cómo vería los valores en este estudio. Todas esas hojas que dibujé detrás las ramas de los árboles se pondrán un poco de sombreado. No tiene que ser la zona más oscura al principio, podemos empezar con nuestro tono medio. Agregar unas marcas simples en la corona del árbol ayudará a que la corona se vea un poco más llena. Estas son solo marcas simples imitando el contorno que utilicé. Ahora pensando en ese pequeño estudio que hicimos antes, piense en cómo las hojas de arriba están arrojando una sombra hacia abajo sobre las ramas. Debido a que nuestros troncos de árboles suelen ser más oscuros que las hojas de arriba de todos modos, tiendo a usar allí un color más oscuro y valores más oscuros. Usando un gris más oscuro, puedo empezar a agregar algunas de esas sombras. Cuando se trata de valores, todo es relativo. Constantemente estás comparando un valor con otro valor. Si pienso en cómo las hojas de un árbol suelen ser mucho más ligeras que el tronco, no quiero que quede ningún blanco puro en el tronco. Si oscurezco un poco el tronco, las hojas de arriba se verán mucho más brillantes. Una buena tarea tarea es dibujar algunos tipos diferentes de árboles con el método simple. Para un pino, podría comenzar con forma de cono en lugar de un círculo, y el tronco será mucho más recto. Ya que los pinos tienen agujas de pino, uso un tipo diferente de marca cuando estoy dibujando el dosel. En lugar de esos limones aplanados o [Risas] hojas circulares, dibujaré unas largas marcas puntiagudas. Este es solo un método súper fácil y simplificado para dibujar racimos de agujas de pino. Agregar un poco de sombra debajo esas marcas ayudará a dar profundidad al dosel. Una vez más por debajo de la corona, agregaré alguna sombra más oscura en el tronco. Esto obliga al tronco hacia atrás en el espacio y lo hace sentir como si estuviera sentado debajo de esa gran corona. Esta fue una larga lección y cubrimos mucho pero esta es una de las lecciones más importantes que llevará a cabo a todo lo demás que hacemos. Realmente te animo a llenar un montón de páginas en tus cuadernos de bocetos practicando estas técnicas. Si ayuda, he incluido algunas plantillas y fotos de todo lo que hice en los recursos de clase para que puedas referirlo. 9. 2.4 Estudios de valor: [ MÚSICA] Antes de hablar de composición, hablemos de valores. Porque en última instancia los valores son lo más importante en nuestros dibujos y pinturas, y sin entender la importancia de los valores no podemos esperar entender la composición. Ahora, probablemente ya lo sepas, pero los valores en cuanto al arte significan cuán claro u oscuro es algo. Tendemos a pensarlo en forma de un espectro desde tu brillante más brillante hasta tu oscuridad más oscura. Esto puede variar dependiendo de los materiales que esté utilizando. En el caso de este dibujo, tenemos aquí nuestra oscuridad más oscura y nuestro más brillante es en realidad el papel. Todo en el medio está en un espectro entre esos dos. Algo que me parece realmente útil es hacer un boceto de Notan. Notan es una palabra japonesa que significa armonía claro-oscura. Cuando estamos dibujando, estamos tratando de encontrar el equilibrio perfecto entre la luz y la oscuridad. Este es un ejercicio realmente genial, sobre todo cuando se trata de diseñar la composición de nuestros dibujos y pinturas. Pero tomar una foto de referencia y convertirla en un simple dibujo en blanco y negro puede ser un reto. Utilizaré esta foto que tomé en el auto como ejemplo. A veces ayuda desaturar nuestras referencias. Hablemos de ir de esto a esto. Los valores pueden ayudar a comunicar lo que es importante en un dibujo. El ojo humano se siente atraído por el contraste. Entonces lo principal en lo que pienso cuando hago mis estudios de valor es, ¿esta área atrae el ojo o no? Porque en última instancia eso es lo importante. Como artista, estamos creando nuestro propio pequeño mundo en nuestro papel y tenemos el poder de dirigir la atención de nuestro espectador donde queramos. Entonces, por supuesto, tenemos que saber cuáles son nuestras intenciones. En este caso, me sentí realmente atraído por las lineas hermosas que me llevaron de nuevo al paisaje. Para captar eso en mi dibujo, me voy a enfocar en crear esas líneas, ya sea a través de arbustos, árboles, vallas, o la diferencia de color en los propios campos. Pero en el boceto de Notan, tenemos dos valores, negro o blanco, o en este caso, gris. Forzarme a simplificar las cosas en estos dos valores ayudará a crear una estructura de valor realmente fuerte en la pintura final. Hacer estos bocetos rápidos de Notan es también una gran oportunidad para jugar con diferentes composiciones. Por ejemplo, aquí estoy alterando el ángulo de las líneas que me traen de vuelta al paisaje. En la foto de referencia, son mucho más horizontales, lo cual está bien, pero no me pareció tan interesante. Para simplificar todo en estos dos valores entrecerré los ojos ante la referencia. Hacer esto reduce la saturación, lo que elimina alguna distracción. Simplifica todas las formas y los valores. En mi mente, estoy traduciendo lo que veo como formas oscuras en negro puro y algo más claro que eso está representado por el color del papel o mi valor brillante. bocetos notan están destinados a ser rápidos y sueltos y una manera de simplificar los valores. A partir de aquí podemos darle un paso más allá hacia un estudio de valor más detallado. Ahora estaré usando una combinación de la foto de referencia y mi boceto de Notan. Si no me gustaba algo en el boceto de Notan, ahora es mi oportunidad de cambiarlo. Un consejo rápido es que todo en la distancia tiende a ser un poco menos contrastante. Entonces en nuestra escala de valor, las cosas en la distancia podrían caer en algún lugar hacia el medio. Si el negro es nuestro oscuro y el blanco más oscuro es nuestro brillante más brillante, el suelo medio tenderá a ser un gris medio. Una vez más, un estudio de valor como este no tiene que ser detallado. Se puede ver que estoy usando una forma muy sencilla de bosquejar y sombrear cosas en con líneas verticales para mis árboles y en primer plano cuando estoy haciendo los pastos, tal vez pueda usar un poco más formas diagonales o incluso horizontales. Mi objetivo con un estudio de valor es darme una guía o un pequeño mapa sobre cómo voy a pintar las cosas. Al estar haciendo esto, estoy pensando en los colores que voy a aplicar a estas áreas más adelante. Pero claro, hablaré de color una vez que entremos en las clases de pintura. A partir de ahora en el boceto, casi me he estado pegando con un gris medio y por supuesto el blanco del papel. El ojo podría ya estar fluyendo por el paisaje por esas líneas diagonales, pero puedo hacer un mejor trabajo dirigiendo el ojo hacia donde quiero un poco más de enfoque. Cuando empiezo a oscurecer los pastos de primer plano y darles más contraste y un valor más profundo, ahí se va a dibujar el ojo. Un error principiante muy común, o tal vez solo una lección aprendida, y yo pasé por esto también, es que tendemos a no usar suficiente oscuridad, suficiente contraste, ya sea en nuestras acuarelas o en nuestros dibujos. Hay una vacilación que podría suceder. Pero cuanto más te empujes a probar esas oscuras más oscuras, más te recompensarás. Probemos eso aquí. Vayamos aún más oscuros en esas áreas de primer plano y veamos la diferencia que marca. Estoy volteando mi lápiz costado para obtener una marca más ancha y estoy usando mucha más presión para realmente poner ese grafito en la página. De repente nuestro primer plano toma el centro del escenario. Ese intenso contraste llama nuestra atención. Es especialmente notable cuando se compara el antes y el después. 10. 2.5 Introducción a la composición: Es realmente útil conocer las reglas antes de romperlas o inventar las suyas propias. Empecemos con la regla de los tercios, porque creo que esta es la más accesible y la más fácil de entender, y la más fácil de utilizar en cualquiera de sus obras de arte. Aquí hay un clásico movimiento principiante. Por cierto, soy el principiante en este caso. Este es uno de mis paisajes anteriores. En esta escena, el foco es la cascada. Pongo la cascada directamente en el centro. Eso es más o menos lo que hacen la mayoría de los principiantes porque es como funciona nuestra mente. El centro de la pintura o la fotografía es el más importante. Bueno, puede ser. Pero uno de los problemas con esto es que crea una pintura más estática. Lo que significa que nuestro ojo está enfocado en el centro y realmente no tiene ninguna razón para ir a otro lado. Es una composición muy naturalmente cómoda para que los ojos humanos solo se queden en un solo lugar. No obstante, si estás tratando de crear una pintura más dinámica donde quieras que el ojo del espectador se mueva por toda la escena, hay algunos trucos que podemos usar. La regla de los tercios simplemente significa que el lienzo se divide en tercios, tanto horizontal como verticalmente . Idealmente, se quiere algo de enfoque, algún elemento importante que caiga donde esas líneas se cruzan. Hay cuatro áreas que esto podría suceder. Como pueden ver, en realidad no tengo nada de importancia en esas áreas. Tratemos de recortar y mover las cosas un poco y ver si podemos hacer que esto funcione. Recortar alrededor de la mitad de la pintura me dio este resultado. Ahora, la cascada y esos árboles de abajo a la izquierda, caen en esas intersecciones. Si los comparamos lado a lado, podemos ver algunas diferencias clave. En la primera imagen que hay a la izquierda, mayoría del lienzo es retomado por cualquier cosa que no sea el foco. A veces eso está bien. Pero en este caso hay muchos elementos que están quitando la atención del foco. Por ejemplo, en primer plano tenemos una extensión masiva de pastos y de campo sin que pase mucho. En el cielo, tenemos algo interesante pasando con el zigzagging de las montañas, pero eso también está tomando el foco y mandando el ojo hacia arriba del borde del lienzo. La nueva composición recortada proporciona un poco más de dirección para el espectador. Ya sea que lo sepan o no, están siendo controlados por cómo aparecen los elementos uno al lado del otro. Por ejemplo, estos fuertes elementos diagonales verticales se están repitiendo de una manera muy uniforme. Además, la mayoría de esos patrones que se repiten no están saliendo del lienzo en un solo lugar, por lo que el ojo tiende a permanecer alrededor del área centro y el foco. Mientras hablaba de la regla de los tercios, es posible que me hayan oído tirar en algunos otros términos ahí como patrón y movimiento. Hay tantos aspectos diferentes de la composición. Es realmente difícil afinar en un solo elemento porque todos juegan un papel importante. Pero hablemos de otro que me parece muy accesible, que es composición tonal o de contraste. En este caso, estoy hablando contraste como en lo que es la luz y lo que es oscuro. Cuando un elemento claro y oscuro se encuentra crea un alto contraste. Esto es muy atractivo para el ojo humano. Esta es una pintura que hice hace un par de años, en realidad es un remake de mi primera pintura paisajística. Pero de todos modos, cuando hice esta pintura, realmente no estaba pensando en la composición tanto como en el color. No obstante, una de las cosas realmente geniales que me doy cuenta ahora es que por toda la práctica que había estado haciendo, esos elementos estaban en el fondo de mi mente en todo momento. Salieron a través de mi subconsciente. Cuando disecto esta pintura, definitivamente hay algunos errores que podría arreglar y probablemente hacer mucho mejor ahora. Pero hablemos de algunas de las formas en que funciona la composición. Al echar un vistazo a la pintura, probablemente tu ojo se fue directamente al cielo o tal vez algunas de las grandes formaciones rocosas. Entonces a medida que empiezas a dejar vagar los ojos, se ven algunos de los detalles sutiles en primer plano. Quizás incluso notes el patrón zigzagueante que te lleva desde el primer plano de vuelta a la distancia. Pero aún así, aunque quitemos el color de esta pintura, la pieza más atractiva, el foco, es ese alto contraste donde esas formaciones rocosas se encuentran con las nubes. Por eso el ojo se dibuja ahí con tanta fuerza. Cuando combinas eso con el color, es aún más potente. Cuando lleguemos a la lección de pintura, voy a hablar de la teoría del color, mencionaré los colores de cortesía. Los colores de cortesía caen en el lado opuesto de la rueda de color, y son muy atractivos cuando se colocan uno al lado del otro. No quiero decir que sean hermosas, quiero decir que atraen la vista. Pero como se puede ver, es difícil hablar de un elemento de diseño o composición sin hablar algo más como el color. En la pintura paisajística, cuando hablamos de composición tonal, es importante entender que cada color tiene un valor inherente o un tono. Algunos colores son oscuros, y cuando esos colores se colocan junto a otros colores oscuros, aparentemente tienen un contraste muy bajo. Utilizo esa idea en primer plano. Mis opciones de color son muy similares en valor tonal, por lo que no crean ese alto contraste y atraen tanto el ojo. Tal vez te estés preguntando, bueno, ¿qué pasa con la regla de los tercios? Pensé que eso era importante. Bueno, todas estas reglas o conceptos son solo herramientas. Están ahí para ayudarte a crear composiciones dinámicas si las necesitas, pero no tienes que apegarte religiosamente a ninguna de las reglas. No obstante, recortemos esta pintura para que se ajuste a la regla de los tercios y veamos qué pensamos. Pero antes de que hagamos eso, toma este paisaje expansivo. Por el momento, estás parado lejos de esas formaciones rocosas, puedes ver mucho detalle en primer plano, rocas y pastos, y te estás tomando este gran cielo expansivo. Si recortamos para que la formación rocosa esté en una de esas intersecciones, sí crea una composición muy agradable. No obstante, perdemos un poco de esa sensación expansiva que tuvimos al principio. Es sólo algo en lo que podría haber estado pensando cuando diseñé la pintura original con el fin de crear un paisaje un poco más dinámico. No sólo la formación rocosa cae sobre una de esas intersecciones, sino que la línea del horizonte sigue a lo largo de toda esa línea. Esto crea un agradable equilibrio agradable. El cielo grande, brillante, hermoso colorido ocupa la mayoría de la pintura, pero eso es equilibrado por los elementos de contraste más oscuros y más altos en esa intersección en la línea de fondo. Estoy seguro de que a algunos de ustedes les gusta mejor la pintura original y otros les gusta esta versión recortada. Como sabemos, la belleza está en el ojo del espectador. Tanta gente se cuelga en el concepto de crear la composición perfecta. O piensan en las reglas de geometría de la composición, como la regla de los tercios o la media dorada. Para un principiante, estas reglas pueden ser desalentadoras y restrictivas y quitarle parte de la alegría que sientes al crear porque te preocupa no hacerlo bien. Hay cientos, si no miles de libros escritos sobre este tema. Si bien pueden ser herramientas útiles, me gusta abordar este tema de manera muy diferente. En lugar de pensar en reglas de composición, simplemente trato de crear una escena que mantenga el ojo en movimiento. Puedo utilizar diversos métodos como el color, contraste, la escala, y si lo hago bien, puedo dibujar la vista a cualquier punto de la página, pero principalmente pienso en cómo dirigir el ojo a través de la pintura y mantenerlo en movimiento. No quiero que los ojos de alguien se queden atascados en un área sin motivo alguno. Para mí, todo se trata de equilibrio. Pero a medida que haces y ves más arte y eso es importante, ver arte, te vuelves más sensible a las composiciones exitosas. Al principio podría parecer un poco aleatorio, pero muchas veces un artista toma decenas de decisiones durante el proceso de pintura para crear un equilibrio agradable. Echemos un vistazo a algunos ejemplos y lo explicaré a medida que avanzamos. Mi objetivo con esta pintura era crear un paisaje expansivo y dibujar la vista a través de la pintura como tú o el que está en el auto que va en el viaje. El nombre camino a ninguna parte da esta idea lejos, pero aún tuve que usar el diseño para sacar el punto a través. Para mantener el ojo moviéndose a través de la pintura, decidí usar un camino torcido y ventoso, que en realidad es exactamente lo que es en las tierras altas. Pero en general, este camino te lleva desde el primer plano de la pintura y por todo el camino hacia atrás y más allá. Imico este efecto haciendo que las montañas se desvanezcan a la distancia también. Pero también uso la perspectiva y la escala. Las montañas se hacen más pequeñas a medida que retroceden a la distancia y el camino se vuelve más pequeño y más delgado también. El valor también juega un papel en este diseño. El cielo es brillante con estas nubes brumosas, y ese brillo se imita en primer plano justo donde entras a la pintura por la carretera. A medida que se eleva y cae en los pequeños valles y se va a la distancia, hay un poco de un punto culminante en la parte superior de cada uno de esos montajes o cerros. Usar el valor de esta manera y hacer estas formas repetibles ayuda a llevar el ojo de nuevo a la distancia. Algo en lo que también me gusta pensar es que no quiero que el ojo del espectador salga volando del borde de la página por cualquier motivo. En ocasiones eso puede suceder cuando dejas un gran espacio abierto en uno de los bordes o no tienes un camino obvio para que su ojo siga de vuelta al foco. En esta pintura, el foco es en realidad espacio negativo. Se trata de luz que fluye por el bosque. Utilizo estos fuertes rayos de sol brillantes en diagonal para iniciar el ojo del espectador moviéndose hacia abajo a través de la pintura. Pero para mantener el ojo del espectador dentro de ese espacio, oscurezco los bordes de la pintura con estos fuertes árboles oscuros. Estos fuertes elementos verticales contrarrestan ese movimiento diagonal de las vigas del sol. Cuando eso combina, se obtiene un buen flujo entre todos los elementos de la pintura. Sé que pensar en todo esto durante una sola pintura puede ser bastante abrumador, sobre todo al principio. Pero por favor sepan que no todo sucede a la vez. Con el tiempo, cuantas más pinturas hagas, más pinturas ves, y cuanto más descubras lo que te gusta en una pintura, estas cosas se vuelven más naturales en el proceso. Aquí es donde esos estudios de valores que hablamos son útiles. Utilízalos como oportunidades para explorar diferentes composiciones. Intenta poner árboles en diferentes áreas y ver qué hace eso. ¿ Hace que tu ojo fluya a través la pintura o te quedas atascado en ciertos elementos? Estas pequeñas carreras de práctica son geniales antes de saltar a una pintura. Pero recuerda, aprendes con cada pintura, así que solo debes saber que con el tiempo mejorarás en esto. 11. 2.6 Introducción a la perspectiva: [ MÚSICA] Nos vamos a centrar en dos tipos de perspectiva para paisajes, uno de los cuales será perspectiva lineal y el otro será perspectiva atmosférica, también conocida como perspectiva aérea. Hablaremos de perspectiva aérea o atmosférica en la lección de color en Módulo 3 pero te daré la breve visión general para que tengas una idea. Básicamente, la perspectiva atmosférica es la ciencia que explica por qué elementos más alejados de nosotros pueden parecer azules, más ligeros en valor, menos detallados, a veces incluso brumosos. Tiene que ver con cómo el color se mueve por el paisaje e interactúa con la atmósfera. Entre nosotros y esos elementos distantes, hay mucho que pasar. Cuando se trata de dibujar, se puede hacer esto manteniendo esos elementos distantes más ligeros en valor y menos detallados. En la pintura, podemos representar esto aún más fácil porque podemos inclinar nuestros colores más hacia el extremo azul del espectro. Pero de nuevo, hablaremos de esto en la lección de color. La perspectiva lineal es mucho más técnica. Existen tres tipos de perspectiva lineal, un punto, dos puntos y tres puntos. Si estás pasando por un curso formal de educación, probablemente pases mucho tiempo desarrollando esta habilidad. Sé que todo esto va a sonar muy técnico, pero te daré ejemplos de todo. Tener una comprensión básica de todo esto es realmente todo lo que se necesita para empezar. Te recomiendo encarecidamente que pases algún tiempo en tu cuaderno de bocetos explorando estos. Es importante entender los fundamentos de la perspectiva antes de profundizar en el paisaje. Al igual que cuando se trata de pintar sombras, esas sombras se están alejando del sol en todo momento. Podemos usar la perspectiva para entender los ángulos en los que pueden caer las sombras. Si el sol está detrás de algunos árboles, podemos dibujar algunos lineamientos que ayudarán a determinar dónde caerán las sombras. Si bien los paisajes son un poco más perdonadores, será especialmente importante entender los fundamentos de la perspectiva cuando se trata de bocetos urbanos. Lo maravilloso es que incluso si no usas pautas o gobernantes ni nada por el estilo, aún puedes crear una perspectiva creíble y pinturas interesantes. Más allá de estas reglas básicas de uno, 2 y 3 puntos, tenemos algo más muy importante con perspectiva, y eso es el tamaño. El tamaño sí importa en este caso. Echemos un vistazo a esta antigua ilustración como ejemplo. Imagina que estás caminando por el bosque y te encuentras con esta cabaña de bruja encantada. A medida que te acercas a la puerta de la luna, oyes a un gatito crujándose en las hojas cercanas y hueles algo tostado sobre el fuego. Todos estos pequeños detalles que he incluido están contando parte de una historia pero tuve que usar la perspectiva para hacer esto algo creíble. El concepto de cuán grandes o pequeños son los objetos en comparación entre sí me llevó mucho tiempo averiguarlo por mi cuenta, y en realidad no fue hasta que tomé una clase de dibujo de figuras que me di cuenta de la importancia de esto. Si alguna vez has dibujado una figura humana, entonces sabes que la mano es tan grande como la cara, y si está más cerca del espectador como delante de la figura, va a parecer aún más grande que todo el cuerpo a veces. Es lo mismo en los paisajes. Aquí tenemos este fuego y si comparamos el fuego con el tamaño de la casa y la distancia, obviamente en la vida real, un incendio no sería más grande que una casa o al menos no este tipo de incendio, ni un gato sería tan grande como la puerta, pero pequeñas señales visuales como esta, incluso en un paisaje de fantasía realmente ayudará a contar la historia y hacerla más creíble. Cuando hablamos de perspectiva, necesitamos entender qué es una línea de horizonte y un punto de fuga. Una línea de horizonte es una línea imaginaria que existe en la distancia. Básicamente es nuestro nivel de los ojos en cualquier escena dada. En estos dibujos, estoy representando eso con este color rosa. Nuestro punto de fuga existe en la línea del horizonte. En perspectiva de un punto, tenemos un único punto de fuga. Dibujemos eso en el centro de nuestra línea del horizonte para empezar. Ya que la línea del horizonte dicta cómo estamos viendo la escena, si dibujamos las cosas por debajo de la línea del horizonte, se va a sentir como si estuviéramos parados por encima de ellos mirándolas hacia abajo. Si dibujamos las cosas por encima de la línea del horizonte, se verá como si estuviéramos mirando los objetos. Si dibujamos las cosas frente a nuestra línea del horizonte o cosas que cruzan, va a aparecer como si las estuviéramos mirando directamente. Dibujemos un par de cajas como ejemplos. Con perspectiva de un punto, me parece más fácil comenzar dibujando el frente de un objeto, y en este caso el frente de la caja. Vamos a dibujar abajo y luego arriba y luego delante de la línea del horizonte para que puedas ver la diferencia en estas perspectivas. A continuación vamos a usar una regla y conectar todas las esquinas de esos objetos al punto de fuga. Estoy usando un color verde para que sea obvio que estas son nuestras pautas. Un consejo rápido para hacer esto rápido y fácil es poner tu lápiz en el punto de fuga, presionar la regla contra la punta del lápiz, y luego alinear la otra esquina con la regla y dibujar el línea. Ahora podemos dibujar los lados de nuestras cajas. Usando las pautas que acabo de dibujar, usaré una línea paralela vertical para hacer la parte posterior de la caja y luego conectarme al frente. Voy a usar el mismo método en la parte superior, aunque la parte superior del mismo obviamente será una línea horizontal. Solo por diversión, prueba lo mismo con una línea punteada para mostrar la parte posterior de la caja como si estuviéramos mirando la caja con rayos X. Desde que hice todos los lados de la caja más o menos la misma profundidad, se parece más a un cubo pero ¿y si queremos algo más alargado? Simplemente dibuja la parte posterior de la caja más lejos, más cerca del punto de fuga. El mismo método se puede aplicar si queremos una caja muy flaca. Dibuja la parte posterior de la caja más cerca del frente de la caja. Se puede ver que cuando el objeto está frente a la línea del horizonte, realmente no se puede ver la parte superior o la parte inferior del objeto. Es como si estuviéramos mirando más rectos al objeto. ¿ Qué tal un cilindro? Empecemos con un círculo, y usando nuestro gobernante, vamos a omitir las pautas. Colocaremos la regla en el borde superior y el borde inferior de ese círculo, y los dibujaremos tan hacia abajo como queramos que vaya. Si lo queremos más tiempo los acercaremos al punto de fuga e imitaremos esa misma curvatura al final de las líneas que dibujamos. Yo lo sombrearé para que puedas hacerte una idea de lo redondo que es [RUIDO]. Podemos utilizar este método para cualquier forma que queramos. Tratemos de dibujar algo realmente extravagante. Usa algo con curvas y con puntos, y luego veremos cómo podemos conectarnos con ellas. Para hacerlo más fácil, suelo conectar primero los bordes exteriores, y esta vez los voy a dibujar todo el camino hasta la línea del horizonte para enfatizar realmente la forma extraña. [ Risas] En su mayoría estoy dibujando líneas dondequiera que haya un punto. Si tengo una forma más curva o un borde curvo, no siempre necesito dibujar una línea, a veces esto se puede representar puramente con sombreado, que te mostraré en un momento. Aquí Aquí, estoy mostrando un poco de sombreado en lugar de dibujar una línea sólida y consigue el punto a través de que es un borde curvado suave. [ RUIDO] Ahora, la perspectiva de dos puntos se vuelve un poco más complicada pero es muy divertida. Con perspectiva de dos puntos, típicamente tenemos una esquina de un objeto que nos enfrenta. Nos vemos en un segundo a lo que quiero decir. Dibujemos dos puntos de fuga esta vez, uno en cada extremo de nuestra línea del horizonte. Voy a dibujar formas geométricas boxy y voy a dibujar una abajo, arriba, y delante de la línea del horizonte de nuevo. Para mantener esto sencillo, empecemos con una sola línea que representa cada una de estas formas. A continuación, dibujemos algunos lineamientos que van desde los bordes superior e inferior de estas líneas hasta ambos puntos de fuga. Si es más fácil mantener las cosas rectas en la cabeza, no se pretende un juego de palabras, [Risas] intenta dibujar primero todas las pautas a un punto de fuga y luego cambiar al otro lado. Al igual que antes, vamos a dibujar los lados de nuestras cajas primero. Usando nuestros lineamientos, dibujaremos nuevamente las líneas paralelas y luego conectaremos las a la esquina delantera. [ RUIDO] Intenta esparcir estas líneas paralelas y ve hasta dónde puedes volver a la distancia. Crea más de un borde alargado. [ RUIDO] Dibujemos algunas pautas para ayudarnos a completar nuestras formas. En primer lugar, conectaré el lado derecho de mi caja al punto de fuga izquierdo. [ RUIDO] Entonces conectaré el lado izquierdo de mis cajas al punto de fuga derecho. Ahora sólo puedo trazar esa forma que acabo de hacer. [ RUIDO] Una vez más, se puede ver que los objetos frente a la línea del horizonte no muestran realmente la parte superior ni la parte inferior. Ahora pasemos a la perspectiva de tres puntos, la más complicada pero la que conducirá al más realismo. Voy a pegar un trozo de papel a la parte posterior de este papel para darme más espacio para hacer el punto de fuga superior más lejos. Verás a qué me refiero en un segundo. Podemos empezar con la perspectiva de dos puntos dibujando dos puntos de fuga en cualquiera de los extremos de nuestra línea del horizonte. Entonces vamos a sumar otro punto de fuga muy arriba lo más lejos que podamos. Para esta demo, dibujaré una torre. Me gusta empezar dibujando el fondo de mi torre, y para mantenerla realmente simple, solo haré una pequeña marca para la esquina delantera inferior de mi torre, y luego dibujaré mis pautas yendo desde esta esquina frontal inferior de la torre hasta los puntos de fuga que existen en mi línea del horizonte. Entonces usaré mi tercer punto de fuga y conectaré eso a la esquina inferior delantera de mi torre. Ahora siguiendo esos lineamientos, puedo dibujar la base de mi torre. Dondequiera que estos paren, entonces conectaré ese punto con mi tercer punto de fuga. Casi se ve como una forma de árbol de Navidad. Entonces puedo dibujar el borde trasero de mi torre. No lo estoy dibujando todo el camino hasta ese tercer punto de fuga, me estoy parando corto, y también dibujaré la línea central o la esquina delantera de mi torre. El tope de esta línea será un poco más alto que los que acabo de dibujar. Para encontrar el borde superior de nuestra torre, comenzamos con nuestro lápiz en la parte superior de esa esquina delantera que dibujamos, y lo conectamos hacia abajo a cualquiera de esos puntos de desvanecimiento inferior, y luego trazar esa directriz para crear el borde superior. Aquí se puede ver tengo algunas líneas en exceso yendo por encima de la parte superior de mi torre, eso fue porque salté un poco adelante y no dibujé todos mis lineamientos en primera. Con el tiempo se hace mucho más fácil dibujar las diversas perspectivas sin las pautas, y puedes divertirte mucho e incluso exagerarlas a veces, pero estas reglas suelen entrar juega cuando ves edificios o vallas o cualquier otra forma de tipo geométrico en tu paisaje. Cuando se trata de árboles y otras formas orgánicas, es mucho más indulgente. 12. 3.1 Introducción a la teoría del color: [ MÚSICA] valor hace todo el trabajo y el color obtiene todo el crédito. Pero ¿por qué es eso? ¿ Por qué el color es tan poderoso? Bueno, este es un tema enorme en sí mismo y algo que probablemente podrías pasar años estudiando por sí solo, pero te voy a dar una introducción a la teoría del color que al menos conseguirá empezaste en tu camino de bosquejar la naturaleza. Pero hablemos rápidamente de cómo el color puede cambiar nuestra percepción del mundo que nos rodea. En el mundo del diseño, estudiamos cómo los ocupantes en un espacio se ven afectados por los colores que elijas. Si quieres evocar energía intensa o pasión, usa rojo. Si quieres evocar paz y armonía y sentido de calma, usa blues y greens. Pero cuando se trata de pintar paisajes, por un lado, posible que quieras mezclar colores precisos y representar lo que hay frente a ti de una manera hermosa o tal vez quieras usar tus propios colores que te maquilles crear tu propio sentido del estado de ánimo o contar una historia específica. A menudo en ilustraciones de fantasía o ilustraciones de cuentos, los artistas usarán una variedad de colores que nunca se encontrarían en el mundo real, pero están usando el color para ayudar a contar su historia. Hablemos de cómo mezclar colores en un paisaje. ¿ Alguna vez has visto esto? Es una rueda de color, y mucha gente ha hecho diferentes versiones de esta rueda y puedes encontrar un montón de ellas por todo Internet. Este en particular está organizado de una manera para representar una idea que es extremadamente importante en la pintura de paisajes. Hay algo conocido como temperatura dentro de los colores. Sin llegar demasiado científico aquí, básicamente se refiere a cuán cálido o frío es un color. Como sabrás, cada color se compone de diferentes longitudes de onda, y estas longitudes de onda rebotan en las cosas en nuestro entorno y golpean nuestros globos oculares y así percibimos de qué color ellos lo son. Cuando tomamos el espectro natural de colores y lo envolvemos en una forma de rueda o un círculo, esto es lo que obtenemos. ¿ Por qué he señalado rojo, amarillo y azul? Bueno, estas son conocidas como las primarias. Los colores primarios solo significan los colores a partir de los cuales se puede mezclar cualquier otro color del espectro. Si tienes rojo, amarillo y azul en tu paleta, puedes mezclar prácticamente cualquier color. Hay muchos amarillos diferentes, muchos blues diferentes, y muchos rojos diferentes. Se puede ver que cuando mezclas rojo y amarillo, se obtiene naranja, amarillo y azul te dan verde, azul y rojo te dan púrpura, y hay tanta variación dentro de esas mezclas que puedes crear. Volver a la rueda de color sobre colores cálidos y fríos, como se puede ver, el rojo y el amarillo están en el lado cálido y el azul está en el lado fresco. Cuando se trata de mezclar colores, cuanto más azul añadas a una mezcla, más fresco será el color . Cuanto más amarillo añadas, más cálido. No obstante, se vuelve un poco más confuso al comparar dos amarillos uno al lado del otro, uno que es cálido y uno que es fresco, o dos rojos, un rojo frío y un rojo cálido. Pero si el rojo está en el lado cálido del espectro, ¿cómo se puede considerar fresco? Bueno, el color siempre es relativo. Entonces si estás comparando dos rojos juntos, uno de ellos va a parecer más cálido y uno parecerá más fresco. Es sólo la forma natural que nuestros ojos trabajan. Siempre estamos comparando colores. Si alguna vez oyes a alguien hablar un azul cálido o un azul frío, esta es la razón. Por lo general un azul cálido es porque hay un poco más de rojo mezclado en él. Todavía nos parece azul, pero tiene un poquito más rojo. su mayor parte en un paisaje, te va a preocupar por usar los colores que caen entre las primarias, muy raramente vas a necesitar un color primario puro. A veces se ve esto en objetos artificiales o flores o animales, pero mucho más comúnmente estaremos usando tonos más apagados o grises o marrones, y eso me lleva a cómo puedes usar la carta de colores para averiguar qué colores necesitas mezclar. Una de las razones por las que la gente hace o compra una rueda de color y la mantiene con ellos en su estudio o fuera es porque pueden mirar rápidamente un color, mirar el lado opuesto de la rueda de color, y ver cuál es de cortesía. Los colores de cortesía caen en el lado opuesto de la rueda. Rojo y verde son cumplidos. Cuando se colocan uno al lado del otro, se hacen parecer más vibrantes. Hay una vibración que ocurre entre ellos. Es un tema fascinante por sí mismo, puedes ir a leer sobre él. Pero aquí, hagamos un pequeño experimento. Quiero que te concentres en este punto blanco. Mientras hablo, solo mirázalo lo más fuerte que puedas. Trata de no parpadear y trata de ver si se mueve. Bueno, el punto blanco en sí no se mueve, pero es posible que sientas tus ojos están empezando a temblar un poco. Algunas personas dicen que sus ojos se contraen a una escala de minutos, pero esto es solo una vibración natural que está sucediendo. Casi hecho, sigue mirando el punto blanco y se ha ido. Ahora tus ojos probablemente vean un poco de sombra donde solía estar el punto blanco. ¿ Cuál es el punto de este experimento? Honestamente, solo quería mostrarles que hay mucho más pasando detrás de escena, lo que apenas podemos percibir como humanos. Si te gustaría profundizar en la teoría del color y espectro y todos estos temas increíbles, recomiendo encarecidamente a Nathan Fowkes en schoolism.com. Es alguien que me voló mente cuando empecé a aprender sobre el color. Pero por ahora, volvamos a sumergirnos en la pintura del paisaje. Conocer sus colores de cortesía es extremadamente útil. Mezclar dos complementos juntos te dará una versión mucho más silenciada de ese color. Si quieres pintar verdes más apagados, agrega un poco de rojo a ellos. No demasiado, sólo una pequeña pista y eso automáticamente derribará esa vitalidad. Creará un verde mucho más agradable, un verde mucho más natural que un verde súper brillante directamente del tubo. ¿ Alguna vez has notado que objetos muy lejos en la distancia de nuestros paisajes como montañas, o bosques, lo que esté más cerca del horizonte tiende a verse un poco más azul o nebuloso? Simplemente tiene una mirada diferente a ella de lo que está más cerca de nosotros. Esto es lo que se conoce como perspectiva atmosférica. A lo largo de la historia, esto también se ha conocido como perspectiva aérea. Pero quería llamarla perspectiva atmosférica para recordarles que lo que está pasando en la atmósfera que nos rodea marca una gran diferencia en los colores que vemos. Las longitudes de onda rebotan entre los objetos y nuestros ojos. Si tienen más lejos para viajar por la atmósfera, veces las partículas y otras cosas se interponen en el camino. Esto es especialmente exagerado en un día de niebla o brumoso. El agua en el aire está bloqueando físicamente esas longitudes de onda de viajar muy lejos en la distancia de regreso a nuestros ojos. Artistas italianos y europeos del Renacimiento fueron los primeros en emplear esto en sus pinturas. Se dieron cuenta de que para lograr esta mirada de un paisaje expansivo, no sólo tuvieron que usar perspectiva lineal, cuán grandes o pequeños son los objetos en comparación entre sí, pero tuvieron que usar sus colores sabiamente. Se puede ver en los elementos distantes de sus pinturas, hay mucho menos contraste, menos saturación, y los colores inclinan más hacia el extremo azul del espectro. Hablaré de esto un poco más tarde en las demos de pintura. Digamos que tenemos una bola marrón que representa nuestro árbol. Este marrón es el color local o el color real del árbol. Nuestro árbol está afuera. Tenemos un cielo y tenemos algo de hierba verde agradable, y también tenemos un sol, una fuente de luz, y es un pequeño sol feliz. Ese sol está brillando sobre nuestro árbol y creando un punto culminante. En este punto culminante, se puede ver que es un poco más cálido de color marrón, un poco más ligero. Tiene un efecto que cambió nuestro color local, y también está arrojando una sombra sobre la hierba. El sol brilla sobre esa hierba y va a rebotar todas esas partículas verdes por todas partes, y esas partículas verdes van a rebotar y reflexionar fuera de nuestro árbol. esto le llamamos luz de rebote, pero no se detiene ahí. El sol también está enviando luz por el cielo y ese color azul también se va a enviar rebotando alrededor, echando hacia abajo sobre nuestra superficie del árbol. Obtenemos algo de esa luz azul rebotando de nuestro color local, dándole un poco de tinte azul. Esto no solo sucede con luz directa, también puede suceder en una escena de luz más ambiental como al atardecer o la noche, cuando no hay una fuente de luz directa sino la luz brilla en el cielo. Todavía rebota todos esos colores alrededor, y esos colores van a ser arrojados hacia abajo sobre nuestro color local, tintándolos ligeramente así como rebotar de cualquier objeto o superficie cercano zona como el pasto. Por supuesto, puedes doblar y modificar estas reglas según sea necesario para tu paisaje, pero utilizar la luz rebotada realmente puede agregar muchos intereses y profundidad a nuestras pinturas. Independientemente de tu color local, aún puedes jugar con esta idea. Aquí usé un azul oscuro como mi color base, y luego reboto esos tonos sombríos alrededor en el lado de la sombra y tonos cálidos en el lado brillante. Sé que todo esto es mucho que tomar. Por ahora, devolvamos un poco a la Tierra y hablemos de mezclar color. Te mostraré algunas cartas de colores que hacen la vida mucho más fácil. Porque sin saber realmente qué colores podemos mezclar con los tubos que poseemos, lucharemos por aplicar cualquiera de estos conceptos de color en nuestros paisajes. Lo primero que debes hacer al comprar pintura es hacer una hoja de muestra. Este es un ejercicio sencillo para descubrir qué colores posee. A veces el color impreso en el tubo no es nada como lo que se ve en el papel y los nombres a menudo pueden ser engañosos. Tener una hoja de muestra como referencia va a ser muy importante hasta que te familiarices realmente con tus colores. Eventualmente se convierte en segunda naturaleza y no es necesario hacer referencia a estos con tanta frecuencia. Las hojas de Swatch nos muestran cómo se ve nuestro color directamente del tubo. Este es un buen punto de partida para acostumbrarse a tus colores antes de incluso saltar a la mezcla. Para ver más variedad de lo que es posible con un color directamente fuera del tubo, típicamente me mojaré primero el papel y luego usaré pigmento pesado en un lado y lo dejaré lentamente sangrar y ser más diluido en el otro extremo. Puedo ver cómo se ve, muy pigmentado y muy diluido. Hago lo mismo exacto por mi gouache. Una vez que tengo mis hojas de muestra, es hora de que se mezcle un poco de color. Tengo un tipo de tabla de mezcla de colores que me encanta más que cualquier otro tipo y en realidad es uno de los más útiles. Se llama carta de dos colores. Fiel a su nombre, significa que estamos mezclando dos colores juntos, pero de una manera que nos muestra la amplia gama de mezclas podemos lograr entre esos dos colores. Empezamos con un color a un lado. Esto es quinacridona magenta. El segundo color que estoy usando se llama antraquinona azul. Sí, nombre bastante loco, pero es un azul profundo realmente hermoso. Empiezo por un lado usando mayormente magenta y cada pincelada, presenté solo un poquito del azul. Al trabajar mi camino hacia el lado derecho, agrego más y más azul y eventualmente la pincelada final será de color azul puro. En el camino, puedo diluir la pintura si quiero tener aún más variedad visible porque esto es algo que hacemos en nuestras pinturas reales. El objetivo general es tener un bonito espectro entre los dos colores y mostrar la mayor variedad posible. Si eso es un poco demasiado para ti, puedes hacer algo pequeño como esto. Esta es mi versión de viaje. Son sólo unos pocos colores, pero mira la amplia gama de colores que puedo mezclar. Teniendo esto a la mano cuando estoy afuera, sobre todo en la costa donde constantemente estoy tratando de mezclar una gran variedad de colores, lo uso constantemente. [ ANTECEDENTES] 13. 3.2 Conceptos básicos de pintura: Cuando pinto afuera, soy un pintor híbrido. Yo uso acuarela y gouache indistintamente, y uso una variedad de otros materiales como lápiz, bolígrafo, tinta, y marcadores. Mi filosofía es usar lo que sea necesario para hacer el trabajo. Me gusta trabajar de forma rápida y expresiva por lo tanto, prefiero medios de agua cuando pinto afuera porque son muy portátiles y se secan rápido. Para los efectos de esta clase, estaré hablando de estos materiales. Cuando se trata de mis materiales, me gusta usar una configuración mínima con la máxima calidad. Compro los suministros de máxima calidad que puedo pagar, pero no necesito una tonelada de diferentes colores ni toneladas de pinceles diferentes. En realidad prefiero mucho una selección limitada de colores y uno o dos pinceles realmente bonitos y si voy a derrochar en algo, va a ser mi papel, porque el papel hace una gran diferencia en rendimiento. Si alguna vez has usado papel de acuarela barato y luchado por hacer incluso las técnicas básicas, no es tu culpa. papel en realidad hace una gran diferencia con la acuarela. Lo principal que quieres recordar es que el mejor papel de acuarela se va a hacer con fibras de algodón 100 por ciento. Esto hace que el papel sea más absorbente y dependiendo de la empresa y de cómo terminen el papel, va a rendir mucho mejor y te permitirá hacer cada técnica que puedas imaginar con acuarela. Diferentes técnicas incluyen mojado en húmedo y acristalamiento y cepillo seco. Hablaré de estas técnicas para que puedas tener una mejor idea de cómo usar los materiales cuando estés afuera. Pero primero, hablemos de paletas porque necesitas una de esas cuando estás pintando afuera. Puedes volver atrás y echa un vistazo a todos los materiales que me gusta usar en la lección anterior sobre pintura al aire simple. Pero permítanme mencionar rápidamente que mis suministros están en constante evolución. Siempre estoy probando cosas nuevas y con el tiempo me di cuenta de que algunas cosas que solían funcionar muy bien para mí, ya no me sirven. Solo trato de mantener una mente abierta al respecto y usar lo que me convenga en el momento. En el estudio, uso esta paleta de sílaba plegable, que tiene 18 colores y como me gusta mezclar mis propios colores, un montón de estos en esta paleta son realidad mis colores mezclados personalizados. Puedes ahorrar algo de dinero si compras los colores primarios y mezclas tus propios greens y morados y naranjas. Te daré un resumen rápido de los suministros que me gusta usar en el estudio. Normalmente tendré un puñado de pinceles de todas [risas] diferentes formas y tamaños. Típicamente, me gusta usar pinceles redondos y puntiagudos para acuarela y los pinceles más planos para gouache. Pero a veces lo cambio. También es muy útil tener algunas toallas de papel o trapos reutilizables para limpiar tus cepillos y absorber un poco de exceso de agua mientras estás pintando. Incluso puedes usar viejas camisetas cortadas. Necesitamos un recipiente de agua de algún tipo. He usado el mismo desde hace cuatro años y por supuesto, nuestra pintura y nuestro papel. Si estás usando acuarela o gouache que se seca en una sartén como esta, es realmente útil dejar caer poco de agua sobre ella para que pueda ablandarse tal vez cinco o 10 o incluso 15 minutos antes de empezar a pintar. Trato de no ahogarlo en agua, pero sí necesito usar lo suficiente para que lo cubra por completo y pueda absorber en ese pigmento. Las acuarelas de alta calidad se pueden mojar y reutilizar una y otra vez. Mía seca entre sesiones de pintura cada noche y lo vuelvo a mojar al día siguiente y está listo para funcionar. La primera técnica que voy a demostrar es mojada en húmeda y específicamente cómo crear un gradiente. Usaríamos un gradiente en el fondo de nuestras pinturas, sobre todo en un cielo. Para este tipo de cosas, en realidad me gusta usar mi soporte para iPad e inclinar el papel hacia arriba en un ángulo de 45 grados. Esto permitirá que el pigmento fluya naturalmente hacia abajo con la gravedad y crea un gradiente más suave. Una regla típica del pulgar con la acuarela es que la pintura quiere fluir dondequiera que esté el agua. Ya sea que estés mojando el papel primero o pongas la acuarela y quieres agregarle más, dondequiera que esté ese borde del agua, la pintura quiere fluir hacia ella. Para un gradiente, me gusta tener un poco de agua en el papel para que la pintura pueda comenzar a fluir instantáneamente y crear un efecto realmente suave. acuarela se seca más ligera, y uno de los errores más comunes para principiantes y ni siquiera solo para principiantes, todavía lo hago a veces es no usar suficiente pigmento. Cuando empieces a mezclar tu charco de pigmento antes de usarlo, parece que va a ser realmente brillante. Pero una vez que se seca, muchas veces te das cuenta de que no fue suficiente. Pero ahí es donde entra la práctica. Antes de saltar a una pintura, voy a hacer una carrera de práctica como esta donde practico mezclar mis charcos y realmente notar cómo se ven en la paleta antes de aplicarlo al papel. De esa manera cuando salto a mi cuadro final, estoy mejor informado. En realidad te estoy mostrando qué no hacer con un gradiente. Normalmente queremos trabajar un poco más rápido que esto. Si no colocamos nuestros colores entre sí lo suficientemente rápido, terminaremos con tres colores separados que solo ordenan juntos. Esto por supuesto, puede ser útil para ciertas cosas. Pero en un cielo típicamente no queremos ver grandes rayas de color como esta, pero este es un gran ejercicio de aprendizaje. Hagámoslo de nuevo de la manera correcta. Esta vez no estoy pre mojando mi papel porque sí quiero demostrar que aún se puede lograr este efecto sin hacer eso. Esta vez vamos a empezar con un color e introducir poco a poco el siguiente color en cada pincelada. Después de que me acueste mi amarillo, poco a poco empezaré a introducir el pedacito más pequeño de rosa y hacer una o dos pinceladas y luego a un poco más de color rosa y hacer una o dos más. Continuaré con esta misma estrategia por todo el gradiente, simplemente centrándome realmente en introducir lentamente mi color. Esto va a llevar a un gradiente mucho más suave al final. Se necesita algo de práctica y acostumbrarse. Pero una vez más, haz un poco de práctica corre así antes de saltar una pintura final y estarás mucho mejor. Un consejo rápido es tratar de no perturbar la pintura una vez que hayas terminado una pincelada. Puedes repasar el mismo lugar una o dos veces, pero no una vez que los pigmentos comiencen a instalarse en el papel. En este punto, si volviera y tratara de ajustar cualquier cosa que hiciera, terminaría con rayas y todo tipo de chorros raros y cosas que no quiero. Pero se puede ver que el gradiente que hice la segunda vez es un poco más suave. Pero el rojo rosáceo y el azul todavía están un poco notablemente separados visualmente, cual no es ideal, así que definitivamente me encargaría si estuviera haciendo esto en una pintura de cielo real. En realidad no uso esta técnica específica para gradientes cuando estoy pintando mis cielos, prefiero estar un poco más flojo y expresivo. Me encanta dejar que el pigmento fluya rápidamente y sangrar juntos naturalmente en el papel. Esa espontaneidad es lo que me encanta de la acuarela. Hagamos un gradiente que me gusta hacer en mis cielos. Esta vez voy a empezar desde abajo y trabajar mi camino hacia arriba. El motivo es porque esto va a conducir a una manera más activa el flujo de pigmento. La gravedad está haciendo lo suyo aquí y porque ya pones algo de pigmento abajo, lo que le pongas encima y por encima de él en este caso va a fluir rápidamente por el papel. Porque recuerda esa regla que dije sobre cómo le gusta fluir a la acuarela dondequiera que ya esté mojada. Sí, definitivamente se puede ver eso en el trabajo aquí. También me fui un poco más oscuro porque sé que mi pintura se va a secar mucho más ligera. Ya se puede ver cuánto más ligero y más pastel esos quedaron dos ejemplos. Ahora para alguna técnica de pincel seco, que es una de mis formas favoritas de crear una textura interesante. Lo que me encanta de los medios húmedos es que puedes combinar este hermoso color suave con un color más áspero y de alto contraste. Para crear una textura de pincel seco, estamos tratando de crear un equilibrio perfecto de tener suficiente pigmento en nuestro pincel y no suficiente agua para que cuando en realidad hagamos una pincelada, solo la se está saliendo el pigmento. Básicamente estás dejando el polvo del pigmento a través de la superficie de ese papel rugoso porque hay menos agua, no se absorbe instantáneamente en las fibras. Se sienta encima un poco más. Esto es exagerado cuando estás usando papel muy rugoso o prensado en frío, que tiene una tonelada de textura en la superficie y si capas mucho pincel seco juntos, puedes crear tan interesante efectos. Para mí, las pinturas acuarelas más interesantes combinan un buen equilibrio de ese suave mojado en textura de pincel húmedo y seco. Como mencioné, me gusta usar gouache y acuarela juntos. Hay algunos aditivos que hacen que el gouache opaco y se seca completamente mate, lo que no tendrá ningún reflejo, cual es ideal para trabajos de ilustración que necesitan ser fotografiados o escaneados y se convirtió en una imagen digital más adelante. Pero también sólo se ve tan hermoso en persona. Para mí es casi como mirar pasteles líquidos si eso fuera algo. Dado que la acuarela y el gouache comparten un aglutinante similar, se pueden mezclar fácilmente. Típicamente, me gusta empezar una pintura con acuarela o una versión diluida de gouache si no tengo mi acuarela conmigo. Entonces a medida que construyo la profundidad de la escena, sigo agregando gouache más grueso y grueso. Es genial para agregar detalles y tantas texturas interesantes y como dije, me encanta cómo se ve gouache cuando se seca. Las próximas lecciones, nuestras demos en diversas situaciones donde puedo usar acuarela o gouache o ambas, para que puedas ver cuanta variedad sea posible. Por supuesto, al pasar por las demos, también hablaré de todas las demás cosas que mencioné en las lecciones anteriores. Vamos a saltar. 14. 3.3 Demostración: rocas en acuarela: [ MÚSICA] Para esta primera demo, estoy usando mi cuaderno de bocetos de prensa fría Etchr, que tiene un papel bastante áspero. Hay mucha textura en este papel. Como mencioné, es mucho más fácil conseguir texturas de pincel muy bonitas y secas cuando tienes un papel más áspero. Cuando se trata de pintar rocas, me encanta usar papel de prensa en frío. Al pintar con acuarela, recuerda siempre que el valor más brillante con el que tenemos que trabajar es el color del papel. Necesitas dejar que ese color del papel se muestre a través si quieres resaltar. Típicamente, empezaré mis rocas colocando un poco de color hacia abajo y tocando otros colores en ella para que sangren y fluya juntos. Las rocas tienen mucha variación en el color. Entonces, comenzar con una capa multitonada como esta es el primer paso para lograr algo de ese realismo. Debido a que este papel es 100 por ciento de algodón, me da tiempo suficiente para jugar con mis capas. Puedo volver a entrar y suavizar las cosas o añadir más color, pero una cosa que me gusta hacer es tocar mi toalla de papel cada vez tan ligeramente en la superficie de la acuarela y recoger algo del color. Aquí me ves tocando el borde superior de las rocas y le da ese poco de destaque. Si miras de cerca, aún puedes ver un poco de color debajo donde lo recogí con la toalla de papel. Eso es porque algunos colores son más manchas que otros. En el momento en que las pones en el papel, manchan esas fibras de papel. Esto es algo que aprenderás con el tiempo y haciendo muchas pruebas en tus propias pinturas, descubrirás qué colores hacen eso y cuáles no. La otra técnica que me gusta usar con rocas es acristalamiento. Entonces vamos a dejar que esto se seque y luego haremos otra capa encima. Esto se va a secar mucho más ligero de lo que parece en este momento, que verás en un momento. Entonces la segunda capa, podemos empezar a acumular la profundidad en las partes de sombra de la roca. Pero primero, voy a tocar algunos colores herbáceos alrededor de las rocas. Esperé un poco a que la pintura se seque, está empezando a absorber en las fibras ahora. Pero cuando añada el color de la hierba, sangrará apenas un poquito en mis rocas. El momento de esto es, por supuesto, importante. Si no quieres que se desangra en absoluto en tu color rock, sí tienes que esperar un poco más. Pero me gusta que mis rocas tengan un poco de interacción con lo que esté cerca. Entonces en este caso, están sentados en el suelo, están sentados en la hierba. Me gusta el hecho de que se va a sangrar juntos. Al hacer la segunda y hasta la tercera capa de la textura de la roca, acumulará la profundidad y ayudará a que las rocas parezcan como si estuvieran sentadas encima de la hierba y no sólo parte de el suelo. Para referencia, voy a dejar caer los tres colores que utilicé en esta pintura hasta el momento. Este es un ejercicio realmente genial cuando estás empezando por primera vez para que puedas recordar lo que usas para pintar algo. Una vez que la pintura esté seca, puedo hacer la segunda capa sobre las rocas. No quiero usar demasiado oscuro de un color aquí, en realidad voy a usar un color muy similar a la primera capa. Pero lo genial es que una vez que empiezas a acodar la acuarela, exponencialmente se vuelve más oscura y oscura. El color debajo se va a mostrar a través de un poco y añadir al color y a los valores más profundos. Esa es la magia del acristalamiento. Si piensas volver a la lección de dibujo donde hablamos de dibujar rocas, quiero asegurarme de que escoja un lado que va a ser mi lado más destacado y luego, por supuesto, el otro lado será el lado de sombra. Coloco más del segundo color en el lado de la sombra y cerca de la base de la roca. No necesito usar pinceladas grandes, pesadas y sólidas. Puedo usar los más pequeños que se rompen aquí y allá. De hecho, creo que esto ayuda a prestar al realismo. Ahora que tenemos un pequeño estudio fuera del camino, quiero mostrarte cómo pongo estas cosas juntas en una escena más grande para que si quieres salir y pintar un campo o colinas onduladas con rocas o sea cual sea, tienes una estrategia en mente. Primero lo primero, comienza con un boceto básico. Si necesitas comenzar con las simples estructuras de bloque o conos o esferas, lo que sea que te ayude a sacar estas rocas, solo hazlo. te preocupes por lo raro que se ve y dibuja luz lo suficientemente para que puedas dibujar la estructura final en la parte superior, y tampoco importa realmente si el lápiz se muestra a través al final. Si es sólo un estudio como este, creo que en realidad es útil ver el trabajo de la línea más adelante porque me recuerda lo que tenía que dibujar para hacer la pintura. Creo que en realidad es información valiosa más adelante. Se puede ver cuando esbozo estas rocas, mi mano se mueve bastante rápido y la razón principal de eso es porque no quiero exagerar. Cada vez que me siento a dibujar rocas o árboles o cualquier cosa que sea más orgánica, si pienso demasiado en mis líneas, dibujo las mismas formas, los mismos tamaños, y todo se ve muy rígido y antinatural. Acabo de dejar que el lápiz fluya, y si termino con líneas extra aquí y allá, está bien. Simplemente puedes borrar esos o ignorarlos cuando estás pintando. Pero lo principal que pensamos con la acuarela es donde estarán nuestros puntos destacados porque el papel es nuestro color resaltado. Eso es lo más brillante que podemos conseguir en la pintura. Desde el principio, piense en dónde está la luz en la escena. ¿ Qué lado de la roca va a ser el lado más destacado? Esas seguirán siendo las zonas más brillantes y poco a poco se puede acumular la oscuridad a su alrededor. Voy a estar usando una mezcla de azul, un poco de rosa, y un poco de negro. Entonces obtendré un tono grisáceo, y mi primera capa está muy diluida con agua. Después de pintar ese color base, empezaré a tocar en alguna variación aquí y allá con el mismo color, solo un poco menos de agua para que puedas ver que es un poco más oscuro. Dejaré que eso fluya y sangren juntos porque quiero esa variación natural. A medida que estoy haciendo esto, estoy recordando que va a secarse más ligero, así que no necesariamente me preocupo por el lado de resaltado y sombra todavía. Esta sólo va a ser la capa inferior, y luego pintaré las sombras. Por ahora, solo pensando en obtener una buena variación en el color subyacente. Las rocas pueden variar aquí y allá. No todos tienen que ser exactamente los mismos colores. Incluso las rocas que están cerca una de la otra no siempre coinciden. Para evitar tener una línea dura en la base de las rocas, usaré un pincel limpio y barrer una línea debajo y dejaré que ese color desangrezca. Sólo va a desvanecerse hacia donde va a estar el pasto , y es muy ligero por lo que no importará. Es muy divertido jugar con diferentes colores en nuestras rocas. En este caso, decidí añadir un poco de tono cálido. Estoy mezclando en un poquito de mi diluido rojo veneciano. Los pigmentos sangran lentamente juntos y se asentarán donde quieran, y creo que aquí es donde realmente se puede empezar a ver que esa textura se muestra a través. Estoy usando una pistola de calor para acelerar el proceso de secado, y en realidad voy a acelerar un poco el video para que puedas ver cuánto de un cambio de valor hay de mojado a seco. Una vez más, voy a hacer pequeñas notas de color para recordarme qué colores solía pintar esto. Ahora que la capa inferior de mis rocas está seca, es hora de la hierba. Estoy usando un verde muy diluido y voy a pintar alrededor de mis formas de roca. Se necesita un poco de diligencia para hacer esto, pero con un bonito pincel puntiagudo, es un poco más fácil. Está bien si me superpongo un poco las rocas aquí y allá, pero sobre todo quiero asegurarme de que no me superponga en ningún lugar que vaya a ser un punto culminante brillante en las rocas. Pero aún así, estoy trabajando bastante rápido para conseguir algunas buenas marcas rotas y expresivas aquí. Se puede ver que estoy pintando hasta el fondo de la roca, y ese color verde se superpone un poco del color base de las rocas. Recuerda cuando barrí mi pincel debajo de la roca y dejé que ese color desangrara y se desvaneciera en nada, por eso. Crea un buen flujo entre el color de la roca y el suelo. Aquí y allá, tocaré un poco más de pigmento o variaré ligeramente el pigmento al tal vez agregar algunos tonos más cálidos como amarillos o tonos más fríos como blues y solo tratar de romper esa gran área de hierba. Me gusta especialmente agregar amarillos y naranjas a mis colores de pasto para alegrarlos un poco y para hacerlos sentir un poco más cálidos, como si el sol se estuviera cayendo sobre la hierba, y luego contrarrestar eso con en el verde en el lado de la sombra de las rocas. Haré un poco de eso en la primera capa húmeda, por lo que es un efecto húmedo en húmedo, y luego una vez que se seque, puedo volver con tonos aún más sombríos y acumular esa profundidad. Una cosa que quiero mencionar de la capa húmeda en húmeda es que si estás usando una tonelada de agua, tus colores podrían sangrar demasiado juntos. Es un buen equilibrio de conseguir suficiente pigmento y suficiente agua para que la pintura fluya, pero no ir por la borda para que acabes con un desastre grande y acuoso. En cuanto a mi estilo de pincelada, estoy usando un pincel muy puntiagudo y barriendo el color hacia arriba para imitar cuchillas de hierba. Ahora voy a romper las grandes formas de roca con algunas sombras más esta vez usando un negro muy diluido. Es gris puro, básicamente. Parte de ese color subyacente se va a mostrar a través, sobre todo cuanto más diluido sea el pigmento, pero sí quiero advertirte sobre uso del negro en tus pinturas. El negro está bien y en realidad es un color de mezcla realmente genial, pero automáticamente desaturaliza y neutraliza tu color. Si quieres bajar la saturación o crear tonos más apagados, es perfecto. Pero si solo estás tratando de oscurecer tus valores, solo ten en cuenta que estarás perdiendo algo de esa saturación. Puedes usar un azul más oscuro, o morado, o incluso rojos, o una variedad de esos colores mezclados para oscurecer tus valores en lugar de solo negro. Pero en este caso, quería ir con un color más neutro. Mi objetivo con estas pinceladas es simplemente romper esas formas sólidas y dar un poco más de dimensión a las rocas. En esta escena, la luz viene de la parte trasera izquierda, por lo que la mayoría de mi color de sombra está en la parte delantera derecha. Probablemente podría dejar aquí el cuadro y estar contento con ella, pero te voy a mostrar una capa más. Por lo que ahora se puede ver cuán ligera se secó esa capa. Creo que esta pintura podría beneficiarse de una capa de sombra más. En general, esto traerá mi capa total sobre la roca a tres capas. Esta vez estoy usando un color azulado, negruzco, grisáceo, muy diluido, pero sólo voy a enfocarlo donde quiera mis oscuras más oscuras. En su mayor parte, será la parte inferior derecha de la roca o donde la roca está tocando la hierba, y esto ayudará a moler un poco más las rocas. Porque por el momento, solo están flotando y mezclando demasiado en el pasto. Porque fui ese paso extra y añadí más sombras oscuras a las rocas, creo que ayudará agregar un poco más de sombra a los pastos que están justo al lado de la roca. Por lo que se arrojará una sombra al suelo justo debajo de la roca. Estoy usando el mismo color verde que usé al principio, pero esta vez un poco más de pigmento, un poco menos de agua para que sea un poco más oscura. No quiero que mis pastos sean más oscuros que las propias rocas, solo quiero añadir un poco más de profundidad a la escena. Nuevamente, estoy usando una técnica de pincel seco y desempolvando ese pigmento a través del papel, dejando pasar esa textura del papel, que en realidad funciona realmente genial para las hierbas. Entonces estamos más o menos hechos. Cuando pruebes esto tú mismo, sí te recomiendo comenzar con una roca, tal vez dos rocas, y luego poco a poco construyendo la complejidad de tus escenas. Hay muchos pasos y se hará más fácil con el tiempo, pero puede ser un poco abrumador al principio. Sí, apenas comenzando con una escena muy básica para conseguir el cuelgue de estos pasos y poco a poco acumular ese kilometraje de pincel. 15. 3.4 Demostración: árboles acuarela: [ MÚSICA] Para esta demo, quiero que vuelvas a pensar en la lección sobre la simplificación de formas en el paisaje. Empezar con círculos o cuadrados es la forma más fácil. Pero con los árboles, más a menudo que no uso círculos. Empecemos dibujando un círculo. Vamos a tratar de captar nuestra fuente de luz o el sol en el lado superior izquierdo. Debido a eso, la sombra será arrojada hacia abajo hacia abajo a la derecha. Voy a sombrear en mi sombra solo con mi versión simplificada de eclosión usando esas líneas paralelas que te mostré antes. Le daremos un baúl y sí, estoy consciente esto básicamente parece una piruleta. Entonces vamos a usar esta forma como guía para dibujar nuestro árbol junto a él. En lugar de dibujar ese círculo, utilicemos la versión simplificada de nuestro frondoso dosel. tan puntiagudas y blandas Líneastan puntiagudas y blandasque se envuelven alrededor de la forma circular. En lugar de hacer un sólido área sombreada de media luna en la parte inferior derecha, voy a usar una sombra rota. Estoy tratando de imaginarme muy vívidamente dónde estarían todos esos racimos de hojas. Solo por romperlo un poco aquí y allá le da un poco más de realismo. Por supuesto, esta es una versión súper simplificada, pero solo quiero que ustedes empiecen sencilla y luego vamos a trabajar nuestro camino hacia el realismo. Cuando dibuje el baúl, también le daré unas ramas extra. Este tipo de boceto rápido es perfecto antes de saltar a una pintura, solo para que puedas tener las formas generales del árbol descifradas. A continuación, vamos a saltar a la pintura y seguiremos la misma estrategia. la izquierda, haremos nuestro círculo simplificado con la sombra de media luna, y luego a la derecha haremos nuestro árbol con un poco más de detalle. Pero por supuesto, sigue siendo muy simplificado. En primer lugar, voy a acostarme en mi color más destacado, que es un verde cálido. Por verde cálido, simplemente quiero decir que hay mucho más amarillo de lo que hay azul en esa mezcla. Se puede ver que es un verde brillante, casi olivey, amarillento. Entonces tocaré un poco de mi verde sombrío, que tiene mucho más azul en él. Pero sólo voy a tocar eso en el lado derecho e inferior. Sólo dejaré que eso sangren naturalmente juntos. Voy a usar la misma estrategia en el árbol del lado derecho. Esta vez sin embargo, por supuesto, voy a seguir el borde grosero del árbol, [Risas] por lo que no va a ser un círculo perfecto. Un consejo rápido sobre pintar estos marquesinas simplificadas y frondosas es usar la punta del pincel para los bordes puntiagudos, los lados puntiagudos de las hojas. Un pincel redondo con un poco de punto en él es perfecto para un árbol porque puedes usar la punta que es mucho más nítida, mucho más puntiaguda para crear esas formas de hojas puntiagudas. Pero la base del pincel, la parte grasa del pincel sostiene mucha agua y pigmento para que no tengas que recargar constantemente. Para que puedas ver usualmente apunto la punta de mi pincel hacia el borde exterior de ese círculo de ese árbol para crear esas formas de hojas puntiagudas. La parte gorda del pincel se mantiene cerca de la mitad de ese círculo. Para mi sombra, una vez más, voy a mezclar un poco más de azul en ella para que esté fresco y me pegue al borde derecho e inferior. Es tentador añadir mucha sombra, pero recuerda que va a sangrar en tu otra pintura húmeda. Así que trata de ser un poco limitado al principio y ver qué tan rápido está fluyendo. Todavía queremos algo de ese verde brillante y cálido que se muestre a través al final. No voy a esperar a que esto se seque antes de pintar mi tronco porque personalmente me gusta cuando el árbol se desvanece hacia el tronco. Pero quieres tener cuidado al hacer esto porque si tu zona alta, si tu verde todavía está muy mojado, potencialmente podrías conseguir una gran cantidad del marrón sangrando en ese árbol. Es importante conocer tu papel y saber lo mojado que está cuando haces esto. Empezaré con un poco de rojo veneciano inglés, que es un rojo muy anaranjado, y agregaré un poco de púrpura solo para silenciarlo ligeramente. Entonces pintaré eso y lo dejaré secar naturalmente. Si quieres animar a que tu pintura fluya en cierta dirección, puedes levantar e inclinar tu papel también. Hagamos lo mismo con un pino. Comenzando con una forma de cono muy simplificada, y luego dibujando una versión puntiaguda, groseramente de eso, indicaremos la forma del árbol, igual que demostré en la forma simplificada lección cuando hablé de árboles. Esta vez por el color, voy a empezar con un verde ligeramente más fresco. Esto se debe principalmente a que cuando observas la diferencia de color entre árboles más caducifolios frente a árboles de hoja perenne, los árboles de hoja perenne se inclinan un poco más en el lado más fresco del verde. Estoy usando Diopside Genuine como mi base verde y es un medio realmente bonito del camino verde. Pero cuando añada mis sombras, me voy a mezclar en mi azul oscuro esta vez, que se llama antraquinona azul. Le dará ese tono sombrío realmente profundo. Para el árbol de la derecha, una vez más, estaré usando la punta de mi pincel para crear esas ramas de árboles puntiagudos. En este caso, es una versión muy simplificada de agujas de pino. Mis pinceladas tienden a comenzar desde el centro del árbol y luego se extienden hacia afuera cada vez más anchas hacia la base. Aquí y allá, necesitaré recoger más pigmento, pero cuando lo haga, trato de trabajar rápidamente para que cuando añada la nueva pincelada, se mezcle fácilmente con la anterior. Una vez más, el beneficio del papel 100% de fibra de algodón es que te da un poco más de tiempo para jugar con tus colores, para jugar con tus lavados y tus pinceladas. No se seca de inmediato y no te da tantos problemas con pinceladas visibles al final, aunque mencionaré que en realidad también es una opción de estilo. algunas personas realmente les gusta ver pinceladas individuales. Pero si te gusta tener este estilo degradado muy suave, entonces querrás usar papel 100% algodón. El papel prensado en frío también es un poco más indulgente. papel prensado en caliente tiende a mostrar más pinceladas incluso si es 100% algodón. Es solo algo a tener en cuenta cuando compras tu papel. Ahora, ¿qué pasa con una escena con muchos árboles que son casi conmovedores o superpuestos? Este es un tipo de escena que me encuentro constantemente en Escocia y me encanta pintar campos forrados de árboles. Primero, te voy a mostrar cómo simplificaría esto en un racimo de árboles, y luego te mostraré un poco más alejado lo que haría en una escena donde estoy pintando el campo y los árboles que recubren los bordes del campo. Empezaré con las mismas formas circulares. Aquí y allá puedo tirar en un pino, que por supuesto, tiene más forma de cono, y podría tratar de variar la forma ligeramente como aplanarlos o aplastarlos un poco. Pero lo más importante es que se están superponiendo. Si hacer un gran racimo de árboles es un poco intimidante, tal vez acaba de empezar con dos y luego agregar otro y luego otro. Así que empieza muy pequeño, realmente simple, y luego trabaja tu camino hacia un montón de árboles que se superponen. Además, aprende de mi error y dame un poco más de espacio para dibujar tus árboles. Aplasté mis árboles hasta el borde de mi página aquí, pero está bien, terminó funcionando. Yo sí encuentro que es mucho más fácil dibujar los árboles de primer plano y luego los árboles de fondo, porque entonces sabes dónde necesitas parar tus líneas, para que no fluyan por los árboles de primer plano. Pero cuando se trata de pintar, tiendo a pintar mis árboles de fondo primero. No creo que haya una mejor manera de hacerlo, lo he hecho en ambos sentidos, pero simplemente funciona mejor para mí. Es que me gusta saber dónde van a estar mis árboles de fondo antes de pintar en mis árboles de primer plano. No obstante, es posible que encuentres que es mucho más fácil pintar primero tus árboles de primer plano. Sugiero intentar ambos y ver cuál funciona mejor para ti. Desde que empecé con mi pino, usé un poco más de un color verde más fresco, y luego toqué en el tono de sombra, que de nuevo era mi tono azul fresco, y dejé que ese sangrar y fluir en el fondo. Una cosa a recordar es que la acuarela tiende a secarse más ligero. Si pones tu tono de sombra y luego termina secando súper luz, todavía puede funcionar en tu escena. En realidad es agradable tener elementos de fondo suaves y descoloridos en la distancia. No obstante, si estás usando valor y contrastando a tu ventaja, tener ese árbol de fondo un poco más oscuro, para que el árbol de primer plano salga en contra de él, requiere que añadas un poco más pigmento. Se requiere que seas un poco más valiente y asegúrate de agregar suficiente pigmento en ese primer lavado. Por supuesto, siempre podrías volver y oscurecer tus capas con otro lavado de color, pero personalmente me gusta hacerlo todo de una sola vez. Simplemente me encanta cómo se ve ese sangrado suave sin volver a entrar y meterme con ella. Si alguna vez cometo un error o no hago las cosas lo suficientemente oscuras, solo lo uso como una lección aprendida y sigo adelante. Hablando de seguir adelante, estoy usando una pistola de calor para secar esta primera capa, para que cuando hago mis árboles de primer plano, la pintura no sangra en esos árboles de fondo. Para mis árboles de primer plano, estoy empezando con un verde cálido y voy a pintar en toda esta zona que actualmente está en blanco. Estoy tratando de tener cuidado no solapar el árbol de fondo, pero sucede solo porque trabajé rápidamente. Se le va a dar un ligero contorno porque cuando esos colores superponen y se secan uno encima del otro, oscurecen sus valores, y es sólo algo que sucede, así que si eres preocupado por esto, hay que tener mucho cuidado en esos bordes. También quiero aprovechar esta oportunidad para discutir mis lecciones aprendidas. En esta escena, personalmente no tengo mucha profundidad pasando. Está bien para un boceto rápido, y es algo que haría para tomar notas de color cuando estoy afuera o simplemente para darme una excusa para pintar en el hermoso clima, pero cuando llega al realismo o a crear una escena que tiene mucha profundidad hermosa en ella, es un poco plana. Una cosa que podría hacer para arreglar eso es volver con más capas de pintura y acumular un poco más el contraste o los colores más profundos, solo para separar el primer plano de el fondo un poco más, y si lo hiciera, probablemente usaría un ultramarino muy diluido o un azul, sea cual sea el azul que tenga. Sólo porque personalmente creo que las sombras son bonitas cuando les tienen un poco de tinte azul. Pero cuando empiezas por primera vez, se trata de tomarlo despacio. Si decides seguir tocando la pintura en tu pintura, hazlo poco a poco. Observa cómo se secan las cosas y cómo se secan las cosas oscuras o claras, cuánta agua tienes en cada pincelada. Esas son las cosas que te van a ayudar a progresar después de cada pintura. Una cosa que hice para separar el primer plano y el fondo un poco más, es agregar un poquito más de saturación en los árboles de primer plano, sobre todo en los troncos de los árboles, son mucho más cálidos y más brillante y más saturado. Hablando de lecciones aprendidas, siento que esta es una de las cosas más importantes que podrías hacer a medida que creces como artista, es terminar una pintura y tomar notas mentales o incluso físicas sobre lo que aprendiste. Los pros y los contras de la pintura, y de la experiencia, es algo que hago después de la mayoría de mis pinturas. Regresar a este cuadro. Ahora vamos a hacer una versión ligeramente alejada de esta escena, para que puedan ver cómo me acercaría un paisaje simplificado donde tengo un campo con muchos árboles, y cuando decir simplificado, me refiero realmente simplificado. Muchas veces cuando estoy fuera de pintar, y lo he dicho muchas veces antes, tengo unos minutos. Tal vez me siento ahí por 5-10, 15 minutos, y antes de que me dé cuenta la luz ha cambiado. Si quiero pintar un campo soleado, trabajo rápidamente. Si termino con más tiempo y puedo hacer otra pintura, entonces genial. Pero a veces no tengo esa oportunidad. Hay dos cosas en las que me centraría en esta escena. Una sería simplificar cuántos campos tengo y cómo se ven los árboles. En su mayor parte, agruparía montones de árboles, pero están tan lejos que no hay manera que les vaya a añadir tanto detalle. En cierto modo, casi apenas se convierten en pequeñas manchas. Cuando lo dibujo, se ve como pequeños guijarros sentados en una colina. En la pintura puedo darle un poco más de contexto pintando en el cielo. Con azul ultramarino muy diluido, barreré en pinceladas horizontales largas, pero asegúrate de pintar alrededor de las formas del árbol. Esto es principalmente para que pueda pintar algunos reflejos en esos bordes de árbol, si quiero, y no preocuparme el acristalamiento de pintura sobre el color azul. También barreré en una variedad de verdes cálidos y frescos en los campos mismos, y típicamente uso un verde cálido para un campo y luego un verde fresco para el campo al lado solo para enfatizan el hecho de que son campos separados. Es algo muy común aquí en Escocia. Ves estos campos verdes brillantes junto a campos de color verde oscuro. Entonces esperaré a que eso se seque. Entonces con un pincel mucho más pequeño, voy a empezar a colocar en los racimos de árboles. O puedo usar un verde más oscuro y luego agregarle un poco de verde cálido, o puedo empezar con un verde más brillante y luego agregarle un poco de verde fresco. Mis pinceladas son rápidas y muy sueltas. Estoy tratando de no pensar en exceso nada, sólo estoy tratando de mantenerlo con un aspecto muy orgánico. Si quieres ir realmente detallado, incluso puedes pintar en pequeños troncos de árboles, y a veces agregaré largas sombras barredoras o incluso ovejas. Depende totalmente de lo detallado que me vaya. Pero ojalá que, por ahora, se tenga la idea de que solo puede comenzar con estas formas muy simplificadas y poco a poco acumular la profundidad. Sólo para darte algunas ideas más o inspiración, aquí te presentamos algunas de mis pinturas postales que he hecho en el pasado donde realicé estos racimos de árboles en los bordes de los campos, a veces siendo un poco más detallado y algunos siendo casi abstractos. 16. Demostración 3.5: acuarela de aire plein: [ MÚSICA] Definitivamente tus habilidades y tu paciencia serán probadas una vez que empieces a pintar afuera. Yo personalmente lo hago porque amo la naturaleza. Me encanta estar inmerso en estos hermosos lugares salvajes, y para mí, es una forma de conectarme más profundamente con la tierra. Pero es cierto que lucho tanto cuando pinto afuera. La razón principal por la que es más difícil pintar de la vida para pintar fuera es, bueno, en primer lugar, los elementos siempre están cambiando. La luz cambiará dentro de la misma sesión, por lo que el sol se esconderá detrás algunas nubes o comenzará a llover. Tienes viento y todo este movimiento pasando a tu alrededor, y también tienes que convertir lo que está frente a ti, que es 3D, en una pintura 2D sobre el papel. Estás mirando estos objetos frente a ti que son 3D y de alguna manera tienes aplanar eso y destilar todo el detalle y toda la información de color. Haz una elección sobre cómo mezclar ese color y ponerlo en el papel. Pero dicho eso, hablemos de algunas estrategias de éxito. Empezar con algunos bocetos de línea, algunos bocetos de valor, jugar con diferentes composiciones, y simplemente familiarizarse con tu ubicación primero te ayudará. Una de las mayores luchas que encuentro es que la luz está cambiando. Cuando llegué por primera vez, era brillante y soleado. Durante la sesión de pintura, el sol se escondió detrás de algunas nubes por un tiempo y luego hacia el final el sol volvió a salir, por lo que las sombras y los colores que estaba viendo cambiaban constantemente. Mi mayor consejo, sin importar dónde estés pintando o cómo es el clima, es decidir desde el principio si te vas a quedar con lo que ves cuando llegues ahí o si lo vas a cambiar en algún momento. Si es soleado cuando llegas, haz un boceto muy rápido que represente los brillantes brillos, y las sombras, y todo lo demás y quédete con eso a lo largo del cuadro pase lo que pase. Toma algunas fotos de referencia de esa condición de luz también. A veces ahorraré tiempo y saltaré un paso. Como puedes ver aquí, empecé con una pintura de pigmento púrpura puro. Yo uso esto para pintar básicamente un estudio de valor de mi escena, sólo que no me fui súper oscuro en las áreas oscuras. Era más como una forma de bloquearme en las principales formas y empezar a pensar dónde estarían mis sombras. Tengo un poco de sombra en las rocas, y un poco en el agua, y las montañas por supuesto. También estoy usando pinceladas muy mínimas y no voy súper detallado a ninguna parte de la pintura. Se trata más de capturar el movimiento del agua, algunos de los colores que veo en persona, pero incluso entonces los estoy exagerando o cambiando un poco. Cuando pienso en los diferentes elementos de mi escena, traté de usarlos como inspiración para qué tipos de marcas estoy haciendo. A lo mejor los pastos y cualquiera de las cosas que están creciendo alrededor del agua serán áreas muy blandas, y dejaré que los colores sangren naturalmente juntos. Las rocas mismas serán un poco más geométricas. Tendrán bordes más duros, y en su mayor parte, ahí es donde también estará un poco más de mi sombra. Mis zonas más brillantes de la pintura serán lo más destacado en el agua, y debido a que es una cascada y quiero capturar esa sensación de movimiento, estaré usando pinceladas direccionales rápidas para imitar el movimiento del agua. Pero antes de entonces, solo estoy tratando acostarme en algo del color de la roca. Esto se secará y luego volveré encima de eso con algunos colores de sombra más tarde. Para añadir un poco más de profundidad a mis montañas, voy a usar una versión muy simplificada de sombras y reflejos. En el lado derecho de la montaña donde se cascadas hacia abajo, estoy agregando un poco morado más oscuro. Así mismo color, sólo un poco más de pigmento, y lo estoy barriendo hacia la izquierda. Pero el mismo arriba y el lado izquierdo de esos picos, me voy a dejar solo. Que bajo color se mostrará a través de un poco e imitará la mirada de un punto culminante en la montaña. La mayoría de los pastos en el valle son más terrosos, quizá un poco más cálidos como el amarillo anaranjado. Estoy agregando un poco de eso a la base del color de la montaña mientras está mojado para que sólo tenga una sangría suave. Simplemente hará que la montaña se sienta más tierra y conectada al primer plano. Ya que estoy trabajando mojado en húmedo y muchos de mis colores están sangrando juntos, hay potencial para crear lo que la gente llama colores fangosos. Cuando tus colores comienzan a sangrar y mezclarse en el papel y eventualmente solo se convierte en barro, como un tono marrón o gris, pierdes algo de ese color inicial, algo de la vitalidad. Eso es definitivamente una posibilidad cuando se trabaja mojado en mojado. Pero como estoy más familiarizado con mi papel, sé cuánto pigmento puedo agregar, cuánta agua puedo agregar, y asegurarme de que no todo simplemente sangra y se convierta en una gran gota. Es sólo por esa experiencia que sé lo que puedo hacer a mi periódico. Con el tiempo, lo descubrirás también con tus papeles favoritos. Echemos un vistazo al agua en movimiento. Si miras justo donde está la cascada, puedes ver que la acuarela está un poco en el verdoso, a veces incluso un poco pardusco. No es sólo azul, no es negro, no es blanco puro. Ahí hay algo de color. Estoy agregando un poco de ese color a donde están las cascadas de mi cuadro. Como mencioné, me gusta alterar los colores, exagerar un poco los colores en mi obra de arte, así que estoy usando aquí una paleta de colores muy estilizada. Pero si trataras de pintar esto de manera más realista, tu acuarela probablemente se inclinaría más hacia el azul grisáceo. El color del agua es mucho más silenciado. En las zonas de agua en rápido movimiento, se puede ver un poco más de color, pero en su mayoría esta agua se ve un poco más gris. Si alguna vez estoy luchando por ver el verdadero color o valores en lo que está delante de mí, un pequeño truco es sostener un objeto de un color que sabes que puedes mezclar. Entonces, ya sea blanco puro o negro o incluso un gris medio, sea lo que sea. Entonces compara lo que está frente a ti con ese objeto con ese color. Es como si un interruptor de luz se apaga y de repente eres capaz de ver debido a esa comparación qué color es ese objeto. Pero sabía desde el principio que quería usar un azul muy oscuro como mi color de sombra, y a menudo uso azul o morado oscuro o rojo marrón oscuro como mis sombras como mis oscuras oscuras. Porque para mí, tener una sombra colorida es simplemente más interesante. Estaré aplicando ese color más oscuro al lado derecho de las rocas, por lo que el lado de sombra de las rocas, y en cualquier lugar del agua que no esté en pleno movimiento rápido. como discutimos en una lección de composición, si quieres atraer el ojo del espectador, contraste es una gran herramienta. Si utilizo este color oscuro directamente al lado de las zonas brillantes del agua en movimiento, esto atraerá el ojo. Cuando estoy mezclando mi pintura, lo estoy haciendo poco a poco. No quiero ir por la borda con el contraste porque es más difícil quitarlo, pero estoy tratando de recordar que el color del agua se secará un poco más claro. Justo ahora, añadí un poco de púrpura al lado de la sombra de mis rocas solo para darles un poco más de una separación visual entre el agua misma. El último paso será oscurecer algunos de los arbustos en el borde del agua. Esto ayudará a separarlos de las montañas en la distancia. 17. 3.6 Demostración: gouache Forest: Las escenas forestales son complejas. Pueden ser muy intimidantes porque hay tantas cosas pasando. Desde que dibujo y pinto toneladas de bosques, es un poco más fácil para mí hoy en día. No obstante, sigo siempre empujándome a probar nuevas escenas, nuevos tipos de bosques y árboles y composiciones diferentes, y siempre empiezo de la misma manera. Yo uso un lápiz muy ligero para empezar a mapear mis árboles principales. La mayoría de las veces, termino pintando sobre mi dibujo y cambiando muchas cosas antes del final de la pintura. Pero esto al menos me hace empezar. Cuando se trata de usar acuarela y el gouache indistintamente, no tenemos que preocuparnos demasiado por preservar nuestros aspectos más destacados. Una vez que tengo mis árboles generales y todo mapeado, puedo empezar con la capa de fondo. A veces pintaré un color sobre todo, así que tengo una bonita capa inferior, o haré algo como esto donde acabo empezar a pintar primero las áreas más brillantes. En este caso, tengo algo de luz brillante que vierte por el bosque, y estoy usando un verde amarillento brillante como ese color de resaltado brillante. Entonces cuando todavía esté mojado, empezaré a pintar en más de las cosas sombrías. Es una forma de experimentar con la colocación de mis principales reflejos y sombras porque todo esto se puede cambiar o encubrir si necesito. Realmente quería mostrar esta pintura en particular porque muestra lo salvaje y desordenado que es desde el principio. Muestra que puedes ser más espontáneo en tus pinturas. Lo aceleraré un poco para que puedas ver lo desordenado que es. Entonces estoy listo para mi primera capa de calabaza. Estoy usando blanco, amarillo limón, umber quemado, quinacridona magenta, y azul prusiano. Paleta muy limitada, pero podré mezclar todo lo que necesite con estos colores. ¿ Cómo se va de esto a esto? Hablemos de ello despacio. En primer lugar, no tenía una visión súper clara de cómo resultaría esta pintura cuando me senté a pintarla. Sólo tenía una idea. Tuve la idea de pintar un sendero que va de una parte brillante y soleada del bosque a una parte más oscura y espeluznante del bosque. Para lograr esto, usaría verdes calientes frente a greens fríos. En el lado izquierdo donde el sol se está derramando por el bosque, usé mucho más amarillo. En el lado derecho, que es mucho más oscuro y espeluznante, usé mucho más del azul. Si piensas volver a la lección sobre mezcla de colores y la teoría del color, sí hablé un poco sobre cómo si usas una paleta limitada, tienes mucho más control. Este es un ejemplo perfecto porque estoy usando tres colores primarios para mezclar la mayoría de los colores que ves aquí. Esos tres colores aparecerán al menos en algún lugar de cada parte de la pintura. Incluso si voy de luz brillante y soleada a luz oscura espeluznante, no importa. El ambiente general de la pintura todavía se sentirá conectado. Soy dueño de muchos amarillos y azules y rojos diferentes. Si hubiera usado muchos diferentes para mezclar estos colores, toda la pintura podría desarticularse rápidamente, y perdería algo de esa armonía. Hablemos de estrategia. Dado que ya había hecho mi pequeño boceto, y sabía dónde iban a estar la mayoría de mis árboles más grandes y el propio camino, solo era cuestión de colocar en algunos de los colores base de estos principales elementos. Cuando empiece a pintar, verás que bloqueo en el color de fondo como solo un gran lío verde. A pesar de que el gouache es opaco, y no tengo que pintar alrededor ningún elemento como un tronco de árbol, lo hago de todos modos porque tiendo a usar mi gouache muy diluido cuando empiezo por primera vez. La primera o dos capas se regará el gouache, y luego a medida que acumule la profundidad de la escena, usaré menos agua y más de una capa de gouache espesa. Me estoy enfocando más en solo agregar variedad a esta área de fondo. Haré una variedad de marcas. Ya sea que estén imitando troncos de árboles o hojas o pastos o rocas, van a ser muchas capas delgadas una encima de la otra. Mi experiencia general con gouache es que cuando empiezas con una capa gruesa, es mucho más difícil poner más gouache encima de ella. A diferencia de otros medios de pintura, gouache no es permanente. Incluso en 10 años, si dejas caer algo de agua sobre una pintura gouache, puedes reactivar la pintura y moverla o mezclarla, y eso es algo que me encanta de ella, que capacidad de poder mezclarse en ella tanto como quiera, aunque me lleve días hacer una sola pintura. Pero los propios pigmentos pueden ser tinción. Si lo usas más regado para el primer par de capas, en esencia, estás manchando tu papel, por lo que es un poco más difícil mover las cosas. Por lo tanto, me gusta usar lavados más delgados para mis capas inferiores para que sean un poco más permanentes, y puedo añadir fácilmente gouache más grueso y grueso encima de ella. Por ahora, estoy pintando alrededor de mis árboles, pero verás más adelante que les agrego mucha más oscuridad y tonos sombríos y profundidad. Esta también es una forma de evitar hacer colores fangosos donde no los quiero. Verde y rojo son colores complementarios. Son opuestos entre sí en la rueda de color. Esto significa que si los mezclo juntos, terminaré con marrón o incluso un gris dependiendo de los propios pigmentos. Aquí en esta escena forestal, si pintaba un bloque sólido de verde como mi capa de fondo y no dejaba esos espacios en blanco para los troncos de los árboles, más tarde cuando vuelvo con mis tonos parduscos, que sí se inclinan un poco más hacia el rojo, estaré esencialmente añadiendo rojo encima del verde. Porque con la naturaleza del gouache, se va a mezclar en sí mismo, esos colores complementarios se mezclarán, y podría terminar con colores que realmente no quiero. Mi estilo de pincelada es, bueno, lo que yo llamaría chunky. Es un estilo que sólo me encanta. Pinceladas gruesas significa que no me estoy enfocando en pintar cada hoja o forma que veo, estoy usando marcas audaces para representar las cosas en su conjunto. Una sola pincelada o unas pinceladas de club juntos representarán un arbusto o el follaje de un árbol. Esto sí implica algo de fe. Hay que confiar en el proceso, sabiendo por experiencia que a medida que empieces a recubrir todos estos diferentes elementos, resultará ser una escena forestal muy interesante. Ahora que tengo un poco más de ese trasfondo hecho, puedo empezar a pensar en esos árboles. Empezaré con versiones muy apagadas de mi marrón, mi color local. Es un tono marrón grisáceo. También están sucediendo todas las demás cosas, como las rocas y el camino, comenzando con el color base de las rocas como sólo un tono muy grisáceo azul. Sabiendo que después volveré y les agregaré algunas texturas musgosas. Cuando estoy pintando las sombras en mis troncos de árboles, estoy pensando en qué haría que la luz en esta zona saliera aún más. ¿ Qué potenciaría ese contraste para llamar la atención ahí? Mezclando un poco de mi azul prusiano con mi marrón e incluso un poco del rosa, puedo crear un tono fresco profundo. Cuando uso un color más cálido resaltado, se destacará aún más. Cuanto más oscuro voy con mis sombras, más brillantes van a aparecer los reflejos. Para imitar el efecto de luz incursionada que a menudo encontramos en el bosque, estoy usando un tono cálido, neutro y lo espolvoreo por la superficie de la corteza en ciertas áreas. No por todo el asunto, sólo salpicándolo aquí y allá. Para pintar en algunas de las sombras de los árboles y las rocas, estoy usando una versión coolish de los colores que ya he usado. Un verde fresco para las sombras en el suelo y un gris azulado fresco para las sombras en las rocas. Tal vez incluso un poco de púrpura allí. Estoy haciendo lo mismo en el camino porque el material del camino es muy diferente a la hierba. Es como una manada abajo de la Tierra. Para hacer esa separación visual usando colores ligeramente diferentes, eso realmente ayudará. Se puede ver que estoy muy ligeramente espolvoreando el color a través del camino. Es una orden para darle un efecto de pincel muy roto o aspecto áspero en comparación con tal vez algunos de los elementos de software que lo rodean. Como mencioné anteriormente, si quiero que destaquen mis reflejos , necesito ponerlos junto a un tono oscuro. Agregar una sombra más oscura a mis troncos de árboles en el costado que está mirando lejos de la fuente de luz va a hacer que realmente salga la sección resaltada. Haré lo mismo por algunos de los elementos de primer plano como las rocas que están más cerca del espectador y algunas de las rocas a un costado del camino. Pero aquí estoy empezando con un color base neutro gris muy negruzco, y luego volveré encima de eso con algunos musgos verdes y otros cultivadores. El lado izquierdo aún no está terminado, pero voy a empezar a trabajar en el lado derecho para obtener una imagen más completa de mi estado actual de progreso. Empezaré agregando un poco más azul oscuro a esta área de fondo. Estaré construyendo la profundidad con más troncos de árboles y otras cosas frente a esto después. lugar de solo mezclar en un color oscuro o negro en mi color para que se vea más oscuro, estoy usando una versión diluida de mi azul prusiano. Esto significa que mis tonos sombríos todavía se van a sentir muy coloridos y vibrantes, en lugar de estar más desaturado si hubiera usado el negro. Un pequeño consejo que tengo sobre el color en los caminos forestales vistos es que muchas veces si el camino es más de un material de tierra o suciedad, agujas de pino, todo ese tipo de cosas, en los caminos forestales vistos es quemuchas veces si el camino es más de un material de tierra o suciedad,agujas de pino, todo ese tipo de cosas, no es sólo un sendero verde. Si tienes ese color base de un tono marrón, usar un tono púrpura como tu sombra realmente la hará sentir viva. Hará que se sienta más luminoso. Sí, es una sombra, pero todavía tiene mucho color en la vida y si vas a estudiar estos colores en persona, encontrarás que esas sombras suelen ser de color púrpura azulado. Hora de una pausa para el café. Vamos a evaluar dónde estamos. Hasta ahora tenemos muchas sombras y reflejos iniciados, pero todavía hay mucho que podemos hacer con detalle y empujando el contraste donde queramos dibujar un enfoque. En el lado derecho, que va a ser más sombrío, realmente puedo ayudar a que estos árboles salgan de las sombras oscureciendo el fondo. Al hacer esto de una manera en que en realidad estoy pintando el follaje, los cultivadores que están detrás de estos árboles, en lugar de solo marcas sólidas, realmente ayudarán a que se sienta más como un bosque lleno, un bosque muy exuberante. Una vez más, sigo usando ese estilo de pinceladas gruesas. Mi pincel se mueve con bastante rapidez por el papel, pero eso es principalmente para que evite hacer marcas repetitivas. Algo con lo que lucho es hacer las cosas demasiado uniformes, y eso es lo que realmente quiero evitar en una escena forestal, sobre todo una que quiere sentirse muy salvaje y cubierto. Una estrategia para hacer que el bosque se sienta más exuberante y más lleno es usar variaciones del mismo color, tal vez un verde o un azul para capas de muchos árboles que se superponen. Ya se trate de plantas o árboles, es solo cuestión de acodar lentamente estos diferentes elementos. Se necesita un montón de pacientes. Admito que me he dado por vencido en una gran pintura forestal después de apenas molestarme tanto con el tiempo que llevaba, necesito practicar a mis propios pacientes. Pero cuando lo hago, siempre me encantan los resultados. Una estrategia rápida para pintar para plantas a diferencia es comenzar con un tallo central o un tallo central, y luego usar un pincel plano, solo hacer pequeñas marcas rápidas que representen las hojas de helecho que vienen fuera de ese tallo central. Poner estos uno encima del otro realmente ayudará a llenar un área de tu pintura y hacer que se sienta muy exuberante. Voy a trabajar en dibujar mi enfoque hacia el camino de nuevo. Para ello, estoy agregando una sombra a los lados de mis rocas que están cerca del camino. Sí, tu vista va a fluir a través de la pintura. Pero dondequiera que tengas ese alto contraste, definitivamente va a dibujar el foco. Este constante equilibrio de sombras oscuras y reflejos brillantes es algo que me encanta en una escena forestal. Trabajando poco a poco, puedo desempolvar alguna textura de pincel seco sobre mis troncos de árboles y mis rocas con un color verde brillante y darle ese brillo de luz. Si piensas volver a la lección de teoría del color cuando hablé de la luz rebotada, esto es especialmente divertido de usar en una escena forestal. Si el lado derecho de mi cuadro es más sombrío y le tiene muchos más tonos azules, eso va a arrojar o rebotar luz hacia el otro lado de la pintura. Espolvorear un tono azulado sobre el lado de la sombra de mis árboles brillantes va a ayudar a hacer ese equilibrio de cálido y fresco y hace que mis sombras aún sientan que tienen mucho color y vida para ellos. Uno de los toques finales que hago por mis árboles es con un pincel de detalle muy diminuto, hago largas líneas sinuosas con ya sea un resaltado o un color de sombra. Esto simplemente rompe algunos de los trozos de color más grandes y agrega un poco más de profundidad a la corteza. Al acercarme al final de esta pintura, sentí que el camino no se destacaba lo suficiente, así que decidí agregarle un poco más de tonos rojizos rosados. Lo mezclé en, pero también uso alguna textura de pincel seco. Verde y rojo son colores complementarios. Cada vez que aparecen uno al lado del otro, se hacen sentir un poco más vibrantes. El camino naturalmente se destacó después de que hice eso. Pero ¿recuerdas la idea del turno de dibujo? Bueno, si acelero un poco el cuadro, mira cuán oscuro se pone el camino una vez que se seque. Compare esto con esto. Lo puedes ver a lo largo toda la pintura esto va a pasar. Por eso me gusta ir despacio y construir mis capas poco a poco. 18. Proyecto de clase: [ MÚSICA] Este Curso de Fundaciones ha cubierto una gran variedad de temas. Sé que cuando empiezas por primera vez, todo esto puede ser muy intimidante. Como proyecto de clase, quiero animarte a empezar muy sencillo. Lo primero que hay que hacer es empezar tu propio cuaderno de bocetos de la naturaleza. Piensa en ello como tu nuevo mejor amigo. Llévalo contigo a todas partes. Decora la portada, escribe algunas cotizaciones inspiradoras dentro, haz lo que necesites hacer. Pero lo más importante, trata de dejar lado unas horas a la semana para practicar. He hecho esta hoja de trampas de tarea para que puedas pasar por los pasos que te mostré en esta clase para desarrollar tu comprensión del paisaje y tomarte tanto tiempo como necesites para cada uno de estos temas. En realidad es bastante común en una escuela de arte dedicar varias semanas a cada uno de estos temas fundacionales. Pero cuanto antes desarrolles ese amor por aprender y experimentar y realmente comenzar a observar el mundo que te rodea, más agradable será tu viaje de por vida. Dentro del chico de la tarea, hay muchas sugerencias para avanzar, así como algunas plantillas que puedes usar para empezar. No lo olvides, tengo toneladas de videos en YouTube que puedes ver de forma gratuita. Todo Sobre mi aventura planificadora, cómo me gusta esbozar la naturaleza y compartir algunos de los altibajos en el camino. Si decides compartir alguna de tus tareas o simplemente bocetos futuros, me encantaría verlos. Así que asegúrate de usar mi hashtag, SARAHBURNSTUTOR, porque compruebo esto con frecuencia en las redes sociales y simplemente realmente ilumina mi día. Si disfrutaste la clase y aprendiste algo, realmente apreciaría si te tomaras un momento en dejar una reseña también. También pondré algunos enlaces en la descripción para mis otras clases de paisaje. Pero mi más profunda esperanza es que salgas y disfrutes esbozando la naturaleza y no te olvides de disfrutar del viaje. [ MÚSICA]