Dibujo y boceto, vol. 1: fundamentos para todos los niveles

1. Fundamentos de dibujo y boceto, Vol 1: ¿Alguna vez has soñado con dibujar con precisión y pasión sin quedarte atascado en técnicas complejas y procesos interminables? Soy BabGoVPZ y después de 30 años de dedicación al dibujo y aprendizaje en las mejores escuelas de arte, he desarrollado una técnica que te permitirá renderizar cualquier paisaje u objeto que desees, disfrutando cada momento del proceso He diseñado una serie de cursos de dibujo y boceto para guiarte paso a paso, volumen a volumen en tu viaje para convertirte en un verdadero artista Imagina poder llevar tus ideas al papel, creando obras que reflejen tu visión única del mundo. Tanto si eres un principiante entusiasta alguien que busca refrescar tus habilidades, aquí encontrarás las herramientas y la confianza necesarias para dar vida a tus sueños artísticos. En este primer volumen, explorarás los fundamentos esenciales de esta técnica Aprenderás a observar atentamente los objetos a tu alrededor para utilizar ángulos y las mejores técnicas de sombreado que te permitirán capturar la esencia de todo lo que veas Comenzarás con bodegones simples, donde te enfocarás en la composición y la iluminación, aprendiendo a renderizar efectivamente texturas, reflejos y sombras. Entonces avanzarás a la complejidad de los árboles con formas y detalles intrincados Por último, culminarás tu ney artístico representando tanto por dentro como fuera uno de los castillos más bellos Barcelona, Cataluña, España Aplicando todas las técnicas aprendidas para plasmar esta grandeza arquitectónica y los detalles que la hacen única A lo largo de este curso, abordaremos una teoría que apoyará nuestro aprendizaje práctico. Exploraremos la composición, la bidimensionalidad, la tridimensionalidad y la perspectiva Por otro lado, nos sumergiremos en el estudio de un artista notable, admirando sus técnicas y obras, muchas de las cuales se pueden encontrar en museos, en realidad Adicionalmente, profundizaremos en el conocimiento de los materiales Para que puedas seleccionar los mejores lápices profide, rótula, papeles de lujo, etcétera. Elegir las herramientas adecuadas es crucial para lograr los resultados que desea. Así que no pierdas la oportunidad embarcarte en este viaje artístico. Este curso ha sido completamente diseñado para ti, adaptándote a tus necesidades y ritmo. En esta plataforma, no podrás encontrar un curso que ofrezca un enfoque tan apasionado, elegante y accesible para aprender a dibujar. Bienvenido a mi Ater y dibujando en bosquejar el fondo uno. Fundamentos para todos los niveles. Te veo en la primera lección. 2. Importancia de la observación activa: Hola a todos. Hoy discutiremos un aspecto crucial del dibujo que muchos cursos enfatizan el uso del método grid. Es importante aclarar que no me refiero a la cuadrícula de perspectiva, esa cuadrícula donde convergen las líneas en un punto de fuga En cambio, estoy hablando de la cuadrícula que divide una hoja en varios cuadrados Si bien entiendo que muchos cursos de arte enseñan a los estudiantes a usar este tipo de cuadrícula, esta técnica porque garantiza precisión, a menudo refleja una falta de habilidades de dibujo espontáneo entre los instructores. En nuestro curso, sin embargo, no vamos a estar confiando en este método. En cambio, pretendemos desarrollar una forma expresiva natural de dibujar que permita capturar escenas como si estuvieras presente en el momento sin las limitaciones de la cuadrícula. Históricamente, artistas del renacimiento, como Mikan tedo demostraron notables habilidades de observación que los diferencian de muchos Aunque Miguel Ángel es principalmente conocido como escultor, también fue un dibujante excepcional Por ejemplo, sus dibujos reflejan una comprensión profunda de la anatomía humana, la luz y la sombra. Observó meticulosamente el mundo que le rodeaba, permitiéndole traducir esas observaciones tanto en escultura como en dibujo Pero este nivel de habilidad no se desarrolló a través de técnicas de cuadrícula, sino a través de una práctica dedicada y un buen ojo para los detalles. Si comparáramos a artistas contemporáneos que dependen en gran medida de las escrituras con maestros renacentistas como Miguel Ángel, es claro que este último probablemente superaría a los primeros en vida o La capacidad de Miguel Ángel para capturar la forma humana en autobuses dinámicos es un testimonio su destreza observacional No sólo reprodujo lo que vio. Lo interpretó, transformando su comprensión de las formas tridimensionales en su dibujo. Si bien los artistas contemporáneos pueden lograr un realismo impresionante a través de la arenilla, su capacidad para traducir esa habilidad en un dibujo espontáneo o capturar la vida en el acto es significativamente limitada Uno de los problemas de confiar en arenilla es que los artistas pueden enfocarse tanto en copiar que pueden reproducir fotografías carentes de equilibrio, composición o iluminación interesante El acto de copiar se convierte en un fin en sí mismo, restando valor a las habilidades visuales del artista Aquí es donde entra en juego la esencia del entrenamiento observacional Artistas como Michel Anglo entrenan sus ojos para ver solo formas y líneas, pero la relación entre objetos efectos de luz y sombra, y las sutilezas del Al perfeccionar estas habilidades, podrían crear dibujos que resuenan con emoción y profundidad, atrayendo a los espectadores a un nivel que meras Capes no pudieron Muchos de los participantes en este curso son diseñadores, artistas del tatuaje, entusiastas del dibujo e incluso cineastas que quieren mejorar sus habilidades visuales Al aprender a dibujar espontáneamente sin el uso de una cuadrícula, te convertirás en mejor artista en tus respectivos campos Es esencial cultivar tus habilidades de observación, ya que esto te permitirá detectar el equilibrio en lo que ves, reconocer los colores y, en última instancia, crear arte más dinámico y atractivo Además, confiar demasiado en una grilla puede llevar a una falta de expresión personal en su trabajo. Copia fotografía, puedes perder oportunidades para inyectar tu perspectiva y creatividad únicas en tu arte. dibujo observacional te anima a interpretar el mundo que te rodea, a capturar tus viles y percepciones, y a expresarlos en tu propio estilo A medida que avanzamos en este curso, animo a abrazar la espontaneidad y el poder de la observación Permítete explorar el mundo visualmente y responder a él de una manera que te sienta natural. Recuerda, dibujar no se trata solo de replicar lo que ves Se trata de interpretar y expresar tu visión única del mundo lo que el propósito de este curso es desarrollar una técnica que nos permita entrenarnos para dominar un estilo de lanzamiento que sin detalles excesivos pueda aportar un grado significativo de realismo. De esta manera, se convierte en una habilidad útil y amena para cualquier objetivo artístico que se establezca hasta la siguiente lección. 3. Papeles hermosos para dibujar y dibujar: Hola a todos, y bienvenidos a esta lección. Hoy hablaremos diferentes tipos de papel que usaremos a lo largo del curso. Quiero dejar claro que exploraremos varias opciones, no necesitabas preocuparte demasiado por los materiales al principio. Un white paper tradicional es más que suficiente para abordar los ejercicios de este curso. Lo más importante es enfocarse en aprender a dibujar y desarrollar tu propia técnica porque gran dibujo no depende del material. Depende de las habilidades que construyamos juntos. Ahora, a lo largo del curso y en esta lección, exploraremos una selección de trabajos de alta calidad. Es importante conozcas estas opciones porque es posible que muchos de ustedes nunca hayan trabajado con otra cosa que no sea papel blanco normal. Por lo que estos papeles ofrecen diferentes texturas y acabados, y si bien no son esenciales, conocerlos te ayudará a ampliar tu perspectiva y tomar mejores decisiones para futuros productos. Así que siéntete libre de usar lo que tengas a mano, pero asegúrate de prestar atención a estas alternativas. Así que comencemos. Vamos con el primer papel. Schooler shammer es papel de dibujo de alta calidad con un acabado blanco pera que destaca por su textura verde muy fina Este tipo de papel es ideal para trabajos de detalle, ya que su superficie lisa permite líneas nítidas y precisas sin el lápiz, el catchin o el dragón Gracias a su delicado grano, es perfecto para grafito, lápices de colores y técnicas de tinta, donde la limpieza y la claridad son esenciales. También funciona bien para el sombreado sidle, permitiendo transiciones suaves entre tonos Es especialmente útil para retratos y dibujos técnicos que requieren líneas claras y uniformes. En este curso en particular, no vamos a utilizar esto porque vamos a utilizar papeles de casi el mismo color y tono, pero con una textura mucho más entretenida y atractiva. Pero sin duda, el martillo esculler es un gran papel de dibujo Pasemos al siguiente. El ingreso del molino de miel es un papel de alta calidad, especialmente diseñado para técnicas de grafito y pastel Su textura única y versatilidad lo hacen ideal para capturar detalles finos y aplicar ricos sombreados, por lo que será el papel principal utilizado en este curso Una de sus características más notables es su color verde rugoso, lo que hace que sea más desafiante dirigir detalles precisos de inmediato. Sin embargo, esto es en realidad una ventaja a la hora de aprender a dibujar. Necesitamos hacer mejores esquemas pensados de mayor calidad para lograr resultados más efectivos, especialmente en la distancia. Los granos ásperos resisten un poco más la precisión, obligándonos a ser más conscientes de cada trazo, lo cual es esencial en las etapas de aprendizaje de Earl Además, el resultado final siempre es más hermoso con un acabado más dinámico y profundo, dando al dibujo un campo más rico, más complejo Esta entrada particular de Hamel tiene una textura con fibras atadas en la superficie, dándole un aspecto único, almosantiq Esta textura no sólo le da un aspecto vintage, sino que también la hace especialmente hermosa y atractiva. Es uno de los papeles de dibujo más bonitos disponibles. Adicionalmente, la entrada de Hamel viene en varias piedras, como socra y Cada color tiene su propia textura única, lo que te permite experimentar con diferentes efectos y encontrar el que mejor se adapte a tu estilo de dibujo. La variedad de colores ofrece una gama de posibilidades para realzar tu trabajo con fondos interesantes y crear contrastes más dinámicos Por otro lado, el papel tiene dos texturas diferentes en cada lado. Un lado es más suave, ideal para detalles y transiciones suaves, mientras que el otro lado es más texturizado, perfecto para crear efectos más ricos con pastel o técnicas que requieren más presión Esta entrada de granizo será el papel principal utilizado en este curso, permitiéndote explorar la creatividad con una base de textura que ayuda a desarrollar las habilidades necesarias para dibujar con más precisión y calidad Pero pasemos al siguiente. El Ceron Mitaints es un papel excepcional, especialmente diseñado para pasteles y ofrece texturas aún más ricas Es uno de los papeles principales utilizados en mi serie de cursos de dibujo impresionista, conocido por su fuerza y versatilidad Este papel es perfecto para técnicas pastel, ya que su rica textura permite una excelente estratificación y mezcla Mantiene el pigmento maravillosamente, proporcionando color y profundidad vibrantes. Además, los tintes canson M son más resistentes que otros papeles, lo hace ideal para múltiples capas sin comprometer la integridad del papel También está hecho con un ligero porcentaje de algodón. Dándole una suavidad natural que realza la textura y durabilidad del papel. Al igual que la entrada del molino de jamón, este papel tiene dos texturas distintas en cada lado Un lado es más suave para detalles delicados y mezcla. Mientras que el otro lado tiene una textura más pronunciada, perfecta para agregar más textura y efectos audaces. Las carpas Kansan may también vienen en una amplia gama de colores, lo que permite una mayor flexibilidad creativa Los colores son increíblemente ricos, y la superficie de textura atrapa y retiene el pigmento maravillosamente. Este artículo te ayudará a crear dibujos dinámicos en colores pastel de múltiples capas que son ricos, duraderos y llenos de vida. Ahora, hablemos de los papeles de la marca Claire fontaine, especialmente los que se encuentran en el bloque paintm Un bloque de alta calidad que ofrece una variedad de papeles perfectos para diferentes técnicas artísticas. El bloque painton es una excelente opción por su versatilidad, ya que contiene diversos papeles que se adaptan bien tanto a medios húmedos como secos Este bloque incluye papeles con texturas ricas, lo que permite experimentar con diferentes técnicas, desde acuarela hasta lápiz, tinta y albahaca. Cada hoja tiene una textura que agrega una dimensión única a tu trabajo, haciendo que cada pieza sea más dinámica y expresiva. Una de las características más notables de este blog es la amplia gama de colores disponibles. Los papeles vienen en tonos naturales y vibrantes, dando a los artistas la libertad de elegir el fondo perfecto para sus obras de arte, ya sea que busquen algo suave y cálido o algo más dramático y colorido. Es importante mencionar que la mayoría de los bocetos la serie de cursos de dibujo y dibujo impresionista utilizan papeles Su versatilidad, gama de colores y texturas convierten en una excelente opción para las lecciones y ejercicios que vamos a hacer. Este bloque es perfecto tanto para principiantes como para artistas experimentados, ya que su variedad de papeles te permite explorar diferentes estilos y efectos en una sola compra, mientras que los papeles de alta calidad aseguran que tu obra permanecerá intacta y vibrante con el tiempo. Así que siéntete libre de elegir el papel que más te guste. Después de todo, aprender a dibujar no depende del papel, sino de tu creatividad hasta la siguiente lección. 4. Lápices, pasteles y otros materiales Dibujo y boceto: Hola otra vez. En esta lección, vamos a hablar de lápices, fianzas y otros materiales que exploraremos durante el curso Quiero ser claro desde el principio. Aprende a dibujar, todo lo que realmente necesitas es un lápiz de grafito y una goma de borrar Estos dos elementos son una base de cualquier dibujo y serán suficientes para que desarrolles tus habilidades básicas. Dicho esto, también quiero animarte a que vayas más allá del grafito y conozcas algunas otras herramientas. En esta lección, veremos diferentes lápices con diferentes durezas asociadas al color y texturas y otros materiales que si bien no son esenciales pueden enriquecer tus dibujos Sé que muchos de ustedes solo han trabajado con grafito hasta ahora. Por lo que esta será una gran oportunidad para descubrir nuevas posibilidades y pensar en cómo incorporar estas herramientas en sus futuros proyectos. Recuerda que el objetivo de esta lección es ampliar tus conocimientos, no abrumarte El dibujo siempre comienza con lo básico. Poco a poco, decidirás qué materiales complementarios quieres explorar. Entonces, vamos a sumergirnos en esta lección. Perfecto. Empecemos con esta muestra de los lápices y pasteles Como puede ver, vamos a trabajar en papeles de recolección de grasa Hammill Vamos a comenzar con el grafito, luego con el Pierre noi, luego los pasteles La idea es ver también cómo se comporta cada lápiz y pigmento con estos papeles que estarán presentes en todos los cursos Entonces comencemos con este lápiz de grafito de dos H, que proviene del set de diseño Benzel Intenta ver la cantidad de grafito que queda pegado a cada uno de los papeles. Por otro lado, hay algo muy importante a tener en cuenta. Voy a aplicar la misma cantidad de fuerza sobre el papel, así se puede ver que aplicando la misma fuerza, obtengo diferentes tonos. Sigamos con esto a B. Esta vez estoy usando un extensor. Es una herramienta muy útil para poder usar los lápices hasta el final. Entonces, al conectar este extensor, puedes usar cualquier lápiz hasta que realmente se desgasta por completo. Observe cómo en esos papeles de tonos sepia que son los papeles de molino manual, el grafito logra adherirse aún más al Quiero decir, se ve más oscuro. Esto es particularmente importante para estos papeles. Voy a probar ahora con el lápiz siete B. Preste atención al hecho de que cuanto más oscuros sean los tonos de los lápices de grafito, más sutiles son las diferencias entre ellos. Por otro lado, presta atención a cómo se comporta el grafito en diferentes texturas de cada papel Ahora mira el grafito puro de esta marca de favor castle. Es incluso más oscuro que el más oscuro de los lápices de grafito tradicionales Es importante mencionar que también se puede encontrar el grafito líquido puro, pero es bastante caro, así que no lo recomiendo tanto. La calidad del grafito generalmente no está relacionada con el aspecto del grafito, sino con la durabilidad del lápiz. qué facilidad se rompe el lápiz de grafito, sobre todo, a la hora de afilarlo, sin importar a quién puedas usar el sacapuntas o el cortador Aquí, puedes notar la diferencia entre ellos. Está bastante claro. Pero ahora pasemos al lápiz Pierre noir. Pergnoi como una albahaca seca, pero con un Esto es de la marca conte apari. Este lápiz nos permite lograr un tono mucho más oscuro que con el grafito. Pero hay que tener cuidado con esto porque hay una diferencia notable. Piegnoi como los pasteles, no refleja la luz, mientras que, mientras que, Por lo que debemos tener esto en cuenta cuando dibujemos porque cuando la luz incida en el dibujo, la diferencia se notará. Mira la diferencia entre este tono HB de Piernoi y el grafito puro Ahora voy a aplicar este tono más oscuro de Pierni Es un dos B. Es importante mencionar que los dibujos y los tonos bencílicos deben probarse con luz natural No con luz artificial golpeada en el papel. Incluso en los museos, la iluminación siempre está inspirada en tonos naturales. Pero en cualquier caso, este Piernoi es muy útil para esos detalles muy oscuros en un dibujo Ahora comencemos con el pastel. Este ejemplo es muy importante porque podrás ver la diferencia entre un pastel suave de buena calidad y uno de no tan buena calidad. Voy a empezar con el pastel suave de Rembrandt. Voy a usar este azul real y tratar de ver la intensidad del color y cómo hace líneas finas y blancas, y también puedo mezclar el color. Este es un pastel suave de buena calidad. El delgado es que esta albahaca tiene un poco de aglutinante y aceite en ella, lo que permite que el pegamente sea ligeramente pastoso y se pegue al papel Ahora voy a probar este otro pastel suave y seco. Es de la marca faber castle. Y aunque el precio no es muy diferente, no es tan buena calidad, y verás por qué. Presta atención aquí, estoy aplicando los colores con la otra albahaca. Pero fíjate lo que pasa cuando intento llenar el papel lo suficiente con el pigmento. Todas las partículas de pigmento se caen del papel porque no tiene suficiente doblador Entonces, cuando el papel tiene texturas como esta, automáticamente es como arena en la barra pastel. Cuando estás haciendo un trabajo importante con muchos colores y tonos, esto realmente puede estropear tu trabajo. Mira lo que pasa cuando trato de eliminar el pigmento. Mancha. Podrías borrarlo, pero ¿qué pasaría si estas partículas estuvieran sobre algo ya dibujado con muchos detalles? Creo que el único punto positivo de los pasteles de castillo de fibra es su variedad de colores. Ahora vamos a continuar con los pasteles duros y secos. Estos son de la marca Rembrandt. También podemos dibujar con esto. No suelo utilizarlos demasiado porque son muy duros. Son para hacer bocetos, unas líneas específicas, encuentros que requieren fuerza De hecho, tengo que presionar bastante hacia el papel para marcar el papel por lo duros que son. Lo bueno de estos pasteles es que al ser de forma cuadrada, siempre tendremos un lado agudo con el que hacer líneas finas, y vienen en colores terrosos que son muy ricos Ahora pasemos a los lápices pastel. Esto podría ser un término medio entre un pastel duro y suave. Son perfectos, lo suficientemente suaves para mezclarlos y lo suficientemente duros como para poder afilar los lápices. Por supuesto, hay que tener mucho cuidado, pero presta atención a lo preciso que puedo hacer la eclosión con este lápiz de albahaca Estos son los lápices de albahaca diseñados con sello de bronce. Esta marca cuenta con un maravilloso conjunto de 48 lápices de albahaca que realmente valen la pena. Voy a probar otro color para mostrarte lo maravillosos que son. Por ejemplo, este azul claro es bastante hermoso. Por otro lado, vea qué tan bien se mezclan los colores con los tonos de los papeles. Ahora voy a hacer una prueba con un pastel blanco, para que veas más o menos la diferencia de tono que puedes desmenuzar con un pastel duro y uno suave. Voy a probar primero el blando de aquí arriba. Lo estoy probando porque vamos a usar mucho el color blanco en ambas series de cursos, tanto impresionista como dibujo y bosquejo Presta atención al tono con un pastel suave. Con el rompecabezas suave, logramos un tono blanco intenso y fuerte. Ahora voy a probar la barra dura pastel, también de la misma marca reembnd Estoy aplicando la misma cantidad de fuerza contra el papel. Y ahora, mira, con el lápiz blanco pastel, voy a probarlo, también, para que veas la diferencia. El tono del duro rompecabezas es menos intenso, por lo que debes tener esto en cuenta a la hora de usarlos. Esta es una de las cosas más importantes. Aquí, desde la distancia, se puede ver la diferencia de tonos. Es importante acostumbrarse a los materiales para poder utilizarlos como lenguaje mientras dibujamos. Te diré algo importante respecto a los precios de estos materiales. En primer lugar, no te preocupes por los lápices de grafito. No necesitas un juego completo, y no hay diferencia en términos de calidad en comparación con cómo se ven en el papel. Simplemente se trata de la durabilidad del lápiz en sí. Una marca de chips tenderá a romper la punta del lápiz e incluso hacer que el grafito salga completamente del tubo de madera. Pero la apariencia en papel es la misma. Pero a pesar de que te recomiendo encarecidamente que consigas un juego completo de lápices de grafito de diseño Bunsil, los lápices Pick no son exclusivos de Conte Son un poco caras, pero no necesitas comprar el juego completo porque generalmente son para algunos detalles. Para pasteles, te recomiendo encarecidamente la marca Rembrandt. Es asequible y de gran calidad. Hay marcas más lujosas, pero en realidad son más caras. Por supuesto, tienen colores más vivos, pero realmente te digo que desde mi punto de vista, la diferencia no está en línea con el precio. En otras palabras, las reembrandas son bastante buenas y asequibles. Por otro lado, también te recomiendo el juego de lápices pastel de Brun seal design Así que trata de liberar tu imaginación y siéntete libre experimentar con estos materiales y mis recomendaciones. Bienvenidos a este curso. 5. Ejercicio de incubación e iluminación de la esfera: Hola a todos. Vamos a empezar por aprender los elementos más básicos del dibujo, la eclosión. Una herramienta que vamos a utilizar para construir absolutamente de todo. Presta atención a lo fácil que es. En realidad, existen diferentes tipos de eclosión. Aquí, puedes ver algunos de los más básicos y principales. La letra A, las líneas paralelas consecutivas que se pueden utilizar con diferente fuerza. El segundo, estas líneas curvas también se pueden utilizar con diferente fuerza y sobre todo, con diferentes distancias entre cada línea. La letra C se conecta en líneas consecutivas para llenar grandes espacios. Esta es una de las más importantes porque nos permite crear sombras, y también podemos variar la intensidad cuando sea necesario. Y por último, la letra D con líneas consecutivas y conectadas, pero en dirección vertical porque vamos a tener que utilizar este tipo de eclosión en varias direcciones Ahora voy a tratar de hacer una esfera aquí intuitivamente para que veas como mezclo todo este tipo de escotillas en esta esfera para Es una esfera estilo boceto. Trate de prestar mucha atención a cómo mezclo los diferentes tipos de eclosión entre sí para crear consistencia en las sombras y gradientes Preste mucha atención porque la vamos a utilizar mucho en el ejercicio de esta lección. Una atención cercana que no estoy usando ninguna imagen de referencia es solo una esfera de mi imaginación. Intenta ver cómo utilizo la eclosión curva para crear el volumen de la esfera, cómo refuerzo los bordes de la esfera, y todos los detalles que hacen que se cree el volumen esférico Presta atención a cómo también intento eclosionar en la base de la esfera para crear una posible sombra que esta esfera podría tener sobre una superficie Es importante mencionar que puedes usar eclosión con diferentes lápices de grafito de diferentes tonalidades No hay ningún secreto detrás de esto, excepto que con lápices más oscuros, agregaremos más grafito al papel sin dejar marcas en él. Es un grafito blando. Por otro lado, cuando usamos lápices más ligeros, hay grafitos más duros que necesitamos presionar más fuerte contra el papel para poder alcanzar un tono oscuro Por lo tanto, marcaremos más el papel. Y como vamos a usar este lápiz pastel como complemento en esta lección, también lo voy a aplicar con la misma eclosión para agregar algo de luz Ahora estamos listos para aplicar todos estos a un ejercicio real. Vamos a renderizar esta esfera. Como se puede ver, esta esfera tiene una iluminación particular. Es la iluminación típica que utilizan los maestros del arte desde el barroco hasta el impresionismo para representar retratos y escenas en espacios interiores Esta iluminación se puede hacer con fuente de luz natural de uno de los sitios, pero también podemos complementarla con otra fuente de luz. Aquí puedes ver cómo otra luz tenue a la derecha complementa la esfera. Se puede jugar con esto. No hay una sola manera de hacerlo. Simplemente puedes jugar, por ejemplo, con esa segunda luz para reforzar alguna sección del objeto que estás dibujando. Pero ahora vamos a renderizar esta esfera con este tipo de iluminación, una iluminación tradicional y clásica. Entonces, el propósito de este ejercicio es poner en práctica la eclosión que ya vimos al inicio de la lección Vamos a comenzar por trazar este cruce por aquí, y esta cruz te permitirá descubrir cuáles son las dimensiones de la mesa. En realidad, cada línea de la cruz es una especie de diámetro desde este punto de vista. Es una mesa redonda, pero desde este punto de vista, es una especie de óvalo. También podemos marcar los bordes de la mesa. Quiero decir, los bordes de esa tela sobre la mesa. Ahora, como estamos hablando de una esfera, un objeto completamente esférico en forma desde la perspectiva bidimensional es un círculo. Entonces solo tenemos que crear el círculo y comenzar a trazar la eclosión en los tonos más claros Si estás trabajando con un tono de papel más claro, puedes usar la eclosión con los tonos oscuros Me refiero a crear el sombreado. Pero mi idea es hacer más interesante este dibujo. Y esa es la razón por la que estoy usando este tono de papel. Es un tono verde, un verde militar. Entonces estoy creando el dibujo con este lápiz pastel blanco. Pero de todos modos, estoy aplicando la eclosión de la misma manera. Estoy creando cada área iluminada con la eclosión con diferentes tipos de eclosiones en diferentes Todos esos tipos de eclosión vemos al inicio de la lección Como te dije antes, el tipo de eclosión más usado son las líneas conectadas y consecutivas Esa es la eclosión que estoy usando ahora mismo. Estoy superponiendo cada capa usando ese tipo de sombreado. La idea de este ejercicio no es aprender nada relacionado con la forma. Esto lo vamos a aprender a lo largo del curso. Simplemente tenemos que usar este ejercicio para aflojar la mano y comenzar a usar eclosión sobre objetos reales Ahora, presta atención a que voy a usar el lápiz de grafito para reforzar las zonas más oscuras. Desde que ahora he usado el lápiz blanco, el grafito se notará mucho más. Estoy usando un tono oscuro de grafito porque quiero obtener un tono bastante oscuro. Presta atención a que estoy usando los mismos tipos de hat chin que te mostré al principio, pero de manera suelta para representar ese repuesto. Uno de los elementos más importantes a tener en cuenta en este ejercicio es tratar de igualar las zonas oscuras. Por ejemplo, todas las zonas sombreadas de la mesa redonda sobre la tela, y en la sombra de la esfera proyectada sobre la base son prácticamente del mismo tono Por lo que es un indicio importante para lograr los tonos correctos. Por otro lado, presta atención a los bordes. En los bocetos, los bordes son importantes. Sobre todo, debemos marcar aquellos bordes donde hay un fuerte contraste. Por ejemplo, los bordes de la esfera en contacto con el fondo oscuro. Como casi he terminado con este boceto, voy a levantar algunas líneas aquí y allá en algunas partes, y estoy usando un lápiz de goma de borrar Es una herramienta útil para borrar de manera precisa. Y ahí estás el primer boceto de nuestro curso. Es importante practicar mucho este ejercicio para acostumbrarse a la eclosión. Pero esta clase aún no ha terminado. Vamos a utilizar una iluminación ligeramente diferente, y también vamos a trabajar con una tonelada de papel aún más oscura. Te lo dije, eres capaz de cambiar la iluminación. Se puede combinar esta luz con otra fuente de luz, una que viene de la derecha. La idea es potenciar la tridimensionalidad del sujeto Recuerda que ese objeto puede ser una persona o un sello vivo o un animal, cualquier cosa Pero vamos a trabajar con esto. Esto tiene otra fuente de luz de la derecha. Es sutil. Entonces voy a comenzar con el mismo proceso. Voy a crear la parte superior de la mesa redonda. Pero esta vez, no voy a usar la cruz en el centro. Voy a intentar crear este óvalo intuitivamente. Ahora voy a tratar de marcar los bordes de esos pliegues en la tela de la mesa. Y como hicimos antes, voy a trazar el círculo. Presta atención a cómo estoy rellenando el repuesto con este lápiz blanco pastel. Estoy usando esta eclosión cruzada con las líneas conectadas y consecutivas Y como estoy usando el color del papel como significante de este dibujo, estoy dejando el color expuesto en esa sombra porque el color va a ser la sombra misma Presta atención a que no voy a mezclar la eclosión. Estoy usando la eclosión directamente sobre el papel. Presta atención a los bordes. Los bordes son muy importantes a la hora de sombrear. Por otro lado, trata de ser consciente de que la fuente de luz viene de izquierda a derecha. Me refiero a la fuente de luz principal. Y esa es la razón por la que estoy reforzando esas áreas dejadas en la mesa como también en la esfera. Ahora voy a usar el lápiz de grafito para crear una especie de tono medio entre el color del papel y el lápiz blanco pastel. Presta atención a la forma en que estoy aplicando esas capas de grafito en esas zonas medias. En realidad, puedes preguntarte, ¿cuál es el más brillante de la imagen de referencia Desde mi punto de vista es esa cara de la esfera que está expuesta a la fuente de luz. Entonces estoy tratando de oscurecer la parte superior de la mesa redonda con este lápiz de grafito porque se supone que la mesa no debe alcanzar el tono de las zonas más brillantes de la esfera Ahora voy a usar mi herramienta favorita, Pierre noi, que es un lápiz hecho con pigmentos muy oscuros que nos permite lograr tonos completamente negros Y eso es todo. Otro ejemplo del mismo ejercicio con Spa, que es, desde mi punto de vista, mucho más interesante. Puedes practicarlo con un libro blanco si quieres. Es exactamente lo mismo. Te veo en la siguiente lección. 6. Boceto de botella de descubrimiento de líneas de referencia: Hola, gente. Ahora vamos a hacer el primer acercamiento a la técnica del ángulo. El propósito de esta lección es tratar de utilizar las medidas de su composición para descubrir y crear un dibujo completo. Entonces voy a empezar dibujando la parte superior de la mesa. Esta es una especie de mesa rectangular. Estoy tratando de crear esta base intuitivamente. Ater on, vamos a hacer un ejercicio más intrincado donde vamos a aprender a descubrir cuáles son las medidas de la mesa misma Pero esta vez estoy trazando la mesa manera intuitiva porque antes necesitamos aprender temas más fundamentales Entonces supongamos que ya tenemos esta mesa por aquí, y necesitamos descubrir el lugar exacto donde se posiciona la batalla. Por lo que habrá líneas importantes a tomar en cuenta. Por ejemplo, esta, la voy a nombrar A y esta otra B, y esta es otra C. Hay líneas que vienen de las esquinas al centro. Debemos tratar de ver esas líneas en la imagen de referencia usando nuestra imaginación porque necesitamos descubrir este y otro tipo de líneas que son las líneas anguladas. Voy a llamarlo el ojo humano, el lado humano, es bastante sensible a los ángulos. Entonces se supone que debemos usar esas líneas en ángulo para descubrir la altura de esa botella. En este caso, el sujeto es una botella, pero podría ser cualquier otra cosa. Así que presta atención a la forma en que estoy guardando esas informaciones. Esas medidas son herramientas para crear el resto de los objetos en la posición de la leva. Atención al ******* sobre la mesa. Por ejemplo, la distancia entre este ***** y la botella es importante Voy a llamarlo E. Pero hay otros ******* por aquí Por lo que debemos tratar de descubrir algunas pautas que me ayuden a descubrir cuál es la posición de este *****, el exterior ***** de aquí Voy a ponerle nombre a esta línea H. No estoy siguiendo el ABC. Es sólo para identificar las líneas. Entonces se supone que debemos almacenar esas medidas en nuestra mente mientras dibujamos. Y esto, a su vez, nos va a ayudar a descubrir la posición de los nuevos objetos sobre la mesa. Ahora voy a levantar algunas líneas de construcción por aquí, sobre todo, en la intersección de la botella. Y justo aquí también. Ahora, como tenemos que poner en práctica todo lo que habíamos aprendido hasta ahora, voy a usar la eclosión cruzada para rellenar la botella con grafito La idea es representar esas secciones oscuras en la botella. Preste atención a que en esta etapa del curso, no voy a mezclar la eclosión. No voy a mezclar nada en absoluto. Todos estos bocetos iniciales son para que tengas confianza al usar la eclosión y perder la mano en el papel No obstante, es importante prestar atención a esas líneas angulares y a las líneas de referencia, la A, la D, la B, la C, las cuales son herramientas útiles para descubrir la posición exacta de los elementos sobre la mesa. Ahora presta mucha atención a esto. Voy a medir la distancia entre esta H y la botella. Y esta distancia, la voy a nombrar E. Y ahora se puede notar que hice algo mal aquí mismo. En realidad, este lado de la mesa es más grande, y habiendo medido el otro lado de la mesa me permite descubrir las medidas reales de la mesa. Quiero decir, aunque desde esta perspectiva, ese lado de la mesa se supone que se vea más corto. Era demasiado corto con respecto al otro lado. Entonces he ampliado la mesa hacia el lado derecho. Se supone que este tipo de cosas suceden a la hora de dibujar, y esa es la razón por la que se supone que debemos usar tantas líneas de referencia como sea posible para crear toda la composición. Por otro lado, preste atención a la forma y solapamiento de los registros de eclosión. Eso es muy importante a la hora de sombrear. Ahora voy a usar el Pierre noir para reforzar las zonas más oscuras de la composición. Por ejemplo, la botella, que es el tema más importante de esta composición, y voy a oscurecer esas zonas sombreadas sobre la mesa, sombras proyectadas sobre la tela sobre la Ahora voy a rellenar estos objetos con otra capa vital gráfica. Intenta no obligarte a conseguirlo perfecto. Solo trata de aflojar la mano para que puedas aplicar la eclosión libremente. Ahora voy a usar este lápiz pastel blanco para crear las zonas más brillantes en los objetos Sobre todo las reflexiones sobre la botella. Presta atención que esta vez estoy usando una barra pastel. Básicamente, la diferencia entre una barra pastel y un lápiz pastel es solo que en el caso de esta barra específica, esta barra pastel específica, el pigman se pega al papel más rápido En el caso de los lápices pastel, suelen ser más duros, por lo que hay que presionar más para que se pegue. Por eso hace un poco de ruido cuando uso el lápiz pastel. Y ahí estás. Habíamos terminado este boceto de botella. Recuerda que es simplemente un ejercicio para seguir aflojando mano y observar las líneas de referencia para crear una composición Te veo en la siguiente lección. 7. Boceto de líneas aglomeradas: Ahora es el momento de poner en práctica las líneas anguladas. Entonces esta vez vas a intentar hacer un boceto similar. Voy a trazar primero la tabla usando líneas en ángulo para descubrir las medidas de la parte superior de la mesa. Presta atención a cómo estoy estirando líneas de una esquina a otra para averiguar las dimensiones exactas de esta tabla. Por otro lado, es importante tener en cuenta que siempre es una aproximación. Aunque estoy aplicando el proceso adecuado para crear la parte superior de la mesa, siempre es una aproximación que podemos arreglar durante el proceso de elaboración del dibujo Entonces esta vez, voy a hacer este boceto rápidamente. Entonces ahora tenemos una idea clara sobre la posición donde se supone que debe estar este jitomate. Entonces voy a empezar a crear el contorno de este jitomate. Es importante prestar mucha atención a que se supone que debes usar todo el dibujo, toda la dimensión de la mesa como tema de referencia para crear un jitomate. Por ejemplo, las edades de la mesa son muy importantes a la hora de crear las playas y el propio tomate. Y una vez que tengamos el contorno de estos frutos, podemos empezar a aplicar la eclosión. Recuerda que puedes aplicar diferentes tipos de eclosión en diferentes direcciones Se supone que esa es la huella dactilar de tu dibujo. A medida que avanzamos en el rumbo, se supone que debemos prestar más atención a los intrincados detalles Por ejemplo, esas sutilezas en la tela de la mesa. Ahora, voy a levantar estas líneas de construcción aquí y allá para seguir aplicando la eclosión. A partir de ahora, debemos prestar atención a la relación entre los diferentes tonos en los frutos. Por ejemplo, puedes notar que esa playa de ahí es la fruta más oscura en la composición, y debemos usar ese tono como referencia para crear los otros tonos en el fruto. Es importante recordar que no se supone que debes usar en exceso la eclosión para crear un sombreado adecuado La idea es sobresalir en la precisión de los tonos. Me refiero a enfatizar las sombras y líneas más importantes en cada fruto. Esta capacidad de bosquejar correctamente es una herramienta bastante útil a la hora de dibujar y a la hora de pintar también. Por ejemplo, en cuanto a los pintores, se supone que deben crear estudios, estudios previos antes de dedicarse a la obra final. Preste atención aquí al peso y representación del fulg de esa tela mediante el uso de líneas de eclosión, continuas y consecutivas Ahora voy a usar el lápiz blanco pastel para crear los puntos más brillantes en la composición, las áreas más claras en los frutos, por ejemplo, y las caras de frutas que están expuestas a la luz Y eso es todo. Este es otro boceto rápido, muy útil. Has aprendido a usar líneas colgadas para crear la parte superior de la mesa, pero esto es solo el comienzo del curso Te veo en la siguiente lección. 8. Enfoque teórico de bodegón: Hola, gente. Antes de sumergirnos en nuestro primer ejercicio de bodegón con iluminación interior, exploremos cómo diferentes artistas han abordado temas similares en sus obras. Estudiaremos Edward Hopper, o Clase, y Edward Mante. Tres maestros que ofrecen una perspectiva distinta sobre el uso de la luz, las texturas y la composición. Estas referencias nos ayudarán a entender cómo capturar la esencia de los objetos y la atmósfera de una escena interior de diversas maneras. Edward Hopper, aunque principalmente conocido por sus escenas urbanas, también creó bodegones que muestran su habilidad única para sugerir atmósfera a través de la luz. Un claro ejemplo de esto es el bodegón con botella de vino y cuenco de metal. En esta pintura, Hopper utiliza trazos sueltos y formas simplificadas para sugerir la presencia de luz sin depender de detalles excesivos. La botella de vino y el cuenco metálico no se renderizan con precisión fotográfica, pero siguen transmitiendo una sensación de solidez y la calidad de la luz que los rodea. Hopper utiliza estratégicamente áreas de sombra y luz, permitiendo que los objetos respiren dentro de la composición Esto demuestra que su habilidad como dibujante le permite capturar el estado de ánimo y la hoja de luz Resultando en una imagen atractiva y atractiva sin necesidad de replicar cada pequeño detalle Otro excelente ejemplo es el bodegón con cítricos, donde Hopper pinta un sencillo arreglo de frutas. La luz parece deslizarse suavemente sobre la superficie de las naranjas, comiendo sus texturas sin necesidad de pintar cada pre Este enfoque demuestra que a través de su habilidad como dibujante, Hopper puede capturar la esencia de los objetos con una economía de detalle En ambos casos, el énfasis está en cómo la luz interactúa con las superficies, aspecto que también exploraremos en nuestro ejercicio Por otro lado, la clase Peter ofrece un enfoque diferente con un enfoque en el realismo meticuloso. En su bodegón con copa de vino y pared plateada, Class exhibe un impresionante dominio de representar superficies brillantes y transparentes El vidrio y el metal en esta pintura no sólo reflejan la luz, sino que también muestran sutiles destellos y reflejos de los objetos circundantes, agregando profundidad y realismo a la escena Cada superficie parece tener su propia vida debido a la habilidad de choque capturar la luz y sus complejas interacciones. Cash observa con precisión cómo luz se refracta a través de la copa de la copa de vino, creando distorsiones y sombras que hacen que el objeto se sienta tangible Los reflejos sobre el cuenco metálico, otro lado, no sólo aportan detalles adicionales, sino que también ayudan a anclar los objetos en el espacio, creando una sensación de tridimensionalidad Este nivel de detalle y observación será crucial para nuestro ejercicio, especialmente cuando se trabaja con objetos que reflejan o refractan la luz de formas complejas Garmont proporciona un enfoque más flexible y expresivo de la naturaleza muerta Yo sigo la vida con peonías blancas. En otras flores, Monette utiliza pinceladas libres y un fuerte contraste para capturar la luz y la vida de las flores El cuadro no pretende replicar cada pétalo con precisión Más bien, captura la vitalidad y el dinamismo de la escena El trazo de pincel parece moverse y cambiar con la luz, creando una sensación de frescura y espontaneidad que trae naturaleza muerta al mundo real Esta técnica más expresiva permite que los elementos la pintura destaquen sin perderse en detalles innecesarios. T utiliza los países para resaltar texturas y formas, dando a sus bodegones una calidad vibrante y casi tangible. Este enfoque puede inspirarnos a ser más creativos y audaces a la hora de aplicar nuestras sombras y reflexiones, dejando que nuestros dibujos tengan un sentido de movimiento en la vida. Ahora que hemos visto cómo estos tres artistas se acercan a la luz y se convierten en posición, estamos listos para aplicar algunas de estas ideas a nuestro propio trabajo. Nuestro ejercicio será dibujar un bodegón sobre una mesa cubierta con tela de terciopelo. Esta escena incluye un plato metálico en el centro con flores arriba, un ligero mellon de agua a la izquierda, un tomate grande al lado del plato, algunos lanzamientos cerca del tomate, y una copa de vino a la Durante este ejercicio, prestaremos especial atención a cómo la luz interactúa con diferentes superficies Inspirados en Hopper y mainnet, podemos permitirnos ser más sueltos en ciertas áreas para sugerir luz sin depender del realismo extremo De clase, tomaremos precisión en la representación de reflexiones y transparencia, y desde la red aprenderemos a usar el contraste vibrante para darle vida a nuestra composición. Empecemos entonces. 9. Estructura general Naturaleza muerta en interiores: En esta lección, todos estamos en la base nuestro bodegón al enfocarnos en la estructura de la composición. Al comenzar, estoy trazando cuidadosamente las líneas base que guiarán la colocación de cada objeto. El objetivo aquí es establecer un marco fuerte antes de sumergirse en los detalles. Empiezo con una mesa dibujando su superficie rectangular con trazos ligeros y seguros. Esto anclará la escena y proporcionará contexto para la disposición de los objetos. Siempre es más fácil para el ojo ver ángulos que determinan la forma de un objeto. Por lo que es más fácil tratar de descubrir la forma de la mesa dibujando esta línea cruzada en la superficie. A pesar de que los objetos están en la mesa, debemos tratar de imaginar la mesa sin los objetos sobre ella para establecer la superficie exacta donde descansan los objetos. Esa línea cruzada es muy importante. Al dibujar estas líneas cruzadas, podemos corregir en el tiempo la superficie sobre la que estarán los objetos. Y esto te ayudará mucho. Ahora, nos vamos a centrar en construir los aspectos generales de todos los objetos a la vez. Comenzaré seleccionando el vidrio como línea de referencia usando su altura para determinar el ángulo formado entre la parte superior del vaso y la posición de la sandía. Este ángulo me guiará a la correcta colocación de la sandía y ayudará a establecer su altura adecuada. A partir de aquí, puedo comenzar a construir la copa de vino en sí, comenzando desde arriba para conocer su ancho. Como ya tengo dos puntos de referencia, voy a dibujar una posible estructura de la placa justo en el medio, guiada por los ángulos. No tiene que ser perfecto. Tiene que parecer convincente. Esto es muy importante. Ahora voy a empezar a trazar esas flores en la parte superior del plato. Ya tengo la estructura general de esas ramas, y puedo usar esta misma estructura para terminar de construir la composición, por ejemplo, la sandía. Preste atención a que no estoy creando una estructura general completa de toda la composición, como hacen muchos académicos, lo que estoy haciendo me lo enseñó mi profesor de dibujo búlgaro en la universidad. Y fue su estrategia la que se enseña a un principiante. Yo era muy joven en esos días. Entonces esta técnica de ángulo se trata de hacer crecer un dibujo completo a partir de una forma inicial. Ahora que tenemos varios elementos, es más fácil dibujar el jitomate. Es un tomate gigante, en realidad. Utilizando todos los elementos ya construidos como referencia, podemos completar esas imágenes que descansan junto al jitomate. Creo que no es tan complicado seguir las líneas. Debemos ser conscientes de la naturaleza B dimensional del papel. Estamos tratando de renderizar objetos tridimensionales usando un lenguaje dimensional B. Pero presta atención a lo que sucede aquí. Esto es normal mientras dibujas y tienes que acostumbrarte a ello. Lo más importante es notar los errores. Al dibujar este ángulo, nos damos cuenta de que la copa de vino no es lo suficientemente alta, pero aún estamos a tiempo y podemos corregirla. De hecho, si trazamos una línea horizontal desde la parte superior de la copa de vino hasta el plato, nos damos cuenta de que son de la misma altura. Y como ya tenemos el vaso en el lugar correcto, también podemos corregir un poco el tamaño de la mesa. Es importante entender que las estructuras iniciales son siempre una aproximación. Nunca son líneas definitivas. A medida que avanzamos, los perfeccionamos incluso en etapas más avanzadas del dibujo. Ahora vamos a terminar la estructura de la sandía. Voy a dibujar el centro de esta placa, pero es sólo una aproximación. Todas estas formas cambiarán un poco a medida que avancemos y construyamos las sombras, y eso es normal. Esa es la idea del dibujo. Otro detalle importante son las sombras proyectadas sobre la mesa. También son puntos de referencia para crear el dibujo. Es muy importante ser precisos a la hora de rastrearlos. Recuerda que eres capaz de usar la eclosión para trazar esas sombras Pero trata de no empujar demasiado el lápiz contra el papel. No queremos estropear el papel demasiado pronto. Ahora vamos a pasar a estas ramas y hojas aquí. Son demasiado importantes. Pero lo divertido de las flores y las ramas es que podemos hacer una interpretación de ellas porque están llenas de formas irregulares. Mira como siempre trato de establecer el tamaño del elemento que estoy dibujando con un ángulo que siempre está relacionando el ángulo que se produce al compararlo con otro objeto. En cuanto a las flores y ramas, lo importante es conocer la estructura general y su posición en la composición por el momento. La tela doblada en el fondo también es un elemento importante porque agrega profundidad al dibujo. El tejido separa la capa de mesa del fondo en la composición. Ahora, voy a dibujar algunos puntos de referencia, algunos detalles sobre las ramas para guiarme más adelante. Y eso es todo. Ya tenemos el primer paso completado, la estructura y diseño de nuestra composición sobre la mesa hasta la siguiente lección. 10. Primeros detalles y aproximación al sombreado: Hola, gente. En esta lección, nos estamos enfocando en aplicar el sombreado general a lo largo la composición sin obtener demasiado detalle con ramas o flores Voy a usar la técnica de eclosión para construir todas las sombras amplias asegurando que el dibujo gane profundidad y dimensión Al estratificar líneas paralelas, poco a poco puedo desarrollar las áreas más oscuras manteniendo una sensación de ligereza donde sea necesario Este enfoque ayuda a crear un campo cohesivo a través de la composición, lo que nos permite definir la forma y estructura de cada objeto antes de sumergirnos detalles más intrincados posteriormente Entonces, la clave aquí es la consistencia, asegurando que el sombreado fluya naturalmente de un área a la siguiente respetando la fuente de luz y manteniendo el equilibrio en toda la escena A medida que aplico la sombra en el plato, me enfoco en hacer coincidir la sombra a mato proyectada sobre la mesa. Relacionar las sombras es muy importante a la hora de dibujar. Y debes recordar que al mantener el sombreado suave y la grava, podrás crear un tono unificado que conecte dos objetos de forma natural Para las ramas, aplico sombreado que coincide con el tono de la sandía Usando eclosión ligera, sombreo cuidadosamente las áreas de las ramas que caen en la sombra, asegurándome de que se mezclen a la perfección con las partes más oscuras de la sandía Esto crea un equilibrio consistente de luz y sombra a través de ambos elementos, haciéndolos sentir conectados de forma natural dentro de la composición. Es crucial respetar las diferencias entre las sombras en áreas sin luz y esos lugares parcialmente iluminados. Las áreas de sombra y más oscuras deben ser más profundas y definidas, mientras que las sombras y las áreas iluminadas deben ser más suaves y más saub Este contraste es clave para crear profundidad y realismo en la composición. Ahora es el momento de comenzar a rellenar el fondo con grafito para crear profundidad y separar los elementos principales del fondo. Al agregar sombreado gradual detrás de los objetos, podemos mejorar la sensación de distancia y hacer que los componentes clave de la composición destaquen más claramente Es importante respetar los pliegues de la tela al fondo, dando a cada uno su tono apropiado. Al sombrear cuidadosamente las curvas aumenta, podemos capturar la textura y el movimiento de la tela, asegurándonos de que la luz y la sombra sigan el flujo natural del material Agregar múltiples capas de grafito y eclosionar progresivamente, es esencial para construir profundidad y riqueza en el Cada capa ayuda a oscurecer gradualmente los tonos y crear transiciones más suaves entre la luz y la sombra, dando a la composición más dimensión y realismo Al sombrear el fondo, podrás definir mejor los contornos de tus objetos Estos contornos ayudarán a las formas destaquen más claramente, permitiendo que cada elemento encuentre su lugar en la composición y trate de recordar con un poco de paciencia y suave sombreado, tus objetos comenzarán a cobrar vida y se sentirán más integrados en la escena Disfruta del proceso. Es una recompensa y paso para unir tu dibujo. Al usar diferentes capas de sombreado y diferentes técnicas de eclosión en el fondo, creará una hermosa sensación de profundidad y consistencia Al agregar capas de grafito se acumulan gradualmente las sombras mientras se experimenta con diferentes estilos de sombreado, como sombreado cruzado o las líneas paralelas le da al fondo una Este enfoque reflexivo ayuda a que el fondo se combine suavemente con los elementos principales, haciendo que todo su campo de dibujo más unificado y pulido. Intenta jugar con estas técnicas para encontrar el equilibrio perfecto. Para realzar las sombras sobre la mesa, toma en cuenta las sutiles sombras de luz proyectadas por la tela que cae sobre ella. Esta atención al detalle agregará realismo y profundidad, haciendo que la mesa y su cubierta parezcan más naturalmente integrados en la escena. Ahora, estaré sombreando el vino en copa a su tono más oscuro como referencia para los valores más oscuros de la Al desarrollar completamente esta rica y profunda sombra, podemos establecer un punto de referencia para las áreas más oscuras, asegurando consistencia y profundidad lo largo de todo el dibujo Esto ayudará a guiar el sombreado de los otros elementos y crear una pieza más cohesiva y realista Ahora que hemos establecido el punto más oscuro con el viento, podemos usarlo como referencia para refinar las otras sombras en la composición Con el tono más oscuro. Es más fácil ajustar y mejorar las sombras más ocultas, asegurando que se mezclen sin problemas y adeptos a todo el dibujo Es decir, es una gran manera de hacer que cada sombra funcione en conjunto y darle vida a tu obra de arte. Para crear un brillo realista en el plato es fundamental reforzar las fuertes sombras provocadas por los reflejos sobre el material. Al profundizar estas sombras, realzas el contraste entre la luz y la oscuridad, haciendo que la superficie reflectante parezca más luminosa y dando a la placa una convincente calidad tridimensional Esta atención a las sombras ayudará a resaltar el brillo y el detalle en el brillo de las placas. De todos modos, estaremos trabajando en los platos brillen hasta el final de las lecciones de dibujo, ya que es uno de los aspectos más detallados y lentos de esta obra de arte. Sigue agregando grafito al fondo para resaltar aún más los elementos de la composición y refinar los detalles. Debes recordar que profundizando gradualmente las sombras hará que los objetos principales y destaquen más prominentemente y potenciará la profundidad general en tu dibujo Intenta recordar que debes asegurarte de que cada elemento se sienta integrado y equilibrado dentro de la escena. Con una cuidadosa atención a estos detalles, crearás una composición cuestt más pulida Para definir el contorno de las ramas, comience por esbozar suavemente su contorno con trazos claros y deliberados. Enfócate en capturar las curvas e irregularidades naturales, lo que dará a las ramas un aspecto más realista y orgánico. Al refinar estos contornos, establece el escenario para agregar sombreado y textura detallados más adelante, asegurando que las ramas destaquen claramente dentro de la composición Después de agregar otra capa de grafito al fondo, comenzaré a incorporar algunas eclosiones en el vidrio para trazar dónde estará el brillo más adelante Esto ayudará a establecer áreas donde la luz se reflejará, preparando el escenario para agregar esas dosis finales de brillo. Creo que este paso es crucial para asegurar que el brillo del vidrio se vea natural y bien definido en el dibujo terminado. Hemos llegado al final de la lección. Si necesitas revisar algo, no dudes en hacerlo. Espero verte en la siguiente lección. 11. El primer enfoque y las hojas del plato describen la naturaleza muerta en interiores: Hola otra vez. En este paso, nos embarcamos en un delicado viaje para dar vida a las ramas y flores trazando los contornos integrados de cada pequeña hoja. Imagínese cada hoja como un susurro pequeño y elegante en las carreras de la naturaleza hacia lo redondo, suave y lleno de curvas suaves Al trazar estas delicadas formas, deja que tu lápiz se deslice ligeramente, capturando las sutiles variaciones forma y zies que hacen que cada hoja Tómate un momento para apreciar cómo estas pequeñas hojas se entrelazan y se superponen como un baile de sombras y luz en la serena tarde Al definir cuidadosamente los contornos, no solo estás dibujando sino agitando un tapiz de elegancia de la naturaleza. Permítanse relajarse en el proceso, disfrutando del ritmo de cada trazo mientras revelan la belleza de cada hoja una a la vez. Por lo que esta práctica meditativa aportará un flujo calmante y calmante a tu dibujo, haciendo que cada hoja forme parte de una composición armoniosa y tranquila A medida que te sumerges en los detalles de tu dibujo. Deja que la música calmante y el suave sonido de la lluvia creen una atmósfera suave que realza tu enfoque Las suaves melodías y el patrón rítmico gotas de lluvia proporcionan un telón de fondo sereno, permitiendo que tu mente se asiente y tu Este ambiente tranquilo ayuda a despejar las distracciones, permitiéndote concentrarte completamente en cada detalle delicado de tu Abrace este ambiente pacífico como fuente de inspiración. Mientras trabajas en los detalles de las hojas, recuerda que las situadas más abajo u ocultas debajo deben estar sombreadas más oscuras que las más expuestas. Este principio no sólo agrega profundidad y realismo a tu dibujo, sino que también ayuda a distinguir las hojas que están más cerca de las que están más lejos. Incluso en las curvas de nivel, esta gradación de oscuridad enfatiza las capas en su dimón Esta técnica recuerda a la obra del maestro renacentista Leonardo Da vici, quien hábilmente utilizó el sombreado para crear profundidad y volumen en strnes como estudios de Entonces, aplicando principios similares, puedes lograr una representación anunciada y realista que capture la delicada interacción de luz y sombra en tu propia obra de H. Comprender la estructura y posicionamiento de las hojas es crucial para capturar su esencia, incluso en áreas donde los detalles podrían no estar completamente claros en tu imagen de referencia. Cuando te encuentres con estos puntos ambiguos, usa tu imaginación para llenar los vacíos, confiando en tu conocimiento de la estructura foliar y cómo se arreglan naturalmente Recuerda, en situaciones de dibujo en vivo, tu referencia puede ser la distancia o no del todo visible, lo que hace que sea un desafío discernir cada cola Confíe en su capacidad para inferir y visualizar cómo los saltos interactúan y Aplicando supuestos lógicos basados en sus características conocidas. Este enfoque creativo le permite mantener la consistencia y armonía de su dibujo, asegurando que incluso las partes menos visibles alineen sin problemas con la composición general. Destacar las delicadas ramitas que sostienen los labios es esencial para darle estructura y autenticidad al ramo Al dibujar cuidadosamente estos tallos de hojalata, se crea una sensación de conexión y soporte dentro de la composición. Tallos bien definidos no solo anclan los labios, sino que también agregan profundidad y realismo al ramo. Cuando estos pequeños detalles se renderizan cuidadosamente, mejoran la estructura general, haciendo que el arreglo parezca más cohesivo y naturalmente equilibrado Prestar atención a estos elementos sidle ayuda a transmitir intrincadas relaciones entre los labios y sus ramas de soporte, aportando un refinado sentido de realismo y elegancia a tu dibujo Reforzar el fondo justo detrás del ramo es crucial para que los detalles de los labios y las ramas destaquen más vívidamente Al sumergirse en el sombreado y agregar textura al fondo, se crea un countras más fuerte que resalta los intrincados detalles del Este telón de fondo mejorado ayuda a que el ramo se enfoque más nítido, haciendo que cada hoja y ramita sean más distintas y pronunciadas trabajas en esto, recuerda ese fondo bien desarrollado no solo enmarca el ramo, sino que también acentúa su belleza, permitiendo que los detalles más finos brillen y creando una composición más dinámica y visualmente atractiva Ahora nos centraremos en potenciar el brillo del plato. Vamos a comenzar enfatizando la separación entre el plato y las flores, aunque puedan estar en estrecho contacto. Al sombrear cuidadosamente y resaltar las áreas donde el plato se encuentra con las flores, creará una clara distinción que realza la calidad tridimensional de ambos elementos Este enfoque asegura que la superficie reflectante de la placa destaque mientras que las flores mantienen su propia presencia distintiva, agregando profundidad y claridad a la composición. Ahora refinaremos y potenciaremos el aspecto metálico de la placa para sacar a relucir su brillo. Debemos seguir mezclando cuidadosamente los tonos más oscuros y claros para crear un efecto realista de luz que se refleja en la superficie. trabajas en esto, recuerda seguir la forma redondeada de la placa, ya que la luz y la sombra se ajustarán naturalmente a su curvatura. Esto te ayudará a lograr un brillo metálico convincente, capturando la forma en que la luz interactúa con la superficie de la placa y resaltando su forma tridimensional Mm Al refinar el brillo de la cuchilla, el paciente es esencial. Intenta colocar tu injerto gradualmente para lograr el efecto metálico deseado Y debo recordarles que debido a la textura gruesa del papel, lograr una superficie lisa y reflectante puede ser más desafiante, pero no dejes que eso te desanime Con una cuidadosa atención y persistencia y estratificación, aún puedes crear un brillo llamativo y convincente en el plato Quiero decir, la textura del papel agregará una calidad única a tu trabajo, haciendo que el efecto final sea distinto y cautivador Recuerda usar el lápiz de afeitar para realzar el brillo metálico de la hoja redonda como una técnica efectiva para lograr un efecto realista y llamativo. Quiero decir, al levantar suavemente el grafito en áreas específicas, puedes crear la ilusión de que la luz se refleje en la superficie curva, enfatizando la calidad metálica de la placa. Esta técnica permite resaltar los puntos más brillantes en ese contraste, haciendo que el brillo parezca más dinámico y tridimensional Por lo tanto, el uso cuidadoso del lápiz borrador te ayudará a refinar los detalles reflectantes, resaltando el brillo de las placas y agregando un toque de realismo a tu obra Retroceder tiempo en tiempo desde su dibujo es crucial para obtener una nueva perspectiva en la evaluación de su trabajo de manera más efectiva. Al distanciarte, puedes contemplar mejor la composición general y ver cómo se unen todos los elementos Este momento de reflexión permite identificar áreas que pueden necesitar ajuste o corrección, asegurando que cada detalle se alinee con su visión artística un paso atrás regularmente te ayuda a tomar decisiones informadas, mejorar tu dibujo y avanzar con una comprensión más clara de cómo progresa tu trabajo Hemos llegado al final de esta lección. El plato se ve muy mejorado. Todavía queda bastante trabajo por delante para lograr el efecto final, pero estás haciendo un gran progreso. Nos vemos en la siguiente lección. Oh 12. Detalles de frutas y bodegas de vino: Hola, gente. Ahora, vamos a sumergirnos en el vibrante mundo de las texturas, comenzando con nuestra rodaja de sandía. Recuerda, estamos trabajando con apenas una cuarta parte de este jugo de fruta, lo que nos brinda una vista maravillosa sobre su interior de color rojo intenso. El contraste entre los tonos ricos y carnosos y las semillas lisas y brillantes aporta tanto carácter Intenta enfocarte en capturar ese rojo brillante y atractivo, pero usando grafito, pero no olvides los tonos misteriosos más oscuros y cálidos de la semilla que se encuentra dentro. En primer lugar, voy a aplicar una primera capa de grafito para alcanzar ese tono general. Cuando se trabaja con grafito, es esencial ser delicado para capturar verdaderamente las texturas suaves y jugosas del interior de las sandías Usa suaves trazos de barrido para establecer los tonos base, permitiendo que el jugo rojo natural llegue con un ligero sombreado La idea es evitar presionar al corazón. Quieres que el grafito casi se deslice sobre el papel, creando un defecto de terciopelo de silla Para las áreas más oscuras como los espacios alrededor de las semillas, coloque los trazos gradualmente en capas, acumulando la profundidad mientras se mantiene esa transición suave entre la luz y la sombra. De esta manera, vas a conservar la tierna calidad de la fruta , casi translúcida. Presta mucha atención al fondo mientras moldeas el borde de la sandía. La textura del rhin es ligeramente irregular, y esto se puede enfatizar por cómo contrasta con la superficie detrás de él Usa los tonos circundantes para definir esos bordes de punto, asegurándote de que la transición de la corteza al fondo se sienta natural pero distinta. Esta atención al detalle ayudará a potenciar la textura realista de la sandía, mostrando su forma orgánica y perfecta. Las semillas son pequeñas, pero importantes detalles que dan vida a la sandía. Cada uno debe colocarse cuidadosamente con una forma lisa y redondeada en un ligero brillo que sugiera su superficie brillante Intenta usar trazos más oscuros y definidos para contrastar con la suave carne que los rodea, pero manténgalos subto Recuerden, deben sentir que pertenecen dentro del fruto, no separados de él. Ahora centrémonos en la corteza de las sandías y sus Estos patrones oscuros como ríos fluyen hacia abajo hacia la base, donde el fruto se conecta con el tallo. Observe cómo esta línea parece viajar curvándose suavemente a medida que siguen los contornos naturales de la sandía Ten en cuenta que esta parte inferior debe estar sombreada más oscura ya que está menos expuesta a la luz Al colocar cuidadosamente tu grafito aquí, puedes crear una sensación de profundidad y redondez, enfatizando las naves de silla de montar y la luz a medida que se mueven desde la parte superior de la corteza hacia abajo hasta su Es importante diferenciar entre los dos tipos de sombras que crea la sandía. Primero, hay una sombra completa en el punto donde la sandía toca la mesa. Este es el más oscuro, el más sólido. Después hay una sombra más suave y difusa que la sandía proyectó sobre la mesa, conocida como la sombra proyectada Esta sombra se desvanece gradualmente medida que se extiende alejándose del fruto, creando una transición suave Al trabajar con grafito, usa una presión más pesada para la sombra de contacto y gradualmente aclara tus trazos medida que creas la proyección, permitiendo ese desplazamiento natural entre las dos sombras un vistazo más de cerca a cómo el lápiz borrador ha ayudado a crear el borde ligero de la sandía, que se produce por el grosor de la corteza Al levantar suavemente el grafito en trazos gradle, he revelado el resaltado sidle Es un proceso delicado elimina el grafito suficiente para mostrar el grosor de la corteza sin perder la transición suave de la luz a la sombra Siempre te recuerdo dar un paso atrás y ver tu dibujo desde la distancia puede ser increíblemente útil, especialmente a la hora de evaluar la calidad de tus sombras. Desde lejos, podrás ver qué tan bien se mezclan las sombras y cuán natural aparece la transición entre la luz y la oscuridad. Esta perspectiva te ayuda a evaluar si las sombras son demasiado duras o demasiado suaves, si transmiten con precisión la profundidad y la forma A medida que profundizamos en las texturas de las sombras, es esencial hacer que la eclosión sea más delicada Cuanto más nos acerquemos a las áreas más oscuras, los trazos deberían volverse más finos y controlados Este traqueteo en capas permite que las sombras se construyan forma natural sin parecer demasiado duras o abruptas Ahora, apliquemos el mismo proceso de sombreado y texturizado al Concéntrese en las áreas de luz y oscuridad, utilizando un enfoque delicado para capturar la redondez y textura del fruto Al igual que con la sandía, recuerda que la tiza blanca que usaremos más adelante será crucial para agregar los reflejos finales y brillo. Así que no te preocupes si todavía no puedes ver el brillo. Nuestro objetivo ahora es construir una base sólida con nuestras sombras y texturas, dejando espacio para que la tiza mejore el brillo final Presta especial atención a las sombras proyectadas por el tomate y el plato sobre la mesa cubierta de terciopelo. Las sombras tendrán características instintivas debido a las texturas de la tela. Las sombras de tomate serán ligeramente más suaves y más difusas, mezclándose suavemente en la rica textura del terciopelo En contraste, la sombra de la placa puede estar más definida y más oscura, creando un contorno más nítido contra la tela Observa cómo las texturas de los terciopelos interactúan con la sombra, creando sutiles variaciones en la oscuridad Capturar estos matices agregará profundidad y realismo a la escena. Presta atención a la imagen de referencia. Observe cómo la tela de terciopelo se levanta ligeramente frente al jitomate. Esta elevación del sillín afecta cómo se proyecta la sombra sobre la mesa, creando una transición suave y niven entre la sombra y la tela Apliquemos las mismas técnicas de sombreado y texturizado que usamos para el jitomate a los campos pequeños Concéntrese en capturar las variaciones del sillín en luz y oscuridad, considerando cada forma ***** marrón y textura difusa Las sombras deben ser autoignoradas reflejando las suaves curvas y la superficie del fruto Preste atención a cómo la luz interactúa con los tonos, creando tanto luces de altura como sombras más profundas Recuerden, cuanto más se aleje de la fuente de luz, más oscura será la emisión un poco más oscura pasemos a la copa de vino. Comencemos enfocándonos en el área donde la copa de vino toca la tela de terciopelo en la mesa. Este punto de contacto creará una sutil sombra en la tela. Así que usa un sombreado suave para inclinar una transición suave y suave donde el vidrio se encuentra con la mesa Observe cómo el vidrio podría presionar ligeramente en la tela, causando potencialmente una leve impresión o distorsión en el terciopelo captura precisa de estos detalles mejorará el realismo de cómo el vidrio interactúa con la tela, agregando una profundidad a su dibujo Recuerda que la copa de vino crea sombras fuertes y transiciones abruptas entre la luz y la oscuridad Enfócate en capturar estos cambios dramáticos, especialmente donde la luz se refleja en el cristal y donde las sombras se proyectan tanto sobre el propio vidrio como sobre la tela de terciopelo que hay debajo. La interacción de la luz en la superficie del vidrio puede crear un contraste nítido y un brillo intenso. Por lo tanto, utilice técnicas precisas de sombreado variadas para reflejar estos cambios dinámicos La parte superior de la copa de vino es un excelente ejemplo de cómo manejar la luz y la sombra en el vaso. A través del material transparente, se pueden observar los colores del fondo, mezclándose sutilmente con los reflejos Al mismo tiempo, preste atención a las dramáticas transiciones de luz y sombra que son características del vidrio. El borde y la superficie del vidrio pueden mostrar luces intensas y sombras nítidas. Así que ajusta cuidadosamente tu sombreado para capturar estos países y la forma colores de fondo se filtran a través del cristal Mm. Ahora es el momento de agregar otra capa de grafito al fondo para realzar el protagonismo de la copa de vino Al profundizar en las sombras de fondo, crearás un contraste más fuerte que hará que el vidrio destaque aún más Asegúrese de que la nueva capa de grafito se mezcla suavemente para evitar líneas ásperas, permitiendo que el vidrio se vea más distinto contra el fondo más oscuro. Este ajuste final ayudará a enfatizar los delicados detalles del vidrio y a darle más enfoque a su dibujo. Al terminar, el fondo, tómate un momento para apreciar lo bien que están uniendo las reflexiones en el mango del vaso. Y eso concluye nuestra lección por ahora. Tómate un momento para admirar cómo se está uniendo el dibujo. Se ve genial hasta ahora. Nos vemos en la siguiente lección. 13. Detalles de flores y hojas en interiores: Hola, gente. Espero que te vaya bien. Antes de sumergirnos en los detalles del arreglo floral, primero aplicaré otra capa de grafito al fondo. Esto mejorará la profundidad y el contraste del fondo. Haciendo que las flores y las ramas destaquen aún más. Recuerda que a medida que continúas con tus propios sorteos, siéntete libre de registrarte y ver cómo el fondo profundiza y afecta la composición general Pero pasemos a los detalles de las flores. Por el momento, nos concentraremos en los detalles cerrados del arreglo floral. Con la estructura general y las formas de cada hoja ya en su lugar, nuestro siguiente paso es aplicar las sombras y texturas adecuadas. Estos elementos son cruciales para agregar un sentido de tridimensionalidad tanto a las hojas como a las flores Entonces, al sombrear y texturizar cuidadosamente, potenciaremos el realismo del arreglo, haciendo que cada detalle destaque con profundidad y Presta mucha atención ya que utilizo el color del papel para representar el color de las hojas. En lugar de sombrear las hojas más iluminadas, me centraré en las que se superponen por los saltos en primer plano Esta técnica me ayudará a crear diferentes capas de hojas, agregando profundidad y dimensión a la rama general. Al concentrarnos en las áreas superpuestas, podemos lograr un arreglo más dinámico y realista El valor de la línea es crucial en nuestro dibujo. Una línea oscura puede separar efectivamente una hoja sombreada de la resaltada, creando claras distinciones entre diferentes elementos Adicionalmente, el fondo en sí puede ayudar a definir la edad de una hoja resaltada sin necesidad de una línea separada. Al usar el valor del fondo y el sombreado, podemos delinear naturalmente las hojas iluminadas y mejorar la profundidad general y el realismo de la disposición Abraza la paciencia y la delicadeza mientras te sumerges en esta etapa del dibujo Deja que la música sea tu guía, cargando suavemente tus pensamientos, permitiendo que tu mente deambula por las formas y sombras con facilidad Cada trazo se convierte en un baile a medida que te pierdes en el sereno ritmo de la creación Intenta sentir la armonía entre tu mano y el papel y deja que el flujo tranquilo de tu enfoque genere la belleza sutil que se esconde entre cada hoja y cada flor. Practicar el delicado proceso de observar cada hoja es crucial para crear un efecto visual convincente. Y es una habilidad que te beneficiará en todas las áreas del arte visual. El reto para los artistas a menudo radica en los detalles. Quiero decir, ser el átomo de estas sutilezas requiere una inmensa atención en la práctica Enfocarse en esos detalles en tus dibujos es una manera poderosa de desarrollar esta sensibilidad, cazando tu capacidad para capturar los intrincados anuncios que dan vida a tu arte M Preste atención a esto. Es importante recordar que el área más cercana al tallo de cada hoja tiende a ser más oscura. Este pequeño pero significativo detalle agrega volumen y profundidad a la hoja, potenciando una tridimensionalidad. Al observar y sombrear cuidadosamente esta región más oscura, puede crear un sentido de forma sutil pero impactante, dando a cada hoja una apariencia más realista y realista Intenta reconocer que no estás dibujando las flores exactamente como las ves. En cambio, tu dibujo es el resultado de entender la disposición de las hojas. Entonces, lo que estás creando es en realidad una interpretación cercana de la complejidad visual, ya que estas pequeñas hojas irregulares pueden resultar bastante confusas. Adopte la naturaleza de su complejidad y concéntrese en capturar su esencia en lugar de esforzarse por lograr una precisión perfecta Este enfoque permite transmitir el verdadero carácter del arreglo mientras navega por sus intrincadas formas Observe cómo a medida que avanzo, necesito reforzar el trasfondo para poner la rama en un relieve más agudo Al profundizar en el fondo, los elementos de primer plano como la rama destacarán más prominentemente, potenciando su Este contraste no sólo resalta los detalles en la rama sino que también crea una profundidad más dinámica y realista en la composición general. Debemos estar atentos a los puntos más blancos de la composición Por ejemplo, en el arreglo floral, hay algunas hojas blancas cerca del plato, que deberían ser las zonas más ligeras en tu dibujo Toma en cuenta estos reflejos al trabajar en el degradado en las hojas más oscuras. Al representar con precisión estos puntos brillantes en su contraste con las regiones más oscuras, creará una pieza más cohesiva y visual convincente Ahora, me enfocaré en completar la tela del lado derecho de la composición para asegurar que la copa de vino destaque de manera destacada Es crucial prestar atención a los aumentos de pliegues en la tela, ya que estos detalles potenciarán la profundidad y textura del fondo. Al sombrear cuidadosamente estos pliegues, podemos crear una separación más clara entre el fondo y la copa, permitiendo que la copa de vino funda vívidamente en primer Um A menudo, podríamos pasar por alto el fondo, pero es tan crucial como los elementos principales de una composición Es decir, el fondo proporciona contexto y profundidad, dando forma a cómo percibimos los elementos de primer plano Es decir, un fondo bien ejecutado no sólo apoya al sujeto principal, sino que además potencia su presencia e impacto. Por lo que al prestar la debida atención al fondo, aseguramos una composición equilibrada y armoniosa que da vida a toda la escena. Mira qué tan bien nos viene nuestro dibujo hasta el momento. El avance que hemos logrado es impresionante. Apreciemos el trabajo que hemos realizado hasta este punto. Espero verte en la siguiente lección. 14. Brillo y reflexión Naturaleza muerta en interiores: Hola, gente. En esta lección, nos concentraremos en el brillo metálico del plato, acercando nuestro trabajo a la mirada final. Es crucial que a medida que realzamos el plato, también refinemos los elementos a su alrededor, incluida la copa de vino. Prestar atención a estos detalles resaltará toda la profundidad y realismo de la composición, sentando las bases para una pieza final pulida y cohesiva Voy a comenzar con una parte compleja de la reflexión que representa la proyección de objetos sobre la placa. Tanto las flores como la sandía, particularmente la sandía, se reflejan en el plato. Y es fundamental plasmar estas reflexiones con precisión. Esto es un reto porque involucra los colores de pectina proyectados sobre el metal usando grafito Esta es la razón por la que el batido blanco será tan crucial más adelante Un conjunto ayudará a realzar los aspectos más destacados y dar vida a estas reflexiones. L Mientras trabajo en refinar el mato del dedo del pie, preste mucha atención a cómo aparece la sombra de la sandía en el plato. Observe la interacción entre la sombra y cómo interactúan dentro de la superficie metálica La forma en que la reflexión de la sandía distorsiona y se mezcla con la superficie de la placa es crucial para agregar profundidad y realismo Esta observación cuidadosa ayudará a crear una reflexión más precisa y convincente. Esa textura del tomate es crucial porque es el segundo elemento que notamos después de mirar el plato. Si el jitomate no está bien ejecutado en términos de volumen y forma, el plato en sí no aparecerá tan atractivo. Por lo que lograr una textura y detalle precisos en el tomate potencia su presencia, lo que a su vez eleva el atractivo visual general de toda la composición Voy a renderizar un jitomate agrega profundidad y complementa el plato, haciendo que el conjunto parezca más cohesivo y atractivo Ahora podría notar el reflejo del jitomate en el plato, también. Este sutil detalle añade otra capa de realismo a nuestra composición. Trate de prestar atención a cómo se reflejan la forma y textura del tomate en la superficie metálica, contribuyendo a la profundidad y complejidad general de la escena Capturar esta reflexión con precisión mejorará la integración de los elementos y acercará el dibujo a su aspecto pulido final. Presta atención a cómo se ve el plato ahora. Es la mejora de todos los elementos circundantes lo que ayuda a mejorar la apariencia de la placa. A medida que afino las sombras más fuertes en el plato, observe cómo el ajuste contribuye en su realismo general. El cuidadoso detalle de los objetos circundantes también eleva la presencia de la placa, creando una composición más cohesiva y visualmente atractiva Teniendo en cuenta que en la pala destacan algunas hojas verdes, ahora nos enfocaremos en realzar su color y textura. Al refinar estos saltos, diferenciaremos su tono del resto de elementos florales Esto no solo hará que las hojas verdes sean más distintas, sino que también creará un contraste más dinámico contra la pala, agregando profundidad y claridad a la composición general. Observe que debido a la naturaleza de la hoja principal, una mitad está más expuesta a la luz mientras que la otra mitad está más sombreada Adicionalmente, se puede ver ese tipo de venas que transportan clorofila por toda la hoja Es importante capturar todos esos detalles. Representar con precisión la luz y la sombra en la hoja, así como los intrincados patrones de venas mejorarán el realismo y la profundidad de su dibujo, haciendo que la hoja parezca más realista e integrada en Así como prestamos atención a los reflejos en el plato, ahora es el momento de enfocarnos en el vidrio. Por lo que volveremos nuestra atención a sumar todos los detalles luminosos del cristal. Observe y represente cuidadosamente los reflejos, reflejos y transparencia que hacen que el vidrio parezca realista Estos detalles mejorarán el brillo del vidrio y lo enfocarán más nítidamente, contribuyendo al refinamiento general de la refinamiento Volvamos al plato para seguir mejorando sus zonas más oscuras. Centrarse en estas regiones de sombra profundizará el contraste general y mejorará la calidad metálica de la placa Presta atención aquí a las sutiles variaciones en oscuridad y refina estas áreas para agregar más profundidad y dimensión. La sombra circular a lo largo del borde de la placa es crucial. Esta sombra agrega profundidad y ayuda a definir la forma de la placa, haciéndola parecer más tridimensional. Ahora que habíamos avanzado con los elementos principales, podemos enfocarnos en potenciar la apariencia de todas las telas sobre la mesa y en el fondo. Preste atención a las texturas, fallas, aumentos en cada tela. Refinar estos detalles agregará riqueza y realismo a la escena, asegurando que las telas complementen los elementos principales de manera efectiva A medida que sigo agregando grafito al fondo, preste mucha atención al borde iluminado del vino dentro de la copa. Este detalle es crucial para representar el contacto entre el viento y el cristal, así como su reflejo. Capturar este borde iluminado con precisión mejorará el realismo del vidrio en el líquido que contiene, creando un efecto más convincente y dinámico Nuestro dibujo ahora incluye casi todos los detalles de grafito, y se ve fantástico. No obstante, todavía queda un toque final, añadiendo el pastel blanco y los detalles finales. Esto potenciará los aspectos más destacados y sacará a relucir los toques finales que elevarán el dibujo a su forma final. Pero vamos a cubrir eso en la siguiente lección. 15. Tiza pastel y acabado final en interiores: Hola, gente. llegado a la lección final para este dibujo, donde nos centraremos en usar el pastel blanco para realzar los reflejos y reflejos. Lo aplicaremos paso a paso a lo largo de todo el dibujo asegurando que cada detalle luminoso y reflectante cobre vida. Recuerde, a medida que aplicamos el pastel, posible que también necesitemos agregar más cuantificados en ciertas áreas para refinar el efecto general Este toque final elevará el dibujo y lo llevará a su forma completa. Comencemos aplicando el pastel blanco al plato, enfocándonos en las áreas más iluminadas para realzar los reflejos. Con todos los elementos en la composición, el plato requerirá del pastel más blanco para lograr el efecto deseado. Así que aplica cuidadosamente el pastel para resaltar los puntos más brillantes y refinar los reflejos, lo que ayudará a resaltar la calidad metálica del plato y hacerla bajar en la composición Observe cómo este proceso sugiere que necesito oscurecer la sombra en el plato proyectado por las flores de arriba Tal ajuste a menudo surgen a medida que avanzamos en un sorteo, especialmente en las etapas finales. Es común refinar sombras y reflejos para asegurar que todos los elementos armonicen perfectamente Este refinamiento continuo ayuda a lograr un resultado final más realista y cohesivo Observe los matices ensillados en el plato, donde el reflejo de las flores y la sandía bailan a través de su superficie Si bien estos reflejos pueden no captar la forma exacta de los elementos originales, su presencia es inconfundible a través de su color e intensidad El plato se convierte en un lienzo para que este espejo lo use, donde las flores y la sandía dejan sus huellas referentes A medida que aplicamos el pastón blanco, potenciaremos estos reflejos, sacando a relucir la delicada interacción de luz y sombra Por lo tanto, usa grafito para refinar y definir estas áreas, asegurando que los reflejos sean visibles y no una capa de profundidad. Al usar el lápiz pastel blanco, notarás que se mezcla con el grafito porque el lápiz pastel es más duro. Esta interacción es bastante interesante ya que crea varios tonos de gris, agregando profundidad y textura a nuestro dibujo. En contraste, si estuviéramos usando una barra pastel suave, el blanco tendería a dominar al grafito, cubriéndolo mucho más completamente Por lo que esta mezcla de pastel duro con grafito permite una gama de tonos más matizada y un efecto más refinado Observa cómo estoy usando el pastel para representar las zonas más ligeras de la sandía, dado que su color es muy claro y su superficie está bien iluminada, el pastel es perfecto para resaltar estos puntos brillantes Al aplicar cuidadosamente el pastel a estas áreas, potenciamos los reflejos de luz y resaltamos las texturas sutiles. El secreto de esta lección con un pastel blanco radica no sólo en su aplicación, sino en la oportunidad que brinda para la contemplación y refinamiento general de nuestro dibujo Entonces, a medida que avanzamos, el proceso pasa del dibujo activo a la observación y ajuste cuidadosos. Cuanto más avanzamos, más nos enfocamos en refinar los detalles y mejorar la composición general, gastando menos tiempo en dibujar y más en garantizar que cada elemento contribuya a la pieza final completa y armoniosa. A medida que aplicas el pastel al plato, es crucial seguir la forma circular de los reflejos, alineando tu golpe con la forma del plato. Esta técnica es necesaria para representar con precisión el material. Me refiero al material metálico y sus propiedades reflectantes. Al agregar a la curvatura de las placas, mejorarás el realismo de los reflejos. A medida que avancemos en esta etapa, también aplicaremos el pastel blanco a las hojas pero con un enfoque diferente. Al igual que el plato donde se usa ampliamente el pastel, las hojitas en la imagen de referencia no alcanzan un nivel tan alto de iluminación. Por lo tanto, utilizaremos el gly ahorrador de pastel blanco en las hojas, enfocándonos en puntos de luz aislados El color primario de las hojas seguirá siendo el propio papel con el pastel resaltando solo los puntos más luminosos realzar sutilmente su apariencia Observe cómo estoy aplicando la barra pastel blanca para cubrir más áreas en el plato. El uso de la barra permite una aplicación más amplia del pastel, cubriendo efectivamente secciones más grandes y mejorando la intensidad de los reflejos. Este método es particularmente útil para lograr un brillo inconsistente más pronunciado en la placa. Mira lo fantástica que se ve la copa de vino con la aplicación del pastel blanco. Los reflejos ahora aparecen simplemente magníficos, capturando la delicada interacción de la luz y el vidrio Quiero decir, el pastel resalta el brillo y la claridad del vidrio, realzando su transparencia y haciendo que los detalles reflectantes realmente destaquen Al aplicar el pastel a los elementos principales, también debemos abordar el fondo para asegurarnos de que complemente la composición general. Aplicar el pastel blanco al fondo ayudará a crear un efecto envolvente, fusionándose a la perfección con el resto del dibujo Ahora, centrémonos en refinar la rama y saltemos aún más mejorando las áreas más oscuras Presta especial atención a los bordes y las esquinas donde la oscuridad agrega dimensionalidad a la rama Fortalecer estas sombras dará una mayor sensación de profundidad y estructura. Adicionalmente, aplicaremos bastel más húmedo para resaltar las partes más ligeras, creando una contras que hará que la rama y los saltos parezcan más diferentes y tridimensionales Presta atención a lo interesante aparece la eclosión cruzada de fondo Como no está completamente mezclado, muestra una textura y carácter únicos en el dibujo general. Esta técnica crea un contraste llamativo entre el fiel incompleto y el preliminar en una pieza terminada más detallada, fusionando elementos de ambos estilos en un efecto visual convincente Agreguemos los toques finales a nuestro plato, que ya luce magnífico. Al refinar cuidadosamente los detalles y realzar los aspectos más destacados, elevaremos el realismo y el brillo de la placa Este último ajuste perfeccionará los reflejos y sombras, asegurando que la placa destaque maravillosamente como punto focal en nuestra composición. Ahora vamos a utilizar una herramienta especial, la Pierre Renoir para picar un tono particularmente oscuro en el vino Este intenso lápiz negro nos ayudará a alcanzar la profundidad y riqueza requeridas para las zonas más oscuras del vino Debemos aplicar el Pierre reni con mucho cuidado y atención, ya que esta herramienta produce un negro excepcionalmente profundo La razón por la que el Pierre Noir es tan oscuro se debe a comer alta concentración de grafito y la densidad del propio material, lo que le permite crear tonos intensos y ricos. Esta profundidad de negro es esencial para capturar las sombras profundas y sutiles matices en nuestro dibujo. Y aquí estamos en la culminación de nuestro viaje. Mira lo bellamente que ha cobrado vida la composición, cada elemento armonizándose con los demás, formando una escena completa y cautivadora La sandía, con su interior cuidadosamente sombreado y textura desgarrada, destaca con colas intercratadas que capturan su Los tomates y las breas tienen forma con profundidad y precisión. Los volúmenes se despejan a través la interacción de luz y sombra El plato ahora refinado con delicados reflejos de pastel blanco, resplance con elegancia metálica, reflejando los elementos envolvientes, las flores, la sandía, el tomate, lo justo para dar una sensación de su presencia sin necesidad de tonalidades vívidas Esto es más que un dibujo. Es un tatement a la belleza de observación y al poder silencioso del blanco y negro Te veo en el siguiente dibujo. 16. Enfoque teórico Gustave Courbet al aire libre: Antes de comenzar nuestro ejercicio, es fundamental discutir una referencia importante que pueda potenciar nuestra práctica. Gustave Corvette y su pintura bodegón con manzanas. Esta obra no sólo es un brillante ejemplo de jalismo sino que además captura la esencia de los objetos cotidianos de una manera auténtica y cautivadora En bodegón con manzanas, Corbett organiza los frutos de manera equilibrada, haciendo de las manzanas el punto focal de la pieza Este aspecto es crucial para que consideremos a medida que planeamos nuestro propio dibujo. La jerarquía visual establecida por Corbett permite que cada elemento se complemente entre sí y contribuya a la composición general Las manzanas con sus texturas detalladas y luminosidad, captan de inmediato la atención de los espectadores, mientras que otros elementos como la superficie y el fondo son más sutiles en comparación atención al detalle que emplea en la representación de la fruta resalta su frescura y textura. Observe cómo cada manzana exhibe variaciones de color y tono que reflejan la luz y natural contribuyendo a la ilusión de libertad mencionarla. Este es un aspecto que podemos aplicar en nuestro dibujo, capturando cómo la luz interactúa con las superficies de la fruta para darles vida Las habilidades de Kurbt para enfatizar los detalles de las manzanas nos invitan a observar cuidadosamente y replicar la misma observación en Otro aspecto vital de las pinturas de Corbett es la relación entre los objetos y su entorno En su pieza, los elementos de fondo, como los árboles y el sub paisaje se adaptan en contexto al Zena Sin embargo, es esencial tener en cuenta que este fondo se renderiza con menos detalle que los objetos principales. Esta elección compositiva dirige atención hacia las manzanas Pues bien, el fondo se convierte en un contexto solidario que enmarca y realza la importancia de los frutos. Al igual que Corvette, debemos considerar esta estrategia en nuestro ejercicio, asegurando que el fondo sirva como un contexto que no compita con los elementos centrales de nuestra naturaleza muerta La forma en que Corbett maneja los tonos también es crucial. Utiliza la luz natural para resaltar las diversas texturas de las manzanas. A medida que avancemos en nuestro dibujo, será fundamental prestar atención a cómo cae la luz sobre cada fruto. En la naturaleza muerta con manzanas, los tonos y variaciones de luz ayudan a dar vida a los objetos, un enfoque que debemos aplicar en nuestra representación. Ahora que hemos establecido la significación de la obra de Corbett, pasemos a nuestro ejercicio Crearemos Ale todavía vivo al aire libre que incluye tres frutas, una piña en el centro, racimo de plátanos a la derecha y un tomate grande a la izquierda. Todos estos descansarán sobre el pasto con árboles y ramas visibles al fondo, creando un segundo plano que enriquecerá nuestra composición. En este ejercicio, recordemos aplicar los principios que hemos discutido respecto al trabajo de Corbett, enfoque y relación entre los frutos y su entorno, el efecto de la luz natural sobre cada objeto en la captura Por lo que este ejercicio no sólo nos permitirá practicar la observación. Pero también fomentamos nuestra creatividad a medida que interpretamos el zine. También es vital que el fondo se represente de manera más difusa y con menos detalle para enfatizar la importancia de los frutos Con esta preparación en mente, comencemos nuestro ejercicio y apliquemos todo lo que hemos aprendido para crear nuestro propio bodegón al aire libre. 17. Técnica de ángulos de construcción Bodegón al aire libre: Comencemos este bodegón al aire libre. Empiezo con mediciones rápidas e intuitivas. Primero, enfocándose en la altura de la piña como el elemento más grande. Ahora, mientras sigo dibujando, me imagino los ángulos y proporciones, moviéndose al jitomate junto a él y la mano de plátanos a la derecha. Esta composición aporta una complejidad más profunda con la naturaleza como telón de fondo, mezclando la exuberante hierba verde y las distantes tres ramas en la escena. El equilibrio de los frutos, cada uno con sus propias formas y texturas únicas, crea una dinámica vívida que refinaremos a medida que avanzamos. Preste atención a cómo y construir los frutos en base solo a la altura de la piña, que aún no he dibujado completamente. La idea detrás de este ejercicio es fomentar el uso de la imaginación para visualizar los ángulos en nuestras mentes, incluso antes de que realmente los dibujemos. Ya hemos dibujado esto para que coincida en el ejercicio anterior, así que tenemos una buena idea de cómo abordarlo. Ahora, es el momento de esbozar la forma aproximada de ese manojo de plátanos. No te preocupes si cometemos errores. Seguiremos ajustando y refinando a medida que avancemos. Para descubrir la forma exacta de los plátanos, comience por observar la relación entre el tomate y la piña. Imagina líneas que se extienden desde ambas frutas para crear una guía visual, ayudándote a estimar el espacio que ocupan los plátanos. También puedes intentar visualizar cómo fluye la curva de cada plátano en relación con la redondez del tomate y los ángulos de la piña Sea paciente, este es un proceso que requiere observación y refinamiento, y es completamente normal hacer ajustes a medida que avanza Cada trazo te acerca a entender la forma. A Ahora que tengo la estructura general de los plátanos y el tomate, me voy a centrar en descubrir el cuerpo de la piña midiendo la altura general de la composición. La piña es el elemento más grande, por lo que servirá como punto de anclaje clave. Al visualizar su altura en relación con los otros frutos, puedo comenzar a dar forma a su forma y asegurar que todo se mantenga en proporción Este paso es crucial para establecer el equilibrio en la composición. Ahora necesitamos construir la estructura general de la parte superior de la manzana de pino. Los labios de pico que la cron. No necesitamos preocuparnos por obtener cada detalle correcto en esta etapa. El objetivo es establecer la forma general y el flujo. Imagina cómo los saltos se enteran desde el centro. Dada la piña, es una silueta icónica. Ahora voy a esbozar la línea del horizonte del paisaje detrás de los elementos principales. Esto me ayudará a crear puntos de referencia adicionales, permitiendo una mayor precisión a medida que avanzamos. El horizonte actúa como un elemento de puesta a tierra, dando una sensación de espacio y profundidad a la composición Nos ayuda a visualizar la relación entre los frutos y el fondo, guiando nuestra colocación de objetos con mayor precisión a medida que continuamos construyendo la escena. Las tres ramas de fondo también son esenciales para nuestra composición. No necesitamos dibujarlos con detalles precisos en estos momentos. Lo más importante es entender a dónde pertenecen dentro de la escena y el espacio que ocupan en el papel. Piense en ellos como gestos suaves que enmarcan los frutos, agregando equilibrio y profundidad a la composición general sin sobrecargar los elementos principales Comencemos a construir los plátanos, comenzando por el más cercano al jitomate. El que es ligeramente totint. Este primer plátano nos servirá de guía, ayudándonos a anclar el resto del manojo. Presta mucha atención a la forma en que se forma su curva. No es un arco perfecto, sino una línea arrojada orgánica que se dobla de maneras sutiles Justo a partir de este punto, poco a poco podemos construir el resto de los plátanos uno por uno, permitiendo que cada uno se conecte naturalmente con el primero. Observe cómo su posición se superpone ligeramente, creando una cascada de formas que fluyen juntas en armonía. Mientras trabajas en cada plátano, observa cómo se ahusan en ambos extremos y cómo las curvas suaves siguen un patrón similar pero ligeramente variado. Creo que la clave es la paciencia. Tómese su tiempo para observar la dirección y el espaciamiento entre cada uno. Algunos se curvarán más dramáticamente. Otros pueden parecer más heterosexuales, pero todos ellos deberían sentirse conectados como parte de un grupo cesivo Intenta recordar que con cada nuevo plátano agregado, comenzarás a ver emerger la forma general, y pronto toda la mano de los plátanos se formará naturalmente como parte de la composición. hay absolutamente ningún problema en cometer errores en las etapas de rendimientos de un dibujo. Aquí es en realidad donde los errores son más bienvenidos. De hecho, esta fase se trata de exploración y corrección. No hay una regla moral o técnica que dicte cuántas veces se te permite cometer un error Cada error es simplemente otra oportunidad para refinar tu comprensión de la forma, para ajustar tus ángulos, y para encontrar las proporciones que llenan bien. Voy a aplicar la luz eclosiona alrededor de los elementos principales para aislarlos y observar sus formas con mayor claridad Esta técnica ayuda a crear una sutil separación, permitiendo que cada forma destaque sobre el fondo. En este punto, es importante proceder lentamente y con intención observando cómo las líneas realzan las formas. Tómate tu tiempo. Este ritmo gradual nos dará mejor control y una conexión más profunda con las formas a medida que evolucionan en el papel. A Ahora voy a trazar las texturas de la piel de piña, un boceto general del característico patrón en forma de diamante en su superficie. Este diseño inicial no necesita ser perfecto, sino que es esencial para capturar el ritmo y el flujo de estas formas. En la imagen de referencia, observe cómo los diamantes crean una sensación de profundidad y movimiento envolviéndose alrededor de la superficie de la fruta. A medida que avancemos, refinaremos los detalles. Pero por ahora, concéntrese en establecer una base para la intrincada textura que define el exterior de la piña Quizás el aspecto más importante de esta etapa es representar el mismo número de formas de diamante en la piel de piñas, como ves en tu referencia Bueno, no es estrictamente necesario. Sí lo recomiendo para este ejercicio. Al hacerlo, practicarás la observación y la precisión, lo que mejorará tu capacidad para capturar texturas y patrones complejos. Pero recuerden, esto sigue siendo parte de la fase inicial de bosquejo Después de eliminar algunas de las líneas de construcción, pasaremos a agregar sombras generales claras y reforzar algunas líneas para indicar áreas más oscuras. Estas áreas más oscuras podrían deberse a sombras o al color natural del propio objeto. El objetivo aquí es comenzar a dar forma y dimensión a los frutos y elementos circundantes. Al aplicar un sombreado suave, comienzan a establecer el juego de luces y sombras, lo que hará que los objetos sientan más fundamentados y realistas Ahora voy a oscurecer todo el fondo, centrándome en el pasto, el área detrás de él para aislar los elementos principales, los frutos, y comenzar a verlos como el verdadero centro de nuestra composición Este paso es crucial ya que permite que el fruto se destaque más claramente, acercando nuestra atención al foco central. A medida que profundizo las sombras en el fondo, observe cómo los frutos comienzan a fusionarse con más contraste, dándonos una perspectiva más clara de sus formas y su importancia en la composición general Y ahí estás. Nuestro boceto general de la composición está listo. Se construyen los elementos principales y su relación con el establece su relación con el paisaje circundante. Hemos establecido las bases para el detalle y el dibujo dinámico. Y a partir de aquí, podemos construir sobre esta base sólida para refinar y mejorar nuestra obra de arte más adelante hasta la siguiente lección. 18. Primeros detalles Naturaleza muerta al aire libre: Hola, gente. En esta lección, profundizaremos en el primer conjunto de detalles para todos los elementos de nuestro dibujo, poniendo especial énfasis en los frutos Nuestro enfoque estará en sombrear suavemente los frutos para resaltar su dimensionalidad y textura Para lograr esto, utilizaremos una técnica de eclosión cruzada ligera para construir suavemente las sombras, permitiendo que los frutos emerjan gradualmente del papel Este enfoque ayudará a definir las sutiles variaciones de luz y sombra, creando una sensación de profundidad y realismo. A medida que avancemos, prestaremos mucha atención a cómo estas sombras interactúan con las superficies en las que descansan, asegurando que cada fruto se rinda con cuidado y precisión. Las sombras iniciales sirven como guía fundamental para desarrollar detalles más profundos más adelante Estas sombras preliminares sientan las bases para comprender cómo la luz interactúa con cada elemento, permitiéndonos construir sobre ellas con detalles más intrincados a medida Al establecer estas primeras sombras, establecemos un camino claro para refinar texturas y mejorar el realismo general de nuestro dibujo en etapas posteriores. Ahora, a medida que examinemos de cerca la imagen de referencia, comenzaremos a elaborar la corona de la piña Acércate a este paso lentamente, prestando una atención meticulosa a cada hoja A pesar de su variedad, los labios están bien definidos, y es crucial aproximar la forma original lo más cerca posible. Esta cuidadosa observación nos permitirá capturar la estructura misma de cada hoja, contribuyendo a la autenticidad general y detalle de la corona de piñas Hay un detalle importante que destacar en este ejercicio, y es un sustantivo que no suele ser abordado en los ejercicios de dibujo En esta imagen, la fuente de luz viene de derecha a izquierda. Pero lo hace muy sutilmente. Si bien la dirección de la luz está efectivamente presente, es suave y suave en su proyección sobre las formas. Como puedes ver la corona de la piña, notarás que el área cercana a la base de la corona es más oscura por la falta de luz, mientras que el lado derecho de la corona está más iluminado. Este fenómeno ocurre consistentemente a través de cada hoja o lámina de la corona. Es esencial representar la sutil interacción de luz y sombra para capturar las delicadas tonterías de la luz y su efecto sobre la corona de la manzana de pino Recuerde ser paciente y evitar usar líneas fuertes sobre led. Si prefieres usar lápices más oscuros para los más oscuros, pero evita presionar demasiado fuerte sobre el papel, es mejor crear Smtches que dejar hendiduras en el papel, especialmente con papel de alta calidad Una aplicación suave y cuidadosa ayudará a mantener la textura del papel y garantizará un resultado más refinado. Presta atención a cómo empiezo con las hojas en la base y poco a poco construyendo la corona a medida que las hojas se superponen entre sí. Esta estratificación es crucial ya que cada hoja influye en la siguiente por encima de ella. Adicionalmente, estoy usando cada hoja como referencia para dibujar la siguiente, asegurando consistencia y precisión en la estructura general de la corona. Este enfoque metódico nos permite capturar la progresión natural en profundidad sobre el follaje de las piñas Observe la curva hacia abajo del sillín en las puntas de las hojas. Este es un rasgo característico de la corona de piñas. Es esencial capturar este detalle ya que se suma a la textura realista y profundidad al folige Al prestar atención a estas pequeñas pero significativas características, aportarás más autenticidad a tu dibujo. Las hojas superiores más grandes suelen ser las más fáciles de dibujar porque son más prominentes y de forma más simple. Una vez que haya establecido la base, que incluye las hojas inferiores más intrincadas y superpuestas, encontrará que construir las hojas más grandes y directas se vuelve significativamente más fácil Este enfoque te ayudará a construir la estructura de las coronas de manera más efectiva. Si quieres experimentar y probar diferentes formas, te recomiendo hacerlo con las hojas superiores. Estos son los más superficiales y de mayor forma, haciendo que la improvisación sea más accesible y menos desafiante I Una vez que hayamos establecido los detalles generales de la corona, pasaremos a crear el lomo de cada diamante en la piel de la manzana de pino. No es necesario agregar demasiados detalles. Concéntrese en colocar cada espina cuidadosamente dentro de su forma de diamante. Este paso requiere precisión para asegurar que cada espina esté posicionada con precisión, potenciando la textura de la piña Ahora, vamos a refinar los bordes de cada forma de diamante en la piña. Presta mucha atención para que coincidan los contornos con la cantidad de luz y sombra presentes en cada sección. Este paso potenciará la textura y aportará más profundidad a la superficie de la piña, haciendo que cada diamante parezca más definido y realista. Observe el grosor e irregularidad de los bordes y cómo diamantes de la izquierda ahora aparecen ligeramente más oscuros en comparación con los de la derecha Esta sutil variación en la oscuridad ayuda a crear un efecto más natural y tridimensional, potenciando el realismo general de la textura de las piñas Ahora, voy a bosquejar algunas briznas de pasto, especialmente las que están en contacto con el tomate y los plátanos. Este paso es crucial para la composición ya que ayuda a integrar los frutos en su ambientación y agrega profundidad a la escena general. Ahora, usando una técnica de eclosión cruzada ligera, sombrearé el lado izquierdo toda la piña para alinearme con la iluminación del espacio Esto ayudará a crear un aspecto más coercitivo y a potenciar la tridimensionalidad de la piña Ahora voy a agregar algunos detalles a los plátanos, centrándome especialmente en las áreas donde se unen los plátanos. Esto ayudará a definir su forma en la creación de una representación más realista Ahora, poco a poco voy a añadir capas de grafito para dar sombra al tomate. Ian para encontrar el valor perfecto para construir su volumen. Aplicaré la misma técnica al cuerpo de la piña, trabajando lentamente para lograr el aspecto bien definido y realista para ambas frutas. Ahora, apliquemos una fuerte técnica de eclosión cruzada para oscurecer toda el área del pasto, asegurando que el sombreado sea consistente Este paso es crucial ya que ayudará a crear un marcado contraste entre la exuberante hierba verde y los frutos, enfatizando su prominencia en la composición Al trabajar en este sombreado, prestar especial atención a las edades de los frutos Al realzar a los países alrededor de estos bordes, lograremos que los frutos destaquen más vívidamente sobre el fondo Este contraste es esencial para atraer la mirada de los espectadores hacia los puntos focales de la composición, creando una sensación de profundidad y separación. La acción cruzada consistente y oscura también aportará un aspecto general más cohesivo y pulido Atar los elementos del dibujo y asegurar que cada parte de la escena esté bien integrada. Por ejemplo, fíjate cómo mejoran los plátanos cuando realzo el borde que los separa del fondo. Al intensificar el contraste a lo largo del borde, los plátanos ganan más definición y claridad en la composición Intenta usar un lápiz de tono oscuro para esto. Presta atención a lo bien que están empezando a destacar los frutos en el espacio. A pesar de que todavía no he empezado con las briznas de hierba, ya puedes sentir que los frutos están inmersos en medio de un jardín. Voy a agregar algo de sombreado a la parte superior para indicar dónde se encuentran las tres ramas en el fondo Esto ayudará a integrar los elementos y potenciar la profundidad de la escena. A medida que avanzamos, sumerjámonos en la intrincada densidad del sombreado Voy a emplear una técnica refinada de eclosión cruzada para construir una base robusta y texturizada Este método, aunque aparentemente simple, nos permite crear una profundidad y riqueza profundas en el grafito Entonces, al acodar los trazos, podemos producir un tapiz vívido que captura el sentido de la exuberante hierba y la presencia ensillada de los Entonces creo que este espacio de escotilla cruzada no sólo mejora el contraste entre los frutos y su entorno, sino que también allana el camino para cerros más intrincados en las próximas etapas Una delicada interacción de luz y sombra se convierte en una sinfonía sobre papel, elevando nuestra composición del boceto de yegua a una representación vibrante de la belleza de la naturaleza Um, Y ahí estás. El detalle inicial de este out o bodegón ha comenzado a tomar forma. Nuestra composición empieza a revelar su verdadera forma, pero aún queda mucho trabajo por delante. Estás apenas en el comienzo de este viaje creativo. Te veo en la siguiente lección. 19. Naturaleza muerta al aire libre: Hola, gente. En esta lección, nos enfocaremos en crear la hierba alrededor de los frutos. Recuerda que los frutos son el tema principal de este bodegón. Estaré agregando más grafito a la hierba de fondo mientras le explico lo que vamos a hacer. Guiados por la imagen de referencia, crearemos una interpretación de lo que vemos utilizando dos enfoques para las briznas de pasto. El primer método consiste dibujar las cuchillas directamente con grafito. Mientras que el segundo método consiste en eliminar grafito para crear otro tipo de cuchilla. Esto nos permitirá crear dos efectos distintos, palas más oscuras donde dominan las sombras, y otras más claras donde toca la luz. Primero, voy a empezar por trazar las briznas de pasto más oscuras. Esta no es una copia exacta de la imagen de referencia. Lo que estoy haciendo es simplemente una interpretación basada en lo que observo. Es importante entender que las cuchillas se superponen se cruzan, y vienen en varias inclinaciones y tamaños, todo mientras reflejan diferentes grados de luz Al tener esto en mente, le daremos a nuestro dibujo una sensación de aleatoriedad natural, capturando la complejidad de la hierba y cómo interactúa con la luz y Una forma inteligente de crear las hojas de hierba más iluminadas es delineándolas primero con grafito sobre la eclosión y luego retirando suavemente el grafito del interior con el lápiz borrador Esta técnica nos permite conservar los resaltes sidle sin sobretrabajar el papel Al usar este método, creamos un contraste suave que refleja la delicada brizna de luz sobre el pasto. Presta atención a cómo estoy quitando el grafito, no solo creando briznas de pasto, sino también saltos dispersos aleatorios Este enfoque aporta una sensación de aleatoriedad natural y textura a la escena Este proceso de creación de aspas iluminadas también puede funcionar a la inversa. En este caso, puedes usar el lápiz de afeitar igual que un lápiz normal. Primero, dibuja la brizna de hierba con la navaja y luego usa el lápiz de grafito para refinar el contorno de cada una. El resultado es un delicado equilibrio de luz y sombra donde cada hoja emerge del fondo con una apariencia suave, casi resplandeciente Los elementos de construcción como el pasto, las hojas de los árboles o la textura de una cala en una pared exigen mucha paciencia. A menudo a la gente le gusta la paciencia requerida para capturar verdaderamente los intrincados detalles que hacen que estos elementos cobren vida en papel Creo que existe una idea errónea común de que estas texturas tardarán demasiado en crearse Llevando a muchos a apresurarse a través del proceso, produciendo resultados que no reflejan el realismo pretendido. Pero lo cierto es que suele llevar menos tiempo del previsto. Pero la clave es la persistencia. Me refiero a dibujar una sola brizna de hierba, una hoja a la vez, o tallar cada piedra en la pared a través trazos cuidadosos es un proceso continuo. Es a través de esta acumulación constante de pequeños detalles cuidadosamente elaborados que surge la verdadera profundidad y complejidad de estas texturas Así que trata de abrazar el lento ritmo deliberado de construir un elemento tras otro Al crear estas briznas de hierba, es igualmente importante respetar la perspectiva, mientras que cada hoja puede tener su propio tamaño y forma únicos. En general, sus tamaños deben ser consistentes con el espacio que ocupan en la composición. Por lo que las cuchillas que están más alejadas deberían parecer más pequeñas para mantener el sentido de profundidad. Recuerda, ese es un aspecto sutil pero crucial que ayuda a que tu lanzamiento se sienta arraigada en la realidad. Presta atención a lo bellamente que la hierba comienza a tomar forma aquí. El efecto de tener algunas de las briznas de pasto cruzando y cubriendo parcialmente los frutos es simplemente maravilloso. Crea una sensación de armonía entre el entorno natural y los objetos en primer plano, mezclándolos a la Esta superposición en detalle le da más profundidad a la composición, haciendo que los frutos se sientan realmente inmersos en la escena. Mm. Cuando se trabaja en las briznas de pasto que están más cerca de los frutos, es importante aprovechar esta oportunidad para limpiar el contorno de la fruta. Intenta usar la eclosión para rellenar esos pequeños espacios, oscureciendo los diminutos rincones en las zonas donde la fruta toca el suelo, o donde las cuchillas conectan con la Esto no sólo agudiza los límites entre el fruto y la hierba, sino que también mejora la profundidad de la composición En el lado derecho de la composición, podemos suministrar potenciar el efecto de la luz que golpea el pasto de manera más prominente, ya que la luz viene de derecha a izquierda Este efecto debe ser suave anunciado dolorido principalmente al agregar briznas de hierba más iluminadas. Al usar el lápiz de afeitar para crear estas cuchillas más ligeras, podemos sugerir sin esfuerzo la presencia de luz sin dominar De este lado, la hierba parece tener detalles más intrincados de cerca, dándonos la oportunidad de captar la riqueza Así que trata de observar cuidadosamente las sutiles variaciones en texturas y densidad aquí. Algunas cuchillas pueden doblarse hacia la luz, captando su resplandor, mientras que otras permanecen en la sombra, creando una delicada interacción La combinación de cuchillas más claras y oscuras es esencial para invocar la complejidad y diferencia del entorno natural Recuerde, estas pequeñas diferencias contribuyen a una atmósfera realista más arraigada Observe cómo estoy creando las briznas de hierba que están más cerca del fondo. Son simplemente trazos consecutivos ya que estas palas están pensadas para que aparezcan muy pequeñas en la distancia. Mediante el uso de estas líneas finas mínimas, logramos una sensación de profundidad y distancia. Esta técnica ayuda a mantener la ilusión de un lon vasto y costoso asegurando que los elementos de primer plano, como los frutos, sigan siendo el punto focal de la composición Como bono, potenciaré el sombreado de la corona de piña profundizando las sombras en áreas que reciben menos luz, tanto en la corona como en el cuerpo de la Entonces, al oscurecer estas partes menos iluminadas, crearemos un contraste más rico y una sensación de profundidad más pronunciada Su sutil refinamiento no solo agrega dimensión, sino que también resalta la textura y los intrincados detalles de la piña Mira lo bellamente que están empezando a unirse los frutos ahora. Los plátanos son increíbles. Han ganado una importante tridimensionalidad gracias al efecto del pasto Creo que la piña también se ve genial. Todo avanza bien hasta este punto, pero seguiremos avanzando en la siguiente lección 20. Detalles de fondo Naturaleza muerta al aire libre: Hola, gente. En esta lección, nos centraremos en construir los elementos del fondo, especialmente los árboles distantes. Mientras sigo refinando las sombras y detalles de la piña, explicaré el proceso con más detalle. Estaremos poniendo en práctica técnicas similares a las que usamos en el ejercicio del árbol. Esto implica crear pequeñas hojas y ramas para dar forma a los árboles en el fondo. Establecer un trasfondo claro es crucial para lograr un sentido de tridimensionalidad en el dibujo Este árbol distante juega un papel importante en este proceso, ayudando a realzar la profundidad y el contexto de nuestra composición. Si observas árboles distantes en la imagen de referencia, notarás que aparecen desenfocados. Estos efectos imita lo que hace el ojo humano de forma natural, y tanto la pintura como el dibujo pueden capturar este fenómeno visual El impresionismo es un excelente ejemplo de cómo se representa este efecto en Pero en el contexto de este dibujo y esta lección particular, nuestro objetivo es representar las ramas más importantes con un patrón de construcción foliar que nos permita llenar el espacio de manera efectiva Así que trata de sentirte libre de abrazar este enfoque. Vamos a capturar el sentido del fondo sin detalles abrumadores, creando una sensación de profundidad y distancia que enriquezca la composición general Por otro lado, pueden notar que debido a la intrincada textura de la piña, estoy dedicando mucho tiempo a sus detalles en cada lección Otro aspecto crucial a destacar es la importancia de progresar lentamente con los detalles de las piñas medida que avanzamos a través de los demás elementos del dibujo, recopilamos mejor información y establecemos más puntos de referencia que son esenciales para capturar la complejidad de las piñas Lo que quiero decir es que trabajar metódicamente nos permite refinar nuestra comprensión de su textura y forma, lo que a su vez mejora la precisión y profundidad de nuestra representación Al enfocarnos primero en los átomos circundantes, construimos un telón de fondo más completo y curente, proporcionando un contexto más claro para la piña Este enfoque incremental asegura que cuando regresemos a la piña, tengamos una base más sólida y una mejor idea de cómo sus intrincadas colas encajan dentro de la composición general Ahora, pasaremos directamente al fondo. Comenzando por las áreas donde se encuentran las ramas de los árboles, comenzaremos aplicando una capa de eclosión para rellenar estas zonas con grafito Esta capa inicial es crucial ya que establece una base de valores de túnel que mejorarán nuestra capacidad de trabajar en detalles más finos más adelante Entonces, al cubrir estas áreas con eclosión, creamos una base consistente que ayuda a visualizar la estructura general y la profundidad de los elementos de fondo Adicionalmente, este enfoque nos brinda oportunidad de elaborar hojas y ramas por ambos, agregando detalles con grafito y quitando grafito con lápiz borrador Ahora, delineemos suavemente los contornos de los diferentes racimos de hojas. Este paso requiere un punto suave para asegurar que los límites entre varios grupos de follaje estén sutilmente definidos Es importante ser sutil en este proceso para mantener el flujo natural y la textura de las hojas. Ahora, vamos a usar la eclosión para sombrear las áreas que hemos delineado Este sombreado ayudará a desarrollar un telón de fondo más cohesivo y realista Puede usar tantas capas de eclosión que pueda necesitar Una vez que hemos agregado eclosión, podemos comenzar a introducir saltos con ramas pequeñas dispersas Nuestro enfoque debe estar principalmente en los saltos a lo largo de los bordes exteriores del mostrador, ya que esto ayudará a crear la ilusión que pertenecen a un árbol más grande Tenemos la libertad de dibujar tantas hojas como queramos, incluso extendiendo ramas y saltos por toda la zona sombreada. No obstante, como mencioné, no es necesario llenar todo el espacio. Simplemente enfocarse en los bordes es suficiente, ya que el sombreado oscuro representa un denso cúmulo de hojas Mm. Esta sección del árbol y las ramas ubicadas directamente detrás de la piña es crucial porque ayuda a separar los elementos primarios de la composición del fondo. Esta distinción agrega profundidad a la escena, enfatizando los temas principales mientras empuja sutilmente el fondo hacia la segunda capa Ya que estamos tocando la corona de piñas, podemos aprovechar esta oportunidad para agregar más detalles a las hojas de abril, especialmente las que entran en contacto con el fondo Esto ayudará a mezclar el crm sutil con ambiente sin dejar de mantener su prominencia en la composición Repitamos el proceso en este lado del fondo. Comenzaremos agregando una capa de sombreado usando sombreado, y una vez que se haya establecido esa base, podremos comenzar a incorporar detalles Dado que esta parte del fondo está en contacto con el pasto, también podemos aprovechar para agregar detalles adicionales a la hierba si es necesario. Intenta ser paciente y no te quedes atascado en tratar de inclinar la perfección en el fondo. Recuerda que el fondo está en la segunda capa, y la mayor parte de la atención y los detalles deben enfocarse en los frutos en primer plano Presta atención a cómo la corona de la piña aparece más tridimensional con el lado izquierdo sombreado más que el derecho Hemos ido construyendo este efecto gradualmente a medida que avanzamos por las otras áreas del dibujo. Este enfoque paso a paso nos permite extender el proceso de observación, lo cual es crucial para lograr un fuerte impacto visual. Podemos agregar dispersar las capas de sombreado en el fondo simplemente para crear una textura que complemente la composición Aunque estas sombras no representen nada específico, el ojo humano las asociará con posibles elementos del paisaje, como colinas distantes o racimo de árboles. Y eso es todo. Nuestros antecedentes ya están completos. Presta mucha atención a todas las pequeñas hojas del árbol. Incluso desde la distancia, se ven fantásticas. Los detalles del sillín que hemos agregado realmente contribuyen a la composición general, pero seguiremos avanzando en la siguiente lección. 21. Detalles finos de bodegón al aire libre: En esta lección, nos vamos a centrar en el detalle más profundo del dibujo, especialmente los elementos principales, los frutos. Como habíamos mencionado antes, el ritmo de avance debería disminuir en esta etapa porque los detalles son más pequeños, más delicados y requieren mucha más observación antes de cada trazo. Comenzaremos con un jitomate. Darle detalles también significa prestar atención a la hierba que lo rodea. Muchas briznas de pasto cruzaron frente al jitomate. Por lo que es importante refinar esos detalles para crear un efecto realista y de alta calidad. Recuerda también que podrás retocar todos los elementos de la composición a medida que avanzas en un elemento específico Si miras de cerca el centro del tomate De, notarás un cúmulo de sombras irregulares. A primera vista, dibujarlos puede parecer absurdo, casi abstracto, pero es crucial seguirlos fielmente. A pesar de que puedan parecer aleatorias, es al renderizar cuidadosamente estas formas que comenzamos a descubrir la profundidad y textura que le dan al tomate su forma realista Confía en el proceso y deja que estas sombras caóticas especiales te guíen hacia el resultado que estamos buscando. Al dibujar, debemos tratar de ser pacientes. Durante el renacimiento, la creación una pintura realista a menudo tardó meses o incluso años en completarse. Artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael trabajarían en cada detalle capa por capa, ajustando sombras, texturas y colores con extrema precisión El proceso de profundidad y realismo de construcción requirió innumerables horas de observación, refinando cada elemento hasta reflejar la vida Esta dedicación a la cola, paciente, y dominio de su oficio fue esencial para lograr la calidad realista que aún nos hipnotiza A medida que trabajamos o dibujamos, debemos abrazar una mentalidad similar, permitiéndonos el tiempo para observar y refinar cada trazo Um, Para mejorar mejor la textura de Detomto, necesitamos enfocarnos en sutiles variaciones en toming Comience observando la forma en que la luz interactúa con la superficie Observe que la piel de Dtomo tiene transiciones suaves entre las áreas más oscuras y claras Trabajamos suavemente con eclosión, posteriormente en diferentes niveles de presión para crear estos gradientes Al trabajar en la textura de los plátanos, uno de los aspectos más importantes a considerar no es solo su tono naturalmente claro, sino también la presencia de manchas y marcas en la cáscara. Estas imperfecciones agregan carácter a la fruta, pero pueden confundirse fácilmente sombras si no se manejan con cuidado La clave aquí es crear un fuerte contraste entre las sombras naturales en la superficie curva de los plátanos y las distintas manchas que forman parte de la textura única de los plátanos. Entonces para lograrlo, comienza por entonces definir dónde caen naturalmente las sombras sobre el plátano. Por lo general a lo largo de las curvas, donde el fruto se aleja de la fuente de luz. Utilizaremos una eclosión suave y sutil para enfatizar estas áreas, asegurando que parezcan suaves y mezclen de forma natural en las partes más ligeras de la cáscara Una vez establecidas las sombras, podemos enfocarnos en agregar las manchas. Presta mucha atención a este importante detalle. A medida que afino las áreas donde los plátanos tocan el tomate e interactúan con las briznas de pasto, todos estos elementos crean una sombra oscura profunda en esa zona, lo que mejora significativamente la profundidad general de la composición. Observe cómo el primer plátano gana más volumen y tridimensionalidad ya que enfatiza las sombras más oscuras justo en el punto donde se encuentra con el suelo Esta atenta atención a las sombras y la forma en que interactúan con el sujeto circundante es lo que realmente trae vidas a la escena, haciendo que cada elemento destaque más prominentemente en la composición Estas manchas oscuras no sólo se encuentran donde el plátano se encuentra con el suelo, sino también donde el tomate hace contacto con él. La sombra debajo del tomate es simplemente crucial para crear una sensación de peso y realismo. Las áreas de contacto entre el fruto y el suelo son tan importantes como los bordes entre los frutos y el fondo. Estas variaciones de sillín, estas transiciones de sillín, ya sea entre los objetos o su entorno, crean una separación visual que da profundidad a la composición. Um, hay un detalle importante a tener en cuenta con los plátanos. No son simples cilindros. Su forma parece más poligonal, es decir, han definido superficies ligeramente planas donde la luz se proyecta de manera diferente en cada lado Esta estructura de sillín le da a los plátanos una textura única ya que cada fase del polígono refleja la luz en diferentes ángulos, creando una variación en el tono Al sombrearlas, es fundamental capturar estas formas en luz y sombra, ya que esto potenciará el realismo y sacará a relucir la forma característica de los plátanos en tu composición Sigamos refinando la textura de las formas de diamante de las manzanas de pino. Si prestas mucha atención a los diamantes, notarás sombras y texturas sutiles dentro de cada uno. Hay un patrón que necesitamos reconocer y replicar para representarlos con precisión. Observe cómo cada diamante tiene su sombreado único con algunas áreas más oscuras y otros encendedores, reflejando la forma en que la luz interactúa con la superficie de la manzana de pino Así que trata de identificar e imitar estas pequeñas variaciones. Centrémonos ahora en mejorar el contraste en la corona de piñas Necesitamos reforzar los bordes izquierdos de las hojas para transmitir de manera efectiva que la luz viene del lado derecho. Esto ayudará a enfatizar la tridimensionalidad de las hojas y hacer más evidente la fuente de luz en el dibujo Preste atención a cómo estoy trabajando en esta hoja por hoja, ajustando cuidadosamente el valor de la línea y prestando mucha atención a cada hoja, pequeña que sea, especialmente enfocándose en las que están en la parte inferior en contacto con el cuerpo de la piña, ya que estos detalles son cruciales para realzar la representación realista de la corona Uh Uh Mira qué bien se están tonificando los plátanos ahora. Los sitios poligonales son mucho más notorios. Cada lado tiene un tono diferente, lo que agrega profundidad y dimensión al fruto. Este detalle hace que los plátanos se vean más realistas y visuales atractivos, ya que los tonos variantes resaltan la forma y textura de cada segmento. Observa lo divertido que es el lápiz borrador para iluminar los lados más iluminados de los plátanos, haciendo que los plátanos parezcan más tridimensionales Y ahí estás. Nuestros frutos ahora cuentan con mucha más textura y volumen. Estamos pasando a la etapa final, donde agregaremos pastel blanco para elevar el dibujo al siguiente nivel. Nos vemos en la siguiente lección. 22. Pastel blanco y acabado final al aire libre: Ahora es el momento de agregar el pastel blanco. Utilizaremos el bullicio blanco para resaltar las áreas más iluminadas de la composición El fondo en particular, destaca por cada diapositiva. Comenzaremos aplicando el bullicio blanco a esta zona, observando cuidadosamente la imagen de referencia para guiar nuestra aplicación Es importante destacar que la técnica que estamos aplicando aquí también tiene un propósito artístico. Mucha gente que toma este curso está buscando eso. No se trata sólo de crear una réplica fotográfica de la imagen de referencia. Las cámaras pueden hacer eso. Lo que pretendemos es ofrecer algo más para brindar una perspectiva personal sobre lo que estamos viendo, incluso mientras creamos una representación de un bodegón. Se trata de infundir la obra de arte con tu visión y tacto únicos, elevando la pieza más allá de la mera replicación Comencemos a añadir luz a los frutos, empezando por la corona de la piña. Necesitamos identificar los reflejos más destacados y aplicar correctamente el pastel blanco. Es crucial hacerlo en voz baja y sin exagerar para lograr un volumen convincente Observe cómo la luz realza incluso los diamantes en la piña, dando profundidad y dimensión a cada uno. Este paso aportará una luminosidad refinada a nuestro dibujo, acentuando las texturas y contornos en los que habíamos trabajado tan cuidadosamente Presta atención a este detalle en los diamantes de piñas. Se resaltan las espinas de cada diamante. Este es un detalle importante a representar. Es importante mencionar que no sólo se resaltan las espinas , sino que también hay áreas dentro cada diamante que están más iluminadas que otras Ahora, comencemos a aplicar el pastel blanco a las briznas de hierba más prominentes en toda la hierba. Debemos considerar la dirección de la luz así como el grosor de cada pala. Este detalle es magnífico. Una vez que tengamos que agregarlo, notará un incremento significativo en la tridimensionalidad del espacio Después de todo, la hierba es la superficie sobre la que descansa la composición, y resaltándola adecuadamente, potenciaremos la profundidad y realismo del dron llevándolo al siguiente nivel. Un consejo importante para aplicar el pastel blanco al pasto es usarlo en diferentes áreas de la misma hoja. Por ejemplo, podrías aplicarlo en la base de una cuchilla o en un pliegue. Esta técnica representa cómo la luz se proyecta parcialmente sobre esa pala específica dependiendo de su posición y ángulo. Observe lo interesante que comienza a verse el dibujo con estos detalles. Un excelente ejemplo de un pintor impresionista que capturó maravillosamente la textura y la vitalidad de la hierba es En sus áreas de pinturas tal pila de grano y el acantilado caminan en el ámbito Monette representó de manera experta el juego de luces y sombras en la hierba, creando una representación vívida y realista mientras mantenía una representación vívida y realista mientras mantenía pincelada suelta distintiva y una paleta A pesar de que estos no son ejemplos en blanco y negro, observar cómo Monette usa color y los trazos de pincel para representar la hierba puede inspirar cómo aplicas tus técnicas de sombreado redondo y texturizado en dibujos en blanco y negro Um Uh Ahora, echa un vistazo a lo increíble que se ve el pastel blanco en los plátanos. Lo estoy aplicando a los sitios poligonales donde más incide la luz Esta adición mejora significativamente la tridimensionalidad de los plátanos, haciéndolos parecer más realistas y vivierentes El pastel blanco acentúa los reflejos y resalta los sutiles contornos de los plátanos Creo que este detalle no sólo realza la tridimensionalidad de la fruta, sino que también es especialmente notable porque el pastel blanco crea un contraste sutil pero efectivo contra el amarillo de los plátanos El color amarillo coincide estrechamente con el del papel, enfatizando aún más la luz y el volumen en el dibujo. Entre todos los detalles de este dibujo, el toque de pastel blanco en los plátanos es mi favorito. M Ahora, señor, qué divertida es la barra blanca pastel para iluminar esta zona, sobre todo para crear un contraste entre la corona de la piña y el fondo Al ser un drive soft pastel stick, su pigmento se adhiere al papel con mayor facilidad, lo que me permite lograr una iluminación más intensa y precisa Y Um, Ahora voy a usar el maravilloso Pierre noi para reforzar las zonas más oscuras de todo el dibujo Esto implica enfocarse en puntos aislados y específicos, como el área de contacto entre el plátano y el suelo, la copa de la piña, y algunos puntos selectos en el grad. El Pierni adaptará la intensidad a estas regiones oscuras, potenciando el contraste general y aportando un efecto más dramático Y eso es todo. Nuestro dibujo está completo. Es casi como una representación impresionista de la realidad, donde no se trata de replicar exactamente la realidad, sino de crear un punto de vista artístico que nos arroje más profundamente en nuestra imaginación. Nos vemos la próxima vez. 23. Corredor de enfoque teórico Castillo de Valparadis: Hola a todos. Antes de embarcarnos en el ejercicio de representar el interior a mitad de camino del castillo del paraíso Val, es esencial inspirarse las obras de Giovanni Paolo Panini Panini, un pintor y grabador italiano del siglo XVIII reconocido por sus detalladas escenas arquitectónicas que a menudo mezclan la realidad con la fantasía Sus obras son un tesoro de conocimientos sobre la captura del espacio y la luz, convirtiéndolos en referencias ideales para nuestro proyecto El dominio de la perspectiva de Panini es evidente en sus composiciones, donde efectivamente crea profundidad y espacio Por ejemplo, en su pintura, el interior de San Pedro, el uso de líneas convergentes lleva a los ojos del espectador hacia el punto de fuga, dando una sensación de grandiosidad dando una sensación Al acercarse a su dibujo del castillo de Valpards, concéntrese en establecer una perspectiva fuerte Trate de identificar sus puntos de fuga y emplear líneas ortogonales para guiar al espectador a través del pasillo Esta técnica no sólo aportará una sensación de profundidad, sino que además potenciará la tridimensionalidad de tu dibujo La capacidad de Panini para capturar los efectos de la luz es particularmente notable A menudo representaba habitaciones donde la luz fluía a través de arcos o aberturas, iluminando áreas específicas mientras proyectaba otras en la sombra Esta interacción crea una atmósfera dinámica que atrae al espectador Al bosquejar el pasillo, piense en dónde está posicionada su fuente de luz, sobre todo, a partir de esos arcos de la derecha. Utilice técnicas de sombreado como la eclosión y la eclosión cruzada para modelar la forma de las paredes en Imitando la forma en que la luz interactúa con las superficies. La variedad en calidad de línea dentro de los dibujos de panini es otro aspecto que vale la pena emular Utilizó hábilmente líneas finas y delicadas para detalles intrincados y trazos más audaces o elementos más pronunciados Esta variación ayuda a transmitir texturas y profundidad, por ejemplo, la suavidad de las columnas de mármol pulido, contrastan con las texturas rugosas de los muros de piedra Tu dibujo, experimenta con diferentes trenzas a lápiz o técnicas Usa un lápiz más suave para líneas más oscuras y gruesas y un lápiz más duro para obtener detalles más finos Este enfoque agregará riqueza a su ilustración y ayudará a distinguir diversos materiales Preste mucha atención a los detalles arquitectónicos que definen la obra de Benín. Frecuentemente incluyó columnas o hechas, elaboradas molduras y elementos decorativos que realzan la grandeza de En nuestra representación del castillo Valparts, considera cómo puedes incorporar características similares Busque motivos arquitectónicos únicos en el castillo, como prensas decorativas, arcos o incluso pons en el piso Incluir estos detalles enriquecerá su dibujo y proporcionará una conexión con el contexto histórico del castillo. Panini también fue hábil en organizar elementos dentro de la composición para guiar los ojos de los espectadores y crear equilibrio Observe cómo colocó figuras en rasgos arquitectónicos para crear una escena armoniosa. En tu dibujo, piensa en la colocación de puertas, ventanas, o cualquier elemento decorativo. Asegúrese de que estos componentes trabajen juntos para guiar la mirada del espectador a través del pasillo, creando un flujo que mejore la composición general. En resumen, mientras nos preparamos para ilustrar el pasillo interior del castillo de albatz, podemos tomar valiosas lecciones de Giovanni Paolo Panini Al comprender y practicar sus técnicas como la perspectiva, luz y la sombra, la calidad de línea , el detalle arquitectónico y la composición, podemos crear un dibujo que no solo sea visualmente atractivo, sino también rico en contexto. Recuerde, el objetivo no es replicar el estilo de Panini, sino aprender de su enfoque y aplicar estos principios a nuestra representación única de este hermoso castillo Esta práctica te ayudará a apreciar la intrincada belleza del Castilo de Val Paradis permitiéndote transmitir su grandeza y significado histórico a transmitir su grandeza y significado histórico Por lo que este ejercicio será una oportunidad para poner en práctica todo lo que hemos aprendido hasta el momento. Empecemos entonces. 24. Construcción del corredor del castillo: En este dibujo, a medida que nos acercamos a la representación de este corredor del castillo, estamos trabajando con un ejemplo de perspectiva clásica Empecemos por trazar estos ángulos por aquí. No son exactamente un punto de fuga, sino una especie de boceto del eje central de este corredor, que guiará la colocación de elementos arquitectónicos como columnas, arcos Preste atención al triángulo formado al romper el corredor en una forma bidimensional. Dado que la figura bidimensional es un triángulo, podemos identificar sus ángulos, y nuestra percepción es altamente sensible a estos ángulos. Al extender los ángulos desde el extremo del pasillo hacia el techo, podemos determinar la altura del techo a lo largo de todo el pasillo. Como ya tenemos la ubicación de ese arco, todo lo que tenemos que hacer es dibujar los ángulos correspondientes para las líneas que se desvanecen del arco hacia el resto del corredor Estas líneas nos guiarán en la construcción de la profundidad y perspectiva de este corredor, creando una sensación de realismo a medida que convergen hacia el punto de fuga Hay un detalle importante a tener en cuenta. Se puede observar una ligera inclinación en la línea de fondo de nuestro dibujo hacia el lado izquierdo. La razón de esto es que desde nuestro punto de vista, estamos posicionados más cerca la pared que del lado con los arcos. Esto hace que la perspectiva se comporte de manera distorsionada Aunque esto pueda parecer un ejemplo perfecto de perspectiva completamente regular, no lo es. La sutil distorsión añade complejidad y realismo, recordándonos que la perspectiva no siempre es perfectamente simétrica Observe que he dibujado una línea por el centro del corredor a lo largo de su longitud. Esta línea me ayuda a determinar la posición de las luces proyectadas en el piso. Estas luces son cruciales para el dibujo, no sólo por su calidad visual, sino también porque su forma nos ayudará a construir muchos otros elementos en la composición. Observe ahora construyendo líneas que forman ángulos, estoy tratando de descubrir la forma de la primera área de luz proyectada Ahora, estoy construyendo la primera parte del muro. Observe cuidadosamente cómo trazo el ángulo formado en la unión para determinar la altura de la base del muro. Todo depende de estos ángulos. Nos ayudan no sólo a definir la estructura, sino que también nos guían en el mantenimiento proporciones precisas en perspectiva a lo largo del dibujo. Aquí hay un punto importante que entender. Desde la perspectiva que estamos viendo el pasillo, las ventanas aparecen más altas y más alargadas de lo que realmente son. Este es el resultado de la perspectiva, que distorsiona sus verdaderas proporciones Es crucial reconocer este efecto para que al dibujarlos, podamos capturar con precisión cómo aparecen desde nuestro punto de vista, aunque las dimensiones reales puedan diferir. Es importante aprender a guiarnos, especialmente observando y relacionando las ventanas con todos los elementos que la rodean. La base de la pared, el arco de arriba, el techo, todos estos deben servir como puntos de referencia para destapar las ventanas a través de la forma En ese lado del pasillo, hay cinco arcos que forman cinco ventanas o fuentes de luz. Debido a la perspectiva, sólo dos de esas ventanas ocupan más espacio en ese lado de la pared que las otras tres. Esta es una observación fundamental. Casi dos tercios de la mitad está ocupada por las dos primeras ventanas desde la perspectiva que las estamos viendo. Por lo que entender esta relación es crucial para retratar con precisión la profundidad y estructura del corredor y el dibujo Intenta observar el proceso en cada trazo más de una vez. La etapa de construcción es la columna vertebral de nuestro dibujo. Es decir, es durante esta fase que establecemos el marco esencial, sentando las bases para todo lo demás que sigue. Cuando nos sentimos seguros de una parte, tenemos una habitación lista. Podemos comenzar a agregar detalles. Por ejemplo aquí, estoy trabajando en la parte interior de las ventanas. La razón de esto es que creo que las ventanas resultaron mejores que incluso las líneas iniciales que representan las luces en el piso. Esto me permite volver atrás y ajustar esas líneas en el piso para que se alineen perfectamente con las ventanas, ya que ahora sirven como un sólido punto de referencia. Ahora voy a trabajar en la construcción de las columnas que sostienen los arcos. Es importante entender que estas columnas son cilíndricas. Para dibujarlos, primero creamos una especie de pipeta vertical paralela que contiene el cilindro dentro de ella. Este paso nos ayudará a determinar mejor la posición y proporciones precisas de la columna. Se trata de columnas corintias, típicas de la época medieval, sobre todo de un castillo del siglo XIV. El diseño de estas columnas está inspirado en la antigua Grecia, lo cual es evidente en los capiteles de las columnas Ahora que tenemos los arcos y ventanas construidos, podemos proceder a completar todo junto a él. Me refiero a esa parte del dibujo, como el fondo en el otro corredor del castillo. Lo que quiero decir es que tenemos suficiente información de las columnas para crear con precisión el fondo. Por ejemplo, tenemos la posición exacta donde el corredor de fondo toca la columna, lo cual es una información valiosa. Esta alineación precisa ayuda a garantizar que los elementos de fondo se coloquen con precisión en relación con las columnas y arcos. Recuerda, en general, los dibujos y bocetos no necesitan ser completamente precisos Hoy en día, existe una especie de tendencia ecocéntrica en el dibujo realista a imitar fotografías Este enfoque no siempre tiene sentido. Estoy radicado en Barcelona. En realidad vivo entre Barcelona y París, y en ningún lugar, las galerías valoran este tipo de obras. Los consumidores de arte de alta calidad están más interesados en la esencia y creatividad detrás de la forma en que se retrata algo que en una fatídica reproducción de una fotografía Esto no quiere decir que no debamos capturar la realidad tal como es. Pero el proceso de copiar una fotografía exactamente es más científico que artístico. También podemos usar líneas para indicar la cantidad de luz y sombra presentes en el espacio. Por ejemplo, en las partes internas de los arcos, podríamos oscurecer estas líneas para sugerir que el sombreado debe aplicarse allí más adelante Esto ayudará a guiar el proceso de sombreado y garantizar que la luz y la sombra se representen con precisión a lo largo del dibujo Ahora, tenemos que proceder con creación de proyección de luz en el piso. Deberíamos seguir la forma de las sombras como si fueran objetos mismos. Por supuesto, debemos adherirnos a las líneas de las ventanas, que indicarán de dónde se origina cada sombra Si prestas atención al piso en la proyección de luz, es más fácil contar el número de ventanas y observar cómo cambian de tamaño a lo largo del pasillo debido a la perspectiva. Se pueden ver las cinco ventanas. Observe que debido al ángulo que estamos viendo, la proyección de luz correspondiente a la última ventana aparece parcialmente. Podemos llenar todo el espacio exterior proyección de luz con grafito usando eclosión. Esto nos ayudará a guiar el sombreado del dibujo y lograr un aspecto más cohesivo Ahora es el momento de renderizar el techo. Lo construiremos utilizando las vigas que soportan el techo como nuestra referencia. Para crear estas vigas, necesitamos observar dónde se originan, particularmente cerca de las ventanas. Este punto clave nos ayudará a trazar la línea completa que soporta el techo. Observe que hay un patrón a seguir al continuar la secuencia de haces. Una viga comienza justo encima la ventana mientras que otra se coloca entre las ventanas. Tenemos que seguir este patrón hasta el final del corredor. Ahora, para completar la estructura del corredor, necesitamos construir esta esquina por aquí en la columna principal también. Así como creamos una línea inclinada desde la base para construir la base donde descansan las ventanas, ahora tenemos el punto inicial para crear esta esquina por aquí. En realidad, todo este proceso es más sencillo de lo que parece. No dibujamos con nuestras manos. Dibujamos con nuestros ojos. Todos los retos del dibujo están relacionados con la forma en que percibimos las cosas. Nuestras mentes pueden ayudar pero ver objetos en tres dimensiones. Entonces necesitamos entender que estamos capturando un espacio tridimensional dentro un lenguaje bidimensional como el papel. Y eso es todo. Ahora tenemos el diseño de este hermoso corredor del castillo de Val Paradis Intenta practicar todo este proceso constructivo, y te veré en la siguiente lección. 25. Primeros detalles Corredor del castillo: En esta lección, comenzaremos a agregar los primeros detalles al corredor. Empecemos por posicionar esta puerta de caída en la pared izquierda, mientras te explico. Esta lección se centrará principalmente en construir el techo y agregar algunos detalles de textura a la pared con las ventanas y arcos. Empecemos por el techo. Si miras la imagen de referencia, el techo tiene varias capas de detalle. La primera capa consiste en las vigas horizontales principales, y necesitamos renderizarlas exactamente como aparecen porque son la característica más distintiva del techo. No obstante, por encima de estas vigas, hay un largo conjunto de tablones de madera que conforman la estructura del techo Si bien hay un número específico de tablones entre cada viga, no es necesario seguir el número exacto Siempre y cuando haya suficientes tablones para transmitir la esencia del techo, eso será suficiente para retratarlo Lo más importante es reconocer el patrón a seguir y, por supuesto, dibujar bien los elementos principales, que en este caso, son los haces más grandes. Lo primero que vas a hacer es crear una línea paralela. Al lado de cada línea tenemos listos dibujados para las vigas. Simplemente haciendo esto, inmediatamente damos a las vigas una sensación de grosor y profundidad. Vamos a repetir este proceso para cada haz hasta llegar a la última. Tenga en cuenta que a medida que las vigas retroceden en la distancia, su grosor debería disminuir gradualmente En realidad, puedes guiarte por la distancia entre las vigas y los arcos de las ventanas. Este espacio debe permanecer proporcional a través de todas las ventanas. Preste atención al detalle de que a medida que las vigas retroceden, las lamas de madera en el techo desaparecen gradualmente de la Y esto se debe al ángulo de visión. Este tipo de detalles pueden parecer obvios, pero es crucial ser verdaderamente conscientes de ellos, dibujar con exactitud. El sombreado en las vigas es crucial. Los abordaremos desde esta etapa por su importancia. Observe que la parte inferior de las vigas está más iluminada. Así podemos aplicar sombreado a lo largo de los lados para crear el efecto visible visto en la imagen de referencia Esto ayudará a acentuar el contraste entre la luz y la sombra, dando así profundidad a la estructura del techo y haciendo que las vigas destaquen Presta atención al hecho de que estoy agregando grafito al borde de las vigas. Entonces debemos tratar de completar también esta esquina de aquí, y vamos a pasar al arco. Se puede notar que el propio arco está formado por piedras. Por lo que debemos tratar de dibujarlos, prestando atención a esas líneas que representan los puntos de unión entre cada piedra. Una vez que hayamos terminado esos arcos, podremos volver a las vigas. Mientras dibujamos, es importante progresar todo simultáneamente. Podemos enfocarnos en una parte a la vez, pero si podemos avanzar en otras áreas, es crucial hacerlo. Esto nos ayuda a mejorar progresivamente todo el dibujo. Entonces, al trabajar de esta manera, observamos las áreas en las que estamos trabajando actualmente impuestas para ver cómo todo está uniendo. Entonces, lo que quiero decir es que equilibrar múltiples secciones nos permite refinar los detalles y sincronizar, ayudando a que la composición general evolucione de manera más natural y cohesiva Pero Ahora, pasemos a los tablones superiores del techo Comenzaré dibujando el más cercano a la pared derecha, ya que esto servirá de guía para seguir agregando los demás. Como mencioné antes, no es crucial contar exactamente cuántos tablones debe haber, siempre y cuando el dibujo se vea realista y convincente, eso es más que En realidad, el número de tablones podría variar. Quiero decir, desde una perspectiva arquitectónica, podría haber más o menos tablones. Pero la materia aquí es seguir la secuencia progresiva, asegurando que la perspectiva siga siendo precisa y manteniendo una distancia consistente entre cada tabla Presta atención aquí. Voy a ahorrar una distancia para dibujar la siguiente. Todos estos tablones de madera pueden variar de hecho. Quiero decir, aunque en la pared, podría aparecer como una tabla larga y continua que se extiende a través En realidad están compuestos por muchas secciones más pequeñas unidas entre sí. Puedes notar esto porque si miras de cerca la imagen de referencia, la posición de una tabla no se alinea perfectamente con la siguiente sección Esta variación de deslizamiento es crucial de capturar, ya que agrega autenticidad a la textura y construcción del techo. Por otro lado, también refleja la naturaleza de los diseños arquitectónicos más antiguos donde los materiales se ensamblaban en lugar de ser un elemento sólido Te recomiendo que te tomes tu tiempo con el techo. Requiere un poco de paciencia, pero te aseguro que será uno de los elementos más cautivadores de todo el dibujo Enfócate en cada sección a medida que avanzas y deja que el proceso sea tan importante como el resultado final. Este tipo de detalle, aunque consume mucho tiempo, es lo que da vida a un dibujo. Ahora, mientras trabajo en agregar algunos detalles a esta columna en la esquina, tómate un momento para dar un paso atrás y observar los avances en el techo. Como he mencionado, es crucial desarrollar múltiples secciones del dibujo simultáneamente. Este enfoque le permite dar un paso atrás y evaluar la composición general con claridad, con tranquilidad, brindándole una mejor perspectiva cómo encajan todos los elementos. Entonces, desde la distancia, está claro que los tablones de madera necesitan ser más oscuros para destacar más. Entonces sigamos adelante y voy a oscurecerlos. Voy a asegurarme de aplicar un sombreado consistente a través de la superficie Ahora voy a sombrear las líneas del corredor para resaltar mejor la profundidad y dimensión de la muralla a medida que la ciudad retrocede en la distancia Entonces, fortaleciendo estas líneas, podemos guiar la vista del espectador por el pasillo y potenciar el efecto de perspectiva. Ahora cambiemos nuestro enfoque hacia este muro. Comenzaremos dibujando los grandes bloques de piedra que la componen. En realidad es más fácil de lo que parece porque estos bloques son piedras masivas. Pero toma nota, no son pequeñas piedras adoquinadas, sino bloques sustanciales de forma irregular Esto nos da la oportunidad de experimentar con diferentes tamaños y formas, lo que nos permite crear un efecto visualmente convincente. Para lograrlo, concéntrese en capturar la variación en las piedras. Algunos pueden ser largos y rectangulares, mientras que otros podrían ser más cortos y más cuadrados. Esta irregularidad es lo que le dará al mundo su auténtico sentimiento histórico Y a medida que pasamos de una glock a la siguiente, tenga en cuenta la ligera variación de textura y las pequeñas imperfecciones que vienen con Y presta mucha atención a lo que estoy haciendo. No estoy haciendo lo que veo en la imagen de referencia. Estoy haciendo una especie de interpretación sobre lo que veo en la imagen de referencia. Esta es una distinción importante en el arte del dibujo, capturando la esencia de una estructura en lugar de preocuparse demasiado por la precisión perfecta A medida que avanzas al fondo del corredor, la tarea se vuelve más fácil porque tendrás más libertad para experimentar. No necesitarás seguir la imagen de referencia tan de cerca. Ahora pasemos a la otra pared, y voy a dar el primer paso en la construcción la mampostería que abordaremos completamente en la siguiente lección Me refiero a la piedra adoquinada. Lo que vamos a hacer es crear bandas en perspectiva desde el otro extremo del corredor hasta la sección más cercana a nosotros. Estas bandas no necesitan ser uniformes perfectas, lo que significa que no deben mantener exactamente el mismo grosor entre cada una. ¿Y por qué? Porque los muros de piedra están compuestos de muchas piedras de forma irregular Si bien siguen las reglas de la perspectiva, no se adhieran a un patrón perfectamente consistente. Entonces nuestro objetivo aquí es establecer una estructura fundacional que alusión a la irregularidad de la Por lo que las piedras seguirán respetando la profundidad y dirección generales de la perspectiva. Pero las variaciones del sillín se sumarán a la autenticidad y el carácter de la pared. Ahora voy a hacer este rápido detalle. Voy a enfocarme en representar la textura de la pared en el otro extremo del pasillo. Voy a añadir otros detalles por aquí en esta tienda de otoño. Y ahí estás. Hemos logrado avances significativos en esta importante lección. Siempre puedes volver atrás y revisar el contenido, especialmente la sección del techo, ya que requiere paciencia y atención cuidadosa al detalle. Tómate tu tiempo con él y no apresures el proceso. Te veo en la siguiente lección. 26. El corredor del castillo de pared: Hola, gente. En esta lección, nos centraremos en crear la mampostería en la pared Al igual que hicimos con los bloques de la otra pared, esta vez estaremos haciendo una interpretación de ese muro, entendiendo que si bien las piedras son de forma irregular, siguen una perspectiva, como se puede ver en la imagen de referencia. Por lo que esto llevará algún tiempo porque cada piedra individual debe ser dibujada. Pero las pautas que creamos en la lección anterior nos ayudarán a colocar las piedras correctamente en la pared. Entonces puedes notarlo, cómo las piedras difieren en tamaño y forma, y sin embargo aún se adhieren a la estructura general de la perspectiva. Si estás observando de cerca la imagen de referencia, incluso puedes notar algunas piedras alargadas. Independientemente de la forma de la piedra, nos vamos a centrar en delinear sus contornos La textura de la piedra no es importante en esta etapa. Nuestra prioridad es el contorno en la forma en que las piedras están dispuestas en la pared. Cada piedra tiene su propia forma única, y al enfocarnos solo en el contorno, nos aseguramos de que la estructura general de la pared permanezca intacta. M Podrán notar que generalmente estoy dibujando las piedras más grandes que las de la imagen de referencia. Hay dos razones principales para ello. Primero, para terminar el proceso más rápidamente. Y segundo, porque el efecto que creará en la perspectiva será mejor. Cuanto más grandes sean las piedras en primer plano y más pequeñas se vuelvan hacia el fondo, más pronunciada será la sensación de profundidad en el corredor La piedra tiene una rica historia remonta a civilizaciones antiguas, donde fue venerada no sólo por su durabilidad, sino también por su fuerza sino también por Piensa en las pirámides de Egipto, los templos de Grecia o las fortalezas de la Europa medieval, cada una construida piedra por piedra, con cada bloque sosteniendo siglos de historias dentro de sus grietas En la época medieval, la piedra se convirtió el material de elección para el Castillo de Santa Catedrales, no sólo por su resilencio contra el tiempo y los invasores, sino porque su solidez Hay algo poético en la mampostería. Es un proceso de armar fragmentos de la naturaleza, conformándolos en arcos, baños, casi como si el tiempo en la naturaleza misma Si bien la obra era labores, el resultado siempre valió la pena el esfuerzo, situándose como un testimonio la creatividad y resistencia de los constructores Así que mientras dibujas cada piedra, imagínate a ti mismo como uno de estos antiguos artesanos, dando forma a un legado atemporal piedra por piedra cantería siempre ha jugado un papel importante en la construcción de fortalezas y castillos, aportando fuerza, resilencio y una El castillo de Val Paradise, que hoy estamos dando vida a través de nuestro dibujo, se erige como un bello ejemplo de este arte. Ubicado en Terraza, Catalunya. Esta fortaleza medieval data del siglo XII. Aunque sus orígenes se extienden más allá de la historia de la niebla. Inicialmente construida como una gran casa señorial, se convirtió en castillo en el siglo XIV cuando se fortificó para resistir el tumultuoso clima político de Bulpur estos muros de piedra han visto siglos de cambio, pasando de la residencia noble al monasterio agarthusiano Cada piedra contiene una fuente de caballeros, monjes y gobernantes que pasaron por sus agujeros Entonces mi opinión es que dibujando sus arcos y piedras, no solo estás renderizando un edificio. Estás canalizando siglos de historia catalana, llenos de momentos de triunfo, fe y transformación Presta mucha atención a esta parte aquí mismo. Realmente se puede ver cómo sigo las líneas, elaborando piedras irregulares Esta es la belleza de dibujar la mampostería. Su realismo no se desvanece a través de la imperfección. De hecho, las irregularidades dan vida a la bestia. Cada piedra se siente única como si tuviera su propia historia. Se puede notar algo característico de este tipo de muro de piedra. Si observas de cerca, las piedras cercanas al techo son más esmosas y más alargadas en comparación con las del fondo Hay dos razones principales para ello. En primer lugar, muchas de estas piedras smo están soportando las que están por encima de ellas. Y en segundo lugar, simplemente es más difícil llevar piedras grandes hasta niveles superiores. El trabajo era a menudo asar a la parrilla y este tipo de mampostería se hacía prácticamente a mano El cansancio de los trabajadores se refleja sutilmente en la construcción misma Como naturalmente se elevan para piedras más pequeñas a medida que llegan a partes más altas de la pared, es un detalle que agrega un elemento humano tácito al arte de la mampostería Ahora que las piedras de nuestra pared están en su lugar, centrémonos en sombrear el piso con el tono apropiado Utilizaremos la eclosión cruzada para llenar consistentemente el piso con grafito, asegurando que la sombra se integre a la perfección con el resto de la composición Esta técnica ayudará a crear una impresión genuina de luz. A pesar de que el sombreado cubre todo el piso, debemos respetar el detalle de que la sombra más cercana a la pared derecha, donde se ubican las ventanas es más oscura que el resto de la sombra Esto se debe a que el muro bloquea mucha más luz en esa zona del piso. Por lo que reflejar con precisión esta variación en el sombreado ayudará a mejorar el realismo de nuestro dibujo y obviamente transmitir la verdadera placa de luz y sombra dentro del espacio Ahora, refinemos algunos detalles y agreguemos más sombreado a la parte superior del muro en el que habíamos estado trabajando Este sombreado adicional nos ayudará a acercarnos a la imagen de referencia Y lo que es más importante, nos permite organizar mejor las sombras a lo largo del dibujo. Voy a sombrear también este trasfondo por aquí, y será el último detalle de esta lección. Y ahí estás. O el dibujo está empezando a cobrar vida. Hemos agregado muchos detalles y hemos logrado una muy buena aproximación del sombreado general Sigue observando y practicando estas técnicas, y verás aún más avances en tu trabajo. Nos vemos en la siguiente lección. 27. Afilar las sombras: Esta lección será refinar el sombreado de todos los elementos del dibujo y agregar detalles más profundos Comenzaremos potenciando el sombreado del techo y la textura y tonos de las vigas Es esencial que ciertas áreas sean consistentes, lo que significa que las áreas genuinamente oscuras deben recibir suficiente grafito para reflejar verdaderamente su oscuridad. A veces podemos dejar espacios descubiertos revelando el color del papel Esto puede cambiar el tono y la textura de la superficie que estamos creando, alterando su naturaleza. Por lo que debemos tener cuidado para evitar esto y asegurarnos de que cada detalle esté representado con precisión. De la misma manera, mejoraremos el sombreado y las líneas del piso Por ejemplo, esas líneas en la distancia, especialmente en el extremo más alejado del corredor, necesitan ser más precisas para transmitir verdaderamente la perspectiva adecuada. A medida que oscurecemos elementos como el techo, debemos ser conscientes de que el tono general del dibujo cambia Esto significa que probablemente necesitaremos oscurecer otras áreas del dibujo para que coincidan con el tono más oscuro del techo en nuestra imagen de referencia Esto asegura un lenguaje visual armonioso y consistente a lo largo de la pieza. Por ejemplo, al final del corredor, la línea adquiere una importancia significativa. Al aplicar un degradado a lo largo de esta línea, podemos crear efectivamente una sombra crucial para el fondo. Observe que el tono del techo es similar al tono en el borde inferior de la pared derecha. Este tipo de consistencia en el sombreado ayuda a unificar los elementos de un dibujo Aunque todavía no podremos limpiar el adoquín detallado en el piso, es importante lograr el rango adecuado de grises y sombras en esta etapa Este paso es crucial en este punto porque en la lección final, estaremos agregando los detalles de adoquines usando albahaca blanca Por lo tanto, es fundamental asegurar que los tonos más oscuros estén correctamente establecidos ahora. Ahora pasemos a sombrear la pared derecha. Si miras la imagen de referencia, notarás que cada tono es más oscuro porque luz se proyecta más directamente sobre la pared izquierda. Deberíamos agregar sombreado usando eclosión muy ligera para evitar exagerar Aplícalo sutilmente y progresivamente. Siempre retroceda para ver el efecto general y hacer los ajustes necesarios. Adicionalmente, podemos refinar y realzar los detalles del muro, incluyendo los bordes poligonales y esquinas que tienen tonos de sombreado específicos Estos detalles, por ejemplo, son importantes. Aquí puedes ver cómo resaltar la estructura tridimensional del muro. El muro tiene detalles poligonales que necesitan ser enfatizados Ahora, agreguemos otro detalle. Necesitamos crear efecto de que los bloques de esta pared tengan sus propios tonos distintos. Podemos lograr esto variando el sombreado aleatoriamente. Aunque no se muestre en la imagen de referencia, también oscureceremos los arcos y las rocas que los componen para darle más tridimensionalidad al mundo Ahora voy a mezclar todo el grafito que cubre el piso para crear un tono más suave. Esto ayudará a lograr una apariencia más uniforme y refinada, asegurando que el sombreado en el piso se integre a la perfección con el resto de la composición Et's siguen potenciando el techo. Observe que cada vez que ajusto una sombra en un área, nos proporciona información para refinar aún más el techo. Este siguiente detalle es crucial. Voy a sombrear las columnas para representar que la fuente de luz viene del lado derecho. En consecuencia, las columnas necesitan ser ligeramente más oscuras en el lado izquierdo. Podemos utilizar el trabajo lineal como herramienta para crear este efecto, haciendo una transición sutil del sombreado para mejorar la apariencia tridimensional de Ahora, volvamos de nuevo al techo y también al final del corredor, refinando ambos repetidamente hasta lograr el tono deseado. Así es como perfeccionamos el dibujo mejorando continuamente todos los aspectos simultáneamente, especialmente en las etapas avanzadas de la obra. La capacidad de detectar un amplio rango de gracia a la hora de dibujar es crucial para lograr un buen resultado. Eso es algo que mis profesores de dibujo siempre mencionarían. Siempre y cuando detectemos una gran cantidad de tonos en una sombra, podremos crear un dibujo más sofisticado. Observe que en la pared interior, también hay tonos variantes que transitan desde el área más cercana al techo hasta el extremo más alejado del corredor. Esto hace que la pared parezca más realista. Presta atención a cómo atiendo meticulosamente los contornos de las vigas, particularmente donde se encuentran con la pared Cada línea y espacio entre las piedras se elabora con cuidado, dolorido hasta un delicado carass sobre una superficie compartida Esta atención al detalle no se trata meramente de precisión. Es un baile de sombras y texturas, un suave abrazo de forma y luz. Al refinar estos contornos y texturas, agitamos una narrativa en profundidad y dimensión en el dibujo como si trazara la esencia misma de la estructura. Por lo que este meticuloso proceso transforma el dibujo de una mera representación en una entidad viva que respira donde cada línea y sombra contribuye a una sinfonía de poesía visual Ahora voy a darle los últimos toques al techo. A medida que nos preparamos para seguir adelante, enorgullecerse de los avances logrados en las habilidades perfeccionadas. Que esta lección sea un recordatorio del poder de la paciencia y la precisión. Mantén tu visión expansiva y tu espíritu resilente. La verdadera belleza de tu arte radica no sólo en la pieza terminada, sino en el propio viaje de la creación. Te veo en la siguiente lección. 28. Detalles finales y el corredor del castillo de tiza: En esta lección final, aplicaremos el pastel blanco al dibujo. El objetivo aquí es capturar la luz de una manera que permita que el color natural del papel represente el color de las piedras del castillo. Este efecto es realmente hermoso, ya que mantiene el brillo sutil de las obras que transforma toda la composición Comenzaremos rellenando las áreas más iluminadas de nuestra imagen de referencia. En este caso, la proyección de luz en el piso del pasillo será nuestro foco. Observa como el pastel blanco da vida delicadamente a esta parte del dibujo, creando un llamativo contraste entre la luz y la sombra Observe cómo uso la barra pastel para llenar el interior del área iluminada, extendiéndola uniformemente por la superficie para mejorar el brillo. Entonces cambio al lápiz pastel para los contornos, asegurándome de que los bordes sean afilados y precisos. Esta combinación de técnicas nos permite crear una clara distinción entre luz y sombra. Recuerda que debes extender el pastel uniformemente por la superficie, permitiendo que el pigmento se adhiera verdaderamente al papel. Puedes usar tus dedos para mezclarlo suavemente, asegurándote de que la textura sea suave y consistente. Mira lo bellamente que están empezando a tomar forma las proyecciones de luz . Ahora, usando también el pastel blanco, sentiremos las áreas en la pared derecha donde la luz incide directamente. También podemos rellenar el cielo visible a través de las ventanas en la parte posterior con el pastel blanco, ya que se trata de áreas brilladamente iluminadas, esto potenciará la sensación de profundidad y espacio abierto, creando un fuerte contraste entre las sombras interiores y la suave luz brillante del exterior Adicionalmente, también podemos usar el lápiz pastel blanco para agregar volumen a ciertos elementos. Observe cómo estoy agregando pastel blanco al borde de la pared izquierda para que destaque más. Y lo mismo es a la puerta falsa. Intenta ver la diferencia que marca. Esta sutil adición de luz aporta más profundidad y realismo. Y, por supuesto, no debemos olvidar el techo, que también tiene sus propios puntos luminosos. Podemos jugar con el lápiz blanco pastel para realzar esas áreas iluminadas también. Ahora pasamos al elemento más importante de esta lección, creando la piedra adoquinada en el piso, usando pastel blanco Primero, intentaremos trazar líneas cruzadas para representar las piedras colocadas sobre el suelo. Afortunadamente, estas piedras son irregulares, pero tienden a seguir un patrón rectangular. Entonces debemos tratar de seguir esa estructura. Si observas la imagen de referencia, notarás que en algunas zonas, las divisiones entre piedras tienen un tono más oscuro, mientras que en otras, aparecen más claras. Este es un efecto de luz en el propio material. Algo que podemos intentar capturar usando tanto el pastel blanco como el grafito simultáneamente. A la hora de hacer este tipo de adoquines, es importante considerar que, en algunos casos, el blanco de las líneas proviene del material de la propia piedra Mientras que en otras instancias, es el resultado de la luz interactuando con la superficie. Observe cómo estoy creando los rectángulos dejando expuesto el grafito que necesitamos, permitiendo que el efecto de líneas divisorias entre las piedras emerja de forma natural La clave es dejar que esas líneas oscuras entre ellas hablen de la división e irregularidad que hace que la obra de piedra sea tan fascinante Mm. Además, no necesitamos crear las piedras de carbohidratos completas en todo el piso Simplemente enfocarse en la sección más cercana a nosotros es suficiente. Dado que el fondo está demasiado lejos para notar los intrincados detalles de las piedras, no es necesario representarlas allí. Esto no solo ahorra tiempo sino que también se suma al realismo ya que los detalles se desvanecen naturalmente en áreas distantes de la composición. Personalmente, encuentro que hacer el piso de esta manera es profundamente artístico, dolorido para una pintura impresionista Observe cómo incluso el color blanco captura las partículas de piedra de las paredes dispersas por el piso. Este detalle visible en la imagen de referencia realza el realismo de nuestro dibujo. Pero debo decir que lo que es verdaderamente notable es cómo la luz ahora impregna la escena, creando una vívida sensación de fuerte iluminación dentro del espacio Presta mucha atención a algo importante. Observe cómo le estoy agregando textura a las piedras en la zona del cobal Pero lo más importante, observe el ritmo al que se agregan los detalles o cambios. Vea qué tan lentos son estos ajustes. Es esencial desarrollar la habilidad de realizar cambios sutiles que sean inmediatamente visibles y refinar la lente entre las piedras, la textura de las propias piedras y sus bordes de una manera tan delicada que es necesario observar durante varios segundos para percibir verdaderamente la transformación. Por ejemplo, fíjate aquí, incluso con el pastel blanco, estoy dando forma a las piedras, incluidas las que están en la zona iluminada. El pastel no sólo aporta luz a la composición, sino que también me permite definir la textura y forma de las piedras dentro de las secciones brillantes. Ahora, voy a aplicar pastel blanco al resto de las áreas alrededor de la ventana que lo necesiten. Por ejemplo, aquí en la parte interior de los arcos y a lo largo del borde derecho de las columnas, donde la luz toca directamente. Ahora, trabajemos en la textura del muro de piedra. ¿Qué significa eso? Vamos a agregar basales blancos a algunas de las piedras, siguiendo dos principios principales. El primero es que la luz golpea mucho más la pared en la mitad inferior. Entonces ahí están más iluminadas las rocas. El segundo factor es que la piedra tiene diferentes superficies. Entonces su textura es aleatoria haciendo que la luz se refleje de manera diferente en cada uno de ellos. El siguiente detalle será un toque personal para crear una mayor sensación de luz que pasa por la ventana. Vamos a hacer coincidir suavemente el área desde el borde de la ventana hasta el borde de la proyección de luz en el piso con una fina capa de basal blanco, como si un hilo delicado conectara los dos elementos. Debe ser tonificado sutilmente. Para crear ese efecto, a veces vemos en el aire cuando las partículas de polvo hacen visibles los haces de luz en la escena. Esto agregará una atmósfera mágica, casi etérea al dibujo como si la luz misma estuviera viva dentro del espacio Y ahí estás. Hemos completado nuestro hermoso dibujo de este corredor mejorado desde el Bulbur en este castillo Observe cómo el diálogo entre el pastel y grafito ha convertido este lugar sorprendente dentro del castillo La sensación de luz es verdaderamente magnífica, tocando cada rincón del pasillo y haciéndonos sentir como si pudiéramos entrar directamente en él. Espero que este viaje a través de sombras, texturas y luz haya enriquecido su aprecio por el arte del dibujo hasta la próxima vez. 29. Construcción del árbol: Perfecto. Estamos listos para comenzar a dibujar este fascinante árbol. En primer lugar, vamos a identificar una figura geométrica bidimensional que nos ayude a descomponer la estructura más general del árbol. En este caso, un triángulo es ideal. El triángulo está compuesto por ángulos que son fácilmente detectables al ojo humano, lo que nos permite relacionar los puntos más alejados de las ramas en el tronco Es importante enfatizar que esta no es la única manera de abordar el dibujo de un árbol o cualquier otra cosa. Lo que quiero decir es que no siempre será necesario descomponer la forma en figuras geométricas A lo largo del curso, veremos otras técnicas y enfoques, pero esta es una excelente manera de comenzar. Como puedes ver, se trata un triángulo escaleno con todos sus lados diferentes Y también he hecho una especie de cruz que determina la altura a la que se las ramas más prominentes encuentran las ramas más prominentes y también el punto medio del papel Ahora, centrémonos en cómo este triángulo y las líneas que se cruzan de nuestra cruz sirven como brújula guía para determinar la ubicación del tronco principal Presta atención a cómo empiezo a construir el tronco conociendo su posición relativa al centro del lienzo. Este paso fundacional es crucial. No se trata de encontrar la forma perfecta del árbol todavía, sino de colocarlo en la posición correcta. Las líneas guía, el triángulo y la cruz sirven como brújula, asegurando que nuestro árbol se mantenga alto y orgulloso en el contexto adecuado. Ahora voy a pasar a la rama derecha. Al usar la línea horizontal de la cruz como referencia, puedo determinar cuánto de la rama se extiende por encima y por debajo de esta línea. Esto me ayuda a posicionar la rama con precisión, asegurando que complemente la estructura general del árbol. Pero recuerda que no se trata lograr la perfección en esta etapa. Entonces vamos a repetir el mismo proceso con la rama izquierda. Como se puede ver en este tipo de posiciones, no hay una perspectiva pronunciada en este árbol. Apenas estamos comenzando. Sin embargo, aún debemos intentar representar los elementos con cierta perspectiva. Observe que a medida que las ramas se extienden hacia el fondo, se vuelven más pequeñas. Este es un detalle importante a observar y representar en este ejemplo Sirve como un excelente entrenamiento visual, ayudándote a desarrollar un buen ojo para la escala y la profundidad. Ahora, actualmente estoy dibujando la extensión de esta misma rama que lleva a un segundo plano, haciéndose más pequeña a medida que retrocede Este cambio gradual de tamaño es esencial para crear una sensación de profundidad en tu dibujo. Así que trata de no quedar atascado en los detalles, trata de seguir las líneas, y siéntete libre de crear tu propia versión de este árbol. Lo que quiero decir es que no necesitas dibujar exactamente lo que ves en la imagen de referencia, ya que la forma del árbol es una especie de irregular. Pero sin embargo, se debe seguir el patrón que existe en la imagen de referencia, relacionado con el hecho, las ramas que van al fondo son más pequeñas, y las que están en primer plano son Si simplemente sigues eso, el árbol se verá bien. Otro detalle importante a abordar en esta etapa es el hecho de que algunas canciones en el árbol en el tronco del árbol están más sombreadas que otras Entonces se supone que debes seguir ese patrón creando líneas más oscuras. Si haces eso, comenzarás a representar las luces y sombras a través de la línea. Y ese es un paso muy importante dibujar la importancia del valor de la línea. Ahora que tenemos la estructura del tronco y las ramas, practiquemos la eclosión. Mediante esta técnica, rellenaremos las áreas donde están las hojas del árbol como si el grafito mismo representara las hojas. Presta atención a las zonas más oscuras. Esto recibirá más grafito mientras que las áreas más ligeras requerirán menos. Siéntase libre de experimentar con diferentes patrones de sombreado, ya sean rayados cruzados o trazos de una sola dirección La clave aquí es representar de manera efectiva el contraste entre las secciones más oscuras y ligeras Abracemos nuestra creatividad. Como mencioné, este dibujo se trata encontrar nuestro camino en el arte del bosquejo y el dibujo La precisión no es nuestro objetivo aquí. Más bien, queremos aflojarnos y dejar que nuestras manos fluyan libremente Llena la pala con Wrapit siguiendo las áreas oscuras y claras sin Permita que sus instintos lo guíen y disfrute del proceso de darle vida a este árbol con su estilo único Un consejo útil para representar las áreas más oscuras de este follaje de árboles es recordar que las secciones más oscuras tienden a estar más atrás Esta comprensión lo guiará en capas de su grafito de manera efectiva Ten esto en cuenta mientras trabajas. El propósito de este ejercicio es comenzar a entrenar nuestra perspectiva bidimensional. O sea, estamos acostumbrados a percibir el mundo en tres dimensiones Por lo que es esencial aprender a comprender las distancias bidimensionales las distancias bidimensionales entre los objetos. En este caso, a pesar que el follaje del árbol aparece cerca del tronco principal, esas hojas oscuras de fondo están en realidad a varios metros de distancia. Por ejemplo, fíjate cómo la rama de la derecha parece sentarse justo al lado del tronco. Si bien en realidad, está al menos dos o 3 metros más atrás. Esta distinción te ayudará a capturar la profundidad y las relaciones entre elementos en tus dibujos. Ahora que tenemos la eclosión sobre el follaje, pasemos a los detalles del tronco Comenzaremos con un detalle característico en la parte inferior. No tiene que ser perfecto. Sólo una aproximación servirá. A continuación, trabajaremos en el sombreado general del tronco y las ramas Usando eclosión suave, comenzaremos a representar las sombras que le dan al tronco su tridimensionalidad Por lo general, esto implica oscurecer un lado del tronco para crear el efecto deseado Esta es la primera aproximación a los detalles de la silla de montar. Esa es la tarea aquí, encontrar y colocar cuidadosamente esas delicadas líneas de sombra que dan profundidad y forma al árbol. Este sombreado inicial es clave para que el tronco y las ramas se sientan más naturales y enraizados Ahora vamos a empezar a hacer exactamente lo mismo, pero por aquí en esta parte del árbol, aquí mismo, trata de sentir que hay una abertura en la corteza del árbol. Entonces no importa si no eres capaz de igualar exactamente la misma forma, pero trata de hacer el efecto visual de que hay una abertura. Tratemos también de reforzar los contornos del tronco con grafito. Si miras de cerca la imagen de referencia, hay una sutil línea oscura a lo largo de los bordes. Esto le da al tronco una mayor definición y fuerza. H Continuemos desbastando los bordes necesarios de algunas ramas y agreguemos el sombreado para crear volumen Una de las cosas más importantes de esta lección y sobre todo de este dibujo, es que te ayudará a entrenar la eclosión para futuros dibujos Digo, dibujos más complicados. Es decir, como no estás renderizando una perspectiva pronunciada sobre la distancia, vas a familiarizarte con el sombreado usando sombreado Presta atención, por ejemplo, a este lugar de aquí. Estoy usando una eclosión cruzada para oscurecer esta área. Presta atención a estas líneas de aquí. Esas son líneas que siguen la curvatura del árbol, el volumen redondeado del árbol. Esto también es eclosionar porque a lo lejos, sólo se verá como la sombra natural del tronco Se debe prestar atención al ritmo en el dibujo. Es como un baile. A medida que lleguemos a los detalles, el ritmo será más lento. No se supone que los detalles sean rápidos. Y Preste atención a cómo estoy aplicando la eclosión para llenar esta parte con grafito, pero de una manera más ligera porque las hojas en esta sección están más cerca, más expuestas al sol, y por lo tanto más iluminadas Por lo que el tono base debe ser más claro. Incluso cuando es una eclosión gruesa, es menos oscura. Ahora, mira cómo uso el lápiz borrador para quitar el grafito y crear estas ramas Literalmente estoy dibujando con la goma de borrar. Esta es una herramienta muy útil a la hora de crear detalles sobre espacios llenos de grafito. Después de usar el lápiz de afeitar, es importante resaltar los bordes con el grafito para preservar la estructura que estamos creando. Recuerda que aunque el grafito se adhiere bastante bien al papel, es posible que se caiga los bordes, dejándolos imprecisos. Por lo que debemos reforzar estos detalles. Recuerda que este ejercicio de árbol se trata de construir confianza y control con el movimiento de tu mano. A medida que avancemos, notarás cómo estas habilidades se convierten en segunda naturaleza y ayudan a dar vida a cada dibujo. Así que sigue practicando, mantente paciente y disfruta del proceso. Te veo en la siguiente lección. 30. Primeros detalles del árbol: En esta lección, nos estamos sumergiendo en algo bastante simple, sin embargo, el resultado es verdaderamente hermoso. Vamos a crear la textura de la corteza del árbol. En realidad es muy fácil. Estarás lanzando diminutas formas de U, casi como escribir la letra U repetidamente. Uno justo al lado del otro ligeramente superpuesto. La clave es que como ya has sombreado el tronco y las ramas, solo tienes que presionar tu lápiz con más fuerza en las zonas más oscuras, haciendo que las formas de U sean más oscuras, donde caen las sombras Siempre siga la dirección del árbol al dibujar el uso. Esta técnica es realmente efectiva porque imita los patrones naturales y la textura rugosa que se ven en los árboles reales Y lo más importante de esta técnica es que este método también es flexible y indulgente, lo convierte en una excelente manera de introducir textura sin complicar demasiado tu dibujo Artistas como Gustave Klemt y Caspar David Friedrich son conocidos por su capacidad para retratar árboles con detalles intrincados y poderosa presencia en sus paisajes Caspar David Friedrich son conocidos por su capacidad para retratar árboles con detalles intrincados y poderosa presencia en sus paisajes. Clemt en particular, a menudo utilizó patrones repetitivos, similares a esta técnica para representar elementos naturales Estudiante su enfoque puede proporcionar más inspiración para dibujar árboles con textura y profundidad emocional. Necesitas tener paciencia con esta parte, ya que estarás haciendo muchas formas pequeñas. Intenta disfrutar de esta música y ambiente y seguir la dirección del tronco y las ramas, exactamente como lo estoy haciendo en el ejemplo. Este proceso está destinado a ser meditativo, permitiéndote conectarte con el ritmo de tu lanzamiento La clave es mantenerse enfocado, pero también dejar que tu mano se mueva naturalmente fluyendo con las curvas y líneas del árbol. Es importante destacar que a pesar de que se trata de formas, las hago irregulares para crear una sensación de textura más realista. Por otro lado, también agrego pequeñas líneas en ciertas áreas para crear un efecto más aleatorio y natural. Por el momento, trata de seguir lo que estoy haciendo. Estas irregularidades le dan a la vark su carácter único y evitan que la textura se vea demasiado mecánica. Recuerda que la clave es ser intuitivo, agregando variación donde sea necesario para capturar la complejidad natural de la superficie del árbol. Mira este ejemplo, cómo la dirección de las formas U sigue el contorno de la rama. Al estar la rama a la derecha, el uso también se mueve en esa misma dirección. Es esencial mantener esta consistencia direccional para representar con precisión la forma natural de la rama. Tenga esto en cuenta a medida que continúe agregando su uso. Es importante no usar un lápiz de grafito muy oscuro para esta técnica, ya que será más difícil crear formas de U más claras. Un lápiz más oscuro también podría dañar el trabajo que hemos realizado con la eclosión previa Creo que usar un lápiz HB es muy recomendable ya que logra un buen equilibrio entre suavidad y control, permitiéndote agregar textura sin abrumar tu sombreado anterior D Ahora que hemos logrado avances significativos con la textura, podemos aprovechar para completar el sombreado de las ramas funerarias Teniendo en cuenta los tonos que hemos establecido para el tronco y las ramas más grandes. Podemos oscurecer estas ramas más pequeñas en consecuencia. Esto creará un aspecto cohesivo y enfatizará la profundidad del árbol y potenciará el efecto tridimensional general A medida que las ramas se estrechan, podemos mezclar las formas de U con técnicas de eclosión Esta combinación creará una transición más suave en el sombreado en un gradiente más refinado para la textura del árbol. En realidad, este es el lenguaje visual que estamos aplicando en este remo Cuando las ramas están profundas en el fondo, simplemente oscurelas por completo. Esto ayuda a empujarlos más atrás en la composición, enfatizando la profundidad sin preocuparse por las texturas en esas áreas. Es una gran manera de crear una sensación de distancia. Recuerda, no todos los detalles necesitan ser intrincados. A veces la simplicidad es clave para una composición efectiva. Todas las áreas oscuras que estamos llenando con eclosión podrían técnicamente ser smatch con los dedos para extender el grafito por el papel No obstante, el objetivo de este ejercicio es entrenar tu mano en la creación de sombras a través de la eclosión, utilizando líneas para construir profundidad y oscuridad Entonces, se trata de desarrollar control y comprender cómo manipular presión y la dirección para dar vida a las sombras sin depender del contrabando. Así que dejemos que esas líneas hagan el trabajo. Yo estoy Aquí hay otro ejemplo de cómo las ramas que están más lejos en el fondo se pueden representar simplemente oscureciéndolas. Es importante saber que no necesitas preocuparte demasiado por agregar textura a estas ramas distantes. Preste atención a que lo que más importa es capturar su forma general y asegurarse que se mezclen en el fondo de manera convincente Aquí hay otro ejemplo interesante, presta atención. Estoy agregando eclosión a una rama que ya había dibujado. Esto crea un racimo consistente de grafito con textura. Y para esos detalles, tendré la opción ya sea agregar más grafito con mi lápiz o quitar algo con la goma de borrar Entonces es una manera perfecta de hacerlo. En esta etapa, yo diría que el dibujo ya parece un boceto de árbol sólido. Observe cómo incluso sin el detalle deja, la eclosión da la impresión de follaje desde la distancia Esto se debe a que hemos desarrollado cuidadosamente la distribución de luz y sombra en el dosel de los árboles con nuestra técnica de eclosión Pero seguiremos elaborando este dibujo en la siguiente lección 31. Detalles intrincados El árbol: Hola, gente. En esta lección, nos centraremos en los detalles más finos del follaje, concentrándonos en los bordes de las áreas que hemos creado con cobertura En lugar de dibujar hojas individuales, estaremos elaborando una textura sutil que sugiera su presencia Basar es clave aquí. Así como nos tomamos el tiempo para desarrollar los detalles del baúl. Este proceso también requerirá de un enfoque cuidadoso. Es esencial para relajarse y abrazar el viaje de la creación. Desde mi punto de vista, muchos desafíos de dibujo provienen de la impaciencia y la idea errónea que los resultados deben ser Así que tomemos nuestro tiempo y permitamos que la obra de arte se desarrolle de forma natural Ly Mira los bordes. Estoy agregando saltos casi imperceptibles a lo largo de los bordes. Cuando se ven desde la distancia, estos detalles se unen para crear un todo cohesivo Es un recordatorio de que a veces menos es más. Pequeños toques pueden transmitir una rica sensación de folaje sin abrumar la composición I A medida que exploramos las edades, también podemos agregar detalles sutiles dentro del follaje. Al igual que hicimos con los bordes, incorporaremos algunas líneas suaves cruzadas para sugerir ramas superpuestas e incluso algunas vueltas que alcanzan su punto máximo Recuerda, estos detalles no necesitan ser demasiado intrincados. Algunas irregularidades en la lengua pueden hacer maravillas para sugerir la presencia de labios. Se trata de capturar la esencia del follaje en lugar de perderse en los detalles. I Se puede crear también el efecto de anillo y densidades de saltos dentro de una misma rama Entonces, al agregar más grafito en ciertas áreas, puede sugerir efectivamente que algunas partes están fader y más cubiertas de hojas que otras D Este es un ejemplo perfecto sobre la superposición de ramas en el follaje. Quiero decir, estoy haciendo líneas entrecruzadas, permitiendo que el color del papel se asome a través Y más adelante, voy a agregar pastel blanco en esos huecos. Ahora, presta atención a cómo estoy usando el lápiz borrador para crear los grupos de resbalones que están iluminados por la luz del sol Al eliminar parte de la eclosión, estoy permitiendo que el color del papel actúe como un elemento significativo en el dibujo Los labios iluminados toman el tono del papel, dándoles un brillo natural. Observe cómo borro en un movimiento circular, lo que ayuda a crear una transición más suave y un aspecto más orgánico al follaje. Ahora volvamos nuestra atención a mejorar las edades de los racimos de hojas en el follaje interior también. Es esencial diferenciar entre las hojas que toman el sol y las que se sueldan más profundamente dentro de la sombra Es decir, en este caso, se necesita crear bordes precisos porque se puede transmitir efectivamente este contraste, permitiendo que el espectador perciba las capas y dimensiones del follaje. Um, A medida que refinamos estos elementos, no olvides abrazar el azote orgánico del follaje Quiero decir, la naturaleza no es perfecta en absoluto, caótica, y capturar sus peculiaridades agregará un encanto encantador a tu trabajo Deja que tu lápiz baile a través del papel, respondiendo a los ritmos de las hojas y ramas e intenta disfrutar del proceso de todos modos Es decir, cuando captas su estructura y lógica, no se pueden imaginar detalles que realcen el dibujo Por ejemplo, si estás trabajando en un cúmulo de saltos, esos saltos deben estar conectados de manera convincente con ramas para darle a la composición una sensación de volumen De lo contrario, podría parecer abstracto. Ahí es donde entra en juego el uso adecuado de la luz y la sombra. Así que fíjense cómo en este dibujo las ramas se vinculan de manera convincente, creando una estructura cohesiva y creíble Aquí, hay otra mancha con ramas cruzadas. Otro ejemplo al que prestar mucha atención. Mira las líneas y cómo trazos aleatorios y espontáneos. Estas irregularidades e imperfecciones son las que mantienen el tiro en su campo orgánico natural Estas líneas aleatorias son la clave para crear un follaje creíble Un aspecto importante de dibujar adecuadamente las ramas es que dan movimiento y dirección al árbol, las ramas se doblan en la dirección del viento. Entonces toda la estructura nos dice cómo interactúa el viento con el árbol y cómo se mueve el árbol en respuesta Es por ello que entender y representar las ramas con precisión es crucial. No se trata sólo de que sean chevy, sino de capturar las fuerzas naturales que actúan sobre ellos. Entonces cuando se hace bien, el árbol se convierte en un elemento más dinámico y vivo en tu dibujo. Y ahí estás. El follaje está listo. Mira el efecto visual que crea desde la distancia. Personalmente, me encanta esta técnica, pero no te puedes imaginar lo increíble que va a quedar una vez que apliquemos el pastel blanco en la siguiente lección. 32. Pastel blanco y detalles finales: Hola, gente. Estamos aquí otra vez. En esta lección, vamos a crear efecto de las hojas. Se debe prestar mucha atención a cómo dibujo las hojas, ya que esta técnica será crucial para el próximo dibujo de la fachada del castillo. Por lo que las habilidades que desarrollas aquí te ayudarán a perfeccionar los detalles que se aplicarán a ese futuro dibujo. Empecemos por aplicar el lápiz blanco pastel. Vamos a limpiar todos los bordes de esas ramas porque poco después vamos a aplicar la barra pastel. Debes tratar de aplicarlo con mucho cuidado. Trate de no manchar el grafito. Y entonces esto es lo que se supone que debes hacer. Vas a llenar todo este espacio con una barra pastel. De hecho, puedes llenar este fondo con la barra blanca pastel, y luego puedes refinar esos bordes en las ramas de los árboles. Ahora, vas a mezclar todo el pigmento blanco usando un pañuelo. Te recomiendo encarecidamente estos métodos porque de lo contrario, constantemente necesitarías comprar diferentes sellos de mezcla, lo cual no tendría mucho sentido, ¿sabes? También puedes usar tus dedos. Tus dedos te permitirán presionar el pigmento más firmemente en el papel. Por supuesto, tendrás que limpiarte las manos después para evitar manchar otras áreas de tu lanzamiento Honestamente, cuando se trata de técnicas de grafito y albahaca, puedo decir que la mejor herramienta de mezcla es tu dedo. Como las riquezas de tus huellas digitales actúan como una pequeña esponja. Hay esponjas hechas específicamente para mezclar. Pero nuevamente, una vez que se manchan, no puedes usarlos en otro color. Con los dedos, siempre puedes lavarlos y empezar de nuevo. Centrémonos en este detalle. Estoy haciendo una especie de huecos entre las ramas, entre las hojas para representar que la luz recoge entre las ramas. Este es un detalle bastante sillín, pero va a llevar tus ramas al siguiente nivel. ¿Se nota cómo el papel sí se transforma ahora en el dibujo? El color del papel casi se convierte en el color de los labios en el árbol porque hemos agregado blanco al fondo. Este es uno de los fenómenos visuales más increíbles tanto en el dibujo como en la pintura. El color del papel adquiere un significado completamente nuevo y se convierte en una parte esencial de la composición. Es fascinante cómo algo tan simple puede evocar una textura y profundidad tan ricas, haciendo que el árbol se sienta vivo y real Ahora, continuaré creando huecos dentro del follaje de los árboles para potenciar el efecto de la luz que pasa por las ramas. Algo importante a notar es que en realidad no estoy dibujando saltos individuales El efecto de los árboles volage se crea por la forma en que construyo los bordes, lo que da la apariencia de labios sin dibujarlos directamente. Esto es crucial porque aunque voy a agregar algunos labios aislados, es la construcción de estos bordes lo que sugiere visualmente la presencia de vueltas en el dosel de los árboles Esta técnica es particularmente importante a la hora de dibujar árboles que no son el foco principal en la composición o cuando se está trabajando en una restricción de tiempo. Entonces, en lugar de detallar meticulosamente cada hoja, simplificamos o resumimos la forma de tres a través de estas señales visuales Ahora, agreguemos algunos aspectos destacados al baúl. Es decir, en las zonas donde la luz incide más directamente sobre la corteza, podemos aplicar la albahaca blanca. Esto no sólo mejora el efecto de iluminación, sino que también ayuda a resaltar la textura de la corteza. Agregar estos puntos brillantes creará más contraste y profundidad. Al aplicar estos detalles ligeros, especialmente en áreas como la corteza del tronco, es crucial dar un paso atrás y ver el dibujo desde la distancia. Esta perspectiva le permite comprender mejor cómo interactúan los reflejos con la composición general. A veces cuando vemos de cerca un dibujo, podemos perder de vista el mensaje general que transmite el grafito y el pasto. Al final, estas son solo líneas y marcas que representan algo dentro de un lenguaje visual. Dar un paso atrás nos permite apreciar cómo estos elementos se unen para crear profundidad, textura y luz, transformando los trazos de espejo en una imagen cohesiva que habla de algo Y de la misma manera, observe cómo este cúmulo de saltos está formado íntegramente por el color del papel La idea aquí es que lo que se filtra a través de los saltos será ese fondo más oscuro creado por las áreas donde la luz no llega Representaremos tanto las picaduras del follaje con grafito en esas áreas sombreadas, potenciando la profundidad general y riqueza de la apariencia del árbol Y ahí estás. Nuestro dibujo de árbol está completo. Creo que se parece un poco a una ilustración japonesa, ya que en realidad no lo hace en una perspectiva fuerte. Presta atención a lo fascinante que se ve la textura de la corteza y cómo la luz interactúa con el tronco y las ramas Es un hermoso diálogo entre el grafito y el vapor. En realidad, creo que este dibujo logra un equilibrio entre una pieza terminada y un boceto. Intenta volver a prestar atención a los bordes de las ramas. Observe cómo las líneas sugieren saltos sin ser una representación exacta Vas a ahorrar mucho tiempo haciendo esto. Bueno, hasta ahora tan bien, puedes volver a revisar estas lecciones si tienes alguna duda, y te veo en la siguiente lección. 33. Fachada del castillo de Valparadis: Hola, gente. comenzar el ejercicio de representación del Castillo de Valparadis Castillo de Valparadis, el castillo más hermoso de Barcelona, data del siglo XII, quiero tomarme un momento para analizar algunas referencias clave, particularmente los dibujos y bocetos Hopper es reconocido por este dominio del espacio y la representación de la luz Y su enfoque del dibujo nos ofrece valiosas lecciones sobre cómo capturar la esencia de Aisin Los dibujos de Hopper son esenciales para comprender su proceso creativo. En estos bocetos, podemos ver cómo esboza sus ideas iniciales, capturando la atmósfera y la emoción antes de pasar a la pintura Los bocetos a menudo revelan su enfoque en la composición y la luz, proporcionando una visión de cómo interpreta el mundo que le Hopper emplea una variedad de líneas en sus dibujos que transmiten diferentes sensaciones. Las líneas rectas y firmes que utiliza para delinear los edificios y estructuras imparten una sensación de estabilidad y orden. En contraste, las suaves líneas curvas que utiliza a menudo para representar la vegetación y los elementos naturales añaden una sensación de fluidez y movimiento Es importante notar cómo Hopper utiliza estas líneas para crear contraste dentro de la composición, equilibrando la rigidez de arquitectura con la naturaleza orgánica del entorno. La dirección de los golpes en drones Hopper también es fundamental. A menudo utiliza trazos horizontales y verticales para enfatizar la estructura de los edificios, mientras que los trazos diagonales pueden sugerir movimiento o transición. Al observar estos bocetos, vemos que la dirección de los trazos puede afectar dramáticamente la percepción del espacio Por ejemplo, al dibujar un puente de A Street, trazos diagonales pueden crear una sensación de profundidad y perspectiva, guiando los ojos del espectador hacia el punto focal. De las técnicas más efectivas que emplea Hopper en sus dibujos es la eclosión cruzada Este método permite crear intensidades variables de sombras y texturas Hopper a menudo usa eclosión cruzada para definir áreas más oscuras, dando una sensación de volumen y tridimensionalidad Observe cómo coloca las líneas en diferentes direcciones para acumular oscuridad en una esquina o para resaltar la forma de un objeto. Al aplicar esta técnica en nuestra representación del castillo del paraíso Val, podemos enriquecer nuestro trabajo con sombras y texturas sustantivas tanto en la piedra como en la vegetación circundante A medida que nos preparamos para comenzar nuestro ejercicio, recordemos que podemos tomar Hopper como referencia para entender cómo abordar en torno al trabajo. Este uso deliberado de líneas, direcciones de trazo y aplicación de rayado cruzado son herramientas que podemos adaptar a nuestros nombres La fachada del castillo de Valparadis incluye elementos de vegetación que enmarcan y complementan la Por lo que la forma en que dibujamos estos árboles y plantas debe reflejar la naturaleza orgánica y dinamismo que Hooper logra en Adicionalmente, la perspectiva juega un papel crucial en o composición. Es esencial que capturemos con precisión la profundidad y relación entre el castillo y sus alrededores. Finalmente, aplicando las técnicas de texturizado que hemos aprendido hasta ahora, podemos abrazar nuestra obra con detalles que la dan vida y le dan realismo Este ejercicio no sólo servirá como práctica técnica, sino también como una oportunidad para combinar todos los elementos que hemos estudiado hasta el momento. Vamos a sumergirnos en la creación una interpretación de ejecución del castillo del paraíso Val, aprendiendo de las técnicas de Edward Hopper. Empecemos entonces. 34. Construcción de fachada del castillo: Contrario a lo que mucha gente piensa, tratar de descomponer los elementos de una composición en pocas formas simples es más difícil de lo que parece. Al menos fuiste un dibujante experimentado, no va a ser un trabajo fácil Lo que vamos a hacer ahora es hacer que esta composición crezca a partir de estos simples ángulos. Por ahora, centrémonos en esa línea vertical, justo donde crece el puente. Intenta poner atención a lo que hago para que puedas repetir el proceso. Apenas desde esa línea vertical, estoy tratando de trazar el borde del puente. Se puede hacer esta línea inclinada de manera intuitiva, tratando de llevar la línea ligeramente hacia abajo Ahora intentemos encontrar un ángulo que crezca desde ese punto más bajo de la primera línea vertical hasta que encontremos el posible ancho inicial del puente. Encontrar el ángulo correcto para este pequeño elemento es más fácil de lo que piensas. Ahora vamos a crecer una línea paralela al puente, tratando de que se separe de la otra línea a medida que se extiende a través del papel. Una pista segura para saber si lo estamos haciendo bien es tratar imaginar una línea horizontal invisible por encima de estas líneas. Las líneas del puente siempre deben estar inclinadas hacia abajo desde esa línea horizontal invisible. Ahora fíjate como estoy dibujando estos ángulos para encontrar las ventanas altas, así como la altura de la torre. El lado más interno de la torre es muy importante en esta composición Presta atención a cómo trazo este ángulo hasta la cima de la torre para encontrar la altura completa del castillo. No te preocupes si no coincides exactamente con la forma final. Sólo necesitamos una buena aproximación. Ahora vamos a repetir el mismo proceso en esta parte. Dibujamos un ángulo para encontrar las dimensiones de la torre más cercana a nosotros. Bien. Ahora que tenemos la ubicación de las dos torres, podemos determinar dónde termina el puente, así podemos dibujar el arco de abajo. A pesar de que parte del arco está cubierto por ramas, trata de dibujarlo por completo. Podemos hacer esta segunda línea en el arco como detalle e incluso en el borde del puente para encontrar el ancho de los bordes. Cuanto más vayamos con el dibujo, más fácil será el resto de los elementos. Ahora vamos a dibujar la puerta del castillo, que tenemos que guiarnos por líneas que tenemos un sorteo listo. Y vamos a pasar a esta ventana de aquí. Ya tenemos suficiente información para encontrar dónde está posicionada esta ventanad Como ya tenemos la altura de esa ventana, podemos intentar dibujar otra ventana del otro lado. Guau. Intenta seguir la línea de fondo del castillo para construir la parte interior del puente. Ya puedes sentir la perspectiva, así que es más fácil seguir el proceso ahora. Ahora vamos a delinear toda la vegetación alrededor. Solo necesitamos ubicar aproximadamente dónde están posicionados los árboles. Como mencioné antes, no te preocupes demasiado si no todas las partes del castillo son perfectas. Los corregiremos a medida que avancemos. Recuerda que en las etapas iniciales de un dron, la propia línea debe contener el valor de la sombra, por lo que ya podemos indicar en algunos puntos partes oscuras en la línea. Ahora, podemos comenzar a usar la eclosión en el dibujo para indicar las sombras generales del castillo Toda esta eclosión es una pauta para desarrollar sombras más adelante Intenta hacerlo de manera armónica. No tiene que ser necesariamente en la misma dirección siempre, sino de una manera que parece un lenguaje. Hay un detalle importante a tener en cuenta. Se puede ver que la torre más cercana a nosotros parece coincidir con el techo del castillo en la parte superior, pero no lo es, así que la torre es más alta, pero está escondida por los árboles. Por ahora solo hay líneas de construcción en la parte superior. Vamos a seguir dando más tonos oscuros a las líneas más importantes. Intenta ver la imagen de referencia desde lejos para notar las partes más importantes. Es importante de vez en cuando separarnos del trabajo que estamos haciendo para contemplarlo Sólo entonces podremos saber si vamos en la dirección correcta. Hasta el momento tan bueno, tenemos la primera etapa de este dibujando un boceto guía para desarrollar esta obra. Nos vemos en la siguiente lección. 35. Fachada general y sombreado del castillo: Hola otra vez. Ahora, en esta lección, vamos a aplicar eclosión en todo el lanzamiento, así que presta atención Al ver la imagen de referencia desde la distancia, vamos a hacer un mapa de todas las sombras puestas en la imagen. Se puede hacer eclosión en una sola dirección, pero prefiero usar una especie de eclosión de mezcla usando líneas cruzadas y tratando de seguir la naturaleza de las superficies Recuerda que más adelante, no todas las eclosiones en el dibujo se notarán Quiero decir, vas a mezclar y difundir bastantes. Sin mencionar que vamos a hacer una especie de detalles de adoquines en las murallas del castillo Entonces la eclosión va a estar oculta por eso. Pero de todos modos, debemos tratar de hacer eclosión estética y Así que presta mucha atención al movimiento de mis manos. Esta técnica no se encuentra en los dedos, sino que es un movimiento del brazo proyectado en la mano. Aquí podrás notar un ejemplo perfecto de eclosión cruzada Estoy aplicando diferentes libros de eclosión para agregar consistencia a esa zona A pesar de que podemos hacer la eclosión cruzada, incluso mezclando diferentes líneas en diferentes direcciones, es mejor que elijas esas direcciones en función de la forma que vas a retratar Por ejemplo, esta eclosión vertical aquí en perspectiva. Pero somos capaces de combinar estas líneas. Por ejemplo, estas líneas inclinadas. Después de todo, se notarán líneas tanto verticales como inclinadas. Otra pista importante sería que cuanto más oscura o más consistente sea la sombra, más podríamos aplicar la eclosión cruzada Como siempre te digo, es importante tener un juego completo de lápices para hacer esto. No sólo porque pronto gastarás tu lápiz, sino porque si intentas llenar un área oscura con un lápiz que no sea lo suficientemente oscuro, dañarás aún más el papel. Recuerda que cuando se trata de lápices de grafito, el grafito es siempre el mismo. Es del mismo color. La diferencia radica en la capacidad de ese grafito para desprenderse y permanecer en el papel. Cuanto más duro sea el grafito, menos pigmento quedará en el papel. Por lo tanto, la línea que dibujemos será más ligera. Eso no quiere decir que no podamos obtener un tono oscuro con ese lápiz. Pero para lograrlo, tendremos que presionar más fuerte sobre el papel, dejando surcos en él. Pero de esta manera, si dibujas una línea muy oscura con un lápiz claro, todo el grafito quedará incrustado en el papel. Entonces es más difícil de quitar. Y si estás trabajando con un papel sofisticado como este, en realidad notarás las partes dañadas. Preste atención a la imagen de referencia por un momento. Y fíjate que la zona del puente es más oscura que el resto del castillo. Es decir, la zona conduce a la puerta. Estoy tratando de representar eso con eclosión. Y en esas grandes zonas oscuras, es importante usar mucho grafito con un lápiz suave. Quiero decir, tonos oscuros, para que podamos mezclarnos suavemente más adelante y sobre todo, hacer detalles en esa zona solo quitando el grafito con lápiz borrador como si estuviéramos dibujando Mira cómo todo el castillo empieza a tener mejor volumen debido al sombreado. Te voy a dar un enfoque interesante para usar la eclosión en tu obra de arte Piense en la eclosión como una forma de guiar el ojo del espectador. En lugar de solo sombrear, úsalo para crear una sensación de movimiento y ritmo a través de la composición Quiero decir, al variar la dirección, densidad y grosor de las líneas, puedes transmitir energía, tensión o incluso galanes en diferentes áreas de tu pieza Es casi como escribir con tu lápiz, donde cada trazo agrega una capa de narración al dibujo, haciendo que el sujeto se sienta vivo y dinámico Otra forma creativa de aplicar la eclosión es pensarla como textura en lugar de solo sombreado Por ejemplo, al dibujar algo orgánico como un árbol o un animal, experimenta curvando tus líneas de eclosión para imitar las formas naturales, arando con la corteza de un árbol o siguiendo el contorno de lo lejano de un Esto no solo agrega profundidad sino también una calidad táctil a tu dibujo, invitando a los espectadores a llenar la superficie La interacción de luz y sombra a través de la eclosión puede transformar superficies planas en una textura rígida, tridimensionales Para mejorar tu sombreado, empieza siempre por identificar la dirección e intensidad de tu fuente de luz Esto te guiará donde coloques sombras y reflejos, asegurando que tu dibujo se sienta cohesivo y realista Concéntrese siempre en crear una gama completa de valores, desde los oscuros más oscuros hasta las luces más ligeras para darle profundidad y dimensión a su sujeto Usa trazos más suaves para transiciones suaves entre sombras y reflejos y experimenta con diferentes presiones para controlar la intensidad de tu sombreado Recuerda, el sombreado no se trata solo de sentir en las zonas. Se trata de esculpir la forma con luz y sombra. Presta atención ahora que después agregar la primera capa de grafito, estoy adaptando la eclosión a las sombras generadas por las diferentes ramas del árbol Como pueden ver, el lápiz que estoy usando es un lápiz de grafito puro. Es el tono más oscuro del grafito. Una de las ventajas clave de usar lápices de grafito puro es su versatilidad. Permiten una amplia gama de tonos, desde delicados grises claros hasta negros profundos y ricos, todo dependiendo de la presión aplicada Esto los hace ideales tanto para los detalles finos como para el sombreado atrevido y expresivo Los lápices de grafito puro también se deslizan suavemente sobre el vapor, lo cual es ideal para crear texturas suaves o lograr un aspecto pulido y acabado Adicionalmente, al no contar con la carcasa de madera de los lápices tradicionales, grafito puro ofrece más superficie para dibujar. Permite trazos amplios de barrido así como líneas precisas. Voy a hacer algunos detalles aquí mismo en esta ventana y en lo alto del castillo. Te das cuenta de lo hermoso que está empezando a verse todo. Vio que la torre de la izquierda está completamente detrás del árbol. Otro detalle importante es que la eclosión también se puede utilizar para crear efectos ópticos como gradientes y profundidad Al aumentar y disminuir gradualmente la densidad de tus líneas, puedes pasar suavemente de la oscuridad a la luz sin necesidad de mezclarte. Esto puede ser especialmente efectivo cuando se busca crear formas sutiles en tono o simular la perspectiva atmosférica, donde los objetos se desvanecen en la distancia. eclosión de esta manera puede dar a tus dibujos una calidad más dinámica y dimensional Voy a aplicar la misma estrategia por aquí. Voy a llenar todo el espacio con grafito para posteriormente retirarlo, arrojando detalles. Para dibujar un castillo como es uno puede ser particularmente importante para aprender a dibujar porque ofrece una variedad de elementos arquitectónicos y texturas para practicar. Los castillos cuentan con estructuras complejas como torres, almenas y muros, que te ayudan a desarrollar habilidades en perspectiva, proporción y detalle Adicionalmente, la variedad de superficies de un castillo, como los muros de piedra, torretas y ventanas brindan excelentes oportunidades para practicar técnicas y texturas diferenciadoras Los vamos a descubrir en cada una de las lecciones. Y ahí estás. Ahora tenemos toda la eclosión en todo el dibujo Por supuesto, nuestro dibujo tendrá mucho más detalle, no sólo la eclosión, sino que es una base muy rica sobre que trabajar hasta la siguiente lección 36. Detalles de las paredes: Empecemos a elaborar todas las piedras para la pared. Te advierto que se necesita mucha paciencia para lograrlo, pero no es difícil. Hay dos principios básicos. El primero es que en este caso, las piedras son irregulares. Quiero decir, no todos tienen que ser del mismo tamaño. Por lo que respetar la perspectiva y progresión de las piedras no es tan estricto. El otro principio son las líneas. Las líneas que separan 1 piedra de otra. Esta línea debe seguir el tono de la cadena del sombrero aplicada a continuación. Si estamos haciendo piedras en una zona sombreada, las líneas deben ser más oscuras En las zonas iluminadas, podemos usar las más claras en general, pero también las oscuras. Es importante señalar que el tono de cada piedra también es irregular. Trate de dibujar ligeramente las piedras individuales, variando sus tamaños y formas para crear un patrón natural e irregular. Una vez que las piedras estén en su lugar, comience a sombrear para darle textura y profundidad a la pared Intenta usar una combinación de eclosión y punteado para agregar sombras y resaltar los contornos de las Preste atención a la fuente de luz y aplique sombras más oscuras en áreas donde las piedras se superponen o proyectan sombras Bien. Te diré algo importante. Para clavar esto, es importante recurrir a buenas referencias. Varios pintores han representado castillos y su obra, proporcionando valiosas referencias para comprender la representación de las paredes de Colville Stones en Por ejemplo, Caspar David Friedrich, Sus paisajes románticos suelen presentar castillos y ruinas muestran la interacción entre la luz y la sombra El trabajo de Friedrich puede ayudarte a entender cómo crear ambiente y ambiente con elementos arquitectónicos Otro pintor importante es el sef Mallo William Turner. Es conocido por sus paisajes dramáticos y atmosféricos. Las representaciones de los castillos de Turner a menudo incluyen detalles, texturas e iluminación dinámica, y sus pinturas pueden ofrecer ideas para capturar el zense de los muros de piedra y sus interacciones con la luz natural Preste atención al detalle que en el arco de la puerta, también hay piedras, y es algo que habíamos practicado en el otro dibujo de este curso. La selección de papel es muy importante a la hora de dibujar. Generalmente nunca recomiendo usar papel blanco. En realidad se pueden hacer dibujos de amasado en papel completamente blanco Pero si vamos a usar tiza blanca, como en este caso, no tiene sentido porque la idea es usar el tono del papel para generar textura. Y al final de este dibujo, notarás cómo el color del papel formará parte de las texturas de las piedras, como en los demás dibujos de este curso. Mira lo interesante que ya empieza a verse el mundo entero . Todos los detalles irregulares son un hermoso patrón que describe la muralla del castillo. A esto me gustaría remarcar. Al incorporar elementos detallados como adoquines, las paredes en sus dibujos pueden mejorar significativamente la relajación de los pacientes El meticuloso proceso de renderizar cada piedra y perfeccionar la textura requiere enfoque y atención al detalle, lo que fomenta un estado mental meditativo A medida que gradualmente vas acumulando los intrincados patrones y el sombreado, la naturaleza repetitiva y deliberada de esta obra sirve como un ritual calmante, permitiéndote enrollar y Involucrar profundamente con una tarea tan detallada ayuda a cultivar la paciencia y la persistencia a medida que aprende a apreciar el progreso gradual y la satisfacción que proviene de completar elementos complejos y gratificantes en su obra Preste atención a que hay algunas zonas donde no creo piedras viejas, sino algunas al azar para representar que hay un grupo de piedras más ligeras. Posteriormente, con la tiza pastil, mejoraremos ese efecto Ahora para crear una mejor textura, voy a hacer algunas líneas claras para sugerir que algunas piedras colocan al mismo nivel a pesar de ser de forma irregular. Presta atención a esta intersección de la torre. Cómo esta parte es un ejemplo perfecto de cómo las zonas más oscuras deben oscurecer las piedras para que representen mejor la sombra Supongo que si has hecho todos los ejercicios, quiero decir, todos los drones hasta ahora, estás listo, bien entrenado. Hemos practicado todo texturas, perspectiva, y en realidad, en este ejemplo del castillo, quería darte algo más relajante y divertido y didáctico Por supuesto, aplicando todo lo que hemos aprendido hasta el momento. Ya tenemos listas todas las piedras acopladas centrales, y también en la torre derecha del castillo. Ver la imagen de referencia y el dibujo. Creo que se ve muy bien. Pasemos a la siguiente torre, la izquierda. Vas a aplicar el mismo proceso. Lo siento. Ahora, vamos a hacer lo mismo en el puente. Aquí, vamos a comenzar con las barandas de piedra. En el borde no es muy complicado. Simplemente tenemos que hacer que las piedras sean irregulares. Y a medida que nos acercamos al lado derecho, es decir la bolsa del puente que está más cerca de nosotros, debemos aumentar progresivamente el tamaño de las piedras. Debemos hacerlo progresivamente aun cuando las piedras sean irregulares. Entonces, aquí ya puedes notar cómo las piedras se han hecho más grandes y también las que están justo en el borde son más oscuras. Presta atención a cómo ajusto la franja oscura en el borde de la barandilla. Esas piedras son significativamente más oscuras y deben ser retratadas de esa manera Ahora voy a hacer las piedras en las zonas más oscuras del puente. Mira qué bien se ven a lo largo del puente. Mira aquí en el exterior del puente, he creado algunas líneas paralelas que se abren ligeramente en perspectiva para guiar el tamaño progresivo de las, que deben aumentar a medida que me muevo hacia el lado derecho. También puedes ver que me estoy adaptando a la imagen de referencia. Justo en esa parte, hay una especie de luz en las piedras. Entonces ahí deberían estar más ligeras las piedras. Ahora, voy a agregar algunos detalles finales al alza para completar todo el adoquín En Voila, nuestro castillo ya está empezando a tomar una forma muy atractiva, y aún queda mucho por hacer Por ahora afilar la punta de tus lápices porque continuaremos en la siguiente lección 37. Árboles y ramas Fachada del castillo: Perfecto. En esta lección, vas a abordar estos elementos de la naturaleza, árboles, ramas. Lo principal es tratar de ensayar por aquí lo que hicimos con el ejercicio del árbol Pero no sólo eso, sino también con el ejercicio de naturaleza muerta al aire libre. Empecemos por enfocarnos en los bordes de los árboles. Como se puede ver, es en los bordes donde realmente podemos detectar la naturaleza de un árbol. Esto se debe a que la imagen está algo retroiluminada, pero también porque el color de los árboles es casi siempre verde oscuro o marrón oscuro Por lo que esa gran acumulación de hojas y ramas se entremezcla formando un gran cuerpo cuya forma es visible principalmente en En la mayoría de los dibujos y bocetos, los árboles no son el elemento principal Suelen formar parte del entorno que rodea a los elementos principales, el sujeto principal. Por lo que debe haber estrategias que nos permitan renderizar ese entorno manera adecuada y rápida también. Entonces los métodos que he aplicado para renderizar los árboles apuntan en esa dirección. Entonces como pueden ver en la pantalla, estoy tratando de hacer una especie de interpretación para renderizar esas ramas. Es decir, no soy capaz detectar cada hoja en el árbol, pero hasta cierto punto, tengo que hacerlas. Entonces para lograrlo, tengo que usar la imaginación. Pero lo que puedo hacer con la imagen de referencia es detectar el diseño general del árbol. Es decir, puedo detectar dónde están las ramas principales. Entonces, al usar esta técnica para crear hojas, puedo aproximar la forma real del árbol. Como ya hemos visto en las otras lecciones sobre ramas, debemos entender que cada grupo de vueltas que cuelga los contornos de los árboles está sostenido por un pequeño tronco delgado Aunque en la imagen de referencia, esto no siempre es visible. Te recomiendo encarecidamente que lo hagas y luego crear los labios en él. De esa manera, tendrás el efecto visual adecuado. Pero presta atención a que una vez que se dibujan las ramas, lo único que me queda por hacer es oscurecer el resto del espacio, pero no me malinterpreten No quiero decir que no podamos retratar el árbol con mucho más detalle Pero esta es una técnica para hacerlo rápidamente. Es una especie de técnica de bosquejo. Es importante entender que aunque toda la zona sea oscura, debe haber partes más claras y más oscuras para crear volumen, ya que hay ramas que están más cerca de nosotros que otras. También hay ramas que están más expuestas a la luz que otras. Siempre trato de comentar que los árboles tienen una estructura orgánica e irregular, usar trazos más cortos y rápidos para delinear las ramas principales y comenzar a sugerir el follaje con pequeñas marcas los árboles tienen una estructura orgánica e irregular, usar trazos más cortos y rápidos para delinear las ramas principales y comenzar a de neitle Esto ayudará a que los árboles parezcan más naturales y menos rígidos. Pasemos al otro lado. Aquí se supone que debemos repetir el proceso. Pero con la diferencia de que este lado está más retroiluminado que el otro, la luz viene principalmente de este lado Como hicimos con el árbol anterior, comienza por dibujar las formas básicas de los árboles usando trazos ligeros con lápiz de grafito Centrarse en la estructura general. Eso es muy importante, el tronco y el follaje. Y recuerda siempre que aun cuando los troncos no sean claramente visibles en la imagen de referencia, están ahí y deberían estar ahí Creo que se puede notar algo importante. Si prestas atención a la imagen de referencia, puedes notar que la apariencia de este árbol se ve afectada por el viento constante. Es como si hubiera pasado mucho tiempo siendo golpeado por el viento del mismo lado. Desde este punto de vista de izquierda a derecha, ese es un detalle que podemos renderizar en este árbol. Por eso estoy usando una especie de eclosión que va en esa dirección de cierta manera Voy a empezar a crear estas ramas y flores abajo al mismo tiempo. Observe que hay una capa oscura sobre la que estoy creando estas ramas. Y trata de recordar que al trabajar en el follaje, no apuntes a una precisión extrema. Usa movimientos rápidos sueltos con los lápices de grafito para capturar la irregularidad de Los árboles entonces tienen formas claramente definidas, así que concéntrese en capturar la esencia general en lugar de dibujar una hoja re. Podrán notar que no estoy creando exactamente estas sucursales. Estoy creando una especie de interpretación. Mis pocas de estas ramas. Hay tres formas de hacer hojas en esta sección. El primero es dibujar directamente la rama con las hojas con grafito. El segundo es crear el contorno de una rama o una hoja, y la rama tendrá el color del papel. Y eso es algo que podrías hacer también si primero aplicas mucho grafito y luego dibujas la rama o la hoja con el lápiz de goma de borrar Y la tercera forma es dibujar la rama u hoja con una tiza de albahaca blanca. Veremos este último en la última lección de este dibujo. Es importante no perder la paciencia a la hora de hacer ramas y hojas. Hay que hacer tantos como sea posible. Lleva algún tiempo, pero el resultado es genial. Se puede ver que estos detalles que estoy añadiendo no están en realidad en la imagen de referencia, sino que es algo plausible Entonces se ve genial. Así que no tengamos miedo de agregar cosas valiosas a nuestra composición, aunque no estén en la imagen de referencia. Et vuelve al árbol. A la derecha. Sigo creando ramas y mini troncos y agregando densidad al follaje del árbol Como siempre te digo, este proceso lleva tiempo. Intenta relajarte y seguir mi lápiz. El movimiento se tiene que hacer poco a poco para que el grafito pueda ser consistente y tener los rangos exactos que necesitas. Por otro lado, recuerda que hay que dejar espacios más claros para representar el paso de la luz. Sólo relájate y sígueme. Mmm. Presta atención a lo bien que se ve. Se logra la consistencia del árbol. Ahora procederemos con los detalles de las hojas. Ahora mira cómo estoy quitando el grafito con el lápiz borrador para crear hojas. Esto se ve genial. Mira cómo se ve ahora el grupo de sucursales. Ahora tiene una gran bolera y latness. Y podemos aplicar la misma estrategia a este árbol. Hasta el momento tan bueno. El dibujo se ve genial. Pasemos a la siguiente lección de este trabajo. 38. Detalles finales y fachada del castillo de tiza al pastel: Hola, gente. llegado a la última lección sobre este remo, y voy a empezar añadiendo este choque pastel por aquí Voy a aplicar el pastel blanco justo en los bordes para cubrir esos espacios importantes. Por ejemplo, por aquí, recuerda que la luz recoge entre los árboles. Y ahora voy a aplicar un poco de grafito por aquí para crear una especie de gradiente entre ese tono oscuro y el trozo pastel Puedes usar el lápiz pastel para llenar esos huecos. La idea es crear la fuente de luz principal. Y ahora que ya tenemos esa fuente de luz, podemos comenzar a agregar la proyección de esa luz sobre los objetos. Por ejemplo, aquí encima de las barandas del puente. Mira el volumen que aparece en el puente con solo agregar ese detalle. Pero como queremos crear volumen a lo largo de toda la superficie del castillo, debemos aplicar el pastel blanco a través piedras de la coval para que logremos ese objetivo Preste atención que no se trata de colorear el castillo de blanco, sino de hacerlo con cuidado, agregando detalles precisos a cada una de las piedras. Lo que queremos es crear una textura. Ahora estoy tratando de difundir este pastel blanco para crear un degradado. Si prestas atención a la imagen de referencia, notarás que hay algunos ladrillos y piedras que son más ligeros. Podemos seguir este patrón al aplicar el pastel blanco. También es importante identificar las áreas más iluminadas. Ahora, presta atención a cómo con solo resaltar aún más ese color blanco en el borde del cielo, el castillo se ve con más volumen. Parece realmente desprenderse del cielo. Mira ahora cómo creo estas hojas blancas en ese árbol. No están en la imagen de referencia, pero se ven geniales. Podemos seguir refinando los detalles con el grafito. Aquí estoy fusionando el grafito en estas sombras, y estoy usando un tocón de mezcla El castillo ya tiene suficiente pastel blanco. Ahora mira lo que voy a hacer. Estoy creando los espacios donde la luz se asoma entre los árboles Solo estoy agregando pastel blanco donde pasa la luz. Mira los detalles en el puente, presta atención a los diferentes tonos de blanco en las piedras. Eso es muy importante. En esta etapa del dibujo, puedes seguir agregando tanto grafito como sientas que necesitas. Es importante que la tiza no se vea forzada a la superficie de las paredes, sino que se vea como una textura. Entonces si necesitas más grafito para crear ese efecto visual, debes agregarlo. Creo que el uso de choque blanco junto al grafito en un dibujo puede mejorar significativamente la profundidad, contraste y el impacto general de la obra de arte. Mientras tanto el grafito sobresale en la creación una amplia gama de tonos de claro a oscuro, carece del brillo puro necesario para sentir los reflejos de captura o la intensidad de la luz en un zing La tiza blanca, por otro lado, proporciona la herramienta complementaria perfecta para proporcionar, permitiendo a los artistas enfatizar las áreas más brillantes, ya sea el reflejo de la luz en una superficie o el brillo de reflejos distantes La mezcla de estos dos medios no sólo realza el rango dinámico de la pieza, sino que solo aporta una nueva dimensión a la textura y realismo Al mezclar cuidadosamente el impacto en grafito, los artistas pueden lograr transiciones más suaves entre sombras y luces, dando al dibujo una calidad más realista Adicionalmente, el contraste entre acabado suave de gravite y la calidad brillante, casi luminosa de la tiza blanca agrega una capa extra de interés visual, haciendo que el dibujo sea más atractivo para el espectador Esta combinación anima a los artistas a pensar críticamente sobre cómo la luz interactúa con la forma, ayudándolos a desarrollar una comprensión más profunda del sombreado y el valor, que son cruciales para crear una obra de arte convincente y equilibrada Voy a poner el acabado ******* en la calle. Voy a dar tantas vueltas como pueda. Lo que más me gusta de este árbol es que parece un sauce llorón, un típico árbol real No es el de la imagen de referencia, sino muy conveniente porque es un castillo. Mi opinión sobre el dibujo es que aprender a dibujar no se trata solo de dominar técnicas Se trata de descubrir una nueva forma de ver el mundo. Cada trazo que haces, cada tono que mezclas te acerca a expresar tu visión y creatividad únicas. Es decir, el dibujo enseña paciencia, perseverancia y la alegría del progreso, no importa lo pequeño que sea Cada vez que coges un lápiz, estás mejorando tanto si notas como no. Así que abraza el progreso, disfruta el viaje y recuerda que cada artista empezó donde estás ahora. Con dedicación y práctica, te sorprenderá lo lejos que puedes llegar Sigue avanzando y deja que tu pasión por el dibujo te guíe.