Theorie des Grafikdesigns – Weltraum

1. Einführung: Als Grafikdesigner werden die meisten Designs, an denen Sie arbeiten, am Ende flach sein. Nicht in dem Sinne, dass sie nicht gut aussehen werden, sondern im wahrsten Sinne des Wortes Sie werden auf Papier oder Stoff gedruckt oder auf Flachbildschirmen von Fernsehern, Monitoren und Mobilgeräten angezeigt , Monitoren und Mobilgeräten Sie fragen sich vielleicht, wie wir überhaupt über Raum ohne drei Dimensionen sprechen können , aber wir können es. , müssen Sie neben der Breite und Höhe Ihres Kunstwerks überzeugende Designs zu erstellen auch Tiefe angeben. In diesem Kurs werden wir uns mit Überlappung, Überlagerung, Perspektive, negativer Raum, Nähe, Form, Form und allem anderen befassen Überlagerung, Perspektive, negativer Raum, Nähe, , was Ihnen helfen kann, Ihre Designs einladend, ansprechend und großzügig zu gestalten Wir werden außerdem Hunderte von fantastischen Designs aus allen Bereichen des Grafikdesigns analysieren , damit Sie alle in diesem Kurs behandelten Begriffe und Regeln leicht visualisieren und verstehen alle in diesem Kurs behandelten Begriffe und Regeln Zusammen mit dem spannenden Klassenprojekt , das Sie hoffentlich am Ende des Kurses abschließen werden, haben Sie auch das Analyse-Arbeitsblatt und das Begriffs-Glossar , mit denen Sie alles, was Sie gelernt haben, in die Praxis umsetzen können Ich hoffe, Sie freuen sich genauso wie ich darauf, loszulegen und in das Meer des Wissens und der schönen Grafikdesign-Beispiele einzutauchen und der schönen Grafikdesign-Beispiele 2. Raum: Räume wie eine Ware im Grafikdesign, ähnlich wie beim Kauf eines Grundstücks und dann Ihr Haus darauf bauen lassen. Als Grafikdesigner erhalten Sie eine Leinwand mit einer bestimmten Ausrichtung und einem bestimmten Seitenverhältnis. Und es liegt an Ihnen, wie Sie es mit den Elementen füllen , die Sie in Ihrer Komposition verwenden werden . Wenn Sie viele Informationen haben, die Sie auf einer einzelnen Seite anzeigen müssen, zum Beispiel in einer Zeitschrift oder auf einer einzigen Seite auf einer Website. Sie müssen herausfinden, wie Sie alles ausgleichen können, und sicherstellen, dass Ihr Design überladen und verwirrend aussieht, und es kann ähnlich herausfordernd sein, wenn Sie nicht viele Elemente zu verwenden haben In InDesign haben Sie vielleicht das Gefühl, dass Ihr Design leer und unprofessionell aussieht. Es ist ein sehr häufiger Fehler unter Designern, die gerade erst anfangen, dass die Dinge zu viel in ein Design packen, dass sie versuchten, den gesamten verfügbaren Platz mit Elementen zu füllen, ohne irgendwelche zu hinterlassen negativer Raum. Und das ist auch ein wichtiger Begriff, den wir viel ausführlicher besprechen werden. Aber im Allgemeinen betrachten wir alle Elemente, die Sie in Ihrem Design platzieren , als positiver Raum, während alles , was leer bleibt, auch wenn es nicht vollständig weiß ist, als negativ betrachten würden space, oder manchmal bezeichnen wir es auch als Leerzeichen. Besonders wenn wir über Druckdesign sprechen, wobei Weiß offensichtlich die Farbe des Papiers ist. In den nächsten Videos werden wir tiefer eintauchen und alle verschiedenen Designprinzipien und -methoden kennenlernen alle verschiedenen Designprinzipien , mit denen Sie den Raum in Ihren Kompositionen verbessern können . Aber zuerst in diesem Video gibt es ein paar wichtige allgemeine Begriffe Thema Raum, die ich besprechen möchte und Ihnen auch einige kreative Beispiele für diese Regeln in Aktion zeigen . Wenn wir also über Raum sprechen, beziehen wir uns normalerweise auf ein Volumen, das Höhe, Breite, aber auch Tiefe hat . Aber es gibt hier einen Widerspruch , denn als Grafikdesigner fast ständig würde man fast ständig in zweidimensionalen Ebenen arbeiten. Egal ob es sich um eine gedruckte Seite oder einen Bildschirm handelt, es ist immer nur Breite und Höhe. Es gibt jedoch viele verschiedene Möglichkeiten und Methoden, mit denen Sie die Tiefe Ihres Designs implizieren und es dreidimensionaler aussehen lassen können. Und das ist entscheidend, weil Sie möchten, dass Ihre Zuschauer das Gefühl , dass sie den Raum betreten können, den Sie auf Ihrer Leinwand erstellen. Sie möchten sie in Ihre Kompositionen einfügen und Sie möchten sie so lange wie möglich dort halten , indem Ihr Design ansprechend und fesselnd gestalten. Werfen wir einen Blick auf ein paar Techniken, um Tiefe oder Raum zu implizieren. Zuallererst können Sie die Größe verwenden. Hier haben wir zwei großartige Beispiele dafür, das Oceans Acht Poster und das Logo der Barnes Foundation von Pentagramm. In beiden Beispielen können wir sehen, dass sich alles, was im Maßstab größer zu sein scheint , näher bei uns anfühlt. Dies ist eine einfache Tatsache, die wir auch im wirklichen Leben sehen. Wo immer es Perspektive gibt, werden Dinge, die sich weiter in der Ferne befinden , kleiner. Das ist zum Beispiel der Grund, warum diese beiden Kajaks hier im Vordergrund dieser Illustration fast die gleiche Größe wie dieser Berg im Hintergrund. Oder sie nehmen die gleiche Menge an Platz in der Komposition ein. Aber wir wissen aus Erfahrung, dass es hier eine Perspektive gibt und dass der Berg im Hintergrund tatsächlich größer ist als diese beiden Kojoten im Vordergrund? Aber zurück zu diesen beiden Beispielen hier rechts die Person auf der linken Seite , ist uns die Person auf der linken Seite , von der ich glaube, dass sie Sandra Bullock ist, am nächsten. Deshalb scheint sie die höchste von dieser Person hier auf der rechten Seite zu sein , scheint die kürzeste zu sein, aber natürlich verstehen wir es sofort, dass sie weiter wieder im Weltraum ist. Dasselbe passiert hier mit dem Logo der Barnes Foundation, bei dem die Hauptwortmarke oben in diese fünf rechteckigen Formen unterteilt ist . Und einige von ihnen sind größer als die anderen. Und sofort fühlen sich diejenigen, die kleiner sind, an, als wären sie weiter zurück im Weltraum. Und das ist eigentlich beabsichtigt , weil diese fünf Formen die Struktur des Gebäudes der Barnes Foundation darstellen sollen . Dies ist ein großartiges Beispiel für viele andere Designprinzipien, die ebenfalls verwendet werden, wie negativer Raum, aber auch abwechselnder Rhythmus, bei dem wir größere und kleinere Formen haben die sich abwechseln und viele andere Prinzipien wie Einfachheit, Framing und Konsistenz. Eine andere gängige Technik , um Platz oder Tiefe in Ihrer Komposition zu implizieren , besteht darin, sich auf die Intensität der Farben zu verlassen. Und es bedeutet, dass lebendigere, gesättigte Farben und besonders warme Farben dazu neigen, uns näher zu sein oder uns näher zu fühlen. Vergleichen Sie zwei Farben mit weniger Intensität und kühleren Tönen. Das hat auch etwas mit der physischen Welt zu tun und wie wir lernen, Dinge wie Landschaften zu sehen , in denen wir viel Abstand haben , die wir auf einmal sehen können. Und es gibt einen Begriff, der atmosphärische Perspektive genannt wird , über den wir auch ausführlicher sprechen werden , sobald wir über Perspektive sprechen können. Aber im Wesentlichen bedeutet es , dass je weiter etwas entfernt ist, desto kühler und ausgewaschen werden seine Farben aufgrund des schieren Luft- oder Himmelsvolumens zwischen uns und diesem Objekt. Um das zu vereinfachen, was ich gerade gesagt habe, je weiter etwas entfernt wird, desto mehr beginnt es sich mit der Farbe des Himmels zu vermischen . Und das können wir hier in der Abbildung in Aktion sehen , wo die Vordergrundfarben dunkler, gesättigter und wärmer sind, während wir mehr ausgewaschen werden Diese gesättigten Farben erscheinen weiter im Hintergrund und sie nähern sich auch den Farben am Himmel. Aber selbst bei diesem Design können wir sehen, dass der Raum dadurch impliziert wird, dass die lebendigeren und gesättigteren Farben im Vordergrund oder in der Vorderseite dieser zylindrischen Form stehen. Während wir weichere und mehr ausgewaschene Farben auf der Rückseite dieser Bänder haben, die den Zylinder bilden. 3. Techniken zur Nutzung des Raumes im Design: Eine sehr leistungsstarke und unkomplizierte Methode Raum und insbesondere Tiefe zu implizieren, besteht darin, Überlappungen zwischen den Formen zu verwenden, wie in diesem Fall können wir sofort sehen, dass dieses Blatt höchstwahrscheinlich am nächsten ist uns, während die Person hier am weitesten entfernt ist. Indem wir also Dinge übereinander legen und Tiefe mit subtilen Schlagschatten oder außerhalb der Grenzen anzeigen, können wir schnell und effektiv Tiefe feststellen. Und die gleiche Technik kann natürlich auch ohne Schlagschatten erreicht werden . In diesem Fall gibt es eine Überlappung zwischen dem Typ und dem Bild. Dieser Brief fühlt sich also an, als stecke er hinter dem Bild. Dadurch steht zum Beispiel davor. Und selbst indem er sich auf das Erscheinen dieser beiden Buchstaben aus dem Titel verließ , gelang es dem Designer, bereits eine interessante Komposition zu erstellen. Aber neben uns, den Zuschauern, die Tiefe erleben müssen wir auch etwas härter arbeiten , als dieser Abenteuertitel in einer einzigen Zeile auf einem Bild geschrieben wird, das so wäre langweiliger als das, was wir hier sehen können. Dieses Cover des stilvollen Magazins ist auch ein großartiges Beispiel für Tiefe. Dieser Athlet springt über den Kopfkopf. Aber neben der Tiefe hier implizieren wir auch Höhe, indem hier in der Mitte viel leeren oder negativen Raum haben. Dadurch fühlt sich dies sofort viel höher an, als wenn der mittlere Teil der Komposition mit Text oder Bildern gefüllt wäre . Und höchstwahrscheinlich ist der Grund, warum sie beschlossen haben, diesen Text nicht größer zu machen als im Moment, weil es eine andere Sache gibt , die helfen kann, Raum zu implizieren. Wo immer Sie platzieren, fühlt sich näher an der Oberseite Ihres Rahmens immer etwas weiter entfernt an als alles, was sich unten befindet. Jetzt kommt es wieder darauf zurück, wie wir Landschaften sehen. Normalerweise ist das, was unten ist, näher bei uns. Das ist der Vordergrund. Und wenn wir in der Komposition oder im Rahmen weiter nach oben gehen, würden wir Dinge sehen , die weiter entfernt sind. Erinnern Sie sich einfach an die Illustration mit den Kajaks im Vordergrund und den Bergen im Hintergrund. Obwohl es keinen Hinweis darauf gibt , ob diese Texte hier unten näher oder weiter entfernt sind, verglichen mit dem, was wir hier oben sehen. Und obwohl die Details oben sind, scheinen sie aufgrund der Positionierung des fliegenden hohen Textes unten größer zu sein als das, was wir unten haben , und fühlt sich immer noch so an, als wäre er im Vordergrund. Ich glaube, deshalb war es nicht nötig, das größer zu machen als das, was es im Moment ist. Dieses Poster nutzt auch selbstbewusst dieses Verständnis , dass überall dort, wo es näher an der Spitze ist, weiter entfernt angetrieben wird. Aber natürlich stützt es sich auch auf Perspektive. Wir können also sehen, dass parallele Linien alle zu einem Fluchtpunkt in der Ferne führen. Und Sie können sich wahrscheinlich vorstellen, dass es sich seltsam anfühlen würde , wenn es die entgegengesetzte Form wäre, sich die Texte oben näher bei uns anfühlen und dann der Rest weiter im Weltraum zurückgeht, könnte es immer noch funktionieren. Es würde sich einfach nicht so ausgeglichen und so natürlich anfühlen wie das, was wir auf diesem Poster haben. Es gibt auch eine andere wichtige Möglichkeit, den Raum zu kategorisieren oder über den Raum nachzudenken, wann immer Sie entwerfen Sie können offene oder geschlossene Räume erstellen. Und jedes davon wird einen wichtigen Einfluss darauf haben , wie Ihr Design von unseren Zuschauern wahrgenommen wird. Freiräume sind normalerweise einladender. Warum geschlossene Räume Informationen starrer enthalten und zusammenhalten können . Es gibt ein paar großartige Beispiele für Einsatz von Freiflächen in diesem Brett, wie den Nationalpark Utah Arches und die Komposition Zürich, Schweiz, wo die schwebenden Buchstaben nur sehr subtiler Schlagschatten , erstelle einen großen offenen Leerraum , der völlig grenzenlos ist. Es fühlt sich also an, als könnten wir diesen Raum aus jeder Richtung betreten . Während wir hier mit dem New York Magazine sind, haben wir eine sehr starke Grenze, diesen Rahmen, der alles schließt diesen geschlossenen Raum schafft. Denken Sie also nicht, dass dies weniger einladend oder ansprechend ist , aber es gibt definitiv einen anderen Ton der visuellen Kommunikation an. Ein weiteres Beispiel, in dem wir diese sehr starren Rahmen haben die die Steuer und den größten Teil der Illustration zusammenhalten und gruppieren , fühlt sich die Gesamtzusammensetzung aufgrund der kleinen immer noch nicht zu nah an , die aus den Frames kommen. Wie diese Person hier fliegen die Vögel über diese Rahmen und sogar diese Pflanze hier auf der rechten Seite heraus. In diesem Fall hilft dieser überlappende oder außerhalb des Frame-Effekts wirklich die Komposition zu öffnen , die ohne sie viel geschlossener gewesen wäre . Und nicht zuletzt ist ein weiterer erwähnenswerter Begriff Fengshui, tatsächlich für die Innenarchitektur und die Arrangements von Möbeln im Raum verwendet wird . Ich stelle es mir auch gerne als etwas vor, das für Kompositionen im Grafikdesign verwendet werden kann , was besagt, dass jedes Objekt im Raum in Bezug zueinander und zu seiner Umgebung existiert . Und dies ist eine perfekte Erklärung, wie Sie an Platz in Ihren Kompositionen denken müssen. Was auch immer Sie auf Ihrer Leinwand platzieren oder was auch immer Sie auslassen , wirkt auf alle Komponenten aus, mit denen Sie arbeiten. 4. Tiefe: Im vorherigen Video haben wir bereits festgestellt, wie wichtig es ist, die Tiefe Ihrer Kompositionen festzulegen , da dies die fehlende Eigenschaft ist , die wir nicht in einer zweidimensionalen Ebene haben , wenn unsere Arbeit ist auf einem Blatt Papier oder einem Bildschirm erscheinen. Während unser Canvas immer Höhe und Breite haben wird, hätten wir nicht die Tiefe. Das können wir also nur implizieren. Und obwohl wir bereits ein paar Möglichkeiten gelernt haben, , werden wir uns in diesem Video ein paar zusätzliche kreative Beispiele und Methoden ansehen die es wert diskutiert zu werden und sich daran erinnern, wann immer Sie Tiefe in Ihren eigenen Kompositionen schaffen müssen. Fangen wir also mit etwas sehr einfachem an. Diese isometrische Ansicht eines Würfels , der auch als Necker-Würfel bezeichnet werden kann , ist ein großartiges Beispiel für Multi-Stabilität, wo wir entscheiden können, ob wir hier auf die Vorderseite dieses Objekts schauen oder hier oben. Wenn Sie also betrachten, dass dieser Teil hier näher bei uns ist , bedeutet das, dass wir diesen Würfel von unten ansehen. Wenn wir dies als näher bei uns betrachten, fühlt es sich an, als würden wir den Würfel von oben betrachten. Dies ist etwas , das wir im Psychologie des Designs beim Durchgehen oder in den Gestaltprinzipien viel ausführlicher Abschnitt Psychologie des Designs beim Durchgehen oder in den Gestaltprinzipien viel ausführlicher behandelt haben . Aber der Grund, warum ich es auch hier zeige , ist, dass es eine sehr gebräuchliche Art ist , die Tiefe in der Illustration darzustellen. Und wir werden später weitere isometrische Zeichnungen sehen. Aber im Moment wollte ich darauf aufmerksam machen, obwohl wir in dieser Komposition Tiefe festgestellt haben, immer noch nicht klar ist, was näher und weiter von uns entfernt ist . Und das liegt an dem Mangel an visuellen Informationen. Sobald Sie mit der Einführung von Feldformen beginnen, schattieren Farben und Farbverläufe. Das Verständnis von Volumen und Tiefe wird viel einfacher. Hier wird niemand Schwierigkeiten haben zu verstehen, dass diese Details uns am nächsten liegen, während dieses Detail hier am weitesten entfernt ist. Aber selbst wenn Sie Farben und Schattierungen verwenden, können Sie Ihre Zuschauer manchmal immer noch verwirren, ob absichtlich oder nicht. Stellen Sie sich zum Beispiel vor, Sie schauen sich diesen kleinen Abschnitt hier an. Und wenn Sie dies alleine sehen, sehen Sie vielleicht einen Würfel, der auf dem Kopf steht, obwohl dies in der aktuellen Komposition ein leerer Bereich sein soll. Und es ist klar, wenn wir uns die gesamte Komposition gemeinsam ansehen . Aber wenn wir es extrahieren, können wir den Betrachter leicht verwirren, der sich auf das Gestaltprinzip verlässt, das als Schließung bezeichnet wird. Sie können auch interessante Designs wie dieses erstellen , bei denen es keine Schattierung gibt, nur eine einzige Farbe, Schwarz verwendet wird. Und diese kegelartigen dreieckigen Formen sind nicht einmal miteinander verbunden. Trotzdem fühlt sich unser Verstand sofort in diesem leeren Raum in der Mitte an. Und wir stellen uns vor, dass dies nicht nur ein Kreis ist, sondern eine tatsächliche Kugel, die wieder Volumen hat. Also nicht nur Höhe und Breite, sondern auch Tiefe. Und der Hauptgrund, warum wir es so sehen, ist, dass diese Stacheln hier kleiner sind und wir das Gefühl haben, weiter von uns entfernt zu sein. Während die Kegel hier auf der Vorderseite oder größer sind, aber auch diese elliptischen Formen haben , die beschreiben, dass der freie Rückruf leeren Raum ist. Manchmal können sehr subtile Hinweise wie diese Ihren Zuschauern helfen zu verstehen, was Sie tatsächlich haben, selbst in einer abstrakten Form wie dieser. Und falls Sie nicht gut zeichnen können oder keine Zeit damit verbracht haben dreidimensionale Foren zu zeichnen, empfehle ich dringend, etwas Zeit damit zu verbringen. Denn glauben Sie mir, es wird Ihnen sehr helfen , Tiefe in Ihren Kompositionen darstellen zu können, auch ohne sich tatsächlich auf Zeichnungen oder Illustrationen zu verlassen . Wenn es jetzt um tatsächliche Kompositionen geht, Zeigen oder Implizieren von Tiefe muss das Zeigen oder Implizieren von Tiefe nicht überwältigend sein. Du musst es also nicht übertreiben. Und wie die meiste Zeit ist weniger mehr. Je subtiler du sein kannst, aber trotzdem die Tiefe erreicht hast, desto besser. Und das schöne Beispiel für diese Zurückhaltung in Aktion ist dieses Cover des Romans von Zelda Fitzgerald, wo das einzige Detail, das Tiefe impliziert dieser kleine Teil des Gesichts ist. Anstatt also mehr Details aus der Buchstabenform herauszukommen, erreicht dies bereits dieses Gefühl der Tiefe. Und das ist eine gute Wahl, denn dies wird natürlich ein Schwerpunkt sein. Wir sind immer angezogen, Gesichter zu betrachten, auch wenn wir sie von der Seite sehen. Hier ist eine ähnliche Komposition, wieder Porträt und eine Buchstabenform miteinander kombiniert, aber auf eine ganz andere Art und Weise. Hier können wir das vollständige Bild sehen und der Buchstabe V verzahnt die Darstellung, wobei die Seite hier links hinter das Gesicht geht und wieder von den Lippen und dem Kinn unterbrochen wird. Und dann die andere Seite des Briefes, Es kommt deutlich vor den Körper, geht dann aber wieder leicht hinter den Kopf. Diese Aktion, aus dem Hintergrund in den Vordergrund zu kommen und dann wieder in den Hintergrund zu gehen erzeugt ein erstaunliches Gefühl von Tiefe. Aber wieder, wie zuvor, auf sehr subtile Weise. 5. Kurven, Linien und Schatten: Ich liebe dieses Beispiel auch, wo wir diese dicke weiße kurvige Linie haben , die wieder das Modell in der Komposition ineinander bringt. Und ich zeige das noch einmal wegen seiner Subtilität, denn obwohl wir hier in diesem seiner Subtilität, denn obwohl wir Bereich einen sehr subtilen Schlagschatten haben, der dazu beiträgt, diese Kurve von der dahinter liegenden Kurve zu trennen . Wir haben immer noch keinen weiteren Hinweis darauf, ob diese Kurve oder diese Kurve näher oder weiter von uns entfernt ist. Und der Grund, warum dies nicht notwendig war, liegt darin, dass ein anderes Gestaltprinzip namens Kontinuität verwendet wird, das besagt, dass der Betrachter Details fortsetzen kann , auch wenn sie es nicht sind vollständig sichtbar. So können wir dieser Form folgen, die uns eindeutig am nächsten ist , weil sie sich vor dem Modell befindet und dann hinter der Person zurückgeht. Aber wir können es hier sofort mit diesem anderen Abschnitt verbinden. Wenn wir es also verfolgen, können wir feststellen, dass dieser Abschnitt hier fortgesetzt wird und dann weiter weg geht. Und höchstwahrscheinlich, da diese Form im Vordergrund beginnt und weiter im Weltraum zurückgeht , wäre dieser Abschnitt näher bei uns und die andere Form würde darunter liegen. Wenn es also Schattierungen gäbe, würde ich mir vorstellen, dass diese Form ihren Schatten auf die andere Form wirft. Und neben dem Kontiguitätsprinzip bedeutet dies, dass auch das Einfachheitsprinzip verwendet wird, was bedeutet, dass nur die sehr notwendigen Details in die Komposition eingeführt werden und alles andere ist herausgenommen. Sie erinnern sich vielleicht , dass ich im vorherigen Video über atmosphärische Perspektive gesprochen habe . Diese Details, die uns näher liegen, fühlen sich in ihren Farben eher wärmer und lebendiger an. Und hier ist ein perfektes Beispiel, nur um Sie daran zu erinnern, wo wir sehen können, dass dies die Farben sind, die hauptsächlich im Vordergrund der Charaktere verwendet werden, während diese kühler und weniger gesättigt sind Farben, die im Hintergrund verwendet werden. Also noch einmal, auf dem Berg, Himmel und sogar diese Details hier unten. Und obwohl dies für die Veranschaulichung wichtiger ist, kann es dennoch in Ihren Grafikdesign-Kompositionen verwendet werden. Ein weiterer intelligenter Weg, um Tiefe in Ihren Kompositionen zu erreichen , ist die Verwendung von Textur. In diesem Fall haben wir diese Einschusslöcher, was bedeuten würde, dass sich vor dem Cover dieses Magazins ein Glasfenster oder ein Bildschirm befindet ein Glasfenster oder ein Bildschirm vor dem Cover dieses Magazins und Schüsse abgefeuert wurden und das Glas zerbrochen ist. Aber abgesehen von dieser Textur , die etwas etabliert, das uns am nächsten ist, entsteht noch weitere Tiefe innerhalb der Komposition, indem die Hauptfigur Daniel Craig, James Bond, steht vor dem Kopfkopf, was bei Zeitschriften eine sehr verbreitete Technik ist. Und dann habe ich Linien und den Rest der Topographie und unterstützende Bilder oben oder vor der Hauptfigur in der Komposition abgedeckt den Rest der Topographie und unterstützende Bilder oben oder . Auch ohne Einschusslöcher gibt es hier drei verschiedene Ebenen oder Schichten übereinander. Und diese zusätzliche Texturschicht fügt die vierte hinzu. Hier ist ein weiteres großartiges Beispiel dafür Tiefe mit Textur zu implizieren. In diesem Fall neben der offensichtlichen Perspektive , die wir auf den Buchstaben sehen können , in denen Details im Weltraum weiter entfernt sind. Wir haben auch das Gefühl, dass diese Buchstaben im Wasser stehen und dies mit dieser verzerrten Textur auf diesen reflektierten Details für jede der Buchstabenformen erreicht wird dies mit dieser verzerrten Textur auf diesen reflektierten Details für jede der Buchstabenformen erreicht . Obwohl es hier keine überlappenden Details und auch keine Schattierungsnutzung gibt, haben wir immer noch das Gefühl, dass es in der Komposition Abstand gibt, aber auch, dass es eine Ebene oder eine Wasseroberfläche gibt. Ich liebe einfache Lösungen wie diese, weil sie so effektiv sind. Anstatt also mehr Highlights und Schattierungen auf dem Wasser zu verwenden , impliziert dies einfach, dass diese Wellen oder Textur auf den reflektierten Details liegen. Und nicht zuletzt ist hier ein weiteres Beispiel für Textur, die verwendet wird, um Tiefe zu erzeugen. Aber auch hier fühlt es sich an, als gäbe es ein Fenster oder einen Bildschirm, das halbtransparent ist und die Details, weiter von uns entfernt sind, verschwimmen. Während das Gesicht, das sich uns am nächsten anfühlt , diesem halbtransparenten Bildschirm am nächsten kommt, ist klarer oder stärker im Fokus. Es ist eine geniale Lösung, um das Gesicht wirklich von den restlichen Details abzuheben und die Typografie auf diesem Bild lesbar zu machen. Sobald alle Details neben dem Gesicht verschwommen sind, ist es einfach, Text darüber zu platzieren da sie jetzt viel weniger stören , da es jetzt eine niedrige Frequenz in Bezug auf ein gibt visuelle Belastung. Und neben der Tiefe kann die Textur auch aus vielen verschiedenen Gründen im Grafikdesign verwendet werden . Und deshalb werden wir darauf zurückkommen und in einem anderen Video mehr darüber sprechen. 6. Overlay und Überlapp: Überlappen oder Überlagern von Bildern und Typografie in Ihren Kompositionen kann ebenfalls dazu beitragen, Tiefe zu erreichen. Und es kann auch verwendet werden, um andere Dinge wie Bewegung und Schrift hervorzuheben . In einigen Fällen können Sie diesen Ansatz auch verwenden, um mehr visuelle Informationen in eine einzige Komposition zu komprimieren mehr visuelle Informationen in , die sonst nicht möglich wäre . Die wichtigste Technik, auf die wir uns verlassen wenn wir Designanwendungen verwenden, um Überlappungen und Overlays zwischen unseren Elementen erzeugen zu können , ist die Verwendung von Ebenen. Sie sind für jedes Grafikdesign-Projekt von grundlegender Bedeutung. Es ist fast unmöglich, ohne sie zu arbeiten. In der Vergangenheit, vor dem digitalen Zeitalter und dem Desktop-Publishing, war es natürlich viel schwieriger, dies zu tun , da es sich einfach um keine Ebenen handelte. Und die einzige Möglichkeit, wie Grafikdesigner dies tun könnten indem sie buchstäblich Dinge ausschneiden und Dinge übereinander legen. Natürlich ist dies eine sehr begrenzte Methode, da Sie die Deckkraft dieser Komponenten nicht wirklich anpassen können. Und es gibt auch neue Mischmodi, die dazu beitragen können, interessante Interaktionen zwischen Ihren Ebenen zu erzeugen. Seitdem haben wir auf jeden Fall einen langen Weg zurückgelegt. Und es liegt hauptsächlich an der Einfachheit oder Leichtigkeit, mit Ebenen arbeiten zu können , die in vielen Grafikdesignprojekten zeigen. Und die gemeinsame Verwendung von Transparenz wird als integraler Bestandteil von Kompositionen verwendet. Denn wenn Sie darüber nachdenken, beruhen sowohl Überlappungen als auch Overlay sowohl Überlappungen als auch Overlay auf Sichtbarkeit oder Transparenz, die wie Farbe, Text und Bilder zu einem aktiven Gestaltungselement werden können . Wie immer in diesem Video werden wir uns einigen kreativen Anwendungen von Überlappungen und Overlays befassen. Obwohl wir in den vorherigen Videos einige Beispiele dafür gesehen haben , gibt es hier viel mehr zu entdecken und viel mehr Inspiration , die Sie in Ihren Projekten anwenden können. Ich habe bereits zu Beginn dieses Videos Mischmodi oder das Mischen von Ebenen erwähnt. Und das können wir sehen, dass es in vielen dieser Beispiele verwendet wird. Mischung ist jedoch nicht immer notwendig. Wir können auch einfach Transparenz nutzen, was bestimmte Elemente durchsichtiger macht als andere. So beruhen zum Beispiel das Logo der PG Tapes und auch das MasterCard-Logo mehr auf Vermischung als auf Transparenz. Und falls Sie in Anwendungen wie Photoshop häufig Mischmodi verwenden , entwickeln Sie das Auge darauf, sogar erkennen zu können , welcher Mischmodus verwendet wird. In diesem Fall glaube ich, dass es für die PG-Bänder multipliziert ist, während dies auf MasterCard eher wie Overlay aussieht. Es ist definitiv eine gute Idee, sich mit diesen Mischmodi vertraut zu machen. Aber hab nicht das Gefühl, dass du sie alle lernen musst. Denn je nachdem, welche Bilder oder Komponenten Sie miteinander verschmelzen möchten, erzeugen sie immer ein etwas anderes Ergebnis. Selbst nach einem Jahr, in dem ich sie benutzt habe, experimentiere ich immer noch und blättere manchmal alle durch bevor ich entscheide, welches in meiner Komposition am besten funktioniert. Das Coole beim Mischen statt Transparenz ist, dass beide Elemente , die Sie miteinander mischen, immer noch vollständig undurchsichtig oder sichtbar sind . Und hier ist ein großartiges Beispiel dafür. Wieder einmal haben wir die Illustration des Scats und wir haben auch den Typ darüber. Und denken Sie daran, was ich gesagt habe, manchmal verwenden wir diese Technik der Überlappung oder Überlagerung, um mehr visuelle Informationen in unsere Leinwand komprimieren zu können . In diesem Fall war es mit der Überlappungstechnik möglich, die Größe sowohl der Illustration als auch der Topographie zu maximieren . Beide füllen also die Leinwand vollständig aus. Und aufgrund der cleveren Verwendung von Overlay können wir immer noch beide sehen. Es ist auch wie eine Herausforderung, die Sie Ihren Zuschauern schicken , wenn Sie diese Art von Dingen tun. Sie müssen also ein bisschen härter arbeiten , um zu verstehen, was sie sehen. Da dies natürlich nicht so klar ist wie diese beiden Details nebeneinander zu haben, aber solange es genügend Unterschiede in den Farben der Details gibt , die miteinander vermischt werden, wird es nicht sein nervig oder verwirrend deine Zuschauer. Stattdessen wird es faszinierender und ansprechender sein. Beachten Sie, dass es hier auf der linken Seite dieses Posters tatsächlich einen kleinen Hinweis oder eine visuelle Hilfe gibt, bei dem es sich um genau die gleichen Texte handelt, die in der Komposition überlagert sind. Aber diese Texte sind hier viel einfacher zu lesen. Selbst wenn wir das nur für einen Bruchteil einer Sekunde betrachten, wird es uns helfen zu erkennen, was wir in der größeren Haupttopographie sehen können. Und in diesem Fall ist es nicht nur das Overlay , das das Lesen des Textes erschwert , da die Lesbarkeit durch die drei Wörter in Japan weiter reduziert oder verringert wird durch die drei Wörter in Japan weiter reduziert oder verringert die drei Wörter in physisch ineinander verschmolzen. So wird zum Beispiel der Buchstabe a , den wir hier sehen können, sowohl für das Wort gemacht als auch für Japan hier unten verwendet . Beachten Sie jedoch, dass sogar das Wort in mit dem anderen Endzeichen im Wort Japan verbunden ist . Und wenn das nicht genug war, gibt es hier noch ein weiteres interessantes kleines Detail. Das E-Zeichen im Wort gemacht hat tatsächlich zwei Balken statt nur einen. Und ich bin mir nicht sicher , warum das notwendig war, zumal diese Lücken hier nicht gleich sind. Der eine in der Mitte ist also breiter als die anderen beiden. Das einzige, was mir einfällt, ist , dass das ohne diese beiden Balken ein bisschen zu viel negativer Raum hier oben gewesen wäre , verglichen mit dem Rest der Komposition. Es war also wahrscheinlich notwendig, das richtige visuelle Gleichgewicht zu erreichen. wieder zum Mischen komme, glaube ich noch einmal, das ist multipliziert oder es könnte hartes Licht oder vielleicht sogar Overlay sein, kein 100% sicheres. Wenn diese kostenlosen Farben übereinander liegen, können wir jedoch übereinander liegen zu trennen die beiden Ebenen, die wir sehen, übereinander zu trennen, die Dinge können noch mehr werden interessant, wenn Sie anfangen, in einer einzigen Komposition zu kombinieren, zu überlagern und zu überlappen. In diesem Fall ist es eine sehr ähnliche Kombination. Sogar die Farben sind ähnlich. Und wir können sehen, dass die Mischung in bestimmten Bereichen stattfindet, wie hier, hier, da und so weiter und so weiter. Wo auch immer Sie diese dunklere blaue Farbe sehen, hier sind sowohl die Wörter hoch als auch fünf gleichzeitig aufgrund der Überlagerung oder Mischung sichtbar . Beachten Sie jedoch, dass es hier auch Überschneidungen gibt, da sich die beiden Wörter in einigen Teilen tatsächlich gegenseitig vertuschen. Wie in diesem Fall verschwindet der blaue Text hinter dem roten. Das Gleiche passiert hier. Wieder einmal befindet sich der blaue Text hinter dem roten Text. Und wenn Sie hier ein bisschen mehr Zeit damit verbringen , alle ineinander verflochtenden Details zu analysieren, werden Sie feststellen, dass sich der blaue Text jedes Mal , wenn der blaue Text in den Vordergrund kommt, sich in die roten Zahlen einfügt text. Während der rote Text vollständig undurchsichtig ist und er sich nicht mit den blauen Texten vermischt , wenn dies in den Hintergrund kommt. Wenn Sie also mit mehreren Effekten arbeiten, in diesem Fall Überlappungen und Überlagerungen, ist es wichtig mit mehreren Effekten arbeiten, in diesem Fall Überlappungen und Überlagerungen, , dass Sie sich an eine bestimmte Regel halten. In diesem Fall bleibt ein Wort undurchsichtig und nur das andere wird zum Mischen verwendet. Andernfalls kann es verwirrend sein, wenn es kein System gibt, und Sie könnten die Interessen Ihrer Zuschauer verlieren. 7. Vorne oder hinten: Hier ist ein weiteres großartiges Beispiel dafür Dinge übereinander liegen. In diesem Fall war das Mischen hauptsächlich wegen des Unterschieds in den beiden übereinander liegenden Dingen nicht notwendig wegen des Unterschieds in . Es gibt also einen riesigen Kontrast zwischen dieser dünnen Linienkunst des Faultiers und der klobigen weißen Typografie dahinter. Und es ist eigentlich nicht klar, was vorne ist und was dahinter steckt. Hauptsächlich würde ich dies als im Vordergrund betrachten , weil es größer ist. Und wenn Sie sich erinnern, wenn wir über den Raum nachdenken, was auch immer größer ist, fühlt sich uns immer näher. Jetzt gibt es eine Sache, auf die Sie wirklich achten müssen, sobald Sie anfangen, Dinge übereinander zu überlagern oder zu überlappen . Und das sind die Tangenten in deiner Komposition. Und das ist eigentlich ein Bereich, den wir in diesem Thema viel ausführlicher behandeln werden . Aber im Wesentlichen bedeutet dies, dass Sie vermeiden müssen , dass Details aus verschiedenen Elementen miteinander kollidieren oder sich ihre Kanten genau in derselben Position treffen. Denn das kann verwirrend und ablenkend sein, ohne zu wissen, was eigentlich näher und weiter von uns entfernt ist . In diesem Fall wegen des hohen Kontrastes zwischen den beiden übereinander liegenden Elementen. Wir müssen nicht wirklich zu viel über Tangenten nachdenken. Trotzdem glaube ich, dass dieser Bereich hier ein bisschen zu nahe beieinander kommt. Die Oberseite des O ist also perfekt ausgerichtet. Zwei wichtige Merkmale der Faultiere, wie Nase und Augen. Wenn es also nach mir ginge, hätte ich das Faultier einfach so etwas höher bewegt , so dass diese Details nicht mit dieser Linie des O in kollidieren möglicherweise eine absichtliche Entscheidung gewesen sein um es genau dort zu platzieren. Dies würde jedoch bereits als subtil, aber immer noch auffällige Tangente angesehen werden . Wenn ich sehr wählerisch und kritisch wäre, würde ich sagen, dass es hier noch eine kleine Tangente gibt. Wieder einmal trifft die Linie genau zu diesem Zeitpunkt die Ecke dieses Briefes. Und selbst diese kleine Zeile folgt fast genau dem Ende oder Koordinator dieses Briefes hier auf der linken Seite. Und das Gleiche passiert hier und hier. Wieder einmal ist die Linie perfekt tangential zu den Kurven der Typografie. zum Beispiel einen Blick auf diese Illustration hier. Die Art und Weise, wie dieses Gemüse übereinander und wieder ineinander gemischt wird, ermöglicht es ihnen, alles sichtbar und erkennbar zu stehlen, selbst in diesem stark stilisierten oder abstrahierten Version. Aber um sicherzustellen, dass klar ist , dass sie übereinander stehen, obwohl wir sie durchschauen können, stellte der Designer oder Illustrator sicher dass es keine Tangenten in dieser Komposition gibt. So haben zum Beispiel die Karotte und die Zwiebel an diesem Ort eine offensichtliche Überlappung. Nun, stell dir vor, die Karotte wurde ein wenig nach links geschoben und es gab eine Spannung dort. Dann würden wir sofort dieses Gefühl von Tiefe verlieren und die Dinge würden viel zu flach aussehen. Dann verlassen Sie sich ausschließlich darauf überlappen und Dinge nicht zu überlagern. Dann können Sie immer noch einige subtile Effekte wie Schlagschatten einführen , um Raum und Tiefe anzuzeigen. In diesem Fall haben wir das Typwerkzeug perfekt weit abgesehen von dem einen Buchstaben auf der Rückseite , der rot gesetzt ist. Beachten Sie jedoch, dass einige dieser Buchstaben eine subtile Schattierung haben. Es ist am auffälligsten hier auf dem W, kann es auch ein bisschen hier auf dem Rot sehen, und vielleicht einfach nur so leicht hier auf dem M. Auch wenn Sie solche Effekte einführen, stellen Sie sicher, dass Sie es sind sehr subtil damit. Verwenden Sie also den am wenigsten notwendigen Betrag. Nehmen wir an, Sie haben eine Ebene für den Schatten erstellt , die auf 100% Deckkraft eingestellt ist. Ich würde den ganzen Weg auf 0% zurückgehen und es langsam erhöhen, bis es schon genug ist, um spürbar zu sein. Das erste Mal, dass Sie anfangen können, es zu sehen , wird ausreichen, verglichen mit langsamen Abstieg von 100 Prozent , bis Sie denken oder glauben, dass es subtil genug wurde. Gehen Sie also langsam von 0% nach oben , anstatt es in die andere Richtung zu tun. Denken Sie daran, dass ich am Anfang erwähnt habe , dass Sie Bewegung erreichen können , indem Sie Dinge übereinander legen oder überlappen. Und in diesem Fall ist es ein brillantes Beispiel für dasselbe Bild. Verwenden Sie dreimal in verschiedenen Farben, die miteinander gemischt werden. Und indem wir sie einfach innerhalb der Komposition drehen lassen , simuliert diese Bewegung so leicht , die wir erwarten würden wenn wir den Radfahrer sehen, der einen Hügel hinaufsteigt und kämpfte, lehnt sich nach links und rechts. Diese Art von Komposition funktioniert gut, wenn Sie auf die wiederholten Details achten, in diesem Fall ist die Bank nahe beieinander. Wir haben also einen visuellen Anker in der Komposition und die Dinge werden nicht zu verwirrend. Hier haben wir ein weiteres brillantes Beispiel für vier völlig unterschiedliche Bilder verschiedene Farben verwenden, die ineinander gemischt sind. Und diese Farben sind eigentlich die Farben der Tinte, die im Druck verwendet werden. Cyan, Magenta, Gelb und Schwarz. Und was diese Komposition wirklich ansprechend macht , glaube ich, ist, dass wir das Hauptbild schwarz haben, das sich am stärksten anfühlt oder das das meiste visuelle Gewicht hat , sehr statisch und zentriert durch die anderen drei Bilder sind viel dynamischer. Und es gibt sogar auf der Flugbahn, die wir bemerken können. Es fühlt sich also fast so an, als hätte die Komposition eine Bewegung von links nach rechts. Ich bin mir sicher, dass Sie Beispiele für diese Art von Kompositionen gesehen haben, bei denen Sie zwei völlig verschiedene Dinge übereinander belegt haben. Dies wird in der Fotografie tatsächlich als Mehrfachbelichtung bezeichnet. Es wurde jedoch zu einem Trend im Grafikdesign. Und jetzt gibt es so viele verschiedene kreative Anwendungen , dass Sie diese spezielle Methode finden können. Und ich mag dieses Beispiel wirklich, weil es zunächst das Gesicht einer Frau benutzt, was immer eine gute Möglichkeit ist, die Aufmerksamkeit der Menschen auf sich zu ziehen. Aber dann hat es auch die Bücher, die sich auf das Thema beziehen. In diesem Fall habt ihr das getan. Es geht ums Lesen. Um diese Art von Effekt zu erzielen, müssen Sie keine Mischmodi verwenden. Sie müssen einfach die beiden Ebenen übereinander ausrichten und mithilfe von Ebenenmasken bestimmte Teile jeder Ihrer Ebenen ein- und ausblenden . Wenn Sie also die Deckkraft jeder Ebene ändern, müssen Sie die Sichtbarkeit von Elementen schrittweise reduzieren. Während das Gesicht auf der linken Seite vollständig sichtbar ist und die Bücher auf der rechten Seite vollständig sichtbar sind. Sie ernähren sich langsam ineinander. Dieser Übergang ist jedoch nicht wie ein linearer Farbverlauf da wir die Bücher oben besser sehen können, während sie unten viel schneller verschwinden. zurück zum Mischen und zum Overlay-Effekt wechseln, können Sie auch extrem clever und kreativ sein , wie Sie es in Ihren Kompositionen verwenden. Wie bei diesem Fight Club Poster. Aber das Profil der beiden Hauptakteure wird miteinander vermischt. Und die daraus resultierende Mischung hier in der Mitte bildet tatsächlich die Silhouette oder die Phase der dritten Figur aus dem Film wurde von Helena Bone und Carter gespielt. So etwas ist natürlich sehr schwer zu erreichen, da man wirklich die richtigen Bilder finden muss , damit diese Art von Komposition funktioniert. Aber wenn dies der Fall ist, schafft es ein sehr auffälliges und überzeugendes Design. 8. Form und Form: Jeder Grafikdesigner sollte lernen zu arbeiten und Formen und Formen in seinen Kompositionen optimal zu nutzen . In diesem Video werden wir einige wichtige Begriffe behandeln , mit denen Sie vertraut sein sollten. Aber wir werden uns auch ein paar erstaunliche und kreative Beispiele ansehen. Während Formen und Formen eine wichtige Rolle spielen. Zunächst einmal besteht der Unterschied zwischen Form und Form darin, dass es sich um Formen handelt wenn sie zweidimensional sind, Kreise, Rechtecke, Dreiecke und gerade Linien. Während Formen dreidimensionale Objekte wie Würfel, Kugeln, Zylinder, Kegel und so weiter und so weiter sind . Ich liebe dieses Projekt , bei dem wir das Originalfoto und die Komposition hier in der linken oberen Ecke sehen können das Originalfoto und . Und dann sehen wir hier auf der rechten Seite eine stilisierte abstrakte Version, die Foren verwendet. Und dann unten eine weitere abstrahierte Version, die sich ausschließlich auf Formen stützt. Im realen Leben unterscheiden sich Formen und Formen sehr voneinander. Während des Grafikdesigns werden sowohl Formen als auch Formen immer noch in einer zweidimensionalen Ebene, der gedruckten Seite oder einem Bildschirm dargestellt . Und wir müssen uns auf Dinge wie Schattierung und Perspektive verlassen , um sicherzustellen, dass die Form immer noch dreidimensional aussieht. Und darüber haben wir bereits gesprochen. Dies impliziert Raum oder impliziert die dreidimensionalen Foren. Aber selbst wenn Sie mit Formen arbeiten, können Sie immer noch Tiefe implizieren. Zum Beispiel wiederum durch Verwendung von Schattierung oder sogar Textur im Falle dieser Komposition. Ein weiterer wichtiger Begriff, an den man sich erinnern sollte, wenn wir über Formen sprechen ist, ob etwas eine positive oder negative Form hat. Der einfachste Weg, dies zu erklären , ist, dass beim Betrachten positiver Formen Details enthalten sind, während eine negative Form nur einen Umriss hat. Im Falle dieser Komposition sehen wir zum Beispiel ein paar positive Formen wie schwarze Dreieck oder diese Dreiecke mit den Bildern von Menschen in ihnen. Und diese werden mit all diesen Dreiecken kombiniert , die über ihnen überlagert sind, die nur einen dünnen Umriss verwenden. Und das sind diejenigen, die wir als negative Formen bezeichnen würden. Im vorherigen Video haben wir diskutiert, überlappende Objekte übereinander zu überlagern. Und hier sieht man wieder ein großartiges Beispiel, überlappen sowohl positive als auch negative Formen übereinander , eine sehr faszinierende und ausgewogene Komposition erzeugen können . Natürlich müssen Sie nicht ständig negative und positive Formen kombinieren. Sie können sich auch einfach auf negative Formen verlassen und trotzdem eine interessante Komposition erstellen , wie in diesem Fall, wieder sehen wir nur die Umrisse dieser Form und all die anderen Details um sie herum. Und was das noch interessanter macht, ist, dass wir auch den Umriss sehen und ein perfekter Kreis sind, obwohl es keine tatsächliche Linie gibt die die Dinge zusammenhält. In gewisser Weise, dass dieser Kreis , der nicht einmal da ist, stellen wir uns nur vor, dass er nicht einmal eine negative Form ist. Es ist weniger als das. Es kann als versteckte Form angesehen werden. Und denken Sie daran, dass die Schließung eines der Gestaltprinzipien ist , die Entwürfe interessant machen können. Auch hier verlassen wir uns darauf, dass sich unser Zuschauer die fehlenden Details vorstellt und die Elemente verbindet , die er sieht. Sowohl Formen als auch Formen können als organisch oder geometrisch eingestuft werden , was manchmal auch als anorganisch bezeichnet wird. Und in dieser Komposition können wir eine großartige Paarung von S-Form und Foren sehen . Also haben wir diesen Kreis hier, der eine Form hat, und dann haben wir diese dreidimensionalen flüssigen Formen. Und während der Kreis im Hintergrund eine geometrische Form hat, ist diese Flüssigkeit hier im Vordergrund eine organische Form. Alles kann als organisch angesehen werden, das ist mehr als nur die Kombination der einfachen geometrischen Formen oder geometrischen Formen. Ein weiteres sehr häufiges Attribut , das wir mit organischen Formen und Formen assoziieren würden , ist jedoch , das wir mit organischen Formen und Formen assoziieren würden , ist , dass ihre Umrisse hauptsächlich aus Kurven besteht. Und selbst wenn sie Ecken haben, sind sie normalerweise abgerundet. Hier haben wir noch ein schönes Beispiel für nochmal, eine Kombination aus geometrischen und organischen Formen. Diese Kreise und die Linien, alle geometrischen Formen. Während wir hier sind, haben wir eine organische Form. Dies gilt auch als organische Form. Auch wenn es keinen Umriss hat, würden wir dies immer noch als eine Form ansehen. Und dann gibt es hier oben links auch eine andere organische Form, die das, was wir hier rechts haben, schön ausbalanciert und auch dazu beiträgt, diese diagonale Komposition zu schaffen. Jetzt, selbst wenn wir uns Fotos wie in diesem Fall ansehen , diese Dame hier oder die Blumen hinter ihr. Wir können diese organischen Formen auch in Betracht ziehen. Diese Begriffe gelten also immer noch, wenn wir in drei Dimensionen denken. 9. Primitive oder Verbindung: Eine weitere wichtige Möglichkeit, Formen zu kategorisieren, besteht darin, ob es sich um Primitive oder einfache geometrische Formen handelt, wieder Kreise, Dreiecke, Quadrate oder die zusammengesetzten Formen, die aus Formen zu kategorisieren, besteht darin, ob es sich um Primitive oder einfache geometrische Formen handelt, wieder Kreise, Dreiecke, Quadrate oder die zusammengesetzten Formen, die aus mehrere Shapes verschmelzen miteinander. Im Falle dieses Posters sehen wir zum Beispiel viele Dreiecke übereinander, aber diese würden immer noch einzeln als Primitive oder einfache Formen betrachtet . Während die Topographie und die Buchstaben bereits einzeln als zusammengesetzte Formen betrachtet werden können . Zum Beispiel kann der Buchstabe e aus vier Rechtecken bestehen, 123 und vier. So können Sie sich das und all die anderen Buchstaben vorstellen , die aus einfachen Formen bestehen. Und es gibt einige großartige Beispiele im Logo-Design, bei denen Sie interessante zusammengesetzte Formen erstellen können interessante zusammengesetzte Formen erstellen , indem Sie sie einfach implizieren ein paar einfache oder primitive Formen nebeneinander platzieren . In diesem Fall werden diese Rechtecke in einer Radialsymmetrie angezeigt und sie bilden einen interessanten negativen Raum , der tatsächlich zu einer anderen Form wird, diesen Stern, der standardmäßig würde als zusammengesetzte Form angesehen werden. Hier ist ein weiteres Beispiel, das dank dieser Farbverläufe und der Schattierung dreidimensionaler ist. Aber wenn man dies nur für eine so einfache, dicke Linie hält , die verdreht und in sich gefaltet wurde. Andererseits hatten wir ursprünglich eine so einfache Form, die dann eine zusammengesetzte Form in der Ende- oder zusammengesetzten Form schuf , wenn wir dies als dreidimensional betrachten. Und hier ist ein weiteres großartiges Logo-Beispiel. Nun, wir können sehen, dass wir selbst innerhalb eines einzelnen Objekts nahtlos zwischen einer geometrischen und organischen Form wechseln können . Wir können dies also als eine Sphäre betrachten , wenn wir uns vorstellen, dass sie geschlossen wird. Aber wir können auch diese flüssige Spirale sehen, die immer wieder hochgeht und sich um diese unsichtbare Kugel wickelt. Inzwischen können Sie bereits das Muster sehen, dass visuelle Interessen erreicht werden können, normalerweise durch die Kombination kontrastierender Dinge, ob es sich um negative und positive Formen, organische und geometrische Formen handelt, oder einfache und zusammengesetzte Formen. Und ein weiterer Begriff, an den man sich erinnern sollte, besonders wenn Sie daran interessiert sind, Icons zu entwerfen , sind abstrakte Formen, die wiederum eine Form von zusammengesetzten Formen sind. Oder speziell um eine vereinfachte Darstellung von realen Formen oder Formen und Symbolen wie diesen Badezimmerschildern zu schaffen eine vereinfachte Darstellung von realen Formen oder Formen und Symbolen wie diesen Badezimmerschildern sind perfekte Beispiele für abstrakte Formen. Obwohl sie im Vergleich zu dem, was sie darstellen, extrem vereinfacht sind, können sie als Siegel erkannt werden. Und der Vorteil dieses Vereinfachungsprozesses besteht darin, dass sie viel universeller werden. Wir können uns also nur mit den Geschlechtern dieser beiden Charaktere verbinden , aber wir können ihr Alter, ihre ethnische Zugehörigkeit oder andere Attribute nicht sehen . Und schließlich ist es wichtig zu erwähnen, dass es tatsächlich eine Psychologie der Formen gibt. Alle primitiven Formen haben also Gefühle verbunden, die mit ihnen verbunden sind. Und das beste Beispiel, um dies zu verstehen, ist, wenn Sie über den Film von Pixar nachdenken , in dem alle Charaktere sehr unterschiedliche Eigenschaften und Persönlichkeiten haben . Aber wenn man sich ihr Design anschaut, sieht man, dass sie auch aus den darüber liegenden Formen bestehen . Wut sieht also fast wie ein einfaches Quadrat aus, während Traurigkeit wie ein Kreis oder eine Ellipse aussieht, Ekel ist wahrscheinlich Untersetzer für ein Dreieck, hauptsächlich aufgrund des Rockes, den sie trägt. Während Freude und Angst sich über etwas komplexere Formen und Assoziationen erfinden. Es sieht also eher wie ein Fragezeichen aus. So können wir diese frühere Form sehen, sowohl in seinem Körper als auch in seinen Haaren. Wir haben diese Art von Fragezeichen-Typ, Form. Und Freude sieht normalerweise nach Geschichte aus, besonders wenn sie ihre Arme und Beine ausbreitet und ständig aufgeregt ist . In diesem Board habe ich eine Liste der am häufigsten assoziierten Attribute oder Merkmale , an die wir denken würden wenn wir uns bestimmte Primitive ansehen. Und Sie können sehen , dass es sogar einen großen Unterschied zwischen horizontalen und vertikalen Linien gibt. Während eine horizontale Linie bedeuten kann, sich durch die Zeit zu bewegen, fühlt sich eine vertikale Linie stabiler oder statischer an und kann Engagement bedeuten. Zum Beispiel haben Kreise und runde Formen im Allgemeinen eine positive emotionale Stimmung, und deshalb werden sie so häufig in Illustrationen für Kinder verwendet. So können wir auch an diesen sehr einfachen Formen wieder sehen , dass wir diese Tiere immer noch erkennen können. Und wir haben auch dieses großartige Beispiel für den Wal, der sich innerhalb eines Kreises gebildet hat. In diesem Fall tragen diese runden Formen dazu bei, alles süßer, freundlicher oder einladend aussehen zu lassen. Und selbst bei der Typografie können Sie diese Konnotationen oder Assoziationen zu den Merkmalen nutzen , die ich zuvor erwähnt habe. In diesem Fall machen die langen vertikalen Linien und auch der scharfe Winkel hier unten der scharfe Winkel hier unten diese Komposition ziemlich dramatisch. Und diese Form kann Stärke, Macht oder Tapferkeit symbolisieren. Durch dieses Design, das vollständig aus Typografie besteht, fühlt sich viel solider , statischer und ausgewogener an, vor allem dank der Tatsache, dass es ein perfektes Quadrat bildet, aber auch die subtilen runden Ecken helfen machen Sie dies im Vergleich zum vorherigen Design etwas zugänglicher. Und eine letzte Sache, die ich erwähnen wollte, ist, dass Sie auch Gegenüberstellung verwenden können wenn Sie bestimmte Gegenstände zeigen, mit denen wir vertraut sind, auf ganz andere Weise, wie diesen Schädel oder Der Golfball verwandelte sich in einen Würfel oder ein Quadrat. Das Erstellen ungewöhnlicher Versionen bekannter Objekte kann immer einen großen Schockwert schaffen, der die Aufmerksamkeit Ihrer Zuschauer auf sich ziehen wird. 10. Textur: Es ist leicht, die Textur als Gestaltungselement zu übersehen. Wenn es jedoch geschickt in Kompositionen verwendet wird, kann es Kontrast und Tiefe erzeugen und sogar Emotionen von unseren Zuschauern hervorrufen. Nun, genau wie alles andere im Design, sollten Sie niemals die Textur verwenden, nur um der Sache willen. Es sollte immer die Botschaft Ihrer Komposition verstärken und unterstützen die Botschaft Ihrer Komposition da wir nicht richtig verwendet werden, Texturen können leicht ablenken. Was ich an Texturen wirklich mag und der Grund, warum ich sie gerne in meiner Arbeit verwende , ist, dass wir uns normalerweise nur auf die Vision unserer Zuschauer verlassen können . Die Leute schauen sich also das Design an, das wir kreieren. Das ist der einzige Sinn, den sie benutzen. Sobald Sie jedoch eine Textur eingeführt haben, ob sie physisch oder virtuell ist, werden Sie sich auf ihr Berührungsempfinden verlassen. Und im wirklichen Leben können wir jetzt nur Dinge mit unseren Händen fühlen, aber alles, was unsere Haut berührt, werden wir auf dieses Gefühl reagieren, ist unglaublich empfindlich. Sie können zum Beispiel sogar spüren, wie ein einzelnes Haar auf Ihre Hand fällt. Selbst wenn Sie nur Texturen in Ihren Kompositionen zeigen oder implizieren, Erfahrungen Ihres Betrachters in der werden die Erfahrungen Ihres Betrachters in der Interaktion mit diesen Texturen zurückgerufen. Und ihre visuelle Erfahrung, Ihr Design zu betrachten , wird mit dem Berührungsgefühl bereichert mit dem Berührungsgefühl , das sie sich in ihrem Kopf vorstellen. Jetzt habe ich erwähnt, dass Texturen im Grafikdesign auch taktil und physisch sein können und nur virtuell sind. Das ist also etwas , das sie tatsächlich erleben und berühren können . Ein gutes Beispiel dafür, eine spezielle Drucktechnik ist ein Chef. Und der Chef, wenn Sie bestimmte Details wie Topographie ins Papier gedrückt oder ausgestanzt haben. Und dies kann sogar mit speziellen Tinten kombiniert werden , die auf denselben Bereichen verwendet werden, was den Kontrast wieder erhöhen kann wie in diesem Beispiel, wo wir den Rohkarton neben diesen geschieden oder gepresst haben In der Typografie, die mit dieser speziellen metallischen Tinte im Thema Druckdesign behandelt wird, werden wir viel mehr über diese und verschiedene andere Drucktechniken sprechen , die dazu beitragen können, Ihre Komposition mehr zu gestalten und ansprechend im Vergleich zu taktilen und physikalischen Texturen, für die wir uns auf diese speziellen Drucktechniken verlassen müssen. Sie können auch digitale Texturen verwenden , bei denen Sie nur bestimmte Materialien implizieren. Dies ähnelt wiederum Tiefe bei all den Techniken , die wir bereits behandelt haben. Und bestimmte Texturen wie dieser Kunststoffvorhang können der Komposition auch Tiefe verleihen. Wann immer Sie sich entscheiden eine Textur in Ihrer Komposition zu verwenden, sollten Sie immer über ihre Qualitäten nachdenken. In diesem Fall ist die Textur sehr reflektierend und wird jedes Licht in der Umgebung aufnehmen. Und es funktioniert tatsächlich erstaunlich gut in diesem Fall, weil wir das reflektierte violette Licht sehen können , das sonst nicht sichtbar ist, weil es nichts anderes im Hintergrund gibt , das würde anderweitig angegeben. Es ist eine sehr gängige Praxis für Werbung, insbesondere für Getränke und Säfte, dass eine Form von Flüssigkeit auch als Textur in der Zusammensetzung verwendet wird. Wie hier haben wir all diese schönen kleinen Tropfen neben den Orangenscheiben. Und in diesem Fall können nicht nur die Tropfen als Texturen betrachtet werden, sondern sogar die Orangen selbst. Und in diesen Fällen zusätzlich zum Gefühl von Sehen und Berührung lösen wir zusätzlich zum Gefühl von Sehen und Berührung auch das Geschmackserlebnis aus. So ist es immer eine gute Möglichkeit, leckeres Essen oder sogar Zutaten eines Getränks zu zeigen ist es immer eine gute Möglichkeit, leckeres Essen oder sogar Zutaten eines Getränks , um Aufmerksamkeit Ihrer Zuschauer zu erregen und sie durstig oder hungrig zu machen. 11. Flüssigkeiten: Hier können wir ein paar wirklich coole virtuelle Texturen sehen , die auf die Topographie angewendet werden. Die meisten von ihnen simulieren Flüssigkeiten. Wie in diesem Fall haben wir eine zweidimensionale Darstellung von Flüssigkeit. Während wir hier einen 3D-Render haben, der diese abstrakte organische Form einer Art Flüssigkeit zeigt . Es sieht eher aus wie Öl. Dann haben wir hier einen weiteren coolen digitalen Handschriftzug, der tropfende Farbe simuliert. Und sehr ähnlich ist diese Komposition, die schmutzig sagt eine sehr coole Kombination von etwas, das komplett digital ist, nämlich die Handschrift, aber kombiniert mit einem tatsächlichen einer schmutzigen Hand, macht die gesamte Komposition viel mächtiger und wirkungsvoller. 3D-Renders werden auch häufig verwendet, um Texturen in die Arbeit einzuführen Sie finden viele verschiedene Beispiele dafür, wie diesen pelzigen und Prozent hier rechts, was so weich aussieht und Sie einfach nur will die Leine abschneiden wie ein Teddybär. Um die visuellen Interessen zu erhöhen, können Sie immer ganz andere und kontrastierende Texturen kombinieren , wie hier haben wir diese sehr weiche Textur in einem der Foren. Der andere sieht viel schärfer, steifer und kälter aus. Hier ist eine weitere interessante Komposition , die zeigt, dass Sie nicht einmal zwei verschiedene Texturen einführen müssen , um Kontrast zu erzeugen. Weil wir durch das Auftragen der Textur nur auf einen Abschnitt, in diesem Fall 1,5 der Komposition, nur auf einen Abschnitt, in diesem Fall 1,5 der Komposition, sofort einen großen Kontrast zwischen den beiden Seiten geschaffen haben. Und da wir einige Topografie auf diesem Poster haben, Es ist auch erwähnenswert, dass sogar Text eine Textur in Ihrer Arbeit bildet, die Sie normalerweise nicht denken würden, weil jeder allem liest die Steuer, die in einer Komposition platziert wird. Wenn Texte jedoch wie hier verzerrt oder sogar um 90 Grad gedreht werden, ist es einfacher, sich auf die Texturqualität des Textes zu konzentrieren , der hauptsächlich auf der Schrift beruht , in der Sie verwenden deine Arbeit. Und auch Dinge wie die Verfolgung oder den Buchstabenabstand, der Vor- oder Zeilenabstand und natürlich Farbe, Skalierung und sogar die Position des Textes innerhalb der Komposition. In diesem speziellen Fall glaube ich, dass der Designer absichtlich diese kühne und sperrige Schrift gewählt hat, die sich um 90 Grad zur Seite drehte, immer noch perfekt auf Deutsch liest, die Sprache dass es eingestellt ist. Aufgrund seiner Dicke und Ausrichtung kann es uns jedoch auch an japanische Schriftzeichen erinnern , die vertikal statt horizontal geschrieben sind . Habe gerade versucht, deine Augen zu schielen und du wirst dir höchstwahrscheinlich die japanischen Schriftzeichen vorstellen können. Virtuelle Textur wird auch sehr häufig in der digitalen Illustration verwendet , um traditionelle Medien wie Farbe oder Buntstifte auf Leinwand zu simulieren . So können wir zum Beispiel hier eine Illustration ohne Textur sehen. Und wenn wir die Textur einführen wird die Textur viel interessanter und fühlt sich natürlicher an. Es kann dazu beitragen, die Steifigkeit und Struktur von Vektorillustrationen zu reduzieren . Hier ist ein weiteres schönes Beispiel für eine Illustration , die stark von Texturen abhängt. Und ich liebe die Tatsache, dass der zentrale Bereich zum Mittelpunkt steht, nicht nur indem er in einer kontrastierenden Farbe zur Umgebung gesetzt wird, sondern auch dadurch, dass er keine Textur hat. Obwohl wir rundum Textur sehen, ist dieser zentrale Teil hier völlig sauber. Und obwohl die Texturen vollständig virtuell sind und alles in einem digitalen Format vorliegt, gibt es uns immer noch das gleiche Gefühl, wenn wir verschiedene Texturen in einem gedruckten Format berühren. Letzt ist es auch erwähnenswert, einen weiteren nützlichen Begriff zu erwähnen , den Sie möglicherweise hören, insbesondere wenn Sie sich mit Webdesign oder UX-Design befassen. Es ist Skeuomorphismus , eine Technik , mit der reale Objekte simuliert werden. Es gab einen großen Trend, bei dem alle Icons damit geschaffen wurden. Und hier können wir einen Vergleich der alten Icons sehen , die Skeuomorphismus verwenden. Die wahrscheinlich realistischsten sind die Knoten und der neue Standard, die beide diese Objekte in 3D zeigten, obwohl sie in diesem kleinen quadratischen Format eingeschränkt sind . Noch wichtiger ist jedoch, dass sie auch Texturen der Originalobjekte implizierten. In diesem Fall ist Papier hier die Abstimmung, aus der das Bücherregal besteht, und vergleichen Sie es mit dieser völlig anderen Richtung, ist das flache Design, in dem alle diese skeuomorphen Details entfernt werden. Trends im Grafikdesign kommen und gehen genau wie in der Mode. Sie sollten also etwas nicht ignorieren, nur weil es derzeit nicht benutzt wird oder nicht im Trend liegt. Und die meiste Zeit, wenn sich etwas veraltet anfühlt, wird schließlich zurückkehren und wieder im Trend werden, vielleicht mit der Kombination eines anderen Stils. 12. Perspektive: Perspektive ist ein Begriff, den Sie meistens im Kontext von Architektur, Zeichnung, Illustration oder Fotografie erwähnt hören würden im Kontext von Architektur, Zeichnung, Illustration oder Fotografie erwähnt hören . Es spielt jedoch auch eine sehr entscheidende Rolle im Grafikdesign. Es ist auch eine Möglichkeit, Tiefe zu simulieren, die wir im wirklichen Leben in unseren Kompositionen erleben. Aber es kann unseren Entwürfen auch viel Dynamik und Dynamik verleihen , um die Perspektive zu verstehen Zunächst müssen wir den Begriff Fluchtpunkt verstehen , der ein Punkt im Raum ist. Alle zurückgehenden parallelen Linien scheinen zu konvergieren. Um das zu verstehen, im Falle dieser ersten Komposition hier, des Schuldscheinplakats, hätten wir im Falle dieser ersten Komposition hier, des Schuldscheinplakats, irgendwo einen Fluchtpunkt der Nähe dieses Schwerpunkts in der Komposition, in der Männer stehen die Tür. Wichtig ist jedoch, dass, wenn wir diese beiden Linien verbinden , die parallel zueinander sein sollen , wo immer sie sich treffen, irgendwo in der Ferne , dies ein Fluchtpunkt sein wird. Wenn Sie jetzt Perspektive in Ihren Entwürfen verwenden, können Sie entscheiden, wie viele Fluchtpunkte Sie nicht verwenden möchten. Ein einziger Fluchtpunkt reicht bereits aus, damit sich die Dinge realistisch anfühlen. Bei diesen Fotografien hier auf der linken Seite sehen Sie hauptsächlich den Fluchtpunkt in der Mitte, aber alle zurückgehenden parallelen Linien konvergieren zu. Wir können also sehen, dass diese Linien alle dorthin zeigen. Die auf der rechten Seite und sogar die Bäume fühlen sich also an, als würden sie alle auf die gleiche Position zeigen. Das Gleiche, was wir hier sehen können, ein offensichtlicher Fluchtpunkt oder so, der am Horizont ausgerichtet ist. Aber selbst wenn wir zu Wolkenkratzern aufschauen, werden wir diesen Fluchtpunkt wieder finden können, zu dem all diese parallelen Linien konvergieren würden. Und schließlich noch ein Foto, wo Sie wieder den Fluchtpunkt dieser Ein-Punkt-Perspektive finden können dieser Ein-Punkt-Perspektive damit Sie sich vorstellen können, wie Fluchtpunkte funktionieren, hier sind ein paar einfache Beispiele. Zunächst einmal können wir die Ein-Punkte-Perspektive sehen , wobei der Fluchtpunkt in der Mitte liegt, gefolgt von der Zwei-Punkte-Perspektive, wo wir einen Fluchtpunkt auf der links und noch eins auf der rechten Seite. Im Vergleich zur Ein-Punkt-Perspektive, bei der die horizontalen Linien noch völlig gerade waren. Hier beginnen auch horizontale parallele Linien in beide Richtungen in den Raum zu gehen. Beachten Sie jedoch, wie vertikale Linien immer noch gerade sind. Sobald wir jedoch einen dritten Fluchtpunkt eingeführt haben, wie in diesem Fall, haben wir zwei und dann gibt es den dritten. Sogar vertikale Linien beginnen sich zurückzuziehen und im Raum zu konvergieren. Die Verwendung von Drei-Punkte-Perspektive ist eine großartige Möglichkeit, die Höhe hervorzuheben. Und je nachdem, ob Sie Ihren dritten Fluchtpunkt unter die Horizontebene oder darüber platzieren Ihren dritten Fluchtpunkt unter , können Sie hier einen ganz anderen Standpunkt schaffen , wenn der dritte Fluchtpunkt liegt über der Horizontlinie, wir würden die Perspektive des Frosches sehen , wenn wir auf die Dinge schauen. Und selbst wenn es sich nicht um totale Objekte handelt, wenn Sie die Fluchtpunkte nahe beieinander haben, würden Sie eine extreme Verzerrung bekommen, die die Dinge viel größer aussehen lassen könnte als das, was sie tatsächlich haben sind. Und andererseits, wenn Sie Ihren dritten Fluchtpunkt unterhalb der Horizontlinie platzieren , erhalten Sie die Vogelperspektive wenn Sie auf Dinge hinunterschauen. Dies kann verwendet werden, wenn Sie möchten zeigen Sie viele Dinge an und Sie möchten sicherstellen, dass sie alle in Ihre Komposition passen. Und dies ist wahrscheinlich die beste Art der perspektivischen Ansicht, die den größten Abstand innerhalb einer Komposition zurücklegen kann . Wenn Sie die Dinge jetzt noch komplizierter machen möchten , können Sie sogar über drei Fluchtpunkte innerhalb einer Komposition wie dieser Zeichnung hinausgehen einer Komposition wie dieser Zeichnung die tatsächlich Fünf-Punkte-Perspektivansicht verwendet wo wir die vier Fluchtpunkte hier an den Rändern dieser Kugel haben. Und dann wäre der fünfte hier in der Mitte. Und wenn Sie diese komplexere Perspektive in Aktion sehen möchten , empfehle ich Ihnen dringend, sich die Arbeit des erstaunlichen koreanischen Künstlers Kim UMG anzusehen. Hier sehen Sie zwei seiner unglaublich komplexen Zeichnungen. Und das Unglaubliche an ihm ist, dass er diese alles vollständig aus seiner Vorstellungskraft und ohne Skizzen zieht . Also hat er alles, was bereits geplant als er mit dem Zeichnen begann. Und die meiste Zeit zeichnet er tatsächlich mit Tinte. Es benutzt also nicht einmal einen Radiergummi. 13. Verschwindende Linien: Aber da es in diesem Kurs um Grafikdesign geht, kommen wir auf ein paar sehr kreative Beispiele zurück , von denen die Perspektive verwendet wird. Wie bei diesem Poster der Tour de France können wir diese parallelen Linien deutlich sehen. In diesem Fall handelt es sich tatsächlich übertriebene Bewegungslinien. Wir können hier sehen, was die Geschwindigkeit und Kraft des Radfahrers wirklich betont . Und das Tolle an dieser Komposition ist, dass der Fluchtpunkt wieder in der Nähe dieser Wahrzeichen, des Eiffelturms und des Arc de Triomphe liegt . In diesem Board finden Sie viele weitere großartige Beispiele, bei denen Perspektive hauptsächlich verwendet wird, um Bewegung und Geschwindigkeit zu betonen. Wie beim Cars Poster haben wir wieder eine sehr extreme Verzerrung, die durch die Tatsache noch verstärkt wird, dass das Auto so nah bei uns ist. Und wenn wir die Themenhierarchie erreichen, werden wir viel über Dominanz und Betonung sprechen. Dies ist tatsächlich ein perfektes Beispiel dafür Dominanz in einer Komposition zu zeigen , in der die Reifen- und Perspektivansichten das dominierende Merkmal sind, insbesondere wenn die Fluchtpunkte nahe liegen untereinander kann dies zu diesen extremen Verzerrungen führen , die dazu beitragen können, mehr Informationen in eine Komposition einzufügen und die spezifischen Details wie dieses wirklich hervorzuheben. Das Gleiche, was wir hier auf diesem Poster sehen können. Aber abgesehen davon, dass der Fluchtpunkt wieder in einem starken Brennpunkt liegt, an dem sich die Sonne befindet, haben wir auch all diese Bewegungslinien die die Wirkung der Perspektive verstärken. Und indem wir dieses Detail über die Behinderung dieses Charakters innerhalb dieser extremen Verzerrung so nah an uns platzieren, macht es viel größer, als es normalerweise erscheinen würde, wenn starke Verzerrungen wie diese verwendet werden . Es ist auch wichtig, einen anderen Begriff namens Verkürzung zu lernen , der die Unterschiede in den Proportionen erklärt und uns hilft zu verstehen, was wir betrachten. Sie müssen sich nicht immer auf Illustrationen verlassen. Wenn Sie eine Perspektive in Ihre Kompositionen einführen möchten. Sie können hier ein paar Beispiele sehen, in denen es hauptsächlich die Topographie ist , die die Perspektive erzeugt, wie in diesem Poster, wir haben diese einfachen Gliederungstexte in 3D unter Verwendung einer Zwei-Punkt-Perspektive. Und weil wir diese Charaktere von unten sehen, bedeutet dies, dass die Horizontlinie irgendwo unter ihnen liegen muss. Und dann ist eine andere hier verwendete Technik , die auch Kompositionen wie diese interessanter machen kann , dass sich die Horizontlinie wahrscheinlich in einem Winkel befindet. Ich würde so etwas sagen. Und so kann ich das sagen, weil die vertikalen Linien , die gerade sein sollen , ebenfalls schräg sind. Jetzt bin ich mir nicht hundertprozentig sicher, aber es könnte sogar einen dritten Fluchtpunkt geben. Wenn wir also all diese vertikalen Linien verbinden würden und wenn sie im Weltraum zurückgehen würden, könnten wir hier oben tatsächlich einen dritten Fluchtpunkt finden , der, wie Sie sich erinnern , wieder, wie Sie sich erinnern, kann dazu beitragen, dass sich die Dinge viel größer anfühlen als die Kunst, besonders aus diesem Blickwinkel, sie von unten betrachten, werden wir mehr über Standpunkte sprechen, sobald wir das Thema Balance erreicht haben . Aber im Moment schauen wir uns einfach ein paar andere Beispiele wie dieses an. Wieder einmal, wobei man sich hauptsächlich auf die Typografie stützt, um eine Perspektive oder dieses Layout mit dem verstärkenden Text unter Verwendung einer extremen Verzerrung zu erreichen oder dieses Layout mit . Und selbst im Logo-Design kann Perspektive wie bei diesem verwendet werden , Konstruktionen Bild. Und ich liebe es, wie clever dieses Design ist. Weil wir nicht nur sehen können, dass diese Würfel in der Perspektive sind und wieder einen Fluchtpunkt irgendwo hier im Weltraum haben. Aber es stützt sich auch auf das Konstruktionsprinzip des Schließens, da diese Details nicht miteinander verbunden sind. Es ist nur unser Verstand, der die fehlenden Details verbindet. Aber noch wichtiger, und was das wirklich clever macht , ist, dass wir diese Zahlen auch hier bekommen. Nummer eins, was es mit dem eigentlichen Markennamen eins verbindet , Konstruktionen. Während die Perspektive uns helfen kann, dreidimensionalen Raum zu simulieren, gelten axonometrische Ansichten als einige Dinge 2,5 Dimensionen ähnlicher sind. Es ist etwas, das nicht ganz natürlich ist. Es ist nicht etwas, was man im wirklichen Leben sehen würde, aber wir verstehen immer noch, dass sie Höhe, Breite und Tiefe darstellen, noch einfacher als Kompositionen, die Perspektive verwenden, man kann sich axonometrisch vorstellen Projektionen als vereinfachte Version der Perspektive. Und was diese Ansichten einzigartig macht, ist, dass es überhaupt keine Verzerrungen gibt. Es gibt also keine zurückgehenden Linien und keine Fluchtpunkte, was bedeutet, dass Objekte , wenn sie im Weltraum weiter weg kommen, nicht wirklich kleiner werden. Hier ist also ein gutes Beispiel für eine axonometrische Projektion, bei alle vier Buchstaben genau die gleiche Größe haben, obwohl es sich anfühlt, als wäre T am weitesten von uns entfernt, es hat immer noch genau die gleiche Größe wie der Buchstabe E an der Vorderseite. Und dies ist eigentlich die häufigste axonometrische Projektion. Was wir als isometrische Ansicht bezeichnen, wobei die Winkel, um die drei Seiten zu zeigen, links, rechts und oben gleich sind. Hier ist also ein einfacher Vergleich der verschiedenen Arten von axonometrischen Projektionen. Und dieser ist der isometrische, bei dem, wie Sie hier sehen können, der 30-Grad-Winkel ist, der 30-Grad-Winkel ist verwendet wird, um die linke Seite des Objekts anzuzeigen. Und dieser Winkel wäre gleich, das wäre wieder 30 Grad. Bei isometrischen Ansichten müssen Sie jedoch auch sicherstellen, dass die gleiche Länge vertikal den anderen beiden Seiten des Würfels entspricht. So werden alle Seiten im Vergleich dazu genau gleich lang sein. In der diametrischen Ansicht wird die Höhe nicht gleich lang sein. Es gibt also schon eine subtile Verzerrung, aber es gibt immer noch keine zurückgehenden Linien. Dies führt also keine Perspektive ein, es ändert nur den Standpunkt der Projektion. Und schließlich hätten Sie in trigometrischen, axonometrischen Projektionen alle Seiten des Würfels etwas anders in der Länge. Diese Kante ist also nicht gleich der vertikalen Kante, und sie sind auch nicht gleich der Kante auf der rechten Seite. Hier ist ein weiteres Beispiel, in dem die drei axonometrischen Projektionsoptionen verglichen werden, die Sie verwenden können , von denen die isometrische Ansicht am häufigsten sein muss . Das würden Sie die meiste Zeit in Grafikdesign und Illustration sehen . Eines meiner Lieblingsbeispiele für die isometrische Ansicht muss das Handyspiel namens Monument Valley sein. Es gibt tatsächlich zwei davon zum Zeitpunkt der Aufnahme dieses Videos. Und der Grund, warum ich dieses Spiel mag weil es die seltsame optische Täuschung anzeigt und verwendet , dass eine Linie , die wir hier wie diese Plattform verbunden fühlen, es beginnt, am Ende dieses Turms zu sein. Aber am Ende, ohne tatsächlich eine Erhöhung der Höhe oder Höhe zu zeigen , verbindet es sich mit der Mitte des Turms. So schafft es irgendwie, so viel zu steigen, noch einmal ohne Änderungen in der Höhe zu zeigen, selbst dieses kleine Detail hier, diese Spalte scheint auf dieser Plattform zu ruhen, aber dieser Charakter in der Spiel kann tatsächlich darüber laufen und von dieser Seite aus darauf treten. Obwohl dieser Punkt logischerweise viel höher sein sollte als diese Plattform. Hier ist eine weitere coole Illustration, die mit diesem seltsamen optischen Gefühl spielt , das wir haben, wenn wir uns isometrische Illustrationen ansehen. In diesem Fall haben wir zwei Buchstaben übereinander gelegt, Sie und P, was für aufsteht. Und obwohl es keinen Hinweis auf Raum gibt, würden wir normalerweise das Gefühl haben, dass dieses Detail näher bei uns liegt. Dieser hier oben. Aber wenn wir diese Buchstaben und Verbindungslinien haben, können wir verstehen, dass sie tatsächlich übereinander liegen. Aber genau wie bei der Perspektive müssen Sie sich , wenn Sie isometrische oder andere axonometrische Ansichten nicht auf Illustrationen verlassen , wenn Sie isometrische oder andere axonometrische Ansichten verwenden möchten. Sie können das gleiche Erlebnis auch einfach neu erstellen , indem Sie sich einfach auf Typografie verlassen. Und dieses Poster ist ein brillantes Beispiel, aber Sie werden auch andere auf diesem Board finden, wie dieses hier, auch ein weiteres Poster auf der rechten Seite und sogar dieses, wo eine Zeitleiste mit seine Beschriftungen werden in einer isometrischen Projektion erstellt. 14. Leitlinien: Und die Zusammenarbeit führender Linien in Ihre Komposition kann eine weitere großartige Möglichkeit sein Ihren Zuschauern zu helfen und ihre Augen auf bestimmte Teile in Ihrem Design zu lenken. Der beste Weg, sie zu nutzen, besteht darin dass sie auf einen Brennpunkt innerhalb der Komposition zeigen oder eine bestimmte Richtung oder Bewegung angeben. Zuerst könnte man denken, dass führende Linien und Perspektiven das Gleiche sind, aber tatsächlich sind sie ganz anders, weil man Führungslinien auch ohne Perspektive verwenden kann. Also hier ist ein großartiges Beispiel. Dieses Retro-Plakat von New York hat all diese bunten Linien, die auf eine Richtung von links nach rechts hinweisen , hauptsächlich weil wir nicht sehen können wo sie hier auf der linken Seite anfangen, aber wir können dieses Ende sehen zeigt auf der rechten Seite. Und der Illustrator oder Designer, der diese Zeilen in die Komposition einführte diese Zeilen in die Komposition erreichte ein paar verschiedene Dinge. Zuallererst hilft es, sich auf die Freiheitsstatue zu konzentrieren , da alle diese Linien auf diesen Teil des Entwurfs hinweisen, aber sie werden auch verwendet, um Tiefe zu ermitteln, wie einige dieser Linien, wie Sie sehen können, stehen vor dem Chrysler Building im Vordergrund. Bio, einige der Zeilen stecken dahinter. Und das Gleiche passiert hier mit der Freiheitsstatue. Auch hier haben wir eine Linie , die dahinter steckt , und eine weitere Linie, die davor steht. Die Variation der Tiefe in diesen Linien, aber auch die Variation in ihrer Dicke und Farbe tragen auch dazu bei, der Komposition einen visuellen Rhythmus hinzuzufügen. Und Rhythmus ist ein sehr wichtiges Prinzip, das wir im Thema Einheit und Harmonie viel ausführlicher besprechen . Hier ist eine weitere Illustration , die zeigt, dass wir eigentlich keine Perspektive benötigen, damit führende Linien funktionieren. In diesem Fall wird der Standpunkt über diesen Läufern platziert, und diese diagonalen Linien , die die Spur darstellen , auf der sie laufen, können als führende Linien angesehen werden helfen erneut um die Vorwärtsbewegung der Athleten zu etablieren. Jetzt müssen Sie natürlich die Perspektive nicht vermeiden. Wenn Sie führende Linien in Ihre Komposition erstellen oder einführen möchten , wollen sie Bargeld. Sie können wirklich gut Hand in Hand arbeiten. In diesem Fall würde ich die Kurven des Strandes als die führenden Linien betrachten . Und sie schaffen offensichtlich dieses großartige Gefühl der Perspektive da sie sich alle hier in der Ferne näher kommen . Und diese Zeilen helfen uns auch und lenken unsere Aufmerksamkeit auf diesen Schwerpunktbereich hier, nämlich das Flugzeug auf diesem brillanten Poster für den Film Dune, der 2021 veröffentlicht wurde. Wir haben auch eine sehr starke Kurve, die Spitze dieses Juni in der Wüstenwelt der Iraker, die den Titel und diesen Charakter hier unten verbindet. Aber das Erstaunliche an dieser Komposition ist , dass dieselbe Kurve , die wir hier sehen auch als Teil von etwas ist, das wir uns vorstellen können, ein Planet zu sein. Und da es sich um eine Sci-Fi-Geschichte handelt, die in der Zukunft spielt , spielen Planeten im Weltraum eine große Rolle. Darüber hinaus kann es auch als erster Buchstabe des Wortes Juni angesehen werden . Und ich bewundere den Designer , der sich diese Komposition ausgedacht hat, wirklich , weil es einfach so viele versteckte Bedeutungen gibt, die in diesem extrem einfachen Design gepackt sind. Es ist ein großartiges Beispiel dafür, dass weniger mehr Regel in Aktion ist, aber auch die Kraft und Stärke der Einfachheit zeigt. Gestalt-Prinzip. Weiter geht es um eine weitere brillante Illustration, bei der die führenden Linien tatsächlich durch Licht und Schatten angezeigt werden . Bei dieser Größe ist es möglicherweise schwer zu bemerken. Aber es gibt einen Charakter hier unten , wo das Pferd und auch ein anderes Pferd führt. Und obwohl diese Charaktere dank der führenden Zeilen winzig sind , würde sie irgendwann fast jeder bemerken. Und die führenden Linien werden in diesem Fall, wie gesagt, durch Licht und Schatten erzeugt. Diese Zeilen und auch diese Zeilen zeigen alle hier unten auf diesen Abschnitt, in dem wir die Charaktere haben. Und was diese Illustration noch interessanter macht , ist, dass sich hier fast wie Pfeile bilden, anstatt nur parallele Linien als Leitlinien verwendet sie sich hier fast wie Pfeile bilden, anstatt nur parallele Linien als Leitlinien verwendet zu haben. So können wir hier die Spitze dieses Pfeils sehen und da sind die beiden Seiten davon. Und das Gleiche hier. Wieder sieht es für mich wie ein Pfeil aus. Dies ist also nur ein weiteres meisterhaftes Beispiel dafür , wie Sie führende Zeilen verwenden können , um Ihre Zuschauer auf wichtige Details in Ihrer Komposition aufmerksam zu machen. 15. Negativ-Raum: Wenn Sie sich kurzfristig für Grafikdesign interessieren, müssen Sie höchstwahrscheinlich bereits auf negative Leerzeichen oder Leerzeichen gestoßen sein. In diesem Video zeige ich Ihnen viele Beispiele dafür, warum es so wichtig ist , negativen Raum in Ihren Kompositionen zu verwenden und zu nutzen. Und wir werden verschiedene Arten lernen, es zu verwenden, sei es darum, eine bestimmte Art von Ästhetik oder Stimmung zu schaffen eine bestimmte Art von Ästhetik oder Stimmung oder Ihren Entwürfen einige versteckte Bedeutungen hinzuzufügen. Warum heißt es zunächst negativer Raum? Der Grund dafür ist , dass alle Elemente , die wir in unsere Kompositionen einfügen einen positiven Raum einnehmen, damit die umgebenden leeren Räume als negativ angesehen werden können . Jetzt haben Sie wahrscheinlich vermutet, dass negativer Raum genauso wichtig sein kann wie der positive Raum in Ihren Kompositionen. Und das Finden eines Gleichgewichts zwischen diesen beiden ist eine wichtige und entscheidende Aufgabe für jeden Grafikdesigner, der beste Weg, sich an die Wichtigkeit und die Beziehung zwischen diesen beiden Arten von Räumen in Ihre Kompositionen sind, über das Atmen nachzudenken. Etwas, das wir alle unser ganzes Leben lang ständig tun müssen, die meiste Zeit, auch ohne darüber nachzudenken. Und man würde denken , dass das Einatmen der wichtige Teil in diesem Prozess ist . Ohne zuerst Ihre Lungen zu klären und auszuatmen, könnten Sie niemals einatmen. So können Sie den positiven Raum im Grafikdesign als die Zucht zum Teil und als negativer Raum betrachten , um das Ausatmen zu sein. eine kann ohne das andere nicht existieren. Und das muss auch ein gutes Gleichgewicht zwischen Ein Ausatmen oder positivem und negativem Raum sein. Und Sie können feststellen, dass viele andere Analogien Wege sind , um zu verstehen, wie diese Beziehung funktioniert. Wie in der Musik zum Beispiel, ohne eine Pause oder Pause zwischen den Klängen zu machen, werden wir die Musik nicht genießen können da es sich nur um ein ständiges Geräusch handelt. Und selbst in der Popmusik der wirkungsvollste Teil eines Liedes normalerweise ist der wirkungsvollste Teil eines Liedes normalerweise kurz nach einer längeren Pause, und normalerweise passiert es kurz vor dem Refrain, der wiederholte Teil des Liedes kehrt zurück. Sie können sehen, dass die Pause in der Musik oder der negative Raum im Design den wichtigsten oder wirkungsvollsten Details vorbehalten ist . Wenn Sie sich dieses Design zum Beispiel ansehen, können wir sehen, dass diese als positive Räume angesehen werden. Und offensichtlich auch die ganze Typografie , die wir hier in der Mitte sehen können , auch oben und auch hier unten. Aber schon dazwischen haben wir hier oder so einen negativen Raum hier und hier. Aber umso auffälliger sind diese größeren Bereiche, in denen wir wieder nichts haben, nur einen weißen Hintergrund. Und insbesondere im Druck, wo das Papier weiß ist, würden wir dies als Leerzeichen bezeichnen. Es gibt auch eine nützliche Möglichkeit negativen Raum zu kategorisieren. Sie können es auf Mikro- oder Makroebene verwenden. Und in diesem Fall wären diese größeren Bereiche makronegative Räume, während die kleineren Leerzeichen zwischen Buchstaben, beispielsweise in der Topographie, als mikronegative Räume betrachtet würden . Und Leerzeichen zwischen Zeichen können auch als passiver negativer Raum betrachtet werden , während die Leerzeichen, die Sie absichtlich leer lassen, wie alle diese größeren Bereiche, aktive negative Räume betrachten können. Und in den meisten Kompositionen haben Sie immer eine Kombination aus Mikro- und Makro - oder passiven und aktiven negativen Räumen. Da es sich um Musik handelt, ist hier ein großartiges Beispiel für ein Festival der klassischen Musik, bei dem wir jetzt nur eine brillante Art sehen, negativen Raum zu nutzen. Aber auch ein großartiges Beispiel für das Prinzip der Figur Ground Gestalt, dem es sich um eine Methode handelt, die Ihrem Betrachter helfen kann, mehrere verschiedene Bedeutungen im selben Design zu sehen . In diesem Fall können Sie diese beiden Violinen als die Subjekte betrachten , die vor dieser weißen Kulisse stehen, die den weißen Hintergrund umschließen, der Boden wäre und die Gewalt die Zahl wäre. Wenn Sie sich jedoch auf den Umriss oder die Kontur konzentrieren, die von den Violinen fremd ist, sieht es aus wie ein Gesicht und wird besonders durch diese Fliege betont. Also schauen wir uns das von diesem Zeitpunkt an an. Dieser leere Raum wird zur Person und die Figur in der Komposition und die Gewalt werden zum Boden oder zum Hintergrund. Und wenn Sie die Figurgrundregel in Ihrer Arbeit verwenden möchten, müssten Figurgrundregel in Ihrer Arbeit verwenden möchten, Sie meistens negativen Raum verwenden um zusätzliche Bedeutungen vorzuschlagen. Und Sie können viele andere Beispiele dafür auf dieser Tafel sehen , wie die Glühbirne hier, die auch eine Brücke bildet, den Rauch, der auch die Kontur der Sherlock Holmes-Phase bildet . Diese beiden Kinder spielen hier Football. Aber dazwischen können wir auch sehen , dass die Umrisse Afrikas oder dieses brillante Plakat von Olly Moss den Klippen und den Bergen auch den Umriss eines Baumes bilden. 16. Verborgene Bedeutungen: Wenn Sie daran interessiert sind, andere großartige Beispiele für negativen Raum zu sehen , der in Illustrationen verwendet wird, empfehle ich Ihnen dringend, sich alle Moosarbeiten oder Kompositionen des legendären Designers Paul Rand anzusehen. Negativer Raum kann auch im Logo-Design verwendet werden. Und ich bin mir ziemlich sicher, dass Sie auch auf dieses Beispiel des FedEx Logos gestoßen sind, bei dem der Grund für diese enge Verfolgung oder den schmalen Buchstabenabstand darin bestand, diesen kleinen Pfeil hier zwischen dem E zu erstellen und das x. Und das ist eine brillante Lösung für dieses Unternehmen , denn dieser Pfeil deutet auf die Geschwindigkeit der Lieferung hin. Aber neben der Nutzung des negativen Raums, um diese Art von versteckten Bedeutungen zu erreichen, können wir uns auch darauf verlassen, dass er Spannungen in unsere Komposition einführt oder sogar eine bestimmte Stimmung oder Ästhetik erreicht. Im redaktionellen Design, insbesondere für Layouts in Zeitschriften, erzielen große Bereiche mit negativem Raum einen luxuriöseren, anspruchsvolleren Ausfall. Und das kommt normalerweise darauf an , dass Sie, wenn Sie viel leeren Platz haben, mehr Seiten in Ihrem Magazin haben müssen , was zu den Herstellungskosten führen würde Druck und sogar Lieferung zu erhöhen. Hier ist eine sehr interessante Studie von Sally Lin Meyer, die erkannte, dass je mehr negativer Platz in einer Zeitschrift ist, desto höher ist das durchschnittliche Haushaltseinkommen ihrer Leserschaft. Hier können wir also sehen, dass einige der Spreads vereinfacht wurden, um die positiven Räume in Schwarz und die negativen Räume in Weiß anzuzeigen die positiven Räume in . Es ist also klar, dass zum Beispiel das New York Times Magazine viel negativen Platz im Vergleich zum ok Magazine hat , das fast vollständig mit positivem Raum gefüllt ist, bis zu einem Punkt, den am meisten kann sich wahrscheinlich in einigen Fällen sogar überladen fühlen. Und warum liegt das durchschnittliche Haushaltseinkommen der Leserschaft dieses Magazins bei rund 150 Tausend Dollar pro Jahr. Die Leserschaft der OK-Magazine liegt näher bei nur 40 Tausend Dollar pro Jahr. Wenn wir uns also die Zeitschrift so anschauen, können wir sofort die große Menge an negativem Raum erkennen , der hier auf der rechten Seite genutzt wird. Und neben dem Gefühl der Raffinesse können wir auch ein Gefühl der Ruhe bekommen, das das Thema dieses Artikels, in dem es um die Natur eines Ortes geht, perfekt unterstreicht . Die Verwendung großer Mengen an negativem Speicherplatz in Anzeigen kann auch dazu beitragen, die Aufmerksamkeit der Zuschauer zu erregen, da hier dieselbe Regel gilt. Die meisten Werbetreibenden legen gerne so viele Informationen wie möglich in eine Komposition ein. Und kontrovers sind dies diejenigen, die wir höchstwahrscheinlich ignorieren würden. Eine solche Werbung in einer Zeitschrift oder auf der Straße würde jedoch sofort unsere Aufmerksamkeit erregen. Aber stellen Sie sicher, dass es immer , wenn Sie extrem viel negativen Speicherplatz wie diesen einen Grund dafür geben sollte, wenn Sie extrem viel negativen Speicherplatz wie diesen verwenden. In diesem Fall hilft es nicht nur, die Aufmerksamkeit der Menschen zu erregen, sondern auch den kleinen Maßstab dieses Schösslings eines Weihnachtsbaums zu betonen , der eine perfekte Möglichkeit ist, visuell implizieren den frühen Weihnachtsverkauf. Grundsätzlich versucht es darauf hinzuweisen , dass der Verkauf so früh ist, dass der Weihnachtsbaum immer noch nur ein winziger kleiner Bäumchen im Boden ist . Und die Art und Weise, wie der Designer versichert hat, dass wir sofort feststellen können , dass dies ein winziger kleiner Baum ist, ist, dass wir hier ein sehr erkennbares Objekt haben, diese rote Blase, die die Proportionen festlegt. Und hier ist eine weitere Anzeige, in der anstelle des negativen Raums diese Gegenüberstellung zwischen Groß und Klein geschaffen wird . Hier wird es mehr verwendet, um das luxuriöse Gefühl zu erreichen , dass wieder perfekt mit dem Produkt funktioniert , das beworben wird. Und es wäre eine Schande, die Anzeigen von Apple nicht zu erwähnen , wenn wir über negativen Raum sprechen, denn es ist eine Marke, die sie eindeutig in so ziemlich allem nutzt , was sie tun und innovieren. Sie haben es zu einem Signaturelement oder einer Komponente ihrer Marke gemacht. Sie können also sehen, dass sie viel negativen Speicherplatz belegen, sei es eine Momentaufnahme von einer ihrer Webseiten oder einer ihrer großen Werbetafeln. Und es ist wieder eine clevere Nutzung von negativem Raum, denn offensichtlich ist das Produkt in diesem Fall das iPad Mini. Und die Art und Weise, wie sie hier alles frei gehalten haben und nur einen kleinen kleinen Bereich hier auf der rechten Seite verwenden , zeigt an, wie klein dieses Produkt ist, selbst wenn es auf einer massiven Plakatwand wie dieser angezeigt wird eins. Indem sie also so viel negativen Raum nutzen, könnten sie dieses visuelle Wortspiel erzeugen. Aber denken Sie daran, dass es auch eine großartige Möglichkeit ist, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zu ziehen, da wir es nicht gewohnt sind, diese leeren Werbetafeln zu sehen, sondern nur ein kleines wenig Informationen, die auf den beiden Seiten versteckt sind. 17. Nähe: Nähe ist ein Prinzip des Designs und auch ein Gestaltprinzip , das besagt, dass Objekte, die näher beieinander liegen, mehr verwandt fühlen als Objekte, die weiter voneinander entfernt sind . Es ist der Technik der Gruppierung im Grafikdesign sehr ähnlich , die wir im Thema Einheit und Harmonie ausführlicher behandeln werden, ist aber in Thema Einheit und Harmonie ausführlicher behandeln werden, unmittelbarer Nähe etwas komplexer als nur Gruppierung Dinge zusammen. Und in diesem Video werden wir uns einige sehr kreative Beispiele ansehen, einige sehr kreative Beispiele Nähe zu nutzen und damit herumzuspielen. Beginnend mit diesem ungewöhnlichen Buchcover, das sich ausschließlich auf Typografie stützt, aber auch diese seltsamen großen Lücken zwischen bestimmten Buchstaben nutzt . Dies ist etwas, das wir Kerning nennen würden, wenn Sie den Abstand zwischen den Zeichen individuell anpassen und in diesem Fall derzeit nicht verwendet werden, um eine visuell ausgewogene Komposition zu erstellen. Im Gegenteil, es erzeugt einen größeren Schockwert. Und obwohl ich das Buch nicht gelesen habe, deutet es wohl darauf hin, dass große Städte mehr Platz haben sollten , um sie bewohnbarer zu machen. Aber noch wichtiger ist, dass diese Deckung tatsächlich gegen die Regel der Nähe verstößt. Denn damit Wörter als eins gelesen werden sollen, möchten wir normalerweise die Zeichen nahe beieinander haben die Zeichen nahe beieinander und einen ausgeglichenen oder gleichen Abstand zwischen ihnen haben. Während hier Charaktere , die nahe beieinander liegen sollen , geschoben werden oder sich weiter bewegen, verringern ihre Nähe. Und es ist wichtig sich daran zu erinnern dass Sie als Grafikdesigner, sobald Sie eine Regel gelernt und verstanden haben, sie immer umdrehen und auf die entgegengesetzte Weise verwenden können, wie es die meisten Menschen erwarten würden. Auf diese Weise können Sie sicher sein, dass Sie die Aufmerksamkeit Ihrer Zuschauer auf sich ziehen und sie werden fasziniert sein, herauszufinden, warum Sie gegen etwas gestoßen sind , das sich natürlicher anfühlt, je mehr Informationen oder Optionen, die Sie in Ihren Entwürfen anzeigen müssen, desto wichtiger wird es, Nähe zu verwenden. Im Falle einer Website sollten beispielsweise ähnliche Optionen nahe beieinander platziert werden. Wie alle Seiten kann von demselben Bereich aus zugegriffen werden. Außerdem werden die wichtigsten Schaltflächen nebeneinander platziert, aber sie werden auch in der Nähe des Haupttitels und des Slogans innerhalb der Website platziert . Aber es gibt auch eine weitere sehr kreative Verwendung der Nähe, indem diesen orangefarbenen Ballon direkt vor dieser weißen Form haben, die wir sofort mit einem Ei oder einem Omelett verbinden . Daher war die Nähe des Ballons zu dieser Form notwendig um diese verborgene Bedeutung einzuführen. Und ähnlich diesem haben wir diesen sehr klugen McDonald's Beitrag auch ihren sozialen Medien. Wir haben diese beiden Hausschuhe nebeneinander gelegt und bilden das ikonische Logo der Marke oder dieses Toyota Edward, wo die drei Tennisschläger zusammen das Logo der Marke bilden. Und auch in diesen Lego Edwards spielt die Nähe in jedem von diesen eine sehr wichtige Rolle, die Schatten deuten auf die Phantasie der Kinder , die mit diesen Blöcken spielen würden. Selbst ein paar einfache Blöcke miteinander verbunden sind, können Kindern bereits helfen , sich Dinge wie einen Panzer, ein Schiff oder einen Dinosaurier vorzustellen . Und all diese Kompositionen beruhen hauptsächlich auf der Nähe oder Nähe der Schatten und der Lego-Blöcke. Und obwohl wir wissen, dass diese beiden Dinge tatsächlich nicht zueinander gehören, glauben wir, sie so nahe beieinander dass sie so nahe beieinander liegen, immer noch glauben , dass sie miteinander verbunden sind. Mir hat dieses Poster der goldenen Melodie der Wörter auch sehr gut gefallen , wir können sehen, wie Nähe auf verschiedene Arten verwendet wird. Zuallererst haben wir das Modell sehr nahe bei uns, und tatsächlich mit ihrem Rücken zu uns, das macht bereits die Stimmung für diese Komposition und zieht auch unsere Aufmerksamkeit auf sich. Es wird jedoch durch die Topographie weiter verstärkt, die erneut nicht versucht, eine gute Lesbarkeit zu erreichen, sondern dazu verwendet wird, dieses Design dynamischer zu gestalten. Die Nähe dieser Buchstaben ist also wieder ungewöhnlich und trägt wieder dazu bei , die gesamte Komposition interessanter zu machen. Und um bei typografischen Beispielen zu bleiben, haben wir bereits gesehen, dass extreme Kerning- oder Gitterabstände verwendet werden können, um bestimmte Dinge in einer Komposition hervorzuheben. Für dieses spezielle Cover werden die Leerzeichen zwischen Wörtern vollständig entfernt und die Zuschauer werden herausgefordert, verstehen zu können , was sie hier sehen. Weil die Lesbarkeit offensichtlich sehr leidet , wenn Sie die Leerzeichen zwischen Wörtern entfernt haben. Dies ist also nur ein weiteres großartiges Beispiel dafür, wie Sie kreativ sein können , wie Sie die Nähe in Ihrer Arbeit nutzen. 18. Schlussbemerkung: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss dieses Kurses der Grafikdesign-Theorie-Serie. Ich hoffe, Sie fanden es nützlich und inspirierend. Vergessen Sie nicht, das Glossar der Begriffe PDF zu durchlaufen, alles zu überprüfen, was wir behandelt haben, und wenn Sie sich bereit fühlen, nehmen Sie am Quiz teil, um Ihr Wissen zu testen. Kommen Sie jederzeit zu den Referenzen auf den Millenial Boards zurück , die wir in diesem Kurs verwendet haben, um Ihnen zu helfen sich an die Dinge zu erinnern, über die wir gesprochen haben, oder definieren Sie Inspiration für Ihr nächstes Designprojekt . hatten das Gefühl, dass in diesem Kurs etwas fehlt oder wenn Sie Vorschläge haben , wie wir ihn verbessern können, senden Sie uns eine E-Mail an info unter der Aufgabe designer.com, und wir werden uns bei Ihnen melden, sobald möglich. Wir bedanken uns sehr für Ihren Beitrag und Ihre Hilfe. Jetzt ist es an der Zeit, dass Sie Ihr nächstes Thema auswählen und in einen anderen Kurs zur Grafikdesigntheorie eintauchen. Denken Sie daran, dass es keine richtige oder falsche Reihenfolge gibt, um diese Serie abzuschließen. Alle Regeln, die wir behandeln, sind gleichermaßen wichtig und alles hängt zusammen. Am wichtigsten ist es jedoch , diese Regeln gut zu verstehen und sie in Ihren Projekten anzuwenden. Ich bin sicher, dass Sie das Gelernte verwenden werden , um etwas Erstaunliches zu erschaffen. Und ich kann es kaum erwarten, es zu sehen.