Finde deinen Illustrationsstil in 6 einfachen Experimenten

1. Einführung: Ich bin Alanna. Ich bin ein Künstler und Illustrator, der in Toronto, Kanada lebt. mehr als zwei Jahren habe ich mich auf den Traum gemacht, freiberufliche Illustratorin zu werden. Meine erste und steilste Hürde war diese schwer fassbare Herausforderung, meinen Stil zu finden. Es war überwältigend. Immer wieder nehme ich Rat von etablierten Illustratoren, die sagen, dass der einzige Weg, um Ihren Stil zu finden, eine Menge Kunst zu machen war. Sie haben sich nicht geirrt, aber ich malte jeden Tag und meine Arbeit fühlte sich einfach nicht wie ich, fühlte sich an, als gäbe es etwas, das ich vermisse. Die Wahrheit ist, es gibt keine Problemumgehung, um Ihren Stil zu finden. Du musst Kunst machen. Aber während dieser Klasse werde ich Ihnen meinen Prozess zeigen, Kunst mit Absicht zu machen. Ich werde Ihnen zeigen, wie ich iteriere und experimentiere, um ein Repertoire an Motiven aufzubauen, die sich wie ich anfühlen, und wie ich über meine Arbeit nachdenke, um auf das, was ich liebe, meine Vorurteile aufzudecken und mich darauf zu lenken, wo ich mich maximal konzentrieren kann. Mit diesem Prozess sind Sie auf dem schnellsten Weg, Illustrationen zu erstellen, die Ihnen treu anfühlen. Wir beginnen, indem wir untersuchen, was Stil ist, und überprüfen die Elemente des Designs und wie ich sie auf meine Arbeit anwende. Dann werden wir in sechs Experimente springen, die ich benutze, die Ihnen konkrete Werkzeuge geben, um Ihren Stil schnell zu entwickeln. Jedes Experiment basiert auf einem der sechs Elemente des Designs. Linie, Form, Raum, Wert, Farbe und Textur. Dies ist eine Multimedia-Klasse, die für alle Fähigkeitsstufen geeignet ist und mit allen Vorräten, die Sie zur Hand haben, abgeschlossen werden kann. Es ist keine Klasse, gute Kunst zu machen, schlechte Kunst, es geht nur darum, viel Kunst zu machen und über Ihre Arbeit nachzudenken. Machen Sie Arbeit, die sich wie Sie anfühlt, lasst uns loslegen. 2. Projekt: [ MUSIK] In jedem Experiment werden wir sechsmal einen spezifischen Fehler malen mit den Elementen des Designs, den mittleren Werkzeugen und Techniken spielen , während wir meinen persönlichen Stil verfeinern. Ob Sie ein, zwei, drei oder alle sechs Experimente absolvieren , es liegt ganz an Ihnen, aber zeigen Sie all diese harte Arbeit in der privaten Sektion. Das Beste daran, Ihre Arbeit zu teilen, ist, dass es Ihnen manchmal eine neue Perspektive geben kann. Jemand kann einen wesentlichen Teil Ihres Stils finden, den Sie nie bemerkt haben, weil Sie es gerade zu lange angestarrt haben. Skillshare ist eine erstaunliche Gemeinschaft von kreativen Menschen und ich habe so viel davon gewonnen, meine Arbeit für Feedback zu teilen. Ich habe einige Referenzbilder für jedes Experiment in die Ressourcenhandbuch aufgenommen, die Sie im Projektfenster finden. Ich kann es kaum erwarten, deine Projekte zu sehen. Als Nächstes besprechen wir die Materialien, die Sie für diese Klasse benötigen. 3. Materialien: Dies ist eine Klasse, um zu erforschen, was Sie haben und was Sie lieben. Es gibt absolut keine Sache, die Sie kaufen müssen, um zu beginnen. Ich habe eine Liste einiger meiner bevorzugten Lieferungen und Klassenressourcenführer in der Projektregisterkarte enthalten. Fühlen Sie sich frei, das zu überprüfen, wenn Sie nach einigen neuen Leckereien suchen, aber ansonsten, greifen Sie die Kunstlieferungen, die Sie haben, und lassen Sie uns bereit, ein Chaos zu machen. Das einzige, was ich Ihnen empfehlen, bevor wir beginnen, ist ein Notizbuch, Teilpapier oder einige Karteikarten. Die Notiz-App auf Ihrem Telefon funktioniert auch in einer Prise. Ich möchte nur, dass Sie irgendwo auf all Ihre Beobachtungen, Reflexionen und Fragen notieren, die Sie aufdecken, während Sie durch die Experimente fortschreiten. Ein Kunstjournal mit Beobachtungen über meine Arbeit zu halten, war absolut das Beste, was ich je für meine Kunst getan habe und meinen Stil gefunden habe. Indem Sie sich die Zeit nehmen, aufzuhören und nachzudenken und aufzuschreiben, was Sie in Ihrer Arbeit lieben, was funktioniert und was nicht. Du wirst einen großen Sprung nach vorne machen. Für mich, wenn ich Notizen über meine Arbeit mache, fiel ich freier zu schaffen, weil es den Prozess des Kunstschaffens genauso wichtig macht wie das endgültige fertige Stück. Nur der Akt, Dinge niederzuschreiben, macht mich absichtlich und reflektierend, was der Schlüssel ist, um Ihren Stil zu finden. Als nächstes werden wir klären, was Stil ist? 4. Stil: Wenn wir über Stil sprechen, für die Zwecke dieses Kurses über die besondere Kombination von Elementen, sprechen wir für die Zwecke dieses Kurses über die besondere Kombination von Elementen,die zusammenkommen, um eine einzigartige und erkennbare Persönlichkeit über die Schichten des Körpers eines Künstlers hinweg zu schaffen . Diese Elemente können die Interpretation des Künstlers der Elemente des Designs, sowie Motive Materialien, Themen, Werkzeuge und Techniken, die die Künstler in ihrer Arbeit verwenden. Aber hier ist der Trick. Ihr Stil muss nicht ganz einzigartig sein. Es spielt keine Rolle, ob ein anderer Künstler ähnliche Farben oder Motive wie Ihre verwendet, denn die besondere Art und Weise, wie Sie all diese Elemente kombinieren, ist es, was Ihre Arbeit hervorhebt. Der effektivste Weg, um Ihren Stil zu finden, ist es, eine Menge Kunst zu schaffen und dann alles zusammen zu setzen, um die Muster zu finden, die seltsamen Dinge, die Sie tun, die wackelig erscheinen könnten, die Dinge, die immer wieder auftauchen, die Dinge, die Sie schön finden und die Dinge, die Sie gerne tun. Indem wir diese Muster erkennen, können wir uns in sie stützen und beginnen, sie auf absichtliche Weise in unsere Arbeit zu bringen. Als Nächstes ein kurzer Überblick über die Elemente des Designs. 5. Elemente: Lassen Sie uns schnell über die Elemente des Designs gehen, die wir in dieser Klasse erforschen werden , und die Möglichkeiten, wie sie in Ihrem Stil verwendet werden können. Ich werde nur einen kurzen Überblick geben. Für eine detailliertere Erklärung der Elemente und Prinzipien des Designs, besuchen Sie Dylan M Klasse: Leveling Up Your Art Game, The Elements and Principles of Design. Es ist erwähnenswert, dass es keinen Konsens über die Anzahl der Designelemente gibt. Ich habe gerade sechs als Sprungpunkt gewählt, von dem aus Sie erkunden können. Jedes der folgenden Experimente konzentriert sich auf eines der folgenden Elemente. Eine Linie besteht aus nur zwei verbundenen Punkten. Linien können gerade, zurückspulen und organisch sein. Linien können verwendet werden, um den Umriss Ihres Stückes zu erstellen oder um Schatten, Schattierungen und Details innerhalb zu erstellen. Das zu verwendende Material beeinflusst die Persönlichkeit Ihrer Linien in vielerlei Hinsicht. Materialien wie Tinte, Stifte oder Farbe werden stark, klar sein, während etwas wie Bleistifte oder Pastelle eine weichere Linie mit mehr Textur bilden. Einige Werkzeuge werden vorhersehbare Linien erstellen, wie Kugelschreiber, was großartig ist, wenn Sie viel Arbeit mit Details erstellen oder Sie sich wohler fühlen, genau zu wissen, wo Ihre Linien enden werden. Andere Werkzeuge wie ein Schreibstift oder ein Pinselstift sind unberechenbarer, es kann Ihre Arbeit lockerer oder spontaner machen. Irgendwas selbst ist auch spontaner. Während etwas wie Glas flache Kartenlinien erzeugt, können Aquarell oder Tinte Farbvariationen aufweisen je nachdem, wie sie trocken sind und wie viel Wasser Sie verwendet haben. Form, auf der anderen Seite, bezieht sich auf jeden Bereich der Farbe, Textur oder ein Muster. Formen können geometrisch oder organisch sein. Linien und Formen können in Konzert arbeiten, werden völlig voneinander getrennt. Manche Leute sagen, dass es, wenn es um Kunst geht, Menschen gibt und Menschen formen. Vielleicht wissen Sie bereits, ob Sie Biene in eine dieser Kategorien unterrichtet haben. Du darfst es nicht, oder du magst sie beide lieben. Wen kümmert es, was manche Leute sagen? Einige Medien und Werkzeuge lernen sich vielleicht intelligentes Arbeiten mit Form und Linien. Pen Stößel, zum Beispiel, machen wirklich schreckliche Linien, sind aber eine gute Möglichkeit, eine weiche Farbschicht für eine schöne Texturform hinzuzufügen. Aber Sie können diese Grenzen auch schieben. Ich liebe es, Chips mit einem sehr feinen Stift zu füllen, um eine kritzelige Textur zu machen. Auch wenn ein feiner Stift auf den ersten Blick nicht wie ein großartiges Werkzeug erscheinen mag , um größere eingefüllte Chips zu machen. Raum und negativer Raum arbeiten zusammen, um Ihrem Bild ein Gefühl von Tiefe zu geben und Objekte von dem zu trennen, was um sie herum ist. Wenn du keinen negativen Raum in deiner Arbeit hättest, würde alles einfach auf sich selbst gestapelt werden, ganz willy nilly. Mit Space können Sie Gruppierungen von Elementen innerhalb Ihres Entwurfs erstellen. Um Elemente hervorzuheben, nur um Dinge leichter zu lesen dann Ihren Leerraum zu steuern, können Sie auch einen visuellen Stil erstellen, aber es ist alles Ihr eigener. Einige Künstler nutzen viel Leerraum, was es Arbeit Gefühl von Ordnung oder Ausdehnung gibt. Verwendung von weniger Leerraum kann ein Gefühl von Chaos oder windig erzeugen. Wert beschreibt nur die Dunkelheit oder Helligkeit der Farbe. Arbeit in Schwarzweiß ist eine gute Möglichkeit, den Wert zu verstehen und sicherzustellen, dass Sie genügend Kontrast in Ihrer Arbeit einrichten. Obwohl, Kontrast, alles wird ziemlich gleich aussehen , auch wenn die Farben unterschiedlich sein können. Du wirst nicht wissen, worauf du dich konzentrieren sollst, wenn du ein Bild oder ein Kunstwerk ansiehst. Ein Stück mit genügend Kontrast, Ihr Auge wird natürlich auf die Bereiche gezogen, in denen es am meisten Kontrast. Darüber hinaus stellen Sie sicher, dass Sie diesen Kontrast können auch mit Wert als Element Ihres Stils spielen. Mit viel Kontrast kann ein kühner Grafikstil mit hoher Energie erzeugt werden. Weniger Kontraste werden Komposition konkurrieren, die heitere ist. Farbe ist ein bisschen komplizierter. Es gibt Tonnen von wunderbaren Klassen auf Skill-Anteil über Farbtheorie. Also werde ich Ihnen nur einen kurzen Überblick geben. Farbe ist der einfachste Weg, um Emotion in Ihrer Arbeit zu vermitteln. Eine Farbe zu finden, die Sie lieben, ist nicht der schnellste Weg, um Ihre Illustrationen persönlicher zu fühlen. Es gibt drei Primärfarben. Indem wir sie zusammenmischen, erhalten wir unsere sekundären Farben und dann durch das Mischen dieser Farben und Art können wir alle schönen Farben des Regenbogens kreieren. Farben mit Weiß hinzugefügt werden Tönungen genannt. Farben mit Schwarz hinzugefügt werden, werden die Schattierungen genannt. So interagieren Farbe und Wert. Farben mit primär roten Untertönen gelten als warm. Die Farben waren blaue Untertöne gelten als cool. Sie können bestimmte Emotionen in Ihrer Arbeit auf die Art und Weise erzeugen , in der Sie kühle und warme Farben spielen. Kühle Farben können eine Reihe von Dingen vermitteln, einschließlich ein Gefühl von Ruhe oder Traurigkeit, Frieden, Ruhe. Warme Farben, auf der anderen Seite, vermitteln Energie, Freude, Wut, unter anderen Emotionen. Sie können auch den Kontrast zwischen kühlen Farben und warmen Farben verwenden , um bestimmte Teile Ihres Gemäldes hervorzuheben. Textur bezieht sich auf die Art, wie sich Dinge fühlen. Sieh aus, als ob sie sich berühren würden. Es scheint Bananen, über Berührung über eine flache Oberfläche nachzudenken. Aber Texturen können das dreidimensionale Erscheinungsbild schaffen und Ihre Bilder immersiver machen. Sie sind auch der Schlüssel, um jede digitale Arbeit, die Sie sehen können mehr poliert und interessant. Texturen können kreide, buggy, glänzend, metallisch, gewebt, filzig oder gesprenkelt sein. Es gibt Hunderte von verschiedenen Möglichkeiten, Textur zu erstellen, wenn Farbe verwendet wird: Weißraum, Collage, verschiedene Medien oder Techniken. Die Art und Weise, wie Sie Textur verwenden, wird helfen, Ihren Stil zu definieren. Als nächstes experimentieren Sie eins, Line. 6. Experiment eins: Linie: Also fängt es an. Ich habe all meine Fehler skizziert und ich bin bereit zu experimentieren. Um zu beginnen, könnte es erwähnenswert sein, dass ich ziemlich sicher bin, dass ich ein Formmensch bin. Dieses Experiment anzufangen war für mich sehr Angst. Sie können vielleicht sagen, wenn Sie dieses erste Experiment mit Linie beobachten, wie unbequem und zögerlich ich bin, als ich ausschließlich geplant habe. Wenn Sie sich als Shape-Person identifizieren, Experimente mit Linie dazu führen, dass Sie sich auch auf diese Weise fühlen. Oder vielleicht liebst du Linien und du bist nur ein bisschen rostig und du hast viel Widerstand, wenn du anfängst. Legen Sie Ihren Pinsel, Ihren Bleistift oder Ihren Stift und atmen Sie tief durch. Hier gibt es keine Einsätze. Wenn man etwas Schreckliches macht, ist das genauso wertvoll, vielleicht sogar wertvoller , als etwas Gutes zu machen. Wir versuchen herauszufinden, was funktioniert und was nicht für uns ist, um unsere eigene einzigartige Stimme auszudrücken. Das wirst du nie tun können, wenn du Angst hast, etwas Schlimmes zu machen. Für mich war die Idee, Linien mit einem Stift zu skizzieren, zu beängstigend. Schleimmalerei in dieser Übung, weil ich mich dort am meisten zu Hause fühle. Wo fühlen Sie sich am meisten zu Hause? Fangen Sie dort an. Die andere Sache, die ich Ihnen sagen werde, ist, dass Ihr innerer Kritiker keinen Platz in diesen Experimenten hat. Arbeit mit Absicht zu machen und über diese Arbeit nachzudenken, ist unglaublich wertvoll. Aber diese Reflexion muss geschehen, nachdem der künstlerische Prozess beendet ist. Nachdem Sie Ihren Pinsel, Stift, Bleistift, einen Snack und entspannt gelegt haben. Wenn Sie versuchen, über Ihre Arbeit nachzudenken, während Sie sie machen, dies Ihre Fähigkeit beeinflussen, zu experimentieren und Risiken einzugehen. Man muss sich dem Kunstschaffungsprozess mit Verlassenheit nähern, und erst danach setzt man sich hin und geht ruhig über die Dinge, die funktionierten und Dinge, die nicht sind. Zurück zum Erstellen. Ich habe meinen Fehler fertig umrissen und einige seltsame Entscheidungen getroffen. Ich weiß nicht, warum ich die Antenne ausrichte. Sie hätten nur Linien sein können. Aber leider versuche ich ein paar Brüte an der Antenne, an den Beinen. Wer weiß was sonst? Ich genieße es ganz auf den kleinen, begrenzten Bereichen des Raumes. Das könnte eine meiner Vorurteile sein, als ich während ich arbeite. Aber ich habe offensichtlich eine sehr formorientierte Art, mit Linie zu arbeiten. Ich habe das ganze Stück umrissen. Viele Leute, die mit der Linie wohler sind, würden das wahrscheinlich nicht tun. Sie würden nur die Stücke umreißen, in denen Schatten und Schattierungen auf die Form des Käfers hinweisen. Manche Leute sagen Ihnen vielleicht, dass es falsch ist, die ganze Form zu skizzieren und es ist ein bisschen amateurisch oder naiv. Aber ehrlich gesagt gefällt es mir irgendwie. Ich wünschte nur, die Linien wären etwas stärker, vielleicht. Das ist etwas, was ich für die nächste Iteration im Hinterkopf behalten werde. Ich beschloss auch, den Augen kleine Flecken hinzuzufügen. Ich hatte in Betracht gezogen, gekreuzte Linien zu machen, die in beide Richtungen gehen , um es wie ein Bildschirmtürmuster zu machen. Aber ich dachte, vielleicht könnten die Punkte mehr Kontrast zu all den gestreiften Mustern und Schraffuren, die ich in diesem Gemälde gemacht habe, hinzufügen mehr Kontrast zu all den gestreiften Mustern . Sind Punkte geklebte Linien nehmen, wer soll sagen? Ich füge auch Linien entlang der Shell hinzu, um darauf hinzuweisen, dass die Form als dreidimensionales Objekt ist, weshalb sie gekrümmt sind. Eine wichtige Sache zu beachten, wenn wir uns durch diese sechs Experimente arbeiten , ist, dass die Elemente ein Sprungpunkt sind. Wenn du also online arbeitest und diesen Tresor der Inspiration erhältst, dass du eine getrennte Form haben willst und sie treffen möchtest, tu das. Sehen Sie, wie es funktioniert. Es könnte eine fantastische oder es könnte nicht funktionieren, und dann werden Sie eine Tonne lernen. Aber Sie sollten sich nie durch diese Experimente eingeschränkt fühlen. Einfach aufgeregt und ein wenig außerhalb Ihrer Komfortzone geschoben. Denken Sie daran, wie Stretching. Okay, versuchen wir es noch einmal. Der beste Weg, um Ihre bestmögliche Kunst zu machen, die sich am meisten wie Sie anfühlt, ist zu iterieren, was bedeutet, immer wieder dasselbe zu tun und unterschiedliche Ergebnisse zu erwarten. Es macht dich nicht verrückt, es macht dich zum Künstler. Jetzt, da ich aufgewärmt bin, ich meinen Pinsel beiseite und habe einen Dip-Stift aufgenommen. Ich benutze immer noch Tinte. Ich dachte, dies könnte sich in der Qualität der Linien ein wenig ändern, geben ein bisschen mehr Persönlichkeit und wer weiß was sonst. Bisher, einfach zutiefst unbequem. Wir zeigen, dass es geht. Sie werden feststellen, dass die meisten Dinge, die ich in diesem Experiment ausprobiert habe , ziemlich ähnlich sind, was ich im letzten gemacht habe. Ich konzentrierte mich hauptsächlich auf dieses neue Werkzeug, den Dip-Stift. Dass ich es glücklicherweise geschafft habe, nicht in den Tintenbrunnen einzutauchen und über meine Hände in die Zeitung zu spritzen und wer weiß was sonst. Das ist also ein Sieg. Sonst fühle ich das nicht wirklich. Es ist nicht schlimm. Es ist nichts falsch daran. Aber es fühlt sich einfach nicht so an wie ich. Ich weiß nicht, ob es die Qualität der Linie oder die Farbe ist, aber ich werde definitiv etwas anderes in der nächsten Iteration versuchen. Sie sagen, das dritte Mal ist der Charme, und dieses Mal habe ich einige von dem, was ich in den ersten beiden Experimenten beobachtet habe, genommen , um meinen Prozess in Zukunft zu verbessern. Ich habe von der schwarzen Tinte weggewechselt, weil es für mich einfach nicht funktionierte, und ich habe angefangen, Bleistiftstifte zu verwenden. Es ist ein Medium, mit dem ich mich sehr wohl fühle. Es ist einer meiner Favoriten. Ich benutze es die ganze Zeit. Diesmal plane ich also, die Dinge etwas zu ändern, indem ich die Schraffurmarken eintausche ich zuvor für ein geometrisches Linienmuster verwendet hatte. Ich grabe auch wirklich diesen Schalter, den ich von schwarz nach grau gemacht hatte. Weil Schwarz keine Farbe ist, die ich jeden Tag in meiner Kunst benutze, fühlt es sich nicht so an wie ich. Als ich also Tinte benutzte, weil ich dachte, dass ich das für Linien verwenden sollte, fühlte es sich am Ende wie die Arbeit eines anderen an, was definitiv nicht das ist, was ich will. Dies ist eines der Dinge, die Sie zur Kenntnis nehmen können, während Sie reflektieren. Die Dinge, die Sie zu Ihrer Arbeit bringen, dass unsere Annahmen über das, was Kunst sein sollte, und nicht das, was Ihre Kunst ist. Mann, ich liebe diesen Wechsel vom Schlüpfen zu diesen Linien, sie sehen aus wie die Strumpfhose einer Hexe und ich liebe sie. Ich bin kein großer Benutzer von Mustern im Allgemeinen. Meine Klamotten haben keine Muster. Meine Kunst hat nicht so viele Muster, es ist etwas, an dem ich arbeite, und dieses gestreifte Muster könnte das Häkchen sein. Schon ein kurzer Blick auf meine Seite sagt mir, dass ich auf dem richtigen Weg bin. Ich liebe diese dritte Zeichnung so viel mehr als die ersten beiden, die sich überhaupt nicht wie ich fühlten. Das heißt nicht, dass ich diesen hier liebe. Es gibt definitiv einige Dinge, die ich ändern würde. Als wären das die Glühbirnen, die ich getan habe. Warum habe ich das getan? Wer soll das sagen? Aber ich bin definitiv auf dem richtigen Weg. Jetzt sind wir auf der letzten Zeichnung, die wir zusammen machen werden. Die anderen beiden werde ich alleine machen, und dann gehen wir zu unserer Reflexion über. Im Geiste dieses Experiments habe ich wieder Medien gewechselt. Ich bin zurück mit dem Pinsel arbeite diesmal mit Gouache, dem Sie vielleicht schon wissen, wo ich mich am wohlsten fühle. Ich dachte, es wäre lustig, etwas Farbe auszuprobieren. Also schnappe ich mir die Farbe, die ich mochte und ich liebe schon , wie sehr das für mich persönlich anfühlt. Mein Plan ist auch, mit den mehr grafischen Elementen zu bleiben, wie den Streifen und Punkten statt der Schraffur, die ich in den ersten Experimenten verwendet habe. Ich denke mit der flachen Gouache, mit der ich arbeite. Es wird den Effekt noch mehr Spaß und Grafik machen. Ich mag das wirklich, aber hier ist die Sache, das ist nicht aus dem Nichts gekommen. Dies wurde auf den vorherigen drei Iterationen aufgebaut, die ich bereits gemacht habe. Jetzt, da wir dieses Experiment fast fertig sind, werde ich auf eigene Faust gehen und mehr Experimente machen, um mit diesem Stil noch mehr zu spielen, um es zu meinem eigenen zu machen. Danach treffen wir uns hier zur Reflexion. 7. Reflexion eins: Linie: Jetzt, da wir das erste Experiment abgeschlossen haben, ist es an der Zeit, über unsere Arbeit nachzudenken. Sie können dies nach jedem Experiment und wieder am Ende tun, wenn Sie eine größere Menge an Arbeit haben, die Sie Muster finden und reflektieren. Sie können dies auch kontinuierlich verwenden, um all die Arbeit, die Sie erstellt haben, zu reflektieren, um sich zu einem stärkeren Illustrator zu machen. Hier sind einige Fragen, die Sie berücksichtigen können, wenn Sie über Ihre Arbeit nachdenken. Welche Entscheidungen haben Sie über Ihr Kunstschaffen getroffen, bevor Sie überhaupt angefangen haben? Art von Papier, das Sie verwendet haben, Werkzeuge, das Medium, neben der Skala, mögen Sie diese Entscheidungen jetzt, nachträglich über sie nachdenken, was würden Sie ändern, wenn Sie könnten? Wie fühlen Sie sich über die Farben, die Sie gewählt haben? Fühlen sie sich wie du? Magst du sie? Haben Sie irgendwelche Vorurteile aufgedeckt, die Sie in Bezug auf den Kunstprozess haben könnten? Hast du festgestellt, dass diese Vorurteile dich zurückgehalten haben? Haben Sie Spaß bei der Arbeit mit dem Medium und den Werkzeugen, die Sie für dieses Experiment gewählt haben. Gefielen Ihnen die Effekte, die sie geschaffen haben? Hast du das Gefühl, dass du genug Wissen hast, um den Effekt zu erzielen , den du von dem verwendeten Medium oder den verwendeten Werkzeugen gewünscht hast? Was hast du am liebsten Spaß gemacht? Was hast du nicht genossen? Was liebst du das Aussehen, und was funktioniert wirklich nicht für dich? Nun, es gibt ein paar Dinge, die mir sehr gut gefallen, das Rouge, das geometrische Muster, das ich benutzt habe, die hellen Farben, vor allem das Hot Pink, was normalerweise nicht eine Farbe ist, die ich viel verwenden würde. Was mir nicht gefallen hat, die Tinte und diese Wurzeln, kleine Augen auf meinen Bleistiftkäfer, den tiefen Stift. Einige dieser Dinge sind nur Dinge, mit denen ich mich nicht wohl fühle, aber ich mag auch nicht, wie sie aussehen und ich glaube nicht, dass sie zu mir passen. Ich werde meine Energie nicht darauf konzentrieren, zu lernen, wie ich meine Fähigkeiten in diesen Bereichen verbessern kann. Wenn es eine Fertigkeit gibt, von der Sie das Aussehen geliebt haben, aber Sie einfach nicht die technische Fähigkeit dafür haben , wäre der Ort, um Ihre Energie zu konzentrieren. Einige Vorurteile, die ich aufgedeckt habe, sind wir in erster Linie, diese lächerliche Voreingenommenheit, dass ich, um wahre Linienkunst zu sein, mit Tinte arbeiten musste. Ich machte mich Hass Linie durch das Hören dieser sollte, wie Wasch Käfer sind genauso viel Line Art und ich liebte es, sie zu malen und während sie nicht die gleichen wie meine andere Arbeit sind, denke ich, sie fühlen sich immer noch wie ich, die die Tinte Bugs nie werden wir tun. Eine andere Sache zu beachten ist, dass ich dieses Käfermotiv liebe. Ich denke, ich werde es in Zukunft wieder in meiner Arbeit verwenden. Als nächstes experimentieren wir mit Form. 8. Experiment zwei: Form: Willkommen zum Experiment Nummer 2. Du bist schon ein Sechstel des Weges dorthin. Du hast so viel Arbeit geleistet und hast so viel über deinen Stil gelernt. Jetzt werden wir uns auf Formen konzentrieren und Frauenkäfer malen. Ich weiß, dass Frauenkäfer auch Käfer sind, aber es gibt verschiedene Arten von Käfern, also werden wir einfach damit rollen. Ich male meinen ganzen Körper meiner Lady Bug rot. arbeite um alle Stellen, die ich im Voraus skizziert habe. Das mag wirklich seltsam aussehen, ich könnte einfach eine ganze Basisschicht davon malen, aber meine Idee ist, dass ich alle schwarzen Details in Blau machen werde und ich weiß, dass die blaue Farbe, die ich habe, ein wenig durchscheinend ist. Ich denke, wenn ich die Bereiche umreiße und die Malerei um sie herum skizziere, kann ich etwas von dieser Transluzenz bekommen, um dort zu kommen, wo die Flecken sind. Ich benutze auch einen kleinen kleinen Pinsel. Das ist etwas, was ich viel mache. Du hast es vielleicht schon in meinen anderen Klassen bemerkt, aber ich mag sehr viele Pinselstriche in meiner Arbeit. Ich schätze, das ist eine der Entscheidungen, die ich treffe. Ich benutze einen kleinen Pinsel, um mehr Pinseltricks zu bekommen. Wenn Sie weniger Pinselstriche wünschen, würde ich vorschlagen, einen größeren Pinsel zu verwenden, da dies die Anzahl der Pinselstriche minimiert, die Sie im fertigen Stück sehen können. Auch die Arbeit mit dem undurchsichtigeren Medium wäre wahrscheinlich eine gute Wahl. Ich neige dazu, meine Gouache ein wenig auf der wässrigen Seite zu lassen, weil ich gerne Pinselstriche und die Textur des Papiers durch meine Farbe sehe. Sie werden feststellen, dass ich auch mein Blatt Papier viel herumschiebe, während ich arbeite. Dies ist nur eine Technik, um sicherzustellen, dass ich den besten Winkel habe, damit ich die knackigsten, präzisesten Linien machen kann und auf diese Weise werde ich nicht alle Kanten der Dinge, die ich versuchen zu malen, schmieren. Es ist auch eine gute Möglichkeit, um sicherzustellen, dass Sie immer auf dem Teil der Seite malen, die trocken ist, ohne Ihre Hände über die Teile, die nass sind, und riskieren glättet. Gouache trocknet ziemlich schnell, aber wenn Sie mit einem Wassermedium arbeiten, wie Aquarell, möchten Sie vielleicht etwas mehr Zeit lassen , damit Sie Ihre Hand nicht durch Ihre Farbe schmieren, wie ich es so oft tue. Wenn Sie die Dinge beschleunigen müssen, benutze ich oft einen billigen Föhn, den ich an meinem Kunsttisch aufbewahre , um Dinge zu trocknen, damit ich sie nicht zerstören kann. Jetzt werde ich anfangen, an den traditionell schwarzen Bereichen von My Lady Bug zu arbeiten. Da ich im ersten Experiment erfuhr, dass ich in meiner Arbeit nicht wirklich gerne mit einem reinen schwarzen Pigment arbeite, versuche ich in diesem ein tiefes Blau aus. Das Blau, das ich benutze, hat ein wenig Transluzenz, so dass es hoffentlich ein bisschen Tiefe haben wird. Während ich male, werden Sie feststellen, dass ich einen weißen Raum zwischen den beiden Hälften dieser Lady Bug Shell gelassen habe, während ich malte. Ich dachte, es könnte eine nette Möglichkeit sein, etwas Dimension und einen Kontrast hinzuzufügen , um es ein wenig interessanter zu machen. Ich plane auch, etwas Leerraum zu lassen, willy-nilly um die Punkte auf dem Marienkäfer, um zu sehen, ob das auch Kontrast und Interesse hinzufügen wird. Eine Sache, die ich bereits bemerkte, ist, dass diese Farben wirklich für mich funktionieren. Ich glaube, es ist die rote. Ich glaube, das Rot ist einfach zu rot. Ein bisschen grell, wie mein Mann sagen würde. Normalerweise arbeite ich mit einer Mischung aus tiefen Werkzeugtönen wie Blau und Pastellfarben. Dieses leuchtend rote fühlt sich bei mir nicht wirklich wie zu Hause an. Bisher bin ich mir nicht sicher, Leerraum um die Punkte zu verlassen, aber ich werde daran festhalten, denn manchmal, wenn du ein Muster machst oder ein Stück fertigstellst, kannst du nicht wirklich sagen, ob das, was du tust gut oder wenn es falsch ist. Ich werde es einfach durchschauen und sehen, wie es funktioniert. Eine weitere Iteration, ich mache etwas, das diesmal etwas außerhalb meiner Komfortzone ist. Früher habe ich viel im Aquarell gearbeitet, aber in letzter Zeit habe ich in Gouache gearbeitet. Aquarell fühlte sich einfach nicht ganz wie ich, aber ich werde es noch einmal versuchen, denn manchmal machen wir Annahmen über unsere Arbeit und gehen voran, als ob sie wahr sind, und wir bestätigen nicht wirklich, ob sie wahr sind. Ich liebe diese Farbe schon, mal sehen, wie alles andere geht. Nun, ich mag diese schockierende Menge. Ich liebe die Farben, die ich benutzt habe. Ich liebe all die Tiefe und Textur, die Sie mit Aquarell bekommen. Selbst nach einem falschen Start mit diesen Punkten auf Punkten mag ich die Marienkäferflecken, jetzt, da ich sie repariert habe. Ich werde jetzt nur einen feinen Liner hinzufügen, weil ich denke, dass die Kanten ein bisschen mehr Definition benötigen. Aber insgesamt hasse ich das nicht. Ich denke, die Frage, die ich mir stellen muss, ist, jetzt gibt es eine Möglichkeit, dieses oder Elemente dessen, was ich in diesem mehr mag, in meinen Stil zu integrieren , der eher flache Farbe und Pastellfarben ist? Oder spielt es eine Rolle, ob ich das mag? Nicht alles, was du liebst, muss Teil deines Stils sein. Jetzt auf die dritte Iteration. Ich arbeite wieder mit Gouache. Ich dachte, indem ich es nebeneinander mit dem Aquarell setze, könnte ich neue Wege finden, diesen Aquarellstil, den ich tatsächlich mag, in meinen Stil zu integrieren , den ich momentan benutze , der mehr Gouache-basiert ist. Ich benutze diesmal eine Pastellfarbe, weil es sich ein bisschen mehr wie ich anfühlt. Ich male über die ganze Gegend und lasse die Flecken nicht leer, wie ich es beim ersten Mal mit Gouache getan habe. Mein Plan ist es, dieses Mal Textur zu verwenden, um die Formen zu machen, anstatt nur Farbe wie in den beiden vorherigen Experimenten. Sie werden sich an unserer Diskussion über die Elemente des Designs erinnern, dass Form ein beliebiger Farb-, Textur- oder Musterbereich sein kann . Aber was ich bis jetzt finde, ist, dass meine Vorliebe, wenn ich zu gehen, wenn ich nicht darüber nachdenke, zu tun ist, eine Farbfläche zu gestalten. Ich denke, das ist wahrscheinlich eine Menge Standardeinstellung von Leuten. Sogar in der letzten Iteration, wo ich versuchte, eine Reihe von Punkten zu verwenden, um die Marienkäfer Flecken zu machen, landete ich zweitrangig zu erraten und darüber zu malen. Diesmal werde ich mich festhalten. Das kann die einzige Sache sein, von der niemand spricht, wenn Sie versuchen, sich aus Ihrer Komfortzone zu schieben. Es braucht eine stabile Hand. Manchmal kommen Sie auf halbem Weg durch und Ihr Unbehagen wird Sie zurück in das, was Sie wissen, schieben. Sie werden über die Sache malen, die Sie versuchen, und Sie werden einfach spielen es sicher statt. Es braucht viel Mut, nur weiter durchzudrängen, selbst wenn Sie das Gefühl haben, etwas zu machen, das wahrscheinlich nicht großartig ist, denn Sie werden nie wissen, ob es gut ist, bis Sie es beenden lassen. Auf diesem Bug habe ich beschlossen, kleine Pinchers hinzuzufügen, weil Lady Bugs haben diese. Sie können sie auf den Referenzfotos sehen. Also werden wir sehen, wie ich sie am Ende mag. Gouache-Farbe macht jedoch so viel Unterschied, nicht wahr? Ich mache nicht ganz so viel anders als mein allererster Marienkäfer, aber das fühlt sich mir schon mehr richtig an. Du wirst bemerken, dass ich die kleinen Flecken auf jedem Marienkäfer umgeschaltet habe. Ich habe die Referenzbilder verwendet, die ich für alle im Ressourcenhandbuch enthalten habe. Ich bemerkte, dass nicht alle kleinen weißen Flecken gleich sind. Um ehrlich zu sein, ich wusste nicht einmal, dass Marienkäfer diese kleinen weißen Flecken auf ihren Schultern hatten , bevor ich das Referenzbild wirklich aufmerksam anschaute. Also manchmal ist der beste Weg, um zu beginnen, um Ihre Vorurteile zu verärgern und sich eine Chance zu geben, etwas aus der Box zu tun sich eine Chance zu geben, etwas aus der Box zu tun, nur wirklich auf Ihr Thema zu konzentrieren, um herauszufinden, welche Dinge Sie übersehen haben. Weil dein Gehirn diese Vorstellung davon hat, was ein Marienkäfer ist und es nicht immer mit dem wirklichen Leben übereinstimmt. Dein Gehirn schneidet Dinge aus, also ist es einfach, jedes einzelne Ding, das du in dieser Welt in deinem Kopf siehst, zu kategorisieren. Aber das bedeutet, dass oft, wenn wir aus unseren Vorstellungen malen oder etwas malen, von dem wir annehmen, dass wir malen können, raten wir, was wir malen sollen. Ich glaube, es ist ein altes Kunstschulprojekt. Diese Idee, ein Fahrrad aus dem Gedächtnis zu zeichnen. Das zu tun oder etwas aus dem Gedächtnis zu ziehen, kann Ihnen manchmal zeigen wie viel Sie nicht wissen und wie viel wir vergessen, unsere Augen zu benutzen, wenn wir zeichnen. Indem Sie sich also auf die Referenzbilder oder was auch immer Sie malen, konzentrieren , können Sie wirklich auf das, was tatsächlich vor Ihnen ist. Ich habe angefangen, die Flecken zu malen. Ich beschloss, sie stripy zu machen. Ich beschloss auch, einen Umriss hinzuzufügen, etwas über das hellrosa über das weiße Papier saß einfach nicht direkt bei mir. Ich denke, es brauchte mehr Kontrast. Fast fertig, glaube ich. Aber manchmal ist das, was passiert ist, dass du dein Bild fertig stellst, du bist an einem Ort, an dem du denkst, dass es fertig ist, und du machst einen Schritt zurück und schaust es dir an und merkst, dass es nur etwas gibt, das du zwicken musst. In diesem Fall erkannte ich, dass ich nicht nur das Streifenmuster liebte, es eher ein Schraffurmuster machen wollte. Also habe ich alles nochmal durchgemacht, nur um diesen kleinen letzten Schliff hinzuzufügen. Ich glaube, es funktioniert. Ich denke, es brauchte nur ein wenig mehr Kontrast und ich bin mit dem Endergebnis zufrieden. Von den drei Marienkäfern, die ich bisher gemalt habe, fühlt sich dieser am meisten wie ich an. Marienkäfer Nummer 4, ich fürchte mich, dir das zu zeigen, weil es nicht gut gelaufen ist, aber ich bin sehr stolz auf mich selbst, weil ich hier viele gute Dinge getan habe. Zuerst habe ich angefangen, über den Tellerrand zu denken. Ich schaute mir meine ersten drei Marienkäfer an und dachte mir : „Marienkäfer sind rund, müssen sie rund sein?“ Also entschied ich mich, einen quadratischen Marienkäfer zu machen. Ich sage nicht, dass es gut gelaufen ist, aber ich habe es versucht. Ich lasse weißen Raum für die quadratischen Punkte auf diesem Marienkäfer. Ich hoffe, sie wieder mit dem gleichen Blau zu bemalen und das Licht durchscheinen zu lassen. Als ich dieses Gemälde anfing, traf ich die Wahl, dass ich wollte das Quadrat ein funky organisches Quadrat ist und nicht ein perfektes Quadrat. Also habe ich es nicht mit einem Lineal skizziert und schon fängt das an, mich zu verärgern, wünschte ich wirklich, dass ich das getan hätte. Ich beschloss auch, seine kleinen Schultern quadratisch zu machen, seinen Kopf quadratisch. Ich werde ihm auch kleine Quadratfuß geben. Ich habe diesen Plan wirklich durchgemacht. Aber sehen Sie, wie es so läuft wie Gauss. Nun, ich versuche es zu retten aber ich glaube nicht, dass ich jemals an einen Punkt komme, an dem ich das liebe. Ich liebe ein paar Dinge daran. Ich liebe die Transluzenz des Blaus. Ich liebe das Rosa und Blau zusammen, aber insgesamt ist dieses hier einfach nicht für mich. Ich werde gehen und an meinen eigenen letzten zwei Iterationen arbeiten und dann werden wir gemeinsam nachdenken. 9. Reflexion zwei: Form: Willkommen bei der Reflexion für Experiment Nummer 2. Wenn Sie eine Auffrischung benötigen, wie Sie über Ihre Arbeit reflektieren können, können Sie sich das Video für Reflexion 1 Zeile ansehen, oder Sie können sich den Klassenressourcenführer ansehen, wo es Tonnen von detaillierten Fragen gibt , die Sie verwenden können, um sich durch Ihre Reflexionen. Fangen wir mit dem an, was ich mochte. Ich mochte den Bleistiftstift, besonders die Art, wie ich ihn in der letzten Iteration verwendet habe. Ich benutze nicht oft selbst Bleistiftstifte. Ich benutze es oben auf Kürbis. Ich glaube, ich hatte vergessen, wie sehr ich die Textur nur von selbst mag. Ich liebe auch die Käfer, die nicht ganz rot waren. Ich mochte es, Blau anstelle von Schwarz zu verwenden. Ich mag das Aquarell wirklich, aber ich bin mir nicht sicher, ob es sich wie ich anfühlt. Organische Formen, kleine Pinselstriche und Pinselstriche. Dinge, die ich nicht mochte. Diese dummen quadratischen Käfer, Punkte in den Punkten. Obwohl ich die Idee liebte, dass rosa, die ich für den quadratischen Käfer verwendet, was verrückt ist, weil ich es nicht auf meinem Käfer hassen. Vielleicht ist es einfach nicht richtig für mich. Welche Vorurteile habe ich aufgedeckt? Nun, die erste und vor allem ist, dass Lady Bugs rund sein müssen. Die Sache, die ich am meisten gelernt habe, ist, dass manchmal Vorurteile nicht aufregen müssen. Ich habe versucht, etwas Neues zu machen, und ich habe es nicht geliebt und das ist okay. Einige Vorurteile halten dich einfach nicht zurück. Sie sind nur da im Hintergrund Ihres Kunstschaffens. Sie sind völlig neutral. Ich habe dieses Motiv geliebt und werde es wahrscheinlich irgendwann wieder in meiner Arbeit verwenden. Als Nächstes experimentieren wir mit Raum und negativem Raum. 10. Experiment drei: Raum: Willkommen beim Experiment Nummer 3, wir sind schon fast auf halbem Weg und in diesem Experiment konzentrieren wir uns auf den Raum oder noch wichtiger, den negativen Raum. Ich vermische es hier ein bisschen. Nicht, dass du es wirklich sagen kannst. Das ist eigentlich Aquarell, nicht Gouache, anscheinend habe ich einige Farben, die ich wirklich mag. Ich plane, nur eine Farbe zu verwenden und dann mit negativem Raum an Orten wie den Augen, seinen kleinen Käferhänden, den Flügeln zu spielen mit negativem Raum an Orten wie den Augen, seinen kleinen Käferhänden, , und wer weiß wo sonst? Ich benutze wieder einen kleinen kleinen Pinsel. Ich dachte, es funktionierte gut, um eine Menge Pinselstriche zu geben weil Fliegen unscharf sind und ich will, dass er unscharf aussieht. Wie auch immer, negativer Raum ist eine knifflige Sache, mit der man arbeiten kann, wenn man es noch nie getan hat. Eine Sache, die ich empfehle, wenn Sie nicht bequem mit negativem Raum arbeiten, ist es, einfach geschnittenes Papier zu verwenden. Es ist eine großartige Möglichkeit, um wirklich einen Griff zu bekommen, welchen Raum und was negativ ist Raum, denn alles, was Sie wegschneiden, das ist der negative Raum. Ich finde es auch viel weniger einschüchternd, weil es sich anfühlt, als ob ich wieder im Kindergarten bin Herzen für meinen Valentinstagskorb ausschneidet. Es ist völlig befreiend. Das ist der Ort, an den ich immer versuche, mit meiner Kunst zu kommen, für die ich spielt. Es fühlt sich an, als wäre ich ein Kind und ich mache nur, was meine Phantasie kitzelt ohne jede Erwartung von Lob oder jede Erwartung auf Erfolg. Wenn Sie an diesen Ort des kindlichen Wunsches über Ihre Kunst kommen, ist Ihnen nicht einmal mehr der Erfolg wichtig. Es ist nicht einmal eine Überlegung, weil man erfolgreich ist, wenn man Kunst macht. An dieser Stelle habe ich angefangen, die Flügel zu skizzieren. Ich habe nicht vor, sie mit etwas anderem als den kleinen Käfervenen zu füllen. Sind das die Flügel? Sind das winzige Knochen? Wer soll sagen, ich habe keine Ahnung. Ich versuche auch, meine Farbe wirklich nass zu halten , so dass Sie eine Menge von der Aquarell-Textur sehen. Wenn es einen Punkt gibt, den ich finde, der durchscheinend oder leichter ist, als ich es will. Ich gehe danach mit etwas mehr Farbe über und mache es dunkler. diesen Fehler anschaue und über die Arbeit nachdenke, die ich zuvor in der ganzen Klasse geleistet habe, erkenne ich, dass ich eine grundlegende Annahme hatte, dass ich bereits völlig widerlegt habe , weil ich dachte, ich wäre kein blauer Mensch. Ich dachte, ich benutze kein Blau. Ich dachte, ich benutzte eine warme Farben nur Jungs. Aber ich habe mich so sehr geirrt. Ich benutze so viel Blau, manchmal, wenn wir Kunst machen, haben wir diese Geschichte im Kopf, die wir uns selbst sagen , die die Realität nicht widerspiegelt. Wir sagen uns, dass wir gerne detaillierte Arbeit, wenn das unseren Rücken schmerzt und wir es nicht genießen, oder wir sagen uns, dass wir die Farbe Blau nicht mögen, weil es sich nicht wie wir anfühlt , aber dann jedes Mal, wenn wir eine Röhre aufheben von Farbe, greifen wir die blaue Farbe. Wenn man in einen endlosen Zyklus des Kunstschaffens gelangt, nehmen wir uns manchmal nicht die Zeit, unsere Arbeit zu betrachten und diese Muster zu erkennen. Apropos Muster, ich habe angefangen, die Adern oder was auch immer sie genannt werden, zu den Flügeln des Bugs an dieser Stelle hinzuzufügen und ich liebe die Transluzenz von Aquarell hier wirklich. Das ist eine Sache, die du nicht so viel mit Gouache bekommst. Es fehlt immer noch etwas. Ich denke, ich werde anfangen, mit Bleistiftkreide herumzuspielen, was mein Weg ist, ich weiß. Aber ich füge dieses dunkelblaue hinzu, um mehr Tiefe und Textur hinzuzufügen , und ich kann damit herumkritzeln. Ich denke, es wird das Gemälde insgesamt viel lockerer und lustiger aussehen lassen. Ich werde mir nur einen Moment Zeit nehmen, um die zugrunde liegende Skizze, die ich hier habe, zu löschen. Weil ich jetzt merke, dass ich einen Bleistift Buntstift verwende, kann es schwieriger sein, das später zu löschen, ohne versehentlich meine eigentliche Arbeit zu verschmieren. Wenn Sie planen, mehr Malerei zu tun, stellen Sie sicher, dass Sie alle Radiergummis loszuwerden. Sonst werden sie in deiner Farbe trocknen und dein Leben unglücklich machen. Sie können sie später entfernen, wenn Sie digitalisieren, indem Sie das Heilungswerkzeug in Photoshop verwenden. Aber es ist wirklich einfacher, sie nicht überhaupt in Ihrer Farbe stecken zu lassen. Ich werde jetzt mehr weißen Raum hinzufügen, um Textur auf der Fliege Körper mit einem Nudelstift zu erstellen . Das sind ein magischer Stift. Es sind Acrylfarben, denke ich, in dieser schicken kleinen Röhre und sie funktionieren wirklich gut. Ich fand immer, dass Gelstifte ziemlich inkonsistent sind. Sie würden anfangen und aufhören, und es wäre schwer, sie zum Laufen zu bringen, wenn ich versuchte, Arbeit zu machen. Aber der Nudelstift hat keines dieser Probleme. Ich habe ein gekreuztes Muster zu den Bugs Augen hinzugefügt und ich liebe es. Ich füge nur noch mehr Details zu seinen Flügeln hinzu, mit einem helleren blauen Bleistiftstift. Ich glaube, wir sind fast fertig. Für diese zweite Iteration habe ich einen Sprung Weg aus meiner Komfortzone gemacht. Ich habe ein wenig Maskierungsflüssigkeit für Wortkunst verwendet. Ich benutze zu Beginn eines jeden Monats auf Instagram. Aber das habe ich noch nie versucht. Mal sehen, was passiert. ( MUSIK). Das sieht jetzt nicht besser aus als das Abrufen dieser Maskierungsflüssigkeit, und ehrlich gesagt, ich bin nicht super erfahren mit Maskierungsflüssigkeit, aber ich kann sagen, dass diese Maskierungsflüssigkeit, die ich habe, nicht großartig ist. Mein Papier ist gelb gefärbt. Es ist unglaublich schwer zu entfernen. Ich muss diesen Radiergummi verwenden, sonst zerreißt er die Seite wirklich. Wenn Sie Maskierungsflüssigkeit verwenden, würde ich vorschlagen, diese Marke von Daniel Smith nicht zu verwenden, etwas anderes zu bekommen, das ein bisschen weniger schrecklich ist. Ich werde sehen, ob ich das mit Bleistiftstift retten kann. werde dich sehen, was ich tun kann. Wenigstens ist dieser quadratische Marienkäfer nicht das Schlimmste, was ich jetzt gemalt habe, weil das schlecht war. Mal sehen, was ich jetzt tun kann, wieder mit Glanz zu spielen, mein Plan ist, ein Gemälde mit so wenig weißen Raum wie möglich zu machen. Ich plane, das gesamte Gebiet in Farbe zu bedecken. Das letzte Mal ließ ich die Flügel völlig offen und frei, was ihnen ein echtes Gefühl von Luftigkeit gab. Diesmal werde ich ein hellblau benutzen. Ich benutze auch ein dunkleres Schiefergrau für den Körper der Fliege. Mein Plan ist es, eine gruselige rote Farbe für die Augen zu verwenden eine gruselige rote Farbe für , weil ich sah, dass in vielen der Referenz der Fall war. Dies kann ein guter Zeitpunkt sein, um Referenzfotos zu besprechen , wenn Sie arbeiten, um Ihren Stil zu finden, der absolut beste Weg, dies zu tun, ist die Arbeit aus dem Leben. Aber die Realität ist, dass es nur einige Dinge gibt, die man nicht aus dem Leben malen kann, wie eine Fliege , zum Beispiel, diese kleinen Buggers werden jedes Mal wegfliegen, wahrscheinlich noch bevor man Stift auf Papier bekommt. In diesen Fällen sind Referenzfotos am besten zu verwenden, sie sind ziemlich genaue Darstellungen von Dingen aus dem Leben. Sie möchten sicherstellen, dass Sie von Referenzfotos so arbeiten , dass Sie nicht kopieren. Du stehlst nicht die Arbeit eines anderen Künstlers ihre Komposition oder die Details, wie sie ihr Kunstwerk erschaffen haben. Was Sie versuchen zu tun, ist, alle Details zu nageln , wie Sie diese spezifische Sache erstellen. In diesem Fall eine Fliege. Ich würde Ihnen nie raten, eine andere Illustration als Grundlage für Ihre Kunst zu verwenden. Das Problem dabei ist, dass du diese besondere Sache durch die Augen eines anderen siehst, was es wirklich schwer macht, etwas zu machen, das für dich einzigartig ist. Das heißt nicht, man sollte nicht ständig auf die Arbeit anderer Künstler und Illustratoren schauen . Blick auf die Arbeit anderer Künstler und Illustratoren ist eine großartige Möglichkeit, unser Auge zu trainieren und Ideen von Dingen zu bekommen, die man ausprobieren kann, aber man will die Welt nicht mit ihren Augen sehen. Du willst die Welt mit deinen Augen sehen, so machst du Arbeit, die dich anfühlt. Zurück zu meinem Gemälde. Ich bin fast an dem Punkt, an dem ich all die kleinen Details dieser leichten blauen Farbe ausgefüllt habe. Jetzt werde ich etwas Textur hinzufügen. Natürlich greife ich nach Bleistiftstiften, was würden Sie sonst erwarten? Hier geht etwas vor sich, das aus dem Video ziemlich leicht zu sehen ist , aber es war viel schwieriger für mich zu erkennen, als ich kreierte. Es ist etwas Verrücktes los mit den Flügeln dieses Käfers. Aus irgendeinem Grund beschloss ich, seine Beine hinter ihm zu legen. Aber seine Flügel sind zwischen seinen Beinen und seinem Körper. Ich glaube nicht, dass es so funktioniert. Zum Glück arbeite ich mit Glanz, also kann ich das leicht reparieren, indem ich es so übermalte, dass man es nicht erkennen kann. Aber Sie können feststellen, wie Sie erstellen, dass das manchmal auch Ihnen passiert. Du bist so sehr im Moment, dass du nur ein paar Details verpasst. Deshalb ist es wirklich wertvoll, solche Arbeiten zu erledigen, zu iterieren und zu experimentieren und die gleichen Dinge immer und immer wieder auszuprobieren. Auf diese Weise, wenn Sie in einer Situation sind, in der Sie Illustrieren oder Kunst unter Druck machen , die Sie an einen Kunden liefern müssen, dann müssen Sie sich keine Sorgen um kleine Fehler wie diese machen, denn die Motive, die Sie lieben wird bereits fest in Ihrem Katalog aller Motive, die Sie kennen und lieben, verankert sein, damit Sie sie auf Abruf in einer konsistenten Weise produzieren können , die sich wie Sie anfühlt und keine dieser seltsamen Details fehl am Platz hat. Ich habe auch begonnen, einige weiße Gel-Stift um ein wenig mehr Textur auf dem Körper zu schaffen, ein wenig Highlight für seine Fuzzy Fliegenrahmen, es ist ein wenig Kratzer als mit Pascal Stifte. Ich dachte, es würde eine noch verschwommene Textur machen. Jetzt sind wir auf der letzten Fliege, die wir zusammen machen werden. Die nächsten zwei, gehe ich los und mache es auf eigene Faust, bevor wir unsere Reflexion machen. Ich benutze einen China-Marker , der eine Art widerstandsfähiges Medium ist. Es ist wachsartig. Jedes Medium auf Wasserbasis, das Sie darauf legen, wird einfach direkt abrutschen und weiße Bereiche hinterlassen. Im Gegensatz zu Maskierungsflüssigkeit, können Sie nicht über die Bereiche malen, die Sie verwendet haben China-Marker auf , sie werden immer nur weiß bleiben, was nicht unbedingt schlecht ist, nur ist etwas, das Sie planen müssen. Ich habe sie für alle inneren Adern an meinem Flügel benutzt. Ich benutze hier auch Aquarell. Ich versuche, mehr pastelly Aquarell-Ton zu integrieren. Mal sehen, wie es geht. Nun, ich denke, das könnte einer meiner Favoriten sein. Ich weiß nicht, ich mag wirklich eine Menge dieser Fliegen. Sie sind alle sehr unterschiedlich, aber sie alle sind Dinge, die ich genossen habe zu tun und Dinge, die ich mag das Aussehen von außer dieser Fliege, die nicht offensichtlich genannt werden soll. Eine Sache, die ich wirklich liebe an dieser Fliege ist die Art und Weise, in der die Textur aus dieser Verwendung von negativem Raum mit dem Aquarell kam. Ich füge jetzt nur noch ein paar letzte Details hinzu. Ich gehe einfach los und male meine letzten zwei Fliegen nein und dann treffen wir uns wieder für unsere Reflexion. 11. Reflexion drei: Raum: Herzlich willkommen zu unserer dritten Reflexion. Hier denken wir über unsere negativen Raumfliegen nach. Wir beginnen mit dem, was ich mochte und schockierend, es gibt eine Menge, ich hatte wirklich nicht erwartet, so viel Spaß mit Fliegen zu haben. Ich liebe das Blau. Ich liebte es, Stift zu verwenden, um negativen Raum zu schaffen oder einfach Bereiche zu verlassen, um negativen Raum zu schaffen, der wie Textur aussah. Ich liebte es, mit dem China Marker zu arbeiten. Ich liebe meine letzte Fliege. Das ist ein wirklich mutiges Grafikdesign in Grau. Überraschenderweise liebe ich auch diese dritte Fliege, bei der ich die Flügel vermasselt und fixiert habe. Diese Textur der Gouache auf der dunkelgrauen Gouache, wo man den Körper durchsehen kann , funktioniert wirklich für mich und ich könnte das später absichtlich verwenden. Die Dinge, die ich nicht mag, offensichtlich, dass schreckliche Maskierungsflüssigkeit fliegen, die nicht gut ging, Ich war kein Fan davon. Ich habe auch eine mit Sepia statt schwarz ausprobiert, und ich mochte diesen Effekt wirklich nicht. Die Sepia sitzt genauso seltsam bei mir, wie sie geschwärzt ist. Das werde ich in Zukunft nicht noch einmal versuchen. Eine Sache, die ich auch bemerkt habe, ist, dass meine Voreingenommenheit in diesem Fall eine Vorspannung gegen die Wasserfarbe ist. Ich habe jetzt mehrere Experimente in Aquarell gemacht. Zwei während dieses Experiments und ich genieße es einfach. Ich weiß nicht, ob das bedeutet, dass ich versuchen muss, Wege zu finden, um es in meinen Stil zu integrieren. Oder ich muss versuchen, Wege zu finden, es als Hobby zu integrieren , wenn ich nicht denke, dass es zu meinem Stil passt. Aber so oder so, ich denke, ich muss Aquarell noch eine Chance geben. Eine andere Voreingenommenheit, die ich bemerkte, als ich auf diese endgültigen Experimente schaue, ist, dass ich einen echten Antrieb hatte, um in einer realistischen Art und Weise zu arbeiten , wenn es um diese Fliegen ging denken, es war, weil ich unbequem malte sie. Aber wenn ich in Zukunft Flyer als Motiv in meine Arbeit einschließe, werde ich sie fast definitiv nur als Punkt mit kleinen Flügeln zeichnen und ich malte sie nicht einmal hier. Manchmal steht unser Wunsch, wichtig zu sehen, oder wie wir wissen, was wir tun, unserem Stil im Wege. Es ist nichts falsch daran, Dinge zu malen oder Dinge auf einfache Weise zu zeichnen , die Teil eines Stils ist. Als Nächstes werden wir mit Wert experimentieren, indem wir Schmetterlinge malen. 12. Experiment vier: Wert: Willkommen zum Experiment Nummer 4. Dies ist der allererste Schmetterling, den ich je in meinem ganzen Leben gemalt habe. Lange Zeit fühlte ich mich von ihnen eingeschüchtert. Sie sehen super beängstigend zu malen und um ehrlich zu sein, sie sind ziemlich mädchenhaft und das war nie wirklich mein Stil. Aber bereits an diesem Punkt im Experiment, Blick auf das , was ich gemalt und sitzen in der Nähe Prozess, Ich kann Ihnen sagen, ich bin über eine malen 1000 Schmetterlinge. Ich genieße das wirklich. Ich habe drei verschiedene Farben von Blau, mit denen ich angefangen habe: hellblau, ein dunkelblau und ein mittelblau, aber schon habe ich festgestellt, dass ich nicht genug Farben hatte, also musste ich schwarz zu meinem dunkelblau hinzufügen, um genug Kontrast zu bekommen , so dass es vom Körper des Schmetterlings unterschieden werden würde. Da Schmetterlinge kein Motiv sind, das ich sehr oft benutze, fühle ich mich nicht wirklich wohl, wenn ich es flügelte. In diesem Fall gehe ich ziemlich genau auf die Referenzfotos, damit ich weiß, wie ein Schmetterling aussieht. Indem ich realistische Schmetterlinge ein paar Mal malte, wird es mir die Fähigkeit, in der Zukunft Freestyle zu bekommen , weil ich weiß, was funktioniert und was nicht auf den Flügeln eines Schmetterlings. Ich werde wissen, was logisch Sinn ergibt, und dann kann ich damit spielen. Ich kann diese Regeln brechen, aber ich weiß, was die Regeln sind. Pablo Picasso hat ein Zitat und ich liebe es. Es ist eines meiner Lieblingszitate. Es heißt: „Lerne die Regeln wie ein Profi, damit du sie wie ein Künstler brechen kannst.“ Ich benutze hier einen weißen Gelstift, um Details zu den Flügeln, kleinen Punkten und Streifen hinzuzufügen . Normalerweise würde ich meinen Posca Pen verwenden, aber ich möchte, was der Gelstift in dieser Situation zu bieten hat , weil er etwas leichter ist, es ist schöner als mein Posca Stift. Ich denke, es funktioniert wirklich gut. Ich werde auch diesen weißen Gelstift verwenden, um Dinge und Highlights auf den Körper des Käfer und seine Flügel hinzuzufügen . Eine Sache, die ich sehr hilfreich fand, als ich mich durch die Erstellung dieser Klasse arbeitete, war in der Lage, meine Arbeit aus einer anderen Perspektive zu sehen. Für mich war das, weil mein Care Mac alle Bilder auf mein iPad projiziert , damit ich sehen kann, was ich male, während ich filme, aber ich habe Empfehlungen gesehen, einen Spiegel neben dir zu setzen und du malst oder einfach nur deine Zeit in der Mitte Ihres Gemäldes und treten weg und kommen zurück. Denn oft, wenn wir mitten im Bild sind, können wir nicht wirklich sehen, was wir tun. Wir konzentrieren uns so auf Details. Die Zeit zu nehmen, um zu sehen, was funktioniert und was nicht ist, ist wirklich hilfreich. Ich erinnere mich, dass ich letzten Sommer einen Kunstkurs absolvierte und ich meine Malerei hasste. Ich war bereit, aus der Klasse zu gehen. Ich habe meine Malerei so sehr gehasst. Es fühlte sich wie Zeitverschwendung an, daran zu arbeiten. Die Leute kamen vorbei und sagten, dass mein Gemälde gut war und ich dachte, sie wären Lügner. Erst als ich weg ging, um mein Farbmodell zu ändern und zurückkam , wurde mir klar, dass es eigentlich nicht schlecht war, es war überhaupt kein schlechtes Gemälde. Es war eigentlich voll auf Kurs und ging genau dorthin, wo ich es wollte. Aber ich brauchte diese Zeit, diesen Atem, diesen Raum, um weg zu gehen und mit frischen Augen zurückzukommen , um mein Gemälde für das zu sehen, was es wirklich war. Achten Sie darauf, sich die Zeit zu geben, um Ihre Malerei oder Zeichnung oder was auch immer Kunst, die Sie für das, was es wirklich ist, zu sehen . Egal, ob es über Nacht beiseite legt und am nächsten Morgen wieder zu ihm kommt oder einfach nur seine Seite lang genug ist, um ein Glas Wasser zu schnappen , weil wir alle mehr Wasser trinken müssen. Diesmal bleibe ich bei Gouache, aber ich werde ein geometrisches Muster auf diesem nächsten Schmetterling versuchen. Ich arbeite in warmen Brauntönen. Ich werde sehen, wie ich das auch mag. Nun, das gefällt mir definitiv nicht so sehr wie mein erster Schmetterling. Ich glaube nicht, dass das Muster so gut übersetzt wurde. Es scheint ein bisschen zu hart und hart zu sein. Ich versuche, einige Details aus meinen Posca-Stiften hinzuzufügen, um vielleicht alles zusammenzuziehen. Wir werden es herausfinden. Wenn Posca Stifte scheitern, denke ich, das ist die Grenze für einige Bleistiftstifte zu erreichen. Mal sehen, ob ich damit arbeiten kann. Der einzige Vorteil, den ich finde, an etwas zu arbeiten, von dem man einfach nicht ganz richtig ist, ist, dass man einen Punkt erreicht, an dem man es nicht vermasseln kann. Wenn Sie es schon hassen, dann könnten Sie genauso gut versuchen, mit ein paar neuen Dingen zu experimentieren und sehen, was Sie arbeiten können, und vielleicht wird es immer noch schrecklich enden. Aber du hast dann noch keine Studiensache verloren. Das Bild hat dir schon vorher nicht gefallen. Vielleicht finden Sie eine magische Zutat, die alles zusammenziehen kann. In diesem Fall glaube ich nicht, dass es passieren wird. Ich meine, es gibt ein paar Dinge, die ich wirklich mag. Die kleinen Flecken auf den Flügeln haben eine fantastische Textur in ihnen. Sie können es nicht so gut von weit zurück sehen, aber ich mag es sehr. Davon abgesehen habe ich immer noch das Gefühl, dass dieser Schmetterling mir einfach nicht ganz luftig genug aussieht. Aber das ist okay, weil ich all die Dinge, die ich von der Arbeit an diesem Schmetterling bemerkt habe, nehmen und es in meine nächste Iteration bringen werde. Ich weiß, dass ich in meinem letzten Experiment die gelben Brauntöne nicht mochte. Ich versuche einige kleine Ton Brauntöne dieses Mal, es nur ein wenig zu optimieren, immer noch mit Wert zu spielen, nur mit diesen Farbtönen, nichts zu schickes. Ich konzentriere mich auch auf die Verwendung hellerer Farben, denn die letzte schien mir zu schwer. Ich dachte, wenn ich mich auf leichtere Werte konzentriere, könnte ich es leichter und ätherischer erscheinen lassen, was wirklich das ist, was ich mit diesem Schmetterling. Es ist auch nur, im Allgemeinen, eine gute Idee, mit Ihren hellsten Farben zu beginnen und zu dunkel zu arbeiten. Wenn Sie mit einer dunkleren Farbe beginnen, ist es sehr schwer, genügend Farbschichten aufzubauen, um sie wieder nach unten zu bringen , um heller zu sein, wenn Sie sich entschieden haben, dass es heller wird. Aber wenn Sie Licht beginnen, können Sie allmählich diese dunkleren Bereiche der Farboptimierung aufbauen, während Sie gehen. Dieses Braun, das ich für den Körper des Schmetterlings verwende, ist genau das gleiche Braun, das ich im letzten Experiment verwendet habe. Aus irgendeinem Grund im letzten Experiment habe ich es nicht geliebt, aber gerade jetzt in diesem Moment bin ich sehr auf ihn. Nun, ich füge ein paar Zeilen mit dieser kleinen, fertigen Brownie-Farbe hinzu. Ich weiß nicht, was mich besessen hat, aber sie kommen sehr locker heraus und ich liebe es. Ich liebe, wie sie von der Kante des Schmetterlings Spur, ich liebe, wie sie ein wenig unberechenbar sind. Es ist lustig, weil ich nicht ganz das Gefühl hatte, dass die Bleistiftstiftzeilen ich waren, als ich sie in der ersten Zeile Experiment benutzte. Aber jetzt, da ich diesen Bleistiftstift benutze, um Linien auf der Oberseite der Gouache zu erstellen, gefällt es mir wirklich und es lockert mich wirklich. Vielleicht ist das etwas, was ich in meine Toolbox setzen kann, um in Zukunft zu verwenden. Ich bin auch wirklich stolz auf mich. Wenn ich Bleistiftstifte verwende, benutze ich sie wirklich intuitiv. Ich schnappe nur, was Farbe meiner Hand am nächsten ist, die ich denke, könnte funktionieren. Ich schaue sie nicht so sehr aus. In diesem Fall habe ich es genagelt. Diese Farbe ist die perfekte Farbvariante zwischen dem dunkelbraun und rosa. Indem ich Farbbereiche mit dem Bleistiftkreide oben auf der Gouache schichte, schaffe ich auch Variationen im Wert. Wenn man bedenkt, dass ich nur zwei verschiedene Farben, Bleistiftkreide und zwei verschiedene Farben von Gouache verwende , bekomme ich viele verschiedene Farben basierend darauf, wie ich die Pigmente schichten. Verwenden Sie den dunkleren braunen Bleistift Buntstift um den Körper und verwenden Sie es in einer leichteren Weise, um flache Bereiche der Farbe zu schaffen. Ich denke, als nächstes werde ich einen noch dunkleren Schmetterling versuchen sich nach diesem ersten gescheiterten Experiment mit einem dunklen Schmetterling zu erholen. Ich denke, wenn ich mich darauf konzentriere, nur unsere Farben mit Kontrastbereichen zu verwenden, wird es hervorstechen. Nun, dieser Versuch lief definitiv besser. Ich benutzte eine dunkle Farbe, aber ich ließ sie wässrig, so dass Sie viel von der Textur aus meinen Pinselstrichen sehen können. Ich verwende den Posca-Stift, um Details zu den Rändern hinzuzufügen. Ich benutze den einfachen Bleistiftkreide, den ich gelernt habe und in unserem Form-Experiment für den Körper unseres Marienkäfer sind , und offen gesagt, alles daran funktioniert für mich. Ich werde die letzten zwei Schmetterlinge alleine fertigstellen und dann sind wir wieder zusammen, um die Augen zu reflektieren. 13. Reflexion vier: Wert: Hallo, und willkommen zur Reflexion Nummer 4. Wie immer, wenn Sie eine Auffrischung benötigen, wie Sie alle Ihre Reflexion durchführen, überprüfen Sie das erste Reflektionsvideo für Experiment Nummer 1 oder den Klassenressourcenführer, wo es eine ganze Liste von Fragen gibt. Fangen wir mit dem an, was ich mochte. Ich habe Schmetterlinge geliebt. Es ist ein Schocker für mich, aber sie machen super Spaß zu malen. Ich liebte es auch, in Monotone zu arbeiten, lose Bleistiftstifte mit oder ohne Wäsche darunter zu arbeiten. Was ich nicht geliebt habe. Mein größerer Posca-Kugelschreiber, er hinterließ mir einen großen Spritzer auf meinem dunklen Schmetterling , den ich nicht wirklich liebe. Normalerweise benutze ich die kleinere Größe, und ich denke, dass ich in Zukunft dabei bleiben werde. Ich mochte auch nicht das geometrischere Muster, aber es gibt wirklich nicht viel anderes. Ich liebte es, an diesen Schmetterlingen zu arbeiten. Wenn es um Voreingenommenheit geht, waren meine Voreingenommenheit Schmetterlinge selbst. Ich hatte diese Idee in meinem Kopf, was Schmetterlinge zu malen waren. Ich dachte, sie wären hart und sie wären zu mädchenhaft, oder zumindest dachte ich. In zwei Jahren der Malerei hatte ich nicht einmal einen Schmetterling gemalt. Ich frage mich, was meine urteilende Hose ist, die mich davon abhält, zu malen. Ich werde nach noch mehr Tipps suchen, die ich aus verschiedenen Gründen abgeschrieben habe. Als Nächstes experimentieren wir mit Farbe. 14. Experiment fünf: Farbe: Hallo und willkommen zu experimentieren Nummer 5, wo wir mit Farbe spielen. Diesmal beschloss ich, mit einer wirklich warmen Palette anzufangen. Ich habe das Gefühl, ich spielte es ziemlich sichere Farbe weise in meinem letzten Experiment, obwohl ich die meisten der Farben, die ich verwendet habe, liebte. Also werde ich dieses Mal versuchen, Dinge zu tun , die ein bisschen mehr aus meiner Komfortzone sind. Ich benutze nicht viele helle Farben, ich denke, wir haben das im zweiten Experiment über Form diskutiert, also werde ich dieses Mal versuchen, etwas Flay-me getönt zu machen, das zu mir passt. In den meisten Wertexperimenten habe ich Gouache mit einem kleinen Hauch von Stift und Bleistiftstift und anderen Bits und Bobs verwendet. Diesmal fange ich mit dem Bleistiftstift an, um etwas anderes auszuprobieren. Obwohl ich immer noch einige Gouache hinzufügen, diesmal statt die Gouache zuerst und dann das Hinzufügen Bleistift Buntstift oben, habe ich den Bleistift Buntstift zuerst gemacht, und ich füge Gouache oben hinzu. Ich benutze die Gouache für viele dunkle Details, weil ich finde, dass die Arbeit nicht wirklich so viel Kontrast hat, wie ich möchte, vor allem, weil ich an diesem wirklich Zahnpapier arbeite, das viel Weiß von das Papier glänzen durch, wenn Sie mit Bleistift Buntstifte arbeiten. Wenn ich an einem glatteren Papier arbeiten würde, könnte ich feststellen, dass es mehr Kontrast, oder wenn ich nur mit mehr Druck auf die Bleistiftstifte, aber das ist nicht der Effekt, den ich jetzt gerne. Als ich mit den Schmetterlingen arbeitete, hatte ich große Sorgen darüber, dass sie so aussehen würden, als ob sie aussehen sollten. Ich konnte tatsächlich sagen, sobald ich mit diesen Libellen beginne , dass ich anscheinend keine große Sorge dafür habe. Ich arbeite auf eine wirklich abstrakte Art und Weise, indem ich einfach die Form des Bugs benutze, um mit Farbe und Textur und Details herumzuspielen , ohne viel Sorge dafür zu haben, wie es wirklich aussieht. Ihr Stil kann beide Aspekte umfassen. Eine naive, abstrakte oder wackelige Art und Weise zu arbeiten und etwas, das realistischer ist müssen Sie nicht nur eine auswählen. Manchmal kann das Mischen der beiden Dinge dazu führen, dass Ihre Arbeit dynamischer und interessanter wird, und manchmal, wenn Sie an etwas wirklich abstrakt arbeiten und es neben etwas setzen, das wirklich detailliert ist, ist es eine gute Möglichkeit, den Fokus auf die detaillierte, realistische Darstellung einer Sache zu ziehen. Eine Sache, die Sie beim Malen immer berücksichtigen sollten, ist, dass die Sache, in die Sie das Detail und die Zeit setzen, wahrscheinlich das ist, was die größte Aufmerksamkeit auf sich zieht, weil Sie es am meisten gearbeitet haben. Es wird diese klare Klarheit haben, die der Rest des Raumes um ihn herum möglicherweise nicht hat. Wenn es also etwas gibt, auf das du das Auge lenken willst, dann ist das der Ort, an dem du deine Zeit verbringen kannst. Wenn es etwas gibt, das Sie nicht wollen, dass die Leute bemerken, vielleicht haben Sie vermasselt ausrichten, das ist ein Ort, an dem Sie nicht so viel aufregen sollten, weil Sie die Aufmerksamkeit darauf lenken werden. Ich habe fast die Flügel beendet und ich weiß nur , dass ich will, dass der Körper dieser Libelle ein bisschen mehr hervorhebt. Also füge ich eine zusätzliche Schicht Gouache hinzu, weil es viel dunklere Farbe hat. Ich benutzte eine Mischung aus einer weinroten Farbe und einer dunkleren, tiefen Magenta-Farbe, um dem Bild viel Licht zu geben und den Fokus auf die Flügel und die Oberseite des Körpers zu ziehen . Jetzt füge ich nur ein paar endgültige Details in Bleistift Buntstifte hinzu. Für diese nächste Libelle springe ich weit aus meiner Komfortzone. Ich habe diese Copic Marker, ich benutze sie viel für mein Doodle Journal, das ich halte, aber ich habe sie nie auf tatsächliche Kunst verwendet. Aber ich versuche hier eine coole getönte Libelle zu machen und ich dachte, dass dies nur das Ticket sein könnte. Ich denke, ich könnte auch etwas Aquarell hinzufügen. Mal sehen, wie sich das herausstellt. Ich probiere viele hier vieleverschiedene Dinge aus. Ich versuche eine Art [unhörbares] helles Farbschema. Ich versuche einen wirklich geometrischen Körper für meine Libelle. Ich versuche diesen blassrosa Hintergrund , den ich nicht sicher bin, ob es funktionieren wird, schon stelle ich es irgendwie in Frage, aber ich denke, wir werden sehen. Ich werde den Flügeln eine Menge Details hinzufügen , weil ich wirklich möchte, dass sie ein Schwerpunkt sind. Ich werde eine Reihe von Schichten hinzufügen, die sie wie alle kleinen Adern auf einem echten Libellen Flügel aussehen . Die Flügel sind auch, wo ich am meisten direkt mit dem Farbschema spielen werde, das ich gewählt habe. Da ich dieses geteilte komplementäre Farbschema verwende, möchte ich eine Reihe von blau-grün, gelb, grün und rot verwenden. Ich werde diese Farben schichten und sie abwechseln, um die Flügel schillernd erscheinen zu lassen. Ich werde auch mit Wert mit helleren Tönen der Grüns spielen , um einen echten schimmernden Effekt zu machen. Wir werden sehen, ob es funktioniert oder ob es nicht funktioniert. Ich bin Snack komplett auf diese Arbeit verkauft, aber ich bin mehr als bereit zu versuchen und zu scheitern. Wenn Sie sich diese Libellen ansehen, die ich bisher gemalt habe, ist eine Sache, die ich sowieso bemerkt habe, wie viel in dieser ersten Libelle, der Kontrast auf dem Körper wirklich zieht Ihr Auge dorthin. Die Flügel sind nur etwas, was man nach der Tatsache zu schätzen weiß. Diese Libelle, an der ich gerade arbeite, ist das Gegenteil. Auch wenn im Körper viel los ist, viel Farbe, viele Formen, dieser leuchtend rote Knall der Farbe an der Spitze der Flügel ist das, was mir sofort ins Auge zieht. Red wird dies fast definitiv jedes Mal tun, wenn Sie es verwenden. Es ist eine hohe Intensität Farbe. Neons werden dies auch tun, helle Gelb, helle Rosa. Jedes Mal, wenn Sie an Farbe denken und das ist die Sache, die Sie im Auge behalten, wird die Intensität den Fokus ziehen. Wenn es keine intensive Farbe vorhanden ist, wird es Kontrast sein als nächstes, was Ihren Zuschauern das Auge bringen wird, wo Sie es wollen. Sie möchten sicherstellen, dass Sie den meisten Kontrast haben, wo Sie möchten, dass die Menschen aussehen. Jetzt zurück zu meinem Gemälde. Es ist schwer zu sagen, weil alle meine Farben außerhalb des Bildschirms sind, aber ich variiere mehrere verschiedene Farben, wie ich diese winzigen Details auf den Flügeln mache. Ich habe die obere und untere Rose und Rot gemacht. Ich habe einige Reihen von dunkelgrün hinzugefügt und ich füge Reihen von hellgrün und langsam hinzu. Sobald ich das fertig bin, gehe ich wieder rein und füge ein sehr blass blau-grün hinzu. Selbst wenn Sie nicht alle diese winzigen Details auf einen Blick sehen können, arbeiten sie alle zusammen, um einen zusammenhängenden Look für Ihr Bild zu schaffen. Ich habe angefangen, dem Körper dieser Libelle winzige Punkte hinzuzufügen und sofort bin ich wirklich kein Fan. Ich dachte, die winzigen Punkte würden die Details auf den Flügeln ergänzen, aber sie kämpfen nur mit diesen Details. Ich werde es wahrscheinlich übermalen. Ich denke, ich werde es übermalen. Manchmal treffen Sie so eine Wahl in Ihrem Bild und Sie werden sofort gehen, oh nein, was habe ich getan? Wenn Sie im richtigen Medium arbeiten, können Sie einfach neu starten. Sie können sehen, dass ich wirklich schon über sie gemalt. Erste Schicht, ich werde darüber viele weitere Schichten malen, so dass alle Hinweise versehentlich aus dieser Welt gelöscht werden. Wenn Sie in einem anderen Medium wie Aquarell arbeiten, müssen Sie möglicherweise ein wenig mehr Arbeit tun, um einige Fehler wie diese loszuwerden. Je nachdem, welche Art von Stift Sie verwendet haben, können Sie es manchmal einfach benetzen und es wird direkt nach oben kommen. Manchmal müssen Sie sich anpassen und einen Weg finden, der diese goofy Wahl machen, die Sie für Sie gemacht haben. Arbeiten in kleinen Details wie diesem ist nicht für jedermann und es ist nicht die einzige Möglichkeit, Dinge zu tun oder die richtige Art, Dinge zu tun. Für mich finde ich, wenn ich für eine Weile in kleinen Details wie diese arbeite, fängt es wirklich an, meinen Rücken zu verletzen. Ich bin Pinsel- und Bleistift-Clincher. Mein ganzer Körper wird angespannt, also muss ich immer so oft Pausen machen, dass ich mich nicht dauerhaft schädige. Dies ist auch etwas zu beachten, wenn Sie versuchen, zu finden, was Ihr Stil ist. Wenn es etwas gibt, das Sie zutiefst unwohl in Ihrem Körper macht, wie Sie es tun, kann es nicht für Sie sein oder es kann nicht etwas, das Sie die ganze Zeit tun können. Ich liebe es, kleine Details zu machen, aber ich weiß, dass sie eine Maut auf mich nehmen. Also versuche ich es zu beschleunigen und verbringe viel mehr Zeit, wenn ich Kunst mache, große, mutige, verrückte, lose Dinge mache, damit ich weiterhin Kunst machen kann. Manchmal stehen uns unsere Gehirne im Weg, wenn wir Kunst machen. In diesem Fall hatte mein Gehirn eine ganz spezifische Vorstellung davon, wie diese Libelle aussehen würde. Ich hatte einen Plan und ich hörte nicht auf, mir das Stück vor mir anzuschauen. Ich folge einfach dem Plan und überarbeitete ihn. Jetzt gehe ich los und beende meine letzten beiden Libellen, und dann treffen wir uns hier zurück, um nachzudenken. 15. Reflexion fünf: Farbe: Hallo und willkommen zu Reflexion Nummer fünf auf Farbe. Dieses ist wahrscheinlich das vielfältigste aussehende Experiment, das ich bisher gemacht habe. Fangen wir mit dem an, was ich mochte. Ich liebte die letzte geometrische Libelle, die ich tat. Die Farben, der Stil. Es hört wirklich auf die Käfer der ersten Zeile zurück, die ich getan und geliebt habe. Ich liebe auch die fünfte Libelle, sanftes Grün, die Brauntöne. Es fühlte sich an wie die vierte, aber mit mehr Erfahrung. Ich liebe auch die kleinen detaillierten Formen auf den Flügeln meiner dritten Libelle. Ich liebe auch die Farben. Ich bin mir nur nicht sicher, ob sie ich sind. Sie fühlen sich ein bisschen zu da draußen. Dinge, die ich nicht liebte, die vierte Libelle. Auch die meisten Farben, um ehrlich zu sein, denke ich, weil diese Übung über Farbe war, schob ich mich weit über meine Komfortzone hinaus und viele Dinge, die ich versuchte, nicht kleben und das ist in Ordnung. Jetzt weiß ich, dass die tiefen satten Farben, die ich für die meisten Experimente verwende, einfach nicht ich bin. Was sind meine Vorurteile hier? Nun, ich denke in erster Linie, meine größte Voreingenommenheit wurde in dieser vierten Libelle ausgedrückt, ich begann es mit so viel Hybris, völlig sicher, dass es umwerfend sein würde mit einem sehr klaren Plan in meinem Kopf. Aber ich hörte nicht auf mein künstlerisches Selbst, als ich malte. Ich bin gerade durchgefahren, und das Endergebnis ist nicht großartig. Es beinhaltet tatsächlich eine Menge Dinge, die ich in meinem täglichen Stil verwende, wie diese Blätter und diese Farben. Aber die Art und Weise, wie sie kombiniert sind, ist nicht ich und ehrlich gesagt nicht gut. Manchmal kommen unsere Vorstellungen von dem, was wir machen sollten , in die Quere, was wir machen könnten. Das ist es, was hier passiert ist. Als nächstes wollten wir mit Textur experimentieren. 16. Experiment sechs: Struktur: Genau so sind wir auf unseren allerletzten Experiment Jungs. Ich kann es nicht glauben. Hier spielen wir mit Textur und zeichnen Hummeln. Bisher habe ich nur eine Schicht Aquarell in Grau und Gelb abgelegt. Ich habe auch versucht, etwas loses Pigment hinzuzufügen. Ich habe Goldpigment rumhängen. Ich sprengte etwas davon auf meinen Pinsel und verdeckte ihn in Teile meines gelben Aquarells. bin mir nicht sicher, wie gut es ging. Ich skizziere jetzt nur die Füße und die Flügel. Ich werde das versuchen, sie ziemlich frei von Textur halten. Ich versuche, maximale Textur auf dem Körper der Biene zu erreichen. Ich will, dass es aussieht, als würdest du in Pollen codiert und sehr unscharf. Das wird viele verschiedene Schichten verschiedener Medien enthalten , um die Textur aufzubauen, die ich will. Es kann erwähnenswert sein, dass ich Texturen wirklich liebe. Das ist also ein Experiment, in dem ich versuche, mich noch weiter zu schieben, als ich normalerweise gehen würde. Ich verwende Materialien, die ich normalerweise nicht verwende, und ich versuche Techniken, die ich vorher noch nicht ausprobiert habe. Wie in diesem Fall, das Pigment, es sitzt seit über einem Jahr auf meinem Schreibtisch, und ihr habt mich endlich dazu inspiriert, es zu versuchen. Ich glaube nicht, dass es schrecklich ist. Es verleiht der Biene einen entzückenden Schimmer. Sie haben vielleicht schon früher bemerkt, wie mein Aquarell sich gepoolt hat, als mein Gelb noch nass war. Ich habe das gerade in einen Schatten unter dem Flügel der Biene aufgenommen. Jetzt werde ich anfangen, ein paar Gelstifte zu verwenden, um noch mehr Textur herauszubekommen. Ich hatte einen goldenen Gelstift. Ich werde einige Bleistift-Kronen in den Flügeln hinzufügen, um sie vom Körper der Biene zu unterscheiden, und dann werde ich wieder mit einem Kritzel-Effekt in weißem Gelstift gehen. diese Textur auf Textur geschichtet wird, wird es so viel mehr Details zum fertigen Gemälde schaffen, auch wenn Sie es nicht vor der Kamera sehen können. Ich habe das graue Aquarell unter Bleistift Buntstift geschichtet, unter weißem Gelstift, und ich habe tatsächlich mehr Bleistift Buntstifte oben. Es gibt viele Texturschichten. Dann habe ich in den gelben Bereichen Goldflecken, Goldpigment, gelbe Farbe, goldener Gelstift geschichtet Goldpigment, gelbe Farbe, , wenn man sich das Bild genau anschaut, gibt es so viel zu sehen. Ich glaube, ich bin fast fertig. Zu unserer nächsten Iteration werde ich versuchen, in diesem Fall ein Blau anstelle von Schwarz zu verwenden, die Biene, die ich gerade betrachte, hat meist gelbe Schultern und einen schwarzen Körper, und ich hoffe, dass das Dunkelblau übersetzt wird. Mal sehen, wie es geht. Nun, ich denke, dieses Blau ist nicht wirklich so übersetzbar wie schwarz. Ich denke, ich werde etwas noch abenteuerlicheres ausprobieren. Ich habe diese schicken Buntstifte, die ich nie ganz benutzt habe. Ich denke, ich werde versuchen, sie oben zu schichten und zu sehen ob das Blau durchscheint, um etwas Textur hinzuzufügen. Um ehrlich zu sein, diese Buntstifte machen mich ein bisschen aus. Sie sind wasserlöslich. Ich habe immer Angst, dass ich sie überall verschmieren werde. Das wird gesagt, Ich liebe wirklich das Aussehen dieses helleren gelb auf dem tiefen reichen Ocker ich benutzte, und das Hinzufügen der schwarzen oben auf dem Blau macht es wirklich schöne blaue Untertöne. Diese Buntstifte funktionieren genau wie normale Buntstifte, an die Sie sich von der Grundschule erinnern. Außer, dass, wenn man ihnen Wasser hinzufügt, sie tatsächlich viel mehr wie ein Aquarell funktionieren werden, denke ich. Das ist mein Verständnis. Ich werde nur einige Linien in Bleistiftkreide zu den Flügeln hinzufügen weil ich will, dass die Linien besser sind, als ich mit Buntstift bekommen könnte. Ich versuche sehr vorsichtig mit meinen wischigen Händen zu sein, damit ich den Buntstift nicht schmiere. Ich plane, ein Sprühfixiermittel zu verwenden, nachdem ich fertig bin, damit ich das mit den anderen Projekten stapeln kann. Du wirst sicherstellen wollen, dass du nur eine Lichtschicht verwendest, denn wie du gerade siehst, habe ich das nicht getan, und ich habe meinen Hintern daneben ein wenig zerstört. Gehen Sie einfach mit Vorsicht vor. Hier sind wir bei Iteration Nummer 3 unserer Hummeln. Immer wieder habe ich im Laufe dieser Experimente darauf hingewiesen, wie sehr ich die Textur von Bleistiftstiften liebe, einer seiner ganz eigenen. Diesmal lehne ich mich da rein. Mein Plan ist es, dieses warme Grau und ein leuchtend gelb für die Lochbiene zu verwenden. Ich werde überhaupt keine Farbe verwenden. Eine Sache, die ich rate, wenn Sie gerne mit Bleistiftstiften arbeiten, aber Sie haben wischige Hände wie ich, ist, dass es sich lohnen könnte, ein Stück Papier zu bekommen und es einfach unter dem Teil Ihrer Hand zu halten , der die berühren wird Papier. Das habe ich hier nicht getan. Ich habe nur versucht, vorsichtig zu sein, aber es ist ein Trick, den ich manchmal benutze, weil ich eine Tendenz habe, sehr schwer zu sein. Mann. Ich liebe dieses Gelb. Es könnte mein Liebling der drei sein, die ich bisher gemalt habe. Jetzt werde ich eine Vielzahl von verschiedenen Grau- und Schwarzen verwenden um Farbe für die Bienen aufzubauen, dunklere Streifen. Sie werden feststellen, wenn Sie mir beim Arbeiten mit Bleistiftstiften zusehen, dass ich versuche, meine Striche alle in die gleiche Richtung zu halten, denn in diesem Fall ist die Biene unscharf. Ich möchte, dass der Strich des Bleistiftstifts die Form seines unscharfen Bienenkörpers und die freie Textur seiner Schultern nachahmt . Wenn ich wollte, dass etwas eine fehlerhafte Textur hat, würde ich einen runden, kreisförmigen Strich verwenden. Wenn ich etwas wollte, um eine wirklich gritty zufällige Textur zu haben, würde ich Striche in alle Richtungen verwenden. Ich benutze auch eine ziemlich leichte Hand. Ich könnte eine viel tiefere Pigmentschicht bekommen, wenn ich dunkler arbeitete, aber ich mag diese weiche Art, Bleistiftstifte zu verwenden. Ich bin jetzt fast fertig mit dieser Biene, ich beende nur ein paar letzte Bits und Bobs, vorbei hier und da. Jetzt sind wir auf der allerletzten Biene, die zusammen malen wird. Ich benutze wieder Bleistiftkreide. Ich mag die Textur wirklich, aber dieses Mal versuche ich etwas, das ich bisher nur ein paar Mal ausprobiert habe, aber ich denke, es wird gut für diese Biene funktionieren. Ich möchte diese Biene, Bleistiftkreide Textur mit Tinte machen , so wie ich es beim Fliegenexperiment getan habe. Dann werde ich ganz am Ende in einer Schicht Tinte sprenken, wir werden sehen, wie es geht. Nun, das chaotische bisschen, ich werde ein wenig Tinte auf dem Bild sehen und sehen, wie es aussieht. Zahnbürste ist das beste Werkzeug für ein zu wenig Spotter, genau das, was ich wollte, und dann gehe ich über sie ein paar Mal. Ich merke jetzt auch, dass dies vielleicht das ist, wofür Maskierungsfußzeile ist. Du könntest vielleicht eine Barriere um deine Fliege machen, so dass die Punkte nur auf ihm landen. Besser gut. Ich gehe jetzt los und beende meine letzten zwei Bienen und dann kommen wir wieder und treffen uns für unsere allerletzte Reflexion. 17. Reflexion sechs: Struktur: Oh meine Güte, wir sind schon bei unserer allerletzten Reflexion zusammen. Es fühlt sich surreal an. Ich habe so viel mit euch durchgemacht. Gehen wir direkt zur Verfolgungsjagd. Die Dinge, die ich in diesem Experiment liebte, liebte ich die üppige Textur dieses ersten Bugs, vor allem den weißen Gelstift, den ich verwendet habe. Ich liebte den Buntstift. Ich liebte es natürlich wieder mit Bleistiftstift zu arbeiten, und ich liebte es, das Schwarz durch Braun auf dieser schönen, üppigen Biene zu ersetzen , die ich getan habe, nachdem wir uns verlassen haben. Dinge, die ich nicht liebe, all die unordentlichen Spritzer von Tinte und das Chaos, das ich gemacht habe, als ich das Fixiermittel spritzte, um meinen Buntstift zu schützen, hätte ich es einfach lassen sollen. Ich bin auch kein großer Fan der Tinte. Ich denke, das ist die Zeit, in der ich entscheiden muss, dass es einfach nicht mit uns arbeitet. Ink und ich nennen es für Ewigkeit beendet. Die Vorurteile, die ich entdeckt habe, als ich durch dieses Experiment arbeitete , waren, dass strukturiert zu chaotisch ist. Jede einzelne Biene war kratzig oder kratzig oder in irgendeiner Weise sehr stark strukturiert. Aber flach ist eine Textur zu oder glänzend oder andere Dinge , die einfach keine Kritzeleien und Linien und Kratzer sind. Das ist die Sache, die ich auf meine Arbeit achten werde, um zu sehen, ob ich es etwas mehr variieren kann als ich hier getan habe. In Bezug auf Motive werde ich hier ehrlich sein, ich habe es nicht wirklich geliebt, Bienen zu malen. Wenn ich Bienen als Motiv in meiner Arbeit verwenden würde,denke ich, ich müsste viel mehr iterieren, um etwas zu bekommen, das mir noch mehr ähnelt denke ich, ich müsste viel mehr iterieren, um etwas zu bekommen, das , weil diese immer noch etwas flach fallen. Aber das ist okay, weil ich während dieser Klasse viele Motive gefunden habe , die für mich funktionieren würden, dass ich mich sehr wohl fühle. Als Nächstes werden wir darüber reden, weiter zu experimentieren. 18. Fortsetzung: Als wir unser letztes Experiment beenden, verabschieden sich die Eltern. Ich möchte, dass Sie sich einen Moment Zeit nehmen, um von den Dächern zu schreien, dass dies nicht das Ende ist. Als Illustrator für Künstler begeben Sie sich auf eine kontinuierliche Reise, um Ihren Stil zu finden, Ihren Stil zu treiben und sich neu zu erfinden. Diese sechs Experimente sind nur die ersten Schritte auf einem lebenslangen Weg des Lernens, Experimentieren, Reflektieren, die Sie zu einem stärkeren Künstler machen. Meine Hoffnung ist, dass Sie zu diesen Experimenten wie ein gemütlicher, eher wie es zurückkommen können. Wann immer Sie eine Frage benötigen, die Ihnen hilft, aus Ihrer Komfortzone herauszukommen. Ich weiß, dass ich während der Dreharbeiten dieser Klasse etwa ein Dutzend Dinge entdeckt habe, die ich versuchen möchte und für meinen Stil zu bringen. Handvoll Fähigkeiten, auf die ich mich konzentrieren möchte, um mich voranzutreiben, neue Motive, die ich in meine Arbeit einbeziehen und vieles mehr. Wenn diese Klasse, solange Funken in Ihnen, können Sie auch den Ressourcenführer in der Registerkarte Projekt enthalten, Spionagevorschläge für andere Skulpturenklassen, um weiter zu lernen und zu experimentieren. Jede Empfehlung basiert auf einem der Elemente des Designs wir in dieser Klasse behandelt haben, und Spam aus den Tonnen von verschiedenen Medien. 19. Vielen Dank: Vielen Dank, dass Sie einige Zeit damit verbringen, mit mir zu experimentieren. Es kann sich sicherlich unwohl fühlen, wenn Sie auf der Jagd waren, um Ihren Stil zu finden. Manchmal fühlt sich jedes einzelne Ding, das du malst , an, als würde es aus der Stimme eines anderen kommen. Aber ich kann absolut garantieren, dass, wenn Sie einfach weiter experimentieren und weiter kreieren könnten, eines Tages auf Ihre Arbeit schauen und sich wie niemand sonst auf der Welt fühlen, aber Sie hätten das schaffen können, was da unten auf Ihrer Seite sitzt. Um hier über meine Klassen, sobald sie veröffentlicht sind, folgen Sie mir hier auf Skillshare. Um meine Illustrationsreise zu verfolgen oder einfach nur über Kunst zu plaudern, kannst du mich auf Instagram finden. Wenn Sie einen Teil Ihres Projekts auf Instagram posten, würde ich es auch lieben, wenn Sie mich @alannacartierillustration getaggt haben oder die #alannateaches verwenden. Arbeit von Studenten zu sehen ist eine der besten Teile des Unterrichts auf Skillshare. Wenn du nur hören willst, was bei mir Neues ist, dann melde dich für meinen Newsletter bei alannacartier.com an. Vielen Dank. Du bist erstaunlich und ich kann es kaum erwarten, die schönen Dinge zu sehen, die du erschaffst.