Tornando-se um diretor de cinema e produtor profissional: a arte do cinema

1. A arte do cinema: Oi, meu nome é Wabillo Babe. Sou diretor de cinema, ator e compositor de trilhas sonoras. Mas acho que sou apenas um curador, uma alma artística desde muito jovem Minha paixão sempre foi contar histórias. No começo, eu fazia isso usando meus brinquedos. Eu estava vendo e sentindo cada detalhe do mundo que eu estava criando com eles. Mas um dia, isso não foi suficiente. Simplesmente não foi suficiente. Esse sonho realmente me inspirou a usar essas ferramentas para dar vida a toda a minha humilhação Assim como conto histórias com meus desenhos, agora eu as conto desenhando com luz. Adoro trabalhar na frente e atrás das câmeras, projetando cada detalhe, a luz, as cenas, o som e até criando personagens para viver várias vidas em uma. Eu criei este curso para compartilhar com vocês tudo o que sei sobre cinema Eu aprendi com minha experiência de filmar minhas histórias e com o conhecimento que pude aprender na melhor escola de cinema da Espanha Eu só quero que você seja capaz de realizar seus sonhos, como você pode ver o que eu fiz na tela. Fazer filmes é um estilo de vida. Você só precisa inspirar alguns amigos e artistas corajosos como você e levá-los a sonhar até que vejam o sonho se tornar realidade Neste curso, você aprenderá passo a passo como desenvolver uma ideia para transformá-la adequadamente em uma história. Você aprenderá sobre semiótica sobre os diferentes tipos de cenas Você aprenderá a gerenciar uma equipe de produção, desde o diretor de fotografia, editores, compositores Você aprenderá a selecionar corretamente os atores que representarão tudo isso para que você possa criar filmes mesmo com um assunto limitado Como projeto final, você terá a tarefa de escrever uma sinopse em uma única página acompanhada sua respectiva linha de abordagem e alto conceito Você também deve selecionar uma imagem que identifique semioticamente Desejo-lhe boa sorte. Meu nome é Valdilio Penis e este é meu adereço em pleno desenvolvimento 2. Câmera e lentes: Olá pessoal. Quero começar este curso mostrando diretamente o que você certamente está mais ansioso para saber A câmera de cinema, esse instrumento extraordinário, essa ferramenta que usamos há tanto tempo para contar histórias, simplesmente gravando imagens em movimento, permitindo que contemos a história que tanto queremos contar. No entanto, deixe-me mencionar que a verdade é que o conhecimento mais importante que você precisa saber para se tornar um diretor de cinema não tem nada a ver com realmente usar a câmera. E é isso que você aprenderá ao longo deste curso, mais tarde, é claro. Mas, obviamente, precisamos conhecer a câmera também. Quero dizer que você conhece os aspectos mais importantes a serem considerados em uma câmera de filme para poder usá-la ou até mesmo dar instruções precisas ao cinematrógrafo ou aos operadores de câmera Vamos começar então. A câmera de cinema é um instrumento que nos permite capturar impressões de luz por meio de um **** Esse **** interpreta as luzes de uma certa maneira, deixando-as passar para o sensor interno da câmera, que tira várias fotos a cada segundo, geralmente 24 quadros por segundo, para criar aquela sensação da imagem em movimento No passado, essas fotos eram gravadas em um papel cinematográfico, mas hoje, todo esse processo que antes era analógico foi transformado em uma obra digital Quer dizer, tudo evoluiu até uma câmera digital de cinema chegou como essa que eu tenho aqui, que em vez de simplesmente gravar tudo em um papel cinematográfico, eles gravam todas as informações em um cartão de memória. Você pode imaginar todo o trabalho que uma câmera digital salva, apenas o próprio sistema de câmera, criando um único arquivo de vídeo que contém todas aquelas fotos ou quadros por segundo. No entanto, existem câmeras digitais, que combinam a tecnologia do papel cinematográfico com o cartão de memória para ter os dois tipos de gravações Há diretores que estão realmente interessados nesse processo analógico e no tipo de textura que esse processo gera na imagem Obviamente, essas câmeras são muito caras, mas até onde sabemos neste momento deste curso, já que geralmente somos cineastas independentes, ou talvez queiramos armazenar uma pequena produtora, por exemplo É importante que você aprenda a diferenciar duas coisas muito importantes, a câmera digital de cinema e a câmera DSLR A principal diferença entre a câmera de filme e a câmera DSLR é o formato de gravação e a qualidade do sensor Acho que o tamanho da câmera fala por si só. Geralmente, as DSLRs são câmeras para tirar fotos que também nos permitem gravar vídeos e cujos recursos nos permitem gravar vídeos muito bem, mesmo em nível profissional No entanto, devido ao tamanho das câmeras e às suas próprias características, o sensor geralmente não tem a sensibilidade à luz que uma câmera de cinema profissional pode ter. Quer dizer, o sistema comprime o vídeo em um formato reduzido que é mais simples e fácil de usar, mas, ao mesmo tempo, falta uma qualidade que permita ao editor corrigir profundamente a cor do O que significa isso. Eu te disse que as câmeras tiram 24 fotos por segundo ou mais. Cada uma dessas fotos tem uma resolução, a resolução que qualquer câmera fotográfica tem. Mas a resolução não tem a ver apenas com o número de pixels que a imagem tem, mas também com a quantidade de informações que cada um desses pixels terá dentro. Quando informa que a câmera DSLR grava em um formato compactado, isso significa que cada pixel de cada quadro de vídeo tem menos informações Aqui você pode ver um exemplo de uma filmagem DSLR. Embora pareça muito bom, as informações que cada pixel tem são muito menores do que as de um formato não compactado Apesar disso, existem DSLRs muito boas que permitem gravar um formato compactado de alta qualidade, como o formato Bress, por exemplo, projetado para fazer todo o possível para preservar a todo o possível para É importante saber isso porque muitos de vocês vão comprar uma câmera DSL, e é isso que você deve considerar ao comprar quando Portanto, certifique-se de que a câmera tenha o melhor sensor possível, mesmo gravando o vídeo em um formato compactado Vou deixar na descrição da aula, as melhores opções para mim. Por outro lado, existem câmeras de cinema profissionais como a que você vê na tela. A diferença mais importante, como mencionei, é que as câmeras de cinema profissionais gravam em um formato não comprimido para que o sistema possa registrar todas as informações possíveis dos sensores de luz Que são muito sensíveis. As câmeras de cinema profissionais têm uma grande sensibilidade à luz. Além disso, o sensor permite capturar uma maior faixa dinâmica de cores Isso é muito útil para editores de vídeo , pois permite que eles modifiquem a cor das imagens, mesmo que a iluminação não seja perfeita Essa é a razão pela qual o sistema está gravando em arquivos sem compressão para registrar o máximo de informações possível e obter um resultado melhor. Por outro lado, as câmeras profissionais não esquentam. Eles são feitos para trabalhar por muitas horas seguidas. Além disso, eles têm muito mais entradas de áudio para gravar áudio profissional Por outro lado, hoje a maioria deles permite que você grave com mais quadros por segundo em uma partida, mais resolução do que uma DSLR pode fazer. Na tela, é possível ver várias imagens gravadas com câmeras cinematográficas profissionais. Vamos abordar agora as partes mais importantes da câmera, uma câmera de filme como esta. Esses detalhes que você precisa saber para poder dirigir uma produção e propaganda cinematográfica, ou um curta-metragem, por exemplo Na verdade, não existem muitos, mas como você quer ser diretor, precisa conhecê-los para comunicar suas ideias adequadamente a uma equipe de produção. A primeira coisa que você deve saber é o que faz com que a imagem tenha qualidade. É o **** É a câmera? É a luz? Digamos que sim. É uma soma de tudo. Vamos começar com o primeiro. Principalmente o que mais influencia a qualidade da imagem é a qualidade do**** É necessário que o **** seja realmente profissional e sofisticado lá Lentes fotográficas Nas lentes de cinema, a principal diferença é que as lentes filmadas são mais sofisticadas e desconfortáveis, pois são especializadas em trazer à tona o melhor do que estamos gravando No caso das lentes fotográficas, elas são adaptadas às necessidades e praticidade que um fotógrafo exige na hora de tirar fotos, por exemplo, a diferença de peso entre uma e outra é um fator importante E isso se deve à natureza do **** em si. Tanto a fotografia quanto as lentes do cinema mostram algo. Eles têm um primeiro anel para controlar a abertura e um segundo anel para controlar o foco O anel de abertura do diafragma nos permite controlar a quantidade de luz que entrará no sensor da luz que entrará câmera e no anel de foco, a nitidez da Obviamente, como as lentes de cinema são de melhor qualidade, elas têm uma abertura maior, seja, têm uma capacidade melhor de deixar a luz entrar Lá na tela, você pode ver um exemplo de diafragma Quanto mais o diafragma se abre, o número é mais inteligente. Esses números são a forma universal de identificar a abertura do diafragma Lembre-se de que quanto menor o número, maior a abertura. Não se confunda com isso. Porém, no caso das lentes fotográficas, muitas delas têm um terceiro anel que nos permite trocar o Zum do **** Ou seja, por serem lentes mais práticas, elas permitem que o fotógrafo mude de 24 milímetros para 105 milímetros simplesmente movendo esse anel Isso é algo importante, porque quando se trata de lentes de cinema, precisamos de um estojo **** que contenha cada uma das lentes que queremos usar Isso é 120, 4 milímetros, outros 36 milímetros, outros 50 milímetros, então 105 milímetros, etc Vou explicar algo importante para você sobre as lentes, a distância focal, mas também mencionarei isso mais tarde no curso para que você se lembre bem. A distância focal é a capacidade do **** de se aproximar detalhadamente de um objeto Quanto maior for a distância focal do****, maiores serão os milímetros Portanto, vamos ver objetos muito próximos. Poderemos até chegar muito perto dos objetos para ver seus detalhes e até mesmo nos aproximar de objetos ou lugares à distância. Por outro lado, um **** com uma distância focal curta, uma perda para capturar uma quantidade maior de espaço na imagem Quero dizer, o ângulo de visão é maior. Não quero dizer que você não possa capturar um espaço grande com um **** de mais milímetros O que estou tentando dizer é que quanto menores forem os milímetros das lentes, mais espaço você poderá capturar, mesmo que esse ponto esteja muito próximo de você usando o outro Com milímetros maiores, você precisaria se afastar muito do espaço para capturar a mesma quantidade de espaço Obviamente, tudo isso significa que as lentes distorcem a imagem e você deve se lembrar disso de cor Todas as lentes distorcerão a imagem. Essa distorção tem um significado cinematográfico. Veremos isso mais tarde no curso. Preste atenção a esse exemplo. Na tela, você pode ver a diferença na forma como cada **** distorce a forma do busto Usando o **** de mais milímetros, a imagem parece se ampliar mais para os lados e a perspectiva na imagem é menos sentida Agora vou mudar para 24 milímetros. Com esta fotografia****, você pode notar que o busto parece muito mais distante, apesar do fato de a câmera à mesma distância do objeto ao usar a **** anterior para fazer a Agora eu tenho que me aproximar do barco. Agora você pode observar como a perspectiva forte distorce a imagem devido à natureza do**** e seu ângulo de visão mais amplo Observe as duas imagens ao mesmo tempo para perceber a diferença na distorção da imagem As lentes fotográficas são semelhantes às lentes de filme. Só que mais leve e prático adaptado às circunstâncias que, se você é fotógrafo, está se movendo de um lado para o outro. Portanto, as lentes fotográficas têm estabilizadores de imagem, muitos deles com foco automático conectado ao corpo da câmera em nossos tubos Er Além disso, você deve saber que cada uma das câmeras, tanto de filme quanto de fotografia, tem um adaptador específico que permite conectar o **** à Você deve levar isso em consideração quando se trata de comprar lentes. Em relação à câmera, quero dizer o corpo da câmera. As características mais importantes que os diretores da USI devem conhecer são as seguintes A primeira coisa é que você poderá controlar o ISO e a temperatura na configuração da câmera. O ISO é a sensibilidade que o sensor terá para capturar a luz. Por mais simples que seja, quanto maior, maior a capacidade da câmera de capturar luz. Por exemplo, no caso de filmagem noturna, por exemplo, se você aumentar o ISO, a câmera poderá capturar muito mais detalhes da noite. Obviamente, quanto mais ISO a câmera tiver e quanto melhor sensor, mais cara será a câmera. Por outro lado, no caso da temperatura, é uma cor presente que a câmera terá ao capturar a imagem Há temperaturas quentes com cores mais voltadas para o vermelho e temperaturas frias com cores mais para o azul. Outra das principais características da câmera é a resolução e o formato. Quanto à resolução, existem vários formatos, HD dois K, que é maior, e seis teclas, ou oito teclas também. Eles são o número de pixels para cada quadro no vídeo. Nas câmeras de filme, você também poderá alterar o aspecto do rádio. Isso nos permite alterar a forma do raio capturado da imagem para que fique mais largo em direção aos locais ou mais quadrado Isso é usado para adaptar a imagem às telas possíveis. Aqui você pode ver três exemplos. O aspecto de quatro terços do rádio, que era o dos televisores antigos, também o 169, que hoje é o mais comum em todos os televisores digitais, e o 23091, que parece a tela do cinema Isso não tem nada a ver com a resolução em si, mas com a aparência do vídeo. O outro parâmetro que você poderá controlar na câmera é a taxa de quadros. Quero dizer, os quadros por segundo. O cinema geralmente tem 24 quadros por segundo. Mas se você quiser gravar algo e depois colocá-lo em câmera lenta mais tarde na edição, lembre-se de que deve haver mais quadros por segundo. Porque se não for uma câmera lenta, temos que continuar vendo 24 quadros por segundo, mesmo quando a imagem se move muito lentamente. Então, precisamos de mais quadros por segundo. Por exemplo, 60 quadros por segundo, 120 ou até mais. E, finalmente, é o formato de gravação. As câmeras de cinema gravam em um formato compactado. Um dos formatos mais comuns é o M X, mas geralmente eles também oferecem a possibilidade de gravar um formato compactado de alta qualidade chamado Progress Tudo o que acabei de mostrar é tudo o que você precisa saber como diretor de cinema sobre os elementos técnicos da câmera. Todo o resto é irrelevante. O que vai fazer de você um bom diretor de cinema não tem nada a ver com conhecer a câmera. Felizmente, veremos tudo isso neste curso e, falando sério, não se preocupe com aspectos técnicos Porque mesmo que você queira ser diretor de fotografia, por exemplo, o que você realmente precisa como artista é ter a capacidade de desenvolver boas imagens, boas histórias e um bom produto cinematográfico até a próxima aula 3. ILUMINAÇÃO: Olá pessoal. Essa lição é muito importante porque tudo se resume a contar histórias com luz. Meu objetivo com este curso é fornecer as ferramentas para que você possa contar histórias fazendo filmes. Para conseguir isso, devemos estar cientes do que significa luz no seno Uma das melhores fontes de inspiração que podemos ter para entender o uso da luz é a pintura da era barroca Muitas pessoas pensam que o que tornou as pinturas desses grandes mestres atraentes foi o realismo dos dramas, e esse não é o caso Na verdade, existem pintores, hoje, desenhistas que podem fazer desenhos realistas que são muito mais reais em detalhes do que os de qualquer mestre barroco que podem fazer desenhos realistas que são muito mais reais em detalhes do que os de A primeira coisa a entender é que não há apenas uma maneira de iluminar as cenas. Seria como dizer que só existe uma maneira de pintar. Nesse sentido, você deve levar em conta que o que vou te ensinar neste momento é meu ponto de vista sobre minha experiência, iluminando cenas. Sou pintor e desenhista. Estudei na escola de arte mais prestigiada do meu país. Consegui aprender quais eram esses elementos que fizeram dos grandes pintores uma referência artística Se há um momento na história da arte em que a luz se tornou um significante artístico, foi na era barroca Um dos maiores expoentes foi Carvallo, que realmente dedicou sua vida a transmitir emoções com luz Mas muitos outros se inspiraram Carvallo a transmitir emoções também enquanto pintavam Um dos principais objetivos da iluminação na era barroca era preservar a tridimensionalidade dos rostos e o conceito de figura-fundo nas Os pintores descobriram que a melhor maneira de conseguir isso era usar uma fonte de luz principal vinda de um lado Para que o contraste gerado no rosto mostrasse esteticamente a profundidade do rosto e seu lugar no espaço Essa é uma das razões pelas quais, mesmo ao ar livre, as melhores horas do dia para iluminar são ao entardecer e ao entardecer Porque a luz vem do lado, gerando aquela tridimensionalidade que foi usada na moda nesse sentido como diretora Ao iluminar um interior, você pode usar uma fonte de luz principal de um lado, que pode ser artificial ou natural. No exemplo que você está vendo, é natural, seja, a luz natural que é filtrada pela janela. Mas preste atenção a esse pintor barroco chamado Johannes Beer Meer, que fez exatamente o mesmo que Sua oficina tinha grandes janelas pelas quais a luz era filtrada de um lado E ele criou cenas com pessoas da mesma forma que em um filme. Na verdade, há um filme sobre esse pintor em que Scarlet Johansen é a atriz principal ger, com Esse é o princípio que usei para criar iluminação em meus senos. No entanto, a principal fonte de luz nem sempre foi a única. Às vezes, era necessário preservar o conceito de figura-base. Nas pinturas, esse conceito significa duas coisas. Por um lado, o personagem principal, de uma forma ou de outra, separou do plano de fundo, se separou do plano de fundo, mesmo que o plano de fundo não tivesse significado E, por outro lado, que havia uma conexão entre o ambiente e o personagem. Para conseguir isso, os pintores adicionaram uma segunda fonte de luz de fundo que delineou a personagem principal para que ela se destacasse do Essa luz pode ser de qualquer natureza, pode ser natural. Quer dizer, o reflexo gerado por espelhos ou algumas roupas brancas que eram comumente usadas naquela época Hoje, existem ferramentas mais sofisticadas, como rebotes, que são muito mais eficientes Mas, por outro lado, a luz também pode ser artificial. Naquela época, velas eram usadas. Obviamente, hoje em dia são usadas lâmpadas, mas se for necessário para a cena, você também pode usar velas. Além disso, essa segunda luz pode estar em posições diferentes. Primeiro, como mencionei, por trás, para separar o personagem do fundo Mas também foi usado para mudar a cor da parte sombreada do rosto Quero dizer que a parte do ritmo sombreada tem uma luz suave que torna sua textura interessante Por outro lado, essa luz suave nos fala sobre o lugar, sobre as coisas iluminadas que estão no local, e isso é contar coisas com luz Vamos ver agora alguns exemplos na tela. Nessa cena de odor, eu uso esse princípio. A luz da manhã ilumina uma parte do rosto, mas a caverna escurece a outra Gerando aquela sensação vocólica e pictórica natural sensação vocólica e pictórica Agora veja esse outro exemplo, que está dentro de uma casa. A luz principal entra pelas janelas, iluminando uma das vistas, mas há uma luz extra produzida pelas velas Esses dois exemplos são cenas em ambientes diferentes, mas ambos compartilham o mesmo princípio. Obviamente, existem outros tipos de iluminação mais comercial, mas meu objetivo é ensinar você a contar histórias com luz para contar histórias com luz que seus filmes pareçam atraentes, artísticos e interessantes Há um detalhe importante a ser levado em consideração em relação à câmera e às lentes. É que a abertura das lentes nunca deve distorcer a luz natural do local e dos objetos, porque muda a natureza da forma das Além disso, parece terrível. Além disso, devemos tentar definir o ISO o mais baixo possível, para que o sensor da câmera não faça nenhum esforço para capturar a luz. E você deve definir a abertura**** de forma que a imagem realmente se pareça com o que estamos vendo diretamente com Quando se trata de iluminação para filmes, cineastas geralmente tentam desfocar os planos de fundo para tirar o personagem principal do fundo quando os cineastas geralmente tentam desfocar os planos de fundo para tirar o personagem principal do fundo quando necessário. Para obter os filtros ND são usados. Eles podem ser internos, o que significa que vêm com a câmera por padrão, ou externos, que são adicionados com acessórios. Os filtros são então usados para diminuir a intensidade da luz, permitindo que você abra a abertura do ****, que mais detalhes entrem no sensor sem queimar a Como consequência, conseguimos melhorar ainda mais a qualidade cinematográfica da imagem, pois podemos desfocar ainda mais os fundos e fazer com que tudo pareça mais suave e fazer com que tudo pareça mais suave Felizmente, essa não é a única lição em que falaremos sobre luz. Uma vez que é um assunto intrínseco a toda linguagem cinematográfica Eu recomendo fortemente que você mergulhe no mundo da arte, da pintura, que uma verdadeira sensibilidade à emoção através da luz surja em você, vá a museus, vá a exposições fotográficas Algo muito importante. Em vez de pagar pelo Netflix, pagar pelas filmagens ou ser plataforma, você encontrará um número melhor de filmes de todo o mundo, muito bem qualificados, nos quais a luz é usada com verdadeiro talento Não importa se seu propósito na vida é fazer filmes comerciais ou anúncios publicitários Não importa, porque se você conseguisse ter melhores referências artísticas, se conseguisse ter uma maior sensibilidade à iluminação, tudo o que você fizesse seria o subproduto de todas essas referências E, portanto, você alcançará um nível artístico mais alto até a próxima aula. 4. De uma ideia ao cinema: Olá pessoal. Onde começamos quando se trata de escrever o roteiro, cada filme, cada projeto cinematográfico. Começa com uma ideia. Uma ideia que queremos contar e decompor na linguagem cinematográfica Mas antes de começar a digitar a primeira palavra, devemos estar plenamente cientes de que essa ideia deve conter em si mesma o conceito audiovisual criado pelo projeto do filme Queremos fazer o curta-metragem que queremos fazer ou até mesmo a publicidade que queremos criar. Você deve se lembrar de que a publicidade também contém essa linguagem cinematográfica branca Como muitos outros tipos de projetos audiovisuais atuais, essa ideia principal deve ser escrita e elaborada de alguma forma que qualquer equipe de produção possa entender e desenvolver adequadamente Nesse contexto, existe uma ferramenta de trabalho que nos permite capturar uma ideia em uma página, o roteiro do filme ou um roteiro, que nada mais é do que uma ferramenta que nos permite nos comunicar com cada pessoa em uma equipe de produção Em outras palavras, equipes de produção diferentes devem ser capazes de capturar a ideia principal do mesmo projeto de filme em suas respectivas filmagens sem distorcer demais o roteiro ou Mas as ideias devem começar de uma base. Quero dizer, antes de criar um roteiro inteiro, você deve ter um vislumbre do seu projeto, um vislumbre da sua história Portanto, existem dispositivos de escrita que permitem que surjamos ideias antes de nos envolvermos no projeto do filme. Em profundidade, há duas informações conceituais sobre nossa história ou sobre o próprio projeto do filme Podemos apresentar isso de duas maneiras. Por um lado, há o alto conceito. Por outro lado, existe a linha Tac. Mas qual é a diferença entre esses dois? A linha Tach é uma ferramenta que nos permite resumir o conteúdo da história de um filme para gerar uma compreensão no público, nos Esse é o objetivo principal da linha Tac. Além disso, a linha Tac não nos permitirá dar ideias à equipe de produção para criar o projeto do filme em si A linha de abordagem geralmente é uma frase, declaração, uma frase que contém o conceito, o que a agência vai ver no cinema Levando isso em consideração, podemos usar não apenas o slogan, mas também a linha de log, a linha da loja e, finalmente, a sinopse Esse último seria o último passo. Recapitular o slogan é uma frase. A linha de registro seria uma espécie de parágrafo, por exemplo, que contém toda a história. E, finalmente, o enredo, que seria quase o mesmo da sinopse Normalmente, a sinopse ocupa uma página inteira e o enredo, meia Vou usar como exemplo o filme Alien in the space. Ninguém pode ouvir você gritar. Essa frase poderia perfeitamente estar no pôster do filme ou na página de destino de uma plataforma para convidá-lo a assistir ao filme, por exemplo Este é um exemplo perfeito de uma linha de aderência, porque assim que você a vê, começa a se perguntar por que eu vou gritar Vou sentir vontade de gritar no cinema, assistindo ao filme? Essa é a questão. O que é tão assustador que eu vou gritar no cinema? Portanto, é uma frase que nos convida a ver o filme diretamente Simples, mas, por outro lado, o alto conceito funciona O alto conceito não foi feito para o público. Foi feito para fornecer uma ideia conceitual principal que cenógrafos criativos, designers personalizados, etc., roteiristas e toda a equipe de produção tenham um conceito em mente sobre o tipo de produto que criarão Vamos usar o filme Titanic como exemplo. Qual é o alto conceito desse filme permanecer em Julieta em um navio Você não pode colocar essa frase no pôster do filme, primeiro lugar porque é quase o spoiler Além disso, carece de emoção e narrativa. Esse é o alto conceito do filme. Quero dizer, James Cameron foi até a produtora para apresentar esse projeto. Ele invadiu o escritório deles com uma pintura do navio afundando, o Titanic, e disse-lhes Romeu e Julieta neste navio, obviamente um navio que vai afundar, o que é com uma pintura do navio afundando, o Titanic, e disse-lhes: Romeu e Julieta neste navio, obviamente um navio que vai afundar, o que é perfeitamente dramático. O espectador sabe do que se trata o final, mas os personagens principais não. Essa é a ironia. Obviamente, podemos usar linha de aderência e o conceito de High Glen para conceituar nosso trabalho a fim de nos aprofundar em cada estágio de desenvolvimento de um projeto de filme Mas vamos supor que o que queremos fazer é um projeto de filme. Um projeto que queremos ver no cinema. Para estabelecer as primeiras ideias do projeto cinematográfico, precisamos saber qual é o objetivo do nosso projeto. Nosso filme será um projeto cujo objetivo é levar as pessoas aos cinemas, por exemplo Ou queremos que nosso filme entre na seleção oficial de algum festival europeu, por exemplo? Há dois objetivos diferentes. Queremos capturar completamente a atenção do espectador ou queremos transgredir a linguagem cinematográfica tradicional Essas são as perguntas que você deve criar. Essas são duas opções disponíveis que tivemos que definir desde o início. Precisamos saber isso para determinar o tipo de linguagem que vamos usar por escrito, por exemplo, os Estados Unidos. Eles são especializados na linguagem comercial globalizada Quero dizer, porque eles controlam uma grande parte da indústria, essa é uma opção. Mas, por outro lado, existe o mercado europeu e até o mercado Stern cujo público-alvo é bem diferente É uma espécie de cinema experimental e é voltado para quase todas as elites intelectuais, que apoiam a crítica cinematográfica nos festivais mais importantes da Europa Mas, em relação a isso, há algo muito importante a ser levado em consideração. Você deve deixar o preconceito longe de você antes de abordar qualquer projeto de filme Devemos entender que não há mais linguagem artística do que outras. Porque tanto os super-heróis quanto os filmes sociais têm chances de cair em lugares-comuns Apesar de um projeto cinematográfico ser uma criação artística, seu desenvolvimento tem praticamente o processo de uma investigação acadêmica. Porque devemos ter clareza sobre os objetivos e as ferramentas que vamos usar para atingir esses objetivos. O roteiro foi desenvolvido no início do século XX por um grupo de antropólogos, psicólogos, empresários, etc., também produtores que queriam encontrar uma forma industrializada de ganhar dinheiro trazendo o maior número possível de pessoas ao trazendo o maior número possível de pessoas Como consequência, eles conseguiram criar estrutura de ferramentas baseada no processo de atenção em seres humanos Um processo de atenção previamente estudado por psicólogos Isso resulta na construção de uma estrutura com diferentes pontos de atenção para manter o público conectado à tela por um período específico de tempo. Mas, além disso, essa estrutura é sustentada por um tipo de atenção nos seres humanos, atenção involuntária, uma atenção gentil que os humanos não conseguem controlar Esse é o tipo de atenção que a história usa para engajar o público, engajar as pessoas. Por exemplo, a atenção que temos quando vemos um acidente de trânsito repentino no meio da rua. Não importa o quão ocupado você esteja, você não pode deixar de recorrer ao acidente para ver o que acontece. Então, partindo desse princípio, eles constroem uma estrutura de três atos que foi dividida por pontos da trama que capturam a atenção do público ao longo de toda a história. Além disso, essa estrutura começa com o primeiro ato e termina no primeiro ponto da trama. Quero dizer, o primeiro ato, depois um segundo ato, então há um ponto médio bem no meio da história E, finalmente, um segundo ponto da trama que leva ao terceiro ato. Toda essa jornada de três atos teve que ser vivenciada pelo personagem que é o protagonista da história Essa jornada deve conter o arco dramático de nossa história. Esse R dramático nos permitirá estar conectados com o personagem ao longo de toda a história. Ao longo do filme, nosso personagem principal inicia essa jornada com uma espécie de pensamentos ou ideias e depois aprende uma lição vivenciando essa jornada, essa história E, finalmente, no final do filme, ele é outra pessoa por dentro ou por fora. Quase todos os filmes de sucesso ao longo da história do cinema têm essa característica particular. Além disso, é importante saber que, como o cinema comercial deve garantir a conexão com o público para garantir uma bilheteria, eles tendem a usar muito mais essa estrutura porque é necessário que os empresários tenham garantias Nesse sentido, temos muito a aprender com filmes comerciais, para cinema comercial, embora também devamos levar em conta que encontraremos mais histórias semelhantes em filmes comerciais exatamente por esse motivo. De certa forma, essas características devem estar presentes tanto no cinema quanto nos filmes comerciais. Mas, ao mesmo tempo, devemos tentar ser originais. Esta é a razão pela qual no cinema tentam quebrar as regras. Mas quebrar as estruturas por si só não significa que você vai ser bom. Precisamos fazer isso de forma criativa. Para ter sucesso. Mas essa não é a única característica importante do cinema experimental indiano Na verdade, esse tipo de cinema pode ser encontrado em todos os lugares. Não só na Europa, podemos encontrá-la na Ásia, América Latina e nos próprios Estados Unidos. Nesse sentido, muitas vezes esse tipo de cinema tenta retratar um momento, um conteúdo, um tempo, uma época, um evento histórico que é mais importante do que a história em si De fato, há uma onda crescente nos últimos anos de lançamentos desse tipo de filme. Um exemplo perfeito do que estou falando é o filme de Roma. Neste filme, a protagonista, a personagem principal, a empregada doméstica, não tem um objetivo importante, apesar de ter engravidado sem planejar a Você sabe, ela está tentando resolver esse problema, mas seu objetivo não é tão importante porque o importante é retratar o contexto em que ela está vivendo O contexto em que a história se passa nesse contexto é a famosa tragédia que aconteceu nos anos 70 no México, o Massacre de Corpus Para o diretor, era necessário retratar o México nos anos 70 para fazer com que o espectador sentisse testemunhando o que aconteceu no A história em si, o personagem, é o pretexto para criar esse tipo de história, esse tipo de filme Poderíamos compará-las com as pinturas barrocas de pistas, ou onde havia alguns personagens pequenos, mas havia simplesmente um pretexto para retratar uma bela Por outro lado, no cinema comercial, isso geralmente não funciona porque, voltando ao caso de quantas pessoas geralmente poderiam estar envolvidas no crime em massa no México Geralmente, existem pessoas intelectuais, pessoas que vêm de uma formação diferente e que estão mais interessadas do que na estrutura clássica de um filme Mas vamos revisar essa estrutura porque ela não é tão simples quanto parece. Uma estrutura representa a jornada do personagem? Nosso personagem começa uma história em um mundo onde há uma relativa paz. Esse mundo é apresentado no primeiro ato, mas logo no início do primeiro ato, algo acontece no mundo do personagem que abala a vida do personagem Esse personagem tem que enfrentar essa situação para finalmente tomar uma decisão que o levará adiante. Essa decisão sempre será superar aquela situação, aquele conflito que foi apresentado a ele no início da história. Depois de tomar essa decisão, o personagem entra no segundo ato, onde parece que ele realmente vai fazer isso. Esta é a primeira parte do segundo ato chamada de jogos finais, mas esse segundo ato tem um ponto médio em que há um obstáculo grande e inesperado naquele momento A força antagonista da nossa história, que pode ser apresentada e representada por outro personagem Por exemplo, talvez um grupo de personagens ou um evento climático Seja o que for, essa força parece que conseguirá derrotar nosso personagem principal. Mas no final desse segundo ato, nosso personagem pensa profundamente novamente e reúne forças para tomar outra decisão A decisão mais importante na história que o leva ao segundo ponto da trama da estrutura, ele quem toma essa decisão. Estamos no terceiro ato, que é a resolução da história. Eu recomendo fortemente que você assista aos filmes de Alfonso Quaran porque ele consegue criar comerciais e independentes Ele gerencia os dois idiomas. Eu já havia comentado sobre correr antes, mas ele também dirigiu Gravity. Esses dois filmes tinham linguagens completamente diferentes, mas representam exatamente o que estou tentando explicar para você. Além disso, é uma prova fiel de que você pode fazer filmes extraordinários usando esses dois idiomas. O exemplo da gravidade é o cinema clássico de Hollywood. Perfeito porque a personagem principal é uma astronauta inexperiente que foi contratada por sua habilidade de consertar Quando o filme é estrelado, tudo parece normal. Parece que nada pode distorcer essa tranquilidade da missão O tipo de sensação de um bom primeiro ato, porque você deve se surpreender muito com qualquer coisa que aconteça mais tarde. Mas, de repente, uma avalanche de destroços de um satélite russo se aproxima de sua missão . Isso abala completamente o mundo pacífico em que ela estava. Ela luta para sobreviver com o capitão, mas chega o primeiro ponto da trama. Ela tem que tomar a decisão de ir sozinha. A partir daí, ela pode voltar. Ela não pode voltar. Só ela pode seguir em frente superando todos os seus medos por ser uma astronauta inexperiente No ponto médio, ela encontra todos os tipos de dificuldades. É algo mais difícil, claro, até um momento em que ela perde a esperança no final do segundo ato e desliga o módulo espacial, isso é pouco antes do segundo ponto da trama, onde tudo parece estar perdido, mas de repente o limite do tempo aparece novamente, que é só imaginação dela, claro. Eu acho que você pode assistir ao filme também, para conferir isso. Mas esse sonho a leva a tomar outra decisão desligar o modelo espacial Novamente, a sombra espacial. Essa decisão é o segundo ponto sanguíneo da história que nos leva à resolução do filme. Do jeito que estou te dizendo, parece muito fácil. Mas o que é realmente difícil é adaptar qualquer história à estrutura para que ela nos surpreenda toda vez que assistirmos ao Você também pode combinar esses dois idiomas para emocionar e surpreender o público. Você sabe, é uma forma muito criativa. Do meu ponto de vista, essas duas linguagens são comerciais. Porque uma vez que você faz o contrato social de pedir dinheiro às pessoas por um ingresso, quero dizer, vender o ingresso , assistir seu filme, o público espera ver algo em troca Eles querem sentir algo em troca dessa quantia de dinheiro. No caso de filmes mais independentes e experimentais, é um tipo de indústria apoiada pela classe social média e alta que geralmente consome esse tipo de filme. É claro que o cinema tradicional e clássico terá muito mais público porque é visto por todos os tipos de pessoas. É importante estar atento a esses dois mundos, especialmente quando estamos começando a fazer filmes para não perder tempo e dinheiro. Essa capacidade de adaptação é o que nos tornará muito mais bem-sucedidos, qualquer aspecto da vida em si. Como eu disse antes, é necessário se livrar do preconceito para ser mais criativo e, acima de tudo, nos tornarmos produtores a partir do momento em que estamos criando uma ideia. Essas são dissertações de escolas de cinema muito comuns. Se você planeja entrar em um, precisa conhecer tudo isso antes de iniciar seu primeiro projeto cinematográfico. Por outro lado, um dos desafios que costumamos enfrentar quando estamos começando a fazer filmes é o curta-metragem. Tudo o que eu expliquei para você anteriormente é baseado em ser capaz de abordar o curta-metragem da maneira certa. Da maneira correta. O curta-metragem tem várias funções, vários objetivos. Por exemplo, algo muito importante. É impossível resumir a história do futuro filme em um curta-metragem de 15 minutos. É impossível. Os seres humanos precisam de mais tempo para entender histórias complexas. No entanto, você pode usar um curta-metragem para ensaiar com sua equipe de produção Por exemplo, sua sugestão de produção. Quer dizer, tudo o que você precisa para realizar uma filmagem profissional com mentiras e figurinos, atores profissionais e toda a equipe técnica. Há outra coisa muito importante que você pode experimentar com os curtas-metragens. Um que o ajudará a realmente se gabar de seus futuros projetos cinematográficos E essa é a construção de um personagem. Porque o personagem será o reflexo do público durante a história. Para desenvolver esse personagem e prepará-lo para a escrita, precisamos criar uma planilha de personagens onde escreveremos todas as crenças, características, características, costumes, medos e segredos do personagem Por outro lado, também há uma diferença que dependerá do projeto que vamos fazer. Por exemplo, se nosso projeto for uma história clássica e tradicional, cada personagem deve ter um propósito na história. Em outras palavras, as possíveis habilidades e até defeitos que nosso personagem possui devem permitir que ele alcance os objetivos da história. Mas, por outro lado, em uma história mais experimental na Índia, as características dos personagens não estão necessariamente conectadas aos objetivos da história porque fazem parte do pano de fundo da história. Por exemplo, na Roma romana, as características, as crenças etnia da menina são selecionadas para representar sua classe social, seu contexto social E eles não estão nem um pouco conectados com o objetivo dela e com a história. Quer dizer, o personagem faz parte do objetivo de retratar o ambiente. Escrever é um processo muito longo de paciência. Um diretor de cinema não precisa necessariamente ser roteirista, mas precisa conhecer o idioma para poder retratar adequadamente o que o roteirista quer contar Este é o fim desta lição, mas vou esperar por você na próxima, até a próxima lição. 5. Página de roteiro: Nesta lição, você verá a aparência da página do roteiro É importante levar em conta que qualquer página de qualquer roteiro, de qualquer produção audiovisual também ficará assim. Por onde devemos começar? Devemos começar entendendo que uma página de qualquer roteiro sempre representa 1 minuto de um filme Esse formato vem originalmente do tempo que normalmente leva para ler uma página de qualquer roteiro Mas não é uma constante porque pode levar mais tempo. A primeira coisa a aprender sobre isso são os cabeçalhos das cenas. Os cabeçalhos nos permitem descrever a revista em um local específico onde a Acene ocorre Mas não só isso, mas também o momento em que a cena está acontecendo. A hora do dia é importante porque a equipe de produção sabe qual será a iluminação da cena. O primeiro detalhe que encontramos no título ASN , começando da esquerda para a direita, serão as informações sobre a natureza do local onde a cena será filmada, em ambientes fechados Com a agregação NT para interior e EXT para O próximo seria um período logo após esse período. Você deve digitar o local específico em que a cena ocorre. Em seguida, outro período logo após esse período, você deve digitar o local geral. Em seguida, outro período logo após, você deve digitar o momento do dia. Você pode escrever dia ou noite, ou nascer ou pôr do sol, conforme desejar. São apenas detalhes de iluminação. Por outro lado, quando se trata de títulos de texto, se o personagem se move do espaço interior para o exterior, devemos escrever a abreviatura INTS, ET, para indicar que nosso personagem se move dessa maneira, porque a cena terá internas Eu digo isso porque existem locais que têm ambas as iluminações. Como o quadrilátero interno de um castelo, por exemplo. Por outro lado, é preciso lembrar que um roteiro é sempre escrito em unidades de ação Cada frase representa uma unidade de ação. Por exemplo, Odio entra na sala, Odilia se senta na cadeira, ponto final Vodlio come uma maçã lentamente, ponto final. Cada parágrafo representa um conjunto de ações que acontecem em um determinado momento. É importante aprender a jogar com essas ações e, mais importante, aprender a jogar com esses saltos de tempo entre as ações Como isso nos permite resumir um longo período de tempo, você deve destacar e selecionar as ações mais importantes da história Essa técnica é chamada de elipses. Ao usar essa técnica corretamente, você poderá resumir e filtrar uma grande quantidade de informações para que o público possa entender melhor a história Uma base importante para saber como elipses funcionam é entender a diferença entre o tempo dietético e o tempo não dietético , uma narrativa que continua no espaço temporal Por exemplo, se a história é sobre a biografia de uma pessoa, um filme biográfico, por exemplo, que o personagem vive 50 anos de O tempo de dieta é de 50 anos. Mas o tempo não dietético é o tempo narrativo. Por exemplo, as 2 horas que o filme dura. É por isso que usar elipses com perfeição nos permitirá contar ótimas histórias em um curto período Exemplos de um excelente uso dessa técnica são os filmes para digitalização, por exemplo, Benjamin Button, escrito por Eric Growth Em ambos os filmes, uma grande parte da vida útil é resumida durante as duas ou 3 horas de duração dos filmes Por outro lado, o nome do personagem é muito importante. Tente não mudar o nome do personagem enquanto estiver escrevendo. Às vezes, mudamos erroneamente o nome de um personagem específico, que deve ser sempre o mesmo em toda a história, do começo ao fim Quando se trata de criar os diálogos, cada diálogo tem um título que é o nome do personagem que está falando Os nomes estão sempre em maiúsculas e centralizados. Além disso, logo abaixo do nome do personagem entre parênteses, devemos escrever o movimento em que o personagem está dizendo esse diálogo É muito importante isso, mas preste atenção nisso. Às vezes, a voz do nosso personagem está presente. Mas não estamos vendo um personagem. Quero dizer, estamos ouvindo a voz dele. Mas vemos outro personagem naquele momento, ou as câmeras focam em um objeto, em alguma vista ou em alguma paisagem. Quando isso acontece, você deve escrever ao lado do personagem o período da abreviatura, que significa tela, para indicar que a voz está lá, mas o personagem não está visível na tela naquele momento específico Por outro lado, se estamos ouvindo uma narração, seja, a voz que não vem do próprio personagem na cena. Quero dizer, é um narrador, por exemplo, ou um personagem narrando algo Devemos digitar ao lado do cabeçalho do caractere a abreviatura entre parênteses, ponto V a abreviatura entre parênteses, ponto V, que significa voice over. Mapa mental, eu não ego Quando nós te protegemos. outro lado, é importante observar que as transições entre as cenas também são representadas no roteiro Não é um detalhe muito significativo porque, durante a edição, editores e diretores geralmente jogam melhor com as transições para melhorar o ritmo da história No entanto, deve haver um guia para que as transições mais importantes estejam presentes no roteiro Em primeiro lugar, quando passamos da ACN para outra , entendemos que há uma transição entre elas. Mas às vezes precisamos indicar que há um corte em preto. Por exemplo, nesses casos deve ser escrito no final da cena em uma linha à direita. Também poderíamos escrever, por exemplo, fade out ou dissolve para que o resultado corresponda à solução dois, etc Além disso, e não menos importante, é claro, se as transições estiverem no início da cena, por exemplo, um fade in, etc., elas devem ser escritas à esquerda Em termos gerais, esses seriam os elementos mais importantes que qualquer roteiro deveria ter para que seja escrito corretamente Mas devo confessar que cada escritor tem seu próprio estilo. Por exemplo, às vezes os escritores adicionam mais detalhes, como movimentos da câmera, por exemplo. Mas isso só é permitido se você for o diretor do seu próprio roteiro O que você deve sempre lembrar é que seu roteiro deve ser escrito em imagens Você deve descrever as imagens e evitar frases poéticas. O roteiro é uma ferramenta de trabalho para uma equipe de produção ter um guia para desenvolver a história usando apenas a linguagem cinematográfica Te vejo na próxima aula. 6. Semiótica: Olá pessoal. Nesta lição, falaremos sobre semiótica Se há algo que tem a ver com a direção de filmes, é a semiótica semiótica é a ciência que estuda o significado das imagens As ideias dentro de uma imagem. Os cineastas precisam interpretar o roteiro. Para fazer isso, o diretor de cinema deve reunir o número possível de conceitos relacionados à história, estilo e tema. Os elementos conceituais mais importantes da história devem ser incluídos nas imagens Cada cena, cada imagem, cada sequência deve conter o conceito do filme em nossa história. Mas por onde devemos começar para poder encontrar isso na linguagem audiovisual Devemos começar com o conceito que vem da pintura no Renascimento Durante o Renascimento, quando todos aqueles grandes pintores que conhecemos hoje começaram a surgir, eles pensaram em dois elementos fundamentais caráter O conceito de figura-base. Você pode resumir que o personagem e o plano de fundo da época estavam relacionados ao personagem e ao contexto Um personagem em cena é exatamente o mesmo. Há um personagem em um local ou momento específico em que esse personagem está fazendo ações. Nas pinturas barrocas e renascentistas, sempre havia um ou vários personagens que se destacavam Essa característica estava tentando nos contar uma história. Mas não só o personagem está contando a história, mas tudo o que o cerca, essas histórias contadas por meio de pinturas, foram compreendidas pelo espectador devido à quantidade de tempo que o espectador passou contemplando a Quando investimos tempo suficiente para contemplar uma imagem, podemos descobrir coisas Descobrir o que o autor está tentando nos dizer no cinema é exatamente o mesmo. Se dermos tempo suficiente ao quadro no corte final, podemos permitir que o espectador perceba coisas que talvez não possam ser vistas a olho nu. Como diretor de cinema, desde que você tenha a capacidade transmitir a maior quantidade de informações e a melhor qualidade de informações para a mente do espectador, a qualidade de sua linguagem audiovisual será Não estou dizendo que você deva transmitir informações ao espectador , mas você deve tentar, de forma criativa artística e astuta, fornecer ao espectador informações suficientes para que ele entenda e sinta sua entenda e A imagem em si tem a capacidade de tocar nossas mentes diretamente. Porque, na verdade, os seres humanos pensam em imagens, devemos levar isso em consideração porque, dependendo do contexto em que os eventos ou ações de nossa história acontecem, a cena pode ter um significado completamente diferente. Isso é fundamental para poder contar as histórias e transmitir emoções. Mas qual seria o elemento mais importante para entender a smótica da imagem em relação ao roteiro A ironia dramática. Essa é uma ferramenta obscura. Essa é uma ferramenta que o autor usa ao escrever para fazer com que os espectadores sintam que têm mais informações sobre o que está acontecendo na cena do que os próprios personagens da cena. Esse processo gera emoções no espectador, porque, como espectadores, queremos saber qual será a reação do personagem quando ele descobrir o que realmente está acontecendo naquela cena Por exemplo, em filmes de terror em que vemos que o protagonista está se aproximando de um lugar que sabemos que será um grande perigo para ele ou Outro exemplo seria quando o protagonista se aproxima de uma sala onde algum fantasma está esperando por ele ou um assassino está esperando por ela O que isso tem a ver com semiótica? Funciona de forma bastante semelhante porque devemos fazer uma pergunta: quanto o espectador sabe sobre o assunto que está entrando em nosso quadro anímico de signo Em outras palavras, devido ao conhecimento geral que o público possa ter, nosso quadro pode incluir em seus símbolos e sinais informações que esse público já tem em mente. Esse processo de comunicação é fundamental porque, como cineasta, precisamos saber interpretar quais são os códigos significantes que nossa sociedade ou nosso possível público possui para nos comunicarmos de forma eficaz e poderosa Nesses termos, até mesmo a distribuição de cores de nossa foto dá grande impacto ao significado de nossa cena e sequências Então, eu ousaria dizer que a maioria dos problemas relacionados ao roteiro não tem nada a ver com habilidades artísticas, mas com a capacidade de se comunicar adequadamente com o público Devemos sempre nos fazer uma pergunta. O processo de comunicação entre o autor e o espectador está funcionando bem? curtas-metragens são muito úteis nesse termo, porque quando somos diretores consultores, especialmente em escolas de cinema tendemos a culpar o público por não conseguir entender nossos filmes, quando na realidade não somos capazes de transmitir as informações que queremos Porque não estamos adicionando informações suficientes às fotos, ao plano de fundo, à dimensão do som e, acima de tudo, não estamos dedicando tempo suficiente a cada quadro. No corte final, todo esse entendimento deve ser uma prioridade para nós. Vamos pegar, por exemplo, a plataforma de filmes. A história desse filme não é a coisa mais importante. Na verdade, eu ousaria dizer que até mesmo seu final é excessivamente conceitual Mas a coisa mais importante e atraente sobre esse filme, a metáfora, ela representa a plataforma em relação à luta de classes Essa luta de classes está presente no mundo ocidental. Todos nós conhecemos essa luta, e todos nós, de uma forma ou de outra, somos afetados por essa luta de classes. É impossível não nos sentirmos identificados quando vemos uma plataforma que é um elevador cujas letras representam cada uma das classes sociais. Além disso, também no mundo do cinema, quero dizer, na plataforma, podemos acordar em qualquer um dos níveis, saindo da realidade das diferentes classes sociais. Outro exemplo perfeito seria o drama do filme Rom. Todo mundo que foi vê-lo, pelo menos no México, sabia da existência do massacre nos anos 70 Um massacre quando mais de 100 estudantes foram mortos em uma praça por forças ligadas ao estado Esse é o pano de fundo do filme. Como eu disse em uma aula anterior, a história da garota não é tão importante. É a coisa mais importante. É o conteúdo do momento histórico em que ela estava vivendo. Uma das coisas que se destacam neste filme são esses eventos trágicos que conhecemos no filme A própria protagonista não tem consciência da magnitude do que está acontecendo E é algo que também descreve o personagem. É sua mentalidade e nível de educação que tornam consciente da proeminência social ao seu redor Essa é uma ironia dramática que torna o filme artisticamente Tudo isso faz parte do poder da semiótica em um filme, e devemos aprender a usá-la para adquirir essa sensibilidade Por outro lado, você também precisa conhecer e lembrar uma citação de um grande filósofo da comunicação, Marshall Mclichhan Marshall Mclichhan O meio é a mensagem. Isso significa que a forma como comunicamos o conteúdo, a forma como esse conteúdo chega ao público, supera a mensagem em si O cinema está cheio disso. Às vezes, não importa a profundidade da nossa mensagem, mas a maneira como transmitimos essa mensagem pode gerar uma compreensão mais profunda no espectador. Por exemplo, quantos filmes hoje falam sobre o mesmo assunto? Quantos filmes hoje em dia falam sobre amor ou bravura, ódio, paixão ou vingança São os recursos narrativos, poéticos e seméticos que permitirão ao espectador se sentir mais profundamente conectado com a mensagem Muitos professores de cinema da minha faculdade disseram que todas as histórias já haviam sido contadas e não havia nada de novo. É totalmente verdade. A única coisa que mudará é a maneira como contamos essas histórias, esse ponto de vista e como usamos esses recursos audiovisuais para contar a história Por outro lado, não subestime nenhum longa-metragem. A maioria dos diretores de John subestima os recursos sonoros e musicais do cinema E isso diria que eles são uma parte essencial e fundamental do conteúdo do sistema semético do filme Significado de todos os elementos de um filme. E tudo em um filme diz algo desde a alfândega até o último quadro da mandagem The Revenant é um exemplo perfeito do que estou lhe dizendo Este filme é uma história simples de vingança. A história clássica de um personagem que quer se vingar de alguém que matou um de seus parentes Quantos filmes você já viu que nos contam essa história. Há uma longa lista de citações de Gladiador aos filmes mais comerciais e simples Mas a verdade é que no Revenant, sua estrutura é criada como uma conexão entre os seres humanos e o mundo natural, o ambiente humano E apesar de tudo que o personagem está passando, o personagem para por um momento para contemplar o que o cerca, pois a natureza sempre tem a chance de nos surpreender Isso é profundamente ecológico. Você sabe, isso nos fala sobre a exploração e o abuso dos povos indígenas americanos. Isso é muito mais significativo e importante do que o ato de vingança em si. Na verdade, no final do filme, o personagem antagonista Diz para o personagem principal. Você veio todo esse caminho até aqui só para se vingar? Essa frase dá significado a todo o filme? Isso dá valor ao filme porque dizemos uau. Valeu a pena porque pudemos contemplar profundamente muitas coisas nessa longa jornada, por todo o caminho Essa é a razão pela qual Alejander Gonzalez recebeu o Oscar de Melhor Diretor, porque, na verdade, sua Eu diria que, do ponto de vista , é até mesmo uma fraqueza do filme. Mas apesar de tudo isso, o diretor conseguiu provar com seu filme que ele tem a capacidade de transformar essa história básica em algo extraordinário. Eu diria que a chave, o segredo é estar ciente de como as pessoas pensam hoje em dia. Quero dizer, sobre o que as pessoas falam hoje? O que as pessoas sofrem hoje? Quero dizer, a forma como poderíamos variar o ponto de vista de qualquer história que temos, mas teremos que encontrar uma maneira melhor de nos comunicarmos com o público. Outro exemplo perfeito desse processo é o filme A história de Maria. Este filme nos dá um ponto de vista diferente sobre o casamento. Quero dizer, muitos padeiros estão falando sobre casamentos impossíveis Amores impossíveis com finais trágicos e românticos. Mas esse filme simplifica tudo para um contexto tão comum quanto um processo de divórcio, um casal comum Não é apenas o processo de divórcio, mas o processo emocional pelo qual o casal passa durante o divórcio. E até o final do filme surpreende, pois mesmo querendo que tudo seja resolvido, o divórcio está finalmente consumado Esse foi um filme de muito sucesso. Todas as pessoas que haviam se divorciado se sentiram completamente identificadas. Qualquer um poderia dizer que isso foi feito intencionalmente deliberadamente para fins comerciais Mas a diferença é que o diretor queria que as pessoas se relacionassem com isso. E isso resultou em um grande benefício comercial. Ele fez algo profundo que é bom e, como é bom, é comercial. Por outro lado, poderíamos fazer algo simples, efêmero e chamativo que também poderia ser comercial e não ficar no coração É a capacidade de permanecer na história da arte, na história do cinema e também em nossas memórias. Isso dá grande valor aos filmes. Quero dizer, existem até filmes premiados que não ficam no coração das pessoas porque foram premiados devido às circunstâncias do momento. Quero dizer, porque não havia filme melhor, mas às vezes há filmes fantásticos que não são premiados, mas têm um ótimo conteúdo artístico e permanecem no coração das pessoas para sempre. Enquanto Andy, ele passava aquela pausa, cem na sombra, com um pequeno sorriso no rosto Também é importante lembrar que uma das principais características do cinema independente e experimental é que seus diretores dedicam muito mais tempo às cenas. Ou seja, que o espectador contemple cada detalhe das fotos como se fossem pinturas que eles tentem fazer uma leitura mais profunda do conteúdo das fotos. Mas, no entanto, tente estar ciente de que às vezes os tiros não significam nada. Os diretores estão apenas tentando se mostrar inteligentes, por exemplo. Mas às vezes as fotos têm elementos semióticos profundos que devem ser lidos com atenção para perceber sensações mais profundas Por outro lado, os comerciais também brincam com semiótica porque visam fazer com que o espectador se apaixone o mais rápido possível por vender um produto ou uma ideia Os melhores produtores comerciais são especialistas em contar histórias em semiótica porque o sucesso do negócio audiovisual se traduz diretamente Acho que hoje, os comerciais tentam fazer com que nos apaixonemos cada vez mais rápido Por causa de hoje, nas redes sociais, você precisa ser muito rápido. Porque a corrida para controlar mentes é massiva e contínua. Por outro lado, devemos entender que quando estamos contemplando uma imagem, uma foto, há uma parte inconsciente de nossa observação Isso é receber informações quando talvez estejamos nos concentrando no personagem principal que faz parte do conceito go grand E é necessário estar ciente disso constantemente se você quiser ser cineasta. Há bons exemplos disso no cinema. O filme Parasitas é um exemplo incrível porque há vários elementos no fundo do filme. Quero dizer, por exemplo, nos locais, nas características de onde as famílias moram. Esses detalhes estão nos falando sobre as classes sociais da história. Por exemplo, a família pobre vive abaixo do nível do solo, enquanto a família rica mora nas colinas. Além disso, no final da história, o pai da família pobre fica preso nos porões da casa, por exemplo Essas coisas estão nos falando sobre o conceito da história, bem como até mesmo sobre o clima chuvoso nas fases mais trágicas da Tudo isso é sobre semiótica. E é um processo de aprendizado lento que exige cometer erros e nos perguntar sobre o conteúdo de nossos filmes, nossos curtas-metragens e cada uma das peças auditivas, não importa o gênero que tenham Meu maior conselho é que você preencha sua mente com diferentes linguagens artísticas. Pintura, teatro, música, poesia, literatura, porque, na verdade, o cinema e os filmes incluem todos esses recursos. A sétima arte é basicamente a União Estética, quase todas as formas de arte conhecidas antes do cinema H Cinema não são apenas imagens em movimento, é muito mais do que isso. Está cheio de conceitos muito profundos que vão além de saber como operar uma câmera ou quaisquer elementos técnicos de produção. Tente colocar tudo isso em prática. Tente preencher sua vida com arte. Dessa forma, você não precisaria se esforçar ao criar uma cena com um significado profundo para sua história. Te vejo na próxima aula. 7. A cena: Olá pessoal. Nesta lição, falaremos sobre a cena. O que é uma cena? Uma cena é um conjunto de ações esteticamente ordenadas que visam narrar uma parte específica da Portanto, do ponto de vista da produção e da direção é o evento central da produção no qual o roteiro é uma estrutura Mas quando se trata de roteiro, isso é bem diferente Quais são os tipos de cenas quando se trata de roteiro Existem três tipos de cenas, principalmente as que podem ser intercaladas umas com as outras As cenas de ação, as cenas de reação e as essências descritivas Vamos começar com as cenas de ação. Isso não tem nada a ver com efeitos especiais ou coreografias de luta complicadas Por exemplo, estamos falando sobre o roteiro. As cenas de ação são aquelas cenas em que o personagem chega a um lugar, por exemplo, com um objetivo em mente. Esse personagem consegue completar nosso objetivo. Ou não tão simples assim. Obviamente, isso vai gerar uma consequência, uma sequência na história Por outro lado, as cenas descritivas são bem diferentes O único objetivo dessa cena é retratar o contexto em que nosso personagem está vivendo Ou o ambiente em que ele mora, no qual os eventos da história estão acontecendo. Mas sempre há um objetivo direto ou indireto, ignorante do nosso senso Por exemplo, às vezes nosso personagem está contemplando um evento ou um fato em que a ação geralmente muda a mente do personagem para continuar avançando na história Ou seja, está sempre gerando uma sequência que ajuda a história a avançar Por outro lado, as cenas de reação são bastante semelhantes às cenas de ação. A única diferença é que nosso personagem vai chegar a um lugar e algo acontece com ele ou ela, o que vai produzir uma reação nesse personagem. Obviamente, isso gerará uma sequência e mudará a história ou também a avançará Basicamente, a diferença entre as cenas de ação e o sentido de reação é que, no caso de pecados de reação, os eventos das cenas serão gerados por um elemento externo ao personagem. No entanto, tudo isso tem uma borda fina na qual os dois tipos de cenas são separados ou misturados. Por exemplo, um personagem pode se aproximar de um lugar com um objetivo em mente, mas algo totalmente inesperado acontece ele que obviamente muda o objetivo do, o objetivo da cena. Tente usar isso de forma criativa para revelar a história, os eventos. Vamos ver outro exemplo. Imagine essa situação. Você está voltando para sua casa para se ajustar às costas, por exemplo. E você conseguiu obtê-lo e continua com seu dia. Isso seria uma cena de ação. Mas a reação, uma desvantagem com essas cenas de ação, seria que, por exemplo, você está voltando para sua casa para pegar sua bolsa Mas acontece que na frente de sua casa, dois ladrões te atacam e você luta contra eles e eles te dão uma surra Suas ações surgirão da ação gerada por outra pessoa. Levando isso em conta tudo o que mencionei antes, é importante saber que podemos misturar os tipos de sentido porque os elementos descritivos também podem ser misturados com um tipo diferente de sentido Quero dizer, a reação dos pecados e a ação dos pecados, melhorando assim a qualidade semiótica da nossa linguagem cinematográfica Por exemplo, ao adicionar algo descritivo no início de qualquer cena, podemos resumir as informações que talvez fossem necessárias para uma cena extra na filmagem Além disso, se há algo que nos tornará grandes cineastas e escritores, é ter a capacidade de descrever coisas realmente profundas no quadro Não basta mostrar um personagem fazendo uma ação. Há tantos detalhes que podem ser cenas. É por isso que existem cenas tão descritivas e atraentes que esquecemos completamente o que o personagem poderia estar fazendo naquele lugar O que está acontecendo é que o lugar e o que estamos vendo são tão poderosos que nos sentimos completamente sobrecarregados Às vezes, há momentos isolados na história, nas cenas, mesmo em uma única cena, mas eles levam nossa história para o próximo nível. Por outro lado, há outro elemento muito importante na construção das cenas, o movimento. O movimento é um princípio que Kurosawa descobriu. Está intimamente relacionado ao conceito de solo fugal. Devido ao fenômeno psicológico dos seres humanos estudado anteriormente. Ao longo da história do cinema, foi demonstrado que quando as pessoas assistem a um filme, não suportam ver na tela por um longo período de tempo. Personagens que estão no mesmo estado de descanso em que as pessoas assistem a um filme, quero dizer, o processo de contemplação precisa descansar Tranquilidade. Mas precisamos que sempre haja movimento nas imagens. Essa é a razão pela qual. Sempre em bons filmes, mesmo que dois personagens estejam apenas conversando, sempre há uma coreografia de movimentos em que os atores estão, por exemplo, se levantando, talvez estejam apenas andando na rua fumando um cigarro ou Os personagens estão fazendo de tudo para que o público se sinta confortável enquanto assiste a uma cena real, a um momento real. Na verdade, um personagem fumar é tão comum que é quase comum no caso de Ursa, ele criou a sensação através do fundo das cenas Por exemplo, ele criava uma conversa em que havia chuva ao fundo ou talvez um rio fluindo ao fundo Os atores não precisaram fazer nenhuma coreografia para adicionar movimento às cenas Portanto, é um princípio muito básico. Essa é a razão pela qual o grande público adora filmes de ação e efeitos especiais O movimento é muito atraente aos olhos do espectador. Isso não significa que devemos deliberar, conduzir a ações desnecessárias para respeitar essa regra É nossa tarefa que essas ações sejam completamente justificadas e naturais para que o espectador se sinta confortável. Por outro lado, nas regras gerais, ASN geralmente tem uma estrutura clássica semelhante à de uma história completa, pois muitos deles tinham objetivos claros Portanto, eles tiveram um começo, um confronto e um fim, uma resolução Você deve se lembrar disso no roteiro. As cenas são contadas com energias que narram que a ação está sempre no presente É importante prestar atenção ao ponto de vista da cena. Quero fazer com que o espectador sinta que está vendo o ponto de vista do personagem que está conduzindo a história. Quero dizer, é um erro comum porque às vezes um ponto de vista ruim leva a um mal-entendido Porque não dedicamos tempo suficiente às fotos do rosto do personagem especialmente quando esse personagem está contemplando os eventos da cena Isso deve ser detalhado no roteiro para que não cause confusão ou dispersão no espectador Recapitular o roteiro é uma cadeia de eventos que são do ponto de vista de alguém importante para a alguém Por outro lado, ao filmar as cenas, não se esqueça da importância da iluminação no aspecto visual. Os detalhes visuais, devemos nos perguntar, quais são as cores que evocam nossos sentidos Nossa cena está feliz? É trágico É informativo? Qual é a sensação que você deseja gerar no espectador? Devemos prestar muita atenção a isso porque podemos contradizer o objetivo da cena com iluminação inadequada iluminação tem a capacidade de estragar todo trabalho extraordinário de atuação A iluminação gerará uma atmosfera que melhorará até mesmo o desempenho do ator. Quero dizer, atuar é um trabalho muito difícil. Isso requer muita concentração e, durante uma filmagem, há muitos elementos que distraem Temos que fazer de tudo para melhorar essa concentração. Mas não só isso, mas enquanto você pratica e escreve as cenas e coloca camadas, filma e faz o corte final, você perceberá que muitas vezes as cenas não eram ruins, mas a iluminação, porque, do meu ponto de vista, iluminação é uma ferramenta que deve ser considerada no momento em que escrevemos uma história. No entanto, lembre-se de que, como diretores de cinema, podemos variar a iluminação de Sen para melhorar o poder narrativo. Da mesma forma que a iluminação, as cores são importantes e estão intimamente ligadas à iluminação. Portanto, para o público global, há uma interpretação global sobre o significado das cores Por exemplo, os semáforos são os mesmos em todo o mundo. Os efeitos dessas três cores foram analisados cientificamente. O que quero dizer é que devemos tentar usar a cor como uma linguagem universal que nos ajuda a nos comunicar emocionalmente com o público Por outro lado, há também a linguagem sonora que funciona como uma quarta dimensão para o espectador. Lembre-se de que o público está percebendo tudo por meio seus sentidos e tudo está sendo processado por meio O design de som é mais uma camada de informação. Devemos tentar dominá-lo para envolver o espectador na atmosfera do filme e nas sensações que serão experimentadas durante o filme. Isso não é apenas como diretor de cinema, mas também como roteirista de cinema. Devemos adicionar o elemento sonoro como meio cinematográfico para contar as histórias Vou te dar um exemplo. Vamos supor que nosso roteiro esteja nos dizendo isso. Um soldado muito cansado está andando no meio do corpo. O soldado se depara os cadáveres dos outros soldados. Enquanto caminha, o soldado vê o cadáver de uma mulher indígena e depois se vira e vê outra indígena chorando Ok, essa pode ser a nossa cena, mas temos a opção de substituir imagens por sons, imagens como a mulher chorando à distância, por exemplo. Vamos dar uma olhada. Você percebeu como pode ignorar uma imagem visual no roteiro e substituí-la por uma imagem sonora Essa é a arte de fazer filmes. O roteiro dizia que havia uma mulher chorando à distância Na verdade, a mulher chorando está lá. Mas não a vemos na tela, mas a estamos ouvindo à distância, dando ainda mais mistério e profundidade à história, à cena. Este é o seu trabalho como diretor de cinema. Como cineasta, eu recomendo fortemente que você não espere por uma filmagem para ter ideias desse tipo Obviamente, essas ideias poderiam surgir nos dias que antecederam as filmagens, mas eu realmente sugiro que comecemos a imaginar que, na hora de escrever o roteiro, ou na hora da leitura geral do roteiro antes das filmagens, assistiremos a outra cena com o mesmo personagem, uma sequência inteira em que esse personagem o objetivo de revelar ao pai o motivo pelo qual ele saiu de casa É uma cena bem longa. Vamos dar uma olhada. Poco olha Dios los Los Paocai A armazena vitamina. Sim, sou vinho da imprensa. Você pode, Tao, pousar para mim Papa Matt Yeboa Yeboa Quando eu juro, E. Pedro Yo percebe as diferentes sensações na cena A maioria das coisas que mencionei até agora que deveriam estar em cena são exibidas. Nesse exemplo. Os personagens estão se movendo enquanto estão conversando à mesa. Um deles se levanta da cadeira, por exemplo, e então há uma voz que parece estar dizendo algo diretamente para nós. Mas, na verdade, está contando isso ao pai durante toda a cena. O som é muito importante nesse exemplo, mas veremos isso mais tarde em outra lição sobre trilhas sonoras Tente se lembrar da cor, do movimento, dos objetivos dos personagens, dos poucos conceitos de solo bons que você viu anteriormente. Por exemplo, há filmes que até tinham histórias confusas, que não tinham um objetivo totalmente claro, uma meta clara, mas há cenas que são consistentes o suficiente para atenção do espectador e nos fazer pensar em coisas profundas Cenas que nos convidam a nos fazer perguntas sobre nossas vidas, sobre nossas situações cotidianas, esse tipo de cena, mesmo do ponto de vista de outra época. Cenas que conectam coisas profundas por meio dos elementos semióticos Por escrito, tente fazer suas próprias perguntas. A micina é uma cena de ação? Meu seno é uma reação? Uma cena é descritiva? Você precisará dessas perguntas. Quando se trata de escrever. Coloque tudo isso em prática e nos vemos na próxima lição. 8. A equipe de produção: A equipe de produção. A equipe de produção é o exército que vamos comandar para realizar nosso projeto cinematográfico. Realizar todas as etapas de um projeto cinematográfico. Mas qual é a base dessa equipe? O que é o eixo? A coluna central dessa equipe? Tudo começa com o produtor. O produtor é o gerente do nosso projeto cinematográfico. Um projeto em si não deve ser diferente de construir uma casa, administrar um negócio, começar uma empresa, etc Na verdade, a maioria dos problemas relacionados à produção acontece porque não sabemos que a produção é muito semelhante aos exemplos que mencionei antes. Mas quem é o produtor? O produtor é um gerente administrador, que supervisiona todas as etapas de um projeto cinematográfico com o objetivo de transformar a ideia inicial em filme Isso significa que, dependendo das necessidades do nosso projeto, o produtor deve estar envolvido mesmo nos estágios iniciais da pesquisa sobre o assunto que nosso filme terá. Também os elencos, os locais de que o roteiro precisa, toda a logística das Quer dizer, tudo o que você precisa para que as filmagens sejam realizadas com sucesso deve ser gerenciado pelo produtor. E, acima de tudo, a administração adequada do orçamento do filme para que todas as etapas sejam cumpridas. Todas as etapas devem ser concluídas desde a ideia inicial até o momento da distribuição do filme. O sucesso de um produtor é terminar o filme com os objetivos que foram definidos logo no início. Portanto, do meu ponto de vista, o produtor não é o mais importante, é pelo menos um dos gerentes mais importantes no projeto do filme. Muitas vezes, os diretores são seus próprios produtores. É importante assumir essa responsabilidade desde o início, especialmente porque o produtor também está envolvido em como vender a história do projeto para uma empresa cinematográfica, por exemplo. Por outro lado, as pessoas mais ricas da indústria cinematográfica são os produtores Porque são eles que têm a visão de analisar qual filme o público pode estar solicitando e, em seguida, desenvolver projetos de filmes com base nisso É importante saber que, como diretor de John, John é cineasta que está começando sua carreira cinematográfica Devemos aprender a assumir cada um dos diferentes papéis que compõem a construção de um filme acima de Ble. Porque, no caso do cinema independente, ele geralmente é financiado por duas fontes principais Primeiro, autofinanciamento. Você arrecadará dinheiro para seu primeiro curta-metragem e , portanto, terá que gerenciar seus Bud Jets para que o dinheiro possa cobrir todos os objetivos do projeto Segundo, programa de financiamento. Programas de financiamento, que são um tipo de instituição privada ou estatal que concede fundos para financiar produtos cinematográficos não comerciais Por outro lado, os produtores não trabalham sozinhos. Eles têm assistentes de produção encarregados de realizar as diferentes tarefas que o produtor possa ter Levando em conta tudo isso, o produtor tem muitas responsabilidades. Portanto, ela ou ele precisará concluir muitas tarefas que serão delegadas a esses produtores Isso significa que podemos ter quantos assistentes quisermos. Tudo depende do orçamento do nosso projeto cinematográfico. O próximo na lista é o diretor assistente. O diretor assistente é o braço direito do diretor de cinema, mas não no sentido criativo. Acho que quase todo mundo, quando começamos a ouvir falar de diretores assistentes, achamos que isso deve ser bem parecido com o trabalho do diretor. Mas, na verdade, não é. É por isso que acabamos um pouco frustrados. O diretor assistente basicamente executa tarefas de facilitar, o diretor de cinema não deve fazer isso. O diretor tem sua mente focada apenas na criação artística. Mas eu diria que a principal tarefa do diretor assistente é administrar o tempo durante as filmagens. O AD deve ter uma lista de todas as cenas que precisam ser filmadas. Por exemplo, em um dia que tem apenas 4 horas. O AD deve garantir que todas essas cenas sejam filmadas nesse período Para resolver isso, ele deve gerenciar o tempo, incluindo o tempo que a tripulação passará comendo ou fazendo um lanche. Outro aspecto que está nas mãos do diretor assistente é a disciplina da equipe de filmagem. Você não pode imaginar o quanto isso é importante porque as equipes de produção são formadas por pessoas que têm problemas de necessidades pessoais, pessoas que estão compartilhando com outras e que também podem se distrair Não quero dizer que o AD deva ser uma espécie de policial, mas ela ou ele deve tentar garantir que todas as equipes se concentrem na cena e supervisionem o desempenho de suas tarefas Na verdade, quem diz que ação na filmagem é o AD. Os demais diretores assistentes, que podem ser mais um ou dois, estão realizando todas as tarefas logísticas que facilitam o trabalho do diretor O próximo na lista é o script. É ele que tem a responsabilidade de fazer uma lista. E mantendo uma ordem de todas as cenas que foram gravadas durante a filmagem, destacando qualquer eventualidade que tenha acontecido durante a filmagem da Por exemplo, se a cena fosse realmente boa, o roteiro deveria anotá-la . Se houvesse algo errado na cena, o roteiro também deveria anotá-la. Em geral, as regras mantêm a ordem de cada cena para que, durante a edição, seja a montagem do filme O editor pode identificar cada um dos arquivos que estão no disco de memória, sabendo que cada um deles deve usá-los ou não Quais foram as tomadas mais importantes da filmagem? Basicamente, o roteiro está intimamente ligado ao trabalho do AD porque tem a ver com o controle da filmagem. É muito importante que o roteiro coloque a ordem de todas as contingências que possam aparecer na filmagem Ou seja, por exemplo, se o diretor mudar alguma coisa no roteiro no último minuto, por exemplo, o roteiro deve anotá-lo Porque possivelmente essa mudança gerará mudanças no futuro. Já que, quero dizer, um detalhe que foi alterado na história ou em um roteiro deveria afetar o futuro da história O carregador de badalos é quem carrega o quem carrega o A claquete é uma ferramenta que nos permite identificar a cena dentro do quadro no início da quente Em geral, as exigências da claquete incluem as seguintes informações O nome do disco de memória, o número ou nome da cena e o número da tomada. Porque você deve saber que a cena pode ser repetida várias vezes. Por vários motivos, o editor deve reconhecer visualmente as informações da foto no software de edição. Obviamente, uma das principais razões pelas quais a claquete é útil é o fato de você ter que sincronizar o som com a imagem nos projetos de fricção, pois o calor gerado pelo manípulo superior da ripa nos permite saber em que ponto sincronizar o áudio e o vídeo no que ponto sincronizar o áudio e o e Quer dizer, desde o áudio e o vídeo , geralmente são gravados em dispositivos diferentes. Em cada departamento, existem outras funções cuja função é facilitar o trabalho do operador principal. No caso da iluminação, existem alguns especializados, como Gaffer e o técnico chefe de iluminação, que, por exemplo, se encarrega de medir exatamente a luz que deve ser aplicada na cena Ele sabe exatamente o poder de cada lâmpada para gerar certa iluminação basicamente por meio de seu assistente do diretor de fotografia, por exemplo. Em regras gerais, a diferença entre uma produção de baixo custo e de alto custo é justamente esse número de assistentes na equipe Porque a verdade é que, embora o diretor de cada departamento esteja mais focado na parte criativa do que na solução de problemas operacionais, o resultado em qualidade será melhor. Há casos como o do diretor de fotografia mexicano Emmanuel Luveski, que costuma operar na câmera porque isso prova que ele vem de um treinamento em que ele vem de um treinamento aprende todas as partes Portanto, não tenha medo de assumir várias funções em um projeto de baixo orçamento. Por outro lado, a direção de arte é o departamento que garante que todos os elementos que estão dentro da cena, por exemplo, o design do palco, os figurinos, os adereços, todos esses elementos estejam conectados à história Todos esses elementos devem nos dizer tanto quanto o roteiro Esses elementos que estão na cenografia devem ter qualidades em termos de estrutura de cores e também de semiótica Para que aquelas cenas desesperadas em V que mencionei antes cumpram seus objetivos Obviamente, é um esforço conjunto entre o diretor do filme e o diretor de arte, e eles devem percorrer o mesmo caminho que leva a contar as histórias por meio de imagens. O departamento de arte está intimamente ligado ao departamento de sinalização, porque os elementos semióticos que adicionamos às cenas são mais caros, especialmente e complexos Isso implicará em um custo maior para o filme, maior depósito. Por outro lado, os técnicos de som também são importantes, que não deve ser esquecido pois o som deve ser gravado corretamente na filmagem seguinte a equipe de catering não seja a responsável pelos detalhes dos pés E o mais importante, tente não pensar que os produtores são os responsáveis por resolver os problemas nos pés. É um erro amador. Outro departamento importante que está ligado à equipe de produção é o figurino, o departamento de figurinos. Esse departamento também está bastante conectado à equipe de arte, pois é o departamento de arte, o diretor e criativos visuais que escolhem as cores que os figurinos podem ter, mas o figurinista é quem os faz Há também um supervisor de combate encarregado de cuidar das roupas durante as filmagens Mas na maioria dos tiroteios, esse supervisor de enfermaria está entre os assistentes da equipe de maquiagem É importante que pessoas suficientes sejam sempre delegadas para esse tipo de trabalho Às vezes, são tarefas muito simples, mas são delegadas. Pessoas que estão realizando trabalhos criativos nas filmagens e isso é um problema. Isso prejudica a qualidade da produção. Quando se trata de gerenciar uma equipe de produção, é necessário referenciar as pessoas que farão o trabalho criativo e as que farão o trabalho técnico Os primeiros são os mais importantes. A equipe técnica deve garantir que esse trabalho criativo seja o melhor possível. Embora uma única pessoa possa ser responsável por várias tarefas durante as etapas de produção, você deve combinar bem essa tarefa Por exemplo, você sabe que o processo de produção tem estágios diferentes. Por exemplo, o diretor de arte pode estar trabalhando com o departamento de arte antes da filmagem. O diretor de cinema deve estar trabalhando com todos os departamentos do filme, etc., mas no set funciona de forma diferente Por exemplo, eu posso dirigir e ser ator ao mesmo tempo no set. Não acho nenhum problema com isso, porque essas tarefas são artísticas e criativas, mas estão conectadas. Mas, na verdade, não consigo ser diretor e gerente de produção ao mesmo tempo. Porque a escada terá que resolver muitos problemas no set Você deve ter um ótimo produtor no começo. Esse mesmo produtor pode ser o chefe de uma produção e também essa pessoa deve amar ser gerente. Quero dizer, um produtor deve conhecer a administração de software do Excel, e esse produtor deve ter habilidades de rede para interagir com pessoas que possam realizar nosso projeto de filme. Eu diria que a parte artística da produção é ter a capacidade de visualizar uma ideia e saber se essa ideia vale a pena Finalmente, o diretor de cinema. O diretor de cinema é o gerente criativo que fará a parte criativa de fazer um filme. Os diretores devem conhecer muito bem todos os departamentos da equipe de produção. Um bom diretor de cinema deve saber tudo. Cinematografia musical, história, redação de notícias. Quanto mais conhecimento você tiver, maior será a capacidade de se comunicar com os outros gerentes criativos do seu projeto. Além disso, você poderá transmitir qualquer coisa ao público por meio da linguagem cinematográfica Os diretores também devem ter a capacidade de ter uma ótima visão criativa do filme, não apenas da parte visual. Eu observo que a música é muito importante, é 50% da linguagem cinematográfica Por outro lado, um dos meus melhores conselhos é que os diretores se envolvam principalmente no processo de redação. Roteiro, na construção da história. É importante ter algo a dizer como diretor, para gerar voz e estilo. Vale muito a pena dirigir histórias que envolvam nossas vidas, porque só assim você terá a capacidade de imaginar melhor um filme Mesmo que dirigir o roteiro de outra pessoa também possa ser extraordinário Devemos ter nossa própria voz ao gerar nosso ponto de vista. Quero dizer, os maiores diretores da história do cinema têm a capacidade de escrever as histórias porque conhecem muito bem o idioma. Essa é a diferença entre cinema de autor e o cinema tradicional, mas independentemente de ser feito ou de Hollywood ou não. Independentemente de ser um filme de efeitos especiais ou não, ou uma história de super-herói ou não O diretor está envolvido com o processo de escrita e acrescenta uma visão única de sua narrativa Por outro lado, o conhecimento não deve ser uma limitação para os cineastas Eles devem estar sempre dispostos a aprender dia após dia. Tente assistir a todos os tipos de filmes, você pode aprender com todos eles. Em todos eles, você pode encontrar ferramentas valiosas que ajudam você a criar seu próprio idioma. Além disso, ter conhecimento de diferentes departamentos permitirá que você proteja o projeto do filme. Porque você poderá saber se o que o diretor de arte ou designer de som está lhe dizendo é verdade ou não. Vou te dar um exemplo. Há algum tempo estava trabalhando em uma filmagem como assistente de som, mas não era aquela filmagem profissional. Sabe, eu estava fazendo um favor para uma amiga que estava estudando como diretora Ela não sabia ou subestimou o conhecimento que eu tinha sobre tiroteios sonoros Eu não a culpo de jeito porque isso faz parte do processo de aprendizado. Mas isso pode acontecer com você, é provável que aconteça com você. O que aconteceu foi que, ao inserir uma cena, tivemos que gravar o som de uma conversa Eu estava segurando o microfone com sua respectiva alavanca de extensão, desta forma, mas ela nunca tinha visto isso. O fato é que eu estava fazendo isso dessa maneira porque estávamos usando um micro unidirecional Portanto, eu estava segurando o micro de baixo para cima de forma a apontar para a boca do personagem. A voz estava sendo gravada corretamente. Naquele momento, eu sabia disso porque tinha experiência com microfones, porque trabalhei com eles toda a minha vida, não apenas em filmagens, mas também em estúdios de gravação de música, onde vi como o engenheiro de som os usava para gravar o som da Por exemplo, quando você fosse gravar uma bateria lá, você deveria colocar microfones em posições diferentes para capturar o som de cada parte da bateria No caso dos símbolos do tambor, você deve posicioná-los na parte superior porque eles estão na parte superior. Mas de qualquer forma, na filmagem, eu estava posicionando esse microfone unidirecional em direção à boca do personagem, nessa posição de baixo para cima Mas a diretora ficou completamente confusa porque só tinha visto nas fotos das filmagens que a assistente de som colocou o microfone de um bot Isso foi um grande problema para ela porque ela me forçou a mudar minha posição apenas para que ela se sentisse segura naquela foto que você está vendo. Neste momento, o assistente de som está usando um microfone omnidirecional que significa que esse microfone geralmente tem a capacidade de capturar o som do espaço tridimensional à sua frente. Essa é a única maneira de colocar esse tipo de microfone o mais próximo dos rostos e não aparecer na moldura Mas esse diretor não percebeu. Ela cometeu o erro de me dar as instruções erradas. O som foi ou foi gravado inadequada devido à falta de conhecimento sobre o assunto É por isso que enfatizo que é melhor investigar, ter curiosidade sobre cada departamento para tomar as decisões certas durante as filmagens, durante todas as etapas do projeto do filme Mas vamos ver tudo isso para que você possa traçar um caminho a seguir nessa bela carreira de se tornar diretores de cinema e poder realizar qualquer tipo de projeto cinematográfico. Te vejo na próxima aula. 9. Shots e lentes: Os tipos de fotos da câmera e o uso de lentes. Esse tópico é muito interessante porque começa com uma ótima pergunta. Uma pergunta que eu sempre me faço porque é uma dúvida permanente quando se trata de fotografar. É o diretor de cinema quem escolhe os tipos de lentes e cenário, ou o diretor de fotografia ou diretor de fotografia, se for o diretor responsável pelo enquadramento, especialmente o enquadramento que resultará no equilíbrio da Por que o diretor de fotografia recebe todo o crédito pela direção de Obviamente, o diretor de fotografia ou diretor de fotografia tem a responsabilidade de garantir o enquadramento final de uma cena, mas as ideias para essas cenas vêm do diretor do filme A principal tarefa do diretor de fotografia é a iluminação do filme Mas, de qualquer forma, o que nos preocupa nesta lição é saber quais são os aspectos formais que as fotos devem ter para serem bem criadas e dirigidas profissionalmente É importante saber que esta lição não será a única que falará sobre os elementos das fotos nas aulas de movimentos da câmera e movimentos dentro das fotos. Também falaremos sobre coisas relacionadas ao equilíbrio e aos elementos da composição, bem como sobre elementos semióticos que ajudam a contar as histórias Convido você a sempre tentar se sentir livre e aberto à experimentação, a quebrar as regras e a tentar desenvolver sua maneira errada de fazer as coisas Vamos começar com um tiro no escuro. O objetivo dessa cena é apresentar o personagem em um contexto. Para identificar esse personagem em um espaço geográfico específico. Lembre-se de que esse espaço pode nos dizer coisas. Nesse tipo de foto, é crucial que usemos o conceito de figura-fundo, porque haverá camadas estéreis que nos darão informações sobre a história e esse tipo de cena Há também a foto extremamente branca , que é uma versão mais distante. Em geral, as regras dizem que esse tipo de foto tem tempo suficiente na edição, no corte final, para que possam ser lidas adequadamente em detalhes na tela, pois os detalhes serão vistos em um tamanho menor. Além disso, poderíamos ter duas ou três frases em nosso roteiro representadas em uma única foto branca Portanto, o espectador deve ter tempo suficiente para fazer a leitura correta da imagem. Outra foto importante é a foto completa. Seu objetivo é focar mais no personagem fazendo alguma atividade que envolva o movimento do corpo, seja lutando , arrumando uma mala ou andando por uma rua O plano de fundo também é importante nessas fotos para saber onde essa ação está acontecendo. Esse personagem pode ser um animal, pode ser um carro, uma pessoa, qualquer coisa. Fazer uma ação cantando, essa é a cena completa. Ao contrário das fotos anteriores, nosso personagem ocupa muito espaço no quadro Essa foto também é importante para retratar os encontros entre as pessoas Por exemplo, conversa de um ponto de vista geral. Geralmente, na edição após uma ótima foto geral, geralmente passamos para as fotos gentis. No entanto, não é uma regra, mas é uma boa maneira de o espectador fazer uma leitura nova e confortável das sequências e imagens que representam nosso roteiro Essas fotos geralmente são muito impressionantes, especialmente quando brincamos com elementos de perspectiva que nos permitem sentir a profundidade de um grande espaço com diferentes elementos à distância. O próximo é The Cowboy Shot, que foi feito para filmes de cowboy, os faroestes, para mostrar as armas É aqui que o tiro pode ficar um pouco acima dos joelhos. É uma foto média, mas mais próxima. Aqui podemos ver um exemplo. Nosso personagem é bem próximo e podemos ver a expressão em seu rosto e corpo. Obviamente, não é algo exclusivo dos filmes de cowboys. O engraçado dessa foto é que, apesar do fato de ter sido inventada para cowboys parados, esperando para atirar Hoje em dia, essas fotos são quase sempre combinadas com movimentos em que o homem aproxima ou se afasta do personagem. O próximo é o tiro médio. Nesta foto, vamos ver o personagem muito mais perto da cabeça dos quadris É muito parecido com o tiro de cowboy. Na verdade, há diretores que o usam para os mesmos tipos de cenas. Conversas, por exemplo. Mas é muito mais comum ver a mediana em conversas do que fotos de cowboys É uma foto expressiva. Seu objetivo é ver a expressão do personagem, embora não esteja focado no rosto segue a lista, há também a foto média de perto, que está um pouco mais próxima. A escolha dessas fotos na cena dependerá, em geral, da importância da atenção dada a algo por um personagem na cena. Por exemplo, quando um personagem está ouvindo atentamente o discurso de alguém. Nesse sentido, também existe um close up, que é o ponto máximo de atenção de um personagem. O plano de fundo perde total importância. Geralmente está fora de foco porque estamos focados apenas na fase que está atendendo a alguma coisa. Essa fase pode ser contemplar um objeto em detalhes, é claro, uma conversa importante ou alguma troca de olhares Essas fotos devem ter uma iluminação muito cuidadosa porque estamos trabalhando nos instrumentos mais valiosos para o ato. O ritmo em que a iluminação pode prejudicar a expressão do ator por isso, é preciso tomar muito cuidado e a iluminação é adequada características do ator, por exemplo Por outro lado, há também o close up extremo, que é focado apenas nos olhos para mostrar ainda mais atenção. Essa foto também pode ser usada para objetos, por exemplo, ou coisas contempladas por alguém em detalhes Esses elementos importantes da história que devem ser detalhados. Por causa de sua importância, é importante levar em conta que quando, por exemplo, precisamos ler algo escrito para entender a história, uma foto deve estar próxima o suficiente e também deve ser longa o suficiente para ler as informações corretamente, sem qualquer dúvida. Quer dizer, para não chegarmos a um ponto da história em precisássemos saber que ler essas informações, informações anteriores certamente eram essenciais para entender o sangue da história. Todas essas fotos são escolhidas para o diretor. Na verdade, muitos dos diretores fazem um trabalho de história que são desenhos referenciais do tipo de cena que será filmada Outro aspecto importante é em que ângulo e em que local a câmera estará. Esse é o ponto de vista da foto. O primeiro tipo de foto em relação ao ângulo é a própria foto com vista. Uma foto aérea vem do alto, olhando para o personagem e uma boa quantidade de essência o cerca ou aqui . Você também pode combinar esse ângulo com as fotos anteriores. Quero dizer, eles podem estar perto ou longe. Lembre-se de que todo o conjunto de fotos anteriores tinha a ver com o equilíbrio e a forma da moldura. Mas são em relação ao ângulo. A criatividade que você possa ter o ajudará a obter melhores resultados. Essas duas características sempre estarão presentes em todas as nossas cenas e serão praticamente a caligrafia visual que você usará para representar a história do roteiro A próxima é a foto de alto ângulo. A câmera aponta para o seu personagem. Geralmente cria um sentimento de inferioridade ou desprezo pelo assunto Aqui está um exemplo de uma foto em alto ângulo de um dos meus curtas-metragens. Você deve levar em conta que você também pode usar diferentes tipos de enquadramento Ou seja, a foto pode estar mais próxima ou mais distante mesmo tendo esse tipo de ângulo Esse ângulo é muito comum quando queremos retratar seu personagem em sua querida habilidade Você também pode usá-lo para retratar momentos íntimos em que o personagem está isolado sem importar com nada ao seu redor ou por aqui A seguir está a foto de baixo ângulo na cinematografia. Uma foto de baixo ângulo é uma foto posicionada em qualquer lugar abaixo da linha dos olhos apontando para cima Ela pode até estar abaixo dos pés do personagem, o que é chamado de foto de ângulo extremamente baixo, da mesma forma que você viu com os ângulos anteriores. Pode ser uma foto de baixo ângulo próximo e também pode ser uma foto distante de baixo ângulo. Sempre dependerá do que você deseja retratar dentro da moldura Acho que uma referência básica para realizar fotos de alto e baixo ângulo é levar em consideração o nível do seu sim, seu horizonte, se seus olhos estão acima, é a foto de alto ângulo. Se estiverem abaixo, é uma foto de ângulo baixo. Desse ponto de vista, é bem simples. Não há um grau específico de ângulo que você deva ter. Sinta-se à vontade para aplicar sua criatividade. Mas, nas regras gerais, geralmente é um ângulo de 45 graus, talvez um pouco mais ou um pouco menos, não importa qual seja o ângulo, desde que o espectador não se sinta desconfortável ao olhar para a imagem. A próxima na lista é a foto por cima do ombro, uma foto popular em que um personagem é capturado atrás do ombro de outro personagem. Você pode capturar os personagens em qualquer lugar para um close-up médio, por exemplo, onde você pode ver o ombro, o pescoço ou a nuca do outro personagem. Você sabe que tipos de fotos são úteis para mostrar a reação facial durante as conversas. Ele tende a enfatizar mais a conexão entre dois alto-falantes. Essas fotos são o clássico da conversa, especialmente quando queremos fazer com que o espectador se sinta como se fôssemos a pessoa ouvindo o outro personagem na cena. Mas o mais interessante sobre esse tipo de foto é que ela também pode ser combinada com uma foto inteira. Por exemplo, quando vemos o outro personagem à distância, um personagem à distância. Mas vemos o contorno das costas de outro personagem que está contemplando esse personagem à distância Você pode jogar com todos os quadros possíveis, tanto próximos quanto distantes. Assim que você representar a interação entre dois personagens. Há também a foto de trás, é simplesmente a reposição da câmera, adicionada logo atrás do nosso personagem Geralmente é usado para ver o ponto de vista que o personagem tem, mas incluindo o personagem dentro do quadro. Como você pode ver nos exemplos na tela, eu o usei várias vezes na minha cinematografia, permitindo que eu mostrasse o todo e Ari na frente do personagem Essas fotos são feitas para serem testemunhas e protagonistas junto com o personagem que está contemplando um lugar Mas também pode ser um personagem enfrentando algo muito maior do que ele. Um desafio. Por exemplo, a foto de enquadramento do perfil. Isso nos permite ver o personagem de apenas um lado. Geralmente é usado para ver o personagem durante um momento de contemplação. Por exemplo, nesta foto, o personagem está olhando para a garota morta na rocha. Mas com muita atenção, a cena holandesa, a foto holandesa é simplesmente uma cena inclinada que, em geral tem o objetivo de gerar desequilíbrio na representação de cenas de ação Mas a verdade é que nem sempre é o caso. Às vezes, os diretores usam isso apenas para fins estéticos. Ou seja, dar um toque diferente à cinematografia do filme Era muito comum nos anos 80 e 90 usar essa cena para melhorar estética das cenas e sequências, dar um toque sofisticado à cinematografia Lembre-se de que, entre os estudiosos do cinema, às vezes surgem especulações sobre a linguagem cinematográfica Na verdade, esse é um dos principais defeitos do cinema independente. Quero dizer, às vezes eles tentam aprimorar as cenas e filmar com conceitos artísticos que não são reais no filme Eles tendem a especular com essa foto. Isso acontece muito, portanto, devemos ter muito cuidado ao usá-lo e não tentar enganar a nós mesmos e aos outros com No entanto, convido você a usá-la livremente, mas não menos importante, a foto frontal, que seria a maneira como você me vê neste momento , totalmente frontal. Vou mostrar alguns exemplos de todas essas fotos para conferi-las por alguns segundos. Mas qual a importância das lentes de cinema na construção de uma imagem cinematográfica O que eles são tão importantes? A maioria de vocês que estão assistindo este curso são pessoas que querem aprender o que está começando no mundo audiovisual, do meu ponto de vista. Uma das coisas mais importantes você pode aprender neste curso, que você pode aprender neste curso, pois até mesmo ele servirá como uma ferramenta em sua carreira cinematográfica, é saber que todas as lentes do cinema distorcem a imagem Todos eles, 90%, transformarão a imagem que estamos tentando capturar com a câmera. A lente é um dispositivo. É um vidro que interpreta a luz que passa por ele para projetar uma imagem em um sensor digital da câmera. Mas por que as lentes são tão importantes para o diretor de cinema? Porque o tipo de lente será escolhido pelo diretor. O diretor de fotografia também pode sugerir bombas e até mesmo tomar uma decisão Mas é o diretor que deve ter a última palavra. Outro detalhe importante é que conheci muitos criadores de vídeo que realmente não sabem o que realmente faz uma imagem parecer ótima. Digo isso porque não consigo imaginar que muitos de vocês estejam pensando em talvez fazer algum investimento em equipamentos de áudio a diesel, por exemplo. Portanto, você tentará escolher qual equipamento comprar para obter a melhor qualidade com o menor custo possível. Posso dizer com segurança que o que torna a imagem ótima é a lente. Na verdade, você pode usar uma câmera de dez anos atrás, mas se essa câmera tiver uma lente totalmente profissional, e quando digo profissional, quero dizer talvez $100.000 compre lentes Garanto que a imagem que você deve ter ficará perfeita. Posso te dizer isso? Caso você tenha um objetivo para realizar seu projeto de filme? Você tem um jato buc prestando mais atenção na lente do que na câmera Claro, não basta ter lentes incríveis. Você deve saber como usá-los e como usá-los adequadamente. Para conseguir isso, precisamos aprender a linguagem da percepção no espaço e na pintura. A pintura realista é uma grande fonte de inspiração e aprendizado porque essas pessoas não tinham outras ferramentas a não ser sentar e observar cuidadosamente como a imagem é distorcida na visão humana medida que nos aproximamos e nos afastamos dos objetos Por exemplo, se você vai fazer uma ótima foto geral de uma paisagem linear, por exemplo Você pode fazer isso com qualquer lente, mas deve estar ciente do que será capaz de capturar dessa paisagem de linha com cada uma dessas lentes Por exemplo, você pode usar uma lente de 16 milímetros. O que a lente vai fazer é comprimir a imagem para que, mesmo que a distância entre a câmera e o espaço que você deseja retratar não seja tão longa, a câmera tenha a capacidade capturar um espaço muito amplo Mas essa lente de 16 milímetros deve distorcer a imagem para conseguir Portanto, teria uma aparência diferente. Mas, por outro lado, se usarmos uma lente de 120 milímetros, se quisermos capturar a mesma paisagem, devemos nos afastar o suficiente para encaixar toda a paisagem na moldura Porque a lente não vai distorcer a paisagem para cabê-la na moldura Concluindo, teríamos duas paisagens com os mesmos detalhes dentro da moldura , mas com aparência completamente diferente. Todos esses detalhes devem ser levados em consideração quando se trata de usar lentes, pois na medida em que distorcermos a imagem para fins estéticos para gerar uma bela sensação de perspectiva nas fotos, teremos um filme visualmente mais bonito E até mesmo mudar o significado das imagens, o significado do sentido. Por outro lado, os Lensens também terão a ver com nosso elenco porque, dependendo das características do rosto de um ator, uma lente será mais apropriada ou não para essa pessoa E devemos respeitar uma certa distância entre a câmera e o ator para não distorcer negativamente a aparência do ator em termos de musculação do ator ou das características faciais da atriz Por exemplo, às vezes, alguns diretores tentam encontrar atores principais com traços semelhantes para o mesmo filme para conseguir isso, o que não é um caminho, porque você poderia trabalhar as cenas dos atores principais de forma diferente. E isso geralmente acontece com profissionais de alta qualidade. cineastas são aqueles que descansam , distorcendo a imagem Eles não prejudicam a beleza do modelo do ator. Além disso, eles se concentram em tocar com todos os elementos da composição. Mas eles não se limitam a aproximar a câmera da fase do ator para gerar a sensação. A maior parte do problema é que distorcer a fase de um ator é um significante visual e não podemos fazer isso aleatoriamente Por exemplo, a cada dois , o remanescente distorce a fase de Capris para mergulhar psicológica do personagem É um exemplo perfeito do que estou lhe dizendo. Quero dizer pedra de uma forma deliberada e atenciosa. Esse é um personagem que está contemplando todas as coisas ao seu redor a partir de sua loucura É um filme cujo tom em si é sobre a conexão entre o ser humano e seu ambiente. Às vezes, diretores esnoviços usam lentes para distorcer a imagem de forma aleatória e impensada, para se gabar de que são capazes de fazer isso Mas não há significado cinematográfico por trás da seleção de lentes Isso é terrível, porque uma seleção aleatória de lentes, apenas para experimentação, por exemplo, pode contradizer a mensagem por trás do roteiro direção do filme é baseada no roteiro e no uso do É mais uma ferramenta para tirar o melhor proveito da história e encher o espectador de emoções e sensações. Lembre-se de que um dos problemas mais frequentes no cinema é o processo de comunicação entre o autor e o público Deve ser nossa prioridade que cada processo de comunicação seja claro o suficiente ou pelo menos seja claro, permitindo-nos capturar os menores detalhes em qualquer um dos objetos e passar. Por outro lado, além disso, as lentes de alto milímetro são as lentes mais semelhantes à visão humana porque não distorcem muito a imagem Podemos jogar com toda a gama de lentes para capturar mais ou menos detalhes. Por outro lado, as lentes milimétricas inferiores se concentram em capturar mais espaço Apesar da distância que a câmera tem até esse espaço, você pode ter essas duas opções para capturar mais espaço ou capturar detalhes Sinta-se à vontade para jogar com isso. Eu te mostrei um exemplo com o rosto humano. A imagem de um homem retratado com lentes diferentes, tocando na faixa de 60 milímetros a 135 milímetros Pare a aula se quiser e veja cada mudança, porque isso realmente muda a aparência daquele cara. Há outra coisa importante que você deve dizer, principalmente as lentes milimétricas inferiores são muito mais caras do que as superiores Eu não sei exatamente o porquê. Mas suponho que essa capacidade capturar uma grande quantidade de espaço, mesmo que a câmera esteja próxima de um espaço, implica que a lente tenha uma classe com um design mais complicado. Eu recomendo isso no início, quando você não pode comprar uma boa lente de baixo milímetro Tente dirigir seus filmes, curtas-metragens ou qualquer outra coisa, com os mais milimétricos Porque, por exemplo, usando uma lente de 24 milímetros de baixa qualidade, podemos revelar o baixo orçamento do nosso projeto de filme Outro detalhe importante é que lentes com uma abertura maior permitem que mais luz entre no sensor Portanto, a imagem ficará muito melhor. Na verdade, o problema com lentes de baixo milímetro é que é mais caro ter uma abertura maior E acho que essa é a razão pela qual as lentes milimétricas inferiores são mais caras que as O problema é sempre que, como criadores, estamos sempre motivados a distorcer a imagem, porque, evidentemente, os melhores cineastas fazem isso Mas não podemos esquecer que o cinema é muito caro e que, mesmo em muitos filmes que parecem independentes de um objeto Lob, eles usam lentes muito caras para fazer até fotos portáteis, é preciso ter muito cuidado com Outro fator importante relacionado às lentes é o tempo necessário para trocá-las. Quando se trata de fotografar, quero dizer, a quantidade de tempo que os assistentes de câmera levarão para mudar de uma lente para outra é um tempo valioso durante a filmagem, então você deve tentar, na medida do possível, organizar suas fotos com base nisso possível, organizar suas Quer dizer, às vezes é mais fácil trocar a câmera de um lugar para outro do que trocar as lentes porque as lentes são extremamente delicadas, devem ser tratadas com cuidado. Além disso, cada lente requer diferentes configurações de estilhaçamento da câmera É importante saber que hoje em dia há uma grande vantagem com a resolução das câmeras, e vou dar um exemplo. Vamos supor que você tenha que atirar no pecado ao pôr do sol. Só faltam 30 minutos para terminar. Também nesta cena haverá uma conversa, uma conversa sobre o rei. Você não teve tempo de trocar as lentes para gravar todas as fotos necessárias. Por exemplo, você precisa criar duas cenas longas que incluam os dois personagens e vários close-ups do rosto do personagem. Falando, se sua câmera grava em quatro teclas, existe uma maneira de filmar tudo, sem perder tempo Se você usar, por exemplo, uma lente de 50 milímetros e posicionar a câmera longe o suficiente para capturar os dois personagens à distância, você já tem a foto branca, mas como gravou em quatro teclas, você pode cortar o quadro posteriormente no processo de edição para tirar apenas a face do E confie em mim, você terá um resultado bastante semelhante ao da lente de 80 milimeais ou mais Mas mesmo que ouvir com atenção não seja exatamente a mesma coisa, é importante enfatizar algo sobre o uso de uma câmera estédica ou mentiras e lentes Quando se trata de usar uma lente de alto milimeal, o movimento para frente e para trás da foto é mais difícil da foto é mais difícil de perceber devido ao fato a lente estar ampliando a imagem No entanto, o movimento lateral ficará mais evidente não só nisso, mas no tremor da câmera devido ao atrito no trilho, por exemplo, devido ao movimento do sistema de câmeras Tudo isso será muito mais perceptível com uma lente milimétrica maior Tente ver um bom cinema para ter uma boa referência a seguir quando se trata usar lentes de cinema em Quentin Tarantino, James Cameron ou Good Mas também Tarkowski, o cineasta russo, foi incrivelmente bom Ele fez de seus filmes um legado de aprendizado visual para futuras gerações de cineastas Leve tudo isso em consideração, coloque tudo isso em prática e nos vemos na próxima lição. 10. Movimentos de câmera: O movimento da câmera. Qual é a coisa mais importante nesta lição? Não faria sentido desperdiçar esta lição ensinando o que significa entrar ou sair com boneca , viajar ou sair com boneca. Acho que isso é algo que você também pode encontrar em qualquer tutorial. Qualquer tutorial os explicará facilmente. Não vale a pena desperdiçar essa lição com isso, basicamente, porque todos esses nomes de movimentos explicam a direção na qual a câmera se moverá, seja na estática , no trilho ou em um. Mesmo que esse movimento seja realizado por um drone, ele funciona da mesma forma Por outro lado, existem alguns estudiosos de cinema à moda antiga que estão presos a falsas teorias sobre os movimentos da câmera, bem parecidas com o que expliquei a você sobre a cena holandesa E eles relacionam os movimentos da câmera e as viagens com certas emoções nas cenas. Isso não faz nenhum sentido porque o cinema vem desenvolvendo cenas Quer dizer, há cenas que foram inicialmente usadas para encomendar filmes que hoje em dia são usadas para comédia. Como o idioma está mudando, o idioma evolui. Então, é como se eu dissesse que pinturas sobre amor sempre devem ser lidas ou em um formato específico. Não funciona assim. Cinema é evolução. Os Arquaron são a prova disso. O único movimento que, na minha opinião , ainda é usado da mesma forma e pode ser útil para você é se vestir para representar interesse e pensamento. Quando um personagem está olhando um objeto ou para outra pessoa de forma pensativa, a câmera geralmente se aproxima lentamente do rosto do personagem ou lentamente em direção ao objeto Na tela você pode ver vários exemplos de saídas do Tic Diga-me quando, quando foi? Não vai de jeito nenhum. O V, a única maneira ver como usar o resto dos movimentos de viagem é assistindo a muitos filmes. Para que você possa ver como a câmera se move hoje, como a linguagem está hoje. Mas, acima de tudo, você não perde o desejo de experimentar. Na verdade, a aula de tiro é muito mais valiosa nesse sentido. Levando tudo isso em consideração, a coisa mais importante em termos de movimento de viagem da câmera, independentemente do tipo de dispositivo que você está usando, é a âncora cinematográfica, porque é o erro mais comum cometido durante as erro mais comum cometido durante Muitos operadores de câmera e cineastas esquecem a qualidade das fotos e da composição durante a viagem da câmera A principal característica de uma boa viagem é que ela permite que a sequência de movimento permaneça esteticamente equilibrada o máximo possível durante a Para conseguir isso, precisamos da âncora cinematográfica. Basicamente, isso consiste em estabelecer alguns pontos-guia durante a viagem, durante o caminho que nossa câmera terá para preservar o equilíbrio da imagem e a qualidade da imagem durante a viagem. O enquadramento criado pelo operador da câmera deve se apoiar nesses pontos-guia para impulsionar o movimento em direção ao próximo ponto de Esses pontos de ancoragem nos permitem ter um mapa da raiz de nossa viagem em fotos contínuas Isso é essencial porque, em termos de produção, o uso de uma câmera estável requer vários operadores e assistentes para garantir que as cenas sejam filmadas corretamente Por outro lado, devemos estudar a natureza da superfície em que vamos caminhar e vamos traçar essa rota. Quer dizer, a viagem tem dois objetivos principais. Em primeiro lugar, dar ao espectador a sensação de que ele está presente no local em que a cena está acontecendo. E também, em muitos casos, para representar o ponto de vista do personagem como se fôssemos o próprio personagem. Não importa qual seja o objetivo semiótico, devemos entender que o mais importante é fazê-lo tecnicamente para que você possa usá-lo O ponto de ancoragem é uma espécie de constelação, uma constelação composta por um conjunto de estrelas que formam uma forma maior Por exemplo, a constelação do Oriente é composta de pontos que formam toda a forma Mas essa constelação pode ter qualquer forma. Cavalo, urso, por exemplo, qualquer coisa. Vamos tentar imaginar o caminho da câmera como as linhas da constelação A viagem funciona da mesma forma. O que precisamos é localizar os pontos no caminho que a câmera percorrerá para que esses pontos, o enquadramento, seja perfeito em termos de equilíbrio, forma e profundidade Quero dizer que a qualidade da imagem e os termos estéticos também devem ser perfeitos Obviamente, a ideia principal é que a câmera possa ser balanceada em todo o caminho, durante toda a viagem. Mas, dependendo da viagem, isso nem sempre será possível. Porque no caso de um tipo de viagem que é para frente e para trás, o movimento é mais fácil Mas no caso de viagens irregulares, quando a câmera estável significa viajar irregularmente por um lugar, é muito mais difícil Nesse sentido, devemos sempre lembrar o governo das Terras. Essa regra propõe que uma imagem tenha um equilíbrio baseado na visão binocular do ser humano Means é uma teoria analisada cientificamente que provou como a visão humana concentra seu interesse na percepção nos quatro pontos de encontro que dividem a imagem você está vendo neste momento Isso acontece porque o cérebro se concentra em um olho enquanto o outro complementa a visão Essa técnica afirma que alinhar um assunto com esses pontos cria mais tensão, energia e interesse na composição do que simplesmente centralizar o assunto no meio da imagem Essa regra de teorias deve ser usada não apenas em viagens de câmera, mas também em fotos de aço. É parte da composição. É algo importante levar em consideração para diretores e cineastas Vou deixar um exemplo de uma âncora cinematográfica e uma cena contínua que fizemos em um dos meus trabalhos O personagem estrela atrás de uma pedra e depois continua caminhando até encontrar seu pai morto. Eu quero saber o que isso vê. Você notou, notou que no momento o personagem está atrás da pedra prestes a se levantar? Há uma âncora cinematográfica perfeitamente criada. O personagem se levanta e começa a andar, e imediatamente a câmera se levanta com ele. A cena continua em uma foto americana, a foto de cowboy emoldurando a âncora cinematográfica também está presente durante a caminhada e ele está Obviamente, a câmera está se movendo para trás, mas também há um movimento de cima para baixo que se adapta à posição do personagem Mas dá para perceber que, durante a viagem, essa regra essencial da terceira é sempre respeitada para que o espectador sinta prazer ao assistir a sequência inteira. Também devemos brincar com os elementos que se moverão na sequência. Que eles se adaptem de uma forma ou outra à estética da imagem Isso quer dizer que, apesar da liberdade que o ator possa ter nas cenas, deve haver um tipo de coreografia que nos permita respeitar o equilíbrio do quadro Este é outro exemplo em que o soldado está andando no meio do corpo. A sequência também é balanceada durante toda a viagem. No momento em que os cadáveres são vistos no chão, a qualidade cinematográfica É importante lembrar que a âncora cinematográfica também deve ser usada com drones em muitas ocasiões É importante observar que dependendo da cabeça do voo, será mais fácil manter a qualidade, mas outras vezes será mais difícil devido à natureza do voo e do vento. Nesta sequência filmada com a lata fixa que você está assistindo neste momento, a câmera está viajando até a mira, mas há momentos em que a câmera repousa Nesses momentos, devemos tentar respeitar o equilíbrio do quadro. Este, outro exemplo, é uma foto desenhada com equilíbrio perfeito seguida por outro seno estético viajando por todas as árvores a olho nu Todo o movimento parece muito suave e delicado, mas, na realidade, há uma grande dificuldade devido à natureza do solo em que os operadores de câmera e diretores de fotografia estão trabalhando. A verdade é que, mesmo em condições perfeitas, os operadores de câmera e o diretor de fotografia nem sempre têm a capacidade respeitar a estética da viagem Isso é crucial para adicionar uma ótima qualidade cinematográfica ao filme ou a qualquer projeto visual da Audi Hoje, existem ferramentas automatizadas para fazer isso. As produtoras itinerantes gastam muito dinheiro para que suas sequências sejam filmadas com perfeição, pois essa perfeição causa maior prazer visual Por outro lado, é preciso lembrar que imperfeição também é uma linguagem Às vezes, um tiro constante e contínuo pode tremer um pouco, mas isso nos faz sentir ao lado do personagem que está passando por algo estressante, como no caso de uma batalha ou perseguição Esse movimento imperfeito da câmera tem algum significado para o espectador Devemos aprender a usá-lo também. Em regras gerais, a câmera é o ponto de vista do espectador. Se você tivesse visto o Revenant, onde praticamente não há cortes Todas essas fotos contínuas são feitas para nos fazer sentir testemunhas da história. Esse é o poder cinematográfico de tomadas longas e sequências contínuas Tente ensaiar e praticar muito para desenvolver a capacidade de mover a câmera em qualquer espaço Como eu disse antes, os movimentos são quantos você quiser na direção desejada. O mais importante é a qualidade, a violência, a estética visual dessa emoção que suas fotos podem ter Te vejo na próxima aula. 11. Movimento dentro do tiro: Olá pessoal. Em uma aula anterior, mencionei a você sobre o movimento que deveria estar nas cenas, mesmo que as ações que aconteceram entre os personagens não estejam em movimento. Obviamente, isso também é subjetivo porque às vezes o não movimento dentro de uma moldura é justificado Mas, de qualquer forma, mencionei anteriormente a você sobre a abordagem em que a imagem precisava ter um certo movimento para capturar a atenção do espectador. Vou mostrar um exemplo de cena de um curta-metragem que fiz antes, embora esse curta-metragem tenha sido na verdade meu primeiro curta-metragem, obviamente cheio de imperfeições devido à minha Mas havia coisas boas nisso. E uma dessas coisas foi a ASN em particular, onde o personagem principal, que é um soldado, encontra sua amante que está morrendo à beira de um rio E esse rio ainda está se movendo ao fundo. Às vezes, esse tipo de coisa acontece, sem planejamento algum e durante os tiroteios E devo confessar que é algo que surgiu no momento pela simples razão de acharmos que a moldura parece melhor ter aquele rio atrás Mas o que não sabíamos naquela época é que inconscientemente, nossa mente encontrou aquela imagem com o rio correndo atrás Quanto mais atraído pelo princípio de Kurosawa. Vamos assistir a cena então. Masa Masada percebeu o que eu estava tentando explicar para você Embora haja algum movimento nos personagens porque, bem, porque o soldado se move com força. Apesar de não haver nenhum movimento na moldura, mas no fundo, a água ainda está fluindo. Kurosawa fez muito isso, principalmente no set de filmagem e no raio de sol, leve isso em consideração ao Tente fazer isso a partir do próprio roteiro. A partir do roteiro, há uma sensação cinematográfica que pode ser melhor representada pelo diretor E podem ser algumas coisas se movendo ao fundo, alguns carros ou as ondas do mar, por exemplo. Mas tente fazer experiências com isso, com a imagem do seu próprio trabalho. Não importa que tipo de projeto seja. Também pode ser uma publicidade. Mas essa ferramenta cinematográfica tem sido de grande valor na história do cinema até hoje Essas decisões também estão obviamente relacionadas à composição da era Shot Us. Quando não havia ferramentas tão sofisticadas para viagens ao cinema , elas eram úteis. A câmera viajando também ajuda a gerar essa sensação no espectador. Mas como nem sempre teremos esse tipo de ferramenta, precisamos aprender a trabalhar sem elas para sermos mais criativos e artísticos sem um objeto grande. Nos vemos na próxima lição. 12. Visão criativa: Direção cinematográfica e visão criativa. Essa é uma das lições mais importantes desse curso. Havia um ótimo conselho que eles costumavam nos dizer na minha escola de conselho que eles costumavam nos dizer na cinema que era que um grande diretor de cinema não é apenas aquele que faz um ótimo filme, mas aquele que consegue fazer um ótimo filme com um orçamento limitado. Se você é produtor ou diretor de cinema, na medida em que consegue administrar esses pequenos meios ou orçamento reduzido de uma forma muito criativa Quero dizer que você fez seu projeto audiovisual parecer mais caro do que realmente era De uma forma ou de outra, seu projeto cinematográfico será bem-sucedido, então você se destacará como um bom cineasta A visão criativa não tem a ver apenas com o orçamento, mas também com os esforços humanos que o projeto do filme exibe pela equipe de trabalho. Vou te dar um exemplo. Vamos supor que nosso filme tenha uma cena da festa em um apartamento, mas essa cena será representada com uma sequência de 20 segundos. Não preciso necessariamente produzir uma festa incrível com todos os detalhes, aumentando assim o orçamento do meu projeto cinematográfico. Você poderia perfeitamente fazer uma pequena parte dessa festa e capturar certos detalhes da festa que realmente representam o roteiro E dedique esse tempo preciso adicionando elementos sonoros cinematográficos poderosos o suficiente para representar aquela festa sem criar explicitamente toda a bagunça em A menos que seja realmente necessário para a história, você não precisa criar a festa inteira. Tudo o que adicionamos ao roteiro precisa estar relacionado para poder passar por todas as etapas do projeto Isso é desde a ideia inicial até o lançamento do filme. Nesse trabalho histórico, naquele curta-metragem histórico que venho mostrando nas aulas, há várias cenas que funcionam sob esse princípio. Todas as cenas dentro da casa são um exemplo disso. Porque a casa não parece completamente assim. A composição e o layout da foto foram definidos de uma forma que faz você pensar que é uma casa antiga do século XVII. Não precisei recriar todos os detalhes da casa com perfeição porque não usaria todos esses Esse fator é crucial para poder administrar melhor o projeto do filme Por outro lado, não podemos tomar as grandes produções de Hollywood como exemplo para fazer um projeto independente Isso não faz sentido. As condições não são as mesmas. Talvez em Hollywood, eles pudessem se dar ao luxo de criar uma vila inteira ao lado da casa, porque talvez fosse necessário, como no caso do Titanic, por Quero dizer, havia muitos lugares construídos no navio que nunca foram usados, mas isso é porque eles não têm dinheiro para fazer isso. Mas a maioria dos locais e lugares aparecem no filme. Eu recomendo que você sempre tente economizar esforços nesse sentido. Por outro lado, há outro fator importante chamado minimalismo na mesma obra Em muitas cenas, vemos o mesmo personagem caminhando por belas paisagens. Por exemplo, naquelas cenas em o personagem está se movendo pelo Valid, eu não precisei construir um castelo para fazer o espectador sentir que eles estão no século XVII. Simplesmente fazendo um excelente figurino, você pode fornecer ao público informações suficientes sobre a época da história. O que estou tentando dizer é que menos às vezes é mais. Porque se virmos apenas dois personagens usando roupas incríveis em uma direção de arte incrível, usando poucos elementos ao redor, não precisamos embelezar mais nada Todos esses elementos combinados com algumas belas paisagens que têm milhares de anos, resto, podemos usar esse princípio com todos os elementos do filme. Com todos os significantes aprendendo a escolher os cenários em que as cenas serão filmadas, por exemplo Além disso, é importante se tornar uma espécie de explorador de palco. Escotismo é o processo no qual vamos procurar os lugares onde vamos filmar nosso filme exato momento em que o futuro do seu projeto está definido, não devemos subestimar essa tarefa Outro ótimo exemplo disso é o filme Terminator. O primeiro, o primeiro, Terminator, o filme custou cerca $1.000.000. Podemos supor que, naquela época, nos anos 80, anos 80, Mas no contexto de Hollywood em LA, onde os filmes de ação custam entre talvez 50 ou 100 milhões de dólares, o que James Cameron fez foi realmente adequado. Em primeiro lugar, é uma ótima história com uma narrativa extraordinária E em segundo lugar, o minimalismo. Por último, mas não menos importante, este filme é contado em grande parte por meio de três personagens. O elenco é magnífico. Arnold Schwarzenegger realmente parece um cibernético, mas não só isso, mas o esqueleto interno do cibernético só é visto em algumas cenas, e o esqueleto de e James Cameron fez o design cibernético desenhando muitas obras de arte e esboços para que a equipe criativa pudesse construí-lo da melhor maneira possível O resto do filme é um filme de perseguição de rua. Como outro filme da época em que alguém está fugindo do assassino Mas eu acho que o Exterminador do Futuro é incrível. A história por trás disso é que apresenta todos os elementos da história usando apenas três personagens, apenas três pessoas compartilhando uma única história, uma única noite E é um filme comercial extraordinário, tão profundo quanto psicológico o impacto da tecnologia no destino da humanidade James Cameron é um exemplo extraordinário porque ele mesmo escreve seu roteiro em Terminator One Ele fez isso de tal forma que não precisou adicionar muitas cenas do futuro. O que significaria aumentar esses jatos de 1 milhão de dólares. Uma ótima estratégia a se fazer é estar ciente de quais são esses elementos em nosso entorno. Quer dizer, vamos supor que moramos perto de uma praia onde estão os restos de um naufrágio Devemos nos perguntar: eu poderia escrever uma história dessa paisagem que eu possa usá-la em uma, em uma história. Devemos tirar proveito dessas coisas. Talvez façamos uma viagem a um lugar interessante onde possamos chegar facilmente. Talvez tenhamos conhecido lugares interessantes que possam funcionar para nossa história como diretores independentes. Portanto, você não deve começar a escrever ideias antes de pensar em como fotografá-las. Vai ser muito mais difícil porque você precisará uma equipe de produção inteira que possa fazer isso. Então, no final das contas, quando você é um diretor ou produtor independente, você quem deve dar os primeiros passos da equipe de produção do projeto de produção. É por isso que a visão criativa é tão importante, pois nos permite criar projetos e histórias com chances reais de desenvolvimento. Por outro lado, a visão criativa de um diretor nos permite usar metáforas para adicionar significado aos elementos da história, aprimorando a linguagem poética do A poesia nos filmes é muito importante. Não pense que a poesia é só para artistas e pessoas profundas. Todos os seres humanos gostam de poesia. Os cineastas são pessoas profundas. A razão pela qual você pode não ver tanta poesia na televisão comercial ou em filmes comerciais não é porque criadores superficiais não gostam de poesia, mas porque é preciso muito esforço para criar poesia Então você teve que se encher de arte. Você tinha que sentar em uma cadeira e pensar muito para criar ideias poéticas Por outro lado, a maioria dos empresários, produtores de negócios, quer respostas rápidas, mesmo que essas respostas rápidas custem muito dinheiro. Respostas rápidas são mais fáceis do que sentar e escrever poesia. São ideias muito poéticas que podem representar ativos muito caros Às vezes, o problema nos filmes é que eles são muito explícitos, não deixam nada para a imaginação Contar histórias tem a ver com isso. A arte de contar histórias é justamente fazer com que as pessoas imaginem coisas a partir do que você está contando Lembre-se sempre disso para seus projetos de filmes. Nos vemos na próxima aula. 13. Melhores atores: Como escolher os melhores atores. Acho que esse é um dos tópicos mais abstratos e profundos, acima de tudo porque estará relacionado não apenas à sensibilidade que tudo o que você pode ter, mas também à percepção que você pode ter dos filmes sobre como percebe o comportamento das pessoas ao seu redor. Atores são aqueles rostos que identificarão nosso filme. O ator também vai seguir o caminho do personagem do roteiro, esse ator, de certa forma, vai aos eventos que vamos construir escrevendo uma história usando a linguagem cinematográfica No entanto, há algo que devemos saber. A fase que vamos escolher não será desconectada da percepção que os seres humanos na aldeia global têm Quero dizer, os humanos têm uma ideia estabelecida do que se pode esperar de uma pessoa com características e comportamentos específicos. Eu digo tudo isso porque um dos estágios iniciais de um projeto de filme é o elenco. No elenco, temos o desafio de escolher o ator que tenha o maior número de características e qualidades que se encaixem no personagem da história. O processo de seleção por trás dos castings começa com a compreensão do que estamos vendo na tela O que estamos assistindo na tela, estamos vendo o personagem, estamos vendo o ator? Estamos vendo a pessoa que veio para a audição? Basicamente, o que assistimos na tela uma forma muito simples é a mistura de três coisas fundamentais. No primeiro está o personagem, o que está escrito no roteiro, na história, quero dizer, todas as características que nosso personagem tem, quero dizer, quão desenvolvido o personagem é e quão verdadeiras são suas características para convencer o público ao longo da história A segunda coisa que vemos na tela é a habilidade dos atores. A habilidade que ele ou ela tem de fazer um desempenho convincente Mas não se confunda com isso. Não estou falando sobre interpretar o personagem, estou falando apenas sobre a habilidade que o ator ou atriz tem de agir de forma convincente Recapitulando naturalmente, temos a primeira, que é o que está escrito na história, e a segunda, a habilidade da atriz Mas há uma terceira que é muito importante e a maioria das pessoas esquece quem é a pessoa que é o indivíduo, quem é a pessoa por trás do ator ou atriz? Quero dizer, você já se perguntou quem é aquele ator quando ele ou ela não está atuando Aquela pessoa que veio para a audição. Esse indivíduo também estará na tela. O que você assiste na tela é a unidade composta por três elementos, como se fosse o Espírito Santo. Obviamente, essa unidade tem um objetivo comum, que é representar o personagem e gerar empatia Por outro lado, existe uma ideia comercial que os rostos que aparecem na tela e que deveriam aparecer na tela devem ser rostos bonitos. Na maioria dos casos, isso está longe da realidade, porque tudo vai depender da produção audiovisual que vamos fazer Na verdade, esse erro é um dos mais comuns no mundo do cinema. Na verdade, o problema é que temos a percepção de que o cinema funciona como uma propaganda rápida A publicidade rápida tem outras regras, porque, na verdade, o público comum nem tem tempo de ver o anúncio até o fim Mesmo que dure apenas 20 segundos, o espectador acompanhará o personagem por sua aparência física por um tempo muito curto. Acho que é algo muito básico e simples. publicidade exige que você fique olhando para a tela por cerca de 15 ou 20 segundos observando o quão atraente a pessoa parece. Além disso, se estou vendendo um produto ou serviço, você possivelmente está assistindo à publicidade e verá o produto ou serviço. Ou mesmo em um caso mais simples, se eu quiser comprar um xampu, devo ver um cabelo muito bonito na tela Se for uma pasta de dente, preciso ver dentes bonitos. Todos os rostos exibidos na publicidade também se baseiam nisso, um impacto rápido no público. O problema surge quando a publicidade começa a construir as histórias. Quando eles tentam, quando precisam manter o público conectado às histórias que se assemelham à realidade, as regras mudam automaticamente Essas regras mudam porque o espectador começa a pensar muito mais. E, como consequência, surge a necessidade desse espectador de empatia, uma das qualidades mais difíceis de encontrar, já que o espectador precisa se sentir identificado com o personagem da história Esse é um dos detalhes mais importantes e devemos acertar na construção do filme, porque não importa que tipo de projeto seja , se tivéssemos que contar a história com um personagem. Devemos analisar as características desse personagem em profundidade. Quero dizer, você deve se perguntar honestamente como esse personagem realmente se parece na vida real. Vou te dar um exemplo. Vamos imaginar que nosso personagem seja um cientista, um cientista que pode ser maduro, talvez com 40 anos ou talvez seja um cientista de 30 anos. Então, ele não importa muito, mas ele é um cientista. A partir daí, temos que nos fazer as perguntas certas. Qual é o tipo de filme que queremos fazer? É um filme como Vingadores, por exemplo? A partir disso, você pode se perguntar se um cientista em Vingadores realmente se parece com um cientista de verdade ou não Qual é a aparência de um cientista na vida real? Essa é a primeira pergunta que devemos fazer a nós mesmos. Já conversamos com um cientista? Já conversamos com um investigador? Como é a aparência de um professor de matemática? É assim que o personagem realmente se parece. Ou será que estamos deliberadamente tentando fazer com que o rosto que parece bonito para nós se encaixe em nosso personagem só porque achamos que é um rosto bonito que deveria estar na frente da câmera Essas são as perguntas. É por isso que temos que ser honestos com nós mesmos e, acima de tudo, com nossos personagens. Por outro lado, inteligência e sexualidade são duas dimensões muito complexas e ambas são mostradas em nossas expressões corporais. Por exemplo, é quase impossível para um ator que não é uma pessoa muito inteligente na vida real. É impossível para ele ou ela representar adequadamente um personagem inteligente, porque inteligência é aquela dimensão que se mostra em nosso corpo, em nossa voz, no ritmo de nossa voz, em nosso olhar e até mesmo em como os músculos do rosto se movem Uma pessoa muito bonita fisicamente não se comporta como uma pessoa comum E uma das razões é que, em muitos casos, mas não é uma regra, não me julgue, mas em muitos casos, o mundo é mais fácil para eles porque todos estão dispostos a sorrir para eles. Eu sei que não é algo fácil de entender. Mas eu não estou falando sobre atuar, na verdade, mas como uma pessoa inteligente se comporta e o que a torna inteligente é uma ótima pergunta Por exemplo, por que Merrill Strip é uma atriz melhor do que Megan Fox Porque ela mesma disse, em entrevistas, em muitas entrevistas, que não era a atriz mais bonita. Portanto, ela sabia que deveria se esforçar mais. Como resultado, ela é a melhor atriz. Por outro lado, Megan Fox, que era tão bonita no começo Garanto que ela foi selecionada entre todos os elencos de spots publicitários até o momento em que estava em um filme sem ter feito nenhum esforço não precisou fazer o esforço que Mel Strip Megan Fox não precisou fazer o esforço que Mel Strip fez É normal. O mundo funciona assim inconscientemente Todos nós sabemos que funciona assim. Podemos ver um exemplo quando falamos sobre Vingadores, porque é interessante como é o processo de seleção por trás do elenco Vamos fazer uma comparação entre o ator que representa Thor e o mais velho que representa o Ironman Por que o diretor do filme, junto com a equipe de elenco, selecionou Cream Ham Worth para Thor e Robert Downing Junior para Irman À primeira vista, parece que só porque Robert é mais velho, mas não é inteiramente assim porque o primeiro filme de Ironman em que ele foi protagonista foi em 2008 e ele ainda olha, a verdade é que Robert Downey Junior, pelo menos em termos físicos, externos, não é tão bonito quanto o árbitro Robert não parece um destruidor de corações. Na verdade, quanto mais velho ele fica, mais ele se parece com alguém inteligente. E uma prova disso são alguns dos filmes em que ele interpreta, sempre interpretam alguém inteligente, como o caso de Sharlock Holmes Mas vamos ver outro exemplo, o filme extraordinário, Shawshank Redemption Uma das coisas que torna esse filme fantástico é o excelente elenco. Mas se você não sabia, uma das opções para começar esse filme era Brad Pitt Mas Tim Robbins representa uma pessoa muito mais inteligente. Além disso, você também pode dizer que Tim Robbins é uma pessoa comum em termos de beleza Portanto, quando vemos o personagem, não estamos admirando sua aparência física, suas características físicas como talvez faríamos se ele fosse Brad Por outro lado, só vemos seu mundo interior e suas qualidades internas que nos fazem perceber e sentir um tom completamente sério da história Eu não quero dizer que Brad Pitt é um ator ruim, de jeito nenhum Na verdade, ele é um excelente ator, mas a maioria de seus personagens geralmente não são pessoas muito inteligentes. Eles são destruidores de corações raivosos, apaixonados, corajosos e grandes soldados Vejamos outro exemplo, o caso de Anthony Hopkins Ele é outra pessoa que parece alguém inteligente. Mas a verdade é que ele é na verdade uma pessoa altamente educada e inteligente na vida real. E toda essa inteligência é exibida em sua expressão corporal em sua expressão física. Vamos notar que a inteligência está em sua voz e na forma como ele pronuncia cada palavra Na vida real, Anthony Hopkins é uma pessoa muito inteligente. Ele é músico. Ele é artista, então não precisa fazer nenhum esforço para falar bem. E a razão é que ele não era tão bonito, então ele se esforçou muito mais escalado para filmes do que Brad Pitt Então, todos nós sabemos que Brad Pitt está na tela desde a adolescência E mesmo sendo um excelente ator, ele teve que lutar contra esse preconceito às vezes injusto , mas universal É por isso que tivemos que esclarecer as características dos personagens. Lembre-se de que, independentemente das habilidades do ator, há uma pessoa individual por trás do ator. Essa pessoa individual faz parte do que estamos assistindo na tela, que veremos em nosso personagem. Obviamente, se você quiser brincar com isso deliberadamente para enganar o espectador, Perfect justifica que você possa jogar com o que o espectador respeita de uma pessoa bonita ou Um exemplo disso é o filme American Beauty. No final do filme, percebemos que a típica garota loira bonita estilo dos anos 90 era, na verdade, tão famosa quanto você esperava. Antes de tudo, ela realmente amava sua amiga e era urgente, enganando a todos, tanto seus amigos quanto os espectadores, fazendo crer o contrário ao longo da história, fazendo crer o contrário ao longo da história, por meio de seus discursos e de sua aparência física Por outro lado, outro aspecto importante no elenco é que você deve tentar se livrar do ponto de vista que tem da pessoa por trás do ator. Às vezes, a seleção que fazemos não tem nada a ver com a aparência do ator ou não, mas sim com o fato de que a pessoa real por trás do ator realmente gosta de nós. É típico, é um erro muito comum. Há atores muito ruins que são pessoas muito legais que tendem a parecer muito autênticas no elenco, nas audições Outro tema importante é a dimensão sexual do personagem. Esse tópico é delicado porque às vezes as pessoas também fazem alusão ao feed Mas a verdade é que a dimensão sexual em nossa mente é mostrada em nossas expressões corporais e físicas. Às vezes, há pessoas heterossexuais que tentam representar pessoas homossexuais e vice-versa Eles não entenderam a dimensão corporal da sexualidade porque podemos perceber a orientação sexual em seu corpo. Muitas pessoas reclamaram disso porque muitos diretores colocaram pessoas heterossexuais para representar gays. Mas isso não é uma regra. Mas a verdade é que existem atores talentosos que têm uma habilidade extraordinária de representar qualquer gênero, independentemente de sua orientação sexual na vida real Porque eles estão realmente cientes como os personagens se movem e falam para não fazer o espectador se sinta subtraído da história Vou recapitular esse tópico de elenco, porque quero que você tenha em mente que o elenco pode ser uma grande oportunidade ou um caminho direto para o fracasso na seleção de atores E digo isso, porque somos humanos que cometem erros, não estamos isentos de cometer erros A primeira coisa é entender que o casting é uma entrevista de emprego. Portanto, todas as variáveis da entrevista de emprego estarão lá. Acima de tudo, o charme de uma pessoa pode ser combatido. Eu recomendo fortemente que o processo de seleção possa ser pelo menos 70% vinculado ao vídeo, livro real ou em vídeo do ator . Essa é a maneira mais justa de fazer isso no final das contas, é o verdadeiro currículo do ator No costume, vamos conhecer a pessoa e talvez verificar uma forma ou de outra certas habilidades do ator. Cassin também deve conhecer a formação do ator, onde ele está aprendendo, vem, etc Mas certamente você fará com que os atores digam algumas falas. Mas a verdade é que muitas vezes o elenco em si não nos fornece informações suficientes sobre os atores que aparecerão na tela. Somente o videolivro pode fazer isso certeza, pois no elenco, existem dois fatores fundamentais que podem prejudicar a escolha final Um deles é o charme da pessoa. E vou contar uma história que tem a ver com isso. Quando eu estava procurando um ator, um personagem para interpretar um velho e experiente capitão de infantaria para um curta-metragem, eu tinha duas opções Uma opção era um ator de teatro muito bom, mas não muito conhecido. E eu tinha outra opção que era um ator de televisão conhecido em meu país natal. O problema era que a pessoa que fazia teatro não tinha um livro em vídeo. E como ele não havia tocado em muitas outras coisas visuais, ele não tinha como me mostrar sua aparência na tela Na verdade, ele sabia disso quando foi à audição. Então ele adotou uma atitude mais tímida e cuidadosa que eu não entendi Porque, na verdade, a pessoa estava se preparando secretamente para o papel, aprimorando suas habilidades de equitação Por exemplo, ensaiando os possíveis desafios de que, mesmo aprendendo a dominar armas antigas de acordo com o personagem, ele estava fazendo de tudo para conseguir o papel Mas ele não encontrou uma maneira de provar que estava qualificado para o papel. E isso foi uma pena, porque havia uma grande chance escondida por trás deles. Na realidade, todo processo de seleção de elenco por trás de um filme deve antecipar que isso aconteça Por outro lado, o segundo ator, quando chegou ao elenco, à audição, veio com a atitude mais confiável do mundo Quer dizer, quando eu estava ouvindo a voz dele, eu o achei tão seguro de si mesmo. Ao mesmo tempo, poderíamos ter mais ou menos alguma ideia de como ele ficaria na tela, porque já o vimos na televisão. Portanto, o mais lógico era escolhê-lo. E então aconteceu, e nós o escolhemos porque achamos que ele era o mais adequado. Na verdade, nunca tivemos dúvidas sobre isso. Mas depois das filmagens, percebi que a pessoa não estava pronta para o papel, e a resposta estava sempre lá e não sabíamos como vê-la. A verdade é que todas as referências televisivas que tínhamos eram de filmes de comédia. Não de um ator que pudesse fazer um drama de uma forma séria e poderosa. Não só isso, mas até mesmo o ego, a confiança da pessoa era prejudicial ao seu desempenho Porque como ele era bem conhecido e nossa produção não era tão sofisticada, ele pensou que estaria preparado para qualquer desafio O resultado foi que tivemos que reescrever a história do curta-metragem para tentar nos livrar de todas as falas desse personagem Isso é o que eu te digo. Essa certamente a coisa mais importante é o livro em vídeo. Na verdade, acredito que as grandes produções de Hollywood são feitas assim, porque mesmo fazendo uma espécie de elenco, uma espécie de acréscimo, os videolivros dos atores são previamente analisados em detalhes Portanto, os diretores já têm uma seleção anterior. Somente o livro em vídeo pode nos fornecer essas informações. Mas não só isso, mas há energia de um ator que você não consegue ver até a versão final do filme. Isso não é possível ver na audição. Portanto, o livro de vídeo do ator é a melhor garantia que você terá do sucesso dele. Mas pode acontecer que você esteja começando no mundo do cinema e vários atores que vão à sua audição tenham um videolivro Vocês, como diretores, devem preparar bem o elenco, a audição com boas câmeras e recriar um certo tipo de ambiente da melhor maneira possível para estimular o E vocês, como diretores, terão uma referência melhor de como será a aparência do ator na tela. Mas meu ponto de vista é que, se você quiser ter um resultado confiável, deve misturar tudo, o videolivro com a audição A última coisa que digo é que, quando se trata começar e fazer curtas-metragens, um ator que realmente quer interpretar o papel é muito mais confiável e valioso do que um ator muito bom que não se preocupa muito com seu projeto cinematográfico Querer realmente interpretar o personagem é algo que sempre valerá a pena. Te vejo na próxima aula. 14. Como dirigir os atores: Dirigindo atores. Essa parte é muito importante porque nos permitirá abordar como o relacionamento que devemos ter com o ator deve ser não apenas do ponto de vista do diretor, mas do ponto de vista de toda a equipe de produção. Essa relação começa no momento em que escolhemos os atores, na auditoria, no elenco. Nesse momento começa uma jornada que faremos com o ator durante todo o projeto do filme. Nosso trabalho com o ator tem duas etapas. Um na fase de reprodução e outro na filmagem. Nas filmagens, a parte de reprodução consiste em toda a preparação e construção nosso ator precisará para interpretar um personagem Isso também se divide em duas coisas, os aspectos físicos e as qualidades dramatúrgicas A preparação física diz respeito ao fato de que às vezes nosso ator ou atriz combina com o personagem, mas ele ou ela carece certas condições físicas que tornem as características do personagem plausíveis Isso deve ser levado a sério. Devemos conversar com os atores e atrizes e chegar a acordos Mas não só isso, mas a preparação do personagem, a preparação física tem que ser incluída no orçamento. Quero dizer, às vezes não é uma limitação de um ator, mas não está dentro de suas possibilidades pagar por essa preparação. Às vezes, achamos que é só a tarefa do ator se preparar para o personagem. E se ele é um ator paciente e com certos meios econômicos, talvez o mesmo ator ou atriz invista em sua preparação. Mas não podemos adicionar isso como uma variável ao projeto. Na maioria dos casos, o ator ou atriz não precisa investir seu dinheiro nisso. Claro, estou falando com você no contexto em que você está começando a fazer projetos de filmes. Mas o que estou tentando dizer é que, se separarmos o dinheiro do orçamento, dessa preparação do ator, veremos a preparação do personagem exibida na câmera. O ator deve ser o personagem. Lembre-se de que essa é basicamente a diferença entre cinema e teatro. O teatro é uma representação, ou seja, todos os elementos que estão no palco e até os figurinos e a aparência dos atores são alegorias São elementos metafóricos que funcionam muito bem no teatro porque temos consciência de que estamos assistindo Mas no cinema é diferente. Cinema é como se você estivesse vendo a realidade. Não funcionará da mesma forma. A câmera é como uma fuga para a realidade. Então, se o personagem precisar uma habilidade como pular, correr e até mesmo convencer o público de que ele é capaz de se preparar fisicamente para realizar atividades Todas essas habilidades ou qualidades físicas devem estar visíveis na tela. Às vezes, é preciso muita preparação para alcançá-lo, para fazê-lo. Essa preparação não estará relacionada apenas ao aspecto físico, mas às relações efetivas que haverá entre os personagens do filme. A verdade é que esse é um desafio que muitos diretores não abordam dessa forma. Há diretores que são mais conservadores. Mas eu acho que se você vai fazer uma história, por exemplo, onde há um casal que vai ser amante, ou se tornar amantes durante uma história, deve haver química entre os atores. Uma faísca, uma química que, embora possa não existir a princípio, deve ser desenvolvida Esse tipo de química deve aparecer, porque senão o desconforto será visto na câmera, que prejudicará o filme, é claro Mas preste atenção quando digo que deveria haver química. Não quero dizer que o ator deva ter um caso durante filmagens ou se tornar amante na vida real Mas esse tipo de química que impede que não se envergonhem de se tocarem Portanto, deve haver alguns princípios básicos no elenco e no frio que devem informar o ator. Que são, em termos gerais e regras gerais, as ações mais desafiadoras que ele fará no projeto do filme. Por exemplo, há pessoas que não se sentem confortáveis fazendo cenas românticas em outra. Que não se sentem à vontade fazendo cenas eróticas com o ator específico, atrizes com quem tiveram que atuar Todos esses são fatores prejudiciais para o projeto. Portanto, de certa forma, você tinha que deixar o ator atriz saber no elenco que ele ou ela deve fazer todas essas coisas e desafios, porque esse tipo de emoção não é fácil de interpretar. Acredite em mim, os Mets performáticos realmente querem fazer isso. Vamos ver um exemplo. Por exemplo, na tela você pode ver um spot publicitário onde eu joquei. E há uma garota que tem o desafio de representar minha amiga Gul na história. Tudo parece ótimo. Mas essa sensação é porque ele é meu amigo há anos e nos conhecemos há anos. Não somos nem um pouco amantes, mas já que nos conhecemos há anos. Tivemos a confiança necessária para fazer esse desempenho. Em outras palavras, havia um caminho avançado, o que era uma vantagem para representar os amantes. Mas se esse caminho não for feito, devemos criar uma coexistência entre os atores para que os atores se sintam à vontade conversando, se tocando Que não há dificuldade em filmar. que não haja desconforto , também pode ser que eles não se conheçam e o façam perfeitamente. Mas geralmente são ensaios de cenas complicadas para poder resolver esses problemas antes filmagens, durante as filmagens Esses problemas não podem ser resolvidos com tristeza porque cada segundo custa muito dinheiro. Isso não é apenas para emoções entre amantes, mas para relacionamentos entre pai e filho, mãe e filha, avós e qualquer tipo de parente que implique grande Na minha experiência, a amizade entre atores é algo poderoso, até mais do que os romanos. É muito mais esse tipo de confiança que você pode sentir com seus amigos. Como diretores, você deve tentar criar um ambiente que permita aos atores construir essa amizade. Existem alguns exemplos na história do cinema, ótimos filmes em que o ator parece ter uma ótima conexão, aquela química que é tão boa que você deve tirar proveito dela. A segunda etapa da direção do ator tem a ver com os desafios da disciplina definida. Isso tem a ver com as condições que devem existir no set para que os atores possam atuar da melhor maneira. Quero dizer, a coisa mais importante para os atores enquanto atuam é a concentração e o relaxamento. Para garantir isso, é necessário que o gerente de produção tenha a capacidade de gerar isso no set, gerar disciplina entre os membros da equipe. Esse não é um trabalho tão fácil. Muitas vezes os atores precisam recorrer à técnica de memória emocional, que consiste em se conectar com uma memória pessoal de qualquer natureza para evocar o movimento que a cena precisa Esse processo é muito complexo e requer silêncio absoluto no set. Às vezes, é difícil gravar esse silêncio no set porque há 20 ou 30 pessoas trabalhando em uma tarefa específica e é uma situação comum, pessoas falando sobre problemas de produção, etc Mas, apesar disso, os atores estão tentando se concentrar na emoção e recriar uma realidade em suas mentes, e esse processo é muito difícil Ao mesmo tempo, sem falar que o ator ou atriz tem que atuar na frente de toda uma equipe de produção. Há toda uma série de fatores de distração e intimidação que devem ser levados em consideração Por outro lado, os diretores, ao lidar com atores, devem levar em conta a respiração. Esse processo é importante para estimular as emoções. O processo respiratório normal é essencial para os atores. Você deve prestar atenção para que os nervos não estejam impedindo que os atores respirem. Às vezes, os atores param respirar devido à tensão gerada, mas o barulho está no set. É por isso que mencionei a você sobre disciplina. disciplina é a única coisa que garantirá esse início. Obviamente, a equipe criada não pode cuidar disso. Deve haver um gerente de produção que faça isso. Por outro lado, há outros aspectos que são importantes durante as filmagens Quando estamos filmando uma cena em que uma atriz está olhando para algum ponto na direção de seu olhar Nenhum membro da equipe pode ficar chateado porque o ator deve se concentrar em sua mente e o que ela está vendo pode distraí-la Quero dizer, mal podemos esperar que o ator nos diga, ei, desculpe, você poderia se mudar para outro lugar? Porque ela está perdendo a concentração. Isso não pode acontecer. E dito isso, devemos saber disso desde o início, porque há momentos na apresentação que são irrepetíveis No caso da conversa, já que isso é mais fácil, pois somente o ator principal da cena está em nosso quadro, mas o outro ator pode estar na frente da visão do ator principal para criar campo na conversa. Mas quando estamos em uma cena contemplativa, quando nossa personagem ou atriz está olhando para algum lugar ou algo em profundidade e pensando, não pode haver elementos de distração diante de sua visão Nem mesmo o diretor deveria estar na frente do ator. Às vezes, você precisa limitar o número de pessoas no set para que a concentração não seja perdida. Por outro lado, o mesmo acontecerá com a câmera viajando. Nenhum movimento da câmera deve limitar o desempenho do ator, nem o movimento da câmera, nem a direção da fotografia. Por exemplo, às vezes o diretor ou fotografia estão tão focados na estética da cena que forçam o ator a fazer um movimento natural para obter equilíbrio perfeito com a composição do quadro Isso não faz nenhum sentido quando isso acontece. Esse é um problema subjacente no tiroteio. Mas há outro aspecto importante ao dirigir atores, que é entender a diferença entre a linguagem teatral e cinematográfica Na maioria dos casos, o mundo dos artistas tende a pensar que atores de teatro são melhores do que atores de cinema. Isso é um grande erro porque os dois idiomas são completamente diferentes. Não podemos abordar atores de cinema do ponto de vista de um diretor de teatro. O principal problema é que as peças são feitas em termos de produção para um público localizado a uma distância muito maior do que a distância que teremos com a tela. Portanto, os atores têm que gesticular, quero dizer, mover seus rostos e corpos de uma forma com uma linguagem que a última pessoa no teatro possa ver completamente aqui, entender e preencher No cinema, isso não acontece, a distância entre os atores e a câmera é muito menor. O desempenho deve ser totalmente natural. São desafios completamente diferentes. Em muitos casos, há diretores de teatro nos castings que não conseguem entender essa diferença Por outro lado, em termos de atuação, teatro é representação e cinema é realidade. Por exemplo, é possível que você seja um ótimo ator de teatro por causa de suas habilidades astronômicas, se adapte a essa linguagem, mas você não pode adaptar isso à linguagem do cinema Quero dizer, isso é completamente normal, pois a linguagem astrônica pode representar perfeitamente qualquer movimento no teatro E essa é a razão pela qual muitas vezes há diretores que escolhem atores da vida cotidiana. Quer dizer, eles escolhem uma pessoa que parece interessante para eles e depois fazem um teste para ver se são capazes de comportar da mesma maneira na frente da câmera Atuar em filmes é muito complexo, cruel e sincero. Porque nos filmes é muito difícil mentir. Muito difícil. Talvez no teatro, você possa estar enganando o público exagerando seu Por exemplo, exagerar sua raiva em uma peça. Pode funcionar porque todo mundo está ciente de que isso é uma brincadeira. Mas quando você está agindo com emoções reais, agindo de forma totalmente natural em uma cena de filme, manter o foco, sem pensar que está atuando, é uma tarefa muito difícil. Quero dizer, você tinha que estar ciente de como a voz de um ser humano muda em uma conversa natural. Os diferentes tons de voz, como nos movemos, nossa aparência. Por fim, recomendo fortemente que vocês, como diretores observem as pessoas ao seu redor na vida cotidiana. Aprenda com a gravidade, com seus próprios parentes, quando eles estão chorando, quando estão com raiva, quando estão felizes Te vejo na próxima aula. 15. Projeto de som: O design de som. Esta lição é estratégica porque a ideia é que você tenha a capacidade de gerenciar o departamento de som e acima de tudo perder o medo de lidar com design de som, haja edição e gravação de som. Vamos começar com a gravação de som. O princípio fundamental é registrar o desempenho do ator em termos acústicos É a coisa mais importante quando se trata de filmar, porque as ações dos atores geralmente são irrepetíveis É o talento do ator na mais pura natureza. O som deve ser fiel ao desempenho exibido na filmagem. Para que isso seja possível, é necessário o uso de microfones profissionais Com condensadores, existem microfones unidirecionais e omnidirecionais. Devemos aprender a usá-los todos, dependendo do que vamos fazer no set Isso também dependerá do que o designer de som fará a seguir na edição. Em regras gerais, quando se trata gravar o som do pecado, haverá duas fontes acústicas principais Essas fontes gravadas pelo Bomb, que é o stick que segura o microfone acima da lança, podem, na verdade, conter unidirecionais ou omnidirecionais Isso é muito simples. O microfone omnidirecional nos permite capturar o som geral do local em uma área relativamente aberta próxima Por outro lado, usamos o unidirecional para capturar uma fonte de som específica Quer dizer, pegamos o mesmo bastão apontando o microfone para a boca da pessoa, por exemplo. Mas esse microfone unidirecional também pode ser usado para capturar o som da ação de um ator Por exemplo, os passos do ator, roupas, qualquer coisa. O microfone isolará o som do ambiente em uma grande porcentagem, deixando apenas o que queremos Todos esses áudios que capturamos serão usados pelo editor de som posteriormente Mas, por outro lado, podemos usar esse boom para complementar outro tipo de microfones Por exemplo, podemos usar um microfone de gravata, como o que estou usando agora, para capturar o mais de perto possível voz do ator respirando ou ofegando O problema com esses microfones é que como estão escondidos dentro da roupa, a riqueza das frequências mais altas Obviamente, o tamanho do microfone também limita um pouco a qualidade do som. Mas podemos nos misturar perfeitamente com esse boom usando os dois tipos de microfones, omnidirecionais ou unidirecionais Mas, por outro lado, temos que estar cientes do princípio da direção cinematográfica quando se trata usar cada uma dessas combinações Quando estamos filmando o pecado, por exemplo, escolhemos a distância ou a que distância a câmera está dos atores. Suponhamos que escolhamos uma foto de reunião ou uma foto americana de cowboy que alcance os joelhos E há dois personagens conversando. O som capturado pelo microfone de tempo não é o mais apropriado porque há uma distância entre a câmera e o rosto do ator que não coincide com a distância entre o microfone de tempo e a boca aberta do ator . Nesse caso, o mais apropriado seria esconder a lança com o microfone direcional forma que ela não seja vista dentro do quadro Aponte para a boca do ator, capturando uma boa voz sonora com distância suficiente que corresponda à cena intermediária Ou aquele tiro americano. Eu vi esse erro cometido mesmo em nível profissional. Mas preste atenção. Isso não significa que o microfone não funcione para esse tipo de foto. Mas se os usássemos na edição posterior, teríamos que adicionar Revert ao som para que ele represente a distância entre a câmera e a boca do ator Se encontrarmos uma maneira de usar o boom, bem, a qualidade do som será muito melhor e real. No entanto, o microfone de tempo pode ser muito útil e estético. No caso a seguir, vamos imaginar que temos que fazer um tiro aberto. Essa foto aberta com esses dois mesmos personagens conversando em segundo plano. O som do microfone do tempo recria a intimidade que eles estão tendo, como se fôssemos testemunhas daquela conversa Mas vê-los à distância, vê-los de fora, é cinematográfico, é artístico, e esse é um caso especial Mas, nas regras gerais, devemos respeitar a distância. Obviamente. Quanto mais próxima a foto estiver do rosto, mais perto será difícil ouvir a voz. Mesmo que você precise capturar o sussurro no, Thy microfone parece ser adequado para isso O microfone unidirecional seria muito mais útil e bonito devido à proximidade da foto O técnico de som terá a possibilidade de se movimentar e se aproximar durante a gravação para que o microfone aponte para a boca E teremos uma gravação de alta qualidade. Obviamente, são fones de ouvido nivelados muito caros ou são tão bons quanto um microfone unidirecional comum Mas estou falando de um contexto em que você deseja filmar um curta-metragem ou um filme lombar. É importante saber que o técnico de som está coordenado com o roteiro pessoa que faz a ordem da foto para que o editor possa identificar os dados no dispositivo de gravação posteriormente. Lembre-se do que eu te disse sobre a claquete. A claquete e o manípulo superior são gravados pelo dispositivo e a identificação da cena que o carregador diz que também será gravada Por outro lado, quando já filmamos Sin e gravamos a atuação dos atores, é necessário fazer uma faixa selvagem. Uma faixa selvagem nada mais é do que a gravação de todos aqueles sons que os atores fazem nas cenas, no tecido, nos degraus do ambiente. Esses sons serão usados pelo som posteriormente para fazer a edição de som em camadas, que permitirá criar uma experiência acústica mais imersiva Para recapitular, lembre-se de que existem microfones unidirecionais e omnidirecionais unidirecional permitirá que você registre o que temos à nossa frente no alvo que almejamos com o boom Por outro lado, o omnidirecional permitirá que você grave tudo o que está ao redor No espaço próximo da tela, você pode ver um gráfico em que é mostrado como o microfone se comporta A bolha é o espaço do qual ela está capturando o som. Cada microfone tem esses gráficos em suas instruções para saber exatamente como funciona. Lembre-se também de que a distância entre a boca do ator e o microfone deve coincidir com a foto Isso é fundamental, pois dará um toque muito profissional ao seu trabalho. Um exemplo disso pode ser uma cena em que os atores estão gritando Por exemplo, o microfone não pode estar na boca do ator. Não pode ser uma gravata, microfone. Porque para fazer o grito parecer real, o som desse grito deve repercutir em todo o espaço onde o ator Lembre-se de que os sons viajam pelo ar. Tudo isso faz parte do design de som para edição de som. Do meu ponto de vista, a coisa mais importante como diretora é ter calças na mistura. Como elemento narrativo, o design de som é feito em camadas. Podemos brincar com cada elemento soa na cena e também com as proporções em termos de quão longe e quão perto eles estão Portanto, tivemos a possibilidade de brincar com isso como uma ferramenta para construir pontos de vista, construir ambientes e adicionar elementos distantes no pecado que fazem parte da riqueza narrativa do roteiro do filme Podemos criar ambientes muito complexos adicionando elementos sonoros à distância. Bem equalizado, como diretores, temos que ser capazes de dar essas instruções ao som para que ele o use como linguagem Eu vou te mostrar um exemplo disso. É a mesma cena que mostrei nas aulas passadas, em a mulher estava chorando à distância Mas desta vez você vai prestar atenção em outra coisa. Tente encontrar bons fones de ouvido e preste atenção em como os passos dos personagens se moviam da direita para a esquerda Você sabe o quanto isso é interessante. Quer dizer, estamos expandindo para fazer você sentir que a presença do personagem no espaço é um ótimo dispositivo narrativo. Da mesma forma que a mulher chorando à distância. Também é importante que você desenvolva sensibilidade à reverberação reverberação é aquele efeito que permite ampliar o espaço onde um elemento Por exemplo, é possível que, em sua foto, a única fonte acústica que você tenha seja o som do microfone Time Mas Racine está em uma lacuna na edição sonora. Você deve ser capaz de fornecer instruções precisas ao editor de som para adicionar esses efeitos às vozes e ter uma noção geral quanta reversão deve ser aplicada a essas vozes Isso não é exclusivo do editor de som. Você também deve fornecer seu ponto de vista e instruções precisas. Mas não menos importante é que devemos levar em conta o vento e o meio ambiente. Quero dizer, os detalhes atmosféricos. Eles devem ser adicionados em camadas à edição de som. Tudo isso faz parte do design de som e funciona como um dispositivo narrativo que gera uma experiência imersiva para o público Coloque tudo isso em prática e lembre-se de nunca ter medo de errar. Te vejo na próxima aula. 16. Força do diretor: A força do diretor. Essa qualidade é o eixo central do projeto do filme. É o que define a atitude do diretor e a conexão que ele pode ter com seu exército. Esse pequeno exército, que é a equipe de produção ou a equipe de produção, não é muito diferente de um diretor orquestral O diretor de cinema é aquela pessoa em quem se pode confiar de forma criativa e artística, é aquela pessoa que deve transmitir calma e confiança à equipe de trabalho para delegar ações com base na visão geral que ele tem do Um diretor de cinema não pode ser uma pessoa que só sabe operar a câmera ou escrever um roteiro. Um diretor de cinema precisa saber tudo, precisa saber muitas coisas, muitas coisas do dia a dia, conhecimentos gerais, história da arte. O diretor de cinema deve saber muitas coisas para ter ferramentas que lhe permitam se comunicar com a equipe de produção criativa. E, claro, para criar seu próprio idioma. Para criar confiança em diferentes departamentos, é necessário falar com um ponto de vista claro. Devemos ter a capacidade de falar no idioma que o designer de som, engenheiro de som fala. A linguagem do diretor de fotografia fala a linguagem do roteirista Essa é a razão pela qual os diretores precisam saber como é um roteiro, quais são os dispositivos de escrita e também os pontos de sangue de como construir um Aracure Podemos ter uma ótima ideia geral, mas se não soubermos explicá-la na linguagem técnica apropriada, o processo de comunicação com a equipe criada se torna inútil no sentido de que é importante A humildade interior é aquele tipo de humildade que ninguém observa, que ninguém percebe que você a tem Mas essa humildade interior é o que permite que você continue aprendendo sempre Ou seja, nunca sinta que sabe muito sobre algo em sua mente. Outro aspecto importante, especialmente quando se trata de protagonistas e de uma pequena equipe de filmagem, é que você deve ser um exemplo de esforço para sua equipe. Se há algo comum que acontece em algum filme, em filmagens, é a luta do ego Às vezes parece que uma pessoa trabalha mais do que outra. E acredito que o diretor nesse assunto deve ser um exemplo de disciplina e esforço. Embora o diretor de cinema esteja envolvido na parte criativa, você deve fazer com que a equipe sinta que está trabalhando tão duro quanto todos. Faça com que eles sintam que você está tão ocupado quanto todo mundo. Já vi muitas vezes durante todos esses anos, especialmente em projetos publicitários, em contextos publicitários em o diretor está apenas sentado em uma cadeira, apenas olhando para o monitor, falando de uma posição confortável no final, que será vista no acabamento final Porque o diretor não está ciente desses pequenos detalhes que levam seu filme ou projeto cinematográfico a um novo patamar. Quero dizer, para conseguir isso, é sempre necessário ter uma visão artística geral da qual, de uma forma ou de outra, o diretor esteja constantemente cuidando. Não importa se é uma publicidade, há sempre essa visão artística geral que deve ser cuidada em detalhes. A coisa mais importante sobre essa visão é o conhecimento. O conhecimento é a única coisa que permite ao diretor anotar ou descobrir se as ideias das diferentes equipes criadas são possíveis ou não, são plausíveis ou não, se valem ou não para o projeto do filme Por outro lado, é importante falar sobre respeito. É muito importante falar sobre isso neste momento. Porque muitos de vocês começarão a trabalhar como assistentes de qualquer natureza no cinema e passarão para posições mais altas à medida que progridem em sua carreira É importante respeitar o diretor, as decisões e o papel de liderança no momento da filmagem. Às vezes, é comum que atores experientes, que já filmam há muitos anos, finjam dar diretrizes aos John Directors, não estou dizendo que não possam dar sugestões, mas devem respeitar a liderança do diretor porque a equipe deveria ter confiado nele ou nela E essa atitude pode prejudicar essa confiança, prejudicando assim o fluxo de trabalho no set A equipe de trabalho precisa se sentir confiante no que o diretor está fazendo, se você é ator ou atriz, assistente ou técnico, e começar a discutir com o Na hora de filmar sobre suas ideias. É um desrespeito total porque independentemente de você estar certo ou não, porque talvez você esteja certo, mas não é sua responsabilidade Não é seu trabalho e você prejudicará a imagem de confiança e determinação do diretor e, o mais importante, eles vão odiá-lo por fazer isso. Além disso, lembre-se sempre que às vezes o diretor tem uma ideia em mente e não somos capazes de ver isso. Portanto, devemos seguir os diretores com calma e respeito para aprender sempre e estar Eu realmente convido você a se tornar uma espécie de esponja de conhecimento, aprender sobre ciência, política ou qualquer coisa que possa se adequar à sua criatividade Por outro lado, você deve se envolver com as novas tecnologias audiovisuais que têm a ver com as novas formas de comunicação e contar histórias Hoje em dia, é cada vez mais difícil surpreender o público porque as formas de narrar se repetem repetidamente. É necessário conhecer novas narrativas e narrativas para melhorar nossa linguagem audiovisual Mas, de qualquer forma, um exemplo disso é a arte. Em seus filmes mais recentes, o que ele fez foi transferir a nova linguagem dos videogames para o cinema. Quer dizer, existem em videogames chamados Open World, onde o personagem que controlamos representa um avatar. Esse personagem é interação. E viver em um mundo como se fôssemos nós mesmos na arte para querer transferir essas sensações e experiências para o cinema. Especialmente em Revenant e Bertman, esses filmes nos fazem sentir como um Geralmente, esses filmes estão cheios de sequências contínuas que nos permitem preencher o lugar A ausência de corte nos permite ter uma experiência imersiva E esse tipo de experiência é o tema das novas tecnologias. Mas não só Nartu trabalhou com isso, mesmo em outro filme chamado 1917 de Sean Mendez, ele É importante levar em conta que isso não estava no roteiro. Era a mente do diretor porque eles estavam familiarizados com as novas formas de contar histórias. Devemos nos perguntar se estamos em contato suficiente com as novas linguagens e tecnologias. É por isso que digo que um diretor deve ter capacidade criativa para resolver de forma criativa e artística todos os desafios do roteiro do Lembre-se de que a direção do filme está sempre interpretando o roteiro de um filme Quanto mais ferramentas você tiver para fazer isso, melhor será. É por isso que acredito que a era contemporânea exige que saibamos um pouco sobre tudo. Porque hoje em dia, há cada vez mais acesso às informações em todos os lugares. Quero dizer, o acesso ao conhecimento não é tão limitado quanto antes. Por outro lado, o diretor de cinema também precisa ter uma rede de responsabilidade com seu meio ambiente. Não só o meio ambiente, mas também a sociedade à qual ele pertence. Quase todos nós temos uma mensagem para dar. Às vezes, não estamos cientes de nossa própria mensagem. Mas essa mensagem tem a ver com o que vivemos como seres humanos, o que vimos ao nosso redor durante nossas vidas e também com nossas deficiências Esse é o verdadeiro combustível do diretor de cinema, não importa o que os outros digam. O que realmente leva sua história para o próximo nível é a motivação que você tem sobre ela. Quanto desejo você tem de contar essa história. Porque somente quando amamos demais uma história, conseguimos fazer o esforço necessário e ver os mínimos detalhes que levariam seu projeto ao sucesso. Somente quando dedicamos muita dedicação a um projeto, podemos inspirar outras pessoas No início, teremos que reunir uma equipe de trabalho. E essa equipe de trabalho deve confiar na sua ideia. Até confie em você quando estiver cometendo erros. E para poder fazer isso, você deve fazer com que outras pessoas se apaixonem por seu projeto, por sua motivação, tenham uma visão de que seu projeto será bem-sucedido, a fim de convencer essa equipe de que você alcançará as metas que eles estabeleceram para si mesmos no início. Também devo confessar que você mal pode esperar que todas as respostas sejam resolvidas desde o início Há uma porcentagem que está sempre em risco. Então, arriscar é sempre bom. Se você não arrisca, você não ganha. Então, a princípio, não tenha medo de fazer coisas mais arriscadas, pois a partir daí você vai perceber que às vezes é possível fazer algo plausível, mesmo tendo um orçamento pequeno Também convido você a fazer um processo científico chamado grupo focal. Depois de fazer seu filme ou comercial, faça um grupo focal, é muito mais confiável do que perguntar aos professores de cinema sobre seu filme O que você vai fazer é reunir pessoas suficientes que você acha que podem estar claras. Obviamente, pessoas que gostam cinema e perguntam sobre seu filme. Crie um espaço de discussão para descobrir qual é a opinião deles sobre seu trabalho. Sempre os leve em consideração. E vejo você na próxima aula. 17. A edição: A montagem, a edição. O momento mais emocionante quando terminamos nossas filmagens. Depois de gravarmos o som, bem, depois de termos todos os elementos com os quais montaremos o filme, é hora de editar. Mas há uma capacidade que o diretor de cinema precisa desenvolver quando se trata de edição, cujos fundamentos vêm da fase de roteiro Obviamente, nesse assunto, o roteiro. Também é importante, quero dizer, que o membro da equipe tenha as diretrizes para manter a ordem das cenas e também quais são as melhores fotos, as melhores sequências e sons que foram gravados Para ter uma ideia confiável do que o editor vai usar na montagem Mas a verdade é que , quando se trata de fazer filmes, nem tudo está completamente definido Isso significa que coisas inesperadas acontecem. Quer dizer, eventos imprevistos que geralmente são bons e às vezes não percebemos esses detalhes no momento da filmagem Às vezes, não temos conhecimento de alguns detalhes que a câmera conseguiu capturar durante filmagens porque nos distraímos com tantas coisas que é possível que alguns elementos ou detalhes muito bons escapem No entanto, quando vemos pela primeira vez a filmagem, quero dizer, os dados, precisávamos ter a capacidade de extrair coisas novas, coisas que se encaixassem no filme, que alimentassem a história, que a fizessem crescer Porque precisamos ter significantes que nos ajudem a acompanhar todas as ideias que foram filmadas com base no roteiro Depois de visualizarmos os dados, a segunda tarefa é descobrir quais são os melhores momentos de cada cena Como diretores, talvez durante as filmagens, pedimos ao roteiro que anotasse filmagens, pedimos ao roteiro que anotasse uma cena específica que achássemos boa, por exemplo Mas talvez mais tarde, quando visualizamos a matéria-prima, percebemos que outro seno é gordo e precisávamos ser capazes de detectá-la Bons editores geralmente fazem isso, mas não podemos deixar toda essa responsabilidade para eles. Como diretores, devemos fazer a seleção dos melhores momentos das cenas. Lembre-se de que geralmente várias fotos da mesma performance são gravadas em várias tomadas. Devemos ter a sensibilidade de usar o melhor dos melhores em termos de cinematografia, cor, câmera e desempenho dos atores Eu sei que talvez você esteja pensando agora, o que o editor faz? Então, os editores devem fazer isso sozinhos. O problema é que quem tem a visão do filme é você. Se o editor for realmente bom, ele fará o trabalho melhor do que você. Mas eu insisto que comecemos a fazer filmes. Isso não vai acontecer em projetos com poucos objetos, por exemplo. Sempre há limitações de toda a natureza. Às vezes, a oportunidade de fazer um ótimo trabalho é perdida por editores que não são capazes de fazer esse trabalho Bom, quem não sabe escolher o melhor dos planos e sequências. É uma pena que seu projeto no qual você trabalhou tanto para torná-lo possível, seja um desperdício por causa disso Mas o que é essencial na edição? Qual é o princípio mais básico? A edição tem que começar a partir do roteiro. Como sabemos que a página do roteiro tem 60 segundos de duração, devemos ser capazes de editar essa página para fazer os 60 segundos juntos na edição Em outras palavras, nos dados é provável que tenhamos muitas imagens relacionadas a uma página do roteiro, mas o editor deve organizar essas imagens de forma que não excedam esses O problema é que, se você ultrapassar esse tempo em um momento específico do roteiro, poderá destruir o ritmo e a narrativa do filme Quero dizer, a hora de não fazer dieta. O mais interessante desse processo é que ele nos permite descobrir quanto tempo as ações de uma história realmente duram. Ao editar, nos tornaremos melhores escritores porque às vezes tentamos apertar um seno para comprimir uma ação bastante longa em um único parágrafo essa ação na verdade dura mais O problema é que, se escrevermos essa ação em uma parte narrativa do roteiro, que deve durar 35 minutos, estamos adicionando minutos e minutos extras a essa parte do roteiro e, consequentemente, destruindo o ritmo e a localização dos pontos da trama na Tudo isso está relacionado à estrutura que já vimos nas aulas anteriores. Talvez se fizermos isso em uma ou duas sequências de um longa-metragem não seja esse problema Quero dizer, excedemos 1 minuto ou até dois em algum sentido específico. Mas quando se trata de fazer um curta-metragem de forma diferente, isso é afetado porque a maioria dos curtas-metragens deve durar 15 minutos ou menos. Essa equação exponencial de adicionar minutos às sequências realmente criará um problema para você Todo esse processo fará com que você mude de ideia como diretor de cinema, porque você terá que desenvolver habilidades narrativas que permitam resumir parte do roteiro Quer dizer, sabendo o que é realmente importante ou não para o roteiro, a verdade é que, como diretores de cinema, quando estamos filmando uma série de cenas, temos que fazer uma edição em nossa mente Na verdade, acho que isso deve começar desde o próprio processo de escrita, mas a única maneira de se tornar um escritor melhor é saber quanto tempo uma cena realmente dura, ou qualquer unidade, uma facção dela. Um conselho que eu dou é que, ao escrever, tente usar peças musicais para controlar o tempo das ações. Dessa forma, você poderia ensaiar com os atores com o ritmo e o tempo dessas peças musicais Você saberá exatamente quanto tempo duram as ações e o roteiro Por outro lado, é necessário prestar muita atenção à musicalidade e ao ritmo da cena emoção deve ser controlada no andamento das cenas, pois às vezes precisamos trocá-las para não causar desconforto ao espectador. É possível que uma parte do roteiro tenha uma carga emocional muito forte entre cenas emocionais consecutivas na montagem, mas somos capazes de resolver Quer dizer, da mesma forma que um filho tem várias partes em que o público relaxa e se anima em determinados momentos Nossos filmes também terão esse recurso. Resumindo, eu diria que os elementos mais importantes são esses, a seleção e a filtragem dos melhores momentos das tomadas e cenas Lembre-se de que o ritmo e os movimentos nas cenas devem ser estéticos e agradáveis para o espectador Além disso, o mais importante é que, se estivermos trabalhando com um roteirista, desde que tenhamos mais habilidades de edição, também poderemos nos comunicar melhor com esse roteirista Porque saberemos se o que eles estão escrevendo faz sentido ou não. Talvez o roteirista venha da literatura e devêssemos levá-lo para o campo do cinema Todos esses detalhes são importantes para fazer. Entenda quanto tempo as ações realmente duram no papel. Por outro lado, existem muitos softwares quando se trata de editar Premiere, Abbott, Da Vinci, todos Por outro lado, geralmente os editores também fazem a correção de cores das imagens Mas em um nível realmente profissional, existem dois trabalhos completamente diferentes. A correção de cores realmente requer uma técnica de outra natureza, também um dispositivo específico e telas especializadas para corrigir a cor das imagens adequadamente. O mais importante na edição é saber que o filme não está pronto até que o processo de edição seja concluído. Além disso, se há alguém que pode se tornar um grande roteirista de cinema, é um editor, porque quase sempre precisa reparar os erros cometidos anteriormente no roteiro Editores profissionais já viram muitas sequências e cenas, tendo, portanto, ideias suficientes sobre ritmo e a estrutura emocional de uma Por outro lado, na edição, às vezes você pode reparar erros de direção ou corrigir a cinematografia em termos de quantidade de luz que o AC deve ter Por exemplo, hoje em dia é comum gravar com uma resolução muito maior do que o produto final Podemos reformular as fotos e criar uma nova foto com melhor equilíbrio Por exemplo, é uma segunda chance em termos visuais. Na verdade, é algo muito simples que pode ser feito em qualquer software de edição que permite praticamente fazer uma nova direção de fotografia a partir de qualquer foto. Por outro lado, uma pergunta que sempre me fazem: o editor deve ser capaz editar o som? Sim, ele pode fazer isso. Mas em um nível não profissional, quero dizer, se você quer um resultado totalmente profissional, isso deve ser feito por um designer de som profissional em um software dedicado exclusivamente a isso. A edição de vídeo é algo que está se tornando mais acessível a todos. Quero dizer, existem muitos softwares acessíveis para ele profissionalmente. Na verdade, os Youtubers ou a maioria deles são muito bons em editar vídeos, mas uma coisa é editar um vídeo para o Youtube ou Instagram, e outra completamente diferente é editar um filme ou um spot publicitário As habilidades não são as mesmas. A especialização em software não é a mesma na verdade e, acima de tudo, o conhecimento sobre cinema não é fornecido por nenhum software de edição Para poder editar bem o cinema, é necessário conhecer tudo o que falamos até agora para ter as ferramentas precisas para lidar muito bem com qualquer software para qualquer projeto de filme. Te vejo na próxima aula. 18. Trilhas sonoras: Trilhas sonoras e trilhas sonoras de filmes. Talvez esse seja um dos tópicos com os quais eu deva me conectar em termos de som e música. Porque a trilha sonora é a música que estará no fundo de nossas cenas Selecionar onde a música vai para a montagem, onde ela deve começar a ser reproduzida E parar é uma tarefa que exige muita prática. É necessário assistir a muitos filmes e desenvolver máximo de sensibilidade para descobrir qual é a música mais apropriada de que nossa história precisa. Basicamente, esse conhecimento começa pela compreensão da pontuação. Por outro lado, a música dietética. Música dietética são todas aquelas músicas ou músicas produzidas por elementos da história, nas cenas Por exemplo, em Titanic, a pequena orquestra que toca na festa e mesmo quando o navio está afundando, é uma forma muito criativa de usar músicas que pertencem à trilha sonora, é claro De fato, no caso do Titanic, foi o próprio compositor, James Horner, quem compôs a música da Mas Quentin Tarantino também usa isso para coisas como dispositivos de música em salas como aparelhos de som Outro exemplo é o filme Coração Valente. Nesse filme, na cena em que vemos os escoceses no funeral do pai de Wallace tocando gaita de foles, essa é uma música dietética extraordinária porque permite conectar uma música que o compositor criou, especialmente para o filme, especialmente para o filme, à realidade da Isso agrega valor ao filme porque não apenas o público está ouvindo as melodias, mas os personagens também as ouvem Outro desafio ao tentar descobrir qual será a trilha sonora é saber como escolher o toque emocional exato que a música pode ter Esse tom emocional tem a ver com o momento em que estamos fazendo o projeto do filme. Quando digo hora, quero dizer o ano. Estou te dizendo isso, porque não importa o quanto estejamos apaixonados essas trilhas sonoras dos anos 90 ou até mais antigas, a música nos filmes mudou e Como diretor de cinema, devemos entender que a tecnologia mudou a música e precisamos conhecer essas mudanças em termos de som e como a orquestração tradicional passou para a orquestração digital Obviamente, todas as sensações geradas pela música dependem do gênero cinematográfico. Mas com relação ao que mencionei sobre a mistura de música com tecnologia, um exemplo disso são as mãos. Há uma cena do Moving Interestler, em que Hand Simmers libera todo seu poder composicional por meio de instrumentos sintetizados digitalmente para criar uma música que represente o tamanho daquela grande onda marinha daquele planeta cheio de água Ele conseguiu usar as baixas frequências dos instrumentos digitais para criar uma experiência imersiva nessa onda gigante do mar cruzando o céu Obviamente, esse era o desejo do diretor, Christopher Nolan, que disse a Han que eu preciso da música que represente todo o poder desse oceano desconhecido Por outro lado, como diretores de cinema, devemos estar cientes do uso de baixas frequências. Por exemplo, essa música soa com uma frequência baixa o suficiente para não colidir com o som de um seno com os diálogos Isso não era possível 20 anos porque a tecnologia não permitia, porque as orquestras tradicionais não conseguem atingir uma frequência tão baixa Mas hoje em dia você pode fazer isso porque hoje os instrumentos digitais podem atingir praticamente qualquer frequência. Até mesmo para acionar às vezes tão baixo quanto o tampão da sopa. Isso significa que os compositores estão usando esses elementos para criar coisas que o compositor dos anos 90 não conseguiu Confira este exemplo de uma trilha sonora que compus para uma das miosinas usando baixas frequências. Sim também. Veja, eu sou pré vinho, você é Catalano para mim, Papa Papa Mata. Yago Pepa, Quando eu juro que P. Pedro vá, oh I. Como você percebe o quão interessante É uma trilha sonora feita inteiramente com instrumentos digitais. Ele também tem arranjos de orquestração tradicionais usando tecnologia de mídia, mas tem um som contemporâneo É necessário entender essa linguagem, para também poder se comunicar adequadamente com os compositores Para promover esse processo de comunicação, é necessário entender que a anotação Noting é o processo no qual adicionamos peças musicais de qualquer fonte à montagem, à edição, a fim de montar as cenas com o ritmo e a música possíveis que elas possam Isso é extremamente importante porque não há como descrever as palavras exatamente que tipo de música você deseja para o seu filme. O compositor precisa ter referências claras em termos de instrumentos, tom, melodias e ritmo É muito comum, mesmo em nível profissional. Você pode imaginar como é comum cometer esse erro simples porque você não tinha esse conhecimento, fazendo com que um compositor fizesse música sem lhe dar nenhuma referência Quero dizer, apenas falando com ele e tentando descrever em palavras a música que você quer. Isso fará com que o compositor perca muito tempo e esforço Como diretor de cinema, você precisa ser capaz de fornecer referências suficientes ao compositor usando anotações. O compositor diz honestamente se ele é capaz ou não de fazer essa Essas fotos que você está assistindo neste momento são do filme Cast away, que tem uma nota extraordinária, é claro, uma ótima trilha sonora de Alan Silvestre Você sabe que o personagem deixa uma grande parte do filme na ilha. Não ouvimos nenhuma música. Só o som do mar no silêncio que nos fala sobre a solidão que o personagem Mas não é até que ele deixa a ilha na balsa e cruza aquela grande onda para escapar momento em que continua rolando em direção ao oceano E então ele se vira e vê a ilha do outro lado direito. A música naquele momento começa a tocar. Essa música composta por Alan Silverstreet. Por que ele toca ali mesmo? Porque agora estamos contemplando a ilha de memória. Então, a música representa tudo o que o personagem está sentindo por dentro. Depois que ele sai e se despede da ilha com os olhos, não precisamos ver lembranças do que ele fez na ilha. Nós já vimos isso. E nós temos isso em nossa memória. Da mesma forma que o personagem o tem agora. Estamos apenas sentindo o mesmo que o personagem. Quero dizer, lembramos do amor, do choro, do esforço e da época em que ele viveu na ilha. Esses são os momentos que nos fazem apaixonar pelo cinema. É uma forma extraordinária de fazer uma anotação. Uma observação muito boa de que o compositor não precisou criar muita música para o filme porque era necessária apenas a quantidade certa para uma cena específica Há filmes que têm muita música e também são extraordinários. Mas apesar de tentar tocar bem a música, para não fazer o que os filmes ruins costumam fazer, quero dizer escrever 2 horas de música e depois diminuir e aumentar o volume da música ao longo do filme Finalmente, eu recomendo que você ouça muita música. Todos nós gostamos de música. Quanto mais música ouvirmos, mais ferramentas teremos para comunicar com o compositor e com os editores Muito obrigado e nos vemos na próxima lição. 19. Efeitos especiais e efeitos visuais: Os efeitos especiais e efeitos visuais. Se há algo que vai ter um impacto direto no objeto do filme, é a quantidade de efeitos especiais e visuais que nosso filme pode ter. No entanto, devemos tentar não ver efeitos especiais ou efeitos visuais como algo que dê uma mordida úmida no objeto do filme, limitando assim as possibilidades de fazê-lo Devemos tentar não ver isso como algo impossível de fazer com meios limitados. Pelo contrário, tínhamos que ver isso como uma possibilidade fazer coisas incríveis como diretores independentes. Quer dizer, usando efeitos especiais e visuais corretamente, tivemos a chance de fazer coisas que talvez fossem impossíveis de fazer da maneira tradicional. Antes de tudo, tivemos que diferenciar os efeitos especiais e visuais É algo muito simples. Efeitos especiais são efeitos feitos fisicamente, como feridas, explosões reais, fogo sangrento Mas, por outro lado, os efeitos visuais podem ser exatamente os mesmos usando um dispositivo de computador, usando a adição de tecnologia digital. Quando se trata de criar efeitos, é sempre melhor começar entendendo uma base básica sobre efeitos cinematográficos, camadas de observação Quando comecei a trabalhar em filmes históricos, entendi o tópico sobre camadas de observação provenientes fornecedores que oferecem serviços personalizados para qualquer tipo de projeto cinematográfico. Eu entendi que, dependendo do tipo de cena e também das características do projeto do filme, todos os detalhes que aparecem na tela em termos de adereços de figurino serão criados com mais ou menos Eu estava perguntando sobre uma cotação para alguns rifles de adereço na época, para um grande número E a primeira coisa que me perguntaram foi distância está aquele exército na cena? Eles parecem distantes? Eles olham por perto? Porque dependendo de quantos detalhes dos rifles fossem vistos na câmera, seria necessário colocar mais ou menos detalhes nos rifles, aumentando assim o jato traseiro que é fundamental para fazer um filme com jato traseiro Imagine levar isso exponencialmente para uma grande produção. Poderíamos gastar muito dinheiro fazendo coisas inúteis, desperdiçando assim o jato traseiro Este tópico não é apenas para diretores de cinema, mas também para bons produtores de filmes. Vou te dar um exemplo. Vamos supor que essa seja a foto. Veja a que distância esses áudios estão a essa distância. Não é possível ver os pequenos detalhes, os dados tinham que ser completamente reais. Quero dizer, não é necessário que todos esses costumes sejam reais. Portanto, também não é necessário que todos os efeitos a essa distância sejam um efeito especial. Porque se misturarmos esse tiro geral com um tiro mais próximo, onde talvez seis ou dez soldados apareçam, quero dizer poucos soldados que tenham rifles e roupas completamente reais O espectador não duvidaria que os rifles e roupas daquele tiro à distância sejam exatamente os mesmos A mesma ilusão visual acontece com os efeitos visuais. Então, quando usamos efeitos visuais para substituir coisas que não estão em nossas possibilidades de fazer, poderemos jogar com esse mesmo princípio para fazer isso. Obviamente, usaremos efeitos especiais de perto e, por outro lado, efeitos visuais de longe, economizando muito dinheiro. Em relação ao processo de atenção humana, é importante saber como os efeitos visuais e também os efeitos especiais funcionam. Quando uma pessoa está assistindo a um filme, sua psique aumenta em 20 pontos devido à motivação Em outras palavras, o espectador pode realmente dizer quando um efeito visual é convincente ou não Isso não pode ser subestimado. Portanto, para convencer o espectador com nossos efeitos, é necessário brincar com a duração das fotos, especialmente quando os efeitos visuais não são da mais alta qualidade. Então, o que estou tentando ensinar é que, desde o início, você tinha que saber quais são as cenas de sua filmagem, onde os efeitos visuais estarão nessas fotos e qual é a duração desses efeitos visuais. Tudo isso, para que os projetistas de defeitos tivessem chances reais de causar esses efeitos. Isso pode ser cavalos de fogo, explosões, clima, exército digital é qualquer coisa Eu vou te dar um exemplo se você quiser fazer um exército de cavalos. Quero dizer, você quer ter um exército de cavalos em seu seno, mas o que você tem são cinco cavalos no set Você poderia combinar perfeitamente tiros próximos desses cinco cavalos com um tiro grande, com um exército inteiro de cavalos criado com três deles. Modelagem. Porque no contexto de um filme independente, é mais fácil conseguir alguns bons cavalos e depois contratar um animador em três D para desenhar o resto dos cavalos bem o suficiente em uma cena inteligente, sem mostrar muitos detalhes e, assim, obter uma aparência totalmente profissional Você não pode imaginar quantos filmes você viu nos quais essa estratégia foi usada. E você não percebeu isso. Lembre-se novamente de que os efeitos especiais são aqueles feitos fisicamente no set e os efeitos visuais são aqueles feitos digitalmente Por outro lado, apesar dos avanços tecnológicos, há diretores que preferem usar efeitos reais do que digitais. Você tinha que aprender a misturá-los da melhor maneira possível para causar a sensação visual. Ambos os tipos de efeitos requerem recursos, exigem o Bok Jet porque os efeitos especiais exigem objetos, substâncias, acrobacias, combustíveis líquidos e Por outro lado, os efeitos visuais exigem uma equipe especializada que precisa passar horas e horas na frente de um computador trabalhando neles. Então você deve começar a planejar isso desde o início, desde o roteiro O roteirista, do meu ponto de vista, precisa aprender a escrever um roteiro baseado em um tipo específico de projeto Quer dizer, se eu vou escrever um filme independente, pelo menos em termos de efeitos visuais e especiais, as cenas devem ser escritas no contexto de um filme independente. Não podemos escrever coisas impossíveis de fazer. Vamos dar uma olhada nisso. Na tela, você pode ver um exemplo do que estou lhe dizendo. Vamos ver cavalos na cena, e os primeiros cavalos que vemos são obviamente reais. Mas então, na foto em que a casa está em chamas, queimando ao fundo, os cavalos são desenhados com efeitos visuais. Quando você vê essa cena pela primeira vez, você não duvida. Porque se você está focado na história e já viu os cavalos reais, não duvidaria que os cavalos você verá mais tarde sejam falsos. Mais tarde, há ainda outra cena em que um exército se aproxima de uma montanha naquele ponto da história. Se você estava se concentrando na história, não vai se perguntar se os soldados são reais ou não E isso se deve ao processo de atenção humana. Vou deixar para vocês a cena sagrada, para que vocês possam ver tudo com mais detalhes. Ele percebeu que talvez vendo isso neste momento de forma isolada, você seja capaz de perceber isso. Mas a verdade é que, neste momento da história, você já viu várias cenas reais com cavalos e soldados reais. Portanto, duvidar se eles são reais ou não de uma só vez não é provável que aconteça A foto não é tão longa. Talvez, como eu já disse que eles foram feitos digitalmente, você esteja pronto para vê-los dessa forma. Mas se você estava assistindo ao filme pela primeira vez, é muito difícil perceber isso. Por exemplo, veja essa batalha no início. Na verdade, mesmo em termos de produção, você pode dizer se eles foram capazes de fazer essa batalha com cavalos e adereços, etc Você não vai se perguntar por que aquele pequeno grupo de soldados no final não seria real. Observe que há soldados vestindo uniformes azuis. Os soldados que vimos no final se aproximando da montanha também estavam azuis Você pode adicionar quantos fatores referenciais ajudarem a fazer a leitura precisa se quiser a leitura precisa que deseja em relação a essa cena Obviamente, James Cameron é um especialista em fazer isso porque ele conseguiu fazer isso de tal forma em Terminator e Titanic que, mesmo que você fosse um profissional e percebesse que existem elementos digitais misturados com cenas reais, você não vai reclamar , porque tudo é tão poderoso que você não vai se um especialista em fazer isso porque ele conseguiu fazer isso de tal forma em Terminator e Titanic que, mesmo que você fosse um profissional e percebesse que existem elementos digitais misturados com cenas reais, você não vai reclamar, porque tudo é tão poderoso que você não vai se concentrar muito em efeitos visuais. Quer dizer, o que estou tentando dizer é que a melhor estratégia para esconder um efeito especial e visual é ter uma boa história quando o espectador está conectado durante todo o filme. Portanto, eles não devem prestar atenção a esses detalhes, a menos que sejam muito ruins, é claro. Mas, em termos gerais, como você viu até agora, é uma mistura de vários fatores e elementos que distraem O que faz com que os efeitos especiais e visuais pareçam reais. Mas você pode se perguntar o que pode fazer para acessar a tecnologia digital e criar os efeitos visuais. Obviamente, a verdade é que existem certos tipos de efeitos visuais nos quais você não precisa de um grande especialista profissional para fazê-los parecer reais e bons o suficiente para sua história. Os efeitos do tiro e do sangue que você viu foram feitos com uma biblioteca que existe há alguns anos chamada Action Essentials Essas bibliotecas nada mais são vídeos curtos anteriores com todos esses elementos, como faíscas, explosões, sangue, poeira, etc. E esses pequenos vídeos são gravados com uma tela verde ou um fundo verde. Depois, com o processo chromakey, eles removem o Em seguida, eles empacotam um aplicativo, esses pequenos vídeos como um produto chamado Action Essentials. O ideal é que você mesmo faça esses vídeos, mas isso requer dinheiro. Obviamente, se você não tem dinheiro suficiente para criar esses efeitos visuais do zero, eu recomendo que você compre Action Essentials ou qualquer vídeo semelhante que você possa encontrar na linha Porque a maneira errada seria tentar fazer o que a empresa que projetou o Action Essentials fez, mas não ter dinheiro suficiente para fazer isso Então, sua mudança vai parecer que, de alguma forma, você está tentando parecer profissional e falhando. A coisa mais importante sobre esse conhecimento é ter sucesso, porque mesmo ter todo o dinheiro do mundo. Lembre-se de que, se você não tiver uma boa história, é provável que um bom público do projeto fique mais conectado aos fique mais conectado aos efeitos especiais do que aos personagens, e isso é absolutamente prejudicial ao projeto do filme Te vejo na próxima aula. 20. Terminando a arte do cinema: Bem, esse curso de cinema chega a esse fim. O mais importante é que eu vou atualizá-lo eventualmente com mais aulas, especialmente no que diz respeito à compreensão da linguagem cinematográfica Acredito que isso é essencial para nos tornarmos melhores e melhores cineastas, melhores cinegrafistas e também colocarem tudo em prática Como eu disse, consuma arte de qualidade, desenvolva sua própria sensibilidade às imagens em movimento e também à dimensão do som. Bem, se você gosta desse curso, pode me deixar um comentário pois ele vai me ajudar muito a criar cursos ainda melhores do que este. Até a próxima vez.