Produção de filme e vídeo Vol. 2: Edição de filme com o Adobe Premiere e o Boris Suite - Deluxe

1. Produção cinematográfica e vídeo Deluxe Editon EDIÇÃO DE FILME II: Você já sonhou em editar vídeos ou filmes verdadeiramente profissionais Você quer aprender os segredos por trás da criação de um projeto audiovisual completo Então este curso é para você. Bem-vindo a este segundo volume do novo curso de cinema e produção de vídeo , a edição Looks Concentre-se na edição profissional de filmes e vídeos. Meu nome é Avila Perez e, há mais de 15 anos, sou diretora de cinema, atriz e cantora Eu me formei na melhor escola de cinema da Espanha e estou aqui para compartilhar todo o meu conhecimento com você. Eu criei este curso com base em dois vídeos musicais cinematográficos criados especificamente para esta plataforma, por meio dos quais você aprenderá passo a passo como transformar suas ideias em privacidade audiovisual real Neste curso, você aprenderá como criar amostras e editar do zero. Domine técnicas que vão além do uso de software e permitem que você as decisões corretas de edição edição para cinema ou vídeo profissional não é apenas aprender a usar software. Trata-se de tomar as decisões de edição corretas com base nos critérios cinematográficos da sística na linguagem da insensibilidade às elipses para criar coisas novas a partir de para criar coisas novas Este curso é destinado a qualquer pessoa que queira aprender passo a passo como construir uma edição dentro de um projeto profissional. Se você já pegou o primeiro volume em que viu como essas obras foram filmadas, esse segundo volume é perfeito para você Você pode ver na tela a qualidade das produções com as quais trabalharemos Agora, vamos nos aprofundar no conteúdo deste segundo volume desta edição de luxo dedicada à edição de filmes e vídeos O volume dois é inteiramente dedicado ao Audio Vsel como produção O software que você usa é o último importante. Atualmente, você não precisa ser um especialista em efeitos visuais para criar composições visuais, e essa é uma das ferramentas mais importantes você aprenderá neste volume Você aprenderá a criar uma edição completa ao meu lado e ela fornecerá todos os materiais para fazê-la do zero. Você aprenderá como fazer correção de cores, restaurar imagens subexpostas e adicionar uma aparência totalmente cinematográfica ao seu vídeo Usando como exemplo, um dos melhores trajes do momento, a suíte Bore Effect no Adobe Premier Você aprenderá como criar sinais sonoros na edição de uma forma simples e ampla. E, finalmente, você aprenderá sobre o processo de criação desses efeitos visuais fantásticos, usando apenas a composição visual e a edição. Como projeto do curso, você criará sua própria versão da edição. Farei passo a passo e fornecerei o material para você fazer isso sozinho. Portanto, não perca a chance de adquirir um conhecimento que não está disponível para todos. Eu criei este curso para que você tenha a chance de aprender com um projeto real usando ferramentas que alguém como você teria à sua disposição. Se você sempre treinou para fazer filmes ou quer se tornar um verdadeiro diretor de cinema, este é o curso para você. Meu nome é avio perez, e este é meu ateliê de filmagem e edição de filmes que parece a edição 2 que Eu vejo você na primeira aula. 2. Como encomendar e selecionar palestras de filmagens: Olá, pessoal. Bem-vindo a este novo curso de edição de filmes. Como você sabe, este é o volume dois do curso de filmagem da edição Dukes Então, vamos começar a primeira aula abordando diretamente um dos tópicos mais importantes quando se trata de edição, organização e organização do vídeo futge Portanto, lembre-se de que, para entender esse conteúdo adequadamente, faremos uma montagem passo a passo. E parte desse curso é para que você possa fazer sua versão redonda do que estou fazendo. Então essa é a razão pela qual eu deixei todo o material para alcançá-lo como um projeto de curso. Mas primeiro, temos que ver os fundamentos para fazer um arranjo feudal artístico e profissional Ok. Então imagine que você está diante de uma mesa cheia de negócios Cada videoclipe é uma peça única que devemos posicionar estrategicamente para revelar a imagem completa de nossa narrativa Mas como escolhemos as peças certas? É aqui que nosso julgamento como editores entra em jogo. Não se trata apenas de selecionar as fotos mais bonitas, mas identificar aquelas que transmitem o movimento e a mensagem que queremos comunicar ao público Então, qual é o processo para selecionar e organizar essas fotos? Primeiro, precisamos desenvolver uma ferramenta essencial para reconhecer os momentos mais impactantes em cada E isso envolve analisar aspectos como clareza da imagem, relevância para a história que estamos contando e a capacidade de evocar emoções no espectador Então, eu vou te dar um exemplo perfeito sobre isso. O desafio de um bom fotógrafo não é só tirar uma boa foto. É muito mais complexo do que isso. Em uma sessão de fotos de duas horas, um fotógrafo pode facilmente tirar 500 fotos, e uma das tarefas mais difíceis de um fotógrafo é selecionar qual carro as melhores fotos saíram dessa sessão de fotos. Você não imagina como é difícil saber quais são as melhores. E não só isso, mas até que ponto uma seleção ruim das fotos finais pode prejudicar uma sessão de fotos. Eu trabalhei com pessoas que realmente tiram fotos muito boas, e então a seleção é um desastre completo. Então, para aquelas pessoas que acham que o vídeo é bem diferente da fotografia, lembro que um segundo filme tem 24 quadros ou fotos. Quer dizer, quando você escolhe o segundo exato em que vai fazer um corte, é como se estivesse escolhendo uma fotografia específica de uma seção de fotos. Então, se, por exemplo, o clipe que você está revisando tiver 10 segundos de duração. Este clipe contém aproximadamente 240 fotografias das quais você deve selecionar as melhores. Costumo insistir muito nisso porque esse problema não tem nada a ver com a qualidade do software que você está usando Por mais de 100 anos, houve filmes com excelente ritmo. apenas 30 anos, muitos videoclipes e filmes ainda eram editados em sistemas analógicos e, ainda assim, tinham uma excelente edição Então, o problema é que isso não é tão simples quanto preto e branco. Mas, assim como um fotógrafo, deve escolher entre 500 fotografias. Você também tem alguns videoclipes nos quais deve escolher os melhores momentos levando em consideração justamente aquela escala de cinza que vai desde priorizar a atuação do ator, por exemplo, até a beleza da foto Costumo insistir muito nisso porque esse problema não tem nada a ver com a qualidade do software que você está usando Por outro lado, você sempre terá fotos que, à primeira vista, são muito parecidas, mas, na realidade, diferem um pouco Por isso, é importante que você leve tudo isso em consideração ao fazer o projeto do curso em um, preste atenção ao trabalho que vou fazer e que vou desenvolver durante o curso, não só nas aulas de montagem, mas nas demais também. Depois de identificarmos nossas fotos de destaque, é hora de organizá-las de forma eficaz. Isso envolve a criação uma estrutura atual para nosso projeto, dividindo-a em sequências e subsequências, que nos ajuda a manter o fluxo narrativo e a Mas a narrativa visual também é importante na produção de filmes Cada cena tem um propósito e contribui para o desenvolvimento da É por isso que é tão importante saber como criar tensão e ritmo no arranjo da imagem, usando transições e efeitos para manter o espectador envolvido do início ao fim Um excelente exemplo de Asne com arranjo magistral é a cena de perseguição no filme The Dog Night, dirigido por Christopher Nessa cena, vemos o coringa escapando do poste pelas ruas de Godm City em um caminhão de bombeiros de Salen A edição dessa sequência é imperativa por vários motivos Em primeiro lugar, na intenção rítmica, a edição mantém um ritmo frenético que combina com a intensidade da perseguição Os tiros seguem um e outro rapidamente. Criando uma sensação de urgência e tensão que mantenha o público na ponta dos assentos Por outro lado, o diretor usa uma grande variedade de ângulos e planos para capturar a ação de diferentes aspectos , desde planos amplos que mostram a magnitude da perseguição até close-ups que destacam os movimentos dos personagens Cada foto é cuidadosamente selecionada para maximizar o impacto visual. Apesar desse ritmo acelerado de edição, a sequência mantém os cantos nervosos impecáveis Cada cena é conectada suavemente à próxima, permitindo que o público acompanhe facilmente o desenvolvimento da ação sem se perder na confusão Acho que essa é uma das coisas mais importantes na edição. Por outro lado, a edição inclui o uso criativo de efeitos especiais que adicionam espetáculo à cena sem sacrificar a credibilidade, de explosões a sons impressionantes Cada efeito especial é perfeitamente integrado à edição, contribuindo para a imersão do público Acho que a cena de perseguição na noite escura é um exemplo brilhante de arranjo de fotos eficaz na edição. Ao longo de seu ritmo fenético, variedade de ângulos, correntes narrativas e uso criativo de efeitos especiais Essa sequência demonstra como edição magistral pode elevar cena de ação a novos patamares cinematográficos Outro detalhe importante levado em consideração ao editar é o conceito de elipses elipse na edição de filmes é uma ferramenta poderosa que nos permite condensar o tempo e avançar na narrativa de avançar na Quero dizer, ao omitir segmentos de tempo entre as cenas e dentro da mesma cena, os momentos mais relevantes da história podem ser destacados, mantendo a atenção do espectador e evitando redundâncias, eliminando elementos supérfluos e focando no essencial, eliminando elementos supérfluos e focando no essencial, contribuindo assim para uma Além disso, a elipse permite que os espectadores preencham as lacunas narrativas com a interpretação errada, promovendo o engajamento ativo e a reflexão sobre a Quero dizer, ao sugerir eventos que, obviamente, saem da tela, simula a imaginação do público, convidando-o a se conectar aos pontos e gerando um envolvimento emocional mais profundo com os envolvimento emocional mais profundo com personagens, as sequências e Assim, Ellipsis não apenas impulsiona o fluxo de dicas, mas também enriquece a experiência cinematográfica ao envolver o espectador mais profundamente na trama Na verdade, no meu curso anterior de edição de filmes, nos aprofundamos nisso, mostrei um exemplo de elipses no filme 12 anos de escravidão, mas agora vou apresentar dois exemplos muito melhores Um exemplo notável de elipses criativas no cinema é o filme 2001 Space Em uma sequência icônica, a elipse é usada para mostrar a evolução da humanidade desde a pré-história até futuro distante em O filme recorta habilmente o momento e o macaco e descobre o uso de um osso como ferramenta para o lançamento de uma nave espacial em direção a Júpiter, abrangendo milhões Essa elipse não apenas condensa uma grande quantidade de tempo, mas também sugere o progresso e a evolução da humanidade de uma maneira impressionante e evocativa Por outro lado, o filme Lost in translation, dirigido por Saphia Coppola, apresenta várias cenas em que as elipses são usadas para representar a passagem do tempo e o desenvolvimento da relação entre os personagens principais com Bob principais Uma cena notável é quando Bob e Charlotte se encontram em um bar de karaokê Por meio de uma série de cortes rápidos e sugestivos, o filme mostra momentos significativos de sua interação no bar, desde compartilhar amor e conversas íntimas até dançar juntos Portanto, a elipse permite ao espectador inferir a evolução Durante esse tempo, eles passam juntos no cenário, criando uma sensação de conexão e cumplicidade entre os personagens sem a necessidade de mostrar cada momento de sua interação Ok. Portanto, essa técnica contribui para a atmosfera emocional e evocativa do filme Portanto, em resumo, o arranjo de imagens é um processo fundamental de edição de vídeo, que nos permite construir narrativas visuais impactantes e empolgantes Espero que você esteja pronto para embarcar nessa jornada empolgante e de aprendizado Estou aqui para guiá-lo em cada etapa do caminho. Te vejo na próxima aula. 3. Aterragem de soldados: Perfeito, estamos aqui prontos para a estreia de Ado. Vamos começar a criar a sequência de forma simples Vamos clicar aqui e ir para o novo item, e vamos criar a sequência. Digitamos aqui o nome da sequência, resolvemos sua sequência ou o que você quiser digitar. E aqui no modo de edição, vamos selecionar personalizado. Aqui, vamos selecionar o tamanho do quadro, e a horizontal é 1920 e o tamanho vertical é 900. Aqui na proporção de pixels, vamos selecionar pixels quadrados. E aqui abaixo, vamos selecionar o horário rápido no vídeo anterior. Então, já temos uma moldura com aspecto amórfico. É uma espécie de aspecto cinematográfico. Então, agora vamos passar para o teste com o Futage para selecionar o futage de que precisamos Lembre-se de que desta vez vamos nos concentrar nesta lição na aterrissagem dos soldados. E não só isso, mas também que essa cena deveria ser diferente da do videoclipe. Então, vamos começar a revisar cada clipe do futge Então, vamos começar com esse clipe, é uma espécie de foto aberta. E o que vou tentar é extrair uma seção transversal desse clipe, uma seção transversal útil porque você pode notar que, na moldura, estou tentando levantar o paraquedas e não estou conseguindo fazer Então, vamos subir até o ponto consegui levantar o paraquedas Acho que está certo neste momento, não. Então, estou tirando o paraquedas do chão e rapidamente o paraquedas se dobra no chão novamente . Essa é a razão pela qual insisto em que o editor deve ter muitos pacientes para procurar nesses momentos Você pode perceber que aqui há outros momentos que podem ser úteis. Neste ponto, o piloto está tentando dobrar e levantar o paraquedas do chão Então, talvez se isso não for indiscreto desde o início, você possa adicioná-lo chegando à sequência final Então, vamos selecionar desde o momento em que estou levantando o paraquedas até o momento em que o paraquedas está caindo Então, vamos clicar aqui, digitar e, em seguida, selecionar a saída que está aqui e arrastar o putage para a linha do tempo Clicamos e mantemos as configurações existentes. Lembre-se de que o clipe na linha do tempo superdimensiona o quadro que selecionamos no início Portanto, devemos fazer com que combine com a moldura. Então, vamos passar para o próximo clipe. Vamos procurar outros momentos em que eu estiver levantando o paraquedas Felizmente, em poucas ocasiões, consegui tirar o paraquedas do chão Então, não tínhamos 20 clipes onde eu estava levantando o paraquedas Então, nesse caso, esse é exatamente um momento que vale a pena. Um momento útil porque essa ação é firme o suficiente para retratar o pouso do piloto no deserto Então, vou selecionar essa seção transversal e arrastá-la para a linha do tempo Mas a demora é maior. Então, vou procurar outros momentos em que estou levantando o paraquedas Mas acho que aquele momento que selecionamos antes é o melhor dessa foto. Porque, na verdade, você pode notar na tela que estou me esforçando para manusear o paraquedas, e isso não parece bom para Quero dizer, esse piloto deveria ser um especialista em fazer o que faz. Portanto, a ação do ator não pode contradizer a essência do personagem Além disso, somente o piloto está visível na tela. O paraquedas está parcialmente visível. E você pode notar que estou me esforçando muito aqui. Portanto, a tentativa anterior é muito melhor. Então, vamos passar para o próximo clipe. Essa é uma foto muito bonita. Eu usei isso no videoclipe naquele momento em que estou lutando contra o vento para dobrar o paraquedas porque o vento estava muito Naquele momento. Na verdade, mencionei no curso de cinema que isso foi inesperado, uma condição climática inesperada que enfrentamos no dia da filmagem Assim, você pode notar que o paragt parece estar em uma espécie de câmera lenta devido ao tamanho do paragt Mas, como mencionei, usei isso para o videoclipe. Então, não estou muito interessado em usar esse momento da gravação porque quero criar outra história a partir da mesma filmagem Mas, apesar disso, podemos representar graficamente uma seção transversal a partir desse momento, outra seção ou de outro momento, de um momento especial. Por exemplo, aqui, acho que esse momento é especial quando estou andando pelo paraquedas tentando dobrá-lo Então, vou selecioná-lo apenas para arrastá-lo para a linha do tempo Mas vou seguir em frente e procurar outros momentos desse clipe. Já temos momentos em que estou pousando com o paraquedas, dois Vou procurar por um momento em que o paraquedas já esteja no chão Por exemplo, aqui, é interessante porque o piloto está verificando se não há perigo por perto, percebendo que está sozinho no local. Mas você tem que prestar atenção a isso. Você precisa saber exatamente até que ponto vai cortar a foto, e é aí que os detalhes se tornam valiosos. Se você perceber que a ação de olhar em volta foi boa. Mas chega um momento em que eu abaixo meus ombros. E isso na performance é prejudicial ao personagem Quero dizer, aquela ação de abaixar os ombros dota Um cansaço que o personagem não deveria ter naquele momento. Então, esse é um sinal forte para cortá-lo antes disso. Então, o que estou tentando dizer é que não é algo completamente visível. Você precisa desenvolver sensibilidade para perceber esses detalhes e saber onde cortar a foto. Então, acho essa parte voluável a partir dessa tecnologia e vou selecionar apenas essa parte para arrastá-la para a linha do tempo Então, vamos passar para o próximo clipe. Lembre-se de que, quando se trata de revisar muitos clipes, você deve tentar se lembrar de quais momentos você já tem para criar a montagem em sua Então esse é o próximo. Então, vou verificar isso desde o início. Então eu estou aqui movendo o paraquedas, movendo esse núcleo Não sei por que, acho que é meio sem sentido Então, eu não estou interessado nisso. E apesar do fato de o tiro estar equilibrado. Quero dizer, a opinião é boa, mas o desempenho não é muito bom. Mas podemos continuar procurando momentos. Isso não é um problema. E você pode notar que mais tarde o foco polar perdeu completamente o foco. Isso foi um erro, coisas meio aleatórias que aconteceram em um dia curto, você sabe, ok. Mas, na verdade, quando ele volta a se concentrar, a tomada fica mais bonita porque, exatamente no momento em que a tomada volta ao foco, o piloto está dando uma olhada no local. E essa foi a ação anterior que selecionamos na cena anterior na tomada anterior. Então, vou selecionar esse momento e arrastá-lo para a linha do tempo OK. Mas a gravação continua, então podemos selecionar outros momentos. Por exemplo, nesses momentos em que o piloto está contemplando o horizonte, também está dando uma olhada, mas de um ponto de vista mais próximo É importante mencionar aqueles momentos em que um personagem está olhando para algum lugar. Fixamente, esses momentos são valiosos para cortes. Quero dizer, você pode passar de uma tomada para outra devido a esses momentos e criar elipses elipses, como mencionei no meu curso de arte cinematográfica, são aqueles saltos no tempo, úteis para Não estou levando em consideração os detalhes da arma porque não estou acompanhando aquela situação aleatória. Simplesmente a arma deixa meu traje, e então eu me volto para o operador da câmera. Então, vou selecionar apenas o momento em que estou olhando para o horizonte até aqui e vou arrastá-lo para a linha do tempo Então, vamos passar para o próximo clipe, e desta vez é aquele em que o soldado está dando alguns passos no deserto. Talvez ele esteja respirando depois de pousar com o paraquedas Então, vamos verificar essa tomada. Na verdade, há duas tomadas da mesma ação. Essa é a segunda tomada. M. Mas vamos cortar essa cena aqui mesmo, porque partir desse momento o soldado está olhando para os aviões Os caças se aproximam. Então essa é a cena do videoclipe. Mas desta vez estou focado apenas no soldado. Eles estão no deserto. Então, vamos verificar se a outra tomada dessa mesma ação é esse clipe. Então, você pode notar neste clipe que é mais próximo. Portanto, é a mesma ação de um ponto de vista mais próximo em termos de cena e patologia. Ok. Na verdade, há alguns detalhes que você pode notar, por exemplo, o reflexo no espelho que eram os dois operadores. Esse é um detalhe importante porque você deve corrigir isso na edição. Mas, por outro lado, acho que o desempenho é quase o mesmo. A mesma qualidade e o mesmo soldado são quase a mesma ação. Mas eu ousaria dizer que a cinematografia é melhor na tomada anterior porque a tomada anterior é uma cena mais ampla Então, esse detalhe torna a foto mais bonita do meu ponto de vista. Vamos verificar novamente a tomada anterior. Mamãe. Definitivamente, na verdade, o operador da câmera cerca o piloto enquanto caminha, e esse detalhe torna a foto mais interessante Assim, quando terminarmos de selecionar a gravação para uma cena específica, podemos reenquadrar toda a gravação selecionada, o clipe selecionado, para que correspondam ao tamanho do quadro da sequência Quero dizer, aquele tamanho de quadro que selecionamos ao criar a sequência. Então, a partir deste momento, tudo o que precisamos é reunir todos os clipes Aqui, eu tenho um exemplo de sequência em que terminei toda a correção, mas vamos revisar e clipe por clipe, você sabe Este é o primeiro em que o piloto está pousando e você sabe que essa ação vem desse clipe. Portanto, escolhemos apenas a seção transversal necessária para o início do clipe. E então eu misturo isso com o próximo. Essa é exatamente a parte em que ele está tocando o chão, tocando a areia Então você tinha que ser muito paciente para cortar o momento exato que produz uma ação fluente entre as duas tomadas Perfeito. Eu acho que assim parece muito bom e é fluente. O mais interessante é que, desde que você mantenha as correntes entre as duas tomadas até aquele ponto de união, o público não perceberá que não é exatamente o mesmo lugar em que a ação está acontecendo Na verdade, na sequência que eu já tenho, eu já criei. O segundo clipe foi reformulado para manter apenas o piloto no quadro Então eu acho que não é necessário. Acho que quando o paraquedas está visível parece muito bom. Não é necessário reformular isso. Então, continuamos com a sequência. Você pode notar que o terceiro clipe é a mesma primeira tomada quando estou procurando por tener, etc Então, simplesmente procuramos outra seção transversal da primeira tomada. Acho que está nos segundos finais da primeira tomada. OK. Então, o momento exato que precisamos é quando o piloto está de frente para o paraquedas, não com o ventilador, porque é necessário ter esse momento para combiná-lo com o outro clipe, aquele clipe em que o piloto está dando uma olhada, você sabe Aqui você pode ver de perto, que o piloto está com seu pai, sabe? Então, neste momento, ele se virou e está de frente para o paraquedas da mesma forma que no outro Esse tipo de detalhe parece muito básico, mas não são detalhes básicos. São detalhes bastante difíceis de extrair da edição. Então, praticando muito, você vai dominar isso. Você vai hackear o segredo de tirar detalhes de uma filmagem Agora você pode notar que o próximo clipe tem a mesma ação, mas quando ele volta, ele está se virando e voltando para a barcaça Então, estou criando uma ação como se fosse uma espécie de coreografia previamente preparada para essa filmagem e, de jeito nenhum, é criada a partir do futuro da edição E a partir desse momento, vamos deixar esse clipe continuar até o momento em que ele olha para o horizonte aqui E esse momento é útil para criar o corte para criar uma elipse, aquele momento em que o soldado está respirando, aquele momento em que o soldado está dando alguns passos no deserto Portanto, lembre-se de que aqueles momentos em que um personagem está olhando algum lugar são úteis para criar cortes e criar elipses Obviamente, quando há uma sequência filmada como essa, não é necessário criar cortes e cortes necessários que estraguem a aparência cinematográfica da Então, essa primeira parte termina aqui. Assim, podemos pegar novamente uma parte da sequência que criamos a partir desse momento. Preste atenção na aparência. Parece muito bom para mim. Acho muito bom esse salto temporal, o psis e nossa chance final Esse é o soldado caminhando pelo deserto para respirar. Até aí tudo bem, continuaremos criando essa edição dessa montagem na próxima lição 4. Como fugir de jatos de combate: Perfeito, na última aula, ficamos nessa parte, onde o soldado está respirando e olhando para o céu. Mas o que devemos criar a partir de agora é que esse soldado deve continuar vagando pelo deserto Mas você sabe que essa estaca retrata o momento em que o soldado está olhando para o céu e percebe que os caças estão Então o soldado se levanta novamente. Então ele saca sua arma e está se preparando para fechar os aviões, na verdade, o que não faz nenhum sentido. Mas ele está fazendo isso por causa de sua raiva, você sabe, mas nos momentos, não estamos particularmente focados nesse momento porque esse momento implica que devemos adicionar caças e os efeitos visuais relacionados à arma de fogo, e eu só quero me concentrar neste momento em retratar o soldado vagando Então, aqui temos duas opções. O soldado olhando para o chão e o soldado olhando para o céu Há duas opções disponíveis para criar o resto da sequência. Então, vou procurar outros clipes para procurar outros momentos para complementar isso Basicamente, precisamos do soldado andando pelo deserto. Então, vamos procurar esses momentos. Aqui estou trotin, mas não gosto nem um pouco do jeito que troto aqui Vou procurar outro momento. Talvez seja no começo. Aqui, quando ele está reivindicando a música, parece muito interessante para mim. Então, vou selecionar este com o e depois o final, a saída, com o, e vou arrastá-lo para a linha do tempo para tê-lo na sequência Mas acho que podemos selecionar outra seção transversal dessa mesma tomada. Por exemplo, aqui, quando ele está descendo essa colina de dunas, acho muito interessante Mas eu sei que talvez você esteja pensando que já tem uma imagem, uma visão desse ponto de vista. Bem, há uma solução. Podemos transformar esse combustível e essa imagem em outra tomada. Podemos adicionar e efetuar um plug-in que pode virar a imagem de forma horizontal para criar outra tomada E essa é uma estratégia muito importante para levar sua vantagem para o próximo nível. Quero dizer, você tem a mesma opinião. Mas nessa tomada, há dois momentos que você quer usar, mas você precisa fazer a diferença em uma tentativa de fazer o espectador entender que existem dois momentos diferentes. Então, vamos ao vídeo x beam e procuramos feixe de transformação e selecionamos a inversão horizontal. OK. E aí está, uma visão completamente nova. Porque desse ponto de vista, a essa distância, o espectador não vai perceber que ele é a mesma opinião. Quer dizer, a distância entre o personagem e a câmera é longa o suficiente para evitar que o espectador perceba que as imagens se invertem Você não tem ideia de quantas vezes usei essa estratégia para criar outras retiradas para a primeira tomada. E as pessoas nem percebem isso. E você pode notar, na verdade, que até a direção da luz é a mesma. Preste atenção na sombra do personagem no chão. Quero dizer, mesmo que estejam em direções opostas é outro ponto de vista. Portanto, não importa que, dessa forma, a sombra esteja voltada para o lado esquerdo e, no outro clipe , para o lado direito. Porque é outro ponto de vista, como se a câmera estivesse em posições diferentes. Então, estávamos nessa parte da sequência em que o soldado está agachado e olhando para E se for a posição final, os clipes a seguir seriam aqueles em que o soldado está andando pelo deserto ou talvez carregando, como o último que criamos, como este, por Mas eu já disse que havia duas opções. Por exemplo, se essa tomada terminasse aqui, onde o soldado está olhando para o céu, olhando para o lutador, poderíamos criar outro ponto de virada Quer dizer, você sabe que na sequência original, o soldado está percebendo que os lutadores estão se aproximando Então ele fica chateado. Ele se levanta e desafia os aviões com sua arma Mas outra ação poderia ser simplesmente fugir daquele lugar, você sabe, para sobreviver. E como temos outros clipes em o personagem está correndo pelo deserto, podemos usar esses clipes para criar essa sequência na história Por exemplo, essa é outra cena em que o personagem está vagando pelo deserto Mas, na verdade, ele está andando. Ele não está correndo, mas é um atirador muito interessante. É uma visão muito interessante porque há momentos diferentes, ações diferentes e todas são muito úteis. Na verdade, vamos usar isso mais tarde, vou deixar você contemplar essa foto Então, vou arrastá-lo para a sequência de uma só vez para economizar tempo. Mas, na verdade, na mesma sequência, existem ações diferentes. Por exemplo, essa é outra ação, um momento, e essa é a razão pela qual eu não adiciono a sequência inteira uma vez porque há momentos diferentes, então vou cortar outra seção transversal da mesma tomada para criar outro momento, um momento diferente na sequência da história. Além disso, você pode notar que esta parte termina aqui quando estou olhando para algum lugar, como se o piloto estivesse pensando em todo o caminho que faltava Então, vou reformular os clipes de uma só vez para economizar tempo. Então, estamos de volta aqui novamente. O soldado está agachado e eu vou colocar o outro clipe depois dele Então, parece ótimo, lindo, é na verdade uma opção para criar a história sobre o soldado vagando pelo deserto Mas há outra opção, como eu disse, o soldado perceber que os caças estão Então, vou voltar ao primeiro clipe em que o soldado está agachado e vou cortar exatamente no momento em que ele levanta a cabeça e vou cortar exatamente no momento em que ele levanta a Então, nesse momento, podemos criar outro ponto de inflexão. Então, vou procurar outra cena em que o soldado está correndo pelo deserto. Por exemplo, este aqui parece muito útil para mim. Podemos adicioná-lo à linha do tempo. Mas há um detalhe importante a ser levado em consideração em relação a esse clipe. Se você perceber que ele está correndo de forma desesperada, como se a ameaça o estivesse perseguindo, e os aviões não o estivessem perseguindo diretamente No caso do videoclipe, os caças estavam lutando contra ele diretamente. Mas esse não é o caso. Desta vez, ele viu os caças à distância. Então ele teve um tempo para fugir, sabe? Portanto, a seção transversal que devo selecionar é a seção final da corrida. Então, quando ele não está correndo de forma desesperada, mas chegando com aquele calcanhar que você vê na tela Então, vou adicionar exatamente nesse momento aquela seção transversal e vou fazer com que combine com o clipe anterior, e vou fazer com que combine com o clipe em que o soldado está agachado Então você pode notar que parece muito bom. Parece fluente em coerência. E o mais interessante é que podemos combinar esse clipe com esse outro. Aqui, onde o soldado está verificando o céu para se certificar de que não há caças por perto Vale lembrar que este, os segundos finais de outro clipe que usamos anteriormente, como era uma captura de sequência, podemos deixá-la fluir. Então, vamos continuar com a ação. Na verdade, o piloto vai limpar um pouco essa cura. Ele pega sua arma e respira novamente ao se curar. Então, aqui, o operador da câmera perde o controle. Essa é a razão pela qual vou cortar aqui mesmo. Vou arrastar até a seção transversal até a linha do tempo. Então, vou reformular o clipe para combiná-lo com a sequência E aqui podemos assistir aos dois clipes junto com toda a ação Eu acho que isso é um segredo da montagem. Você está criando uma série de ações a partir dos clipes. Obviamente, há uma boa direção por trás desse projeto. Quero dizer, as ações realizadas pelo personagem fazem sentido. E isso é muito importante quando se trata de criar novas sequências a partir da versão original. Então, vou continuar revisando essa aposta. Há outra parte em que o piloto está mirando com a arma, olhada no local, e acho que isso é muito útil, você sabe Então, vou selecionar esse momento. Na verdade, é o momento que eu selecionei no videoclipe. Também vou arrastá-lo para o tempo. E como eu disse antes, há outro momento aqui em que ele permanece olhando para o horizonte novamente. E podemos usar essa ação para criar outro salto temporal em outras elipses Então, vou arrastá-lo para a linha do tempo para usá-lo mais tarde Mas essa mesma visão continua. Então, vou procurar outros momentos úteis. Eu sei que existem outros momentos lá. Por exemplo, aqui na mesma foto posterior, o soldado está voltando porque essa tomada é onde o soldado está fugindo dos micéis do videoclipe Então, quando eu estava voltando, eu estava voltando andando. Então isso também é muito útil, e eu vou criar outro quadro como se fosse outra foto com outro quadro com outra cinematografia E isso me permite diferenciar essa tomada da outra em que estou fugindo. Então, vou combinar esse com o outro. A outra parte da sequência aquela em que o soldado está caminhando pelo deserto. Perfeito. Então, vamos verificar o que criamos até agora desde o início. Então aqui está você. Há um soldado chegando em seu paraquedas Ele tenta dobrar o paraquedas. Ele dá uma olhada no local. Ele está cansado. E criamos as elipses, o tempo diminuiu. Agora, o soldado está caminhando pelo deserto, tentando respirar. Ele se agacha. Em seguida , ele tira o capacete Ele está ouvindo aqueles caças que estão se aproximando do local Então ele foge daquele lugar. Ele está verificando novamente o céu. Quero dizer, a diferença com a história no videoclipe é que nessa história, os caças não estão tão próximos, você sabe Ele está falando, ele saiu. Ele está verificando novamente o local. Veja esse detalhe. O sol se espalha na frente da câmera. Parece ótimo. E aqui criamos outro salto no tempo. O psi e continuamos com a outra cena. A sequência filmou essa, que é muito bonita. E nós somos a outra pessoa que caminha pelo deserto. E continuamos quando ele estiver cruzando as dunas, mas continuaremos com isso nas próximas aulas 5. Among as dunas: Então, estamos aqui novamente no Adobe Premiere. Vamos continuar criando essa sequência do soldado cruzando o deserto. Como eu disse, desta vez vamos nos concentrar no soldado cruzando as dunas Então, na última lição, chegamos a esse ponto em que o soldado, o piloto, está olhando para o horizonte naquela cena de sequência Então eu acho que esses clipes nós selecionamos. Acho que você se lembra de virar uma delas para criar outra tomada Quero dizer, esses clipes podem ser úteis para fazer uma transição entre os lugares Ele está fugindo dos aviões dos caças para as dunas Então você pode notar que há algumas pequenas árvores lá no fundo, galhos, e isso pode ser um sinal, um sinal de que você está se afastando daquela parte do deserto, sabe? Então você pode notar que ele começou a carregar. Então, vamos continuar revisando as imagens aqui no B. Na verdade, em seus próprios projetos, você pode brincar com os clipes, fazer uma espécie de experimentação para Então, por exemplo, vamos revisar esse outro clipe. É uma cena muito interessante, já que o diretor de fotografia criou duas tomadas e uma única tomada Por exemplo, nos primeiros segundos dessa tomada, o piloto está caminhando em direção ao fundo e você não consegue observar o filho. Então, esta é uma tomada. Vou arrastá-lo para a linha do tempo de uma só vez. Mas, mais tarde, você pode notar essa outra composição de quadros. Quando ele chega ao fundo e começa a voltar, é como se fosse outra tomada, outra composição, outro momento no deserto. Assim, podemos selecionar essa parte também. Digite para a entrada e para a saída e arraste-a também para a linha do tempo Assim, podemos passar para outro clipe. Vamos ver, por exemplo, isso aqui. Isso é muito interessante porque é um plano aberto. É o soldado atravessando a colina. Lembre-se de que o mais interessante em termos de roteiro é que cada corte que você faz é um salto no tempo. Então, quando se trata de criar uma história como essa, quando você está atravessando um grande espaço como um deserto. É muito importante retratar a passagem do tempo. E eu digo isso porque usamos sequências de cenas nessa composição. Mas também estamos criando saltos no tempo com esses cortes que são elipses Quero dizer que o soldado está passando muito tempo cruzando o deserto. Então, estou terminando de ajustar a moldura, a moldura final. Faça com que combine com o quadro da sequência. Porque agora, vou explicar para você algo importante em relação ao ponto de vista. O ponto de vista é um dos erros mais comuns cometidos na linguagem audiovisual. Então, ao mostrar esse exemplo, vou fazer com que você evite cometer esse erro. Assim, você pode ver na tela que o soldado está andando ou carregando. Mas, visualmente, ele está carregando ou caminhando em direção a uma direção específica Mas acontece que há outros clipes em que o soldado está caminhando em outra direção Por exemplo, esse. Aqui, o solar está caminhando para o lado esquerdo, pelo menos visualmente. Se misturarmos esse clipe, ele ficará errado com os outros Isso vai criar confusão na sequência de eventos. Porque os clipes exibem o vendido caminhando para o lado direito Deixe-me arrastar outro clipe da mesma ação. Acho que são bem parecidos, mas acho que um deles é o melhor. Eu acho que é um, esse é o melhor. Vou arrastá-lo para a linha do tempo para deixá-lo pronto. Perfeito. Então, estamos aqui novamente nesta parte da composição. Você pode notar que o soldado está olhando fixamente para o filho e o filho está localizado do lado direito, você sabe, está do lado direito E aqui, você pode notar também que o soldado está caminhando para o lado direito. Nesta foto. E as fotos a seguir também mostram o soldado caminhando para o lado direito, eu corretamente, faz sentido. Então, para continuar contando sobre a ação do soldado cruzando o deserto, você deve seguir essa direção logicamente porque, visualmente, faz sentido para o público Mas acontece que temos outro texto em que o soldado está caminhando para o lado esquerdo. Então, o que devemos fazer para fazer a partida. Portanto, temos que criar uma espécie de transição para fazer a combinação e combiná-las corretamente. Então, primeiro, vou te mostrar onde você não deveria fazer. Vou localizar esse clipe logo após a última foto no deserto e ver o que acontece. Veja, você pode notar que Isai estava voltando, e isso não faz nenhum sentido Então, precisamos de uma foto que represente uma transição em termos de ponto de vista. Esse tipo de problema é chamado problema do eixo em termos de cinematografia E são todos problemas amadores que revelam que você não é um profissional, pelo menos em termos de edição. Então, como eu disse, precisamos da transição de foto, e essa foto pode ser essa aqui. Você pode notar que nesta foto, o soldado está caminhando em direção ao fundo e ligeiramente para o lado esquerdo. Mas como ele está andando em direção ao fundo, quando eu misturo essa foto com a última no deserto, isso não cria nenhum problema, porque o soldado está caminhando principalmente em direção ao fundo. Mas como o piloto está caminhando um pouco para o lado esquerdo, podemos adicionar a outra tomada em que o soldado está caminhando para o lado esquerdo. Então, vou mover o clipe, para que você veja como é. Preste atenção. OK. E parece perfeito porque é compreensível que seja outro ponto de vista, completamente outro ponto de vista Eu vi esse erro ser cometido em tantos filmes e tantos vídeos de mídia social. E o que eu quero é que você não cometa esse erro de agora em diante. Às vezes, a cinematografia é boa, a direção é boa, mas o editor não sabe disso Portanto, é algo muito importante em relação ao eixo. Então, vamos revisar a sequência novamente. O soldado está andando por aquela parte do deserto e termina de olhar para o horizonte que está do lado direito, você sabe, logo após esse ponto Esse ponto. Isso é um salto no tempo. A outra tomada. Ele continua naquele inferno, saindo daquela parte do deserto. Ele continua para o lado direito, e continua até esse ponto em que há a cena de transição que nos permite mudar o ponto de vista para essa tomada que está para o lado esquerdo. Você sabe. Então, há outra cena em que o soldado está mexendo no horizonte com seu vinho cos. Na verdade, há duas cenas relacionadas a essa ação. Vamos revisar essas duas fotos para explicar por que escolhi esta. Então esta é a outra foto, e você pode notar que o quadro não está completamente equilibrado. Na verdade, perdemos parte da parte traseira do soldado. Você pode notar que a composição é melhor aqui. É quase o mesmo quadro, mas não é exatamente o mesmo. Acho que o outro é melhor. Quando somos capazes de observar o corpo completamente. Além disso, quando ele se levanta, ele começa a trotar nesta foto O outro, ele está apenas andando. Portanto, é mais útil vê-lo engasgando. Basicamente, transformo essa parte da foto em outra tomada. OK. Finalmente, terminei essa parte da montagem com essa parte que eu não estava realizando naquele momento Eu estava descendo aquela colina e o diretor de fotografia continua gravando Então ele capturou aquele momento em que eu estava caindo naquele inferno. Então eu incluí esse momento na montagem. Até aí tudo bem, continuaremos com a última parte dessa montagem na próxima lição 6. Como chegar ao mar: Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia para criar a etapa final dessa cena desta montagem Então, nesta parte, o soldado chega à costa para ativar a bomba nuclear. Lembre-se de que o soldado está exausto e é isso que vamos tentar retratar Mas o que há de tão especial nessa parte. Ao contrário do eclipse anterior, nesta parte é mais importante retratar a atuação do ator Por quê? Porque, por exemplo, nas ações anteriores em que o piloto está tentando percorrer o deserto entre as músicas O mais importante é retratar a passagem do tempo e também retratar que ele está atravessando uma grande distância naquele deserto Essa é a razão pela qual é tão importante criar esses cortes para criar elipses e criar momentos diferentes enquanto ele cruza o deserto Mas, inversamente, quando o piloto chega à costa, as condições são diferentes porque o desempenho está em um único lugar Quero dizer aquela parte da cena. Então, do ponto de vista cinematográfico, não é importante criar cortes nesse momento porque você quer retratar a atuação do ator Então, esse clipe que você está assistindo na tela neste momento seria a etapa final da travessia daquele deserto. O soldado está ofegante e cambaleando para chegar ao local. Então, a partir deste momento, você assistirá mais sequências mais longas, mais cenas e tomadas mais longas, porque o mais importante é retratar aquele soldado cansado Então, para permitir que o público contemple a atuação do ator, é muito importante selecionar tomadas mais longas E essa é a primeira quando ele está pesando fora da música. Por outro lado, acho que também é muito importante falar sobre estilo, porque o estilo muda com o passar dos anos. Então, nesta fase desta era, 2024, acho que as cenas sequenciais são mais importantes e, ao mesmo tempo, a linguagem cinematográfica Pessoalmente, acho que esse é um tipo de legado de arte para quarans Esse é um tipo de estilo que eles instalam em aspirantes a cineastas, sabe Quero dizer, eles jogam muito com cenas sequenciais. Então, depois dessa foto, apenas três tomadas estão chegando. A primeira é essa que retrata a ação que acontece no rosto do soldado quando ele chega à praia, preste atenção na lixeira Restam apenas quatro clipes para revisar. Por exemplo, este é um ponto de vista aberto. Há duas versões disso. Acho que esse é o primeiro. Na verdade, acho que lá estava eu praticando a performance que eu deveria fazer Então, o soldado teve que tirar o coldre da arma e beber as últimas gotas de água da cantina Mas nessa foto, eu não vou tirar a camisa de jeito nenhum. Então eu estava ensaiando a ação para o diretor de fotografia naquele momento Mas, às vezes, esses ensaios da apresentação são importantes porque você pode destacar ações importantes a partir desse tipo Então, eu cortei a ação aqui, eu acho, para criar outra tomada. Então, vamos revisar o outro clipe. Esse outro é bom, tem o mesmo ponto de vista de longe, mas desta vez a ação está completa. O soldado chega à costa. Ele está exausto. Ele tira o coldre de sol Ele bebe as últimas gotas de água. Ele tira a camisa, como eu disse, e cai na praia. Então, o soldado está se aprofundando em seus pensamentos, sentindo o momento. E ele pega o detonador que está guardado no bolso Portanto, essa também é uma captura de sequência, mesmo que a câmera não esteja viajando, mas a ação é longa o suficiente para ser uma captura de sequência. Então ele termina de ativar o detonador . Ele entra no ar novamente para contemplar a explosão. Na verdade, usei alguns desses momentos para criar esse momento positivo no videoclipe porque é uma foto muito boa Mas acho que a foto mais importante dessa parte é essa. Quero dizer, o ponto de vista mais próximo. Acho que em termos de atuação dos atores é melhor, e a cinematografia também é muito boa Então, vou deixar você contemplar toda a história, do começo ao fim Eu acho que essa cena foi incrível. O diretor de fotografia está contemplando todo o momento de uma forma profunda E como a câmera está mais próxima dos atores, ela é capaz de capturar os gestos em detalhes, e o desempenho é melhor, É mais real, é mais forte e firme. Do jeito que o SI está retirando o detonador, ele está fazendo de uma forma desesperada E nesse momento em que o soldado se levanta novamente, a câmera acompanha muito bem o ator. É um ótimo diretor de fotografia. Acho muito bonitos aqueles momentos em que o diretor de fotografia se compromete com a performance de uma forma verdadeira E essa é a razão pela qual criar cortes dessa vez é prejudicial à linguagem cinematográfica Quero dizer, a câmera deve ser submetida à atuação do ator. Então eu só tiro a parte em que o soldado está tirando o coldre da arma E fiz isso porque queria acrescentar o ponto de vista geral da ação. Então eu adicionei a reação do soldado quando ele chega à costa. E então eu adicionei essa foto para criar o ponto de vista geral, porque devemos retratar que aquele deserto termina naquela praia Então, aqui, há uma mini elipse porque não vemos o momento em que ele se agachou Portanto, é uma espécie de mini salto no tempo. E eu selecionei esse momento exatamente porque a ação de tirar a camisa é melhor na foto mais próxima. Podemos verificar novamente a foto aberta para ver o momento em que o soldado tira a camisa. Exatamente aqui, neste momento. Então ele tira a camisa, mas a performance não está retratando um estado exaustivo Acho que tive uma pequena desconexão naquele momento. E essa é a razão pela qual eu prefiro a outra ação, a outra tomada, porque na outra tomada, ela estava completamente conectada ao personagem. Então, a partir do momento em que tiramos a camisa e colocamos, acho que é mais do que suficiente para deixar a segunda foto fluir. É claro que, no videoclipe, eu criei cortes nessa parte porque é outro tipo de produto audiovisual Então, no videoclipe, eu devo adicionar as partes quando estou cantando. Então, eu devo criar cortes. Por outro lado, adicionei a parte em que o míssil está voando no céu e também o tiro de empate Mas o que estou tentando explicar para você é que, quando se trata de criar um curta-metragem ou um longa-metragem, é mais importante selecionar uma sequência que seja capaz de retratar a atuação do ator, a atuação do personagem É importante prestar muita atenção a isso porque pode haver outros textos tão bonitos quanto este. Mas talvez eles não estejam retratando a atuação do ator tão bem quanto essa Por exemplo, neste, há momentos tão belos em termos de cinematografia, por exemplo, esse momento que você pode observar o mar infinito no horizonte E o reflexo dos personagens na areia molhada, por exemplo, são belos detalhes no quadro, mas não são mais importantes do que a atuação do ator na outra tomada. Na verdade, esse momento é bom quando eu me agacho, mas a sequência inteira não é tão boa quanto a outra Portanto, não há como criar cortes aqui. É prejudicial à linguagem cinematográfica. Como eu disse, quando se trata de criar filmes ou curtas-metragens, é mais importante, a sequência filmada. Há outro detalhe importante no final dessa sequência que é o detonador Na verdade, o detonador é uma espécie de relógio que tem um Ativamos o cronômetro e depois colocamos a tomada ao contrário Agora, os segundos estão contando para trás. Ok. Então, vou deixar você contemplar toda a sequência desde o início até esse momento do relógio Portanto, tente prestar atenção a todos os detalhes visíveis. E se você precisar voltar às aulas anteriores para verificar novamente o processo, você também pode fazer isso. Então, vamos verificar a cena desde o início. 7. Como criar a mensagem do tempo na edição: Olá, pessoal desta lição, vamos analisar como representar a passagem do tempo em Mantag Por exemplo, neste videoclipe, era necessário representar o down no início. Portanto, para criar essa ilusão de passagem do tempo, não é importante apenas corrigir o gradiente de cores, mas também incorporar alguns sinais em termos de escrita de tela que ajudem o público entender que toda a cena representa toda a ascensão da música em apenas alguns segundos Então você pode perceber que nesta foto, há uma correção de cor específica. Eu diria que é para as cores azuis. Portanto, mesmo que não estejamos vendo a música subir diretamente, correção de cores está representando exatamente esse momento. Portanto, o elemento-chave nesta parte é a cor do céu. Você pode ver na tela que a cor do céu e desta foto é quase a mesma nas fotos seguintes. Por exemplo, esse. É bem parecido. Mas enquanto a briga de cães começa, o nascer do sol aparece na tela. Portanto, devemos prestar muita atenção à correção de cores logo antes da captura, porque logo após a foto, a correção de cores está mudando para a tela e para o amarelo, porque o sol agora está mais visível Portanto, esse lapso de tempo acelera o tempo em termos de escrita de tela Então, esse é um vídeo stock fantástico. Portanto, é importante levar isso em consideração quando se trata de criar uma montagem como essa, porque os cortes nessa montagem me dão a chance de adicionar todas aquelas imagens do sol E crie uma passagem de tempo prolongada em apenas alguns segundos porque, na verdade, esse processo de descanso saudável pode levar perfeitamente 1 hora Quero dizer, na vida real. Não. Além disso, é importante levar em consideração a seleção de vídeos stock porque não só o tempo , mas o espaço são importantes. Então, se você notar no início, os caças vieram de uma área parcialmente montanhosa E nas fotos seguintes, vemos alguns caças voando para longe de um movimento Mas voltando à iluminação, você pode perceber que , no momento em que o avião do personagem será desligado, a cor do céu estará completamente diferente. Quero dizer, toda a sequência é mais iluminada. Quero dizer, estávamos tentando representar aquele momento em que o sol está nascendo e então tudo está iluminado Acho que aqui mesmo, a diferença é mais perceptível. Vamos voltar novamente ao início do vídeo. Você pode notar a temperatura azul. E aqui mesmo, o sol já nasceu. É totalmente de manhã. Então, em resumo, quando se trata de criar esse tipo de cena, você deve considerar esses dois fatores, tanto a correção de cores quanto a seleção de vídeos apropriados e de curran Por outro lado, você pode observar a natureza da superfície em que essas pessoas vivem. É uma área rochosa, semelhante à área em que vemos caças passando Mas eu diria que o mais importante é retratar a passagem do tempo nesse curto período de tempo Quero dizer, é uma sequência bem curta. Mas, como eu disse, devido à sua natureza, devido ao seu corte, esses cortes me permitem criar esse efeito. Desta vez, faça a transição em cada foto. Então, eu mostrei esse exemplo porque essa parte do videoclipe é criada principalmente com os vídeos de estoque. Então, quando se trata de criar esse tipo de montagem, é muito importante aprender como ordenar os clipes corretamente, as filmagens corretamente Por outro lado, eu não usei essa estratégia apenas no início do vídeo, mas durante todo o videoclipe do começo ao fim. Você pode notar aqui que o videoclipe começa em uma espécie de temperatura fria, depois o vídeo passa para cores mais quentes Por exemplo, aqui, é tarde inteira. Mas o vídeo não está apenas retratando a passagem do tempo pela correção de cores, mas também usando vídeos de estoque novamente. Porque, por exemplo, há outra foto aqui em que você pode ver a luz do sol representando que já é dia. Além disso, nesse momento do vídeo, era muito importante também retratar que o soldado estava no deserto perto das músicas Quero dizer, não poderia ser nenhum vídeo do nascer do sol. Tinha que ser especificamente no deserto. Então, essa percepção que você tem em mente enquanto assiste ao vídeo é a soma desses fatores. E da mesma forma que o sol nasce no início do vídeo. Conforme o videoclipe avança, o sol deveria se pôr. Mas a partir desse momento, não foi difícil retratar isso porque estávamos filmando ao pôr do sol Portanto, a representação natural da luz ao longo das tomadas estava perfeitamente conectada à história. Quero dizer, pelo menos nesta parte do vídeo. Por exemplo, aqui, o sol está quase escondido atrás das nuvens e quase no pôr do sol. Então, como neste momento, a luz é obviamente diferente. Não preciso colocar o sol na tela novamente. Além disso, o sol está evidentemente escondido atrás das nuvens. Quero dizer, o sol não está odiando a imagem diretamente. A luz é filtrada pelas nuvens. É importante mencionar que existem outros fatores, outros sinais que você pode usar para retratar a passagem do tempo Pode ser talvez uma árvore em todas as estações, por exemplo. É uma espécie de falha , mas é útil. Existem muitos filmes, muitos filmes excelentes que retratam a passagem do tempo representando um elemento natural em cada temporada Também pode ser um evento importante em um ano específico ou algo tão simples quanto um relógio, por exemplo. Então você foi capaz de selecionar, escolher o maior número possível de sinais para representar a passagem do tempo. Então, eu queria terminar esta lição lembrando duas coisas importantes A diferença entre o tempo dietético e o tempo narrativo. Eu falei sobre isso no meu curso de arte cinematográfica, mas vou lembrá-lo disso nesta lição Portanto, o momento da dieta é o momento em que a história acontece Podem ser horas, podem ser dias, sim, por exemplo, uma vida inteira. Mas, por outro lado, o tempo narrativo é a duração do produto audiovisual. Pode ser de 4 minutos como videoclipe, 50 minutos como curta-metragem ou duas ou 3 horas como filme. Esse é o momento narrativo. Portanto, tente se lembrar de tudo e coloque-o em prática até a próxima aula. 8. Como solicitar filmagem Ponto de vista e progressão na explosão: Perfeito aqui novamente no Adobe Premiere. A ideia é analisar essa cena em profundidade porque não é tão fácil. Não é tão simples criar esse tipo de cena. O primeiro detalhe a ser levado em consideração é o processamento atencional do ser humano Quero dizer, quando você está lendo o produto Adviso. Há uma progressão nessa leitura. E o que quero dizer com isso é que usei várias imagens para representar a explosão nuclear Então, o primeiro vídeo é uma verdadeira explosão. Em branco, essa é a primeira porque, quando você a vê na tela, a ideia da bomba nuclear se instala em sua mente. De uma forma completamente séria. Quero dizer, em microssegundos, essa ideia se instala em sua mente Então, a partir desse momento, o resto dos vídeos da bomba atômica precisam fazer menos esforço do que o primeiro vídeo para convencê-lo de que é uma explosão real. Essa é uma progressão de cabeçalho que acontece em todas as obras audiovisuais Portanto, essa estratégia de usar os melhores vídeos da explosão é muito importante para gerar o efeito de uma explosão real na mente do público. Obviamente, isso também deve ser acompanhado por uma progressão de ações corretas usando os cortes nos momentos apropriados Então, o que quero dizer é que a segunda imagem que vemos na tela, quero dizer, a segunda imagem da bomba deve coincidir com a progressão da explosão Parece óbvio quando a realidade não é tão óbvia. Quer dizer, se a primeira imagem representa o primeiro estágio da explosão, a segunda deve mostrar um estágio mais avançado da explosão. Não é o começo, e essa progressão deve ter coordenadas. Então você pode ver na tela que há uma coordenada. Preste atenção ao tamanho do cogumelo explosivo nas primeiras imagens e, em seguida, o cogumelo aparece depois. Então, eu diria que esses dois pontos são muito importantes para selecionar as melhores imagens no início e a progressão correta da ação na tela Por outro lado, há outro fator, que é o ponto de vista. Quando você está assistindo essa parte do vídeo, quero dizer a explosão nuclear A onda de choque deve ir para uma direção específica. Quero dizer, neste caso, que é um videoclipe, há um curto período de tempo para mostrar a explosão nuclear Então, da mesma forma, como mostrei naquela parte, da cena do soldado. Quero dizer, a cena em que o soldado está andando pelo deserto. Em algumas partes da montagem, tivemos que selecionar para qual lado o soldado deveria andar Em algumas partes, o soldado estava caminhando para o lado direito. Nas outras, ele estava caminhando para o lado esquerdo, independentemente do fato de estar apenas cruzando o deserto. Então, a mesma coisa acontece aqui. Portanto, devemos selecionar para qual lado a onda de choque se dirige Então, o que quero dizer é que pode ser um rio, por exemplo, que na tela está fluindo em direção a um lado específico Então, na montagem, você deve seguir esse lado para torná-lo atual. Quer dizer, você não pode mostrar na tela um rio fluindo para o lado direito e, em seguida, a foto a seguir está fluindo para o lado esquerdo, por exemplo Isso não faz sentido. Portanto, neste caso, onde a nova explosão deve se espalhar, você deve escolher para qual lado essa explosão deve se expandir na tela. Mas não também na direção , mas também na posição a explosão tem em relação ao personagem, sabe? Nesta foto, você pode notar que a explosão está no lado esquerdo em relação ao personagem. Portanto, esses detalhes fazem uma leitura compreensível para o público Além disso, se você quiser mudar o ponto de vista do soldado, como está nesta foto, deve haver pontos de referência visíveis para saber onde o soldado está em relação à explosão. Por exemplo, você pode notar que o C está atrás do soldado na foto. Então você sabe que nessa foto específica, a explosão está no lado direito. Então, voltando à questão da explosão, você pode notar que todas as imagens que representam a onda de choque estão representando uma onda que está se movendo para o lado direito Portanto, para fazer isso, alguns dos clipes devem ser invertidos com um efeito correspondente Da mesma forma que fizemos na cena do soldado cruzando as músicas. E você deve prestar muita atenção a isso, porque esse é tipo de coisa que é percebida inconscientemente pelo público E lembre-se de que, se você não quiser virar as imagens, dentro da moldura, deve haver sinais Deve haver pontos de referência que indiquem onde o personagem está posicionado. Observe que até a criança está olhando para o lado esquerdo. Outra razão pela qual, neste caso, eu posso colocar esse clipe aqui. Quer dizer, o clipe em que o soldado está contemplando a explosão, este é que anteriormente havia uma cena inteira em que o soldado contemplava o deserto da Apenas alguns segundos após a explosão da bomba. Quer dizer, se voltarmos à cena aqui anterior, você pode notar que o soldado está olhando para o deserto desse ponto de vista, e você pode notar que o s está por trás deles Então, mesmo que a onda de choque esteja se movendo para o lado direito, temos esse ponto de vista que nos faz entender que o soldado está ali contemplando a explosão desse ponto de vista Então, para concluir, acho que este exemplo é perfeito para explicar isso a você, e acho que isso é valioso para você criar talvez uma cena de corrida de carros ou uma perseguição em uma cena e em A Street, você deve sempre seguir a mesma direção na progressão das ações em uma cena Então, se você quiser mudar essa direção, você deve justificar isso E o meio que você deve usar para fazer isso é justificar a mudança de direção ou simplesmente adicionar um ponto de referência ao quadro Como neste exemplo, onde o soldado está olhando para o deserto com o mar atrás dele. Quero dizer, você pode criar uma cena em que um carro está degustando outro carro e pode jogar com pontos de vista diferentes em termos de cinematografia Mas se o espectador conseguir entender qual é a direção em que o carro está indo na cena, não haverá problema. Isso significa que há pontos de referência suficientes. Então, tente se lembrar disso, tente colocar tudo isso em prática, e nos vemos na próxima lição. 9. Como melhorar os âmbulos Sky Lumetri e o HSL secondary: Olá, pessoal. Nesta lição, vamos mergulhar em uma ferramenta poderosa para editar o pôr do sol e aprimorar a aparência dos céus em nosso palco A correção do cortador HSL no cortador métrico Adobe Premier. Mas também dê uma olhada em como usar corretamente os osciloscópios lumetri O corretor de cores HSL é uma ferramenta que nos permite ajustar seletivamente a cor do vintage Isso nos dá um controle preciso sobre a tonalidade, saturação e luminância de cada cor em C. Quando se trata de fazer filmes, pôr do sol é um momento mágico cheio de cores favoráveis e variáveis no céu No entanto, às vezes nossas câmeras capturam com precisão a beleza desses dedos. É aqui que entra o corretor de cores HSL. Isso nos permite aprimorar a cor do pôr do sol, mas ajustando a tonalidade para tornar os tons mais quentes ou mais frios de acordo com Além disso, podemos aumentar a saturação para tornar as cores mais vivas e atraentes sem perder o campo natural do Por fim, podemos ajustar a luminância para destacar áreas iluminadas pelo sol e adicionar mais profundidade ao céu Mas vamos à estreia da Adobe para entender a ferramenta do lumroscópio e o Olá novamente. Acho que o assunto principal, o principal tópico a ser abordado quando se trata de criar e fazer correção de cores, é aprender a usar os Lumetri Portanto, os luminoscópios são uma ferramenta que me permite analisar o espectro de luz em Eu expliquei isso em meu outro curso de edição de filmes, mas acho muito bom vê-lo novamente com outro exemplo. Então, aqui vamos abordar isso novamente para entendê-lo muito bem. Então, aqui temos a filmagem, a versão crua dessa parte do videoclipe Eu vou para onde estou cantando. Portanto, esse primeiro clipe é a imagem sem filtros adicionados. Quero dizer, a imagem bruta. E esse outro é o mesmo clipe com a correção de cores. Então, o que eu quero fazer é mostrar como é a reação dos luminoscópios à medida que correção de cores melhora com a Portanto, é uma lição muito interessante. Então, vamos ver os telescópios lumetri aqui. Você pode encontrá-lo facilmente, próximo ao painel de controle do efeito. Portanto, o limeroscópio é uma espécie de analisador de frequência sonora, mas em termos de cor clara Então, vou mover o cursor no primeiro clipe bruto Então, como a imagem não tem correção de cores, quero dizer, está dessaturada As cores não são muito brilhantes, nada. Você pode notar que, no espectro das lunetas de cal, há uma espécie de nuvem fina que se espalha pelos locais Mas não está sentindo todo o espectro de luz. Portanto, esta imagem está tocando apenas algumas frequências de luz. Essas cores e frequências relacionadas ao que você está assistindo no monitor, sabe? Mas você pode notar todo o espaço deixado aqui. Espectro. Mas preste atenção no que acontece quando você move o cursor para o outro clipe. Preste atenção na diferença. Você pode notar que a faixa está sentindo todo o espectro porque, em todo o quadro, a cor está saturada e é brilhante o suficiente para sentir todo o espectro Essa distorção que está no meio do espectro é a representação nessa linguagem do personagem no meio da imagem Quer dizer, o personagem tem uma camisa preta, e o terno é verde, mas é escuro e verde, sabe? Então, a faixa no espectro se dobra direção ao tous preto Mas o mais importante é que, na verdade a correção de cores da imagem seja para cores quentes, mas tenha uma correção de cor adequada, e essa é a razão pela qual ela está sentindo todo o espectro. Vamos revisar novamente a imagem bruta. Você pode notar que está muito pálido, e essa é a razão pela qual essa faixa é muito fina. Então, agora vamos criar uma espécie de correção de cores. Enquadre esta foto para ensinar como usar a correção de cores corretamente de forma fácil e usando como diretriz os lumetroscópios Então, vamos começar adicionando níveis de plugue, e eu vou mover a entrada um pouco para preto e a entrada branca também. Quer dizer, vou aumentar a quantidade de luz e a quantidade de contraste da imagem. Agora, preste atenção em como o lumetroscópio muda movendo esses parâmetros Observe como a faixa se ampliou um pouco, porque ao adicionar contraste e luz, as cores melhoraram automaticamente Quero dizer, eles ficaram mais brilhantes. Portanto, ao definir adequadamente a quantidade de luz ou contraste que a imagem pode ter, estamos melhorando a faixa dinâmica da imagem. Portanto, por exemplo, se você não puder comprar um bom monitor, recomendo fortemente que siga os leonetroscópios para realizar uma correção de cores adequada Então, vou adicionar o resto dos plug-ins que essa imagem tinha. Por exemplo, esse pôr do sol. Eu usei isso para melhorar a aparência daquele céu. No fundo. Então, na medida em que eu adiciono efeitos, os escopos do metro li mudarão Então, vou procurar o pôr do sol aqui no efeito ser. Por aqui, Perfeito. E eu vou mudar a configuração padrão. Deixe-me mencionar que você verá em detalhes o pôr do sol em outra lição Mas o que eu quero mostrar é a reação dos metroscópios leu ao adicionar Basicamente, a exibição ajuda a melhorar a aparência geral da foto É como se fosse uma espécie de filtro, estou melhorando a cor do céu, colocando uma espécie de fardo azul ali E também posso adicionar outras cores na parte inferior da imagem. E o mais interessante é que, mesmo que você não tenha um céu azul, você pode criar uma espécie de céu azul adicionando esse efeito. Portanto, é uma das ferramentas mais úteis desta suíte de bares. Então, por enquanto, basta prestar atenção nas mudanças na imagem para entender a comparação entre as duas imagens, as duas fotos. Esse você está melhorando e outro que já está corrigido. Então, vamos aos lumetroscópios, e aí está você. Olha essa faixa. Tão diferente. Então, esse plug-in realmente melhorou a faixa dinâmica da imagem. Mas tente prestar atenção ao que o monitor e o monitor do programa estão exibindo. Estamos chegando cada vez mais perto. A seção superior do espectro corresponde às luzes. Então, eu vou aumentar a quantidade de luz da imagem inteira, e você vai notar a diferença nos metroscópios Liu. E aí está você. A faixa está se aproximando da seção superior do espectro Isso é muito importante porque se você não tiver um monitor de boa qualidade, quero dizer, um monitor físico externo, o metroscópio leu o ajudará a alcançar a quantidade adequada de luz Mas preste atenção nisso. Isso não significa que você deva sempre preencher todo o espectro. Isso é um tipo de subjetivo. A correção de cores é sempre subjetiva. A correção de cores é um toque pessoal. Mas eu acho que em termos de alcance dinâmico e luz, você deveria ter uma configuração geral que pode se adaptar a todos os dispositivos. Então, vamos continuar fazendo essa correção de cores. Agora vamos provar uma pequena seção do céu, aquela seção no fundo em que a luz aparece entre as nuvens E, na verdade, apenas adicionando esse detalhe à imagem para a correção de cores, os osciloscópios do medidor mudarão drasticamente Então, vamos adicionar o corretor de cores HLS aqui. Vamos adicionar a cor lumetri. Como você sabe, é um plug-in original do Adobe Premiere, uma ferramenta muito útil, Então, vou arrastar o fato até aqui. Perfeito. Então vamos para o topo aqui, HSL secundário E agora vamos selecionar a cor específica S no céu que vamos mudar. Quero dizer, essa parte do céu perto das montanhas, onde a luz do sol atinge o pico, sabe? O que eu quero fazer é uma espécie de efeito como se a luz do sol estivesse diretamente ali. Quero dizer, como se o próprio sol estivesse escondido atrás das montanhas. Na verdade, neste outro clipe parece assim . Observe a diferença. Então, como eu disse, vamos para o ensino médio do HSL. Então vamos até esse conta-gotas aqui. E então vamos clicar na cor específica de S que queremos alterar. Portanto, esse plugin criará automaticamente uma máscara. E, na verdade, podemos escolher como essa máscara será exibida no monitor. Portanto, a seção branca no monitor são aqueles tons específicos que serão afetados por essa correção de cores. Você pode ver no azul que existem três linhas. O primeiro, g corresponde aos tons gama, o segundo à saturação e o terceiro à luz Mas preste atenção porque não estou movendo a correção de cores. Estou ajustando a máscara com mais precisão movendo os favores. Então, ao mover isso, você pode alterar a quantidade de luz que a máscara selecionará na imagem. Então, de certa forma, é uma espécie de máscara, sem precisar criar um polígono Então, quando terminarmos de criar essa seleção, podemos passar para essa outra seção que são as ferramentas de correção de cores. E, por exemplo, podemos mover a temperatura. Observe a diferença no monitor. Podemos melhorar a cor movendo também esta roda para cá. Você pode tocar em qualquer cor que quiser, na verdade. Você pode se mover para usar vermelho, para usar amarelos e azuis Mas, obviamente, você deve ter certos clãs movendo essa roda, essas cores Na verdade, você pode experimentar movendo isso. Não há nada estabelecido quando se trata de criar correção de cores. Em outro conselho, é fácil mover , pouco a pouco, cada parâmetro. Vamos dar uma olhada no outro clipe. Obviamente, a outra correção de cores é mais brilhante, mais iluminada. Mas a correção de cores que estou fazendo neste momento também é bem interessante. Você pode notar que a cor do céu naquela parte em que o sol entre as nuvens realmente parece o sol estava escondido atrás daquela montanha, você sabe Agora vou desativar esse último efeito. Então você pode notar a diferença, você sabe. Na verdade, é muito interessante porque essa imagem realmente parece ter mais alcance dinâmico do que a outra. Quer dizer, do meu ponto de vista, ele tem mais cores do que o outro. Mas o metroscópio leu indica que o outro tem maior alcance dinâmico E isso se deve ao fato o outro ter uma melhor configuração de iluminação. Portanto, é muito importante levar em consideração esses parâmetros para ter uma correção de cores adequada. Mas não seja muito rigoroso com isso, pois a correção de cores é bastante subjetiva Então, o que estou tentando dizer é que, embora o limeroscópio indique que a imagem não está sentindo todo o espectro, talvez sua imagem pareça muito boa em termos Então, todas essas ferramentas de correção de cores são, na verdade dispositivos criativos de filmagem que ajudarão você a contar histórias Então, vamos dar uma olhada novamente na imagem bruta. Agora, vamos ativar novamente todos os gins azuis que adicionamos anteriormente. Eu acho que é uma diferença dramática em termos de correção de cores. Por outro lado, eu recomendo fortemente que você use como fonte de inspiração pinturas, pinturas barrocas, pinturas renascentistas , Acho que não há referências melhores do que aquelas para criar correções de cores extraordinárias Assistir a filmes de alta qualidade também é uma boa estratégia. Em resumo, o corretor de cores HSL e a cor lumétrica são uma ferramenta inestimável para melhorar a aparência do pôr do sol e suas formas de corte Isso nos permite aprimorar a cor na saturação de graxa e ajustar o alumínio para criar imagens impressionantes ajustar o alumínio para criar imagens impressionantes e memoráveis. Portanto, da próxima vez que você estiver editando um pôr do sol, não se esqueça de aproveitar ao máximo essa ferramenta poderosa. Mas vou mostrar um exemplo do uso dessa técnica nessa cena do filme Benjamin Button Nessa cena, a música não era realmente dessa cor. Quero dizer, certas partes do pôr do sol foram modificadas mudando sua cor para que parecesse que Songlight estava exatamente lá Prova disso é que o Songlight não reflete na cena ou nos objetos No entanto, parece ótimo. Já que toda a cena é linda. Além disso, o público não está ciente desses detalhes, você sabe, especialmente quando o filme é ótimo, a história também é ótima. Então, espero que você tenha achado esta lição útil e que esteja pronto para aplicar esse conhecimento seu projeto redondo de edição de vídeo até a próxima vez. 10. Como melhorar o filtro Sky Boris Sunset: Olá, pessoal. Como está acontecendo? Nesta lição, vamos nos aprofundar correção da cor do céu usando o efeito Boris, uma ferramenta incrivelmente útil na edição de vídeo A ideia é dar às nossas cenas uma aparência mais polida e realista, ajustando a cor do céu para melhor se adequar ao clima que queremos transmitir Mas por que isso é tão importante? Bem, o céu pode ter uma grande influência na atmosfera de Aosine Isso pode fazer com que Aosine se sinta mais branca e feliz com um céu azul claro ou mais escuro e mais tensa com um céu escuro mais tensa com um Portanto, dominar a correção da cor do céu nos dá um nível extra de controle sobre os sentimentos que queremos transmitir na história do projeto geral O efeito Boris nos oferece algumas ferramentas incríveis para fazer isso. Com coisas como gradação e filtros do pôr do sol, podemos ajustar a cor e tom do céu com muita precisão, nos dá uma enorme flexibilidade em termos de criatividade e estilo Mas como isso se parece na vida real na prática? Bem, se dermos uma olhada em filmes como Mad Max Fury Road, podemos ver como a correção da cor do céu pode realmente transformar uma cena Nesse filme, o céu vermelho empoeirado contribui muito para a atmosfera pós-apocalíptica a sensação de desespero e caos Então, nesta lição, vamos nos aprofundar em como fazer isso sozinhos. Vou mostrar um passo, passo a passo, como você pode usar ferramentas de efeito de furo para ajustar a cor do céu na acne e dar a aparência exata que você está procurando Mas vamos ao Adobe Premiere para ver isso em detalhes. Então, estamos aqui novamente na estreia da Adobe. O que vamos ver nesta lição. Vamos aprender a usar o que eu chamo de digital e filtros usando um plugin específico da suíte Boris Então, qual é a coisa mais importante quando se trata de criar uma correção de cores e quando se trata de melhorar a aparência do céu em qualquer foto. Antes de tudo, precisamos aprender o que é A e filtrar. E os filtros foram criados no século passado, quando os dispositivos digitais não existiam. Quero dizer, ferramentas digitais como computadores para criar correção digital de cores. Então, como a montagem naquela época era completamente analógica, para criar aquela aparência do céu que você está vendo na tela que você está assistindo nessas fotos Foi necessário adicionar filtros à câmera para criar aquela aparência que você está vendo na tela. Portanto, os filtros são como géis que estão em cima da lente que distorcem a cor da imagem para encontrar uma aparência real diretamente na câmera na gravação Assim, você pode notar nos discos, por exemplo, que há um tipo de gradiente que se move do azul para o amarelo E se você tivesse prestado atenção ao céu em sua vida diária, você notaria que o céu Quero dizer, é completamente normal que você perceba toda essa gradação de cores no céu Por exemplo, você pode notar ainda mais essa foto em que os erros caem no chão Aqui é perceptível que há um azul na parte superior e outro tom pálido na parte inferior Mas, como você sabe, quando você está fotografando, nem sempre o céu fica assim. Quero dizer, nem sempre há condições que fazem o céu ficar assim. Então, tente imaginar isso oito anos, quando não havia todos os dispositivos que existem hoje. Portanto, os filtros D naquela época eram uma ferramenta estratégica para obter uma imagem com alta faixa dinâmica de cores. Então, mesmo aqui nessa foto que parece desaturada, também há esse efeito para melhorar a cor do céu Eu sei que é um efeito sutil, mas está lá. Isso está ajudando a fazer com que a imagem pareça profissional. Portanto, hoje em dia existem ferramentas para fazer isso sem usar filtros D físicos. Por outro lado, é importante lembrar uma coisa importante. Fazer filmes é uma arte de contar histórias. O mais importante é contar uma história. E não importa se é uma história curta ou uma grande história. Portanto, a correção de cores também é uma ferramenta narrativa. Portanto, se você precisar aprimorar o céu para contar uma história, uma parte específica da história, fique à vontade para usar essa ferramenta. Mas se você não achar necessário mudar a cor do céu para contar sua história, não precisa. Então, vamos começar com essa foto. Olha essa foto. Essa é a aparência crua dessa foto. Você pode notar que ele tem uma aparência meio pálida e também que não há uma alta faixa dinâmica de cores no céu Portanto, essa aparência carece profundidade em termos de cinematografia Portanto, devemos corrigir isso para que essa imagem pareça profissional. Então, vou mostrar um exemplo que eu criei não é o mesmo do videoclipe, mas também é muito bom. Então, preste atenção em quão dramática é a diferença. Assim, você pode até sentir a distância entre a última nuvem no horizonte e o personagem. Eu não adicionei esse tipo de correção de cores ao videoclipe porque tive que adicionar um efeito especial ali. Quero dizer, a explosão nuclear. Portanto, as condições de explosão são diferentes em termos de iluminação. A cena inteira deveria estar completamente iluminada e totalmente queimada pela Mas se verificarmos a última foto antes da explosão aqui, essa, por exemplo, essa, você pode notar que o céu tem essa correção de cor de uma forma sutil. Na verdade, podemos acessar o painel de controle do efeito. E verifique se tem o efeito do pôr do sol. Mas, como eu disse, em termos de narrativa, esse videoclipe era diferente Eu queria criar um efeito da Segunda Guerra Mundial. Portanto, o videoclipe teve que ser exagerado em termos de cor Então essa é a razão pela qual estou usando outro exemplo, outra correção de cores para mostrar como usar isso e o efeito de filtro que na verdade é chamado de filtro de pôr do sol. Mas há uma diferença notável entre a imagem do videoclipe e a filmagem bruta aqui Então, no exemplo que estou usando aqui, eu exagerei o efeito de cor para mostrar como usá-lo Por outro lado, tente lembrar que uma boa cinematografia depende de vários fatores E um desses fatores é a correção de cores. Portanto, você também deve cuidar do equilíbrio e da iluminação. Então, vamos começar, o que vou fazer primeiro, vamos ajustar os níveis em termos de iluminação. Então, vou usar o mesmo clipe. Vou limpar o efeito do pôr do sol aqui no efeito do painel de controle e vou trabalhar no efeito de nível. Então, aqui temos o nível da suíte Boris, mas também há outro efeito de nível da estreia do DoV, então você pode usar o que quiser A propósito, não estou movendo muitos detalhes dos níveis. Estou apenas ajustando os níveis de escuridão a partir da linha de entrada preta Estou apenas movendo essa falha para a direita onde você pode notar que há um contraste adequado na imagem. Eu acho que isso é muito bom. Lembre-se do que vimos na última lição com os telescópios de metrô leu precisamos testar os níveis para melhorar a faixa dinâmica das cores Então, o seguinte é adicionar o efeito do pôr do sol aqui. Assim, você pode perceber que a configuração da dobra é como Marte. Não precisamos disso, então devemos modificar as configurações para criar a aparência que queremos. Eu acho que esse plugin não é tão difícil de usar, você sabe, os critérios são a coisa mais importante quando se trata de modificar esses parâmetros Então, o que esse plugin realmente faz é adicionar uma espécie de filtro de faixa tripla O plugin divide a imagem em três faixas horizontais. Portanto, esta moldura que você vê aqui é a área afetada pelo gin azul. Então esta é a faixa superior aqui que é meio vermelha que você pode ver aqui No meio há uma faixa laranja e, na parte inferior, uma faixa amarela Portanto, para cada faixa, você pode alterar a cor e a intensidade Então, vamos começar com a intensidade. Você pode notar a diferença, você sabe, e a intensidade do amarelo e do laranja. Também podemos mudar a cor para esse azul. Perceba a diferença. Isso é amarelo. E podemos mudar a faixa superior para azul. Como você quiser, você pode realmente experimentar movendo esses parâmetros, você sabe. Foi isso que eu lhe disse: se você já viu pinturas rupestres e pinturas renascentistas, pinturas realistas, pode reunir fontes de inspiração suficientes para modificar melhor esses parâmetros Por exemplo, vou mover o céu para cores azuis claras e perceber que parece bem interessante. Vou aumentar a intensidade da carga. E observe a diferença. Parece muito bom. Mas como o sol está em cores mais escuras, podemos mover essa faixa para as cores vermelhas E você pode notar o quão fantástico é esse signo porque, na verdade, quando o sol está molhado, fica assim, uma espécie de marrom, marrom mais escuro Acho que em termos de alta faixa dinâmica, há uma grande diferença entre a imagem bruta e a imagem com esse filtro. É simplesmente um plugin incrível. Você não precisa de um monitor de dois mil dólares para criar uma ótima correção de cores. Mas usando corretamente esses plug-ins, você pode obter um resultado profissional. Além disso, é preciso lembrar que, mesmo no mesmo trabalho, nem sempre a iluminação é a mesma. Quero dizer, existem vários estágios à luz do dia. A tarde, por exemplo, tem uma quantidade específica de luz, uma quantidade específica de cores, e também o pôr do sol é diferente, o pôr do sol é diferente. Você deve levar em consideração todos esses fatores quando se trata de adicionar. Esse filtro, esse filtro de pôr do sol. Por exemplo, aqui, no videoclipe, há tons diferentes nos céus. Nessa etapa do vídeo, a história se passa à tarde, por exemplo. Portanto, a cor do céu está saturada para representar essa quantidade de luz. Quero dizer, nesta parte da história é totalmente tarde. Então você pode observar o céu, e o céu azul está ali. Nos filhos superiores, essa primeira faixa é azul Mas quando estamos chegando, a manhã é diferente, fica mais dessaturada e esse gradiente é menos estressante. É mais sutil. Você pode notar que aqui é muito verde, mas um verde sutil. Há outro detalhe importante sobre essa técnica você pode misturar esse azul com máscaras. Quer dizer, você pode criar uma máscara em uma zona específica dentro do quadro, afetando apenas essa parte da foto. Então, vamos ver um exemplo com a imagem em que estamos trabalhando. Se quisermos mudar apenas a cor do céu, podemos criar uma máscara aqui. Então vamos para o azul, que é esse, esse. Você clica na caneta e criamos a máscara sobre o lugar que queremos. Então, ponto por ponto, você criará a máscara. Mas o problema com esse processo é quando você quer mudar drasticamente a cor do céu. A diferença entre a cor do céu e o resto da imagem vai parecer um pouco estranha. Portanto, a correção de cores que você está fazendo no céu deve ser sutil o suficiente para evitar que o espectador perceba a correção de cores. Então, tente mover todos esses parâmetros, a pena, a expansão na máscara para torná-la real e fazer com que pareça natural O céu deve se misturar com o resto da imagem. Por exemplo, aqui, o efeito do pôr do sol está afetando apenas o céu, mas a borda abaixo não está inativa Portanto, devemos tentar difundir essa fronteira. Às vezes parece muito fácil, mas às vezes não, porque tudo depende do tipo de correção de cor você vai colocar no s, que você vai colocar no s, em toda a área abaixo. Eu sempre digo que correção de cores é experimentação. Às vezes, pode parecer melhor fazer uma máscara que afeta o céu. Acho que este é um dos blue gins mais importantes desta suíte Boris Mas tudo depende das decisões por trás do uso desse plugin. Quer dizer, o problema não é o quão complicado é usar esse plugin. O truque está em selecionar o melhor tom para o céu. Quer dizer, existem filmes dos anos 70 e 80 que têm melhor cinematografia e correção de cores do que alguns Porque talvez naquele filme dos anos 80, eles estejam usando o filtro mais adequado, realçando melhor a cor do céu Claro, não aplicando nada digital. Quantos filmes você assistiu Netflix ou alguma plataforma com uma correção de cores horrível E eles têm todos os plug-ins e muito mais, mas não estão tomando as decisões certas por trás do uso deles. Seja realçando a beleza natural da paisagem ou adicionando um toque dramático à eosina Essa ferramenta nos permite expressar nossa visão de maneira impressionante e eficaz. Outro exemplo de como a correção da cor do céu pode melhorar a eosina é encontrado no filme Jangle dirigido por Especificamente nessas cenas em que os personagens viajam a cavalo, uma correção de cores é usada como se fossem os filtros, exatamente o mesmo efeito gerado pelo pôr do sol b lougin da Você pode ver que parece muito bom e é bem parecido com o que estávamos fazendo. Então, ao dominar as técnicas de correção da cor do céu com Boris fx, expandimos ou criamos incêndios como criadores de campo e contadores de histórias, que nos permite levar nossas produções a a Espero que você tenha achado esta lição informativa e inspiradora, e eu o encorajo a continuar explorando e experimentando as ferramentas de correção de cores para descobrir novas maneiras de dar vida aos seus projetos cinematográficos até a próxima aula. 11. Como restaurar filmagens com pouca exposição: Olá, pessoal. Nesta lição, vamos explorar estratégias eficazes para recuperação e filmagens escuras durante o processo de edição Freqüentemente, o vento contraria situações em que a filmagem não tem exposição adequada, seja devido a condições de iluminação inadequadas ou a configurações inadequadas da câmera Mas não se preocupe. Com as ferramentas certas e uma boa técnica de edição, ainda podemos obter resultados impressionantes. No cinema, a técnica de reduzir o contraste em pecados sombrios é comumente usada para garantir que as ações sejam claramente visíveis para o público. Quando uma cena é ambientada em condições de pouca luz, como uma mesa ou interiores com pouca iluminação, é crucial manter a clareza visual para que o público possa acompanhar a narrativa acompanhar Assim, ao suavizar o contraste e levantar as sombras, obtém-se uma imagem mais uniforme, na qual detalhes importantes não se perdem na Isso é especialmente importante em cenas de ação e suspense, onde cada movimento e gesto dos personagens pode ter um impacto significativo na trama Mas eu vou te mostrar um exemplo sobre isso. No filme Terminator two, especificamente na cena em que Sarah Connors dirige em direção à casa de Miles Dyson Os cineastas optam por usar a redução de contraste para garantir clareza visual em meio ao crepúsculo Essa decisão foi crucial para manter a extensão Aliens e garantir que as ações de Sarah Connor fossem facilmente visíveis na escuridão do facilmente visíveis na escuridão do Ao suavizar o contraste, movimentos e os gestos de Sarah foram destacados, intensificando a sensação de perigo e urgência Esta é uma aplicação estratégica de redução de contraste, demonstra como os cineastas podem usar técnicas visuais para aprimorar a narrativa e criar uma experiência mais envolvente e emocionante Hoje, vamos nos concentrar em usar os vários plug-ins de redução de ruído, correção de cores adequada e a edição inteligente para salvar essas imagens escuras Mas vamos ver como fazer isso na estreia da Adobe. Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia B. Lembre-se de que é mais importante evitar esse tipo de problema, você sabe. Devemos cuidar dos detalhes de iluminação das configurações da câmera evitando também esse tipo de problema. Quero dizer, essa questão de forçar a imagem, forçar uma foto a atingir uma exposição que a foto realmente não tem, sempre será um tipo de problema, você sabe. Mas vamos supor que você estivesse tomando muito cuidado com esses detalhes. Mas, apesar disso, esse problema surge. Portanto, o primeiro passo é estar ciente da natureza de uma foto subexposta. Então, vamos usar essa foto como exemplo. Mesmo que essa foto realmente pareça ótima, pelo menos em termos de iluminação, em termos de equilíbrio e cor. Na verdade, eu diria que ele foi criado exatamente no momento de inatividade. Quero dizer, a luz é perfeita. Parece ótimo. Apesar disso, a câmera não estava configurada corretamente. Como consequência, ruído é criado nessas áreas escuras, como você pode notar na tela. E isso se deve ao fato de que a câmera está se esforçando para capturar a luz Então, esses detalhes da fase se perdem no escuro. Então, sob essas condições, não poderemos definir essa foto com a iluminação que essa outra foto tem. Essa outra foto foi criada corretamente. E o mais interessante é que podemos fazer com que essa foto pareça com a foto subexposta. Por exemplo, vou mover os níveis da foto para coincidir com os outros em termos de iluminação aqui. Vou apagar a luz diretamente nesta faixa. Exatamente. Na verdade, eu posso torná-lo ainda mais escuro E mesmo que tenha sido criado em condições mais claras, podemos encontrar essa aparência movendo os níveis Vou concentrar os pretos nesta foto para combinar com a outra Eu vou percorrer essa faixa aqui. Estou exagerando um pouco. Precisamos de um pouco menos por aqui. Dessa forma. Perfeito. Agora você pode notar que essas duas imagens compartilham a mesma aparência em termos de iluminação. Mas com a diferença que essa foto tem mais alcance dinâmico em termos de iluminação, devido ao fato de ter sido criada com as configurações corretas da câmera. Mas o problema é que, nesta foto, eu não sou capaz de fazer o processo oposto. Quer dizer, vou tentar aumentar a luz nesta foto. Eu vou para o efeito do painel de controle e vou adicionar uma cor lumetri para aumentar, por exemplo, a exposição aqui Perf. Aqui mesmo. Assim, por exemplo. Depois de aumentar a luz nesse tipo de foto, você notará muitos grãos nas áreas escuras. Deixe-me aproximar o monitor. Acho que você pode notar o grão facilmente. E eu não estou dando a foto como a outra, você sabe. Na verdade, se você prestar atenção nessa zona próxima ao ombro, poderá notar o processo de compressão nas áreas escuras. Então, vamos fazer a comparação novamente. Olha essa foto. E veja isso, outro. Não é a mesma coisa, não é? Portanto, se você quiser resolver um pouco esse problema de granulação, poderá usar um plugue de redução de ruído. Então eu vou para a respectiva lixeira aqui e restauro imagens da suíte para meninos, e vou selecionar esse plugin de redução de ruído. Portanto, esse plug-in de redução de ruído terá um tipo de configuração padrão que reduzirá significativamente o ruído na imagem. Você pode notar, por exemplo, nas bochechas, esses pequenos detalhes Vou desativar esse plug-in, para que você possa notar a diferença Esse é um bom exemplo, que é mostrado nas bochechas Por outro lado, no plugin, você encontrará vários parâmetros. Mas o que eu recomendo fortemente que você use é este, suavização espacial Portanto, desde que você aumente a quantidade de suavização espacial, o plug-in removerá o ruído Mas quando você atingir os níveis superiores, começará a perceber outra coisa. E é aí que o plugin vai começar a sintetizar a imagem Quer dizer, à medida que eu aumento esse parâmetro, você vai notar menos detalhes no rosto, por exemplo. Por exemplo, quanto mais eu reduzir o grão, menos detalhes serão vistos na imagem. Então, na verdade, parece que a imagem perdeu a resolução, como quando você configura o player Tu para baixa resolução. Então, basicamente, em cada redutor de ruído, você perderá a resolução Não importa qual marca seja, todas trabalham sob o mesmo princípio. Mas, por outro lado, você tem outras possibilidades de evitar que o público perceba isso. Uma dessas estratégias é encurtar a duração desses clipes Quero dizer, se você misturar essa cena com outras, com melhores condições de gravação, é provável que o público não perceba esse tipo de problema. Por exemplo, ao ouvir o videoclipe, a imagem passa rapidamente. Então você não consegue perceber detalhes, você sabe. Então eu acho essa estratégia muito boa, mas você deve levar em conta que você precisa outras fotos bem gravadas para complementar a edição, você sabe. Mas há outra estratégia que é tentar justificar o uso desse tipo de iluminação Então, eu vou desligar todos esses plugins aqui. Então você vai tentar justificar na edição da montagem, o uso dessa imagem escura Então você pode ver aqui na intra na intra do videoclipe Eu coloquei todas essas imagens subexpostas. Tentando não matá-los demais. E como eu não conseguia aumentar a iluminação nesses clipes , decidi usá-los quase na natureza bruta Então eu estava tentando criar uma espécie de penugem, você sabe, juntando essas fotos e adicionando aquela imagem do sol correndo no horizonte. Então, como consequência, quando as pessoas se depararem com essa sequência, elas não se perguntarão por que essas imagens parecem tão escuras, porque isso é completamente justificado. Na verdade, se essas fotos tivessem sido gravadas corretamente, eu ainda teria que escurecê-las para construir o nascer do sol. E, por fim, quando se trata de usar esse tipo de imagem, você deve levantar um pouco o ponto escuro do feto Quer dizer, você pode notar aqui, por exemplo, no colete que eu aumentei os tons de preto, um pouco para torná-los perceptíveis Quero dizer, da mesma forma que fizeram naquela cena do Exterminador do Futuro, com um lado em direção à casa de Mel Dyson Então você vai aumentar em níveis o parâmetro preto de saída. Então, em resumo, recuperar o Futage escuro e editar pode parecer uma criança Mas com as estratégias certas, podemos alcançar resultados impressionantes. Use ferramentas como barras de redução de ruído, conecte correção de cores adequada e a edição inteligente para resgatar as imagens expostas e dar vida a elas em seu projeto. Com a prática e os pacientes, você estará pronto para criar vídeos visuais de apedrejamento, independentemente das condições iniciais de iluminação Espero que esta lição tenha sido útil e que você se sinta inspirado a aplicar essas estratégias em seu próprio projeto de edição de vídeo até a próxima vez. A 12. Como melhorar o visual cinematográfico das filmagens de drone: Ok. Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia de Dobby Desta vez, você abordará o problema da filmagem do drone Como você pode ver, é uma imagem desenhada que está se movendo entre os edifícios. E eu ousaria dizer que imagem como essa parece poderosa, porque é apenas o fato de o drone viajando entre os edifícios de Nova York que faz a imagem passar para o próximo nível Quero dizer, seria gravado com um smartphone e também ficaria ótimo. E essa é a razão pela qual enfatizo que o que você está filmando, o que você está capturando com sua câmera, é muito importante quando se trata de fazer filmes Além disso, é a soma de vários fatores que faz com que seu vídeo passe para o próximo nível. Quer dizer, desde que você esteja aprimorando pequenos detalhes, esses detalhes levarão seu vídeo para o próximo nível. Então, vamos começar então. Portanto, a primeira coisa a abordar neste vídeo é estar ciente da qualidade dessa filmagem Então, esta tomada, este clipe é um vídeo stock. E uma das principais características dos vídeos stock é que maioria deles não é filmada com dispositivos de alta qualidade E essa também é a razão pela qual você não pode pagar por eles. Quero dizer, se fosse uma gravação de um drone de alta qualidade, talvez um único vídeo desse tambor provavelmente atraísse mil ou dois mil doadores E isso não seria um projeto de baixo orçamento. Quer dizer, uma das principais características dos tambores de alta qualidade é que você pode instalar câmeras de alta qualidade neles. Quero dizer, o dragão vermelho, por exemplo, ou o Sonny FX three Na verdade, são câmeras especializadas para trabalhar em bateria. Quer dizer, a câmera fica em uma espécie de almofada ou base conectada à aeronave E isso permite que você instale uma lente de alta qualidade, por exemplo, capturando assim uma paisagem de alta qualidade E a razão pela qual eles custam muito é porque nem todo mundo é capaz de manusear esses dispositivos para pilotar esse tipo de aeronave. Quero dizer, você precisa de treinamento, qualificações, certificações oficiais, etc. Sem falar que você também precisa de uma licença e autorização, etc E isso tem um impacto significativo no seu orçamento. Na verdade, no outro vídeo da história do soldado, eu queria alugar um drone de alta qualidade, mas isso estava fora do meu alcance. Então, vamos começar fazendo uma comparação entre a qualidade da imagem do drone e a qualidade da câmera que usamos para gravar o vídeo. Então, se você tivesse feito o outro curso, você sabe que usamos uma lente fotográfica, suponha uma lente que varia de 35 milímetros a 17 milímetros Então, aqui temos dois clipes, duas amostras. Eu diria que o primeiro exemplo é de 50 milímetros, e este outro, obviamente, de 17 Então, tente imaginar que você pode instalar essa câmera em um drone, e a futagem do seu drone ficará assim Seria incrível, na verdade. Porque devido à distância focal, todos esses efeitos aparecem na tela. Quero dizer, a janela é azul, mas você pode mudar o azul e deixar o prédio no fundo desfocado Portanto, essa característica de uma câmera profissional, esse recurso não está disponível em drones de médio alcance, pois todos eles possuem uma câmera incorporada que facilita a gravação de vídeo durante o voo Além disso, o tamanho do drone é importante nesses termos. Os drones de médio alcance são menores, obviamente. Então, podemos fazer a comparação. Vamos ver a outra imagem. Neste caso, você pode notar a diferença. A quantidade de detalhes no plano de fundo dos edifícios não é a mesma da árvore FX. Eu sei que um usuário comum e o público comum provavelmente não perceberão isso. Mas acho que a distância focal, o foco e o desfoque são significativos nessa comparação Por exemplo, neste clipe da câmera FX tree, você pode observar que, no fundo, você pode observar uma parte da cidade. Mas essa parte da cidade está um pouco fora de foco. É um efeito sutil, mas existe e é o subproduto do uso de lentes profissionais Você pode notar que a janela está focada, mas o plano de fundo não está, pelo menos menos focado do que a janela. E isso cria um efeito cinematográfico na filmagem. Na verdade, na medida em que os edifícios estão mais distantes, eles ficam mais desfocados Mas aqui na imagem desenhada, as condições são diferentes. A câmera simplesmente focaliza tudo dentro do quadro Esse recurso específico está sempre presente em vídeos não profissionais. Na verdade, é uma grande diferença porque há uma distância significativa entre os edifícios próximos ao drone e os edifícios ao fundo. Então, o que estou tentando ensinar nesta lição é como ocultar esse recurso. A estratégia para criar esse efeito não é tão difícil. Mas é uma estratégia importante que você deve conhecer para levar seu vídeo ao próximo nível. O resultado que queremos alcançar é esse. Aqui neste exemplo, o plano de fundo está fora de foco. É um foco aplicado forma sutil para criar esse efeito de lente profissional. Por exemplo, preste atenção naquele arranha-céu ao fundo, o prédio Crisle, preste atenção em como ele está fora de foco e tente fazer a comparação com os prédios próximos à câmera, perto Então, o que temos que fazer é manter os edifícios nas laterais completamente focados, e os do fundo, focados. Eu sei que você pode notar que existe uma espécie de correção de cores, mas a coisa mais importante desta vez esta imagem é a questão do foco. Então, como podemos resolver isso? Como podemos corrigir isso adicionando uma máscara simplesmente azul. Então, vou clicar aqui no efeito correspondente no painel de controle do feed, e aí está você. Essa é a máscara. Tudo dentro dessa máscara está fora de foco. Portanto, o desfoque está afetando uma zona específica dentro do quadro E o que é esse? Tudo o que está depois disso é construído, e você pode notar que a máscara se adapta ao drone que viaja Isso é muito importante porque, à medida que o drone se aproxima dos edifícios, edifícios mudam em termos de tamanho. Mas preste atenção, não estou tentando dizer que essa é a aparência exata de uma câmera profissional da árvore FX, por exemplo. Porque com uma lente profissional, por exemplo, o prédio ao fundo, o Chrysler, estaria mais fora de foco do que os prédios próximos a esses dois grandes prédios próximos à Quero dizer, isso seria a progressão do foco de uma lente profissional Mas ao adicionar esse efeito, podemos tentar atingir esse nível, você sabe, pelo menos de um ponto de vista geral. Então, vamos começar, vamos procurar o desfoque gaussiano Vamos procurar que o gaussiano seja. Na verdade, o bean é chamado de desfoque e a nitidez é um efeito que pertence à configuração do A suíte or também tem seu próprio desfoque. Mas vamos usar isso porque é mais fácil de usar e mais prático. Então, adicionamos esse efeito ao clipe e vamos mover esse parâmetro até aqui para aumentar a quantidade de gripe na imagem. Então você pode notar a diferença. Vou assumir na imagem, para que você possa notar melhor a diferença. É muito importante lembrar que você deve ter boas referências porque deve tentar descobrir qual é exatamente a quantidade de gripe necessária para melhorar essa imagem. Estou brincando com esse ventilador para que você perceba a diferença, mas você vai encarar isso em seus próprios trabalhos, sabe, na medida em que assiste muitos filmes com paisagens, com lentes de alta qualidade, que vão descobrir e reconhecer como deveria ficar mais azul no fundo, por exemplo Mas vamos nos concentrar e o que queremos fazer é tentar desfocar o fundo Depois desses dois edifícios. Acho que aqui mesmo, o azul é perfeito Você poderia dizer que pode adicionar um pouco mais, mas não pode. Porque, na verdade, os dois edifícios nas laterais estão totalmente focados. Portanto, no fundo, não deveria haver um dramático desfoco, pelo menos naqueles pequenos edifícios depois desses dois edifícios, incluindo a rua. Mas se fosse outro caso em que, por exemplo, aqui, essa janela aparecesse perto da câmera. As condições são diferentes porque a distância entre a janela e o fundo é maior. Então, se fosse nesse caso, a quantidade de piso deveria ser maior. Mas como esse não é o caso, a quantidade de flúor que devemos adicionar não é tão drástica Então, depois de selecionar a quantidade adequada de flúor, devemos criar a máscara Então, clicamos nessa panela aqui e vamos criar a máscara passo a passo. Portanto, devemos tentar seguir o prédio H a fronteira, para seguir a linha aqui a partir deste ponto. Em seguida, seguimos para o próximo ponto. E aí está você , a máscara inteira. Selecionamos em segundo plano. Em seguida, devemos ativar o caminho da máscara, aqui a automação. aqui, e já temos o quadro-chave na linha de automação. Então, já temos uma aproximação de sua aparência. Vou ativar a máscara. Quero dizer, o polígono, e vou aumentar a quantidade de flúor, que você possa notar mais Obviamente, estou exagerando na quantidade de flúor, mas o que eu quero que você note é que há uma diferença entre os edifícios nos locais e o fundo, Portanto, outro elemento importante é definir a quantidade de penas para que a máscara se misture com a imagem Por aqui. Mas, obviamente, devemos diminuir a quantidade de isca no fundo Não é tão natural. Eu acho que o ponto exato não é muito. Não é 17, definitivamente. Eu acho que é uma espécie de 12. Por aqui. Mas eu insisto que é um pouco subjetivo Se você acha que fica melhor com mais azul, fique à vontade para tomar suas próprias decisões Todas são decisões criativas, você sabe. Agora vamos clicar na máscara novamente e devemos tentar criar a linha de automação porque o prédio está mudando de tamanho enquanto o drone está entrando, você sabe. Então, vamos para outro ponto e modificamos a máscara seguindo a borda dos edifícios. Portanto, a borda dos edifícios é o guia para fazer isso corretamente em cada ponto. Preste atenção ao que estamos fazendo aqui porque estamos tomando decisões que não estão relacionadas à sofisticação do software. Quero dizer, existem muitos softwares que têm esse tipo de efeito, um mais azul, depois de x, diving, cheese, sonny Vegas Portanto, o truque é selecionar qual é o efeito mais adequado para sua filmagem e até mesmo a estratégia mais adequada para melhorar as cores e a aparência da sua filmagem Então, estamos seguindo a criação da máscara. Devemos ter paciência, seguindo as linhas, acompanhando a idade do prédio, tentando não ultrapassar demais os prédios. A propósito, você tem o parâmetro feather para fazer com que a máscara se misture com a imagem Portanto, não se preocupe muito para ser preciso. Você não precisava ser exato com isso. Perfeito. Vamos ver como é o movimento da máscara. Eu acho isso muito bom. Mas acho que precisamos de mais um quadro-chave no início aqui. Então, vamos ver como é o movimento da máscara. Parece muito bom. Além disso, a quantidade de isca parece muito boa. É importante lembrar que, quando as pessoas estiverem assistindo ao vídeo, a maioria delas pensará que é a mesma câmera o tempo todo. Portanto, se você adicionar elementos ao seu futuro em sua edição, isso fará com que as pessoas acreditem que estão contemplando as mesmas imagens em termos de qualidade A experiência de assistir ao vídeo será mais gravadora e enriquecedora. Então, voltando a essa imagem, você pode modificar esse parâmetro, a quantidade de flúor Você pode escolher a quantidade de uri um. Tudo depende do seu estilo, sua percepção, das suas fontes de inspiração também. Para mim, o seu aqui em 15 é mais do que suficiente. Lembre-se de que somente o fato de o fundo estar desfocado levará sua filmagem para o próximo nível, porque você está adicionando uma aparência cinematográfica significativa à sua foto Sinta-se à vontade para experimentar. Na verdade, você pode adicionar essa estratégia a outras fotos, não necessariamente a fotos de drones. Se você tirar uma foto, por exemplo, de uma paisagem, poderá melhorar a aparência dessa foto usando essa estratégia. Então, vejo você na próxima lição. 13. Como remover o cintilamento: Olá, pessoal. Estamos aqui novamente na estreia da AB O que vamos fazer nesta lição é aprender como remover a cintilação E o que é a cintilação? Então, preste atenção. Às vezes, quando estamos criando cenas como essa, quando estamos na presença de luzes artificiais como aquelas luzes nos prédios, especialmente à noite e no final do dia, devemos estar cientes da luz e da própria natureza. Então acontece que às vezes a câmera de filme, por exemplo, ou a que você está usando, consegue detectar as luzes da cidade. Não é contínuo. E o que isso significa? Normalmente, as luzes da rua, as lâmpadas das casas, edifícios, etc., funcionam com os pulsos de luz que o olho humano pode detectar Mas a câmera sim. Portanto, se o obturador da câmera não estiver configurado adequadamente, a câmera detectará o ato e o tornará visível na gravação Então, aqui na foto, você pode notar a cintilação nas luzes Quero dizer, nesse contexto, sabe? Então, idealmente, isso não deveria acontecer. Mas quando você trabalha em condições de aposta baixa, às vezes você simplesmente se esquece de ajustar a câmera de uma certa maneira. A, na verdade, eu gravei essa cena. Então, essas coisas acontecem e devemos consertá-las. Por outro lado, tente não se estressar muito com isso , porque às vezes as pessoas não prestam atenção a essa cintilação, você Às vezes, eles acham que faz parte do ambiente da natureza luminosa, etc Mas eu insisto, tente prestar atenção nas configurações da câmera, porque às vezes essa cintilação é muito difícil Então, o que você deve fazer é duplicar esse clipe duas vezes E então você vai sobrepor o primeiro clipe com esses dois novos clipes como se fossem o mesmo clipe três vezes, como um sanduíche, como um sanduíche, Então, você vai se aproximar na linha do tempo até chegar aos quadros Você vai chegar o mais perto que puder. Então, você notará que, ao chegar ao topo, poderá se mover de um quadro para outro. Então, o que você vai fazer é mover esse clipe que está acima do primeiro quadro para frente dessa forma aqui. E você colocará o outro clipe também um quadro à frente. Vou duplicar novamente esse segundo clipe, e você vai colocar esse outro clipe, um quadro à frente desse segundo clipe Então, aqui você pode notar que essa pequena escada de clipes dura apenas dois quadros A etapa a seguir é que, neste segundo clipe, você abrirá o efeito do painel de controle e moverá o parâmetro de opacidade aqui para 50% Aproximadamente, você não precisa ser exato. E com o terceiro clipe, você fará exatamente o mesmo. Vamos agora ver o resultado. Mas vamos verificar novamente, qual era a quantidade de licor no início Vou desativar esses dois clipes aqui, e pronto É assim que a cintilação é sem nada. Preste atenção em todos os detalhes nos prédios, nos cães aqui, em todas essas janelas aqui e também no deslizamento da ponte na ponte. Quero dizer, tente prestar muita atenção ao notar a diferença. Agora vou ativar esses dois clipes, vou verificar o resultado E você pode notar que, embora não tenha sido completamente removido, parece muito melhor, você sabe. Pelo menos nos prédios , está quase completamente removido, sabe? Então, eu diria que essa técnica suaviza a cintilação, mas não elimina completamente Vou desativar esses dois clipes novamente, que você possa notar a diferença Vou ativá-los novamente. E esse é o resultado. Acho que em termos de remover essa cintilação, parece ótimo Quer dizer, parece bom o suficiente para mim, e acho que a foto vem tão perfeita quanto o normal, sabe? O único problema que você pode encontrar ao fazer isso é que, se você perceber quando os atores estão em movimento, há uma espécie de trilha que os cerca. E, obviamente, isso se deve ao fato que existem várias camadas sobrepostas Mas quando eles colocam aquela grade ali e ficam estáticos, esse tipo de trilha não é mais visível, sabe? E eu te mostrei isso porque haverá ocasiões em que essa técnica será mais adequada do que outras. Mas eu diria que há uma cintilação de aço na foto E se você realmente quiser removê-lo completamente, siga a etapa a seguir. Então, digamos que o que queremos dessa cena dessa sequência é aquele momento em que os atores estão apoiados na grade Portanto, nesse caso, você deve fazer o seguinte. Você deve clicar neste botão aqui para apoiar uma moldura a partir desse exato momento. E depois de clicar nesse botão, automaticamente uma espécie de foto ou aço será armazenada no projeto, você poderá encontrá-la no ser principal do projeto. Então, vou procurar esse quadro aqui e arrastá-lo para a linha do tempo Perfeito. A ideia é colocar essa foto em cima do resto dos clipes e expandir a foto por toda a sequência dessa forma Como se fosse mais um clipe, você sabe, devemos ter certeza de que estamos no ponto exato em que queremos. Vou desativar isso e vou avançar até aqui Portanto, se você prestar atenção com cuidado na foto, poderá notar que há uma grande parte da estrutura que, na verdade, é de aço. Quero dizer aquela parte da cidade. E as seções seriam a água que está em movimento. E também os atores atuando que estão em movimento também um pouco, mas estão fazendo ações. Então, o que vamos fazer é ativar novamente esse quadro e retiraremos todas as seções do quadro que estão em movimento. Então, precisamos criar uma máscara de opacidade para acertar isso. Então, vou clicar aqui e começar a criar essa máscara. Não precisa ser nem um pouco perfeito. Só queremos criar uma seleção do espaço que queremos. E esse espaço é a cidade ao fundo, você sabe. Se você acha que a máscara está entrando na água, por exemplo, podemos mover o parâmetro de expansão para diminuir um pouco a máscara. Assim. Você também pode mover a pena como quiser Lembre-se de que é um recurso importante da máscara. Agora vamos ver o resultado. Vou expandir o monitor do programa aqui novamente. Agora você pode notar que não há nenhuma flor no fundo Assim, você pode notar que a imagem é visualmente perfeita, pelo menos em termos de cintilação Você pode observar os carros ali. E eu diria que há apenas um único detalhe aqui nesta parte dos documentos. Assim, podemos mover a máscara para cobrir esse espaço. Acho que precisamos expandir um pouco mais essa parte da máscara. Sim, vou expandir um pouco mais na máscara. Aqui novamente. E podemos mover esse ponto. Um pouco embaixo assim. Perfeito. E aí está você. Você tem uma foto totalmente adequada dessa cintilação. Eu acho que essa é uma ótima maneira de consertar isso. Eu acho que realmente parece ótimo. Pelo menos bom o suficiente para mim. Mas eu recomendo fortemente que você tente evitar esses problemas desde o início, você sabe, desde o tiroteio. Por outro lado, você deve levar em conta que para corrigir esse tipo de disparo, os tiros devem ter certas condições. Em uma dessas condições o fundo ou o espaço que está piscando é imóvel Então, vou mostrar os resultados passo a passo. É assim que fica com as duas camadas. Vou desativar essas duas camadas. Isso sem remover a cintilação. Você pode notar toda a cintilação ali, e eu vou ativar essas camadas novamente Então está em suas mãos, essa decisão. Se você quiser usar as camadas, se quiser usar uma estrutura de aço, mas deve prestar muita atenção aos detalhes que estão em movimento. Quero dizer, tente não tocar nessas partes da moldura. Além disso, você também pode eliminar esses dois clipes e usar somente a moldura superior E eu diria que isso é exatamente o mesmo. Tudo depende da natureza da cena, você sabe, quero dizer, já que o papel que queremos é esse, onde os atores estão no mesmo lugar, quase aço. Então, nessas ocasiões, você poderá fixar o fundo, criando uma estrutura de aço. Bem, até agora tudo bem. Coloque tudo isso em prática e nos vemos na próxima lição. 14. Plugin Boris Beauty: Perfeito. Estamos aqui novamente no Adobe Premiere Estamos aqui para aprender a usar o Beauty studio, uma ferramenta de efeito Boris para suavizar a da pele e melhorar a aparência do rosto na tela Quer dizer, essa ferramenta é útil para aquelas ocasiões em que a maquiagem não é aplicada corretamente. Além disso, esse plugin também é útil para reduzir os atores. Na verdade, eu vi ao longo dos anos que esses tipos de plug-ins são usados em publicidade, você sabe. Então, vou usar desta vez, esses dois clipes, essas duas imagens, vídeos com duas iluminações diferentes E esse exemplo é excelente porque na data da filmagem, ela está com um pouco de acne naquele dia. Seu rosto estava um pouco irritado. Quero dizer, isso não foi uma fuga crítica, sabe? Então, vou usar esses dois exemplos, como eu disse com iluminações diferentes, porque a beleza de Boris reagirá de forma diferente sob essas duas circunstâncias diferentes E eu acho que isso é muito importante porque você vai estar ciente como é importante se preocupar com a iluminação. E, basicamente, porque quanto melhor a iluminação, mais detalhes a câmera capturará. Então, vou começar por essa imagem. Esta é uma filmagem em câmera lenta. Ele foi criado com 60 quadros por segundo e definiu uma velocidade de 50%. Então, no geral, ela está ótima. Ela não tem nada de errado na interface. Mas você pode notar que, no rosto dela, há alguns pontos, alguns detalhes, pequenas sombras que são o subproduto da interação entre a iluminação e a natureza irregular do esquema E acontece também que, geralmente, nas filmagens, à medida que as filmagens avançam, a maquiagem se difunde, desaparece com o passar das horas do dia Então, pelo menos, você tem um maquiador prestando atenção a esses detalhes cada segundo da filmagem. Você não conseguirá obter um resultado perfeito relacionado a esse tipo de coisa. Então, o que tivemos que fazer foi ir para a pasta de correção de vídeo e depois para esta, restauração de imagem e selecionar o plug-in do Beauty Studio. Vou arrastá-lo para a linha do tempo aqui e ali está você Então, vou ativar o plug-in aqui porque o estúdio de beleza tem uma espécie de configuração padrão que fixa a imagem automaticamente. Então, vou supor um pouco no monitor. Mas preste atenção, não me interprete mal. Isso não é, de jeito nenhum, uma cirurgia plástica. Este plugue apenas melhora a aparência da pele. Então eu vou ativá-lo. Preste atenção na parte superior do rosto ao redor dos olhos, na testa, na parte superior das bochechas Toda essa seção aqui está suavizada. Mas essa é uma diferença sutil, e é por isso que é muito importante começar porque é sutil. Então , vou fechar o monitor aqui e aumentar vários parâmetros do plugue. Por aqui, o valor principal até este ponto, os menores detalhes. Além disso, todos esses parâmetros estão detectando detalhes no rosto Na verdade, podemos ativar esse parâmetro aqui, a qualidade precisa e definir os níveis de detalhes para cinco. Então, vou desativar esse plug-in novamente antes de abrir o monitor do programa. Aí está você. Essa é a aparência crua da filmagem e preste atenção na diferença Com esta configuração está mais estressado do que antes. E a razão pela qual está suavizando a parte superior do rosto é porque essa área é mais iluminada do que as Você pode ver que, no estado bruto, existem imperfeições aqui, e quando você ativa isso, e quando você ativa isso, essas imperfeições Mas mesmo que estejamos melhorando a aparência da pele por aqui. Acho que não é tão perceptível porque, nesta ocasião, aquele vídeo tem uma espécie de iluminação do pôr do sol, não é tão iluminado Então, vou passar para o outro exemplo, este aqui, que é basicamente gravado ao meio-dia. Acho que foi de manhã, na verdade. Mas nesta outra foto, você pode notar mais a pequena erupção nas bochechas Então, vou aplicar o mesmo plugue aqui. Vou arrastá-lo para o clipe e você notará a configuração padrão na tela. Você pode notar a diferença. Acho que é mais perceptível com este exemplo. Mas vou aumentar os parâmetros aqui. Quer dizer, tudo o que eu fiz no exemplo anterior, o valor principal até aqui, os pequenos detalhes até aqui, os pequenos detalhes. Aqui nesta seção abaixo, os níveis de qualidade são precisos e os detalhes chegam a cinco. Aqui, você realmente notará essa diferença incrível A pele dela parece perfeita. E eu vou desativar esse bluin aqui para que você possa notar a diferença. ' uma diferença dramática. E essa diferença se deve a dois motivos principais. Em primeiro lugar, a iluminação, a iluminação permite que a imagem obtenha mais detalhes. Portanto, o estúdio de beleza tem mais informações com as quais trabalhar. E o segundo motivo é a resolução da imagem. Por outro lado, você deve prestar atenção aos outros detalhes. Você pode notar que esse plugin Boris está afetando todo o quadro Portanto, a cor desse prédio no fundo é afetada pelo plugin Boris Quero dizer, o plugin não está reconhecendo rostos em todo o quadro Então, talvez se você tiver várias faces na tela, acho que a melhor opção seja deixar as barras conectadas afetarem toda a moldura. Mas, nesse caso, estamos perdendo detalhes sobre o plano de fundo. Portanto, se você não quiser perder detalhes e outras seções da moldura, você deve criar uma máscara sobre a seção que deseja corrigir, e essa seção obviamente é a face. Então, vou criar uma máscara ao redor do rosto da garota. E a máscara não precisa ser perfeita. Quero dizer, você só precisa cercar o rosto, a cabeça com a máscara Na verdade, se você tiver várias fases na tela, poderá criar várias máscaras também para melhorá-las separadamente. Então, agora o efeito do corpo está afetando apenas essa fase. O mais importante é que como a máscara não precisa ser perfeita, você pode criar a trilha de automação, e essa tarefa não é tão difícil, você sabe, porque você não precisava seguir uma forma perfeita na tela. Então você pode notar aqui que o efeito do corpo não está mais afetando o fundo, apenas a fase da menina. Eu acho que ela fica muito bem com esses bluegins muito profissionais Outra coisa importante sobre esse resultado é que ele parece real. Acho que não faz sentido quando você está tentando consertar esse tipo de coisa nos E o resultado é meio exagerado, sabe? Quero dizer, com a queda das mídias sociais, pessoas ao redor do mundo conseguem perceber esse tipo de filtro, você sabe. Portanto, estar na sela é uma das coisas mais importantes quando se trata de melhorar a aparência do rosto Portanto, leve tudo isso em consideração e até a próxima aula. 15. Look cinematográfico Lumetri Tint: Olá, pessoal. Como você está? Espero que esta lição seja boa para você. Nesta lição, exploraremos como a cor verde pode ser usada para obter uma aparência mais cinematográfica em nosso trabalho Freqüentemente, as câmeras de filme têm uma tendência natural de capturar tons verdes nas imagens. Isso se deve à sensibilidade espectral da câmera e a outros fatores técnicos Mas como podemos aproveitar isso a nosso favor? Quando se trata de filmagem, câmeras de filme são projetadas com diferentes características de sensibilidade espectral Algumas câmeras capturam mais luz na parte do espectro correspondente à cor verde. Como resultado, as imagens podem ter uma predominância de tons verdes. Além disso, filtros e lentes usados na cinematografia podem iluminar tons de verde nas imagens Isso pode ser intencional para obter efeitos estéticos específicos ou pode ser uma característica inerente de certos equipamentos ópticos Outro tópico importante é que a iluminação natural e artificial no filme e no ambiente também pode influenciar o tom das imagens. Em muitas ocasiões, ambientes externos naturais têm uma abundância de tons de verde, o que pode contribuir ainda mais para a presença da cor nas imagens. Por outro lado, durante o processamento do filme e a posterior digitalização, certas mudanças na cor podem estar acordo com os fatores técnicos Esses processos podem influenciar a ressecção final da cor da imagem, acentuando ou atenuando certos tons a ressecção final da cor da imagem, acentuando ou atenuando certos tons, incluindo verdes. Em resumo, o domínio da cor verde nas imagens cinematográficas pode ser aproveitado como uma ferramenta criativa para obter uma aparência mais distinta e cinematográfica Ao entender esses fatores que contribuem para essa característica, podemos usar efetivamente a cor verde para aprimorar a estética visual de nossas produções Esse efeito pode ser ainda mais acentuado durante a correção de cores na pós-produção, nos dá a oportunidade de criar um estilo visual único e memorial em nossos filmes Então, certamente, aqui estão dois exemplos de filmes cuja aparência de cores tende para a tela devido a essas características que eu não havia mencionado antes Primeiro de tudo, a matriz. Este filme é conhecido por seu estilo visual distinto, com uma paleta de cores dominada por tons de verde Esse efeito foi obtido por meio do uso de filtros de cor verde durante filmagens em cuidadosa manipulação de cores na pós-produção Portanto, a estética verde da matriz contribui para sua atmosfera futurista distópica ajudando a estabelecer o tom visual único do filme Outro exemplo disso é o filme sete sete , outro filme que usa efetivamente a cor verde para criar uma atmosfera sombria e opressiva A cinematografia do filme apresenta uma tendência para tons verdes, obtidos por meio de filtros de iluminação e processamento de filmes Esse uso da cor verde contribui para a sensação de tensão que permeia todo o filme, complementando perfeitamente seu tema sombrio e sinistro Esses dois exemplos destacam como as cores verdes podem ser usadas de forma criativa para influenciar a atmosfera e a aparência visual do filme Vamos agora à estreia dupla para ver como fazer isso corretamente na produção de chefes Olá, pessoal. O que vamos fazer nesta lição? Vamos aprender como usar o parâmetro de tonalidade na cor limérica Geralmente, o parâmetro de tonalidade é usado para adicionar um toque cinematográfico à correção de cores Por exemplo, aqui no videoclipe, você pode notar que há uma espécie de véu verde que cobre cada cena No primeiro volume, mencionei que a fonte de inspiração para criar essa cinematografia nessa correção de cores foi o filme Dunkirk Então você pode notar todas aquelas pedras no céu que estão voltadas para o verde. E aqui neste exemplo, você pode notar que o céu também se parece com isso. Mas essa atmosfera verde não está afetando apenas o céu, mas também o resto da imagem. Então, o que eu quero mostrar é como resolver isso corretamente. Então você pode ver aqui que ele tem uma aparência cinematográfica, voltada para as cores verdes, mas vou adicionar esse efeito novamente para mostrar como fazê-lo Então, nessa cor métrica, você vai para o parâmetro de tonalidade. Você vai começar a mover esse parâmetro em direção aos tons que você deseja. E o motivo pelo qual eu recomendo que você use esse parâmetro é que na medida em que você move apenas o parâmetro de tonalidade, você não estragará toda a correção de cores que criou E também aquela faixa dinâmica que você alcançou até agora. Portanto, preste atenção a essa foto. Vou deletar a tonalidade aqui. Nesta cor lumetri. Então você pode notar a diferença. Vou eliminar esse efeito e vou adicioná-lo novamente. Agora, vou para o parâmetro de tonalidade aqui e vou reduzir esse favor um pouco aqui, e aí está você Você tem um véu verde sobre o quadro sobre a foto, sem distorcer a correção de cores, sem prejudicar a Claro, esse véu pode parecer exagerado assim. Vamos analisar a diferença novamente. É bem diferente. Mas aqui, há outra opção, uma configuração mais sutil. Portanto, o problema é que, quando você começa a editar, começa explorar todos os plug-ins nas ferramentas de correção de cores. Portanto, se você não souber como adicionar uma atmosfera colorida adequadamente, acabará adicionando azul após a conexão, sem saber de nada. Então, um dos erros que você vai cometer no começo é esse. Vou desativar tudo isso para mostrar este exemplo Aqui você pode ver a imagem bruta. E nessa chamada de controle de imagem, você pode encontrar esse efeito chamado equilíbrio de cores. E talvez você esteja usando isso porque os nomes dos gins azuis estão relacionados à correção de cores. E então você move a pista verde assim. Então você vai se deparar com esse resultado de amor. Então, pelo menos, você quer criar um efeito como se houvesse uma espécie de névoa verde ou criar um efeito que o ar esteja poluído com alguma substância verde, por exemplo, você não vai acertar na correção de cores dunker E mesmo se você estiver alterando os parâmetros de nível, a foto terá a mesma aparência. Portanto, eu recomendo fortemente que você veja isso como um exemplo para evitar uma correção de cores inadequada. Não estou dizendo que você não deve usar o equilíbrio de cores dessa forma. Mas é preciso estar ciente faixa dinâmica da correção de cores antes de adicionar uma atmosfera geral que afete toda a imagem. Então, a maneira certa de acertar essa correção de cores é o que criamos até agora. Então, vou ativar toda a correção de cores adequada. E você pode notar aqui nos osciloscópios Lumetri que a faixa dinâmica está sentindo todo o Então, tente usar todas essas ferramentas, tente colocar tudo isso em prática e na UTI na próxima lição 16. Filmagem de bomba nuclear: Perfeito. Estamos aqui novamente no Premier, o que vamos fazer desta vez. Vamos criar um novo efeito visual. Então você sabe que parte da estratégia que usei para criar esse videoclipe foi a montagem Então, o que vamos fazer é uma mistura de edição com correção de cores e pintura fosca. Vamos nos concentrar neste, onde o soldado está contemplando a explosão, e ele queria se concentrar nesta desta vez, porque uma vez que você domine isso, você será capaz de dominar o resto Então eu acho que uma das coisas mais importantes é a montagem. Quer dizer, eu estava lhe dizendo em outra lição que para criar esse tipo de efeito, era necessário juntar fotos de curta duração. Evitando assim que o espectador perceba demais a qualidade dos efeitos visuais, sabe? Então, eu queria usar esse também porque já trabalhamos nisso em uma lição anterior. Então, vou começar lembrando que o que vamos usar para criar esse efeito nesta foto é um vídeo stock Portanto, selecionar a correta é uma das coisas mais importantes quando se trata criar efeitos com essa estratégia. Portanto, devemos estudar detalhadamente a natureza da foto que vamos aplicar no efeito visual. Então, eu vou te mostrar o vídeo stock. Você pode notar que existe a marca d'água padrão. Portanto, você deve encontrar o mais adequado em seu provedor de vídeos de estoque. E é muito bom porque eles permitem que você experimente, teste em baixa resolução, é claro, antes de pagar por isso. Então, eu vou te mostrar como mixar esse vídeo stock com suas filmagens para criar esses efeitos visuais da explosão da bomba nuclear Então, vou trabalhar com essa prévia de ações porque é uma espécie de proxy. Tem baixa resolução, sabe? Portanto, o primeiro assunto a ser abordado é qual foi o critério para selecionar este vídeo stock. E o primeiro critério foi que foi uma explosão em um deserto. Então, como nossa história se passa em um deserto, este vídeo é adequado. Por outro lado, outra coisa importante são aquelas montanhas ao fundo. Quer dizer, se formos à foto que criamos, você pode notar que há montanhas no fundo também próximas ao horizonte. Então, quando estávamos procurando aquele vídeo stock, esse detalhe foi muito importante para nós. E você pode notar também que isso não é um deserto qualquer. Quero dizer, é um deserto simples. Portanto, depois de encontrar o vídeo stock mais adequado, você deve experimentá-lo com os modos brandos Os modos brandos são, na verdade, modos de opacidade. Você encontrará todos eles aqui no efeito do painel de controle na efeito do painel de controle na intpacity. Vou clicar aqui. E eu vou procurá-lo aqui, aqui mesmo. Funciona de forma bastante semelhante aos modos de mesclagem no photoshop. E, basicamente, eles ajudarão você a misturar as camadas, as cores das camadas de uma forma especial. E eu ensino essa estratégia porque nem sempre é necessário criar efeitos visuais completos do zero. Na verdade, hoje existem ferramentas de IA, serviços de IA fornecedores de IA que criam vídeos stock para você com os elementos de que você precisa para o seu projeto. Então você pode ver aqui que estou alterando as opções nos modos de mesclagem. Portanto, o objetivo é encontrar o mais adequado para esse caso. E devemos tentar encontrar um modo específico que limpe o plano de fundo Vou experimentá-los um por um. Eu acho que esse é muito interessante. Então, depois de encontrar uma aproximação de modo, devemos alterar o tamanho da imagem Quero confirmar que seu modo é adequado ao que você precisa. Então, vou mover todos esses parâmetros pouco a pouco. Para que combine com o plano de fundo. Temos vários pontos de referência como o horizonte, também a superfície em que a explosão está acontecendo. Eles são todos pontos de referência. Além disso, devemos levar em consideração o tamanho. Qual é o tamanho exato que essa explosão deve ter para ser posicionada. Portanto, os últimos passos ao tentar posicionar a bomba nuclear são os mais importantes porque são muito sutis Por exemplo, quando me aproximo da bomba nuclear no horizonte, acho que fica melhor do meu ponto de vista. Porque parece que a explosão está acontecendo mais longe. E essa é a razão pela qual você deve recorrer a pinturas rupestres, pinturas renascentistas Como você pode ver nesta pintura em nuvem, os elementos que estão mais distantes são os que estão mais próximos do horizonte Portanto, é exatamente o mesmo princípio aqui. Assim, podemos experimentar outros modos como esse, por exemplo. Na verdade, este é muito mais adequado, mas podemos experimentar o resto dos modos porque você deve levar em conta que a explosão implica um processo, um processo no qual a explosão parecerá mais brilhante, por exemplo Também depende da natureza da correção de cores que você vai usar. Este exemplo não tem a mesma correção de cores do videoclipe. Portanto, há considerações importantes ao selecionar o modo mais adequado. Então você pode ver aqui que o exemplo do videoclipe é mais brilhante e um pouco mais saturado Mas não se confunda neste momento , pois ainda faltam várias etapas. Quer dizer, durante todo o processo, você pode mudar o modo sempre que quiser. Além disso, você deve se lembrar de que você deve adicionar efeito à futagem de fundo Quero dizer, a imagem com o soldado e o deserto. E uma vez que você adiciona efeito em cada modo, isso vai mudar. Mas digamos que essa opção seja a melhor, a mais adequada para nós neste momento. Portanto, devemos tentar criar a imagem de fundo. Quer dizer, a imagem solar com o deserto coincide com a da bomba nuclear pelo menos em termos de iluminação. Então eu vou para o efeito B e estou procurando a caixa de correção de cores e vou selecionar a cor liumétrica OK. Vamos mover o parâmetro de exposição. Passo a passo, pouco a pouco, para combiná-lo com uma bomba nuclear. Mas preste atenção nisso, pois depois de mover esse parâmetro, o modo mudará. Quer dizer, mesmo que o modo selecionado afetado fosse adequado no início. Talvez, no que diz respeito ao vídeo de fundo, percebamos que esse não era o modo mais apropriado Mas você deve prestar atenção, pois talvez o modo seja adequado para uma parte específica do quadro. Por exemplo, esse modo faz com que a explosão pareça ótima. Mas talvez o problema sejam as fronteiras em torno da explosão. Então, devemos tentar consertar isso. Podemos fazer isso criando uma máscara, exemplo, que corta apenas a explosão. Então, vou até o parâmetro de opacidade e vou criar uma máscara Vou isolar a explosão. Não precisa ser perfeito porque vamos usar o resto dos parâmetros. Quero dizer, a pena, a expansão, etc. Então, você pode notar aqui que parece muito melhor porque luz da explosão se mistura com o fundo Agora, a etapa a seguir é fazer com que o vídeo de fundo pareça ainda mais semelhante ao vídeo nuclear E para fazer isso, vamos criar outra máscara ao redor da explosão, mas no vídeo de fundo, e devemos tentar nos aproximar das bordas da explosão. Quanto mais perto você puder. atender pacientes com esse estágio. Você deve criar quantos pontos precisar. Além disso, você deve clicar na caixa invertida na máscara. Agora você pode notar que ambos têm quase a mesma quantidade de luz. Mas vamos continuar criando a máscara. Devemos tentar acompanhar as eras de explosão o máximo que pudermos. Como eu disse, tente ser paciente, passo a passo, aproveite qualquer ponto. Agora vamos aumentar o parâmetro de temperatura na imagem de fundo no vídeo de fundo aqui. Depois de criarmos essas máscaras, é hora de jogar mais uma vez com os modos. Então, vamos mudar o modo suave mais uma vez para encontrar o mais adequado para nossa composição Então, vou mudar para essa tela. Eu acho esse muito bom. Parece incrível. Acho que a luz parece muito mais incandescente Mas podemos tentar outro para testar outro modo. Por exemplo, esse. Isso não tem nada a ver com o que estamos fazendo. Esse outro também não é bom. Vamos ver essa sobreposição. Essa é realmente ótima porque você pode até notar que a cor das montanhas por trás da explosão combina com as montanhas na imagem de fundo. Então, finalmente, devemos adicionar um último elemento. E esse elemento é uma espécie de g, um brilho geral que deveria estar no céu, e vamos criar isso no vídeo de fundo Então, para adicionar esse globo, vamos criar outra máscara. Vamos adicionar uma cor lumétrica ao vídeo de fundo Pressionamos a caneta e criamos essa máscara. Deixe-me mencionar que essa máscara não precisa ser perfeita. Na verdade, pode ser uma espécie de máscara irregular. Perfeito. E a razão pela qual isso não precisa ser perfeito é devido à natureza do céu. Quero dizer, há nuvens por lá. E essas nuvens são completamente irregulares em termos de forma. Portanto, esse brilho deve seguir esse recurso. Então, o que vamos fazer agora é determinar qual é o momento exato em que esse brilho vai começar e terminar Assim, podemos revisar o videoclipe. No videoclipe, você pode notar que a explosão segue vários estágios. O primeiro estágio é esse tipo de brilho, essa explosão de luz Quero dizer, você pode notar aqui neste primeiro vídeo stock, que a explosão começa com essa explosão de luz. Então, devemos seguir esse processo, sabe? Então, na foto, estamos trabalhando com isso, acontece da mesma forma. Então, tivemos que criar uma espécie de linha de automação para criar essa explosão de luz e depois diminuí-la. Então vamos para a máscara que criamos e vamos para a cor luminosa, e vamos mover o parâmetro de exposição Você deve prestar atenção a isso porque, ao mover a exposição, você também deve mover a pena nas bordas para misturá-la com o fundo Mas você deve levar em conta que não criamos o rastreamento da explosão nuclear Quero dizer, a explosão se move no vídeo de fundo. Não deveria se mover. Era para ficar com o vídeo de fundo, você sabe. Mas ainda não vou difundir todas as bordas. Quero dizer, eu quero que você note a presença dessa máscara. Então você pode notar a diferença. Se eu mover o cursor, essa camada que mascara, ela aparece e se mistura com o fundo de forma lenta e suave Mas até agora tudo bem. Não se preocupe, por enquanto, vamos deixar esta lição aqui e continuaremos na próxima com o rastreamento do movimento da colisão 17. Rastreamento de bomba nuclear: Olá, de novo. Estamos aqui novamente para continuar editando esse efeito visual. Portanto, a etapa a seguir é estabilizar a imagem de fundo Quero dizer, a foto que criamos no tiroteio em que o soldado está pensando em uma explosão Portanto, antes de adicionar o estabilizador de rap, precisamos aninhar esse clipe Então, clicamos com o botão direito do mouse. E clicamos em um ninho para criar essa subsequência. Portanto, a razão pela qual precisamos aninhar esse clipe é porque o estabilizador de envoltório exige que o clipe corresponda ao tamanho do quadro da sequência Então, depois de aninhar o clipe, a subsequência corresponderá ao tamanho do quadro da sequência com a qual você está trabalhando Portanto, a etapa a seguir é selecionar o trecho exato dessa sequência aninhada Lembre-se de que precisamos apenas de uma pequena parte desse clipe. Lembre-se de que isso fazia parte da estratégia para criar esse tipo de efeito visual. Então, vou espremer essa subsequência Para selecionar essa pequena parte, acho que essa parte é exatamente o que precisamos Além disso, se você escolher apenas uma pequena parte do clipe, o software levará menos tempo para estabilizar a foto Então eu vou para a pasta de defeitos e vou para a distorção M e vou arrastar esse estabilizador rápido para dentro Por aqui. V já está estabilizado. Então, a partir deste momento , é mais fácil criar o rastreamento para a explosão da bomba. Quero dizer, agora há apenas um movimento para cima e para baixo, mas a vibração desapareceu. E isso é crucial porque quanto menos movimento a foto abaixo tiver, mais fácil será adaptar o vídeo da explosão a ela. Portanto, você pode usar a ferramenta de rastreamento automático para corrigir isso. Tanto o After Effects quanto o Adobe Premier têm essa ferramenta. Mas isso nem sempre dá o melhor resultado. Portanto, para obter o resultado exato que você deseja, eu recomendo que você pense efeitos visuais desde o início do projeto. Quero dizer, do tiroteio em si. Você pode notar que o vídeo em que o soldado está é quase estático para facilitar a incorporação desse efeito visual Mas, a propósito, para entender como o rastreamento automático funciona, podemos usar como exemplo os efeitos aqui. Então, vou desativar a camada de colisão. E vou criar uma espécie de máscara no vídeo dos soldados. Então, nesse penhasco, vou ver esse efeito de cor lumétrica e vou criar uma máscara Isso é só um exemplo. Então, vou criar uma máscara irregular aqui. Então, por exemplo, você pode notar que essa máscara se move irregularmente ao redor do soldado Quero dizer, não é perfeito. Ele se move porque o tiro também se move. Portanto, nesse caso, o rastreamento seria usado para manter a máscara na posição exata que queremos durante o clipe. Então, se colocarmos o cursor, por exemplo, especificamente neste ponto, e clicarmos aqui em reproduzir, o software criará um caminho automático que a máscara seguirá ao longo do clipe para tentar manter a máscara nessa posição exata. O problema com isso é que o resultado nem sempre é exato e, às vezes, torna tudo mais complicado. Então você pode ver a automação aqui. Você pode notar que ele tem imperfeições difíceis de reparar porque há muitos quadros-chave para E às vezes, mesmo quando a imagem está estabilizada, erros de rastreamento são gerados, complicando o resultado final Então essa é a razão pela qual, embora desde o início tenhamos pensado em efeitos visuais, quero dizer, a partir da direção, vamos fazer o rastreamento manualmente. Então, vamos a esses efeitos de contrabando. Vamos desativar esse caminho de automação e esse efeito também Vou habilitar novamente essa camada de bomba nuclear e vou tentar encontrar um momento específico em que o Nuk pareça na posição exata, na posição perfeita Lembre-se do que eu disse que o Nuk deveria estar perto do filho para fazê-lo parecer mais distante Acho que esse exato momento é perfeito. Então, vou clicar aqui na posição para criar o quadro-chave e vou estudar detalhadamente a imagem. Vamos procurar esses pequenos detalhes na imagem de fundo que podemos usar como ponto de referência para manter o vídeo do Nuk na mesma posição Assim, você pode notar que, à medida que o clipe avança, o Nuk desce. Portanto, devemos tentar colocá-lo de volta na mesma posição. Então, esse segundo quadro-chave é conseguir isso. Então, devemos continuar analisando o movimento da imagem. Por exemplo, você pode notar que apenas criando dois quadros-chave, o movimento de colisão segue completamente o vídeo de fundo Algo que não pareceria totalmente correto ao rastrear. Portanto, usar esse método requer muita paciência, mas o resultado é muito melhor. Então, vamos continuar descobrindo qual é a posição exata desse terceiro quadro-chave Acho que eu deveria aumentar um pouco mais. Até aqui. Lembre-se de que a lacuna entre um enquadramento chave e outro é quase como se fosse uma automação E como eu te disse, isso não vai ser tão difícil porque o vídeo de fundo não está tão abalado, sabe? Perfeito. Parece ótimo. Agora, vou criar os outros quadros-chave. Quero dizer, aqueles que deveriam estar antes do primeiro. Direto nesta parte. Preste atenção a esses detalhes na superfície do deserto. Eu os sigo sempre para levar a bomba nuclear para o lugar certo Preste atenção nessa parte porque a imagem de fundo está se movendo um pouco para a esquerda. Portanto, devemos seguir esse movimento também. Então, você sempre vai passar muito tempo fazendo esse tipo de caminho. E essa é a razão pela qual os efeitos visuais demoram muito para serem produzidos. Portanto, não se apresse se colocar um quadro-chave errado, o que você precisa fazer é retirá-lo e depois voltar ao ponto que está tentando corrigir. Na verdade, acho isso como desenhar. Quando você está desenhando, você faz algumas linhas e depois as desenha. E então você volta para a parte que está tentando retratar em sua tela Você pode ver na tela que estamos nos aproximando do resultado que queremos passo a passo, pouco a pouco, com muitos pacientes Acho que vou guiar alguns quadros-chave até aqui. Eu vou consertar esse aqui. E acho que, do jeito que está, parece ótimo. Você pode sentir o desenvolvimento da explosão. É quase perfeito. Eu vou continuar consertando isso. Há outro detalhe que devemos corrigir nesse efeito visual, que é a máscara de iluminação que criamos aqui no vídeo de fundo. Criamos uma espécie de máscara que produz luz, essa. O problema é que essa máscara deveria ser tão de aço quanto você Devemos tentar consertá-la no caminho da automação. Preste atenção que estou usando como ponto de referência a cabeça do soldado para manter a máscara na mesma posição. Então, consertamos essa luz agora. A etapa a seguir é selecionar a parte exata que queremos desses clipes Quero dizer, o trecho desse efeito visual. Vale lembrar que a estratégia é juntar várias partes do vídeo para criar toda a sequência da bomba nuclear. Mas antes de cortar esse clipe, você deve levar em consideração que ele está estabilizado Portanto, você precisa aninhar o clipe novamente antes de cortá-lo. Caso contrário, você estará destruindo todo o processo de estabilização Estragando assim também todo o trabalho que fizemos na automação da bomba nuclear Então, aninhamos o clipe novamente, renomeamos e, seguida, estamos prontos para recortar esse clipe novamente Então, esse efeito visual nuclear já foi criado. Na verdade, podemos adicionar um recurso extra a esse efeito visual. E isso é que, devido à distância entre o soldado e a bomba nuclear, a bomba deve parecer mais embaçada Quero dizer, um pouco mais fora de foco. Por exemplo, vamos ver a imagem bruta em detalhes. Quero dizer, a imagem da bomba nuclear aqui. Você pode notar que a imagem está realmente desfocada. Mas neste vídeo, a explosão está mais próxima da câmera. Então, não deveria estar tão fora de foco, você sabe. Mas aqui, a explosão está mais distante. Então, para melhorar esse efeito, podemos adicionar esse desfoque extra aqui Vamos até o desfoque de cálcio e o arrastamos para a camada da bomba nuclear Assim, podemos brincar com a quantidade de isca. Você pode ver aqui o resultado movendo esse parâmetro. Eu acho que isso aqui parece ótimo. Aí está você. O efeito da bomba nuclear realmente parece melhor do que o que eu usei no videoclipe. Acho que é devido à correção de cores, na verdade. Essa correção de cores é melhor. Lembre-se também de que, como estou usando esse vídeo stock de baixa resolução, ao exportar um arquivo, o sistema usará o vídeo original, o vídeo de quatro K. Muito obrigado e nos vemos nas próximas aulas. OK. 18. Impacto de mísseis: Perfeito. Desta vez, você vai analisar essa cena em que esses mísseis caem Então, é basicamente o mesmo processo. Com a diferença de que esse é ainda mais fácil. Quer dizer, essas explosões que você vê na tela são vídeos perfurados e preparados para serem incorporados a uma Quero dizer, você não precisa fazer um esforço extra para esses vídeos combinem com o plano de fundo. E tudo o que você precisa fazer em relação a essas explosões é corrigir as cores, basicamente Seguindo as etapas que aprendemos nas lições anteriores com uma bomba nuclear, você será capaz de detectar essas explosões menores E essa é a razão pela qual abordei esses efeitos visuais editando a bomba nuclear, basicamente. Por exemplo, vamos analisar o efeito do painel de controle aqui, e você pode notar que não estou usando modos de mesclagem para fazer essas explosões menores combinem com o plano de fundo Portanto, usando uma correção de cores adequada, você pode definir os efeitos visuais. Então, acho que a chave está na imagem de fundo. Quero dizer, aquele vídeo do deserto. Contanto que esse vídeo mantenha o aço em segundo plano, você conseguirá criar esse tipo de efeito visual. Mas não me interpretem mal. Não estou dizendo que o vídeo de fundo deveria ser totalmente de aço. Mas ao invés disso, é movimento, deveria ser suave o suficiente para facilitar essa composição visual, sabe? Então, eu estabilizei esse vídeo de fundo. Onde o soldado está correndo pelo deserto para eliminar aquelas pequenas vibrações que são completamente prejudiciais para criar uma decomposição adequada Outro detalhe importante na decomposição das unhas é prestar atenção ao personagem e aos efeitos visuais Quero dizer, você deve tentar não sobrepor o personagem ao efeito visual Quero dizer, o personagem está correndo pela parte inferior e as explosões estão localizadas no tamanho superior Mas eu diria que a coisa mais importante nesta lição é o míssil Esses mísseis que caem e produzem aquelas pequenas Então, vou procurar se minha imagem é um arquivo PND. De um míssil. Eu acho que você pode encontrar esse tipo de imagem navegando na Internet O que você precisa é de um arquivo de P&D como este aqui. Você pode notar que o fundo está vazio, então você pode arrastar essas imagens para este software da maneira que quiser. E vou usar como exemplo sequência que criamos com o vampiro nuclear Então, vou adicionar esse míssil aqui aleatoriamente. Não pretendo criar efeitos do míssil produzindo aquela explosão nuclear. De jeito nenhum. O que eu quero mostrar é como criar esse tipo de efeito. Então você pode ver a imagem do míssil que está perfurada. Você pode ver o míssil e também o fundo Então, a primeira coisa que devo fazer é mudar a direção horizontal na imagem porque quero que o míssil vá em direção à explosão Então, vou procurar o respeito. Aqui, virar horizontalmente e, em seguida, inserir a raquete neste clipe Perfeito. Você pode ver que a ponta do míssil está apontando para a explosão A etapa a seguir é analisar qual é o tamanho exato que o messile deveria representar e que está caindo no deserto Mas você pode notar isso mesmo que eu esteja me movendo e distorcendo o tamanho do míssil É uma perspectiva que a natureza não combina com a viagem que queremos criar. Portanto, devemos distorcer a aparência do míssil para criar outro ponto de vista no Então vamos para essa pasta aqui em perspectiva, e eu vou selecionar essas três básicas aqui, e vou arrastá-las para este míssil Então, no efeito do painel contrário, vamos mover o parâmetro Swivel para cá Com essa roda. E você pode notar que estou mudando a perspectiva do objeto. E isso é muito importante quando se trata de criar esse tipo de efeito, porque essa bagunça deveria ter uma viagem por esse deserto Portanto, na medida em que se move em direção ao horizonte, supõe-se que a bagunça mude em termos de forma Então, o que o gin azul faz é mudar a forma do míssil para que corresponda à perspectiva que queremos Então, vou definir os dois pontos da viagem. Quero dizer, o ponto exato no deserto onde a bagunça vai cair. Então, vamos supor que a bagunça comece aqui, fora da moldura, e então ele entre na moldura e depois se esmague aqui mesmo Por exemplo, aqui. Então você pode notar que eu mudei a posição no tamanho do míssil E agora você pode ver como o míssil voa para o quadro como se estivesse engatado no quadro E você pode aumentar o tamanho do míssil no início para torná-lo mais dramático Agora você pode notar que é como se o míssil estivesse passando ao nosso lado A seguinte coisa que eu acrescentaria é mudar a cor do míssil Quero dizer, desse ponto de vista, somos contra a luz. Então, o míssil deveria ser mais escuro. Além disso, transformar esse míssil em ajuda aos efeitos visuais parece convincente Então, podemos simplesmente usar o parâmetro de baixa exposição aqui. E esse objeto vai ficar preto. Mas tudo depende da correção de cores do quadro geral da foto fúnebre Não estou usando a explosão nuclear como exemplo porque está muito longe Quero dizer, você não deveria ver um erro a essa distância Não é plausível. O míssil deveria ter um tamanho proporcional a essa explosão Quero dizer, se fosse esse caso, você sabe. Então eu usei exatamente essa técnica aqui. Nós incorporamos esses mísseis aqui. Eles são quase imperceptíveis, mas estão lá. E, na verdade, esses pequenos detalhes são aqueles que levam seus projetos para o próximo nível. Portanto, devemos tentar não subestimar esse tipo de detalhe Portanto, eu recomendo fortemente que você se concentre em composições visuais de composição em vez de efeitos visuais, porque, na verdade, você pode encontrar qualquer efeito visual na Internet Então, o desafio será incorporar esses efeitos visuais em seus projetos. Então, vejo você na próxima lição. 19. Revivimento de tiro: Perfeito. Nesta lição, abordaremos a questão do tiro, que é ainda mais fácil do que tudo o que criamos até agora Então, basicamente, esses tiros são essenciais para a ação. Efeitos visuais em um fundo vazio que podemos usar para criar esse tipo de cena, sabe? Então o que eu fiz foi colocar esse tiro no cano da arma, você sabe, aqui Há quatro tiros, e eu incorporei esse tiro quatro vezes. Portanto, o tiro é tão rápido que você não precisa criar uma faixa, nem manual nem automática Acho que uma das coisas mais importantes para criar esse efeito é a atuação do ator. Quando você está disparando uma arma, o tiro deve empurrá-lo um pouco para trás Supõe-se que exerça alguma pressão em suas mãos. Portanto, o desempenho do ator deve criar esse efeito para retratar esse efeito Mas voltando a esses efeitos visuais, neste caso, eu uso um pouco dos três D básicos, já que a arma está apontada para o céu Então eu distorço a perspectiva no tiro e na rotação também Você pode ver que a foto original está apontada para o lado direito Você pode ver isso aqui. Então eu tive que mudar a rotação em direção ao céu. Um segundo está apontando para o céu. Então eu acho que não é tão complicado, você sabe, é muito simples. É um dos efeitos mais simples de adicionar a um projeto. Mas, na verdade, acho que essa simplicidade muito recente faz com que maioria dos cineastas não consiga identificar o tipo de efeitos porque, na medida em que acham que é fácil, eles subestimam alguns detalhes que são importantes para que esse tiro pareça E esses detalhes são a perspectiva e o tamanho do tiro, a cena em si deve ser realista, autêntica. E mesmo que seja um absurdo disparar um avião de combate do chão, a ação em si deve ser clara e real o suficiente para envolver o público Portanto, criar essa composição não é tão difícil quanto fizemos no exemplo da bomba nuclear. Eu diria que a coisa mais importante relacionada a isso é a correção de cores. Se voltarmos ao efeito do painel de controle, você pode notar que ele adicionou pouco de cor de limão para distorcer a saturação do tiro Então, vamos revisar se o parâmetro de saturação está em 48º e o valor padrão é 100 Então, como a foto inteira, toda a composição está dessaturada, o tiro deveria ser Por outro lado, há algumas coisas que acontecem aleatoriamente nas filmagens que podem melhorar a aparência de seus efeitos visuais Por exemplo, você pode notar aqui no relógio que há uma espécie de brilho, um brilho, que é o reflexo da luz do sol no Você pode aproveitar perfeitamente esse tipo de coisa porque é como se fosse uma espécie de reflexo do fogo de uma arma. Portanto, tente estar ciente da própria natureza da estrutura. Então, como você notou até agora, toda a composição visual aqui é um subproduto de todas essas estratégias Mas eu diria que a estratégia mais importante é fazer o espectador acreditar que seus efeitos visuais são coisas reais acontecendo na tela. Alcançar essa ordem no futuro é a coisa mais importante Eu insisto várias vezes neste exemplo, uma vez que você assista aquela foto real do Nuga, o resto das fotos também serão reais Portanto, seguindo e respeitando o processo de atenção do público, você terá mais chances de obter esse tipo de efeito de visita Portanto, tente colocar tudo isso em prática, preste atenção a cada detalhe e tenho certeza absoluta de que você conseguirá. Então, vejo você na próxima lição. 20. Como entender o quadro: Perfeito. Estamos aqui no Adobe Premiere O que vamos fazer desta vez é criar um tipo de design de som muito rápido e fácil de entender. Então, vamos usar como exemplo essa cena do videoclipe, Much Tiempo, que o piloto está prestes a ativar o detonador do foguete que você está assistindo na E então o foguete explode com a ogiva nuclear. Portanto, para ter uma compreensão abrangente disso, é necessário entender o tópico da camada. E qual é o tópico da camada? Quando digo camadas, estou me referindo ao fato de que cada elemento na moldura dentro da moldura está produzindo som. E o mais interessante sobre as lições a seguir que vamos criar essas camadas de som com todos os arquivos encontrados no efeito sonoro da Internet. E um ótimo lugar para encontrar som é o YouTube. Para criar seu próprio design de som, totalmente profissional. Mas há uma exceção que é a gravação da performance do ator, você sabe, mas vamos criar o resto dos elementos dentro do quadro com sons encontrados na Internet. Outra coisa importante relacionada às lições a seguir é que, ao final dessas aulas, revisaremos o mesmo design de som, mas criado no QVSe Não vou criar um design de som no Qvase. Vou criá-lo aqui no Adobe Premiere. Mas é para você ter uma compreensão sobre isso. Então, vamos começar. Portanto, a primeira coisa que você deve entender é a natureza da linha do tempo Você sabe que o lado superior é a seção de vídeo e o outro lado abaixo pertence à mixagem de som. Mas essa mesma seção de áudio abaixo é dividida em faixas da mesma forma que a seção de vídeo. Mas há uma diferença notável é que, quando você cria uma edição na parte superior da seção de vídeo, a camada que você deve colocar acima é a camada que ficará visível no monitor do programa dessa forma. Eu sei que você tem isso muito claro. Mas com o design de som com a seção de som, a seção de mixagem de áudio é bem diferente porque todas as faixas de áudio serão reproduzidas ao mesmo tempo. Quero dizer, isso é muito importante porque você deve sobrepor clipes de áudio durante Então, quando você sobrepõe áudio, é como se estivesse misturando videoclipes cuja opacidade está Eu já tenho outro curso de design de som focado apenas em design de som nesta plataforma. Você pode recorrer a isso se estiver interessado em se aprofundar nesse tópico, você sabe. Mas o que eu realmente quero neste momento é ensinar você a fazer isso forma fácil e profissional ao mesmo tempo, usando o AB premier Então, vamos começar analisando essa imagem desse quadro. Você pode notar que há um personagem, o piloto, interagindo com esse ambiente Com uma praia também com areia. Ele está meio que ativando esse dispositivo, o detonador, e também está ofegante neste momento Além disso, há esse foguete que está saindo do oceano, do mar, e então o foguete está voando pelo céu à distância, um ponto de vista distante que é muito importante levar em conta E então o piloto caminha lentamente em direção ao deserto, para contemplar a explosão, sabe? Então o piloto continua respirando e ofegando até o final dessa cena, você sabe E também, você deve se lembrar que aquele detonador está em contagem regressiva, e então a bomba explode Estou tentando listar esses detalhes porque queria que você entendesse qual é a natureza da moldura. Em termos de design de som porque você deve se lembrar que o design de som é um dispositivo narrativo em termos de narrativa em termos de produção cinematográfica Um dos principais objetivos dessas lições, especialmente desta lição, é fazer com que você entenda um dos erros mais comuns quando se trata de design de som. Mesmo no nível profissional, me deparei com esse problema muitas vezes na minha escola de cinema e até mesmo entre cineastas profissionais Portanto, quando se trata de criar design de som, você deve estar ciente da distância entre a câmera e o objeto que está produzindo o som. Supõe-se que a natureza desse som relacione essa distância. E o que quero dizer com isso, quando você assiste a esse quadro, essa foto é uma espécie de foto média. E você vai usar essas duas fotos na mesma cena. Você deve usar um ponto de vista diferente em termos de design de som. Quero dizer, nesse quadro, o personagem está mais longe e outro está mais perto Então, todos esses sons produzidos por esse personagem deveriam estar relacionados à natureza da moldura. Quero dizer, você pode ver que o personagem está manipulando o detonador Mas em algumas fotos, você pode ver o detonador mais longe, e essa é outra foto, o detonador está mais o detonador Então, a natureza sonora deve seguir esse padrão, sabe? Você não tem ideia de quantas vezes esse erro é cometido ao cometer. Mesmo em nível profissional. Por outro lado, você deve estar ciente do que realmente está acontecendo dentro do quadro. Se você notar na tela. Neste momento específico dessa unidade de ação, a C, as ondas não estão tocando completamente o personagem Quero dizer, há uma distância entre o personagem e as ondas. Então você deve representar todos esses detalhes no design de som para poder fazer isso corretamente, sabe? Por exemplo, nesta outra foto, você pode ver as ondas se aproximando Então você deve representar isso também naquele momento específico. Portanto, se você não conseguir detectar essas nuances quando se trata de criar um design de som, não conseguirá criar um design de som adequadamente. Estou usando essa parte específica do videoclipe porque não queria continuar com isso. Quero dizer, essa parte começa aqui. Ainda. Mas há uma parte anterior em que o personagem está agachado quase rastejando E você pode ver na tela que as ondas estão se envolvendo em seus braços, em suas mãos. Então, o que quero dizer é que os efeitos sonoros dessas pequenas ondas não deveriam ser os mesmos das fotos anteriores de um ponto de vista distante, a foto branca. Então, o público deve sentir a água mais perto aqui. Quer dizer, o objetivo principal é criar uma espécie de experiência imersiva ouvindo o design de som Então, quando se trata de criar design de som, existem apenas três maneiras de atingir essa distância. Quero dizer, aquela distância ou uma mistura que representa a distância entre a câmera e o objeto que está produzindo o som. Portanto, a primeira maneira seria prestar atenção ao momento em que você está gravando o und. Quero dizer, se você estiver gravando o som da praia. Você posicionará o dispositivo de gravação portátil a uma distância específica da praia. Portanto, o subproduto dessa gravação seria um ponto de vista específico da praia em termos de som A segunda maneira seria tentar recriar essa distância com reverberação Você também pode jogar com a quantidade de volume. E a terceira maneira seria encontrar o som exato na Internet. Então, eu vou te dar um exemplo. Vou abrir o navegador. Vou procurar um som no YouTube. Vou digitar aqui, efeito sonoro Oshan. E o navegador exibirá todos esses efeitos sonoros. Você pode tentar o que quiser. Podemos tentar, por exemplo, este aqui. É um efeito sonoro muito interessante. Você pode notar a distância entre a câmera, que seria o dispositivo de gravação e a praia, sabe? Então você deve tentar ser criativo com isso. Tente entender sua cena errada, seu próprio quadro, suas próprias fotos, a própria natureza de suas fotos. E você deve tentar procurar esses elementos, aqueles elementos sonoros que combinam com a imagem que você está exibindo em sua montagem Há outro aspecto muito importante quando se trata analisar o efeito sonoro adequado. E acontece que, por exemplo, quando você está gravando o som da praia, você também está capturando o som do ar Quero dizer, o som da praia é o som do ambiente. E esse ambiente inclui o ar. Quando você diz, eu estou me referindo ao vento, sabe? Então, vamos tentar outro tipo de som. Então eu estou digitando aqui efeito sonoro do lutador e o navegador vai exibir todas essas opções aqui Por exemplo, esse. É muito interessante. Portanto, esse é um caminho para encontrar os efeitos sonoros exatos e adequados para sua montagem e design de som Portanto, prepare-se para a lição a seguir quando começar a criar o design de som. 21. Como adicionar efeito de som oceânico: Perfeito. O que vamos fazer nesta lição é criar o som de fundo. Quero dizer, o som do oceano, o som daquela praia. Eu tenho meu próprio banco de áudio e já tenho esse efeito sonoro. Acho que corresponde ao que precisamos, você sabe. Portanto, quando se trata de selecionar o efeito sonoro adequado, você deve contemplar sua foto enquanto ouve o efeito sonoro Acho isso perfeito. Mas eu também tenho outro. Vamos experimentá-lo. Essa. Mas acho que esse mar é mais turbulento, mais movimentado. Você não pode simplesmente determinar facilmente o tamanho da onda, por exemplo. Então, o outro é mais adequado para esse design de som para este caso, você sabe. Então, vou arrastar o arquivo para a linha do tempo aqui. E o que vamos fazer a seguir é cortar uma espécie de trecho do arquivo e posicioná-lo nos momentos exatos de que precisamos Quero dizer, aqueles momentos em que o soldado está na praia fazendo ações, basicamente. Não precisamos do oceano no começo porque existe o t. Mas depois, o soldado aparece. Então, aqui precisamos do oceano. Então, vamos cortar aqui. Até aqui até aqui. Podemos fazer o próximo corte aqui, e depois aqui, aqui, por exemplo, vamos deletar essa parte e essa parte também. Vamos criar o outro recorte até aqui. Perfeito. Então você selecionou essa cena até aquele segundo antes de detonar a bomba porque o que estamos fazendo é mais complexo, sabe Portanto, a próxima etapa é dividir as seções que selecionamos. Por exemplo, aqui, você pode notar que há um ponto de vista diferente da mesma ação. Quero dizer, o soldado está mais perto aqui, e depois está mais longe aqui. Portanto, como precisamos fazer o design de som combine com esse recurso, devemos criar um ponto de vista diferente alterando a quantidade de volume. Então, eu estou criando esses cortes aqui. E vou mudar a linha de automação nos clipes modificando essa linha aqui, estou modificando a quantidade de ganho nesse Então, para complementar isso, vou adicionar o outro efeito sonoro em que as ondas são mais perceptíveis e vou misturar isso com o outro. Então, o que vamos fazer é posicionar o som da onda na foto específica em que as ondas aparecem na tela. Você deve sempre tentar prestar atenção às nuances, às diferenças sutis. Quero dizer, essas diferenças vão levar seu trabalho para o próximo nível, sabe? Então, estou procurando o trecho específico desse áudio que combine com aquela onda na tela Esse caminho por trás do personagem, sabe? Por exemplo, aqui, parece muito interessante. Acho que essa parte é adequada. Vamos dar uma olhada. Perfeito. Você pode notar a diferença. É perfeito. E acho que, ao fazer isso, estou realmente aprimorando essa cena porque cada corte que você está assistindo na tela é uma espécie de elipse Quer dizer, essa montagem está retratando aquele momento em que o personagem está ativando aquele dispositivo de uma forma Além disso, os cortes representam que ele está passando muito mais tempo ativando esse dispositivo do que o tempo que você vê na tela Eu expliquei muito sobre isso em meu outro curso de edição de filmes, especialmente o tópico e a questão das reticências Até agora tudo bem. Eu acho que parece ótimo. Então, vamos verificar isso mais uma vez. OK. Então, quanto à parte do míssil, vou deixar esse plano de fundo, o mesmo plano de fundo do s, mas vou diminuir a quantidade de ganho, a quantidade de volume nesse clipe específico Estou criando esse recorte aqui para alterar a quantidade de volume, a quantidade de ganho aqui, você pode notar a diferença. Então é o mesmo oceano, mas de um ponto de vista distante. Aqui, podemos aumentar novamente a quantidade de volume que eles ganham para que corresponda à cena. E em toda essa unidade de ação, podemos deixar esse clipe o tempo todo. O que vou fazer nesta parte do início desta unidade de ação é adicionar uma camada C extra. Porque quando o soldado está caído, vemos um pouco as ondas. Então, eu quero adicionar esse efeito sonoro no início, e depois ele desaparece. Então, eu criei uma espécie de linha de automação no clipe diretamente no clipe, e agora o efeito sonoro da onda está desaparecendo Então, já temos nosso plano de fundo, nosso efeito sonoro no fundo, e continuaremos na lição seguinte com o efeito sonoro das roupas e os sons dos personagens. Então, até a próxima aula. 22. Como adicionar efeito de som de personagem Adobe Mixer: Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia da AP O que vamos fazer é, antes de tudo, tentar entender que todas essas faixas aqui nesta seção abaixo, quero dizer a seção de som. Cada faixa tem uma espécie de representação em um mixer em uma mistura geral na estreia do Dp. Você pode encontrar esse mixer na predefinição de áudio ou pode encontrá-lo aqui, acessando a janela e encontrando o mixer de áudio Então, como mencionei, cada faixa dessa seção na linha do tempo tem uma representação específica nesse mixer Você pode encontrar A um, A dois, três, e você também pode encontrar no mixer as mesmas faixas. E estou mencionando isso porque devemos lidar com dois tipos de faixas, principalmente faixas estéreo e também faixas mono Geralmente, quando você está gravando em um dispositivo portátil, você está usando um microfone, um único microfone que está capturando um som específico do ambiente Portanto, quando você usa um único microfone conectado a uma faixa, é criado um arquivo mono que corresponde a uma faixa Você pode notar a diferença aqui. aqui, há uma faixa mono e as outras acima são faixas estéreo Eles têm duas faixas, duas ondas sonoras, sabe? Quero dizer, o efeito sonoro do oceano deveria ter uma gravação anterior. Quero dizer, é necessário criar um efeito surround. Então, nesses casos, esse tipo de ambiente é gravado com dois microfones Mas é importante lembrar que isso não tem nada a ver com qualidade. Quero dizer, você pode usar um único microfone. E se você estiver usando um microfone de boa qualidade, você vai capturar um efeito sonoro de alta qualidade. Como no caso dessa gravação, aqui temos uma monopila que pertence à atuação do ator e funcionará perfeitamente de acordo com o que precisamos É uma espécie de pintura, sabe? Sim. Então é isso que vamos adicionar a essa montagem. Então eu quase esqueço que se você quiser adicionar uma faixa mono, você deve ir até a parada da sequência, e então você vai colocar zero aqui, vamos digitar zero porque você não precisa de faixas de vídeo Você vai colocar aqui uma série de faixas que você quer. E aqui, você selecionará a posição que a faixa ficará na linha do tempo Você pode selecionar aqui a natureza da pista. Se for padrão, padrão é estéreo e o outro mono Você pode selecionar outras opções, como 5.1, que é surround. Quero dizer, para esse tipo de mistura, você sabe. Então, vou mover esse clipe para perto dessa montagem. Já temos os personagens ofegantes. Outra coisa importante é que, ao usar uma faixa monocromática, você consiga criar uma pintura ofegante mais eficiente Quero dizer, o ofegante é mais perceptível em uma faixa mono do que em estéreo Mas preste atenção, não estou dizendo que você não é capaz de criar panorâmica em uma faixa estéreo Mas no motor é mais perceptível, mais eficiente. Então, vou tentar fazer com que a ofegante combine com o desempenho Podemos jogar com o volume do jogo. OK. Da mesma forma que no exemplo anterior com as ondas, se o personagem estiver mais próximo, devemos aumentar o volume da respiração ofegante Quero dizer, por exemplo, nesta outra cena em que o personagem aparece mais distante, devemos diminuir o volume ofegante Você pode realmente retirá-lo, mas eu prefiro diminuir o volume. Então, nesta outra foto, podemos aumentar novamente o volume e criar um corte aqui. Aqui podemos retirá-lo. Vamos dar uma olhada novamente desde o início. Aqui, com o botão direito do mouse, vou aumentar o volume desse clipe aqui em dois pontos. Às vezes, você precisará fazer isso porque a onda sonora não é grande o suficiente. É importante lembrar que ao criar o design de som, é importante modificar a quantidade de volume de cada clipe na linha do tempo. Quero dizer, modificando o anúncio ou modificando a linha de automação, observando o mixer, porque o mixer modificará a quantidade de volume de todos os clipes dentro Por exemplo, se eu mover aquela falha que pertence à pista onde criamos o efeito sonoro do oceano, vamos destruir tudo. Quer dizer, cada faixa tem vários clipes que têm uma configuração específica, sabe? Uma quantidade específica de volume de ganho, então vamos continuar com a parte seguinte. Essa, em que o personagem está de pé. Eu tento fazer com que combine com o movimento. Estou aumentando o ganho. Sim. gente pode deixar a respiração ofegante também aqui, mesmo quando o personagem está de costas, sabe? Então, vamos dar uma olhada desde o início. Então, vamos verificar isso desde o início aqui. Perfeito aqui. Devo tentar difundir os cortes, criando uma espécie de fade in aqui para limpar o início dos clipes Perfeito. Até agora tudo bem. Continuaremos nas próximas aulas com o efeito sonoro das roupas e as etapas até a próxima aula. OK. 23. Como adicionar roupas e passos: Perfeito. Estamos aqui novamente. O que vamos fazer. Agora, estou adicionando o efeito sonoro da roupa. Mas vou adicionar também as etapas dos personagens. Mas, por enquanto, estou começando com as roupas. Então, descobri que esse efeito sonoro na Internet é um som muito interessante. Quer dizer, uma vez que encontrei o efeito sonoro, eu imediatamente maquinei o traje do piloto. Eu não sei por quê. Acho que é a natureza do tecido. O que você acha? Então, vou extrair um trecho desse efeito sonoro e arrastá-lo para a linha do tempo Deixe-me verificar outras partes. Esse também é interessante. Quero dizer, para jogar com essas duas seções. E vou tentar combinar esses efeitos sonoros, esses trechos, com os movimentos dos personagens, com os gestos Então, o personagem está procurando o detonador em seu bolso E devemos tentar retratar essa interação entre as mãos e o traje, você sabe, aquele bolso Mas preste atenção no que estou fazendo aqui. Esse efeito sonoro, esse audiófilo, é estéreo, mas estou trabalhando nele em uma Então, vai soar como se fosse uma monopila, é muito interessante porque já temos aquele fundo do mar do oceano que é bastante Mas precisamos focar o som produzido pelo traje de uma forma muito focada. Por outro lado, da mesma forma que fizemos com o efeito sonoro CA. Devemos tentar fazer com que os efeitos sonoros dessas roupas combinem com cada foto. Quero dizer, devemos estar cientes de que nesta foto, a roupa deve ser ouvida de um ponto de vista distante e a outra foto de um ponto de vista mais próximo. Então, eu estou criando os respectivos cortes e modificando o volume, nesse caso, é o ganho, você sabe Então, estou terminando isso. Vou adicionar efeitos sonoros de roupas nesta parte, nesta foto de perto. OK. Por aqui. Eu acho que o design de som não é tão difícil, mas você tem que ser muito paciente prestando atenção às camadas de som, você sabe. Além disso, é preciso lembrar que o mais importante é a narrativa, o roteiro Por exemplo, em uma das fotos. Mesmo sendo um ponto de vista mais distante. Precisamos retratar esse momento usando design de som. Então, se você acha que é necessário aumentar o volume dessa parte, quero dizer, o volume do efeito sonoro da roupa. Você pode fazer isso perfeitamente porque está aprimorando o roteiro Você está aprimorando a unidade de ação, sabe? Acho que aqui, podemos tirar o som da roupa porque ele está apenas movendo as mãos, sabe? Então, vamos passar para a próxima parte. É quando ele está de pé, e eu vou fazer com que as roupas soem de acordo com a performance, você sabe. É importante estar à vontade para fazer isso. Tente não enfatizar esse tipo de efeito sonoro. O mais importante é a atuação dos atores. Quero dizer, a pintura, neste caso, é a coisa mais importante. Devemos prestar atenção aos momentos críticos que ele está de pé, acho que é uma dica em termos de design de som Portanto, você deve aprimorar esse momento usando o efeito sonoro, o som do tecido. Então eu acho que depende daqui. Então, vou limpar o final desse clique aqui, já que o personagem não está mais em movimento, não precisamos adicionar um efeito sonoro extra na roupa. Assim, podemos revisar isso novamente. Então, vamos verificar tudo desde o início. OK. Perfeito. Está feito. Então, vamos passar para o efeito sonoro da etapa. Então, vou procurar no arquivo na minha mochila um efeito sonoro bastante interessante porque ele está andando na areia Encontrei todos esses arquivos no YouTube, você sabe. Mas há muitas páginas que fornecem esse tipo de efeito sonoro, você sabe. De qualquer forma, preste atenção ao efeito sonoro. É simplesmente perfeito. Então, o que precisamos é extrair algumas etapas daqui. Só precisamos de alguns passos. Você pode perceber facilmente que são etapas mais rápidas do que as que estamos fazendo aqui Mas podemos resolver isso facilmente. Quero dizer, nesse efeito sonoro, as etapas são mais rápidas. Você pode notar que pode contar as etapas do desempenho, por exemplo, aqui. Um, dois, um, dois, um, dois, um. E o desempenho é mais lento. Então, o que vamos fazer é cortar cada passo dessa cama de corte, você sabe, criando cortes E você pode notar os degraus, aqueles pequenos saltos na onda sonora Então, vou criar um recorte aqui, aqui e o outro aqui, e dividir as etapas fazendo isso Acho que isso é suficiente. Então, vou ordenar todas essas etapas para fazê-las corresponder ao desempenho, sabe? Então, desde o início, vou adicionar essa etapa aqui mesmo no momento em que o piloto está de pé. Depois, o próximo. Aqui, não é tão difícil. Nós apenas tentamos acompanhar a atuação do ator, sabe? Tente sentir os momentos em que ele está pisando na areia. E você deve prestar muita atenção também às quantidades de força fornecidas em cada etapa. Estou me referindo ao som, você sabe, porque no final dessa caminhada, ele está pisando forte, você sabe Portanto, o efeito sonoro deve coincidir com isso. Então, estou procurando mais uma etapa. Eu só preciso de mais uma etapa que corresponda a esse exato momento. Então, vamos conferir tudo de novo. OK. Acho que preciso ser mais preciso com isso. Então, estou tentando resolver esses pequenos problemas aqui. Acho que quanto mais os passos, os efeitos sonoros são os movimentos mais rápidos. Então, eu vou consertar isso. Vou mover isso para cá e esse outro para cá. Perfeito. Mas há um problema extra aqui. Eu adicionaria um recurso extra a essas etapas. E isso é que, em termos de frequências, essas etapas estão soando em altas Portanto, precisamos melhorar as baixas frequências também porque essas etapas são muito importantes naquele momento. Quero dizer, eles são os segundos finais da vida dele. Portanto, precisamos enfatizar cada etapa em termos de narrativa em termos de roteiro Então, vou ver a faixa exata no mixer que corresponde a essa aqui. Vou me certificar de que isso é o certo. Ok. Então eu vou para este painel aqui, e aqui acima, onde eu posso adicionar efeitos. Então, neste painel aqui, você vai clicar nessa pequena seta. Vou acrescentar que esse equalizador é um equalizador de 20 bandas. E neste equalizador, você encontrará todo o espectro, o espectro sonoro aqui Portanto, o lado esquerdo corresponde às frequências baixas e o lado direito às frequências mais altas. Então, de uma forma sutil, devemos modificar esses faders ali, e pouco a pouco Uma por uma, você aumentará a quantidade de frequências de fluxo nessas etapas. Acho que isso soa muito bem. OK. Eu acho que você pode notar os cortes, você sabe, os cortes entre cada passo. Mas isso não importa, porque essas etapas estão soando acima do fundo, acima do C, um efeito sonoro Quero dizer, você não consegue notar esses cortes. E é isso. Esse seria o efeito sonoro da roupa e o efeito sonoro dos passos. Vamos verificar isso desde o início novamente. Então, até agora, vamos continuar na próxima lição. 24. Foguete e jato: Perfeito. Você está aqui novamente. O que vamos fazer desta vez é adicionar o efeito sonoro do jato e também o efeito sonoro do míssil Então, vamos começar criando um efeito sonoro de míssil Então, o primeiro passo é analisar a natureza do quadro, o que está acontecendo na tela. Você pode notar que o míssil está saindo da água Depois, há uma espécie de explosão e o míssil começa a voar. Mas há um detalhe extra quando o míssil está saindo da água Essa ação está produzindo um som. Mas vamos começar com o míssil que na verdade é um foguete, não, uma espécie de Eu não sei exatamente qual é a diferença, você sabe, eu não sou um especialista em nada. Mas vamos dar uma olhada nisso. Eu acho que isso é bem interessante. Pelo menos, quando o míssil está voando, o efeito sonoro é muito bom Vamos verificar essa outra parte. Parece que está voando para longe, sabe? Esse outro é um efeito sonoro de foguete. Eu realmente acho isso fantástico. Vamos verificar isso novamente. Além disso, em termos de qualidade, é um efeito sonoro de alta qualidade. Ele tem mais resolução do que o outro. Então eu vou para a etapa da sequência. Vou adicionar outras faixas. Mas desta vez será a faixa anterior. Não importa, você sabe, porque esse efeito sonoro que eu encontrei é interior, você sabe. Então, eu vou pressionar aqui. Perfeitamente. Você pode notar que não há esse sinal que identifique faixas monocromáticas. Então, vou arrastar o efeito sonoro do foguete para a linha do tempo Então, o seguinte é fazer com que esse efeito sonoro do foguete combine com o míssil Podemos usar como dica o momento em que a explosão acontece, você sabe, essa explosão Perfeito. Parece perfeito. Agora vou adicionar outra faixa de áudio. Outra faixa aqui. Perfeito. Nós pressionamos. E vou arrastar o efeito sonoro do míssil para a linha do tempo também para criar a trilha sonora desse Então, o que vou fazer é complementar essa parte do design de som. Acho que nesta parte é necessário para o voo do míssil, sabe? Então, vou arrastar isso até aqui. Eu acho que parece muito bom desse ponto de vista distante. Então, aqui temos que criar uma espécie de transição. Temos que misturar esses finais com um fade out aqui. E se precisarmos criar um fade in no outro clipe, podemos criar esse fade Acho que não é necessário. Só temos que cortar da maneira exata. Então, vou remover essa parte do efeito sonoro do míssil para não sobrecarregar essa Perfeito. Estou quase terminando. Mas resta um elemento: devemos criar o efeito sonoro daquele momento em que o enganado está saindo da água Então, o que precisamos é de um tipo de efeito sonoro que combine com aquela ação e aquele momento Portanto, devemos selecionar um trecho disso. Um som de respingo muito simples, você sabe. Eu acho que esse é perfeito. Essa parte. Perfeito. Vou arrastar essa parte a linha do tempo aqui e vou fazê-la corresponder a esse momento. Exatamente aqui. Então, tudo bem, achei esse efeito sonoro de míssil Perfeito. Vamos continuar com o efeito sonoro do jato. Eu tenho vários efeitos sonoros de jato aqui. Vamos analisar cada um deles. Eu acho que esses não são muito adequados, você sabe. Vamos tentar outro aqui. Por exemplo, esse aqui. Essa. Eu acho que isso é mais adequado do que o outro. Porque é apenas um voo simples, você sabe, quero dizer, o outro efeito sonoro ainda parece um caça supersônico, você sabe, e não é isso que estamos procurando Quero dizer, na verdade, é uma espécie de drop, você sabe, um drone militar, mas ainda não é um caça. Pelo menos ainda não é um caça tripulado. Então, o que estou fazendo é que, como esse efeito sonoro é maior do que a foto em si, estou encurtando isso Eu criei um corte para espremer esse efeito sonoro Então, vamos dar uma olhada. Temos que adicionar uma espécie de transição aqui para misturar os dois cortes. Então, vamos para a pasta de efeitos aqui e para toda a pasta de transições E eu vou selecionar a potência constante, e vou arrastar esse plugue até aqui, essa transição. E aí está você. Perfeito. A presença desse avião de combate é criada. Poderíamos adicionar uma atmosfera extra e significar uma atmosfera de vento naquele momento. Acho que não é necessário , mas podemos tentar. Então, tudo bem, continuaremos criando o efeito sonoro do detonador na próxima lição 25. Efeito de som detonador: Perfeito. Vamos continuar criando o design de som. Vou adicionar uma atmosfera extra ao momento em que o jato aparece na tela. Vou criar outra faixa aqui. Desta vez, será em uma faixa estéreo. Então, vou selecionar um padrão aqui e clicar. Então, vou procurar essa atmosfera no meu banco aqui. Este é um efeito sonoro do deserto. Portanto, é um ambiente. Vou arrastá-lo até aqui. É bem simples, mas acho que vai funcionar muito bem. Então, eu já mencionei na lição anterior que não era necessário adicionar uma atmosfera extra a esse momento, mas vamos tentar isso para que você saiba como soa com esse efeito sonoro do deserto. Vou fazer com que pareça isolado. Parece interessante, não é? E então cortando essa atmosfera aqui porque o efeito sonoro já tem aquela camada de vento, o ar. E acho que nos mísseis também é necessário Então, eu vou colocar esse ambiente aqui também. Então, ao fazer isso, você deve prestar atenção às transições, sabe? Você deve prestar muita atenção aos momentos em que a atmosfera começa e a atmosfera termina. Então, por exemplo, aqui, esse corte. Devemos ser precisos nessa transição. Por exemplo, devemos definir essa atmosfera C no início da cena para torná-la arável, para que pareça real E também para misturar essa transição, você sabe. Perfeito. Vamos agora passar para o efeito sonoro do dispositivo. Quero dizer, o dispositivo é o detonador. Você sabe, é uma espécie de detonador. E vou procurar esses efeitos sonoros, os efeitos sonoros digitais nas minhas costas. Achei que esse é um tipo de som eletrônico. Vamos analisá-lo. Sons sobrenáticos Uma espécie de som de ativação, você sabe. Eles são muito úteis. Vou arrastar isso até aqui porque precisamos momentos diferentes, porque quando um soldado tira o detonador do bolso, ele começa a ativá-lo E então ele insere uma espécie de gótico no dispositivo para ativar o míssil, sabe Então, vou arrastar esse aqui. É uma espécie de efeito sonoro de máquina de cache. Devemos tentar também experimentar fazendo isso, sabe? Não há receita para criar isso do zero. Você deve tentar experimentar o design de som com os efeitos sonoros e ser criativo. Vou testar outra parte dos efeitos sonoros porque precisamos da reação do dispositivo, você sabe, uma vez que inserimos o código. Eu acho que essa parte é boa. Vou arrastá-lo para a linha do tempo. Entramos nessa cena em que a energia solar está tirando o dispositivo do bolso dele. Eu vou criar o primeiro momento. Uma vez que ele tira o dispositivo, ele meio que o ativa, sabe? Você pode observar esse momento aqui. Então, vou mover esse som cibernético para este momento, o primeiro Exatamente. E então vamos adicionar o som do caixa eletrônico. O alfinete. Perfeito. Estou diminuindo um pouco o volume dessa parte do pino Acho que está um pouco alto e vou colocar o outro som esférnico . E aí está você. Vou mover esse primeiro efeito sonoro com mais precisão, aqui mesmo. Perfeito. Vamos dar uma olhada novamente. Agora, vamos passar para o C para baixo porque a protuberância do detonador deveria ter uma espécie de relógio, Então, vou adicionar outra faixa, uma faixa mono desta vez Vou selecionar aqui, mono e pressionar k e vou procurar esse efeito sonoro aqui no meu banco E preste atenção nisso porque, para ser preciso ao definir essa parte, não tem nada a ver com o design de som, mas com a montagem, porque devemos fazer a penugem combinar com aquela imagem, você sabe Devemos começar a ser muito pacientes com isso. Estou movendo pouco pouco o efeito de design para combiná-lo com os números. Portanto, a redução da lata não é necessária na primeira parte. Apenas nesta parte em que o soldado está pé e dando alguns passos no deserto, você sabe. Então, já que coloquei o detonador corretamente na montagem Não encontro nenhum problema em ajustar o efeito sonoro desse detonador Quero dizer, os segundos slides são sempre os mesmos, você sabe. Outro detalhe importante é que, em termos de roteiro, essa lata baixa deve ser ouvida mais alto Mesmo que o detonador esteja longe do soldado porque ele deixou detonador perto daquela praia, você sabe, na você sabe, Ele se muda para o deserto. Mas precisamos da presença desse c todo o peso em termos de escrita de tela. Quero dizer, é muito mais dramático assim. E, claro, você também pode adicionar um tipo de música se quiser, uma atmosfera, uma atmosfera musical que combine com o clima da cena com o tom da cena. Eu vou te mostrar o design de som original com a música. John, eu vou ver. É importante que você saiba que nesta parte também há o som da bomba nuclear. Na verdade, vou mostrar isso na próxima lição, mas é muito interessante ver como isso evolui, como esse design de som cresce desde o início E a razão pela qual eu não estou adicionando a bomba nuclear aqui é porque esse efeito sonoro está misturado com a música, na verdade. Mas acho que o mais importante é tudo o que criamos até agora. Sim. E eu sei que você pode dizer que não está adicionando equalizadores Você não está adicionando nenhum compressor à mixagem das faixas E o motivo é que, quando se trata de criar design de som, a mixagem é bem diferente da mistura da trilha sonora de uma música ou música. Em primeiro lugar, podemos usar equalizadores. Usamos equalizadores para aprimorar as etapas, por exemplo, se você perceber que, em seu design de som, há outras que estão colidindo em termos de design de Você pode usar equalizadores para mover as frequências para diferentes áreas do espectro sonoro Quero dizer, nesse design de som, não encontramos nenhum problema crítico, você sabe. Mas se, por exemplo, esse efeito sonoro esvernético, estamos colidindo com outro som estamos colidindo Podemos aumentar as altas frequências para afastar esse som do outro. Quero dizer, isso é o que aplicamos nas etapas. Quero dizer, o ambiente C estava cobrindo as etapas. Por isso, aprimoramos as baixas frequências dessas etapas para serem perceptíveis torná-las visíveis no design de som. Mas essa não é a única maneira de tornar um som perceptível na mixagem. Quero dizer, você pode usar compressores, por exemplo. Mas preste muita atenção a isso. Acho que essa é uma das coisas mais importantes quando se trata de criar design de som. Ao usar compressores, você está destruindo o natural na natureza real do som porque em nosso ambiente , na vida real, os sons não são comprimidos Essa é uma característica da música, essa é uma característica musical, uma característica de trilha sonora, por exemplo Quer dizer, quando você está fazendo uma ação, por exemplo, aquela ação de tirar o dispositivo do bolso. Essa ação tem uma natureza específica, uma natureza irregular, e o som deve corresponder a essa natureza. Quero dizer, a própria natureza da atuação de um ator é irregular. Você não pode comparar o desempenho de um ator com uma guitarra ou bateria. Quero dizer, quando você está criando músicas, por exemplo, em uma bateria, quando você está mixando uma bateria, cada batida, cada batida na caixa, ela deve soar no mesmo volume porque essa é uma característica profissional da música profissional Mas preste atenção a essas etapas, elas são completamente irregulares e esse é o subproduto do desempenho Portanto, se você adicionar um compressor a essas etapas, estará estragando o perigo real de uma obra Então, pelo menos você está falando sobre a mistura geral, você pode adicionar um compressor à mistura geral, um compressor multibanda Estamos falando sobre isso no curso de design de som disponível nesta plataforma também. Mas em termos de criação do design de som, o que estávamos fazendo até agora não é necessário para nos adaptarmos ao processo de edição. E, finalmente, o elemento exclusivo que você precisará para adicionar um compressor é a voz do ator. Então, se você tem uma voz, pode adicionar um compressor aqui, esse tipo de compressor, esse compressor de banda única, e você pode escolher esse sensor de voz É um compressor sutil. Porque a voz do ator é um dispositivo narrativo muito importante. Mas quando se trata de design de som, esses compressores aplicados à voz do ator não são os mesmos que os compressores aplicados a um cantor, sabe Eles são bem diferentes porque a voz do ator precisa ser dinâmica. Quero dizer, a voz do ator precisa transmitir essa impressão real, e precisamos retratar as nuances do movimento, você sabe Então, eu lembro se você está interessado em design de som em um nível mais profissional porque o que criamos também é profissional. Mas você pode recorrer ao meu outro curso de design de som disponível nesta plataforma. Continuaremos revisando a sessão baseada em Q na próxima lição, onde você verá as vozes comprimidas nas faixas Então, vejo você na próxima lição. 26. Compresores de revisão do Cúbase: Perfeito. Estamos aqui novamente , mas desta vez em um vaso Eu não estou te ensinando como usar o Q vase porque há outro curso focado nisso, o curso de design de som disponível nesta plataforma Estou apenas mostrando a sessão regional em um vaso desse design de som Porque eu queria que você entendesse a natureza desse estilo, que não é tão diferente, e depois o Adobe Premiere, aquela sessão e as ferramentas com as quais estávamos trabalhando Então você pode notar aqui que há uma faixa de vídeo que ajuda você a criar o design de som. Esse é o monitor de referência da mesma forma que o Adobe Premiere E o que você está assistindo em segundo plano é o painel, a linha do tempo. Eu diria que é quase exatamente o mesmo que a linha do tempo no Adobe Premiere Mas concentre-se apenas nos sons, você sabe, em todas as faixas. E, claro, aqui você pode usar ferramentas mais úteis quando se trata de criar design de som e editar som Você pode adicionar aqui as faixas que desejar de qualquer natureza. E eu realmente queria mostrar a vocês o início do vídeo, porque no início do vídeo, há uma narração. Via For, volte para que você use substantivos. Você não e para o. Você não lê cinco deveria diminuir por um s. Então eu queria te mostrar aquelas faixas em que há uma narração. Se abrirmos as configurações da faixa, podemos ver que há um equalizador, é um equalizador mais profissional, mais sofisticado Este é um equalizador par-métrico. Esses equalizadores que usamos na lição anterior em que os equalizadores gráficos equalizadores gráficos têm favores relacionados a uma faixa específica da frequência Mas o equalizador parmétrico funciona com essas linhas. Por outro lado, temos o compressor. Este é um conjunto de compressores profissional especialmente para vocais, você sabe, e você pode adicionar também reverberação, reverberação Então você pode ver a onda sonora com mais detalhes aqui. Você pode notar que essa voz tem nuances irregulares. Portanto, o compressor deve nivelar as pequenas diferenças que você está percebendo nessa onda sonora na tela Mas você pode usar o compressor de uma forma que melhore o desempenho do ator, sem destruir a dinâmica do desempenho do ator Portanto, deve ser um compressor de selim. Volte agora. Parece louco que você chegou ao N s cento e cinco fechado por ou. E você também deve saber que na mesma massa, no mesmo vaso Q, você pode criar trilhas sonoras Quero dizer, trilhas sonoras digitais, orquestração digital. Eu vou te mostrar um pouco. Esse é um tipo de atmosfera sustentada. Também sou compositor de trilhas sonoras de filmes. Estou criando sempre a trilha sonora dos meus trabalhos. Da mesma forma que a estreia do Db tem seu mixer de som. Há uma batedeira aqui. Essa é uma mistura profissional. Como mencionei no Adobe Premiere, todos esses favores são a representação dessas faixas na linha do Obviamente, isso foi projetado para criar design de som profissionalmente. Tem ferramentas mais úteis. Tem colinas azuis, criadas especialmente para mixagem de som. Esse é um acordo muito importante, você sabe. Dois. Na música eu realmente queria mostrar a vocês o efeito sonoro da bomba nuclear. É esse. Mas você pode notar que eu retirei todas aquelas baixas frequências relacionadas à explosão porque elas estavam colidindo com a masterização da música Quero dizer, as baixas frequências na bomba nuclear não deveriam ser mais poderosas do que as da música, você sabe, e essa é a razão pela qual eu diminuí as baixas frequências nessa faixa do espectro. E a rua dos senhores Então, até agora tudo bem Espero que tenham gostado de todo esse design de som e aprendido muito. Lembro que, se você quiser saber mais sobre esse problema de design de som, pode recorrer ao meu outro curso de design de som disponível nesta plataforma. Te vejo mais tarde. 27. Produção de filme e vídeo VOLUME II: Olá, pessoal. Tínhamos chegado ao final desse curso. Espero que você tenha gostado muito, muito mesmo. Lembre-se de que, se você quiser se aprofundar na edição de filmes e aprender a usar o AV premiere, você também pode acessar meu curso de edição de filmes disponível nesta plataforma Em outra nota, presumo que você veio do Volume 1, onde vimos como todos esses materiais foram filmados. Se você ainda não fez esse curso, também pode ir diretamente para lá. Eu queria te perguntar uma coisa importante. Se você chegou ao final deste curso e gostou, saiba que ele foi feito com muito esforço para tentar compartilhar o melhor com você. Eu adoraria continuar fazendo um curso para cada uma das minhas produções. Eu realmente amo isso, mas depende de você. Existem outros cursos nessa plataforma e, para que eu continue fazendo isso, meu curso deve ser altamente valorizado. Se você acha que meu curso é bom e, como mencionei, gostaria de ver outros cursos sobre outras produções, por exemplo, um em um espaço interno, etc., preciso de uma crítica muito boa Mas tudo depende de você. Vocês são os únicos que devem avaliar meu curso. Muito obrigado por chegar até aqui e eu te amo muito até a próxima vez. Ok.