Edição de filme e vídeo com o Adobe Premiere Pro - A arte da edição de filme

1. Edição de filme e vídeo com o Adobe Premiere Pro A arte da edição de filme: Olá, meu nome é Badillo Perez. Sou diretor de cinema, ator e roteirista. Escrevo, filmo e edito minhas histórias há mais de dez anos, trabalhando para cinema e publicidade Durante esse tempo, usei tudo o que aprendi na melhor escola de cinema da Espanha, trabalhando na frente e atrás das câmeras. Mas acima de tudo, passar milhares de horas na frente do meu computador tentando criar cada um dos meus trabalhos em muitos softwares de edição, edição de filmes e vídeos me permitiu realizar todos os meus sonhos até agora, desde editar meus próprios videoclipes até editar cada uma das minhas histórias passo a passo Criei este curso para compartilhar tudo o que sei sobre edição de vídeo e filmes. Este curso não trata apenas aprender a usar o software Adolph Premiere, mas de aprender os fundamentos essenciais da edição que você usará a partir de agora, independentemente do software que você tem à sua frente Portanto, ao final deste curso, você terá uma compreensão abrangente de como editar vídeo e áudio usando ado premiere para trabalhar em qualquer projeto de filme Vamos ver o conteúdo do Atelier e da Edição de Filmes. Este curso foi desenvolvido para que você aprenda conhecimentos teóricos e práticos. No primeiro módulo, você aprenderá as ferramentas fundamentais de um V Premier, que lhe permitirão dominar o software para que você possa começar a editar o mais rápido possível. Todas essas ferramentas para fazer automações em texto, alterar o tamanho do vídeo, estabilizar fotos, tudo o que você precisa para masterizar a estreia Mas nesse mesmo módulo, você aprenderá os fundamentos da edição, para que você possa aprender como tirar amostras de fotos profissionalmente em um projeto de ficção Você precisa conhecer o conceito de figura-base. Você precisa saber o que são elipses, a importância de cronometrar uma foto, a importância da cor Você precisa saber como o ritmo do corte em um videoclipe é determinado. E você aprenderá todos esses tópicos passo a passo , desde a fase de compreensão do roteiro de um filme durante o processo de edição até o momento em que melhorará a qualidade visual das imagens. No segundo modelo, abordaremos a correção e a gradação de cores O alcance dinâmico é um conceito que vai além dos aspectos técnicos de um formato. Na verdade, é uma ilusão de ótica que pode ser alcançada além da resolução de uma imagem E vou te mostrar isso passo a passo do ponto de vista de um pintor, já que passei toda a minha vida desenvolvendo sensibilidade às cores por meio da pintura Além disso, você aprenderá a adicionar efeitos visuais passo a passo. E vou deixar material para download para que você possa adicionar esses efeitos visuais aos seus vídeos No terceiro módulo, trabalharemos no design de som em profundidade. Passo a passo, construiremos o design de som do pecado do zero. Dessa forma, você terá conhecimentos que a maioria dos editores desconhece Esse conhecimento lhe dará uma vantagem sobre os demais. Tudo isso é muito mais nessa experiência cinematográfica. Você deve se lembrar que, como projeto para este curso, você deve aproveitar uma cena muito simples em que você acorda uma cena muito simples em que você e se prepara em seu quarto. Tudo o que você precisa é gravar a si mesmo com um smartphone e depois editar no seu computador usando todo o conhecimento deste curso. Meu nome é Valles e este é meu Atelier em edição de Tom. 2. Introdução Principal Concetps elipse, tempo e cor na primeira abordagem de edição: Olá a todos. Bem-vindo a esta ótima chance de aprender sobre edição de filmes. Começaremos com esse primeiro modelo no qual veremos em detalhes as ferramentas narrativas fundamentais que você precisa conhecer para começar a editar. Além disso, é claro que aprenderemos a usar o Adobe Premier. É necessário abordar as principais ferramentas que, do meu ponto de vista, são as necessárias para lidar com qualquer projeto de edição, qualquer projeto de filme. edição de filmes e edição de vídeo não é um mero problema técnico. Assim, à medida que aprendermos a usar o software Adobe Premiere, aprenderemos coisas importantes relacionadas à edição e Nesse mesmo modelo, aprenderemos sobre o processo de montagem de fotos Eu acho que para a ficção é fundamental. Durante esse primeiro modelo, veremos várias lições relacionadas a isso. Onde revisaremos o mesmo conceito , mas em exemplos diferentes. Quero dizer exemplos profissionais que editaremos no software de estreia e outros exemplos profissionais na tela Todo esse conhecimento faz parte do que aprendi no meu mestrado em roteiro como a melhor escola de cinema da Espanha. Scag, não perca a chance de aprender isso. Vamos começar de uma vez por todas com esta aula teórica. A primeira coisa que você deve saber é que, no processo de edição, existem três conceitos fundamentais ou ferramentas narrativas que você deve usar ao editar. Ao lidar com um projeto de filme. um projeto de ficção, basicamente, edição de um filme é mais uma etapa do roteiro, pois acontece que um roteiro é escrito para poder gravar todas as cenas que representam esse roteiro ou pelo menos se aproximam desse roteiro Mas no processo de edição, vamos juntar as cenas para contar o que está no roteiro. Nesse processo, surgirão problemas e desafios que não foram possíveis de ver durante as filmagens Além disso, durante a escrita, é a última etapa da escrita, porque o roteiro não é o filme, mas a edição é o filme. Portanto, preste atenção em como isso é importante. Então, esses três conceitos são elipses, tempo e cor. Vamos começar então. A elipse é uma ferramenta narrativa que permite resumir informações Quero dizer, momentos omitidos em uma cadeia de eventos para encurtar a duração do filme Ele permite que você pule certos momentos que não interferem na compreensão da história Isso vai acontecer por um motivo muito simples. O público vê uma cena e já entende o que poderia ter acontecido entre os saltos temporais Quero dizer, o que poderia ter acontecido nessa informação que eu não estou mostrando porque está entendida. Então, vamos ver esse exemplo que é muito bom no filme 12 Years Slave. Há um momento em que Salomão pede ajuda a um homem que trabalha como carpinteiro Os atores? Brad Bet Na verdade, vamos assistir a cena e depois vou te dizer que sou originário do Canadá Acho que onde fica, sei onde fica o Canadá. Eu mesmo estive lá, Montreal, Kingston e Queenston, muitos lugares bem visitados por um Como você veio aqui, Mestre Bash? Se a justiça tivesse sido feita, eu nunca teria estado aqui. Como isso pode me dizer tudo o que tenho medo de te contar. Cada palavra que você fala é profunda. Segure sua história. É incrível e de nenhuma maneira boa. Você acredita, senhor, na justiça, como você disse, eu acredito. A escravidão é um mal, não deveria acontecer com ninguém Como você pode ver, quando o filme estiver quase acabando, acho que faltam minutos para terminar. Quero dizer, não há motivo para contar a história de Salomão novamente. Então Salomão deveria contar sua história para aquele homem. Aquela história que nós já conhecíamos. Isso é tudo o que vimos no filme até aquele momento. E é por isso que há um salto narrativo direto desde o momento Solomon pede ajuda até o momento em que o personagem de Brad Pitt conta a ele Essa é uma história incrível, mas, no bom sentido, pular é elipse Não precisamos mostrar Solomon contando a história para o outro personagem Mas como nós, como público, conhecemos a história, podemos imaginar o que ele contou ao outro personagem. Portanto, essa estratégia narrativa permite que você reduza o ***gth da montagem De qualquer forma, veremos outro exemplo prático mais tarde. O outro elemento importante é o tempo. O ***gth de uma foto muda o significado de uma foto Isso é muito importante, vamos ver um exemplo muito rápido e pequeno em um dos meus trabalhos, 2012. Nessa cena, que na verdade é um flashback, quero dizer uma lembrança, notamos que o personagem está olhando para a família, a família indígena, mas principalmente o personagem olha para a família na cena dura muito tempo A mudança de olhares dura muito tempo. Mas acontece que esse processo de busca por segundos gera expectativas no público. Porque o personagem não está simplesmente olhando para algo para reconhecê-lo, mas sim que está olhando a criança por um longo tempo por talvez dois motivos. A primeira é que talvez o personagem se mova com o que está vendo. Quero dizer, a família com sua filha parece muito carinhosa com ele. Mas, por outro lado, talvez ele queira ter uma família ou talvez seja sua filha. Eu não sei. Tantas coisas que você pode imaginar apenas pelo fato de ele estar olhando algo por um longo tempo. Porque quanto mais tempo o público passar, mais perguntas serão feitas. O outro elemento é a cor. O resultado da cor é importante na mesma cena. Você pode notar que, como são flashbacks, para que essas cenas tenham sido tomadas como um flashback, é necessário usar uma correção de cores diferente nesses momentos para dar mais informações ao público Quero dizer, eles devem estar cientes do fato de que essas cenas são um momento diferente das que estavam assistindo antes. Aqui, há outro exemplo de um flashback. Supõe-se que o personagem esteja se lembrando de um momento passado com aquele nativo com quem ele se deparou Como você pode ver, a memória tem outra correção de cores, outra gradação de cores Além disso, a cor também está relacionada aos movimentos e à iluminação na correção de cores Você não deve selecionar uma cor para cena que possa prejudicar o movimento da cena Como você pode ver, esses são elementos muito importantes quando se trata de contar histórias por meio da edição. Não importa se é um filme ou um comercial. Não importa se é um vídeo do Youtube. Todas essas ferramentas são usadas para contar uma história corretamente. Posteriormente, veremos outro elemento importante relacionado à montagem das fotos, que é a ordem das fotos Mas veremos isso em outra lição até a próxima vez. 3. Equipamento recomendado: O objetivo desta lição é fornecer minhas recomendações sobre o equipamento. Você deve editar profissionalmente o vídeo em casa. Primeiro de tudo, você precisa de um bom computador. Este computador deve se destacar em três características principais. Em primeiro lugar, uma boa unidade de processamento gráfico, que permite que você tenha um bom fluxo de trabalho ao trabalhar com os formatos atuais. Além disso, você deve ter um disco rígido sólido de alta velocidade. Esse tipo de disco rígido permitirá que o computador transmita informações entre o disco rígido e o software de forma rápida e instantânea. E isso é algo que realmente vai acelerar seu fluxo de trabalho. E, finalmente, uma boa CPU que também é essencial para edição, seria a coisa mais importante em termos de desempenho do computador. Então, vamos para a parte de correção de cores. Eu sei que a maioria de vocês tem laptops. Há um problema quando se trata de editar cores em um laptop. As telas dos laptops são adaptadas para funcionar mesmo ao ar livre. Quer dizer, a tela pode ser vista mesmo na presença da luz do sol. Portanto, quase todas as telas têm mais luz do que qualquer monitor costuma ter. Então, quando se trata de fazer correção de cores, eu recomendo ter um monitor extra que você possa conectar ao seu laptop. Não importa se não é um monitor de última geração. Será simplesmente sua referência para editar cores e iluminação adequadamente. Afinal, você só precisa comparar as cores dos trabalhos que você usará como referência com as cores do seu trabalho. A tela do laptop causará problemas quando se trata de adicionar a quantidade adequada de luz aos seus vídeos. Para a parte de edição de áudio, você precisará de três coisas fundamentais, principalmente fones de ouvido que permitam trabalhar o áudio corretamente, por exemplo, o mesmo é 280 são muito bons para ter sucesso na edição de áudio. No entanto, você deve saber que os fones de ouvido não reproduzem as frequências mais baixas Se você quiser criar um design de som que soe totalmente profissional, eu recomendo que você tenha um par de monitores como os que você está vendo agora. São monitores prosonosos. Eles não são tão caros. Mas acontece que, para trabalhar com monitores de áudio, você precisa de uma interface de áudio, que é um dispositivo que permite processar o áudio ou não usar muitos recursos do computador. Além disso, permite conectar microfones para gravar e, obviamente, é aí que você deve conectar os monitores que mencionei anteriormente Essas seriam todas as minhas recomendações sobre o equipamento que você deve ter quando se trata de edição de vídeo e filmes. Agora estamos prontos para começar a aprender sobre o Adobe Premier. 4. Como configurar um projeto no Adobe Premiere: Perfeito, estamos aqui. Vamos abrir nosso software de edição, que neste caso é a estreia Então, vou até minha pasta para clicar no ícone do atalho Lembro que, independentemente do software que você usa, depois de dominar um, será muito mais fácil dominar o restante dos softwares de edição de vídeo. Será aberta essa janela de boas-vindas, na qual encontraremos os projetos recentes que realizamos, mas também a possibilidade de criar um novo projeto. Clicamos em Novo projeto e imediatamente essa nova janela será exibida. O que é isso? Nessa janela, você encontrará as configurações gerais do projeto. Principalmente o nome do projeto, especialmente a pasta na qual o software salvará todos os arquivos temporários que serão criados para que o fluxo de trabalho seja melhor para nós. Podemos clicar em Procurar e escolher a pasta que você deseja que todas as informações sejam salvas. O que será muito importante porque, eventualmente, teremos que excluir arquivos ou também recuperar arquivos. Por padrão, o software salva tudo isso na pasta Documentos do Windows ou Mac. Primeiro de tudo, vamos nomear nosso projeto aqui. Vamos anotar a edição de vídeo, por exemplo. Você pode ver que aqui abaixo, há três toques. O mais importante é esse primeiro general. A primeira coisa que vamos encontrar é essa caixa relacionada à renderização e reprodução de vídeo Onde podemos alterar o hardware de vídeo que o computador usará para trabalhar no projeto, tanto no monitor geral do software quanto na criação dos arquivos finais. Lembre-se de que o software está constantemente criando arquivos para que possamos ver uma revisão do que estamos editando aqui. Nesta pequena guia, poderemos escolher a placa GPU do computador, especialmente para vídeo, ou a placa de vídeo integrada do computador Isso é muito importante porque , obviamente, ao usar a GPU, tudo é mais rápido, mas também menos estável Por exemplo, esse erro pode aparecer enquanto você está exportando o arquivo final, que significa que a placa GPU falhou porque ficou muito quente ou porque não tem energia suficiente para criar esse Isso depende do tipo de projeto que você está editando. Ao oferecer suporte ao arquivo final ou criar os arquivos renderizados, você poderá usar um ou outro No entanto, se você tem um computador de última geração, não acho que tenha um problema menor. Portanto, nesse caso, você deve sempre ter o DPU do computador selecionado Na próxima caixa, você definirá como deseja que o tempo seja medido por quadros ou por tempo. Neste momento, você não entenderá isso. Vou explicar isso para você quando estivermos aprendendo sobre a linha do tempo, porque é mais fácil vê-la e explicamos como preparar um projeto primeiro. Vale ressaltar que você poderá alterar isso a qualquer momento neste parâmetro de áudio Poderemos escolher como queremos que a linha do tempo meça o tempo do áudio. Para fazer isso, precisamos entender qual é a taxa de amostragem. A taxa de amostragem é a resolução do áudio, ou seja, o número de amostras de gravação que um arquivo de áudio tem. A linha do tempo pode medir o tempo de cada uma dessas gravações, bem como de milissegundos, que seria o A caixa a seguir funciona para definir o tipo de formato de captura de vídeo. Ainda existem algumas câmeras no mercado que funcionam com fitas e também com papéis em filmes. Essa caixa de captura nos permite definir a resolução que queremos a captura tenha para conectar o software ao hardware TR, conectar o software ao hardware TR, que é o dispositivo usado para isso, mas, na realidade, isso é algo que realmente não é mais usado. Essa última caixa está relacionada a uma possibilidade oferecida aos usuários de melhorar a edição de cores, especialmente quando usamos câmeras de filme uma alta faixa dinâmica de cores. Portanto, isso nos permite ter uma melhor configuração entre o software e nosso monitor físico. Mas, na realidade, pessoalmente, como me dedico a fazer ficção, acho que a qualidade da imagem não está relacionada apenas à faixa dinâmica, mas à qualidade fotográfica da Porém, se for o caso de trabalhos de animação, por exemplo, é de trabalhos de animação, por exemplo, preciso realmente respeitar a cor das paisagens ou dos personagens para tirar o melhor proveito deles. Podemos alterar a configuração para os valores mais altos para ter uma referência melhor. Vamos passar para o segundo toque. Esse segundo toque que vemos aqui, arranhe isso. É muito importante. Nesta guia, indicaremos ao software onde ele salvará os arquivos temporários do projeto. Esses arquivos temporários que o software criará para melhorar o fluxo de trabalho nessas pastas, não apenas os arquivos temporários serão salvos, mas também os arquivos de captura. Além disso, os arquivos de gravação de áudio também serão salvos nessas pastas. No caso de fazermos um Davin, por exemplo, devemos prestar muita atenção a essa pasta Obviamente, escolhemos a pasta principal em que o projeto será salvo. Mas nesse caso, nessa mesma pasta, serão criadas subpastas que conterão todos esses arquivos temporários e não temporários Eu recomendo fortemente que você não altere a localização dessas pastas porque todos os arquivos do mesmo projeto deveriam estar no mesmo lugar. Não apenas para manter a ordem e evitar que erros aconteçam no computador, mas também porque é possível que nosso computador falhe inesperadamente Em seguida, teremos que mover o projeto inteiro para outro computador, portanto, precisamos saber onde estão todos os arquivos relacionados a um projeto. Por outro lado, também em muitas ocasiões, precisaremos excluir arquivos temporários relacionados às renderizações Quero dizer, para liberar espaço no disco rígido. Essa terceira guia que temos aqui são as configurações de ingestão. Para que serve isso? Acontece que em algum momento vamos trabalhar em projetos em que eles usarão câmeras de filme. Esses arquivos gerados na câmera de filme terão alta resolução e serão bastante pesados. Portanto, teremos que transferi-los para um disco rígido externo antes que cheguem ao nosso computador. Essa ferramenta Ingest me permite mover os arquivos que estão no disco rígido externo para o disco rígido interno do computador com mais facilidade Como vamos fazer isso? Devemos selecionar essa pequena caixa que vemos aqui e a estreia de adoção se conectará automaticamente a outro software da mesma suíte de adoção chamada Medi Esse software fará a transferência enquanto continuamos trabalhando no Premier. É uma ferramenta muito útil, mas, na realidade, exige que tenhamos um computador poderoso o suficiente para executar os dois processos ao mesmo tempo. Além disso, podemos selecionar um local onde queremos que os arquivos do disco rígido sejam copiados. É interessante porque podemos até salvar no áudio da Creative Cloud ou na pasta que quisermos no computador, temos a opção de copiar os arquivos com verificação ou sem verificação. Para que serve isso? Porque às vezes os arquivos que vêm da câmera, alguns deles têm erros. que o software nos permita verificar quais deles têm erros, seja para corrigi-los ou para pular a transferência desses arquivos Mas também temos a opção de copiar sem verificação, mas, por outro lado, podemos mudar para a opção de transcodificação Isso me permite copiar os arquivos, mas convertê-los um formato compactado de alta resolução, o que me permite editar quase como se fossem os arquivos originais No entanto, temos a opção no final da edição de exportar usando esses arquivos e usando os arquivos originais na resolução máxima. Da mesma forma, o codificador de mídia copiará os arquivos em segundo plano enquanto trabalhamos na estreia Aqui existem vários formatos, alguns mais pesados que outros, mas em geral todos eles têm boa resolução São arquivos compactados, mas têm ótima resolução e informações para que possamos editar com eles e até exportar usando-os sem perder tantas informações A próxima opção é criar proxies e o que é um proxy? Da mesma forma que podemos criar os arquivos compactados anteriores, podemos criar os proxies que são ainda mais compactados que me permitem trabalhar com arquivos sem compactação Acontece que às vezes trabalhamos com câmeras de filme que geram arquivos de quatro ou seis chaves ou oito chaves que são muito grandes. Os proxies são arquivos duplos de baixa resolução que o Premier usa para fazer isso e melhorar muito o fluxo de trabalho, como se estivéssemos editando com um computador superpoderoso Poderemos fazer o que estávamos trabalhando com os arquivos originais, mas ao exportar, o software se conectará aos arquivos originais Os proxies serão seus melhores amigos. De agora em diante, vamos realmente usá-los em exemplos mais tarde. É importante prestar atenção às lições em que falo sobre esse tópico de arquivos proxy. Da mesma forma que podemos escolher em qual pasta queremos que o software salve o arquivo, os arquivos proxy, existem as mesmas opções. Salve os arquivos na mesma pasta do projeto na Creative Cloud e também a opção de escolher a pasta. Podemos alterar os parâmetros do proxy, ou seja, de resolução muito baixa para uma vez com mais resolução. É muito semelhante ao caso da transcodificação de arquivos compactados Com a diferença de que, no caso de arquivos transcodificados, quase todas as opções têm alta qualidade É importante entender que, nos casos de proxy e transcodificação, esses parâmetros são usados para melhorar o fluxo Esse é o objetivo principal deles. Só que às vezes temos uma câmera de cinema e queremos trabalhar rapidamente, sem exigir superresolução. Os arquivos transcodificados são perfeitos. A última opção é copiar e criar proxies. Essa função me permite criar duas pastas separadas. Por um lado, os arquivos originais que estão no disco rígido externo. Por outro lado, em outra pasta, os proxies. Lembre-se de que o codificador met transferirá todos esses arquivos em segundo plano, mas, na realidade, como eu disse, ele também consome memória de execução do computador De qualquer forma, continuaremos falando sobre os arquivos proxy mais tarde, pois mostrarei como conectar os proxies à edição no monitor do programa Mas é importante conhecer esse assunto de proxies porque a maioria de vocês não tem um Mesmo aqueles computadores que consideramos superpoderosos, Mac de última geração, por exemplo, mesmo aqueles que precisam usar proxies Depois de concluir a configuração geral do projeto, basta clicar em OK e nosso projeto será aberto imediatamente. Como eu já tenho um projeto criado justamente para ensinar você a usar o software, basta clicar em Cancelar e selecionar um dos últimos projetos recentes em que vamos trabalhar. Portanto, isso seria o mais importante quando se trata de criar um novo projeto. Portanto, esta primeira lição está aqui, e continuaremos aprendendo sobre esse software premium para adultos na próxima lição. 5. Criando uma sequência Conhecendo os formatos de vídeo e a proporção: Perfeito. Estamos aqui novamente no Adobe Premiere Nesta lição, você verá como criar uma sequência, que eu acho que é a coisa mais importante para começar a trabalhar no Adobe Premiere Antes de começarmos, eu queria mencionar algo relacionado à distribuição das pastas. Quando estamos em um projeto, precisamos saber qual é a pasta geral para identificá-la. Simplesmente observamos que o nome do projeto aparece sublinhado, como você pode ver aqui, enquanto estamos nessa pasta Além disso, o botão de retorno não está ativado. Esse botão aqui não está habilitado. Se eu clicar nessa pasta automaticamente, o botão de retorno será ativado. E, claro, nesse caso, essa pasta é identificada com outro nome que está em. Mas lembre-se de que você pode identificar as pastas como quiser, ou seja, colocar o nome que quiser. Vou escrever a pasta um. Sabendo disso, agora podemos passar para o que é importante, como criar uma sequência. Em primeiro lugar, ao clicar com o botão direito do mouse, dentro da pasta ou neste espaço aqui em cima, a opção de criar um novo elemento será ativada. Pode ser uma nova pasta e uma nova pesquisa de pasta , caso tenhamos muitas pastas, ou também pode ser um novo item. Nesta última opção, um longo conjunto de itens aparecerá. Mas, por enquanto, vamos nos concentrar principalmente no primeiro da sequência. Imediatamente, ao criar a sequência, essa janela é aberta onde essas pastas com diferentes predefinições aparecerão Cada uma dessas predefinições está relacionada às configurações dos diferentes tipos de diferentes tipos de câmeras com as quais poderíamos ter filmado as cenas Não recomendo usar nenhuma dessas predefinições porque devemos aprender a configurar nossa sequência entendendo cada um dos parâmetros que essa sequência terá No final, temos que ser capazes configurar a sequência como realmente queremos. Sem falar que muitas dessas predefinições estão relacionadas a formatos transmissão de televisão por ondas que quase não existem mais Devemos ir diretamente para as configurações aqui. Poderemos escolher os parâmetros específicos para a sequência. O primeiro é o modo de edição. Aqui, encontraremos todas as predefinições que vimos anteriormente, mas todas exibidas em uma lista Mas, como eu disse, sempre será melhor fazer isso sozinhos, escolher os parâmetros específicos para nossa sequência. Eu recomendo que você selecione personalizado. Selecionar personalizado permite a configuração de todos os parâmetros, portanto, preste atenção na diferença. Se eu selecionar qualquer uma das outras predefinições, observe como não consigo modificar o tamanho do quadro, nem o campo de visualização, nem as resenhas do vídeo Como eu disse, quando você seleciona personalizado, todos os parâmetros podem ser modificados conforme desejar. Portanto, certifique-se de que a sequência esteja personalizada. O primeiro parâmetro são os quadros por segundo. Lembre-se de que as imagens em movimento são compostas por molduras que são fotos que, ao passarem rapidamente uma após a outra, geram defeito de movimento No caso do cinema , são 24 quadros por segundo. 23 vírgula 976 é exatamente o mesmo. Existem outras configurações, como as da televisão, que têm 30 quadros ou 60 quadros por segundo, mas devemos sempre configurá-la para 24 quadros por segundo Depois disso, devemos ir para a caixa de vídeo. Nesta caixa, encontraremos cinco parâmetros importantes aos quais prestaremos atenção aos dois primeiros, o tamanho do quadro e a proporção de pixels. Vamos começar com o tamanho da moldura. Esse parâmetro nos permitirá definir a resolução do quadro. Ou seja, o número de pixels que cada quadro terá. Lembre-se de que cada formato, HD two K, etc., tem um número específico de pixels O próximo parâmetro, proporção de pixels, está relacionado ao tipo de deformação que cada um desses pixels terá que se adaptar a um tipo específico de tela Lembre-se de que existem diferentes tipos de telas, aquelas telas de cinema alongadas Além das telas das televisões digitais e até das telas de televisão do século passado, que são mais quadradas, a proporção de pixels distorce os pixels para conseguir essa adaptação E eu vou te dar um exemplo. Aqui está escrito 14, 40 por 1080, mas aqui de um lado também lê 169 E isso significa que, com a distorção que a proporção de pixels de 1,3 está gerando, a tela ficaria com uma aparência 169, porque os pixels são esticados até o tamanho necessário Mas essa não é a maneira correta de fazer isso em uma edição de vídeo dessa época. 2023. Porque hoje quase todos os dispositivos em todos os lugares têm alta resolução e muitas telas que se adaptam ao tamanho original do vídeo. Sabendo disso, precisamos voltar às configurações e selecionar os pixels quadrados. Observe que na guia existem várias opções de deformação, mas eu recomendo que você sempre use pixels quadrados para que a forma da imagem esteja realmente relacionada ao número de pixels que definimos no tamanho do quadro Preste atenção agora ao tamanho real relacionado a essa resolução e à proporção de pixels quadrados. A imagem agora parece quadrada, como uma televisão antiga, porque respeita o aspecto quadrado dos pixels Portanto, se eu quiser alterar o tamanho da imagem para que pareça uma tela de televisão digital em qualquer casa que seja 169 , terei que aumentá-la para 1920 por 1080 Dessa forma, a imagem seria 199 com pixels quadrados como uma televisão digital, e estaríamos fazendo isso da maneira certa Isso significa que, se eu quisesse criar uma aparência muito mais esticada para os sites, como no caso das telas de cinema, teria que adicionar muito mais pixels à linha horizontal para chegar a esse tamanho Por outro lado, é importante saber disso. Se for o caso de um vídeo para Instagram ou Tiktok, quero dizer, com uma aparência vertical, você deve inverter a proporção do tamanho da imagem Devemos residir primeiro, 1080, depois 1920, por exemplo Dessa forma, nosso monitor de programas terá a aparência de um vídeo real. Mas, ao fazer isso, você deve prestar muita atenção a algo que acontece que, ao editar mais tarde você terá que adaptar os vídeos a esse aspecto. Você vai ter que somar na imagem o suficiente para se adaptar ao aspecto, mas vamos perder a resolução. Eu tenho dois lembretes. Em primeiro lugar, você grava com uma câmera com resolução suficiente para que, mesmo somando dessa forma , você não perca muita resolução A outra solução é girar a câmera verticalmente para que ela grave verticalmente O problema é que você só conseguirá fazer isso com uma câmera DSLR. Com uma câmera de filme não é tão fácil. Mas vamos continuar com outra coisa importante sobre o aspecto do pixel, o rádio. Porque ainda existem câmeras no mercado que gravam, por exemplo, em 1920 por 1080 Mas eles nos deram a possibilidade de ter uma aparência cinematográfica alongada ao site O arquivo gerado pela câmera viria com pixels distorcidos por padrão Nesses casos, a ferramenta de rádio Pixel Aspect é útil para que a imagem não fique distorcida se estivermos trabalhando com a câmera cujos arquivos são HD, mas distorcidos para 1,3 para ter uma aparência cinematográfica Nossa sequência não pode ser definida em pixels quadrados porque a imagem parecerá comprimida No exemplo que você está vendo, você pode ver como uma imagem originalmente gravada com uma proporção de pixel de 1,3 ficaria em uma sequência com pixels quadrados. Agora, especialmente no caso oposto, funciona de forma diferente. Quer dizer, se o arquivo de vídeo que estou usando originalmente tem uma proporção de pixel de um, esse é o quadrado. Se eu alterasse a configuração da sequência para 1.3 imagem do vídeo não ficaria distorcida, simplesmente porque, quando o arquivo for suportado, o arquivo terá os pixels esticados até o site É importante observar que quase todas as câmeras de cinema atuais não distorcem a proporção de pixels Eles simplesmente trazem configurações com mais pixels menos pixels para adaptar o número de pixels ao aspecto amplo da tela do cinema ou aspecto quadrado dos televisores antigos De qualquer forma, você pode jogar com esse parâmetro. Eu sempre recomendarei usar os pixels quadrados. Se for o caso de você precisar que a imagem pareça mais larga, basta modificar o número de pixels até o ponto necessário. Na verdade, você nem precisa respeitar o aspecto tradicional do Ratius Você pode deixar a imagem tão larga ou quadrada quanto quiser. Aqui está a aparência tradicional das telas digitais 169. É importante mencionar que mesmo depois de criar a sequência, você pode continuar modificando os parâmetros da sequência simplesmente clicando na sequência com o botão direito do mouse e acessando as configurações da sequência O próximo parâmetro são os campos. Em que consiste isso? Há muito tempo, quando havia apenas televisores analógicos e transmissões de televisão analógicas Uma coisa era passar um filme em um cinema em outra bem diferente. Transmiti-lo por sinal aberto transmitindo quadros por segundo para um sinal aberto era muito difícil Eles tiveram que recorrer a outra tecnologia para que o olho humano pudesse perceber os quadros por segundo, como em uma sala de cinema. Em seguida, foi inventada uma tecnologia que permitia que os quadros fossem duplicados usando barras horizontais que exibiam a imagem com rapidez suficiente Para que o humano, eu não detectasse os quadros passando um após o outro. Uma dessas tecnologias é o NTSC, usado em todo o continente americano No outro está a tecnologia Pol, usada na Europa. Temos essas duas opções para escolher aqui, campo superior e inferior. Primeiro, elas pertencem a essas duas tecnologias. Mas isso existe no Nado Premier, porque até hoje existe uma televisão de sinal aberto É necessário que tenhamos a possibilidade de configurar nosso projeto sob essa configuração. Mas a verdade é que você deve sempre definir a sequência na varredura progressiva. Ou seja, essas barras não aparecem, o fluxo de quadros é contínuo como em uma televisão digital. Dessa forma, você pode ter a melhor qualidade de vídeo em sua sequência. Posteriormente, na exportação, se quiser ou for necessário, você pode adaptar o arquivo final para o formato NTSC ou de pilha Mas lembre-se sempre de definir a sequência em progressiva para que a imagem fique o mais limpa possível. Na verdade, se você esquecer de definir isso como progressivo, notará algumas barras horizontais na imagem. O próximo parâmetro que temos aqui é o modo de medição de tempo no formato de exibição da linha do tempo Eu já falei sobre isso quando estávamos criando o projeto. Há várias opções. A primeira é dizer ao software que acompanhe os quadros por segundo enquanto visualiza em tempo contínuo. Essa segunda opção, non drop frame time code, é um modo que nos permite nos adaptar aos erros que a captura pode ter como resultado do processo de transmissão de dados da fita para o computador. Essa opção me permite ignorar esses erros e seguir o tempo contínuo Não vamos usar isso. Devemos sempre usar o código de tempo, que é a forma adaptada ao tempo real na edição. E você mesmo perceberá isso quando estiver medindo a duração do seno repetidamente. Há também o modo feed plus frames, 16 milímetros e 35 milímetros Isso é para câmeras cinematográficas com esse formato analógico. Em seguida, o software mede a quantidade de filme Led em relação aos quadros por segundo. E, finalmente, há o modo de quadros, no qual somente os quadros serão exibidos e não a hora. Qual é a diferença visual na linha do tempo que vamos usar, por exemplo, o código de tempo contínuo. Agora, veja a linha do tempo em que você pode ver a hora diretamente e ter a hora geral. Ou não apenas na linha do tempo, mas também no monitor do programa Mas você pode alterá-los nas configurações, por exemplo, para quadros. Agora, preste atenção na mudança dos códigos de tempo para quadros. Agora ele mostra cada um dos quadros. Aqui no monitor, ele lê zero porque não há nenhum vídeo selecionado na linha do tempo Mas também no mesmo espaço de trabalho da linha do tempo, podemos alterar a exibição da hora conforme quisermos. Quer dizer, é um recurso que não é exclusivo das configurações de sequência. Da mesma forma, você também pode alterá-lo no programa Monitor. O próximo parâmetro é o espaço de cores de trabalho que eu mencionei quando estávamos criando o projeto. Temos várias opções para trabalhar com alta faixa dinâmica de cores, mas, como eu disse, vou explicá-las mais tarde. O importante é que possamos alterar todas essas configurações quando quisermos. O próximo parâmetro é o parâmetro de áudio, onde encontraremos a taxa de amostragem. Essa é a resolução que eu mencionei nas lições anteriores. Poderemos escolher várias resoluções e isso dependerá da interface de áudio que você possui Quer dizer, se você tiver um ou também estiver nos recursos do computador, é claro, quanto maior a resolução, melhor será o áudio, mas ele também consome muito mais recursos Não podemos apenas modificar a taxa de amostragem, mas também como o tempo de áudio será medido na linha do tempo. Mas não se preocupe muito com isso. Isso realmente não muda nada importante, é apenas um recurso visual na linha do tempo que veremos mais tarde Essa última caixa que temos aqui abaixo é a prévia do vídeo. O primeiro parâmetro dessa caixa tem a ver com o monitor do programa. Esse é o tipo de formato a sequência será exibida no monitor. Eu recomendo fortemente que você escolha o Quick Time. Eles são simplesmente formatos de pré-visualização. Na verdade, eles estão todos comprimidos. Para ter um fluxo de trabalho melhor, eu sempre o deixo no codec de animação Mas também existem outros formatos compactados pro rest. Há muitas outras diferentes. Existem alguns com mais qualidade do que outros e, na verdade, é algo que você também pode mudar a qualquer momento. Isso não tem nada a ver com exportação , são simplesmente os parâmetros que o monitor do programa terá enquanto estivermos editando. Deixe-me mencionar que não apenas o tempo rápido é útil, mas também apenas o frame e P é muito bom. Na verdade, a diferença de desempenho entre um e outro não é grande. Por outro lado, é importante mencionar que quanto mais informações os arquivos de vídeo tiverem, aqueles arquivos que você usa na sequência. O computador também usará mais recursos. Por outro lado, essas caixas que estão aqui abaixo têm a ver com a pré-visualização do vídeo. Preste atenção que está muito bem especificada. Eles estão dentro da caixa de pré-visualização do vídeo. A composição linear de cores nos ajuda a ter uma cor de vídeo na pré-visualização, mas consome mais recursos do computador Há também outras opções de máxima profundidade de bits e máxima qualidade de renderização. O importante é saber que todos esses detalhes são para a pré-visualização do vídeo, para a sequência em si ou para o arquivo a ser exportado Algo que eu costumo fazer enquanto estou editando é ativar esses parâmetros para ver uma aproximação da qualidade final do trabalho depois desligá-los. Por outro lado, ao criar a sequência, também temos a possibilidade de criar quantas faixas de anúncios quisermos no formato que quisermos. Pode ser um Surround 5.1 estéreo , pode ser multicanal e também no módulo, como eu disse, você pode adicionar quantas faixas Adicionar uma nova faixa abrirá automaticamente o mesmo número de faixas no mixer na predefinição de áudio Por exemplo, aqui eu adicionei seis faixas. Se eu clicar em OK, seis faixas serão adicionadas automaticamente à sequência. Mas se quiséssemos adicionar ainda mais faixas de áudio, por exemplo, nessa outra sequência que criei quando ela estava explicando para você, simplesmente precisávamos ir até a guia de sequência aqui e clicar em uma faixa. Dessa forma, posso adicionar mais faixas de áudio ou vídeo à sequência e até indicar onde eu queria aparecer em relação às outras faixas. Na verdade, posso modificar todos esses mesmos parâmetros relacionados às faixas de áudio que pudemos selecionar quando estávamos criando a sequência. Na verdade, como você pode ver, você também pode selecionar o formato, seja estéreo, mono ou Por exemplo, as faixas mono são muito importantes porque são as faixas em que vamos fazer o Bing Quando adicionamos uma faixa mono, um pequeno símbolo será adicionado automaticamente para identificar essa faixa É um alto-falante pequeno. É necessário que a pista em que mergulhamos seja mono porque é um único microfone que captura a voz Também veremos isso mais tarde, porque é algo que certamente teremos que fazer como editores. Por fim, após a guia de faixas de áudio, temos a guia de realidade virtual. Obviamente, neste curso, não abordaremos esse tópico porque nem você nem eu temos o hardware apropriado no momento para explicar isso a você, mas estou muito motivado para fazer isso. É algo que pretendo adicionar a este curso quando tiver todos os dispositivos relacionados a essa tecnologia. Mas é importante saber que o Adobe Premier nos permite trabalhar com realidade virtual, e esse é o parâmetro que me permite trabalhar com esses dispositivos. Isso vem com as últimas edições do Ado Premier. Em seguida, pressionamos ok e nossa sequência é criada. Sei que cliquei em cancelar, porque durante o processo de explicação, a sequência foi criada automaticamente. Lembre-se de que, ao clicar com o botão direito do mouse na sequência e acessar as configurações da sequência, você ainda pode modificar você ainda pode modificar as configurações da sequência quantas vezes quiser. Isso seria tudo em relação à criação de uma sequência. Como eu disse, a sequência será conectada ao monitor do programa. Depois de criar nossa sequência, podemos começar a adicionar vídeos à linha do tempo. Esse é o fragmento do vídeo que queremos. Quando fizermos isso, o software nos perguntará se queremos manter as configurações existentes na sequência ou se queremos alterar as configurações para as do arquivo de vídeo e devemos clicar em Manter configurações existentes. Isso seria muito importante quando se trata de criar uma sequência. A partir de agora, começaremos a nos aprofundar na edição e entender quais são essas ferramentas fundamentais que permitirão que você realmente se torne um editor de filmes. Te vejo na próxima aula. 6. Sensibilidade a imagens, equilíbrio e iluminação: Olá pessoal. Eu realmente quero lhe dar um conselho importante, não apenas como editor de vídeo ou diretor de cinema, mas como artista em pessoa. Eu sei que muitos de vocês também gravam vídeos, ou pelo menos uma grande parte de vocês está interessada uma forma ou de outra em gravar histórias ou qualquer outra coisa. Obviamente, a edição faz parte desse processo. Mas a verdade é que as ferramentas que você precisa conhecer para editar profissionalmente ou bem o suficiente para realizar um projeto audiovisual não são muitas. O resto do conhecimento não vem de si mesmo. Desde aprender todos os botões, atalhos ou funções de um software Não importa qual seja. Premier, Sony Vegas ou Da Vinci. Quero dizer, o resto do conhecimento vem de como você está acostumado a consumir arte de qualidade em termos de imagem, áudio e suas histórias. Se não há referências de qualidade em sua mente, é impossível ter uma edição de resultados de qualidade tão simples quanto essa. Por exemplo, você não pode esperar ser um grande diretor de fotografia herdeiro se consumir apenas filmes da Marvel Não estou tentando dizer que você não pode aprender coisas técnicas em um filme de super-heróis Mas você precisa aprender, antes de tudo, a ter plena consciência do que está assistindo na tela para ter uma boa cultura visual. Eu sempre falo sobre isso com meus colegas e uso como exemplo o filme Homem-Aranha e Acampamento Florestal Quero dizer, a maneira como eles filmam na cena, no chefe do filme Homem-Aranha E eu comparo isso com o desejo do filme Forest Camp, por exemplo. Preste atenção nessa primeira foto do seno. Você sabe, por exemplo, que as cores da alfândega foram escolhidas especificamente para combinar com a variedade de cores da grama? Isso é muito importante porque os editores de vídeo podem alterar ou modificar as cores de qualquer elemento em um seno Por exemplo, veja esta pintura de Manet. É a mesma seleção de cores na composição. O azul das camisas representa a cor azul do céu. Essa outra pintura de Monet é a mesma azul e tons de verde são cores que combinam com o verde da grama Então, o que estou tentando dizer é que essa cena não é assim por causa de uma paleta de cores baixada da Internet Quero dizer, é o subproduto de ter uma ótima cultura visual Por outro lado, preste atenção na duração dessa primeira foto. Essa foto dura o suficiente na tela para detalhar que há uma estrada de terra e eles moram longe da cidade ou vila. Agora preste atenção na cor verde do teto dentro do Os. Isso também foi feito deliberadamente para combinar com todo o clima country , porque essa é a estrada pela qual o 0 está viajando Sou Forrest Forrest. Entendi que sou Dorothy Harry. Bem, agora não somos mais estranhos. Agora, preste atenção para que as fotos de perto sejam reservadas apenas para o personagem principal e que ninguém mais tenha a mesma cor nas roupas que Forrest tem na camisa E eu diria que até a cor da roupa infantil é selecionada para que ninguém se destaque. E também b***ds com a cor dos assentos. Eu não posso sentar aqui. Sabe, é engraçado o que um jovem se lembra porque eu não me lembro Preste atenção também que até a camisa que Forrest usa quando adulto também é azul Além de conectá-lo diretamente à criança, também combinamos com as árvores ao redor. Por outro lado, no momento em que as garotas aparecem na tela pela primeira vez no filme, o lamotiv mais poderoso da trilha sonora é reproduzido Eu nunca tinha visto nada tão bonito na minha vida. Ela era como um anjo. Você já reparou que exatamente a mesma coisa se repetiu quando Forrest estava com sua mãe A garota tem um vestido verde claro. Tudo isso que estou lhe dizendo é para tentar despertar a chama artística em você sensibilidade artística é o que o levará a tomar melhores decisões Como os editores prestam atenção à iluminação da cena para criar profundidade nos rostos, metade do rosto da garota fica sombreada e a outra iluminada E há até uma pequena bandeja de luz atingindo a moldura da janela Talvez como um estúpido Dos Jane, eu sou uma floresta florestal. Daquele dia em diante, estivemos sempre juntos. Judy. Agora vamos passar para a cena do Homem-Aranha, que também acontece em um ônibus escolar onde o amor do personagem principal é apresentado Mas deixe-me garantir isso, como se qualquer história que valha a pena contar fosse sobre uma garota. Aquela garota, a vizinha, Mary Jane Watson, a mulher que eu amo desde antes mesmo de gostar de garotas Preste atenção que na edição que está intimamente relacionada ao roteiro, eles apresentaram você à garota no início sem nenhuma surpresa na cena da floresta Você está surpreso que ele encontre o amor de sua vida no ônibus. E aqui, não há nenhuma surpresa, nem pela edição nem pelo roteiro, filho, a mulher que eu amo desde antes mesmo de gostar de garotas. Eu gostaria de dizer que sou eu ao lado dela. Eu lhe disse que as cenas fechadas são usadas para os personagens principais. Não sei por que há uma chance fechada para esse cara. Ele não tem importância na história. Digo isso porque, na edição de filmes, podemos criar uma cena para criar uma mais fechada. Um close up, por exemplo. Aqui eles fazem isso de novo e aleatoriamente. E isso não pode ser feito dessa forma. Tem uma importância e a importância é chamada de ponto de vista cinematográfico No caso da garota, é importante porque estamos falando sobre o destino da vida dele. Mas o resto dos personagens em Boss não são tão importantes para a história. Preste atenção que os costumes aqui não têm importância na estática da cena nem nas cores do Portanto, saber exatamente por que as coisas são feitas em um filme ou cena é extremamente importante para poder tomar decisões corretas como editores. Além disso, a fase de edição é a última etapa de escrita de um filme. É a última chance que projeto do filme tem de reparar as fraquezas Esse é um exemplo perfeito disso. Imagine que você só vê filmes desse tipo de qualidade. Eu realmente não odeio aquele filme do Homem-Aranha, na verdade, acho muito divertido Mas se você só vê filmes dessa natureza, e um dia você quer filmar uma história em que há uma cena, um ônibus. Qual você acha que será seu ponto de referência para criar uma cena? Essa será sua referência , não será outra. O mesmo acontece se você for músico pintor ou fotógrafo. É o mesmo. Quando você vê a qualidade do trabalho de alguém, eu imediatamente pergunto quais são seus costumes. O que eles costumam fazer no tempo livre? Que tipo de coisas eles gostam? Quero dizer, tudo o que fazemos no tempo livre alimentará nossa criatividade. Quero dizer, a edição faz parte da produção cinematográfica, e fazer cinema é como falar uma língua Você não pode aprender completamente um idioma da noite para o dia. E está cheio de muitas coisas. Música, teatro, pintura, arte sonora, escapadas sonoras, etc Então, ao longo dos anos trabalhando na edição, encontrei muitos editores e cinegrafistas que abordam a lista de trabalhos da Audi de uma forma Porque muitos deles concentram todo seu conhecimento em saber quais são os melhores plug-ins para melhorar a qualidade da imagem. Qual é a melhor câmera com a melhor faixa dinâmica? Qual câmera tem a resolução mais alta? Qual é o software mais avançado, por exemplo, o passar dos anos e seu trabalho continua com a mesma qualidade, os mesmos lugares-comuns, a mesma falta de cultura visual Tudo isso é algo que nenhum professor vai te ensinar em uma única aula. É algo que leva anos para ser cultivado para você. Deve se tornar um hábito ir a um museu, a uma exposição em que você contemple arte de qualidade Não estou tentando dizer que os elementos técnicos não são importantes, mas, na realidade, se há algo que eu não quero para você, é que você se torne aquele tipo de cinegrafista ou editor que só se preocupa Eu gostaria que você pudesse realmente ser o melhor que você pode ser. Então, o que muitas pessoas chamam de ta***t é na verdade, o produto certo de um estilo de vida Tudo isso é muito importante para o editor de vídeo, porque quando você fornece os dados de um projeto, quero dizer a filmagem de um projeto, você deve aprender a escolher quais são as melhores fotos da cena Então, por exemplo, quais são os critérios que você vai usar para escolher a melhor tomada ou corrigir uma foto? Às vezes, você precisa tirar fotos ruins, por exemplo, ou reformular a imagem para criar uma nova foto e precisa ter uma boa referência visual para fazer isso Determinar o equilíbrio de uma imagem é essencial para o editor, pois você recortará imagens o tempo todo A saia vem da visão vernácula E essa visão vernácula não focaliza a atenção nos dois olhos ao mesmo tempo Mas um é sempre o que mais concentra e o outro complementa E essa é a razão pela qual a lei deles em uma imagem deve ser respeitada para centralizar os principais elementos de uma composição em qualquer um desses quatro pontos que você vê lá Nesse caso, é o rosto da garota que está próximo ao ponto superior direito. Isso foi usado para o equilíbrio de pinturas e desenhos rupestres e é um uso fundamental hoje em dia para a cinematografia Estar ciente desse conhecimento é parte do que nos torna melhores editores. Muitas ideias surgirão sua mente quando você tiver uma ótima cultura audiovisual. Essas ideias são as que ajudarão você a criar uma vantagem melhor, uma edição melhor, um trabalho melhor. Leve tudo isso em consideração e vamos continuar aprendendo neste curso de edição de filmes. 7. Painel de controle de efeitos Saiba mais sobre quadros-chave e automações: Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia, e é hora de aprender a usar o painel de controle Fx e por quê? Porque toda vez que adicionarmos um videoclipe à linha do tempo, que na verdade também pode ser uma foto ou uma animação, etc., poderemos editar certos parâmetros nesse clipe e, acima de tudo, dar instruções ao software para automatizar as alterações nesses O objetivo desta lição é ensinar como usar o painel de controle de defeitos, que na verdade é o mesmo local em que você poderá adicionar efeitos diferentes que o software precisa usar Desta vez, vamos trabalhar com essa foto, então vou adicioná-la à linha do tempo Essa foto que eu tenho aqui é uma foto do espaço. Você sabe que quando adicionarmos um elemento à linha do tempo, e essa linha estiver sobre esse elemento, veremos esse videoclipe no monitor do programa Mas acontece que geralmente os clipes não compartilham o mesmo tamanho da sequência Quer dizer, na maioria das vezes, o vídeo ou a foto têm resolução e aparência diferentes da sequência. Por exemplo, essa foto é maior que o tamanho da sequência. Como podemos verificar isso? Simplesmente clicando duas vezes no monitor, será ativado um quadro que indica o tamanho real da imagem que estamos usando. Esse quadro é uma ferramenta que nos permite modificar o tamanho da imagem no monitor, por exemplo. Nesse caso, poderíamos fazer com que a imagem espacial correspondesse máximo possível à sequência. Mas pode ser que queiramos que certas partes da imagem sejam vistas na sequência. Esse quadro me permite brincar com isso, porque ao mover esses pontos diferentes que vemos nas linhas do quadro, podemos mudar a posição e o tamanho da imagem. Mas também podemos modificar a rotação da imagem. Mas quando modificamos a posição e o tamanho que esse clipe terá em relação à sequência, modificamos os parâmetros que estão no painel de controle do fax Um dos lugares mais importantes na estreia quando se trata de editar qualquer coisa Por exemplo, enquanto estávamos movendo o quadro há alguns momentos, o parâmetro de posição e escala estava mudando na seção de movimento. Neste painel de controle de efeitos. Preste atenção Vou mover a imagem novamente para que você possa ver como os números se movem no parâmetro de posição. Da mesma forma, se eu assumir ou assumir que a imagem altera o parâmetro de escala. Na verdade, podemos ir ainda mais fundo porque esses parâmetros me permitem mudar se eu quiser, por exemplo, que a escala seja uniforme ou não. Se eu desativar a opção de escala uniforme, posso modificar a largura ou o comprimento que quero que a imagem tenha. Obviamente, estamos distorcendo a natureza original da imagem Basicamente, você pode modificar o tamanho da imagem usando o quadro no monitor do programa ou alterando os valores no painel de controle Fx. Obviamente, você sempre terá a opção de, em qualquer uma das alterações, prestar atenção que também com a questão da rotação, os valores mudam no painel. Além disso, lembre-se de que sempre que quiser modificar a rotação usando o monitor do programa, você deve posicionar o cursor nos cantos do quadro até ver aquela pequena seta curva indicando que não podemos alterar a rotação Mas a próxima ferramenta após a rotação é o ponto de ancoragem, que é muito importante O ponto de ancoragem me permite dizer ao software o ponto de referência que ele terá à medida que escalamos e giramos a imagem Por exemplo, você pode notar que quando eu somo e saio, é quando eu mudo a escala. Isso acontece no centro do monitor do programa. Da mesma forma, quando eu altero a rotação da imagem, a imagem gira usando o centro da imagem como eixo Mas acontece que se eu mudar o ponto de ancoragem para o canto inferior esquerdo, por exemplo, quando modifico a escala da imagem, essa imagem não assumirá ou somará em direção ao centro, mas até aquele ponto abaixo e à esquerda O mesmo acontecerá com o parâmetro de rotação. Mas por que estou explicando tudo isso para você, porque de agora em diante você saberá algo muito importante que usaremos o tempo todo quando se trata de editar o quadro-chave. Para que é usado o quadro-chave? O quadro-chave nos permite dar instruções ao software para alterar qualquer um dos parâmetros que encontramos no painel de controle do efeito, não apenas nos parâmetros que já estão disponíveis, mas também nos parâmetros dos diferentes efeitos que podemos adicionar ao eclipse e que também aparecerão nesse painel de controle de efeitos Vamos usar a escala como exemplo. Você sabe que, ao clicar em qualquer videoclipe, o controle de efeito correspondente é ativado imediatamente. Onde podemos modificar muitas coisas. Quer dizer, tudo o que acabamos de ver e muitas outras coisas que continuaremos vendo e aprendendo ao longo do curso. A ideia é ir passo a passo, mas você também pode notar que, ao lado do painel de controle de defeitos, ele é exibido à direita Uma espécie de linha do tempo. Mas essa pequena linha do tempo corresponde ao espaço de tempo ocupado pelo pequeno videoclipe que selecionamos. Obviamente, podemos modificar essa duração simplesmente esticando ou apertando Portanto, é importante saber isso, porque esse espaço é onde vamos colocar os quadros-chave. Devemos estar cientes de que essa pequena linha de tempo corresponde à duração do clipe. É importante saber isso porque às vezes colocamos quadros-chave na linha do tempo de controle Fx E então vamos alterar a duração do clipe na linha do tempo principal E então, quando retornarmos à linha do tempo de controle de defeitos, não veremos mais os quadros-chave porque eles estavam escondidos na cabeça ou Mas vamos ver tudo isso usando um dos parâmetros. Por exemplo, a escala aqui no painel de movimento. A primeira coisa que devemos fazer é ativar esse pequeno relógio que temos aqui. Observe que todos os parâmetros têm seus respectivos relógios. É simplesmente o que nos permite ativar os quadros-chave. Depois de ativarmos, o primeiro quadro-chave aparece na linha do tempo desse painel de controle de efeitos, indicando ao software que, naquele momento, as imagens terão essa escala específica, esse tamanho específico Vamos automatizar essa imagem sobre o universo do zero Vamos fazer com que ele mude de tamanho com o tempo. Ao automatizar esses parâmetros usando os quadros-chave, quero dizer que os valores mudam à medida que a montagem Simplesmente posicionamos o cursor no início do clipe ativamos o relógio correspondente à escala, e o primeiro quadro-chave aparecerá automaticamente e a automação será ativada Além disso, alguns segundos depois, fazemos uma alteração no tamanho. Podemos fazer isso diretamente no parâmetro de escala no painel de controle do fax. Ou podemos fazer isso movendo o tamanho da imagem com a moldura, o monitor do programa. Em outras palavras, alterar os parâmetros de qualquer forma é exatamente o mesmo. O importante é estar ciente de que os quadros-chave estão no lugar que queremos. Note agora que quando eu reproduzo a montagem, a imagem muda de tamanho Obviamente, todo esse procedimento funciona para qualquer um dos parâmetros e até mesmo para muitos outros efeitos que o premier traz. Por exemplo, poderíamos fazer essa automação para alterar o efeito do ponto de ancoragem Eu simplesmente ativo o relógio no parâmetro do ponto de ancoragem e movo o ponto de ancoragem para esse canto inferior esquerdo, por exemplo, já que também automatizamos Agora, quando a imagem é dimensionada, em vez de ir para o centro, ela agora vai para o canto inferior esquerdo. Mas você deve ter cuidado com os quadros-chave. Observe que vou adicionar outro aqui, mas desta vez sem alterar os parâmetros. E preste atenção para que isso não mude em nada porque eu não alterei o parâmetro. Vamos passar para outro parâmetro, por exemplo, a posição da imagem. Depois, basta procurar o parâmetro de posição e clicar no relógio para ativar a automação. E o primeiro quadro-chave será criado. A partir daí, devemos avançar alguns segundos para os que queremos, é claro, e mudar a posição da imagem. Podemos fazer isso usando a moldura no monitor do programa. Preste atenção, pois até mesmo o software criará uma guia para a raiz que a imagem terá até aquela posição. Podemos verificar todas as alterações simplesmente voltando ao início do clipe e reproduzindo a montagem para ver como a automação se comporta É algo bem simples. Quando entendermos que estamos prontos para usar todos os efeitos principais, Deal nos permitirá automatizar qualquer um dos efeitos que o primeiro tenha Estou contando tudo isso porque uma grande parte de vocês quer aprender a cavar vídeos para o Youtube ou para seus canais do Instagram ou Tik Talk, seja o que for, quero dizer, criar conteúdo É necessário conhecê-los para adicionar elementos que enriqueçam os vídeos, transformando-os em dinâmicos e divertidos Podemos usar outro exemplo. Por exemplo, usando esse logotipo que tenho aqui abaixo, podemos adicioná-lo no topo da imagem do universo. Deixe-me mencionar que, neste caso, é um PNG que contém apenas a parte do logotipo, deixando passar tudo o que está abaixo. Então, vou excluir todos os quadros-chave e as automações que fizemos na foto do universo Basta clicar nessas setas curvas que estão à direita para retornar ao estado inicial O que vou fazer por você é algo típico dos vídeos. Vou fazer com que esse logotipo apareça repentinamente, ou seja, digamos que ele entre na imagem. Para fazer isso, precisamos automatizar a posição do logotipo, pois é isso que me permitirá remover o logotipo da moldura da imagem sempre que eu quiser Depois, basta clicar no clipe do logotipo e ativar a automação da posição no controle Vex Clicando no relógio, é claro. Então, precisamos definir quanto tempo eu quero que o logotipo demore para aparecer e, em seguida, precisamos criar outro quadro-chave nessa posição. Nesse caso, precisamos de duas posições para dizer ao software onde o logotipo deve estar no início e para onde ele deve ir. Você deve sempre prestar atenção em estar logo acima dos quadros-chave para ter certeza de que está no quadro-chave Certifique-se de que o pequeno ponto azul fique preto Deixe-me mencionar que você pode adicionar outros quadros-chave usando esse pequeno botão para ganhar. No primeiro quadro-chave, mudamos a posição horizontal do logotipo para um ponto em que ele não esteja visível na tela. Lembre-se de que você pode fazer isso alterando esses números aqui diretamente no parâmetro horizontal, que seria o da esquerda. A vertical é a da direita. Mas você também pode alterá-lo usando o quadro no monitor do programa. Mas, nesse caso, é altamente recomendável alterá-lo diretamente para o valor horizontal, para que o logotipo se mova apenas horizontalmente Como você pode ver, é bem simples. Se você quiser, por exemplo, que o logotipo apareça muito mais rápido, basta diminuir a distância entre o primeiro e o segundo quadro-chave para que a alteração seja mais rápida. Então, poderíamos até mesmo alterar outro parâmetro, como a escala. Por exemplo, se quisermos que o logotipo seja somado lentamente depois de aparecer na tela, criamos um primeiro quadro-chave exatamente quando ele termina de aparecer e, depois, criamos outro quadro-chave em que o logotipo deveria estar Nesse caso, por exemplo, podemos usar o quadro na tela para colocar o logotipo do tamanho que queremos no final. Lembre-se de que, uma vez ativada a automação, qualquer alteração que fizermos nos parâmetros gerará automaticamente um novo quadro-chave. Obviamente, ao longo do curso, usaremos muitos quadros-chave. Mas eu queria que você conhecesse o painel de controle do fax, pelo menos nesta primeira parte do movimento. Nesta lição, em outras lições, veremos as outras partes. Mas é um bom começo conhecer perfeitamente os quadros-chave. Tente praticar com fotos, com vídeos, com qualquer coisa, enquanto continuamos avançando e aprofundando o conteúdo do curso até a próxima aula 8. Painel de controle de efeitos Aprenda como usar os modos de opacidade e mesclagem: Perfeito. Continuaremos aprendendo a usar o painel de controle do fax. Neste momento, você revisará o parâmetro de opacidade, que não é tão simples quanto parece No entanto, é uma das mais úteis porque, a partir daqui, aprenderemos a criar transições Vamos começar com uma das coisas mais importantes a serem destacadas sobre opacidade Este é o primeiro dos parâmetros gerais que nos permite criar uma máscara. Esse é um dos recursos que encontraremos no restante da estreia Uma máscara nada mais é do que uma ferramenta que me permite criar uma seleção específica dentro da imagem, cujo efeito será aplicado em qualquer caso. Vamos ver isso ao longo do curso, mas basicamente esses três botões me permitem criar três tipos de máscara. Uma circular, uma quadrada e uma personalizável, na qual posso criar a forma que eu quiser Por exemplo, se eu escolher a primeira opção, o círculo, a máscara será um círculo. Como estou na capacidade, que é o parâmetro que controla a transparência da imagem, ela cria automaticamente esse efeito. Obviamente, posso modificar o tipo de círculo, mas também tenho a segunda opção, a forma quadrada. Aqui, eu também posso modificar a estrutura do quadrado, transformando-o em um polígono diferente Bem, a terceira opção seria aquela que nos permitiria fazer a forma unindo pontos como se fosse uma constelação E essa é a que eu mais uso porque as máscaras quase sempre têm formas irregulares. E há outras características que podemos modificar para que as bordas sejam suavizadas e não tão nítidas Por exemplo, se eu mover a pena, podemos realmente desfocar as bordas Também podemos modificar a opacidade da máscara. Quero dizer, a máscara em si pode ter transparência. E também podemos expandir a idade da máscara para aumentar o tamanho. De qualquer forma, entenderemos melhor todos esses recursos à medida que progredimos no curso. E embora não falemos principalmente sobre as máscaras nesta lição específica, é importante que você já as conheça. Porque eu acredito que o conhecimento é assim. Que você precisa ver pontos de vista diferentes da mesma ferramenta e, acima de tudo, perder o medo de usar as ferramentas mais importantes. Vamos falar sobre opacidade então. O que é opacidade A opacidade é o recurso que nos permite tornar uma imagem transparente, tornar visível qualquer imagem abaixo dela O cronograma de estreia superior funciona em camadas da mesma forma que a loja de fotos Ou seja, os videoclipes que estiverem na parte superior serão os que serão vistos no monitor Aqui você pode ver um exemplo. Coloquei outra foto do universo em cima da que eu já tinha. Quer dizer, eu sobrepus o clipe e notei como este fica primeiro Tem prioridade. Mas observe que, se modificar a porcentagem de opacidade no clipe que acabei de adicionar, a imagem abaixo começa a ser vista imediatamente Quanto menor a porcentagem, mais visível será a imagem abaixo. Mas o que eu realmente quero mostrar é que uma estreia dupla, como o Photoshop, me permite modificar a natureza dessa opacidade Quero dizer que a forma como essa transparência se mistura com a imagem abaixo tem características especiais e únicas Esse modo b***d me permite não apenas usar uma opacidade normal, mas todas essas opções que você pode Mas o interessante é que ao usar qualquer um dos modos b***d, mesmo tendo o valor de opacidade em 100%, um tipo de transparência será gerado com Na verdade, é uma ferramenta que nos permite experimentar as camadas de vídeo porque esse efeito que veremos no monitor do programa é o subproduto desse modo b***d nas características específicas das imagens em termos de termos de Por exemplo, aqui podemos ver que quando isolamos o clipe, quero dizer que o clipe não tem nenhum outro clipe abaixo dele O modo b***d não funciona. Só funcionará quando as imagens estiverem sobrepostas, quando houver uma abaixo Como eu disse, a opacidade é importante porque nos permitirá fazer criativas e profissionais Esse modo b***d existe para melhorar as transições entre um clipe e outro Uma das transições mais comuns é a dissolução quando uma imagem se dissolve para que a outra apareça misturando as duas Em uma lição anterior, eu estava falando sobre a ferramenta de caneta na automação de opacidade. Então, se automatizarmos uma espécie de fade in na linha de opacidade no início de um clipe, que por sua vez se sobrepõe a outro, faremos uma faremos Se, além disso, usarmos modos b***d diferentes. Tornamos essa transição mais especial porque as imagens terão características visuais que se adaptarão esteticamente a cada um desses modos Se você usa o Photoshop, isso será muito familiar para você porque esses modos b***d também existem em camadas de imagem no Por outro lado, há um elemento importante a ser levado em consideração quando fazemos esse tipo de transição Ou seja, como os modos b***d misturam as imagens, mesmo quando o valor de asit está em 100% é necessário que não haja apenas fade in no clipe acima, mas também no clipe que está abaixo mas também no Há um desvanecimento porque, caso contrário, você notará uma mudança abrupta ao chegar ao final do clipe abaixo Por exemplo, você pode notar isso aqui quando eu passar o cursor da linha do tempo, logo no final do clipe abaixo, bem ali no final, você notará uma mudança na transparência que não será suave, mas, como um corte, devemos automatizar um esmaecimento na linha de opacidade do clipe abaixo para que isso Preste atenção agora como a transição é completamente suave. Outra coisa importante é que podemos fazer essa transição pelo tempo que quisermos. Vamos fazer outro exemplo de uso de vídeo. Vamos usar o mesmo curta-metragem com o qual estávamos trabalhando e eu vou selecionar uma parte da cena para fazer uma transição com outra cena. Aqui temos essa imagem da garota olhando para trás. E eu vou misturar isso com a cena do personagem na balsa Se quisermos fazer uma transição especial entre essas duas cenas, basta clicar no videoclipe acima e escolher o modo b***d Lembre-se de que, para verificar o modo b***d, você deve estar exatamente no ponto em que os dois clipes Depois, você pode experimentar qualquer um dos modos usando vídeo. As imagens são muito mais interessantes porque, na verdade, são a maneira mais cinematográfica de fazer as soluções Por exemplo, veja como esse modo parece bom. Luz suave. A primeira coisa é automatizar com a ferramenta de caneta o fade in no clipe acima do clipe do personagem na balsa Mas eu também tenho que fazer o fade out no clipe abaixo onde a garota está Lembre-se de que, se você não desbotar o clipe abaixo, notará uma mudança abrupta no A razão pela qual é mais profissional dessa forma é porque a maneira original de fazer fades quando cinema era analógico era adicionar filtros diretamente às bobinas de filme no editor analógico, usando o modo b***d Nem sempre é tão profissional. Preste atenção ao quão interessantes são as cores misturadas neste modo, parece muito profissional. Confira esse outro modo chamado escurecer que afeta apenas a placa Esta é outra queimadura de luz fria que é interessante para. Essa é outra chamada cor clara, por exemplo. Essa outra é chamada de luz forte. Essa outra é chamada de luz vívida. É muito bom prestar atenção nisso no modo escuro, por exemplo, com esse modo, você pode jogar com uma máscara para que a transparência afete apenas a placa. Poderíamos usar uma máscara circular que seleciona apenas a placa. Por exemplo, tentamos fazer com que o círculo combine com a placa, mas não precisa ser perfeito, apenas uma aproximação E então modificamos as bordas com o parâmetro father, suavizando as bordas da máscara Observe como a opacidade agora afeta apenas a placa. É um recurso muito criativo, você sabe, porque realmente permite criar efeitos e enriquecer muito seus vídeos O importante é que você experimente para poder descobrir coisas. Lembre-se de que cada vídeo tem características de cores específicas que resultarão em uma combinação específica e exclusiva com os outros clipes com os outros clipes Coloque tudo isso em prática até a próxima aula. 9. Painel de controle de efeitos Remapeamento de tempo: Perfeito. Agora vamos abordar o último parâmetro do painel de controle do Ax, que é o mapeamento do intervalo temporal e vamos usar esse exemplo para explicá-lo Vou selecionar uma parte deste vídeo em que há uma captura em câmera lenta. Na verdade, é um dos meus videoclipes. E bem, neste caso, essa foto foi gravada a 60 quadros por segundo, o que significa que podemos desacelerá-la sem perder a fluência no vídeo Eu adicionei essa parte do vídeo à linha do tempo e podemos verificá-la no monitor do programa Fotos em câmera lenta são muito atraentes. Lembre-se de que quanto mais lento você quiser olhar, o DVD deve ter muito mais quadros por segundo Mas de qualquer forma, o que eu quero fazer agora é ensinar a vocês o remapeamento do tempo Se clicarmos no videoclipe e acessarmos o painel de controle de correção, encontraremos esse parâmetro no final. É o último dos parâmetros dos que vêm por padrão. Se você se lembra, eu lhe disse que a linha que você vê por padrão nos videoclipes pertence ao parâmetro de opacidade Usando a ferramenta de caneta, podemos automatizar com precisão a opacidade Mas a verdade é que esse não é o único parâmetro que podemos automatizar diretamente no clipe Se quisermos alterar esse parâmetro, há duas maneiras. A primeira é clicar com o botão direito do mouse e mostraremos os quadros-chave do clipe. Podemos alterá-lo, por exemplo, para remapeamento de tempo e clicamos em velocidade A outra forma é clicando nesta pequena caixa onde se lê Efeitos, podemos alterar os parâmetros dessa linha de automação. Mas o que é o remapeamento de tempo para esse parâmetro me permite modificar a velocidade do videoclipe automaticamente O que isso significa? Assim como você vê a imagem em câmera lenta agora, você pode acelerar a imagem em um horário específico ou diminuí-la. Obviamente, tudo também aparecerá automatizado no painel de controle do Fx. O que devemos fazer é selecionar a ferramenta caneta e desenhar na linha os pontos em que queremos que uma mudança de velocidade comece. No final das contas, quero dizer que seremos capazes de mudar como intervalos de tempo. Vou desenhar o primeiro ponto e o segundo ponto aqui. E eu vou tirar também um terceiro ponto. Esses três pontos geraram quatro lacunas diferentes nas quais poderei acelerar e diminuir a velocidade do clipe. Precisamos selecionar a ferramenta de seta novamente. O primeiro. Agora vamos aumentar ou diminuir a linha que queremos da automação. Por exemplo, se eu subir essa linha específica, vou acelerar naquele momento. Mas preste muita atenção em como o clipe é questionado. Porque, ao fazer isso, estou acelerando a passagem dos quadros Agora veja a imagem, pois nesse momento o vídeo aumenta a velocidade. Vou aumentar ainda mais a velocidade. Assim, você pode notar isso também da mesma forma que pode mover as outras lacunas, as outras linhas entre os pontos. Você também pode fazer isso na direção oposta. Vou desacelerar o vídeo que você possa ver como fica. Obviamente, quando você diminui a velocidade e o videoclipe se expande Obviamente, quando diminuímos a velocidade da imagem, os quadros por segundo começam a ser notados, obviamente, quando não são suficientes. Por outro lado, preste atenção que esses mesmos pontos que fiz na linha de automação também foram criados automaticamente na linha do tempo de defeitos No painel de controle acima, você pode acelerar ou diminuir assim, desde leve em consideração que o ponto médio da linha é que a velocidade real do aplicativo de clipe é mais rápida e a descida é mais lenta Se você quiser limpar toda a automação, basta acessar o mapeamento de tempo no painel de controle de defeitos e desligá-lo no relógio azul Mas preste muita atenção nisso. Quando você fizer isso, o clipe ficará completamente comprimido Você o esticou novamente para torná-lo normal. Tente se lembrar disso porque você pode até pensar que o clipe estava aceso. Mas há outra maneira de modificar a velocidade do clipe. Simplesmente pressionamos o botão direito do mouse e acessamos o parâmetro de duração da velocidade. Por exemplo, nessa primeira porcentagem de recurso, se eu configurá-la para 200% a velocidade do clipe será multiplicada por dois Quero dizer, no caso deste clipe, ele será executado na velocidade real porque a aparência desse vídeo é o subproduto da configuração do vídeo gravado em 60 quadros a 24 quadros Por outro lado, nessa mesma ferramenta, você pode reverter a velocidade do clipe. Quero dizer, faça com que volte para trás. Isso também é muito útil. Você só precisa selecionar a caixa de velocidade reversa e o clipe retrocederá Por outro lado, o que você deve prestar atenção nesta ferramenta é o último parâmetro, a interpolação de tempo Esse parâmetro me permite modificar a forma como os quadros aparecerão enquanto o vídeo é exibido. Vou desativar o reverso para explicar isso para você. Você pode ver que esse vídeo está em câmera lenta, mas talvez queiramos que ele fique mais lento Vamos até a ferramenta de velocidade e selecionamos, por exemplo, 60%. Mas quando você faz isso, o vídeo se estica e , portanto, os quadros começam a aparecer, quero dizer, como se a imagem tivesse alguns pequenos saltos Porque, na verdade, está pulando de um quadro para outro. Como não há molduras suficientes para que o movimento pareça suave, você terá três opções. A primeira amostragem de quadros selecionada por padrão permite que você mostre os quadros que o vídeo tem, não importa se o vídeo é lento ou rápido A segunda opção, frame b***ding, permite que você misture um pouco os quadros Quero dizer, quando você desacelera a imagem, o movimento é mais suave Mas a última opção, fluxo óptico, criará mais quadros por segundo para compensar a falta de quadros Mas a verdade é que nunca parecerá que você tem o vídeo com mais quadros. Eu recomendo fortemente que você não faça uso excessivo dessa ferramenta. Não force isso. Essas seriam as características mais importantes desse parâmetro de velocidade dessa ferramenta de velocidade. Esse recurso ondulado é muito simples, simplesmente porque às vezes o clipe no qual estamos modificando a velocidade está próximo a outro Obviamente, às vezes, quando modificamos a velocidade, o vídeo é comprimido Essa ferramenta me permite fazer o próximo clipe anexado ao clipe. Estamos mudando a velocidade do simples, pois ele não tem complicações de partida Mas as características mais importantes são as que eu mencionei antes. Vamos recapitular. Para não esquecer, acessamos a ferramenta de velocidade e a primeira coisa que encontraremos é a porcentagem de velocidade que queremos que o clipe tenha. A segunda opção é o inverso, para que o vídeo volte para trás A ondulação para que os clipes permaneçam presos um ao outro mesmo quando mudamos Não acho que vocês usem muito isso. E o que você mais vai usar é a interpolação de tempo É uma forma pela qual os quadros aparecerão para tornar o vídeo mais suave e fluido Lembre-se de que existem três opções. O primeiro que mostra exatamente os quadros do vídeo. O segundo que mistura os quadros para deixar o vídeo mais fluido e suave E o outro, o último, para criar as molduras necessárias para que pareça mais fluido. Mas vamos falar sobre essa opção que está desativada. É importante mencionar que quando o vídeo tem áudio e você modifica a velocidade, a velocidade do áudio também será modificada. Portanto, ele será ouvido mais baixo quando o áudio estiver cada vez mais lento, como a voz de um esquilo quando estiver mais rápido como a voz de um esquilo quando estiver Mas essa opção chamada Manter o tom de áudio aqui está desativada porque o vídeo não tem áudio. Mas isso me permite que, embora a velocidade do áudio mude, o tom do áudio não mude. Quero dizer, as vozes não soam como esquilos ou são muito lentas Mas bem, você já sabe como modificar a velocidade de qualquer clipe. E essa é a coisa mais importante relacionada a esta lição até a próxima vez. 10. Barra vertical de barras de ferramentas de linha do tempo: Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia adotada Nesta lição, aprenderemos a usar essa barra de ferramentas aqui Essa barra ao lado da linha do tempo contém as principais ferramentas que usaremos ao editar. Eu diria que o objetivo principal desta lição, o objetivo principal, é fornecer uma visão poderosa sobre esses botões aqui, os botões na barra de ferramentas. Vamos procurar a sequência que já criamos nas lições anteriores. E vamos adicionar um fragmento de vídeo à linha do tempo, ou seja, a essa sequência Aqui eu selecionei um pedaço de vídeo. Lembre-se de que você deve usar o I e para definir o início e o fim dessa parte do vídeo. Por exemplo, o fragmento de vídeo pode ser um aplicativo para. Aqui pressionamos para selecionar o final, vamos arrastar o vídeo para a linha do tempo Mantendo pressionado o botão direito do mouse, puxamos o vídeo para a linha do tempo e clicamos em Manter configurações existentes Lembre-se de que é para manter a configuração da sequência. Já temos nosso vídeo na linha do tempo. Mas antes de acessar a barra de ferramentas da linha do tempo, quero abordar essa linha amarela aqui que aparece aqui na linha do tempo Essa linha amarela indica que a placa de vídeo dedicada do computador, ou seja, a GPU, está gerando visualizações temporárias Assim, podemos ver o que estamos editando no monitor do programa. Essa linha amarela representa uma renderização parcial. Se você tiver um computador potente, a visualização ficará boa o suficiente no monitor do programa. No entanto, dependendo da complexidade do que estamos editando ou do peso dos arquivos com os quais estamos trabalhando, teremos que avançar na renderização, ou seja, converter essa linha amarela em uma linha verde. Quero dizer que o computador faz uma renderização completa para que o que vemos no monitor do programa pareça completamente contínuo, sem interrupções, sem atrasos Você precisará disso, especialmente se não tiver um computador suficientemente potente. O que você precisa fazer é selecionar a entrada e a saída da seção que deseja renderizar pressionando And 0 no teclado. Depois de selecionar a seção, você vai para a guia Sequência e, em seguida, clica em Renderizar de entrada para saída. E então, imediatamente, uma renderização final de toda a montagem do que está entre a entrada e a saída começará a ser feita Obviamente, você terá que esperar um pouco, especialmente dependendo de quantos efeitos cada um desses videoclipes tem Além disso, essa renderização também terá uma qualidade superior, independentemente de nosso computador ser poderoso ou não. Se quisermos ver o que editamos com maior qualidade, precisamos fazer essa renderização. Agora olhe para a linha , agora está verde indicando que a renderização foi concluída. Ah, aquele cara, isso é muito importante quando se trata de editar vídeos musicais porque devemos combinar o vídeo com a música com perfeição. Então, vamos começar com o primeiro botão na barra de ferramentas, essa seta aqui. Essa seta é como a ferramenta mais geral que me permite selecionar qualquer coisa no, especialmente na linha do tempo do que eu quero Como em qualquer software, é a ferramenta de seleção padrão do software. Não há nada de prefeito com o qual se confundir. Essas são simplesmente as configurações padrão do programa para mover o mouse no software e usar todas as funções. Logo abaixo da ferramenta de seta, encontraremos a ferramenta Track Select Forward. Essa ferramenta me permite selecionar todos os videoclipes que estão na frente ou atrás da posição em que estou com o mouse Basicamente, ele me permite selecionar vários clipes ao mesmo tempo, quando necessário, facilitando o trabalho Se pressionarmos a tecla antiga do teclado, podemos mudar a direção da seleção. Ou seja, se quisermos que seja para frente para trás. Vou te dar um exemplo. Vou adicionar uma parte do vídeo do curta-metragem para sobrepor os clipes Vou arrastar o vídeo e soltar o vídeo logo aqui. Vou pressionar o botão Track select forward, certificando-me de que está na direção certa, que seria para frente. Quando eu tiver essa ferramenta ativada e clicar na linha do tempo, ela selecionará todos os clipes que estão à direita, ou seja, aqueles que estão Não importa quantos sejam, todos serão selecionados. Vou fazer isso de novo e perceber que ele até selecionará os respectivos clipes de áudio conectados a esses videoclipes Agora vou pressionar a tecla antiga na palavra-chave para virar a direção da ferramenta Quer dizer, selecione tudo o que está por trás do mouse. Tente notar a diferença. Preste atenção que, quando estiver ativado, selecione para trás e eu clico na linha do tempo aqui Como não há nenhum clique atrás do cursor do mouse, ele não selecionará nada porque não há nada à esquerda que esteja invertido Por outro lado, se eu clicar à direita dos clipes, os clipes estarão à esquerda A ferramenta os selecionará porque eles estão na parte de trás. A ferramenta é muito simples, simplesmente com a tecla antiga do teclado. Mudamos a direção da seleção quando se trata de selecionar vários clipes ao mesmo tempo Vamos agora com o terceiro botão da barra de ferramentas da linha do tempo, que é um pouco mais complicado, mas há um detalhe importante a ser destacado antes de passar para a terceira ferramenta, que é que, enquanto a ferramenta de seta está selecionada, podemos esticar e apertar os clipes Quero dizer viajar na extensão antiga do arquivo de vídeo original. Por exemplo, embora adicionemos essa parte do curta-metragem, se esticarmos o videoclipe para trás, viajaremos para trás no curta-metragem adicionando mais do curta-metragem, obviamente Deixe-me explicar isso, porque o terceiro botão tem a ver com isso. O terceiro botão é a ferramenta Ripple Edit, mas, na verdade, pressionando Alt no teclado, temos a Rolling Edit Tool e a ferramenta de alongamento vermelha Então, qual é o primeiro para a ferramenta de edição ondulada? Essa função me permite mover a transição entre dois clipes próximos um do outro Por exemplo, aqui temos dois videoclipes juntos e eu tenho essa função ativada Isso me permite que, quando eu esticar o videoclipe ou esticar o videoclipe, o próximo videoclipe não mude Seu início ou sua saída é como empurrar ou puxar o próximo Preste atenção no clipe. Estou alongando as pontas diretamente no rosto do personagem e imediatamente o próximo clipe começa quando o personagem está na balsa com as costas visíveis A ferramenta de edição ondulada me permite esticar esse clipe pressionando o próximo sem alterar o início do É uma ferramenta muito útil para não alterar o início do próximo clipe. A próxima função nesse mesmo terceiro botão é a ferramenta de edição contínua, qual podemos alternar pressionando a função de ferramenta editada de rolagem também me permite esticar o clipe, mas desta vez ela não pressionará o próximo, mas avançará sua extensão. É como se estivesse mordendo o próximo clipe. Preste atenção ao fato de que a parte em que as costas do personagem são vistas não aparece mais, mas o clipe avançou mais para frente É como se eu tivesse movido a transição para frente , como se tivesse feito um corte nos clipes para frente Você já sabe a diferença entre a primeira e a segunda função. A primeira, a ferramenta de edição ondulada, me permite esticar um clipe pressionando o próximo, ou seja, sem alterar seu início na segunda opção para a qual mudamos, pressionar Alt no teclado me permite esticar um clipe, mas desta vez eu mordo o Quero dizer, o início do próximo clipe não foi preservado. A terceira opção desse terceiro botão é a ferramenta de alongamento vermelha. Essa opção está relacionada à velocidade que o videoclipe terá, algo que veremos mais tarde. Mas, basicamente, essa ferramenta me permite esticar, apertar o videoclipe, alterando sua velocidade Em outras palavras, quando eu o estico, eu o deixo mais lento E quando eu aperto, eu o faço mais rápido Olha como eu estico o clipe, e agora o vídeo parece mais lento Quando eu estico o vídeo, obviamente os quadros se separam e rodam em uma velocidade mais lenta, diminuindo assim o movimento do Essa é a função dessa ferramenta de alongamento de taxa. Vou pressionar Contraste, que está embaixo, para colocar o clipe de volta como antes e continuar avançando nas ferramentas. A próxima ferramenta é a ferramenta Rasor. A ferramenta de barbear é a ferramenta que mais usaremos Isso me permite cortar os clipes como eu quiser e onde eu quiser. Usando essa ferramenta, poderei cortar uma parte do vídeo de qualquer clipe na linha do tempo para poder movê-lo para onde eu quiser. Lembre-se de que você deve cortar o início e o final para poder separá-lo do clipe como se fosse um bolo. Quero dizer, para cortar um pedaço de bolo, você deve fazer para cortar. Então, como eu disse, é a ferramenta que mais usaremos na edição e não é muito complicada. Simplesmente selecionamos e cortamos onde eu quiser. Obviamente, uma vez que cortamos para mover a peça que cortamos, devemos usar a ferramenta de flecha. Obviamente, você também pode usar a ferramenta de barbear nos clipes de áudio Agora vamos para o quarto botão, a quarta ferramenta. Essa ferramenta é muito útil. Na verdade, ele tem duas opções que podemos alterar com a tecla antiga do teclado, ferramenta deslizante e ferramenta deslizante Vamos analisar a primeira opção. Essa ferramenta me permite modificar a entrada e a saída de um videoclipe que está entre dois outros clipes Por exemplo, ao clicar nessa pequena parte do vídeo, essas quatro telas aparecerão no monitor do programa. A imagem acima e à esquerda pertence ao final do clipe que está antes dela. E a imagem à direita e acima pertence ao início do clipe que está depois dela. As duas imagens abaixo pertencem ao início e ao final do clipe que selecionamos. Essa ferramenta de deslizamento me permite alterar a entrada e a saída do clipe que selecionei sem alterar a posição do clipe em relação aos outros dois clipes relação aos outros dois clipes que estão antes e depois, respectivamente, pressionando o botão esquerdo do mouse e , ao mesmo tempo, movendo-me para a direita Eu mudo o início e o final desse clipe. Ao mover o curta-metragem, ele permite que eu me mova para onde eu quero que o pequeno clipe comece e termine sem precisar ir ao monitor de referência e editar separadamente o clipe e depois colocá-lo ali mesmo. É útil porque às vezes queremos mudar pequenas coisas, mas é complicado colocar o clipe onde está e colocá-lo de volta em seu lugar A verdade é que eu não uso muito isso. Mas é importante saber que essa ferramenta existe que o fluxo de trabalho seja o mais agradável possível. A segunda opção, que seria uma ferramenta leve, funciona de forma diferente. Essa ferramenta me permite mover a posição que o clipe terá em relação aos outros dois clipes Quero dizer, o que está depois e o que é antes. Mas sem alterar o início e o final do clipe que eu selecionei, preste atenção na linha do tempo Observe que estou movendo o clipe e agora sua posição é movida em relação aos outros dois clipes Olha como eu estou movendo o clipe para o lugar onde eu quero. Agora, no monitor do programa, as pequenas imagens acima agora pertencem ao início e ao final do clipe que eu selecionei. As duas imagens abaixo pertencem aos clipes anteriores e posteriores, respectivamente. Portanto, é uma ferramenta muito útil porque me permite editar clipes sem precisar separá-los em outra parte da linha do tempo, o que seria mais trabalhoso para nós Então, vamos para o próximo botão da ferramenta, que seria a Caneta. A ferramenta Caneta me permite modificar a linha de automação nos clipes que, por padrão, são volume para áudio e capacidade para vídeo Ao criar esses pontos chamados de quadros-chave, podemos instruir o software a alterar o volume e a opacidade automaticamente à medida que a linha do tempo avança Mas eu não quero entrar nisso agora porque haverá uma lição separada sobre edição de uma lição separada sobre áudio e também edição de opacidade, bem como uma aula em que explicaremos o que é um quadro-chave O importante por enquanto é que você saiba que a ferramenta Caneta me permite alterar essas automações simplesmente fazendo pontos nas linhas horizontais que contêm clipes de áudio e vídeo O último botão na barra de ferramentas da linha é a ferramenta de texto, que, é claro, também veremos em detalhes em uma lição específica para isso Porque, obviamente, tenho que explicar os parâmetros em detalhes e como você poderá usar as letras colocá-las e movê-las no vídeo. Por enquanto, o importante é saber que, quando essa opção é selecionada, basta clicar em qualquer lugar no monitor do programa. E imediatamente a opção de escrever é aberta. E, ao mesmo tempo, um clipe gráfico é criado na linha do tempo. E poderei modificar esse clipe como eu quiser, como se fosse mais um videoclipe. Quer dizer, posso mudar quanto tempo vai durar e movê-lo exatamente como se fosse um videoclipe. Na verdade, posso mostrar um pouco de uma vez simplesmente quando seleciono esse clipe gráfico, o controle Fx abrirá todos os parâmetros para mover esse clipe. Como eu disse, se fosse mais um videoclipe aqui, obviamente também poderemos mover as características da tipografia Existem alguns recursos, mas como quero ir passo a passo, preciso primeiro explicar como é o controle de gordura antes de abordar como editar o texto na estreia Isso seria tudo sobre os botões da barra de ferramentas da linha do tempo. Você já tem uma noção geral desses botões que serão muito úteis para você a partir de agora. Tente revisar todo o conteúdo novamente e nos vemos na próxima lição. 11. Barra horizontal de barras de ferramentas da linha do tempo: Perfeito. Estamos aqui novamente. Outros elementos importantes relacionados a essa barra de ferramentas são os botões que estão aqui. Eu tomo esses botões como uma extensão dessa barra de ferramentas e vamos começar com esse símbolo magnético encaixado Para que isso é usado? Esse ímã é conectado diretamente à ferramenta de barbear porque é muito difícil ser preciso nos cortes Às vezes, precisamos que o corte corresponda à linha guia azul. Quando ativado, o ímã nos ajuda a fazer com que o corte grude na linha Mas o ímã não apenas fixa a linha guia, mas também as bordas dos clipes Por exemplo, quando precisarmos de um clipe para nos aproximarmos de outro clipe, por exemplo, adicionarei uma seção transversal desse curta-metragem à linha do tempo. E vou aproximá-lo outro clipe que está na linha do tempo Acontece que, como geralmente somamos e somamos a linha do tempo para trabalhar confortavelmente, às vezes precisamos juntar dois clipes sem morder nenhum clipe Nesses casos, o ímã nos ajuda a fazer com que o clipe grude na borda Se isso não estivesse ativado, talvez estivéssemos cortando um pouco do outro clipe Por outro lado, quando precisamos mover o clipe para o local exato que queremos, por exemplo, quando realmente somamos na linha do tempo, é melhor que ele não esteja ativado Você já sabe como funciona. Não é tão complicado e é uma das ferramentas mais úteis para nós. Você sabe que, quando ativado, o ímã nos ajuda a seguir a diretriz, a cumprir os pedidos para ser mais precisos e ter um melhor fluxo de trabalho Por outro lado, há um detalhe importante sobre os cortes e está relacionado aos cortes na seção de áudio. Eu já falei sobre o código de tempo na linha e estava falando sobre isso quando estava criando a sequência. E estava relacionado à forma como a hora será exibida na linha do tempo. E você pode seguir o código de tempo ou seguir os quadros por segundo. Mas acontece que quando você soma completamente a linha do tempo e move a guia da linha azul, essa linha está se movendo de um quadro para outro. E isso é um problema quando se trata de edição de áudio, porque o áudio em si é mais contínuo do que o ritmo do quadro. Quero dizer, você pode notar que o áudio salta e isso é muito complicado quando se trata de cortar clipes Odeo Para resolver isso, você deve clicar na régua da linha do tempo com o botão direito do mouse e selecionar Mostrar unidades de tempo de áudio Ao fazer isso, você pode mover a linha guia azul, não pulando de um quadro para outro, mas seguindo o tempo de áudio contínuo Portanto, você será mais preciso ao cortar clipes de ado, lembre-se de que o áudio é mais preciso Quero dizer, quando você está usando uma resolução de 48 K, isso significa que haverá 48.000 gravações por segundo Você pode perceber isso no momento em que amostras de áudio estão sendo exibidas neste momento. Quero dizer, cada segundo está contando 88.000 horas. Mas, como você sabe, você também pode alterá-los para milissegundos, mas esse é um bom lembrete para você quando se trata de cortar clipes de áudio O botão a seguir é o botão de seleção de links? Às vezes, quando arrastamos uma seção transversal de um vídeo do monitor de referência para a linha do tempo, acompanhamos essa seção com respectivo áudio, como neste caso Por exemplo, essa parte desse curta-metragem. Quando ativamos a seção de links, quando clicamos no videoclipe, também selecionamos o clipe de áudio. Quero dizer, é importante quando se trata de ser TD, editarmos quando desativamos essa ferramenta Se eu clicar no clipe, selecionarei somente o videoclipe. Tão simples quanto isso, vou fazer isso de novo. Vou ativar o botão. Vou selecionar o videoclipe. E eu seleciono o vídeo e o áudio ao mesmo tempo. O botão a seguir é a ferramenta para inserir sequências. Essa ferramenta me permite fazer isso de duas maneiras. Vou usar como exemplo essa outra sequência que tenho aqui. Você pode notar que, dentro dessa sequência, eu selecionei esse clipe, mas inserindo e retirando, voltamos à sequência com a qual eu selecionei esse clipe, mas inserindo e retirando, estamos trabalhando. E eu vou arrastar essa sequência para esta. Quando esse botão for desativado e arrastarmos uma sequência para esta, acontecerá que todos os arquivos dentro dessa sequência aparecerão na linha do tempo Quero dizer, como se estivéssemos movendo todos os clipes dentro dessa sequência para a sequência com a qual estamos trabalhando Obviamente, estamos movendo também a edição, mas com os clipes separadamente. Mas, por outro lado, se eu ativar esse botão, ele funcionará de forma diferente. Então, vou arrastar a sequência novamente para essa sequência com a qual estamos trabalhando. E você pode notar que estou movendo uma espécie de clipe aninhado. E esse clipe aninhado contém tudo dentro dessa sequência, independentemente de você ter marcado uma entrada ou uma saída. A sequência inteira será movida. Portanto, é uma ferramenta muito útil quando se trata de criar um grande projeto. Por exemplo, você pode inserir quantas sequências quiser em uma sequência Então, vou abrir essa sequência novamente. Você pode notar que há uma seleção. Então, vou voltar à sequência com a qual estamos trabalhando. E vou arrastar a outra sequência para esta. Como o botão está ativado, toda a sequência é inserida. E você pode selecionar a parte desejada dessa sequência como se fosse outro clipe. E, na verdade, se você clicar nesse clipe, retornará à outra sequência. Então, vou desativar o botão novamente e arrastar a sequência para esta E você pode notar que apenas a seleção foi levada em consideração. Quero dizer, tudo o que estava entre a entrada e a saída. Além disso, estou movendo os clipes dentro da sequência. Portanto, o botão a seguir é a ferramenta de marcação. Basicamente, são lembretes que você pode adicionar à edição para lembrá-lo de algo importante Quero dizer, quando você está editando um grande projeto ou uma sequência muito longa, é provável que você perca algumas coisas na edição. Acima de tudo, quando você trabalha dia após dia, consecutivamente, está fazendo muitas mudanças na edição, nas sequências Esses lembretes são muito úteis, então você pode adicionar lembretes , clicar neles e colocar um nome, se quiser E, na verdade, você tem uma seção comum abaixo quando pode digitar comentários relacionados à sequência ou às alterações. E você também pode alterar a cor do marcador. Eu uso muito isso porque grandes projetos envolvem muitas horas de trabalho. A próxima ferramenta é a chave inglesa aqui. E essa ferramenta permite que você selecione o que você deseja que seja exibido na linha do tempo Quer dizer, a linha do tempo tem vários recursos e você pode selecionar qual deles deseja que seja exibido. simples quanto isso, você pode desativar, por exemplo, para mostrar ondas de áudio ou os quadros-chave de áudio, por exemplo, o que quiser na linha do tempo Gostaria de enfatizar algo importante relacionado aos atalhos, porque nunca gostei de usar atalhos Porque a maioria dos editores que eu conheço que usam atalhos não são Mas se você quiser conhecer os principais atalhos, vá para a guia de edição e depois para os atalhos do teclado. Aqui mesmo. O software fornece todas as informações sobre os atalhos Não gosto nem um pouco de atalhos porque o cérebro tem limitações, o cérebro tem limites e não gosto de gastar minha memória nesse tipo de informação Quero dizer, quando você é um editor profissional, quando você é um cineasta profissional, um artista profissional, você vai ter que lembrar muitas coisas relacionadas à cultura geral, à arte, à filosofia , etc E você deve fazer isso para trazer à tona o melhor de suas referências artísticas. E esse é um processo complicado em sua mente, em seu cérebro. Portanto, não estou gastando meu tempo lembrando que você pode ativar essa ferramenta de barbear pressionando C no teclado, por exemplo Quer dizer, eu simplesmente clico na navalha e vou usá-la De qualquer forma, tente lembrar para que serve essa ferramenta magnética E também essa ferramenta vinculada que permite selecionar videoclipe ou o anúncio em vídeo que se eclipsam juntos Lembre-se dessa ferramenta para inserir sequências que permite inserir um clipe estético ou os clipes separadamente Lembre-se também dos marcadores e deste último na chave inglesa que permite exibir os recursos da linha do tempo Esta lição vai até aqui e até a próxima. 12. Projeto de vídeo para skillshare: Vamos falar sobre um projeto do curso. Como projeto final, você deve criar uma montagem seguindo o exemplo das aulas, do roteiro e das elipses, do tempo e Basta usar um smartphone ou uma câmera simples. Você deve se gravar em seu quarto se preparando para sair de casa ou simplesmente se levantando da cama e se preparando para sair. Nas lições que mencionei, expliquei como ordenar as imagens para criar diferentes mensagens audiovisuais. Quero transmitir informações diferentes para o público. Esse é um dos conhecimentos mais valiosos do discurso. E eu quero que você realmente aprenda isso para poder editar histórias em qualquer software de edição de vídeo. É importante mencionar que você pode adicionar sua voz a essa pequena montagem para alterar ainda mais a mensagem por trás da montagem Obviamente, você aprenderá neste programa todo o conhecimento técnico para produzir som. Eu vejo você na primeira aula. 13. Tempo e a contemplação de uma tomada cinematográfica: Olá, pessoal. Um dos desafios mais importantes quando se trata de editar filmes ou editar qualquer outro trabalho visual é entender o verdadeiro significado das No meu curso de Cinema, falei sobre isso nas aulas de semiótica, onde explico o quanto é importante O conceito de figura-fundo, quero dizer, aquele conceito que nos diz que não apenas os personagens nos contam sobre a história, mas também tudo o que os cerca Mas há um elemento crucial quando se trata de entender isso. Esse elemento é tempo, tempo e imagem, tempo e contemplação. O problema hoje está fora do mundo visual, é que tudo é muito rápido. Queremos nos comunicar o mais rápido possível. E talvez em algumas plataformas isso funcione muito bem. Pela própria natureza dessas plataformas, quero dizer Instagram, Youtube, Tiktok O problema é que o cinema funciona de forma diferente, especialmente quando se trata de fazer cinema de qualidade. Esse tipo de filme em que queremos contar coisas profundas. E para poder contar coisas profundas, é necessário que o processo de comunicação entre o autor e o público seja preciso e correto. Devemos sempre fazer a seguinte pergunta para nós mesmos. O público está realmente entendendo o que o roteiro significa. Nesse sentido, o processo de edição é fundamental porque, nesse processo, determinaremos não apenas a ordem, mas também a duração que cada foto terá. Na história, eu sempre uso como exemplo a ação de verificar a hora em qualquer relógio. Quanto tempo você leva para verificar a hora em qualquer relógio? Quero dizer, quando você vê a hora em seu relógio, eu diria que não são necessários mais do que 3 segundos para ver a hora. Mas se vemos o mesmo relógio, a mesma foto do relógio por mais tempo, isso inicia outra coisa em nossa mente, começamos a questionar o que vemos na tela para nos perguntar sobre o significado do que estamos assistindo na tela. É aí que as coisas começam a acontecer em nossas mentes. É aí que começamos a usar a imagem para outro tipo de leitura. Quero dizer, a quantidade de tempo que uma imagem fica na tela muda o significado da imagem em si. Como determinar a duração de uma imagem na tela será nosso trabalho, devemos estar preparados para entender, quando necessário ou não, quando for conveniente ou não, esticar ou apertar uma foto Vou te mostrar um curta-metragem em que trabalho na minha escola de cinema. Eu trabalhei especificamente fazendo a música, mas o fato é que esse trabalho tem problemas relacionados à duração das tomadas. Mas, ao mesmo tempo, há fotos valiosas, justamente por sua duração. Então, deixe-me dar um pequeno contexto da história neste curta-metragem. Essa história é sobre uma garota que é atriz e foi abusada sexualmente por alguém, mas ela não quer dizer nada para a mãe A garota se comporta de maneira estranha. Ela está sempre de mau humor. Mas em algum momento da história, a mãe da menina encontra um suéter com seus dados com uma mancha de sangue E, finalmente, a mãe entende que a menina sofreu algum tipo de abuso e consegue entender sua porta. No final da história. Este curta-metragem tem evidentes problemas de roteiro, incluindo que, por exemplo, a garota é atriz e a espectadora, o público não sabe que ela é atriz na verdade, porque o diretor e roteirista desse trabalho simplesmente usa uma cena, onde há um ca***dar como mecanismo para informar ao público que a garota está filmando em um para informar ao público que a garota está filmando a garota é atriz e a espectadora, o público não sabe que ela é atriz na verdade, porque o diretor e roteirista desse trabalho simplesmente usa uma cena, onde há um ca***dar como mecanismo para informar ao público que a garota está filmando em um data específica. Isso não é informação suficiente para entender que ela é atriz. Mas preste atenção na foto em primeiro lugar. A foto não dura tempo suficiente para vê-la em detalhes. Em segundo lugar, a palavra atirar, que no ca***dar diz que a viagem em espanhol não está próxima o suficiente para Um editor poderia ter resolvido isso perfeitamente. Por exemplo, se a foto tivesse sido gravada com resolução suficiente, simplesmente ampliar a foto teria sido suficiente para ler a palavra fotografar, a palavra entrou Além disso, se a foto não durar o suficiente, simplesmente tirando uma captura de tela do último quadro da foto, poderíamos reproduzi-la usando essa foto como se fosse parte do vídeo Por outro lado, no início da filmagem, uma cena em que vemos algumas flores com carros em uma mesa. É a primeira foto depois ver a garota na banheira no topo. Devo confessar que a primeira vez que vi aquela foto, pensei que fosse um caixão com algumas flores acima Quero dizer, aquele arranjo de flores comemorativas, acontece que são presente de parabéns para a garota por ter atuado em uma peça teatral Mas, na verdade, até mesmo o deslocamento da foto para a esquerda, além do fato de não vermos a mesa sozinha antes. A primeira coisa que vem à sua mente é que é um caixão Além disso, a ordem do disparo na montagem falha. Quer dizer, os curtas-metragens começam com a garota preocupada no início, como se estivesse pensando em algo profundo. Quando você vê a imagem de um objeto de madeira alongado com flores acima, o que você acha? O que você acha que você , como editor, teve que perceber esse tipo de coisa? Porque se nos dados houver outra foto da mesma tabela de um ponto de vista mais distante, por exemplo, onde fica claro que é uma mesa a olho nu, você deve escolher essa tomada. Mamãe, hmm. Mas nem tudo está falhando neste curta-metragem. Por exemplo, na última ótima cena da última cena a mãe entra na sala, fica na frente de seus dados e a observa por um longo tempo, tanto o diretor o editor puderam tomar outra decisão, como usar outra cena ou fazer cortes para resumir a cena, por Mas eles não fizeram isso. Simplesmente, a cena é longa o suficiente para nos permitir contemplar os dois personagens por um longo tempo Mergulhar nas emoções, nas emoções delas de uma forma mais profunda Tente ver tudo isso como um exemplo, porque é como o fato de contemplar uma pintura Vamos usar como exemplo. Esta é a pintura de Manet. Vamos supor que isso seja uma chance. Se a duração dessa tomada fosse de 4 segundos, por exemplo, esse tempo seria suficiente para contemplar o plano de fundo Por exemplo, notar que no fundo há outra mulher que obviamente está com eles. É tempo suficiente, 4 segundos para detalhar que há até um pequeno barco de madeira ao fundo. Esse é certamente o meio de transporte pelo qual eles chegaram a esse lugar. Certamente um lugar mágico onde eles queriam fugir, ficar sozinhos. Aqueles para amigos de seus amantes. Você percebe que essa é a única maneira de aprofundar a linguagem audiovisual, tentar contemplar a arte, se tornar um verdadeiro artista talentoso, até a 14. Como um roteiro é exibido na tela: Perfeito, estamos aqui na estreia de Dove. Nesta lição, aprenderemos como interpretar um roteiro de filme quando se trata de edição de filme. Quero dizer, como um roteiro aparece alternadamente na tela. uma página de roteiro que Também é a aparência de uma página de roteiro que representa 60 segundos em um filme. O ponto positivo é que aprendamos a interpretar um roteiro de filme quando se trata de edição, ou pelo menos tenhamos uma ideia do que um roteiro quer transmitir Vou dividir uma tela e vou mostrar essa cena em uma cena ampla, onde tudo vai acontecer em uma única cena. E, ao mesmo tempo, vou ler a página do roteiro correspondente a essa cena. Você também deve saber que página do roteiro representa 60 segundos em uma tela Mas preste muita atenção a esta lição, porque, na verdade, nem sempre será assim. E devemos estar cientes de que, mesmo quando um roteiro é mal escrito, como cineastas ou editores, devemos saber quanto tempo as ações em um roteiro de filme Vamos começar então, no dia do navio de espeleologia, braço de novecento está pendurado na beira da cama Enquanto ele dorme, uma mala aberta está no chão. Um livro de música está na mala. Uma luz suave ilumina a pele jovem do braço Navicent. Navicent dorme tranquilamente no fundo de um banco. Ele usa uma camisa verde e calça que não são confortáveis para dormir Os lençóis e o travesseiro são muito largos. O som de algumas águias é ouvido à distância. Eles parecem se aproximar, mas o sono de novecento parece não ser perturbado O barulho das águias aumenta e acorda. Novecento. Novecento enxuga os olhos para tentar acordar Ele parece querer voltar a dormir, mas se esforça para tirar os olhos. A luz da manhã indica que ele deve se levantar. Navicent está sentado na beira da cama. Ele ainda se sente cansado. Novecento enxuga os olhos. Ele parece estar um pouco preocupado, mas se esforça para dominar a força para terminar de se levantar. A luz da manhã entra pela pequena janela redonda, típica de um navio do início do século XX. Novecento termina de fechar a mala, já calçou os sapatos e depois caminha lentamente em direção às Novecento se aproxima das janelas da cabine enquanto fixa o aparelho ortodôntico Novecento observa através de uma das janelas da cabine. Ele parece muito atencioso. Há recortes nas paredes da cabine como alguém que está lá há algum tempo. As luzes da cabine se acendem, indicando que o navio está prestes a atracar na doca, Novecento percebe que é hora de partir Ele começa a olhar em volta para ver se não tem mais nada na cabine. Novecento vê cada detalhe e se vira para um banco onde há alguns lençóis soltos Navicent observa os lençóis e reflete profundamente. Navicent se aproxima do banco e se senta. Ele então pega os lençóis e os examina um após o outro. Os lençóis parecem lembrá-lo de alguma coisa. Novecento é nostálgico, ele se transforma em infinito, se transforma em infinito Obviamente, o que vemos na tela é sempre uma interpretação do roteiro de um filme. Uma interpretação que pode vir de um roteirista ou do próprio diretor de cinema. Nesse contexto, surge uma pergunta. Essa página do roteiro realmente pertence a essa cena? A verdade é que, em termos gerais, ou seja, lendo as unidades de ação, parece ser o roteiro que corresponde a essa cena. No entanto, a primeira coisa que devemos levar em consideração é que isso dura quase 2,5 minutos. Acabamos de ler uma página de script que representa apenas 60 segundos. Portanto, preste atenção na importância desse conhecimento, pois já podemos ver deficiências na redação Esse conhecimento nos permite saber a duração real das ações que estão acontecendo na página do script. Isso nos permite saber quanto tempo duram as ações de um personagem em Cene Esse conhecimento não tem preço e só é possível entendê-lo por meio da prática, porque na verdade lemos a cena E a leitura me levou mais ou menos o tempo de lapso, ou seja, 2,5 minutos. Mas tente imaginar que estávamos editando um roteiro de 90 páginas que tem esse problema, então o filme não duraria uma hora e meia, mas 3 horas, pois realmente é um problema em termos de produção. Por outro lado, há um elemento que se destaca acima de tudo em termos dessa versão escrita do roteiro. E é assim que se descreve um grande número de detalhes que não é possível retratá-los, ou pelo menos é difícil representá-los do ponto de vista dessa tomada, a foto é uma foto, uma espécie de foto aberta E o que isso significa? Isso significa que, na realidade. A foto que devemos usar para contar o que está acontecendo na caverna, em nossos odores, por exemplo Preste atenção a essa linha do script. Uma luz suave ilumina a pele jovem do braço Novecento. Não é possível ver esse detalhe à distância, assim como o detalhe do livro na mala, a linha em que é lido, aquele novecento está preocupado com algo Também é difícil ver os detalhes da fase Novecento O que estou tentando dizer é que todos esses detalhes são essenciais para poder determinar quais são as fotos que vamos usar a partir dos dados que a equipe de produção nos forneceu. A menos que haja instruções específicas para escolher quais tomadas usar, devemos ser capazes de usar o script como guia e o script sugere, em sua redação quais são as tomadas mais apropriadas. Por exemplo, o detalhe do braço de novecento e do livro na mala que poderia estar em uma única foto fechada, se nos dados que temos há uma foto que retrata essas linhas da melhor maneira, por exemplo, essa foto fechada, devemos escolher O que precisamos fazer é selecionar a parte do videoclipe. Lembre-se de que eu lhe disse como fazer isso anteriormente usando o I e a entrada e a saída, e arrastar o fragmento do vídeo até a linha do tempo É importante observar que estamos sempre construindo nosso ponto de vista sobre o roteiro, mas devemos lê-lo profissionalmente para melhor representá-lo Vamos prestar atenção em como essa foto é lida. Embora aqui, não seja exatamente perceptível que o livro seja na verdade um livro de música. O livro parece muito mais próximo, da mesma forma que a pele do braço de Novecento Além disso, podemos ver nesta foto como são as roupas de Novecento, bem como o quão profundamente adormecido ele Podemos notar ainda melhor a cor branca específica do travesseiro Na verdade, ao combinar essa foto de perto com uma foto de uma reunião de novecento na cama, por exemplo, nesta foto, podemos ver mais detalhes como Novecento Lembre-se de que a descrição diz que Novecento usa roupas que não são nem confortáveis Além disso, podemos ver com mais detalhes os cortes de papel que estão presos na parede. Portanto, essa foto é bastante útil. Assim, podemos selecionar o fragmento de vídeo que queremos usando I e 0 e adicioná-lo à linha do tempo Há algo muito importante a ser levado em consideração quando se trata de misturar cenas diferentes, tomadas diferentes da mesma ação. Devemos prestar muita atenção às ações de corte. As ações de corte são aquelas em que vamos de uma tomada para outra para que pareça que você tem várias câmeras configuradas ao mesmo tempo. Por exemplo, aqui o personagem se volta para a luz. Na verdade, é a luz no som dos veículos que acorda novecento Portanto, essa ação se repete em diferentes cenas e é perfeita para gerar essa sensação na montagem Se não respeitarmos esses elementos consecutivos quando se trata de passar de uma tomada para outra, geraremos outro significado narrativo. Na edição de vídeo, vamos criar uma elipse. A elipse é um salto narrativo na edição. Esses congestionamentos de tempo podem ser curtos ou longos. De qualquer forma, veremos esse elemento específico posteriormente em outra lição. Mas, como esse não é o caso, devemos encontrar as ações de corte que me permitam unir adequadamente uma foto à outra. Agora vou procurar outra tomada para continuar construindo a cena. Nesse caso, vou usar a ação de calçar as botas enquanto corto para poder combinar adequadamente as duas tomadas. Como eu disse, vamos selecionar o fragmento de vídeo que queremos com o I e, em seguida, arrastar esse vídeo para a linha do tempo Veja como fica a ação de corte, criando a sensação de que há várias câmeras na cena. É muito importante. Ou seja, à medida que avançarmos na edição de um script específico, descobriremos coisas a partir dos dados. Coisas que, no final, nos permitirão chegar à edição. Por exemplo, no script há uma descrição importante. A luz da manhã entra por pequenas janelas redondas, típicas de um navio do início do século XX. Apesar do fato de que esse detalhe pode ser visto na cena geral do roteiro, escrita separadamente em um pequeno parágrafo, que sugere que essa foto é uma cena específica para isso ou que alguns detalhes desse elemento devem ser vistos. Vou criar um espaço aqui entre as fotos que adicionamos à linha do tempo para tentar adicionar uma foto das janelas Preste atenção agora a isso. Em uma das fotos que foram gravadas, Novecento está sentado, refletindo sobre as partituras que ele Mas se percebermos no final da foto, Novecento se levanta e praticamente deixa as janelas expostas como se fosse uma foto das Assim, podemos usar aqueles segundos em que o navegador não vê como se fosse uma tomada Eu chamo isso de tirar fotos das próprias fotos. O interessante disso é que isso nos obriga a também criar uma conexão com as outras fotos. Que também devemos encontrar um corte em ação que nos ajude a combinar a foto com as outras. Por exemplo, há um momento em que o navegador se vira em direção às janelas Essa pode ser a ação de corte. Perfeitamente. Lembre-se de que, na ação natural do personagem, ele se volta para a luz porque a luz é o que sobe. Além disso, é a conexão do personagem com o exterior. Essa captura detalhada da janela é crucial. Isso me permite descrever o espaço com mais detalhes. É necessário comparar todas as informações que percebemos em uma foto fechada com relação à primeira foto geral que vimos no início. A leitura da foto é muito importante e somente comparando-as podemos sentir como as informações chegam até nós de uma maneira melhor. Observe que, embora seja a mesma ação, ou seja, as unidades de ação estejam contidas tanto na cena fechada quanto nessa foto geral, a leitura é diferente. É muito importante levar isso em consideração quando se trata de edição pois há detalhes que não podem ser mostrados em uma foto aberta. Mas o mais importante é que não há uma única maneira de fazer isso, simplesmente devemos estar abertos para encontrar possibilidades criadas nos dados que a equipe de produção nos fornece. Especialmente porque muitos de vocês vêm do meu curso de roteiro, e esse é outro ótimo exemplo para ver o roteiro realmente se parece em uma Eu diria que é um dos desafios mais difíceis para um roteirista O mais valioso desse conhecimento é que muitas vezes eles nos fornecem projetos que nem sequer têm um roteiro escrito formalmente Mas, em vez disso, eles gravaram uma história com uma bolsa, um guia. E devemos construir a história na edição. Então, praticamente estaríamos escrevendo a história nós mesmos. Bem, vamos continuar com esse exemplo. Vamos prestar atenção ao último parágrafo, onde se lê o seguinte. Novecento se aproxima do banco e se senta. Ele então pega os lençóis e os examina um após o outro. A partitura parece lembrá-lo de alguma coisa. Novecento é nostálgico, ele se transforma em infinito, ele se transforma em infinito Então, nesta foto ampla, Novecento é visto olhando as partituras Mas podemos realmente ver que Novecento está pensando profundamente sobre o que está A verdade é que, na cena aberta vemos apenas o personagem lendo as páginas, mas não vemos seu rosto em detalhes. Mas veja agora essa foto. Aqui podemos ver o rosto perto o suficiente para representar o que está escrito no script. Aqui estamos vendo o rosto de perto, e não há dúvida de que Novecento é atencioso e afetado pelo que vê Nós podemos fazer exatamente o mesmo. Vamos selecionar o vídeo transversal que queremos adicionar à linha do tempo e poderemos descrever melhor a emoção que é lida no roteiro Da mesma forma, devemos descobrir que as ações de corte parecem muito bem misturadas com a outra foto. Preste atenção em cada um dos movimentos da performance para que as elipses não ocorram na edição Lembre-se de que a elipse é algo que veremos Por exemplo, podemos usar qualquer um dos momentos em que navega ou relaxa está voltando Ao editar trabalhos dessa natureza repetidamente, você desenvolverá uma sensibilidade à edição porque seu cérebro lerá automaticamente as fotos dessa maneira. Agora podemos perceber que o personagem está pensando em alguma coisa. Ele está deixando alguma coisa porque o estamos vendo na tela. O que não é visto na tela não existe. Esse é um princípio básico da escrita cinematográfica. Se você não está vendo ou ouvindo, algo não existe. Mas vamos supor que quiséssemos representar esse script com uma única captura de sequência. A câmera teria que percorrer cada dos detalhes em uma espécie de viagem com uma câmera estável que nos permitisse ver os detalhes que estão escritos no roteiro Isso seria algo muito diferente da foto geral que mostrei no início, onde não podemos ver detalhes fechados. Vamos ver mais uma vez para analisá-lo. Você já percebeu que, primeiro lugar, os pequenos detalhes não são visíveis. Em segundo lugar, é importante que saibamos como seria um roteiro pertencente a essa cena. Quer dizer, para escolher essa cena em vez da composição com fotos diferentes que descrevem os detalhes, etc., o roteiro tinha que ter outra natureza Em primeiro lugar, a primeira coisa é que os parágrafos seriam muito mais longos Quando os parágrafos são longos, o escritor sugere que façamos alguns cortes possíveis Por outro lado, obviamente não haveria descrições detalhadas dos objetos, mas uma descrição geral das ações no tempo. Por outro lado, os scripts são escritos na unidade de ações. Cada período continuado é uma ação diferente ou um elemento diferente para descrever. Além disso, embora os lábios quase sempre ocorram nesse salto de um parágrafo para outro com um ponto final, nem sempre há saltos no tempo em pontos finais Às vezes, essas poses são feitas simplesmente para consumir páginas do roteiro e indicar à equipe de produção que a cena dura por um tempo específico. Especialmente quando são escritores especialistas que realmente sabem quanto tempo duram as ações humanas. Leve isso em consideração para que você saiba como interpretar os scripts que são apresentados a você. A menos que o próprio diretor tenha outras instruções, devemos seguir o que o roteiro está nos sugerindo. Por outro lado, os diretores de cinema geralmente fazem uma nova versão do roteiro, especialmente quando o diretor não é o roteirista. Mas mesmo que o mesmo diretor seja o roteirista, sempre há modificações porque os roteiros estão sempre em constante processo de aprimoramento até o final, até a última etapa de edição. É importante estar preparado para que haja um processo de comunicação eficaz entre o diretor e o editor do filme ou do curta-metragem. Vou deixar as duas versões dessas cenas em dois dessas cenas em arquivos PDF para que você possa revisá-las e saber como é realmente a página do roteiro de um filme . Isso é para esta lição e até a próxima. 15. Como editar textos: Aperfeiçoe o que vamos fazer nesta lição. Vamos aprender a usar a ferramenta de texto na barra de ferramentas da linha do tempo. Além disso, aprenderemos a sublinhar o texto, o que é muito útil para versos do Youtube e para vídeos para redes sociais e até títulos de filmes e curtas-metragens Por outro lado, você vai embelezar esses sublinhados com uma ação essencial que eu sei que é algo que você vai adorar, a. Deve-se notar que, embora usemos os fundamentos da ação nesta lição, usaremos os fundamentos da ação com muito mais detalhes posteriormente Vamos começar com a ferramenta de texto. Basta selecionar a ferramenta de texto, na barra de ferramentas da linha do tempo, ir até o monitor do programa e clicar onde queremos que o texto esteja. Vou digitar tudo imediatamente após terminarmos de escrever o texto que queremos que um clipe gráfico seja criado na linha do tempo Podemos esticar ou apertar esse clipe como quisermos. É exatamente o mesmo que se fosse um videoclipe. Obviamente, a única coisa visível nesse clipe é o texto. E o texto será visto na tela. Desde que esteja em cima de qualquer outro clipe, podemos clicar nele e ele abrirá automaticamente os parâmetros gerais no painel de controle do Ax, se for qualquer outro videoclipe. E, obviamente, podemos adicionar os fatos que queremos e eles afetarão apenas os textos que temos aqui, mas preste atenção. Na realidade, o texto que escrevemos não é o único que pode estar neste clipe. Quer dizer, poderíamos adicionar outros textos que estão dentro desse clipe gráfico e os parâmetros individuais de cada texto aparecerão no painel de controle do fax. O clipe gráfico seria um clipe geral que pode conter todos os textos que desejamos. Isso é muito importante porque podemos adicionar efeitos ao texto e ao clipe separadamente. Por exemplo, se eu mantiver o clipe gráfico selecionado e o guia da linha do tempo estiver no clipe gráfico Se eu selecionar a ferramenta de texto novamente e escrever qualquer coisa, um novo texto será criado dentro do mesmo clipe. Preste atenção que eu digitei meu nome e nenhum novo clipe foi criado na linha do tempo Mas se analisarmos o clipe gráfico que já criamos, encontraremos a guia de configuração individual desse novo texto. Mas você precisa prestar muita atenção a um detalhe que tem a ver com isso. Você tem que ter cuidado porque não pode se confundir. Aconteceu comigo no começo. Se você alterar os parâmetros de posição do clipe, isso afetará a posição de todos os textos que estão dentro. Pode parecer lógico, mas se você adicionar um texto primeiro e mover o clipe nos parâmetros do clipe e não no texto , ao adicionar outro texto, ficará bastante confuso. Veja como esses parâmetros afetam os dois textos que eu tenho no clipe. Vou deletar essa automação que acabei de fazer no clipe. Se eu quisesse dar movimento a um dos textos específicos, teria que ir aos parâmetros individuais do texto que eu quero para que ele mova apenas aquele. Podemos verificar os parâmetros para que você perceba e perceba que eles são exatamente iguais. Obviamente, isso também nos permite detectar defeitos que afetam apenas um texto específico. Por exemplo, vamos mover esse texto. Tudo o que vou fazer é exatamente o mesmo quadro-chave no início e outro um pouco mais tarde com duas posições diferentes , respectivamente. Agora você pode ver como apenas o texto em que se lê, Ali, se move. Além disso, como você pode ver aqui, você pode alterar os parâmetros da fonte. Você encontrará todos os parâmetros que você costuma alterar. Word Office aqui, a separação entre as letras, se são antigas ou não, etc., etc Obviamente, todos os critérios das letras já têm a ver com seu estilo, com o projeto que você quer fazer. Por outro lado, você pode ativar ou desativar o texto que você tem no clipe gráfico Mas preste atenção nisso, é muito importante. Não é a mesma coisa que eu escalo o texto usando o parâmetro clip. Quero dizer, se eu quiser resumir uma letra específica, por exemplo, para fazê-la parecer maior. Se eu fizer isso com os parâmetros de um clipe, vou expor os pixels do texto e você não notará isso no monitor do programa Você notará isso ao exportar a sequência no final da edição. A maneira correta de aumentar a letra sem pixelá-la é aumentar o tamanho da fonte nos parâmetros do texto Quer dizer, torne-os grandes o suficiente para que, mesmo abordando-os com o parâmetro do clipe ou do próprio texto, não fiquem pixelados Eu sempre recomendo colocar a fonte o mais fraca possível e somar usando a escala para que ela sempre tenha resolução suficiente e não fique pixelada ao exportá-la Por outro lado, há um efeito muito interessante que eu queria mostrar para as cartas. Texto. Devemos ir para a pasta de defeitos V e depois gerar e escolher gradiente de quatro cores com defeito de pano E coloque-o antes do texto que queremos que ele afete. Preste atenção que, se eu colocá-lo abaixo do texto, isso não o afeta, deve estar acima do texto. Esse efeito me permite modificar cada uma dessas cores mistas que estão aparecendo no texto. Existem quatro cores diferentes, e o software gerará toda uma gama entre as cores. Acho esse efeito muito bom porque você pode realmente automatizar todas essas mudanças e dar ao nosso texto uma aparência moderna que combina com os planos de fundo Agora vamos passar para o sublinhado e a ação essencial para sublinhar o texto de forma animada, que é como eu costumo fazer Devemos criar um plano de fundo sólido. Posteriormente, devemos ir ao ser geral, clicamos com o botão direito do mouse, vamos para Novo item e depois para Color Matt, abre-se uma pequena janela que nos informa o tamanho do clipe que será criado por padrão. Ele sempre se adapta ao tamanho da sequência em que estamos trabalhando Então clicamos em Ok, e então devemos escolher a cor que a cor mate terá. Clicamos em Ok novamente e colocamos um nome, se quisermos. Na verdade, eu já criei uma cor Matt, mas eu só queria te ensinar como fazer isso. Devemos arrastar esse clipe para a linha do tempo. Esse clipe colorido de Matt será como qualquer outro videoclipe. É como uma foto com a diferença de que podemos mudar a cor dessa foto sempre que quisermos. A próxima coisa a fazer é adicionar um efeito de corte a esse clipe colorido. Vamos para a pasta Transform, selecionamos cortar e arrastamos esse efeito para o clipe. Depois de adicionar o efeito, devemos tentar criar uma linha usando esses parâmetros aqui. Como queremos fazer uma linha horizontal, podemos modificar os parâmetros superior e inferior, quero dizer, até que a linha tenha a espessura que quisermos. Mas também devemos modificar os parâmetros esquerdo e direito para nos adaptarmos ao ***gth do texto O que eu quero fazer não é uma linha simples. O que eu quero fazer é fazer com que uma linha apareça como se estivesse sendo desenhada na tela , como se estivesse animada. Movemos o parâmetro certo até que a linha desapareça, e então adicionamos o primeiro quadro-chave Agora devemos escolher o momento ou ponto em que queremos que a linha apareça. Agora a linha aparece sozinha, totalmente animada. E agora podemos mudar se quisermos que apareça mais rápido. Por exemplo, basta aproximar o segundo quadro-chave do primeiro. Quero dizer que o espaço entre eles é menor. Na verdade, você pode brincar com isso, a linha pode ser de outra forma, ou você pode fazer com que elementos apareçam ou desapareçam na composição dessa maneira. Mas o que eu realmente queria ensinar a vocês era combinar uma ação essencial com esse sublinhado Mas o que é uma ação essencial? É um vídeo gravado com uma tela verde, mas com esse fundo verde já removido do vídeo. Quero dizer, o que permanece no vídeo é apenas o elemento que queremos usar. Existem elementos essenciais de ação de todos os tipos. Fogo, faíscas, tiros, sangue. Na verdade, a Action Essentials é a marca. Na verdade, são vídeos perfurados. Então, vou adicionar, neste caso, essa faísca que você está vendo agora Então veja como as faíscas aparecem no vídeo. Apenas as faíscas, como se fosse um arquivo PNG. Então imagine tudo o que você pode fazer usando isso. Na verdade, mais tarde vou te ensinar como usá-lo, um vídeo, como efeito visual em uma aula dedicada exclusivamente a isso. Neste exemplo, o que queremos fazer é fazer com que a faísca apareça na ponta da linha Quando a linha aparece, a primeira coisa que devemos fazer é adaptar o ***gth do clipe de ignição ao momento em que a linha Agora, o que precisamos fazer é alterar o tamanho da faísca e automatizar seu movimento para que ela siga a ponta da linha até o fim Vamos para o início do clipe e modificamos o escala e o parâmetro de posição para lascar o que eu já mencionei. Então a faísca coincide com a linha. Quero dizer, o mais importante é ter a posição inicial. Depois de termos a posição inicial, o que precisamos fazer é automatizar o movimento horizontal da faísca até o final da Há algo muito importante a saber sobre os quadros-chave. Às vezes, colocamos quadros-chave e depois modificamos a duração do clipe. Quero dizer, somos excelentes. E então o quadro-chave fica oculto da linha do tempo do painel de controle de defeitos E então não sabemos onde está e precisamos excluir toda a automação para começar do zero. O que precisamos fazer é esticar o clipe novamente até que o quadro-chave apareça novamente. Perfeito. Já temos nossa faísca adaptada à linha, mas também podemos adicionar uma imagem de fundo para testar como tudo ficaria com um fundo que não fosse preto Podemos selecionar, por exemplo, a imagem do universo. Nós podemos obscurecer o universo disso. Podemos fazer isso modificando o parâmetro de opacidade. Por exemplo, vou fazer uma pequena renderização prévia. Bem, você sabe como fazer sublinhados animados e adicionar um efeito a isso Você pode usar tudo isso em seus vídeos, apresentações, filmes, vídeos no Youtube, para o que quiser, e terá uma aparência muito profissional Lembre-se sempre de adaptar as cores degradantes das letras às cores de fundo Nesse caso, eles combinaram que as cores das letras estão dentro da faixa do fundo e parece muito bom. Mas, de qualquer forma, mais tarde, aprofundaremos os fundamentos da ação. E vou deixar alguns vídeos perfurados para usar em seus vídeos para usar em seus Quero dizer, faíscas, fogo, etc. Então, esta lição vai até aqui e até a próxima. 16. A exportação: Perfeito. Estamos aqui novamente, quase terminando o módulo. Nesta lição, falaremos sobre o processo de exportação Esse estágio é bem simples, eu diria. É o mais simples de tudo. Obviamente, desde que você chegou até aqui, já viu que há coisas muito mais complicadas quando se trata de edição. Portanto, a primeira coisa que devemos fazer é marcar a entrada e a saída em nossa sequência. Você já sabe como fazer isso, mas está tentando se certificar de que está fazendo isso corretamente. A etapa a seguir é acessar a guia Arquivo e, em seguida, acessar Exportar. E então você clica em Mídia. E essa janela será exibida nessa janela. Você pode modificar as configurações de exportação. Principalmente, você tem duas maneiras de exportar arquivos. Quero dizer, dois perfis. Um perfil comprimido e um perfil não comprimido. Vamos começar com esse H 264. Esse é o formato mais famoso, conhecido e usado. É um formato comprimido e você terá dois perfis principais para escolher, o perfil de alta taxa de bits e o perfil de taxa de bits média A taxa de bits é a quantidade de informações por segundo que o vídeo terá. Embora existam essas duas opções principais, você terá todas essas opções aqui. Esta lista quais são outros perfis completamente adaptados para diferentes plataformas. Existem perfis adaptados para smartphones, para o Youtube e até para perfis do Vimeo E, basicamente, esses perfis ajudam o vídeo a ter um melhor desempenho nos players. E o mais interessante é que, por exemplo, nesse perfil de celular, o sistema adapta sua sequência a esse formato Não estrague a natureza do seu vídeo em termos de aspecto de rádio, por exemplo Mas, basicamente, essas duas opções principais são as mais importantes de todas. Mas há um fator importante quando se trata de esporte, que é o tamanho do arquivo. Você pode verificar um tamanho estimado de arquivo aqui com esse perfil de 365 megabytes e, com esse outro perfil, de um Mas, na verdade, se verificarmos as configurações do perfil, podemos modificar a taxa de bits. Isso é o mais importante de tudo. Teremos esses dois faders aqui, faders horizontais. Ao mover os faders, podemos escolher quanta informação por segundo o vídeo terá Quando falamos sobre formatos compactados, eu recomendo que você mantenha esses números, essa taxa de bits, abaixo de dez, porque você está criando um formato compactado Nesse formato, ele deveria ter uma ótima qualidade. Mas você também quer que seja leve e leve para os jogadores. É por isso que eu recomendo fortemente que você mantenha a taxa de bits abaixo de dez. Você pode brincar com isso, mas também deve saber que a compressão será notada nas áreas escuras da imagem. Além disso, ao marcar essas caixas aqui, você pode modificar qualquer um dos demais parâmetros. Mas eu sei que você não vai modificar isso porque criou uma sequência com configurações específicas. E essas configurações não devem ser modificadas na exportação, mas você pode modificar a qualidade do anúncio, por exemplo. Isso é muito importante porque também há uma taxa de bits relacionada ao áudio. E então, quando terminar de selecionar as configurações, você deve clicar em um Sport e um arquivo MP four será criado. simples quanto isso não é tão complicado, mas vamos passar para o formato não compactado Eu vou escolher o horário rápido, por exemplo. E, nesse caso, é um dos formatos mais conhecidos para exportação em alta resolução Portanto, nesse formato, você terá todas essas predefinições. Na verdade, eles não são completamente descompactados porque o próprio processo de criação do arquivo final envolve uma espécie de Até certo ponto, vou escolher esse Apple Progress 44, 44. É uma das predefinições mais usadas. Nas configurações de exportação, você terá quase os mesmos recursos encontrados no formato compactado, mas poderá escolher recursos como esses renderizados na profundidade máxima E você também pode alterar a profundidade em termos de cor. Você pode escolher oito ou 16 que tenham mais qualidade. Mas vamos falar sobre esse espaço de cores de exportação. Essa opção está relacionada à capacidade de transmitir informações relacionadas à cor no formato. Acontece que hoje em dia é provável que as pessoas trabalhem com formatos como K ou Six K, e os reprodutores de vídeo em plataformas que funcionam com esses formatos funcionam com outra tecnologia, uma tecnologia específica adaptada a essa resolução. formatos Uhd, por exemplo, não só funcionam com mais resolução, com mais pixels, mas também com outro tipo de tecnologia relacionada à distribuição de cores na imagem Por aqui, você terá três opções relacionadas à transmissão de informações em termos de cor. O primeiro, o 79, é o perfil mais usado para vídeos em HD, como as sequências com as quais estávamos trabalhando neste curso Mas as outras duas opções são trabalhar em projetos. Na tecla definida, resolução de oito teclas. Além disso, essas duas outras opções permitem que você alcance uma faixa dinâmica mais alta. Mas não se confunda com isso, uma faixa dinâmica mais alta. Quando você usa uma câmera de última geração, não consegue destacar mais cores do que o formato de uma DSLR pode É muito importante levar isso em consideração porque as pessoas acham que essas opções são como uma varinha mágica. Eu recomendo fortemente se você tiver uma câmera DSLR e sei que é mais provável que a maioria de vocês compre uma câmera DSLR Eu recomendo fortemente que você preste atenção, muita atenção às lições de gradação e correção de cores deste curso Porque se você quiser que seu vídeo pareça sido gravado com uma câmera de última geração, você deve começar modificando as cores da imagem e deve modificá-las de forma criativa Quero dizer, o efeito de alta faixa dinâmica é uma ilusão de ótica, não uma afirmação Tente garantir que você tenha uma boa cinematografia, uma boa iluminação para tentar extrair o melhor dos melhores de seus vídeos Além disso, recomendo que você verifique essa suposição use a máxima qualidade de renderização Na verdade, essa opção pode ser usada tanto para o formato M before quanto para o formato quick time. Essa é outra opção aqui onde se lê: Use Preview. É muito útil quando se trata de criar o arquivo o mais rápido possível pois o sistema usará todos os arquivos de renderização que você criou durante a edição para criar o arquivo final, reduzindo drasticamente o tempo de exportação. Posso te dar um lembrete amigável quando se trata de exportar o arquivo e está relacionado ao formato compactado, o H 264, no hardware do Aqui, você pode escolher o que deseja usar para criar esse arquivo, se deseja usar a placa integrada do seu computador ou se deseja usar a GPU E isso é muito importante porque provável que ocorram falhas durante a exportação Se você encontrar muitos problemas na exportação, eu recomendo fortemente que você escolha a codificação de software, mas se não tiver, você pode escolher a codificação de hardware Isso dependerá do desempenho do seu computador. Outro lembrete importante relacionado a esse formato compactado é a codificação da taxa de bits Essas opções aqui são para verificar se a codificação do arquivo onde ele lê para passar significa que o software realizará duas verificações para garantir que o arquivo seja criado corretamente Obviamente, levará mais tempo, mas é mais seguro. Além disso, erros de codificação não são muito comuns, mas acontecem Ao chegar a esse estágio, você estará pronto para criar seu arquivo clicando em Especialista. Esse seria o formato mais importante e aquele que você deveria usar ao tentar se tornar um especialista até a próxima aula. 17. Ritmo e cortes em um vídeo musical: Olá, pessoal. Um dos maiores desafios quando se trata de edição de vídeo é o espaço em suas filmagens, especialmente quando se trata Um dos elementos mais relacionados ao ritmo na edição são os cortes. Quer dizer, determinando em que momento passamos de uma tomada para outra, dependendo do ritmo da música, esses cortes serão mais ou menos frequentes. Mas esse não é o único fator importante a ser levado em consideração quando se trata de saber onde posicionar os cortes. Acontece que precisamos ter certas noções musicais de tempo para poder fazer isso corretamente, e é isso que veremos nesta lição. Frio. Perfeito. Estou aqui em um software chamado As. Isso não significa que você precisará dele, mas estou em Ka porque esse software tem uma ferramenta que funcionará para eu explicar o que quero explicar para você. Em primeiro lugar, você precisa entender que, nos videoclipes, os cortes ocorrerão por dois motivos. Por tempo ou por ação. Vamos começar com o tempo. O que significa que um corte seja pontual? Então, isso significa que devemos fazer os cortes em diferentes subdivisões de tempo que o ritmo da música com a qual estamos trabalhando Eu sei que isso pode parecer que você precisa conhecer música para fazer isso, mas na verdade não é porque qualquer pessoa que vai a um show, essa pessoa pode acompanhar a música de que gosta. Quero dizer, as pessoas sabem dançar. As pessoas fazem muitas coisas que envolvem seguir um ritmo. Seguir um ritmo não é uma tarefa que só um músico possa fazer Então, vou usar esse meu videoclipe como exemplo e vou seguir o ritmo com minha voz marcando 1.2 Então, por exemplo, neste caso seria 121-212-1212 e esse é o ritmo que até mesmo o cronômetro deste até mesmo o cronômetro deste Os números que parecem maiores seriam quando eu dissesse um, e o número que está entre os números pequenos seria quando eu dissesse dois. Vou ativar o metrônomo do software para que ele siga o ritmo Preste atenção que é o mesmo. 121212. Portanto, precisamos saber reconhecer a hora e o ritmo da música para poder posicionar os gatos na marca um ou na marca dois, ou em qualquer marca de tempo musical que possa conter o ritmo da música. Mas, no entanto, não precisa ser exato, mas uma aproximação Em outras palavras, você deve fazer todo o possível para que corresponda. Mas não necessariamente 100% dos tiros devem coincidir. Portanto, preste atenção, por exemplo, a essa parte. Veja como ela muda de uma foto para outra quase perfeitamente. Você notou que é quase perfeito? Um, etc., etc. Os cortes estão seguindo o ritmo. Preste atenção aos números que mencionei na pequena linha que pertence ao número e ao campo. Os cortes da montagem prestam atenção ao que não é perfeito. É sempre uma aproximação, especialmente nas partes importantes da música em termos de ritmo Mas também os cortes são irregulares, mas sempre seguindo o ritmo. Por exemplo, aqui está um corte, mas a próxima aposta continua, por exemplo, aqui, 12. Por outro lado, algo interessante acontece aqui, porque apesar do refrão ser a coisa mais importante, e você poderia dizer que o corte deve combinar exatamente com a barra, isso não acontece aqui Quero dizer, a primeira parte do refrão não começa com uma, mas com duas antes dessa E isso acontece porque a ação que eu estou fazendo lá, é necessário vê-la completa e isso seria um corte por ação. Mas vamos passar para outro exemplo, outro videoclipe. Vou contar e acompanhar a música, e você vai prestar atenção aos cortes. 1212122. A maioria dos cortes pode ficar com essa marca, mas pode até haver momentos em que a música esteja mais alta e você possa fazer pequenos cortes com o ritmo, como neste exemplo Então, esses três cortes seguiram completamente o arranjo rítmico da música, que também é muito útil E preste atenção ao fato de que o abraço da garota combina com a batida da caixa, porque é um gesto visual importante Mas os cortes em filmes ou curtas-metragens funcionam de forma diferente. Eles não são determinados pelo ritmo da música, mas quando uma foto precisa ser lida corretamente, é a música que se adapta à edição Somente em algumas seções, quando é uma sequência muito musical, podemos tentar adaptar as tomadas ao ritmo da música. Mas vamos prestar atenção nisso, isso é uma prova de que a comunicação é o fator mais importante quando se trata de recortar e colar Nessa cena, os cortes são muito rápidos e a razão pela qual isso acontece é porque a voz de Benjamin está explicando exatamente tudo o que está acontecendo na tela Portanto, a comunicação da informação é duplamente visual e pela voz do personagem. Agora, um taxista havia deixado uma feira mais cedo e ela parou para tomar uma xícara de café. E em todos os dias loucos, ele era motorista de táxi de ensaio que deixou o caso anterior e parou para tomar Percebeu que a senhora estava indo às compras e perdeu o táxi mais cedo O táxi teve que parar para um homem que estava atravessando a rua e saiu para trabalhar 5 minutos mais tarde do que o normal, porque esqueceu muito tempo que aquele homem atrasado para o trabalho estava atravessando a rua, Daisy havia terminado o ensaio e estava tomando banho E enquanto Daisy estava tomando banho, o táxi estava esperando do lado de fora da boutique que a mulher pegasse um pacote que ainda não havia sido embrulhado Porque a garota que deveria embrulhá-lo rompeu com o namorado na noite anterior e esqueceu Quando o pacote foi embrulhado, a mulher que estava de volta na cabine foi bloqueada por um caminhão de entrega. Enquanto Daisy estava se vestindo, o caminhão de entrega se afastou e o táxi conseguiu Enquanto Daisy, a última a se vestir, esperava por falta de amigos que haviam quebrado o cadarço do Enquanto o táxi estava parado, esperando por um semáforo, Daisy e sua amiga saíram pela parte de trás do teatro E se ao menos uma coisa tivesse acontecido de forma diferente, se o cadarço do sapato não tivesse quebrado ou aquele caminhão de entrega tivesse se mudado momentos antes, ou aquele pacote tivesse sido embrulhado e pronto porque a garota não rompeu com namorado ou aquele homem ligou alarme e acordou 5 Aquele taxista, eu não tinha parado para tomar uma xícara de café ou aquela mulher tinha se lembrado de seu casaco Ele entrou em um táxi mais cedo. Daisy e sua amiga teriam atravessado a rua e o táxi teria passado por 11 Então, mas a vida sendo o que é, uma série de vidas e incidentes que se cruzam, fora do controle de qualquer pessoa Aquele táxi não passou e o motorista ficou momentaneamente distraído e o táxi atingiu Daisy e sua É importante observar que, às vezes, quando os compositores adquirem, a edição se adapta à música porque há um arranjo musical que é impossível de modificar para adaptá-lo à Então, nesses casos, é o editor que deve se adaptar à música nesses momentos precisos. Mas, em geral, é o processo de comunicação e a evolução das emoções no filme que determinam o ritmo da edição que você vai fazer. Bem, esta lição está aqui, e espero que você continue na próxima. 18. Introdução Correção de cor em uma cena: Olá pessoal. Neste modelo, vamos trabalhar na correção de cores. Primeiro, aprenderemos como criar máscaras porque, na verdade, as máscaras são a ferramenta que nos permitirá não apenas fazer a correção de cores, mas também aplicar um efeito a uma imagem. Tente ser paciente. Quer dizer, existem várias lições e eu explico tudo passo a passo para que você possa fazer isso sozinho. Há algo importante a ser levado em consideração em termos de faixa dinâmica. A faixa dinâmica de cores em uma imagem é o número de tons e gradientes de cores em uma imagem mencionada na lição anterior Uma imagem com uma resolução mais alta terá maiores quantidades de faixa dinâmica. Mas lembre-se de que a resolução não significa necessariamente um tamanho de imagem maior, mas uma quantidade maior de informações para cada pixel. Agora existem estratégias para fazer com que o espectador sinta que imagem que está assistindo na tela tem um alcance mais dinâmico. Por exemplo, se em uma imagem mudarmos a cor de certos objetos dentro da moldura, criaremos uma aparência ou uma sensação que a câmera foi capaz de detectar essas cores. Essas variações de cores, melhorando substancialmente a aparência do nosso vídeo , não só farão com que a imagem pareça melhor em termos de faixa dinâmica, mas também em termos de cinematografia Quero dizer, a qualidade estética de uma imagem em si. Dê uma olhada neste exemplo, que na minha opinião é excel***t. Na verdade, eu recomendo fortemente que este filme seja esse tipo de filme cuja cinematografia parece Como você pode ver, essa cena foi filmada na praia, que é um dos principais fatores que fazem a imagem parecer boa, pois a cena foi filmada na melhor hora do dia. Mas acontece que, mesmo em condições perfeitas, a lacuna para registrar nunca é muito longa. Portanto, a equipe de produção priorizará as cenas que precisam da presença da luz direta do pôr do sol Mas e as outras fotos? Aqueles que são necessários para a cena, mas nos quais o céu não é diretamente visível? Veja este exemplo. Nesta foto, o Ur está subindo uma colina perto da praia, mas mesmo quando o céu não está lá, devemos informar na foto que o local fica próximo a essa praia e que a ação está ocorrendo no exato momento do pôr do sol Como podemos fazer isso? Preste atenção nas pedras do fundo. Você pode ver que as rochas do fundo são rosadas , como se a luz da noite fosse projetada sobre elas. Mas a verdade é que na foto original, certamente a cor rosa não estava lá. Ok, você pode pensar, bem, talvez seja uma grande lâmpada vermelha que está iluminando as rochas, mas seria muito mais caro fazer isso hoje Nesta era, isso não é mais necessário. Essa cor vermelha nas rochas pode ser feita perfeitamente na correção de cores. Na realidade, é muito mais fácil do que você pensa se o filme foi gravado em alta resolução. Muito mais fácil ainda. Obviamente, no caso de um filme como esse, é evidente que tudo foi gravado em uma resolução máxima. O mais difícil é não mudar a cor das pedras. O mais difícil é saber quando é necessário mudar a cor das rochas para combinar com o pôr do sol. Agora, para saber isso, você deve ter uma ótima cultura visual. Você deve sentir a necessidade visual de adicionar algo a uma imagem para torná-la completa. Eu te digo, eu digo tudo isso porque o editor de hoje tem vários empregos. Muitos de vocês fazem muitos cursos porque querem aprender a fazer tudo sozinhos. Mas aonde eu quero ir com isso? Por exemplo, se você está fornecendo dados, quero dizer que os arquivos de vídeo do ASM gravaram uma praia como essa Nos dados, há, por exemplo, dez fotos, mas apenas três delas mostram a luz da tarde. Você deve ser capaz de modificar elementos na imagem para sugerir que todas as fotos foram gravadas ao mesmo tempo Esse é o seu trabalho. Mesmo que você seja apenas alguém que faz correção de cores, você deve estar preparado não apenas para corrigir a imagem, mas para saber quando a imagem precisa ser corrigida Eu sempre insisto nisso, busco assistir bons filmes para que você possa ter boas referências na hora de fazer correção de cores. Vamos começar então. 19. Correção de cor parte 1 Lumetri abrange o exemplo de cores legais da piscina: Perfeito. Estamos aqui na primeira lição sobre gradação e correção de cores Mas é a primeira coisa que você precisa saber para ter uma visão poderosa sobre correção e gradação de cores A primeira coisa é que o que vou ensinar nesta lição, neste módulo, nas lições seguintes, é meu ponto de vista sobre essa etapa de produção passada. Quero dizer, cada professor que você encontrar por aí terá seu próprio ponto de vista sobre gradação de cores, terá seu próprio ponto de vista sobre gradação de correção de cores, porque na verdade esse ponto de vista é o subproduto de suas experiências Então eu diria que é como pintar ou desenhar, todo mundo é capaz de desenvolver seu próprio estilo. E por que estou lhe dizendo isso, porque estou focado em criar arte, criar histórias. Sou artista, é o que adoro fazer, isso que me dedico Portanto, do meu ponto de vista, existem certos elementos técnicos que não devemos seguir completamente ou que não podemos respeitar como completos. Em outras palavras, devemos ser capazes de quebrar um pouco as regras ou distorcer um pouco o braço das regras. E vou começar isso diferenciando entre correção de cores e gradação de cores Qual é a diferença Do ponto de vista técnico, a correção de cores consiste em fixar do vídeo ou as cores da imagem para fazer com a imagem corresponda à ideia original que o diretor de fotografia teve na filmagem Quero dizer, o diretor de fotografia ou diretor de fotografia estava realizando esse trabalho na filmagem e ele tinha um propósito Quero dizer, ele tinha um objetivo objetivo em termos de cor, iluminação e iluminação Ao fotografar, você deve examinar as imagens no monitor. Esse monitor fornece informações sobre o que está passando pelo sensor da câmera. É possível que, no dia da filmagem, você, como diretor de fotografia, diretor de cinema ou cinegrafista, esteja bastante confiante, esteja assistindo no monitor da câmera Mas acontece que , no momento em que você analisa o futuro, percebe que o futuro não corresponde ao que você estava assistindo no monitor E assim, por exemplo, nesta imagem sobre essa garota na piscina, você pode notar que há uma espécie de véu, um véu branco sobre a Mas acontece que esse véu que você pode notar é um tipo de configuração que o arquivo tem para ser modificado em termos de cor Portanto, é uma espécie de configuração padrão. Então, voltando a saber o que é a correção de cores. A correção de cores seria retornar a imagem para aquela aparência, para aquela aparência que o diretor de fotografia estava assistindo no monitor da câmera ou no monitor externo na data da filmagem Mas, nesse momento, surgem confusões porque talvez a ideia inicial da ideia original do diretor de fotografia fosse modificar a cor da imagem, a cor do vídeo na etapa anterior de Então, nesse sentido, quando você fala em distorcer as cores originais da imagem as cores originais da imagem para melhorar sua aparência, você está falando sobre gradação de cores Então, às vezes, essas bordas entre a correção e gradação de cores são muito fechadas, cruzadas e misturadas Para mim, tudo o tempo todo é uma gradação de cores, porque seu propósito, seu objetivo, é aprimorar a imagem da melhor maneira possível Então, vamos começar. A primeira coisa que devemos fazer é mudar para a cor predefinida. Pessoalmente, sempre uso a predefinição de edição não apenas porque é a mais eficiente, mas também porque é melhor em termos de desempenho e recursos do computador Mas desta vez você precisará usar os osciloscópios Lumetri nessa E o que são os telescópios Lumetri a olho nu? Parece muito complicado porque você está observando uma espécie de ondas de cores estranhas. Mas eu realmente digo que não é nada complicado. Os luminoscópios são uma ferramenta para garantir que sua imagem preencha todo o espectro de gamas de cores Você pode notar que neste painel, no lado esquerdo deste painel, há uma régua, ou uma espécie de matéria que vai de 0 a 100. E você também pode notar essa onda de três cores que está localizada em uma seção específica desse Por exemplo, preste atenção a essa faixa azul. Por que essa faixa azul está acima. Acontece que o valor 100 representa a quantidade máxima de luz na imagem. Por outro lado, o zero representa a quantidade mínima de luz. Portanto, preste atenção no monitor do programa. Você pode notar que a cor azul se destaca porque a piscina é azul e a água tem a quantidade máxima de luz. Por outro lado, a pele tem menos luz. E você pode notar no centro do painel que há uma espécie de dobra em termos de luz no centro da imagem. Nessa dobra está representando o cabelo, por exemplo, no maiô da menina que é preto, na verdade Mas o problema é que, neste momento, essa onda que você está vendo no painel está sentindo apenas uma pequena parte do espectro. Uma seção mais próxima da luz do que da sombra. Portanto, devemos expandir e esticar essa faixa de cores da imagem para sentir o máximo possível esse espectro de cores. Mas preste atenção nisso, porque não quero dizer que seja imperativo sentir todo o espectro de cores Porque talvez seu propósito artístico não seja fazer isso. E deixe-me dizer isso, porque talvez seu objetivo seja alcançar um visual vintage suficiente no vídeo. E esse look é inspirado em uma época em que não havia TVs ou câmeras tão sofisticadas Quero dizer, havia câmeras que não eram capazes de retratar uma grande quantidade de cores e gamas Se for o caso de você querer combinar com esse visual, talvez a aparência que você está assistindo no momento seja a mais adequada para você. Mas vamos supor que esse não seja o caso. Vamos supor que você queira equalizar as cores desse vídeo para exibi-lo o mais rápido possível Então, precisaremos adicionar alguns efeitos de vídeo em termos de cor. Então, precisamos ir para a pasta de efeitos. É importante enfatizar que existem muitas ferramentas em termos de cor, mas vou mostrar aquelas que eu mais usei. Vamos para a pasta de efeitos, vamos para os efeitos de vídeo. Desta vez, adicionaremos níveis à medida que adicionaremos uma cor lumetri, também um equilíbrio de cores, também um equilíbrio de cores Eu já adicionei esses efeitos, mas eles estão todos desativados Eu vou fazer isso do zero. O efeito de níveis está localizado na pasta ajustada. Direcionamos o efeito para o painel de controle do efeito, depois vamos para a pasta de correção de cores e escolhemos o efeito de cor Lumetri Por fim, o equilíbrio de cores. Vamos encontrá-lo na pasta de controle de imagem aqui. Para que são usados os efeitos de nível? Eu costumo usar esse efeito para enfatizar os tons de preto na imagem, para mim, é o primeiro passo para banir esse véu padrão na filmagem Nos parâmetros dos níveis, você encontrará vários corretores de cores focados em adicionar mais luz ou remover luzes da imagem Modificando toda a gama de cores ou uma faixa específica de cores na imagem Essa é a razão pela qual você pode ver faixas diferentes em termos de alcance, entrada preta ou entrada branca, não apenas em termos de RGB, mas também em vermelho, verde ou azul separadamente Eu disse que uso esse efeito de nível para aprimorar e fortalecer os tons de preto na imagem Ao mover essa primeira faixa, você pode aprimorar os tons de preto. Vou mover esse parâmetro para a direita e você notará a diferença. No monitor do programa, você pode notar a diferença e observar como a imagem está voltando ao estado original. Agora vamos voltar aos osciloscópios Lumetri para revisar o espectro Você pode observar como a onda de cores está se expandindo para o lado negativo do espectro Vou desativar o efeito para que você perceba a diferença Preste atenção onde estão localizados, os tons vermelhos. Vou ativá-lo novamente e prestar atenção aos osciloscópios lumetri Então, ao mover esse primeiro parâmetro, essa primeira faixa, estou adicionando quase 20 pontos em termos de tons de preto à imagem inteira, aumentando dramaticamente sua gama de cores. E preste atenção que, como o maiô da engrenagem, está atingindo completamente os tons de preto no herdeiro Além disso, você pode notar no centro do painel que a onda de cores está chegando a zero no espectro. E você sabe que zero representa a quantidade mínima de luz. Mas você também pode modificar outras faixas dos níveis. Quero dizer, para fixar os tons e retornar a aparência ao estado original. Quer dizer, você pode adicionar, por exemplo, luz aos brancos que às vezes é necessária porque talvez o vídeo não tenha luz E você pode corrigir esse problema movendo esse parâmetro para aquela faixa. Mas preste atenção aos luminoscópios neste momento. Desde que movi a entrada branca, a onda colorida atinge a quantidade máxima de luz. Mas resumindo, eu uso esse efeito, esse efeito de nível, para equalizar os tons É a primeira etapa em termos de correção e gradação de cores Mas vamos passar para o seguinte efeito. Essa é a cor luminosa aqui. Vou adicionar um pouco de contraste à imagem inteira. E outra coisa muito importante, a saturação. A primeira razão pela qual estou adicionando saturação é porque a imagem está fria Mesmo que você possa notar a luz do sol refletida na piscina. Quero dizer, é um tiroteio ao ar livre. Havia muitas nuvens no céu e as nuvens estavam impedindo que a luz atingisse diretamente os objetos. Quero dizer, a luz é filtrada pelas nuvens. Quando isso acontece, tudo ao redor perde a cor imediatamente. Mas vou modificar um pouco os destaques para diminuir um pouco a quantidade de destaque. E eu vou nivelar os destaques com os brancos até agora, aqui mesmo Agora você vai voltar aos osciloscópios lumetri para revisar o espectro Agora você pode notar como a faixa vermelha na onda de cores está atingindo quase 30 no espectro Mas preste muita atenção nisso. Você não precisa que a onda de cores alcance o nível zero ou 100, na verdade, isso não é bom. Assim como basta publicar um vídeo, mas também depende do que você quer ou do seu estilo. Mas, além disso, podemos adicionar outro efeito, esse efeito de equilíbrio de cores. Equilíbrio de cores, RGV. Esse efeito permite adicionar um véu extra de cor que cobre toda a imagem, sem alterar sua própria natureza Quero dizer, sua natureza em termos de luz e tons. Então você pode notar que estou aprimorando os tons de azul e removendo também os tons de vermelho na imagem Na verdade, parece muito bom. Parece que o tiroteio foi em uma piscina coberta algumas janelas por onde a luz entra. E preste atenção nisso, estou deixando a imagem azul e você pode notar aquele véu azul Mas vamos voltar aos osciloscópios lumetri, agora você pode perceber o quão poderosa foi essa Quero dizer, a onda de cores está preenchendo quase todo o espectro. Mas, nesse caso, não devemos permitir que o azul alcance o nível 100. Devemos tentar nivelar os tons de vermelho e azul, sem atingir os limites. Atingir os limites significa que você está saturando a imagem em termos de cor Vou mover um pouco a faixa azul e a vermelha também. Agora, preste atenção em como os luminoscópios se comportam. Você pode notar agora que a faixa azul está próxima a 100, mas não está chegando a 100 e isso significa que não está saturando bem, seria o que eu costumo fazer em termos de correção de cores, nos primeiros Mas preste atenção. Atingir o limite não significa que a imagem seja executada. Talvez seu propósito criativo seja fazer isso, seus propósitos estéticos. Portanto, sinta-se à vontade para experimentar e brincar com esses parâmetros e ferramentas. Então, vou deixar a foto em tela cheia e nos vemos na próxima lição. 20. Exemplo de correção de cor cor: Perfeito. Estamos aqui novamente. Desta vez, você vai usar esse outro exemplo. É o mesmo cenário do filme com a mesma atriz, mas dessa vez dá para notar que a luz do sol não é filtrada Este é um exemplo perfeito para fazer você entender que, mesmo sob as mesmas condições em termos de produção e ambientação do filme, apenas o fato de a luz do sol ser filtrada pelas nuvens traz outro visual diferente E essa característica é perceptível no cabelo. Por exemplo, você pode notar que as mechas revelam os tons de marrom nos cabelos. Por exemplo, desta vez eu não estou usando os níveis. Estou usando apenas a cor lumetri e o equilíbrio de cores, Além disso, estou usando outro efeito chamado nitidez para adicionar definição à imagem Vamos até as pastas para procurar esses efeitos. Para fazer isso do zero, é claro, continuaremos analisando os luminoscópios enquanto fazemos essa Vamos aos luminoscópios para analisar o espectro. Aqui você pode notar que a onda de cores tem uma aparência diferente. Quero dizer, diferente da lição anterior. A primeira coisa que você pode notar nos osciloscópios Lumetri é que há uma cor branca cobrindo a onda de cores. O que isso significa? Isso significa que a imagem está gravada. Quero dizer, a filmagem está queimada. Quero dizer que as configurações da câmera não eram as mais adequadas para essas condições de luz. E a razão pela qual isso aconteceu foi devido às condições climáticas. Quero dizer, as nuvens estavam se movendo rapidamente. Quer dizer, a câmera foi configurada para funcionar com a luz filtrada pelas nuvens, mas as condições climáticas não eram estáveis Mas mesmo que o vídeo esteja um pouco queimado, não está nem um pouco estragado Mas devemos tentar adaptar a correção de cores a essas condições. Como a luz do sol está atingindo diretamente os objetos, devemos tentar criar esse efeito da luz da tarde. Estou movendo a temperatura para tons quentes e, ao mesmo tempo, estou adicionando um pouco de contraste ao vídeo. Nesse caso, devemos tentar focar nos tons e sombras pretos para compensar a superexposição Preste atenção, pois você pode notar que essa faixa preta é quase exatamente igual à primeira faixa no efeito de níveis. Quero dizer, lembre-se de que a primeira faixa no efeito de níveis foi a entrada de preto que você deveria criar, os tons de preto da imagem para atingir completamente o nível de preto. Acima de tudo, nos tons do maiô feminino. Por outro lado, você deve diferenciar entre luz alta e branco, ou entre sombras e Ao modificar os realces, você está modificando os níveis mais altos em termos de luz, mas não tocando nos brancos no nível mais baixo Quer dizer, você pode modificar alguns objetos que estão iluminados, mas não são nem um pouco brancos Mas quando você modifica o branco, modifica toda a gama de pedras brancas em termos de luz, para sombras e Funciona da mesma forma. Preste atenção que, como estou movendo a pista preta, apenas o maiô preto está mudando Mas se você modificar as sombras, modificará toda a gama de tons na imagem Depois de dar esse primeiro passo, você está pronto para passar para o equilíbrio de cores. O que vamos fazer é supor que a luz do sol esteja atingindo os objetos diretamente. Quer dizer, como a luz da tarde, vou diminuir os tons de azul. Além disso, você deve saber que a luz do sol produz mais saturação na imagem e realça a cor dos objetos Devemos aumentar a saturação da cor no efeito lumetri Voltamos à cor lumetri e procuramos o último parâmetro A correção básica é a saturação. E aumentamos os valores, atenção à cor dos lábios e também à cor do cabelo. Podemos voltar ao equilíbrio de cores e tentar nivelar a quantidade de azul e remover o azul, aumentando assim os tons de vermelho. Você pode adicionar mais ou menos como quiser. Lembre-se de que isso depende da sua criatividade. Além disso, agora vamos voltar aos lumtroscópios para revisar a imagem Antes de tudo, preste atenção à onda de cores que está preenchendo todo o espectro. Além disso, você pode notar que cada faixa colorida está localizada em uma seção específica do espectro. Mas você pode continuar modificando os parâmetros de cor, quero dizer, para não atingir os limites, mas mesmo que esteja atingindo os limites, mas goste do que está assistindo no monitoramento do programa, tente ter certeza disso Além disso, nesse caso específico, eu já disse que o vídeo foi gravado. Quero dizer, em termos de iluminação. De qualquer forma, mesmo que você perceba que a imagem parece muito boa, a cor parece muito boa. Você pode aumentar os vermelhos. Por exemplo, estou aumentando os vermelhos removendo o azul. Para mim, o vídeo parece melhor. E você pode notar também que, mesmo adicionando mais vermelho à imagem, a onda de cores parece mais desse espectro. Agora vamos passar para o próximo efeito desta lição, que é aguçar A nitidez é usada para adicionar mais definição à imagem Você pode adicionar o máximo de nitidez que quiser. A razão pela qual eu uso isso é porque, na maioria das plataformas, os usuários assistirão ao seu vídeo. O usuário comum usará a menor quantidade de resolução do player. Ao adicionar esse efeito de nitidez, podemos criar esse efeito de maior resolução, mesmo o vídeo seja exibido em um player com uma configuração de baixa resolução Portanto, é um truque muito útil para o Youtube e esse tipo de plataforma. Mas você deve prestar muita atenção para que, ao trabalhar com câmeras de última geração, você poderá adicionar uma quantidade maior de nitidez à imagem Quer dizer, o vídeo alcançará mais qualidade de imagem. Na verdade, é exponencialmente, e está relacionado também à quantidade de informações por pixel Mas, por outro lado, se for o caso da câmera DS LR, você não pode brincar com isso dessa forma, pois será perceptível que você está forçando e a nitidez Esta lição está até aqui. Lembre-se de revisar todo o conteúdo para digerir melhor todas as informações Te vejo na próxima aula. 21. Correção de cor Parte 3 Alterando a cor dos elementos em uma tomada: Perfeito. Estamos aqui novamente. Vamos trabalhar com essas duas últimas tomadas. Por um lado, vamos trabalhar nessa tomada que é esse cavalo galopando Deixe-me enfatizar que essa filmagem pertence a um dos meus videoclipes Por outro lado, vamos trabalhar nessa outra cena, que é a mesma atriz saindo do carro. O que nós vamos fazer? Vamos começar com esse cavalo. Nesse caso, vamos mudar a cor do cavalo. Conseguimos mudar a cor de alguns objetos, sem usar o Azure Effect ou o Da Vinci, por exemplo Quer dizer, nem sempre é necessário usar esses softwares para alterar a cor dos objetos. Mas, além disso, vamos usar outros efeitos. Além disso, vamos para a pasta video fx para procurar os efeitos que precisamos alterar. O efeito de cor está localizado na pasta de correção de cores e também no brilho e contraste. Mas vamos usar também a cor lumetri. Podemos verificar os osciloscópios lumetri para revisar a imagem. Para revisar a onda de cores, você pode observar que, nesse caso, a onda está localizada na seção intermediária do espectro, mas a largura da cor ainda é muito pequena. Quero dizer, ainda precisamos esticar a onda de cores para todo o espectro. Mas vamos abordar primeiro a mudança no efeito de cor. Abrimos o efeito e devemos ir de onde ele é lido. Precisamos clicar no conta-gotas e selecionar na tela a cor exata que queremos mudar E vamos selecionar uma cor que seja perceptível em uma quantidade maior de seções na crina do cavalo Então, aqui em dois, vamos clicar no conta-gotas e selecionar a cor que queremos Você pode notar que automaticamente a cor mudou imediatamente. Mas devemos tentar nivelar isso modificando esse parâmetro Quero dizer, para a direita há mais cor e para a esquerda é para diminuir o nível. Vou mudar o tom específico no parâmetro frontal. Quer dizer, devemos selecionar o tom específico com precisão. Além disso, vou definir a outra cor mais vermelha para que a mudança seja perceptível. Podemos aumentar a tonalidade como quisermos, mas vou aumentá-la um pouco mais, aqui mesmo Em seguida, passamos para o brilho e o contraste. Aqui vamos permitir um pouco o brilho. O efeito a seguir é a cor lumetri. E devemos ir para a correção básica de cores. Em seguida, vamos para o parâmetro de saturação. Vamos aumentar drasticamente a quantidade de cores. Podemos mover o parâmetro de temperatura para a cor mais quente, mas você também pode mover o contraste para nivelar a quantidade de tons de preto na imagem Também podemos modificar um pouco a faixa preta para realçar todos esses tons pretos. E agora você pode notar como a cor do pêlo do cavalo fica assim. É completamente vermelho. E você pode notar a diferença ao desativar esses efeitos Esse é o original, dê a aparência original. Podemos voltar aos osciloscópios lumetri para revisar o espectro Você pode notar que a onda de cores é esticada até o espectro Mas no caso deste vídeo desta captura, não podemos alcançar a maior quantidade de luz porque essa captura também é queimada. Quero dizer, um pouco queimado. E essa é a razão pela qual. Quanto melhor for a direção da fotografia, melhor será a qualidade da imagem. Porque se a imagem for gravada, não importa a resolução da câmera. O sensor não está detectando todas as cores de dobra do espectro Você não conseguirá expandir a onda de cores em todo o espectro. Nesse caso, vou tentar encontrar a configuração específica para tentar preencher o espectro o máximo possível. Vou adicionar um efeito de equilíbrio de cores. Vou diminuir a faixa azul, aumentando assim as outras duas faixas. Você pode notar agora que a onda de cores está mais expandida, mas isso seria mudar a cor. alguns objetos na imagem, você pode notar a diferença e desativar a alteração, o efeito de cor Você pode notar a mudança. Eu acho que é muito bom. Mas vamos para outro exemplo, a garota no carro, que é uma foto muito interessante porque a imagem da garota é filtrada pela janela Não há apenas um véu, que é o subproduto das configurações de arquivo da câmera, mas um véu sobre Em termos de produção, você pode notar esse véu nos telescópios lumetri Você pode notar que mesmo nos tons mais escuros do espectro, há uma faixa larga cruzando o painel Mas isso não significa que a cinematografia executada realmente esteja muito bem Quero dizer, essa é a aparência de uma janela nessas condições dessa natureza. Porque essas manchas que você pode notar na janela seriam o subproduto da época e, na verdade, poderiam ser poeira, por exemplo, ou talvez a janela não esteja nem um pouco limpa Estou lhe dizendo isso para não forçar a câmera a detectar algo que não é perceptível a olho nu. Móvel a olho nu para o sítio humano. Então, no momento, vou usar uma cor lumetri para corrigir este vídeo Vamos para a pasta de efeitos de vídeo e vamos para Correção de cores e selecionamos Lumetri Vamos para a Correção Básica e vamos modificar apenas os tons de preto, os tons de sombra e o contraste para realçar o rosto da garota. Devemos tentar não exagerar nos tons pretos. Podemos ter como ponto de referência a moldura preta na janela. Quero dizer, as zonas pretas no carro. Podemos jogar com esses parâmetros até alcançarmos a aparência que gostamos. Mas eu recomendo fortemente que você experimente, mova todos os parâmetros com muita paciência. Além disso, você pode notar também que modifiquei a temperatura para os tons frios e também a saturação. Agora podemos verificar os osciloscópios lumetri e você pode observar como a onda de cores está Obviamente, a imagem não está atingindo os tons mais claros porque está fria e também tem uma vibração escura Quer dizer, não é necessário alcançar as seções mais iluminadas do espectro e podemos notar a diferença Vou desativar os efeitos, é completamente diferente, parece mais profissional Para mim, isso é gradação de cores porque, embora eu não esteja adicionando uma cor extra à imagem, estou modificando os parâmetros de cor lumetri para Mas eu recomendo fortemente que você experimente suas futas e suas gravações para ter mais chances de modificar as cores Quer dizer, se você tiver uma cinematografia melhor, terá mais chances de obter uma gradação de cores mais profissional Esta lição vai até aqui e até a próxima. 22. Criação de uma máscara: Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia da Adobe Mas, nesta lição, abordaremos como criar uma máscara para a correção de cores da coloração de um objeto em movimento Uma máscara com rastreamento de movimento e qual é essa palavra? Isso me permite corrigir a cor de um objeto que está se movendo ou do espaço ao redor desse objeto. Quer dizer, eu sou capaz de corrigir a cor dos dois elementos. Então, vamos usar um exemplo. É aqui que esse personagem está se movendo nesta sala, a cabine do navio. O que eu quero é poder corrigir a cor do personagem sem alterar a cor da sala, ou vice-versa. Ser capaz de corrigir a cor da sala sem alterar o personagem E por que eu ensino você com um objeto em movimento? Porque quando você aprender a fazer dessa maneira, será mais fácil dominar a máscara de um elemento estático sem se mover, que é muito mais fácil. Obviamente, acho muito mais útil ensinar vocês da maneira mais difícil de uma só vez. Preste atenção, porque a princípio pode parecer um pouco complicado, mas na realidade não é. Então, vamos começar. Já sabemos que essa é nossa cena e precisamos criar uma máscara para isolar o personagem do ponto em que ele está andando até o momento em que ele abre a corrente da quadra na janela Portanto, a primeira coisa que devemos fazer é adicionar um efeito de correção de cores do premier ex bank ao painel de controle de defeitos Correspondendo a esse clipe, clicamos nessa pequena guia e depois clicamos em Efeitos. E então devemos procurar a pasta video Fx e depois a pasta de correção de cores. Uma vez lá, devemos clicar no efeito lumetri colorido e puxá-lo para o painel de controle do fax do clipe em que estamos trabalhando Depois de adicionar esse efeito, será como se fosse mais um efeito do que aqueles que vêm no painel de controle do fax por padrão. Depois de adicionar esse efeito, devemos prestar atenção aos botões da máscara que vimos em uma das aulas anteriores. Se você não se lembra, vou lembrá-lo novamente. Lembre-se de que há um círculo, um quadrado e também uma pena E isso posteriormente é usado para criar máscaras personalizáveis. Vamos verificar o primeiro, o círculo. Lembre-se de que você pode modificar a natureza desse círculo para torná-lo mais ou menos oval. Todas as mudanças que você fizer nesse efeito afetarão tudo o que está dentro desse círculo ou o que está fora desse círculo. Poderemos escolher isso. Por outro lado, quando clicamos no círculo, por exemplo, ele cria automaticamente uma primeira máscara que veremos aqui mesmo no painel de controle do fax. Observe que se eu clicar agora no quadrado, uma segunda máscara será criada. Desta vez, podemos modificar a natureza desse quadrado da maneira que quisermos. Finalmente, temos a terceira opção que é personalizável. Aqui, poderemos criar a forma que queremos unindo esses pontos como se fosse uma constelação E esse é um método que temos que usar para criar máscaras para objetos com formas irregulares Simplesmente precisamos fazer quantos pontos acharmos necessários para combinar com a forma do objeto que queremos isolar Você não só poderá criar a forma desejada, mas também girar a máscara e mudar sua posição Vou excluir as três máscaras que criei até agora para criar a que precisamos do zero. Vou tentar definir melhor o fragmento de vídeo que quero editar Não vou usar o clipe inteiro. Vou usar a partir deste ponto até o momento em que o personagem chegar à janela. Vou cortar um pouco de vídeo no início para trabalhar com mais conforto Depois de definir o clipe exato no qual vamos trabalhar, voltamos ao painel de controle do fax e posicionamos o cursor. No início do clipe, selecionaremos automaticamente a máscara personalizável chamada free draw baser. Quando eu clico nessa pequena pena, a máscara é criada como já vimos E há algo muito importante a ser levado em consideração antes de começar a criar uma máscara. E isso é que devemos diminuir um pouco o zoom no monitor do programa. Dois nos permitem fazer os pontos livremente. Quero dizer, está longe o suficiente para que possamos até mesmo fazer pontos fora da moldura do monitor. Então, estou usando o monitor a 25% e vou começar a fazer pontos. Não se preocupe, pois é perfeito, é apenas uma aproximação E lembre-se de que você pode sair da moldura do monitor. Quero dizer, a máscara também pode estar fora da tela. Obviamente, quando você precisa desenhar pontos em áreas menores, você pode ampliar para tentar ser mais preciso. Mas lembre-se de que, por mais preciso que você seja, uma aproximação é mais do que suficiente para que a máscara funcione Devemos criar os pontos necessários para criar uma máscara que deve ser fechada. Quero dizer, a forma que criamos, espaço fechado em massa. Não importa se é normal ou não, devemos fechar a forma. Depois de terminar de fechar a forma da máscara, devemos ir para esse parâmetro que está aqui, que é o caminho da máscara aqui. Vamos ativar a automação da máscara. Quando clico nesse pequeno relógio, ele cria automaticamente uma moldura correspondente à máscara daquela moldura específica. A partir de agora, o que precisamos fazer é mover a máscara à medida que a foto avança. Obviamente, a máscara pertence à forma do personagem, mas o personagem vai sair da máscara. Conforme a foto avança, devemos mudar a forma e a posição da máscara a cada poucos segundos para que ela corresponda ao personagem à medida que a foto avança Mas deixe-me mencionar que esse processo, para muitas pessoas, causa ansiedade, medo, elas acham que é muito complicado. Mas a verdade é que não é. A única coisa que posso dizer é que, dependendo da foto, pode levar mais ou menos tempo. Mas, na verdade, tente pensar em quanto tempo pode levar para que isso seja realmente impossível. As fotos sempre duram segundos. Então, aproximadamente a cada 2 segundos você trocará a máscara para combinar com o personagem. Você deve fazer ponto por ponto, mas não se prenda a muitos detalhes. Lembre-se de que a máscara é sempre uma aproximação. Assim, a máscara seguirá um caminho de mudanças, um tipo de viagem em que se adaptará de um quadro-chave para outro. Mas se estiver nessa lacuna entre um quadro-chave e outro, há um momento em que a máscara perde muito da forma do personagem. Devemos adicionar um quadro-chave intermediário para que a máscara continue combinando com o personagem. Por exemplo, aqui devido ao movimento do braço, há algumas molduras em que a máscara perde a forma do personagem, deixando esse espaço extra. Esses momentos devem ser corrigidos porque serão muito perceptíveis Quando fazemos a correção de cores, posicionamos a linha entre os dois quadros-chave e corrigimos a máscara. E automaticamente outro quadro-chave será criado. Devemos continuar assim. Eu diria que adicionar uma mudança a cada meio segundo. Na verdade, acho que é menos de meio segundo. Mas criando os quadros-chave necessários para que a máscara acompanhe o personagem da melhor maneira possível. Você deve levar em consideração que você tem a possibilidade de criar mais pontos quantos quiser. Especialmente para aquelas partes onde há curvas e formas muito irregulares Por outro lado, lembre-se de que não importa se a máscara sair da moldura da tela, isso não afetará a imagem. Além disso, esse parâmetro do caminho da máscara nos dá a possibilidade de rastrear o movimento. Quero dizer, usando inteligência artificial, o software criará uma máscara aproximadamente adaptada à forma que criamos em cada uma das molduras. Mas o problema é que isso nunca é exato, então às vezes causa problemas. Então, o que eu recomendo é usar essa ferramenta parcialmente. Em outras palavras, pressionamos play na ferramenta de rastreamento e imediatamente a questão do processo de criação aparecerá. Portanto, não devemos deixar o processo terminar. Mas assim que vemos a faixa azul começar a avançar, paramos porque todo o processo pertence ao clipe inteiro Mas o que precisamos é que em alguns momentos ele faça o rastreamento, mas não em todo o clipe. Como você pode ver, o software criou um quadro-chave para cada quadro. Mas, como você pode ver, a máscara não é perfeita, então temos que corrigi-la de qualquer maneira. Eu recomendo usá-lo, mas excluir todos os quadros-chave em que a máscara não corresponde É por isso que eu não o uso muito , porque dá muito trabalho. Quer dizer, tive que excluir os quadros-chave que não estão corretos. Eu diria que essa ferramenta é útil quando o formato da máscara é regular. Quer dizer, ao longo de todo o clipe, o formato da máscara não vai mudar muito. De qualquer forma, acho que combinar as duas ferramentas, quero dizer, rastrear e fazer isso manualmente seria uma boa opção. Vou deixar essa lição aqui. Vou terminar a máscara até que o personagem chegue à janela. Continuamos na próxima lição para começar com a correção de cores. 23. Alterando a cor de fundo: Continuaremos conhecendo os parâmetros da máscara. Um dos parâmetros mais importantes é o botão que nos permite inverter a seleção feita pela máscara Quer dizer, se quisermos que o fato mude o que está dentro da máscara ou o que está fora, por padrão, a máscara afetará o que está dentro. Mas se você marcar essa caixa onde ela está invertida, você pode mudar isso E agora a máscara afetará tudo o que não estiver dentro de uma máscara. Antes de continuarmos, deixe-me lembrá-lo novamente que você pode criar uma máscara para qualquer efeito principal. Quero dizer, em qualquer um dos efeitos que estão aqui nas pastas, você pode adicionar máscaras. Por exemplo, se eu escolher o brilho e o contraste, observe como também posso criar uma máscara para esse efeito. É importante saber isso porque , obviamente, existem centenas de efeitos. Saber que você pode criar uma máscara em qualquer um deles é muito importante. Vamos continuar com o efeito de cor lumetri. Ativamos a inversão de seleção quando fazemos isso e alteramos, por exemplo, a exposição da imagem Preste atenção ao que acontece. Vou esconder a máscara para que a guia azul não seja perceptível. E podemos ver a mudança na iluminação com mais clareza. Agora você percebe a importância da máscara. Veja como a luz da sala mudou sem afetar o personagem. Então você pode imaginar tudo o que poderia fazer e mudar com esse procedimento. Nesse caso, estou modificando a exposição, o que me permite alterar o alcance da luz de uma forma mais geral A exposição é um parâmetro que mistura brilho e contraste ao mesmo tempo Preste atenção ao fato de que a máscara não é perfeita. E os erros são perceptíveis e devemos corrigi-los, é claro. Mas, em geral, o que devemos fazer depois de criar a máscara é tentar desfocar as bordas da máscara Os fatos parecem convincentes. Isso é crucial quando se trata de criar máscaras. Então, uma vez que criamos a máscara, devemos modificar esse parâmetro importante, que é a pena Esse parâmetro permite suavizar as bordas da máscara que ela não seja perceptível e fique ainda mais visível com o fundo Preste atenção, vou esconder a guia azul da máscara para que você possa ver melhor como ela funciona. Preste atenção para que nas bordas ela se expanda uma guia extra que amplia as bordas da máscara Essa é a área mais azul. Então, estamos meio que afiando as bordas. E é por isso que não precisamos que a máscara seja perfeita. Porque quando desfocamos as bordas, isso suaviza todo o formato da máscara, combinando melhor com o fundo Agora, as bordas ficarão muito menos visíveis. Vou esconder a guia azul novamente e vou modificar a exposição. Olha como está muito melhor. Também é importante não exagerar. Quero dizer, devemos desenvolver uma sensibilidade à iluminação. Não podemos modificar a iluminação de fundo de uma forma que não seja convincente. Devemos ser sutis e estéticos. Devemos avaliar, acima de tudo, que as modificações na iluminação são convincentes durante toda a foto do início ao fim O próximo parâmetro que podemos modificar na máscara é a opacidade Quer dizer, é como se estivéssemos ativando ou desativando a máscara, mas com transparência, na verdade, não há nada complicado nesse parâmetro O próximo parâmetro é a expansão, que é semelhante à pena Esse parâmetro nos permite ampliar a máscara e também torná-la menor Também não é muito complicado. Isso simplesmente nos ajuda a combinar melhor a máscara com o fundo Agora você pode ver mais da diferença em termos de iluminação na sala usando a máscara. Essa ferramenta é muito útil para refinar a imagem. Outro recurso muito importante quando se trata de criar máscaras é que podemos copiar e colar a mesma máscara e usá-la em outros efeitos Por exemplo, posso adicionar outro efeito de cor lumetri ao clipe Então eu seleciono uma máscara da primeira cor lumetri, e então pressionamos o controle C do teclado, ou comum C. Depois vamos para a outra cor lumetri e pressionamos o controle Z. Então teremos, neste novo efeito, a Mas, por exemplo, nesse caso, poderíamos desmarcar a caixa para inverter a Ao fazer isso, agora podemos corrigir apenas a cor à luz do personagem. Podemos modificar, por exemplo, a saturação. Assim, você pode ver mais ou menos como as cores mudam no personagem. A saturação serve para fortalecer as cores em uma imagem. Preste atenção em como a cor da pele muda. Por exemplo, parece mais dez com mais cor. Sempre que você fizer uma alteração, poderá verificar sua aparência relação ao vídeo original. Ao ativar o efeito de, ou você só precisa clicar nesse símbolo de efeito, vou modificar a temperatura da cor do personagem para notar muito mais a diferença. Da mesma forma que podemos alterar a cor do personagem e do plano de fundo, também podemos modificar a cor dessa janela. Isso está aí. Tudo o que precisamos fazer é adicionar outra cor lumetri ao clipe Desta vez, como a janela está no final do clipe, vamos até o último quadro do clipe e vamos criar uma máscara para a janela, mas cuja automação será criada na direção oposta, desenhamos a máscara. Desta vez, é mais fácil porque a janela é um objeto muito mais comum do que outros. É estático, não se move. Depois de criada, ativamos a automação no parâmetro path. Em seguida, vamos para a linha do tempo painel de controle de defeitos e vamos criar a automação Mas desta vez ao contrário, vou me esconder no guia azul para que ele possa ser visto. Preste atenção. Isso é muito mais fácil. Assim como retrocedemos, devemos fazer com que a máscara fique sempre na janela Lembre-se de que não importa se a máscara sai da moldura da tela, porque a janela também sai da moldura , a máscara também deve sair da moldura. Estamos prontos para modificar a cor da janela conforme quisermos. Em seguida, retornamos aos parâmetros da cor lumetri. É importante destacar que não precisamos inverter a seleção porque queremos modificar a janela sozinhos. Vamos para a correção básica, depois vamos, por exemplo, para a temperatura. Por exemplo, podemos tornar a luz mais fria, por exemplo, se quisermos que a luz externa do navio seja matinal ou tenha um ambiente frio Aqui já temos a janela com iluminação fria, podemos compará-la com a cor original da imagem. É importante sempre fazer essa comparação, para ver a diferença. Mas, na medida em que estamos modificando cores como a da janela, devemos estar cientes de que a luz com essa temperatura deve afetar os objetos que estão dentro da sala Nesse caso, devemos ir até a máscara do personagem e modificar sua cor e até mesmo o contraste para que também seja embelezado com cores frias e também com um tipo de contraste que combine toda a iluminação existente no local Observe que, como as cores são mais frias e escurecemos toda a sala, o contraste combina muito bem com o personagem Podemos fazer a comparação mais uma vez. Desativamos todos os efeitos de luminosidade e os ativamos um por um, para que você possa ver Veja o primeiro lumetri do fundo, veja a diferença A sala inteira está escura. Agora eles podem ver a segunda luminosidade, a do personagem É muito bom. Isso combina muito bem com a iluminação da cabine E, finalmente, aquele lumetri da janela. Podemos até exagerar a luz fria da janela para que fique muito mais perceptível É muito importante ver bons filmes e pinturas com boa iluminação para nos inspirar e tentar fazer esse trabalho com mais detalhes. Observe que, na verdade, parece que dentro da cabine há alguma luz artificial quente. E a luz fria da manhã entra pela janela, tente praticar máscaras criativas. E continuaremos nos aprofundando na correção de cores na próxima lição 24. Etapa final de gradação de cor Máscaras de precisão HSL: Perfeito. Agora vamos com um processo mais detalhado de gradação de cores, a correção de cores HL Essa ferramenta permite que você modifique a cor de uma forma muito mais precisa dentro da mesma máscara. Quero dizer que as alterações que fazemos nas cores não acontecerão apenas na máscara, mas dentro de uma faixa específica de cores dentro da máscara. Essa seria uma etapa mais profissional desse mesmo processo. Por exemplo, aqui você vê que a máscara seleciona o personagem e o que vamos fazer agora é corrigir as cores ou a luz de áreas específicas dentro da máscara O resultado é muito mais profissional. É mais uma etapa em tudo o que estávamos fazendo até agora em termos de gradação de cores Nas lições anteriores, criamos algumas máscaras para corrigir diferentes partes da imagem. Mas desta vez vamos nos concentrar na máscara que seleciona o personagem Porque o que vamos corrigir é apenas a pele e as áreas iluminadas do personagem Então, recebi tudo o que mudamos em termos de cor e luz para usar esse método. Então, vamos começar. Depois de criar nossa máscara no efeito de cor lumetri, precisamos acessar o seguinte parâmetro, HSL Portanto, esse parâmetro está localizado um pouco abaixo do parâmetro básico de correção. Então, à primeira vista, parece complexo, mas na realidade não é porque, na verdade, não precisamos usar todos os botões. Então, vou esconder o guia azul antes de continuar. Então, quando chegarmos a esse parâmetro, vamos tentar encontrar um ponto neutro no videoclipe para corrigir a pele. Quero dizer, você deve encontrar o momento no recorte em que a pele do personagem é notada bem o suficiente para corrigi-la Feito isso, vamos até onde está escrito, definimos a cor e clicamos no pequeno conta-gotas que está lá Nesse caso, vou clicar na bochecha, que é a área que eu quero corrigir Então, automaticamente, o defeito selecionará as faixas de cores da bochecha Para verificar isso, vamos até aqui na pequena guia e devemos selecionar branco, preto. E então vamos marcar a pequena caixa que diz Mostrar máscara. Como você pode ver, os softwares selecionam apenas a área que parece branca. Mas, por sua vez, o parâmetro de seleção leva em conta apenas tudo o que está dentro dessa máscara que fizemos anteriormente. Portanto, como podemos automatizar todos os parâmetros na estreia, também podemos automatizar os intervalos de seleção usando essas três linhas de seleção que pertencem à saturação de luz e à Por exemplo, lembre-se de que a luz muda à medida que o personagem caminha. Portanto, a seleção também pode mudar se a automatizarmos. Por exemplo, preste atenção na terceira linha, A linha de iluminação. Veja como a seleção muda no personagem selecionando as áreas iluminadas do rosto e da camisa Então, isso é interessante por dois motivos. Por um lado, percebemos que tanto a camisa quanto o rosto têm cores semelhantes, mesmo que não pareça assim a olho nu. Por outro lado, é interessante porque, no final, é a mesma luz que entra pela janela que ilumina todo o personagem E esse é o tipo de coisa que você deve aprender em termos de iluminação, além de saber usar o software ou não. Então, depois de fazer a seleção, quero dizer que temos certeza de que a seleção que fizemos está correta. Desmarcamos a caixa de exibição da máscara e vamos um pouco mais abaixo, onde encontraremos as ferramentas para fazer a gradação de cores Vamos encontrar, por exemplo, os mesmos parâmetros da correção básica de cores, como temperatura, contraste, saturação, etc Mas também há essa roda aqui que é muito útil porque, ao mover o ponto central para qualquer lado, o software mudará a cor das áreas selecionadas em direção às cores que estão na roda. E, claro, podemos combinar os parâmetros para obter um resultado melhor. Por exemplo, vou mover a temperatura. Vou aumentá-lo o suficiente para que você perceba a diferença. Veja como a luz que ilumina o personagem tem uma cor quente Na verdade, se voltarmos no clipe, percebemos que à medida que o personagem avança, a luz fica mais quente Se, por exemplo, combinarmos essa técnica com o que vimos nas lições anteriores, o resultado será muito melhor. Por exemplo, poderíamos alterar a temperatura da luz na janela para coincidir com o que acabamos de fazer no personagem fazendo a correção de cores. Dessa forma, fica muito melhor porque observe que realmente parece que a luz da janela está iluminando o personagem porque estamos fazendo a gradação A gradação de cores, mas como eu disse, não é suficiente para aprender a usar o software Tínhamos que estar cientes do comportamento da luz. Só conseguiremos isso consumindo arte de qualidade. Quero dizer, você deveria ir às galerias para ver boas pinturas, boas fotografias, exposições qualificadas e, claro, bons Então, vou desativar os efeitos para que possamos fazer a comparação E podemos ver a diferença do que fizemos até agora. Então é assim que a imagem original se parece. Em seguida, nós, escuro no fundo, depois a camada de cores dos personagens e depois a camada da janela. Então, a partir daqui, podemos adicionar mais uma camada de efeito. Quero dizer outra cor lumetri. E nesse último efeito, podemos adicionar um contraste que afeta toda a combinação de camadas para combiná-las muito mais e fazer com que pareçam melhor integradas. Esse contraste é perfeito porque reforça até as sombras projetadas na parede E realmente parece que a luz que entra pela janela é real. Podemos fazer uma última comparação para ver a diferença. Vou desligar todas as camadas de defeitos novamente. Portanto, preste atenção à natureza da imagem original. Eu diria que há uma gama de cores muito mais constante. Agora vou ativar todas as camadas novamente, uma por uma. Acho que a diferença é incrível, pois o vídeo é de alta qualidade. Porque é uma boa câmera. Na verdade, temos a chance de que isso acabe muito bem. Por outro lado, devemos prestar atenção para corrigir aquelas pequenas molduras em que a máscara geral não combina com o personagem. Porque lembre-se de que a máscara HSL funciona dentro dessa máscara azul Essa é uma possível gradação de cores, mas pode ser totalmente diferente da gradação de cores original do projeto Mas você deve sempre levar em conta que quanto melhor a resolução da câmera, mais possibilidades existem para corrigir a iluminação e as cores da imagem. Vamos passar para este outro exemplo de como a gradação de cores foi feita na cena seguinte deste curta-metragem Preste atenção que principalmente uma máscara foi usada para iluminar o personagem da mesma forma que fizemos nos exercícios anteriores Se a câmera tiver uma boa resolução e faixa dinâmica, isso será possível sem problemas de prefeito. Mas preste atenção nessa outra camada que é quase imperceptível Esta máscara está adicionando uma cor matinal quente ao escudo. Lembre-se de que a qualidade da gradação de cores é o subproduto de um conjunto de pequenos detalhes que, por sua vez, melhoram a aparência da imagem Nesse caso, a luz da manhã é quente, o escudo deve se adaptar o máximo possível a isso. Aqui podemos ver a diferença de como fica com a máscara e sem as máscaras. Outro detalhe importante dessa foto foi a iluminação do local. Esse detalhe é bastante semelhante ao do filme Portrait of a Lady on Fire. Quer dizer, a cor de partes específicas de AS da imagem teve que ser modificada para que toda a imagem correspondesse a uma foto vista anteriormente. Nesse caso, são aquelas partes que você está olhando onde você pode ver o vale ao fundo espreitando por entre as árvores E essas partes foram conduzidas para coincidir com uma foto anterior. E essa tomada anterior foi essa, essa cena aberta que nos diz que as ações estão acontecendo pela manhã. Aqui você pode ver como eu desativo e ativo a máscara para que você possa ver como ela ficava antes e como ficava com defeito Tudo isso estava usando exatamente a mesma gradação de cores que vimos com o catacre na cabine Dê uma olhada nessa outra foto aqui. Tivemos que fazer mais ou menos a mesma coisa que selecionou uma parte do céu, aquela parte que se destaca das árvores Tivemos que mudar a cor para que, de alguma forma , parecesse que o sol estava brilhando lá fora Então fizemos uma máscara e depois selecionamos apenas a área iluminada com o HSL secundário Em seguida, adicionamos a cor vermelha para que a cor parecesse mais quente, não fria. Aqui você pode ver a diferença entre a foto original e a máscara Mas preste atenção ao outro exemplo mais avançado aqui. Como você pode ver nas diferentes fotos da floresta, a luz do sol consegue passar pelas árvores e chegar ao solo. Como nesta foto, por exemplo. O problema é que, como as condições do céu nunca são perfeitas e estáveis, isso dura muito pouco tempo. Então, em uma tomada, foi necessário criar diretamente a luz no chão. Porque naquele exato momento do tiroteio, a luz no chão quase desapareceu. Então criamos uma máscara na pequena trilha de luz que mal era visível na foto e aumentamos a luz daquela parte. Esse exemplo é excel***t porque, precisamente em casos como esse, cultura visual Quero dizer que você sabe sobre pintura, por exemplo, preste atenção a esse detalhe importante. A máscara não muda de lugar, até mesmo a câmera avança. Porque a câmera viajando não tem nada a ver com a luz do sol. A luz deveria estar no mesmo lugar. Então, automatizamos a máscara para ficar no mesmo lugar no chão. Tomando qualquer parte do solo como ponto de referência. Aqui você pode ver como era a imagem antes da imagem original. Sem a luz no chão. Acho que a diferença é fantástica. É uma prova de até onde você pode ir usando essa técnica. Neste outro exemplo, você pode ver como podemos usar exatamente a mesma técnica para aprimorar a cor de algo na imagem. O sangue que o personagem tem no braço. Durante as filmagens, o sangue no braço não estava completamente perfeito. Quero dizer, não era vermelho o suficiente. Isso teve que ser corrigido com a gradação de cores. Criamos uma máscara que seleciona apenas a cor vermelha que mal era visível na camisa E então aprimoramos essa cor vermelha. Aqui você pode ver como era antes. Aqui você pode ver isso com mais detalhes. Veja como a cor muda medida que eu movo a cor na gama Bem, mas você deve prestar muita atenção às mudanças. Deve ser uma sela, todos esses são exemplos de tudo o que você pode fazer usando a técnica de gradação de cores que eu ensino nessas Mas, como eu disse, você deve praticar e ter boas referências para alcançá-lo até a próxima lição. 25. Reconhecendo formatos: Olá pessoal. Nesta lição, falaremos sobre formatos e câmeras. Mas, acima de tudo, vou mostrar na tela vídeos gravados com câmeras diferentes e diferentes ***ses Você pode aprender a reconhecer a diferença quando se trata de ver a qualidade de uma imagem. Por outro lado, embora nesta lição eu fale sobre aspectos técnicos, recomendo fortemente que você consuma filmes com uma boa cinematografia Você pode reconhecer quando uma imagem é melhor do que outra em termos de iluminação ou cinematografia E digo isso porque é nossa tarefa melhorar a qualidade da imagem. E precisamos saber quais são os pontos fracos de uma imagem para corrigi-los e melhorar a aparência de um vídeo Vamos começar então. Este é o Sol em X cinco. Esta é uma DSLR de média e baixa qualidade com também ***ses de qualidade média A imagem parece boa porque a cinematografia foi boa. Quero dizer, foi gravado na melhor hora do dia. No entanto, se congelarmos a imagem, podemos perceber os pontos fracos desse formato Em primeiro lugar, tudo é sintetizado em formas e cores gerais Talvez você não perceba a olho nu, mas ao ver uma imagem de alta qualidade, mais tarde, você verá a diferença. Essa síntese tem a ver tanto com a faixa dinâmica do sensor quanto com a resolução da câmera. Além do fato de que o ***s não permite que um grande número de pontos de luz chegue ao sensor Podemos notar isso nos pequenos detalhes e principalmente nas áreas escuras que carecem de informações porque estão completamente comprimidas pela dobra Essa é a imagem típica em que a técnica de modificar as cores de alguns objetos ou elementos como o céu, por exemplo, é uma das melhores maneiras de melhorar a experiência e a qualidade O próximo exemplo é um pouco melhor. Aqui, foi usada uma câmera Canon de cinco câmeras com a série L ***ses. Além disso, as imagens aéreas pertencem a um fantasma para No entanto, do meu ponto de vista, embora pareça melhor do que o vídeo anterior, ainda podemos notar sinais de compressão na imagem. Assim como a compressão, podemos notar nos detalhes do cabelo. No caso das imagens do drone, há cintilação nas áreas de água com reflexos complexos Essa cintilação geralmente pode ser eliminada usando essa ferramenta no painel de controle do fax Mas o problema é que geralmente não remove completamente a cintilação. No caso da Canon five D, ela faz exatamente o mesmo que a câmera anterior. Quer dizer, ele comprime as cores que são aparentemente planas Além disso, você pode notar na beira das montanhas, a falta de detalhes capturados pela câmera e pelos ***s. Minha opinião é que, para um vídeo ficar muito bom com uma câmera cinco D, é necessário usar ***ses de última geração para compensar a falta de dinâmica no sensor E, finalmente, da mesma forma, alterar a cor de alguns elementos da imagem ou melhorá-los ajudará a melhorar a qualidade da imagem. Agora vamos passar para o exemplo a seguir, uma magia negra de quatro teclas com a série Canon L ***ses Aqui, a aparência começa a parecer mais profissional. Não quero dizer que os trabalhos anteriores não pareçam profissionais, quero dizer que a imagem bruta parece mais profissional. Preste atenção no cabelo da garota, aparência, em como cada mecha de cabelo é perceptível na tela No entanto, mesmo nessas condições, quero dizer que o sensor de magia negra é melhor. O tipo de desfoque de fundo não é o melhor de tudo porque sintetiza demais No exemplo a seguir, que na verdade é o mesmo trabalho, usamos um escarlate vermelho com um canhão da série L A diferença mais notável é a faixa dinâmica. É melhor do que a magia negra. Preste atenção na cor áspera, no arranjo do pescoço. É uma espécie de branco perolado que você só percebe com um bom sensor como esse Obviamente, também há uma ótima iluminação no local. Mas mesmo sob essas condições, o vermelho ajuda a melhorar o fundo desfocado para parecer realmente profissional Este é outro exemplo com a magia negra, mas com outros ***ses de rock e ***ses que eu pessoalmente não gosto muito porque não são muito brilhantes Mas mesmo que pareça profissional por causa da iluminação e da correção de cores. Por exemplo, a cor verde que você vê na grama nos galhos abaixo foi modificada na correção de cores para que pareça mais verde do que o normal Dessa forma, parece que a imagem tem uma faixa dinâmica maior. O mesmo acontece com aquelas luzes azuis fracas ao fundo. Eles não eram originais assim, mas ficaram azuis na correção de cores. Sem falar que a cor dos céus também foi modificada para que ficassem assim Veja esse outro exemplo. Aqui, a qualidade da imagem se torna totalmente profissional. Mas isso não se deve à qualidade da câmera, mas porque os ***ses usados eram totalmente profissionais ***ses do tamanho de Carl. Veja como o fundo está desfocado. Veja a distância em que esses cavalos estão mesmo fora de foco. A essa distância, você pode ver que eles são cavalos. E não só isso, mas você pode notar os pontos fortes do cabelo do cavalo Além disso, preste atenção aos contornos de todas as formas Eles não se parecem com aquele contorno das montanhas. No primeiro exemplo com a Canon five D, preste atenção a esse quadro. Veja as gotas de água no braço da engrenagem e veja como fica o fundo desfocado Neste último exemplo está o trabalho que vamos usar nas aulas de correção de cores. Outra câmera foi usada aqui, que tem a melhor faixa dinâmica de todas as que mostrei até agora. Porém, os ***ses usados aqui não são tão bons quanto os do videoclipe anterior No entanto, usaremos esse vídeo porque é a câmera com a melhor faixa dinâmica. Há algo importante a ser levado em consideração ao tentar descobrir como algo foi filmado ou qual foi o formato usado em um curta-metragem, filme ou videoclipe. Dê uma olhada no próximo exemplo, esse videoclipe do du alias Se você prestar atenção, perceberá isso, já que o vídeo foi gravado na França. Em Paris. Na França, existe uma obsessão, uma espécie de obsessão pela aparência independente Quero dizer aquele look de filme independente, o vídeo de Dulipa é inspirado nisso Aquelas imagens de Dualipa compartilhando uma noite com outra garota, outra cantora, como se ela fosse sua amiga Parece que eles são totalmente espontâneos. Aleatório, como se fosse uma câmera simples e eles estivessem gravando momentos aleatórios em uma única noite. Mas acontece que, apesar do fato de o videoclipe representar quase uma espécie de produto documental daquela noite, a câmera que eles estão usando não é tão barata quanto a maioria de vocês acredita. Na verdade, basta dizer que eles estão filmando à noite e os ***ses são tão bons que capturam detalhes do E eu digo isso porque existem cineastas e cinegrafistas ingênuos que pensam que podem pegar qualquer câmera e gravar o mesmo vídeo e ele terá a mesma aparência e não funcionará mesma aparência e não funcionará E da mesma forma, também existem editores de vídeo que acham que existe um filtro plug-in que pode substituir um carro do tamanho de um carro, por exemplo E digo isso, não para desencorajá-lo, mas porque uma das coisas mais importantes em termos de produção cinematográfica é observar e reconhecer a natureza de uma produção cinematográfica Isso é necessário para ter certeza de até onde a correção de cores pode ir para um resultado de qualidade que um cliente exige em um anúncio, por exemplo Então, filmes independentes na Europa são muito caros. Não são tão caros quanto os de Hollywood, mas obviamente não. Mas eles são mais caros do que a maioria acredita. Acredite em mim no que eu digo. Estudei cinema aqui e te digo com certeza castrado O mesmo acontece quando em uma produção usamos uma câmera barata, mas com uma câmera super cara, muito alta e ***ses Por exemplo, esse vídeo de 30 segundos desespero quebrou o som de cinco Muitas pessoas ficarão chocadas ao perceber que muitas das fotos foram gravadas com uma câmera Canon de cinco DLR. Mas qual é a razão pela qual a imagem parece tão boa? Porque é evidente que eles usaram um ***s de alta qualidade que custou milhares e milhares de dólares Não importa a idade da fábrica de conservas, se a imagem passar pelos sensores, ficará linda sensores Tente estar ciente de tudo isso. E, acima de tudo, não se deixe enganar por supostos plug-ins que deveriam dar aos seus vídeos uma aparência totalmente cinematográfica Isso é possível? Bem, muito obrigado e até a próxima aula. 26. Desfoques cinematográficos: Olá pessoal. Em uma aula anterior, eu estava falando sobre o fundo preto embaçado Como esse recurso está relacionado à qualidade dos ***ses, obviamente, o cenário ideal seria trabalhar com os melhores Mas se não for esse o caso, devemos ser capazes de melhorar esse recurso nos vídeos quando se trata de melhorar a qualidade visual do projeto. Vamos começar então. Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia. O que vamos fazer dessa vez? Em primeiro lugar, quero que você veja uma comparação entre uma foto gravada com um iPhone e outra com uma câmera de cinema. Obviamente, são fotos do mesmo objeto sob as mesmas condições. É um exercício. Portanto, o objetivo de mostrar isso e o objetivo desta lição é que usando o efeito azul da câmera de estreia, possamos tentar aproximar a aparência cinematográfica de uma câmera de Então, vou começar mostrando a foto gravada com o iPhone. Aqui temos a foto desse busto gravada com um iPhone 14 Eu diria que usar uma câmera DSLR com ***ses médios, quero dizer, ***ses normais pareceria mais ou menos Obviamente, o engano será que estávamos usando cenas ***ses com uma câmera DSLR, mas esse não é Uma DSLR média se parece mais ou menos com um iPhone de última geração Mas de qualquer forma, nesta foto, você pode notar detalhes relevantes, como, por exemplo, que há um leve desfoque do fundo Mas preste atenção agora em uma imagem gravada com uma câmera de filme do mesmo objeto com mais ou menos as mesmas condições. Está bem? Obviamente, parece muito melhor, especialmente para a faixa dinâmica. Quero dizer, a quantidade de tons em branco e cinza. Mas veja a natureza do desfoque no fundo. À medida que me aproximo do plano de fundo, mudo de uma forma mais cinematográfica Obviamente, está mais desfocado do que na imagem anterior porque os ***ses permitem que mais luz entre no sensor da câmera E essa é uma das razões pelas quais eu sempre disse que é muito difícil tentar imitar essa qualidade com um plug-in, porque ela nunca terá a mesma aparência Porém, podemos nos aproximar, podemos nos aproximar desse olhar. Vamos fazer isso usando o desfoque, porque esse parâmetro, essa característica, nos fala sobre a profundidade de campo nos ***ses, bem como a sensibilidade que eles têm à Vamos clicar em nosso clipe e procurar a pasta com defeito Nessa pasta, vamos procurar o desfoque e a nitidez. Aqui vamos escolher o desfoque da câmera. Esse efeito me permite imitar a aparência de um cinema ***s. Preste atenção para que ele não apenas desfoque a imagem, mas também a estica levemente para os sites Precisamos acessar os parâmetros de defeito e diminuir o zero, a porcentagem de desfoque no parâmetro de porcentagem de desfoque Agora vamos procurar um ponto médio do clipe. Quer dizer, não no começo ou no final, mais ou menos no meio. Agora devemos criar uma máscara para selecionar a região que deve estar mais desfocada. E qual seria a região? Bem, toda a área da tela ao fundo e tudo o que está a essa distância. Escolhemos a opção de criar uma máscara personalizável. E criamos uma máscara que seleciona tudo isso com muito cuidado e paciência Como sempre, ponto por ponto, nós o criamos. Lembre-se de que a máscara pode sair da moldura e nada acontece. Você pode somar ou extrair o monitor do programa conforme desejar. Perfeito. Já temos nossa máscara pronta. Agora precisamos ativar a automação da máscara para que o primeiro quadro-chave seja criado e, em seguida, concluímos a máscara. Nas outras partes do clipe, não é necessário criar muitos quadros-chave. Como o movimento para frente do tiro não é muito forte, a máscara não sairá muito do formato do busto Portanto, basta adaptar o que mudou, principalmente no busto, na vela à direita Então, vamos tentar criar mais alguns quadros-chave, mas não é necessário criar muitos, como eu disse, basta fazer alguns ao longo de todo o clipe. Prestando atenção, acima de tudo, aos objetos principais. Perfeito, já temos nossa máscara feita durante todo o clipe. Agora, basta acessar o efeito de desfoque. Devemos determinar qual é o toque apropriado para cada parte do clipe, pois no início do clipe, o fundo deve ficar menos desfocado Portanto, preste atenção que apenas aumentar três pontos no parâmetro de desfoque é mais do que suficiente para melhorar o desfoque e torná-lo mais cinematográfico Nesse momento do clipe, podemos ver como fica com efeito e sem efeito Aqui no final, você pode notar a diferença. Agora não está ativado. Vou ativá-lo novamente e ver a diferença. Como o clipe continua um pouco mais à frente, devemos estar cientes de que, no final, ele deve estar mais desfocado. Acho que aumentar mais três pontos de desfoque seria bom Chegando aos seis, é importante observar que, quando se trata de melhorar os sopradores, devemos ser muito delicados e precisos Quero dizer, não exagere com o desfoque porque parece irreal Quero dizer, pequenas mudanças são perfeitas. Você também deve se lembrar de levantar um pouco a pena para suavizar as bordas da máscara Podemos automatizar a porcentagem de desfoque. Agora, se já sabemos qual é o ponto final do desfoque máximo, que está no primeiro, no início, devemos ficar menos desfocados. E é isso. Diminuímos um pouco o desfoque, aqui mesmo. E isso é suficiente. Agora renderizamos o clipe para vê-lo com mais fluência. Aqui temos nossa foto com um fundo desfocado. Parece mais cinematográfico porque, à medida que a foto avança, o fundo fica mais desfocado Você pode notar isso nas eras daquela tela, aquela na tela. Obviamente, essa foto é apenas um exemplo. Se você estivesse trabalhando em um similar com uma pessoa no meio. Quanto mais perto você chegar da pessoa, mais desfocado ficará o fundo Obviamente, não podemos desfocá-lo como no exemplo com uma câmera de cinema Porque, embora existam diferentes ***ses em termos de qualidade, eles também são diferentes em termos de milímetros Então você tem que levar isso em consideração. Agora preste atenção nesse fundo desfocado, podemos combiná-lo com um slide, soprar na parte frontal da cadeira, tornando o soprador de slides perceptível Quando a câmera se aproxima de uma cadeira, basta adicionar outro efeito de desfoque da câmera ao clipe Obviamente, no início, você deve diminuir o desfoque percentual para zero Você deve criar uma máscara que ocupe apenas a área frontal da cadeira, mas precisamos encontrar o ponto máximo de aproximação da câmera em direção à cadeira Devemos criar a máscara nesse momento. Agora, a máscara deve afetar apenas a parte frontal da cadeira, porque essa parte é a mais próxima da câmera. Podemos criar um polígono que se concentre apenas nessa parte da cadeira Portanto, devemos levantar a pena para suavizar as bordas. E então adicionamos o Lar. Podemos usar a expansão se quisermos, sempre tentando não usar demais o defeito, tentando torná-lo real A partir de agora, podemos criar o quadro-chave. Quero dizer, para ativar a linha de automação no blog, já temos o quadro-chave Só precisamos criar o primeiro quadro-chave. Você deve saber que, no início, o Bl não deve ser perceptível Eu diria que antes do início, simplesmente quando a cadeira se afasta da câmera, você não deve mais ficar fora de foco. Então, vou renderizá-lo novamente. Você já tem a imagem com mais desfoque tanto no fundo quanto na parte frontal da cadeira Embora não pareça um filme, parece mais profissional Além disso, se estivéssemos trabalhando com duas câmeras, por exemplo, uma câmera de filme em uma DSLR ou uma câmera de filme em um iPhone, poderíamos combinar os dois formatos no mesmo trabalho e ficaria muito bom Mas, obviamente, a ideia é também estar ciente das diferenças entre os formatos para entender por que um formato parece melhor do que o outro. Especialmente quando se trata de trabalhar com ***ses que são um pouco melhores do que outros E eu acho que essa é a coisa mais difícil de se estar ciente. É claro que, neste exemplo, não acho que a diferença seja difícil de notar, é evidente. Bem, você sabe como desfocar os fundos e vamos para a próxima lição 27. Criando uma tomada de outra tomada: Olá a todos, e o que vamos fazer nesta lição? Nesta lição, aprenderemos como criar uma foto a partir de outra foto. Porque, eventualmente, você terá que reformular uma foto para consertá-la Quero dizer, em termos de cinematografia e o subproduto desse processo provoca a criação de outra cena Isso vai acontecer com você quando você não tiver imagens suficientes para sua edição Para mim, é uma coisa muito comum em termos de edição. Vamos usar a estaca do Camaro. Você pode notar que ele tem uma correção de cores. Uma correção de cores. Vamos fazer uma revisão rápida. Há um nível de efeito, limitador, cor e também nitidez Mas antes de abordar a criação de outra cena, vamos falar sobre algo primeiro. Quando você é editor, você deve se tornar sensível às mudanças. E essas mudanças podem ser em termos de equilíbrio de cores, etc., por exemplo Nesta foto, há uma espécie de fraqueza em termos de equilíbrio. Quer dizer, você pode notar que quando o carro se aproxima da câmera, há mais espaço nesse espaço entre o carro e a moldura no lado direito. E devemos tentar fixar isso nível que consumimos na imagem, modificando a escala e, em seguida, mover a captura levemente para a direita Quando eu estava falando sobre ser sensível, quero dizer estar ciente de que o problema precisa ser corrigido, seja, você deve detectar esse desequilíbrio Você também deve estar ciente de que esse desequilíbrio pode estar relacionado a um ponto específico da tomada Talvez haja um movimento itinerante. Por exemplo, aqui há uma inclinação para cima. Mas quando a foto revela o para-brisa, a tomada parece estar se movendo demais para a esquerda Para resolver isso, podemos criar uma automação K na posição de corrigir isso. O movimento na captura deste exemplo parece não ser tão complicado porque a câmera está em um tripé Basta automatizar o movimento no parâmetro de posição para resolver esse problema Mas de qualquer forma, como eu disse, você deve ter muitas referências para saber se uma foto está balanceada ou não. Mas vamos passar para a decoração da outra foto. Antes de tudo, devemos selecionar um momento fotográfico na captura Por exemplo, esse momento pode ser quando o carro para. Depois de selecionar esse momento, estamos prontos para focar em um único objeto na imagem. Vou esclarecer essas mudanças aqui na automação, por exemplo, nessa luz frontal à direita, podemos somar na imagem movendo a escala para encontrar esse equilíbrio, levando em conta aquela luz frontal, por exemplo. Porque, na verdade, as viagens são constelações. Mas mesmo que isso não seja uma viagem em si, há um movimento ao longo do tempo. E esse movimento tem momentos em que a imagem, a imagem, está equilibrada. Eu falo sobre isso em uma aula do meu curso de cinema. É chamado de Anchor Point. Você pode notar que, a partir do momento em que o carro para, estou movendo a tomada para a esquerda, da direita para a esquerda, para criar um movimento artificial na tomada. Eu ainda não automatizei o movimento. Estou tentando descobrir esses momentos, esses pontos de ancoragem que posso usar para criar um movimento completo Vamos voltar novamente ao primeiro ponto de ancoragem. Quero dizer, no início da filmagem. Depois de encontrarmos esse momento, podemos criar um quadro-chave no parâmetro de posição. Devemos criar um quadro-chave para a escala. Mas aí vem um problema. E acontece que quando o carro para e a câmera para, esse movimento criado pela edição também fica mais perceptível. Devemos colocar o quadro-chave, aquele quadro-chave relacionado à posição pouco antes da câmera parar. Quer dizer, dessa forma, você criará um efeito de que a câmera tenha um movimento mais longo, porque a tomada estará em movimento pouco antes de a câmera parar, enganando um pouco o espectador Aí está, você tem outra foto da foto original. Parece ótimo porque parece que esse movimento para a esquerda faz parte de todo o movimento take. Agora eu vou te mostrar como você não deveria fazer isso. Preste atenção nisso. O movimento de tomada começa. E aqui mesmo, o movimento criado no software começa. O público notará que o movimento é estranho. Você pode notar aqui mesmo que o movimento artificial começa. Você já sabe qual é a diferença. Eu vou te mostrar novamente a onda certa. Você pode notar que, neste momento, esse movimento para a esquerda é mais suave E você deve colocar esse quadro-chave relacionado à posição pouco antes de a câmera parar. Por outro lado, eu queria mencionar algo importante relacionado à escala. E é isso quando você quer criar essa sensação de interesse no público. Mas a foto com a qual você está trabalhando é estática. Você pode adicionar uma pequena soma ou soma para criar esse efeito Mas em termos cinematográficos, a soma ou soma tem duas funções Primeiro de tudo, quando você tem uma sequência que tem várias fotos e a maioria das fotos está chegando. Além disso, os tiros passam um após o outro muito rapidamente. Nesses casos, eles recomendam que você adicione um pouco de soma às fotos para combinar com o resto das fotos Quer dizer, é um recurso visual, o público se sente confortável enquanto assiste à sequência. Na tela, você pode ver um exemplo. A foto geral tem um leve zoom. E a outra função é quando você quer representar o interesse que o personagem está experimentando sobre um objeto ou algo que ele está olhando com atenção. Em termos gerais, esse interesse é representado ampliando o rosto do personagem para representar um pensamento profundo Geralmente, este é um conjunto, quero dizer, com uma boneca , por exemplo. Além disso, você também precisa adicionar um leve zoom no objeto ou na paisagem fina que o personagem está vendo. Aqui na tela, você pode assistir a um exemplo. O personagem está olhando para aquele bastão de flecha na árvore, mas há um zoom na flecha, mas é uma soma artificial criada na edição Esse zoom representa que o personagem está pensando profundamente sobre a flecha que está olhando Esse é outro exemplo. Há um leve zoom na paisagem porque essa cena é um flashback da cena anterior, e ele estava se lembrando de quando viu aquela família na fazenda naquele Mas isso também funciona para cenas de diálogo. Para finalizar a lição, vou deixar uma cena completa em que uma cena completa em que dois personagens estão interagindo em diálogo E a soma dos trabalhos para entrar nas ideias, toda a soma sutil dessa cena foi criada na edição. Então, vou deixar essa cena para vocês e até a próxima aula, quando não me dizer quando, quando acabar. É, é minha aparência. 28. Estabilizando uma tomada: Perfeito. Estamos aqui novamente na estreia O que vamos fazer agora é estabilizar uma imagem Uma foto tirada neste caso é uma captura de sequência, mas vou contar isso do zero, desde o início. Uma estabilização não é nada mágica. A estabilização pode nos ajudar muito a corrigir uma imagem trêmula. Mas se a sequência estiver realmente instável, não conseguiremos corrigir isso Se isso fosse possível, os acampamentos estáveis não continuariam sendo usados hoje. Tão simples quanto isso. Acho que com este exemplo, você aprenderá como fazer isso e entenderá a ferramenta de estabilização Esta é a tomada que vamos consertar . Foi filmada com uma câmera estável, mas devido à natureza do solo onde estavam os sistemas, era impossível que a foto fosse completamente estável Justamente naquele momento em a câmera se aproxima lentamente do personagem, a câmera treme, estragando a sequência A desestabilização poderia ser ainda maior, mas esse exemplo é muito bom Na verdade, a imagem treme durante toda a sequência capturada. Vamos consertar tudo isso com a ferramenta que o premier nos fornece. Vou selecionar uma parte da captura de sequência para corrigi-la. Eu diria que essa parte, em que a câmera se aproxima do personagem, é a melhor. E eu vou te dizer o porquê. Vou arrastar a parte do vídeo para a linha do tempo, como sempre E eu vou abrir o monitor de programas aqui. Já temos a visão da linha do tempo, a foto. O problema é que às vezes nós, como editores teremos que cortar a moldura para nos aproximarmos do personagem Teremos que fazer isso por decisão do diretor ou por nós mesmos, porque achamos que a cinematografia fica melhor assim Mas preste atenção agora em como a desestabilização na sequência é muito mais Como muitos de vocês são cinegrafistas ou cineastas, vou lhes dizer Esta é a razão pela qual não é recomendado usar uma câmera estética maior que 50 milhões de metros Como esse tipo de erro ocorre na imagem e a câmera ainda permanece muito longe do que estamos capturando, cada milímetro de movimento será De qualquer forma, precisamos ir para a pasta video Fx e depois abrir a pasta armazenada. Então, aqui vamos encontrar o estabilizador de rap, então vamos arrastar esse efeito para o nosso clipe e pronto Então, agora o software começará automaticamente a analisar a foto quadro a quadro para tentar corrigi-la. Aqui, podemos ver no painel de controle de defeitos como o processo de análise é exibido dependendo da ***gth Essa análise levará mais ou menos tempo, mas o software fará isso automaticamente em segundo plano. Feito isso, o defeito estabilizará automaticamente o tiro Mas agora devemos prestar muita atenção a alguns parâmetros fundamentais para alguns parâmetros fundamentais não falhar na estabilização dos disparos Primeiro de tudo, é a suavidade da estabilização. Poderemos modificá-lo com essa porcentagem. Pode ser maior ou menor. É importante mencionar que o defeito não analisará a imagem novamente, a menos que estiquemos ou apertemos o clipe com o qual estamos trabalhando Mas logo abaixo, teremos o parâmetro do método que é de longe o mais importante de todos nesse efeito. Aqui vamos encontrar quatro métodos: posição, posição, escala e rotação, perspectiva e deformação Há algo que você precisa saber desde o início. Não sei por que eles existem por último. Perspectiva e deformação. Na minha opinião, eles não deveriam existir. Eles são completamente inúteis quando se trata de estabilizar uma cena profissional para um filme, comercial ou curta-metragem, porque ninguém gostaria de ver cena funcionar como uma geleia como uma opção para estabilizar Então, se for um Instagram ou Tiktok real, tudo bem. Você poderia usá-lo, mas eu não o usaria de qualquer maneira. Até mesmo os smartphones hoje em dia estabilizam a imagem o suficiente para que você não precise usar essas duas opções Obviamente, essas duas últimas opções costumam ser usadas quando a imagem está muito tremida Mas se fosse esse o caso , o software deixaria o personagem estabilizado, mas todo o fundo que vemos daquela floresta ficaria deformado como uma geleia, que na verdade é terrível escala de posição e a rotação são a melhor opção para estabilizar essa opção em vez de distorcer a imagem, isso mudará a Ele entrará e sairá, mudará de posição, tudo isso automaticamente até que o tiro esteja estabilizado da melhor forma possível Para mim, é a melhor opção para estabilizar sem alterar a natureza da foto Preste atenção na aparência. O mais interessante é que eu posso até mesmo resumir a imagem muito mais como se fosse uma foto mediana e ela ficará perfeita Vamos fazer uma comparação. Vou desativar com efeito para ver a foto original novamente. Podemos notar que foi vibração suficiente para estragar a cena Vou ativar o defeito novamente e vamos verificar a tomada novamente. Preste atenção abaixo. Nos parâmetros do defeito, teremos a possibilidade de fazer uma análise detalhada Em outras palavras, instrua o programa a fazer todo o possível para estabilizar a foto, estragando a imagem o mínimo possível Nesse caso, não é necessário fazer isso, mas podemos fazer isso. A única coisa que acontecerá é que ele consumirá mais recursos do computador. Além disso, por sua vez, provavelmente cortará mais a imagem. Se marcarmos essa pequena caixa, ela iniciará a análise novamente, o que demorará um pouco mais. Logo abaixo, você encontrará esse parâmetro que permite pontos entre duas opções À direita, a imagem ficará mais estabilizada e à esquerda menos estabilizada, mas cortará menos a moldura Podemos jogar com esse parâmetro da maneira que quisermos. Por outro lado, acho que essa questão de estabilização, usando o premiere, é o último Para resolver isso, quero dizer, como cinegrafistas ou cineastas, devemos fazer todo o possível para não precisar estabilizar a imagem E isso começa escolhendo os ***s mais apropriados para gravar. Com a câmera na mão e com uma câmera estável, geralmente, esses ***s não podem ter mais de 35 milímetros se estivermos fotografando a câmera na mão, menos ainda, porque, na verdade, mesmo em condições perfeitas, precisaremos estabilizar a imagem Quer dizer, às vezes estamos usando uma boneca, por exemplo. Por algum motivo, em algum momento a imagem treme devido a algum pequeno erro do operador, etc Para esses casos, esse estabilizador é usado. Preste muito mais atenção em quanto tempo demorou para fazer a análise detalhada. Mas o resultado será o mesmo porque, na realidade, a primeira análise foi mais do que suficiente para reparar a imagem. Vou usar o rigor do monitor para ver melhor a foto e vou aumentar a resolução do monitor. Resumindo , você pode usar o estabilizador, mas lembre-se de que, se a imagem não puder ser fixada com os parâmetros de posição, escala e rotação, a imagem não qualifica para ser Leve tudo isso em consideração e até a próxima aula. 29. Apresentação Efeitos VIsuais: Olá, pessoal. Neste modelo, vou mostrar a técnica que usei para adicionar efeitos visuais aos meus trabalhos mais recentes, às minhas histórias. Efeitos como faíscas, fogo, etc. Basicamente, fiz isso usando vídeos gravados em tela verde. Consiste em gravar vídeos em um estúdio ou ao ar livre de quaisquer elementos, como fogo, faíscas e sangue falso, etc., mas usando um fundo verde que é posteriormente removido com a ferramenta Ado Fema Nesse contexto, existem pacotes que são vendidos na Internet Vídeos já gravados que incluem esses elementos. O pacote Action Essential é um bom exemplo. Qual é a vantagem desses pacotes? Que eles facilitem nosso trabalho quando se trata criar um curta-metragem ou um vídeo para você. A desvantagem é que, quando se trata de produzir um filme cujo objetivo é ser o melhor filme, esses pacotes não serão bons o suficiente para ganhar um prêmio de efeitos especiais, por exemplo Não porque eles não pareçam bons o suficiente, mas porque reconhecerão que você está usando esses efeitos. Vou usar dois vídeos muito simples para explicar como os fundamentos da ação funcionam. Você pode usá-los no futuro em qualquer vídeo que quiser. Um exemplo disso foram as faíscas que usamos na lição sobre como adicionar letras O outro exemplo mais profissional seria como eu o uso em meu último curta-metragem, Preste atenção. Não é muito complexo, mas você precisa prestar muita atenção. Por outro lado, vou deixar alguns vídeos de faíscas e fogo gravados anteriormente com tela verde Para que você possa carregá-los e usá-los como quiser. Vamos começar então. 30. Adicionando fogo a uma tomada Automação: Perfeito. O que vamos fazer agora no Adobe Premiere é aprender a usar o elemento fogo usando elementos essenciais de ação É uma ferramenta muito útil para criar vídeos realmente divertidos Mas, na verdade, é a mesma técnica que usei para criar efeitos visuais para meus curtas-metragens. Para ensinar você a usar a ação do fogo, é essencial. Vamos começar com esse vídeo. Neste vídeo, eu deveria colocar fogo na minha mão. Então, o que vamos fazer é adicionar a ação essencial para fazer parecer que eu realmente coloquei fogo na mão. Então, a primeira coisa que vamos fazer é procurar a ação de fogo mais apropriada. Vídeo essencial. Quero dizer, para essa mão, obviamente, um dos fatores que afetam o resultado é que o tamanho do fogo se assemelha ao da mão Aqui você pode ver que existem muitos tipos de fogo e você poderá usar o que quiser editando-os sob o mesmo princípio que vou te ensinar neste momento. Portanto, preste atenção que existem incêndios de tamanhos diferentes e mesmo com ventos diferentes, esses incêndios foram gravados em um tipo de estúdio com uma tela verde ao fundo. Vou escolher este que é como uma tocha, e eu diria que tem um tamanho semelhante ao da mão, mas não há muitos tipos de fogo de qualquer maneira Também depende da sua própria criatividade escolher o mais adequado. Quero dizer, não precisa ser exatamente o que eu escolho, aquele que ficará melhor. No entanto, vou escolher esse específico e adicionarei esse vídeo acima do videoclipe em que estamos trabalhando. Preste atenção, isso é um vídeo perfurado. É como se fosse um arquivo PNG. Somente o fogo é visto porque o processo de remoção do fundo já foi feito. Quer dizer, isso foi gravado em uma tela verde e o fundo foi removido. Portanto, a primeira coisa que devemos fazer é colocar o vídeo do fogo exatamente quando a vela entrar em contato com a mão E esse seria o primeiro passo aqui. Parece-me que está tudo bem. Então, depois de fazer isso, devemos mover o fogo até o ponto exato em que a mão está. Para isso, devemos clicar no clipe de incêndio e ir ao painel de controle de fatos e usar o parâmetro de posição para movê-lo para a mão. Simplesmente tentamos colocar o fogo na mão no início, mas, obviamente, quando encontramos o lugar certo, precisamos ajustar o tamanho do fogo para realmente combinar com o tamanho da mão. Em seguida, devemos usar a escala para ajustar o tamanho. E aqui podemos continuar ajustando o momento exato em que a vela entra em contato com a mão, para que pareça mais Mas, obviamente, isso não é suficiente porque a mão terá um movimento, uma espécie de movimento. Então, o que devemos fazer é automatizar o movimento do fogo para combinar com o movimento da mão em todo o videoclipe Isso é interessante porque é muito mais fácil colocar fogo em uma casa ou em qualquer lugar. É mais complicado colocá-lo em um local que se move ou em um objeto em movimento. E é por isso que eu te mostrei esse caminho. Devemos voltar ao painel de controle de defeitos. Vamos para o parâmetro de posição, depois vamos para o início do clipe e ativamos a automação clicando no pequeno relógio. Como você sabe, o primeiro quadro-chave aparecerá. Esse quadro-chave pertence à primeira posição. Mas, como você pode notar, chega um momento em que a mão começa a se mover. Vou resumir um pouco no monitor do programa. Perfeito. Agora vamos procurar o momento exato antes que a mão comece a se mover. Eu diria que está aqui. Eu crio um novo quadro-chave. Conforme a mão se move para a direita, moverei o valor horizontal do parâmetro de posição para seguir a mão. Obviamente, vou fazer isso um pouco mais tarde para criar um novo quadro-chave. Claro, preste atenção que eu também mudei a posição vertical. Preste atenção ao fato de que no espaço entre os dois quadros-chave, há um ponto em que o fogo não coincide. Então, devemos ajustar esse momento também. Em outro quadro-chave será criado com muita paciência. Continuaremos criando quadros-chave durante todo o clipe. Os tapetes de fogo seguem todos os movimentos da mão e tudo isso deve ser automatizado Então, nesse ponto, percebemos que o clipe é mais longo do que o fogo. Devemos duplicar o clipe de incêndio para que o fogo siga a mão até o fim Selecionamos o clipe e pressionamos nosso teclado, C comum ou controle C. Aqui temos o clipe de disparo novamente, mas devemos excluir toda a automação do novo, porque precisamos criar uma nova automação. Mas devemos deixar apenas o último quadro-chave que pertence à última posição que o fogo teve no clipe anterior Vamos mover esse quadro-chave para o início desse novo clipe. A partir daqui, continuaremos fazendo com que o fogo combine com o movimento da mão de um quadro-chave para outro, pouco a pouco, perfeito. Apesar de o fogo seguir os movimentos da mão, ainda há coisas a serem consertadas. Devemos fixar a perspectiva do fogo, porque quando eu aproximo a mão do meu corpo, o fogo deve se afastar um pouco. Há vários momentos em que o fogo se aproxima do corpo. Seu tamanho deve mudar nesses momentos. Porque mesmo que o fogo se aproxime um pouco do meu corpo, esses pequenos detalhes de perspectiva que mudam perspectiva são o que tornam o efeito visual convincente, ou pelo menos parece bom Portanto, devemos acessar o painel de controle do efeito novamente e acessar o parâmetro de escala. Nesse parâmetro, devemos ativar a linha de automação. Mas devemos prestar muita atenção para que, nos momentos em que mudamos a escala, a posição também se mova um pouco. Devemos continuar corrigindo todos esses detalhes pouco a pouco Por exemplo, aqui podemos ativar a linha de automação adicionando um quadro-chave e podemos adicionar outro quadro-chave logo antes a mão comece a se aproximar do meu corpo. Podemos criar outro quadro-chave quando a mão terminar de se aproximar do corpo E então podemos mover a escala nos valores do parâmetro de escala ou diretamente no monitor do programa. Como já aprendemos, vou esconder as guias azuis simplesmente quando disselecionamos o parâmetro, as linhas guia Veja como o fogo está bom agora em termos de perspectiva e movimento. Mas como movi os lados do fogo, a posição está sempre um pouco desajustada. Portanto, devemos corrigir esses momentos. Preste atenção que aqui o fogo se afasta do meu corpo novamente. Portanto, é necessário aumentar um pouco seu tamanho novamente , pois está mais próximo da câmera. Depois de ajustarmos a escala e a posição, podemos ver o que temos até agora. O processo de fazer com que pareça real é seguir em frente e para frente. Corrigindo esses pequenos detalhes com muita paciência. Isso exige vê-lo várias vezes, muitas vezes, até percebermos que o movimento parece real. Quer dizer, se você prestar atenção, ainda há detalhes que precisam ser corrigidos para que pareça perfeito Por exemplo, quando a mão sobe, há alguns momentos em o fogo sai da mão. Mas acho que o maior problema é a transição entre os dois clipes de incêndio. Isso não deve ser perceptível, ou pelo menos devemos tentar esconder o máximo possível Podemos corrigir essa transição fazendo uma transição automática entre os dois clipes Ao usar o parâmetro de opacidade, sobrepomos os clipes de incêndio para fazer essa transição, conforme aprendemos na lição anterior Em seguida, devemos ajustar o movimento do fogo no restante do clipe que movemos, para possamos excluir toda a automação que temos no clipe que movemos e fazer isso novamente depois de sobrepor o Perfeito. Agora temos todo o nosso fogo configurado em termos de posição e escala. Vamos passar para a próxima lição, na qual faremos com que a cor do fogo pareça um fogo real na próxima lição. 31. Adicionando fogo a uma tomada Etapas finais e exemplos profissionais: Perfeito. Estamos aqui novamente. Agora, o desafio é fazer com que o fogo na minha mão pareça o Isso tem a ver com a correção de cores. Quero dizer, usando o fogo da vela como referência, é claramente o melhor Então, a primeira coisa que vamos fazer é aninhar os clipes de incêndio Para juntá-los em um único tipo de clipe, precisamos selecionar todos eles. Clicamos com o botão direito do mouse e depois clicamos em Nest. Tivemos que digitar um nome aqui. Nós pressionamos ok. E esse tipo de clipe será criado automaticamente , contendo os dois clipes de fogo internos Agora, esse novo clipe aninhado poderá ser clicado e podemos adicionar efeitos como qualquer outro Mas você precisa ter cuidado, porque se vocês clicarem no clipe aninhado , você entrará onde os dois clipes que aninhamos anteriormente Aqui podemos verificá-los Eles estão isolados, mas vamos trabalhar no clipe aninhado Damos um único clique neste clipe e vamos adicionar uma cor lumetri a esse Isso vai ser muito fácil. Estamos simplesmente indo para a correção básica. Se você perceber o fogo da vela, perceberá que a cor está mais saturada Quero dizer, tem menos cor. Em seguida, devemos modificar a saturação do fogo que está na mão para que corresponda ao fogo da vela Também podemos mover os outros parâmetros relacionados à luz e à quantidade de branco para chegar muito mais perto. Não há critérios para mover cada um desses parâmetros. Quero dizer, o que funciona para uma imagem pode não funcionar para outra. Se alguém lhe disser que o parâmetro branco deve estar sempre em apenas uma maneira , está errado, isso não é possível. Devemos desenvolver sensibilidade para perceber o que é necessário ou não. Você já pode ver como a cor do fogo parece muito melhor. É parecido com o da vela. Vou adicionar um pouco mais de saturação. Acho que é melhor assim. Sempre tente reservar um tempo para obter a cor certa. Mas, por outro lado, há outro elemento que é crucial para fazer esse fogo parecer real. E isso é que devemos fazer esse fogo interaja de alguma forma com o meio ambiente. Por exemplo, quando eu coloco o fogo perto do meu rosto, o fogo deve iluminar meu rosto. De alguma forma, esse tipo de detalhe passa para o próximo nível. Quer dizer, é a soma dos fatores visuais que dá origem a um bom efeito visual. A luz do fogo tem que interagir com o rosto. Devemos acessar o videoclipe abaixo e criar uma máscara que ilumine o rosto No momento específico em que o fogo se aproxima do meu corpo, devemos adicionar uma cor lumetri e criar uma máscara personalizável A máscara deve iluminar uma parte do ritmo e do torso Nesse caso, não seria muito difícil automatizá-lo porque o rosto praticamente não se move ou quase não se move Basta verificar se o rosto se move enquanto o fogo está próximo e ajustar a posição da máscara. Aqui você pode ver a máscara e perceber que nesse momento, nesse momento , o rosto se afasta da máscara. Nos quadros anteriores, também precisamos verificar se a máscara está na posição correta. Além disso, devemos criar o fato de que a máscara só é perceptível quando o fogo se aproxima do rosto. O que devemos fazer é usar o parâmetro de capacidade. Para conseguir isso, devemos automatizar a capacidade para que, quando o fogo se aproxime das faces em 100%, apenas quando o fogo estiver se afastando, esteja em 0%. Neste momento, tenhamos a capacidade em 100%. Mas , no momento anterior, vamos definir a capacidade em 0%. Mas é necessário fazer isso, não apenas no momento anterior, mas também depois Vou definir novamente o parâmetro de opacidade para o nível mínimo Mas, obviamente, como o que estamos fazendo é uma luz, devemos modificar um pouco o parâmetro pai para suavizar as bordas da máscara A partir daqui, podemos modificar a temperatura da cor. Poderíamos começar com outro parâmetro, mas vamos começar com este, que você possa notar a diferença. Agora, a cor do rosto parece mais quente. Podemos conferir o vídeo completo, e você pode ver quando o fogo se aproxima do rosto, a cor do rosto muda. Eu também aumentei um pouco a exposição. Aqui a luz é muito mais perceptível, certo? Parece bom. Vou exagerar um pouco mais todos os parâmetros, caso você não perceba Bem, vou aumentar a temperatura e também a exposição. E vamos dar uma olhada novamente, acho que é um pouco exagerado Mas eu faço assim, você pode notar a diferença. Esse é um princípio que você deve usar ao criar efeitos visuais com elementos essenciais de ação O primeiro fator é que a ação essencial segue o movimento que queremos. Em segundo lugar, que tenha a cor correta. E em terceiro lugar, o defeito que neste caso é o fogo, interage de alguma forma Assim como fizemos aqui. Que o fogo ilumine meu rosto quando se aproxima. Mas, como eu sempre digo, tente experimentar porque nessa experimentação, podemos melhorar todos esses efeitos visuais Na verdade, você pode combinar diferentes tipos de fogo para ter mais reações aleatórias com o mesmo efeito. Bem, como você sabe como adicionar fogo usando a ação essencial, podemos passar para esse outro exemplo, um exemplo mais profissional. E vamos fazer uma dissecação do que fizemos aqui. Em primeiro lugar, você pode notar que a foto em si tem um fundo desfocado devido à natureza dos ***s. Então, deveríamos combinar a aparência que obtivemos adicionando um desfoque às fogueiras O Sobre está em espanhol porque esse é o projeto original. Mas de qualquer forma, esse é o borrão. E você pode notar que estou desativando o desfoque. E você pode notar como parece diferente. Mas esse desfoque é interessante porque , como o desfoque está difundindo a imagem, esse desfoque nos faz pegar o fogo de verdade, porque não conseguimos ver o fogo em detalhes Então, essa estratégia realmente compensa em termos de produção cinematográfica. Se você deveria adicionar alguns efeitos visuais às suas fotos, qualquer coisa que impeça o público de detectar que esses efeitos são artificiais, não são reais, será seu melhor aliado. Também modificamos o parâmetro de saturação e a cor lumetri para fazer com que o fogo combine com a iluminação da cena Porque você pode notar que a cena está quase à noite e as cores deveriam estar saturadas. Também é a natureza da aparência do curta-metragem, mas você também pode levar em conta que, para fazer um efeito passar de verdade, você deve adicionar máscaras às zonas próximas. Quero dizer, aquele chão, aquela grama deveria ser iluminada pelo fogo Essa máscara funciona para isso. Você pode notar que estou desativando o efeito e você pode notar a diferença. É um recurso essencial em termos de iluminação. Lembre-se de que fizemos isso no exemplo da mão com o fogo. Iluminamos o rosto quando o fogo se aproximava. Obviamente, esse efeito, essa máscara, está no clipe da foto. Essas são as profundezas da gradação de cores e não estão relacionadas à potência do seu computador, mas sim ao fato de ser sensível a essas mudanças na natureza da iluminação, natureza da imagem, etc Por outro lado, você também deve levar em conta que, quando se trata de criar efeitos visuais, é crucial nesse estágio de gradação de cores Vou desativar o fogo para verificar a gradação de cores Vou desativar a cor lumetri. Existem várias camadas. Eles estão na cor espanhola. O lumetri, que é a cor lumetri. Nesta foto, aplicamos tudo o que eu ensinei até agora em cada camada, com um detalhe muito sutil. Estou procurando. Acho que a camada mais importante é a seguinte. Preste atenção em como parece diferente. Essa é a aparência crua da imagem, a iluminação original da foto. Mas devido à alta faixa dinâmica da câmera, pudemos modificar as cores dessa maneira. Então modificamos a exposição, lemos a exposição, é exposição em espanhol E apenas movendo esse parâmetro, a imagem parece muito interessante. Mas, obviamente, a iluminação, a iluminação do personagem está diminuindo para. Nessa outra camada, adicionamos outra máscara que estava compensando a ausência de luz Quero dizer, fizemos exatamente o mesmo processo que fizemos na aula anterior na cabine do navio. E você deve prestar muita atenção ao fato de que não apenas modificamos a iluminação do personagem, mas também a temperatura. Porque como a luz era diferente e representava uma noite fria, a temperatura deveria coincidir com isso. Mudamos um pouco a temperatura para os tons frios. Você pode notar aqui que estou exagerando na temperatura, mas é para você notar a diferença Isso foi tudo para o personagem. Além disso, também modificamos a cor da grama. Quero dizer, para realçar mais cores da foto, aumentando assim sua faixa dinâmica. Você pode notar a diferença quando eu desativo a cor lumetri Acho que não é tão sutil, mas aumenta a cor da imagem inteira. Acho que esse detalhe faz com que a imagem fique linda. Isso foi criado usando o efeito secundário HSL. Você pode observar a seleção quando eu marco a caixa, somente a grama é selecionada. E como a grama é selecionada apenas, pudemos modificar a cor da grama em detalhes. Nós aumentamos a temperatura. Na verdade, aqui estou movendo a temperatura para os tons frios. Você pode observar o conjunto de detalhes que faz com que a foto seja preparada para os efeitos visuais. A última camada de cor lumetri foi diminuir drasticamente a luz Você pode notar que parece incrível. Com ele modificou todos esses parâmetros que você já conhece para alcançar esse tipo de iluminação. Vou ativar novamente a luz produzida pelo fogo. Você pode notá-los ali no fundo. Vou ativar novamente os fogos. Eu diria que a coisa mais importante quando se trata de criar efeitos visuais é a iluminação. Como a iluminação ajudará você a enganar o público o tempo todo, mesmo que você não tenha efeitos visuais vastos, mesmo nos casos em que você está usando animações e objetos de tratados, por exemplo, a iluminação é fundamental porque você deve tornar esses elementos b***d com o fundo ou b***d com a foto inserida O público deve considerar esses elementos como mais uma parte do ambiente e da cena. Esta lição está até aqui. Espero que você goste e até a próxima aula. 32. Adicionando brilhos a uma tomada: Perfeito. Estamos aqui novamente. Desta vez, vamos usar uma ação de faísca essencial neste objeto, que na verdade é uma espada O que eu quero fazer é criar o efeito de uma faísca ao longo da espada enquanto afio a espada com o objeto Vamos usar as faíscas novamente. Na última vez, usamos com as letras, mas desta vez faremos com a espada. Vou procurar o vídeo do Spark. Não vou me concentrar muito nisso. Vou escolher um que eu já tinha em mente e vou adicioná-lo à linha do tempo É basicamente a mesma faísca que usamos da última vez. Mas desta vez devemos dar uma boa olhada na natureza da faísca Mas, acima de tudo, devemos ver no vídeo o local de onde vêm as faíscas, na direção em que elas saem Porque tínhamos que fazer com que a faísca viesse do contato, e também as faíscas descessem ou avançassem Mas eu insisto que você pode experimentar. Não precisa ser exatamente como eu te disse. Talvez não faça sentido que as faíscas saiam assim, mas acho que, dessa forma, elas poderiam parecer boas para o exercício que estamos fazendo A primeira coisa a fazer é colocar a faísca no lugar certo na linha do tempo Nesse caso, a faísca deve começar exatamente quando eu começar a esfregar o objeto contra a espada Em seguida, no painel de controle do efeito, devemos alterar a escala da faísca e também a posição para que fique diretamente na de contato Além disso, devemos mudar a rotação porque, como sabemos, a faísca originalmente vai para a direita Devemos mudar isso. Mas temos duas maneiras de fazer isso. Temos a opção de alterar a rotação no painel de controle do efeito ou também adicionar um efeito de inversão horizontal Desta vez, vou usar o efeito. Vamos para a pasta Videox e depois para a pasta transform, e então escolhemos flip Adicionamos esse efeito ao clipe de ignição. Agora a faísca sairá para o lado esquerdo, mas como a direção não é totalmente perfeita, vamos modificar um pouco a rotação para que a faísca vá exatamente para onde queremos A ideia é que você possa usar as duas ferramentas, o giro horizontal e a rotação Para isso, basta ir ao painel de controle de defeitos e alterar um pouco a rotação Que a faísca não esteja completamente horizontal para a esquerda, mas ligeiramente inclinada Podemos corrigir novamente a posição do ponto de partida. O próximo passo é determinar até que ponto a faísca será vista no clipe Quero cortar o clipe de ignição quando o objeto terminar de tocar Acho que está certo neste momento. Então, logo depois daqui, ele desaparece. Mas você sabe que a faísca deve se mover em direção à ponta da espada. Pouco a pouco. Vamos procurar um ponto no caminho em que possamos criar outro quadro-chave dessa automação. Continuamos, continuamos e continuamos. E eu acho que aqui, está tudo bem. Movemos a máscara em direção à ponta, colocando-a aqui mesmo no início. Não será perfeito. Devemos continuar corrigindo isso. Aqui você já pode ver a faísca se movendo, mas ela está se movendo mais rápido que a mão Devemos ajustar isso criando outros quadros-chave intermediários. Lembre-se de que você pode criar quantos quadros-chave forem necessários. Então eu acho que está pronto. Vamos remover as guias azuis. Acontece que também devido à posição da espada, a faísca também deve ser afetada pela perspectiva Devemos corrigir isso também. Quando a faísca começa perto do cabo, ela deve parecer um pouco menor nesse caso Para não exagerar no tamanho da faísca, a melhor opção é manter o tamanho da faísca melhor opção é manter o No final do clipe, simplesmente reduzimos o tamanho da faísca no início do clipe Perto da empunhadura, vou reduzir o tamanho da faísca no início em pelo menos três pontos ou o que for necessário medida que modificamos a escala Acho que a posição da faísca ficou um pouco desalinhada durante a viagem, então devemos Então você tinha que ser muito paciente e corrigir tudo até ficar perfeito, mas ainda falta algo mais. E essa seria a correção de cores. Portanto, devemos adicionar a cor lumetri ao clipe. E aqui mudamos saturação da cor para fazer com que uma faísca parecesse mais real Assim, você pode combinar perfeitamente esse efeito com um efeito sonoro de origem que faz parte desse processo. O som também faz com que a imagem pareça mais real. Agora você sabe como adicionar o efeito de faísca a uma espada e agora pode experimentá-lo em outros contextos Armas ou as letras que escrevemos nas aulas anteriores. Muito obrigado e até a próxima aula. 33. Letras em movimento: Para esta lição, usei um tablet de desenho digital. Você pode obter um se quiser alcançar o que fiz nesta lição. Os tablets de desenho digital não são tão caros. Mas o resultado do que vou ensinar nesta lição realmente vale a pena. Depois de já ter seu tablet de desenho conectado ao computador, basta gravar a tela do computador enquanto escreve o que deseja. Quero dizer, especificamente aquela frase, assinatura ou título que você gostaria que aparecesse no seu vídeo. Aqui na estreia, vi o vídeo que gravei a tela enquanto escrevia no tablet, a única coisa que pode ser um pouco difícil é a caligrafia, a caligrafia Mas, na verdade, você não precisa ser o único a escrever. Você pode pedir a alguém que tenha uma boa caligrafia para ajudá-lo a escrever para você o que você quer, o que você precisa, ou simplesmente fazer sua assinatura Por exemplo, todos esses tablets de desenho vêm com um software padrão que você pode usar. Mas há designers gráficos que usam tablets de desenho diretamente na loja de fotos. Quero dizer, isso não é um problema porque esses tablets são todos azuis e funcionam. Então eu gravei a tela e passei algum tempo escrevendo. Confesso que me custou um pouco porque toda vez que eu corria Mas como a tela estava sendo gravada, gravei todas as tentativas. Mas entre todas essas tentativas, evidentemente algumas delas se destacam e funcionam Eu estava escrevendo um ateliê. Algo muito importante a lembrar é que, ao escrever um software, você deve escolher cores escuras para o fundo e branco para as letras ou o que quer que esteja escrevendo ou desenhando. Tente deixar o fundo sempre preto, azul ou verde. Mas ser preto ou moreno é o suficiente. Já temos nossa parte de vídeo na linha do tempo. A parte em que escrevemos nosso melhor na linha do tempo. O que precisamos começar a fazer é que o videoclipe mostre apenas o que escrevemos. Devemos começar recortando os anos 80 de tudo isso, parte da seção superior dos tipos de software e também abaixo de onde está a barra de ferramentas, existem duas maneiras de fazer O primeiro é o parâmetro de incapacidade, simplesmente criamos uma máscara e, assim, recortamos toda a seção acima Acho que essa é a maneira mais adequada pois você pode cortar da maneira que quiser. É mais simples e fácil. Tudo depende também do que você escreveu ou se é um desenho ou uma forma relativamente irregular na qual você precisa isolar essa forma irregular Mas também há outra maneira de fazer isso. Você tinha que ir para a pasta de defeitos , depois para o efeito de vídeo e depois para transformar E lá você selecionará cortar. Você deve adicionar um defeito ao clipe. Vou desativar o que fizemos na opacidade do efeito de corte Vamos modificar, nesse caso, os parâmetros superior e inferior. Quero dizer ser capaz de cortar todas as seções que eu não preciso na imagem. Como eu disse, você pode cortar a imagem como quiser. Tudo depende do que você precisa. Mas bem, a ferramenta de opacidade é mais gratuita, mais útil. Acho que depois que as bordas do vídeo forem cortadas, o próximo passo é excluir a cor de fundo, neste caso, essa cor cinza Para poder fazer isso, precisamos usar o efeito chroma key. Vamos para a pasta de vídeo , clicamos na pasta Key e escolhemos o efeito de tecla colorida. Adicionamos um defeito ao videoclipe e o primeiro parâmetro que você encontrará é a cor da chave Aqui você encontrará esse pequeno conta-gotas onde selecionará a cor que queremos eliminar Nesse caso, vamos selecionar o fundo cinza. Basicamente, é da mesma forma que fazemos uma chave cromática na qual removemos os fundos verdes ou alguém vestido de verde para perfurar o vídeo e mostrar o que está embaixo desse vídeo Aqui já temos o vídeo perfurado. Quero dizer, a assinatura da Atia é a única coisa visível no vídeo. Agora posso adicionar essa assinatura acima qualquer outro vídeo ou imagem e colocá-la onde quiser. Isso é muito útil se você deseja criar um canal no Youtube ou se é editor de um tubérculo ou de qualquer Você pode embelezar muito os vídeos usando essa técnica. Agora vou adicionar uma imagem de fundo para que você possa ver a aparência da assinatura nesse plano de fundo. Obviamente, a princípio, nem sempre parecerá perfeito, então devemos modificar esses parâmetros aqui e brincar com eles, principalmente com o Thing Edge Feather Ambos os parâmetros me permitem suavizar o G, no caso da pena é suavizar diretamente o tema é aumentar ou reduzir o tamanho do Preste atenção em quão bem eu o movo. As bordas são mais vistas, quero dizer, elas são mais visíveis, obviamente. O objetivo é que essas bordas desapareçam. Vou renderizar agora, preste atenção em como as letras aparecem como se fossem uma animação. Animação. Na verdade, fazer uma animação de letras como essa é complicado. Sem falar que, se você adquirir um software que crie letras animadas desse tipo, elas não serão exclusivas. E se há algo único na rede social ou para identificar uma marca pessoal ou o que você quiser é que esse elemento seja único. A única maneira de fazer algo único é fazer você mesmo. Quero dizer, desenhar ou escrever você mesmo é a melhor maneira. Além disso, como essas letras também são mais um clipe, podemos movê-lo como quisermos aumentar o movimento e melhorar sua animação. Além disso, vou dar um exemplo de como seria se adicionássemos movimento a essas letras. Por exemplo, podemos fazer com que as letras saiam da tela quando terminarem de aparecer. No parâmetro posição, colocamos um quadro-chave quando as letras terminam de aparecer. E talvez meio segundo depois, colocamos outro quadro-chave no qual mudamos a posição. Agora veja como parece interessante. Quer dizer, como se tudo fosse uma animação feita em um software especial. Para isso, é realmente muito útil porque é barato. No final das contas, existem tablets de desenho muito baratos por aí. Além disso, você não precisa de um software avançado ou de um computador muito poderoso para fazer animações. Acho que a única coisa difícil é ter a habilidade de desenhar ou. Certo, mas na verdade, acho que as letras não precisam ser bonitas, para serem únicas. Tudo vai depender do estilo que você tem. Leve tudo isso em consideração e até a próxima lição. 34. Edição de áudio: Olá pessoal. Neste modelo, vamos trabalhar no design de som. design de som é uma das etapas mais importantes do processo de edição, mas, ao mesmo tempo, é também uma das etapas mais subestimadas para grande parte dos cineastas que conheci durante minha carreira Parece que não é importante criar com detalhes e criatividade a dimensão sonora de uma história de qualquer obra audiovisual. Mas a verdade é que metade do que estamos sentindo e das informações que recebemos de qualquer filme ou curta-metragem entram pelos nossos ouvidos. Além disso, em muitos filmes atuais, a capacidade de imersão está relacionada ao design de som Por outro lado, da mesma forma que existem editores de vídeo que se concentram apenas nos aspectos técnicos, também existem engenheiros de som e designers de som que se concentram apenas nos aspectos técnicos relacionados à mixagem, por exemplo, que veremos também neste modelo Mas a verdade é que hoje em dia as ferramentas nos oferecem muitas possibilidades quando se trata resolver problemas técnicos. Mas é exatamente a parte criativa que tivemos que abordar, especialmente nos projetos em que você está trabalhando. No começo, não haverá bons designers de som. Você tinha que ser capaz de fazer esse trabalho sozinho. Mas, acima de tudo, mostre ao produtor ou ao diretor do projeto que você é realmente capaz de fazer esse trabalho economizando custos de produção. Obviamente, tudo isso significaria que você é um profissional valioso para a equipe de produção Vou mostrar um exemplo de como é importante usar o design de som de forma criativa no ASN Eu vou te mostrar o ASM do filme Aqui nesta cena, o personagem principal está terminando de se divorciar de sua Mas a verdade é que, no fundo, ele não queria se divorciar Então, eles estão compartilhando um último café onde ela está terminando de assinar os papéis do divórcio. Mas preste atenção ao design de som da história, ao design de som da cena. Oi, como você está? Não posso ter. Nossa, aqui estamos. Fico feliz que pudéssemos fazer isso pessoalmente. Eu sei que você tem viajado muito. Não, estou muito feliz que você tenha sugerido. Eu assinei todos os papéis para você assinar. Qual é a pressa? Sim, eu sei. Sou um signatário muito lento. forma, percebo que demorei três meses para qualquer forma, percebo que demorei três meses para escrever a carta Está marcado aqui em vermelho onde você precisa assinar. Você sabe, você não, você não precisa fazer isso agora. Eu posso simplesmente tirar isso do caminho. Vai ser mais fácil. Você percebeu a importância do design de som na estrutura emocional da cena? Basicamente, na cena, eles nos mostram as memórias do protagonista Aquelas lembranças de quando ele estava feliz com sua ex-esposa. Mas, na verdade, a cena nos mostra aquelas memórias sem som em si***ce, deixando apenas o som do restaurante, da cafeteria Assim como as memórias são na vida real, geralmente vemos as imagens em nossas mentes. Mas continuamos ouvindo o que estamos ouvindo onde quer que estejamos. Mesmo que nos lembremos do som, o som que lembramos em nossa mente não é mais alto do que o som que estamos ouvindo no momento Essa decisão não tem a ver com aspectos técnicos. É algo totalmente criativo que consiste saber como equalizar a mixagem do anúncio ou adicionar efeitos sonoros à mixagem É algo que serve como narrativa, é um elemento narrativo sonoro Outro elemento importante é a seleção de músicas. No cinema, essa etapa é feita pelo editor musical, mas o editor musical é a pessoa que trabalha com o compositor e o diretor do filme para selecionar as peças musicais que melhor representam a ideia que o diretor de cinema tem em mente Para saber qual é a música mais adequada para o nosso trabalho, precisamos nos fazer as perguntas certas. Em primeiro lugar, qual é o público-alvo do nosso projeto se for um filme comercial ou independente, por exemplo, se for o caso de um curta-metragem independente ou de um filme independente, você deve estar ciente de que deve usar o mínimo de música possível. Porque o público-alvo não são pessoas comuns. É um grupo de críticos que precisa ver a linguagem cinematográfica em seu nível mais puro, sem nada que possa enganar Quero dizer que, de acordo com eles, música geralmente faz aquele trabalho que a história não pode fazer, o que eu nem sempre concordo com isso. Mas bem, essa é a visão dos críticos especializados em cinema independente Por outro lado, se for um anúncio publicitário ou comercial, o público-alvo também é importante. Quero dizer, quantos anos tem o público-alvo? É importante saber isso. Se for um vídeo para o Instagram, você pode se perguntar se a música que você está ouvindo é popular ou não está ouvindo é popular Tente levar tudo isso em consideração e vamos continuar trabalhando no design de som na estreia 35. Design de som de uma cena Adicionando os sons de uma cena: Perfeito. Estamos aqui novamente na Adobe Premiere O objetivo desta lição é ser capaz de fazer edição de áudio profissional, independentemente de estarmos fazendo isso ou não. Quero dizer, uma estação de trabalho de áudio digital profissional na estreia da Adobe, podemos fazer isso porque, em termos de edição de áudio, temos todas as ferramentas para fazer isso Desta vez, vou usar um dos meus melhores curtas-metragens, então a ideia é fazer todo o som do Zen. Quer dizer, para criar o design de som, vou começar a escolher apenas o vídeo do Zine para adicioná-lo à linha do tempo Vamos verificar a cena no monitor do programa. A cena começa aqui. O personagem está correndo por um longo caminho. E, de fato, nessa parte não há som, mas uma trilha sonora Mas onde vamos criar o design de som é logo no momento em que o personagem cruza o rio E então ele rasteja e rasteja até se deparar com o cadáver de outro personagem da história Então, devemos adicionar todos os efeitos sonoros desse ambiente. Obviamente, a maioria das pessoas tem muito medo disso, porque geralmente somos cineastas que sabem usar a câmera e estamos interessados em edição de vídeo Mas quando se trata de som, parece que é um mundo completamente diferente. Mas a verdade é que esse conhecimento é muito importante. E como as ferramentas de som estão disponíveis na estreia, precisamos saber como fazer isso O seguinte que devemos saber é que precisamos de algumas fontes de som. Quero dizer, precisamos encontrar cada um dos sons que deveriam estar tocando na cena e devemos encontrá-los separadamente. Há duas maneiras de obtê-las. A primeira e mais difícil maneira é gravá-los diretamente, seja no set usando um dispositivo de gravação portátil como o que você vê na tela, outra, procurando os sons na Internet. Portanto, esse processo posterior seria o mais barato. Mas isso não significa que seja o pior, é simplesmente o mais barato. Quer dizer, acontece que existem muitos efeitos sonoros de qualquer coisa na Internet. Podemos encontrá-los em páginas de som ou no próprio Youtube. Então, simplesmente colocamos o nome do som que estamos procurando no mecanismo de busca do Youtube e muitos deles aparecerão. Depois, basta baixá-los e usá-los na edição. Outra coisa importante a saber é que teremos que mudar o layout principal várias vezes. Quero dizer esse layout predefinido para áudio porque teremos que adicionar efeitos às faixas e mixá-las. Lembre-se de que o mixer aparecerá na predefinição de áudio, o console do mixer, que corresponde a cada uma das faixas de áudio que temos na linha do tempo Lembre-se de que a linha do tempo é dividida em seções, uma seção para faixas de vídeo acima e a seção para faixas de áudio abaixo Portanto, preste atenção ao fato de que cada uma das falhas do console de mixagem está identificada, a 123 e abaixo. Nas pistas da Audi, vemos 1283. Obviamente, também há uma faixa master em que a mixagem geral é lançada. O mais interessante é que precisaremos mudar de um percentual para outro porque, na verdade, o percentual de edição é muito mais adequado para criar a composição sonora E vamos usar o Pset de áudio somente quando passarmos pela fase de mixagem Tudo também dependerá quão confortável você se sinta com cada porcentagem. Mas, pessoalmente, pela minha experiência, o percentual de áudio consome mais recursos do computador do que o percentual de edição Acho que essa é uma variável importante hora de escolher uma ou outra. Por outro lado, voltando à questão dos sons, das fontes sonoras, é importante criar um banco de som, uma tampa traseira de som à qual possamos recorrer quando se trata de fazer design de som. Por exemplo, aqui eu tenho todas essas pastas organizadas para diferentes tipos de sons. Existem ambientes, passos, sons de água, fogo, sons, tiros, etc., etc., etc E o mais importante é que alguns dos sons foram gravados por mim ou pela minha equipe de produção com um dispositivo de gravação portátil. E outros foram baixados da Internet. Como eu disse no Youtube ou em outras páginas. Sabendo de tudo isso, o que precisamos para essa cena? Obviamente, a cena acontece perto de um riacho de um pequeno rio. Precisamos adicionar esse som de fundo a toda a sequência. De qualquer forma, é importante saber quando se trata de gravar um rio. O som daquele rio, por exemplo, o que gravamos não precisa ser exatamente esse rio. Pode ser um pouco mais alto, por exemplo. Isso não importa porque podemos corrigir essa imperfeição no design de som Mas, de qualquer forma, desta vez vou usar um som de rio que baixei da Internet. Você pode se convencer de que isso pode ser feito com sons da Internet. Nesta pasta eu vou escolher. Som que eu tenho aqui chamado Distant River Ambience. Vou arrastar o arquivo para a estreia. Além disso, como era um curta-metragem produzido pela minha equipe, tenho o som do ator que na verdade era eu mesmo, mas esse som foi gravado posteriormente. Foi feita uma dublagem para ter a atuação da cena, pois durante a filmagem da cena, era impossível gravar o som porque a câmera estável estava gerando ruído e ele vinha pelo microfone Então, tivemos que dobrar o desempenho mais tarde. Mas o que mais precisamos em termos de som? Precisamos do som do contato das mãos com a grama, por exemplo. O som de rastejar no chão também é importante, mas também precisamos do som do contato com os sons de respingos de água Esse som é importante para a cena, justamente quando o personagem cruza o rio Eu já tenho esse som no meu backup de som, então vou usá-lo. Vou arrastar esse som de uma só vez para o projeto. Quando se trata de selecionar os sons para torná-los o design de som do personagem rastejando pela grama Não precisamos necessariamente do som de algumas mãos na grama. Poderíamos usar outros sons que representassem isso. Por exemplo, vou usar alguns sons de passos na Terra molhada e também passos na areia Crie o som das mãos na grama. E eu digo isso para motivá-lo a liberar sua criatividade quando se trata de criar ambientes sonoros criar ambientes sonoros Em outras palavras, não deixe que as limitações o impeçam de desenvolver um projeto dessa natureza. Eu sempre me deparei com isso. Encontrei bons cineastas que têm medo de se envolver com design de som só porque não sabem do que se trata realmente Vou adicionar os sons que eu disse que fiz em suas respectivas pastas. A primeira coisa que vou fazer é adicionar o som do rio distante à linha do tempo, que seria como o fundo sonoro. Vou selecionar um trecho de áudio do rio e arrastá-lo para a linha do tempo. Você pode modificar o volume do clipe nessa linha aqui. Você também pode automatizar esse volume nessa linha usando a ferramenta caneta na barra de ferramentas Quer dizer, você pode automatizar o volume da mesma forma que fizemos com a opacidade nas aulas anteriores Já temos aquele distante rio Sound ao lado da imagem. Podemos começar a contemplar a imagem ao lado do som para ver se ela começa demais. Preste atenção para que, com esse som ambiente, a cena comece a ganhar vida. Obviamente, o resto dos sons estão faltando. Mas esse som ambiente me ajuda a ter um ponto de referência em relação aos volumes que cada um dos sons da cena deve ter Porque não se trata apenas de escolher bem os sons, mas de saber o volume exato, eles devem ter a reverberação exata e a panorâmica exata Então, vou começar adicionando o som de respingo para criar o momento em que o personagem sai da água Então, vou procurar o som e selecionar um pouco de água, bom o suficiente para aquele momento Temos que levar em conta que o personagem vem correndo. Acho que essa parte parece interessante. Lembre-se de que não apenas o som do respingo é necessário, mas também o que vem depois Quero dizer, um pouco do movimento da água para que o som que escolhemos tenha tudo isso. Vou arrastá-lo até a pista sob o rio. Agora temos que posicioná-lo exatamente no momento em que o personagem sai da água. Note que aqui eu automatizei o início do som com a caneta. Eu criei um fade in porque o personagem cruza o rio e depois entra em águas mais profundas Outro elemento importante dessa cena é que, se você olhar para a cena, a cena começa com uma foto aérea de cima, onde o personagem parece muito pequeno E então vemos uma foto mais próxima do personagem atravessando o rio. Essa diferença visual também deve ser perceptível em termos de som. Na verdade, isso não deve ser observado apenas em termos do som do respingo, mas também devemos aumentar o volume do rio distante Essa diferença é sentida. Além disso, você pode aumentar a quantidade de volume desejada. Tente preencher a cena até sentir que combina. Esses elementos são muito importantes. À primeira vista, parece que é algo que o público não vai notar Mas acredite em mim, eles perceberão isso. Eles terão a sensação de que a cena é mais real do que a cena é melhor. Mas preste muita atenção nisso. Se você olhar aqui no som de respingo aqui no canto, há um efeito, um símbolo Se você clicar aqui, poderá alterar a linha de automação para outro parâmetro. Como, por exemplo, ofegar. Neste ditado, o personagem se move da esquerda para a direita. Ele vem da esquerda e essa sensação deve ser criada na dimensão sonora. Mesmo que estejamos observando o personagem de frente na tela, em nossa mente, seu movimento, sua viagem está sendo entendida em 360 graus. Precisamos representar que o som inicial também deve ser reproduzido pela esquerda Preste atenção para que depois a câmera acompanhe o movimento do personagem e vire para a direita justamente para criar essa sensação. Eu recomendo fortemente nunca ofegar completamente para um lado. Esta é uma recomendação da minha experiência gravar com minha banda em estúdio. Quero dizer, se ofegarmos completamente para um lado, a sensação de agitação do som é perdida Porque cada Audioclip deve sempre soar dos dois lados Simplesmente , quando o deslocamos para o local desejado, o Audioclip soará mais desse lado Perfeito. Esta lição está aqui. Vamos passar para a próxima, onde vamos até ela. O som produzido pelo contato das mãos e do corpo com a grama. 36. Design de som de uma cena Outro som de uma cena e desempenho de ator: Perfeito. Estamos aqui novamente. Vamos fazer dieta. O som do contato do personagem com o chão, com a grama. Vamos usar o som correndo na areia. Vamos dar uma olhada. Mas também vamos usar esse outro, andando na areia. O som é muito interessante porque dá sentir um pouco a água, a cada passo. Perfeito. Vamos começar com o som de caminhar na areia. Vamos cortar uma parte do som e arrastá-la até a linha do tempo aqui embaixo. Antes de tudo, devemos nivelar o volume. Vamos aumentar o volume. Em seguida, vamos ampliar a linha do tempo até vermos em detalhes esse som. Você vai fazer isso. Preste atenção no que vou fazer, vou separar cada uma das etapas com a ferramenta Sor 1234 para ter cada etapa separadamente Dessa forma, poderemos colocar cada um desses cortes onde quisermos criar esse efeito de contato na grama. Isso é muito importante, confie em mim. Conheço muitos bons diretores de cinema que não sabem disso. E é muito útil e não é tão complicado quanto parece. Precisamos fazer com que cada corte corresponda ao movimento do personagem na tela. Se, durante a edição, sentirmos que esses sons precisam de mais volume, por exemplo, basta selecionar todos eles e clicar com o botão direito. Em seguida, clique em tudo novamente e aumente o ganho dos clipes. Aqui podemos aumentar a quantidade de decibéis que queremos com muitos pacientes Pouco a pouco, vamos colocar cada um dos cortes. Leve em consideração que, se em alguns momentos percebermos que alguns movimentos dos personagens são mais fortes do que outros, podemos aumentar o volume dos clipes naquele momento específico Preste atenção aqui em como estou aumentando o volume pouco a pouco até que corresponda à imagem. Pessoalmente, adoro quando a cena começa a ganhar vida, isso realmente leva a cena para o próximo nível. Além disso, lembre-se de que também podemos forrar cada corte que estamos adicionando aqui. Quero dizer, da mesma forma que o rio, os sons do personagem também vêm da esquerda. O mais interessante disso é que nas ferramentas Vase ou Pro, por exemplo, que são softwares profissionais de edição de som, isso é feito exatamente da mesma maneira, mas preste atenção nisso Quando a câmera gira para a direita, os personagens pulam o quadro, mas seus passos precisam continuar sendo ouvidos de alguma forma, porque ainda estamos perto do personagem Vou avançar um pouco nesse trabalho. Vou adicionar o resto dos gatos de som, para que a lição seja conhecida por muito tempo. E continuamos no processo de criação do design de som nesta mesma lição. Perfeito. Eu já fiz com que cada um dos gatos sonoros correspondesse aos movimentos de cada personagem. E esse é o resultado. Podemos adicionar ainda mais volume a essas últimas etapas do personagem porque estamos vendo o personagem de muito mais perto. O que vamos fazer é misturar os sons dos passos que já adicionamos com o outro efeito sonoro que tivemos, o de correr na areia, porque esse som é mais lento, porque esse som é mais lento, o subproduto da união dos dois efeitos sonoros será de Selecionamos uma parte desse áudio e depois o arrastamos para a linha do tempo Mas preste atenção , pois estou sem faixas de áudio na linha do tempo Posso adicionar outra faixa de duas maneiras. A primeira é que podemos adicionar uma faixa simplesmente indo até a guia de sequência e depois adicionar uma faixa. Mas há outra maneira mais fácil. Podemos simplesmente arrastar a parte do áudio para o espaço abaixo da última sequência. Automaticamente, o software criará uma nova sequência. Vou colocar o clipe de áudio aqui nessa faixa que já temos. Preste atenção que, se eu arrastá-la para o espaço abaixo, veja como a nova sequência é criada. O que vamos fazer é separar cada um dos aquecimentos do som para separar o corte, como acontece com o outro som E então os colocamos exatamente onde estão os que adicionamos anteriormente, eles são misturados. É importante que, enquanto estiver fazendo todo esse processo, você possa experimentar os sons. Quero dizer, experimente-os. Quero dizer, mude de lugar para ver como soam, porque às vezes descobrimos coisas aleatórias que nunca imaginamos que soariam bem Agora você pode ouvir como cada contato com a grama tem corpo em termos de som. Agora vamos finalmente adicionar o som das supressões dos atores, que foram gravadas separadamente Então, procuramos por ele na pasta e o arrastamos para a linha do tempo Da mesma forma que com os outros sons. Obviamente, os sons das expressões do ator pertencem à parte em que já o vemos de perto. Devemos fazer com que corresponda à imagem do personagem. Se for necessário aumentar o ganho antigo, simplesmente o fazemos. Idealmente, cada respiração ofegante deve corresponder a cada movimento dos braços Também podemos adicionar ofegante à respiração ofegante do personagem Nós podemos fazer uma curva. Quer dizer, no início, começa pela esquerda e, em certos momentos, automatizamos a mudança em direção ao centro Então, ouve-se dizer que o som se move com o personagem. Por exemplo, aqui o personagem entra no quadro. Novamente, podemos mover a panela para o centro. Você percebe o quão bom tudo soa, certo? Então, vamos conduzir esta lição aqui e vamos passar para a próxima. 37. Design de som de cena, adicionando reverb e espacialidade às faixas: A primeira coisa que devemos fazer é verificar a reverberação de cada faixa Porque devemos fazer todos os sons, parece que eles estavam no mesmo lugar. Às vezes, isso é algo quase imperceptível, mas esses pequenos detalhes fazem a diferença Por exemplo, poderíamos começar reconhecendo que o som base aqui é o rio Quero dizer, o resto dos sons deve ser congruente com a reverberação Por exemplo, vamos começar com o som inicial. Além de corresponder à reverberação do rio, a ação de colidir com a água está acontecendo a uma certa distância da câmera O reverb pode gerar essa distância para nós. Devemos ir ao console de mixagem no topo das faixas. Vamos encontrar esse painel aqui. Poderemos adicionar defeitos a cada uma das faixas. Nesse caso, o som inicial está na segunda faixa. Preste atenção, pois há uma linha cinza muito fina que divide o painel acima da linha Poderemos adicionar defeitos abaixo da linha. Podemos enraizar as faixas para tocar nas faixas do grupo. Mas eu diria que o mais importante está acima, onde você pode adicionar defeitos às faixas. Precisamos clicar nesses pequenos toques e lá procuraremos o efeito de reverberação. Você pode notar que existem três tipos de reverberação Vou selecionar o reverb surround aqui. Você encontrará vários parâmetros. Sei que parece complicado, mas é muito mais fácil do que você pensa. Neste toque, você encontrará várias predefinições. É como o estilo de reverberação que vamos usar, mas também poderemos alterar todos os parâmetros para personalizar essas predefinições Por exemplo, vou usar essas predefinições da catedral de todos os parâmetros que encontraremos aqui O mais importante é aquele em que se lê Mix. Essa falha literal indica que está em 100%. O som será completamente afetado pela reverberação, mas à medida que diminuirmos a porcentagem, ele soará como o áudio original sem Essa é a principal ferramenta na qual você adicionará mais ou menos reverberação à faixa Lembre-se de que essa reverberação na faixa afetará todos os clipes de áudio que estão nessa Mas há algo importante em relação à reverberação medida que adicionamos defeito, qualquer ganho de áudio é perdido Essa é a razão pela qual essa outra falha está próxima a ela, onde se lê Gain. É muito importante levar isso em consideração. Também temos outra falha que pertence ao feedback e outra que pertence à balança. Podemos fazer o som inverso mais para a direita ou para a esquerda. Há também a primeira falha que é aumentar a umidade do efeito, que é como a intensidade Basicamente, esses são os recursos mais importantes desse painel de saída. Mas preste atenção que aqui há outros parâmetros que você pode alterar. Você pode modificar, por exemplo, o tamanho da sala. Você pode modificar os saltos de reverberação aqui em pré-atraso e também a largura da Na verdade, esses dois últimos parâmetros são para controlar isso, como a reverberação se expande para Mas eu recomendo fortemente que você experimente os efeitos, tente experimentar. Estou apenas dando uma visão geral dos principais parâmetros da reverberação O respingo começa a soar melhor. Vou isolar a faixa para testar melhor a reverberação Vou adicionar ainda mais reversão , mas também aumentar o ganho. Lembre-se de como fazer isso aumentando a porcentagem e também aumentando o pai ganho. Agora parece muito melhor porque agora o respingo pode ser ouvido à distância que a cena sugere, porque obviamente nada está acontecendo ao lado da câmera Quero dizer, há metros de distância. Vamos ouvir como soa junto com o resto dos sons. Depois de adicionarmos a reverberação às faixas, na maioria das vezes estamos prontos para seguir com a Como essa cena combina com música, quero dizer pelo menos uma parte da cena. Além disso, adicionar música me permitirá explicar algo importante relacionado à edição de áudio. Para fazer isso, vou usar dois arquivos. Por um lado, há um áudio que contém a música com o design de som ao mesmo tempo, mas você sabe que estamos fazendo o design de som. Portanto, há outro áudio que contém apenas a música. Em primeiro lugar, o que vou fazer é extrair uma seção transversal no arquivo que contém o design de som e a música. Uma seção transversal onde só toca a música. E vou tentar misturar essa parte do áudio com o outro áudio que contém apenas a música. Obviamente, é a mesma música. Nesta parte da cena em que há uma foto aérea, apenas a música toca originalmente Quer dizer, essa era a ideia original, mas quando nos aproximamos do personagem, o design de som começa a funcionar. O que estou fazendo aqui é tentar cortar a parte em que o design de som começa a tocar. Obviamente, nessa parte, vou adicionar o outro arquivo que contém apenas a música. Estou fazendo isso porque estou usando a mixagem de áudio original do curta-metragem. Esse clipe de áudio que estou movendo neste momento tentando aproximá-lo do Oder contém apenas a música É claro que, como é a mesma música, estou tentando combinar os pontos corretos de união. O objetivo de ensinar isso é que você aprenda que pode adicionar todos os defeitos aos clipes e também transições de áudio aos Eles são exatamente os mesmos efeitos que podemos adicionar às faixas. Quero dizer, aqueles que podemos adicionar às faixas, basta ir até a pasta de efeitos e procurar os anúncios. Essa pasta contém todos os defeitos que você pode experimentar. Por exemplo, há amplitude e compressão. Há também a modulação de atraso, ruído, etc., etc. Por exemplo, a compressão é muito útil para vozes. Por exemplo, as expressões de atuação que adicionamos ao design de som provavelmente soarão melhor com a compressão. Meu objetivo também é encorajá-lo a perder o medo de usar esses efeitos antigos. Por exemplo, você deve saber que, para vozes e também para voice over, o compressor de banda única é o compressor mais adequado. Quando estamos falando de uma voz que está tocando em um monotriz, por exemplo Também podemos adicionar equalizadores para enfatizar as frequências mais adequadas para um tipo específico de voz Mas desta vez para a música, vamos usar transições de áudio na estreia Há três tipos de transições. Ganho constante, potência constante e destino exponencial. Eles são quase iguais. Eu diria que a única diferença é o modo b***ding, mas vai depender da natureza do áudio com a natureza dessa parte específica do clipe de áudio que você deseja mixar com outro clipe Vou usar o ganho constante que é o mais neutro Você notou que eles adicionaram essa transição exatamente no sindicato. Para mim, parece perfeito. Essa transição, eu tenho que igualar esse calor que soa aqui. Com essa ação de levantar o rosto. Claro, esse calor estava representando impacto de se deparar com uma garota em D, D. Então, vou silenciar a faixa em que o design de som está reproduzindo o resto do som da cena Vou corrigir um pouco o volume da música e vou tentar novamente. Vou aumentar o volume um pouco mais. Agora vou adicionar aquele compressor que mencionei antes à atuação do ator. Nós simplesmente vamos até a pasta of e procuramos por isso e procuramos o compressor de banda única. Eu já mencionei que era o mais adequado quando a voz está tocando em T. Está aqui. Depois de adicionarmos esse efeito, podemos ir ao painel de controle de defeitos e encontraremos esse efeito ali Precisamos clicar na configuração personalizada e , em seguida, editar a janela de parâmetros. Você pode notar que o painel de controle de defeitos funciona da mesma forma para áudio Sob o mesmo princípio, você pode automatizar qualquer recurso nos clipes de áudio Na verdade, você pode notar que como eu automatizei o volume, a linha de automação no volume é ativada. Mas vamos continuar com o compressor. Na guia predefinida, devemos selecionar a locução aqui e vamos dar uma olhada. E você pode notar que ele tem mais presença e mais definição em geral. Mas, na verdade, podemos melhorar a qualidade do som usando um equalizador Então, vamos para a antiga pasta de defeitos e escolhemos ecos gráficos de 20 bandas Você deve se lembrar de que os ecozers estão sempre em cima dos compressores Abrimos a configuração personalizada e, como é um mozo de voz ofegante, devemos elevar as zonas médias-altas do Isso é muito importante não apenas neste caso, mas também em diálogos, por Mas não exagere com essas mudanças. Você deveria ser sutil ao modificar as frequências. Na verdade, soa muito melhor, e não foi necessário aumentar o volume do clipe ou da faixa, por exemplo. Você pode notar até onde você pode ir fazendo design de som no Adobe Premier, porque na verdade o fazendo design de som no Adobe Premier, Adobe Premier fornece todas as ferramentas para criar um design de som, para criar um mix profissional, sem usar o Pro Tools ou mesmo que eu tenha outro curso relacionado ao design de som com foco em como usar profissionalmente Mas eu poderia dizer que é quase o mesmo processo. Tente se lembrar de tudo, das transições, dos equalizadores, da Você também deve levar em consideração que, quando se trata de mixagem de áudio na faixa final, na faixa geral, você também pode adicionar efeitos. Quero dizer, você pode adicionar compressores e equalizadores multibanda para criar esse Como um lembrete amigável, você também deve levar em consideração que, ao adicionar faixas, você pode adicionar quantas faixas de vídeo quiser e faixas de áudio que desejar Você pode selecionar o posicionamento desejado, a pista está localizada e também a configuração da pista. Se for mono, por exemplo, esse pequeno símbolo aparecerá na faixa mono É um alto-falante muito pequeno que você pode notar aqui. Se você estiver usando uma interface de áudio, o microfone será conectado a uma única linha, uma única linha de entrada. A faixa em que você deve gravar aquela voz ou onde quiser também deve ter uma faixa. Basta clicar no símbolo do microfone começar a gravar. Tão simples quanto isso. Não consigo gravar nada no momento porque o software está conectado a outro software para gravar a aula. Minha interface está conectada a isso, outro software. Portanto, não funciona no momento. Mas como você não vai gravar uma aula, poderá gravar a voz como quiser até o momento. Bom, eu recomendo fortemente que você faça outro curso de design de som porque eu realmente ensino sobre como masterizar uma mixagem de áudio. Estou falando sobre mixagem redonda de muitos assuntos relacionados ao design de som. Acima de tudo, sempre do ponto de vista de um cineasta, isso é o mais importante de tudo porque a maioria dos cursos relacionados ao design de som está relacionada à mixagem de som, e não ao processo criativo por trás da elaboração de um design de som Esta lição vai até aqui e até a próxima lição. 38. Design de som de uma cena Adicionando efeitos a clipes de áudio Compressores e equalizadoresDesign de som de uma cena: Perfeito. Depois de aprender sobre reverberação, quero ensinar como adicionar efeitos e transições ao efeitos e transições ao Porque não só poderemos adicionar efeitos às faixas como na última lição, mas também poderemos adicioná-los a cada um dos clipes que estamos usando Afinal, eles funcionam como videoclipes nos quais podemos adicionar efeitos Vou começar a explicar isso adicionando música a isso e a peculiaridade desse arquivo Ode que vou usar, que é na verdade a música que a cena tem originalmente, é que esse áudio contém não apenas a música, mas também o design de som original do curta-metragem Então, eu preciso extrair desse áudio apenas a parte em que a música soa sozinha, que é a parte em que vemos o personagem correndo da foto acima Mas como eu também tenho outro arquivo apenas com a música, vou mixá-lo com esse áudio para que somente a música soe até o fim. Porque nós já fizemos o som da cena aqui. Estou tentando juntar os dois clipes de ado no momento em que os sons da cena começam a tocar E, obviamente, tenho que combinar a mesma parte da música nos dois Audioclipes Aqui estamos quase igualando os dois clipes de áudio Mas, obviamente, não é perfeito. Quer dizer, é perceptível que há um corte e devemos excluir esse corte. Devemos suavizar a transição entre um clipe e outro usando isso. Como já sabemos, vamos para a pasta Premier Effects. Aqui, poderemos adicionar ao Audioclip os mesmos efeitos que podemos adicionar às faixas Será exatamente o mesmo de quando adicionamos um efeito a um videoclipe. Por exemplo, aqui existem redutores de ruído que são muito úteis para limpar as vozes Você também pode adicionar um compressor às vozes. Eles soam mais claramente no resto da mixagem. Na verdade, há um muito útil nessa pasta, que é o compressor de banda única, que funciona exatamente para isso. Também existem equalizadores que também são muito úteis, mas o que precisamos agora são transições de áudio Nesta pasta, encontraremos três tipos de transições, poder de jogo e exponencial na realidade, mais do que um problema técnico Para escolher o certo, basta ouvi-lo. E ouça qual deles soa mais parecido com o que você precisa. Vou escolher a transição do jogo. Eu uso o selecionado e o arrasto até a junção dos dois clipes Isso me permite suavizar essa mudança de um clipe para outro, para que você não perceba o corte que fizemos. Agora parece que a música original completa sem os sons da cena. Vou mexer um pouco na música porque quando essa parte baixa toca na música, o personagem deve estar voltado para frente. Agora preste atenção em como tudo soa junto. Vou ativar o som do resto da cena para ouvi-la Junto com a música e sentindo a magia, podemos aumentar o ganho da música em geral. Acho que exagero um pouco. Vou diminuí-lo um pouco. Perfeito. Agora podemos adicionar um compressor e um equalizador à voz Refiro-me ao desempenho para melhorar seu som. Na verdade, poderíamos adicionar isso diretamente à faixa em que a voz está tocando. Mas eu quero te mostrar diretamente no clipe. Vamos até a pasta de efeitos de áudio e procuramos o compressor de banda única. Nós o selecionamos e o arrastamos para o clipe de áudio de voz. Agora, quando você clicar no clipe de áudio, ele aparecerá no controle de efeitos aqui. Poderemos modificar seus parâmetros. Em seguida, clicamos em Editar e o painel de parâmetros do compressor é aberto. Preste atenção a esse detalhe importante. Eu quase esqueço isso. Observe que aqui em cima, os parâmetros de volume e panorâmica têm o relógio de automação ativado, justamente porque modificamos a linha de automação nos clipes Quer dizer, eu te digo isso, que você pode ver que funciona da mesma forma que com videoclipes Então, voltando ao compressor aqui nesta pequena aba. Devemos selecionar a predefinição que o compressor terá. Nesse caso, vamos selecionar a narração. Ouça como a voz do personagem soa agora com mais presença. Mas podemos até melhorar a voz com um equalizador. Podemos adicionar um equalizador de 20 bandas. Você deve sempre prestar atenção ao equalizador que sempre vai antes do compressor Isso deve ser assim porque o compressor deve funcionar nas frequências que vamos reforçar com o equalizador Nós o adicionamos e clicamos e editamos. E devemos aumentar as frequências onde a voz está tocando. Por exemplo, essa lacuna, 1000-5 mil dela. Geralmente é onde essas vozes soam. Você ouve como a voz soa. Agora, com mais clareza e presença, não estou aumentando o volume da voz, apenas melhorando sua equalização Basicamente, é disso que trata fazer um design de som. A mesma coisa que fiz na voz, por exemplo, você pode fazer na faixa de saída geral no console de mixagem. Quer dizer, você pode adicionar um equalizador e, por exemplo, um compressor multibanda para dar mais volume a todo o Por outro lado, lembre-se, bem, que você pode baixar um som da Internet e criar um design de som totalmente profissional sem nenhum problema. Além disso, lembre-se da questão das transições que, na verdade, você precisará usá-las muito, especialmente com vozes Por outro lado, existe outra ferramenta muito útil e importante quando se trata de design de som, que é que você pode gravar diretamente na linha do tempo, gravar áudio se for para a sequência. Em seguida, adicione a faixa. E então você adiciona uma faixa mono, por exemplo, na verdade, aqui neste painel, você também pode adicionar uma faixa de vídeo ou uma faixa de áudio de qualquer natureza Quer dizer, se você quiser que seja estéreo ou mono, se adicionarmos uma faixa mono, poderemos gravar o que entra pela linha de entrada em que o microfone está conectado à sua interface, caso conectado à sua interface, caso você esteja usando uma interface de áudio, é claro Então, esse pequeno ponto branco que você vê aqui é o que identifica as faixas mono na linha do tempo E essas faixas mono são onde você deve gravar quando estiver usando um microfone com a interface Isso é ótimo porque não precisamos nenhum software de edição de áudio para gravar nada. De qualquer forma, você deve gravar nas faixas mono porque a entrada de áudio também é mono Se você fizesse isso na faixa estéreo, seria gravado mal em um lado Quero dizer, não faria sentido. Basta pressionar este pequeno microfone que está aqui e o software começará a gravar imediatamente. Neste momento, posso gravar qualquer coisa porque tudo está conectado ao software que me permite gravar a aula. Mas isso não é muito complicado. Basta pressionar aqui e ele gravará. Bem, acho que o mais importante é que você perca o medo de editar áudio. Não se limite. Não é tão complicado quanto parece. Apenas experimente. Isso é muito útil para vídeos no Youtube e, obviamente, para criar projetos de ficção, curtas-metragens, filmes etc Mas acho que hoje é útil para tudo, inclusive para alguns vídeos documentais. Você pode melhorar o áudio usando todo esse procedimento. Não esqueça aquele detalhe importante dos reverbs que funcionam muito bem para criar paisagens sonoras Bem, essa lição vai até aqui e até a próxima. 39. FINALIZAÇÃO: Bem, este curso de edição de vídeo vem por aí. O mais importante é que eu vou atualizá-lo eventualmente com lições de moral, especialmente no que diz respeito à compreensão da linguagem cinematográfica Eu acredito que isso é essencial para nos tornarmos melhores editores, cineastas e melhores cinegrafistas Então, coloque tudo em prática. Como eu disse, consuma arte de qualidade, desenvolva sua própria sensibilidade às imagens em movimento e também à dimensão do som. Bem, se você gosta desse curso, pode me deixar um comentário, pois ele vai me ajudar muito a criar cursos ainda melhores do que este, até a próxima vez.