Teoria do design gráfico: processo de design

1. Introdução: A maioria das pessoas pensa no processo criativo como atividade artística estranha que não tem estrutura e não segue regras. No entanto, isso não pode estar mais longe da verdade. O processo criativo depende planejamento cuidadoso, pesquisa, ideação e muitos outros estágios, todos essenciais para a produção de designs de sucesso Neste curso, vamos nos aprofundar em todas essas etapas e aprender sobre cada etapa envolvida, desde a definição do resumo até a entrega final de um projeto. Sobre a importância de um contrato de design, por que você deve sempre apresentar vários conceitos ao seu cliente, como organizar seus projetos criativos, como montar um portfólio incrível, como vencer competições de design e muito mais. Ao final deste curso, você estará pronto para assumir qualquer projeto criativo com confiança. Junto com o empolgante projeto de aula que espero que você conclua no final do curso, você também tem a planilha de análise e o glossário de termos para ajudá-lo a praticar tudo o que aprendeu Espero que você esteja tão empolgado quanto eu para começar e mergulhar no mar de conhecimento e nos belos exemplos de design gráfico. 2. O processo criativo: Qualquer um pode ser criativo. Não é uma habilidade ou talento. É mais como uma mentalidade ou forma de pensar. E o processo criativo pode soar como um termo estranho para alguns, pode até parecer contraditório. Porque, por um lado, a criatividade é algo que geralmente está associado ao pensamento livre e ao surgimento de novas ideias. Embora o processo de palavras normalmente usamos para coisas que podem ser automatizadas, repetidas e feitas da mesma maneira todas as vezes. Então, como esses dois aspectos podem ser mesclados juntos? O pensamento livre e a forma rígida e estruturada de trabalhar. Isso é o que vou explorar mais detalhes neste vídeo. E, claro, essa é a base de todo o processo de design porque criatividade ou o pensamento criativo são essenciais para todos os designers gráficos. Então lembre-se que mencionei que não gosto de pensar na criatividade como uma habilidade. No entanto, se estivermos pensando outras habilidades igualmente importantes à criatividade, então seria comunicação, gerenciamento de tempo, tecnologia ou habilidades técnicas e tipografia. E de tudo isso, criatividade é definitivamente a mais difícil de explicar e a mais fácil ter dúvidas sobre se alguém é criativo o suficiente para ser um designer gráfico. Essa ilustração também, minha maneira favorita de pensar em criatividade. Então, por um lado, temos conhecimento e isso é algo que aprendemos ou entendemos. Mas, para poder usar esse conhecimento, também precisamos de experiência. E isso é basicamente com que frequência ou quantas vezes a reutilização de um determinado conhecimento em ação ou para colocá-lo em um projeto ou algo em que estamos trabalhando. Então, é quando os pontos já estão se conectando e entre diferentes soluções ou idéias, já começamos a formar relações e começamos a criar formas práticas de usar nossos conhecimento cientificamente. Isso é algo que é chamado de vias neurais. Passos ou ações comumente usados tornam-se segunda natureza e quase podemos fazê-lo sem pensar. Mas por que essas rotinas são bastante estruturadas e rígidas para criar ideias ou soluções criativas, temos que pensar fora da caixa. E isso é novamente, outro termo que é muito comumente usado, mas é realmente bem explicado com essa ilustração simples aqui, onde em vez de conectar esses pontos com aqueles lineares rígidos linhas, olhamos além da solução óbvia e criamos algo original e único. Há outra maneira muito comum e conhecida de dividir o processo criativo em quatro etapas, que é semelhante à forma anterior de explicar como ele funciona. Assim, podemos pensar na fase de preparação como o conhecimento. Então, pode ser algo já estamos familiarizados. Talvez tenhamos feito pesquisas no passado ou talvez tenhamos lido sobre algo em que precisamos trabalhar. Mas também pode ser um tópico que ainda é novo para nós, o que significa que temos que sair e fazer pesquisas de mercado ou temos que reunir alguma inspiração antes que possamos começar a processar esse conhecimento, que pode ser referido como o estágio de incubação. É quando digerimos informações e tentamos estabelecer conexões de relações entre várias ideias e, dependendo da complexidade de um projeto criativo, esses dois primeiros estágios podem demora até algumas horas, alguns dias ou até alguns meses. Mas o momento real em que estamos começando a criar ideias criativas e obtemos esses pequenos momentos de lâmpada é o que nos referimos como palco de iluminação. Então é aqui que todo o trabalho árduo que colocamos inicialmente nos dois primeiros estágios começa a se concretizar. Agora, acredite, é muito raro alguém conseguir encontrar algo original e criativo sem gastar mais tempo nessas duas primeiras etapas, preparação e incubação. Especialmente quando, como designer gráfico, recebemos um resumo específico que temos que responder com uma solução criativa. É sempre mais fácil pensar fora da caixa onde na verdade não há livros. Por exemplo, se você está trabalhando em um projeto pessoal e não há um resumo real que você está tentando responder, claro que é muito mais fácil de ser criativo em comparação com quando você está trabalhando para um cliente real. Em seguida, nós realmente breve. Mas há uma última etapa muito importante do processo criativo e isso é a verificação, o que significa que precisamos verificar e testar se a ideia ou solução que criamos é realmente indo para o trabalho. Então isso pode ser feito através de testes de usuários, perguntando às pessoas ao nosso redor, apresentando ao cliente, é claro, e caso estivéssemos certos e ideias parecem estar funcionando, então tudo o que temos que fazer é refinar com base no feedback que recebemos. Mas, no caso desta fase de verificação, descobrimos que realmente estávamos errados e o conceito que surgiu não está funcionando por algum motivo, então normalmente teremos que voltar para o estágio de incubação. E pense em outros conceitos ou nestes que podemos resolver o breve. O pior cenário é quando temos que começar do zero, onde realmente descobrimos que até mesmo a preparação ou a pesquisa que fizemos não está certa ou não está completa. E é muito importante entender que o processo criativo raramente é limpo e linear assim. Normalmente, há muitas coisas indo e voltando entre esses estágios, o que não significa que você não seja bom em design gráfico. Pelo contrário, significa que você se preocupa com o que está projetando e o que seu cliente receberá de você no final, ser capaz de aceitar que você está errado é uma parte crucial do o processo criativo e é uma habilidade crucial para todos os profissionais criativos. Essa também é outra maneira brilhante de pensar sobre o processo criativo com o qual começamos. Uma bagunça caótica que através da iteração e várias tentativas após sentimento se torna mais clara, mais clara , cada vez mais próxima do que realmente vai resolver o breve. E eu adoro essa citação da incrível participação de Paula do pentagrama é através de erros que você realmente pode crescer. Acreditei em mim, ela não é a única pessoa criativa que diz algo semelhante a isso. Você pode encontrar códigos semelhantes de outros gênios criativos como Steve Jobs ou um Salvador Dali. Mas outro que eu particularmente gosto é de Pablo Picasso, que disse que a Inspiração existe, mas tem que achar você trabalhando e trabalhando duro é apenas outra maneira de dizer que você está comprometido e você não se importa de voltar para a prancheta e reiniciar se precisar ou aceitar que algo que você teve um pensamento inicial é uma ideia brilhante, na verdade não funciona. Embora esse diagrama seja mais uma piada, ele realmente mostra um elemento muito importante de cada projeto criativo. E esse é o prazo. Agora, sem o prazo ou sem alguma forma de pressão, é muito difícil conseguir algo ou produzir um produto final. Portanto, mesmo que ser responsável possa parecer restritivo, e pode parecer que isso pode dificultar nosso processo criativo. Na verdade, é um fator crucial ou elemento disso quando você tem total liberdade criativa e você não tem restrições, provavelmente você ficará preso neste limbo onde nada realmente está sendo feito. Aqui está outra ótima ilustração de Stephanie positiva, por exemplo, que mostra muito bem que, para ter uma ótima ideia, primeiro temos que passar por muitas ideias ruins e algumas das quais podem nem ser ideias ruins, e talvez até sejamos capazes de usá-las em outros projetos. No entanto, eles simplesmente não funcionam para esse resumo em particular em que estamos trabalhando. Então, para resumir e recapitular o que passamos neste vídeo, qualquer um pode ser criativo que esteja disposto a colocar o trabalho extra em um projeto e que não tenha medo de cometer erros. Agora que deixamos isso claro no próximo vídeo, podemos falar sobre os quatro tipos de criatividade e como usamos nosso cérebro para ser criativo. 3. Quatro tipos de criatividade: Ele deve ter ouvido falar da diferenciação entre o lado esquerdo e o lado direito do cérebro, e que usamos o lado esquerdo do nosso cérebro para pensar mais sistemático e ser mais analítico. Enquanto o lado direito do nosso cérebro é responsável por um pensamento mais intuitivo e visual, o que é claro é muito importante para ser criativo. Agora, mesmo que isso seja uma simplificação excessiva de um sistema neurológico muito complexo, nosso cérebro. Ainda gosto de falar sobre isso porque sinto que simboliza perfeitamente o que explica os dois tipos de mentalidade em que cada criativo tem que ser capaz de trabalhar. Então, para ser um designer gráfico, você terá que usar ambos os lados do seu cérebro praticamente igualmente. Você não pode confiar puramente do lado direito ou do lado criativo. Então é isso que normalmente associaríamos a artistas e músicos. E o lado esquerdo do cérebro geralmente associado a profissões como engenheiros ou médicos designer gráfico ou designers em geral, terá que ser capaz de alternar entre esses dois mentalidades constantemente. Lembre-se que chamamos isso de processo de design ou processo criativo. E para qualquer processo você precisa ser sistemático e naturalmente para poder produzir um bom trabalho, você sempre precisa ser também orientado para detalhes. Mais tarde, neste curso, quando falamos de ideação, exploraremos algumas técnicas que você pode usar para poder alternar entre esses dois estados mentais, a fim de ser capaz de passar de um pensamento sistemático para ser mais brincalhão, quase como uma criança, e ser capaz de transformar suas ideias intuitivas em soluções mais racionais. Mais uma vez, isso funcionará para um breve específico. Mas vamos mergulhar um pouco mais fundo. Em vez de apenas pensar nos dois lados diferentes do cérebro, há um diagrama criado pelo truque de P&D que mostra os quatro tipos de criatividade. Isso é do trabalho dela chamado neurociência da criatividade. E, por um lado, temos a diferenciação entre modo espontâneo ou deliberado de pensar ou criatividade. E, por outro lado, temos um modo de pensar cognitivo ou emocional. E ao combiná-los, obtemos os quatro tipos de criatividade. Mas é importante mencionar que, como designer gráfico, você não vai se enquadrar em nenhuma dessas categorias. Em vez disso, você estará mudando e alternando entre eles, dependendo do que funciona melhor para nosso projeto ou qual maneira específica de pensar irá ajudá-lo a passar por um bloco criativo ou alcançar um objetivo específico em seu projeto. Então, primeiro vamos falar sobre criatividade cognitiva e deliberada para qual um exemplo perfeito é Thomas Edison. Mas podemos pensar em muitos outros cientistas e engenheiros também. E esta é uma forma de criatividade em que confiamos mais no pensamento real e na formação de conexões entre informações ou conhecimentos armazenados em nosso cérebro. O oposto completo desse estado mental é a criatividade espontânea e emocional, que utiliza principalmente a parte do cérebro chamada amígdala que é realmente responsável pelo básico ou núcleo emoções. Portanto, esse é o tipo de criatividade mais intuitivo ou brincalhão. Mas também temos um tipo de criatividade espontânea e cognitiva, que ainda requer algum conhecimento do assunto. Mas a solução geralmente vem até você quando você não está pensando nisso. E, finalmente, temos também o tipo de criatividade deliberada e emocional, que depende principalmente de momentos inovadores ou percebemos através da análise de nossas emoções. E isso é algo que pode ser desencadeado geralmente durante a psicoterapia ou mesmo durante a meditação. Então, a razão pela qual é importante entender que existem diferentes maneiras de ser criativo. Porque, como designer gráfico, você terá que ser capaz de utilizar todas essas maneiras diferentes de ser criativo, dependendo do que for funcionar melhor para um projeto específico. E aqui está uma ótima ilustração que mostra sempre que você atinge um bloco criativo, então basicamente você está preso e novas ideias estão chegando. O que você pode fazer para sair dessa rotina e começar novamente e continuar seu trabalho. E às vezes a solução mais simples é simplesmente parar de trabalhar, ir embora, tomar um café, ler o livro, sair, ouvir música ou até assistir a um filme ou jogar um jogo. E enquanto agora você está se concentrando em uma solução, ela pode simplesmente chegar até você. Ou talvez quando você voltar ao seu trabalho, você terá novos olhos e poderá pensar com mais clareza e criar novas soluções ou idéias únicas. Da mesma forma que cometem erros, blocos criativos também fazem parte do processo. Portanto, não é algo que você precisa evitar. Na verdade, é algo que você deve passar por quase em todos os projetos. E, na verdade, é mais comumente causado pelo medo da imperfeição ou pelo sentimento de que você não é bom o suficiente para ver através de uma ideia. Infelizmente, a maioria dos criativos são perfeccionistas. É por isso que é tão comum atingirmos esses blocos criativos. Mas, desde que você aceite que faz parte do processo, você não terá que temer isso. E há outra citação do comediante John Cleves que eu amo, o que novamente explica muito bem que às vezes as ideias estão saindo do nada e temos que prestar atenção e abrir espaço para que eles venham até nós. Então ele diz, a inspiração vem até nós como imagens, sugestões e sentimentos do inconsciente que temos que interpretar. O inconsciente é altamente inteligente, mas está inconsciente, então temos um controle limitado sobre ele. E essa é apenas outra forma de explicar o quão complexa é a criatividade. Então, por um lado, é intuitivo, brincalhão, inconsciente, mas dedicando tempo para ele e estabelecendo um espaço onde ele possa chegar até nós. Podemos ganhar alguma forma de controle sobre isso. 4. Ferramentas de trabalho: Neste tópico, o processo de design, na verdade não vamos nos concentrar muito no estágio de design. Isso é algo que abordamos mais em outros tópicos, como o design de impressão e o design web e digital, onde entramos em mais detalhes sobre os vários tipos de projetos nos quais você pode trabalhar como gráfico designer. Como o tipo de trabalho que você faz durante o estágio de design realmente varia dependendo do tipo de projeto em que você está trabalhando. Seja um design de logotipo, um pôster ou um aplicativo móvel. Mas o que é comum para a maioria desses tipos de projetos são as ferramentas que você usará. E como sou instrutor da Adobe, começando com os aplicativos criativos, agora, embora existam muitas opções, vou me concentrar na Adobe Creative Cloud porque isso é o software profissional mais utilizado que você precisará aprender sempre que estiver se candidatando a trabalhos criativos. E, sem dúvida, de todas as ferramentas da Adobe. Os três mais importantes serão Photoshop, Illustrator e InDesign. E caso você esteja se especializando em design digital e web , você também precisa adicionar o Adobe XD à lista. Agora, uma pergunta muito comum que maioria dos alunos aprendem design gráfico ou começando é, qual é a ferramenta na qual eles deveriam passar mais tempo, ou qual é a que eles devem estar gastando mais tempo, ou qual é a que eles devem aprenda o melhor, seja Photoshop, Illustrator ou InDesign. E eu costumo dar a eles uma resposta que eles não gostam particularmente, porque na minha opinião, eles são igualmente importantes. Portanto, não deve haver um aplicativo que você favorece em detrimento dos outros. Porque todos eles têm um papel muito importante a desempenhar dentro do fluxo de trabalho de design gráfico. E você deve estar pensando neles mais como uma equipe ou como uma equipe funcionaria bem, quando todos tiverem a chance incorporar suas ideias ou habilidades, em vez de favorecer uma pessoa em particular e ignore os outros. Dito isto, quando começamos a falar sobre especialização em design gráfico, essas aplicações podem se tornar a principal ferramenta para um profissional criativo. Como por exemplo, o Illustrator claramente será a principal ferramenta usada por ilustradores e designers de logotipos. Mas é um pedágio não recomendado para criar documentos de várias páginas ou composições fotorrealistas. Então, mesmo que você seja um ilustrador, você tem que fazer esse tipo de coisa. Você precisará ser capaz de usar o InDesign e também photoshop de forma eficaz. Agora, todos esses são aplicativos robustos e há tantos recursos neles. Mas a boa notícia é que, uma vez que você aprende um deles, os outros geralmente são mais fáceis de pegar porque há muitas semelhanças entre eles. E desde a introdução da integração da Creative Cloud entre esses aplicativos também está vez melhor a cada ano, que torna as linhas de criativos muito mais fáceis. Por um lado, uma técnica que você aprendeu no meu aplicativo provavelmente funcionará de forma muito semelhante nas outras ferramentas. Mas, o mais importante, usando recursos compartilhados como bibliotecas da CC, você também poderá compartilhar ativos e reutilizá-los em todos esses aplicativos. Por exemplo, você pode criar uma paleta de cores e alguns estilos de caracteres e parágrafos para formatar textos que você poderá acessar do Photoshop, Illustrator e InDesign. E se você fizer alterações em um lugar, isso também afetará o outro design excretado nas outras ferramentas. Agora, embora neste curso estejamos usando essas ferramentas para exercícios criativos, não as estamos cobrindo para iniciantes. E caso você seja completamente novo neles, eu recomendo ver minha série masterclass, que sempre começará no básico, como criar um novo documento. Mas, no final, você definitivamente dominará essas ferramentas e também entenderá melhor seu papel dentro do fluxo de trabalho criativo. Além dos aplicativos de design, também é importante falar um pouco sobre os dispositivos e o espaço de trabalho, vez que estes também são essenciais para todos os designers gráficos e profissionais criativos em geral. Ao olhar para essas fotos, você pode estar pensando que realmente custa muito ser um designer gráfico, especialmente se você é um freelancer que precisa investir muito comprando ou este kit. Mas o que eu sempre digo é mesmo que seja ótimo trabalhar com essas ferramentas incríveis, que é muito mais importante ser apaixonado, comprometido e ansioso para aprender novas técnicas e depois possui o melhor e mais caro equipamento, você pode fazer um ótimo trabalho e ser um designer incrível por ter um laptop barato. Embora você não esteja disposto a se esforçar aprender e trabalhar em projetos criativos. Com vários monitores calibrados por cores e um computador incrível, um iPad Pro por aí não fará diferença. Portanto, não se sinta desanimado se você ainda não puder com o melhor garoto lá fora. Mas, a longo prazo, certamente é uma boa ideia investir na obtenção equipamentos melhores, porque definitivamente vai ajudá-lo a ser mais produtivo e eficaz em seu trabalho. Agora, o que está por vir entre a maioria dessas imagens é que existem várias telas e isso certamente é uma boa ideia. Você pode ver no meu estúdio, eu realmente tenho três estações de trabalho. Um que eu uso para design gráfico e edição de vídeo, onde tenho um iMac Pro conectado a outro banco que você monitora para ilustração e trabalho digital. Tenho uma sintaxe vaga, novamente com outra tela de referência, que é outro banco que você monitora. E para trabalhos de fotografia onde eu uso principalmente o Lightroom, eu teria meu laptop conectado a outro monitor calibrado por cores. design gráfico em série é muito visual. Ter várias telas grandes facilitará seu trabalho. E realmente se resume à experimentação e à preferência pessoal, qualquer configuração funciona melhor para você. Mesmo desenhando e ilustrando há mais de 15 anos, ainda brinco com minha configuração. Por exemplo, você pode ver por algum tempo que eu estava usando minha tela secundária, o monitor de referência definido no formato retrato ou vertical em vez do formato horizontal padrão ou padrão. Porque isso funciona muito bem com o ângulo de visão enquanto eu estava em pé. Isso é realmente algo que eu também recomendo. Se você conseguir uma mesa com altura ajustável, poderá escolher se quer trabalhar em pé ou sentado. Na verdade, isso vai ajudar você a melhorar sua postura e ser mais saudável. Mas ao alternar entre ficar de pé e sentar, você também desencadeará diferentes maneiras de pensar. Então lembre-se quando falamos sobre criatividade e os diferentes estados do pensamento criativo, simplesmente mudando sua postura. Então, comparado ao trabalho sentado ou em pé, você verá que eles realmente fazem a diferença criar ideias novas e novas se cercam de inspiração e referências onde a taxa é seus próprios projetos ou o trabalho de outros artistas e designers gráficos também é uma ótima maneira manter criativo e se concentrar nos projetos em que você está trabalhando. 5. Brief criativo (parte 1): Todos os projetos criativos devem sempre começar com um breve. Esta será a Bíblia ou as diretrizes ao longo de todo o projeto. E isso é algo que você precisa continuar voltando sem um bom resumo para começar, você não será capaz de alcançar um design bem-sucedido. Mesmo quando você é solicitado por um amigo seu para talvez projetar um logotipo ou você está trabalhando em um projeto auto-iniciado que você está apenas fazendo para praticar uma determinada técnica, você ainda deve sempre escrever um breve para você ou peça ao seu amigo que lhe forneça um breve. Isso ajudará você a definir qual é o resultado real que você precisa alcançar, que consiste nos resultados. Então, que tipo de arquivos serão necessários no final e onde esse design será exibido ou usado? Mas, o mais importante, ele precisa definir a necessidade que você, como designer, está prestes a responder com seu trabalho. E essa necessidade pode ser tão simples quanto o design de um cartão de convite de casamento para um de seus amigos. Ou tão complexo quanto o rebranding completo de uma enorme empresa internacional. Como eu disse, o tamanho ou a complexidade de um projeto de design não faz diferença. Você sempre deve começar com um breve. E o que você deve sempre lembrar é que um bom resumo é responsabilidade do cliente e do designer. E acredite em mim, se você está trabalhando como designer freelance ou em uma agência, sempre que você for abordado por um novo cliente, você sempre precisa conhecê-los primeiro e entender como eles gostam para informá-lo. Há clientes que são extremamente bons nisso e têm muita experiência trabalhando com criativos e explicando o que eles precisam, por que com outros clientes, você terá que empurrar duro e extrair essas informações que você precisa para começar. Acredite em mim, que na verdade é muito comum que os clientes não saibam o que querem, mas eles podem explicar por que precisam disso. E é por isso que é uma boa ideia ter seu próprio modelo de design criativo que você sempre pode enviar ao cliente no início, em vez de confiar em um tópico de e-mail interminável. Aqui, tudo deve ser gravado corretamente no início. E isso vai poupar muito tempo e fazer perguntas mais tarde quando será muito mais difícil fazer alterações no trabalho que você já começou. O resumo deve sempre começar com algumas informações sobre a empresa e os detalhes de contato da parte interessada com a qual você trabalhará e quem geralmente será seu contato principal ao longo do processo, é muito importante ter uma descrição da empresa e também dos pontos de venda exclusivos. Então, por que essa empresa é diferente? O que o torna único? Mas além de conhecer o negócio para o qual você vai trabalhar, é quase tão importante entender quem está lá competição e quem é o público que tem como alvo público que esse design é criado para? O objetivo ou objetivo de um projeto deve sempre ser muito proeminente. É uma das primeiras coisas que você precisa definir. E eu gosto de manter essa área curta para que você não queira que o cliente continue sobre o que eles querem alcançar. Eles precisam ser capazes de simplificar em uma ou duas frases qual é o objetivo real. Uma boa ideia para definir a maior parte do tempo no início, os prazos ou a linha do tempo, e também o orçamento disponível para este projeto em particular. Eu não vou falar sobre quanto você deve cobrar como freelancer porque ele realmente varia dependendo onde você está baseado e também, é claro, quão experiente você é. E, em geral, isso realmente varia também dependendo do escopo e do tipo de projeto em que você está trabalhando. Mas não importa quanto você esteja esperando cobrar por um projeto ou quanto o cliente esteja disposto a pagar. É sempre uma boa ideia definir isso no início e tê-lo de forma escrita. Assim, você pode se salvar de muita dor de cabeça e mal-entendidos seguindo em frente. Caso você seja freelancer, é sempre uma boa ideia cobrar algo adiantado. Portanto, o cliente precisa pagar talvez 50% do projeto antes que o trabalho possa começar, e então o restante da taxa pode ser pago no final uma vez que você a entregar, tudo o que foi definido no breve. Claro, pode ser um tópico muito sensível aumentar o orçamento logo no início quando você está apenas conhecendo um novo cliente, ou se você está apenas começando e você tem tanta experiência ainda como designer, mas a menos que você esteja disposto a trabalhar de graça, você ainda deve fazer essa pergunta e concordar com uma quantia que o manterá motivado trabalhar neste projeto. Aconteceu comigo muitas vezes, especialmente quando comecei que são cobrados para menos. E no final, eu temia trabalhar nesses projetos porque eu simplesmente não me sentia compensado o suficiente por todo o trabalho duro que estou colocando neles. A menos que você possa concordar com um orçamento com o qual esteja feliz, você não deve aceitar o projeto e rejeitá-lo respeitosamente. E mesmo que seja uma sensação horrível de deixar uma oportunidade ou um cliente ir, vai ajudá-lo a manter sua sanidade a longo prazo porque você, como designer , se sente valorizado e isso seu trabalho é valorizado por seus clientes. 6. Brief criativo (parte 2): Outra forma de se referir ao objetivo ou objetivo de um projeto é o escopo de um projeto. Então, essa também é uma boa maneira de colocá-lo em seu modelo. E você também pode ter ouvido o termo fluência do escopo, que é o que geralmente é referido na indústria criativa quando um projeto continua em andamento, porque novos objetivos são continuamente adicionados e até mesmo os objetivos originais estão sendo alterados para vai-e-vem. Essa é uma situação de pesadelo e você realmente quer evitar estar nessa posição quando você está preso em um projeto e simplesmente não há fim à vista. É novamente por isso que é tão importante ter um resumo escrito como este, onde o escopo é muito especificamente definido e se o cliente decidir adicionar a esse crânio original, você sempre pode ser flexível, mas eles acham isso como um projeto separado ou como o segundo estágio do seu projeto atual, mas com sua própria linha do tempo e orçamento como regra geral que você deve ter em mente. E a maneira como você deve agir como um profissional criativo é que seja o que for definido no escopo e nas entregas, você deve sempre ter como objetivo superá-lo. Então, sob promessa e sobreentrega, se você conseguir fazer isso, mesmo que o cliente esteja planejando trabalhar com você em um único projeto, provavelmente eles vão voltar para você em o futuro. E eles podem até recomendar você como designer para outras empresas, além da parte escrita do breve modelo que você cria, dependendo do tipo de projetos que você está assumindo. Você também pode incluir alguns visuais como este, o que é particularmente útil para branding e design de identidade. O cliente poderá definir e escolher entre os diferentes atributos que neste caso são exibidos como opostos diretos um do outro. Então, por exemplo, em uma escala entre o moderno e o clássico, eles podem dizer exatamente onde desejam definir sua marca. Se eles acreditam que é mais moderno, eles podem dizer que talvez esteja em algum lugar por lá ou talvez possa ser todo o caminho para o lado esquerdo, que significa que eles definitivamente não querem fazer com que pareça é um design clássico. Eles querem mantê-lo completamente moderno. E além de enviar seu breve modelo para os clientes como PDF, você também pode confiar em formas mais interativas e online de coletar as informações. E há muitas ferramentas como Ola brief, que podem ajudá-lo a fazer isso. Portanto, esta é uma ferramenta online brilhante com a qual você pode coletar as informações do cliente. E pode ser uma experiência muito mais divertida para eles passarem por todas as perguntas que você está fazendo. Assim, da mesma forma que quando o cliente pode escolher entre os opostos dos atributos, eles poderão definir a personalidade da marca selecionando imagens e explicações simples, ou mesmo usando escalas sobre como algo é importante para eles. E a maioria dessas ferramentas on-line será muito fácil e rápida de configurar. E então você pode salvar tudo como seu modelo personalizado que estará pronto sempre que você iniciar um novo projeto. Agora, se você conheceu o cliente cara a cara e anotou o resumo sozinho ou se você usa o PDF ou uma ferramenta on-line, é sempre bom juntos todas as informações que eles forneceram e transformar o em algo que é um pouco mais visual como este resumo de design gráfico de amostra sobre melanoma, onde esse modelo escrito original é transformado em algo muito mais visual e algo que é mais fácil de se referir ao longo do processo de design. Assim, você pode ver que temos esta primeira seção sobre o cliente e a pessoa-chave, nosso contato. Então, um pouco sobre as personalidades da marca e da marca e as principais cores que eles querem usar para sua marca. O principal objetivo ou escopo deste projeto e, em seguida, o público-alvo. E algumas referências, talvez de outras marcas ou concorrentes que o cliente mencionou como bons exemplos para o que eles gostariam de alcançar, não importa em que formato você prefira manter seu resumo, mas lembre-se de mantê-lo sempre à sua frente enquanto estiver trabalhando no projeto, porque é tão fácil esquecer ou ignorar certos aspectos que mais tarde você descobrirá que realmente era muito importante para o cliente. Acredite, não há nada pior quando um cliente pediu claramente algo no resumo que você esqueceu de incluir em sua apresentação final. Então lembre-se dessas duas coisas muito bem. Comece sempre o projeto criativo com um resumo criativo bem definido. Esta será sua diretriz ao longo de todo o projeto. E não se esqueça de mantê-lo sempre à mão na sua frente. Então você nunca perderá nenhum aspecto disso enquanto estiver trabalhando. 7. Contrato: O resumo criativo sempre deve andar quase de mãos dadas com um contrato. Agora, mesmo que você não estivesse planejando se tornar um advogado quando decidiu ser um profissional criativo, você ainda deve ter um bom modelo de contrato novamente à mão que você possa usar sempre que começar com um novo cliente. E é especialmente importante com novos clientes. No entanto, mesmo quando você trabalha com um cliente por um tempo, você ainda não deve concordar em trabalhar em nada, a menos que haja pelo menos uma versão simplificada de um contrato assinado por ambas as partes. Agora, para facilitar as coisas, eu incluí um contrato de amostra aqui que eu realmente baixei da Smashing Magazine. Acredito que este é um bom ponto de partida. No entanto, se você deseja usar modelos de contrato mais complexos, você também pode encontrar o formulário padrão AIGA de acordo para serviços de design PDF, que provavelmente é um dos mais detalhados que você pode usar como designer. Mas na maioria dos casos, gosto de manter o contrato o direto e simples possível. Então, vamos examinar rapidamente quais são as coisas mais importantes que devem ser incluídas. Obviamente, o pagamento, os termos e o valor devem ser definidos e é igualmente importante concordar com o que acontece se o cliente estiver pedindo alterações. Portanto, neste contrato de amostra, diz que o cliente deve assumir que todas as adições, alterações, alterações no conteúdo, layout ou alterações de processo solicitadas pelo cliente alterarão o tempo e o custo. Isso é principalmente, novamente, para evitar a fluência do escopo que falamos no vídeo anterior. Da mesma forma que as mudanças é tão importante para definir o que acontece em termos de cancelamento. Então, mais uma vez, você tem que concordar com os termos e o que acontece se o cliente cancelar a metade do projeto e você já tiver feito vários dias ou talvez até semanas de trabalho. E outro aspecto muito importante a ser concordado é a propriedade da obra de arte produzida. E neste contrato, afirma que o designer mantém a propriedade de todas as obras de arte originais e que, se transferência de propriedade de todos os escritores desejar, as taxas podem ser aumentadas. Então, uma coisa a ter em mente e é uma boa prática é que você sempre deve manter seu arquivo de trabalho ou arquivos de projeto e não distribuí-lo ao cliente, a menos que eles peçam isso no início. Mas nesse caso, devemos sempre cobrar mais porque, uma vez que eles tenham os arquivos de trabalho, isso significa que eles não precisarão confiar em você para fazer alterações no futuro, especialmente no caso de terem um designer interno ou equipe de design que poderá fazer essas alterações. Portanto, sempre deve haver uma clara diferenciação entre a arte que está pronta para impressão ou web e os arquivos de trabalho originais. Mas falaremos um pouco mais sobre isso mais tarde neste curso. Então, definiremos mais o que conta como um arquivo de trabalho e como você deve lidar com eles quando se trata da fase final de entrega do processo de projeto. Mas voltando à questão da propriedade da obra de arte no contrato, você realmente precisa pensar nisso como a propriedade intelectual que você cria durante todo o processo e como você lidar com isso ou entregue ao cliente. E para simplificar as coisas, geralmente se resume a essas quatro opções. Atribuição completa, o que significa que você entrega toda a propriedade intelectual. Assim, o cliente tem direitos exclusivos sobre o design com total liberdade para modificá-lo e fazer alterações no futuro. Esta é, obviamente, a opção mais favorável para um cliente, e se você fornecer essa opção para ele, provavelmente irá para ela. Mas no caso de eles terem pedido isso especificamente e não fosse algo com o qual você concordaria originalmente, então não se esqueça de cobrar extra pela atribuição completa de propriedade intelectual. E também é importante concordar com o aspecto de uso pessoal da propriedade intelectual. que significa que, mesmo que você queira apenas exibir o trabalho que você cria em seu portfólio, isso é algo com o qual o cliente deve concordar. Mas, dependendo da sensibilidade do projeto, o cliente pode realmente pedir que você assine um contrato de confidencialidade ou NDA, o que pode realmente impedir que você libere qualquer coisa sobre o trabalho para uma quantidade específica de tempo. Por exemplo, no passado, quando eu estava em uma agência criativa e trabalhei em um projeto para a Disney, na verdade levou dois anos até que eu pudesse lançar qualquer coisa sobre o projeto no meu portfólio. É muito doloroso quando você acabou de terminar um projeto e fez alguns designs muito legais e realmente quer compartilhá-lo com as pessoas ou mostrá-lo em seu portfólio. Mas é muito importante manter o que você concordou no início. E mais uma vez, é por isso que é tão importante deixar essas coisas claras no contrato. Então lembre-se, sempre que você começar a um novo projeto, as duas primeiras coisas que você precisa, especialmente quando você está trabalhando com um novo cliente, é o resumo e o contrato. Depois de tê-los no lugar, você pode seguir em frente e começar a se divertir um pouco mais com o resto do processo criativo. Começando com a próxima etapa, pesquisa, que abordaremos no próximo vídeo. 8. Pesquisa (parte 1): Lembre-se de quando falamos sobre as quatro etapas do processo criativo, enquanto a pesquisa ainda faz parte da primeira chamada preparação. E assim como é tão importante obter um breve e o contrato em vigor. Também é muito importante e essencial para cada projeto criativo ter uma pesquisa adequada ou pesquisa de mercado conduzida antes que qualquer projeto possa começar. Então, o que realmente acontece no estágio de pesquisa e o que você deve produzir até o final dela. Portanto, geralmente é ruim coletar informações e dados de entrevistas com o cliente, feedback do usuário, pesquisa on-line e muito mais. Então, por que o resumo já estava definindo as metas. A pesquisa está dando contexto ao projeto, e será crucial na definição da direção criativa. Agora, antes de falarmos sobre coisas interessantes, como projetar quadros de humor ou recursos para inspiração, é importante primeiro fazer a pergunta se é melhor fazer a pesquisa primeiro e depois inicie a ideação ou vice-versa. Comece com uma sessão de brainstorm, crie algumas ideias iniciais e só depois disso, comece a realizar algumas pesquisas. Embora seja possível que fazer a pesquisa o conduza a uma direção específica e você pode perder algumas idéias originais e únicas que você pode ter inventado se você começou com a ideação. Mas, em geral, acredito que para a maioria dos projetos, é melhor começar com a pesquisa. E somente uma vez que você tenha o contexto definido corretamente, você pode seguir em frente para fazer a ideação ou, de qualquer maneira, não se sentir restrito por essa maneira padrão de fazer as coisas. Sinta-se à vontade para experimentar e ver o que funciona melhor para você. E no caso de você sentir vontade de fazer a pesquisa primeiro sempre lhe dá uma visão de túnel e você não pode mais criar ideias criativas e você simplesmente continua copiando o que você as viu. Provavelmente, é melhor para você começar com alguns esboços e só mais tarde fazer a pesquisa. Então, fazer a pesquisa para alguns inspirará ideias, enquanto para outros, isso pode realmente limitar a imaginação. Mas, em qualquer caso, a pesquisa deve sempre ser uma parte divertida de todo o processo criativo. Definitivamente não deve ser algo que você tenha medo de fazer. E embora possamos falar muito sobre como reunir feedback dos usuários neste vídeo, na verdade, estaremos focados principalmente em encontrar inspiração ou exemplos para o seu projeto e além de coletá-los, como você deve organizá-lo de forma que você também possa exibi-lo para seu cliente. Então, uma das melhores plataformas para procurar exemplos para um determinado tipo de projeto. O que atualmente é tendência no setor criativo é o Behance, que é a maior comunidade criativa on-line e faz parte da Creative Cloud da Adobe aqui, simplesmente vá para a guia Pesquisar e escolhendo projetos. Você imediatamente pode filtrar todos os resultados pelos campos criativos. E além dos maiores e mais populares como design gráfico, você poderá encontrar mais áreas de nicho também aqui nesta lista à direita, como infográfico ou design de interação. Mas, para o bem dessa demonstração, vou escolher o Design Gráfico. E dentro disso, poderíamos filtrar ainda mais os resultados com base nas ferramentas que foram usadas para o design, a paleta de cores e até mesmo a localização geográfica de onde o projeto estava criado. Claro, se houver algumas palavras que definem seu projeto muito bem, você pode usar essas palavras como palavras-chave durante a pesquisa. Então, digamos que você esteja projetando algo para uma companhia aérea. Depois de digitarmos isso aqui, obteremos projetos relacionados a esse tópico. E podemos encontrar um trabalho criativo incrível aqui. E quando você encontrar algo que você acha que é uma referência útil e isso será importante para sua pesquisa. Você sempre pode decidir salvá-lo e ser mãos realmente usa esse termo quadro de humor sobre o qual falaremos um pouco mais depois. Assim, você pode criar um novo quadro para o seu projeto no qual você está trabalhando. Vou ligar para essa companhia aérea Project Create. E agora está salvo e podemos seguir em frente encontrando outros exemplos. E provavelmente a melhor maneira de encontrar algo semelhante ao que acabamos salvar é simplesmente clicar na opção mais parecida aqui no canto superior esquerdo. O bom desse recurso é que ele pode não se concentrar em projetos de companhias aéreas, mas procurará mais projetos visualmente semelhantes. Você deve usar isso quando você gosta da estética de um projeto específico e quiser ver projetos mais semelhantes a isso. Outra coisa boa sobre a criação de quadros de humor no Behance é que você pode até ter vários proprietários. Você pode convidar outros criadores ou pesquisadores e eles podem incorporar suas descobertas ao mesmo quadro de humor. E da mesma forma antes, quando tínhamos um único projeto selecionado e eles queriam encontrar projetos semelhantes a isso. Depois de ter um quadro de humor cheio de projetos que você gostaria. Porque poderemos sugerir exemplos ainda melhores. Porque ele vai levar em conta tudo o que você já tem no quadro de humor, não apenas um único projeto. Então, ao clicar em Ver mais ideias, obtemos sugestões muito melhores e mais interessantes. E como antes, se você encontrar algo que gostamos, podemos dizer diretamente no quadro de humor. 9. Pesquisa (parte 2): Da mesma forma que Behance, outra grande fonte de inspiração e uma plataforma para conduzir sua pesquisa é dribbble com três Bs. Novamente, é outra comunidade criativa que também pode servir como um portfólio criativo quando você começar a carregar seu próprio trabalho. Mas em termos de fazer sua pesquisa, você sempre deve pular para a guia de inspiração, onde, mais uma vez, você pode encontrar diferentes categorias. E depois de escolher o que está mais próximo do que você está interessado, você poderá refinar ainda mais suas descobertas clicando nos filtros aqui no canto superior direito. E, da mesma forma que Behance, você pode definir tags. Você pode escolher cores, selecionar o período de tempo, usar as ferramentas criativas e até mesmo se esses projetos incluem alguns arquivos para download, como arquivos do Illustrator, arquivos Photoshop e assim por diante, assim por diante. No Dribble, você também pode começar a coletar exemplos simplesmente criando coleções. Então, clicando neste ícone aqui, posso salvá-lo em uma coleção existente ou criar uma nova. E aqui os projetos são realmente chamados de tiros. E a principal diferença entre drible e Behance é que, embora B portanto, geralmente seja uma visão geral detalhada de um projeto, drible geralmente mostra apenas uma ou algumas imagens desse projeto. Está se concentrando em detalhes mais do que o contexto geral dos projetos. E depende completamente de você, o que você preferir. Alguns criativos preferiram se concentrar em detalhes e tentaram se inspirar nesses. Enquanto outros também tentam entender o fluxo de trabalho por trás projetos específicos e ver como isso pode ajudar na pesquisa do projeto em que eles estão trabalhando. Você não precisa escolher uma dessas plataformas em detrimento da outra. Claro, você pode usar os dois, e há muitos outros que você pode encontrar semelhantes a eles. E, na verdade, há uma extensão muito legal chamada Panda para Google Chrome, onde você pode listar todos os diferentes sites de inspiração em um só lugar. E você pode ver um feed dentro do qual você pode percorrer com muita rapidez e facilidade. Então, como você pode ver, eu tenho drible aqui, tenho b mãos, mas também há esses outros sinais que eu também gosto de referenciar sempre que estou fazendo minha pesquisa e sempre que eu continuo rolando para baixo, vai continuar carregando novos exemplos. Esta é uma extensão gratuita e eu recomendo vivamente. E você pode configurar para que cada nova guia aberta no navegador lhe apresentará imediatamente todos esses projetos inspiradores. E, claro, você pode personalizar o tipo de sites que deseja ver, mas até mesmo o layout ou o formato em que você gostaria de exibir os diferentes feeds dos lados. Pinterest também pode ser outro ótimo recurso para inspiração. E, novamente, ele lhe dá muitas maneiras de organizá-lo. Então, por exemplo, esse quadro que criei para minha pesquisa de monstros e vilões, para um projeto de ilustração, eu realmente criei subcategorias ou quadros menores dentro do quadro original, agrupando as referências que encontrei nessas categorias, criaturas, alienígenas, dragões sobre isso e vilões. Se saltarmos em um desses, podemos ver o que está aqui dentro e podemos até movê-los se quisermos. Mas podemos rapidamente saltar volta em um nível e voltar a ver todas as outras placas ou os outros pinos que não tivemos categorizado. Agora, quando se trata de trabalhar com outras pessoas enquanto faz a pesquisa, é sempre bom usar uma ferramenta que permita a colaboração em tempo real, mesmo que as pessoas não estejam no mesmo local. Então, todos estão trabalhando remotamente. E existem muitas ferramentas populares especificamente projetadas para pesquisa, como o nó Miro e Miller, que é nossa ferramenta preferida para usar no designer de atribuições. Isso é algo que venho usando há anos e vou mostrar em um vídeo separado como ele pode ser usado tanto para pesquisar quanto em geral, organizar inspiração e até gerenciando projetos criativos. Então, pulando para o melanoma, gostaria de mostrar apenas alguns exemplos interessantes de moodboards. E isso é algo que você pode montar sozinho depois de ter sua pesquisa. Então, uma vez que você encontrou alguns exemplos interessantes que você acha que funcionarão muito bem para um resumo específico. E em vez de confiar no quadro de humor em Behance ou uma coleção de Dribble, ou um quadro no Pinterest, montar seu próprio moodboard diretamente no melanoma pode lhe dar até mais flexibilidade e liberdade. Porque aqui você pode até sobrepor imagens e pode incluir amostras de cores e criar algo muito mais flexível e fácil de alterar. E não se esqueça que o melanoma permite novamente ter colaboradores trabalhando simultaneamente ao vivo no mesmo quadro. Mas o quadro de humor pode ser muito mais do que algo que os designers estão se referindo. Ele também pode ser usado para apresentar certas direções aos clientes. Como esses dois moodboards eu montei muitos anos para um projeto. E eles estão realmente respondendo o mesmo breve, mas mostrando duas direções visuais muito distintas. Você pode ver que eu realmente projetei cuidadosamente esses moodboards, juntando as coisas, organizando-as em colunas específicas. Nesse caso, temos inspiração em fatos, detalhes, ícones e logotipos, facilitando a apresentação ao cliente. E uma vez que a direção é selecionada para poder usar este quadro para se referir a cada pequeno detalhe de forma muito rápida e fácil, caso você esteja planejando criar seus quadros de humor personalizados como este . Acredito que a melhor ferramenta para isso é o Photoshop, mas para quadros de humor com um layout um pouco menos complexo, você também pode usar o InDesign. E aqui está um ótimo exemplo para um quadro de humor para um projeto de marca de padaria montado por um de nossos membros, estudantes, da CIA do meio-dia, onde podemos ver que toda a inspiração está bem organizada novamente, começando com a paleta de cores preferida do que o padrão e alguns ícones, seguidos pelo exemplo de embalagem e algumas fotos de produtos. Outra coisa comum que você pode incluir no seu moodboard são os rostos de tipo preferidos que você acha que funcionarão para esse resumo. E também talvez algumas palavras-chave ou atributos que definem muito bem a direção ou a estética, ou o tema que você procura. 10. Ideação (parte 1): O estágio de ideação é, sem dúvida a parte mais criativa do processo de design, e é a única. Pessoalmente, eu gosto mais. Estaremos cobrindo muitas técnicas diferentes neste vídeo que você pode usar durante esta etapa para explorar novas ideias, criar diferentes direções que você pode desenvolver mais adiante no processo de design. E também vamos dar uma olhada em alguns projetos de design incríveis, apenas para que você possa ver como é crucial gravar essa ideia inicial, seja em um esboço, miniatura, um mapa mental ou um wireframe. E também obviamente discutiremos todos esses termos diferentes e o que eles significam. Uma das técnicas mais comuns durante o estágio de ideação que você deve usar é esboçar. E não se preocupe se você não é bom em desenhar. Essas capturas, não precisam ser muito detalhadas. Eles podem realmente ser muito difíceis ou altamente detalhados, dependendo do que funcionar melhor para o projeto e o que você é capaz de fazer. E aqui você pode ver um exemplo dos esboços que foram desenhados pelo gene um sobre o aluno dos membros primos. Ela começou com essa exploração para o projeto de design de logotipos do mercado de agricultores. E você pode ver como ela circulou as ideias que ela mais preferia e que ela decidiu desenvolver ainda mais, não importa em que tipo de projeto criativo você está trabalhando, você deve sempre tantas ideias quanto puder nesta fase inicial, quando você ainda não está se concentrando nos detalhes aqui, você não precisa ser um perfeccionista e apenas registrar as boas ideias. Basta colocar qualquer coisa no papel que vem à sua mente e filtre os melhores no final quando você tiver muito por onde escolher. Se o esboço não ajuda você a criar ideias, e geralmente não funciona para você. Então você também pode usar um mapa mental onde, em vez de desenhos, você está gravando palavras que vêm à sua mente quando você está lendo o resumo ou olhando para sua pesquisa, você deve sempre primeiro no meio e anote o tema central ou as principais palavras-chave do projeto. E este pode até ser o nome do produto ou serviço para o qual você está preparando o design ou o problema ou pergunta que você está planejando responder ao trabalho em vídeo, é muito importante escolher esta afirmação central cuidadosamente porque é algo que você sempre estará se referindo. E uma vez que você tenha esse ponto de partida no lugar, começaremos a adicionar palavras adicionais em todas as direções, conectando-as com linhas. E então, a partir dessas ideias, outras ideias serão carimbadas. E então você continua irradiando do centro do mapa mental e continua se ramificando, adicionando novas palavras e realmente mapeando o conhecimento que você tem do projeto que você estará trabalhando ligado. Você também pode combinar esboços e mapeamento mental, como neste exemplo, onde novamente, podemos ver alguns esboços aproximados ilustrando as palavras que são registradas dentro do mapa mental. E em vez de uma única palavra-chave aqui, realmente temos uma pergunta no centro, o que as pessoas carregam? E então, a partir do ponto central, podemos ver que existem centros ou subgrupos menores claramente definidos como este na praia. Então, todas essas palavras irradiam desse tema. Enquanto aqui à direita, por exemplo, temos caminhadas e todas as coisas que as pessoas normalmente carregam com eles quando estão indo em uma caminhada. Se você preferir fazer mapeamento mental em um formato digital em vez de anotar as coisas. Existem muitas ferramentas online, como a mente Meister, para as quais o link está no quadro para que você possa encontrá-lo daqui. O que é bom em usar uma ferramenta como essa é que você poderá facilmente mover as coisas. Mas, obviamente, no papel, você está um pouco mais restrito e talvez precise apagar as coisas se quiser fazer alterações. Já que estamos falando de apagar, isso é realmente algo que você nunca deve fazer nesta fase de ideação. Então, quando você está tendo ideias, você nunca deve ignorar nenhuma delas. Portanto, você não deve apagar ou excluir nenhuma ideia. Talvez você possa riscá-los. Mas lembre-se, é sempre mais fácil apenas destacar ou circular as boas ideias. E assim você saberá que todos os outros não são tão fortes. Porque acredite em mim, aconteceu comigo muitas vezes que ignorei uma ideia no começo, mas mais tarde no processo, percebi que é realmente uma boa e também ressoa com o cliente. Então, foi extremamente útil que eu mantivesse todos os meus esboços iniciais. Eu não os ignorei, apaguei ou excluí, e eu poderia facilmente voltar para eles e mudar toda a direção do projeto. Agora, aqui está outra boa combinação novamente de Gene, nossos alunos, onde podemos ver no lado direito alguns esboços e no lado esquerdo um mapa mental. Mas, neste caso, é um formato um pouco diferente. Então, em vez de ter uma palavra central e o resto irradiando desse ponto central, aqui temos duas colunas, as duas principais categorias para este projeto. Então, como este é outro design de logotipo para um bezerro chamado gato de café, aqui no lado esquerdo temos o termo principal definido como café, e a outra coluna é gato. E todas as palavras listadas em cada uma dessas colunas são as coisas que nossa estudante Jane pensou, como liga de bacalhau peludo, curioso para gato e feijão, xícara, colher, mancha de café para o café. E o legal de ter essas duas listas verticais próximas uma outra é que você poderá conectar duas palavras juntas, mesmo aleatoriamente. E às vezes você pode criar combinações que nunca pensou sem ter esse layout de mapeamento mental em primeiro lugar. 11. Ideação (parte 2): Outra forma ou método para gravar suas ideias iniciais é fazer esboços em miniatura. E comparado com designs mais simples e menos complexos, como um logotipo, isso é melhor quando se trata de projetar um layout completo, por exemplo, para uma revista ou uma capa de livro, cartaz de filme ou folheto, a melhor maneira de fazer essas miniaturas é começar sempre com um quadro que você preenche com seu esboço. E ao ter esses quadros do mesmo tamanho, você poderá ver em relação uns aos outros os conceitos ou idéias que você está criando. Então, será muito mais fácil compará-los entre si. E embora possa parecer um pouco desperdício de tempo, já que você já pode começar a fazer isso digitalmente, talvez usando o InDesign ou o Illustrator ou o Photoshop. Acredite, isso realmente vai economizar muito tempo porque, uma vez que você acabe usando qualquer uma dessas ferramentas, você não poderá se concentrar nas ideias reais em si porque ao mesmo tempo tempo em que você também vai aplicar certas técnicas e fluxos de trabalho que você aprendeu em uma ferramenta específica. Dias por que essas miniaturas ainda devem ser feitas como esboços grosseiros, seja com lápis e papel ou, claro, você também pode fazê-las digitalmente, talvez usando um iPad e usar uma ferramenta como o Procreate. Mas não importa qual formato você escolher, tradicional ou digital para o estágio de esboço, lembre-se de não se concentrar nos detalhes. Então, em vez de criar desenhos incríveis, é mais sobre a quantidade de ideias que você pode criar ou a quantidade de ideias diferentes. Então, em geral, é verdade sobre o processo de design que a qualidade é mais importante do que a quantidade neste estágio, na verdade, o oposto é verdadeiro. Outro termo que você pode ter ouvido é o storyboard, que pode parecer bastante semelhante ao exemplo anterior das miniaturas. Mas por que temos miniaturas que usamos principalmente para composições estáticas. Mais uma vez, como um layout de revista, storyboards são mais apropriados para animações, animações e projetos de vídeo. Aqui está um ótimo exemplo de um storyboard dentro do ânodo Mill, onde além dos esboços para cada um dos quadros ou cenas dentro deste projeto de animação também foi útil é que podemos vê-los na ordem em que eles apareceriam dentro da animação com a explicação simples para o que se trata cada cena. E, novamente, a vantagem de montar um storyboard e , em seguida, formato digital como esse é que é muito fácil mover as cenas e talvez mudar a ordem delas se você decidir fazê-lo. Aqui está outro exemplo de um dos nossos outros alunos profissionais que desenharam esse esboço inicial para um quadro ou visto de um projeto de animação em que ele estava trabalhando. E podemos ver como ele foi totalmente renderizado mais tarde usando o Illustrator e o After Effect. Aqui está outro belo exemplo de esboços em miniatura altamente detalhados por nosso gene estudantil para um projeto de design de capa de livro. Agora, mesmo que esses esboços sejam muito mais detalhados do que os outros que vimos anteriormente ainda é uma boa ideia manter as coisas monocromáticas e não introduzir cores adicionais. Porque uma vez que você define uma paleta de cores, ela pode realmente sobrecarregar a ideia original. E às vezes se, especialmente se você estiver mostrando esses esboços para o cliente, eles podem ter uma preferência e escolher não com base nas ideias reais, mas simplesmente com base em suas preferências da paleta de cores. Outra variação de esboços em miniatura é o que chamamos de wireframe, que geralmente é usado em projetos de design de web design e experiência do usuário. E estes são ótimos para estabelecer a estrutura básica de um site ou aplicativo antes que o conteúdo do design visual e detalhes adicionais sejam adicionados em um formato wireframe, normalmente indicaríamos imagens com um retângulo, com uma cruz sobre. Então teríamos linhas de cópia como linhas simples horizontalmente e todos os outros elementos, como rádio, botões e ícones, também podem ser simplificados. Assim como eu disse sobre esboço, wireframing também é algo que você pode fazer no papel, ou você também pode fazê-lo digitalmente. E eu entro em muito mais detalhes sobre isso dentro do tópico de design digital e da web. 12. Ideação (parte 3): Outro termo de ideação que você pode ter ouvido falar é um whiteboarding, o que, claro, simplesmente significa apenas que você está usando um quadro branco. E isso é muito comumente usado em agências durante uma sessão de brainstorming onde você está junto com outros criativos e você está tentando registrar ideias em colaboração uns com os outros. E, de forma semelhante ao esboço, o que faz com que uma sessão de brainstorming ou whiteboarding seja bem-sucedida é que, antes de tudo, você deve se concentrar na quantidade e que não há más ideias. Então você deve estar retendo críticas nesta fase, você deve realmente receber e celebrar idéias incomuns ou inesperadas tendo muitas idéias colocadas ao lado umas das outras no quadro branco. As outras vantagens adicionais que será mais fácil começar a conectar algumas ideias e combiná-las juntas. Eu trabalhei em agências onde tínhamos placas largas menores como esta na foto. Mas também estive em espaços de trabalho onde toda a parede era um grande quadro branco e você poderia literalmente desenhar em qualquer lugar. Há algo realmente legal e inspirador cercar-se de ideias e ter todos participando de colaborar, sem ter medo de cometer erros. Lembre-se do que dissemos sobre o processo criativo ou a queda da criatividade é quando você tem medo de cometer erros. Todas essas formas de criar ideias estão encorajando você a não ter medo de escrever ou desenhar qualquer coisa que vem à sua mente. Essa é a coisa mais importante a se lembrar sobre a ideação. Portanto, registre todas as ideias que vêm à sua mente sem filtrar e sem excluir ou ignorar nada que você já tenha gravado. E apenas para mostrar alguns exemplos inspiradores de como as ideias iniciais registradas como esboços que estamos atendendo aos designs finais de pleno direito. Aqui está em primeiro lugar, um design de capa de livro. Então este é o esboço inicial e este é o desenho final. Então, voltando ao esboço e depois pulando para o design, podemos ver que a maioria dos elementos já estava lá no esboço original. Nem muita coisa mudou. E mesmo que o artista provavelmente já tenha uma ideia aproximada da paleta de cores que não era necessária para ser gravada neste esboço inicial. Você pode ver a mesma abordagem com outro belo esboço criado pelo nome de um dos nossos outros membros profissionais do aluno para um projeto de design de embalagem, que mais tarde foi transformado em um completo arte vetorial e também exibida com um mock-up ou visual mostrando o design final no contexto. Por último, mas não menos importante, aqui estão os estágios cruciais de um projeto de animação. Novamente, começando com um simples esboço bruto, seguido por uma versão mais refinada do esboço. Então, mais uma vez, se eu mudar para frente e para trás, você pode ver que a ideia geral já estava gravada no estágio inicial, e foi ainda mais refinada neste segundo esboço. E as cores só foram introduzidas nesta próxima etapa. Assim que o esboço refinado foi aprovado, as cores e detalhes adicionais podem ser adicionados. Mais uma vez, alternando para frente e para trás, podemos ver que não mudou muito. São principalmente essas cores e alguns detalhes do padrão que foram adicionados. E então, neste caso, porque não era um projeto de animação tradicional, mas um laboratório, eles combinam elementos 2D e 3D juntos. Eles realmente transformaram a ilustração que vimos anteriormente em um modelo 3D, primeiro renderizado sem cores e padrões. Então, na próxima etapa, esses detalhes foram adicionados. E finalmente veio a animação, que neste caso era na verdade uma animação 2D usando o After Effects. Mas a coisa mais importante a lembrar é que, para conseguir algo realmente legal e incrível como este, eles começaram com um simples esboço áspero. E quando você pensa sobre isso, não mudou muito. Então, se você tem uma ótima ideia para começar e você pode gravá-la como um esboço. É garantido que, no final você obterá um ótimo resultado. Mas, por outro lado, se seu esboço inicial, sua ideia é semana, é quase como não ter fundamento para um prédio. Portanto, não importa quanto tempo você vai gastar refinando-o e adicionando detalhes, simplesmente não funcionará no final. Portanto, nunca subestime a importância do estágio de ideação. 13. Apresentação: No final do estágio de ideação, você deve ter esses esboços ou idéias que você gravar e pregar como aqueles que funcionam melhor para responder ao interrogatório, você está pronto para começar e virar essas ideias em projetos de pleno direito. Agora, dependendo do tipo de projeto, em alguns casos, você pode realmente querer apresentar os esboços que você selecionou para o cliente. É claro que, se necessário, você deve sempre arrumá-los e refiná-los, certificando-se de que o cliente possa entender e sobre o que são essas ideias iniciais. Mas por que esse formato de apresentação inicial pode funcionar com determinados clientes. Mas a prática mais comum é apresentar apenas ao cliente deseja que você tenha os designs totalmente refinados e detalhados. Agora, não importa a versão que você preferir, você sempre deve se lembrar de não ficar ao redor do cliente com muitas opções diferentes. E mesmo que você transforme cinco ou dez dessas ideias iniciais em composições completas do Photoshop, Illustrator ou InDesign, você sempre deve tentar restringir as direções que você vão apresentar, 23. E esse é realmente um número mágico para apresentações. Basta pensar nisso. Se você estiver mostrando uma direção extremamente restritiva e não dará aos clientes e as opções. Então eles só terão que ir com o que você estiver mostrando a eles. É quase como se você nem interessado em seus comentários, dando-lhes duas opções distintas e diferentes umas das outras. Na maioria dos casos, eles acharão difícil escolher porque é quase como uma pergunta de sim ou não, onde há mais pressão para decidir qual é a resposta certa em comparação com quando você tem três opções para escolher, a maioria dos clientes se sentirá mais à vontade ao escolher a direção que mais preferem. Agora, por outro lado, como eu disse anteriormente, qualquer coisa mais do que três direções pode se tornar esmagadora. E isso pode tornar o processo de seleção novamente muito mais longo e tedioso. Mais uma vez, às vezes o cliente nem consegue decidir qual direção ele gosta. O pior cenário é que devido a essa incerteza, eles podem até cancelar todo o projeto. Então lembre-se de apresentar três direções ou conceitos é provavelmente aquele que funciona melhor na maioria dos casos. E aqui está um exemplo de um dos nossos alunos profissionais, gene, apresentando as três variações para o projeto de design de logotipo do mercado dos agricultores, mostrando os projetos por conta própria à esquerda, e depois usando maquetes em contextos à direita. Esses modelos são extremamente úteis ao se apresentar aos clientes porque eles os ajudam a visualizar seus projetos em contextos com os quais eles estão familiarizados. Você também pode combinar vários itens em um único slide ao apresentar a um cliente. Como neste caso, um de nossos outros alunos, Nia, está mostrando esse logotipo de gato de café como uma marca em vários itens. Agora, uma vez que você tenha esses visuais incríveis e, em geral, o deck de apresentação pronto para mostrar ao cliente, é muito importante voltar e verificar novamente o resumo, certificando-se de que você não perdeu qualquer coisa importante. Os clientes adoram ver todas as tarefas que o registrarão no resumo abordado em sua apresentação. Então isso é algo definitivamente para se ter em mente. E outra boa prática no caso de você estar apresentando ao vivo, seja pessoalmente ou online, é fazer uma prática durante sua apresentação e tempo sozinho. Você definitivamente não quer que sua apresentação seja muito longa, então você deve ser capaz de chegar ao ponto rapidamente. No entanto, em vez de saltar direto para os projetos reais que você criou, é realmente bom ter um pouco de uma seção de introdução onde você lembra ao cliente o objetivo original do projeto. E talvez ao revelar ou mostrar alguns aspectos do fluxo de trabalho criativo pelo qual você passou, você pode construir um pouco de antecipação antes de revelar os designs finais que você criou. Quando se trata das três direções que você decidiu apresentar a eles. Desses três, provavelmente haverá um que seja o seu favorito pessoal e que você espera que o cliente escolha. Na minha experiência. E também isso é algo que ouvi de muitos outros criativos. A ideia favorita que você tem sempre deve ser exibida no final. Então mostre as outras duas direções primeiro e mantenha o seu favorito para o último. Porque a maioria dos clientes e pessoas em geral tendem a lembrar o que viram por último. E esse é o que vai deixar uma impressão duradoura. Portanto, há uma grande chance de que, essa é a direção com a qual eles seguirão. Outra boa prática para diferenciar as três direções que você está apresentando é que uma delas deve ser uma opção segura que realmente segue o resumo até o ponto. Mas também tenho um conceito que está realmente empurrando as limitações definidas no breve e fica um pouco mais selvagem, algo que pode surpreender seu cliente. E por último, mas não menos importante, algumas dicas adicionais que você deve ter em mente durante suas apresentações ao cliente. Uma é que você sempre deve tomar notas durante toda a conversa. Isso realmente mostra que você se preocupa com o feedback deles. E mesmo que você não esteja planejando implementar tudo, seu cliente apreciará ver sua dedicação. Mas ao gravar ou tomar notas de tudo o que eles dizem, isso não significa que você também tenha que concordar com tudo. Portanto, você não deve ter medo de realmente defender seus projetos ou decisões sempre que sentir que o cliente não está certo. Lembre-se, eles contrataram você por um motivo e você é o profissional criativo. Então, em certos casos, ao explicar o pensamento criativo por trás de um determinado conceito, você pode ajudar seu cliente entender seu raciocínio. E eles podem ver que você está projetando uma luz diferente no final da sua apresentação, você deve sempre ter tempo para concordar com os próximos passos e o que o cliente espera receber de você da próxima vez. E também é uma boa prática enviar um deck de apresentação completo para todos os participantes dessa reunião de apresentação junto com alguns nós de alto nível que você gravou. Então, para resumir, para uma apresentação bem-sucedida, você precisará de duas coisas. Primeiro de tudo, ótimos projetos e direções que você tem orgulho de apresentar ao cliente, mas quase tão importante, você precisará também de um bom formato. A maneira como você se comunica como você criou esses projetos. Mesmo que você seja um designer gráfico, quando você está apresentando seu trabalho de certa forma, você precisa se tornar um vendedor porque está vendendo algumas ideias ou conceitos para seu cliente. E é por isso que é tão importante aprender a teoria do design gráfico e estar ciente de todos esses termos e técnicas diferentes que estamos abordando neste curso. Porque isso lhe dará confiança no que você está fazendo e o ajudará a não apenas trabalhar, mas também soar como um verdadeiro profissional criativo enquanto você está apresentando seu trabalho. 14. Feedback: A menos que no final da sua apresentação, o cliente disse que ele ama o que você fez e não precisa de nenhuma alteração. O que para ser honesto e muito raramente acontece. Você terá que voltar para a prancheta, ver o feedback que eles forneceram e tentou implementar tudo alterando e refinando seus conceitos iniciais. Este é o estágio que normalmente nos referimos como iteração. E pode ter muitos estágios em alguns projetos, pode ser apenas um ou dois estágios. Onde você continua indo e voltando apresentando as alterações ao cliente. Mas lembro quando eu estava trabalhando em uma agência criativa em alguns casos, acabamos tendo de 40 a 50 estágios para alguns projetos mais complexos ou simplesmente clientes difíceis. Agora, a menos que você esteja cobrando seu cliente por hora ou a quantidade de horas que você colocou em um projeto. Isso também é outra coisa crítica que você tem que definir no contrato no início, se você está disposto a fazer alterações ilimitadas para o seu cliente, para um orçamento acordado, ou se isso é algo pelo qual você está cobrando uma taxa extra, você nunca deve permitir que seus clientes aproveitem sua generosidade. Portanto, eu não recomendo concordar com alterações ilimitadas sem taxa adicional. Normalmente, o que faço com meus clientes é que eu permito duas a três rodadas de alterações que são cobertas pela minha taxa inicial, mas qualquer rodada de alterações depois disso, começarei a cobrar meu cliente. Além disso, por limitar as rodadas de feedback gratuitas ou incluídas, seu cliente também prestará mais atenção ao que está dizendo e é menos provável que você acabe em um situação de pesadelo que um projeto nunca termina e você simplesmente continua correndo em círculos, perseguindo esse loop de feedback infinitamente tentando agradar o cliente. Esta é uma ótima ilustração por torradas queimadas. Dez mostra muito bem que, em alguns casos, os clientes podem acabar literalmente segurando suas mãos, tentando tomar seu lugar e ignorar completamente o que você está dizendo a eles. E essa é a situação de um cliente designer muito insalubre que você sempre quer evitar. uma vez, quanto mais confiante você estiver em seu trabalho e entender a teoria do design gráfico, mais fácil será poder estabelecer limites. E provavelmente uma das coisas mais importantes que você nunca deve fazer é fazer alterações imensas na frente do seu cliente. Então, às vezes, ao apresentar, você pode sentir o desejo de que, onde quer que eles estejam pedindo, na verdade, é uma coisa muito simples. Eles podem apenas querer mover uma imagem um pouco para a esquerda ou para a direita ou dimensionar algo para cima e para baixo. Mas mesmo que você possa fazer o que eles estão pedindo em alguns segundos, você nunca deve fazer isso na frente deles, porque é exatamente assim que essa mão começa. E quando você estiver nele, será muito difícil sair. Agora, já que para a maioria dos projetos criativos, você passará por esse processo de iteração e terá várias rodadas. E em cada rodada você receberá feedback. É importante documentar tudo isso e registrá-los de acordo com as etapas pelas quais você está passando. E é uma boa prática reler todos os comentários que você obteve até agora, incluindo os estágios anteriores também, antes de qualquer reunião que você tenha com seu cliente. Isso ajudará você a se referir não apenas ao feedback mais recente que eles lhe deram, mas também às coisas que eles disseram anteriormente no processo. Agora, alguns clientes serão muito bons em lhe dar críticas construtivas. Algo que realmente o ajudará a fazer mudanças e refinar e melhorar seu trabalho. Mas, infelizmente, em muitos casos, seu cliente não conseguirá articular muito bem o que quer. E eles podem apenas dizer que eles simplesmente não gostam do que você fez. Esse tipo de feedback negativo pode ser muito difícil de digerir e aceitar, e pode realmente arruinar motivação real para trabalhar no projeto. Mas enquanto seu cliente, pelo menos como uma das direções que você apresentou a eles, você não deve ficar muito chateado e não deve se sentir mal deixando ir talvez o seu favorito direção porque ninguém conhece melhor seu produto do que seu cliente. Então, mesmo que eles não consigam explicar por que não gostam de algo, provavelmente terão um bom pressentimento sobre o que vai funcionar para sua marca. O pior caso é quando eles dizem que não gostam de nada que você os apresente e está completamente errado e não é nada o que eles imaginaram. que significa que, desde que você queira continuar trabalhando no projeto, você terá que começar do zero. E, potencialmente, você pode até voltar e refazer a pesquisa. Porque, desde que você use isso para o processo de design, provavelmente não estava no ponto e não se alinhou com o que o cliente imaginou Tendo dito isso, não se esqueça do que mencionei no vídeo anterior. Em alguns casos, você realmente terá que defender seus projetos e suas decisões. E se você pode articular e se comunicar bem como você chegou a essas decisões, você pode realmente ser capaz de converter um feedback muito negativo em algo mais construtivo e outro horrível situação que você também quer evitar a qualquer custo é o que geralmente é referido como projetado pelo comitê. Na maioria dos casos, eles simplesmente se resumem ao fato de que há muitas pessoas envolvidas em dar feedback, tanto a liderança gerencial quanto a tomada de decisões são comprometido. Já é difícil, pois é agradar uma pessoa que pode ser o tomador de decisão em um projeto. Mas quando você tem várias pessoas com idéias diferentes, pode ser realmente uma situação de pesadelo. Há um ótimo esboço chamado processo neste quadro que você pode assistir onde você pode ver que o design original para um sinal de parada, transformando-se nisso, assumindo todos os vários feedback que o pobre criativo está recebendo de todos os vários departamentos do cliente. Aqui está outro design de logotipo real real que você pode encontrar on-line, o que também é um exemplo perfeito do que pode ser o resultado de projetado pelo comitê, onde fica claro que todos os que participou do processo queria mostrar algo que parecia importante para eles. E o designer não estava confiante o suficiente para defender o design, o que, em resultado, acabou sendo um Frankenstein de todos os tipos de coisas diferentes neste quadro. Você também pode encontrar alguns exemplos hilários de como poderia ser o design por comitê, onde até mesmo uma incrível peça clássica de design gráfico pode ser dilacerada por ter muitos pessoas envolvidas no processo. 15. Revisão: Com atualizações recentes e novos recursos em aplicativos da Creative Cloud, como Illustrator, Photoshop e InDesign, está se tornando mais fácil e mais fácil coletar feedback de clientes e outras partes interessadas. E neste vídeo, vou mostrar algumas coisas a ter em mente , caso você esteja planejando usar esses recursos. Portanto, antes de tudo, o cliente ou as partes interessadas envolvidas no processo de revisão não precisarão ter uma licença paga da Creative Cloud para ver seus projetos para os quais você está enviando eles e deixar comentários sobre eles. Então, aqui está um exemplo de uma nuvem de ilustrador que documento que compartilhei para revisão. E isso é realmente o que o cliente ou o stakeholder receberia. Um link que eles podem abrir em seu navegador, onde podem ver a arte e podem deixar seus comentários aqui no lado direito. Agora você pode ver que adicionei alguns comentários e até uso essa pequena ferramenta de pinos com a qual estou especificando onde quero que essas alterações sejam feitas. E o incrível é que você pode realmente ver esses comentários chegando ao vivo no Adobe Illustrator, dentro da guia de comentários. Portanto, mesmo enquanto você estiver trabalhando em suas ilustrações ou designs, você poderá responder às coisas que as partes interessadas estão pedindo. Agora não se esqueça do que eu disse no vídeo anterior que você não quer acabar naquela situação de mão em que eles podem ver as mudanças tão rapidamente que eles simplesmente continuam perguntando sem parar você para fazer a vida de um homem antes quando falamos sobre design por comitê, aqui, a mesma coisa se aplica que é melhor ter menos pessoas envolvidas na revisão, se possível, e idealmente convidar apenas aqueles que podem realmente fornecer críticas construtivas e com quem você pode trabalhar muito bem junto. O outro recurso interessante que foi introduzido na Creative Cloud é o histórico de versões com o qual posso fazer minhas alterações e salvá-las como uma nova versão. Já fui em frente e respondi a todas essas alterações com uma nova versão, que posso carregar facilmente na guia histórico de versões. Então eu posso dizer reverter para esta versão. Então, em vez de ter arquivos separados seguros para cada estágio, agora posso manter tudo dentro do mesmo documento do Illustrator Cloud. E posso até ir em frente e marcar todos esses comentários sendo resolvidos. E ao voltar para a janela do navegador, podemos ver que as mudanças foram refletidas aqui. Parece que não há novos comentários no momento, mas vou adicionar um agora usando a ferramenta pin e clique aqui, estou digitando aumentar o arredondamento do quadro e reduzir a espessura. Vou enviar isso e ele aparece imediatamente como um novo comando que ainda não foi resolvido. E ao voltar ao Illustrator depois de alguns segundos, o comentário já apareceu. Então, agora podemos selecionar esse retângulo. E com um dos widgets de canto, podemos aumentar rapidamente a redondeza. E então, com o atributo stroke, podemos reduzir a espessura. Agora que fiz minhas alterações, novamente, basta tirar essa solicitação como um comando que agora está resolvido. E se eu achar que este é um marco ou estágio importante dentro do processo de design, posso decidir salvá-lo como uma nova versão, o que posso fazer entrando no salvamento mais recente e clicando no marcador. Posso dar um nome a ele. Vou chamar esse novo quadro. E quando eu chegar às versões de marca, agora, vou ter três delas. O original, aquele com o quadro, um com o novo quadro. Então, mais uma vez, original. Aquele com o quadro e depois aquele com o novo quadro que acabamos de salvar. Assim, podemos ver rapidamente a diferença lá. E o melhor é que isso também se reflete na visualização do navegador. Assim, as partes interessadas também podem ir para a guia Linha do tempo aqui à direita, onde poderão ver as versões marcadas. Portanto, há o novo quadro, mas eles também podem voltar rapidamente para o estado anterior ou até mesmo o original. Então eu posso alternar rapidamente todos esses e compará-los entre si. Agora, para documentos do Photoshop Cloud, você tem quase exatamente o mesmo conjunto de recursos fluxo de trabalho disponível para passar pelo processo de revisão. Embora os documentos sejam provenientes do InDesign, você terá alguns recursos adicionais que podem ser acessados a partir do navegador. Então, além de colocar uma caneta ou apenas escrever um comentário em geral, aqui, também podemos destacar texto, atacar texto, substituir x ou até mesmo desenhar uma forma. Mas a opção de forma de desenho é, na verdade, algo disponível também para o Illustrator e o Photoshop. Então, com isso, podemos facilmente fazer algumas marcas, definir a cor que queremos usar e, em seguida, também em algum comando para isso aqui, vou dizer virar título para todos os maiúsculas e , em seguida, enviar este comando. E o bom é que sempre que eu passar o mouse sobre esse comando, ele também destaca onde posso encontrar isso dentro do design ou vice-versa. Se eu vier aqui e clicar nele, ele destaca o comentário no lado direito. Da mesma forma, se quisermos mudar algo na cópia, podemos primeiro destacar o texto. Em seguida, escolha a ferramenta que queremos usar. Substitua o texto neste caso e, em seguida, basta colocar a palavra que desejamos usar, em vez de viajar, digamos que queremos usar o move. Depois que eu enviar isso, ele aparecerá aqui no navegador. Mas o mais importante, o designer que tem esse arquivo aberto no InDesign, poderemos ver todos esses comentários chegando ao vivo. E sempre que eles selecionarem um deles, ele aparecerá diretamente aqui dentro do design, esses recursos de nuvem criativa são extremamente úteis para conseguir respostas de seus clientes em um base contínua em vez de confiar e esperar por reuniões ocasionais. 16. Entrega (parte 1): O estágio final do processo de design é a entrega. Quando você estiver entregando impressão e verbo, leia os arquivos para o cliente e, idealmente faça isso antes do prazo que você concordou com uma região. Agora, em comparação com a pesquisa de fundos, ideação e estágio de design, o estágio de entrega envolve muito menos criatividade e é mais sobre passar meticulosamente por todos os arquivos e verificar se tudo é antes que os arquivos sejam entregues. Essa etapa também é referida às vezes como trabalho artístico, o que significa simplesmente arrumar e às vezes retrabalhar os designs criativos. E nas agências criativas e erro de arte geralmente também é uma função designada. Eles trabalham lado a lado com designers e diretores criativos e geralmente os apoiam para que possam se concentrar nas decisões criativas. E o trabalhador de arte é uma raça especial de designer gráfico que é realmente bom em detectar erros e que não se importa de fazer tarefas repetitivas? Eles não precisam necessariamente ser bons em criar ideias únicas e criativas, mas precisam ter habilidades técnicas muito fortes no uso dos aplicativos criativos e também uma compreensão sólida de como preparar arquivos para a web e para impressão. Agora, caso você seja um designer freelancer e você seja uma banda de um homem, isso significa que você terá que ser um designer gráfico e também um trabalhador de arte. Então, durante todo o processo criativo, você continuará trocando os chapéus. Então, já mencionamos anteriormente que quando você está apresentando seu trabalho ao cliente, você precisa se tornar quase como um vendedor. No final da fase de entrega, você tem que se tornar um trabalhador de arte. Uma maneira de facilitar sua vida é já trabalhar de forma muito organizada. E isso se aplica tanto à estrutura de arquivos gerenciamento de arquivos de seus projetos de design e também às camadas, amostras e estilos salvos em seus arquivos de trabalho. Então, aqui está um bom exemplo de 99 designs como você pode ser consistente na estruturação de seus arquivos e pastas para cada projeto em que você terá um projeto separado para cada cliente. Dentro disso, você terá subpastas para cada projeto. E dentro de uma pasta de projeto, você também organizará tudo em subgrupos como cliente, entrada, senso, design e produção. Então, já que estamos falando de entrega do que a preparação de todos os arquivos impressos e prontos para a web. Na verdade, isso é algo que cairia ainda mais na produção enquanto os arquivos de trabalho originais. Então, os arquivos e pacotes do Photoshop, Illustrator e InDesign entrarão na pasta de design. E lembre-se, falamos sobre isso anteriormente que esses arquivos de projeto ou arquivos de trabalho são algo que você normalmente não fornece ao cliente, mas foi definitivamente uma boa prática é numerar as versões de cada um dos arquivos do projeto de acordo com as rodadas de feedback que você está recebendo do cliente. Então você está começando com o folheto 01, por exemplo. Em seguida, o cliente lhe dá feedback. Você salvaria uma nova versão, um arquivo de trabalho duplicado, que você chama de brochura 02 e assim por diante e assim por diante. Você continua criando essas novas versões até chegar ao ponto em que não há mais mudanças necessárias. E esse arquivo final do projeto pode ser convertido em um PDF pronto para impressão ou qualquer formato de arquivo necessário para produção ou exigido pelo cliente. Agora você pode se lembrar no vídeo anterior que quando se trata de nuvem os documentos, você não precisa salvar duplicatas ou versões separadas para poder ter um histórico de versões que você pode cair de volta. Mas na maioria dos casos, especialmente em um ambiente de agência criativa, você ainda não confiaria nesse único arquivo na nuvem. É sempre mais seguro ter essas duplicatas para cada uma das etapas do processo de design, ele definitivamente ocupa mais espaço no disco rígido, mas só lhe dá mais segurança além ser consistente com a forma como você está organizando seus arquivos e pastas para cada projeto. Também é importante manter a mesma convenção de nomenclatura, que o ajudará a encontrar os arquivos relevantes sempre que você precisar procurar algo. Por exemplo, você pode definir um código curto para cada projeto e também para cada cliente. E esses códigos podem ser incluídos em todos os nomes de arquivos que você está produzindo. Essas coisas simples podem poupar tanto tempo a longo prazo. Mas também pode ser extremamente útil se outra pessoa tiver que assumir um projeto seu. Caso você esteja trabalhando em uma equipe ou em uma agência criativa. Mas no caso de você ter que entregar seu arquivo de trabalho para outro criativo. Também é para manter tudo dentro dos arquivos o mais arrumado possível, e isso inclui camadas. Portanto, por exemplo, você sempre deve excluir camadas vazias ou camadas que você não está mais usando e criar grupos de camadas e subgrupos para manter as coisas melhor organizadas. Nomear suas camadas e grupos de camadas também é extremamente útil, seja apenas para facilitar para outro criativo entender o que você fez. Mas mesmo para você, no caso de você ter que revisitar o arquivo alguns meses depois, a nomeação correta economizará muito tempo. Assim como evitar nomes de arquivos sem sentido ou confusos como esses, você também deseja fazer o mesmo para suas camadas e quaisquer predefinições que você criar que também serão armazenadas em seus arquivos de projeto. E isso pode incluir Caractere, estilos de parágrafo , amostras e quaisquer outras predefinições que você normalmente usaria. 17. Entrega (parte 1): Agora, quando você está pensando finalizar um projeto e garantir que um arquivo esteja pronto para ser entregue ao cliente. Outra parte muito importante desse processo de entrega é garantir que não haja erros ortográficos. E para isso, é recomendável executar uma verificação ortográfica em todos os seus arquivos, que é um recurso disponível em praticamente todos os aplicativos da Adobe. Mas depois disso, se possível, você também deve ter um revisor passando pela versão final do arquivo. A pessoa que vai fazer a revisão não só procurará erros ortográficos, mas também verificará a precisão geral e a gramática da cópia, que são igualmente importantes. Há outro termo, antes do voo, que é usado quando se trata da preparação de arquivos para impressão. E, na verdade, é um recurso que está no InDesign. É um painel separado onde você pode executar uma verificação automatizada sobre a integridade de um arquivo do InDesign. Isso poderá avisá-lo automaticamente sempre que houver uma imagem ausente ou fonte ausente, ou dependendo do perfil, perfil que você estiver usando. Também pode avisá-lo se a resolução de uma imagem for muito baixa para as especificações que você escolheu. Agora, mesmo que você mantenha seus arquivos organizados e não esteja planejando fornecer os arquivos do projeto ao seu cliente. Ainda é aconselhável salvar um pacote no final do processo. E isso se aplica principalmente projetos do InDesign em que quase toda vez que um pacote será necessário para garantir que você não acabará tendo links ausentes ou faltando fontes caso você precise revisitar o projeto alguns meses depois. Mas o empacotamento de arquivos de projeto também se aplica ao Photoshop e Illustrator caso você esteja usando ativos vinculados. Isso pode ser um objeto inteligente vinculado no Photoshop ou simplesmente um gráfico desvinculado no Illustrator. Então, para salvar um pacote, é o mesmo em todos esses aplicativos. Você só precisa ir ao menu Arquivo e, em seguida, escolher o pacote. E antes de ir mais longe aqui, você já pode verificar se há algum aviso ou erro. Assim, podemos ver que não há imagens ausentes ou assim, sem fontes ausentes. Então, tudo parece estar bem. E se clicarmos em Pacote, poderemos especificar onde queremos salvar isso em nosso computador. E também talvez também escolha algumas opções, como incluir formatos de arquivo diferentes e até mesmo um PDF na pasta de pacotes. Depois de criarmos o pacote, ele exportará tudo na pasta selecionada que terá o arquivo de projeto real, neste caso um formato IND d Phi. Ao lado dele, há o PDF que foi gerado. Mas, o mais importante, temos todas as imagens salvas em uma pasta de links. Portanto, mesmo que você não esteja planejando arquivar e fazer backup de tudo o que você usa para o projeto. O pacote definitivamente deve ser algo que você verá para mais tarde. Caso o cliente volte para você e exija algumas mudanças no futuro. E como estamos falando de fazer backup de seus arquivos, é algo que você deve estar fazendo durante todo o processo e não espere até o final. Portanto, não faça isso apenas durante a fase de entrega porque acidentes podem acontecer a qualquer momento. E é um pesadelo de designers gráficos quando um computador falha e você perde um pouco do seu trabalho. Aconteceu-me algumas vezes que algumas horas do meu trabalho foram perdidas e eu tive que recriá-lo. E mesmo sabendo o que fiz antes, ainda me levou quase a mesma quantidade de tempo, se não mais, porque eu estava cansado do que chateado por perder meu trabalho. Portanto, é altamente recomendável usar uma solução de backup automatizado, seja ela offline, como a máquina do tempo em um computador Apple, ou se é uma solução de armazenamento em nuvem on-line, como o drive ao vivo. O verifica constantemente se há alterações em pastas ou discos rígidos selecionados e garante que essas alterações sejam continuamente copiadas para você. A configuração ideal para fazer backup do seu trabalho geralmente é se referir à estratégia de três para um, que significa que você está tendo pelo menos três cópias de tudo, duas das quais são armazenadas localmente, mas em dispositivos diferentes. E pelo menos uma cópia do lado, geralmente em um Cloud Storage. Mínimo de três cópias para armazenadas localmente em um Cloud Storage ou em algum lugar fora do local. E acho que você pode imaginar por que é importante ter pelo menos uma dessas cópias armazenada fora do site. Isso porque se todas as cópias estiverem armazenadas na mesma sala, digamos que seu estúdio. E Deus me livre se houver fogo ou inundações ou algo realmente ruim acontecer, você pode acabar perdendo tudo e não terá nenhum backup disponível. Isso definitivamente não é uma situação ideal. Portanto, vale a pena investir em soluções de backup. E lembre-se de continuar fazendo backup de tudo enquanto estiver trabalhando e não o deixe até a fase final ou a entrega do projeto. 18. Entrega (parte 1): Agora, há uma última coisa que vale a pena mencionar, e que às vezes é nessa fase de entrega, você pode automatizar algumas tarefas e processar em lote alguns dos arquivos que você produziu. Isso pode incluir renomear rapidamente muitos arquivos ao mesmo tempo, mas também alterar o formato do arquivo. Por exemplo, salvar arquivos PSD como JPEG, PNGs ou até mesmo PDFs e até mesmo redimensioná-los automaticamente durante esse processo em lote. E uma das melhores ferramentas para processamento em lote de arquivos criativos é o Adobe Bridge, que também faz parte da Creative Cloud, especialmente com a adição do recurso de fluxo de trabalho na versão 2020. Portanto, neste painel aqui à esquerda, você poderá criar um fluxo de trabalho para o qual poderá especificar as tarefas que você gostaria que todos os arquivos passassem. Portanto, ele poderia, por exemplo, começar com uma opção de redimensionamento, que pode ser especificada aqui no lado direito. Assim, podemos escalar para uma determinada porcentagem, mas também para um tamanho específico. Mas, em seguida, podemos adicionar etapas adicionais no painel diagrama de tarefas. Por exemplo, podemos dizer que também queremos alterar o formato dessas imagens. E aqui à direita novamente, podemos definir o formato de saída. Pode ser JPEG, PNG, TIF ou negativo digital, que é o formato camera raw padrão da Adobe. E também podemos adicionar alterações adicionais aos metadados ou até mesmo a opção de renomeação em lote com vídeo. Novamente, podemos especificar a convenção de nomenclatura que gostaríamos de aplicar a esses arquivos. Depois de especificar todas as tarefas para seu fluxo de trabalho, basta nomeá-lo e salvá-lo. E então tudo o que você precisa fazer é selecionar as imagens são arquivos que você deseja usar e, em seguida, simplesmente arrastá-los e soltá-los no fluxo de trabalho que você deseja iniciar. Se você deseja ver o progresso do seu fluxo de trabalho, você sempre pode clicar em Exibir progresso aqui no canto inferior esquerdo. Mas o melhor é que isso acontece em segundo plano. Assim, você pode continuar fazendo outras coisas no aplicativo sem ter que esperar pelo processamento em lote. Então, para resumir, o estágio de entrega é tudo sobre a verificação tripla de tudo, certificando-se de que as coisas estão organizadas, arrumadas e arrumadas. E, em geral, se você quiser gastar mais tempo projetando e se preocupe menos com isso. Nesta fase final de refinamento, meu melhor conselho é que você já deve começar a trabalhar desde o início forma organizada e estruturada. Então isso não se transformará em uma tarefa assustadora e exaustiva que você precisa fazer no final de cada um de seus projetos. 19. Conclusão: Parabéns por concluir este curso da série de teoria do design gráfico. Espero que você tenha achado útil e inspirador. Não se esqueça de passar pelo glossário de termos PDF, revisar tudo o que abordamos e, se você se sentir pronto, faça o teste para testar seu conhecimento. Volte a qualquer momento para as referências nos quadros mileniais que usamos neste curso para ajudá-lo a lembrar as coisas sobre as quais falamos ou definir inspiração para o seu próximo projeto de design, informe-nos se você sentiu que havia alguma coisa faltando neste curso ou se você tiver alguma sugestão sobre como podemos melhorá-lo, envie-nos um e-mail para informações no designer.com da atribuição, e entraremos em contato com você assim que possível. Agradecemos muito sua opinião e ajuda. Agora, é hora de você escolher seu próximo tópico e mergulhar em outro curso de teoria do design gráfico. Lembre-se, não há ordem certa ou errada para concluir esta série. Todas as regras que abordamos são igualmente importantes e tudo está relacionado. Mas o mais importante é entender bem essas regras e aplicá-las em seus projetos. Tenho certeza que você usará o que aprendeu para criar algo incrível. E eu mal posso esperar para vê-lo.