Teoria do design gráfico: espaço

1. Introdução: Como designer gráfico, a maioria dos designs em que você trabalha acabará sendo plana. Não no sentido de que não terão uma boa aparência, mas no sentido literal Eles serão impressos em folhas de papel, tecido ou exibidos em telas planas de TVs, monitores e dispositivos móveis Então você pode estar se perguntando como podemos falar sobre espaço sem três dimensões, mas podemos. Além da largura e altura da sua arte, para criar designs atraentes, você também precisará sugerir profundidade Neste curso, abordaremos sobreposição, sobreposição, perspectiva, espaço negativo, proximidade, forma, forma e tudo mais que possa ajudá-lo a tornar seus designs convidativos, envolventes Também analisaremos centenas de designs incríveis de todas as áreas do design gráfico para ajudá-lo a visualizar e entender facilmente todos os termos e regras abordados neste curso Junto com o empolgante projeto de aula que espero que você conclua no final do curso, você também tem a planilha de análise e o glossário de termos para ajudá-lo a praticar tudo o que aprendeu Espero que você esteja tão empolgado quanto eu para começar e mergulhar no mar de conhecimento e nos belos exemplos de design gráfico. 2. Espaço: Espaços como uma mercadoria em design gráfico, semelhante a comprar um terreno e depois ter sua casa construída sobre ele. Como designer gráfico, você obtém uma tela com orientação e proporção específicas. E cabe a você como você o preenche com os elementos que você usará em sua composição. Quando você tem muitas informações que você precisa exibir em uma única página, por exemplo, em uma revista ou em uma única página em um site. Você terá que descobrir como equilibrar tudo, certificando-se de que seu design acabará parecendo confuso, confuso e pode ser igualmente desafiador se você não tiver muitos elementos para usar no InDesign, você pode sentir que seu design acabará parecendo vazio e pouco profissional. É um erro muito comum entre os designers que estão apenas começando que o pacote de coisas demais em um design que eles tentaram preencher todo o espaço disponível com elementos, não deixando nenhum espaço negativo. E esse também é um termo importante que discutiremos com muito mais detalhes. Mas, geralmente, consideramos quaisquer elementos que você coloque no seu espaço positivo de design, enquanto qualquer coisa que fique vazia, mesmo que não seja completamente branco, consideraríamos um negativo espaço, ou às vezes também nos referimos a ele como espaço em branco. Especialmente quando falamos de design de impressão, onde o branco é obviamente a cor do papel. Nos próximos vídeos, vamos nos aprofundar e aprender sobre todos os vários princípios e métodos de design que você pode usar para melhorar o espaço em suas composições. Mas primeiro neste vídeo, há alguns termos gerais importantes sobre o espaço que eu gostaria de discutir e também mostrar alguns exemplos criativos dessas regras em ação. Então, normalmente, quando falamos sobre espaço, nos referimos a um volume que tem altura, largura, mas também profundidade. Mas há uma contradição aqui porque, como designer gráfico, quase o tempo todo, você trabalharia em planos bidimensionais. Portanto, seja uma página impressa ou uma tela, é sempre apenas largura e altura. No entanto, existem muitas maneiras e métodos diferentes que você pode implicar a profundidade em seu design e torná-lo mais tridimensional. E isso é crucial porque você quer que seus espectadores sintam que podem entrar no espaço que você cria em sua tela. Você quer desenhá-los em suas composições e quer mantê-las lá tempo possível, tornando seu design atraente e cativante. Vamos dar uma olhada em algumas técnicas para implicar profundidade ou espaço. Primeiro de tudo, você pode usar o tamanho. Aqui temos dois grandes exemplos disso, o pôster oceans oito e o logotipo da Barnes Foundation por pentagrama. Em ambos os exemplos, podemos ver que tudo o que parece ser maior em escala parece mais próximo de nós. Este é um fato simples que também vemos na vida real. Onde quer que haja perspectiva, as coisas que estão mais longe à distância estão ficando menores. Ou seja, por exemplo, por isso esses dois caiaques aqui em primeiro plano desta ilustração são quase do mesmo tamanho que esta montanha ao fundo. Ou eles ocupam a mesma quantidade de espaço dentro da composição. Mas sabemos por experiência própria que há perspectiva aqui e que a montanha em segundo plano é, na verdade eles são maiores do que esses dois coiotes em primeiro plano? Mas voltando a esses dois exemplos aqui à direita, a pessoa à esquerda, que eu acredito ser Sandra Bullock, é a mais próxima de nós. Então é por isso que ela parece ser a mais alta por essa pessoa aqui à direita, parece ser a mais curta, mas é claro, entendemos imediatamente que ela está mais de volta ao espaço. A mesma coisa está acontecendo aqui com o logotipo da Barnes Foundation, onde a marca principal da palavra no topo é dividida nessas cinco formas retangulares. E alguns deles são maiores que os outros. E imediatamente os que são menores sentem como se estivessem mais de volta ao espaço. E isso é realmente intencional porque essas cinco formas supostamente representam a estrutura do edifício Barnes Foundation. Este é um ótimo exemplo de muitos outros princípios de design também em uso como espaço negativo, mas também ritmo alternado, onde temos formas maiores e menores alternando entre si e muitos outros princípios, como simplicidade, enquadramento e consistência. Outra técnica comum para implicar espaço ou profundidade em sua composição é confiar na intensidade das cores. E isso significa que cores mais vibrantes e saturadas e especialmente cores quentes tendem a estar mais perto de nós ou se sentir mais perto de nós. Compare duas cores com menos intensidade e tons mais frios. Isso também tem algo a ver com o mundo físico e como aprendemos a ver coisas como paisagens onde temos muita distância que podemos ver de uma só vez. E há um termo chamado perspectiva atmosférica, sobre o qual também falaremos com mais detalhes quando começarmos a falar sobre perspectiva. Mas, essencialmente, o que significa é que quanto mais longe algo estiver, mais frio e lavado suas cores ficam devido ao grande volume de ar ou céu entre nós e esse objeto. Então, para simplificar o que acabei de dizer, longe algo fica, mais ele começa a se misturar com qualquer que seja a cor do céu. E podemos ver isso em ação aqui na ilustração onde as cores de primeiro plano são mais escuras, mais saturadas e mais quentes enquanto estamos ficando mais lavados, essas cores saturadas aparecendo ainda mais no fundo e eles também estão se aproximando mais das cores no céu. Mas mesmo neste design aqui, podemos ver que o espaço está implícito por ter as cores mais vibrantes e saturadas em primeiro plano ou na frente dessa forma cilíndrica. Enquanto estamos tendo cores mais suaves e mais lavadas na parte de trás dessas fitas formando o cilindro. 3. Técnicas para utilizar o espaço no design: Um método muito poderoso e direto de implicar espaço e especialmente profundidade, é usar sobreposição entre formas, como neste caso, podemos ver imediatamente que esta folha é provavelmente a mais próxima de nós, enquanto a pessoa aqui está mais longe. Assim, colocando as coisas umas sobre as outras e indicando profundidade com sombras sutis ou efeitos fora dos limites, podemos estabelecer profundidade rápida e efetivamente. E a mesma técnica pode ser alcançada, é claro, mesmo sem usar sombras. Nesse caso, temos uma sobreposição entre o tipo e a imagem. Então esta carta parece estar por trás da imagem. Por este, por exemplo, está na frente dele. E mesmo apenas confiando na aparência dessas duas letras do título, o designer já conseguiu criar uma composição interessante. Mas além de nós, os espectadores que experimentam profundidade, também temos que trabalhar um pouco mais comparação a ter esse título de aventura escrito em uma única linha colocada em cima de uma imagem que seria tão mais chato do que o que podemos ver aqui. Esta capa da revista elegante também é um ótimo exemplo de implica profundidade. Ter esse atleta pulando sobre o masthead. Mas além da profundidade aqui, também implicamos altura por ter muito espaço vazio ou negativo aqui no meio. imediatamente faz com que isso pareça muito maior do que se a parte central da composição estivesse preenchida com texto ou imagens. E muito provavelmente a razão pela qual eles decidiram não tornar esse texto maior do que o que parece no momento, é porque há outra coisa que pode ajudar a implicar espaço. Onde quer que você coloque, mais perto da parte superior do seu quadro sempre se sente um pouco mais longe do que o que estiver na parte inferior. Agora isso volta à forma como vemos paisagens. Normalmente, o que estiver na parte inferior está mais perto de nós. Esse é o primeiro plano. E à medida que avançamos na composição ou no quadro, veríamos coisas que estão mais longe. Lembre-se da ilustração com os caiaques em primeiro plano e as montanhas na parte de trás. Portanto, mesmo que não haja indicação se esses textos aqui na parte inferior estão mais próximos ou mais distantes em comparação com o que vemos aqui no topo. E mesmo que os detalhes estejam no topo, parecem maiores do que o que temos na parte inferior devido ao posicionamento do texto alto voador na parte inferior, ainda parece que está em primeiro plano. Acredito que é por isso que não era necessário torná-lo maior do que o que é no momento. Este cartaz também está usando com confiança esse entendimento de que, onde quer que esteja mais perto do topo, os combustíveis mais distantes. Mas é claro que também depende da perspectiva. Assim, podemos ver que linhas paralelas estão levando a um ponto de fuga na distância. E você provavelmente pode imaginar que seria estranho se fosse a forma oposta, fazendo com que os textos no topo se sintam mais próximos nós e, em seguida, o resto voltando mais no espaço, ainda poderia funcionar. Simplesmente não pareceria tão equilibrado e tão natural quanto o que temos neste cartaz. Há também outra maneira importante de categorizar o espaço ou pensar no espaço sempre que você estiver projetando, você pode criar espaços abertos ou fechados. E cada um deles terá um efeito importante sobre como seu design é percebido por nossos espectadores. Os espaços abertos geralmente são mais convidativos. Por que espaços fechados podem conter e manter informações juntas de forma mais rígida. Há alguns grandes exemplos de espaço aberto sendo usado neste quadro, como o Parque Nacional de Utah Arches e a composição de Zurique, na Suíça, onde as letras flutuantes, tendo apenas um muito sombra de gota sutil, estabeleça um grande espaço em branco aberto que é completamente menos borda. Então, parece que podemos entrar neste espaço de qualquer direção. Enquanto aqui com a New York Magazine, temos um limite muito forte, este quadro que fecha tudo, criando este espaço fechado. Portanto, não pense que isso seja menos convidativo ou envolvente de olhar, mas definitivamente definitivamente definitivamente tem um tom diferente de comunicação visual. Outro exemplo em que temos esses quadros muito rígidos mantendo e agrupando o imposto e a maior parte da ilustração juntos, a composição geral ainda não parece muito próxima por causa do pequeno que estão saindo dos quadros. Como essa pessoa aqui, os pássaros voando por esses quadros e até mesmo esta planta aqui saindo do lado direito. Portanto, neste caso, esse efeito sobreposto ou fora dos limites fora do quadro realmente ajuda a abrir a composição que teria acabado sendo muito mais fechada sem eles. E por último, mas não menos importante, outro termo que vale a pena mencionar é Fengshui, que na verdade é usado para design de interiores e arranjos de móveis no espaço. Também gosto de pensar nisso como algo que pode ser usado para composições em design gráfico, que afirma que cada objeto no espaço existe em relação um ao outro e ao seu ambiente. E esta é uma explicação perfeita de como você precisa pensar no espaço em suas composições. Tudo o que você colocar em sua tela ou o que você deixar fora terá um efeito em todos os componentes com os quais você está trabalhando. 4. Profundidade: No vídeo anterior, já estabelecemos quão importante é estabelecer profundidade em suas composições porque essa é a propriedade que falta que não temos em um plano bidimensional sempre que nosso trabalho é aparecer em um pedaço de papel ou tela. Portanto, embora nossa tela sempre tenha altura e largura, não teríamos a profundidade. Então isso é algo que só podemos implicar. E mesmo que já tenhamos aprendido algumas maneiras de fazer isso, agora neste vídeo, veremos alguns exemplos e métodos criativos adicionais que valem a pena discutir e lembrando sempre que você tiver que criar profundidade em suas próprias composições. Então, vamos começar com algo muito simples. Esta visão isométrica de um cubo, que também pode ser chamada de cubo Necker, que é um ótimo exemplo de estabilidade múltipla, onde podemos decidir se estamos olhando para a frente deste objeto aqui ou aqui no topo. Então, se você considerar essa parte aqui mais próxima de nós, isso significa que estamos olhando para esse cubo de baixo. Embora se considerarmos isso mais próximo de nós, parece que estamos olhando para o cubo de cima. Isso é algo que abordamos com muito mais detalhes na seção de psicologia do design quando passamos ou nos princípios da Gestalt. Mas a razão pela qual estou mostrando isso aqui também é porque é uma maneira muito comum de representarmos a profundidade na ilustração. E veremos mais desenhos isométricos mais tarde. Mas, por enquanto, o que eu queria chamar a atenção é embora tenhamos estabelecido profundidade nessa composição, ainda não está claro o que está mais perto e mais longe de nós. E isso se deve à falta de informações visuais. Agora, depois de começar a introduzir formas de campo, as cores e os gradientes são sombreados. Compreender o volume e a profundidade torna-se muito mais fácil. Então, aqui, ninguém estará lutando para entender que esses detalhes são os mais próximos de nós, enquanto esse detalhe aqui está mais longe. Mas mesmo quando você está usando cores e sombreamento, às vezes você ainda pode confundir seus espectadores, intencionalmente ou não. Então, por exemplo, imagine apenas olhando para esta pequena seção aqui. E quando você vê isso por conta própria, você pode realmente ver um cubo de cabeça para baixo, mesmo que na composição atual, isso deveria ser uma área vazia. E fica claro quando olhamos para toda a composição juntos. Mas, mais uma vez, ao extraí-lo, podemos facilmente confundir o espectador confiando no princípio da Gestalt chamado fechamento. Você também pode criar designs interessantes como este onde não há sombreamento, apenas uma única cor, preto é usado. E essas formas triangulares, como cone , nem sequer estão conectadas umas às outras. Mas ainda assim nossa mente se sente imediatamente naquele espaço vazio no meio. E imaginamos que não seja apenas um círculo, mas uma esfera real, que mais uma vez tem volume. Portanto, não só altura e largura, mas também profundidade. E a principal razão pela qual vemos isso é porque esses picos aqui são menores que sentimos que estão mais longe de nós. Enquanto os cones aqui na frente ou maiores, mas também eles têm essas formas elípticas para eles que descrevem que é livre recall espaço vazio. Então, às vezes dicas muito sutis como essas podem ajudar seus espectadores a entender o que você realmente, mesmo em uma forma abstrata como essa. E caso você não seja bom em desenhar ou não ter passado tempo estudando como desenhar fóruns tridimensionais, recomendo passar algum tempo fazendo exatamente isso. Porque acredite em mim, vai ajudá-lo muito a ser capaz de representar profundidade em suas composições, mesmo sem realmente confiar em desenhos ou ilustrações. Agora, quando se trata de composições reais, mostrar ou implicar profundidade não precisa ser avassalador. Então você não precisa exagerá-lo. E como na maioria das vezes, menos é mais. Então, quanto mais sutil você puder ser, mas ainda assim alcançou a profundidade, melhor. E o belo exemplo dessa restrição em ação é esta capa do romance de Zelda Fitzgerald, onde o único detalhe que implica profundidade é essa pequena seção aqui do rosto. Então, em vez de ter mais detalhes saindo do formulário da carta, isso já alcança esse senso de profundidade. E essa é uma ótima opção porque isso naturalmente será um ponto focal. Somos sempre atraídos por olhar para os rostos, mesmo que os vejamos de lado. Aqui está uma composição semelhante, novamente, retrato e uma forma de letra combinados juntos, mas de uma maneira completamente diferente. Aqui podemos ver a imagem completa e a letra V está entrelaçando o retrato, tendo o lado aqui à esquerda indo atrás do rosto e sendo interrompido novamente pelos lábios e pelo queixo. E então o outro lado da letra, está vindo claramente na frente do corpo, mas depois novamente indo um pouco atrás da cabeça. Portanto, essa ação de vir do plano de fundo para o primeiro plano e, novamente, voltar ao fundo cria uma incrível sensação de profundidade. Mas, novamente, como antes, de uma forma muito sutil. 5. Caixas, linhas e sombras: Eu também adoro esse exemplo em que temos essa linha grossa e branca curvilínea interligando, novamente, o modelo na composição. E estou mostrando isso novamente por sua sutileza, porque mesmo que tenhamos uma sombra muito sutil aqui nesta área, o que ajuda a separar essa curva da curva por trás dela. Ainda não temos mais indicações se essa curva ou aquela curva está mais próxima ou mais longe de nós. E a razão pela qual isso não era necessário é por causa de outro princípio da Gestalt estar em uso chamado continuidade, que afirma que o espectador será capaz continuar os detalhes mesmo quando eles não estão completamente visível. Assim, podemos acompanhar essa forma, que claramente é a mais próxima de nós porque está na frente do modelo e depois fica atrás da pessoa. Mas podemos conectá-lo imediatamente a esta outra seção aqui. Então, se o rastrearmos, poderemos dizer que esta seção continua aqui e depois vai mais longe. E muito provavelmente, uma vez que essa forma está começando em primeiro plano e voltando mais para o espaço do que esta seção estaria mais próxima de nós e a outra forma ficaria por baixo dela. Então, se houvesse sombreamento, eu imaginaria que, para aparecer aqui, essa forma lançando sua sombra na outra forma. E além do princípio da contiguidade, isso significa que o princípio da simplicidade também está em uso, que significa que apenas os detalhes muito necessários são introduzidos na composição e tudo o resto é retirado. Você deve se lembrar que eu falei sobre perspectiva atmosférica no vídeo anterior. Esses detalhes mais próximos de nós tendem a se sentir mais quentes e vibrantes em suas cores. E aqui está um exemplo perfeito, apenas para lembrá-lo disso, onde podemos ver que estas são as cores principalmente em uso em primeiro plano nos personagens, enquanto estes mais frios e menos saturados cores usadas em segundo plano. Então, mais uma vez, na montanha, no céu e até mesmo esses detalhes aqui no fundo. E mesmo que isso seja mais importante para ilustração, ele ainda pode ser usado em suas composições de design gráfico. Outra maneira inteligente de alcançar profundidade em suas composições é o uso da textura. Neste caso, temos esses buracos de bala, o que implicaria que há uma janela de vidro ou tela na frente da capa desta revista e tiros foram disparados e aquele vidro quebrou. Mas além dessa textura estabelecendo algo que é o mais próximo de nós, ainda mais profundidade criada dentro da composição por ter o personagem principal, Daniel Craig, James Bond, de pé em frente ao masthead, que é uma técnica muito comum com revistas. E depois, tendo linhas cobertas e o resto da topografia e imagens de suporte na parte superior ou na frente do personagem principal na composição. Então, mesmo sem os buracos de bala, há três planos ou camadas distintos um sobre o outro aqui. E essa camada de textura adicional está adicionando o quarto em cima dela. Aqui está outro ótimo exemplo de implica profundidade com textura. Neste caso, além da perspectiva óbvia que podemos ver nas letras estabelecendo detalhes indo mais longe no espaço. Também temos essa sensação de que essas letras estão em pé na água e isso é conseguido com essa textura distorcida nesses detalhes refletidos para cada uma das formas de letra. Portanto, mesmo que não haja detalhes sobrepostos aqui e também nenhum uso de sombreamento, ainda sentimos que há distância na composição, mas também que há um plano ou uma superfície de água. Adoro soluções simples como essa porque elas são tão eficazes. Então, em vez de usar mais destaques e sombreamento na água, simplesmente implicava ter essas ondulações ou textura nos detalhes refletidos. E por último, mas não menos importante, aqui está outro exemplo de textura usado para criar profundidade. Mas, novamente, parece que há uma janela ou uma tela semitransparente e os detalhes que estão mais longe de nós estão ficando desfocados. Embora o rosto que se sente mais próximo de nós esteja mais próximo dessa tela semitransparente é mais claro ou mais em foco. É uma solução genial para fazer o rosto realmente se destacar do resto dos detalhes e também permitir que a tipografia seja legível em cima desta imagem. Uma vez que todos os detalhes além do rosto estejam desfocados, é fácil colocar o texto em cima deles, porque agora eles interferem muito menos devido ao fato de que agora há baixa frequência em termos de um carga visual. E além de implicar profundidade, textura pode realmente ser usada por vários motivos diferentes no design gráfico. E é por isso que voltaremos a ele e falaremos mais sobre isso em outro vídeo. 6. Sobreposição e sobreposição: Sobreposição ou sobreposição de imagens e tipografia em suas composições podem ajudar também a alcançar profundidade. E também pode ser usado para enfatizar outras coisas, como movimento e escrita. Em alguns casos, você também pode usar essa abordagem para compactar mais informações visuais em uma única composição que, de outra forma, não seria possível. A técnica mais importante em que confiamos quando estamos usando aplicativos de design para poder criar sobreposições e sobreposições entre nossos elementos é o uso de camadas. Eles são fundamentais para todos os projetos de design gráfico. É quase impossível trabalhar sem eles mais. No passado, antes da era digital e da editoração eletrônica, é claro, era muito mais difícil fazer isso porque simplesmente não eram camadas. E a única maneira de os designers gráficos conseguirem fazer isso literalmente cortando as coisas e colocando as coisas uns sobre os outros. Claro, esse é um método muito limitado porque você não pode realmente ajustar a opacidade desses componentes. E também há novos modos de mesclagem que podem ajudar a criar interações interessantes entre suas camadas. Então, definitivamente percorremos um longo caminho desde então. E isso se resume principalmente à simplicidade ou à facilidade de poder trabalhar com camadas que aparecem em muitos projetos de design gráfico. E o uso comum da transparência sendo usado como parte integrante das composições. Porque se você pensar nisso, tanto a sobreposição quanto a sobreposição dependem da visibilidade ou transparência, que pode se tornar um elemento de design ativo, assim como cor, texto e imagens. Então, como sempre neste vídeo, estaremos analisando alguns usos criativos de sobreposições e sobreposições. Mesmo que tenhamos visto alguns exemplos disso nos vídeos anteriores, há muito mais para descobrir aqui e muito mais inspiração juntos que você poderá aplicar em seus projetos. Mencionei modos de mesclagem ou mesclagem de camadas já no início deste vídeo. E isso é algo que podemos ver sendo usado em muitos desses exemplos. No entanto, a mistura nem sempre é necessária. Também podemos simplesmente usar a transparência, o que torna certos elementos mais transparentes do que outros. Assim, por exemplo, o logotipo das fitas PG e também o logotipo MasterCard dependem mais da mistura do que na transparência. E caso você esteja usando os modos de mesclagem com frequência em aplicativos como o Photoshop, você desenvolverá um olho de ser capaz de dizer qual modo de mesclagem está sendo usado. Nesse caso, para as fitas PG, acredito que se multiplique enquanto no MasterCard isso parece mais com sobreposição. É definitivamente uma boa ideia se familiarizar com esses modos de mesclagem. Mas não sinta que você precisa aprender todos eles. Porque dependendo de quais imagens ou componentes você planeja misturar, eles sempre criarão um resultado um pouco diferente. Então, mesmo depois de um ano usando-os, eu ainda experimento e às vezes percorro todos eles antes de decidir qual deles é o que funciona melhor na minha composição. O legal sobre a mistura em vez de usar transparência é que ambos os elementos que você está misturando ainda serão totalmente opacos ou visíveis. E aqui está um ótimo exemplo disso. Mais uma vez, temos a ilustração do scat e também temos o tipo em cima dele. E lembre-se do que eu disse, às vezes estamos usando essa técnica de sobreposição ou sobreposição para poder comprimir mais informações visuais em nossa tela. Nesse caso, usando a técnica de sobreposição, foi possível maximizar o tamanho da ilustração e da topografia. Então, ambos estão preenchendo completamente a tela. E por causa do uso inteligente da sobreposição, ainda podemos ver os dois. Também é como um desafio que você envia aos seus espectadores quando você faz esse tipo de coisa. Então eles têm que trabalhar um pouco mais para dar sentido ao que estão vendo. Porque, claro, isso não é tão claro quanto ter esses dois detalhes um ao lado do outro, mas desde que haja diferença suficiente nas cores dos detalhes que são misturados, não será irritante ou confundindo seus espectadores. Em vez disso, será mais intrigante e envolvente. Observe que, na verdade, há uma pequena dica ou ajuda visual aqui no lado esquerdo deste pôster ditado feito no Japão, que é exatamente os mesmos textos que sobrepostos na composição. Mas esses textos aqui são muito mais fáceis de ler. Então, mesmo que apenas vislumbremos isso por uma fração de segundo, isso nos ajudará a identificar o que podemos ver na topografia maior principal. E neste caso, não é apenas a sobreposição que dificulta a leitura do texto, já que a legibilidade é ainda mais reduzida ou diminuída por ter as três palavras feitas no Japão mesclado fisicamente um com o outro. Então, por exemplo, a letra a, que podemos ver aqui é usada tanto para a palavra feita quanto para o Japão aqui na parte inferior. Mas observe que até a palavra em está conectada ao outro personagem final na palavra Japão. E se isso não bastasse, há até outro pequeno detalhe interessante aqui. O caractere E na palavra feita na verdade tem duas barras em vez de apenas uma. E não sei por que isso era necessário, especialmente porque essas lacunas aqui não são iguais. Então, o do meio é mais largo que os outros dois. A única coisa que consigo pensar é que sem essas duas barras, isso teria sido um pouco de espaço negativo demais aqui no topo em comparação com o resto da composição. Então, provavelmente era necessário alcançar o equilíbrio visual certo. Voltando à mistura, acredito novamente, isso é multiplicar ou pode ser leve, ou talvez até sobreposição, não um 100% de certeza. No entanto, ter essas cores complementares sobrepostas umas sobre as outras realmente nos ajuda a separar as duas camadas que estamos vendo umas sobre as outras, as coisas podem ficar ainda mais interessante quando você começar a combinar, sobrepor e sobrepor em uma única composição. Então, neste caso, é uma combinação muito semelhante. Até as cores são semelhantes. E podemos ver que a mistura está acontecendo em certas áreas, como aqui, aqui, ali, e assim por diante e assim por diante. Onde quer que você veja essa cor azul mais escura, é aí que ambas as palavras altas e cinco são visíveis ao mesmo tempo devido à sobreposição ou mesclagem. Mas observe que também há sobreposição acontecendo aqui porque em algumas partes as duas palavras estão realmente se encobrindo. Como neste caso aqui, o texto azul está desaparecendo atrás do vermelho. A mesma coisa acontecendo aqui. Mais uma vez, o texto azul está atrás do vermelho. E se você gastar um pouco mais de tempo analisando todos os detalhes entrelaçados aqui, você perceberá que toda vez o texto azul estiver chegando na frente, ele vai se misturar com o vermelho texto. Enquanto o texto vermelho é totalmente opaco e não está se misturando com os textos azuis sempre que isso estiver em segundo plano. Portanto, é importante que você esteja trabalhando com vários efeitos, neste caso, sobreposições e sobreposições, que você siga uma regra específica. Nesse caso, mantendo uma palavra opaca e apenas a outra sendo usada para mesclagem. Caso contrário, se não houver sistema, ele pode ficar confuso e você poderá perder os interesses de seus espectadores. 7. À frente ou atrás: Aqui está outro ótimo exemplo de sobreposição de coisas umas sobre as outras. Nesse caso, a mistura não era necessária principalmente por causa da diferença nas duas coisas que estão em cima uma da outra. Portanto, há um enorme contraste entre essa linha fina arte da preguiça e a tipografia branca grossa por trás dela. E na verdade não está claro o que está na frente e o que está por trás. Principalmente, eu consideraria isso em primeiro plano porque é maior. E se você se lembra, quando pensamos no espaço, o que for maior, sempre se sente mais perto de nós. Agora, há uma coisa que você realmente precisa prestar atenção quando começar a sobrepor ou sobrepor coisas umas sobre as outras. E essas são as tangentes em sua composição. E esta é, na verdade, uma área que abordaremos com muito mais detalhes nesse tópico. Mas, essencialmente, o que isso significa é que você tem evitar detalhes de diferentes elementos entrando em conflito entre si ou que suas bordas encontrem exatamente na mesma posição. Porque isso pode acabar sendo confuso e distração, sem saber o que está realmente mais perto e mais longe de nós. Então, neste caso, devido ao alto contraste entre os dois elementos que estão um sobre o outro. Não precisamos pensar muito sobre tangentes. Mas ainda assim, acredito que esta área aqui fica um pouco perto demais uma da outra. Então, o topo do O está perfeitamente alinhado. Duas características importantes das preguiças, como o nariz e os olhos. Então, se dependesse de mim, eu teria movido a preguiça um pouco mais alto para que esses detalhes não estejam em conflito com essa linha do o in pode ter sido uma decisão intencional para colocá-lo exatamente lá. No entanto, isso já seria considerado tangente sutil, mas ainda perceptível. Se eu fosse muito exigente e crítico, diria que há outra pequena tangente aqui. Mais uma vez, a linha que encontra o canto desta carta exatamente nesse ponto. E mesmo essa pequena linha aqui está quase seguindo exatamente o final ou coordenador desta carta aqui à esquerda. E a mesma coisa está acontecendo aqui e aqui. Mais uma vez, a linha é perfeitamente tangente às curvas da tipografia. Então, por exemplo, dê uma olhada nesta ilustração aqui. A maneira como esses vegetais são sobrepostos uns sobre os outros e novamente, misturados entre si , permite que eles roubem todos sejam visíveis e reconhecíveis, mesmo neste altamente estilizado ou abstraído versão. Mas, para garantir que fique claro que eles estão um sobre o outro, mesmo que possamos ver através deles, o designer ou ilustrador garantiu que não haja tangentes nessa composição. Então, por exemplo, a cenoura e a cebola neste lugar aqui têm uma sobreposição óbvia. Bem, imagine se a cenoura fosse empurrada um pouco para a esquerda e houvesse uma tensão lá. Então, imediatamente, perderíamos essa sensação de profundidade e as coisas começariam a parecer muito planas. Então você está confiando apenas na sobreposição e não sobrepondo as coisas. Então você ainda pode introduzir alguns efeitos sutis como sombras para indicar espaço e profundidade. Neste caso, temos o conjunto de ferramentas de tipo perfeito além daquela letra na parte de trás, que é definida em vermelho. Mas observe que algumas dessas letras têm algum sombreamento sutil nelas. É mais perceptível aqui no w, também pode vê-lo um pouco aqui no vermelho, e talvez um pouco aqui no M. Novamente, quando você estiver introduzindo efeitos como este, certifique-se de que você está muito sutil com ele. Portanto, use a menor quantidade necessária. Então, digamos que você tenha uma camada criada para a sombra definida como 100% de opacidade. Eu voltaria até 0%, aumentando lentamente até que já seja suficiente para ser perceptível. A primeira vez que você pode começar a ver , será suficiente em comparação com ir de 100% para baixo lentamente até que você pense ou acredite que se tornou sutil o suficiente. Então vá de 0% para cima lentamente em vez de fazê-lo do outro lado. Lembre-se, no início, mencionei que você pode alcançar movimento sobrepondo ou sobrepondo coisas umas sobre as outras. E neste caso, é um exemplo brilhante da mesma imagem. Use três vezes em cores diferentes misturadas. E simplesmente por tê-los girados dentro da composição, simula tão ligeiramente aquele movimento que esperaríamos ver quando olhamos para o ciclista subindo uma colina e lutando, inclinando-se para a esquerda e para a direita. Esse tipo de composição funciona bem quando você está prestando atenção aos detalhes repetidos, neste caso, o banco está próximo um do outro. Então, temos uma âncora visual na composição e as coisas não ficarão muito confusas. Aqui temos outro exemplo brilhante de quatro imagens completamente diferentes usando cores diferentes misturadas entre si. E essas cores são, na verdade as cores da tinta usadas na impressão. Ciano, magenta, amarelo e preto. E o que torna essa composição realmente envolvente, creio eu, é que temos a configuração de imagem principal preta, que parece a mais forte ou que tem o peso mais visual, sendo muito estático e centrado pelas outras três imagens são muito mais dinâmicas. E há mesmo na trajetória aqui que podemos notar. Então, quase parece que a composição tem um movimento da esquerda para a direita. Tenho certeza de que você viu exemplos desses tipos de composições em que você tem duas coisas completamente diferentes expostas umas sobre as outras. Isso é chamado de exposição múltipla na fotografia. No entanto, tornou-se uma tendência no design gráfico. E agora há tantos usos criativos diferentes que você pode encontrar esse método específico. E eu realmente gosto desse exemplo porque antes de tudo, ele usa o rosto de uma mulher, que é sempre uma ótima maneira de chamar a atenção das pessoas. Mas então também tem os livros relacionados com o tópico. Nesse caso, vocês fizeram. Trata-se de ler. Para alcançar esse tipo de efeito, você não precisa usar modos de mesclagem. Você só precisa alinhar as duas camadas uma sobre a outra e usar máscaras de camada para mostrar e ocultar certas partes de cada uma de suas camadas. Portanto, no caso de alterar a opacidade de cada camada, você precisa reduzir gradualmente a visibilidade dos itens. Portanto, enquanto o rosto estiver totalmente visível no lado esquerdo e os livros estão totalmente visíveis no lado direito. Eles estão se alimentando lentamente. Mas essa transição não é como um gradiente linear porque podemos ver os livros mais no topo, enquanto na parte inferior, eles estão desaparecendo muito mais rápido. Voltando para a mistura e o efeito de sobreposição, você também pode ser extremamente inteligente e criativo na maneira como você o usa em suas composições. Como no caso deste cartaz do Clube da Luta. Mas o perfil dos dois atores principais é misturado. E a mistura resultante aqui no meio, na verdade, forma a silhueta ou a fase do terceiro personagem do filme foi interpretada por Helena bone e Carter. Algo assim, é claro, é muito difícil de conseguir porque você precisa realmente encontrar as imagens certas para esse tipo de composição funcionar. Mas quando isso acontece, cria um design muito atraente e atraente. 8. Forma e forma: Todo designer gráfico deve aprender a trabalhar e aproveitar ao máximo formas e formas em suas composições. Neste vídeo, abordaremos alguns termos importantes com os quais você deve estar familiarizado. Mas também veremos alguns exemplos incríveis e criativos. Enquanto formas e formas desempenham um papel importante. Então, antes de tudo, a diferença entre forma e forma é que estamos falando de formas quando elas são bidimensionais, círculos, retângulos, triângulos e até linhas. Enquanto as formas são objetos tridimensionais, como cubos, esferas, cilindros, cones e assim por diante e assim por diante. Adoro este projeto onde podemos ver a fotografia e a composição originais aqui no canto superior esquerdo. E então, aqui no lado direito, vemos uma versão abstrata estilizada que usa fóruns. E então, na parte inferior, uma versão abstrata adicional, que depende apenas de formas. Em formas e formas da vida real são muito diferentes umas das outras. Enquanto no design gráfico, formas e formas ainda são representadas em um plano bidimensional, na página impressa ou em uma tela. E temos que confiar em coisas como sombreamento e perspectiva para garantir que a forma ainda pareça tridimensional. E isso é algo que já falamos. Isso está implicando espaço ou implicando os fóruns tridimensionais. Mas mesmo quando você está trabalhando com formas, você ainda pode implicar profundidade. Por exemplo, novamente, usando sombreamento ou até textura no caso dessa composição. Outro termo importante que vale a pena lembrar quando falamos de formas é se algo é positivo ou negativo. A maneira mais fácil de explicar isso é que, quando você olha para formas positivas, elas têm detalhes dentro delas, enquanto uma forma negativa só tem um contorno. Então, no caso dessa composição, por exemplo, vemos algumas formas positivas como aquele triângulo preto ou esses triângulos com as imagens de pessoas dentro deles. E estes são combinados com todos esses triângulos sobrepostos sobre eles, que estão usando apenas um contorno fino. E esses são os que chamaríamos de formas negativas. No vídeo anterior, discutimos sobreposição de objetos sobrepostos uns sobre os outros. E aqui você pode ver um ótimo exemplo novamente, de sobrepor formas positivas e negativas umas sobre as outras podem criar uma composição muito intrigante e equilibrada. Claro, você não precisa combinar formas negativas e positivas o tempo todo. Você também pode simplesmente confiar em formas negativas e ainda criar uma composição interessante , como neste caso, novamente, só vemos os contornos dessa forma e todos os outros detalhes ao seu redor. E o que torna isso ainda mais interessante é que também podemos ver o contorno e ser um círculo perfeito, mesmo que não haja linha real mantendo as coisas juntas. Então, em certo sentido, aquele círculo que nem está lá, só estamos imaginando que nem sequer é uma forma negativa. É menos do que isso. Pode ser considerado uma forma oculta. E lembre-se, o fechamento é um dos princípios da Gestalt que pode tornar os projetos interessantes. Novamente, estamos confiando em nosso espectador para imaginar esses detalhes que faltam e conectar os elementos que eles veem. Ambas as formas e formas podem ser categorizadas como orgânicas ou geométricas, o que às vezes também é chamado de inorgânico. E nesta composição podemos ver um ótimo emparelhamento de forma S e fóruns. Então temos esse círculo aqui, que é uma forma, e então temos essas formas líquidas tridimensionais. E enquanto o círculo no fundo é uma forma geométrica, esse líquido aqui em primeiro plano é uma forma orgânica. Qualquer coisa pode ser considerada orgânica, seja, mais do que apenas a combinação das formas geométricas simples ou formas geométricas. Mas outro atributo muito comum que associaríamos formas e formas orgânicas é que seu contorno é composto principalmente de curvas. E mesmo que tenham cantos, geralmente são arredondados. Aqui temos outro bom exemplo de novo, uma combinação de formas geométricas e orgânicas. Esses círculos e as linhas, todas as formas geométricas. Enquanto aqui temos uma forma orgânica. Isso também é considerado uma forma orgânica. Novamente, mesmo que não tenha um esboço, ainda veríamos isso como uma forma. E então também há outra forma orgânica aqui no canto superior esquerdo, equilibrando bem o que temos aqui à direita, e também ajudando a criar essa composição diagonal. Agora, mesmo quando estamos olhando para fotografias como neste caso, essa senhora aqui ou as flores atrás dela. Também podemos considerar essas formas orgânicas. Portanto, esses termos ainda se aplicam mesmo quando estamos pensando em três dimensões. 9. Primitivos ou composto: Outra maneira importante categorizar formas é que sejam elas primitivas ou formas geométricas simples, mais uma vez, círculos, triângulos, quadrados ou as formas compostas de várias formas se fundem. Então, no caso deste cartaz, por exemplo, vemos muitos triângulos uns sobre os outros, mas estes ainda seriam considerados individualmente como formas primitivas ou simples. Enquanto a topografia e as letras já podem ser consideradas individualmente como formas compostas. Por exemplo, a letra e pode ser composta de quatro retângulos, 123 e quatro. Então você pode imaginar isso e todas as outras letras formadas a partir de formas simples. E há alguns ótimos exemplos no design do logotipo em que você pode criar formas compostas interessantes simplesmente simplesmente implicando-as, colocando algumas formas simples ou primitivas próximas umas das outras . Neste caso, temos esses retângulos exibidos em uma simetria radial e eles formam um espaço negativo interessante que está realmente se tornando outra forma, essa estrela, que por padrão seria considerado uma forma composta. Aqui está outro exemplo que é mais tridimensional graças a esses gradientes e ao sombreamento. Mas se você considerar isso como uma linha simples e grossa que foi torcida e dobrada em si mesma. Então, mais uma vez, tivemos originalmente uma forma tão simples que então criamos uma forma composta na forma final ou composta, se pensarmos nisso como sendo tridimensional. E aqui está outro ótimo exemplo de logotipo. Bem, podemos ver que, mesmo dentro de um objeto individual, podemos fazer a transição perfeita entre uma forma geométrica e orgânica. Então, podemos considerar que isso é uma esfera se imaginarmos que ela esteja fechada. Mas também podemos ver essa espiral líquida que continua subindo e envolvendo essa esfera invisível. Então, até agora, você já pode ver o padrão que os interesses visuais podem ser alcançados, geralmente combinando coisas contrastantes, sejam elas formas negativas e positivas, formas orgânicas e geométricas, ou formas simples e compostas. E outro termo que vale a pena lembrar, especialmente se você estiver interessado em projetar ícones, formas abstratas, que novamente, são uma forma de formas compostas. Ou especificamente para criar uma representação simplificada de formas ou formas da vida real e símbolos como esses sinais de banheiro são exemplos perfeitos de formas abstratas. Portanto, mesmo que sejam extremamente simplificados em comparação com o que estão representando, eles podem ser reconhecidos pelo selo. E a vantagem desse processo de simplificação é que eles se tornam muito mais universais. Portanto, só podemos nos associar aos gêneros desses dois personagens, mas não podemos ver sua idade, sua etnia ou quaisquer outros atributos. E, finalmente, é importante mencionar que existe na verdade, psicologia das formas. Então, todas as formas primitivas têm sentimentos associados a elas. E o melhor exemplo para entender isso é se você pensar de dentro para fora o filme da Pixar, onde todos os personagens têm traços e personalidades muito distintos. Mas quando você olha para o design deles, você pode ver que eles também são compostos das formas acima deles. Então a raiva quase parece um quadrado simples, enquanto a tristeza parece um círculo ou elipse, nojo é porta-copos provavelmente para um triângulo, principalmente devido à saia que ela está usando. Enquanto a alegria e o medo são compostos por formas e associações um pouco mais complexas. Então, parece mais um ponto de interrogação. Então podemos ver essa forma anterior, tanto em seu corpo, mas mesmo em seu cabelo. Temos esse tipo de tipo de ponto de interrogação, forma. E a alegria geralmente parece história, especialmente quando ela está espalhando os braços e as pernas, ficando animada o tempo todo. Neste quadro, tenho uma lista dos atributos ou características mais comumente associados que pensaríamos quando estamos olhando para primitivas específicas. E você pode ver que há até uma grande diferença entre ver linhas horizontais e verticais. Portanto, enquanto uma linha horizontal pode significar se mover pelo tempo, uma linha vertical parece mais estável ou estática e isso pode significar comprometimento. Por exemplo, círculos e formas redondas geralmente têm uma vibração emocional positiva para eles, e é por isso que eles são tão comumente usados em ilustrações para crianças. Então, mais uma vez, podemos ver mesmo dessas formas muito simples, ainda podemos reconhecer esses animais. E também temos esse grande exemplo da baleia formada dentro de um círculo. Então, neste caso, essas formas redondas estão ajudando a tornar tudo mais bonito, amigável ou convidativo. E mesmo com a tipografia, você pode fazer uso dessas conotações ou associações com os traços que mencionei anteriormente. Neste caso, as longas linhas verticais e também o ângulo afiado aqui na parte inferior tornam essa composição bastante dramática. E essa forma pode simbolizar força, poder ou bravura. Por este design, composto completamente de tipografia, parece muito mais sólido, estático e equilibrado, principalmente graças ao fato de formar um quadrado perfeito, mas também os cantos redondos sutis ajudam a torna isso um pouco mais acessível em comparação com o design anterior. E uma última coisa que eu queria mencionar é que você também pode usar a justaposição quando você está mostrando certos itens com os quais estamos familiarizados de uma maneira completamente diferente, como este crânio ou a bola de golfe se transformou em um cubo ou um quadrado. Criar versões incomuns de objetos familiares sempre pode criar um ótimo valor de choque, o que definitivamente chamará a atenção dos seus espectadores. 10. Textura : É fácil ignorar a textura como um elemento de design. No entanto, quando é usado de forma inteligente em composições, ele pode criar contraste e profundidade e até mesmo evocar emoções de nossos espectadores. Agora, assim como todo o resto no design, você nunca deve usar textura apenas por causa disso. Ele deve sempre reforçar e apoiar a mensagem de sua composição porque não somos usados corretamente, as texturas podem facilmente acabar se tornando distrativas. O que eu realmente gosto sobre texturas e a razão pela qual eu gosto de usá-las no meu trabalho é que normalmente só podemos confiar na visão de nossos espectadores. Então, as pessoas olham para o design que criamos. Esse é o único sentido que eles estão usando. No entanto, depois de introduzir a textura, seja ela física ou virtual, você estará confiando na sensação de toque deles. E na vida real, agora só podemos sentir as coisas com nossas mãos, mas qualquer coisa que toque nossa pele, reagiremos a essa sensação é incrivelmente sensível. Você pode até sentir um único cabelo caindo em sua mão, por exemplo. Então, mesmo quando você está apenas mostrando ou implicando texturas em suas composições, experiência passada do espectador de interagir com essas texturas será lembrada. E sua experiência visual de olhar para o seu design será enriquecida com a sensação de toque que eles estão imaginando em sua cabeça. Agora mencionei que, no design gráfico, as texturas também podem ser táteis e físicas e são apenas virtuais. Então, isso é algo que eles podem realmente experimentar e tocar. Um bom exemplo disso, uma técnica de impressão especial é um chefe. E o chefe quando você tem certos detalhes, como topografia pressionada no papel ou perfurada. E isso pode até ser combinado com tintas especiais usadas nas mesmas áreas, o que novamente pode aumentar o contraste como neste exemplo, onde temos o papelão bruto ao lado desses divorciados ou pressionados tipografia abordada nesta tinta metálica especial no tópico de design de impressão, falaremos muito mais sobre essas e várias outras técnicas de impressão que podem ajudar a tornar sua composição mais e envolvente em comparação com texturas táteis e físicas para as quais temos que confiar nessas técnicas especiais de impressão. Você também pode usar texturas digitais onde você está apenas implicando certos materiais. Isso é novamente semelhante a implicar profundidade com todas as técnicas que já abordamos. E certas texturas como esta cortina de plástico também podem adicionar profundidade à composição. Sempre que você estiver decidindo usar uma textura em sua composição, você sempre deve pensar em suas qualidades. Nesse caso, a textura é muito reflexiva e vai captar qualquer luz no ambiente. E na verdade está funcionando incrivelmente bem neste caso, porque podemos ver aquela luz roxa refletida que, de outra forma, não será visível porque não há mais nada em segundo plano que faria indicado de outra forma. É uma prática muito comum para anúncios, especialmente para bebidas e sucos, que veríamos alguma forma de líquido também usada como textura na composição. Como aqui, temos todas essas pequenas gotas adoráveis ao lado das fatias de laranjas. E neste caso, não só as gotas podem ser consideradas texturas, mas até mesmo as próprias laranjas. E nesses casos, além da sensação de visão e toque, também estamos desencadeando a sensação de paladar. Portanto, mostrar comida deliciosa ou mesmo ingredientes de uma bebida é sempre uma ótima maneira de chamar a atenção dos espectadores e deixá-los sedentos ou com fome. 11. Líquidos: Aqui podemos ver algumas texturas virtuais muito legais aplicadas à topografia. A maioria deles está simulando líquidos. Como neste caso, temos uma representação bidimensional do líquido. Enquanto aqui temos uma renderização 3D mostrando essa forma orgânica abstrata de algum tipo de líquido. Parece mais com óleo. Então temos outra letra digital legal aqui, que simula tinta pingando. E muito semelhante a isso, esta composição que diz sujo é uma combinação muito legal de algo que é completamente digital, que é a letra manual, mas combinada com um real de uma mão ficando suja, torna toda a composição muito mais poderosa e impactante. renderizações 3d também são comumente usadas para introduzir texturas no trabalho, você pode encontrar muitos exemplos diferentes disso, como este peludo e porcentagem aqui à direita, que parece tão suave e você apenas quer cortar a liderança como um ursinho de pelúcia. E novamente, para aumentar os interesses visuais, você sempre pode combinar texturas completamente diferentes e contrastantes como aqui temos essa textura muito macia em um dos fóruns. Pelo outro parece muito mais nítido, mais rígido e mais frio. Aqui está outra composição interessante que mostra que você nem precisa introduzir duas texturas diferentes para criar contraste. Porque, aplicando a textura apenas em uma seção, neste caso, 1,5 da composição, criamos imediatamente um grande contraste entre os dois lados. E como temos alguma topografia neste cartaz, também vale a pena mencionar que até o texto forma textura em seu trabalho, o que você normalmente não pensaria porque todos estão, antes de tudo, lendo o imposto que é colocado em uma composição. Mas quando os textos ficam distorcidos ou até giram 90 graus como aqui, é mais fácil se concentrar na qualidade textural do texto, que depende principalmente do tipo de letra que você usa em seu trabalho. E também coisas como o rastreamento ou o espaçamento entre letras, o espaçamento principal ou entre linhas e, claro, cor, escala e até mesmo a posição do texto dentro da composição. Neste caso particular, acredito que o designer escolheu intencionalmente esse tipo de letra ousado e volumoso, que virou 90 graus para o lado, ainda lê perfeitamente em alemão, o idioma que está configurando. No entanto, devido à sua espessura e orientação, também pode nos lembrar caracteres japoneses escritos verticalmente em vez de horizontalmente. Apenas tentei apertar os olhos e você provavelmente poderá imaginar os personagens japoneses. A textura virtual também é algo que é muito comumente usado na ilustração digital para simular mídias tradicionais, como tinta ou lápis de cera no Canvas. Então, por exemplo, aqui podemos ver uma ilustração sem nenhuma textura. E então, uma vez que introduzimos a textura se torna muito mais interessante e parece mais natural. Pode ajudar a reduzir a rigidez e a estrutura das ilustrações vetoriais. Aqui está outro bom exemplo de uma ilustração que depende muito de texturas. E adoro o fato de que a área central se torna o ponto focal, não só por tê-la definida em uma cor contrastante com o ambiente, mas também por não ter nenhuma textura nela. Então, mesmo que vejamos textura por toda parte, essa parte central aqui está completamente limpa. E mesmo que as texturas sejam completamente virtuais e tudo esteja em um formato digital, ainda nos dá a mesma sensação quando estamos tocando diferentes texturas em um formato impresso. Por último, mas não menos importante, também vale a pena mencionar outro termo útil que você possa ouvir, especialmente se você entrar em web design ou design de UX. É skeuomorfismo, que é uma técnica usada para simular objetos da vida real. Houve uma grande tendência em que todos os ícones foram criados com isso. E aqui podemos ver uma comparação dos ícones antigos usando skeuomorfismo fora de cada um. Provavelmente os mais realistas são os nós e o novo padrão, que ambos mostraram esses objetos em 3D, mesmo estando restritos neste pequeno formato quadrado. Mas, o mais importante, eles também implicavam texturas dos objetos originais. Neste caso, o papel aqui é o voto de que a estante é feita e compará-la a essa direção completamente diferente é o design plano onde todos esses detalhes skeuomórficos são removidos. Tendências no design gráfico vêm e vão como na moda. Então você não deve ignorar algo só porque atualmente não está sendo usado ou não está na moda. E na maioria das vezes quando algo se sente desatualizado, eventualmente voltará e se tornará na moda novamente, talvez com a combinação de outro estilo. 12. Perspectiva: Perspectiva é um termo que na maioria das vezes você ouviria mencionado no contexto da arquitetura, desenho, ilustração ou fotografia. No entanto, também desempenha um papel muito crucial no design gráfico. É também uma maneira de simular a profundidade que experimentamos na vida real em nossas composições. Mas também pode adicionar muito dinamismo e impulso aos nossos projetos para entender a perspectiva, primeiro lugar, precisamos entender o termo ponto de fuga, que é um ponto no espaço. Todas as linhas paralelas recuadas parecem convergir. Então, para dar sentido a isso, no caso desta primeira composição aqui, o cartaz de culpa, teríamos um ponto de fuga em algum lugar por aqui, próximo a esse ponto focal na composição em que os homens em pé a porta. Mas o importante aqui é que se conectarmos essas duas linhas que deveriam ser paralelas umas às outras, onde quer que elas se encontrem, em algum lugar à distância, isso será um ponto de fuga. Agora, quando você estiver usando a perspectiva em seus projetos, você pode decidir quantos pontos de fuga você não gostaria de usar. Um único ponto de fuga já é suficiente para fazer com que as coisas se sintam realistas. No caso dessas fotografias aqui no lado esquerdo, você verá principalmente o ponto de fuga no meio, mas todas as linhas paralelas recuadas estão convergindo para. Assim, podemos ver essas linhas apontando para lá. Então, aqueles à direita e até mesmo as árvores sentem que estão apontando todos para a mesma posição. A mesma coisa que podemos ver aqui, um ponto de fuga óbvio ou assim alinhado ao horizonte. Mas mesmo quando estamos olhando para os arranha-céus, poderemos encontrar esse ponto de fuga mais uma vez, todas essas linhas paralelas estariam convergindo para. E, finalmente, mais uma fotografia onde, novamente, você poderá encontrar o ponto de fuga dessa perspectiva de um ponto muito facilmente para ajudá-lo a imaginar como os pontos de fuga funcionam, aqui estão alguns exemplos simples. Então, antes de tudo, podemos ver a perspectiva de um ponto, novamente, o ponto de fuga sendo no meio, seguido pela perspectiva de dois pontos, onde temos um ponto de fuga no esquerda e outra à direita. Então, comparado com a perspectiva de um ponto, onde as linhas horizontais ainda eram completamente retas. Aqui, linhas paralelas horizontais também começam a recuar para o espaço em ambas as direções. Mas observe como as linhas verticais ainda são retas. No entanto, uma vez que introduzimos um terceiro ponto de fuga, como neste caso, temos dois e depois há o terceiro. Mesmo as linhas verticais começarão a diminuir e convergir no espaço. Usar a perspectiva de três pontos é uma ótima maneira de enfatizar a altura. E dependendo se você colocar seu terceiro ponto de fuga abaixo do nível do horizonte ou acima, você poderá criar um ponto de vista completamente diferente aqui, quando o terceiro ponto de fuga é colocado acima da linha do horizonte, teríamos a visão do sapo quando estamos olhando para cima em direção às coisas. E mesmo que eles não sejam objetos totais, se você tiver os pontos de fuga próximos um do outro, você teria uma distorção extrema, o que poderia fazer as coisas parecerem muito mais altas do que elas realmente são. E, por outro lado, se você colocar seu terceiro ponto de fuga abaixo da linha do horizonte, você teria a visão panorâmica quando estiver olhando para as coisas, isso pode ser usado se você quiser exiba muitas coisas e você quer ter certeza de que todas elas se encaixam na sua composição. E este é provavelmente o melhor tipo de visão em perspectiva, que pode cobrir a maior distância dentro de uma composição. Agora, caso você queira tornar as coisas ainda mais complicadas, você pode até ir além de três pontos de fuga dentro uma composição como este desenho, na verdade , usa uma visão de perspectiva de cinco pontos, onde temos os quatro pontos de fuga aqui nas bordas desta esfera. E então o quinto estaria aqui no meio. E se você quiser ver essa perspectiva mais complexa em ação, eu recomendo que você confira o trabalho do incrível artista coreano chamado Kim UMG. Aqui você pode ver dois de seus desenhos incrivelmente complexos. E o inacreditável sobre ele é que ele está desenhando tudo isso completamente de sua imaginação e sem nenhum esboço. Então ele tem tudo já planejado na cabeça quando começou a desenhar. E na maioria das vezes ele está desenhando com tinta. Portanto, nem sequer está usando uma borracha. 13. Linhas de desaparecimento: Mas como este curso é sobre design gráfico, vamos voltar a alguns exemplos muito criativos de uma vez, perspectiva sendo usada. Como com este cartaz do Tour de France, podemos ver claramente essas linhas paralelas. Nesse caso, essas são linhas de movimento exageradas. Podemos ver aqui, o que realmente enfatiza a velocidade e o poder do ciclista. E a grande coisa sobre essa composição é que o ponto de fuga novamente, é colocado perto desses marcos, da Torre Eiffel e do Arco do Triunfo. Neste quadro, você encontrará muitos outros ótimos exemplos Onde perspectiva é usada principalmente para enfatizar o movimento e a velocidade. Como com o cartaz dos carros, mais uma vez, temos uma distorção muito extrema, amplificada ainda mais pelo fato de que o carro está tão perto de nós. E quando chegarmos à hierarquia de Tópicos, falaremos muito sobre dominância e ênfase. Este é, na verdade, um exemplo perfeito de mostrar dominância dentro uma composição em que a característica dominante é a visão do pneu e da perspectiva, especialmente onde os pontos de fuga estão próximos para o outro, podem resultar em distorções extremas que podem ajudar a encaixar mais informações em uma composição e realmente destacar os detalhes específicos como este. A mesma coisa que podemos ver aqui neste cartaz. Mas além de ter o ponto de fuga, novamente, em um forte ponto focal onde o sol está, também temos todas essas linhas de movimento amplificando o efeito da perspectiva. E ao colocar esse detalhe sobre a deficiência desse personagem tão perto de nós dentro dessa distorção extrema, o torna muito maior do que parece normalmente quando uma forte distorção como essa é usada . Também é importante aprender outro termo chamado encurtamento, que explica as diferenças nas proporções e nos ajuda a entender o que estamos vendo. Você nem sempre precisa confiar em ilustrações. Se você quiser introduzir a perspectiva em suas composições. Você pode ver alguns exemplos aqui onde é principalmente a topografia que cria a perspectiva, como neste cartaz, temos esses textos de esboço simples em 3D usando uma perspectiva de dois pontos. E porque estamos vendo esses personagens de baixo, isso significa que a linha do horizonte deve estar em algum lugar embaixo deles. E então outra técnica usada aqui que também pode tornar composições como essa mais interessantes é que, na verdade a linha do horizonte provavelmente está em um ângulo. Eu diria algo assim. E a maneira como posso dizer isso é porque as linhas verticais que supostamente devem ser retas também estão em um ângulo. Agora eu não tenho 100% de certeza, mas pode até haver um terceiro ponto de fuga aqui. Então, se conectássemos todas essas linhas verticais, e se elas aparecerem recuar no espaço, poderíamos encontrar um terceiro ponto de poderíamos encontrar fuga em algum lugar aqui em cima, o que novamente, como você se lembra, pode ajudar a fazer as coisas se sentirem muito maiores do que a arte, especialmente a partir desse ângulo, olhando para elas de baixo, falaremos mais sobre pontos de vista assim que chegarmos ao tópico do equilíbrio. Mas, por enquanto, vamos dar uma olhada em alguns outros exemplos como este. Mais uma vez, confiando principalmente na tipografia para alcançar a perspectiva ou esse layout com o texto amplificar usando uma distorção extrema. E mesmo no design do logotipo, perspectiva pode ser usada como com esta, a imagem de construções. E adoro o quão inteligente esse design é. Porque não só podemos ver que existem esses cubos em perspectiva e tendo novamente, um ponto de fuga em algum lugar aqui no espaço. Mas também depende do princípio de design do fechamento porque esses detalhes não estão conectados. É somente nossa mente que conecta os detalhes que faltam. Mas o mais importante, e o que torna isso realmente inteligente é que também temos esses números aqui. Número um, que é o que o conecta ao nome de marca real um, construções. Agora, embora a perspectiva possa nos ajudar a simular o espaço tridimensional, visões axonométricas são consideradas algumas coisas mais semelhantes às 2,5 dimensões. É algo que não é completamente natural. Não é algo que você veria na vida real, mas ainda os entendemos representando altura, largura e profundidade, ainda mais fácil do que composições usando perspectiva, você pode pensar em axonométrica projeções como versão simplificada da perspectiva. E o que torna essas visualizações únicas é que não há distorções. Portanto, não há linhas recuadas nem pontos de fuga, o que significa que os objetos à medida que eles se afastam no espaço não ficam menores. Então, aqui está um bom exemplo de uma projeção axonométrica em que temos todas as quatro letras exatamente do mesmo tamanho, mesmo que pareça que T está mais longe de nós, ainda é exatamente do mesmo tamanho como a letra E na frente. E esta é, na verdade a projeção axonométrica mais comum. que chamamos de vista isométrica, onde os ângulos para mostrar os três lados, esquerda, direita e superior são iguais. Então, aqui está uma comparação simples dos diferentes tipos de projeções axonométricas. E este é o isométrico onde, como você pode ver aqui, é o ângulo de 30 graus usado para mostrar o lado esquerdo do objeto. E esse ângulo seria igual, isso seria novamente 30 graus. Mas para visualizações isométricas, você também precisa ter certeza de que o mesmo comprimento verticalmente será igual aos outros dois lados do cubo. Então, todos os lados terão exatamente o mesmo comprimento Em comparação com isso. Na visão diamétrica, a altura não terá o mesmo comprimento. Portanto, já existe uma distorção sutil, mas ainda não há linhas recuadas. Portanto, isso não introduz a perspectiva, apenas muda o ponto de vista da projeção. E, finalmente, em projeções axonométricas trigométricas, você teria todos os lados do cubo ligeiramente diferentes em comprimento. Portanto, esta borda aqui não é igual à borda vertical, e também não são iguais à borda do lado direito. Aqui está outro exemplo comparando as três opções de projeção axonométrica que você pode usar das quais a mais comum deve ser a visão isométrica. Isso é o que você veria na maioria das vezes em design gráfico e ilustração. Um dos meus exemplos favoritos para visão isométrica tem que ser o jogo móvel chamado Monument Valley. Na verdade, há dois desses no momento da gravação deste vídeo. E a razão pela qual eu gosto deste jogo porque ele exibe e usa a estranha ilusão de ótica de que uma linha que nos sentimos conectados como esta plataforma aqui, ela começa a estar na parte inferior desta torre. Mas, no final, sem realmente mostrar nenhum aumento de altitude ou altura, ele acaba se conectando ao centro da torre. Então, de alguma forma, consegue subir tanto assim, mais uma vez sem mostrar nenhuma mudança de altura, mesmo esse pequeno detalhe aqui, esta coluna parece estar descansando nessa plataforma, mas esse personagem no o jogo pode realmente atravessá-lo e pisar nele desse lado. Mesmo que logicamente esse ponto aqui deva ser muito maior do que essa plataforma. Aqui está outra ilustração legal que brinca com essa estranha sensação óptica que temos quando olhamos para ilustrações isométricas. Então, neste caso, temos duas letras colocadas uma sobre a outra, você e P, o que representa. E mesmo que não haja indicação de espaço, normalmente sentiríamos que esse detalhe está mais próximo de nós. Este aqui no topo. Mas, tendo essas letras e linhas de conexão, podemos entender que elas estão realmente acima umas das outras. Mas, assim como na perspectiva, quando você quer usar visões isométricas ou outras axonométricas, você não precisa confiar em ilustrações. Você também pode recriar a mesma experiência simplesmente confiando na tipografia. E este cartaz é um exemplo brilhante, mas você também encontrará outros neste quadro, como este aqui, também outro cartaz à direita, e até mesmo este onde uma linha do tempo com suas legendas são criadas em uma projeção isométrica. 14. Linhas principais: E cooperar com linhas de liderança em sua composição pode ser outra ótima maneira de ajudar seus espectadores e levar seus olhos para certas partes do seu design. A melhor maneira de utilizá-los é fazê-los apontar para um ponto focal dentro da composição ou indicar uma direção ou movimento específico. No início, você pode pensar que as linhas principais e a perspectiva são a mesma coisa, mas na verdade elas são bem diferentes porque você pode usar linhas principais mesmo sem perspectiva. Então, aqui está um ótimo exemplo. Este cartaz retrô de Nova York tem todas essas linhas coloridas indicando uma direção da esquerda para a direita, principalmente porque não podemos ver onde elas começam aqui no lado esquerdo, mas podemos ver esse fim pontos à direita. E o ilustrador ou designer que introduziu essas linhas na composição alcançou algumas coisas diferentes. Primeiro de tudo, ajuda a se concentrar na Estátua da Liberdade porque todas essas linhas estão apontando para essa parte no design, mas também são usadas para estabelecer profundidade, como algumas dessas linhas, como você pode ver, estão chegando em frente ao Edifício Chrysler em primeiro plano. Bio, algumas das linhas estão atrás disso. E o mesmo acontece aqui com a Estátua da Liberdade. vez, temos uma linha que vai atrás dela e outra linha que vem na frente dela. A variação de profundidade nessas linhas, mas também a variação em sua espessura e cor também ajuda a adicionar ritmo visual na composição. E o ritmo é um princípio muito importante que discutimos muito mais detalhes no tópico da unidade e da harmonia. Aqui está outra ilustração que mostra que não precisamos de perspectiva para que as linhas principais funcionem. Nesse caso, o ponto de vista é colocado acima desses corredores e essas linhas diagonais aqui que representam a faixa em que estão rodando podem ser consideradas linhas principais, ajudando novamente para estabelecer o movimento para a frente dos atletas. Agora, é claro, você não precisa evitar a perspectiva. Se você quiser criar ou introduzir linhas principais em sua composição, eles querem dinheiro. Eles podem realmente funcionar muito bem de mãos dadas. Nesse caso, consideraria as curvas da praia como as principais linhas. E eles obviamente criam esse grande senso de perspectiva pois todos estão se aproximando uns dos outros aqui à distância. E essas linhas também nos ajudam e direcionam nossa atenção para esta área de ponto focal aqui, que é o avião neste brilhante pôster para o filme Dune que foi lançado em 2021. Também temos uma curva muito forte, a ponta deste junho no mundo desértico dos iraquianos que conecta o título e esse personagem aqui na parte inferior. Mas o incrível sobre essa composição é que a mesma curva que vemos aqui também se forma como seção de algo que podemos imaginar ser um planeta. E como esta é uma história de ficção científica ambientada no futuro, no espaço, os planetas desempenham um papel importante. Mas, além disso, também pode ser considerada como a primeira letra da palavra June. E eu realmente admiro o designer que criou essa composição porque há tantos significados ocultos empacotados nesse design extremamente simplista. É um ótimo exemplo de quanto menos é mais regra em ação, mas também mostrando o poder e a força da simplicidade. Princípio da Gestalt. Seguindo em frente, aqui está outra ilustração brilhante em que as linhas principais são realmente indicadas por luz e sombra. Pode ser difícil notar nesse tamanho. Mas há um personagem aqui no fundo onde o cavalo e também liderando outro cavalo. E mesmo que esses personagens sejam pequenos, graças às linhas principais, quase todos os notariam. E as linhas principais neste caso, como eu disse, são criadas por luz e sombra. Então, essas linhas e também essas linhas estão apontando aqui em torno desta seção onde temos os personagens. E o que torna essa ilustração ainda mais interessante é que em vez de ter apenas linhas paralelas usadas como linhas principais, aqui, elas quase se formam como setas. Então podemos ver a ponta desta flecha aqui e há os dois lados dela. E a mesma coisa aqui. Mais uma vez, parece uma flecha para mim. Portanto, este é apenas mais um exemplo magistral de como você pode usar linhas principais para direcionar a atenção dos espectadores para detalhes importantes em sua composição. 15. Espaço negativo: Se você estiver interessado em design gráfico a termo, provavelmente você já se deparou com espaço negativo ou espaço em branco. Neste vídeo, vou mostrar muitos exemplos de por que é tão importante usar e utilizar espaço negativo em suas composições. E aprenderemos diferentes maneiras de usá-lo, seja para criar um certo tipo de estética ou humor, ou adicionar alguns significados ocultos aos seus projetos. Então, antes de tudo, por que é chamado de espaço negativo? A razão para isso é porque todos os elementos que colocamos em nossas composições consideramos ocupar espaço positivo para que os espaços vazios circundantes possam ser considerados negativos. Agora você provavelmente adivinhou que espaço negativo pode ser tão importante quanto o espaço positivo em suas composições. E encontrar um equilíbrio entre esses dois é uma tarefa fundamental e crucial para cada designer gráfico, a melhor maneira de lembrar a importância e a relação entre esses dois tipos de espaços em suas composições é pensar em respirar. Algo que todos nós temos que fazer constantemente ao longo de toda a nossa vida, na maioria das vezes, mesmo sem pensar nisso. E você pensaria que respirar é a parte importante nesse processo. No entanto, sem primeiro limpar os pulmões e expirar, você nunca conseguiria respirar. Assim, você pode considerar o espaço positivo no design gráfico como a reprodução em parte, e o espaço negativo para ser a respiração. Um não pode existir sem o outro. E isso também tem que ser um bom equilíbrio entre respirar e sair ou espaço positivo e negativo. E você pode encontrar muitas outras analogias são maneiras de entender como esse relacionamento funciona. Como na música, por exemplo, sem ter alguma pausa ou pausa entre sons, não poderemos apreciar a música porque ela acabaria sendo um barulho constante. E mesmo na música pop, geralmente a parte mais impactante de uma música é logo após uma pausa mais longa, e geralmente acontece pouco antes do refrão, a parte repetida da música retorna. Você pode ver a pausa na música ou espaço negativo no design é reservado para os detalhes mais importantes ou impactantes. Então, se você olhar para esse design, por exemplo, podemos ver que esses seriam considerados espaços positivos. E também obviamente toda a tipografia que podemos ver aqui no meio, também no topo, e também aqui na parte inferior. Mas já entre eles, temos espaço negativo aqui ou mais aqui e aqui. Mas quanto mais perceptíveis são essas áreas maiores onde novamente, não temos nada, apenas um fundo branco. E especificamente na impressão onde o papel é branco, nos referiríamos a isso como espaço em branco. Há também uma maneira útil de categorizar o espaço negativo. Você pode usá-lo em um nível micro ou macro. E neste caso, essas áreas maiores seriam espaços macro negativos, enquanto os espaços menores entre letras, por exemplo, na topografia, seriam considerados espaços micro negativos. E espaços entre caracteres também podem ser considerados espaço negativo passivo, enquanto os espaços que você intencionalmente deixa em branco, como todas essas áreas maiores, você pode considerar espaços negativos ativos. E na maioria das composições, você sempre terá uma combinação de micro e macro, ou espaços negativos passivos e ativos. Já que estamos falando de música, aqui está um ótimo exemplo de um festival de música clássica onde agora só vemos uma maneira brilhante de utilizar o espaço negativo. Mas também um ótimo exemplo do princípio da Gestalt, que é um método que pode ajudar seu espectador a ver vários significados diferentes no mesmo design. Então, neste caso, você pode considerar esses dois violinos como os sujeitos colocados em frente a esse pano de fundo branco, que envolvem o pano de fundo branco, seria o chão e a violência seria a figura. No entanto, se você se concentrar no contorno ou no contorno, estranho pelos violinos, parece um rosto e especialmente enfatizado por esta gravata borboleta. Então, estamos olhando para isso a partir deste ponto. Este espaço vazio se torna uma pessoa e a figura na composição e a violência se tornam o chão ou o pano de fundo. E na maioria das vezes, se você quiser usar a regra de base da figura em seu trabalho, você teria que usar espaço negativo para sugerir significados adicionais. E você pode ver muitos outros exemplos disso neste quadro, como a lâmpada aqui que também está formando uma ponte, a fumaça que também está formando o contorno da fase Sherlock Holmes. Essas duas crianças jogando futebol aqui. Mas entre eles também podemos ver o contorno da África, ou este brilhante cartaz criado por Olly Moss, pelas falésias e as montanhas também estão formando o contorno de uma árvore. 16. Significados escondidos: Se você está interessado em ver outros ótimos exemplos de espaço negativo usado em ilustrações, eu recomendo que você confira todos os trabalhos ou composições de musgos do lendário designer Paul Rand. espaço negativo também pode ser usado no design do logotipo. E tenho certeza que você também se deparou este exemplo do logotipo da FedEx, onde o motivo desse rastreamento apertado ou espaçamento estreito de letras foi criar essa pequena seta aqui entre o E e o x. E esta é uma solução brilhante para esta empresa porque essa seta está sugerindo a velocidade de entrega. Mas além de usar espaço negativo para alcançar esse tipo de significados ocultos, também podemos confiar nele para introduzir tensão em nossa composição ou até mesmo para alcançar um humor ou estética específica. No design editorial, especialmente para layouts em revistas, grandes áreas de espaço negativo atingem um fracasso mais luxuoso e sofisticado. E isso geralmente se resume ao fato de que, se você tiver muito espaço vazio, isso significa que você terá que ter mais páginas dentro de sua revista, que levaria ao custo de fabricação impressão e até entrega para aumentar. Aqui está um estudo muito interessante conduzido por Sally Lin Meyer, que reconheceu que quanto mais espaço negativo você tiver em uma revista, maior a renda familiar média de seus leitores. Então aqui podemos ver alguns dos spreads simplificados para mostrar os espaços positivos em preto e os espaços negativos em branco. Portanto, é claro que, por exemplo, a New York Times Time Magazine tem muito espaço negativo em comparação com a ok Magazine, que está quase completamente cheia de espaço positivo a um ponto que a maioria provavelmente, em alguns casos, pode até se sentir confuso. E por que a renda familiar média dos leitores desta revista é de cerca de US $150 mil por ano. O leitor das revistas OK está mais próximo de apenas US $40 mil por ano. Então, quando olhamos para a revista espalhada como esta, imediatamente podemos detectar a grande quantidade de espaço negativo que está sendo usado aqui no lado direito. E além do sentimento de sofisticação, também podemos ter uma sensação de calma, que enfatiza perfeitamente o tópico deste artigo, que é sobre a natureza de um lugar. Usar grandes quantidades de espaço negativo em anúncios também pode ajudar a chamar a atenção dos espectadores, porque a mesma regra se aplica aqui. A maioria dos anunciantes gosta de colocar o máximo de informações possível em uma composição. E controversamente, esses são os que provavelmente ignoraríamos. No entanto, um anúncio como este em uma revista ou na rua imediatamente chamaria nossa atenção. Mas certifique-se de que sempre que você usar uma quantidade extrema de espaço negativo como este, sempre deve haver um motivo para isso. Então, neste caso, novamente, está ajudando não só a chamar a atenção das pessoas, mas também a enfatizar a pequena escala desse rebento de uma árvore de Natal, que é uma maneira perfeita de visualmente implica a venda no início do Natal. Basicamente, ele tenta indicar que a venda é tão cedo que a árvore de Natal ainda é apenas um pequeno rebento no chão. E a forma como o designer assegurou que podemos dizer imediatamente que esta é uma pequena árvore, é que temos aqui um objeto muito reconhecível, essa bolha vermelha que estabelece as proporções. E aqui está outro anúncio onde em vez de o espaço negativo ser usado para criar essa justaposição entre grande e pequeno. Aqui é usado mais para alcançar essa sensação luxuosa de que, novamente, está funcionando perfeitamente bem com o produto que está sendo anunciado. E seria uma pena não mencionar os anúncios da Apple quando estamos falando de espaço negativo, porque é uma marca que o utiliza claramente em praticamente tudo o que eles fazem e inovam. Eles o transformaram em um elemento de assinatura ou componente de sua marca. Assim, você pode ver que eles estão usando muito espaço negativo, seja um instantâneo de uma de suas páginas da Web ou de um de seus grandes outdoors. E é novamente, um uso inteligente do espaço negativo porque obviamente, o produto neste caso é o iPad Mini. E a maneira como eles mantiveram tudo livre aqui, e usando apenas uma pequena área aqui no lado direito indica o quão pequeno esse produto é, mesmo quando ele é exibido em um outdoor maciço como este um. Então, usando esse espaço muito negativo, eles poderiam criar esse trocadilho visual. Mas lembre-se, também é uma ótima maneira de chamar a atenção do espectador porque não estamos acostumados a ver esses outdoors em branco, mas apenas uma pequena informação escondida nos dois lados dele. 17. Proximidade: A proximidade é um princípio de design e também um princípio gestáltico que afirma que os objetos que são colocados mais próximos uns dos outros se sentem mais relacionados do que objetos mais distantes um do outro. É muito semelhante à técnica de agrupamento em design gráfico, que abordaremos com mais detalhes no tópico de unidade e harmonia, mas proximamente é um pouco mais complexo do que apenas agrupar coisas juntas. E neste vídeo, veremos alguns exemplos muito criativos de utilização da proximidade e brincar com ela. Começando com esta capa de livro incomum, que depende apenas da tipografia, mas também usa essas estranhas lacunas grandes entre certas letras. Isso é algo que chamaríamos de kerning quando você estiver ajustando individualmente o espaçamento entre caracteres e, neste caso, atualmente, não é usado para criar uma composição visualmente balanceada. Pelo contrário, ele cria mais um valor de choque. E mesmo não tendo lido o livro, acho que está sugerindo que as grandes cidades devem ter mais espaço nelas para torná-las mais habitáveis. Mas, o mais importante, essa capa está realmente indo contra a regra da proximidade. Porque para as palavras serem lidas como uma, normalmente gostaríamos de ter os caracteres próximos um do outro e ter espaçamento equilibrado ou igual entre eles. Enquanto aqui personagens que deveriam estar próximos uns dos outros são empurrados ou se afastam, diminuindo sua proximidade. E é importante lembrar que, como designer gráfico, uma vez que você aprende e entende uma regra, você sempre pode virá-la e usá-la maneira oposta que a maioria das pessoas esperaria. Dessa forma, você pode ter certeza de que chamará atenção dos seus espectadores e eles ficarão intrigados ao descobrir por que você foi contra algo que se sentiria mais natural, mais informações ou opções que você precisa exibir em seus projetos, mais importante se torna usar a proximidade. No caso de um site, por exemplo, opções semelhantes devem ser colocadas próximas umas das outras. Como todas as páginas podem ser acessadas da mesma área. Além disso, os botões mais importantes são colocados lado a lado, mas eles também são colocados perto do título principal e slogan dentro do site. Mas há também outro uso muito criativo da proximidade por ter este balão laranja bem na frente dessa forma branca, nós imediatamente nos associamos a um ovo ou uma omelete. Portanto, a proximidade do balão a essa forma era necessária para introduzir esse significado oculto. E, da mesma forma, também temos esse post muito inteligente do McDonald's em suas mídias sociais. Temos esses dois chinelos colocados um ao lado do outro no logotipo icônico da marca ou este Toyota Edward, onde as três raquetes de tênis, por favor, juntas formam o logotipo da marca. E também nestes Lego Edwards, proximidade desempenha um papel muito importante em cada um deles, as sombras estão indicando a imaginação das crianças que brincariam com esses blocos. Então, mesmo alguns blocos simples ligados uns aos outros já podem ajudar crianças a imaginar coisas como um tanque, um navio ou um dinossauro. E todas essas composições dependem principalmente da proximidade ou proximidade das sombras e dos blocos Lego. E mesmo sabendo que essas duas coisas realmente não pertencem umas às outras, colocá-las tão próximas umas das outras ainda nos faz acreditar que elas estão conectadas. Eu também gostei muito desse cartaz da melodia dourada das palavras por mais uma vez, podemos ver a proximidade usada de algumas maneiras diferentes. Primeiro de tudo, temos o modelo muito perto de nós, e na verdade com ela de volta em nossa direção, que já define o clima para essa composição e também chama nossa atenção. Mas é amplificado ainda mais pela topografia, que mais uma vez não está tentando alcançar uma boa legibilidade, em vez disso, é usada para tornar esse design mais dinâmico. Portanto, a proximidade dessas letras é mais uma vez incomum e novamente ajuda a tornar toda a composição mais interessante. E só para ficar com exemplos tipográficos, já vimos que o espaçamento extremo de kerning ou treliça pode ser usado para enfatizar certas coisas em uma composição. Para esta capa em particular, os espaços entre as palavras são completamente removidos e os espectadores são desafiados a entender o que veem aqui. Porque a legibilidade obviamente sofre muito quando você remove os espaços entre as palavras. Portanto, esse é apenas mais um ótimo exemplo de como você pode ser criativo da maneira que você utiliza a proximidade em seu trabalho. 18. Conclusão: Parabéns por concluir este curso da série de teoria do design gráfico. Espero que você tenha achado útil e inspirador. Não se esqueça de passar pelo glossário de termos PDF, revisar tudo o que abordamos e, se você se sentir pronto, faça o teste para testar seu conhecimento. Volte a qualquer momento para as referências nos quadros mileniais que usamos neste curso para ajudá-lo a lembrar as coisas sobre as quais falamos ou definir inspiração para o seu próximo projeto de design, informe-nos se você sentiu que havia alguma coisa faltando neste curso ou se você tiver alguma sugestão sobre como podemos melhorá-lo, envie-nos um e-mail para informações no designer.com da atribuição, e entraremos em contato com você assim que possível. Agradecemos muito sua opinião e ajuda. Agora, é hora de você escolher seu próximo tópico e mergulhar em outro curso de teoria do design gráfico. Lembre-se, não há ordem certa ou errada para concluir esta série. Todas as regras que abordamos são igualmente importantes e tudo está relacionado. Mas o mais importante é entender bem essas regras e aplicá-las em seus projetos. Tenho certeza que você usará o que aprendeu para criar algo incrível. E eu mal posso esperar para vê-lo.