Teoria do design gráfico: design de impressão

1. Introdução: Você adora o cheiro das páginas dos livros e toca na capa das revistas para sentir a textura dos vernizes e outros Você gosta de trabalhar em designs que acabam como produtos físicos táteis Se for esse o caso, você vai adorar este curso. O design de impressão é um subconjunto do campo mais amplo do design gráfico, com foco na produção de designs impressos em superfícies e produtos tangíveis Neste curso, abordaremos tudo o que você precisa saber sobre técnicas e processos de impressão, gerenciamento de cores, métodos de encadernação, tipos e tamanhos de papel, resolução e muito mais. Também nos aprofundaremos em todas as áreas especializadas desse campo, como design de logotipo, design de embalagem, design editorial, design ambiental, pôsteres, folhetos, cartões de visita, papelaria Analisaremos centenas de projetos de design de impressão para fornecer uma compreensão sólida das regras e termos importantes com os quais você precisa se familiarizar como designer de impressão. Junto com o empolgante projeto de aula que espero que você conclua no final do curso, você também tem a planilha de análise e o glossário de termos para ajudá-lo a praticar tudo o que aprendeu Espero que você esteja tão empolgado quanto eu para começar e mergulhar no mar de conhecimento e nos belos exemplos de design gráfico. 2. Termos básicos: design de impressão é um subconjunto do campo mais amplo do design gráfico e a maneira mais fácil de explicar como ele difere de outros tipos de áreas de design gráfico é que, em geral ou na maioria dos casos, imprimimos design, você obteria um produto tangível no final de um projeto, seja um livro, cartão de visita ou até mesmo um boné com uma impressão nele. Os projetos de design de impressão variam em tamanho e complexidade. Você pode estar projetando um adesivo minúsculo, mas também pode trabalhar na marca completa de uma companhia aérea e em todos os designs que acabarão em aviões reais. Agora, é claro, há muita sobreposição entre design digital ou web e design gráfico, porque você pode estar trabalhando em projetos para clientes onde você precisa fazer um pouco dos dois. Mas se você está planejando se especializar em design de impressão ou se isso é apenas algo que você também quer ter em seu conjunto de habilidades. Há muitos aspectos e coisas importantes para saber como você pode efetivamente preparar seu trabalho para impressão. E é exatamente isso que abordaremos neste tópico. Então, vamos começar com o mais essencial. O que significa impresso em quatro cores? Bem, isso significa usar tintas ciano, magenta, amarela e preta. E o preto é referido como a cor chave que estamos usando, k na abreviatura. E o CMYK também é conhecido como um modo de cor, semelhante ao RGB ou vermelho, verde, azul que a maioria das telas e dispositivos usam. E o gerenciamento de cores é um tópico que entraremos em muito mais detalhes mais adiante. Mas isso significa essencialmente o processo no qual você pode garantir que as cores que você está vendo em sua tela, acabaremos olhando o mais próximo possível no produto impresso final. Como designer de impressão, é crucial estar ciente das limitações desse modo de cor e das maneiras pelas quais você pode obter cores mais ricas sempre que necessário. Novamente, isso é algo que entraremos em muito mais detalhes mais tarde. Mas há um outro termo que vale a pena lembrar, e é a separação de cores, que é o processo de transformar uma fotografia ou imagem digital colorida e separá-la em quatro componentes de cores dos quais já falamos. Então, neste caso, podemos ver a imagem real aqui na parte inferior. E quando essa separação de cores acontecer, ela permitirá que a impressão final seja construída a partir desses componentes. Mais uma vez, discutiremos todos os diferentes tipos de processos de impressão com mais detalhes. Mas neste caso específico, estamos olhando para uma impressora offset em detalhes , onde podemos ver a lista ou os pequenos pontos dessas quatro cores diferentes que estão usando para diferentes placas impressas um sobre o outro no papel para torná-lo semelhante à imagem colorida original que vimos em nossa tela. Há também outro termo ao qual as impressoras costumam se referir, e faz parte do processo de impressão PRE. É RIP ou RIP, que significa processador de imagem raster. E é essencialmente o processo que todas as imagens digitais, incluindo gráficos vetoriais, convertidas no formato final com o qual as máquinas de impressão reais poderão trabalhar. E caso você esteja se perguntando, a lista no RIP vem do processo de rasterização onde todos os detalhes vetoriais, incluindo o tipo, se transformaram em rasters, que são essencialmente esses pequenos que veremos na impressão final. A qualidade da impressão tem muito a ver com a resolução original e a resolução usada durante o processo de impressão. Mas isso é novamente algo que temos que discutir com mais detalhes no próximo vídeo. Como já estabelecemos que, no design de impressão, estamos trabalhando para obter um produto tangível no final. Da mesma forma que é importante acertar as cores, também é importante obter uma impressão profissional. E um dos sinais óbvios de um projeto de impressão barato ou de baixa qualidade é quando você nem sangra em uma brochura ou um cartaz. O que significa uma sangria correta usada em um projeto de design gráfico? Essencialmente, o que significa é que o produto no final não terá bordas brancas visíveis, é que a imagem impressa cobre completamente o pedaço de papel. E a maneira como você pode conseguir isso é usando um pedaço de papel ou uma folha um pouco maior e imprima um formato um pouco maior que o que você deseja acabar como o produto final. E depois que a impressão estiver pronta, você está cortando ou cortando essa peça em excesso para alcançar o tamanho real necessário. E a razão pela qual ele é chamado sangramento é porque, neste caso, a imagem está sangrando na borda do papel. Então, aqui está outro exemplo rápido em que temos um cartão de visita já configurado com a sangria. Podemos ver que o logotipo não precisa de nenhum sangramento. Enquanto esta forma na parte inferior para garantir que será impressa até as bordas já aumentou ligeiramente em tamanho. E assim que esses detalhes adicionais forem cortados, obteremos o cartão de visita final aparado, que garantimos que não terá lacunas brancas por aqui. E eles garantirão que a cor vermelha esteja sangrando nas bordas do papel. Sinto muito se as coisas começam a soar um pouco mais cirúrgicas, tendo uma hemorragia vermelha e cortando em uma frase para entender melhor como configurar sangramento em seus documentos e como ele relaciona-se com todas as outras áreas. Aqui está uma explicação simples em que podemos ver que o tamanho final da impressão, que também nos referimos como tamanho de acabamento, geralmente é indicado com um contorno preto. Então essa será a borda do produto final após a hemorragia que for cortada. E imediatamente ao redor do trem temos a hemorragia geralmente representada com este retângulo vermelho. E os sinais mais comuns que usaríamos para essa área são três milímetros em todas as bordas são 1 oitavo de polegada. No entanto, em algumas partes do mundo, acho que na Austrália, normalmente seria de cinco milímetros, mas o tamanho da hemorragia é sempre melhor verificar com sua impressora. E será você ou a impressora que incluirão as marcas de corte que indicarão onde a borda do sangramento será cortada. É importante que essas marcas de corte nunca se sobreponham à área de acabamento real, caso contrário, elas acabarão aparecendo na impressão final perfeitamente para que elas se sobreponham à borda do sangramento porque isso é apenas uma impressão de acesso. Na verdade, não precisamos dele no final. E eles normalmente também se sobrepõem outra área que está fora de sua hemorragia, que é chamada de lesma. E isso pode ser em uma borda ou em todas as bordas, novamente, fora da sangria. E geralmente isso é indicado com a linha azul. Esta é uma área onde você pode adicionar informações adicionais de impressão incluindo marcas de registro, gráficos de consistência de cores e instruções adicionais para a impressora quando necessário. E por último, mas não menos importante, há outra área em que está falando sobre eles. Essas são as margens, que geralmente são representadas com linha roxa dentro do seu sonho. E isso é, claro, detalhes que não são impressos. Portanto, é um guia invisível que ajuda você a alinhar o conteúdo e garantir uma distância mínima da borda da página em todos os lados. E às vezes as margens podem ser diferentes em cada um dos lados. E eles são principalmente importantes quando se trata de texto. Então você não gostaria de acabar tendo textos muito próximos das bordas da página. Você pode pensar nas margens e no sangramento como uma precaução de segurança para compensar a imprecisão ocasional é que você obterá em uma impressão final. Assim, pode acontecer facilmente que a guarnição esteja ligeiramente deslocada, mas enquanto houver sangramento e também uma quantidade generosa de margem, você pode ter certeza de que nenhum texto será cortado. E você também não terá bordas brancas ao redor das bordas. 3. Termos básicos em ação: Agora, pulando para o InDesign, eu só queria mostrar esses dois termos em ação. E também veremos algumas outras definições aqui. Então, antes de tudo, quando eu zoom mais perto de um dos pontos de vértice, podemos ver que a borda preta, que como você se lembra é a borda e, em seguida, a borda vermelha é a sangria. Se eu pressionar W no meu teclado que pode visualizar rapidamente como o produto final ficará sem esse sangramento de acesso. E também podemos ver as margens. Portanto, as linhas roxas, que são usadas para alinhar o texto, especialmente visíveis quando temos texto justificativo ou texto alinhado à direita. Agora, em termos da importância do sangramento, podemos ver um exemplo melhor com uma imagem real. Como você pode ver, essa imagem não está alinhada à borda, mas moveu-se um pouco além dela. E é isso que garante que na impressão final, teremos as cores sangrando da borda desta imagem. E na maioria das vezes, não será um problema e você pode facilmente sacrificar alguns detalhes das bordas de uma imagem. Você pode ver, por exemplo, aqui na parte inferior neste layout, eu realmente tenho ainda mais detalhes para a imagem do que três milímetros. Então, ele se estende mesmo além da borda do sangramento. Mas isso realmente não faz diferença. No entanto, se você quiser no InDesign, obviamente sempre pode alinhar o quadro da imagem para se encaixar perfeitamente na borda do sangramento. Mas o sangramento não é usado apenas para imagens ou cores de fundo, mas também pode ser usado para elementos de design simples, como esta linha aqui na parte inferior, que é usada em combinação com o número da página. Então, mais uma vez, podemos ver a impressão final ficará assim, mas para garantir que essa linha branca apareça corretamente e imprima novamente também deve ser incluída na seção de sangria. Caso você esteja se perguntando no InDesign, sempre que iniciar um novo documento, você sempre poderá configurar todas as configurações, incluindo as margens, a sangria e os detalhes da lesma aqui à direita lado. E, desde que você tenha essa opção de visualização aqui na parte inferior, você também poderá ver essas atualizações ao vivo. Então, quando começo a aumentar a hemorragia, por exemplo, podemos ver imediatamente aparecer aqui em segundo plano. E caso você já tenha iniciado o documento e esqueceu de configurar a hemorragia. Você sempre pode ir para o menu Arquivo. E, a partir da configuração do documento, você poderá encontrar as mesmas opções aqui. Agora, há alguns termos rápidos e simples que eu queria mostrar a vocês aqui também. Você pode ter visto a abreviatura NFP ou em alguns projetos de design de impressão. Isso significa apenas para posição, o que significa essencialmente que é apenas uma imagem de espaço reservado. Pode não acabar no produto de impressão final e no caso de textos, sempre que a cópia real ainda não estiver disponível, mas o designer precisa montar um layout. Geralmente nos referimos à cópia do espaço reservado como Lorem Ipsum, que é uma linguagem inventada. É semelhante ao latim, mas na verdade não significa nada. E isso é exatamente o que você pode ver aqui neste design também. E é algo que você pode encontrar no menu de tipos no InDesign, preencher com texto de espaço reservado sempre poderá gerar texto que preencherá um quadro selecionado. O bom de trabalhar com imagens e textos de espaço reservado é que você pode refinar o estilo e a formatação. E quando se trata de receber o conteúdo final, você terá que simplesmente trocar as coisas, mas a formatação e as configurações poderão permanecer as mesmas. Rei grego é outro termo que você pode encontrar no design impresso. E especialmente no InDesign, é uma configuração que você pode ajustar. Essencialmente, o que significa é que, quando você amplia essa distância específica, se os textos ficarem pequenos demais para serem exibidos corretamente, ele se transforma nesses blocos simplificados que podemos ver em todos esses exemplos aqui. E observe como eles voltarão a mostrar a cópia real. Assim que eu aproximar ou se eu ampliar mais, veremos mais do rangido aparecendo. E isso é algo que você pode personalizar nas preferências. Você encontrará algumas opções de rei grego na interface em torno das configurações da ferramenta manual. Portanto, dependendo do desempenho da sua máquina, talvez seja necessário usar algum rei grego, mesmo quando você está apenas se movendo ou navegando dentro do documento usando a ferramenta manual. Mas, o mais importante, em Desempenho de exibição, você encontrará a opção de tipo grego abaixo. Normalmente, eu configurei isso para cerca de quatro ou cinco pontos. Mas só para demonstrar como funciona, eu aumento-o aqui para dez pontos. Então, só para mostrar se eu defini para cinco pontos. Agora, quando eu voltar e diminuir o zoom, ele não aparecerá a menos que eu aumente muito longe. No InDesign, isso acontece com bastante frequência que você teria que olhar para o documento à distância quando tiver várias páginas na revista e brochura ou catálogo, talvez você queira veja várias páginas de uma só vez. Há outro termo que você pode encontrar e vale a pena lembrar. Então, apenas olhando para este exemplo, você pode ver que esta é uma impressão de três, o que significa essencialmente que haverá três versões do mesmo design impressas em uma única peça de papel ou uma folha. Esta técnica é usada principalmente para economizar custos e tempo durante o processo de impressão. Então, agora você saberá o que a impressora significa quando eles se referem a um modelo de dois, três ou quatro para cima que eles estão planejando usar. E por último, mas não menos importante, eu só queria falar um pouco sobre o modelo de impressão sob demanda, que está se tornando muito popular nos dias de hoje, já que é bem diferente das técnicas que estaremos passando pelo resto dos vídeos. Então, essencialmente, o que significa impressão sob demanda, ou p ou d, é que o consumidor faz um pedido e o produto impresso só está sendo fabricado mediante solicitação deles. E o envio direto é algo com o qual a impressão sob demanda geralmente é combinada. O que significa que o fornecedor não está apenas fazendo a fabricação e impressão, mas também a entrega ou envio do produto final para o cliente. Essencialmente, o que isso significa para um designer de impressão é que você pode ter seus produtos on-line, seja sua própria loja ou um site impresso sob demanda. E você pode ganhar dinheiro sem se preocupar com os aspectos da fabricação e do transporte. Alguns sites POD populares onde você também pode vender seu próprio trabalho, inclui bolha vermelha e sociedade seis, vamos passar por esses sites mais detalhes e também como você pode executar um negócio de impressão sob demanda. Assim que chegarmos às áreas específicas dentro do design de impressão, como um design de papelaria. Agora, espero que essa rápida introdução ao mundo do design impresso não tenha sido muito esmagadora. Não se preocupe, tudo começará a fazer mais sentido. Quanto mais falamos sobre os vários aspectos do design de impressão no resto deste tópico. E mesmo que estejamos cobrindo muitos termos adicionais no caso de você se deparar um termo de impressão que não abordamos neste curso? Muito provavelmente você poderá encontrá-lo neste site chamado print V key. No entanto, não recomendo verificar isso agora porque você ficará assustado ver quantos termos diferentes existem. Fique comigo e eu vou me certificar de que você está aliviado a aprender sobre design de impressão. 4. Resolução: Todo designer de impressão precisa estar familiarizado com a resolução da imagem porque esse é um dos fatores limitantes mais importantes quando se trata de decidir o tamanho e a qualidade de uma impressão. E, essencialmente , o que isso significa é que quantos detalhes uma imagem pode conter. Quando nos referimos a imagens de resolução mais alta, isso significa que há mais detalhes nelas em comparação com imagens de baixa resolução. É importante diferenciar já no início que, quando se trata de imagens digitais, as dividimos em duas categorias principais. Imagens e fotografias de pixel ou raster também se enquadrariam nessa categoria. E gráficos vetoriais, que maioria das vezes seriam ilustração ou tipo. Agora, geralmente, em projetos de design gráfico, você usará uma combinação de imagens em pixels e gráficos vetoriais. Mas o link mais fraco em termos de resolução e qualidade de impressão sempre será a lista de pixels, ou às vezes também conhecida como imagens bitmap, para entender melhor a diferença entre pixels e listas. Aqui está um visual muito próximo de uma fotografia mostrando um olho e ampliando uma imagem rasterizada. Isso revelará os blocos de construção reais, os pixels ou as listas, que olhando isso de perto faz com que pareça que um mosaico estava voltando. Começaremos a ver isso como um contínuo imediatamente sem nenhuma pixelação. O bom dos pixels, especialmente quando você tem muitos deles, é que você pode capturar uma informação visual realmente complexa. E também permite muita sutileza que talvez você não consiga recriar com vetores. A maior vantagem dos vetores é que a resolução é independente, o que significa que eles podem ser de qualquer tamanho que você queira sejam sem perder qualidade. E para demonstrar isso para você. Aqui estamos no Illustrator com uma ilustração simples, e não importa o quanto eu o zoom, nunca veremos pixelação. Portanto, essas curvas que são usadas como blocos de construção em um gráfico vetorial em comparação com uma imagem de pixel são todas compostas por pequenos pontos de ancoragem. Então, tudo é descrito matematicamente em vez de confiar na lista que vimos anteriormente, ou nas colunas e linhas de pixels. E se eu mover um desses pontos de ancoragem, tudo o que precisa ser registrado ou registrado é a nova localização real desse ponto de ancoragem. E isso é simplesmente essas duas coordenadas que podemos ver aqui. E o computador poderá facilmente conectar dois pontos de ancoragem com uma linha reta linear. Mas também pode conectar pontos de ancoragem como esses dois com uma curva. E para poder descrever a curva em si, tudo o que é necessário é essa alça que estou arrastando e é uma distância relativa do ponto de ancoragem original. Esse método de visualização de gráficos vetoriais e formas em geral é o que chamamos de curvas de Bézier. Tem o nome do matemático que inventou esse método. Outra vantagem importante dos gráficos vetoriais, além de serem independentes de resolução, é que o tamanho do arquivo também é menor em comparação com imagens raster. Mas o que é claramente uma desvantagem com eles é que é muito difícil fazer as coisas parecerem fotorrealistas. E é por isso que ainda estamos contando com pixels e vetores em nosso trabalho. Então, como você pode ver, ambos têm seus pontos fortes e fracos e seu uso no projeto de design gráfico. Agora, há algumas maneiras de medir a resolução. E você pode ter ouvido falar de algumas dessas unidades como DPI, como podemos ver neste exemplo, 300 DPI seriam como um padrão. Estaremos considerando uma imagem de alta resolução ou uma impressão de alta resolução. E DPI significa pontos por polegada, que se refere ao número de pontos de tinta na imagem impressa. Mas quando se trata da fase de design, então mesmo antes de acabarmos criando algo pronto para impressão, normalmente mediremos a lista de imagens em pixels em PPI ou pixels por polegada. E o que é ótimo nessa comparação é como ela mostra que a resolução por conta própria não importa. O que importa é a quantidade de pixels em combinação com a resolução. Então, quando você tem muitas informações de pixels gravadas em sua imagem digital, você poderá imprimir e manter imagens de alta resolução mesmo em um formato grande como um 0, podemos ver o tamanho disso em milímetros aqui. Portanto, este é um pôster de tamanho bastante grande comparado ao que quando você tem menos pixels para trabalhar, você ainda pode ter uma impressão de alta qualidade, mas você só poderá usar um tamanho de impressão muito menor. Pixel por polegada. Novamente, simplesmente significa quanto desses pixels da imagem serão impressos a uma distância de polegada. E quanto maior a resolução, mais compactados esses pixels ficarão na imagem impressa, o que resultará em uma impressão de maior qualidade. 5. Recurso de tamanho da imagem: A melhor maneira de entender a relação entre a quantidade de pixels, a resolução e o tamanho da impressão é usar o recurso Tamanho da imagem no Photoshop. Portanto, neste caso, podemos ver que essa é a quantidade original de pixels com os quais estamos trabalhando. Assim, cerca de 3 mil pixels de largura e 4 mil pixels de altura, que é aproximadamente 12 milhões de pixels ou megapixels. E eu não quero confundi-lo, mas no caso de você querer ser específico. E o megapixel é, na verdade, um pouco mais de um milhão de pixels. Na verdade, são dois na potência de 20 pixels, que é 1.048.576 pixels. Mas para manter as coisas simples, um megapixel você pode pensar em 1 milhão de pixels. Tirei essa foto com um iPhone, que tem 12 megapixels aproximadamente. E é por isso que obtemos esse tamanho de imagem. Mas observe como as dimensões de pixels emparelham automaticamente com a resolução, que por padrão é definida como 300 PPI ou pixels por polegada. Mas e se eu mudar? E para poder ver o tamanho da impressão, tudo o que preciso fazer é mudar os pixels para polegadas ou uma dessas outras unidades de medida. Mas vamos apenas com polegadas primeiro. Assim, podemos ver que ele pode ser impresso no padrão de alta resolução, 300 ppi com o tamanho de aproximadamente dez por 13 polegadas. E isso, caso você esteja se perguntando, está entre um tamanho de papel A4 e depois A3. Então, mesmo que seja uma imagem de 12 megapixels, ela ainda não nos dará um tamanho enorme quando se trata de imprimi-la com 300 ppi. Mas o que também é muito importante entender, e isso é muito raramente discutido, é que os requisitos de qualidade de uma impressão também dependem da distância de visualização. Então, estritamente falando, 300 PPI ou DPI é algo que você precisa quando você está produzindo uma impressão que será mantida por pessoas como folhetos, revistas, livros, cartões de visita, assim por diante e assim por diante. Mas comparado a isso, um grande banner onde as pessoas estarão apenas andando ou talvez até mesmo vendo isso de muito mais longe quando são exibidas no topo de um prédio ou ao lado de uma auto-estrada, a resolução de impressão necessária será muito, muito inferior a 300 ppi. E aqui está uma ótima comparação onde podemos ver a distância de visualização à esquerda e a resolução necessária para ela à direita. E você pode ver que, mesmo quando uma impressão é exibida a um metro de distância do visualizador, ela já pode cair para um 180 PPI, que é quase metade do requisito original. Mas à medida que você está ficando mais longe do espectador, como cinco metros de distância, isso já resulta na exigência indo até 35 PPI, que é cerca de dez vezes menor do que o que começamos com. Agora eu não acho que você teria que projetar algo que será exibido a 200 metros de distância das pessoas, além de se você estiver fazendo design de exposições e é um enorme salão de exposições. Mas nesses casos, a resolução pode até ser até mesmo até um PPI. Agora, é claro, esse é um cenário bastante extremo, mas não se esqueça de que a resolução mínima necessária sempre depende da distância de visualização caso você precise dela. Há também uma fórmula para calcular a resolução mínima com base na distância de visualização. Mas para garantir que a relação entre o tamanho da impressão e a resolução faça sentido. Voltando ao nosso exemplo anterior no Photoshop, quando desligo a reamostragem, o que significa que não estamos planejando alterar o tamanho da imagem. Portanto, não estamos introduzindo novos pixels. Se eu começar a baixar a resolução ao mesmo tempo, como você pode ver, o tamanho da impressão está aumentando. Então, o que isso significa é que estamos apenas distribuindo as informações de pixels originais e elas serão impressas menos densamente no papel. E, por exemplo, se eu descer para uma resolução de 150 ppi, isso nos dará exatamente o dobro do tamanho de uma impressão em comparação com quando estávamos prestes a imprimir isso com 300 ppi. E, claro, da mesma forma, se fôssemos acima de 300 PPI, o que na maioria das vezes não seria necessário. Mas só por uma questão de argumento, se eu for mais alto e verificarmos novamente, o tamanho em centímetros ou polegadas, é claro, vai continuar caindo. Porque mais uma vez, tudo o que estamos fazendo é condensar todas as dimensões de pixels originais em um espaço menor. Agora, além de PPI e DPI, você também pode ter ouvido falar de SPI e LPI. cada um, o SPI refere-se principalmente a scanners e a alta resolução que eles podem digitalizar imagens. E significa que as amostras colhidas em uma polegada linear por LPI ou linhas por polegada são usadas principalmente na impressão comercial, que descreveu a distância entre as linhas impressas de pontos. Para manter as coisas simples, como designer gráfico, você precisa se preocupar principalmente PPI ou pixels por polegada porque isso é algo com o qual você estará trabalhando na maior parte do design aplicativos. 6. Aliasing: Agora, outro termo que você provavelmente encontrará é o aliasing, o que é mais perceptível no tipo. Quando a resolução estiver muito baixa, começaremos a ver essas arestas duras na curva, detalhes sobre o tipo, que também é chamado de escada. E o método de anti-aliasing é o que pode nos ajudar a melhorar isso, calculando a média das cores nas bordas e suavizando-as. Aqui está outro visual de close-up que mostra esta escada perfeitamente até parece uma escada neste caso. E o resultado da suavização de suavização e como ele pode suavizá-lo mesmo nesta visão de perto. Quando você estiver trabalhando com o tipo no Photoshop, por exemplo, você verá que a suavização de suavização é aplicada automaticamente, mas é claro que é algo que você pode tirar se eu selecionar esse texto aqui e altere o tipo de suavização de suavização do padrão para nenhum. Podemos ver o resultado imediatamente. E mesmo à distância, isso será perceptível. Mas se eu ampliar um pouco mais perto, provavelmente poderemos vê-lo ainda melhor. Então isso é sem e vid anti-aliasing sem e com. Você provavelmente notou que na verdade não há aliasing acontecendo, nas linhas horizontais. E, em alguns casos, também não apareceria nas linhas verticais. E isso ocorre porque esses detalhes podem se alinhar perfeitamente à grade de pixels. Então, para eles, não há necessidade de suavização de suavização. E eu posso apenas mostrar isso se eu aproximar, eventualmente, começaremos a ver a grade de pixels e podemos dizer que essa borda horizontal afiada não precisa de suavização. Já parece perfeito do jeito que é. E por último, mas não menos importante, só quero mencionar que existe uma nova área muito interessante em imagens digitais onde inteligência artificial é usada ou utilizada para aumentar a resolução de imagens raster. E o Photoshop tem seu próprio filtro neural chamado super zoom, que é alimentado pela inteligência artificial do Adobe Sensei. E com isso, você pode aumentar o tamanho de uma imagem, eu acho, até nove vezes maior do que é originalmente, enquanto ao mesmo tempo você pode aprimorar detalhes da imagem, remover artefatos JPEG, introduzido redução de ruído e nitidez, e até mesmo melhorar especificamente os detalhes da fase. E para dar um exemplo, até um aumento de quatro vezes no tamanho significaria tanta diferença entre a imagem original e a que passou pelo filtro neural. E para ver os detalhes, vou apenas ampliar um pouco mais perto. Portanto, cerca de 100% de visualização ou tamanho de pixel real, que mostrava a qualidade da imagem original. E se saltarmos para a versão redimensionada com a mesma taxa de zoom, isso é o que veremos. Essa tecnologia essencialmente está adivinhando as informações que estão faltando no original e tenta criar novos pixels. todas as ferramentas de IA usadas para redimensionar imagens. O mais eficaz, na minha opinião, é que vamos melhorar para qual o link que você pode encontrar no quadro. Aqui você pode ver uma comparação da imagem original à esquerda, o resultado do filtro neural que vimos no Photoshop no meio. E o resultado do, vamos aprimorar a IA. À direita, você pode ver o quanto a clareza é melhor nessa versão e quantos detalhes foram recuperados ou adicionados a áreas como os olhos e os lábios. Eu prevejo que esses tipos de tecnologias em alguns anos, faremos com que as imagens da lista também se sintam independentes de resolução, como gráficos vetoriais. Mas até lá, continue verificando a resolução de cada imagem que você está usando em seus projetos de design gráfico. 7. Impressão offset: todos os métodos de impressão disponíveis, os dois com os quais você definitivamente deve estar familiarizado como designer gráfico são impressão offset e impressão digital. Agora também a impressão é a mais tradicional e ainda está sendo amplamente utilizada, especialmente na impressão comercial. Então, vamos gastar um pouco de tempo entendendo como isso funciona. E vou tentar o meu melhor para não entrar em detalhes porque você escolheu este curso para se tornar um designer gráfico e técnico de impressão. Dito isto, as coisas que abordaremos aqui serão extremamente úteis para você entender e apreciar o que acontece no final depois de enviar seus arquivos para as impressoras. Antes de falarmos sobre impressão offset e outra coisa que vale a pena mencionar é que normalmente dividiríamos todo o processo de impressão em três estágios separados e distintos. Primeiro, começa com a pré-impressão, que você pode ver aqui no lado esquerdo desta ilustração. Então, qualquer coisa que aconteça antes do processo real é considerada pré-impressão, que inclui o próprio processo de design gráfico real , em seguida, prova, aprisionamento, separação de cores, a preparação de portadores de imagens ou placas, e também o planejamento. A segunda etapa do processo de impressão é a própria impressora, que abordaremos com mais detalhes neste vídeo. E a terceira etapa seria referida como pós imprensa, que são todas as tarefas adicionais que podemos ver aqui no resto da ilustração, principalmente incluindo bindery e outras operações de acabamento. Vamos cobrir isso mais tarde, mas por enquanto, vamos nos concentrar no palco da imprensa. E nesta ilustração podemos realmente ver uma impressora offset, que geralmente consistiria em quatro dessas torres ou de outra forma chamada de unidades de impressão. E cada uma delas imprimindo uma determinada cor, normalmente a sequência de configuração ou cor começa com preto, seguido de ciano, magenta e amarelo. No entanto, esse pedido pode ser alterado acordo com os requisitos. Mas no caso de um trabalho de impressão em que você precisa imprimir em ambos os lados do papel, a quantidade de unidades de impressão pode ser o dobro. Então você teria quatro unidades para começar e imprimir em um lado do papel, então essa seria uma máquina que vira o papel ao redor. E então o resto das outras quatro unidades seriam impressas do outro lado da folha. Agora, esta ilustração mostra muito bem que cada uma dessas unidades de impressão ou torres dependeria também dos reservatórios de tinta. Isso é semelhante a uma impressora jato de tinta que você tem em casa e que tem aquelas pequenas cartilagens irritantes que ficam constantemente sem tinta. Mas, claro, no caso de uma prensa offset, esses conjuntos de tinta são maiores como você pode imaginar. Mas provavelmente o que é mais importante para uma prensa offset funcionar são as placas ou portadores de imagem, que geralmente são feitos de borracha, plástico ou alumínio. E estes geralmente são fabricados em prensas PRE. E o processo de separação de cores que discutimos anteriormente também está diretamente conectado ao computador para reproduzi-lo método ou CTP, que é quando cada um dos componentes de cores do CMYK estão fisicamente transformado nessas placas que são usadas na prensa offset. Uma vez que as placas estejam prontas e elas são colocadas dentro das unidades de prensa. A próxima coisa a entender é como eles são realmente usados. Sempre haverá um cilindro chamado cilindro da placa, que terá a placa enrolada em torno dele. E isso vai receber eleitor e tinta, que são então transferidos para o cilindro offset ou cobertor, em homenagem ao cobertor de borracha que está coberto. E a partir daqui, a tinta que estava viajando para baixo, finalmente chegaremos ao papel que está passando por toda a imprensa. Estes são os cilindros aqui na parte inferior chamado cilindro de impressão. Só está lá para empurrar o papel contra o cilindro offset. Pelo nome, a impressão offset é nomeada após este cilindro offset e inova. Este é provavelmente um dos componentes mais cruciais da nossa unidade de prensagem porque é aqui que a mágica real acontece. É aqui que a tinta atinge o papel. Agora, você pode ter ouvido outro termo, litografia, que também se refere à impressão offset. E, essencialmente, o que isso significa é que essas placas de metal são usadas para transferir uma imagem para o papel. Mas o offset também é um tipo de plano ou método de impressão gráfica, o que significa que as áreas de impressão e não impressão estão no mesmo nível. E a maneira que é alcançada é com este cilindro de manta onde a borracha terá áreas de impressão e não impressão. Essencialmente, esse método utiliza a propriedade de que a água não se misturará com o óleo. As áreas de impressão onde a tinta aparece no cilindro são todas l fílico ou tinta aceitando e as áreas não impressas são Inc repelindo ou permitem fóbicas. E acho que este é o momento perfeito para parar de ir mais fundo. Porque, como você pode ver, ele pode rapidamente chegar ao científico e complicado. Mas há mais uma coisa importante que temos discutir sobre impressão offset, e esse é o resultado dos pontos de tinta que recebemos no papel. Isso é o que você verá se você der uma olhada em algo que saiu de uma prensa offset. E assim como quando estamos olhando para um close-up de imagem de pixel no Photoshop e começando a ver a grade de pixels na impressão, começaremos a ver as grades de meio-tom. No caso do processo de impressão em quatro cores, você teria quatro dessas grades colocadas uma sobre a outra. Preto, ciano, magenta e amarelo. vez, é um pouco técnico e algo com o qual as impressoras terão que se preocupar. Mas, para evitar um resultado desagradável na impressão, essas grades também costumam girar para que não estejam alinhadas da mesma maneira. E acho que você pode imaginar que, caso eles estivessem perfeitamente alinhados, todos os pontos cairiam exatamente um sobre o outro. Então isso é algo que você gostaria de evitar para fazer com que as cores pareçam estar se misturando quando você está olhando para a imagem à distância. Mas há uma arte para escolher a rotação correta para evitar também algo chamado efeito da malária. E você saberá que você tem a rotação certa dessas grades de meio-tom. Quando você começar a ver essas rosetas ou o padrão Rosetta em sua impressão final, essencialmente, os pontos estarão formando esses pequenos círculos e criando esse padrão especial. Então, o efeito Maria é o que estamos evitando e o padrão Rosa é o que estamos buscando. Acho que é bastante óbvio, mas mesmo o tipo terá que ser feito de pontos na impressão offset. Então, quando você der uma olhada nisso, você verá aqueles pontos que ele é composto. E outra coisa óbvia é que o branco não precisa ser impresso como simplesmente o papel deixado sem tinta. E no caso de imagens coloridas onde há mais intensidade de saturação e tons, obteremos mais tintas de todas as quatro placas pelas áreas mais brilhantes da impressão terão menos concentração de pontos, a densidade dos pontos de tinta também é conhecida como cobertura. Se você estiver intrigado ao saber mais sobre impressão offset, sinta-se à vontade para conferir a placa de melanoma, onde você encontrará alguns termos e informações adicionais. E também recomendo assistir aos vídeos incluídos, que mostrará o processo completo com mais detalhes. 8. Impressão digital: Além da impressão, a outra técnica mais usada é a impressão digital, que está ficando cada vez mais popular devido aos avanços na tecnologia, 40 por cento dos trabalhos de impressão estavam usando impressão offset e cerca 20% estava usando impressão digital. Mesmo que atualmente também a impressão ainda esteja fazendo o dobro dos trabalhos de franja. impressão digital está em ascensão. popularidade está aumentando a cada ano e, lenta, mas certamente, está assumindo a indústria de outras técnicas de impressão analógica como impressão offset. E certamente nunca substituirá completamente a impressão offset e outros métodos de impressão. Como designer gráfico, já é muito importante saber qual tipo de impressão é mais adequado para um projeto no qual você está trabalhando. Então, neste vídeo, além de falar sobre impressão digital, vamos nos concentrar principalmente nos prós e contras comparando-o à impressão offset. Agora, a diferença mais importante é que impressão digital não requer placas. Portanto, é um tipo de método de impressão sem impacto em comparação com os métodos de impressão convencionais ou indiretos, como offset, onde temos esses portadores de imagem ou placas, os dois tipos principais ou categorias de máquinas de impressão digital, ou impressoras jato de tinta e impressoras baseadas em toner, das quais as mais comuns são as impressoras a laser. Ao olhar para um diagrama simplificado de uma impressora jato de tinta, você pode ver o quanto ela é mais simples em comparação com a impressão offset. Então aqui a tinta está praticamente indo direto para o papel em vez de passar por várias rotações em vários cilindros ao escolher entre impressão digital e offset, passar por várias rotações em vários cilindros ao escolher entre impressão digital e offset, geralmente se resume a qual é mais rentável. E esse gráfico simplificado mostra muito bem que, no caso de você ter quantidades menores, então em qualquer lugar abaixo de 500 a mil cópias. Nesses casos, a impressão digital sempre será mais barata. Embora, se você estiver começando a imprimir em volumes mais altos do que a impressão offset será a opção mais viável. Uma das principais razões pelas quais a impressão digital pode ser melhor para impressão de baixo volume, porque não requer nenhuma preparação, especialmente quando comparada à impressão offset. A velocidade real de impressão geralmente é mais rápida em uma impressora offset. Mas o que torna a reviravolta mais rápida com a impressão digital, especialmente para impressão de menor volume, é que ela dificilmente requer tempo de secagem. É muito fácil fazer pré ensaios, testes e provas. Por último, mas não menos importante, outra vantagem importante é que ela é mais amigável ao meio ambiente porque o processo de impressão digital requer menos produtos químicos e também produz menos desperdício. Como estamos falando sobre a velocidade da impressão, mesmo que as impressoras offset ainda sejam mais rápidas em geral, existem algumas máquinas de impressão digital incríveis como esta no polar três Swiss Q, que pode atingir um nível máximo de produtividade de um sprint de 180 metros quadrados em uma hora. A impressão de dados variáveis é outra grande vantagem da impressão digital, o que significa que você pode imprimir facilmente itens personalizados como esses. cartões de convite pelos nomes são todos diferentes em cada uma das peças. Um bom exemplo de impressão de dados variáveis foi a bem-sucedida campanha Share a Coke da Coca-Cola, que tem uma enorme variedade de nomes nas etiquetas. E na geração de aumento nas vendas e na interação com o consumidor com a marca e o produto. Mas, além das várias vantagens da impressão digital, há também algumas das áreas cinzentas, como se você não tivesse a mesma quantidade de estoques ou tipos de papel ou assim na maioria das vezes, caneta cores de tom não serão suportadas. E as opções de acabamento que abordaremos mais adiante neste curso também são limitadas em comparação com a impressão offset. Mas não se preocupe, como designer gráfico, raramente é sua tarefa decidir qual opção é melhor para um projeto impresso. Geralmente, é tarefa de um estimador de impressão que poderá calcular o custo para você e informar se você deve ser digital ou offset. 9. Serigrafia: serigrafia, ou na maioria das vezes referida como serigrafia, é outro método de impressão muito popular, mais comumente usado para imprimir em produtos de vestuário como camisetas, jumpers, sacolas. Mas também é frequentemente usado em produtos de papelaria, como em cartões-presente e também para cartazes de edição limitada. A singularidade da serigrafia é que ela depende um estêncil que está na própria tela. E a tela geralmente é esticada em um quadro. E a maneira como a tinta pode passar por esse estêncil para a imagem impressa apertando-a usando uma ferramenta chamada rodo. Agora, existem várias técnicas de ligação de hastes, mas provavelmente a mais usada e a mais profissional é a emulsão fotográfica ou emulsão sensível à luz. E embora possa parecer um pouco complicado, mas na verdade só requer alguns passos. Então, primeiro, o design em si precisará ser impresso neste filme de acetato transparente. E isso, na verdade, não é tão complicado. A maioria das impressoras de mesa poderá fazer isso. Mas o que você tem que ter em mente é que você precisa ter um filme separado para cada uma das cores. Da mesma forma, como precisávamos placas separadas na impressão offset. Este é exatamente o caso desses filmes imobiliários. E cada uma dessas empresas então tem que ser transferida para as malhas. que, novamente, significa que, para uma impressão de quatro cores , por exemplo, você precisará de uma malha separada, e é fácil ver que a tinta quer, o rodo é usado, poderá passar por essas áreas mais brilhantes. Então, por exemplo, essa malha é usada para a cor do cabelo, enquanto esta é usada para os tons de pele. E uma vez que todas as quatro cores e as malhas de forma foram usadas, é assim que a impressão final se parece. Aqui está outro exemplo de uma impressão em duas cores. Nesse caso, temos um vermelho e azul, novamente usando duas malhas separadas. E aqui está o resultado dessas duas cores impressas uma sobre a outra. Um fator importante que você tem que decidir que o início de um projeto de serigrafia é a finura da própria malha, que depende principalmente da complexidade do design e o tipo de material em que você está imprimindo. Aqui está uma bela impressão em tela colorida que a quinta cor é dada pela cor do próprio papel. Ao olhar para esta impressão dos estúdios d, k e g de perto, podemos apreciar algumas das vantagens da serigrafia. Uma delas é que ele pode produzir cores muito vivas e ricas, mesmo em tecidos mais escuros. E ao ter as cores em camadas umas sobre as outras, você tem essa incrível sensação tátil no final. E o importante a ter em mente com serigrafia é que, uma vez que a tinta está em camadas uma sobre a outra como já estabelecemos, em vez de ser misturada a partir de quatro tintas como CMYK, transições sutis em cores como gradientes neste caso, devem ser criadas com o uso de padrões de meio-tom. Então, como um exemplo simples, se você tiver um gradiente preto e branco no Photoshop, o que você pode fazer é ir para o modo no menu Imagem e primeiro escolher uma escala de cinza, depois voltar novamente para o modo e escolha bitmap, que terá que achatar as camadas depois de clicar em Ok, é aqui que você poderá escolher o método que maioria das vezes você gostaria de manter na tela de meio-tons. E a resolução pode ser qualquer coisa que você precise, mas eu vou mantê-la como está. E então aqui, novamente, dependendo do que você deseja alcançar, você pode encontrá-lo nas configurações. Mas, em geral, se você usar 50 linhas por polegada para a frequência, 45 graus para o ângulo e elipse para a forma, você obterá um resultado silencioso e agradável. E como você pode ver quando ampliamos mais perto, é uma imagem bitmap, o que significa que é composta de duas cores, preto e branco. Portanto, não há tons de cinza. Nenhum anti-aliasing é simplesmente essas duas cores e inova isso já começando a parecer uma malha. Mas, claro, para conseguir essas lindas impressões, requer um alto nível de habilidade, tanto configurando os designs no computador, mas também para garantir que todas as cores estejam perfeitamente alinhado na impressão final. Então, em comparação com outros métodos de impressão, serigrafia é definitivamente um processo lento e meticuloso, e pode ser caro para impressões menores, um estúdio de serigrafia profissional e especializado usaria dispositivos como este, que tem as seis malhas para as seis cores já configuradas neste sistema rotativo. Assim, essas malhas podem girar e as folhas de papel ou os produtos em que a impressão acabará podem ser colocados nessas quatro estações. E mesmo que a serigrafia possa ser considerada mais um nicho em comparação com a impressão offset e digital. Como designer gráfico, ainda é importante estar ciente disso, especialmente quando você está preparando designs para serem impressos em tecido. 10. Impressão 3D: todos os métodos de impressão, impressão 3D soa provavelmente a mais futurista, e é aquela em que você provavelmente estará envolvido como designer gráfico. No entanto, como está se tornando cada vez mais amplamente utilizado, achei pior, ainda mencionando isso neste curso. Assim, uma impressora 3D funciona de forma muito semelhante a uma impressora a jato de tinta, mas neste caso, em vez de ter a tinta permanecendo bidimensional, então permanecendo plana na superfície do papel, o material plástico que é usado em vez de tinta é construído camada por camada, resultando em um objeto tridimensional no final. Portanto, o bico tem que se mover não apenas nas direções x e y ou eixos, mas também nos eixos z. Então, geralmente começa a imprimir na parte inferior, que é a base do objeto, e então ele vai que é a base do objeto, para cima. Aqui está um bom exemplo mostrando as etapas do processo de impressão, começando com esses pilares, que estão formando a base da impressão. E então podemos ver como ele está sendo construído camada por camada. Aqui está outro instantâneo legal de um processo de impressão 3D, que também mostra que hoje em dia você também pode fazer impressões 3D multicoloridas com a descoberta de gradientes. Por isso, está se aproximando dos métodos tradicionais de impressão em quatro cores. Objetos impressos em 3D são amplamente utilizados hoje em dia em cuidados de saúde. E é um fato interessante que foi em 1999 quando o primeiro Oregon impresso em 3D foi usado para uma cirurgia de transplante. Você pode encontrar muitos exemplos de móveis e esculturas impressas em 3D, é claro. Mas também há exemplos de casas impressas em 3D. Confira o link para este projeto chamado lei Taq na placa de carga. Se você quiser saber mais sobre isso. 11. Cores especiais: Já discutimos que, na maioria dos cenários de impressão digital e offset, estaremos confiando principalmente nas cores CMYK e a combinação dessas resultaria na impressão em quatro cores. No entanto, para garantir uma cor muito específica para aparecer em sua impressão e garantir que ela seja consistente onde e quando for impressa. Em vez de confiar na mistura das cores CMYK, você deve usar cores especiais em vez disso. Estas são cores pré-misturadas que você terá que escolher especificamente para o seu design. E um dos sistemas mais comuns usados em todo o mundo é o sistema de correspondência Pantone, ou PMS. É uma enorme biblioteca de cores que pode ser acessada e usada em qualquer trabalho de impressão. Mas é importante ter em mente que adicionar cores especiais provavelmente aumentará o custo da impressão. Geralmente, é trabalho de um designer gráfico combinar as cores na tela e selecionar qual amostra eles estão mais próximos de você nesses livros da Pantone. Mas, claro, você também pode trabalhar ao contrário. O cliente pode já ter escolhido ou usado uma cor especial específica. Isso significa que quando você está trabalhando em seu design, você só precisa ter certeza de selecionar essa amostra. Então, aqui está um exemplo rápido. Digamos que eu precise usar uma cor especial para esse quadro em torno dessa raposa. Tudo o que preciso fazer é ir ao painel de amostras e, sob os livros de cores, poderei encontrar todas as opções da ferramenta Caneta. Esses são todos os diferentes tipos de livros. Digamos que precisamos da categoria revestida sólida para a qual tenho o livro na minha mão. E vou digitar o código para uma dessas amostras. Então, são três a 52, que é essa bela cor turquesa. Eu posso apenas selecioná-lo. Ele já foi adicionado ao meu painel de amostras e podemos ver como ele se parece na ilustração. Vale ressaltar que é fácil identificar uma cor Pantone no painel de amostras porque haverá um pequeno ponto na miniatura. Ao clicar duas vezes em uma amostra de cores Pantone, você verá que o modo de cor é realmente a cor do livro, dependendo dos valores LAB. E é um modelo de cores completamente diferente em comparação com CMYK ou RGB. Mas caso você queira mudar para qualquer um desses, você pode verificar o que está mais próximo da cor especial original. Mas lembre-se, misturar cores nunca resultará na mesma riqueza e precisão que uma cor especial pode alcançar se você não estiver convencido. Aqui estão alguns exemplos, comparações de uma cor Pantone impressa à esquerda e a mesma cor tentou ser impressa com as quatro cores CMYK e a aparência de close-up de texto colorido usando cor de processo em comparação com a cor spot. Mais uma vez, podemos ver a enorme diferença de clareza. E embora seja um pouco exagerado, mas ainda assim mostra bem a diferença entre imprimir com duas cores Pantone em comparação o uso das cores CMYK à esquerda. Existem também categorias especiais de cores pantone, como o revestimento metálico ou pedestais e neons, que são todos considerados cores especiais premium. E estes podem ser usados para efeitos especiais ou para tornar a impressão mais única ou luxuosa. E vamos cobrir tudo isso com mais detalhes junto com outras técnicas especiais de impressão nos próximos vídeos. 12. Materiais metálicos: Já estabelecemos que existem três etapas principais do processo de impressão. E falamos principalmente sobre o estágio real da imprensa quando a impressão está acontecendo. Mas para a maioria dos produtos impressos que longe de ser o fim da história. Porque o que acontece no Postgres é, na maioria das vezes crucial para fazer o produto funcionar ou para destacá-lo. As duas principais categorias de tarefas que são realizadas na fase pós-compra em um binário, a adição de enfeites, binários refere-se principalmente à encadernação, mas também inclui o dobramento, que se refere ao dobramento de uma folha impressa grande em um clube de livros ou folheto menor. E embora na maioria das vezes binário seja o último passo em todo o processo de impressão, é importante planear precisamente já no início, porque você precisará conhecê-los especificações e você precisará ser capaz de trabalhar com sua impressora para garantir que você obtenha o resultado que está procurando. Agora, aqui você pode ver um exemplo dos dois métodos de encadernação mais usados, o encadernação perfeita e a costura de sela. Mas este é um tópico muito maior, então entraremos em mais detalhes mais tarde. Mas, por enquanto, gostaria de me concentrar principalmente nos tipos de enfeites nos próximos vídeos, começando com tintas e tábuas metálicas. Mas, como você pode ver, também estaremos cobrindo revestimentos de verniz spot, laminações UV e filme, e também meu favorito e ostentamento e o busing. Vamos começar com as tintas e tábuas metálicas. Por que você gostaria de usar isso em seus projetos de design gráfico? Você pode ter ouvido esse termo antes. Faça com que seja brilhante. É algo que os clientes adoram dizer e não há melhor maneira de tornar um produto impresso brilhante do que usar tintas metálicas ou material metálico em que você está imprimindo, que nós geralmente se referem a placas metálicas. Então lembre-se de que falamos sobre cores especiais e o sistema de correspondência Pantone. E para tintas metálicas, eles têm dois livros separados. Portanto, há muita variedade e opções que você pode escolher. E a maneira como essas coisas funcionam é que elas são formuladas com pequenos flocos metálicos dentro da própria tinta. E porque eles são mais leves em comparação com a tinta, quando atingem a superfície impressa, eles realmente vão subir para a superfície, fazendo com que a tinta pareça realmente brilhante. Então, mesmo quando você usa tintas metálicas, quase parece que você está imprimindo com ouro. Claro, há apenas uma pequena porção de material metálico dentro do acampamento. E para manter essas tintas acessíveis, flocos de alumínio são usados para criar o efeito de flocos de prata e bronze são usados para criar o efeito do ouro. Aqui está outro visual de close-up que mostra prata, ouro e rosa chamadas tintas em particular. E além do brilho, também fazemos com que isso pareça mais luxuoso é que eles também se sentem mais táteis. Novamente, é graças aos pequenos flocos que estão dentro da tinta que produzem essa textura fina. Agora é importante mencionar que as tintas metálicas são melhor usadas com papel revestido porque, caso seja usado em material não revestido ou superfícies ásperas, esses pequenos flocos metálicos não serão capazes de subir para a superfície da tinta tanto porque eles ficarão presos no material em que estão impressos. Então você acaba perdendo a maior parte do efeito metálico quando fala com impressoras, há um termo que elas gostam de usar quando trabalhamos com tintas metálicas. Chama-se folhagem. Isso realmente se refere é como esses pequenos flocos metálicos se agrupam ou se prenderiam uns aos outros e se elevam à superfície da tinta. Aqui está um belo exemplo de um cartão de visita, que parece extremamente luxuoso porque é impresso em uma placa metálica dourada usando tinta dourada para o tipo e as decorações. E também é combinado com o busing, que é a pressão na superfície que estaremos cobrindo mais tarde. impressão em placas metálicas, é claro, será sempre dispendiosa. Mas, sem dúvida, o produto final será sempre luxuoso e se destacará. Imagine receber um cartão de visita que parece ser feito de ouro e, na verdade, é pesado por causa da placa metálica em que está impressa. Assim, sempre que seu cliente deseja realmente mostrar ou destacar exclusividade, qualidade premium e alto valor em geral, tanto tintas metálicas quanto placas ou a combinação desses dois podem lhe dar a fórmula vencedora. Apenas certifique-se de verificar primeiro se seu cliente poderá pagar e pagar pela impressão. E por último, mas não menos importante, aqui está um exemplo louco que provavelmente atinge o máximo da quantidade de ouro que você pode usar em um produto impresso. Então, antes de tudo, temos tinta dourada pan tone usada para os detalhes no logotipo principal. Então, todo o invólucro em si é feito de tábuas metálicas douradas. E, finalmente, a estampagem de folha de ouro combinada com emboscada é usada em todas essas decorações e também no tipo. E a razão pela qual eles saíram e incluíram todos os tipos de ouro possíveis na impressão porque era uma faixa de edição limitada para este arriscado. Agora, como mencionamos e vimos um exemplo de estampagem de papel alumínio aqui, vamos discutir isso mais detalhes no próximo vídeo. 13. Foil stamping: estampagem em folha, ou também conhecida como estampagem a quente, pode criar um efeito realmente intenso para sua impressão final. E mais uma vez, semelhante aos materiais metálicos, também ajudará a destacá-lo. O nome hot foil stamping realmente explica perfeitamente como todo o procedimento funciona. Então, antes de tudo, você tem um carimbo que está pressionando a folha no papel ou na mídia com a qual você está trabalhando. E para ter certeza de que o uso completo vai ficar no seu material e que ele também seja cortado na forma certa e ele vai para os detalhes certos. Também temos um corante aquecido preso ao carimbo. Existem quatro categorias principais ou tipos de folhas que você pode usar. Folhas metálicas são muito populares e podemos ver alguns exemplos desses usos aqui à direita. E, da mesma forma que as tintas metálicas, você terá muitas opções para escolher, como ouro , prata, cobre e bronze, outra categoria amplamente utilizada ou as folhas holográficas. Mais uma vez, você tem muitas opções e looks diferentes que você pode escolher. E a maneira mais fácil de descrever o efeito é que eles se parecem com um arco-íris ou algo muito parecido com o que você veria na parte de trás de um DVD ou disco Blu-ray. Ou se você tiver idade suficiente para se lembrar um disco ou CD compacto. Aqui está um belo exemplo de folha holográfica aplicada no invólucro de um livro. E para enfatizar ou melhorar o efeito da folha, ela é realmente impressa em toda a caixa, então a vemos na parte de trás, na coluna vertebral e também na frente. O inteligente sobre esse design é que ele realmente atrai o espectador ou o leitor a virar a caixa e realmente apreciar o efeito holográfico da folha. Outra categoria são as folhas Perl, que são folhas transparentes ou translúcidas com sol Perla. O bom disso é que eles podem se misturar com qualquer cor usada na impressão em si, já que eles são um pouco transparentes. E, finalmente, você também tem as folhas de pigmento, que podem ser usadas, por exemplo, quando você está imprimindo em material escuro ou preto. E você precisa adicionar texto em branco ou decorações. Mas é claro que não seria possível contando com tinta. Então, agora que você está familiarizado com a amostragem de papel alumínio e os diferentes tipos que você pode usar em seu projeto. A próxima grande categoria de enfeites sobre os quais temos que falar são revestimentos. E é isso que vamos abordar no próximo vídeo. 14. Revestimentos: Há uma enorme variedade de revestimentos que você pode aplicar aos seus projetos impressos. E além de fazê-los sentir e parecer mais qualidade premium e se destacar de outros projetos, eles também são freqüentemente usados para resistir a impressões digitais e outros problemas ou impurezas durante o manuseio dos produtos. A única desvantagem para a maioria dos tipos de revestimentos é que eles evitarão ser capazes de escrever na superfície ou no material do produto. Mas, como você pode ver em alguns desses exemplos aqui, você pode ser extremamente criativo como você usa revestimentos em seus projetos. O revestimento aquoso é algo que é sempre aplicado em toda a superfície de um produto. É um revestimento claro, de secagem rápida, à base de água, que é usado principalmente para a proteção de um produto impresso, seja uma brochura ou embalagem, vez que é à base de água, é mais amigável ao meio ambiente do que os outros tipos de revestimentos, como verniz pontual. E também fornece um dos mais altos níveis de resistência contra arranhões e marcas de impressão digital quando é usado em peças menores, como um folheto, também é útil para manter a forma do o produto, pois evita que o papel enrugue e enrole. Agora, um verniz é um tipo líquido de revestimento e, dependendo do tipo, ele pode gerar todos os tipos de efeitos de tapete brilhante, sentado até neutro. O tipo mais comum é o verniz UV spot que também é aplicado em uma forma líquida e depois exposto à luz ultravioleta ou luz UV, ele seca imediatamente. E a razão pela qual é chamado de verniz pontual é porque maioria das vezes ele é aplicado em detalhes menores, não em toda a superfície de um design. No caso deste cartão de visita, ele é usado para destacar todos os detalhes tipográficos, mas o material real em si não é coberto por ele, mas no caso de ser usado em toda a superfície, nós o chamaríamos um verniz de inundação. Agora, na maioria das vezes, um nicho parece melhor em materiais mais escuros, mesmo em superfícies pretas. No entanto, ele também pode ser usado em superfícies brancas mais brilhantes, o que resultará em um efeito muito mais sutil. E isso é uma coisa boa porque neste caso, ele é impresso ou editado em cima da topografia. E no caso de um cartão de visita, definitivamente queremos garantir que as pessoas possam roubar, ler este texto sem se distrair de um enfeite. Agora, aqui está um exemplo brilhante em que UV spot é usado em uma superfície preta. Portanto, este é um texto preto em um material preto e não conseguiríamos lê-lo ou vê-lo a menos que seja destacado com o verniz. E este é um exemplo perfeito dessa regra geral que menos é mais no design gráfico. Então, em vez de usar um enfeite para destacar algo que já era proeminente no design. Ele é usado de forma mais minimalista. Mas combinando isso com uma ferramenta de caneta muito vívida e saturada e tinta nessa construção de palavras. Ele também cria um contraste incrível e poderoso. Não se esqueça de qualquer tipo de revestimentos ou mesmo enfeites que você esteja usando em geral, você deve sempre pensar em usos criativos e em que propósito o enfeite serve. E sempre você pode evitar ser exagerado e aplicar restrição em como você está trabalhando com esse tipo de efeitos. E por último, mas não menos importante, eu só queria mencionar também os tipos de laminações que você pode usar em seus projetos. Novamente, o objetivo principal deles é proteger a peça impressa, especialmente tornando-a resistente à água. No entanto, lembre-se de que isso vai tornar sua impressão mais cara e também pode demorar mais, porque laminação geralmente é um processo bastante lento. 15. Gravação em relevo: Embossing and Depot é criar um efeito tridimensional em suas impressões, elevando ou diminuindo certos detalhes. E, geralmente, o procedimento disso é semelhante ao estampagem de papel alumínio. Mais uma vez, aplicamos pressão usando um corante, que geralmente é um metal, e pressionamos o papel ou o material que você está usando para sua impressão em um contador. Então você sempre terá formas positivas e negativas. E estes pressionados juntos resultarão no couro cabeludo ou na forma tridimensional que você está criando caso você esteja interessado em gravar o contador dy seria a parte masculina porque isso é aquele que é positivo ou saliente. A peça de metal seria a fêmea morrer. E no caso do bossing, quando você está pressionando detalhes na impressão, as partes fêmea e masculina seriam trocadas quando a gravação em relevo ou a corda do arco é usada em combinação com outros enfeites como estampagem, nós o chamaríamos êmbolo registrado porque ele tem que ter uma combinação perfeita com o outro detalhe que foi adicionado enquanto no caso de ser usado por conta própria. E mesmo sem ter tinta no material, nos referiríamos a ele como êmbolo cego ou cegamos o chefe. E este é novamente um exemplo perfeito de como você pode introduzir sutileza mesmo quando estiver usando enfeites. Outra técnica interessante que você pode usar é chamada de emboscada multinível, onde a superfície que se destaca do papel não é completamente plana, mas tem uma forma. E isso pode tornar o campo de gravação ainda mais tridimensional. Então, comparado a uma estampagem plana ou redonda ou ao busing, é assim que um multi-nível e ambos se pareceriam e é assim que seria usado para o busing. E no caso de você ser dy seria ainda mais complexo. Nós nos referiríamos a ele como um esculpido e bossing ou o busing. Aqui está um exemplo de um dy esculpido altamente detalhado. Neste caso, ele é usado como um chefe cego para algo assim, o corante geralmente é feito de latão. Agora, como eles geralmente precisam ser esculpidos à mão por alguém, vai deixar sua impressão muito cara. Outra coisa importante a ter em mente, especialmente quando você planeja usar corantes esculpidos, é que você sempre deve encontrar um bom equilíbrio entre a complexidade do corante e a complexidade do o design impresso. Então, em geral, para uma impressão complexa e detalhada, você deve usar uma técnica mais simples e chefe ou chefe. E no caso de um ônibus muito detalhado e complexo e chefe ou D, você provavelmente deve ir para a opção cega como neste caso. Portanto, na verdade, não há nenhum detalhe impresso. Em geral, emboscada e D busing podem parecer que deixa um grande recuo no papel. Na verdade, é uma pequena transformação. E a profundidade máxima que normalmente usamos é de 25 mícrons, que é de apenas 25 milésimos de polegada, dependendo dos ângulos dos chanfros ao redor das bordas. Você também pode obter resultados um pouco diferentes. Como você pode ver, por exemplo, todas essas letras estavam usando gravação em relevo com a mesma quantidade de profundidade, mas o ângulo dos chanfros está aumentando de 30 graus, 60 graus. Então isso significa que vamos de uma mudança mais abrupta na profundidade para algo que tem mais inclinação. E aqui está apenas por causa da comparação, alguns olham de perto os tipos de bolhas que você pode usar. Então você pode ter o chanfro normal que podemos ver aqui no topo. Então temos o cinzel ou telhado e ônibus para quais já vimos um exemplo nesta topografia noturna. E isso é algo que chamaríamos êmbolo redondo ou cúpula pode criar esse visual muito bonito, macio e curvo. E por último, mas não menos importante, como em tudo em design gráfico, você pode ser muito criativo da maneira que você está usando esse método. Você pode até combinar gravação em relevo e D bossing dentro da mesma impressão. E eles nem precisam usar o mesmo perfil, como neste exemplo. Um deles pode ser multinível enquanto o outro poderia ser plano. Por exemplo. Agora que abordamos todos os tipos importantes de enfeites, no próximo vídeo, mostrarei como configurar seus arquivos, incluindo os detalhes do embelezamento, prontos para impressão. 16. Como configurar arquivos para impressão: Tenho certeza de que vendo todas essas técnicas legais e os fatos agora você está ansioso para descobrir como configurá-los em seus arquivos de design. E é exatamente isso que vou mostrar agora no Adobe Illustrator, mesmo que agora no Adobe Illustrator, esse fluxo de trabalho também possa ser repetido no InDesign ou mesmo no Photoshop. Illustrator geralmente é a melhor ferramenta para ter todos esses enfeites configurados e salvos com precisão e precisão em arquivos PDF separados. E sim, essa é uma das etapas mais importantes que você terá sua impressão real salva como um arquivo PDF. Mas, no caso de quaisquer outros efeitos ou enfeites, ele teria que ter arquivos PDF separados, incluindo informações apenas para o efeito desejado. Então, no caso deste cartão de visita, o que eu gostaria de alcançar é antes de tudo, ter uma tinta metálica usada para essas seções aqui. Então essas duas bolhas, eu gostaria de fazer com que pareça dourada. E também esse pequeno detalhe aqui. Além disso, gostaria de ter o texto no logotipo gravado e para todos os detalhes florais que temos aqui. Então, esses três ramos mais escuros, eu gostaria de usar verniz UV spot. Agora, para a cor spot metálica que usaremos não requer um arquivo separado. Ele pode ser armazenado e salvo no mesmo PDF que terá o resto do design para a gravação em relevo e o verniz UV spot, teremos que ter dois arquivos PDF separados gerados. Mas vamos começar com essa cor especial. Então, vou usar a opção da biblioteca no painel de amostras. A partir daqui, selecionarei Color Books. E neste caso, vou usar a categoria revestida metálica com tom de caneta. E aqui podemos digitar o código da cor que estamos procurando referenciada no livro de cores Pantone. E neste caso é 8943. Então, lá temos a amostra. Basta clicar nele e imediatamente ele será adicionado às nossas amostras. Então ele está aparecendo aqui, mas ainda não foi aplicado ao design em si. Então, o próximo passo é selecionar tudo em que gostaríamos de aplicar essa cor. E neste caso, vou usar a ferramenta mágica com a qual posso clicar em uma dessas formas. E como eles são todos muito semelhantes em cores, ele selecionará tudo por padrão. Mas se eu clicar duas vezes na varinha mágica, posso reduzir a tolerância dessa ferramenta para talvez sete. Em seguida, podemos tentar clicar primeiro para desselecionar tudo e, em seguida, clicar no mesmo objeto mais uma vez. E como você pode ver, agora, com essa tolerância menor em conseguiu selecionar, destaque apenas os itens em que eu queria usar essa amostra metálica. Agora que todos estão selecionados, posso simplesmente clicar em nossa amostra Pantone e imediatamente ela é aplicada a eles. Agora também posso ver que há um pouco de lacuna aqui na borda. Mas isso não é um problema porque essa parte já está no sangramento e a área de acabamento real termina aqui. Então, todos esses detalhes serão cortados. No final. Você pode estar pensando que é uma pena e um vaso de usar uma cor especial em uma área que será cortada no final. Mas, infelizmente, essa é a única maneira de conseguirmos isso. A cor especial será impressa até a borda. Agora, a boa notícia é que temos que fazer apenas um passo adicional para que estes cinco estejam prontos para impressão. E isso é para delinear todo o texto. E é importante mencionar que você sempre deve salvar seu arquivo de trabalho com texto editável. Então esse seria o arquivo do projeto que você possa voltar para eles, fazer alterações, atualizar o nome e todo o resto das informações para outros funcionários, por exemplo. E o que eu recomendaria para uma precaução extra de segurança é realmente, neste momento antes converter todos os textos em contornos, salvar seu arquivo como uma duplicata, que você pode fazer com o uma opção Copiar no Illustrator. E vou apenas digitar o descrito no nome do arquivo também. Portanto, ainda é um arquivo do Illustrator e salve o clique. Ok, e então vou para o recurso de abertura de arquivo e selecionar o arquivo do Illustrator de tópicos, onde agora posso me sentir à vontade sabendo que ainda tenho a versão de texto editável original. Mas aqui posso usar o comando ou controlar um atalho de teclado para selecionar tudo e, em seguida, ir para o menu Tipo e escolher Criar contornos. Ou você pode se lembrar do atalho Command ou Control Shift O. Então isso vai converter tudo em formas. O texto não é mais editável. E se eu usar a visualização de contorno, que é Comando ou Controle Y, posso ver que tudo se transforma em formas. E se eu usar a ferramenta de seleção direta, posso até selecionar esses pontos de ancoragem e começar a movê-los. Mas vou pressionar Command Y para voltar à visão normal e ver as duas placas de arte. E agora é hora de salvar isso como PDF. Primeiro, vou salvar as alterações. Portanto, é definitivamente o esboço agora, como o nome indica, e depois volte para Arquivo, Salvar Como e, em seguida, altere o formato para PDF. Agora, como precisaremos de ambos os lados do cartão de visita, vou manter a opção tudo selecionada. Mas o mais importante, no nome do arquivo, quero ter certeza de que é especificado que esta é a arte e normalmente digito isso com letras maiúsculas. Então, ele realmente se destaca e eu posso identificar imediatamente qual deles é rico ou qual é o propósito deste PDF? Então, quando estiver lá, posso clicar em Salvar. E então aqui, em vez da opção padrão do ilustrador, eu normalmente iria para o PDF X1 2001, que é um formato altamente compatível e a maioria das impressoras seria capaz de trabalhar. Agora, como este é um cartão de visita, normalmente você também gostaria de incluir marcas de acabamento e configurações de sangramento. No entanto, isso pode ser algo que a impressora poderá cuidar. Você só precisa dizer a eles o tamanho da hemorragia com a qual você trabalhou. Então, neste caso, não vou incluir nada. Basta clicar em Salvar PDF. Agora, apenas para verificar se a cor especial foi salva corretamente, eu sempre gosto de abrir o PDF de volta no Illustrator. Então, vou selecionar o arquivo PDF da arte, clicar em Abrir e vou escolher todos. Gostaria de ver as duas placas de arte e clicar em, Ok. E então podemos ver o mesmo design exato. Mas, o mais importante, dentro das amostras, podemos ver que nossa cor especial foi realmente salva no PDF. 17. Como preparar arte para técnicas especiais de impressão: Agora, pulando de volta para o nosso arquivo do Illustrator, vou criar o PDF para a gravação em relevo. Como concordamos, isso será aplicado nos textos do logotipo e apenas tenha em mente sempre que você estiver imprimindo em ambos os lados e usando uma técnica como gravação em relevo ou o busing, ele também aparecerá no outro lado do cartão. E é por isso que intencionalmente deixei esse espaço vazio. Portanto, não será um problema para ele aparecer aqui. No entanto, lembre-se de que o texto será revertido. Então, apenas para demonstrar isso para você, se eu selecionar a cópia e eu colá-la aqui do outro lado e configurá-la para preto para que possamos vê-la. Na verdade, ficará assim. Portanto, mesmo não se sobrepondo, os textos deste lado do cartão de visita ainda não são ideais porque se lê como uma palavra completamente diferente. Então, em vez de M inferior, ele lê medula. Agora, devido a essa realização você pode querer reconsiderar e, em vez de usar o busing ou gravação em relevo, você pode querer usar outro tipo de embelezamento que não vai interfere com o outro lado do cartão. Então, talvez, em vez disso, possamos usar estampagem. Só vou excluir isso daqui. Volte para a outra página. E, na verdade, vou selecionar novamente esse texto e alterá-lo para preto. Isso é algo que você sempre deve fazer porque os arquivos que você prepara para enfeites devem ter apenas detalhes em preto ou branco sobre eles, sem informações sobre cores. Agora, já que não há outros detalhes que eu gostaria de usar para esse tipo específico de efeito. Vou excluir todo o resto. Então, por que ter o texto selecionado, posso ir para o menu Selecionar e escolher inverso que selecionará todo o resto nessa placa de arte e, em seguida, pressionar Excluir ou Backspace no teclado. Posso excluir tudo do outro lado do cartão, mesmo que eu só queira usar o efeito em um lado do cartão ainda é recomendado para salvar ambos os lados em seus PDFs exatamente da mesma maneira que você tinha isso no arquivo de arte. Isso mais uma vez, para garantir que eles estejam perfeitamente registrados e alinhados entre si. Então, neste momento, eu sempre verifico se meu texto está delineado no qual deveria ser como já fizemos antes. E então eu vou salvar isso como PDF, mais uma vez, Salvar arquivo como escolhendo o Adobe PDF usando todos os quadros de arte e alterando o nome neste caso para carimbo metalizado, como concordamos, em vez de usar gravação em relevo, esta é a técnica que decidimos. Então, vou clicar em Salvar. Mais uma vez, estou usando o PDF em uma predefinição de 2001 e não preciso fazer mais nada, então eu posso clicar em Salvar PDF. Então, quando você abre este PDF no Acrobat, isso é tudo o que você deve ver dentro desse arquivo. E então, como também queremos que ele use verniz UV nas decorações florais. Vou, novamente, começar a partir do arquivo de contorno. E aqui vou usar a ferramenta de varinha mágica para selecionar esses ramos e ir para Selecionar, escolher Inverso, excluir tudo. Em seguida, use Command ou Control a para selecionar as ramificações novamente e definir essa cor como preta. Então agora que temos este configurado, podemos novamente ir ao menu Arquivo, Salvar como como antes, Salvar como como antes, escolher PDF e no nome do arquivo, e eu vou me certificar de que diz spot, UV, salve todos os pranchetas neste caso são muito importantes porque temos os detalhes em ambos os lados do cartão. Novamente, usando a mesma predefinição, podemos clicar em Salvar PDF. E então este é um lado e há o outro lado. Então, para resumir, esses são os três PDFs que você fornecerá à sua impressora. A arte com todas as cores, incluindo a cor especial, o carimbo de folha mostrando onde você gostaria de aplicá-lo e o UV dividido com os detalhes em ambos os lados do cartão. Sempre vale a pena conferir duas vezes com sua impressora, as especificações e como você gostaria que o cartão de visita fosse feito. Mas, em geral, se você seguir essas etapas com cuidado, não terá problemas obter um produto final incrível. 18. Encadernação: Antes que possamos terminar falando sobre o estágio pós-compra do processo de impressão. Eu queria passar um pouco mais de tempo falando sobre os métodos binários e de vinculação. Então, como você pode ver neste quadro, existem muitas maneiras diferentes de unir páginas. Mas antes que possamos passar por cada um deles e as diferenças entre eles, há um termo com o qual você deve estar familiarizado e essa é a assinatura. Agora é assim que a assinatura de 16 páginas se pareceria. E você pode se lembrar que falamos sobre várias operações no caso de imprimir o mesmo design várias vezes em uma única folha para economizar custos. A mesma coisa acontece quando você está imprimindo revistas ou livros, documentos de várias páginas para economizar custos, novamente, teríamos várias páginas dispostas na mesma folha. E uma configuração muito comum seria esse layout ou assinatura de 16 páginas em que a folha seria impressa em ambos os lados. Então esta seria a frente e isso seria o inverso se você virar a bainha ao redor. E o que acontece com essas assinaturas depois que elas saem da imprensa é que elas são dobradas e aparadas usando um layout como esse torna muito mais fácil tê-las organizadas já a ordem correta, pronta para encadernação. Esta ilustração mostra muito bem que dentro de um livro você teria várias assinaturas. Então, quando você olha mais de perto para eles, foi assim que eles se pareciam, dobrados. E neste caso, assim como no exemplo anterior, é o formato padrão de assinatura de 16 páginas. E só para que você possa imaginar facilmente, há uma marca de registro aqui que mostra que o reverso da página um seria a página dois, o que obviamente faz sentido porque é isso que você quer ver quando você estão virando as páginas. E, novamente, se você imaginar outra cruz aqui na página três, o inverso disso seria pago e assim por diante e assim por diante. Que, dependendo da duração do documento, você poderá usar certos tipos de vinculações. Assim, por exemplo, com o ensino costura ou grampeamento sutis, você pode unir eficientemente qualquer coisa até 36 páginas. E se você exceder isso, pode ficar mais difícil manter todas as páginas juntas. Portanto, esse método definitivamente tem uma limitação e tudo bem. É usado para revistas, folhetos ou folhetos de curto prazo . A costura em loop é um método muito semelhante, mas neste caso, você teria um detalhe semicircular que está saindo da coluna vertebral. E isso é útil no caso de o documento precisar ser colocado em um fichário. Agora você também pode usar encadernação viral ou espiral, mas os furos são perfurados uniformemente ao longo do lado de todas as páginas e, em seguida, a espiral ou fio contínuo manterá as páginas juntas. Aqui está um visual de perto mostrando que as espirais podem combinar com o design do seu documento e elas podem facilmente se tornar um recurso. E da mesma forma, se você estiver usando encadernação costurada, é novamente algo que é exposto e visível do lado de fora, que pode resultar neste visual mais artesanal ou artesanal. Agora, quando se trata de documentos mais longos, como livros, você provavelmente usaria um dos seguintes métodos de vinculação para manter as páginas ou assinaturas juntas. Primeiro de tudo, você tem a ligação EVA, que significa acetato de vinil de etileno, que é o tipo de cola que é usada neste caso. Comparado a isso, a cola PUR, mantém-se mais forte, o que representa um poli eutheriano reativo. E esse tipo de encadernação que normalmente chamaríamos de plano pois permite que os livros possam se espalhar completamente e ficar de forma plana em uma mesa ou outras superfícies de leitura. Aqui podemos ver um exemplo de encadernação PUR e notar como a capa do livro ou a caixa na lombada não está colada nas páginas para que elas possam se mover separadamente. E isso é novamente algo que ajuda a manter o livro deitado. Mas no caso de você querer saber mais sobre capas de livros e como projetá-las. Vamos, na verdade, um vídeo separado que abordaremos mais adiante neste curso. Então, o que você veria na maioria dos casos com livros é que as assinaturas são mantidas juntas por encadernação perfeita ou costuradas juntas, e então tudo está envolto em uma capa dura ou macia. A capa geralmente é completamente preparada separadamente, pois é feita de um material diferente e dependendo da aparência que você está procurando, as opções de invólucro mais comuns são a caixa redonda, onde você veria essa forma redonda ao redor da coluna vertebral e da caixa plana ou quadrada, que mais uma vez é auto-explicativa. Agora você também pode se deparar com fita adesiva, onde as folhas são unidas com uma tira externa de fita ou pano. Agora, esse tipo de encadernação não é mais tão comum porque o método de encadernação perfeito é mais durável, além da aparência de uma ligação que são outros fatores que você deve considerar quando escolher o caminho certo para o seu projeto, que inclui, como já discutimos, durabilidade, custo, contagem de páginas e comportamento de abertura. Portanto, tenha tudo isso em mente e tente planejar a ligação correta logo no início. Como você pode ver, até mesmo o número de páginas é afetado pelos métodos binários e pelas assinaturas necessárias para o seu projeto. 19. Tamanho do papel: Da mesma forma que é importante escolher o método de vinculação correto, você também precisa entender como escolher o tipo certo de papel para seus projetos. Parece uma pergunta tão elementar ou básica e simples. Acredite em mim, eles são muitas coisas para levar em consideração sem tentar sobrecarregá-lo. Vou me concentrar nos aspectos mais importantes, como o tamanho, a forma e o peso do papel. Mas, além desses três atributos principais, alguns dos outros incluem suavidade, que pode variar de real, que é o mais difícil, até ultra suave. E a técnica para aumentar a suavidade do papel é chamada de calandragem caso você esteja interessado, a formação do papel é outro atributo que se refere à distribuição de fibras dentro da folha. A sombra é bastante óbvia, é a cor dos papéis. E mesmo entre white papers, você verá uma pequena diferença se eles são tons mais quentes ou frios. A opacidade é outra óbvia. Alguns papéis translúcidos e você pode ver através deles enquanto outros são completamente opacos, sem deixar passar nenhuma luz. Este é um atributo importante também a ter em mente quando você está imprimindo em ambos os lados do papel. Em cored out está a capacidade do papel de manter a tinta na superfície vez de deixá-la afundar em seu material. Brilho é o atributo que decide quanta luz é refletida pelo papel. E não confunda isso com a sombra, que simplesmente define a cor. Mas você pode ter, por exemplo, um tom mais escuro que é realmente mais brilhante do que outro papel que tem o mesmo tom exato. Então, mais uma vez, o brilho é a qualidade reflexiva de um papel. Por último, mas não menos importante, é a consistência lado a lado é o que decide quão semelhantes são os dois lados do papel entre si. E, geralmente, o papel mais caro e de melhor qualidade teria maior consistência site a site. E caso você esteja se perguntando que há até termos usados para os dois lados do papel. Esse é o comprador e o lado feltro. E a via é aquela que entra em contato com o vírus na máquina de fabricação de papel. Agora que discutimos esses outros atributos, vamos nos concentrar no tamanho do papel. Existem vários tipos de padrões ISO com os quais você deve estar familiarizado. Mas, de tudo isso, a série a é provavelmente a mais usada. E a maneira como todas essas ciências padrão funcionam é que você sempre toma a maior como ponto de partida, que no caso da série a seria o tamanho 0. E dividindo isso para metade, você obteria o próximo tamanho, que é A1. Mais uma vez, dividir isso ao meio lhe daria dois, o que podemos ver aqui em cima. Dividindo isso em metade, você recebe um três. Dividir isso em metade novamente é um quatro. E então assim por diante e assim por diante. Você pode ir até dez. No entanto, isso é muito raramente usado porque seria um tamanho de 1,5 polegadas ou 26 por 37 milímetros. O melhor desses padrões ISO é que eles funcionam muito bem em combinação também. Por exemplo, e uma impressão em série caberia perfeitamente em um envelope CSeries. E podemos ver um exemplo aqui. Portanto, ter uma página A4 dobrada uma vez ou uma página A5 pode ser facilmente colocada em um envelope C5 porque é um pouco maior em tamanho. Quando você compara as séries a, b e c entre si. Uma série é, na verdade, a menor. Então o CSeries é o próximo. E estranhamente a série B é a maior. Outra coisa importante a ter em mente é que um papel de tamanho a é 0 é, na verdade exatamente um metro quadrado de área. E por causa disso A4, que provavelmente é o tamanho mais usado na série, é exatamente um 16 de metros quadrados de área. Agora, isso é o que está mais próximo de um papel de tamanho carta, que é um tamanho de papel comum. E além disso, os outros dois mais comumente usados nos EUA seriam o legal e o tamanho do tabloide é. Agora, a principal diferença entre os padrões ISO e esses tamanhos dos EUA é por isso que os padrões ISO estão usando sempre a mesma proporção exata no caso dos tamanhos dos EUA, como você pode ver, a proporção muda o tempo todo. Então, de certa forma, pode ser um pouco mais complicado trabalhar com isso, mas realmente depende do que você está acostumado e do que está disponível onde você está baseado. 20. Brilho do papel: Como você provavelmente sabe, o papel é feito de fibras de madeira que são embebidas em água para suavizá-las. A polpa resultante é então pulverizada sobre uma malha para remover a maior parte da água. E então ele fez rolos são usados para secá-los e suavizar sua superfície. Então, dependendo do brilho do papel, nós os categorizaríamos entre papel revestido e não revestido e não revestido, como o próprio nome já indica, é o tipo que é mantido em seu estado bruto. Assim como seca e sai da máquina de fabricação de papel, enquanto é papel revestido, argila branca é usada para preencher as pequenas lacunas ou fendas na superfície. E então, dependendo do efeito desejado, se você deseja obter acabamento de tapete, seda ou brilho, diferentes tipos de rolos de alta pressão seriam usados. Uma vez que com papel revestido você tem esse estágio secundário ou adicional de usar os rolos. Geralmente significa que o papel revestido se torna mais denso e fino em comparação com o papel não revestido feito com o mesmo peso de polpa. Neste exemplo, você pode ver uma ótima comparação das mesmas amostras Pantone para papel revestido não revestido. E vale lembrar que o C no código da nossa amostra Pantone significa citado pelo U, significa não revestido. Agora, as ações cotadas em geral são melhores em manter detalhes e fazer com que as imagens pareçam um pouco mais nítidas. E isso é principalmente por causa da tinta sentada na superfície do papel em vez de estar afundando mais fundo. vantagem do estoque não revestido diz que eles são mais fáceis de ler porque essa superfície é louca em comparação com a superfície brilhante e reflexiva dos estoques revestidos. Portanto, no caso de textos terem publicações, especialmente livros, é sempre uma escolha melhor ir com papel não revestido. Uma outra vantagem do papel revestido, no entanto, que você deve ter em mente é que eles geralmente são mais resistentes. Portanto, geralmente há uma escolha melhor para coisas como menus em restaurantes ou mapas. Quando você compara os diferentes tipos de acabamentos e os coloca um ao lado do outro assim, você poderá ver que quanto mais revestimento for aplicado, mais brilhante o papel fica. Portanto, neste caso, começando com 0 por cento de revestimento, subir para 25% com Matt do que o brilho seria em torno de 50%. brilho UV seria a quantidade máxima de 100% ou a quantidade máxima de revestimento. Agora, aqui no lado esquerdo, você também pode ver alguns exemplos de que a textura é introduzida no papel, o que não deve ser confundido com suavidade porque na verdade é um tipo de efeito que é adicionado ao o papel com um método semelhante à gravação em relevo. E, claro, há uma enorme variedade de efeitos para escolher, dependendo do tipo de experiência tátil e visual que você deseja alcançar em seu produto. 21. Peso do papel: Outro aspecto muito importante da escolha do papel certo para o seu projeto é decidir sobre o peso do papel. E por que isso? Bem, principalmente porque pode afetar os custos de produção e distribuição e até afetar o tipo de vinculação com a qual você pode trabalhar. Agora, existem duas formas principais de medir o peso do papel. E na maioria das vezes esses dois seriam exibidos como neste caso, podemos ver primeiro o £80, que é o padrão americano ou americano para medir o peso do papel. Além disso, podemos ver o peso em gramas por metro quadrado, que geralmente é usado em todos os lugares fora dos Estados Unidos. Aqui você pode ver uma ótima comparação dos diferentes tipos de peso de papel usados nos produtos de papel mais comuns, começando com papel higiênico ou papel higiênico, indo até os cartões de visita mais grossos, a idade do grama ou gramas por metro quadrado dos projetos de design gráfico mais comuns cairiam entre cento e vinte, duzentos e dez. Então, isso seria usado para brochuras, panfletos, cartazes, revistas, e assim por diante. Agora, caso você esteja se perguntando como os dois tipos diferentes de unidades são medidos, o peso do papel em libras é determinado medindo 500 folhas de papel, que nos referimos como resma. O dano é determinado pelo peso de um metro quadrado de um determinado tipo de papel. E por causa dessas duas formas diferentes de medir o peso, podemos ver que temos dois tipos diferentes de papéis. Então, neste caso, o papel de desenho da série e este ovo, vários papéis aquarela que têm o mesmo peso em libras que você pode ver, £80, ambos, mas eles terão uma imagem de grade diferente. Então, por que o papel de desenho é de apenas 130 gramas por metro quadrado. Este papel aquarela é, na verdade 170 gramas por metro quadrado. Mas como essas medidas e unidades podem ser confusas, você pode encontrar ferramentas on-line brilhantes como esta para quais o link está incluído na placa de ânodo de metal, que pode realmente ajudá-lo a estimar o peso final de um produto como um livro ou revista, mas também aspectos adicionais de uma tiragem. Por exemplo, se selecionarmos A4 como nosso tamanho e definirmos a imagem para talvez um 110, mantendo a folha em uma, ela já nos diz exatamente qual será o tamanho. Ao aumentar o número de folhas, podemos ver como o peso total está subindo e, em seguida, mais abaixo, podemos adicionar peso adicional. Pode ser qualquer coisa, desde enfeites até encadernação. Então, vamos apenas adicionar algo lá também. Então, se clicarmos em print run, isso significaria quantas cópias disso estaremos produzindo menos. Basta configurar isso até 3 mil, por exemplo. E imediatamente obtemos o peso total de todo esse projeto, o que será importante quando se trata armazená-lo e enviá-lo. E agora, você provavelmente pode ver como a decisão complexa pode ser escolher o papel certo para seus projetos. Mas não se preocupe, você não precisa se tornar um especialista nisso. E porque você sempre pode confiar em impressoras para ajudá-lo a escolher os materiais certos para sua impressão. 22. Formatos de arquivo comumente usados: Da mesma forma que esteja ciente das diferenças nos tipos de papel, também é importante observar as diferenças entre os formatos de arquivo que normalmente usaríamos em um projeto de design de impressão. Agora, pode ser um pouco complicado categorizar os formatos de arquivo, mas essencialmente eles estariam caindo em três grupos principais. Primeiro são os arquivos de trabalho ou de projeto que permitem que você volte e faça alterações em um design. Então, para o Photoshop, seria o documento PSD ou Photoshop. Para o Illustrator, será ai, e para o InDesign, estará no IND, no formato de arquivo ou no documento do InDesign. A próxima categoria são os ativos que você usaria em um projeto de design. E esses seriam predominantemente formatos de arquivo de imagem, incluindo imagens de pixel ou raster e vetoriais. Mas isso também pode ser arquivos de texto ou arquivos do Excel no caso de um catálogo, por exemplo. E por último, mas não menos importante, a categoria final seria os arquivos prontos para impressão. E na maioria das vezes esses seriam arquivos PDFs ou EPS. Agora eu não vou gastar muito tempo comparando esses com os outros porque você pode usar esse gráfico da placa de melanoma para isso. Então, em vez disso, vou destacar algumas coisas ou dicas importantes que você deve ter em mente quando se trata de formatos de arquivo de imagem, você precisa estar ciente da compactação e da perda de qualidade. Isso é especialmente importante quando você trabalha com imagens JPEG. E é algo que você pode entender melhor quando estiver usando o recurso de exportação como no Photoshop. Então, neste caso, podemos ver um detalhe de um design do lado esquerdo e direito. E no momento, estou usando as mesmas configurações, mas vou mudar para JPEG para ambas. E vou mudar a qualidade. Então, aqui no tamanho certo, vou defini-lo como muito ruim. Enquanto estiver no lado esquerdo, vou me certificar de que ele está definido para a opção da mais alta qualidade, o que é ótimo. Se eu aumentar ainda mais, você poderá ver os artefatos ainda melhor. Então, tenho certeza que você pode detectar todos esses pixels bagunçados aqui no lado direito. Isso se deve à compactação JPEG, e isso é o que chamaríamos de artefatos de compressão. A vantagem de usar jpegs de menor qualidade é que o tamanho do arquivo será menor. Então, enquanto este aqui no lado esquerdo é de cerca de 350 kilobytes, o da direita com a configuração de qualidade mais baixa, apenas cerca de 50 kilobytes. Portanto, consideravelmente menor, a maioria dos formatos de arquivo de imagem, incluindo JPEG, também suporta a incorporação de perfis de cores. E isso é algo que você sempre deve se certificar de incluir para um fluxo de trabalho gerenciado por cores corretamente. E o gerenciamento de cores é, na verdade nosso próximo tópico que abordaremos com mais detalhes. Agora, além do JPEG, outro formato de arquivo de imagem muito usado seria P e G, que tem a vantagem em comparação com o JPEG de que também pode conter detalhes de transparência. Portanto, isso é algo que você pode desativar novamente ou mantê-lo ligado aqui no canto superior direito. E a profundidade de bits dos arquivos PNG por padrão é de 24 bits, mas você sempre pode reduzir o tamanho do arquivo se escolher a versão de 8 bits. Png e profundidade de bits é uma forma de medir a quantidade de cores que você pode usar em um formato de arquivo. Então, 8 bits, por exemplo, significa dois na potência de oito, que é 256 cores, em comparação com o outro formato, 24 bits, realmente significaria oito bits para cada um dos canais de cores, R, G e B. E isso também se aplica a imagens JPEG. Mas também há outro formato de arquivo, gif, que também pode incluir animação. Mas a principal limitação desse formato de arquivo é que ele não pode ultrapassar a profundidade de oito bits. Portanto, a quantidade máxima de cores é 256. Para ver melhor o que isso significa, em vez de usar o comando Exportar como, vou escolher Exportar Salvar para Web, onde, para o formato de arquivo GIF, também obtemos a tabela de cores. E aqui podemos realmente reduzir a quantidade de cores. Se eu descer talvez para quatro cores no caso desse design, não faria muita diferença porque já usa uma paleta de cores muito limitada. Mas usando menos cores no arquivo, é claro, você terá um tamanho de arquivo menor. E o tamanho do arquivo em geral não faz muita diferença em projetos impressos, é mais importante para o design web e móvel. 23. Tipos de arquivos adicionais e seus benefícios: Agora, caso você esteja se perguntando onde você pode encontrar o outro tipo de formatos de arquivo. Você os encontrará em Arquivo, Salvar, Como na maioria dos aplicativos de design. E na versão mais recente do Photoshop, por exemplo, ele só mostrará uma lista muito limitada no início. E você só pode ver os cinco formatos adicionais se optar por salvar uma opção de cópia. Então, depois de fazer isso, você verá uma lista muito maior. E aqui você pode realmente encontrar todos os formatos que normalmente seria capaz de salvar dos recursos Exportar Como ou Salvar para Web, mas acompanhados por muitos formatos de arquivo especializados adicionais, que na maioria das vezes você não precisará em seu trabalho. Outra maneira comum de categorizar formatos de arquivo de imagem é se eles são baseados em listas ou vetores. Assim, os arquivos JPEG, PNG, GIF são todos baseados em raster, enquanto os formatos de arquivo vetoriais mais comuns seriam EPS e SVG, desses dois, EPS é usado principalmente na impressão, enquanto SVG é um arquivo vetorial formato projetado para ser usado na web, e é uma abreviação para Scalable Vector Graphics. Agora, há outro formato de arquivo importante que vale a pena mencionar. E mesmo que, como designer gráfico, você na maioria das vezes não precisará trabalhar com isso, mas ainda é bom estar ciente. E é o formato Camera Raw. Agora isso é algo com o maioria dos fotógrafos estará familiarizada. A linha do nome vem do fato de que essa é a informação não processada que a câmera grava. E essa comparação simples mostra muito bem como ela pode ser diferente ou melhor do que uma imagem JPEG. Portanto, se você tiver suas câmeras configuradas para gravar jpegs, isso significa que a câmera comprimirá e processará automaticamente as informações e as transformará em uma imagem plana. Em comparação com esse arquivo de linha, registrará e manterá todas essas camadas de dados brutos permitirá que você acesse todas essas camadas mais tarde, quando você estiver desenvolvendo as imagens. E é por isso que um arquivo Camera Raw, sempre será muito maior em tamanho em comparação com um J peg, mas isso lhe dará muito mais liberdade quando se trata de editar imagens. E a maior diferença que você notará na faixa tonal, que é o alcance entre os detalhes mais escuros e claros em uma imagem. Portanto, no caso de um arquivo bruto, você teria um intervalo de tons muito mais amplo, permitindo que mais detalhes sejam capturados nas áreas mais brilhantes e também nas áreas mais escuras da imagem. No caso de um arquivo JPEG, estes mais claros ou escuros, pois os detalhes serão completamente lavados ou queimados, eles ficarão completamente corretos ou completamente pretos, o que significa que não haverá informações de cores úteis gravadas. Então, quando você está tentando fazer ajustes, você começará a introduzir muito mais ruído em suas imagens em comparação com o desenvolvimento de uma fotografia real. E caso você esteja se perguntando, a melhor maneira de exibir o intervalo tonal de uma imagem é usando um histograma que lista o número de pixels em cada região tonal dos pretos mais escuros aos mais brilhantes brancos. Ler um histograma é realmente muito fácil. Quando você olha para esses três exemplos na parte inferior, você pode ver que uma imagem subexposta teria a maioria dos valores mais próximos à esquerda por uma imagem superexposta teria a maioria dos detalhes na histograma no lado direito. E se você vir um pico na borda extrema direita, isso significa que você terá recorte nos detalhes mais brilhantes, e o mesmo pode acontecer com o escuro tem detalhes. Mais uma vez, se você vir um pico lá, isso também não é uma coisa boa. E, em geral, o tipo de imagens mais fácil para trabalhar e que fornecerá mais informações são essas exposições neutras onde você tem maioria dos detalhes na faixa de tons médios. E só para que você possa ver e apreciar a diferença que você pode alcançar desenvolvendo uma foto de linha. Aqui está o original, e aqui está a versão refinada e desenvolvida. E você pode realmente ver a quantidade de detalhes que conseguimos recuperar nas áreas mais escuras e brilhantes, uma vez, antes. E isso é depois. Em termos de gerenciamento de incêndio ou como você deve organizá-los para seus projetos de design gráfico, você pode encontrar mais informações no tópico do processo de design. 24. Espaços de cores comumente usados: O objetivo final do gerenciamento de cores é combinar as cores que você pode ver na tela com as cores do produto impresso final. Em um fluxo de trabalho de gerenciamento de cores ideal, você teria todos os dispositivos que participam do processo de design e impressão para falar o mesmo idioma, que resultará em previsíveis e resultados de cores precisos. Um dos componentes mais importantes de um fluxo de trabalho gerenciado por cores é o uso de perfis de cores ICC. Como podemos ver, tudo começa com o designer tendo um perfil de cores criado para o monitor que está usando. Mais tarde, falaremos sobre a calibração do monitor também porque isso também é importante. Mas, para o resto do processo, sempre haverá um perfil de cores anexado aos arquivos dos designers. Portanto, não importa onde eles apareçam, as informações de cores originais devem ser transportadas, evitando transições e mudanças indesejadas nas cores no perfil de cores é essencialmente a descrição do espaço de cores, gama e comportamento de um dispositivo calibrado. As impressoras terão as duas. São impressoras offset e digitais calibradas. E eles poderão fornecer o designer gráfico com esse perfil de cores ICC. Icc realmente significa International Color Consortium, foi estabelecido em 1993 e é a arquitetura multiplataforma internacionalmente aceita e sistema para gerenciamento de cores. No tópico de cores, já falamos sobre as diferenças entre os modos de cores RGB e CMYK e mencionamos que a principal diferença entre os dois é como as cores são combinadas. Então, enquanto no CMYK que usamos para impressão, estamos trabalhando em um modelo de cores subtrativas, que significa que o preto é a cor mais intensiva no caso de RGB ou na tela, se estivermos usando o modelo aditivo onde branco é a cor mais intensa. Enquanto com o CMYK, quando você está combinando cores, elas estão ficando mais escuras. É o oposto com o RGB. À medida que você está combinando as cores, elas estão ficando mais brilhantes. Mas a principal razão pela qual você verá uma mudança nas cores de RGB para CMYK não é porque elas descrevem as cores de uma maneira diferente, é porque elas têm uma gama de cores diferente. Então, cada espaço de cores, e neste caso podemos ver quatro deles aqui no canto superior direito terá sua própria gama de cores, que é essencialmente o subconjunto de cores que pode ser representado por esse espaço de cores . Como você pode ver, sRGB representado com o triângulo verde, tem a menor área coberta, que significa que ele oferece a menor gama de cores em comparação com o espaço de cores padrão CMYK é um pouco maior, e é esse polígono que podemos ver aqui com um contorno rosa. Portanto, mesmo que essas duas cores se sobreponham, ainda há muita diferença entre elas, especialmente porque você está entrando nessas cores mais vívidas e saturadas. Eles não podem ser traduzidos para o CMYK corretamente, mas o espaço de cores sRGB é realmente mais projetado para o Vab pela Adobe. Rgb, que é uma gama de cores muito mais ampla, é o padrão que usaríamos para design de impressão. Agora você pode ver aqui no diagrama que é um triângulo muito maior do que o SRGB, o que significa que ele cobre muito mais cores. E a maior gama de cores neste gráfico é o pro photo RGB, que é usado principalmente em fluxos de trabalho de fotografia profissional. Você deve ter notado que quando você está usando o seletor de cores no Photoshop, às vezes quando você seleciona uma cor, você recebe um aviso aqui à direita. Agora, isso realmente significa fora da gama para impressão. Assim, podemos ver que a cor que selecionei é descrita de várias maneiras diferentes, incluindo RGB e CMYK e também LAB, que discutiremos em breve. Mas para ver a cor mais próxima a isso que pode realmente ser impressa com as quatro cores CMYK, podemos clicar neste pequeno aviso e o seletor de cores salta imediatamente para a cor real descrita com os valores CMYK. Então, mais uma vez, se eu clicar em algum lugar aqui, podemos ver que esses são os valores para o 301000. E se eu clicar no ícone de aviso, mesmo que a amostra de cores tenha mudado bastante, os valores CMYK não mudaram. E isso ocorre porque, essencialmente, todas essas cores muito vibrantes não podem ser representadas com tinta. E isso, claro, não se aplica apenas aos tons verdes, você teria o mesmo problema com a maioria dos outros usos. Por exemplo, se eu chegar a algum lugar, digamos aqui, novamente, movendo-se para o canto superior direito onde temos as cores mais intensas, posso clicar no aviso. E mais uma vez, teremos uma mudança enorme que mostra a cor possível mais próxima que pode ser alcançada na impressão. Mais uma vez, daqui, todo o caminho até lá embaixo. Infelizmente, não há fórmula ou recurso mágico que o evite de lidar com essa diferença entre RGB e CMYK. Mas, seguindo um fluxo de trabalho Gerenciar cores, você pode estar melhor equipado e trabalhar e ver as cores certas durante todo o processo que eventualmente serão possíveis de serem impressas. 25. Espaço de cores LAB e sincronização de configurações de cores: Já mencionamos que os perfis ICC são importantes para isso, mas também precisamos ter calibração e prova de cores, que vou abordar no próximo vídeo. Mas antes de fazermos isso, apenas uma última coisa que eu queria mencionar, e esse é o clima de cor LAB ou o Lab Color Mode, que você pode ter ouvido falar. Ou talvez apenas se perguntando como isso é diferente do RGB e do CMYK. Portanto, a vantagem desse modo de cor é que ele é completamente independente do dispositivo e é a representação mais próxima da visão humana. Para entender melhor como funciona, é melhor imaginar esse modelo de cores como uma esfera. Portanto, é uma representação tridimensional de todas as cores que podem ser descritas. Onde L significa luminosidade ou leveza, que é medida em uma escala de 0 a 100, que é de preto a branco. E isso pode ser imaginado como o eixo vertical ou eixo z neste sistema de coordenadas de cores. Enquanto os outros dois eixos são a e b, nos quais a varia de verde a vermelho. Vermelho sendo o valor positivo, e verde sendo o negativo. E o eixo b vai de azul para amarelo, novamente, azul sendo o negativo e o amarelo o valor positivo. Agora, pulando de volta para o Photoshop, tenho uma das minhas fotografias abertas e você pode ver dentro do painel de canais, quando olhamos para RGB, o modo de cor consistirá nesses três canais de cores, vermelho, verde e azul. E cada uma delas são imagens em escala de cinza de oito bits com 256 variações de valores tonais referentes à intensidade de cada uma dessas cores individuais. No caso do canal azul, a razão pela qual vemos a flor sendo completamente preta porque não há nenhum componente azul nela. Em vez disso, é feito de verde e vermelho, resultando nessa cor amarela. No final, se você se concentrar na grama, você pode ver que ela é mais brilhante no canal verde, a bile. É muito mais escuro no canal vermelho e azul. Agora vamos ver o que acontece se eu mudar para o modo de cor LAB. Primeiro de tudo, eu apenas volto para o canal RGB composto e, em seguida, mudando para a opção de cor LAB do Modo de imagem, você verá que não há nada realmente mudando na imagem. Eu posso simplesmente desfazer essa mudança, ir e voltar. E como você pode ver, mesmo que os canais estejam mudando à direita, nada será afetado na própria imagem. Mas quando olhamos para esses canais, podemos ver que temos o canal l ou leveza e depois os canais a e B. Você deve se lembrar que o canal B era, na verdade a diferença entre as cores azul e amarelo. E é por isso que estamos vendo detalhes mais brilhantes aqui para este canal, por causa de todas as flores amarelas na imagem. A principal razão pela qual mencionei o modo de cor do laboratório porque há muitos profissionais que trabalhavam nisso em vez de usar o RGB. E mesmo que definitivamente valha a pena explorá-lo e estar ciente de suas vantagens usando o modo de cores RGB, desde que você preste atenção ao gerenciamento de cores, você ainda pode trabalhar em RGB, especialmente quando se trata de editar imagens. Agora, mesmo que você esteja usando imagens RGB no Photoshop, Illustrator e InDesign no final, quando você está criando PDFs, maioria desses aplicativos converteria automaticamente essas cores em CMYK para impressão. Antes de discutirmos o restante dos componentes do fluxo de trabalho de gerenciamento de cores, eu só queria mostrar mais uma coisa importante exclusiva para configurar nos aplicativos da Adobe. E isso é algo que você pode encontrar na opção Configurações de cores. Isso é algo que você pode encontrar no menu Editar na maioria dos aplicativos Adobe Design. E neste caso, estamos no Photoshop. E você pode ver que minhas configurações para políticas de gerenciamento de cores são preservar perfis de cores incorporados para todos os modelos de cores. Esta é definitivamente uma boa política de usar. E uma coisa que tenho diferente configurações padrão é que uso o Adobe RGB em vez de sRGB para o espaço de trabalho RGB. Mas observe que há um pequeno aviso aqui dizendo que meus aplicativos da Creative Cloud não estão sincronizados entre si. Portanto, isso é realmente algo que você pode fazer de outro aplicativo, o Adobe Bridge, que você pode acessar rapidamente a partir da maioria dos aplicativos da Adobe, basta ir ao menu Arquivo e escolher navegar em ponte. E depois que o aplicativo abrir, basta ir ao menu Editar novamente e escolher Configurações de cores. E aqui você poderá encontrar todas as configurações usadas pelos outros aplicativos da Adobe. E observe que há um aqui no topo chamado Custom. Agora isso é porque não salvei minhas configurações do Photoshop. Então é só dizer fantasia aqui no topo. Mas assim que eu clicar em Salvar, vou chamá-lo de Martin e depois salvá-lo. Eu poderia adicionar alguns comentários sobre ele também, mas clique em Ok. E Ok novamente, agora rolando para baixo, poderei ver as configurações. E se eu clicar em aplicar, agora ele será sincronizado entre todos os aplicativos da Adobe. Por exemplo, se eu chegar ao Illustrator e verificar a opção de configurações de cores, poderei ver exatamente as mesmas configurações aplicadas graças à sincronização que conseguimos usando o Bridge. 26. Calibração e prova: Além de ter as configurações de cores corretas nos aplicativos da Adobe e, obviamente, usar perfis ICC em todo o fluxo de trabalho para obter cores precisas que corresponderão da tela à impressão, você também precisa lidar com calibração e prova. Como designer gráfico, o mais importante é ter o monitor ou o monitor calibrado. Isso pode ser conseguido com o dispositivo calorímetro, como a aranha de cor de dados X Pro, que viria com seu próprio software de calibração que você usaria para calibrar suas telas. O processo de calibração quando você faz isso leva em torno de dez a 15 minutos. E, em seguida, a maioria desses dispositivos, é aconselhável repetir o procedimento e atualizar seu perfil de cores uma ou duas vezes por ano. Definitivamente, é recomendável recalibrar suas telas toda vez que você as mover para um novo local, ou caso a condição de iluminação ou a configuração da iluminação mude radicalmente em seu ambiente de trabalho. Não importa se você tem um monitor profissional caro ou um mais barato. Você ainda deve tê-lo calibrado porque sempre haverá diferenças entre monitores calibrados. E essas diferenças geralmente se resumem aos componentes usados em monitores, incluindo o filtro de cor de luz de fundo, a camada LLC, o tipo de brilho e o polarizador, mas também a variação da produção em massa contribui para esses turnos. Então, diferenças nas cores. Portanto, mesmo entre dois monitores que são exatamente o mesmo modelo usando as mesmas configurações, você pode ver uma boa diferença em como eles representam cores, a menos que sejam calibrados. Obviamente, além dos dispositivos que usamos para calibrar monitores, há também outras calibrações, todos os dispositivos como essa captura de tom de caneta, que podem digitalizar e combinar com precisão qualquer cor de qualquer superfície, tecido ou material. O melhor disso é que ele lhe dará a cor Pantone equivalente ou mais próxima de qualquer cor que você digitalizou. Agora, quando chegamos ao ponto em que podemos começar a comparar o que vimos na tela e o que acaba sendo impresso, chegaríamos ao estágio de prova do processo de prensagem PRE. E a prova pode ser feita com provas macias ou duras. prova suave significa essencialmente que você está simulando as cores das impressoras na tela do computador. Assim, por exemplo, no Photoshop, podemos ir ao menu Exibir e escolher Cores de prova ou pressionar Command ou Control Y no teclado. E nesse caso, por padrão, a configuração de prova é definida para mostrar ou simular as cores CMYK de trabalho. E você também pode vê-lo na guia do documento que mesmo estando no modo de cores RGB, estamos simulando cores CMYK no momento. Portanto, este é um tipo de prova suave e eu posso usar o atalho apenas para alternar para frente e para trás e ver essa mudança sutil nas cores. Então, CMYK, como já discutimos isso anteriormente, as cores serão um pouco mais lavadas. Então isso é RGB. Esse é o CMYK macio provado. Mas caso sua impressora forneça um perfil ICC específico que eles usam para impressão, você poderá instalá-lo em seu computador. E, a partir da configuração de prova personalizada, você poderá encontrar esse perfil ICC na lista deles aqui. E por exemplo, tenho um que vou mostrar rapidamente. Se eu selecionar isso, também poderei decidir simular a cor do papel. E desta forma, poderei comparar novamente com as cores RGB originais e voltar à prova suave. Agora, quando se trata de imprimir algo que você verificaria e compararia com o que viu na tela. Nós chamaríamos isso de prova difícil. E no caso de ser algo que você pediu das impressoras e elas enviam para você. Seria considerado um teste de imprensa ou uma prova de ataque ou teste, mas isso pode ser caro porque já exige que as placas sejam fabricadas e também o uso de tinta desnecessária e especificado para o projeto. Dito isto, o teste de opressão é a estimativa mais próxima do que você obteria no produto final. Mas a maioria das impressoras também poderá fornecer uma opção mais barata, que normalmente chamaríamos como prova de PDF, que também é um tipo de prova suave ou prova digital que você pode verificar seu próprio computador. E ambientes de impressão profissionais. Caixas de luz geralmente são usadas para verificar as provas cardíacas, mas é recomendado mesmo para designers gráficos, para melhorar as condições de iluminação em seu ambiente de trabalho, se você está trabalhando em um estúdio ou trabalho em casa, e ambos para verificar uma prova dura ou suave em seu computador. O que você definitivamente quer evitar é luz solar direta em sua tela e idealmente, ter paredes cinza neutras escuras e sem móveis brancos ou coloridos, especialmente não tendo nada por perto você com materiais reflexivos. Agora, caso você seja um designer freelancer trabalhando em casa. Não se preocupe se você não conseguir tudo isso no início. Mas tanto ter um dispositivo de calibração quanto boas condições de visualização podem melhorar e tornar seu trabalho mais profissional. 27. Impressão sobreposta: Na fase final de seus projetos de design, quando você está preparando as coisas para impressão, há algumas coisas a serem conscientes que podem causar problemas no produto impresso final. A maioria desses termos que abordaremos neste vídeo e o próximo com o qual você deve estar familiarizado como designer. No entanto, felizmente, a maioria dessas coisas são, na verdade a tarefa das impressoras para verificar e corrigir ou recomendar maneiras de corrigi-lo. E também a maioria dos aplicativos Adobe Design forneceria automaticamente soluções para esses problemas por padrão. Então, eu não quero que você se preocupe demais com essas coisas, mas sabendo o que esses termos significam, você ficará muito mais confiante em discutir quaisquer problemas potenciais com suas impressoras. Portanto, um dos primeiros termos com os quais você deve estar familiarizado é a sobreimpressão, que se refere a duas tintas sendo impressas umas sobre outras e geralmente a tinta no topo é transparente. Então, neste exemplo, se você se concentrar na parte superior ou fora dos detalhes dessa estrela do mar, é exatamente da mesma cor. Mas quando não há uso de sobreimpressão, as tintas não se misturam. E isso é o que nos referiríamos como nocaute, que é o oposto da superimpressão. Enquanto aqui no lado direito onde a sobreimpressão está ativada, podemos ver que as tintas já estão se misturando. É quase como usar o modo de mesclagem Multiply entre camadas no Photoshop. Lembre-se na impressão, quando você estiver misturando tintas juntas, elas sempre resultarão em cores mais escuras. Essa comparação mostra muito bem. Se você tiver um caractere amarelo que planeja imprimir em um fundo azul. Em caso de sobreimpressão, isso é o que vai acontecer. Então, a cor amarela será misturada no fundo azul. Enquanto no caso do nocaute, você não começaria a inundar o papel com a cor azul em vez disso, manteria a posição do personagem vazia. E somente quando a cor azul for impressa, esse espaço vazio ou GAAP seria preenchido com a outra tinta, neste caso amarelo. Isso, claro, resultaria na cor exata que você planejava usar originalmente e não uma mistura ou uma mistura das duas tintas. Mas isso significa que devemos sempre usar a técnica de nocaute em vez de sobreimpressão? Bem, não necessariamente se as placas estiverem perfeitamente alinhadas e estiverem em registro, você não deve ter problemas com o uso da técnica de nocaute. No entanto, mesmo com um ligeiro registro erros entre as placas pode causar lacunas brancas indesejadas aparecendo caso você esteja usando a técnica de nocaute. Agora, uma solução para corrigir essas lacunas brancas sem usar sobreimpressão seria aprisionar, o que vou explicar com mais detalhes mais tarde. Mas, por enquanto, eu só gostaria que você se concentrasse na primeira coluna e na última. Então, quando você está usando o nocaute, podemos ver como essas duas placas, a ciano e a magenta, seriam combinadas com o registro perfeito. E como eu mencionei antes, quando você tem falta de registro, com sobreimpressão, você pegava uma das tintas e a faria inundar completamente a área e, em seguida, imprimiria os detalhes com o outro tinta em cima disso. Dessa forma, não importa se você tem um registro bom ou ruim. O resultado nunca mostrará essas lacunas brancas. Mas, claro, as cores das duas tintas se misturam. E isso é apenas algo que você precisa estar ciente. E isso é realmente algo que você pode simular na maioria dos aplicativos da Adobe. Então aqui estamos no InDesign, e eu tenho antes de tudo, este texto amarelo no círculo magenta no menu Janela na saída, você poderá encontrar este painel chamado atributos, que você precisará aplicar sobreimpressão em objetos selecionados. Então, neste caso, eu tenho o texto selecionado e quando escolho preenchimento de superimposição, no começo você não verá nenhuma diferença. Mas depois de entrar no menu Exibir, você pode escolher superimposição, pré-visualização e, imediatamente, verá as duas tintas misturando. Portanto, é quando você está forçando o design a não usar a técnica de nocaute, que seria o comportamento padrão na maioria dos aplicativos da Adobe. 28. Trapping: Lembre-se, mencionamos o trapping como uma forma de evitar a superimpressão, mas também evitar problemas quando há um pequeno registro de falhas entre as placas. E o que a armadilha significa em poucas palavras é que você está adicionando uma ligeira sobreposição entre as duas cores adjacentes, que seria tão pequeno que seria quase impossível ver na impressão final, mas seria suficiente para compensar qualquer registro de falta e garantirá não ver nenhuma lacuna branca. Então, enquanto aqui no lado esquerdo, vemos o espaço branco sem o aprisionamento, com o trapping aplicado, não teremos esse problema. Aqui está outro exemplo novamente, quando não estamos usando trapping e no lado direito podemos ver o que acontece quando há registro ruim. E a mesma coisa abaixo. Podemos ver que há uma ligeira sobreposição entre as duas cores, que garantirá que, mesmo com registro ruim, não veremos nenhuma lacuna branca na impressão. E caso você não acredite em mim, aqui está um exemplo real de uma impressão em que devido à falta de registro e à falta de armadilhas, podemos começar a ver essas lacunas brancas ao redor da imagem, mesmo aqui no lado direito, e até mesmo ao redor da folha, e mais adiante aqui à direita também. Então, de volta ao InDesign, deixe-me mostrar como você pode aplicar o trapping manualmente. É uma técnica rápida e simples e vou mostrar a vocês com texto e essa forma também. Portanto, para que essa técnica funcione, antes de tudo, você precisa ter certeza de que seu texto está delineado, que você pode fazer na opção Criar contornos do menu Tipo . E, em geral, o que você quer fazer é adicionar a mesma cor um traçado que você está usando para o campo. Nesse caso, vou selecionar amarelo e configurá-lo para 0,3 milímetros ou 0,85 pontos. Deixe-me fazer a mesma coisa pela forma. Mais uma vez, seleciono a mesma cor para o traçado e defino o tamanho para 0,3 milímetros. Em seguida, vou escolher a opção Traço de sobreimpressão tanto para a forma quanto para o texto. E quando essas duas opções forem selecionadas e a visualização de sobreimpressão estiver ativada, você poderá ver o resultado real da impressão, onde essa pequena sobreposição será completamente invisível já que nosso pano de fundo é completamente preto. A tinta preta, de certa forma, neutraliza os detalhes sobrepostos. Mas caso eu mude a cor para algo diferente, como azul escuro, poderemos aproximar o zoom e ver a sobreposição e a mistura das tintas simuladas nesta prévia especial de sobreimpressão. Uma coisa a ter em mente é que você sempre deve usar trapping sempre que estiver combinando uma cor spot Pantone, cores CMYK. A razão para isso, é claro, é porque eu a cor Pantone também seria sempre impressa como uma placa separada, o que introduz mais um fator de risco naquele ligeiro registro de falta que vimos mais cedo. Por último, mas não menos importante, quando se trata de sobrepor coisas umas sobre as outras, Vale a pena mencionar através das coisas. O que é um grupo eliminatório e o que o achatador de transparência está fazendo? Então, primeiro, um grupo eliminatório é algo que você pode usar na maioria dos aplicativos da Adobe. E é uma maneira diferente de lidar transparência em comparação com o comportamento padrão. Então eu tenho três círculos, ambos aqui no lado esquerdo e no lado direito. E cada um deles está usando 50% de opacidade. Agora podemos ver como esses círculos estão se sobrepondo, eles estão aumentando em opacidade. Então, a cor está se tornando mais opaca. No caso de eu querer ter certeza que essas formas estão realmente mostrando consistentemente 50% de opacidade e elas não estão se misturando umas com as outras. Nesse caso, eles devem ser agrupados, o que você pode fazer pressionando Command ou Control G no teclado e, em seguida, clicando na opção Opacidade aqui na parte superior, você pode selecione esse recurso chamado Knockout Group. Então, uma vez que eu seleciono isso e clique fora, agora podemos ver que as três formas estão mostrando uma opacidade uniforme de 50%. Esta é uma técnica com a qual você pode alterar a forma como a transparência se comporta quando você está combinando vários objetos transparentes. Mas também há outra coisa que você precisa sempre garantir que sempre que estiver usando objetos transparentes em seu design é que, quando você está salvando seu PDF final, você precisa garantir que o qualidade desses detalhes transparentes será de alta resolução o suficiente. Então, deixe-me mostrar como fazer isso acessando o menu Arquivo no Illustrator, podemos escolher Salvar como e, em seguida, selecionar a opção PDF. Depois de clicar em Salvar nas configurações, primeiro você precisa ter certeza de selecionar o PDF X1, uma predefinição de 2001, que definirá a compatibilidade de volta para o Acrobat para. E isso significa que, sob as configurações avançadas, você poderá escolher a qualidade da opção de nivelador de transparência. Portanto, por padrão, ele está definido uma resolução muito alta, mas você sempre pode personalizar isso e escolher as configurações que você preferir ou o que a impressora está sugerindo. Então, essencialmente, o achatamento da transparência é que todos os detalhes transparentes são rasterizados. Agora, caso sua impressora possa suportar qualquer coisa acima dos cinco padrões do Acrobat, isso significa que você não precisa se preocupar com o achatamento da transparência, pois todas essas versões mais recentes do Acrobat serão ser capaz de preservar detalhes transparentes mesmo em objetos vetoriais. Portanto, não há rasterização necessária. 29. Cor do texto: Um mal-entendido geral entre designers gráficos é que você pode usar a cor que desejar para o seu texto. No entanto, isso é quase verdade. Há algumas coisas importantes que você precisa prestar atenção. Primeiro de tudo, você precisa lembrar que tudo o que for impresso será recriado usando as tintas CMYK. E na impressão tradicional, cada uma delas será configurada uma placa separada que gerará individualmente a quantidade necessária de pequenos pontos. Agora, por exemplo, aqui, podemos ver que houve um ligeiro desalinhamento entre essas placas. E é por isso que podemos ver os pontos deslocados ligeiramente, mas é uma ótima maneira de entender como as quatro placas são impressas umas sobre as outras. E a razão pela qual isso é importante é porque você pode imaginar se você não estiver usando uma das placas a 100%, seus textos podem facilmente acabar ficando confusos ou embaçados, especialmente em textos menores como cópia corporal. Portanto, quando você estiver escolhendo a cor para o seu imposto, não importa se é título, título ou cópia do corpo, certifique-se de que pelo menos um dos valores CMYK esteja definido como 100%. E na maioria dos casos esse seria o valor K, que significa preto ou a cor da chave. E podemos ver o quão bem isso ficou impresso. Por outro lado, se você não estiver usando pelo menos uma das placas em 100%, então você acabará produzindo essa impressão difusa ou embaçada, mesmo que não haja desalinhamento entre as placas. Então estamos aqui no Illustrator e tenho minha paleta de cores à direita. E para esses textos, por exemplo, eu gostaria de usar uma cor como essa. Ou talvez possamos usar o conta-gotas e pegar uma dessas outras cores. Agora você pode ver que esses valores são necessários para recriar essa cor na impressão. Mas como nenhum deles está em 100%, você está arriscando, novamente criando impostos difusos na impressão. Mas é claro que, se o texto selecionado for um título grande, por isso é grande o suficiente, será menos provável causar problemas. E semelhante a isso, há outra coisa que muitos designers erram. E eles começam a usar preto rico na cópia corporal. Isso é novamente algo que você gostaria de evitar porque, como no exemplo anterior ou neste, você pode ver se você tem várias placas imprimindo o mesmo texto, especialmente em pequenos textos, mesmo o menor desalinhamento entre as placas resultará na confusão que mencionei anteriormente. Então, não me entenda mal. Usar preto rico é uma ótima coisa para realmente criar preto intenso completo na impressão, mas não é algo que eu usaria na cópia do meu corpo. Apenas no caso de você não estar familiarizado com preto rico. Deixe-me mostrar a diferença aqui no Illustrator, temos esse objeto e todos os outros objetos aqui usando apenas preto normal, ou às vezes referido a preto verdadeiro, que é simplesmente composto de 100% de tinta preta e nada das outras três cores. Enquanto o alcance pode ser algo assim, onde você introduz tinta adicional em cima do preto. Então aqui temos 40% ciano, magenta e amarelo junto com o 100% preto. E você pode pensar que essa forma e os outros detalhes aqui parecem iguais. Você ficará surpreso quando eu movê-los um sobre o outro que você pode realmente dizer a diferença entre eles. Agora isso, por padrão, não é algo que você verá no Illustrator, mas há uma opção chamada aparência de preto, que uma vez você disse ser exibida com precisão. Então, em vez de exibir ou preto diz preto rico, você tem todos os pretos ligados com precisão. Você poderá vê-los mesmo na tela. Então, um só faz a diferença na impressão. Existem várias variações diferentes em preto rico, para que você possa torná-lo um pouco mais quente ou mais frio, dependendo de como você equilibrou o ciano, magenta e amarelo junto com o preto. Mas também há uma coisa importante que você não deve esquecer de não ultrapassar 300% com a cobertura total de tinta. Porque se você exceder essa cobertura máxima de tinta, essa é uma chance de que nem toda essa tinta seja absorvida corretamente pelo papel. Então você acabará tendo, novamente, detalhes embaçados ou mesmo manchas. Na verdade, esse é um recurso que você pode encontrar no InDesign. Se você for para o menu Janela na visualização das separações de saída, poderá optar por exibir o limite de tinta, mas poderá ver que, por padrão, ele está definido como 300%. Mas, dependendo do tipo de papel que você usa, por exemplo, papel revestido, você deve realmente descer para 280 por cento. Quaisquer áreas destacadas em vermelho no design podem causar problemas. Além disso, não se esqueça de que você pode testar seus designs quanto ao daltonismo, tanto no Photoshop quanto no Illustrator, acessando o menu Exibir e em Configuração de prova, escolha qual tipo de daltonismo você quer simular. Vou usar o próton OPIA neste caso. E, em seguida, simplesmente usando o atalho de teclado Command ou Control Y, posso alternar entre a visualização de colorblindness simulada e a visualização normal. Então, aqui podemos ver que essa combinação verde e magenta definitivamente não funcionará bem. Então, pessoas com esse tipo específico de daltonismo podem nem ver a palavra bootcamp aparecendo aqui. Então, enquanto estiver nesta configuração de cores de prova, posso pular aqui e talvez mover isso um pouco e encontrar mais contraste do que saltar de volta. Posso ver as cores reais. Se parecer bom em ambas as visualizações, provavelmente funcionará na outra opção de daltonismo também. E enquanto houver contraste suficiente, novamente, eles estão no texto e nos elementos importantes. Então você pode continuar trabalhando com essa paleta de cores selecionada. 30. Preflight: O objetivo final para um designer gráfico trabalhando em um projeto é preparar os designs impressos. Este é um termo que usamos para os arquivos PDF que salvamos no final de um projeto e que está pronto para impressão e não precisa de correções ou ajustes. Portanto, seu trabalho como designer gráfico é fornecer o melhor arquivo possível para a impressora. E neste vídeo, vou orientá-lo os problemas mais comuns que você pode precisar corrigir neste estágio final antes de enviar seu arquivo para as impressoras. Então, para entender os problemas mais comuns que surgem nesta fase, podemos dar uma olhada nessas estatísticas, onde podemos ver que os cinco principais problemas são coisas que já falamos sobre neste curso. Primeiro é que as fontes não foram incorporadas no PDF. Agora, isso pode ser facilmente corrigido delineando qualquer texto em seus designs ou caso você queira manter o texto editável no PDF, você precisa ter certeza de que todas as fontes estão incorporadas. E isso é algo que você pode fazer com a maioria das predefinições do Adobe PDF, incluindo o padrão ISO PDF X1 a 2001, onde, na guia avançada, você poderá encontrar a seção de fontes. E, por padrão, ele é definido como 100%, que significa que todas as fontes serão completamente incorporadas. E, em geral, você não gostaria de alterar essa configuração, mas sempre vale a pena verificar duas vezes a impressora de vídeo, se eles preferem se você está aplicando o imposto ou se você apenas se certifica de que todos os as fontes são incorporadas no PDF. O próximo problema com o qual a maioria das impressoras tem problemas é que há imagens de baixa resolução no PDF final. E isso é algo que você pode filtrar facilmente no InDesign usando o recurso de comprovação. O menu preferido é algo que você pode encontrar aqui na parte inferior. E neste caso com este documento, tenho 22 erros. Então, se eu clicar duas vezes sobre isso, abrirei o painel e, dentro disso, poderei ver exatamente onde estão esses problemas no documento. Então, todas elas são substituições de estilo, o que significa que eu mudei parte da formatação no texto onde eles estavam originalmente usando um estilo específico. Isso pode significar inconsistências no documento, então é por isso que ele pode ser incluído nas configurações de comprovação. No entanto, se eu mudar para o perfil básico antes do voo, o documento não mostrará erros. O perfil básico essencialmente tão bom para encontrar imagens ausentes, são fontes ausentes, mas não procura imagens de baixa resolução, por exemplo. Então, se voltarmos para este outro documento que tem apenas esse spread único, vamos ver como podemos verificar se todas as imagens são alta resolução o suficiente ou não para impressão. Então, o que você normalmente teria que fazer é definir um novo perfil. Você chega ao menu do painel, selecione esta opção. Você clica no sinal de Mais aqui para criar uma nova opção antes do voo. E vou chamar essa verificação de resolução. E então, sob as imagens e objetos, vou entrar na opção de resolução da imagem e ativá-la. E nessas configurações, também podemos especificar exatamente qual é a resolução mínima necessária para vários tipos de imagens. Então, para imagens coloridas, podemos dizer que o mínimo que queremos este 300 para imagens em tons de cinza, eu usaria o mesmo. E para imagens bitmap, a resolução mínima normalmente é maior porque elas parecem mais pixeladas em 300 PPI ou qualquer coisa nos 800 ppi. Vou pressionar Salvar e, em seguida, Ok, e agora se mudarmos para essa nova resolução de perfil, verifique se acabamos de criar. Imediatamente, podemos ver que na verdade, há um problema aqui. E se eu clicar nesse número, ele me levará a essa imagem e até mesmo selecionado no documento e dentro do painel de links, a imagem também deve ser destacada. E depois de clicar nas informações Mostrar Ocultar link, você poderá ver a resolução real e efetiva. Desses dois, o importante é , na verdade, o PPI efetivo, ou a resolução efetiva, que se baseia no tamanho da imagem em sua composição. Portanto, neste caso, quando começo a alterar o tamanho dessa imagem mantendo pressionadas as teclas Command e Shift para redimensionar e manter as proporções iguais. Você verá assim que eu diminuir a imagem, a resolução efetiva está aumentando. Então eu posso voltar abaixo de 300 ppi. Mas quando faço a imagem menor, posso chegar a 306 PPI neste caso. E imediatamente você pode ver que o erro do painel de comprovação agora desapareceu. Mais uma vez, se eu aumentar, novamente, PPI efetivo caindo abaixo de 300, o erro no painel de comprovação reaparece. Agora, caso você queira ter o painel de links aberto enquanto estiver trabalhando no InDesign, há realmente uma configuração muito útil que eu recomendaria fazer, que você pode acessar a partir das opções do painel. E dentro dele, você pode desativar o PPI efetivo para ficar visível como uma coluna separada dentro do painel de links. Assim que eu clicar em Ok, agora você verá que, ao lado dos números de página, obterei a resolução efetiva. Então, mesmo apenas vislumbrando muito rapidamente isso, poderemos detectar se há alguma coisa no 300 PPI. E se eu vir algo aqui, posso clicar no número, mais uma vez, selecionar a imagem e, em seguida, dimensioná-la dentro do design até obtermos a resolução mínima necessária. Agora, voltando um passo e tendo o erro aparecendo aqui no painel de comprovação, só queria mencionar que, mesmo que ele esteja mostrando um erro, ele ainda permitirá que você exporte um PDF sem informar novamente que há um problema, a menos que você esteja faltando imagens ou fontes ausentes para um documento, eu recomendo usar o painel de comprovação e personalizar um para os requisitos específicos com os quais você está trabalhando e deixe que ele o ajude no processo de corrigir todos os problemas antes de enviar seu arquivo para as impressoras. Os próximos três problemas podem ser corrigidos usando novamente as configurações corretas quando você está exportando seu PDF. Portanto, precisamos ter certeza de que não há imagens RGB usadas. As configurações de sangria estão incluídas no PDF e essa transparência também é tratada da maneira correta. Então, saltando de volta para o InDesign, a primeira coisa que você sempre deve verificar é se você está usando a predefinição que a impressora está pedindo. Em seguida, vá para as configurações de marcas e sangramentos, ative as configurações de sangramento do documento de uso e, caso a impressora o solicite, você também pode incluir as marcas de corte ou corte. Se houver instruções adicionais, você a adicionará à área da lesma. Você também pode incluir isso. Então, isso cuida do problema do sangramento. Passando para a próxima etapa, você verá que, por padrão, tudo será convertido em CMYK. Agora, novamente, se a impressora tiver um perfil específico que eles pediram para você usar, você poderá novamente encontrá-lo a partir daqui, desde que ele o tenha enviado para você e você o instalou no seu computador. E, a propósito, também é uma boa ideia verificar novamente o gerenciador de tinta, se você tem apenas as quatro cores CMYK, ou se você tem cores especiais adicionais aqui, caso você encontre algum ponto e você não está planejando usá-las, teria que voltar ao painel de amostras e excluí-las. E dessa forma, o InDesign substituirá automaticamente as cores usadas no documento pelo CMYK. Por último, mas não menos importante, nas configurações avançadas, desde que você esteja usando o PDF X1, uma predefinição de 2001. Você também poderá escolher o tipo de opção de nivelador de transparência para a qual eu sempre recomendaria usar o recurso de alta resolução. Já discutimos isso em um vídeo anterior. Eu só queria lembrá-lo que, caso a configuração de compatibilidade possa ser maior do que o Acrobat para, você não precisará se preocupar com o achatamento da transparência porque esses mais novos versões de PDFs 1.5 para rasterizar detalhes de transparência. 31. Itens adicionais para verificar antes de imprimir: Então, contanto que você use a opção de comprovação e preste atenção às configurações quando estiver exportando seu PDF. A maioria desses problemas listados aqui já será resolvida. Agora, é claro, existem outros aspectos do design que podem dar errado e isso não é algo sobre o qual as impressoras irão avisá-lo. Na maioria das vezes, são erros ortográficos ou erros digitação para os quais você pode usar a verificação ortográfica, que você pode encontrar em todos os aplicativos da Adobe. Então, basta ir ao menu Editar, ortografia, verificar a ortografia. Mas além de usar esse recurso, é sempre aconselhável que um revisor profissional passe pela cópia que não só possa avisá-lo sobre erros ortográficos, mas também erros gramáticos e também erros estilísticos na cópia no caso de documentos, revistas e livros de várias páginas. Outra coisa que você também deve prestar atenção é o chamado salto de calha ou atravessar crossover que se refere a qualquer elemento de design que cruza de uma página para a outra. Isso, é claro, só pode acontecer quando você estiver usando páginas opostas ou spreads. E no caso desta publicação, não tenho nada com que me preocupar porque nenhum dos elementos está passando para a outra página. E também estou usando uma quantidade razoável de margem, o que mais uma vez garante que o texto ainda seja legível, mesmo que este seja um documento longo. Agora, quando você tem muitas páginas em sua publicação, a margem pode precisar ser aumentada para evitar fluência, o que se refere aos textos que estão sendo perdidos no centro onde está a vinculação. E aqui está um exemplo em que você pode ver isso acontecendo. Então, onde você tem textos que deveriam ser legíveis será irreconhecível por causa dos personagens perdidos no centro. E geralmente essas são as diretrizes que você deve seguir para evitar problemas com o salto. Então, a imagem a mostra como tudo ficaria na sua tela no InDesign, e B mostra como seria e B mostra como seria impresso definitivamente não era uma boa ideia, é colocar personagens ou textos exatamente no centro, ter a sarjeta literalmente correndo por ela. Caso você precise ter textos em execução nas duas páginas, certifique-se de que a sarjeta esteja entre as palavras. E talvez você possa até aumentar esse espaço um pouco mais para garantir que eles não leiam como uma palavra no final, uma vez que a ligação é feita, outra coisa que você quer evitar é ter um enfrenta exatamente novamente no centro porque isso pode parecer muito ruim no resultado final, especialmente se houver uma mudança sutil entre as duas páginas. Portanto, caso você precise usar uma imagem que seja executada em ambas as páginas, você deve ter sempre detalhes menos importantes alinhados à sarjeta, que não causará nenhum problema no resultado final uma vez a vinculação é adicionada. Então, é claro, há muitas coisas que você como designer gráfico, tem que prestar atenção. Mas é importante mencionar também que também pode haver problemas acontecendo na impressão que não são culpa sua. Pode ser a falha dos técnicos que estava fazendo a impressão ou as máquinas usadas para a impressão. E é por isso que é tão importante fazer um teste ou uma prova difícil que você recebe da impressora, onde você pode verificar a qualidade da impressão e dividir coisas como registro de cama. Então isso poderia parecer assim no caso de uma imagem e se resume às placas não alinhadas adequadamente umas às outras. Embora isso seja algo que você raramente se depararia, porque maioria das impressoras já corrigiu isso antes de enviarem a prova. Mas ainda é bom ficar de olho nisso. E também quando você dá uma olhada em textos, especialmente Body Copy. Então, letras menores verificam se elas são perfeitamente claras ou não. Caso estejam um pouco embaçados, isso pode ser causado por arrastar ou dobrar. slurring pode acontecer na direção vertical ou horizontal. E em comparação com uma boa impressão, isso é o que seria para ambos os tipos de slurring e duplicação é semelhante à aparência do registro off, mas também pode acontecer com um placa única. Então você pode ter cor preta no texto, mas com um pequeno duplo, quase sombra como contorno. E, finalmente, outra coisa que você pode prestar atenção, nossos bullseyes ou Hickey na impressão. Estas são pequenas imperfeições que aparecem na impressão que você pode identificar facilmente neste fundo de cor única, especialmente em fundo preto. Mas eles também podem ocorrer em imagens onde podem ser menos perceptíveis, mas podem ser ainda mais distrativos. Então, todos esses são problemas de qualidade e problemas com a impressão ou a prova que você viu. E você definitivamente deve sinalizar isso e informar de volta à sua impressora que você precisa que eles sejam corrigidos. Apenas lembre-se, não jogue o jogo de culpa. Em vez disso, trabalhe com sua impressora em equipe. Pode ser uma ótima colaboração se você respeitar mutuamente o trabalho um do outro. E caso você sinta que não pode se dar bem com uma impressora específica, você deve simplesmente encontrar outra pessoa com quem você possa sentir que pode conversar e discutir tudo detalhe e geralmente se sente confortável trabalhando com. 32. Tipos de logotipos: O design do logotipo é um dos tópicos mais discutidos em design gráfico. E isso ocorre principalmente porque a maioria das pessoas, designers ou não, são bem opinativas sobre as marcas que gostam e as que não gostam. E o logotipo, de certa forma, é a essência visual de uma marca ou de uma empresa. É por isso que, como designer gráfico, se você já projetar um logotipo para uma empresa, você está realmente assumindo um trabalho altamente responsável porque estará definindo essa ferramenta de comunicação visual crucial para o cliente. E mesmo que o logotipo em si seja apenas parte da identidade visual de uma empresa, a identidade da marca ainda é o elemento mais importante porque é o que mais será visto pelas pessoas. Então, antes de tudo, como podemos categorizar os tipos de logotipos que vemos? Para isso, existem sete categorias principais sobre as quais podemos falar fora de fase. As três mais comuns são marcas de palavras, marcas pictóricas e marcas de letras. Uma marca de palavras ou de outra forma também chamada de tipo de logotipo está no logotipo base do tipo que na maioria das vezes apenas tem o nome da empresa. E talvez um slogan adicional. pictórica ou marca de marca ou símbolo de logotipo é um ícone ou logotipo de base gráfica sem nenhuma topografia e permite que marcas ou logotipos de monograma sejam geralmente as iniciais do nome de uma empresa. Então, essencialmente, eles são logotipos que consistem letras sem ortografia e nome real. Agora, as outras quatro categorias também são obviamente muito populares, e essas são combinações das três primeiras que já discutimos, começando com uma marca de combinação que provavelmente é a mais fácil de entender. É uma combinação de uma marca de letra, uma marca de palavras e uma marca pictórica. Portanto, teria topografia e detalhes ilustrativos. E a marca abstrata é muito semelhante a uma marca pictórica. Mas a principal diferença aqui é que é uma forma abstrata, geralmente uma forma geométrica abstrata. Portanto, não é uma imagem reconhecível em comparação com a marca pictórica. E o marco M é mais como um banco que teria um contêiner na maior parte do tempo que reúne tipografia e detalhes ilustrativos adicionais. Esses tipos de logotipos se originam das cristas que eram usadas por casas nobres no passado e, eventualmente, também por artesãos. E por último, mas não menos importante, os logotipos de mascote são esses tipos únicos de logotipos onde você teria um caráter muito reconhecível que se tornou equivalente à própria marca. Dependendo do setor em que a marca é para o qual você está projetando um logotipo pode ter um grande impacto em qual dessas categorias funcionará melhor. Então você pode ver com marcas de alta moda, são principalmente marcas de palavras ou marcas de letras que usei. E, embora existam algumas marcas de combinação, maioria delas dependerá exclusivamente da tipografia. Como estamos falando de tipografia, também é interessante mencionar que a maioria das marcas, sejam elas intactas ou de moda, nos últimos dois anos, se afastam de rostos de tipo mais decorados incluindo serif e script para sans-serif mais simples. No caso da Burberry, eles não só mudaram a fonte, mas também se livraram dos detalhes pictóricos no logotipo. E, em geral, quando você olha o lado esquerdo e direito em cada uma dessas colunas, as mudanças mais proeminentes que todos esses logotipos ficaram muito mais legíveis. Eles podem ser vistos e reconhecidos de mais longe, mesmo quando usados em formato pequeno. Por exemplo, mesmo nesse tamanho, quando você tenta comparar esses logotipos, você será capaz de dizer que os do lado direito são definitivamente muito mais fáceis de ler. Agora, outra coisa importante sobre logotipos é que eles devem ser originais, únicos e algo que se destaca do resto das marcas. E embora isso deva ser um objetivo que você sempre deve em mente sempre que estiver projetando logotipos, você também tem que aceitar o fato que não há nada de novo sob o sol. E quase todos os tipos de combinação já foram feitos de uma forma ou de outra. Então, apenas alguns exemplos. Tenho certeza de que você está familiarizado com o logotipo da Beats, mas é quase um rasgo direto deste logotipo de início de 1971. Mesmo as proporções são muito semelhantes, mas o Beats não foi o primeiro a copiar esse design. Até mesmo uma grande correção tinha algo muito parecido. E embora esteja de cabeça para baixo, o logotipo do estacionamento prioritário também é muito, muito semelhante. Outro bom exemplo é esse par de Logos, Filho e Colômbia. Mas provavelmente recentemente o logotipo mais controverso tem ser o novo nome das empresas do Facebook e que ser o novo nome das empresas do Facebook e seu logotipo é extremamente semelhante a muitos outros logotipos como este aqui acima dele. Sempre que você estiver projetando logotipos, lembre-se de fazer alguma pesquisa antes de se comprometer com um design. E se você encontrar algo muito parecido com a ideia que você tem, especialmente entre os concorrentes do seu cliente, então você deve realmente voltar para a prancheta e refinar seu conceito ou talvez venha com algo diferente. Agora que abordamos o básico no próximo vídeo, falaremos sobre dicas úteis quando se trata de projetar logotipos e também algumas tendências com as quais você deve estar familiarizado. 33. Técnicas de design de logotipo: Uma boa prática para projetar um logotipo é sempre começar em preto e branco. Portanto, não introduza cores no início. E você sempre deve começar a fazer esboços depois coletar algumas referências e inspiração. E esses esboços podem ser inicialmente mais soltos e, em seguida, você pode selecionar os mais fortes e refiná-los ainda mais até chegar a um ponto em que você e o cliente estejam felizes. E então você pode transformar seu esboço em um design vetorial, preferência usando o Adobe Illustrator. Agora, a razão pela qual o logotipo deve sempre ser base vetorial porque eles precisam ser capazes de dimensionar desde o tamanho de um adesivo ou um cartão de visita até o tamanho de um avião. Uma boa maneira de testar se seu logotipo funciona em tamanhos pequenos simplesmente ampliando e olhando para ele à distância. Por exemplo, esse logotipo aqui, que tem muitos detalhes ao reduzir a escala, será muito difícil reconhecer o que realmente está acontecendo. Ter muitos detalhes em um logotipo não só afetará a visibilidade e a capacidade de reconhecimento dele, mas também tornará mais difícil para as pessoas se lembrarem disso. Agora, para um memorável, eles irão, você quer ter significado associado ao design ou, melhor ainda, vários significados. E estes podem ser significados ocultos, como com identidade da campanha presidencial de Barack Obama em 2008, onde todas essas coisas destacadas em vermelho são as coisas que nos referiríamos como proposições profundas. Seus detalhes visuais estão se referindo a certas coisas sem torná-lo óbvio demais. E no caso dos elementos, os blocos de construção reais que você usaria em um design de logotipo seriam chamados proposições de superfície como este círculo azul ou as linhas vermelha e branca. E densidade proposicional é um termo que usamos, especialmente para design de logotipo, para medir e comparar a quantidade dessas proposições profundas e superficiais entre si. Os melhores logotipos geralmente têm uma alta densidade proposicional, o que significa que eles têm mais as proposições e, em seguida, proposições de superfície. Portanto, mais significados ocultos do que os elementos reais usados. E isso nos leva à dica mais importante que posso dar a você sempre que você estiver projetando logotipos, mantenha-o simples, mesmo quando você está olhando para o logotipo da Starbucks, ainda somos considerados um design bastante complexo. Você pode dizer como com o tempo evoluiu e ficou mais simples. E você veria uma tendência semelhante com as marcas mais famosas de que seu logotipo ficou mais simples e simples com o tempo. A propósito, a densidade proposicional é algo que falamos um pouco mais detalhadamente no tópico da hierarquia neste curso. Aqui também está uma lista interessante mostrando as 100 melhores empresas do mundo e seus logotipos classificados pelo valor da marca. Então, os cinco primeiros são Coca-Cola, Apple, IBM e Google e Microsoft. E mesmo que desses cinco, para nossas empresas de tecnologia, o resto da lista inclui marcas de praticamente todos os setores. Então, tão interessante que 21% dos logotipos usariam formas circulares. O círculo é percebido como a forma geométrica perfeita e mais equilibrada. Então, essa é uma razão pela qual muitas marcas o usariam. 45% dessas marcas usam o tipo sans-serif. E isso é algo que já discutimos, é claro e fácil de ler mesmo à distância. E também, curiosamente, 34% dessas marcas usam a cor vermelha. E isso faz sentido porque o vermelho é provavelmente a cor mais poderosa. E, na verdade, é algo que eu entro em muito mais detalhes no tópico de cores neste curso. Novamente, se você estiver interessado em saber mais sobre isso, verifique essa parte do curso. Logotipos animados como os que você pode ver aqui, também são muito usados hoje em dia. E eles podem variar de efeitos dinâmicos simples a apresentações de vídeo curtas inteiras. E transformar um logotipo em uma animação, novamente, é sempre mais fácil quando você tem um design mais simples para poder criar esses tipos de animações e transformar um logotipo estático em algo mais dinâmico. Você precisaria de habilidade e experiência em design de movimento, e provavelmente seria capaz de trabalhar no After Effects ou algo semelhante a isso. Essa área definitivamente vai além do escopo do que se espera que um designer de impressão faça. E o design de movimento é realmente algo que entramos em muito mais detalhes, o tópico de design digital e web neste curso. Então, novamente, se isso é algo que você gostaria de entrar, certifique-se de conferir esse tópico quando se trata de versões diferentes do logotipo, o mais essencial que você sempre deve considerar e design são essas quatro versões. Então, ter uma versão colorida em fundo branco e preto e, em seguida, uma versão monocromática também em fundo branco e preto. Ter essas variações definidas já dará alguma flexibilidade na forma como a identidade pode ser usada. Mas muitas marcas agora usam logotipos variáveis ou logotipos dinâmicos, o que significa que eles podem ser adaptados, o formato e o ambiente em que são usados. Então, podemos ver alguns exemplos aqui que sou um pouco mais complexo. logotipo pode ficar mais simplificado dependendo do tamanho e dos contextos em que ele apareceria. Mas além da variabilidade funcional, também há variabilidade estilística que algumas marcas aplicariam. Como com a Apple, isso são muitas variações, mas você ainda reconheceria a marca, graças, novamente, à simplicidade da forma original. Mas quando você procura exemplos de logotipos variáveis, você encontrará muitas soluções criativas onde o logotipo pode até se tornar como um pequeno bloco de construção que, novamente, pode mudar dependendo do formato é usado. Agora mencionei no início quando começamos a falar sobre logotipos é que eles fazem parte do design de identidade de uma marca. Portanto, mesmo sendo o elemento mais importante, ainda é apenas parte de uma coleção de elementos que a empresa cria para retratar a imagem certa para os consumidores. Uma identidade de marca incluiria todas as formas em que a marca será representada, seja impressa ou digital. Mas no caso de design impresso especificamente, você pode pensar em cartões de visita e papelaria é embalagem, vestuário, cartazes, folhetos, folhetos, assim por diante e assim por diante. Agora vamos discutir muitos desses, como cartões de visita, artigos de papelaria e cartazes em vídeos separados. Mas antes de seguirmos em frente, é importante falar também sobre guias de marca, o que é algo que vou discutir com mais detalhes no próximo vídeo. E depois disso, também daremos uma olhada em um concurso de design de logotipo crowdsourcing, que o ajudará a ver quantas maneiras criativas e diferentes maneiras um resumo de design de logotipo pode ser abordado. 34. Cartões de visita: cartões de visita podem ser considerados parte do design de identidade, vez que a maioria dos elementos definidos em um guia de marca, incluindo o logotipo da empresa, a paleta de cores, topografia serão todos usados em um cartão. No entanto, é um produto de impressão tão destacado e característico que vale a pena falar sobre isso separadamente. Tem uma longa tradição que data todo o caminho de volta ao século XV, eram originalmente chamados de cartões de visita e depois em cartões comerciais. Mas em comparação com isso, os tamanhos padrão que usamos hoje em dia são muito menores. E os avanços nas tecnologias de impressão permitem muito mais liberdade criativa ao projetá-las. Os dois formatos mais comuns para os quais podemos ver alguns exemplos aqui no quadro, nossa paisagem, como esses dois aqui e retratamos para os quais também podemos ver alguns exemplos. Isso descarta de todos os produtos impressos tendem a ser impressos no papel mais pesado ou mais grosso. Isso é para garantir que eles são duráveis e eles podem lidar com o desgaste e rasgo, além da espessura do papel para proteção extra, laminação é quase sempre usada tanto met quanto gloss. E no caso de um cartão de visita precisar se destacar, todas as técnicas sobre as quais falamos podem ser aplicadas como estampagem e bossing. Podemos ver um bom exemplo aqui. O nome da marca ou o logotipo é imparcial e ele realmente aparece na parte de trás, no verso do texto. Isso é realmente algo que mencionei anteriormente em outro vídeo que você só precisa ter isso em mente sempre que você estiver usando uma produção impressa tanto pela frente quanto pela parte de trás vai ser visto e usado. Mas, como sempre, não se trata apenas dos métodos especiais de impressão que podem destacar um cartão de visita, cabe principalmente à criatividade dos designers. E podemos ver que até mesmo um design completamente minimalista pode funcionar muito bem. E neste caso, também parece que é papel não revestido que foi usado para torná-lo ainda mais puro, simples e natural. E no caso de um cartão de visita que realmente pode ser uma vantagem porque isso permitirá que as pessoas escrevam nele. E se você já esteve em uma Exposição de Exportação , onde conheceu muitas pessoas e empresas e você tem tantos carros deles. Você também pode ter tentado anotar algumas notas em seus carros apenas para se lembrar de algo específico que eles mencionaram para você. Então, no caso de um papel não revestido, isso é muito mais fácil de fazer. E também no caso de um design minimalista como este, quase convida você a tomar algumas anotações aqui neste quadro vazio. Outra coisa que vale a pena ter em mente com cartões de visita é que, na frente, você quer reduzir a quantidade de elementos e isso pode ser um pouco mais decorativo. Enquanto a parte de trás do cartão é onde você tem toda a inflamação. E como isso vai ser um pouco mais ocupado, você pode reduzir a quantidade de decoração aqui. E geralmente também é uma boa ideia manter um dos quatro cantos praticamente vazio. Portanto, essa é uma boa proporção de espaço negativo dentro de um cartão. E o que você também quer ter certeza é que você tem margem suficiente para que o imposto não fique muito perto da borda. Eu diria que isso está quase um pouco próximo demais das bordas, mas ainda funciona. Agora também há alguns termos que as impressoras diriam quando se trata de imprimir cartões de visita. Esses cartões, por exemplo, seriam um por um, o que significa uma cor na frente, uma cor na parte de trás, que é preta. Nesse caso, se você não tiver nada em um dos sinais que seria 0. E caso você esteja usando para impressão colorida de um lado e apenas preto do outro lado. Isso seria para barra uma frente colorida, uma cor na parte de trás. By the way, este também é um bom exemplo de um cartão de visita em formato retrato, que funciona muito bem com este logotipo vertical que pode ser ampliado por causa desse formato, você pode manter o informações mínimas em um cartão de visita. Então, basta ter o nome, o cargo ou a profissão e alguns detalhes de contato. Mas no caso de você incluir mais informações, você ainda não deve exceder os sete elementos padrão, que seriam o logotipo e o nome da marca ou slogan, o nome completo da pessoa e do cargo, que, neste caso, está realmente faltando detalhes de contato, incluindo endereço, endereço de e-mail, site e identificadores sociais. E outra coisa óbvia que maioria dos cartões de visita utilizaria é ter algum tipo de interação entre a frente e a parte de trás do cartão. Então, você gostaria de vincular os dois lados um ao outro usando as mesmas cores, elementos semelhantes ou topografia semelhante. Ou você pode incluir elementos como neste caso, esses traços de tinta azul que quase parecem continuar de um lado para o outro quando alguém está virando para frente e para trás em sua mão. O tamanho padrão para cartões de visita nos EUA seria de 3,75 polegadas por 2,25 polegadas com 1 oitavo de um sangramento ao redor. E, por exemplo, no Reino Unido, o tamanho padrão seria de 85 milímetros ou 3,35 polegadas por 55 milímetros ou 2,17 polegadas. E novamente, o tamanho do sangramento em torno todas as bordas seria de três milímetros. E ao comparar esses dois tamanhos, podemos ver que o padrão dos EUA é maior, por isso é um pouco mais amplo, mas também mais alto. Mas sempre que você estiver projetando cartões de visita para uma empresa internacional, você pode realmente precisar criar várias versões para os diferentes sites em todo o mundo. Agora, antes da pandemia do COVID-19, aproximadamente 7 bilhões de cartões de visita eram impressos todos os anos em todo o mundo. E durante o primeiro ano da pandemia, estima-se que o arquivo mundial de produção de cartões de visita cerca de 70%. É uma queda enorme. É claro que é compreensível porque maioria das pessoas não se conheceu pessoalmente. No entanto, as vendas em 2021 já voltaram a quase aos números originais de antes da pandemia. E por último, mas não menos importante, eu queria mostrar um exemplo de uma empresa impressa sob demanda que faz cartões de visita excepcionalmente bons. É moo.com, que está disponível em vários países ao redor do mundo. E a principal razão pela qual estou mostrando isso é porque ele tem uma visão geral muito boa dos diferentes tipos de cartões de visita que você pode imprimir. Então, imediatamente, temos essas categorias para cartões de visita de formato padrão dentro dos quais já podemos fazer uma distinção introduzindo materiais especiais como folha de ouro, levantado, spot, gloss, até mesmo cartão de visita tipográfico. Mas eles também oferecem cartões de visita quadrados e até mini cartões, que são pequenos cartões de visita. E esse é o formato que eles estão usando. Portanto, é um cartão de 70 por 28 milímetros. E você pode ver, como mencionei, a taxa de papel, mesmo para o formato original ou padrão que eles estão usando é bastante pesada. 350 gramas por metro quadrado por sua adição de lux seriam 600 gramas por metro quadrado. Este papel grosso é realmente muito bom. Isso é o que também usamos em nosso cartão de visita. E caso você esteja planejando usar um lado de impressão sob demanda como mu, você sempre poderá encontrar e baixar essas diretrizes legais, mas você pode usar em seu computador. Normalmente, eu recomendaria usar o Illustrator ou o InDesign. E assim como abordamos a seção de técnicas de impressão especiais, sempre que você quiser usar qualquer um desses acabamentos especiais, você precisaria fornecer dois arquivos separados, um para o próprio trabalho artístico e um para o acabamento especial. 35. Design de folheto: Um folheto é um pedaço de papel dobrado para criar várias páginas e é distribuído para fins publicitários e promocionais. Eles podem ser entregues pessoalmente, deixados do lado de fora para que as pessoas os peguem ou enviem diretamente por correio para os clientes. Agora, as duas principais categorias de folhetos de que normalmente falamos são as dobradas e desdobradas. E aqui você pode ver uma lista de todas as diferentes formas de dobrar folhetos. Mas quando se trata de folhetos não dobráveis, normalmente nos referiríamos como folhetos ou panfletos. Este é um bom formato quando você tem menos informações que precisa apresentar. E embora as definições, folhetos e folhetos não estejam perfeitamente definidos, normalmente, o que eu chamaria de panfleto é quando apenas um lado é impresso e, em seguida, ambos os lados são impressos. Isso é o que eu chamaria de folheto. No caso de folhetos dobrados em geral, há também alguns termos como deixar para trás, que se referem às impressões que você duas reuniões e você dá aos seus clientes. Folhetos de mala direta seriam os que são enviados via ponto de venda postal. Brochuras são as que estão tentando chamar a atenção de clientes em potencial. E estes são muito usados em exposições, mas também em lojas. E panfleto é outro termo que vale a pena lembrar. Portanto, embora, em geral, folhetos sejam usados para fins comerciais, um panfleto seria usado para fins educacionais ou não comerciais. Agora, aqui neste quadro, você pode ver também alguns exemplos criativos mostrando a variedade de ideias que você pode usar para destacar sua brochura e torná-las mais memoráveis. E lembre-se, na maioria das vezes com esse tipo de produto impresso, você quer que os clientes mantenham os folhetos. Então, além de serem informativos, eles também devem ser interessantes ou divertidos e talvez até brincalhões em alguns casos. Veja este exemplo criativo em que um envelope o dobra, se torna o folheto real ou este folheto para um evento TEDx onde você pode ver todas as páginas, através dessas dicots, círculos todo o caminho da frente da capa. Podemos pedir isso. Veja a última página, este ponto vermelho. E isso é, por exemplo, como o primeiro spread se parece com o círculo dicot e os detalhes que podemos ver por trás. Lembre-se sempre que você estiver introduzindo esse tipo de cortes ou dobras criativas, eles devem sempre ter um propósito ou motivo e devem funcionar bem com as informações e o design da brochura. Nesse caso, por exemplo, podemos ver o quão bem a imagem foi selecionada para trabalhar com esse círculo no meio. E da mesma forma, o tema dos círculos também funciona muito bem aqui do lado esquerdo com todas essas estatísticas, os folhetos da Universidade das Artes, Londres também são muito criativos. Aqui, esses detalhes dobrados parecem bolhas de fala que uma vez abertas se transformam em f flap na lateral. Mas, assim como no exemplo da guia, essa configuração com a aba realmente continua e aparece no resto da composição no folheto. Outro exemplo muito bom é o folheto do Design Museum, onde podemos ver todas as páginas com cores diferentes. Mas, ao ter cada uma das páginas um pouco diferente, facilita o acesso a elas e salta rapidamente para uma página específica. E por dentro, é assim que a propagação se pareceria. Mas também gosto aqui é que em vez de usar uma impressão colorida, na verdade é uma única impressão colorida em papel colorido. Mas mesmo sem depender corantes e guarnições especiais nas páginas, você ainda pode ser criativo com um design dobrado simples como este. Mas em vez de ter as páginas dobradas de lado, horizontalmente, tê-las dobradas verticalmente também permitirá que este lado leia verticalmente, o que mais uma vez torna este folheto único e mais memorável. 36. Design de papelaria: Projetar produtos de papelaria e especialmente vales-presente, pode ser uma área supervisionada, mas altamente lucrativa dentro do design impresso. Apenas no Reino Unido, por exemplo, em 2021, as vendas totais de vales-presente ultrapassaram £1,2 bilhão quando falamos de produtos de papelaria, às vezes também chamados de produtos impressos de escritório, além de saudação e cartões de convite, também incluiria impressões de arte, cadernos, papel de embrulho , calendários, diários, canetas e lápis, e muito mais neste quadro, há alguns artistas que eu coletado cujo trabalho eu recomendo para você verificar se esta é uma área em que você está interessado em entrar, o mais importante, certifique-se de conferir seu design well.com, que é o lado da minha esposa. Ela também gosta de projetar produtos de papelaria e ela tem suas próprias coleções que são vendidas em vários sites impressos sob demanda com base em sua experiência e designers estacionários mais bem sucedidos, a chave para o sucesso é a originalidade, e é por isso que ilustrações e desenhos ou pinturas tradicionais e digitais funcionam extremamente bem porque podem ser realmente únicos e mostrar muitos personagem para encontrar inspiração e estar ciente das tendências em produtos de papelaria é recomendado para conferir sites como Paper Chase, caroline Gardner, Rifle Paper cool e, claro, imprimir sob demanda sites como pensativo, bolha vermelha e sociedade seis, onde você também pode começar a vender seus próprios projetos. A melhor coisa sobre esses tamanhos que você não precisa investir dinheiro em impressões reais e armazená-las é entregá-las. Tudo é tratado por essas empresas em troca dos cortes que elas recebem de cada venda. Mas o melhor é que você, como designer, pode se concentrar nas coisas criativas surgem com os designs e aqueles. Então, talvez desenvolva seus próprios intervalos ou coleções. 37. Termos de design para capa de revista: Design editorial refere-se ao design para jornais, revistas, livros e publicações on-line. Primeiro, vamos dar uma olhada em todos os termos e definições com os quais você deve estar familiarizado quando se trata de revistas. E então passaremos a falar sobre livros. O detalhe mais proeminente e provavelmente mais importante em uma capa de revista tem que ser o masthead, que é a abreviação de master had. E este é o título, design ou nome da publicação, que você encontra aqui no terço superior da capa. E na maioria das vezes, isso é criado com uma fonte personalizada e mantido consistente em todos os problemas que surgem. Às vezes, talvez a cor mude ou a posição ligeiramente, mas geralmente a fonte e o estilo serão consistentes. A massa de frases também acabou sendo usada no web design. Isso, novamente, representa o logotipo ou a imagem da marca principal que geralmente está no canto superior esquerdo do site. Agora, na maioria das vezes, o cabeçote ocupa toda a largura da capa da revista. Mas se for mais curto do que isso, como com Computer Arts ou GQ, geralmente está no canto superior esquerdo. Agora, isso ocorre principalmente porque quando você vai a um agente de notícias ou uma loja e as revistas são colocadas umas sobre as outras, então esta terceira esquerda é a única parte visível. Portanto, você ainda deve ser capaz de identificar o nome da revista apenas vendo essa seção da capa, o tipo de fonte, a cor e o tamanho e até mesmo o kerning do masthead realmente ajuda você a estabelecer o público-alvo, nosso mercado-alvo para sua revista. E você pode ver claramente isso com o exemplo aqui no Empire, que é um pouco mais masculino e ousado em comparação com estilistas, por exemplo, que é muito mais feminino. O próximo elemento que normalmente temos ao lado do cabeçote é chamado de slogan, ou também pode ser chamado de linha de célula, linha cinta ou até mesmo revista de volta. Geralmente, essa é uma maneira inteligente do que VT de definir o que é a revista. Como a GQ, sua aparência afiada, eleva, inteligente ou Esquire. São homens no seu melhor ou lêem Artes Computacionais, inspiração, técnica, ótimo design. Então, como você pode ver, o slogan geralmente é uma declaração poderosa e eficaz que pode ajudar a especificar o assunto ou a categoria da revista e outros elementos semelhantes ao slogan são chamados skyline ou também referido às vezes como banner ou tira, que novamente geralmente é colocado na parte superior ou inferior da capa. E, novamente, é tão grande quanto as revistas, por isso ocupa toda a largura. E essas duas coisas podem ser muito parecidas. Mas, na maioria das vezes, o horizonte realmente inclui títulos de artigos ou até mesmo nomes relevantes para artigos específicos na revista. Então, é quase como o extrato de conteúdo, como um mini índice em certo sentido. Então, só para ficar claro, qual lista curta como exemplo, isso, eu consideraria um horizonte por causa de sua posição e por causa da forma como promove as diferentes categorias ou gêneros que é cobertura. Mas também funciona como slogan ao mesmo tempo. Como temos esse exemplo, também podemos ver que geralmente há uma linha de dados, novamente, muito próxima do masthead. Nesse caso, é muito pequeno todas as quintas-feiras porque é uma revista semanal. Mas se fosse mensal, então, novamente, especificaria essa dívida ou trimestralmente, mais uma vez, e normalmente você também obteria o número de emissão próximo a essa linha de data. No entanto, aqui temos um posicionamento vertical no lado esquerdo. Aqui podemos ver o número 507 e também a data real em que foi publicado. Observe que também temos um URL, o site desta revista que, novamente, geralmente é colocado perto da aba de massa, em algum lugar ao redor. Ou também pode estar perto do código de barras, que geralmente está no botão. Agora é lista de finalistas. Não temos um preço porque é uma revista gratuita. Em vez disso, temos algo que é chamado de pug. Agora, isso está indicando que é uma revista gratuita. E nós especificamente chamamos essas coisas de pugs quando estão na esquina ou presos ao lado da capa, esses elementos devem sempre usar cores fortes e alto contraste. Portanto, certifique-se de que eles se destaquem do resto da capa e eles estão lá para promover os incentivos ou promoções de notícias empolgantes . Então, o fato de esta revista ser gratuita é obviamente um incentivo para você pegá-la e lê-la. Então, no caso desta revista, eu consideraria esse adesivo fazendo exatamente a mesma coisa, o que acabamos de descrever. Mas nesses casos, em vez de chamá-lo de pug, eu chamaria de caminho. Ou você também pode usar o termo qualificador ou carne. E, na verdade, o efeito adesivo é muito usado. Então, um pouco de sombra e talvez contornos mais fortes ou mesmo como uma estrela em forma de explosão é muito comumente usado em capas de revistas. Os exemplos que tenho neste quadro são muito elegantes e muito bem projetados. Mas se você procurar publicações mais baratas, provavelmente encontraria muitos desses puffs, pugs e elementos de carne que realmente querem que você pegue a revista e realmente tente uma célula cardíaca. Então você tem que ter cuidado para não usar demais esse tipo de coisas. Porque assim como tudo no design menos é mais e um visual mais limpo e mais limpo, geralmente parece mais elegante e se sente mais profissional. Agora vale a pena mencionar que você nem sempre precisa um recipiente ou caixa delimitadora em torno de um sopro. Você também pode ter textos como aqui, como símbolo pequeno, como neste caso esse asterisco. Então, isso é novamente, algo que realmente faz você querer pegar esta revista e realmente seduz você a ler sobre as coisas contidas na revista. Então, em vez disso, relacionado a um artigo específico, isso é mais como um discurso geral de vendas para esse problema específico. 38. Exemplos de capas de revista: Agora, mesmo que nesta capa além da massa aqui, este é, na verdade, o maior imposto. Esta não é a linha de capa principal, a linha coberta principal, Isso é algo que está diretamente conectado à imagem principal. Então, neste caso, eu chamaria toda essa seção aqui de linha principal ou título, às vezes também referido como splash ou como mencionei antes, linha de capa principal. E dentro do título, você também pode ter elementos adicionais, como o crédito do modelo, onde realmente vemos o nome da pessoa na imagem de domínio. E além do imposto principal, que neste caso é a música que importa, teríamos esse texto ou subtextos menores, que normalmente chamamos texto de ancoragem ou linha de alça ou a maioria das capas, você também obteria linhas de cobertura de suporte adicionais, como neste caso é parte especial do relatório aqui no canto inferior esquerdo. E estes se relacionam com artigos adicionais dentro da revista que não estão conectados à imagem principal. Estes geralmente são o melhor lugar para as bordas, garantindo que eles não cobrem muito a imagem principal apenas para evitar a confusão e certificando-se de que eles não estão enganados em estar conectados ao a imagem principal. É bastante comum com essas linhas de capa de suporte que você obteria alguns chavões. E aqui está um exemplo perfeito, este relatório especial, mas isso também pode ser algo como exclusivo ou mais ou ainda mais coisas assim. Agora, quando cada capa, o detalhe mais importante e maior que você veria é a imagem principal. E isso geralmente ocupa a maior parte da capa. Então, neste caso, temos Daniel Craig como James Bond. E observe que também há alguns efeitos legais aqui com essas fotos que também de certa forma fazem parte dessa imagem principal. Mas na maioria das vezes, essas imagens teriam uma pessoa que está olhando diretamente para a câmera. Essa é uma maneira de realmente chamar sua atenção. Porque quando vemos alguém olhando para nós, isso é realmente nos leva atraídos para, neste caso, uma revista. E essas fotos de pessoas que eu costumo ter uma foto média como esta aqui. Ou eles também podem ser um close-up com uma safra forte neste caso. Mas algumas revistas usariam imagens principais de uma maneira mais criativa, como nos estilistas, temos esse personagem principal pulando sobre o masthead, o que é bem legal. Mas e se criar também é um enorme espaço negativo aqui no meio. Agora isso também é bastante comum com essas imagens principais, que o fundo esteja bastante vazio ou pelo menos fora de foco ou não muito ocupado para garantir que o personagem principal ou o assunto principal da foto seja destacado. Mas porque mais uma vez, neste exemplo, o personagem está todo o caminho no topo. Ele só abre aquele espaço branco vazio no meio. Este é um design de capa único e inteligente, que realmente prova o ponto de que, uma vez que você entende as regras, você pode quebrá-las. E é aí que você pode criar designs muito eficazes. Vale ressaltar que a imagem principal não precisa necessariamente ser uma fotografia de uma pessoa. Também pode ser uma ilustração como essa. E na maioria das vezes, a propósito, ele pode se sobrepor ao SAT de matemática, desde que o mantenha ainda legível ou reconhecível. Mas também pode ser uma ilustração ainda mais complexa como aqui, onde realmente ocupa toda a capa. Ou pode ser menos complexo e simplesmente usar tipografia. Portanto, no caso desse problema com fio, os três logotipos fechados seriam considerados a imagem principal. Além da imagem principal, às vezes você também teria imagens secundárias como essas, que às vezes também são chamadas de imagens em miniatura. Mesmo estes na parte inferior seriam considerados miniaturas ou imagens secundárias. Nesta capa, também podemos ver o código de barras aqui à direita, o que é necessário se a revista for vendida em agente de notícias ou show, mas não é necessário se a revista for enviada para um assinante ou, obviamente, para uma versão digital. E por último, mas não menos importante, você também pode ter molduras como a icônica moldura amarela da National Geographic ou a moldura vermelha da Time Magazine, assim como uma pintura de moldura ou uma fotografia em uma parede. Isso também ajuda a fazer a revista se destacar quando está no stand dos agentes de notícias. E também ajuda a criar uma margem visual muito clara. Mas sacrifica o tamanho da imagem principal, todas as informações adicionais dentro dela. Então, tudo tem que ser provavelmente 10, 15% menor do que seria sem o quadro. E a maioria dos elementos que passei neste vídeo costumavam ser usados consistentemente ao longo das edições de uma revista em particular, provavelmente um tempo além do cabeçote e do quadro, isso também será o posicionamento de certas coisas, como a linha de dados e o preço, que na maioria das vezes não se moverá entre esses sapatos. Portanto, a consistência realmente ajuda os leitores a identificar rapidamente a última edição da revista. Mas também eles aprenderão onde encontrar as informações relevantes assim que estiverem lendo essa revista por algum tempo. 39. Termos de design editorial: Então, agora que cobrimos capas de revistas, podemos continuar a falar sobre o que está dentro dessas revistas e passar por todos os termos e definições com os quais você deve estar familiarizado. Antes de fazermos isso, vamos parar por um momento para apreciar o quão ruim eles têm que saltar. Lembre-se de que falamos para evitar colocar detalhes ou letras importantes no centro exato de um layout de página voltado. Agora, é exatamente por isso que você deve evitar fazer isso, especialmente quando você está usando esses caracteres condensados e estreitos, como neste caso. Então, primeiro e acima de tudo, você sempre tem que pensar sobre o spread completo quando você está projetando algo para uma revista. Então, em vez de prestar atenção a páginas individuais, você sempre considera o spread completo. Então, quando um leitor abrir a revista, ele olhará para ambas as páginas mais ou menos ao mesmo tempo. Então, seus olhos escaneiam muito rapidamente. E mesmo que o spread tenha um artigo de um lado e um anúncio do outro lado, isso ainda deve ser alguma forma de harmonia ou consistência entre eles. Agora, é claro, quando se trata de um artigo real, o primeiro orgulhoso do artigo é o convite para o leitor começar a ler isso. E você tem que realmente fazer um bom trabalho combinar essas duas partes do spread. Portanto, há três fatores principais com os quais você pode chamar a atenção de alguém para sua propagação. O primeiro é o layout ou a composição do spread. A segunda é a imagem que você usa é a imagem principal. E então o terceiro é o título. Esses três são obviamente muito relacionados entre si. Portanto, sua composição depende um bom posicionamento da imagem e do título, ou de uma boa combinação deles. Mas, de todos os elementos textuais, o título é definitivamente o mais crucial em seu spread. É bastante comum que as manchetes usem o tipo de exibição, que não é apenas uma única fonte, mas geralmente é uma fonte personalizada ou letras manuais que realmente se adequam ao tema do artigo. O posicionamento do título geralmente está no lado superior esquerdo, mas também pode estar à direita. E alguns casos também podem estar na parte inferior ou na extrema esquerda ou na extrema direita. A razão pela qual é bom colocá-lo no lado esquerdo é porque, naturalmente estamos começando a escanear a propagação da esquerda para a direita, começando do canto superior esquerdo para o canto inferior direito. Isso obviamente pode ser diferente. Quando você tem sua revista árabe, você provavelmente a teria espelhado e teria coisas começando pela direita. As manchetes geralmente são muito grandes. Portanto, em termos da hierarquia dentro da composição, eles devem ser realmente o elemento dominante, definitivamente maior e mais robusto em comparação com os outros elementos textuais dentro do spread. Agora, em alguns casos, o título em si pode estar usando formatação diferente, como aqui, a primeira palavra é bem diferente, mesmo que esteja usando a mesma família de fontes para o resto do título. Mas isso ainda forma uma única unidade quando ela é montada. Quando você tem textos curtos que tanto o título, normalmente nos referimos a isso como o kicker. Então, novamente aqui, este seria o kicker, enquanto abaixo dele, este é o título. E neste exemplo, você pode ver que um emparelhamento de fontes também pode funcionar para um título. Assim também, fontes diferentes muito contrastantes combinadas em fóruns ainda, uma boa unidade sólida que pode funcionar como título. Agora geralmente logo abaixo das manchetes. Então, neste caso, esta seção aqui é o que chamamos de suporte de introdução primeiro ou deck. E isso geralmente está cobrindo em poucas palavras o que você vai ler o saldo dentro do artigo. Então, ele realmente seduz você a começar a ler, mas também atua como uma ponte entre o título e a cópia do corpo. Então, aqui está outro exemplo do kicker. O título e abaixo dele, a introdução, fique em primeiro lugar ou ataque. Agora, lembre-se quando eu disse que os dois lados do seu spread devem ser considerados como uma unidade. Mesmo que aqui tenhamos um lado esquerdo e direito muito distinto, ainda há muita repetição que ajuda a uni-los. E a unidade InDesign é muito importante. Então aqui, obviamente, vemos que a cor é usada à esquerda e o lado direito do que a mesma fonte é repetida novamente. E também em geral, as formas aqui no lado esquerdo são bastante bloqueadas e quadradas, o que novamente é repetido aqui no lado direito. Agora, geralmente há um elemento que vem logo após ou anexado à introdução. Isso é o que chamamos de título, é simplesmente pelo nome do autor. 40. Elementos de página de revista: Agora, esses elementos que já abordamos são muito comuns, mas isso não quer dizer que às vezes você pode ter que deixar um deles de fora. Como neste design, eu diria que este é o kicker. Este é o título. Há nosso título, mas não há nenhuma introdução real. Podemos considerar esta seção aqui, a introdução, mas parece mais parte da cópia do corpo. E como estamos falando de cópia corporal, esses são os maiores elementos textuais dentro do seu artigo. E aqui, a legibilidade é crucial. Então você precisa prestar atenção ao comprimento da linha para garantir que seja confortável ler o texto. Portanto, linhas muito longas ou duas curtas não são ideais. Você provavelmente quer configurá-lo para cerca de 45 a 80 caracteres em cada linha. E isso já está com os espaços incluídos. Agora, quando não há introdução, o primeiro parágrafo pode ser considerado o líder. E observe como isso é enfatizado com a formatação do quadro. Então, queríamos carros voadores. Isso realmente leva você a ler o resto da cópia. Agora, outro termo que você pode ouvir mencionado quando se trata do primeiro parágrafo ou mesmo a liderança de um artigo não é gráfico ou não gráfico, que é uma gíria editorial para uma frase que resume o resto do artigo sem dar muitos detalhes. Então, é quase como a tese do que você vai ler. E alguns podem argumentar que o lead e o gráfico são exatamente a mesma coisa. Algumas pessoas diriam que é diferente. Mas, geralmente, dentro do seu primeiro parágrafo na cópia do corpo, você pode incluir algo que seja, novamente, um pouco mais elevado do que o resto da cópia do corpo. Agora, outra coisa importante que você precisa ter em mente quando trabalha com cópia corporal é que você deve ter uma linha de base padronizada durante todo o spread, que significa que as linhas, mesmo que estejam em colunas diferentes, devem corresponder à posição que eles sejam alinhados entre si. Aqui está outro exemplo, mesmo que tenhamos uma lacuna aqui nesta primeira coluna. Portanto, há a lacuna entre os parágrafos. Ainda temos o alinhamento entre as linhas do lado esquerdo e do lado direito. Portanto, esse alinhamento é graças à grade de linha de base, esse é um recurso no InDesign que você pode ativar dentro um quadro fiscal individual ou até mesmo para todo o documento. Agora, o próximo elemento textual em termos de hierarquia seria o subtítulo, que geralmente está dentro da cópia do corpo, colunas ou quadros. E isso ajuda a quebrar grandes pedaços ou blocos de texto. Então aqui, faça exercícios, por exemplo, dieta, quão rápido eles seriam considerados subtítulos, mas isso pode ser muitos níveis de subcabeças. Então, até seus 20 anos podem ser um. Se o artigo continuar e nos mostrar seus trinta e quarenta anos, mas isso pode até ser terceiro, quarto nível de subtítulos como estes, novamente, serve ao mesmo propósito, dividindo ou quebrando grande parte de textos, mas novamente, criar divisões menores dentro uma unidade que foi criada pelo segundo nível de estrutura e hierarquia de subpadrões é extremamente importante com Magazine design porque há tantos elementos, tantas informações, você realmente precisa orientar seu leitor através do spread para garantir que eles possam encontrar as informações relevantes. Porque, acredite, a maioria dos leitores não está lendo na ordem em que você quer que eles leiam. Eles pulam por aí. Mas, ao ter esses subtítulos, por exemplo, você realmente dá a eles pontos de entrada em diferentes áreas onde eles podem ir. E eles podem realmente ler eventualmente todo o artigo, mas talvez não na ordem em que ele foi configurado para ser vermelho. Agora, outros elementos textuais distintos muito importantes dentro de um spread é o código do pool, que podemos ver dois exemplos neste spread. Eles geralmente são escolhidos da cópia do corpo e destacados como leituras essenciais da história e algo que realmente é emocionante e interessante. Mais uma vez, eles devem chamar a atenção para o artigo. Então, às vezes, você pode percorrer a revista e ver um código de pool que o atrai para o artigo. Nem sempre precisam ser citações, então não precisa ser que alguém esteja triste. Pode ser apenas o resumo ou como um fato interessante. Portanto, cabe a você, como designer, decidir o que deve ser destacado em citações ruins. Aqui está outro código de pool muito elegante colocado no centro da página. E aqui está outro código de puxar muito atraente, forte e ousado dentro do spread. E, claro, o mau curso nem sempre precisa quebrar a estrutura da cópia corporal. Eles podem realmente ser independência, então eles podem estar do lado como aqui, uma maneira muito sofisticada e sutil de colocar o código do pool no lado inferior esquerdo. Agora, outra parte importante para dar estrutura à revista dentro de um spread seria o cabeçalho e rodapé no cabeçalho, você normalmente jogaria algo sobre o artigo, seja um parte recorrente da revista e isso indica que esse artigo atual enquadra nessa categoria. Ou pode ser algo mais específico, como digamos o nome das celebridades, que é abordado nesse artigo. Isso é especialmente útil se você tiver vários sprints e quiser garantir que o leitor saiba que eles ainda estão lendo sobre a mesma coisa. O rodapé normalmente contém um pouco mais de informações. Um dos elementos cruciais é o fólio ou o número da página, que normalmente você gostaria de colocar em ambos os lados. Mas se você colocá-lo apenas de um lado, é melhor usar o lado direito dentro do spread, o rodapé pode conter informações adicionais como o site da URL, ou também pode ser a data, e isso pode até ser Notas e referências colocadas aqui. Agora, em alguns casos, ser brincalhão com certos elementos do seu design pode definir o tom do artigo ou até mesmo de toda a revista. Shortlist é uma revista muito legal aqui no Reino Unido, e você pode ver como o VT eles estão com URL. Então, neste caso, o rodapé está quase completamente coberto. Não há número de página visível e também o ícone do URL lido. No entanto, esse é um elemento que se repete nos outros spreads e nem sempre precisa ser totalmente visível. Mas, mais uma vez, trata-se de quebrar as regras quando você conhece as regras. Outro termo que você pode ouvir às vezes é correr o gado correndo com os pés. Mais uma vez, este é um elemento que continua em algumas páginas para indicar um capítulo ou seção dentro da revista. Então, neste caso, eu poderia considerar uma cabeça de corrida, porque à medida que avançamos e vamos para a outra página, novamente temos o mesmo design lá. 41. Imagens em página de revista: Sempre que você coloca em imagens, há duas coisas importantes que você precisa lembrar. Primeiro de tudo, é ter uma legenda para eles e creditar os artistas, seja um fotógrafo ou um ilustrador. Em alguns casos, você veria legendas individualmente para cada imagem, mas a prática comum também seria combiná-las e simplesmente se referir a imagens como esquerda, direita, inferior. Então, neste texto, temos tudo escrito em um bloco de texto para simplificar os créditos no caso de todas as fotos terem sido tiradas para um artigo pelo mesmo fotógrafo. Você também pode incluir o nome no início na seção de título. Então aqui, por exemplo, temos palavras, que é o artigo escrito por uma pessoa. E, mas imediatamente depois disso há o crédito para o fotógrafo. É bastante comum que outros colaboradores também sejam nomeados na seção de título. Então aqui, por exemplo, ao lado do autor, temos o fotógrafo novamente, mas também o estilista do lado direito. Agora, existem muitas maneiras diferentes de adicionar as legendas. Podem ser caixas sobrepostas a uma imagem ou podem ser escritas sobre as imagens. E nesses casos geralmente deve estar na parte inferior onde está escrito não no topo, porque pode ficar confuso se você mover legendas ao redor. É novamente, bom ter um sistema para eles. Mas esta é novamente uma regra que você pode quebrar se fizer sentido. Neste exemplo, temos os textos no canto superior esquerdo dessa imagem. Mas isso ocorre principalmente porque a imagem no canto direito da propagação, onde não há mais nada em cima dela. Portanto, é óbvio que essa legenda se refere a essa imagem. E a razão pela qual esse texto foi colocado lá, porque esse era o melhor espaço negativo dentro da imagem. Por isso, teria sido difícil lê-lo em qualquer outro lugar. E esse é apenas mais um bom exemplo de entender as regras não significa que você sempre precisa seguir todas elas. Trata-se de ser flexível e adaptar as regras à situação real que você tem em um spread. Se houvesse outra imagem em cima disso, provavelmente evitaria adicionar a legenda aqui no canto superior esquerdo. Há outro termo muito importante para aprender no design impresso. É a hemorragia, que geralmente é importante quando você coloca imagens em sua propagação, sejam elas imagens menores ou estão cobrindo toda a propagação, você provavelmente gostaria que elas fossem todo o caminho até a borda. Então, como esta imagem aqui vai até a borda na parte superior, ou essa imagem vai até a borda à direita. E é aqui que você precisa ter certeza de que você sangrou. O sangramento geralmente é adicionalmente três milímetros fora do tamanho final da impressão, que depois é cortado. E sempre que você configurar as imagens no InDesign, você só precisa garantir que o limite real ou a borda da imagem vá até a borda da sangria para que três milímetros sejam sacrificado para garantir que você obtenha uma borda perfeitamente impressa. Claro, o sangramento não é apenas para as imagens, é também para o resto da propagação. Como neste caso, temos uma cor azul muito sutil no fundo, o que significa que você precisa sangrar durante toda a propagação. E há uma grande variedade de imagens que você pode usar, sejam ilustrações, infográficos ou fotografia, e pode até ser uma combinação dessas. No entanto, uma vez que você escolhe um certo estilo, digamos que um estilo de ilustração, como neste caso, Isso deve continuar em todo o artigo. Portanto, é comum que haja uma comissão de ilustrador para trabalhar em um artigo, eles estariam cobrindo todos os elementos gráficos necessários. Mais uma vez, isso está prestes a garantir a repetição e a unidade dentro do seu design, que definitivamente é uma das o que definitivamente é uma das coisas mais importantes para torná-lo profissional agora para imagens que passam por um espalhar, por isso cobre os dois lados. Normalmente os chamamos de caminhão duplo ou corremos por aí. E aqui está um bom exemplo para isso. Ou aqui está outro que você pode ver. Isso não significa necessariamente que seja uma imagem em segundo plano e, em seguida, você coloca texto em cima dela que pode ser maneiras inteligentes de integrar seu tipo atrás e na frente e criar um pouco mais perspectiva ou profundidade dentro do seu spread. E isso é novamente, um objetivo muito importante para você como designer. Porque se você pode fazer um plano bidimensional, que é a revista espalhada em algo que parece mais tridimensional. Seus leitores serão mais atraídos para entrar no espaço que você criou. E há mais um termo sobre imagens que vale a pena mencionar. E isso é um pacote de fotos, que geralmente é referido a um conjunto de imagens combinadas em uma coluna ou até mesmo em uma única linha, ou mesmo quando elas são sobrepostas e empilhadas umas sobre as outras como aqui. Agora, quando nos referimos à zona segura dentro do projeto, normalmente nos referimos a tudo dentro das margens. As margens são aquelas bordas externas invisíveis. Isso garante que os textos não fiquem muito perto da borda. Mais uma vez, isso pode ser exceções como a cabeça de corrida neste caso, e o rodapé na parte inferior com os fólios. Mas, além das margens externas, você também tem que prestar atenção às margens internas, quais normalmente nos referimos como fluência. E é aqui que você teria a encadernação ou a espinha da revista. Então, além de manter as coisas longe das bordas, provavelmente é ainda mais importante não colocar nada importante nesta seção central da propagação. E isso se aplica tanto aos elementos textuais às imagens. Portanto, observe como aqui inteligentemente, os quatro personagens dentro da ilustração são colocados nos lados esquerdo e direito, mas ninguém está no centro. É por isso que o planejamento é tão importante e o editor deve sempre se comunicar com o ilustrador que é comissionado para trabalhar no mesmo artigo. Agora, é claro, você nem sempre pode evitar que não tenha detalhes importantes em torno da coluna ou fluência. Então, neste caso, este caminhão duplo teria alguns detalhes que caem na seção da coluna vertebral. Mas ainda assim, você pode ver que o designer prestou atenção para não ter o texto na fluência. Está aqui do lado esquerdo e direito. Ainda será legível quando a impressão final sair com este exemplo novamente, porque a imagem cobre toda a propagação, é impossível evitar que detalhes acabem perto da coluna ou dentro da fluência. No entanto, todos os elementos textuais ainda estão seguros e longe da fluência. 42. Detalhes e termos adicionais do design editorial: Agora, você deve se lembrar que eu mencionei na primeira parte deste vídeo que o principal elemento textural dentro seu spread sempre será a cópia do corpo. É aqui que a legibilidade é o aspecto mais importante do seu design. Então você acabaria normalmente usando colunas para dividir o texto, certificando-se de que o comprimento da linha não seja muito longo. E quando se trata de criar colunas, você acabaria também tendo uma calha ou LE, que é o espaço negativo dentro das colunas. O tamanho para isso realmente depende do tamanho do texto e do comprimento da linha também. Mas, essencialmente, o que você quer garantir é que há diferença visual suficiente entre os dois lados. Portanto, seus leitores não acabarão pulando de um lado para o outro acidentalmente. Em alguns casos, você pode empurrar os limites um pouco e usar colunas muito estreitas como essa. Não é muito confortável ler. Mais uma vez, é um pouco curto demais de um comprimento de linha. Mas porque há uso de justificativa, o que cria uma borda muito afiada à direita em vez de ter linhas irregulares. Portanto, nesses casos, você também pode reduzir o tamanho da calha ou do beco entre as colunas. Lembre-se, a legibilidade deve ser sua prioridade número um e não a formatação estilística de tributados. Quando se trata de dividir colunas, você também pode usar uma regra para baixo, que seria um elemento gráfico dividindo as colunas. Então, neste caso, essas são apenas linhas simples, mas você também pode ser um pouco mais sutis downloads de vídeo como aqui temos essas linhas pontilhadas vagas correndo para baixo no final de cada coluna. Então, para o lado direito de cada coluna. Agora, há outro elemento muito comum dentro de um spread de revista que tem vários nomes diferentes. É disso que estou falando quando você tem um pequeno artigo adicional lendo o artigo, é como uma história paralela que relaciona com o artigo em si. Há muitos nomes para isso, então ele pode ser chamado de painel, cópia da caixa de livros, barra lateral e também cobertura secundária. Existem pequenas diferenças entre todos estes, mas essencialmente todos eles se relacionam com esses detalhes separados ou isolados adicionais que geralmente ajudam a contar uma história completa além do corpo principal cópia. Agora, eles devem ser visualmente separados e diferentes do resto da cópia do corpo e o resto da revista se espalhar. Então isso é apenas para garantir que o leitor saiba exatamente quando ler, que eles podem decidir lê-lo primeiro antes acabar lendo a cópia do corpo ou depois, é completamente com eles. Mas você, como designer, só precisa se certificar de que está isolado. Isso pode ser usando uma fonte diferente, uma cor de fundo e pode realmente variar de tamanho. Às vezes, ele pode até ocupar metade da página. No entanto, o posicionamento mais comum para esses elementos estaria na borda direita do spread. Portanto, este é um posicionamento ideal para uma barra lateral. Os painelistas também podem ser mais gráficos em vez de apenas depender de texto como aqui temos mais como um pequeno infográfico, mas ainda seria considerado um painel. E embora aqui no lado esquerdo, não tenhamos uma cor de fundo distinta, esse detalhe ainda está isolado o suficiente por ter esses elementos gráficos simples aqui, criando um pequeno quadro e uma vez novamente, ajudando ou assegurando que isso esteja isolado o suficiente para se tornar um painel ou caixa de saída. Já que estamos falando de quadros, linhas, é claro, também são elementos importantes dentro de uma revista. Eles podem ajudar a orientar o leitor e direcionar sua atenção para certos detalhes. Aqui temos uma regra, por exemplo, logo abaixo do título ou de um aqui temos uma linha de olhos, que normalmente chamamos quando uma linha percorre todo o spread. Essa é outra maneira de unificar visualmente as duas páginas. E lembre-se quando falei sobre profundidade aqui, há um belo exemplo de integração da imagem que está em segundo plano com aquela linha de olhos que parece estar por trás da imagem. Portanto, mesmo que a maior parte do texto seja colocada em cima dele, ainda há outro elemento que parece que ele está correndo atrás da imagem. Portanto, essa é uma maneira inteligente de usar técnicas de mascaramento para estabelecer mais profundidade e perspectiva no layout. E por último, mas não menos importante, precisamos falar sobre espaço em branco ou espaço negativo, que são todas as áreas vazias dentro da sua revista espalhadas. Esses são tão cruciais quanto todos os outros elementos sobre os quais já falamos. Porque sem um bom equilíbrio entre o espaço negativo e positivo, você acabaria tendo design desordenado e claustrofóbico. Então, mesmo este enorme limite de queda que temos aqui à esquerda define um espaço negativo bastante grande. E, a propósito, drop cap é outro termo usado para definir esses primeiros caracteres grandes que podem funcionar novamente como um bom ponto de entrada ou um ponto focal no experimento. E se você estiver interessado em saber mais sobre eles, tenho um vídeo separado no canal, como usar o Photoshop e o InDesign para criar limites de queda emocionantes e envolventes. Mas voltar ao espaço negativo por ter muito dele realmente intensifica o resto dos elementos e dá um pouco mais de espaço para respirar. Então, geralmente, quanto mais você usa espaço negativo, mais elegante e luxuosa sua revista se espalhou. Sentiremos que, mesmo que com esta fotografia tenhamos uma cor na parte de trás porque não há detalhes reais. Eu também consideraria esse espaço negativo. 43. Design de livro: termos da capa: Deixe-me cobri-lo no início deste curso, já abordamos o design do livro, mas há muitos termos adicionais que precisamos discutir. E também passaremos algum tempo falando especificamente sobre o propósito de uma capa de livro e algumas práticas recomendadas sobre como projetar capas de livros nessa célula. Vamos começar com o básico e esses são termos praticamente óbvios. Se você abrir um livro e colocá-lo, verá a capa frontal à direita e a contracapa à esquerda. No meio, você verá a espinha. E para manter as coisas simples, todas as páginas dentro nos referiríamos como páginas internas. Agora, em termos de numeração de páginas, vale a pena ter em mente que na maioria das vezes, a capa com contagem como a página número um, o interior da capa seria a página número dois e o real o conteúdo normalmente só começa na página número três. No entanto, ainda pode haver sumários avançados e outras coisas assim antes do início do conteúdo real. Então, em alguns casos, o primeiro capítulo do livro pode começar facilmente na 20ª página, por exemplo, outro termo que você pode ouvir é bloco de livros, que novamente se refere a todas as páginas de insight juntas sem a capa, o lado oposto da lombada, que você verá quando virar o livro e dar uma olhada nas páginas reais dentro, nós nos referiríamos como borda. Então é isso que chamamos de borda, e é aqui que as páginas estão conectadas. As margens internas juntas. Posso ver lá que o creep ou sheng ling e o mesmo termo também são usados para revistas. E na maioria das vezes, as empresas de impressão teriam gráficos para calcular o tamanho certo de fluência ou margens internas, dependendo do comprimento do livro e estoque de papel específico do estoque de papel específico que será usado para impressão. Olhando para um livro de cima, nos referiríamos como o, o chefe do livro. E quando você olha para ele de baixo, essa seria a cauda de um livro, que podemos ver muito bem nesses exemplos. A razão pela qual esses termos também são importantes porque você pode querer se referir a eles sendo impressos em uma determinada cor. Como nesses casos, a cor real do papel, claro, não é verde escuro. Ele só é visível do lado de fora e é usado como um recurso estilístico. A espinha em si pode conter várias informações, enquanto na maioria das vezes seria o autor e o título, e às vezes também o nome ou logotipo do editor na capa, você normalmente têm o nome do autor, o título da publicação, algum tipo de ilustração ou fotografia e, em seguida, o slogan ou um subtítulo. E na maioria das vezes na parte de trás você teria um endosso de resumo do livro talvez por alguém, e também o código de barras e o preço. Essas também são duas categorias principais dependendo do tipo de capa que o livro tem. Eles podem ser capa macia como esses ou também conhecidos como encadernados em papel, o que essencialmente significa apenas que você pode dobrar a capa enquanto comparado a isso, livros de capa dura são encadernados em rigidez materiais para que você não possa dobrá-los facilmente , dependendo de onde você está baseado no mundo. Eles também podem ser chamados de livros encadernados ou de capa dura. Agora, dependendo da relação entre as páginas internas e a capa em si, você tem um livro de capa autônomo ou mais. Auto-governado significa que a capa em si é o mesmo material ou o mesmo estoque que as páginas internas. E mais capa significa que a capa em si é feita de estoque mais pesado ou material mais pesado do que as páginas internas. Livros de capa dura muitas vezes também vêm v, a sobrecapa ou o invólucro, que geralmente é um material mais fino e brilhante do que a própria capa, que facilita o uso vários especiais técnicas de impressão e enfeites usados como primeiro verniz UE do ponto de compactação, e todo o resto que cobrimos anteriormente no curso. Quando você tem uma sobrecapa, ela também pode hospedar informações adicionais. E geralmente isso é algo que você usa para promover o livro e facilitar a venda. E embora realmente varie entre os livros, mas na maioria das vezes você teria uma breve biografia do autor, seja aqui na aba traseira interior da sobrecapa ou na aba frontal interior . Mas essa área geralmente é mantida para o resumo da história do livro, às vezes chamada de cópia do painel. 44. Design de livro: termos adicionais: Em termos de páginas internas ou de insight, também há alguns termos adicionais com os quais você deve estar familiarizado. Como duas páginas juntas, que podemos chamar de spreads em revistas. No caso de livros, nos referiríamos principalmente a eles como uma folha. E uma página seria considerada uma das faces da folha. A primeira página dentro de uma folha seria referida como uma reversão. E o segundo seria retal. E em caso de direção de leitura que vai da direita para a esquerda em vez da esquerda para a direita, então esses dois obviamente trocariam e teríamos pior à direita e retal à esquerda. Não quero confundi-lo. Na maioria dos casos, será verso seguido de retal. Agora, quando estávamos falando de métodos de vinculação, já discutimos o que é uma assinatura. Mas, no caso de livros, na verdade, existem alguns termos específicos que valem a pena lembrar. Essa comparação mostra muito bem e explica o que cada um deles significa. Portanto, há fólio e octogonal na ordem de números de páginas crescentes. Mas o que é comum com tudo isso é que todos eles começam com uma única folha de papel. Portanto, no caso de um fólio, essa única folha de papel seria impressa em ambos os lados. E haverá uma única dobra no meio, o que resultaria em quatro páginas. Agora você pode se lembrar do termo folha. Nesse caso, teríamos duas folhas, lado a e lado B. E ambas teriam os lados verso e reto nelas. Subindo em termos de números de página, quando você adquiriu, a principal diferença neste caso é que você teria duas dobras, e uma dessas dobras também é cortada ou cortada. Então, todos os números com um quarto seriam o dobro do que vimos com o Folio. Então aqui teríamos oito páginas impressas, o que significa que temos quatro folhas. E ao passar para octogonal, novamente, todos os números dobrariam. Então aqui seriam 16 páginas e oito folhas, conseguidas por ter três dobras e dois cortes. E prometi que o último termo quero mencionar é uma reunião, que são vários fólios inseridos um no outro e costurados juntos em sua dobra central antes da ligação real do livro . E uma vez que todas as reuniões ou assinaturas estejam empilhadas umas sobre as outras na ordem certa. Eles são colocados em conjunto com todos os elementos ou componentes adicionais do próprio real coberto, o que, naturalmente, dependeria do método de vinculação selecionado para o projeto. Existem vários tamanhos padrão para livros no Reino Unido e para o resto da Europa, você teria os livros em formato a e b, mas também há demi e royal. Enquanto nos EUA, os tamanhos mais populares ou o tamanho do livro de bolso, o resumo, o comércio dos EUA e a capa dura, que podem variar entre seis nove polegadas a 8,5 por 11 polegadas. Decidir o tamanho da página ou as dimensões de um livro é importante, é claro, porque isso afetará muitas coisas, como envio, armazenamento, mas também pode influenciar o público que você está segmentando. Como, por exemplo, as pessoas que viajam muito preferem livros de tamanho menor. Agora, aqui está uma comparação interessante que nos mostra, dependendo do tamanho que você escolher, qual é a porcentagem real de papel utilizável para o conhecimento? Isso se deve à proporção única desses livros, mas também mais importante, ao tamanho das margens. E há uma enorme diferença entre um formato de livro A5 e depois A4. Então, por que um cinco, você só tem 60% de papel utilizável com A4? É quase 80 por cento. Isso pode fazer uma grande diferença para um livro de formato longo. E isso pode realmente alterar a quantidade de páginas necessárias para o projeto. Mas além de conhecer todos os aspectos técnicos do design de livros em termos do que fará com que as pessoas queiram pegar um livro e lê-lo, o mais crucial tem que ser a capa. E, como designer gráfico, projetar a capa é provavelmente a tarefa mais importante. Da mesma forma que projetar o logotipo de todos os outros elementos em um guia de marca ou design de identidade, um livro bem projetado deve comunicar imediatamente o gênero do livro. Também deve sugerir o enredo, potencialmente também estabelecer uma conexão com os protagonistas usando as cores corretas e a topografia. Ele também pode definir um tom específico. E assim como em outros designs, ter significados habilmente escondidos em uma capa também pode deixar as pessoas mais interessadas em dar uma olhada mais de perto o que está dentro. Da mesma forma que qualquer outro projeto de design gráfico, se você estiver projetando a capa de um livro, você sempre deve apresentar várias variações no estágio inicial de exploração. E este é um exemplo de um dos nossos alunos profissionais, gene bowman, que criou esses esboços e os apresentou ao cliente. Aqui estão também os três conceitos ou esboços originais para a capa do livro que já vimos anteriormente, dos quais um deles foi selecionado e refinado ainda mais com todos os detalhes adicionais que podemos ver aqui. 45. Design de folheto: Os cartazes são os produtos promocionais mais comuns no design impresso, existem muitas categorias e tipos diferentes , dependendo do assunto promocional. As principais categorias são cartazes de filmes, cartazes publicitários, cartazes de conscientização e cartazes de eventos. A coisa mais importante sobre os boosters é que eles precisam ser atraentes e envolventes. Você quer que as pessoas andando na rua parem e olhem para o seu posterior por pelo menos alguns segundos até encontrarem as informações relevantes que estão procurando. Como quando um filme está saindo, quando e onde um evento está acontecendo, por que eles devem comprar um produto ou serviço anunciado ou qual é anunciado ou qual é a mensagem principal no caso de um cartaz de conscientização. Agora, geralmente os cartazes usam uma combinação de tipografia e imagens ou ilustração. Em alguns casos, um desses elementos pode ser mais dominante do que outros, como no caso desses cartazes aqui, alguns deles usam principalmente tipografia. Enquanto em outros exemplos, como alguns desses cartazes de filmes de super-heróis, onde está a imagem que ocupa o centro do palco neste quadro? Você poderá encontrar muitos exemplos tematicamente organizados, e uma parte desses exemplos analisamos mais adiante nas outras partes deste curso. Mas há algumas coisas gerais que você pode notar olhando para eles a partir dessa distância é que a maioria das vezes os pesquisadores seriam o formato retratado, embora a proporção possa variar ligeiramente, este é provavelmente o formato mais bem-sucedido no design de pôsteres. No entanto, quando se trata de anunciar em revistas, por exemplo, elas podem pegar duas páginas ou uma propagação completa e, nesse caso, elas seriam mais formato de paisagem. E, embora sejam anúncios dentro de revistas, eles ainda podem ser considerados como cartazes porque são muito semelhantes em formato. E no caso de outdoors que tenham as impressões de maior formato para design de pôsteres, você estará trabalhando nesta proporção horizontal panorâmica. E outra coisa comum que você pode ver na maioria desses posteriores é que eles utilizam o contraste, seja em cores ou contraste tonal. E alguns exemplos que realmente se destacam seriam esse cartaz aqui ou outro cartaz aqui, ou outro na categoria Consciência. Essencialmente, cartazes que usam preto e branco seriam os mais altos em contraste. E lembre-se, o principal objetivo de um cartaz é chamar a atenção das pessoas. Portanto, esse é um dos métodos que você pode utilizar, ou se é usando contraste ou outros métodos, uma boa maneira de testar seu design e se ele é eficaz ou não é realmente olhá-lo a essa distância. Isso é o que normalmente chamaríamos de tamanho de miniatura. Então, mesmo nesse tamanho, seu cartaz deve funcionar. Claro, você não poderá ler os detalhes, mas você deve ser capaz de entender o que é o cartaz e ter uma ideia geral sobre isso. Você verá que alguns desses cartazes, mesmo a essa distância, ainda são bem-sucedidos em transmitir a mensagem principal, seja usando topografia grande, alto contraste ou imagens grandes. Mas outra coisa importante a ter em mente é que, embora você esteja tentando colocar tanta informação em um cartaz, você nunca deve sentir todo o espaço disponível completamente. Portanto, certifique-se de deixar seu design e respirar , incluindo espaço negativo ou espaço em branco. E para isso, podemos novamente ver alguns exemplos surpreendentes dessas versões ilustradas da Trilogia Star Wars original por toda a massa ou os cartazes de banheira para os Oscars em 2016 por 112 sub l. Mas mesmo cartazes de animação normalmente utilizariam espaço negativo nos designs, o que ajuda a dar uma leitura muito mais clara e rápida da composição, o que provavelmente é ainda mais importante para o público mais jovem, onde o tempo de atenção é ainda menor que o de um adulto. Uma boa técnica sempre que você está projetando cartazes é realmente começar neste pequeno tamanho de miniatura e criar várias ideias antes de se comprometer com um e refiná-lo na final versão detalhada. Esta série interessante e divertida operadora Gobi mostra como alguns dos cartazes de filmes icônicos podem até ser reconhecidos simplificando-os excessivamente nesses designs extremamente minimalistas. Tente se tempo para ver a rapidez com que você pode reconhecer todos esses cartazes. E caso você não consiga descobrir o que eles são, você sempre pode conferir o link aqui no quadro. Você poderá encontrar essas Ilustrações e também outros trabalhos do artista. Você já pode ter visto esses exemplos, mas este também é um ótimo exemplo de mostrar como determinada composição funciona muito bem para cartazes, neste caso, para cartazes de filmes. Então, esses são os clichês muito comumente vistos, como a silhueta de uma pessoa por trás, se eles estão olhando para longe ou talvez olhando para trás em nossa direção, ou vendo pessoas do lado de pé para trás -back, muito comumente usado para rom coms. O uso de preto, branco e vermelho ou laranja para filmes de ação principalmente. E de perto vista dos principais atores em um filme com cabeças grandes no topo e depois praias na parte inferior. Isso também é interessante, que é muito comumente usado para a categoria drama, novamente, o que envolve romance. E isso mostra que a beira-mar é uma ótima metáfora para a saudade. Inscrições. 46. Design de embalagem: O design de embalagens é outro setor especializado no design de impressão, qualquer produto que você encontrar teria pelo menos uma embalagem primária, que é aquela que protege, preserva e contém o conteúdo, mas também informa o cliente. Na maioria das vezes, a tarefa dos designers gráficos não é criar a forma real da embalagem, mas o que será impresso na embalagem? Você precisa se preocupar principalmente o aspecto da informação do design da embalagem. Mas, para poder trabalhar neste setor e conseguir produzir produtos de embalagem com sucesso, você terá que aprender muitos termos específicos dos quais vou abordar neste vídeo. Agora, provavelmente, uma das coisas mais importantes para entender o que se aplicaria a praticamente qualquer tipo de embalagem é o corte ****, onde o corante se refere a essas lâminas de aço finas e afiadas que são formados em uma forma e design específicos. Você pode pensar neles como cortadores de biscoitos superdimensionados e sofisticados. E o corte de matrizes é o método real de pressionar essas lâminas sobre o substrato ou papel, resultando na embalagem final de aço em forma plana. Mas durante o processo de corte de corante, não se trata de corte porque dependendo do tipo de lâminas usadas na matriz, você também pode aplicar pontuação, que pode criar vinco, que pode criar vinco, dobrar ou pontuar linhas. Essencialmente, estes são os que estão preparados para serem dobrados ou em faixas para a embalagem final. E caso você esteja se perguntando, estas são todas lâminas de serra, mas elas têm arestas opacas em comparação com as que são usadas para cortar. As perfurações também podem ser usadas quando você está cortando pequenos orifícios no papel ou substrato, o que o prepara para rasgar facilmente. Ele pode ser usado para coisas como essas prateleiras ler a embalagem. A embalagem geralmente causa vários produtos dentro e depois de ser entregue em uma loja, ela pode ser reaproveitada e usada como uma unidade de exibição que pode ir diretamente nas prateleiras, semelhante às outras áreas discutimos em design impresso. Mesmo que com o design da embalagem, você esteja produzindo no final, produto tridimensional, você ainda começa em uma visão bidimensional. Isso é o que nos referiríamos como um desenho de linha-chave ou um guia de corte, que incluiria a impressão ou a arte real. E, em cima, em uma camada separada, vários tipos de linhas indicando os corantes, posição, forma e funções. Por exemplo, o corte completo geralmente é referido com uma linha sólida dobrar ou vincar normalmente seria linhas pontilhadas e perfurações seriam linhas tracejadas. Agora, sempre vale a pena verificar com sua impressora que tipo de indicações eles preferem usar e configurar o arquivo do Illustrator de acordo, ou certifique-se de incluir uma legenda assim na parte inferior, o que explica quais são os tipos de linhas que você está usando estão indicando apenas para evitar confusão porque você definitivamente não quer que as linhas de dobra sejam confundidas com perfurações. Por exemplo, o ferramental é outro termo que você pode ouvir, que novamente se refere a esses blocos de corte ou aos corantes usados no processo de fabricação. Novamente, como designer gráfico, você realmente não precisa se preocupar com isso na maioria das vezes, desde que você esteja usando as guias de corte corretas que combinarão perfeitamente com esses corantes. Então, tenho certeza que você adivinhou como designer gráfico, é muito importante trabalhar com precisão. É extremamente importante em termos de embalagem porque, mais uma vez, em comparação com a maioria dos outros projetos recuperados, o que acaba sendo plano. Aqui, você está criando objetos tridimensionais que precisam ser montados durante a produção ou no estágio de atendimento. E, assim como uma nota lateral, corte de matriz na verdade não é apenas usado para produzir embalagens, mas também é usado para criar adesivos ou até mesmo cartões de visita personalizados. E no caso de adesivos, vale a pena mencionar a diferença entre um adesivo cortado em matriz, que já vem cortado sem excesso de papel em comparação com o beijo tem adesivos onde você ainda tem o suporte de papel original intacto e a madeira cortada apenas parcialmente o material para criar este contorno de casca fácil em torno do design do adesivo. Quando falamos sobre brochuras, mostrei alguns exemplos onde, novamente, corte de matrizes era necessário. E ele tem outro ótimo exemplo que a capa tem essa tipografia que foi cortada criando esse visual muito único. Novamente, para algo assim, você precisaria de um corante que precisa ser fabricado. E, claro, isso sempre aumentaria o preço do projeto. Mas o bom é que, desde que você esteja usando a mesma impressora, caso você precise imprimir outra versão do mesmo folheto, que usaria a mesma capa frontal, por exemplo, isso significa que você não tem que pagar mais por outro corante a ser produzido. Forneça um arquivo separado para a impressão em si. Mas o processo de corte de corantes permaneceria o mesmo. Quando você tem várias versões da mesma embalagem, por exemplo, sabores diferentes em uma variedade de produtos em termos de embalagem que serão referidos como adaptação variante em termos de composição, o que você deve ter em mente como designer gráfico é que, na maioria das vezes essa variação seria exibida uma ao lado da outra nas prateleiras das lojas. É sempre bom mantê-los semelhantes entre si o suficiente para os clientes reconheçam que é o mesmo tipo de produto, mas certifique-se de usar contraste de cores suficiente entre eles para que ninguém vai ficar confuso entre os sabores são as opções que eles têm. Então, como podemos ver neste exemplo, tudo está praticamente configurado da mesma maneira. Portanto, temos informações no lado esquerdo e direito desse rótulo, e é exatamente o mesmo aqui na outra versão. E geralmente, além da cor, é claro, você também gostaria de indicar o sabor real, que neste caso, e na maioria dos casos, vai aqui no centro, onde é fácil para o clientes para identificar todos os tipos de produtos. Você teria que incluir muitas informações na embalagem. Mas especialmente para produtos alimentícios, há muitos fatos nutricionais que você deve incluir. E, claro, para isso, você pode encontrar os regulamentos e padrões que você deve seguir. Além disso, você também precisaria de um código de barras, que na maioria dos casos seria chamado de SKU ou UPC. Então, unidade de manutenção de estoque ou um código de produto exclusivo. Mais uma vez, que nossas ferramentas online. Portanto, você pode obtê-los do seu cliente em formato vetorial que você precisa incluir no design final da embalagem. E já mencionamos a orientação do cortador, mas eu só queria mostrar um exemplo rápido aqui no Illustrator. Algumas coisas que você sempre deve ter em mente ao prepará-las. Então, uma coisa que provavelmente é óbvia que todas as linhas do guia de corte devem estar em formato vetorial, mesmo que você tenha alguns detalhes da lista na própria arte, o guia do cortador deve ser totalmente vetorial. É sempre bom ter a obra de arte colocada em uma camada separada e manter as guias do cortador bloqueadas em uma camada acima dela. Normalmente, ele deve ser definido como preto puro ou uma cor especial que você especificar para suas impressoras. E também é uma boa ideia configurá-lo para superimposição para que ele não fique fora dos gráficos. Uma última coisa que vale a pena mencionar é que, em alguns casos, você teria impressão em ambos os lados da embalagem. Por exemplo, no caso de uma caixa que os clientes receberão podem ter algumas informações básicas do lado de fora, e isso pode incluir muito mais depois de abrirem a embalagem. Pode até ter instruções sobre o que eles deveriam fazer com o produto ou como montá-lo. E essas impressões dentro da embalagem também podem ser colocadas nas abas e provavelmente farão com que os clientes apreciem o esforço real que foi para projetar a própria embalagem. Como designer de embalagens, um dos melhores elogios que você pode obter é quando vê pessoas mantendo uma caixa muito depois de usarem o que estava dentro dela. 47. Design ambiental: Design Ambiental é provavelmente uma das áreas mais versáteis e complexas dentro do design de impressão, que novamente combina várias disciplinas, incluindo economia, arquitetura, interior, industrial e paisagismo. Agora, é claro, você não precisa ser arquiteto ou designer de interiores para poder trabalhar em projetos de design ambiental. No entanto, qualquer conhecimento dessas profissões o ajudará. Uma das maiores áreas do design ambiental é muito encontrado, o que ajuda a conectar visualmente as pessoas aos lugares, melhorando sua experiência geral, tornando esse espaço mais memorável, interessante, informativo e mais fácil de navegar. Uma grande parte da sinalização de caminho, como este ótimo exemplo de um sistema de busca de caminho de zoológico. Mas também inclui murais tanto em ambientes internos quanto externos. E assim como com tudo em design gráfico, você pode ser muito criativo na forma como você usa murais. Eles podem ser usados como neste exemplo, onde de um ângulo específico você poderá ver os números dos quartos. Mas quando você se aproxima deles, eles acabarão parecendo assim. Portanto, é um jogo inteligente em perspectiva ou ângulo de visão. Mas mesmo com a colocação de murais, você pode ser criativo e usar, por exemplo, o espaço para navegação. A razão pela qual normalmente nos referimos ao wayfinding como um sistema é porque todos os componentes usados para navegação devem relacionar uns com os outros ou sentir que fazem parte da mesma família. Isso ajuda as pessoas a se acostumar e reconhecer rapidamente as informações que elas podem ver em todo o espaço específico. Portanto, a consistência nesse tipo de design é extremamente importante. Quando você está projetando sinalização, você deve ter uma diretriz muito clara para cada bit de informação, tamanho de cada elemento e sua posição deve ser sempre consistente. imposto deve ser sempre legível mesmo à distância. E ícones também devem ser muito fáceis de reconhecer. Nos sistemas de wayfinding, as cores normalmente se relacionam com algo que nos referimos a algo que sempre deve ser um guia de cores ou código de cores que explica o que cada uma dessas cores significa. Mas, no caso de sinais bem projetados, as cores quase imediatamente fariam sentido para todos. Então, em geral, as pessoas não deveriam contar com instruções sobre como usar um seno. Lembre-se, no início deste vídeo, mencionei ergonomia. Isso é realmente algo que é muito importante quando se trata da descoberta. Porque quase todos os projetos que acabarão em um espaço terão que funcionar bem com a forma como as pessoas se comportariam nesse ambiente. Então, por exemplo, se você sabe que as pessoas estarão andando por alguma coisa, os designers devem estar sempre próximos desse nível dos olhos ou ser claramente visíveis ao dirigir projetando para eventos, conferências, feiras e exposições também são uma grande parte do design ambiental. E neste caso, como designer gráfico, você normalmente trabalharia e produziria itens de exibição. E aqui neste quadro você encontrará alguns exemplos e seus nomes, como banners de rolos, obterá os suportes de contador e banner de Zhi Bo, balcão ou exibições de ponto de venda. E assim como com todos os outros tipos de composições de design gráfico. Com estes, novamente, o mais importante é chamar a atenção das pessoas. E uma vez que você tenha a atenção deles rápida e eficaz, exiba as informações que eles estão procurando em comparação com o design de wayfinding aqui, o objetivo desses itens de exibição é mais sobre marketing , promoção e venda de produtos ou serviços. E por último, mas não menos importante, infográficos e visualização de dados também é algo que eu normalmente colocaria sob design ambiental. Mesmo que estes acabem em uma revista ou em um slide de apresentação, eles ainda servem ao objetivo principal, exibindo informações em comparação com unidades de exibição onde se tratava de vender coisas. A visualização de dados na maioria das vezes é usada para fins educacionais. E acho que você provavelmente adivinhou que nessa área, maioria dos designs seria criada no Adobe Illustrator, às vezes talvez também usando o Adobe InDesign e para visualização de dados especificamente, na verdade, existe um plugin muito útil que pode ser usado no Illustrator que vou mostrar no próximo vídeo. 48. Conclusão: Parabéns por concluir este curso da série de teoria do design gráfico. Espero que você tenha achado útil e inspirador. Não se esqueça de passar pelo glossário de termos PDF, revisar tudo o que abordamos e, se você se sentir pronto, faça o teste para testar seu conhecimento. Volte a qualquer momento para as referências nos quadros mileniais que usamos neste curso para ajudá-lo a lembrar as coisas sobre as quais falamos ou definir inspiração para o seu próximo projeto de design, informe-nos se você sentiu que havia alguma coisa faltando neste curso ou se você tiver alguma sugestão sobre como podemos melhorá-lo, envie-nos um e-mail para informações no designer.com da atribuição, e entraremos em contato com você assim que possível. Agradecemos muito sua opinião e ajuda. Agora, é hora de você escolher seu próximo tópico e mergulhar em outro curso de teoria do design gráfico. Lembre-se, não há ordem certa ou errada para concluir esta série. Todas as regras que abordamos são igualmente importantes e tudo está relacionado. Mas o mais importante é entender bem essas regras e aplicá-las em seus projetos. Tenho certeza que você usará o que aprendeu para criar algo incrível. E eu mal posso esperar para vê-lo.