Pintura digital no Procreate, para iniciantes

1. Apresentação: Olá a todos e bem-vindos à pintura digital e Procreate for Beginners. Meu nome é Maurizio De Angelis, e sou ilustrador e instrutor de pintura com sede em Londres, Reino Unido. Publiquei vários cursos até agora, mas este é projetado especificamente para iniciantes e novos iniciantes que querem aprender os fundamentos da pintura digital. Nesta aula, vamos explorar seis técnicas de pintura simples usando um desenho de um cogumelo como tema principal. Se você não é um fã de cogumelos, você pode escolher um assunto diferente do modelo fornecido em Recursos para esta classe. Se você assistir meus outros cursos você já sabe que há sempre fornecer aos alunos um desenho. E isso ocorre porque pode ser extremamente desafiador e um pouco frustrante para iniciantes seguirem sem um modelo. Então vamos dar uma olhada no que esta aula é sobre. Em vez de partir de uma ilustração básica e terminar com uma peça mais realista, o objetivo deste curso é aprender uma variedade de estilos e entender como colocá-los em prática. Imaginemos que você já tem um assunto desenhado e agora você precisa escolher um estilo para sua próxima ilustração. Que estilo você usaria? Você pode ir para um desenho de linha simples que se assemelha a algumas ilustrações de tinta, ou talvez você esteja mais em um visual de sombreamento plano porque você quer criar alguns adesivos, ou você quer adicionar 2 ou 3 tons de cor para obter um efeito Toon Shading. Além disso, se você quiser criar algo mais realista, você pode usar a Técnica de Mistura Suave ou Hard. Nestas duas lições Em particular, vou demonstrar como obter resultados idênticos usando duas técnicas muito diferentes. É uma ótima maneira de mostrar que não há apenas uma maneira de alcançar algo na pintura, mas há várias. Então alguns de vocês podem se sentir mais confortáveis usando uma técnica ou outra, e você ainda obtém o mesmo resultado. Então, para os alunos que estão interessados em pintura realista e querem aprender a empurrar o nível de descrição para a próxima etapa, você pode ir para esta técnica muito detalhada, que não é a xícara de chá de todos ou talvez seja. Então vamos descobrir juntos o que você gosta, você tem que encontrar seu próprio estilo e precisa de tempo e prática para entender o que funciona para você. Correlacionei cada estilo com amostras de minhas próprias ilustrações ou pinturas para lhe dar uma melhor compreensão das técnicas que eu expliquei. Meu conselho para você é assistir todas as aulas e aprender cada técnica uma de cada vez. Se você é um iniciante, esta aula lhe ensinará os conceitos básicos da pintura digital e lhe dará a confiança para embarcar em uma jornada artística. Pintura não é sobre o pincel que você usa ou o software em que você está trabalhando. A pintura é sobre prática e dedicação. Então vamos começar. 2. Como configurar a tela: A primeira coisa que queremos fazer antes de começar a pintar é importar o desenho do cogumelo que disponibilizei na seção de projetos e recursos. Então, se deslocarmos para baixo e clicar em projetos e recursos, podemos encontrar dois arquivos aqui. Um é o cogumelo, e isto é o que vamos usar. O segundo desenho é para o seu projeto de classe no final desta classe. Então, se você quiser baixar o desenho do cogumelo, você clica em um, você clica em Download. Então você pode ver estes baixando o arquivo, então é muito rápido. É muito pequeno. Cinco e 12 é feito, vai ser salvo na pasta de download em seu iCloud Drive. Então, neste vínculo, você pode lançar procreate. E uma vez na galeria, você pode clicar em Importar e navegar até a pasta de download. E o arquivo vai ser importante. Se abrirmos a paleta Camadas agora podemos ver o fundo aqui e o desenho em uma camada diferente. Antes de passarmos para a primeira técnica desta classe, eu só quero que você saiba que se você for ao meu site, você pode baixar gratuitamente uma coleção de 52 documentos de fundo que podem ser muito úteis para seus projetos. Então, se você vai para o meu site ou para a minha conta do Instagram, você pode selecionar cursos de ensino on-line e, em seguida, clicar em Download gratuito. Uma vez aqui, você pode baixar este tipo de documentos. E aqui você pode ver alguns exemplos. Se você não receber o esquema de link de download e em menos de cinco minutos, dê algum tempo e você chegará. Eu prometi isso. Então, tendo dito isso, vamos mergulhar na primeira técnica. 3. Arte-final: Ok, vamos começar com este espaço. A primeira coisa que queremos fazer é abrir a biblioteca Inca e, em seguida, selecionar a caneta técnica. Então, se clicarmos na caneta técnica, entramos no estúdio de pincel e podemos selecionar configurações antigas de pincel. Por isso, temos a certeza de que estamos todos a partir do mesmo ponto. Então, temos algo assim. O que queremos fazer agora é ir até a aba lápis da Apple. E lá nós dissemos fluxo para 0. Temos algo parecido com isto. Agora queremos ir para o caminho do traçado e possivelmente podemos aumentar o valor de simplificação para ser em torno de 15%. Então temos mais de uma linha curvilínea. Excedemos o estúdio de escova e criamos uma nova camada. Então esta é a camada de desenho de lápis de cogumelo. Se quisermos renomeá-lo, podemos clicar na miniatura e selecionar Renomear, e podemos renomeá-lo para desenho. No momento, temos esse tipo de greve. Queremos reduzir o tamanho do pincel para cerca de 15%. Agora temos algo assim, esses pincéis sensíveis à pressão. Então, se pressionarmos mais, teremos um derrame bizarro. E se você liberar, a linha fica mais fina e isso é exatamente o que procuramos. Então podemos apagar isso selecionando a camada de família e fazer Claire. Agora estamos prontos para pintar este cogumelo. Vou começar deste lado. E o que eu quero fazer é modular a pressão de acordo com as características do cogumelo. Então eu quero pressionar e soltar sozinho para desenhar. O que não queremos é uma linha compacta estável, mas algo mais dinâmico alinhado com algum caráter. Então podemos pressionar e liberar. E imprensa e solte. Eu tenho outro curso que é apenas sobre tinta. Então, se você estiver interessado nele, você pode pesquisar por este curso na minha conta. Vou definir o que se chama o boné do cogumelo. Você pode ver que eu pressiono e libero. Eu não quero fazer uma linha contínua, mas eu estou feliz com a linha para ser um pouco warbling com alguma variação de espessura. Então esse é o objetivo deste processo. Então eu continuo com o meu trabalho de linha modulando o curso de acordo com curvas e cavidades. Há um pouco de inserção aqui. Então eu quero ter uma linha orgânica. Então eu posso finalizar o caule, também chamado de caule. Agora eu quero pintar a margem, a borda que separa a tampa das guelras. As guelras são o tipo de um papel de barbatana é estrutura, muito frágil. Eles estão sob a tampa. Quando você não está para convencer sobre algo que você pode desfazer tocando com dois dedos e refazer, tocando com três dedos. Agora eu quero passar para a vulva, que é esta estrutura de tampa na base do cogumelo. E há parcialmente ou completamente enterrado no chão. Então esperamos que essa parte seja um pouco áspera. Certo? Eu acho que isso está feito. Podemos criar uma nova camada, diminuir o tamanho do pincel pela metade, mais ou menos, algo em torno de 6%, provavelmente. Talvez um pouco mais, oito, provavelmente um por cento. Faremos o trabalho. Eles querem nas guelras. Para dar a ilusão de ciúmes diferentes. Você pode fazer linhas quebrando. Então ele não vai ser uma linha contínua. Também neste caso. Você pode ver claramente a diferença de olhar entre as guelras e o copo. As guildas são mais dinâmicas e leves, enquanto o boné é muito presente no mesmo. Quando você desenha, pagar algo é sempre muito importante para pensar sobre a coisa real, o assunto real. Olhando para estes, eu imagino as guelras, elas estão irradiando do centro. Haveria um pouco inflado. Então eles têm esse tipo de curvatura. Obviamente isto é uma ilustração, por isso é uma interpretação do mundo real. Não estamos atrás de algo foto-realista, por isso temos alguma liberdade e representamos este Marshall como quisermos. Por isso continuo com este processo até ao fim. Posso saltar deste lado. Então, o motivo que eu costumo fazer, então eu volto. Quero dizer, é um pouco para trás e para frente e isso é uma coisa boa você possa diferenciar o Luke ou o que você está fazendo. Então eu finalizo os rendimentos. Temos algo parecido com isto. Podemos passar para esta parte que é chamada de anel. É meio que uma peça quebrada. Então, queremos fazer esta linha. Podemos pressionar e soltar, pressionar e soltar, e adicionar algum tipo de linhas curtas para simular uma superfície de jaqueta. Podemos fazer o mesmo aqui. São estas linhas curtas para dar a ilusão de que algo está acontecendo aqui. Mais uma vez, esta é uma interpretação. Podemos imaginar pedaços e peças provenientes da textura superficial, mas também do solo. Talvez alguma grama ou algumas pequenas partículas estejam ligadas à base do cogumelo. Talvez tenha sido apenas tinta ainda está molhada. Podemos adicionar algumas linhas ao longo dos retentores do caule. E como eu mencionei antes, é bom para afastar o pensamento e a reabsorção. Então este caule tem uma forma cilíndrica. Finalmente ferramentas redondas a base e eu quero seguir este peixe. Dito isto, também é importante encontrar um equilíbrio e não muitos, Jesus. Talvez para um iniciante, pode ser difícil encontrar esse equilíbrio. E isso vai contar com o tempo e a prática, e é parte do processo. Então, não se desespere. E novamente, eu provavelmente posso fazer algo ao longo desta linha na tampa deste cogumelo. Então você pode ver que há algumas linhas em que, especialmente porque aqui é quando as tags, então queremos enfatizar este aspecto. Agora eu posso esconder o desenho para que eu possa vê-lo melhor. Talvez algo como talvez eu possa apagar estes e ter mais como um círculo. Novamente, eu não quero fazer muito, então eu acho que isso pode ser suficiente. E a primeira obra de arte agora está pronta. Na próxima lição, vamos explorar algumas ilustrações feitas com o estilo de tinta. 4. AMOSTRais: Ok, agora que terminamos de pintar nosso cogumelo, eu quero mostrar alguns tipos de obras de arte feitas com a técnica de tinta. Vamos começar a olhar para este 1 primeiro. Eu fiz isso para outro curso que é chamado Procreate aprender 15 técnicas de pintura fácil. Você pode ver que eu fiz o desenho primeiro, e aqui está um vídeo muito rápido de lapso de tempo. Então eu, no desenho, aqui você pode ver todos os diferentes tipos de plantas e flores que eu fiz, seguindo mais ou menos a mesma técnica explicada para o cogumelo. Então temos uma linha mais espessa como um contorno e uma linha mais fina para os detalhes internos. uma vez, um pouco de lapso de tempo. Se você quiser aprender uma variedade de técnicas no Procreate, vá e confira estes cursos como está embalado com a equipe do Procreate. Agora temos estes, que é uma tira que faz parte de outro curso que eu publiquei há algum tempo chamado Inc. um ornamento medieval em Procreate 5 x. novamente, Eu fiz o desenho rápido. Então isso é um lápis e um desenho. E, em seguida, seguindo a técnica explicando isso porque eu conheci a silhueta primeiro e todos os detalhes relevantes. Então, se você quiser entender como eu fiz isso, você pode então verificar isso. Agora podemos ver outro estilo de tinta. Isto é mais artístico e como mais caráter e você precisa de alguma prática. Este é um cavalo grego do Partenon em asiáticos, provavelmente uma das esculturas de mármore que sobreviveram desde então. Você pode ver esses tipos de esculturas em muitos museus importantes da cidade, como o Museu Britânico em Londres ou o Metropolitan Museum em Nova York, e obviamente no Museu Arqueológico Nacional de agentes. Agora temos essa técnica totalmente diferente. Eu diria que esse estilo era muito famoso nos anos oitenta e noventa, principalmente antes da arte digital. Se você quiser explorar mais sobre esta técnica, você pode procurar por raspadinha e você verá muitos resultados chegando. Você pode ver que você pode pintar em preto, mas então você arranha a superfície e remove a tinta, experimentando o papel por baixo. E dentro do cenário digital, você pode simplesmente pintar em branco. Use a ferramenta Borracha. Então as linhas brancas, sejam elas pintadas, não estão lá fora para simular as luzes. Então, é tudo sobre equilibrar as listras preto e branco. E é isso que torna essas técnicas particularmente complicadas. Mas novamente, a prática constante torna as coisas mais fáceis. Então temos estes, temos alguns antecedentes aqui. Mas se eu esconder o fundo, vamos basicamente perder a tinta branca. E se eu voltar a ligar, podemos apreciar o trabalho que fiz em branco. Este é um desenho um pouco complexo, eu diria. Mas se nos aproximarmos, podemos ver que não há tão detalhado. Então, é tudo sobre encontrar um efeito que possa funcionar. Certo, agora entramos no carro de desenho de linhas. Eu fiz isso para um livro de colorir que eu deveria trabalhar, mas então o editor mudar de idéia, o que é muito comum neste negócio. Estes são de Villa fantasia 9 crescer, que é uma bela villa no coração do centro da cidade. Enquanto há alguns rifles, afrescos e outros importantes artistas italianos, este é um jovem Raphael em pessoa. Isto é mercúrio com um pouco de um padrão frutado na parte de trás que eu fiz. Você pode ver que esta técnica funciona perfeitamente bem para arte de linha muito simples e direta. E falando sobre arte de linha, eu publiquei um livro para colorir sobre Roma que é chamado de cores de Roma, que pode ser encontrado na Amazônia, Reino Unido, ou na Itália, se você estiver interessado. Sinto falta do CD onde nasci e cresci e, na minha opinião, é uma das cidades mais bonitas do mundo, para ser honesto. Você pode ver aqui todos os lugares romanos famosos como tarugo ou amônia. Algumas pinturas de Caravaggio na igreja de Santa Maria del Popolo. Este é Travis Fountain ou Fontana, o túmulo em italiano. Você pode ver as antigas moedas de lira italianas, que era a moeda nacional que foi então substituída pelo euro, acredite ou não. Mas há uma média de 25 mil euros jogados na semana do par de fontes. Sim, Bear Lake. Isso ainda é relevante. Tina, que é famosa pela presença de gatos. E também há muitos outros lugares famosos e monumentos como o livro em uma guia biblioteca. Novamente, este é um estilo muito simples que é Pat para se você quiser criar alguma arte linha. E, em seguida, nossa ilustração tradicional que foi feita com um pouco de tinta real. Existem oito estilos diferentes. Aqui estão alguns cruzamentos, um efeito de meio-tom, tipicamente na mídia impressa. Estes para algum pointillismo e que a versão diferente de incubação que não está cruzando desta vez. E ele está seguindo mais dos volumes e algum efeito de recorte. Então essa era a história sobre tinta. Então você pode ver que há uma grande variedade de estilos e técnicas. E agora cabe a você entender qual você gosta, mas o mais importante para praticar. Na próxima lição, vamos explorar a técnica de sombreamento plano. 5. Sombreamento liso: Certo, então agora temos este cogumelo, temos duas camadas, os detalhes internos e o contorno. Neste ponto, podemos renomear essas duas camadas, mas renomear é um pouco demorado porque vamos ter muitas, muitas camadas. Uma alternativa é deslizar, certo? E temos os dois selecionados. E podemos agrupá-los. Agora você pode abrir e fechar o grupo usando a seta aqui. Em seguida, você clica na família e selecione Renomear. Aqui podemos chamar essa camada de tinta. Vamos usar esta ilustração como ponto de partida para a próxima. Podemos deslizar para a esquerda desta vez e clicar em duplicado. Esta função obviamente duplica o grupo BY você não pode vê-lo agora porque eles estão sentados um em cima do ADA para movê-lo, queremos selecionar a ferramenta de movimento. Podemos ativar snapping e magnetics que restringem o movimento. E então você pode movê-lo para a direita. Agora, para evitar confusão, você faz sentido renomear o grupo e o que podemos digitar cores planas ou apenas plana. Dentro deste grupo, queremos criar uma nova camada, pressione e segure e mova-a para baixo. Se a camada escapar do grupo, como neste caso, você pode simplesmente arrastá-la de volta para dentro e colocá-la onde quiser. Agora é hora de criar uma paleta em várias cores. Queremos começar a partir do acampamento. Então, escolhemos uma cor laranja avermelhada. Aqui. Queremos estar perto desta área. Portanto, não está muito saturado, nem muito largo, nem neutro ou não preto. Estamos na cor da área de tom médio. Então nós provavelmente queremos ir algo em torno deste valor. Talvez um pouco mais vermelho. Desta vez podemos mudar para um pincel duro. Clique no Pincel, redefina as configurações para que estejamos começando do mesmo ponto. Mais uma vez, reduza a flor para 0. Se você, em vez disso, disse este valor ao máximo e a greve é influenciada pela pressão. E isso não é algo que queremos. Queremos um golpe plano opaco. Então, de volta ao 0. Com este pincel e cor selecionados, colocamos a primeira amostra. Agora queremos pensar na cor rendimentos normalmente para refletir sua delicadeza. Os rendimentos são bastante pálidos, bastante brilhantes. Então eu não iria mentir em direção ao espectro amarelo e ir para uma cor brilhante e não muito saturado, o que significa não muito intenso para não alcançar na cor. E na mesma camada, podemos colocar essa cor. Agora, aqui novamente, normalmente podemos encontrar essa cor brilhante perto do espectro mais amplo. Então eu provavelmente mudaria o espaço insensível e animado semelhante. Então queremos criar a amostra para o anel. Neste caso, podemos optar por algo tempo de reprodução, talvez algo assim. Podemos ver que há muito semelhante à cor da tampa, mas nosso toque mais brilhante. Então, finalmente, a cor da base, que eu imaginava ser bastante escura, semelhante à cor do chão. Então, a partir daqui, vamos nos concentrar na tampa primeiro, eu vou criar uma nova camada. Selecione a cor pressionando e mantendo pressionado. E voltarei para a caneta técnica e aumentarei o tamanho do pincel. E o que posso fazer é fazer o perímetro rápido. Você também pode fazer isso com uma escova de ar. Não precisa ser uma caneta técnica. Mas a principal diferença entre estas duas escovas é que a fita de caneta técnica está desligada de acordo com a pressão e a escova de ar não. Portanto, será mais fácil usar a caneta técnica quando você precisar um tamanho menor e você não quiser reduzir fisicamente o tamanho do pincel. Então essa é realmente a principal diferença. Por exemplo, aqui, pintar com a segunda caneta de grupo é bastante útil pois o traçado fica mais fino reduzindo a pressão aplicada. E você tem menos chances de que a cor esvazie as margens. Então eu fecho a forma. Posso arrastar e soltar a amostra de cor no perímetro fechado e sem soltar um novo slide para a direita e ativar o limite de cor descartada, se for demais, todo o documento será preenchido. Mas, ao mesmo tempo, se eu não ativar o limite de queda de cores, pode haver chances de que o sentimento deixe alguns pixels vazios. Por isso, é bom usar esta função sempre. Então você tem certeza de que você tem uma área completamente preenchida, então você pode obviamente retocar aqui dentro, se você precisar. Agora queremos criar uma nova camada. Na verdade, coloque-o debaixo disto. Agora selecionamos a segunda cor. Porque coloquei esta nova camada debaixo da tampa. Posso pintar sem me preocupar muito com as margens. Mas quando eu chegar ao caule, eu tenho que ter cuidado. Obviamente. Quando se trata de preenchimento, você pode criar um perímetro como fizemos antes, ou você pode realmente pintar manualmente. E isso é porque talvez você goste de pintar ou relaxe você. As coisas realmente colocadas em pedra. Na verdade, encorajo-te a encontrar o teu próprio caminho. Uma coisa importante a ter em conta, e isso normalmente é algo que eu digo mitose é que você não precisa se apressar. Você não precisa necessariamente encontrar a maneira mais rápida possível de fazer algo. Talvez você assista vídeos de artistas experientes fazendo algo super rápido e super inteligente, mas você vai chegar lá com o tempo. Então, leve o tempo que precisar. Você provavelmente está aqui para aprender. Portanto, não seja duro consigo mesmo, porque às vezes na maioria das vezes, pintura é um ser perturbador e você pode ficar facilmente frustrado. E isso é o mesmo mesmo para artistas experientes. Agora, aqui, eu quero prestar especial atenção aos pequenos cantos e cavidades. Por isso, quero ser bastante preciso. E novamente, você pode cair cor se preferir . Uma nova camada. Selecione a terceira cor. Desta vez eu posso criar o perímetro e depois queda de cor para tornar as coisas mais rápidas, que não é uma contradição com o que eu disse antes, mas porque eu não quero que esta lição seja muito longa, já que uma pensão pode cair rapidamente. Sinto que quero que este lugar seja um pouco mais brilhante. Então o que eu posso fazer é usar os bezerros que estão nos ajustes. Eu seleciono a camada e a multa com o carro a partir do meio para, e eu colocá-lo em torno de. Você pode ver que fica mais brilhante. Agora, eu quero selecionar essa cor e substituir a que está na paleta. Mais uma vez, nova camada, selecione a quarta cor, fará o perímetro primeiro e, em seguida, colateral. Faça a queda de cor, ative o limite de queda de cor e toque em. Na verdade, eu posso ver e estar sangrando demais aqui. Então eu posso usar rapidamente a ferramenta de borracha e corrigi-los. Finalmente, a última camada para o elemento na base do cogumelo, vou selecionar a cor mais escura. Então você pode ver que isso é bem escuro. Novamente, você pode pagar até que você possa usar a queda de cor ou ambos. Novamente, eu sinto que isso é um pouco escuro demais, então eu posso usar os bezerros e Amanda Sharp, que é por padrão uma linha diagonal reta, também conhecida como linear. E se eu arrastar a curva para cima ou para baixo e tiver uma mais brilhante ou mais escura, mudar de cor é muito comum. Você pode criar um conjunto de cores, mas então você percebe que deseja alterá-las. E talvez quando você muda uma cor, você queira alterar o elemento que está ao lado dela. E finalmente, a cor dos vendavais. Eu queria torná-los mais brilhantes para seguirmos os mesmos passos. Então você pode alterar as cores até que você tenha sido. Porque agora a única mudança que podemos nos livrar do paladar se coloca e recriá-los. Então L1 para renomear esta camada em piloto. E é isso. Este estilo é, de fato, um estilo de ilustração e um contorno de tinta e uma cor plana. Você pode ser extremamente criativo apenas com estes dois ingredientes simples. Mas na maioria das vezes, algo que é visualmente simples não significa que eles simples de fazer o oposto, Billy. Na próxima lição, vamos dar uma olhada em algumas ilustrações feitas com uma técnica de sombreamento plano. 6. Shading de Shading: Ok, agora é hora das amostras de sombreamento plano. Temos aqui, a mesma faixa que viu na lição anterior. E neste caso, podemos simplesmente adicionar um fundo colorido. E nós também podemos adicionar um pouco de textura, se você quiser. Você pode tentar adicionar uma segunda cor. E podemos ver isso, certo? E estando ao lado deste tipo de amarelo pálido, cor creme, você verá, você pode ver que uma ilustração de cores planas, mesmo se usarmos alguma textura ou podemos inverter as cores. Então o que está vazio agora é preenchido, é como uma forma negativa. Então você pode definitivamente brincar e ver o que você vem acima com. Outro exemplo é este ornamento. Fiz isto com uma caneta no papel. Então eu digitalizei ou você pode tirar uma foto com seu telefone e, em seguida, uma cor estes em procreate. Se você gosta desses tipos de ornamentos, você pode procurar por William Morris, que foi um artista e gravador britânico muito famoso. E você descobre um universo inteiro ou belos ornamentos e papéis de parede. Então este é um design muito simples e você pode ver algumas cores escuras ao lado da luz solar ao mesmo tempo. Uma vez que você tem um design como este, você pode tentar usar apenas uma cor, mas com tons diferentes, como neste caso. E eu também vou jogar um pouco de textura aquarela, efeito de papel. O mesmo princípio para este desenho aqui. A única diferença é que eu fiz isso em Procreate e sei no papel. Você pode ver um lapso de tempo aqui usando a função Procreate para gravar a tela. Para ser honesto, eu costumo fazer um desenho no papel porque eu sou um grande fã do lápis e então eu digitalizá-lo. E esta é a minha maneira de trabalhar. E não tenha medo de misturar os fluxos de trabalho como você tem que encontrar seu próprio caminho. Uma vez que você tem um desenho como este, você pode usar a técnica de sombreamento plano. Você pode conseguir algo assim. Você pode ser criativo e brincar com cores. Ficamos usando a técnica de tinta explicada antes, e então podemos aplicar cores diferentes. Podemos então mudar a cor usando a tonalidade e saturação. Quero dizer, então cabe a você e tentar fazer o que você tem em mente. E novamente, uma vez que você tem isso, você pode criar um módulo para um padrão, como neste caso. Você pode criar um papel de parede, mas também se você assistir meu curso, aprender três técnicas de aquarela no Procreate, há uma lição que é sobre a criação alguns produtos físicos com o design que criamos. Assim como você pode criar travesseiros e almofadas, canecas e diários. E você também pode aprender a conseguir obras de arte convincentes em aquarela afinal. Agora, alguma arte tradicional, você pode ver este cara aqui. Isso é algo que identificou com um lápis em um pedaço de papel Fieger. E então eu uso uma caneta preta e pintei o fundo com alguma cor acrílica. Você pode ver a data aqui, algo que eu fiz, sim. Quando fazer um ano atrás, eu acho que ainda é relevante em termos de estilo pode ser algo que você fez ontem ou dez meses atrás, ou 10, 20 anos atrás. No final do dia, ainda estudamos peças maciças. Há 500 anos, se não mais velhos. Então você pode ver o lápis aqui. Então eu fiz o desenho da caneta, pintei a mão o fundo com algumas gotas de força. Dela. O mesmo é aplicado a este desenho. Este é um pouco mais do que uma cópia de uma pintura clássica de xadrez ou um desastre, que foi um dos discos lunares, o que significa que foi um artista fortemente influenciado por Leonardo da Vinci. A pintura é chamada de chumbo h01 você, ou chumbo II e jurado. E este foi um assunto recorrente durante o Renascimento italiano. A mesma coisa que antes, onde eu fiz um desenho a lápis primeiro e, em seguida, são o contorno da figura com um lápis preto com um fundo de cor para conseguir um olhar plano. E as cores acrílicas são provavelmente as melhores cores se você quiser obter um fundo como este, certo, então isso foi uma visão geral da técnica de sombreamento plano. Na próxima lição, vamos implementar algumas cores adicionais e obter o que é chamado de efeito de sombreamento de melodia. 7. Sombreamento Toon: Ok, agora vamos nos concentrar nesta paleta aqui. Selecionamos a primeira cor. E queremos passar de branco para preto. Mas queremos nos mover ao longo de uma curva, algo ao longo desta linha aqui. Queremos criar algo mais escuro. Então eu descia um pouco aqui. Estas são de cor. Novamente, não muito escuro, de volta consideravelmente mais escuro. Então vou reselecionar a cor do tom médio. E desta vez eu quero ir para baixo, algo assim. E novamente, não muito largo, de volta, consideravelmente mais brilhante. Agora posso fazer o mesmo. Então eu quero ficar mais escuro. E novamente, não precisa estar exatamente na mesma região, mas aproximadamente na mesma intensidade. Então, selecionamos a amostra novamente. Aqui temos t já é cor bastante brilhante. Então aqui é muito brilhante. Podemos ver que estes são muito semelhantes, mas não são os mesmos. Então posso ficar mais escuro. É muito semelhante, quase o mesmo que ainda um pouco diferente. Então novamente tornando-o mais brilhante. E o último pé Scala, isso é algo muito próximo do branco. Agora estes, queremos ficar mais escuros. Isso já está começando a partir de um ponto de partida escuro e silencioso. Novamente. Agora prêmio tê-los novamente. E depois a última palete. Quanto à câmera anterior, já temos um tom escuro para começar. Então, abaixamos isso. Isto é quase preto. E novamente, estes, em seguida, por último esta cor. Agora só quero reorganizar o paladar e ser melhor para que eu possa usar rapidamente a ferramenta de seleção. Posso desligar magnetismo e estalar, caso contrário, ser atrevido. Agora posso mudar para preto e rotular as cores. Podemos definir o médio prazo 2, 3, este 1221, e depois 45. Então, o número três do centro é a coluna no meio e é a primeira que colocamos para baixo. Ok, agora eu quero mover a paleta em um lugar melhor. Talvez aqui, eu selecionar a camada plana, deslizar para a esquerda e duplicar. Posso reativar magnetismo e estalar. Ei, mova o grupo para cá. Então temos 1, 2 e 3. Vamos renomear esta camada em vetor, que não é realmente um nome correto para isso, mas o estilo que vamos usar para esta ilustração se assemelha a um estilo vetorial. Neste ponto, você pode renomeá-los se quiser. Mas para mim é uma perda de tempo. Mas se você é um iniciante, haverá chances de que você se sinta sobrecarregado pelo número de camadas. Então, se isso tornar as coisas inteligentes, sinta-se livre para renomear as camadas, certo? Eu quero criar uma nova camada em cima de cada elemento. Em seguida, selecione a família e faça a máscara de recorte. Você verá uma seta apontando para baixo. A máscara de recorte é uma das funções mais úteis na pintura digital. E vou mostrar-te porquê. Basicamente, um grupo, nenhuma massa não permite que você encontre fora da forma por baixo, como você pode ver. Na verdade, se eu soltar a máscara, você vê que a camada de pintura real é acesa que você corta tudo o que não está contido pela camada abaixo. E podemos esclarecer isso. Eu também quero mover a paleta. E esconda a versão plana para que possamos focar totalmente no que estamos fazendo. Tudo bem, abra o grupo, selecione a primeira camada de máscara de corte relacionada à cabine, e selecione a cor número quatro. Então, queremos ficar mais escuros. Neste ponto. Queremos pensar de forma tridimensional. Então eu quero deixar o lado mais escuro. Então temos que imaginar que a luz está vindo do lado superior esquerdo, está vindo daqui. Então vamos ter a luz deste lado e a sombra do outro lado. Na fotografia, isso é chamado de iluminação Rembrandt, que é uma técnica de iluminação padrão e muito popular. De acordo com este princípio, posso basicamente fazer isso. Provavelmente aumentar o tamanho do pincel e entalhe. Eu quero seguir a forma esférica da tampa e criar uma forma fechada. O que estou fazendo não é visível porque estou pintando fora da forma do copo. Mas se você desclicar na camada, você a veria, então eu posso chamá-lo de soltar isso com esta cor. Eu também quero pintar a margem da tampa. Eu mencionei que precisamos pensar de uma maneira tridimensional. Precisamos pensar no cogumelo real. E em uma cena real, teríamos decidido girar um pouco, curvando-se em direção às guelras e isso seria na sombra. Talvez estes também vão estar no escuro. Agora podemos selecionar a segunda máscara de recorte relacionada às guelras e cor rosa número quatro. Com esta cor, quero seguir a estrutura brânquia. Eu começaria do centro. Então, do topo do caule e dos raios de uma roda de bicicleta, eles irradiavam e alcançavam a borda externa. Este poder será principalmente no escuro para ser honesto. Mas não devemos esquecer que qualquer ilustração é interpretação da realidade. Então temos algum tipo de liberdade e devemos considerar , depois de algo foto-realista. O que queremos fazer é pouco menos da idade do carro, como se a borda proeminente lançasse uma sombra nas guelras. Estes também podem ser chamados de sombra de contato. Quando isso é feito, novamente quando irradiamos em direção ao centro, mas vamos deixar o caminho do meio e tarefas para que não estamos juntando as extremidades. E estes darão um efeito de redondeza. Chamamos o vetor de estilo, mas seria mais correto renomeá-lo para sombreamento de célula ou sintonizar sombreamento. sombreamento de célula ou sintonia vem dos gráficos de computador 3D, onde um gradiente de sombreamento é substituído por cores planas. Então, em vez de ter uma passagem agradável e progressiva de cidades, há um passo claro de uma cor para outra. E acho que é o suficiente por enquanto. Mas agora selecionamos a máscara de recorte se relaciona com o caule. Escolha a quarta cor. Aproximadamente ao longo da mesma linha da sombra da tampa. Definimos esta área para estar na sombra. Em seguida, também pode quebrar e simular uma passagem do tempo. Eu também quero torná-lo um pouco mais escuro aqui atrás do anel como haveria algum tipo de sombra de contato Castela. A mesma coisa em torno das guelras. Seria estranho se algo não acontecesse aqui. Se ele estava 100% limpo, você fez sentido. E também um pouco aqui porque queremos melhorar o fato de que esta é uma forma cilíndrica. Assim, vírgulas são usadas para definir sombras, mas também para definir textura e detalhes. Agora podemos pintar a parte verde, o califa sanguine e incrivelmente popular aplicativo Cal do Renascimento Italiano. Escreva selecione a quarta cor. E novamente, seguindo esta linha e podemos descer aqui e curvar ligeiramente para o fim. Por que é isso? Porque estou imaginando que esta parte seja sim, cilíndrica, mas também um pouco esférica perto da base. Mais uma vez, posso quebrar esta linha e seguir um pouco. Talvez as linhas que fizemos em preto, domingo, a textura do sol misturada com algumas sombras. O objetivo é encontrar um equilíbrio entre os elementos. Por exemplo, não queremos colocar muitos detalhes nas áreas mais leves, pois você achataria o trabalho. E ao mesmo tempo, temos que controlar a quantidade de sombras. É uma questão de equilíbrio e isso é algo que você ganha com a experiência e a prática. E eu posso adicionar alguma sombra projetada no ringue a partir do ritmo. Como eu imaginava isso um pouco de extrusão. Há um tipo de passo ou alguma espessura, então uma sombra tornará as coisas mais claras e lógicas. Em seguida, a última parte, eu vou ter certeza de que eu selecionar o nome certo como um erro extremamente comum é pintar na camada errada. Mais uma vez, eu quero seguir as áreas sombreadas, mas porque o ponto é, eu quero ir para isso. Eu vou quebrar esta linha, talvez seguindo algumas características como elementos do zoológico z pesados vindo da imagem. E acho que está tudo bem. O que eu quero fazer agora é quebrar a cor na tampa do cogumelo. Para que eu possa escolher a cor diretamente daqui. Certifique-se de que você está na camada correta. E eu vou começar a fazer essas linhas não são muito diferentes do que fizemos até agora, certo? Bem, nós queremos fazer agora é ir para o outro lado do espectro. Queremos ir mais leve. Vamos criar uma nova camada para cada elemento. Então nova camada, nova camada. Quando você cria uma nova camada entre a camada que eles usam, selecione e uma máscara de recorte. A nova camada é cortada automaticamente. Agora selecionamos a cor número 2. Estamos nesta camada. E aqui queremos manter esta cor tem a base neutra, a base de carne Tom. E queremos fazer uma área mais leve. Queremos fazer algumas ideias divertidas, um pouco de imaginação. Você pode ver que a mesma tampa de cogumelo físico é alguns solavancos e lances. Então a linha seria a, b piscará. Podemos adicionar imediatamente um pouco de trazer à tona. E acho que está tudo bem. Agora podemos passar para os rendimentos. Selecionamos a cor número 2. Vamos fazer muita luz aqui em baixo, mas nós meio que, nós podemos nos concentrar nas áreas que deixamos sem pintar. Nós não queremos fazer aqui porque é principalmente no escuro. Isso é bom. Suponho que sim. Agora o caule, selecione a cor. E eu vou fazer algumas linhas aqui. Eu provavelmente precisaria mover a camada para estar no topo para que eu possa pintar um B também na cor escura dá o meu incrivelmente visível por ele lugares. Também é importante lidar com elementos sub2 de uma forma que equilíbrio também é alcançado através da modulação de pequenas diferenças em termos de valor. Agora selecionamos a máscara de corte para o anel, selecione a cor relacionada. E novamente, você deseja criar algumas linhas para simular o arquivo. Há uma área mais brilhante. Queremos também descrever o estado da superfície. Eu posso realmente mover esta camada para cima também, e eu acho que faz mais sentido. E, por último, podemos selecionar a camada de máscara de corte correta. Vamos colocar isso aqui. E aqui queremos nos concentrar principalmente nas linhas para viver os detalhes da superfície. Novamente, não queremos exagerar também, não queremos colocar esse tipo de espera, não pertence. Algo assim, acho que está bem. E completamos a segunda coluna. Podemos ver que a cor base. Agora eu sinto que eu quero estender este tom escuro um pouco mais, como eu mencionei antes, é uma questão de equilíbrio. E assim você começa a refinar, a voltar. Como fizemos para a paleta. O mesmo para o scanner. Procreate como limite de camada. E o número de camadas disponíveis é diferente de iPad para híbrido, de acordo com modelos, mas também de acordo com o tamanho e resolução de um documento. Agora queremos criar um novo conjunto de camadas para as cores mais brilhantes. Se você ficar sem camadas disponíveis, você pode assistir ao início da próxima lição para saber os passos e, em seguida, voltar aqui. Então criamos as camadas de máscara de recorte. Selecionamos a cor mais brilhante para a tampa do cogumelo, e é ganancioso para a cor anterior, queremos criar uma área regular NOT Q considerando o bumpiness da superfície. Algo assim está bom. E depois um pouco de fuga. E também quer adicionar o tempo de sprite ao longo da borda do copo como você reforçar a idéia de que esta parte está virando está girando. Agora vamos para as guelras e aqui não há, não realmente. Apenas alguns traços para ter algumas variações de calibre, mas não muitas, apenas um pouquinho. Agora o caule é quase imperceptível, mas apenas um pequeno toque de luz não faria mal. O mesmo tratamento que acima. Queremos estar perto desta área. Talvez o cólon seja, estaria pegando alguns destaques. E a última coisa é ser isso. E mais uma vez, essas linhas muito curtas. Agora podemos parar aqui. Alguns de vocês podem já ter ficado sem camadas, mas se você não se sentir livre para acelerar este processo como você começa a ser diferente dos estágios anteriores. Então eu vou fazer isso levando em conta a forma esférica dele. Como fizemos para a primeira morte, começamos do caule e nos espalhamos. Eu estaria no interior e nos campos. Finalmente, a base. Acho que isso pode ser muito escuro para o meu gosto. Então, em vez de mudar de cor, vamos usar os bezerros. Posso reduzir a opacidade do atraso e substituir a Kayla relacionada. E é isso. Estou muito satisfeito com o resultado. É divertido, é leve, é convincente. Então vamos dar uma olhada em um pouco de cera neste estilo. 8. AMOSTRagem de toon: Certo, agora vamos dar uma olhada em alguns exemplos de sombreamento de melodia. Podemos começar a partir deste plano aqui. Isto é do meu curso, Procreate aprender 15 técnicas de pintura fácil. Você pode ver um lapso de tempo aqui em nossa identidade se você quiser saber mais sobre isso, você pode encontrar essas pontuações na minha conta. Este é outro exemplo, goo, bem ser outro tipo de cogumelo ou um carro ou tentáculos como estrutura. É um pouco mais regular, semelhante ao fator de arte vetorial é um formato vindo do Illustrator. A afinidade mais moderna. Então, novamente, se eu esconder as linhas mais finas, você tem uma linha simples estes, e como de costume cabe a você se você preferir um método sobre o outro. Esta é outra ilustração que eu fiz. Se eu esconder o fundo e o sombreamento, você pode ver a tinta funcionando. Então não é muito diferente do cogumelo que fizemos. Podemos identificar três vezes o escuro, o tom médio e o tom mais claro. Então este é o esboço e os detalhes. E a ilustração é baseada em um desenho que eu fiz no papel com uma caneta. Você pode ver um lapso de tempo aqui que eu postar na minha conta do Instagram. E como fizemos antes com o retorno da guerra, mais uma vez, podemos criar um padrão a partir de um desenho e brincar com cores, a fim de obter repetições. Desta vez, você pode ver que o resultado é mais envolvente, é mais colorido, e você também pode perceber uma pitada de volumes. Há algumas sombras também. Então você pode mudar as cores e criar algum produto físico para você ou até mesmo se estabelecer com os outros. E a última amostra, o nosso crânio, este estilo é muito semelhante ao adotado para o nosso cogumelo. Você pode ver que temos a tinta do crânio. Você pode ocultar o fundo também e mudar a cor usando matiz e saturação e slide e escolher o que você gosta ou o que seus clientes gostam não é necessariamente o que você gosta, na verdade não é sobre o que você gosta. Certo? Houve uma visão geral do sombreamento de sintonia. Na próxima lição, vamos criar algo mais realista. E você verá que as coisas começam a ficar um pouco mais complexas, mas não tenha medo, eu vou quebrar tudo para você. Então vamos mergulhar no sombreamento suave. 9. Mistura suave: Ok, agora estamos prontos para a quarta ilustração. A primeira coisa que queremos fazer é ir ao Canvas e depois às informações do Canvas. Aqui podemos ver quantas camadas temos. As camadas máximas de acordo com este tamanho é 57. Eu usei 38, e eu tenho 19 camadas disponíveis, então eles não são muitos. Então, queremos voltar para a galeria. Eu deslizo para a esquerda e aperto Duplicate. Agora temos uma cópia segura e isso é muito importante. Nós só queremos renomear o primeiro documento e podemos adicionar original ao título. Então abrimos o documento duplicado. E queremos reutilizar este cogumelo aqui para esta lição. Então, podemos simplesmente movê-lo aqui usando a ferramenta de movimento. Aqui, podemos nos livrar deles e nos livrar da tinta, pois não precisamos deles. Então temos o desenho. E nós podemos realmente excluir tudo isso. E podemos renomear o grupo para soft blend, que não é realmente o nome de uma técnica ou um estilo, mas mais o nome de um pincel que vamos usar. A partir daqui. Nós também podemos mesclar essas duas camadas. Então, estamos mais camadas disponíveis e queremos usar esta ferramenta de correspondência, também chamada de ferramenta de mesclagem. A ferramenta de mistura com uma ferramenta fenomenal, e é usada para misturar cores. Há uma abundância de pincéis disponíveis, mas vamos começar do básico. Então queremos usar a mistura suave. Clicamos no Pincel, redefinimos todas as configurações escovadas e agora estamos prontos. Certo? Porque é que esta ferramenta de correspondência? Eu tenho muitos cavalos onde eu mostro como usar esta ferramenta. Então, se eu criar uma nova camada e escolher uma cor pode ser qualquer cor. Mudei para o aerógrafo sólido. Então eu coloquei essa cor e então eu escolhi outra. Pode estar na mesma camada ou em uma nova. Eu usaria essa margem para misturar essas duas cores juntas. Então, se eu selecionar o pincel macio e reduzir provavelmente o tamanho do pincel, eu posso basicamente pintar sobre esta borda aqui. Mas em vez de adicionar cores e mesclar, estou desfocando e deslocando pixels. Aqui. Não é a ferramenta mais fácil de usar, mas nada é realmente fácil quando se trata de pintura. Então precisamos aprender, precisamos praticar, e então podemos melhorar nisso. Então não há outra maneira. Então podemos excluir essas camadas. Certo? Eu seleciono o escuro é a camada quatro, a tampa. Eu verifiquei novamente, eu chamei a mistura suave para esta ferramenta mágica. Eu sempre tendem a manter a opacidade do pincel abaixo 100 por cento só porque não havia tanto controle quanto possível. E então eu posso começar a manchar as margens. Vamos usar alguns pequenos detalhes aqui, mas tudo bem. Há outra técnica para mantê-los onde você quer fazer é aplicar um grau de pressão e ser capaz de modular essa pressão de acordo com a quantidade de mistura que você deseja. Agora você seleciona o segundo escuro como mesclagem de camadas chamar essa área. Não posso mostrar-lhe que assim que se familiarizar com a modulação de pressão é extremamente fácil de governar estes instrumentos. Novamente, se esta é a primeira vez que você usa, não fique muito chateado se você está lutando com ele, isso é completamente normal. Você quer tentar e tentar novamente nos dias seguintes e seu cérebro provavelmente diria, sim, na verdade, isso é fácil, eu posso fazer isso. E, a propósito, esta é uma ferramenta muito importante para aprender. Se você quiser entrar na pintura digital. Agora você pode selecionar esta camada. E, finalmente, isolei estas camadas e estou misturando isto. E mais uma vez, eu posso fazer isso. Certo, então quando tudo estiver pronto, o que você pode fazer é mesclar as camadas. Então você os beliscaria. Então você tem a cor base e camadas gerenciadas. Quando é uma maneira só você pode continuar se misturando. Talvez você queira aumentar o tamanho do pincel, pois ele pode ser mais eficaz. Novamente, você tem que modular a pressão. Mas acho que está tudo bem. Isso pode ser suficiente para o que eu quero alcançar, certo? Então nós temos o primeiro agora, se você misturar cada camada individualmente, você vai fazer um trabalho melhor com certeza. Então isole o escuro como camada das brânquias e comece a se misturar. Eu posso reduzir o tamanho da escova para ser um molar peça e, em seguida, basicamente, tratar esta área como fizemos para o carrinho. Agora posso me mover para esta camada. Talvez ele seja mais fácil se eu seguir a direção das guelras. Certo, vamos tentar esconder essa camada. Se você realmente passar um bom tempo e deixar todas as pinceladas juntos vai ficar muito bom. Mas como não quero que a lição seja muito longa, só quero explicar o princípio. Por outro lado, se você planeja ter a camada de tinta como parte da ilustração, você pode querer exibir isso como você quer ver o produto final e como ele vem junto, se isso faz sentido. Agora, eu posso rapidamente tanto essas greves. Para ser honesto, a maior parte da descrição é dada pelo objetivo em vez de comprar a cor. Agora posso mesclar essas camadas, beliscando-as. Um deles é fundir e misturar novamente um pouco. Então você tem algo assim. Como eu disse antes, se você gastar mais tempo nisso, você vai ter algo bastante agradável e suave e bem sombreado. Mas acho que isso pode ser suficiente. Agora podemos passar para o selo desta vez. Vamos tentar mesclar as camadas em primeiro lugar e ver se há uma grande diferença. Então eu paro de me misturar. Com certeza vai ser mais rápido. Mas na minha opinião, controle novo e moderno se você misturar uma camada de cada vez, mas é bom ter opções na mesa, n escolha 1 quando ele quer dizer. Ok, agora eu só quero te mostrar um pouco de traquinagem e o que é isso? Então nós temos estas camada base e, em seguida, temos estas camada escura. Se você selecionar isso, poderá ir para ajustes. E, em seguida, camada, então, no meio da composição, você pode sorrir, certo, para aumentar o nível de embaçada. Então é o mesmo princípio do limiar de queda de cor. Se nos fecharmos como luz, certo? Você pode ver que esta área vai ficar borrada. Você pode controlar o nível de desfocagem deslizando para a esquerda e para a direita. Para ser honesto, eu não uso essa técnica se eu quiser misturar algo. Mas, mais uma vez, é bom ter algumas opções. Por uma questão de consistência, vou aplicar esse efeito às camadas restantes. Agora, eu posso mesclar essas camadas. Assim, combinar um pico minoralmente não faria mal a alguém pode argumentar que você perde alguns detalhes. Mas, por outro lado, você obtém algo muito bem sombreado com algum tipo de esforço mínimo, e tudo depende do que você está procurando. Por último, queremos tentar fundir essas camadas rapidamente, apertá-las sólidas. E usando o Borrão Gaussiano, podemos explicar isso e ver se há uma diferença substancial. E então provavelmente misturar manualmente e B, quando ele era muito e misturar cores juntas, você perde um pouco dos destaques. E isso ocorre porque os pixels mais brilhantes se misturam com os menos brilhantes, então a luminosidade diminui é animada. Uma boa solução é criar uma nova camada em cima de tudo. Podemos usar a escova de ar, escolher talvez algo esbranquiçado, e então eu quero pintar onde eu sinto que seriam os slides mais fortes. Então aqui, aqui, e talvez aqui. Neste ponto, você pode usar esta ferramenta de correspondência ou o filtro de desfoque gaussiano. Então, basicamente, temos alguma luz em cascata aqui. Em vez disso, não é muito evidente. E é isso. Temos agora as quatro ilustrações para baixo. Na próxima lição, vamos aprender a usar a técnica de mistura de coração. E no final, eu vou mostrar a vocês duas amostras para o estilo de mistura suave e dura. 10. Mistura dura: Ok, agora temos este cogumelo aqui e o resto deles ali. Podemos fundi-los juntos, pois não temos camadas disponíveis suficientes. Então, o que queremos copiar este cogumelo no meio lá e sob nós fazemos isso. Então, clicamos neste documento. Selecionamos a camada de grupo plano, que é esta. Abrimos o grupo e deslizamos para selecionar todos eles. Você os prende no meio do documento sem liberá-los. Por outro lado, você clica na galeria. Você seleciona o documento para onde deseja mover esta camada para abrir a paleta Camadas e soltá-las lá. Por alguma razão eu não sou capaz de copiar todo o grupo seguindo a mesma técnica. Você pode tentar. Talvez seja só um inseto para mim, mas não funciona. E por causa disso, eu preciso reselecionar o mais a cada criar um grupo. Quero mudar este grupo para cá no quinto lugar. E então podemos renomear estes para hard blended. Novamente, este não é o nome de um estilo ou técnica, é mais do que o nome do pincel que vamos usar. Então o coração escova sob aerografia. E é este aqui. E o que ele faz? Se eu criar uma nova camada em cima de tudo e selecionar uma cor, ela pode ser qualquer cor. A escova de liquidificador coração se comporta como um aerógrafo de coração normal, mas também como, tanto em quando você aplica menos pressão. Então eu estou pintando, pressionando um pouco. Quando eu liberar as ferramentas, que é 2, esta ferramenta munging, como você pode ver claramente aqui. Basicamente são duas ferramentas em uma. É útil e instável ao mesmo tempo. Mas quando você se acostuma, torna-se extremamente útil, porque agora eu não estou aplicando muita pressão e eu posso misturar isso. Mas se eu aplicar mais pressão, cor estará fluindo. Certo, podemos nos livrar disso. Vamos mover a paleta aqui. Começamos do CCAP como de costume, do Haskalah escuro. Então eu vou criar uma nova camada e problema de moluscos de equilíbrio para seguir a mesma dinâmica. E também o resultado final não será muito diferente do cogumelo macio misturado. Mas enquanto falamos sobre ter opções, essa técnica é totalmente diferente da anterior. Então, cabe a você se você quiser usar uma técnica ou a outra. Técnicas diferentes, mesmos resultados. Então eu começo a partir daqui e eu estou aplicando uma boa quantidade de pressão, e então eu vou liberar e obter este gradiente aqui. vez, pode ser um pouco difícil rápido, mas posso tranquilizá-lo não é tão difícil e você pode fazê-lo. Agora eu quero fazer a borda de uma maneira e pressionando e voltando e liberando com a prática PO vai controlar a força que você aplica na tela do iPad. Quero que consigas controlar este pincel. Você percebe que há incrivelmente útil e mais rápido em comparação com as duas etapas, pintura e fluxo de trabalho de mistura. Então eu posso criar uma nova camada. E grande cor número 2. Então estamos no espectro mais brilhante e eu sou essa cor. Colocando pressão e liberação. Você pode realmente ver o quão rápido A's. Então, se eu quiser estender essa área mais brilhante, eu só preciso aplicar um pouco de pressão e depois liberar novamente. Agora eu posso pegar a cor mais brilhante para o acampamento, criar uma nova camada e uma máscara de corte. E então eu quero recriar o mesmo efeito. E eu simplesmente faço isso. Você deve ter notado que eu pulei um calendário de cores antes, então eu posso criar rapidamente uma nova camada e depois pintar com essa cor. E acho que está tudo bem. Agora podemos passar para os rendimentos. Então eu vou para a camada relevante, criar uma nova, a máscara de recorte. Vou selecionar a segunda coluna e pressionar, pressionando. E agora posso manchar um pouco de pressão. Agora eu posso reduzir o tamanho da escova, está disposto a fazer o que eu fiz para os cogumelos anteriores. Quero formular os rendimentos e ser mais descritivo. Certo? Posso criar uma nova camada e uma máscara de recorte. Selecione o tom mais escuro para as brânquias. E novamente, novamente reforçar isso. Você pode experimentar alguns consideramentos quando você paga em como se você diminuir o brilho da tela, como uma luminosidade de compras. E eu suponho que isso é devido à banda I pode estar começando a alertar ou trabalhando demais. Eu acho que isso está feito. Posso criar uma nova camada, escolher o Scala. Como dissemos antes, isso não é incrivelmente razoável apenas para ser consistente, queremos adicionar apenas algumas linhas. Nesta fase, você pode ver que estes são bastante semelhantes. Usamos duas coisas muito diferentes. Eu começo a partir da doca tem lado e criar esses tipos de otimista do outro lado. E por último, logo atrás do feto. O doutor tem que fazer mais ou menos a mesma coisa. Ok, vamos passar para o novo. Nova máscara de corte de camada. Quero aumentar o tamanho do pincel. Eu começo do lado mais escuro e então eu solto. Legal e é importante. Nós nos movemos para a doca é marrom. Então, novamente, nova máscara de corte de camada. Quero reduzir o tamanho do pincel, pois descreverei estes com mais cuidado. E, por último, a cor mais brilhante para esta ferramenta. Você pode ver que eu estou meio que aplicando aleatoriamente diferentes quantidades de pressão como eu quero que a luz se espalhe, faseie e crie um pouco de textura. Finalmente, a base do cogumelo, o Stein do número 4, a segunda cor mais escura. E mais uma vez eu tenho estes talvez aqui em baixo. Nova máscara de corte de camada, tons reforçados e mais escuros desta parte do cogumelo. E depois a última coluna, a mais brilhante. Aqui vamos nós. É isto. Você não pode ver muita diferença para ser honesto. E mais uma vez, usamos uma abordagem e técnica totalmente diferentes. E dentro dessa técnica não exclui outra. Então, se eu mesclar essas camadas, eu posso mudar para a ferramenta de borragem real e mesclar. Agora, como fizemos antes para os destaques, podemos criar uma nova camada. Provavelmente posso provar a cor daqui. E, em seguida, sobre estes e obter o mesmo efeito. E também podemos usar um pouco de um objetivo. Se você já viu que você precisa de um HL7 geral é a quinta ilustração. Na próxima lição, vamos explorar algumas ilustrações feitas com técnica suave e de mistura. 11. AMOSTRagem: As obras de arte mostradas aqui incluem amostras de pouso macias e duras. E isso porque, como dissemos antes, essas duas técnicas são muito semelhantes em termos de resultados. Então eu queria juntá-los como eles normalmente trocam as duas técnicas. Então é um pouco difícil dizer o que é o quê? Então vamos começar com isso. Estas são algumas ilustrações médicas que fiz para alguns trabalhos há algum tempo, ilustração médica é uma parte muito importante do meu trabalho. Fiz mais de 3000 ilustrações até agora. E o estilo aqui é muito justo. Você pode ler as ilustrações muito bem. Ele não é foto-realista, não é 3D. E na ilustração médica é muito importante que as coisas sejam retratadas que representavam de uma forma muito clara e concisa. Podemos ver aqui os ossos do pulso. Esta é a articulação do joelho. Você pode ver a patela, que é a batida móvel do seu joelho que é virada para mostrar a cartilagem, algumas medulas espinhais e os campos. Este é outro trabalho que eu fiz para uma marca de produtos dentários bem conhecida. Então você pode ver aqui algum procedimento a fim de ter uma prática correta de higiene bucal, o que é muito importante. Se quisermos empurrar o realismo um pouco mais, mas não muito. Temos o falado aqui, provavelmente caçando algumas pobres coisas. Isto foi para uma publicação de alguns anos atrás aqui no Reino Unido. Também temos esta borboleta. Você pode ver que os tons são bem inconsistentemente sombreados. Você pode ler as ilustrações muito bem sem ser muito realista ou mesmo fotorrealista. Então você pode ver que ela acabou de colocar um ovo lá. Então isso é muito mais simples. Este desenho e o próximo estão ambos vindo de Procreate aprender 15 técnica de pintura ECM. Você pode ver a tinta e o sombreamento macio aqui. Esta é a primeira lição desse curso. Então, se você quiser saber mais, você pode encontrá-lo lá. Se você quiser enviar uma descrição. E quanto mais você pode pintar um gordo cego como neste caso. Mais uma vez, esses processos inteiramente explicado lá 15 curso técnicas de pintura fácil. Ainda podemos ver a tinta, mas desta vez o sombreamento é mais complexo e cheio de detalhes da superfície. E consegui empurrar o nível de detalhes para a frente, mantendo um olhar não fotorrealista. Então, um estilo mais ilustrativo. Agora outra flor. Estes como um olhar mais realista em termos de renderização, mas também em termos de caráter e aptidão. Você pode ver que há um pouco mais sério que o anterior. Você pode assistir a um vídeo de lapso de tempo aqui que está vindo da minha conta do Instagram. E você também pode verificar nosso acúmulo, esta ilustração. Agora, alguns retratos eu tenho essas fases. Eu a impedi desses eu, e então eu estendo o quadro para toda a fase. Novamente, você pode ver um vídeo aqui. Eu brinquei com um pouco de chiaroscuro, e esta é uma paleta de cores italiana muito clássica. Você pensa em Caravaggio, nosso gene final Bill ou órgãos INO. Como mencionei antes, nasci e cresci em Roma e estudei arte entre lá e Florença. Então, foi literalmente cercado pela mais bela e celebrada nossa. E, de fato, a arte italiana se torna verdadeira e profunda paixão. A mesma coisa de antes. Este foi o meu primeiro desenho que fiz com o Procreate quando comprei o iPad. Novamente, esta é uma imagem muito clássica. Você pode ver que eu fiz um desenho primeiro e depois eu pintei. Posso esconder o fundo. Lembre-se que você pode baixar esses tipos de papéis do meu site de trabalho gratuitamente. E ele realmente trabalha também contra um fundo branco. Outro exemplo aqui, desta vez em preto e branco. E isso é para mostrar que você pode obter um visual diferente usando a mesma técnica. O estilo é típico do desenho do elenco de areia. Existem algumas escolas de arte que ensinam especificamente o estilo, tão forte contraste e sombras. E finalmente, este cartão postal vintage. Você pode ver que há realista, mas mantém um olhar ilustrativo. Você pode ver um pouco para aqui. Por isso, apenas algumas linhas no lugar correto que podem dar a ilusão de realismo. mesmo para a flor, a concha. E o par. Agora, passando para as obras de arte tradicionais, temos estas duas pinturas aqui. Ambas são pinturas a óleo. E você pode ver que eu os fiz com uma espécie de chiaroscuro sombreado macio. Esta é uma mulher tibetana que eu pinto em termos de índigo, o que é uma espécie de sopro. As tintas que eu uso são Museveni, que são muito, muito altos bolsistas Política, mas bastante caros. Este é outro exemplo que faz parte da mesma pintura. É uma máscara tibetana. E como esses tipos de máscaras são feitas essa palavra, eu quero recriar sua superfície de madeira com seus reflexos típicos quando ela é polida. Então, novamente, você pode ver que isso não é hiper-realista como eu não descrevi a superfície por ele mais no lado realista enquanto eu descrevo os volumes. E então há esse tipo de fundo abstrato que eu fiz com uma estaca de inocência gravando o final de um na cor e eles são feitos esses pontos. E este é outro exemplo e outra máscara tibetana, é um animal mítico. Nesta pintura eu queria recriar a máscara. É um óleo sobre tela. Você provavelmente pode ver a textura da tela. Eu queria simular o reflexo da luz contra a superfície tem novamente, provavelmente estava brilhando. E isso é, você pode ver que há uma grande variedade de renderização. Começamos a partir de algo bem sombreado e aumentamos o nível de descrição em alguns casos sem entrar no olhar realista ou foto-realista, nossa técnica que será explicada na próxima lição. 12. Realista - parte 1: Ok, Nesta lição queremos criar um cogumelo realista e queremos colocá-lo aqui. Então a primeira coisa que queremos fazer é duplicar isso. Então temos uma cópia segura, que é sempre uma opção sábia. Então podemos pegar esses cogumelos e copiar para o outro documento. Mas não podemos selecionar o grupo inteiro, mas apenas as camadas. Então, movemo-los para cá. Volte para a galeria, selecione o outro documento, abra a paleta Camadas e solte as camadas aqui. Neste ponto, podemos criar um novo grupo movendo-se para o sexto. Então, a partir daqui, porque este cogumelo vai ser realista, não precisamos das linhas de blacking. Podemos escondê-los com o Embaixador. Podemos excluí-los para que possamos salvar algumas camadas. E como agora as linhas pretas se foram, precisamos limpar as formas para que possamos pegar a cor do interruptor da tampa para a caneta técnica. Podemos aumentar a racionalização. E queremos ter certeza que essa flor está definida como 0. E seguindo o mesmo princípio que usamos antes, vamos limpar as partes individuais. Vou acelerar este processo como é muito simples. Então este vai ser o nosso ponto de partida. E o que queremos usar para a ilustração 60 é uma nova técnica que chamo de baixa opacidade. Este não é um nome formal, mas eu acabei de nomear desta forma. E eu vou te mostrar por que me deixar esconder isso vai manter o paladar e ainda temos a luz vindo do mesmo lugar. Então, qual é a técnica de capacidade? Basicamente, se eu criar uma nova camada e selecionar o pincel mais básico na Galeria de pincel, que é o pincel duro. Você pode ver aqui que a capacidade é muito, muito baixa. E se eu voltar para 100 por cento, você pode ver a diferença. Mas o objetivo desta técnica é descer para 25 por cento ou até mesmo para baixo. E agora, como você pode ver, eu posso criar alguns sombreamentos simplesmente adicionando os traços de pintura um em cima dos outros. E essa é uma maneira de construir tons e cores. Agora eu posso mudar de cor e são o preço no tom e obter um gradiente. E esse princípio não é diferente. Se você estava usando algum tradicional todas as suas tintas, aquarela, ou até mesmo guindastes. Você pode até baixo com você passar ainda mais para ter mais controle. modo geral, esta é a abordagem que vamos tomar para esta última ilustração. Então podemos nos livrar disso agora. Vamos nos concentrar na base do cogumelo. Quero mover a paleta um pouco mais perto. Agora crio uma nova camada com uma máscara de recorte. Então começamos da cor número 5, que é a mais escura. A opacidade do pincel é de cerca de 15 por cento. E a primeira coisa que eu quero fazer é definir a sombra principal. E porque a luz está vindo deste lado, esta é a área que recebemos luz. Então este lado estaria na sombra e mais velho para Kayla, você tem que soltar a caneta para que ele não esteja colorindo. Você pode ver que você pode ir e ao longo do mesmo ponto muitas, muitas vezes. Então eu quero escurecer. Agora vou mudar de cor e vamos trabalhar na mesma camada. Então eu posso pular para a coluna número dois e eu posso nessas cores. Então eu vou torná-lo maior para ser mais visível. Como você pode ver, estou tocando na tela e não pode aplicar aleatoriamente alguns traços de pincel muito curtos como pontos de algo. E eu sabia disso por várias razões. A superfície desta parte do movimento não é polida, mas é muito esponjosa e RAF, então a luz está espalhada. E também esses tipos de cobertura de técnica e da mesma forma também a textura. Agora eu posso ir .com selecionando a coluna número 4 e continuar com este mais escuro. Quero quebrar o que fiz até agora e definir a margem entre as duas cápsulas. Novamente, se você vê uma luminosidade é às vezes é por causa do olho. Isso pode ser irritante. Agora mudei para a cor mais brilhante e adicionei algumas peças mais leves. Você quer ajustar o tamanho do pincel e você de acordo com suas necessidades. E eu vou começar a definir as áreas mais leves, tendo em mente que a luz está vindo do lado esquerdo. Então isso pode ser o suficiente de início sólido, com certeza. Obviamente, se você conectou para ver a ilustração, essas argilas, você pode precisar de mais descrição. Mas para o que estamos fazendo aqui, acredito que esse nível de descrição é suficiente. Neste ponto, podemos usar esta ferramenta de correspondência ou usar o filtro de desfoque gaussiano. Mas vamos tentar duplicar esta camada e esconder a camada por baixo. Então vamos usar o filtro de desfoque gaussiano até um certo valor quando ele parece bom. Em seguida, podemos mostrar a camada, talvez colocá-lo em cima e usar esta margem para usar um pincel médio e três a área manualmente. Então, para alcançar um bom grau de realismo, é importante combinar técnicas e elementos juntos para fundi-los em algo orgânico e aleatório. Ao mesmo tempo, é aquele belo equilíbrio de caos e ordem da natureza presente. Ou os magníficos padrões e motivos que caracterizam a espécie. E alguns deles são realmente de tirar o fôlego. Então isso pode ser suficiente. Acho que alcancei esse nível convincente de realismo. Agora podemos ir para o tronco e vamos pagar nesta parte seguindo o mesmo procedimento. Eu começo da cor número 4. Aumente o tamanho do pincel e aproxime-se desta parte definindo rapidamente a sombra principal, liberando a caneta. Caso contrário, as cores não se adaptam. Algumas sombras aqui. Em torno desta área aqui. Movendo-se para uma cor mais brilhante, não teremos um tipo de efeito spray. Estou escolhendo um escuro e novamente, você quer seguir algumas características específicas. Como nesse cara é que estou definindo uma sombra contra o caule. Então ainda estamos definindo a área de sombra principal. Reduzindo de novo. E agora mudei para uma faculdade particular. E novamente com o mesmo método de cache. Vou descrever isto. E como eu mencionei cedo quando nova dor realisticamente o que ajuda muito é imaginar ter em mente o assunto real, o verdadeiro tema que você pinta. Então, neste caso, imagino um cogumelo claramente tentando imaginar tocá-lo. Então, provavelmente a superfície é áspera. Pode haver pequenas partículas ligadas do solo. Então, de certa forma, eu queria traduzir todos esses sentimentos em formas. Voltando ao escuro e quero fazer o mesmo que fiz. Como mencionado muitas vezes. Então eu estou tocando na tela em vez de colorir usando uma linha contínua. Agora, como fizemos antes, podemos duplicar essa camada e você pode ver dias ficando mais visíveis. Podemos esconder o melhor jogador. Selecionamos a camada inferior, esta camada até que esteja bem sangrada. Ainda vemos alguma descrição. Agora podemos mostrar essas camadas e como fizemos antes, podemos fazer o modo de mesclagem. E eu faço isso até o fim. Então, usar a técnica realista é muito demorado e isso é absolutamente bom. Não há nada de errado em gastar muito tempo em uma peça. Não queremos necessariamente encontrar o caminho mais rápido possível. E se está aqui para aprender, precisa de tempo. Certo? Então temos algo assim. Agora podemos adicionar mais uma rodada de detalhes, um monte de ida e volta entre pintura e mistura. Então, estamos adicionando cores todas as vezes. E esse fluxo de trabalho aumenta o nível de descrições e a complexidade da forma que pintamos. Posso usar esta ferramenta de mastigação desta vez. Ok, agora temos estas duas camadas, 12 e agora temos estas. Neste ponto, provavelmente podemos gerenciá-los e criar uma nova camada e uma máscara de recorte para ambos. Nesta lição, vamos apenas nos concentrar nesses dois elementos. Porque se também tivéssemos que fazer o cogumelo como um todo, será uma classe extremamente longa e cansativa, e já é longa o suficiente. Agora, novamente, mudar o pincel e escolher um pincel macio, que é um pincel muito básico como o pincel duro, mas com uma borda mais suave, eu posso escolher uma cor mais escura. Ajuste o tamanho do pincel e abaixe suas calças novamente. E com essa cor, vou reforçar as sombras dessas duas partes porque estou em uma camada separada. É agradável e fácil em arte como sombra. Podemos fazer exatamente o mesmo pelo preço que ele pode estar na mesma linha que mudamos para a outra camada e fazer o mesmo. Agora estamos prontos para uma camada adicional de detalhes. Podemos criar atrasos e a máscara de recorte, como de costume. E, a fim de mostrar as técnicas mais antigas explicadas, eu, de fato, intercambiável, que significa que você pode misturá-las e combiná-las enquanto você mente. Se eu escolher uma mistura média pincel sobre para adicionar algumas manchas mais escuras sobre esta superfície. Então eu pinto pressionando e misturando quando eu liberar. No lado mais escuro, que acredito ser agora incrivelmente visível na tela. sombra aqui. faculdade e a luz estão vindo daqui. Então queremos torná-lo mais brilhante do lado oposto. Então eu vou mover as flores da descrição. Então você pode ver que isso é realista, mas ao mesmo tempo. E isso é algo que eu apreciei, particularmente como um estilo. Acho que é definitivamente um bom resultado para a baixa força de vontade. E vamos usar exatamente o mesmo método. Portanto, sempre se dissolve animada caso contrário, essas classes ficam muito longas. Então eu adiciono a cor mais escura para as cavidades, parafusos e pedaços. Então eu mudei para a cor mais brilhante e vou ao redor das margens naquelas cavidades na base. Eu vou selecionar o escuro é estilo é quase preto. E vou reforçar algumas áreas. Agora. Temos estas camadas. Podemos jogar e estar com o Borrão Gaussiano para suavizar um pouco. E farei o mesmo pelo caule. E agora um pouco de diversão. Podemos criar duas camadas, recortar, mascará-las e configurá-las para se multiplicarem. Só quero mostrar-lhe primeiro que posso descer para pintar e escolher filmes. Adorei o pincel flexível. Os filmes criam algo assim, o que é muito legal. Então eu quero criar algo menor, algo não transparente. E podemos nos livrar disso. E aqui com nossa cor escura, que cria uma espécie de camada barulhenta, estes ideais para o que estamos fazendo. Então eu vou fazer o mesmo por estes que estão aqui. E agora o mais brilhante. Então eu crio duas camadas adicionais. Relacionamos uma máscara de recorte, mas desta vez dissemos que o modo de camada para a tela. E se escolhermos uma das cores mais brilhantes, você pode ficar ainda mais brilhante. Podemos começar a pintar no lado mais leve do cogumelo. Como sempre, não queremos exagerar. E é muito tentador ser honesto porque usar esses pincéis muito satisfatório. Pode estar a desencadear algo nos nossos cérebros. Temos que controlar o pincel, não ser controlados pelo pincel. Agora eu já estive sobre tinta spray na base do cogumelo também. Então eu posso mais uma vez, Gaussian borrar as tintas spray de B. Não muito. Então eu posso fazer o mesmo para a doca é falsa. E agora aplique um pouco de borrão gaussiano nas camadas de tinta spray base. E é isso. Este pode ser o nosso cogumelo realista. Se eu agora esconder o paladar e mostrar o coração misturado cogumelo, você pode ver claramente a diferença. Obviamente você pode continuar fazendo, continuar adicionando detalhes e pintando um DU, feliz com o resultado que você obtém. Mas para o objetivo desta classe, acredito que esse resultado é mais do que suficiente. Na próxima lição de cama, vou pintar as partes restantes e completar o cogumelo. Eu não vou falar sobre o processo como eu já expliquei o processo nesta lição. Mais uma vez, você pode vê-lo tão baixo quanto o tipo de gripe pd ou até mais rápido. Isso é com você. 13. Realista - Parte 2: Esta é a segunda parte da classe realista. É uma versão de pintura acelerada das partes restantes do cogumelo. Vai duas vezes mais rápido. Então, se você quiser vê-lo e velocidade normal, você pode alterar as configurações de velocidade, clicando no botão play. A escolha de ter esse caminho como um lapso de tempo é porque, caso contrário, toda a classe seria extremamente longa. Como eu expliquei já para se aproximar e alcançar um olhar realista. Eu não vou falar sobre o processo para os pedaços restantes. Dê uma olhada nisso. Se você quiser entender o nosso completo cogumelo e vê-lo na próxima lição onde exploramos algumas amostras realistas. E esta é realmente grossa máquina concluída. Você pode ver que seguindo esta técnica, os métodos anteriores, É tudo sobre a adição de camadas de cor, um no topo dos outros, também chamado de vidros em pinturas tradicionais. Na próxima lição, vamos dar uma visão geral de algumas ilustrações ou pinturas realistas. 14. AMOSTRais realistas: Ok, agora vamos dar uma olhada em algumas amostras realistas e também fotorrealistas. Em alguns casos. Vamos começar com este quadro aqui. Este é o resultado de um porque eu publiquei chamado dor, como um velho mestre com Photoshop e Procreate. É um curso repleto de dicas do Procreate e do Photoshop onde explico todo o processo de criação de algo assim. Você pode ver que a descrição aqui é muito maior do que as amostras anteriores. Você pode ver que a barba e todos os detalhes neste curso, Eu também ensino para fora para fazer um desenho seguindo três técnicas principais. Você pode ver um lapso temporal aqui. E y é chamado de técnica de grade. Este é outro exemplo de alguma pintura realista. Você pode realmente ver alguma textura vindo do papel imposto ovário que eu usei. Fiz isso no Photoshop. Mas uma vez que você aprende um método, você pode usar qualquer software de pintura. Fiz um curso sobre o nosso cabelo realista. Então, se você estiver interessado, você pode verificar minhas chamadas chamado aprender a pintar facilmente o cabelo no Photoshop. E novamente, você pode assisti-lo e então simplesmente adaptar o que você aprende a procriar. Agora, alguma ilustração de arquitetura, esta é uma reconstrução de uma parede interna dentro do Coliseu em Roma. Obviamente, hoje, se você entrar na vista da faculdade, você pode ver um pouco de concreto nu, mas o tempo de apoio, foi tudo pintado e decorado. Agora um molde de estátua. Você pode comparar esta ilustração e a seguinte com a montagem do capítulo anterior e você pode ver claramente uma diferença nos detalhes. Para estas duas ilustrações, eu me inspirou em uma escultura da ANOVA de Antonio, o busto de Napoleão Canadá foi os artistas neoclássicos mais célebres na Europa de seu tempo, como ele era incrivelmente talentoso. Você pode ver que há alguns líderes de superfície. E a diferença entre a pintura realista e realista lutada é dada principalmente pela descrição da superfície. Então você não paga apenas nos volumes gerais como vimos na técnica anterior, mas também, e especialmente nós pagamos o que está acontecendo sobre a superfície. A mesma coisa se aplica a isso. Se formos muito, muito perto, você pode ver que eu tentei emular a superfície de mármore. Isto é uma missa japonesa do Metropolitan Museum of Art em Nova Iorque. A máscara original é feita de ferro por minha versão é adorável, mais quente e macio. Então você pode ver que eu fiz um desenho usando a ganância. E aqui está um lapso de tempo rápido desse processo. Eu só pintei um lado desta máscara é que eu usei a função de simetria dentro do procreate. E agora entramos em alguma ilustração naturalista. Este é um CT Ronnie independentemente ou simplesmente uma lagarta para a maioria de nós. Fiz esta ilustração há alguns anos. E você pode ver que eu tentei descrever os detalhes do esquema e textura. Você também pode ver as etapas aqui. Comecei da cabeça e move-me para baixo. Eu mantive a folha e pintei como eu queria que o foco fosse apenas na lagarta. E o mesmo se aplica a esta peça aqui. Estas são provavelmente as pinturas mais fotorrealistas que já fiz. Este não é um lutador que são renderizar 3D. Esta é uma pintura digital fotorrealista. E você pode ver que eu consegui empurrar o realismo muito mais do que os outros trabalhos. Essa técnica é muito demorada, mas se você gosta do federalismo, ele pode lhe dar muita gratificação. Também estão brincando com um pouco de embaçamento porque eu queria me concentrar para estar aqui onde há esse flash de luz. 15. Projeto do curso: Certo, Então nós completamos esta aula e agora há um projeto de classe onde você pode colocar em prática o que você aprendeu. A primeira coisa que queremos fazer é baixar e importante para procriar o modelo de desenho do projeto de cinco classes. Aqui temos uma variedade de elementos. Então, a aula é sobre escolher um dos assuntos que todos eles, se você quiser praticar, e também escolher uma das técnicas explicadas no curso. Por exemplo, você pode escolher isso agora e usar a técnica de sombreamento plano ou o par e ir para o estilo realista. A escolha é sua. Se você escolher um deles ou todos eles. Sinta-se livre para postar suas obras de arte na sessão do projeto da classe para que eu possa revisá-las. E também eles podem ser admirados e vividos pela comunidade. Ou se você tem Instagram, sinta-se livre para me marcar para que eu possa repostá-los como eu adoraria ver o que você vem acima com. E aqui estamos no final desta aula, vou deixar você com um vídeo de lapso de tempo do modelo de desenho que eu forneci. E isso é só por te mostrar como eu fiz isso. Agora é hora de eu dizer muito obrigado por se juntar à turma. Espero que você tenha achado interessante e útil e aprenda essas técnicas básicas que podem ser uma base sólida para sua aprendizagem contínua. Sinta-se livre para entrar em contato comigo aqui no Skillshare. Certifique-se de postar suas palavras na galeria clássica. Você também pode me enviar perguntas ou entrar em contato no Instagram ou Twitter. Desejo-lhe tudo de melhor e vejo-te na próxima vez. Adeus. 16. Modelo de desenho: Oi. Ok. Oi.