Transcrições
1. Introdução a uma vida morta a to: Olá, bem-vindo ao meu estúdio. Meu nome é Kris Nesta aula de Skillshare, você vai aprender a pintar este girassol, pintando em um estilo solto e impressionista. Vou mostrar como pinto de uma vida morta floral. Vou mostrar-vos várias técnicas que uso para obter este estilo impressionista frouxo. E no final, você será capaz de pintar sua própria vida morta de girassol. Vamos começar. Eu acredito que pintar florais de uma natureza-morta é uma habilidade muito importante para aprender. Então, enquanto eu vou fornecer uma foto da minha vida morta, eu encorajo você a ir ao seu florista local, comprar um buquê de girassóis, colocá-lo em sua mesa da cozinha e usar isso como sua referência para esta aula. Girassóis são um dos meus tipos favoritos de flores. Adoro as cores brilhantes deles. Adoro o seu grande estilo ousado. Eles apenas me fazem feliz! Então, o que você pode esperar aprender ao concluir o projeto? nesta aula? Você aprenderá a pintar uma vida morta floral em um estilo impressionista solto, que é meu estilo favorito em aquarela. Você aprenderá a usar vidros como técnica para adicionar riqueza de cores e profundidade às suas pinturas. Em seguida, você aprenderá a usar pintura negativa para realmente fazer seu assunto floral sair do papel. E finalmente, vou mostrar pinceladas que
se prestam a este estilo frouxo e impressionista. Se tudo isso soa interessante para você, então vamos começar.
2. Materiais do projeto: Para completar o projeto nesta classe, você vai precisar de alguns suprimentos. Vamos dar uma olhada na lista de suprimentos. Vamos começar com a tinta que eu uso nesta pintura. Usei duas marcas: Daniel Smith e M. Graham. Na marca Daniel Smith, uso ultramarino francês, novo gamboge, pirrole transparente, laranja e violeta ultramarino. Eu também uso M Graham, e nessa marca eu uso Azo Amarelo, alizarina
permanente carmesim, e seiva verde. Eu uso seis pincéis diferentes nesta pintura, começando com o maior um OKUU. Número 6, escova profissional de penas. Próximo maior. um #6 Delgado, escova de penas de
esquilo. Um Delgado número quatro. Escova de pena. Número 2, pincel Delgado, 12 rodada Princeton Aqua Elite. É uma mistura sintética. E finalmente, um forro de veludo preto prateado. Se possível, encorajo-o a usar um papel 100% algodão. Estou usando Arcos de 140 libras ásperas. Eu uso uma fita de pintores de boa qualidade, para aderir o papel à minha placa. E, finalmente, você precisará de um bom recipiente para água doce. Eu gosto deste por Mijello que tem três seções nele. E por último, mas não menos importante, uma garrafa de spray. Além desses suprimentos, também incentivei que você baixasse as imagens de referência do site Skillshare. Há uma série de arquivos que você pode usar como referência e inspiração para este projeto. Antes de prosseguir para o próximo vídeo, certifique-se de transferir a sua imagem da sua vida morta de girassol para o seu papel aquarela e aderir ao tabuleiro.
3. A primeira lavagem: concente os subtons: É hora de iniciar o processo de pintura. Então a primeira coisa que vou fazer é pegar meu grande pincel de pena. Este é um OKUU #6, e aplique água limpa e fresca no papel. Não estou molhando todo o pedaço de papel, mas apenas aleatoriamente ao redor da superfície. Aqui está a minha imagem de referência, Eu encorajo você a ter isso na sua frente o tempo todo. Esta é uma foto que tirei da minha vida morta. Um dos objetivos deste projeto é aprender a pintar de uma vida morta — da vida. Por isso encorajo-te a ter isso à tua frente. Ou uma fotografia dele ou as flores reais. Aqui estou usando Azo Amarelo, as 3 primeiras cores que estou usando
nesta primeira lavagem é Azo Amarelo, Ultramarino Francês e Verde Sap. vez, esta é uma aplicação molhada em molhada. Eu molhei o papel e agora eu estou colocando para baixo uma boa aplicação úmida suculenta do meu azo amarelo. O outro objetivo deste projeto é um estilo impressionista solto. Por isso, encorajo-vos a não serem escravizados, ligados à minha imagem de referência ou mesmo à vossa. Mas interprete o que você vê de forma solta. E você pode ver que eu estou fazendo isso aqui com as pétalas. Agora estou tomando uma mistura de Ultramarine Francesa, que é meu azul lá e meu Azo Amarelo. E eu misturei em um bom verde. Eu só estou colocando as hastes primárias e as folhas nessas duas primeiras flores. Agora mergulhei um pouco na minha seiva verde. porque isso é apenas um verde mais escuro do que eu posso alcançar agora com as minhas outras cores, eu vou apenas pegar esse verde seiva mais escuro e apenas dar para as áreas molhadas das folhas que eu anteriormente colocar para baixo e você vai vê-lo se espalha para fora. Agora tomando a mesma mistura verde de ultramarino francês e amarelo azo, eu estou voltando para a minha flor superior. Existem três flores nesta composição. O principal e, em seguida, um acima e um à direita. Agora este verde eu estou aplicando aqui. Estas são as hastes verdes que vão até o Phlox. Phlox é o roxo, flores roxas
avermelhadas no canto superior direito. Então agora eu tomei minha violeta ultramarina. Quero colocar um tom de violeta. As flores estão mais avermelhadas, mas vou começar com um tom de violeta. Então a cor que usei aqui era violeta ultramarino. E você pode ver minha técnica. Tenho um pincel
grande, cheio de água e cor. E eu estou realmente segurando em linha reta e colocando-o no papel. Nos lugares onde vejo as flores Phlox. Uma vez que eu estou satisfeito com o Phlox, Eu vou passar por cima e tomar um pouco de amarelo, laranja e ir em frente e pintar nos centros das flores que são uma cor mais escura. E novamente, ainda estou usando minha escova de pena grande. E você pode ver que eu estou usando os lados do pincel para realmente colocar baixo uma aplicação pesada desta cor. Para todas as três flores aqui. Eu estou trabalhando molhado ainda molhado neste ponto. Agora eu peguei meu pincel e enchê-lo com apenas muita água, um pouco de verde e eu estou apenas entrando e tocando ao longo dessas áreas do caule que eu já fiz e apenas tipo de dar uma borda mais suave para algumas das hastes. Você sempre quer obter um contraste entre bordas
duras e suaves em toda a sua pintura. E assim em alguns lugares você terá uma borda dura real e outros lugares de borda mais suave. Agora, neste ponto, é claro, é a nossa primeira lavagem e estamos praticamente pintando molhado sobre molhado. Então, praticamente tudo vai ser uma vantagem suave. A menos que eu coloque tinta em uma área seca, como você vê que eu faço com alguns caules. Então as bordas são mais difíceis. Agora estou tomando uma cor ainda mais escura aqui, minha laranja pirrol transparente. E escureço o centro de uma das flores. Agora eu peguei meu novo gamboge aqui e um pouco mais escuro, amarelo, laranja. E estou escurecendo as áreas daquela flor central ali na flor primária. Também voltando e apenas aplicando alguns detalhes e textura para as flores entre as pétalas. Agora uma aplicação mais escura do meu verde seiva. Novamente, uma espécie de técnica de escova seca lá em alguns lugares onde eu peguei o pincel com tinta sobre ele e apliquei tinta em uma área que estava seca. Então eu tenho bordas mais duras e mais de uma técnica de escova seca. Agora estou aplicando esse verde no fundo. Reparei que há uma folhagem verde atrás desta flor à direita. E então eu só quero enfatizar isso um pouco, mas eu estou usando um valor realmente leve aqui. Não quero chamar a atenção para este fundo. Então eu vou usar um valor realmente leve. Novamente, voltando com um pouco do meu laranja amarelo, ainda trabalhando molhado sobre molhado, apenas deixando cair um pouco de cor e como você vê como ele caiu dentro, ele apenas começa a se espalhar. Isto novamente, é o que todo este primeiro vídeo é tudo sobre a primeira lavagem. E a primeira lavagem está toda molhada. E você está realmente estabelecendo o que são chamados subtons. Estas são cores que brilharão através das camadas subseqüentes de cor. E esta é a beleza da aquarela porque é um meio transparente. As cores que você coloca nos primeiros estágios serão mais tarde ainda visíveis vindo através das outras camadas transparentes. Não se preocupe se parece exatamente realista ou qualquer coisa neste momento. Continua a lembrar-te que estou a pôr tons de cor. E essas cores brilharão mais tarde e criarão um
brilho real para a pintura. Então, concentre-se nisso. De volta à minha violeta, violeta ultramarina. Agora isso secou um pouco, mas está úmido. Então agora ele não vai se espalhar tanto quando eu colocar essas segundas aplicações do violeta, você está vendo que ele não está se espalhando tanto porque
é seco um pouco. Não completamente, um pouco. Ok, agora eu tomei um pouco de quinacridona lilás, adorei esta cor. E eu vou aplicá-lo sobre o violeta ultramarino que eu apliquei antes. E agora eu peguei minha garrafa de spray e eu vou apenas suavizar toda
essa área de cor pulverizando suavemente um pouco de água - água
limpa - nessa área. Está bem. Ainda está molhado neste ponto porque eu acabei de aplicar um pouco de água spray, mas eu estou tomando um pouco de seiva ponta verde de um pincel - um pincel menor agora. E eu estou apenas colocando em alguns pequenos traços que representam os caules.
4. Os centros de flores: adicione os valores contrastes: Agora, na segunda etapa deste projeto, vamos escurecer os centros dos girassóis. Se você olhar para uma imagem de referência do girassol ainda vida, você verá que há um centro muito escuro para um girassol. Tem um tom laranja coberto com realmente o que vai ser um azul,
um tom azul, que vai criar uma cor acastanhada e púrpura muito escura. Então eu comecei com meu carmesim Alizarin aqui, permanente Alizarin carmesim e o papel ainda está um pouco úmido. Então eu ainda estou realmente na primeira lavagem embora o papel só está úmido neste ponto, não
está realmente molhado. E eu estou aplicando isso apenas com o lado do pincel. Agora eu acabei de pegar o ultramarino francês e eu vou
jogar este azul no carmesim Alizarin e eu acabei de adicionar, e ele vai se espalhar como você vê que está fazendo aqui. E vai criar um pouco de cor púrpura,
uma cor neutra para os centros das flores. Agora eu não trabalharia muito neste ponto, eu deixaria cair o azul ultramarino nos tons de laranja avermelhado e deixaria que ele se espalhasse e permitisse que a pintura secasse completamente.
5. Como adicionar detalhes: técnica vitro: Nesta etapa do projeto, e vamos adicionar detalhes à nossa pintura. Tomei meu pincel de pena número 6 Dugato com amarelo Azo. E eu vou adicionar detalhes de pétalas ao quadro. A pintura está completamente seca neste ponto. Então você deve permitir que a pintura seque. E nós vamos estar levando aqui também amarelo um pequeno gamboge novo que é mais um amarelo laranja. E apenas enfatizando as
pétalas do girassol primário lá no centro da pintura. Estou focado nas pétalas e nas formas das pétalas. Mas, novamente, estou usando um estilo impressionista e solto. Então eu não estou tentando renderizar cada pedal exatamente. Mas estou tentando entender a forma das flores aqui. Novamente. À medida que adiciono mais e mais cores, as cores estão se misturando no papel. Pode também usar algumas técnicas aqui. A primeira dessas técnicas são estas vidraças. Glazing é quando você aplica tinta aquarela
transparente sobre cores existentes que já estão secas. Então você está trabalhando normalmente molhado e seco. E essas cores transparentes ou estão aplicando um esmalte ou uma segunda camada de cor sobre a camada de cor anterior. E isso cria um efeito bonito da cor da água por causa da natureza transparente das cores. Eu uso em muitas das minhas pinturas. E então eu estou fazendo isso aqui com cores transparentes sobre as cores anteriores. Agora eu estou pegando meu ultramarino francês e acrescentando que ao centro da flor primária, o azul vai se misturar com as cores laranja e vermelho que já estão lá. Pegando meu pincel com apenas água e suavizando as bordas daquele azul. Eu não quero ser muito dominante. Voltando com Alizarin carmesim agora e jogando isso no azul. Alcançar a cor certa e fazer a maior parte da minha mistura de cores no papel. Aqui eu tomei o lado do pincel e eu estou apenas torcendo o pincel em um círculo. E isso está me dando a forma que eu quero. Agora fazendo a mesma coisa com a flor no canto superior esquerdo e agora a flor no canto inferior direito. Esta flor, como você pode ver na imagem de referência, é vista do lado. E assim você só pode ver pequenas porções
do centro escuro mostrando através das pétalas individuais. Como estou fazendo aqui. Certo, agora é hora de escurecer os caules. Eu tomei minha seiva verde e uma aplicação muito pura desse verde seiva. E nas áreas onde eu já estabeleci um tom para as hastes verdes, eu vou voltar com uma aplicação muito mais escura e mais opaca e realmente enfatizar a direção e a forma das hastes. Agora estou tomando meu ultramarino francês e também escurecendo as hastes. Estou escurecendo-os mais no lado esquerdo e nas áreas debaixo das folhas verdes. É importante desenvolver contraste em suas pinturas onde as
áreas mais escuras de sua pintura são... onde eles tocam as áreas mais leves, que vai ser a área onde seu olho é naturalmente desenhado, áreas de alto contraste com valores. Portanto, certifique-se de que essas áreas de alto contraste estejam em uma área focal da pintura. Em outras palavras, o principal ponto focal e as flores, neste caso, ele vai áreas de alto contraste em sua área de assunto principal. Ok, agora eu voltei para o meu azo amarelo e meu novo gamboge. E estou enfatizando as pétalas da flor. E novamente, suavizando algumas das bordas onde
as pétalas amarelas tocam aquela laranja do centro da flor. É importante ter muito contraste em sua pintura. E não só o contraste entre os valores de luz e escuro, mas também o contraste de bordas macias e duras. E assim você vai ver muitas vezes eu vou aplicar tinta e, em seguida, voltar com uma escova molhada e apenas retocar ao longo da borda da tinta que eu acabei de aplicar e suavizar a borda, permitindo que ele borrar. Vou levar o meu amarelo Azo, voltando para a minha flor superior. Mais uma vez, aquela tinta no centro ainda está molhada. Então, quando eu mal tocar o amarelo contra isso, você vai ver que vai suavizar as bordas. Agora é hora de adicionar as folhas verdes ao redor de cada uma das flores. Uma vez que estas folhas são um pouco oval em forma, é realmente fácil pegar o meu verde, que é um verde seiva, e simplesmente colocar a grande escova de pena e eu estou usando para baixo em seu lado. E aplica uma tinta simples em uma forma que se parece com uma folha, funciona muito bem. Muitas vezes, é melhor trabalhar com o menor número possível de traços. O que eu quero dizer com isso? Se você pode fazer pinceladas negrito e criar uma forma com um traçado. Muitas vezes isso é muito melhor do que pintar,
espreitar , espreitar e usar muitos traços para criar uma forma. É melhor ser ousado usar traços únicos o máximo possível. Então, para fazer isso, incentivá-lo a usar toda a superfície do pincel. Use sempre o maior pincel possível para o que estiver tentando pintar. Não pinte com pequenos, pequenos pincéis que exigem que você faça muitos, muitos traços. Em vez disso, use um pincel grande e use menos traços.
6. Pintura negativo: faça as flores POP a: Nesta etapa da pintura, vamos usar uma técnica chamada pintura negativa. Pintura negativa é onde você pinta as formas em torno do assunto ou em torno das formas principais. Então, em vez de pintar uma pétala, aqui, estamos pintando ao redor da pétala. E à medida que fazemos isso, o assunto principal, as pétalas, começam a emergir do papel e começamos a vê-las com mais clareza. Esta é novamente, uma das minhas técnicas favoritas para usar, especialmente em pinturas florais. E eu acho que neste ponto da pintura, quando você começa a fazer a pintura negativa em torno de seus assuntos principais. O assunto começa a emergir do papel, começa a se unir e se unir. E realmente você começa a ver seu assunto muito mais claramente. Então eu estou usando verde seiva aqui e usando meu pincel de pena. Eu acredito que este é o meu número 6 Dugato e eu estou fazendo uma combinação de bordas duras e suave. Estou pintando molhado no seco neste momento. Eu deixei a pintura secar antes de fazer isso porque eu realmente não quero que essas cores se misturem. Usando o lado do pincel. Novamente, um pouco como eu estava fazendo com a folhagem no passo anterior. Só estou colocando o pincel de lado e adicionando as formas. E alguns lugares que eu estou usando uma aplicação muito mais escura de verde como você vê que eu fiz lá e agora suavizando com um pouco de água doce, outras áreas, Eu estou usando um verde mais claro. Quero que haja um contraste de valores. Em seguida, quero diferenciar entre as pétalas individuais da flor. Então eu estou usando meu verde seiva e apenas colocando linhas de cor verde entre cada pétala. Eu não quero que eles sejam muito fortes no entanto, então eu estou tomando água doce e suavizando e iluminando esses valores. Na etapa final, eu quero adicionar um amarelo opaco muito forte. Isto é tão amarelo para as minhas flores e realmente enfatizar algumas das pétalas. A coisa boa sobre também, amarelo é que é uma cor bastante opaca. Eu geralmente gosto de usar cores transparentes, mas no entanto, às vezes, ser capaz de tomar uma cor opaca e
mais clara como esta como um amarelo, e aplicá-la sobre cores anteriores. E realmente obter um bom aplicativo opaco é realmente útil. Novamente, quero enfatizar essas pétalas e como elas estão sobrepondo algumas das cores de fundo. E posso fazer isso com o Azo Amarelo. Para a minha pincelada, estou usando grandes traços ousados. Estou tentando não usar muitos traços. Estou usando um pincel grande de novo. E eu estou realmente olhando para criar um cabelo estilo impressionista e solto. E novamente, quanto menos traços e mais ousados você usar, mais você vai criar esse visual. Estamos mesmo a chegar ao fim deste processo de pintura. Agora, na etapa final, vamos apenas colocar os detalhes finais e nossa assinatura e pronto. Aqui está a pintura acabada.
7. O passo final: Parabéns, você chegou ao passo final neste projeto. Na etapa final, vá em frente e adicione sua assinatura ao seu trabalho artístico. Eu sempre encorajo meus alunos a se
orgulharem de seu trabalho e a adicionar sua própria assinatura. E uma vez que você fez isso, eu encorajei meus alunos a passar por um processo de reflexão em três etapas. Primeiro, veja o bom, nome, os positivos que você vê em seu trabalho. Acho que é muito importante fazer isso e dizer em voz alta. Número 2 - defina uma meta. Defina sempre uma meta para a próxima pintura, algo que você gostaria de melhorar. E finalmente, número 3, compartilhe sua arte com o mundo. Você pode compartilhar online, com mídias sociais, você pode dar suas pinturas de distância. Há muitas maneiras de compartilhar seu trabalho. Eu realmente espero que você tenha gostado desta aula e tenha conseguido algo com ela. Eu adoraria se você tirar uma foto ou digitalizar seu trabalho artístico e compartilhá-lo aqui no Skillshare como parte desta classe. Se o fizer e se quiser uma crítica ao seu trabalho, por favor, diga. E fico feliz em lhe dar alguns comentários sobre seu progresso. Obrigado por fazer parte desta aula. Espero vê-lo em uma das minhas outras aulas de Skillshare em breve. Tenha um ótimo dia.
Kris DeBruine, Watercolor Artist & Educator
