NATUREZA DE SKETCHING Curso de fundação para iniciantes

1. 1. Introdução: [MÚSICA] Você já quis começar um caderno de desenho de viagem ou um diário de natureza ou pintar paisagens bonitas e inspiradoras onde quer que vá, mas você não sabe exatamente como começar? Se sim, você está no lugar certo. Meu nome é Sarah e sou artista em tempo integral que vive nas Terras Altas Escocesas. Sou especializado em pintura de paisagem e tenho desenhado a natureza há anos, documentando a beleza que encontro em todo o mundo. Para mim, esboçar a natureza é muito mais do que apenas um hobby. É uma grande parte da minha alegria pessoal e prática artística que contribui para o meu corpo maior de trabalho aqui no estúdio. Mas eu também adoro verter minhas páginas antigas do caderno de desenho. Eles trazem tantas memórias incríveis de volta para mim. Quando você começa sua jornada artística por conta própria, pode ser muito avassalador. Quais materiais você precisa? Quais habilidades você deve começar a aprender? Como você continua melhorando? Bem, é por isso que fiz este curso de fundações. É o curso inicial perfeito para quem quer começar sua própria jornada artística. Na escola de arte, muitas vezes você começa seus estudos com um ano inteiro dedicado aos fundamentos da arte. Mas como a maioria de nós está muito ocupada, criei essa classe para apresentar a você o básico do que você precisa para começar. Em três horas vou compartilhar o que me levou mais de cinco anos para descobrir por conta própria. Você aprenderá uma base de conhecimento que continuará a atendê-lo nos próximos anos. Vou apresentar-lhe os conceitos básicos de esboço, pintura em aquarela, teoria das cores, perspectiva e muito mais de forma livre de estresse e encorajadora. Esta aula não se trata apenas copiar o que você vê na tela. Trata-se de obter uma compreensão mais profunda de como ver seu mundo da perspectiva de um artista e traduzir isso para o jornal. Além das aulas em vídeo, você poderá baixar um guia de lição de casa que o orienta por um processo passo a passo para pegar o que aprendeu nesta aula e aplicá-lo a sua própria jornada de caderno de desenho. Além disso, você receberá meus guias em PDF para começar a usar aquarela e guache com detalhes das várias ferramentas e técnicas que você precisará. Então, se você estiver pronto para começar sua jornada artística, clique no link abaixo e prepare-se para uma aventura. [MÚSICA] 2. 1.1 Intenções de configuração: [MÚSICA]. Olá, todos e bem-vindos. [RISOS] Esta lição é sobre prepará-lo para este curso e definir suas intenções. Antes de entrarmos nisso, eu só quero dar uma visão geral rápida de quem eu sou e por que estou fazendo isso. Eu costumo divagar um pouco, então vou editar isso, cortar isso para que seja fácil de entender e que eu não perca seu tempo. Minha jornada de pintura começou há cerca de seis anos. Antes disso, eu morava em Denver e estava na indústria de design de interiores. Antes disso, fui para a escola para design de interiores e, antes disso, fui para a escola de arte. Eu tinha um diploma geral em desenho e cerâmica e também dobrei com design gráfico. Sempre estive de olho em uma carreira artística e na vida artística. Além disso, quando eu morava em Denver, eu estava dirigindo um negócio de fotografia em tempo integral e me especializava em loteamentos de montanha e casamentos. Foi realmente maravilhoso. Mas quando descobri a pintura, tudo mudou. Foi também o momento da minha vida em que eu estava tentando sair mais ao ar livre e apenas estar imerso na natureza. Percebi que não sou uma pessoa da cidade. [RISOS] Eu estava morando nos arredores de Denver, que é uma cidade enorme no Colorado e foi muito difícil para mim mental e fisicamente. Quanto mais eu saí para a natureza, sentia esse desejo interno de capturá-la. Não apenas com uma câmera , um vídeo ou algo assim, mas porque eu tinha minha formação em desenho e sempre tinha desenhado toda a minha vida, isso me pareceu muito natural. Comecei a esboçar lá fora. Quanto mais eu fazia isso, mais viciante se tornava. [RISOS] Percebi que era apenas uma maneira maravilhosa de se conectar com a natureza e se conectar ao que era realmente importante para mim. Lentamente, comecei a incorporar aquarelas. Comprei um kit aquarela e comecei a ir aos jardins botânicos de Denver quase todos os dias no verão. Isso apenas bola de neve e continuou e então eu comprei um kit de pintura a óleo e avançar rapidamente até agora. Estou morando na Escócia e pintura é minha carreira em tempo integral. Esse é o meu passado. A razão pela qual fiz este curso é porque, nos últimos seis anos, à medida que continuei a crescer minhas habilidades e meus negócios, tive mais e mais pessoas apenas querendo saber como começar sua jornada como eu fiz. Se você não tem experiência em arte, pode ser ainda mais assustador. Nos últimos anos, apresentei muitas aulas e tutoriais, mas esta é a primeira vez que faço um curso abrangente de fundações e é voltado para alguém que não faz sabe exatamente por onde começar, quem talvez não tenha nenhuma experiência em arte. Meu objetivo com esta aula é [RISOS] não apenas ensinar-lhe o básico, mas incentivá-lo a entrar em uma jornada ao longo da vida, um relacionamento ao longo da vida consigo mesmo, com sua arte e a busca de conectando-se com a natureza. Se você está assistindo isso, tenho certeza de que você ama estar fora ou ama se conectar com a natureza já, e isso só lhe dará uma maneira adicional de mergulhar na natureza e capture-o e coloque seu próprio pequeno giro artístico sobre ele. Pode-se fazê-lo agora ou durante a aula a qualquer momento ou depois da aula, mas uma das primeiras coisas que sugiro é escrever seus objetivos artísticos e isso pode ser qualquer coisa, eu quero aprender a desenhar uma árvore [RISOS] ou quero melhorar em montanhas ou rios ou o que quer que seja. Talvez seja, eu quero esboçar todos os dias ou quero esboçar fora uma vez por mês. Todo mundo vai seguir um ritmo diferente e isso vai evoluir ao longo da sua vida. Esta classe deve ser uma introdução a todos os conceitos básicos. Mas, novamente, essa jornada vai ser uma vida inteira e eu quero que você aproveite. Eu digo isso o tempo todo, mas não quero apenas ensiná-lo a copiar algo que você vê na tela. O ponto principal, a forma como desenhei essas lições, é incutir uma boa base do básico para que você possa pegar essas coisas e ajustá-las ao seu gosto. Eles definitivamente vão evoluir ao longo de seus estudos, mas isso deve ser um pouco de kick-starter, uma pequena faísca, em algum lugar para você começar ou se você já começou, talvez para levá-lo para o próximo nível ou apenas mostrar a você como faço as coisas. [RISOS] Estamos prestes a entrar nas lições, mas tenho uma pequena história que quero contar a vocês. Quando eu estava na escola de arte, eu estava no final da adolescência, início dos 20 anos. [RISOS] Eu não tinha ideia do que estava fazendo com minha vida. Só estava animado em fazer arte. É engraçado porque posso olhar para trás sobre isso agora, mas na época, eu estava obcecado em absorver tudo. Eu tive aulas em tudo. Embora eu estivesse enfatizando em cerâmica e desenho, peguei o design de sopro de vidro e mobiliário e design de iluminação. Todas essas coisas loucas e tudo isso se destilou em uma lição muito importante, que é para ser engenhoso. Se eu não souber como fazer algo, encontrarei uma maneira de conhecê-lo. Vou encontrar uma maneira de fazer isso. [RISOS] Isso requer pesquisa. Isso requer tempo e muito esforço. Mas isso me serviu bem ao longo da minha vida. Ao longo da minha vida, aprendi a mim mesmo tantas habilidades artísticas diferentes baseadas nesse conceito e você pode fazer isso também. Mesmo que você esteja apenas começando, eu quero que você comece a entrar nessa mentalidade de ser engenhoso. Eu realmente quero incutir essa lição em você também. [RISOS] Uma das melhores coisas que você pode fazer por si mesmo como humano e como artista é nunca parar de aprender. Esta pode ser sua primeira classe ou sua 20ª aula, só espero que isso ajude você a chegar a qualquer fase seguinte que você espera. Mas não podemos nos concentrar apenas no destino, temos que realmente aproveitar a jornada. Nunca sabemos quando essa jornada vai acabar. Não deve ser mórbido, mas é verdade. Precisamos aproveitar todos os dias, toda vez que pegamos nosso caderno de desenho ou pintamos na tela. É aí que está a verdadeira felicidade na vida. Espero que esta aula seja divertida para você e que você aprenda muito. Vamos começar. 3. 1.2 pintura em localização do local: [MÚSICA] Primeiro de tudo, o que é plein air? Pintar no ar plein, como diriam os franceses, é simplesmente pintar do lado de fora, pintando ao ar livre. Os impressionistas fizeram isso para observar a verdadeira cor e a luz na paisagem. Na época, era a única maneira de os artistas aprenderem a pintar o que realmente acontece na natureza. A luz está mudando constantemente e os benefícios da pintura externa são numerosos. Não há nada de errado com a pintura a partir de fotos de referência. Fazemos isso o tempo todo, especialmente quando o tempo não está a nosso favor, mas as fotos têm limitações. Primeiro de tudo, as câmeras são máquinas. Quando você tira uma foto, a câmera está decidindo o que fazer com as informações na frente dela. Ele está tentando capturar tudo em detalhes da melhor forma possível, mas a menos que você esteja usando técnicas clássicas de fotografia cinematográfica, é realmente difícil capturar o que está realmente à sua frente especialmente quando se trata de iluminação. A maioria das câmeras hoje em dia vai supersaturar cores, e elas também subirão ou superexporão nossos destaques e sombras. Essas áreas são onde está parte da magia e como podemos realmente dar vida às nossas pinturas. Estudar os efeitos da luz pessoalmente no ar plein é super importante. Eu entendo, é um desafio pintar lá fora. [RISOS] É muito humilhante. Mesmo que você seja um pintor muito competente no estúdio, no momento em que você sai, tudo muda. Mas, honestamente, às vezes é bom ser humilhado. Mas meu melhor conselho é simplesmente ir devagar e tentar não entrar na mentalidade de ter que produzir uma obra-prima toda vez que você sair. Em vez disso, o que eu gosto de fazer é simplesmente mergulhar na natureza e tentar capturar pequenas notas coloridas. Isso pode incluir apenas misturar algumas cores que vejo na minha frente e colocá-la em uma pequena folha de amostras ou pode estar tentando pintar uma cena. Mas na maioria das vezes, é apenas esboçar, tentar ficar um pouco mais longe no meu entendimento, e depois no estúdio eu posso aplicar o que aprendi. Quando estou sentado na frente de um monitor de computador olhando para uma foto de referência, tento pensar naquele momento em que estava lá fora e tento lembrar as cores verdadeiras que vi, especialmente no destaques e sombras onde a câmera tende a se deitar. Para me encorajar a sair e pintar com mais frequência, mantenho uma bolsa perto da porta. Eu chamo de minha bolsa de pintura, o que significa que eu posso pegá-lo e ir embora. Ele contém tudo o que preciso para um dia de esboço lá fora. Essa estratégia foi um divisor de águas para mim. Eu sou o tipo de pessoa que vai pensar demais nas coisas, e se eu começar a pensar em como é difícil pintar lá fora ou talvez onde meus materiais estão, vou apenas dar desculpas para que eu não faça isso. A bolsa está sempre lá perto da porta chamando meu nome dizendo: “Vamos, vamos lá”. Porque ao longo dos anos, quando comecei a pintar cada vez mais lá fora, vi uma melhoria drástica na minha compreensão da cor e luz e na minha capacidade de pintá-la. Então eu sei o quão importante isso é, mas eu só preciso de um pouco de incentivo às vezes. [MÚSICA] Vamos começar com minha configuração principal, o que significa tudo o que eu gosto de trazer comigo quase diariamente. Esta é a minha configuração quando estou pintando do lado de fora. Neste momento da minha vida, sou pesado em desenhar com vários médiuns, pintar com aquarela e guache e às vezes tinta. Meu objetivo com essa configuração é ter um pouco de tudo. No começo, pode parecer que isso é loucura, isso vai ser demais, mas deixe-me mostrar-lhe. Na verdade, é muito gerenciável. Isso significa que quando estou lá fora, se o humor atingir qualquer meio em particular, ele está pronto para ir. [MÚSICA] Primeiras coisas primeiro, nunca saia de casa sem protetor solar ou lanches. Eu também mantenho um pano ou uma toalha de papel e acabo usando isso várias vezes. Este assento dobrável, impermeável e térmico salvou minha bunda tantas vezes, literalmente. Muitas vezes estou caminhando ou caminhando por quilômetros antes de encontrar um lugar para pintar. Então, eu não quero estar carregando uma cadeira grande, mesmo que seja uma dessas cadeiras de acampamento porque isso fica pesado depois de algum tempo. Minha mochila não é nada extravagante. Na verdade, acho que foram cerca de 15 libras à venda quando comprei e agora está descontinuado. Mas, na verdade, tenho algumas opções para mochilas. Se estou levando meu equipamento de câmera comigo e filmando minhas cenas de drone, costumo trazer minha outra mochila de câmera mais profissional, que também pode caber muitos suprimentos de arte nela. [MÚSICA] Eu uso um rolo de pincel de bambu muito barato para proteger meus pincéis, mas também para garantir que eu possa achá-los muito fáceis quando estou pintando fora e meus pincéis estão mudando constantemente. Então, vou jogar os que eu sentir vontade usar esse dia no meu pincel antes de sair. O mesmo vale para meus utensílios de desenho. Gosto de manter pelo menos um de cada. Então, um lápis, uma caneta, um pincel, um marcador branco ou possivelmente uma caneta pincel ou algo semelhante. Comprei dois de todos os meus utensílios de desenho favoritos, para que eu sempre possa ter um na minha bolsa e outro no estúdio. Também mantenho alguns clipes ou grampos na minha mochila porque gosto de dobrar minhas páginas ou mantê-las juntas quando estiver muito ventosa. Este próximo pode ser um pouco menos conhecido. É chamado de visor e é usado para ajudar você a restringir uma composição. Gosto de usá-lo principalmente quando estou fazendo esboços urbanos porque parece muito mais complicado. Então eu apenas levanto e movo até eu me instalar em uma composição que eu realmente gosto. [MÚSICA] Agora para as coisas divertidas. Vamos falar sobre tinta e paletas. Agora isso é como a coisa mais pessoal de todos os tempos. Então pegue com um grão de sal, e eu não sou patrocinado por nenhuma empresa. Então, todas as minhas recomendações vêm de anos de exploração e prática e tentando uma tonelada de configurações diferentes. Posso dizer honestamente que desde que comecei a usar o Portable Painter e o Portable Painter Micro, minha experiência plein air ficou muito melhor e aqui está o porquê. [MÚSICA] Eu me movo muito quando pinto lá fora. Às vezes me sento por um minuto, dois minutos, cinco minutos, 10 minutos ou mais de uma hora. Varia totalmente dependendo do clima, minha localização, e exatamente o que estou lá fora. Às vezes, estou apenas tomando notas coloridas rápidas ou olhando formas específicas, e depois passo para o próximo site. Então eu preciso de uma configuração que seja muito, muito portátil. Esses pequenos pintores portáteis são apropriadamente nomeados. Eles são tão incrivelmente rápidos e fáceis de configurar e não pesam quase nada. Então, isso torna toda a experiência muito mais acessível para mim. [RISOS] Honestamente levo mais tempo para encontrar um lugar para sentar e tirar todas as minhas coisas da minha bolsa do que para configurar meu Pintor Portátil e começar a pintar. O que procuro em uma configuração de guache é muito semelhante à minha configuração em aquarela. Ele precisa ser leve, muito rápido e fácil de configurar. Depois de toneladas e toneladas de experimentação, finalmente encontrei uma configuração que eu realmente gosto. Vocês podem se lembrar de mim usando esta caixa de paleta de aquarela hermética para meu guache. Houve um tempo em que essa foi a configuração perfeita para mim porque usei mais cores em uma única pintura. Hoje em dia, eu só pinto com uma paleta limitada e há muitos motivos para isso, sobre os quais falo em muitos dos meus vídeos. Esta caixa de paleta é maioritariamente exagero para mim. Em vez disso, eu só trago 5-8 tubos de guache comigo e use-o fresco do tubo, que é tão ideal para a maneira como eu gosto de usar guache. Mas é claro, preciso de algo para misturar o guache, que é onde entra essa pequena paleta. São apenas dois pedaços de plástico que se encaixam para criar uma paleta hermética. Se você quiser, você pode adicionar uma esponja Stay-Wet e um papel de palete, mas eu apenas misturo diretamente no plástico porque, como mencionei, gosto de me movimentar muito. Então, nunca estou em um só lugar o tempo suficiente para precisar da esponja e do papel. Outra coisa que muda muito são meus cadernos de desenho. Estou constantemente tentando novos cadernos de esboços, novos papéis, todos os tipos de tamanhos e formas diferentes. Mas, na maior parte, mantenho um ou dois na minha bolsa o tempo todo. Se eu me apaixonar por um caderno de desenho, compro um monte deles. Como gosto de usar uma variedade de médiuns, geralmente mantenho um caderno de desenho prensado a frio , prensado a quente e , prensado a quente e uma mídia mista em minha bolsa o tempo todo. Eu também tenho uma mini prancheta que reduzi ao tamanho para me dar uma superfície mais estável. Quanto você acha que isso pesa? Ele chega a cerca de três quilos ou cerca de seis quilos e meio. Isso é tudo que eu preciso para um dia inteiro de pintura e esboço a ar plein. [MÚSICA] Mas e os dias em que tenho ainda menos energia ou vou apenas dar uma rápida caminhada pelo bairro? É aí que entra esta bolsa de bumbum super estilosa. Eu costumo usá-lo como uma bolsa de ombro e posso balançá-la para a frente para pegar meus suprimentos. Eu me certifiquei de comprar um impermeável para que eu não tivesse preocupar com meus cadernos de desenho serem arruinados quando eu sou pego na chuva, o que é bastante comum na Escócia. Para este kit, tenho uma versão reduzida do que mostrei antes. Este é o meu pequeno caderno de desenho de papel cinza Hahnemuhle quatro por seis polegadas. Vou apenas anexar alguns dos meus utensílios favoritos para o exterior com este pequeno clipe de pincel, e vou escolher um pincel e uma ou duas canetas para levar comigo. Para pintar, uso o Portable Painter Micro. Tudo isso pode ser mantido na minha mão para que eu possa ficar de pé e esboçar, o que é muito conveniente quando estou apenas fazendo caminhadas rápidas. Mas o mais importante, é tudo muito leve e fácil de configurar e guardar super rápido. [MÚSICA] Nada disso é fixado em pedra e às vezes eu faço uma configuração completamente diferente apenas para o inferno, apenas para misturar as coisas. Além disso, acho que estou em constante evolução e, portanto, minhas necessidades mudarão ao longo do tempo. Por exemplo, não levo mais meus suprimentos de pintura a óleo para fora. A principal razão para isso é porque a maneira como eu gosto de trabalhar com óleos é muito maior com facas de paleta e preciso de muito espaço para misturar, e eu realmente gosto de tomar meu tempo e colocar as coisas e se afaste dele e volte a ele depois de algum tempo. É apenas uma maneira totalmente diferente de trabalhar. Mas vou mostrar rapidamente minha configuração de pintura a óleo para aqueles de vocês que estão interessados nisso. [MÚSICA] Eu chamo isso de minha grande configuração porque leva muito mais tempo e esforço. Quer eu esteja pintando com óleos ou guache ou o que quer que seja, uma caixa de pochade é realmente ótima para conter tudo o que você precisa para uma sessão de pintura. A maioria deles tem espaço de armazenamento dentro para que você possa fechá-lo e ir embora. Tenho duas caixas de pochade. Um é bastante grande e pesa quase seis libras por si só. Mas é um kit incrível. Mas eu só uso quando estou acampando ou pintando perto meu carro porque definitivamente não vou caminhar com este. Minha caixa de pochade menor e a que eu uso com mais frequência é a Guerrilla Painter seis por oito polegadas Thumbox. Essa coisa é tão robusta que pesa cerca de 3,5 libras ou 1,7 kg. Mas deixe-me dizer-lhe, esse carinha sobreviveu muito ao longo dos anos. Eu deixei cair essa coisa cachoeiras e falésias e ela sobreviveu tanto e protegeu minha pintura e suprimentos dentro. Mesmo que existam caixas de pochade incríveis no mercado que eu adoraria experimentar, não vale a pena investir tanto dinheiro em um kit que eu não uso com muita frequência porque, novamente, sou muito mais um artista portátil quando estou lá fora. Mas na rara ocasião em que sei que vou ficar sentado em um lugar por um tempo, ter uma caixa de pochade é bom poder colocar todos os seus materiais e ter uma superfície mais estável. Levei anos para construir meus materiais e encontrar coisas que sinto que realmente me ajudaram na minha jornada, em vez de me atrapalhar. Eu desperdiçei muito dinheiro ao longo dos anos em coisas que eu realmente não precisava só porque vi outros artistas usando-as. Então eu encorajo você a começar pequeno. Um caderno de desenho, uma caneta, um lápis, um pequeno kit de aquarela. Você realmente não precisa de nada muito chique. No início, você provavelmente estará focado em apenas construir o hábito de sair. 4. 1.3 Encontre seu estilo: Uma das perguntas mais comuns que recebo é como você encontra seu estilo de arte? Odeio dizer isso, mas tenho uma das piores respostas. Eu sempre digo às pessoas que você não encontra seu estilo. Seu estilo já está dentro de você. A única maneira de você realçar seu estilo para descobrir isso é fazer o trabalho. É para colocar no tempo pintando depois da pintura. A razão para isso é porque, com o tempo, quanto mais pinturas você fizer, mais óbvio se tornará como você gosta de pintar ou desenhar, ou seja, quais ferramentas você gosta de usar ou não usar, como você gosta de usá-los ou não usá-los. À medida que crescemos, muitas vezes emulamos diferentes estilos que vemos on-line ou em livros e, ao fazê-lo, percebemos se gostamos ou não. Qualquer pessoa pode aprender a copiar algo que encontrou on-line ou em um livro. Mas se você realmente quer expressar seu estilo artístico interior, sua estética interior, você precisa se perguntar uma pergunta muito importante. Qual é o seu porquê? Seu porquê é o que o impulsiona. É o que deixa você animado para pegar o lápis ou o pincel e começar a criar, sejam retratos ou animais ou esboços urbanos ou paisagens, você precisa explorar isso combustível interno que iria manter seu fogo passando por todas as muitas horas de estudo necessárias. Para artistas autoguiados ou artistas que não vão para a escola de arte ou passando por um longo curso de educação, é realmente importante aproveitar isso porque isso ajudará você a projetar seu curso de estudo. Provavelmente economizará centenas de horas de foco se você tiver um plano de auto-estudo mais orientado para fins específicos, e se você já sabe qual é o seu estilo e onde quer levá-lo, isso é incrível. Mas para aqueles de vocês que não fazem ideia, tenho alguns conselhos práticos. Abra seu aplicativo favorito para salvar fotos. Para mim, esse é o Pinterest. É tão fácil navegar e encontrar coisas novas muito legais lá. De qualquer forma, o que eu fiz foi criar um álbum chamado Inspiring Artwork e ao longo de alguns meses, comecei a salvar coisas que realmente pularam e me inspiraram no momento. Depois de algum tempo, entrei e olhei para o que eu tinha. Percebi que isso era muito revelador. A resposta está nos números. A maioria das obras de arte que salvei era extremamente expressiva e às vezes praticamente abstrata. Sim, há alguns outliers aqui e ali, mas quando olho para a maioria, e destilo tudo o que estou vendo, era tão óbvio o que minha estética interior estava gritando comigo. É dizer Sarah, apenas seja expressiva, seja você mesmo e então comecei a mudar o que estudei. Eu acho que é importante estudar realismo e papéis artísticos e todas essas coisas e é por isso que você está aqui nesta classe. Mas comecei a experimentar muito mais. Comecei a esticar minhas pernas artísticas, se você quiser. Comecei a abraçar meu amor por paisagens quase abstratas. Quanto mais me aprofundei no que realmente me parece comigo, comecei a atrair pessoas que pensam como você, pessoas que não só amavam meu estilo, mas minha mentalidade e isso é ótimo para os negócios, mas o mais importante, Estou realmente feliz. Todos os dias acordo animado para criar e isso é porque não tentei me forçar a pintar em um estilo específico. Eu me permiti tempo para experimentar, ver o que eu gostava e não e depois, como me conheci ao longo do tempo, percebi quais são minhas verdadeiras paixões, onde eu quero ir com minha arte, o que eu adoro criar e compartilhar. O objetivo desta história é apenas encorajá-lo a parar de tentar se encaixar em um rótulo específico ou uma caixa e apenas conhecer a si mesmo. Deixe-se ter tempo para explorar e experimentar. Quanto mais você se conhece e pelo que você se sente naturalmente atraído, mais clareza você terá em seus estudos. Isso significa que você poderá assistir a qualquer tutorial de qualquer artista e escolher as peças que se aplicam a você e o que você ama fazer. 5. Noções básicas de desenho 2.1: [MÚSICA] Para começar, você precisará de algum papel. Só estou usando papel de computador porque é muito barato e fácil de encontrar. [RISOS] Algo para desenhar como um lápis mecânico ou seu utensílio favorito, uma borracha, um chá e sua imaginação. Para os propósitos desta lição, vou usar carvão vegetal só porque é menos reflexivo e não quero que vocês lutem para ver o que estou fazendo. Vamos primeiro falar sobre o peso da linha porque cada utensílio terá um peso de linha diferente, o que significa quão espessa ou fina a linha é. Adoro desenhar com lápis mecânicos, mas se você olhar para a ponta, você pode ver que é pequena. Compare isso com o meu carvão vegetal, e você pode ver que o carvão vai ser capaz me dar um peso de linha muito mais versátil. O peso da linha é importante no desenho da paisagem porque uma linha grossa indica uma borda de sombra e uma linha fina indica uma borda de destaque, ou pelo menos é assim que eu gosto de fazê-lo. Então, vamos apenas desenhar uma forma básica para demonstrar isso. Digamos que nossa fonte de luz esteja vindo do lado superior direito, então isso significa que o lado inferior esquerdo estará na sombra. Sem fazer nenhum sombreamento, posso indicar isso escurecendo a borda inferior esquerda. Estou usando uma linha escura muito grossa com forte pressão no papel. Então, à medida que se aproxima do lado superior direito, deixo que fique muito leve e fino. Então, com um esforço mínimo, podemos começar a comunicar luz sobre nossas formas. Uma das razões pelas quais é realmente conveniente e divertido usar um lápis de carvão ou até mesmo alguns lápis de grafite é que você tecnicamente tem tanto material para trabalhar. Você não tem apenas a dica, você também tem esse lado plano longo. Então, vamos fazer um exemplo. Se estou apenas usando a ponta, posso obter uma boa linha sólida e uniforme, ou posso começar a girá-la ligeiramente para o lado e torná-la um pouco mais espessa, ou posso pressionar toda essa borda ao longo da superfície do papel e obtenha uma bela linha grossa. Se você tem um lápis mecânico ou uma caneta onde é apenas uma pequena dica, você ainda pode obter um efeito semelhante. Temos nosso círculo muito bagunçado. O canto superior direito é obter a luz, então isso vai ficar assim. Mas, no canto inferior esquerdo, temos que fingir essa espessura da linha preenchendo isso. Agora podemos voltar e fazer isso agradável e fino. Eu exagerei um pouco a espessura para que você ainda pudesse vê-la, já que é muito mais leve que o carvão vegetal, mas você entende a ideia. Como podemos usar o peso da linha em uma paisagem para nosso benefício? Vamos desenhar uma pedra sentada em alguma grama. Se eu quiser indicar que uma área da rocha é destacada, usarei linhas de luz muito finas e nas minhas áreas de sombra, usarei linhas escuras, bem como rachaduras e fendas e tal. Não vou usar nenhum sombreamento suave ou mistura; só vou usar linha e hachura, sobre as quais falaremos em breve. Aqui está minha pequena pedra sentada na grama. Simplesmente tornando essas linhas muito mais grossas e mais escuras, bem como algumas dessas rachaduras e padrões na rocha, um vislumbre rápido, o espectador verá a luz atingindo esse lado. Então, se você quiser ir mais longe, você pode adicionar um pouco de eclosão. Então você não precisa fazer tudo com uma mistura e sombreamento perfeitos. Você pode usar uma forma de esboço abreviado como este para comunicar claramente seu assunto, mas em uma fração do tempo. Agora eu tenho uma caneta com uma ponta de um milímetro e você pode ver que as linhas são relativamente grossas. Conhecer sua ferramenta e os tipos de marcas que você pode criar é realmente importante. Às vezes acho divertido me desafiar. Vou lá fora com uma caneta, e isso é tudo o que tenho que trabalhar. Então eu tenho que conhecer essa ferramenta muito bem para conseguir alcançar meu objetivo. Pegue alguns pedaços de papel ou uma página em seu caderno de desenho e apenas jogue com os tipos de marcas que você pode criar. Vamos comparar a grafite com a caneta. Outro círculo irregular. Mas, novamente, teríamos que fingir essa linha mais grossa do lado esquerdo. Vamos fingir que isso é apenas um pedaço de Platão, já que definitivamente não é um círculo perfeito. É muito difícil desenhar um círculo perfeito, então não desça em cima de si mesmo se você lutar com isso. Não faço ideia de como fiz essa tão circular. De qualquer forma, eu definitivamente prefiro uma maneira muito estilizada de esboçar. Eu costumo fazer uma versão de hachura que é como linhas paralelas. Muitas linhas paralelas. Se eu quiser dar um passo adiante, é fácil mudar ligeiramente o ângulo e fazer crosshatching. Claro, posso continuar isso pelo tempo que precisar, a fim de representar o nível de sombreamento que estou indo. Digamos que tenhamos uma pedra de novo. Então, se eu fosse sombrear essa rocha, eu poderia fazer algo assim. Esta é novamente uma versão muito abreviada do esboço. Essas linhas são todas paralelas, todas estão indo na mesma direção, e a proximidade é o que indica quanta sombra existe. Se eu espalhar as linhas como ali mesmo, é um pouco mais leve e, claro, a área branca é o meu destaque. Posso fazer isso em qualquer forma. Mas o objetivo disso é apenas mostrar que você não precisa exagerar basicamente. Quando você está fora da pintura, você está desenhando em movimento, às vezes você tem minutos para capturar o que está tentando capturar, você não tem horas. Então, encontrar maneiras de se comunicar em um período relativamente curto de tempo será muito útil. Novamente, se você quiser dar um passo adiante e fazer crosshatching para torná-lo um pouco mais detalhado ou indicar sombra um pouco mais, basta ir na direção oposta. Há também uma coisa divertida que você pode fazer chamada incubação de contorno. Digamos que este seja o contorno da nossa rocha. Em vez de deixar minhas linhas tão perfeitamente retas, eu começaria a curvá-las ao redor da superfície. Algo assim, e esta é uma versão muito extrema, eu diria. Mas volte a entrar com ângulos diferentes, então divirta-se com isso. Basta brincar com algumas formas e começar a sombrear. Eventualmente, você vai se contentar com um tipo de esboço abreviado que você ama, que você acha realmente agradável. Voltaremos à nossa página de carvão vegetal para que eu possa demonstrar algum sombreamento suave. Aqui vamos nós. O que eu normalmente gosto de fazer é usar a borda grande da minha grafite ou carvão vegetal, o que eu estiver usando, e preencher o máximo que puder com essa área maior. Meu dedo está pressionando o lápis aqui. Vou tentar preencher uma boa quantidade uniforme de grafite para começar. Não se preocupe se você sair de suas linhas, você sempre pode ajustar isso mais tarde. Não é tinta. [RISOS] Evite usar a ponta porque a ponta colocará mais pressão sobre o papel e fará uma linha mais sólida que pode ou não ser removível mais tarde. Estou usando uma pressão mais leve aqui porque sei que esse será o meu destaque. Minhas linhas ainda estão indo na mesma direção, mas vamos mudar isso em um segundo. Pressão um pouco mais difícil aqui para torná-lo mais escuro, e uma pressão mais leve lá para mostrar o destaque. Se você quiser, você pode voltar e limpar as bordas com uma borracha imediatamente ou você pode fazer isso no final. Não vou tocá-lo porque ele vai manchar em todos os lugares, mas vou virar meu papel 90 graus dessa forma. Estou colocando mais pressão no lado da sombra novamente, lembrando que esse é o meu destaque. Neste ponto, eu poderia simplesmente virar meu papel em todos os sentidos e tentar obter ângulos diferentes e apenas preencher um pouco mais dessa sombra. Em todos os momentos, minha mão está indo na mesma direção em uma diagonal porque eu estou realmente girando no meu cotovelo. Eu não estou usando meu pulso assim, na verdade está se movendo onde meu cotovelo está. Assim, posso obter marcas muito repetíveis dessa forma em vez de pressões e ângulos mais caóticos, se eu tentar usar meu pulso. Se você quiser dar um passo adiante, você pode usar uma toalha de papel enrolada ao redor do dedo e misturá-la. Estou usando pequenos movimentos circulares. Então você pode voltar novamente com outra camada e construir isso continuamente. Cabe a você levá-lo o mais longe que quiser, mas essa é a ideia geral para o sombreamento suave. Definitivamente leva muito mais tempo, mas você pode obter resultados muito legais. Algumas pessoas podem estar se perguntando: “Bem, como você sabia onde colocar o destaque e onde colocar a sombra?” Isso vem da observação da vida. Se você precisar praticar com isso, veja mais coisas. Não olhe apenas, observe [RISOS] e olhe para ele e tente perceber onde a luz bate no mais brilhante, onde as sombras começam a se formar, onde elas ficam mais escuras. Você pode colocar uma laranja ou uma maçã na sua frente e acendê-la de diferentes ângulos e começar a praticar dessa maneira. Mas, na verdade, basta preencher sua biblioteca visual interna com todos os tipos de formas diferentes e todos os tipos de iluminação diferente será seu melhor professor. 6. 2.2 hábitos do caderno de esboço: [MÚSICA] Acredito fortemente que meu caderno de desenho é a principal razão pela qual consegui crescer tão rapidamente quanto nos últimos anos. Nesta lição, compartilharei meus hábitos de caderno de desenho e falarei sobre por que é importante ter um caderno de desenho com você sempre que puder. Posso ter uma pequena obsessão com cadernos de esboços. Mas não vejo isso como uma coisa ruim. Sketchbooks são um lugar para experimentar, explorar sem medo de serem julgados. Na maioria das vezes, ninguém vai ver o que está dentro do seu caderno de desenho a menos que você queira que eles o façam. Escolher um caderno de desenho é tão pessoal. Para mim, parece equivalente a comprar roupas. O tamanho e a forma e a cor uniforme do papel, tudo isso depende de quais são suas necessidades como artista. Este é um caderno de desenho que eu fiz usando meu papel aquarela favorito. Eu não fiz o melhor trabalho com a vinculação, mas isso atende às minhas necessidades. Costumo manter materiais específicos em cadernos de esboços específicos. Com um caderno de desenho que tem papel aquarela de alta qualidade muito bom, eu costumo me ramificar em muitos meios diferentes que são mais usados para mídia mista, embora a maioria das pessoas que me seguem nas redes sociais só vejo minhas pinturas. A maior parte do meu tempo praticando é gasto usando muitos materiais diferentes, então poder explorá-los livremente em meus cadernos de desenho é crucial para o meu crescimento como artista. Há uma coisa que eu fiz que vi outros artistas fazerem, que é adiar o início um caderno de desenho porque eles só têm medo de bagunçar. Já estive lá muitas vezes. A maneira como eu supero isso é usar as primeiras páginas para testar muitos materiais diferentes. Não só isso é realmente, muito útil, mas também se torna sua referência para o futuro do seu caderno de desenho. Sempre que estiver na estrada, você está trabalhando lá, você quer mudar para um novo meio, basta olhar rapidamente para sua folha de referência e ver como esse material vai se comportar. Esta é uma ótima maneira de superar o medo de estragar sua primeira página porque essas páginas de referência são bagunçadas [RISOS]. Dá um propósito além de algo que parece bonito. Duas das minhas coisas favoritas para esboçar são rochas e árvores. Este caderno de desenho é dedicado a esses dois assuntos. Se abrirmos de um lado, esta é a seção de rocha [RISOS]. Eu chamei de “As muitas vidas secretas das rochas”. Eles têm seu próprio idioma. Isso é apenas cheio de experimentação, tentando desenhar formas diferentes, apenas se divertindo muito com isso porque por que não? Mas muito disso é para eu praticar desenhar e sombrear todas as diferentes facetas das rochas. Isso não acontece apenas da noite para o dia. Levei muito tempo para chegar a este ponto. Algo que eu recomendo muito é levar um pequeno caderno de desenho como este com você, colocá-lo em seu carro para que ele esteja sempre com você em movimento. Se você está esperando 15 minutos por uma consulta em algum lugar, você pode simplesmente retirá-lo e começar a esboçar. Quanto mais você fizer isso, mais você está construindo sua memória muscular. A maioria deles é apenas extraída da imaginação. Começarei com uma forma de símbolo e, a partir daí, tento visualizar o que está acontecendo em 3D no espaço, mas novamente, essa é a sua própria habilidade que vem com o tempo, que vem com a prática. Também passo muito tempo junto ao rio e gosto de balancear pedras. É uma atividade desafiadora, mas acho muito relaxante. Um dia, quando eu estava lá fora, comecei a desenhá-los. Se virarmos o caderno de desenho, virá-lo, temos a seção da árvore e eu chamei Os Many Ways of Trees” e seus sonhos. Assim como com as rochas, é muito sobre experimentação. Muitas vezes vou começar desenhando apenas um gesto muito solto de uma árvore, quase como se eu estivesse fazendo desenho de figuras gestos. Às vezes eu vou levar isso para a floresta e tirar da vida e outras vezes é apenas da imaginação e eu realmente gosto de me desafiar a ser criativo com minhas árvores. Algo que eu faço para praticar o desenho de árvores é fazer essas formas muito simples e depois tentar renderizá-las de uma maneira mais 3D. Apenas começando com uma forma de s simples, o que posso fazer para que pareça ter algum volume? Muitas vezes com minhas árvores, você pode ver o esqueleto do meu esboço até o estágio final. Pessoalmente, não me importo de poder ver todas essas pequenas diretrizes, eu gosto disso de fato. Você também pode ver esse estilo de hachura de linha paralela que eu lhe falei. Pegue um pequeno caderno de desenho, torne-o seu melhor amigo. [RISOS] 7. 2.3 formas simplificadas parte 1: [MÚSICA] Tudo na paisagem pode ser dividido em formas muito simples. Se você começar a praticar ver essas formas em seu entorno, você está ajudando a se preparar para desenhá-las. A base de nossas pinturas, especialmente quando se usa aquarela, serão fortes habilidades de desenho. Gosto de imaginar essas formas como o esqueleto da nossa pintura. Se a pintura tiver bons ossos, ela pode comunicar seu assunto muito melhor. Nesta lição, mostrarei como simplifico formas na paisagem. Mas se você quiser mais detalhes sobre desenhar ou pintar árvores ou rochas, tenho duas outras aulas completas sobre esses assuntos. Mas, por enquanto, vamos começar com o básico. Olá a todos do frio Nordeste da Escócia. [RISOS] Para esta lição, vou levá-los ao longo meu processo de andar por aí fora e olhar objetos como rochas ou galhos e simplificá-los até o núcleo geométrico simplificado formas. Vamos usar papel de computador e um sharpie. A razão pela qual estou usando os suprimentos mais básicos é porque sinto que é muito importante quando você está começando a superar o medo de estragar tudo. Se você estiver usando um caderno de esboços caro, um material caro, às vezes isso sozinho o impedirá. Além disso, com um sharpie, com um marcador, você não pode apagar [RISOS], então você imediatamente tem que soltar seu medo de fazer uma má marca ou estragar uma linha. Lembre-se de que toda vez que você comete um erro, você está aprendendo com isso. Se você tiver evidências de erros na tela ou no seu papel, é apenas uma lição aprendida e você vai fazer uma melhor da próxima vez. Só vou andar pela minha casa, andando pelo quintal. Se você mora em uma cidade, você pode ir a um parque local ou simplesmente andar pela rua e encontrar um local tranquilo longe das pessoas. [RISOS] Não há desculpa, não importa o que aconteça. Você pode sair e encontrar uma pedra ou um galho e você pode esboçar. Vamos ver o que podemos encontrar. A poucos metros da minha porta, é uma pedra. [RISOS] Vamos esboçar. Quando me sento para desenhar essa rocha, a primeira coisa que estou pensando é qual é a forma geométrica básica com a qual eu começaria. Seria um círculo ou um cubo ou algo assim? Nesse caso, vou dizer esfera ou círculo ligeiramente achatado. Isso está em sua forma mais básica. É com isso que estou começando. No entanto, você pode ver que o fundo dessa rocha está no chão, é plano. Não é uma bola que está rolando por aí. Podemos simplificar isso achatando a parte inferior. Já parece muito mais com a rocha, mas podemos ver que existem alguns ângulos na rocha que têm um pouco mais de uma borda plana ou mesmo como um recuo. Vamos lentamente tentar fazer isso passo a passo. No lado esquerdo, posso ver que há um pouco de uma borda plana lá. Essa é a primeira coisa que vou fazer, então vou achatar essa borda. A frente da rocha vem em minha direção e depois de volta novamente. Há um canto muito arredondado na frente lá. Neste caso, trouxeríamos essa linha plana para baixo em nossa direção um pouco e depois a enviaríamos de volta. À medida que volta, esse lado direito está novamente um pouco mais achatado. Em vez de uma borda redonda, eu o traria um pouco mais liso. Então o topo da rocha é bem plano e tem um afunilamento um pouco arredondado. Não vou ficar completamente plano, mas vou arredondar isso um pouco. Como descobrimos onde sombreá-lo para dar uma aparência mais 3D? Bem, como o sol não está atingindo essa rocha diretamente e não há destaques ou sombras super fortes, posso decidir isso por mim mesmo. [RISOS] Onde quer que haja um pouco de sombra deste lado aqui, eu posso escolher isso como meu lado sombrio e este lado superior direito serão meu lado de destaque. Se você pensar na lição de esboço, mostrei minha estratégia para eclodir, que é como essas linhas paralelas, ou crosshatching, que está fazendo o mesmo, mas por cima você vai no oposto direção. Cabe a você decidir como você quer sombreá-lo. Mas vou usar meu método normal e vou adicionar a sombra a este lado esquerdo. Primeiro, vou colocar em parte dessa primeira camada. Uma coisa que estou percebendo é a borda superior da sombra porque a rocha tem esse grande tampo plano. [RISOS] Ela se afunila em direção a este canto da frente. Meu sombreamento vai ficar em um ângulo em direção ao canto da frente. Há um pouco de sombra na parte inferior deste lado direito da rocha também. Vou continuar com isso lá. Temos uma forma de rocha básica. Se quisermos dar ainda mais caráter ou torná-lo um pouco mais detalhado, podemos adicionar mais sombreamento ou crosshatching ou desenhar qualquer uma das linhas e outras marcas que vemos. Talvez eu tivesse um pouco de sombra aqui porque há um pequeno mergulho aqui na rocha. Talvez haja uma linha quebrada que viaja pela rocha aqui e ali porque há muitas rachaduras nesta rocha e muitos padrões interessantes. Mesmo que seja uma rocha leve, se você olhar de perto, você pode ver isso. Se você quiser, você pode deixá-lo exatamente isso, o formulário básico. Este seria o nosso rock muito simplificado. [RISOS] Vamos ver o que mais podemos descobrir aqui. [RUÍDO] Temos algumas ramificações que poderíamos desenhar. Temos outra pedra, na verdade um monte de pedras aqui embaixo. Vamos montar e desenhar algumas dessas rochas. Tenha cuidado comigo com a iluminação porque quando eu levantar meu papel, ele vai deixar o vídeo um pouco mais escuro, e quando eu abaixá-lo, o vídeo ficará muito mais brilhante. Primeiro de tudo, temos que decidir qual pedra vamos desenhar. Uma das rochas que realmente se destaca para mim é essa porque tem muitas formas legais acontecendo. Mas a primeira coisa que noto é esse grande flat top. Ele também tem algumas bordas verticais planas em ambos os lados e um grande mergulho aqui. Nesse caso, faz um pouco mais de sentido pensar nisso como um cubo e um cubo que estamos olhando para baixo. A primeira coisa que eu faria é desenhar um cubo só para me dar um ponto de partida. Se estivermos começando com um cubo, este seria meu cubo básico. Meu Deus, isso é tão torto. [RISOS] Se você não está muito familiarizado com o desenho de cubos, eles podem se sentir um pouco complicados no início. Eu forneci alguns modelos que você pode ver e até mesmo rastrear apenas para começar. Mas, como você pode ver, a frente deste cubo é um grande quadrado plano, e então os lados e o topo voltam para a distância um pouco. Mas o problema com isso ser meu ponto de partida é que esta rocha, na maior parte, não tem um grande quadrado frontal que estamos olhando. Se alguma coisa, o topo da rocha está tendo precedência e é com isso que devo começar. O que eu faria em vez disso, é desenhar um cubo que estou olhando para baixo. Lembre-se, não se preocupe se suas linhas estão todas bagunçadas porque isso é apenas prática. Estou olhando para este cubo. Então, sim, teríamos bordas assim. Este é um ponto de partida um pouco melhor para a minha rocha. Uma coisa realmente útil é tentar imaginá-lo em 3D para que você possa imaginar, você pode ver através disso, se quiser, você pode desenhar linhas pontilhadas dentro. Como desenhei esse quadrado com as linhas 3D é, olhei para essa forma e olhei para a altura dessa linha, e desenhei isso, a altura dessa linha. Copiei isso aqui, mas fiz isso em uma linha pontilhada. Isso é aproximadamente a mesma altura que essa, e depois que fiz isso, eu poderia simplesmente conectar as linhas e conectar as linhas. Lá vamos nós. Sei que nem todos pensam em formas e no ambiente dessa forma. Acho que é só por causa da minha formação em design. Muitas vezes penso sobre as coisas de uma forma mais arquitetônica. Isso me ajuda a visualizar as coisas. Mas se você não precisar disso, tudo bem, você pode ignorá-lo. Mas estamos usando a forma como inspiração. Vamos começar com o topo. Posso ver que a borda traseira da rocha, não está em ângulo, está em uma diagonal. Então essa diagonal desce para a esquerda, esta ligeiramente para a direita. Vamos começar com a borda traseira e ela não é completamente plana, mas vamos começar com uma versão simplificada. Posso ver que todo o topo desta rocha não é um quadrado perfeito, tem outro divot aqui e recua [RISOS] onde estava quebrado e volta para aquele canto traseiro. No entanto, existem alguns lábios, algumas bordas aqui que eu não quero ignorar. Parece assim. Temos essas bordas e, em seguida, elas se inclinam para trás. Então, desta forma, ele meio que sai e depois para baixo e este lado aqui é um pouco mais reto. Este é um pouco reto e este sai e desce. Então eu pude ver onde essa borda se inclina para trás. Há uma linha, há uma área aqui. Há um grande rosto plano aqui que eu quero capturar, que se parece com isso. Há um pouco de forma de diamante aqui. Vou fazer isso e apenas conectá-los. Esta é uma versão muito simplificada. Se quisermos, podemos tentar adicionar mais linhas e facetas. Faça quantos você precisar para ajudá-lo a entendê-lo. [RISOS] Mas para fazer isso, como eu diria, é para fazer com que isso pareça mais uma rocha, vou desenhar novamente, mas vou enrugar as bordas um pouco. Agora estou usando isso como meu guia e vou ficar áspero. Estou desenhando essa forma de cima novamente, mas estou fazendo isso um pouco mais irregular. Simplifique isso. Agora, mais uma vez não temos nenhum destaque ou sombras fortes, então desta vez vou criar minhas próprias regras. Vou imaginar o sol vindo dessa direção. Se for esse o caso, o sol estaria batendo neste topo, estaria batendo um pouco aqui, mas todo esse lado vai estar na sombra. Uma maneira muito divertida usar essa técnica de eclosão que falei sobre onde você tem todas essas linhas paralelas é que você pode seguir, você pode usá-las de forma direcional. Se eu tiver um rosto vertical, posso usar a eclosão vertical. Se eu tiver uma forma diagonal ou horizontal, posso usar o mesmo ângulo. Apenas fazendo essas linhas direcionais fáceis, podemos começar a comunicar a direção ou as facetas na rocha. Pode haver uma pequena sombra aqui e um pouco aqui. Se eu quiser comunicar menos sombra, eu apenas espalhei minhas linhas um pouco mais separadas. Vou deixar a borda superior sozinha porque na verdade ou talvez adiciono um pouco de sombra. [RISOS] Quebre um pouco. Você pode jogar totalmente com as direções das linhas. Esse é o básico de como eu dividiria isso nas formas simplificadas e lentamente construiria o realismo em direção a uma forma rochosa. Agora vamos ver alguns galhos de árvores. Estou literalmente virando para a direita e vamos olhar para esta árvore. Adoro essa árvore. Meus gatos também adoram. Como você pode ver, eles começaram a arranhá-lo ali mesmo. Uma das coisas legais dessa árvore é que existem vários troncos saindo da base raiz. Vejamos isso como nosso primeiro exemplo. Para árvores, em vez de pensar em quadrados ou círculos, penso em cilindros. Por cilindro, quero dizer, este cilindro muito simplificado. Esta é a forma que vou ter em mente em todos os momentos. Esses tubos longos para mim são os mais parecidos com troncos e galhos de árvores. Para começar quando olhamos para isso, podemos ver que há uma base singular e há vários troncos saindo dela em ângulos diferentes. Uma das primeiras coisas que você pode fazer para aterrar você é pensar sobre a base e no entanto muitos troncos de árvores que você queira desenhar saindo disso. Para levar isso para o próximo passo, o que eu faria é desenhar tubos ou cilindros como você quiser vê-los. Em sua forma mais básica, podemos vê-lo assim. Como eu levaria essa forma simplificada para o próximo nível? Claro, quando você olha para isso, você pode ver que eles são bastante angulados, eles estão bem espalhados, enquanto a própria árvore é um pouco mais vertical. Isso porque você não consegue ver todos os troncos desse ângulo. [RISOS] Este tronco principal aqui está na frente e então você tem um aqui que está um pouco atrás dele e depois há um lá atrás que está por trás de todos esses. Na verdade, teríamos que ter um tronco principal e, em seguida, os outros ficariam um pouco atrasados. Para fazer isso, eu começaria com um tronco principal e os esmagaria um pouco mais para que você não possa ver mais a base desse tronco. Está atrás do porta-malas principal. Então, haverá um aqui que você nem sequer poderá ver tudo. Assim, embora isso seja obviamente extremamente simplificado. Mas pegamos o que tínhamos antes que estava bastante espalhado e esmagamos um pouco e fizemos o ângulo um pouco mais vertical. Agora, para levar isso para o próximo nível e talvez dar-lhe algum sombreamento, o que eu faria é tentar ver o contorno real dessa árvore. Em vez de apenas cilindros perfeitos, posso ver que há um pouco de uma borda áspera. Existem alguns caroços aqui e ali. [RISOS] As raízes na parte inferior saem para o lado e para o chão. Uma das primeiras coisas que eu faria, desenhar um pouco mais de uma borda irregular para representar essa forma irregular. Então, na parte inferior, eu o faria sair, um pouco na parte inferior. Você pode realmente exagerar isso e é divertido desenhar raízes super exageradas. Então, o tronco da árvore por trás dele, nós amontoaríamos isso um pouco. Vamos mantê-lo simples e começar com isso. Acho que também teríamos um pouco de lábio nesta raiz aqui embaixo, mas está por trás da árvore principal. Posso ver aqui que há destaque no lado direito da árvore, então o lado esquerdo da árvore ficará mais na sombra. Você pode ver que isso não é uma linha perfeitamente reta. Estou deixando que ele tenha muita variação. Eles estão bem próximos porque há uma quantidade decente de sombra lá. Este tem algum destaque nisso, mas não é tanto. Então eu estaria cobrindo este em mais eclosão. Mais uma vez, não estamos focados em fazer nada perfeito. Estamos simplesmente olhando para a forma básica e tentando capturar as coisas de forma rápida e simplificada. Vou adicionar um pouco de crosshatching aqui para escurecer isso. Lá vamos nós, um tronco de árvore muito básico. Se você quiser adicionar os troncos de árvores que estão além de trás, todos eles estão na sombra. Eu provavelmente faria algo assim onde a coisa toda está na sombra. Só para realmente enfatizar o fato de que está lá atrás nas sombras. Quando você só tem dois valores, que é branco e preto, esse é o tipo de coisa que fazemos para simplificar. [RISOS] Tomamos decisões muito fortes sobre destaques e sombras. Agora vamos dar uma olhada nas filiais. Vamos dar uma olhada neste ramo principal aqui. Vejamos este e alguns desses que estão saindo do lado. Primeiro, vamos pensar sobre esse ramo principal. Mais uma vez, vamos pensar nisso como um cilindro ou um tubo. Vou desenhá-lo nesta leve diagonal. Se você quiser ajudá-lo a descobrir os ângulos das coisas, uma dica realmente útil é segurar o pincel ou o lápis e combinar o ângulo dele. Você segura sua caneta ou lápis e, sem mover meu pulso, eu seguraria isso no meu papel. Agora sei que esse é o ângulo. Minha mão é pressionada contra o papel para que ele não se mova. Mas agora eu sei que esse é o ângulo que eu preciso. Há um. [RISOS] Fizemos um ramo simples saindo disso. Como você pode ver, comecei com basicamente um cilindro. Se você quiser, você pode desenhar as extremidades e tentar imaginar isso como um cilindro. Assim. Temos esse ramo saindo. Tudo bem, se suas linhas estão passando por outras linhas, lembre-se de que isso é apenas prática para simplificar formas. Você pode tentar imaginar isso como um tubo também para que ele tenha uma borda arredondada à medida que se prende ao ramo principal. À medida que veio em nossa direção, você seria capaz de imaginá-lo como um tubo. Você pode continuar fazendo isso para todos os ramos. Você pode adicionar quantos precisar. Se eles estiverem na frente do ramo voltado para você, você poderá ver um pouco de uma curva onde eles se anexam. Se eles estiverem na parte de trás do ramo, você não verá isso porque eles estão vindo de trás do ramo. [RISOS] Claro, se você estiver fazendo um desenho real, você não mostraria essas linhas passando pelo ramo. Você esboçaria muito levemente e, no final, quando você estava pintando tudo ou pintando, você não incluiria essa linha passando pelo ramo obviamente. Posso ver que há um pouco de destaque na borda superior dos galhos, para a direita. A parte de baixo vai ficar um pouco mais escura. Nesse caso, eu adicionaria a eclosão toda lá embaixo. Eu ignoraria esse ramo por enquanto. Eu teria que escolher qual lado do ramo tem uma sombra. Nesse caso, o lado direito tem um destaque, então eu adicionaria um pouco de escuridão no lado esquerdo, mas a maior parte está em destaque. O mesmo vale para este. Só um pouco. Normalmente, quando estou desenhando galhos, aqueles que estão por trás, eu apenas eclodo. Se olharmos para esse ramo, podemos ver que ele se curva muito bem. Todas as agulhas ou folhas de pinheiro, seja lá o que for, estão à direita. Se eu estiver desenhando isso, vou ver como isso é mais horizontal, e então ele fica quase totalmente vertical. Ele se curva aqui e depois é totalmente vertical. É quase como a forma de um F. Ele sobe e então tudo vai para a direita ou para a direita. Para simplificar isso, eu tenho meu ramo principal e então esse pequeno ramo curvo aparece assim. Uma vez que ele se levanta bem alto, ele começa a curvar para a direita. Todos os pequenos ramos fazem a mesma coisa. Estes até têm seus próprios pequenos ramos e assim por diante. Mas para simplificar toda essa folhagem, em vez de ficar aqui desenhando cada pequeno detalhe, desenho-a em aglomerados. Como estes são pontiagudos, não são folhas grandes e velhas, eu olharia para elas assim. Aglomerados de agulhas muito simplificados. Eles estão todos indo para a direita. Assim. Você pode desenhar quantos quiser. Podemos adicionar um pouco de sombra à parte inferior deste ramo. Então é assim que tento simplificar formas na paisagem. Mas vamos voltar ao estúdio e falar sobre isso um pouco mais. 8. 2.3 formas simplificadas parte 2: Muitas vezes revisito esses conceitos básicos e tento continuar crescendo minha habilidade de ver formas básicas na paisagem. Como começo com um cubo ou círculo ou esfera ou cilindro, e depois transformando isso em um objeto mais crível. Quando se trata de fazer objetos críveis, sombreamento é realmente muito importante. Se você quiser levá-lo para o próximo nível, eu realmente recomendo praticar todos os diferentes tipos de sombreamento. Um exercício muito divertido é praticar sombreamento com marcadores. O que vou fazer é obter um destaque, um tom médio e um tom de sombra. Também não estou me permitindo misturá-los juntos. O que eu tenho que fazer é pensar sobre o que é meu destaque, tom médio e sombra. Esses termos referem-se ao espectro de luz a escura. Em uma extremidade temos nossos escuros mais sombrios, que é a nossa sombra. O meio desta seção é o tom médio e a área mais brilhante é o nosso destaque. Você pode atribuir qualquer tom ou cor a essas seções, porque no final elas são todas relativas umas às outras. Eu já posso prever algumas pessoas assistindo isso que estão pensando, cara, este é um estilo tão estranho ou um estilo muito solto. Essa não é a xícara de chá de todos, o que eu entendo totalmente. Tenho certeza que, quando você começar a assistir a mais aulas sobre esse assunto, você encontrará todos os tipos de estilos diferentes e, eventualmente, um vai ressoar com você. Em vez de focar em como meus resultados finais parecem, quero que você pense sobre o processo mais profundamente. Como você pode integrar as formas básicas e as formas básicas de sombreamento em um estilo que realmente combina com você. Nesta aula, obviamente estamos focando nos passos básicos mínimos que você precisa tomar para desenhar pedras e árvores. Há tantas outras coisas na paisagem que precisaremos aprender, mas a razão pela qual eu aprimorei pedras e árvores em particular, é porque se você entender como desenhá-las, você pode aprender a desenhar praticamente qualquer elemento na paisagem. Tudo começa com formas básicas. Mesmo que em pouco tempo eu vou ensiná-los a pintar pedras e árvores, também quero salientar que existem tantas outras maneiras de fazê-lo. Na outra classe que tenho sobre pedras, esse é o estilo que cobrimos e esse é o estilo que cobrimos na classe das árvores. Mas tudo vem da mesma técnica de simplificar as formas na paisagem primeiro. Com isso dito, vamos falar mais sobre árvores. Quando se trata de desenhar árvores, gosto de manter as coisas muito mais fluidas e orgânicas. Começo com uma linha de gestos. isso quero dizer, eu só tento criar uma linha fluida muito suave, sem ângulos severos ou estranhos. Este será o tronco ou ponto central a partir do qual todos os ramos crescerão. Estou usando a curva s tipo para o meu tronco mas se eu estivesse desenhando um pinheiro que é muito alto e reto, eu definitivamente usaria mais linha reta. Provavelmente ainda não o tornaria perfeito. Às vezes até imagino minhas árvores como pessoas de uma forma como os galhos das árvores são braços chegando até o céu. Uma vez que eu tenha a forma básica ou a estrutura subjacente da minha árvore descobrida, posso adicionar a pele como eu chamo de [RISOS], mas basicamente isso significa a forma real da árvore e do casca e todos os outros pequenos detalhes. Na maioria das vezes tento adicionar um pouco de textura ou rugosidade ao contorno da minha árvore porque casca geralmente é um pouco mais áspera. Sim, existem árvores lisas, mas isso ajuda a adicionar um pouco mais de caráter a ela. Quando estou desenhando essas linhas, não estou super preocupado em fazer nada perfeito. Quero que as coisas pareçam muito orgânicas, às vezes um pouco estranhas. Porque se você sair e caminhar pela floresta, encontrará tantas árvores loucas. Honestamente, às vezes eu acho que quanto mais louco, melhor então eu costumo mover meu lápis ou minha caneta muito rapidamente. Isso me obriga a tomar decisões rapidamente e não pensar demais em nenhuma linha ou uma área. Porque quando faço isso, costumo fazer as coisas parecerem estranhas e rígidas. Você pode ver às vezes eu desenho diretrizes para mim, como mostrar como algo é redondo ou talvez enfatizar a textura da casca ou qualquer uma das grandes rachaduras em uma árvore. Claro, um pouco de eclosão aqui e ali para algumas das áreas mais sombrias. Se você quisesse que isso fosse visível na pintura final, você usaria um marcador ou linhas realmente escuras mas também poderia fazer tudo isso em um lápis muito leve. Então, quando você pinta sobre ele, ele é pouco visível, então use quantas ou poucas linhas você precisar para se ajudar a ver realmente a forma e os detalhes da árvore. Vejamos rapidamente a forma dos galhos. Eu sempre os visualizo como tubos. A maneira mais fácil de começar é desenhando o ponto inicial e o ponto final e depois conectá-los, mas geralmente nossos ramos não são perfeitamente retos. Desenhe alguns pontos e pratique conectá-los. Quanto mais você pratica visualizar os galhos dessa maneira, menos frequentemente você precisa desenhar a estrutura subjacente para si mesmo, mas se você é novo em desenhar árvores, acho que este exercício realmente ajuda a quebrar a complexidade de uma grande massa de ramos. Assim como com o cubo e a rocha, podemos praticar fazer os destaques e sombras. Se imaginarmos que o sol esteja no canto superior esquerdo novamente, o lado destacado estará mais próximo do sol e o lado da sombra estará do outro lado do galho. Imaginar o tronco e os galhos como tubos tornará um pouco mais fácil quando se trata de sombreamento. Se você achar que esse método está resultando em ramos que parecem um pouco rígidos demais, você pode tentar o método espiral ou o método slinky. Comecei a desenhar um grande redemoinho velho e delinear isso com a pele ou a casca da árvore. Acho que esta é uma ótima maneira de desenhar grandes galhos retorcidos antigos como em um carvalho. Fazer isso leva a alguns resultados realmente funky [RUÍDO] e pode realmente ajudá-lo a se afrouxar e fazer as coisas parecerem um pouco mais orgânicas e evitar essa síndrome do ramo rígido. Como eu disse, eventualmente você não precisará passar por todo esse trabalho para cada desenho. Mas começar com esses exercícios é uma ótima maneira de solidificar esse conhecimento, todo esse conceito em sua mente. Eu realmente encorajo você a prestar atenção a esses detalhes quando você sair. Da próxima vez que você for a algum lugar, fique de olho em algumas rochas, árvores e galhos. Comece a pegar os pequenos detalhes que você vê. Quanto mais você preencher sua biblioteca visual interna, melhor será. Sabemos que as árvores não são apenas troncos e galhos, há algo acontecendo acima de tudo isso. As folhas ou a folhagem ou o dossel, o que você quiser chamá-lo. Faremos um exercício simples para que, quando você sair e ver uma árvore que deseja desenhar, você possa começar com formas simples e depois construir lentamente os detalhes. Começaremos com um carvalho, que geralmente tem um grande tronco que divide em pedaços diferentes. Vamos começar com três caixas. No primeiro, desenhe dois ou três círculos que se sobrepõem. Em seguida, desenhe algumas ovais abaixo que se conectam a um único ponto. Você pode desenhar isso novamente na segunda caixa ou simplesmente usar essa primeira caixa como referência. Mas desta vez em vez de repetir as mesmas formas simples, quero que você desenhe algumas linhas pontudas que descrevem esses círculos. Em seguida, tente desenhar um tronco de aparência mais orgânica e natural que represente essas ovais originais. Você pode ver que eu adicionei um ramo extra ao meu. Na terceira caixa, vamos refinar isso um pouco mais e começar a adicionar um pouco de sombreamento mas ainda vamos mantê-lo simples. Estou usando aquela simples hachura direcional que mostrei anteriormente para representar as sombras. Se eu imagino que o sol está acima da árvore, as sombras aparecerão abaixo das folhas ou na parte inferior do dossel. A mesma coisa no porta-malas e nos galhos. Há pelo menos algumas grandes sombras que caem na árvore do dossel acima. Você pode usar esse método de começar com formas muito simples e trabalhar lentamente até um desenho mais detalhado antes de começar a pintar. Isso pode ajudá-lo a se familiarizar com as árvores que você está olhando e fazer algumas corridas de prática com a composição, sombras e destaques. Quão claro e escuro algo é ou os valores serão tão importantes quando começarmos a pintar. Acostumar-se a fazer esses pequenos estudos rápidos e esboços de valor será realmente útil mais tarde. Vou te mostrar como gosto de desenhar minhas folhas. Normalmente começo com uma forma de olho de gato ou talvez um limão ligeiramente achatado [RISOS]. Quando estou desenhando aglomerados de folhas, tento fazer muitas formas e tamanhos diferentes. Não quero que nada pareça uniforme demais ou repete visivelmente um único padrão. Mas mesmo com algumas dessas formas simples sobrepostas, podemos representar rapidamente um conjunto de folhas, mas às vezes eu nem entro em tantos detalhes. Em vez de desenhar cada folha individual, vou desenhar esses aglomerados, que basicamente estou delineando a forma de todas essas folhas individuais. Talvez eu jogue algumas linhas ou círculos e só para separá-lo um pouco. Você não precisa conectar todas as linhas. Você pode deixar muito espaço lá porque quando você pinta isso, estas serão apenas sugestões do contorno das folhas e da dor ou das cores que você adicionar explicarão o resto. Vamos desenhar uma árvore muito básica juntos. Começaremos com nossas linhas de gestos e desenharemos esses galhos de árvores movendo-se para cima e para fora a partir desse ponto central. Como você pode ver, movi meu lápis muito rápido e não tirei muito o papel, então recebo muitas linhas conectadas esboçadas. Esta é apenas a estrutura subjacente e faremos um pouco de tinta por cima. Para representar as folhas acima, vamos desenhar alguns círculos muito simples no início. By the way, o termo adequado para essa enorme área de folhas acima do tronco é a coroa da árvore. A coroa da árvore geralmente é muito mais larga que a base ou o tronco da árvore. Cada tipo de árvore é diferente como você verá, mais você tira de fotos de vida ou de referência. Quando começo a desenhar com minha caneta, tento segurá-la um pouco solta. Mais uma vez, tento evitar fazer galhos rígidos e estranhos. De certa forma, estou tentando me surpreender com a direção em que estou fazendo os ramos fluírem. Tenho uma ideia geral de onde quero que eles vão, mas no momento, eu realmente tento torná-lo imprevisível. Em geral, só tento evitar muitos ângulos perfeitos. Alguns dos ramos sairão da frente do tronco e alguns deles estarão para trás. Como mencionei antes, não precisamos sentar aqui e desenhar cada folha na coroa da árvore, mas usando aquele círculo ou guia subjacente que desenhei, posso começar a colocar algumas das folhas e, em seguida, conecte-os de forma simplificada. Não apenas faça isso em torno da parte externa da coroa, mas também para dentro, onde os galhos sobem na coroa. Algumas dessas folhas simplificadas estão atrás dos galhos e algumas delas são desenhadas no topo do galho onde desaparecem atrás das folhas. Eu costumo alternar minhas formas entre mais circulares e mais pontiagudas. Depende apenas do tipo de árvore que estou desenhando e de quão áspera eu quero que ela pareça. Usarei meus marcadores para demonstrar como veria os valores neste estudo. Todas aquelas folhas que desenhei atrás dos galhos das árvores terão um pouco de sombreamento. Não precisa ser a área mais escura no início, podemos começar com nosso tom médio. Adicionar algumas marcas simples na coroa da árvore ajudará a fazer a coroa parecer um pouco mais cheia. Essas são apenas marcas simples imitam o contorno que usei. Agora pensando naquele pequeno estudo que fizemos antes, pense em como as folhas acima estão lançando uma sombra para os galhos. Como nossos troncos de árvores são muitas vezes mais escuros do que as folhas acima, eu costumo usar uma cor mais escura e valores mais escuros lá. Usando um cinza mais escuro, posso começar a adicionar algumas dessas sombras. Quando se trata de valores, é tudo relativo. Você está constantemente comparando um valor com outro valor. Se eu pensar em como as folhas de uma árvore são muitas vezes muito mais leves que o tronco, não quero que nenhum branco puro permaneça no tronco. Se eu escurecer um pouco o tronco, as folhas acima ficarão muito mais brilhantes. Uma boa tarefa de lição de casa é desenhar alguns tipos diferentes de árvores com o método simples. Para um pinheiro, posso começar com uma forma de cone em vez de um círculo, e o tronco será muito mais reto. Como os pinheiros têm agulhas de pinheiro, uso um tipo diferente de marca quando estou desenhando o dossel. Em vez daqueles limões achatados ou folhas circulares [RISOS], vou desenhar marcas longas e pontiagudas. Este é apenas um método super fácil e simplificado para desenhar aglomerados de agulhas de pinheiro. Adicionar um pouco de sombra debaixo dessas marcas ajudará a dar profundidade ao dossel. Mais uma vez abaixo da coroa, adicionarei alguma sombra mais escura no porta-malas. Isso força o tronco para trás no espaço e faz com que pareça estar sentado embaixo daquela grande coroa. Esta foi uma longa lição e nós cobrimos muito, mas esta é uma das lições mais importantes que serão realizadas para tudo o mais que fazemos. Eu realmente encorajo você a preencher um monte de páginas em seus cadernos de desenho praticando essas técnicas. Se isso ajudar, incluí alguns modelos e fotos de tudo o que fiz nos recursos da classe para que você possa referenciá-lo. 9. 2.4 Estudos de valor: [MÚSICA] Antes de falarmos sobre composição, vamos falar sobre valores. Porque, em última análise, os valores são a coisa mais importante em nossos desenhos e pinturas, e sem entender a importância dos valores não podemos esperar entender a composição. Agora, você provavelmente já sabe disso, mas valores em relação à arte significam como algo claro ou escuro é. Nós tendemos a pensar sobre isso na forma de um espectro do seu brilho mais brilhante ao seu escuro mais escuro. Isso pode variar dependendo de quais materiais você está usando. No caso deste desenho, temos nosso escuro mais escuro aqui e nosso brilho mais brilhante é, na verdade, o papel. Tudo no meio está em um espectro entre esses dois. Algo que acho realmente útil é fazer um esboço Notan. Notan é uma palavra japonesa que significa harmonia claro-escuro. Quando estamos esboçando, estamos tentando encontrar o equilíbrio perfeito entre luz e escuridão. Este é um ótimo exercício, especialmente quando se trata de projetar a composição de nossos desenhos e pinturas. Mas tirar uma foto de referência e transformá-la em um simples desenho preto e branco pode ser um desafio. Vou usar esta foto que tirei no carro como exemplo. Às vezes, ajuda a dessaturar nossas referências. Vamos falar sobre ir disso para isso. Os valores podem ajudar a comunicar o que é importante em um desenho. O olho humano é atraído pelo contraste. Então, a principal coisa em que penso quando faço meus estudos de valor é, essa área atrai os olhos ou não? Porque, em última análise, isso é o que é importante. Como artista, estamos criando nosso próprio mundinho em nosso papel e temos o poder de direcionar a atenção do nosso espectador para onde quisermos. Então, é claro, temos que saber quais são nossas intenções. Nesse caso, fiquei realmente atraído pelas lindas linhas que me levaram de volta à paisagem. Para capturar isso no meu desenho, vou me concentrar em criar essas linhas, seja através de arbustos, árvores, cercas ou a diferença de cor nos próprios campos. Mas no esboço Notan, temos dois valores, preto ou branco, ou neste caso, cinza. Forçar-me a simplificar as coisas nesses dois valores ajudará a criar uma estrutura de valor realmente forte na pintura final. Fazer esses esboços rápidos de Notan também é uma ótima oportunidade para brincar com diferentes composições. Por exemplo, aqui estou alterando o ângulo das linhas que me trazem de volta à paisagem. Na foto de referência, eles são muito mais horizontais, o que é bom, mas não achei isso tão interessante. Para simplificar tudo nesses dois valores, aperto meus olhos para a referência. Isso reduz a saturação, o que remove alguma distração. Ele simplifica todas as formas e os valores. Na minha mente, estou traduzindo o que vejo como formas escuras em preto puro e qualquer coisa mais clara do que isso é representada pela cor do papel ou pelo meu valor brilhante. Os esboços Notan devem ser rápidos e soltos e uma forma de simplificar os valores. A partir daqui, podemos dar um passo adiante em um estudo de valor mais detalhado. Agora vou usar uma combinação da foto de referência e meu esboço Notan. Se eu não gostei de algo no esboço Notan, agora é minha chance de mudá-lo. Uma dica rápida é que tudo à distância tende a ser um pouco menos contrastado. Então, em nossa escala de valor, as coisas à distância podem cair em algum lugar em direção ao meio. Se o preto é o nosso mais escuro e branco é o nosso mais brilhante brilhante, o meio termo tenderá a ser um cinza médio. Mais uma vez, um estudo de valor como esse não precisa ser detalhado. Você pode ver que estou usando uma forma muito simples de esboçar e sombrear coisas com linhas verticais para minhas árvores e em primeiro plano quando estou fazendo as gramíneas, talvez eu possa usar um pouco mais formas diagonais ou mesmo horizontais. Meu objetivo com um estudo de valor é dar a mim mesmo um guia ou um pequeno mapa de como vou pintar as coisas. Ao fazer isso, estou pensando nas cores que vou aplicar a essas áreas mais tarde. Mas é claro, vou falar sobre cor quando entrarmos nas aulas de pintura. partir de agora, no esboço, eu tenho praticamente ficado com um cinza médio e, claro, o branco do papel. O olho pode já estar fluindo pela paisagem por causa dessas linhas diagonais, mas posso fazer um trabalho melhor em direcionar o olho para onde quero mais foco. Quando eu começar a escurecer as gramíneas de primeiro plano e dar-lhes mais contraste e um valor mais profundo, o olho será desenhado para lá. Um erro de iniciante muito comum, ou talvez apenas uma lição aprendida, e eu também passei por isso, é que tendemos a não usar escuridão suficiente, contraste suficiente, seja em nossas aquarelas ou em nossos desenhos. Há uma hesitação que pode acontecer. Mas quanto mais você se esforçar para experimentar esses escuros mais escuros, mais você será recompensado. Vamos tentar isso aqui. Vamos ficar ainda mais escuros nessas áreas de primeiro plano e ver a diferença que isso faz. Estou girando meu lápis lado para obter uma marca mais ampla e estou usando muito mais pressão para realmente colocar essa grafite na página. De repente, nosso primeiro plano toma o centro do palco. Esse contraste intenso chama nossa atenção. É especialmente perceptível quando você compara o antes e o depois. 10. 2.5 Introdução à composição: É muito útil conhecer as regras antes de quebrá-las ou fazer as suas próprias. Vamos começar com a regra dos terços, porque acho que isso é o mais acessível e o mais fácil de entender, e o mais fácil de utilizar em qualquer uma das suas obras de arte. Aqui está uma jogada clássica para iniciantes. A propósito, sou o iniciante neste caso. Esta é uma das minhas paisagens anteriores. Nesta cena, o foco é a cachoeira. Coloquei a cachoeira diretamente no centro. Isso é praticamente o que a maioria dos iniciantes faz porque é como nossa mente funciona. O centro da pintura ou da fotografia é o mais importante. Bem, pode ser. Mas um dos problemas com isso é que ele cria uma pintura mais estática. O que significa que nosso olho está focado no centro e realmente não tem motivo para ir a outro lugar. É uma composição muito naturalmente confortável para os olhos humanos ficarem em um só lugar. No entanto, se você está tentando criar uma pintura mais dinâmica onde deseja que o olho do espectador se mova por toda a cena, há alguns truques que podemos usar. A regra dos terços significa simplesmente que a tela é dividida em terços, tanto horizontal quanto verticalmente. Idealmente, você quer algo de foco, algum elemento importante para cair onde essas linhas se cruzam. Existem quatro áreas que isso pode acontecer. Como você pode ver, eu realmente não tenho nada de importância nessas áreas. Vamos tentar cortar e mover as coisas um pouco e ver se podemos fazer isso funcionar. Cortar cerca de metade da pintura me deu esse resultado. Agora, a cachoeira e aquelas árvores no canto inferior esquerdo caem nessas interseções. Se os compararmos lado a lado, podemos ver algumas diferenças importantes. Na primeira imagem à esquerda, a maioria da tela é ocupada por qualquer coisa , menos o foco. Às vezes, está tudo bem. Mas, neste caso, há muitos elementos que estão tirando a atenção do foco. Por exemplo, em primeiro plano, temos uma enorme extensão de gramíneas e campo sem muita coisa acontecendo. No céu, temos uma coisa interessante acontecendo com o ziguezague das montanhas, mas isso também está tomando o foco e enviando nossos olhos para cima da borda da tela. A nova composição cortada fornece um pouco mais de direção para o espectador. Quer eles saibam ou não, eles estão sendo controlados pela forma como os elementos aparecem um ao lado do outro. Por exemplo, esses fortes elementos diagonais verticais estão se repetindo de forma muito uniforme. Além disso, a maioria desses padrões de repetição não está saindo da tela em nenhum lugar, então o olho tende a ficar ao redor da área central e do foco. Enquanto eu estava falando sobre a regra dos terços, você pode ter me ouvido jogar em outros termos como padrão e movimento. Há tantos aspectos diferentes da composição. É muito difícil aprimorar um único elemento porque todos eles desempenham um papel importante. Mas vamos falar sobre outro que acho muito acessível, que é composição tonal ou de contraste. Nesse caso, estou falando contraste como no que é claro e no que é escuro. Quando um elemento claro e escuro se encontram, ele cria um alto contraste. Isso é muito atraente para o olho humano. Esta é uma pintura que fiz alguns anos atrás, na verdade é um remake da minha primeira pintura de paisagem. Mas, de qualquer forma, quando fiz essa pintura, não estava pensando na composição tanto quanto na cor. No entanto, uma das coisas realmente legais que percebo agora é que, por causa de toda a prática que eu estava fazendo, esses elementos estavam no fundo da minha mente em todos os momentos. Eles saíram pelo meu subconsciente. Quando eu disseco essa pintura, há definitivamente alguns erros que eu poderia corrigir e provavelmente fazer muito melhor agora. Mas vamos falar sobre algumas das maneiras pelas quais a composição funciona. Quando você olha pela primeira vez para a pintura, seu olho provavelmente foi direto para o céu ou talvez algumas das grandes formações rochosas. Então, quando você começa a deixar seus olhos vagarem, você vê alguns dos detalhes sutis em primeiro plano. Talvez você até perceba o padrão em ziguezague que o leva do primeiro plano de volta à distância. Mas ainda assim, mesmo que removamos a cor desta pintura, a peça mais atraente, o foco, é aquele alto contraste onde essas formações rochosas encontram as nuvens. É por isso que o olho é atraído para lá com tanta força. Quando você combina isso com a cor, é ainda mais poderoso. Quando entrarmos na aula de pintura, vou falar sobre teoria das cores, vou mencionar cores complementares. As cores complementares caem no lado oposto da roda de cores e são muito atraentes quando colocadas uma ao lado da outra. Não quero dizer que eles são lindos, quero dizer que eles atraem os olhos. Mas, como você pode ver, é difícil falar sobre um elemento de design ou composição sem falar sobre outra coisa como cor. Na pintura de paisagem, quando falamos de composição tonal, é importante entender que cada cor tem um valor inerente ou um tom. Algumas cores são escuras e, quando essas cores são colocadas ao lado de outras cores escuras, elas aparentemente têm um contraste muito baixo. Utilizo essa ideia em primeiro plano. Minhas escolhas de cores são muito semelhantes em valor tonal e, portanto, elas não criam esse alto contraste e atraem tanto os olhos. Você pode estar se perguntando, bem, e a regra dos terços? Achei que isso era importante. Bem, todas essas regras ou conceitos são apenas ferramentas. Eles estão lá para ajudá-lo a criar composições dinâmicas se você precisar delas, mas você não precisa ater religiosamente a nenhuma das regras. No entanto, vamos cortar essa pintura para que ela esteja em conformidade com a regra dos terços e veja o que pensamos. Mas antes de fazermos isso, aproveite essa paisagem expansiva. No momento, você está longe dessas formações rochosas, você pode ver muitos detalhes em primeiro plano, rochas e gramíneas, e você está tomando esse grande céu expansivo. Se plantarmos para que a formação rochosa esteja em uma dessas interseções, ela cria uma composição muito agradável. No entanto, perdemos um pouco desse sentimento expansivo que tivemos no início. É apenas algo que eu poderia estar pensando quando projetei a pintura original para criar uma paisagem um pouco mais dinâmica. Não só a formação rochosa cai em uma dessas interseções, mas a linha do horizonte segue ao longo de todo o comprimento dessa linha. Isso cria um bom equilíbrio agradável. O grande, brilhante e bonito céu colorido ocupa a maioria da pintura, mas isso é equilibrado pelos elementos de contraste mais escuros e mais altos nessa interseção na linha inferior. Tenho certeza que alguns de vocês gostam mais da pintura original e outros gostam desta versão recortada. Como sabemos, a beleza está nos olhos do observador. Tantas pessoas ficam presas no conceito de criar a composição perfeita. Ou eles pensam sobre as regras de geometria de composição, como a regra dos terços ou a média dourada. Para um iniciante, essas regras podem ser assustadoras e restritivas e tirar um pouco da alegria que você sente ao criar porque você está preocupado em não acertar. Existem centenas, se não milhares de livros escritos sobre esse assunto. Embora possam ser ferramentas úteis, gosto de abordar esse tópico de forma muito diferente. Em vez de pensar em regras de composição, eu simplesmente tento criar uma cena que mantenha os olhos em movimento. Posso utilizar vários métodos, como cor, contraste, escala, e se eu fizer isso direito, posso chamar a atenção para qualquer ponto da página, mas principalmente penso em como direcionar o olho através da pintura e mantenha-o em movimento. Não quero que os olhos de alguém fiquem presos em uma área sem motivo. Para mim, é tudo sobre equilíbrio. Mas à medida que você faz e vê mais arte e isso é importante, ver arte, você se torna mais sensível a composições bem-sucedidas. No começo, pode parecer um pouco aleatório, mas muitas vezes um artista toma dezenas de decisões durante o processo de pintura para criar um equilíbrio agradável. Vejamos alguns exemplos e vou explicar isso à medida que avançamos. Meu objetivo com esta pintura era criar uma paisagem expansiva e chamar a atenção através da pintura a partir de você ou da do carro indo na jornada. O nome caminho para lugar nenhum dá essa ideia, mas eu ainda tive que usar o design para passar o ponto. Para manter os olhos se movendo através da pintura, decidi usar uma estrada torcida e ventosa, que na realidade é exatamente o que é nas terras altas. Mas, no geral, esta estrada leva você desde o primeiro plano da pintura e através todo o caminho para trás e além. Eu imito esse efeito fazendo as montanhas desaparecerem à distância também. Mas também uso perspectiva e escala. As montanhas ficam menores à medida que se afastam e a estrada fica menor e mais magra também. O valor também desempenha um papel nesse design. O céu é brilhante com essas nuvens enevoadas, e esse brilho é imitado em primeiro plano exatamente onde você entra na pintura na estrada. À medida que sobe e cai nos pequenos vales e sai para longe, há um pouco de destaque no topo de cada uma dessas montarias ou colinas. Usar valor dessa maneira e fazer essas formas repetíveis ajuda a levar o olho de volta à distância. Algo que eu também gosto de pensar é que eu não quero o olho do espectador voe para fora da borda da página por qualquer motivo. Às vezes isso pode acontecer quando você deixa um grande espaço aberto em uma das bordas ou você não tem um caminho óbvio para o olho deles seguirem de volta ao foco. Nesta pintura, o foco é, na verdade, espaço negativo. Trata-se de luz que flui pela floresta. Eu uso esses raios solares fortes e brilhantes em uma diagonal para iniciar o olho do espectador se movendo para baixo através da pintura. Mas, para manter o olho do espectador dentro desse espaço, escureço as bordas da pintura com essas árvores escuras fortes. Esses fortes elementos verticais neutralizam o movimento diagonal dos raios solares. Quando isso combina, você obtém um bom fluxo entre todos os elementos da pintura. Sei que pensar sobre tudo isso durante uma única pintura pode ser bastante avassalador, especialmente no início. Mas, por favor, saiba que isso não acontece de uma só vez. Com o tempo, quanto mais pinturas você fizer, mais pinturas você vê e quanto mais você descobre o que você gosta em uma pintura, essas coisas se tornam mais naturais no processo. É aqui que esses estudos de valores sobre os quais falamos são úteis. Use-os como oportunidades para explorar diferentes composições. Tente colocar árvores em áreas diferentes e veja o que isso faz. Faz seu olho fluir através da pintura ou você fica preso em certos elementos? Essas pequenas corridas de prática são ótimas antes de saltar para uma pintura. Mas lembre-se, você aprende com cada pintura, então saiba que com o tempo você vai melhorar nisso. 11. 2.6 Introdução à perspectiva: [MÚSICA] Vamos nos concentrar em dois tipos de perspectiva para paisagens, uma das quais será perspectiva linear e a outra será a perspectiva atmosférica, também conhecida como perspectiva aérea. Falaremos sobre perspectiva aérea ou atmosférica na lição de cores no Módulo 3, mas vou lhe dar breve visão geral para que você tenha uma ideia. Basicamente, a perspectiva atmosférica é a ciência que explica por que elementos mais distantes de nós podem parecer azuis, mais leves em valor, menos detalhados, às vezes até nebulosos. Tem a ver com a forma como a cor se move pela paisagem e interage com a atmosfera. Entre nós e esses elementos distantes, há muita coisa acontecendo. Quando se trata de desenho, você pode fazer isso mantendo esses elementos distantes mais leves em valor e menos detalhados. Na pintura, podemos representar isso ainda mais fácil porque podemos inclinar nossas cores mais para a extremidade azul do espectro. Mas, novamente, falaremos sobre isso na lição de cores. perspectiva linear é muito mais técnica. Existem três tipos de perspectiva linear, um ponto, dois pontos e três pontos. Se você estiver passando por um curso formal de educação, provavelmente passará muito tempo desenvolvendo essa habilidade. Sei que tudo vai soar muito técnico, mas vou te dar exemplos de tudo. Ter uma compreensão básica de tudo isso é realmente tudo o que é necessário para começar. Eu recomendo que você passe algum tempo em seu caderno de desenho explorando isso. É importante entender o básico da perspectiva antes de nos aprofundarmos na paisagem. Como quando se trata de pintar sombras, essas sombras estão caindo do sol em todos os momentos. Podemos usar a perspectiva para entender os ângulos em que as sombras podem cair. Se o sol estiver atrás de algumas árvores, podemos desenhar algumas diretrizes que ajudarão a determinar onde as sombras cairão. Embora as paisagens sejam um pouco mais indulgentes, será especialmente importante entender o básico da perspectiva quando se trata de esboços urbanos. O maravilhoso é que, mesmo que você não use diretrizes ou governantes ou algo assim, você ainda pode criar uma perspectiva crível e pinturas interessantes. Além dessas regras básicas de um, 2 e 3 pontos, temos outra coisa muito importante com perspectiva, e isso é tamanho. O tamanho é importante neste caso. Vamos dar uma olhada nessa ilustração antiga como exemplo. Imagine que você está andando pela floresta e se depara com essa casa de bruxa encantada. Ao se aproximar do portão da lua, você ouve um gatinho sussurrando nas folhas próximas e sente o cheiro de algo assado sobre o fogo. Todos esses pequenos detalhes que incluí contam parte de uma história, mas tive que usar a perspectiva para tornar isso um pouco crível. O conceito de quão grandes ou pequenos objetos são em comparação uns com os outros me levou muito tempo para descobrir por conta própria, e não foi até que eu fiz uma aula de desenho de figuras que percebi o importância disso. Se você já desenhou uma figura humana, então você sabe que a mão é tão grande quanto o rosto, e se estiver mais perto do espectador quanto na frente da figura, ela parecerá ainda maior do que todo o corpo às vezes. É a mesma coisa em paisagens. Aqui temos esse fogo e se compararmos o fogo com o tamanho da casa e a distância, obviamente na vida real, um incêndio não seria maior que uma casa ou pelo menos não esse tipo de fogo, nem um gato seria tão grande quanto a porta, mas pequenas pistas visuais como essa, mesmo em uma paisagem de fantasia, realmente ajudarão a contar a história e torná-la mais crível. Quando falamos de perspectiva, precisamos entender o que é uma linha de horizonte e um ponto de fuga. Uma linha de horizonte é uma linha imaginária que existe à distância. É basicamente o nível dos olhos em qualquer cena. Nesses desenhos, estou representando isso com essa cor rosa. Nosso ponto de fuga existe na linha do horizonte. Em uma perspectiva de um ponto, temos um único ponto de fuga. Vamos desenhar isso no centro da nossa linha do horizonte para começar. Já que a linha do horizonte dita como estamos vendo a cena, se desenharmos coisas abaixo da linha do horizonte, vai sentir como se estivéssemos acima deles olhando para elas. Se desenharmos coisas acima da linha do horizonte, parecerá que estamos olhando para os objetos. Se desenharmos coisas na frente da nossa linha do horizonte ou coisas que cruzam, parecerá que estamos olhando diretamente para elas. Vamos desenhar algumas caixas como exemplos. Com uma perspectiva de um ponto, acho mais fácil começar com o desenho da frente de um objeto e, nesse caso, a frente da caixa. Vamos desenhar abaixo e depois acima e depois na frente da linha do horizonte para que você possa ver a diferença nessas perspectivas. Em seguida, vamos usar uma régua e conectar todos os cantos desses objetos ao ponto de fuga. Estou usando uma cor verde para que fique óbvio que essas são nossas diretrizes. Uma dica rápida para tornar isso rápido e fácil é colocar o lápis no ponto de fuga, pressionar a régua contra a ponta do lápis e, em seguida, alinhar o outro canto com a régua e desenhar o linha. Agora podemos desenhar os lados de nossas caixas. Usando as diretrizes que acabei de desenhar, usarei uma linha paralela vertical para fazer a parte de trás da caixa e depois conectar à frente. Usarei o mesmo método na parte superior, embora o topo dele seja obviamente uma linha horizontal. Só por diversão, experimente a mesma coisa com uma linha pontilhada para mostrar a parte de trás da caixa como se estivéssemos olhando para a caixa com raio-x. Como fiz todos os lados da caixa praticamente a mesma profundidade, parece mais um cubo, mas se quisermos algo mais alongado? Basta desenhar a parte de trás da caixa mais longe, mais perto do ponto de fuga. O mesmo método pode ser aplicado se quisermos uma caixa muito magra. Desenhe a parte de trás da caixa mais perto da frente da caixa. Você pode ver que quando o objeto está na frente da linha do horizonte, você não consegue ver a parte superior ou inferior do objeto. É como se estivéssemos olhando mais direto para o objeto. Que tal um cilindro? Vamos começar com um círculo e, usando nossa régua, vamos pular as diretrizes. Vamos colocar a régua na borda superior e na borda inferior desse círculo, e desenhá-la até lá para baixo quanto quisermos que ela vá. Se quisermos mais tempo, os aproximará do ponto de fuga e iremos imitar essa mesma curvatura no final das linhas que desenhamos. Vou sombrear para que você possa ter uma ideia de como é redondo [RUÍDO]. Podemos usar esse método para qualquer forma que quisermos. Vamos tentar desenhar algo realmente maluco. Use algo com curvas e com pontos, e então veremos como podemos nos conectar a eles. Para facilitar, geralmente conecto as bordas externas primeiro, e desta vez vou desenhá-las até a linha do horizonte para realmente enfatizar a forma estranha. [RISOS] Eu estou desenhando linhas onde quer que haja um ponto. Se eu tiver uma forma mais curva ou uma borda curva, nem sempre preciso desenhar uma linha, às vezes isso pode ser representado puramente com sombreamento, o que mostrarei em um momento. Aqui, eu estou mostrando um pouco de sombreamento em vez de desenhar uma linha sólida e ele percebe que é uma borda curva suave. [RUÍDO] Agora, a perspectiva de dois pontos fica um pouco mais complicada, mas é muito divertido. Com uma perspectiva de dois pontos, normalmente temos um canto de um objeto voltado para nós. Veremos você em um segundo o que quero dizer. Vamos desenhar dois pontos de fuga desta vez, um em cada extremidade da nossa linha do horizonte. Vou desenhar formas geométricas boxy e vou desenhar uma abaixo, acima e na frente da linha do horizonte novamente. Para manter isso simples, vamos começar com apenas uma única linha representando cada uma dessas formas. Em seguida, vamos desenhar algumas diretrizes que vão das bordas superior e inferior dessas linhas para ambos os pontos de fuga. Se for mais fácil manter as coisas retas em sua cabeça, sem trocadilhos, [RISOS] tente desenhar todas as diretrizes para um ponto de fuga primeiro e depois mude para o outro lado. Assim como antes, vamos desenhar os lados das nossas caixas primeiro. Usando nossas diretrizes, vamos desenhar as linhas paralelas novamente e depois conectá-las ao canto frontal. [RUÍDO] Tente espalhar essas linhas paralelas e veja até onde você pode voltar à distância. Ele cria uma borda mais alongada. [RUÍDO] Vamos desenhar algumas diretrizes para nos ajudar a completar nossas formas. Primeiro, vou conectar o lado direito da minha caixa ao ponto de fuga esquerdo. [RUÍDO] Então vou conectar o lado esquerdo das minhas caixas ao ponto de fuga direito. Agora eu posso apenas traçar a forma que acabei de criar. [RUÍDO] Mais uma vez, você pode ver que objetos na frente da linha do horizonte realmente não mostram a parte superior ou inferior. Agora vamos passar para a perspectiva de três pontos, a mais complicada, mas a que levará ao mais realismo. Vou gravar um pedaço de papel trás deste papel, a fim me dar mais espaço para deixar o ponto de fuga superior mais longe. Você verá o que quero dizer em um segundo. Podemos começar com uma perspectiva de dois pontos desenhando dois pontos de fuga em cada extremidade da nossa linha do horizonte. Então, vamos adicionar outro ponto de fuga muito acima o mais longe possível. Para esta demonstração, vou desenhar uma torre. Gosto de começar desenhando a parte inferior da minha torre e, para mantê-la muito simples, vou fazer uma pequena marca para o canto inferior da frente da minha torre, e então vou desenhar minhas diretrizes indo deste canto inferior frontal da torre até os pontos de fuga que existem na minha linha do horizonte. Então vou usar meu terceiro ponto de fuga e conectá-lo ao canto inferior da minha torre. Agora seguindo essas diretrizes, posso desenhar a base da minha torre. Onde quer que eles parem, ligo esse ponto ao meu terceiro ponto de fuga. Parece quase uma forma de árvore de Natal. Então eu posso desenhar a borda traseira da minha torre. Não estou desenhando até aquele terceiro ponto de fuga, estou parando curto, estou parando curto, e também vou desenhar a linha central ou o canto da frente da minha torre. O topo desta linha será um pouco mais alto do que os que acabei de desenhar. Para encontrar a borda superior da nossa torre, começamos com nosso lápis no topo do canto frontal que desenhamos, e o conectamos a qualquer um desses pontos de fuga inferiores, e depois traçar essa diretriz para criar a borda superior. Aqui você pode ver que eu tenho algumas linhas em excesso indo acima do topo da minha torre, isso foi porque eu pulei um pouco à frente e não desenhei todas as minhas diretrizes primeiro. Com o tempo, fica muito mais fácil desenhar as várias perspectivas sem as diretrizes, e você pode se divertir muito e até exagerá-las às vezes, mas essas regras geralmente entram em jogue quando você vê edifícios ou cercas ou qualquer outra forma de tipo geométrico em sua paisagem. Quando se trata de árvores e outras formas orgânicas, é muito mais indulgente. 12. 3.1 Introdução à teoria das cores: [MÚSICA] O valor faz todo o trabalho e a cor recebe todo o crédito. Mas por que isso? Por que a cor é tão poderosa? Bem, este é um tópico enorme em si e algo que você provavelmente poderia passar anos estudando por conta própria, mas vou dar-lhe uma introdução à teoria das cores que pelo menos terá você começou em seu caminho de esboçar a natureza. Mas vamos falar rapidamente sobre como a cor pode mudar nossa percepção do mundo ao nosso redor. No mundo do design, estudamos como os ocupantes em um espaço são afetados pelas cores que você escolhe. Se você quiser evocar energia ou paixão intensa, use vermelho. Se você quiser evocar paz, harmonia e sensação de calma, use blues e greens. Mas quando se trata de pintar paisagens, por um lado, você pode querer misturar cores precisas e representar o que está à sua frente de uma maneira bonita ou você pode querer usar suas próprias cores que você compõe crie seu próprio senso de humor ou conte uma história específica. Muitas vezes em obras de arte de fantasia ou ilustrações de livros de histórias, artistas usarão uma variedade de cores que nunca seriam encontradas no mundo real, mas estão usando cores para ajudar a contar sua história. Vamos falar sobre como misturar cores em uma paisagem. Você já viu isso? É uma roda de cores, e muitas pessoas fizeram versões diferentes dessa roda e você pode encontrar uma tonelada delas por toda a Internet. Este, em particular, é organizado de forma a representar uma ideia que é extremamente importante na pintura de paisagem. Há algo conhecido como temperatura dentro das cores. Sem ficar muito científico aqui, basicamente se refere a quão quente ou quão legal é uma cor. Como você deve saber, cada cor é composta de diferentes comprimentos de onda, e esses comprimentos de onda saltam das coisas em nosso ambiente e atingem nossos globos oculares e é assim que percebemos que cor eles são. Quando pegamos o espectro natural de cores e o envolvemos em uma forma de roda ou um círculo, é isso que obtemos. Por que eu apontei vermelho, amarelo e azul? Bem, essas são conhecidas como primárias. As cores primárias significam apenas as cores das quais todas as outras cores do espectro podem ser misturadas. Se você tiver vermelho, amarelo e azul na sua paleta, você pode misturar praticamente qualquer cor. Há muitos amarelos diferentes, muitos azuis diferentes e muitos vermelhos diferentes. Você pode ver que quando você mistura vermelho e amarelo, você obtém laranja, amarelo e azul dar-lhe verde, azul e vermelho lhe dão roxo, e há tanta variação dentro dessas misturas que você pode criar. De volta à roda de cores sobre cores quentes e frias, como você pode ver, vermelho e amarelo estão no lado quente e o azul está no lado frio. Quando se trata de mistura de cores, quanto mais azul você adicionar a uma mistura, mais fria será a cor. Quanto mais amarelo você adicionar, mais quente. No entanto, torna-se um pouco mais confuso quando você compara dois amarelos próximos um do outro, um que é quente e um que é frio, ou dois vermelhos, um vermelho frio e um vermelho quente. Mas se o vermelho estiver no lado quente do espectro, como ele pode ser considerado legal? Bem, a cor é sempre relativa. Então, se você estiver comparando dois vermelhos juntos, um deles parecerá mais quente e um parecerá mais legal. É apenas a forma natural como nossos olhos funcionam. Estamos sempre comparando cores. Se você ouvir alguém falando sobre um azul quente ou um azul frio, esse é o motivo. Normalmente, um azul quente é porque há um pouco mais de vermelho misturado nele. Ainda parece azul para nós, mas tem um pouco mais vermelho. Na maior parte de uma paisagem, você vai se preocupar em usar as cores que caem entre as primárias, muito raramente você precisará de uma cor primária pura. Às vezes você vê isso em objetos ou flores ou animais feitos pelo homem, mas muito mais comumente usaremos tons mais silenciados ou cinzas ou marrons, e isso me leva a como você pode usar o gráfico de cores para descobrir quais cores você precisa misturar. Uma das razões pelas quais as pessoas fazem ou compram uma roda de cores e a mantêm com elas em seu estúdio ou fora é porque elas podem olhar rapidamente para uma cor, olhar para o lado oposto da roda de cores, e veja qual deles é gratuito. Cores complementares caem no lado oposto da roda. Vermelho e verde são elogios. Quando colocados um ao lado do outro, eles fazem um ao outro parecer mais vibrante. Há uma vibração que acontece entre eles. É um tópico fascinante por conta própria, você pode ler sobre isso. Mas aqui, vamos fazer um pequeno experimento. Quero que você se concentre neste ponto branco. Enquanto eu falo, apenas olhe para ele o mais forte possível. Tente não piscar e tente ver se ele se move. Bem, o ponto branco em si não está se movendo, mas você pode sentir seus olhos estão começando a tremer um pouco. Algumas pessoas dizem que seus olhos se contorcem em uma escala de minutos, mas isso é apenas uma vibração natural que está acontecendo. Quase pronto, continue olhando para o ponto branco e ele se foi. Agora seus olhos provavelmente vêem um pouco de sombra onde o ponto branco costumava estar. Qual é o sentido desse experimento? Honestamente, eu só queria mostrar a vocês que há muito mais acontecendo nos bastidores, o que mal conseguimos perceber como humanos. Se você gostaria de se aprofundar na teoria das cores e espectro e em todos esses tópicos incríveis, recomendo Nathan Fowkes no schoolism.com. Ele é alguém que explodiu minha mente quando comecei a aprender sobre cor. Mas, por enquanto, vamos mergulhar de volta na pintura de paisagens. Conhecer suas cores complementares é extremamente útil. Misturar dois complementos juntos lhe dará uma versão muito mais silenciosa dessa cor. Se você quiser pintar mais verdes suaves, adicione um pouco de vermelho neles. Não muito, apenas uma pequena dica e isso automaticamente derrubará essa vibração. Ele criará um verde muito mais agradável, um verde muito mais natural do que um verde super brilhante direto do tubo. Você já notou que objetos distantes à distância de nossas paisagens, como montanhas ou florestas, o que quer que esteja mais próximo do horizonte tende a parecer um pouco mais azul ou nebuloso? Ele só tem uma aparência diferente do que está mais próximo de nós. Isso é o que é conhecido como perspectiva atmosférica. Ao longo da história, isso também tem sido conhecido como perspectiva aérea. Mas eu queria chamá-lo de perspectiva atmosférica para lembrar que o que está acontecendo na atmosfera ao nosso redor faz uma enorme diferença nas cores que vemos. comprimentos de onda estão saltando entre os objetos e nossos olhos. Se eles tiverem mais longe para viajar pela atmosfera, às vezes partículas e outras coisas ficam no caminho. Isso é especialmente exagerado em um dia nebuloso ou enevoado. A água no ar está bloqueando fisicamente esses comprimentos de onda de viajarem longe na distância de volta aos nossos olhos. Artistas renascentistas italianos e europeus foram os primeiros a empregar isso em suas pinturas. Eles perceberam que , para alcançar esse olhar de uma paisagem expansiva, não só precisavam usar a perspectiva linear, quão grandes ou pequenos objetos são em comparação entre si, mas eles tinham que usar suas cores com sabedoria. Você pode ver nos elementos distantes de suas pinturas, há muito menos contraste, menos saturação e as cores se inclinam mais para a extremidade azul do espectro. Falarei sobre isso um pouco mais depois nas demonstrações de pintura. Digamos que tenhamos uma bola marrom que representa nossa árvore. Este marrom é a cor local ou a cor real da árvore. Nossa árvore está lá fora. Temos um céu e temos uma bela grama verde, e também temos um sol, uma fonte de luz, e é um sol feliz. Esse sol está brilhando em nossa árvore e criando um destaque. Neste destaque, você pode ver que é um pouco marrom mais quente, um pouco mais leve. Ele tem um efeito mudou nossa cor local, e também está lançando uma sombra na grama. O sol está brilhando naquela grama e vai saltar todas essas partículas verdes ao redor, e essas partículas verdes vão saltar para cima e refletir sobre nossa árvore. Chamamos isso de luz de salto, mas não pára por aí. O sol também está enviando luz pelo céu e essa cor azul também será enviada saltando, lançando em nossa superfície da árvore. Temos um pouco dessa luz azul saltando da nossa cor local, dando-lhe um pouco de uma tonalidade azul. Isso não acontece apenas com luz direta, também pode acontecer em uma cena de luz ambiente mais, como ao entardecer ou à noite, quando não há uma fonte de luz direta, mas a luz está brilhando no céu. Ainda está saltando todas essas cores ao redor, e essas cores serão lançadas em nossa cor local, tingindo-as ligeiramente, bem como saltando de qualquer objeto ou superfície próxima área como a grama. Claro, você pode dobrar e ajustar essas regras conforme necessário para sua paisagem, mas usar luz saltitada pode realmente adicionar muitos interesses e profundidade às nossas pinturas. Independentemente da cor local, você ainda pode brincar com essa ideia. Aqui usei um azul escuro como minha cor base, e depois salto aqueles tons sombrios ao redor do lado da sombra e tons quentes no lado brilhante. Sei que tudo isso é muito para absorver. Por enquanto, vamos trazê-lo de volta à Terra um pouco e falar sobre misturar cores. Vou mostrar alguns gráficos de cores que tornam a vida muito mais fácil. Porque sem realmente saber quais cores podemos misturar com os tubos que possuímos, vamos lutar para aplicar qualquer um desses conceitos de cor em nossas paisagens. A primeira coisa que você deve fazer quando comprar tinta é fazer uma folha de amostras. Este é um exercício simples para descobrir quais cores você possui. Às vezes, a cor impressa no tubo não é nada parecido com o que parece no papel e os nomes muitas vezes podem ser enganadores. Ter uma folha de amostras como referência será muito importante até você se familiarizar com suas cores. Eventualmente, ela se torna uma segunda natureza e você não precisa referenciá-los com tanta frequência. Folhas de amostras nos mostram como é nossa cor diretamente para fora do tubo. Este é um bom ponto de partida para se acostumar com suas cores antes mesmo de entrar na mistura. Para ver mais variedade do que é possível com uma cor diretamente para fora do tubo, normalmente vou molhar o papel primeiro e depois usar pigmento pesado de um lado e deixá-lo lentamente sangra e seja mais diluído na outra extremidade. Posso ver o que parece, muito pigmentado e muito diluído. Eu faço exatamente a mesma coisa pelo meu guache. Uma vez que eu tenho minhas folhas de amostras, é hora de uma mistura de cores. Eu tenho um tipo de gráfico de mistura de cores que eu amo mais do que qualquer outro tipo e é, na verdade, um dos mais úteis. É chamado de gráfico de duas cores. Fiel ao seu nome, significa que estamos misturando duas cores juntas, mas de uma forma que nos mostra a ampla gama de misturas podemos alcançar entre essas duas cores. Começamos com uma cor de um lado. Isso é magenta quinacridona. A segunda cor que estou usando é chamada de azul de antraquinona. Sim, nome muito louco, mas é um azul profundo muito bonito. Começo de um lado usando principalmente magenta e cada pincelada, introduzi apenas um pouco do azul. À medida que eu trabalho para o lado direito, adiciono cada vez mais azul e eventualmente, a pincelada final será azul puro. Ao longo do caminho, posso diluir a tinta se quiser ter ainda mais variedade visível porque isso é algo que fazemos em nossas pinturas reais. O objetivo geral é ter um bom espectro entre as duas cores e mostrar o máximo de variedade possível. Se isso for um pouco demais para você, você pode fazer algo pequeno assim. Esta é minha versão de viagem. São apenas algumas cores, mas veja a ampla gama de cores que posso misturar. Tendo isso em mãos quando estou fora, especialmente na costa onde estou constantemente tentando misturar uma enorme variedade de cores, uso isso constantemente. [PLANO DE FUNDO] 13. Noções básicas de pintura 3.2: Quando pinto lá fora, sou um pintor híbrido. Eu uso aquarela e guache de forma intercambiável, e uso uma variedade de outros materiais, como lápis, caneta, tinta e marcadores. Minha filosofia é usar o que for necessário para fazer o trabalho. Gosto de trabalhar de forma rápida e expressiva, portanto, prefiro meios de água quando pinto lá fora porque eles são muito portáteis e secam rápido. Para os propósitos desta aula, estarei falando sobre esses materiais. Quando se trata de meus materiais, gosto de usar uma configuração mínima com a máxima qualidade. Eu compro os suprimentos de máxima qualidade que posso pagar, mas não preciso de uma tonelada de cores diferentes ou toneladas de pincéis diferentes. Na verdade, prefiro uma seleção limitada de cores e um ou dois pincéis muito legais e se eu vou fazer alarde em qualquer coisa, será meu papel, porque o papel faz uma enorme diferença em desempenho. Se você já usou papel aquarela barato e lutou para fazer as técnicas básicas, não é sua culpa. papel realmente faz uma grande diferença com a aquarela. A principal coisa que você quer lembrar é que o melhor papel aquarela será feito com 100% de fibras de algodão. Isso torna o papel mais absorvente e dependendo da empresa e de como eles terminam o papel, ele terá um desempenho muito melhor e permitirá que você faça todas as técnicas que você possa imaginar com aquarela. Diferentes técnicas incluem molhado em molhado e envidraçado e pincel seco. Falarei sobre essas técnicas para que você possa ter uma ideia melhor de como usar os materiais quando estiver fora. Mas primeiro, vamos falar sobre paletas porque você precisa de uma delas quando está pintando lá fora. Você pode voltar e conferir todos os materiais que gosto de usar na lição anterior sobre pintura a ar simples. Mas deixe-me mencionar rapidamente que meus suprimentos estão em constante evolução. Estou sempre tentando coisas novas e com o tempo percebi que algumas coisas que costumavam funcionar muito bem para mim, não mais me servem. Só tento manter a mente aberta sobre isso e usar o que me convém no momento. No estúdio, uso esta paleta de sílaba dobrável, que contém 18 cores e, como gosto de misturar minhas próprias cores, várias delas nesta paleta são realmente minhas cores misturadas personalizadas. Você pode economizar algum dinheiro se comprar as cores primárias e misturar seus próprios verdes, roxos e laranjas. Vou te dar um resumo rápido dos suprimentos que gosto de usar no estúdio. Normalmente, vou ter um punhado de pincéis de todas as formas e tamanhos diferentes [RISOS]. Normalmente, gosto de usar pincéis redondos e pontiagudos para aquarela e as escovas mais planas para guache. Mas às vezes eu mudo isso. Também é muito útil ter algumas toalhas de papel ou trapos reutilizáveis para limpar seus pincéis e absorver um pouco de água em excesso enquanto você está pintando. Você pode até usar camisetas recortadas antigas. Precisamos de algum tipo de vaso de água. Eu usei o mesmo há quatro anos e, claro, nossa tinta e nosso papel. Se você estiver usando aquarela ou guache que é seco em uma panela como esta, é realmente útil soltar pouco de água para que ele possa suavizar talvez cinco ou 10 ou até 15 minutos antes de começar a pintar. Eu tento não afogá-lo na água, mas preciso usar o suficiente para que ele o cubra completamente e possa mergulhar nesse pigmento. Aquarelas de alta qualidade podem ser molhadas e reutilizadas repetidamente. A minha seca entre as sessões de pintura todas as noites e eu a molho novamente no dia seguinte e está pronto para começar. A primeira técnica que vou demonstrar é molhada e especificamente como criar um gradiente. Usaríamos um gradiente no fundo de nossas pinturas, especialmente em um céu. Para esse tipo de coisa, eu realmente gosto de usar meu suporte para iPad e inclinar o papel para cima em um ângulo de 45 graus. Isso permitirá que o pigmento flua naturalmente com a gravidade e crie um gradiente mais suave. Uma regra típica de polegar com aquarela é que a tinta quer fluir onde quer que a água esteja. Se você está molhando o papel primeiro ou coloca aquarela para baixo e deseja adicionar mais a ele, onde quer que a borda da água esteja, a tinta quer fluir para dentro dela. Para um gradiente, gosto de ter um pouco de água no papel para que a tinta possa começar a fluir instantaneamente e criar um efeito realmente suave. Aquarela seca mais leve, e um dos erros iniciantes mais comuns e nem mesmo apenas para iniciantes, eu ainda faço isso às vezes é não usar pigmento suficiente. Quando você começa a misturar sua poça de pigmento antes de usá-la, parece que ela vai ser muito brilhante. Mas uma vez que seca, muitas vezes você percebe que não foi o suficiente. Mas é aí que entra a prática. Antes de entrar em uma pintura, farei uma corrida de prática como essa, onde pratico misturar minhas poças e realmente percebo como elas se parecem na paleta antes de aplicá-la ao papel. Dessa forma, quando eu pulo na minha pintura final, estou melhor informado. Na verdade, estou mostrando o que não fazer com um gradiente. Normalmente, queremos trabalhar um pouco mais rápido do que isso. Se não colocarmos nossas cores umas nas outras com rapidez suficiente, acabaremos com três cores separadas que apenas se classificam juntas. Isso, claro, pode ser útil para certas coisas. Mas em um céu, normalmente não queremos ver grandes faixas de cores como essa, mas esse é um ótimo exercício de aprendizado. Vamos fazer isso de novo da maneira certa. Desta vez, não estou pré-molhando meu papel porque quero demonstrar que você ainda pode alcançar esse efeito sem fazer isso. Desta vez, vamos começar com uma cor e introduzir lentamente a próxima cor em cada pincelada. Depois de deitar meu amarelo, vou lentamente começar a introduzir o menor pedaço de rosa e fazer uma ou duas pinceladas e depois um pouco mais rosa e fazer mais uma ou duas. Vou continuar essa mesma estratégia todo o gradiente, apenas focando em introduzir lentamente minha cor. Isso levará a um gradiente muito mais suave no final. É preciso alguma prática e se acostumar. Mas, mais uma vez, faça um pouco de prática assim antes de entrar em uma pintura final e você ficará muito melhor. Um conselho rápido é tentar não perturbar a tinta depois de terminar uma pincelada. Você pode passar pelo mesmo local uma ou duas vezes, mas não uma vez que os pigmentos começam a se instalar no papel. Neste ponto, se eu voltasse e tentasse ajustar qualquer coisa que eu fizesse, acabaria com listras e todos os tipos de splotches estranhos e coisas que eu não quero. Mas você pode ver que o gradiente que fiz na segunda vez é um pouco mais suave. Mas o vermelho rosado e o azul ainda estão um pouco visivelmente separados visualmente, o que não é ideal, então eu definitivamente cuidaria se estivesse fazendo isso em uma pintura de céu real. Na verdade, não uso essa técnica específica para gradientes quando estou pintando meus céus, prefiro ser um pouco mais solto e expressivo. Adoro deixar o pigmento fluir rapidamente e sangrar juntos naturalmente no papel. Essa espontaneidade é o que eu amo na aquarela. Vamos fazer um gradiente que eu gosto de fazer nos meus céus. Desta vez vou começar de baixo e trabalhar meu caminho para cima. A razão é porque isso levará a um fluxo de pigmento muito mais ativo. A gravidade está fazendo isso aqui e porque você já coloca algum pigmento para baixo, o que quer que você coloque em cima dele e acima dele neste caso, fluirá rapidamente pelo papel. Porque lembre-se dessa regra que eu disse sobre como aquarela gosta de fluir onde quer que já esteja molhada. Sim, você definitivamente pode ver isso no trabalho aqui. Também fiquei um pouco mais escuro porque sei que minha tinta vai secar muito mais leve. Você já pode ver o quanto mais leve e mais pastel esses dois exemplos deixados são. Agora, para alguma técnica de pincel seco, que é uma das minhas maneiras favoritas de criar textura interessante. O que eu amo em meios úmidos é que você pode combinar essa linda cor macia com uma cor mais áspera e de alto contraste. Para criar uma textura de pincel seco, estamos tentando criar um equilíbrio perfeito de ter pigmento suficiente em nosso pincel e não água suficiente para que, quando realmente fazemos uma pincelada, apenas o o pigmento está saindo. Basicamente, você está deixando o pó de pigmento na superfície desse papel áspero porque há menos água, ele não mergulha instantaneamente nas fibras. Ele fica em cima um pouco mais. Isso é exagerado quando você está usando papel muito áspero ou prensado a frio, que tem uma tonelada de textura na superfície e se você colocar um monte de pincel seco, você pode criar tão interessante efeitos. Para mim, as pinturas em aquarela mais interessantes combinam um bom equilíbrio daquele molhado macio em textura de pincel úmido e seco. Como mencionei, gosto de usar guache e aquarela juntos. Existem alguns aditivos que tornam o guache opaco e ele seca completamente fosco, por isso não terá nenhum reflexo, o que é ideal para trabalhos de ilustração que precisam ser fotografados ou digitalizados e transformou-se em uma imagem digital mais tarde. Mas também parece tão bonito pessoalmente. Para mim, é quase como olhar para pastéis líquidos se isso fosse uma coisa. Como a aquarela e o guache compartilham um aglutinante semelhante, eles podem ser facilmente misturados. Normalmente, eu gosto de começar uma pintura com aquarela ou uma versão diluída de guache se eu não tiver minha aquarela comigo. Então, à medida que construo a profundidade da cena, continuo adicionando guache mais grosso e mais grosso. É ótimo para adicionar detalhes e tantas texturas interessantes e, como eu disse, adoro como o guache parece quando ele seca. As próximas lições, nossas demonstrações em várias situações em que posso usar aquarela, guache ou ambos, para que você possa ver quanta variedade possível. É claro que, ao passar pelas demonstrações, também falarei sobre todas as outras coisas que mencionei nas lições anteriores. Vamos pular. 14. Demonstração 3.3: rochas de aquarela: [MÚSICA] Para esta primeira demonstração, estou usando meu caderno de desenho Etchr cold press, que tem papel bastante áspero. Há muita textura neste papel. Como mencionei, é muito mais fácil obter texturas de pincel muito boas e secas quando você tem um papel mais áspero. Quando se trata de pintar rochas, adoro usar papel de prensagem a frio. Ao pintar com aquarela, lembre-se sempre de que o valor mais brilhante com o qual temos que trabalhar é a cor do papel. Você precisa deixar essa cor do papel aparecer se quiser destacar. Normalmente, vou começar minhas rochas colocando alguma cor para baixo e tocando outras cores nela para que ela sangre e flua juntas. As rochas têm muita variação na cor. Então, começar com uma camada de vários tons como essa é o primeiro passo para alcançar um pouco desse realismo. Como este papel é 100% algodão, me dá tempo suficiente para brincar com minhas camadas. Posso voltar e suavizar as coisas ou adicionar mais cores, mas uma coisa que gosto de fazer é tocar minha toalha de papel tão ligeiramente na superfície da aquarela e pegar um pouco da cor. Aqui você me vê tocando a borda superior das rochas e isso lhe dá um pouco de destaque. Se você olhar de perto, você ainda pode ver um pouco de cor embaixo de onde eu peguei com a toalha de papel. Isso porque algumas cores são mais coloridas do que outras. No momento em que você os coloca no papel, eles mancham essas fibras de papel. Isso é algo que você aprenderá ao longo do tempo e fazendo muitos testes em suas próprias pinturas, você descobrirá quais cores fazem isso e quais não fazem. A outra técnica que gosto de usar com rochas é envidraçamento. Então vamos deixar isso secar e depois faremos outra camada no topo. Isso vai secar muito mais leve do que parece agora, o que você verá em um momento. Então, na segunda camada, podemos começar a construir a profundidade nas partes sombreadas da rocha. Mas primeiro, vou tocar em algumas cores gramadas ao redor das rochas. Esperei apenas um pouco a tinta secar, ela está começando a mergulhar nas fibras agora. Mas quando eu adiciono a cor da grama, ela sangra um pouquinho nas minhas rochas. O momento disso é, claro, importante. Se você não quer que ele sangre em sua cor de rocha, você precisa esperar um pouco mais. Mas eu gosto que minhas rochas tenham um pouco de interação com o que está por perto. Então, neste caso, eles estão sentados no chão, eles estão sentados na grama. Gosto do fato de que ele vai sangrar juntos. À medida que fazemos a segunda e até a terceira camada da textura da rocha, ela aumentará a profundidade e ajudará a fazer com que as rochas pareçam estar sentadas em cima da grama e não apenas parte do o chão. Para referência, vou soltar as três cores que usei nesta pintura até agora. Este é um ótimo exercício quando você está começando pela primeira vez para que você possa se lembrar do que usa para pintar algo. Quando a tinta estiver seca, posso fazer a segunda camada nas rochas. Eu não quero usar uma cor muito escura aqui, na verdade vou usar uma cor muito semelhante à primeira camada. Mas o mais legal é que, uma vez que você começa a colocar em camadas aquarela, ela fica exponencialmente mais escura e mais escura. A cor abaixo vai aparecer um pouco e adicionar à cor e aos valores mais profundos. Essa é a magia do envidraçamento. Se você pensar na lição de desenho que falamos sobre desenhar pedras, quero ter certeza de escolher um lado que será meu lado destacado e, claro, o outro lado será o lado sombrio. Coloco mais da segunda cor no lado da sombra e perto da base da rocha. Não preciso usar pinceladas grandes, pesadas e sólidas. Posso usar os pequenos que estão quebrados aqui e ali. Na verdade, acho que isso ajuda a emprestar ao realismo. Agora que temos um pequeno estudo fora do caminho, quero mostrar a vocês como eu coloquei essas coisas em uma cena maior para que se você quiser sair e pintar um campo ou colinas com rochas ou seja o que for, você tem uma estratégia em mente. Primeiras coisas primeiro, comece com um esboço básico. Se você precisar começar com as estruturas de blocos simples ou cones ou esferas, o que quer que o ajude a tirar essas rochas, basta fazê-lo. Não se preocupe com o quão estranho parece e desenhe luz o suficiente para que você possa desenhar a estrutura final por cima, e também não importa e também não importa se o lápis aparecer no final. Se for apenas um estudo como este, acho que é realmente útil ver a linha funcionar mais tarde porque me lembra o que eu tinha que desenhar para fazer a pintura. Acho que isso é realmente uma informação valiosa mais tarde. Você pode ver quando eu esboço essas rochas, minha mão está se movendo muito rápido e a principal razão para isso é porque eu não quero pensar demais. Sempre que me sento para desenhar pedras ou árvores ou qualquer coisa que seja mais orgânica, se penso demais nas minhas linhas, desenho as mesmas formas, os mesmos tamanhos, e tudo parece muito rígido e não natural. Só deixo o lápis fluir, e se eu acabar com linhas extras aqui e ali, tudo bem. Você pode apenas apagá-los ou ignorá-los quando estiver pintando. Mas a principal coisa que pensamos com aquarela é onde serão nossos destaques porque o papel é nossa cor de destaque. Isso é o mais brilhante que podemos entrar na pintura. Desde o início, pense em onde a luz está na cena. Qual lado da rocha será o lado de destaque? Essas permanecerão as áreas mais brilhantes e você pode lentamente construir a escuridão ao seu redor. Vou usar uma mistura de azul, um pouco de rosa e um pouco de preto. Então, vou ter um tom acinzentado, e minha primeira camada é muito diluída com água. Depois de pintar essa cor base, vou começar a tocar em alguma variação aqui e ali com a mesma cor, apenas um pouco menos de água para que você possa ver que é um pouco mais escuro. Vou deixar isso fluir e sangrar juntos porque quero essa variação natural. Ao fazer isso, estou me lembrando que vai secar mais leve, então não estou necessariamente me preocupando com o lado do destaque e da sombra ainda. Este só vai ser o underlayer, e vou pintar as sombras mais tarde. Por enquanto, apenas pensando em obter uma boa variação na cor subjacente. As rochas podem variar aqui e ali. Eles nem todos precisam ter exatamente as mesmas cores. Mesmo as rochas próximas umas das outras nem sempre combinam. Para evitar ter uma linha dura na base das rochas, usarei um pincel limpo e varrerei uma linha por baixo e deixarei essa cor sangrar. Ele só vai desaparecer para onde a grama vai estar, e é muito leve, então não importa. É muito divertido brincar com cores diferentes em nossas rochas. Nesse caso, decidi adicionar um pouco de tom quente. Estou misturando um pouco do meu vermelho veneziano diluído. Os pigmentos vão sangrar lentamente e se acomodar onde quiserem, e acho que é aqui que você pode realmente começar a ver essa textura aparecendo. Estou usando uma pistola de calor para acelerar o processo de secagem e, na verdade, vou acelerar um pouco o vídeo para que você possa ver quanto de uma mudança de valor há de molhado para seco. Mais uma vez, vou fazer pequenas notas coloridas para me lembrar de quais cores eu usei para pintar isso. Agora que a camada inferior das minhas rochas está seca, é hora da grama. Estou usando um verde muito diluído e vou pintar em torno das minhas formas rochosas. É preciso um pouco de diligência para fazer isso, mas com um belo pincel pontiagudo, é um pouco mais fácil. Tudo bem se eu sobrepor as rochas um pouco aqui e ali, mas eu especialmente quero ter certeza de que não me sobreponho em nenhum lugar que seja um destaque brilhante nas rochas. Mas mesmo assim, estou trabalhando rapidamente para obter algumas marcas expressivas e quebradas aqui. Você pode ver que estou pintando até o fundo da rocha, e essa cor verde está se sobrepondo um pouco da cor base das rochas. Lembre-se quando eu varri meu pincel baixo da rocha e deixei essa cor para baixo da rocha e deixei essa cor sangrar e desaparecer em nada, é por isso. Ele cria um bom fluxo entre a cor da rocha e o solo. Aqui e ali, vou tocar um pouco mais de pigmento ou variar ligeiramente o pigmento, talvez adicionando alguns tons mais quentes, como amarelos ou tons mais frios, como azuis e apenas tente quebrar essa grande área de grama. Eu gosto especialmente de adicionar amarelos e laranjas às cores da minha grama para iluminá-los um pouco e fazê-los se sentir um pouco mais quentes, como se o sol estivesse caindo na grama, e então eu neutralizo isso com blues no verde no lado sombrio das rochas. Farei um pouco disso na primeira camada úmida, então é um efeito molhado e molhado, e depois que secar, posso voltar com tons ainda mais sombrios e construir essa profundidade. Uma coisa que quero mencionar sobre a camada molhada em molhada é que, se você estiver usando uma tonelada de água, suas cores podem sangrar demais juntas. É um bom equilíbrio de obter pigmento suficiente e água suficiente para que a tinta flua, mas não exagere para que você acabe com uma grande bagunça aquosa. Em termos do meu estilo pincelada, estou usando um pincel muito pontiagudo e varrendo a cor para cima para imitar lâminas de grama. Agora vou quebrar as grandes formas rochosas com mais sombras desta vez usando um preto muito diluído. É cinza puro, basicamente. Parte dessa cor subjacente vai aparecer, especialmente quanto mais diluído for o pigmento, mas eu quero avisá-lo sobre o uso de preto em suas pinturas. O preto é bom e na verdade uma ótima cor de mistura, mas dessatura-se e neutraliza automaticamente sua cor. Se você quiser reduzir a saturação ou criar tons mais silenciosos, é perfeito. Mas se você está apenas tentando escurecer seus valores, lembre-se de que você estará perdendo parte dessa saturação. Você pode usar um azul mais escuro, ou roxo, ou até vermelho, ou uma variedade dessas cores misturadas para escurecer seus valores em vez de apenas preto. Mas neste caso, eu queria ir com uma cor mais neutra. Meu objetivo com essas pinceladas é apenas quebrar essas formas sólidas e dar um pouco mais de dimensão às rochas. Nesta cena, a luz vem da parte de trás esquerda, então a maioria da minha cor de sombra está na frente direita. Eu provavelmente poderia deixar a pintura aqui e ficar feliz com ela, mas vou mostrar mais uma camada. Então agora você pode ver o quão leve essa camada secou. Acho que esta pintura poderia se beneficiar de mais uma camada de sombra. No geral, isso trará minha camada total na rocha para três camadas. Desta vez, estou usando uma cor azulada, escura, acinzentada, muito diluída, mas só vou focá-la onde quiser meus escuros mais escuros. Na maior parte, será o canto inferior direito da rocha ou onde a rocha está tocando a grama, e isso ajudará a aterrar as rochas um pouco mais. Porque no momento, eles estão apenas flutuando e se misturando na grama um pouco demais. Como fui aquele passo extra e adicionei mais sombras escuras às rochas, acho que ajudará a adicionar um pouco mais de sombra às gramíneas que estão bem ao lado da rocha. Então, uma sombra será lançada no chão logo abaixo da rocha. Estou usando a mesma cor verde que usei no início, mas desta vez um pouco mais de pigmento, um pouco menos de água para que fique um pouco mais escuro. Não quero que minhas gramíneas sejam mais escuras do que as próprias rochas, só quero adicionar um pouco mais de profundidade à cena. Novamente, estou usando uma técnica de pincel seco e limpando esse pigmento no papel, deixando essa textura do papel aparecer, que realmente funciona muito bem para gramíneas. Então estamos praticamente acabados. Quando você tenta isso sozinho, eu recomendo começar com uma rocha, talvez duas rochas, e depois lentamente, construir a complexidade de suas cenas. Há muitos passos e ficará mais fácil ao longo do tempo, mas pode ser um pouco avassalador no início. Sim, apenas começando com uma cena muito básica para pegar o jeito desses passos e lentamente construir essa quilometragem de pincel. 15. Demonstração 3.4 : árvores de aquarela: [MÚSICA] Para esta demonstração, quero que você pense na lição sobre simplificar formas na paisagem. Começar com círculos ou quadrados é a maneira mais fácil. Mas com árvores, muitas vezes eu uso círculos. Vamos começar desenhando um círculo. Vamos tentar imaginar nossa fonte de luz ou o sol no canto superior esquerdo. Por causa disso, a sombra será lançada para baixo em direção ao canto inferior direito. Vou sombrear na minha sombra apenas com minha versão simplificada de hachura usando as linhas paralelas que mostrei antes. Vamos dar um pequeno tronco e sim, estou ciente de que basicamente parece um pirulito. Então, vamos usar essa forma como um guia para desenhar nossa árvore ao lado dela. Em vez de desenhar esse círculo, vamos usar a versão simplificada do nosso dossel frondoso. tão pontudas e rabugas Linhas tão pontudas e rabugas que envolvem a forma circular. Em vez de fazer uma área sólida de meia-lua sombreada no canto inferior direito, vou usar uma sombra quebrada. Estou tentando imaginar muito vividamente onde todos esses aglomerados de folhas estariam. Apenas dividindo-o um pouco aqui e ali, dá um pouco mais de realismo. Claro, esta é uma versão super simplificada, mas eu só quero que vocês comecem forma simples e então vamos avançar em direção ao realismo. Quando eu desenhar o porta-malas, vou dar-lhe alguns ramos extras também. Este tipo de esboço rápido é perfeito antes de você entrar em uma pintura, só para que você possa ter as formas gerais da árvore descobertas. Em seguida, vamos entrar na pintura e seguiremos a mesma estratégia. À esquerda, faremos nosso círculo simplificado com a sombra da meia-lua e, à direita, faremos nossa árvore com um pouco mais de detalhes. Mas, claro, ainda é muito simplificado. Primeiro, vou colocar na minha cor de destaque, que é um verde quente. Por verde quente, eu simplesmente quero dizer que há muito mais amarelo do que o azul nessa mistura. Você pode ver que é um verde brilhante, quase olivey, amarelado. Então vou tocar um pouco do meu verde sombrio, que tem muito mais azul nele. Mas só vou tocar isso no lado direito e inferior. Vou deixar isso naturalmente sangrar juntos. Usarei a mesma estratégia na árvore do lado direito. Desta vez, porém, é claro, vou seguir a borda escarpada da árvore, [RISOS] então não será um círculo perfeito. Uma dica rápida sobre a pintura dessas copas simplificadas e frondosas é usar a ponta do pincel para as bordas pontiagudas, os lados pontiagudos das folhas. Um pincel redondo com um pouco de ponto nele é perfeito para uma árvore, porque você pode usar a ponta que é muito mais nítida, muito mais apontada para criar essas formas de folhas pontudas. Mas a base do pincel, a parte gorda do pincel contém muita água e pigmento para que você não precise recarregar constantemente. Então você pode ver que geralmente aponto a ponta do meu pincel para a borda externa daquele círculo daquela árvore para criar essas formas de folhas pontudas. A parte gorda do pincel fica perto do meio desse círculo. Para minha sombra, mais uma vez, vou misturar um pouco mais de azul para que fique frio e eu fique na borda direita e inferior. É tentador adicionar muita sombra, mas lembre-se de que ela vai sangrar em sua outra tinta molhada. Então tente ser um pouco limitado no início e veja o quão rápido ele está fluindo. Ainda queremos um pouco desse verde brilhante e quente aparecendo no final. Não vou esperar que isso seque antes de pintar meu tronco porque eu pessoalmente gosto quando a árvore desaparece no tronco. Mas você quer ter cuidado ao fazer isso, porque se sua área superior, se o seu verde ainda estiver muito molhado, você pode potencialmente obter um monte de sangramento marrom naquela árvore. É importante conhecer seu papel e saber como ele está molhado quando você faz isso. Vou começar com um pouco de vermelho veneziano inglês, que é um vermelho muito laranja, e adicionarei um pouco de roxo apenas para silenciá-lo ligeiramente. Então vou pintar isso e deixá-lo secar naturalmente. Se você quiser incentivar sua tinta a fluir em uma determinada direção, você também pode levantar e inclinar o papel. Vamos fazer a mesma coisa com um pinheiro. Começando com uma forma de cone muito simplificada e, em seguida, desenhando uma versão espetada e scraggly disso, indicaremos a forma da árvore, assim como demonstrei na forma simplificada lição quando falei sobre árvores. Desta vez para cor, vou começar com um verde um pouco mais frio. Isso ocorre principalmente porque quando você observa a diferença de cor entre árvores mais decíduas versus árvores perenes, as árvores perenes se inclinam um pouco mais no lado mais frio do verde. Estou usando Diopside Genuine como minha base verde e é um bom meio da estrada verde. Mas quando eu adicionar minhas sombras, vou misturar meu azul mais escuro desta vez, que se chama azul antraquinona. Dará esse tom sombrio muito profundo. Para a árvore à direita, mais uma vez, usarei a ponta do meu pincel para criar esses galhos de árvores espetados. Nesse caso, é uma versão muito simplificada agulhas de pinheiro. Meus pinceladas tendem a começar a partir do centro da árvore e depois ventilam para fora ficando cada vez mais largo em direção à base. Aqui e ali, precisarei pegar mais pigmento, mas quando fizer isso, tento trabalhar rapidamente para que, quando adiciono a nova pincelada, ela se misture facilmente com a antiga. Mais uma vez, o benefício do papel de fibra 100% algodão é que ele lhe dá um pouco mais para brincar com suas cores, brincar com suas lavagens e pinceladas. Ele não seca imediatamente e não lhe dá tantos problemas com pinceladas visíveis no final, embora eu mencione que isso é realmente uma escolha de estilo também. algumas pessoas realmente gostam de ver pinceladas individuais. Mas se você gosta de ter esse estilo de gradiente muito macio, então você vai querer usar papel 100% algodão. papel prensado a frio também é um pouco mais indulgente. papel prensado a quente tende a mostrar mais pinceladas, mesmo que seja 100% algodão. É apenas algo para ter em mente quando você compra seu papel. Agora, e sobre uma cena com muitas árvores que são praticamente tocadas ou sobrepostas? Este é um tipo de cena que me deparei constantemente na Escócia e adoro pintar campos alinhados com árvores. Primeiro, vou mostrar a vocês como simplificaria isso em um aglomerado de árvores, e depois mostrarei um pouco mais ampliado o que eu faria em uma cena que estou pintando o campo e as árvores que revestem as bordas do campo. Começarei com as mesmas formas circulares. Aqui e ali eu posso jogar em um pinheiro, o que é claro, é mais uma forma de cone, e posso tentar variar a forma ligeiramente como achatá-los ou esmagar um pouco. Mas o mais importante é que eles estão se sobrepondo. Se fazer um grande aglomerado de árvores é um pouco intimidante, talvez comece com duas e depois adicione outra e depois outra. Então comece muito pequeno, muito simples e, em seguida, suba em direção a um monte de árvores que se sobrepõem. Além disso, aprenda com o meu erro e dê a si mesmo um pouco mais de espaço para desenhar suas árvores. Eu esmagei minhas árvores até o limite da minha página aqui, mas está tudo bem, acabou funcionando. Acho que é muito mais fácil desenhar as árvores de primeiro plano e depois as árvores de fundo, porque então você sabe onde você precisa parar suas linhas, que elas não fluam pelas árvores de primeiro plano. Mas quando se trata de pintura, costumo pintar minhas árvores de fundo primeiro. Eu não acho que haja uma maneira melhor de fazer isso, eu fiz de ambos os sentidos, mas só funciona melhor para mim. É que eu gosto de saber onde minhas árvores de fundo estarão antes de pintar em minhas árvores de primeiro plano. No entanto, você pode achar que é muito mais fácil pintar suas árvores em primeiro plano primeiro plano primeiro. Sugiro tentar os dois e ver qual deles funciona melhor para você. Desde que comecei com meu pinheiro, usei um pouco mais de uma cor verde mais fria, e depois toquei no tom de sombra, que novamente era meu tom azul legal, e deixei isso sangrar e fluir no plano de fundo. Uma coisa a lembrar é que a aquarela tende a secar mais leve. Se você colocar seu tom de sombra e ele acabar secando super leve, ele ainda pode funcionar em sua cena. É realmente bom ter elementos de fundo suaves e desbotados à distância. No entanto, se você estiver usando valor e contraste para sua vantagem, ter essa árvore de fundo um pouco mais escura, para que a árvore de primeiro plano apareça contra ela, requer que você adicione um pouco mais pigmento. Isso exige que você seja um pouco mais corajoso e certifique-se adicionar pigmento suficiente na primeira lavagem. Claro, você sempre pode voltar e escurecer suas camadas com outra lavagem de cor, mas eu pessoalmente gosto de fazer tudo de uma só vez. Eu adoro como essa hemorragia suave parece sem voltar e mexer com ela. Se eu cometer um erro ou não deixar as coisas escuras o suficiente, eu apenas uso isso como uma lição aprendida e segui em frente. Falando em seguir em frente, estou usando uma pistola de calor para secar esta primeira camada, modo que quando faço minhas árvores de primeiro plano, a tinta não sangra nessas árvores de fundo. Para minhas árvores de primeiro plano, estou começando com um verde quente e vou pintar em toda essa área que está atualmente em branco. Estou tentando ter cuidado para não sobrepor a árvore de fundo, mas isso acontece só porque trabalhei rapidamente. Vai dar um pequeno contorno porque quando essas cores se sobrepõem e secam umas sobre as outras, elas escurecem seus valores, e é apenas algo que acontece, então se você estiver preocupado com isso, você tem que ter muito cuidado nessas bordas. Também quero aproveitar esta oportunidade para discutir minhas lições aprendidas. Nesta cena, eu pessoalmente não tenho muita profundidade acontecendo. Tudo bem para um esboço rápido, e é algo que eu faria para tirar notas coloridas quando estou lá fora ou apenas para me dar uma desculpa para pintar no clima bonito, mas quando chega ao realismo ou criando uma cena que tem muita profundidade bonita , é um pouco plana. Uma coisa que eu poderia fazer para corrigir isso é voltar com mais camadas de tinta e construir o contraste ou as cores mais profundas um pouco mais, apenas para separar o primeiro plano do o fundo um pouco mais, e se eu fizesse isso, provavelmente usaria um ultramarino muito diluído ou um azul, seja qual for o azul que você tenha. Só porque eu pessoalmente acho que as sombras são boas quando elas têm um pouco de uma tonalidade azul para elas. Mas quando você está começando pela primeira vez, é tudo sobre ir devagar. Se você decidir continuar tocando a tinta em sua pintura, faça-o pouco a pouco. Observe como as coisas secam e como as coisas escuras ou claras secam, quanta água você tem em cada pincelada. Essas são as coisas que ajudarão você a progredir após cada pintura. Uma coisa que fiz para separar o primeiro plano e o fundo um pouco mais, é adicionar um pouco mais de saturação nas árvores de primeiro plano, especialmente nos troncos das árvores, eles são muito mais quentes e mais brilhante e mais saturado. Falando em lições aprendidas, sinto que essa é uma das coisas mais importantes que você pode fazer à medida que cresce como artista, é terminar uma pintura e tomar notas mentais ou mesmo físicas sobre o que você aprendeu. Os prós e contras da pintura, e da experiência, é algo que faço depois da maioria das minhas pinturas. De volta a esta pintura. Agora vamos fazer uma versão ligeiramente ampliada desta cena, que você possa ver como eu abordaria uma paisagem simplificada onde eu tenho um campo com muitas árvores, e quando eu dizer simplificado, quero dizer realmente simplificado. Muitas vezes, quando estou fora da pintura, e já disse isso muitas vezes antes, tenho alguns minutos. Talvez eu fique sentado lá por 5-10, 15 minutos, e antes que eu perceba a luz mudou. Se eu quiser pintar um campo ensolarado, trabalho rapidamente. Se eu acabar com mais tempo e eu puder fazer outra pintura, então ótimo. Mas às vezes eu não tenho essa chance. Há duas coisas que eu me concentraria nesta cena. Um seria simplificar quantos campos eu tenho e como são as árvores. Na maior parte, eu aglomeraria muitas árvores, mas elas estão tão distantes que não há como eu acrescentar tantos detalhes a elas. De certa forma, eles quase se tornam pequenos blobs. Quando eu o desenho, parece pequenos seixos sentados em uma colina. Na pintura posso dar um pouco mais de contexto pintando no céu. Com azul ultramarino muito diluído, vou varrer pinceladas horizontais longas, mas certifique-se de pintar ao redor das formas das árvores. Isso é principalmente para que eu possa pintar alguns destaques nessas bordas das árvores, se eu quiser, e não me preocupar com a pintura vidros sobre a cor azul. Eu também vou varrer uma variedade de verdes quentes e frios nos próprios campos, e normalmente uso um verde quente para um campo e depois um verde fresco para o campo ao lado dele apenas para enfatizam o fato de que eles são campos separados. É uma coisa muito comum aqui na Escócia. Você vê esses campos verdes brilhantes ao lado de campos verdes escuros. Então vou esperar que isso seque. Então, com um pincel muito menor, vou começar a deitar nos aglomerados de árvores. Posso usar um verde mais escuro e depois adicionar um pouco de verde quente a ele, ou posso começar com um verde mais brilhante e depois adicionar um pouco de verde frio a ele. Minhas pinceladas são rápidas e muito soltas. Estou tentando não pensar demais em nada, só estou tentando mantê-lo parecendo muito orgânico. Se você quiser ir muito detalhado, você pode até pintar em pequenos troncos de árvores, e às vezes eu vou adicionar sombras longas ou até mesmo ovelhas. Depende totalmente de quão detalhado eu estou indo. Mas espero que, até agora, você tenha a ideia de que você pode começar com essas formas muito simplificadas e lentamente aumentar a profundidade. Só para lhe dar mais algumas ideias ou inspiração, aqui estão algumas das minhas pinturas de cartões postais que fiz no passado, onde enfatizei esses aglomerados de árvores nas bordas dos campos, às vezes sendo um pouco mais detalhado e alguns quase abstratos. 16. Demonstração 3.5 : aquarela de ar Plein: [MÚSICA] Suas habilidades e sua paciência definitivamente serão testadas quando você começar a pintar lá fora. Eu pessoalmente faço isso porque amo a natureza. Adoro estar imerso nesses belos lugares selvagens e, para mim, é uma maneira de se conectar mais profundamente com a terra. Mas reconhecidamente, luto tanto quando pinto lá fora. A principal razão pela qual é mais desafiador pintar da vida para a pintura externa é, bem, em primeiro lugar, os elementos estão sempre mudando. A luz mudará dentro da mesma sessão, então o sol se esconderá atrás algumas nuvens ou começará a chover. Você tem vento e todo esse movimento acontecendo ao seu redor, e você também tem que transformar o que está à sua frente, que é 3D, em uma pintura 2D no papel. Você está olhando para esses objetos à sua frente que são 3D e de alguma forma precisa achatá-lo e destilar todos os detalhes e todas as informações de cores. Faça uma escolha sobre como misturar essa cor e colocá-la no papel. Mas, dito isso, vamos falar sobre algumas estratégias de sucesso. Começar com alguns esboços de linha, alguns esboços de valor, brincar com diferentes composições e apenas se familiarizar com sua localização primeiro realmente ajudará. Uma das maiores lutas que encontro é que a luz está mudando. Quando cheguei aqui, era brilhante e ensolarado. Durante a sessão de pintura, o sol se escondeu atrás de algumas nuvens por um tempo e, em seguida, no final, o sol voltou, então as sombras e as cores que eu estava vendo estavam mudando constantemente. Meu maior conselho, não importa onde você está pintando ou como é o clima, é decidir logo no início se você vai ficar com o que vê quando chegar lá ou se você vai mudá-lo a qualquer momento. Se estiver ensolarado quando você chegar, faça um esboço muito rápido que represente as pontes brilhantes, as sombras, e tudo o mais e fique com isso durante toda a pintura, não importa o que aconteça. Tire algumas fotos de referência dessa condição de luz também. Às vezes vou economizar tempo e pular um passo. Como você pode ver aqui, comecei com uma pintura de pigmento roxo puro. Eu uso isso para basicamente pintar um estudo de valor da minha cena, só que eu não fiquei super escuro nas áreas escuras. Era mais como uma maneira de eu bloquear as formas principais e começar a pensar em as formas principais e onde minhas sombras estariam. Tenho um pouco de sombra nas rochas, e um pouco na água, e nas montanhas, é claro. Também estou usando pinceladas mínimas e não estou super detalhado em nenhum lugar da pintura. É mais sobre capturar o movimento da água, algumas das cores que vejo pessoalmente, mas mesmo assim estou exagerando ou mudando um pouco. Quando penso nos diferentes elementos da minha cena, tentei usá-los como inspiração para quais tipos de marcas estou fazendo. Talvez as gramíneas e qualquer uma das coisas que estão crescendo ao redor da água sejam áreas muito suaves, e deixarei as cores sangrarem naturalmente juntas. As rochas em si serão um pouco mais geométricas. Eles terão bordas mais duras e, na maior parte, é aí que um pouco mais da minha sombra também estará. Minhas áreas mais brilhantes da pintura serão os destaques na água, e por ser uma cachoeira e eu quero capturar essa sensação de movimento, usarei pinceladas direcionais rápidas para imitar o movimento da água. Mas antes disso, só estou tentando me deitar em um pouco da cor da rocha. Isso vai secar e depois voltarei em cima disso com algumas cores de sombra mais tarde. Para adicionar um pouco mais de profundidade às minhas montanhas, vou usar uma versão muito simplificada de sombras e destaques. No lado direito da montanha onde ela cai em cascata para baixo, estou adicionando um pouco mais escuro roxo. Então, a mesma cor, apenas um pouco mais de pigmento, e eu estou varrendo para a esquerda. Mas no topo e no lado esquerdo desses picos, eu sairei sozinho. Isso sob a cor mostrará um pouco e imitará a aparência de um destaque na montanha. A maioria das gramíneas no vale é mais terrosa, talvez um pouco mais quente como o amarelo alaranjado. Estou adicionando um pouco disso à base da cor da montanha enquanto está molhada para que ela tenha uma hemorragia suave. Isso só fará com que a montanha se sinta mais aterrada e conectada ao primeiro plano. Como estou trabalhando molhado e muitas das minhas cores estão sangrando juntas, há potencial para criar o que as pessoas chamam de cores lamacentas. Quando suas cores começam a sangrar e se misturar no papel e, eventualmente, ele se transforma em lama, como um tom acastanhado ou cinza, você perde um pouco dessa cor inicial, pouco da vibração. Essa é definitivamente uma possibilidade quando você está trabalhando molhado em molhado. Mas como estou mais familiarizado com meu papel, sei quanto pigmento posso adicionar, quanta água posso adicionar e certifique-se de que não sangra e se torne uma grande bolha. É só por causa dessa experiência que eu sei o que posso fazer com o meu jornal. Com o tempo, você descobrirá isso também com seus papéis favoritos. Vamos dar uma olhada na água em movimento. Se você olhar exatamente onde está a cachoeira, você pode ver que a aquarela está um pouco no lado esverdeado, às vezes até um pouco acastanhado. Não é apenas azul, não é preto, não é branco puro. Há alguma cor lá. Estou adicionando um pouco dessa cor a onde estão as cachoeiras da minha pintura. Como mencionei, gosto de alterar as cores, exagerar um pouco as cores na minha arte, então estou usando uma paleta de cores muito estilizada aqui. Mas se você estivesse tentando pintar isso de forma mais realista, sua aquarela provavelmente se inclinaria mais para o azul acinzentado. A cor da água é muito mais silenciada. Nas áreas de água em movimento rápido, você pode ver um pouco mais de cor, mas principalmente essa água parece um pouco mais cinza. Se eu estiver lutando para ver a verdadeira cor ou valores no que está à minha frente, um pequeno truque é segurar um objeto de uma cor que você sabe que pode misturar. Então, branco puro ou preto ou até mesmo um cinza médio, seja lá o que for. Em seguida, compare o que está à sua frente esse objeto com essa cor. É como se um interruptor de luz se apagasse e, de repente, você consegue ver por causa dessa comparação qual é a cor desse objeto. Mas eu sabia desde o início que queria usar um azul muito escuro como minha cor de sombra, e muitas vezes uso azul ou roxo escuro ou vermelho acastanhado escuro como minhas sombras quanto as minhas mais escuras escurecem. Porque para mim, ter uma sombra colorida é mais interessante. Eu estarei aplicando essa cor mais escura no lado direito das rochas, que o lado da sombra das rochas e em qualquer lugar na água que não esteja em movimento rápido. Como discutimos em uma aula de composição, se você quiser atrair os olhos do espectador, contraste é uma ótima ferramenta. Se eu usar essa cor escura diretamente ao lado das áreas brilhantes da água em movimento, isso atrairá os olhos. Quando estou misturando minha tinta, estou fazendo isso pouco a pouco. Não quero exagerar com o contraste porque é mais difícil tirá-lo, mas estou tentando lembrar que a cor da água vai secar um pouco mais leve. Agora mesmo, adicionei um pouco de roxo ao lado sombrio das minhas rochas só para dar-lhes um pouco mais de uma separação visual entre a própria água. O passo final será escurecer alguns dos arbustos na borda da água. Isso ajudará a separá-los das montanhas à distância. 17. Demonstração 3.6: floresta guache: Cenas florestais são complexas. Eles podem ser muito intimidantes porque há muita coisa acontecendo. Como eu desenho e pinto toneladas de florestas, é um pouco mais fácil para mim hoje em dia. No entanto, ainda estou sempre me esforçando para experimentar novas cenas, novos tipos de florestas e árvores e composições diferentes, e sempre começo da mesma maneira. Eu uso um lápis muito leve para começar a mapear minhas árvores principais. Na maioria das vezes, acabo pintando sobre meu desenho e mudando muitas coisas antes do final da pintura. Mas isso pelo menos me faz começar. Quando se trata de usar aquarela e guache de forma intercambiável, não precisamos nos preocupar muito em preservar nossos destaques. Depois de ter minhas árvores gerais e tudo mapeado, posso começar com a camada de fundo. Às vezes vou pintar uma cor sobre a coisa toda, então eu tenho uma boa camada inferior, ou farei algo assim, onde eu começo a pintar as áreas mais brilhantes primeiro. Neste caso, tenho uma luz brilhante fluindo pela floresta, e estou usando um verde-amarelado brilhante como aquela cor de destaque brilhante. Então, quando ainda estiver molhado, vou começar a pintar em mais coisas sombrias. É uma maneira de experimentar a colocação dos meus principais destaques e sombras porque tudo isso pode ser alterado ou coberto se eu precisar. Eu realmente queria mostrar essa pintura em particular porque mostra o quão selvagem e bagunçada ela é desde o início. Isso mostra que você pode ser mais espontâneo em suas pinturas. Vou acelerar um pouco para que você possa ver o quão bagunçado é. Então estou pronto para minha primeira camada de abóbora. Estou usando branco, amarelo limão, umber queimado, quinacridona magenta e azul prussiano. Paleta muito limitada, mas poderei misturar tudo o que preciso com essas cores. Como você vai disso para isso? Vamos falar sobre isso lentamente. Primeiro de tudo, não tive uma visão super clara de como essa pintura acabaria quando me sentei para pintá-la. Só tive uma ideia. Tive a ideia de pintar um caminho que vai de uma parte brilhante e ensolarada da floresta para uma parte mais escura e assustadora da floresta. Para conseguir isso, eu usaria verduras quentes versus verduras frias. No lado esquerdo, onde o sol está derramando pela floresta, usei muito mais amarelo. Do lado direito, que é muito mais escuro e assustador, usei muito mais do azul. Se você pensar na lição sobre mistura de cores e teoria de cores, eu falei mistura de cores e teoria de cores, um pouco sobre como se você usar uma paleta limitada, você tem muito mais controle. Este é um exemplo perfeito porque estou usando três cores primárias para misturar a maioria das cores que você vê aqui. Essas três cores aparecerão pelo menos em algum lugar em cada parte da pintura. Mesmo que eu esteja indo de luz ensolarada brilhante para luz assustadora escura, isso não importa. A atmosfera geral da pintura ainda se sentirá conectada. Eu possuo muitos amarelos e azuis e vermelhos diferentes. Se eu tivesse usado muitos diferentes para misturar essas cores, toda a pintura poderia rapidamente ficar desarticulada, e eu perderia um pouco dessa harmonia. Vamos falar sobre estratégia. Como eu já tinha feito meu pequeno esboço, e eu sabia onde a maioria das minhas árvores maiores seriam e o caminho em si, era apenas uma questão de colocar em algumas das cores básicas desses principais elementos. Quando eu começar a pintar, você verá que eu bloqueio na cor de fundo como apenas uma grande bagunça verde. Mesmo que o guache seja opaco, e eu não tenha que pintar em torno nenhum elemento como um tronco de árvore, eu faço isso de qualquer maneira porque costumo usar meu guache muito diluído quando começo pela primeira vez. A primeira camada ou duas serão regadas em guache, e então, à medida que eu construo a profundidade da cena, usarei menos água e mais uma camada de guache espessa. Estou me concentrando mais em apenas adicionar variedade a essa área de fundo. Vou fazer uma variedade de marcas. Esteja imitando troncos de árvores ou folhas, gramíneas ou rochas, serão muitas camadas finas umas sobre as outras. Minha experiência geral com guache é que quando você começa com uma camada grossa, é muito mais difícil colocar mais guache em cima dela. Ao contrário de outros meios de pintura, guache não é permanente. Mesmo em 10 anos, se você soltar um pouco de água em uma pintura de guache, você pode reativar a tinta e movê-la ou misturá-la, e isso é realmente algo que eu amo nela, que capacidade de ser capaz misturar nele o quanto eu quiser, mesmo que leve dias para fazer uma única pintura. Mas os pigmentos em si podem ser manchados. Se você usá-lo mais diluído para as primeiras duas camadas, em essência, você está manchando seu papel, então é um pouco mais difícil mover as coisas. Portanto, eu gosto de usar lavagens mais finas para minhas camadas inferiores para que elas sejam um pouco mais permanentes, e eu possa facilmente adicionar guache mais espesso e mais grosso em cima dele. Por enquanto, estou pintando em torno de minhas árvores, mas você verá mais tarde que eu adiciono muito mais escuridão e tons sombrios e profundidade a elas. Essa também é uma maneira de evitar fazer cores lamacentas onde eu não as quero. Verde e vermelho são cores complementares. Eles são opostos um do outro na roda de cores. Isso significa que se eu misturar esses juntos, acabarei com marrom ou até mesmo cinza, dependendo dos próprios pigmentos. Aqui nesta cena florestal, se eu pintasse um bloco sólido de verde como minha camada de fundo e não deixasse esses espaços em branco para os troncos das árvores, mais tarde quando eu voltar com meus tons acastanhados, que se inclinam um pouco mais para o vermelho, estarei essencialmente adicionando vermelho em cima do verde. Porque com a natureza do guache, ele vai se misturar em si mesmo, essas cores complementares se misturarão, e eu poderia acabar com cores que realmente não quero. Meu estilo de pincelada é, bem, o que eu chamaria de grosso. É um estilo que eu adoro. Pinceladas grossas significam que não estou focando em pintar cada folha ou forma que vejo, estou usando marcas em negrito para representar as coisas como um todo. Uma única pincelada ou algumas pinceladas juntas representarão um arbusto ou a folhagem de uma árvore. Isso envolve alguma fé. Você tem que confiar no processo, sabendo por experiência própria que, à medida que você começa a colocar todos esses elementos diferentes, ele se tornará uma cena florestal muito interessante. Agora que tenho um pouco mais desse fundo feito, posso começar a pensar nessas árvores. Começarei com versões muito silenciosas da minha cor marrom, minha cor local. É um tom acinzentado acinzentado. Há todas as outras coisas acontecendo também, como rochas e o caminho, começando com a cor base das rochas como apenas um tom azul-acinzentado. Sabendo que depois voltarei e adicionarei algumas texturas musgosas a eles. Quando estou pintando as sombras em meus troncos de árvores, estou pensando no que faria a luz nessa área sair ainda mais. O que reforçaria esse contraste para chamar a atenção lá? Misturando um pouco do meu azul prussiano com meu marrom e até um pouco de rosa, posso criar um tom profundo e fresco. Quando eu uso uma cor de destaque mais quente, ela se destacará ainda mais. Quanto mais escuro eu for com minhas sombras, mais brilhantes serão os destaques. Para imitar o efeito de luz vibrante que muitas vezes encontramos na floresta, estou usando um tom quente e neutro e o pó na superfície da casca em certas áreas. Não sobre tudo, apenas pontilhando-o aqui e ali. Para pintar algumas das sombras nas árvores e nas rochas, estou usando uma versão fria das cores que já usei. Um verde fresco para as sombras no chão e um cinza azulado fresco para as sombras nas rochas. Talvez até um pouco de roxo lá. Estou fazendo o mesmo no caminho porque o material do caminho é muito diferente da grama. É como um pacote na Terra. Para fazer essa separação visual usando cores ligeiramente diferentes, isso realmente ajudará. Você pode ver que estou muito levemente limpando a cor em todo o caminho. É uma ordem para dar efeito de pincel muito quebrado ou uma aparência áspera em comparação com talvez alguns dos elementos de software ao seu redor. Como mencionei anteriormente, se eu quiser que meus destaques se destaquem, preciso colocá-los ao lado de um tom escuro. Adicionar uma sombra mais escura aos meus troncos de árvore no lado que está voltado longe da fonte de luz vai realmente fazer a seção destacada aparecer. Farei a mesma coisa por alguns dos elementos de primeiro plano, como as rochas que estão mais próximas do espectador e algumas das rochas do lado do caminho. Mas aqui estou começando com uma cor base neutra cinza muito escura, e depois voltarei em cima disso com alguns musgos verdes e outros produtores. O lado esquerdo ainda não terminou, mas vou começar a trabalhar no lado direito para obter uma visão mais completa do meu estado atual de progresso. Começarei adicionando um pouco mais azul escuro a essa área de fundo. Estarei construindo a profundidade com mais troncos de árvores e outras coisas na frente disso mais tarde. Em vez de apenas misturar uma cor escura ou preto na minha cor para que pareça mais escura, estou usando uma versão diluída do meu azul prussiano. Isso significa que meus tons sombrios ainda vão se sentir muito coloridos e vibrantes, ao invés de serem mais dessaturados se eu tivesse usado preto. Uma pequena dica que eu tenho sobre a cor nos caminhos florestais vistos é que muitas vezes se o caminho é mais um material de terra ou sujeira, agulhas de pinheiro, todo esse tipo de coisa, nos caminhos florestais vistos é que muitas vezes se o caminho é mais um material de terra ou sujeira, agulhas de pinheiro, todo esse tipo de coisa, não é apenas um caminho verde. Se você tiver essa cor base de um tom acastanhado, usar um tom roxo como sua sombra realmente fará com que ele se sinta vivo. Isso fará com que pareça mais luminoso. Sim, é uma sombra, mas ainda tem muita cor na vida e se você estudar essas cores pessoalmente, descobrirá que essas sombras são geralmente roxas azuladas. Hora de uma pausa para o café. Vamos avaliar onde estamos. Até agora, temos muitas sombras e destaques iniciados, mas ainda há muita coisa que podemos fazer com detalhes e empurrando o contraste onde quisermos desenhar um foco. No lado direito, que vai ser mais sombrio, posso realmente ajudar a fazer essas árvores saírem das sombras escurecendo o fundo. Ao fazer isso de uma forma em que estou realmente pintando a folhagem, os produtores que estão por trás dessas árvores, em vez de apenas marcas sólidas, realmente ajudarão a fazer com que ela se sinta mais como uma floresta cheia, uma floresta muito exuberante. Mais uma vez, ainda estou usando esse estilo de pinceladas grossas. Meu pincel está se movendo rapidamente pelo papel, mas isso é principalmente para evitar fazer marcas repetitivas. Algo com o qual eu luto é tornar as coisas muito uniformes, e é isso que eu realmente quero evitar em uma cena florestal, especialmente uma que ela quer se sentir muito selvagem e crescida. Uma estratégia para fazer com que a floresta se sinta mais exuberante e mais cheia é usar variações da mesma cor, talvez um verde ou um azul para colocar em camadas muitas árvores que se sobrepõem. Seja plantas ou árvores, é apenas uma questão de estragar esses diferentes elementos. É preciso muitos pacientes. Admito que desisti de uma grande pintura florestal depois de ficar tão irritado com o tempo que estava levando, preciso praticar meus próprios pacientes. Mas quando eu faço, eu sempre adoro os resultados. Uma estratégia rápida para pintar plantas diferentes é começar com um caule central ou um caule central e, em seguida, usando um pincel plano, basta fazer pequenas marcas rápidas que representam as folhas de samambaia que vêm fora desse talo central. Colocar estes sobre os outros realmente ajudará a preencher uma área de sua pintura e fazer com que ela se sinta muito exuberante. Vou trabalhar para desenhar meu foco em direção ao caminho novamente. Para fazer isso, estou adicionando uma sombra aos lados das minhas rochas que estão perto do caminho. Sim, sua visão fluirá pela pintura. Mas onde quer que você tenha esse alto contraste, definitivamente vai atrair o foco. Esse equilíbrio constante de sombras escuras e destaques brilhantes é algo que eu amo em uma cena florestal. Trabalhando pouco a pouco, posso limpar uma textura de pincel seco sobre meus troncos de árvores e minhas rochas com uma cor verde brilhante e dar esse brilho de luz. Se você pensar lição de teoria das cores quando falei sobre luz saltada, isso é especialmente divertido de usar em uma cena florestal. Se o lado direito da minha pintura for mais sombrio e tiver muito mais tons azuis, isso vai lançar ou saltar luz para o outro lado da pintura. Polvilhar um tom azulado sobre o lado sombrio das minhas árvores brilhantes vai ajudar a tornar esse equilíbrio quente e fresco e faz com minhas sombras ainda sintam como se tivessem muita cor e vida para elas. Um dos toques finais que faço para minhas árvores é com um pincel de detalhes muito minúsculo, faço longas linhas sinuosas com um destaque ou uma cor de sombra. Isso apenas quebra alguns dos maiores pedaços de cor e adiciona um pouco mais de profundidade à casca. Quando eu estava perto do final desta pintura, senti que o caminho não estava se destacando o suficiente, então decidi adicionar um pouco mais de tons vermelho-rosados a ele. Eu misturei, mas também uso uma textura de pincel seco. Verde e vermelho são cores complementares. Sempre que eles aparecem um ao lado do outro, eles se sentem um pouco mais vibrantes. O caminho naturalmente se destacou depois que eu fiz isso. Mas se lembra da ideia de mudança de desenho? Bem, se eu acelerar um pouco a pintura, veja como o caminho fica escuro quando ele seca. Compare isso com isso. Você pode vê-lo durante toda a pintura, isso vai acontecer. É por isso que gosto de ir devagar e construir minhas camadas pouco a pouco. 18. Projeto de curso 4 de curso.: [MÚSICA] Este Curso de Fundações cobriu uma enorme variedade de tópicos. Eu sei que quando você está começando, tudo isso pode ser muito intimidante. Como um projeto de classe, quero incentivá-lo a começar de forma muito simples. A primeira coisa a fazer é começar seu próprio caderno de desenho da natureza. Pense nisso como seu novo melhor amigo. Leve com você em todos os lugares. Decore a capa, escreva algumas citações inspiradoras dentro, faça o que precisar fazer. Mas o mais importante, tente reservar algumas horas por semana para praticar. Eu fiz esta folha de truques de casa para que você possa seguir os passos que mostrei nesta classe para desenvolver sua compreensão da paisagem e levar o tempo que precisar para cada um desses tópicos. Na verdade, é bastante comum em uma escola de arte dedicar várias semanas a cada um desses tópicos fundamentais. Mas quanto mais cedo você desenvolver esse amor por aprender e experimentar e realmente começar a observar o mundo ao seu redor, mais agradável será sua jornada ao longo da vida. Dentro do cara do dever de casa, há muitas sugestões para seguir em frente, bem como alguns modelos que você pode usar para começar. Não se esqueça, tenho muitos vídeos no YouTube que você pode assistir gratuitamente. Tudo Sobre minha aventura de planejador, como eu gosto de esboçar a natureza e compartilhar alguns dos altos e baixos ao longo do caminho. Se você decidir compartilhar qualquer um dos seus deveres de casa ou apenas esboços futuros, eu adoraria vê-los. Então, certifique-se de usar minha hashtag, SARAHBURNSTITOR, porque eu verifico isso frequentemente nas mídias sociais e isso realmente ilumina meu dia. Se você gostasse da aula e aprendesse algo, eu realmente agradeceria se você tivesse um momento para deixar um comentário também. Também colocarei alguns links na descrição para minhas outras aulas de paisagem. Mas minha esperança mais profunda é que você saia e goste esboçar a natureza e não se esqueça de aproveitar a jornada. [MÚSICA]