Lettering em espaço negativo com aquarelas

1. Introdução: Olá pessoal, bem-vindos à minha primeira aula de Skillshare. Estou tão entusiasmada por dar esta aula. Sou Vinitha Mammen, designer de moda profissional e artista autodidata. Tenho a sorte de ter nascido numa família cheia de artistas. A arte sempre foi uma grande parte da minha vida. Agora, enquanto minha arte está evoluindo para uma agitação paralela, eu sonho em vender mercadorias e estampas de arte, e pintar macarrão gigante, e também compartilhar meu conhecimento com a comunidade de artistas assim. Gosto de explorar várias técnicas e mídia, e honestamente ainda estou descobrindo meu próprio estilo. Minhas coisas favoritas atuais para criar são ilustrações em aquarela e letras à mão. Para esta aula, decidi combinar estes dois e mostrar-lhe como faço letras manuais usando técnicas de pintura negativa e camadas com aquarelas. Acho que a pintura negativa é um processo muito relaxante e quase meditativo. Claro, leva tempo e paciência, mas acho que os resultados são super gratificantes. O efeito de criar letras usando espaço negativo em vez de positivo, pode ser alcançado relativamente facilmente usando várias ferramentas de desenho digital, pintura e design. No entanto, eu acho que os resultados de tirar o fôlego de alcançar esse efeito através métodos analógicos é estranhamente satisfatório e particularmente encantador. Nesta aula, eu vou levá-lo através de alguns conceitos básicos sobre espaço negativo e como eu usá-lo em minha arte. Vou ensinar-lhe várias técnicas de controle de pincel e mistura e algumas dicas de letras manuais através de exercícios de prática cuidadosamente estruturados. Eu também vou mostrar todo o meu processo do esboço ao fim, incluindo toda a bagunça inicial que leva a uma peça final da qual me orgulho. Juntos, vamos colocar todo o nosso aprendizado para usar criando dois projetos divertidos de letras de espaço negativo. Eu também vou rever todos os materiais que você vai precisar para completar esses projetos e mostrar o material de arte exato que eu uso. Esta classe é destinada a níveis de habilidade iniciantes e intermediários, mas artistas de qualquer nível são bem-vindos para participar e dar esses projetos atrás. Artistas de letras tradicionais podem até usar essa classe para explorar uma dimensão totalmente nova. Não vamos aprofundar os conceitos básicos de letras à mão ou usar aquarelas. Mas você encontrará todas as informações que você precisará para experimentar esses projetos com sucesso aqui nesta classe. Se você tiver alguma dúvida, sinta-se livre para me perguntar através da seção de discussão desta aula. Eu realmente espero vê-lo na próxima lição. Conecte-se comigo no Instagram e me marque em suas histórias como você aprende com esta classe, que eu possa repostá-los para minhas próprias histórias e compartilhar alguns momentos encantadores com meus alunos. Vamos fazer isto. 2. Projeto do curso: Bem-vindos à minha aula e obrigado por se juntarem. Nesta classe, vamos explorar letras negativas em aquarela criando duas peças de projeto de classe divertida. A primeira peça terá um texto contra um pano de fundo brilhante e feliz de listras divertidas usando uma paleta de cores limitada mas na maioria das vezes estaremos pintando apenas uma única cor de cada vez. Isso nos ajudará a obter uma boa compreensão das técnicas de controle de pincel para criar o traçado perfeito em torno de espaços negativos apertados sem se preocupar com a mistura de cores. Eu também vou compartilhar algumas dicas que eu uso, desde a fase de esboço para tornar a vida mais fácil para mim enquanto pintura negativa. Nossa segunda peça do projeto será texto definido dentro de uma nuvem caprichosa, pintada usando uma mistura vibrante de três cores. Juntos, vamos explorar como usar a mistura de cores para preencher espaços negativos para criar um efeito mágico sem costura e abraçar os efeitos surpresa de deixar as aquarelas fazerem o que gostam de fazer melhor; mover-se e brincar uns com os outros . Para ambas as peças, você pode escolher palavras e temas ilustrativos de sua escolha ou sinta-se livre para acompanhar usando meus exemplos. Eu incluí uma lista de bônus de idéias de palavras e assuntos para você começar no caso de você estar preso se perguntando o que pintar. Você pode encontrá-los na seção de recursos desta classe, então confira isso e inspire-se. Eu criei esta classe de uma maneira que você pode completar cada passo junto comigo, não apenas me observar. Quero encorajá-lo a juntar todos os seus suprimentos e juntar-se à diversão. Faça upload de fotos do seu progresso para a galeria do projeto para esta classe. Estou ansiosamente esperando para ver o que meus alunos criam. Estes uploads absolutamente não precisa ser um peças de arte acabadas. Quanto mais fotos de processo você compartilhar, mais valioso feedback eu posso dar a você e todos nós podemos aprender juntos. Antes de saltar para os projetos da classe, eu tenho algumas aulas de aquecimento com alguns exercícios úteis para bombear seus músculos e fazer você se sentir confiante para mergulhar. Estes também ajudarão você a ter um bom vislumbre das técnicas de aquarela e lettering que usaremos nos projetos. No próximo vídeo, eu vou levá-lo através dos materiais que você vai precisar para criar suas próprias peças de projeto de classe. Vejo você lá. 3. Materiais: Nesta lição, vou rever os materiais que você vai precisar para nossos exercícios e projetos de aula. Por favor, lembre-se que estas são apenas sugestões baseadas no que eu uso. Se você tem seu conjunto confiável de suprimentos, por favor, vá em frente e use-os para esta classe. Se você não tem alguns dos suprimentos, não deixe que isso o impeça de tentar, trabalhar com o que você tem e ver onde ele o leva. Legal, vamos ver o que precisamos. Primeiro, é claro, você precisaria de tintas. A aquarela vem em várias formas, como tubos, panelas e concentrados líquidos. Eu uso principalmente panelas, e este é o conjunto que eu uso atualmente. É um conjunto Winsor e Newton Cotman de 45 meias panelas. Os pinos de nível básico como estes serão ideais, mas qualquer coisa disponível facilmente é suficiente para começar. É assim que a minha caixa de tinta se parece por dentro. Eu designei zonas em minhas bandejas de mistura para cada grupo de cores. Ele impede que as cores se misturem com cores completamente diferentes por engano, e mantém as coisas um pouco mais organizadas. Eu reservo os dois últimos poços para misturar novas cores se eu precisar. Eu também me fiz um conjunto de cartão de amostra com cada uma dessas cores, juntamente com seus detalhes para fácil referência. Eu dei a cada sombra um membro meu, que é indicado no cartão de amostra, nas próprias panelas, bem como na caixa abaixo de cada pan. Isso me ajuda a identificar facilmente minhas tintas. Também uso as amostras para me ajudar a decidir as paletes de cores para as minhas peças. Em seguida, precisamos de papel. Isto é importante, rapazes. Você não precisa comprar o material de qualidade profissional super caro, mas você precisa de papel 300 GSM que é destinado para uso em aquarela. Eu uso este Canson XL Watercolor Cold Press, 300 GSM papel. Você pode encontrar este barato na Amazon, especialmente nos EUA. Não acho que seja o melhor jornal lá fora, mas é uma boa relação custo-benefício, então funciona para mim. Isto é o que estou usando para todos os exercícios e projetos nesta aula. Eu também tenho essas folhas soltas da Canson, também 300 GSM, que eu uso às vezes quando eu não quero cortar meus lençóis maiores. Eu tenho uma queda por papel quadrado, então eu tenho esta almofada de aquarela quadrada do Master Touch. Tem uma textura realmente única, então eu sou precioso sobre isso e principalmente reservá-lo para ocasiões especiais. Agora, se você não tem acesso imediato ao papel aquarela, eu sugiro que você encontre o papel fosco mais pesado que você pode encontrar ao seu redor e dar-lhe um tiro. Além do papel aquarela, também precisamos de algum papel de impressora regular, qualquer qualidade em qualquer tamanho para fazer todo o nosso brainstorming inicial e esboço. Agora escovas, você precisará de algumas escovas redondas em vários tamanhos ainda melhor se forem especialmente destinadas a aquarelas. Eu usei as marcas Dugato e Arteza de pincéis redondos sintéticos. Vamos usar principalmente um pincel tamanho 2 para áreas maiores, pincéis menores como o tamanho 1 e 0 para espaços menores, e um pincel de detalhes como a rodada Arteza 4/0 que eu tenho aqui para espaços realmente apertados. Também precisaremos de um lápis para fazer todos os nossos esboços. Apenas qualquer lápis básico servirá. Eu uso meu lápis mecânico favorito, que é o tamanho Pentel Graphgear 1000 e 0,9 mm. Eu não sou especial sobre o lápis de chumbo que eu uso nestes. Eu sei que existem lápis muito macios que são úteis em fazer esboços claros limpos em papel aquarela, mas eu apenas uso meu lápis regular e esfregar suavemente no meu papel para mantê-lo leve. Sim, qualquer lápis normal está bem. Então, é claro, uma borracha, apenas qualquer borracha limpa que você tem por aí. Eu também tenho um cara pequeno para apagar detalhes, é uma borracha estilo caneta chamada Tombow Mono Zero Eraser. Só ajuda a apagar pequenas áreas de cada vez. Super legal, mas totalmente não é um requisito para esta classe. Então precisamos de uma régua, de novo, seja lá o que estiver acostumado. Como eu também costuro no meu estúdio, eu tenho um monte dessas grades réguas que vêm a calhar, então eu apenas uso um deles. A seguir seriam algumas Canetas Fineliner pretas. Eu uso principalmente os Uni Pin Fineliners de Uniball ou Pigma Microns de Sakura. Vamos usá-los apenas para revisar nossos contornos e torná-los mais nítidos para facilitar o rastreamento. Você pode usar praticamente qualquer caneta preta ou marcador fino. Você pode até ignorá-los completamente e traçar fora de seu esboço a lápis. Você também precisará de um pote de água para mergulhar e limpar seus pincéis, um pouco de fita adesiva, se você quiser dar as bordas limpas e nítidas, e uma caixa de lenços, papel higiênico, toalhas de papel, o que quer que funcione. Você também precisará de algo para rastrear. Se você tem uma caixa de luz que ajuda. Eu só uso um aplicativo de rastreamento no meu iPad Pro. Você pode até colocar seu papel contra a luz no vidro da janela e rastrear sobre ele se você não tem nenhum desses. É isso. Novamente, não deixe que esses materiais assuste você. 4. Espaço negativo: o que é? Por quê? Como?: Antes de começarmos a aprender, vamos tirar alguns conceitos básicos do caminho. Nesta lição, eu vou levá-lo através do que é o espaço negativo no contexto da arte, o que queremos dizer com pintura negativa e alguns métodos pelos quais podemos alcançar obras de arte pintadas negativas. Vamos também olhar para alguns exemplos de trabalho de outros artistas e eu para tentar entender o significado do espaço negativo na arte. Então, o que é o espaço negativo? Simplificando, espaço negativo é o espaço em torno do assunto de uma imagem. Normalmente, especialmente quando é uma área sólida, nós tendemos a apenas referir-nos a ela como o fundo. Então, se este é o meu assunto, então todo o espaço em torno dele é o espaço negativo e o sujeito é o espaço positivo. Agora, o que é pintura negativa? Pintura negativa é quando você pinta colocando suas cores no espaço negativo, oposição ao espaço positivo. Isso é em torno de uma forma em vez de dentro de uma forma. Por exemplo, eu quero pintar um coração nesta página. Eu posso fazê-lo pintando dentro de uma forma de coração, ou eu posso fazê-lo pintando em torno de uma forma de coração. De qualquer forma, ainda tenho um coração, sem trocadilhos. Este último é o que nos referimos como, pintura negativa. Existem diferentes maneiras pelas quais podemos alcançar o efeito da pintura negativa. Vejamos alguns métodos analógicos, especificamente ao usar tinta em papel. A fita adesiva é um dos itens mais utilizados para mascarar áreas positivas durante a pintura. Vamos usar fita adesiva também, mas apenas para obter bordas limpas, não para pintura negativa como tal. Depois há fluido de mascaramento. Isso faz o mesmo trabalho que a fita adesiva, apenas que ela está em forma líquida e, portanto, pode ser aplicada com muito mais controle, especialmente em espaços menores. Este é um método comumente usado por vários artistas. Eu atualmente não prefiro usá-lo muito, especialmente para letras, principalmente porque ele estraga meus pincéis e eu nunca posso obter um traço limpo porque eu tenho que usar um pincel velho. Não usaremos nenhum fluido de mascaramento para nossos projetos nesta classe. O que me leva ao próximo método, que é o que usaremos. Basta para cima, evitando a cor em seus espaços positivos pintando manualmente em torno deles. Parece loucura? Essa loucura é o que torna isso tão excitante. Agora, vejamos alguns exemplos de espaço negativo sendo usado criativamente por outros artistas. Este é um retrato, mas quase nenhuma tinta está no próprio rosto. mesmo aqui, a forma da pessoa é sugerida pelo espaço negativo ao seu redor. Aqui esse maiô é praticamente nada no papel. Mas você sabe, ele está lá. Isso é cabelo laranja ou um urso preto que estamos olhando? Espaços entre edifícios em forma de mãos assustadoras, coincidência? Aqui está a vida formada apenas pelos desenhos botânicos em torno dela. Uma campanha publicitária inteligente promovendo adoção de animais de estimação. Você vê o canino no espaço negativo? espaço negativo também se torna uma ferramenta valiosa no design do logotipo. Um dos logotipos mais famosos que usam espaço negativo criativamente é o logotipo da FedEx. Você vê a pequena flecha no espaço negativo? Está lá sem estar lá, e essa é a beleza disso. Aqui estão mais alguns Logos que demonstram o uso inteligente do espaço negativo para esgueirar-se em elementos de design que são relevantes para suas respectivas marcas. Espaço negativo, como você pode ver, é algo que eu sempre sou atraído para usar no meu processo de arte e design. Deixe-me mostrar-lhe algumas das minhas próprias peças. Eu meticulosamente rabisquei em torno das letras aqui para criar este aqui. Aqui está outro trabalho negativo de letras no espaço com rabiscos de caneta. Algumas férias refrigeradas, mas aguarelas espaço negativo. Esta é uma das minhas peças favoritas que também inspirou um dos nossos projetos para esta aula. Eu usei espaço negativo aqui para criar uma ilusão de uma janela [inaudível]. Este é um letreiro de espaço negativo definido contra várias camadas de folhas pintadas negativas, duplo negativo. Esta é uma peça digital negativa, e estou usando o contraste de espaços negativos e positivos para ilustrar o sal. Outra peça digital com letras negativas. Verifica esta. Eu usei espaço negativo para implicar a presença de um quadrado em torno do qual as flores estão dispostas. Eu também uso elementos de espaço negativos na maioria dos logotipos que eu crio. Aqui estão alguns. Espero ter mostrado o suficiente para animá-lo para criar alguns projetos espaciais negativos. Na próxima lição, vamos mergulhar e começar a descobrir algumas técnicas de controle de pincel que irão ajudá-lo a dominar a pintura em torno de formas. 5. Controle do pincel: Esta lição é toda sobre o exercício dessas técnicas de controle de pincel. Vamos aprender a pintar dentro e ao redor de formas usando uma única cor para começar. Procure algumas dicas profissionais muito úteis que eu jogo de vez em quando durante esta lição. Para tornar as coisas mais fáceis para você, incluí um arquivo de modelo que você pode baixar na seção de recursos desta classe. Você pode começar imprimindo este arquivo e transferindo os contornos para uma folha de papel aquarela. Você pode usar uma caixa de luz para isso, ou se você tiver um iPad Pro, você pode baixar um aplicativo gratuito chamado Lightbox trees e usá-lo. Você pode até colocar seu papel contra a luz sobre uma janela e rastrear. Ou você pode ignorar o modelo completamente e desenhar à mão livre diretamente em seu papel aquarela. Isto é o que eu fiz, eu acabei de usar meu lápis para esboçar as formas em uma folha de nove polegadas por seis polegadas papel aquarela. Você pode começar com qualquer tamanho que se sinta confortável para você. Você pode até começar com um em tamanho real, e avançar para tamanhos menores para aprimorar suas habilidades ainda mais. O que vamos fazer aqui é usar uma seção do modelo para praticar a pintura dentro das formas, que são os espaços positivos, e a outra seção para aprender a pintar em torno das formas ou os espaços negativos. Sinta-se à vontade para pausar ou abrandar o vídeo e pratique-os quantas vezes precisar. Quanto mais, melhor. Vamos a isso, sim? Eu tirei um pouco de tinta e estou misturando um pouco mais de água. Meu pincel está molhado e cheio de tinta. Agora começamos colocando a tinta dentro do quadrado, e então apenas arraste a bolha molhada que você acabou de colocar no papel para encher o quadrado. É basicamente isso, você coloca tinta e puxa para onde você quer que ela vá. Quando a bolha não está mais molhada o suficiente, você mergulha seu pincel e pinta novamente e repita. Agora, nosso objetivo é preencher a forma, então precisamos ir o mais perto possível dos contornos sem e realmente tocá-los. No momento em que a tinta ou até a água toca a marca de lápis, torna-se inapagável. Todos acabaremos fazendo isso acidentalmente em algum momento, mas precisamos tentar o nosso melhor para evitá-lo, e acredite, a prática ajuda muito. É importante que a tinta ainda esteja molhada enquanto fazemos tudo isso, uma vez que a tinta seca, ela deixará uma marca. Como queremos obter uma camada uniforme de tinta, não estamos escovando exatamente, mas precisamos sempre estar atentos ao tempo quando pintamos com aquarelas. Vamos passar para a próxima forma. Basta seguir o mesmo princípio, coloque tinta e puxe. Isso ajuda a fazer contornos cuidadosos com tinta dentro dos contornos de lápis antes de preenchê-lo. Mais tarde, você pode voltar e refinar suas bordas. Agora, para a folha, comece a partir da ponta aplicando leve pressão sobre o pincel para que você obtenha um bom traço fino e limpo. Em seguida, puxe com mais pressão sobre o pincel para que você possa preencher as áreas maiores da folha suavemente. Continue arrastando a tinta ao redor para terminar esta folha. Novamente, começamos colocando levemente a tinta perto da ponta e arrastando a tinta para encher o resto da folha. Recarregue o seu pincel com tinta sempre que sentir que não há tinta molhada suficiente para colocar. Agora, para o J começar pintando a parte superior horizontal e, em seguida, arraste a tinta para a seção vertical, à noite para fora a camada com seus pincelados enquanto você vai. Você pode levar um pouco de tempo para refinar suas bordas e suavizar suas curvas. Agora eu vejo algumas áreas onde a tinta não é uma mistura suave, então eu vou sobre eles novamente, enquanto a tinta ainda está molhada, e misturá-lo na seção superior que ainda está molhada. Agora que temos uma idéia de como pintar dentro de uma variedade de formas, podemos passar a pintar em torno das mesmas formas. É essencialmente a mesma coisa que você está fazendo aqui. Você só precisa identificar o espaço ao redor da forma como seu assunto em vez da própria forma. O que quero dizer é, em vez de olhar para o quadrado como o que você precisa preencher, olhe para o quadro em torno dele, e diga a si mesmo que é isso que você precisa preencher. Faça a mesma coisa, coloque tinta e puxe. Novamente, chegando o mais próximo possível do contorno do lápis sem tocá-lo. Agora você terá que tomar algumas decisões, há duas áreas possíveis do quadro onde você pode continuar, a superior ou a parte inferior. Não há resposta certa, você precisa fazer um julgamento com base em quão molhada sua tinta está em cada um desses pontos. Se você vir que está secando, você pode querer ir lá e salvá-lo adicionando mais tinta e arrastando. Aqui vai uma dica, você notou esta bolha molhada que eu adicionei? Quando deixo uma área ociosa para encher outra área, carrego o meu pincel e deixo alguma tinta realmente molhada no final dos pontos que estou abandonando temporariamente, que eu possa ganhar algum tempo para prestar atenção na outra área. Enquanto eu pinto, eu estou constantemente verificando para garantir que este blob que eu adicionei ainda está molhado, e se parece que ele pode estar secando, eu mudar de volta. Agora eu percebo que a bolha inferior está secando, então eu tento chegar lá rapidamente e arrastá-lo para preencher a forma. Agora basta usar as mesmas técnicas para pintar um em torno das três formas restantes, lembre-se de deixar manchas molhadas quando você abandonar uma área, e para não tocar as marcas de lápis enquanto você pinta. Este aqui tem um espaço muito apertado entre as duas folhas, então eu mudo para o meu pincel de detalhes para entrar diretamente nele com segurança. Uma vez que estou em uma área maior, eu mudo de volta para o meu pincel maior. Dica profissional, quando há uma grande área para preencher, ajuda a imaginar alguns contornos além dos que você desenhou para dividir o espaço em áreas de tamanho de mordida. Mas você precisa fazer isso estrategicamente, notar como eu aproveito o menor espaço aqui perto da ponta da folha, e imaginar uma separação entre as áreas de cima e de baixo bem ali. Isso me ajuda a focar em suavizar uma área de cada vez sem acabar com grandes marcas secas. Mais uma vez, usamos as mesmas técnicas e dicas para pintar ao redor das letras. Isso torna menos intimidante se você vê-lo como apenas uma outra forma em vez de um elementos lettering. Uma vez que eu preencha a maioria das áreas maiores ao redor do J, eu entro com o meu pincel de detalhes para refinar as bordas enquanto a tinta ainda está molhada. Isso é tudo o que é. Espero que tenha gostado desse exercício. No próximo vídeo, vou abordar alguns conhecimentos básicos de aquarela, e como podemos aplicá-lo em nossa vantagem em nosso projeto aqui. 6. Molhado x seco: Você provavelmente se deparou com a terminologia das técnicas molhadas sobre molhadas e molhadas sobre secas de pintura em aquarela. Estas são essencialmente as duas grandes categorias de métodos de aplicação de tintas usados comumente na pintura em aquarela. Nesta lição, vamos abordar isso um pouco e falar sobre suas principais diferenças e aplicações. Simplificando, molhado em seco é quando você pinta com tinta molhada em papel seco. Molhado em molhado é quando você pinta com tinta molhada em você adivinhou, papel molhado. Agora sabemos que o que fizemos ao longo de nossos exercícios na lição anterior foi inteiramente a técnica molhada sobre seca. Para o molhado em seco, eu estou apenas tomando um pouco da tinta misturada no meu pincel e ligar para baixo um golpe no papel. Em seguida, estou fazendo a mesma coisa, mas pintando uma área maior desta vez. Então eu estou pegando um pouco mais de tinta e apenas tocando o pincel inteiramente no papel seco. Dê uma olhada nisso. Temos traços limpos com bordas bem definidas. Os limites são claros e distintos em todos eles. Agora, para o molhado molhado, eu limpei completamente minha escova e eu estou mergulhando em água limpa. Eu vou colocar uma camada de nada além de água limpa no papel seco, basicamente para torná-lo molhado. Eu estou indo sobre esta área molhada com minha escova algumas vezes para obter um esmalte suave e uniforme. Isso é muito importante ao pintar molhado em molhado. Quão suave a camada de tinta é em grande parte depende de como até mesmo sua camada de água está em primeiro lugar. Ajuda muito olhar para ele de um ângulo. Vê aquele esmalte? Isso é o que você quer alcançar. Estou fazendo a mesma coisa com minha tinta, apenas colocando um golpe na área molhada do papel. Você vê como as bordas estão se espalhando? Continuando o mesmo tipo de traços de antes. Se você compará-lo com a versão molhada em seco deste, você pode ver claramente as diferenças, as bordas tem profundidade muito mais definida. Considerando que aqui a umidade continua puxando a tinta para fora, fazendo com que os limites se espalhem. Estou pintando um pouco mais molhado em blocos secos para demonstrar as diferenças ao pintar uma segunda camada, enquanto os dois primeiros secam. Vamos ver o que acontece se você deitar usando a técnica molhada sobre molhada. Estou pintando minha segunda camada antes que a primeira camada seque. A tinta se mistura lentamente com o resto da forma. Além disso, você vê um ponto de luz lá dentro? Isso ocorre porque a camada anterior não era um esmalte suave. Eu levo mais algum tempo para suavizar o próximo. Desta vez, vou demonstrar a pintura da segunda camada com uma cor diferente. Mais uma vez, você pode ver claramente as cores se misturando, o azul se movendo lentamente para a camada verde. Agora, vamos tentar estes no lado molhado e seco. A primeira camada está completamente seca e eu estou colocando um pouco de tinta na segunda camada. Segure em. Aqui está outra dica muito importante. Enquanto molhado em molhado e molhado em seco são ambas técnicas úteis, o que não queremos usar é molhado na umidade. Você nunca vai querer voltar para o papel úmido e pintar. Isso estraga as pessoas e a tinta seca parecendo muito menos vibrante. Papel úmido é um grande não para mim. Seguindo em frente, podemos ver que a segunda camada não se mistura na primeira neste caso, a tinta apenas forma uma camada separada com seus próprios limites distintos. O mesmo acontece mesmo quando tentamos usar uma cor diferente para esta segunda camada. O azul apenas fica em cima do verde, não se misturando, apenas cuidando de seus próprios negócios. Deixa-me mostrar-te mais uma coisa fixe. Só estou usando água limpa para molhar uma pequena faixa de área no papel. Agora eu tomo tinta e coloco um golpe diagonalmente sobre ele, modo que esteja parcialmente nas partes secas do papel e parcialmente na parte molhada. Você vê o que a umidade faz com o mesmo golpe aqui? Ele penas para fora apenas para os limites da água. Esse comportamento não só contrasta as duas técnicas, mas também se torna muito útil para nós em nossos projetos. Vamos resumir todas as diferenças que descobrimos entre as técnicas molhadas sobre secas e molhadas sobre molhadas de pintura em aquarela. Primeiro, o óbvio, molhado em seco requer papel seco e molhado em molhado pede papel molhado para começar. Enquanto a pintura em papel seco nos deixa com bordas bem definidas. A pintura em papel molhado resulta em bordas que se espalham para as áreas molhadas. Finalmente, no primeiro caso, a tinta fica onde você a coloca. Considerando que, no último, a tinta se move e se espalha na umidade. Que tal colocarmos todo esse conhecimento que adquirimos nesta lição para usar e pintar uma segunda camada sobre algumas das formas da nossa lição anterior? Pegue uma escova limpa, molhe-a com um pouco de água limpa e coloque uma camada de apenas água sobre este círculo. Estamos fazendo isso exatamente como lidamos com a pintura, colocando uma bolha e puxando para se espalhar. Agora pegue um pouco de tinta em seu pincel e dublá-lo levemente em torno dos limites da forma e veja como a tinta se mistura lindamente. Lembre-se de como a tinta não vai passar além da área molhada. Isso vem a calhar aqui para que você não tenha que se preocupar com a tinta sangrando além dos contornos, contanto que a água não tenha. Repita o mesmo processo de colocar uma camada de água limpa e, em seguida, dublagem em tinta. Veja como eu suavizo nesta folha para fora. Vou mostrar-te como fiz isso daqui a pouco. Quando o excesso de água forma poças, você vai acabar com marcas secas estranhas. Não que seja sempre uma coisa ruim, mas felizmente para nós, há uma maneira fácil de garantir que isso não aconteça quando não queremos. Aqui estão alguns sinais para você, quando há menos água no pincel do que no papel, a água é absorvida pelo pincel assim que ele toca a área molhada. Usamos isso para adicionar vantagem. Basta dublar o pincel em um tecido seco para tirar o excesso de água dele. Agora, como há definitivamente mais água no papel do que no pincel, ele vai ser absorvido imediatamente, deixando-nos com uma camada uniforme de tinta. Vamos usar essas técnicas e dicas para adicionar uma camada molhada em mais duas dessas formas. Lembre-se de se esforçar para um esmalte de água lisa antes de dobrar tinta e para remover qualquer poça com uma escova de borda seca como eu acabei de mostrar a você. Nosso principal objetivo para fazer a segunda camada é intensificar as bordas de nossas áreas pintadas e fazê-las estourar mais. É por isso que estou colocando a tinta nas bordas e deixando-a se misturar no resto das áreas. Não foi uma exploração empolgante? Na próxima lição, vamos nos divertir ainda mais misturando cores. Vejo-te lá. 7. Mesclar cores: Agora que temos um jeito de controle de traço e algumas técnicas importantes, vamos levar esse conhecimento a um nível, tentando o mesmo exercício usando uma mistura de duas cores. Aprender a misturar cores dentro e ao redor dos espaços nos ajudará a alcançar um novo nível de incrível com nossos projetos de letras de espaço negativo. No final desta classe, eu quero tocar levemente em alguns conceitos básicos de teoria de cores para que você possa usar esse conhecimento para evitar misturas de cor de água enlameada. Por enquanto, junte-se a mim enquanto eu pinto algumas misturas de cores. Então eu estou começando com os espaços positivos, que significa que vamos pintar dentro das pinturas espaciais negativas que fizemos nos exercícios anteriores. Estou colocando uma bolha de tinta da minha primeira cor, que é uma sombra rosa chamada rosa permanente. Já conhece a broca, pinte e puxe a bolha molhada para encher o espaço. Adicione mais tinta e repita. Desta vez, porém, não vamos preencher toda a forma. Basta trazer a tinta para cerca de metade da área e parar para que possamos misturar a nossa segunda cor na área restante. Eu escolhi uma folha laranja profunda chamada cádmio vermelho pálido matiz para misturar com o rosa. Então peguei a tinta laranja no meu pincel e coloquei onde parei com minha seção rosa. Coloque a bolha laranja na bolha rosa, que ainda está molhada e arraste-a. Então é basicamente como nós estivemos reenchendo nossos pincéis com tinta de vez em quando, apenas que neste caso, estamos usando uma cor diferente e, em seguida, estamos apenas suavizando suavemente nossa camada de tinta. É isso. Enquanto passamos para a próxima forma, aqui está algo para pensar. Ao pintar uma mistura como esta, você precisa ter uma idéia do tipo de gradiente que você está tentando alcançar. No caso do quadrado, eu só fui para um gradiente linear de cima para baixo. Neste caso, estou fazendo um gradiente diagonal. Então eu mentalmente cortando o círculo ao meio através da diagonal e colocando minha primeira cor no topo esquerdo sozinho. Depois mudo para a minha segunda cor e misturo-a. Eu estou apenas terminando o círculo indo lentamente sobre essas bordas para dar-lhes agradável e suave. Agora, para a folha, eu não estou fazendo um gradiente definido, e tudo bem também. Uma mistura de cores não significa necessariamente que tenha que ser um gradiente de cor. Então, neste caso, eu estou apenas alternando entre as cores onde quer que eu sinta vontade de obter uma mistura aleatória. Eu sempre mantenho a forma em mente quando faço isso, então não é inteiramente aleatório. Como neste caso, eu quero que as pontas da folha para ser uma cor diferente do resto, então eu tenho isso em mente como eu estou misturando as duas cores. Eu estou mais uma vez fazendo um linear de cima para baixo para o J. Eu começo com a laranja de cima e passo para baixo. No entanto, eu começo o rosa da cauda do J e não do meio. Isso ajuda a manter um rico rosa puro pensar na ponta, mas é perfeitamente bom fazê-lo de qualquer maneira. Eu diria para experimentar os dois métodos e ver o que você gosta. É assim que parece quando está completamente seco. Observe essas bordas intensas e nítidas. Para mim, isso realmente dá a ele um campeão único para aquarelas pintadas à mão. Então, em seguida, vamos usar a seção superior deste para pintar misturas de aquarela espaço negativo. Aqui novamente, a única diferença real está na forma como vemos a forma. Pense quadro retangular em vez do quadrado dentro. Estou fazendo um gradiente diagonal novamente, então eu tenho que manter isso constantemente em mente enquanto eu pinto e ter certeza que minha mistura de cores está ao longo deste ângulo. Quando chego em algum lugar ao redor dos cantos diagonalmente opostos da forma, mudo para a tinta rosa e continuo da mesma maneira. Lembre-se da nossa dica para deixar uma bolha molhada para ganhar algum tempo, continuar usando isso. Então agora eu sinto que as manchas de laranja iniciais secaram bastante severamente e eu quero rever isso novamente para tentar consertar isso e, em seguida, adicionar um pouco mais de rosa para misturá-lo. Para este, eu quero fazer um gradientes radiais, começando com rosa perto do círculo e movendo-se para fora em laranja radialmente. Então pinte um anel rosa ao redor do círculo e tente ser o mais rápido possível com isso, porque precisamos capitalizar sobre a umidade do anel para ajudar a mistura o máximo possível e depois entrar com a laranja e puxar o anel rosa seção para fora por seção para misturá-lo na laranja que você está constantemente adicionando. Se os caminhos cor-de-rosa começarem a secar, tente reativar a tinta passando por cima dela muito gentilmente com o pincel enquanto pinta. Mas não exagere isso porque você pode acabar danificando o papel. Claro, tudo bem se isso acontecer aqui, já que estamos apenas praticando. Com prática suficiente, você vai descobrir o quanto é demais para essas coisas. Como a laranja parece estar assumindo um pouco, eu vou entrar com um pouco mais rosa bem ao lado do círculo e misturá-lo novamente. Aqui também, eu quero pintar rosa perto das folhas e misturar-se com a laranja. É essencialmente o mesmo conceito que com o gradiente radial, apenas que a forma é irregular agora. Então eu vou subdividir meu espaço em áreas menores para fazer a mesma coisa, alternando entre as cores dentro de cada seção. Agora, por que eu revisei as marcas de lápis e destruí o espaço branco aqui? Porque eu não mudei para um pincel de detalhe não seja eu, alternar para um pincel menor para pintar pontos tão apertados. Estou mantendo isso simples com este e fazendo um gradiente linear de cima para baixo. Então você sabe como lidar com isso agora. Basta estar atento aos cantos custados pelo J e tentar chegar lá bem apertado. Veja isso, é muita água na tinta que acabei de adicionar. Isso pode acontecer de vez em quando e você já sabe como corrigi-lo. Lembre-se da dica de ciência que eu lhe dei antes, basta colocar o pincel em um tecido seco e ir para absorver o excesso de água, em seguida, continuar pintando como antes. Agora, eu não estou feliz com como isso secou, então eu vou repassar isso mais uma vez com uma nova camada. Eu verifiquei e me certifiquei de que a primeira camada está totalmente seca. Lembre-se dos perigos de pintar em papel úmido, na verdade experimentá-lo, eu diria. Então você pode ver por si mesmo. De qualquer forma, vamos terminar esta camada de forma semelhante a como fizemos camada um. Agora vamos dar um mergulho e a teoria das cores do oceano. A teoria das cores não é nada além da ciência das cores. Estamos particularmente interessados na roda de cores, que é o que a teoria da cor se baseia. Então vamos dar uma olhada. Primeiro, temos vermelho, amarelo e azul, que são chamados de cores primárias. Eles são chamados assim porque, em teoria, todas as outras cores podem ser feitas usando combinações dessas três cores. Além disso, quando todos os três são misturados em proporções iguais, você fica preto. Agora, quando você mistura vermelho e amarelo, você fica laranja, com amarelo e azul, você fica verde e com azul e vermelho, você fica roxo. Estas são suas cores secundárias porque cada uma delas é feita misturando duas cores primárias. Quando você mistura a cor primária com a cor secundária, você obtém suas cores terciárias. É assim que uma roda de cores básica é formada. As cores opostas umas às outras na roda de cores são chamadas de cores complementares, modo que vermelho e verde se complementam perfeitamente, e assim como amarelo e roxo, e azul e laranja. Da mesma forma, você pode encontrar a cor complementar para qualquer cor na roda de cores. Estas cores têm o maior contraste entre eles e pode dar-lhe um peças muito vibrantes quando usado ao lado do outro. Mas estas são também as cores com as quais você precisa ter mais cuidado, especialmente se você estiver usando técnicas de mistura com aquarela. Tomemos por exemplo, amarelo e roxo. Sabemos que o roxo é um produto das cores primárias, vermelho e azul, e amarelo é a terceira cor primária. Também sabemos que misturar todas as três cores primárias resulta em preto. Dependendo da proporção e da intensidade de cada uma dessas cores, você pode realmente acabar com castanhos, cinza ou outras cores neutras em vez de preto. Então, enquanto o amarelo e o roxo ficam ótimos um ao lado do outro, quando misturados, eles podem resultar em uma cor neutra. Então, se você tentar misturar amarelo e roxo, a mistura acabaria parecendo enlameada. Em vez do rosa e laranja, se eu tivesse usado amarelo e roxo para este exercício, todos os lugares onde eles interagiram uns com os outros teriam acabado parecendo lamacento por causa das cores neutras que eles vão se misturar para formar. Você pode obter esquemas de cores muito silenciados experimentando com a mistura de cores complementares, mas se você estiver indo para um esquema de cores vibrante, você não quer destruí-lo com misturas lamacentas. Eu quero encorajá-lo a fazer uma pequena quantidade dessas cores de cortesia uns com os outros e ver por si mesmo. É por isso que quando eu escolho cores para uma mistura de aquarela, eu tento encontrar cores próximas umas das outras na roda de cores. Estas são chamadas de cores análogas. Por exemplo, verde e azul, azul e roxo, amarelo e verde, ou como eu escolhi para este exercício, rosa e laranja. Você pode até escolher mais de duas cores que estão próximas umas das outras na roda de cores e acabar criando belas e vibrantes misturas de cores. Portanto, consulte uma roda de cores e experimente um pouco com estes e você vai encontrar-se descobrindo suas escolhas de cores preferidas. Isso foi apenas para fazer você entender que só porque duas cores parecem ótimas umas das outras, não significa necessariamente que elas serão uma boa escolha para a mistura. Espero que esta lição tenha inspirado você a brincar com cores. Vamos nos encontrar no próximo vídeo, onde eu vou levá-lo através de algumas letras manuais básicas para você começar a fazer isso. 8. Fundamentos do lettering: O mundo das letras é um lugar tão bonito para se levar. Você está pronto para explorar esta forma excitante de arte? Nesta lição, vou levá-los através de alguns dos conceitos essenciais muito básicos de letras manuais. Especificamente falando, estou focando na caligrafia completa, que eu acho que é uma das abordagens mais diretas para iniciantes. Se você já gosta de letras, sinta-se livre para fazer isso, usando os estilos e técnicas com os quais você está familiarizado. Para o bem de nossos projetos, você só precisa ser capaz de rastrear em torno suas letras que você criar em qualquer estilo que você escolher. Se você é completamente ou relativamente novo para letras de mão, fazer esses exercícios comigo definitivamente será benéfico para começar. Espero que esta lição o inspire a continuar a escrever. Eu mencionei que meu foco será na caligrafia falsa. Então, o que é caligrafia falsa? Vamos primeiro examinar o que é caligrafia e o que torna a letra manual diferente dela. A caligrafia é a arte da escrita bonita. Então você pode estar usando ferramentas especificamente destinadas a caligrafia como canetas, pontas de caligrafia, pincéis, canetas de pincel, etc, para escrever letras em um estilo particular. Letragem manual é a arte de ilustrar letras à mão. Então você está essencialmente desenhando as diferentes formas que criam cada letra no respectivo estilo. Caligrafia falsa significa caligrafia falsa. É uma técnica de letras manuais, onde você recria a aparência da caligrafia, usando ferramentas regulares como um lápis ou uma caneta. Então você está imitando a aparência final do derrame visto na caligrafia, mas não fazendo esses traços exatos. Deixa-me mostrar-te o que quero dizer com isto. Eu vou primeiro mostrar a vocês como eu faria alguma caligrafia com um marcador de pincel, que eu possa então mostrar a vocês como fingir. Aqui estou usando um marcador de pincel da marca Karin. Estou escrevendo a palavra esperança usando um marcador de pincel. Então este sou eu fazendo alguma caligrafia de pincel, que é uma forma de caligrafia usando um pincel ou um marcador de pincel como ferramenta de caligrafia. Observe como há traços grossos e finos. Esta variação no peso da linha é criada variando a pressão que eu aplico à caneta de escova. Se você observar esta palavra, você pode ver que esta variação não é aleatória. Há uma fórmula para fazer isso.Há dois tipos básicos de traços que compõem cada letra. A qualquer momento, ou vou para cima ou para baixo. Quando eu subo, o foguete é chamado de ascendência, e quando eu desço , é um movimento descendente. Este é um curso descendente, e depois um golpe ascendente. Um movimento descendente, um pequeno golpe ascendente, um movimento descendente, e novamente, um golpe ascendente. Da mesma forma, um golpe ascendente, um downstroke e um pequeno upstroke. Você pode ver a fórmula agora? Todos os grossos são traçados descendentes e todos os finos são upstrokes. Então downstrokes, são grossos, e upstrokes são finos.Este aqui é o conceito mais básico em caligrafia. Estes são alguns dos traços básicos que você estará praticando, se você estiver aprendendo caligrafia. Mas para caligrafia completa, só precisamos imitar esses traços, então não precisamos praticar a técnica. Mas primeiro, por que exatamente estamos tentando imitar essa fórmula? Vamos tentar fazer o oposto. Vamos fazer o nosso ascendente grosso e pinceladas finas e ver como isso se parece. Mesmo que isso pareça um H, não parece estranho? Estamos acostumados a ver cartas assim. É por isso que respondemos melhor a isso. Mesmo quando escrevemos normalmente com um lápis, há uma variação involuntária na pressão, que também se alinha com a nossa fórmula. Então vamos ver como podemos recriar esse efeito usando um lápis. Em vez de fazer um golpe grosso, desenhamos o contorno de algo como um retângulo, e para o golpe ascendente, é apenas uma linha. Veja como eu nem sequer o desenhei para cima. Agora vamos tentar escrever a mesma palavra, esperança, usando esta ideia. Primeiro, nós apenas escrevemos com a mesma largura de linha por toda parte. Mais tarde vamos entrar e engrossar os movimentos baixos sozinhos. Você não precisa escrever a coisa toda em um movimento contínuo do lápis também. Na verdade, ajuda a quebrar cada poucos golpes. Em seguida, precisamos assumir os movimentos oprimidos. Começamos a partir do ponto em que o curso ascendente muda para um curso descendente e aumenta gradualmente a espessura. Repetimos isso para todos os golpes negativos. Eu decido de que lado engrossar com base em onde há mais espaço. É por isso que, para o P, engrossei o curso em ambos os lados. Agora vamos tentar fazer algumas letras maiúsculas. É assim que você normalmente escreveria um A. Então, ascendente, downstroke, e então um traço horizontal. Os traços horizontais geralmente são mantidos finos, assim como os upstrokes. Então comece como você normalmente escreveria. Em seguida, apenas engrossar o curso descendente. Da mesma forma, você pode fazer um B também.Tente isso com qualquer letra que você gosta. Vamos tentar E. Um curso descendente grosso e três traços horizontais finos são suficientes. Agora, para algumas letras minúsculas, basta seguir o mesmo conceito e continuar tentando. Você vai pegar o jeito em breve. Deixe-me dar uma olhada nos passos que seguiremos para preparar nossas letras para nossos projetos. Primeiro, como fizemos antes, apenas desenhamos as letras da nossa palavra com um lápis e depois entramos e engrossamos e todos os nossos traços negativos. Então vamos mudar para um forro fino e rever todos os contornos. Isto é para que possamos vê-los melhor enquanto rastreá-los em um papel aquarela.Em seguida, apague todas as marcas de lápis. Você também pode fazer a palavra inteira em maiúsculas, se quiser, usando as mesmas etapas. Em certos casos, dependendo da escala do seu trabalho artístico, deixar o traçado ascendente ou horizontal como uma única linha fina pode não funcionar. Você pode definitivamente torná-los um pouco mais grossos também. Apenas certifique-se de que há contraste suficiente entre os movimentos descendentes e upstrokes. O mesmo se aplica, mesmo se você estiver usando letras de script em minúsculas. Você também pode engrossar ligeiramente o seu ascendente se o tamanho da sua peça final exigir isso. Então, uma vez que eu engrossar todos os traços ao meu gosto, eu vou sobre os contornos com um forro fino preto. Agora apague as marcas de lápis e você está pronto para rastreá-lo. Esta foi provavelmente a lição de letras mais rápida de sempre, não foi? Eu só queria apresentar-lhe brevemente uma abordagem relativamente fácil para você começar a escrever, se você não tentou anteriormente. Espero ter desmistificado um pouco para você. Continue praticando palavras diferentes e em breve você vai fazer isso sem pensar muito. Vejo você na próxima lição, onde entraremos nas partes mais excitantes desta aula. 9. Projeto 1: esboço e layout: Sim, finalmente estamos prestes a começar nosso primeiro projeto. Quem está entusiasmado? Nesta lição, eu vou levá-lo através de todos os bastidores do meu processo de esboço, incluindo toda a tentativa e erro e toda a bagunça que eventualmente resulta em uma peça com a qual estou feliz. Vamos começar a escrever. Eu escolhi a palavra sol para esta peça e eu quero que o estilo de palestras e o humor geral desta obra de arte para transmitir todos os sentimentos felizes brilhantes que a palavra sol traz para mim. Você pode seguir e seguir minhas escolhas de estilo ou dar seu próprio toque. Sugiro que, ao longo do tempo, você crie uma biblioteca de estilos de letras para se referir a inspiração no Pinterest ou Instagram ou em outras plataformas de sua escolha. Primeiro, preciso explorar algumas idéias de estilo de letras antes de me restringir a uma. Eu começo experimentando uma mistura fina de letras maiúsculas e minúsculas e eu estou pensando que isso ficaria bem com um peso de linha uniforme por toda parte, algo assim. Estou tentando outro estilo de tiras mono-line contínuas com um toque brincalhão caprichoso. Eu me sinto como dar retro atrás com um estilo de script cursivo. Que tal a mesma coisa, mas num ângulo? O que eu tenho em mente é que minha palavra seja colocada dentro de um fundo de listras coloridas. Só estou desenhando uma versão em miniatura da minha visão inicial. A palavra precisa chegar em algum lugar lá e eu estou imaginando que existem algumas linhas horizontais com este estilo que provavelmente iria colidir com as listras. Estou a pensar que este ângulo aqui seria uma coisa boa assim. Um bom contraste contra as listras horizontais. Eu decido explorar essas opções um pouco mais. Eu tento uma pequena edição florescente para amplificar o retro. E se eu fizer algo semelhante, mas com mais letras saltitantes? Eu realmente gosto de ambos, mas eu estou sentindo o estilo retro um pouco mais do que o saltitante. Gosto desse sentimento de nostalgia que traz, é esse. Eu desenhei um quadrado de cinco por cinco polegadas para que eu possa fazer um esboço mais refinado para escala para caber dentro do papel quadrado de seis por seis polegadas que eu pretendo fazer esta peça em. Também marquei a linha central. Então eu estou desenhando algumas linhas angulares como guias para o meu texto para sentar dentro. Agora, a palavra luz do sol tem oito letras, então quatro em cada lado da linha central. Mas normalmente, como eu, é uma letra muito mais fina do que as outras, eu compensaria isso e planejaria mudar o centro dela. No entanto, neste caso, não vou fazer isso. Você vê como o achatado a partir do E, ocupa algum espaço no final. Preciso explicar isso quase como uma carta extra. Eu estou mantendo a linha central como é pouco antes h eu normalmente trabalho a partir do centro para dar meus textos centralizados. Estou começando desenhando o H. Eu uso minha régua de grade para ajudar a manter os ângulos de todos os meus traços descendentes semelhantes. Percebo que preciso reduzir a altura das minhas cartas para encaixá-las bem no espaço. Eu apago tudo e desloco minhas principais diretrizes ligeiramente para baixo e esboço minhas cartas novamente. Agora mudo para o lado esquerdo, novamente, começando do centro e trabalhando para fora. Estou constantemente fazendo pequenas mudanças na colocação e ângulos à medida que vou com base no meu julgamento de como o layout está se unindo. Tenho de rever isto algumas vezes para que pareça satisfatório. Agora, para o elemento florescer, eu só estou descobrindo a forma como eu vou. Isso parece muito bom para mim, mas acho que precisamos de algo em cima para equilibrar o floreio no fundo. Eu vou mexer com o meu h um pouco.f eu estou experimentando algumas idéias para descobrir isso e refinar a forma como eu vou. Agora, eu sinto que há muito espaço vazio à esquerda do H. Eu preciso adicionar algo que combina com todo o humor da peça, talvez um sol. Eu jogo com essa idéia por algum tempo descobrindo onde e como eu gostaria que este elemento se encaixasse com o resto do layout. Veja desta maneira particular, eu coloquei isso nesse ângulo porque eu queria que ele fosse perfeitamente paralelo à minha linha de base. Só ajuda a trazer equilíbrio. Uma vez que o esqueleto parece bom o suficiente para mim, eu entro e tirei todas as pinceladas e arredondar algumas das dicas para fazer tudo parecer agradável e suculento. Procuro todas as oportunidades que tenho para fazer mais correções que acho que podem ajudar. Acabei de perceber que desenhei um N em vez do H. Posso voltar mais tarde e corrigi-lo. Quero manter todas as larguras de linha no sol constantes. Eu apenas engrossar todos um pouco. Eu repassar todo o contorno com a minha linha fina preta para cima para que eu possa levar a apagar todas as marcas de lápis e mantê-lo limpo e nítido para rastrear sobre. Lá temos ele. Nosso esboço agora está pronto para ser transferido para o papel aquarela. Eu faço tudo isso porque eu não quero colocar meu papel aquarela em tanto tentativa e erro. Quero que as marcas de lápis sejam mínimas. Em seguida, tiro uma foto do esboço usando a câmera do meu iPad Pro e uso um aplicativo gratuito chamado Lightbox Trace que efetivamente transforma meu iPad em uma caixa de luz. Eu já tinha cortado meu papel aquarela para o quadrado de seis por seis polegadas que eu queria. Acabei de colocar o papel aquarela no meu iPad e traço o design com meu lápis usando uma pressão muito suave. Queremos manter as marcas de lápis tão leves quanto possível para que tenhamos uma peça limpa no final. Eu também adicionei em diretrizes lápis para minhas listras usando linhas que estão meia polegada de distância. Na próxima lição, vamos dar vida a este esboço a lápis adicionando algumas cores divertidas. 10. Projeto 1: pintura: Chegou a hora de pegar nossos pincéis e colocar todos os nossos ensinamentos em aquarela para usar em nossa primeira peça do projeto. Tudo o que faço nesta lição é uma aplicação do que já abordamos anteriormente em outras lições. Então eu quero convidá-los a observar de perto enquanto eu pinto esta peça. Sinta-se à vontade para diminuir a velocidade ou acelerar este vídeo conforme você precisar. Espero que esteja pronto com seus suprimentos para se juntar a mim neste passeio. Eu tenho o meu esboço pronto da lição anterior, e perdi para falar sobre a fita adesiva. Então eu fui em frente e colou todas as bordas do meu papel com uma fita adesiva de meia polegada de largura. Eu não coloco o papel na minha mesa, eu quero ser capaz de mover o papel ao redor enquanto eu pinto. Então tudo o que a fita está fazendo aqui é me dando algumas bordas nítidas ao redor das bordas, e claro, algum prazer de remoção de fita quando eu terminar. Tirei as tintas que preciso para esta peça nos poços de mistura. Decidi fazer uma história de cor rosa, amarela e laranja com isso, perfeitamente alinhada com o humor feliz do sol. Então aqui está um pouco do rosa, que é a forma chamada rosa permanente. Então eu peguei um alegre, quase manga como um tom de laranja chamado cádmio cor laranja, que eu vou continuar me referindo como manga. A laranja que eu estou usando é principalmente cádmio vermelho pálido matiz, misturado com um pouco de minha manga para iluminá-lo, eo amarelo como cádmio amarelo tonalidade. Eu estou atribuindo cores para as listras praticamente aleatoriamente como eu vou. Quero começar com um rosa primeiro. Pinte a primeira faixa, assim como fizemos em nossos exercícios. Coloque uma bolha molhada e mova-a para encher a faixa. Não há texto em conflito com a primeira faixa, então não há nada que o impeça de preencher facilmente toda a faixa. Lembre-se de não tocar nas marcas de lápis enquanto pinta. Da mesma forma, com a segunda faixa, não há nada no seu caminho. Eu vou com a minha sombra de manga para este aqui e preencher toda a faixa. O terceiro vai ser amarelo. Agora aqui encontramos nossas primeiras formas que precisamos manter branco, ou, em outras palavras, pintar ao redor. Você sabe como fazer isso. Basta ir cuidadosamente ao redor das formas como você pinta sem tocar nos contornos, é claro. Enquanto o amarelo ainda está molhado, Eu estou adicionando em uma linha de manga aqui porque eu quero manter as coisas mais interessantes, fazendo parecer que a tinta de listras adjacentes estão sangrando um no outro em algumas áreas. Eu tentei preencher grandes espaços contínuos primeiro, antes de entrar nos espaços fechados menores. Eu sei que minha próxima faixa vai ser rosa, então eu adiciono um pouco de rosa aqui para o mesmo efeito de sangramento que eu falei, e então preencho o pequeno pedaço restante aqui. Eu faço a mesma coisa com todas as listras subseqüentes, preencha as áreas maiores primeiro, cuidadosamente indo em torno de todos os nossos elementos de lettering. Lembre-se de mudar para um pincel detalhado à medida que os espaços ficam mais apertados. Agora, por que você acha que eu decidi encher nosso espaço negativo com listras? Bem, listras coloridas são sempre divertidas de olhar, não são? Mas essa não é a única razão. Primeiro, eles nos ajudam a focar na pintura de uma cor de cada vez, então não precisamos nos preocupar muito com a mistura de cores ainda. Dois, eles quebram o espaço negativo que de outra forma teria sido muito grande, ajudando você a evitar marcas de secagem ásperas se você estivesse tentando preencher tudo isso de uma só vez. É bom para nós pensarmos sobre essas coisas de antemão. À medida que você faz mais peças, você vai descobrir ideias para otimizar seu design de maneiras diferentes como esta. A pintura negativa já é demorada e requer muita paciência. Não precisamos tornar as coisas ainda mais complicadas para nós. Vou deixar você me observar pintando por algum tempo. Por favor, desculpe-me meus fios muito curiosos de cabelo que querem entrar no quadro de vez em quando enquanto eu pinto. Aqui está um erro genuíno para você aprender. Acidentes como este podem acontecer frequentemente durante a pintura em aquarela, e a maioria deles é corrigível. Neste caso, estou adicionando uma gota de água sobre o local do acidente com uma escova limpa, e, em seguida, usando um tecido seco para esfregar e absorver. Eu adiciono mais água e repito até que pareça limpo o suficiente. As chances são que nunca vai parecer perfeitamente limpo. Mas quando seca, será muito mais leve, então você pode quase sempre se safar. Você pode até usar um algodão em vez de um tecido, especialmente em espaços mais apertados. A chave é não entrar em pânico e agir rapidamente. Aquela marca de lápis onde você fez toda essa correção não vai sair agora ou nunca, mas isso é apenas algo com que precisamos viver. Observe como eu estou usando meu pincel menor para entrar nesses espaços minúsculos, então eu mudo para o meu pincel detalhado ainda menor à medida que os espaços ficam ainda mais apertados. Passamos por todas as listras e a pintura está seca. Eu fui em frente e apaguei todas as marcas de lápis. Se você olhar de perto, você pode ver que algumas das bordas não são suaves e alguns espaços minúsculos foram deixados de fora. Agora que os contornos do lápis estão fora da imagem, podemos chegar de perto e pessoal com nossas bordas sem surtar em tocar as marcas de lápis. Então vamos movê-los para fora e preencher quaisquer lacunas. Mas, claro, somente após a camada um está completamente seca. Se pintarmos perto das bordas e deixarmos, você vai acabar com algumas linhas duras, que podem ser feias. Então você tem que misturá-los em espaços maiores para fazê-los parecer mais coesos. É basicamente como fazer outra camada sobre a coisa toda. A tão esperada remoção profunda está aqui. Às vezes me pergunto se eu pinto com cores de água só para fazer isso. É tão gratificante assistir, não é? Mas realmente fazer isso somente depois que você tem certeza de que sua pintura está totalmente seca. Confie em mim, e terminamos. Parabéns por terminar seu primeiro projeto comigo. Estou tão animada para ver suas criações. Então, clique em um BEC e faça o upload imediatamente. Espero que tenha gostado deste projeto tanto quanto eu. Vamos nos encontrar na próxima aula onde começaremos com nosso segundo projeto. 11. Projeto 2: esboço e layout: O projeto número dois está aqui. Mais uma vez, começamos com a fase de esboço e vamos fazer isso juntos desde decidir nosso estilo de letras e chegar ao layout até ter um esboço refinado pronto para ser transferido para o papel aquarela. Desta vez, a palavra que escolhi é destino e quero-o sentado dentro de uma pequena nuvem brincalhão. Novamente, a arte final vai ser um quadrado, então eu começo fazendo um esboço em miniatura. Quero que minha mensagem fique dentro de um trapézio deformado para dar mais energia. Começo por escrever a palavra em cursiva e ver onde me leva. Eu tento um par de floreios do y e do t. Eu não estou gostando que está continuando no detalhe t então eu vou mudar o meu s e tentar alguns outros floreios. Eu faço mais alguns desses esboços em miniatura, tentando fazer as letras parecerem mais curvas e insufláveis. Bem, então eu acho que as curvas naquele trapézio precisam ser um pouco mais dramáticas para me dar o efeito pretendido e a dinâmica nas letras. Sim, eu definitivamente gosto de como este y está se formando agora. Eu estou tirando a forma direto do t. Eu gosto deste para começar, então eu estou desenhando na nuvem em torno dele para nos dar um ponto de partida para o nosso esboço maior. Mais uma vez, eu desenhei um quadrado de cinco por cinco polegadas em um pedaço de papel de impressora e eu tenho o esboço em miniatura ao meu lado para referência. Na miniatura, minha nuvem está transbordando das bordas, o que não é o que eu quero. Eu acho que é uma boa idéia começar com a nuvem em si para obter um melhor posicionamento. Como você pode ver, eu estou usando a miniatura como um guia geral para a forma da nuvem e eu estou desenhando em um monte de pequenas curvas. Aqui está uma dica para essas nuvens, não apenas desenhe um monte de curvas que são semelhantes entre si. Para mantê-lo divertido e divertido, misture e continue variando os tamanhos de cada uma de suas seções curvas. Vê a diferença? Continuo ajustando a forma da minha nuvem até achar que é boa o suficiente por enquanto. Então eu começo a estabelecer a linha de base para as minhas letras. Eu ainda vou com aquela forma trapezoidal porque eu realmente quero que esta peça esteja cheia de energia. Eu quero que a palavra destino pareça quase como se fosse meio vôo do céu, então eu marquei guias para os ângulos inicial e final. Então eu começo a escrever minhas cartas uma por uma. Preciso não apenas distribuir o espaçamento uniformemente, mas também os ângulos neste caso. Eu estou olhando isso e mentalmente distribuindo os ângulos para cada letra como eu ir com base nos guias de início e fim que eu tenho no lugar. Não estou gostando do ângulo desse Y veja como não parece equilibrado contra o meu D, então estou ajustando isso até parecer mais simétrico. Eu estou adicionando uma barra transversal curva agradável para o meu t. Eu amo quando eu tenho um t minúsculo na minha palavra, especialmente tão bem centrado, ele me dá um monte de espaço para torná-lo todo sonhador. Agora, o D parece muito básico contra todas as outras letras extravagantes, e nós definitivamente não fazemos básico, é? Vamos consertar isso. Agora que estou mais feliz com um esqueleto das minhas letras, vou refinar um pouco a nuvem fazendo pequenos ajustes para fazer tudo parecer mais equilibrado. Agora entramos e engrossamos nossos traços para baixo. Até agora você sabe como isso funciona, então vá em frente e divirta-se com ele. Para cada letra, eu meço mentalmente a quantidade de espaço em ambos os lados e tomo decisões sobre qual lado eu quero engrossar meus traços. Eu sinto vontade de adicionar em duas curvas simples ao redor da nuvem apenas para equilibrar meus floreios um pouco e trazer um pouco mais desse elemento decorativo. Sim, isso parece muito bom para mim. Agora vamos rever todos os contornos com um forro fino preto. Então apague todas as marcas de lápis e acabamos. Gostou de construir este do zero para este esboço divertido? Na próxima lição, vamos nos misturar em alguns belos azuis e roxos dentro de nossa nuvem e trazer a magia para este esboço. Vejo você lá. 12. Projeto 1: pintura: Hora de trazer nossa nuvem para viver com uma mistura de cores vibrantes. Vamos chegar a ele imediatamente. Tenho minha transferência de esboço para o papel aquarela, que mais uma vez é um quadrado medindo seis por seis polegadas. Agora estamos prontos para escolher uma pintura e começar a pintar. Eu tenho minha árvore misturadora, alguns azuis diferentes que eu escolhi. Este aqui é o tom, azul intenso, este é um pouco de azul cobalto, e aqui em cima eu tenho um pouco de turquesa. Então eu também escolhi uma forma roxa chamada dioxazina violeta. Estas são as tintas que eu vou começar com, e então vamos ver se precisamos adicionar ou remover qualquer cor enquanto vamos. A maneira que eu vejo minha nuvem é com as bordas todas sendo intensas com roxos e azuis escuros, e o centro sendo mais quente com aquele toque de turquesa. Comecei no canto superior esquerdo da nuvem com um pouco de roxo. Eu estou recebendo a pintura agradável e perto dos contornos de lápis, mas definitivamente tentando o meu melhor para não tocá-los. Vou pegar um pouco de azul intenso no meu pincel e tentar misturar o roxo com ele. O roxo não estava molhado o suficiente para realmente se misturar com o azul. Vou entrar com mais daquele roxo para ajudar a colocar a mistura. Você vê como eu estou usando a menor peça aqui para minha vantagem para dividir a área maior em pedaços de tamanho mais manejável para pintar de cada vez. Sempre atente para oportunidades para fazer isso. Em vez de parar em algum lugar aleatório. Eu só estou arrastando a tinta azul intensa para baixo um pouco mais e, em seguida, adicionar um pouco de azul cobalto como eu me mover para o centro. Então eu volto para o centro, desta vez, com um pouco de turquesa, eu estou mudando para o meu pincel de detalhes para entrar nesses espaços minúsculos. Continuamos fazendo isso até que toda a nuvem esteja cheia. Para obter o efeito total das letras de espaço negativas, é importante para nós manter a nuvem com uma aparência tão perfeita quanto possível. Mesmo que haja elementos de letras separando duas áreas, precisamos sempre tentar continuar com cores da área adjacente. Por exemplo, esta parte aqui é roxa. Quando chegarmos aqui, que é essencialmente bem ao lado dele, temos que nos certificar de que começamos com pelo menos algum roxo lá para que pareça uma área contínua. Além de ficar fora dos contornos de lápis, só precisamos talvez, lembrar o efeito geral que estamos tentando alcançar. Como disse, manter a continuidade é importante e aderir à ideia geral do gradiente também faz parte do factor continuidade. Neste caso, temos um gradiente radial, mas não exatamente uma chamada situação aqui. Escolha os pinos de acordo em cada área, você pode dar a si mesmo algum espaço para romper com o gradiente de vez em quando para manter as coisas mais interessantes, mas não exagere ou o gradiente pode nem ser mais evidente. Lembre-se dos dois traços que adicionamos ao redor da nuvem e do final do nosso rosto de desenho. Apaguei aquelas caixas de lápis e estou recriando-as com fraco tentando variar ligeiramente a onda de linha para dar uma aparência mais dinâmica. Você vê como esses belos floreios se perdem porque eles acabaram fora da nuvem. Eu tenho uma idéia para tentar trazê-los de volta para a imagem adicionando mais duas curvas, assim como as que fizemos agora, bem ao lado dos floreios. Na verdade, mesmo que não estejam exatamente na pintura. Essas adições sugerem ao espectador como os floreios se curvam fora da nuvem. Nossa primeira camada está pronta. Eu já gosto de como isso está parecendo, mas nós temos um pouco mais de trabalho sobre isso para assumir outro nível. Uma vez que a primeira camada está completamente seca, eu apago todas as marcas de lápis. Agora podemos entrar e pintar uma segunda camada sobre isso. Temos alguns incentivos para fazer isto. Primeiro, queremos suavizar todas as bordas sem se preocupar em tocar as marcas de lápis, enquanto também faz com que as bordas pareçam mais definidas. Segundo, o espaço negativo aparece mais contra um espaço positivo intenso. Outra camada vai fazer cores mais vibrantes e intensas e por sua vez ter as letras se destacam ainda mais. Três, esta é uma oportunidade para diminuir a aparência de quaisquer marcas de secagem duras. Mas vamos manter esta camada leve, com mais tinta aquosa, que não percamos muito desses preciosos efeitos de mistura de cores. Tente manter as cores em mistura semelhante à primeira camada ao passar por cima de cada área. Agora essas áreas parecem intensas o suficiente e têm alguns belos efeitos de mistura, então eu não vou tocá-las, eu estou apenas continuando com o resto. Este vai ser o nosso último passo. Se houver partes e o espaço negativo onde você acabou pintando por engano, você tem a oportunidade de consertar isso usando uma caneta branca. Eu uso um bastão de geléia. Vou entrar e corrigir as pequenas curvas e o S assim. Tente não confiar muito nisso, porque se você olhar de perto o suficiente, você não pode ver essas marcas de caneta. Veja isso como um último recurso. Lá temos ele. Uma nuvem lunática brincalhão com as letras negativas do espaço sentado bem dentro dela, e isso nos leva ao fim desta aula. Você se sente realizado? Há um último vídeo com meus pensamentos finais, vamos nos encontrar lá para nossas férias. 13. Considerações finais: Parabéns por completar esta aula sobre letras de espaço negativo com aquarelas. Muito obrigado por fazer isso comigo. Foi uma alegria ensinar-te. Espero que tenha se divertido tanto fazendo nossos exercícios e projetos de aula. Eu quero ver todo o belo trabalho que esta aula inspira você a criar mesmo no futuro. Marque-me em seus posts do Instagram para que eu possa vê-los. Eles são realmente tanto para explorar. Esta foi principalmente uma aula introdutória e eu aspiro a criar aulas mais avançadas sobre este tema no futuro. Siga-me aqui no Skillshare para que você seja notificado imediatamente quando eu publicar uma nova aula. Se você gostou desta aula, por favor deixe um comentário e espalhe a palavra com seus amigos e familiares. Obrigado mais uma vez. Te vejo na próxima vez.