Lettering feito à mão e mais: lettering 3D com espaço negativo em aquarela

1. Introdução: Há algo sobre o casamento entre letras e aquarelas que o torna uma combinação feita no céu. Eu sou Vinitha Mammen, Engenheira Mecânica virou Designer de Moda e Criador de Padrão por profissão, e um artista autodidata e ilustrador baseado em Muscat, Omã. Sendo o membro mais jovem de uma família de artistas, sempre fui inclinado a todas as coisas criativas e tentei a minha mão em vários tipos diferentes de arte. No entanto, eu me encontrei organicamente racionalizando nos mundos de letras e ilustração, tanto aquarela quanto digital. Trabalho no meu cantinho feliz, e esta é a minha assistente de estúdio, Phoebe. Nesta aula, você aprenderá a lidar com letras, esboços tridimensionais e habilidades de pintura negativa em aquarela com confiança e combiná-las para criar peças de arte cativantes. Combinando essas três habilidades, não só permite que você crie peças de arte impressionantes, mas também ajuda você a desenvolver suas habilidades usando peças de conhecimento perfeitamente pequenas. Esta classe é projetada para alunos em qualquer nível de habilidade em cada área que eu ensino, reforçando o básico para iniciantes handhold, mas também polvilhe em um monte de insights úteis para artistas de nível intermediário e avançado para levar seu trabalho para cima Outro entalhe. Ao longo desta aula, você vai me encontrar jogando em um monte de dicas profissionais com base em minha jornada pessoal para dominar essas mesmas habilidades. Pule muito do intermediário [inaudível] aprendendo diretamente com meus erros e experimentos. Eu também incluí uma tonelada de recursos para download que você terá acesso simplesmente entrando nesta classe. Se você é um artista de letras olhando para levar o seu trabalho para a próxima dimensão, um totalmente pretendido ou se você quiser explorar a adição de aquarelas ao seu conjunto de habilidades, então esta classe é definitivamente para você. Da mesma forma, se você é um artista de aquarela que é sempre tímido de mergulhar os dedos do pé no mundo das letras, então você veio ao lugar certo. No final desta aula, você terá uma forte compreensão de cada uma dessas habilidades e técnicas e poderá aplicá-las à sua jornada criativa à sua maneira. O que você está esperando? Vamos começar nesta aventura. 2. Visão geral do curso: Vamos começar com alguns conceitos básicos em torno do espaço negativo no contexto da arte e, em seguida, passar para algumas lições práticas de letras. Vou levá-lo através de três abordagens diferentes para lettering, caligrafia, letras monolinas e caligrafia falsa de uma maneira concisa para ajudá-lo a explorar todos os três e descobrir qual processo fascina o artista de letras em você A maioria. Em seguida, eu ensino-lhes meu método infalível de converter letras bidimensionais planas em uma peça 3D, quebrando os fundamentos do esboço 3D. Em seguida, começaremos a explorar os mistérios da aquarela através lições aprofundadas sobre consistência temática e técnicas de controle de pincel. Finalmente, colocamos todas essas habilidades juntas em uma peça de projeto que criaremos juntos desde o conceito até a conclusão. 3. Seu projeto do curso: Vamos falar um pouco sobre o seu projeto de aula. No final desta aula, vamos colocar para usar todas as habilidades, técnicas e dicas que aprendemos através das lições iniciais para criar uma peça divertida com letras 3D pintadas em aquarela. Juntos vamos discutir e chegar a um conceito para a peça, e então construir um esboço em torno desse conceito. Aproveitando todas as oportunidades que temos para refiná-lo, antes de transferi-lo para papel aquarela. Em seguida, passaremos para a pintura com aquarelas ao redor da face frontal do nosso letreiro 3D e terminaremos adicionando detalhes e elementos decorativos. Eu vou fazer cada passo deste projeto em câmera, e eu vou levá-lo através de todas as tentativas e erros e a tomada de decisões que eu passo a cada passo. O que fará disso uma experiência de aprendizagem completa para você, vez de apenas uma olhada no meu processo. Antes de entrarmos neste projeto principal, haverá um monte de lições básicas e de construção de habilidades onde explicarei e demonstrarei todas as habilidades e técnicas que você precisará para concluir com sucesso este projeto. A maioria dessas lições incluem exercícios práticos, que são essencialmente mini-projetos que, se feitos junto comigo, permitirão que você faça o seu melhor no projeto principal da classe. Como você passa por cada um desses mini-projetos e, finalmente, o projeto principal para esta aula, por favor, envie fotos ou imagens digitalizadas de seu processo e peças acabadas para nossa galeria de projetos. Mal posso esperar para ver o que meus alunos inventam em cada estágio. Por favor, dê-me tantas espreitadelas quanto possível ao longo do caminho. No espírito de encorajar o crescimento, prometo lhe dar meu feedback honesto com cada um de seus carregamentos. Compartilhar seu trabalho também ajuda a inspirar seus colegas de classe e eu a criar mais em uma base diária. Um soluço freqüente experimentado por artistas de letras é não saber o que escrever. Estamos eliminando todo esse problema, adicionando uma reviravolta divertida aos nossos projetos de classe. Não precisamos caçar palavras à letra. Em vez disso, cada um criará nossas letras com base em nossos próprios nomes criativos de alma. O que é que você pergunta? Criei um gerador de nomes especiais exclusivamente para esta classe que irá ajudá-lo a encontrar o seu nome criativo da alma. Vá em frente, confira e descubra o que diz o seu. Além de fazer upload do seu trabalho na galeria do projeto aqui, você também pode postar suas peças no Instagram usando o #MyCreativeSoulName, e me marcar em seu post para que eu possa apresentar seu trabalho, E nós podemos eventualmente construir uma comunidade em torno esta classe que suporta e constrói uns aos outros. Na próxima aula, eu vou orientá-los através dos materiais que você vai precisar para completar seus exercícios de prática, e o projeto principal para esta aula. 4. Materiais: Tudo bem. Vejamos quais materiais você precisará acompanhar comigo sobre os exercícios e o projeto principal para esta aula. Agora, antes de entrarmos nisso, eu só quero dizer que essas são apenas minhas sugestões baseadas no que eu tenho e uso regularmente. Sinta-se livre para usar qualquer material que você está confortável com, seus suprimentos favoritos se você tiver algum. Mais importante ainda, se você não tem nenhum dos itens que estou falando , não deixe que isso o desencoraje de aprender o que estou ensinando, use o que tiver uma tonelada e faça funcionar. Afinal, somos pessoas criativas, certo? Temos todas as habilidades que precisamos para contornar esses desafios, então use o que tiver à mão. Legal? Vamos ver que mantimentos vou usar. Primeiro de tudo, obviamente precisamos de algumas tintas em aquarela. As tintas em aquarela vêm em diferentes formas, como panelas, concentrados líquidos e tubos, para citar alguns. Estes são alguns que eu tenho. Este é o conjunto Winsor & Newton Cotman de 45 meias panelas. Este é um grande artista de nível de entrada, grande conjunto e eles vêm em conjuntos menores também com menos cores se você quiser experimentar. Em seguida, temos algumas confeções de aquarela da Prima Marketing nos tropicais, correntes e pastel sonhos pellets. Estas são tintas altamente pigmentadas e de boa qualidade também. Estes caras aqui são as aquarelas concentradas também pela Prima Marketing. Eu não me encontro estendendo a mão para estes muito mas concentrados líquidos como estes também são uma opção se você gostaria de tentar. Como você pode ver eu gosto de manter amostras de todas as minhas tintas para que eu saiba que cor esperar quando estes vão no papel. Eu não tenho nenhuma tinta para tubos no momento. Eu me apego principalmente a panelas porque eu não faço pinturas de aquarela muito grandes. As panelas funcionam perfeitamente para mim. Se você é um iniciante e olhando para comprar um conjunto de tintas aquarela você pode escolher o que se adapte seu orçamento, mas eu ficaria longe de qualquer pintura nota estudante como eles raramente lhe dão bons resultados o suficiente. Mas, felizmente, as tintas de nível de entrada para artistas estão disponíveis por uma ampla gama de preços. Para esta aula eu vou estar usando este conjunto de confecção de aquarela tropicais. Oh, e eu uso os poços de mistura que vêm em cada paleta para misturar minhas tintas com a consistência que eu preciso. Se o seu não tem espaço para misturar, você precisa de algo para misturar tintas, como uma paleta ou até mesmo algumas placas de sedimentos brancos. Em seguida, vamos precisar de um pouco de papel aquarela. Este é um dos itens mais necessários em nossa lista de materiais. Este aqui é o meu go-to papel principalmente porque é acessível e , portanto, eu não preciso ser muito precioso sobre ele que é ótimo quando você está explorando. papel aquarela vem em uma ampla variedade de opções. O que você precisa principalmente olhar para fora é o peso do papel. Precisamos que seja 300 GSM ou 140 libras idealmente para obter melhores resultados para qualquer tipo de projeto aquarela. Agora, nesta aula nós não vamos estar empilhando várias camadas de tinta ou água em nosso papel, então se você não tem papel aquarela 300 GSM você pode escapar com algum papel de mídia mixada ou outros papéis grossos que não têm nenhum brilho revestimentos sobre eles. Vou mostrar-lhe alguns dos outros papéis que gosto de usar. Esta é a almofada de papel aquarela da Prima Marketing no tamanho quadrado de 12 polegadas. Estas são algumas folhas A5 soltas por Canson, e esta aqui é uma pequena almofada de aquarela quadrada de seis polegadas por Master Touch. Todos eles têm texturas ligeiramente diferentes, mas eles são todos 300 GSM e funcionam bem para a maioria dos projetos. Em seguida, precisamos de algum tipo de papel translúcido para rastrear. Isso é útil em nosso processo de conversão de letras bidimensionais em 3D. Você pode usar qualquer tipo de papel de rastreamento como este ou papel de layout ou mesmo assadeira de sua cozinha vai fazer o trabalho muito bem. Este documento de layout é o que eu vou usar. Agora, além de papel aquarela e papel translúcido, você também precisará algum papel de impressora regular para o seu processo de brainstorming e esboço. Agora, escovas. Nós vamos estar pintando em alguns espaços muito apertados para a maior parte desta aula, então eu vou estar usando esses pincéis de Arteza. Qualquer pincel de tamanho pequeno que você tenha funcionará. Quando se trata de misturar minhas tintas embora eu prefiro usar esses pincéis maiores só porque ele obtém as tintas para uma consistência uniforme muito mais rápido do que se você fosse usar pincéis de detalhe, então qualquer coisa para cima do tamanho 2 vai funcionar. Agora, se você tem apenas esses pincéis de tamanho médio a grande e nenhum detalhe pincéis você só precisa dimensionar seus projetos de acordo. Uma coisa que gostaria de salientar são as cerdas. Estes são todos pincéis sintéticos. Você também pode obter escovas de cabelo de esquilo como estas que são macias e segurar uma tonelada de água. Eles geralmente são ótimos com aquarelas, mas eu não os recomendo para esta aula. Tão maravilhoso como eles são esses pincéis não oferecem o nível de controle que você vai precisar para este tipo específico de trabalho para manter pincéis sintéticos na minha opinião. Finalmente, eu gosto de manter uma grande escova à mão para poeira fora qualquer poeira borracha do meu trabalho sem deixar manchas de meus dedos, totalmente opcional este. Então precisamos de um lápis, qualquer lápis faz o trabalho. Estes são os meus lápis favoritos o Pentel GraphGear 1.000 em tamanhos 0.9 e 0.3 MM carregados com cabos de lápis HB. Seja qual for o lápis que você escolher usar, certifique-se de trabalhar suavemente para obter linhas de luz finas especialmente, quando você trabalha no próprio papel aquarela. Também precisamos de uma borracha. Novamente, apenas qualquer borracha branca limpa. Tenho um corante para me ajudar com o apagamento dos detalhes. Este é um apagador estilo caneta chamado Tombow MONO Zero Eraser que é muito legal, mas não de todo um requisito. Então precisamos de uma régua. Qualquer régua básica deitada ao redor, desde que você tenha bordas retas e algumas guias de medição. Em seguida, canetas fineliner. Eu uso essas canetas micron por Sakura ou os fineliners Uni-Ball Uni Pin na cor preta. Agora, você estará usando estes apenas para delinear seus esboços para torná-los mais fáceis de rastrear. Você pode usar qualquer caneta que você gosta ou mesmo simplesmente não usá-los em tudo. Então você precisa de um frasco de água limpa à temperatura ambiente. Eu tentei usar dois frascos separados, um para a água suja de lavar as escovas e um para a água limpa para pintar com, mas eu eventualmente acabo usando um deles. Você faz o que funciona para você e apenas arranja um pouco de água para pintar, e uma caixa de lenços de novo, qualquer tipo que você gosta de usar. Mas é uma boa prática manter sempre estes à mão quando pintar com aquarelas. Agora, estes são tudo o que você precisa para realmente completar o seu projeto, mas se você gostaria de seguir junto com algumas das outras técnicas de letras manuais que eu vou estar demonstrando que requer ferramentas específicas como canetas de escova, será útil ter estes. Esta é a caneta de escova de ponta dupla Tombow que vem com uma ponta de escova bastante grande em uma extremidade e uma pequena ponta de bala na outra. Este é o marcador de pincel Karin PRO que também é semelhante em tamanho ao Tombows. Finalmente, temos esta caneta pincel menor chamado Pentel touch que tem uma ponta de pincel mais firme e menor. Como eu disse, você geralmente não precisa uma caneta pincel para esta aula, já que eu vou estar ensinando algumas técnicas diferentes de lettering algumas das quais podem ser obtidas usando praticamente qualquer ferramenta como um lápis ou uma caneta esferográfica. É isso. Reúna todos os seus suprimentos e prepare-se para ir nesta aventura comigo. Mais uma vez, não deixe que a falta de suprimentos o impeça de tentar. Pegue o que está disponível com você e vamos andando. Na próxima lição eu vou levá-lo através de uma pequena introdução ao espaço negativo e seu uso na arte. Vejo você lá. 5. Espaço negativo e seu uso na arte: Antes de chegarmos às partes práticas desta turma, vamos tirar o básico do caminho. Nesta lição, eu vou levá-lo através do que é o espaço negativo no contexto da arte, o que queremos dizer com pintura negativa, e alguns métodos pelos quais podemos alcançar obras de arte de pintura negativas. Também analisaremos alguns exemplos de trabalho de outros artistas e mim para tentar entender o significado do espaço negativo na arte e no design. O que é espaço negativo? Simplificando, espaço negativo é o espaço em torno do assunto de uma imagem. Normalmente, especialmente quando é uma área sólida, tendemos a apenas referir-nos a ela como o fundo. Se este donut é o meu assunto, então tudo ao seu redor, então todas as partes amarelas compõem o espaço negativo, e o próprio donut representa o espaço positivo. Agora, o que é pintura negativa? Pintura negativa é quando você pinta colocando suas cores no espaço negativo em oposição ao espaço positivo, que é em torno de uma forma em vez de dentro de uma forma. Por exemplo, vamos trazer o donut de volta. Se eu quiser pintar o donut, eu posso fazê-lo pintando dentro uma forma de donut ou eu posso fazê-lo pintando em torno de uma forma de donut. De qualquer forma, podemos acabar com um donut. Este último é o que nos referimos como pintura negativa. Outra maneira de definir pintura negativa é, criando uma forma não pintando e pintando tudo o resto. Está lá sem estar lá, e essa é a beleza do uso inteligente do espaço negativo. Existem diferentes maneiras pelas quais podemos alcançar o efeito da pintura negativa. Vejamos alguns métodos analógicos especificamente ao usar tinta em papel. A fita adesiva é um dos itens mais utilizados para mascarar certas áreas durante a pintura. Isso é especialmente útil se você estivesse pintando formas maiores negativas com bordas retas, como uma forma geométrica. Eu uso fita adesiva em muitas das minhas pinturas, mas principalmente apenas para encontrar fronteiras, não para pintura negativa como tal. Nesta aula, eu não estou pintando minha folha até as fronteiras, então eu não vou usar nenhuma fita adesiva. Depois há fluido de mascaramento. Isso faz o mesmo trabalho que fita adesiva, apenas que está em forma líquida e, portanto, pode ser aplicado com muito mais controle, especialmente em espaços menores. Este é um método comumente usado por vários artistas. Eu atualmente não prefiro usá-lo muito especialmente para letras, principalmente porque ele estraga meus pincéis e eu nunca posso obter um traço limpo porque eu tenho que usar um pincel velho. Nós não usaremos nenhum fluido de mascaramento para nossos projetos nesta classe, que me leva ao próximo método, apenas para cima evitando cor em seus espaços positivos pintando manualmente em torno deles. Isto é o que vamos usar nesta classe. Soa como uma dor para alcançar. Não é tão ruim na verdade, mas esse fator intrigante é o que torna isso tão excitante. Agora, vejamos alguns exemplos de espaço negativo sendo usado criativamente por outros artistas e designers. Esta é uma peça de um dos meus artistas mais favoritos no Instagram. Ela usa o espaço negativo tão habilmente. Como nesta peça, todas as áreas de sombra são feitas em espaço negativo e você ainda pode ver claramente as formas e formas que você precisa ver. Visite seu feed Instagram para ficar sobrecarregado com inspiração. Aqui, a camiseta na parte esquerda e o maiô na direita estão lá sem você sair de lá, tão lindo. Uma campanha publicitária inteligente promovendo adoção de animais de estimação. Você vê o canino no espaço negativo? Este é outro artista que aproveita fortemente o uso inteligente do espaço negativo. Nesta peça, o espaço entre as páginas do livro representa tão graciosamente as árvores na floresta que o Chapeuzinho Vermelho atravessa. Aqui estão os espaços positivos e negativos jogam uns com os outros tão elegantemente para moldar os edifícios, folhagem e as nuvens. Quão legal é isso com as formas únicas dos espaços positivos fazendo a estrada espacial negativa parecer um bigode. O urso preto está definindo o cabelo laranja de Merida ou o contrário? Acho que nunca saberemos. Esta é uma peça de aquarela pintada negativa onde o gato, os cogumelos e a folhagem foram todos formados pintando em torno das respectivas formas antes de adicionar elementos de detalhe. Você pode ver mais um trabalho tão fantástico no feed Instagram deste artista. Espaço negativo também pode ser usado de forma eficaz com rabiscos como neste caso, onde todos os destaques que definem este retrato são deixados brancos e definidos pelo intrincado rabiscando em torno deles. Este é outro estilo que eu realmente gosto onde lettering é formado usando o espaço negativo entre elementos ilustrativos. Confira o feed Instagram de Vidya para ver mais de um trabalho tão fabuloso. espaço negativo também se torna uma ferramenta valiosa no design do logotipo. Vejamos alguns exemplos. Um dos logotipos mais famosos que usam espaço negativo criativamente é o logotipo da FedEx. Você vê a pequena flecha no espaço negativo? Está lá sem estar lá e essa é a beleza disso. Aqui estão mais alguns logotipos que demonstram o uso inteligente do espaço negativo para esgueirar-se em elementos de design que são relevantes para suas respectivas marcas. Espaço negativo como você provavelmente pode dizer é algo que eu sempre sou atraído para usar no meu processo de arte e design. Deixe-me mostrar-lhe algumas das minhas próprias peças. Eu uso espaço negativo aqui para criar uma ilusão de uma grade de janela através da qual uma visão botânica do lado de fora está em exibição. Eu construí meticulosamente em torno das letras aqui para criar este. Se rabiscar é meditativo, espaço negativo rabiscar é outro nível de meditação. Eu amo usar espaço negativo em meus projetos de letras em aquarela, e esta é uma das minhas peças favoritas que provocou esse amor. Aqui temos alguma alegria de férias usando letras de espaço negativo em um fundo de aguarela inspirado nas férias. Este é um exemplo de pintura negativa em várias camadas. É uma técnica de pintura super demorada, mas extremamente gratificante que eu amo explorar. Isso também é feito usando a mesma técnica de pintura negativa em camadas. Eu me encontro fazendo muito isso com folhas e folhagem. Este é outro dos meus favoritos, onde a letra negativa é definido dentro de uma fatia de toranjas em camadas negativas. Acha que a letra seria tão impactante se fosse feita de outra forma? Esta peça é um dos dois projetos divertidos na minha aula anterior de Skillshare sobre letras de espaço negativo com aquarelas. Alunos que fizeram essa aula voltaram para mim dizendo que eles puramente gostaram de seguir junto enquanto eu criei isso do zero. Este é um segundo dos projetos da mesma classe em cooperar um dos meus elementos favoritos para incluir em peças espaciais negativas, nuvens. Eu levo meus alunos através da criação de ambas as peças do esboço para terminar depois de algumas lições retro sobre lettering e técnicas de controle de pincel. Se você ainda não fez esta aula, não confira para algum grande conteúdo introdutório sobre letras de espaço negativo. Eu acredito que esta foi uma das minhas primeiras peças de letras 3D incorporando espaço negativo, em algum lugar ao longo de criar este é quando a idéia para esta classe nasceu. Outra peça de letras 3D espaço negativo aninhado em um quadro de botânico minimalista moderno. Esta é uma peça digital negativa, e estou usando o contraste de espaços negativos e positivos para ilustrar o sal. Outra peça digital onde o letreiro é feito usando técnicas de espaço negativo. Aqui, usei espaço negativo para implicar a presença de um quadro quadrado em torno do qual as flores estão dispostas. Quando se trata de alcançar efeitos espaciais negativos digitalmente, a maior parte do trabalho está na conceitualização. A execução real é um pouco mais simples, já que você tem o poder de trabalhar em camadas. Eu também uso elementos de espaço negativos na maioria dos logotipos que eu projetei. Aqui estão alguns. Espero ter mostrado o suficiente para animá-lo para criar alguns projetos espaciais negativos. Na próxima lição, vamos mergulhar e começar a explorar alguns elementos essenciais de letras para você começar a sua jornada de letras se você ainda não o fez e para retocar algumas noções básicas se você já está dentro das letras. 6. Fundamentos do lettering: Lettering é uma forma tão divertida e excitante de arte e estamos prestes a mergulhar nossas ferramentas neste oceano gigante. Lettering ser um mundo tão grande em si pode ser intimidante, mas eu acho que é apenas uma questão de começar. É isso que espero conseguir nesta lição. Eu quero tentar quebrar alguns conceitos-chave que são fundamentais para entender as letras. Há também tantos estilos diferentes de letras para explorar. Não se sinta forçado a fazer isso exatamente como eu. O que eu estou esperando é que você tenha um forte senso do básico desta lição que irá permitir que você comece e, eventualmente, encontrar seus próprios estilos de go-to. Se você já é um artista de letras que está aqui para explorar levando suas letras para a terceira dimensão, então sinta-se livre para usar seus próprios estilos e técnicas de letras preferidas. Se você é completamente ou relativamente novo em letras, eu quero encorajá-lo a não só fazer isso comigo, mas praticar. A prática é fundamental, independentemente do estilo, e sinto-me absolutamente privilegiado por poder segurá-los de mãos dadas enquanto iniciam esta emocionante jornada. Eu quero começar tentando desmistificar alguma terminologia relacionada com letras que você provavelmente tem vindo através, como caligrafia, letras de mão, caligrafia falsa, e letras monolinas. Em primeiro lugar, vejamos o que é a caligrafia e como ela difere da letra manual. A caligrafia é a arte da escrita bonita. Você pode estar usando ferramentas especificamente destinadas à caligrafia, como canetas, pontas de caligrafia, pincéis, canetas de pincel, etc, para escrever letras em um estilo particular. Letragem manual é a arte de ilustrar letras à mão. Você está essencialmente desenhando as diferentes formas que criam cada letra no respectivo estilo. Agora, caligrafia falsa basicamente significa caligrafia falsa e uma técnica de letras manuais em que você recria a aparência da caligrafia usando ferramentas comuns como um lápis ou uma caneta. Você está imitando a aparência final dos traços vistos na caligrafia, mas não fazendo esses traços exatos. Vou te mostrar o que quero dizer daqui a pouco. Mas antes disso, eu também quero tocar em letras monolinas. Esta é uma área um pouco cinzenta para mim porque dependendo das ferramentas e técnicas que você usa, pode acabar sendo categorizada como uma de caligrafia ou letras manuais. Mas isso é o que é basicamente, é a arte de escrever ou ilustrar letras sem variar a espessura dos traços. Ou, em outras palavras, você mantém o peso constante da linha. Ok, agora vou te dar uma perspectiva melhor. É assim que você faz caligrafia, você escreve variando a pressão sobre sua ferramenta para criar formas específicas usando traços grossos e finos. No caso de letras monolinas, a principal diferença é que você não vê mais o contraste dos traços grossos e finos. Todas as suas linhas são de peso uniforme. Em caso de caligrafia completa, você começa com traços de monolina e, em seguida, adiciona espessura apenas aos traços que precisam ser grossos para que sua letra pareça caligrafia. Vou demonstrar cada um desses para você. Mas primeiro, tenho alguns princípios novamente, desta vez é um conjunto de guias. Incluí uma página de guias horizontais para você praticar seus traços básicos, letras e palavras. Uma grade de pontos para dimensionar suas letras e criar seus próprios guias e uma página de linhas inclinadas para orientar suas letras se você quiser fazê-lo em um ângulo. Estes estão mais uma vez vivendo na seção de recursos desta classe, então vá e baixe-os. Você pode imprimi-los e usá-los para sua prática ou você pode simplesmente colocá-los em seus softwares digitais, como o Procreate, para orientar sua prática digital. Acabei de imprimir os guias horizontais e dividido por página em três colunas para demonstrar a vocês algumas técnicas de caligrafia, letras monolinas e caligrafia falsa. Vamos começar com caligrafia. Vou usar esta caneta pente de toque Pentel. Acho que é uma ótima ferramenta para começar. Começarei escrevendo uma palavra usando meus traços de caligrafia. Veja como eu faço cada golpe. Observe como eu paro após cada acidente vascular cerebral. Às vezes, até divido uma letra em vários traços. Isso é algo que eu gostaria de ter descoberto mais cedo. Você pode acabar perdendo essas dicas realmente úteis quando você está apenas assistindo vídeos de lapso de tempo de artistas fazendo caligrafia, que é o que eu fiz um monte de inicialmente. Mas parar depois de cada derrame tem mudado a vida para mim. Experimentem e vejam por vocês mesmos. Como eu disse, a caligrafia é feita de uma combinação de traços grossos e finos. Como todos estes são traços finos e estes são traços grossos e esta variação no peso da linha é criada variando a pressão sobre a sua ferramenta de escrita. Então, mais pressão para criar traços grossos e pressão leve para traços finos. Mas exatamente como decidimos quais traços devem ser grossos e quais traços devem ser finos? Vamos ver, a qualquer momento, você está indo para cima ou para baixo. Por exemplo, aqui, vamos subir e descer. Este golpe é uma combinação de um golpe ascendente e um curso descendente. Da mesma forma, podemos quebrar a palavra inteira e isso é um golpe ascendente. Este é um curso descendente e, em seguida, um pequeno golpe ascendente. Este é um downstroke, upstroke, outro pequeno upstroke, downstroke, você começa a deriva. Basicamente, é baseado no movimento natural da sua mão, pois cria cada letra. Agora, se você realmente olhar para isso, você pode ver um padrão. Não é nada aleatório. Todos os traços que vão para baixo são também os que são grossos e, da mesma forma, os que vão para cima são os traços finos. Então é basicamente isso. A fórmula é que os movimentos descendentes são grossos e upstrokes são finos. Este é o conceito mais fundamental com o qual você precisa se familiarizar para entender a caligrafia. Downstrokes são grossos e upstrokes são finos. Uma vez que você começa isso, então é sobre realmente entrar na moagem com a prática. Se você quiser ficar bom em caligrafia, você precisa continuar praticando alguns traços básicos de caligrafia uma e outra vez. Pode parecer antinatural inicialmente estar dividindo suas letras em traços e variando os pesos de linha. Mas você precisará fazer um esforço consciente para fazer as duas coisas. Então, com uma prática consistente, esse esforço consciente se transformará em memória muscular e se tornará uma segunda natureza para você. Agora, deixe-me mostrar alguns desses traços básicos que você precisa praticar se quiser aprender caligrafia. Primeiro, são estes dois. Você precisa continuar fazendo seus upstrokes uma e outra vez, e, em seguida, seus movimentos descendentes mais e mais. Então você precisa fazer combinações dos dois. Como este. Você acha que é o suficiente para apenas praticar os movimentos ascendentes e oprimidos. Mas não, são todas essas combinações diferentes de pinceladas e pinceladas que formam letras de caligrafia. O movimento muscular associado a cada tipo de acidente vascular cerebral é diferente. Além disso, as transições são importantes. Um dos sinais de um artista de caligrafia experiente é a suavidade das transições entre ascendentes e contrações. Isto é como eu faço um o ou a parte redonda da minúscula a. Eu começo no canto superior direito com um pequeno aumento, em seguida, transição para um curso descendente e, em seguida, um curso ascendente. Este traço ajuda com a cauda de letras como g, j e y. Este traço é o que usamos para um minúsculo l, b e d, e a parte circular do b e d iria assim. Os traços de entrada para algumas letras como esta, n aqui será assim. Quero que preencha páginas e páginas com cada um desses traços. Em seguida, vamos ver como podemos pegar isso e criar alguns limites nas letras. Basta seguir os mesmos conceitos, mas sem aderir às linhas de base e linhas de altura x. By the way, eu criei esses guias de modo que as linhas sólidas são sua base e linhas superiores. As linhas pontilhadas indicam a altura x, que não é nada além da altura de suas letras minúsculas em um estilo tradicional de caligrafia. A fim de criar letras saltitantes, eu costumo alternar entre ir abaixo da linha base e acima da altura x com cada letra, então eu acabo com algo assim. E no caso de você estar se perguntando, eu trato meus traços horizontais assim como eu faço meus upstrokes. Deixo-os magros. Agora, vamos ver alguns outros estilos. Novamente, o conceito é o mesmo. Trata-se apenas de experimentar com o estilo. Então sinta-se livre para abrandar o vídeo se você precisa prestar mais atenção aos meus traços, você também pode usar os conceitos para criar letras maiúsculas como esta. Veja como você pode fazer as mesmas letras maiúsculas sem a inclinação. Agora, o que acontece se você não variar a pressão? Se você não variar o peso da linha, nós vamos apenas manter uma largura de linha constante ao longo e isso nos dá letras monolinas. Vamos dar uma olhada nisso, vamos? Eu estou mudando para uma ferramenta de escrita que não tem uma ponta flexível como a ponta das balas ponta das canetas escova tombow aqui. Agora vamos ver como isso vai correr. Só estou fazendo os mesmos golpes desta vez sem variar a pressão que eu aplico na caneta. Mesmo se eu variar a pressão, vez que a ponta da bala é bastante resistente, não se traduz em uma variação no peso da linha, justificando assim o termo letras monolinas. Observe que ainda é tão benéfico dividir suas letras em traços e pausar entre elas. Então isso é o que parece se você quebrá-lo, pinceladas, upstrokes, tudo é da mesma espessura. No entanto, mesmo neste caso, prática é importante para obter linhas suaves e consistentes. Você pode explorar vários estilos usando a mesma idéia geral. Apenas mudando sua ferramenta e técnica, você pode criar estilos de aparência completamente diferentes. Próximo, caligrafia falsa. Isso eu acho, é uma das abordagens mais simples para começar com letras. Eu sinto que a técnica é menos intimidante para iniciantes. O fato de que você pode fazer isso com praticamente qualquer ferramenta de escrita que você tem disponível em casa, torna isso muito mais acessível. Então vamos direto ao assunto. Quando começamos, não fazemos nada diferente de letras monolinas. Na verdade, fazemos exatamente a mesma coisa. Em seguida, identificamos os traços descendentes e os engrossamos adicionando peso adicional a cada um deles, assim. Então preencha. É isso. Então fazemos o mesmo para todas as letras. À medida que você começa a engrossar os movimentos descendentes tentam imitar essa transição suave que buscamos com verdadeira caligrafia. Deixe que os movimentos descendentes brotem organicamente a partir do upstrokes, exatamente onde a transição e continue. Agora, eu principalmente engrossar os traços adicionando peso ao lado direito da maioria dos movimentos descendentes. Mas isso não é uma regra. Eu realmente só decido com base no espaço disponível em ambos os lados. Às vezes pode já ser um pouco embalado de um lado, caso em que eu posso sempre engrossá-lo do outro lado ou distribuir a espessura adicionada para ambos os lados do curso monolina. Vamos dividir isso em traços também. Neste caso, criar memória muscular não é o nosso foco. Nosso foco é imitar os resultados da caligrafia da melhor maneira possível. Então esse é o nosso movimento descendente e depois o golpe ascendente. Veja como eu nem sequer me preocupei em desenhá-lo para cima. É porque não importa. A única coisa que importa é como fica no final. Claro, o quanto você está se divertindo. Apenas lentamente trazê-lo para baixo e fundi-lo em que ascendente. Lembre-se, queremos que ele pareça o mais próximo possível disso. Por isso, pretendemos obter uma transição suave e agradável todas as vezes. Novamente, comece a partir do ascendente e neto para engrossar o curso descendente. Fazemos todos os estilos diferentes que estamos explorando da mesma maneira. Primeiro, mantendo todas as linhas finas e mais tarde engrossando os movimentos descendentes um por um. Espero ter conseguido desmistificar estas três técnicas de letras um pouco. Às vezes pensamos que sabemos quais estilos ou técnicas queremos explorar com base no resultado final. Mas quando realmente os experimentamos, percebemos que um processo completamente diferente é o que gostamos mais. É por isso que eu queria apresentá-los a todas as três técnicas e ajudá-lo a descobrir organicamente qual desses processos lhe traz mais alegria. Se você ainda não fez isso, experimente essas técnicas, pratique-as bem e envie fotos de suas folhas de prática para a galeria do projeto para que todos possamos desfrutar olhar para o seu trabalho duro e seus colegas podem ser incentivados a praticar e compartilhar seu próprio trabalho também. Na próxima lição, analisaremos quais dicas extras precisamos seguir enquanto aumentamos nossas letras para tamanhos maiores. 7. Como ampliar seu lettering: Sinto a necessidade de levá-lo especificamente através da ampliação do seu letreiro. Como para a maioria dos projetos de letras, incluindo nosso projeto principal para esta classe, precisamos fazer isso em uma escala um pouco maior, e isso às vezes exige mais algumas coisas para cuidar. Neste caso, eu estou mudando para o papel de grade de pontos para que eu possa fazer isso maior. Para a técnica de caligrafia, a maneira típica de aumentar a escala é usar uma ferramenta de tamanho mais apropriado. Como neste caso, mudar do pequeno toque pentel para uma caneta de pincel maior como o arco vai fazer o trabalho. A técnica em si permanece exatamente a mesma. Então, começamos cuidadosamente com um curso descendente grosso e alternamos para um curso ascendente e, novamente, uma transição suave para um curso descendente. Continue exatamente da mesma maneira. Agora, para a letra monolina, eu novamente começar da mesma maneira que fizemos antes com o lado da ponta da bala da caneta escova tombow, mas nesta escala as linhas são muito finas e não eficazes o suficiente. Podemos usar uma ferramenta com uma ponta de bala muito maior como este marcador de tinta aqui, mas eu sinto que isso realmente limita suas opções. Além disso, há uma maneira de fazê-lo funcionar com qualquer ferramenta disponível. Então, por que não explorar isso? Aqui é onde as letras monolinas se tornam uma espécie de caligrafia falsa. Em vez de engrossar apenas um downstroke, engrossamos a coisa toda neste caso. Então, basta desenhar cuidadosamente traços paralelos ao lado de cada um dos traços finos que já fizemos para engrossá-los e depois preenchê-lo. Fácil o suficiente. Você pode ir tão grosso quanto quiser, dependendo da escala e sua preferência pessoal. Você também pode voltar e suavizar todas as partes do seu traço que não pareçam tão suaves quanto você gosta. Agora há uma coisa que você precisa ter cuidado. Se engrossarmos este derrame aqui, vamos estragar a linha de base. Queremos ter certeza de que engrossamos cada uma dessas curvas aqui no topo para que não mudemos a linha de base para baixo. Então é isso que vamos fazer. Vamos começar como normal e engrossar este aumento. À medida que nos aproximamos do próximo downstroke, nós apenas mesclamos as duas linhas. Porque sabemos que se continuarmos assim, vamos empurrar as letras para além da linha de base. Então, em vez disso, começamos a engrossar do lado superior deste golpe e subimos e fundimos no mesmo ponto no topo. Mais uma vez aqui e até aqui em cima, precisamos estar conscientes de onde engrossamos para que não empurremos as letras fora de nossas diretrizes. No caso dessas formas fechadas como esta, a, o, d, etc., podemos ter em mente que precisamos engrossar dentro da forma e não fora. Então, continue. Sempre consciente de como você está espessando os traços está afetando as diretrizes. Mesmo que as letras não sejam destinadas a definir dentro de guias definidos, elas ainda precisam ser bem equilibradas e o espessamento precisa ser feito com isso em mente. Finalmente, para a versão completa de caligrafia, seguimos exatamente o mesmo processo. O conceito é o mesmo. Só precisamos fazer os movimentos descendentes mais espessos com base na nova escala da peça. Se o tamanho exigir traçados superiores mais grossos também, você pode engrossá-los também. Apenas certifique-se de que você ainda tem contraste suficiente entre os traços grossos e finos para que ele seja eficaz. Então é basicamente isso. Como você pode ver, as técnicas podem não ser tão diferentes, mas ainda é necessário praticar para que os traços pareçam suaves em uma escala maior. Na próxima lição, nós vamos aprender como levar esta letra bidimensional para a terceira dimensão. Algumas coisas realmente excitantes chegando. 8. Lettering 3D: Agora que aprendemos a criar letras fabulosas, quem está pronto para levá-la a uma nova dimensão? Literalmente, nesta lição, vamos pegar as letras 2D que acabamos de criar e adicionar algumas coisas divertidas para fazer com que pareça tridimensional. Esta parte do processo é a minha favorita. Então vamos direto ao assunto. Agora, precisamos de algum tipo de papel de rastreamento, qualquer coisa que tenha alguma transparência basicamente. Este é um que eu gosto de usar. Chama-se papel de layout. Deixa-me mostrar-te. É mais translúcido do que transparente, o que significa que é branco o suficiente para parecer papel normal, enquanto também deixa passar luz suficiente. Então funciona bem para mim. Este em particular é por WHSmith, mas você pode obviamente obter qualquer marca que está disponível localmente. Este aqui é outro que eu tenho. Este é um papel de rastreamento. É mais transparente, mais espesso e tem um acabamento mais suave. Isso é um pouco mais durável do que o papel de layout, mas para esse tipo de trabalho, eu prefiro um pouco menos transparência. Estou claramente a ser pouco exigente. Você pode usar literalmente qualquer papel que seja parcialmente transparente, mesmo apenas assadeira funciona na verdade. De qualquer forma, vou usar este, o papel de layout. Agora, você precisa posicionar seu papel translúcido sobre as letras que você fez na lição anterior. Vou usar a versão de quatro caligrafia, mas não importa, você pode usar o que você preferir. O processo permanece o mesmo. Só vou traçar isto com o meu lápis. Sim, talvez queiras prender o teu papel para evitar que ele se mexa. Vou preencher isto usando o meu lápis. Você pode, por todos os meios, fazer isso também, mas você realmente não precisa fazer. Eu só acho que torna mais fácil mais tarde para você entender melhor o processo dessa maneira. Mas novamente, totalmente com você. Certo, lá vamos nós. Nosso próximo passo é rastrear isso novamente em um deslocamento. Então solte a fita e mexa isto até encontrar uma posição que goste. É literalmente o que faço todas as vezes. Não há certo ou errado. Eu só brinco com ele até encontrar aquele ponto doce. Pode ser em qualquer lugar, exceto em cima um do outro. Algo assim parece bom para mim. Você pode usar a grade de pontos para ajudar a alinhar seu papel transparente. Queremos que o próximo traçado esteja no mesmo ângulo que o anterior. Quando estiver satisfeito com a posição, aperte a fita e consiga o rastreio. Agora, você pode ir em frente e se livrar da fita. Além disso, não precisamos mais deste lençol, então deixe-me deixar isso de lado. Antes de prosseguir com os próximos passos, deixe-me apenas tentar simplificar isso usando um objeto 3D como este afiador aqui. Vamos supor que o que temos aqui, o letreiro sombreado é basicamente a fase frontal do nosso objeto 3D. O que acabamos de rastrear, aquele com apenas os contornos, é esta superfície, a superfície traseira. Veja, é exatamente assim. Esta superfície traseira é o que acabamos de rastrear agora. Isto parece uma sombra agora. Se queremos que isso pareça um objeto 3D, ele ainda precisa ter esses outros rostos. Há esta fase, há esta cara, todos estes. Então precisamos conectar as faces frontal e traseira. As faces frontal e traseira precisam ser conectadas usando linhas paralelas. Para que pareça um objeto 3D, precisamos fazer essas conexões. Então é isso que vamos fazer a seguir. Veja, isso é exatamente como nos ensinaram a desenhar um pouco de formas 3D quando crianças na escola. Por exemplo, se quiséssemos desenhar um cubóide, o que fazemos? Nós desenhamos um retângulo para uma das faces, e então desenhamos outro ao lado dele, paralelo a ele, então no mesmo ângulo. Digamos que esta é a cara da frente. Então, conectamos as faces frontal e traseira usando linhas paralelas. Simplesmente assim. Isso é basicamente o que estamos tentando fazer aqui também. A superfície traseira pode estar em qualquer lugar, não apenas nesta posição. Como você também pode fazer isso ou mesmo isso. Neste caso, apenas movê-lo um pouco mais longe faz com que pareça um cubóide mais longo. Mas, em qualquer caso, o método ainda é o mesmo. Você desenha a mesma forma em um deslocamento, como se esta aqui fosse a face frontal, você desenha a mesma coisa um pouco longe, e então conecta os pontos usando linhas paralelas. Conecte os pontos correspondentes, não apenas qualquer ponto. Canto superior esquerdo para o canto superior esquerdo, canto superior direito para o canto superior direito, o canto inferior esquerdo para o canto inferior esquerdo. Isso não será visível, portanto, você não precisa conectá-lo. Isto é o que temos de fazer a seguir. Primeiro, precisamos identificar quais pontos conectar. Por exemplo, isso e isso são pontos correspondentes, então basta conectá-los com uma linha reta. Da mesma forma, isso e isso são pontos correspondentes, então conecte-os. Isso e isso, não precisamos definir e conectar cada ponto, apenas os pontos extremos que formam a forma. Basta observar cuidadosamente e conectar-se. Neste caso, veja, isso está mais perto disso, então podemos estar inclinados a conectar esses dois, mas este e este são os pontos correspondentes. Estes dois são os pontos correspondentes. Apenas esteja atento a esses pequenos detalhes. Você pode até usar uma régua para fazer isso se você não estiver muito confortável desenhando linhas retas à mão livre. Basta colocá-lo assim e desenhar linhas retas. Mas eu prefiro fazer isso de mão livre. Agora, há tantas linhas aqui que nós realmente não precisamos, porque está tudo dentro do objeto, então nós realmente não vamos vê-lo lá fora. É por isso que escurecemos os contornos de apenas estes. O mesmo neste caso, não precisamos das linhas lá dentro. Só precisamos da superfície frontal. Esta grande parte da superfície traseira porque você pode ver isso ou isso, ser coberto pelos outros lados. Isso precisamos, isso precisamos, isso precisamos. Não precisamos de nenhuma destas linhas lá dentro. Se você quiser, você também pode se livrar deles para torná-lo mais claro. Da mesma forma, neste caso também. Agora, nós fazemos a mesma coisa aqui com as nossas letras. Não precisamos de nenhuma dessas linhas aqui. Só precisamos disto. Neste caso, precisamos disso e precisamos disso. Aqui, precisamos disso e disso. Não precisamos de tudo isso. Basta observar e identificar as linhas que precisamos e escurecê-los. Quanto mais você faz esse tipo de coisa, mais você vai desenvolver um olho para isso, e em breve você será capaz de fazer isso sem pensar muito. Agora, em lugares como este, onde a superfície atrás está sobreposta com a superfície frontal de alguma outra letra, a superfície frontal é nossa prioridade. Todas as partes da superfície frontal, ou seja, as partes sombreadas devem ser visíveis. É isso. Isso foi mais fácil do que parecia Quiznet. É apenas sobre ser paciente e cuidadoso e dividir o processo em etapas. Que tal eu dar-lhe uma recapitulação de todos os passos na forma de um QuickTime voltas, mas eu converto nossa letra de manila da lição anterior em 3D. Passo 1, traça suas letras em uma folha de papel translúcido. Passo 2, deslocar o papel movendo-o até encontrar uma posição satisfatória e traçar a letra mais uma vez nesta nova posição ao lado da anterior. Passo 3, decida qual dos dois será o seu rosto frontal e preencha os contornos do mesmo usando seu lápis. Passo 4, conecte os pontos correspondentes nas duas faces usando linhas retas para formar os lados restantes da sua letra 3D. Passo 5, identifique as linhas que são cruciais para suas letras pareçam um objeto 3D e escureça-as. Você pode apagar as linhas que não precisa ou simplesmente ignorá-las. É isso. Agora, se você não tem feito isso comigo, eu quero que você faça agora. Este é especialmente algo que fica reforçado em seu sistema, apenas quando você realmente faz isso, não apenas observando alguém fazê-lo. Como sempre, não posso esperar para ver seus esboços de letras 3D. Então, por favor, carregue-os para a galeria do projeto imediatamente. Eu acho que você simplesmente não pode negar o enésimo que qualquer coisa unida em 3D tem. Você pode usar esse método para converter não apenas letras, mas qualquer forma em 3D. Há muito mais que você pode fazer para tornar suas letras 3D ainda mais realistas. Mas eu quero manter as coisas simples com este aqui. Se você quiser levar mais um entalhe, sugiro que você jogue com uma fonte de luz imaginária, introduza alguns destaques e sombras para suas peças de letras 3D. Por enquanto, isso funciona muito bem. Na próxima lição, vamos começar a nossa exploração em aquarela com um mergulho profundo na consistência da tinta. 9. Consistência da tinta: Vamos falar sobre consistência de tinta porque é importante. Misturar tintas na consistência certa para sua técnica específica é uma habilidade fundamental que você precisa para qualquer tipo de pintura. Você pode usar o conhecimento desta lição, não apenas para criar letras 3D espaço negativo, mas para informar as decisões que você toma durante cada projeto aquarela aqui depois. Quando digo consistência de tinta, estou essencialmente falando sobre a relação tinta para água. A proporção ideal varia de acordo com a técnica e a aplicação. Também não há fórmula clara para chegar diretamente à consistência certa todas as vezes. Mas isso não significa que você não possa dominá-lo. Há várias coisas para procurar, pistas para chegar onde você quer. Deixa-me mostrar-te. Vamos explorar os mistérios da consistência da tinta usando o que é chamado de analogia entre chá e manteiga. Basicamente, comparamos a consistência das tintas que estamos misturando com itens comuns do dia a dia, como manteiga, chá e alguns outros no meio, e descobrimos o que funciona para o quê. Ao olharmos para essas diferentes proporções de tinta para água, estaremos procurando por algumas pistas. Um, dinâmica de pintura. Como a tinta está se movendo na paleta? Dois, pinceladas. Consegues ver pinceladas distintas ou acabas com uma camada uniforme de tinta? Três, suavidade de aplicação. As marcas que você coloca no papel são ásperas ou lisas? As bordas estão bem definidas? Quatro, controle. Quão bem você é capaz de controlar a tinta no papel? Cinco, valor de cor. A cor é intensamente pigmentada ou apenas mal? Por último, a transparência. A tinta deixa o branco do papel brilhar ou não? Isso é significativo porque sabemos que ao usar aquarelas, geralmente não pintamos com branco. Indicamos áreas brancas preservando o branco do papel. Para esta lição, eu vou escolher este tom rosa brilhante chamado Sunset da minha paleta Tropicals por Prima Marketing. Primeiro, vamos começar com a consistência de tinta mais espessa, que seria apenas direto do tubo se estivéssemos usando tintas para tubos. Mas uma vez que as tintas são secas, a menos que você as molhe com água, temos que usar um pouco de água para ativar a tinta. Como você deve ter adivinhado, estamos apontando para uma consistência semelhante à manteiga aqui. Nós adicionamos apenas água suficiente e giramos o pincel ao redor para obter uma camada grossa e mal molhada de tinta em nosso pincel. Observe como a tinta apenas reveste o pincel e fica ali mesmo, não escorre do pincel e na paleta. Dinâmica de pintura, nenhuma. Agora vamos tentar colocar a tinta em nosso papel aquarela. É, como você pode ver, uma camada de tinta muito seca e áspera. Você pode ver claramente as pinceladas. A cor é tão intensa quanto fica para este pigmento específico e a camada de tinta é tão espessa que você mal pode ver qualquer um do branco do papel em tudo através dele. As bordas não são suaves em tudo, mas você obtém alguns efeitos interessantes que podem ser úteis em certas aplicações chamadas técnicas de escova seca. Isso é consistência de manteiga para você. Agora vamos em frente e adicionar um pouco mais de água à nossa bandeja de pintura. Desta vez, estamos tentando alcançar uma consistência semelhante ao creme. Ainda bastante grosso, mas mais cremoso. Podemos tirar algumas das tintas para a nossa área de mistura para ajustar ainda mais a relação entre tinta e água. Isto é sobre o que estamos procurando alcançar para a consistência do creme. A tinta começa a se mover agora, mas principalmente apenas quando é empurrada com o pincel. Mesmo se você inclinar a paleta, a tinta não se move exatamente apenas pela gravidade. Além disso, veja como o movimento do pincel causa pinceladas na tinta. Esta é uma das observações que indica consistência do creme. Agora vamos ver como isso estabelece no papel. Ainda é bastante grosso e intensamente pigmentado. Um pouco menos do que a manteiga, é claro, mas ainda bastante perto da intensidade máxima. Você ainda pode ver pinceladas quase distintamente. Eles ainda são muito bom controle porque a tinta não se move por conta própria. Mas as bordas são ligeiramente mais suaves e mais mesmo desta vez. O branco do papel ainda mal brilha através daquela grossa camada de tinta. Isso é útil para obter detalhes ou quando você precisa obter um contraste maior entre áreas claras e escuras. Mais água agora até chegarmos à consistência do leite. Estamos falando de leite gordo normal, não de leite desnatado. Mas pode valer a pena notar que nenhuma dessas consistências é, na verdade, uma relação fixa. Ainda há uma gama de proporções dentro de cada consistência, mas isso nos ajuda a categorizá-los à medida que exploramos o meio e nos familiarizamos com ele. Legal. Parece que é isso. Vê como a tinta se move mais livremente agora? Meu pincel ainda deixa traços na tinta à medida que eu o movo, mas muito menos distinto agora. Estamos começando a ver algumas dessas dinâmicas de pintura que estamos falando. Veja, a tinta até começa a se mover sozinha agora, apenas pela gravidade. Agora, como fica no papel? A cor ainda é bastante intensa, mas também permite que o branco do papel comece lentamente a brilhar, o que, na minha opinião, faz com que pareça mais vibrante apesar do menor valor de cor. As pinceladas começam a suavizar para uma camada mais uniforme com bordas muito mais suaves que ainda estão definidas o suficiente. A dinâmica da tinta nesta consistência do leite exige mais habilidade em controlá-la, mas não é para isso que estamos aqui? Mais e mais água. Estamos a tentar chegar à nossa próxima categoria de proporções que se enquadram na consistência do café. Oh, sim. Confira todas essas dinâmicas. A tinta vai para onde quiser, enquanto deixa o pincel deixar quase nenhum golpe nele. No papel, a cor está começando a perder intensidade, mas ainda parece agradável e vibrante, graças a todo o brilho do papel que está deixando passar. Esta é provavelmente uma das consistências mais utilizadas em projetos de aquarela, graças à sua versatilidade. A camada de tinta é agradável e mesmo sem quaisquer pinceladas e as bordas são lisas, mas não muito definidas. Funciona bem para uma grande variedade de técnicas, por vezes incluindo lavagens mais escuras e áreas maiores que precisam ser suaves e possivelmente transparentes. Além disso, como você pode ver, ele fica um pouco imprevisível e, portanto, não é o mais fácil de controlar neste momento. Portanto, não é ideal para uso em espaços extremamente apertados. Continuamos a adicionar ainda mais água à nossa tinta para chegar à nossa fase final, que é o chá. Leve e arejado e como esperado, muito fora de controle, cheio de surpresas. Este está me dando um exercício intenso no braço bem ali. Aqui vamos nós. Move-se por todo o lugar por conta própria. Bem, a gravidade também. Levando isto para o jornal em breve. A cor é agradável e brilhante, mas também muito leve. Super suave, bastante perfeito para obter uma lavagem agradável e uniforme em grandes áreas que papel branco bem brilha através, mas também super imprevisível e uma tinta para controlar. Isso é consistência de chá para você. Que tal irmos em frente e resumir tudo o que acabamos de aprender sobre a analogia entre chá e manteiga para categorizar consistências de tinta com que cor. Dependendo da relação tinta para água, podemos categorizar consistências de tinta comparando-as com as consistências de itens do dia a dia, como manteiga, creme, leite, café e chá. Manteiga, é claro, sendo a maior proporção de tinta para água e chá o mais baixo. Cada uma dessas gamas de consistências exibe certas propriedades únicas para nos ajudar a identificá-las e decidir qual proporção pode ser mais adequada a uma técnica ou aplicação específica. Vamos consolidar isso com base em nossas descobertas. Sabemos que, à medida que passamos da manteiga ao chá, a tinta passa de ser quase estática a mover-se livremente. Podemos dizer que a dinâmica da pintura definitivamente aumenta. O que também significa que eles ficam mais difíceis de controlar à medida que a quantidade de água aumenta. Claramente, o valor da cor torna-se progressivamente menos intenso à medida que adicionamos mais água à tinta enquanto a transparência aumenta deixando o papel brilhar mais com as consistências mais leves. A consistência da manteiga aplica-se bastante seca, áspera e desigual no papel e fica mais suave à medida que a proporção de água adicionada aumenta, dando-nos camadas molhadas, suaves e uniformes, à medida que chegamos ao chá. Pinceladas, que são evidentes na manteiga começam a desaparecer torno do leite e tornam-se completamente invisíveis no café e no chá. Todas essas observações nos ajudarão a decidir qual consistência pode funcionar melhor para um determinado projeto ou técnica, porque não há consistência certa ou errada em aquarelas. É só uma questão do que usar para o quê. Cada uma dessas categorias tem suas próprias propriedades únicas que o tornam ideal para aplicações específicas e não tão ideal para algumas outras. Vejamos algumas das aplicações típicas de cada gama de consistências. manteiga sendo grossa, opaca e altamente controlada e pigmentada, é principalmente usada especificamente para destaques e técnicas de pincel seco para alcançar algumas texturas únicas, como árvores espessas e texturas em ondas oceânicas. Creme. A cremosidade óbvia da consistência creme juntamente com o alto nível de controle, torna a escolha perfeita para pequenos detalhes. O valor intenso de cor é muitas vezes aproveitado para criar áreas escuras de camada única e alto contraste em vez de várias camadas de folhas iluminadas. Leite. Este é o verdadeiro ponto ideal. Equilíbrio perfeito entre controle, intensidade, suavidade e transparência. A consistência do leite é vista bastante usada e é particularmente perfeita para áreas menores que exigem bom controle, mas também uma camada de tinta suave e rica. Café. Isso, na minha opinião, é a consistência mais comumente usada. É agradável e suculento, que é ótimo para a maioria das técnicas gerais de aquarela que exigem pinos dinâmicos, grande transparência que permite que o papel brilhe bem, e aplica-se agradável e suave. Isso também pode ser usado para criar as lavagens mais escuras destinadas a espaços relativamente menores. Finalmente, chá. Esta gama de consistências sendo a mais fluida e transparente, é mais comumente usada para criar lavagens leves em grandes áreas, como fundos. Eles também são ótimos para acumular intensidade camada por camada, se você precisar. No entanto, não é adequado para detalhes de pintura ou pequenas áreas por causa de quão difícil é controlar. Agora vem a grande pergunta. Tendo tido um olhar aprofundado sobre as propriedades e aplicações de cada uma dessas gamas de consistências, que você acha que usaremos em nossos exercícios e projeto para esta aula? Vamos pintar principalmente em pequenas áreas, por isso precisamos de um bom equilíbrio entre controle e suavidade. Também precisamos de cores agradáveis e intensas, mas não precisamos de áreas dualmente opacas. Queremos que a transparência que é tão única para aquarelas realmente mostrar através, porque caso contrário, por que se preocupar em fazer isso em tudo. Sim, você adivinhou. Usaremos principalmente as consistências de leite e café para praticar e executar nossos projetos para esta aula. Como eu disse, não há fórmula para garantir que você vai acabar com a proporção exata que funciona melhor. Você realmente precisa colocar tinta no papel e ter uma boa sensação de todas essas consistências. Eu realmente não poderia recomendar este mini-projeto mais. Aqui está o que eu quero que você faça. Crie uma escala de valor, exatamente como fiz durante a demonstração, usando qualquer cor em sua paleta. Este exercício irá ensinar-lhe muito sobre os diferentes traços de identificação de diferentes consistências e dar-lhe uma boa compreensão das proporções de tinta para água. Não apenas para esta aula, mas se você quiser realmente aproveitar a versatilidade da aquarela como um meio, é absolutamente imperativo que você se familiarize com a sensação dessas consistências. Pode não ser um projeto visualmente interessante ou satisfatório, mas definitivamente vai ajudá-lo a criar projetos de aquarela visualmente interessantes e satisfatórios no futuro. Eu quero realmente encorajá-lo a fazer isso e também postar uma foto de sua escala de valor na seção do projeto para que todos possamos vê-lo e ajudar uns aos outros nesta jornada. Eu também incluí uma folha de fraude imprimível resumindo todas as descobertas desta lição na seção de recursos. Você pode ir em frente e baixá-lo, imprimi-lo e colocá-lo em seu espaço de trabalho para que você sempre possa se referir a ele ao tomar decisões de consistência de tinta. Ou melhor ainda, você pode adicionar todos esses detalhes à sua própria peça de exercício de escala de valor e colocar isso em vez disso. Espero que esta lição tenha sido um começo perspicaz para o seu aprendizado de aquarela nesta aula. Espero que esteja pronto para absorver ainda mais porque há muito mais em estoque para você aqui. Na próxima lição, vamos olhar para o controle de pincel, onde vamos explorar muitas dicas e técnicas para colocar tinta no papel exatamente como precisamos. Vejo você lá. 10. Controle do pincel: Analisamos as consistências de tinta e as questões de tinta à água em profundidade. Agora precisamos ver como podemos aplicar nossa tinta para obter os resultados específicos que estamos procurando, controlando eficazmente nossos pinceladas. Isto é o que vamos fazer nesta lição na forma de um exercício. Primeiro, eu tenho um arquivo de modelo imprimível para você baixar a partir da seção de recursos desta classe. Por favor, vá em frente e faça o download disso e rastreie com um lápis em seu papel aquarela. Você pode usar uma caixa de luz para fazer isso. Ou, se você tiver um tablet como o iPad Pro, pode usar um aplicativo chamado Lightbox Trace que permite rastrear diretamente pela tela. Você também pode simplesmente sanduíche o modelo impresso entre o seu papel aquarela e uma janela contra a luz do dia para fazer o rastreamento. Ou você pode simplesmente ignorar completamente o arquivo de modelo e desenhar essas diretrizes à mão livre, que é o que eu fiz aqui. Eu acabei de desenhar contornos semelhantes aos do meu arquivo de modelo em uma folha de nove polegadas por seis polegadas papel aquarela. Você pode escolher qualquer tamanho que funcione para você. Eu não recomendo ir além de um tamanho A4 embora, a fim de obter o uso mais eficaz deste exercício. Como você pode ver, eu incluí uma variedade de formas e padrões no modelo. Estes foram cuidadosamente estruturados para criar um exercício que será mais relevante para a construção de competências para o nosso projeto principal. No entanto, essas são habilidades que você pode usar em uma variedade de outros tipos de projetos de aquarela também. Eu realmente recomendo que você faça este exercício junto comigo. Se você transferiu seus contornos, vamos começar. Eu vou estar usando o mesmo tom de rosa escuro chamado pôr do sol da minha paleta tropical que eu usei na lição anterior, porque eu definitivamente não quero que toda essa tinta vá para o lixo. Para este exercício, usarei meu pincel de detalhe redondo de tamanho zero. Eu misturei minhas tintas para uma consistência entre leite e café. Começamos com este, mas nosso objetivo é preencher cada faixa alternativa. Pegue um pouco de tinta em seu pincel e coloque uma pequena bolha ligeiramente longe do contorno e arraste-a para fora. Pegue mais tinta e adicione à sua bolha. Enquanto você arrasta a tinta ao redor para preencher sua forma, vá até as bordas com muito cuidado. Nós sempre tentamos criar alguns contornos cuidadosos com a tinta e depois preenchê-lo. Continue recarregando seu pincel com tinta enquanto você vai. Eu costumo recarregar cada vez que a bolha que estou tentando arrastar por aí não está mais molhada o suficiente. Precisamos de uma boa bolha molhada para encher o espaço com uma camada uniforme de tinta. Nós terminamos com cuidado passando pelas bordas e suavizando-as. Em seguida, procedemos a fazer a mesma coisa com a próxima faixa. Mesma coisa. Colocamos uma bolha molhada em nossa forma e arrastamos para preenchê-la. Se você fez minha aula anterior sobre letras de espaço negativo usando aquarelas, você pode ter notado uma diferença clara nos exercícios de controle de pincel aqui. Na aula formal, não pintamos todo o caminho até os contornos de lápis. Ficamos um pouco longe deles e depois apagamos as marcas de lápis. Aqui, no entanto, já que vamos pintar as superfícies 3D de nossas letras, sinto que precisamos chegar até as linhas de lápis para obter a peça de letras mais legível. Caso esteja se perguntando, espero que isso explique a diferença. Acabamos com essa faixa também. Vou acelerar o vídeo já que estou fazendo a mesma coisa aqui, essencialmente. Sinta-se à vontade para pausar ou abrandar de acordo com sua conveniência. O próximo é essencialmente a mesma coisa, apenas que as listras são mais finas agora, então exige um controle ligeiramente melhor. Agora olha para isto. Você vê uma poça de tinta molhada aqui em cima? Vou te mostrar como lidar com isso. Acaba de apagar o pincel em papel seco e tocar na poça. O pincel vai encharcar a poça. Repita isso até obter uma camada lisa de tinta. Continue preenchendo o resto das listras, absorvendo qualquer poça com seu pincel enquanto você vai. A coisa sobre essas poças é que elas podem parecer bem agora, mas elas causarão secagem desigual, deixando marcas secas que são chamadas de flores. As flores nem sempre são ruins, mas agora você sabe como se livrar delas se precisar. Agora, neste caso, temos um conjunto mais curvilíneo de listras. Só precisamos fazer a mesma coisa, mas tentar fazer as curvas parecerem suaves. Se não acontecer na primeira vez, isso é totalmente normal. Você sempre pode continuar fazendo isso uma e outra vez. É por isso que esses são chamados de exercícios de prática. O tabuleiro de xadrez, este é na verdade um dos meus padrões favoritos para praticar pintura ou até mesmo rabiscar. Tudo o que você precisa fazer é um quadrado de cada vez, assim como temos feito, absorvendo quaisquer pás extras à medida que avançamos. Agora, para que este padrão pareça o seu melhor, nosso objetivo é ficar o mais próximo possível dos contornos com cada quadrado. Se você pintar além dos contornos, ou não chegar perto o suficiente deles, não mais se parece com um padrão de xadrez. Este é um ótimo para fazer, para praticar ficar dentro de suas formas até que você obtê-lo parecendo um tabuleiro de damas lindo. Agora este é outro tabuleiro de xadrez, mas as linhas estão onduladas desta vez. Para obter essas pequenas curvas certas, você precisa de um controle ainda melhor do pincel. Eu subconscientemente tendem a segurar meu pincel um pouco diferente, quando eu preciso de um pouco extra de controle. Eu mudo meu pincel de posição para algo assim. Vou te mostrar de novo. É assim que eu normalmente seguraria meu pincel. Mas quando eu quero um melhor controle, eu mudo para algo assim, que me dá um aperto mais firme no pincel e, portanto, um melhor controle. Desta forma, eu posso mover minha mão tão ligeiramente para alcançar pinceladas altamente controladas. Agora, esta posição pode ou não funcionar para você. Não há realmente uma maneira certa ou errada de segurar um pincel na minha opinião. Mas eu realmente recomendo que você experimente diferentes posições para ver o que funciona para você e qual situação. Vá em frente e pinte o resto do padrão. Se você notar, neste caso, em vez de quadrados, temos pequenas formas de diamante curvas para preencher, cada uma ligeiramente diferente da anterior. Isso também significa que a área física que você precisa preencher com tinta é ligeiramente diferente a cada vez, então a quantidade de tinta úmida que pode efetivamente preencher cada forma varia. Este exercício é ótimo para lhe dar uma sensação intuitiva disso. Isto é, se você realmente fizer isso. Resumindo, faça isso. Agora algumas listras de larguras variadas. Acho útil variar a pressão sobre o meu pincel em tais casos. Então, mais pressão quando eu estou pintando as partes mais largas e leve pressão quando eu chegar às partes mais finas. Neste caso, só precisamos preencher cada uma dessas formas. A técnica é essencialmente a mesma que temos praticado. Mas observe como eu navego cada forma um pouco diferente. Mas não se preocupe, à medida que você pratica nossa técnica básica cada vez mais, você desenvolverá um senso intuitivo das melhores maneiras de abordar cada forma. Agora, aqui estamos pintando as áreas que não pintamos na caixa anterior, ou em outras palavras, o espaço negativo em torno de cada uma dessas formas. Começamos como de costume, colocando um pouco de tinta neste canto. Então você precisa decidir se deve se mover ou verticalmente para baixo. Começo a pintar para baixo e, em seguida, deixar uma pequena bolha de tinta molhada para trás para ganhar algum tempo enquanto eu me movo através da caixa. Não há escolha certa ou errada por padrão, mas a tinta está em processo de secagem, então você precisa se mover estrategicamente de qualquer maneira. Novamente, eu deixo uma bolha molhada para trás enquanto eu mudo para adicionar tinta para a seção descendente. Então, mais uma vez, deixo o final daquele também molhado e troco de volta. Em breve você terá várias direções para se preocupar, não apenas duas, mas você vai pegar o jeito com a prática. Tais exercícios são ótimos na construção de suas habilidades de tomada de decisão rápida, porque você precisa trabalhar rápido o suficiente para cobrir toda a área sem deixar marcas secas duras. Você também tem várias direções para prosseguir em qualquer momento. Como eu disse, isto é essencialmente o que temos de continuar a fazer durante este exercício. Deixe uma bolha molhada pendurada cada vez que você mudar para pintar uma área diferente. Você tem tempo até que essa bolha comece a secar. Quando você perceber que está secando, deixe o local atual com outra bolha molhada, e siga em frente. Esta é a nossa estratégia quando tentamos preencher essas áreas de espaço negativas, que se você pensar sobre isso, são basicamente apenas formas com buracos nelas. Lá vamos nós. Terminamos com esses exercícios de controle de pincel. Se você não tem feito isso comigo, agora seria uma boa hora para colocar tinta no papel e começar a trabalhar. Faça isso quantas vezes você precisar. Eu garanto que você vai sair desse sentimento muito mais equipado para pintar, desafiadores, espaços apertados. Na próxima lição, falaremos um pouco sobre encontrar inspiração antes de entrarmos em nosso projeto final para esta aula. 11. Encontrando inspiração: Vamos falar um pouco sobre inspiração e onde encontrá-la. Agora que você terminou todos os exercícios de prática projetados para ensinar as diferentes habilidades que você vai precisar para criar os principais projetos nesta aula, eu quero encerrar esta seção falando sobre inspiração. Eu levei você através de algumas letras essenciais e meu processo de esboçar letras 3D. No entanto, o que eu quero que vocês tirem dessas lições é o processo acima de tudo o resto. Você não precisa seguir os mesmos estilos de letras exatos que eu demonstrei, há toneladas de estilos de letras diferentes para você explorar, e eu quero encorajá-lo a tentar sua mão em tantos estilos de letras diferentes como você gostaria de . Agora, quando você pensa em qual estilo de letras 3D para explorar, pode ser bastante esmagador chegar a algo. Isso é normal independentemente de quão experiente e artista você é, todos nós precisamos de nossas fontes de inspiração para fazer nossos sucos criativos fluírem. É disso que se trata esta lição, vou mostrar-vos alguns dos lugares onde vou à procura de inspiração de letras. Antes disso, porém, eu quero apenas lançar alguma luz sobre a própria inspiração palavra e como ela difere da imitação. O Oxford Dictionary define inspiração como o processo de ser mentalmente estimulado a fazer ou sentir algo, especialmente para fazer algo criativo. imitação é definida como a ação de copiar alguém ou algo. Aí está a diferença. Quando procuramos inspiração, estamos tentando estimular nossos cérebros a pensar de uma maneira particular e não simplesmente copiar o trabalho de outra pessoa. Você está com o objetivo de encontrar uma faísca que possa lutar contra o seu próprio pensamento. A melhor maneira de evitar copiar cegamente alguém é sempre colocar um pouco de si mesmo em seu trabalho. Dessa forma, seu trabalho sempre tomará sua própria direção, independentemente do que possa tê-lo inspirado. Inspire-se, não copie, basicamente, não seja um idiota. Agora, podemos chegar às minhas verdadeiras fontes de inspiração. Instagram é onde eu passo uma tonelada de tempo olhando para o trabalho de outros artistas lettering e sendo inspirado. Há tanto conteúdo incrível aqui por artistas extremamente talentosos que você pode descobrir simplesmente navegando hashtags. Por exemplo, se você está procurando inspiração para letras 3D, você só precisa digitar letras 3D na barra de pesquisa do Instagram e, quando você toca na hashtag, você obtém toneladas de obras de arte relacionadas. Esta é realmente uma fonte infinita de inspiração bem aqui. Eu também guardo meus posts favoritos em uma coleção para que eu possa sempre olhar para eles mais tarde se eu quiser. Você sabia que salvar um post também ajuda a impulsionar o post e melhora seu alcance no Instagram? Ao fazer isso, você está de uma forma pequena retribuindo aos artistas, ajudando suas contas do Instagram a crescer um pouco. Eu vou mostrar-lhe alguns estilos de letras 3D que eu achei interessante no Instagram, Eu também vou incluir as alças do artista, então visite seus feeds e mostrar-lhes algum amor. Depois vem o Pinterest, outra fonte interminável de inspiração. Novamente, basta digitar letras 3D e encontrar muitas obras de arte relacionadas. Eu tenho um quadro do Pinterest montado para letras 3D entre outras categorias de obras de arte que você é mais do que bem-vindo para olhar através de inspiração. Eu também gosto de olhar para sites de fontes para inspiração estilo lettering. Sim, uma fonte é inerentemente diferente de letras manuais, mas ainda me dá um monte de idéias para começar em uma direção quando estou tentando desenvolver um projeto de lettering. A maioria desses sites tem uma configuração semelhante onde você pode encontrar toneladas de fontes em diferentes categorias. Vejamos este site gratuito chamado dafont.com. Meu favorito aqui é a categoria manuscrita sob as fontes de script. Normalmente, quando eu estou verificando esses, eu tenho alguma idéia sobre o estilo que eu imaginei para esse projeto específico, então eu mantenho isso em mente enquanto eu percorrer todas essas fontes. Agora, digamos que eu encontre um que eu gosto e clique nele, eu posso ver todas essas peças de demonstração que colocam essa fonte em contexto e me dão algumas idéias criativas para explorar. Eu também tenho todo o alfabeto tanto em letras maiúsculas e minúsculas disponíveis no mesmo estilo para se referir se eu precisar. Isso eu acho que é ótimo para iniciantes lettering exploradores que estão tentando desenvolver estilos consistentes, porque você pode observar estes para entender a relação entre diferentes personagens em um estilo de lettering particular. Aqui está a minha parte favorita. Se eu subir aqui, posso digitar as palavras exatas que preciso escrever e ver como isso pode parecer neste estilo. Isso realmente me dá uma visão do que eu tenho tentado imaginar todo esse tempo, então é muito incrível. Novamente, isso não é para copiar, você precisa colocar seu próprio spin sobre ele e ser criativo, mas realmente ajuda a visualizá-lo para que você possa criar maneiras criativas de manipular o estilo. Você também pode olhar para outras fontes, como revistas de design, lettering livros, e embalagens vintage para mais inspiração lettering, nenhum dos quais eu não tive que mostrar-lhe infelizmente. No final, toda a arte é inspirada por algo ou outro, e as coisas que vemos em nossas vidas cotidianas conscientemente ou inconscientemente impactam a maneira como pensamos e, por sua vez, o que criamos. Cerque-se com as melhores coisas para mantê-lo constantemente inspirado. Meu espaço de trabalho e ambientes de vida são extremamente importantes para que eu possa pensar criativamente. Certifique-se de preencher a sua espécie com coisas que lhe trazem alegria e cócegas aos seus sensores criativos da melhor forma. Agora, antes de começarmos a trabalhar nos nossos principais projetos, uma pausa, faça algo que o ajude a relaxar. Talvez seja uma xícara de café ou uma caminhada lenta. No meu caso, a maioria dos meus freios estão cheios de muitos beijos molhados e a gripe mais suave feroz de smangers da minha menina. Eu vou brincar com ela um pouco e te alcanço na próxima lição onde usaremos o gerador de meme que criei para encontrar nossos memes únicos criativos. 12. Gerador de nomes para almas criativas: Ei, almas criativas. Estão todos frescos e prontos para chutar alguns traseiros com nosso projeto final para esta aula? Antes de mergulharmos no projeto em si, eu queria fazer uma lição rápida sobre como usar o gerador de nomes que eu criei. Em vez de escolher palavras aleatórias, vamos escrever nomes criativos de alma para o nosso projeto principal. Eu juntei este gerador de nomes para você chegar aos seus próprios nomes criativos de alma. Ele está disponível para download mais uma vez, na seção de recursos desta classe. Se por algum motivo você não conseguir acessar a seção de recursos, eu também estou explodindo isso por um pouco, então você pode simplesmente pegar uma captura de tela dele em vez disso. Tenho a certeza que consegues resolver isto sozinho, mas vou tirar um minuto para te explicar isto. Seu nome criativo da alma é uma combinação de palavras derivadas de seu mês de aniversário e a primeira letra do seu primeiro nome. Digamos que se seu nome é Susan e você nasceu em outubro, precisamos primeiro verificar o que corresponde a outubro. Isso é rebelde. Então a primeira letra do seu nome é S, que corresponde a Singlewave aqui. Então seu nome criativo da alma seria Rebellious Singlewave. Da mesma forma, se o teu nome é Mike e nasceste em Março, o teu nome criativo da alma seria Zesty Momoweb. Como sabem, meu nome é Vinitha e meu aniversário é em janeiro. De acordo com este gerador de nomes, o meu nome criativo da alma é Magical Peachflame. Isto é o que vou escrever para o meu projeto principal nesta turma. Vá em frente e divirta-se com isso. Use o seu nome e mês de nascimento para encontrar o seu nome criativo da alma e prepare-se para começar com este divertido projeto. Você também pode usar o nome de um ente querido e criar uma peça para dar a eles, se quiser. Aviso rápido; essa coisa toda é apenas sobre se divertir e nada mais. Não há implicações ocultas em nenhum dos nomes que este gerador possa sugerir. A maioria deles são apenas palavras inventadas que soam divertidas. Espero que leve isso só pelo aspecto divertido. Se em qualquer caso você não quiser usar esses nomes, você pode muito bem se sentir livre para usar seus próprios nomes ou quaisquer outras palavras que você gostaria de escrever. Prometo que não vou usar isso contra você. De qualquer forma, eu acho que vai ser super divertido fazer isso e também para descobrir quais nomes de almas criativas seus colegas terminaram com. No final do projeto, além de enviá-los aqui na galeria do projeto, você também pode postá-los no Instagram usando a hashtag #MyCreativeSoulName para que possamos ver todas as suas criações em um só lugar. Assim que você estiver pronto com seus nomes criativos de alma, vá para a nossa próxima lição, onde iniciaremos projetos com alguns brainstorming e esboços. 13. Conceito e esboço: Agora que temos nossos nomes criativos de alma prontos, podemos finalmente começar nosso projeto principal para esta aula. Você está animado? Vamos criar a partir do zero uma peça de letras 3D em aquarela, reunindo todas as diferentes habilidades que desenvolvemos nas seções anteriores. Nesta lição, vamos discutir e chegar a um conceito e desenvolvê-lo em um esboço refinado pronto para ser transferido para papel aquarela para pintura. Dividi esta lição ainda mais em fases, só para que seja fácil para vocês revisitarem em qualquer fase posterior, se quiserem. Vamos para a primeira fase, que é brainstorming. Precisamos primeiro retirar todas as idéias que estão escondidas em nosso cérebro e colocá-las no papel. Isso não só nos dá espaço para outras idéias, mas também nos ajuda a ver nossos pensamentos diante de nós no papel. Primeiro, gosto sempre de escrever as palavras que vou escrever. No meu caso, como sabem, cheguei à chama mágica de pêssego. Então eu passo a colocar algumas idéias na forma de pequenos esboços em miniatura. Primeiro coloquei o primeiro pensamento que está na minha cabeça agora, que é uma forma de arco com estilo mágico de escrita cursiva interior e chama de pêssego em todas as tampas com uma pequena ilustração de pêssego sob tudo. Em seguida, eu quero ver como é se eu mudar os estilos para cada palavra dentro do mesmo layout. Você não precisa ser precioso sobre isso. Eles são esboços muito iniciais apenas para extrair e visualizar idéias para encontrar uma direção que vale a pena explorar. Agora, precisamos do boi ou podemos apenas mantê-lo simples com algumas linhas retas e um estilo de script uniforme? Ou que tal definir nossas palavras em um ângulo e usar os espaços de canto vazios para colocar os elementos ilustrativos. Apenas brincando com isso um pouco mais experimentando algumas idéias florescentes e movendo a ilustração ao redor. Eu realmente gosto deste, então eu vou explorá-lo um pouco mais, apenas brincando com o layout um pouco para ver o que funciona. Uma coisa que estou sempre procurando é como aproveitar ao máximo os espaços formados entre letras diferentes. Aqui eu estou tentando ver se eu posso efetivamente aninhar mágico no espaço ao lado do grande P ou a cauda do G está chocando com todas as letras altas abaixo dele, então provavelmente não. Acho que o mesmo se aplica aqui, se mantivermos a chama de pêssego em todas as tampas, não haverá espaço para a cauda do G em mágica. Não este. Mas acho que o contrário pode funcionar. Vamos ver como seria se voltássemos a ter chama de pêssego em um estilo de script e dobrássemos mágica em todas as tampas no espaço acima dela. Isso também abre algum espaço para adicionar nas ilustrações de pêssego simetricamente em ambos os lados. Desde que eu gosto do último, vou usar isso como a direção para explorar e desenvolver o conceito ainda mais. Eu tenho a pequena miniatura aqui no lado para se referir como eu começar a fazer um maior com mais alguns detalhes. Primeiro, eu acabei de escrever alguns guias para ambas as minhas palavras para sentar em cima de. Em seguida, em vez de tentar desenhar diretamente as letras em um ângulo, eu estou apenas emoldurando-as em uma linha reta primeiro para que eu possa me referir a isso e fazer a letra angular. Agora podemos tentar incliná-los e colocá-los na miniatura. Esta é uma forma de o fazer. Para apenas inclinar a linha de base e manter as letras na perpendicular a ela. Mas não é isso que eu quero fazer. Eu quero que as linhas de base estejam em um ângulo, mas eu ainda quero que as letras estejam ao longo do eixo vertical. Então eu vou apenas indicar algumas linhas verticais ásperas para me guiar, e então eu vou esboçar minhas cartas. Ainda não sendo muito precioso sobre isso. Eu sinto que há muito de um detalhe muito semelhante acontecendo aqui e eu quero apenas quebrar isso. Talvez mudar o F um pouco vai ajudar. Acho que podemos tentar espelhar o que está acontecendo com o H aqui, no L também fazendo algo assim. Parece estranho para ser honesto. O que podemos fazer sobre isso? Talvez mudar um pouco as curvas. Não, ainda não estou gostando. Gosto do aspecto de simetria antigo, mas não se parece com um L e para mim, projetar letras que sacrificam a legibilidade derrota seu propósito completamente. Por enquanto, vou com um L velho e ver o que mais posso fazer. Como, eu posso ir em frente e adicionar a forma de pêssego para este detalhe H aqui e nós vamos apenas deixá-lo pendurado neste lado também por agora, talvez adicionar algumas folhas também. Para estas folhas, estou pensando se podemos incorporar alguns desses elementos de chama nelas. Em vez de uma forma de folha regular, talvez tente fazer uma folha mais inspirada em chamas. Gosto de ter os meus elementos ilustrativos derivados das próprias palavras, tanto quanto possível. Podemos ver o que parece ligado a um pêssego também. O aspecto mágico pode ser representado por alguns brilhos, pequenas estrelas, pontos e outras coisas, e para a chama do pêssego, nós temos isso. Agora, eu acho que o mágico parece muito básico. Queremos que pareça mágico. Vou ver como posso trazer um pouco de magia para o nosso mágico. Enquanto você conta quantas vezes eu vou dizer a palavra mágica. Eu gosto do último com todas as curvas, então eu vou colocar isso aqui em cima e ver como ele fica. Se você notar, eu adicionei alguns pequenos detalhes divertidos como o I sendo aninhado no G e a barra transversal do E colando no C. Em seguida, eu estou explorando alguns toques decorativos que eu posso adicionar a chama de pêssego aqui. Estou pensando em maneiras de conseguir que o F preencha um pouco do espaço no canto inferior direito. Sim, é disso que estou falando. Veja, isso resolve esse problema, bem como acrescenta que algo extra para o L. Agora eu quero equilibrar a linha no canto inferior direito com outra semelhante no canto superior esquerdo e uma pequena curva agradável lá em cima para espelhar o loop e O F. Eu só vou deixar alguns nós aqui porque eu quero mudar isso aqui um pouco e fazer o P um pouco maior para que tudo se encaixe um pouco mais confortavelmente. Agora que temos uma ideia básica do que queremos alcançar, podemos passar para a nossa próxima fase, que é esboçar. É aqui que vamos desenvolver o conceito ainda mais em um esboço mais refinado. Eu começo por colocar alguns guias em um papel de grade de ponto dentro de um quadrado que é cerca de sete polegadas por oito polegadas. Se você planeja fazer o traçado final até o papel aquarela diretamente do seu esboço, então você pode querer fazer isso para dimensionar, para caber no seu papel aquarela. Se você estiver rastreando usando um tablet como o iPad Pro, sempre poderá ajustar a escala mais tarde. Marquei as linhas centrais horizontais e verticais e algumas guias angulares para cada uma das minhas palavras para sentar dentro. Agora, eu quero que a palavra mágica se encaixe bem no espaço aqui, então eu vou começar com chama de pêssego primeiro para que eu possa posicioná-la de acordo. Primeiro, quantas cartas há? Um, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10. Cinco de cada lado da linha central. Eu acho que vai ser bom se o F está bem no meio, vez que é um elemento de estilo proeminente também. Eu começo com o F, então começo a esboçar o resto da palavra para a direita usando a grade para me ajudar a colocar minhas linhas verticais alinhadas. No lado esquerdo, eu trabalhei do centro para fora para que eu pudesse obter uma melhor colocação. Uma vez que o quadro básico é baixo, eu começo a refinar as curvas e o espaçamento e outras coisas nas letras. Eu também começo a adicionar alguns detalhes como eu vou e me parece que eu posso incorporar o pêssego aqui como um floreio para o H. Do outro lado, podemos tentar anexá-lo ao M. Eu gosto dessa direção, mas ele só precisa de alguns ajustes. Eu estou tentando fazer menos forma de coração e mais forma de pêssego ajustando as curvas em torno de um pouco. Agora para mágica, há 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 letras. Tecnicamente, a quarta letra, que neste caso é o I, precisa vir no meio. Como estamos aninhando o I sobre o G, vou colocar o G muito perto da linha central e levá-lo de lá. Agora eu percebi que os guias que eu desenhei para mágica são muito largos, o que significa que eu vou ter que fazer cada letra realmente alta e magro para caber no espaço e eu não quero isso. Agora eu faço uma fase tipo para mágica. Eu apago a coisa toda e desloco o guia de cima para baixo para começar de novo com algumas letras mais curtas. Isso eu acho que parece muito melhor. Eu vou curvar algumas dessas linhas um pouco para ver como isso parece, porque eu estou esperando que isso vai dar um pouco de energia e dinâmica, mas não completamente. Eu acho que eu prefiro sem as curvas, então eu mudar de volta para linhas retas e curva para fora apenas as barras transversais em vez disso. Em seguida, precisamos esboçar alguns dos floreios e elementos decorativos. Faço isso, tentando manter as linhas tão limpas quanto possível e paralelas onde for necessário. Agora, há algum espaço vazio por aqui, então eu quero adicionar um pouco de florescimento ao M. Eu brinco com isso um pouco até eu encontrar uma forma e posição que eu gosto e eu tento imitar essa forma do florescer aqui no L também. Em seguida, passamos a brincar com os elementos decorativos. Eu gosto de usar essas formas curvas, parecidas com lágrimas para encher espaços vazios com. Eles também adicionam muita dinâmica e levam seus olhos por causa de quão direcional e cheio de caráter estes são. Eu só vou com o fluxo e mexer com algumas formas até que eu estou feliz com como eu estou usando os espaços vazios. Como você pode ver, tudo isso requer um pouco de tentativa e erro e isso é totalmente legal. Estamos tentando fazer tudo para trás e para frente aqui e não diretamente no papel aquarela para que tenhamos a liberdade de realmente brincar. Vá em frente e aproveite todo o processo, iterações e tudo. Uma vez que estejamos felizes com isso, podemos passar a adicionar peso ao nosso letreiro. Eu decidi ir monolina com isso, então eu vou apenas ir em frente e engrossar tudo isso. Lembre-se de estar atento às diretrizes ao fazer isso e engrossar os traços de forma que o layout não seja desequilibrado. Então eu adicionei alguns pequenos elementos de brilho , bem como para trazer um pouco de magia para a coisa toda. Agora temos a versão 2D do nosso lettering pronto e isso nos leva para a próxima fase do nosso processo de esboço que está adicionando dimensão. Agora é quando vamos seguir nosso processo de cinco passos que você já está familiarizado com agora, para converter nossas letras em uma peça tridimensional. Começamos com o passo 1, que está traçando as letras em uma folha de papel translúcido. Estou usando o mesmo papel de layout que usei anteriormente. Neste momento, eu vou estar rastreando apenas as letras e o único elemento de florescimento perdido no topo porque eu não quero converter nenhum dos outros elementos em 3D. Em seguida, eu revisto todos esses contornos com minha caneta fina preta para diferenciar facilmente a fase frontal das outras fases. Isso está feito e aqui estamos nós. Agora passo 2, rastreando as letras uma segunda vez em uma nova posição de deslocamento. By the way, eu realmente quero me desculpar pelo topo da minha cabeça que faz uma aparição no quadro de vez em quando. Eu tenho esse hábito horrível de me debruçar sobre o meu trabalho quando eu realmente entro no ritmo. Se você tem algumas dicas para me livrar desse hábito, por favor me ajude com elas. Uma vez que já fizemos os contornos pretos na fase frontal, vamos pular o passo 3, que se você se lembrar, era sombra em toda a fase frontal. Neste momento, os contornos da caneta indicam esta fase, a fase frontal, e os contornos do lápis, a fase traseira. Em seguida, precisamos fazer essas fases laterais. etapa 4 está conectando as fases frontal e traseira com linhas retas nos pontos correspondentes. Finalmente, o passo 5 é escurecer as linhas que precisamos para não confundi-las com as que não precisamos. Vou fazer isso usando minha caneta preta de novo. Só para dar uma prévia, essas são as áreas que vamos pintar com aquarelas na próxima lição, então basicamente, apenas as fases 3D e não a fase frontal em si porque a pintura espacial negativa, certo? Antes de passarmos para a pintura, temos um último passo, que é transferir nossos outros elementos decorativos para o papel translúcido para completar o layout. Voltarei a reposicionar os papéis para encontrar o ponto ideal e traçar todos os nossos elementos decorativos. Você pode descobrir que alguns deles estão agora sobrepostos com nossas letras 3D. Você pode se sentir livre para ignorá-los ou ajustá-los para posições mais adequadas como você achar melhor. Você também pode ir em frente e pintar os contornos com caneta uma vez que você está satisfeito com estes. Chegamos ao fim de todo o processo de desenho. Agora temos um esboço que está pronto para ser transferido para o papel aquarela. Como você viu nesta lição, o processo de esboço é muito crucial para alcançar um layout equilibrado para suas peças de letras. Decidi incluir todas as coisas para trás e para frente que passei com esta peça sem editar nenhuma das partes iterativas porque eu queria normalizá-la. Quero dizer-te que está tudo bem. Pode parecer que outros artistas são capazes de simplesmente improvisar e trazer à vida uma peça fabulosa do nada, mas isso raramente é o caso. Aproveite o processo e aproveite todas as oportunidades que você tem para fazer ajustes até que você esteja feliz com o resultado final, porque no é disso que se trata, não é? Mal posso esperar para ver todos os seus esboços de letras 3D que você colocou tanto trabalho para aperfeiçoar. Você sabe o que fazer, faça o upload deles. Na próxima lição, adicionaremos cores ao nosso esboço e daremos vida a tudo. Vamos pegar lá em cima. 14. Como pintar com aquarelas: Pronto para trazer seus esboços para viver com alguma pintura negativa com aquarelas? Nesta lição, vamos colocar para usar todas as habilidades que desenvolvemos na consistência da pintura e esmagamento lições controladas, para pintar as faces 3D da nossa peça de lettering. Deixaremos a face frontal sem pintura e definiremos usando o contraste entre o branco do papel e as superfícies 3D pintadas. Uma vez que estamos pintando em torno da face frontal e não dentro dela, é por isso que podemos chamar essa pintura negativa. Devemos? Eu fui em frente e transferi meu esboço para uma folha de papel aquarela que tem nove polegadas de largura e oito polegadas de altura. Eu tentei manter as linhas de lápis leves enquanto também mantinha visível para você. Eu sugiro que você vá ainda mais leve porque a maioria dessas linhas vai ficar sob as cores da água, então eles não vão ser todos levantados eventualmente. Agora, eu decidi usar uma única cor para todas as minhas letras. Para isso, eu escolhi este tom laranja brilhante chamado hibisco da minha paleta tropical. Você pode, por todos os meios, escolher várias cores para diferentes partes da letra, ou até mesmo mesclar cores dentro das formas. Na verdade, eu incluí uma dica bônus mais tarde neste vídeo sobre a mistura de aquarelas de forma eficaz. Você poderia pular para isso e voltar aqui se você planeja fazer qualquer mistura de cores nesta fase. Eu tirei um pouco da tinta no meu poço de mistura, e eu reguei-a para algum lugar em torno do lado mais fino da consistência do leite. Eu vou estar mergulhando meu pincel na água cada vez que eu recarregar com tinta, então isso vai me dar a flexibilidade para abordar a consistência do café se e quando eu precisar. Ao longo desta lição, eu vou estar pintando com o pincel de detalhe redondo tamanho zero Artesia. Começo carregando minha escova molhada com tinta do poço de mistura. Então, assim como fizemos em todos os nossos exercícios de prática, colocamos uma bolha de tinta perto do contorno e arrastamos para preencher a forma. Recarregue o pincel com tinta toda vez que a bolha não estiver molhada o suficiente para ser empurrada facilmente e repetir. Você precisa estar ciente de qual forma você está preenchendo porque lembre-se, nós não queremos que nenhum de nossos rostos seja pintado. Mantenha um tecido seco à mão para apagar as pás enquanto pinta. Especialmente quando você chega a espaços mais apertados, você pode acabar com bolhas que estão muito molhadas mesmo depois de preencher a forma. Além disso, à medida que você entra em cantos apertados, ajuda a aliviar a pressão sobre o pincel para alcançar o mais fino dos traços. Agora, todos os pontos de letras 3D estão prontos. Em seguida, precisamos passar a pintar os elementos decorativos restantes. Eu estou pensando que eu quero ir com alguns verdes para trazer alguns contrastes e frescura para a peça. Para isso, eu escolhi dois tons, um tom mais escuro fresco verde chamado Ilha, e um quente verde-amarelado brilhante chamado papagaio, ambos da mesma paleta tropical. Aprendi a criar um gradiente com estas duas cores e cada um dos enfeites. Em seguida, vou demonstrar algumas dicas de bônus para ajudá-lo a alcançar uma mistura de cores eficaz usando aquarelas. Digamos que eu queira criar um gradiente escuro para luz no quadrado. Começo, como de costume, colocando uma bolha da minha primeira cor, que neste caso é o verde mais profundo, e depois puxo a tinta da mesma forma que temos feito. Mas desta vez não vamos preencher toda a forma, basta trazer a tinta para cerca de metade da área e parar para que possamos misturar nossa segunda cor na área restante. Em seguida, coloco uma bolha de tinta verde mais brilhante ao lado da área mais escura. Agora, porque temos uma bela borda molhada aqui, podemos apenas misturar os dois juntos no meio e puxar as tintas para baixo para preencher o resto da forma. Ajuda a trabalhar na área do meio um pouco mais para conseguir uma mistura mais perfeita. Quando estiver satisfeito com o gradiente, você pode ir em frente e usar um pincel seco para apagar as pás molhadas. Vamos tentar de novo. Pinte na primeira cor em metade da área e pare. Adicione uma bolha molhada na borda, se necessário, e use sua segunda cor para preencher o espaço. Mova o pincel para se misturar perfeitamente e, finalmente, apague as pás extras. Agora, o que acontece se a tinta não estiver molhada o suficiente na cena do crime? Vamos descobrir. Esta borda aqui está seca e eu não estou adicionando mais umidade. Eu continuo com a adição da segunda cor. Vê como eles não se misturam tão bem? Você ainda pode quase consertá-lo, mas você também corre o risco de destruir a textura do papel com toda essa fricção. Você é definitivamente melhor se certificando que há um pouco de tinta molhada na cena antes de tentar misturar as cores. Você pode aplicar a mesma técnica para pintar um gradiente dentro de nossas formas de gota de lágrima. Eu gosto de começar com o canto aqui e colocar a sombra mais escura até cerca de meio caminho. Eu acho que a borda aqui é um pouco molhada demais, então eu absorvo um pouco da umidade aqui e, em seguida, ir em frente com a adição da cor mais brilhante e puxá-lo para preencher o espaço. Se a área é grande o suficiente, eu gosto de recarregar o pincel com a minha segunda cor antes pintar os últimos pedaços para que ele fique agradável e brilhante. Está bem, vou fazer mais uma. Agora, basta fazer exatamente isso para pintar todos os elementos decorativos em forma de gota de lágrima e, em seguida, os pequenos brilham também. Eu acho que o gradiente verde está fazendo estes olhar agradável e suculento e também de uma forma parecida com a folha. Você não acha? Espalhei um pouco de tinta que, claro, é fabulosa porque agora temos a oportunidade de aprender o que fazer sobre isso. Primeiro de tudo, não entre em pânico, isto é corrigível. Pegue um pouco de água com um pincel limpo, se possível e trabalhe na mancha, basta esfregá-lo usando o pincel e, em seguida, use uma ponta de Q limpa, se puder. Não tenho um à mão, por isso estou a usar um tecido limpo e seco para absorver a água. Você pode precisar repetir isso algumas vezes. Vou cantar, adoro usar ingredientes nas minhas peças de aquarela. Acho que somos super eficazes mesmo se incorporados em ondas minúsculas. Se você quiser aprender a misturar aquarelas de forma mais arrumada, eu tenho uma lição inteira dedicada à mistura de cores na minha classe chamada letras espaço negativo com aquarelas. Lá, eu passo você através da aplicação desta técnica para alcançar gradientes em diferentes estilos e direções, como gradientes diagonais e gradientes radiais para citar alguns. No final dessa lição, há também um curso intensivo sobre conceitos básicos de teoria de cores para que você possa usar esse conhecimento para evitar misturas lamacentas e escolher cores que se misturam lindamente umas com as outras. Agora, terminamos com todas as lágrimas e os pequenos brilhos. Em seguida, eu quero polvilhar em alguns pontos aleatoriamente em toda a composição. Primeiro, eu faço alguns usando o verde escuro e, em seguida, um pouco mais com o verde acolchoado mais brilhante. Eu nunca sei quando parar com esses pequenos toques, mas isso parece bom para mim. Temos um último passo que é apagar os contornos de lápis. Precisamos fazer isso gentilmente para evitar danificar o papel ou embotar as cores. Prefiro fazer vários passes gentis com a borracha, depois um único passe agressivo. Aqui está outra dica. Não use as mãos para escovar o pó da borracha de suas peças finais, use um pincel grande em vez disso. Ele manterá sua arte segura e limpa sem o risco de ter manchas desagradáveis. Mas certifique-se de que o pincel está limpo e seco antes de fazer isso. Eu uso este pincel particular quase exclusivamente para este trabalho e assim, terminamos com a fase de pintura e, portanto, o projeto em si. Eu sempre espero ansiosamente para ver como ele se parece depois que os contornos de lápis são liberados porque ele realmente faz a diferença. Você está feliz com as peças finais que você criou? Espero que esteja, porque estou muito orgulhoso de você por ter feito isso. Aprendeste tanto e tenho a certeza que vai aparecer no teu trabalho. Diverti-me tanto a criar esta paz contigo. Agora, há um último vídeo com meus pensamentos finais, que sou eu lá para uma esperança muito temporária para vibrações. 15. Considerações finais: Parabéns por ter feito você passar por toda essa aula. Espero que você realmente tenha gostado todos os cinco mini projetos e o projeto final para esta aula. Quanto a mim, eu tinha uma bola total e estou tão honrado por ter sido capaz de compartilhar com vocês a pequena parte da minha jornada criativa. Nesta classe, você aprendeu que o espaço negativo é o espaço em torno do assunto de uma imagem, e a pintura negativa basicamente não é pintar a forma em si e pintar tudo o resto em vez disso, e agora você sabe três diferentes abordagens para letras à mão. Em primeiro lugar, caligrafia, que é a arte de escrever letras usando ferramentas específicas e variando a pressão enquanto você escreve para obter traços grossos e finos. Em segundo lugar, letras monolinas, que como o nome sugere, é a arte de escrever ou ilustrar letras com peso de linha uniforme por toda parte, e por último, caligrafia falsa onde usamos qualquer ferramenta básica de escrita para primeiro desenhar as letras usando traços de monolina e, em seguida, escolhendo apenas os movimentos descendentes de modo a imitar a aparência da caligrafia. Tendo aprendido a aplicar os princípios básicos do esboço 3D para converter suas letras bidimensionais em uma peça 3D, agora você está bem versado com nosso simples processo de cinco etapas para converter qualquer forma 2D em um esboço 3D. No mundo da pintura em aquarela, você mergulhou profundamente consistências de tinta e agora é um especialista em aplicar a analogia do chá à manteiga para tomar decisões de consistência de tinta em todos os seus projetos de aquarela daqui em diante. Além disso, você também sabe exatamente como controlar seus pincéis para pintar de forma eficaz em espaços apertados, como remover poças e evitar flores se você precisar, e como lidar com acidentes com respingos de tinta. No final, se há uma coisa que eu espero que você tenha tirado desta aula, as possibilidades que se abrem quando você imagina maneiras em que você pode combinar várias habilidades forma eficaz e criar processos para si mesmo que o levam por conta própria aventuras únicas e emocionantes e você já juntou todos esses novos aprendizados para usar quando você criou suas peças de letras 3D negativas pintadas para o seu projeto final, que eu estou tão ansiosamente esperando para ver. Você enviou seu trabalho para a galeria do projeto? Vou verificar o mais rápido possível e escrever de volta para cada um de vocês. Não se esqueça de usar a hashtag MyCreativeSoulName e me marcar quando você postar suas peças no instagram. Eu quero ver todas as belas peças que esta classe inspira você a criar mesmo no futuro. Não se conectar comigo no Instagram e marque-me em seus posts. Eu adoraria ouvir de você o que você pensou sobre minha classe, e se você encontrou valor nesta classe, por favor deixe um comentário e espalhe a palavra com seus amigos e familiares. Siga-me aqui no Skillshare para que você seja notificado imediatamente quando eu publicar uma nova aula. Como eu mencionei anteriormente, eu tenho uma classe muito relacionada aqui no Skillshare chamado letras espaço negativo com aquarelas. Se você gostou desta aula, você definitivamente vai gostar dessa também. Eu estou ensinando uma abordagem ligeiramente diferente para pintura negativa lá, então verifique se você ainda não fez isso. Quero dizer um grande obrigado a você por se juntar a mim nesta aula e ter feito isso. Adeus por agora, vejo-te na próxima vez.