Lápis aquarela realistas: pinte uma natureza morta passo a passo

1. Introdução: Como você pode desenvolver níveis mais altos de realismo usando lápis de aquarela Quais são as principais informações que você deve conhecer sobre como colocar pigmentos de lápis de aquarela em camadas E como ativar o pigmento do lápis de aquarela com água e um pincel que o ajudará a passar pelo processo com mais sucesso e a obter melhores resultados Como você pode evitar sobrecarregar uma peça de lápis de aquarela para chegar a uma pintura final que tenha um brilho e uma dimensão E como você pode usar tinta aquarela tradicional para simplificar o processo de pintura e obter resultados mais equilibrados Meu nome é Erica e sou uma artista de mídia tradicional trabalha com uma variedade de mídias de desenho e pintura E adoro me desafiar com diferentes tipos de assuntos, desde naturezas mortas até paisagens, animais e muito mais. Meu dia a dia gira em torno da venda arte localmente, da orientação on-line de estudantes E estou constantemente criando recursos úteis e valiosos voltados recursos úteis e valiosos voltados artistas iniciantes e intermediários, procurando aprimorar suas habilidades e encontrar voz, que eu compartilho por meio do meu site, meu canal do Youtube e, claro, por meio do meu site de associação Tenho mais de 15 anos de experiência trabalhando nas áreas criativas e artísticas. Obtive meu bacharelado em design gráfico, passei a trabalhar como designer gráfico em uma agência de publicidade por algum tempo e depois passei a me tornar professora chefe de arte em um ambiente escolar no qual trabalhei por sete anos. Durante os últimos dois anos trabalhei em meu último emprego regular em tempo integral, comecei a construir meu próprio negócio de arte paralelamente. Comecei a vender obras de arte decorativas localmente. Comecei a participar de eventos artísticos locais. Eu também estava começando a orientar estudantes de todas as idades em meu próprio estúdio caseiro Quando meu pequeno negócio cresceu até certo ponto, pude deixar meu último emprego em tempo integral e me dedicar totalmente a continuar crescendo e desenvolvendo-o Foi quando comecei a levar o que estava fazendo localmente para o espaço on-line a fim de alcançar mais pessoas. Hoje em dia, estou mais feliz que já estive. Eu ganho a vida fazendo o que amo, que continua crescendo e me desenvolvendo como artista. Enquanto eu incentivo outras pessoas a continuarem suas jornadas e as ajudo a desenvolver suas habilidades e sua voz Os lápis de aquarela são um meio tão divertido e versátil que são essencialmente um meio de desenho e pintura, que são essencialmente um meio de desenho e pintura tudo embrulhado em que, claro, por sua vez, também significa que pode ser especialmente confuso para iniciantes que estão começando a usar o lápis de aquarela compreender as técnicas e a melhor forma de usá-las para obter melhores resultados Neste curso, estou compartilhando meu processo completo de pintura para uma composição de natureza morta que pintei usando lápis de aquarela E, ao longo do caminho, estou compartilhando todas as minhas técnicas favoritas que me ajudam a alcançar níveis mais altos de realismo e, ao mesmo tempo incluir muito de mim na peça Estou compartilhando todas as minhas técnicas favoritas e meu método simples para alcançar níveis mais altos de realismo com uma quantidade limitada de cores Compartilho tudo o que sempre me certifico de fazer quando estou ativando pigmentos de lápis de aquarela e fazendo minhas camadas, que sempre me ajudam a obter resultados brilhantes e vibrantes Antes de entrar no processo de pintura, também compartilho como escolho minhas cores para poder desenvolver a variedade de valores e também tons que levarão a níveis mais altos de realismo e como penso na harmonia de Essas dicas você poderá levar para qualquer peça de lápis de aquarela que escolher trabalhar no futuro Na guia de projetos e recursos aqui no Skill Share, você poderá encontrar meu esboço para download, que pode ser transferido transferido sua folha de papel aquarela usando papel vegetal ou qualquer que seja o método de usando papel vegetal ou qualquer que seja o método transferência de sua escolha Aliás, tenho uma aula completa sobre como usar papel vegetal para fazer sua transferência em meu curso individual de aquarela que compartilhei aqui no Skills Share, que eu recomendo fortemente conferir Você também poderá encontrar a foto de referência que eu uso e, claro, sua lista de suprimentos. 2. Projeto do curso: Olá, e bem-vindo a esta aula. Onde vou explicar sobre o projeto no qual trabalharemos juntos neste curso. Ao final deste curso, você terá concluído uma pintura realista de natureza morta usando lápis de aquarela E sim, isso é uma pintura, não um desenho, porque vamos ativar esse pigmento com água e um Então você pode ver essa peça como uma pintura. Agora, como mencionei no vídeo de introdução, vou trazer tinta aquarela tradicional para pintar a parede de fundo No entanto, se você quiser deixar o fundo completamente branco, sem cor, depende totalmente de você, ou se quiser usar qualquer outro meio de pintura, como tinta, guache ou algo parecido, para pintar o fundo, tudo bem Organizei o processo de pintura neste curso em oito fases diferentes. Cada fase terá uma classe própria, e você passará por essas oito fases para completar sua peça. Ao longo dessas fases, explicarei em profundidade como planejar e proteger seus destaques, como colocar camadas e ativar sua cor e fornecerei várias dicas que ajudarão você a controlar a água, como evitar sobrecarregar sua peça, como combinar efeitos pictóricos e cromáticos para obter efeitos mais interessantes e bem pictóricos e cromáticos para obter efeitos mais planejar e proteger seus destaques, como colocar camadas e ativar sua cor e fornecerei várias dicas que ajudarão você a controlar a água, como evitar sobrecarregar sua peça, como combinar efeitos pictóricos e cromáticos para obter efeitos mais interessantes e bem resultados equilibrados e muito, muito mais. Você está apenas começando com lápis de aquarela Eu recomendaria usar a mesma foto de referência que vou usar e usar as cores mais próximas que você tem disponíveis das que vou usar Mas se você já tem alguma experiência com esse meio, sinta-se à vontade para usar sua própria foto e passar pelo mesmo processo de oito fases comigo usando sua própria imagem de referência. Com todas as minhas outras aulas e tutoriais que compartilho, meu objetivo é fornecer a você uma base sólida de conhecimentos técnicas, ferramentas e métodos que você possa levar consigo e aplicar a qualquer tipo de obra de arte em que escolher trabalhar Então, se você tem mais experiência, quero encorajá-lo a se dedicar mais à peça e realmente usar seu conhecimento do meio e suas habilidades de pensamento crítico para aplicar essas oito fases à sua maneira de pintar qualquer assunto que você tenha escolhido. Para postar uma foto do seu trabalho aqui no Skillshare, tudo o que você precisa fazer é clicar na guia Projetos e Recursos Depois de entrar, você verá esse botão roxo à direita que diz enviar projeto. Ao clicar nesse botão, você será direcionado para uma nova página, na qual poderá facilmente fazer upload de uma foto de seu artigo e compartilhar quaisquer pensamentos, experiências, dificuldades ou perguntas que possa ter para mim Aqui, você pode criar um título para o seu projeto e clicar na seção de conteúdo maior abaixo E se você quiser adicionar essa foto no início, clique no ícone da imagem na parte inferior. Encontre a foto que você deseja compartilhar no seu computador ou dispositivo, selecione esse arquivo, clique em Abrir e ela será adicionada imediatamente a essa seção de conteúdo. Em seguida, abaixo da sua imagem, compartilhe tudo o que você quiser, sejam lutas, perguntas, vitórias momentos incríveis que você possa ter vivido ao longo deste curso Qualquer coisa que você gostaria de compartilhar, eu sempre adoro ouvir de você. Na parte inferior desta seção de conteúdo, você verá ícones diferentes. Uma é para formatar seu texto. A outra é adicionar emojis, o ícone de adicionar imagem, qual acabamos de falar, e você também pode incorporar Gratuito para adicionar ainda mais fotos, se quiser. Eles podem ser imagens de processo, fornecer imagens. E aqui à direita, temos essa área de visualização onde basicamente vemos uma miniatura ou imagem da capa do seu projeto Você pode prosseguir e alterá-la para uma imagem de título que você criou em um formato mais horizontal. Ou você pode simplesmente deixar como está e fazer com que seja apenas uma seção recortada de uma das imagens que você carregou em sua área de conteúdo Depende de você. Quando estiver pronto, vá em frente e role de volta para cima. Clique no botão verde Publicar e pronto. Se você gostaria de compartilhar seu trabalho no Instagram, por favor, certifique-se de me marcar em Erica Underscore Lancaster Underscore Art Adoro ver seu trabalho lá e elogiar os alunos em minhas histórias E, claro, vá em frente e marque a conta Skillshare Isso ajuda muito e inspira outros estudantes a compartilharem seus trabalhos também Skillshare é um espaço de aprendizado seguro para todos nós continuarmos crescendo juntos Portanto, certifique-se de usar esta galeria e vamos todos nos conectar e ajudar uns aos outros. Mal posso esperar para ver seu trabalho e ajudar com o que você precisar. Vamos passar para nossa próxima aula. 3. Materiais: Para começar, vou usar uma folha de aquarela pré-cortada de oito por dez polegadas da Strathmore. Isso é prensa a frio. Tem 140 libras de espessura ou peso e é 100% algodão. papel prensado a frio da Strathmore tem uma quantidade muito pequena de textura. E como tem uma quantidade tão pequena de textura, eu realmente gosto de usá-lo quando vou trabalhar em um lápis de aquarela. E isso ocorre porque a ponta do lápis não pula muito sobre a textura do papel. Se você estiver usando papel aquarela mais texturizado, a ponta dos lápis de aquarela pode ignorar demais essa textura e deixar muita textura visual para trás, pois a aplicação do pigmento não é tão uniforme ou uniforme. Vou usar um total de nove lápis aquarela diferentes minha seiva aquática Gold Favor de Faber, Castela. E essas cores são o amarelo cádmio, que você vai me ouvir chamar de amarelo à medida que avança com meu processo de pintura. Amarelo cromado escuro, ao qual vou me referir como meu amarelo, laranja cromado escuro , ao qual vou me referir como meu vermelho, laranja , vermelho escarlate, ao qual vou me referir como meu vermelho mais escuro, azul violeta, que às vezes chamarei apenas de roxo, cinza quente, pelo qual chamarei de cinza, verde de maio, que vou ser chamando de verde, ocre queimado, que às vezes vou chamar de marrom mais claro. E Van **** marrom, que às vezes eu chamo de marrom escuro, como na maioria dos meus tutoriais e aulas completos, você vai me ver essas cores em um pedaço de papel que tenho em mãos para que você possa ver como essas cores ficam no papel. E você pode escolher as cores que tiver que sejam mais parecidas com as que vou usar. Você não precisa usar essas cores exatas que eu vou usar. Contanto que você use algo semelhante, sua peça ficará ótima. Vou explicar tudo sobre como selecionei minhas cores e os testes que fiz antes de prosseguir para ter um processo de pintura mais suave e melhores resultados gerais. Tudo bem, e como mencionei antes, também vou pintar a parede de fundo com tinta aquarela tradicional. Então, para isso, vou usar uma combinação de azul ftalo e tonalidade neutra. Mas, como você verá mais tarde, quando eu pinto essa seção da peça, você pode realmente usar a cor azul escuro que preferir. Você pode usar índigo. Você pode usar uma combinação de ultramarino, azul e neutro para torná-lo mais escuro. Qualquer azul ou combinação de cores que permita um azul mais escuro será perfeito. Vou usar três pincéis diferentes durante todo esse processo. Um deles para a ativação do pigmento de lápis aquarela, que é meu pincel redondo tamanho dois. E os outros dois que vou usar quando eu realmente pinto com tinta aquarela tradicional. E esses dois pincéis são redondos de tamanho quatro e um pincel achatado de três quartos de polegada. Usei um papel vegetal como método de transferência para colocar meu esboço em minha folha de papel aquarela. Eu rastreei a foto de referência, que você poderá encontrar junto com seus outros arquivos para download na guia de projetos e recursos aqui no Skillshare Você pode usar o método de transferência de sua preferência. Eu tenho uma aula completa na qual mostro passo a passo como usar papel vegetal para fazer mostro passo a passo como usar papel vegetal para fazer esboço de seus gastos em sua folha de papel aquarela do meu curso de aquarela 101, que você poderá encontrar aqui no Skillshare, se estiver interessado. Usei fita adesiva normal de três quartos de polegada para colar meu papel aquarela no meu tapete de corte preto, que é o que estou usando atualmente como placa de apoio quando estou pintando com lápis de aquarela ou aquarela a qualquer momento, mas estou usando fita adesiva ou fita adesiva de qualidade artística ou o que quer que seja. Sempre me certifico de passar os pedaços de fita adesiva sobre minhas roupas antes de usá-los em meu papel aquarela, a fim suavizar o adesivo e diminuir a probabilidade de danificar meu papel no final quando eu removo fita para o processo de transferência usando papel vegetal e também para finalizar e refinar meu esboço em meu papel aquarela. Obviamente, usei alguns suprimentos diferentes que você pode ver na tela agora. Tenho algumas notas diferentes de lápis de desenho em mãos. Um deles é um HB e o outro é um Tooby. Eu uso meu software para aplicar lápis em meu papel vegetal quando estou fazendo meu processo de transferência. E quando se trata de desenhar na minha folha de aquarela, eu uso meu lápis HB para manter as coisas bonitas, limpas e leves. Eu também tenho algumas borrachas diferentes em mãos. Eu tenho uma borracha macia de grafite e uma borracha amassada. também foram usados para a transferência e para o refinamento do meu esboço antes de começar a trabalhar com cores. Tudo bem, partindo daí, tenho algumas toalhas absorventes azuis Scott em mãos. Esse é um tipo de toalha que eu realmente gosto usar sempre que estou pintando com aquarela, lápis ou tinta tradicional para manter o controle de água e fazer qualquer levantamento que eu precise fazer durante todo o processo de pintura. Tenho meu recipiente com água limpa em mãos e também tenho alguns pedaços de papel para testar as cores antes de usá-las na minha peça. E é isso para esta aula sobre suprimentos. Estou empolgado em passar para a próxima, onde falarei sobre o que é valor ou tom, por que é tão importante entender essas dicas essenciais, fundamentais e imperdíveis fundamentais e imperdíveis que ajudarão você a desenvolver a habilidade distinguir entre diferentes áreas de valor para que elas aconteçam com sucesso em seus desenhos e pinturas. Nos vemos lá. 4. Deve saber informações para o sucesso: Ok, então a primeira coisa é que eu quero falar sobre o significado de valor. O que significa valor quando se trata de arte? E a razão pela qual eu quero falar sobre isso é porque você vai me ouvir dizer essa palavra repetidamente durante o processo de pintura. E é muito importante que, se você deseja desenvolver níveis médios a altos de realismo em qualquer tipo de obra de arte em que queira trabalhar agora e no futuro, precise saber o que significa valor. Você precisa ser capaz de desenvolver uma ampla gama de valores e seus desenhos ou pinturas, você vê valor. Um é o número um em realismo. É ainda mais importante do que a correção das cores. E o que quero dizer com isso é se você realmente é capaz de observar e identificar, destacar áreas e áreas de tons médios e áreas escuras mais escuras em uma foto de referência ou o que quer que esteja desenhando ou pintando a partir da observação direta que você tem à sua frente na vida real. que você possa recriar com eficácia essas diferentes áreas de valor, aquelas luzes, aqueles tons médios, aqueles tons mais escuros em sua arte. Isso é mais importante do que usar exatamente a mesma tonalidade ou cor que você está observando. Porque é por meio desse desenvolvimento dessa ampla gama de valores, luzes, tons médios e escuros, que podemos desenvolver uma sensação crível de profundidade, luz e sombra na página ou no Canvas. Portanto, o valor é mais importante do que correção das cores do que obter a tonalidade exata. Cor e valor são coisas diferentes. O valor faz parte da teoria das cores, mas o valor também conhecido como tom se refere à escala de claridade para escuridão, se você quiser, de qualquer cor. Já a cor ou matiz se refere apenas à cor em si. Portanto, uma cor ou tonalidade é vermelho, laranja, roxo, roxo, turquesa, azul ultramarino, verde viridiano. Então, essencialmente, cor ou matiz é a cor em si, o nome da cor. Os termos cor e matiz significam exatamente a mesma coisa. Mas valor ou tom se refere à escala de luzes a escuras de cada cor nessa obra de arte. Nessa foto, em uma faixa de valores ou uma escala de valores para cada uma das cores envolvidas, você verá versões muito claras da cor. Você verá versões de tons médios da cor. Você verá versões escuras da cor. Em outras palavras, você verá valores diferentes, uma infinidade de cores diferentes para desenvolver uma sensação crível de profundidade e dimensão, e desenhos ou pinturas, é essencial desenvolver uma gama completa de valores. Das luzes mais claras a uma ampla variedade de tons médios e aos escuros mais escuros. Mas geralmente vejo que estudantes iniciantes que permanecem dentro de uma faixa de valores muito claros para as diferentes cores envolvidas, porque talvez tenham um pouco de medo de escurecer demais. E outras vezes, outros iniciantes entram muito no escuro, muito rápido e esquecem os valores mais claros. E se não tivermos essa ampla variedade de valores, a obra de arte parecerá plana. Vai faltar dimensão. Vai faltar isso. Precisamos criar esse contraste, esse equilíbrio entre luzes e trevas para que um desenho ou uma pintura pareçam realistas. No entanto, simultaneamente, é importante capturar essas sutilezas. Em realismo. Não há contornos, por exemplo, e precisamos ser capazes de ver onde os valores mudam gradualmente um para o outro quando perdemos bordas e quando temos etapas nítidas em que um valor muito escuro se transforma imediatamente em um valor claro ou vice-versa. E através do desenvolvimento de nossas habilidades motoras finas, seremos capazes de fazer com que essas sutilezas aconteçam em nossos desenhos ou pinturas. Mas primeiro, precisamos ser capazes de observá-las para que elas aconteçam em locais apropriados. Portanto, é muito importante que, no início, quando estávamos começando a aprender sobre o comportamento da luz, usemos fotos de referência que usamos, coisas que temos à nossa frente na vida real que aprendamos a observar porque a situação de luz precisa ser consistente em toda a peça, consistente em toda a peça, em todos os elementos envolvidos. Se a situação de luz em todo nosso desenho ou pintura não for consistente, significa que os destaques e alguns elementos estão à direita e em outros elementos estão à esquerda, ou algumas sombras projetadas sob alguns elementos estão à direita e outras à esquerda. E tons médios não fazem sentido, que geralmente acontece quando estamos desenhando ou pintando apenas por imaginação , porque estamos inventando coisas, essa inconsistência vai diminuir o nível de realismo da peça. Depois de desenvolver conhecimentos e habilidades fundamentais sobre os fundamentos. E você praticou com fotos de referência e coisas que tem à sua frente. Então você será capaz desenhar ou pintar algo com muito mais sucesso , se esse for o seu objetivo, porque nem toda escola de artistas desenha ou pinta a partir da imaginação. Mas você será capaz de fazer isso se quiser ter mais sucesso. A razão pela qual vemos valores diferentes em objetos ou objetos é por causa da luz. Se a luz não existisse, não seríamos capazes de ver as cores e não seríamos capazes de ver valores diferentes. luz atinge essas estruturas volumosas tridimensionais que temos à nossa frente a partir de um determinado local e diferentes planos desse objeto ou objeto são iluminados em diferentes graus, dependendo se esses planos estão voltados para a luz, longe da luz ou em algum lugar intermediário. Sempre que você começar com um novo desenho ou pintura, sempre reserve um momento para observar aquela foto de referência ou o que quer que seja que você tenha à sua frente na vida real. E pergunte a si mesmo: onde está a fonte de luz em relação a esse objeto ou assunto? Onde estão as áreas de menor valor? Onde estão os tons médios, onde estão os tons escuros mais escuros? Já a área de sombra projetada, onde nossas estruturas ou elementos se sobrepõem uns aos outros e impedem que a luz atinja aquela seção do objeto atrás deles, está abaixo deles. Observe esta foto que usaremos como referência para nossa pintura neste curso. De onde você diria que a fonte de luz está atingindo esses objetos? Nesse caso, posso dizer que a fonte de luz está em algum lugar acima e à direita desses objetos. E você pode dizer isso, especialmente quando você observa a imagem amarela, observe como as áreas mais claras estão à direita e as áreas mais escuras estão à esquerda. Você pode ver o destaque mais brilhante, especialmente nessa seção esférica. Na parte inferior da imagem, você pode ver como o destaque mais brilhante está no canto superior direito, os planos que compõem essa estrutura que estão de costas para a luz são mais escuros. E então observe onde estão as sombras projetadas, onde há sombras criadas pelo tecido na mesa. Onde estão as sombras criadas pela própria imagem? Essas sombras estão no canto inferior esquerdo oposto à fonte de luz. Agora, é claro, quando você tem várias fontes de luz iluminando o objeto de uma variedade de locais diferentes , isso torna a captura de valores um pouco mais difícil. Portanto, se você está apenas começando, eu sempre recomendaria que escolher fotos de referência e configurar arranjos de natureza morta usando apenas uma única fonte de luz. Resumindo, como artistas, sempre que buscamos níveis médios a altos de realismo, quer estejamos desenhando ou pintando paisagens, desenhando ou pintando animais, desenhar ou pintar retratos é vida morta ou, na verdade, qualquer assunto que você goste. Seja qual for o meio de desenho ou pintura que você gosta. É essencial começar a expandir nosso conhecimento sobre o comportamento da luz, o que é fundamental. E eu sei que o comportamento leve pode ser um assunto bastante amplo, mas garanto que mesmo aprofundar seu conhecimento um pouco de cada vez o ajudará a levar sua obra de arte para o próximo nível. E, finalmente, quero fornecer três dicas imperdíveis para o sucesso que ajudaram muito a mim e aos meus alunos. E isso o ajudará não apenas à medida que você avança com este projeto neste curso, mas também em peças futuras nas quais você poderá decidir trabalhar. A primeira dica é sempre usar fotos de referência de qualidade que mostrem um bom equilíbrio entre o claro fotos de referência de qualidade que e o escuro. Fotos superexpostas ou subexpostas muito claras ou muito escuras por toda parte tornarão o processo muito mais difícil e provavelmente não levarão aos melhores resultados nesse desenho ou pintura. Garante que você seja capaz de ver luzes, uma ampla variedade de tons médios, escuros mais escuros nessa foto de referência ou o que quer que você tenha à sua frente na o que quer que você tenha à sua frente na vida real, se você não conseguir ver as luzes mais claras, se você não conseguir ver os tons médios, se você não conseguir ver os escuros mais escuros, como você será capaz de fazê-los acontecer em seu desenhando ou pintando, além de discernir entre áreas claras , médias e escuras, também observe quando os valores transitam gradualmente um para o outro e onde há passos nítidos entre eles. No realismo, sempre há uma combinação dos dois e tente fazer com que essas sutilezas aconteçam em seus desenhos ou pinturas. E, finalmente, quando você está apenas começando a discernir entre diferentes áreas de valor, é extremamente útil praticar o uso fotos em preto e branco ou fotos dessaturadas ou fotos em tons de cinza, que significam a mesma coisa. Porque todas essas escalas de valores diferentes para essa infinidade de cores serão compactadas em uma mesma escala, uma escala de branco para preto ou preto para branco com diferentes valores de cinza entre cinzas mais claros e cinzas mais escuros. E depois de desenvolver sua habilidade para identificar diferentes áreas de valor e fazer com que elas aconteçam com sucesso em seus desenhos ou pinturas, será muito mais fácil passar para fotos coloridas. Isso vai funcionar para esta classe de valor. E mal posso esperar para passar para a próxima aula, na qual explicarei como escolho cores diferentes que vou trazer para o processo de pintura a fim me preparar para o sucesso que eu possa desenvolver com eficácia os diferentes valores e os Hughes necessários em toda a peça para que eu possa alcançar nível de realismo que estou procurando. Te vejo lá. 5. Como escolher as cores: Sempre que eu estiver escolhendo as cores que vou usar para uma nova peça de lápis de aquarela ou pintura tradicional em aquarela. Eu sempre me certifico de pensar em três coisas. A primeira coisa é que eu sempre me certifico limitar a quantidade de cores que estou trazendo. Não estou, à toa, trazendo cores aleatórias durante todo o processo. A segunda coisa em que sempre penso é que preciso me preparar para o sucesso para poder criar áreas de valor mais claras, áreas tom médio e áreas escuras mais escuras. E para fazer isso, preciso pensar quais duas a três cores vou misturar ou sobrepor para criar minhas áreas de tons médios e minhas áreas escuras mais escuras Você precisa saber como desenvolverá os valores mais claros, uma ampla gama de tons médios e áreas escuras mais escuras. Especialmente quando você busca um nível mais alto de realismo. Como o valor é o número um, para criar dimensão e profundidade em uma peça, uma ilusão crível de luz e sombra. Portanto, você precisa se preparar para o sucesso e escolher cores que permitam que você faça isso. E a terceira coisa em que sempre penso é como posso repetir as cores em toda a minha peça? Isso é importante porque ajudará a peça a ficar mais harmoniosa. No final, você repete as cores e pode fazer isso de várias maneiras diferentes. Você pode escolher usar a mesma cor em diferentes áreas da peça. Você pode criar algum tipo de pintura de base para toda a peça usando apenas uma cor para que essa cor possa em algumas seções de toda a peça, brilhar e ser visível através das camadas de cor que você coloca em cima dela. E outra ideia é que você pode usar exatamente a mesma cor para aprofundar e escurecer as áreas mais escuras de toda a peça, o que é algo que vou fazer hoje. Tudo bem, então, para esta peça, vou usar este conjunto de lápis aquarela Gold Fever de Faber, Castela. E o que fiz foi, ao observar aquela foto de referência, começar a testar as cores do meu conjunto de lápis de aquarela usando o Malone e sobrepondo-as, juntando-as em camadas. Eu substituo alguns deles porque não achei que a cor fosse correta e não gostei de como eles estavam se misturando. E essas são as cores com as quais eu acabei. Vou amostrar essas cores nesta folha de papel extra que tenho aqui, para que você possa ver como elas ficam no papel e escolher as cores disponíveis que são mais parecidas com essas. Vou te dizer exatamente quais vou usar para a foto. que eu vou usar para o tecido, quais vou usar para a flor, a mesa. E também vou explicar o que vou fazer com a arte da parede de fundo. Então, antes de tudo, deixe-me explicar o que vamos fazer para a foto. Essas são as três cores que eu selecionei. Você pode ver como eu tenho um amarelo, eu tenho um laranja e eu tenho um laranja vermelho. Esses três não são apenas tons ou cores diferentes, mas também têm um valor diferente. Você pode ver como essa é a cor com o valor mais claro. Esse é o tipo de cor de valor médio e essa é a cor de valor mais escuro. Então eu sei que, ao preparar essas três cores, não só vou conseguir os tons que eu quero em toda a imagem, mas também poderei desenvolver uma ampla gama de valores e, mais tarde, porque estamos trabalhando de valores mais claros para valores mais escuros. Se no final do processo eu quiser realçar as áreas mais escuras, posso trazer outra das minhas cores que vou usar para as áreas mais escuras em outras seções da minha peça, é aí que entra a ideia de reutilizar a mesma cor em toda a minha peça. Então essa é a cor mais clara que vou usar. E lembre-se de que os lápis de aquarela são um meio de desenho e pintura, tudo embrulhado em um único pigmento no papel por meio de um meio de desenho, certo? Isso é um lápis. Então, estamos aplicando esse pigmento, essa cor no papel com uma ponta pontiaguda. E mais tarde, depois que o pigmento for aplicado no papel, podemos trazer água e um pincel e criar esses efeitos pictóricos. Portanto, a pressão que você está exercendo sobre o lápis será uma ótima variável que você também pode usar para desenvolver áreas de valor mais claras ou mais escuras em toda a peça. Então, realmente pratique exercer mais ou menos pressão. Lembre-se de que, assim como quando trabalhamos com tinta aquarela tradicional, estamos incorporando a brancura o brilho do papel sob o pigmento como parte da peça, especialmente nas áreas de valor mais claras e nas áreas de destaque. A brancura e o brilho do papel substituem nossos destaques, é por isso que não precisamos usar um lápis aquarela branco. Em outras palavras, quanto mais claro o valor, mais fina é a aplicação de cor ou pigmento, e quanto mais papel queremos iluminar esse pigmento, e quanto mais escuro o valor, mais pressão exercemos e mais pigmento sobrepomos para encobrir mais desse papel. Se entrarmos e aplicarmos pigmento em toda a peça de uma forma muito pesada. Isso provavelmente causará peso e nos achatará. E, no final, nossa peça não terá a sensação de dimensão e brilho que estamos tentando criar. Então, nessas áreas de menor valor, você realmente quer manter mais desse papel brilhando. E para fazer isso, você precisa exercer menos pressão quase nenhuma pressão com seus lápis de aquarela para que você possa ter mais desse papel branco brilhando, descoberto, criando esse valor mais leve para você. Então temos a laranja. E, finalmente, a laranja vermelha. Posso voltar à minha cor média se quiser trabalhar um pouco mais nas transições. Aí está. Consegui criar um gradiente a partir da cor mais clara, cor média e da cor mais escura. Essas cores ficam muito bonitas quando sobrepostas e serão ótimas para a foto. E aqui eu aplico a mesma ideia que vou usar durante todo esse processo de pintura. E o que quero dizer é que primeiro usei a cor mais clara e a apliquei em uma área maior. E então eu entrei com minha cor média e aplico aquela cor média, que neste caso é o laranja às áreas de tom médio, e mantive a cor mais clara livre dessa segunda cor nas áreas de valor mais claro. E então eu apliquei a laranja vermelha, que é minha cor mais escura em uma área menor, só que na área aqui em que eu queria inserir mais valores escuros. E eu exerci cada vez menos pressão à medida que saía dessa área de valor mais escura, assim como dessa área de tons médios em direção aos valores mais claros Exerci menos pressão enquanto preenchia essa área para que a pressão em si me ajudasse na transição que eu queria criar. Então, essas são as cores principais que vou usar na foto. E então, quando se trata do tecido, vou repetir o vermelho, o laranja. Vou trazer uma nova cor, que é um vermelho mais escuro. E eu vou trazer um roxo. Adoro roxo para áreas sombrias profundas. E essa é a cor que provavelmente vou repetir muito em minhas áreas de valor mais escuras em toda a peça, mesmo na minha foto, se ao final do processo eu sentir que quero criar mais contraste e realmente aprofundar e escurecer essas áreas de valor mais escuras. Posso até entrar e fazer uma pequena sobreposição apenas nas áreas escuras mais escuras da foto aqui. Mas quando se trata do tecido, essas são as três cores principais que vou usar. Essa laranja vermelha, que eu já tinha usado para a foto, vai ser minha cor mais clara. Então eu tenho minha cor média, que é um novo vermelho mais escuro. E essa será minha cor de valor mais escura, que é meu roxo. Então, essa é a mesma cor que você já tinha visto antes. Então, faço com que meu vermelho mais escuro exerça menos pressão à medida que saio dessa área mais escura de tom médio e deixo uma seção apenas do laranja brilhando sem a segunda cor. E então, finalmente, estou trazendo o roxo mais escuro. E estou me escondendo ainda menos e exercendo menos pressão à medida que saio e entro nos tons médios. E lembre-se de que, em qualquer área ou formato do meu tecido , eu quero criar um valor muito, muito leve ou em que eu queira fazer a transição para as áreas de destaque mais claras e não ter nenhum pigmento. Vou me certificar de usar essa cor com uma pressão muito pequena para cobrir menos papel. Tudo bem, então essas são as cores que vou usar no tecido. E então, para esta seção aqui para a mesa, vou trazer dois marrons diferentes, um marrom mais claro e um marrom mais escuro. Vou manter a mesa bem simples. Essa é a aparência desse marrom mais claro. E posso até criar um marrom mais claro usando o mesmo marrom, mas com menos pressão. E então, sempre que eu quiser escurecer certas áreas da mesa, vou sobrepor esse marrom mais escuro em cima do marrom mais claro, exercendo menos pressão à medida que vou em direção a áreas de valor mais claras. E, finalmente, temos a flor, que é branca. E quando usamos lápis de aquarela, é a mesma coisa que quando usamos tinta aquarela tradicional. Estamos incorporando a brancura do papel como parte da peça. Temos que ter certeza de que estamos protegendo muito desse papel, que não o estamos encobrindo porque é esse papel branco que nos ajudará a fazer que esse assunto ou objeto pareça branco. Bem, estamos pintando objetos brancos como uma xícara de café de cerâmica branca ou até animais com pelo branco. É a brancura do papel que nos ajudará a fazer com que esse objeto ou assunto pareça branco. Se o cobrirmos completamente, ele não parecerá mais branco. No entanto, precisamos desenvolver valores diferentes nessas pétalas, neste caso, naquela empresa ou naquela área branca de cerâmica. Porque se não desenvolvermos nenhum valor, ele parecerá bastante plano. Portanto, é um equilíbrio entre desenvolver valores nesse objeto ou assunto branco, mas ter muito cuidado para não encobrir muito desse papel branco. Caso contrário, não parecerá mais branco. Então, para a flor, o que vou fazer é usar esse cinza. Esse será o menor valor com o qual eu coloco essas pétalas. E então eu vou usar meu roxo novamente. O mesmo roxo que venho repetindo é a cor que vou usar em áreas onde as pétalas sobrepõem e criam sombras locais umas nas outras. Vou apenas sobrepor esse roxo ao cinza em certas áreas de sombra para desenvolver esses valores mais profundos e escuros. E no centro da flor, vou trazer de volta o amarelo que eu estava usando para a jarra como minha cor mais clara e as áreas de maior valor. Em seguida, vou trazer a tela porque vejo um pouco de verde naquela área central e a flor. E vou sobrepô-lo em áreas de tons médios e também em pequenas seções aqui e ali para desenvolver um pouco de textura. Então, finalmente, se eu quiser empurrar um pouco mais as áreas mais escuras nessa seção central, vou trazer de volta meu roxo e adicioná-lo sobre o verde. Esse roxo funcionará muito bem para desenvolver as áreas de sombra mais profundas e escuras. Em toda a peça. Eu poderia até entrar em certas seções da mesa e sobrepor esse roxo ao marrom escuro. Então, vou repetir essa cor em muitas áreas. E isso vai levar a uma peça de aparência muito mais harmoniosa e integrada. No final, tenho um total de nove cores aqui. E isso é realmente tudo que eu preciso para toda a minha peça. Eu até deixei meu lápis de aquarela de lado. Eu não preciso de nenhuma outra cor. Vou me limitar a tudo isso. A última coisa que quero explicar antes de entrar no processo de pintura é o que vou fazer com a parede na parte de trás. Então, naquela foto de referência, aquela parede de fundo é totalmente preta. Para isso, quero trazer minha licença artística. Acho que eu poderia tê-la pintado completamente de preto, mas decidi trazer minha licença artística um pouco mais de cor e também de interesses para a peça e também harmonia, a peça e também harmonia, é claro, porque vou usar um esquema de cores meio tríade aqui. E o que quero dizer com isso é que já vou ter muito vermelho e amarelo na minha peça. Então, o que eu decidi fazer é colocar um pouco de azul no meu plano de fundo para criar um tipo de tríade. Um esquema de cores triádico é quando você usa três cores em sua roda de cores que criam um triângulo equilátero em qualquer lugar da roda de cores. E isso vai levar a uma bela harmonia de cores. O esquema de cores triádico é um desses vários esquemas de cores que foram usados por artistas ao longo da história para agregar interesses por meio do uso de cores e também da harmonia em suas peças. Se você quiser aprender mais sobre teoria das cores e como os artistas têm criado essa bela sensação de harmonia usando esquemas de cores. Não deixe de conferir minha classe de roda de cores primárias dividida aqui no Skillshare. Ele abrange todas as informações essenciais sobre a teoria das cores que você deve conhecer, como iniciante, começando a pintar a temperatura do grito , exercícios muito úteis. E eu forneço muitos exemplos de pinturas criadas por artistas no passado nas quais tudo isso é realmente demonstrado em uma composição visual final, para que você possa ver como todo esse conhecimento é aplicado no sentido prático vou escurecer um pouco o azul . Mas vou escurecer um pouco o azul que uso bastante. Vou usar uma cor parecida com o índigo que eu crio misturando uma tonalidade neutra e um azul claro, para que a parede de fundo fique bem escura. Gostei muito do fato muito escuro nessa foto de referência porque cria muito contraste com os elementos mais claros do ponto focal. Então, eu quero ter certeza de usar um fundo azul muito escuro lá, mas vamos pintar isso apenas com tinta aquarela tradicional ou qualquer meio de pintura que eu decida usar porque é mais prático dessa forma, usando tinta aquarela tradicional neste formato grande e meu plano de fundo, eu poderei não apenas pintá-la muito mais mais rápido do que os lápis de aquarela me permitiriam fazer. Mas também poderei criar um belo efeito de suavização desfocado e uma variedade sutil de valores, mesmo em todo o fundo, sem criar muita textura É muito difícil preencher grandes áreas com lápis de aquarela porque, novamente, estamos aplicando pigmento no papel por meio de uma ferramenta de desenho pontiaguda. Não é como quando você entra com um pincel e mais água onde você pode facilmente cobrir uma grande área com uma lavagem agradável e relativamente uniforme, bem rápida. Todos nós terminamos esta aula sobre escolha de cores. Espero que você já tenha conseguido escolher o seu. Na próxima aula, vamos realmente começar com o processo de pintura. Essa será a fase número um, qual aplicaremos nossa primeira camada de cor em todas as diferentes áreas e elementos desta peça. Nos vemos na próxima. 6. Primeira aplicação de cor: Tudo bem, meu amigo e bem-vindo à primeira fase desse processo de pintura. Todo o nosso trabalho de preparação está fora do caminho. Reservamos um tempo para observar aquela foto de referência, onde a fonte de luz está em relação a esses objetos, notamos as principais áreas de destaque , as áreas mais escuras e também pré-selecionamos as cores específicas que vamos trazer para desenvolver a ampla gama de valores e matizes de que precisamos para níveis mais altos de realismo. Lembre-se de que a principal coisa aqui em todo esse processo para continuar lembrando é que as áreas de valor mais claras terão uma quantidade muito pequena de pigmento nelas. Portanto, haverá pouca nenhuma aplicação de cor e uma camada mais clara; se você quiser, de cor em áreas de valor mais claras, as áreas de valor mais escuras terão a aplicação mais pesada de cor sobre elas, mais camadas sobre elas para cobrir mais desse papel branco. E então as áreas de tom médio ficarão em algum lugar intermediário. Eles terão uma aplicação média de cor neles. Haverá uma certa quantidade de papel brilhando em tons médios mais claros e uma quantidade menor de papel brilhando em tons médios mais escuros. É tudo uma questão de continuar observando a foto de referência, observar o valor presente na área em que você está pintando. Aplicação de cor em. E certifique-se de que sua aplicação de cores de mãos dadas com o valor que você está tentando desenvolver. Lembre-se de que a pressão que você está exercendo sobre papel com o lápis também deve andar de mãos dadas com o valor que você está tentando desenvolver em nenhum momento desse processo. E eu pressiono com tanta força que começo a polir. O polimento é uma técnica de desenho em que você pressiona com tanta força com sua ferramenta de desenho que começa a criar pequenos recortes ou achatar qualquer dente presente no papel. Eu realmente não uso a técnica de polimento, mas certifique-se de que, se estiver tentando desenvolver um valor de luz, esteja aplicando pouca ou nenhuma pressão. E você pode se permitir exercer cada vez mais pressão à medida que entra em valores mais sombrios. Se você estiver aplicando mais pressão, estará cobrindo mais papel o que leva a um valor mais escuro. Se você está aplicando menos pressão, está cobrindo menos papel e criando um valor mais leve. E, finalmente, certifique-se de que você está escolhendo a cor certa para o valor que você está tentando criar. Se você estiver criando um valor mais claro, escolha uma cor mais clara que você tenha escolhido para a área em questão. Se você estiver trabalhando em um tom médio, certifique-se de estar se preparando com sua cor média. E se você estiver trabalhando em uma área de valor mais escura, você pode pegar a cor mais escura que você escolheu. Então, com tudo isso dito, vamos começar com o maior objeto aqui, que é a imagem, as cores que eu escolhi para esse objeto. Nosso amarelo, vermelho, laranja e vermelho. Este é meu amarelo cádmio, meu amarelo cromado escuro e meu laranja cromado escuro. Estamos partindo das luzes e caminhando em direção às trevas. Então, o que vou fazer primeiro com essa cor mais clara, sem exercer muita pressão. Lembre-se de que sempre será mais fácil entrar e escurecer do que entrar e clarear. Será agradável e gentil. E sua aplicação inicial de cores, especialmente, estou tentando manter essa primeira camada bonita e macia, o mais uniforme e uniforme possível. Posso aplicar esse amarelo em toda a imagem com uma quantidade muito pequena de pressão e, especialmente nas áreas de valor mais claro, os destaques aqui. E talvez aqui eu esteja fazendo um pouco de levantamento de peso com minha borracha. Mas nas áreas de destaque mais claras eu quero quase nenhuma aplicação de cor. Se você não aplicou muita cor e ainda não começou a polir. Que polimento é apenas um termo para quando você entra e pressiona com força com um lápis ou um lápis colorido ou apenas uma ferramenta de desenho por meio do polimento, você começa a danificar o dente do papel. Mas o que é legal é se você ainda não começou a polir e não aplicou muito pigmento no papel. E você não ativou essa cor com água, você pode entrar e levantar o excesso de pigmento nas áreas de destaque. Se você não pretendia realmente colocar essa quantidade de cor, existe. Eu vou te mostrar como fazer isso daqui a pouco. Você vai notar que eu mudei a direção ou o ângulo dos meus traços de lápis. É totalmente normal fazer isso, desde que você mantenha a pressão que está exercendo Mesmo ao longo do caminho, você não deve ficar com linhas ou marcas com aparência de Stark. Considere também que vamos trazer água e um pincel, e vamos fazer muitas camadas. Portanto, uma pequena quantidade de manchas ou textura realmente não importa muito, desde que seja apenas uma pequena quantidade, provavelmente não ficará visível no final. Vou continuar preenchendo a imagem inteira, exceto as formas de realce mais brilhantes. E aqui é onde eu realmente quero deixar um pouco de papel brilhando sem nenhum pigmento nele. Aqui mesmo nesta área. Então, vou simplesmente pular essa área e colorir ao redor dela. Você pode até mesmo exercer menos pressão ao entrar nesse destaque brilhante. Vou pegar minha borracha macia aqui, vou me certificar de limpá-la antes de usá-la. Assim como esfregá-lo no meu tapete de corte aqui, só para não confundir a cor do Mike. E quando estiver bem limpo, posso remover suavemente um pouco do excesso de pigmento que coloquei. Isso seria o equivalente a levantar. Se você estiver criando uma pintura em aquarela com tinta tradicional, você pode ver com que facilidade consegui remover a maior parte desse pigmento porque eu realmente não exerci muita pressão. Eu não fiz muitas camadas e não ativei esse pigmento com água. Se eu tivesse, não seria capaz de fazer isso. Portanto, se houver alguma área de destaque em que você queira manter essas áreas do papel protegidas com pouco ou nenhum pigmento. Eu recomendaria apagar ou levantar qualquer que você precise fazer antes de colocar a próxima cor. Vou fazer um pouco de levantamento de peso aqui. E talvez aqui. Ok, então eu terminei com a camada inicial da minha cor mais clara. Vou mudar para minha segunda cor. Eu consideraria este meu laranja amarelo. É chamado de amarelo cromado escuro neste conjunto favorito de Castela. Mas seja qual for sua cor média, é aí que você está entrando agora. Com essa cor média, o que você faz é observar sua foto de referência e perceber onde estão os tons médios e os escuros mais escuros. E é aí que vamos entrar e colocar essa cor. Comece com sua sobreposição. A pressão que estou exercendo agora é exatamente a mesma, mas eu estava exercendo antes com meu amarelo. Mas desta vez vou exercer menos pressão ao sair das áreas de tom médio ou das áreas escuras mais escuras para que o laranja amarelo possa fazer tom médio ou das áreas a transição suave para o amarelo mais claro. Aqui, estou exercendo uma pressão muito pequena para criar essa transição entre minha laranja amarela para minhas áreas amarelas. No entanto, você notará que há uma borda nítida aqui criada por essa forma de sombra. E eu não preciso me preocupar tanto em criar uma transição suave, onde, onde eu tenho essas bordas nítidas , geralmente estou pensando em criar transições suaves onde eu possa realmente ver na foto de referência que essa transição é mais suave e mais desfocada. É aí que me certifico de modificar também a quantidade de pressão que estou exercendo para poder criar uma transição mais suave. Continuar trabalhando na segunda camada com minha cor média em toda a imagem, olhando constantemente para a foto de referência e percebendo onde estão as áreas mais escuras de tom médio e as áreas escuras mais escuras, porque isso é onde estou aplicando essa cor média. Eu realmente não estou querendo aplicar essa cor média nas áreas mais claras. Eu realmente quero manter essas áreas de valor mais claras apenas com meu amarelo. E então eu vou trabalhar nos planos internos desta seção de alça, sobrepondo um pouco da minha cor média sobre o amarelo em algumas seções nas quais estou procurando criar tons médios mais escuros. Ok, passando para a parte superior da imagem e continuando observando uma mudança de valor nessa foto de referência. Você pode ver como estou fazendo isso rapidamente, mesmo que eu esteja usando uma foto de referência e esteja me certificando de obter essas informações visuais. Em termos de onde estão as diferentes formas de valor, onde as luzes estão localizadas, onde os tons médios estão localizados e onde estão os tons mais escuros. Não estou obcecado em entrar em cada coisa exatamente como eu vejo. Sei que formas de valores diferentes podem ser ligeiramente diferentes do que estou vendo naquela foto de referência, desde que sejam aproximadamente iguais em termos de forma, tamanho e localização. Eu posso fazer isso de forma relativamente, aproximadamente, rápida. E ainda vou chegar a um nível de realismo que eu goste. Não preciso ser muito, super obsessiva em fazer com que cada pequena coisa da mesma forma que aparece na foto de referência. E posso até mesmo trazer minha licença artística para mudar as coisas, que é o que estou fazendo quando se trata de cores. Estou usando roxo para criar áreas de sombra mais profundas, embora eu não necessariamente veja roxo na foto de referência, notei que o plano lateral da alça e também o lábio superior da imagem têm um valor bastante claro nessa foto de referência. Então, estou deixando o primeiro amarelo brilhando completamente nessas formas muito estreitas. Há uma forma de sombra muito escura aqui onde podemos ver a imagem. Esses planos internos da imagem estão voltados para longe da luz. Realmente lembre-se da estrutura tridimensional do que você está sombreando e, claro, a localização da fonte de luz em relação a essas estruturas. Estou examinando algumas áreas aqui, especialmente onde vejo tons médios mais escuros com minha cor amarela, laranja por cor média. Se você achar difícil exercer mais ou menos pressão ao desenhar, faça exercícios em um caderno de esboços. Apenas pratique esse tipo de coisa aqui. Colorir em uma forma inteira, exercendo cada vez menos pressão à medida que avança, ou cada vez mais pressão à medida que avança. Faça esse tipo de exercício em um caderno de esboços até conseguir controlar sua ferramenta de desenho com mais eficiência. E também certifique-se de que você está afrouxando a mão, o pulso ou o braço. Se sua mão e pulso começarem a doer enquanto você desenha, isso não deveria estar acontecendo. Continue se lembrando durante todo o processo de manter a mão e o braço relaxados. Acho que estou bem por enquanto. Essas duas primeiras cores são as únicas que vou usar nesta primeira fase do processo. Eu gostaria de ativar minha cor uma vez que essas duas primeiras cores ou a primeira cor, se eu estiver usando apenas duas em uma área, tenham sido colocadas. Então, vamos trabalhar em nossa primeira cor ou duas primeiras cores nas diferentes áreas aqui embaixo. E depois de aplicar essas duas primeiras cores, em todas essas seções que vou pintar com lápis de aquarela, passaremos para a próxima fase na qual ativaremos nossa cor. Então, vamos passar para o tecido. A primeira cor do tecido será meu laranja vermelho, que é laranja cromado escuro. Minha segunda cor será esse vermelho, que é vermelho escarlate. E a terceira cor que vou trazer mais tarde é meu roxo, que é azul violeta. Então, vamos começar com a cor mais clara do cacho, que é o vermelho, o laranja. Então, estou apenas tomando um segundo rápido para observar aquela foto de referência. E, de uma forma geral, observando onde estão as áreas de valor mais claras, onde estão as áreas de tom médio e onde estão as áreas escuras mais escuras em todo o tecido. Então, vou entrar e começar a aplicar suavemente minha primeira cor em todo o tecido. Pressão muito mínima aqui. E estou constantemente observando a foto de referência para não aplicar acidentalmente muito pigmento nas áreas de menor valor. Mas se eu fizer isso, posso entrar com minha borracha e fazer um pouco de levantamento. Estou fazendo o meu melhor para manter a pressão uniforme enquanto estou criando essa camada inicial de vermelho. Quero que essa primeira aplicação de pigmento seja a mais uniforme possível. Percorrendo cuidadosamente as pétalas brancas aqui. Posso aplicar minha cor mais clara com muito mais liberdade do que aplico minha cor média e minha cor mais escura. Quanto mais escuro eu fico com minhas cores, mais consciente eu tenho que estar aplicando as cores mais escuras onde eu realmente preciso delas. Sem falar que, como ainda não começamos a aplicar camadas pesadas ou ativar a cor com água, sempre podemos colocar uma borracha e remover o excesso de cor das áreas mais claras, se necessário. Mas no momento em que começamos a colocar muitas camadas ou começamos a usar nossas cores mais escuras. E começamos a ativar nosso pigmento com água. Tentar clarear áreas vai ser mais difícil de fazer. Ok, estou preenchendo toda a parte inferior do tecido vermelho com essa primeira cor. E então vou começar a trabalhar em todas as dobras de tecido à esquerda da foto e da flor. Vejo muitos valores de luz nessas dobras complexas de tecido à esquerda da imagem. Vou tentar fazer com que eles aconteçam da melhor maneira possível, observando onde estão os valores vermelhos mais claros na foto. E tentando evitar pequenas áreas aqui e ali que se assemelham às formas de valores mais claros que vejo na foto. Você pode ver como eu não estou exercendo muita pressão. Portanto, mantenha-o bem leve nessa primeira camada. Lembre-se de usar mudanças na pressão para ajudá-lo a começar a criar valores diferentes, mesmo neste momento. Agora que fiz minha aplicação inicial de cor com meu laranja vermelho, vou usar minha borracha em qualquer área em que eu ache que possa ter aplicado muito pigmento para fazer um lifting. Então, aqui, por exemplo, acho talvez eu possa remover um pouco disso. Realmente quero ter certeza de que estou incorporando esse papel como parte da peça, porque isso vai me ajudar a criar aquela sensação de brilho e dimensão que é tão específica para um meio translúcido como aquarela e tinta, lápis de aquarela. Então, basta pegar um pouco de excesso de pigmento aqui. E aqui há uma dobra de tecido. Eu sei que dobras de tecido podem ser difíceis porque há muita coisa acontecendo, mas tente observar as curvas do tecido que estão vindo em direção à luz e as curvas que estão voltadas para a luz ou afastando da luz. Normalmente, as curvas estão mais próximas da luz. Eles vão captar a maior parte dessa luz. E por causa disso, haverá um valor menor lá. Outra coisa que você pode fazer se achar que as dobras de tecido são impressionantes é ampliar uma área específica na foto de referência. Em vez de ver a foto inteira, amplie seções específicas e trabalhe em uma seção por vez. Mas quero lembrá-lo de que não há necessidade de ser excessivamente obsessivo em fazer com que tudo seja exatamente igual. Parece que tenho um pouquinho de cor nas minhas pétalas brancas. Então, vou entrar e apagar isso da melhor maneira possível antes de seguir em frente. Vamos passar para nossa próxima cor no tecido, que será o vermelho escarlate. Com esta, vou ampliar seções específicas do tecido na foto de referência. E vou aplicar essa cor média em áreas de tons médios mais escuras e áreas escuras mais escuras, deixando a cor mais clara anterior brilhando completamente descoberta nas seções de valores mais claros. Vou começar de baixo e subir. Essa forma de sombra que estou criando aqui é, na verdade, a sombra projetada na mesa criada pelo tecido. Se você notar no canto inferior esquerdo da imagem, há uma pequena seção dessa mesa de madeira deixada descoberta por esse tecido. E parece vermelho porque esse tecido vermelho está afetando a cor da forma da sombra. Então é por isso que eu queria usar um pouco de vermelho inicialmente. Lembre-se de exercer menos pressão à medida que avança em direção a valores mais leves para criar transições suaves sempre que necessário. Quando se trata de tecido, você verá uma combinação de transições suaves e bordas rígidas entre seus valores. Então, tente identificar isso aqui. Por exemplo, eu vejo uma borda mais nítida. Observe as bordas criadas entre as diferentes formas de valor, que um valor se transforma em outro valor. Às vezes, essas mudanças serão suaves e graduais. E outras vezes, a mudança virá como um passo brusco. No realismo, sempre há uma combinação desses dois. Então, tente notar essas mudanças na foto de referência e tente fazer com que isso aconteça da melhor maneira possível em sua arte. Como estou trabalhando em tudo isso, estou realmente tentando ficar longe da pesquisa. blocos de aparência muito nítida ou formas pesadas sólidas de qualquer tipo. Também estou tentando ficar longe da aparência das linhas, qualquer coisa que crie a ilusão de uma linha quando você vê sua peça à distância vai tirar a sensação de realismo em sua peça. Em vez de ver as coisas como linhas, veja-as como formas alongadas que têm irregularidades por toda parte. Isso é importante porque não há contornos ou linhas no realismo. Sempre que há uma linha presente em uma peça mais realista, sempre há uma variação no peso da linha em toda a linha. Certas seções dessa linha são mais grossas e mais escuras, e outras seções são mais finas e mais claras. Você nunca encontrará linhas que tenham um peso consistente de uma extremidade até a outra extremidade. É o oposto de desenhos animados e páginas de livros para colorir onde tudo o que você vê tem um contorno que é grosso, ousado e preto, e consistente em espessura ao redor de tudo. No realismo, temos bordas, não contornos, bordas em que um valor se transforma em outro valor. Às vezes, essas bordas são perdidas e às vezes são definidas com nitidez. Estou indo para a esquerda aqui e trabalhando nas formas de sombra criadas no tecido pela flor. Eu vejo uma forma de sombra aqui com uma borda inferior nítida. Então eu vou tentar fazer acontecer no meu desenho. A borda inferior é nítida e definida, enquanto a borda superior é um pouco mais suave e gradual, os tons médios se transformam gradualmente em valores mais claros na parte superior da curva. Então, aqui, à medida que essa forma avança em direção à borda direita do plano da imagem, suas bordas ao longo da parte inferior e superior se tornam mais graduais e suaves. Ok, então aqui temos uma pequena forma de sombra logo abaixo da jarra. E eu continuo observando aquela foto de referência e obtendo essas formas de sombra sempre que eu achar melhor. Garantindo que estou mantendo as coisas sutis e avançando gradualmente em direção a valores mais obscuros. Não está aplicando muita pressão. Sempre que estou tentando criar um tom médio mais claro, talvez um pouco mais de pressão quando estou trabalhando em um tom médio mais escuro ou uma área muito escura que vejo na foto de referência. E permitindo muito dessa primeira camada que eu criei com minha cor mais clara. Estou apenas deixando isso brilhar nas áreas de menor valor. Se você quiser escurecer ainda mais uma seção com essa cor média, você pode criar uma segunda camada usando a mesma cor. Continue comparando seu desenho com aquela foto de referência e pergunte a si mesmo: essa área é mais escura ou mais clara do que essa outra área aqui? E se você perceber que precisa entrar e escurecer uma área talvez você possa entrar e criar uma segunda camada, a segunda cor. Assim, você pode se permitir fazer mais sobreposições de pigmentos nas áreas mais escuras. E você pode até mesmo pressionar um pouquinho, mas mais nessas áreas mais escuras, há um certo nível de frouxidão, embora eu esteja usando uma foto de referência para desenvolver pistas e informações sobre valores, espero que a essa altura, espero que a essa altura, como já estou criando uma variedade de valores neste tecido vermelho, você possa ver como meu valor se molda podem ser ligeiramente diferentes das da foto de referência. O que significa que eles podem ser um pouco menores ou um pouco maiores ou um pouco mais à esquerda ou à direita. E ainda estou desenvolvendo essa gama de valores de que preciso. E estou começando a criar essa sensação de tridimensionalidade. Aqui mesmo. Eu preciso de um pouco de tom médio. Então eu entro e faço uma pequena sobreposição suave com a segunda cor vermelha. E notei aquela forma muito nítida, quase como uma faixa aqui embaixo criada por essa forma na parte inferior. Vou suavizar a borda inferior. Estava realmente me impressionando e estou tentando manter tudo sutil. Então, novamente, se você ver sua peça e notar alguma forma ou linha pesada de aparência nítida, quero incentivá-lo a trabalhar nelas antes de seguir em frente. Também notei logo acima dessa forma que criei algo que parece um pouco demais com uma linha para mim. Então, vou deixar algumas seções dessa linha sem aspas um pouco mais grossas e criar mais irregularidades em toda , para que pareça mais uma forma e menos uma linha. Com isso, terminei com a primeira camada de cor em todo o tecido vermelho. Não vou trazer o terceiro vermelho, assim como fiz com a foto. Eu apenas uso as duas primeiras cores nessa camada inicial. Então, agora é hora de trazer minha borracha macia de grafite e eu vou fazer qualquer levantamento e suavização de cor que eu precise fazer antes de seguir em frente. E, na verdade, em termos de levantamento, tudo o que eu faço é remover um pouco dessa cor vermelha do canto inferior esquerdo desta peça, ou aparece um pouco daquela mesa de madeira marrom. Mais tarde, vou colocar um pouco de marrom nesta área para fazer com que pareça uma mesa e não um tecido. Então, eu sinto que exagerei um pouco com meu vermelho nesta seção. E se eu mantivesse todo esse vermelho lá, não haveria muita diferença entre o tecido e a mesa. É hora de passar para a mesa. Então, vou trazer meus dois marrons que estou usando para a mesa. Meu marrom mais claro é ocre queimado e meu marrom mais escuro é marrom Van ****. Então, comece o inverso com a cor mais clara das duas. E eu vou entrar em toda essa seção de tabelas. Agora, os diferentes valores que vejo em toda esta área da mesa não são criados tanto pela luz em si, mas pela textura da madeira naturalmente teria seções mais claras e seções mais escuras. No entanto, quando se trata dessa madeira em particular nesta tabela da foto, eu diria que, no geral, é bem leve. Então, quando eu trago meu marrom mais escuro, não quero exagerar. Não vejo nenhuma forma de destaque super brilhante em toda esta seção de madeiras. Portanto, não vou deixar nenhuma área do meu papel no armário. Estou apenas aplicando uma camada clara relativamente fina com meu marrom mais claro. Há uma pequena, minúscula forma marrom aqui. E então eu vou aplicar uma camada marrom clara neste canto inferior onde está tabela ICE na foto de referência, logo acima do vermelho que eu já havia aplicado. Agora que eu tenho a primeira camada marrom clara, vou mudar para o meu marrom mais escuro e vou criar algumas formas sutis e irregulares de marrom escuro. Isso vai me ajudar a descrever melhor essa textura visual, pois perceberia como estou usando meu marrom escuro de forma muito leve. Não estou aplicando muita pressão. Ao aplicar esse marrom mais escuro, quero ter muito cuidado para não criar acidentalmente linhas e marcas com aparência muito nítida. Se eu criar linhas, marcas ou formas muito nítidas , isso distrairá muito o espectador. Essa é uma área ou elementos secundários dessa composição. E se eu entrar e criar muito contraste ou dar muito peso visual a essa área criando muitos detalhes aqui, posso fazer com que a mesa compita demais com os objetos reais, que são o ponto focal. Adicionando um pouco desse marrom mais escuro no canto inferior esquerdo. Não vou me preocupar com a forma minúscula por trás da foto. E é hora de passar para a próxima coisa. Finalmente, vou começar a trabalhar na flor. Para a flor, vou usar cinza para as pétalas, verde para a seção central e depois roxo para seções de sombras escuras. Então, estou começando com meu cinza para minhas pétalas e estou realmente ampliando a flor para poder me concentrar na flor agora. Vou começar com essas pétalas superiores. E vou aplicar um cinza claro muito, muito sutil, com quase nenhuma pressão nas seções de sombras que vejo nas pétalas. Particularmente onde vejo pedais criando sombras uns nos outros devido à sobreposição. não estou me preocupando com Ainda não estou me preocupando com as linhas visuais onde estão a textura e as pétalas. Eu posso me preocupar com isso mais tarde. Por enquanto, estou realmente focando nas curvas das pétalas e na tridimensionalidade das pétalas e nas sombras que elas estão criando. Isso é o que é mais importante agora. Entendendo a estrutura das pétalas, como elas estão impedindo que a luz se bata por causa da sobreposição e tudo mais. E quero ter certeza de que não vou cobrir completamente toda a largura da pétala de cinza porque, como mencionei antes, isso fará com que pareça cinza. E eu quero que essas pétalas pareçam brancas no final. Portanto, é importante deixar bastante papel branco brilhando porque esse é um objeto branco que estamos pintando. Mas mesmo com objetos brancos, é importante desenvolver uma variedade de valores dentro deles, porque se os deixarmos completamente brancos, eles parecerão muito planos e pouco realistas. Se você acha que não consegue obter informações suficientes sobre as mudanças de valor nas pétalas brancas da foto, lembre-se da estrutura tridimensional da flor e de suas poças. Quais seções estão mais distantes da luz? Quais seções estão mais próximas da luz, onde nossas curvas acontecem ao longo dessas poças, onde nossas sombras acontecem ao longo delas. Tudo bem, então essa é minha aplicação inicial de luz de cinza. Se você quiser entrar e fazer uma segunda aplicação leve de cinza para escurecer os tons médios antes de usar o roxo, eu recomendaria entrar e fazer outra aplicação de cinza, mas desta vez focando nas formas de sombra mais escuras entre as pétalas, apenas empurrando-as um pouco mais antes de entrar com o roxo. O roxo é uma cor bem escura. E, novamente, estamos pintando um objeto branco. Então, ao criar uma segunda camada com seu cinza, você está se permitindo mais controle. Você está criando um intervalo entre seus valores de cinza claro e seus valores mais escuros que virão a seguir com seu roxo. Tudo bem, então isso é o suficiente. Eu tenho muito papel branco brilhando nas pétalas brancas. Agora vou entrar com um pouco do meu roxo. E eu só vou aplicar isso nas áreas de sombra mais escuras que eu vejo. Novamente, especialmente entre as pétalas. Lembre-se de que quanto mais escuro você fica com suas cores, menos cor você quer um lugar. Você quer deixar muitas das cores mais claras que você colocou brilhando e só fazer essa estratificação com a segunda cor onde você realmente precisa escurecer. Não escureça muito rápido, não aplique muita pressão. Você pode criar valores mais escuros posteriormente com as camadas subsequentes. Tudo bem, então isso é o suficiente por enquanto. Agora vou começar a trabalhar na seção central da flor, onde vou voltar ao meu amarelo que estava usando inicialmente para a foto. Este é o meu amarelo cádmio e depois vou passar a aplicar um pouco de verde. E isso é chamado de verde de maio sobre aquele amarelo em seções de tons médios com o amarelo. E vou usar movimentos circulares parte central da flor para que eu possa começar a descrever essa textura um pouco mais. É importante lembrar que suas ferramentas de desenho podem ser usadas de muitas maneiras diferentes. E você certamente pode modificar o tipo de traçado que está usando para comunicar cor, valor e textura simultaneamente. Este é o meu verde agora que estou entrando e usando uma especialidade nas bordas externas, onde quero criar um valor um pouco mais sombrio. Pequenos círculos minúsculos vão me ajudar a criar mais essa textura. E mais tarde, com as camadas subsequentes criaremos mais dessa textura. Você pode ver como eu deixei a seção central dessa área mais clara e escureci as bordas externas. Isso me ajuda a criar uma aparência curva e elevada nesse centro. Tudo bem, agora eu tenho minha camada inicial de cor em todos esses elementos, é claro, excluindo o fundo que abordaremos no final desse processo, já comecei a desenvolver uma ampla gama de valores, de luzes muito claras a tons médios, até tons médios ainda mais escuros e algumas seções. Então, agora vamos passar para a fase número dois, onde vamos ativar essa camada de cor com água. 7. Primeira ativação de cores: Tudo bem, então eu tenho meu recipiente com água limpa. Eu tenho minha toalha absorvente para poder ver na parte superior do controle de água. E eu também tenho meu pincel redondo tamanho dez. Isso é tudo que vou usar para o processo de ativação. Então, vou girar meu pincel no meu recipiente com água. Vou retirar o excesso de água porque na verdade só queremos entrar com uma pequena quantidade. E eu vou começar com a foto. E quando se trata de ativar sua cor, você deve ter certeza de que está começando nas áreas mais claras e indo em direção às áreas mais escuras e prestando atenção em como está empurrando e puxando esse pigmento no papel. Você notará que, ao ativar essa cor, removo constantemente esse pigmento das cerdas do meu pincel girando meu pincel no meu recipiente com água. Porque à medida que continuo ativando esse pigmento, empurrando e puxando essa cor, mais e mais pigmento começa a se acumular nas cerdas do meu pincel. Isso significa que você pode encobrir acidentalmente as áreas de destaque nas quais está tentando deixar o papel branco brilhando sem pintura. E você também pode começar a usar muito dessa segunda cor mais escura que você usou até agora para áreas de valor mais claras. Portanto, você realmente precisa se manter consciente de como está empurrando e puxando esse pigmento no papel. Portanto, continue passando por essa cor suavemente e continue enxaguando as cerdas do pincel ao longo do caminho, conforme necessário. Você realmente não deveria pressionar com muita força com as cerdas do pincel ou algo parecido. Mantenha seus traços bonitos e gentis. Essa é a parte empolgante de pintar com lápis de aquarela: ativar essa cor com água. Muitas vezes, a cor fica muito mais brilhante e vibrante depois de ativada. Outras vezes, será um pouco mais escuro ou mais claro. Depende da cor que você escolheu, mas sempre há esse elemento surpresa nos lápis de aquarela. Outra coisa é que não se preocupe muito com pequenas texturas que você está deixando ao ativar essa cor. O mais importante é que você preste atenção às seções de grande valor. Que as áreas de valor da luz permaneçam leves, que você não esteja consumindo que você não esteja consumindo essas seções de valores mais leves e continue prestando atenção aos valores que está tentando desenvolver. Mas pequenas texturas que acontecem ao longo do caminho, ***** manchadas e pequenas coisas assim. Realmente não importa, porque ainda vamos fazer mais camadas e mais ativação. E, claro, como você aplicou esse pigmento no papel com uma ferramenta de desenho, com uma ferramenta pontiaguda e afiada, você certamente ficará com um pouco de esboço, um pouco de esboço, se quiser, esse tipo de textura. Você não precisa tentar suavizar tudo. Portanto, não se preocupe muito com pequenas texturas e manchas em nós. É muito pequeno. Você provavelmente não conseguirá ver isso no final Depois de todas as camadas que vamos fazer, é muito provável que, se você tentar entrar e se livrar de cada pequena textura que criar, comece a trabalhar demais e danificar o papel. O papel é um substrato relativamente frágil e, quando molhado, é ainda mais frágil. Portanto, não queremos começar a esfregar excessivamente as áreas. E também, muitas vezes, precisamos permitir que o papel seque para que ele possa recuperar totalmente sua força. Se quisermos entrar e fazer com que certos pequenos erros sejam menos perceptíveis. Toda vez que entro no meu recipiente com água, eu me certifico de remover o excesso de imagem das cerdas do meu pincel raspando suavemente a Priscilla do meu pincel na parte superior do meu recipiente. E às vezes eu também passo a ponta do meu pincel na minha toalha absorvente. Quero evitar entrar com uma tonelada de água nas cerdas do meu pincel , pois isso também pode criar manchas. Eu terminei de ativar a cor na parte frontal da imagem. E agora estou indo para as planícies do interior. E nessa área, os valores mais claros estão à esquerda. Então, isso significa que eu começo pela esquerda e vou em direção à direita, que tem os valores mais escuros. Isso é, novamente, para manter essas seções de valores de luz protegidas e não consumi-las com minha cor mais escura. Então, depois de terminar com esses planos internos, vou entrar e ativar essa cor na alça. Começo pelo topo e desço. Depois de fazer isso, chegou a hora de começar a ativar a flor. Eu quero trabalhar na flor primeiro porque esse é um objeto branco e as outras cores, e eu vou ativar o vermelho e o marrom são bem escuros, pelo menos quando comparados a esse objeto muito claro. Então, quando se trata ativar a cor dessas pétalas brancas, eu me certifico de usar um pincel limpo e levemente úmido. E eu dedico meu tempo trabalhando em uma pétala de cada vez ou duas pétalas por vez. realmente prestando atenção em como estou colocando e desenhando essa cor e me certificando de que estou deixando bastante papel branco brilhando. Ao fazer isso, estou lembrando a estrutura tridimensional dessas pétalas e como elas se sobrepõem e criam pequenas sombras umas nas outras. Se você quiser mudar para um pincel menor para ter mais controle nessas formas relativamente pequenas. Você pode ir em frente e fazer isso. É ainda mais difícil manter o controle de água em formatos menores. Estou fazendo o meu melhor para ir das áreas de cores mais claras para as áreas de cores mais escuras. Então, primeiro, vou entrar nas áreas que têm o cinza claro nelas. E eu sigo em direção ao roxo, certificando-me de manter seções de papel branco sem pintura ou sem cor no metal. Sempre que entro com muita água nas cerdas do meu pincel, eu imediatamente paro o que estou fazendo e removo a cor e a água das cerdas do meu pincel e uso as cerdas do meu pincel como uma pequena esponja absorvente para pegar o excesso de água. Também posso entrar com minha toalha absorvente para esfregar um pouco. Finalmente, é hora de ativar essa cor na seção central da flor, retiro o cinza e o roxo das cerdas do meu pincel e entro com um pincel limpo e levemente úmido e uso pequenos movimentos circulares para ativar o pigmento nessa área. E isso é para começar a comunicar a textura aqui. Agora é hora de ativar essa cor no tecido. Ao ativar minha cor e o tecido, observo constantemente aquela foto de referência para me lembrar das principais áreas de destaque mais brilhantes. E você pode ver como estou tentando contornar algumas dessas principais áreas de destaque. Não estou ativando a cor nessas seções com meu pincel e estou evitando examiná-las. Se eu precisar ativar a cor nessas áreas ou torná-las um pouco mais escuras do que estão atualmente. Posso fazer isso mais tarde, mas agora estou me concentrando em ativar a maior parte geral do tecido vermelho. E eu só estou tentando ficar longe das seções de valores mais leves. Ao me concentrar no general, posso trabalhar muito mais rapidamente. Então, eu trabalho primeiro no general. E então, se áreas menores precisarem de mais atenção, posso trabalhar nelas mais lentamente. As principais coisas que você precisa fazer ao ativar seu lápis de aquarela, pigmento, são garantir que você esteja no controle de água e continue prestando atenção em como você está movendo esse pigmento no papel. Tendo o valor em mente. Se você fizer essas duas coisas e continuar se concentrando ao longo do caminho, poderá melhorar suas habilidades rapidamente. Tudo bem, estou passando a fazer minha ativação de cores neste canto inferior esquerdo da peça, onde está aquela parte visível da mesa. Você pode ver como, enquanto eu fazia minha ativação naquela área, o vermelho e o marrom começam a derreter e se fundir. E continuo com meu tecido vermelho, certificando-me de enxaguar completamente todo aquele marrom para as cerdas do meu pincel. Isso é importante porque se eu ainda tiver algum pigmento marrom nas cerdas do meu pincel, isso pode dessaturar ou silenciar meus vermelhos brilhantes que eu quero em meu tecido. Enquanto estou ativando essas diferentes formas de valores, continuo vendo essas formas como formas abstratas e irregulares. E eu estou usando meu pincel de maneiras diferentes, às vezes pressionando as cerdas do meu pincel um pouco mais para baixo e às vezes entrando com a ponta do meu pincel, às vezes mudando o ângulo em às vezes mudando o ângulo que estou usando meu pincel, mudando a maneira como você está usando seu pincel desse jeito vai ajudá-lo a criar um abstrato irregular formas, que levarão a um maior realismo. Então, neste momento, estou quase na metade dessa ativação da minha primeira camada de pigmento. E você pode ver a textura em todas essas áreas. Textura na forma de linhas ou esboços criados pela ferramenta de desenho que usamos para colocar o pigmento na largura do papel, mas também um pouco do gênero manchado que foi criado quando eu estava ativando o pigmento com água e um pincel. Mas espero que você também tenha notado como eu continuei me movendo. Não tenho me concentrado em nenhuma área específica nem tentado aperfeiçoar demais as coisas. Estou trabalhando no general e estou ignorando essas pequenas texturas sutis porque sei que no final, elas não serão visíveis. Sei que, se eu entrasse, começaria de novo a trabalhar meu artigo e talvez até mesmo nivelar seções e destruir completamente todo o trabalho que venho fazendo para desenvolver os diferentes valores nessas áreas. Tudo bem, então trabalhando nesta grande seção marrom nesta parte visível da mesa à direita. E tudo o que venho fazendo até agora para ativar minha cor e as outras áreas desta peça ainda se aplica aqui. No entanto, nas próximas fases desse processo, não quero colocar muitas camadas nessa área. Quero deixar essa área com o mínimo de detalhes porque é uma seção secundária nesta peça. E eu não quero que esta seção compita muito com os outros elementos que são o ponto focal da peça. Então, eu entro e, com muita delicadeza, tento me livrar das linhas, das formas e marcas de aparência nítida aqui. Estou trabalhando nesse pequeno triângulo aqui com apenas a ponta do meu pincel. E então eu continuo ativando esse marrom do outro lado da mesa, continuando ativando essa cor e me livrando muito suavemente de quaisquer formas, linhas ou marcas que possam distrair um pouco o espectador, especialmente porque, como eu disse, não vou aplicar muitas camadas em cima disso. Ok, então vou deixar a mesa à vontade porque não quero começar a danificar meu papel ou sobrecarregar nada. Você pode ver como isso definitivamente parece muito mais pictórico. Mas eu também tenho um pouco de textura, pequenas áreas manchadas e coisas assim. Não estou me preocupando com isso porque ainda vou fazer mais duas camadas de cores. Então, grande parte dessa textura vai desaparecer à medida que avançamos. Vou permitir que tudo seque completamente. E então vamos entrar com a camada número dois. 8. Segunda aplicação de cor: Certifique-se de que tudo esteja completamente seco antes de passar para a próxima parte do processo. Porque se o papel estiver molhado , fica mais frágil. E se você começar a usar uma ferramenta pontiaguda e afiada, comece a aplicar mais cor imediatamente quando estiver úmida. Você pode correr o risco de danificar e arranhar seu papel. Você pode até usar um secador de cabelo para acelerar o processo de secagem, se quiser. Nesta próxima fase do processo, trabalharemos para promover tons médios mais escuros e áreas escuras mais escuras. Então, vamos usar principalmente nossa segunda cor ou a cor média. A terceira cor, que é a cor mais escura que escolhemos quando se trata da flor e da mesa, as coisas serão feitas de forma um pouco diferente porque usamos apenas duas cores nelas. Vou explicar como abordá-los quando chegarmos até eles. Em outras palavras, nosso objetivo com essa parte do processo é expandir essa gama de valores em direção às trevas mais escuras. Estamos adicionando valores mais sombrios. Queremos ter certeza de que estamos mantendo as áreas mais claras protegidas e descobertas por essa nova camada de cores que faremos, onde apenas sobrepor cor e aplicando mais cores nas seções que precisam ser escurecidas. Vamos prosseguir e começar com a foto. Aqui estão as três cores que estou usando na imagem. O amarelo, o laranja amarelo e o laranja vermelho. essa altura, minhas áreas de valor mais claras já foram desenvolvidas com a cor mais clara, porque estou trabalhando nos tons médios e nos mais escuros, posso remover a cor mais clara e só vou trabalhar com minha cor média e minha cor mais escura. Estou observando aquela foto de referência e percebendo onde estão essas áreas mais escuras. E eu vou em frente e começo a começar com minha cor média, que é meu amarelo cromado escuro ou meu laranja amarelo. Comecei a aplicar mais camadas sobre tons médios mais escuras e áreas escuras mais escuras, evitando as áreas mais claras que vejo naquela foto. Sinta-se à vontade para ampliar áreas de sua foto de referência à medida que avança nesse processo e certifique-se de continuar mudando e mudando a pressão que está exercendo sobre o lápis enquanto direção a uma área de valor mais escura, caminha em direção a uma área de valor mais escura, empurrando um pouco mais a cabeça para baixo. Se você estiver se afastando de áreas de valor mais escuras, você exercerá menos pressão. Nesta parte do processo. Agora que estamos entrando em áreas mais escuras de tom médio, estou me permitindo pressionar um pouco mais, mas na verdade não estou polir. Estou realmente tentando evitar arranhar ou danificar meu papel de alguma forma. Como uma vez que o papel é riscado ou polido, o pigmento simplesmente não é aplicado da mesma forma, continuo observando aquela foto de referência e percebendo onde as transições graduais entre os valores estão acontecendo. E onde eu vejo passos nítidos e definidos entre diferentes valores. Aqui na parte inferior da imagem, por exemplo, I. Veja uma transição gradual mais suave, um gradiente, se você quiser. Portanto, certifico-me de exercer gradualmente cada vez menos pressão à medida que entro em seções de valores mais leves. Para que essa mudança na pressão possa me ajudar a criar essa transição gradual. Aqui eu tenho uma borda em forma de sombra bastante perceptível quase no meio dessa estrutura mais cilíndrica nesta imagem. E vou tentar criar uma borda em forma de sombra com aparência mais definida porque é isso que estou vendo na foto de referência. À medida que continuo avançando gradualmente em direção a valores mais escuros, continuo prestando atenção a essas bordas, sejam elas perdidas, borradas, bordas mais suaves com transições graduais entre meus diferentes valores ou se eu C tem bordas nítidas e definidas. Aqui, eu definitivamente vejo um valor mais escuro na borda superior da imagem. Eu coloco um pouco mais de camadas, descendo. E então eu trabalho nos planos internos dessa estrutura cilíndrica superior nesta imagem, sobrepondo a segunda cor sobre cerca da metade de toda essa forma. Porque nessa foto eu vejo tons médios mais escuros e valores escuros mais escuros em toda essa área. Em seguida, começo a trabalhar na camada da alça nessa segunda cor nas áreas mais escuras que eu vejo. E eu sei que as alças podem ser desafiadoras porque quase sempre haverá essa distorção em que os aviões mudam. Mas realmente ajuda lembrar a estrutura tridimensional de tudo o que você está sombreando, observar as mudanças de plano nessa alça e lembrar onde está a localização da fonte de luz e como a luz está atingindo esses planos. Entenda quais planos estão voltados para a luz e quais planos estão voltados para longe da luz. Observe como estou deixando muito desse plano lateral da alça, bem como do lábio superior. Esta seção superior, livre da segunda camada. E isso é porque vejo um valor muito claro nessas áreas na foto de referência. Então, estou fazendo o meu melhor para não aplicar mais pigmento nessas áreas. Quero mantê-los bonitos e leves. E, mais tarde, percebi que fiz essas formas de valor de luz muito grandes ou que parecem muito nítidas. Certamente posso entrar em certas seções e escurecê-las um pouco com minha primeira cor mais clara ou minha segunda cor. Tudo bem, estou quase terminando minha segunda cor média nesta fase, apenas trabalhando em transições para áreas de valor mais claras e realces um pouco mais antes de mudar para minha laranja vermelha. Já chega da minha cor média, por enquanto, vou passar para o vermelho, laranja. E eu só vou aplicar essa cor mais escura nas áreas mais escuras que vejo na foto de referência. Não vou fazer nenhuma sobreposição com essa terceira cor mais escura em nenhum outro lugar. Em outras palavras, quando você entra com a primeira cor mais clara, você examina tudo, exceto as seções de destaque mais brilhantes. Então, com sua segunda cor, você passa por áreas de tons médios e escurece essas áreas escuras. E então, com sua terceira cor mais escura, você só passa pelas áreas escuras mais escuras. Então, quanto mais escuro você fica com sua cor, menor é a forma que você está colorindo, porque você está apenas adicionando essa cor mais escura em seções que precisam ser escurecidas ainda mais, que precisam ser mais ampliadas . É assim que estamos aumentando essa faixa de valores, empurrando as áreas escuras mais escuras e adicionando esses valores escuros mais escuros. Mas queremos ter muito cuidado para não escurecer essas seções, tons médios, especialmente os tons médios mais claros e as luzes mais claras. Porque se entrarmos e sobrepormos essa cor mais escura em tons médios e áreas claras, vamos nos livrar desses valores mais claros. Vamos subtrair dessa ampla gama de valores que estamos tentando criar. E vamos nivelar a peça em vez de aumentar o realismo da peça neste momento do processo. Agora que estamos começando a aplicar essa cor mais escura, é quando essa sensação crível de estrutura de luz e sombra começa a acontecer. Porque neste momento já temos uma gama bastante decente de valores. E só vamos aumentar ainda mais essa faixa de valores ou tons à medida que avançamos. Mas para fazer isso de forma eficaz, temos que continuar prestando muita atenção à foto de referência e continuar comparando nossa pintura com essa referência. Continue nos perguntando: essa área é mais clara ou mais escura do que essa área aqui? E fazer com que essas formas de valor aconteçam em nossa arte. Estou trabalhando nos planos internos da imagem, aqui estão de costas para a luz, realmente empurrando as seções mais próximas da borda direita dessa forma superior, caras, aqueles valores mais escuros na foto de referência. Estou descendo a partir daí, certificando-me de aplicar um pouco mais de pressão ou um pouco menos de pressão, dependendo de quão escuro seja o valor nessa área. Se depois de aplicar algumas das cores mais escuras nas áreas de valores mais escuros que você vê na foto de referência, você sentir que precisa voltar à cor média para trabalhar nas transições. Ou escureça levemente certas áreas que parecem muito claras Você pode se sentir à vontade para alternar entre essas duas cores. Apenas certifique-se de que a cor que você está selecionando na mão esteja de mãos dadas com o valor que você está tentando criar. Algumas vezes, quando entramos com nossa cor mais escura, começamos a desenvolver as seções de valores mais escuras. Aquelas áreas que pensávamos que pareciam muito escuras ou pelo menos como um tom médio antes, não parecem mais tão escuras. Isso ocorre porque se percebemos uma área como clara ou escura ou em algum lugar intermediário realmente dependerá dos valores ao redor dessa área. Portanto, podemos achar a necessidade de usar essa cor média para escurecer um pouco certas áreas e também para fazer com que certas transições entre valores pareçam um pouco mais graduais, um pouco mais suaves. Se as coisas parecerem um pouco nítidas demais, é claro, se você ver uma mudança bastante nítida entre os diferentes valores nessa foto de referência , não há necessidade de suavizar isso. Agora vou passar para a direita do tecido vermelho, as três cores que eu havia escolhido inicialmente. São a mesma laranja vermelha que eu estava usando aqui, e depois um vermelho mais escuro e meu roxo. Então, eu não vou mais usar esse porque eu já criei meus valores mais leves. Vou me concentrar no vermelho e no roxo. Então esse vermelho é meu vermelho escarlate e esse é meu violeta azul. Então, a mesma coisa que fiz com a imagem e levei a focar nas áreas mais escuras de tom médio e nas áreas escuras mais escuras. E vou começar com minha cor mais clara das duas, que é o vermelho. Vou começar pelo lugar mais seguro para começar. E isso ocorre com as formas de sombra escura por trás da imagem oposta à fonte de luz. Estou começando aí com minha cor média e realmente observando aquela foto de referência, percebendo aquelas formas abstratas de sombra lá dentro, tentando obter algo parecido com o que vejo. Semelhantes em formato, tamanho e localização semelhantes, mas não se preocupe muito em mas não se preocupe muito fazer com que sejam exatamente iguais. Eu sei disso, desde que sejam parecidos com o que estou observando naquela foto. E, tendo em mente a estrutura criada por essas dobras de tecido, bem como a localização da fonte de luz nesse ambiente, vou acabar com algo que parece crível. Agora, eu sei que quando se trata de dobras de tecido, as coisas podem ser um pouco avassaladoras e confusas. Certamente é fácil perder seu lugar. Então, novamente, quero incentivá-lo a trabalhar seção por seção e ampliar a foto de referência conforme necessário. Entenda realmente as curvas criadas pelas dobras do tecido. Entenda as seções desses tecidos que estão mais próximas da fonte de luz e que estão mais distantes, quais dobras de tecido estão cobrindo outras seções do tecido e impedindo que a luz atinja as seções de tecido abaixo delas. Tudo isso vai ajudá-lo tremendamente quando você estiver fazendo escolhas quais áreas estão muito escuras e mais escuras, e apenas manter a paciência durante todo o processo. Estamos buscando níveis mais altos de realismo aqui. E quanto maior o realismo que você está procurando, mais pacientes você precisa ter , porque quanto mais tempo levará e mais observação será necessária. Se, em algum momento processo, você começar a se sentir um pouco cansado ou incapaz de se concentrar ou algo parecido, eu recomendaria fazer uma pausa em vez de tentar seguir em frente. Porque no momento em que você para olhar para aquela foto de referência e para de mudar conscientemente entre suas cores à medida que avança, você para de prestar atenção ao valor e a todas essas coisas. Você começa a cometer erros maiores que serão mais difíceis de corrigir. Eu não coloco mais seu vermelho na parte visível da mesa aqui embaixo no canto inferior esquerdo, eu apenas deixo como está. Estou subindo e continuando escurecendo partes do tecido que sinto que preciso empurrar um pouco mais e fazendo o possível para deixar as seções mais claras cobertas pela segunda camada de cor que estou fazendo agora. Sei que se eu encobrir essas seções de valores mais leves, vou me livrar desses valores mais leves e começar a nivelar tudo e fazer com que tudo pareça muito pesado. Você pode ver o esboço ou a textura do lápis deixada pelo meu lápis de aquarela enquanto eu preencho essas áreas. Essa é a textura do lápis à qual eu estava me referindo antes. Na verdade, é muito bom que esse meio nos permita criar essa combinação, esse equilíbrio entre esboçar suas texturas e mais efeitos pictóricos que poderemos criar posteriormente. Depois de aplicar este pigmento no papel com água em um pincel. Eu terminei com essa cor média em todo o meu tecido. Você pode ver como deixei muitas dessas áreas de valor mais claras apenas com a primeira camada de cor que fiz na fase número um. Então chegou a hora de mudar para a cor mais escura que estou usando no tecido, que é meu roxo. E mais uma vez, começo com a área mais segura para começar, que está logo atrás da foto, há formas de sombra muito escuras nessa área em que o tecido não está recebendo muita luz. Então, assim como fiz com a jarra, agora estou apenas colocando essa cor mais escura em seções que precisam ser inseridas ainda mais dentro das formas mais escuras de tons médios que eu já criei com minha cor média. Então, estou ficando ainda mais atento ao colocar essa cor mais escura e me certificar de que estou apenas sobrepondo-a ao vermelho em seções que precisam ser mais enfatizadas. Então, novamente, você notará que essas formas que estou criando com essa cor mais escura são ainda menores do que as que eu estava criando com meu vermelho médio. E as formas, é claro, que criei com meu vermelho médio eram muito menores do que as formas que eu estava criando com meu vermelho mais claro. Quando se trata de peças de lápis de aquarela, eu realmente gosto de trazer o que eu gosto de chamar de cor de sombra alternativa. Essa é uma cor que eu realmente não vejo naquela foto de referência. Muitas vezes, para mim, é roxo, como neste caso, ou azul e índigo, que é um azul muito escuro, é algo que eu também gosto muito de trazer. Ao trazer uma cor de sombra alternativa. Você não pode apenas integrar mais a peça usando a mesma cor em diferentes seções ou áreas de sua pintura. Mas você também pode tornar sua peça mais impactante. Você pode adicionar personalidade e interesses, e isso realmente dá vida à peça. E qual cor de sombra alternativa eu decido usar realmente depende do tipo de assunto que estou pintando, se é uma cena natural e um objeto orgânico, materiais feitos pelo homem e objeto mecânico, um animal, do estilo que estou escolhendo e também do esquema geral de cores que estou tentando criar. Lembre-se sempre de que a cor é um elemento da arte que desempenha um papel importante em fazer uma composição visual pareça harmoniosa e coesa. Portanto, ao escolher uma quantidade limitada de cores e pensar em como você vai repetir uma cor em toda a peça, pode ser nas seções de sombra ou apenas como uma cor base diferentes áreas da peça, o que ajudará sua arte a parecer muito mais harmoniosa e bem integrada. E, ao mesmo tempo, como artistas, pois estamos planejando e preparando nosso esquema de cores para a peça em questão. Esta é apenas uma ótima oportunidade de trazer nossa licença artística para trazer mais de nós mesmos para a composição, a fim de torná-la nossa. E realmente comunique esse humor, mensagem , ideia ou história que queremos comunicar. Assim como eu fiz com minha foto. Depois de adicionar um pouco do meu roxo, nas minhas seções de sombras mais escuras, volto à minha cor média. E isso é uma ordem para trabalhar um pouco mais nas transições. Porque agora que adicionei minha cor mais escura, algumas mudanças de valor são apenas algumas para começar a ver. Em outros casos, se eu achar que preciso escurecer um pouco mais as seções de valores mais claras. Eu faço isso com essa cor média exercendo quase nenhuma pressão. Só estou me certificando de que não estou encobrindo as seções de menor valor. Então eu entro com um toque bem leve com essa cor média, trabalhando principalmente em transições. E realmente exercendo cada vez menos pressão à medida que entro nessas seções de valores mais claros, onde eu só quero deixar a onde eu só quero deixar a camada inicial de cor brilhando sem cobertura. Você pode ver como há muitas seções que eu não encobrei com nenhuma dessas duas cores que acabei de usar agora. Toda essa área aqui, por exemplo, grande parte dessa área aqui, algumas seções aqui e até mesmo aqui embaixo, você ainda vê esse efeito pictórico porque eu não examinei essas áreas novamente com a segunda camada. É apenas aquela camada inicial que eu fiz na primeira fase, brilhando sem ser coberta por esse novo posicionamento de cor. E é exatamente isso que eu quero fazer. Não quero continuar colocando cores em áreas onde não preciso ou não preciso aprofundar e escurecer. Vou trabalhar na flor e depois na mesa. Então, com a flor, vou trazer o cinza de volta. Isso é diferente com as pétalas das flores porque é um objeto branco. A abordagem com objetos ou assuntos brancos é definitivamente um pouco diferente de outras coisas pelas quais você pode estar desenvolvendo seus valores. Então, quando se trata da flor, eu estava usando o cinza e o roxo para as pétalas, e o amarelo e o verde para a seção de insights. Então, a primeira coisa que eu faço é usar meu cinza que eu já estava usando nas minhas pétalas. O que estou fazendo é descrever as linhas dessas pétalas, a textura que vejo nessas pétalas um pouco de uma forma muito sutil e solta. Com esse cinza, você pode me ver usando traços cônicos para fora começando na parte mais interna da pétala mais próxima do centro e saindo. Estou apenas adicionando alguns traços extras para descrever um pouco dessa textura do pedal. Não estou tentando encobrir toda aquela pétala porque não quero que essa flor pareça cinza. Esta é apenas uma dica sutil da textura da poça. As linhas que eu posso ver nessas pétalas na foto de referência. Depois de adicionar algumas dessas linhas. Vá em frente e escureça certas sombras, seções entre as pétalas sobrepostas ao meu cinza antes de mudar para a cor mais escura que estou usando em minhas pétalas, que é o roxo. Depois de pressionar um pouco mais algumas seções de sombras com meu cinza, mudo para o roxo e pressiono um pouco as áreas mais escuras entre pétalas sobrepostas com essa cor mais escura. Estou pulando por toda essa seção de pétalas e realmente vendo tudo como um todo. Isso é muito importante quando você está pintando objetos brancos. Você realmente quer ter certeza de que voltará a ver tudo como um todo, como tudo está parecendo de uma distância um pouco mais distante porque é muito fácil exagerar e continuar adicionando e adicionando cores. E, de repente o objeto não parece mais branco. Então, faça pausas e veja tudo de uma distância maior. E realmente se pergunte se mais cores, marcas ou linhas são realmente necessárias para comunicar a textura ou os efeitos de luz e sombra que você deseja comunicar. Não quero exagerar e começar a fazer que esses pedais não pareçam brancos. Então, vou mudar para as duas cores que eu estava usando na seção central da flor. E para essa área, eu passo a usar pequenos movimentos circulares ou traços para comunicar textura e valor simultaneamente. E depois de colocar esse amarelo, agora estou mudando para o verde, pressionando uma parede um pouco mais forte, crio esses círculos dentro dessa área e estou tentando focar mais na parte externa. Isso ajudará a seção central a parecer elevada ou curva. Você pode ver como deixei pequenos pedaços de papel brilhando. E isso vai me ajudar a criar visualmente essa textura. Agora, se você acha que colocou muito roxo ou cinza em suas pétalas brancas. Lembre-se de que você sempre tem sua borracha , apenas para garantir que ela esteja bem limpa se você quiser usá-la. E se você precisar fazer algum levantamento de peso, você certamente pode entrar e levantar um pouco dessa cor antes de fazer sua ativação. Porque depois de ativar essa cor, você não conseguirá removê-la. Vou adicionar um pouco de roxo sobre esse verde. Vou usar pequenos traços circulares porque quero ter certeza de que estou mudando para um traçado ou tipo de aplicação que me ajude a criar essa textura na parte central da flor. E eu estou adicionando principalmente esse roxo nas seções externas desse círculo no meio da flor. Isso vai me ajudar a elevar um pouco mais a seção central , escurecendo as bordas externas. Aqui mesmo. Vou tirar um segundo rápido para escurecer ainda mais pequenas seções fora do centro da flor, fora daquela seção verde amarela nas partes mais internas das pétalas brancas, bem ao lado da seção central da flor. E, finalmente, é hora de trabalhar na segunda camada da tabela. Para a mesa, nós realmente selecionamos apenas duas cores diferentes. Ao contrário de outras áreas estamos usando três cores diferentes, temos apenas um marrom mais claro, que no meu caso é meu ocre queimado, e um marrom mais escuro, que no meu caso é meu marrom Van ****. Então, a primeira coisa que eu faço é usar meu marrom mais escuro, meu marrom Van ****, entrar e escurecer algumas seções um pouco mais. Agora, se você se lembra, na primeira fase, eu estava mencionando que é muito importante não criarmos linhas ou formas muito nítidas na tabela que possam distrair demais o espectador. Não queremos chamar muito a atenção do espectador para as seções da tabela. Então, eu me certifico de entrar de forma muito leve. Estou me certificando de não exercer muita pressão. Estou apenas querendo escurecer algumas seções menores dessas formas marrons mais escuras que eu já havia começado a desenvolver. Um pouco mais, liberando essa pressão enquanto eu entro em áreas marrons mais claras para criar boas transições suaves. Aqui estou escurecendo algumas seções de sombras mais profundas logo abaixo do tecido vermelho nesta parte visível da mesa no canto inferior esquerdo da peça. Depois de aplicar um pouco mais do meu marrom mais escuro, volto para o marrom mais claro, meu ocre queimado, para suavizar as transições entre meus marrons mais escuros e meus marrons mais claros. Assim como em todas as outras áreas em que venho desenvolvendo mais valores nesta fase do processo. Quero ter certeza de que estou deixando muitas seções em que a camada inicial de cor que ativamos com água seja deixada sozinha e brilhando completamente descoberta com essa nova camada de cor. E é só isso. Isso é tudo que vou fazer para a segunda aplicação de cores. Agora é hora de fazer nossa segunda ativação da cor usando água e um pincel. 9. Ativação de segunda cor: Então eu tenho minha água comigo, eu tenho minha toalha absorvente e eu tenho minha escova redonda tamanho 10. Vou começar com minha segunda e última ativação da cor. As mesmas coisas que estávamos fazendo antes com nossa primeira ativação da cor ainda se aplicam. Você quer entrar com apenas uma pequena quantidade de água e ter certeza de que está percebendo o que está acontecendo no papel ao empurrar e puxar essa cor. Realmente focando em respeitar e proteger as diferentes formas de valor que você já criou. Essa segunda ativação da cor realmente deve levar menos tempo do que a primeira ativação da cor que fizemos. Porque, na verdade, estamos apenas passando nosso pincel sobre as seções nas quais acabamos de aplicar mais cores na fase anterior que acabamos de fazer. Não estamos passando nosso pincel sobre tudo com a primeira ativação de cor que fizemos, havia mais para ativar, mas desta vez há menos pigmento para ativar. As seções nas quais acabamos de adicionar mais cores na fase anterior são menores. Portanto, não comece a passar o pincel sobre tudo sem pensar . Basta ativar essa cor nas áreas nas quais você acabou de adicionar mais cores na fase anterior. E se você achar que precisa trabalhar um pouco mais nas áreas de transição, onde valores mais escuros estão se transformando em valores mais claros, certifique-se um pincel limpo e levemente úmido pincel sem pigmento nas cerdas do pincel. Você pode passar as cerdas limpas e levemente úmidas do pincel ao longo da borda que deseja suavizar para ajudar a suavizar um pouco mais as transições , se achar necessário. Mas se você tiver alguma quantidade de pigmento nas cerdas do pincel e entrar em seções mais leves. Você pode correr o risco de escurecê-los. Estou fazendo o meu melhor para trabalhar de áreas mais claras para áreas mais escuras. E também estou realmente prestando atenção à quantidade de pigmento que está começando a se acumular nas cerdas do meu pincel. Se eu perceber que estou começando a encobrir seções que não pretendia escurecer. Ou estou começando a empurrar e retirar muito pigmento. Eu imediatamente removo esse pigmento das cerdas do meu pincel girando meu pincel em meu recipiente com água. Remova o excesso de água para que eu não entre com muita água raspando suavemente as cerdas do meu pincel na parte superior do meu recipiente. E também estou constantemente passando a ponta do meu pincel na minha toalha absorvente que tenho ali à minha esquerda. Você pode ver como estou ficando com uma pequena quantidade de bagunça manchada enquanto faço minha ativação de cores. Mas eu não vou entrar e tentar me livrar dessa textura, especialmente porque sei que ainda vamos aplicar mais cor em cima disso. E também porque corro o risco de sobrecarregar meu trabalho. Se eu fizer isso aqui, estou passando as cerdas limpas e levemente úmidas do meu pincel ao longo das bordas da minha forma de destaque mais brilhante, essa forma branca que mantive protegida ao longo do caminho, onde há papel limpo brilhando sem pintura. Estou apenas querendo suavizar as bordas dessa forma de realce mais brilhante. E eu fiz isso com um pincel mais limpo e levemente úmido e apenas passando suavemente as cerdas do pincel sobre essas bordas. Talvez esfregando um pouco suavemente e borrando um pouco com minha toalha absorvente. Depois de fazer isso, chegou a hora de começar a trabalhar na ativação da cor na alça. Quero ter certeza de que, mesmo em minhas viagens de manejo, tenho uma variedade de valores desenvolvidos. Então, eu quero áreas mais claras, áreas de tom médio e áreas mais escuras. Nessas formas de alça. Removi toda essa cor das cerdas do meu pincel e vou começar a trabalhar no tecido agora. Levantando algumas gotas de água que coloquei na minha peça acidentalmente. E eu vou começar por aqui, descer. E pense na estrutura tridimensional criada pelas dobras do tecido. Em vez de simplesmente fazer isso. Estou abordando isso em seções. Continuo observando aquela foto de referência para me lembrar do que está acontecendo com essas dobras de tecido e continuo trabalhando, com paciência e cuidado, seção por seção, ampliando diferentes partes da foto de referência à medida que avança. Não estou passando meu pincel sobre as seções mais claras nas quais não apliquei mais nenhuma cor na fase anterior desse processo. Sei que, se o fizer, corro o risco de escurecer essas seções e removerei os valores mais claros de que realmente preciso se quiser que isso pareça realista. Lembre-se também de que, se você cobrir as seções de valores mais claros e se livrar dos destaques, suas peças não terão aquela luminosidade e esse efeito de brilho tão específicos da aquarela, que acontecem quando você incorpora o brilho do papel como parte da peça. Estou fazendo o meu melhor para manter o controle da água. Estou abraçando pequenas imperfeições e pequenas manchas que restam enquanto eu estou ativando essa cor. Realmente não quero me livrar dessa textura criada pelo lápis. E continuo me concentrando principalmente no valor porque sei que esse valor é o número um. Quando se trata de desenvolver uma sensação crível de profundidade, faremos mais camadas de cores para aprofundar e escurecer ainda mais certas seções na próxima fase desse processo. Então, a maior parte desse Ness manchado vai desaparecer. Depois de aprender a ativar a cor, você pode fazer isso rapidamente. Você entra em um ritmo de ativação e depois limpa o pincel e volta para dentro e faz um pouco mais de ativação e limpeza do pincel e volta, e é preciso um pouco de prática e de se acostumar. Estou quase terminando minha ativação de cores no tecido. E estou anotando algumas dessas longas formas vermelhas que parecem um pouco demais com linhas para mim. E é importante observar esse tipo de coisa ou qualquer coisa que possa exigir um pouco de fixação ou amolecimento antes de passar para a próxima fase do processo. Porque dessa forma, você estará preparado para corrigir isso ou tornar esse erro menos perceptível na próxima fase, que está chegando, onde vamos aplicar mais cor na parte superior. Ok, então eu terminei com o tecido. Vou trabalhar na mesa e vou deixar a flor para que o último elemento seja ativado só porque preciso ter muito cuidado com a flor. Então, removi toda a leitura das cerdas do meu pincel e vou entrar e examinar forma muito rápida e solta as seções em que acabei de colocar mais cores. Eu quero ativar. E isso é tudo para a parte superior da mesa. Vou fazer um pouco de ativação nessa parte no canto inferior esquerdo. E eu vou terminar. Vamos fazer a flor. Então, vou remover todo esse marrom das cerdas do meu pincel, para ter certeza de que estão bem limpas. E vou começar com minhas pétalas. Estou apenas tentando ativar muito, muito suavemente o lance de cor que eu já coloquei. E eu não estou tentando puxar tudo pelas pétalas porque caso contrário, elas não parecerão mais brancas. Então, observe a rapidez com que estou fazendo isso, certo? E se você já começou a criar esse pedaço de textura com traços lineares nessas pétalas, arraste suavemente a ponta do pincel sobre linha que você criou com seu lápis de aquarela. E passe por cima uma vez com um movimento ascendente e externo com seu pincel. E isso vai ajudar a suavizar essa linha, vai borrá-la com essa flor branca. Sou ainda mais cuidadoso ao me certificar de não encobrir a brancura do papel que ainda tenho de sobra. Esse papel branco está brilhando em todas essas pétalas. Começar pelas seções de valores mais claros e seguir em direção às seções de valores mais escuras é muito útil. E isso é tudo para as pétalas. Eu não quero fazer mais nada. Agora, para o centro, vou começar pelo meio com movimentos circulares suaves, mesmo com meu pincel. E com muita delicadeza, basta tocar a ponta do meu pincel sobre essas áreas onde coloquei um pouco mais de cor e isso deve ajudar a derreter a cor um pouco mais. Eu ainda deixei um pouco de textura lá. Eu realmente não estou querendo me livrar dessa textura por enquanto. Isso é tudo que eu vou fazer. Ou seja, para essa segunda ativação da cor nesse processo, não vamos trazer mais água ou qualquer outro pincéis até a hora pintar na parede traseira com tinta aquarela tradicional. Por enquanto, vou permitir que isso seque completamente novamente. E depois que isso estiver seco, passaremos para a próxima fase desse processo, onde faremos nossa aplicação final lápis de aquarela. 10. Terceira aplicação de cor: Tudo bem, então tudo está completamente seco e é hora de trabalhar em nossa terceira camada de lápis de aquarela. Nesta fase do processo, estamos nos concentrando apenas nas áreas escuras mais profundas e escuras. Então, vamos usar a cor mais escura que escolhemos para cada área. E provavelmente vamos trazer um pouco da cor média novamente, se tivermos que trabalhar em alguma transição. Então, vamos começar com a imagem novamente, as duas cores que eu estava usando na última fase do processo, onde meu amarelo cromado escuro, meu laranja amarelo e meu laranja vermelho aqui. Agora, se você se lembra, quando eu estava escolhendo minhas cores pela primeira vez antes de começar o processo de pintura, eu estava pensando em trazer o roxo apenas nas áreas mais profundas e escuras da imagem. Isso vai ser muito útil porque eu só consigo ficar tão escuro com essa cor mais escura que escolhi que também vai ajudar a integrar esses três elementos forma bonita, porque estou usando roxo aqui e estou usando roxo aqui. No entanto, ainda quero ter esses dois em mãos, caso precise trabalhar um pouco mais nas transições. Então eu vou trazer o roxo. Na verdade, só vou usar essa cor agora se achar que preciso suavizar as transições Se elas realmente quiserem começar, estou apenas focando nas áreas mais escuras, tons médios mais escuros e nas áreas de sombra mais escuras. É bom entrar direto com minha laranja vermelha. Estou observando aquela foto de referência e só vou aplicar essa terceira camada de cor nas seções de sombras mais profundas e escuras que eu vejo. Estou apenas tentando empurrar as áreas mais escuras neste momento do processo. E deixando todos os tons médios mais claros e as luzes mais claras completamente descobertos por essa terceira aplicação de cores, continuo notando nessa foto de referência que tenho transições nítidas entre formas de valor e onde tenho transições mais suaves e graduais. Como, por exemplo, nesta seção inferior dessa estrutura esférica na imagem, tenho uma transição gradual mais suave, na qual valores mais escuros se transformam gradualmente em tons médios mais claros. Portanto, estou me certificando de aplicar cada vez menos pressão à medida que saio das áreas de valor mais escuras para as seções de valores mais claras. Mesmo neste ponto do processo que estamos trabalhando nos valores mais profundos e obscuros, ainda não estou aplicando muita pressão a ponto de polir meu papel. Talvez eu me permita pressionar um pouco mais do que com minha segunda aplicação de cores, especialmente nas seções mais profundas em que realmente quero encobrir a maior parte desse papel, mas ainda quero ter cuidado. Não quero começar a danificar acidentalmente meu papel. Aqui eu tenho uma borda nítida e definida e aquela foto de referência. Mas aqui embaixo, as bordas estão um pouco mais suaves. Então, estou aplicando muito menos pressão e provavelmente vou usar essa cor amarela e laranja um pouco para suavizar um pouco mais as transições entre tons médios mais escuros e tons médios mais claros. Vou começar a escurecer algumas seções que precisam ser escurecidas em toda a estrutura cilíndrica da imagem. Definitivamente, tenho seções de valores mais escuros para continuar pressionando mais, há uma forma de valor escuro muito visível que ocupa quase metade da estrutura cilíndrica. E tem uma borda bem nítida e definida que eu quero garantir que aconteça na minha peça. Então, continuei com minhas camadas dessa terceira cor na imagem, continuando comparando minha pintura com a foto de referência e percebendo seções que precisam ser escurecidas. Eu escureço um pouco ao longo da borda direita da parte cilíndrica da jarra. Eu escureço um pouco em pequenas seções da alça. E então eu passo para as seções mais escuras nos planos internos da imagem. Vou fazer uma sobreposição um pouco mais dessa laranja vermelha antes de mudar para o meu roxo Quero ter certeza de que já desenvolvi uma boa gama de tonalidade e valor antes de trazer minha cor mais escura, que será o roxo. Se eu estivesse apenas dentro da faixa de valor da luz até o meio-tom claro, e eu trouxesse meu roxo. Esse roxo criará muito contraste sobre esses valores relativamente mais leves. Portanto, gaste o tempo precisar e certifique-se de que você já desenvolveu um certo nível de bagunça 3D antes de mudar para o roxo. Então, finalmente, vou usar meu roxo. Não vou pressionar com muita força porque essa cor é muito mais escura do que a cor que já existe. Eu quero avançar gradativamente, um passo de cada vez. Então, eu vou começar aqui novamente. E lembre-se de que quanto mais escuro você fica com sua cor, menor a forma. E quanto mais você quiser, lembre-se de exercer ainda menos pressão à medida que avança em direção aos tons médios mais claros. Você pode ver aqui que eu não vou entrar inicialmente com muita pressão com meu roxo. E você pode ver como eu não vou entrar e encobrir todo o meu vermelho. Estou apenas escurecendo certas seções dessas formas escuras que eu já havia começado a criar com meu vermelho. Se depois de fazer essa camada inicial mais clara com meu roxo, eu quiser entrar e escurecer ainda mais as seções. Posso considerar entrar com outra camada e talvez pressionar um pouco mais. Na verdade, tudo se resume a levar as coisas gradualmente, um passo de cada vez em direção aos valores mais profundos e sombrios. Há uma forma de sombra profunda aqui. E uma forma de sombra profunda aqui, logo abaixo da imagem. E vou continuar pulando a imagem inteira, sobrepondo esse roxo nas seções de valores mais escuras que vejo na foto de referência. Começando suavemente, sem pressionar com muita força, e depois me permitindo pressionar com um pouco mais de força se eu quiser aplicar mais camadas sobre isso apenas nas seções de sombras mais profundas e escuras. Agora que fiz muitas sobreposições de roxo sobre meu vermelho, você pode ver que essa combinação de cores está muito bonita. Quando você vai misturar, misturar ou sobrepor duas cores diferentes. É muito importante testar essa mistura de cores em um pedaço de papel aquarela antes de usar essas duas cores no processo de pintura. Dessa forma, você pode evitar Medina ou criar cores que não pretendia criar. E se você vai ativar essas duas cores juntas, como, por exemplo se você vai colocar o roxo sobre o vermelho e você vai trazer água e um pincel ativar essas duas e misturá-las. Teste isso também. Porque com lápis de aquarela, como mencionei antes, quando você ativa essa cor, ela pode parecer bem diferente de como era antes. Nesse caso, não vamos mais trazer água e um pincel para ativar essas cores juntas, vamos deixá-las como estão. Mas você deve evitar a criação cores indesejadas o máximo possível. E fazer algum trabalho de planejamento e preparação e adotar uma estratégia, é claro , será extremamente útil para evitar esse tipo de coisa. Até dez a 15 minutos planejando as cores específicas que você vai trazer e garantir que você as colete e as ative em um pedaço de papel aquarela. Se você vai colocar água e um pincel em seu processo, é muito útil. Ok, então eu terminei com o roxo por enquanto. E se agora que você aplicou sua cor mais escura, você quer mudá-la de volta para o vermelho mais escuro ou a cor média para trabalhar nas transições entre essas novas formas de valores mais escuros e os tons médios que você já desenvolveu. Você pode ir em frente e fazer isso. Aqui estou usando meu vermelho mais escuro, ultrapassando as bordas e criando transições mais suaves. Aplicando cada vez menos pressão à medida que entro em seções de valor mais leves. Você pode me ver trabalhando em transições aqui , neste lado claro do cilindro. E também aqui nesta seção clara da estrutura esférica. Vou arredondar um pouco mais a parte esférica da imagem colocando um pouco desse vermelho nas bordas. Adicionando rapidamente um pouco mais dessa cor em outras seções. E então eu mudo para minha cor média. Se você quiser trabalhar em transições entre seus tons médios claros e suas áreas de luz mais claras, você pode voltar para sua cor média. Então, para mim, é amarelo, laranja. Você notará como eu contorno a seção de destaques mais brilhantes. E à medida que entro nessa área mais clara, libero totalmente essa pressão, deixando uma parte da camada inicial que criei, especialmente aquela seção ao redor da forma de destaque mais brilhante. Livre desse pigmento extra, não preciso adicionar mais cor a essa área. Este é o ponto do processo em que, se eu quiser adicionar um pouco de cor nessas bordas, o lábio aqui em cima e essa borda aqui. Se eu deixei para branco, certamente posso entrar com meu amarelo, laranja ou até mesmo em seções com meu laranja vermelho para criar uma pequena variedade de valores nessas formas muito estreitas. Tudo bem, apresse-se. Eu terminei com a foto e é hora de passar para o tecido. Então, quando se trata do tecido, eu estava usando meu laranja vermelho, que é meu laranja cromado escuro. Eu estava usando meu vermelho mais escuro, que é vermelho escarlate, e estava usando meu roxo azul para as áreas de sombra mais escuras, o vermelho mais claro não vou mais usar porque estou focando nos valores mais escuros. Então, vou direto com meu vermelho escarlate e vou ampliar um pouco mais as áreas de sombra mais escuras com meu roxo azul. Não é minha intenção escurecer nada exceto as áreas que realmente precisam ser escurecidas. Vou começar com essa área sombria aqui. E assim como o que venho fazendo quando trabalhei no tecido e em todas as fases anteriores. Estou me certificando de trabalhar seção por seção, ampliando essas áreas na foto de referência à medida que avança. E estou fazendo o meu melhor para não colocar mais cores ou sobrepor mais pigmentos nas seções de valores mais claros. Vou continuar descendo, escurecendo as formas de sombra abaixo da flor. E onde quer que eu veja formas de sombra devido ao tecido se dobrar sobre si mesmo. Vou examinar toda essa forma, exceto pela borda inferior. E isso ocorre porque vejo valores mais claros na borda inferior da foto de referência. Então, eu vou ficar longe dessa área. Nunca parei de olhar para aquela foto de referência enquanto avançava. É muito importante nos treinar para observar se estamos procurando níveis mais altos de realismo. Enquanto estou trabalhando nessa camada do tecido, estou me lembrando do que eu não tinha notado antes na fase anterior sobre como algumas dessas formas se parecem um pouco demais com linhas. Então, o que estou tentando fazer é suavizar esse efeito de linha adicionando um pouco mais de cor ao longo de algumas das bordas dessas linhas, fazendo com que certas seções pareçam um pouco mais grossas. Outras seções parecem um pouco mais finas e a tornam mais abstrata alongada do que uma linha. Se você realmente observar essa foto de referência de perto, essas são formas abstratas, não linhas. Então, se você ver algo parecido com uma linha em seu trabalho, pense em como torná-la um pouco mais irregular. Depois de escurecer outras pequenas seções aqui e ali, decido trazer minha borracha macia de grafite. Eu me certifiquei de que estava bem limpo antes entrar, a fim de apagar um pouco a cor ou levantar para suavizar seções dessas formas que parecem um pouco demais com linhas para mim. Isso definitivamente ajuda a criar mais irregularidades em todas essas formas longas. Dessa forma, algumas seções parecem mais claras, outras mais escuras e parecem muito menores. Linhas que têm um peso consistente de uma extremidade à outra. Contanto que você não tenha ativado essa cor, você será capaz de elevar um pouco dela. Finalmente estou pronto para entrar com meu roxo. E mais uma vez, vou começar por trás da foto em que vejo formas de sombras muito escuras. E eu vou colocar minhas camadas de roxo sobre certas seções dessa forma vermelha escura que eu já havia criado. Vou descer a partir daí, escurecendo ainda mais outras seções e realmente me escurecendo ainda mais outras seções certificando de que não estou usando demais a cor mais nítida e nivelando áreas que são realmente tons médios e não áreas escuras mais escuras. Continue ampliando a foto de referência conforme necessário e não se sobrecarregue. Basta trabalhar seção por seção, um pouco de cada vez. Observe e pergunte a si mesmo: esta seção é mais escura ou mais clara do que esta seção aqui? Então, se você já conferiu alguma das minhas outras aulas ou tutoriais de lápis de aquarela, provavelmente já sabe que eu adoro usar lápis de aquarela em sua capacidade máxima. É por isso que eu gosto de ativar essa cor com água. E também gosto de incorporar a textura que eles deixam para trás como parte da peça. Se eu estivesse apenas optando por efeitos pictóricos, eu definitivamente escolheria a tinta aquarela tradicional simples e antiga. E o que estou usando lápis de aquarela é que gosto de usá-los em todas as suas capacidades , gosto de usá-los em todas as suas capacidades ativar a cor e incorporar uma certa quantidade de efeitos pictóricos e, ao mesmo tempo usar a textura que eles deixam para trás como interesse. Como incorporar a aparência esboçada que eles podem produzir, sendo também um meio de desenho. E realmente equilibrar isso com o efeito pictórico. Então você também pode criar com esse meio. E é por isso que não vamos ativar essa terceira aplicação de cores. Queremos uma mistura de efeitos incompletos e efeitos pictóricos. Vou ficar quieto enquanto continuo escurecendo as seções usando meu roxo. Ok, então eu terminei com meu roxo em todo o tecido. E se eu quiser voltar ao meu vermelho para trabalhar nas transições depois de pressionar essas seções de valores mais escuros, eu definitivamente posso fazer isso. Se você achar que tem formas roxas de aparência muito nítida ou deseja fazer uma transição mais suave e gradual entre seus diferentes valores. Você pode usar o vermelho mais escuro para trabalhar nas bordas das formas roxas. Tudo bem, então não vou colocar mais camadas na mesa. Eu não acho que seja necessário. Já existe uma boa variedade de valores nessa área. E como é uma espécie de elemento secundário de suporte, há realmente nenhuma necessidade de adicionar mais detalhes ou texturas a essa área. Eu quero escurecer essa forma de sombra aqui no canto inferior esquerdo, onde parte visível da mesa está logo abaixo do tecido, para que eu possa realmente posicionar esses objetos na mesa. Para isso, eu uso meu marrom mais escuro, que é meu marrom Van ****. Então eu entro e faço um pouco mais sobreposição com esse marrom mais escuro, especialmente nas seções mais próximas do tecido. E então eu vou mudar para o meu roxo. E com meu roxo, estou fazendo ainda mais sobreposições, mas agora apenas ao longo da borda inferior do tecido. Então, estou escurecendo apenas o que seria a área da sombra de oclusão. Tudo bem, legal. Então, agora vou trabalhar um pouco mais na flor. Então eu vou trazer de volta um cinza, verde e roxo. Com meu cinza. Realmente, vou me concentrar apenas em criar essas linhas. E tudo o que estou fazendo é apenas rabiscar um pouco aqui embaixo e puxar rapidamente algumas linhas, certificando-me de que as linhas não pareçam muito rígidas ou retas. Você quer seguir a curva desse formato da pétala. Caso contrário, eles podem acabar parecendo um pouco antinaturais. Então isso é o suficiente. Não quero fazer mais nada. Se houver alguma forma de sombra que você queira desenvolver nas pétalas, especialmente na seção mais próxima do centro. E sob as pétalas, você pode fazer isso. Apenas tome cuidado para não exagerar. Agora, finalmente, no meio, é aqui que eu quero entrar. Talvez você queira ter certeza de que seu lápis de aquarela está afiado. Assim, você pode usar pequenos traços circulares para desenvolver um pouco mais de textura. E então eu vou entrar, assinar um contrato com meu roxo. E eu vou fazer alguns círculos minúsculos lá para desenvolver alguns valores mais sombrios. E melhore um pouco mais essa textura. Vou colocar algumas seções de sombras com meu roxo aqui, logo abaixo das pétalas da flor. E eu terminei. Se você acha que exagerou um pouco com o roxo ou quer suavizar o roxo, com a borracha e faça um pouco de levantamento. Não quero que nenhuma linha ou marca distraia demais ou que Stark olhe para a flor. E com isso, estamos todos concluídos com essa fase do processo. Agora é hora de pintar a parede de fundo. Então, vamos trazer algum tipo de tinta. No meu caso, vou trazer tinta aquarela tradicional. 11. Pintura de fundo de parede: Quando se trata da tinta que você vai usar na parede traseira. Realmente, você pode usar a cor de tinta que quiser. Se você tem índigo, pode usar índigo. Como meu índigo acabou, vou misturar azul ftalo e tonalidade neutra. Vou começar a criar minha mistura de cores azul escuro. Vou usar meu pincel redondo tamanho dez para criar minha mistura de cores. E então eu vou mudar para um pincel diferente porque essa é uma forma bem grande na qual vamos pintar. E eu não quero usar um pincel muito pequeno. Você quer ter certeza de que está sempre escolhendo um tamanho de pincel apropriado para a área que você vai pintar. Caso contrário, você pode tornar o processo de pintura muito mais difícil e frustrante do que o necessário. Estou apenas tomando um pouco de água de cada vez, trazendo-a para minha cor azul ftalo e rosa aqui na minha paleta, trazendo um pouco de tinta de cada vez para esta seção da minha paleta que eu havia limpado anteriormente. E eu estou optando por uma mistura de cores agradável e suculenta que tenha aproximadamente a consistência de café com leite. Então, aproximadamente 50%, 50% de água é o que você quer. Quero ter certeza de que também tenho o suficiente, porque, novamente, esta é uma área bem grande. Vamos criar uma boa lavagem em toda a área. Tudo bem, então eu acho que isso é suficiente da minha mistura de cor azul. Vou adicionar um pouco da minha tonalidade neutra para escurecê-la. Vou adicionar um pouco do meu cinza ou preto de cada vez até que fique tão escuro quanto eu quiser. Você pode usar o azul que quiser ou ao qual tiver acesso. Pode ser azul ultramarino. Pode estar no trono azul, failover, azul, azul prussiano. Se você quiser escurecer mais, pode escurecê-lo com o cinza, a tonalidade neutra e o preto neutro da Payne , qualquer coisa assim funcionará perfeitamente. Estou procurando um azul profundo. É por isso que adicionei um pouco de tonalidade neutra ao meu azul. Tudo bem, acho que isso é suficiente. Vou testar essa cor em um pedaço de papel aquarela antes de usá-la para ter certeza de que está onde eu quero que esteja. Eu quero que pareça azul, mas também quero que fique bem escuro para contrastar. Então, estou adicionando um pouco mais de tonalidade neutra para escurecer um pouco mais. Ok, lá vamos nós. Tudo bem, então minhas cores estão onde eu quero, e acho que tenho uma boa quantidade. Vou adicionar um pouco mais de água porque é meio grosso. Vou enxaguar toda essa cor para as cerdas do meu pincel porque não vou mais usar esse pincel. Vou usar esse pincel aqui. Esta é uma escova plana de três quartos de polegada, e eu vou fazer pré-casamento em toda essa parte da parede. Estou tirando um pouco de água de cada vez do meu recipiente e cuidadosamente pré-casando toda essa seção da peça. Realmente dedique seu tempo fazendo esse processo de pré-leitura. Não consigo enfatizar o suficiente o quanto isso é importante. Você quer obter um brilho agradável e uniforme em toda a parede. Vou deixar a forma negativa na alça para mais tarde. Mas eu quero poder pintar toda essa seção da parede de uma só vez. Isso me ajudará a criar aquela lavagem relativamente uniforme que estou procurando para a parede. Estou examinando tudo pelo menos seis a sete vezes, fazendo esse processo de pré-leitura e preparando nosso papel com uma fina camada uniforme de água. Vamos fazer duas coisas. Em primeiro lugar, poderemos expandir nosso tempo de trabalho enquanto pintamos nesta parte da parede. Veja, quando pintamos em papel seco, o papel fica com muita sede e começa a absorver a tinta imediatamente. Tudo começa a secar muito rápido. Então, ao colocar água no papel, ele não terá mais tanta sede. E a tinta que colocamos nela não será absorvida tão rapidamente. As coisas vão secar muito mais lentamente. Então, isso se expande, aumenta nosso tempo de trabalho para que possamos continuar adicionando mais tinta se precisarmos ou trabalhar para suavizar pequenas texturas de que não gostamos, etc., antes que tudo comece a secar em nós, especialmente quando trabalhamos com aquarela, não devemos adicionar mais tinta ou mover a tinta quando ela está começando a secar, porque isso só levam a fundos ***** manchados e efeitos indesejados. Então essa é uma das razões pelas quais estamos fazendo o pré-casamento hoje. Mas outra razão é porque a água que aplicamos no papel fará metade do trabalho para nós em termos de criar esses efeitos suaves e difusos Você vê que a aquarela se expandirá quando colocada em papel úmido. E é exatamente isso que queremos. Queremos bons defeitos leves e nosso plano de fundo. Perceba, é claro, que o ambiente em que você está trabalhando que o ambiente em que você está trabalhando terá um grande impacto na rapidez ou na lentidão com que sua tinta começa a secar se você estiver trabalhando em um ambiente quente , frio, úmido ou seco. Se você tiver um ventilador em um sistema de aquecimento, em uma unidade de ar condicionado, todas essas coisas terão um impacto no andamento processo de pintura e no resultado final. Mas seja qual for o caso, você deve dedicar seu tempo a esse processo de pré-leitura e garantir um brilho uniforme e uniforme em toda área da parede antes de começar a pintar. Se você fizer isso muito rápido, algumas seções começarão a ser desenhadas rapidamente no YouTube. Nada é acelerado nesses vídeos deste curso. Então, esse é realmente o tempo que demorei para fazer meu pré-casamento para esta peça. Não se apresse com esse processo. Basta passar as cerdas do pincel sobre o papel suavemente, digamos, ter um brilho uniforme em toda a seção superior. E estou pronto para começar a adicionar minha cor azul escuro e meu plano de fundo. Vou usar esse pincel redondo tamanho 14, bem molhado. Remova o excesso de água e eu vou pegar uma boa quantidade dessa mistura de cores azul escuro e suculenta que criei depois de encher meu pincel com uma boa quantidade dessa cor rica em azul escuro que eu criei. Vou começar a jogá-lo nessa umidade que preparei meu papel molhado. E vou contornar a foto com muito cuidado . A aquarela só se expandirá em papel molhado. Então, se eu não coloquei nada dentro do formato de jarro, a cor não se expandirá para dentro dele. Portanto, continue contornando a imagem com cuidado. Você pode ver como esse conteúdo de água que eu preparei, largura do meu papel, está realmente me ajudando a criar belos efeitos suaves e difusos. Tudo ainda está bastante úmido e funcional, então posso continuar adicionando mais cores conforme necessário até chegar à lavagem que estou procurando em meu plano de fundo. Estou procurando uma pequena variedade valores e translucidez em meu plano de fundo. Então, eu não vou fazer uma lavagem completamente plana. Eu quero que certas seções pareçam um pouco mais claras, outras seções pareçam um pouco mais escuras. E esse conteúdo de água vai me ajudar a criar essas transições suaves entre essas áreas mais escuras e aquelas áreas mais claras. Se eu tivesse começado a pintar em papel seco, estaria correndo contra o relógio porque tudo estaria desenhando muito rápido. Dito isso, eu não tenho trabalhado muito, muito devagar. Ainda estou tentando trabalhar com rapidez e estou tentando mantê-lo em movimento. Também estou realmente evitando entrar e misturar demais. Estou abraçando os efeitos orgânicos irregulares que a aquarela está criando. Se eu entrar e começar de novo misturar e revisar tudo, posso correr o risco de começar a danificar meu papel ou realmente achatar as coisas. Estou apenas entrando e fazendo uma suavização suave. Se eu achar que tenho algumas texturas muito visíveis que podem distrair demais, mas qualquer outra coisa que eu tento deixar como é algo que você me viu fazer ali mesmo é que eu usei as cerdas do meu pincel como uma pequena esponja absorvente para remover o excesso de água e tinta que estava puxando demais em uma área. E aqui , como o papel ainda está bastante úmido e funcional, eu me permito colocar mais tinta nas seções que quero escurecer o papel que já estamos começando a secar. Eu não estaria fazendo isso. Eu sei que se eu tiver um fundo escuro porque a imagem é clara, poderei fazer com que a imagem realmente se destaque porque haverá mais contraste criado. Então é isso para minha parede de fundo. Vou limpar esse pincel maior e deixá-lo de lado. E agora vou pintar no espaço negativo na alça da imagem em que não pintei. Então, para isso, eu coloco meu pincel redondo tamanho dez. Mesmo nessa pequena área, quero ter certeza de que estou desenvolvendo uma certa variedade de valores. Então, eu quero que algumas seções pequenas pareçam mais escuras e outras seções pequenas pareçam mais claras. Então, quero ter certeza de que, inicialmente estou criando uma camada azul relativamente clara para poder criar esses valores de azul mais escuro nessa camada azul clara. Portanto, evite usar uma mistura muito espessa de cor escura logo de cara, opte pela luz inicialmente, diluída e pálida, e depois coloque um pouco mais de cor em pequenas seções aqui e ali. Você quer escurecer para poder desenvolver essa pequena faixa de valores, mesmo nesta seção, o que estou colocando nessa segunda camada de azul sobre o primeiro azul mais claro. Eu me certifico de fazer isso enquanto a camada inicial ainda está úmida , caso contrário, não vou conseguir essas transições suaves e difusas. E isso é tudo que vou fazer com a tinta aquarela tradicional. Vou deixar minha tinta de lado. Vamos permitir que isso seque e passaremos para a última fase desse processo , na qual adicionaremos nossos detalhes finais. 12. Detalhes finais: Tudo bem, então eu terminei com aquela tinta aquarela tradicional e ela secou completamente. E nesta última etapa desse processo, eu só quero entrar e realmente ampliar as áreas mais escuras e escuras para adicionar contraste final. Se você precisar trabalhar mais em qualquer textura ou até mesmo em transições, você também pode fazer isso. Queremos incluir algumas seções de valores mais sombrios na imagem. Então eu volto ao meu laranja vermelho, que é meu laranja cromado escuro, e também meu roxo azul. Vou simplesmente entrar e começar a usar meu azul roxo. E eu estou apenas querendo realçar as formas de sombra mais profundas e escuras que vejo naquela foto de referência. Essa é a camada final que estamos fazendo. Portanto, queremos nos concentrar apenas em empurrar as áreas escuras mais escuras. Então continue comparando sua pintura com aquela foto de referência. Realmente observe essas diferenças e as coisas nas quais você precisa continuar trabalhando. Exercendo menos pressão à medida que saio do valor mais sombrio das áreas. Seja o que for em que você esteja trabalhando. Se você está trabalhando para aprofundar e escurecer as seções de valores mais escuras para obter mais contraste. Ou se você deseja suavizar algumas transições ou adicionar um pouco mais de textura, certifique-se de alternar entre as cores conforme necessário, dependendo do que está fazendo e da mudança e da pressão que está exercendo sobre o lápis. Porque se você não prestar atenção na ferramenta que tem na mão e na quantidade de pressão que está exercendo. Você pode acabar escurecendo demais a seção ou criando formas ou linhas que distraem demais e começar a olhar. Aqui mesmo. Estou escurecendo essa seção de sombra logo abaixo da imagem. E se eu quiser trabalhar nas transições, posso mudar para a laranja vermelha e trabalhar nas transições. Nesta fase de vidro do processo, é muito importante continuar fazendo pequenas pausas e continuar voltando para ver a peça inteira, toda a composição como um todo. Evite exagerar, veja tudo à distância e pergunte a si mesmo se é realmente necessário mais. Lembre-se de que, quando trabalhamos com aquarela, lápis e tinta aquarela, menos geralmente é mais. E se exagerarmos, acabaremos com uma aparência plana, pesada e sobrecarregada. E faltará aquele brilho que a aquarela, os lápis e a aquarela permitem. E vou examinar um pouco mais as áreas de valor mais escuras do tecido. E eu vou chamar isso de feito. Apenas focando nas áreas mais escuras. Se neste momento do processo você sentir que quer trabalhar um pouco mais nas texturas dentro da flor , fique à vontade. A propósito, mesmo nesta última parte do processo, ainda não estou me esforçando demais. Sim, estou me esforçando mais do que estava fazendo no início do processo. Mas eu ainda não consideraria isso polimento. Tudo bem. Acho que acabei com essa peça de natureza morta. Então, vou remover minha fita adesiva com cuidado e gentileza para revelar essas bordas brancas e limpas. E terminamos com essa peça de natureza morta em lápis de aquarela. 13. Obrigada: Se você chegou até aqui, parabéns, eu realmente espero que tenha gostado deste curso e que tenha aprendido muitas dicas, ferramentas e truques que você pode levar para futuras peças de lápis de aquarela nas quais você possa decidir trabalhar. Não se esqueça de postar uma foto do seu trabalho na guia Projetos e Recursos aqui no Skillshare. Mal posso esperar para ver seu trabalho e fornecer qualquer feedback que você possa precisar. E você também pode se sentir à vontade para fazer qualquer pergunta que possa ter. Não deixe de me seguir aqui no Skillshare porque tenho muitos cursos novos em andamento para você. E, finalmente, não se esqueça de conferir todos os recursos gratuitos que estou disponibilizando e compartilhando toda semana no meu canal do YouTube e no meu Instagram. Eu adoraria me conectar com você. Muito, muito obrigado por se juntar a mim neste curso. Aproveite sua prática artística e converse com você em breve.