Ilustração por design: um guia para elevar suas habilidades de desenho

1. Introdução: Ilustração é uma coisa incrível. Ele pode iluminar uma idéia, transmitir um pensamento complexo, e nos dar a sensação tudo ao mesmo tempo. Mas o que faz a ilustração funcionar? Essa é uma ótima pergunta. Meu nome é Ira Marcks. Sou ilustrador e cartunista, e me pergunto a mesma coisa toda vez que vou pegar meu lápis. Ilustração é a minha forma de comunicação quer eu esteja tentando transmitir uma mensagem com um único desenho, ou contar uma história através dos painéis de uma história em quadrinhos. Um ilustrador está em constante busca de dois objetivos criativos para se comunicar com clareza e significado, e para evocar uma forte resposta emocional. Mas ser bom em desenhar é apenas parte dele, ilustração é um estado de espírito. Os ilustradores precisam ver as formas e formas de seu mundo é símbolos com significado. Agora você pode ser como, “Ira, isso soa como um tópico para uma aula de design gráfico.” Sim, é. É por isso que chamo essa classe de Ilustração por Design, e é disso que se trata, pensar como um designer para desenhar como um ilustrador. Os designers pensam em uma linguagem gráfica e eu vou mostrar como design thinking pode ajudá-lo a aumentar suas habilidades de ilustração e se comunicar em um nível mais alto. Esta aula não é apenas para ilustradores ou designers, é para tipógrafos, desenvolvedores de aplicativos, desenvolvedores web, comunicadores, pessoas em marketing, amantes de cães, amantes de gatos, qualquer um que queira se conectar com o mundo em um ritmo mais rápido e em um nível mais profundo. Todos nós podemos usar um pouco de pensamento de design em nossas vidas. Então espero vê-lo na aula. 2. O que é design thinking?: O que é pensar no design? Design thinking pode ser definido como a busca soluções simples e acessíveis para ideias ou problemas complicados. O processo pode ser encontrado nos primeiros momentos da civilização humana e desempenhou um papel essencial no desenvolvimento de uma civilização em funcionamento aqui está como. Design thinking nasceu da necessidade de se comunicar. Muito antes da linguagem escrita e da comunicação falada, nossos primeiros ancestrais marcaram formas em pedra e argila para definir os perímetros de seus limites tribais. Design thinking mais tarde evoluiu através do poder de sua linguagem simbólica. A função dessas primeiras formas tornou-se mais complexa ao longo do tempo. As pessoas começaram a marcar, não só suas terras, mas seus seres interiores com iconografia visual. Design thinking é a raiz da metáfora visual e simbolismo, hieróglifos, símbolos religiosos, até mesmo projetos de bandeira são todas boas soluções de design, que unem as pessoas de todos os tipos de maneiras diferentes. pensamento de design moderno convida conexões íntimas e imediatas. Usando os elementos do design visual, artistas criaram uma nova gramática evocativa de formas emocionais e expressivas que poderia ser usada não apenas por artistas acadêmicos, mas por qualquer pessoa que pegasse um lápis ou um pincel. Toda essa história, criou um lugar na sociedade para o ilustrador moderno existir. Então, a seguir, vou compartilhar a história do movimento cultural que me fez apaixonar pela ilustração. 3. Unindo ilustração e design: Conectando Ilustração e Design. Meu apreço e amor pela ilustração vem de uma conexão com o estilo. Provavelmente começou para todos nós com alguns livros ilustrados. Então, para mim, mudou-se para filmes de animação, e depois visitas a museus, e começou a notar arte de rua. Tenho muitas memórias positivas com ilustração, é claro, aos meus pais que me expuseram a todos os tipos de coisas. Mas enquanto eu estava aprendendo a apreciar a ilustração, eu estava encontrando outra inspiração criativa em lugares improváveis. Quando íamos a uma lanchonete, eu adorava olhar os menus, estudar as pequenas fotos e digitar nelas. Eu adorava mapas de turistas quando visitávamos uma cidade pequena. Eu até amei as tabelas e gráficos nos livros de história do ensino médio, e as velhas manchetes de jornais, e revistas Life que eu encontrava na biblioteca. Descobriu-se que eu amava design tanto quanto eu amava ilustração. No início, a ilustração e o design pareciam dois mundos muito diferentes. Foi só quando descobri o movimento Art Nouveau que percebi como tudo se encaixava. Talvez você possa ver a influência do Art Nouveau no meu próprio trabalho só de olhar para ele. É um movimento artístico que fala com o ilustrador, contador de histórias e designer em mim, tudo ao mesmo tempo. Como eu cresci e comecei a olhar mais fundo em Art Nouveau, ficou tão claro que a coisa com que eu realmente estava me conectando ia muito além de todas as lindas linhas, formas e esquemas de cores da Art Nouveau. Foi a ideia e o sentimento por trás de toda a revolução criativa. 4. Art Nouveau: o estilo das pessoas: Art Nouveau, o estilo do povo. É a virada do século XX na Europa, e a relação do país com o mundo está mudando. A revolução industrial é uma coisa nova. capitalismo está literalmente em toda parte, e a classe média está crescendo e ficando mais educada. Eles estão ganhando mais dinheiro, e eles estão sendo um pouco mais frívolos e indulgentes em seus interesses. Isso significa ler mais e viajar pelo mundo e também ir para a escola de arte. É a virada do século XX na Europa, e a relação do país com a arte está mudando. Artistas mais jovens não estão tão interessados no sonho, mundo francês do Impressionismo, e eles estão ainda mais cansados da idéia de que o Renascimento é o fim de tudo da estética. Jovens artistas não estavam interessados em renderizações hiper realistas de monumentos históricos ou técnicas pintativas que tinham sido usadas desde a idade das trevas. Eles queriam mostrar ao mundo que uma visão artística não era a única propriedade dos ricos e poderosos, e não era a visão estreita dos ricos. Eles queriam projetar sua própria visão criativa, e eles procuraram inspiração em todos os lugares. Eles o encontraram nos artistas e escribas sem nome que dedicaram suas vidas a manuscritos iluminados e textos evangélicos dos tempos antigos. As pessoas e artistas que eram os desconhecidos e menos apreciados na história. Eles se inspiraram nas ciências mais especificamente no trabalho de Ernst Haeckel, que desenhou impressionantes, renderizações de plantas exóticas e animais que nunca antes tinham sido vistos pelo olho humano. Eles foram inspirados por essas visões fantásticas do mundo natural, e eles se inspiraram no poder e potencial da tecnologia de impressão. Eles simplificaram seus estilos de design e plana em suas imagens para criar impressões ousadas e marcantes e, através do disfarce de arte comercial, eles poderiam espalhar sua mensagem ainda mais. Com essa mistura de influências, os jovens artistas do movimento Art Nouveau criaram sua própria linguagem ilustrativa cheia de curvas de chicote e [inaudíveis] linhas eróticas, formas orgânicas estranhas, mas familiares. O movimento Art Nouveau foi evocativo e erótico. Era misterioso e hipnotizante, e suas formas estranhas estavam crescendo por todo o continente. É a virada do século XX na Europa e Art Nouveau está em toda parte. E esse era o objetivo. O movimento não era para ser o domínio de alguns artistas selecionados. Foi para todos os criativos. Qualquer um que quisesse abraçar a estética poderia aplicar essas formas e formas simples onde quisesse. Não era apenas nas artes gráficas na ilustração. Art Nouveau estava em vasos e cadeiras e papel de parede na arquitetura. Quanto mais os estilos se espalham, mais ele desfocava a linha entre o mundo da arte e as pessoas que o fizeram. 5. O espírito do movimento: O Espírito do Movimento. Viena, capital da Áustria, 1897. Pintor, Gustav Klimt; arquiteto, Joseph Maria Olbrich; e designer, Josef Hoffman eram um pequeno grupo apaixonado de artistas anti-acadêmicos e anti-historicistas. Eles olharam para fora através sua movimentada metrópole europeia de Viena e encontraram-se sem inspiração. O horizonte para eles cheirava ao passado, fileiras de edifícios municipais sem alma mergulhados no neoclassicismo, esse estilo de design cansado e astuto ligado à história do Império Romano. Estes três artistas olharam para a pedra cinzenta decorada com pilares governamentais e portas cobertas com pedras chaves que eram chamadas figuras de mitos obscuros, e eles viram tudo. O movimento Art Nouveau estava contra a cidade de Viena. Sua casa estava presa no passado prestando homenagem a uma cultura no tempo tão distante de sua própria experiência, que eles não podiam se conectar. Klimt, Olbritch e Hoffman queriam trazer uma nova forma para o horizonte, um edifício inspirado nas artes e ofícios das pessoas comuns, algo democrático, algo espiritual. Então, juntos, eles projetaram e construíram um novo espaço de exposição com um design inspirado em planos cruzados gregos semelhantes à igreja. Eles construíram uma estrutura de ferro e tijolos. Eles cobriram as paredes com gesso liso e as caiaram de branco para um brilho marcante. Decoraram as paredes com formas planas estilizadas do movimento Art Nouveau. No topo do telhado, eles construíram quatro pilares para segurar uma coroa de flores dourada. No meio de uma cidade de Greystone, seu edifício se tornou um farol para os jovens artistas de Viena se reunirem. Era um espaço bonito e único, mas também imperfeito e totalmente irracional. Esta tornou-se a casa da Secessão de Viena. Acima da porta em letras douradas como vermes, eles colocam uma simples inscrição que se traduz em : “Para todas as épocas sua arte. Cada arte é a sua liberdade.” Agora, para mim, a Secessão de Viena e os artistas que passam por suas portas representam mais do que o olhar do movimento artístico porque verdade seja dita, não há nenhum olhar definitivo e todo Art Nouveau. A Secessão representou o espírito do movimento, e os artistas que participaram também falaram. Como diz o arquiteto, Joseph Maria Olbrich, “Uma verdade metafísica superior derivada da inspiração artística subjetiva”. Em outras palavras, o movimento era sobre criatividade que procurava ascender a um lugar além das restrições do mundo físico. 6. Uma utopia para ilustradores: Utopia para ilustradores. A secessão de Viena, foi um lugar de inspiração para ilustradores, muitos dos quais contribuíram para a revista oficial de arte da secessão, Ver Sacrum. Ao olharmos através das páginas da publicação, que agora tem mais de 100 anos, ainda podemos dizer que os editores da secessão estavam empurrando as formas de design gráfico, tipografia e ilustração para novos níveis. Foi até a primeira publicação a adotar esse formato quadrado Super-Hip. Como o próprio edifício da secessão, Ver Sacrum prestou homenagem à libertação criativa de formas geométricas simples e à abstração total. Ver Sacrum, considerado uma publicação inovadora figurativa. A primeira edição de junho de 1897, deixou essa mensagem totalmente clara com o ilustrador Alford Roller's Blossoming Tree, que explodiu das restrições de seu contêiner. A revista continuou a empurrar essa ideia por anos. Estabelecendo a idéia de que os artistas da época finalmente se libertaram do passado, e estavam inaugurando uma nova utopia criativa. Com sua afirmação ousada e design grandioso, Ver Sacrum ajudou a definir os papéis do ilustrador moderno. 7. Papéis para ilustradores: Funções para um Illustrator. No Ver Sacrum, havia três papéis distintos para uma ilustração. Um, ilustração como narrativa. A revista adora publicar ilustradores que usam seu estilo íntimo para fazer declarações grandiosas e míticas. Enquanto mencionei anteriormente que os artistas do Movimento Art Nouveau rejeitaram referência histórica e iconografia mítica, o Ver Sacrum e seus artistas usam a arte clássica e suas técnicas de narração de histórias como inspiração para projetar novos e Mundos vibrantes. Beleza e agonia viviam lado a lado. A metáfora mítica dos lados claros e escuros da humanidade estava em jogo nesses desenhos e muitas vezes os ilustradores usavam os tropos da jornada do herói e da lenda arturiana em seus layouts e composições. Muitos dos ilustradores que trabalham em Art Nouveau tinham narrativas clássicas embutidas em seu DNA e você pode ver isso nas páginas da revista. Dois, ilustração como arte decorativa. Ilustradores decorativos também encontraram uma casa em Vera Sacrum. Como o texto e a imagem receberam o mesmo respeito na página, o estilo Art Nouveau era um ajuste perfeito para a revista. Suas vibrações metafísicas complementaram perfeitamente a poesia publicada pela revista. Elementos decorativos romperam as convenções da grade editorial e fluíram para dentro e em torno do texto. Às vezes até infectou as palavras com seu estranho erotismo. A ilustração decorativa entra e sai da moda de tempos em tempos. Mas, esta revista mostra seu poder e potencial. Três, ilustração como mensagem. Uma das minhas citações favoritas sobre cultura e comunicação vem de uma dessas figuras famosas do discurso da mídia, Marshall McLuhan. Ele declarou que o meio é a mensagem. Significa que a forma de comunicação tem uma relação simbiótica com a mensagem que se pretende transmitir. Então, pergunte a si mesmo, o Ver Sacrum é icônico por seu conteúdo ou icônico por sua forma? A revista em si é uma inegável obra de arte e alguns dos artistas que destaca são inegavelmente famosos artistas. Mas, agora do ponto de vista histórico, a própria publicação é um ícone da cultura criativa que cresceu a partir do movimento Art Nouveau. Eu acho que muitos dos ilustradores da época sabiam que a revista era em si mais importante do que qualquer artista representado em suas páginas. Como é que eu sei? Bem, você pode vê-lo na forma como ilustradores constantemente permitiram seus projetos fluíssem para o molde dos layouts inovadores da revista. O trabalho publicado de muitos desses ilustradores não poderia realmente ficar sozinho. Está eternamente ligado à página em que foi impresso. Muitas dessas ilustrações são as marcas de beleza e as manchas da personalidade da revista. Mesmo agora, cerca de 120 anos depois, o Movimento Art Nouveau, a Secessão de Viena e o Ver Sacrum são influências importantes sobre como vemos a relação entre design e ilustração. 8. Projeto do curso: planejando uma composição: Antes de começarmos nosso projeto de aula, vou mostrar a vocês como aplico o pensamento de design ao meu próprio trabalho de ilustração. Este é um disfarce para um Guia da Cervejaria, foi uma edição especial de um jornal de cultura regional chamado The ALT no norte do estado de Nova York, onde eu moro. A idéia com ele foi celebrar a cultura da cerveja artesanal em todo norte do estado de Nova York em uma edição especial com artigos e características sobre cervejarias na área. A imagem que eu estava criando precisava servir algumas funções. Primeiro, precisava ser uma capa de uma revista impressa/jornal. Está em papel de jornal, mas é um formato de revista. Eu acho que o formato é cerca de 9 por 12 polegadas. Precisava ser uma capa de revista, precisava ser uma imagem para suas mídias sociais e seu site. Eles também tinham um pedido especial, que era que os personagens e elementos da imagem pudessem ser divididos para ser ilustrações pontuais colocadas em toda a revista. Aqui está o urso, e então você pode ver o resto dos pequenos personagens. Então, eles precisavam se destacar por conta própria. Eu não queria que eles fossem apenas cortados de uma única ilustração, eu queria que eles fossem quebrados para que eles parecessem que eles foram projetados para ser pequenas imagens simples. Vamos rever o pensamento de design, e olhar para os objetivos do processo de design. Vou quebrar isso em três pontos principais novamente, como fiz no capítulo anterior. Primeiro, para resolver uma ideia. Neste projeto, a ideia era representar a cultura da cervejaria em Upstate, Nova York. Então, não apenas uma única cervejaria, mas toda a cultura que a rodeia, todas as diferentes etapas do processo, as pessoas que a bebem, os lugares que a vendem, e até algumas das leis que cercá-lo. O segundo objetivo do design seria criar uma ilustração funcional ou, digamos, icônica e/ou simbólica. Se houvesse um logotipo associado a isso, provavelmente o veríamos presente aqui porque seria um elemento ilustrativo icônico ou simbólico. Mas neste caso, eu tive que apenas capturar a vibração de Upstate New York-ness, que eu fiz através das escolhas de animais e do tipo de árvore que vemos presente e apenas símbolos básicos da cultura da cervejaria, significando a maquinaria usada no e a mecânica de beber, línguas, torneiras. A terceira etapa, e provavelmente para mim, a mais interessante, e a maneira que eu posso realmente trazer meu estilo para o projeto é evocar uma resposta através do design. Isso significa que depois de considerar esses dois primeiros objetivos, como posso trazer alguma energia humana e emotiva para o design? Então, vamos falar sobre os aspectos práticos da tarefa. A capa da revista era como eu disse cerca de 9 por 12, então quando eu estava emoldurando meu esboço, eu desenhei aquele retângulo. Decidi que queria que a imagem ocupasse a maior parte do espaço, e quase parecesse um pouco com um mapa. Então, eu comecei a grelhar para fora onde cada ponto de interesse cairia na página. Então, é quase como funcionar como uma história em quadrinhos ou algum tipo de arte sequencial onde a grade segue uma narrativa. Então, eu numerei as caixas e isso leva você através do processo da cervejaria, para a sala de torneios, e para as pessoas que bebem a cerveja, e os resultados de beber cerveja. Então, o meio esquerdo ali, onde eu coloquei a estrela, são a política e as leis que cercam todo esse processo. Então, ele não tem um único ponto no tempo, é apenas olhar para a coisa toda em geral, é por isso que eu escolhi um L. Agora, eu começo a quebrar a grade em formas mais orgânicas. Eu sabia que queria uma árvore porque para mim as árvores são, árvores de bordo, em particular, são um símbolo do norte, Nova York. Então, eu descobri onde eu estava indo para colocar todos os meus principais elementos. Eu sabia que eu queria algumas etapas do processo de cervejaria, os barris, que eu estou representando com barris, uma torneira, e os bebedores e eu estou dando eles suas próprias regiões pequenas para ocupar na página. Então, agora eu posso desenhar com confiança elementos visuais nos espaços que eu providenciei para mim mesmo. Então, agora eu estou delineando as formas básicas que eu gosto de usar. Você pode ver os personagens todos têm feijões macios como formas. As máquinas têm bases planas para dar um campo mecânico, mas são arredondadas e amigáveis no topo, e até mesmo o texto ocupa espaço orgânico. Então, como você se lembra desde o início, eu precisava quebrar esses elementos visuais. Então, neste momento, eles estão todos sentados em seu próprio espaço. Estou usando a árvore para guiar o olho através do desenho e unir todos os elementos visuais. Então, para mim, a árvore representa o terceiro objetivo do processo de design, essa resposta evocativa e emotiva. É daí que a energia natural no fluxo do desenho realmente vem. Se eu ampliar aqui na ilustração, você pode ver a vibração Art Nouveau se movendo através da casca da árvore. Então, ele tem linhas horizontais groovy, e eu também uso linhas pontilhadas no meio para representar estradas que tecem através do Adirondack em Catskill Mountains. Então, é quase como um mapa de contorno e uma energia ao mesmo tempo. Então isso é sutil, novamente, terceira fase do processo de design. Porque para resolver uma ideia, isso pode ser feito através de apenas um esboço básico. Podemos resolver uma ideia com um layout, ou um mapa, ou um breve resumo de um projeto. Então, você pode ter uma equipe ou um foco individual nesse único objetivo. O elemento emblemático e simbólico, que é um processo de design que pode ser usado com um logotipo ou elemento ilustrativo. Mas a verdadeira arte, novamente, vem quando você está tentando evocar uma resposta, e você pode colocar tanta ou tão pouca energia nesse palco. Você ainda está realizando muitos de seus objetivos nas duas primeiras etapas do processo, mas o terceiro passo é realmente onde sua personalidade como ilustrador pode sair. 9. Projeto do curso : linhas, formas, espaço: Capítulo 10, linhas, formas e espaço. Para o nosso projeto de classe, vamos projetar nossa própria capa da revista Ver Sacrum. Aqui está o exemplo que vimos anteriormente em um dos capítulos. Eu não acho que este é um grande exemplo da estética geral que estava para emergir através de seu sacro. Então, eu coloquei uma pequena coleção de capas que realmente capturam o tom estético da revista e, claro, a relação geral com o movimento Art Nouveau. Vamos rever alguns dos elementos reconhecíveis do Ver Sacrum. O grande que aparece imediatamente porque flui através de toda a era do Art Nouveau é a linha curvilínea emotiva, esse tipo de forma de chicote de serpentina que, dependendo de como o artista está usando, pode significar uma série de diferentes coisas. Neste caso, tem um fluxo como um redemoinho ou uma corrente de vento, algo com alguma energia forte para ele. Também poderia ser apenas um elemento decorativo bonito ou poderia até ser violento se você mudar a direção de mais de uma tranquilidade horizontal plana para um empurrão vertical como este tipo de chama gêiser como fluxo. Então, há um monte de movimento que vem através das curvas emotivas, é uma dança para ele. Você provavelmente também notou que muito do ilustrado do trabalho desta época nesta revista é muito plana. Elude essa terceira dimensão mesmo quando o conteúdo da capa pode sugerir que há uma terceira dimensão como até essas figuras e suas poses de dança não têm essa ilusão de profundidade, elas são planas. Você não pode andar em torno desses personagens. Não há sentido de um espaço onde eles estão. Eles são mais icônicos e gráficos, o que é ótimo para a tecnologia de impressão da época, mas também é ótimo na criação de imagens memoráveis. Há menos complexidade no design, então você não precisa olhar tão fundo na história. Ele fala de forma simples e clara com muito contraste e abordagens bidimensionais para design também se presta a elementos decorativos em formas mais simbólicas como você pode ver este braço pendurado e cortar a pequena linha para soltar a lâmina. Isso é algo que seria menos metafórico se você adicionasse uma terceira dimensão. Você teria que explicar a que esse braço está conectado e onde estamos em relação a esses personagens. Duas dimensões tornam as coisas mais simbólicas. Com essa grande restrição de trabalhar em apenas duas dimensões você tem um monte de artistas jogando com espaço positivo e negativo. Há um mistério e ambiguidade que vem com inverter as expectativas dos olhos e forçar o espectador a virar o cérebro para encontrar o significado na mensagem dentro da imagem. À medida que começamos a construir nosso design, vamos manter esses três elementos em mente. 10. Projeto do curso: fazendo um moodboard: Capítulo 11, fazer um quadro de humor. Este é um quadro do Pinterest para um projeto em que eu estava trabalhando. Tornou-se um banner do YouTube para um músico que começou a forjar séries sobre encontrar comida na floresta, fazer uma refeição, cantar canções sobre isso. O quadro de humor que criei guiou o projeto. Então, um quadro de humor é uma ferramenta para um ilustrador, designer ou qualquer tipo de criativo usar para enquadrar o que o projeto vai parecer e sentir antes mesmo de você criar um esboço ou qualquer outra nota visual. Então, um quadro de humor é uma coleção de imagens que falam sobre temas que você gostaria de abordar em seu trabalho, composição ou elementos estáticos que você pode querer roubar e/ou emprestar para seu próprio processo criativo. Vou mostrar-lhe uma coleção rápida de imagens que reuni de capítulos anteriores deste projeto para inspirar meu design de capa Ver Sacrum. Eu peguei essa imagem primeiro só porque eu gostei da aparência e sensação dela, nenhuma outra razão além disso. Gosto da simplicidade. Uma vez que eu escolhi essa primeira imagem eu fiquei um pouco mais focado e eu decidi um diretor que eu gostaria de lidar com essa simetria no meu design algo que tem uma base e uma base e um pouco de equilíbrio e conforto para ele. Gostei do fluxo desta imagem, gostei dos grandes espaços negativos e dos elementos detalhados realmente comprimidos, e também gostei do vago sentido da natureza neste design. Eu amo a paleta de cores deste e os pretos realmente pesados e as formas abstratas em primeiro plano que são tulipa florescente, mas também alienígena e estranho, então eu gosto dos elementos escuros desta imagem. Agarrei que é uma referência de tipografia. Esta aula realmente não é sobre tipo, então eu não vou falar muito sobre isso. Eu vou pensar no tipo como apenas mais um elemento visual e eu vou usar Ver Sacrum como o texto na capa e isso é sobre isso. Este não é um artista que trabalhou para o Ver Sacrum na verdade ele provavelmente tinha falecido quando a revista pegou, mas ele era uma influência art nouveau precoce. O nome dele é Aubrey Beardsley. Trabalhou bastante com Oscar Wilde e Gustav Klemp foi claramente influenciado por esse cara. Eu gosto desta peça especificamente porque aquela abertura no vestido onde todo o material orgânico está saindo, eu gosto que como um símbolo da revelação de uma idéia criativa ou as coisas que são mantidas dentro de nós e as complexidades e crescimento que escondemos debaixo de nós. Então, talvez seja uma metáfora visual com a qual quero trabalhar no meu design de capa. Adorei o senso de padrão com este design e as formas negativas das pequenas ovais no meio. Se você está familiarizado com o artista de quadrinhos, Jack Kirby, isso realmente se parece muito com os tipos de formas que ele usa em suas imagens cósmicas em seus quadrinhos da Marvel. Na verdade, peguei a foto que usei antes do prédio da Secessão de Viena. Eu gostei da estrutura simples, eu gosto da forma o elemento mais visualmente detalhado é tão longe do alcance que você tem que olhar para olhar, você nunca pode realmente obter uma visão completa dessa coroa de flores e as paredes que estão bem em Seu rosto está mais vazio. Então, essa idéia do detalhe oculto e complexidade do mundo funcionando mais das fronteiras do design, quase um inverso da composição tradicional. Tudo bem, esse é o meu quadro de humor. Vou começar a construir meu projeto baseado nessas inspirações. 11. Projeto do curso: formas simbólicas: No momento em que o Ver Sacro veio em torno da linguagem Art Nouveau tinha evoluído para o ponto em que um grupo emergiu daquele movimento inicial que se intitulava de Simbolistas. Gustav Klimt se consideraria um desses. Eles foram os artistas que usaram a estética de Art Nouveau para explorar a relação da ilustração com a resposta emocional. Então, eu vou esboçar oito miniaturas diferentes, suas formas básicas que evocam uma resposta emocional e a partir delas eu vou começar a desenhar a capa da minha revista. Como a teoria das cores, a teoria das formas e respostas emocionais é uma definição elástica. São apenas lugares familiares para explorar e desenvolver uma ideia. Então, por usar formas horizontais você está transmitindo uma sensação emocional de calma, de silêncio e tranquilidade. As formas verticais são estruturais e se apontarmos para o olho para essas formas usando formas agitadas triangulares podemos criar um senso de foco ou a idéia de devoção de um ídolo ou mesmo uma energia irradiante para dar algo uma sensação de especialidade. Formas verticais como torres, coisas que representam as estruturas urbanas, têm uma sensação de estabilidade. Eles evocam temor e sentem-se poderosos. triângulos são estruturais e eles se sentem seguros em suas formas. Eles têm uma sensação de permanência e um peso para eles. Sistemas de segurança e bancos geralmente usam triângulos em seu design de logotipo. Se usarmos a página como um horizonte e fizermos um meio círculo com linhas irradiantes em torno dela, estamos evocando um nascer do sol ou um pôr do sol. O surgimento de algo novo, podemos oferecer um senso de esperança ou até mesmo iluminação. Linhas espirais são excitantes. Eles têm uma sensação de movimento que evoca um poder como uma banheira de hidromassagem ou água que flui por um ralo. Eles também podem sentir como se estivessem simulando uma ilusão. Um oval colocado no centro da página pode evocar uma sensação de equilíbrio e confiança. E então, se quebrarmos esse espaço um pouco, podemos usá-lo para evocar dois lados de uma idéia o dia e a noite. Se deixarmos alguns círculos flutuarem pelo espaço, podemos criar a ideia de imensidão. Também podemos falar com o espaço negativo em torno das formas e criar uma sensação de vastidão. Escrevi uma pequena declaração que quero traduzir através da minha ilustração. Acho que tenho um pouco de filosofia sobre o papel da arte na sociedade e é algo que quero me desafiar a dizer com minha ilustração. Então, há alguns pontos principais nesta frase e eu posso usar uma combinação desses esboços em miniatura para comunicar essa idéia. Então, para a idéia de arte, eu vou evocar um senso de esperança, um senso de novidade. Eu vou usar a idéia de um vasto espaço para representar as influências circundantes e ao longo disso eu não quero que ele se sinta agitado ou angustiado. Quero evocar uma sensação de tranquilidade calma. Então, eu vou trazer um pouco dessa vibração horizontal silenciosa para a composição. Agora que tenho algumas formas simbólicas em mente, posso começar a construir o meu esboço final. 12. Projeto do curso: esboçando uma ideia: Tudo bem. Finalmente é hora de esboçar nossa ideia. Eu configurou minha página aqui em um modelo quadrado porque esse é o formato dos vários Sicher Magazine. À esquerda, tenho a minha frase temática e as minhas três referências simbólicas. Eu sei que eu quero abrir espaço para texto na página e eu vou colocá-lo na parte inferior. Então, é para isso que serve esta pequena diretriz. Vou puxar a minha primeira imagem de referência, e tirar uma inspiração daquela forma de flor orgânica, a forma vermelha na base deste desenho. Vou começar a esboçar a sua metáfora visual para a arte, uma estranha flor extraterrestre. Tem uma simetria nisso, mas eu vou compensar essa simetria com alguns pequenos botões e então na base do projeto, eu vou colocar as videiras, mas eles vão se sentir mais como um pequeno ninho de víbora. A coisa sobre Art Nouveau que sempre me atraiu é o lado mais perigoso da natureza que ela traz. Então, eu posso fazer essas videiras se sentirem perigosas. Eu vou mudar o design um pouco para cima, e então eu vou mudar minha imagem de referência para esta fumaça curvilínea como forma. Então, isso representa a influência que envolve a obra de arte à medida que ela emerge. Estas são apenas diretrizes básicas de layout. Só estou representando um sentimento. Não os quero muito verticais. Não quero movimento ascendente. Eu quero mais de uma tranqüilidade turbulenta. Mas também não quero sobrecarregar o espaço. Vou tirar pedacinhos, deixar espaços maiores. As formas de Art Nouveau podem ser um grande exercício para mudar sua mente de espaço positivo para negativo, porque as formas são tão abstratas quando você está criando suas diretrizes, quem quer dizer qual é a formação positiva. Qual é a forma negativa? Vou saltar para longe de uma metáfora visual, e bloquear o meu texto. Sei que precisa dizer “Ver Sacrum”. Vou espaçar pequenos retângulos que representam os imóveis de cada letra. Eu vou criar um par de guias que são uma referência então, eu sei qual letra é onde, porque eu estou muito do lado direito do cérebro, focado agora e é muito fácil para mim soletrar palavras erradas. Você pode ver o benefício de bloquear texto como este, porque você pode esmagá-lo em um espaço sem comprometer nenhum detalhe, porque é um estágio sólido ou muito áspero. Posso reajustar a largura das letras agora. Aí está o meu texto bloqueado. Agora que tenho os meus elementos-chave, minha forma de arte no centro, as influências onduladas circundantes e o meu bloco de texto, vou reavaliar o posicionamento na página. Eu os fiz em camadas diferentes. Então, eu vou apenas trocá-los por aí. Vou criar uma borda ao redor da borda externa da página. Eu poderia colocar um padrão lá. Ainda não sei como decorativo eu quero ficar. Estou reavaliando a escala e a localização da forma central. Acho que precisa encolher um pouco, faz com que o espaço ao redor pareça maior. Vou movê-lo um pouco mais perto, mas não exatamente para o centro da minha página. Então, aqui está o meu layout áspero. Eu tenho um senso básico da energia e simbolismo do design, colocação de formas chave, e eu vou passar por cima com vermelho e definir algumas dessas formas, torná-las um pouco menos geométricas, um pouco mais orgânicas e um pouco mais específico para o que eles representam. Então, eu começo com a flor, eu estou sobrepondo em alguns pequenos objetos, e desenhando as curvas parecidas com serpente da videira. Talvez eu coloque alguns espinhos neles. Vou deixá-los aqui por enquanto. Aqui está outra influência minha. As senhoras simétricas. Eu realmente gosto do jeito que o braço se estende e é quase como o caule de uma planta. Vou pegar emprestado isso e talvez criar algumas pequenas formas que fluem para cima e para baixo. Não posso deixar de usar esta videira para me conectar ao S. Então, provavelmente é mais inteligente do que precisa ser, mas vou ficar com ela por enquanto. Agora, as texturas da influência circundante, ainda não me estabeleci lá. Vou tentar algumas linhas tracejadas e reajustar estes formulários. Ver se consigo fazê-los fluir de uma forma interessante. Acho que preciso ir um pouco mais simples. Quero que se sintam ondulados. Estou considerando conectá-los ao texto de alguma forma. Vamos bloquear um pouco desse espaço negativo no fundo. Então, eu tenho certeza que eu tenho um pouco de espaço para um quadro, se eu escolher deixá-lo vazio ou colocar um padrão nele, ele ainda é um quadro e eu vou apertar algumas dessas linhas curvas no fundo. Uma das coisas em que estou sempre a trabalhar para melhorar como ilustrador é deixar muito espaço para o movimento entre o meu estágio de esboço e o meu trabalho final. Eu não quero definir todos os detalhes do meu design na fase de esboço porque, em seguida, a obra de arte final parece muito rígida. Então, isso pode parecer para um ilustrador novato, um pouco solto demais para você pintar com confiança por cima, mas para mim é apenas o suficiente. Vou mostrar-te como utilizo essa liberdade no trabalho final. 13. Projeto do curso: mapa de tons: Eu acho que quando eu vou pintar minha composição, eu fico hiperfocado em qualquer região do projeto estou trabalhando e eu perco de vista os objetivos maiores do projeto porque eu estou me divertindo muito criando trabalho de linha limpa ou entregando pequenos bolsos de detalhe. Então, o que eu gosto de fazer é criar um mapa de tons que é um pequeno esboço em miniatura da relação entre as luzes e as escuras no projeto final. Não inclui cor. É apenas preto, branco e tons de cinza, os valores da imagem final. Então, aqui está um exemplo de um mapa de tons. Você pode ver que os negros representam o quadro. A flor no centro e o espaço negativo em torno do texto e ao redor da flor, eu tenho alguns tons de cinza. Gosto da relação entre os cinzentos e os negros, mas não é tão forte quanto poderia ser. Então, eu vou fazer mais um esboço aqui e eu vou tentar a popular técnica art nouveau de inverter as luzes e as escuras. Quero chamar mais a atenção para as pétalas daquela flor. Então, meu mapa de tons é uma maneira de fazer as pessoas olharem para as partes do design. Eu quero que eles me lembrem para onde eu quero chamar a atenção. Gosto muito mais disto. O texto vai aparecer. É invertido, então novamente, o espaço negativo é apagado, cria algum espaço negativo no fluxo do desenho em torno da flor, mas a própria flor será deixada luz. Dessa forma, seu olho é atraído para essas duas pétalas principais e cria uma tensão agradável com essa pequena forma bem no centro morto do desenho. Então, isso é um mapa de tons. Eu recomendo tentar. Só vai levar um minuto ou dois para descobrir. É algo que é útil para manter a mão enquanto você constrói sua linha de trabalho final. 14. Projeto do curso: arte com linhas e contraste (parte 1): Eu tento não tirar proveito das capacidades do software quando estou fazendo essas lições porque eu quero que artistas que podem estar trabalhando com mídias tradicionais como apenas um lápis e papel possam participar e desenhar junto e não ser deixado de fora do processo. Mas neste caso, eu estou fazendo um monte de redesenho de linhas e eu acho que é importante ver as linhas que eu mantenho e as linhas que eu refaço. Não é porque eu estou tentando torná-los perfeitos, eu estou tentando falar com a sensação geral do design, a metáfora visual que eu estou trabalhando para e então eu retrabalho espaços às vezes porque ele precisa se relacionar com as formas ao seu redor. Cada linha que desenho revela algo novo sobre a composição. Então, eu tenho que estar constantemente pensando e reavaliando como este espaço se encaixa como se eu estivesse encontrando as peças de um quebra-cabeça. Acontece logo aqui no meio desta flor. Este é um ótimo exemplo do espaço que sua mente obtém quando você está trabalhando nesse estilo. Estou a ver que estas linhas formam uma forma muito específica no meio desta flor. Eu quero que ela se sinta como uma lágrima que está fluindo pela flor tanto quanto eu quero que ela se sinta como uma abertura dentro dela. Tem que se sentir gracioso. Quando eu chegar a essas videiras, eles precisam se sentir serpente como, eles não podem se sentir muito geométricos e redondos, eu quero que eles sejam um pouco comprimidos como se eles tivessem um peso para eles, quase como se estivessem sentados em uma superfície. Eu também estou vendo uma oportunidade aqui para criar uma espécie de referência sutil ao símbolo do infinito que é a forma que eu estava usando anteriormente nas lições para representar a relação de ilustração e design e como eles se encaixam Uma espécie de dar e receber. Dentro dessas videiras, eu vou tomar essa influência Aubrey Beardsley, a idéia de que dentro de qualquer forma é um conjunto mais complexo de emoções e sentimentos e que é representado com a biologia ou natureza orgânica como vemos na capa da mulher nesta imagem de referência. Então, estou criando um emaranhado de videiras que estão escondidas dentro da forma desta flor. Novamente, estou constantemente tentando equilibrar o espaço positivo e negativo. Estou imaginando o que vou preencher com preto e o que vou manter branco. Então, eu tenho que acertar as curvas. Eles têm que ser espaçados uniformemente. Dependendo do tipo de artista que você é, você pode se conectar ou não a esta abordagem. Eu poderia pegar todo esse esboço e rastreá-lo no Adobe Illustrator com uma ferramenta de caneta vetorial, eu poderia ampliar e apenas tentar combinar as linhas para cima apenas para a direita, mas para mim, a emoção sai quando eu jogo e explorar nesses lugares com o movimento da minha mão, criando grandes arcos ou às vezes, linhas ainda mais complicadas com apenas um único fluxo e movimento do pulso. É como uma pequena dança, certo? Se estou usando uma ferramenta vetorial, estou apenas procurando precisão e posso criar belas curvas, mas posso explorar o que essas curvas significam em um momento e perco um pouco dessa conexão humana. Não há maneira certa ou errada, eu não estou ressentido de ilustradores que usam essas ferramentas e eu faço isso às vezes, mas você tem que admitir que há um pouco de oportunidade perdida quando você está trabalhando com técnicas realmente precisas software. Uma vez que eu completar minha videira, eu vou me mover dominante para o texto e eu estou pensando nisso como eu estou criando uma fonte única, nem mesmo uma fonte, apenas formas de letra que estão relacionadas com esta flor na videira para as coisas que Eu já tenho na página. Então, na verdade, vai levar um tempo para encontrar a personalidade dessas cartas. Eu sou, é claro, inclinado para formas suaves de desenho animado, então é isso que eu estou começando com aqui e essas primeiras letras realmente definirão a linguagem de todo o design. Então, eu só vou trabalhar com eles até que eles se sintam bem. As letras são empurradas uns contra os outros porque eu quero criar oportunidades para espaço negativo, mas eles também precisam ser legíveis, mas apenas mal. Tudo bem. Isso parece muito caricatura para mim. Vou apagar tudo isso e vou começar de novo. Vou tomar um novo ponto de vista aqui, vou bloquear toda a letra espaçada e então vou começar a cortar os formulários. Bem, na verdade não cortar os formulários, vamos pensar assim, estou sugerindo as formas de letra criando escuridão. Então, estou trabalhando exclusivamente no espaço negativo. Eu tenho uma referência, mas se você realmente pensar sobre isso eu não desenhei nenhuma letra Eu estou apenas insinuando letras com o meu design. Estou procurando simpatia, formas interessantes e formas. O objetivo secundário aqui é representar as letras e as duas palavras distintas. Você pode me ver ser pego aqui em torno desta videira novamente, Eu provavelmente deveria torná-lo serpente como e dar-lhe um pouco de um caráter único que forma ele se destaca do vair porque eu não deixei um espaço entre essas duas palavras. Eu não sei quanto a você, mas eu realmente fico preso em um estado de espírito diferente quando eu estou trabalhando assim, quando eu estou pintando formas redondas e formas e você pode vê-lo sair enquanto eu decoro este espaço tipo. Estou transformando algumas das letras em formas e estou transformando um pouco do espaço negativo em formas. Então, a idéia aqui é que seu cérebro está tipo de saltar para frente e para trás do literal e da representacional, a letra e seu significado abstrato e a forma real que eu criei que é essa relação metafísica eu mencionado em um capítulo anterior. Art Nouveau está brincando com sua mente quando você olha para ela e esse é o ponto. Não quer representar aspectos da nossa sociedade ou do mundo real. Ele quer olhar para o que significa ser uma pessoa e essa é toda a idéia por trás do estudo metafísico, certo? Ele remonta a Aristóteles e há uma boa citação filósofo Emmanuel Kant do início de 1700, você sabe, cerca de 100 anos antes do estilo Art Nouveau realmente entrar em seu próprio. Emmanuel Kant disse: “O estudo da metafísica é um abismo sem fundo, um oceano escuro sem costa.” Brincamos com o que significa obter meta sobre algo, que basicamente significa tirar toda a lógica e simplesmente fluir com os sentimentos e as emoções de um tópico. Muitas pessoas com uma mente mais científica diriam que é um ponto de vista fraco do mundo porque é tão introspectivo, certo? É tudo sobre você, ou é tão conceitual, ou só pode realmente existir em sua mente, mas nossas relações mais próximas com idéias e coisas têm um sentimento metafísico porque fala sobre o que significa ser algo, o que significa relacionar-se com o mundo ao seu redor. Como algo veio a ser, em primeiro lugar? As coisas não saem do nada. As coisas não nascem de uma definição científica, há resultados de efeitos ambientais. Isso é o que coisas como essas linhas, essa influência, a influência circundante em torno da minha flor, isso é o que elas representam. As coisas que fazem algo surgir. É difícil avaliar o que são essas coisas, mas você tem que estar ciente de que elas existem, certo? Mas, é claro, as curvas também precisam se sentir certas. Tem que ficar bem no final do dia. 15. Projeto do curso: arte com linhas e contraste (parte 2): -Todo esse trabalho que temos olhado, você sabe meio que se transforma em torno de 1905 - 1906. Em cerca de cinco anos depois, surgiu o movimento da arte metafísica. E essa é basicamente a idéia de que os artistas estavam pintando aquilo que não era visto. A estranheza do mundo invisível, de outras realidades e coisas assim. É aí que fica tipo de ficção científica baseada, mas esse tipo de trabalho eu acho que é um pouco mais relacionado com Edgar Allan Poe e histórias como The Raven. Onde há uma energia ameaçadora ou um sentimento, mas não há nenhum elemento antagônico real. Tudo bem. Então, você sabe que é triste eu estar trabalhando Eu não estou apenas rastreando meu trabalho de linha. Estou constantemente pensando em como as linhas que estou desenhando agora se relacionam com o que eu desenhei antes. Pode ser difícil de ver, mas agora estou andando em torno de todos esses espaços vazios em torno dos fios esfumaçados que criei e transformando esses espaços em torno deles em formas próprias. Quase parece um corte de madeira neste momento. Que foi um estilo que certamente inspirou esta era das Artes Gráficas. Agora vou passar pelo espaço principal ao redor da flor e criar um visual mais específico da influência do mundo circundante. Então a fumaça é influência, mas também é como um elemento de enquadramento. Não quero conectar nada diretamente à flor. Quero dizer, eu deixei esses elementos flutuarem no espaço em torno dele. É tão fácil preencher espaço negativo para cima e sobrecarregar o design, mas eu acho que eu posso me safar com ele se eu manter minhas formas realmente simples. Quero uma sensação de vastidão. Certo. Como em um olhar para a esquerda, minha pequena imagem de referência de planetas movendo-se através das profundezas do espaço. Então, vou usar pontinhos. Então, eles parecem mais longe da flor, empurre a flor para o primeiro plano. Vamos retirar o esboço agora. Eu realmente vejo esse espaço negativo. Está bem. Isto está a olhar, isto está a parecer muito bom. Vou passar para a parte interna da flor e mostrar o lado interno da flor, o que vem a seguir e adicionar um pouco de mistério. Eu amo a sobreposição das videiras e esses pequenos pontos dentro tipo de insinuou que aquelas coisas por trás da iconografia principal. Não sei o que fazer com essas pétalas, não quero dar muita forma a elas. Acho que gosto disto. Agora eu vou passar e apagar em torno das videiras que é a parte divertida. Eu já tinha imaginado isso, é apenas uma questão de passar agora e fazê-lo. Eu desenhei muitas criaturas tentáculos no meu tempo, então, eu sou muito bom em tecer linhas e formas dentro e fora um do outro. Vou tentar decorar as pétalas desta flor e não tenho certeza se ainda gosto. Eles deveriam ter um pouco mais de caráter para eles. Isso é demais. Mas eu tenho em mente que eu vou trazer uma cor para este design e eu preciso deixar algum espaço para isso. Então, muito preto neste design de flores não vai funcionar. Certo, esses pedais estão me incomodando. Vou tirar as pequenas linhas horizontais que coloquei nelas. E se eu conseguir uma pequena curva nesta pétala, nesta pétala de primeiro plano aqui, seria ótimo. Eu preencho ou não? Deixe-o por preencher. Está bem. Agora estou entrando na minha nova parte aqui. Então, esse é sempre um bom lugar para parar porque eu exagero um pequeno espaço. É como, quão perto você mede uma linha costeira. Uma última viagem para a borda externa aqui talvez eu sinta este espaço. - Não. Eu deveria deixá-lo vazio. Está bem. O equilíbrio do espaço positivo e negativo de criar contrastes e tensão. É uma luta constante. É por isso que continuamos fazendo arte. 16. Projeto do curso: cor e espaço negativo: Aqui estamos no trecho final do projeto da classe. Tudo o que resta a fazer é negociar cor e espaço negativo. Vamos pegar alguns exemplos e ver como outros artistas do Ver Sacrum lidaram com cores. Lembre-se que estamos lidando com tecnologia de impressão inicial e provavelmente pequenos orçamentos para essas revistas. Então, a cor é uma mercadoria. A maioria das imagens e páginas usavam apenas uma ou duas cores mais um preto. Então, artistas ficariam muito espertos sobre como eles usam o espaço negativo. Neste primeiro exemplo à esquerda, vemos que o preto é o contraste entre a noite. O trabalho de linha do preto cria texturas e, em seguida, o azul é a cor geral do humor do design. Então, se esta imagem à esquerda tivesse sido vermelha, teria uma sensação totalmente diferente sem alterar quaisquer outros elementos do design. Então, podemos usar a cor para definir o humor para a imagem. No exemplo do meio aqui, temos laranja definindo um tom mais vibrante e energético. Temos o preto como ponto central de ênfase. A sombra no fundo também poderia ter sido preta, mas teria tirado daquele outro elemento visual. Então, roxo funciona como um bom elogio para laranja. Tem uma boa energia para ele porque é alto contraste, mas não tira a forma preta totalmente saturada no meio. Então podemos usar a cor para enquadrar um ponto de ênfase também. Então eu tenho que decidir, minhas sombras são todas negras? Como estou lidando com outros elementos secundários? O terceiro é muito inteligente porque mantém o elemento de primeiro plano preto, forma icônica, e usa a laranja na parte de trás para definir o tom para o humor e quase enquadrar o rosto um pouco, mas com um tipo inteligente de silhueta do pôr do sol puxado para fora dele. Então, podemos criar espaços negativos dentro da cor. Podemos usar nossos negros como pontos de ênfase para guiar o olho, e também podemos usar a cor para definir o humor e o tom em nossa composição. Eu vou trabalhar em preto, branco, e eu vou escolher tom de vermelho semelhante à primeira edição do Ver Sacrum. Essa é a minha pequena referência interna para este projeto, e também vai me ajudar a manter as coisas bem simples. Vou preencher todo o fundo em vermelho para começar. Eu vou preencher toda a imagem com vermelho, e eu vou puxar para fora branco onde parece necessário. O vermelho dá-lhe um bom calor, mas também aplana a imagem de muitas maneiras. Reduz o contraste porque o valor do vermelho é alguns passos mais perto do preto do que do branco. Preto e branco, alto contraste. É muita tensão lá porque é um grande salto para o olho olhar, branco para preto. Mas o vermelho fica no meio. Então, eu vou tirar um pouco de vermelho. Vamos começar com a flor no centro. Aquelas duas pétalas principais que eu continuo falando, e o quanto eu gosto que elas são o ponto de ênfase. Vou tirar a cor de lá, as pétalas, e os três laços principais mais a parte maior do caule. Assim eu vou manter um pouco do símbolo do infinito. Eu também estou mantendo as curvas e ligações mais complicadas das videiras empurradas para o interior do projeto, mais como tronco de órgão. Puxe um pouco de branco nas esferas circundantes para conectá-las à flor. Talvez sejam botões que ainda não brotaram flutuando pelo espaço. Agora, eu quero construir um pouco de padrão. O padrão é um elemento tão forte do movimento Art Nouveau. Eu realmente não abordei isso em tudo, mas eu posso usar as estrelas para criar um padrão muito simples. Algo relaxante e tranquilo. Só para obter um pouco mais branco e destaque e os redemoinhos, eu vou passar e retirar um pouco do vermelho de várias partes da fumaça. Considero tirar o vermelho do texto, mas a revista nunca saiu de seu caminho para mostrar seu nome. Não como, por exemplo, uma revista Life, onde o título é sempre proeminente e em primeiro plano. O Ver Sacrum era um pouco mais sutil e obscuro. Então, eu não me importo de esconder o texto no design e deixar a flor ser o principal ponto de ênfase. Esse é o tipo de coisa que você tem a ver com uma revista de arte em vez de um produto comercial. Tudo bem. Aí está a minha capa completa do Ver Sacrum. Passaram 120 anos do prazo. Fomos a alguns lugares estranhos que provocam pensamentos ao longo do caminho. Espero que tenha gostado desses pequenos desvios. Claro, essa é a diversão e a emoção do processo criativo, indo lugares que sua mente nunca esteve antes. Estilo Star Trek. Está bem. Vamos embrulhar isso. 17. Finalização: Bem, espero que tenham gostado de ilustração por design, e espero que a turma tenha inspirado você a criar uma ilustração própria e compartilhá-la na seção do projeto da classe. Adoro ver o trabalho dos alunos. É parte do que faz disto uma comunidade, e é parte do que me inspira a criar uma nova turma para vocês. Certifique-se de seguir meu canal de aula para atualizações sobre novas classes. Estou no Instagram, se você gosta desse tipo de coisa. Faço um boletim de vez em quando com concursos, links legais, imagens da minha arte e eventos em que estarei. Se você gosta desta classe, confira minhas outras aulas sobre arte conceitual, desenhos animados, ilustração de livros infantis, desenho serpentes marinhas medievais, todos os tipos de coisas divertidas para vocês ocuparem seus cérebros criativos com. Tudo bem. Te vejo na próxima vez.