Transcrições
1. Introdução: Ei, meu nome é Ira Marcks. Sou cartunista do norte de Nova York. Minhas ilustrações e quadrinhos, são tudo sobre explorar outros mundos. Eu gosto de criar imagens que deixam você curioso sobre o que você realmente está olhando. Muito do meu trabalho é realmente inspirado por personagens estranhos em mundos estranhos de arte de fantasia. Eu amo as cores e texturas que este estilo de contar histórias realmente traz para fora em um artista visual. Hoje vou levá-los passo a passo através
do processo criativo por trás de uma das minhas ilustrações de estilo de fantasia. Esta aula é olhar para o meu processo completo começando com minhas primeiras inspirações na arte do livro de fantasia, então vamos olhar para o meu processo de desenho e a forma como eu desenvolvo conceitos para uma ilustração. Em seguida, analisaremos minhas ferramentas digitais favoritas e completaremos isso com algumas dicas sobre como crio paletas de cores e texturas significativas e vibrações de configuração de humor na minha arte final. Espero que, acompanhando, você aprenderá a trabalhar com seu aplicativo de desenho favorito, para transformar um pequeno esboço rápido em uma ilustração colorida que parece que acabou de cair de um livro de fantasia perdido e esquecido. Vamos desligar o mundo real por um tempo e começar a explorar outros mundos. Ilustração de fantasia.
2. Visão geral do curso: Bem-vindos à aula, obrigado por terem vindo. Antes de começarmos, vou dar-lhe uma breve visão geral do que esperar deste curso. Se você é novo no meu canal Skillshare, talvez ache meu estilo de ensino um pouco único. Agora, eu venho com um processo de três estágios. Primeiro, gosto de apresentar um contexto para o que é o projeto e os temas que o rodeiam. Depois disso, passamos para o conceito de Arte, que significa também a composição e a narrativa nela incorporadas. Em seguida, criamos a ilustração final. Não pulamos direto para o desenho. Nos primeiros capítulos de outros mundos, apresentarei a vocês minha relação pessoal e inspiração para criar arte de fantasia. Já que considero a arte da fantasia uma forma de arte narrativa, usaremos um tema inspirado na história para guiar nosso projeto de classe. Mantenha os olhos e ouvidos abertos para a frase “Momento da Descoberta”. Depois disso, vamos direto para a criação de esboços no Adobe Fresco. Você pode se juntar a mim com o Adobe Fresco, ou outro aplicativo de desenho, ou com um lápis e papel. Está bem. Quaisquer ferramentas que você queira usar, você ainda será capaz de acompanhar o meu processo criativo. Sou muito influenciado pelos princípios da arte gráfica, e vou mostrar-vos como os uso
numa composição para brincar com a percepção dos espectadores, bem
como envolvê-los com a narrativa simples. Para mim, esboçar é a jornada que fazemos para encontrar um significado para a nossa imagem final, e é realmente a minha parte favorita de todo o processo criativo. A seção final da aula está focada em transformar nossos esboços conceituais em uma imagem final usando as ferramentas digitais ou ferramentas tradicionais que temos à mão. Se você está trabalhando na Fresco pela primeira vez, isso é totalmente legal. Sem experiência prévia, você aprenderá as ferramentas básicas para esboçar, tinta, colorir e criar efeitos neste aplicativo muito legal. Espero que esta aula o inspire a criar uma ilustração própria. Vamos encerrar tudo finalizando nossa arte, exportando-a e publicando-a na página do projeto do aluno Skillshare. Essa é essa aula em poucas palavras, vamos começar.
3. Olhando para a arte de fantasia: Fazer arte de fantasia é tudo sobre avião com percepção. Pelo menos é assim que penso. Quando estou fazendo uma ilustração, meu objetivo é criar algo que chame
a atenção, mas não revele seu verdadeiro eu imediatamente. Quero que minha arte tenha um apelo instantâneo divertido, mas também lhe dê a oportunidade de olhar um pouco mais profundo e descobrir a história por trás da imagem. Nossos objetivos como artistas vêm da influência precoce em relação com diferentes formas. Meu trabalho é fortemente inspirado na arte narrativa, imagens de livros e histórias. Eu gosto de histórias sobre personagens cuja visão do mundo é desafiada quando eles se encontram em situações surreais. Para mim, há duas etapas distintas para desenvolver ilustração interessante baseada em narrativa. Primeiro, há o conceito. A forma como um artista usa princípios visuais para criar uma composição. A forma como elementos artísticos básicos, como forma, linha, forma, cor, todos se unem para criar um todo unificado. As escolhas que faço influenciam como a arte final é percebida a nível emocional e conceitual. Na base do conceito, eu construo a obra final. Na arte final, começo com um esboço. Eu construo a composição, refino detalhes de caráter e configuração em minha mente e no papel. Em cima do esboço vem minha busca pelo estilo, a maneira como eu tinto, e uso cor, linha
e textura para criar uma imagem final. Eu acho que o trabalho de um ilustrador é apresentar seu público a uma idéia de uma forma divertida e envolvente. Para fazer isso, o ilustrador precisa envolver a imaginação de seu público. A arte da fantasia, uma das minhas maiores influências, usa o desconhecido para chamar a nossa atenção. Uma vez que estamos lá, ele se conecta conosco em um nível emocional. Acho que essa combinação de emoção e imagens surreais é o que torna a arte da fantasia tão legal. Minhas primeiras experiências com esta forma de narrativa visual vêm de capas de livros, capa comum
interessantes que encontrei nos cantos traseiros das bibliotecas, ou no $ bin na livraria usada. Coisas criadas por ilustradores mestres que recebem desconto é baixa,
simplesmente porque eles estão ligados a uma indústria comercial de mercado de massa, mas há tanto a ser aprendido com arte de livros que você não vai necessariamente obter de uma aula de história da arte tradicional ou uma visita a um museu. Então, o que faz essas capas funcionarem e por que eu as acho inspiradoras? Bem, em primeiro lugar, cada um deles tem um propósito distinto, e isso é despertar a imaginação. Acho que é uma busca nobre. Estas capas de livros nos fazem perguntar, o que é este lugar onde está olhando? Quem são esses personagens? Que perigos os aguardam? Como é que eles vão sair desta situação vivos? Cada uma dessas composições foi cuidadosamente planejada por um ilustrador para fornecer pistas sobre personagens, cenários, ambiente, aspectos culturais deste mundo imaginário,
esperanças, sonhos e medos que compõem os temas desta história. Ao evocar perguntas interessantes, a ilustração está nos levando para a história antes mesmo de abrirmos a capa do livro. Todos os desenhos que estou compartilhando aqui são inspirados em momentos narrativos, muitos dos quais parecem universais, retirados de arquétipos e tropos da história. Uma vez que você começa a pensar como um ilustrador, você será capaz de traduzir qualquer tipo de momento história. Para o bem desta classe, vamos nos concentrar em um momento particular da história que é muito comum à construção do mundo da fantasia e à narrativa. Eu chamo essas partes de uma história, “O momento da descoberta.”
4. Momentos de descoberta (parte 1): O que é um momento de descoberta? À primeira vista, é uma ilustração que mostra um personagem encontrando algo, uma pessoa, um lugar, ou uma coisa, que os tira de sua realidade familiar e os coloca em uma situação fantástica. Agora, para olhar um pouco mais fundo, um momento de descoberta é um encontro único na vida que leva um personagem em uma jornada que vai mudar fundamentalmente como o mundo os vê e como eles se vêem. Um momento de descoberta é algo para o melhor ou o pior, do
qual você não poderia voltar atrás. Por exemplo, na lenda do Rei Artur é quando o jovem escudeiro Arthur puxa a lendária espada da pedra e
toma o seu lugar como o legítimo rei da Grã-Bretanha. Arthur descobriu que ele não é o garoto perdedor que sempre acreditou ser. Ele é especial, e agora que todos sabem disso, não
há como voltar atrás. No Mágico de Oz, o momento da descoberta é quando a casa de Dorothy pousa na Bruxa Malvada do Oriente. De repente, Dorothy não é só uma criança da América do Centro-Oeste, ela é uma heroína. A partir daqui, um personagem deve agora abraçar seu papel na história em que entrou. Um momento de descoberta é emocionante porque é o início de uma aventura. Vamos olhar um pouco mais fundo sobre como ilustradores ao longo da história, criaram momentos de descoberta e como seu ponto na história influencia seu simbolismo e mensagem artística. Vamos olhar para a forma como cada composição orienta a nossa percepção da imagem final. Agora, o Renascimento teve um impacto tão grande na narrativa ocidental. É muito fácil encontrar ilustrações e imagens ou tapeçarias neste caso que nos dão momentos
icônicos de descoberta que vemos repetidas vezes e vezes em narrativas até hoje. The Unicórnio is Found é uma bela tapeçaria de um artista desconhecido ou de um grupo de artistas, e foi a primeira de uma série de tapeçarias
narrativas da Holanda que remontam ao final do século XV. Em The Unicórnio is Found, vemos um grupo de nobres caçando ao longo das bordas
da floresta do campo francês
quando de repente eles descobrem um unicórnio lendário. Vamos encontrar o simbolismo nesta peça. Agora, a imagem foi criada por artistas que viviam antes da era da exploração e da descoberta científica. Para eles, grande parte do mundo fora de suas muralhas de castelo era um mistério total e absoluto. Para muitos europeus do século XV, o unicórnio era um símbolo da natureza selvagem indomável. Era algo intocado pela humanidade. Um ser puro e gracioso com o poder de purificar a água venenosa e curar os doentes. Água limpa era um problema gigante no século 15. Esta tapeçaria pergunta, o que significa descobrir um símbolo de esperança vagando na floresta fora do reino. Vejamos a composição. Para entender as escolhas de composição feitas nesta
tapeçaria, pode ser útil separar a cena. Vamos começar bem no fundo na linha do horizonte, podemos ver que é muito alto na página, o que nos dá a sensação de que estamos olhando para baixo nesta cena. O fundo à esquerda, temos o castelo, uma pista de onde vieram esses personagens. O castelo representa sua realidade familiar, e aqui em primeiro plano na parte inferior da imagem, temos sua descoberta, que neste caso é o unicórnio que está encantando as águas da fonte no centro da tapeçaria. Pode-se dizer que esta cena tem uma sensação de palco. É muito teatral com os personagens todos em uma linha de frente para nós, o público. Não é muito dinâmico e enquanto lê claramente, é muito rígido. É quase como se estivéssemos olhando para um monte de crianças em sua primeira peça. Mas ei, este foi o século 15 e ilustradores e criadores de imagens ainda tinham muito a aprender sobre como envolver um público com suas histórias visuais. Esta é uma ilustração das páginas do romance Júlio Verne, Viagem ao Centro da Terra. Este momento de descoberta diz-nos que há mais neste mundo do que aquilo que podemos ver. Agora, nós avançamos com esta imagem em meados de 1800,
e descobrimos que a ciência cresceu aos trancos e barrancos e campos científicos de descoberta como geologia e botânica realmente capturaram a imaginação do povo. Estamos cavando sob os muros do reino e viajando abaixo da superfície para aprender as origens do nosso mundo. Jules Verne era claramente um fã da ciência e neste clássico de 1864 da ficção científica, ele segue o Professor Lidenbrock e seus companheiros quando
entram na cratera islandês na esperança de descobrir uma rota para o centro da Terra. Vemos personagens à medida que entram numa vasta caverna subterrânea e descobrem uma floresta de cogumelos gigantes. Este momento de descoberta fala à cultura do tempo através do seu simbolismo. Ele mostra como os contadores de histórias desta época estavam usando obras de geologia, botânica e ciência para despertar a
imaginação de seu público que
já estaria se perguntando sobre os mesmos tópicos e idéias. relevância cultural pode tornar muito mais fácil se envolver com seu público e levá-los em uma aventura fantástica. De Neuville era um ilustrador muito conhecido na época, e suas técnicas de composição ainda estão influenciando ilustradores modernos. Eles eram muito mais dinâmicos do que o que estávamos vendo em 1500 e séculos antes. Eles são mais cinematográficos, de certa forma, a linha do horizonte é muito menor nesta cena, o
que permite que a ilustração expresse a escala dos cogumelos. Este mundo parece enorme e para criar um senso de contexto, estamos atrás dos personagens. Vemos suas pequenas silhuetas aqui no meio da imagem. Muitos momentos de descoberta usam um senso de admiração e escala,
vastidão e contraste de tamanho para nos apresentar a um mundo desconhecido. No próximo capítulo, vamos olhar para mais dois exemplos.
5. Momentos de descoberta (parte 2): Esta é a capa de uma edição recente do livro infantil, “The Secret Garden”, ilustrado por Inga Moore em 2008. Mas a história em si é muito mais antiga. “ The Secret Garden” se passa durante o último surto de cólera nos Estados Unidos em 1910. A história segue uma menina órfã chamada Mary, que perdeu sua família para a pandemia muito real, e descida para viver com seu tio rico em Misselthwaite Manor. Na esteira do seu passado conturbado, onde toda a gente que Mary conhece morreu. Mary torna-se rude e azeda em seu novo ambiente. Mas uma série de ocorrências mágicas levam-na a descobrir um jardim secreto. É aqui que Mary encontra um novo propósito quando começa a curar as plantas dentro, e depois ela mesma e depois seus amigos. O Jardim Secreto não é uma história que é claramente dita em um reino de fantasia ou ficção científica, como os outros dois trabalhos que vimos. Mas o simbolismo de mundos ocultos, e poderes mágicos de cura encontrados na natureza apresentam-se aqui da mesma forma, tornando esta história não muito diferente das que vimos. É uma história de fantasia na forma como oferece um pouco de escapismo em um ponto escuro da história americana. Agora vejamos a composição do artista. Eu escolhi esta versão da capa do livro porque o artista, Moore, realmente capturou a sensação que você tem lendo esta história para mim de qualquer maneira. Há uma alegria que vem de
se imaginar cercado por paredes de vegetação correndo por este labirinto, a sombra e o som das folhas em cima, e camas coloridas brilhantes de flores olhando para você. Perspectiva é bastante útil ao criar arte de fantasia porque lhe dá uma sensação de profundidade e permite adicionar mais elementos visuais à cena e um nível mais alto de detalhes. A forma como o ilustrador compõe esta cena permite-nos descobrir o jardim junto com Maria. Uma sensação de profundidade e detalhes escondidos e paletas de cores contrastantes como o verde e o vermelho que vemos aqui são todos truques usados pelo ilustrador para construir um mundo de fantasia. O que os torna fantásticos é o que eles representam para a história. Por exemplo, o vibrante pássaro vermelho aqui não é apenas um aspecto da natureza, é o personagem que leva Mary ao seu momento de descoberta. Ele a apresenta ao jardim. Estes personagens orientadores, como este pássaro ou como Gandalf em “O Senhor dos Anéis”, são histórias que vemos na arte da fantasia. O “Jardim Secreto” pode ser ambientado em um mundo real, mas seu senso de maravilha é definitivamente no reino do fantástico. Esta é uma ilustração do livro de Shaun Tans, “The Arrival” de 2006. É uma história sobre um imigrante buscando uma vida melhor para sua esposa e filho em um país desconhecido. Vemos um navio chegando em um porto. Parece Metrópolis de uma dimensão paralela. Só desta imagem. Não é difícil entender que a história de Shaun Tan é uma alegoria para a experiência de um imigrante. Ele usa o simbolismo de uma maneira realmente única, substituindo o familiar com elementos de construção do mundo de fantasia que têm uma geometria muito primitiva. Podemos entender como deve ser chegar a algum lugar pela primeira vez. Ser fascinado por animais de forma peculiar, vagando entre edifícios estranhos, e arquitetura, e ser confundido com as formas de uma linguagem desconhecida. Esta é realmente uma história sobre percepção cultural. Para se comunicar com um público sem usar palavras, um Illustrator precisa encontrar maneiras inteligentes de misturar e combinar elementos visuais e princípios. Nesta ilustração, Shaun Tan está nos ajudando a descobrir que estar em um lugar novo significa que você não pode tomar nenhuma das coisas que você sabe sobre o mundo como garantidas. Há muito o que pensar em uma composição Shaun Tan. Ele claramente está se inspirando em ilustradores clássicos de aventura de fantasia. Ele está usando um senso de habilidade e pontos de vista dramáticos. Mas Shaun Tan também traz um sentido gráfico muito primitivo às suas composições. Rodeia seus personagens humanos com geometrias
não convencionais inspiradas nos artistas abstratos e surrealistas do século XX. Este momento de descoberta é tão envolvente porque é o início de uma jornada, e para o que significa encontrar um lugar onde você simplesmente não se encaixa. Em cada um desses quatro exemplos, vemos personagens cujas crenças são desafiadas por ocorrências mágicas. A história que está prestes a acontecer vai mostrar como eles mudam e crescem. O momento da descoberta é o primeiro olhar para essa história em andamento. Agora eu gostaria que você fizesse uma lista de seus momentos favoritos de descoberta das histórias memoráveis de sua vida. Depois de ter sua lista, pense nas imagens do livro ou do filme, ou na cena do videogame que representa esse momento de descoberta. Por trás dessa imagem está um artista ou grupo de artistas que foram encarregados de visualizar essa cena. Cada uma dessas imagens está usando elementos
e princípios de composição para influenciar a percepção do público e comunicar uma ideia. Existem apenas alguns princípios visuais que podem nos ajudar a alcançar esse efeito em nosso próprio trabalho. Vamos pegar nossas ferramentas de desenho e explorar os inexplorados.
6. Como esboçar com Adobe Fresco: Este capítulo é uma introdução rápida às ferramentas que você
precisará no Adobe Fresco para esboçar junto comigo. Se você estiver usando outro programa de desenho, como o Photoshop ou o Procreate, fique de qualquer maneira, a maioria dessas dicas pode ser aplicada a todas as três. Vou começar clicando no botão Início
no canto superior esquerdo e configurando um novo documento. Vou clicar na tela de desenho original, que é de 3600 pixels por 3600 pixels. Quando eu estou fazendo um esboço apenas por diversão ou para uma aula, eu muitas vezes trabalho em um formato quadrado. A única razão para isso é que é fácil compartilhar nas redes sociais, e às vezes uma paisagem ou um retrato realmente influencia minha composição de maneiras que eu realmente não gosto. Vou mantê-la quadrada. Trinta e seiscentos por 3600 pixels é uma boa resolução se um dia você planeja imprimir esta imagem, isso significa que você pode imprimi-la, e ela ficará bonita e nítida em até 11 por 11 polegadas. Menor que isso, você ainda pode obter uma impressão decente dele. Mas se você encolher demais, sua imagem será pixelizada e ficará presa em formato digital para o resto de sua vida, o que pode ser triste. Então 3600 por 3600 funciona bem para mim. Estou no Fresco agora. Eu tenho esta boa opção aqui para ajustar a minha visão. Vou diminuir o zoom só para vermos a página inteira. Eu só vou rever algumas das ferramentas básicas que eu vou precisar para esboçar. No lado direito, temos o menu Camadas. A camada branca é o fundo, e eu vou desenhar na camada xadrez. Checkerboard representa uma transparência. Eu nunca desenho diretamente sobre o fundo porque, em seguida, meu trabalho linha e esboço e tudo é fixo para o papel de fundo, que significa que eu não posso movê-lo ao redor da página. Muitas vezes, quando estou desenhando, gosto de pegar os elementos que desenhei e deslocá-los, colocar pequenas notas no canto, e se estou desenhando no fundo, não posso fazer isso. Estou sempre trabalhando em uma camada transparente. No lado esquerdo, eu vou clicar nos pincéis de pixels, e você tem todos os tipos de opções aqui, por enquanto tudo o que precisamos saber é o esboço. Temos lápis e caneta. Vou usar um lápis. Junto a isso você vê esta pequena estrela, que permite que você coloque a ferramenta atual em sua seção favorita. Agora, quando eu vou para pincéis de pixels, ele está bem ali e eu posso selecionar a ferramenta mais fácil. Agora vamos descer aqui para as configurações. É esta caixinha cinzenta. Primeiro, vamos falar sobre o tamanho do pincel. Você vai notar que eu tenho isso definido para 40, o que me dá uma linha que se parece com esta. Esse é o lado, e esse é o ponto. Você vê. Essa é uma configuração para um pincel muito maior do que o padrão. Talvez o padrão seja mais como um 10. Na verdade, é muito maior do que você consegue com o lápis, a menos que você tivesse um lápis muito maçante com o qual estava trabalhando. Quando estou desenhando, gosto de ter a opção de preencher formas muito rapidamente e ter uma noção da relação de espaço positivo e negativo. Isso é algo que você realmente não pode fazer quando sua mão livre desenha. Portanto, aproveite se estiver trabalhando digitalmente. Se eu tiver um pequeno lápis magro, digamos que esta é a minha página e eu quero experimentar uma forma de triângulo grande. Talvez represente um antigo templo alienígena. Eu posso obter o esboço, mas eu não posso facilmente e rapidamente preenchê-lo sem criar como uma grande textura maciça, que é super distrativo de qualquer maneira. Então, dê uma chance. Defina seu lápis para algo como 40, e veja se você gosta de ter tanta variedade em sua linha. Se você não está confiante com o uso de um lápis, diminui provavelmente melhor para você. Mas eu posso ter muitos efeitos diferentes apenas mudando minha mão de maneiras pequenas. Abaixo disso, temos apenas a configuração para o fluxo. Se o seu fluxo estiver muito baixo, o seu lápis vai ser leve. Isso é bom. Estamos desenhando um lápis leve pode ser bom. Mas vamos fazer outra camada aqui. Se você definir seu fluxo todo o caminho, você tem potencial para pressionar para baixo e obter uma linha realmente dura. Então, digamos que você está desenhando como uma carinha alienígena e você está trabalhando nos detalhes aqui. Você se instala em alguns elementos que você realmente gosta e você quer apenas defini-los um pouco mais. Se você tem seu fluxo definido todo o caminho, agora você pode pressionar mais para baixo e fazer algumas
dessas linhas estourar e ter uma noção de como ele pode parecer em seu estágio final de tinta sem mudar para outra ferramenta. Se você tiver seu fluxo definido mais baixo, você não pode obter essas linhas escuras duras. Então, novamente, o fluxo apenas oferece mais variedade com a ferramenta atual com a qual você está trabalhando. Eu vou voltar para colocá-lo alto. Abaixo disso, você tem alisamento. Agora vamos apenas olhar para os extremos. Se você está suavizando tudo isso, você tem uma sorte muito natural na linha que reflete seu gesto real. Deve ser um pouco irregular ao longo do caminho. Mas se você tiver seu ajuste de suavização todo o caminho para cima, o computador assume o controle e torna seu trabalho de linha um pouco mais elegante. O problema com isso, porém, é que a linha começa a arrastar. Você vai notar, o que pessoalmente eu acho extremamente perturbador quando eu estou apenas desenhando e tentando elaborar idéias. Eu não quero estar tentando trabalhar fora um pensamento e ter minha linha arrastando e ter que esperar que ele se recupere. É apenas uma fração de segundo, mas esse tempo realmente se soma. Se você está tentando criar um conceito como quanto tempo levei apenas para esboçar algo como estrelas no céu. Se você está suavizando é todo o caminho fora, eu posso fazer esse tipo de coisa muito mais rápido. Quanto mais rápido conseguir tirar uma ideia da cabeça para
o papel, melhor nesta fase. Se você quiser um pouco de controle do computador, talvez definir você está suavizando para como 30 por cento para que você possa obter linhas
mais limpas e longas se é assim que você gosta de trabalhar, mas eu não recomendo configurá-lo muito longe. Vai abrandar o seu processo. Em seguida, temos configurações de pincel. Eu não vou realmente mudar nada disso. As únicas configurações que mudei realmente são o meu tamanho, o meu fluxo e a minha suavização. A única outra ferramenta que eu poderia usar nesta fase do esboço é a minha ferramenta de transformação. Então novamente, desenhando em uma camada em branco quando eu pego minha ferramenta de transformação, uma ferramenta comum em qualquer programa de desenho. Agora eu posso mover esses elementos de forma independente e girá-los e girá-los conforme eu precisar. Eu amo tirar proveito de camadas mesmo quando eu estou esboçando e apenas jogar pequenos pensamentos em um canto e apenas fazer uma nova camada e criar formas e formas. Então eu os jogo por aí, vejo como eles funcionam com outros elementos. Raramente eu mesclo camadas ou até mesmo as excluo. Mantenho tudo por perto, caso precise. Portanto, aproveite suas camadas, use sua ferramenta de transformação e coloque seu lápis onde quiser. Agora vamos começar a esboçar para o nosso projeto final.
7. Esboço: explorando a percepção: Vamos fazer uma breve recapitulação sobre nossa definição de um momento de descoberta. Há o que mostramos ao público, um personagem encontrando uma pessoa, lugar ou coisa que os leva de uma realidade familiar para uma rodada da fantasia. Mas há também o que sabemos sobre a história. Um personagem em uma jornada única na vida, fazendo um encontro que mudará como o mundo os vê e como eles se vêem. Se você pode liderar com um conceito forte, sua imagem final não terá que fazer tanto trabalho pesado. A mensagem se conectará mesmo se você não tiver um monte de habilidades extravagantes como ilustrador. Mas para despertar a imaginação e evocar perguntas com seu momento de descoberta, você tem que entender uma coisa importante sobre percepção
humana e que é que estamos sempre procurando significado em um desenho. Estamos tomando as formas, formas, cores e texturas dentro de um espaço definido e chegamos a um todo unificado em nossa mente. Essa é a razão pela qual vemos rostos em pontos e traços aleatórios. Preferimos respostas em nossas imagens. Não podemos deixar de ver o todo unificado mesmo na composição mais simples. Esta é a letra A. Ninguém olha para isto e vê três triângulos e um trapézio. Agora, esta teoria sobre a forma como percebemos um todo unificado em um desenho é conhecida como o princípio da Gestalt. Na verdade, são seis princípios diferentes. Há continuação, fechamento, similaridade, proximidade, simetria e relação figura-base. Todos estes princípios falam da nossa busca por significado nas imagens que vemos. Estamos dispostos a seguir uma linha curva ao redor de uma página porque queremos entender seu caminho e sua resolução, onde ela estava e onde ela acabou. Procuramos padrões em um desenho e preenchemos lacunas e informações com nossa imaginação se uma imagem parecer incompleta. Na verdade, é meio louco que nossa imaginação esteja disposta a fazer todo esse trabalho. É por isso que a pressão é realmente do ilustrador se você sabe como explorar esses princípios e, de fato, eu realmente acho que os princípios da Gestalt são uma ótima ferramenta para contar histórias de fantasia. Vamos passar por cada um deles. Aprenda um pouco sobre como eles funcionam e desenhe alguns momentos de descoberta ao longo do caminho. Esperemos que no final deste exercício, todos
tenhamos um monte de esboços conceituais
de momento de descoberta e um que seja bom o suficiente para se transformar em uma ilustração final.
8. Esboço: desenvolvendo conceitos (parte 1): O primeiro princípio com o qual quero jogar é a semelhança. É fácil de entender. Similaridade é a forma como percebemos os elementos como sendo parte de um grupo. Por exemplo, uma série de triângulos que as pessoas se sentem unificadas por sua forma. Eles poderiam ser literalmente uma família. Você pode implicar semelhança usando a forma. Você pode fazê-lo com tamanho, então há algumas crianças e aqui estão dois pais. Então, claro, você pode fazê-lo com cor. Irmão e irmã, sócio. Estes dois estão apaixonados. Você pode criar semelhanças dentro de um grupo de todos os tipos de níveis de complexidade. Vamos dar um passo adiante e dizer, bem agora o que acontece quando colocamos uma anomalia no grupo. Triângulo, triângulo. Na verdade, temos uma colônia inteira de triângulos e de repente um círculo chega. Agora você tem uma história. Muitos artistas de fantasia enraizados em idéias como um artefato lendário, um ser único, uma criatura mítica, uma ocorrência singular que interrompe o padrão da vida normal. A presença única cria uma sensação de expectativa. É provável que este seja o protagonista que estamos seguindo, mas essa coisa singular é uma
coisa boa para o sistema ou é uma coisa ruim para o sistema? Fantasia e ficção científica adora aquele estranho em um trope terrestre estranho. É uma maneira de explorar relacionamentos com esperança e medo. Por exemplo, podemos ir ainda mais longe com isso. Podemos esboçar um humano emocional que acaba de chegar a um mundo de telepatas sem emoção. Ondas cerebrais. Este personagem é a anomalia no sistema. Este é o momento da descoberta para ambos os grupos e a partir daí podemos especular sobre o que pode acontecer a seguir. Desta vez vamos olhar para a proximidade. A proximidade segue semelhança e que torna as coisas relacionadas. Ocorre quando você coloca elementos de qualquer tipo próximos uns dos outros. Enquanto a semelhança se concentra nos próprios objetos, proximidade é sobre os limites. A intenção por trás do arranjo das coisas. Proximidade implica uma força externa. Estas formas parecem estar sob domínio militar. Portanto, proximidade implica uma força de poder. Aqui está um pouco de água dada a proximidade das margens invisíveis do rio. Já que estamos falando de arte de fantasia, vamos ver a proximidade como uma força sobrenatural. Aqui, digamos dois mágicos. Agora digamos que o mágico número dois tem mais poder do que o mágico um. Vamos usar a proximidade para mostrar seu controle de seus talentos mágicos. mágico número um está flutuando um monte de formas no espaço, mas eles não têm relação entre si, então ele não parece estar no controle de seus talentos. Mas mágico número dois, se tomarmos o mesmo tipo de formas
aleatórias e planejarmos as coisas com mais cuidado, vamos limpar algumas coisas ao longo das bordas aqui. Às vezes tirar é tão importante quanto adicionar. Agora o mágico número dois tem controle claro sobre seus poderes, onde o mágico número um não tem. Eu acho que o mágico número dois é o escolhido e ele tem que lutar contra o malvado Rei Lagarto que assumiu o mundo mágico. Boa sorte mágico número dois. Estamos vendo aqui que a proximidade pode ser orientada pelo caráter. Podemos até usá-lo para mostrar relacionamentos emocionais. Digamos que temos um grande dragão legal, que parece muito aterrorizante e mortal. Alguém pode controlar esta besta? Vamos adicionar outra camada, e vamos desenhar uma menina. Vamos pegar nossa ferramenta de transformação e movê-la. Se ela está aqui, ela realmente não tem proximidade com a besta, ela está de pé sozinha, de
frente para ela , olhando para ela. Mas se a colocarmos na frente da criatura assim, agora eles parecem ter algum relacionamento, e podemos brincar com isso. Se ela está de pé na cabeça dele, eles têm um relacionamento brincalhão. Se ela está parada aqui na frente da criatura, claramente o monstro não vai atacá-la e isso evoca a pergunta, como esses dois se conhecem? Por que o monstro não é violento com ela? Ela tem alguma ligação telepática? Quem sabe? Ondas cerebrais, ondas cerebrais. Proximidade. No próximo capítulo vamos olhar para simetria, continuação e fechamento.
9. Esboço: desenvolvendo conceitos (parte 2): Vamos ver a simetria a seguir. simetria ocorre quando uma forma é refletida em outra parte da composição. A coisa óbvia é aqui, uma borboleta é simétrica. simetria é algo pelo qual nos sentimos atraídos. Mas não se trata apenas de ser bonita. É mais do que isso. Trata-se de apelação e sua relação com nosso senso de visão. A simetria pode parecer pacífica, pode sentir-se natural, pode sentir-se elegante e pode sentir-se poderosa. Sempre gostei muito daquele poema de William Blake, o Tyger Tyger, queimando um brilhante. Basicamente diz que como algo tão bonito e tão
simétrico pode nos atrair apenas para nos ameaçar? Isso é o que eu quero dizer com simetria é mais do que beleza. É atraente, e o apelo também pode ser uma atração perigosa. simetria implica que há dois lados para algo, e ambos são obrigados a ver o todo. A simetria pode ser reflexiva assim, refletida sobre uma linha, mas também pode ser radial. Isso significa que ele gira em torno de uma forma circular. simetria radial abre as coisas porque as duas formas se sentem unificadas e um pouco reflexivas. Mas também há mais no relacionamento. Eles estão ligados juntos. Eles têm um senso de movimento e podemos ver um aspecto de ordem e caos em jogo. Se queremos contar uma história com simetria, vamos criar, digamos, água, uma superfície reflexiva. Esta é a nossa linha de simetria. Digamos que uma jovem se aproxima da lagoa mágica, e então nela ela vê um reflexo de si mesma. Agora temos um momento de descoberta. Fizemos uma pergunta para este personagem responder. Você já viu o trope gêmeo malvado muito no trabalho de fantasia. É muito instigante porque você tem que se
imaginar conectado a algo,
sendo atraído por algo familiar, apesar de saber que é problema. continuação ocorre quando o olho é obrigado a se mover através de um objeto e continuar para outro. Digamos que temos um planeta deserto sem vida, e temos um explorador em uma jornada. Seu olho segue o chão e depois viaja até o personagem. O princípio da continuação é tão forte. Podemos quebrar o fluxo do passado e ainda
ter certeza de que o espectador pode seguir a história. Vamos cortar essa parte. São alguns pináculos e penhascos rochosos para a paisagem. Ainda somos capazes de seguir o caminho do personagem sem pensar muito sobre isso. A continuação pode apresentar uma sensação de movimento e uma passagem do tempo em uma imagem parada. O comprimento de uma linha determina o comprimento e a duração da viagem. Quanto mais longa a linha, mais tempo passa. Nosso olho procura um começo e um fim para uma idéia. Mas na arte da fantasia podemos jogar com expectativas e usar este princípio para pegar o espectador em um loop, fazendo-o questionar as regras da realidade, espaço, tempo, física, tudo o que você quiser falar. Surpresa, eu sou um grande fã de M.C. Escher, e ele é tudo sobre jogar com nossas expectativas de continuação, e é isso que torna sua arte tão legal. Encerramento é uma variação na continuação. Ele pede ao espectador para seguir não apenas um caminho visual, mas para usar todas as pistas fornecidas para chegar a uma conclusão principalmente autodeterminada. Aqui está um buraco. Você pode evocar a necessidade de fechamento de um espectador desenhando uma parte de algo que implica um buraco, como um braço. Este detalhe pede ao público para usar sua imaginação para completar um conceito incompleto. Aqui está a coisa. Evocar a imaginação de um espectador é a habilidade mais poderosa que um ilustrador pode desenvolver. Mas não é fácil fazê-lo bem. Você tem que apresentar um caso convincente para o público até se preocupar em seguir sua idéia. Este braço não é muito convincente. Usar um sentimento de medo pode ser muito mais convincente. Na verdade, é a melhor maneira de chamar a atenção de alguém. E se usarmos um monstro tirano, pingando com outras lamas? A coisa do além é uma fantasia popular e tropa de
horror usada para atrair a imaginação de um público para lugares além da compreensão. Para ser franco, lugares além de onde o ilustrador poderia até ir por conta própria. abstração é outra maneira de evocar o fechamento. Quanto menos disser, melhor. Uma silhueta pode ser mais impactante do que uma imagem totalmente renderizada simplesmente por causa do que ela não mostra e nossas mentes precisam preencher as lacunas. Isso é encerramento. retenção de informações e a apresentação de perguntas é como um ilustrador joga com a percepção dos espectadores. Agora vamos voltar aos nossos esboços, ver quais realmente se adequam ao conceito de momento da descoberta, e escolher um para o nosso projeto final.
10. Do conceito à composição: Uma boa composição deve ser lida à distância. Então, enquanto eu estou navegando estes e decidindo qual deles escolher, eu vou pensar em algumas coisas. Primeiro, quero que a minha narrativa para o meu momento de descoberta seja mais orientada para o personagem. Eu me conecto mais com o Jardim Secreto, tipo de história do que eu faço com uma viagem para o centro da Terra, que é mais sobre a ciência e teoria e senso de maravilha da época em que um jardim secreto é muito sobre os personagens e suas experiências. Este lê muito bem por conta própria. É bem simples. Você quase consegue receber a mensagem sem qualquer texto ou eu explicando o que é. Este equilíbrio entre o bem e o mal, algo que você vê e arte de fantasia, coisas como Star Wars, você vê o conflito do bem e do mal muito. Mas há muito que você pode fazer com os tipos de personagens que você usa para mostrar essa relação de equilíbrio em contraste. Vamos voltar ao afresco e começar um novo documento, 3600 por 3600. Vamos dar um zoom aqui um pouco, vou pegar meu lápis de desenho e vou reduzi-lo apenas para tocar. Em cada camada, vou colocar alguns dos conceitos básicos da composição. Primeiro é esta ideia do lago. Vamos preenchê-lo para que seja uma forma. Não vou fazer um círculo perfeito, quero que se sinta um pouco orgânico. Vamos adicionar outra camada, e aqui vou colocar meu personagem principal. Por algum motivo, a primeira coisa que vem à mente com isso é o personagem parecia infantil. Então vamos com uma criança pequena, e a única maneira que eu realmente preciso distinguir isso agora é com as proporções do corpo, especialmente se você tem um desenho animado em estilo como eu. Quando você está desenhando uma criança, geralmente a cabeça deles é um pouco maior do tamanho. Esse é o fator determinante, e eles vão ficar ajoelhados. Então, há os dedos, então, aqui estão as pernas dobradas atrás deles, e eu vou colocar seus braços no chão assim, aqui está um pouco de cabelo. Vou dar-lhes uma silhueta distintiva. Eu vou trabalhar os detalhes deste personagem um pouco mais tarde, mas eu quero que aspectos deles se sintam únicos. Então, quando refleti o personagem no lago, posso criar uma variação mais sinistra sobre isso. Assim, na arte dos desenhos animados, geralmente formas como o clássico formato do corpo do Mickey Mouse é suave e amigável. Considerando que uma forma triangular parece um pouco mais agressiva. Esta é a sua forma de herói, essa é a sua forma de vilão se você quiser ser completamente simples com ele. Então, se este é o caráter de ordem e, em seguida, a água é o caráter caótico. Este personagem vai ter as bordas de software para o seu design. Repare de novo, isso não é sobre acertar a anatomia. Trata-se de usar as formas certas para o projeto. Observe que eu acidentalmente desenhei um pouco deste personagem nesta camada, você tem que ter cuidado com suas camadas porque eu perco um pouco desse detalhe. Então, vou apagar um pouco disto. A coisa legal com afresco é que você tem este pequeno botão de atalho que muda seu pincel para uma borracha. Eu vou duplicar esta camada, e então eu vou usar minha ferramenta de transformação aqui, e eu vou colocar este personagem e a água. Aqui é onde você pode realmente ver o benefício de colocar elementos em diferentes camadas. Vou continuar a mudar estas coisas até que a composição pareça certa. Deixe-me primeiro acrescentar no meu plano de fundo. Então eu tenho uma criança, o que seria um bom cenário para uma criança? Isso pode estar no quarto deles, mas acho que você não teria um lago no seu quarto, então eles estão lá fora com certeza. Eles podem estar na escola, talvez seja um recesso nessas garotas no parquinho, e a idéia é que ela caminhou até a beira do parquinho, viu esse lago, talvez ela se sinta isolada de seus colegas. Então ela está vagando sozinha, ela vê o lago, e no lago há um reflexo de si mesma e ela percebe que é uma versão alternativa. Então temos um vislumbre de como esse mundo se parece. Atrás dela, vou colocar o parquinho. Acho que o bom de um parque infantil é que ele se sente movido pelo design do mundo da fantasia. Você tem essas pequenas torres e há um escorregador, corda, escada. O design de um parque infantil se presta a contar histórias porque é um lugar para as crianças exercitarem sua imaginação, funciona perfeitamente. Vou deixar isso ali, e agora vou mudar para esses elementos como se seus adereços e personagens em um palco. Quero que o meu passado fique por aqui, minha linha do horizonte está baixa. Gosto de sobrepor elementos visuais, mas vou centralizar esse personagem um pouco mais. Talvez escalá-la só um pouco para que ela esteja mais de uma presença na composição. Vamos clonar isso e virar, e os turistas deixam cair isso no fundo. Eu vou clarear essa camada, eu vou abrir isso, que são as propriedades da camada, clarear isso um pouco, e eu vou apenas fundir todos esses juntos. Agora não posso pensar demais.
11. Como esboçar os detalhes: Agora você pode estar feliz com sua versão do esboço. Para mim, eu faço um esboço em cima do esboço, só para afrouxar a coisa toda um pouco. Então agora eu vou desenvolver a personalidade desses personagens um pouco mais para encontrar um pouco da paisagem e do cenário. Eu vou reduzir o meu pincel um
pouco e talvez mudar o alisamento só um pouco. Eu quero apontar o rosto deste personagem para o outro personagem e para fazer isso, você realmente tem que começar com o nariz do personagem. Talvez possamos dar a este personagem um par de óculos para ajudar a definir seus olhos. Vamos enfatizar isso um pouco. Eles parecem ser ela definindo o comércio visual neste momento como um personagem. Ele não tem muita personalidade. Talvez ela seja uma criança de primeira ou segunda série, uma solitária. Tem uma grande imaginação. Eu quero que ela pareça que ela está inclinada sobre a água um pouco. Então eu vou empurrar o corpo para trás, colocar os braços para a frente assim e eu vou apenas apagar algumas linhas perdidas. Então eu tenho uma noção do que está se sobrepondo, onde. A coisa legal sobre desenhos animados é que é realmente fácil fazer personagens muito expressivos. Então aproveite isso. Então, há o acima, a garota da água. Vamos novamente adicionar outra camada para o plano de fundo. Vamos trabalhar o personagem secundário antes de nos movermos para o cenário. Vou virar essa coisa toda ao redor. Este personagem vai se assemelhar a este personagem, mas ser um pouco mais pontudo e mais agressivo. Talvez comecemos pelo nariz pontiagudo. Ela tem um sorriso ameaçador, possivelmente dentes de vampiro. Basta cortar o mesmo penteado mais ou menos. Talvez aponte um pouco, tipo um demônio élfico. Este personagem, talvez tenha um pouco mais de agência no mundo deles. Talvez a roupa deles pareça um pouco mais formal. Como se pudessem ser realeza em suas terras. Talvez estejam encarregados de alguma coisa e isso faça parte do sorteio deste personagem. Vamos desligar essa camada e dar uma olhada nesses personagens. Acho que é um contraste bom o suficiente. Ambos têm uma sensação amigável para crianças, que é um estilo que eu gosto, mas você pode ver a diferença neles. O playground do mundo real deve se sentir mais suave e amigável e, em seguida, esta realidade alternativa escura pode ser mais castelo inspirar como mais rochoso. Aqui está o nosso elemento de fundo. Podemos dizer que este é o meio do solo e, em seguida o verdadeiro primeiro plano será esta linha da água. Bem, vamos ver aqui. Vamos definir a borda dos bancos. Talvez aqui vejamos algumas pedras e relva aparecendo. Como eu estava dizendo com a ilustração secreta do desenho, parte da lei dessa composição é a maneira como ela usa uma perspectiva de um ponto para trazê-lo para o mesmo. Muito dessa história é sobre ficar imerso no jardim. Então você pode adicionar elementos visuais para atraí-lo para a composição. Muito da arte de fantasia que eu estava referindo antes faz isso, a linha em que na capa do guarda-roupa com a perspectiva de um ponto, algumas das capas do livro no início, eu estava mostrando a vocês como os personagens em primeiro plano, e eles empurram você para o design com alguns como pequenos elementos visuais. Eu poderia até adicionar algumas ondulações na água. Talvez eles se cruzem com este personagem para que não tenhamos uma leitura completa sobre eles. Eles estão em uma realidade alternativa que ainda não entramos. Este é apenas o momento da descoberta. Agora, a coisa boa aqui novamente é que eu tenho essas coisas em camadas diferentes, então eu posso mudar esse personagem um pouco para baixo. Eu realmente a quero nas margens do rio e eu vou
empurrar este personagem chicotear por aí também. Encolha-a um pouco. Quando eu passo para o meu estágio de coloração e tinta, eu posso criar alguns efeitos visuais que fazem isso parecer um reflexo e fazer isso parecer o mundo real. Então isso é tudo para a fase de desenho. Vamos passar para a arte final.
12. Como contornar com Fresco: Vamos falar sobre os tipos de pincéis que temos à nossa disposição aqui em fresco.You provavelmente tem algo semelhante em seu programa de desenho se você estiver usando algo diferente. Vou começar ajustando a opacidade desta camada, baixando para cerca de 30%. Vou pintar de preto. Se o meu esboço também é preto, vai ser difícil distinguir as linhas. Vou fazer uma nova camada para praticar. Vamos saltar para o rosto deste personagem e experimentar nossas opções de pincel. Pixel Pincéis tem todos os tipos de ferramentas de tinta. Vou ficar com a caneta Belga Comics, que simula uma caneta tradicional. Algo que é muito popular na arte tradicional de mão e quadrinhos. A coisa legal sobre o fresco é que ele é realmente bom em simular ferramentas tradicionais de desenho à mão livre. Então você tem ótimas opções de tinta. Eu vou bater a pequena estrela lá e agora eu tenho minha caneta Belga Comics nas minhas favoritas. Eu estou mantendo a tinta preta, eu estou mantendo o tamanho do meu pincel para cerca de 30, e eu estou ajustando o Smoothing apenas para cerca de 20. Então, há um pouco de controle. Não há atrito na forma como há fricção de papel quando você está desenhando tradicionalmente. Preciso de um pouco de Smoothing. Caso contrário, minha caneta está se movendo mais rápido do que eu esperava como alguém que está tão acostumado a desenhar tradicionalmente. Com um pouco de suavização, tenho mais controle. Se eu abaixar tudo
isso, é um pouco disperso demais. Então, só um pouco de alisamento ajuda. Com o pincel de pixels você obtém um efeito de tinta tradicional agradável. Se você já pintou com pontas antes que eles tenham uma ponta de metal assim como você está movendo-os através do papel, eles estão cortando através da polpa do papel de que. O que dá até uma linha limpa um pouco de grade nas bordas que a tinta sangra. Esta ferramenta de tinta simula isso. Gosto deste bico. Tem um pouco de humanidade nele, é solto, tem muita textura. Se você tem um bom controle das mãos ou você gosta de um olhar desleixado este bico, o pincel Belgian Comics, vai funcionar para você. Mas se você quiser um efeito mais limpo, você pode subir o Smoothing. Mas novamente, você ainda tem esse ruído de pixel. Vamos tentar o Vector Pincéis, que é um par de ferramentas bem aqui. Eu vou reduzir isso um pouco porque esta linha tem um efeito totalmente diferente. Este é um trabalho artístico da ferramenta Vector. Não é fazer pixel art. Está fazendo uma linha baseada em algoritmo. O benefício disso é que você pode escalá-lo infinitamente. Não importa o quão longe eu amplie, a tinta mantém seu efeito nítido. Na verdade, confira. Quando eu amplio os pixels, você pode ver a grade do pixel aqui. Eu posso desenhar dentro de um único pixel com esta ferramenta Vector. Se você ama detalhes e adora trabalho limpo e
suave da linha de ponto de agulha, esta é a ferramenta para você. Eu gosto desse efeito. Mas para este projeto eu quero manter as coisas um pouco mais soltas. Eu quero que ele se assemelhe a uma ilustração de mão livre mais tradicional. Não quero tanto controle sobre a linha. Isso é lindo.
13. Como contornar os personagens: Vou saltar de volta para o meu pincel belga e vou começar a pintar os meus personagens. Vou começar com o protagonista da minha história, esta jovem senhora. Porque estou tão confiante na composição do meu esboço. Pensar realmente libera minha tomada de decisão. Posso entrar aqui e me divertir trabalhando com estilo. Eu inclino o meu desenho um pouco, para que eu possa obter alguma curvatura agradável na minha linha, e eu vou trabalhar bastante rapidamente porque a tinta fica melhor quando está solta. A menos que eu estrague tudo em uma linha, não
vou redesenhar. Quando você está desenhando simplesmente cabelo é quando são suas oportunidades de realmente definir um personagem, e sua personalidade através de apenas um visual. Então eu passei um pouco de tempo trabalhando nos detalhes do cabelo. Neste caso, é muito importante porque representa parte de sua silhueta que eu quero jogar contra na versão maléfica e
caótica de seu personagem. Vou dar-lhe mangas curtas. Ela está num parque infantil. Eu queria ter um olhar mais casual sobre ela. Algo que eu também posso jogar contra no outro personagem. Até a colocou em um par de shorts de verão. Lá vamos nós. Aí está o nosso personagem principal. Criar o nosso antagonista. Enquanto este personagem é redondo e mais suave, este personagem vai ser um pouco mais pontudo. Deve ter seus aspectos refletidos, terá apenas um pouco de variação que adiciona alguma riqueza à história. Então logo de cara e vamos fazer um nariz mais pontudo. Novamente, pontudo se sente mais vilão e perigoso. Seus olhos parecem felizes, mas eles também têm um pouco de interesse para eles também. Na verdade, vou deixar os dentes de
fora e dar um sorriso desonesto se ela tiver dentes de vampiro. Ainda não sabemos sobre eles. Agora os braços, este personagem não está em mangas curtas. Talvez ela seja uma jovem princesa ou mesmo uma jovem rainha do castelo. Temos a sensação de que ela tem um traje mais formal. Lá vamos nós. Temos duas versões opostas do mesmo personagem.
14. Como contornar o cenário: Vamos saltar para os elementos de fundo. Vou virar isso e começar com o parquinho. Eu não quero adicionar muito detalhe aos elementos de fundo. detalhe chama a atenção. Os personagens principais devem manter a nossa atenção. Este é apenas um sabor extra para a história. Eu vou manter a linha muito simples, como para o telhado, Eu só vou fazer um par de vieiras pouco. Só vou estabelecer o quadro básico. O playground é muito geométrico. Espero que ele tenha apenas detalhes suficientes para que você saiba o que é sem chamar muita atenção para ele. Ok? Agora, para o castelo aqui, ele vai ter o tipo oposto de efeito. A silhueta vai ser semelhante como o balanço é refletido no vulcão. O elemento principal do slide é o castelo, mas o trabalho de linha é apenas um pouco mais ameaçador. Quase como uma criatura. A fumaça do vulcão é um efeito atmosférico. Eu não vou pintá-la, eu vou deixá-lo para estágios de coloração e meu capítulo efeitos de fantasia para mostrar-lhe mais algumas das opções de ferramenta legal que temos com este programa. Vejo uma oportunidade de criar um rosto aqui e, claro, sempre
queremos mexer com a percepção dos espectadores. Vamos fazer isso. Esse tipo de caveira cinza do castelo acontecendo. Temos os personagens principais, os elementos de fundo, e agora vamos trabalhar no primeiro plano aqui. vez, esses elementos servem um propósito na composição. As gramíneas e rochas são projetadas para enquadrar o personagem e nos levar a essa cena. Da mesma forma que a ilustração
do jardim secreto nos atraiu com uma perspectiva de um ponto. Esses elementos visuais vão nos empurrar para o projeto. Vamos adicioná-los a uma nova camada. Comece trazendo algumas dessas rochas. As rochas estão espalhadas pela costa. Bem aqui, há uma oportunidade de criar muita tensão. Como se fizéssemos muito trabalho de linha aqui que atraia os olhos diretamente para essas interseções de linha. Isso não é bom. Queremos que a atenção fique
no rosto do personagem e não queremos obstruir essa conexão. Agora vamos fazer um pouco com a grama. Eu poderia pintar tudo isso individualmente, mas novamente, isso pode ser muito detalhe. Então eu só vou fazer mais de um esboço. Seus pedaços gramados vão nos mostrar a borda da água. Precisamos de um pouco, mas de novo, não
queremos nos cruzar muito aqui. Tudo bem, estou muito feliz com isso. Esta é a nossa arte básica, não há muito contraste aqui, além dos olhos. Na fase de coloração, eu vou pensar sobre como eu posso empurrar a história para a frente, mostrar as semelhanças e os tipos de personalidade opostos, depois que iria criar alguns efeitos visuais na água, separando o mundo de fantasia aqui do mundo real.
15. Como colorir os personagens: Antes de começar a colorir, quero ter certeza de que minhas camadas estão todas em ordem. Você pode ver aqui que eu coloquei todas as minhas camadas em uma pasta. No Fresco, você pode fazer isso pegando uma camada e arrastando-a para cima de outra camada. Agora estão todos reunidos. Você pode deslocá-los e colocá-los em ordem, se você precisar. Você tem uma função semelhante no Photoshop ou no Procreate ou em qualquer outra ferramenta de desenho digital. Agora que eles estão agrupados, eu posso criar uma nova camada para iniciar minhas cores base. Minhas cores base serão apenas amostras de cores
sólidas que estabelecem a paleta de cores. Mais tarde, eu vou adicionar textura em efeitos em cima disso porque Fresco tem algumas opções de pincel textura muito doce. Por enquanto, eu só estou pegando meu pincel de pixels, e você pode ver na minha seção favorita, Eu adicionei o Classic Comic Nib. Encontrei-o em tinta, Clássico Comic Nib. Vamos dar uma olhada por que é um bom ajuste para apenas um pincel de cor base. Tem uma opacidade sólida, que
significa que eu posso colocá-la em camadas, sem criar variação na cor. Ele tem um pouco de textura em sua borda, que é bom para dar-lhe um pouco de um campo desenhado à mão. Além disso, funciona como a minha ponta ou um pincel e que quanto mais aperto para baixo, maior a linha. Por isso, torna mais fácil colorir em todos os gestos sem mudar as minhas ferramentas. Vou começar colorindo os principais atributos do personagem em ordem. Vou me concentrar no cabelo do personagem primeiro. Eu não quero ir muito vibrante porque eu queria sentir que ela está no mundo real e o outro personagem na água vai ser vibrante em outro mundo. Vou escolher um roxo, mas vai ser uma espécie de roxo acinzentado, então parece mais aterrado. Eu só vou colocar essa cor de base. Agora, para criar uma paleta de cores icônica, eu gosto de trabalhar com essa teoria chamada teoria triádica da cor. É algo que eu falo na minha turma, Mundo da cor. Essa é uma boa maneira de criar uma paleta, uma palete simples e
refinada que torna seu personagem muito distinguível porque as cores estão em alto contraste entre si. Agora vou criar um tom de pele para este personagem. Os tons de pele são baseados aqui na zona laranja-avermelhada. Não vá para amarelo porque você vai ficar muito maçante, tipo de tons de pele enlameada e não vá muito longe em verde-amarelado porque então você vai ter um tipo de cores azeitonas estranhas. Comece com esta zona. Então mude até ter um tom de pele que goste. Em seguida, vou adicionar alguns detalhes. Vamos ver o cabelo aqui. Eu tenho esse roxo bonito e um elogio para roxo é amarelo. Então vamos fazer seus pequenos laços de cabelo amarelos brilhantes. Quero que os olhos se destacem do tom de pele. Vou usar um azul claro, muito pálido. Então temos uma noção do vidro, mas não queremos muita cor neles. Agora vamos fazer os sapatos dela. Talvez ela tenha alguma conversa vermelha brilhante divertida. Esse garoto adora vermelho. Vou usar um rosa muito pálido para a meia. Há um garoto bem realista. Eu só vou passar e retocar algumas dessas cores. No Fresco, se você segurar com o dedo, você obtém a ferramenta conta-gotas para que você possa experimentar suas cores. Vou provar o vermelho da camisa, toquei nela, e limpar algumas manchas na pele e no cabelo. Agora, quando vou colorir minha personagem na água, quero que ela se sinta mais sobrenatural. Então eu vou usar cores realmente vibrantes com ela. Nossas cores quentes estão acima da água e nossas cores legais estarão abaixo. Vamos ver. Vamos começar com o tom de pele dela. Eu vou com uma espécie de tom de verde. Um dos meus esquemas de cores favoritos na arte de fantasia é roxo e verde. Isso é algo que era popular nos anos 70, arte
colorida para a construção do mundo, como design de monstros ou atmosfera planetária. Cores sobrenaturais e arte de fantasia muitas vezes têm muito verde e roxo. Aqui vamos nós.
16. Fundo, sombras, realces: Vamos ser criativos com nossa abordagem de cor no fundo. Claro, há a opção de apenas pegar a ferramenta de balde de tinta, preenchê-la com um clique, criando esse grande bloco de cor sólida. Essa não é a pior ideia do mundo, mas às vezes uma solução fácil como essa nos distrai de nossas outras opções possíveis. Enquanto a página em si é um quadrado, dentro desse quadrado, há uma oportunidade de usar o formulário para jogar com a experiência dos espectadores da cena. Uma das minhas maiores influências quando se trata de composição é o Movimento Art Nouveau do final do século XIX e início do século XX. Era uma era de experimentação, especialmente nas artes do livro. Alguns dos artistas mais interessantes da época, estavam integrando a cor e a textura
do próprio papel em sua composição impressa. Aqui está uma ilustração de um dos meus ilustradores favoritos, Aubrey Beardsley. Sua composição mostra o mágico, Merlin, preso em um portal esculpido no próprio livro. Agora, pense em como esse estilo de enquadramento muda sua percepção da cena. Falo mais sobre ilustração Art Nouveau e experimentação
gráfica na minha aula, ilustração por design. Se esse é um tópico em que você está metido, confira. Mas esta abordagem à composição e ao mundo das artes do livro continuam a aparecer na fantasia e a ficção científica é estática, especialmente nos anos 60 e 70. Olhe para a forma como o espaço negativo, cor na forma dentro desses fundos mudam nossa relação com a cena. Ele traz um pouco de surrealismo para uma ilustração, e é uma técnica que você pode ou não ter notado acontecendo em algumas das minhas ilustrações que eu compartilhei anteriormente. Eu vou colocar essa técnica para usar nesta cena, bem como criando um portal para observarmos esses personagens em seu momento de descoberta. Ao adicionar este elemento gráfico simples, toda a
minha abordagem para colorir esta cena é realmente alterada. Em vez de apenas definir o céu e o chão aplicando uma linha de horizonte, vou criar uma lavagem nebulosa de transição atrás dos personagens. Para obter esse efeito, vou precisar fazer alguns gestos amplos com o meu pincel. Como eu não quero me preocupar em sair das bordas deste quadro que eu criei, eu vou bloquear a transparência dessa camada. Ao bloquear a transparência, você impede que as cores se infiltrem fora do intervalo de pixels que você já criou. Pixels transparentes permanecerão transparentes. Em seguida, vou para meus pincéis de pixels e selecionar o pincel redondo suave gradiente. Tem um efeito de aerógrafo. Vou fazer a transição da luz do dia para a grama, para a água, para o céu noturno deste mundo imaginário. Sem adicionar o formulário ao meu quadro, eu não teria tido essa ideia, então, experimente em sua composição. Em seguida, vou definir alguns desses elementos de fundo simples, usando a mesma abordagem que usei em minhas cores de base no meu personagem. Eu estou pegando minha ponta de quadrinhos clássica e usando um esquema de cores um pouco mais maçante e os elementos de fundo, para que eles não distraem do meu personagem. Para ajudar esses elementos a se misturarem com meu plano de fundo, vou definir sua propriedade de camada para escurecer e reduzir a opacidade para cerca de 60 por cento. Eles parecem sentar-se em cima do fundo, mas também estão integrados com esse esquema de cores. Vou virar o desenho e fazer a mesma coisa pelo castelo. Eu vou subir à superfície e adicionar um pouco de
verde maçante para a matéria vegetal e um pouco de cinza para as rochas. Agora que tenho toda a minha cena colorida, vou começar a criar efeitos atmosféricos para trazer um pouco de realismo ao design. Antes de adicionar sombra e realce, vou mesclar minhas camadas de cor base até o fim e parar antes de chegar ao meu plano de fundo. Eu vou deixar isso separado, apenas no caso de eu querer mover algumas coisas ou aplicar diferentes texturas e efeitos aos personagens e ao fundo. Em uma nova pasta, vou criar uma nova camada e colocá-la acima das minhas cores base. Vou adicionar sombra e realce. Primeiro, preciso decidir onde estão minhas fontes de luz. Digamos que é sobre o ombro esquerdo da menina no parquinho. Minha abordagem geral para a sombra é escolher uma cor púrpura profunda. Certifique-se de que você está em uma nova camada. Defina essa propriedade de camada para gravação de cor. Você notará quando você colocar a cor, ela interage com as cores abaixo dela. Neste momento, a opacidade está muito alta nesta camada. Eu vou ajustá-lo para cerca de 30, e agora ele se mistura de uma maneira mais sutil. Esta é uma maneira rápida de criar sombra sem saltar através de um monte de cores. Porque o sol está atrás da menina, minhas sombras são muito proeminentes, especialmente sobre a matéria vegetal. Este é um momento importante para criar um contraste forte em seu design. Ele melhora o humor e torna sua ilustração mais atraente em geral. As sombras também são adicionar um pouco de textura à composição, algo que vamos entrar mais tarde à medida que adicionamos efeitos visuais no próximo capítulo. Esta ilustração não exige muitos destaques, mas ainda vou passar pelo processo. Eu vou fazer uma nova camada, e desta vez eu vou definir minhas propriedades de camada para clarear. Uma vez que eu crio todos os destaques que
eu poderia querer, eu passo e avalio quais eu realmente quero manter. Vou pegar meu apagador, definir o fluxo muito baixo para que seja macio e derrubar um pouco da intensidade de alguns desses destaques. Eu não quero um olhar completamente plástico sobre esses personagens e elementos de configuração. Estou feliz com a ilustração até este ponto, mas ainda parece um pouco limpo. Eu quero criar mais uma sensação de atmosfera e adicionar um pouco de textura para dar
à ilustração mais caráter e empurrar a sensação de um mundo de fantasia e este cenário subaquático. Vamos falar disso no próximo capítulo.
17. Pincéis e efeitos do Fresco: Toda a textura e efeitos que eu quero adicionar
à cena precisam ser restritos ao quadro oscilante. Então, para fazer isso, vou criar uma máscara. Agora, não há nenhuma ferramenta de varinha mágica como no Photoshop para selecionar branco e criar uma máscara. Então o que eu tenho que fazer é eu vou clonar a camada de fundo. Então eu vou mascarar o conteúdo da camada e isso cria uma máscara baseada nessa camada, que você pode deslizar para frente e para trás entre a máscara na camada real. Vou usar a borracha, e primeiro vou desligar esta outra camada, e apagar essa camada. Desbloqueie a transparência agora que qualquer coisa que eu colocar aqui vai obedecer a essa máscara. O que significa que posso criar efeitos e assim por diante que só são vistos contra este pano de fundo. Deixe-me criar outro desses e guardá-lo para mais tarde. Algo com o qual estou ansioso para brincar no Fresco é a ferramenta de pincel ao vivo. Eles construíram este ótimo motor de pincel para simular efeitos de aquarela. Quando eu trabalhava tradicionalmente, eu usava aquarela exclusivamente. É o meu meio favorito para pintar, mas não tem havido um bom equivalente digital para aquarela, algo que permite que o pigmento flua através da água e de uma forma natural. Mas essa coisa chega muito perto, então vamos tentar acima da camada de fundo. Vamos pegar um tom de azul e ajustar a mistura para multiplicar. Vamos ver como isso parece. Vejamos as configurações aqui por um segundo. Você pode ajustar a quantidade de água no pincel, bem como o tamanho do pincel e o fluxo. Menos fluxo, menos pigmento. Vou diminuir um pouco o fluxo, e vou trazer a via navegável para cima. Você pode ver que você tem este belo estilo aquarela sangrar. Agora você pode mudar a opacidade da cor para baixo para transparente e obter um bom desbotamento. Eu vou fazer o mesmo efeito no céu acima da garota. Vamos clonar esta camada novamente, então eu tenho outra. Este vai ser de uma cor. A imperfeição da aquarela é seu atributo mais legal. Mas às vezes você acaba com um pouco mais do que você esperava, isso é muito laranja. Um pequeno truque no Fresco que você poderia fazer, que é um atalho semelhante e procriar, desfazer
dois dedos, refazer três dedos. Eu vou manter esse pequeno sotaque lá, é um pouco de estranheza agradável no design. Em seguida, além de tudo, quero criar uma sensação de vidro acima da água. Então vamos tentar, o pincel de aquarela, em cima de tudo. Os efeitos são uma parte importante da arte de fantasia. É uma maneira de pegar a realidade e virar de cabeça. Mas tem que obedecer a algumas diretrizes. Eles podem ser de cores estranhas, mas eles têm que se sentir como coisas que vimos no mundo real. Caso contrário, a realidade que estamos criando, não
parece que possa existir. Em seguida, eu quero adicionar um pouco de textura ao mundo acima do solo. Vou fazer uma nova camada, configurá-la para multiplicar, agarrar e ter uma cor púrpura. Vamos tentar respingos.
18. Finalizando!: Aí está, minha ilustração final. Espero que estejas lá fora a trabalhar num desenho próprio, e se estiveres isso significa que em breve vais publicá-lo na secção do projecto da turma. Se você estiver trabalhando com Fresco, veja como exportar seu trabalho para publicação. Com o projeto final aberto, clique em “Publicar e exportar” no canto superior direito da barra de menus. O menu Compartilhar aparecerá, clique em “Exportar como”, dê um nome ao seu projeto. Alterne o formato para JPEG, se ele ainda não estiver lá. Defina sua qualidade para alta e clique em “Exportar”. Agora exporte o arquivo simplesmente clicando em “Salvar imagem” e adicionando-o ao seu aplicativo de fotos tablets. Assim, você pode acessá-lo diretamente ou enviá-lo para um serviço baseado em nuvem, como o Google Drive ou o Gmail. Se você estiver usando outro aplicativo de desenho, o processo provavelmente é bastante semelhante. Se você está trabalhando tradicionalmente, tire algumas fotos do que você está trabalhando. Além disso, se você pudesse coletar um pouco de seu processo criativo, isso significa esboços, notas sobre inspiração e como você chegou à arte final. Eu acho que essas coisas são muito importantes, e a participação estudantil enriquece minhas aulas de uma maneira que eu nunca poderia fazer sozinha. Então, isso realmente significa muito sempre que vejo novos projetos aparecerem nas minhas aulas. Claro, uma vez que você postar um projeto, eu vou compartilhar meus pensamentos sobre o seu trabalho também. Eu verifico a seção do projeto da classe pelo menos algumas vezes por semana. Espero que tenha gostado da minha classe de outros mundos. Se queres aprender mais comigo, estás com sorte. Eu tenho mais de dez outras aulas na minha página de compartilhamento de habilidades, agora mesmo. Se você quiser aprender mais sobre arte de fantasia,
confira minha classe Desenho de Mundos Imaginários. É um mergulho profundo na criação de arte conceitual e ilustração de um cenário evocativo para uma história. Se você é um Construtor de Mundo, você realmente vai gostar da minha aula sobre criação de Mapas de Fantasia. Nele fazemos um mapa de estilo medieval realmente único inspirado nas aventuras da vida real da infância. Se você é fã do Senhor dos Anéis, esta é a classe certa para você. Se você é um ilustrador procurando aumentar o nível de suas habilidades, confira minha classe Ilustration By Design. É uma estrutura central realmente única inspirada nos artistas gráficos do movimento art nouveau, que tem uma influência que eu mencionei brevemente nesta aula, confira. Agora, se você está curioso sobre tentar sua mão em fazer quadrinhos e desenhos animados, confira o guia do meu iniciante para desenhar quadrinhos. É um curso de duas horas grande diversão sobre o meu tópico favorito, e para ajudá-lo a desenvolver suas habilidades de desenho animado para fazer melhores quadrinhos, eu também tenho algumas aulas sobre desenhar melhores expressões de desenhos animados e linguagem corporal impõe. É um pacote de currículo inteiro sobre quadrinhos, basicamente, dê uma olhada. Se gostas do que faço, podes apoiar-me na minha página do Patreon. Você terá acesso a Sneak Peeks, e coisas em que estou trabalhando. Postagens de processo mais longas e dois projetos que tenho em desenvolvimento e nos bastidores olha para ilustrações que eu compartilhei através do meu Instagram. É meio legal. Espero que tenha gostado muito desta aula. Adoro fazer estes cursos. Obrigado por cuidar deles. Compartilhe uma crítica, diga algumas coisas legais se quiser, e estou ansioso para vê-lo da próxima vez. Tchau.
19. Vá além com o Fresco: