Guia definitivo de produção, mixagem e masterização de música eletrônica no FL Studio

1. Trailer e visão do curso: Então você tem o desejo de produzir faixas de EDM de som profissional. Talvez estejas a lutar com uma questão em particular que continua a acontecer. Talvez você sinta que sua trilha está faltando algo, mas você simplesmente não pode colocar o dedo nela. Ou talvez você já seja um especialista apenas querendo aprender novas dicas e técnicas. Se você é um iniciante, intermediário ou um produtor especialista. Este curso fornecerá técnicas e segredos de produção inestimáveis para levar suas trilhas de EDM ao próximo nível. Olá, meu nome é Ben e tenho produzido música há mais de dez anos. Naquele tempo, eu fui capaz de lançar inúmeras faixas com gravadoras, música composta para jogos e TV, até mesmo design e som misto para cinema. Então, o que me faz o melhor instrutor para você? Bem, neste curso, estaremos aprendendo produção musical de um produtor musical de verdade. Entenda, entendo as lutas típicas que podem limitar os produtores de alcançar seu potencial total. E quero retificar isso ensinando tudo o que aprendi ao longo dos anos como produtor musical. Se você completar este curso, você será capaz de estruturar sua pista de forma eficaz, constrói padrões de tambor camada que encontrou fast-food. Ambos você vai saber como ajustar sintetizadores para fazê-los soar da maneira que você gostou ou até mesmo criar seus próprios sons a partir do zero. Você terá uma compreensão de como um vocoder funciona, como usar a saturação de compressão EQ e até mesmo encontrar e corrigir problemas de fase em sua faixa. Vou guiá-lo através de todo o processo de propor cada elemento individual, dicas para arranjo e estrutura de pista, mixagem e masterização. Há também alguns projetos ao longo do caminho. Então eu posso bem, você entende os conceitos e há até uma oportunidade de interagir e receber feedback de colegas que também fizeram curso. Mao para as formalidades. O aluno ideal para este curso terá uma estação de trabalho de áudio digital. Então FL Studio, Ableton Logic, ou qualquer outro software que você pode usar para criar música. Você terá que saber como usar o software para que você possa replicar as dicas e técnicas que eu discuti um demonstra. Você também deve ter uma compreensão muito básica da teoria musical. E quando digo básico, quero dizer entender a diferença entre menor e maior, e saber qual é a quinta nota da escala. Se você acha que tem esses requisitos sob seu cinto, então este curso é definitivamente para você. De qualquer forma, eu não quero desperdiçar seu tempo com legumes chiques são as duas palavras. Eu quero que você aprenda e aumente suas habilidades de produtores para o mais alto padrão possível. Então, o que você está esperando? Adicione este curso ao checkout de seus pares e obtenha suas mãos nesta teoria completa e abrangente da música eletrônica e custos de produção. Olá e bem-vindos a este curso de teoria e produção de música eletrônica. Meu nome é Ben, e meu objetivo é ensinar-lhe tudo o que eu sei e tudo o que você precisa saber sobre a criação de uma faixa de EDM profissional. Fiz o meu melhor para tentar estruturar este curso e um formato lógico e fácil de seguir. Mas se começar a se tornar confuso, por favor me avise e eu farei algumas atualizações assim que puder. Eu aconselharia você a obter alguns fones de ouvido ou alto-falantes para a duração deste curso, há exemplos e demonstrações em todo o que você precisa ser capaz de ouvir. Um alto-falante de telefone ou laptop não será tão preciso quanto um par de fones de ouvido e você pode acabar perdendo algo importante. Portanto, certifique-se de obter alguns bons fones e tê-los conectados à medida que você progride pelo curso, certifique-se de se juntar ao grupo B em música e som Facebook. É apenas uma pequena comunidade onde podemos nos reunir, conversar, compartilhar ideias e projetos, e fazer perguntas uns aos outros. Também publicarei atualizações para futuros cursos neste grupo. Então, se você gostou deste curso, certifique-se de se juntar a esse grupo do Facebook para, para receber atualizações sobre meus futuros cursos. E, finalmente, não se esqueça de avaliar o curso e deixar um comentário. Adoraria saber mais sobre sua experiência e seu feedback é importante para que eu possa melhorar este curso e outros cursos. Ele também ajuda outros alunos que estão procurando por cursos. Então, se você acha que um determinado curso é benéfico, sua avaliação pode realmente ajudar outro aluno a escolher o curso certo para ele. Vamos dar uma olhada agora na visão geral do curso e o que você pode esperar encontrar à medida que avança no curso. Assim, no final do curso, você saberá exatamente como compor estrutura e produzir uma faixa completa de EDM. Você também saberá a teoria por trás de como essas faixas funciona e exatamente como construir cada elemento de sua pista. Eu realmente lhe dou os elementos individuais de sua trilha primeiro. Então isso é tudo o que você precisa saber antes de começarmos a organizar uma pista completa. Coisas como automatizar, construir bateria e cortar vocais serão abordadas antes de começarmos a organizar qualquer coisa. Essencialmente, à medida que você progride através do curso, você estará praticando várias técnicas de composição musical eletrônica. E então, quando você chegar ao estágio de arranjo, você usará essas técnicas e métodos que você aprendeu a criar uma trilha completa do zero. Depois disso, vamos dar uma olhada nas técnicas de mistura essenciais e como você pode usar diferentes plugins para realmente moldar e misturar sua trilha juntos. Também analisaremos algumas masterizações para que sua faixa possa ser alta e enfrentar outras faixas com as quais você a compara. Há também alguns projetos ao longo do caminho para que eu possa ver quão bem sua compreensão do material e também para você praticar suas novas habilidades. Ou você pode apenas mostrar seu talento para mim e outros alunos postando esses projetos no grupo do Facebook. Então, vamos entrar no curso agora e começar a aprender como criar uma faixa de EDM profissional. Mal posso esperar para ver o que você inventou. 2. Características do EDM: Vamos examinar algumas das características do EDM. É importante estar ciente de como um determinado gênero de música é reconhecido para que você possa ter certeza de que seus arquivos de faixa estão no cabeçalho certo. A primeira característica do EDM é que ele tem um ritmo alto e constante. Tempo é apenas uma palavra chique para o quão rápido uma peça de música realmente é. Então, se dermos uma olhada no nosso medidor de tempo aqui em cima, podemos ver que ele está ajustado para 126 batimentos por minuto. Batidas por minuto, ou BPM, é apenas mais uma palavra para ritmo, mas é uma Leitura mais científica. 126 bpm significa que há 126 batidas musicais por minuto de música. Qualquer coisa acima de 115 BPM pode ser considerada alta. Quanto maior o BPM, mais frenética e enérgica sua trilha soará. Portanto, tenha isto em mente quando estiver a escolher o BPM para a sua pista. Como o EDM tem um ritmo constante, fazemos o que é chamado de conjunto e esquecemos com o medidor de BPM. À medida que o EDM progride, o ritmo deve permanecer o mesmo. Alguns outros gêneros, como o clássico, vão mudar o ritmo ao longo da peça. Mas no EDM, geralmente não fazemos isso a menos que seja para um propósito muito, muito específico. Então defina o seu ritmo e esqueça sobre isso para o resto da sua pista. Outra característica a ser consciente é que existem duas subdivisões distintas de EDM. Há quatro no chão e há uma batida de pausa. Isso simplesmente se refere ao estilo do padrão de tambor que cada uma dessas subdivisões contém. No exterior do chão, o tambor de pontapé é constante e uniforme por todo o lado e cai em todas as quatro batidas da barra. É o padrão de bateria mais comum usado na música eletrônica. E é ótimo para clubes noturnos, pois permite que o público salte para cima e para baixo para o ritmo. Vamos ouvir um estrangeiro, o padrão do chão. A outra subdivisão então é conhecida como break beat. Nesta subdivisão, o tambor de pontapé não é estável e uniforme e pode cair antes ou depois das quatro batidas de uma barra. Neste exemplo, algumas das amostras de chutes estão caindo antes da batida da barra. E isso dá ao ritmo um pouco mais funkier campo. Vamos ter uma escuta agora para o exemplo break beat. Na verdade, cabe a você qual subdivisão você deseja criar. Algumas faixas, até combinam as duas juntas. Mas é importante estar ciente de que eles existem antes de começar a organizar sua trilha. Edm está sempre definido em 44 tempo. Ao ar livre, usaremos a configuração como padrão, mas é importante que você não a altere para algo como 34 vezes. Se você está fazendo EDM, 44 tempo simplesmente significa que você pode contar quatro batidas distintas em cada comprador. A razão pela qual mantemos o EDM no tempo 44 é porque ele é projetado para que os ouvintes possam facilmente dançar à música. 44 tempo tem o menos complexo de ritmos de todas as outras assinaturas de tempo, o que significa que menos concentração é necessária para dançar ao ritmo. Isso também significa que os DJs podem reproduzir ou rastrear facilmente seus sets. Como 44 tempo é fácil de misturar em outros 44 faixas de tempo. Edm é muito repetitivo na natureza e você vai descobrir que você repete as coisas muitas vezes. Existem algumas dicas que lhe darei mais tarde no curso que o ajudarão a atrair para soar menos repetitivo e fluir muito melhor. Mas por enquanto, você não precisa se preocupar com isso. Na próxima palestra, veremos como o EDM é estruturado para que você possa construir sua trilha em uma base sólida. 3. Entalhar a estrutura EDM (parte 1): Nesta palestra, vamos quebrar a estrutura do EDM para que possamos construir nossa pista com uma base sólida. estrutura dos poros é um dos sinais mais óbvios que atraem foi produzido mal e não é tão difícil de entender. Então vamos ficar presos no conteúdo e estrutura atrai corretamente desde o início. A primeira seção de uma faixa EDM é chamada de introdução ou introdução. Agora, a introdução não serve para nada além de ser importante para os DJs serem capazes de misturar a sua faixa em outras faixas. No entanto, como EDM é projetado com seu propósito em mente, devemos incluir uma introdução e nossas faixas. Uma introdução é tipicamente de oito a 24 barras de comprimento, mas pode ser mais longa se você quiser aumentar a atenção da sua pista mais lentamente. A introdução também deve sugerir alguns elementos principais em sua faixa. Então, por exemplo, se você é uma quebra tem um padrão legal de acordes de piano, então você provavelmente deve sugerir o padrão de piano em sua introdução. Talvez desvanecendo-o lentamente à medida que a introdução progride. Na verdade, é muito importante incluir essas dicas em sua introdução, pois permite que o público reconheça imediatamente sua faixa assim que um DJ for colocado. A introdução também deve construir um pouco na quebra. O que isso significa é que, à medida que sua introdução toca, deve haver mais e mais elementos sendo introduzidos. Uma introdução geralmente começa completamente vazia e, em seguida, termina com uma dica completa do que vai acontecer na quebra ou queda da sua pista. Então vamos ter um ouvir este exemplo de uma introdução. Ouça como o padrão de corte se torna muito mais alto na segunda metade da introdução e como o produtor traz novos tambores à medida que a introdução avança. Nesse exemplo de introdução, você também pode ouvir como houve alguns upstreams e risers no final que estamos construindo tensão à medida que a quebra se aproxima. Em seguida, vamos dar uma olhada na seção de avaria. Aqui é onde a tensão da introdução é aliviada e a energia está no seu mais baixo. Estamos literalmente dividindo a pista em seus menores elementos antes de construí-la novamente. A quebra também é onde você pode encontrar o hulk principal de uma pista. E muitas vezes tem muito pouco ou nenhum tambores. Isso é para que pareça muito mais suave e livre do que as outras seções da pista. Uma quebra pode ser de oito a 32 barras de comprimento. Vamos ouvir o detalhamento do nosso exemplo Track. Observe como ele introduz o padrão de acordes principal que foi sugerido na introdução. E também como é muito vazio com um ritmo suave e livre. Vamos dar uma olhada agora na seção de acúmulo em EDM e como ele é usado em termos de arranjo. Assim, o acúmulo é uma das seções mais importantes de uma faixa EDM. Se exagerar, pode acabar com a entrega. Mas sob os praticantes e a queda pode parecer fora de lugar. Vou falar de algo chamado gráfico de intensidade na seção de arranjos. E podemos usar isso para garantir que não exageremos ou desfazemos o acúmulo. Mas, por enquanto, tome nota do que o acúmulo deveria estar fazendo. Construir é projetado para dizer ao ouvinte que algo grande está vindo, que é a queda. Ele é usado para construir tensão para que quando o lançamento da queda finalmente chegar, ele se sente muito mais intenso. Um acúmulo típico é de oito a 16 barras de comprimento, com 16 barras sendo bastante longo para um acúmulo. Vamos ver o que nosso exemplo rastreou aqueles para o acúmulo. Então, quando este acúmulo, alguns tambores foram reintroduzidos e o padrão de acordes foi na verdade metades várias vezes à medida que o acúmulo tocou. Esta técnica é muito comum e cria mais suspense para o ouvinte. Eles estão esperando ouvir o padrão completo. Mas em vez disso, ao encurtar é uma e outra vez, você está efetivamente provocando o ouvinte. Então, quando você finalmente dá a eles esse padrão de fluxo, ele pode realmente causar muito mais impacto. Vamos ouvir de novo. Depois do acúmulo, temos a entrega. Esta seção alivia toda a tensão que foi construída até agora e é o clímax de qualquer pista EDM. Você realmente quer a queda para fazer com que as pessoas se movam em seus pés. Por isso, muitas vezes é mais alto e mais cheio do que qualquer outra secção. Uma boa queda é tipicamente de 24 barras de comprimento, com os oito últimos compradores introduzindo algo novo que não esteve na queda até agora. Vamos ouvir um pequeno trecho de nossas faixas de exemplo cair. Nesta queda, o chute tambor é reintroduzido e os instrumentos mudam para um som mais agressivo. A idéia melódica ainda é a mesma no entanto, e assim a queda soa como uma versão mais intensa do colapso. Após a queda, uma segunda quebra é estabelecida. A segunda quebra é simplesmente um desenvolvimento do primeiro. Às vezes pode ser uma versão mais longa ou talvez uma versão com novos instrumentos ou a adição de bateria. No entanto, você não pode simplesmente copiar e colar seu primeiro detalhamento. A segunda avaria deve ter mais energia do que a primeira, caso contrário, sua trilha não fluirá corretamente. Este é, na verdade, outro uso para esse conceito de gráfico de intensidade que mencionei anteriormente. A segunda quebra também pode introduzir algo completamente novo, como uma nova melodia em um novo instrumento. No entanto, para que isso funcione, você deve retornar à idéia original antes do final da pista. Vamos ouvir para ver o que nossos atratores exemplo na segunda quebra. Então, nesta faixa, podemos ouvir claramente que a segunda quebra é muito semelhante à primeira. No entanto, é muito mais longo e há a adição de tambores no final. Isso permite que a tensão construa ainda mais do que a primeira quebra. No segundo acúmulo, devemos significar novamente que um grande clímax está chegando. Normalmente, o segundo acúmulo será quase idêntico ao primeiro acúmulo. Pode haver uma adição de bateria ou um novo instrumento, mas geralmente soa muito semelhante. O público já sabe o que está por vir, por isso é desnecessário tentar reimaginar um novo acúmulo. O segundo acúmulo também pode ser maior do que o primeiro. Isso pode ajudar a criar suspense extra. Vamos dar uma olhada na nossa faixa de exemplo e narizes como eles adicionaram um símbolo de passeio na primeira metade. Eles também adicionaram um tambor extra na segunda parte. Não se preocupe se você não sabe o que são estes, estará olhando bateria e detalhado muito em breve. Então, vamos ouvir agora. O que vem após o segundo acúmulo? É claro que é a segunda gota. Muitas faixas tendem a copiar e colar a primeira gota para esta seção, e isso é bom, mas realmente não dá ao ouvinte nada interessante. Para a sua segunda queda, você deve adicionar algo novo, talvez um novo instrumento, bateria extra, ou até mesmo mudar o padrão ligeiramente. Isso garantirá que seu ouvinte aprecie sua trilha durante todo o caminho e não fique entediado durante a segunda gota. Na nossa faixa de exemplo, a segunda gota introduz um instrumento completamente novo e muda ligeiramente o padrão. Em seguida, traz a primeira queda de volta. Mas por causa da nova ideia que acaba de ser jogada, não parece tão repetitiva. Vamos dar uma escuta. A seção final em uma faixa ADM é chamada de outro. Isso serve o mesmo propósito da introdução, exceto que é para os DJs se misturarem em outras faixas. O objetivo do outro é diminuir constantemente a energia da pista para que quando a pista termina, o público sinta uma sensação completa de fechamento. Se você parar abruptamente a faixa, o ouvinte pode ficar confuso como eles estavam esperando mais para vir. Um bom outro geralmente remove elementos da pista gradualmente até que apenas alguns instrumentos e tambores sejam deixados. O outro pode ser de oito a 24 barras de comprimento. Vamos ouvir o nosso exemplo. Outro. 4. Entalhar a estrutura EDM (parte 2): Eu vou usar esta palestra para falar sobre algumas outras estruturas que você pode usar e também duas outras partes importantes sobre estruturação na faixa EDM. Então a estrutura que acabamos de falar na última palestra é chamada de estrutura padrão. É a estrutura mais comum e sólida lá fora. No entanto, você pode alterar a estrutura em torno de alguns resultados interessantes. Uma estrutura de avaria atrasada, a primeira quebra realmente vem após a queda. Neste caso, a faixa iria da introdução diretamente para a acumulação, e depois para a queda com a quebra vindo depois. E outra estrutura que você pode usar é a estrutura sem avaria. Com isso, não há realmente nenhuma quebra na pista. Então, à medida que sua faixa progride, seria algo como introdução buildup drop. E então um desenvolvimento da introdução seguiria a queda. Você também pode adicionar alguns elementos extras para embelezar a segunda introdução antes do segundo acúmulo e a segunda gota. Nenhuma estrutura é definida em pedra. Você pode brincar com a estrutura da sua pista, mas você deve ter em mente que ele tem que ter um bom fluxo. Vamos falar sobre fraseamento binário. Parece um conceito complicado, mas não é. Simplificando, fraseado binário para EDM significa que algo muda a cada oito barras. Isso pode ser uma pequena mudança, como a adição de um novo som de bateria. Ou pode ser uma grande mudança, como a introdução de uma nova seção. Na música, uma frase é uma ideia musical com mais de quatro barras de comprimento, e binário significa dois. Então a idéia é, se você tem uma seção que tem 24 barras de comprimento, vamos apenas dizer que é a segunda quebra, por exemplo. Então isso significa que seu segundo colapso é na frase de 24 barras. Com fraseado binário, essa frase de 24 barras é realmente dividida em três frases menores de oito barras. E cada uma dessas frases menores são ligeiramente diferentes entre si. Não se preocupe se tudo isso parecer confuso. Mas a parte principal que você deve tirar disso é que a cada oito barras, você deve fazer algum tipo de mudança para que o progresso pista, bem como um lugar. A resposta de coluna é algo frequentemente usado em EDM, mas negligenciado por tantos produtores. Ou muitos produtores podem nem saber que estão fazendo isso com resposta de coluna, um elemento da faixa chamará e outro responderá. Então imagine que você tem alguma melodia anterior. Bem, se você definir um piano para tocar as primeiras quatro barras, e um sintetizador para tocar as segundas quatro barras, então isso seria uma resposta calmante. Também pode ser usado com vocais, onde uma palavra ou frase é repetida com efeitos diferentes. Vamos ouvir um exemplo de resposta de coluna instrumental e, em seguida, um exemplo de resposta de coluna vocal. A última coisa que quero falar nesta palestra é energia. Todo o EDM é baseado neste conceito de energia, construindo-o e liberando-o à medida que o Trek progride. A principal maneira de criar essa energia é realmente provocar o ouvinte antes de dar-lhes o pacote completo. Eu acho que eu já disse isso antes de qualquer maneira, mas eu quero reiterá-lo aqui porque se você é rastreado não tem energia do que ele realmente não vai funcionar como uma faixa de EDM. Voltaremos a olhar para a energia quando chegarmos para organizar a nossa pista. Mas por enquanto, você precisa saber que esse conceito é o motivo pelo qual tantos produtores de EDM acabam perdendo a marca com suas músicas. Então, certifique-se de que você está provocando o ouvinte em sua faixa. 5. Configurando seu projeto: Nesta palestra, vai se concentrar na criação um projeto para que você possa trabalhar em uma faixa com 0s. Agora que sabemos como o EDM é estruturado, podemos usar isso a nosso favor quando estamos configurando nosso projeto. Com tudo o que podemos adicionar no que é chamado de marcador. Então, com o FL Studio, se você apertar Command e t estão controlando t, se você estiver em um Windows, ele vai cair neste pequeno marcador aqui. Podemos então clicar com o botão direito do mouse e renomear-nos. Então, vou chamar essa introdução. E então podemos movê-lo para onde precisávamos estar. Então esses pequenos marcadores são ótimos porque podemos planejar a estrutura de uma pista antes mesmo de começar a organizar qualquer coisa. Isso nos manterá focados e também nos permitirá trabalhar dentro uma espécie de quadro garantido quando estamos criando a pista. Outra forma de criar marcadores com o FL Studio é vir aqui para o lado esquerdo da janela da lista de reprodução. Clique neste pequeno menu suspenso, mouse sobre os marcadores de tempo e selecione Adicionar um, dê um nome a ele. Então, vou dar um nome a este colapso. E novamente, você pode movê-lo para onde você precisa que ele esteja. Então vamos dizer que eu quero 16 barras de uma introdução. Eu só vou mover este marcador de avaria para o 16, tipo 16 pela América. E agora eu posso ver imediatamente que eu tenho 16 barras de uma introdução aqui. Então isso é útil quando eu realmente estou organizando e eu estou, eu estou colocando bateria e acordes e coisas que eu posso ver, certo? Preciso estar na seção de avaria quando chegar a este bar. Além disso, outra parte importante sobre o planejamento da sua estrutura é que é importante chegar ao ponto para que os ouvintes não se cansem de ICI realmente jurou por esta regra e quase todas as suas faixas chegariam à seção de queda antes do Marca de um minuto. Então tente não limpar a pista mais do que você precisa. Você precisa chegar rapidamente à idéia principal para que os ouvintes não se cansem quando estão ouvindo. Você não quer dois minutos de introdução porque os ouvintes ficariam entediados. Então, o próximo passo e configurar seu projeto é definir seu bpm. Agora, isso provavelmente mudará à medida que você fizer a pista, mas é bom definir uma espécie de ritmo áspero para onde você acha que quer que sua trilha esteja. Então, como eu disse, um ritmo muito alto terá uma faixa de alta energia, e baixo tempo será uma verificação de baixa energia ou mais suave. Se você não tem certeza sobre escolher um ritmo de 128 BPM é realmente um all-rounder perfeito. Quando um 128 é realmente considerado um número mágico na ciência musical porque é um número onde tempo, estrutura e tempo, todos eles se cruzam. Então, para o tempo, oito barras e 60 segundos serão todos cruzados quando este BPM estiver definido. Então, se você definir seu ritmo em 128, a barra de 30 segundos aqui, isso realmente marcará exatamente um minuto no relógio. Então, se você não sabe o que você quer definir seu BPM, sim, defina-o em 128. Na verdade, vou deixar o meu às 128 porque ainda não tenho certeza com que ritmo quero trabalhar. Então a próxima coisa que vamos fazer é criar alguma sintaxe. Este é um processo simples que pode realmente ajudar seu fluxo de trabalho à medida que você progride através da faixa. Então, centrado nos EUA faz o que diz na lata. Se você tem várias faixas que você deseja aplicar o mesmo efeito para, podemos realmente apenas enviar todas essas faixas para US $0,01 faixa. Isso nos poupa de ter que, em vez disso, abrir cargas de efeitos e, em seguida tentar copiar e colar as configurações em cada faixa individual. Assim, o processo de configuração de centroides e seu ponto provavelmente será diferente. E eu realmente acho que Ableton tem faixas 2N já disponíveis por padrão. Mas com FL Studio, podemos realmente usar qualquer um desses microfones são faixas como US centric. Tudo o que você precisa fazer é selecionar a faixa que você deseja enviar. E, em seguida, venha aqui para esta pequena seta e clique na seta sob qualquer faixa que você deseja enviar essa faixa também. Então vamos dizer que eu quero enviar faixa para a faixa 11. Vou clicar na seta abaixo da faixa 11. E agora desenhou uma espécie de arame entre estas duas faixas. E eu sei que esta faixa foi enviada para esta pista. Mas se quiséssemos parecer arrumados e arrumados e organizados para que possamos trabalhar rapidamente. A coisa mais fácil a fazer é clicar com o botão direito do mouse em sua trilha de perfume. Então, a faixa para a qual você enviou seus diferentes elementos, clique com o botão direito do mouse nisso, venha aqui para este pequeno d2 e clique para a esquerda ou direita dependendo de qual você preferir. Agora prefiro que a minha sintaxe esteja em ascensão. Então eu vou atracar esta pista para a direita. E como você pode ver, ele vem aqui para a direita. E esta é uma pequena seção de envios onde podemos meio que movê-la para fora do caminho se nós, se precisarmos, ou podemos trazê-la de volta clicando neste pequeno, eu nem sei qual é essa forma. Clique nisso e ele vai arrastar para fora este pequeno envia ação. Então, se dermos uma olhada era uma faixa para, sim, podemos ver qual faixa para isso. O fio está saindo e foi enviado para esta pista aqui. Então agora nós fizemos uma trilha sonora bem arrumada aqui no lado direito que podemos usar e podemos enviar qualquer faixa. Então, faixa seis, podemos enviar a faixa nove. Sempre fazer é apenas clicar nesta pequena seta aqui e ela nunca vai se mover. Mesmo se eu rolar ao longo da faixa do misturador, ele vai sempre dia aqui do lado direito. Então é por isso que é útil encaixá-lo ao lado. Que se você tiver um 100 faixas diferentes que você está usando, você ainda pode enviar todas elas com bastante facilidade e rapidez. Então, ele realmente ajuda o seu fluxo de trabalho. Então, na próxima palestra, falaremos sobre o uso de faixas de referência e como otimizar as configurações do seu pai para um desempenho ideal. 6. Otimizar seu DAW: Então, o que são faixas de referência? Bem, faça referência a faixas, faixas que você baixa e usa como referência ao criar sua faixa. Idealmente, você deve escolher uma faixa de referência que esteja no mesmo gênero da faixa em que você está trabalhando. Agora não estamos copiando a faixa de referência, estamos apenas usando-a como um guia para que possamos ter certeza de que nossa trilha está progredindo bem. Então, se você ouvir sua faixa de referência e você perceber que a meio da introdução e seu instrumento é introduzido, você pode realmente pegar essa idéia e introduzir um novo instrumento em sua faixa também. Então eu tenho um exemplo de uma pista de referência aqui para a casa de tecnologia. Acho que é o Jonah que eu queria fazer. Então eu baixei uma faixa do mesmo gênero. Então vamos ouvir alguns segundos e nome ou qualquer coisa que possamos notar sobre a introdução e qualquer coisa que possamos usar para nossa própria faixa também. Então eu posso ouvir que há um bloco de concreto tipo de dentro com os tambores. Kick tambores tem que ser muito mais pesado lá. E há alguns acordes sendo desbotados nele para a linha de base foi introduzida. E eu posso ouvir o som de uma multidão também. E há algum foco sendo filtrado também. Então podemos usar todas essas idéias para nossa pista. Podemos, eu posso dizer, se eu quiser que minha faixa tenha um tambor pesado no meio da introdução, e eu quero que minha linha de base venha aqui também, e eu quero introduzir vocais como minha introdução vai junto, nós podemos usar todos esses ideias. Então essa é a importância de ter uma faixa de referência. Podemos usá-lo como guia. Agora vamos otimizar nossas configurações de DAW para criar EDM. Então, no FL Studio, viemos até aqui para esta pequena seção de opções, clique nisso e descemos para as configurações de áudio. E você verá que esta pequena janela aparece se você estiver em um DAW diferente. Esta janela pode ser encontrada em Preferências e áudio, ou hardware de áudio ou algo parecido. E o layout será um pouco diferente, mas as configurações ainda são as mesmas. Então, a primeira coisa que você notará é este dispositivo suspenso onde podemos alterar o dispositivo que queremos processar o áudio. Então, se você quiser que seu som cometa seus fones de ouvido, se você quiser que o som saia de seus alto-falantes, se você estiver usando uma interface de áudio e quiser que o som saia disso, você pode selecionar isso aqui. O meu está definido para dispositivo de saída múltipla, que é apenas uma configuração que eu configurei para que meu software de gravação irá gravar o som da minha voz enquanto eu estou tocando o som do meu DAW. É apenas para fazer este curso porque eu normalmente teria este conjunto na minha interface de áudio porque é isso que eu gosto de usar quando estou criando música. A próxima configuração que temos então é a configuração da taxa de amostragem. Então a taxa de amostragem deve ser um mínimo de 44.110100, que é o que menos estátua aqui. Para a música eletrônica, a taxa de amostragem não é tão importante quanto é para a música acústica. Se você está gravando instrumentos como talvez sua voz ou uma guitarra ou algo assim, você provavelmente deve definir como um pouco mais alto, talvez 48 mil ou mesmo 8.888,2 mil é realmente alto. E então até 192 mil que é ridiculamente alto. E como, a menos que você tenha algum tipo de super computador, você não precisa definir a taxa de amostragem é 44,1 mil é absolutamente perfeito para todos os gêneros de música. Na verdade, são os padrões da indústria. Então gravadora, se você enviar-lhes um masterizado, uma pista masterizada acabada, eles vão realmente pedir-lhe um, para a sua faixa a ser dominado para 44.1. Então você pode muito bem deixá-lo em 44.1, mas você pode configurá-lo um pouco mais alto se você tiver o poder de processamento para fazê-lo. Em seguida, descemos e vemos esse comprimento de buffer ou em seu DAW, isso pode ser chamado de tamanho do buffer. Então, para isso, você deve definir isso o mais alto possível. Para criar EDM. Na verdade, estamos trabalhando com plugins e instrumentos virtuais para que eles precisem de mais poder de processamento. Então status tão alto quanto ele vai para dedicar mais poder de processamento a esses instrumentos. Se você está gravando instrumentos, você pode realmente, você pode baixar isso. Mas estamos falando de música eletrônica aqui. Não imagino que esteja gravando mais de dois instrumentos de cada vez. Então, basta colocar isso o mais alto que ele vai e deixá-lo lá. Além disso, os números que você obtém aqui dependerão do dispositivo que você selecionou aqui e também da quantidade de CPU que você tem em seu computador. Mas independentemente do número que isso aparecer aqui, defina esta pequena barra o mais alto que ela vai, e isso deve tornar a sua experiência de arranjo um pouco melhor. Agora esta próxima seção só se aplica ao FL Studio, mas temos este pequeno botão de sobrecargas seguras. Certifica-te de que esta luz está acesa. Isso apenas impede a interface de congelar se tiver algum problema. Isso só torna o arranjo um pouco mais fácil para você. Portanto, certifique-se de que isto está ligado. Certifique-se também de que este piolhos desativados de smack está ativado. O que está marcado como desabilitar faz é que ele desativa os plugins que você não está usando. Então, você sabe, se houver poder de processamento desnecessário indo para um plugin que você não está usando. Isso, vamos desativá-lo automaticamente que ele possa liberar a CPU para outras coisas que você está fazendo. Você também pode vir aqui para ferramentas, macros e mudar smack desabilitado para todos os comutados inteligentes, desativá-lo para todos os plugins. Isso só vai dizer ao software para tipo de atualizar essa configuração no caso de seu cão estar correndo em alguma perna. Em seguida, temos este pequeno ajuste de qualidade reamostragem aqui em baixo. Agora você pode definir isso para a qualidade de amostragem que preferir. 512 é alto e isso fará com que seu laptop diminua a velocidade. E há duas configurações aqui. Esta é realmente de baixa qualidade, por isso vai acelerar o seu laptop, mas não vai soar tão bom. Assim, quanto maior você definir essa qualidade de reamostragem, mais lento seu computador processará o som. E quanto mais baixo você disse, mais rápido seu computador processará o som, mas o som não soará tão bom quando estiver definido nessa configuração baixa. Gosto de manter meu intermediário no meio porque é meio feliz entre o mais baixo e o mais alto. E eu realmente não me importo se eu estou perdendo qualquer qualidade de áudio enquanto eu estou mixando. Uma configuração final que podemos fazer é entrar nesta guia geral aqui e descer para as animações descartadas. Então, se você definir isso para não me distrair, Isso vai desligar todas as animações que o software está fazendo para que sua CPU não está tentando processar nenhum visual desnecessário, bem como o áudio. Agora, eu realmente gosto das animações e meu computador é rápido o suficiente para executá-las. Então eu gosto de nos liderar em ambos. Você pode desativá-lo se você estiver tendo algum problema ou se quiser apenas liberar algum poder extra da CPU. Então isso é tudo o que precisamos saber para otimizar nosso DAW. Vamos passar para a próxima seção onde aprenderemos a construir bateria para EDM. 7. Usando balanço: Então a primeira coisa que vamos estar olhando nesta seção de tambor do edifício é usar swing. O que é swing e como podemos usá-lo para nossas trilhas? Na verdade, vamos usar isso infelizmente, não apenas na bateria, mas em quase todos os elementos da nossa pista. Swing é muito difícil de definir, mas eu acho que é muito mais fácil de entender uma vez que você ouve. Então, se dermos uma olhada nessas duas batidas de bateria, uma delas não tem um balanço, e a outra tem balanço. Então o primeiro que eu vou jogar é a batida que não tem oscilação. E então eu vou jogar a batida que tem swing. Então, vamos ouvir agora. Agora não há muita diferença entre essas duas batidas, mas uma delas tem um grupo melhor do que a outra. E isso é por causa do balanço. Balançar como uma arma secreta que todos os produtores de EDM devem saber. Então vamos dar uma olhada nesta peça aqui. A batida que não tem balanço. E vamos ver como devemos aplicar swing. Então a primeira coisa que notamos é que o chute está na primeira, segunda, terceira, quarta batida da barra. O aplauso é no segundo e no quarto b para o comprador. Mas o hass e esta precaução e esta amostra de precaução, eles não estão na batida do bar lá, na verdade, entre cada batida do comprador. Então essas pequenas seções entre as batidas da barra, essas são chamadas de passos. Então, para aplicar swing, temos que pegar qualquer coisa que esteja no segundo ou quarto passo, temos que atrasá-lo em um quarto de passo. Sei que parece que há muita matemática envolvida, mas não há. Então, se viermos até aqui para este pequeno encaixe para menu suspenso grade, se clicarmos nisso e vemos, vemos um quarto de passo aqui. Portanto, sabemos que queremos atrasar a amostra por um quarto de passo. Então eu estou indo para selecionar passo quarto. E o que isso faz é dividir os passos em quatro passos menores. Então, se eu aumentar o zoom aqui, posso ver que tenho muito mais pequenos passos para brincar. Então o que vamos fazer é atrasar a amostra que estava no quarto passo. Vamos atrasá-lo em um quarto de passo, arrastando-o para a direita. Uma vez. Vamos fazer a mesma coisa para esta amostra aqui, que também está no quarto passo. Então volte na etapa do quarto, arraste-a para a direita uma vez, e isso o atrasa em um quarto de carimbo. Então, se ouvirmos esta pequena seção que acabamos de fazer, esta pequena seção editada, vai ouvir que o balanço foi aplicado. Mas se eu tocar o resto do, o mesmo loop de bateria que não fizemos nenhuma edição. Veremos que o balanço não é aplicado. Agora, havia outra maneira rápida de criar swing no FL Studio. E isso se vieres até aqui a esta secção de padrões. E se você construir seu padrão de bateria aqui, em vez da lista de reprodução, podemos criar swing muito mais fácil. Então o que eu vou fazer é construir um padrão de bateria rápida adicionando o chute tambor em cada batida. Então isso é um estrangeiro. O andar B. Vou adicionar gonorreia na segunda, quarta batida. Vou colocar o chapéu aberto no meio. Então, no passo do meio, eu vou colocar isso lá. E então eu vou colocar a precaução no quarto passo. Talvez o terceiro passo, o mesmo que o chapéu. Talvez o segundo passo, e o quarto passo novamente. Assim, o software sabe qual passo aplicar o balanço também. Então este pequeno parâmetro aqui em cima, isso é chamado de swing principal. E se colocarmos isso, isso vai realmente aplicar swing para nós. Então eu vou jogar o B e como o plano de batidas, eu vou aumentar isso lentamente e nós vamos ouvir como o software está fazendo para aplicar swing. E você pode notar que sem swing aplicado, na verdade parece muito, muito robótico. Então você definitivamente deve tentar usar swing em seus trilhos. Mas para outros faz, você terá que usar este método snap to grid, alterando o snap para grade para qualquer subdivisão que você deseja e, em seguida, movendo a amostra real em si, atrasando-o. Acho que já expliquei isso. Está bem. Mas se você estiver confuso, por favor me avise e eu o ajudarei o melhor que puder. Na próxima palestra, analisamos os principais elementos que compõem os tambores EDM. 8. Elementos principais do EDM: Então, nos próximos minutos, vamos olhar para todos os principais elementos que compõem um padrão de tambor EDM. Agora, o primeiro elemento que compõe um padrão de tambor EDM é o tambor de pontapé. Esta é a base de todas as beterrabas. E um bom tambor de pontapé pode realmente fazer seus padrões fluírem. Depois do tambor, temos o aplauso ou a armadilha. Um clube é muito mais comum em EDM, mas você pode usar uma armadilha no lugar da braçadeira. Assim, este estreito as palmas deve produzir um som afiado e muitas vezes vai jogar no segundo quarto b para o comprador. Vamos ter uma escuta. Em seguida, temos um chapéu proeminente. Um chapéu offbeat sempre vai no terceiro passo da batida, ou exatamente entre duas batidas. Este chapéu é tão importante quanto o kicker, o grampo, e você definitivamente deve incluí-lo em suas batidas. Nós também temos este chapéu, que é chamado de chapéu medidor, e chamado de chapéu medidor porque ele toca o medidor da pista. Ou mais simplesmente, ele toca em todas as quatro batidas do bar. Podes chamar-lhe um chapéu de quatro no chão, se quiseres. Vamos ouvir o que isso soa como nos padrões do ar. Depois do chapéu do medidor, temos um pouco de açúcar de fundo. O shaker de fundo é muitas vezes negligenciado, mas pode realmente preencher algum espaço vazio e um padrão de bateria. Eu apliquei swing aos meus chapéus de fundo como algumas das amostras estão no segundo e terceiro passos da batida. Então, se você estiver usando a primavera, você precisará aplicar swing para esses chapéus. Vamos ouvir como eles soam no padrão. Depois disso, temos o chapéu de enchimento. Então estes são apenas chapéus extra altos que você adiciona para efeito rítmico. Eles são usados da mesma forma que precaução, mas usaríamos um chapéu em vez de um som de precaução. Agora os chapéus fedora, eles não são necessários, mas eles fazem um padrão de bateria soar um pouco mais profissional. Então vamos, vamos ver como eles soam no padrão conhecido. Então também temos esses pequenos elementos de percussão rítmica. Precaução rítmica é algo que você pode adicionar se você quiser, mas você pode deixar de fora se você não gosta ou precisa dela. Precaução que usa swing pode realmente adicionar ao sulco de sua faixa. Se você sentir que você precisa adicionar mais groove do que adicionar em algum balanço Percussão pode ajudar. Minha precaução é usar swing e eu acho que ele realmente adicionar ao sulco na pista. Vamos ter uma escuta. Finalmente, temos esta percussão inclinada. Portanto, a precaução de pitch é um pouco diferente porque tem um tom ou nota audível. Se pudermos prejudicar a mesma nota que a precaução, então será lançada. Então bangalôs, comprimidos ou campainhas, todos eles req res como percussão inclinada. Estou usando um som de cowbell. Então vamos ver o que isso soa como no contexto do padrão de bateria. Então, estes são os principais elementos que compõem um padrão de tambor. Há coisas adicionais que podemos fazer para realmente fazer um padrão de bateria soar bem. Um livro, vamos falar sobre eles quando chegarmos a construir o padrão da bateria. Por enquanto, passaremos para a próxima palestra e aprenderemos sobre camadas e como escolher suas amostras de bateria. 9. Encontrar amostras de bateria Sutiable: Ok, então nesta palestra, vamos falar sobre camadas de tambor e como você pode encontrar essas camadas para usar em seus próprios padrões de tambor. Então, se dermos uma olhada aqui, eu tenho dois padrões configurados. Este padrão é o mesmo padrão de bateria que usei na última palestra. Mas este padrão de tambor aqui, isso é ligeiramente diferente por causa de algumas camadas extras adicionadas. Ok, então se nós ampliarmos e dermos uma olhada nesse padrão de tambor, no padrão original de tambor, eu só usei esse aplauso, mas neste padrão de tambor, eu tenho um aplauso extra, e eu também tenho uma armadilha aqui em baixo, e eles estão todos em camadas juntas para fazer um som muito maior. Então vamos diminuir o zoom agora e ouvir o padrão original do tambor. E então vamos ter uma escuta para o padrão de tambor camada, ver as diferenças entre ambos. Agora não é uma grande diferença, mas você pode ouvir que este padrão é um pouco mais completo e na verdade soa um pouco mais profissional porque este soa muito vazio e é, é um perceptível, é um audível, coisa perceptível quando um produtor não camada. Então você definitivamente deve tentar colocar seus sons em sua faixa. Então agora vamos em frente e procurar algumas camadas. Então eu vou entrar neste pequeno pacote de amostras aqui para que você possa baixar amostras de volta da internet de graça ou paga, por dinheiro, ou o que você preferir. Mas quando você os carrega em seu software bem ou estúdio de qualquer maneira, eles vêm aqui e eu acho que é o mesmo habilitado lá em algum lugar do lado esquerdo, eles, eles aparecem. Mas eu vou entrar neste exemplo de modo de prática de áudio. Isso realmente vem com FL Studio. Então, se você baixar a versão gratuita do FL Studio, você terá este pacote de amostra e poderá passar por todos esses sons aqui e usá-los para construir sua própria bateria. Então a primeira coisa que vou dizer sobre camadas é nunca colocar o seu pontapé, ok? Chutes que você recebe em pacotes de amostras. Eles já estão em camadas porque as pessoas que colocam os pacotes de amostras, eles não querem, eles querem vender a você o melhor tipo de coisas sonoras que podem. Então eles já colocam as coisas para você. Então, com o chute porque é um instrumento básico, você não quer colocar isso em camadas a menos que você saiba exatamente o que você está fazendo. Mas eu recomendo que você escolha um chute que você gosta. Então, fora deste pacote dessas cargas aqui, no tipo padrão de coisa FL Studio, mas há cargas aqui. E eu recomendo que você não estrague seus pontapés. Ok. Então basta escolher um exemplo que você gosta e arrastá-lo aqui e começar a construir seu padrão. No entanto, podemos camada ou outras coisas como as palmas. Então, vamos dar uma olhada nas palmas agora. Então, quando você está, quando você está procurando por camadas de palmas, você deve procurar por um aplauso curto e um longo aplauso. Então, um aplauso curto é relativamente afiado e meio ágil, ou outra palavra para isso é transitório. Ok, então os transientes são, esta é uma pequena explosão de energia que ocorre no início de qualquer som. Então você pode, você pode ouvir produtores dizendo que o som é muito transitório. Bem, estamos à procura de palmas transitórias ou curtas. Então, se passarmos por alguns desses grampos e vermos se podemos encontrar algum aplauso curto e então veremos se podemos encontrar algum aplauso longo. E vamos ter uma escuta. Então, tudo isso soa um pouco curto? Sim, alguns deles que um é um pouco longo e na verdade há uma cauda sobre e você pode vê-lo lá. Vamos descer até estas casas. Geração aplaude. - Sim. Estes são, estes são grandes, barulhentos longos palmas. Está bem. Esse é legal, então você pode colocar essa palmas longas com um desses palmas mais curtos aparecem. E quando os dois se juntarem, eles vão realmente fazer um som muito mais completo bater palmas. E é um segredo que muitos produtores de EDM não querem que você saiba é que você tem que colocar seus tambores, seus instrumentos, você deve colocar tudo em camadas. Você também pode colocar ou outras coisas em com as palmas. Você pode colocar algumas armadilhas apenas para um pouco de desperdício, ou você também pode colocar alguma percussão. Agora a gordura de camelo faz muito isso. Eles, eles realmente usam percussão como uma camada em vez de uma armadilha. Então, eles terão suas palmas de Schrock em suas longas palmas e eles são camadas com uma dessas precauções de som legal. E isso poderia dar ao seu padrão de bateria algo muito único e interessante. Então, se você quiser tentar isso quando você estiver construindo um padrão de bateria, vá em frente. E agora vamos passar para o oi-chapéus vai dar uma olhada no chapéu alto. Assim, da mesma forma que as palmas com os chapéus altos estavam procurando um chapéu curto e chapéu ao longo, ou em outras palavras, um chapéu fechado ou uma casa aberta. Agora, o fechado e aberto que apenas vem de um kit de bateria onde quando você tem o chapéu alto no lado esquerdo do baterista, ele pode fechá-lo ou abri-lo quando você mais perto, soa muito curto e ágil. E se você abri-lo, é meio que mais longo e meio que tem um pouco mais de história para ele. Então o que estamos procurando é um chapéu fechado e uma casa aberta, ou em outras palavras, uma abreviação e chapéu junto. Então, na verdade, porque eu posso ver aqui que há o chapéus, que eu estou supondo que significa abrir. Então, estes são todos bastante longos. Então você vai usar isso como seu chapéu comprido. E então este chapéu pode ser seu chapéu fechado ou seu chapéu curto. Eles estão abertos e na verdade é feito como um O, mas nós olhamos para o mar, fechado, fechado. Este aqui está fechado. Então sua camada, o chapéu curto com o chapéu de pulmão, e você vai ter um som muito bom. Também quando estamos falando de chapéus, sua outra metade do lado, o chapéu do medidor e o chapéu de enchimento. Você quer usar atalhos para eles. Porque se você usar chapéus longos, ele vai começar a sobrepor as outras amostras e vai soar um pouco confuso. Então certifique-se que você está usando chapéus curtos para o chapéu do medidor, que é o estrangeiro que o chão tinha, eu acho que nós chamamos isso. E você está usando uma abreviação para o tipo de enchimento extra de chapéus que você usou no lugar de precaução? Certifique-se de que esses chapéus estão usando amostras curtas e curtas como esta. Ok, então para o seu agitador de fundo e que você tem no fundo do padrão de tambor para preencher o espaço. Devias usar uma coqueteleira, está bem? Você pode, você definitivamente pode usar um chapéu oi. Mas o único problema é usar um chapéu de oi se for para um tipo de clicky. Como se estivessem bem. Mas esse, se for, se estiver usando esse em segundo plano, dois cliques e vai acabar distraindo o ouvinte. Então eu, eu só aconselhei que você venha aqui para os shakers, a pasta Shakers e procure uma amostra de coqueteleira. Uma espécie de curto quando você está procurando por curto porque novamente, você não quer que eles muito tempo para sobrepor as outras amostras. Ali. Essa é adorável. Essa é uma boa. Então podemos usar todos esses shakers em segundo plano como nosso shaker de fundo. Ou você pode fazer o seu próprio, você sabe, você pode gravar o seu próprio microfone se você pegar pouco de arroz e colocá-lo em como uma caixa de leite vazia ou algo assim, você pode fazer o seu próprio. Você pode ser criativo. E eu definitivamente acho que se você fizer suas próprias amostras, se você fizer seus próprios sons, você está trazendo algo único para a mesa e algo diferente que muitas gravadoras poderiam ter ouvido antes. Então, se você pode fazer sua própria coqueteleira, se você se sentir criativo, como se você pudesse colocar algo diferente, talvez alguns pregos ou algo em uma lata de tinta ou algo assim, você pode fazer um shaker bem legal que soa diferente de outros shakers que estão lá fora. Em seguida, olhamos para a percussão. Então, temos dois tipos de precaução. Temos a percussão do ritmo e a percussão inclinada. Nisto. Às vezes, você recebe esses separadamente, como com alguns dos pacotes de vingança, vai dizer instrumentos de percussão e percussão. E os instrumentos de percussão serão os que são lançados. Mas aqui parece estar tudo no mesmo tipo de pasta. Mas está tudo bem. Podemos apenas passar por alguns deles e ter uma escuta para que tipo de subseção lá. E isso é definitivamente arremessado. Eu posso, eu posso Homer. Lá, vou lançar sons. Ela também, estes parecem ser arremessados lá. Isso vai ser um, um untuned pode ganhar em uma amostra arremessada que você pode usar. Apenas certifique-se de que as amostras de percussão que você está usando são bastante curtas porque você está usando-as para efeito rítmico. Normalmente. Então você quer, você quer adicionar ao sulco com eles. Então, se eles são muito longos, tirar do sulco e vai acabar soando muito suave. Então, quanto mais curta a amostra, mais sulco que você realmente tem e realmente ter esse ponto em mente para as outras amostras também. Quanto mais curto, quanto mais curto eles são, mais sulco que o seu padrão terá. Agora que sabemos como criar camadas e localizar camadas, estamos prontos para construir um padrão de bateria. Eu também vou estar lhe dando algumas dicas extras que eu não mencionei até agora que vai realmente ajudá-lo a construir um padrão de bateria de som profissional. Portanto, certifique-se de assistir a próxima palestra completa ao longo de todo o caminho para que você não perca nenhuma dica. 10. Construindo um padrão de bateria: Então, agora que sabemos todos os elementos que entram na construção de um padrão de tambor, sabemos o que é camadas, sabemos como criar camadas, e também sabemos como encontrar suas camadas. Finalmente estamos prontos para construir nosso próprio padrão de bateria. Agora eu disse que ia te dar algumas dicas nesta palestra sobre fazer um padrão de tambor de zoneamento realmente profissional. O que vou fazer é dar-te estas gorjetas primeiro. E então vamos seguir em frente e usar os pacotes de amostra aqui para criar nosso próprio padrão de bateria. Então a primeira dica que te queria dar foi esta aqui. E essa dica é onde você adiciona um loop de bateria adicional que você pode encontrar em pacotes de amostra como uma camada em cima de seu próprio padrão de tambor. Então eu só vou tocar o loop por conta própria e vamos ver como isso soa. Então este loop não é nada extravagante. São apenas alguns hatsune, algumas palmas. E agora o que eu vou fazer é tocar as camadas que eu adicionei sem o loop eles e ver como isso soa. Então nós realmente temos um adicionado em que muito de apenas adicionado em um chute, um chapéu de metro e chapéu fora de batida. Tenho palmas invertidas aqui e vamos dar uma olhada em como fazer isso em uma palestra para vir. Também tenho umas palmas longas, algumas percussões arremessadas. Há elemento de percussão e não nomeado. Nós também vamos dar uma olhada no que é um ponto de nota em algumas palestras para vir. Mas, por enquanto, não assim. Eu adicionei algumas camadas extras em cima deste loop, estes chapéus e palmas. Então vamos ter uma escuta para todo o padrão de tambor com o loop dentro e vamos ver como ele soa. Agora é importante adicionar esses tipos extras de amostras você mesmo, essas camadas extras. Porque se ouvirmos o loop de tambor sozinho com este tambor, também vai soar muito, muito vazio. Então vamos ter um ouvir o que soa como com o chute tambor hands-on. E isso soa bem. Mas é importante adicionar em suas camadas extras porque quando você adiciona nas camadas extras, soa muito mais completo e profissional. Então vamos dar uma escuta novamente com todas as camadas adicionadas. A outra dica que te queria dar era esta gorjeta aqui. Agora, esta dica é muito semelhante. É novamente, é outro loop que é adicionado como uma camada, mas em vez disso é chamado de loop de verbo em massa. O verbo acumulado é, é uma espécie de extremidade da cauda de um efeito de reverberação. E foi looped. Mas soa um pouco como vento ou ar. Então o que isso faz é encher o espaço vazio que é deixado pelos padrões de tambor. Então, se ouvirmos o padrão da bateria, Amazon. Então, há realmente um monte de espaço vazio entre as amostras do anúncio neste loop verbo em massa, ele vai preencher esse espaço e é realmente sutil, mas é uma coisa muito inteligente de fazer se você sentir que seu padrão de tambor é um pouco vazio ou precisa de algo extra. Então vamos ouvir todo o padrão com o loop de verbo de massa adicionado. E agora se eu tirar esse loop de verbo em massa, e agora um monte de backend. Ok, então agora estamos prontos para construir nosso próprio padrão de bateria. Então o que eu vou fazer é eu vou apagar e estes para que eles não fiquem no caminho. Editar, apagar. E então eu vou rolar até aqui para que essas faixas coloridas, não nos distraiam. Então vamos começar com o chute. E eu vou usar o pacote de exemplo de áudio modo aqui para que se você baixar a versão gratuita do FL Studio, você pode trabalhar comigo e você. E você também terá as mesmas amostras e eu estou usando para que você possa seguir exatamente o que estou fazendo. Então vamos começar a procurar um chute e vamos clicar no primeiro aqui. E o que podemos fazer com o FL Studio é que podemos, podemos testar os chutes usando nossa tecla de seta. Então, podemos rolar para baixo muito rapidamente e ter um ouvir todos eles. Então eu vou apenas rolar muito rapidamente e ouvi todos os chutes e encontrar um chute que eu gosto do som de seus 13. Gosto muito do som disto. Então o que eu vou fazer é arrastá-lo para a playlist aqui mesmo. Vou ampliar isso para vermos o que estamos fazendo. Voltar às faixas, e depois vamos colar este tambor nas quatro batidas para trás. Então eu vou apenas copiar isso de novo para que nós tenhamos uma espécie de um, um padrão de duas barras. Agora não vou colocar meus chutes porque esses chutes para mim, eles já soam em camadas. Eles são bastante cheios e gordos e realmente não há nenhuma necessidade de adicionar um brilho adicional porque eu não quero estragar o low-end das minhas faixas, então eu vou deixar o chute como está. E nós vamos subir aqui e dar uma olhada nas palmas. Então, como sabemos, palmas, estamos à procura de palmas curtas e longas palmas. Então vamos dar uma olhada e vamos fazer audições de alguém e vamos encontrar um bom atalho para usar em nosso padrão. Este parece bom, por isso vou arrastar este aqui. Então eu vou colocá-lo na segunda batida da barra e também na quarta batida da barra. E então ele vai copiar isso para a segunda metade dos padrões. Vamos ver como isso soa agora. Então o que eu vou fazer é primeiro eu vou adicionar estes para a faixa mixer pressionando este pequeno botão pista aqui. E usando isso, posso abaixar. Agora eu não sei por que o chute e o aplauso se distanciaram tanto, mas não importa por enquanto. Estamos apenas recusando para que não machuque nossos ouvidos. Então, vamos ouvir de novo. Então agora vamos procurar palmas de pulmão. Pelo que me lembro, essa geração de casas bate palmas. Estes eram bastante longos. - Sim. Eu realmente gosto do som deste aqui, então eu vou arrastar este aqui e colocá-lo nas mesmas batidas que as palmas curtas. E também vou abaixar isso na pista de mixagem, só para não estar machucando nossos ouvidos. Vamos ter uma escuta. Agora, se eu tirar o laboratório de tubarões e se eu adicioná-lo de volta, é uma diferença sutil, mas faz diferença. Então vamos até aqui agora e então vamos dar uma olhada em adicionar em uma armadilha são precaução. Então podemos colocar uma armadilha com nossas palmas para que pareça um pouco mais gordo ou morpho. Mas acho que vou tentar adicionar alguns sons de percussão como camuflagem, CO2 e sua música. Então eu vou passar pelo, algumas dessas amostras e apenas ter uma escuta e encontrar uma que eu acho que pode funcionar. Este parece fixe. Vou colocar isto com as minhas palmas. Então eu vou arrastá-lo para dentro e colocá-lo nas mesmas batidas de todos os outros aplausos. E nós vamos ouvir como esse padrão soa agora em um minuto, apenas, eu vou abaixar isso e vamos ouvir como esse padrão soa. Agora que a camada de precaução realmente adiciona uma textura muito legal nos padrões. Então, vou deixá-la lá dentro. A próxima coisa que podemos ver são nossos chapéus. Então, novamente, com os chapéus, como as palmas, estamos procurando um chapéu curto e um chapéu ao longo. Se bem me lembro, esses chapéus de ataque eram bem curtos. Então, na verdade, este 15 e talvez não. Basta ouvir alguns deles. 25. Eu gostaria de enviar um 25. Então eu vou arrastar isso para dentro e eu vou colocá-lo no meio. Então, no terceiro passo, eu vou ampliar aqui, o terceiro passo da batida. Então vamos colocar isso em todos os passos de cocô em todo o padrão. Copie tudo isso. E o que eu vou fazer é abaixá-los no misturador e então nós vamos ouvir como eles soam no padrão. Vamos ter um ouvinte. Então agora vamos procurar um chapéu de pulmão ou um chapéu aberto. Então vamos rolar até aqui e vamos tentar encontrar um. Na verdade, gosto do som disto. Este é bem legal. Então vamos arrastar isto para o nosso padrão. Coloque-o nos mesmos passos ou batidas como d chapéu curto. E, novamente, trazendo para o misturador apenas para baixá-lo um pouco. E vamos ouvir o que isso soa. O padrão soou muito bom até agora, mas ainda temos mais alguns elementos para adicionar. Então o próximo elemento que vamos adicionar é o chapéu de enchimento. Então este chapéu de enchimento tem que ser uma abreviação novamente. Então vamos procurar por um desses chapéus fechados. E vamos ver qual soa bem que podemos adicionar. Gosto do som deste, por isso vou acrescentar isto. Vou colocá-lo no quarto passo e talvez no segundo passo. Então vamos copiar isso em todo o padrão. Aqui. Acho que mais um aqui. Então agora, porque estes estão no quarto e no segundo passo, temos que aplicar swing. Mas nós não precisamos, mas eu quero, então eu vou ativar essa configuração de etapa trimestre e movê-los por um quarto de passo. E agora vamos ter uma escuta para o que o padrão soa como assim que eu tenho baixado isso na faixa mixer. Então, vamos ouvir agora. Então isso está soando muito bem até agora. O próximo elemento que vamos dar uma olhada é o agitador de fundo. Então nós vamos subir aqui, fechar os chapéus Fuller e vir até aqui para a pasta Shakers e ouvir alguns desses coqueiros que poderíamos adicionar. Acho que me lembro que esses coqueiros soavam muito bem. Sim, eu gosto do som de ataque ou dez. Então eu vou arrastar isso para dentro O que eu vou fazer é colocá-lo em cada passo da batida. Então, se aumentarmos aqui, esse é o primeiro passo. Coloque-o no segundo passo, coloque-o no terceiro passo e também o colocará no quarto passo. Agora eu coloquei estes na parte inferior porque é mais fácil para mim aplicar swing porque novamente, estes estão no segundo e quarto passo. E como já estabelecemos a primavera em nosso padrão, temos que aplicar o Swing Time a tudo o que adicionamos. Então o que vou fazer é compensar isto por um quarto de passo. Então agora que é aplicado swing para aquele pequeno mini padrão, aquele pequeno mini padrão lá. Então o que podemos fazer é copiar isso em todo o padrão. E então podemos ver como isso soa no contexto da batida de bateria. Então vamos abaixar isso na faixa do misturador e então vamos ter uma rápida escuta, uh, o ataque sacudir ou soa como no padrão. Então eu gosto do som disso. E a próxima coisa que vamos ver é a percussão. Então, se subirmos aqui e dermos uma olhada em alguma precaução que poderíamos acrescentar. Eu não sei que tipo de progressão eu vou adicionar, então eu vou fazer um teste para alguns desses e vamos ver como eles soam. Eu gosto destes. Eu gosto do som desta precaução para. Então vamos adicionar em precaução para e vamos adicioná-lo em talvez o quarto passo. E vamos adicioná-lo e o terceiro passo da próxima barra, da próxima batida. Então este é realmente um padrão muito comum, é adicioná-lo no quarto passo e, em seguida, no terceiro passo. E livro porque nós temos, nós adicionamos no quarto passo, nós temos que aplicar swing a este, a este exemplo. E então podemos copiar este pequeno padrão em todo o nosso padrão de tambor. Então vamos fazer isso bem rápido. E novamente, apenas para baixá-lo para que não seja maneira de carregar. E vai levar uma escuta para o padrão de bateria completo que acabamos de construir e vamos ver como soa. Então é assim que você vai construir seu padrão de bateria. Você vai vir e vai procurar alguns chutes. E então as palmas e as armadilhas são precaução para se encaixar. Em seguida, seu chapéu de pulmão curto, um chapéu de enchimento, um agitador de fundo. E então, finalmente, você pode adicionar um pouco de precaução se você quiser também. Então, na próxima palestra vamos olhar para alguns panorâmica e então vamos dar uma olhada em algumas automação depois. E como podemos automatizar o movimento panorâmico e o volume para fazer este padrão de tambor soar ainda melhor. 11. Como usar o Panning: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no movimento panorâmico e o que é planejamento e como você pode usá-lo em suas trilhas. Então, o movimento panorâmico é um conceito relativamente simples de entender. Ele simplesmente leva uma amostra de instrumento ou tambor ou tipo de qualquer elemento que você tem em sua pista. E ele coloca ou é à esquerda ou à direita. Então, se você tem um piano em sua pista e você tem pandas 20% para a direita. Então, quando um ouvinte está ouvindo sua atração, aquele piano soará como se estivesse vindo da direita desse ouvinte. Panorâmica é realmente muito importante para o som geral da sua faixa porque pode fazê-lo soar um pouco mais largo e, por sua vez, um pouco mais profissional. Então, vamos aplicar panning a muitas coisas ao longo deste curso. Não apenas tambores, mas eu abri um padrão de bateria que tivemos nos principais elementos da palestra de bateria EDM. E nós vamos apenas dar uma olhada em como podemos aplicar panorâmica a este padrão de tambor e fazer o padrão soar um pouco mais profissional. Então o primeiro elemento que temos neste padrão é o tambor de pontapés. Certo, então vamos ouvir o tambor. E a primeira coisa que eu queria dizer sobre panning é que você nunca bate seu tambor. Ok? O tambor de pontapé junto com o baixo, é como a base para o seu atrativo. Então você não quer mover o tambor de pontapé ou sua base, porque o que acontece é que a faixa vai soar um pouco torta. E você realmente quer um núcleo forte para sua atração. Você quer uma base forte. Então nós não, nós nunca piscou o tambor de pontapé. Então vamos deixar o tambor como está, porque está saindo do centro. Vamos passar agora para este próximo elemento, que me parece um chapéu estranho. Então o que eu vou fazer é clicar duas vezes nele e então eu vou vir aqui para a pista de mixagem. E quando eu clicar duas vezes nele, ele apenas tipo de realçar onde esse elemento está na faixa do mixer. Então eu posso ver agora que este hash em particular, está saindo do canal número quatro. Então nós podemos vir aqui agora para esta pequena roda e esta é a roda panorâmica. Então, se eu, então se eu levar isso todo o caminho para a esquerda, o som vai sair do lado esquerdo. E se eu levar isso para a direita, então o som sairá do lado direito. E isso é chamado de dura esquerda e dura direita. Então, quando você move algo a 100% esquerda, é chamado de esquerda dura. E quando você faz algo, um 100% certo, é chamado Herodes certo? Agora geralmente em EDM nós não pan coisas duro esquerda e direita direita, menos que você está atrás de um resultado muito específico. Mas o que eu vou dizer é que se você planeja fazer alguma panning, apenas talvez mantê-lo em cerca de 90% de arroz no máximo. Só porque se você, se você acabar girando todos esses elementos diferentes, completamente duro esquerda e direita dura. Você estraga o som geral da sua faixa. Então a insulina redefiniu isso novamente e vamos dar uma olhada no planejamento deste chapéu estranho. Então o que eu vou fazer é ir lentamente para a esquerda até que eu goste de onde soa. Então eu gosto que o som desse estranho tenha batido. E isso está em 50%. Você pode realmente olhar aqui em cima. Neste pequeno painel e FL Studio, e ele irá dizer-lhe qual o valor que você definiu o parâmetro. Então ele está realmente me dizendo que eu coloquei isso em 50%. Então vamos passar agora para o próximo chapéu e vamos ouvir como isso soa. Ok, então eu vou abrir a pista do misturador. E, na verdade, primeiro de tudo, vou clicar duas vezes nisso só para que ele possa ser destacado para mim para que eu possa ver onde ele está e é todo o caminho até aqui no número dez. Então o que vamos fazer é vamos solá-lo e ouvir apenas esta amostra em particular por conta própria. E enquanto está tocando, vou para o painel à direita. Então eu vou deixá-lo em 50% também. Então o mesmo tipo de valor que o outro chapéu que está tocando ao mesmo tempo. Porque quando juntamos os dois novamente, o som geral deve parecer mais equilibrado porque ambos estão planejados com o mesmo valor. Então, se ouvirmos agora, essas duas amostras juntas devem soar equilibradas, mas também bem espalhadas pelo campo estéreo. Então, vamos ouvir. Então, quando você move as coisas, você pode realmente escolher os elementos individuais um pouco melhor. Então, quando estas estavam coladas no centro, parecia assim. Mas se separarmos estes agora, planeando um para a esquerda e o outro para a direita. Parece assim. E é apenas uma experiência mais prazerosa para o ouvinte. Então vamos rapidamente analisar todas as amostras aqui e analisá-las. Então este é o pulmão aplaudido. Então eu vou entrar aqui e eu acho que eu vou fazer isso pode ser 20% para a direita. Vamos ter uma escuta. E então eu vou vir aqui e eu vou abrir este grampo. E porque estas são duas palmas ao mesmo tempo, vou plantar esta em cerca dos mesmos 20% à esquerda. Vamos ter um ouvir o que estes ao contrário juntos. Então eu vou descer aqui para este chapéu de enchimento. E vou clicar duas vezes. E vai destacar que está na pista seis. E com o chapéu de filtro, acho que vou ser um pouco mais extremo. Eu vou fazer isso talvez todo o caminho mais de 85% para a direita. Então vamos ouvir o que isso soa quando está saindo, principalmente do canal certo. Ok? E o próximo elemento que temos aqui é o chapéu do medidor. Então eu acho que com o hash do medidor, eu vou apenas para o planeta um pouco para a esquerda. Só para ter um bom tipo de imagem estéreo. E também em um beijo de tambor real, os chapéus são tipo de posição para o lado esquerdo do baterista. Então, eu só vou tipo de imitar isso usando este chapéu medidor. Então vamos ter uma escuta para o medidor tem quando ele está saindo ligeiramente da esquerda. Agora vamos ouvir este agitador de fundo. E eu vou abri-lo aqui na pista do misturador. Então está no canal dois. Então, geralmente, com a roda panorâmica para agitadores de fundo, nós realmente automatizado. Então eu não vou tocá-lo agora, mas vamos dar uma olhada em automatizar esta roda panorâmica na palestra de automação que está por vir. Então eu vou deixar esta roda panorâmica só para o agitador de fundo. Não vou tocar agora porque vamos lidar com isso na próxima palestra. Então eu vou passar para isso, que é um som de percussão. Então vamos entrar aqui e está na pista sete, como podemos ver. Então eu vou passar a precaução para a direita porque em um tambor real crianças para Tom cidades são uma espécie de para a direita. Então vamos analisar isso, talvez 60%, certo? Vamos ver como isso soa. E então vamos passar para os próximos elementos que vamos, vamos fazer pan e este é oito não rastreado. Então vamos ouvir o que é isso. Então esta é a nossa percussão. Agora nós podemos mover isso para a esquerda ou para a direita, mas eu vou ir para a esquerda apenas para uma questão de equilíbrio porque eu apontei o outro elemento de precaução para a direita. Então vamos analisar isso talvez 55%, certo? E ouça o que isso soa. Ok? Agora vamos ouvir o que é isso e eu acho que esta é a armadilha. Sim. Ok, então, por uma questão de equilíbrio, eu realmente vou deixar a armadilha saindo do centro porque a armadilha está tocando ao mesmo tempo que essas palmas. E nós já batemos as palmas. Nós colocamos um deles para a esquerda e o outro para a direita, o que é equilibrado. Então eu não quero perturbar o equilíbrio deslocando este tipo de para a esquerda, para a direita, porque então nós teremos dois elementos saindo pela esquerda e um vindo para a direita. E se eu passar para a direita, teríamos dois elementos saindo pela direita e um saindo pela esquerda. Então eu vou deixá-lo no centro para que tenhamos um vindo no centro, um saindo pela esquerda, e outro saindo pela direita. Então vamos ver o que estes são satélite junto com a armadilha e o centro. E enquanto ele está tocando lá, eu só vou girar a armadilha ou para a esquerda da direita e apenas ouvir e ver o que soa como você mesmo. E você pode gostar do som disso, e isso é absolutamente bom. Se você quiser colocar sua armadilha para a esquerda ou para a direita, você pode, é com você, mas eu prefiro o som da armadilha vindo para o centro apenas para uma questão de equilíbrio. Então eu vou deixá-lo e vamos passar para este elemento final aqui, que eu acho que é outro som de Percussão. Ainda assim. Então esta é na verdade uma camada com som de desproporção aqui em cima. Então agora temos duas opções. Podemos analisar este som de Percussão está saindo do 12. Sim. Então agora temos duas opções. Podemos mover este som de Percussão para a direita para que ambos estejam saindo do canal certo. Ou podemos fazer o que temos feito até agora e movê-lo para a esquerda para que fique equilibrado. Agora, qualquer uma dessas opções é absolutamente aceitável e cabe a você, o que você quer fazer. Mas eu vou fazer o meu para o arroz porque eu acho que ele cria um pouco mais de um som interessante. E também, como eu disse antes, eu meio que queria imitar o som de um kit de bateria real como se o ouvinte estivesse sentado na posição dos bateristas. Então eu vou manter esta precaução e a outra precaução saindo do canal certo. Então vamos ter uma escuta para todo o padrão agora com todos os elementos planejados. Então eu espero que você possa ouvir que o padrão soa um pouco mais profissional agora. E também essa biografia separando os diferentes elementos que compõem o padrão, estamos criando um som mais interessante para o ouvinte. Então, como eu já disse, vamos passar para a próxima palestra agora onde vamos dar uma olhada na automatização e também vamos dar uma olhada em automatizar o shaker de fundo em um padrão de bateria. 12. Como automatizar parâmetros: Então vamos usar esta palestra para falar sobre automação. A automação é uma parte importante na organização qualquer pista porque pode impedir que a pista soe muito robótica. Agora, se você quiser que algo mude ao longo da pista, podemos realmente dizer ao software para fazer isso por nós. E é isso que a automação é. Cada escuro e fazer automação. Mas o método de fazê-lo é um pouco diferente. Você pode descobrir rapidamente como automatizar um ponto mais recente se você apenas procurá-lo na internet. Mas no FL Studio, é relativamente simples. Basta clicar com o botão direito do mouse no parâmetro que queremos automatizar. Então, se eu entrar no mixer aqui e clicar com o botão direito do mouse no parâmetro panorâmico. Eu posso ver aqui ele abre esta pequena caixa e eu posso clicar em criar clipe de automação. Eu também posso criar um clipe de automação sobre isso. E eu posso criar um clipe de animação sobre isso. Assim, você pode criar clipes de animação em qualquer coisa que você quiser. Então vamos automatizar o movimento panorâmico para o agitador de ataque de nossos tambores para torná-lo um pouco mais interessante. Então eu vou clicar com o botão direito do mouse no movimento panorâmico e eu vou dizer criar clipe de automação. Isso vai criar este pequeno clipe aqui em cima. E então eu vou arrastar isso até o fundo e podemos dar uma olhada em como usamos isso. Portanto, um clipe de automação tem dois pontos de ancoragem quando você o cria. No início, tem um à esquerda e outro à direita. E o que podemos fazer é mover esses pontos de ancoragem para onde quisermos. Então eu posso mover isso para a esquerda, e eu posso mover isso para a direita. E o que isso significa é que o planejamento está indo da esquerda para a direita. Então vamos ouvir o padrão e vamos ouvir que o agitador está indo da esquerda para a direita gradualmente como o local padrão. Então este é um efeito legal, mas eu vou mostrar a vocês que é uma técnica muito comum que os produtores fazem com seus shakers de fundo. E pode realmente permitir que sua imagem estéreo soe profissional. Então vamos ver o que eu fiz lá é que eu estava, eu apenas causei o clipe de automação no primeiro BCE porque eu só quero nós para esta seção do padrão. E o que eu vou fazer é mover a coqueteleira da esquerda para a direita. Então cada um, cada segundo agitador seria virado para a direita. Então, estou clicando com o botão direito do mouse. Você também pode adicionar em sua própria âncora, pontos de ancoragem a clipes de automação. E FL Studio, basta clicar com o botão direito do mouse, mas você pode tentar em seu próprio tipo de formas. Então eu sou uma espécie de desenhado nestas formas de degraus para cima e para baixo. Para que quando os Shakers toquem, joguem da esquerda para a direita. Vamos olhar isso e ter um ouvi-los tocando da esquerda para a direita. Então o que podemos fazer é com o clipe de automação, o pequeno mini, podemos colá-lo em todo o padrão. E então podemos ouvir o que todo o padrão soa como com os Shakers sendo rastreados da esquerda para a direita. Agora porque nós também podemos automatizar qualquer outra coisa que eu acho que eu vou automatizar o volume. Então, com seus shakers de fundo, você definitivamente deve automatizar o volume porque, ao fazer isso, ele pode adicionar muito mais groove e eu vou mostrar-lhe como adicionar nesse grupo usando o volume. Então eu apenas cliquei com o botão direito e eu vou criar nosso clipe de animação. Eu vou subir aqui e fechar isso. E então eu vou arrastar o clipe de automação para baixo e eu vou fazer a mesma coisa. Eu vou clicar nesta ferramenta de barbear e eu vou cortar na primeira batida, excluir a segunda, a parte indesejada do clipe de automação. E eu vou desenhar, e eu vou desenhar na forma que eu quero e este clipe de animação, ok. Então o que fazemos é fazer o primeiro verificador muito quieto. Ok, então eu estou clicando com o botão direito novamente para secá-lo, para adicionar esses pontos de ancoragem extra. Então fazemos o segundo agitador um pouco mais alto. E então fazemos o terceiro, o terceiro agitador, muito alto. E, em seguida, o último agitador, nós fazemos o mesmo volume que o segundo verificador. E então, se desenharmos este clipe de automação em todo o padrão, isso fará com que o agitador soe assim. Então parece um pouco mais realista e menos como um computador está jogando. Agora, se adicionarmos a automação do movimento panorâmico também, vai soar assim. E agora, se adicionarmos todo o padrão, veremos qual a diferença que os clipes de automação fazem para o som geral do padrão. Agora, se eu apagar a automação, soa assim. E você pode gostar do som disso, mas eu prefiro o som da panning quando ele é adicionado na coqueteleira. Então eu vou deixar o planejamento no meu padrão e nós vamos ouvir novamente. Outra coisa que você pode fazer é eu acho que o movimento panorâmico aqui, esta automação de panning é um pouco extremo demais. Então eu vou virar, eu vou arrastar esses pontos de ancoragem um pouco para que eles não sejam tão extremos como eram em primeiro lugar. Então eu vou apenas arrastar este aqui para baixo, arrastar isso para que não seja tão extremo. E, em seguida, arraste este aqui para baixo também. Então isso pode soar um pouco, um pouco mais realista. Vamos ter uma escuta. Sim, ele se livrou desse tipo de som clichê que estava acontecendo porque nós tínhamos esses panfletos. Isso se chama “dura esquerda” e “dura direita”. Então, se eu virar isso totalmente para a esquerda, isso é chamado de esquerda dura. E se eu fizer tudo certo, isso se chama Herodes, certo? Mas geralmente, não fazemos isso. Nós meio que, nós poderíamos planear talvez 85-90 por cento direita ou 90% esquerda, mas nós geralmente não inclinamos duro esquerda ou direita direita menos que nós estamos atrás de um tipo específico de resultado. Mas para os seus coquetéis, não os coloque totalmente para a esquerda e para a direita, apenas deixe-os um pouco menos extremos assim. Agora, no FL Studio podemos mover qualquer coisa, podemos planejar nossos instrumentos que apareceram na seção de padrões, ou podemos mover nossos efeitos ou qualquer coisa que você quiser. Nós podemos, na verdade, eu vou abrir um efeito aqui e eu vou abrir esse efeito de atraso, e nós vamos subir aqui e vamos dar uma olhada. Então, se eu clicar com o botão direito do mouse em qualquer um desses parâmetros, o volume , o deslocamento, o tempo, qualquer um desses parâmetros. Vai criar um clipe de automação para mim. E eu também posso criar um clipe de animação em qualquer tipo de efeito de terceiros que não vem com o software. Então, se eu abrir este efeito phasor Deus, este é um plugin de terceiros que você pode comprar, mas também podemos automatizar qualquer parâmetro em um plugin de terceiros. Agora, o método de automatizar os parâmetros em um plugin de terceiros é um pouco diferente, mas eu vou apenas mostrar-lhe como fazer isso muito rapidamente. Então, se pegarmos essa taxa de LFO, eu não posso clicar com o botão direito. Se eu clicar com o botão direito do mouse nele, ele traz isso porque plug-ins de terceiros têm seu próprio tipo de sistema de uso. Então, quando você clicar com o botão direito em algo em um plugin de terceiros, Ele não vai trazer essa pequena janela que diz criar clipe de automação. Mas o que podemos fazer é clicar e mover o parâmetro que você deseja automatizar ligeiramente e, em seguida, vir até aqui para ferramentas, para baixo para último ajustado e, em seguida, criar clipe de automação. E o que isso faz é criar o clipe de automação na janela da lista de reprodução para cerca de eu estava apenas me movendo para lá, que é a taxa de LFO. Então, como você pode ver aqui, Deus phasor, taxa LFO. E agora eu posso automatizar isso para ir de uma espécie de baixo para baixo. E, na verdade, eu vou deixar isso aberto para que você possa ver o que o clipe de automação está fazendo com o botão. Então, no fundo é à esquerda e no topo é à direita. Então vamos ver como o, o padrão joga que este NADH está se movendo da esquerda para a direita. Vamos ter uma escuta. Então é assim que você usa a automação em suas trilhas. Mas não é tão difícil de entender. É apenas algo que usamos quando queremos que o software mude algo para nós enquanto a faixa está tocando. Na próxima palestra, vamos olhar para ajustar nossas amostras de tambor para que possamos colá-las um pouco mais. 13. Ajustando suas amostras de bateria: Então, nesta palestra, vamos olhar para afinar nossas amostras de tambor. Assim, ajustar suas amostras de tambor é muito importante para o som geral de sua faixa, porque ele pode tornar o arranjo e o som misto muito mais limpo. Também pode ajudar a colar os diferentes elementos que você usa para construir seu padrão de tambor. Pode ajudar a colá-los juntos e fazê-los sentir como se houvesse mais parte da mesma família. Então, novamente, como tudo o que temos falado, cada DAW tem uma maneira diferente de fazer isso, mas cada escuro e fazer isso. Ok, então se entrarmos no canal principal, eu vou abrir um plug-in no estúdio FL chamado Edison, que é aqui em cima. Então, Edison, quando você abre, fica assim. E, e é um plugin realmente poderoso. Mas um dos seus principais usos é que ele pode dizer-lhe o que o tom de qualquer amostra, ou tambor ou vocal ou qualquer coisa que você colocar nele pode dizer-lhe o tom. Então vamos abrir esse tambor aqui e vemos a janela de amostra aparecer. Então eu vou clicar nesta forma de onda e Dragon em Edison aqui. E se eu clicar com o botão direito do mouse e Edison na forma de onda e eu clicar em regiões. E então eu venho aqui e digo para detectar regiões de arremesso. Podemos ver que Edison escaneou e diz que está em D-sharp. Ok, então sempre pegue a primeira região de arremesso que ele te dá, então D-sharp três. Então eu vou sintonizar o resto da minha bateria para D-sharp três. Agora, se a chave da minha faixa muda, se eu mudar a chave da minha faixa para e, digamos que eu faço alguns acordes e E menor. Bem, então terei que mudar as amostras de tambor para combinar com isso. Eu vou ter que lançar os tambores são sintonizados para que eles também estão sintonizados para E. Mas por agora eu só vou sintonizar o resto dos elementos para o tambor de pontapé porque eu realmente não tenho uma faixa aqui ainda. Então o chute tambor não é D-sharp três. Então vamos sintonizar o resto das amostras para D-sharp três. Então eu estou indo e meio que fecha para o canto aqui, então isso faz com que seja um pouco mais limpo. E eu vou analisar cada uma dessas amostras. Então eu vou clicar duas vezes na amostra do clipe e novamente para o canal mestre, abrir Edison, arrastá-lo para dentro. E vamos ver o que os arremessos. Então, na verdade já está sintonizado para D-sharp, então isso é perfeito. Não precisamos tocá-lo. Vamos abrir a próxima amostra. Então, há a próxima amostra é a longa palmas. Vamos carregar. Vamos clicar no canal principal e abrir Edison novamente. E vamos arrastar as palmas do pulmão e veremos que arremesso isso tem. Então, novamente, role para baixo até regiões, detecte regiões de pitch. E podemos ver, se aumentarmos aqui, diz um, um quatro, então é um A. Então agora temos duas opções que podemos sintonizar, podemos ajustar esta amostra para a raiz, que é d nítida. Ou podemos sintonizá-lo para o terceiro ou o quinto do acorde. Ok? E este era um dos requisitos que você precisava para o início do curso porque eu não vou explicar a teoria musical. Mas se você sabe o que o terceiro e o quinto é para D-sharp, você saberá que a coisa mais próxima a um é o quinto do afiado, que é na verdade um afiado. Então, se clicarmos neste pequeno, este pequeno botão de passo aqui, podemos mover isto para baixo ou para cima, OK, vamos buscá-lo para cima e para baixo ou lançá-lo para baixo. Então eu estou indo para arremessos para baixo para eu vou lançá-lo para cima, desculpe, de um para Ásia aplicativos, eu vou lançá-lo para cima por US $0.100 em US $0.100 no canto aqui novamente, eu vou apenas mostrar-lhe uma foto de volta para baixo. Se você olhar para a córnea aqui, ele vai dizer o quanto você está lançando arrastando para cima e ele diz $0.100 entre $0.100 significa um semitom. Ok. De modo que as drogas que arremessam de um para um afiado. Vou reiniciá-lo e ouvimos as palmas. E então, se nós armarmos isso. Então, agora se ouvirmos os dois palmas e o chute juntos, eles devem soar um pouco mais relacionados um com o outro. Agora, eu vou apenas nos arremessos para que possamos ver como soa antes. É uma diferença muito sutil, mas faz parecer muito mais limpo. Está bem, deixa-nos outra vez. E o que você vai fazer é passar por todos os seus tambores e você vai colocá-los para a nota raiz, que é D-sharp, dissuadido, que seria g, ou o quinto, que será um choque. Ou, dependendo da chave da sua faixa, você sintoniza sua bateria adequadamente, também estará sintonizando outros elementos à medida que passamos pelo curso, como vocais e loops externos. E você sabe, alguns dos efeitos e outras coisas que veremos mais tarde. Mas por enquanto, com seus padrões de bateria, tente ajustar as amostras de tambor uns aos outros e veja se faz diferença para o som geral. 14. Manipulação suas amostras de bateria: Nesta palestra, vamos olhar para manipular suas amostras de tambor. Então podemos fazer coisas bem legais, como reverter uma amostra. E eu mostrei isso antes em uma das últimas palestras onde eu realmente reverti uma amostra de palmas. E vamos fazer isso de novo aqui e eu vou te mostrar como se faz. Mas primeiro, vamos pegar este tambor aqui e vamos apenas fazer um loop nesta pequena seção para que possamos ouvi-la como um lugar. Ok, agora eu vou abrir a janela de amostra e vamos dar uma olhada em todas as coisas que podemos fazer. Então, em primeiro lugar, já sabemos desde a última palestra que podemos manipular o tom. Para que eu possa lançar isto até lá em cima. Eu posso lançar todo o caminho para baixo. E nós reiniciamos isso. Nós também temos essa configuração que é uma multiplicação ou um botão de alongamento de tempo. Então, se arrastarmos isso para baixo, então se arrastarmos isso para baixo e encurtarmos a forma de onda, e se arrastarmos até a direita, ela alonga a forma de onda. Agora isso pode ser um efeito legal quando você equipe com o botão de passo, se nós lançamos isso talvez para US $0.600. Você pode colocar este som com outro tambor e pode fazer um tipo muito legal de som techno. Vamos pegar rapidamente um tambor aqui, como este. E ouviremos como eles soam juntos. Olhe isso, faça backup. E veja se tivéssemos, se baixássemos isso um pouco, poderia soar um pouco melhor. Vai soar assim. Então isso é um efeito muito legal que você pode fazer com o amostrador aqui. E vai redefinir esses parâmetros novo e apagar o tambor que eu tinha. Basta redefinir isto de volta para onde quer que estivesse. Então outra coisa que você pode fazer na janela de amostra é você pode esticar o tempo. E com este parâmetro, ele estende o tempo muito mais do que o multiplicado ou faz, se esticarmos este escritor, como você pode ver, a amostra fica ridiculamente longa. Mas novamente, usando este botão, você pode fazer alguns efeitos legais e camada com outro tambor de chute para fazer uma espécie de textura de chute interessante. Nós preparamos isso. Então, se nós viermos aqui para esses efeitos pré-computados, podemos ver aqui há um pequeno botão para reverter, e isso foi o que eu fiz quando eu estava revertendo as palmas. Acabei de ter isto ligado e inverte a amostra para nós. E quando apagamos a luz, ela coloca a amostra de pontapé normal. Então vamos dar uma olhada em reverter uma amostra de palmas. Em nosso padrão de tambor. Ok, então nós vamos apenas fazer um loop padrão de tambor e nós vamos vir aqui e nós vamos procurar por um aplauso. Você pode usar um atalho ou um longo aplauso ou qualquer tipo de porcaria que você gosta. Mas eu vou usar apenas uma dessas palmas curtas aqui. Vou arrastar isto para dentro E o que fazemos é reverter as palmas sempre que vemos um aplauso aqui. Então, há o laboratório de ataque 16. Colocamos o aplauso reverso imediatamente na frente dele. Então vamos reverter esse som. E como você pode ver, é imediatamente, eu vou arrastá-lo para cima. É imediatamente na frente do do aplauso original. Então vamos olhar para isso e ver como soa com um aplauso reverso. Vou fazer o ciclo viver mais tempo. Está bem? Agora o que podemos fazer é com esse aplauso, podemos arrastá-lo para todo o outro colapso assim. E as últimas palmas. E se tocarmos, e agora se tocarmos o loop inteiro e ouvirmos as palmas invertidas ao lado das palmas originais, vai soar assim. E se você estiver usando um aplauso reverso, o que você faria é entrar no misturador e fazer o reverso bater palmas um pouco mais silencioso do que os outros aplausos. Então o outro aplauso parecia estar aqui em algum lugar. Então eu vou trazer isso para baixo e nós vamos ter uma escuta agora. Outra maneira de manipular seus sons é se você vir aqui e dar uma olhada neles em parâmetros de uma hora. Agora, eu uso muito o parâmetro de saída, especialmente para pessoas como este shaker. Então este agitador, é um som muito rápido, mas você pode ver que a cauda do som continua muito além de todos os outros shakers. Então o que podemos fazer é mover este parâmetro para cima, e na verdade desvanece o som da amostra muito mais rápido. Então, como você pode ver aqui, o som foi daqui para aqui. E se olharmos aqui também, se olharmos em uma playlist que o que está fazendo, é na verdade livrar-se daquela história que eu não quero. Então, agora vamos entrar na amostra. Este é um parâmetro útil para se você arrastar em uma amostra e é um pouco longo demais, mas você realmente gosta do som disso. Nós podemos realmente, nós podemos realmente pegar esse som e reduzir usando o parâmetro out. Como isso. Tome este longo aplauso. Reduza-o usando a saída. Reduza ainda mais. Então agora parece assim. E o que você pode fazer é que você pode ter duas versões. Então você poderia ter esse tipo de palmas curtas como uma camada. E então, quando você chegar à sua seção de soltar, você pode ter um segundo aplauso que não tem o parâmetro de saída ativado. E parece assim, então. Então vamos dar uma olhada em fazer isso. Então o que eu vou fazer é tornar esta amostra única para que qualquer alteração que eu faça na amostra não afete as outras. Então, como podem ver agora, isto foi para o número dois. Então esta amostra agora é completamente diferente das amostras aqui. E eu vou fazer é, eu vou apagar este aqui e eu vou copiar esta amostra número dois. E vou afectar estes. Então eu vou aumentar o parâmetro de saída o caminho completo para cima. E você pode ver que não está afetando esses, está afetando apenas o número dois. Então vamos ter uma escuta agora para ver como o padrão soa com as palmas curtas primeiro e depois o pulmão bate palmas depois. Então esta é uma técnica realmente interessante que você pode fazer em suas faixas para criar progressão. Então as faixas crescem à medida que se desenrola. Vou mostrar-te mais uma coisa que podes fazer com o teu tambor e manipulá-lo. Então, se voltarmos para esta janela de amostra, podemos vir, se clicarmos nisso, isso é chamado de alvo de efeitos. Mas podemos vir aqui para pogo. Está bem? Agora, o que o Pogo faz é mudar a forma do seu envelope de decadência. Você nem sabe o que isso significa. Tudo o que você precisa saber é que quando você arrastá-lo para a esquerda, ele meio que empurra a forma de onda contra si mesma, é meio que esmagá-lo contra esta parede. E se você colocar do outro modo, ele faz a mesma coisa, mas com um tipo diferente de curva. Certo, mas ambos os lados parecem diferentes. Então vamos ter um ouvir o que soa como no lado direito. Aqui está o que soaria se não o aplicássemos. E aqui está o que parece, completamente deixado. Então o que você pode fazer com o pogo é se você tem um chute que você quer adicionar mais transitório ou você quer torná-lo mais clicky. Podemos arrastar o pogo um pouco para a esquerda e vai fazer o som mais clichê. Você também pode arrastá-lo para a direita para tornar o som um pouco mais suave. Então essa é apenas mais uma ferramenta útil que você pode usar para manipular suas amostras de tambor. Na próxima seção, vamos olhar para a construção de padrões de acordes e como você pode escolher instrumentos que soam bem para seus discos. 15. Construindo padrões de acordes: Então esta palestra é tudo sobre padrões de cartão de construção para EDM. Agora, você pode nunca usar padrões de acordes em suas faixas, ou você pode sempre usar padrões de acordes em suas faixas, mas é importante entender como construir um padrão de acordes. Então o que vamos fazer é subir aqui e começar com um simples instrumento polifônico. Então eu vou escolher chaves FL. Polifônico significa que o instrumento pode tocar mais de uma nota ao mesmo tempo. Então um piano. Sabemos o que o piano que podemos tocar, acordes que podemos tocar mais de um nó ao mesmo tempo. Se você tem um instrumento que não pode tocar mais de uma nota ao mesmo tempo, então isso seria considerado um instrumento monofônico. Então instrumentos como a gripe ou o gravador lá, monofônicos como eles só podem tocar uma nota ao mesmo tempo. Mas vou ficar com este piano, porque sei que é um instrumento polifônico, e vou clicar com o botão direito do mouse no pequeno instrumento aqui. E eu vou pegar um rolo de piano para nos levar para onde podemos começar a inserir notas para o nosso tribunal. Então a primeira coisa que notamos é que isto parece um pouco diferente da janela da lista de reprodução, mas funciona no mesmo principal. Ok, então temos o bar um, o bar dois, bar três, o bar quatro por aqui, e também temos as nossas batidas. Então esta é a primeira batida, a segunda batida, a terceira batida, a quarta batida. E então, entre essas contas, temos nossos passos. Um, passo, dois, passo três, passo quatro. Então ele funciona exatamente da mesma maneira que a lista de reprodução. Então eu vou começar colocando um zero aqui no C. Eu vou brincar com algumas das notas que eu poderia adicionar. Eu poderia adicionar um aqui no terceiro passo, e então eu poderia adicionar um. E o segundo passo, talvez o quarto passo, e depois o terceiro passo novamente aqui. Então vamos ver como isso soa até agora. E acho que é um pouco mais rápido. Vou baixar o BPM para 128, nosso meio feliz. E vou ouvir de novo. Então, quando você está criando padrões de cordão, uma coisa que você queria ter certeza é que suas anotações não estão se tocando. Porque quando os nós estão se tocando, pode soar um pouco amador se ele não voltar a esse padrão. E agora vou encurtar o nonce que estão se tocando. Então eu vou encurtar isso não para que ele não esteja tocando neste. E vou encurtar este bilhete. Não está tocando neste. E eu também vou encurtar este porque quando ele loop, quando o indicador de reprodução volta ao redor, esta nota está realmente tocando isso não então eu vou encurtá-lo aqui, e isso somos nós no padrão. Agora. Quando você usa notas mais curtas, ele realmente cria sulco Marvel. E o groove é muito importante para o EDM porque é isso que eleva as pessoas em seus honorários e dança. Você não quer que seu padrão de acordes soe muito suave. Você queria sentir como se estivesse esfaqueando o ouvinte com esses curtos, esses são chamados de notas de staccato. Esse é o termo musical para curto e rápido. Vamos ouvir novamente estas notas de staccato no padrão. Então o que vou fazer agora é duplicar isto. E eu vou arrastar os nós duplicados até o quinto do acorde de C, que é G. Então vamos ouvir agora o que soa quando estamos tocando o nó raiz e a quinta nota ao mesmo tempo. E novamente, eu vou duplicá-lo e eu vou arrastar os nós duplicados até o terceiro de C, e eu vou torná-lo menor. Então C menor, temos D-sharp. Então vamos ouvir esse padrão de acordes menor agora. Com as notas curtas, as notas de staccato curtas adicionando ao sulco. Vamos ter uma escuta. Agora, eu queria adicionar swing a este padrão. Então, uma coisa que eu poderia fazer é sair do padrão e eu poderia usar o balanço aqui em cima para que eu pudesse aumentar isso. Se nós, se ligarmos o metrônomo, que vai tocar o medidor, podemos ouvir sobre o padrão vai soar como quando há bateria tocando. Então vamos ligar o metrônomo e ouvir o medidor da faixa enquanto o padrão está tocando. Agora eu vou voltar para este rolo de piano clicando nisso. Uma coisa interessante a fazer em seus padrões de acordes é duplicar as notas de topo. Mais uma vez, levá-los para a oitava. Então esse é outro nó de C. Então nós temos C5 aqui em baixo e então nós temos C7 aqui em cima. E o que podemos fazer é se mudarmos alguns desses nós. Então eu levo isso para um D, e eu levo este C para um D-Sharp, então eu poderia trazer este C para outro nó da escala, um afiado. E eu poderia levar isso não para G, que é o quinto. E eu vou deixar este no C. Vamos ver como este padrão soa. Agora. Eu vou desligar o metrônomo e eu realmente vou pressionar o comando e pressionar a seta para baixo, que vai mudar as notas para uma oitava para que eles não são tão altos. Então, agora, se quisermos encurtar todos esses nós ao mesmo tempo, o que podemos fazer é destacar todos eles e podemos tentar arrastar. Mas o que você vai notar é que o arrasto não está funcionando se não torná-los mais curtos. E isso é porque estas notas aqui são tão curtas quanto podem ir. Mas se viermos aqui para o nosso encaixe para a grade, caímos novamente e dizemos, queremos fazer os passos mais inteligentes. Então vamos escolher novamente um quarto de um passo. E agora você pode ver que divide os passos em quatro passos menores. E agora podemos encurtar todos os nós ao mesmo tempo. Quanto mais curtos os nós, mais sulco seu padrão tem. Vamos ouvir esses travessões mais curtos no padrão. Vamos ligar o metrônomo de novo. Agora o que podemos fazer é copiar todo este padrão e podemos duplicar novamente e colá-lo aqui. E se você quiser, você pode mudar o nada raiz, que é C. Então este é um acorde de C. Podemos mudar o nó raiz para outro nó da escala. Então eu vou arrastar isso para baixo para G afiado, que é o sexto em uma escala menor. E eu vou ver como isso soa agora. Então eu posso ouvir algo está chocando e é este G. Então este G está em confronto com este G-sharp. Então eu vou realmente apontar isso para cima que também é um G-sharp. Então agora temos G afiado e D afiado, que é o quinto de G-sharp. E temos C, que é o terceiro. Então esses nós são todos parte do mesmo acorde. Então deve soar bem. E você pode ter seu padrão muito mais vazio. Podemos tirar este nó aqui, estas notas, e vamos tirá-las do mesmo lugar na segunda metade do padrão. E podemos remover, desculpe, podemos remover esses nós também. Remova-os na mesma parte da segunda metade. E quanto mais vazio estiver o seu padrão de acordes, mais os outros elementos da sua faixa brilharão. E vamos dar uma olhada nisso quando chegarmos à fase de arranjos do curso, quando olharmos para elementos de condução e os elementos em sua pista, isso deve ser meio que tomar o centro das atenções. Mas por enquanto, saiba que você pode ter seus acordes tão esparsos ou cheios quanto quiser. Então eu vou deletar isso agora novamente e começar do zero porque há algo que eu quero falar, que é sincopação, ok? Agora, se você já estudou teoria musical antes, você pode saber o que é sincopação. Mas se você não sabe, sincopação é onde seu nariz ou seus batimentos de tambor caem fora das batidas principais do bar. Então sabemos que temos essa batida um, dois, três e quatro. Portanto, estas notas no momento não são sincopadas. E quando você não usa sincopação, seus cartões podem começar a parecer muito chatos. Como se eu fosse colar em um, outro nó aqui, meio deste nó aqui como também não sincopado porque é exatamente a meio caminho entre as duas batidas. Então também não vai soar sincopado. E eu posso colar outra nota aqui a meio destes dois. E vai soar tão chato quanto o primeiro no padrão sincopado. Vamos ter uma escuta. No entanto, se eu fosse mover esses nós, Faust e mover isso para a direita, que será no quarto passo. E se eu fosse talvez mover este para a esquerda, que seria no segundo passo. Isso criará sincopação. Novamente, não deveríamos ter esses nódulos tocando. Então eu vou usar um meio passo aqui só para fazer estes mais curtos. E se ouvirmos de novo. Então este padrão agora tem um pouco de sincopação. Mas se você realmente quer fazer bons padrões de cordão, você deve tentar evitar ter notas sobre todas as quatro batidas para o comprador. Então veja aqui eu tenho uma nota na primeira batida e eu tenho uma nota no segundo talão. E eu tenho uma nota na terceira batida e eu tenho uma nota na quarta batida. O que você deve fazer é tentar evitar isso. Então vamos mover esta nota para o terceiro, terceiro passo, e isso é movido disco sabe, talvez para o segundo passo. Agora este padrão será realmente sincopado e soará muito mais Groovy. E novamente, podemos duplicar isso e podemos arrastá-lo até o quinto, e podemos arrastá-lo até o terceiro no menor. E o padrão era, eu gosto disso. Então eu não posso mostrar passo a passo exatamente como construir um padrão de acordes porque todos têm idéias diferentes em sua cabeça e todos têm diferentes tipos de idéias sobre o que soa bem. Omar não soa bem. Mas o que eu posso fazer é lhe dar esse tipo de dicas e diretrizes que você pode usar ao criar seus padrões principais para que os cabos e sua trilha não pareçam um robô chato. Vamos ouvir esse padrão novamente com a sincopação que acabamos de adicionar. Então, na próxima palestra, vamos olhar para escolher diferentes instrumentos para seus padrões de cartão. 16. Escolhendo instrumentos para acordes: Então nesta palestra vamos falar sobre a escolha de instrumentos para tribunais. Agora esta é absolutamente a parte mais importante sobre fazer música eletrônica. Você não precisa saber como projetar seu próprio senso extravagante porque se você está projetando sons que não se encaixam bem, então é apenas uma perda de tempo. Então eu acho que é importante olhar para como escolher predefinições, primeiro lugar, que se encaixam antes de realmente ir e fazer nossos próprios sons. Então o que eu tenho aqui é um pequeno padrão de cordão que eu criei no piano. E é bastante simples. É que isso começou com a grosseria sincopada e que eu duplicei no quinto. E então eu duplico novamente até o terceiro no menor. E então eu só mudei esse nada. Eu trouxe para D, e eu trouxe este nó para D. Então é muito simples. Então eu meio que colou esse padrão, colou aquele mini padrão para fora. E então mudo o nó raiz para D-sharp, mudei para G afiado e depois voltava para G afiado novamente. Mas a parte superior do acorde permanece a mesma. É o mesmo todo o caminho. Então vamos ouvir esse padrão de acordes no piano preso do FL Studio. Vamos ter uma escuta. A primeira coisa que vou dizer sobre escolher seus sons é definitivamente não escolher o som do piano. Todos os que fazem música conhecem o som dos pianos da Hertz. Então, se você está destinado a enviar suas faixas para gravadoras que rejeitam o imediatamente porque eles sabem o som do piano de estoque. Então você pode fazer o download. Há literalmente milhões de plug-ins de piano grátis lá fora na internet que você pode baixar notícias. Então eu sugiro que você baixe um gratuito e use isso em vez disso. O que eu vou fazer é eu vou entrar aqui e eu vou substituí-lo por um piano, plug-in de piano que eu tenho, que é chamado piano V2. Então vamos ver como esse padrão soa com o novo som de piano. Agora, um monte de EDM usa um som de piano como base. Então, se você quiser ficar com um piano, você pode, ou você pode mudá-lo e transformá-lo em um sintetizador. O que eu vou fazer é manter este som de piano por enquanto, e então eu posso voltar e mudá-lo mais tarde. Assim, como nossas amostras de tambor, devemos camadas são acordes. Então eu vou subir aqui para adicionar, e eu vou adicionar um sintetizador para camada com o piano. Então eu vou camada uma dessas predefinições de ds. DS danado é apenas o sintetizador de terceiros que eu tenho. Mas você pode baixar muitos sintetizadores de terceiros da internet, combiná-los também. Então o que eu vou fazer é eu vou entrar aqui para a seção predefinida e eu vou para baixo para liderar porque é aqui que a coragem soa lá. E estes são os tipos de sons que estamos procurando são acordes. Então estamos procurando por arranhões e vamos dar uma olhada no que são blocos e um pouco mais de detalhes quando estamos fazendo nossos próprios sons. Mas, por enquanto, se você estiver escolhendo suas predefinições, certifique-se de procurar esses sons de rebanho e, dependendo do sintetizador que você está usando, a palavra pluck pode ser PRK ou talvez PLC, ou uma abreviação da palavra, mas você Estamos procurando por um som de arranca. Então eu vou começar aqui com este arranhão de outono. E eu vou ver como isso soa em camadas com o meu piano. Então eu vou entrar para o rolo de piano e eu vou copiar, editar, copiar o padrão. E então eu vou entrar na regra do piano dos meus sintetizadores. E eu vou editar, colar este copo, este padrão. Então vamos ver agora o que o sintetizador soa como com o piano como uma camada. Agora, eu gosto muito do som daquele sintetizador com o piano. Só vou silenciar o piano para ver o som do sintetizador. A Amazônia. Então a primeira coisa que eu noto é que o sintetizador é um pouco alto, então eu vou abri-lo e eu vou apertar esta roda Configurações que eu possa atribuí-lo a uma faixa mixer. E eu posso abaixá-lo então só para ouvir o piano um pouco melhor. A razão pela qual estou recusando o sintetizador é porque obviamente o sintetizador é camada. E queremos que as camadas se misturem e soem como se fossem um grande instrumento. Não queremos ser capazes de escolher os sons diferentes. Queremos que todos os sons se combinem para criar um grande som. Então vamos ouvir de novo e ver se estamos recebendo um grande som. Agora podemos abrir o sintetizador e mudar o som e ver se encontramos alguns sons que não se encaixam. Will instantaneamente, eu posso ouvir que este som não se encaixa porque é um pouco mais alto e ele está realmente assumindo o controle do piano. Então eu vou, eu vou continuar e eu não vou escolher isso. Não gosto do som disto. Vamos abaixar de novo, para que não seja dominar o piano. Isso parece muito bom. Eu realmente gosto do som desses presets crocantes, então eu vou deixar isso lá. Então, quando você está colocando em camadas seus padrões de acordes, uma boa maneira de camada seria pensar no instrumento final que você deseja criar. Então, se baixarmos totalmente, sabemos que o piano é o instrumento principal. Então não queremos, não queremos distrair do piano, mas queremos acrescentar ao piano. Então, vamos trazer este pequeno instrumento aqui. Agora posso ouvir que este instrumento tem muitas frequências altas. Parece que está assobiando. Então sabemos agora que temos um instrumento principal e uma espécie de instrumento de alta inclinação. Com essas camadas, estamos faltando um instrumento que pode dar ao padrão um pouco de desperdício. Então, se ouvirmos de novo, o padrão parece bom, mas falta o desperdício de que precisa. Então eu vou duplicar este plugin ds rasgado vindo aqui e clicando em clone. E então eu também vou voltar para o rolo de piano e copiar o padrão de piano em nosso novo sintetizador para que possamos ouvi-lo. Então, pressione Editar e cole. E então eu vou lançar isso para uma oitava. Ok, então eu pressionei o comando e a seta para baixo para que ele caiu o suficiente. E podemos ver aqui, estas são as notas fantasmas dos outros padrões. Então podemos ver que os outros padrões estão na verdade nesta oitava. E o padrão árabe agora está na oitava abaixo. Então vamos ouvir o que isso soa como com a mesma predefinição que o outro sintetizador. Então o que você não quer fazer é que você não quer ter os mesmos sons em camadas com os mesmos sons. Então esta predefinição é a mesma predefinição que usei neste sintetizador. Então o que queremos fazer é mudar isso. Então vamos mudá-lo. Vamos ver como soa a próxima predefinição. E na verdade o que eu vou fazer é que eu vou apenas atribuí-lo a um link diferente atrair porque ele é atribuído para o mesmo aqui, ele também está em um. Então vamos abaixar essa. Eu não gosto do som disso, mas eu gosto do som disso, este sintetizador soa muito, muito bom com os outros dois centros, com o sintetizador e o piano em camadas. E vamos ouvir como isso soa com o padrão completo. Então este sintetizador extra que acabamos de adicionar, que está adicionando desperdício ao padrão. Então, se eu voltar para cima o sintetizador original que tínhamos, parece agradável e arejado. Mas se quisermos adicionar um pouco mais de maneiras, podemos adicionar outra camada que é inclinada uma oitava para baixo, e soa assim. Então eu acho que essas camadas para baixo muito bem. Eu acho que eles são combinados para soar como um grande instrumento. E isso é o que você quer fazer com suas camadas também. Você pode ter 25 camadas diferentes, desde que todas combinem para soar como um instrumento maior, então você sabe que você está colocando em camadas corretamente. Você também tem que ouvir criticamente e apenas certifique-se de que as predefinições que você está escolhendo se encaixam bem. Na próxima palestra, vamos aprender a ajustar essas predefinições e manipulá-las para que elas possam soar exatamente da maneira que queremos. 17. Introdução à síntese: Então, nesta seção, vamos estar olhando para a síntese sonora. Síntese é um assunto enorme, então só vamos cobrir o básico aqui. Mas se você está interessado em síntese e design de som, certifique-se de se juntar ao grupo do Facebook que eu estava falando antes. Como vou lançar um curso sobre síntese e design de som no futuro. E usarei esse grupo para anunciar quando sair. Digamos que você tem um padrão aqui, mas alguns dos sintetizadores não soam exatamente do jeito que você quer. Então vamos dizer que este sintetizador inferior aqui, o sintetizador final ser adicionado na última palestra. Digamos que você simplesmente não gosta do som disso e você quer mudá-lo um pouco. Então nós podemos entrar neste incisivo e nós podemos realmente ajustar diferentes coisas como os osciladores aqui. Podemos ajustar os envelopes, ajustar os filtros, e podemos ligar e desligar os efeitos. E podemos fazer todos esses tipos de coisas para tornar o som diferente. Por exemplo, se eu fosse mudar o som do oscilador aqui de dente de serra. Então é assim que parece com dente de serra. E se eu mudar esta síntese, este, desculpe, este oscilador para talvez posto número quatro, vai soar assim. Os componentes que você encontrar neste sintetizador serão os mesmos em qualquer sintetizador. O ya terá osciladores e envelopes amplificadores e filtros e auto. Portanto, não se preocupe se você tem medo de que seu sintetizador pareça diferente porque todos eles operam da mesma maneira. Então vamos passar agora para o tipo de primeira palestra nesta seção de síntese, onde aprendemos sobre os componentes do sintetizador e quais são suas funções. 18. Componentes de síntese: Então, nesses slides, vamos cobrir o básico da síntese sonora que você possa tomar decisões informadas ao ajustar ou criar ou sons. Existem vários componentes diferentes que se combinam para fazer um sintetizador. E todos eles têm seu próprio propósito específico. Então vamos descobrir o que são e como podemos usá-los para nossas faixas de EDM. Então o primeiro tópico sobre o qual vou falar é sintetizadores polifônicos versus monofônicos. Agora, nós já mencionamos isso brevemente quando estávamos construindo um padrão de acordes. Mas eu vou voltar aqui novamente, só para que você possa ter certeza sobre o que isso significa. Então, um sintetizador monofônico, ou um sintetizador mono, é um sintetizador que só pode produzir uma nota a cada momento. Então, se você quiser usar um sintetizador monofônico para acordes, ele realmente não vai funcionar. No entanto, a maioria dos sintetizadores modernos ou polifônicos, o que significa que eles podem tocar mais de uma nota de cada vez. Isso os torna ótimos para sons de acordes e almofadas. Estes sintetizadores modernos também podem funcionar como um sintetizador monofônico se você deseja usá-lo dessa forma. Havia apenas um benefício real de usar um sintetizador monofônico ou definir seu sintetizador para funcionar como monofônico. E isso é que eles são mais expressivos do que um polifônico enviado. A razão para isso é porque os sintetizadores polifônicos sacrificam uma pequena parte do design de som para poder tocar mais de uma nota de cada vez. Então, se você não precisa tocar mais de uma nota de cada vez, por exemplo, linhas de base ou melodias de chumbo, então você provavelmente deve apenas definir o seu plugin de sintetizador como monofônico se ele lhe der essa opção. Então vamos dar uma olhada no Voices agora. Uma voz na física é apenas um meio ressonante. Então, se pegarmos uma guitarra, por exemplo, bem, cada corda na guitarra é uma voz porque cada médiuns ressoam separadamente. Em teoria, uma guitarra teria seis vozes. Bem, em um sintetizador, as vozes são apenas os pequenos caminhos de sinal que seu sintetizador usa para criar o som. Essas vozes estão diretamente relacionadas ao conceito Polifônico de que falamos no slide anterior. Então, se você tem quatro vozes ativas, então você só pode tocar quatro notas ao mesmo tempo. Mas se você tiver 16 vozes ativas, você pode tocar 16 notas ao mesmo tempo, mas em um nível mais avançado, as vozes podem fornecer textura adicional ao som que você está tentando criar. Se você definir seu sintetizador no modo uníssono , o plug-in começará a processar todas essas vozes separadamente. Você pode então desafinar cada uma dessas vozes de forma diferente para fazer um som muito mais gordo. Agora, muito poucos sintetizadores realmente permitem que você ajuste manualmente cada voz. Mas geralmente nos é dado um botão de uníssono e um nob D2 com o qual podemos jogar, quanto mais vozes definirmos para desafinar o ticker a areia terá. Então, se tivermos uma olhada no exemplo aqui na tela no canto inferior esquerdo, é apenas uma captura de tela de um plugin chamado Spire. Mas a imagem no canto inferior esquerdo é das vozes onde podemos definir quantos nós queremos ser capazes de jogar ao mesmo tempo. Então, neste caso, só podemos tocar quatro notas ao mesmo tempo. E se dermos uma olhada em um pequeno exemplo para a direita, podemos ver que esta é a seção de uníssono onde nos dado um botão detuned e um botão de densidade. Ou podemos dizer o quão denso queremos que o som seja. E abaixo destes, então temos a seção Voices onde podemos dizer quantas vozes queríamos desafinar movendo-se para osciladores. Estes são os sons reais com os quais o sintetizador está trabalhando. Existem quatro tipos principais de osciladores, e estes são seno, quadrado, dente de serra e triângulo. Eu não vou entrar em por que eles são moldados do jeito que eles são. Mas tudo que você precisa saber é como cada um deles soa. Então vamos ouvir cada um agora. Direi que antes de o fazermos, talvez queiras baixar o volume ou tirar os auscultadores porque estes sons podem ser bastante penetrantes quando estão na sua forma mais pura. Ok, então vamos ouvir agora. O primeiro exemplo aqui é a onda senoidal. O segundo exemplo que temos aqui é a onda quadrada. terceiro exemplo é uma onda triangular. E o exemplo final que temos aqui é uma onda de dente de serra. Então estes são o que os sintetizadores usam para criar o som que você ouve. Em seguida, ele é roteado através de outros componentes, como o ADSR e o filtro para mudar fundamentalmente o som em algo novo. Alguns sintetizadores lhe darão muito mais osciladores do que estes quatro aqui. Mas isso é porque eles foram moldados por uma forma de modelador ou por causa da frequência ou modulação de pitch. Então, se você recebe outra forma de oscilador para usar, ele é na verdade baseado em uma dessas quatro formas. Se você brincar com as diferentes opções de oscilador em seu sintetizador, você poderá ouvir os diferentes sons que eles produzem. Em seguida, examinaremos o componente ADSR. Então, com isso, há na verdade dois tipos. Há um filtro ADS ou e, em seguida, um amp ADSR. O filtro ADSR controla o filtro e torna o som mais ou menos brilhante. O amplificador ADSR controla o volume e torna o som mais ou menos alto. Para este curso, estamos preocupados apenas com o AMP ADSR. Mas é bom estar ciente de que o outro tipo existe. Adsr significa ataque, decadência, sustentar e liberar. E você pode ver o que o gráfico aqui no lado direito, como ele funciona. Então ataque é quanto tempo leva o som para atingir seu nível mais alto. Então você pode definir isso muito longo para fazer um tipo legal, varrendo de som pad. A decadência é quanto tempo o som leva para atingir o nível de sustentação. Então sustentar algo significa segurá-lo. Se você mantivesse o dedo na nota do sintetizador, este seria o nível de sustentação. Tornar o nível de sustentação um pouco mais silencioso do que o nível de decaimento cria um som mais natural. E, finalmente, o lançamento é quanto tempo leva para o som atingir menos infinito ou 0 após a nota ter sido liberada. Então, se você tirar o dedo dessa nota, quanto tempo a trilha sonora vai desaparecer, para silenciar. Tudo no ADSR é uma medida de tempo, exceto o sustain, que é uma medida de volume. E os sons típicos que você encontra em um sintetizador dependem das configurações ADSR. Um som de arranca é curto e tem pouco ou nenhum nível de sustentação. Então, se você manter o dedo no nariz, o som ainda vai desaparecer para o silêncio. O som de baixo é semelhante a um som de bloco, mas o nível de sustain é um pouco maior, modo que quando você segura a nota, o som do baixo também se mantém. Isso é importante porque um monte de EDM apenas usa uma linha de base de pedal naught. E vamos dar uma olhada no que é quando chegarmos a construir padrões de graves. Uma areia de chumbo, em seguida, é projetado para tocar melodias de chumbo. Assim, o nível de sustentação é muitas vezes muito alto para que a melodia completa pode ser prejudicada. E então você também tem um som pad, e estes são apenas sons longos e varrendo projetados para música ambiente. Assim, muitas vezes você vai descobrir que o tempo de ataque é muito longo e o tempo de lançamento é muito longo, o nível de sustentação também será alto. Mas quando olhamos para ajustar nossos sintetizadores, aprendemos que podemos ajustá-los para que eles se ajustem melhor às nossas faixas. Agora vamos dar uma olhada no filtro. Esta parte do sintetizador é a mais responsável por moldar os sons que obtemos dele. Ou para colocá-lo brevemente, o filtro apenas bloqueia parte do som e permite que o resto do som passe. Existem diferentes formas de filtro que você pode usar, como passagem baixa ou passagem de banda. E vou incluir um artigo que você pode ler que explicará cada um deles. A forma mais comum usada é o filtro passa-baixa. E faz exatamente o que diz na lata. Permite passar as baixas frequências e bloqueia as altas frequências. Ou, em outras palavras, ele permite que a parte básica do seu som através de um preto. Os sons mais hissy. O ponto no qual o filtro bloqueia o som é chamado de frequência de corte. Por exemplo, você poderia bloquear muitos dos histones são, você só poderia bloquear uma pequena quantidade do som de assobio. Você usaria o parâmetro de corte para justiça. Você também pode automatizar o parâmetro de corte para um som muito interessante. Vamos ouvir este exemplo de um padrão de acordes em que o filtro é cortado. A frequência foi automatizada para permitir lentamente sons mais altos. Isso também é chamado de abrir o filtro. Vamos ouvir agora. Abrir o filtro é uma técnica comum usada no EDM porque cria tensão. O som está provocando o ouvinte como eles estão lentamente recebendo mais e mais do som completo. Quando finalmente obtêm o som completo junto com outros elementos, como bateria e vocais, pode realmente tornar a experiência muito mais intensa com o filtro. Há também um parâmetro de ressonância sobre o qual eu queria falar antes de seguirmos em frente. Porque isso é particularmente bom para sons techno e ácidos. Quando você aumenta isso, ele realmente acentua a frequência de corte. Então, como você abre o filtro para o som é muito mais acentuado um em seu rosto. Vamos ouvir um exemplo de abertura do filtro com a ressonância desligada. E então um exemplo de abertura do filtro com a ressonância aparecida. Passando para o LFO. Isso significa modulação de baixa frequência e um pouco como automação, exceto que é mantido dentro do sintetizador. O equivalente a usar um LFO seria se você movesse um controle deslizante de volume para cima e para baixo uma certa quantidade de vezes a cada segundo. A quantidade de vezes que se move é controlada pela frequência. Então, se definirmos a frequência em três hertz, ele irá realmente mover o controle deslizante para cima e para baixo três vezes por segundo. O LFO é como podemos criar efeitos de vibrato ou tremolo com o sintetizador. Então estes apenas fazem o som tipo de oscilação entre diferentes volumes são arremessos. Então o som que oscila entre volumes é chamado vibrato, e um som que oscila entre os arremessos é chamado tremolo. Um LFO pode ser usado para quase tudo em dubstep. Um LFO é usado para controlar o filtro de corte, e isso cria o som baseado na web que é tão famoso. Também podemos mudar a forma do LFO para uma das quatro formas de oscilador que já vimos. Mas é muito fácil de entender. Se você pode imaginar o controle deslizante se movendo na mesma forma que uma onda senoidal, então ele se moverá bastante suavemente porque a forma de uma onda senoidal é suave. Mas se você imaginar uma onda quadrada controlando o controle deslizante, então ele realmente saltará de cima para baixo, exatamente o mesmo que a onda quadrada é moldada. Assim, a forma controla a rapidez com que o controle deslizante se move de cima para baixo. A seguir temos portmanteau. Este é um parâmetro simples, mas muito divertido para brincar com as forças mentais de Puerto. O som para deslizar para cima ou para baixo para notas. É muito comumente usado no gênero casa eleitoral russa, que ficou famosa pela pista astronômica por Tony Ag. Então vamos dar uma escuta a que astronautas via melodia sem porta mental e, em seguida, um exemplo com o parlamento que se candidatou. Quanto mais alto você definir o portmanteau mais agressivamente, é slides. Você também pode controlar quanto tempo leva para deslizar para cima e para baixo se o sintetizador permitir. Mas se você definir o ornamental muito alto, você pode acabar mascarando algumas das notas. Portanto, certifique-se de que todos os nós são claramente audíveis quando você estiver usando portmanteau. O próximo componente terá uma olhada é o mixer. Este mixer, funciona da mesma forma que qualquer outro mixer. É usado para fazer sons em outros sons. Então, com um sintetizador, você pode ter mais do que apenas um oscilador tocando ao mesmo tempo. Você pode definir todos esses osciladores de forma diferente e, em seguida, misturá-los uns nos outros como camadas. É como colocar em camadas nossos instrumentos, exceto que estamos colocando em camadas os sons individuais que compõem um instrumento. Assim, a maioria das predefinições de sintetizador que você encontrar estará usando mais de um oscilador porque torna o som muito mais cheio e interessante para o ouvido se você estiver fazendo seus próprios sons, tentou usar mais de um oscilador e misturá-los juntos. Em seguida, temos a seção efeito onde podemos aplicar alguns efeitos padrão como reverberação ou distorção. Isso pode ser usado de forma criativa ou para um resultado interessante. Ele também pode ser usado praticamente para fazer um efeito particular, como low-fi. Mas esses efeitos podem ser aplicados quando você estiver misturando usando plug-ins também. Então cabe a você se quiser usá-los agora ou quando estiver misturando. Finalmente, temos a parte mais confusa de toda esta palestra. Se você estava confuso até agora, você definitivamente vai ficar confuso com esta parte. Existem milhões de sintetizadores diferentes e todos eles parecem completamente diferentes. Então, quando você abre um sintetizador, é preciso um pouco de descobrir como usá-lo. Você sempre pode procurar alguns tutoriais ou artigos que lhe dirão como usá-los. Mas onde está a diversão nisso? Ficar preso e descobrir como eles funcionam. Ao descobrir você mesmo, você vai realmente estar ensinando a si mesmo design de som no processo. Agora estamos prontos para ajustar algumas predefinições e projetar nossos próprios sons. Vamos voltar ao escuro para a próxima palestra e dar uma olhada nisso agora. 19. Parâmetros de síntese de Tweaking: Então, nesta palestra vamos dar uma olhada em sintetizadores de ajuste para que possamos alterar as predefinições para caber o som que queremos. Então o que eu tenho aqui é que eu tenho este padrão de acordes que eu inventei muito rapidamente, só para que possamos ouvir o que estamos fazendo. E eu também tenho este plug-in chamado spire, que é na verdade o plugin que estávamos usando nas imagens de exemplo na palestra anterior quando estávamos passando pelos slides. Então o que eu fiz foi carregar esta predefinição de arrancar. Então, p ok, que é uma abreviatura de arrancar, e é chamado de branco. Agora eu escolhi este porque eu realmente não gosto do som dele em tudo. E é realmente penetrante e é que, simplesmente, não soa tão bem. Mas o que podemos fazer é ajustar os parâmetros todo este sintetizador e fundamentalmente fazê-lo soar melhor. Então vamos apenas dar uma escuta para o som como ele é agora com o padrão que eu fiz anteriormente jogando. Está bem? Agora, se olharmos aqui para cima, podemos ver que o tempo de lançamento é muito, muito longo, porque levou muito tempo para o som chegar ao silêncio. Então a primeira coisa que vou fazer é vir aqui para a liberação e o ADSR. E eu vou recusar isso. E enquanto eu estou recusando, eu vou ter um ouvir o padrão só para ouvir o que eu estou fazendo. Ok, então vamos ouvir o padrão e, em seguida, baixar este tempo de lançamento enquanto ele está jogando. Ok, então eu prefiro muito o som deste tempo de lançamento em vez do tempo de lançamento quando ele estava realmente alto. Então, vou deixá-la em algum lugar aqui em baixo. A seguir, o que vou fazer é desligar os efeitos aqui. Então esta é a nossa seção de efeitos e eu vou apenas tentar adiar. Vou silenciar a reverberação. E eu também vou usar essa saturação ou um tipo de efeito de distorção. Então vamos ver como soa agora sem os efeitos silenciados. Outra coisa que podemos fazer é vir aqui para a seção mixer deste sintetizador e podemos mudar a mistura dos dois osciladores que estão em execução ao mesmo tempo. Então o oscilador três é apenas um oscilador de ruído. E o ruído é o tipo de som estático que você recebe nessas televisões antigas quando ele está mostrando o tipo de tela preto e branco. Isso é chamado de estática ou ruído. Então vamos ver como soa o barulho. E este ruído é colocado em camadas com este oscilador para, que é apenas este oscilador aqui. E chama-se piano a2. E o que você vai notar sobre a forma deste oscilador é que ele não é uma das formas que estávamos olhando, mas é composto por essas quatro formas que estamos olhando. Então em algum lugar aqui há triângulos e quadrados, e há ondas de serra e eles estão todos se combinando para criar este chip. Está bem? Então o que podemos fazer é voltar a ligar este oscilador três, e podemos realmente vir aqui e mudar o som do oscilador. Então, se eu clicar no piano a2 e mudar isso para Talvez uma onda senoidal. E vamos ver como soa quando é uma onda senoidal. E eu posso mudá-lo em qualquer uma dessas formas que este plugin particular vem com. Então temos um de bronze. Vamos ver como isso soa. Vamos ver se somos violino que se parece. E só por uma questão de demonstração, vamos ver como enviou três sons. Ok, e enquanto eu estava tocando, eu não tenho certeza se eu gostei do som do barulho branco tocando ao mesmo tempo. Então eu vou silenciar o oscilador porque eu não gosto disso. E eu vou deixar o som principal, que é o oscilador dois. Vou deixar isso ligado. Então vamos ouvir o que parece agora. Eu também posso descer aqui e eu posso ajustar o tempo de ataque para que ele leve mais tempo para o som chegar ao tempo de decaimento. Então isso é apenas o ataque e ver que diferença isso faz. Então um tipo de soa como o volume está varrendo até o nível de decaimento. Vamos ajustar a decadência agora e ver o que acontece. Então você vai notar que nada realmente aconteceu lá quando eu estava ajustando o nível de decaimento. E isso ocorre porque a decadência é na verdade uma medida de tempo, não de volume, mas a sustentação, se nos lembramos, é uma medida de volume. Então, se eu baixar esse controle deslizante de volume de sustentação, então devemos ouvir uma diferença. Então eu vou apenas indicar m. Eu prefiro o som de ambos os controles deslizantes para cima, então eu vou deixá-los para cima. Nós também podemos vir até aqui para a seção de filtro e podemos ajustar a frequência de corte. Então vamos ter uma escuta para o padrão à medida que mudamos a frequência de corte do filtro. Então eu acho que eu prefiro o som como este com a frequência de corte para baixo, só porque soa um pouco mais suave e menos intenso. Também podemos aumentar a ressonância do filtro. Então vamos ouvir o som e ajustar a ressonância. Então eu prefiro o som da ressonância para baixo também, então eu vou deixá-lo para baixo. Vamos dar uma olhada na seção de uníssono agora onde estávamos falando de vozes. Então o que eu vou fazer é, bem, primeiro de tudo, vamos subir aqui e podemos ver que com essa configuração em particular, podemos jogar oito nós ao mesmo tempo. Agora podemos alterar isso até 16 nós ao mesmo tempo. Ou podemos tê-lo para baixo em um nó ao mesmo tempo. E se eu deixá-lo em um nó ao mesmo tempo, você notará que os cabos não serão reproduzidos corretamente porque o sintetizador só é capaz de reproduzir uma nota de cada vez. Vamos ouvir o que isso soa. Então eu vou mudar isso de volta para quatro. E para fazer acordes, vou colocar isto o mais alto que for, caso adicionemos notas extras. Não quero o sintetizador. Eu não quero que o sintetizador tipo de priorizar certos nós sobre outros nós. Então eu só vou definir isso o mais alto que ele vai para o caso de adicionar em notas extras mais tarde. Voltando agora à seção de uníssono, vou mudar a quantidade de vozes. Então, no momento é definido apenas em um. Vou aumentar isso para cinco. E lembre-se, quanto mais vozes o som do ticker D vai receber. Então vamos ouvir o que parece com cinco vozes. E se eu colocar de volta em um, e vamos tentar até nove vozes. Então, com nove vozes, eu acho que soa um pouco para marcar. Então eu vou colocá-lo de volta para cinco vozes, eu acho que é onde nós tivemos. E enquanto ele está tocando de novo, eu só vou ajustar a desafinação e a densidade só para ver o que esses botões fazem. Certo, então vamos ouvir. E finalmente temos a seção LFO. Então vamos descer até aqui onde diz LFO 1. E vamos mudar para isto. Então o que podemos fazer é mapear o LFO para algo. Então, se eu clicar nisso e mapeá-lo para o filtro, e eu mapeá-lo para o filtro é cortado um. Então o que vai acontecer é como o sintetizador é reproduzido, este LFO afetará o corte no filtro. Nós também podemos definir o tempo para ser livre, ou tipo de mais rápido ou mais curto dependendo do que você selecionar aqui, mas eu vou deixá-lo de graça. Nós também podemos mudar a forma como estávamos falando antes. Agora, o pináculo dá-lhe todas estas formas diferentes para escolher. Mas se notarmos que temos triângulo seno e quadrado. Então vamos mudar para quadrado apenas por uma questão de consistência porque estávamos olhando para ondas quadradas na última palestra. Está bem? Então, se eu vir aqui e aumentar a quantidade de LFO e se eu aumentar isso totalmente, vamos ouvir como isso soa. E se eu aumentar a taxa, você vai realmente ajustar o corte muito mais rápido. Então você pode ouvir que todas essas mudanças são muito repentinas e isso é porque estamos usando uma onda quadrada. Então vamos voltar aqui agora e vamos escolher uma onda senoidal, que é muito mais suave. A forma é muito mais suave como você pode ver, o som que temos agora não deve ser tão nervoso quanto a onda quadrada. Vamos ouvir. E se não quisermos que seja tão extremo, podemos vir aqui e baixar a quantia. E também se você quiser sincronizar o tipo LFO da taxa padrão para o seu BPM, que meu está definido para 140. No momento, se apertarmos o botão de sincronização, ele vai afundar. Como você pode ver, ele está afundando para um quarto de nota ou uma muleta em uma espécie de termos do Reino Unido. E podemos ver que agora está afundando para o BPM da pista. Então vamos ouvir o som agora com este LFO sucinto. Então, há os parâmetros que você pode ajustar em seu sintetizador para fazer o som se encaixar um pouco melhor na sua faixa. Na próxima palestra, vamos olhar para começar do zero e fazer nosso próprio som sintetizador. 20. Criação de sons sintetizadores: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em fazer nossas próprias predefinições de sintetizador. Isto não é um curso de design de som, por isso vai ser muito breve. Eu talvez ficar com o ajuste das predefinições por agora, mas eu quero mostrar a você que você pode fazer o seu próprio, se você quiser. Então a primeira coisa que vou dizer é que cada sintetizador tem uma interface e configuração diferentes. Então você pode ter que experimentar um pouco para descobrir como seus centros específicos se configuram. Porque não posso ver todos os sintetizadores e como usá-los. Mas se aplicarmos o conhecimento que aprendemos até agora, seremos capazes de descobrir a maioria dos sintetizadores apenas experimentando. Então o que eu vou fazer é eu vou apenas clicar neste botão inicializado aqui apenas para que possamos ter certeza de que todos os parâmetros são definidos de volta para o padrão. E o que eu vou fazer é vir até aqui para o oscilador e vou começar a tentar fazer alguns sons. Então a primeira coisa que você vai notar é que a onda está ajustada para onda senoidal, mas a imagem que este sintetizador nos dá não parece uma onda senoidal. E isso é por causa do tipo de sintetizador que Spire é. Ok, então Spire é um sintetizador de mesa de ondas. Não vamos entrar em detalhes sobre o que é isso. Apenas a principal coisa a saber é que se você tem pináculo para obter a forma real da onda senoidal, você tem que transformar este WT misturado e isso significa microfones de mesa de onda. Então nós vamos apenas aumentar isso completamente e então nós vamos começar a brincar com os sons diferentes. Então vamos ver como soa a onda senoidal com o padrão que tivemos na última palestra. Ok, então eu não gosto do som disso imediatamente, então eu só vou mudar isso para outra coisa que talvez vamos tentar enviar para. Acho que agora temos uma boa base para começar a moldar o nosso som. Então eu vou descer agora para a seção de envelopes, e eu vou começar a ajustar o ADSR só para fazê-lo soar como eu quero. Então eu acho que eu quero que isso seja um pouco de um som corajoso, então eu vou aumentar a decadência. E então eu vou recusar o sustentado para que seja mais um som de arranhão. E então eu posso deixar o atacante. E a liberação será meio curta porque é uma resposta arrancada que está aqui e ver se fizemos um fluxo Arna. Ok, então ele está chegando lá, mas eu acho que há muito lançamento, então eu vou fazer o lançamento. Ok, vamos ver como soa se nos virarmos para sustentar totalmente baixo. Ok, então eu só baixei o nível de decaimento só porque eu queria atingir o nível de sustentação muito mais rápido do que era quando eu estava aqui em cima. Estava demorando muito. Mas queríamos ser muito rápidos e corajosos. Então eu vou trazer a decadência para baixo novamente. Ok? Agora que são dois quarteirões E. Então eu vou, lá vamos nós. A próxima coisa que vou fazer é ir para o modo uníssono e vou fazer o som um pouco mais gordo. Então eu vou ligar três vozes. E eu vou ver como isso soa. Mit sintonizá-lo um pouco mais e talvez torná-lo um pouco mais denso. Ok, então eu estou gostando do som disso até agora. Em seguida, eu vou vir aqui para a seção de filtros. E para ativar o filtro inspirar, temos que primeiro configurá-lo para o tipo de filtro que queremos usar. Agora, o tipo mais comum de filtro é este perfeito ou assim eu vou apenas deixá-lo aqui neste prefactor e eu vou colocá-lo em lowpass quatro. Então temos passe de banda baixa, passe alto. E então nós Vr pico ou um filtro de entalhe. Mas vou deixá-la na passagem baixa quatro. Vou ajustar a frequência de corte e vou ouvir como soa como um lugar. E agora vamos ver como soa se ajustarmos a ressonância. Então eu meio que gosto do som da ressonância por aqui. É uma espécie de adicionar em um pouco de high-end para projetos. Então eu vou deixar a ressonância lá em cima, e eu também vou deixar a frequência de corte por aqui porque eu estou gostando do som dela. A próxima coisa que vou fazer é adicionar outro oscilador que o desligou. Eu estava destinado a aumentá-lo. Isto liga-o. Então eu gostei do som deste oscilador, mas eu acho que o som precisa de um pouco mais para funcionar como um verdadeiro sintetizador moderno sons. Então eu vou aumentar este segundo oscilador. Talvez você só até o topo também. E nós vamos clicar nele aqui clicando no oscilador dois. E novamente, vamos aumentar esta mistura de mesas de ondas. E lá vamos adicionar um tipo diferente de som em cima de nossos outros osciladores fora. Então vamos tentar este piano e ver como isso soa juntos. Então eu vou recusar para ver como soa sem ele. E eu vou aumentá-lo para ver como soa com ele. Agora, para este oscilador, eu acho que eu quero mudar a oitava e muitos sintetizadores vão deixar você fazer isso. Eles vão ter um pequeno tipo de botão de oitava turno. Então eu vou mudar isso para uma oitava. Então você pode ver aqui ele foi para mais um. E isso fará com que este oscilador soe mais alto do que o outro oscilador. Então vamos ouvir o que parece agora. Talvez se eu o derrubar e descer de novo. Então eu vou colocá-lo de volta porque eu gosto do, eu gosto do som da extremidade superior disso. O segundo oscilador está adicionando. Eu também vou desafiná-lo adicionando três vozes novamente. Vamos ver como isso soa. E com pináculo, também temos a opção de deslocar o oscilador. Então eu posso passar isso totalmente para a direita, ou eu posso ir totalmente para a esquerda. E isso é útil se eu quisesse mover, digamos, oscilador dois para a esquerda e, em seguida, talvez oscilador um ou desculpe, oscilador para a direita e, em seguida, oscilador um para a esquerda. Vamos ver como isso soa. Acho que vou colocar isso de volta no centro. E o que eu vou fazer é, em vez disso, eu vou usar essa ampla opção que espiral nos dá. E isso só faz o som um pouco mais largo. Então eu vou aplicar isso ao oscilador dois em que estamos agora. E eu só vou ouvir como está acontecendo, só para ver o que estou fazendo. Então eu gosto do som do perfume quando a configuração de largura é definida aqui. E também pode aumentar este oscilador apenas um pouco mais alto. Estou a gostar do som disto. E o que eu realmente vou fazer é eu realmente vou adicionar um terceiro oscilador apenas para um pouco de peso. Então, novamente, aumentá-lo, não pressione T oscilador três, isso apenas desliga, mas eu vou transformá-lo aqui. E eu vou clicar no oscilador três, e eu vou abaixar uma oitava. Imediatamente. Mais uma vez, aumente a mistura de mesas de ondas e vamos aplicar uma destas bancadas. Então eu vou tentar latão T2 e ver como isso soa. Aumentou um pouco. Está bem, vou lançar de novo. Acho que não está muito baixo no momento. Ok, então este som em particular não parece fazer muita diferença e eu vou tentar um diferente 1 de maio ser Oregon 1. Vamos tentar com isso soa como para eu possa ouvir o que este som em particular, mas ele está adicionando um pouco de peso. Então eu vou talvez baixar isso para apenas por aqui para que seja um pouco mais alto do que o resto. E novamente, vou aplicar um pouco de brancura para ver como isso soa. Então vamos ter uma escuta para o parâmetro de largura como os padrões jogando. Ok, então não está fazendo muita diferença. Então o que eu vou fazer é voltar para o oscilador um e talvez alargar este para ver como isso soa. Então, vamos ouvir de novo. Mas como eu tenho ajustado, eu notei que na verdade é um pouco corajoso. É muito corajoso pelo que eu quero que o som seja. Então eu vou voltar para o ADSR e eu vou aumentar o nível de sustentação um pouco. E nós vamos ter ouvido o que isso soa. Ok, então eu gosto do som do nível de sustentação quando está em algum lugar por aqui. Em seguida, nós apenas dar uma olhada rápida na seção de efeitos. Então o primeiro é uma espécie de, É um plug-in de saturação e vamos estar olhando para isso quando estamos fazendo mixagem. Mas eu vou definir isso no momento, só para tubo. E eu vou aumentar a unidade um pouco. Vou ouvir enquanto estou bem, estou afetando na verdade, desculpe. Antes de fazer qualquer ajuste para os plugins, você deve virar o seco, molhado, seco onde parâmetro e seco significa AF e molhado meios ligados. Assim, desta forma seria um 100% em, e este é um 100% de desconto. Então eu vou colocar isso em algum lugar no meio. E vamos fazer isso novamente, vamos ouvir e, em seguida, ajustar a configuração da unidade. E eu vou abaixar a sesta seca e molhada. Então eu gosto do pouco de Ras pênis que este efeito de saturação está adicionando. Eu vou vir aqui para o refrão, e eu vou transformar isso em algum lugar perto desta mesma área, talvez um pouco mais. E eu só vou ver como isso soa. Então eu não gosto do som do refrão, então eu não vou usá-lo. Então isso é vir aqui para o atraso. E novamente, nós aumentamos o Dry Wet e nós vamos apenas ouvir o que parece. Assim, com este efeito, podemos realmente fazer o atraso à direita são diferentes do atraso à esquerda. Então eu vou virar o atraso da esquerda um pouco para baixo. E então eu vou virar o atraso para a direita de um pouco. Então vamos ver como isso soa. Então eu acho que o atraso é um pouco alto demais, então eu vou apenas abaixá-lo só para que seja meio sutil. Um x, só temos uma olhada na reverberação. E novamente, vamos aumentá-lo e vamos apenas ver como soa. Então, no momento, eu realmente vou deixar a reverberação e o atraso fora porque eu posso aplicar esses efeitos usando quando chegamos à mistura. Então, vou deixá-los fora por enquanto. Mas eu vou descer e dar uma olhada rápida nesse tipo de seção de QE. E eu poderia apenas aumentar o high-end um pouco. Apenas foram meio que soa melhor. Acho que temos que ligá-lo usando este botão de equalização. Eu só vou aumentar o high-end e talvez tirar alguns dos agentes. Só para parecer um pouco mais prazeroso para o ano. Agora isso é tudo o que podemos fazer. E quando estamos misturando de qualquer maneira e é ainda estará aplicando o EQ em cima disso. Mas só por enquanto, eu quero ouvir como soa com esse tipo de configurações de equalização. Então, vamos ouvir. E eu acabei de notar ao ouvir novamente, que eu acho que a ressonância é um pouco alta demais. Então, na verdade, eu vou desligar a ressonância completamente e eu vou ter certeza de que ele está desligado em todos esses osciladores e ver a ressonância estava fazendo esse tipo de twittar soar como um pássaro. Então eu só vou recusar isso porque eu acho que foi muito perfurante no nível que era. Então, vamos ouvi-lo agora. E este é o processo de fazer o seu sentido. Sabe, você vem aqui, você vai mudar alguma coisa e então você percebe que algo aqui em baixo precisa ser mudado novamente. E então, quando você está mudando isso, você percebe que isso afeta algo aqui em cima que você tem que mudar. Então todo o processo de fazer seus próprios sons e design de som é uma espécie de um para frente e para trás entre os diferentes parâmetros. E você está apenas ajustando coisas diferentes até obter o resultado desejado. Agora eu sei que eu meio que passei por isso rapidamente e eu não estou indo em profundidade com alguns dos parâmetros que estão no plug-in. Mas você não precisa saber o que os diferentes parâmetros estão fazendo para criar um som. Então eu acho que a melhor coisa a fazer para você seria apenas entrar em seu plug-in e tipo de descobrir como ele funciona. Você sabe, ajustar alguns dos parâmetros. Cbo tipo de som que faz e ver que tipo de som você pode obter fora dele. Este método de experimentação é realmente muito melhor para o design de som. Então, você sabe, tipo de me ver fazer isso e explicar o que cada um desses diferentes parâmetros faz. Mas como eu disse, eu vou ter um curso de design de som saindo no futuro. Então, certifique-se de se juntar ao grupo do Facebook e não perder nenhum anúncio sobre nós, mas isso é tudo o que precisamos saber no momento. Então vamos passar para a próxima seção onde vamos dar uma olhada na construção de base. 21. Elementos principais do EDM: Então vamos examinar os principais elementos de uma linha de base EDM. Bem, em primeiro lugar, a base é usada para estabelecer uma espécie de base harmônica para a sua pista. Então, se você tem uma progressão de acordes que talvez vá C, G, F e C, bem, então sua linha de base irá mais do que provavelmente seguir isso indo C, G, F, C. Agora, muitas faixas de EDM, eles realmente não usam progressões de acordes. É apenas uma espécie de acorde todo o caminho. E neste caso, sua linha de base também será centrada em torno desse acorde ou que se sabe qual é chamado de nó raiz. Agora existem diferentes tipos de padrões que você pode ter com bases EDM. Há linhas de base rolando, linhas de base saltando, notas de pétalas, uma espécie de linha de base techno. Há linhas de base do suspiro. Há todos esses tipos diferentes de linhas de base que você pode criar. Mas algumas das características serão as mesmas em todas elas. Então vamos examinar algumas das características mais proeminentes de uma linha de base EDM. E então, quando chegarmos à próxima palestra onde olhamos para construir um padrão base, vamos entrar em mais detalhes com o que esses diferentes tipos de padrões são. Portanto, uma das principais características de uma linha de base EDM é que ela usa um padrão curto. Agora, este padrão aqui que eu tenho é na verdade duas barras comprimento porque esta metade do padrão é diferente da segunda metade. Então, na verdade, ele se combina para criar padrão de 2 barras e geralmente uma resposta usando uma progressão de acordes. E então seu padrão de linha de base pode ser, pode ter 32 barras de comprimento. Mas se você está usando apenas um acorde em sua faixa, sua linha de base nunca deve realmente ir acima de duas barras, ok? Qualquer coisa mais do que dois compradores, vai começar a ficar muito complicado e não será fácil para o ouvinte dançar se alguma vez for tocado em uma boate ou algo assim. Então certifique-se de que você está usando padrões curtos e precisos e você está apenas repetindo todo o caminho. Outra característica é que as linhas de base EDM, elas se centralizam em torno do nó raiz. Então, neste caso, eu vou apenas tocar este exemplo para você e então vamos examinar o que está acontecendo com a base. Então, vamos ouvir. Ok, então isso seria considerado uma linha de base rolante, mas vamos olhar para isso novamente na próxima palestra. Mas vamos clicar no pioneiro e vamos dar uma olhada no que está acontecendo com as notas. Então o nó raiz desta faixa é e. E podemos ver que a linha de base é uma espécie de centralização em torno de E, mas também está incorporando as outras notas do acorde ii em. Então ele está indo de E para G para B, para G para E, e depois de volta para G, e depois de volta para B. Então estes são todos nós do acorde de E-Mor. Agora, com uma linha de base EDM, você raramente vai encontrá-lo usando outras notas que estão fora do acorde. Então, por exemplo, se isso fosse talvez um D e talvez este fosse um C, você raramente descobriria que porque o padrão é tão curto e a faixa está apenas centrando, este sabe. Você raramente vai encontrá-lo incorporando outras notas que estão fora do tribunal a menos que esteja usando ornamentação e falaremos sobre isso em apenas um minuto. Mas vamos ouvir como esse padrão soa agora que movi algumas das notas. Então, como você pode ver, ele meio que joga todo o som fora. Então eu só vou mover isso de volta para B e eu vou mover isso de volta para E. Então, se você está construindo uma mistura de linha de base, você está centrando em torno de uma nota ou você está centrando em torno de um tribunal. E vamos falar rapidamente sobre ornamentação. Ok, então os nós extras aqui e aqui, estes serão considerados tipo de ornamentação, não é assim que se eu tirá-los, os padrões soam assim. E o que os naughts ornamentais estão fazendo é que eles estão deixando a linha de base fluir, número um naturalmente entre o E e B, este grande salto. Mas eles também estão preenchendo o espaço que resta entre este terceiro passo do segundo a.C. e este quarto passo aqui. Este quarto passo aqui da primeira página. Agora, o que realmente é ornamentação? Bem, se você pensar em um ornamento, você sabe, se você tem um ornamento em sua casa, e por que você colocaria um ornamento, digamos na lareira acima de seu fogo. Bem, você colocaria lá para fins estéticos. Sabe, é porque é bom olhar. Bem, é a mesma coisa na música. Ornamentação é onde colocamos algumas notas nela, alguns sons ou algo assim, e colocamos para fins estéticos. Então vamos ouvir novamente este padrão com as notas ornamentadas em, e vamos ver como isso soa. Uma outra característica dessas notas ornamentadas é que elas são muitas vezes mais curtas do que os outros nós. Agora, se eu alongar esses nós ornamentados, eles não vão soar como se estivessem lá. Para ornamentação. Na verdade, a Dell parece que eles fazem parte do padrão principal e vai jogar fora todo o som do padrão. Vamos ter uma escuta. E talvez você goste do som disso e tudo bem, porque tudo isso é objetivo. Mas para mim, eu gosto muito quando essas notas são bastante curtas, acho que acrescenta ao sulco e parece mais ornamentação para mim. Então, vou deixá-los curtos. Ok, então agora que nós esclarecemos o que é ornamentação e nós meio que esclarecemos as características de uma linha de base EDM. Estamos prontos para seguir em frente agora e construir nossa própria linha de base. Então vamos dar uma olhada nos diferentes tipos de linhas de base que existem. E criaremos alguns padrões que você poderá usar em suas trilhas. 22. Construindo padrões de baixo: Ok, então vamos começar a construir um padrão base. Então o primeiro padrão que vamos olhar é uma linha de base rolante e é aqui que denota tipo de rolar para cima e para baixo um para o outro. Então se eu, se eu colocar em uma nota aqui de E e depois B na segunda batida, e então talvez e novamente na terceira batida, e então talvez seja novamente na quarta batida. O que acontece é com uma linha de base rolante, então apenas encurtado estes e nota vai no meio que permite que a linha de base para tipo de rolar para cima e para baixo. Certo, talvez coloquemos um aqui. Coloque um no passo dissuadido e, em seguida, novamente no quarto passo. E isso seria considerado uma linha de base rolante. E vamos ouvir. Ok, então não parece muito bom porque lembre-se daquela coisa que conversamos antes, que é sincopação. E assim a primeira parte deste padrão está toda tocando, em batidas sincopadas. Então vamos apenas mover este G para sincopado mais. Então vamos movê-lo para o quarto passo. E então nós mudamos isso, puxa, talvez nós removemos este para o segundo passo ou algo apenas para sincopar mais. E mais uma vez, não temos “não tocar”. Então vamos encurtar esse nó para que nenhum dos nós esteja tocando. Então, vamos ouvir. Você pode alongar este nó porque há um monte de espaço vazio depois dele. Então vamos talvez alongar este e ver como isso soa. Portanto, isso é considerado uma linha de base rolante porque as notas estão rolando para cima e para baixo um para o outro. Então vamos apagar isso agora. E vamos dar uma olhada em uma única nota basal. E esta é uma linha de base que é usada geralmente com o House. Então, se ficarmos com o nosso E como o Norte que estamos usando, uma única nota basal irá incorporar apenas os naughts de E. Então talvez, novamente, pensando em sincopação, podemos prolongar isso ou não há espaço vazio e então mantê-los curtos. Talvez coloquemos um bilhete aqui. Então, talvez novamente, alongar isso. Talvez obter isso em um pouco mais curto apenas para manter as coisas soando um pouco bobina. E então vamos adicionar outra nota aqui. E então novamente, talvez no quarto passo e no terceiro passo do próximo B. Então vamos apenas alongar DES assim. Então vamos ver como esse padrão soa agora. E esta é a linha de base de nota única. Ok, então vamos ouvir. Ok, então vamos deletar isso novamente e vamos dar uma olhada em um tipo diferente de linha de base, que é uma linha de base de salto. E é aqui que denota salto aberto um para o outro. Então, se eu colar novamente R, E, e vamos dizer que ele salta todo o caminho até isso. Oitava, E aparecem na oitava acima. Então vamos fazer isso muito curto porque é uma espécie de ornamentação ou é uma espécie de saltar para cima. E então eu vou jogar como uma segunda metade do padrão. E esta peça, talvez assim. E então, novamente, vamos usar este e. E talvez saltemos para o segundo inteiro em torno do terceiro passo desta beterraba. Podemos fazer esta nota um pouco mais do que esta. E então, novamente, vamos colar este E e talvez este Shirky aqui. Ok? Então agora podemos ver que a linha de base está realmente saltando para cima e para baixo. Então vamos ver como isso soa. E você poderia realmente transformar isso em uma linha de base rolante se você apenas encurtar essas notas e talvez adicionar alguns extras que permitiram que a linha de base para rolar para cima e, em seguida, reverter para baixo novamente. Então, se colarmos em um G no relevo isso com um E. Então agora esse tipo de padrão aqui, isso está rolando. Certo, então vamos deletar isso. E novamente vamos começar do zero, excluir. E eu acabei de desligar esse loop. E então vamos dar uma olhada em linhas de base tecnológicas comuns. E uma das coisas mais comuns a fazer com a linha de base técnica é realmente apenas colocar uma nota de baixo e uma espécie de nó raiz da faixa. E, em seguida, ter que tocar nota baixo para todo o BCE da primeira batida. E então novamente para a segunda peça, novamente para as batidas da terceira base e novamente para a quarta batida. E isso é comumente usado na verdade no estilo de sala grande, que foi uma espécie de tornado famoso por Martin dirige e seus animais de trilha. Mas vamos ouvir esse tipo de linha de base tecnol de sala grande. Então, com isso, você realmente o teria em camadas com um tambor de pontapé. Então, se eu vir aqui e nós apenas colocar isso realmente rapidamente com o loop de bateria de pontapé, esta seção só para ver como soa. E isso seria para soar quando está em camadas com o tambor de pontapé. Venha para isso. E outra coisa que você pode fazer com a tecnologia é transformar isso em linha de base de estilo MSI. Então, com a música psi, você realmente deixa o primeiro passo vazio, e então você cola a linha de base em todos os outros passos do comprador, ok, assim. Então vamos ver como isso soa com o tambor de pontapés. E você pode fazer essas anotações. Você pode fazer essas notas mais longas, só para que elas não soem tão corajosas quanto lá. Então eu vou apenas ligar a configuração do quarto e torná-los um pouco mais longos. Vamos ver como isso soa. E , finalmente, se eu apagar isto e reiniciar do zero pela última vez, temos uma linha de base de pedal naught. Então, uma linha de base de nota de pedal é onde se você tem acordes, então vamos dizer, eu acho que o exemplo que eu dei antes era CGF e ver, então você teria apenas sua linha de base tocando abaixo dos acordes. Então isso seria uma nota de pedal porque ele está sendo mantido durante a duração da barra D. Então você colaria um sobre G. Você colava o roído em F, e então colaria o nó novamente em C. E isso é o que uma linha de base de pedal nada soaria. Então, vamos dar uma escuta a isto. Então isso é um pedal, sem linha de base. Certo, então vou deletar isso de novo. E vou dar-te uma dica final antes de fazeres os teus próprios padrões de base. E isso é para permitir uma batida da barra para respirar. Certo, digamos que eu tenha uma linha de base rolante que vai E, G, B, e então talvez assim, ok? E eu colo isso quando há peças porque cada tipo de batida do bar é preenchido, não há espaço para respirar. Então vamos apenas ouvir esse padrão. Vai soar muito, muito repetitivo e como se não tivéssemos espaço para respirar. Então, não vamos. O que você quer fazer é se você tem uma linha de base como esta, se você tem uma espécie de padrão que está tocando em todas as quatro batidas da barra. E então é só um loop assim o tempo todo que você quer dar espaço para respirar. Então vamos deletar esses nós. Então, aliviando a última batida da barra para respirar. E então nós vamos estender este nó para fora. Então é como se houvesse um pouco de espaço aqui agora para a linha de base recuperar o fôlego antes que salte de volta e comece a rolar para cima e para baixo novamente. Então esta é uma mudança sutil, mas pode realmente fazer a diferença na sua música. Se você estiver usando uma linha de base rolante e ela pode quebrar a repetitividade da pista. Então vamos ouvir isso agora. Portanto, basta ter esses pontos em mente quando você está fazendo sua linha de base. Tentou permitir algum espaço para respirar e ter em mente que há notas de ornamentação e há diferentes estilos de linhas de base que você pode aplicar. E na próxima palestra vamos dar uma olhada na escolha de algumas predefinições para suas linhas de base. 23. Escolhendo instrumentos baixos: Então, quando você está escolhendo sua base, já que como eu disse antes, a parte mais importante da música eletrônica é escolher seus sons. Não é diferente com a base, está bem? Você tem que se certificar de que seu som de baixo se encaixa no resto de suas faixas. Então, se você tem instrumentos como eu tenho aqui, eu tenho duas camadas de acordes, e eu também tenho uma melodia. E você tem que ter certeza de que a linha de base se encaixa no som do acorde. Então, no momento, eu acho que a linha de base soa OK, vamos ter uma escuta. E o que a linha de base está fazendo neste tipo de padrão é que ele está apenas tocando o mesmo padrão que os acordes, mas é apenas na base e são as mesmas notas que estão tocando. Um show para você. Seu d, b, c e g. Se entrarmos na linha de base, é D, B, C e G. E a razão pela qual eu peguei isso em vez de baixo é porque com algumas bases, quando você copia o padrão para fora e você tem esse tipo de notas baixas. Às vezes, os nós podem ser muito baixos. Então vamos ouvir o que parece aqui com estas notas. Meio que muito, muito baixo, ok? E isso depende do som do sintetizador que você escolher. Então, para este som de envio em particular, esses nós precisam ser mais altos para que o, você sabe, o som do baixo não seja perdido. Ok, vamos para o sintetizador aqui e vamos ter uma escuta para algumas das diferentes predefinições de base que existem, e vamos tentar encontrar algumas que funcionam e que não funcionam. Ok? Então nós já sabemos, eu vou apenas sair disso. Já sabemos que esse som se encaixa. Tudo bem, eu vou ter que escolher isso para fazer isso desaparecer. Mas já sabemos que essa predefinição, essa base progressiva se encaixa. Ok? Então vamos encontrar, vamos passar pelas predefinições e encontrar uma que não se encaixe. Na verdade, o que faremos é tocar o padrão ao mesmo tempo enquanto escutamos. Mas, obviamente, esta predefinição de base definitivamente não se encaixa. Está distraindo completamente do resto do padrão. Vamos ouvi-lo por conta própria. E mesmo que essa predefinição em particular pareça legal por conta própria, ela soa realmente imaginativa. E se estivesse tocando sozinho e na pista, talvez funcionasse. Mas como está tocando com outros instrumentos, temos que pensar em tudo o que está envolvido. Então eu não posso escolher esta bacia em particular porque é muito distrativa e soa desagradável com todos os outros instrumentos adicionados. Digamos que você se depara com uma predefinição de base. E não tem um monte de baixo nível. Agora esta base em particular tem um monte de baixo nível. Mas o que eu vou fazer é entrar no misturador muito rápido aqui. E eu só vou carregar um equalizador e eu vou cortar um pouco do final baixo para fora. Ok? Não se preocupe com o que estou fazendo aqui. Estaríamos olhando para o QE em detalhes quando entrarmos na seção de mistura. Certo, então não se preocupe com o que estou fazendo. Só sei que eu estou cortando a extremidade baixa só para que eu possa ouvir o que soa como se nós encontrássemos uma base que não tinha low end, mas nós realmente gostamos do som do topo da base. Certo, então vamos ouvir o que parece agora. Talvez não tão extremo. Talvez abaixe um pouco. Ok. Certo, agora temos uma linha de base que gostamos do som, mas infelizmente não parece muito básico. Bem, o que podemos fazer é colocá-la de novo. E eu sei que estou sempre falando de camadas, mas você realmente precisa criar uma camada de música eletrônica. Então nós viemos até aqui para adicionar, e eu vou adicionar no FL Studio, um dos sentidos mais básicos que existe, que é o três oscilador. E seu mostrador virá com um sintetizador muito, muito básico também. E eu acho que capaz de analógico, eu acho que é chamado, e basicamente é o sentido mais básico. Isso te dá um oscilador aqui. Então estas são as formas que posso escolher. E então não há muito mais que possamos ajustar para moldar o som. Mas isso é bom para esta camada em particular, não precisamos ser capazes de ajustar nenhum dos outros parâmetros. Então o que eu vou fazer é desligar o segundo oscilador e eu vou desligar o terceiro oscilador só para que eles não estejam interferindo com o primeiro aqui em cima. E vou deixá-la ajustada para onda senoidal. Então, o que estamos criando no momento, é chamado de subespaço. E este tipo de base tem muito baixo e muito peso para ele. Certo, então podemos colocar isso. Baseado em nossa base original que não tem muito baixo nível. E podemos misturá-los juntos para fazer a largura da base. Nenhum low-end ter baseado com low end porque estamos usando o low end deste sintetizador. Então, quando você está criando uma base assim, sempre escolha uma onda senoidal porque uma onda senoidal é a onda mais limpa que existe lá fora. E quando você está em camadas em um sub-baixo, você meio que, você quer o som mais limpo low-end que você pode obter. Ok, então eu vou deixá-lo em onda senoidal e eu vou fechar fora disso. Ok, então os sintetizadores vêm aqui embaixo. Então o que eu vou fazer é copiar este padrão pressionando o comando e ver. E eu vou descer no rolo de piano deste sintetizador e eu vou pressionar Command e V. Então vamos ver como isso soa agora. Como uma camada com a linha de base que encontramos que não tem muito peso para ela. Ok? Então podemos ouvir que esta base do submarino é muito alta, então eu vou lançá-la para baixo. E eu vou abaixar de novo. E o que podemos fazer é então podemos adicioná-lo à faixa do mixer pressionando a roda Configurações e depois rastrear. E vamos baixá-lo para que pareça a camada de Monica. Então isso é apenas uma pequena técnica que você pode fazer. Se você se deparar com uma base que você realmente gosta do som. Mas ele não tem um monte de maneiras são low end também é você pode vir aqui e você pode camada de uma onda senoidal limpa como um sub baixo baixo, e ele vai adicionar o peso que a base original estava faltando. Mas se você encontrou um som de baixo que você gosta e há bastante baixo final nele. Bem, então não precisamos colocar este extra tão base. Se você estiver colocando sua base em camadas. Aconselho-o a não sobrecarregar muito. Fique com esse som de um homem e esse submarino. E se você não precisa do subbaixo, então não o adicione. Ok? Você sabe, se você tem apenas uma camada base, isso é absolutamente bom porque a base é parte da extremidade baixa, é parte da base da pista. E como eu já disse tantas vezes antes, você não quer estragar a base da sua pista. Então, se você tem uma predefinição que você gosta e ele tem um tipo de peso suficiente para ele. Basta deixá-lo e usá-lo como está. Ou se você tem sob predefinição que você gosta. Mas não há peso suficiente para isso, então podemos descer e adicionar uma subbase extra. Então, para este som baixo em particular que eu encontrei aqui, há baixo final suficiente. Então eu não preciso desse subespaço adicional, então eu vou desligar isso. E a base que eu tenho agora, apenas com esta camada é completamente suficiente para EDM, ok? Agora, se você tem uma faixa, digamos que não tem, que não tem nenhum cartão e é apenas uma espécie de linha de base orientada. O que deve soar assim. Bem, então o Sam base que você escolher, não tem que encaixar os outros instrumentos em sua pista. Mas ele, o que ele tem que fazer é que ele tem que encaixar os outros elementos em sua faixa como a bateria e os vocais. Além disso, a predefinição que você usa fará diferentes tipos de padrões de linha de base diferença de som. Então, no momento, essa predefinição em particular que temos filhos, você sabe, soa certo com esse padrão. Mas se eu deletasse isso e mudasse isso para um padrão de linha de base. Então talvez eu adicione algumas notas mais curtas como esta. Ok? Talvez assim. E então, se ouvirmos esse padrão com a linha de base, pode não parecer tão bom. Então, esse é outro ponto a ter em mente é que o padrão que você está usando pode soar melhor em predefinições de base diferentes do que em outras predefinições de base. Então, novamente, o mesmo que escolher seus sons de acordes. Você tem que ouvir criticamente e você tem que ouvir a linha de base no contexto de sua faixa. Então vamos dizer que eu vim aqui e eu tinha a linha de base, um chute e alguns tambores já feitos. Bem, então você tem que eu teria que ouvir essa linha de base e ver se ele funciona com os sons de bateria que eu escolhi? Então, no momento eu acho que não, eu acho que este padrão base não funciona. Então eu vou ouvir enquanto eu estou alterando para que eu possa identificar a predefinição correta que eu gosto. Então, vamos ouvir. Agora eu amo o som desta linha de base com os tambores que eu estou, que eu estou usando aqui. Ok. Portanto, é importante fazer uma audição dos sons que você está usando no contexto da faixa que você construiu em torno dela. Em seguida, vamos dar uma olhada rápida em fazer nossas próprias bacias. 24. Criação de sons baixos: Então vamos dar uma olhada agora em fazer um perfume base. E fazer um porão não é diferente de fazer qualquer outro Cent, você vai estar ajustando o mesmo tipo de parâmetros, os osciladores, os envelopes. Você vai vir aqui para o filtro. Você vai fazer o mesmo que faria com os outros instrumentos, mas você está mantendo o fato de que você está tentando criar uma base em mente. Agora, essencialmente, especialmente para house music, uma base é apenas um arranhão enviado com um sub baseado em camadas por baixo. Agora, acho que já sabemos como fazer um bloco enviado. Então vamos apenas fazer um e, em seguida, transformá-lo em uma base por camadas em uma subbase. Então eu só tenho esse tipo de rolagem, eu sou baseado melodia, mas é meio que misturado com uma única melodia baseada em nota. Mas é bastante simples. Vamos apenas ouvir o que isso soa como com a predefinição padrão com spire, o plug-in que temos usado até agora. Certo, então é apenas uma melodia simples e simples. E agora vamos dar uma olhada em fazer uma base enviada. Então novamente com pináculo, a primeira coisa que vou fazer é obter a forma da onda senoidal. Eu vou aumentar isso agora. E agora podemos ver que temos nossa onda senoidal aqui. O que eu vou fazer é mudar isso para, vamos testar alguns dos sons diferentes aqui. Vamos tentar a base para ver como isso soa. Vou tentar talvez violino três. Ok, então eu estou gostando de som, árvore de violino. Então eu vou vir aqui para o modo uníssono, e eu vou mudá-lo de talvez uma voz para três vozes e ver como isso soa. Vamos ter uma escuta. Então eu poderia aumentar o Detune um pouco e ver como isso soa. Ok, então em seguida eu vou vir aqui para a seção de filtro e eu vou mudá-lo para aperfeiçoar o tipo de configuração de filtro que temos visto até agora. E então deixe o corte para baixo porque eu quero que ele seja corajoso. Se eu aumentar isso, não vai soar muito corajoso. E isso é bom quando você quer abrir o filtro, mas eu quero que o som do baixo no momento seja corajoso. Então vou deixar isso para baixo, para a esquerda. Eu vou ver como soa agora se eu aumentar a decadência, eu não acho que faria muita diferença, mas eu só vou ver talvez se eu recusar o sustain. Então eu prefiro que o som com a decadência possa estar aqui embaixo. Vamos ver como é se aumentarmos o ataque. Agora, eu prefiro esse som corajoso, então eu vou deixar o ataque para baixo. Então a próxima coisa que vou fazer é entrar no segundo oscilador e eu vou aumentar isso e vamos usar isso como uma camada. Ok, então novamente, aumente a mistura WT os microfones de mesa de onda, e nós vamos ouvir algumas das predefinições aqui, e eu não uso uma onda senoidal ainda. Eu vou usar isso talvez com um oscilador de bosta como uma camada base sub-base. Mas para o momento eu queria encontrar outro tipo de camada principal para colocar em camadas com o nosso primeiro oscilador. Então vamos tentar talvez um de bronze. Vamos ver como isso soa. Eu só vou aumentar um pouco para que eu possa ouvir melhor. Vamos tentar outra configuração. Nós viemos aqui, talvez Dianne, um desses pela N1. Ok, então eu posso ouvir isso está adicionando um tipo particularmente agradável de som corajoso da casa. Então eu vou deixá-lo com esta configuração buyin e eu vou voltar aqui novamente para a nossa seção de uníssono, e eu vou ajustá-lo para três vozes também. Vamos ver como isso soa. Isso é desafinar um pouco mais. E agora vamos usar essa configuração ampla para tornar essa segunda camada mais branca do que a primeira camada. Ok, então eu vou transformá-lo todo o caminho para cerca de três horas aqui. Vamos ter uma escuta. E então eu estou pensando que eu queria soar um pouco mais grosso, então eu vou realmente adicionar em outra voz em uníssono. Ok, então vamos adicionar talvez cinco lises. Então vamos adicionar mais duas vozes aos nossos três já. E vamos ver como isso soa. E sim, isso já está soando muito mais grosso. Ok, e agora o que nós vamos fazer é vir aqui para o terceiro oscilador, e nós vamos colocar isso como um sub baixo. Então eu vou realmente deixar isso para baixo por um momento e apenas transformá-lo em uma onda senoidal. E então, como as melodias tocando, aumentarei isso gradualmente até chegarmos a uma espécie de nível sub-base desejado. Certo, então vamos ouvir. E então vamos ter uma escuta e aumentar este oscilador três. Então eu gosto de onde o sub baixo está sentado no momento em relação aos outros osciladores. Só vou abrir um pouco o filtro para ver como isso soa. Muito. E a última coisa que posso fazer aqui é voltar para o oscilador 1 e ver como isso soa se eu subir uma oitava. Ok, então vamos ver como soa sem o oscilador inclinado para cima. E agora, se eu lançasse esse oscilador, vamos torná-lo um pouco mais largo. Ok, então eu estou gostando do som desta base, então fato. Então o que poderíamos fazer agora é vir para a seção de efeitos aqui e adicionar alguns efeitos como alguma saturação e outras coisas. Mas acho que eles vão deixar isso para a seção de mistura. Mas o que eu vou fazer é eu vou apenas moldar o som um pouco usando esta configuração EQ aqui. Agora, se você é um sintetizador não tem uma configuração de equalização integrada, você pode simplesmente abrir a faixa do mixer e você pode tipo de carregar uma configuração de equalização neste slot e moldar seu som antes de começar a fazer qualquer mistura. Mas por enquanto, como o pináculo tem o EQ embutido, vou usar este EQ aqui para moldar o som. Então eu vou ligá-lo pressionando o botão EQ. E eu vou ouvir o que soa como se eu aumentar um pouco de high-end. Ok, então vamos ouvir o padrão e então eu vou aumentar isso enquanto está tocando. Vamos dar uma olhada em ajustar a seção de médio alcance. Então eu acho que esse som de baixo é muito mais agressivo agora com o tipo de modelagem que fizemos com o EQ. Mas eu estou pensando que eu poderia mudar o som deste oscilador porque eu acho que é um pouco suave demais para o som que nós estamos procurando. Então eu vou descer aqui e eu vou mudar, eu realmente sinto muito, eu vou silenciar esses osciladores primeiro e então eu vou descer aqui e eu vou mudar o som deste oscilador, que é o oscilador um. Então vamos ouvir o padrão e vai mudar a forma do oscilador enquanto ele está jogando. E talvez nós vamos tentar um desses latões. O bronze para OK. Agora eu prefiro o som de latão um, então eu vou deixá-lo em bronze um. Então vamos voltar a ligar os outros osciladores e ver como isso soa agora como um tipo completo de som de graves em camadas. Então isso é tudo que você tem que fazer quando você está criando sua base. Entra e põe um oscilador. Você pode tipo de ajustar o uníssono, mexer com algumas das configurações de planejamento e branco. E, em seguida, ajuste o filtro para que fique mais aberto ou fechado dependendo do som desejado. E também não se esqueça de colocar alguns outros osciladores para obter um som mais gordo. Então, se eu só jogar oscilador um, parece um pouco dez. Mas se eu adicionar no segundo oscilador, então como outra camada, soa assim. E então se eu adicionar no terceiro oscilador, que é apenas o sub-baixo. E é apenas criar este tipo de desperdício que o sintetizador está faltando. Parece assim. Então você pode aplicar esse mesmo processo a qualquer sintetizador com o qual você está trabalhando. Basta brincar com os diferentes parâmetros, ver que tipo de diferença faz e, em seguida, começar a criar o seu perfume base. Na próxima seção, vamos dar uma olhada na construção de padrões de leed. 25. Elementos principais do EDM: Então, quais são alguns dos principais elementos de um lead EDM? Primeiro, temos que ver o que é uma pista. Um lead é uma espécie de melodia principal que você adiciona em cima dos outros elementos em sua faixa. Agora, como você está adicionando isso em cima desses elementos, uma melodia de chumbo geralmente será maior em tom do que o resto de seus instrumentos. Então, dependendo do gênero que você está fazendo, seu lead será muito simplista com um padrão curto ou será muito complexo com um padrão longo. Mas eu acho que isso também depende do seu próprio estilo pessoal e do seu próprio gosto pessoal. Então, se você pretende usar apenas uma espécie de acorde em toda a sua faixa, eu vou dizer, mantenha suas melodias curtas e meio simplistas. Então não mais do que talvez três ou quatro, talvez cinco notas no máximo. Você não quer que seja muito complexo porque o resto de sua faixa é meio esparsa, pois só tem um acorde todo o caminho. Então, ter uma melodia realmente complexa não faria sentido no contexto da sua faixa. No entanto, se você tem uma faixa como eu tenho aqui onde há muitos cabos acontecendo e eles são uma espécie de grande progressão então sua melodia principal pode ser um pouco mais complexa, e ele definitivamente terá um padrão mais longo como você pode ver aqui. Agora eu acabei de notar que eu soletrei melodia tocado. Mas tudo bem, isso não afetará o que estamos aprendendo aqui. Então, se você tiver uma progressão de acordes longa, então sua melodia irá incorporar notas dessa progressão de acordes. Então, se nós apenas dar uma olhada rápida nos acordes que eu estou usando nesta faixa. Veremos que estou usando. Se nós apenas rolar até aqui para os nós raiz, veremos que é uma espécie de F, D afiado, um afiado. F afiado, um afiado. Ok, então é apenas uma espécie de repetição deste padrão de quatro acordes aqui, que é F, D afiado, japonês afiado. E se viermos aqui para a melodia, e olharmos para o que a melodia está fazendo. Primeiro de tudo, você vai notar que ele é realmente muito mais alto para cima e pitch são acordes. Estamos aqui em algum lugar e eu tenho que rolar para cima para chegar à melodia porque a melodia deve estar sentada em cima do resto dos elementos em sua trilha. Mas se notarmos aqui, a primeira nota é C, e em nosso padrão de corte, o primeiro acorde é F, então c é o quinto de F, então ele está incorporando notas do acorde. Também tem um pouco de f aqui também. Acho que o próximo tribunal foi D-Sharp. E se estivéssemos usando um afiado, que é o quinto de D-afiado, porque teríamos D-afiado G, e Ásia. O próximo tipo de nota longa que estamos usando é um GI, que é, tanto quanto eu me lembro, também era uma espécie de acorde D-afiado. Então estamos usando agora o terceiro de D-sharp. Assim, sua melodia sempre incorporará as notas do acorde. Ok? Agora eu tenho esse tipo de nós de ornamentação, que são os menores. E estes são, estes podem não estar usando as notas do acorde, mas tudo bem porque eles são mais curtos e eles estão lá apenas para fins estéticos como aprendemos quando estávamos construindo nossa base. Então não precisamos nos preocupar com as notas de ornamentação. Só precisamos olhar para o tipo principal de notas longas que estavam usando. E você só precisa ter certeza de que essas notas longas estão caindo dentro das notas do acorde que sua progressão de acordes está tocando. Agora algumas necessidades podem ser muito, muito simplistas. Quero dizer, se você está fazendo tipo de música techno, você pode ter uma pista que só tem um nó, e é apenas talvez alguns diferentes, um padrão diferente com a nota F. E é isso. Tem apenas duas barras de comprimento, e tem algumas repetições da nota F, e essa é a sua liderança. Mas o que o torna uma pista é o fato de que ele está sentado acima da Terra em tom mais alto do que o resto de seus instrumentos. Então vamos apenas ter uma escuta rápida para este padrão de chumbo com as cartas em segundo plano. E depois disso, vamos direto para a construção de um padrão de chumbo. Ok, vamos dar uma escuta agora. Ok, então vamos agora para a seção de construção de padrões de chumbo onde aprendemos sobre os diferentes tipos de leads que podemos usar em nossa pista. 26. Construindo um padrão de líder: Então nesta palestra vamos dar uma olhada na construção de padrões de chumbo. Agora, eu acabei de criar dois padrões muito rápidos aqui, um com um chute e um simples offbeat baseado no OneNote. Então ele está apenas tocando no terceiro passo de cada batida e soa assim. E então aqui eu tenho um segundo padrão onde eu acabei de tomar o offbeat baseado e eu adicionei alguns acordes. Então, em vez de apenas tocar um ecos AFC e onde quer que olhar para construir padrões de chumbo para faixas com apenas um acorde. E vamos dar uma olhada na construção de padrões de chumbo para trilhos com mais de um guarda. Então aqui está como o padrão com mais de um acorde soa. Ok, então é uma progressão de acordes bastante simples. É provavelmente uma das progressões de acordes mais comuns já usadas, mas tudo bem. Só estamos dando uma olhada na construção de pistas e tornando-as adequadas aos tribunais. Então, há alguns tipos diferentes de leads que podemos criar. Ok, então eu vou entrar no meu padrão principal aqui, e eu vou abrir o rolo de piano. E o primeiro tipo de que vamos falar é o tipo de pista técnica muito esparsa. E é aqui que você pode usar um máximo de dois ou três minutos no OneNote. Então, atraentes na chave de um , então eu vou colocar em uma nota aqui na primeira, a primeira batida do bar. E então eu vou colocar em um nó novamente na quarta batida. E é isso. Essa é a nossa pista. Apenas duas notas no nó raiz da pista. E vou colar isto. E este é um tipo de chumbo que podemos usar. Então isso não faz o que parece. Agora, por causa da sincopação, podemos compensar isso um pouco e talvez colocá-lo no terceiro passo da última batida e ver como isso soa. Então este tipo de chumbo é muito comum em techno porque techno em si como um gênero é bastante vazio. Você pode ter um pontapé, uma base, uma pista, e talvez alguns sons extras de bateria. E isso é tudo o que entrará em uma pista técnica. Então faz sentido manter suas pistas simples. Se a faixa em que você está trabalhando é simples. Agora você pode desenvolver essa idéia e transformá-la em uma casa mais, tipo base de chumbo. E porque casas, um gênero muito sincopado terá que adicionar em algum tipo extra de notas aqui no quarto passo e talvez no segundo passo. Então o que eu vou fazer é eu vou vir aqui até o quinto do nosso RootNode A. Então este é E. vai adicionar uma pequena nota aqui. Talvez saltemos de volta para um e então eu vou ter outro “A “aqui no terceiro degrau. E então talvez, talvez nós vamos colocar um C aqui no quarto passo. E vamos copiar esse padrão. E talvez este seja o nosso tipo de pista da casa. Agora o que vou fazer é aplicar o Swing bem rápido. Então vamos ver como isso soa no padrão. Agora eu acho que há um pouco demais acontecendo. Então eu vou ouvir de novo e tirar algumas notas que eu acho que não deveria estar lá. Então talvez nós vamos tirar este caramelo. E talvez nós apenas mudemos o padrão deste n bits para que ele dê um, um pouco de espaço para respirar. A mesma coisa que o nosso padrão base. Queremos permitir que os padrões do espaço respire. Não queremos copiar o que não queremos ter exatamente a mesma coisa acontecendo durante todo o caminho. Então vamos ver como isso soa agora. E agora vamos ver como isso soa no padrão. Então o tipo de chumbo que você vai criar realmente depende do seu estilo. E também o tipo de faixa em que você está trabalhando. Vou mostrar-te rapidamente outro tipo de estilo de chumbo. E este é o chumbo do estator. E o chumbo do estator é usado muito no gênero Melbourne bounce. Então é aqui que, digamos que você cole algumas notas que estão na nota raiz do acorde. E eu vou colocá-los aleatoriamente aqui. Como este. E o que o chumbo do estator faz é gaguejar entre estas notas. Então o que você faz é adicionar uma nota extra logo antes de outro nó e você curto como ele pode ir assim. E então talvez você adicione outro. Vou desligar este quarto passo para podermos ver as batidas reais do bar. Então talvez você adicione um aqui de novo. E você pode adicionar um na frente deste bilhete aqui. E talvez aqui novamente. E é assim que o chumbo soa. Agora, se está gaguejando entre esses nós. E é porque esse tipo de notas extras são muito, muito curtas. É por isso que parece gaguejar. Se estes fossem mais longos do que não soaria como se estivesse gaguejando tanto. Soaria um pouco para suavizar. Vamos ouvir isto. Então você quer ter certeza de que esses nós são meio curtos para que pareça que o padrão está gaguejando. Então vamos apenas ouvir o que isso soa como no padrão principal aqui. Vou fechar esta seção de história. Então vamos ver como isso soa agora no padrão principal. Outra coisa que você deve ter certeza é se o seu padrão principal está jogando ao lado de outros padrões. Então você terá que ouvir o som da liderança no contexto de todos os outros padrões em sua faixa. E você tem que ter certeza de que este som principal que você levou melodia que você fez, você tem que ter certeza de que ele se encaixa no som dos outros padrões. Porque é realmente fácil fazer o som principal realmente complexo com um monte de notas diferentes e outras coisas. Mas se isso não pescar, o som geral da sua pista e todos os outros elementos que você está usando, então o lead em sua pista não funcionará. Então você precisa ouvir todos os elementos em sua faixa e certificar-se de que seu lead está se encaixando bem com o resto dos elementos. Finalmente, eu só quero vir aqui e falar sobre um tipo de pista que é baseada em tribunais. Então, como eu disse antes, os acordes que estamos usando aqui, R, A, F, C e G. Ok, então vamos ter isso em mente quando estamos construindo nosso padrão principal. Então isso é um, F, C, e G. Então isso está vindo agora para o rolo de piano. E eu sei agora que os cabos são um para a primeira barra, f para a segunda barra, c para a terceira barra, e G para a quarta barra. Então o que eu vou fazer é lembrar que eu vou apenas colocar em uma pequena nota aqui em um, F, C, e G. Agora, quando você está criando um padrão de chumbo para cabos, você tem que ter certeza de que você está usando algum longo notas que também são notas que o tribunal por isso vamos dizer que tomamos este C aqui e colocamos um nariz longo aqui. E colocamos outro nariz comprido, talvez de volta aqui embaixo. Deixe-me olhar para F. Vou colocar uma das notas do Islã todo o caminho acima em C. E talvez nós vamos colocar, vamos no mesmo lugar novamente, vamos jogar um 10 aqui. O próximo é C. Então vamos dar uma olhada, vamos colocar um c novamente apenas por uma questão de consistência. E talvez mudemos o segundo para baixo para um G para que ele se encaixe no acorde de C, que é C, E, G. vamos olhar para o g, m. Podemos escolher talvez um, B, e então talvez saltemos aqui para um D e o que nós pode fazer é então podemos usar as notas mais curtas para preencher o espaço no meio. Agora eu poderia decidir que eu quero andar do a para o C. Então eu vou adicionar em um curto, tipo de nota curta aqui que tipo de nos leva de um até c assim. E então eu poderia adicionar em outra nota curta, talvez no d, só para ver como isso soa. Então eu deixei entrar. Um mais curto sabe. Isso meio que nos leva ao F. Então vou acrescentar isso na batida aqui embaixo. Então pode ser novamente, Eu adicionei uma pequena nota no A, e eu vou adicionar uma pequena nota aqui no B novamente, modo que ele nos leva para baixo. E então eu vou deixar esse tipo de segunda metade do segundo bar sozinho só por causa de um pouco de espaço para respirar. E então vamos dar uma olhada em adicionar talvez um G aqui para que ele tipo de salta para baixo sobre eles, de volta para cima. E então talvez nós vamos, talvez nós vamos dar um grande salto, talvez vamos saltar para um E, e nós vamos saltar para um G e então aqui nós podemos adicionar um pouco mais de G, e nós podemos adicionar isso aqui e fazê-lo curto em vez de não tocar na outra nota. E então, novamente, nós poderíamos caminhar do G para o B adicionando um, um, um, um, um, um realmente curto a. E então nós poderíamos talvez adicionar em mais um nó aqui. Vamos adicionar um G só para nos trazer entre o B e o grande salto para o d. Ok, então vamos ouvir como este padrão soa agora por conta própria. E agora vamos ouvir como isso soa no padrão aqui. Ok? Vou deletar esses porque há restos do outro padrão que estávamos procurando. E vamos ouvir o que parece agora neste padrão aqui, ok. E ainda tenho o Swing Left. E então eu poderia desligar isso porque eu não acho que eu gosto do som do balanço neste padrão particular. Vamos ver o que parece sem dizer. Então essa é uma maneira de construir padrões de chumbo em torno de acordes é tipo de certificar-se de que você está usando notas longas que também são notas do acorde. E então tipo de encher o espaço ao redor dessas notas com algum outro tipo de notas de ornamentação. E uma dica final que eu quero dar é uma pista onde você usa um aplicativo, ok, então esse tipo de chumbo é muito melhor para acordes, mas é onde você baseia sua liderança em um arpejo. Então um arpejo era muito simples de entender. Se olharmos para a chave de, se olharmos para o nó de um aqui, e arpeggio simplesmente subir as notas do acorde assim, e depois andar de volta para baixo. E é isso. Ele só se repete mais e mais contra. Então isso seria um arpejo para o Tribunal de um “ok”. E você pode mudar essas notas por aí. Você poderia trazer isso para um A, e isso ainda seria um arpejo porque é uma espécie de tribunal quebrado. Ok? Então, como se você tivesse o acorde de um, você poderia ter em um, outro a e um e lá dentro. Mas porque você o dividiu entre essas mini notas, é chamado de arpejo ou um acorde quebrado. Então, vamos ouvir como esse soa. Mas o que podemos fazer é alongar este cordão quebrado para fora e podemos fazer uma pista para fora dele. Então o que eu vou fazer é trazer são um até este nó. E então seguirei o mesmo padrão. Vamos saltar para a imagem a, saltar para o e, em seguida, voltar para o A, e depois voltar para o A novamente, talvez. Ok. Isso é um tipo de padrão arpejo. Então vamos ver como isso soa. E então, para a segunda barra, mudará o padrão ligeiramente. Ok, então eu sei que isso já muda porque nós temos uma mudança de acordes. Passamos para o F. O que podemos fazer é mudar o tipo de ritmo deste padrão para fazê-lo soar um pouco diferente. E então vamos repetir esse ponto de traço, todo, padrão inteiro por aqui. Então eu vou mudar o ritmo um pouco. Então vamos adicionar um C e vamos torná-lo um pouco mais curto. Então, em Londres um c que pode porque é o F até o mar e talvez até o a. Vamos copiar isso através. E este pode ser o nosso padrão completo. Então eu vou copiar isso, em seguida, através todo o padrão e nós vamos apenas mudar as notas para que se ele ocorreu. Então sabemos aqui que estamos olhando para um acorde C. Então eu só vou mover estes dois por G. Willie que com 0, porque isso se encaixa na cortesia. Limite, isto para um G. E então o acorde final e o padrão é um G. Então vamos mover esses mares de dois a d para que eles se encaixem no acorde. E mudamos esse F para G, então ele se encaixa. Emily moveu-se como um, talvez até um B. Então agora esta pista é construída a partir de dois aplicativos diferentes. Temos este árabe aqui, este arpejo, e este segundo arpejo aqui. Então vamos ver como o padrão soa por conta própria. E arpeggio chumbo pode soar muito, muito bom em certos gêneros, especialmente esse tipo de gênero que soa um pouco como eu base em ou algo assim. Mas vamos ouvir o padrão de chumbo arpeggio no padrão completo aqui, vamos ter uma escuta. E nós também poderíamos aplicar swing para este padrão de aplicativo para torná-lo um pouco mais, para dar-lhe um pouco mais de um groove. Vamos ouvir isto. Então, é difícil dizer exatamente como construir um padrão principal porque novamente, a música é objetiva. Então o que você acha que soa bem outras pessoas podem gostar, e o que você não gosta, outras pessoas podem amar. Portanto, cabe a você o que você gosta, mas tenha esses pontos em mente quando estiver criando seus padrões de lead. Então, se você tem apenas um acorde, mantenha as pistas meio curtas e simples. E se você tiver mais de um acorde, você pode usar essa técnica ou você pode usar esse tipo de nó pulmonar baseado nas notas da técnica de acordes. Se você tem a habilidade de cantar uma melodia junto, tente isso também. E você pode ser capaz de fazer sua própria melodia enquanto você está meio que cantando junto para a faixa. Mas definitivamente olhar para tentar essas diferentes opções e ver qual delas funciona melhor para você. Em seguida, passamos para a escolha de instrumentos de chumbo, onde vamos dar uma olhada na escolha de algumas predefinições para nossos sons de chumbo. 27. Escolhendo instrumentos líderes: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada na escolha de nossos instrumentos principais. Agora, a única coisa que vou dizer antes de começarmos é que você precisa ter certeza de que seus leads se destacam do resto dos elementos em sua pista. Ok, então tente escolher um som diferente do resto. Se ele não fizer este exemplo de uma espécie de faixa estilo Vici que eu tenho aqui. E notaremos que o protagonista, o instrumento que escolhi, é completamente diferente e se destaca do resto dos elementos da pista. Então, quando adicionamos essa melodia de chumbo, ela realmente brilha e meio que toma o centro do palco. Então isso é ouvir o tipo completo de seção de queda aqui. E então vamos dar uma olhada em mudar o som principal e ajustar alguns parâmetros no perfume. Então vamos olhar para nós agora. Então o padrão de chumbo é relativamente simples. Na verdade, é composto por dois padrões menores. Nós temos esse padrão aqui no início, e é baseado no padrão do OneNote que estávamos falando antes, exceto que eu acabei de alterar algumas das notas. Então foi que começou com g todo o caminho até aqui e então eu apenas movi algumas das notas para cima e para baixo. Mas, na verdade, eu só movo esses nós para cima. E então eu também movi essas notas para cá. E então a segunda metade do padrão é exatamente o mesmo ritmo. Mas acabei de mudar as notas para caber nos acordes. E nós também estávamos olhando para isso na última palestra onde nós meio que duplicamos o padrão e mudamos as notas para caber nos tribunais. Então vamos ter um ouvir o padrão por conta própria muito rapidamente. Agora a razão pela qual eu realmente escolhi um som de chumbo como este é porque ele imita um, um estilo Vici tipo de chumbo que ele costumava usar. E porque os sons da faixa variam, VGS, eu escolhi elite que se encaixaria no seu estilo, mas vamos entrar aqui agora para o plugin e vamos ter uma olhada em mudar esses sons leads e ajustá-los se precisarmos. Então vamos trabalhar ao contrário aqui. Vamos apertar este botão para a esquerda e vamos ver como esta predefinição, esta corrida soa como. Vamos ver como isso soa. Agora este tipo de som é conhecido como um som ácido. E a música techno usa muito esse som. E o que eles fazem é que eles meio que fecharam o filtro e eles abriram lentamente à medida que a pista progride. E talvez isso soe bem no padrão. Vamos ouvir o padrão, você sabe, tendo em mente. Temos sempre de ouvir em contextos. Nós sempre temos que ouvir a liderança como ele está jogando com todos os outros elementos. Então eu vou ter escutado o que isso soa como no padrão de queda. Parece que está tudo bem, mas não acho que esteja brilhando. Eu não acho que ele realmente está sentado em cima dos outros elementos, bem como os outros leva para fora bem, então eu vou mudá-lo e nós vamos encontrar outro. Então vamos ver como esse som de roteador soa por conta própria primeiro, com apenas ajustar alguns dos parâmetros aqui. Então eu abri um pouco o filtro. Então é meio que acrescenta um pouco mais high-end. Então vamos ouvi-lo no contexto. Não gosto deste som. Eu acho que é um pouco duro demais para o ouvido, então eu vou mudá-lo novamente e ouvir como esse repetidor soa como. E esse é o mesmo tipo de som é as últimas predefinições. Então eu vou pular. Vamos ver como são as razões. Ok, então eu realmente gosto do som disso só de ouvir sozinho. Vou filtrar aqui e ver o que posso fazer. Ok? Então, porque eu estou gostando de um pouco disso, eu vou ouvir em contexto e ver se eu gosto do som do padrão ou se eu gosto do som do instrumento com o padrão de queda. Então vamos ver. Ok, então parece legal, mas eu acho que pode ser realmente inclinado um pouco só porque soa um pouco baixo. Então vamos pegá-lo e ver como soa. Agora, eu só aperto o comando e lá em cima apenas para movê-lo para a oitava. Vamos ouvir o que parece agora. Então agora eu encontrei um som de chumbo que eu realmente gosto. Então o que eu vou fazer é clonar o plug-in para que possamos começar a camada. Ok. Então eu gosto do som desta pista. Então agora eu vou colocar em cima dela. Então esta é a nossa principal pista que vamos usar. E agora o que vou fazer é entrar aqui e vou comandar e copiar este padrão. E eu vou colá-lo no padrão da camada. E eu vou começar a mudar algumas das predefinições para ver como elas soam juntas. Então vamos tentar esta predefinição radiante como uma camada. E, na verdade, a primeira coisa que vou fazer é abaixá-lo na pista do misturador só para que não esteja machucando nossos ouvidos. Vamos ouvir de novo. Então eu não acho que esta predefinição em particular está adicionando qualquer coisa para o som geral, então vamos mudá-lo no entanto para esta predefinição pyro. Agora gosto do som disto. Acho que isso está adicionando uma textura muito legal e parece que está gritando. E eu acho isso muito legal. Acho que pode funcionar na pista. Então vamos ouvir agora o padrão de queda com este tipo de gritante, soou como se não fosse. E você sabe, na segunda escuta, eu acho que eu vou apenas tipo de fechar o filtro um pouco porque eu acho que ele está meio que gritando um pouco demais. Então vamos ver se esta predefinição, Vamos apenas fechar o filtro. Vamos ouvir isso por conta própria. Ok, então com esta predefinição específica, eles realmente não configuraram o filtro. Então eu vou pular porque eu não sou um fã completo do som quando ele está em contexto com a queda. Então vamos ouvir esta predefinição de empurrador com, juntamente com a outra predefinição. Agora eu acho que isso é realmente adicionar algo agradável. Vamos ouvir de novo, vou mexer com o filtro. E agora vamos ouvir isso em contexto com o padrão de queda. Então eu realmente acho que essa predefinição soa muito melhor do que a última predefinição que estávamos usando. E como tudo o resto, escolher os sons do seu instrumento vai ser subjetivo. É o que você gosta e o que você acha que se encaixa melhor na sua pista. Mas você tem que se certificar de que seu chumbo se destaca do resto dos elementos porque é feito para sentar em cima e é para chamar a atenção do ouvinte. Portanto, certifique-se de que você está escolhendo um som principal que se destaca do resto dos elementos e, em seguida, camada com outras predefinições que tipo de adição ao som original. Então agora vamos seguir em frente e vamos dar uma olhada rápida em fazer alguns instrumentos de carne. 28. Criação de instrumentos líderes: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em fazer nossos próprios sons de chumbo. Agora, vamos ficar com o mesmo plugin que temos visto até agora, apenas por uma questão de consistência e para impedir que vocês fiquem confusos. Mas o processo novamente é o mesmo em qualquer sintetizador que você está usando. Então vamos começar aqui com o oscilador um, aumentando os microfones de mesa de onda. E então vamos até aqui e vamos verificar alguns dos diferentes tipos de sons que poderíamos usar. Vamos tentar violino para, vamos tentar este inter um. Ok, então eu gosto de enviar isso para um. Então eu vou adicionar vozes em uníssono para torná-lo um pouco mais grosso. Então vamos adicionar quatro vozes, e vamos desajustá-lo um pouco mais do que o tipo de configuração desajustada padrão. Agora vou aumentar a liberação só para ver como isso soa. E então talvez vamos aumentar a decadência e vamos ver como soa se aumentarmos o ataque a ela. Ok, então agora eu quero ficar com este tipo de som corajoso. E o que eu vou fazer com este instrumento de chumbo é que eu vou usar o movimento panorâmico em vez das configurações amplas. Então eu vou deslocar o primeiro oscilador, talvez tipo de para as sete horas, talvez oito horas ajuste com este tipo de roda. E então eu vou adicionar no segundo oscilador. O que vou fazer imediatamente com este segundo oscilador é que na verdade vou punir para o lado oposto, que seria quatro, talvez cinco horas. Exatamente o oposto do oscilador um. Para que nós estamos criando uma boa propagação através do espectro estéreo. Então vamos ouvir como isso soa agora. Então, novamente, aumentamos nossos microfones de mesa de onda e vamos mudar alguns dos sons. Então vamos ver como soa o piano A1. Vamos tentar abaixar um pouco. Então eu acho que com este segundo oscilador passo para baixo, eu acho que soa um pouco mais cheio. Então eu vou ficar com isso e eu vou experimentar alguns desses diferentes tipos de sons. Vamos tentar o vocal seis. Ok, então eu gosto disso e do vocal seis. Então eu vou começar a mexer com o cenário de uníssono. Talvez desafiná-lo um pouco mais. Agora porque isto é uma pista. Vou ligar este perfeito oh, Filter. E eu realmente vou abrir o filtro totalmente que nós estamos recebendo, porque quando ele está fechado, é mais um som corajoso, que pode ser resfriado para a progressão de sua faixa. Mas eu quero o filtro aberto porque esta é a seção de queda e aqui é onde o chumbo deve estar em seu máximo e seu mais alto e tipo de tomar o centro do palco sobre o resto dos instrumentos. Então vamos deixar este filtro aberto. E então, por uma questão de equilíbrio, eu vou adicionar um terceiro oscilador, e eu vou deixar este oscilador no centro. Mas eu poderia adicionar um pouco de brancura a ele apenas por causa desse tipo moderno de som largo. E novamente, aumente nossa mistura de mesa de ondas. E vamos ouvir o som da onda senoidal. Vamos lançá-lo para baixo. Então eu empurrei para cima e eu vou ter uma escuta para talvez algumas dessas configurações aqui. Talvez esta guitarra. Talvez abaixar de novo, ver como isso soa. E vamos tentar lançá-lo para baixo mais uma vez para criar uma espécie de propagação. Ok, então agora isso é muito baixo, então eu vou apenas deixar um backup nesta oitava menos 1. Então eu apenas lançá-lo de volta para cima de novo. Mas eu não gosto do som deste tipo de guitarra de ondas. Vou mudá-lo para talvez de bronze para fazermos os sons como OK. Então você pode ver aqui no meu medidor de CPU que ele está começando a causar latência. E nós olhamos para isso quando estávamos montando nosso projeto. Uma maneira de atualizar o software e dizer-lhe que você queria fechar o plugin desnecessário. Então eu vou vir aqui para ferramentas, para baixo para Macros e clique em Switch smart disable se Rob logins e se você assistir o medidor de CPU aqui em cima, ele deve saltar de 6766 para baixo porque eu estou usando apenas este plug in no momento. Então, vamos apertar este botão. E como podem ver, saltou de 67 para 42. E isso liberou muito mais espaço de CPU para que possamos fazer nosso centro e podemos realmente ouvir claramente. Então não deve haver mais pulos ou atrasos. Vamos ouvir. Ok, então eu gosto do som deste bronze para acenar formas quando vai adicionar algumas vozes extras. E eu vou desafiná-lo um pouco. E vamos ouvir como isso soa. Vamos fechar um pouco o filtro e ver como isso soa com um filtro fechado. Talvez abrir um pouco mais. Então agora eu acho que eu vou apenas deixar-nos totalmente abertos e nós temos a parede completa do som que está vindo deste sintetizador. Talvez eu recuse o lançamento um pouco porque eu acho que é um pouco longo demais. E eu acho que as notas estão meio que correndo um para o outro. Então lá vamos nós. Isso soa um pouco melhor. Vamos tentar adicionar um pouco dessa saturação. Vamos aumentar o Dry Wet Anobit e aumentar a unidade. Então você tem o som distorcido de Marv Martha. Agora podemos usar este locus. Configuração para se livrar de algumas das distorções baixas que são, e isso está causando um, um, um, um som indesejado no som geral do instrumento. Então vamos aumentar um pouco isso e ver como isso soa. Recusou o Seco, Molhado e os objetos. Então é apenas um efeito sutil. Então agora é, agora ele está fornecendo um tipo sutil de distorção. E se o mudarmos agora vai soar assim. E deixe-me adicioná-lo de volta. Ele acrescenta neste som de distorção sutil. Vamos ter uma escuta. E finalmente, como temos feito com todo o nosso sentido que estamos fazendo até agora, vamos ligar esta seção de EQ e apenas aumentar o high-end um pouco. E eu realmente vou cozinhar os baixos, eu acho que um pouco. E esta é uma forma muito comum que é usada na mistura. E é por causa de algo chamado Fletcher e Munson Curve. Mas vamos dar uma olhada nisso quando chegarmos à fase de mistura. Mas é apenas uma razão científica para preferirmos este tipo de forma no QE. Mas vamos ouvir como isso soa agora. E agora vamos ver como isso soa no padrão de queda potro. Agora, você vai notar que é muito mais silencioso. Então eu vou apenas comunicar o misturador e aumentar esta faixa que, que, que, que esta pista está ligada. E vamos ouvir de novo. Muito que você pode fazer então é você pode entrar e você pode clonar isso e você pode camada com predefinições como fizemos aqui. Ou você pode criar seu próprio tipo de predefinições para colocar em camadas com ele. Mas, novamente, como todos os outros instrumentos que temos que colocar em camadas são pistas. Então, se você tem um tipo maior de som principal, que pode ser este, você pode então clonar isso e fazer outro tipo de camada, talvez com um pouco de clique. Ou como dissemos antes, transientes e para tipo de adicionar no clique É que isso parece estar faltando. Agora, esta camada em particular aqui está realmente fornecendo esse truque que estamos perdendo com este aqui. Então, o que posso fazer é entrar na pista do misturador e baixar isso. Então os dois, os dois sons estão se encaixando um pouco melhor. Vamos ter um ouvir o que a camada que fizemos soa como com a camada que estamos usando como uma predefinição. E se tirarmos a camada que fizemos, e agora se tirarmos a camada que é uma predefinição. Então você pode ver que as duas camadas estão se complementando. Bem, esta camada é uma predefinição e é espécie de clicky e esta camada é uma camada que fizemos, mas não é Kikee. Então os dois estão se combinando para fazer um bom clicky e arejado leva para fora. Vamos ouvir isso e o padrão caído completo e ver como isso soa. Então isso é tudo o que você precisa saber realmente sobre fazer seus sons de chumbo. Não é muito diferente de fazer qualquer outro instrumento. A única diferença é que você está pensando sobre o tipo de resultado final. E você está assegurando que isso soa mais como uma pista do que como um arranhão ou uma base. Você só tem que pensar no produto acabado sempre que você está criando seus próprios sons. Então vamos seguir em frente agora e vamos dar uma olhada na construção de almofadas e cordas para EDM. 29. Pads vs. Strings: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em algumas almofadas, e então vamos dar uma olhada rápida em algumas cordas. Agora no padrão EDM, strings não são tão comuns. E se eles são usados, eles são geralmente usados em transições são como enchimento em segundo plano. Nós estaríamos tendo uma olhada no preenchimento e transições nas próximas seções que virão. Mas, por enquanto, vou mostrar-lhe uma instância que você pode usar um bloco ou você pode usar uma corda. E isso é como um acompanhamento para um vocal. Então você pode usar seu pad como uma espécie de padrão de acordes, exceto que o acorde D nada para o acorde está sendo mantido por um longo tempo e isso é o que um PAD faz. É um tipo de som que varre os pulmões. Mas ele mantém a nota e vai segurá-la pelo tempo que você quiser, exatamente como uma corda faria em uma orquestra. E é por isso que cordas e almofadas estão meio entrelaçadas. Mas podemos usar nossos pads para tocar a progressão de acordes da faixa. E então podemos colocar isso embaixo de nossos vocais e criar uma espécie de som típico de casa comercial. Então, se eu só vi este bloco aqui, soa como este. E você vê quando você traz o vocal, então você tem esse tipo de sons típicos de música de casa comercial. Então vamos ouvir com a voz em camadas em mim. Agora, a diferença entre um bloco e uma corda é que obviamente uma corda é um instrumento acústico e soa assim. Então vamos resolver este padrão de cordas aqui. Agora as cordas são um pouco mais expressivas. O som do pad está muito no seu rosto e ele meio que bate em você assim que começa. Assim que o padrão começou a acertar-te na cara. Enquanto que se você ouvir as cordas, o ataque a uma corda é muito mais lento e é uma espécie de fluxo entre cada nota. E isso é chamado de Gatto na música, mas não precisamos, não precisamos nos preocupar com isso. Tudo que você precisa saber é que as cordas são um pouco mais expressivas. Então, se você quiser adicionar alguma expressão ou tristeza em sua faixa, você pode adicionar algumas strings. E vamos ouvir agora com os vocais em camadas no topo. Agora porque isso é tudo o que há para patentear cordas. É simplesmente um acompanhamento que você pode usar ou você o usaria como enchimento ou transição. Eu só vou entrar neste padrão aqui e dar uma olhada rápida em dois tipos de opções que você pode usar. Agora a primeira opção é, obviamente, ter todas essas notas na primeira batida de cada saco como este, ok, e então o padrão soaria assim. Se eu ligar o metrônomo, soaria assim. Então, se você adicionar isso em sua faixa com os vocais, ele vai realmente dar um tipo diferente de vibração. Então a técnica que estou prestes a te mostrar. Então vamos apenas ouvir este padrão na faixa quando todos os nós estão na primeira batida da barra. Ok, vamos ouvir para desligar o metrônomo. Venha me mostrar o quê. A próxima técnica que vou mostrar é algo que Daft Punk usa o tempo todo. E eu sou, eu estou dublando nós o timing do acorde Daft Punk porque eles usam isso com tanta frequência e na verdade, ele cria um pouco de um groove em sua pista. Então o que fazemos é pegar todos os acordes que não estão na primeira batida e nós os compensamos. Nós os trazemos para a frente por um ou dois ou três ou quatro passos ou o que seja, você apenas os traz para a frente. Então eu vou levá-los para a frente para o terceiro degrau da frente estéril. E então eu vou encurtar estes para que eles não se toquem ou eles não se sobreponham um ao outro. E isso se chama. Mas não é chamado, mas eu já apelidado o tempo Daft Punk porque eles fazem isso tantas vezes e cria um pouco de sulco nas faixas de um alongamento estes aqui. Vamos ligar o metrônomo e vamos ouvir o que parece agora quando os acordes estão realmente caindo antes da batida da barra. E se você juntar esta técnica em particular com alguns elementos de tambor como nós temos aqui, eu tenho uma amostra de palmas aqui. E pode pegar um padrão de som muito amador que cai na primeira batida de cada comprador e transformá-lo em um padrão de som mais profissional que tem um pouco mais pensado para ele e um pouco mais de groove. Então vamos ter uma escuta agora com este padrão, quando ele é compensado trazendo as notas do acorde para a frente para a frente estéril. Certo, então vamos ouvir agora. Mostre-me. Podemos desligar este aplauso só para parar a latência. E novamente, eu vou chegar a Macros e mudar smack disabler para nossos plug-ins. Agora, a razão pela qual esta faixa está pulando tão mal é porque na verdade é um arranjo completo que eu fiz. E eu tenho, eu tenho efeitos em todos esses diferentes instrumentos aqui. Eu tenho Mastering acontecendo também. Então o software está tentando executar todas essas coisas ao mesmo tempo, mas eu só queria mostrar essa faixa em particular muito rapidamente porque ele está usando esse tipo de cronometragem de acordes Daft Punk. Então vamos ouvir novamente e esperar que a latência menos do que voltar. Então, obviamente, almofadas e cordas dão muito tipo de sons diferentes. Mas cabe a você qual som você deseja usar em sua faixa. As cordas são um pouco mais expressivas e tristes. E almofadas são um pouco mais no seu rosto e tipo de som eletrônico. E eles têm aquele campo comercial. Então vamos passar agora para a palestra Escolhendo instrumentos de almofada. E eu vou mostrar a você a maior dor de cabeça quando se trata de escolher suas predefinições de pad. 30. Escolhendo sons Pad: Ok, então nesta palestra, vamos dar uma olhada em escolher nossos instrumentos de almofada. Agora, a única coisa que eu vou dizer sobre os instrumentos de almofada é que eles geralmente são brandos e não-distraentes porque nós usamos esses tipos de instrumentos em segundo plano ou como um elemento de enchimento. Não queremos nos distrair dos principais elementos da pista. Então, se você encontrar uma predefinição com um monte de tipo de intrincado LFO e modulação e outras coisas assim que pode distrair do ouvinte. Vamos ajustar os parâmetros para desativá-los. Queríamos manter o som tão simples e tão suave quanto possível. Então eu tenho o começo de um acordo aqui, e ele começa com esses acordes aqui. E então ele salta para esta seção vocal. E então ele vem para esta seção onde há um padrão de acordes arpeggiado. Mas acho que este arpejo deixa muito a desejar. Acho que há muito espaço para trás de cada um dos nós. Então acho que vou encher esse espaço com o som da almofada. Vamos apenas ouvir a faixa, talvez até aqui, e tentar perceber como a faixa se sente um pouco mais vazia quando chegar a esta primeira seção. Certo, vamos ouvir agora. Certo, então vamos adicionar nossos instrumentos de almofada. Então a primeira coisa que vou fazer é entrar no padrão de acordes. E estes são apenas os acordes principais e eles estão tocando em cada batida do bar e eles estão sendo segurados para aquela batida total. E eu vou apenas copiá-lo pressionando o comando e ver. E então eu vou subir aqui e eu vou criar um novo padrão chamado pad. Ok, vamos para esse padrão e vamos usar isso fazendo três plug-in que eu já carrego na parte inferior aqui. Então vamos para o rolo de piano e vamos colar este padrão de acordes. E nós vamos lançar isso também porque eu estou pensando que eu quero este som pad seja um pouco mais alto na área, então o aplicativo que está tocando ao mesmo tempo. Então vamos sair disso e voltar para o plug-in. E vamos abrir a seção do banco de som e vamos carregar talvez este volume essencial de coleção três e vamos carregar a subpasta pads. Então eu vou apenas mover isso para fora do caminho e vamos dar uma escuta para o que este primeiro Arun e pad preset soa como. Tenho de mudar isto para o padrão. Desculpe. Vamos ouvir de novo. E eu não tenho certeza se você pode notar este pássaro, o tempo de lançamento deste som em particular ainda está indo. Está bem? E eu disse que mencionei o tipo de dor de cabeça principal que temos com as predefinições de almofadas. E é aí que você os carrega. Os tempos de ataque são ridiculamente altos e os tempos de lançamento são ridiculamente altos. E a razão para isso é porque as almofadas são projetadas para música ambiente. Quero dizer, esse estilo de música, eles têm essas longas progressões de acordes. É por isso que os pads podem funcionar muito bem nesses estilos de música. Mas para nós, esse tipo de ataque e tempo de liberação não funciona. Então o que vamos fazer é desligar a cúpula de ataque para que o som comece muito mais cedo. E nós vamos diminuir esse tempo de lançamento para que as notas se sobreponham umas às outras. Eu também vou entrar e desligar alguns dos efeitos, como o atraso na reverberação apenas para que possamos ouvir o som principal um pouco mais claro. Quero dizer, ouvir de novo. Vamos adicionar isso à faixa do mixer. Eu vou abaixar um pouco, só para que não vá dominar o som da maçã. Eu adicioná-lo de volta. E agora vamos ver como soa com o meio plano acima dele. Então eu gosto do som deste pad, mas vamos apenas voltar para o plug-in e mudá-lo apenas para o bem deste tutorial. E nós vamos mudar isso pode ser para esta predefinição de crença. Então vamos ver o que essa predefinição de crença soa como por conta própria. Agora eu realmente não gosto do som disso, então vamos passar para o próximo que é nevasca. Vamos passar de novo para o Bobby. Então eu realmente gosto do som do Bobby. Acho que a predefinição do Bobby é bastante sutil e distrativa. Mas novamente, o tempo de ataque e o tempo de lançamento são muito, muito longos. Então eu vou apenas abaixar para que o som comece com um pouco mais cedo e o tempo de lançamento para que o som não se sobreponha. As outras notas vão entrar e desligar a reverberação. E então eu poderia, eu poderia ajustar essa freqüência de corte enquanto ele está tocando apenas para ver que tipo de sons podemos obter dessa freqüência de corte. Nós vamos, ok, então vamos ter uma escuta. Então eu prefiro muito o som neste preset com a roda de corte um pouco aberta. Então vamos voltar ao acordo e ouviremos o árabe enquanto ele está brincando com o bloco. Vamos abaixá-lo apenas para que ele esteja em segundo plano e não distrair do aplicativo principal. E agora ao ouvi-lo no arranjo, eu realmente acho que a roda de corte é dois. É muito aberto, soa muito brilhante e dois Airy, então eu estou realmente indo para baixá-lo e torná-lo um pouco mais sutil. Vamos ouvir de novo. Estamos apenas fechando este plug-in e depois dar uma escuta. Talvez aumente um pouco. Mas estou gostando do som disso até agora. E vamos ouvir agora o resultado final com o nosso pad ajustado com o aplicativo. Então é tudo o que você precisa estar ciente quando você está escolhendo os sons do seu pad. Apenas esteja ciente de que você está usando isso como um instrumento de fundo. E você não quer que ele distraia os outros elementos principais em sua pista. Em seguida, vamos dar uma olhada rápida em fazer alguns instrumentos Pat. 31. Criação de sons Pad: Então nesta palestra vamos dar uma olhada em fazer um instrumento de almofada. Ok, então o que eu tenho aqui é que eu tenho esse realmente, muito longo tipo de progressão de acordes cinematográficos. E é literalmente apenas para ouvir o bloco. Então vamos entrar aqui e sair para o plugin e vamos dar uma olhada. Vamos apenas inicializar isso e vamos dar uma olhada em criar nossos próprios pads para fora. Então vamos ouvir alguns do padrão AGORA com esta configuração inicializada. Ok, então talvez nós vamos aumentar esta mistura de mesas de ondas para obter a forma final do oscilador. E então podemos tentar algumas dessas diferentes formas de oscilador. Vamos tentar violino três. Vamos ver como isso soa. Ok, eu gosto da árvore de violino som. Vamos ver como soa com bronze um. Vamos jogar de novo. E vamos tentar agora com talvez haja para longe. Vamos ver como isso soa. Ok, então eu realmente gostei do som de bronze um quando estávamos tocando por lá. Então eu vou selecionar isso novamente. E como de costume, eu vou lá e vou ajustar as vozes em uníssono. Agora, este é um som de almofada, então eu queria ser bastante carrapato. Então eu vou escolher talvez essas seis vozes aqui. E nós vamos apenas subir o detune um pouco só para torná-lo um pouco mais grosso. Então vamos ver como isso soa agora. E agora vamos ver se podemos ajustar o ataque? Ok, vamos mudar o ataque de, e talvez nós vamos voltar para a decadência também. E vamos ver o que acontece quando fazemos isso. Ok? Agora eu acho que o ataque é um pouco longo demais, então vamos abaixar um pouco e veremos como soa agora. E eu não tenho certeza se você notou isso quando você está ouvindo, mas na verdade há um som clichê que está acontecendo como um pequeno pop ou um clique que está acontecendo, bem como o norte começa no padrão de acordes. E a razão para isso é porque quando estávamos falando sobre sintetizadores, lembre-se que estávamos dizendo sobre quantas vozes são sintetizadores podem tocar ao mesmo tempo. Agora este padrão de acordes em particular tem muitas coisas acontecendo como 12345, talvez seis. Seis ou sete notas diferentes sendo tocadas ao mesmo tempo. E se viermos aqui e olharmos para quantas vozes definimos para permitir tocar ao mesmo tempo, veremos que está definido para quatro. Ok? Então precisamos aumentar isso. E a razão pela qual o som clicky está acontecendo é porque o sintetizador está tentando determinar quais nós devem ser reproduzidos. Se há sete acontecendo, quais três notas é que não vai tocar em que os estrangeiros tocariam, e isso causa um som clicky. Então o que vamos fazer é elevar as vozes até 16 só para salvar qualquer problema. E vamos ouvir o padrão novamente e vamos ver se há algum som clichê desta vez. Então, como você pode ver, esse ajuste simples, apenas girando as vozes para 16 removeu o som clichê que estava acontecendo antes. A próxima coisa que vou fazer é ligar o filtro para o perfeito oh, configuração. E eu vou baixar a frequência de corte para baixo e apenas ouvir o que parece. Eu vou varrer através dele como ele está tocando, só para ouvir, encontrar um ponto, desculpe encontrar um ponto na roda que eu gosto onde o som está. Ok, então vamos ouvir o padrão e eu vou começar a ajustar isso. E encontraremos um ponto que gostemos. Vamos aumentar o lançamento para que ele soe um pouco mais expressivo para que os nós não estejam parando tão repentinamente quanto eles estão. E vou começar a ajustar esta frequência de corte novamente. Então eu meio que gosto da frequência cortada aqui. Gosto de como soa suave e não é demais na sua cara. Então o que eu vou fazer com este som de almofada não vai adicionar um segundo oscilador, ok? E eu vou deslocar o primeiro oscilador, talvez o verão sobre a região das oito horas à esquerda. E eu vou deslocar o segundo oscilador em algum lugar nas oito horas, ou desculpe, a região das quatro horas à direita. Ok. Então agora vamos ter dois sons diferentes saindo de ambos os lados. Vamos ter oscilador um saindo da esquerda e oscilador dois saindo da direita. Ok. Vamos ouvir o que isso soa agora com apenas o tipo de som padrão do oscilador. Vamos aumentar essa mistura de ondas para obter o som total do oscilador. E talvez tentemos violino três. Ok, então eu gostaria de enviar uma árvore de violino. Então eu vou entrar na seção de uníssono e eu vou aumentar as vozes, talvez para cinco. Na verdade, aumentei para seis, que é o mesmo que o oscilador um. E suba um pouco de Detune outra vez. Ok, então eu estou gostando desse som, mas eu acho que por uma questão de equilíbrio, eu vou apenas diminuir o oscilador para um pouco. Acho que está muito alto. Vamos ouvir de novo. Sim, acho que soa um pouco melhor. E vamos trazer um terceiro oscilador aqui só para tornar o som um pouco mais interessante. Então vamos entrar no oscilador três aqui. E nós vamos voltar a aumentar os microfones de mesa de onda só para obter a forma. E o que eu vou fazer é mudá-lo para talvez piano A3. E vamos ouvir o padrão agora com este terceiro oscilador adicionado, talvez aumentá-lo ligeiramente. E agora eu acho que para este oscilador, eu acho que o piano A3 soa muito, muito semelhante a algumas das outras configurações que usamos. Então eu vou tentar encontrar uma forma de oscilador que soa diferente das outras formas que temos usado. Então vamos tentar este buyin um. Vou silenciar os outros dois osciladores só para ouvir exatamente o som do oscilador três. Tente sitar. E vamos pegar na oitava. Ok, e vamos adicionar de volta os outros osciladores novamente. Ok, então eu gosto do som disso. Vou desafiná-lo não tanto quanto os dois primeiros, talvez só pela metade, que são três porque desafinamos os outros por seis. Então isso está ensinando isso, este oscilador por três. Novamente até o detuned apenas ligeiramente. E o que vou fazer é alargar este som em particular. Por isso, não vou alargar demasiado. Talvez deixe na posição das 12 horas. E vamos ver como isso soa. Agora, eu vou chegar a algum lugar no meio do padrão só para ter uma noção completa do que está acontecendo. Está bem, está um pouco barulhento, por isso vou descê-lo. Vamos ajustar a frequência de corte porque acho que está acontecendo muita alta frequência. Então, vamos ouvir. Acho que posso alargar este terceiro oscilador ainda mais do que o tinha. Ok, então eu estou gostando do som disso até agora. Eu vou vir aqui para a seção de QE, ligá-lo e eu vou realmente fazer o oposto do que temos feito até agora. Vou tirar algumas dessas notas altas, está bem? E então eu vou aumentar alguns dos médios, apenas um pouco assim. E esse tipo de configurações, eu acho, vai fazer o som um pouco menos áspero. Vamos ter outra lição. E novamente com pads, podemos adicionar alguns efeitos extras como distorção. Vamos ver como soa com distorção. Geralmente, eu não acho que distorção é um bom som para ter um iPad, mas você pode tentar se quiser. Temos phasors. Phasors pode soar muito bem em pads on e dar uma olhada em phasors novamente, deixe-me vir para o estágio de mistura, mas vamos ter um ouvir aqui rapidamente para apenas este phaser como tudo o que eu fiz foi girado até o botão molhado seco e vamos ver o que Parece que sim. A frequência desligou a corrida. Então eu realmente apenas ajustar esses botões aleatoriamente, mas eu acho que o som que ele está dando de volta para mim, é realmente muito bom. Eu acho que tem um tipo de sentimento dos anos 80 para ele. Então, na verdade, vou deixar como está. Eu gosto de sons fora de músicas. Sim, parece meio que Auto-TUNE. Parece que é direto de Stranger Things, mas vamos adicionar algum reverb muito rapidamente só para ouvir o que soaria se estivesse em uma sala com outros instrumentos. Talvez aumentar o pré-atraso. Talvez não tanto assim. Eu não fiz algumas decadências para que a cauda continue por mais tempo. Você também pode adicionar curso, desculpe, você também pode adicionar um efeito de refrão ao som, bem como para torná-lo um pouco mais espesso. E nós olhamos, é claro novamente madeira fazendo mistura, mas eu só vou deixar isso de fora por enquanto. Então eu acho que este som pad é muito bom. São apenas três osciladores e é relativamente simples. Mas acho que o som geral que conseguimos é sutil. Mas vamos adicionar uma espécie de textura agradável e fazer qualquer faixa. Vamos ouvir de novo rápido antes de terminarmos esta palestra. E eu poderia usar esse fasor fora de sintonia só para ver o que parece sem. E isso é que apenas D poderia oferecer. Você pode ver. E podemos abri-lo de volta. Então, na próxima palestra, manteremos o mesmo padrão. E vamos olhar para mudar o instrumento para cordas para fora. 32. Escolhendo instrumentos de corda: Então vamos dar uma olhada agora no mesmo padrão da última palestra, mas vai mudar o instrumento para algumas cordas. Ok, então eu carrego este Mellotron cinco plug-in que eu tenho da Coréia. E eu já o tenho definido para esta seção de cordas aqui. E há algumas predefinições de string aqui. E são todas amostras vivas de instrumentos de cordas reais. Então vamos começar pelo topo aqui, o primeiro. E vamos ouvir como isso soa com o padrão que estávamos usando na última palestra. Antes de o fazermos, só quero dizer que cordas são cordas. Ok? Então, se você quiser usar sons de cordas em sua faixa, você pode usar qualquer tipo de predefinição de string que você tem porque o som de strings como realmente amostrado de instrumentos de cordas reais, a única coisa que você tem que estar ciente é que o som delas funciona com seus rastros. Portanto, existem diferentes tipos de cordas. Sabe, alguns deles soam todos ou alguns deles parecem mais tristes do que outros. E tudo que você tem que fazer é pensar criticamente, ouvi-los em sua faixa, e apenas pensar que tipo de preconceito de cordas soa melhor no contexto de seu arranjo. Então vamos percorrer essas predefinições de string, por que o padrão está sendo reproduzido. E depois vou mencionar alguns outros pontos importantes no final da palestra. Certo, então vamos passar por isso agora. Então vamos ver como soa a próxima predefinição, que é chamado de strings. E com o Mellotron, podemos, no momento em que estamos definidos neste a, este, estes violinos M K23, mas podemos transformar isto, podemos mudá-lo de a para b, e podemos mudá-lo de B para C. Ou podemos fazer com que todos eles continuem no ao mesmo tempo. Se colocarmos isso aqui para todos. Mas vou deixá-la ligada por enquanto. Acho que gosto do som disto. Vamos ver como soa a próxima predefinição. Que é este bloco elétrico acústico. Vamos ver como soa a próxima predefinição. Cordas de idade. Então este som de corda em particular é bastante pesado, então isso pode não funcionar no fundo da sua faixa porque está muito cheio. E com o som muito pesado, vamos continuar e ver que outro tipo de predefinições ter. Vamos ver como soa a próxima predefinição. Cordas de câmara. Então, como você pode ver aqui, há um monte de sons diferentes de cordas. E quero dizer, eu só fiz uma pequena amassada. Eu só passei por, eu acho que cinco ou seis aqui, mas há cargas para passar por aqui neste plugin particular. E isso me leva aos últimos pontos sobre os quais quero falar neste tipo de breve palestra. E esses são os diferentes tipos de sons de cordas que você pode encontrar e que você pode usar. Então o que este plugin é, este Mellotron cinco, este é um sampler, ok, então todos esses diferentes elementos aqui. Então isto, se eu derrubar isto para ver este som é um violoncelo. Tudo bem? Mas isso foi amostrado de um violoncelo de verdade. Então, há notas reais que foram gravadas em um violoncelo e foram mapeadas para essas pequenas teclas brancas. Então, quando eu pressionar esta tecla, ele está realmente tocando. Agora você pode vê-lo lá onde ele acende o violoncelo. Então eles têm várias instâncias diferentes de notas de violoncelo que eles gravaram. E combinam com estas notas aqui em cima. Então, quando eu toco esta nota, ele combina com esta nota que eles gravaram. E se eu toquei esta nota, coincide com esta nota que eles gravaram. E estes são amostras, ok, porque estas são amostras de um instrumento, eles também têm amostras de um violino aqui. Então não é isso que eles gravaram. E não é isso que eles gravaram. Então há um monte de samplers lá fora que você pode encontrar. Há montes de grátis. Na verdade, há um F31 que vem com FL Studio, e é chamado de onda direta. Está aqui na seção do amostrador da aba de adição de Instrumentos. Esta é uma ferramenta bastante útil para tentar emular sons da vida real como guitarras, cordas, chifres, qualquer um desses sons de orquestra. Então você pode usar o gratuito que vem com o FL Studio, ou você pode baixar um gratuito na internet. Há também samplers pagos que são extremamente bons como contato. Apenas pela Native Instruments. Você pode dar uma olhada nisso também, se quiser. Mas eu tenho esse Mellotron versão cinco, ok? Então, se você quiser usar um sampler como este, tudo que você tem que fazer é baixar um sampler ou usar o F31 e FL Studio, e então baixar algumas amostras para conectá-lo. Então você pode procurar na internet amostras de cordas ou pacotes de amostras e coisas assim. E você pode baixá-los e depois conectá-los ao seu sampler. Outra maneira de emular alguns sons da vida real como cordas, é obter algo chamado fonte de som. E isso é apenas um tipo de formato de arquivo que usa síntese baseada em amostra. Agora você não precisa saber o que isso significa, mas tudo que você precisa saber é que se você procurar tipos de fontes de som de string, você será capaz de baixá-los e usá-los em suas faixas. Há também coisas como plugins de cordas e há até mesmo strings sintetizadas. Então estes são sons de cordas que são feitos com um sintetizador. Eles não parecem reais, mas eles têm seus próprios usos, então vamos dar uma olhada neles na próxima palestra. Mas isso é tudo que você precisa saber no momento sobre encontrar seus sons de cordas. Vamos passar agora para a próxima palestra onde vamos dar uma olhada nas cordas sintetizadas. 33. Estruturas sintetizados: Então nesta palestra vamos dar uma olhada muito, muito rápida em algumas cordas sintetizadas. Agora eu realmente carreguei um plug-in nativo para o FL Studio, que é chamado Citrus. Você pode encontrá-lo aqui em cima. Sob mentes clássicas pecadas aqui. Você é como poderia estar aqui dependendo de quantos plugins você tem. Mas este plugin vem com todas as versões do FL Studio. Então, se você quiser usar algumas dessas cordas sintetizadas sons de como você pode. Ok, então o que nós vamos fazer é entrar para o plugin e eu vou clicar com o botão direito do mouse nesta opção presets. E ele vai abrir essa janela enorme com todas essas predefinições. E eu vou descer para enviar corda. E eu vou clicar nele. E vamos percorrer alguns desses sons sintetizados de cordas. Se você estiver usando uma string de envio, novamente, eu apenas aconselho você a usá-lo deliberadamente. Não tente usá-lo no lugar de uma corda real porque não vai soar o mesmo. Será que eles não soam tão bem como cordas da vida real? Então, se você está procurando um som de string real, talvez baixar um sampler ou uma daquelas fontes de som que eu estava falando na última palestra. Mas vamos dar uma escuta a estes agora. Eu vou tocar o padrão e é o mesmo padrão que tivemos nas duas últimas palestras, mas estamos apenas jogando através dele e vamos ouvir algumas dessas predefinições. Vamos tentar o próximo. E a próxima. Ok, então há muitas cordas de envio e isso, há realmente cargas, olha, há leis neste plug-in. Eu vou tentar esta fase cordas você o que isso soa como realmente rápido. Então eles não soam exatamente reais, mas eles dão seu próprio tipo de vibe e tipo de efeito. Então, se você usá-los em suas faixas, certifique-se de que você está usando-os muito, muito deliberadamente. Então isso é tudo o que há para ele. Você só tem que encontrar um bom tipo de som de cordas sintetizadas. Eu não vou mostrar a vocês como fazer uma string sintetizada porque o processo é exatamente o mesmo que fazer um pad. Você só pode abrir o filtro um pouco mais para adicionar mais algumas dessas altas frequências. Mas eu aconselharia se você, se você quiser usar uma string sintetizada, há uma abundância de plugins gratuitos que você pode baixar com sons de cordas sintetizadas. Então esta é a palestra final nesta seção. Vamos passar agora a olhar para loops e quais loops externos são loops internos e como podemos adicionar variação e outras coisas a eles. Então vamos passar para a próxima seção agora. 34. Loops internos e externos: Então, nesta palestra, vamos ter uma olhada em loops internos versus loops externos. Ok? Então, um loop é apenas um padrão musical que se destina a ser repetido ao longo do tempo. Até agora temos feito padrões para tambores, acordes, pistas, etc. Mas um padrão é apenas uma palavra chique para um loop. E a principal diferença entre loops internos e loops externos é que loops internos são os loops que você cria dentro do escuro, seja gravando-os ou usando os dados para realmente fazê-los. Então, um exemplo de um loop interno seria este som sintetizador que eu fiz aqui. Porque eu mesmo fiz. Então eu fiz isso dentro, internamente no software. Está bem. E então um loop externo seria este um olhar que eu obtive de fora do DAW ou em outras palavras, ele não foi feito internamente aqui por mim. Está bem. Tudo bem, então isso é apenas um som de preenchimento que eu fiz em loop ao longo do curso da pista. Outra grande diferença é que você pode realmente mudar loops internos muito, muito facilmente. Então, se eu voltasse à sensação de que estávamos olhando há dois segundos, eu só aumentaria o zoom aqui nos nós. E eu posso muito, muito facilmente, Eu posso mudar esta nota F. E eu posso mudar isso para talvez um C-afiado se eu quiser. E é muito fácil para mim fazer isso. Ok? Mas o problema é que se olharmos para o loop externo, não posso fazer isso. Eu posso clicar em um cavaleiro, não posso mudar, digamos que este tipo de área de pico aqui. Não posso mudar isso. Ok? Agora podemos fazer algumas coisas com nossas habilidades de edição e outras coisas. Mas se ouvirmos o som desse tambor em particular, Phil, não posso mudar o som daqueles tambores que reutilizam. Não posso entrar lá e digamos que não gosto do som da armadilha que este laço usa. Não posso mudar isso. E isso porque é um loop externo. Mas o melhor é que há loops externos para absolutamente tudo. Então, se você encontrar um que você gosta, mas há algo pequeno nele que você não gosta. Não vai demorar muito para encontrar um diferente que você gostaria de tudo. Agora a coisa é com loops externos também. Pode ser muito tentador usá-los sozinhos. Ok, então, você sabe, há, há loops para tudo. Então você pode baixar loops de pontapé, você pode baixar loops de sintetização, você pode baixar loops de base. Você pode baixar loops de bateria, você pode cada elemento nesta faixa que você pode realmente apenas baixar um loop externo para e arrastá-lo para dentro e criar sua faixa fora de loops externos. E isso pode ser muito tentador. Mas então não há realmente nada original na pista. Porque, como você realmente não fez nada sozinho, tudo o que você fez foi apenas tipo de colado em alguns loops que outra pessoa fez, então essa faixa não é muito original. Então, a maneira como devemos usar loops externos é como uma camada ou além dos outros loops internos que criamos em nossa pista, os loops externos mais comuns que você provavelmente usará. Nossos loops de bateria são loops de precaução como este. Só para preencher algum espaço extra nos tambores. Se eu, apenas, se eu apenas sozinho, desculpe se eu apenas solei a seção de tambor aqui, assim. E talvez estes. E eu só vou tocar o loop de tambor sem aquela camada adicional dentro E agora se eu adicionar nesse loop externo, desculpe, há um Filtro 1 é eu vou ligar isso de volta para que possamos ouvi-lo corretamente. Então agora se eu adicionar de volta naquele loop externo novamente, e se eu retirá-lo de volta. Então o que eu estou fazendo é eu estou usando este loop externo além do meu próprio loop interno, que é a bateria. E apenas outra razão pela qual nós adicionaríamos nossos próprios loops em cima dos loops externos é porque se usássemos apenas esse loop em particular ao longo, toda a faixa ficaria muito repetitiva. Ok? Então nós adicionamos em nossos próprios bits extras para que possamos criar variação. E então talvez você possa adicionar neste pouco quando uma espécie de introdução termina talvez. E então você pode adicionar alguns bits extras enquanto a faixa se desenrola. Então ele mantém a faixa progredindo, ao contrário de se você apenas usar esse loop e colá-lo todo o caminho, não há nada realmente mudando o tempo todo que isso está sendo reproduzido. E isso pode ficar muito, muito chato para o ouvinte. Portanto, certifique-se de que você está adicionando em seus próprios loops internos e seus próprios elementos em cima dos loops externos. Então vamos apenas ter uma escuta rápida para isso, talvez até aqui, este tipo de seção de uma pista técnica onde eu incluí alguns loops externos. E este aqui, que é o verbo de massa e efeito que estávamos olhando antes. Mas eu realmente usei estes para preencher espaço e adicionar ao meu próprio arranjo onde eu usei alguns loops internos como este sintetizador, a base, e onde eu fiz meus próprios sons de bateria. Então vamos dar uma escuta agora e depois vamos passar para a próxima palestra, que está usando loops externos. Então eu espero que você possa ouvir a diferença de que os loops externos estão fazendo essa faixa. Vamos passar para a próxima palestra agora, onde estamos olhando para usar loops externos. 35. Usando loops externos: Então nesta palestra vamos usar loops externos. Então, quando usamos loops externos, estamos usando isso como uma adição ou uma camada para nossas próprias idéias. Então eu já tenho o principal tipo de fundação de uma pista aqui. Mas vamos passar por isso e vamos adicionar alguns loops externos adicionais. Ok, então eu só vou tocar a faixa pode ser até a gota por aqui. E depois vamos para os pacotes de amostras aqui, vou ver como adicionar alguns loops externos à faixa que já ouviu a faixa agora. Ok, então eu já adicionei alguns loops externos. Eu tenho isso que é um enchimento de tambor. E eu realmente fiz um loop aquele enchimento de tambor aqui. Isso é apenas criar intensidade extra à medida que o acúmulo progride. E se eu o tirasse, soaria assim. Ok. Então, quando você está usando isso, este loop externo como uma camada, ele pode realmente aumentar a intensidade de sua faixa. A mesma coisa aqui em cima eu tenho outro daqueles loops de verbos em massa que estávamos olhando antes. E isso é apenas para preencher o espaço vazio no fundo da gota. Então vamos para os pacotes de amostra agora e vamos ter uma escuta para alguns dos loops externos que eles têm aqui. E então vamos adicionar alguns deles ao nosso acordo. Ok, então eu vou chegar a este pode ser Hyper Deep Dub tech sample pack e abrir a seção Wave. E aqui vemos que temos todos esses tipos diferentes de loops que podemos usar. Então eu estou abrindo os loops de bateria e vamos para alguns loops de chapéu e top ou alguns chapéus adicionais que talvez pudéssemos adicionar aqui. Então, vamos ouvir alguns desses. Ok, então eu gosto do som dessa bobagem, ou bobagem ou o que quer que seja. Eu gosto de dizer que este loop. Então eu vou arrastá-lo para dentro e, em seguida, substituí-lo aqui porque eu acho que esta parte do arranjo está um pouco vazia. E como você pode ver com este loop, ele realmente se estende para além desta pequena frase de 4 barras. Ok? E a razão para isso é porque quando você arrasta em um loop externo para nem sempre vai ser ligado ao seu BPMN. Então, como você pode ver aqui, este loop que acabamos de escolher está definido em 120 fiv BPM, mas nossa faixa está definida em 138. Então o que eu preciso fazer agora é clicar nesta pequena forma de onda mini no canto superior esquerdo do clipe. E depois preciso de vir aqui para me ajustar ao ritmo, está bem? E vai abrir esta pequena janela. E geralmente a estimativa é bastante precisa, mas às vezes pode estar desativada e você pode ter que digitar você mesmo clicando, digitando BPM. Mas se você não sabe e a estimativa parece estar longe, você pode realmente dizer a ele para examinar esses diferentes então você faz uma estimativa e você meio que adivinhe o que você acha que pode ser? Teria sido talvez 50 a 100 ou seria um 100 a 200 BPM? E o software então vamos escanear o clipe e terminar sua têmpora. Mas neste caso, o 125 que está estimando é realmente bang on. Então, vou clicar nisso. E agora você pode ver que o loop se encaixa em nossa frase de 4 barras. Então você pode ter que fazer isso com seus loops externos ou talvez em um software diferente, eu acho que capaz de sincronizá-lo automaticamente e coisas assim. Mas, mas FL Studio basta clicar que pequena forma de onda mini e, em seguida, bater Fit a temple. Então vamos ouvir o que esse loop soa como no arranjo agora desde o início. Ok, então eu gosto do tipo de textura que esses chapéus externos adicionais ou acrescentando. Então vamos colá-los aqui na seção de entrega só para encher algum espaço vazio aqui. E talvez vamos entrar e vamos olhar para adicionar um loop de percussão talvez. Então, vamos ouvir alguns desses. Ok, então eu gosto do som desta, esta jóia do parque A. Então eu vou arrastar isso para dentro e eu vou ver como soa aqui na seção de entrega junto com todo o resto. E novamente, você vai notar que o loop como estendido após a frase de 4 barras. Então eu esqueci de fazer naquela hora, mas nós temos que ajustar o ritmo, um 125. A estimativa é estrondo. E agora ele se estende até o nosso BPM. Vamos ouvir de novo, e desta vez no tempo. Então vamos abaixar isso na faixa do mixer porque é um pouco alto e reproduzi-la novamente. Então você pode ver a importância de adicionar esses pequenos loops externos adicionais em cima de seu próprio tipo de loops internos que você construiu. Vamos entrar e dar uma escuta rápida que talvez alguns dos loops musicais que poderíamos adicionar. Certo, então vamos arrastar esse loop em particular. Gosto do som disto. Coloque-o lá. Novamente. Temos que ajustar o ritmo. E um 125, parece reconhecê-lo, então vamos apenas clicar nisso. Agora, se ouvirmos esse loop musical que acabamos de adicionar. E então nos juntamos a um dos loops musicais que já temos. Ok? Você deve ter notado que isso soa horrível e isso é porque ambos estão em chaves diferentes. Este clipe tem uma chave definida e é realmente diferente do loop interno que fizemos aqui. Então, não só temos que esticar o tempo dos loops musicais, como também temos que colocá-los na chave da nossa faixa. E esse processo não é diferente de ajustar nossas amostras de tambor. Então, se você se lembrar dessa seção, basta clicar duas vezes nela. Adicione a amostra ou a coisa que você deseja lançar adicionado à faixa do mixer. Abra o plugin Edison, que é por aqui. E então o que fazemos é entrar na janela de amostra. Deixe-me arrastar esse som para o Edison. Clique com o botão direito do mouse em realçar regiões e desça aqui para detectar regiões de pitch. E o que isso faz é nos mostrar o tom deste clipe em particular. E eu posso ver F afiado E, Então parece ser centrado em torno de ie. E se olharmos para o tom de, se olharmos para a chave da nossa faixa, podemos ver que a atração está centrada em torno de G. Sim, então é centrada em torno de G. Então precisamos remendar isso para G. Então usando o tom vamos ouvir. E lembre-se, toda vez que você ver um $0.100 aqui em cima, é um semitom. Então nós vamos pegar isso de E. Um $0.100 seria f, outro, $0.100 seria F afiado, e então outro $0.100 seria G. Então agora este clipe é lançado para G. Então agora este clipe é lançado para G. Então, se ouvirmos, se ouvirmos de novo, nosso próprio padrão de loop interno e o padrão de loop externo, ele deve soar melhor e deve soar na chave. Então vamos ver como essa seção inteira soa agora com os loops externos adicionais. Então há loop de música, há loop de percussão, e há loop de chapéu em conjunto com nossos próprios loops internos. Então o chute tambor que adicionamos, os instrumentos, nós adicionamos a base, o outro instrumento aqui em cima. Ok, vamos ver como isso soa agora. Então você pode baixar muitos loops externos da internet e você os encontrará nesses pacotes de amostra. Ok, então você pode baixar exemplos de fatos e eles vêm com todos esses tipos de loops externos que você pode usar. Mas eu quero muito, muito rapidamente mencionar um site que você pode ir, que é chamado de super-homens. Ok? E quando você, quando você se conecta ao Superman, você pode literalmente procurar qualquer tipo de loop, como qualquer tipo de gênero. E ele meio que palavra-chave. Você pode digitar cordas, você pode digitar o tambor de pontapé, e ele vai lançar um monte de loops que você pode usar. Então eu tenho loops aqui em diferentes tipos de gêneros que eu procurei, faca, loops de guitarra. E todos esses loops são gratuitos para baixar e usar gratuitamente. Certo, vamos entrar em alguns desses. Ok? Então o que você pode fazer é fazer logon em homens looper e você pode baixar seus próprios loops externos gratuitos para usar em suas trilhas. Na próxima palestra, analisaremos a adição de variação aos nossos loops internos. Então estamos começando a entrar na seção de arranjos agora onde estamos começando a construir a pista e nos concentramos em como a pista está progredindo. Então vamos para aquela palestra agora. 36. Adição de variação a loops internos: Então, esta palestra é toda sobre adicionar variação aos loops internos. Então, temos feito montes de loops internos ou fatos. Agora é hora de adicionar alguma variação a eles. Como o EDM é um gênero tão repetitivo, variação não acontece tanto quanto outros estilos de música. E quando isso acontece, a variação nunca se afasta muito do loop original. Então só alteramos o ritmo ou as notas. Ligeiramente. Variação pode ser adicionada quando você sente que o padrão está acontecendo por muito tempo e precisa de algo novo para quebrar a monotonia. Alguns ótimos lugares para adicionar área de variação em transições semelhantes ou a segunda metade da queda, talvez a segunda quebra ou a segunda queda. Em qualquer lugar que você sinta que precisa adicionar uma lufada de ar fresco. Ou talvez você queira apenas fazer uma pausa do loop principal por alguns segundos antes de saltar direto para dentro. Então, se você olhar para padrões de bateria, nós realmente não adicionar variação para o loop em si. Nós apenas removemos elementos ou adicionamos elementos em. Então, para olhar para este padrão de tambor aqui, vou apenas destacar os diferentes elementos que temos. E como você pode ver, começa com o tambor de chute e este aplauso. E então eu adiciono este chapéu aberto. E então, enquanto ele continua, eu adicionei outro chapéu fechado. Eu adiciono neste chapéu de enchimento, e adiciono outro chapéu aberto novamente como uma camada. Então nós estamos realmente adicionando elementos à medida que o loop progride. Então, se eu tocar isso para você rapidinho, você vai ouvir que começa com o chute, as palmas e este mini chapéu. E então, como ele continua, adicionando mais elementos, OK, então eu vou apenas iniciá-lo aqui apenas não seja suficiente para pulmão. Certo, vamos ouvir agora. Outro nível fundamental, este loop é exatamente o mesmo. Quero dizer, ainda tem o mesmo tipo de espinha dorsal. Tudo bem, então isso é o jogo, mas nós estamos realmente apenas adicionando elementos extras e isso está criando variação. Então lembrem-se, no início do curso, quando estávamos olhando para fraseamento binário, este é o momento de utilizar esse conhecimento. Então, quando estamos construindo nossos loops de bateria, adicionamos um novo elemento a cada oito barras. Ou se você está tentando diminuir a tensão, como digamos o outro, nós realmente removeríamos um elemento a cada oito barras. Então o que estamos tentando fazer é que estamos tentando fazer o ouvinte ir, você sabe, oh, algo mudou lá. Eles precisam notar que algo mudou na pista e isso impede que a faixa se torne muito repetitiva. Então vamos dar uma olhada agora nos elementos instrumentais. Então eu tenho esse padrão de acordes e esse tipo de linha de base. E a linha de base está tocando exatamente o mesmo padrão rítmico que os acordes. Então é literalmente apenas copiar e colar o tipo de notas inferiores do padrão de acordes. Então, vamos ouvir como isso soa. Ok, e como você pode ver em toda a gota, é o mesmo padrão. É uma árvore padrão que atravessa todo o caminho. E este pintor, em vez de piano, este pintor, e este atravessa toda a gota também. E esta base número dois, ela atravessa todo o caminho. Então isso é muito, muito repetitivo. Então o que eu poderia fazer é neste tipo de oito barras finais da queda, eu poderia adicionar alguma variação aos padrões. Então, se viermos aqui para o padrão três, e vamos apenas solo para que possamos ouvir o que parece. Ok, então uma maneira de adicionar variação seria adicionar algumas notas extras acima. Então o que eu vou fazer é copiar os padrões para que o ritmo dos padrões ou que não estão mudando a idéia geral. E agora o que vou fazer é entrar e, oops, vou mudar um pouco do norte. Então eu vou fazer uma pequena melodia em cima. Então eu poderia deixar esses dois sendo um salto até G porque é o acorde de E-Mor. E então talvez saltar para G novamente para este nó. E então esse próximo tipo de padrão rítmico e a segunda barra. Agora, esta é na verdade a nossa chave porque podemos ver que estamos realmente usando um acorde de B. Então temos que ser a, D e F afiados. Ok, então eu vou lançar isso. E eu disse que isso pode ser até o B. E oops, eu poderia mudar este bilhete para um D para imitar este aqui em baixo. E eu poderia mudar esta nota para um F afiado para imitar este F afiado aqui em baixo. Então eu poderia fazer a mesma coisa com padrões de discórdia. Então eu vou mover isso talvez para baixo para um G para imitar este nó aqui em baixo. E então eu poderia aumentar o tom deste nó para ser, para imitar isso não aqui em baixo. Então eu abaixo esse arremesso. Então, estou copiando o mesmo tipo de ideia que fiz aqui. E talvez houvesse este até um “D” . E a razão pela qual estou baixando este em vez de contratar, porque a próxima barra, o próximo tipo de frase é, na verdade, com um pH mais baixo. Então, se nós contratamos isso, se nós colocamos isso em um B, não faria sentido para a melodia tipo de contorno da melodia saltar direto para baixo. E até agora o que temos feito é que temos sido um pouco suaves. Temos andado a subir, a descer. Por isso, é importante manter o contorno da sua melodia o mesmo. Então eu vou mover isso para baixo. E então com esta seção novamente, eu só vou mudar algumas das notas. Então nós temos um C afiado, mas estamos na corte de C. Então eu vou mudar isso para um C. E então eu vou mover este bilhete para um E. E então talvez nós vamos mudar este norte para um D. Apenas veja como isso soa. Então esta é uma espécie de variação do padrão original. Não vai soar diferente ritmicamente, mas vai soar diferente harmonicamente. Certo, vamos ouvir. E se copiarmos todo este padrão e o trouxermos para esta árvore de piano ou PAN R3. E apagamos isto. E na verdade eu vou lançar isso na oitava porque eu acho que o padrão original estava abaixo da oitava e soava assim. E então, se ouvirmos isso na segunda metade da entrega, soa assim. Ok, então outra maneira de adicionar variação seria para, vamos apenas excluir esse tipo de melodia que criamos. Edite, exclua e exclua o CNO extra Stan aqui. Então, outra maneira de adicionar variação seria remover algumas das notas do padrão. Então vamos remover, talvez não haja, e talvez isso não. Está bem. E isso é através da mesma coisa aqui que removeu as primeiras notas na segunda batida. E talvez as mesmas notas novamente, esta na terceira batida, é o terceiro passo. Ok, vamos rapidamente fazer a mesma coisa aqui. Certamente estes, oops, excluir estes e talvez excluir estes. Então. Talvez você possa apagar este do meio aqui. E então podemos apagar este longo aqui. Está bem? Então agora o padrão mudou ritmicamente, mas ainda soará fundamentalmente como os mesmos padrões originais. Então vamos ouvir o que parece. E o que isso faz é abrir você para usar outros padrões, em seguida, em cima dele. Então você poderia adicionar em uma pista, desculpe, eu só vou colar o e neste instrumento apenas para que nós tenhamos consistência. Mas eu sou, você pode então adicionar um, outro elemento aqui porque você criou espaço, mas levando alguns dos nós, você criou algum espaço extra para adicionar em outro elemento. E olhamos para isto de novo, deixa-me chegar aos elementos de condução quando estamos a falar de arranjo, está bem? Porque elementos de condução são muito, muito importantes para ter uma boa estrutura em sua pista. Mas por enquanto, basta notar como a variação que adicionamos, nós apenas tiramos algumas notas, então o padrão soa um pouco diferente, mas a idéia fundamental ainda está lá. Ok, vamos ouvir. E, finalmente, enquanto estamos no assunto de adicionar variação, o lugar mais importante para adicionar variação é em sua transição. Então esta pequena seção aqui, esta é uma transição de diversos. Está bem? Estamos a fazer a transição do verso para a gota. Está bem? E como você pode ver, quando essa transição estava chegando, em primeiro lugar, essa subida ridiculamente alta estava meio que sinalizando que algo estava vindo. Mas o ponto principal aqui é a transição real em si. Então o que aconteceu na transição foi que esses elementos do tambor foram realmente removidos. Há um loop de preenchimento adicionado em. Ok. Então, o que a variação nesta seção de transição faz é meio que nos tira da idéia principal apenas por uma fração de segundo. E então ele nos mergulha de volta. Quando a entrega chegar. Estaremos olhando para transições de novo corretamente em pouco tempo. Mas é bom estar ciente de que adicionar variação aos seus loops internos nas seções de transição é importante para o fluxo geral da sua trilha. E na próxima seção vamos dar uma olhada nos efeitos para EDM e vamos aprender por que esse ladrão de lojas muito barulhento estava sendo usado na pista. 37. Elementos principais do EDM: Portanto, os efeitos são um aspecto muito importante da música eletrônica. E o que eles fazem é que significam quando algo na pista está prestes a mudar. Eles também podem significar quando algo na pista mudou. Então, um exemplo seria mostrar que uma nova seção está chegando. Como aqui. Estamos passando da introdução para a seção de detalhamento e estamos usando esse efeito para mostrar que ele está chegando. Estou usando esse efeito para mostrar que a mudança aconteceu. Ok, então vamos dar uma escuta para este upsweep por conta própria. E agora vamos dar uma escuta a este efeito reverberação de tambor por conta própria. Certo, então vamos ouvir isso no contexto agora. Então esse aumento vai nos trazer da seção de introdução. E esse efeito de reverberação do bolo vai nos trazer para a seção de avaria. Está bem? Portanto, há tantos tipos diferentes de efeitos através dos nossos efeitos pulmonares. Há efeitos curtos. Há varrimentos para baixo, varre elevadores para baixo levantadores, impactos. Há símbolos inversos, há símbolos afetos. Há tantos efeitos diferentes que podemos usar em nossas trilhas. Então vamos pular para a próxima palestra onde vamos olhar para os efeitos no contexto e vamos olhar para como usá-los em suas faixas de EDM. 38. Escolhendo amostras de efeito: Então nesta palestra vamos dar uma olhada na escolha de efeitos. Agora o que eu fiz é que eu fiz o mesmo tipo de arranjo que tivemos na última palestra, e eu acabei de remover os efeitos que eu tinha adicionado. Então, estamos começando com um modelo em branco para adicionar em nossos próprios efeitos. Então, se viermos aqui para meus pacotes de amostras e eu vou rolar para baixo até onde eu guardo meus efeitos, como escolher aqui efeitos. E a primeira coisa que você vai notar é o grande número de diferentes subcategorias de efeitos que realmente existem. Agora isso pode parecer esmagador, mas eu vou simplificar um pouco para você aqui. Ok? Na verdade, só há três tipos de efeitos, está bem? E estes são efeitos que dizem que algo está por vir. Efeitos que dizem que algo aconteceu. E, em seguida, efeitos diversos que não se encaixam em nenhuma dessas duas categorias. Então, esses drifts de arcade aqui, estes seriam diversos. Ok. Estes são apenas afetos que não nos dizem que algo entrou e eles não nos dizem que algo mudou também. Certo, outro tipo de efeito diverso seria, vamos dar uma olhada aqui. Vamos, talvez, seus efeitos arranhados. E também talvez apareçam alguns efeitos de alarme. É para cima, ouça alguns desses. Isso é muito alto. Isso é realmente um efeito comum que é usado na seção de detalhamento. Mas de qualquer maneira, vamos dar uma olhada agora nos efeitos que nos dizem que algo está vindo. Então estas são as pernas se você está levantando levantadores. Ok. E há fatos que nos dizem que algo mudou. Então estes são os gostos dos seus levantadores. Então vamos ter uma rápida escuta através do arranjo pode ser até a entrega aqui. E vamos tomar uma nota dos diferentes tipos de efeitos que devemos usar. E ao longo das diferentes seções e da pista. Ok, então esta é a seção de introdução. Podemos usar um efeito aqui para nos dizer que o colapso está chegando. Então, para nos dizer que algo está prestes a mudar, então aqui nós usaríamos um efeito para nos dizer que essa mudança aconteceu. Aqui novamente, você pode usar um efeito que nos diga que outra seção está chegando, que é o acúmulo. E então um efeito que nos diz que essa mudança chegou. E, finalmente, novamente aqui, você pode usar um efeito para nos dizer que outra mudança está chegando, que seria a queda. Então é relativamente simples. São apenas três tipos de categorias principais. Mas todos esses tipos de subcategorias são divididos entre essas três categorias principais. Ok? Então vamos passar e começar a adicionar alguns efeitos. Então eu acho que eu vou adicionar em uma varredura cima e isso seria para significar que uma mudança está chegando. Então eu vou usar a varredura para este primeiro lugar onde notamos que precisávamos de um efeito para significar que algo estava vindo. Então vamos testar algumas dessas varreduras. Ok, então eu gostei do som da varredura 28, então eu vou arrastar isso para o nosso acordo. Vou deixá-lo lá, e então vamos movê-lo de volta para cá apenas para que ele tipo de encaixe no arranjo geral da pista porque a seção de avaria vem aqui. Então queremos que esse efeito pare antes da seção que ele está apontando, queremos que o efeito pare antes que essa seção tenha chegado. Ok. Então, eu só vou abaixá-lo na faixa do mixer. Na verdade, já está em uma faixa de mixagem, então tudo bem, a razão e a razão que esse efeito já está em uma faixa de mixagem é porque é o efeito que usei em primeiro lugar. Então eu obviamente gosto do som desta varredura de 28. Eu só vou deixá-lo lá por enquanto porque o ponto é que o mesmo, ok, então este efeito está varrendo e está nos dizendo que algo está vindo, que uma mudança está prestes a acontecer. Então, em seguida, precisamos olhar para inserir um efeito para nos dizer que essa mudança aconteceu. Então podemos usar vários tipos diferentes de efeitos. Podemos usar varreduras para baixo, podemos usar impactos, efeitos de símbolos, e vamos usá-lo, uh, seu som inexplorado. Ok, estes são bastante populares para seções de divisão de qualquer maneira. Então vamos ouvir esses ódio e explodir sentido. Ok, então vamos usar este hit inexploded 24. Vamos arrastar isso para o nosso acordo e deixá-lo-emos lá. Então eles vão deixar cair na primeira batida ou na seção de avaria. Desculpe. E eu só vou entrar e abaixar isso na pista do mixer para que não fique muito alto. Ok. Então vamos ouvir o que isso soa como até agora, apenas com a varredura para cima e então este Hazen explode e ok, então em seguida vamos adicionar um, outro efeito aqui que vai significar que algo está vindo. E essa é a seção de acúmulo que está aqui. Então nós podemos entrar e podemos usar um tipo diferente de aumento ou um tipo diferente de efeito desta vez talvez possamos usar uma elevação. E a diferença entre uma elevação ou uma subida é que um upsweep é todo tipo de ruído. É todo tipo de ar e uma elevação ou realmente tem um arremesso. Então ele tem uma espécie de sabe que você pode prejudicar. Mas isso não é importante porque eles estão todos sob a mesma posição e estão todos fazendo a mesma coisa. Então eu vou usar realmente primeiro vamos ter um ouvir alguns dos sons. Então vamos ouvir esta elevação ou vinte e oito. Vinte e nove, trinta. Basta encontrar um que nós somos como. Ok, vamos usar este 36 e eu gosto do som disso, então eu vou arrastá-lo para dentro e deixá-lo na lista de reprodução. E então vamos fazer com que se encaixe no nosso acordo. Agora, se aumentarmos, veremos que é realmente a forma de onda real termina antes da barra, antes da primeira barra do acúmulo. Então, novamente, como com qualquer tipo de loop externo ou qualquer tipo de amostra que estamos usando, devemos ajustá-lo ao nosso ritmo. Então, neste caso, eu só vou usar a versão estimada porque, como eu disse antes, geralmente é bastante preciso. Então vamos acertar isso. E lá vamos nós. Ele encaixa-o de volta a esta batida e podemos arrastar isto para a frente, então. E agora deve estar alinhando exatamente com a primeira batida da nossa seção de acúmulo. Ele é aberto na pista do mixer e nós vamos apenas abaixá-lo para que ele não domine todo o resto. E então vamos olhar para adicionar um elevador para baixo. Sim, então um tipo diferente. Então, da última vez que usamos um hit e exploramos som, vamos usar um down levantado desta vez. Então eu gosto do som desta esquerda ou número 39. Então eu vou arrastar isso para a lista de reprodução. E eu vou apenas deixá-lo lá. E porque o tipo de cauda desta amostra realmente não importa porque, você sabe, a extremidade traseira do clipe é completamente silenciosa. Nós não precisamos ajustá-lo ao ritmo porque não importa onde ele termina que importa é para este tipo de amostra onde o tipo de efeito, desculpe, é onde ele começa. E sempre que arrastarmos um clipe, ele sempre encaixará o início dele na grade. É apenas o fim do efeito que você tem que se preocupar, mas neste caso, está absolutamente bem. Então vamos diminuir o zoom novamente. E eu vou abaixar isso na pista do misturador. Então abaixe isso. E agora vamos ouvir esses dois efeitos. Então queria significar que o acúmulo está chegando e este aqui para significar que o acúmulo chegou. E eu vou apenas vir aqui rapidamente e ativar inteligente desativá-lo para nossos plug-ins pouco antes de pressionar play no caso de termos alguns problemas de atraso. Ok, então vamos ouvir agora. Ok, então finalmente vamos olhar para adicionar o tipo de efeito final para mostrar que a queda está chegando. E então mais um efeito para mostrar que a queda chegou. Certo, então podemos voltar para nossa seção de efeitos. E desta vez vou mostrar-vos uma espécie de truque que podemos fazer com os nossos pertences. E isso é que podemos reverter o som deles. Então, se gostamos do som de, digamos que gostamos do som de um desses efeitos de varredura. Ok? Então o que podemos fazer é, digamos que é o número dez, certo? Eu digo que gostamos do som disto. Então, quando nós arrastamos isso e gostaríamos do som desta varrendo para baixo, mas nós não queremos que ele varra para baixo nesta seção, nós realmente queríamos varrer para cima para nos dizer que a queda está chegando. Então o que podemos fazer é como nossas amostras de tambor. Podemos entrar aqui e abrir a janela de amostra. E podemos apertar este botão inverso. E isso apenas vira a amostra ao redor. E agora é transformado de uma varredura para baixo em uma varredura para cima. Então, novamente, estamos preocupados com o fim disso aqui. Por isso, temos de nos certificar de que o fim se alinhe. E como você pode ver, ele está caindo um pouco para trás do vírus. Na verdade, vou arrastá-lo muito rapidamente e apenas uma espécie de fila manualmente. Mas você também pode clicar aqui e ajustado tempo, se você quiser. Então vamos diminuir o zoom novamente. E agora o que podemos fazer é adicionar isto à pista do misturador e baixá-lo para que não vá dominar mais nada. E, finalmente, vamos adicionar em um tipo diferente de efeito para as gotículas fora em um efeito címbalo. E vamos tentar um destes pode ser 24. Ok, então isso é apenas jogar em Efeito de Pratos 27 apenas por causa disso. Ok? Agora, obviamente, porque só estamos preocupados com o início deste efeito, não precisamos fazer nenhum ajuste ao ritmo. E finalmente, eu vou apenas clicar duas vezes nele e adicionado à faixa de mistura como fizemos com os outros efeitos, abaixá-lo. E então nós teríamos uma escuta agora para o, Nós teríamos ouvido esta seção de fluxo. Então, a partir de meio caminho através do colapso, para o acúmulo e, em seguida, para a queda. Certo, vamos ouvir agora. Agora a coisa é que com alguns desses efeitos, eles não se encaixam muito bem. E eu estava passando por isso muito rápido. Mas você terá que se certificar de que o som de seus efeitos se encaixe no som de suas faixas. Então, os gostos deste efeito aqui, há um monte de ruído baixo e eu não acho que ele se encaixa no som geral da pista. Portanto, tenha cuidado para que quando estiver escolhendo seus efeitos, você sabe, certifique-se de que você está escolhendo efeitos que se encaixam no som geral de sua faixa, assim como você faria com seus instrumentos são seus tambores. Você tem que ter certeza que tudo em seus trilhos soa como se fosse parte da mesma família. Se você quer um tipo maior de sons de efeito. Então, digamos que no acúmulo aqui, você quer isso, esse tipo de efeito varrendo. Você quer que ele seja muito maior do que o som único que isso está dando. Você pode, é claro, camada em outros efeitos, você poderia ter cinco ou seis efeitos diferentes em camadas aqui. E todos eles estão contribuindo para um som de efeito maior que está dizendo ao ouvinte que algo grande está vindo. E você também tem que pensar assim também. Sabe, a entrega é uma grande parte. Então você provavelmente vai usar alguns efeitos sonoros maiores. Mas então, como a quebra, uma introdução aqui que você pode usar, você não vai usar seis ou sete efeitos diferentes aqui porque a quebra tem a menor energia de toda a sua pista. Então você só pode usar um tipo de efeito curto aqui ou talvez um efeito muito, muito sutil. Então pense nisso dessa maneira de pensar no fluxo geral de sua faixa e certifique-se de que tudo tipo de corresponda e deixe seus efeitos e dizendo ao ouvinte que algo grande está vindo quando algo pequeno como realmente vindo. Então certifique-se de que seus efeitos correspondem ao tipo de seções que eles estão apontando. Em seguida, vamos dar uma olhada rápida em como podemos fazer alguns de nossos próprios efeitos. 39. Criação de sons de efeito: Então, nesta palestra vamos olhar para fazer nossos próprios sons afetos. Então, o efeito mais fácil de fazer é o aumento. E o que fazemos é pegar um sintetizador muito, muito básico. Então eu levei literário D3 vezes oscilador ou a árvore XOR c ou seja lá o que você chama, é literalmente apenas três osciladores, exatamente o mesmo oscilador. E o que podemos fazer com isso é que podemos definir os osciladores para produzir ruído. Ok, então eu vou desligar o segundo oscilador completamente e eu vou desligar o terceiro completamente só para que eles não estão interferindo com o som. Então nós estamos usando apenas este oscilador e ele está definido para esta configuração de ruído. Ok? Agora você pode usar qualquer sintetizador para criar ruído, mas eu vou usar o oscilador 3x só porque ele é muito, muito simplista e economiza CPU. Então vamos fechá-lo. E o que vamos fazer é desenhar talvez um padrão de ruído de oito barras. Então são quatro barras, como podemos ver. Então traga até oito barras aqui. E vamos colar este padrão, em seguida, na janela da lista de reprodução. Então agora o barulho soa assim. E se não é muito bom ouvir, mas o que podemos fazer é automatizar o volume. E então esta é a configuração de volume aqui ou desculpe, não, essa é a panorâmica. Este é o volume aqui à direita. E, mas o que fazemos é clicar com o botão direito do mouse lembrar e criar nosso clipe de automação, ok? Então podemos arrastar os pontos de ancoragem da esquerda para baixo para que fique silencioso no início. E à medida que o padrão se desenrola, ele lentamente fica mais alto e mais alto. Nós também podemos ajustar a forma da curva arrastando este bit do meio aqui. Então eu só vou arrastá-lo para baixo. Então não é uma espécie de linear e uma espécie de aumenta gradualmente com esta curva exponencial. E vamos apenas ouvir como isso soa agora. E se você quiser fazer essa varredura soar melhor, o que podemos fazer é aplicar um filtro. Vamos entrar aqui agora para o plugin e vamos atribuí-lo a uma faixa mixer como esta. Agora está na pista um e vou abrir um filtro. Então eu vou escolher o filtro amado frutado padrão. E vai abrir. E o que temos aqui com o filtro é uma espécie de não diferente do filtro em um sintetizador estará olhando para filtros com um pouco mais de detalhes. Deixe-me começar a misturar, mas por enquanto, tenho certeza que reconhece o ponto de corte e os parâmetros de ressonância aqui. Então eu só vou baixar a ressonância totalmente e vamos automatizar o som do corte. Então vamos clicar com o botão direito e dizer criar clipe de automação. Feche o plug-in de filtro. E então nós vamos descer aqui para os pontos de ancoragem e vamos arrastar o ponto de ancoragem direito para cima para que o filtro se abra enquanto o padrão está tocando. Então vamos ouvir como isso soa agora. Então essa é apenas uma maneira realmente básica de fazer o seu próprio ruído branco tipo de aumento. Então eu vou excluir esses padrões agora e nós vamos apenas dar uma olhada em talvez fazer alguns efeitos de símbolo. Então, se nós viermos aqui e nossos pacotes de amostras, e eu vou entrar no meu pacote de amostras de tambor e eu vou adicionar apenas um tipo simples de som de colisão. Vamos encontrar um. Ok, vamos usar este aqui. Porque este não tem nenhum efeito sobre ele já. E isso é apenas loop nesta seção para que ele não continue loop. Teremos uma escuta a outra centrada. Agora o que podemos fazer com isso é que podemos adicioná-lo à pista do mixer. E podemos aplicar alguns tipos diferentes de efeitos. Então, digamos que aplicamos um efeito de reverberação. Agora só vou escolher uma predefinição, mas vamos passar por todos esses parâmetros e o que eles significam quando chegarmos a reverb que mistura. Mas, por enquanto, vamos escolher uma predefinição talvez grande salão. E vamos abrir um efeito de atraso. Então eu vou usar o banco de atraso frutado. E novamente, vamos olhar para o que o atraso faz e a seção de mistura. Mas, por enquanto, vamos escolher um som divertido de atraso. Vamos clicar neste clássico ping-pong. E se ouvirmos o som do prato agora, com todos esses efeitos aplicados, soa assim. Ok, então vamos excluir isso agora e vamos dar uma olhada em fazer um efeito de som riser ou uma elevação ou então eu vou vir aqui e eu vou mudar isso de volta para todos para que eu possa ver tudo que é tipo de carregado no, o padrão paleta. E eu vou substituir este oscilador 3x por pináculo porque temos usado até agora. Certo, então vamos substituir isso por Spire. E com cada sintetizador que você usa, ele virá com esta roda de dobra de pitch. E é aqui que podemos deslizar para cima e para baixo entre diferentes arremessos. Ok? Então o que eu vou fazer é definir a roda de passo para dobrar por 12 semitons porque 12 semitons é uma oitava. Ok? Agora eu sei que você deve ter ouvido que a idade é um ato de um AES, notas brancas, ou oito tons completos é uma oitava, mas 12 semi-tons compõem uma oitava. Então eu vou apenas clicar neste 12 para que quando eu dobrar habitual para cima, ele vai dobrar para cima por uma oitava completa. Certo, então vamos fechar isso agora. Não importa qual predefinição estamos usando. E colamos no, colamos no mesmo padrão, que é esse tipo de nota longa. Tudo bem? E se agitarmos este passo, dobrar a roda e, em seguida, vir aqui para as ferramentas, último ajustado. Em seguida, clique em Criar clipe de automação. Ele, criar um clipe de animação na janela da lista de reprodução. E podemos arrastar o ponto de ancoragem direito para cima para que a roda de inclinação se mova para cima como o local padrão. Vamos ouvir o padrão e vamos assistir a roda de inclinação enquanto ele toca. E se você quiser que isso se dobre ainda mais, você pode definir a roda de inclinação para dobrar mais alto. Ou você pode definir a roda de inclinação para dobrar em 12. E então nós podemos arrastar esta âncora esquerda pontos para baixo de modo que, modo que está subindo um ativo completo no momento em que ele atinge o meio, e então ele está subindo outro totalmente ativo no momento em que ele atinge este ponto de âncora direito aqui. Então eu notei quando estamos ouvindo lá que era meio silencioso e isso é porque eu ainda tenho esse filtro ligado. Então isso é apenas desligar isso e nós vamos ter uma escuta agora para este padrão. E eu vou abrir o pináculo para que possamos ver o que está acontecendo com o Pitch Bend. Nós vamos, ok. Então vamos ver isso como o lugar padrão. Então você pode usar este tipo de roda de dobra de passo e automação de técnica em qualquer sintetizador em sua pista. Então, se você quiser automatizá-lo para que o tipo principal de melodia em sua faixa seja lentamente dobrando e arremesso enquanto a acumulação está sendo reproduzida. Você pode fazer isso também. Então eles são apenas alguns efeitos básicos que nós mesmos podemos criar. Mas realmente não há necessidade de criar nossos próprios efeitos quando há fonte ou muitos efeitos que você pode baixar aqui. E você pode usá-los em seus trilhos. Então não há, não há necessidade real de criar o seu próprio, exceto por esta técnica de dobra de pitch, que pode soar muito bem quando você usa os elementos que você meio que já adicionou à sua pista. Mas fora isso, não precisamos criar o nosso próprio. Podemos usar alguns dos efeitos que vêm nestas amostras. Vamos passar agora para a próxima seção e vamos dar uma olhada nos vocais. 40. Introdução ao vocal para EDM: Então, nesta seção, vamos aprender tudo sobre o uso de vocais para EDM. As faixas de EDM costumam usar frases vocais, ganchos vocais, loops, costeletas, amostras, etc. Mas o que são todas essas coisas e como as usamos? Bem, isso é o que vamos aprender nesta seção. Então, antes de passarmos para a maior parte das palestras, eu só queria dar alguns exemplos de cada um desses tipos vocais. Vamos começar aqui no início com frase vocal, vai trazê-lo de volta. E eu tocarei de novo. Vou trazer de volta. O próximo que temos é um gancho vocal. Vamos ver como isso soa. Falando sozinho. Não consigo obter uma visão geral. Você só ama a si mesmo. É uma coisa que te obrigou a falar sozinha. Não consigo obter uma visão geral. Você só ama a si mesmo. É uma coisa que te obrigou a fazer. Vejamos agora um loop vocal. Certo? Tudo bem. Tudo bem, tudo bem. Vamos agora dar uma olhada rápida nas costeletas vocais. E agora vamos dar uma olhada rápida em uma amostra vocal. foi embora provavelmente agora ele mostrou para mim e eles os colocaram no chão é começar a chutar facadas em suas costas e você sabe o que, sobre a Síria. Vivos quando chegamos aqui. Ok, então é assim que cada um desses tipos vocais soam. Vamos passar agora para a primeira palestra nesta seção onde vamos dar uma olhada em frases vocais em detalhes. 41. Frases vocais: Ok, então o que são frases vocais? Bem, frases vocais e música eletrônica simplesmente se referiam a frases muito curtas ou frases que adicionam ao personagem. Então aqueles típicos, você sabe, 123 salto. Aqueles gritos que podem ser ouvidos antes da queda chegar, suas frases vocais. Assim, uma frase vocal pode ser usada em qualquer lugar ao longo da faixa. Seu trabalho particularmente bem antes da queda e em avarias, pois dá ao ouvinte algo familiar para se agarrar, que é a linguagem. Você definitivamente não quer usar demais as frases vocais. Então, se você estiver usando-os, basta escolher um ou dois e, em seguida, construir um padrão a partir deles. E a razão para isso é porque se você usar muitas frases aleatórias, sua faixa e som confuso e amador, cada elemento em sua faixa precisa soar como se fosse parte da mesma família e suas frases vocais não fossem diferentes. Portanto, certifique-se de que você não está usando muitos e eles se encaixam bem. Você pode encontrar frases vocais em pacotes de amostra, ou se você estiver se sentindo criativo, você pode gravar suas próprias frases. Então eu vou dar um exemplo aqui de algumas frases vocais e contexto. Ok, então há três tipos diferentes de frases vocais sendo usadas. Há uma frase ao vivo do anúncio, vamos ouvir. Ok. E então eu juntei isso com essa frase, que é a mesma mulher. Então é a mesma pessoa falando. Então ele meio que cola todas essas frases separadas juntas. Vamos ouvir esta frase no fundo da minha alma. E então quando viemos aqui para uma espécie de coro do colapso, temos essa frase vocal, que novamente é a mesma mulher falando e soa assim. Mas quando combinamos todos eles juntos, eles soam assim. Ok, eu vou apenas tocá-lo a partir daqui para que nós não estamos tão em ambos estes apenas ouvir este aqui e então nós vamos ter um ouvir este aqui. E eu movo essa amostra para ele do jeito que iria, nos deixa agora no fundo, não é tão profundo. Então você pode ver que este padrão vocal em particular é construído a partir de três frases vocais separadas. Então vamos ouvir a faixa completa, talvez até por aqui. E então vamos entrar no pacote de amostras e vamos dar uma olhada em tentar combinar algumas frases vocais juntas. Vamos ouvir agora. No fundo da minha alma, bem no fundo da minha serra. Ok, então vamos vir aqui para os pacotes de amostras e rolar para baixo até onde eu mantenho meus vocais. E eu estou indo para este pacote vocal cinco. E vamos adicionar aqui a frases vocais. Ok, então vamos apenas ouvir algumas dessas frases. Vamos começar com 18 aqui. Ok. Vamos tentar o 17. Stress 16151413, bandeja para fora. Ok, então você pode combinar tudo isso juntos para construir um tipo completo de padrão vocal. Então vamos descer aqui muito rápido e eu vou solo esta faixa, talvez duas ou três delas, e nós vamos apenas arrastar esta amostra, esta, desculpe, esta frase vocal, Mileva, ouça-a. Muito bem, agora vamos tentar juntar esta frase vocal com outras frases vocais. Vamos ouvir oito LBJ, cair, manter, Eu acredito. Ok, então esta voz em particular aqui, isso soa muito, muito semelhante a esta frase que temos aqui. Então eu vou arrastar esta frase. E como todos os nossos loops externos, nós também precisamos ajustar essas frases vocais ao nosso ritmo, ok, então estamos definidos em 128 aparecer. Então eu vou fazer o habitual e eu vou clicar em Ajustar ao ritmo. E eu vou apenas clicar na estimativa porque eu não sei o que essas frases vocais em particular estabelecem. Então, vou deixar o programa adivinhar por mim. E eu vou fazer o mesmo aqui com este. E está estimando cerca de 150. Então, agora vamos ouvir os dois juntos. Chave, por que acreditar, não. Então poderíamos usar essas duas frases vocais como um padrão vocal. Então, se eu duplicar isso e arrastar o segundo aqui para este bar, e eu vou voltar para cima e eu vou somar a música para a parte de música. E vamos apenas ouvir como essas frases vocais agora soam com esta linha de base e chute tambor. Ok. Vamos ouvir por que acreditar não. Mantenha o y acreditar, não. E você pode adicionar mais frases vocais ou ainda menos frases vocais dependendo do som da sua faixa. Mas tenha em mente que você não deve adicionar muitas frases vocais. Caso contrário, o som geral da sua faixa ficará um pouco confuso. Então meu conselho é talvez ficar com dois ou três e depois usá-los para construir um pequeno padrão vocal que você pode repetir em toda a pista. Então eu só vou deletar essas frases que nós arrastamos dentro e vamos passar agora para a próxima palestra, que é olhar para ganchos vocais. 42. Ganchos vocais: Então nesta palestra, vamos aprender sobre ganchos vocais. Então vamos gancho é apenas uma palavra chique para uma ideia musical que chama a atenção do público. E como música memorável e eletrônica, um gancho é como um trecho de um verso, um coro, e como mais longo do que uma frase e um loop, você pode essencialmente pensar nele como um mini filho. Agora, um gancho funcionaria melhor na quebra, mas eles também podem funcionar bem e a queda, você pode encontrar esses ganchos em pacotes de amostra ou você pode gravar o seu próprio. Mas a única coisa que eu vou dizer com isso é que se você está tirando Hawks de um pacote de amostra, você tem que se certificar de que o pacote de amostra é livre de royalties. E o que isso significa é que se você for rastreado vai para cima em plataformas comerciais de streaming como Spotify ou YouTube ou algo assim. Onde você está ganhando dinheiro de nós. Se você estiver usando um gancho que não é livre de royalties, você realmente deve a pessoa que fez esse gancho uma porcentagem de seus ganhos. Portanto, é muito, muito mais fácil verificar a descrição do pacote de amostra que você está baixando e apenas certifique-se de que ele diz livre de royalties. Você também não pode aceitar um abraço de outra música porque isso causaria problemas de direitos autorais. Se você realmente quer usar um abraço de uma música, você realmente tem que entrar em contato com o artista. Digamos que eu queria usar um abraço vocal de uma das faixas da Katy Perry. Teria de contactar a Katy Perry e pedir-lhe permissão para usar o gancho na minha pista. Se você tiver permissão, então não há problema em usar esse gancho em sua pista. Mas sem permissão, você pode correr para todos os tipos de problemas de direitos autorais, orientado aconselhar você a não usar gancho de outra pessoa em sua pista, a menos que você tenha permissão para fazê-lo. Mas se você gravar o seu próprio, então você não vai encontrar nenhum desses problemas porque esse gancho é 100% original e 100% pertence a você. Então, com isso sendo dito, vamos apenas ouvir este exemplo de um gancho vocal que eu tenho aqui, e nós ouvimos isso no contexto de um arranjo. Então aqui eu tenho uma espécie de seção de detalhamento e então ele se move para uma gota. E você pode realmente ver aqui embaixo que o gancho vocal continua depois da queda. Então vamos ouvir como isso soa. E então nós vamos vir aqui para os pacotes de amostras e vamos ver como adicionar ganchos vocais às nossas faixas. Ok, então vamos ouvir agora. Então é assim que um hub vocal poderia soar em uma faixa. Vamos entrar agora para os pacotes de amostras e vamos apenas encontrar alguns ganchos vocais para usar uma pista aérea. Então eu só vou rolar para baixo e eu vou usar este que já está destacado, que é loop masters. Kate Wild ganchos vocais. Acapella tem volume três. Ok, então eu vou vir aqui para a seção Wave Loop. E como você pode ver, ele abre todas essas pequenas subpastas. E os pacotes de ganchos vocais são ótimos porque 90% das vezes eles dão o BPM, eles dão a chave, e então eles dão o nome da soma. Então eu sei que minha pista é 127 BPM. E também sei que a chave da minha pista está em C-sharp, ok? Então vou tentar encontrar um gancho vocal que corresponda a estas duas coisas o mais próximo possível. Agora eu posso ver aqui que eu tenho um a dois, e um D menor. E D seria muito perto de C em ponto. Mas o único problema é que a minha pista não é Minor, ok? O meu é maior. Certo, então temos o acorde de C-sharp, E, F e G afiados. E esse é o tribunal de C-sharp major. Então, se eu fosse arrastar este D menor e, em seguida, lançá-lo para baixo para C afiado. Na verdade, estaria jogando em C-sharp menor, nazi major afiado. Então, se você não tem certeza de suas escalas, chaves e outras coisas, você poderia apenas fechar isso e então ir e encontrar um pacote de amostras diferente que não seja C maior. Ou outra opção seria levar em conta que este é em D menor e, em seguida, mudar sua faixa para que sua faixa está em D menor. Mas se você é como eu e já começou o acordo, isso pode ser um pouco meticuloso. Então o que vou fazer em vez disso é usar meu conhecimento de escalas e chaves, ok? Então eu sei que com C afiado maior, o menor relativo disso seria um menor afiado. Ok? E o que temos aqui é que temos um pouco de A-menor, então A-menor é muito próximo de um menor afiado. Então o que eu vou fazer é eu vou levar esta uma canção menor. E também está definido em 110 BPM, que está mais perto de um a sete. Então 97 é. Então eu vou pegar este aqui e eu vou fazer um teste alguns dos ganchos vocais desta pasta para arrastar para a minha faixa. Agora, se você não tem certeza sobre o major relativo e os mineiros relativos e coisas assim. Tudo bem se você pegar a chave da sua pista. Então vamos dizer que você é uma faixa é em D maior. Se você apenas Google, qual é o menor relativo de D maior, então o Google vai realmente responder isso para você muito, muito rapidamente e você vai descobrir que é B menor. Mas eu já sei que para a minha pista, um menor afiado vai funcionar. Então eu vou arrastar para dentro talvez esta parte para liderar. Sim. Então eu gosto que o som desta matilha conduza. Então vou arrastar isto para a minha pista. E eu vou colocá-lo lá. E eu vou apenas apagar os ganchos vocais que já tínhamos para que possamos começar de novo com uma lousa em branco. E então eu vou mover este gancho vocal que eu acabei de arrastar para o início dos meus arranjos, o início do colapso aqui, ok? Agora a primeira coisa que vou fazer com isto é esticá-lo para que se encaixe no meu ritmo. E podemos ver aqui que o software o escaneou e estimou que está em torno de 110 BPM. E se viermos aqui, podemos ver que o software é realmente bang on. Ok, então eu vou clicar nisso e ele vai esticar para mim. E então o que eu vou fazer é eu vou lançá-lo. Ok? Então eu sei que este gancho vocal em particular é menor. E eu sei que eu preciso transpor para que ele realmente esteja tocando em um menor afiado. Ok? Então eu só vou armar em $0.100. E se nos lembrarmos de antes que $0.100 é um semitom, então saberemos que lançá-lo em $0.100, vamos realmente lançá-lo por um semitom, que vai trazê-lo até um menor afiado. Ok, então agora isso é arremessado e esticado. Podemos fechar o amostrador e podemos ter um ouvir o que soa como em nossa pista. Vamos dar uma escuta agora. Então esse é o tipo de processo que você deve usar quando você está adicionando ganchos vocais à sua faixa. Mas no final do dia, é sobre o que soa melhor. Então, tecnicamente, se você é o gancho vocal está fora do tom. Se realmente soa bem, então não importa porque todos os ouvintes vão aqui é a versão final da sua faixa. Então, se soa bem, é bom. 43. Loops vocais: Então, nesta palestra, vamos nos concentrar em loops vocais. Então o loop vocal pode ser qualquer tipo de vocal que você pretende fazer loop ao longo do tempo. Eles não têm necessariamente que dizer nada, desde que seja baseado vocal e tenha algum tipo de elemento rítmico para ele. Os loops vocais trabalham pastagem tanto na queda quanto na quebra. No entanto, você não deve usá-los em toda a faixa. É melhor talvez desmaiar durante o intervalo. Deixe-o assumir durante a queda e, em seguida, ter uma seção sem vocais. Só ajuda a separá-lo. Você não quer aborrecer o ouvinte. Então, novamente, loops vocais podem ser encontrados em pacotes de amostra ou você pode fazer o seu próprio looping palavras diferentes e adicionando efeitos legais. Vamos ouvir este exemplo de um loop vocal que eu estou usando na minha faixa. Ok, então é muito, muito curto loop. Mas eu já o repeti muitas vezes ao longo do colapso e do acúmulo e chegando até a queda. Certo, então vamos ouvir o que parece no contexto. E então, como as outras palestras virão aqui para nossas costas de amostra e veremos como devemos adicionar loops vocais à nossa faixa. Ok, vamos ouvir agora um loop vocal no contexto. E realmente dizer, você realmente vê o, realmente, realmente dizer. A mesma coisa para cérebros são muito palavras muito boas. Ok, então é assim que um loop vocal soaria se você usá-lo em sua faixa. Vamos entrar na seção de trás de amostra e vamos rolar para baixo na minha pasta de vocais. Mileva, ouça alguns dos loops vocais que eu tenho. Então, como você pode ver, eles são meio que divididos em duas PPMs diferentes. O primeiro é 140, e o segundo é um a oito. Lembrem-se que dissemos antes que um a oito é um médium feliz. Bem, é por isso que esses loops vocais estão ajustados para 12z, porque é assumindo que quando você está tentando ajustar esses loops vocais ao seu ritmo, usando um BPM que é muito próximo de 128. Os loops vocais que são definidos em 140, em seguida, são projetados para faixas que são um pouco mais rápidas, como dubstep e drum and bass. Eu vou entrar aqui para o 128 BPM um embora, porque minha faixa está definida em 128, é apenas uma questão de descobrir qual BPM é mais próximo do que você disse em sua pista. Ok, então vamos entrar nesta pasta 128 BPM e vamos ter um ouvir alguns dos loops aqui. Então vamos pegar essa casa loops 34 e ouvir o que isso soa como. Vamos tentar 36. Agora vamos tentar talvez mais 391. Vamos tentar 40. Veja como isso soa. A música que encontrei. Ok, então vamos pegar o House Loops 40, e vamos arrastá-lo para o nosso projeto. E estamos carregados aqui. Ok, agora eu vou apenas apagar os loops vocais que eu já estava usando, só para que nós estamos começando de um modelo em branco. E a primeira coisa que vou fazer é certificar-me de que se encaixa na nossa propriedade do templo. Agora eu sei que já diz 128 BPM, mas eu vou ter certeza que ele se encaixa exatamente pressionando o botão de estimativa. Agora, obviamente, se sua estimativa está em algum lugar fora, se isso diz como 75, não clickers. Mas como parece muito perto de 120 dias, vou supor que o software sabe melhor do que eu, e vou clicar nele. Então agora que o ritmo do loop se encaixa no ritmo da nossa faixa, agora vamos descobrir a chave da nossa faixa e transpor ou lançamos este loop vocal para que ele se encaixe na chave da nossa faixa. Ok. Então eu vou clicar aqui para o nosso rolo de piano e eu vou verificar louco, a faixa está definida e eu posso ver aqui que é uma espécie de residente em torno de F. Então, se eu voltar para a lista de reprodução e clicar duas vezes no loop, ele abre a janela de amostra. E o que eu posso fazer é adicioná-lo a uma faixa de mixagem. E, novamente, faremos o mesmo processo. Nós adicionamos um plugin chamado Edison. E então arrastamos a forma de onda na música e colocamos no Edison. Pela minha alma. Eu encontrei. Está bem. E, em seguida, clique com o botão direito do mouse e, em seguida, desce para baixo e clique em detectar regiões de pitch. E o que isso faz é escanear o arquivo e nos diz qual chave está configurando. Então eu posso ver aqui que está em algum lugar perto de D-sharp, talvez D, C afiado. Então eu vou assumir que o primeiro está correto, e eu vou usar isso como base para lançar o loop vocal. Ok, então vamos fechar Edison vindo aqui para o loop vocal. Então eu sei que o loop vocal não é D-Sharp e minha faixa é um F, então eu vou ter que lançar isso um semitom para E e mais um semitom para F. então eu vou ter que lançar isso um semitom para E e mais um semitom para F. Então agora vamos ver se isso, oops, agora vamos ver se a chave deste loop vocal se encaixa na nossa caminhada. Ok, então eu acho que isso soa muito bem. Eu acho que este loop vocal soa como se estivesse em sintonia com a faixa. Então, uma vez que você tem seu loop vocal na chave e no tempo, nós podemos então colá-lo em toda a seção que você queria entrar. Então eu queria um pouco do meu colapso e, em seguida, entrar no acúmulo. E então podemos ter uma escuta para o som da faixa com aquele loop vocal nele. Eu só vou abaixá-lo porque é muito alto e ele foi desligado se encaixa na pista. Agora eu acabei de notar lá que há um pouco de um som clichê no final. E isso porque há um pouco de silêncio acontecendo entre cada loop vocal. Ok? Então, se eu chegar aqui e olhar para a forma da onda, eu posso ver que a forma de onda começa em algum lugar aqui, mas nosso bar começa aqui. Então, está um pouco fora do tempo. Então o que eu vou fazer é eu vou destacar este aqui. Eu vou subir aqui e eu vou clicar em esticar. E isso acende o estiramento. E então sempre que eu mover isso para fora, vai realmente esticar a forma de onda. Então eu vou esticá-lo para que o início desse tipo de pico da forma de onda comece no início de nosso Barnett, em algum lugar por lá. Então agora eu posso ver que o comprador combina com este tipo de pico da forma de onda. E eu vou voltar, vou diminuir o zoom e ver como isso soa agora. Então, vamos ouvir. Então eu acho que o loop soa bem agora. Então eu vou desligar esticar novamente para que sempre que eu arrasto outra forma de onda, ele não esticá-lo, ele apenas desenha este tipo de porção extra. Ok, a seguir, vamos dar uma olhada nas costeletas vocais. 44. Costura vocal: Então, nesta palestra, estamos dando uma olhada nas costeletas vocais. Então, uma costeleta vocal é quando você pega um gancho existente e então corta em pedaços menores. Essas peças, em seguida, fica embaralhado ao redor e talvez outras peças são excluídas. E você usa as peças restantes para criar um ritmo interessante, mas acelerado. Costeletas vocais funcionam muito bem se você não quiser usar um gancho ou se você não consegue encontrar um gancho livre de royalties. Então a razão para isso é porque você pode usar um gancho de qualquer música e, em seguida, capítulos além do reconhecimento para usar em suas faixas. Você também pode gravar seu próprio gancho para cortar, ou você pode apenas encontrar um em uma amostra de volta. Aqui está um capítulo vocal que fiz antes. E começou a vida como um gancho vocal. Vamos ouvir como soava antes de ser cortado. Faça isso como um. Isso é o que você não me faz. Às vezes, essas são as coisas que você me deu. Eu vi que eu me anunciava, eu sou todo comprado o caminho. Atrase-me. Ok. E agora vamos ouvir o que parece depois de eu ter cortado um pouco. Um DOM, agora, mantendo um DOM, agora amontoado. Então eu só peguei pequenos pedaços de todos os lugares por todo aquele gancho vocal. E então eu meio que os reorganizei e fiz esse ritmo. Vamos ouvir o que parece no contexto. Ok, então eu tenho esse tipo de quebra de música doméstica. Então, sempre que a Lição Dois no vocal soa como com essas cartas e os pads e outras coisas. Ok. Deixe-nos e agora significa um dom. O Dom. O Dom. Ok. Então, tenho certeza que você entendeu a idéia geral disso. Então o que vamos fazer agora é entrar em meus pacotes de amostras e vamos dar uma olhada em cortar nossos próprios vocais. Então eu vou fechar essa pasta de loops de casa que estávamos olhando na última palestra. E eu vou abrir um jarrete vocal. Então eu vou até aqui para um dos meus pacotes vocais completos e vou escolher talvez este. Há sessões vocais do mestre de produção Alexandra. Ok, vamos entrar aqui e podemos ver de novo, temos todas essas subpastas com diferentes Sachs. Agora, para ganchos vocais, não é tão importante achar um BPM que esteja intimamente relacionado com seu porque estamos realmente cortando o todo completamente e reorganizando todas as peças. Então não importa qual deles você escolhe. Então eu vou escolher, digamos que o 100 bpm um, que é cerca de 25 batidas por minuto de distância do meu projeto está configurado, mas tudo bem. Não precisamos que seja perto de 125. Então eu vou arrastar um desses ganchos aqui. Talvez arrastemos este verso. Vou colocá-la na lista de reprodução. E o que eu vou fazer é apagar as costeletas que eu tinha feito antes. E eu vou sozinho isso para que possamos aplicar alguns caras. Então há duas maneiras de aplicar costeletas, certo? Você pode vir aqui e você pode selecionar uma ferramenta de barbear e você pode passar por ela mesmo e meio que cortar esses pedacinhos para fora assim. Ou vou desfazer tudo isso e voltar para a exibição de amostra. Ok, então, então, você pode cortá-la você mesmo ou você pode chegar a esta pequena forma de onda como fazemos quando estamos tentando ajustar algo ao nosso ritmo. Clique nele e, em seguida, venha aqui para cortar. E você pode deixar o software fazer o corte por você. Ok, então você pode escolher todos esses tipos de ritmos aqui, mas eu vou usar o corte automático afiado para que eu possa fazer meu próprio ritmo. Se você escolher um desses, ele realmente reorganiza para você. Então, talvez apenas para demonstrar, vamos escolher este loop 112 e veremos que todas as peças agora eu tenho virado ao redor. Vamos ouvir o que parece. Bbb. Ok, então isso soa um pouco robótico, mas podemos escolher como tentar talvez outra configuração muito rapidamente pouco antes de fazermos isso nós mesmos. Vamos escolher talvez para começar. Vamos tentar isto. Ok. Então vou desfazer isso de novo. Agora, eu prefiro muito reorganizar todos os pequenos pedaços eu mesmo porque eu só tenho mais controle sobre ele e eu tenho mais controle sobre o ritmo e como o cara geral soa. Mas sinta-se livre para usar um desses tipos de configurações geradas automaticamente, se quiser. Mas eu vou selecionar aqui corte automático afiado. Ok? E a diferença entre OD médio e afiado é que afiado era tipo de olhar para cada um desses picos e calhas e suavizar ele vai cortá-la muito, muito precisamente. Enquanto que com dois automóveis lising, as costeletas que você obtém são menos precisas. Então o que vai acontecer é com corte automático afiado, você vai ter muitas pequenas costeletas para mexer com e retirar o corte de loteria. Você terá muitas fatias grandes para mexer. Prefiro que minha fatia tenha que ser menor. Então eu vou selecionar rachado. E como você pode ver, é uma espécie de analisar a forma de onda e capítulos dependendo de onde os diferentes picos e calhas estão. Ok, então vamos começar a reorganizar algumas dessas peças. Então eu poderia arrastar este pedaço e eu poderia começar um aqui embaixo. E eu só vou sozinho as costeletas em que estou trabalhando. Então eu queria ouvir o que eu estou fazendo com as costeletas, ok? E eu vou ter que ampliar aqui e ter certeza que é o, oops, eu vou definir isso para nenhum, só para que eu tenha controle sobre onde ele, exatamente para onde ele vai. E eu vou, eu vou colá-lo aqui. Então é exatamente na primeira batida do bar. Ok. Então eu vou voltar para o nosso vocal picado novamente. E vou diminuir um pouco para ver o que estou fazendo. E eu vou escolher talvez um segmento diferente. Então talvez este pequeno segmento aqui e arrastá-lo para cima. E podemos colocá-lo, digamos o próximo. Na próxima batida, colocamos no início e então usaremos outro segmento curto, talvez esse pouco. E vamos arrastar isso e começar o próximo passo. Vamos usar outro segmento para talvez aqui, vamos escolher este, arrastar isto e começar nesta etapa. E então talvez vamos tentar este e vamos arrastar isto e colocá-lo nisto. Ok, então vamos ver como isso soa até agora. E se gostarmos, vamos ficar com ele. E se não gostarmos de certos bits, podemos cortar e mudar e removê-los e começar a adicionar bits diferentes. Vamos ouvir o que parece até agora. Ok, então não parece muito terrível. Então, vou continuar. Vou acrescentar talvez este pouco aqui. Vamos vir e pegar algo do final. Talvez esta peça, na verdade, seja muito grande. Eu posso deixar isso para outra oferta, mas eu vou levar talvez esta peça menor porque eu tenho muitas peças grandes em minhas costeletas no momento, eu só quero usar mais algumas, peças menores. Vamos usar esta peça e colocá-la aqui. Vamos usar esta peça curta e colocá-la talvez aqui. E finalmente usaremos aquela grande peça que tínhamos. Ok? E isso nos colocou, vamos deixar isso aí. Ok, vamos ver como isso soa agora. Ok. O que eu vou fazer é cortar a cauda fora disso para que quando eu lúpus, eles se encaixem um pouco melhor, ok, assim. Ok, então vamos diminuir o zoom e eu vou voltar na minha configuração de grade e clicar duas vezes nisso para me livrar do loop. E então quando un-solo isso, e vamos apagar o gancho vocal original de cima dele. Eu vim até aqui e apaguei isso. E depois vou colar este padrão em toda a secção de avaria, está bem? Como este. Agora, agora antes de continuarmos ouvindo, temos que lançar isso para ter certeza de que está na chave. Então eu vou clicar duas vezes em uma das amostras adicionadas ao mixer, carreira e abrir Edison. E então vamos arrastá-lo para dentro assim. Então, querida, abraça-me perto. E, em seguida, vamos clicar duas vezes em regiões, detectar regiões de pitch. E vamos ver que tipo de chave estamos olhando. Ok? Então eu posso ver aqui que estamos olhando para C, B, C afiado, D afiado, F afiado. Ou, na verdade, em vez desse método, porque usamos um gancho vocal em primeiro lugar, podemos apenas olhar e ver aqui walkie, é, e então é na verdade em B maior. Então eu vou verificar a chave da minha pista, que é, eu acho G afiado menor. Deslocar-se até aqui. Sim, C-sharp Menor. Ok. Então novamente temos um major e um menor, uma espécie de confronto. Então nós vamos ter que olhar para os principais relativos aqui. Então minha pista está na chave de G afiado menor. E o major relativo de G-sharp mineiro realmente é grande. Então, na verdade estamos bem. Não precisamos fazer nenhum arremesso. Então vamos ter uma escuta agora para o colapso com nossas costeletas vocais lá dentro e ver como soa. Eu poderia recusá-los na pista misturador para nós apenas não era dominante. Vamos ter uma escuta. Ok, então agora quando você está fazendo suas costeletas vocais, você pode fazer o padrão um pouco mais longo. Agora são o nosso padrão era muito curto. Era apenas um comprador, e depois olhamos para isso o caminho todo. Mas você poderia fazer um 4 bar, você poderia fazer um 8 bar, você poderia até fazer um 16 bar longo vocal cortado. Isso é tudo diferente durante todo o caminho e isso criaria um monte de interesse para o ouvinte. Eu fiz um padrão de quatro barras aqui rapidamente, apenas para o propósito desta palestra. Mas quando você está criando suas faixas, você pode querer estender esse padrão para talvez quatro barras ou APRs ou, como eu disse, ainda mais. Ok, na próxima seção vamos olhar para o tipo final de voz, que são amostras vocais. 45. Vocais amostrados: Nesta palestra, vamos dar uma olhada nas amostras vocais. Então, um exemplo é quando você pega um pedaço de áudio de um trabalho existente, e então você usa esse áudio em suas próprias faixas. Agora, porque estamos pegando áudio do trabalho de outras pessoas, temos que ter muito cuidado com os direitos autorais. Então você precisará procurar permissão para usar o trabalho de outra pessoa em sua pista. No entanto, há algo chamado de domínio público. E o domínio público é basicamente um lugar onde você pode descobrir quais obras de arte e história. Na verdade, passei da data dos direitos autorais deles. Então melodias como a música tradicional de Feliz Aniversário já foram protegidas por direitos autorais. Mas agora, porque esta música é tão antiga, os direitos autorais para ela tem realmente um caducado. Então o que você pode fazer é que você pode usar o domínio público para descobrir tipo de obras de arte que estão livres de direitos autorais que você pode usar em suas faixas. Então, por exemplo, filmes americanos antes de 1964 estão prontos para usar. E filmes estrangeiros antes de 1923 estão prontos para usar. Programas de TV antes de 1970. O Sung está tudo bem antes de 1924. Você também pode apenas Google o que você está procurando, seguido pela palavra domínio público e você vai encontrá-lo. Então, por exemplo, canções folclóricas, Domínio Público. Vai lançar uma lista de músicas folclóricas que não têm mais direitos autorais aplicados. Muitas faixas de música house realmente provam música soul antiga e depois usam isso para formar um gancho. Então, nesta faixa de exemplo aqui, eu estou realmente usando amostras vocais de um pacote que eu baixei, que é chamado de vocais lo-fi. E neste pacote, há centenas de diferentes tipos de amostras vocais conduziram muito curtas as frases vocais. Mas, novamente, podemos usar essas frases para construir um tipo mais longo de voz para nossa faixa, ok? Mas todas essas frases de baixa ficção foram amostradas. Então, dentro desses fatores, frases de sistemas de navegação por satélite, de discursos que presidentes deram ao longo dos anos, de programas de TV, de todos os documentários e programas de rádio e todo esse tipo de coisa que podemos provar. Vamos ter um ouvir o som de algumas dessas frases de baixa ficção. Nutricional deve casa, igreja, homem, não-doente, mal-humorado. Quem? Esses estão em alemão e eu não falo alemão, então vou seguir em frente porque não entendo o que estão dizendo. Vamos tentar essas frases. Um a cinco. Conteúdo intelectual, radiante. Ao contrário dessas profecias, parecem tolas. Mas eu não acho que entrar na Internet dez andares rua alta porque diz verdades humanas olímpicas de na internet garantida e nova fronteira. Então, todos eles foram amostrados de uma peça de trabalho que já existe. Então vamos ter uma escuta para o exemplo Track onde eu usei algumas dessas amostras vocais de baixa ficção. E vamos ver como soa no contexto de uma pista de salto de Melbourne. Então o som é regido pelo número exato. Mas é aqui que o ser em massa foi feito a partir de duas experiências nas quais nosso mundo visual é base. E agora temos totalmente atingido este núcleo e esta influência asiática. Então eu não vou mostrar a vocês o processo de realmente encontrar essas amostras vocais porque é muito, muito simples. Se você apenas procurar por algo na internet, como talvez um velho programa de TV ou um velho programa de rádio, discurso favorito que você possa ter. E então se você baixar esse pedaço de áudio e arrastá-lo para suas faixas, que seria montado vocal, nós usamos vocais samplados da mesma forma que usaríamos frases vocais ou ganchos vocais. Você vai aplicar o mesmo tipo de efeitos e os mesmos princípios. Ok, então vamos passar agora para a próxima seção onde vamos aprender a manipular esses vocais. 46. Introdução à Manipulação: Então, nesta seção, vamos aprender algumas técnicas diferentes que podemos fazer para manipular o som de nossos vocais. Talvez você queira que eles soem mais alto ou mais baixo, ou talvez você só quer que o infame som vocal sintetizado Daft Punk vai estar dando uma olhada em coisas como mudança capataz, vocoders e duplicação vocal. Então, antes de entrarmos, vou dar um exemplo rápido dessas coisas para que saibam o que esperar nesta seção. Então, aqui em cima, eu tenho esses vocais originais. Então é assim que o vocal soa sem nenhuma dessas técnicas de manipulação vocal aplicadas. Vamos ouvir o que isso parece. Um dia, quando mais velho, olhando para trás para todos aqueles três, há nove. Um dia, quando mais velhos, encontraremos uma mágica morre. Agora vamos ouvir o que o Foreman Shifting faz com esses vocais. - Sim. - Sim. - Sim. - Sim. Agora vamos ouvir o que um vocoder faz. E finalmente, vamos ouvir o que a duplicação vocal faz com esses vocais. Um dia, quando mais velho, olhando para trás, um dia, vamos encontrar isso. Agora que sabemos como cada uma dessas técnicas soa, vamos pular para a primeira palestra, que é mudança de formante. 47. Mudança formant: Então, para esta palestra, vamos dar uma olhada na forma e mudança. Agora esta é uma técnica extremamente comum que é usada em house, tech, house, techno e muitos outros gêneros EDM. É usado principalmente em vocais e pode ser usado em um vocal principal ou mesmo em um vocal de apoio como uma camada. Portanto, antes de olharmos para como fazer fazenda e deslocamentos, é importante entender o que realmente é. Então devemos nos perguntar, o que é um formador? Bem, para resumir, um formador é a forma que sua boca faz quando está tentando criar um som de vogal. Ok, então, em inglês, nós os conhecemos comumente como AEIOU, mas na verdade há muitas, muitas mais formas do que essas cinco. Ok? Temos formas como Ooo, nosso ar, nosso óleo. Todos eles estão formando formas. Então, o que forma e mudança nos permitem fazer é que nos permite manipular esses formatos. Podemos usá-los para mudar gentilmente o som do vocal. Ou podemos ser muito mais extremos e criar uma espécie de som de demônio ou esquilo. O processo de formação de mudanças é muito, muito fácil e nós fazemos isso usando plugins. Então, antes de vir aqui para os pacotes de amostras e formar e mudar nossos próprios vocais. Vamos apenas ter uma escuta para esta forma e mudou vocal no contexto, e vamos ver o que soa como no arranjo. Então agora vamos encontrar um vocal e vai aplicar fórum e mudança. Então eu vou vir aqui para os meus pacotes de amostras. E novamente, eu vou rolar para baixo até eu entrar na minha pasta vocal, focar cinco, e nós vamos escolher qualquer um desses que você pode aplicar forma e mudar para qualquer tipo de voz. Então eu vou entrar nesses loops vocais e eu vou escolher um desses muito, muito rapidamente. Ok. Vamos rolar um pouco para baixo. Lugares. Festa. Ok, vamos usar este loop vocal 77. Está bem, vou arrastar isto. E eu vou colocá-lo no meu acordo. E eu só vou apagar o vocal que eu já tinha lá onde eu já apliquei alguma forma e mudança. E o que nós vamos fazer é apenas vamos solo isso e vamos aplicar alguma forma e mudança. Então aqui está o que parece agora antes de aplicarmos fazenda e movendo adereços, adereços. Então, para aplicar essa técnica, clique duas vezes nela. Abrimos na pista do mixer e vamos carregar um plugin de mudança de pitch. Então eu vou sozinho. E nós podemos entrar aqui agora você pode carregar qualquer tipo de plugin de lançamento como néctar isótopo. Na verdade, há plug-ins lá fora que são dedicados a esta forma e mudança. E eles realmente soam muito melhor do que o que podemos fazer aqui. Mas para o momento, eu vou usar um plugin muito padrão que vem com FL Studio e é chamado jarro, ok. Então a imagem é na verdade um plug-in de sintonia automática, então é projetado para vocais júnior auto , prop, prop, mas agora eu não tenho o auto sintonizado ligado, mas tudo bem porque nós não estamos preocupados com AUTO-TUNE. O que estamos preocupados é com essa seção de capataz aqui embaixo. Ok? Então o que eu vou fazer é ligá-lo pressionando esta pequena luz. Agora você pode ver que a luz está acesa e isso significa que o fórum e a mudança estão sendo aplicados. E a interface deste plugin torna muito simples. Dizem que se colocarmos a flecha aqui à direita, seus vocais soarão mais como uma mulher ou um esquilo. E se colocarmos os vocais aqui à esquerda, soam mais como um homem ou uma espécie de demônio gutural profundo. Certo, então vou deixar no Centro por enquanto. E eu vou fazer o loop da amostra que temos. Então esse loop vocal, ok, e então olhe para que ele continue tocando. E então eu vou aplicar o formulário e mudar como o lugar vocal para que possamos ouvir o que ele está fazendo em tempo real. Ok, então vamos pressionar Play e eu vou começar a ajustar este pequeno perímetro. Agora, este plugin particular pode não soar muito bom, mas você pode baixar muito que fazer este fórum e mudar muito melhor. Mas é assim que a forma e o deslocamento podem ser simples. E deixe-me juntar isso com algumas mudanças de campo. Pode soar ainda melhor. Então, se eu aumentar o gênero aqui, certo, desculpe, eu virei o gênero para a direita aqui, então soa mais como uma fêmea. Mas se eu também Pitch Shift S e eu mudei para cima totalmente, Eu mudei todo o caminho para cima tão alto quanto ele pode ir. E agora está unido com esta forma e mudança. O loop final vai soar assim. Também podemos ver o que parece. Se voltarmos o sexo a um homem. Ou podemos tentar mover o loop inteiro para baixo, e depois mudar a forma e mudar para a configuração feminina. E agora vamos ver como soa quando viramos a configuração para a configuração masculina. Ok, então eu vou redefinir este arremesso de volta para onde estava. E eu estou indo apenas para carregar outro plug-in apenas para mostrar que você pode obter melhores lá fora porque o FL Studio tipo de plugin imagem padrão, não é grande, mas ele faz o trabalho que ele é tipo de projetado para fazer. O que vou fazer é mostrar-vos um plugin mais caro, que é o néctar isótopo. E vamos usar isso para aplicar fórum e mudar em vez disso. Ok, então eu vou fechar esta janela predefinida. Eu vou vir aqui para uma visão geral e eu vou apenas desligar o equalizador e os compressores. E eu vou vir direto aqui para lançar, pressionando a luz para acender. E então nós vamos vir aqui também. Formato. Ok? Então usamos esse parâmetro shift para mudar o capataz para baixo ou para cima. Ok, então o que eu vou fazer é como nós fizemos com o efeito arremessador, eu vou tocar o loop e nunca vou ouvir o que soa como eu ajustar este parâmetro, vamos ter uma escuta agora. E se apenas tentarmos a técnica de mudança de passo que estávamos olhando anteriormente, se usarmos este plugin mais caro, provavelmente soará um pouco melhor. Então vamos apenas impulsionar a arremesso para um tipo de som agudo. Ok. Então, isso é, isso é o que parece antes da fazenda e mudança. E agora, se formos um deslocado todo o caminho para cima, vai soar assim. E se formos um deslocado todo o caminho para baixo, vai soar assim. E agora se virarmos a página todo o caminho para baixo e então virarmos o formulário e mudar todo o caminho para cima. Soa como este adereço, adereço. E agora, se virarmos o formulário e descermos todo o caminho, parece assim. Então cabe a você que tipo de efeito você está procurando. Mas o deslocamento do capataz é uma técnica muito comum usada em EDM. Então, é importante estar ciente disso. Vamos apenas ouvir novamente muito rapidamente o que soa como quando deixamos o campo normal e nós formamos e deslocamos todo o caminho para baixo. Vou fechar isto e vamos ouvir. Agora. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada nos vocoders e como você pode usá-los para suas faixas. 48. Vocoders: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada nos vocoders. Assim, um vocoder pode ser usado em vocais para fazê-los soar como um robô ou para transformar os vocais em tribunais. Fazemos isso com um plugin vocoder. A maioria dos softwares vem com um gratuitamente, mas você não pode baixar os melhores da internet. Um vocoder funciona usando um modulador e um portador. Então o modulador é o tipo de elemento que você deseja aplicar o efeito também. E o portador é o elemento que o Vocoder baseia o som do efeito. Ok? Ou simplesmente, o modulador é o seu vocal e o portador é o seu instrumento. E padrão de acordes. O instrumento que você realmente escolher como sua operadora afetará o som final do vocoder. Então certifique-se de mudar o instrumento algumas vezes e ver que tipo de sons você pode obter do seu vocoder. Vamos apenas ter um rápido ouvir um exemplo de um vocoder sendo usado em uma faixa EDM. E depois seguiremos em frente e aprenderemos a aplicar um vocoder aos nossos próprios vocais. Então, vamos ouvir agora. Agora que sabemos como um vocoder soa em uma faixa de EDM. Podemos ir em frente e apagar a transportadora. E podemos excluir o modulador, e podemos começar do zero para fazer nosso próprio vocoder. A primeira coisa que precisamos é de alguns vocais. Então vamos para os nossos pacotes de amostras. E eu vou rolar até aqui e escolheremos uma das pastas vocais. Talvez estes ultra profundo foco casa ok, vai vir para este. E veremos que foram recebidos com toda uma gama de diferentes tipos de foco que podemos escolher, e eles estão todos em diferentes chaves. Agora, a beleza dos vocoders é que não precisamos nos preocupar com a chave do vocalista porque o Vocoder realmente mudará isso para nós, tudo o que precisamos nos preocupar é com o som real do próprio vocal. Então, vamos ouvir como esta casa vocal sete soa como. Não. Meu coração está partido. Ok. Não gosto do som disso. Vamos ver como soa o vocal seis. Robin Law e voar alto, podemos chegar a Manila. Ok, então eu gosto do som desses vocais de casa seis. Então vamos arrastá-los para o arranjo e colocá-los aqui. E novamente com tudo, temos que ter certeza de que ele se encaixa no nosso ritmo. Então, o software recomendou um 120. Vamos ver como isso soa. Então, vou ter uma aula rápida. Em voar alto. Podemos alcançá-los. Vida moderna, volte. Então, no entanto, vamos lá. Isso parece-me bem. Então, o que vamos fazer é adicioná-lo à faixa do mixer clicando neste botão de faixa. E eu vou abaixar um pouco para não nos dominar. Ok? O próximo passo é criar um padrão de portadora. E vou clicar com o botão direito do mouse e escolher Localizar próximo vazio. E eu vou digitar o transportador. E vamos abrir a janela padrão para ver como isso se parece. A próxima coisa que precisamos fazer é adicionar um instrumento para usar como portador. Então eu vou vir aqui e eu vou adicionar um instrumento muito simples, que é o oscilador 3x. Vamos clicar nisso. E como você pode ver, ele vem aqui embaixo outro oscilador 3x que estamos usando na pista. Agora precisamos colocar algumas notas no nosso porta-aviões. Ok, então eu só vou copiar o padrão de acordes de piano aqui. Então eu só vou copiar apenas esses acordes de topo. E depois vou colá-los no nosso porta-aviões. Aqui em baixo. Clique com o botão direito do mouse, diga piano roll e cole. Certo, vamos ouvir como isso soa. Então é apenas uma onda senoidal pura. Não é nada muito extremo. Mas o que vou fazer é desligar este segundo oscilador e recusar este terceiro oscilador porque não precisamos deles para esta demonstração em particular. Agora também vou mudar o meu para uma onda quadrada. E a razão para isso é porque uma onda senoidal pura realmente não soa bem com o Vocoder, mas uma onda quadrada soa. Então é só para fins de demonstração. Vamos ver como esta onda quadrada soa com o padrão. E como você pode ver, é muito penetrante porque essas formas de onda em sua forma mais pura, elas podem ser bastante penetrantes. Eu também vou lançar isso para baixo porque eu acho que é um pouco alto demais. Vamos ouvir de novo. Ok, então agora que estou feliz com padrão e estou feliz com o tipo de oitava em que ele está sentado. E também estou feliz com o tipo de som que escolhi. Vou adicionar isto à pista do misturador. E como você pode ver, ele está vindo aqui agora na pista 29. Então eu vou apenas abaixá-lo para que não seja tão penetrante. E o nosso próximo passo é encadear o transportador para o modulador. Ok, e nós fazemos isso no FL Studio, como eu expliquei a seção da cadeia lateral, basta clicar com o botão direito do mouse nisso e clicar em uma dessas opções de cadeia lateral. Agora, eu vou clicar cadeia lateral para esta faixa só porque eu só quero o som saindo desta faixa. Ok, eu não quero que o som do portador esteja tocando em tudo. Só quero que o som da portadora passe direto pelo vocoder, que vamos colocar aqui. Ok? Então nosso próximo passo é carregar o vocoder. Então vamos carregar um plugin vocoder. E vamos usar codecs de Voc. E este plugin vem com FL Studio. Então você pode usar este plug-in em suas faixas também. Em seguida, temos que dizer ao vocoder que queríamos receber uma entrada da nossa operadora aqui. Então vamos voltar para este tipo de transportadores mais leves. E vamos definir o valor acima disso para um. E então nós vamos vir aqui para este controle deslizante modulador. E nós estamos realmente indo para definir isso para 0. Porque se isso for definido como um. som do portador virá através do modulador. E não queremos isso porque o modulador só é reservado para os vocais. Então, quando você abrir o plug-in, ele vai dizer 10. E o que fazemos então é aparecermos e trocamos para que ele diga 01. O último passo na configuração do vocoder é voltar à lista de reprodução e depois colar o padrão da operadora por baixo dos vocais que você deseja aplicar o efeito também. Então vamos ter um ouvir o que isso soa como até agora com o vocoder definido em seu tipo de configurações padrão. Então isso está soando muito bem. Mas nós podemos vir agora e nós podemos realmente ajustar alguns desses parâmetros e fazê-lo soar ainda melhor. Então, a primeira coisa que podemos ajustar é esse parâmetro de largura de banda. E o que isso faz é que as bandas do vocoder sejam maiores ou menores. Agora, se você olhar aqui em baixo, você será capaz de ver essas bandas. E enquanto ele está tocando, e você deve ser capaz de ver que as bandas aqui em baixo estão ficando mais largas e grossas. Ok? Então vamos assistir e ver o que acontece quando eu aumentar esse parâmetro. Então eu tenho certeza que você pode ouvir que dependendo de onde definimos esse parâmetro, o som muda drasticamente. Agora é apenas uma questão de encontrar esse tipo de configuração que você prefere e que você acha que funciona para sua pista. Vou redefinir o meu por enquanto e passaremos para o próximo parâmetro. O próximo parâmetro é que podemos ajustar é este, e este é o multiplicador de largura de banda modulador. Ok? E isso é um título muito confuso, mas se simplificarmos, quando você definir este parâmetro aqui para a esquerda, você está surpreso que será mais ressonante. E se você definir este parâmetro aqui para a direita, o som será mais áspero ou respirável. Ok. Então, novamente, eu vou reiniciá-lo e então vamos passar para o próximo parâmetro. Então este parâmetro é na verdade como um metamorfo capataz para o vocoder. Então, quando você mudar isso para a direita, você pode ver esse pequeno símbolo aqui. Isso pode fazer parecer feminino. E se deslocarmos para a esquerda, acordo com este símbolo, vai fazer parecer um macho. Apenas escute o que isso soa muito rápido. Ok, então eu vou reiniciá-lo novamente. Outro parâmetro que podemos ajustar para alterar o som é este. E esta é a mudança de uníssono modulador. E o que isso faz é basicamente um desajuste uníssono. Ok? Então deixa-me pôr isto à esquerda. Não haverá detune e soará muito fino ou como uma só voz. E se colocarmos isto à direita. Vai soar muito ticker ou como, você sabe, mais de uma voz. Agora, para que esta configuração realmente funcione, temos que colocar um número nesta pequena caixa e fazemos isso arrastando para cima. Então eu vou colocar um número aqui. Digamos apenas dois. E agora nós já ouvimos o que soa como no cenário mais baixo. E então vamos ter um ouvir o que soa como na configuração mais alta. Ok? Então vamos ouvir agora, esta é a configuração baixa. E agora vamos aumentar isso e vamos ouvir o que parece na configuração mais alta. E se viermos aqui e aumentarmos a quantidade de vozes que o uníssono está usando, veremos que soa assim. Vamos diminuir a configuração e ver o que acontece. A próxima coisa que podemos ajustar é a quantidade real de bandas que o vocoder está usando. Então você pode ver as bandas aqui embaixo. Eu estava falando sobre eles antes. Então, se eu definir isso muito, muito baixo, você será capaz de ver claramente cada banda através deste tipo de espectrograma. Ok, então vamos dar uma olhada no vocoder quando estiver definido em cinco bandas. E agora se aumentarmos a quantidade de bandas até o topo, o que eu acho que é um 100. Sim, vamos ver que haverá 100 bandas através deste espectrograma. Vamos dar uma olhada. E como podemos esperar, quanto mais bandas usavam, mais claro fica o som. E isso é porque há mais tipos de instantâneos do vocal que está sendo feito. É como usar uma câmera de cinco megapixels contra uma câmera de 100 megapixels. Obviamente, a câmera de 100 megapixels será capaz de capturar muito mais detalhes. Ok? Então, novamente, esse parâmetro, meio que depende de qual som você prefere e qual som você acha que funciona para sua faixa. Também podemos ajustar esta ordem Configurando aqui. Agora, essas configurações de ordem, não precisamos saber o que eles realmente fazem porque é meio confuso. É classificada a inclinação da frequência de corte de todas estas bandas diferentes. Mas tudo que você precisa saber é que há configurações florestais. E você pode escolher qualquer um deles e qualquer um que soa melhor, é melhor, ok, então vamos ouvir cada um deles. Vamos começar com o número um. Vamos ouvir dois. Vamos ouvir três. Agora. ouvir o quatro. Então você pode usar todos esses parâmetros para moldar o som final que você está recebendo. Então eu vou colocar um pouco aleatório aqui. Eu só vou aumentar isso, diminuir isso nos transformou em um cenário feminino. E então talvez vamos aumentar isso para meio caminho. E vamos ter as bandas, talvez, até cerca de 50. Ok, então isso é completamente aleatório. Mas você verá que o som que sai do vocoder agora é completamente diferente. Então é assim que um vocoder funciona e como você pode ajustar os parâmetros para obter o som que você quer. A última coisa rápida que eu queria mencionar nesta palestra é apenas sobre os instrumentos portadores que você escolher. Ok, então eu vou voltar para o nosso transportador aqui, que é este oscilador 3x. E o que eu vou fazer é mudar a forma da onda enquanto os vocais estão tocando, ok? E você vai ver a si mesmo que fazer isso realmente muda drasticamente o som da ordem Voc. Ok, então é importante encontrar um bom instrumento de transporte para usar. Vamos ouvir como algumas dessas formas de onda soam como os vocais estão tocando. Certo, então instrumentos diferentes soam melhor como portador. É apenas uma questão de encontrar esses instrumentos e, em seguida, ajustar o plugin vocoder para ter certeza de que todos os parâmetros se encaixam na operadora. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na duplicação vocal. 49. Duplas vocais: Então, o que acontece se você decidiu que não quer usar nenhum dos efeitos que temos visto até agora? E você quer manter seus vocais limpos. Bem, há alguns truques importantes que podemos fazer para deixar seu som vocal limpo, mas profissional, porque vocais podem deixar você atrair para baixo. É sempre algo em que o ouvinte vai se concentrar. E se eles tivessem sido uma espécie de amador processado cedo, isso pode arrastar o som geral do seu rastreado para baixo. Então vamos dar uma olhada em um desses truques, que é dobrar. Então, a duplicação vocal é ótima para quando você não quer usar muitos efeitos, mas você ainda quer aquele som moderno e amplo. Se a usarmos, os vocais soarão mais limpos e focados. Quando você está dobrando. Não é só uma questão de duplicar a pista. Você também tem que ajustar o tempo, o tom, ou ambos. E a razão para isso é por causa da maneira como ouvimos as coisas. Ok, então a trilha dos dublets tem que ser ligeiramente diferente para que nossos ouvidos percebam como sendo mais leve. Quando o som que está entrando em seu ouvido esquerdo é diferente do som que está entrando em seu ouvido direito. Percebemos isso como sendo branco. Este é o princípio principal no qual o movimento panorâmico também se baseia. Quando você está deslocando alguns elementos para a esquerda e outros elementos para a direita. Torne o campo de pista mais amplo, pois o som que vai para a orelha esquerda é diferente do som que vai para a direita. Você também pode usar um plug-in para fazer duplicação para você. Vou dar uma olhada nisso em um momento. Mas, por enquanto, vamos ouvir este exemplo de uma faixa vocal dobrada em um arranjo de EDM. Então, agora que sabemos como deve soar, vamos para os pacotes de amostras aqui e vamos começar desde o início. A primeira coisa que vamos precisar é de uma faixa vocal. Então, eu só vou entrar neste mestre de produção sessões vocais Alexandra porque foi a primeira que eu vi. E podemos ver aqui novamente, recebemos todas essas subpastas de Sung. Agora, a faixa em particular em que estou trabalhando é uma trilha de armadilha e está definida em 150 fiv BPM. Então eu vou usar um BPM que está próximo a isso, e eu poderia apenas escolher isso, rebobinar em 150 VPN. Então vamos abrir essa pasta e nunca ouviremos alguns desses vocais. Ok, vamos ouvir este curso. Seco. Rebobinar. Ele falha. Vamos tentar isto seco para cuidar de todos. Sentir. Vamos tentar talvez este V2. Vamos ver como isso soa. A batida está assumindo. Podemos, ok, então eu gosto do som deste V2, então eu vou arrastar isso para a nossa playlist. E eu vou colocá-la aqui. Eu só vou apagar os vocais que eu já estava usando. Então podemos começar do zero. E eu vou voltar para os novos vocais que acabamos de adicionar. E eu vou me certificar de que eles estão em forma ao ritmo com que estamos trabalhando. Ok, então eu vou selecionar Ajustar ao ritmo. E a estimativa desta vez está um pouco fora. Estima-se em torno de 160, mas no pacote de amostras diz 150. Então eu só vou confiar na amostra de volta. Vou digitar 150. E como você pode ver, ele está esticado e agora temos um vocal que é antepassados pulmão. Eu também preciso verificar se esses vocais ou na mesma chave que a nossa faixa. Então, eu vou vir até aqui para a nossa pista e eu vou descobrir em que chave está. Então eu estou apenas clicando neste padrão de almofada e eu vou apenas olhar para a chave. E eu posso ver que a chave da faixa é um e. E se olharmos para aqui com sorte o vocal está dentro, podemos vê-lo também em E menor, então eu não preciso fazer nenhum arremesso. Vamos ouvir para ver o que o vocal soa como no arranjo. Encontramos um encerramento. Ok, então isso soa muito bem, mas os vocais também soam um pouco dez. Então vamos usar a técnica de duplicação para fazê-los se sentirem um pouco mais modernos e profissionais. A primeira coisa que vamos fazer é adicionar esses vocais à faixa de mixagem. Então eu vou acertar a pista. E os vocais agora foram adicionados à faixa 41. E o que eu vou fazer é apenas duplicá-los. Então eu vou arrastar uma segunda versão aqui. E então eu vou fazer este segundo vocal único. Então, se deixarmos os vocais assim, eles não vão soar dobrados. Eles vão soar mais alto. Ok, vamos dar uma escuta. Ele está cuidando por deletado. Agora, se eu adicioná-lo de volta. E a razão pela qual não parece duplicado é porque não fizemos nenhuma alteração no segundo vocal. Sim. Temos que afetar o tempo, o arremesso, ou ambos. Ok. Então, para afetar o tempo, podemos ampliar para cima e eu posso desligar meu snap para a configuração de grade. E eu vou apenas mover o segundo vocal muito, muito ligeiramente. Talvez sobre isso, de modo que o segundo vocal agora está meio atrasado atrás do primeiro vocal. E se ouvirmos o que isso soa agora, vai soar um pouco mais largo. Então, se você gosta do som deste como ele é, o que você pode fazer é você pode adicionar o segundo vocal para a faixa mixer. Então eu vou apenas clicar em faixa e atribuí-lo a uma nova faixa. E então o que podemos fazer é deslizar um para a direita e podemos mover o outro para a esquerda. E isso dará aos vocais um som amplo e limpo. Vamos dar uma escuta. Então agora esses dois vocais foram dobrados. Mas há uma coisa a mais que podemos fazer para fazê-los soar um pouco mais grossos. E isso é se entrarmos na janela de amostra e ajustarmos o tom muito, muito, muito, muito ligeiramente, ok, porque você não quer fazê-lo soar fora de sintonia. Se eu ajustar o tom muito por uns $0.100, vai soar terrível. Ok, mas o que podemos fazer é ajustá-lo por uma quantia muito pequena, como $0.10, talvez $0.15. Nunca ajustado, diria no máximo 30. Ok. Então golfistas em algum lugar abaixo dos 30 e eu vou dizer talvez $0,15. Ok? Então agora está muito, muito, muito ligeiramente desafinado. E isso fará com que o som vocal seja técnico. Vamos dar uma escuta. E, obviamente, apenas para fazer com que se encaixe melhor na mistura, vamos apenas recusá-lo para que eles não estejam dominando a nebulosa propriamente ouvir o que eles soam em pleno contexto do arranjo. Vamos ouvir talvez aqui em baixo. Certo, vamos ouvir. E se pudéssemos ver rapidamente o que soaria sem a duplicação vocal aplicada. Se os vocais tivessem sido deixados em paz. E se você não tivesse feito nenhuma técnica de duplicação, o que eu vou fazer é tornar este único. Vamos ouvir. E agora se ligarmos o efeito de duplicação. Então, como você pode ver, o efeito de duplicação faz uma grande diferença para o som geral da faixa. Os vocais ainda soam limpos, mas também soam muito mais profissionais. Vamos apagar a duplicação vocal que fizemos. E vamos dar uma olhada neste terceiro aqui que não tem honras de duplicação vocal. Também podemos aplicar duplicação usando um plug-in. Certo, então vamos ouvir o vocal como está. O talão está tomando mais cuidado. Encontramos mais perto. E se eu entrar na pista do misturador, e se eu carregar um plug-in de duplicação neste vocal, então eu vou carregar o néctar isótopo para desligar o equalizador e o compressor. Apenas venha até a janela do campo. Ou desculpe, não pitch, é harmonia, desculpe, vindo para a janela has_many. E vamos mudar as vozes de baixo para uníssono e para uníssono. Ok? Então o que faz módulo de harmonia faz é criar uma harmonia artificial. Eu vou, eu vou apenas mostrar-lhe muito rapidamente o que a harmonia para baixo e para cima soa como na voz que o talão está tomando. Além disso, Podemos ver para que a harmonia realmente funcione, você terá que mudar a chave aqui, por isso é menor e também está em E. Então o algoritmo agora sabe que tipo de chave para lançar as harmonias para. Vamos ter uma escuta. O talão está tomando mais cuidado. Achamos alguns travesseiros ou mais, praguejamos e dizemos eles. Mas o que podemos fazer é usar este módulo para criar um efeito de duplicação. Então, se eu definir esses dois uníssono e então eu arrastar o ganho e a panela de um. E eu arrasto o ganho e a panela de dois. Vai soar assim. O sangramento está tomando conta. Podemos golpes são mais trigo. E digamos, se eu desligar o módulo, seremos meus, nosso corte natural de volta. Agora, se você não tem néctar de isótopos, tudo bem. Há um plugin gratuito que vem com FL Studio e é chamado de shaper estéreo. E o que isso faz é meio que se aplica o que é conhecido como o efeito haas sempre que olhar para o que é quando a minha mistura. Mas por enquanto, se você torcer este Tulane, ele vai realmente fazer os vocais soarem dobrados. Ok, vamos dar uma escuta. O talão está cuidando. Encontramos algum tempo será mais. Então, com o néctar isótopo, ele está aplicando uma espécie de temporização e PITCHSHIFT. Mas com o modelador estéreo, só está afetando o tempo. Mas tudo bem, porque ambos são baseados no princípio da duplicação. Então vamos ter uma escuta novamente, apenas com forma estéreo ou soloed Mileva Lição Dois neste tipo de plug-in duplicou sons vocais como arranjo indie. Então este é o processo que você usaria se você aplicasse a duplicação vocal. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em uma técnica diferente que você pode fazer para obter aquele som vocal moderno e amplo. 50. 12.5 camadas vocais: Então, nesta palestra, vamos aprender sobre camadas vocais. Portanto, as camadas vocais são particularmente úteis ao estabelecer um refrão ou um ponto focal de uma faixa. Eles também podem ser úteis para a progressão de uma faixa porque quando você adiciona uma camada extra, ele pode manter os vocais soando interessante se eles estão em um loop contínuo. Agora a maioria das músicas vai realmente fazer isso diverso com Sam Tin. E então para o refrão ou o HUC se deleite em várias camadas para torná-lo muito mais rápido e cheio. Então, para adicionar camadas vocais, podemos duplicar a linha vocal principal e , em seguida, adicionar alguns efeitos como Coro e distorção. Podemos então mover esses vocais duplicados, esquerda ou direita para fazê-los soar mais largo. E agora, neste exemplo particular, eu mesmo gravei todos esses vocais. E gravei o mesmo tipo de linha vocal uma e outra vez. E eu meio que os construí um em cima do outro para criar camadas. Há também alguma harmonia sendo usada nessas camadas também. Então vamos ter um ouvir esta faixa de exemplo. Ok, então esta é uma pista lenta e suave casa e prestar especial atenção quando chegarmos a esta seção de coro. E há cinco camadas de vocais. Certo, então vamos ouvir. Ainda não estou pronto na última rodada. Então. Pode ser apenas. Está bem. Então todas essas camadas vocais estão se combinando para dar uma espécie de som de refrão completo. Então, se movermos a cabeça de reprodução para pouco antes desses vocais começarem, e podemos resolver para eles na faixa de mixagem para ouvir o que está acontecendo. Então o primeiro vocal são os vocais principais. Então esta camada vocal parece limpa e não tem muitos efeitos aplicados a ela. Vamos ter uma escuta. Se soltarmos a próxima camada vocal, podemos ouvir que esta tem um efeito de refrão aplicado. Vamos ver como esse efeito de refrão soa. Agora vamos passar para a próxima camada vocal. E esta camada vocal é uma camada de harmonia, e foi deslocada cerca de 90% para a direita. Há também um efeito de coro neste vocal, bem como para fazê-lo soar um pouco mais grosso, vamos ter uma escuta. Se tomarmos uma escuta para o próximo vocal, podemos ver que é outra camada has_many e é deslocado na direção oposta em torno de 90% para a esquerda. E esta camada vocal também tem um efeito de coro aplicado. Vamos ter uma escuta. E a camada vocal final, então, é esta. E esta camada vocal foi deixada no centro. E tem um amplificador para que pareça um pouco distorcido. E um efeito fasor, e vamos dar uma olhada em todos esses efeitos na seção misturadora. Mas, por enquanto, vamos ouvir o que essa camada vocal soa como sem adornos. E quando adicionamos todas essas camadas vocais juntas, o resultado final é um som muito mais grosso e muito mais completo. Vamos ter um ouvir todas essas camadas tocando ao mesmo tempo. Então é assim que você pode usar camadas vocais em sua faixa. Você pode arrastar para dentro e voz principal de talvez um pacote de amostra aqui. E você pode duplicá-lo assim e aplicar efeitos diferentes a ele. Ou se você estiver gravando seus próprios vocais, você pode gravar a mesma linha vocal uma e outra vez, talvez com algumas harmonias, e então aplicar diferentes efeitos a cada uma das camadas separadamente. Então eu estou realmente, muito rapidamente apenas indo para mostrar a vocês como aplicar algumas camadas vocais a um vocal que vai arrastar de um desses pacotes de amostra. E eu vou usar esses vocais profundos porque está bem na minha frente. E eu escolho qualquer um deles. Vai ser apenas uma demonstração rápida. Estamos arrastando este vocal e depois movê-lo para talvez aqui. E vamos ter um ouvir o que isso soa como por conta própria. Agora eu vou desligar os efeitos no canal principal porque nós realmente não podemos ouvir o vocal corretamente. Vamos ver como soa agora. Está bem. Desligue isso rapidamente. Tudo bem. Vamos ver como esta voz soa agora por conta própria. Ao invés de lei e voar alto, podemos alcançar a luz da manhã. Vamos, querida, você deve levar. Então, para aplicar uma camada vocal a este foco, o que faríamos é duplicá-lo assim. E adicionávamos a pista duplicada ao misturador. E nós aplicaríamos algum tipo de efeito diferente a ele. Ok, então se podemos estar tentando diminuir e adicionar apenas muito, muito rapidamente, eu vou adicionar um efeito de coro. E eu vou escolher um desses aqui, talvez super gordo, eu não sei. E vamos ver como soa quando está em camadas com este vocal principal aqui. Podemos alcançá-los mais. Então, como estamos usando isso como uma camada, podemos diminuir um pouco mais, apenas para que o som do refrão seja um pouco mais sutil. Vamos ter uma escuta. Ok, então eu realmente cometi um erro aqui. Esqueci de fazer o segundo vocal único. E isso é o que acontece quando você não faz o segundo vocal único. Você acaba aplicando o mesmo efeito a ambos. Ok, então eu só vou realmente rapidamente tornar o segundo vocal único. E então eu vou mudar a faixa do mixer para uma faixa do mixer diferente para que ele não tenha efeitos aplicados. E agora vai soar assim. Em vez de lei e voar alto, vamos subir o coro. Vamos lá. Vamos lá. E vamos ver como soa a voz sem o efeito do refrão. Ao invés de lei e voar alto, podemos chegar de manhã. Vamos lá para trás. E vamos adicionar um back-end. Nunca percas. Vamos lá. Para que você possa usar camadas vocais em suas faixas para obter um som muito mais completo e moderno. Na próxima seção, vamos dar uma olhada nos pontos do Norte. 51. Pontos de nota: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em pontos de não. Vamos dar uma olhada em quais pontos de nota são e como eles devem ser usados em sua pista. Então, quando você está criando EDM, é importante não cair em um estado de estagnação. E isso significa que, à medida que o tipo de seções progride, não queremos aborrecer o ouvinte. Então o que fazemos é introduzir um ponto de nota a cada quatro ou oito barras. Então, um ponto de nota é algo que tira o público da pista por uma fração de segundo e quebra a repetição dos loops. Então, por causa disso, um ponto de nós deve ser curto. O ponto mais comum de nota usado é símbolo. Ok, então um símbolo de queda será usado a cada quatro ou oito compradores para tirar o público da pista. Mas você também pode usar palmas. Os instrumentos são efeitos sonoros curtos. Essencialmente, um ponto de nó pode ser qualquer coisa curta que não faça parte do loop original. Se a sua faixa está começando a parecer um pouco repetitiva, ponto de nó pode ajudar a separar o público das tendências e, em seguida, atualizar a faixa. Vamos ter uma escuta para esses pontos de nota aqui neste exemplo de pista técnica. Uau, todas essas distorções acontecem. Então, agora que sabemos como os pontos de nota soam no contexto, vamos excluir esses aqui, e entraremos em nossos pacotes de amostra aqui, e adicionaremos nossos próprios pontos de nota. Então, nessa faixa, os pontos de nota que estávamos usando, somos efeitos de símbolo. Então eu vou entrar aqui para os meus pertences, minha pasta Efeitos. E eu vou tentar encontrar alguns efeitos diferentes para usar. Como ponto de nota, vamos talvez tentar esta pasta e ter um ouvir alguns desses efeitos. Então, vamos tentar arrastar este ponto de nota. E vamos colocá-la aqui no início do segundo bar. Vamos apenas clicar duas vezes nele e adicioná-lo à faixa do mixer para que possamos baixá-lo. E nós vamos ouvir o que isso soa como no arranjo. Então isso soa bem, vamos fechar esta pasta e encontrar alguns efeitos diferentes para adicionar. Como um ponto de nota. Vamos descer talvez até o fundo aqui e vamos dar uma olhada nesses sons de efeitos. Certo, então vamos ouvir alguns desses. Ok, então isso é bem curto e nós podemos realmente usar isso como um ponto de nota. Agora pode não parecer muito bom, mas eu só queria demonstrar que você pode usar qualquer tipo de som para tirar o público da pista por um segundo. Certo, então vamos arrastar isso para a próxima barra onde queríamos adicionar um ponto de nota, e veremos como isso soa. Vamos tentar mais um desses sons de efeito. Vamos, vamos rolar um pouco para baixo e vamos tentar talvez 66. Eu só escutei através deles muito rapidamente. Certo, então vamos tentar isso. Afeta sons envelhecendo. E vamos arrastá-lo para a próxima barreira onde queremos adicionar o ponto de nota. E eu acabei de abaixar a faixa antes de tocarmos porque vai ser muito alto e vamos ouvir o que parece no arranjo. Então eu não acho que este ponto de nota em particular ou este ou este, para ser honesto, eu não acho que eles realmente se encaixam no som da faixa, mas eu estou apenas demonstrando como você pode usar diferentes tipos de sons como um ponto de nota. Como tudo o resto na pista, você precisa ter certeza que eles soam como se eles pertencessem, ok, então eles devem soar como se fossem todos parte da mesma família. E outra coisa muito rápida a mencionar é que você precisará lançar estes. Certo, então o mesmo processo antes de abrirmos a pista do misturador, abrimos o Edison, arrastamos isto e detectamos as regiões do campo. E então o que fazemos é ajustar o tom usando o tom que precisamos para ter certeza de que o som se encaixa no tom da pista. E você também não tem que fazer isso. Você não precisa usar diferentes pontos de sons de nota. Você pode usar o mesmo repetidamente ao longo da pista, desde que ele quebre a repetição dos loops. Ok, então vamos, vamos vir até aqui. Acho que esta é a seção de entrega. Então vamos ter um ouvir a queda sem os pontos de nós. Ok, bem, talvez nós apenas escutamos por aqui. E então vamos adicioná-los de volta e vamos ver que diferença faz OK, discurso neste país. Ok, e agora se eu adicionar esses pontos de nota de volta e nós vamos ter uma lição novamente. Esta porção, esta porção. Você vê isso. Então, na próxima seção, vamos dar uma olhada nas transições. 52. Transições para EDM: Então esta seção é toda sobre transições. Agora, as transições no EDM são muito, muito importantes. Sua função é nos separar de uma seção e, em seguida, nos transferir para a próxima seção. E é muito importante que você não interrompa o fluxo geral da pista. Suas Transições precisam soar naturais e suaves. Então vamos rapidamente ouvir esta faixa EDM, que é uma espécie de fusão entre país e casa. E enquanto a faixa está tocando, vou destacar as diferentes seções onde há transições acontecendo, ok, para que você possa ouvir cada uma e entender seu papel na faixa. Ok, então vamos tocar na pista agora. E vou destacar todas as transições que você precisa ouvir. Isso não nos deu uma boa idéia, especialmente valores de dados menores. Sim. Então, agora que sabemos o papel das transições jogando EDM, vamos passar para a primeira palestra nesta seção, onde veremos a transição mais fácil que você pode fazer. 53. A transição mais fácil: Então vamos dar uma olhada na transição mais fácil que você pode fazer. Agora, para esta faixa aqui que eu tenho, que é uma pista técnica, eu quero fazer a transição deste tipo de seção aqui onde todas essas coisas estão acontecendo. E eu quero fazer a transição para esta seção onde há mais coisas acontecendo. Então eu já coloquei em dois pontos de nota que eu quero tipo de tirar o ouvinte da pista por um segundo antes de soltar o backend. Mas ainda sinto que precisa de algo mais para nos transformar nesta seção. Vamos apenas ouvir esta parte do arranjo tal como está. E então vamos aplicar uma transição realmente simples, mas eficaz que você pode usar. Então vamos ouvir o que parece agora. Então, eu não tenho certeza se você notou, mas em torno desta seção da pista parece muito robótico como ele está fazendo a transição para a nova seção. Então o que precisamos fazer é adicionar uma transição. E a transição mais fácil que você pode fazer é tirar algo, ok, antes que algo novo entre em. Então, se ouvirmos o que isso soa como Agora, eu acabei de tirar o tambor de pontapé e esse tipo de camada de tambor de pontapé. Ok, vamos ouvir o que parece agora que acabei de tirar estes dois elementos aqui. Para o primeiro, para duas barreiras logo antes da nova seção começar. Vamos ter uma escuta. Agora você pode tirar mais se você quiser, ou você pode tirar menos dependendo do som da sua faixa, eu vou ver como soa se eu tirar mais elementos. E agora vamos ver como soa se eu tirar menos elementos. Então vamos adicionar esses dois chutes de volta. E talvez vamos apenas remover esta amostra de chapéu. Ok, vamos ver como soa agora, quando removemos apenas um pequeno elemento. Então esta é a transição mais fácil que você pode fazer. É tão simples como tirar algo antes de algo novo entrar. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em usar campos de bateria como uma transição. 54. Folhas de bateria como transições: Vamos usar um drone. Falha ao nos transferir desta seção para esta seção. Assim, a largura do tambor preenche, você pode fazê-los você mesmo ou você pode usar uma amostra de preenchimento de tambor. Então, primeiro, eu vou entrar em meus pacotes de amostra aqui, e eu vou entrar na pasta de enchimentos de tambor. Agora, eu organizei todos os enchimentos de tambor em uma pasta que você pode ter que encontrar todos esses separadamente em suas amostras de fundo. Vamos apenas ouvir o som de um enchimento de tambor. Então, se eu arrastar esse tambor em particular em que seu tambor enche 25, se eu arrastar isso para a minha pista e colocá-lo aqui, você pode ver que esta é uma transição bastante longa e está acontecendo para duas barras. Agora, como todas as amostras que arrastamos para dentro, devemos ter certeza de que ele se encaixa no nosso ritmo. Então eu vou clicar nesta forma de onda pequena e selecionar Ajustar ao ritmo. E o software estimou que este enchimento de tambor está em 128. Agora o pacote de amostras não me diz o contrário, então eu vou ter que ir com esta estimativa. Vamos clicar agora. E como você pode ver, este enchimento de tambor agora foi encaixado em exatamente duas barras de comprimento. Ok, vamos ouvir o que soa como no contexto da nossa faixa techno. Quando você está usando um enchimento de tambor, você também pode combiná-lo com a transição mais fácil que vimos na última palestra, que é tirar um elemento antes que um novo elemento entre. Então vamos novamente remover alguns desses 6x. Então eu vou apenas remover o tipo de segunda metade do filtro de tambor chutes da segunda metade aqui. Vou removê-los e veremos como soa agora. Agora, se você quiser, você também pode fazer seus próprios enchimentos de tambor. Então, se chegarmos ao nosso pacote de amostras de tambor, e aqui na bateria, e vamos apenas adicionar muito, muito rapidamente uma amostra de armadilha. Então, talvez este, este sirva. Vamos arrastar isso para dentro e vamos apenas rapidamente tentar construir nossos próprios enchimentos de tambor. Então eu só vou copiar isso e talvez colocar um aqui. Talvez aqui, assim. Agora, você vai gastar muito mais tempo fazendo um tambor cheio. Você geralmente deve usar mais de uma amostra aqui, apenas mais do que este tambor de uma armadilha. Mas eu só estou mostrando para a demonstração que nós também podemos fazer nossos próprios enchimentos de tambor. Certo, então vamos ouvir o que esse enchimento de tambor que fizemos soa como no contexto do arranjo. Quando eu estou fazendo música, eu prefiro usar as amostras de enchimento de tambor que eu já estava mostrando porque eles já foram feitos para mim e eu acho que eles já soam muito bem. Mas cabe a você se você deseja usar um enchimento de tambor pré-fabricado ou um enchimento de tambor que você mesmo faz. Em seguida, vamos dar uma olhada em usar um grito vocal como uma transição. 55. Shuts vocal: Nesta palestra, vamos usar um grito vocal como uma transição. Então, um grito vocal é quando você usa uma frase vocal, um loop vocal, ou uma amostra vocal como uma pausa ou preenchimento. Como uma pausa, ou preencher como uma pausa ou um preenchido. No EDM, os gritos vocais são usados com mais freqüência logo antes da queda. Vamos dar uma olhada em usar um grito vocal nesta faixa technol que temos trabalhado. Então o que podemos fazer é entrar no nosso grupo vocal e podemos usar talvez uma frase vocal. Vou escolher um deste pacote de frases vocais. E vamos fazer um teste alguns deles deram sobre Dan Sandy não pode deixar a chave base. Deixe a chave base. Certo, talvez usemos essas frases vocais 36. Ok. Então o que eu vou fazer é arrastar isso para a playlist aqui mesmo. Não vou colocá-lo antes da nova seção começar. E novamente, como cada amostra que arrastamos, devemos ter certeza de que ele se encaixa atrai o ritmo. Então eu vou selecionar Fit ritmo. E eu vou usar a estimativa aqui porque o pacote de amostras não me diz o contrário. Vamos ouvir como esse grito vocal soa como Agora como uma transição. Também podemos combiná-lo com a transição mais fácil que olhamos. E podemos remover alguns dos elementos aqui. Então eu vou remover o chute e talvez o baixo. E nós vamos ter um ouvir o que este foco gritar soa como agora com os elementos removidos como uma transição. Então é assim que você pode usar um grito vocal como uma transição. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada nas transições instrumentais. 56. Transições instrumental: Vamos dar uma olhada no uso de transições instrumentais. Então eu tenho esse tipo de seção instrumental na pista técnica que temos olhado, onde há melodia de chumbo entra. Eu também introduzo alguns novos elementos de tambor aqui em baixo. Então, vamos apenas ouvir esta pequena seção. Talvez, talvez um bar antes da melodia principal chegar. E então apenas um bar depois que a melodia de chumbo entra. Certo, então vamos ouvir o que parece sem transição. Como você pode ver, eu já tenho este ponto de nota aqui para tirar o público da pista por um minuto antes de deixar cair o back-end. Mas também sinto que precisamos fazer algo para apresentar esta nova melodia principal. Então o que podemos fazer é fazer uma transição instrumental. Então, se entrarmos no padrão da melodia e darmos uma olhada nas notas da melodia aqui. Ok, então lá em cima no tipo de seis médicos, e eles tocam um F Vamos apenas ter uma escuta rápida. Está bem. Agora o que eu vou fazer é duplicar esse padrão clicando com o botão direito do mouse nisso e selecionando clone. Então agora isso passou de melodia para Melody Tree. E o que vou fazer é vir até aqui e vou apagar todas as notas da melodia. Então edite, exclua. E então vamos criar o que é chamado de Anna Crucis ou uma otimista. Então, quando Anna Cruises é como quando uma melodia começa antes da seção que está tocando. Então, por exemplo, se pegarmos uma barra aqui e criarmos uma Anna Crucis por talvez nove, ou o primeiro nó da melodia é F. Então eu vou colocar uma nota longa em C, ok? Porque C é o quinto de f, e vai soar bem quando C meio que vai até F. Ok, então vamos voltar para a playlist agora e colocaremos esse tipo de Anna Crucis antes da melodia. E nunca ouviremos o que isso soa como Now. Então este padrão vai introduzir a nova melodia principal, e também vai ajudar a nos fazer a transição da seção sem uma melodia, para esta seção com uma melodia. Agora que foi apenas um pouco silencioso porque eu tenho que arrastar esta automação mantido para trás porque o filtro de corte para o instrumento de chumbo é realmente fechado até que haja clipe de automação realmente começa. Então eu só vou arrastá-lo de volta para que o filtro de corte abra mais cedo. Então nós podemos realmente ouvir esta, esta pequena nota otimista. Ok? Vamos ouvir de novo. Ok, e você pode fazer essa nota, você pode fazer esta pequena Anna Crucis. Você pode torná-lo mais curto. Então vamos tentar talvez metade de uma barra, então só duas batidas. Vamos ouvir o que isso parece. E novamente, se combinarmos com a primeira transição que analisamos, que é a transição mais fácil. E tiramos alguns elementos. Podemos tirar estes acordes. E talvez nós vamos tirar este tipo de, talvez nós vamos tirar, você sabe, nós tirar todos os instrumentos. Ok, então vamos tirar todos estes aparecem. Vamos ter um ouvir o que a transição instrumental soa como agora sem alguns dos outros instrumentos na pista. Agora você pode fazer estes cruzeiros Anna tão desenvolvidos quanto você gosta. Agora, eu posso adicionar mais notas, se eu quiser. Então, digamos que talvez caminhemos até o nada de “f”. Então talvez vamos de “E” e seguramos isso. Então, vamos dizer que esta é a nossa Anna Crucis. Vamos ter um ouvir o que isso soa como com um tipo mais desenvolvido nossa necrose. Então tudo que você precisa é de algum tipo de instrumentos que nos apresentem para a próxima seção da pista. Ok, na próxima palestra, vamos dar uma olhada em usar o silêncio como uma transição. 57. Silêncio como transição: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em usar o silêncio como uma transição. Às vezes, deixar suas transições totalmente silenciosas pode realmente funcionar para sua trilha. E o que você faz é, neste caso, você deixa o som das seções anteriores tipo de torcer para fora antes que a próxima seção venha. Então, se olharmos novamente nesta pista técnica, eu tenho uma seção de acúmulo aqui, ok, que transita para uma seção de queda. Mas sei que quero usar algum tipo de transição que nos trará da acumulação para a queda. Então vamos apenas ouvir o arranjo tal como está no momento. Ok, então vamos adicionar um pouco de silêncio como uma transição. Então o que vamos fazer é ampliar e vamos dar uma olhada na barra logo antes da seção de largada começar. E eu vou apenas apagar essencialmente tudo, todo tipo de elementos que está neste comprador. Então eu só fiz este loop vocoder e metade. Vou apagar todos esses elementos da armadilha. Vou apagar todos esses elementos de tambor aqui em cima. Vou apagar isto. E eu vou mover isso para trás, e mover isso para trás. E agora não temos elementos de áudio nesta barra cheia antes da entrega. Certo, então vamos ouvir como isso soa. Esse tipo de transição de silêncio. Ok, então eu realmente gosto do som desse silêncio como uma transição. Mas ainda sinto que quero causar mais impacto quando a droga chegar. Então, o que podemos fazer, podemos estender esse silêncio por R, e vamos estender para duas barras. Então o que eu vou fazer é vir até aqui para minha ferramenta de barbear e eu vou causar tudo no início desta entrega. Ok, então eu só vou desenhar todo o caminho até aqui. E eu também vou cortar este clipe de automação. E então nós vamos subir aqui. Vamos tirar o zoom da saída completa. E eu vou apenas destacar tudo por trás deste primeiro comprador da seção de entrega. Então agora o que fizemos é meio que dividimos a pista ao meio. E destacamos tudo à direita da entrega. E eu vou simplesmente arrastar tudo para a direita por um comprador. E isso é adicionado em outro comprador de silêncio aqui. Ok, então vamos voltar para o acúmulo e vamos ouvir como essas, essas duas barras de silêncio soam agora. Ok? Então é assim que você pode usar o silêncio em suas faixas para criar uma espécie de transição. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em usar o grande sucesso. 58. O grande hoco: Então vamos dar uma olhada em usar os grandes sucessos como uma transição. Ok, então estamos de volta a esta seção de acúmulo de nossa pista técnica e não temos transição para nos trazer do acúmulo para a queda. Vamos dar uma escuta rápida para nos lembrar como isso soa. O que é a transição de grande sucesso, é onde você usa um grande aplauso de reverberação ou uma armadilha ou algum tipo de som de efeito. E você coloca isso bem na frente da seção descartada, o gênero. A casa da sala grande fez isso por anos com uma coisa chamada armadilha inversa. E eu realmente tenho uma pasta de armadilhas invertidas aqui ao longo das chamadas armadilhas de gotas. E eles soam assim. Então, o que você pode fazer com esse tipo de armadilhas invertidas é que você pode arrastá-los para o seu arranjo e colocá-los logo antes de você ser jogado contra. Ok, novamente, nós vamos ter que ajustá-lo ao ritmo porque é meio que se estende para além desta batida. Tão apto ao ritmo. E agora que está apto ao ritmo da nossa faixa, podemos ter um ouvir o que soa como no arranjo. Agora eu poderia esticar este som só para torná-lo um pouco mais curto. Então, em vez de tê-lo em duas batidas e vai esticá-lo para tê-lo apenas em um. E desliga a minha ferramenta de estiramento outra vez. E nós nível não é o que parece. Se combinarmos isso com a primeira transição que aprendemos, que é remover alguns dos elementos antes que outro elemento entre. Podemos tirar alguns dos elementos que estão tocando ao mesmo tempo que esta armadilha, talvez este instrumento também. E talvez isto, está bem. E deixaremos o resto e veremos como isso soa. Para este grande som de sucesso. Você também pode usar outro tipo de sons como um aplauso talvez vamos ter um ouvir um aplauso que poderíamos usar. Agora, para isso, você quer um tipo particularmente alto e em seu rosto bater palmas. Talvez este, estes são um pouco curtos e ávidos. Queremos um grande aplauso. Então vamos usar este aqui. E vamos colocá-lo lá assim. Quero dizer, eu escutei o que parece. Ok, então parece um pouco distorcido. E a razão para isso é porque ele foi esticado. E se você se deparar com esse tipo de som em seus projetos do FL Studio, basta abrir essa janela de amostra e ver esse parâmetro de tempo que estávamos vendo antes. Se você apenas clicar nisso e puxá-lo para baixo, porque o que acontece é que ele foi esticado para fora. Então, se pudermos puxá-lo para baixo o máximo que pudermos e ele vai trazê-lo de volta ao seu tamanho normal. Vamos ouvir de novo. Você também pode duplicar isso e talvez em vez de ter um grande sucesso, podemos ter dois grandes sucessos logo após o outro. Vamos ver como isso soa. Ou você pode fazer qualquer tipo de ritmo que você gosta. Talvez possamos compensar isso um pouco para que pareça um pouco sincopado. Vamos ouvir isto. Você pode usar a transição de grande sucesso de qualquer forma que você quiser. Na próxima palestra, veremos o uso de sons de efeito como transições. 59. Efeitos como transições: Então vamos dar uma olhada em usar sons de efeito como uma transição. Tão interessante, efeitos sonoros sendo usados como transições pode realmente fazer sua faixa brilhar. Por exemplo, se você tem um gancho vocal em sua faixa e está cantando sobre talvez, eu não sei, ligar para uma garota no telefone. Está bem. E seu efeito sonoro de transição, era o som de um telefone tocando ou era o som do telefone sendo diodo ou algo assim. Isso pode realmente adicionar um sabor interessante ao seu arranjo. Então, novamente, nós estamos olhando para este tipo de seção de acúmulo onde ele faz a transição para a seção drop. E novamente, estamos procurando adicionar algum tipo de transição para nos trazer de seção para seção. Então eu vou entrar em meus pacotes de amostras e eu vou descer para onde eu mantenho meus sons de efeito aqui em baixo e efeitos. E vamos apenas ouvir alguns desses efeitos que podemos lançar como uma transição. Ok, então vamos entrar talvez nesta pasta que é apenas chamado de Fx. E vamos ouvir alguns destes. Agora eu acho que esse efeito em particular pode parecer legal como uma transição. Então vamos arrastar isso para dentro e nós vamos colocar tipo de talvez um bar antes do fogo, antes que a seção de queda comece. E eu vou ter esse loop vocoder. Na verdade, primeiro, vamos ouvir o que parece com tudo adicionado. Ok, então vamos ver como esse efeito soa aqui como uma transição para nos trazer para a queda. Vamos ver o que parece. Agora eu acho que está chegando um pouco cedo, então eu poderia movê-lo aqui para a última batida do bar antes da seção de queda começar. Vamos ver como isso soa. Agora, eu ainda acho que o som, o tipo de ponto principal do som está realmente aqui. Mas o nosso bar começa aqui. Então eu vou desligar a grade e eu vou arrastá-lo para a frente até que eu acho que o som principal é tipo de combinado com r bar. E acho que vai bastar. Então, vamos ouvir de novo. Quando compararmos o som principal desta amostra com o nosso último B para o comprador. E se juntarmos esse som em particular, se nos unirmos com a equipe com a transição que estávamos olhando antes, onde removemos elementos. Então talvez tenhamos esse loop e tiramos alguns tambores. Nós tiramos estes. E então talvez nós apenas tiramos isso. E deixamos assim. Ok, vamos ver como isso soa. Ok. E também podemos usar outros tipos de efeitos sonoros como talvez usemos esta pasta de alarmes. Vamos ouvir a de alguém. Ok. Vamos usar essa era de alarme de efeitos como uma transição. E é bastante longo. Então eu vou fazer uma transição de duas barras. E eu vou ajustar isso ao nosso ritmo. Usou a estimativa. E então eu vou esticar para que seja muito mais curto e eu vou esticá-lo para que seja muito mais curto e ele se encaixa em duas barras. É que você teria que mover isso. Teríamos que movê-lo de novo para que ele realmente comece no bar. Desligamos isso. ouvir o que esse alarme tipo de efeito sonoro soa como uma transição. E se nós equipe é, novamente com a primeira palestra nós estávamos olhando para onde nós tirar alguns elementos para fora. Vamos tirar alguns desses elementos que estão tocando ao mesmo tempo e vamos ter um ouvir o que isso soa como. Então é assim que você pode usar sons de efeito como uma transição em suas faixas. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em reunir todas essas transições para fazer uma transição de som muito mais profissional. 60. A transição combinação: Então, nesta palestra vamos dar uma olhada em usar uma transição combinada. Então, o mais profissional das transições usará uma combinação de todos esses tipos de mini transições que temos visto até agora. Talvez você tenha um efeito em camadas com um gritos vocais, em camadas com um grande sucesso. Ou talvez você tenha uma transição instrumental combinada com uma transição de silêncio. E também a transição mais fácil que estávamos olhando antes. Neste exemplo em particular, estamos novamente indo do acúmulo para a queda, ok, e a transição que eu usei combinou um enchimento de tambor, um som de grande sucesso, uma espécie de grito vocal. E também a transição mais fácil que estávamos olhando antes, porque eu também removi alguns dos elementos. Vamos ouvir o que essa transição mais profissional soa. Então, quando você estiver usando transições em sua trilha, tente combinar todas as transições que temos visto e criar uma transição de som mais completa e interessante. Na próxima seção, vamos dar uma olhada no uso de elementos de preenchimento e extras. 61. Usando preenchimento e extra: Vamos dar uma olhada agora no uso de enchimento e extras no EDM. Então elementos de preenchimento são qualquer elemento que é usado para preencher espaço vazio sem distrair a idéia da pista principal. Um exemplo pode ser o som do vento no fundo como o local principal do instrumento. Os elementos de preenchimento são importantes, pois impedem que sua trilha soe muito vazia. Extras, então, são uma espécie de elementos curtos ou únicos que você adiciona em cima da idéia principal para acessar diferentes partes da pista. Pode ser talvez como melodia sintetizador que toca acima da melodia principal, ou talvez um curto efeitos sonoros que podem assumir por alguns segundos, como uma sirene policial. Então, na nossa frente, eu tenho um arranjo para uma casa russa. E eu meio que destaquei todos os elementos de enchimento e extras que estou usando em toda a pista. Então o que vamos fazer é ouvir, talvez ouvir, ok, que é cerca de um minuto e meio, só para que possamos ter talvez ouvir, ok, que é cerca de um minuto e meio, uma sensação para este preenchimento de tom de gota, este sintetizador extra que estamos usando, este efeito de som extra e este loop externo sendo usado como enchimento. Então vamos ter uma escuta agora e então vamos direto para a primeira palestra, que está usando loops externos como preenchimento e extras. Está bem? Está bem. Ok, vamos pular para a primeira palestra. 62. Loops externos como preenchimento e extra: Então, nesta palestra vamos dar uma olhada em usar loops externos como preenchimento e extras. Então o que podemos fazer é arrastar em um loop externo para adicionar à nossa pista. E então podemos torná-lo muito, muito silencioso para que ele tipo de brinca atrás dos outros elementos e preencha algum espaço vazio. Então eu só vou jogar este pequeno arranjo que eu vim acima com. E eu realmente não sei que tipo de gênero ele vai ser ainda. Mas eu sei que eu quero adicionar algum tipo de elemento de enchimento para talvez aqui na pista. Ok, então vamos ouvir o que parece até agora. E então vamos entrar nos pacotes de amostra e vamos arrastar em alguns loops externos. nenhum De jeitonenhum. Ok, então vamos entrar em nossas costas de amostra e vamos encontrar alguns loops externos para usar nesta seção da pista. Então o primeiro tipo de loop externo que eu poderia tentar é um loop de percussão. Então eu vou entrar para onde eu guardo alguns dos meus laços de percussão aqui. E vamos tentar esses diversos loops de percussão. Vamos ver como alguns desses soam. Ok, então eu acho que eu gostei do som deste aqui. Então o que vamos fazer é arrastar isso para a lista de reprodução e lugares para a seção que queremos, o elemento de filtro. E eu vou aumentar o zoom e garantir que este clipe se encaixa no nosso ritmo. Então vamos ouvir o que soa como Now. Vou colá-lo para que jogue em toda a seção. Ok, então eu não acho que soa muito ruim, mas o que nós vamos fazer é adicioná-lo à pista de mixagem. E depois vamos recusá-lo. Está bem? Porque este é um elemento de preenchimento. Isto é usado apenas para encher o espaço. Nós não queremos que isso distraia e nós não queremos que o público necessariamente se concentre nisso, ok, então nós queremos mantê-lo quieto e vamos ouvir o que parece agora que ele está meio que enchendo o espaço vazio. Talvez seja um pouco mais alto. Certo, então é assim que soaria se usássemos um loop de percussão externo como elemento de enchimento. Também podemos usar diferentes tipos de loops. Ok, então vamos descer e tentar um loop vocal vocoder. Ok, então eu vou entrar no Vocoder. Não, na verdade, então eu vou entrar para loops vocais e eu vou clicar em loops vocoder. E vamos testar o som de alguém. E então vamos arrastar um para dentro e vamos usá-lo como um elemento de preenchimento. Ok, vamos usar este loop vocoder, que é 27. E vamos arrastar isto. E a primeira coisa que faremos é garantir que se encaixe no nosso ritmo. Então ele se encaixa no nosso ritmo agora, então eu vou colar este loop vocoder em toda a seção. Vou adicioná-lo à faixa do misturador. E agora eu tenho que ter certeza que o loop Vocoder está na chave certa. Então eu vou abrir o Edison, que é por aqui. E eu vou abrir a janela de amostra. E vamos arrastar o loop vocoder, fazer com que Edison detecte as regiões de arremesso. E podemos ver que está em C. E se eu entrar na minha pista aqui, eu posso ver que minha trilha está na chave de B. Então eu vou transpor este loop para baixo por US $0.100 para trazê-lo de C para B. E agora ele está na chave da nossa pista. Então o que podemos fazer é baixá-lo para que não distraia o ouvinte. E nós teríamos um ouvir o que esse loop vocoder soa como enchimento. Talvez aumente um pouco. E se você quiser, você poderia continuar este pequeno loop Vocoder para o tipo de seção de acumulação. Só por uma questão de consistência. Vamos ouvir como isso soa. Agora, se tirarmos este elemento de enchimento, vamos notar o quão vazio o som da seção sem nós. Agora pensei nisso de volta. Então é assim que você pode usar alguns loops externos para preencher o espaço vazio em diferentes seções do seu arranjo. Em seguida, vamos dar uma olhada em lançadores caídos e soltar. 63. Tomadas e soltar: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em “drop blasters” e “drop tone”. Gesso caído é um som enorme que te dá um tapa na cara. Sempre que a entrega começar. Eles podem soar muito bem em casa de tecnologia e pistas técnicas. lançadores caídos foram recentemente tornados populares por Fisher com sua folga na pista. Por outro lado, caiu tom é como uma única nota pétala que colocar acima da idéia principal da pista. É quase sempre muito alto em tom, e geralmente é um som de corda, mas também pode ser um som de pad. Vamos ouvir tanto o “drop bluster “quanto o “drop tone “em ação. Agora, vamos descer ainda mais. Então, se entrarmos na queda do ano passado por um segundo e dermos uma olhada no que está acontecendo. Podemos ver que há uma nota que está tocando o nó raiz principal da faixa. E outra nota que está tocando o terceiro tipo de nota menor da faixa. Agora, você pode adicionar mais notas, se quiser. Então eu poderia adicionar uma nota aqui em cima em F e talvez uma nota aqui em cima em um afiado novamente. E vamos ver como isso soa. Agora, se adicionarmos isso à nossa entrega, vai soar assim. Mas você também pode tirar algumas dessas notas e retirá-lo de volta para ele é uma espécie de elementos nus, que seria a raiz do nada, ok, e nós podemos deixá-lo com apenas este nó aqui. Então vamos ver como isso soa na armadilha. Quando você está escolhendo o som do mestre de gotas, você tem que ter certeza de que é um som duro, ok, então isso significa que é alto. E na tua cara, a predefinição que escolhi aqui melhorada é bem alta e na tua cara. Mas se escolhermos um, mas se escolhermos um som mais sutil como talvez apenas arrancar som. E temos que ouvir isso. Está bem? Este som é um pouco mais suave. Então, se ouvirmos como é o som suave na queda, vai soar assim. Então, na verdade, parece um pouco um anti-clímax. Então você deve ter certeza de que o som que você está escolhendo para o seu, seu, seu gesso cair é alto e em seu rosto. E nós podemos escolher, vamos ter um ouvir outro tipo de som de chumbo e ver o que, ver como isso soa. Ok, então isso é muito barulhento, na sua cara. Então poderíamos usar esse som também, e também soaria bem na queda. Por outro lado, temos este tom de queda, está bem? E o tom de queda é basicamente o oposto completo do gesso gota. Com o tom de queda, você quer escolher um som suave como este. E é por isso que os sons de cordas são ótimos para tom de queda porque as cordas são suaves e expressivas. tom caído também será muito alto em tom porque se fosse uma espécie de baixo em tom, ele iria distrair dos principais elementos da pista. E soaria mais confuso se tivéssemos uma espécie de tom baixo caído no som. Então você tem que se certificar de que o tom de queda que você está usando está em um tom alto. Mentes aqui em um oito afiado, que é um arremesso muito alto. Você também pode usar um som de sintetizador para o tom de queda. Então, se eu entrar aqui e escolher talvez, talvez esse som suave de Júpiter e veremos como isso soa. Eu só vou aumentá-lo e nós vamos ouvir o que isso soa como, a entrega. Agora, talvez isso seja um pouco alto demais. Você pode gostar do som disso e tudo bem, mas eu só vou lançar a minha música de uma oitava, mas parece. Mas se usássemos um som que é muito mais na sua cara. Digamos que usámos este “Drop Bluster “, a correia dura o teu instrumento, e tentámos usar isto como tom de queda. Ok, então o que eu vou fazer é um arremesso até talvez um seis. Ok, então é agudo e esticá-lo para que seja o mesmo comprimento que o tom de queda. Mas se tivermos um ouvir esta e esta explosão ou instrumento agora como caiu, vai soar assim. Certo, e isso parece fora de lugar. É uma espécie de distração da linha de base principal aqui em baixo. Então vamos desfazer tudo isso e colocar tudo de volta ao normal, exatamente onde temos o descartado. E vamos dar uma última lição para o acúmulo e a queda com o gesso e o preso. Está bem. O que fazemos na próxima palestra, vamos olhar para usar um padrão de sintetizador como preenchimento. 64. Synths como preenchimento e extra: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no Saint Filler e enviar extras. Então, um centavo extra seria um tipo adicional de elemento enviado que joga em cima da idéia principal. Então poderia ser uma espécie de rootNode facadas ou talvez notas alternadas ou algo assim. O que é muito, muito simples. Mas um joga em cima da idéia principal. Desde enchimento do que seria um elemento que tipo de joga por trás da idéia principal. Então isso pode ser talvez um padrão arpeggiado no fundo, ou poderia ser como o tom de queda, exceto que usamos em uma seção diferente. Então vamos ter um ouvir este exemplo de um centavo extra que eu estou usando nesta faixa techno. Então aprenderemos como transformar esses centavos extras em um enchimento de centavo. Então, vamos dar uma escuta agora. Vamos olhar para o clube. Então, se clicarmos no padrão extra de centavo, podemos ver que se eu aumentar aqui, podemos ver que é na verdade um composto de um padrão muito menor que foi colado em cada batida da barra. Então, se eu só sozinho, esse padrão terá que ouvir. Ok, agora podemos mudar as notas se quisermos. Poderíamos mudar essa nota para um F afiado e talvez essa até o B inferior e faremos a mesma coisa aqui na segunda metade do padrão. E soaria assim. Está bem? E se ouvirmos o que isso soa como no padrão, soaria assim. Ou podemos mudar esse padrão completamente e vamos deletá-lo. E nós poderíamos talvez adicionar um B e talvez apenas fazer algumas notas alternadas. Então, talvez de B até o B alto e de volta para baixo, assim. E então copiaremos isso em todo o padrão. Então, assim e o que for, escute. Na verdade, parece algo do Mario. Mas se alguma vez ouvirmos o que parece na entrega, soaria assim. Então você pode meio que ver a idéia que estamos indo para. Ok, então é um padrão muito, muito curto. A árvore de sintaxe tem um padrão muito, muito curto, por isso geralmente será apenas um pulmão de batida. Então faça o seu padrão nesta batida. E então, qualquer que seja o seu padrão, talvez seja, vamos acrescentar este caso. Talvez este seja o seu padrão, ok? Faça isso em uma batida e, em seguida, basta copiá-lo através de todo o padrão. Então, talvez através do padrão de uma barra como este. E então você vai adicionar esse padrão à sua seção de entrega, ok? E esse padrão soaria assim. Então a idéia com este som extra de sintetizador é que ele é meio curto e repetitivo em toda a seção. Agora, se transformássemos este extra de sintetizador em um enchimento de sintetizador, tudo o que faríamos era selecionar na pista de mistura e simplesmente baixá-lo. Então é meio sutil. Então é menos, menos óbvio. Então é uma espécie de preencher o espaço vazio. Desliguei-o um pouco. Então este som ácido, este ainda é o principal, este ainda é o foco principal. Está bem? E quando estamos usando este enchimento enviado, isso é apenas preenchendo este tipo de espaço vazio que é deixado para trás por este padrão. Ok? Mas se o aumentarmos, ele se transformará em um extra de sintetizador. Porque agora ele está realmente sentado acima desta idéia principal. Agora, poderíamos transformar isso em uma espécie de som arpeggiado. E poderíamos usar isso como um enchimento de sintetizador. Então vamos apenas criar um arpejo rápido para B menor, que poderia ser assim. E vamos copiar isto através de todo o padrão. Mas como você pode ver novamente, todo esse padrão completo de uma barra é apenas repetições do padrão que está neste, A.C. Então vamos ter um ouvir o que isso soa como por conta própria. Podemos mudar o instrumento um pouco mais claro. Então talvez, talvez este e substituí-lo aqui. E o que vamos fazer é baixá-lo para que seja meio sutil na mistura. E está enchendo o espaço vazio. Isso é talvez abaixar um pouco mais. E eu vou apenas desligar esse efeito de dobra que eu tive nele porque ele está realmente fazendo soar fora de sintonia. Então, vamos ouvir o que parece agora. E novamente, para transformar isso em um centavo extra, Nós apenas virar este controle deslizante para que ele está sentado acima do tipo principal de idéia principal. Está bem. Então depende do que você está tentando fazer. Estás a tentar encher o espaço vazio que é deixado para trás pela tua ideia principal? Ou você está tentando adicionar a sua idéia principal por ter este tipo de adicional enviado para lá. Está bem? E essa é basicamente a diferença entre um enchimento sintetizador, que preenche espaço e um centavo extra, que é como um som adicional. Além disso, não há nenhum tipo de diretriz sobre o tipo de instrumento que você deve escolher como seu enchimento de perfume ou seu centavo extra. Mas você tem que ter certeza, como nós fazemos com todos os outros elementos que ele se encaixa no som de sua trilha. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada no uso de efeitos para preenchimento e extras. 65. Efeitos como preenchimento e extra: Nesta palestra, vamos falar sobre o uso de efeitos sonoros como preenchimento e extras. Então eu tenho um exemplo de uma faixa aqui onde ele meio que vem da introdução para este colapso oito BR. E depois há uma gota. Certo, mas o padrão que está no colapso deixa muito espaço vazio. Então o que vamos fazer é adicionar alguns efeitos para preencher o espaço vazio. Vamos ter um ouvir o que a faixa soa como agora, sem qualquer um desses efeitos adicionados. Certo, então podemos adicionar diferentes tipos de efeitos. Podemos adicionar em uma espécie de som ambiente como um filme para tipo de definir a cena da faixa são reconhecidos em outros tipos de efeitos para tipo de contar uma história como sirenes policiais. Sou um alarme de alerta de bomba, talvez um telefone tocando ou um relógio. Eu vou adicionar em algum ambiente local e ver o que isso faz com o som geral da faixa. Então eu vou entrar onde eu mantenho meu ambiente de localização, que é aqui sob ambiente. E eu vou rolar direto para os diferentes locais que podemos usar agora podemos usar poderíamos usar um talvez nua, ou poderíamos usar uma rua grande da cidade. Vamos tentar, vamos ver como essas ruas da cidade são. Ok, vamos tentar talvez canteiro de obras. Está bem. Gosto do som do canteiro de obras. Vamos arrastar isso para dentro e ver como soa quando ele é meio que em camadas com a seção de detalhamento. Então eu só vou movê-lo para um ponto que parece bastante ocupado, talvez aqui. E eu não quero esticar como eu vou desligar esticar e eu vou apenas cortá-lo para que ele está apenas preenchendo a seção de avaria, que é D zeitgebers. Então eu vou estender esse passado lá. E usarei a navalha para cortá-la no final deste padrão de acordes. Ok, vamos diminuir o zoom. Agora, porque estamos usando esse efeito como um som de enchimento, eu vou entrar na pista do mixer e eu vou baixá-lo um pouco para que não esteja dominando os tribunais. Ok. Então vamos ter uma escuta para o que esse efeito soa como. Na seção de detalhamento. Agora vamos ver o que parece se mudarmos para um desses loops de compradores, talvez. Vamos escolher este loop número três. E o que eu vou fazer é que eu, eu, eu obviamente cortei a forma de onda fora. É bem aqui. Então eu vou rolar de volta para ele e vamos colocá-lo no primeiro tipo de batida. Vou desligar o meu snap para a grelha para poder movê-lo manualmente. E novamente com a outra ponta aqui, talvez eu faça um loop fora dele. Então, oops, Mansi, Curtis, talvez aqui neste bar. E vamos fazer um loop fora disso. Então vamos fazer o loop em toda a seção de avaria assim. Está bem? E eu vou puxar isso para trás para que seja meio que mesmo com os tribunais. Vamos ter uma escuta para o que este fundo soa como quando o padrão está tocando. Ok, pode apenas abaixá-lo muito rápido. Então, como você pode ver, usando ambiente soa como este tipo de define a cena para a pista. Então, se você pretende contar uma história em toda a sua faixa, você pode usar esses sons de ambiente para tipo de definir a cena. Ok, então agora vamos dar uma olhada em usar um tipo diferente de efeito, que é como um efeito sonoro foley. Então talvez usássemos um relógio ou um tipo de alarme de bomba. O que vou fazer é entrar no meu tipo de pasta de efeitos aqui. E vamos tentar um destes efeitos de alarme. Ok, então eu acho que pode haver um alarme de alarme de bomba aqui. Então este vai fazer, vamos usar isso e nós substituímos este som de barra por este efeito de som de alarme. Agora porque este efeito de alarme realmente tem um ritmo para ele. Tem quatro barras. Precisamos disto para sincronizar com o ritmo das nossas faixas. Então, vou apenas clicar com o botão direito do mouse e selecionar Ajustar ao ritmo. Vamos ver que tipo de diferenças faz. Oh, é só solo. Certo, e agora vamos ouvir. No contexto da desagregação. Podemos torná-lo um pouco mais silencioso só porque é feito para ser um elemento de enchimento e é meio que para ser sutil e em segundo plano. Vamos ouvir de novo. Vamos tentar um destes outros efeitos de alarme. Talvez. E lá vamos nós. Ali está o som de alerta da bomba. Ok, então vamos adicionar esse som de alerta de bomba em nossa pista. Então, eu só vou. Revelar o resto da forma de onda. E onde quer que ouvisse o que isso soa como quando está enchendo espaço ao lado deste padrão de acordes. E usar esse tipo de som de alarme é realmente muito, muito comum no EDM. Vamos apenas ver muito rapidamente se podemos encontrar o som de um relógio tique-taque, eu acho que pode haver um neste afeta loops, mas eu não tenho certeza. Não consigo encontrar um rápido, vou seguir em frente. Bem, quero dizer, nós poderíamos usar esses loops de efeitos como enchimento de qualquer maneira. Então vamos arrastar este som e vamos ver como isso soa se estamos usando isso como enchimento. Agora também precisamos ter certeza de que ele está apto ao nosso ritmo porque ele tem um ritmo para ele. E diz aqui 127 BPMN. Então eu vou digitar de um a sete. E então o que vamos fazer é cortar a cauda fora disso e então podemos fazer o loop durante todo o colapso. Então vamos ver como isso soa. Vou aumentá-lo para que possamos ouvir um pouco melhor. E talvez vamos tentar mais um desses loops de efeitos. Vamos usar este aqui. Arraste isso para dentro, e vamos ver como isso soa no contexto do detalhamento. Então, como você pode ver, você pode usar vários tipos diferentes de efeitos para tipo de preencher o espaço vazio em qualquer uma de suas seções. Agora, novamente, como o filtro de sintetizador, se usássemos esse efeito como um extra, o que faríamos é apenas aumentá-lo para que ele fique tipo de sentado acima das cartas principais como este. Então isso realmente depende de como você deseja usar um Você quer usá-lo como uma espécie de enchimento sutil? Ou você quer usá-lo como uma espécie de extra mais alto? Então, em seguida, vamos dar uma olhada na onda de reverberação. E esta é a última palestra antes de começarmos a primeira tarefa são o primeiro tipo de projeto. Então vamos em frente e saltar para isso agora. 66. O Reverb Swell: Então, nesta palestra vamos dar uma olhada na onda de reverberação e como podemos usá-lo em nossas faixas. Assim, a onda de reverberação é uma técnica extremamente comum que é usada em acúmulos ou para a transição de uma seção para outra. E o que acontece é que a pista parece que está lentamente ficando cada vez mais longe antes de repente saltar para trás e tipo de bater na sua cara com a próxima seção. Antes de repente saltar para trás e tipo de bater na cara dele com a próxima seção. Então vamos ter um ouvir este exemplo de um acúmulo e, em seguida, uma pequena porção da gota. Agora eu não tenho a inchação de reverberação aplicada, mas nós aprendemos a fazer isso depois. Vamos ouvir agora. Ok, então vamos começar a aplicar a reverberação também. Então o que vamos fazer é ir até a pista de mixagem. E nós vamos para o canal principal. E o que vamos fazer é adicionar uma reverberação, um plugin de reverberação. Então vamos apenas adicionar o reverb frutado padrão também. E nós vamos ter um ouvir o que isso soa como Agora nos canais mestre. Então o canal principal é o canal pelo qual todas essas faixas diferentes passam. Então, tudo, cada elemento em sua pista está passando pelo canal principal. Vamos ter uma escuta. E se aumentarmos o nível molhado, ok, então o que podemos fazer é carregar uma predefinição aqui, talvez, talvez essa predefinição grande, e veremos como isso soa. Isso soa bem. Então agora vamos entrar na janela da lista de reprodução e vamos destacar a área onde queremos criar o clipe de automação porque vamos automatizar esse nível molhado seco. Então, vou clicar com o botão direito do mouse e vou selecionar Criar automação. E então eu vou arrastar este ponto de ancoragem para baixo para a esquerda de modo que a reverberação é desligada e ele lentamente se acende à medida que a queda progride. Em seguida, vou adicionar outro ponto de ancoragem clicando com o botão direito do mouse. E eu vou colocar isso até o topo. E eu estou desenhando este ponto de ancoragem em linha com onde a transição começa. E então, e então eu vou voltar para o clipe de automação e eu vou arrastar o ponto de âncora certo todo o caminho para baixo para que ele desligue no momento em que esta queda estatísticas. Está bem. Então o que vai acontecer é que a faixa vai inchar com este efeito de reverberação. E então, neste tipo de transição silenciosa que temos, o efeito de reverberação irá diminuir e, em seguida, estará na seção drop. Ok, então vamos sair dessa e vamos ouvir como isso soa. Agora você pode ajustar a forma do clipe de automação para torná-lo um pouco mais agressivo. Isso é talvez tornar o declive um pouco mais íngreme. E vamos ver como isso soa. E para fazer isso parecer ainda mais profissional, o que vamos fazer é voltar para o canal principal e vamos nos livrar de toda a parte baixa à medida que esse efeito de reverberação aumenta. Ok, então vamos abrir um plug-in equalizador acima deste plug-in de reverberação. Vamos usar o EQ paramétrico frutado padrão para. E vai abrir assim. E o que vamos fazer é clicar com o botão direito primeira banda e vamos dizer tipo. E queremos um passe alto. E o que isso faz é permitir que todas as altas frequências passem. Mas como você pode ver, ele corta essas baixas frequências. Então, vamos automatizar o nível de frequência para que este plugin corte cada vez mais altas frequências como uma onda de reverberação se desenrola. Ok, então vamos voltar para algum lugar normal, talvez apenas 60 hertz. E o que faremos é clicar com o botão direito do mouse nesse parâmetro de freqüência. E, na verdade, desculpe, primeiro temos que destacar a área em que queremos a dica de automação devido a uma espécie de queda. E vamos clicar com o botão direito do mouse nesse parâmetro de freqüência e diremos criar clipe de automação. Agora não se preocupe com nenhum dos parâmetros no equalizador ainda porque estaríamos olhando para equalizadores e muito mais detalhes quando chegamos à mistura. Por enquanto, saiba que você tem que automatizar o parâmetro de freqüência. Está bem? Então vamos fechar isto. E o que vamos fazer é pegar o ponto de ancoragem à direita. E opa, desculpe. Vamos trazê-lo para que as baixas frequências estejam sendo detectadas enquanto o som reverb está inchando. E então o que vamos fazer é certificar-nos de que todas as baixas frequências podem voltar a ligar para quando esta secção começar. Está bem? E talvez vamos virar este ponto de ancoragem um pouco para não cortarmos todas as frequências baixas. Só queremos cortar, talvez, alguns deles. Certo, vamos ouvir como isso soa agora. Então eu acho que este efeito está realmente começando um pouco cedo demais. Então eu vou mover isso para onde está alinhado com o fim dos acordes. E eu também acho que é um pouco demais. Então eu vou abaixá-lo e talvez nós vamos ajustar a inclinação para que não seja tão agressivo e vamos ouvir como soa agora. Então este processo é como você iria aplicar uma onda de reverberação em suas faixas. 67. Introdução ao arranjo: Portanto, estamos quase prontos para começar a organizar a faixa completa de EDM por nós mesmos. Há apenas mais algumas dicas e diretrizes que eu quero dar a vocês nesta seção. E então podemos passar para o estágio de mistura deste curso de produção de EDM. Vamos passar por estes slides muito rapidamente antes de começarmos esta seção Dicas de arranjo. Ok, bem, agora que você conhece todos os elementos que compõem uma faixa de EDM, você pode usá-los para criar seu próprio arranjo. Você pode usar alguns dos padrões que você já criou, ou você pode começar do zero e construir uma faixa completamente nova. Na verdade, não vou arranjar uma pista para ti neste curso. E a razão para isso é porque todos fazem isso de forma diferente. Na verdade, pode ser um processo bastante desestruturado. Você sabe, você pode construir seu padrão de bateria em pedaços, ou você pode até mesmo acabar mudando cada um dos instrumentos no meio do caminho. Mas tudo isso está bem se continuarmos com a teoria que aprendemos até agora será capaz de produzir um arranjo profissional. Então, como eu disse, todos têm seu próprio processo de organização e se eu fosse fazer isso na sua frente, meu processo seria completamente diferente do seu processo. Então você não aprenderia nada além de como eu arranjo uma pista. Então, por causa desse fato, eu forneci uma lista de verificação para você usar no final desta seção. E nessa lista de verificação, você encontrará todas as dicas e as diretrizes que lhe dei até agora sobre a criação de um arranjo de som profissional. Há um projeto no final deste curso onde você terá que fornecer uma faixa completa de EDM para eu ouvir. Portanto, certifique-se de baixar esta lista de verificação e tornar a sua faixa o melhor que pode ser. 68. Elementos de condução: Então o primeiro tipo de dica de arranjo que vamos olhar é elementos de condução. E esta é provavelmente a regra mais importante do arranjo. Então, em todas as formas de produção musical, deve haver sempre uma coisa em foco para o ouvinte, ok? Precisam de algo para ouvir. Caso contrário, seus cérebros tentarão se concentrar em muito uma só vez e toda a experiência se torna prazerosa. E podemos garantir que isso não aconteça se usarmos elementos de condução. Imagina que a tua pista é como um chefe, está bem? E as pessoas neste ônibus são os elementos que estão em sua pista? Bem, só pode haver um motorista de ônibus, ok, só há uma pessoa que realmente dirige o chefe que realmente controla para onde o ônibus está indo. E é exatamente a mesma coisa na música. Você não pode ter mais de um motorista a qualquer momento. Agora, é claro, neste ônibus, o motorista pode descer e outro motorista pode entrar. E esse motorista pode sair e o mesmo motorista de antes pode voltar. E a mesma coisa pode acontecer na música. Você pode ter um elemento de condução que está jogando através da quebra e, em seguida, um novo elemento de condução que joga através da queda. E então você pode reintroduzir o elemento de condução anterior da primeira avaria. Então, na prática, é como se você tem um tipo de instrumento ocupado que você quer que as pessoas se concentrem, então você deve manter todos os outros elementos simples. Como a linha de base deve ser simples e seus elementos de chumbo devem ser simples. Ou se você tem uma linha de base ocupada, então você deve manter os instrumentos simples. Ok? Talvez esteja usando um gancho vocal. Bem, nesse caso, você deve usar instrumentos simples e uma linha de base simples. Então, há mais do que provavelmente soa um pouco confuso, mas eu acho que vai fazer mais sentido se eu jogar através desses exemplos para você. Ok, então, este primeiro exemplo aqui é de uma pista conduzida por percussão. Ok, então este padrão de cowbell, este é o elemento principal da pista. Então este é o elemento principal que eu quero que meus ouvintes se concentrem nesta faixa. E como este é o elemento principal, minha linha de base é incrivelmente simples. Certo, são só duas notas. Então, vamos ter um ouvir o que esta faixa conduzida por percussão soa como. Agora vamos dar uma olhada nesta linha de base orientada. Então, nesta faixa em particular, a principal coisa que eu quero que os ouvintes se concentrem é essa linha de base, ok? Então vou soltá-lo para você. Ok? Mas o que você vai notar é a precaução de antes de eu realmente ter tirado isso porque se eu tivesse deixado isso dentro, então na verdade haveria para dirigir elementos ao mesmo tempo e isso soaria muito confuso. Vamos ter uma escuta para o que a linha de base conduzida soa como. Agora, se eu fosse realmente adicionar esses sinos, vamos ouvir o que soaria agora com esses dois elementos dirigentes tentando lutar um contra o outro pelo espaço, ok? Então ambos estão tentando lutar pela sua atenção. E você vai notar que você está meio flutuando entre tipo de prestar atenção a ambos e toda a experiência de tentar fazer isso não é muito agradável para o ouvinte. Então vamos ouvir o que parece agora com esses dois elementos de condução. Então eu tenho certeza que você pode notar que o som geral é muito confuso e que você está tentando se concentrar em sua flutuação entre um e então você está ouvindo outro e então você está voltando para este no De volta a este e você está tentando se concentrar em ambos ao mesmo tempo. Então não fazemos isso. Escolhemos um elemento principal no qual queremos que o ouvinte se concentre e desenvolvemos a pista em torno disso. Certo, neste caso temos uma pista acionada por instrumentos. Então o instrumento é este. Ok, é apenas um padrão de piano simples. E como o instrumento está dirigindo a pista, minha linha de base é muito simples. E, de fato, a linha de base é copiar o ritmo exato do piano. Então, se pegarmos uma escuta para o que esta faixa conduzida por instrumentos completa soa, e observarmos o que acontece se eu tirar este tipo de linha de base simples e eu adicionar nesta linha de base mais complicada que eu tinha na minha linha de base conduzida. E vamos apenas ouvir o que a linha de base soa quando está tentando lutar pelo espaço com o piano. Então, novamente, você provavelmente notará que é muito difícil apenas se concentrar em um elemento. E isso impedirá que o ouvinte se envolva totalmente com sua faixa. Então, por favor, certifique-se em suas faixas que você está pensando sobre esses elementos de condução e você só é dado o ouvinte ganhou manter para tipo de segurar sua mão e levá-los através da pista. 69. O gráfico de linha intensity: Certo, vamos falar sobre o gráfico da linha de intensidade para a produção musical. Lembra disso de todo o caminho de volta na palestra sobre a estrutura EDM? Bem, vamos descobrir o que é agora. Além disso, este conceito de linha de intensidade não se aplica apenas ao EDM, ele realmente se aplica a todos os gêneros de música. Portanto, é uma ferramenta útil que todos os produtores devem ter sob seu cinto. Intensidade versus tempo, ok? É assim que este gráfico é configurado. Como a energia da sua pista aumenta e cai à medida que avança através do arranjo? Então isso é baseado em uma sensação de como sua trilha realmente se sente? E o que você vai notar é que a introdução é muitas vezes construindo intensidade. A quebra então diminui a intensidade muito baixa e começa a construir um backup novamente. E então o acúmulo empurra a intensidade cada vez mais alto até que as gengivas caiam, que é a seção mais intensa de uma pista de EDM. E você também notará que na segunda quebra, a intensidade raramente cai tão baixa quanto a primeira quebra. E isso é porque os níveis de intensidade, eles não deveriam estar pulando por todo o lado. Então, se de repente você passar da seção mais intensa, que é a queda, para a seção de menor intensidade, que é a quebra, então toda a sua trilha morrerá naquele exato momento. Você tem que pensar nos ouvintes que estão na pista de dança. Estão pulando para cima e para baixo. Eles estão se divertindo durante a entrega. E quando se trata do segundo colapso, eles não querem parar de se mover e ter que se sentar até a próxima gota. Assim, a segunda quebra geralmente terá maior intensidade do que a primeira quebra. E este é um conceito teórico, então não há fórmula para acertar todas as vezes. Você só tem que ouvir criticamente e realmente tentar sentir a energia da sua faixa. Deve subir e cair moderadamente, não drasticamente. No canto inferior direito deste slide, você pode ver um gráfico de linha de intensidade para as galáxias Martin rastrear animais. E eu também incluí um vídeo onde eu acabei de jogar através da pista e revelar como esta linha de intensidade parece como ele lugar. Então você pode encontrar isso na próxima palestra se você está confuso sobre como desenhar um gráfico de linha de intensidade para sua faixa. É apenas uma ferramenta muito simples que podemos usar para garantir que a energia da nossa pista esteja fluindo bem e que o contorno da linha não salte de, você sabe, de extremo para extremo. Então eu espero que você entenda como esse conceito de linha de intensidade funciona. E eu realmente gostaria que você fosse e ouvisse talvez uma ou duas faixas e apenas desenhasse a linha de intensidade para cada uma. Agora você pode fazer isso no seu próprio tempo. Eu não preciso ver os gráficos finalizados, mas se você desenhar uma linha de intensidade para muitas faixas diferentes, você começará a notar algo sobre elas. E o que você vai notar é que todos eles parecem muito semelhantes como na forma do gráfico e como a intensidade aumenta e cai em atração será muito semelhante. Se você fizer isso por si mesmo, você aprenderá como uma linha de intensidade de faixas deve ser idealmente. E então você pode usar isso para suas próprias faixas para garantir que sua linha de intensidade seja a mesma. E isso é tudo o que há para ele. É apenas um gráfico simples onde você traça a intensidade ou a energia de uma faixa versus o tempo. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em algumas coisas que você pode usar para gerar uma nova idéia de faixa. 70. Como formar a ideia principal: Vamos dar uma olhada agora em algumas coisas que podemos usar para gerar uma nova idéia de faixa. Você pode já ter uma idéia na sua cabeça que você quer desenvolver. Ou você pode usar alguns dos loops e padrões que fizemos até agora neste curso. Mas se você está achando difícil criar uma ideia de trilha, essas dicas podem ajudar você a começar a parte criativa do seu cérebro. Então a primeira dica aqui são os super-homens. E este site é incrível. Você pode encontrar milhões de loops livres e amostras gratuitas que você pode usar em suas faixas. E todos esses loops e amostras são completamente livres de direitos autorais e royalties por causa de uma cláusula que está na página Looper mins Termos de Uso. Portanto, é realmente um recurso brilhante para usar em seus projetos, seja para gerar ideias ou apenas para alguns loops externos adicionais. Agora eu vou dizer muito rapidamente que há uma página de acapella onde você pode baixar vocais, mas estes não são livres de direitos autorais, ok, então você terá que entrar em contato com a pessoa que carregou os vocais se quiser usá-los em seus trilhos. Além disso, é realmente um recurso fantástico para nós produtores de música usar. Em seguida, temos isso, que é realmente ouvir para atrair e usá-lo para idéias. Então isso é basicamente o mesmo que usar uma faixa de referência. Então você encontra uma faixa que você gosta, e você copia a estrutura e as idéias na pista. E, novamente, não significa que você copie a faixa exatamente. Mas, por exemplo, se você ouvir a faixa e no meio da introdução, um elemento de piano entra, então você pode usar isso e introduzir um elemento de piano na metade da sua introdução também. Mas o padrão que você usa em sua pista deve ser diferente. Então você só está pegando a concha da outra faixa e depois enchendo-a com sua própria música original. Finalmente, temos esta dica, que é usar plug-ins, ok, então há muitos, muitos plug-ins lá fora que podem realmente ajudá-lo a gerar uma nova idéia. Um deles é gerador de rave, que você pode ver uma foto no canto superior esquerdo. E outro exemplo é este pacote arcade completo por saída. Agora, estes em particular são incríveis e podem instantaneamente dar às suas faixas um som profissional com o toque de um botão. Então definitivamente olhar para investir em alguns desses plug-ins arcade. Esta foi apenas uma palestra muito, muito rápida. Se você está preso por idéias. E espero que você possa levar algumas dessas dicas a bordo e começar a gerar uma nova faixa. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na última dica neste tipo de seção de arranjo, que é por onde começar ao organizar uma faixa completa de EDM. 71. Por onde começar: Esta palestra é outra apresentação de slides muito rápida, e eu só quero ajudá-lo a descobrir por onde começar com sua faixa se você está preso. Alguns produtores, eles começam com a introdução ou depois outros dias, eles começam fazendo a bateria. Mas se você é como eu e você começa formando a idéia principal da pista, então há um lugar que você deve começar. E este é o colapso. Então não comece com a introdução, comece com a quebra e eu explicarei o porquê. Então a ideia principal da sua pista vai ser o principal tipo de elemento de condução. E o principal elemento de condução é quase sempre introduzido totalmente na quebra. Então é muito, muito fácil fazer uma trilha fluir. Bem, se você começar com a quebra e, em seguida, você construir a faixa a partir daí, você deve realmente fazer a introdução Last, ok, porque a introdução é projetado para prefigurar ou tipo de dica para a idéia principal de sua faixa. Mas se você não tem realmente grande faixa ainda, como você pode sugerir o que vai estar nele? E esse aspecto insinuante é muito importante porque, como eu disse antes, ele permite que o público reconheça imediatamente sua faixa assim que ela for tocada. Então definitivamente, você sabe, se você não tirar mais nada desta palestra, pegue isso e aquilo é fazer a introdução Last. Mas isso diz, agora você sabe tudo o que precisa para começar a organizar uma faixa de EDM profissional. Na próxima seção, vamos dar uma olhada no que devemos fazer quando o arranjo estiver terminado e estamos prontos para começar a misturar. 72. Preparação para Mixdown: Portanto, esta seção tem apenas uma palestra e é tudo sobre preparação para misto. Então, quando você chegar ao fim de seu arranjo, você sabe, quando você terminar e você acha que está pronto para começar a misturar, há mais algumas coisas que devemos fazer para tornar o processo de mistura muito mais fácil. Então a primeira coisa que vamos fazer é criar um novo salvamento como, ok, e a razão de fazermos isso é porque qualquer uma das mudanças que fazemos no caso de não gostarmos do mix final que saímos com. Podemos sempre reverter para o arquivo original e facilmente começar novamente do zero. Então eu vou vir até aqui para o arquivo e eu vou apertar Salvar como nós vamos apenas renomear isso. Agora esta faixa em particular é chamada Goos para no momento, então eu vou renomeá-la como Goos para misturar um, ok? E eu vou bater em Salvar. E agora esse projeto em particular é completamente separado do outro tipo de projeto original. A próxima coisa que temos que fazer é ter certeza de que tudo neste arranjo está vindo através da pista misturadora. Então o que vou fazer é tocar este instrumento. E posso ver que está a passar por aqui no Canal 9. Vou tocar o próximo instrumento. E eu posso ver que isso está vindo por aqui neste canal seis. Podemos checar os vocais que eles estão no caminho certo. Podemos verificar isso, está desrastreado 21. Então o que você vai fazer é você vai verificar tudo em seu arranjo e você certificar-se de que todos eles estão vindo através da faixa mixer e que eles são todos tipo de atribuído a diferentes canais mixer. Então, como podem ver, está tudo a passar. Eles estão em diferentes tipos de canais misturadores indiferentes. Ok? Então a próxima coisa que vamos fazer é garantir que todos os efeitos desnecessários sejam desativados nos plugins de instrumentos. Então eu sei que se clicarmos neste som em particular aqui, ok? E se nós jogá-lo, há um efeito de atraso sobre este plugin particular. Se ouvirmos de novo, quando eu parar é o som continua indo e isso é atraso. E isso parece ótimo para o arranjo. Esse tipo de ajuda para o fluxo de trabalho porque você tem uma idéia de como a versão final pode soar como. Mas para misturar, precisamos desligar todos esses efeitos desnecessários. Ok, então se eu entrar no plug-in aqui e eu entrar nos efeitos ambos que já estão abertos. Podemos ver que o plug-in de atraso está ligado. Ok? Então o que vou fazer é desligar isso. E eu também vou vir aqui para o equalizador. E eu vou desligar isso. Porque quando estamos misturando em EDM, queremos trabalhar com esse tipo de som purista, o som quando está mais cru. Ok? Agora há também este plug-in de distorção ativo, ok? E se eu desligá-lo, soa assim. E eu vou ligá-lo novamente. Então eu realmente não acho que isso está fazendo muita diferença para o som. Então, vou deixar isso de lado porque não quero que isso interfira com nada que vamos fazer mais tarde. Então eu desativei todos os efeitos nesta predefinição específica, e estamos prontos para passar para o próximo instrumento e desativar todos os efeitos sobre isso também. Está bem. Então, por exemplo, se pegarmos apenas este primeiro, este primeiro padrão, soa como este. Ok, o que nós vamos fazer é entrar no plugin e nós vamos descer para a seção Efeitos. E como você pode ver por esta luz, os efeitos estão ligados, ok? E há efeitos em um, no canal um e no canal dois. E não há nada no canal três. Então, há uma reverberação e indesejada, há um atraso, e whoops. E o que nós vamos fazer é que nós vamos apenas para baixo a mistura de um e nós vamos para baixo a mistura de dois que esses tipos de efeitos plug-in não estão vindo através do som. Certo, vamos ouvir o som agora. Está bem. E se eu tivesse transformado esses reforços para um tipo de onde eles estavam, soaria assim. Ok. Então eu quero o tipo de, eu quero o mais puro, o som mais cru que eu conseguir. Ok, então você vai olhar todos os seus instrumentos no seu arranjo e você vai apenas desligar todos os efeitos desnecessários. E o que quero dizer com desnecessário é que às vezes você vai encontrar um plug-in e talvez haja uma distorção ativa ou um phaser ou algo assim. E para esses efeitos em particular, você quer manter o som deles. Você quer manter o fasor e quer manter a distorção, você quer manter isso no seu arranjo. Ok? Então, nesse caso, você pode deixar o homem, mas coisas como atraso de reverberação, o equalizador em um plug-in, a compressão em um plugin. Nós vamos desligar todos esses porque nós estaremos fazendo nosso próprio atraso de reverberação, um equalizador, e a compressão estará aplicando todos esses plug-ins nós mesmos de qualquer maneira, então nós os desligamos no instrumento. Também vamos garantir que não haja efeitos no canal principal. E eu tenho um efeito aqui, mas eu tenho um desligado. Ok, então só se você não tiver efeito carregado no canal mestre, certifique-se de apenas desligá-lo pressionando essas luzes ou como você faz no seu DAW. Não queremos nenhum tipo de plug-in afetando o som que ouvimos quando estamos tentando misturar. Portanto, desative todos os plugins que você carregou no seu canal mestre. E eu sei que quando você abre o FL Studio pela primeira vez e você verifica o canal mestre, ele realmente carrega um limitador aqui no slot inferior por padrão. Então o que você deve fazer é se você tiver o limitador lá, eu estou no canal principal. Desliga isso, está bem. Agora, se você tem canais de envio, ok, lembre-se que estávamos dando uma olhada em canais de areia e como fazê-los se você tiver alguns efeitos em seus canais de areia, como se você estiver usando reverb ou delay ou algo assim aqui, basta desligar o plugin assim. Então, se você teve um atraso no slot para, você acabou de desligá-lo assim. Porque mais uma vez, esses efeitos vão interferir com o som geral que você está ouvindo. E depois, quando terminarmos a mixagem, todos esses elementos voltarão e voltaremos a ligar esses plug-ins assim. Mas quando estamos misturando, nós definitivamente queremos os plugins de envio fora. Esta parte é opcional, está bem? E o que você pode fazer é montar ônibus. E um chefe é basicamente, se você pensar em um chefe, ele carrega muitas pessoas, enquanto a música de Boston carrega muitos instrumentos. Então o que você pode fazer é mudar o nome deste canal, talvez vamos renomear como chefe de bateria, ok? E o que você faria é pegar sua armadilha e passá-la através do barramento de tambor. Você pega suas palmas, passa pelo chefe do tambor, pega sua outra armadilha, qualquer que seja a camada. Coloque todos os seus tambores através deste canal de ônibus, ok, e então o que você pode fazer é misturar todos esses tipos de elementos separadamente. E então você pode virar todos eles para cima ou para baixo assim com apenas um controle deslizante. Então, em vez de ter que aumentar a precaução separadamente, em seguida, vire a armadilha, em seguida, aumente as palmas. Você vem até aqui com esse chefe de bateria e você só liga a bateria. E então você pode apenas aumentar os instrumentos e aumentar os vocais. Eu gostaria de deixar todos os meus separados porque eu sou um maníaco controle e eu só tenho um pequeno grau extra de controle. Mas se quiser montar o Bose's, você pode fazer isso também. E uma vez que você tenha tudo feito, estamos prontos para começar a misturar, ok? Estaremos aprendendo tudo sobre mixagem e tudo sobre os diferentes plugins que você pode usar e tipo do que eles fazem para moldar o som da sua faixa. Então, se você está pronto para começar a misturar vai saltar para a primeira palestra agora. 73. Introdução à mistura: Então estamos prestes a começar a fase de mistura deste curso. mistura é o processo de balanceamento de todo o áudio individual em sua faixa para que pareça bom em qualquer sistema de reprodução. Coisas como seus fones de ouvido, fones de ouvido, o alto-falante do carro e o alto-falante do telefone. A mistura é um assunto enorme e pode formar seu próprio curso, provavelmente mais ou menos do mesmo comprimento que este. Então o que eu fiz é que eu lhe dei o máximo possível sem entrar em nenhum detalhe desnecessário. Você não precisa de plug-ins extravagantes para obter uma boa mistura. Tudo vem com lotes de grandes plugins que você pode usar. Alguns dos quais artistas famosos realmente juram. Até mesmo descontraído Luke gosta de usar os plugins de ações do FL Studio em suas mixagens. Então, antes de entrarmos na equalização, eu só quero mostrar a vocês um exemplo rápido do que uma faixa mista soa como vs e faixa não-mista. Ok, então isso é meio que só para mostrar a importância da mistura. Então aqui está o som de uma faixa se fosse misturada. E então vamos ouvir o que esse tipo de segmentos exatos soa como se não tivesse sido misturado. Ok, vamos dar uma escuta. E aqui está a versão não misturada. E eu vou apenas muito rapidamente tipo de AB os dois. Então, enquanto ele está tocando, eu vou pular entre ambos para que você possa ouvir o diferente lado a lado. Então, agora que você pode ver a importância da mistura, vamos passar para a seção de equalização. 74. EQ para mixagem: Nesta palestra, vamos aprender sobre equalização para mistura. Isso também é comumente referido como EQ. Então, o que é EQ? Bem, EQ é o processo de moldar um som ou aumentando ou cortando frequências diferentes. Você pode direcionar uma parte muito específica do som e, em seguida, eliminado ou boosters. Por exemplo, se você é um piano, parece ótimo, mas você acha que é um pouco desajeitado ou talvez é muito pesado para a pista. Você pode usar o EQ para eliminar as baixas frequências e deixar as altas frequências em sua essencialmente a versão de áudio de recortar uma imagem. Ok? Se queres tirar a tua namorada, és o próximo post do Instagram ou o que for. Assim como queremos cortar as frequências base do som do piano. Agora, como este curso tem continuado, eu continuo mencionando a palavra frequência. Então, o que é uma frequência? Este é apenas um termo científico que usamos para descrever quantas vezes algo acontece por segundo. E neste caso, é uma medida de quantas vezes uma onda sonora se repete a cada segundo. Você vê para qualquer coisa fazer um som, ele tem que vibrar. Então você pode pensar na frequência como sendo, quantas vezes por segundo talvez os alto-falantes tenham que vibrar para produzir um som particular. E por causa disso, a frequência está diretamente relacionada ao tom. Então, se você tiver um efeito de riser em sua pista que está subindo em tom como um lugar, então esse riser também está aumentando em freqüência. Seus alto-falantes terão que vibrar mais rápido e mais rápido para que pareça que o tom está subindo. Uma analogia fácil para isso seria pensar em uma mosca, certo? Uma mosca pequena tem asas pequenas, então ele deve mover essas asas muitas, muitas vezes por segundo, a fim de realmente ser capaz de voar. E isso produz um som agudo. Mas uma grande mosca que era asas grandes, ele pode mover suas asas menos vezes por segundo, e isso irá produzir um tom mais baixo. Agora, a frequência é medida em hertz, e podemos usar essas dores para atingir diferentes tons do som e removê-los ou aumentá-los. Um humano só pode aqui entre 20 hertz e 20 mil hertz, ou em outras palavras, 20 vibrações por segundo, 20 mil vibrações por segundo. Assim, muitas vezes você vai achar que um plugin EQ está limitado a dentro deste intervalo. No entanto, para outros animais, pode ser diferente. Sabe, cães podem ouvir até 30 mil hertz. E baleias podem realmente aqui até 120 mil hertz, mas não estamos fazendo EDM para baleias. Então vamos ficar com o alcance de 20 a 20 mil. Então, quais são alguns dos principais parâmetros que você pode encontrar em seu plugin EQ. Bem, há um parâmetro de frequência, há um parâmetro de ganho, e há um parâmetro Q, ok? O parâmetro de frequência informa ao equalizador qual parte do som você deseja ajustar. Então, se você definir a frequência para cerca de 100, esta seria uma baixa frequência. E qualquer mudança que você fizer só terá efeito em torno desta parte do som. Mas se você definir a freqüência para cerca de 15 mil, bem, esta seria uma freqüência alta. E qualquer mudança que você fizer só terá efeito em torno desta parte do som. A configuração de fila informa ao EQ a precisão que você deseja ser. Então, você quer afetar essa área muito específica? Ou você quer ser menos preciso e apenas impulsionar esta área em geral? E Q estreito afetará uma área específica, enquanto uma fila mais ampla afetará uma área mais geral. O parâmetro de ganho, em seguida, diz ao EQ quanto de um impulso ou um tribunal aplicar. Então, se você definir o ganho Hi, ele fará a área afetada muito mais alto do que o resto. E se você definir o ganho baixo, isso tornará a área afetada muito mais silenciosa do que o resto. E quando usamos essas três ferramentas juntas, podemos realmente moldar um som e fazê-lo caber melhor em uma faixa. Existem alguns ajustes adicionais que você pode fazer onde você pode realmente mudar a forma da curva. Ok? Então, há quatro tipos principais de curvas. E estes são uma curva de sino, uma prateleira, um corte baixo e alto custo. Uma curva de sino vai realmente olhar como um sino e é aqui que ele recebe o nome. Ele também pode ser chamado de um pico ou um entalhe, a curva de prateleira então vamos realmente olhar como uma espécie de colina plana. A corrente baixa cairá completamente para a esquerda. E isso também pode ser chamado de passe alto. E então um tribunal superior cairá completamente para a direita. E isso também pode ser chamado de passagem baixa. Agora, se você olhar para a imagem neste slide, você pode ver algumas dessas formas em ação. A forma Locard está à esquerda, onde a linha meio que cai completamente. Se olharmos agora para onde está o número um, você sabe, onde a linha meio que cai para baixo e, em seguida, volta para cima novamente. Esta curva em particular é chamada de entalhe porque é uma espécie de cortar um entalhe fora do som. A curva no número três, onde a linha meio que sobe e depois volta para baixo. Bem, isso é chamado de pico ou cinto. E, finalmente, a forma da curva no número seis, onde a linha sobe e, em seguida, permanece meio nivelada. Isso é chamado de prateleira. Também parece um pouco com uma prateleira que você pode colocar as coisas. Se quiser pensar assim. Nós estaríamos revendo tudo isso novamente na próxima palestra e realmente usando um QE. Então, pode fazer um pouco mais de sentido. Mas, por enquanto, esta é toda a teoria que precisamos saber. Então vamos entrar na palestra agora. 75. Como usar o EQ: Então, nesta palestra, vamos aprender a usar o EQ quando estamos misturando. Então o primeiro que eu quero fazer é que você deve EQ tudo de uma só vez, ok? Este não é um processo necessário, mas é muito mais fácil lembrar o que você fez com outros instrumentos, ok, e o que quero dizer com isso é, digamos que temos esse, esse tipo de padrão aqui. Ok? E se eu aplicar uma espécie de aumento de alta frequência a este elemento. E então quando eu olho para o outro tipo de instrumento que está em camadas com este. Ok, eu não quero também aplicar o mesmo tipo de aumento de alta freqüência para este instrumento porque os dois deles são supostamente para se complementar bem, então se este instrumento tem um aumento de alta freqüência, então eu sou mais do que provável vai remover as mesmas frequências deste instrumento. Então, por causa disso, é muito mais fácil se fizermos todo o QE de uma só vez. Então fazemos todo o EQ para este plug-in, e então passamos para o próximo. E então fazemos todo o EQ para este, e então fazemos todo o EQ para isto e todo o EQ para isto e somos o EQ para isto e assim por diante. Certo, então vamos voltar a esse tipo de padrão principal na faixa nove e ouviremos o que parece de novo por conta própria. Ok, então a primeira coisa que eu vou fazer é eu vou abrir um plugin EQ. E eu estou realmente indo para usar o tipo de EQ padrão que vem com FL Studio para que você possa usar o mesmo plug-in em sua faixa. Ok, então vamos abrir este plugin e ele se parece com isso. Agora, cada um desses números aqui, estes são chamados de bandas de frequência. E o que isso simplesmente significa é quantas vezes você pode afetar certas áreas, ok, então com este plugin, nós só temos sete. Então só podemos fazer ajustes como este. Só podemos fazer isso sete vezes. Alguns outros plug-ins permitem que você desenhe em suas próprias bandas e você pode adicionar quantos quiser. Alguns outros plugins têm menos e outros plugins têm mais. Depende apenas do plug-in que você está usando. Ok, então eu vou definir isso de volta para o padrão, então nós estamos olhando para ele quando ele estava plano novamente. Então estamos olhando para ele quando é Flash. E agora eu vou apenas explicar o processo de realmente aplicar o QE. Ok? Então, para aplicar um equalizador, pegue uma dessas bandas, certo? E o que você vai fazer é este é o seu ganho, tipo o seu parâmetro de ganho. Então você vai aumentar o ganho tão alto quanto ele vai. E então você vai fazer a fila estreita. Ok, então é apenas uma espécie de efeito, então está afetando apenas uma área muito pequena. E então, enquanto o som está tocando, você vai vir até aqui para o parâmetro de freqüência e você vai movê-lo para cima ou para baixo. Ok? Então você vai ver que vai começar por baixo. E você vai mover isso enquanto o som está tocando. E você vai encontrar todas as frequências que você não gosta, ok, quaisquer frequências que estão fazendo um som desagradável. Ok, então vamos fazer isso muito rápido para este som. Agora, você pode ouvir que esta frequência em particular, há um, há algum tipo de ressonância. Há um pouco de um lar acontecendo se ouvirmos de novo. Certo, e agora o que vamos fazer é reduzir isso porque encontramos a frequência desagradável. E agora vamos tirá-lo. Não queremos essa frequência desagradável e o som final. E vamos fazer a mesma coisa com as outras bandas aqui. Então vamos aumentar como todo o caminho para cima, tornar a fila muito estreita assim. E então vamos varrer e encontrar outra frequência desagradável. Agora, eu encontrei outra frequência desagradável que eu não gosto. Então, de novo, vou cortar isso. Ok? E você vai fazer isso com talvez todas essas bandas ou talvez menos dessas bandas dependendo de quantas freqüências desagradáveis você tem em seu som. E não fique muito atolado com esse Roni procurando pelo tipo muito específico de freqüências desagradáveis. Então encontre onde eles estão e depois corte-os do som. Uma vez que você pegou todas as freqüências desagradáveis para fora, então o que fazemos é carregar um segundo plugin EQ. E usamos este segundo plugin para moldar o som. Ok, então o primeiro é fazer com que todas as frequências desagradáveis saiam. E agora usamos este para aumentar todas as partes agradáveis do som. Então, com essas bandas, na verdade, você vai impulsioná-las, certo, mesma maneira que fizemos antes. Mas você vai deixar a fila permitida mais ampla. Ok, então nós estávamos usando um Q estreito com o último plugin. Bem, com este aqui, vamos usar um Q OK muito maior. E eu vou varrer as frequências e eu vou encontrar uma frequência que eu gosto. Ok, eu meio que gosto do som desta frequência. Então eu vou subir aqui para o parâmetro de ganho e eu vou abaixá-lo um pouco. Então, não é meio dominante. Mas agora que encontramos a frequência, vou tocar o som e ajustar isto para encontrar a configuração de ganho onde soa melhor. Certo, então vamos ouvir. Então eu acho que as configurações de ganho soa bem aqui. Também podemos usar este equalizador para remover partes do som que não gostamos. Certo, então se eu pegar esse terceiro parâmetro e aumentar esse fluxo. E novamente, vamos manter a fila bem ampla. E eu vou varrer e eu vou encontrar uma frequência que eu não gosto. Ok, vamos ouvir. Então eu não gosto dessa parte específica do som. Ok, então o que eu vou fazer é eu vou vir aqui. E mais uma vez, vou baixá-lo para o plano. E então eu vou ouvir e eu vou cortar o som para fora até que eu encontrar um bom nível para o parâmetro de ganho o, até que eu encontrar um bom nível para o parâmetro de ganho. Certo, vamos ouvir. Então, agora, se ouvirmos esse som sem o segundo EQ ligado, soa assim. E se voltarmos a ligá-lo e desligá-lo novamente. Então você pode ver que há um segundo EQ está realmente fazendo o som um pouco mais brilhante e meio que em seu rosto. Então o que estamos fazendo é reutilizar o QE superior para achar o específico e cortá-los. E então estamos usando o QE inferior para encontrar o general. Ok? O que você vai fazer é quando você tiver tudo isso feito, você vai passar para outro instrumento. Então, neste caso, eu vou usar a camada que joga ao mesmo tempo. Ok? E nós faremos a mesma coisa, ok, então quando você entrar aqui, seu primeiro equalizador que você carregar será para o general. Então novamente, se pegarmos isso e meio que, teremos uma fila estreita e varreremos o som. Eu só vou fazer isso muito, muito rápido aqui. Vou fazer o cúbito maior. Ok, eu não gosto desta frequência. Vamos fazer isso com o número três. O qx, oops, faça a fila se for mais estreita. Lição de Mileva. Ok, há uma frequência desagradável por aqui também. Então eu vou cortar isso. E você vai fazer isso de novo com todas as bandas. E depois carregas o teu segundo equalizador. E novamente com este equalizador, estamos tentando moldar o som, mas a única diferença é que estamos tentando moldá-lo para que ele se encaixe com este instrumento. Ok, nós poderíamos, para que pudéssemos ouvir esta faixa por conta própria. E poderíamos encontrar as frequências agradáveis. Ok? E nós poderíamos, talvez, eu acho que parece muito bom lá, e nós poderíamos acabar aumentando isso em torno de 2 mil hertz. Ok? Mas se verificarmos o outro instrumento, podemos ver que isso também é impulsionado perto de 2 mil hertz. É impulsionado para 1.51000. Ok? E se tocarmos esses dois ao mesmo tempo, vão parecer que estão lutando pelo espaço. Então, o que realmente deveríamos estar fazendo é ouvi-los ao mesmo tempo. Ok? Então, vamos ouvir este instrumento enquanto o que acabamos de fazer o cubo está tocando para que possamos ter certeza de que este instrumento está se encaixando bem com este. Então vamos ouvir e vamos encontrar as frequências onde este instrumento, está em conflito com o outro. E então nós vamos encontrar as frequências em que este instrumento tipo de elogiar este. Ok? Então vamos fazer isso e vamos ouvir algumas das freqüências de conflito. Estas duas frequências estão agora a lutar pelo espaço. Então o que eu vou fazer é eu realmente vou puxar isso para fora deste instrumento, ok? E pode soar terrível quando está sendo tocada por conta própria. Mas a coisa é ao longo desta pista, ele nunca toca por conta própria. É usado como uma camada. Por isso, temos de nos certificar de que este instrumento está a complementar este. Agora, se temos um ouvir o que soa como, soa como este. E agora vamos encontrar uma frequência que talvez esteja complementando o outro instrumental. Certo, então vamos ouvir agora. Então, talvez por aqui, há um tipo de 450 hertz. E pelo bem da demonstração, vamos fazer outra. Talvez tentemos encontrar uma frequência mais alta. Isso soa bem. Ok, então agora esses dois instrumentos, quando eles tocam juntos, eles vão se encaixar como um quebra-cabeças. Certo, então vamos ouvir os dois tocando ao mesmo tempo. E então eu vou desligar este segundo EQ e nós podemos ver como isso soa. Isto é antes do QE. E se voltarmos a ligar, desligar, ligar , desligar. Então eu tenho certeza que você pode ouvir o quanto de uma diferença que EQ realmente faz para tipo de moldar o som. Vamos passar agora para a próxima palestra onde irá estabelecer ainda mais o nosso conhecimento e aprenderemos sobre as presenças em 76. A zona de presença: Nesta palestra, vamos aprender sobre a presença em. Assim, a zona de presença está localizada entre cerca de 1,5 mil hertz, todo o caminho até cerca de 5 mil hertz. Ok. E isso é chamado de presença, porque é a área onde o ouvido humano é o mais sensível na audição. Então, se você aumentar qualquer coisa nesta área, então entre 1,5 mil ou 5 mil, se você aumentar alguma coisa aqui, vai soar muito mais claro e muito mais brilhante. Ok, então eu só vou redefinir isso. E o que vamos fazer é ouvir esses vocais para redefinir isso. Ouviríamos esses vocais e aumentaríamos a zona de presença. E vamos ver que tipo de diferença isso faz. Se eu não contar isso, volte. Então, tenho certeza que você pode notar que sua orelha é bastante sensível a algumas dessas freqüências. Sabe, enquanto estávamos varrendo, algumas das frequências pareciam bastante duras. E isso é porque nossos ouvidos são mais sensíveis a esse tipo de faixa de frequências. Se eu aumentasse uma frequência aqui, talvez em 370, não soará tão duro. Mas se eu vir aqui para a presença então você pode ver o benefício de usar a presença, ok? E normalmente qualquer coisa que você impulsionar dentro desta zona vai soar bem. E vou te dar outro exemplo aqui. Se pegarmos esse tipo de chaves distorcidas e eu entrar no padrão, eu vou desligar o loop e nós temos um ouvir como eles soam. Então eles devem ser desligados. Vamos verificar com o ar. Faixa dez. Então lá na pista dez. Então vamos resolver este MOOC, como eles soam. Ok, agora se eu carregar um plugin EQ e, em seguida, eu tentei aumentar a presença em talvez pode ser arcos aqui em baixo. E se eu desligar isso, e depois voltar a ligar. Ok, então você pode ouvir que soa instantaneamente melhor. - Chefe. Certo, e este é um arbusto enorme. Esse é o problema. Ok? O problema é que tudo soa bem quando é impulsionado aqui. Mas quando você está misturando, se você aumentar tudo neste tipo de faixa de freqüência, então tudo vai colidir um com o outro. E nós olhamos para isso brevemente na palestra anterior, onde aumentamos o tipo de frequências em dois instrumentos diferentes. Se fizermos isso na nossa mistura, se aumentarmos, você sabe, todas essas faixas diferentes na presença em, todos eles vão lutar. Então aqui está a regra número um de usar a presença em. Você só deve impulsionar os principais elementos em sua pista, ok? Coisas como o vocal, talvez um instrumento de chumbo, e talvez acordes, e é isso, ok? Você precisa ter muito, muito cuidado quando você está usando que todos os elementos estão em uma espécie de confronto e lutando pelo espaço. Então, se, por exemplo, eu entrar em meu acordo aqui e digamos que eu vou apenas ele para cima. Digamos que eu aumentar o meu duplo clique isso os vocais. Digamos que eu aumente meus vocais na zona atual. Ok, bem, então isso significa que com estes acordes aqui, eu não vou aumentar estes na presença também. Ok. Então vamos descobrir onde estão, o misturador e vamos ligá-los. Ok, agora se eu abrir um QE e talvez tenha que ouvir a zona atual deste instrumento em particular. Você vai notar isso de novo, parece muito bom, mas se tocarmos essas duas coisas ao mesmo tempo, repente não parece tão bom. Então o que fazemos é pegar essa presença e cortá-la. Ok, porque outra coisa que está tocando ao mesmo tempo é meio que ocupar esse espaço. Então não queremos que este instrumento ocupe esse espaço, então cortamos e encontramos talvez uma frequência diferente que funcione. Talvez não esse, talvez algumas dessas frequências. E você pode ver também fazendo isso, que os vocais ficam muito mais claros se ouvirmos este instrumento sem o EQ ligado. Preste atenção especial aos vocais e quão claro eles ficam quando ligamos esse equalizador de volta. Então, tenho certeza que você notou que quando voltamos para o EQ de volta, os vocais parecem ficar mais altos e isso é porque criamos espaço para eles. Então, usar a zona atual é uma ferramenta muito poderosa para tipo de chamar a atenção para certos elementos em sua pista. Mas você realmente deve ter cuidado sobre usá-lo muito, especialmente quando tipo de elementos estão jogando ao mesmo tempo. Basta escolher um elemento principal que soa melhor com a zona atual e, em seguida, remover a presença em, de alguns dos outros elementos. Na próxima palestra, aprenderemos como aplicar EQ aos instrumentos. 77. EQ para instrumentos: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no EQ para instrumentos. Então eu tenho um par de instrumentos neste tipo de seção de acúmulo. Se ouvirmos, vou silenciar os vocais. Certo, vou ligar esses canais de novo. Então eu vou começar pelo topo aqui com este padrão um. Ok, então este é este instrumento. Ok? E está na pista nove. Então, se entrarmos no misturador aqui e pudermos ver que já está destacado nove sem rastreio. Então eu vou sozinho isso e eu vou carregar o primeiro plugin EQ. E com este, se te lembras, estamos à procura de todas as frequências de som desagradáveis. Então o que vou fazer é deixar o padrão tocar. E enquanto estiver tocando, vou ajustar alguns desses parâmetros apenas para que possamos eliminar algumas das freqüências desagradáveis. Ok, então vamos ter uma escuta para o padrão e eu vou começar a ajustar alguns dos parâmetros EQ. Ok, então começamos com dois aqui. Vou aumentar o ganho e vou estreitar o desenfileiramento. E então eu vou varrer através de um já ouviu todas as diferentes frequências. Ok, então há uma frequência desagradável aqui, eu acho que por volta é que 211 hertz. Então o que eu vou fazer é diminuir o ganho assim e cortar essa frequência. Em seguida, vamos ouvir de novo e vamos tentar com esta terceira banda. Então, novamente, eu vou aumentar o ganho e um estreito o q. Ok, e vamos começar a partir desta posição porque nós já varre através dessas freqüências aqui. Então, vamos ouvir. Ok, então há claramente uma ressonância, espécie de freqüência desagradável em algum lugar por aqui. Então eu vou cortar isso. Certo, e faremos a mesma coisa de novo com essa quarta banda. Aumentar o ganho, reduzir o Q. E novamente, o que quer, ouça. Ok, então já é meio que disse que é uma área desagradável, então eu vou tirar um pouco disso. E de novo, com a quinta banda, vamos aumentá-la, estreitar a fila. E ouvi algumas das frequências desagradáveis. Talvez eu faça o desenfileiramento um pouco mais branco. E por aqui, quando 1424, vamos fazer a mesma coisa e vamos cortar essa frequência. Ok? Então agora o som soa assim. E se desligarmos esse equalizador, você notou que o som fica muito mais bagunçado. Então eu vou desligá-lo e nós vivemos uma lição. E então, enquanto ele está tocando, eu só vou ligar isso de volta e você vai ouvir o tipo de diferença no som. Então este QE está realmente fazendo uma grande diferença. E eu não percebi quantos tipos de freqüências desagradáveis estavam naquele som até que chegamos e fizemos esse equalizador. Então, agora que estamos satisfeitos com essas configurações de EQ, estamos prontos para entrar no segundo EQ. E este equalizador é para moldar o som. Ok, então vamos encontrar as frequências agradáveis e vamos aumentá-las. E então nós vamos encontrar algumas do tipo de frequências não tão agradáveis e nós vamos apenas cortá-las com um tipo muito mais de curva geral. Certo, então vamos começar com essa segunda banda de novo. E eu vou aumentá-lo e eu vou fazer uma varredura através e encontrar algumas freqüências agradáveis. Ok, então eu estou pensando que o tipo de parte principal do som, o tipo de presença deste som está em algum lugar por aqui, que é 771 hertz. E então eu vou deixar o, Eu vou deixar esta banda aqui. E eu vou apenas abaixar um pouco porque eu acho que é um pouco demais. E acho que podemos tornar a deixa um pouco mais estreita, só para ficar um pouco, um pouco mais focada. E novamente, vamos usar esta banda alcatroada aqui e vamos varrer através e você vai encontrar algumas frequências agradáveis, ou talvez até mesmo algumas freqüências desagradáveis. Então vamos ouvir o som. Mas não gosto desta área em particular. Eu acho que é um pouco lamacento e meio confuso, então eu vou diminuir o ganho aqui. E não muito, não estou, não estou tentando fazer um som muito agressivo. Eu queria que fosse meio transparente. E novamente, basta estreitar ligeiramente o Q, por isso é um pouco mais focado. Então vamos tentar encontrar algumas frequências aqui para aumentar ou um tipo de custo. Ok? Então eu vou pegar essa banda de seis e talvez agora o Q seja uma pequena aposta. E nós vamos ter uma escuta. Então esta área aqui parece um pouco dura. Ok? Então o que vou fazer é diminuir o ganho só um pouquinho. Ok? Eu não quero tirar muitas dessas freqüências porque isso é na Zona atual e é onde nossos ouvidos são mais sensíveis. Mas, ao mesmo tempo, este som é um pouco áspero nesta área. Então eu estou indo para tipo de tirar essas freqüências e então eu vou ampliar a fila. Apenas um pouco mais generalizado. E eu poderia apenas aumentar de novo, até mesmo, ainda mais do que isso. Eu só queria ser meio sutil. Ok. Vamos ter uma escuta. Vamos ouvir o som, desculpe. Vamos ouvir o que o sintetizador agora soa como sem este EQ Efeito sobre. E eu vou ligá-lo novamente. Então eu acho que o som é um pouco mais de foco agora, eu acho que nós meio que capturamos a área principal deste instrumento em particular. A última coisa a fazer é fazer alguns cortes baixos e altos. Ok, então é por isso que eu deixei essa banda de 17 em paz. Ok, porque vamos usá-los para fazer um alto e baixo custo. Então, vou clicar com o botão direito do mouse e selecionar o tipo. E eu vou mudar a forma da curva para uma passagem alta, ok? Ou, em outras palavras, um baixo custo. Então só estamos deixando passar as altas frequências. E o que vamos fazer é arrastar isso até, até que nós tipo de matar a base fora deste som. Ok, nós não queremos nenhuma das frequências base em uma espécie de, bem, qualquer coisa que não seja o pontapé e que não seja a base. Ok, então as frequências de base por aqui, estão reservadas para o chute na base. Então quais seus instrumentos, você tem que remover essas baixas frequências. Ok, então vamos ouvir o som de novo, e eu meio que vou mover isso para cima e para baixo até que as frequências básicas tenham sido removidas. Ok? Ok, então eu acho que em algum lugar por aqui, eu realmente não posso vê-lo, mas eu acho que é em algum lugar em torno de 200 hertz. Eu acho que esta é uma espécie de área D onde as frequências de base estão fora deste som, mas nós ainda estamos tipo de manter a parte principal do som. Ok, a seguir, para as altas frequências aqui em cima, eu vou mudar isso para um ajuste de prateleira, ok? E na verdade já está colocado em uma prateleira alta. E a razão, OK, espere. Há dois tipos diferentes de prateleiras. Há uma prateleira baixa e uma prateleira alta. E o que é uma prateleira alta é quando a prateleira meio que sobe e vai para a direita aqui. Ok. Então, quando você puxar isso para baixo, o tipo de linha que você está mudando sempre estará à direita. Agora, se eu mudar isso para uma prateleira baixa, o que vai acontecer é em vez de afetar esta linha à direita, vai realmente estar afetando tudo para o, para a esquerda. Ok. Então vou mudar para uma prateleira baixa quando vermos o que acontece. Muito bem, agora estou a afectar tudo à esquerda desta banda. E você pode vê-lo lá com a linha azul e a curva exata da prateleira. Então eu vou colocar isso de volta para uma prateleira alta porque eu só quero afetar as altas freqüências. E eu só vou tirar alguns deles porque eu não acho que eles são necessários para este som em particular. Você sabe que há um monte de frequências hash lá em cima que nós não precisamos para o som. Então eu vou tirar isso. De repente, não muito. E agora vamos ouvir este som sem qualquer um dos QE ligado. E então vamos ligá-los novamente e ouvir o que parece com os ajustes que fizemos. Ok, então eu acho que este instrumento está soando bem. Está a soar bem limpo. E acho que podemos passar para outro instrumento. 78. EQ para instrumentos Parte 2): Então, porque eu meio que apliquei EQ a este padrão um, eu vou começar a desenfileirar tudo o que está jogando ao mesmo tempo. Então eu vou basear todo o QE que eu estou fazendo com outros elementos. Vou baseá-lo no QE que fizemos com este elemento. Ok? Então, se pegarmos este padrão de fluoróforo e descobrirmos onde isto está no misturador. Podemos ver que está no canal seis. Então, se eu sozinho isso, soa assim. Ok, então a primeira coisa que temos que fazer é resolver isso e temos que carregar o primeiro EQ. E isso é apenas para cortar qualquer uma das freqüências desagradáveis. Então eu vou fazer isso muito, muito rápido só para que possamos chegar à próxima parte da palestra. Ok, então eu só vou tocar o som e muito, muito rapidamente passar e encontrar algumas freqüências desagradáveis. Acho que essas frequências estão bem, mas vou tirá-las muito, muito sutilmente, porque acho que estão um pouco mais altas, então vamos ouvir o som sem o EQ e então eu vou ativá-lo enquanto o padrão está sendo reproduzido. Ok, então eu estou percebendo que este QE está fazendo um bom trabalho. É uma espécie de limpar o som e torná-lo um pouco mais claro. Então agora podemos passar para o segundo QE. E o que vamos fazer com esse QE é ouvir o outro instrumento que já aplicamos, o DQ2, certo, que é o Ícaro. Ops, é este plug-in Icarus, ok. E a razão pela qual vamos ouvir os dois tocando ao mesmo tempo é porque eu já desenfileirei o som. Então eu quero ter certeza de que este som, está se encaixando bem com este som, ok, porque se eu fizer isso sozinho e eu realmente não ouvir o outro instrumento, então eu meio que estou fazendo isso cegamente. Considerando que, pelo menos, se eu tiver este outro instrumento ligado, eu posso aqui quais frequências estão complementando o outro instrumento? Ok? Então a primeira coisa que vou fazer é aplicar um corte baixo só para me livrar de algumas das freqüências de graves indesejadas. Então, vou deixar os instrumentos sozinhos por enquanto. E talvez eu faça a fila um pouco mais íngreme. E se chegarmos às altas frequências e ouvirmos o que está acontecendo aqui em cima. Eu poderia tirá-los muito, muito de repente, muito gentilmente. Só para me livrar desse tipo de som hissy, isso soa como estática. Mas até mova isso um pouco para a direita só para que seja uma espécie de uma extremidade muito, muito superior no EQ aqui. Está bem? Agora estamos prontos para voltar à lista de reprodução e ouvir os dois instrumentos tocando ao mesmo tempo. E vai EQ o, os dois instrumentos tipo de lado a lado. Certo, vamos ouvir. Então eu vou começar a impulsionar as coisas. Vou tentar aumentar isso para o meu abaixar um pouco. E nunca ouvi algumas dessas frequências. Bem, a primeira coisa que estou percebendo é que esse tipo de freqüência está realmente chocando com esse instrumento. Então, os dois, esses dois instrumentos estão lutando por espaço em torno desta freqüência. Então eu vou causar essa frequência para que ele permita a este instrumento um pouco de espaço extra para respirar. E eu poderia apenas reduzir o Q, então é um pouco mais focado e puxar para fora um pouco mais. E agora vai impulsionar esta banda três e Mileva, ouvir o padrão como um lugar. Então eu meio que gosto do som por aqui. Agora eu não sou um grande fã disso, mas eu acho que ele está adicionando algo aos outros instrumentos, então eu vou aumentar isso sempre, sempre tão ligeiramente. Ok. Então, aqui está a configuração padrão. Eu, eu, eu só vou impulsionar isso muito, muito gentilmente, assim. E eu vou ouvir esses dois instrumentos novamente. E eu só vou ajustar talvez algo no topo aqui. Eu poderia adicionar um pouco alto ou eu poderia cortar alguns fora. Eu não sei ainda. Então, vamos ouvir os instrumentos. Ok, então eu poderia adicionar algumas dessas altas frequências aqui em cima porque eu acho que este som está faltando algumas dessas altas frequências que este som pode dar a ele. Está bem? Então o que vamos fazer é baixar esse tipo de banda de seis de novo. E ouvimos os dois instrumentos a tocar juntos. E então eu vou aumentar essa banda de seis. Certo, vamos ouvir. Eu não quero adicionar muito, porque então eu acho que fica um pouco duro, mas nós apenas adicionamos um pouco. Certo, então vamos tocar o padrão e adoramos ouvir o que parece sem o QE. E então enquanto ele está jogando, eu vou adicionar esses QEs de volta e vamos ver que tipo de diferença eles estão fazendo. Ok, então após a segunda escuta, eu acho que nós realmente captamos um pouco demais do som aqui fora neste plugin. Então, e eu acho que está vindo desta, desta banda de quatro. Então, eu só vou aumentar isso. Novamente. Não tolice, mas só um pouco mais, só assim estamos recebendo um pouco mais desse tipo de faixa de freqüência de volta ao som. Vamos ouvir de novo. Sim, acho que isso soa muito melhor agora. Então este é o processo que você vai usar quando seu equalizador em suas faixas. Ok. E a partir daqui, continuávamos e fazíamos o EQ de todos os outros instrumentos. E ouvíamos todos os instrumentos que temos QI que você já tinha, quando estamos desenfileirando o novo. Está bem. Então, o que eu quero dizer com isso é que neste caso particular, nós estávamos ouvindo este mundano enquanto este Ícaro estava tocando para que pudéssemos aqui quais tipos de frequências estavam se complementando. E se fôssemos, então, fazer o equalizador deste plug-in Spire, iríamos EQ o plug-in spire enquanto Icarus e o início de reprodução. Certo, e se fôssemos fazer o EQ deste piano aqui, nós usaríamos o piano enquanto Spire, Icarus e o mundo que você tocava. E você faz isso todo o caminho até chegar aos seus instrumentos finais. E, nesse ponto, basicamente, todos os instrumentos estão ligados. Então, apenas certifique-se de que você está usando o tipo de duas técnicas de equalização, ok, a primeira para cortar os sons ruins e tornar o som geral um pouco mais limpo. E então o segundo para aumentar as frequências agradáveis e tipo de moldar cada um dos instrumentos e fazê-los se encaixar como um quebra-cabeças. Também não se esqueça de causar qualquer uma das baixas frequências de seus instrumentos, ok, porque as baixas frequências são tipo reservadas para o chute na base. Então seus instrumentos não precisam dessas frequências baixas porque quando eles são adicionados de volta à mistura e você traz a base e a base vai encher esse tipo de espaço vazio para baixo. Ok, então na próxima palestra, vamos dar uma olhada no EQ para base. 79. EQ para baixo: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no EQ para base. Então eu já carregei a base no nosso misturador aqui. E parece assim. passar pelo mesmo processo que fizemos com os instrumentos. Então vamos carregar o primeiro EQ. E então vamos selecionar essa segunda banda. Uma espécie de dobra aumentada. Trazendo a fila estreita. Não muito estreito, mas apenas uma espécie de obter um ish estreito. Então nós vamos ouvir o som enquanto ele toca e varrer através. Então vamos fazer isso agora. Ok, então apenas uma espécie de freqüência ressonante em algum lugar por aqui, que é 87. Não consigo ver, mas está tudo bem. Vamos apenas abaixar isso. E eu ouvi o som agora. Ok, e nós vamos pegar essa banda de bosta e novamente fazer o mesmo processo, reduzir a fila. E vamos varrer através de meio que a partir daqui, porque acabamos de varrer através destas frequências estão prontas. Então, vamos ouvir. Está bem. Então essa é uma frequência realmente, realmente ressonante. Então vamos retirar isso muito, um pouco mais do que a outra frequência. Ok. Vamos ouvir como está o baixo agora. Certo, e vamos fazer a mesma coisa. Novamente. Vamos aumentar esta quarta banda, vamos estreitar a fila. E nós vamos ter uma escuta. E novamente, ele é, na verdade é aberto em uma espécie de freqüências terríveis e desagradáveis. Então eu vou puxar isso para fora. Faremos de novo para o quinto até acabarmos as frequências ruins ou acabarmos as bandas. Certo, vamos ouvir. Ok, então esta frequência em particular, não é muito, muito dura, mas ainda é, ainda não é muito agradável de ouvir. Então eu vou puxá-lo para fora. E, mas não tanto quanto algumas das outras , as outras bandas que tiramos. Vamos tentar. Esta sexta banda. Opa, eu estou atrás de recusar o Q para o quinto e vamos tentar este sexto evento. Então estes estão em terrível. Pode haver um em algum lugar aqui. Oh, sim. Nós só puxamos isso para fora. Não tanto quanto os outros. Apenas um tipo de ajuste sutil. E agora vamos ouvir o baixo. Na verdade, primeiro vamos ter um ouvir o baixo sem o EQ, e então eu vou adicioná-lo como a base tocando. Agora, com a base, o que também temos que fazer é também cortar alguns dos altos. Assim como o oposto do que estávamos fazendo com os instrumentos. Onde estávamos cortando as frequências de base dos instrumentos iria cortar as altas frequências fora da base. Então vamos mudar isso para uma passagem baixa para deixar sair das baixas freqüências e tipo de deslizar através. E então nós vamos apenas tipo de realmente vai ajustar a fila para que seja um pouco mais íngreme. E então vamos varrer e vamos encontrar um ponto em que este corte baixo soa bem. Certo, em algum lugar por aqui está bem. É meio que se livrar desse silvo desnecessário. E ainda estamos mantendo a maior parte do som do baixo. Ok? E novamente, vamos carregar nosso segundo QE. E desta vez eu vou ter um ouvir os outros instrumentos enquanto o baixo está tocando. Então, nesta fase você teria eQTL seus instrumentos. E agora você pode ouvir a base enquanto os instrumentos estão tocando. Então eu poderia apenas abaixar um pouco para que não seja dominante. Então vamos subir aqui e começar a mover essas bandas. Então eu vou impulsionar a segunda banda e eu vou meio que varrer através e encontrar um lugar onde o, onde a base soa bem com instrumentos D tocando. Então eu acho que esse tipo de área é uma espécie de complementar o som dos instrumentos. Bem, então o que eu vou fazer é deixar isso impulsionado, mas eu quero aumentar demais, ok? Porque as frequências básicas são muito, muito pesadas. Então, quando estamos fazendo qualquer tipo de ajuste, vamos apenas torná-lo muito, muito sutil. Ok? Então é apenas um pequeno tipo de contorno e nós vamos ter um ouvir o que isso soa como agora. E eu também notei quando eu estava dormindo através da soma das freqüências aqui em cima estão realmente colidindo com os instrumentos. Então eu vou ter uma escuta e encontrá-los e depois puxá-los para fora. Ok? Sim. Então eu acho que é em algum lugar por aqui, então eu realmente vou puxar essas freqüências para fora. E isso deve liberar um pouco mais de espaço para os instrumentos. Então agora que enfileiramos os instrumentos e também temos o cubo d base. É hora de seguir em frente e vamos começar a desenfileirar os tambores. E vamos começar a desenfileirar os tambores. 80. EQ para bateria: Então, nesta palestra, vamos aprender sobre EQ para bateria. Quando estamos desenfileirando tambores, precisamos estar cientes de algo chamado zona de lama e algo chamado de grito, assim por diante. Assim, a zona de lama é predominantemente em pontapés. Ok, se eu vendesse meu solo de bateria aqui na lista de reprodução. Ok. Então só encontramos o pontapé. Aqui está. E vimos isto. Certo, quando fizermos isso, hum, há algo chamado zona de lama e eu vou te mostrar que geralmente é entre cento e duzentos. Então, em algum lugar por aqui, haverá um som horrível e lamacento. Se eu apenas reduzir o Q. Ok, em algum lugar por aqui. E parece que o som do tambor é meio lamacento, está desordenado. Certo, então vamos tirar isso. Não muito, na verdade, como um verso sutilmente, porque não queremos nos livrar das frequências básicas. Sabe, se tirarmos isso demais, perderemos todo esse tipo de base legal. Mas, ao mesmo tempo, esta frequência está deixando o som lamacento. Então, vamos retirá-lo um pouco. E nós nunca ouvimos sobre os sons do tambor como agora. E com o tambor de pontapés, também vamos tentar descobrir onde é o ataque ou onde é o tipo de som transitório ou clichê. Ok? Então eu vou aumentar isso e meio que estreitar o q e apenas encontrar onde é o ataque do som. Ok. Parece estar em algum lugar aqui, então vou baixar isso. Então é um pouco mais sutil. Mas o que isso está fazendo é que ele está criando um pouco mais de um soco ou um mais de um som de ataque para este kick drum, vamos ter um ouvir o kick drum sem o plugin EQ e, em seguida, vamos ligá-lo novamente como o kick drum é simples. Eu realmente acho que esta banda aqui é um pouco alto demais, então eu vou apenas abaixar um pouco novamente, só para que seja realmente, muito sutil. E ouvimos de novo. Então vamos ouvir todo o padrão da bateria. Ok, então eu vou dominar o pontapé solo, e nós vamos apenas ouvir como os tambores soam quando eles estão todos tocando juntos. E eu vou diminuir o zoom para que possamos ver tudo. Certo, vamos ouvir agora. Ok, então há algumas camadas acontecendo. Há alguns dos chapéus estão em camadas e alguns dos aplausos ou em camadas. Ok, então vamos voltar para o misturador e vamos começar a equacionar este padrão de tambor. Então, se começarmos de novo aqui com essa abertura que eu tinha, e eu vou soltá-la. Ok? E nós vamos carregar um plugin EQ. E com tambores, não é tão necessário fazer o tipo de isso, você sabe, a frequência hash tipo de puxar para fora os ruins porque a amostra toca por um tempo tão curto. E, mas é claro, por todos os meios, você pode fazer isso, certo? E vai fazer sua mistura um pouco mais limpa. Mas não é um passo necessário para dar com a bateria. Por isso, vou recusar isto. E eu vou, em vez disso, apenas aumentar as frequências agradáveis e meio que peguei algumas das frequências mais duras. Ok, então vamos ouvir este chapéu e então nós vamos tipo de varrer através e vamos encontrar algumas freqüências agradáveis. Ok, eu vou reduzir a Cuba. Então eu realmente gostei do jeito que tinha sons em torno de 7.500 no máximo. Então eu vou tentar entender um pouco mais sutil. E então eu vou talvez pegar essa banda e eu vou procurar freqüências que eu não gosto. Ok, então vamos ouvir. Ok, então eu não gosto dessas freqüências tipo de por aqui, esta marca de dois mil, três mil. Ok. Então vamos tirar alguns desses. E vou alargar o acusado ou vamos acabar com mais desta área. E vamos ouvir o chapéu agora sem o QE e depois com a UE. Então eu acho que este equalizador está fazendo o chapéu soar um pouco mais brilhante e um pouco mais agradável para o ouvido. Ok, então a próxima coisa que eu vou fazer é encontrar uma camada, ok, e eu vou, eu quero ver se há uma camada que joga ao lado deste chapéu, porque então eu vou EQ as duas camadas lado a lado. E eu acho que talvez nós estamos olhando para este aqui, que significa que este aqui, ok, este chapéu também é uma camada na pista 26. Então vamos ligar isso. E o que vamos fazer é carregar um plugin EQ novamente. E vamos dar uma olhada em como o som se parece. Ok, então está tudo focado nesta área. Então o que vamos fazer é ouvir os dois chapéus tocando ao mesmo tempo. E então vamos vasculhar e descobrir onde os dois sons se elogiam. Talvez eu diminua um pouco isso para poder ouvir os dois claramente. Ok. Só vou abaixar um pouquinho. Ok. Então eu acho que em algum lugar por aqui, em torno de eu acho que é cem, quatrocentos está complementando os outros chapéus. Então eu vou apenas baixá-lo muito, muito ligeiramente e meio que estreitar a fila. E eu também vou, eu acho, pegar algumas das freqüências por aqui porque enquanto eu estava ouvindo, eu percebo que há um tipo de confronto. Definitivamente, definitivamente aqui em cima. Não precisamos desse tipo de freqüência, então vou cortar isso. E porque todo o som disto está focado nesta metade do EQ e vai aplicar um corte baixo. Só para me livrar de todo esse livro que estava na forma errada, desculpe, um passe alto. E eu vou me livrar de todas as coisas baixas que não precisamos. E eu vou voltar para o outro aqui e fazer a mesma coisa porque eu sei que eu esqueci de fazer da última vez, então eu vou apenas aplicar um passe alto. E novamente, arraste isso para cima assim para que nós estamos tipo de eliminar qualquer freqüência desnecessária que está tipo de preencher espaço quando eles não precisam. Então apenas para voltar para o início da palestra novamente, onde eu estava falando sobre a zona de grito e esse tipo de freqüência que eu tirei. Ok. Se acabarmos de ver isto e ouvirmos. Você ouve o tipo de grito que está saindo de todas essas altas frequências vai, esta é a zona de grito. Ok? E geralmente, nós meio que, nós não aumentaríamos muito isso. Mas podemos acabar cortando um pouco só para nos livrarmos desse tipo de barulho. Agora, obviamente, não puxem muito porque um monte de chapéu alto é alta, altas freqüências e é um som que tipo de precisa reter um monte dessas altas freqüências. Mas você sabe, isso não é muito prazeroso de ouvir. Então podemos cortá-los tão ligeiramente, apenas sutilmente. Só para fazer o som geral um pouco mais limpo. E podemos usar a outra camada, então, que não tem o mesmo som guinchado. Ok, então esta amostra em particular que estamos usando, não parece muito gritante. Se eu pegar este número cinco aqui e nós roubamos, não soa como criaturas, então nós podemos realmente impulsionar esta área. E nós podemos usar as duas camadas para tipo de elogiar um ao outro. Então esta camada agora está adicionando no mais alto que esta camada está faltando. Então, se você remover, se removermos este, você pode ver que ambos estão se complementando. Bem, você pode ver que ambos estão se complementando bem. Finalmente, quando você estiver fazendo sua bateria, você também terá que ouvir as camadas contra os instrumentos. Ok? Então os instrumentos que você já desenfileirou, você vai ouvir os tambores que você tem QI, você ficaria bem, então neste caso nós temos EQ esses dois oi-chapéus, essas duas camadas. Então nós vamos ouvir como esses dois soam quando eles estão tocando ao lado desses dois instrumentos que já desenfileiramos. Ok, vamos ouvir o que isso soa como e vamos fazer todos os ajustes que precisamos fazer. Então eu acho que isso soa bem. Acho que nenhum ajuste precisa ser feito. Tudo bem? Então este é o processo que você vai usar ao misturar seus tambores. E você vai passar pelos diferentes elementos e, em seguida, as diferentes camadas, verificá-los uns contra os outros, EQ eles uns contra os outros, e, em seguida, verificá-los com o resto dos elementos em sua trilha para ter certeza que tudo está se encaixando bem. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada no EQ para vocais. 81. EQ para vocais: Então, nesta palestra, vamos olhar para o EQ para vocais. Então eu tenho dois tipos de vocais nesta faixa. Ok, eu tenho o vocal principal, que é este aqui. E eu também tenho um vocoder vocal, ok, então é isso aqui. E eu preciso também ligar o vocoder, que é isso. Bem, eu já ouvi isso. E vamos ouvir com voz. E então precisamos fazer isso soar bem juntos. E também precisamos fazê-los soar bem no contexto de tudo o resto. Ok, então vamos começar com este vocal principal e vamos carregar um plugin EQ. E novamente, porque é uma espécie de som principal, vamos fazer o corte das frequências Harish. Então eu vou reduzir a fila e ouvir o som e cortar qualquer uma das frequências que eu não gosto dele. Ok, então eu acho que essas freqüências em particular vai ser boomy. Então eu vou cortar isso. Vamos aumentar o número três e ouvir o som novamente. Ok, há uma frequência horrível lá. Eu vou cortar isso agora mesmo. E com quatro novamente, narrativa Q e nós amamos Ouvir. Eu vou perguntar a ele. Está bem. Há uma frequência desagradável lá dentro. Não é tão alto quanto o outro às três, então não vou cortar tanto. Vamos tentar a banda cinco aqui e vamos varrer a AMA. Ok, então há uma frequência aqui que é, novamente, na verdade, não é tão alta quanto a frequência que está em quatro. Mas ainda quero cortá-la. Então eu só vou trazer isso para baixo um pouco menos de quatro. E nós já ouvimos sobre os sons vocais como Agora com esta primeira configuração de equalização aplicada. E se desligarmos, eu toquei com o efeito ligado, e então eu vou desligá-lo talvez a meio caminho. Então você pode ouvir que este plugin EQ realmente limpou o som muito. Certo, e agora estamos prontos para aplicar o segundo desenfileiramento, que é moldar o som. Então vamos levar isso para o centro. E novamente, vamos encontrar algumas frequências que soem bem e aumentá-las. Amal como ele. Eu sou, eu estou , eu estou bem. Eu meio que gosto dessas freqüências em torno de talvez 5 mil. Então eu vou fazer lojas como esta. Reduza os tipos QGIS de marca de banco e um foco. E então ouvimos novamente e tentamos encontrar talvez algumas frequências agradáveis ou talvez algumas frequências que queremos tirar. Ok. E então eu definitivamente não gosto dessas freqüências aqui, então eu vou cortar esses fora e talvez apenas reduziu o QoS Babette. E depois ouvimos outra vez com esta quarta banda. Então eu gosto de algo que está acontecendo aqui por volta dos cem, cem Mac. Mas eu não quero, há muita coisa que eu não gosto aqui em cima e há coisas que eu não gosto aqui, então eu vou reduzir o Q. Então é um tipo muito mais focado de configuração. E eu vou apenas aumentar isso um pouco. Talvez não tanto, só o cheiro ruim. E isso é meio que alargar o Q um pouco. Acerte OK. E agora vamos cosh, e algumas das frequências aqui no meio. Ok, então eu vou estreitar o Q desta banda de seis. E eu vou pegar gentilmente algumas das frequências daqui. Está bem. E eu estou pensando em ampliar o q pequeno veterinário. E eu estou pensando que eu poderia aumentar esta banda dois um pouco mais e ampliar a fila é sufocada maior, trazendo mais algumas dessas frequências mais altas. E nós já ouvimos sobre isso soa como agora. Meu eu vou perguntar a ele, vamos desligar o plug-in. Então ele só faz o som um pouco mais brilhante e é uma espécie de adicionar um pouco de ar, algum tipo de clareza agradável. Em seguida, vamos verificar este vocal contra alguns dos instrumentos que temos QEs. E vamos verificar com alguns dos tambores que temos EQs. Eu acho que nós executamos isso, 112 e eu acho 26. Então vamos ter uma lição agora para adicionar o som vocal como com os outros elementos que aplicamos EQ . E se desligarmos. Então eu acho que isso está fazendo uma espécie de uma diferença drástica e eu acho que soa muito melhor com esses plugins EQ ligados. Em seguida, vamos EQ dedicado e vocais. Então, vamos ouvir esta. Eu tenho que ligar o, o modulador portador vai jogar, lembre-se que a partir da seção vocoder. Então vamos ter uma escuta para o som deste vocal. E eu já tenho um equalizador aqui só para cortar algumas das baixas frequências que eu não preciso no som. Então eu vou deixar este QE aberto. E o que vamos fazer é eu vou apenas movê-lo para cima para que possamos adicionar alguns plug-ins abaixo. E vamos adicionar em nosso primeiro QE que vamos usar, que é cortar algumas das freqüências desagradáveis. Então eu vou tocar o som e eu apenas meio que varrer através e encontrar algumas das freqüências desagradáveis. Então, há apenas um tipo de área problemática e é aqui no 790. Então, vou cortar isto. E nós não precisamos fazer mais porque eu não encontrei nenhuma outra frequência desagradável que eu não gostei. Então agora vamos adicionar o equalizador modelador, que é este. E o que vamos fazer é ouvir esse outro vocal ao mesmo tempo para que possamos descobrir onde esses dois sons estão se complementando. Certo, então vamos estreitar essa fila e ouvir. Mas posso ouvir isso por aqui. Esses dois, esses dois sons estão lutando pelo espaço. Então eu vou cortar isso. Não por muito, eu não quero estragar o som, mas eu só queria esclarecer um pouco de espaço para o vocal principal. Então é um pouco mais claro e o público pode ouvi-lo melhor. E vamos tentar aumentar agora algumas dessas outras frequências. Então, vamos ouvir. Então eu gosto desse tipo de área. Então eu vou apenas trazer isso para baixo um pouco e tipo de usar um impulso sutil. Eu poderia até ampliar a fila só para trazer todas essas frequências aqui porque todas elas soam bem quando estão unidas com este vocal principal. Então vamos ouvir os dois agora ao mesmo tempo. E então você aplicaria o mesmo processo a esses outros vocais. Então você solistas e também solidificar o porta-aviões. E o que você faz é enorme. Você verifica o som para adicionar seu, seu, seu, seu primeiro QE, ok, encontrar algumas freqüências desagradáveis. Então eu vou fazer isso muito, muito rápido. Ok, então isso não parece muito legal. Vamos tirar isso e tentar de novo muito rápido. Certo, talvez algo aqui. Apenas puxe isso para fora. E, novamente, com shapers. E quando estamos moldando Neste momento, vamos ouvir o que soa ao lado de todos esses vocais que já aplicamos. E q2. Certo, vamos ouvir. Basta baixar o volume para que você possa ouvir ambos lado a lado. Talvez em algum lugar por aqui. Parece OK. Então eu vou apenas aumentar isso um pouco assim. E nós puxamos outro e nós vamos ter uma escuta. Agora eu realmente acho que esta área está adicionando algo muito, muito agradável. Está adicionando um pouco de desperdício no som. Então eu vou adicionar algumas dessas frequências, ok? E eu poderia reduzir o Q desta terceira banda apenas ligeiramente para que não seja tipo de sobreposição. E então podemos cortar algumas das altas frequências porque eu já sei que vai estar em choque com o som. E novamente, temos que ter certeza de que tudo isso soe bem com os outros elementos. Então eu vou ligar os instrumentos que desenfileiramos e eu vou ligar as amostras de tambor que nós enfileiramos. Ok? E Mileva ouviu tudo organizado e certifique-se de que tudo está se encaixando bem. E se você tiver mais camadas vocais, você aplicará o mesmo processo. Você sabe, você vem para aquele ar vocal e abre os dois EQs e então ouve todos os vocais tocando ao mesmo tempo enquanto você está aplicando algum equalizador para este outro vocal. Ok? Na próxima palestra, vamos olhar para usar o plugin EQ como um efeito. 82. EQ como efeito: Então, nesta palestra, vamos aprender como podemos usar um plugin EQ para efeito. Então você também pode fazer os elementos soarem como se eles estivessem em um determinado espaço ou se eles estão meio que vindo de um determinado dispositivo. Coisas como um efeito de rádio ou telefone e talvez um efeito de fora do clube. Podemos fazer tudo isso com um QE. Então vamos dar uma olhada nesses, OK. Então vamos dar uma olhada em ambas as coisas agora. E nós vamos aplicá-los a este vocal. E a primeira coisa que vamos dar uma olhada é o efeito rádio ou telefone. Então precisamos abrir um plugin EQ e ele abre assim. Então a primeira coisa que vamos fazer é aplicar uma espécie de corte baixo ou passa-alto. Ok, então vamos deixar todas as altas frequências passarem, e vamos cortar muito desta extremidade baixa. Então eu vou fazer a fila muito mais íngreme. E eu vou arrastar isso até que tenhamos nos livrado de um monte de, um monte de tipo de baixa frequência, até mais do que isso. Talvez por aqui, que é 600. E, em seguida, com o high-end, vamos aplicar um filtro passa-baixo ou um filtro de cozinha alto. Ok? O que fazemos é aqui, novamente, vamos fazer a deixa um pouco mais íngreme. E vamos arrastar isso para baixo até termos nos livrado de muitas das altas frequências. Ok, então talvez aqui por volta de três mil, três mil, quatrocentos e trinta e cinco. Gosto do som deste tipo de EQ. Agora acho que está parecendo um pouco com um telefone. Então nós vamos pegar uma dessas bandas do meio e nós vamos impulsioná-lo ok, então nós vamos aumentar as faixas médias e nós vamos fazê-lo bastante duramente. E você vai encontrar uma área que parece um telefone. Então eu acho que por aqui, há uma espécie de 1000 é baixo, médio alcance. Acho que isto parece um telefone. E eu vou usar a banda seis para cortar algumas das frequências médias mais altas como esta. Está bem. Vou deixar isso um pouco mais largo. E vamos ouvir esse efeito agora. Então agora esse vocal parece que está vindo por um telefone. E a razão pela qual essa configuração em particular soa como um telefone é porque quando eles estavam inventando telefones e eles tinham que descobrir uma maneira de transferir sua voz para a outra pessoa do outro lado. Mas porque havia tanta informação de 20 Hertz até 20 mil. Eles não tinham poder de fogo suficiente, digamos, para realmente transferir todas essas frequências para baixo. Ok, teria sido, teria havido um grande atraso e todo o conceito de telefone não teria funcionado. Então o que eles fizeram foi realizar um estudo para descobrir quais eram as frequências mais importantes. Então, podemos nos livrar de algumas das freqüências desnecessárias? E eles descobriram que os humanos são muito sensíveis a essas frequências de médio alcance. Mas não somos tão sensíveis ao tipo de frequências baixas e altas frequências. Então o que eles fizeram com os telefones foi se livrar dessas altas freqüências e baixas freqüências. Então, quando eles estavam meio que transferindo sua voz para baixo, eles poderiam transferi-la muito mais rápido porque eles estavam enviando apenas uma certa parte do tipo de espectro de freqüência inteiro. Ok? Então essa é apenas a teoria por trás do porquê, você sabe, por que essa forma em particular. Funciona e por que isso soa como um telefone. Agora, se você quiser fazer parecer ainda mais um telefone, você pode carregar um plug-in de distorção. Então, se eu entrar aqui e abrir talvez esse excesso de sangue, e se aumentarmos o pré-amplificador, veremos que o som fica distorcido e soará ainda mais como se estivesse vindo de um telefone. Isso é incrivelmente barulhento. Então vamos apenas baixá-lo usando este ganho post. Talvez impulsionado um pouco mais. Então, agora o excesso de sangue, é meio que adicionando isso, aquele pequeno elemento de distorção que você obtém com um telefone. Vamos ouvir de novo. E, em seguida como a faixa está tocando, você pode tipo de desligá-los. E como digamos que isto é, esta é a sua primeira secção. Em seguida, ele entra em suas seções de coro. Então você desliga os plugins. Então você pode usá-lo como uma espécie de técnica de arranjo interessante. Agora, vou deletar esses plug-ins novamente e vamos dar uma olhada em fazer o som vocal como se estivesse fora de uma boate. Ok? Então eu vou ligar isso de novo. E novamente, vamos abrir um plugin EQ. E para isso, vamos aplicar um passa-baixo muito duro, certo? Ou um filtro de corte alto. E eu vou apenas subir o Q bit, então é um pouco mais íngreme. E eu vou arrastar isso para baixo. Malala. Malala. Então agora você pode ver que os vocais soam um pouco abafados. E então o que fazemos é aumentar alguns desses tipos de baixas frequências médias. Ok, então vamos ouvir e vamos aumentar algumas dessas freqüências. Ramallah, Ramallah. Então esse efeito realmente funciona muito, muito bem quando está no canal mestre. E é algo que você pode aplicar na seção de acumulação logo antes da queda. Ok, então vamos dar uma olhada nisso muito rapidamente agora. Vou desligar esse plug-in para não afetar a voz. E eu vou voltar a ligar todos os plugins. E o que vamos fazer é comandar para o canal mestre, abrir o equalizador e aplicar as mesmas configurações. Então, um hash low-pass que subir na fila dele, trazer isso para baixo, e então aumentar tipo de cerca de 200. Tudo bem? E se você ouviu isso, todo o som sem faixa parece estar fora do clube. Talvez devêssemos tirar algumas altas frequências do Marty. E se você aplicar isso à sua seção de acúmulo e como a acumulação está tocando, você tipo de automatizar esta banda sete para tipo de abertura, digamos para tipo de aumento como o acúmulo está tocando. Então vou fazer isso agora. Vou destacar o acúmulo. E então eu vou clicar com o botão direito do mouse e dizer, Vou clicar com o botão direito do mouse nisso, a banda de freqüência , ok, então isso move esse tipo de abertura. Então, clique com o botão direito do mouse e selecione Criar clipe de automação E então, se chegarmos a saber se o clipe de automação é e podemos virar o ponto de ancoragem certo todo o caminho até o topo para que ele tipo de abre como o acúmulo está jogando. E você verá que o acúmulo soa como se estivesse fora do clube e então ele fica muito mais brilhante e mais brilhante até entrarmos na seção de queda onde todas as freqüências ou back-end. Eu tenho uma lição. Então isso, esse EQ efeitos, isso é essencialmente provocando o ouvinte. Você sabe, você só lhes dá o tipo de parte inferior das frequências. E à medida que começa a se abrir, o ouvinte está ouvindo cada vez mais desse som completo e eles estão ficando excitados, você sabe , eles estão recebendo, eles estão antecipando a queda quando vem com a queda do frequências. Você sabe o que eu quero dizer? Agora isso fora do efeito clube soa muito melhor se você juntá-lo com um plugin de reverberação. Então, vamos dar uma olhada nisso muito rapidamente. Eu vou abrir o reverb e eu vou apenas carregar talvez um desses presets, talvez salão grande. E vamos apenas ouvir o que parece. Eu vou diminuir o ganho molhado tanto. E, na verdade, vou diminuir a decadência só para que não seja tanto. O botão molhado e molhado da China novamente. Vamos tentar colocar isso acima do QE e ver o que acontece. Se começarmos a recusar isso também. Se começarmos a automatizar o tipo de botão de volume para o equalizador. Assim, o equalizador começa lentamente a desaparecer. Vamos dar uma olhada em fazer isso agora também. Então, no acúmulo, digamos que o EQ meio que desaparece enquanto o acúmulo funciona. E quando chegarmos à seção de entrega, não há nenhum EQ em tudo. Vamos ouvir o que isso parece. Então somos meio que sons como se o ouvinte estivesse fora do clube, parado na fila, esperando para entrar. E então eles estão meio que andando e eles estão ficando cada vez mais perto de onde é a pista de dança, digamos. E assim que a queda chega lá na pista de dança e ainda assim eles estão recebendo aquele potro, aquele som completo das frequências e não há mais reverberação. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada rápida em uma técnica de EQ avançada, que é EQ intermediário. 83. EQ médio/lateral: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada rápida no QE médio, ok? E EQ do lado médio é onde você EQ o sinal mono e o sinal estéreo separadamente. E esse tipo de técnica é ótimo para fazer sons maiores e mais largos, e é muito simples. Você está efetivamente usando as mesmas técnicas que EQ irregular, mas você está realmente moldando o som do sinal Mano primeiro e depois o sinal estéreo depois. E o princípio que funciona é o conceito que estávamos falando antes, onde eu estava dizendo que se a informação que entra em seu ouvido esquerdo é diferente da informação que entra em seu ouvido direito, então o som vai sentir como se fosse muito mais largo. Agora, o equalizador intermediário é um tipo de técnica de mistura avançada. E se você nunca usá-lo, sua faixa ainda vai soar perfeitamente bem. Mas é bom estar ciente de que ele existe se você quiser usá-lo. Ok, então isso abriu um plugin EQ, ok? E a primeira coisa que eu vou dizer é que nem todos os EQs realmente permitem que você faça isso, especialmente o tipo de plug-ins de ações porque esta é uma técnica avançada. Então você precisará encontrar outro EQ que permite que você faça isso ok. E eu tenho um aqui que é a aquisição do filtro FAB. Então, se eu abrir isto e usarmos isto, vou torná-lo um pouco maior para podermos vê-lo. Ok? E se dermos uma olhada nisso, a primeira coisa que você provavelmente notará é que não há proibições nele. Ok. Lembro-me que no outro plug-in tivemos um tipo de 1-2-3, 4-5-6, sete. Bem, a menos que não tenhamos nenhum e isso é porque podemos adicionar em nossas próprias e podemos adicionar em quantas dessas bandas quisermos e quantas nós, quanto precisarmos. Ok, então eu vou apenas definir isso de volta para o padrão e nós vamos começar de novo sem bandas. Então o som que vamos ajustar é este instrumento principal. Ok, e o processo é o mesmo. Vamos encontrar as frequências desagradáveis e cortá-las. E então vamos encontrar as frequências agradáveis e moldar o som. Ok? Mas a diferença é que quando estamos cortando as frequências de hash, vamos usar o meio. E quando moldarmos o som, vamos usar o site, está bem? E a maneira como fazemos isso é adicionar o ponto. Agora, alguns outros plug-ins podem ter um botão em algum lugar na interface que diz que eles podem mudar os diferentes modos de processamento de, você sabe, de estéreo para midside. Mas com este plugin em particular, basta clicar aqui e mudar esta banda de estéreo para meio. Ok, então agora vamos encontrar algumas das freqüências desagradáveis e eu vou deixar a deixa um pouco mais estreita. Ok? E isso é bom, as freqüências desagradáveis e meio que cortá-los fora. Certo, então há uma frequência feia em algum lugar por aqui. Então eu vou trazer o ganho para baixo e nós vamos apenas puxar isso fora dele. Talvez não tanto, talvez apenas por seis db. Ok? E novamente, vamos adicionar outra banda e ela já está definida como feita. Então vamos desligar a fila e ouvir algumas das freqüências desagradáveis. Ok, então há outra frequência desagradável por aqui. Então eu vou puxar isso para fora apenas arrastando para baixo no botão de ganho. E vamos tentar encontrar alguma arte e frequências desagradáveis. Ok, há outra frequência e aqui eu não gosto, eu vou puxar isso para fora assim. E vamos de novo. Então, novamente, vamos desligar a fila e então vamos varrer as frequências e ver o que podemos encontrar. Certo, só mais uma frequência de hash por aqui. Então eu vou puxar isso para fora assim. Ok, então vamos ouvir o som agora. E vamos meio que jogar e vamos desligar o plug-in e, em seguida, ligá-lo novamente e vamos ver que tipo de diferença está fazendo. Ok, então vamos jogar através dele com ele desligado e então eu vou ligá-lo a meio caminho. Ok, então agora que nos livramos de algumas das freqüências desagradáveis, é hora de moldar o som. Certo, então vamos adicionar outra banda aqui por um segundo. E vamos mudar o modo de processamento de meio para citar. Ok? E agora esta banda só vai afetar os sinais estéreo. Então essas bandas intermediárias estão afetando o sinal mono. E esta banda lateral vai afetar o sinal estéreo. Então o que vamos fazer é usar isto para varrer e encontrar as frequências agradáveis e depois aumentá-las. Ok? Então, em primeiro lugar, temos que mudar a forma dele. E você pode trocá-lo aqui embaixo da prateleira baixa também. Eu quero um sino. Ok. E eu só vou trazer o Q e uma varredura através e encontrar algumas freqüências agradáveis. Ok, eu meio que gosto que a frequência é por aqui, então eu só vou puxar para baixo, eu vou puxar para baixo, eu vou puxar para baixo, eu vou puxar para baixo, eu vou para baixo, eu vou para baixo, Então não é tão agressivo. E talvez eu reduza a fila um pouco. E com trazer outra banda lateral. E novamente, eu vou ter que mudá-lo de prateleira baixa para Bell e estreitar a fila. E então vamos varrer e encontrar algumas outras frequências agradáveis, talvez não tão estreitas. Ok. Vamos sair. Ok, então eu não encontrei nenhuma frequência que eu goste, mas eu encontrei algumas frequências que eu não gosto. E um deles é este, por isso vou tirar isto, está bem? E outra vez. Sei que há outro ou dois tipos de áreas que eu não gosto. Então eu vou encontrá-los e puxá-los para fora também. Mais uma vez, temos que mudar a forma. É apenas algo que acontece quando você adiciona uma banda muito perto da borda. Ele assume que você queria adicionar um certo tipo de forma. Mas quero mudar isso de volta para Bell. Então, vamos ouvir de novo. Então eu definitivamente não gosto dessas freqüências aqui, esse tipo de média baixa. Ok, então eu vou tirar isso. E mais uma vez, acho que há mais um tipo de área de frequência que eu não gosto. Então eu vou tirar isso também. Está bem. Então vamos varrer e descobrir que talvez com um menos estreito veio em algum lugar por aqui. Sim, vou retirar esta frequência. Então isso é EQ do lado médio. Ok? E se olharmos para as bandas verdes, estas são todas as mídias. E se olharmos para todas estas bandas, estas são as EQs laterais. E agora eu acho que esta banda está realmente em estéreo, então eu tenho que mudar isso para o lado. E mais uma vez, tem um amarelo aqui e deve ser azul. Então eu tenho que mudar isso para o lado. Eu esqueci de fazer isso em primeiro lugar, mas se ouvirmos novamente agora com as configurações médias adequadas, soa assim. E se desligarmos o plugin tipo de meio caminho através do padrão, vai notar a diferença que o EQ mid-side está fazendo. Não só para moldar o som, mas também para fazê-lo sentir um pouco mais largo e um pouco mais cheio. Certo, então tenha isso em mente quando estiver ouvindo. Então eu vou desligá-lo e então eu vou ligá-lo novamente enquanto ele está jogando. E a razão pela qual soa mais amplo é porque nós fizemos o equalizador, então moldamos o som estéreo e estéreo. Nós moldamos isso de forma diferente ao som médio. Então, as duas frequências. Então digamos que há uma forma de onda para o sinal mono e há outra forma de onda para o sinal estéreo. E onde ambos eram iguais antes. Agora eles são diferentes porque nós mudamos a forma deste QE, ok? E é por isso que o som parece mais cheio e parece um pouco mais largo. Finalmente, como Oliver Instruments, temos que cortar algumas das baixas frequências que não precisamos. Então eu vou adicionar outra banda aqui, e desta vez vamos mantê-la em estéreo. Certo, então estamos afetando as frequências médias e laterais porque não queremos nenhuma ponta baixa nesse som. Ok, então vamos ouvir o som e vamos varrer e encontrar o ponto onde ele meio que perde a maioria das baixas frequências que não precisamos. Se eu mover isso, é realmente um tipo de impulso stat , então eu vou apenas deixar isso onde ele está. E você também pode mudar a inclinação. Então você pode mudar o quão íngreme é com este 12 db por oitava. E o que isso significa é que para cada oitava, esta linha está caindo em 12 decibéis. Então, se eu definir isso para 24, ele vai cair duas vezes, duas vezes o nível de volume e por tipo de oitava neste, este equalizador. Ok, então se eu definir isso para 24, vai fazer a linha muito mais íngreme. Então, como você pode ver, é meio que se tornou uma inclinação muito mais íngreme. Então, quanto mais alto você definir isso, mais íngreme será a inclinação e quanto menor você disse que mais tipo de inclinação gradual será. Está bem. Então, vamos ouvir e vamos encontrar o local onde as baixas frequências são eliminadas. Ok, então eu acho que isso soa muito bem. Então eu vou fechar isso e estamos prontos agora para aplicá-lo. Alguma compressão. 84. Introdução aos compressores: Nesses poucos slides, vamos aprender tudo sobre compressão e por que a usamos quando estamos misturando. Pode ser uma ferramenta muito poderosa quando usada corretamente, mas também uma ferramenta muito destrutiva se for usada da maneira errada. Portanto, é importante entender o que ele está fazendo e como usá-lo. Então, o que é compressão? Enquanto um compressor pega o alcance dinâmico de um som e efetivamente o reduz, ele empurra as partes mais altas do sinal para baixo em volume, mas deixa as partes silenciosas meio intocadas ou no volume original. Então, quando você aumenta o som geral, as partes que eram muito mais silenciosas agora soam muito mais alto. E o resultado final é um intervalo dinâmico que é muito menor do que o intervalo dinâmico original. Então, o que é o alcance dinâmico? Bem, é muito simples. É apenas a diferença de volume entre as partes mais altas do som e as partes mais silenciosas do som. Então, se você tem um pedaço de música que é muito alto no coro, mas então é muito silencioso no verso. Então isso teria um grande intervalo dinâmico. Se você der uma olhada nas imagens à direita, então você pode ver essas, essas duas formas de onda, ok? A forma de onda na parte superior tem uma grande faixa dinâmica. O sinal sonoro tipo à esquerda, é claramente muito maior do que o sinal sonoro que está à direita. Considerando que se você tiver um olhar para a forma de onda na parte inferior, esta forma de onda tem uma pequena faixa dinâmica porque todos os sinais sonoros diferentes parecem ser do mesmo tamanho ou tipo do mesmo volume. E esse princípio de alcance dinâmico é como a compressão funciona. A imagem na parte superior seria uma forma de onda antes da compactação, e a imagem na parte inferior seria uma forma de onda após a compactação. Então, vejamos quais são alguns dos principais parâmetros e como você pode usá-los. Se começarmos a partir da esquerda e trabalharmos nosso caminho, o primeiro parâmetro é o limiar. Isso informa ao compressor quando ele deve ligar e começar a compactação. Então, se você quiser comprimir todo o som, você iria virar o limiar todo o caminho para baixo. Mas se você só quisesse comprimir áreas muito específicas, como, você sabe, as partes mais altas do som. Você usaria o limite para achar esse ponto. Desta forma, o compressor sabe que não deve ligar a menos que o áudio chegue a um nível de volume específico. Se o áudio exceder esse nível de limite, o compressor ligará e começará a compactação. O próximo parâmetro é o ataque, e isso informa ao compressor a rapidez com que ele deve ligar. Isso é útil para sons como bateria, onde você ainda quer que o transitório inicial seja alto. Se você desligar o ataque todo o caminho para baixo, o compressor irá ligar imediatamente e comprimir todo o som. Mas se você ajustar os ataques para que o compressor tenha tendência após alguns milissegundos, então você pode deixar que o transitório inicial, ou digamos que a parte clicada de um som passe para que ele não seja compactado. Às vezes, se a configuração de ataque for muito baixa, o som parecerá um pouco esmagado. Então, se o seu som está se sentindo um pouco esmagado, aumente o ataque e ele deve fazer com que ele se sinta um pouco mais natural. A seguir temos a proporção, está bem? E é aqui que definimos a quantidade de compressão que queremos aplicar. Você sabe, queremos que o compressor empurre o mais forte que puder, ou queremos que ele tipo de empurre mais suavemente e seja mais sutil? Você deve definir essa proporção em qualquer lugar entre 110, ok, se você disse isso mais de dez, isso na verdade não é mais compressão e vamos dar uma olhada no que é isso em algumas palestras. Mas se você estiver usando compressão, mantenha a proporção abaixo de dez. Agora você pode ver com este compressor na imagem, ele realmente não permitirá que você defina a proporção mais de dez. Então, com este compressor em particular, você não cometerá o erro de colocar a proporção muito alta. Liberar, então, é o oposto ao ataque. que rapidez queremos que o compressor desligue? Se você definir isso realmente baixo, ele pode parecer muito robótico e os ouvintes realmente serão capazes de ouvir o compressor em sua pista. Se você definir a liberação mais alta, ela não será tão óbvia, mas você pode acabar comprimindo algumas partes do som que você não queria. Por exemplo, com vocais são alta tempo de lançamento pode soar muito natural e muito agradável para o ouvinte. Mas com a bateria, um tempo de lançamento alto pode se sobrepor com alguns dos elementos do tambor e você pode acabar esmagando alguns dos transientes que você não queria. E a razão para isso é porque o compressor ainda está ligado a partir do tambor anterior tem e ele acidentalmente pega o início da próxima cabeça do tambor. Assim, para os tambores, um tempo de lançamento mais baixo pode funcionar melhor no final do dia, é tudo sobre como soa. Então, se soa bem, é bom. Finalmente, temos o ganho de maquiagem, e isso é projetado para compensar qualquer do volume que você pode ter perdido durante a compressão. Então, como o compressor está reduzindo as partes mais altas de um som, ele também reduzirá o volume geral. Então podemos usar esse ganho de maquiagem para aumentar o volume volta para onde ele estava, em primeiro lugar. Agora também podemos usar esse parâmetro de ganho para empurrar o volume ainda mais alto do que era antes, ok? Mas tenha cuidado para não usar isso demais ou o som ficará distorcido. Então, quais são alguns ajustes adicionais que podemos usar com um compressor? Bem, em alguns compressores, você encontrará um parâmetro para mudar a forma do joelho. E o joelho é como o ataque, mas há uma ligeira diferença. Lembrem-se com o ataque, estamos a definir a rapidez com que o compressor liga. Bem, com o joelho estavam ajustando o quão agressivamente o compressor liga? Liga-se imediatamente e começa a comprimir o som instantaneamente? Ou ele meio que aquece e gradualmente começa a comprimir o som? O joelho é ótimo para fazer o compressor parecer um pouco menos óbvio. Ele também funciona muito bem em vocais, pianos, e também em canais de chefe. Na verdade, estaremos olhando para o NEA novamente quando estivermos usando algo chamado Compressão de Cola. Temos também compressores multibanda. Está bem? E se você se lembra da seção EQ, tínhamos sete bandas em nosso plugin EQ. E podemos movê-los para o tipo de foco em diferentes frequências. Bem, é a mesma coisa com um compressor. Podemos comprimir as baixas frequências diferentes da forma como comprimimos as altas frequências. E isso é realmente útil porque às vezes o low end pode ser muito alto, mas o high-end pode ser muito silencioso. E se usássemos um compressor normal, reduziria o volume de ambos. Mas se usarmos um compressor multibanda, poderíamos aplicar compressão somente para a extremidade baixa, o que tornaria o som muito mais brilhante e permitiria passar as altas frequências. Então esta é toda a teoria que precisamos saber. Agora podemos entrar e começar a usar um compressor para nossas trilhas. 85. Determinar o quando usar a compressão: Então, nesta palestra, vamos aprender quando aplicar compressão. Então vamos ver como você sabe quando a compressão é necessária. Ok, então vamos somar os vocais aqui. Ok? Vou só solá-los e vamos dar uma olhada neles. E, na verdade, eu os vi na pista de mixagem, mas vamos dar uma olhada em seu tipo de níveis de volume. Ok, então eu estou olhando para esta faixa vocal agora. E eu posso ver aqui o medidor de nível. Ok, então isso está me mostrando uma espécie de atualizações ao vivo para todos os diferentes níveis de volume e o som. Então nós podemos ver, nós podemos ver aqui com isso, ver este pedaço que está caindo, ok? Isto aqui. E depois cai. Estes são os seus medidores de pico. Então isso nos diz o nível da parte mais alta do sinal. E podemos ver com este vocal, é em torno de nove, ok, cerca de nove decibéis, em algum lugar entre 96. Então eu não sei, talvez sete. Está bem. Então sentou-se em torno de sete decibéis. Mas se olharmos para o resto do sinal aqui em baixo, podemos ver que este é o lugar onde o sinal é uma espécie de uma média de e este pico é onde as partes mais barulhentas. Assim, podemos ver que a diferença entre as partes mais altas e as mais silenciosas do sinal é enorme. Ok? E este é o intervalo dinâmico. E podemos ver que há um enorme alcance dinâmico com este som em particular. Então, porque este som tem uma grande faixa dinâmica, então precisamos usar compressão para tipo de redução. Ok? Então o que fazemos é chegar e carregamos o plug-in do compressor e passamos por todas as configurações até que o alcance dinâmico seja reduzido. Então talvez fosse aqui em cima e a parte mais silenciosa poderia estar aqui em baixo. Não estará mais aqui em baixo. Está bem. Mas no lado oposto disso, se chegarmos a algo como o som de órgão que eu tenho em algum lugar aqui, eu vou encontrá-lo na lista de reprodução. Ok, aqui está, no 29. Então, se eu sozinho isso e nós temos uma escuta, bem você pode ver que o pico, o som está aqui. Mas o tipo de média está aqui em baixo. Certo, então não há muita diferença entre as partes mais barulhentas e as mais silenciosas do som. Então, com este som em particular, podemos nem mesmo usar compressão. Ok? Agora, podemos usar um compressor muito, muito de repente são muito gentilmente porque na verdade, ele não precisa de compressão como é. Porque, como podem ver, a parte mais alta do sinal está muito, muito próxima da parte mais silenciosa do sinal. E esta é a maneira mais fácil de determinar se um som precisa de compressão ou não. Certo, se formos a alguns desses outros instrumentos, mas dê uma olhada no piano. Então podemos ver o pico do som está aqui em cima e a média está em algum lugar aqui embaixo. Ok? Então este tipo de som precisaria de compressão porque o intervalo dinâmico é muito grande. Vamos dar uma olhada em outro som, talvez este instrumento sintetizador. Ok. E novamente, o intervalo dinâmico é meio moderado. Certo, então o pico é aqui em cima e a média está em algum lugar aqui embaixo. Então podemos aplicar compressão a isso, mas com uma configuração muito mais suave. Vamos dar uma olhada em mais um tipo de som. Talvez este piano elétrico. Vamos ver como isso soa. Ok, então isso novamente tem um enorme alcance dinâmico. Então é uma espécie de pico do som é aqui em cima, e a média é aqui em baixo. Então este som em particular se beneficiaria com os usos da compressão. E novamente, se apenas dermos uma olhada no próximo instrumento, que eu acho que é outro sintetizador. O alcance dinâmico não é isso, não é tão grande, ok, você pode ver que o pico está aqui e a média está em algum lugar aqui embaixo. Assim, o pico e a média estão muito próximos. O que significa que este som em particular tem um pequeno alcance dinâmico e podemos nem mesmo aplicar compressão. Ok? E se o fizermos, seria muito, muito sutil. Então, com tudo isso sendo dito, vamos passar agora para a próxima palestra onde vamos dar uma olhada em como usar a compressão. 86. Como usar a compressão: Então, nesta palestra, vamos aprender as técnicas que você vai aplicar quando você está usando compressão. Ok, vamos chegar a este sintetizador elementos e vamos apenas ouvir o que parece. Ok, e eu posso ver que está na pista nove no misturador. Então eu vou encontrá-lo e já está destacado para nós. Então a primeira coisa que devemos fazer é determinar se este som realmente precisa de compressão. Certo, então se viermos aqui até este medidor de nível e vamos dar uma olhada no que o som está fazendo como lugar. Então eu posso ver que o pico está em algum lugar por aqui, e então o tipo de média do som é por aqui. Tudo bem, então não é um grande alcance dinâmico, mas ainda vamos aplicar compressão apenas para demonstrar como nos usar. Então, se viermos aqui para os nossos efeitos slots e recarregar um plugin compressor. Então eu vou usar este compressor e. E quando ele abre, podemos ver que a, bem, em primeiro lugar, a interface é bastante antiga, mas tudo bem porque ainda temos todos os tipos de parâmetros que precisamos. Temos relação limite, ataque, libertação e ganho de maquilhagem. Isto aqui chama-se atenuação. E isso nos mostra quando o compressor está ligando, certo? E você verá isso em ação à medida que aplicamos as configurações de compactação. Ok, então o primeiro passo que vamos fazer é ajustar a proporção. Então, eu vou aumentar isso para talvez, vamos apenas dizer talvez 3.5, ok. E nós podemos mudar isso depois dependendo de como soa, mas eu vou deixar em 3.5 por enquanto. E depois vamos ajustar este limiar, está bem? Como o som está tocando. E vigiaremos aqui quando o compressor estiver ligando. E você vai, você vai ser capaz de ver que, você sabe, o compressor. Quanto mais abaixo puxamos esse limiar, mais o compressor estará trabalhando para realmente empurrar o som. Certo, então vamos ajustar esse limiar e ver o que está acontecendo no medidor de atenuação. Ok, então agora quando estamos ajustando o limite, nós meio que temos que encontrar um ponto que soa bem, mas também não está sendo compactado muito porque você não quer que pareça muito óbvio. Então geralmente em algum lugar entre o tipo de seis e entre 06 dB é bom para compressão. Certo, então o que vamos fazer é ter uma lição, uma justiça até que soe bem. E então vamos deixá-lo nesse nível. Ok? Assim, podemos ver que a média da atenuação é meio que em torno de três e o pico está em algum lugar entre 69. Ok? O próximo parâmetro que temos que ajustar é o ataque, ok? E é isso que está causando isso. Eu não sei se você pode ouvir, mas uma espécie de som clicky e distorcido no início das notas, certo? Não parece muito prazeroso. Mas à medida que aumentarmos este ataque, vocês notarão que, aquele som clicky se foi. Ok? E a razão pela qual o som clicky está lá é porque o compressor está ligando imediatamente e está meio que comprimindo todo o som. E isso não parece muito natural para nossos ouvidos. Ok, então vamos jogar o padrão e vamos ajustar este ataque até os dados. Esse som clicky se foi. Ok, talvez em algum lugar por aqui, o som clicky fez e pode até aumentar um pouco mais. Em seguida, temos que ajustar o parâmetro release. Então vamos aumentar novamente até encontrarmos um ponto em que pareça bom. E agora este é um tipo de parâmetro sutil, ou você pode ser capaz de ouvi-lo muito bem. Mas eu estou realmente ouvindo o som e tipo de encontrar um ponto onde você acha que o compressor soa bem. Ok, então se eu aumentar esta gravação, é na verdade, como você pode ver aqui, está pegando, todo o som está pegando o início da próxima nota. Enquanto que se eu abaixar isso, ele está desligando muito rapidamente. Então cabe a você realmente, se você quer pegar todo o som, ou você quer pegar apenas um pouco do som? Agora eu meio que gosto do som quando os lançamentos virou pi. Eu acho que soa meio suave e é meio parecido com gráficos amanteigados. Eu acho que soa muito bom com as configurações. Vamos deixá-lo lá. Em seguida, temos que ajustar o ganho de maquiagem, ok? E podemos ver aqui quanta redução de ganho está acontecendo. Então está em algum lugar entre seis decibéis e nove decibéis. Então eu vou ajustar meu ganho de maquiagem dois em torno disso, cerca de 60 V. Isso pode ser um pouco carregado. Se ouvirmos, se nós realmente tocarmos até 60 B, você pode ver que é muito, muito alto. Então, talvez não vamos colocar isso em seis dB e nós vamos apenas tipo de ajustado enquanto estamos ouvindo e Missy vai encontrar um ponto que soa bem para o ganho de maquiagem. Então talvez por lá, talvez por volta de 1,7. E seu compressor pode ser completamente diferente. Eu sei que com a maioria dos compressores, quando você transforma isso para o mesmo valor que você está meio que atenuando. Pode soar bem. Mas seja qual for o algoritmo que este compressor está usando, parece ser muito mais alto. Então ele realmente depende apenas do plugin compressor que você está usando. Mas tens de usar os ouvidos, está bem? Não seus olhos. Então você realmente tem que ouvir o som e encontrar um ponto onde soa bem, não, não olhar para os parâmetros e ver o que parece bom, ok, porque isso realmente não importa. É como parece. Então vamos ter uma escuta rápida para o padrão sem compressão e então vamos ligar o compressor tipo de meio caminho. E se eu quiser que o compressor seja um pouco mais agressivo, eu posso aumentar a proporção, então eu posso ajustar isso de 3,5 para talvez sete. Ou posso aumentar até dez. Mas estou percebendo que um pouco de distorção está vindo aqui quando está definido para dez. Então eu vou colocar isso de volta para baixo e talvez nós vamos deixá-lo onde nós tivemos em 3,5, porque eu gostei do som disso. Então, na próxima palestra, vamos analisar a compressão para instrumentos. E podemos usar alguns plug-ins de compressor diferentes para ver as diferentes interfaces com as quais você pode ter que lidar. 87. Compressão para instrumentos: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no uso de compressão para instrumentos. Ok, então vamos entrar em um desses padrões de instrumentos que não vimos na última palestra, que é este. E eu posso ver que é, eu posso ver que ele está na pista seis e no mixer. Ok, então aqui está. Então o que vamos fazer é olhar para o medidor de nível e determinar se este som precisa ou não de compressão. Então eu posso ver que o pico é aqui em cima por volta das 15. E o tipo de média do som está aqui em baixo. Ok, então isso tem um tipo de alcance dinâmico moderado. Então esse som pode se beneficiar da compressão. Então vamos carregar um compressor e usaremos um compressor diferente da última vez. Então, da última vez que usamos este compressor E, desta vez vamos usar talvez dinâmicas sólidas. E você pode ver que este compressor parece completamente diferente do outro compressor, mas ainda temos todos os mesmos parâmetros. Ok? Temos limiar, temos uma proporção, temos a liberação. Temos um botão para alternar entre um ataque rápido e um ataque lento. E também temos um joelho aqui. Então este é um joelho gradual. E esta é uma necessidade muito agressiva, apenas se liga muito de repente. E também temos o ganho de maquilhagem aqui. E então bem no meio, temos esses medidores de atenuação. Então isso vai nos dizer quanta compressão o compressor está realmente aplicando. Ok? Então vamos primeiro parâmetro de proporção ajustado, ok? E podemos transformá-lo, eu acho que entre um e aqui em cima, seis ou infinito. Ok? Então eu vou apenas deixá-lo em talvez 3.5 novamente. Vamos deixar aqui. E podemos mudar esse valor depois se o som estiver mais fora de controle. Ok? A próxima coisa que vamos fazer é transformar este limiar de volta para 0. Ok? E depois vamos ouvir o som. E vamos aumentá-lo até encontrarmos o ponto onde a atenuação está lendo neste medidor de atenuação. E também, soa bem aos nossos ouvidos. Ok, então vamos colocar isso de volta para 0 e nós vamos ouvir o som. E eu vou ajustar este limiar enquanto o som está tocando e nós vamos encontrar esse ponto. Posso ver que está a medir no medidor de atenuação. Vou empurrá-lo um pouco mais. Certo, talvez 17.1. E agora eu acho que eu vou realmente aumentar a proporção um pouco. Ok, eu vou aumentar para talvez, vamos tentar 4.2. Vamos ouvir como isso soa. Certo, e podemos alternar entre um ataque rápido e um ataque lento. Vamos ver como soa um ataque lento. E vamos desligar isso. Então, depois de ouvir isso, eu realmente acho que é o contrário. Eu acho que quando isso é recusado, este é um ataque rápido. Então está pegando o som imediatamente. Está pegando assim que começa. E se desligarmos isso, será um ataque lento. E é meio que deixar a primeira parte desse som através de seu único tipo de captura da segunda metade desses nós. Agora eu prefiro o som com o ataque lento, então eu vou deixar o cenário. Eu vou deixar a configuração deles em seguida temos que ajustar o lançamento. Então vamos ouvir o padrão novamente. E desligamos este lançamento até encontrarmos um ponto que gostemos. E se não encontrarmos um ponto, vamos deixá-lo de volta no tipo de configuração padrão, que é muito, muito curto, Ok? Então eu acho que isso é meio que realmente definir é demais. Então eu vou derrubar isso. E talvez a deixemos em algum lugar por volta de 15 milissegundos. Ok, e agora vamos tentar as diferentes configurações de joelhos. Então, no momento, ele está definido para um d10 suave. Certo, mas vamos tentar como soa quando mudamos para um endurecimento. Ok, então vamos mudar meio caminho através do padrão. E você pode ouvir instantaneamente que soa muito mais agressivo com este endurecimento selecionado. Então eu vou deixar de volta no dinheiro macio porque eu prefiro o som do tipo de compressão sutil. Ok? Agora vamos ajustar o ganho de maquilhagem. E eu posso ver com o medidor de atenuação que é cerca de 36. Ok, então é a sexta luz é tipo de acendendo às vezes, mas a luz três está sempre acesa. Ok, então eu vou ajustar este ganho de maquiagem entre talvez 36 db. Então vamos ouvir e vamos ajustar isso. Mas se começar a ficar muito carregado como na última palestra, nós vamos, nós vamos abaixá-lo e vamos encontrar um ponto onde soa bem. Então talvez 4,5 dB. E também temos esse parâmetro seco, certo? E o parâmetro dry é para compressão paralela. Então o que isso faz é misturar no sinal original. Ok, então o sinal sem compressão, que soa assim, ele mistura isso no sinal que tem compressão. Ok? E se usarmos isso, se usarmos isso, podemos fazer o som um pouco mais cheio, certo? Porque o que está fazendo é tirar todas as partes boas do alcance dinâmico do sinal original. E também está adicionando isso ao tipo de som de controle do compressor. E você está recebendo o melhor dos dois mundos. Também pode tornar o som um pouco mais forte. Então este tipo de configuração de compressão paralela, funciona bem para tambores. Então nós já ouvimos o padrão e enquanto ele está tocando irá ajustar este parâmetro seco, que irá adicionar em alguma compressão paralela. Certo, então vamos ouvir. E se empurrarmos isso para cima, ele realmente vai aumentar o volume porque estamos misturando dois tipos de sinais juntos. Então tenha cuidado para não colocar isso alto e começar de novo. Então, vamos manter por volta dos 28. Só queremos ser sutis com isso. Eu não quero que este som em particular seja tão punchy. Então, vamos ouvir o som antes da compressão, e então vamos ter um ouvir o som após a compressão. E vamos escolher muito rapidamente outro padrão de instrumento e aplicaremos uma compressão muito, muito rápida. Talvez isto, seja lá o que for, estes Keyczar distorcidos. E eu acho que este pode ser o piano elétrico ainda. Então está na pista 10010, que é aqui. Ok. Então, quando estamos olhando para os medidores de nível, podemos ver que o pico está aqui em cima e a média está em algum lugar aqui embaixo. Então este som poderia definitivamente usar compressão. Ok, então eu vou carregar um compressor. E novamente, vamos tentar um compressor diferente por causa da demonstração, vamos tentar este VC 2A. E você pode ver isso de novo, a interface parece completamente diferente, ok? E na verdade não temos tantos parâmetros. Só temos esse parâmetro de redução de pico, que é o limite, certo? Não temos a opção de alterar a proporção. Não temos a opção de mudar o ataque. Não temos a opção de alterar o lançamento. Ok? E isso é porque este plugin em particular tem todos esses tipos de parâmetros embutidos. Ok, então qualquer algoritmo, os Instrumentos Nativos, então qualquer algoritmo que eles construíram, eles acham que soa perfeitamente bem. E tudo o que você precisa para ser capaz de usar isso, ok? E você vai ter isso, você vai ter alguns compressores que têm mais parâmetros e você vai ter compressores que têm menos parâmetros. O que eles nos deram em vez disso foi este ganho de entrada, ok? Então aumentamos o ganho de entrada para dizer ao compressor quanto do som de compressão queremos obter. Ok, então eu vou tocar o som. E eu vou ajustar isso. Vou desligar o ganho de entrada. Certo, então não estou recebendo nenhum som do meu software. Então eu tenho que vir até aqui para as configurações de áudio e apenas uma espécie de movimento entre esses dois dispositivos de saída diferentes. E deve reiniciá-lo. Ok, então soa quando nós sentamos e vamos ajustar este ganho de entrada e nunca vai ouvir o que o compressor está fazendo. Então vamos encontrar um ponto onde esse ganho de entrada soa bom. Ok, talvez não muito, talvez um pouco mais do que isso. E a próxima coisa que faremos é ajustar o limiar. Então, enquanto o som está tocando, vou ajustar o limiar e vamos ficar de olho nos medidores de atenuação. Então isso vai se mover assim para nos dizer quando o compressor está realmente compactando. Certo, vamos ouvir. Ok, então está se movendo agora. Vou empurrá-lo um pouco mais. E talvez um pouco mais do que isso. Ok, acho que é demais. Vamos puxá-lo para trás. Ok, então eu acho que soa melhor. Também temos este botão seco aqui onde podemos fazer alguma compressão paralela, mas não vou fazer compressão paralela para este som em particular. Vai apenas ter um ouvir o que o padrão soa como antes da compressão. E então vamos ouvir o que parece após a compressão. Então isso é antes da compressão. E isso é depois da compressão. Então este é o processo que você usará quando estiver comprimindo seus instrumentos. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na compressão para base. 88. Compressão para baixo: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada na compressão para base. Agora vamos usar exatamente o mesmo processo que todas as outras compressões que aplicamos. Mas a única diferença é que com a base, vamos usar uma proporção muito maior. Está bem? Então vamos usar uma proporção em algum lugar entre seis e 110 é para um. Ok, então vamos entrar neste padrão base aqui e ouvir o que parece. Ok, e vamos abrir na mesa para que eu possa ver que está na pista oito. Então, se clicarmos aqui, este é o instrumento de base, certo? E vamos dar uma olhada novamente nos níveis. E eu posso ver que ele está chegando acima de 15 e a média está meio que em algum lugar aqui em baixo. Ok, então não é um alcance dinâmico massivo, mas ainda vamos aplicar compressão porque é um instrumento de baixo e as frequências de base são muito, muito pesadas, então não queremos que eles fiquem fora de controle. Vamos vir aqui para os nossos slots de efeito e vamos carregar um plug-in de compressor. Ok, vamos carregar um diferente. E então o que temos usado até agora, vamos escolher talvez este compressor de líquido dois. E novamente, quando se abre, podemos ver que a interface é completamente diferente, mas ainda temos os mesmos parâmetros. Temos um limite, temos uma proporção, temos um tempo de ataque. Eu libero o tempo. Temos uma opção para mudar o joelho entre duro e macio. E também temos um tipo de parâmetro de ganho de maquiagem aqui onde podemos ajustar o ganho de maquiagem, ok, e redefinir isso. Temos também um medidor de redução de ganho, que também é o medidor de atenuação. Vamos mostrar-nos quando o compressor está realmente a fazer alguma compressão. Está bem? Então a primeira coisa que vamos fazer com o baixo é definir a proporção bastante alta. Ok, então eu vou transformá-lo todo o caminho para cerca de oito. Ok, então 8.3 é para um. E nunca ouviremos o que isso soa como Now. Está bem? E não vai fazer diferença até mudarmos o limiar. Então o que vamos fazer é reduzir o limiar, derrubá-lo até vermos que o medidor de redução de ganho está nos dizendo que o compressor está fazendo alguma compressão. Então vamos ter uma escuta para o som e vamos ajustar este parâmetro limiar. Então eu posso ver agora que o medidor de redução de ganho está meio que atingindo o pico e ele está nos mostrando quanta compressão o compressor está realmente aplicando. Então está em algum lugar lá embaixo. Eu realmente não posso ver isso. Mas acho que é entre 15, então talvez três. Ok, então podemos ajustar o limiar um pouco mais. Mas agora eu posso ouvir que isso é realmente, isso está fazendo uma grande diferença para o som geral do baixo. Então, vou trazer o reforço, está bem? Porque eles não gostam do som quando está em 20. Não acho que pareça tão natural. Vamos trazer isso de volta para Bill, na verdade, 19.1, isso realmente soa bem. Em seguida, ajustamos o tempo de ataque. Queremos que o compressor ligue muito rapidamente e pegue todas as notas. Ou se quiséssemos ligar lentamente e deixar passar alguns dos nós. Bem, quando o tempo de ataque é muito rápido, estamos perdendo algumas frequências graves. Então eu acho que soa melhor quando o tempo de ataque é bastante lento. Então eu vou levar isso até talvez 28,5 milissegundos. Em seguida, vamos ajustar o tempo de lançamento. Então vamos trazer isso para baixo. E vamos trazê-lo todo o caminho para cima. Então eu prefiro o som deste tempo de lançamento bastante lento, ok, Eu acho que soa, se você, se você ouvir o baixo, soa muito suave aparecer quando, quando o tempo de lançamento é muito alto. Mas eu não gosto disso. Quero que a base pareça mais agressiva e mais agressiva. Ok, então agora o baixo tambor e não o baixo tambor, desculpe, a base. Então, agora a base parece ser um soco. Finalmente, vamos ajustar o ganho de maquilhagem. Então, olhamos para o medidor de redução de ganho. Na verdade, não está fazendo muito. Então talvez só nos entreguemos por talvez um ou dois db. Ok. E este compressor em particular nos dá dois tipos de níveis que podemos monitorar. Podemos monitorar o que está chegando, que era isso. E o sinal que sai do compressor é este. Vamos ter uma escuta para o que o padrão base soa como sem compressão. E então vamos ligá-lo tipo de meio caminho através do padrão. Está bem? Então, para a base, você vai aplicar compressão exatamente no mesmo tipo de processo que estávamos fazendo para os instrumentos. E o que você vai definir a proporção muito maior, certo, em algum lugar entre 610. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na compressão dos tambores. 89. Compressão para bateria: Nesta palestra, vamos olhar para a compressão para bateria. E não é exatamente o que você pensa. E a razão pela qual não é exatamente o que você pensa é porque quando você arrasta uma amostra de tambor para dentro seu arranjo, ela já está comprimida. Ok, este som aqui, já está comprimido. Lembre-se que eu estava dizendo antes que os sons que você recebe em pacotes de amostra já estão em camadas para você e eles já soam bem. Bem, parte do porque eles já soam bem é porque eles estão realmente comprimidos para você, ok? E a maneira como podemos dizer se uma amostra já foi compactada para nós é se adicioná-la à faixa do mixer assim, e redefinir o controle deslizante de volta para 0. E se observarmos esse medidor de nível, se a amostra estiver atingindo 0 aqui, 0 dB, então esse som específico , essa amostra específica já foi compactada, mesmo se desligarmos todos esses plug-ins aqui. Então, se observarmos todos os plugins estão desligados, o volume está de volta ao tipo de configuração padrão. E se observarmos o medidor de nível , estará atingindo 0 aqui. Ok? Então este som já está comprimido. Não precisamos aplicar compactação a esse som específico porque ele já está compactado. E novamente, se eu carregar qualquer uma dessas amostras de tambor, elas são todas comprimidas porque quando você as tira do pacote de amostras já comprimidas para você. Então, novamente, eu vou transformar isso de volta para 0. Desligue o compressor e o equalizador. E então vamos dar uma olhada neste medidor de nível e vamos ver que a amostra, ok, está atingindo 0. Então não há necessidade de irmos comprimir isso de novo. E outra vez. Se olharmos para isto, que é este tipo de tarefa fechada clicky, novamente, se redefinir isto de volta para 0, desligar os plugins e dar uma olhada no medidor de nível. Está atingindo 0. Ok? E a coisa é, se você for e aplicar um compressor em cima desses sons já comprimidos, você vai acabar fazendo seus tambores soarem muito, muito esmagados. Basicamente, o meu conselho desta palestra e que é compressão para tambores, é não comprimir a bateria. Ok, não aplique compressão para suas amostras de tambor porque elas já estão compactadas para você. E a mesma coisa se aplica aos loops de bateria, ok, se eu entrar no meu pacote de amostras e nós vamos apenas arrastar em um loop de bateria. Então eu vou entrar aqui para os meus laços muito, muito rapidamente. Basta encontrar um loop Dragon, que talvez seja este aqui. Vamos pegar isso, arrastá-lo aqui. E eu vou sozinho isso e apenas loop para que possamos ouvir tocar repetidamente. Certo, se eu adicionar isso à faixa do misturador. E antes de tudo, mesmo antes de tocarmos, posso ver que essas amostras aqui, seja lá o que for, estão atingindo o topo e atingindo o fundo. Então isso, esse loop já está compactado. Então não há efeitos. O volume é definido no tipo de padrão. E se observarmos o medidor de nível, está atingindo 0. Ok? Portanto, esse loop não precisa ser compactado. Já está comprimido para nós. Na verdade, vou expandir este ponto no final desta seção de compressão. E, mas por enquanto, você precisa estar ciente de que suas amostras de tambor individuais, como o chute ou o aplauso ou o hash, ou até mesmo seu loop de bateria aqui. Estes não precisam ser compactados porque quando você retirá-los do pacote de amostra, já há compactado. Então, quando vier comprimir suas amostras de tambor, faça o que eu fiz. Desative todos os plugins, redefina o volume de volta para o padrão e, em seguida, dê uma olhada no medidor de nível. E se o som já está atingindo 0, então não há necessidade de comprimir essa amostra de tambor ou aquele loop externo. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na compressão para vocais. 90. Compressão para vocais: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em aplicar dois vocais de compressão, ok? E o processo disso não é diferente de aplicar compressão a qualquer outro elemento como seus instrumentos. Então vamos em frente e abrir os vocais na faixa de mixagem, e nós vamos apenas ouvir como eles soam por conta própria. E se dermos uma olhada no medidor de nível e nós meio que determinamos se este som precisa ou não de compressão. Podemos ver que o pico do som é meio que aqui em cima por volta das nove, entre 69. E a média do sinal está em algum lugar aqui embaixo, é perto do fundo. Então este som em particular, isso poderia definitivamente usar compressão. Então vamos vir aqui para os nossos slots e vamos adicionar um compressor. Vamos adicionar um compressor diferente desta vez, vamos talvez adicionar o FAA 770, este compressor BT. Ou, na verdade, acho que usamos isso quando eu estiver pronto. Vamos substituir isto por talvez o da CPS. Ok. Vamos tentar este. Ok, esta é diferente. Então, novamente, você pode ver que a interface é diferente. Eu só queria passar por diferentes compressores e mostrar como as interfaces são diferentes. Reserve o tipo de parâmetros que você pode ajustar são os mesmos. Certo, então temos que limitar. Temos o ataque, temos uma proporção, e temos uma libertação. E aqui também temos o ganho de maquilhagem. Ok? Então vamos em frente e definir a proporção para talvez um pouco maior. Vou configurá-lo para um 4.5. E eu posso ver o tipo de leitura aqui, o valor do que a proporção está configurada. E então eu vou ajustar o limite enquanto os vocais estão tocando. E o tipo de encontrar um ponto onde esta medida de atenuação é uma espécie de leitura e também onde soa bem. Certo, então vamos ouvir agora. Ok, então este medidor está claramente lendo. Podemos ver que a agulha está se movendo da posição 0 após sete db. Então este compressor está fazendo uma grande redução de ganho e eu não quero que ele esteja fazendo essa redução de ganho tanto. Eu meio que quero que o compressor seja sutil nos vocais. Então vamos realmente reduzir esse limiar dele. Só para que seja mais sutil. Ok, então agora ele só está pegando as partes realmente barulhentas do sinal e está meio que deixando as partes mais silenciosas passarem. Ok, a seguir podemos definir o nosso ataque. Então eu vou ouvir o vocal como um lugar. E eu vou definir isso todo o caminho de volta para o menor valor e vou varrer através e ter uma ouvir o que cada valor soa como. As bordas podem novamente. Ok, e eu acho que quando o tempo de ataque é muito baixo e soa um pouco estranho. Posso ouvir a compressão quando o tempo de ataque é muito baixo, especialmente porque é um vocal. Nós, como humanos, somos muito adeptos a ouvir a voz. Certo, então, mesmo que seu ouvinte não tenha idéia sobre produção musical, ainda consegue ouvir o compressor nos vocais. Ou pior, ainda tipo de narizes que há algo errado e, mas eles não sabem o que é, mas eles sabem que eles não gostaram do som disso. Então eu vou definir este tempo de ataque um pouco mais alto. Talvez até 30 milissegundos, talvez até um pouco de Mar e em seguida vamos definir o tempo de lançamento. Ok, então novamente, arraste-o para baixo e nós já ouvimos cada tipo de valor e o que isso faz com o som dos vocais. Então eu acho que eu meio que gosto do som do lançamento quando estava em algum lugar em torno da marca 300 a 500. Então vou deixá-la em algum lugar no meio. E agora vamos chegar ao nosso ganho de maquilhagem. E podemos ver que o compressor está reduzindo o sinal em cerca de sete decibéis. E eu não vou forçar o ganho de maquilhagem tanto assim. Talvez eu empurre por quatro ou cinco decibéis e veremos o que acontece. Ok. Então isso é 5,2 decimais. Podemos empurrá-lo um pouco mais, talvez até 6.626. Então agora vamos ouvir o vocal sem compressão. E então como ele está jogando compressor alternativo de volta e podemos ver que tipo de diferenças fazendo dobras é ruim, não bordas. E se ouvirmos o que isso soa como na mistura, soa assim. Ok, e em seguida nós vamos ter que aplicar compressão para este tipo de voz, que vocais. Ok, então estes estão aqui no tipo de seção de coro. E se eu só vi isso e eu vou ter que solo o porta-aviões, eles soam assim. E se dermos uma olhada no medidor de nível, e podemos ver que o pico é meio aqui em cima em torno do nove. E a média é talvez em torno de 15. Ok, então não é um grande alcance dinâmico, mas ainda vamos aplicar o compressor. E vamos colocar o compressor atrás do vocoder aqui porque queremos comprimir o som do vocoder também. E não queremos que o som comprimido entre no Vocoder. Eu quero comprimir todo esse som como uma espécie de som total. Ok, então vamos carregar outro compressor e vamos tentar talvez este mesmo comp. E como você pode ver, este compressor novamente tem uma interface diferente, mas nós temos um botão de entrada. Temos uma saída e temos este limite, está bem? Também temos ataque e recuperação aqui. Esta é a sua libertação, ok, então quão rápido um tipo de recuperação? Então, a entrada novamente é quanto tipo de som vamos sair do compressor. E a saída é o seu ganho de maquiagem. E então todos os outros parâmetros são os mesmos que vimos antes. Também temos a agulha de atenuação aqui e nos mostrará o quanto o compressor está comprimindo. Não temos a opção de alterar a proporção. E isso é porque este plugin tem esse valor de proporção embutido. Certo, então vamos ouvir o som desse vocoder. E eu vou redefinir esses parâmetros de volta para um tipo de 0. Defina isso de volta para 0. E agora podemos começar a ajustar essa entrada novamente. Vamos apenas bebida como impulsionado ligeiramente por talvez 3,8 decibéis. E então vamos chegar ao limiar e vamos ajustar isso enquanto o som está tocando. Agora eu posso ver o que a agulha que é, é uma espécie de reduzir o som em talvez duas casas decimais. Então, eu só vou empurrar isso um pouco mais. Ok, então depois de ouvir esse plug-in, eu realmente acho que esse limite é meio que o contrário. Acho que desta forma é mais compressão. Se olharmos para aqui e por aqui for menos compressão. Ok, então eu vou, eu realmente vou ajustá-lo na direção oposta. Ok. Então, está meio que chegando até agora. E eu só vou empurrá-lo um pouco mais longe. Ok. E podemos ver que está entre 24, o que presumo ser três. E o que podemos fazer é aumentar o ganho de maquiagem em cerca de 3 dB. Vamos tentar e talvez 2.51. Ok. Acho que isso é alto o suficiente. Acho que não precisamos ir mais longe. E vamos dar uma olhada no ataque. Vamos ver o que acontece se aumentarmos o ataque até um tempo de ataque rápido. E vamos tentar um ataque lento agora. Agora porque estes são vocais de apoio, porque eles estão tocando ao mesmo tempo que o vocal principal. Eu não quero que eles fiquem fora de controle, então eu vou deixar o tempo de ataque rápido e eu sei que parece um pouco mais dinâmico quando o ataque está definido para muito lento. Mas eu acho que soa melhor para o propósito do que eles estão fazendo, que é apoiar vocais. Acho que é melhor deixar o ataque definido muito rápido. Vamos chegar à recuperação, que também é a liberação. E vamos tentar ajustar este parâmetro. Então eu acho que soa um pouco melhor com o tempo de lançamento um pouco mais lento. E acho que já disse isso antes sobre vocais. Tempos de liberação mais altos soam melhor em um vocal. Um meio que faz com que se sinta um pouco mais suave. Então vamos ver como isso soa com o outro vocal. Podemos recusar como mórbido. E vamos ver como soa na mistura, ok? Mas um pouco disso, e eu vou silenciar o som do órgão porque a AMP está fazendo barulho. Ok? Então esse é o tipo de processo que você usará quando estiver usando compressão para seus vocais. A única coisa que você tem que estar ciente é que diferentes compressores têm diferentes interfaces e parâmetros que eles vão te dar, ok? E às vezes você vai ter que brincar com esses parâmetros para meio que descobrir como eles funcionam. Você sabe, está torcendo para a direita para desligá-lo, ou está torcendo para a esquerda para desligá-lo. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na compressão para ônibus. E isso também é conhecido como compressão de cola. 91. Compressão de coleira: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada na compressão para ônibus, que também é conhecida como compressão azul. E é chamado de compressão de cola porque é realmente usado para colar sons diferentes juntos. É uma forma muito leve são sutil de compressão, muitas vezes usado em ambos os canais para azul os elementos individuais juntos e fazê-los soar um pouco mais relacionado. Então, porque é uma forma sutil de compressão, Ronnie vai aplicar uma pequena proporção de menos de 3,5. Então eu tenho essa configuração de canal de ônibus e há quatro sons diferentes que estão tocando um padrão muito semelhante. Ok? E eu quero usar este canal de ônibus. Eu quero usar isso para colar todos esses sons individuais um pouco mais juntos. Então, vamos vir aqui para estes efeitos de lattes e vamos carregar um plug-in do compressor. Agora há compressores lá fora que são feitos deliberadamente para isso, como este tipo de acampamentos de ônibus sólidos. Então este compressor foi projetado para colar elementos diferentes juntos, mas vamos fazê-lo com um compressor diferente e vamos usar apenas um compressor normal, talvez este Vec60. E eu posso ver agora com este compressor, ok, não há nenhum parâmetro de razão, ok? E precisamos de um parâmetro de razão para ser capaz de fazer a compressão de barramento corretamente. Então eu vou substituir isso por um compressor diferente que tem um parâmetro de razão. Então vamos usar, então vamos usar este CPS um. Eu sei que já o usamos antes, mas eu só quero usar um compressor que tenha relação agora. Mas como a proporção é importante para a compressão de cola, vamos usar uma proporção de nada acima de 3,5. Então nós vamos deixar que pode ser um dois abaixo. Ok? E agora vamos ter um ouvir todas essas quatro camadas tocando juntos. E encontrarei um bom limiar. E, novamente, só queremos que a atenuação seja, seja muito gentil. Certo, não queremos que esta agulha salte por toda a interface. Ok, então vamos jogar o padrão e vamos ajustar como limiar. Como você pode ver, a agulha está se movendo muito ligeiramente. E como a compressão de cola tem que ser sutil, vamos garantir que o tempo de ataque seja muito alto. Ok? E também vamos garantir que o tempo de lançamento seja muito alto. Talvez quinhentos e cento e trinta e dois apareçam. E o ganho de maquiagem, porque não estamos fazendo muita redução, eu só vou aumentá-lo em uma quantidade muito pequena. Talvez 1,6, até isso pode ser demais. Talvez em torno, whoops, talvez em torno de um. Vamos ter uma escuta. E vamos desligar este plug-in e, em seguida, vamos ligá-lo novamente, tipo de meio caminho através do padrão. Está bem. Vamos ter uma escuta. Então, não tenho certeza se você pode notar isso. Está bem. Eu não tenho certeza se você pode tipo de ouvir como ele muito, muito sutilmente tipo de cola o som juntos e você definitivamente não vai ouvi-lo a menos que você está em fones de ouvido são tipo de bons alto-falantes. Mas a compressão, eu posso ouvir que na verdade está fazendo algo muito, muito gentilmente e muito sutilmente para fazer esses sons meio que se misturam um pouco melhor. Vamos ouvir de novo. E eu vou desligá-lo meio caminho através do padrão e, em seguida, voltar a ligar. Então a compressão de cola é de raspão para aplicar aos canais do seu chefe, ok? E você já terá, como você vai, você ainda vai aplicar a compressão para esses instrumentos, ok, o compressor e a dinâmica sólida. Tenho compressores prontos nesses instrumentos, mas a compressão de cola é usada para misturar esses sons um pouco melhor juntos. Então, então definitivamente se você está usando esses canais chefe e aplicar esta técnica de compressão azul, porque ele vai fazer todos os elementos tipo de se encaixam melhor. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na compressão multi-banda. 92. Compressão multibanda: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada na compressão multi-banda, ok? E um compressor multibanda funciona da mesma forma que qualquer outro compressor. Vamos aplicar as mesmas técnicas. A única diferença é que é como ter três compressores diferentes em um plug-in. Então vamos carregar um compressor multibanda em nossos afetos Ladd. Ok, então eu vou escolher esta dinâmica de ozônio 7. E podemos ver quando ele carrega que parece completamente diferente de qualquer outro tipo de interface que temos visto antes. Mas tudo bem, porque novamente temos ataque rácio, liberação e o RNB. E também temos limiar aqui. E aqui, temos o ganho de maquilhagem, está bem? E a única diferença é que este é o compressor rosa que meio que corresponde a essa faixa de freqüência. Assim que eu definir, tudo antes do 417, então desta forma, estamos comprimindo tudo isso. E neste compressor azul, está entre 4172 mil estavam comprimindo isso. E com o amarelo estamos comprimindo isto e com o vermelho onde comprimindo isto. Ok? Então, este tipo de bandas aqui em cima, estas são a única diferença entre um compressor multibanda e compressor normal. E nós vamos aplicá-lo a este som de piano que eu tenho faixa. Mas a primeira coisa que precisamos fazer antes mesmo de aplicar qualquer compressão é que precisamos definir essas bandas. Então precisamos ter certeza de que essas bandas estão ajustadas corretamente para o som que estamos ouvindo. Então eu vou somar a banda baixa e nós vamos encontrar as baixas frequências do piano. Então só queremos fazer com as baixas frequências. Em seguida, vamos ouvir essa banda de médio alcance. Ok? Talvez mova um pouco para baixo. E então ouvimos os médios altos e veremos se este alcance está correto? Eu acho que é tomado em muito high-end. Ok, e finalmente, vamos ter um ouvir esta realmente alta, esta banda alta aqui. Ok, então agora essas bandas estão ajustadas corretamente para o som que queremos comprimir. Estamos prontos para começar a comprimir. Então vamos sozinho esta baixa frequência aqui. E eu vou redefinir o limiar. Então a primeira coisa que vamos fazer é definir a proporção. E porque é uma baixa frequência, eu quero definir isso um pouco mais alto. Talvez 5,2. Vamos derrubar o limiar. Ok. Talvez não tanto assim. E podemos ver aqui com o vermelho, uma espécie de medidor vermelho que esta é a atenuação. Então esta é a quantidade de compressão que está sendo aplicada. Em seguida, vamos definir o ataque. E se você definir isso para baixo, especialmente com o piano, você vai ter um som distorcido. Não sei se consegue ouvir. Então vamos definir o ataque um pouco mais alto. Talvez festa. Em seguida, lançamos o lançamento, ok, e novamente com o piano, eu meio que queria soar suave. Então eu vou definir o lançamento um pouco mais alto. Talvez por volta de 200, ou talvez até como Mãe Moore. E eu só vou subir e mudar smack disable para os meus plug-ins, apenas para que eu possa tipo de dar mais poder de processamento para este plugin em particular. Oops. Para onde é que isso foi? Aqui faz. Ok. E, em seguida, vamos olhar para ajustar este compressor azul, este azul. Ok? Mais uma vez, aumente um limiar e vamos solista para que possamos ouvir o que estamos fazendo. E eu vou definir a proporção um pouco mais de dois, talvez 3,5. Desceu o limiar. Agora eu acho que isso é um pouco demais. Acho que estamos cortando um pouco do som do piano. Herbert, meio que cortando o ataque do piano, o tipo de som agressivo. E eu queria manter isso dentro. Então eu acho que isso é um cenário bom. Vamos agora para o ataque. E novamente, eu vou colocar isso até o mesmo que o primeiro. Então, talvez por volta dos 30. E novamente com isso até cerca de 400 como tivemos no primeiro, o primeiro compressor. Então, vamos ouvir o que isso soa como. Ok, e vamos comprimir a próxima banda, que é esta faixa amarela. Novamente, defina o limite todo o caminho para cima. E nós vamos girar esta proporção talvez não tanto quanto a última, talvez em torno de três. E manteremos o ataque igual à última vez, e manteremos a libertação igual à da última vez. Assim, talvez 393, tudo bem. E vamos derrubar o limiar enquanto o som está tocando. E eu estou colocando muito do som do piano lá fora. Ok, então eu acho que soa melhor. E vamos passar para o último compressor, que é tão alto, essas altas freqüências. E nós vamos deixar a proporção R dois, talvez até reduzir um pouco isso porque nós não queremos comprimir tanto quanto as altas frequências, porque as altas frequências de um piano, eles soam bastante agradáveis. Um piano soa bem quando está brilhante. Ok, então novamente, vamos manter o ataque igual, talvez por volta dos 30 e manter o mesmo liberado. E então vamos derrubar esse limiar enquanto o som toca. Certo, então vamos ouvir todas as bandas juntas ao mesmo tempo. Agora podemos voltar a todas estas bandas e aplicar o ganho de maquilhagem. Então, com esta banda em particular, estamos realmente perdendo uma espécie de nível de decibéis de cerca de quatro. Ok, então eu vou aumentar isso por quatro. Então eu vou somar essa banda. E vamos dar uma olhada em onde está a redução de ganho com este. Então, novamente, é cerca de 4.8. Então eu vou aumentar isso em torno de 4.8. Você está subindo talvez 4.6, e então vai entrar na próxima banda e solá-lo. E podemos ver que a redução de ganho é de cerca de 2,8 a 0,9. Então vamos trazer o ganho, o ganho de maquiagem por cerca 2, talvez 2,7. E então entrará nesta última banda aqui. E vamos dar uma olhada na redução de ganho. E é talvez um decibéis ou vamos trazer isso para cima por cerca de um, talvez 1,5. Então, agora vamos ouvir o tipo de som completo do compressor. E se eu desligar o compressor aqui. Então você pode ver que o compressor está realmente fazendo o som um pouco mais cheio. Eu só, eu vou tocar de novo e eu vou ligá-lo meio através e você pode ter um ouvir você mesmo. Portanto, a compressão multi-banda é útil para isso. É útil para fazer um som um pouco mais cheio. E, mas também é útil para quando algumas frequências do som não precisam ser compactadas. Então o que você pode fazer é comprimir talvez o baixo, e você pode deixar o alto descompactado. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada no que é um limitador. 93. Limiters: Vamos descobrir o que é um limitador e como podemos usá-los em nossos trilhos. Assim, um limitador é exatamente o mesmo que o compressor, exceto que a proporção deve ser definida acima de dez. Agora, 99,9% do tempo, você não vai usar um limitador na sua mistura. Está bem? É mais algo que colocamos no canal mestre quando chegamos a masterização. Mas podemos usá-lo para instrumentos que estão particularmente fora de controle. Então você nunca precisará usar um limitador em seus instrumentos como este. Você não precisa usar um limitador nesses instrumentos ou qualquer outra coisa, realmente, para falar nisso, a única coisa, a única coisa que você poderia usar um limitador seria uma base. Ok? Apenas solidifique a base. Certo, e talvez se formos a este tipo de seção onde a base tem notas longas. Este é o único caso em que você pode usar um limitador. Está bem? Então, primeiro de tudo, se pegarmos um compressor aqui, como este, e se formos para aumentar a proporção o mais alto que ele vai, e neste caso ele vai para 20. Isso será limitante. Então, qualquer coisa acima de dez é limitante. Tudo bem? Então, se eu aumentar isso para 20, estamos agora limitando o som. E se eu baixar o limiar um pouco, você pode ouvir que todo o instrumento está sob controle. Está bem? Agora, se fôssemos carregar um plugin limitador real, que tenha em mente, é apenas um compressor com uma alta proporção. E você também pode obter um parâmetro como este, que diz teto. Mas este é apenas o limiar. Está bem? Então, se eu baixar esse limiar, como você pode ver, está bloqueando o som que vai acima disso. E onde um compressor, ele meio que empurra o som para baixo e é meio que, é mais suave. Um limitador é muito agressivo e qualquer coisa que passe por esta linha verde é simplesmente cortado. Então nós só usamos isso para controlar algumas freqüências muito fora de controle. Talvez nós queremos nos livrar desses pequenos sons corajosos no topo lá você pode ver o, você pode ver lá no roxo. E a forma como a forma de onda começa aqui e depois desce e desce. Então, se quiséssemos remover esse tipo de arrancamento, deixaríamos o teto aqui. E você pode ver o resultado final então é apenas tudo aqui embaixo. Então é, é uma espécie de som nivelado. Mas como eu disse, você raramente usará um limitador, certo? Mesmo que suas bases estejam certas, você não usará um limitador. Você só vai usar um compressor com as proporções bastante altas para talvez cerca de oito. Está bem? E nós estaremos olhando para os limitadores novamente quando estivermos masterizando e estaremos carregando um no canal principal aqui. Mas, por enquanto, é bom estar ciente de que eles existem. E tudo o que eles são é apenas um compressor com uma proporção realmente alta. Em seguida, vamos dar uma olhada na verdade mal interpretada com compressão para EDM. 94. A verdade mal construída com expressão para EDM: Ok, então se você já pesquisou alguma coisa sobre produção musical, então essa palestra provavelmente vai contradizer tudo o que você aprendeu com isso até agora. Mas, por favor, me escute e tente entender a teoria por trás do porquê de haver confusão entre a Comunidade EDM. Primeiro, devemos olhar para onde estamos aprendendo todas as nossas informações sobre mistura. Para a maioria de nós, isso provavelmente está fora do YouTube e há muitos tutoriais incríveis no YouTube que explicam como usar a compactação. E o que mais comumente ouvimos é que você deve usar compressão e cada instrumento que você está usando precisa de compressão. E o problema é que isso provavelmente é verdade para aquela pessoa em particular naquele vídeo do YouTube em particular. Mas não é verdade para nós no EDM. E a razão pela qual isso não é verdade para nós é porque essa pessoa no YouTube provavelmente está misturando bandas. Então instrumentos ao vivo que são tocados por um humano onde cada nota soa diferente e tem uma espécie de diferentes níveis de volume. E este instrumento ao vivo que um humano está tocando está tocando para toda a música de quatro minutos. Portanto, a compressão é definitivamente necessária. Mas não estamos tocando a vida dos nossos instrumentos. Nossos sons são feitos usando um computador e as notas serão exatamente as mesmas toda vez que o computador os reproduzir. E o que é mais é que estamos construindo faixas de loops realmente curtos. O que me leva ao meu próximo ponto. No EDM, quase não há nenhum intervalo dinâmico. Os resultados, tão pouco ou mesmo nenhuma variação entre cada nota quando é tocada. Mas se estamos olhando para o Sr. YouTube em seu estúdio, ele provavelmente não está misturando e faixa EDM, é por isso que ele nos diz que devemos usar compressão. E sim, se você estiver misturando uma banda, você terá que usar compressão em tudo. Mas com EDM, a compressão não é necessária. E se você olhar novamente para o tipo de teoria por trás de como um compressor funciona, então você vai perceber que ele realmente não se aplica. Um compressor está reduzindo as partes mais altas do sinal, e nos permite ouvir o silêncio ou partes do sinal um pouco melhor. Mas no EDM, não há exatamente partes silenciosas. O alcance dinâmico no EDM simplesmente não é grande o suficiente para justificar o uso de um compressor. E isto leva-me ao último ponto. Ok? Não estou dizendo que você não deve usar um compressor. Há momentos em que é aplicável, como os vocais são longos loops externos ou até mesmo alguns dos padrões de instrumentos que você faz podem se beneficiar da compressão. Só estou dizendo que a compressão não é necessária. Ok? Você pode misturar na faixa EDM perfeitamente bem sem usar compressão em tudo. E na verdade, eu fiz isso. E mais, esta faixa foi assinada com uma gravadora. Então o que você deve tirar desta palestra é não usar compressão para o bem de nós. Ou não use compressão porque você ouviu que deveria usá-la em tudo. Você só deve usar compressão se você acha que o som pode se beneficiar de nós. E seja muito crítico com isso se você aplicar compressão e depois, soa um pouco esmagado. Desligue isso. Porque este é o problema número um que os produtores de EDM enfrentam e está tentando evitar um som esmagado. Mas pode ser muito fácil de evitar se você simplesmente não aplicar compactação a coisas que não precisam de compactação. E para EDM, isso é basicamente tudo, exceto para vocais e loops muito longos. Você pode usar compressão, mas por favor tenha cuidado e certifique-se de que ele está realmente fazendo algo bom para o som porque é muito, muito fácil para Rouen uma faixa por excesso de compressão. Então isso é apenas algo para você levar em conta se você estiver usando o YouTube como uma espécie de recurso extra, ok? As técnicas que você pode estar aprendendo com alguém no YouTube só podem estar corretas ao trabalhar com um determinado tipo de música. Então, por favor, quando você está aprendendo com alguém que tipo de trabalho fora do seu gênero, fora do seu estilo de música. Por favor, esteja atento e não acabe arruinando seus rastros com desinformação. 95. Saturação para mistura: Nesta palestra, vamos dar uma olhada na saturação para misturar. E isso está ligado à última palestra na seção de compressão que estávamos olhando. Eu disse que a compressão para EDM não é necessária. Bem, uma das razões pelas quais alguém diria que não é necessário é porque todo mundo quer um som gordo ou profissional completo. Bem, saturação é andar e fazer isso por você. Compressão não. compressão só torna as coisas mais altas, mas a saturação torna as coisas mais gordas. Então, qual é a duração? Estes plugins adicionam distorção harmônica ao seu som. Então, em vez de distorcer o som inicial, ele tipo de anúncios em alguns harmônicos distorcidos e, em seguida, misturá-los com, com o som inicial. Você pode usar esses plugins para tornar suas linhas de base mais audíveis e mais gordas. Você também pode usá-los para tornar seus tambores areia mais agressiva. Ou você pode até usá-los para reduzir algumas das frequências mais severas. Então, se um plugin de saturação está adicionando harmônicos distorcidos, o que exatamente são harmônicos? Bem resumido, estas são apenas frequências que são múltiplos da frequência da rota. Então, se você tem uma frequência de 500 hertz, então 11000 hertz seria um harmônico como madeira, 1500 hertz, 700 hertz não seria um harmônico porque não é um múltiplo de 500 hertz. Agora, há coisas que são chamadas de harmônicos e conotações de sabão. Mas não precisamos de saber nada disto para este curso. Tudo o que precisamos saber é que um plugin saturado vai adicionar alguma distorção harmônica para os múltiplos do nó raiz. E esse tipo particular de distorção cria um efeito diferente. E parece muito mais limpo e muito mais animado do que distorção regular, o que soa agressivo. Quais são alguns dos principais parâmetros em um plug-in de saturação? Bem, há apenas três parâmetros padrão e estes estão na entrada, na unidade e na saída. Você também pode obter uma cor ou um tom, ou talvez um parâmetro de caractere. Mas além disso, você está realmente indo para encontrar toda uma gama de parâmetros diferentes em diferentes plugins. Então vamos começar com a entrada. Ao contrário da compressão, se aumentarmos isso, estamos recebendo mais do som de saturação do plugin, especialmente se baixarmos a saída. Estes dois andam de mãos dadas. Se você definir a entrada baixa e a saída alta, você não receberá muito do efeito de saturação no som. Mas se você definir a entrada alta e a saída baixa, você obterá um som mais saturado fora do plugin. Dr. parâmetro é simplesmente quanta distorção Você quer aplicar ao som? Agora tenha cuidado para não aumentar isso ao ponto de parecer incrivelmente distorcido. O som final deve ser limpo, mas também muito mais gordo. Você também pode obter esse parâmetro de cor que estávamos falando. E isso apenas muda o som real da saturação. Você quer um som quente e difuso ou você quer um som brilhante e corajoso? Então, essencialmente, ele apenas molda o som que você está recebendo fora do plug-in. Após estes parâmetros principais, você encontrará muitos parâmetros diferentes em muitos plugins diferentes. Então você terá que experimentar com eles e ver que tipo de som você pode obter. Agora, porque todos esses plug-ins de saturação todos têm parâmetros diferentes. Não há muito mais ajustes que possamos fazer. No entanto, eu quero que você saiba desses dois outros tipos de saturados. Portanto, há um tipo de plug-in chamado de modelador de onda, e este é um plugin de distorção que também adiciona distorção harmônica ao som. Agora, você pode usar isso para desenhar diferentes formas na onda e, em seguida, criar seu próprio som distorcido único. Podemos usá-los para criar um som de distorção analógico ou digital. Os shapers de onda podem ser muito poderosos, mas também podem ser muito destrutivos. Portanto, certifique-se de que o som final que você ouve é prazeroso para o ouvido. Finalmente, temos excitadores harmônicos, e estes são muito semelhantes à saturação comum, exceto que eles estão focados apenas nas altas freqüências. Então eles não vão fazer suas linhas de base soarem mais gordas, mas eles vão fazê-las soar mais brilhantes. Então só use um excitador se você quiser distorcer as frequências superiores do som. Agora que temos todas essas informações, vamos seguir em frente e começar a aplicar saturação em nossas faixas. 96. Como usar a Saturação: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no processo que você vai aplicar quando estiver usando saturação. Então vamos abrir esse padrão de teclas distorcidas. Ok? E se eu tocar isso na visualização padrão, soa assim. E se encontrarmos isso no misturador, está aqui na pista dez. Ok? Agora vou passar por meio dos três principais tipos de saturados que estávamos falando. Então falamos sobre saturação normal ou plugins. E então nós demos uma olhada em agitadores de ondas, e nós demos uma olhada em excitadores harmônicos. Ok, então vamos primeiro, eu vou apenas ligar este slide e vamos abrir um plugin de saturação normal. Então eu tenho um aqui e é chamado de supercharge seu GT. E este é um plugin muito, muito bom para uma espécie de obter um som mais gordo. Então, muito rapidamente se nós apenas temos uma olhada na interface, nós temos esta entrada, ok, então isso é apenas o parâmetro de entrada. Temos um parâmetro de cadeia lateral, mas isso é apenas para o compressor e não vamos tocar no compressor ou na corrente lateral. Nesta palestra, temos um plugin de saturação. Então esta é a unidade, ok, quanta saturação queremos aplicar? E quão agressivo queremos que pareça? Queremos moderar, moderar ou quente? Vamos pular toda essa seção do compressor e vamos voltar para a saturação. E este é o personagem, está bem? E isso é, novamente, podemos moldar o som que está saindo e podemos torná-lo rápido, quente ou brilhante. Nós também podemos misturar em algum sinal seco, que é semelhante à compressão paralela, exceto que isso seria como saturação paralela. Novamente, isso é meio que ligado à seção do compressor, mas podemos usá-lo para a saturação também. E, finalmente, temos este parâmetro de saída, que tem o quão alto é o som quando ele sai do plugin. Sempre que estou usando este plug-in, os únicos parâmetros que eu preciso tocar é a saturação. E o personagem vai aumentar a entrada para o propósito desta demonstração apenas para obter um som melhor fora dela. Então, vou aumentar a entrada. Ok? E podemos ver aqui há um pouco de luz e o mais leve dizendo quando você tem o tipo perfeito de nível de entrada. Certo, então no momento diz “perfeito”. E então ele diz, eu preciso meio que empurrar um pouco, mas mais para que isso é o que eu vou fazer. Vou empurrá-lo muito, muito ligeiramente. E como você pode ver, nós meio que temos a luz verde acesa para a maior parte do som. Então agora estamos prontos para aplicar um pouco de saturação. Então vamos ouvir o som e vamos impulsionar este botão, o corredor para cima e vamos ver que tipo de som ele faz enquanto ele está viajando ao redor. Ok. Ok. E podemos mudar isso de leve para moderado. Tudo bem, muito quente. Mas então se diminuirmos essa saturação, então queremos menos desse som cardíaco. Podemos obter um som muito agradável de Distorção Harmonic. Ok, talvez um pouco menos. Em seguida, vamos pular esta seção do compressor porque eu não quero comprimir o som. E nós vamos entrar neste personagem onde nós podemos tipo de moldar o som que está saindo do plugin. Então eu acho que para este som em particular, eu quero um ambiente quente porque eu acho que o som é meio quente de qualquer maneira. Gênova meio que tem um monte de bom, tipo de baixo final e é, é um som bastante quente. Então eu vou manter a configuração quente. E eu vou ajustar este parâmetro enquanto estamos ouvindo. Agora posso empurrá-lo até o fim. Vou tentar com um cenário de gordura. E vamos tentar com um cenário brilhante. Então eu realmente acho que o cenário brilhante soa melhor depois de ouvir. Então eu vou apenas abaixar isso um pouco porque eu acho que há, há muito efeito acontecendo. Mas eu vou baixá-lo para um tipo de nível ideal. E talvez pudéssemos diminuir a saturação apenas um pouco para que não seja tipo de, para que não seja meio distorcida como soou. E podemos mudar isso, podemos mudar isso de volta para moderado. Se não gostarmos do som do ambiente quente. Ainda acho que prefiro o som do coração. Então eu vou deixar essas configurações aqui e nós vamos ouvir como o sinal soava antes da saturação. E depois vamos ouvir o que parece. Alterne como o padrão está sendo reproduzido. E se dermos uma escuta rápida a isto na mistura real, está bem? Mas sempre ouço o que parece aqui. Primeiro sem a saturação, e depois ligarei. Vou baixar esses vocais só um pouquinho. Então você pode ouvir que a saturação está adicionando um pouco de gordura ao som. Está fazendo o som um pouco mais grosso. E essa é a beleza de usar esses plug-ins de saturação. Agora vamos dar uma olhada em uma forma de onda ou ok. E há uma forma de onda ou plugin que realmente vem de graça com FL Studio. E é aqui em cima, moldador de ondas frutado. E podemos carregar isto. E parece assim. E se apertarmos esta roda de Configurações aqui, ele vai abrir uma espécie de seção de configuração onde podemos ajustar o pré ou a entrada. E podemos ajustar a mistura, que seria o tipo de saturação paralela onde misturamos em um sinal seco. E então temos este post que é a saída. Então vamos usar a forma da onda ou para criar uma forma de corte suave, ok? E é aqui que o som é delicadamente distorcido. Ok? Então, um cortador macio parece com isso, onde a linha e o modelador de ondas meio que sobe assim. E então é meio arredondado em direção ao topo. Vamos ouvir o que isso parece. Vou só somar o piano elétrico. E se eu desligá-lo, e podemos mover isso para baixo, ok, podemos mover isso um pouco para baixo e esta seção para torná-lo ainda mais distorcido. Vamos ter uma escuta. E eu vou desligá-lo meio. Agora, nós também podemos meio que dobrar isso, esse tipo de metade inferior do cortador macio e podemos obter um som mais agressivo. Podemos empurrá-lo até um pouco, um pouco mais. E se eu desligar. E também podemos usar esta forma de onda ou plugin para distorcer completamente o som. E se nós, se nós meio que desenhamos em uma linha aqui como esta, isso realmente distorceria o som. Então também temos que adicionar um como este. Se nós, se nós dobrar desculpe, o plugin não é e eu estava me perguntando por que eu não estava recebendo qualquer tipo de um som para isso. Vou deletar de novo e começaremos do zero. Ok. Então, se adicionarmos outro tipo de outro tipo de ponto de ancoragem aqui, e arrastarmos para a esquerda, teremos um som mais distorcido. Ok? Agora, nós também podemos excluir todos esses como este. E se você só quer obter uma espécie de mais volume fora do som, quando ele se abre. Vai abrir assim. E se você empurrar isso assim, você vai ter um bom tipo de som limpo e gordo. Ok? Pode até empurrá-lo como modelo que mais. E essa é a maneira mais fácil de usar um modelador de ondas é simplesmente dobrar a inclinação. Ok? Então vamos ter uma escuta agora para esta forma de inclinação da cama na mistura. E então eu vou desligá-lo meio caminho. Desculpe, eu tenho que ligar todos os outros instrumentos também. Ok. Então você pode ver o quão poderoso de uma ferramenta este tipo de plugin preso realmente é. E é realmente ótimo quando você começa a entender como realmente moldar o som, você sabe como usar esse tipo de distorção para seu benefício. Então agora vamos desligar isso e vamos dar uma olhada em um excitador, um excitador harmônico. Ok, então se você vir aqui para se curvar no excitador 7. E com isso é uma espécie de multibanda tipo plugin de saturação. Mas o que podemos fazer é empurrar esta quantia, está bem? E isso só diz quanta saturação você quer adicionar? Normalmente, com estes, não adicionamos tanto som nas frequências básicas. Podemos adicionar um pouco mais nos intervalos médios. Em seguida, acrescentamos um pouco mais no mid-range alto. E, finalmente, nós adicionamos uma espécie de boa parte nas altas frequências. Vamos ouvir o que isso parece. E se eu desligar e ligar novamente. Então o som de um excitador é muito mais sutil do que os dois. Então este tipo de, este plugin de saturação adequado e este formato de onda ou plug-in, o som de um excitador é um pouco mais sutil, mas torna o som mais brilhante. Então, na próxima palestra, vamos dar uma olhada em aplicar alguns desses plug-ins de saturação aos instrumentos. 97. Saturação para instrumentos: Nesta palestra, vamos dar uma olhada na aplicação de saturação a alguns instrumentos. Então, se entrarmos neste padrão superior aqui e tivermos uma escuta para o instrumento e tipo de como ele soa. Ok, então é esse tipo de som de sintetizador. Então eu vou encontrar isso no mixer e eu posso ver que está na pista nove. Então eu vou trazer a faixa nove, virá para esses slots de efeitos aqui e nós carregamos um plugin de saturação. Então, vou carregar um diferente desta vez. E eu vou escolher este aquecedor de fita de tubo E. E novamente com esta interface de plug-in saturada parece completamente diferente, mas o conceito ainda é o mesmo. Ok, então nós temos estes A e B onde podemos escolher quantidade de unidade que queremos sair destes tubos diferentes. Então nós temos tubo A e B. E então nós também temos este parâmetro de tom, que é a mesma coisa que cor ou caráter. Então vamos ligar o tubo a e vamos ter um ouvir o que soa como quando aplicamos um pouco de saturação. Então nós vamos encontrar um tipo de ponto ideal entre o, você sabe, o som mais distorcido e, em seguida, tipo de não distorcido em tudo. Vamos encontrar uma espécie de meio feliz. Ok, então eu acho que em algum lugar por aqui, que é 6.9, eu acho que isso soa bem. Agora, nós também podemos aumentar 2B para 6,9, e nós apenas temos uma escuta para o que isso soa como em vez de tubo a. Então, o que significa jus ser Sandec vai aumentá-lo, talvez apenas ter uma lição adequada. Ok. E nós também podemos misturar os dois juntos para que possamos ter 2A e 2B ao mesmo tempo. Então talvez você queira apenas recusar o para ser apenas um pouco para que seja uma espécie de mistura melhor. E vamos desligá-lo e ver o que parece sem e depois voltar a ligar. Acho que parece muito bom com os dois tubos. Eu acho que hoje é uma espécie de adicionar uma mancha e, em seguida, 2B está adicionando em um pequeno pedaço de desperdício no tipo de baixas frequências. Também podemos usar esse parâmetro de tom para moldar o som que estamos recebendo. Então podemos aumentar para altas frequências ou podemos aumentar as baixas frequências. Ok, então vamos tocar o som e Mileva ouvir como esses dois sons extremos são. Então eu meio que gosto do som quando está mais no final baixo. Acho que é só adicionar um pouco de peso ao som. Então vamos ouvir o que parece. Sem o plug-in de saturação, e então vamos ativá-lo novamente como o padrão está sendo reproduzido. Então você pode ver que este plugin é realmente tipo de dar vida a este instrumento. Está fazendo com que se sinta mais vivo, mais cheio e mais gordo. Agora vamos dar uma olhada em talvez um instrumento diferente como este. Ok, e nós vamos descobrir onde isso está na pista misturadora vindo aqui e podemos ver que está na pista seis. E podemos resolvê-lo. Ok? E o que vou fazer é carregar um plug-in de saturação. Vamos carregar um diferente desta vez. Vamos carregar o super trágico GT. E vamos ver como isso soa neste instrumento em particular. Então eu vou ter um ouvi-lo no modo padrão. Ok? Vamos aumentar a entrada até conseguirmos isso. Na verdade, está nos dizendo para abaixar. Ok? E agora estamos no nível ideal. Agora podemos começar a aplicar um pouco de saturação. Vamos tentar moderar. E eu só queria ser meio sutil. Não quero que seja muito óbvio com a distorção extra. Talvez um pouco menos do que isso. E agora vamos falar com o personagem. Nós vamos, e nós vamos tipo de torcer isso e então ver como soa com a configuração de gordura. E então vamos tentar algumas dessas outras configurações. Ok, vamos tentar quente e brilhante. Mas de volta à gordura de novo. Então eu gosto do som de gordura. Eu só vou encontrar uma espécie de meio da estrada e uma espécie de meio feliz. E talvez eu possa voltar e mudar esta configuração de volta para suave. E eu vou tipo de aumentar isso apenas o cheiro que mais, um pouco menos. E agora, se tivermos um ouvir o instrumento soa como antes da saturação, e então eu vou ligá-lo meio caminho através. Então você pode ver que com essas configurações particulares, é bastante sutil, mas na verdade está fazendo uma boa diferença para o som. Finalmente, daríamos uma olhada em talvez outro instrumento. Então nós vamos vir aqui talvez no acordo e nós vamos apenas pegar um desses talvez estes cabos para deixar ver como isso soa. Tenho que resolver isso no misturador para descobrirmos onde está. Está feito 31. E eu vou me deparar e quando um solar que. Ok, então parece assim. Então agora vamos carregar nosso plugin de saturação. E vou carregar uma onda ou desta vez. E vamos usar este plug-in de saturação agora para moldar o som. Ok, então eu vou acertar as configurações. Nós vamos eu vou aumentar o pouco pré pequeno para obter mais som fora do plugin. Então agora eu vou desenhar em uma curva que se parece com isso. E eu vou jogar o padrão enquanto eu estou movendo-o para encontrar uma espécie de posição ideal. Podemos empurrá-lo ainda mais. E se eu desligar e voltar a ligar. E agora também podemos mudar a forma deste pode ser transformá-lo em uma espécie de som suave de recorte. Ainda mais. E nós também podemos mudar o tipo de curva disso. Podemos impulsioná-lo. Ou podemos ir pelo caminho oposto com isso e criar uma espécie de som muito esmagado e distorcido. Mas eu vou deixá-lo meio que aqui atrás. Talvez apenas empurrá-lo um pouco, mas mais. E nós também podemos mover este ponto talvez aqui para ver como isso soa. E se arrastarmos este ponto de ancoragem para baixo, vai criar ainda mais de um som distorcido. E eu posso arrastá-lo para baixo. E mover isto para baixo. E depois mover isto. E novamente, se descermos, ver que tipo de som este MX. Então é realmente uma questão de experimentar com o tipo de som ou o modelador de ondas. E apenas tipo de desenhar alguns tipos diferentes de curvas e ver o que, ver o que você gosta. Minha tentativa de dobrar isso. Então eu gosto do som dessa saturação agora eu acho que está fazendo o som muito mais cheio. Desligue-o e, em seguida, vamos ligá-lo novamente. E agora, porque o som está pulando para cima e volume, eu só vou baixá-lo aqui no mixer. Então está no mesmo volume de antes, mas parece muito mais tipo de gordura. Isso é tudo o que você vai fazer quando você está aplicando saturação em seus instrumentos. Você sabe, você vai carregar o plug-in de saturação. Basta ter um jogo com os diferentes parâmetros e ver que tipo de som você pode obter. E se você gosta, é manter essas configurações e, em seguida, passar para o próximo instrumento. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na saturação para base. 98. Saturação para baixo: Então agora vamos dar uma olhada em como nós aplicaríamos saturação a um instrumento de baixo. Ok, então eu tenho minha base carregada aqui para esta faixa, e soa assim. Certo, e se abrirmos a faixa do misturador e carregarmos o plug-in de saturação, vamos primeiro carregar o super carregador. E depois vamos dar uma olhada no tipo de fazer a mesma coisa com a onda ou ok. Então vamos conhecer o super carregador. E vamos tocar o som e certificar-nos de que a entrada está no nível certo. Então está dizendo para abaixar. E agora estamos no nível ideal para começar a aplicar um pouco de saturação. Então vai aumentar essa saturação suave e ver como isso soa. E talvez tentemos moderado. E depois quente. Agora eu acho, eu acho que este cenário em quente como um pouco demais, mas se nós recusarmos, nós poderíamos obter uma mistura perfeita e ser um pouco menos do que isso. Eu acho que eu prefiro o som da configuração moderada, então eu vou mudá-lo de volta para isso e talvez apenas impulsionado sufocado até cerca de 6,7. Ok, e agora nós vamos mudar o personagem, ok, então com o baixo, eu geralmente fico com o ajuste rápido porque eu quero um tipo de som gordo para uma base. Então parece um pouco tecnológico. Mas também podemos tentar e talvez o calor. E então podemos tentar o brilhante. Mas acho que é uma mistura dos dois. Eu acho que gordura é uma mistura de quente e brilhante juntos. Então acho que é o melhor dos dois mundos. E vai diminuir um pouco para que não seja tão agressivo. E então podemos aumentar a saída porque eu acho que é uma espécie de silêncio mais suave. Então somos apenas impulsionados por talvez 1,5 dB, talvez um pouco mais. Basta empurrá-lo. Ok. E agora eu acho que estamos recebendo uma espécie de bom som corajoso deste super carregador no instrumento de baixo. Se tivermos um ouvir o que parece sem, e então eu vou desligá-lo a meio caminho e depois recuar. E se tivermos um ouvir o que isso soa como na mistura. Então, no arranjo, eu vou até aqui e nós vamos jogar isso e então eu vou ligá-lo ou ligar o plug-in de saturação tipo quando chegarmos aqui a meio caminho. Então, como você pode ver, é uma espécie de dar à pista um pouco mais baixo e um pouco mais de peso. Agora vamos dar uma olhada em fazer a mesma coisa com o modelador de ondas. Então vamos desligar este super carregador e desceremos e carregamos um modelador de ondas. Então aqui está. Carregue isso. E nós já ouvimos o que parece. Agora não vai soar diferente porque não fizemos nenhuma mudança na forma, ok? Ou não afetamos esse tipo de parâmetros pré e pós. Então eu vou aumentar o PRI um pouco apenas para obter algum tipo de som extra fora do plugin. E vamos aumentar isso e ver o que acontece. Ok, então agora que estamos meio que empurrando o volume, vamos tentar criar um som mais corajoso. Ok, então eu vou adicionar um ponto de ancoragem aqui. E então talvez arraste isso um pouco para a esquerda e veja o que acontece. Se aumentarmos isso ainda mais. E estamos recebendo algum tipo de grade no som. Ok, e eu posso manter este tipo de estranho. Nós restringimos isso de volta para meio que perder esse volume. Então eu poderia empurrar isso um pouquinho. E tanto quanto tínhamos. E nós podemos até mesmo, nós podemos até mover isso para trás como pequenos lotes porque eu acho que há muito grão. Então vamos desligar esse modelador de ondas e ver como soa. E depois voltamos a ligá-lo. E então o que vamos fazer é comparar o som da forma da onda ou com o som desta super conversa Get OK. Então o que eu vou fazer é a meio caminho, eu vou desligar a forma da onda, certo? E vou ligar a super conversa. Então eu acho que com a forma da onda ou temos um pouco mais agressivo, o super carregador. E você pode gostar disso, ou não. Mas se você quiser tipo de replicar o outro plug-in, você traria isso de volta. Então não é tão, não tão corajoso. E é tudo sobre brincar com a forma da onda. Agora, eu realmente preferia o som quando era tipo de aparecer em, eu gosto desse aperto. Então vamos ouvir o baixo e a mistura sem o modelador de ondas. E depois vamos ligá-lo a meio caminho. Ok, então eu vou ligar todos esses outros plug-ins. Então eu tenho certeza de que você pode notar o quão importante que esses plugins de saturação era para EDM. Ok? Não se trata de compressão, mas sim da saturação. E há muitos, muitos produtores de EDM por aí que não usam compressão e usam apenas saturação. Então cabe a você tipo de som que você prefere. Você pode usar um ou você pode usar o outro, ou você pode usar ambos. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em adicionar saturação aos nossos tambores. 99. Saturação para bateria: Então agora, eu acho que você já teria percebido como a saturação é importante para os produtores de EDM. E é quase como uma arma secreta para obter aquele som moderno de gordura. Então eu já disse antes que nós não adicionamos compressão para nossas amostras de tambor porque elas já estão comprimidas para nós. Ok, mas o que podemos adicionar às nossas amostras de tambor para realmente fazê-las brilhar é saturação. Então vamos pegar essa amostra de palmas e vamos abrir isso no misturador e apenas soltá-lo. Está bem. E como você pode ver, eu não tenho compressão nele porque ele não precisa de compressão, mas nós vamos abrir um plug-in de saturação Agora meu plugin de saturação favorito para usar com tambores é na verdade esse overdrive de sangue, e isso vem gratuito com o FL Studio. Então, vou carregar isto. E nós vamos apenas ter uma escuta para o que soa como neste estado padrão. Ok. Agora o que podemos fazer é aumentar isso. Talvez haja prevenção. Ok? E se mudarmos este pré-amplificador e começarmos a adicionar alguns, este é o drive, ok, então começamos a adicionar alguma distorção. Ok? Isso pode ser um pouco demais. Mas com esses dois tipos de pequenos ajustes que fizemos com um plug-in de ações. Podemos transformar as palmas de soar assim em soar assim. Certo, e se adicionarmos talvez apenas um chapéu, só para ver como soa com outros tambores. E vamos desligá-lo. E eu adiciono este plugin de sobrecarga de sangue. Eu adiciono isso a tudo chapéus também. Ok, então eu vou adicionar o excesso de sangue a esta amostra de chapéu. E mais uma vez, vamos forçar a prevenção deles. Vou só sossegar o chapéu. Ok, então nós queremos obter um pouco mais de som fora do plug-in e então eu vou ajustar o drive. E agora este sangue Overdrive está adicionando algum tipo de harmônicos extras e está fazendo o som do chapéu realmente brilhar. Vamos ter uma escuta sem e, em seguida, largura. Então, podemos ter um pouco demais lá. Então, vou apenas trazer isso de volta para baixo. E vamos adicionar de volta essa palmada. Agora vamos tentar talvez um plugin de saturação diferente. Então eu vou usar este PRC. Ok, então parece assim. Ok. Então vamos carregar talvez o modelador de ondas e entrará na interface. Vamos dar uma olhada em adicionar algum tipo de distorções sutis e brilhos sutis. Então eu vou adicionar um ponto de ancoragem perto o suficiente para cima. E eu vou arrastá-lo até aqui enquanto a amostra está tocando. Vou segui-lo na pista do misturador. Certo, e talvez possamos mudar a curva disso. E se alguma vez ouvirmos sem o plug-in e então eu vou ligá-lo novamente. E agora vamos ter uma escuta com os outros tambores que nós meio que aplicamos saturação. Apenas para fins de demonstração. Irlanda, vou ligar alguns destes instrumentos. Ok, então talvez este e este aqui. E estes estão realmente ligados a um instrumento enviado aqui. Então eu preciso ligar isso para tirar o som deles. E nós vamos realmente nos concentrar na bateria. Então o que vou fazer é desligar a saturação de todos os que aplicamos. E nós vamos ter uma lição e então nós vamos ouvir novamente e eu vou ligá-los novamente. Ok. E agora vamos ligá-los novamente. E ouviremos de novo. E se trouxermos, talvez, o açúcar e o bolo só para, apenas para algum tipo de realismo adicional. Ok, mas se eu desligar os plug-ins de saturação novamente, soaria assim. Então, usar saturação em seus tambores é uma ótima maneira de fazê-los aparecer na mistura. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em usar saturação para vocais. 100. Saturação para vocais: Então nesta palestra vamos dar uma olhada em usar saturação em nossos vocais. Agora, usar saturação em seus vocais é uma ferramenta brilhante para fazê-los soar ticks. Então eu tenho os vocais desta faixa tipo de solo. Ok? E o que vamos fazer é carregar um plug-in de saturação aqui. E eu vou escolher o super carregador, ok? E o que vamos fazer é acertar o nível de entrada. Então parece que já está bem. Então podemos começar a aplicar um pouco de saturação. Certo, e podemos tentar moderar. Então, agora tenha cuidado usando configurações extremas com a saturação e os vocais. Porque somos humanos e nos adaptamos a ouvir vocais. Então, se você exagerar a saturação como eu tenho aqui, para que eles possam soar muito, muito óbvio. Mas se recusares isto e conseguires uma mistura perfeita, Zach, volta para trás. E então podemos moldar a cor para três s. Vamos tentar aquecer. Então vamos tentar brilhante. Dobrado. Ok, então eu gosto do som do cenário brilhante. Então eu vou abaixar isso para baixo para uma pasta. E então podemos aumentar a saída apenas um pequeno melhor só para obter algum tipo de volume extra. E se eu desligar isso a meio, os vocais estão tocando é ruim. Então você pode ouvir que os vocais estão mais no seu rosto quando estamos usando esse plug-in de saturação. Vamos ouvir e os vocais na mistura sem a saturação. E depois voltamos a ligá-lo. E se não o fizerem, como o exemplo na cidade, as bordas podem novamente influenciar o transplante. Ok, então agora vamos tentar usar a forma da onda ou fazer a mesma coisa. Então abrimos o modelador de ondas. E o que vamos fazer é aumentar a entrada pequena. Este civil. E isso vai começar a moldar o som. Então eu vou adicionar um ponto de ancoragem aqui. Vou diminuir um pouco isso para criar uma espécie de som suave. Três tau, eu vou aumentar. Esta curva é ruim. Ok? Agora nós também podemos adicionar em algum tipo de harmônicos excitados novamente tipo de arrastando outro ponto de ancoragem aqui para baixo, e eu estou arrastando para a esquerda. Então, se fortalecermos isso, perderemos esse tipo de volume. Então, mas eu realmente não gosto do som desse tipo de distorção. Então eu só vou tirá-lo e talvez aumentar o volume novamente. Então três. E se ouvirmos sem o modelador de ondas é ruim, certo? Bordas k novamente. E talvez seja um pouco alto demais para que possamos diminuir esse, post, esse tipo de ganho de saída. Talvez, mas eu não volto. As bordas podem novamente. Então, novamente, usar saturação é como uma arma secreta que todos os produtores de EDM devem conhecer. Especialmente porque muitas das funções que a compressão pode fornecer e não é realmente aplicável ao EDM. Então, o que os produtores de EDM usam em vez disso é saturação. Vamos seguir em frente agora desta seção e vamos dar uma olhada em aplicar reverberação em nossas faixas. 101. Reverb para mixagem: Nesta palestra, vamos dar uma olhada na reverberação e como podemos usá-lo para EDM. Reverb é um plug-in que lhe dará profundidade de trilha e pode colocar em um espaço muito específico. Por exemplo, um som de reverberação muito comum na casa de tecnologia é emular o som de um clube. Então, muitas vezes você vai encontrar reverbs de sala muito curtas em uma pista de casa de tecnologia. Então, o que é reverberação? Bem, os plugins de reverberação são baseados no princípio científico da reverberação. E isso significa simplesmente que um som está saltando fora de objetos em uma sala. Podem ser as paredes ou outros objetos na sala porque o som está saltando tão rápido. Tudo bem, aqui não pode distinguir cada som individual, então eles se misturam para formar esse fenômeno que chamamos de reverberação. Quando você está usando um plug-in de reverberação, ele está essencialmente tentando imitar o som natural da reverberação na física. Assim, o plug-in faz isso duplicando o som muitas vezes e , em seguida, repetindo tão rapidamente para que nossos ouvidos possam ser capazes de distinguir. E isso irá emular o som de reverberação que ouvimos todos os dias no mundo real. Você pode pensar no som como uma bola de pingue-pongue, ok? Se você saltar para fora de uma superfície dura, ele vai saltar muito duro e muito longe. Mas se você saltar para fora, dizer uma superfície macia como uma cama, então ele não vai saltar muito longe em tudo. E é por isso que certos quartos, como, digamos que um banheiro tem um monte de reverberação porque há um monte de superfícies duras nesse espaço. Mas um guarda-roupa ou um armário, por exemplo, tem muito menos reverb porque há muitas superfícies macias que impedem que o som salte. É também por isso que os estúdios de gravação têm paredes suaves e pisos alcatifados. É para manter o som o mais puro e cru possível. Então vamos dar uma olhada em alguns tipos diferentes de reverberação. Existem muitos, muitos tipos diferentes e alguns deles incluem lugar, sala, salão, câmara, primavera e convolução. E eu sei que isso pode parecer muito, mas na verdade não é porque podemos dividi-los e colocá-los em categorias separadas. Se tomarmos espaço, Hall, e reverbs de câmara, todos eles estão tentando imitar um certo espaço, certo? Estas são reverberações espaciais. A reverberação da sala soará como se estivesse em uma sala pequena. Uma reverberação vai soar como se fosse em um ginásio, ou talvez em uma igreja. E uma reverberação de câmara está algures entre estes dois, como um meio feliz. Depois dessas reverberações espaciais que colocamos e reverbs de primavera, ok. E estes estão apenas imitando exatamente o que eles dizem. Lembra daqueles brinquedos que você provavelmente tinha quando criança, onde você falava através de um megafone plástico ou microfone e sua voz soava como se estivesse em uma grande caverna ou uma igreja? Bem, isso é reverberação de primavera porque dentro desse pequeno brinquedo plástico, há uma mola física, e quando você fala, ela vibra. Então, quando você pára de falar, a mola continua a vibrar e essas vibrações saltam dentro do brinquedo para criar um efeito de reverberação. Spring reverb plugins tentarão emular o som e eles podem soar muito metálico e áspero. Por outro lado, a reverberação da placa é semelhante, exceto que em vez de uma mola vibrando, uma grande placa de metal vibra e cria o efeito de reverberação. É como um símbolo vibrar quando um baterista nos atinge. Então temos reverbs espaciais, reverbs de mola e reverbs de placas. Bem, e quanto às reverberações de convolução? Estes são apenas reverbs que foram gravados em um determinado lugar. Então, por exemplo, você pode usar uma reverberação de convolução para fazer seu som vocal como se eles fossem gravados na Ópera de Sydney. Agora, porque essas reverberações são baseadas em lugares específicos, não há muito ajuste que você pode fazer, pois ele irá acomodar o som do espaço. Mas eles são muito legais de usar quando você quer ouvir como algo soaria se estivesse talvez dentro da Catedral de São Paulo ou mesmo do Taj Mahal. Então agora sabemos os principais tipos de reverberação. Bem, quais são alguns dos principais parâmetros que podemos ajustar? O primeiro parâmetro mencionado é o pré-atraso. E isso diz à reverberação quanto tempo esperar antes de aplicar o som de reverberação. Pode ser usado para fazer com que os espaços se sintam maiores. Em uma sala pequena, o som recupera muito rapidamente porque as superfícies estão próximas. Em um teatro enorme, o som levará muito mais tempo para se recuperar. Então podemos usar isso a nosso favor e aumentar o tamanho do espaço. O pré-atraso também pode fazer um espaço parecer mais vazio porque o som não tem nada para saltar antes de atingir este tipo de parede imaginária na parte de trás da sala, então temos o tempo de decadência. Então, quanto tempo dura a cauda de reverberação? Quatro. Em uma grande igreja, o tempo de decadência seria muito longo e o som pode saltar por cinco ou seis segundos. Mas em uma pequena sala, o tempo de decaimento é muito mais curto porque está saltando tão rapidamente que a energia sonora desaparece mais rápido do que um grande espaço aberto. Ou você pode até pensar nisso como o som ficando cansado, mais ele tem que saltar sobre as superfícies. O parâmetro de tamanho aumenta o tamanho real da sala. E ele faz isso ajustando os volumes das reflexões. Se você estiver em uma sala pequena, os reflexos que se recuperam serão muito mais altos do que se você estivesse em um espaço enorme. Porque o som tem menos distância para viajar e, portanto, perde menos energia enquanto está viajando. A largura apenas torna o som reverb mais amplo, mas pode ser usado ao lado do parâmetro de tamanho para ajudar o espaço a se sentir mais realista. Uma pequena sala não vai ter um som de reverberação amplo. Então usaríamos esse parâmetro para tornar o espaço mais estreito. As configurações de EQ também podem ser chamadas de amortecimento e tudo isso faz é moldar a reverberação real em si. Você pode fazer o som reverb abafado, e isso fará com que o espaço pareça cheio em vez de vazio. Isso também seria chamado de espaço umedecido. Com essa configuração de equalização nesta reverberação, você está definindo o intervalo de reverberação. Então está definido atualmente entre cem, dez mil hertz e 10 mil hertz. Mas podemos ajustar isso para focar a reverberação em uma certa faixa de frequências. Você também pode obter um parâmetro de difusão, e isso é bastante comum em plugins de reverberação. A difusão é quantas reflexões existem realmente. Ou, em outras palavras, quantas superfícies duras estão na sala para saltar. Ele também pode ser usado para realmente moldar a sala. Por exemplo, uma sala quadrada com quatro paredes paralelas produzirá uma reverberação que soa um pouco como um twang. Considerando que uma sala com talvez oito paredes que não são paralelas produzirá uma reverberação muito mais exuberante e prazerosa. Você pode tentar isso batendo palmas no seu quarto. A reverberação provavelmente não vai soar muito agradável. Mas se você bater palmas na cozinha em vez disso, você pode achar que o som reverb é muito mais agradável porque há muitas outras superfícies que não são paralelas. Há também uma configuração de modulação com essa reverberação, mas esse parâmetro não é muito comum em plugins de reverberação normais. A modulação só fará o som do reverb balançar. E você pode fazer alguns efeitos legais com isso. Mas não vamos olhar para ele neste curso porque não é um parâmetro muito padrão que você vai encontrar. E avançando agora para ajustes adicionais, realmente não há muito que eu possa dizer aqui porque há tantos parâmetros diferentes que você vai encontrar, você só terá que testá-los e ver que tipo de som você pode obter. Vamos terminar com a apresentação de slides e voltar para o DAR, onde analisamos como usar um plugin de reverberação. 102. Como usar reverb: Então, nesta palestra, vamos aprender como usar reverberação para EDM. E a primeira coisa que vou dizer é que vamos usar para reverberação, ok, vamos usar uma reverberação curta e uma reverberação longa. E a reverberação curta é uma espécie de projetado para dar para rastrear uma sensação de espaço. E a longa reverberação. Então usamos isso para o ar, ou apenas uma espécie de som prazeroso. Então vamos entrar em um desses instrumentos aqui, e eu vou escolher um que nós não ouvimos antes, que é esse tipo de som de bronze sinth. Ok, e se eu talvez clicar sobre a seção de soltar, isso pode abrir o filtro. Está bem. E eu vou desligar aquela casa irritante que está saindo do som do órgão. Então, vamos ouvir este instrumento. Ok, então a primeira coisa que precisamos fazer é descobrir onde isso está na pista do misturador. Então eu vou tocar em Play e eu vou escanear através e descobrir qual faixa está passando. E posso ver aqui que está na pista 22. Está bem. Agora o que precisamos fazer é abrir onde estão os nossos sentidos. E precisamos enviar um pouco desse sinal para descer os trilhos. Então vamos aplicar parte do sinal para o primeiro centric. E então vemos que esse som também está chegando na mesma faixa. Ok. Em seguida, abriremos um plugin de reverberação na trilha sonora. E nós vamos descer aqui e vamos usar talvez esta sala NXP. Ok, porque nós queremos o, porque nós queremos usar o reverb curto para tipo de colocar a faixa em um espaço. Então vamos escolher uma dessas reverberações espaciais, que é a sala. Ok? Então, em primeiro lugar, com todos os plugins de reverberação, há predefinições, para que possamos clicar em alguns desses e eu ouvi como eles soam. Ok, podemos tentar talvez este restaurante grande. Mas se passarmos pelo tipo principal de parâmetros aqui, preciso descobrir o que eles fazem, certo, porque o primeiro é pré-atraso e estávamos olhando para isso antes. E este tipo de diz à reverberação quanto tempo antes de realmente ligar o som de reverberação. Ok, então você pode ouvir que 500 milissegundos é bastante longo. E nós podemos meio que usar isso para fazer o quarto soar Mt. Em seguida, temos o tempo de reverberação. Então este é o mesmo que o tempo de decaimento, e isso apenas diz à reverberação por quanto tempo a reverberação deve ser reproduzida. Ok? Depois disso, temos esse parâmetro roll-off, ok? E isso é o mesmo que o amortecimento. Para que possamos fazer a reverberação mais brilhante, girando isso todo o caminho para cima. Ou podemos fazer um tipo de mais abafado se recusarmos. Em seguida, temos a difusão, que é uma espécie de, novamente, quantas reflexões realmente existem. Se tivermos este conjunto muito alto, haverá muitos reflexos. E se reduzirmos, haverá menos reflexos. Agora, este próximo parâmetro que é ou T, alto custo, ok, isso, você só vai encontrar, OK, você só vai encontrar isso em alguns plugins de reverberação. E o que significa é que qualquer frequência que esteja acima da frequência que você definir, ela irá desaparecer mais rapidamente. Ok? Então, se nós definir isso realmente baixo, e todas essas, todas as freqüências acima de 140 hertz, eles vão morrer muito mais rápido que 140 hertz. E se colocarmos isso muito mais alto. Então o que você pode fazer com isso é que você pode usá-lo para definir a freqüência ressonante da sala, ok? E não precisamos saber o que isso significa para este curso. Só precisamos saber qual é o valor que você sentou aqui. Os valores acima desaparecerão muito mais rápido. E novamente, eu vou colocá-lo baixo porque eu acho que é realmente óbvio quando você define baixo versus alto. Finalmente, temos o parâmetro mix, e este é o mesmo que o parâmetro seco molhado ou tipo de quanto do som reverb você quer? Está bem. Então, se eu abaixar isso, você vai começar a ouvir mais do sinal seco, que é o sinal original. E a reverberação soará muito mais silenciosa. Mas quando estamos usando um reverb como pista de ascensão, devemos definir esta mistura ou o botão molhado seco em um 100%. E usamos o nível Send para controlar a quantidade de reverberação que realmente estamos recebendo. Então, usamos este botão e dissemos: “Ok. Então, uma vez que você fez do URM sua reverberação curta, então podemos seguir em frente e fazer uma reverberação longa em um centric diferente. Então vamos enviar o sinal deste instrumento para a segunda reverberação também. E neste, vamos carregar uma reverberação muito mais longa. Também porque a reverberação curta é usada para estabelecer espaço. Certo, então estamos usando uma reverberação espacial para a reverberação curta. Não vamos usar uma reverberação espacial para a reverberação longa. Então eu vou descer e eu vou escolher um destes, talvez uma variável Platyrrhini k. Então este plugin de reverberação de placa parece o mesmo que o plug-in de reverberação da sala, mas o algoritmo que ele usa para processar o som é diferente. Ok, então se tivermos uma escuta, apenas ouvir apenas a placa reverb por conta própria, vai ver que soa assim. E é muito mais longo e muito mais brilhante. Certo, podemos ajustar esse tempo de reverberação para 40 segundos. Com este som. Isso levará 40 segundos para que esse tipo de som reverb desapareça. Certo, a menos que nos ajustemos. Então, novamente, podemos olhar para o pré-atraso e podemos tipo de aumentar isso se quisermos. Mas com a Reverberação de Plate, geralmente, esse pré-atraso é definido como 0. Ok? Em seguida, temos o tempo de reverberação. E como esta é a reverberação longa, vamos usar um tempo de reverberação mais longo do que a reverberação curta, talvez em torno de 1,7 segundos. Então a reverberação curta estava usando um tempo de reverberação de 0,93 segundos. E neste estamos usando um tempo de reverberação de 1,7 segundos. Então vamos ouvir como essa reverberação de placa soa agora com a reverberação de 1.72, hora. Mais uma vez com o roll-off, podemos fazê-lo soar amortecedor. Mas geralmente estamos tentando adicionar ar ou chiar. Ok, então eu vou virar isso para a direita do caminho para cima porque eu quero que essas, esse tipo de alta freqüência tipo de brilhar através de um reverb particular. Eu também acho que eu quero um tempo de difusão maior só porque soa melhor. É mais prazeroso para o PS quando o tempo de difusão é definido bastante alto. Com este ou T High Court, eu vou definir isso alto também, porque eu quero manter essas altas frequências lá o máximo de tempo possível. Então, se tivermos uma escuta novamente, talvez não tanto, talvez não muitos tipos de frequências altas. Vamos ouvir o que isso parece. Sim, isso soa melhor para o meu ouvido. Está bem. E novamente, com todos os plugins de reverberação , você pode alterar a predefinição, mas nós fizemos nosso próprio tipo de configurações aqui, então eu vou deixar. E uma vez que temos as duas reverberações feitas, é hora de definir o nível de reverberação para este instrumento. Ok, então primeiro vamos aplicar a reverberação curta para colocar este instrumento em um espaço assim. Enquanto está jogando, vou aumentar esse tipo de nível de envio. E então vamos encontrar o nível ideal para quando este instrumento soar bem em um espaço, ok? Ok, então eu gosto do som deste reverb quando ele está definido neste nível. Agora é hora de misturar algumas das reverberações longas, ok, então vamos começar a partir de 0 e como ele está jogando vai aumentar, este nível de areia. Pode, talvez, um pouco menos. Então este é o processo que você usa para aplicar reverberação aos seus instrumentos, ok? E então, à medida que você avança, você vai fazer o mesmo tipo de processo com talvez este instrumento. Você vai definir sua reverberação curta e depois ao longo reverberação. E novamente com este instrumento, você vai definir sua reverberação curta e meio que colocá-lo em um espaço. E então você vai definir o seu longo reverb para dar-lhe um bom tipo de ar ou som chiar. Ok, e nós não precisamos alterar nenhuma das configurações na reverberação curta e longa porque nós definimos tudo bem. E eles estão em canais de areia e precisamos ter certeza de que tudo está no mesmo espaço. Você apenas configura isso uma vez, você monta seu rio curto uma vez e sua longa reverberação uma vez. E então você passa por todas as suas faixas diferentes e as adiciona. Você ajusta o nível para que eles tenham um curto e um longo, ok? A única coisa que vou dizer é que os seus tambores. Certo, assim, não usaremos a reverberação longa. Só usaremos a reverberação curta na bateria. E isso é só porque parece mais limpo. Ok, então quando você está aplicando reverb em seus tambores, você só vai usar a reverberação curta. E a última coisa que vou dizer é que você não aplica reverb ao seu tambor de pontapé. Certo, nem mesmo a reverberação curta. Deixamos o tambor sozinho e a base, está bem? Se você estiver usando uma sub-base, são uma espécie de instrumento baseado, tenha muito cuidado, definitivamente não aplique reverberação longa. E se você estiver aplicando reverberação curta, certifique-se de aplicar apenas uma quantidade muito, muito pequena, ok, e eu vou te mostrar como isso soa. Agora, vou clicar duas vezes nisso muito rápido e teremos uma lição. Só queremos que o som da reverberação seja sutil. Ok, então eu posso começar a ouvi-lo lá. E isso provavelmente é mais do que suficiente. E a razão pela qual não aplicamos reverberação às frequências baixas, como a sua base no seu tambor de pontapés é porque as frequências baixas podem ser muito, muito problemáticas para o tipo geral de mistura de uma faixa. Então, tendemos a mantê-los o mais limpo possível. Ok, então eu posso nem aplicar reverberação a esta base em tudo. E eu não preciso aplicar reverberação aos instrumentos que estão tocando ao mesmo tempo. Talvez este, este instrumento sintetizador. Ok? Coloque-o em um espaço como este com a reverberação curta. E então use a reverberação longa para adicionar um pouco de ar. A mesma coisa com os vocais. Então vamos sossegar a faixa vocal. Reverberação curta para adicioná-lo a um espaço. E, em seguida, o longo reverb para dar-lhe um pouco de ar. Certo, e se voltarmos a ligar um dos outros instrumentos que estão usando a reverberação. Deve haver muita coisa nisso. Desculpe, eu também tenho que ligar esta faixa de instrumento só para obter o som adequado do instrumento. Você vai ouvir que esses dois instrumentos, então esses instrumentos, desculpe, e os vocais, eles soam como se estivessem no mesmo espaço. E você também vai notar que quando ambos pararam de jogar, a reverberação para ambos meio que decai o mesmo, ok, porque ele está sendo processado pelo mesmo plugin. E isso é realmente importante para manter todos os elementos em sua trilha no mesmo espaço, ok, precisamos sempre ter certeza de que os sons que estamos usando se encaixam bem. Na próxima seção, vamos dar uma olhada no que é o atraso e como podemos usar o atraso para nossas pistas. 103. Delay para mistura: Nesta palestra, vamos descobrir quais são as camadas e como podemos usá-lo para EDM, é mais um plug-in estético e realmente não serve um propósito prático além de soar bem. Mas como sempre dizemos, se algo soa bem, então é bom. Então, o que é o atraso? O atraso é muito semelhante à reverberação na medida em que é baseado no reflexo do som, mas onde reverberação é baseada em reverberações, atraso é baseado em ecos. Então, quando você grita seu nome no topo de um penhasco e o som vem gritando de volta para você alguns segundos depois. Bem, isso é atraso. O que acontece aqui é que o espaço é tão ridiculamente enorme que podemos ouvir cada reflexo do som separadamente. E isso é exatamente o que o plug-in faz para recriar esse efeito. Ele duplica o som e depois repete-o devagar o suficiente para que nossos ouvidos possam distinguir cada reflexo. Assim como reverberação, existem diferentes tipos de atraso. Com atraso estéreo, o som vai se sentir Branco e vai parecer repetir exatamente ao mesmo tempo em ambos os ouvidos. Com atraso mono não será grande. Mas novamente, o som aparecerá repetir-se em ambos os ouvidos ao mesmo tempo. Mano atrasos pode parecer dez e muito desatualizado, então tenha cuidado para usá-lo apenas para um efeito específico. Slap back delay é quando você tem apenas um ou dois reflexos muito rápidos e, em seguida, o eco pára. Geralmente é usado para imitar o som de uma sala e foi um efeito muito popular usado com música dos anos sessenta. Na verdade, era usado frequentemente na voz de Paul McCartney. E você pode ouvir isso em ação se você ouvir a faixa EDM fora de vista pelas raízes de beterraba sangrentas. atraso de pingue-pongue é onde as reflexões alteram entre a esquerda e a direita. Então, ele vai se sentir como se o som é uma espécie de saltando entre cada um de seus ouvidos esquerda e direita. Quais são alguns dos principais parâmetros que podemos usar para atraso? Primeiro de tudo, temos o parâmetro de atraso real em si. Então, quanto tempo tem entre cada reflexão? Se você definir isso realmente alto em, digamos, cinco segundos, então cada reflexo vai tocar a cada cinco segundos. Você pode obter dois parâmetros para esta função de atraso, esquerda e direita. Se assim for, então você pode definir o atraso à esquerda de forma diferente do atraso à direita. Isso criará um efeito estéreo prazeroso para o ouvinte. E eu vou mostrar-lhe o que eu quero dizer quando estamos realmente usando este plugin porque nós podemos alterar o modo de processamento e ter que atrasar parâmetros. Em seguida, temos o parâmetro spread. Agora, isso só se aplica a este plugin em particular, e ele só aparece quando ele está definido em um determinado modo. Mas vamos mencionar isso aqui muito rapidamente. Está bem? Então isso só adiciona uma ligeira diferença no tempo entre os atrasos reais em si. Então, se você definir isso em 0, vai soar como se houvesse apenas um reflexo saltando ao redor. Mas se você definir acima de 0, vai soar como se este reflexo é uma espécie de gagueira ou como se houvesse, há mais de um reflexo. É parecido com a configuração de difusão em uma reverberação. Então temos o parâmetro de feedback, está bem? E isto essencialmente controla o atraso que realmente existe. Então, se você definir este baixo, haverá apenas um ou talvez dois tipos de atrasos silenciosos. E se você definir este alto, haverá muitos atrasos. É o mesmo que o parâmetro de decaimento na reverberação. Sabe, quanto tempo queremos que os atrasos continuem antes de desaparecerem? Agora, você também deve saber que se você definir o parâmetro de feedback acima de 100%, os atrasos nunca terminarão. E eles vão ficar mais alto e mais alto até que um som realmente horrível possa ser ouvido. Então eu aconselho você a talvez manter o feedback abaixo de 100%. Você pode criar algum tipo de filme de terror interessante de efeitos sonoros se você defini-lo acima de 100%. Mas isso geralmente não soa bem na música. Em seguida, temos a largura. Você vai encontrar algo como isso na maioria dos plugins de atraso e ajustar define a largura do efeito de atraso real soa. Então, se você definir como 0, os atrasos soarão finos e Mano. Mas se você definir para 100, os atrasos soarão largos e cheios. Quando sua equipe esta com o parâmetro Spread, você pode realmente fazer os atrasos soarem mais interessantes para o ouvinte. Nós também temos esta seção de cores, e aqui podemos apenas adicionar alguma distorção para os atrasos para efeito extra. Agora isso não é exatamente padrão, e nós vamos realmente fazer isso nós mesmos usando diferentes plugins em algumas palestras. Então podemos ignorar isso por enquanto, mas é bom saber que podemos usá-lo se um plug-in de atraso o tiver disponível, e isso é meio que para os principais parâmetros. Seu plugin de atraso provavelmente virá com muito mais que são exclusivos para esse plug-in particular. Tal como a que temos nesta imagem. Ele também tem uma modulação de difusão e seção EQ onde podemos mudar o som, mas estes são uma espécie de exclusivo para este plug-in de atraso. Então eu tentei cobrir os principais parâmetros que você vai encontrar, mas eu quase posso garantir que o seu plugin terá muito mais com nomes diferentes. E isso realmente me leva ao slide final. Ok, então, os atrasos são semelhantes aos reverbs em que os plugins são todos completamente diferentes. Além do feedback e do tempo de atraso real, os parâmetros que você encontrará podem ser completamente diferentes. Então certifique-se de que você brinca com cada um para tipo de descobrir o que ele faz, então você pode realmente começar a fazer seus próprios atrasos únicos sons. 104. Como usar o Delay: Então nesta palestra, vamos aprender a usar o atraso. atraso pode ser usado para adicionar largura estéreo ou como um efeito divertido e rítmico. Você terá que se certificar de que seu plug-in está ligado ao seu ritmo, ok? Porque se não for, então o tipo de reflexões de atraso será fora do tempo. Agora, você pode definir estes manualmente se você usar um conversor de dois milissegundos BPMN. Ok, então você apenas ir on-line e você olhar para BPM conversor de milissegundo e você digitar seu BPM, que é 95. E então ele lhe dará uma espécie de uma lista de todos os milissegundos que se encaixam no seu bpm. Então vamos pegar este loop de tambor aqui e vamos olhar para adicionar algum atraso. Ok, então a primeira coisa que vamos fazer é entrar e vamos adicionar isso à pista de mixagem. E depois vamos enviá-lo para uma das nossas trilhas sonoras. Então eu vou enviá-lo para rastrear um. E eu vou comandar essa trilha sonora e abrir um plug-in de atraso. Agora vou usar o mesmo atraso que estávamos olhando nos slides. Só pela consistência, eu vou descer aqui para esse atraso Valhalla, ok? E quando ele abre por padrão, soa assim. Agora, você deve ter notado que os reflexos estão meio fora do tempo. E isso é porque esse tipo de, esse tempo de atraso de milissegundos não é sincronizado com o BPM. Então, este em geral como um efeito, parece meio confuso. Mas com este plug-in, podemos alterar isso para que ele seja vinculado ao nosso BPM clicando nesta opção de nota. E agora podemos ver que podemos definir como por sabe de nosso BPMN. Então, se definirmos para talvez uma 16ª nota, parece assim. Certo, e talvez uma oitava nota por um quarto. Então, se começarmos aqui à esquerda, foi com a mistura, e este é o mesmo que o reverb. Se definirmos isto em 0, não haverá nenhum efeito de atraso. Ok? E à medida que aumentamos, será lentamente adicionando o efeito de atraso. Agora, se definirmos isso para 100, o que isso faz é 100% desse efeito de atraso. Então nós realmente não ouvimos essa batida de bateria em tudo. Tudo o que ouvimos é o atraso. Ok? Agora, se adicionarmos de volta esse tipo de loop de tambor original. Agora, se chegarmos ao parâmetro style, isso apenas muda o tipo de modo de single para double dual, desculpe, ping-pong e tudo isso está aqui em razão bem e silencioso, ok, então com single Nós obtemos esse parâmetro spread. Mas se mudarmos para Jhu, ganhamos dois. Ok, então podemos mudar este para nota também. E podemos configurá-lo de forma diferente para o canal esquerdo. Então podemos sincronizar esse tipo de parâmetro com o BPM. E também podemos torná-lo diferente do tipo de esquerda. Então, se nós temos que definir o tipo de o mesmo. Parece assim. Mas se dissemos de forma diferente, pode ser um pouco mais interessante para o ouvinte, ok, então vou definir de forma diferente agora. Talvez até mais de um quarto de nota, uma meia nota. Então, com este plugin, nós também temos este tipo de modo de proporção. E é aqui que podemos definir a proporção dos atrasos. Ok, então o que acontece é com isso as reflexões tipo de velocidade dependendo da proporção que você disse aqui. Ok? E se eu definir isso mais alto, tipo de retarda os atrasos e roseta é menor. E talvez mudemos esse parâmetro de atraso e veremos como isso soa. Ok, e então nós também temos essa lata de ping-pong modal, e a maioria dos atrasos terá isso. E é aqui que o tipo de reflexos tipo de salta da esquerda para a direita em seus ouvidos. Está bem, mas se colocarmos isto da mesma forma, talvez tenhamos ambos um quarto de nota. Vai soar assim. Certo, então veja como está pulando da esquerda para a direita. Se eu fizer isso mais rápido, será muito mais óbvio. Então o atraso de ping-pong é provavelmente o estilo mais comum de atraso que é usado. Então o próximo virá e vamos dar uma olhada no parâmetro de feedback, ok, e isso é o mesmo que o decaimento em uma reverberação. Então, se reduzirmos isso, haverá menos, menos tipo de reflexão, desculpe. Certo, e se colocarmos isso mais alto, haverá mais. Ok? E essas reflexões continuarão por mais tempo do que se estivessem aqui em 26. Ok, você pode ver como isso acaba muito rápido. E se estabelecermos este império, eles vão demorar um pouco mais para desaparecer ao silêncio. Ok, então nós temos o parâmetro width onde podemos mudar isso de mano, que será 0. Ok? E então podemos aumentar lentamente a largura. E também podemos fazê-lo soar um pouco diferente, girando na direção oposta. E é apenas baseado nesse princípio que estávamos olhando antes, onde atrasamos o tempo de montagem para criar uma espécie de efeito de duplicação estéreo. Então, quando viramos para a direita, está atrasando o canal esquerdo. E quando virarmos para a esquerda, vai atrasar o canal direito, certo? É apenas até você que tipo de configuração você prefere o som de Ou direita ou esquerda. E novamente, é aí que os parâmetros padrão terminam. Certo, agora temos esse parâmetro de cor onde podemos fazer o atraso parecer distorcido. Ok, nós também podemos adicionar uma espécie de uma pequena quantidade de reverberação ao próprio som. Ok, mude o tamanho disso, faça o quarto menor. E então podemos mudar este QE para que haja talvez apenas um tipo de altas frequências e sendo ouvido e reflexões. Ou talvez queremos apenas baixas frequências ouviram os reflexos. Talvez até menos do que isso se baixarmos para meio que 500. Você também tem a modulação onde você pode tipo de controlar a profundidade, ok? E nós apenas meio que mexemos com isso para ver que tipo de sons diferentes podemos obter porque esses parâmetros, e eles não são padrão. Ok, então você provavelmente não vai encontrar isso em outros plugins de atraso, mas é importante meio que mexer com os diferentes parâmetros e ver que tipo de som você pode obter. Ok? E então finalmente temos esse modo aqui onde podemos mudar o modo de gravado para Hi-Fi para todos esses tipos diferentes de sons. Certo, então o som digital é diferente. E vai soar diferente do fantasma. Um dos meus favoritos para usar é este arremesso inverso. Acho isso muito legal. Vamos ouvir isso e agir. Se eu aumentar o QE, talvez menos feedback. E vamos fazer isso um pouco mais. Então isso pode ser resfriado para esse tipo de bateria de rock break. E finalmente, eu só quero dizer semelhante à reverberação, nós não estaremos puxando atraso em nenhuma das freqüências baixas, como seu tambor baixo ou seu chute, ok, porque isso meio que vai nublar até o fim baixo e seria realmente destruir a mistura de sua pista. Sua trilha vai acabar parecendo muito confuso. Além disso, você não quer exagerar no atraso, ok, porque é muito, muito fácil tipo de nublar sua trilha e estragar o som geral. Pode ficar muito confuso. Então, com isso, até mesmo a mistura disso é um pouco demais. Então nós viemos aqui e vamos ajustar isso para que seja mais sutil. Porque se você tem configurado muito alto, é legal quando você está usando isso, talvez esta batida por conta própria. Está bem, mas se nos lembrarmos dos elementos de condução, se tiveres este tipo de efeito nos tambores, vai distrair dos elementos principais das tuas pistas. Então mantemos esses efeitos sutis. Só para encher um pouco de espaço vazio. Na próxima palestra, aprenderemos como fazer o efeito de atraso nas costas. 105. Delay de Slapback: Então, nesta palestra, vamos aprender a fazer um atraso nas costas. Então podemos usar um atraso de tapa para criar um efeito estéreo e fazer seus elementos soarem como se estivessem mais na sala. Este tipo de efeito de atraso também soa muito bom no vocalista e vamos dar uma olhada na faixa vocal que estamos usando nesta faixa EDM. Agora, para fazer um atraso de volta, é muito, muito simples. Vamos usar um tempo de atraso muito curto e um nível de feedback muito curto. Você também precisa se certificar de que o atraso está definido em uma configuração estéreo. Ok, então vamos clicar nesta faixa vocal e nós vamos ouvir o que soa como se nós o solarmos. Ok, então é isso que parece agora. Então nós vamos vir aqui para este terceiro canal de envios e vamos enviar um pouco do sinal para ele. Ok, então vamos aumentar isso e vamos dar uma olhada e ver se o sinal está chegando. Ok, sim, eu posso ver o sinal chegando. Então agora podemos carregar um plug-in de atraso. Então eu vou carregar o atraso que estávamos olhando antes, que é este atraso Valhalla. Ok. E abre assim. E deixe-me abri-lo. Parece assim. Ok, e muito simplesmente para criar um efeito de atraso de tapa para trás, nós vamos diminuir esse tipo de coisa de milissegundos até que seja meio que muito, muito curto. Ok? E então vamos recusar o feedback. Muito, muito curto também. Talvez até menos do que isso, se for ruim no quadro. Ok? E é isso. É assim que se cria um atraso no tapa. Ok. E se nós desligá-lo e o vocal e, em seguida, ligá-lo novamente, vai notar a diferença. Certo, vamos ouvir. Se estiver mal. Certo, então que tipo de cria uma espécie de efeito estéreo? E faz com que os elementos pareçam mais em uma espécie de sala vazia. Então vamos ter um ouvir o que soa como em toda a mistura e alternativa tipo de off no início. E então eu vou ligá-lo como nós estamos meio caminho. Então é uma ferramenta sutil que podemos usar, mas também cria um som muito mais interessante para o ouvinte. Agora também podemos aplicar o atraso do tapa para trás. Podemos aplicar isso a instrumentos para, ok, então vamos dar uma olhada em aplicar alguns para este sintetizador. Mas menos que isso. Desculpe. Agora não soa particularmente bom neste instrumento porque as notas, se você alguma vez procurar não muito sincopado, ok, é meio que apenas muito robótico. Mas se tivermos uma olhada em algo que talvez esteja sincopado assim, talvez esse SAM, esse tipo de som de bronze sinth aqui. Eu tenho que somar isso na caminhada do misturador. Apenas encontre-o aqui. Ok. Vou trazê-lo, trazer o indicador de reprodução para que o filtro seja aberto. Porque no arranjo o filtro é meio fechado quando a cabeça de jogo está de volta aqui. Então vamos mover a cabeça de jogo para que o filtro abra. E vamos aplicar este efeito de atraso de tapa a este som. Certo, então isso resume muito bem o atraso do tapa e você pode criá-lo com qualquer plug-in de atraso. Eu vou abrir muito rapidamente um dos delays.com com FL Studio. Ops, este banco de atraso aqui vai abrir isto. E se ouvirmos este instrumento, oh desculpe, eu tenho que abrir o filtro. Ok, então novamente, vamos definir o tempo de feedback muito curto. Ok, e com este plugin em particular, ele, é tipo de definido em mono. Então, se nós, se nós mover este atraso para a esquerda, e então nós vamos copiar o valor deste. E vamos carregar um segundo atraso aqui, e anexamos este completamente à direita. E então vamos colar esse valor no tempo de feedback. Teremos um efeito estéreo adequado. Vamos ter uma escuta. E se talvez adicionarmos um pouco mais de volume a este instrumento em particular, salsa mais tipo de nível de envio. Opa, pode soar um pouco melhor. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em adicionar alguns efeitos interessantes ao som de atraso. 106. Adição de efeitos ao delay: Nesta palestra, vamos dar uma olhada em adicionar algum tipo interessante de efeitos adicionais ao som de atraso. Ok? Podemos adicionar coisas como EQ e distorção para criar alguns efeitos realmente legais, como um atraso de rádio ou uma baixa fidelidade. Então vamos abrir esse vocal na faixa de mixagem. Ok, e eu vou mudar o atraso do tapa que tivemos antes. Eu só vou talvez mudar isso para anotar até cerca de 1 oitavo e vai aumentar o feedback e nós vamos apenas tipo de deixá-lo lá. Então, só para que possamos ouvir o som do atrasado, mas melhor. Ok. Talvez um quarto de nota. Certo, então primeiro vamos atrasar o rádio. Então o que fazemos é carregar um EQ e estávamos olhando antes como criar um efeito de telefone com um E dá vamos fazer isso de novo aqui. Nós vamos usar uma passagem alta, trazendo até o tipo de alta gama média. Então vamos criar uma passagem baixa e trazer isso para baixo para o alto alcance médio. Certo, então em algum lugar por aqui. E então nós vamos impulsionar talvez algo tipo de nesta região. Ok, eu só vou mudar isso para uma oitava nota para que possamos ouvir um pouco melhor. Vamos ouvir de novo. Talvez um pouco mais de um empurrão. Isso é alto passar um pouco. E, em seguida, se adicionarmos alguma distorção a este equalizador, então virá para o modelador de ondas. E vamos adicionar distorção. A maneira simples que sabemos como é criar um ponto de ancoragem aqui, arrastar isso, e então talvez fazer uma espécie de forma como esse cara, talvez não tanto. Vire isso para baixo. Ok, então isso é um efeito de atraso de rádio. Também podemos mudar isso para pingue-pongue. Então está saltando entre a esquerda e a direita só para um efeito interessante. E também mudará isso para uma oitava nota. E veremos o que acontece. Agora. Podemos desligar estes e podemos adicionar outros plug-ins divertidos, como eu tenho um chamado byte aparecer, ok, e isso cria um efeito de baixa ficção. Então, se eu carregar isso embaixo do login atrasado, isso afetará o som dos atrasos. E nós podemos vir aqui para essas predefinições e talvez vamos tentar alguns bytes. Vamos ver como isso soa. Ok, talvez não aquele que está tentando um dos outros presets. Vamos tentar talvez uma das distorções. Vamos ver como são. Certo, e o que podemos fazer é recusar só para que seja mais sutil. Então você pode carregar efeitos interessantes como este agora, para criar lo-fi com FL Studio, se você chegar a este plug-in efetora, e se nós carregarmos isso, parece algo que um DJ teria em sua mesa de mixagem, mas podemos vir aqui para o Lo-Fi. E se pegarmos este cabelo amarelo cruzado, podemos mover isto para sustentar. Parece bom. Então, se eu aumentar isso só para que possamos ouvir melhor se for ruim, ok? Ok, e nós também podemos usar isso para adicionar alguns outros efeitos diferentes, como talvez um modulador de anel. Ok, e nós também podemos tentar talvez um arestas flanger. Então, como você pode ver, quando você adiciona efeitos adicionais ao som de atraso, você pode criar um atraso de som muito mais interessante. Vamos seguir em frente agora dos atrasos, e vamos dar uma olhada na imagem estéreo. Podemos usar isso para realmente fazer nossas faixas campo branco, completo e mais profissional. 107. Imagem Stereo para mistura: Um aspecto importante da mistura de música eletrônica é a imagem estéreo. Isso pode fazer com que sua faixa soe amador quando poderia muito facilmente soar profissional. faixas de EDM profissionais modernas soam muito completo e amplo. E isso é resultado de algumas ótimas técnicas de imagem estéreo. Podemos usar essas técnicas para criar largura, mas também profundidade dentro de uma mistura. música produzida profissionalmente será sempre sentida como se estivesse em um determinado espaço. E é isso que vamos tentar alcançar com esta seção. Então, o que é imagem estéreo? Bem, isso simplesmente se refere a onde exatamente os elementos são colocados no campo estéreo. E o campo estéreo é simplesmente como um semicírculo 2D na frente da sua cabeça. Então os elementos soam como se estivessem vindo do lado esquerdo ou como se estivessem vindo do lado direito? Talvez alguns desses elementos estejam vindo do centro. Também. Quão longe estão esses elementos? Eles estão mais profundos no espaço ou estão mais perto de você? Agora, se você fosse transformar este semicírculo 2D em um 3D onde o som pode estar acima ou abaixo de você. Isso seria som surround. Também podemos usar som surround para colocar objetos atrás de você, mas a música nunca é produzida em som surround. Há também uma coisa como áudio 8D ou agora recarregar você, ok, mas se você já ouviu essas faixas no YouTube, você está realmente sendo enganado porque o YouTube converte tudo neste semicírculo estéreo 2D de qualquer maneira. Então você não está realmente recebendo a verdadeira experiência de 80 áudio. No entanto, se voltarmos a este semicírculo 2D, bem, podemos usar este conceito para nos ajudar a misturar música. Vamos aprender as diferentes maneiras que podemos criar largura e profundidade dentro de uma faixa. Primeiro de tudo, temos panning. Agora. Nós já sabemos que estamos olhando é certo, apenas colocando algo para a esquerda ou direita do ouvinte. Podemos usar isso para tornar um campo de pista mais amplo porque podemos realmente empurrar os elementos para fora até a borda do campo estéreo. Há também algo chamado o efeito haas, e nós realmente já fizemos isso sem sabê-lo. Às vezes, pode ser chamado de efeito de precedência. E isso significa simplesmente que se um som toca ligeiramente atrás de outro som, para nós, os humanos percebem isso como um som. Os reverbs também se baseiam neste princípio em que as reflexões tocam muito rapidamente para que possamos ouvir cada reflexão individual. Com o efeito haas, nós simplesmente duplicamos e atrasamos um som por menos de 40 milissegundos. Parece-me familiar? Já fizemos isso quando aprendemos sobre duplicação vocal. Vamos dar uma olhada no efeito Haas novamente nesta seção. E também vamos olhar para um plugin útil que o FL Studio vem com gratuitamente que faz este truque estéreo fácil com a vez de um parâmetro. Em seguida, temos micro mudanças. Adoro usar palavras grandes, mas já fizemos isso também. Então novamente, quando estávamos olhando para a duplicação vocal, ajustamos o tempo e o tom do vocal duplicado. Bem, o ajuste de tempo foi o efeito haas e o ajuste de altura foi micro deslocamento. Então, vamos dar uma olhada nisso novamente nesta seção, mas deve ser bastante familiar e fácil de fazer. Também podemos usar reverbs e atrasos para criar profundidade. Então, se aumentarmos o som da reverberação da sala, isso empurrará esse elemento para trás na sala. Se você pode imaginar em pé na parte de trás do corredor quando o DJ está tocando uma faixa. Bem, a fonte desse som está muito, muito longe. Então tudo o que você pode ouvir são os reflexos fora das paredes. Mas à medida que você anda cada vez mais perto do DJ, a fonte do som fica mais alta e você começa a ouvir menos reflexos na parede. Então, quando você está de pé direito ao lado do DJ, Você pode ouvir a música muito claramente e a fonte do som está muito perto. Podemos usar reverberações e atrasos para imitar esse efeito e criar uma sensação de profundidade dentro de nossas trilhas. Basta ter cuidado para não exagerar isso e completamente afogado elementos em reverberação. Queremos empurrá-lo para trás apenas um pouco, não empurrá-lo completamente para a parte de trás da sala. Finalmente, podemos usar um plug-in de imagem estéreo para nos ajudar a alcançar a brancura que desejamos. Então, se você não sentir vontade de fazer todas essas coisas, você pode simplesmente usar um plug-in que fará tudo isso por você. Vamos voltar ao ponto e aprenderemos a usar imagens estéreo em nossas faixas de EDM. 108. Usando o Panning para mixes maiores: Então, nesta palestra, vamos usar o movimento panorâmico para colocar elementos à esquerda ou à direita do ouvinte. Esta técnica é muitas vezes negligenciada ou considerada sem importância, mas isso não poderia estar mais longe da verdade. Eu também vou dizer que você tem que ter certeza que você está piscando com seus ouvidos e não com seus olhos. Ok, não olhe para os parâmetros de panning e meio que decida, você sabe, você fez uma pancada, isso pode ser muito para a direita, ok. Porque se não soar como se fosse muito para a direita. Provavelmente não é muito caro. Ok. Eu também quero reiterar que nós não pan são freqüências baixas, ok, então nós não pan a base, e nós não pan o tambor de pontapé. E geralmente nós também mantemos o vocal no centro, ok, então nós não pancamos o vocal principal. Você pode deslocar os vocais de apoio para fazer algum tipo interessante de sons vocais largos, mas nós não pancamos o vocal principal. Então, com tudo isso dito, vamos começar a deslocar alguns dos elementos nesta faixa. Então vamos entrar no misturador e nunca ouviremos talvez alguns desses instrumentos. Ok, então vamos ouvir este top que é o padrão um, que está no caminho certo, desculpe, faixa nove. E nós podemos talvez pandas, vamos, não vamos muito extremos, talvez apenas 20%. Vamos ver como isso soa. Apenas muito, muito sutilmente. E eu vou deslocar a camada da maneira oposta, muito sutilmente bem apenas para criar um tipo leve de som mais largo. Em seguida, se entrarmos neste tipo de seção de acúmulo, posso ver que tenho um piano elétrico em camadas com pianos normais. Então eu vou acrescentar estes um pouco mais extremamente. Então vamos pegar o piano elétrico, que é isso. Ok? E eu poderia decidir virar isso muito para a esquerda, ok? E então podemos pegar o piano e talvez entrar em pânico muito para a direita. E se ouvirmos novamente com os outros elementos, agora, eu também posso pan alguns dos elementos de tambor que estão aqui. Acho que é só uma coqueteleira que está aqui no momento. Se eu apenas destacar isso. Ok, eu posso fazer isso se eu quiser, mas eu acho que eu vou manter a coqueteleira no centro. E talvez eu faça uma panorâmica deste elemento de tambor. Talvez vamos dar um pouco para a esquerda. Ok? E vamos encontrar alguns outros elementos que vão estar jogando. Vamos vir aqui para este tipo de seção mais completa. E vamos dar uma olhada, talvez, em algum outro elemento. Vamos ver o que é isto. Isto é, este é o som do órgão. Então, podemos analisar isso um pouco ou nós o compusemos agressivamente. Mas eu não gosto do som disso quando é meio agressivo. Então eu vou apenas mantê-lo um pouco inclinado em uma dessas direções. Ok. E se tivermos um olhar para talvez este elemento tambor que também está aqui, está na pista 12. E vai silenciar o Oregon porque ficou irritante tipo de som AMP. Aqui na pista 12, se ele não fizer isso. Certo, podemos ir para a esquerda também. Assim como seria em um kit de bateria normal. Então eu também vou dar uma olhada no tipo de vocais de apoio que estão aqui também. Estes são vocais vocais. Então eu preciso ligar o porta-aviões, que é isso. Ok? E vamos acrescentar estes talvez, à esquerda e à direita, para criar um som muito, muito amplo. Então, quando estes estão em camadas com os vocais principais, soa assim. Ok, vamos ouvir todos esses elementos jogando junto com o movimento panorâmico que aplicamos. Ok, e quando a droga chegar, e eu vou desligar o som do órgão novamente quando a droga chegar. E há um piano que está em camadas, e um sintetizador que está em camadas com o Oregon. Ok. Então eu posso decidir que eu quero fazer o pan do sintetizador, que é, eu vou apenas verificar em que trilha está. Então, chegamos aqui, é no 22. Então, se viermos para a faixa 22 e eu minha pan isso muito para a esquerda para tipo de refletir os instrumentos que estão tocando ao mesmo tempo. Então é um sintetizador em camadas com um piano, em camadas com o Oregon, ok? E o piano era muito para a direita e a organização um pouco para a direita também. Então, para criar equilíbrio, eu vou mover este sintetizador para a esquerda. Certo, vamos ouvir como isso soa. Ok, vamos dar uma olhada em talvez mover alguns desses elementos extras de tambor. Então, vamos entrar aqui e ouvir os outros tambores lá. Ok, então há uma casa aberta que está tocando ao mesmo tempo que este outro chapéu aqui em baixo no 12. Ok. Então esta é a panela para a esquerda. Vamos passar este para a direita para o equilíbrio. Ok, vamos dar uma olhada. Este som de percussão. Agora eu posso decidir que vou virar isso muito para a esquerda. Ok, e vamos dar uma olhada em talvez uma das palmas. Se entrarmos no acordo e descobrirmos se um desses grampos é, isso ainda é um aplauso, então está rastreado 37. E vamos resolver isto. E nós poderíamos decidir que vamos anexar este muito à direita. E se olharmos e vermos se podemos encontrar a camada de palmas que joga ao mesmo tempo, que está aqui, ok. Poderíamos mover este muito para a esquerda para criar equilíbrio. Ok? Então vamos ouvir o que isso nos permite ouvir o que todos os instrumentos soam como interseção. E novamente, vou desligar o som do órgão porque é um pouco irritante. Tenho a certeza que ouves que a panning é uma parte importante de qualquer mistura. Ok, agora, eu apliquei panning muito, muito rapidamente aqui. Mas quando você está ouvindo, você terá que ouvir criticamente e se certificar de que há equilíbrio dentro de sua faixa. Ok, então se viermos aqui para o Mestre, o canal Master. Posso ver aqui com estes à esquerda e este é o direito. Ok. Então eu posso ver com estes, usando esses dois tipos de parâmetros de pico, eu posso ver se há muito acontecendo na esquerda ou na direita. E geralmente, estes devem ser como o lugar de pista. Então, se eu meio que voltar e talvez eu vá em frente um pouco, eu vou pular para talvez esta seção aqui. Se observarmos os picos esquerdo e direito no canal mestre, Vamos ver se a nossa pista é equilibrada. Ok, então no momento parece um pouco, parece um pouco pesado no lado esquerdo. Ok. Então talvez tenhamos alguns elementos que são inclinados um pouco demais para a esquerda. Vamos pular para outra seção e ver como isso se parece. Agora isso também pode ser causado por algo que é muito alto no lado esquerdo, talvez isso deixou vocalistas para os louds. Podemos recusar isso, mas você tem que se certificar que sua trilha inteira é meio equilibrada ao longo. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em usar o efeito haas. 109. Usando o Haas: Então, nesta palestra vamos dar uma olhada em usar o efeito haas para misturas largas. Está bem, e se te lembrares de quando estávamos a fazer duplicação vocal e o que fazemos é duplicar o áudio assim. E nós ampliamos para cima e então chegamos a isso, este encaixe na seção da grade e atrasamos o vocal duplicado muito, muito ligeiramente, ok, assim. E isso criaria esse tipo de som duplicado se ouvíssemos apenas os vocais. Ok, e então se nós fôssemos virar este para a esquerda, em seguida, pan este todo o caminho para a direita. E desculpe, eu tenho que fazer isso único. Vou fazer o segundo único como este. E então, se dependesse deste segundo para a direita, criaria um efeito estéreo muito legal. Então é assim que você cria o efeito haas com áudio. Ok, eu só vou redefinir todas essas coisas. E podemos ter certeza de que isso está de volta na grade. Agora vamos dar uma olhada na aplicação do efeito haas a um instrumento. Ok, então se entrarmos na vista padrão assim, ok. Então este instrumento soa assim no momento, mas o que vamos fazer é cloná-lo. Ok, então novamente, nós vamos duplicar e nós vamos sair disso e tipo de copiar o padrão para o outro instrumento duplicado que está aqui. E então vamos fazer um pan todo o caminho para a esquerda e pan o outro todo o caminho para a direita. E para criar novamente essa diferença no tempo, vamos ampliar, desligar o encaixe na grade, e mover o quadro de notas um pouco assim. Mavletova, ouça os outros. O padrão soa como talvez até menos do que isso. Só para que seja muito sutil. Tribo mais de volta. Certo, e se compararmos isso com o que soaria sem isso soaria assim. Ok, e de volta. Então é assim que o efeito haas é fácil. Ok? Você acabou de duplicar o instrumento, depois deslizar um para a esquerda e outro para a direita. E você atrasa ligeiramente o padrão midi. Ok, eu vou redefinir estes. E vamos apenas dar uma olhada no uso de um plug-in fator incômodo. Ok, então se eu redefinir este pan, e o que vamos fazer é carregar um plugin estéreo shaper, que é este aqui. E aqui com esse atraso, isso cria o efeito haas para nós. E novamente, se torcermos para a direita, estamos atrasando o canal esquerdo. E se torcermos para a esquerda, estamos atrasando o canal direito. Também podemos usar este modelador estéreo nos vocais. E podemos usá-lo em qualquer coisa. Então vamos tocar os vocais. E nós carregamos uma forma estéreo, nosso plugin, que está aqui embaixo. E novamente, vamos apenas mover este botão para aplicar o efeito haas. Ok, então como você pode ver, você pode usar o efeito haas para criar um som muito, muito largo dentro de sua mistura. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada no uso de micro mudanças. 110. Microshifting: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no uso de micro deslocamento para misturas largas. Ok, então antes quando estávamos usando o efeito haas, nós duplicávamos o, o áudio e então nós atrasávamos o tempo. Está bem? Mas desta vez vamos duplicar o áudio. E eu vou torná-lo único só para que quaisquer mudanças que fizermos não afetem o outro vocal. E agora, em vez de mudar o tempo, vamos mudar o tom. Então, novamente, vamos ter que mover um muito para a direita e o outro para a esquerda. Está bem? Mas com o segundo, vamos alterar o tom muito, muito ligeiramente. Ok, então nós vamos talvez movê-lo para cima em torno de US $0,20. Vamos ver como isso soa. Certo, e se desligarmos o PITCHSHIFT, parece assim. Então, como você pode ver, parece que parece que nós fizemos os vocais mais altos. Então, tudo bem, se eu tirar isso e eu tiver um back-end. Tudo bem, então alterando o tom, estamos criando uma diferença entre o lado esquerdo e o lado direito do campo estéreo. E porque há uma diferença, porque o sinal vindo para a esquerda é diferente do sinal que vem para o arroz. Isso faz com que pareça mais largo. Agora, novamente, nós também podemos juntar isso com o efeito haas como este e fazer um som ainda mais amplo. Agora, vamos excluí-los e vamos dar uma olhada em aplicar a técnica de micro deslocamento a um instrumento. Ok, então os vocais estão de volta a soar como normal. E nós vamos entrar nesses acordes aqui, este padrão de acordes, e vamos dar uma olhada em como aplicar micro mudanças aqui. Então, se eu mudar para o padrão View e eu vou solo isso na faixa mixer. Então está sem rastreio 27 todo o caminho até aqui, à direita. Vamos ouvir o que parece. Ok, talvez vamos para uma parte diferente da música onde, onde este instrumento em particular tem o filtro aberto só para que possamos ouvi-lo um pouco melhor. Vamos ter uma escuta. Então o que vamos fazer é de novo, vamos duplicar isto ou Colonus, OK. E vai carregar o instrumento. E o que vamos fazer é duplicar o padrão de acordes. Então estamos copiando o padrão exato de acordes. E vamos colar isso no segundo rolo de piano assim. E então vamos passar um para a esquerda, o outro para a ascensão. E, em seguida, no segundo vai criar uma diferença no tom, vindo para esta roda de passo aqui. E nós vamos apenas mudá-lo, novamente, não muito, talvez $0,20. Certo, vamos ouvir como isso soa. E mais uma vez, vou abrir isso de volta. E novamente, se desligarmos este PITCHSHIFT, não faria muita diferença. Certo, então vamos aplicar um pouco de mudança de tom de novo. E nós poderíamos até mesmo empurrar essa mudança de tom porque com instrumentos, isso é chamado apenas detune e isso pode realmente soar muito bem em um instrumento. Ok, e novamente, vamos desligá-lo. E vamos aplicar mudança de tom novamente. Já fui muito assim. Então eu tenho certeza que você pode ouvir isso usando este micro deslocamento, o instrumento soa mais largo, mas também um pouco mais cheio e pegar, ok, e é uma técnica muito útil que podemos fazer em nossas faixas de EDM para obter esse som amplo e completo. Certo, se ouvimos o que isso soa, talvez na mistura ligue todos os outros instrumentos. E se nós, talvez ele vá pular para talvez esta seção aqui. Está bem. E vou desligar o Oregon de novo só porque está fazendo barulho. Portanto, micro deslocamento é apenas mais uma técnica que você pode usar para obter uma mistura ampla e completa. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em usar reverberação e atraso para profundidade. 111. Usando o Reverb e delay para profundidade: Ok, então agora vamos usar reverberação e atraso para empurrar os instrumentos de volta na mistura, ok, para criar uma sensação de profundidade. Ok, então eu vou até este piano e nós vamos apenas meio que vindo para a vista padrão. Está bem. Agora, como eu estava dizendo, digamos que este piano estava tocando no fundo do corredor. Ok, digamos, digamos que você está em um quarto. E este piano que está aqui, está tocando bem na parte de trás. Bem, você vai ouvir mais reflexos, ok? Como este. E à medida que você anda mais perto, você começa a ouvir cada vez mais o sinal de origem que ele é chamado. E quando estiver ao lado do piano, vai soar assim. Porque você está tão perto dele que o som fonte, que é este, está sobrecarregando os reflexos que estão aqui. Mas quanto mais longe você estiver, os reflexos irão dominar o sinal da fonte. E isso é tão fácil quanto é criar profundidade. Se quisermos empurrar este piano de volta à mistura, aumentamos a reverberação da sala. Então vamos adicionar talvez os vocais só para ver como soa com outro tipo de elemento. Então eu vou somar estes. Podemos avançar trazendo este nível de reverberação para baixo. Mas você pode ver que com ambos esses tipos de elementos tipo de no mesmo espaço ou na mesma profundidade, esse tipo de luta nesse tipo de área. Então, eu vou empurrar o piano para trás para que ele esteja tipo de sentado atrás deste vocal. Dele. Posso empurrá-lo para a direita, para trás. E talvez tentemos empurrar outro instrumento para trás. Vamos empurrar este sintetizador de volta. Ok, eu tenho que ir, desculpe, eu também tenho que somar o ônibus de instrumentos. Ok, e isso é por aqui. Vamos empurrar isto de volta para a sala. Eu estava dizendo antes para ter cuidado para não exagerar e isso é muito exagerado, ok? Isso, isso não precisa estar tão longe na mistura, especialmente porque é um elemento condutor. É uma espécie de condução do ritmo e dos acordes. Ok? Então eu posso empurrar isso tão longe quanto eu fiz com o piano. Podemos até manter isso na frente e empurrar os vocais para trás usando a reverberação. Mas geralmente, mantemos os vocais para a frente e podemos empurrar os outros elementos para trás. E uma vez que você pode fazer com o atraso, é que você pode usar o efeito tapa de volta para tipo de criar ainda mais tipo de profundidade. Então, onde este instrumento está sentado na sala agora, é bem para trás. Mas se juntarmos isto com o atraso que carrego aqui, podemos fazê-lo ficar ainda mais para trás do que é agora. Aumentando isso. Então agora, então agora parece que você está recebendo reflexos tipo D da parede da sala também. Parece que este instrumento nem está na mesma sala que você. Enquanto que se eu recusar esse atraso, agora parece que estamos mais perto. Estamos mais perto deste instrumento. Então podemos usar atrasos também para empurrar as coisas para trás. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em alguns plug-ins de imagem estéreo que podemos carregar e tipo de usá-los para uma mistura ampla. 112. Usando plugins estéreo: Nesta palestra, vamos dar uma olhada no uso alguns plug-ins de imagem estéreo para criar largura para nossas faixas. Então vamos dar uma olhada neste teclado elétrico e vamos ter um ouvir o que soa como. Ok, eu vou encontrá-lo na pista misturadora e eu vou ter certeza de que ele não é inclinado para a esquerda ou para a direita, mas de volta para o centro. E o que vamos fazer é abrir um plugin de imagem estéreo. Então eu vou entrar em meus pertences. E em primeiro lugar, vou usar apenas o realçador estéreo frutado padrão, ok? E muito facilmente, se alguma vez ouvimos o piano elétrico, podemos usar este botão para torná-lo mais largo. Ou podemos usar isso agora para torná-lo mais fino. Então, se eu quiser que o som fique um pouco mais largo, eu virava isso, desta forma em direção ao sinal positivo. Então este realçador estéreo vem de graça com FL Studio e é realmente muito, muito bom. Eu gosto do som disso, especialmente em pianos elétricos e pianos. Agora, eu posso desligar isso e podemos dar uma olhada em um diferente, como talvez este aparelho de imagem que é produzido por nômade. Ok? E novamente, podemos transformá-lo de mono usando este controle deslizante Mano. Isso seria normal. E então podemos realmente empurrar a largura arrastando o controle deslizante para a direita. Ok? Isso é um pouco extremo. Mas este número inteiro em particular é realmente muito, muito bom. Está bem, e se voltarmos para os padrões meteorológicos , vou fechar isto, e também vou tentar um dos mais populares imagers estéreo, que é o ozônio. Imager de ozônio sete, ok? E isso vem com o ozônio isótopo plug-in. Então eu vou abrir isso e apenas fechar a janela de predefinições. E podemos ver que este é um imager estéreo, mas é multibanda, para que possamos ajustar a imagem estéreo para as leis. Os meios da lei, os altos e os altos. Também tem uma mira vetorial, está bem? E este é o semicírculo de que falávamos antes. Então esta luz aqui, este é u, OK. E como você pode ver lá quando o tipo de luz que estamos mostrando, ele estava nos mostrando a esquerda e a direita. E isso nos mostra tipo de onde tipo de elementos são colocados no campo estéreo. Então podemos ver que isso é uma espécie de oscilação para frente e para trás da esquerda para a direita. Ok? Então, uma coisa muito legal que podemos fazer com o ozônio sete é dizer às bandas para aprenderem para que eu possa tocar o som e elas se ajustarão automaticamente. Então, se eu apertar o botão Aprender e apertar o botão play, você pode ver que eles começam a se mover. E é meio que descobrir onde exatamente essas pequenas bandas que devem ser colocadas. Então, quando eu desligo o recurso “Saiba ou desculpe”, tenho que pausar e depois desligá-lo? E uma vez que eu desligá-lo, ele tem as bandas definidas. Então podemos descer e ajustar cada uma das bandas separadamente. Então eu vou manter as baixas frequências Mano arrastando isso para baixo e nós vamos dar uma olhada nisso na próxima palestra. Mas vou arrastar isto para baixo. E como você pode ver aqui com os pequenos símbolos, Eu sou Mano é uma espécie de um e estéreo você tem que, então quanto mais acima você arrasta isso, mais largo ele vai se sentir. Agora, se tivermos uma olhada em onde o tipo de proporção principal do som está de acordo com o algoritmo de aprendizagem. É neste tipo de explodiu esta lei de médio alcance. Então eu vou arrastá-lo os médios baixos para cima um pouco. Ok, talvez uns 36. Eu vou arrastar os médios altos de um pouco menos, e então eu vou arrastar os altos não tanto para cima e nunca vou ouvir o que isso soa como agora. Ok, e a beleza do ozônio é que podemos adicionar este tipo de efeito estéreo sábio. E isso é literalmente apenas o efeito haas que estávamos olhando antes. Então, se arrastarmos isto para um e ouvirmos o que parece, vai soar assim. Mas então, à medida que começamos a aumentar essa gravação, podemos ver mesmo com isso que o som é muito mais animado. É muito mais espalhado pelo campo estéreo. Agora 17,3 é muito. Então eu vou deixar isso em algum lugar por aí. Eu acho que sete geralmente é uma área bastante agradável para deixá-lo em. Ok, e vamos, Vamos desligar este plug-in enquanto o padrão está tocando e vamos ouvir, você vai ouvir a diferença que ele faz. Ok. Então é assim que você pode usar alguns desses plug-ins de aprimoramento estéreo ou imagem estéreo para realmente empurrar suas faixas e fazê-los soar branco. Na próxima palestra, aprenderemos a usar imagens estéreo para baixas frequências. 113. Imagem Stereo para baixas frequências: Nesta palestra, aprendemos a usar imagens estéreo para baixas frequências. Então eu trouxe este som de baixo aqui, e esta é a base que estamos usando na pista. Então, vamos ouvir. Ok, então parece assim. E a primeira coisa que vamos fazer é entrar neste plugin de ozônio. E vamos verificar se este som é mono ou está em estéreo? Ok. E saberei se estiver em mono, porque o Mano só vai mostrar uma linha aqui no meio. Mas se este som é estéreo, do que o tipo de, a forma que sai será meio espalhada por este semicírculo. Então vamos dar uma olhada. Então eu posso ver que o espectro, desculpe, o escopo vetorial, isso está nos mostrando que o som está em estéreo porque ele está espalhado pelo semicírculo. Ok? Agora, se você não tem este plugin, você pode desligá-lo e você pode verificar aqui colocando a faixa em Mano, Ok. E vamos aprender o que esse parâmetro em particular faz no mixer. E quando chegamos a realmente misturar os níveis de fader. Mas por enquanto, saiba que quando você torce para a direita, ele vira o som mono. E quando você torce para a esquerda, faz com que seja mais estéreo. Mas mostraremos como aos usuários quando aplicarmos os retoques finais ao mix. E, por enquanto, vou verificar em mono. Ok? E o que vai acontecer é quando eu redefinir isso, se eu ouvir uma diferença no som, se o som ficar mais largo quando eu reiniciá-lo, então eu vou saber que não foi mano para começar. Ok, então vamos ouvir o som agora em mono, e então eu vou reiniciá-lo enquanto ele está tocando. E saberemos se o som não foi modelado para começar ou não. Ok, então eu posso ouvir que o som não estava em mono para começar. Porque quando eu redefinir isso para mudanças de som e ficar mais largo quando você está misturando, ok, nós queremos manter as baixas freqüências de Mano, Ok. E a razão pela qual os mantemos em mono é porque em uma boate, os sistemas de alto-falantes que os DJs estão usando é um sistema mono. Então, mantendo a base em mono, podemos garantir que ela sempre soará bem quando for tocada em uma boate. Ok? E como todos sabemos, a base e o pontapé ou tipo das partes mais importantes de uma pista de EDM. Então mantemos a base e o chute em mono. Agora, eu poderia apenas vir aqui e meio que virar este ideal, tudo bem, e fazer uma base mono e isso seria, tudo bem. Isso garantiria que esta base específica está em mono. Mas eu gosto do som da base larga, ok, este tipo de frequências altas que são largas. Então eu vou usar ozônio para fazer as baixas frequências mono. Mas o resto das frequências aqui, vou mantê-las brancas. Ok? Então, se chegarmos a essa faixa inferior e resolvermos, podemos movê-la e descobrir onde estão as baixas frequências. Ok, então eu estou ouvindo agora. E se eu colocá-lo aqui, agora eu estou incluindo muitas das frequências mais altas. Então eu vou trazê-lo para baixo apenas até que nós estamos recebendo esse tipo de sabão. O peso principal da base. Ok? E eu vou fazer este mononucleose. Então você pode ver aqui com o escopo vetorial antes que ele se parecesse com isso e estava por todo o lado. Mas agora é modelo. E então podemos adicionar de volta as outras bandas, e estas ainda são brancas. Mas nós apenas garantimos que as baixas frequências estão em mono. E isso significará que quando essa base for tocada em uma boate, ela ainda soará tão bem quanto em estéreo. E podemos fazer a mesma coisa com um chute. Certo, podemos vir aqui e tocar o tambor. E nós poderíamos entrar e carregar ozônio e apenas tipo de ajustar as baixas frequências e manter as altas frequências tipo de não modelo. Mas não há realmente um tipo de bom tipo de som de alta frequência com este chute tambor em particular que eu queria manter em estéreo. Então eu vou usar isso para colocá-lo em mono. Agora posso ter certeza de que esse tambor está em mono e soará bem quando for tocado em uma boate. Então isso é tudo que você precisa saber sobre a aplicação de imagens estéreo para baixas freqüências, ok, precisamos ter certeza de que as baixas freqüências são mono. Além disso, você pode fazer qualquer um desses instrumentos ou qualquer um desses outros elementos tão largos quanto quiser. Na próxima palestra, vamos aprender sobre fase e como você pode corrigir quaisquer problemas de fase que você tem em sua trilha. 114. Fase para mistura: Nesta palestra, vamos aprender sobre a fase e como podemos corrigi-la dentro de nossos trilhos. Para mim, esta foi uma das técnicas mais importantes que já aprendi sobre misturar. E é um processo tão simples para corrigir problemas de fase são como esses parasitas que podem mexer seu caminho em sua pista e evitar que ele sempre soe bem. Pode fazer com que você seja rastreado para perder largura estéreo, para perder frequências graves agradáveis, perder volume, ganhar volume indesejado e até mesmo criar uma igualdade de água horrível quando tocado em certos alto-falantes. Então nós definitivamente precisamos saber como corrigir quaisquer problemas de fase. Em primeiro lugar, o que é fase? É essencialmente quando você tem dois sinais de áudio que estão tocando ao mesmo tempo, onde estão os picos e as calhas em relação um ao outro? Então, se olharmos para esta imagem no slide, podemos ver duas ondas sinuosas. Um é preto e o outro é laranja. Você pode ver que a onda senoidal preta está um pouco atrás da laranja. Então, quando o topo da onda senoidal laranja está tocando ou o pico está tocando. A onda senoidal negra está apenas começando e ainda não atingiu seu pico. E o que isso significa é que esses dois sinais estão fora de fase. O que acontece é que se formos renderizar este arquivo de áudio como ele é agora, estaremos combinando esses dois sinais de áudio em uma versão final. Mas quando estes dois sinais se combinam, eles vão lutar uns com os outros. E a onda senoidal preta tornará a onda senoidal laranja mais silenciosa. Agora eu sei que tudo isso é uma teoria demais, mas é realmente fácil localizar os problemas e corrigi-los. Então não se preocupe se você não entender o que tudo isso significa. Então, como podemos localizar e corrigir esses problemas? Primeiro, quero dizer que um EDM, nada estará perfeitamente em fase. No entanto, podemos melhorar a fase aplicando um processo muito fácil. Então, como corrigimos os problemas de fase? Bem, nós apenas encontramos os dois sinais que estão fora de fase um com o outro e então invertemos um deles. E isso vira a forma de onda de cabeça para baixo. Então, em vez de cancelarem uns aos outros, eles se complementam. Fácil, certo? Bem, como encontramos essas questões em primeiro lugar? Se você apenas jogar dois elementos ao mesmo tempo e, em seguida, inverter a fase de um elemento. O som perderá frequências baseadas ou ganhará frequências graves. Se o som ganha frequências graves do que estava fora de fase e agora está em fase. Mas se o som perde frequências graves, então ele já estava em fase e agora está fora de fase. Você também pode notar que o som fica mais largo ou mais cheio. E isso seria outra indicação de que o som está agora em fase. Tudo o que faz pode fazer isso por padrão porque é um problema muito importante, mas não amplamente conhecido. Se você fizer uma pesquisa rápida sobre como inverter a fase em seu DAW, você vai descobrir muito rápido. E é mais do que provável um pequeno botão que você nem sabia que existia. Agora sabemos como localizar e corrigir problemas de fase. Vamos voltar para o escuro e colocar nossa pista em fase. 115. Localizar e corrigir as questões de fase: Ok, então nesta palestra, vamos encontrar alguns problemas de fase e, em seguida, aplicar o processo para corrigi-los. Então a primeira coisa que temos que fazer é encontrar dois instrumentos que tocam ao mesmo tempo e o lugar mais fácil para começar seria suas camadas. Ok, então eu vou começar com estas duas camadas aqui, que é este tipo de padrão principal Eu sou acorde e, em seguida, outra camada que toca ao lado dele. Ok? Agora NFL Studio, é muito, muito fácil inverter a fase e nós apenas clicamos neste pequeno botão aqui na pista do mixer. E isso inverte a polaridade. Diz aqui em cima, e isso significa a mesma coisa que a fase invertida. Ok? Então o que vamos fazer é ouvir os dois elementos tocando ao mesmo tempo. E então vamos inverter a fase enquanto ele está tocando e vamos ver qual configuração tem mais frequências graves são uma espécie de mais largura estéreo. Certo, vamos ouvir. Ok, e se você encontrar um elemento que é particularmente difícil aqui como este. É meio difícil perceber qual, qual tipo de configuração é melhor. O que você pode fazer é entrar na exibição da lista de reprodução e loop. Um nó em particular como este. Ok? Então, tudo o que estamos ouvindo é esse nariz e é muito fácil de perceber e as questões de fase. Certo, então vamos ouvir de novo. Ok, então eu estou percebendo uma diferença muito, muito ligeira, ok, quando esta fase é invertida e eu acho que soa melhor quando as fases, e então eu vou deixá-lo ligado, ok, eu vou deixar esta fase invertida esses dois elementos são uma espécie de soar bem juntos. Ok? Então, agora que temos essas duas coisas em fase, o que temos que fazer é ter outros, outros elementos e fase. Ok? Então o que vamos fazer é talvez fazer a mesma coisa. Certo, então vamos destacar um nó como este. Opa, eu só vou diminuir um pouco mais para que possamos fazer o loop mais curto. Ok? E eu vou silenciar este, e eu vou ligar o outro instrumento com o alemão para verificar a fase de que é esta. Ok, eu vou aumentá-lo só eu posso ouvi-lo, mas aqui para melhorar. E agora vamos verificar a fase deste instrumento invertendo a fase como um lugar, um Mileva ouvir qual tipo de configurações soa melhor. Então eu não tenho certeza se você notaria isso também, mas quando esta fase é invertida. som fica um pouco mais cheio e um pouco mais largo. Ok, então agora esse elemento, ok, isso está em fase com isso, e isso está em fase com isso. Portanto, isso significa que isso deve estar em fase com isso também. Ok, a seguir vamos verificar alguns outros elementos. Então vamos para talvez o piano, que toca ao mesmo tempo que as chaves elétricas que acabamos de ter interface. Então vamos olhar todo o padrão. Apenas dê uma escuta. E eu vou sossegar as teclas e permitir todo tipo de piano. Ok, e vamos inverter a fase enquanto o padrão está tocando e veremos se notamos alguma diferença. Então, de novo, é meio difícil de ouvir. Então eu vou fazer o padrão menor arrastando este alarme. Então agora estamos ouvindo isso e vai inverter a fase como, como jogar e sempre ouvir quaisquer diferenças. Então, novamente, quando a fase disso é invertida, eu acho que soa mais completo e mais largo quando se joga ao lado disso. Então agora isso está em fase com isso, e isso está em fase com isso. E porque isso está em fase com isso, isso significa que todos esses quatro elementos estão todos em fase juntos. E este é o processo que você vai usar quando você está recebendo seus instrumentos e fase. Certo, vamos checar mais um e talvez o instrumento de chumbo que vem aqui. Nós já ouvimos isso. Se apenas destacarmos este tipo de área. Ok, e estamos sozinhos, talvez isso seja e vamos somar o instrumento líder real, que é este. Certo. E agora, se invertermos a fase enquanto ela está tocando, e nós vamos tipo de determinar qual configuração está em fase. Ok, então com este instrumento, eu não acho que ele está fazendo qualquer tipo de diferença. Então, eu vou deixar-nos definidos como é porque eu não quero estragar nada só no caso, apenas no caso de eu inverter, isso meio que bagunça a fase de tudo o resto. E eu acho que soa bem como é aqui com a fase normal. Ok. Vamos dar uma olhada em obter alguns tambores e fase. Então vamos classificar, vamos destacar algumas das amostras são reproduzidas ao mesmo tempo. Então talvez estes chapéus, ok, e vamos resolvê-los. Então é este e está tocando ao mesmo tempo que este. Ok. E eu vou recusar isso só para que possamos ouvir os dois. E vai inverter a fase deste como ele está jogando ao lado desta. E vamos ver quais configurações soa melhor. Ok, vamos ouvir. Ok, é uma diferença muito sutil, mas eu posso ouvir que a fase, quando é invertida sobre isso, soa melhor do que quando a fase meio que não é invertida. Ok, vamos tentar uma das amostras de palmas. Então vamos pegar esses dois palmas na jogada ao mesmo tempo, que é este aqui na pista 24. E é este aqui que toca na pista 37. Certo, vamos destacar os dois. E eu vou deixar este um pouco mais quieto. Agora podemos ouvir ambos tocando ao mesmo tempo. Então o que vamos fazer é inverter a fase enquanto eles estão jogando e vamos encontrar o melhor cenário. Novamente, é uma diferença sutil, mas eu acho que quando isso é invertido, nós estamos tipo de entrar em algumas freqüências mais altas e o som está ficando um pouco mais de repente mais largo. Ok? Então eu acho que isso soa melhor quando a fase é invertida. E finalmente, vamos checar o tambor contra a base. Ok? E esta é provavelmente a parte mais importante da aplicação da correção de fase. Verifique seu tambor contra a base. Certo, então se realçarmos o tambor, que está aqui, e então tocarmos o baixo ao mesmo tempo. Talvez fazer isso um pouco mais. Não, na verdade, vamos trazê-lo de volta. Ok, então agora podemos ouvir ambos tocando ao mesmo tempo. Só vou fazer isto um pouco mais alto. Então vamos virar a fase da base enquanto o chute tambor está tocando. E vamos descobrir qual tipo de configuração adiciona mais frequências graves. Vamos ter uma escuta. Certo, então quando a fase da base é invertida, fica um pouco mais larga. Então eu sei agora que o, que a configuração correta é quando a fase é invertida. Ok. Vamos checar mais um instrumento, talvez vamos checar este bloco. Som contra o piano. Ok, então eu vou destacar o piano que está aqui. E então eu vou destacar o bloco que toca aqui. Vamos apenas obtê-los tipo de em volume semelhante. Certo, e vamos mudar a fase e ver o que acontece. Novamente, estou percebendo que isso está soando um pouco mais largo quando a fase é invertida. Então vou deixar a fase invertida. Vamos verificar este bloco contra este Oregon. E vamos recusar isso. Vamos inverter a fase. Acho que este cenário parece bom. Acho que quando os dois estão virados assim. Mas a inversão de fase, eu acho que soa bem. Agora você pode fazer uma pista onde há um tipo de pequenos problemas de vasos como este. Ok. E acontece que quando estou invertendo a fase, não está acontecendo muita coisa. E é meio difícil ouvir o tipo de diferenças sutis. Mas tens de verificar a tua fase, está bem? Porque há momentos em que você nem sabe o que está acontecendo. E então assim que você meio que vira a fase, de repente o som fica muito mais cheio e muito mais largo e meio brilhante e soa muito melhor. Ok. Às vezes ele pode fazer uma diferença sutil, e outras vezes pode fazer uma grande diferença, ok, então certifique-se de que você está verificando a fase de sua pista e corrigindo quaisquer problemas. Na próxima seção, aprenderemos sobre a cadeia lateral e todos os benefícios que vêm conosco. 116. Problemas de fase: siga o acompanhamento: Ok, então só para acompanhar a última palestra, ok, onde eu disse que alguns elementos vão fazer uma diferença sutil, ok? E você pode nem ser capaz de ouvir isso. E outros elementos como estes farão uma grande diferença. Ok, então vamos ouvir apenas dois. Estes são vocais de apoio e isso, ao contrário disso, é uma espécie de vocal, aquele Vocal, mas quando eu inverto a fase, ok, faz uma grande diferença. Certo, então vamos ouvir o que parece. Como eu inverto a fase. C, você vai notar quando ambos os parâmetros de fase estão desligados, soa muito mais completo e amplo. Vamos ter uma escuta. E se eu virasse isso, criamos problemas de fase porque esse sinal agora está meio que lutando com esse. Então vamos ter uma rápida escuta de novo e então vamos para a seção da cadeia lateral. Certo, vamos para a cadeia lateral agora. 117. Sidechain para mixagem: Nesta palestra, aprendemos sobre cadeia lateral e para que podemos usá-lo em nossas faixas EDM, encadeamento lateral é extremamente comum e há uma forma de cadeia lateral que você absolutamente deve usar para que suas faixas soem limpas e profissional. Então cadeia lateral é quando você usa um sinal de áudio para controlar um determinado parâmetro no escuro. Você poderia usar talvez o sinal de áudio dos vocais para fazer a reverberação virar para baixo para que eles soem muito mais limpo e adiantado. Isso pode permitir que você use uma enorme quantidade de reverberação porque os vocais ainda soam limpos sempre que eles tocam. Basicamente, se você quer que algo aconteça, cada vez que um elemento toca, podemos usar cadeia lateral. Então, quais são as maneiras mais comuns que podemos usar cadeia lateral? Bem, em primeiro lugar, há a famosa e absolutamente essencial técnica de compressão da cadeia lateral. E isso forçará todos os elementos a tipo de mergulho ou pato em volume sempre que eles chutam lugar. Se você não usar este tipo de cadeia lateral do que sua faixa vai soar muito robótico e amador. Também podemos usar cadeia lateral para controlar volumes. Talvez seu instrumento principal esteja distraindo os vocais sempre que tocam juntos. Então você pode usar o sinal dos vocais para baixar a liderança sempre que eles tocam ao mesmo tempo. Você também pode usar cadeia lateral para controlar os efeitos. Assim, podemos fazer com que o som do atraso se torne mais silencioso sempre que um elemento estiver tocando. Agora com o FL Studio, também podemos fazer algo chamado controle de pico, ok? E esta é uma forma de cadeia lateral que nos permite controlar absolutamente qualquer coisa que queremos, mas outros cães não podem realmente fazer isso. Então, quando chegarmos a esta palestra, você pode simplesmente ignorá-la se não se aplica a você. Então vamos para o escuro e começar a usar a corrente lateral para as nossas pistas. 118. Usando a compressão Sidechain para controle de volumes: Então, nesta palestra, vamos aprender o processo que usamos quando estamos aplicando compressão de cadeia lateral, ok? E é muito simples. Meio que envolve pegar dois elementos. Então, o elemento que você deseja cadeia lateral e o elemento que você deseja controlar a cadeia lateral. Então vamos apenas dizer que eu quero esse vocal. Sempre que este vocal toca. Oops. Então, sempre que isso toca, eu queria recusar talvez esse instrumento. Tenho que ligar isso no Instrument Bus. Ok. Vamos ouvir de novo. Então, sempre que este lugar focal, eu queria diminuir o volume deste instrumento. Então este é o sinal que vamos usar para controlar o outro elemento aqui. Ok? Então eu vou pegar isso e eu vou ligá-lo a esta pista. E eu vou clicar com o botão direito e dizer cadeia lateral para esta faixa. Ok. Então agora o sinal disso está vindo aqui e não vai fazer nenhum som porque o sinal da cadeia lateral é silencioso e é apenas uma espécie de leitura do que está acontecendo aqui e usando isso para determinar quando e quando não baixar o volume deste. Então, se carregarmos um compressor no elemento que queremos tipo de desligar. E eu vou carregar o limitador frutado. Ok. Porque é assim que cita Jane e FL Studio. Você entra no limitador e entra nesta seção de compressão aqui. E então eu mudei o valor da cadeia lateral para um. Então agora está pegando o sinal disso. E se eu ajustar a proporção novamente, é a mesma coisa que qualquer outro compressor. Então, quão agressivo eu quero que o volume diminua? Vou definir isto para talvez 4.5. E então reduzimos o limiar e você verá que o volume começará a diminuir à medida que os vocais estiverem tocando. Ok? Então você pode ver que toda vez que os vocais param de cantar, o volume aumenta, ok? E cada vez que os vocais cantam, o volume diminui. Vamos ouvir de novo. Então isso é provavelmente um pouco agressivo demais. Então nós poderíamos baixar a proporção e nós também poderíamos aumentar o limiar um pouco só para que não fosse tão óbvio. Então é apenas meio que sutilmente tornar as coisas mais limpas. Então este é o processo que você usa, OK. Você pega o elemento que você deseja controlar, a cadeia lateral e, em seguida, você ligá-lo ao elemento que você deseja que a cadeia lateral para acontecer. Ok? Então nesse elemento que você quer que a corrente lateral aconteça, você carrega um compressor, ok, e em Ableton eu acho que é o compressor de cola e, e você vai configurá-lo para pegar uma corrente lateral de entrada a partir disso, ok? E então você vai fazer o mesmo tipo de ajustes de compressão. Também podemos ajustar o ataque. Quão rápido a cadeia lateral acontece? A liberação, você sabe, como, quão rápido a corrente lateral tipo de desligar de novo e todas essas coisas diferentes. E é como usar um compressor normal, exceto que desta vez você está pegando o sinal desse tipo de elemento controlador. Então, esta palestra abordou como usar um elemento para tipo de controlar o volume de outro para diminuir o volume sempre que isso está tocando. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada em usar um elemento para controlar o volume de um efeito. 119. Usando Sidechain para controle de efeitos: Então nesta palestra vamos aprender como usar o sinal de um elemento para controlar o volume de um efeito. Ok, então se pegarmos este vocal aqui, tudo bem. Parece assim. Digamos que eu realmente gosto do som do vocal quando eu tenho muita reverberação sobre ele. E isso soa bem. Mas quando o adicionamos de volta à mistura, soa assim. Ok. Se eu mover um pouco para baixo, vou mover estes. Ok? Então, um completamente não se encaixa. Há muito reverberação sobre este animal. E então o que podemos fazer é usar o sinal para controlar o volume da reverberação. E é realmente simples e FL Studio se você estiver usando canais de areia como este, e a cadeia lateral já é vista de configuração. Então eu vou carregar um limitador e eu vou configurá-lo para a configuração de compressão. E então eu vou dizer ao limitador para pegar a entrada da cadeia lateral da pista. Então vamos mudar essa entrada para dois. E agora ele está pegando um sinal de cadeia lateral desta pista. E podemos fazer a mesma coisa. Podemos ajustar a proporção, então talvez até cerca de 3,6, e então podemos baixar o limiar. Então estamos afetando o volume da reverberação com este vocal. E você pode ver que está começando a acontecer lá com o roxo. Ok? Agora é muito óbvio lá. Então, se eu só soar o vocal por um segundo e ouvir. Ok, então é meio que fazer a limpeza vocal, mas permitir que a bela história da reverberação continue. Então agora eu posso notar quando, entre as palavras 123, a reverberação é uma espécie de saltar para cima e para baixo. E eu não gosto do som disso. Então eu vou aumentar a liberação para que a corrente lateral não desligue tão rápido. Então, se aumentarmos isso, isso deve impedir que esse som em particular aconteça. Ok? E agora resolvemos o problema. Agora, poderíamos fazer o limiar um pouco mais, adicionar mais algum som de reverberação. Vamos ouvir de novo. E nós podemos talvez apenas diminuir a diminuição em uma pequena aposta e nós teríamos um ouvir o que soa como agora, mistura de falhas indie. Então, vamos ouvir. Então esse é o processo simples que você pode usar para controlar o volume de um efeito. Agora, se você não está usando essas trilhas sonoras e talvez você está usando como um canal chefe ou algo assim para sua reverberação, você tem reverb aqui. O que você pode fazer é pegar o vocal ou estes são os elementos que você quer controlar a cadeia lateral. E então você apenas ligá-lo sou assim dizer cadeia lateral para esta faixa. E, novamente, a mesma coisa. Abra o limitador e ajuste as configurações. Ok? Na próxima palestra vamos dar uma olhada no tipo mais importante de cadeia lateral para EDM. 120. Usando o Sidechain para duções: Nesta palestra, vamos olhar para a forma mais importante de cadeia lateral que você pode usar em sua pista. E isso é tão importante que se você não usá-lo como uma gravadora, vai rejeitar sua faixa. Então você realmente precisa se lembrar de estar usando essa técnica de cadeia lateral para tipo de pato os elementos atrás do tambor de pontapé. Então, se eu apenas destacar o chute tambor na faixa do mixer, então é untracked 16. E vou destacar isso ou solista. Ok? E agora se tocarmos um dos instrumentos que está tocando ao mesmo tempo, talvez este. Agora, no momento, isso não está acorrentado. E quando você faz elementos de cadeia lateral para o tambor de pontapé, faz uma enorme diferença. Então o que vamos fazer é ligar este tambor de chute a esta faixa de instrumentos clicando com o botão direito do mouse e dizendo que o site muda essa faixa. Então o mesmo processo que vamos abrir o limitador, ok, entrar na seção de compressão e dizer-lhe para pegar a entrada da cadeia lateral deste primeiro tipo de cadeia lateral de entrada que atribuímos a esta faixa. Então cadeia lateral um e, em seguida, talvez ajustar a proporção. Acho que para a cadeia lateral, uma proporção de acima de quatro funciona melhor. E eu geralmente uso cerca de cinco, ok? Então, uma taxa de compressão de cinco, eu pude vê-lo lá em cima. E como ele está jogando, vai ajustar este limiar e encontrar um ponto ideal para a cadeia lateral. Vamos ter uma escuta. Ok? Agora, se eu desligar isso, soa assim. E eu vou ligá-lo de volta enquanto ele está tocando. Certo, então o que está fazendo é evitar o volume desse elemento toda vez que o garoto toca. E é muito, muito importante ter um bom ritmo na sua pista. Ok, então eu acho que eu estava fazendo isso um pouco agressivo demais. Então eu apenas ajustei o limiar. Meio que aumenta um pouco. Certo, e agora vamos fazer isso com todos os instrumentos que tocam ao mesmo tempo. Ok? Então vamos pegar a entrada da corrente lateral do tambor de pontapé e ligá-lo a este instrumento de chumbo. Ok? Tudo bem. Agora vamos abrir o limitador, chegando à seção de compressão e selecionar a cadeia lateral 1, ajustar a proporção para que seja o mesmo que os primeiros instrumentos ou em torno de cinco como maio 4.9 ser 5.1. Isso é bom. E vamos arrastar para baixo este limiar até encontrarmos um ponto ideal. Ok? E vamos fazer isso de novo para este instrumento aqui. Então vamos pegar a entrada da cadeia lateral clicando com o botão direito do mouse e dizendo que o site mudou nesta faixa. Então vamos abrir o limitador, entrar na seção de compressão cadeia lateral um. Proporção de até cinco, certo? E o limiar vai derrubá-lo enquanto está jogando. Ok, então isso não parece estar funcionando. Então eu vou tentar a segunda entrada da cadeia lateral. Ok, e agora que está funcionando, eu posso ver que está funcionando lá. Então, eu vou desfazer isso só para que eu possa ouvir este instrumento um pouco melhor. Ok? Então vamos encontrar um ponto ideal. Ok, e isso parece e soa bem. Então vamos voltar a ligar estes instrumentos e manter o personagem homem. E eu vou me certificar de ligar a pista de instrumentos. E então teremos uma lição como o acúmulo, como jogar e depois para a queda. Ok, então você pode ver a importância de usar psi j. Agora, se eu virar e toda essa corrente lateral fora e nós vamos ouvir novamente, ok? Está bem. E se eu voltar a ligar. Então, tal terminou sua cadeia lateral pista para esta pista. E novamente cadeia lateral para esta pista. Então, quando eu estou encadeando site, quando eu estou fazendo este efeito de encaixe, eu vou cadeia lateral todos esses instrumentos, ok, a base e esses instrumentos, esses instrumentos, eu poderia até mesmo cadeia lateral este tipo de verificador de fundo para torná-lo ter um sulco melhor. Agora, se dermos uma olhada nos elementos do tambor, ok? Nós não usamos cadeias laterais D's. Certo, assim como os chapéus individuais, palmas e outras coisas, não precisamos citar Jane Doors, mas se você estiver usando um loop externo como uma camada, nós iríamos encadear isso. Ok, então eu só vou arrastar quando muito rápido. Vamos arrastar apenas um loop externo. Vou ficar bem rápido. Então, talvez este, nós vamos apenas arrastar isso para dentro Ajuste ao ritmo para que ele jogue no tempo. E se tivermos um ouvir apenas o tambor de pontapé e este elemento ou esta camada. Ok, então o que eu faria com isso é que eu iria amarrá-lo também. Então, se pegarmos a entrada de bateria de chute e, em seguida, vamos para cadeia lateral para distrair clicando com o botão direito e dizendo cadeia lateral. Então abriremos o limitador. Como este. Venha para a seção de compressão. Pegue a entrada de um, é apenas a proporção, então até cerca de cinco, e então derrube o limiar como um lugar. E isso só fará com que esse loop particular tipo de encaixe em sua trilha melhor. Vou adicionar alguns, alguns dos outros elementos de tambor que estamos usando. Então, talvez alguns destes, este chapéu e nós vamos manter os instrumentos ligados. E então nós vamos apenas tipo de un-solo tudo e nós vamos ouvir o efeito de encaixe em tudo. Ok, então definitivamente certifique-se que você está usando esta técnica de encaixe de corrente lateral em sua pista, ok? É absolutamente essencial e é um dos tipos fundamentais de técnicas que fazemos no EDM, certo? E no seu DAW, o processo será diferente. Eu conheço um Ableton, você só abre o compressor de cola e eu acho que você pega a entrada, você meio que atribui a entrada para qualquer faixa que você quer controlar a cadeia lateral. Mas no seu ponto, esse processo pode ser diferente. Portanto, certifique-se de descobrir como usar cadeia lateral e seu DAW e definitivamente começar a usá-lo em suas trilhas. 121. Controlar de pico: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada em algo que é exclusivo para FL Studio e este é o controle de pico. Ok? Então podemos usar qualquer um desses elementos para controlar qualquer parâmetro dentro do DOD. Ok, então se eu fizer esses tribunais e tivermos uma lição, eu posso abrir um controlador de pico nesta pista. E o que isso faz é mapear a entrada. Então ele mapeia os picos e as calhas a partir deste elemento em particular. Ok, então você pode ver isso acontecendo lá. E podemos usar este tipo de mapa para controlar o que quisermos. Digamos que eu queira esse padrão de acordes para controlar talvez o movimento dos vocais, certo? Ok, o que eu posso fazer é entrar para os vocais, clicar com o botão direito do mouse sobre o movimento panorâmico e selecionar link para o controle. E isso vai trazer esta pequena janela onde podemos selecionar este controlador. Ok, nós podemos, nós podemos descer e podemos selecionar, Desculpe, está no topo. Podemos selecionar o controlador de pico frágil para esse instrumento específico. Então, selecionamos pico. E então se tivéssemos, exceto, você deveria ver que quando este lugar e ele começa a ajustar a panning, os vocais. Ok? Então você pode ver isso acontecendo lá. E se você já ouviu o que isso soa como na mistura, vai apenas entrar e talvez clique nesta parte. Mileva, ouça. Ok, então podemos usar o controlador PI para controlar qualquer elemento no escuro. Na próxima seção, vamos dar uma olhada em alguns efeitos adicionais que você pode usar para suas faixas de EDM. 122. Efeitos extras para EDM: Nesses poucos slides, vamos passar por alguns dos efeitos adicionais que você pode usar para suas produções de EDM. Existem literalmente milhões de efeitos interessantes lá fora que você pode baixar e usar para adicionar uma textura legal à sua pista. Nós só vamos cobrir alguns dos básicos aqui. E vamos nos concentrar apenas nas predefinições porque elas não são uma parte essencial da mistura e usar as predefinições para a sua faixa será absolutamente bom. Então, quais são os principais efeitos adicionais que podemos usar? Bem, há phasors, Flanders, coro e filtros. Lembre-se quando olhamos para a fase antes e dissemos que se os elementos estão fora de fase, ele pode fazer o som de áudio diferente. Bem, um phaser vai realmente jogar com a fase dos elementos para criar um som interessante e agradável. Como a fase está em constante movimento, podemos criar algum movimento na pista usando esses phasors. Flanges, então, são extremamente semelhantes aos phasors porque eles também jogam com a fase de um som. Um flanger soará muito mais extremo devido à forma como processa o áudio em vez de um fasor. Ambos podem criar resultados muito únicos e interessantes. Em seguida, temos um refrão e isso apenas duplicou o som muitas vezes e faz parecer que há muito do mesmo elemento tocando. Por exemplo, você pode fazer um som vocal como uma multidão cheia está cantando com um refrão. Eles também funcionam muito bem em instrumentos para torná-los mais espessos e mais cheios. Finalmente, temos filtros, e estes apenas aplicam diferentes formas de equalização ao som. Um filtro highpass é exatamente o mesmo que um passe alto em um plugin EQ. Exceto com o filtro que podemos aplicar automação para que ele se abra como o local da pista. Vamos voltar para o escuro e começar a adicionar alguns efeitos adicionais. 123. Phasers: Nesta palestra, vamos dar uma olhada nos phasors e como podemos usar um fasor em nossa pista. Portanto, estes soam particularmente bons em instrumentos. Certo, então vamos abrir esse piano elétrico e ouvir o que parece. Eu tenho que solá-lo na pista de mixagem. Ok, e vamos abrir um plugin phasor. Então, se entrarmos aqui e pudermos estar abertos, talvez vamos abrir o phasor padrão, que vem com o FL Studio. Quero dizer, eu ouvi o que isso faz com o som geral. Ok, vamos tentar outra predefinição. Talvez vamos tentar este peixe profundo. Ok, vamos tentar talvez este phasor falante. Então essa predefinição soa assim. Ok? Então, há, há muito interessante, eles podem adicionar um som interessante aos seus atrai. Ok? E se tentarmos uma fase ou que você tem que pagar por um phasor de melhor qualidade. Você pode obter alguns sons muito, muito bons. Ok, e vamos tentar e talvez algumas outras predefinições. Vamos tentar combate e ok, vamos tentar talvez navegação de frequência. E talvez vamos tentar fase para, vamos tentar isso. Ok, então eles podem soar muito interessantes em seus trilhos. E você pode usá-los em qualquer elemento que você quiser, ok? Então você pode usá-los em vocais, você pode usá-los em suas amostras de bateria, ou você pode até usá-los em alguns loops externos. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada rápida em um flanger. 124. Flanger: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no Flanders, certo? E flanges podem soar bem nos vocais. Eles também podem soar bem na bateria, e eles também podem soar bem em instrumentos. Então eles podem parecer bem em qualquer tipo de elemento que você os aplica. Ok, então vamos abrir esses vocais na faixa de mixagem e vamos soltá-los. Vou apenas desvincular a poeira do controlador que tínhamos ligado em uma palestra anterior e redefinir o movimento panorâmico. E nós já ouvimos o que o vocal soa como Amazon. E se notarmos flanger plug-in, Ok, então vamos usar o flanger de ações com fl solista e vamos ouvir como soa. Então vamos tentar algumas dessas predefinições. Flanger rápido. Talvez vamos tentar a modulação. Vamos tentar ultrafina. Ok. E muito rapidamente com apenas tentar talvez flanger clássico. Então estes podem fazer algum tipo de sons realmente interessantes em sua mistura. E se carregarmos outro plug-in, talvez um que não venha com fl. Ok, vamos tentar este plug-in sinalizador e veremos como isso soa. Se eu pressionar “play”. Então vamos tentar algumas das predefinições. Talvez tudo o que você precisa é ruim. Vamos tentar. Talvez um redemoinho. E só mais uma só por uma demonstração, vamos tentar estas bordas afiadas de jato. Ok, então é assim que um flanger pode soar quando está no seu caminho. E assim como os phasors, eles podem adicionar um elemento realmente interessante à sua pista. Então vamos seguir em frente agora a partir daqui, eu vou dar uma olhada rápida no curso. 125. Chorus: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no coro, certo? E o coro pode soar bem nos vocais, ou também pode soar bem nos instrumentos. Ok, então vamos abrir esta faixa vocal e vamos adicionar um efeito de refrão a ela. Então eu vou sozinho isso e desligar isso. Ok, então eu vou desligar o flanger e vamos carregar um refrão. Então, eu vou primeiro carregar o coro frutado, que é o refrão padrão que vem com fl. que é o refrão padrão que vem com fl. E nunca ouvimos o que parece. Está bem? E se escolhermos um tipo de versão mais gorda, talvez este fato limpo ou não. Vamos tentar escolher talvez 50 detuned. Vamos tentar isto. Sim, está bem. Então, isso é bastante grosso se você ouvir os vocais por conta própria. Então eles soam muito magros e você pode dizer que apenas uma pessoa está cantando. Mas se adicionarmos neste curso afetar, repente parece que há mais tipos de Cantores cantando a linha vocal. Então, agora, se substituirmos isso por um refrão melhor, então um que EM, um que não vem de graça com fl. Ok, vamos tentar este efeito coral. Eu estou bem e se tentarmos talvez algumas das outras predefinições, então vamos tentar Deep White. Ok, então estes preocupavam Grace quando eles estão sendo usados como uma espécie de backing vocals como uma camada. Ok, então se eu me deparar com 02:00 da manhã, talvez aqui, onde eu tenho alguns vocais tocando ao mesmo tempo. Eu só dei uma olhada e os encontrei. E, oops. Talvez vamos tentar em um desses. Está bem. Então, com solar os vocais e Mazola, um desses tipos de vocais de apoio. E é este aqui. Então o que eu vou fazer é eu vou reiniciar a panela e eu vou apenas desligar o vocoder apenas para o bem da demonstração e nós carregamos em um efeito de refrão. Ok, abrir pode ser o mesmo que profundo, largo. E sempre que ouvir. Ok, então soa bem quando está em camadas com esses, tipo, com esses vocais principais. Está bem? Agora o refrão também pode soar bem em instrumentos. Ok, então vamos tentar talvez o piano elétrico novamente, nós meio que gostamos de olhar para isso sobre, hum, se eu apenas meio que isso na faixa mixer, que é aqui, OK, desligue o phaser que já estava nele e vamos tentar um plugin de refrão. Então vamos tentar talvez uma predefinição diferente. Vamos tentar intenso. Está bem. E se eu desligar isso, soa assim. Quando adicionamos de volta ao som do refrão, ele, soa assim. E você pode então ajustar o volume disso para que seja apenas um tipo de efeito sutil. Então, novamente, o refrão pode adicionar uma espécie de textura interessante em sua trilha. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada rápida nos filtros. 126. Filtros: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada nos filtros. E o filtro pode realmente ser usado para conduzir a progressão da sua faixa. Ok, se entrarmos neste instrumento de piano, ok, se adicionarmos um filtro a isto, então vamos carregar um dos livres que vem. Apenas amei o filtro. E o que podemos fazer com isso é ajustar o corte. Ok? Lembre-se disso da seção do sintetizador onde estávamos ajustando o corte. É a mesma coisa, mas podemos aplicá-la a instrumentos da vida real como piano. Você pode tipo automatizar e criar alguns efeitos legais como este. Se você automatizar o filtro de corte. Ou você pode automatizá-lo para que o filtro abra lentamente como o, como a faixa colocada. Então, neste caso, seria aqui onde entra o piano. Nós manteríamos o filtro tipo fechado e, em seguida, aberto quando a queda está chegando. Então é assim que você pode usar um filtro para o tipo de progressão de sua faixa. Agora, você também pode usar algumas das predefinições que vêm com ele. Então vamos dar uma olhada em alguns desses. E se tivermos um olhar para o que uma banda melódica pastores, vai soar assim. Ok, então é uma espécie de adição de ressonâncias, algum tipo de frequências ressonantes enquanto o filtro está tocando. Ok? Mas também podemos usar essas coisas gays para criar uma espécie de som automatizado legal. Consegue ver como o som está cortando? Se tentarmos um destes, talvez este portão de ruído conduzido a nível ou um olhar sequenciado. E fazemos isso desenhando em uma espécie de forma no LFO. Está bem, mas não vou mostrar-te como fazer isso, neste curso, está bem? Mas, por enquanto, experimente algumas dessas predefinições. Ok, vamos tentar mutilado. Então você pode, você pode criar alguns efeitos muito, muito legais. E você pode juntar isso com talvez um dos outros que estávamos olhando. Então vamos juntar com um phasor. Ok, então você pode usar todos estes como um tipo de efeito adicional em sua faixa para tipo de criar um som interessante para o ouvinte. Você pode então juntá-los como eu fiz aqui para criar seu próprio tipo de som único. Mas como eu disse, existem milhões desses tipos de plugins criativos que você pode baixar e usar em suas faixas. Portanto, não tenha medo de baixar alguns e experimentá-los e ver o que eles fazem. Ou mesmo apenas ficar com esses plugins de ações que você tem em sua porta porque na maioria das vezes eles são realmente muito bom. Na próxima seção, vamos aprender como realmente misturar uma faixa usando os faders. 127. Usando o Mixer para separação Stereo (FL Studio Stereo: Então esta palestra é toda sobre usar esses parâmetros de Separação Estéreo para realmente tipo de empurrar a largura do ATRAC. Agora, esta técnica só se aplica ao estúdio FOR. Então, se você não tem o FL Studio, você pode ir em frente e pular para a próxima palestra. Mas se você pretende misturar suas faixas, NFL, podemos usar esses parâmetros Stereo Separation para realmente, realmente empurrar a brancura e tipo de plenitude do ATRAC. Ok? Então, se começarmos do início e trabalharmos nosso caminho e pudermos ver que estamos nessa faixa vocal. Ok, então vamos ver como isso soa. Eu só vou soltá-lo. Agora isso também está ligado a isso. Então eu vou possuir ligadores e nós desligamos o metabolismo. Então lembre-se antes que eu estava dizendo que você pode fazê-lo Mano girando este parâmetro para a direita. Bem, você também pode meio que empurrar, você pode tipo de empurrar a imagem estéreo girando para a esquerda. E se fizermos de novo. Então geralmente eu não faria esses dois vocais. Gosto de deixá-los o mais limpos possível. Ok? Mas podemos empurrar coisas como instrumentos, então se tentarmos essas chaves elétricas, podemos usar isso para esticar a imagem estéreo. Agora eu raramente passaria do tipo de posição das nove horas. Ok. Porque depois disso seu som sem faixa muito largo ou artificial. Então eu vou escolher um ponto ideal e deixá-lo lá. Vamos tentar este instrumento. Ok? E mais uma vez, vamos largar. A mesma coisa com isto. Ok? E podemos fazer isso com qualquer coisa que queiramos tornar mais amplo. Vai soar legal. E o piano, porque o piano já era um instrumento estéreo. Então, se soltarmos o piano e encontrarmos isso na mistura. Então eu vou sozinho agora. Então vamos empurrar essa imagem estéreo. E agora talvez, vamos empurrar talvez o som do órgão. Ok, então isso vem aqui. E então, se ouvirmos todos esses elementos juntos, soa assim. Então o som do baixo é um pouco alto. E também podemos empurrar o instrumento de chumbo que está tocando. Então isso soa assim. Se eu sozinho isso. E quando chegarmos à entrega, parece assim. Ok, então isso é separado e fazer um tipo de mais largo, bem, e se nós adicionarmos tudo de volta. Ok, então você pode usar este parâmetro Stereo Separation para fazer as coisas mais largas ou fazer o monel, ok, apenas certifique-se de que você não está empurrando muito as coisas, caso contrário sua faixa vai soar muito largo e meio artificial. Na próxima palestra, aprendemos o processo correto a ser usado quando estamos ajustando esses níveis de fader para uma mistura final. 128. Como misturar uma faixa usando os Faders: Então, nesta palestra, vamos aprender o processo real de misturar atrair usando esses faders. Então, a primeira coisa que você tem que fazer quando você vem para misturar sua faixa é você tem que baixar o volume. Então vamos baixar o volume até que mal possamos nos ouvir. Ok. Vamos mudar para uma seção mais ocupada, como a entrega. Ok? Então agora estamos no nível ideal de mistura. Então você provavelmente está se perguntando, por que abaixamos o volume? E a razão é baseada na maneira científica que percebemos o som como um ser humano. Quando você ouve música, quanto mais alto for algo, melhor soará. E o problema é que se você misturar sua faixa em um nível muito alto, vai soar ótimo. Mas assim que você abaixar e estiver ouvindo em um nível silencioso, toda a mistura vai desmoronar completamente. Então o que fazemos é, em vez disso, nos misturamos em um nível silencioso. Então, quando soar bem quieto, sabemos que quando aumentarmos, vai soar ainda melhor. Portanto, certifique-se de que está diminuindo o volume, seja com o próprio corante, ok, ou com o som real no seu computador ou alto-falantes. Definitivamente não abaixe o volume com este fader mestre, ok, porque isso fará algo diferente e não soará melhor. Posteriormente, se você usar esse controle deslizante de volume. Então, se você é NFL, certifique-se de usar este aqui em cima, ou você está baixando o som real em seus próprios alto-falantes. Em seguida, o que fazemos é começar com o elemento principal e misturamos tudo em torno disso, ok? Porque temos um tipo de elemento que queremos que o público ouça. Então vamos começar com isso e ter certeza que tudo tipo de complementa esse elemento. Então, para mim, é este som de chumbo. É, na verdade, em uma seção diferente da pista é por aqui. Então, vamos ouvir. Certo, então o que eu vou fazer é baixar o nível do fader. E nós vamos trazê-lo até eu estar meio que batendo em torno de 90 B. Ok. Bem, eu já estou percebendo que nove dB é muito alto. Ok, então está soando um pouco alto demais. Então eu vou meio que misturá-lo até que eu acho que soa bem. Em algum lugar por aqui. Está bem. E a única razão pela qual eu não empurrei mais, era porque seria muito alto e realmente começaria a soar bem e eu não estaria misturando com precisão. Então eu preciso ter certeza de que é silencioso o suficiente para que eu possa ouvir é, mas não muito alto, que o volume é tipo de assumir o controle do som real em si. Ok, a seguir vamos misturar os elementos em torno dele. Então vamos começar com talvez este instrumento aqui. Ok? Por isso, preciso de somar esta pista de instrumentos. Ok? E a maneira como fazemos é começar de baixo e então você meio que mistura até que você pode apenas sobre ouvintes e então deixamos lá. Está bem. Então, vamos ouvir. Ok, eu posso apenas sobre isso aqui, mas eu vou empurrá-lo um pouco porque eu queria complementar este elemento. Em seguida, vamos tentar este instrumento aqui, porque ele está tocando ao mesmo tempo. Novamente, vamos baixá-lo para 0 e misturá-lo de volta enquanto estamos ouvindo. Ok, então agora eu posso apenas sobre isso aqui, e eu acho que é uma espécie de complementar os outros dois instrumentos. Bem, agora o instrumento está tocando aqui é a base, ok, mas não vamos misturar a base até o final. E isso é só porque vamos trazer o som do baixo para aquecer toda a faixa. Não queremos misturar mais cedo. Caso contrário, sua faixa pode ser dois graves pesados e o som disso, quando estiver tocando, vamos jogar tudo fora. Ok, então vamos deixar a base para durar. Vamos tentar outro instrumento, talvez este piano. Ok. Então eu vou começar a partir de 0 e misturá-lo. Ok? Eu acho que aqui é uma espécie de nível ideal. Vamos tentar outro instrumento. Talvez isto. Ok, então isso é muito alto para o momento. Vamos começar do zero e misturá-lo de volta. E finalmente, vamos tentar o som do órgão, que soa como este é o momento, muito alto, mas vamos começar do 0 e misturá-lo novamente. Certo, então quando virarmos esses instrumentos, toda essa faixa de volta para cima novamente. Então eu vou redefinir isso. E como eles já estavam soando bem quando estávamos ouvindo o sinal silencioso, eu sei agora que quando isso aparecer, eles vão soar ainda melhor. Vamos ter uma escuta. Ok, então agora podemos baixar isso de novo e podemos misturar na base, ok, porque a base é o último instrumento que precisamos misturar. Então vamos ouvir e misturar esta base. Certo, comece do zero. E eu só estou usando para aquecer o som geral. Talvez um pequeno, mas mais do que isso. E eu realmente acho que isso é um pouco demais, então eu vou puxá-lo para trás. Agora podemos começar a adicionar alguns tambores, ok, então eu vou deixar esta peça. Vou começar a adicionar alguns sons de bateria. Certo, comece de baixo. Misture até que você possa tipo de apenas cerca de aqui. Ok? O próximo, o tipo de, o próximo elemento é este. E este é um som clicky. Vamos começar do zero e misturá-lo de volta. Ok, vamos tentar. Deixamos o tambor para fora até o fim. Vamos tentar esta coqueteleira. Muito alto no momento, mas vamos misturar do zero. Ok. Então, é meio sutil no momento, mas está complementando os outros elementos. Bem, ok, vamos tentar alguns desses outros sons de bateria. Nós temos. Onde eles vão ter que ir, desculpe, eu vou ter que pular um pouco para onde eles jogam, que é aqui. Então vamos nos misturar com essas palmas. Ok? Ok, vamos misturar este som de percussão. Vamos também misturar este som de chapéu aberto. Ok? Ok, e vamos tentar a última aplauso, mas que temos no padrão da bateria. Então agora eu sei que quando eu aumentar o volume, o som geral soará bom metabolismo. E agora podemos adicionar o tambor de pontapés. Então, eu vou voltar para baixo e nós vamos para o tambor de pontapés, que é aqui. Certo, e vamos misturar isso até gostarmos do tipo de som do tambor na mistura. Então, em algum lugar por aqui. Talvez um pouco mais. Não, talvez um pouco menos. Ok, então eu acho que isso soa bem. Agora vamos voltar e talvez misturar os vocais. Então eu sei que muitos dos elementos que acabei de misturar estão jogando aqui. Ok, então nós podemos misturar o som vocal para ter certeza que os vocais estão bem dentro da mistura. Então, se tivermos uma escuta agora, podemos ouvir que há muito alto, mas vamos começar do zero e misturá-los, ok? Certo, então talvez em algum lugar por aqui. Vamos misturá-los, esses vocais de apoio. Então vamos começar com o da direita. Vamos baixá-lo para 0 e misturá-lo. Oh, eu tenho que ligar o portador porque é um som vocal. Então vamos fazer isso de novo. Ok, e vamos tentar o outro vocal. Vocal. Ok, então agora eu sei que quando eu aumentar, vai soar bem com os vocais. Então este é o processo que você vai usar quando você está misturando sua faixa, ok, abaixe o volume e comece com seu elemento principal, e então misture a faixa em torno desse elemento principal. Certifique-se de deixar sua base e seu tambor para durar, apenas para aquecer o som geral da pista. E uma vez que você tenha toda a faixa misturada, você estará pronto para começar a dominar. 129. Introdução à dominar essencial: Então, nesta palestra, aprendemos como dominar nossas faixas que elas possam enfrentar outras faixas produzidas profissionalmente. Agora, Mastering não consertará sua mistura, então é importante fazer sua mistura parecer ótima. Antes de começares esta fase, ouço tantos produtores a deixarem problemas e depois a dizerem: “Vamos resolvê-lo no domínio”. Mas o problema é dominar não vai consertar sua mistura. Dominar é como o pacote em que você coloca seu produto, ok? Você pode fazer a embalagem tão chique quanto quiser. Colocar o produto dentro é o que realmente importa. Ou em outras palavras, você não pode polir proferido. Então, o que é dominar? Este é o passo final na produção de áudio, onde colocamos alguns toques finais na pista. Temos que ter certeza de que nossa faixa é alto o suficiente e vamos reproduzir em qualquer sistema de áudio sem danificar é mastering também faz sua faixa mais alta, que é legal porque Lauder sempre soa melhor. Então, como vamos aplicar masterização? Bem, usaríamos um QE para colocar um tipo final de forma na pista. Talvez aqueça um pouco e remova as frequências adversas que não soam bem. Em seguida, usamos alguma compressão para tipo de colar todos os elementos juntos. E nós também podemos empurrar o ganho aqui para obter algum volume extra fora da pista. Depois disso, usamos imagens estéreo para tornar a faixa mais ampla e completa. E então usamos um limitador para cortar quaisquer sons que vão acima de 0 db. Isso apenas impede que a faixa se distorça ao ser reproduzida em determinados sistemas de áudio. Finalmente, temos que verificar os níveis para garantir que tudo está bom para que quando um rotulado baixar e testar sua faixa, os números que eles vêem na tela os deixem felizes. Então vamos voltar para o escuro e aprender como aplicar masterização em nossas pistas. 130. EQ para dominar: Nesta palestra, vamos aprender a usar o EQ para masterização, OK, e antes mesmo de começarmos a aplicar efeitos e o canal mestre, temos que nos certificar de que, em primeiro lugar, o canal mestre é uma espécie de definir um padrão, então Não há efeitos já lá. Então vamos arquivar a culpa. E você também tem que encontrar o tipo de parte mais alta da sua pista. Ok, então a parte da sua pista que tem mais acontecendo, nós vamos encontrar esse ponto. E eu já ouvi e acho que está em algum lugar por aqui. E vamos fazer um loop. Certo, então vamos ouvir a parte mais alta da faixa enquanto fazemos a masterização. E quando terminarmos de dominar, podemos ouvir toda a faixa novamente e ter certeza de que todos os nossos níveis estão bem. Então o primeiro efeito que vamos carregar é um QE, ok? E eu vou usar este filtro de gordura quebrou você só porque eu posso adicionar quantas bandas eu quiser. Enquanto que com o outro equalizador que estávamos olhando, eu só podia usar sete bandas. Então o primeiro tipo de passo com isso é aplicar um corte baixo em algum lugar em torno de 30 hertz. Ok, então eu vou arrastar esta banda para cerca de 30. Digamos que talvez 28, está bem? E podemos ajustar a fila para tentar manter o máximo de frequências que pudermos. E novamente, talvez pudéssemos mudar o declive da linha, então estou dobrando para 24? E novamente, eu vou mudar o QGIS então nós estamos tipo de olhar para um plano, uma linha plana e movê-lo para baixo apenas um pouco, talvez para 27. Ok? A razão de fazermos isto é porque todas estas frequências aqui em baixo, humanos, não conseguimos ouvi-las. Nós mais, então nós os sentimos mais do que ouvimos. Ok. Algo abaixo de 20 hertz? Não podemos realmente aqui. Então isso é apenas uma espécie de criar um tipo desnecessário de modo ou bagunça em sua mistura quando eles não são realmente freqüências que podemos, mesmo aqui, ok? E a coisa são alto-falantes, fones de ouvido e outras coisas. Eles são sempre cortados a 20 hertz. Você vai ver, você vai ver se você já leu a caixa para alto-falantes ou fones de ouvido ou algo assim. Ele vai dar a você como uma faixa de resposta de freqüência mais alto-falantes, e geralmente é, bem, sempre entre 2020 mil, ok, porque estas são as freqüências que ouvimos. Não podemos ouvir acima de 20 mil e não podemos aqui abaixo de 20, só podemos sentir essas frequências. Então faz sentido cortar algumas dessas baixas frequências desnecessárias e manter o Mestre final a soar limpo. O segundo tipo de passo antes de fazermos qualquer coisa é rolar algumas dessas altas frequências. Ok, então eu vou rolar as frequências acima. Talvez vamos por 18 mil. E não quero que a inclinação seja tão agressiva. Eu realmente quero uma espécie de inclinação sutil acontecendo assim, apenas para rolar algumas dessas altas freqüências. Então eu vou escolher seis dB. E eu vou até mover isso de novo só para que nós estamos nos livrando de algumas das freqüências hash desagradáveis que de novo, nós realmente não podemos ouvir. Eles não adicionam nada ao tipo de som harmônico da pista, ok? Então vamos ouvir o que parece até agora. Ok, então agora vamos usar este QE para moldar a pista. Ok, então vamos começar a encontrar frequências agradáveis para aumentar e encontrar frequências desagradáveis para cortar, OK. E quando você está fazendo isso, você vai estar usando uma espécie de Q. Você vê aqui a maneira como ele está focado. Mas fizemos apenas o cubo para torná-lo um pouco mais largo. Então está trazendo mais alguns desses tipos de frequências. Queremos que seja sutil. Então nós queremos tipo de usar o máximo de frequências que pudermos para tipo de mascarar o fato de que estamos realmente aumentando freqüências. Se você usar uma fila como esta, vai soar muito, muito óbvio que você aumentou essas frequências. Mas se você usar uma fila mais ampla como esta, vai ser mais sutil e mais difícil para o ouvinte perceber que você realmente aplicou EQ. E esse é o objetivo de dominar é manter as coisas tão transparentes quanto possível. E ouvimos a faixa. E então vamos começar a aumentar e encontrar algumas frequências agradáveis que estão lá dentro. Ok, então para esta parte, eu vou redefinir o Q só para que eu possa tipo de ouvir cada frequência corretamente. E então nós vamos encontrar os bons e vamos impulsioná-los. Ok? Então, eu meio que gosto do som da ponta baixa aqui. Então eu vou reduzir o ganho. Então é muito mais sutil. Talvez nunca vá acima de 3 dB. Eu diria que seria demais. Então, vamos impulsionado por talvez dois dB, e novamente vai espalhar que Q para fora. Então parece muito menos óbvio. Vamos ouvir agora. Agora vamos encontrar outras frequências agradáveis que podemos aumentar. Talvez algumas frequências aqui em alta faixa. Então vamos adicionar um outro ponto e vamos ajustar a fila para que possamos ouvir cada frequência de forma clara. É uma Alyson. Acho que em algum lugar por aqui parece bom. Então eu vou trazer o ganho para baixo novamente, e eu vou espalhar aquele Q, não tanto assim. Mas talvez assim e eu vou mover isso para cima apenas um toque. Ok? Então agora podemos ver o contorno das linhas estão meio que se foram lá em cima mergulhando e eles estão voltando para cima novamente. Este é um contorno bastante comum que realmente soa agradável para a orelha, ok, para um tipo de impulsionar baixos, aumentar os altos, e, em seguida, tipo de deixar os médios tipo de corte para fora. Mas o que vamos fazer é que vamos ser ainda mais precisos e vamos acrescentar outro ponto, está bem? E aumentar a fila. E encontraremos outras frequências que não gostamos. E vamos cortá-los dos meios. Certo, vamos ouvir. Então você pode ouvir que essas frequências são meio honky, ok? Como um, como um branquelo. Vamos ouvir de novo. Eles não parecem muito legais. Então, novamente, eu vou cortá-los assim, e eu vou espalhar isso. Q. Tudo bem. Não quero cortá-los muito. Eu não quero ser muito óbvio com este QE, mas eu quero tirar esse tipo de frequências Honky. Certo, e finalmente vamos acrescentar mais um ponto. E nós vamos aplicar um tipo de agressivo. Então, com um Q afiado como este, vamos cortar 10000500 hertz, ok? E isso, esse valor exatamente cento e quinhentos em algum lugar por lá. Não sei porquê. Mas quando você corta uma espécie de curva profunda aqui, parece muito, muito mais limpo e muito, muito melhor. Então vamos acabar com isso por muito tempo. Talvez apenas quando quatro dB, mas definitivamente mais profundo do que este tipo de mergulho que temos aqui. Ok? Certo, então se ouvirmos a faixa agora, e eu desligo o EQ enquanto está tocando, e então ligamos de volta. E você pode ouvir o tipo de diferença sutil, mas importante que está fazendo. Vamos ter uma escuta. Então agora, quando estávamos tocando de volta, eu estava percebendo que alguns desses midrange, essas altas frequências médias estão criando um som desagradável. Eu vou mover isso para cima, ok, e eu vou tipo de ajuste acusado ou não, realmente incluindo essas altas frequências médias. Ok. Vamos ouvir de novo. Ok, então é assim que você aplica QE quando você está dominando, você corta as freqüências realmente baixas que você não precisa. Você rola algumas das altas frequências que você não precisa. E então você meio que vai moldar a pista. Mas certifique-se de que você está mantendo sua sutil. Você só quer que o QE aqueça um pouco a pista. Você não quer alterar completamente o som geral da faixa. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada no uso compressão multi-banda para masterização. Para dominar. 131. Compressão para dominar: Então, nesta palestra, vamos dar uma olhada no uso de compressão multi-banda para masterização, OK. E o FL Studio tem um compressor multibanda muito bom que vem de graça com o software, ok, e é chamado de maximizar. Então vamos usar maximise para aplicar a compressão multi-banda para o nosso mestre. Ok. Então você pode me acompanhar usando essas configurações também. Então a primeira coisa que devemos fazer é definir onde as leis, os médios e os altos estão em nosso caminho. Ok, e nós fazemos isso clicando neste botão bandas. E então podemos tipo de mover a banda para tipo de foco nas frequências específicas da nossa faixa. Então, vou apertar este botão solo. Para que possamos ouvir apenas as leis. E nós vamos encontrar o ponto na pista onde as leis meio que se transformam em meio e então nós vamos deixá-lo lá. Está bem. Então, obviamente, isso seria demais. Então eu vou derrubar essas leis. Está bem? Talvez por aqui. Só consigo ouvir o pontapé na base. Ok, a seguir vamos definir os médios. Então vamos tomar esses remédios aqui e vamos descobrir onde o ponto de corte para os médios se transformarem em altos está OK. Vamos ter uma escuta. Parece que estou ouvindo o mais alto agora, mas tudo bem. Vamos apenas descobrir onde a mais alta se transforma no meio. Está bem. Talvez em algum lugar por aqui. Vamos ouvir os médios-médios. - Sim. Então os médios geralmente são, você sabe, você está meio correto quando você não pode ouvir os chapéus altos. Está bem. Talvez até um pouco menos do que isso. Está bem. Eu não posso ouvir os chapéus altos no meio do momento, mas eu posso ouvi-los quando eu me encaixo nessas alturas. Então essa é geralmente a área que você quer ir para quando você está em todas as freqüências, geralmente, você só quer ouvir tipo de chute e a base, ok? Mas se você começar a ouvir a armadilha aqui, o barulho, algum som de percussão, você provavelmente está um pouco alto demais, então você deve trazer suas leis de volta. Então agora vamos ajustar o ganho de entrada para cada uma dessas bandas. Está bem? Então vamos usar este parâmetro pré. E nós só vamos impulsionar isso. E você verá aqui que move a banda para cima. E se nós rolar tipo de através, podemos ver que isso é em torno de três, talvez quatro dB. Então eu vou redefinir isso e então nós vamos aumentar essa freqüência de entrada até o tipo de chutar o baixo soa em um bom tipo de nível ótimo. Ok, vamos ouvir. Talvez em algum lugar aqui. Vamos fazer o mesmo com os agentes. E agora vamos fazer o mesmo para os altos. Certo, agora temos o pré parâmetro definido para todas essas frequências. Agora podemos começar a aplicar a compressão e fazemos isso desenhando um ponto de ancoragem e movendo esse tipo de enxerto. Ok, então eu vou apagar este ponto de ancoragem que eu adicionei. E o que vamos fazer é encontrar tipo de, você vê a forma como este é o pico aqui. Você pode ver onde há chute tambor ou onde as baixas frequências estão espreitando. Está bem? E você pode ver aqui embaixo, as baixas frequências estão meio que sentadas por aqui. Como esta é a média, digamos do, das frequências baixas. Bem, vamos escolher um lugar no meio. Vamos escolher este ponto médio aqui. E então vamos arrastar este ponto de ancoragem para baixo até sentirmos que já comprimimos o low-end o suficiente. Então este seria o seu rácio. Ok, então se você fizer isso realmente agressivamente, isso seria como dez a 181621, esse tipo de coisa. Então vamos ouvir as baixas frequências. E então vamos mover este ponto de ancoragem até sentirmos que já comprimimos o som o suficiente, certo, até o baixo e o tambor de pontapés, ou tipo de controle Andhra. Então, vamos ouvir. Talvez em algum lugar por aqui. Ok, em seguida, vamos passar para o meio, OK. E faremos a mesma coisa. Vamos encontrar o pico e vamos encontrar a média. E vamos encontrar um lugar entre eles. Então está em algum lugar por aqui, talvez um pouco mais alto. E mova isso para cima. E vamos arrastar para baixo este ponto de ancoragem até sentirmos que já comprimimos o som o suficiente. Pode mover este ponto de âncora ligeiramente para baixo. Ok, e eu vou mover este backup ou pequeno, mas eu acho que está muito comprimido. Vamos tentar de novo, ver como isso soa. E eu posso usar isso para tipo de ajustar o joelho para que eu possa fazer o compressor ligado tipo de muito mais gradualmente. Ok, então eu vou fazer isso. Eu estou indo para apenas uma espécie de curva este um pequeno pedaço. O que não é tão óbvio assim. Ok, e eu vou mover este ponto de ancoragem para baixo novamente, e eu vou mover este para baixo. Então agora podemos ver que estamos moldando esse som. Ok, a seguir vamos dar uma olhada nas altas freqüências. Tudo bem, vamos fazer exatamente a mesma coisa. Encontre o tipo de pico, a média, e vá para algum lugar no meio. E então vamos arrastar para baixo este ponto de ancoragem. Agora com o mais alto, você não quer comprimir muito porque música parece soar melhor quando temos muitas frequências altas. Então eu não vou comprimir com tanto de uma proporção como digamos que os médios são as leis, ok? Talvez algo sutil como isto. Então nós vamos entrar nesta seção mestre e vamos comprimir isso para ok, mas nós não vamos usar o mesmo tipo de técnica. Então eu posso ver que os picos estão em algum lugar por aqui e a média é talvez em algum lugar aqui embaixo. Mas eu não quero ser tão agressivo com isso. Quero ser mais sutil. Então eu vou tipo de rolar fora. Este é um pouco top, desculpe, este tipo de pico no som. Certo, vou rolar isso comprimindo muito, muito ligeiramente. Este é apenas um tipo de cola esses tipos de frequências juntos ainda mais do que eles já são, ok, é expandido. E agora o que vamos fazer é voltar através de todas essas freqüências e vamos descobrir o quanto nós meio que compactá-los, e então vamos aumentar o ganho de postagem, então o ganho de saída pela mesma quantidade. Então, se olharmos para as baixas frequências, eu posso ver que eu estou meio que compactando-as por talvez em torno de 3dB porque eu acho que esta é a linha 0. E eu posso ver aqui em cima às três. Então, quando o chute tambor está tocando e coisas foram tipo de corte 3dB fora cada vez. Então eu vou aumentar o ganho, o lado de ganho de saída em três dB. Está bem? E eu vou ser mais preciso com isso, com o Mestre. Com o mestre levantado de novo. Ok. Eu quero ter certeza de que soa natural e meio sutil. Ok, vamos fazer o mesmo com os agentes. Está bem? Então eu vou para um lugar talvez entre três ou um. 3 de maio ser em torno de 2.3 porque eu posso ver que os cortes profundos estão em torno de 3dB, mas então há alguns cortes menores, talvez em torno de um db. Ok, então eu vou para uma espécie de médium feliz. E, novamente, com o mais alto, vamos fazer a mesma coisa. E isso não é nem perto de três dB. Isto é talvez 1,52 dB. Então vamos tentar aumentá-lo em talvez 1,7. Está bem? E novamente com o mestre fará a mesma coisa porque nós comprimimos esses dois. Então eu posso ver que isso foi meio comprimido por talvez dois dB, mas não vai empurrar o mestre tanto. Não quero que as coisas fiquem distorcidas. Então talvez algo ao redor eu acho que era 0,9 lá em cima. - Sim. Bem, poderíamos empurrá-lo para sufocar Mar talvez até 1,5. Ok, então agora favor ouvir sem o compressor. E então vamos ligar o compressor de volta enquanto a faixa está tocando música. Ok, então eu acho que parece um pouco comprimido demais. Então eu vou voltar, só talvez aumentar isso um pouco mais só para tipo de abrir o compressor fora dele. E então talvez mudar a curva para que o joelho seja mais sutil aqui. Está bem. E eu acho que isso soa muito melhor agora que não é uma espécie de estação mais comprimida. Agora neste plugin em particular, nós também temos DES, este tipo de romance Stereo Separation K. Então nós podemos empurrar isso no meio tipo de explosões. E novamente com o microfone mais alto e empurre-o um pouco mais só para obter esse tipo de som alto. Vamos ter uma escuta. Desculpe, temos que ouvir o mestre porque eu tenho isso sozinho. Vamos ter uma escuta e CC, e isso é verdade. Agora, se você não tem maximise, você não será capaz de usar esses nobs de Separação Estéreo. Ok, então nesse caso, você usaria um plug-in de imagem estéreo real. Ok, vamos dar uma olhada em como usar esses plugins para o seu mestre na próxima palestra. 132. Enhancers Stereo para dominar: Então, nesta palestra, vamos aprender sobre imagens estéreo para masterização. E a primeira coisa que eu vou dizer é que estas devem ser imagens estéreo multibanda, ok, porque nós não queremos tipo de alargar toda a faixa porque então nós vamos acabar ampliando as baixas freqüências também. E como você sabe, baixas frequências devem ser mantidas em mono. Ou aprimoramento estéreo não é uma parte essencial da masterização, mas realmente faz as faixas em melhor. Se você não tiver uma imagem estéreo multibanda. E se você não tiver Maximus para poder usar esses separadores estéreo. Então sugiro que pule essa palestra. Então eu sugeriria então, então eu sugeriria, então eu sugeriria, então eu sugeriria que você então eu sugeriria então eu, então eu sugiro que você apenas tipo de pular esta palestra, ok, porque se você usar qualquer outra imagem estéreo, como talvez este realçador estéreo, você não pode controlar que tipo de banda, então que tipo de frequências você está olhando. Então, quando você alargar isso, sua ampliação tudo, ok? E não queremos fazer isso. Só queremos alargar certas frequências, está bem? Então, por causa disso, eu vou substituir isso por um imager multibanda. E o ozônio isótopo tem um ótimo. Então eu vou carregar isso e podemos ver o tipo de freqüências começando a aparecer aqui no escopo vetorial. Ok? Agora, novamente, vamos ter que definir as bandas. Mas podemos usar isótopos para aprender. Então eu vou configurá-lo no modo de aprendizagem e então eu vou tocar a faixa para que o algoritmo pode tipo de definir as bandas formando é ok. Tenho de o pôr a aprender outra vez. Ok? Então ajustou as bandas. E eu posso ver aqui que as leis estão por aqui. Vamos ter uma escuta para verificar e ter certeza de que todas essas freqüências estão corretas. Então eu poderia trazer isso para baixo também, mas vamos verificar o baixo médio solidus. Isso soa bem, vamos tentar os médios altos aqui. Eu poderia levar isso de volta um pouco. Ok, eu acho que isso meio bagunçado lá em cima. E agora vamos tentar as altas frequências aqui em cima. Vamos ver se o som está bem. Ok, então agora todas essas bandas estão prontas para a minha faixa. Então eu vou fazer as baixas frequências monelarem, ok? E então eu vou talvez alargar os médios baixos. Ok. Não muito, talvez apenas por volta dos 16. Então eu vou ampliar os médios altos um pouco mais, talvez 21, e então nós ampliamos os altos muito mais, até talvez 26. Ok. Vamos ouvir o que parece. Este é o mesmo que o C. E novamente, podemos usar este tipo estéreo de botão esterilizado. E eu vou definir isso para sete. O que tínhamos foi configurado antes, ok, então talvez 7.1. E vamos desligá-lo e daremos uma escuta. E enquanto ele está jogando, eu vou ligar o plugin novamente. Este é o espaçamento da perícia. Então você pode ver que este plugin de imagem é uma espécie de fazer o som geral um pouco mais completo e um pouco mais largo. Na próxima palestra, usaremos um limitador para garantir que nenhum volume esteja passando da marca 0 dB. 133. Limiters para dominar: Então, nesta palestra, vamos usar um limitador para obter um tipo de push final um volume e certificar-se de que nada está indo acima de 0 db. Então vamos carregar um plug-in limitador. Certo, vou carregar o limitador de frutas. E vai abrir assim. E se apertarmos Play será capaz de ver o sinal a passar. Ok, vamos dar uma olhada. Então há o sinal vindo para este plug-in limitador. Ok? E nós vamos apenas usá-lo para tipo de empurrar esses picos até 0. E então vamos definir o teto para cortá-los. Então, atualmente o teto está definido em 0 dB, e eu posso mover isso para baixo se eu quiser. Agora, geralmente, nós não definir, irá definir o teto entre tipo de 0 e menos 0,2. Ok? Mas para EDM, eu vou mantê-lo em 0 para tipo de manter o máximo de volume que eu puder lá dentro. Agora vamos aumentar novamente, ok, então eu posso ver que estamos bastante perto de 0 e isso é bom. Não queremos aumentar muito o ganho do limitador. Se você está meio que, se você está aumentando muito o limitador, você precisa voltar e remixar sua faixa ou usar o compressor para meio que obter um pouco de volume fora dele. Está bem, mas estamos perto de 0 como está. Então eu vou aumentar isso apenas para obter o empurrão final para que possamos levantar e bater 0. Ok? O muito ligeiramente para divi. E agora eu posso ver que estamos atingindo 0. Ok, e isso é tudo o que precisamos. Ok. Nós só precisamos ser tipo de tocar 0. Nós não precisamos ser planos para 0 o tempo todo. Como as coisas costumavam ser em 2012, quando estávamos passando pelo que era chamado de guerra da intensidade. E todos tentavam ser mais barulhentos do que os outros. Hoje em dia, os sites de streaming diminuirão a sua faixa ou irão aumentá-la dependendo de onde você definiu seu mestre. Então, realmente, realmente não importa onde mesmo que seu mestre esteja atingindo a árvore, os sites de streaming, vamos aumentá-lo para que ele esteja atingindo 0. Ok? Mas se você planeja ser assinado por uma gravadora, você precisará estar batendo este 0 Mac. E minha pista no momento está boa, eu posso ver que está atingindo 0. E tudo o que fiz foi empurrado de novo muito, muito ligeiramente. E isso é limitante para dominar em poucas palavras. Ok? Você só vai usá-lo para tipo de empurrar o último pedaço de volume que você precisa. Defina o seu teto em qualquer lugar entre menos 0,20 e, em seguida, apenas deixá-lo lá. Na próxima palestra, vamos verificar os níveis das faixas para ter certeza de que quando as gravadoras baixarem e testarem sua faixa, que os números que vêem na tela os deixarão felizes. 134. Verificar: Então, agora que nossa pista é misturada e dominada, temos que ter certeza de que seus níveis são aceitáveis. Então, para isso, precisamos usar um medidor de sotão, ok? E os amores são apenas uma medida de quão alto é a sua faixa ao longo do comprimento total da faixa. Ok, então leva o volume médio de toda a pista. Agora, você pode baixar estes gratuitamente ou você pode comprar um pacote que tipo de tem alguns outros níveis diferentes, medidores de nível embutidos. Ok. Então eu vou estar usando níveis por mestre a mistura, ok? E isso é aqui em baixo. E nós vamos para a seção de demissões porque queremos medir os amores da pista. Então, para fazer isso, vamos ter que ouvir toda a faixa. Então nós vamos ter que ouvir e assistir esses amores e depois voltar no final e ver que tipo de amor integrado ou médio são. Agora, lofts são como esses sites de streaming meio que medem sua faixa, ok , então YouTube, eu acho que ele aumenta para talvez menos 13. E então Spotify pode ser menos 14 e então eu não sei, deserto poderia ser menos nove. Todos eles têm seu próprio tipo de demissões nível que eles estão procurando. Então seus risos devem estar em qualquer lugar entre menos 14 e menos nove. Certo, esse é o tipo de alcance que vamos buscar. Se você estiver abaixo de menos nove, esses sites de streaming diminuirão sua trilha e isso pode acabar parecendo um pouco mais compactados. Por causa da corrida de compressão que YouTube ou Spotify ou D's são usados. E se você é tipo de, digamos acima menos 14, então talvez sua faixa esteja em menos 18. Esses sites de streaming vão tentar impulsionar sua trilha. E o que pode acontecer é que ele pode ficar distorcido ou pode acabar meio que perdendo qualidade. Então, por causa disso, certifique-se de que seus amores estão lendo em algum lugar entre menos nove e menos 14. Então agora vamos ouvir toda a faixa, tudo bem, todo o caminho. E no final, vamos verificar o que este Lux Meter está lendo. Ok? Eu só vou estender isso para que ele não tipo de volta em si mesmo. E podemos nos pausar quando a pista terminar. Certo, então vamos tocar no Play e assistiremos a essa mudança de medidor de amor. E então usar um termo técnico. E você vê de novo e de novo. Então vamos para a entrada. E isto é uma família. Então, se você se ajustar. Então, para determinar a antera, a primeira é uma quantidade muito, muito alta, uma grande quantidade. Ok, então se olharmos para o medidor de nível, podemos ver que os caroços estão em torno de menos 10,4. E isso é bom porque estamos entre o intervalo de menos nove e menos 13. Ok? Então menos dez é meio que do lado de fora. E então menos 13 iria além do lado mais silencioso de um mestre moderno. Agora você vai notar que tipo de no início da pista lá, este campo estéreo quando vermelho. E isso é porque temos uma espécie de calças elementos. Então, quando as faixas começam, este elemento é deslocado para a direita. Então o que acontece é que o campo estéreo é uma espécie de leitura que a faixa soa um pouco de deslocamento para a direita. Mas este é um computador, ok, e eu acho que a faixa soa bem como em, em termos de tipo de brancura e em termos de equilíbrio. Então vou ignorar isso. E isso é vermelho porque são unidades de volume. Ok, então que tipo de mede a diferença de volume entre o silêncio como papagaio na parte mais alta da sua pista. E isso está me dizendo que há um grande espaço entre as partes silenciosas e as partes permitidas da minha pista. Mas isso é a mesma coisa que o alcance dinâmico, certo? E depende de você de novo, este é um computador e eu gosto muito que a pista comece silenciosamente e então tipo de cresce para este tipo de seção de queda alta. Então eu vou ignorar este aviso também. Mas, por todos os meios, se você quiser que sua faixa seja um corredor alto verdadeiro, então você gostaria de manter um olho neste tipo de leitura, bem como para ter certeza de que não há muito de uma lacuna entre as partes mais silenciosas e as mais barulhentas de sua faixa. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na exportação da faixa. Ok, então quais configurações são melhores para quando você terminar com sua faixa e você estiver pronto para renderizá-lo para um arquivo WAV final. 135. Renderização final: Então, até agora temos composto, organizado, misturado e dominado nossa faixa EDM. O passo final neste processo de produção musical é realmente renderizar uma exportação da faixa. Então eu vou subir aqui para arquivar e exportar, ok? E vamos exportar um arquivo WAV. Um arquivo mp3 não tem qualidade suficiente. E o padrão da indústria para gravadoras e tipo de toda a indústria de áudio de qualquer maneira, é um arquivo WAV. Então vamos exportar isto e vamos dar-lhe um nome. Digamos que chamemos de ganso para o Mestre Final, certo? E então vamos acertar o Save. E então ele traz esta pequena janela. Certo, então podemos escolher se queremos exportar um padrão ou um completo afundado. Agora, eu quero as músicas completas, então eu vou deixar em plena cantada. Para a cauda, você deseja selecionar deixar restante ou embrulhar restante. Definitivamente não selecione o restante capturado. E isso apenas decide como o tipo real de final final dos efeitos são processados. Ok, então digamos que no final da sua faixa, você tem uma espécie de grande reverberação também. E você quer que o som da reverberação tipo de torcer para fora quando a pista termina. Bem, então você deve selecionar deixar restante, ok. Se você selecionar wrapper Mender, o que isso faz é pegar aquela cauda de reverberação e ele nos move para a frente de modo que se você estiver criando loops e coisas, a reverberação do final estará na frente para que todo o loop vai se misturar mais perfeitamente, ok? E cortar o resto apenas tipo de cortes que soam fora, ok? E você não quer que isso aconteça. Então definitivamente quer escolher, deixar um rap, mas se você está tipo de renderizar o sol cheio, definitivamente selecione sair, resto. Em seguida, vamos nos certificar de que a pista está em onda. E eu posso ver que é. Vamos definir a profundidade de bits, ok, então qualquer lugar acima de 24 está bem. 16 bits é um pouco baixo demais, ok, isso é meio que voltar no tempo para a era dos CDs. Então, definitivamente, para uma música moderna, você quer definir a profundidade de bits em qualquer lugar tipo de acima de 24. Ok, eu vou colocar o meu um flutuador de 32 bits. E isso só significa que 32 bits realmente não existe ainda, mas o software vai tentar emular esse som. Em seguida, podemos escolher tanto estéreo, mono mesclado Mano esquerda apenas, ou mono write-only. Então, para uma versão mestre final, vamos escolher estéreo, ok, re-amostragem. Queremos isso o mais alto possível. Queremos a mais alta qualidade que podemos obter, QG para todos os plugins. Então de alta qualidade para nossos plug-ins e desativar a polifonia máxima. Então, se você estiver usando talvez como um som de piano e um tipo de tem uma quantidade máxima de teclas que você pode tocar ao mesmo tempo. E digamos que são cinco. Isso irá apenas desligar isso para que se você tiver um padrão com dez teclas jogando ao mesmo tempo, permita que o renderizado para este Mestre final. Em seguida, vamos desativar esses marcadores de playlists salvos. E o que isso faz é quando você renderizar na faixa final, se você tiver você introdução detalhamento cair aqui, que vai realmente renderizar para o arquivo de áudio. Então seu arquivo de áudio terá esses pequenos marcadores amarelos, mas não queremos isso na versão final. Então vamos desligar isto e certificar-nos de que as faixas de misturador divididas estão desligadas. Ok, se isso estiver ligado, o que acontece é que o software irá renderizar cada faixa individual separadamente. Então você vai acabar com caules, ok, então você vai acabar com o tambor e uma zona. Você vai acabar com os vocais por conta própria. Você vai acabar com as chaves elétricas por conta própria. Portanto, certifique-se de que isso está desativado para que você acabe com um arquivo de áudio no final. Isso é meio que isso é uma versão mesclada de todos esses elementos separados. Ok? Certifique-se de aparar os silêncios PDC, ok, porque o estúdio NFO, o que acontece é enquanto você está misturando, digamos que o software vai tentar combater a latência. Então, se você estiver usando um tipo de plug-in pesado, isso poderia fazer esse elemento entrar na hora errada. Então, o que o FL Studio faz é adicionar silêncio em certos elementos para que tudo seja reproduzido ao mesmo tempo. Mas quando estamos fazendo o Mestre final, não queremos aquele silêncio lá no caso de um tipo de bagunçar o tempo de nossa pista. Portanto, certifique-se de que aparar PDC, Ilhas CG está ligado. E, em seguida, você apenas certifique-se de que seus efeitos de inserção estão habilitados. Então, estes são os que você está usando quando você está misturando e certifique-se de que seu efetor mestre habilitado. Então estes são o tipo de, então estes são apenas os efeitos que temos no canal mestre que estamos usando para masterização. Ok, a seguir vamos descer e vamos começar. E o software começará a renderizar sua pista de EDM dominada final. 136. BÔNUS envio à sua faixa para etiquetas: Então você está sentado em uma faixa que você realmente quer enviar para gravadoras. Como fizemos isso e qual é o formato correto? Bem, na verdade é bem simples. Primeiro, carregue sua trilha para um site de streaming. Soundcloud realmente funciona melhor para este processo. Então eu aconselho você a usar isso para sua transmissão privada do link. E isso me leva ao meu próximo ponto, que é você sempre deve tornar sua trilha carregada privada. Ok? Etiquetas não vai liberar, atrair que alguém pode ter ouvido antes. Portanto, certifique-se de que a sua demonstração é carregada como privada. Você também deve habilitar downloads para que o rótulo possa facilmente baixar sua faixa e testado para garantir que todos os níveis estão com boa aparência. Faça alguma pesquisa e encontre uma etiqueta adequada para enviar sua trilha. A gravadora deve lançar seu gênero de música. Então você sabe, não mande uma faixa de casa para a gravadora Dubstep. Agora, se você é um artista muito pequeno, tente encontrar gravadoras menores para liberar sua música. Uma grande gravadora geralmente não assinará com pequenos artistas, mas as gravadoras menores às vezes podem estar com pouca entrada no Demos, e a sua terá uma chance maior de ser escolhida se for boa o suficiente. Além disso, a partir daqui, você pode realmente trabalhar o seu caminho até a escada de rótulos. A maioria das gravadoras falam umas com as outras e você tem uma chance maior de ser descoberto se você estiver assinado com uma gravadora, em vez de ser independente. É um pouco como ser um jogador de futebol. Se você for contratado para um clube menor, os grandes clubes estarão procurando talentos não descobertos para que você possa jogar no time deles. Assim que encontrar a etiqueta para a qual deseja enviar a sua demonstração, estamos prontos para escrever o e-mail. Então mantenha isso curto e doce. Certo, apresente-se como artista. Que tipo de música você faz, e algumas referências relevantes a todas as gravadoras que você já assinou duas antes, ou quaisquer outros artistas que apoiem você e sua música, em seguida, dê a eles uma breve descrição da faixa. É uma pista forte e de alta energia electro house? Ou é uma pista subterrânea? Deixe-os saber a vibração antes mesmo de ouvirem. Finalmente, basta inserir o link para sua demonstração privada e assinar com um agradecimento e seu nome. Agora você pode usar o nome do seu artista ou o seu nome verdadeiro aqui. Realmente não importa. Eu não recomendaria enviar sua demo para mais de uma etiqueta de cada vez. Ok? Porque se cinco rótulos responderem e todos eles assinarem sua faixa, pode ser particularmente estranho ter que explicar a quatro deles que você está indo com um rótulo diferente. E isso pode realmente irritar alguns rótulos e você pode acabar recebendo seu nome na lista negra por eles ou quaisquer rótulos com os quais eles estão associados. Então, mantenha-o para um de cada vez e apenas aproveite o processo. Espero que este conselho tenha ajudado e desejo-lhe o melhor caça rótulo maduro. Há um link para um site muito útil anexado a esta palestra bônus onde você pode ir e procurar rótulos em seu gênero. Você também pode facilmente organizá-los por seguidores do SoundCloud ou gostos do Facebook. Então, se você está procurando por uma etiqueta menor, ou talvez você está procurando por uma etiqueta maior. Você pode facilmente encontrá-los neste site. Então boa sorte, e espero que assinem com a gravadora dos seus sonhos. 137. A validade: Então esta é a dicção válida, ou em outras palavras, o grande adeus. Você chegou ao final do curso e agora sabe tudo o que você precisará para criar uma faixa profissional de EDM. Eu realmente espero que você aprenda algo ao longo do caminho e apreciou as palestras e tutoriais ao longo. Agora, se você não fez ou você acha que eu poderia melhorar algo, por favor, não hesite em me informar para que eu possa corrigir isso e fazer melhorias em meus cursos futuros. Além disso, estou genuinamente animado para ouvir cada uma das suas faixas finais de EDM e ver o quão longe você chegou desde o primeiro projeto. Então, o que vem a seguir para você depois deste curso? Bem, a partir daqui, você pode continuar a criar faixas de EDM, aprender mais e realmente empurrado para se tornar o melhor que você pode ser. Certifique-se de se juntar ao meu grupo no Facebook, música BL e som para entrar em uma comunidade de colegas produtores de música que, como você, querem aprender e melhorar seu som. Você também pode fazer upload de qualquer tipo de projetos futuros em que você está trabalhando e compartilhá-los com outros alunos que fizeram meus cursos. Você pode então pedir feedback construtivo do grupo para realmente ajustar seu som. Lembre-se, muitos pares de orelhas são melhores do que um. Além disso, não se esqueça de deixar um comentário. Se você gostou do curso e aprendeu algo novo, certifique-se de criá-lo para que outros produtores de música possam nos encontrar e aprender algumas das mesmas coisas que você fez. Finalmente, eu só queria dizer obrigado por dedicar o tempo para concluir o curso, e eu realmente espero vê-lo novamente em alguns cursos futuros. Cuide-se e produzindo felizes.