Criação de beats no FL Studio: masterclass de produção musical — criar beats, mixar músicas e masterização

1. Introdução ao curso: Você passa horas no FL Studio só para acabar com isso? Mãe, ele. Está tudo bem Está tudo bem Todos nós já estivemos lá. Mas e se eu dissesse que você pode transformar isso em batidas que batem, vendem e se destacam Bem, esse curso é exatamente isso. É o seu guia definitivo para criar batidas que soem profissionais. Mesmo se você for apenas um iniciante, veja como funciona. Passo a passo, eu conduzo você por todas as partes do processo. Começamos criando tambores que saltam. Em seguida, criamos melodias e acordes que ficam na sua cabeça e oito oh oito para fazer Nós transformamos amostras como um profissional, transformamos loops em músicas completas e aprendemos a mixar e masterizar para fazer com que tudo pareça limpo Acho que você precisa de equipamentos sofisticados, você não precisa. Acha que precisa de algum tipo de mágica para criar batidas nas quais os artistas realmente queiram tocar rap? Não. Tudo que você precisa é o FL Studio e um plano, e eu vou te dar os dois. No final, você terá uma pista totalmente polida e pronta para o setor e as habilidades para fazer isso repetidamente . Você passará de amador a criador de sucessos e talvez até seja pago ao longo do caminho Então pare de se esforçar com loops, participe do curso e comece a criar faixas que façam sucesso 2. Usando o FL Studio com habilidade: Vamos mergulhar nos fundamentos do FL Studio. Vou guiá-lo passo a passo, dividindo tudo em partes práticas digeríveis Então, acompanhe enquanto exploramos as principais ferramentas e as técnicas de fluxo de trabalho que farão de você um profissional. Agora, este não é um curso focado no FL Studio, então não vou abordar coisas realmente detalhadas, como menus e alguns tipos de ferramentas obscuras que você pode usar Estou focado no essencial e nas coisas que você precisa para criar batidas profissionais Portanto, a primeira coisa a fazer quando o software é aberto é verificar se você selecionou o driver de áudio correto em opções e configurações de áudio. Então, as opções estão aqui no canto superior esquerdo. Configurações de áudio. Vou dar uma olhada aqui no driver ou dispositivo e vou me certificar de que ele esteja selecionado de acordo com o que eu quero que seja selecionado. Portanto, se você estiver usando fones de ouvido externos ou talvez os alto-falantes do laptop ou uma interface de áudio ou o que quer que esteja usando, é necessário configurar o driver de áudio FL Studio para o dispositivo que está usando. Então, para mim, é o fluxo quântico da JBL. Em seguida, certifique-se de que sua taxa de amostragem seja 44,1 ou 44100 ou Agora, eu recomendo usar 48.000, mas o 44.1 também funcionará A taxa de amostragem é basicamente como taxa de quadros em jogos ou filmes e TV, em que o conversor digital captura, suponho, quadros ou amostras como são chamados, do áudio. E quanto maior a taxa de amostragem, mais amostras ou costeletas são necessárias Então, como você pode imaginar, se você compará-la a uma taxa de quadros, quanto mais alta, mais suave e de alta qualidade, e quanto mais baixa for, menos suave e menos alta qualidade No entanto, não se limite a configurar isso ao máximo, porque, antes de tudo, sua CPU realmente terá dificuldades. E em segundo lugar, nenhum dos pacotes de amostra que você compra terá essa taxa de amostragem E isso significa que o software então precisa tentar converter as amostras que você tem para essa alta taxa de amostragem que você definiu. Portanto, o padrão da indústria no momento é realmente 48 kilohertz, mas a maioria das amostras que você encontrará on-line e outras coisas estarão em Então, qualquer um desses dois é perfeito. E, por fim, com o comprimento do buffer aqui, certifique-se de que ele esteja configurado o mais alto possível Quando se trata de gravação, vamos definir isso um pouco mais baixo. Mas, definitivamente, quando estamos trabalhando com plug-ins e tentando processar áudio dentro do software, o tamanho do buffer deve ser definido o mais alto possível Agora, a sua pode não chegar tão alta quanto essa, 4.096 amostras. Depende apenas do driver ou da interface de áudio que você está usando aqui. E, por enquanto, é só com isso que precisamos nos preocupar. A próxima coisa que você pode fazer é talvez definir o BPM do seu projeto. Agora, o problema com as batidas é que há uma grande variedade de BPM que você pode escolher A maioria das batidas fica entre 70 e 140 BPM, então essa é uma faixa muito, muito grande Então, idealmente, você analisaria o tipo de subgênero que deseja produzir e, em seguida, verificaria qual é o ritmo médio desse gênero Então, por exemplo, se estivermos fazendo música trap, provavelmente será ambientada em torno de 140 Ok, agora vamos examinar a interface. Então, no lado esquerdo, temos a janela do navegador. Este é um painel no FL Studio onde você pode acessar suas amostras, plug-ins, clipes de automação, arquivos de projeto e muito mais Pense nisso como uma biblioteca de criação de batidas. Então, a partir daqui, por exemplo, podemos encontrar uma amostra. Vamos encontrar uma, uma batida de bateria, talvez um aplauso. E podemos ouvir as palmas que quisermos usando as No teclado, digamos que eu goste desse, podemos arrastá-lo para o rack de canais. Você também pode arrastar do seu navegador diretamente para a playlist para ver coisas como efeitos, loops e vocais mais longos e coisas assim A seguir, veremos o rack de canais. Você pode pensar nisso como o centro de controle de seus instrumentos, amostras de bateria e padrões. Então, no momento, o meu está configurado para áudio. Vou trazer isso de volta para todos para que eu possa ver tudo o que tenho no projeto, e vou analisá-lo brevemente. Então, no lado esquerdo, temos um botão panorâmico. Bem, primeiro de tudo, temos um botão de ativar e desativar o som, que eu realmente não uso aqui Eu uso principalmente o mute e unmute e o mixer, mas está lá se você quiser Em seguida, temos o botão panorâmico, para que possamos mover o instrumento da esquerda para a direita Também temos um botão de volume ou ganho. O número aqui indica em qual canal o instrumento está. Então, neste caso, é o chute de direita contra direita. Indica a qual canal esse instrumento está vinculado no mixer. Então, no momento, o chute oito e oito está no Insert one, pois está vinculado ao Canal um, como você pode ver. Mas essa amostra que eu arrastei para lá anteriormente não tem canal de mixagem Então, só para demonstrar, se eu der alguns chutes, você o verá se registrando lá no Canal 1 Mas se eu tirar algumas palmas, ele não será registrado em nenhum lugar, exceto no mestre Portanto, cada linha é um canal e é um som diferente, uma amostra diferente, um instrumento diferente ou instrumento diferente ou áudio diferente que você arrastou Então, com isso, você pode clicar nessas pequenas luzes aqui. Eles são chamados de etapas. E cada cor diferente, então temos o cinza e o vermelho. Eles representam uma batida em um bar. Então, como você pode ver aqui, há quatro. Há cinza, vermelho, cinza vermelho, que é quatro, então são quatro batidas, o que significa que esse rack de canais está atualmente configurado para tocar 1 barra Então, se você quiser expandir isso, basta arrastar o rack de canais para fora. Então agora são 2 barras porque eu adicionei mais quatro, então são oito, e você pode fazer isso de novo se quiser 12 ou 16 e assim por diante. Você também pode clicar nessas etapas para criar padrões de bateria. Então, se eu quiser meu chute de oito oh oito aqui para jogar na primeira batida da barra e depois talvez na metade da terceira batida, eu o colocaria E você pode desenhar em uma batida básica e simples como essa. Em seguida, clique com o botão direito para remover o que você já desenhou. Para adicionar sintetizadores, VSTs ou instrumentos, você vem aqui à esquerda e clica em Adicionar, e ele aparecerá com uma lista do que você instalou e de todos os instrumentos padrão do FL Studio Então, por exemplo, se eu trouxer, sei lá, FLKs aqui, eles serão carregados e, como você pode ver, eles foram adicionados aqui na parte inferior do rack de canais Então, com os FLKs, realmente não funciona simplesmente desenhar esses pequenos passos, porque tudo vai tocar uma nota Então, para alterar o tom, clique com o botão direito no instrumento e abra o rolo do piano. Então, agora estamos em uma visão diferente. É aqui que você cria e edita melodias, acordes e ritmos avançados Então, é muito fácil clicar para adicionar uma nota. Você pode arrastá-lo. E como você pode ver, se eu ampliar aqui, essas linhas combinam com as cores que estávamos procurando anteriormente. Então, se eu mostrar as duas ao mesmo tempo, temos essas linhas mais grossas que representam uma batida, e temos essas linhas menores que representam um passo Então, temos quatro etapas na primeira batida e, novamente, aqui, temos uma, duas, três, quatro etapas na primeira batida. Os números das barras são mostrados aqui na parte superior. Então, se você quisesse 4 barras, teria que fazer seu padrão tão longo quanto cinco. E isso é porque a primeira barra está aqui, segunda barra está aqui, a terceira barra e depois a quarta barra, e ela voltaria. Então esse é o seu laço de quatro barras. E então, por exemplo, se tocarmos, sei lá, uma melodia aleatória aqui. Assim. Se você segurar Command no Mac ou Control no Windows, poderá soltar todas as notas que desenhou e duplicá-las pressionando a tecla Shift Acabei de duplicá-los, duplicá-los novamente, duplicá-los novamente e, não sei, você pode fazer pequenos ajustes para criar um loop de quatro barras Em seguida, você pode fazer mais controles como ajustar a velocidade, ou seja, com que intensidade as notas estão sendo tocadas, algo assim Agora, isso pode ser um pouco extremo ou pouco musical, mas é só para demonstrar E com esse tipo de seção de controle, você também pode controlar coisas como panorâmica e inclinação. Na seção de acordes e melodias, mostrarei mais algumas coisas legais que você pode fazer no piano roll Mas, por enquanto, acho que isso é suficiente para ter uma ideia básica de como desenhar e editar notas. Então, depois de criar seu padrão ou loop aqui, podemos trazê-lo para a janela da playlist. Opa. Então, aqui é onde você seleciona o padrão que deseja colar na playlist. Então, o padrão um é apenas o padrão que estávamos usando, mas podemos renomeá-lo se quisermos , sei lá, piano E então podemos colar isso na nossa playlist. E a partir daí, você pode desenhá-la quantas vezes quiser, você sabe, para decifrar uma faixa totalmente arranjada. Então, por exemplo, se deixássemos o piano assim e talvez criássemos um novo, encontre o próximo padrão de bateria vazio. Vou abrir o espaço vazio, e podemos desenhar o mesmo padrão que tínhamos antes. Acho que foi algo assim. Coloque alguns chapéus extras no final ou algo assim. E agora podemos fazer um pequeno arranjo. E se você ainda não percebeu, seus padrões também aparecem aqui no lado esquerdo, então eu posso colar rapidamente em um tambor ou posso colar rapidamente em um piano apenas alternando entre os diferentes padrões que você acumulou aqui no lado esquerdo Além disso, outras coisas que você pode fazer na visualização da playlist são criar clipes de automação Então, digamos que eu queria que esse piano saltasse da esquerda para a direita à medida que a faixa progredia Eu clicaria com o botão direito do mouse no botão panorâmico. Assim, você pode clicar com o botão direito do mouse na maioria das coisas no FL Studio, você pode clicar com o botão direito do mouse em. Alguns dos plug-ins de terceiros, você não pode, mas mostrarei como criar clipes de automação neles à medida que o curso continua Mas, no momento, se você clicar com o botão direito em qualquer parâmetro no software FL Studio ou nos plug-ins padrão, ele abrirá esse menu e você poderá clicar em Criar clipe de automação para desenhá-lo, e então podemos desenhar algumas panorâmicas para fazer o piano pular da esquerda para a direita Então eu poderia cortar isso porque fiz um pequeno laço para mim, fatiá-lo E, novamente, posso simplesmente descrever isso em todo o arranjo. E, finalmente, apenas para uma edição rápida, você pode clicar duas vezes em um clipe e ele abrirá tudo o que compõe esse clipe Portanto, você evita que você precise clicar com o botão direito aqui e tentar encontrar o que está procurando em qualquer lugar dentro da visualização do playiss Digamos que temos nossa bateria aqui, basta clicar duas vezes nela, e ela abrirá imediatamente e poderemos editar e poderemos Então, digamos que eu não goste desses rolos de chapéu de alta qualidade, e eu só quero simplificar um pouco , podemos fazer isso dessa forma também. Quanto ao tipo de ferramentas de desenho e coisas assim, as únicas que eu realmente uso são a ferramenta de pintura e a fatia. É só isso. Porque com essa ferramenta de seleção, você pode simplesmente manter o comando ou o controle como faria no piano roll, e o resto são coisas meio especializadas que eu realmente não uso. Mas, de qualquer forma, se você quer fazer algo específico que eu não abordei aqui, basta me mandar uma mensagem, e eu poderei explicar como fazer o que você quer fazer. Agora, digamos que eu acho que a bateria está um pouco alta e o piano está um pouco quieto O que podemos fazer é adicioná-los ao mixer e ajustar seus níveis de fader Então, por padrão, o FL Studio tem esses chutes e aplausos de oito e oito, chapéu alto e tarola, e eles já estão atribuídos a diferentes faixas de mixagem Mas o que trouxemos é que os FLKYs não têm faixa de mixagem. Portanto, você pode usar esse tipo de roda para desenhar a faixa do mixer de números à qual deseja atribuí-la, ou pode abrir o plugue, clicar nessa pequena roda de configurações e atribuí-la à próxima faixa em branco. Então, neste caso, ele vai atribuí-lo ao canal seis. E aí está. Da mesma forma, por exemplo, se você tem, eu não sei, vamos ver se temos algum tipo de loop aqui, atmosfera. Digamos que esteja tocando em segundo plano, um pouco alto. Se você quiser adicionar isso ao mixer, clique duas vezes nele. E, novamente, essa pequena janela aparecerá e apenas selecionará a faixa e a atribuirá à próxima faixa vazia do mixer. A partir daqui, podemos soltar coisas ou silenciar coisas E também podemos ajustar o volume. Então, como eu estava dizendo, talvez a bateria esteja um pouco alta. Eu posso baixar o volume de todos eles. Talvez eu também possa diminuir o volume da atmosfera e ouvir. Além disso, com o mixer, também podemos adicionar nossos efeitos. Então, o que você quer fazer é clicar no que quiser adicionar um efeito. Então, neste caso, as FLKeys vão até os diferentes slots de efeitos, abrem um deles e ele aparecerá com todos os efeitos que você tem e todos os efeitos padrão do FL Studio Então, por exemplo, talvez queiramos adicionar um flanger a esse piano, e podemos usar uma distorção móvel predefinida aleatória e ver como isso Para coisas como reverberação, podemos clicar com o botão direito do mouse em qualquer tipo de faixa de mixagem vazia Então, por exemplo, eu sei Inserir dez, aqui está em branco, então eu posso clicar com o botão direito nele e dizer Doc dois à esquerda ou à direita, que você preferir, prefira o meu no lado direito Então, agora isso vai ficar do lado direito, não importa onde eu role. E com este, eu posso abrir algo como um reverb ou um delay Talvez vamos abrir um atraso. E a partir daí, por exemplo, se eu quiser que vários instrumentos usem esse mesmo atraso, posso simplesmente clicar no que eu quero enviar para o atraso e enviá-lo até aqui com esta pequena seta, e posso ajustar quanto desse instrumento é enviado para o atraso. Então, por exemplo, talvez os FLKs. Acho que o Insert two é o aplauso. Pelo que me lembro, vamos colocar isso e talvez os chapéus altos um pouquinho Vamos ver como isso soa. Portanto, usar esse método de enviar faixas é muito melhor para coisas como reverberação e atraso, onde você provavelmente enviará e atraso, onde você provavelmente enviará vários instrumentos diferentes para o mesmo plugue Você não quer abrir essa reverberação em cada canal individual porque isso consumirá sua CPU Então, por exemplo, se você carregar um reverb nos FLCs e depois carregar o mesmo no aplauso e o mesmo no chapéu alto, três instâncias do reverb, enquanto você pode simplesmente abri-lo uma vez aqui em uma faixa de Sent e enviar os instrumentos individuais E, finalmente, você também pode ajustar a panorâmica para a esquerda ou para a direita. E você pode adicionar efeitos à sua masterização quando se trata de masterizar a faixa Novamente, aprenderemos um pouco mais sobre isso ao longo do curso. Mas, por enquanto, essa é apenas uma visão geral básica de como usá-lo, se você não o fez antes. Finalmente, vou te dar uma pequena dica profissional. Ou seja, se você descobrir que está usando muitos instrumentos e muitos efeitos diferentes e seu software está começando a se deparar com o que é chamado de efeitos diferentes e seu software underruns , que, em um nível básico, são apenas sons de crepitação e gagueira, porque sua CPU não consegue acompanhar Você pode vir até aqui para comprar ferramentas. Eu continuo fazendo isso. Você pode ir até Tools down to Macros, que está aqui E no meio dessa lista suspensa, há algo chamado Switch Smart Disable para todos os plug-ins Se você achar que sua CPU está ficando vermelha aqui em cima, tente fazer isso. Isso basicamente desligará os plug-ins que você não estiver usando no momento e tentará economizar um pouco mais de CPU. Mas, por enquanto, acho que temos uma noção básica de como o software funciona, e você deve saber o suficiente agora para que, se estiver me acompanhando durante todo o curso, saiba o que estou fazendo e possa acompanhar. 3. A mentalidade do produtor: Nesta palestra, vamos mergulhar em um dos mais importantes, mas muitas vezes aspectos mais importantes, mas muitas vezes esquecidos, da produção musical, a mentalidade de um produtor Trata-se de desenvolver seu gosto, dominar a seleção de sons e construir uma identidade única como produtor, especialmente em gêneros como trap, hip hop, drill e just beatmaking Se você já se perguntou o que separa os bons produtores dos excelentes, não são apenas as habilidades técnicas, é a mentalidade deles e a forma como abordam seu ofício. Então, vamos analisar isso. Resumidamente. Por que sua mentalidade é importante Em primeiro lugar, seu gosto define seu som. O tipo de batida que você gosta e os artistas que você admira, você sabe, os sons que você acha inspiradores, todos eles moldam sua Desenvolver seu gosto é o primeiro passo criar músicas que pareçam autênticas para você. A seleção de som pode criar ou quebrar uma faixa. Uma batida bem elaborada com os sons errados pode falhar, enquanto até mesmo um simples loop com os sons certos pode ser forte Uma boa seleção de som representa cerca de 80% do processo, e sua identidade o diferencia. Os produtores mais bem-sucedidos acham que Metro Boomin Southside ou Boy Wonda são Isso não é porque eles seguem tendências, mas porque constroem seu som em torno de sua própria identidade. mentalidade é a base de tudo o mais que aprenderemos neste curso Então, agora vamos nos aprofundar um pouco mais sobre eles e explorar como você pode desenvolver o seu. Desenvolver seu gosto como produtor começa com a compreensão do que ressoa em você musicalmente Então, veja como você pode aprimorar isso. Ouça com atenção. Não ouça apenas um estilo ou um gênero. Você pode adorar trap or drill, mas explorar ORMB jazz ou até mesmo EDM pode apresentar novas ideias e novas técnicas que você pode incorporar ao seu ritmo. Estude as grades. Divida as batidas de seus produtores favoritos e pergunte a si mesmo: o que faz suas melodias se destacarem Como eles estruturam seus tambores? Qual o papel dos efeitos e da mixagem em seu som? Acompanhe os sons, instrumentos e efeitos que você adora. Pode ser um piano corajoso de oito sobre oito ou piano comovente ou almofadas atmosféricas, mas E o último ponto é treinar seu ouvido para reconhecer o que funciona em uma mistura. Isso significa prestar atenção aos pequenos detalhes, como o tom de um chapéu alto ou a cauda de um reverb. Agora, desenvolver seu paladar pode levar tempo, mas cada batida que você fizer o deixará mais perto de entender suas preferências exclusivas. Em seguida, temos a seleção de som de masterização. A seleção de som é uma das habilidades mais importantes que você desenvolverá como produtor. Não se trata de ter mais sons. Trata-se de escolher os corretos. Portanto, concentre-se na qualidade em vez da quantidade. Não se surpreenda com essas enormes bibliotecas de som e, em vez disso, concentre-se em encontrar sons de alta qualidade que inspirem você É melhor ter alguns kits de bateria excelentes do que 1.000 medíocres. Em seguida, vem o contexto. Então pense em como os sons funcionam juntos. Por exemplo, uma direita sobre a direita distorcida provavelmente colidirá com um kiktrm distorcido Chapéus altos brilhantes e brilhantes podem não caber em uma melodia escura e Além disso, cada gênero tem, você sabe, sons exclusivos. Por exemplo, a armadilha geralmente tem oito a oito e oito, armadilhas afiadas e chapéus altos Drill tem melodias sombrias e sinistras deslizantes de oito a oito, e uma percussão esparsa, e Bomba terá toques corajosos, texturas melodias sombrias e sinistras deslizantes de oito a oito, e uma percussão esparsa, e Bomba terá toques corajosos, de vinil e amostras cortadas. de vinil e amostras cortadas. Aprenda os alimentos básicos, os ingredientes e depois experimente com eles em seu próprio ritmo E isso me leva ao meu último ponto aqui: nunca parar de experimentar, misturar sons em três camadas, adicionar efeitos inesperados ou inverter amostras de maneiras estranhas e não convencionais Algumas das músicas mais legais vêm de acidentes felizes. Quando sua seleção de som estiver correta, suas batidas se destacarão antes mesmo de você começar a mixar E então temos o que o diferencia como produtor, sua identidade. Encontre sua assinatura. Sua assinatura pode ser qualquer coisa. Você sabe, uma progressão de acordes específica, uma maneira única de processar seus oito oh oitos e até mesmo uma etiqueta de produtor ou um corte vocal específico que você usa em Basta encontrar algum tipo de tema comum que você possa incluir em todas as suas batidas O próximo passo é manter a consistência. A maioria dos produtores meio que revira os olhos ao ouvir essa música, mas, honestamente, a consistência é fundamental para criar um som reconhecível E isso não significa que todas as batidas precisem soar iguais, mas deve haver apenas um tópico ou, como eu disse, um tema que une sua música. Mas se você estiver praticando ativamente o que abordamos nos dois últimos slides, isso acontecerá naturalmente O próximo passo é abraçar suas influências. Não evite que suas influências tentem ser diferentes, mas também não as copie Use-os como base para construir algo que pareça exclusivamente E isso não precisa estar no mundo do beatmaking. Quero dizer, sua influência pode ser, eu não sei, música clássica como Chikovski ou talvez uma banda de heavy metal como Não há nada que impeça você de se inspirar nessas influências e depois tentar incorporá-las ao seu próprio som. Há também outras influências, como influências culturais. Você sabe, para mim, isso provavelmente seria música irlandesa e instrumentação irlandesa e o tipo de compasso que são usados na Eu poderia pegar muitas dessas ideias e técnicas e tentar incorporá-las às minhas batidas para criar um som único Então, outro exemplo, estou atualmente na Austrália, então talvez eu pudesse incorporar um digerid como uma espécie de almofada atmosférica embaixo da almofada atmosférica embaixo E, por fim, é experimentar e evoluir. Permanecer consistente não significa ficar estagnado, ok? Portanto, continue ultrapassando seus limites, incorporando novas técnicas e tentando evoluir É a sua identidade que fará com que os artistas queiram trabalhar com você e é o que fará com que os ouvintes voltem ao seu Então, vamos dar uma olhada em alguns exercícios práticos para tentar aprimorar sua mentalidade Então, o primeiro é beat breakdowns. Escolha uma faixa que você adora e tente recriá-la. Essa é uma ferramenta incrível. Você realmente aprenderá sobre seleção, arranjo e mixagem de som fazendo isso. O próximo passo é tentar se limitar. Você sabe, desafie-se a fazer uma batida com apenas cinco sons. Isso forçará você a se concentrar na qualidade e na criatividade. Outro exercício que muitos produtores fazem é fazer uma batida por dia, mesmo que sejam apenas 16 compassos. Essa consistência ajudará você a refinar seu gosto em seu fluxo de trabalho e também criará um conteúdo muito bom para mídias sociais O próximo passo é pedir feedback. Compartilhe suas batidas com pessoas que você conhece. feedback verdadeiro e honesto pode realmente revelar áreas em que você precisa melhorar. E, finalmente, uma das coisas mais poderosas que eu mesmo faço é criar uma playlist de faixas que realmente inspirem você. Então, quando você estiver se sentindo desmotivado ou não souber realmente para onde suas batidas deveriam estar indo, você pode usá-lo para guiar seu som e medir seu progresso Para mim, pessoalmente, minha playlist de referência está cheia de artistas aleatórios, músicas, peças clássicas, todos os gêneros e sons diferentes misturados Às vezes, nem é a música que eu gosto, mas a progressão de acordes, ou talvez eu apenas goste do som do sintetizador nela, ou apenas goste do som da bateria Mas qualquer coisa assim, eu apenas adiciono à playlist. Quanto mais intencional você for com sua mentalidade, mais você crescerá como produtor Então, pouco antes de terminarmos, vou recapitular. Seu gosto define sua voz única. Sua seleção de som mostra sua atenção aos detalhes, e sua identidade é o que faz com que as pessoas reconheçam e se lembrem de sua música. Continue refinando e trabalhando nesses elementos, e você não só criará músicas melhores, mas também construirá um legado como um grande produtor 4. Não comece com a bateria: Então, bem-vindo à primeira palestra na seção de programação de bateria E eu queria colocar essa palestra aqui porque achei que ela teve o maior impacto Então, a primeira aula na seção de programação de bateria é, na verdade, sobre não começar com a bateria Esse pode ser um dos maiores erros na criação e produção de batidas. Agora, eu entendi. bateria é o coração da maioria das faixas, especialmente em gêneros como trap, hip hop Mas a realidade é que começar pela bateria pode realmente encaixar você É fácil cair na armadilha de ficar preso em um ritmo previsível, especialmente se você não está se sentindo inspirado ou está apenas copiando o que viu nos tutoriais de outras pessoas Então, por que você não deveria começar com a bateria? Bem, primeiro de tudo, você acaba em um padrão previsível. Quando você começa com a bateria, é fácil cair na armadilha de usar, você sabe, os mesmos padrões de oito e oito, os mesmos padrões de oito e oito, um papel típico de chapéu alto ou outro tipo de loops genéricos Começar com a bateria pode classificar sua criatividade em uma estrutura rítmica muito específica e Você também acaba com a falta de contexto musical. bateria é extremamente importante impulsionar o ritmo e a energia, mas não fornece contexto harmônico ou melódico Então, se você começar com a bateria, estará basicamente colocando a carroça na frente do cavalo Você não terá uma direção clara para o resto dos elementos da sua faixa, e a bateria acabará se sentindo meio desconectada de outras partes da E, finalmente, isso apenas torna você muito menos flexível. Quando você começa com uma melodia, progressão de acordes ou amostra, você tem muito mais espaço para experimentar os outros elementos da faixa Você não está preso a esse ritmo e está livre para explorar diferentes direções que complementam a ideia musical em que está trabalhando. Então, por causa disso, eu recomendo começar com uma ideia. Se você começar com uma ideia, poderá definir o clima instantaneamente. Qualquer amostra, progressão de acordes ou melodia com a qual você comece definirá imediatamente o clima da faixa Quer seja sombrio triste, enérgico ou comovente, sua ideia definirá o tom e, em seguida, a bateria seguirá o exemplo Sem essa base sólida, sua bateria pode acabar parecendo deslocada Também permite criar um gancho forte. Sua ideia inicial geralmente acaba sendo o gancho da pista. Então pense nas suas músicas favoritas. O que chama a atenção de você. Geralmente é a melodia ou a amostra Não é o tambor que focar primeiro na ideia, você está garantindo que o núcleo da sua faixa seja memorável e impactante Então, a ideia pode inspirar como a bateria deve soar. Então, começar com a ideia não significa ignorar a bateria Significa apenas que a bateria será inspirada na base musical Então, uma vez que você tenha sua progressão de acordes ou sua amostra ou o que quer que esteja usando, a bateria seguirá o ritmo e a vibração naturais e a vibração Então, eles complementarão a sensação da faixa em vez de meio que ditá-la E isso ajudará você a se destacar da multidão. Muitos tutoriais e produtores começarão com a bateria E mesmo que essa abordagem possa funcionar em certos casos, geralmente leva a batidas sonoras genéricas Ao inverter a ordem e começar com algo musical, você naturalmente se distinguirá e distinguirá seu som das faixas típicas, você sabe, padronizadas que você pode ouvir em qualquer outra loja de músicas e playlists Então, se não estamos começando com a bateria, com o que começamos? Então, vamos ver algumas das melhores opções. Em primeiro lugar, temos amostras. Essa é uma maneira incrível de estimular sua criatividade, seja um toque vocal, um loop de uma música antiga ou um som aleatório que chama Uma amostra pode oferecer possibilidades infinitas. A beleza de começar com uma amostra é que ela geralmente carrega seu próprio ritmo e vibração, oferecendo um ótimo ponto de partida Então, com isso, você está procurando por ressonância emocional. Então, você sabe, como um vocal solo vintage ou um riff de guitarra rápido, algo que meio que ressoa emocionalmente algo que meio que ressoa emocionalmente Então você pode cortá-lo e transformá-lo em algo novo. Portanto, não basta colocá-lo em seu projeto, dividi-lo, você sabe, mudar o tom, invertê-lo , adicionar alguns efeitos e realmente personalizá-lo. E qual é o melhor lugar para encontrar amostras? Bem, eu realmente recomendo Lupermen. Esta é uma plataforma gratuita com uma enorme coleção de loops e amostras gratuitos enviados por usuários Você pode encontrar de tudo, desde loops de hip hop a golpes de sintetizador, freios a tambor, música clássica todos os tipos É realmente uma mina de ouro para amostras grátis. Além disso, você tem coisas como splice para, você sabe, amostras de como splice para, você sabe, qualidade premium, track lib Esse é um serviço que permite que você extraia legalmente músicas diretamente das faixas originais e barulho. NOIIZ, outra plataforma baseada em assinatura que fornece amostras de alta qualidade Em seguida, para ideias, temos acordes. Então, começar com acordes é uma ótima maneira de dar à sua faixa uma base harmônica forte Os cordões definem o clima emocional e orientam o resto de seus elementos Então, se você está começando com os acordes, você sabe, comece de forma simples Não complique demais as coisas. Uma progressão simples como, você sabe, CG, A menor F pode dar muito espaço para experimentar Inversões e vozes, vamos abordar isso no curso, mas não use apenas acordes abertos básicos, mas não use apenas acordes abertos básicos, experimente E também há a opção de usar pacotes MIDI. Então, se você não toca piano, pacotes de acordes midi podem ser um No entanto, sempre que os uso, sempre me certifico de ajustá-los de acordo com a pista. E, por fim, temos melodias. Essa é a força motriz da sua pista. Geralmente atua como o gancho principal ou o tema principal. Quando você começa com uma melodia, ela fornece uma direção para toda a faixa Pode ser uma simples linha de piano, você sabe, uma melodia vocal ou apenas um solo de instrumento Então, novamente com isso, você vai começar com uma ideia simples. Você sabe, complexo nem sempre significa melhor. Comece com ideias curtas e cativantes e, em seguida, desenvolva-as. Você pode até cantarolar ou cantar uma ideia de melodia antes de tocar no teclado, o que permite que você se concentre na musicalidade sem se envolver nos aspectos técnicos e apenas se lembre de repetições e lembre de repetições Portanto, melodias que se repetem tendem a ficar na cabeça das pessoas, mas certifique-se de adicionar variações para que elas não se tornem monótonas Basicamente, tudo isso significa que você começa com um gancho. E pense sobre isso. Qual é a primeira coisa que chama sua atenção em uma música? Não é a bateria Provavelmente é a melodia cativante, a amostra interessante ou a memorável progressão de acordes Quase sempre é o gancho. Na produção musical, o gancho significa a parte mais memorável da música. Então pode ser uma linha vocal, pode ser uma amostra, pode ser uma melodia instrumental Mas, ao começar com o gancho, você garante que criou algo atraente e único a partir do G. Começar com um gancho geralmente dará uma identidade à sua faixa Isso define a vibração , define o clima e define a sensação da música E depois de estabelecer esse gancho, você pode começar a pensar em como a bateria o complementará O ritmo e a energia da bateria serão guiados pela sensação do gancho Além disso, faixas ganchos fortes são instantaneamente reconhecíveis Tente fazer com que seja simples, mas cativante. Agora, vou apenas reiterar isso. Já vi muitos tutoriais on-line em que os produtores começam com a bateria ou recomendam que você comece com a bateria, mas, sinceramente, acho que você está se preparando para mas, sinceramente, acho que você está se preparando Os tambores nunca ditam a direção da faixa. Eles sempre complementam o ritmo. Se você criar a bateria primeiro, ela poderá colidir com os elementos musicais Eles são uma ferramenta rítmica. Eles não são o núcleo da música. Eles devem apoiar a sensação da pista, não determiná-la. Então, veja como você pode aplicar a abordagem inicial com uma ideia. Então, primeiro de tudo, você pode construir uma base musical. Então você encontrou uma amostra, uma melodia ou uma progressão de acordes que Você criou essa ideia central. Agora use sua criatividade para expandi-la e colocá-la em camadas com harmonias, texturas e contra-melodias Então, quando sua ideia parecer sólida, traga a bateria. É aqui que a mágica acontecerá. Sua bateria agora será inspirada pelas ideias musicais que você já estabeleceu. Agora que sua bateria se encaixa, concentre-se em adicionar linhas de baixo, instrumentos adicionais e Use seu equalizador, efeitos e automação para refinar seus sons e garantir que tudo se encaixe Quando você começa com uma ideia musical, o resto da produção flui naturalmente e você tem a liberdade de explorar diferentes ritmos, diferentes campos e diferentes ritmos sem ser limitado por um Finalmente, eu só quero dizer que não pense demais nisso. Se algo soa bem para você, está funcionando. Mesmo que você tenha começado com a bateria primeiro e soe bem, está funcionando. Confie nos seus instintos. Além disso, não tenha medo de experimentar coisas novas. Se uma progressão de acordes parecer muito familiar, tente revertê-la ou talvez mudar Este é o seu espaço criativo, então explore-o. Começar com uma ideia não significa complicá-la demais. Às vezes, menos é mais. Uma simples progressão de acordes e uma melodia podem ser o ponto de partida perfeito E, por fim, eu só quero dizer, não tenha medo de começar de novo Se você não sentir a ideia depois de um tempo, não hesite em descartá-la e começar de novo. Quanto mais você experimenta, melhor seus instintos se tornam 5. Programação básica: chutes, palmas e saltos básicos: Então, nesta palestra, abordaremos os blocos de construção fundamentais de uma seção rítmica sólida O cerne de qualquer grande batida começa com o chute, o chapéu e o aplauso Eu vou te mostrar como programá-los para aquele salto perfeito todas as vezes Esta palestra se concentrará na programação rítmica básica e ajudará você a se familiarizar com as ferramentas necessárias para criar batidas rígidas no FL Studio. Antes de entrar na programação, vamos falar sobre os elementos básicos que compõem uma batida padrão no hip hop moderno e na música trap. Então, eles são o pontapé. O bumbo é a base. Ele fornece o impulso que impulsiona o ritmo. O aplauso, que é essencial para dar ênfase ao backbeat e geralmente é colocado na segunda e quarta batidas em um Os chapéus que meio que tocam entre esses dois elementos e impulsionam o ritmo e o groove E então temos algo meio conceitual, que é o salto Agora, o salto é o groove ou o ritmo que faz com que a batida pareça enérgica, divertida ou suave É o que faz com que as pessoas queiram seguir sua pista. Então, normalmente, neste momento, eu diria às pessoas que definissem um BPM e, você sabe, começassem a programar algo Mas na última palestra, eu realmente enfatizei a importância de começar com uma ideia Então, como essa é uma aula magistral e vamos fazer uma faixa por toda parte, é exatamente isso que vou fazer. Então eu fui para Luperman e estava procurando por diferentes, você sabe, gêneros e diferentes tipos de instrumentos, diferentes loops que eu gêneros e diferentes tipos de instrumentos, diferentes loops que E eu me deparei com um loop muito legal e interessante que uma garota colocou , onde parece que ela está cantando no microfone do telefone. É meio de baixa qualidade e meio distorcido, mas acho que isso realmente dá um pouco de personalidade Então, o que vou fazer é incluir isso porque essa é a nossa ideia básica, a ideia que inicia a faixa. Vou tocar bem rápido para que você possa ouvir. Eu realmente posso ouvir a faixa começando com esse tipo de ideia de baixa qualidade e depois pegando aquela melodia e transformando-a em algo muito mais de alta qualidade e usando isso como base da faixa Então, primeiro de tudo, quando eu estava no Luperman, o artista que criou isso disse que era 100 Então, vou definir meu tempo Da ou BPM para 100 apenas para combinar E também quando cantarolei essa melodia na minha cabeça, a Da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, eu ouço a primeira nota de que estava na primeira batida do primeiro compasso Então, se eu apenas ampliar aqui, posso ver que a amostra parece começar na segunda batida da primeira barra. Mas eu realmente queria começar na primeira batida, então vou ajustar isso por enquanto. E vou colocar aquela parte que está faltando desde o início no final da amostra apenas para finalizá-la. Assim, e depois eu vou cortá-lo. E agora devemos ter um loop completo que começa no primeiro talão da barra Então, vou ligar um metrônomo e ouviremos. Agora, com essa ideia como nossa, vou começar a colocar algumas amostras de bateria que podemos usar para criar nossa batida. Então, vou procurar uma amostra compacta e rápida de bumbo Vamos experimentar esse pacote de polvo preto, talvez. E vamos ver o que está aqui. Chutes. Não, eles não estão certos. Sei que tenho um pacote de amostras de armadilha em algum lugar, então talvez eu o use em vez disso Aí está. Um tiro. Tambores? Chutes. OK. Vamos testar alguns deles e ver como eles soam Esse chute forte, na verdade, soa muito bem, e acho que se encaixa na atmosfera do nosso tipo de amostra de ficção gráfica distorcida que trouxemos. Então, vamos arrastar isso para dentro e substituir o chute. Em seguida, vamos encontrar uma amostra de armadilha ou palmas. Então, vou dar uma olhada nesta pasta de caixas por um segundo. Vamos encontrar um. Este é realmente muito bom, então vou arrastá-lo e substituir nosso aplauso E então eu vou procurar um chapéu alto. Então, vamos procurar um chapéu alto fechado ou um que seja bem curto e elegante Acho que gostei do som do fi one aqui. Sim, está meio abafado e continua com aquela atmosfera de ficção que temos com essa Então, vou arrastar isso e substituir o chapéu alto. E agora o que vou fazer é colar meu padrão de bateria em branco. Opa. Padrão um. Eu quero colar isso Quero colar meu padrão de bateria em branco para que eu possa construí-lo enquanto a amostra está tocando, e eu possa usar a amostra para informar o ritmo da bateria Então, obviamente, primeiro de tudo, vamos começar com um chute logo na primeira batida. Mamãe, hmm. E o que eu poderia fazer é atribuir isso a uma faixa de mixagem e abaixá-la um pouco para que possamos ouvir o que estamos fazendo com a bateria Mãe, ele. Então, vamos adicionar talvez uma armadilha. Hmm vou estender isso um pouco para que eu possa continuar construindo meu padrão Eu não estou gostando desse duplo, chute aqui, então eu poderia tentar algo assim Talvez eu repita o padrão e opa. Agora, eu acho que é um pouco rápido. Então, vou reduzir o tempo para talvez tentemos 80. E como eu fiz isso, agora preciso ter certeza de que estou ajustando isso ao meu ritmo Então, originalmente era 100, e eu defini o ritmo do meu projeto em 100. Mas agora que mudei meu ritmo, preciso esticar essa amostra e ter certeza de que ela se encaixa no meu ritmo. Então, vou fazer isso agora clicando nessa pequena forma de onda e selecionando ajuste ao tempo e digitando o BPM que era, que era 100, e isso que era 100, e o estenderá até o BPM do RTrack Talvez possamos ir um pouco mais rápido. E agora vamos tentar adicionar alguns chapéus altos. Então, novamente, vou começar a ouvir e experimentar. Talvez algo assim. E talvez apenas mais um no final, só para manter o ritmo Agora, nesta fase, podemos experimentar coisas como swing Então, podemos usar esse botão giratório aqui, que adiciona, você sabe, diferenças sutis de tempo que podem fazer com que sua batida pareça um pouco mais orgânica Normalmente, você deseja definir isso em cerca de 30 a 50%. Então, vamos ver se uma ranhura de 30% funciona com essa amostra. Agora, eu acho que parece legal, mas quando estamos construindo sobre isso e construindo sobre a faixa, eu posso mudar isso. E, na verdade, eu poderia mudar todo o padrão da bateria. Mas agora você pode ver que eu construí o ritmo da minha bateria em torno do ritmo do gancho Posteriormente nesta seção, adicionaremos coisas como percussão e camadas extras para fazer com que os chapéus e palmas pareçam muito grossos e Por enquanto, o que vou fazer é colar meu padrão de bateria em toda a amostra, e vamos refiná-lo, alterá-lo e desenvolvê-lo à medida que o curso avança 6. Como criar camadas de sons de bateria e adicionar percussão: Então, nesta palestra, vamos nos aprofundar na arte de sobrepor sons de bateria E então também adicionaremos um pouco de percussão para elevar a batida camadas e a percussão são técnicas fundamentais para criar ritmos mais completos e dinâmicos Se você está trabalhando com trap, hip hop, house ou qualquer outro gênero, essas habilidades são essenciais para fazer sua bateria se destacar e parecer mais viva Então, as camadas são basicamente o processo de combinar vários sons para criar um hit de bateria mais rico e complexo E a razão pela qual fazemos isso seria para aumentar a gordura. Você sabe, combinar amostras diferentes adiciona profundidade e plenitude. Talvez queiramos que a bateria tenha personalidade. camadas permitem que você misture tambores e texturas, dando aos sons da bateria um Então, por exemplo, nessa batida de bateria que fizemos, eu realmente acho que colocar uma camada de um som de caixa maior e mais pesado com o último som de caixa no padrão poderia causar um pouco de impacto à batida Então, o que vou fazer é procurar se vou sair desse pacote de amostras e procurar uma amostra mais pesada de caixa Então, vamos tentar talvez algo aqui embaixo. São todos percussão. Então, vou dar uma olhada e tentar encontrar algumas pastas onde eu possa ter alguns sons de caixa mais pesados Armadilhas. Vamos experimentar alguns desses. Talvez usemos essa armadilha 11. Então, vou arrastar isso para dentro e colocá-lo em nosso rack de canais, e vou colocá-lo em camadas com o som de caixa que já temos Por tutto. E também acho que o som geral da caixa poderia ter um pouco mais de brilho ou intensidade Está meio abafado , então vou tentar talvez colocar uma camada de palmas Estou procurando um tipo de aplauso mais curto do que esse. Talvez algo dessa pasta comercial do Deep House que eu tenha fotos de bateria e aplausos, vamos ver Sim, isso é muito melhor. Sim. Então, se colocarmos essa palma em sete camadas com essa armadilha que temos, faremos com que a bateria soe Mãe, hmm. Mãe, ele. Agora, vou tocar o padrão e silenciar essas duas palmas para que você possa ver que as duas estão se unindo para criar um novo tipo de estão se unindo para criar textura e um som de palmas gordo Podemos até colocar alguns chapéus extras. Então, vamos dar uma olhada. Opa, podemos encontrar alguns chapéus altos Talvez este, esse longo , possa ser legal, como um excêntrico, então talvez aqui Ou talvez até aqui. R. E, novamente, poderíamos aproveitar a textura desse chapéu simplesmente colocando outro tipo de chapéu curto em cima dele, talvez este, só para deixá-lo um pouco mais confortável. Então, vamos desenhar exatamente o mesmo padrão. Apenas colocando esse chapéu novo por baixo do antigo que tínhamos Então, agora vamos ouvir isso no contexto de nossa amostra. Vou mudar para o modo de música para que o indicador de reprodução seja reproduzido na visualização da playlist E, por fim, poderíamos seguir em frente e adicionar um pouco de percussão Então, vou encontrar um bom tipo de som de percussão rápido. Talvez isso. Acho que isso meio se encaixa na vibração do nosso padrão de bateria Vou arrastar isso e substituir a armadilha, não precisamos mais dela. E depois vou ouvir e experimentar alguns tipos diferentes de colocações para a percussão Então, talvez algo muito simples com uma percussão como essa Agora, novamente, isso provavelmente mudará à medida que construirmos a pista, mas, por enquanto, acho que é uma boa base. Agora, algo legal que você pode fazer é sobrepor sua bateria com alguns sons naturais ou sons tolos. Então eu acho que tenho sons de loucura em algum lugar. Acho que eles realmente podem estar nessa armadilha. Talvez experimentemos o Effex. Não, talvez. Sim, esses sons são meio realistas. Isso soa como uma garrafa. As teclas parecem chaves sendo colocadas em uma tigela. Então, se você colocasse esses tipos interessantes de texturas, você poderia criar algumas batidas de bateria realmente interessantes Ah 7. Feitiçaria Hi-Hat: Nesta palestra, descobriremos os segredos da programação de chapéus altos e como transformar seus chapéus mais simples em profissionais Os chapéus altos são um dos componentes mais essenciais de qualquer batida, fornecendo energia, ritmo e Aqui, vamos explorar algumas técnicas avançadas como regras, trigêmeos, manipulação de velocidade e mudança de tom, para dar mais magia às suas batidas O chapéu alto geralmente define o ritmo da pista e fornece um ritmo constante ao mesmo tempo que ajuda a impulsionar o ritmo A forma como os chapéus são programados pode adicionar um toque contagiante ou um salto ao seu ritmo E também podem ser usados para acentuar certas partes da batida enfatizando as batidas inativas ou criando síncopes Então, vamos adicionar alguns rolos de chapéu de porco. A primeira coisa que vou fazer é realmente desligar a função de giro É muito mais fácil programar rolos de oi quando os chapéus são meio estáticos como esse A próxima coisa que precisamos fazer é abrir nossos chapéus altos no piano roll Então, eu vou fazer isso agora. Então, como você pode ver, aqui estão os chapéus altos do piano roll Agora, o seu provavelmente não ficará assim. É mais do que provável que o seu fique assim, ok? Onde cada batida tem apenas quatro etapas, mas precisamos adicionar mais etapas se quisermos criar uma jogada de sucesso adequada. Se você vier até o menu suspenso de ajuste da grade, geralmente é definido como linha por padrão, mas vou definir o meu como quarto passo E agora podemos começar a fazer um rolo de chapéu de alta qualidade. Então, vamos ouvir o padrão e ver onde um rolo Hi Hat pode soar bem. Então, acho que o primeiro talvez possa estar em algum lugar aqui, então vou ampliar isso. E geralmente fazemos isso pela metade. Então, se olharmos essas duas notas de olá, adicionarei uma nova nota de olá na metade E então, novamente, vou dividir essas três novas notas que acabamos de fazer. Então, vou adicionar um no meio do caminho e no meio do caminho . Vamos ver como isso soa. E talvez na segunda barra aqui, pudéssemos adicionar um rolo de chapéu alto no mesmo lugar. Então, está na metade da segunda batida da primeira barra. Então, vamos para a segunda batida da segunda barra e faremos a mesma coisa. Vamos nos separar. Vamos dividir as notas que já estão lá e ver como isso soa. E talvez, só por uma boa medida, possamos colocar outro pequeno rolo de chapéu aqui no final do padrão. Agora, vamos dar uma olhada nos trigêmeos. Assim, os trigêmeos podem dar aos seus padrões de chapéu alto uma atmosfera mais vibrante ou jazzística, meio É um ritmo essencial e é usado em vários gêneros, como hip hop, trap e drum and bass Um trigêmeo divide a batida em três partes iguais, em vez das duas habituais E em quatro, quatro compassos, ele pode criar uma espécie de efeito de gagueira ou tropeço Então, primeiro de tudo, vou ouvir e encontrar um lugar onde eu acho que um trigêmeo possa funcionar H. Ok, então talvez aqui no final do primeiro compasso, um trigêmeo possa funcionar muito bem Então, para isso, precisamos definir nosso ajuste de grade para um terço de uma etapa E eu sei que essa primeira nota de oi está na metade de toda a batida Então, o que eu vou fazer é deletar o segundo. E vamos dividir essa segunda metade da batida em três medidas iguais, ok? Então, se eu contar cada passo individual, temos um, dois, três, quatro, cinco, seis, ok? E 6/3 é dois. Então eu sei que a cada dois eu preciso colocar um chapéu. E isso agora deve criar um trio. Então, vamos ouvir e ver se isso cria esse tipo de gagueira ou tropeço E o que vou fazer é soltar o chapéu em que estamos trabalhando. Esqueci que tínhamos colocado outro chapéu em camadas, então não podemos realmente ouvir o que estamos fazendo corretamente Mas vamos ouvir novamente. seguir, veremos como alterar as velocidades dessas notas No rolo de piano, cada uma dessas notas tem uma barra de velocidade embaixo, e elas são Você basicamente os arrasta para cima para torná-los mais altos ou os arrasta para baixo para torná-los mais silenciosos. Basicamente, tudo o que vamos fazer é variar as velocidades em todas essas notas para tentar fazer com que soem um pouco mais naturais e menos estáticas ou robóticas O que eu poderia fazer talvez fosse algo assim. E enquanto estou fazendo isso, vou falar sobre salto por um segundo Portanto, o salto é essencial para criar um tipo de ritmo rítmico que faça com que os ouvintes sintam que podem seguir sintam que podem E o bounce vem de uma programação um pouco inusitada. Então, colocar alguns chapéus altos excêntrica ou usar o balanço como fazíamos Mas, no momento, ao analisar as velocidades, vamos tentar usar as velocidades para acentuar as excêntricas. E excêntrico significa literalmente o que diz. Então, você sabe, então o início de cada batida aqui seria em uma batida como essa. Eles estão todos no ritmo. E então, qualquer coisa intermediária que esteja fora do comum. A excêntrica mais comum está exatamente na metade. Então, esta aqui, é por isso que eu meio que acentuei isso na velocidade Então, vamos continuar alterando nossas velocidades. Preciso desclicar nele. Algo assim, talvez. Vamos dar um pequeno impulso a este. E talvez com o trigêmeo, devesse começar quieto e ficar um pouco mais alto E então esses podem simplesmente ser. E então eles podem ficar meio quietos. Talvez façamos com que o próximo sucesso aumente na velocidade E esse cara é excêntrico, então podemos acentuá-lo um pouco, e então podemos acentuar esse e deixar o resto em um volume semi baixo Vamos ver como isso soa. D. Eu acho que isso soa bem. Talvez eu aumente um pouco essa filosofia, e eu não sou um grande fã disso, então vou fazer com que talvez siga o caminho oposto, onde fica mais silenciosa D. A última coisa que podemos fazer é variar o tom do nosso tipo de partes acentuadas do chapéu, você sabe, coisas como o papel ou os trigêmeos Então, o que podemos fazer aqui é aumentar o zoom. E digamos que esse papel se destaca à medida que é desempenhado Então, o que vou fazer é destacar essa nota. E usando Shift e as teclas de seta, posso mudar seu tom. Então, vou falar um pouco e vou fazer o mesmo com a próxima. Abaixe isso, talvez lá, e o último talvez lá. Vamos ver como isso soa. Opa. Então, vamos fazer a mesma coisa com esse rolo de chapéu alto. Oh, desculpe, a errada. Assim. E vamos movê-lo para baixo também. Então, agora todos os nossos jogadores de sucesso estão diminuindo enquanto jogam E só para fins de demonstração, podemos fazer os trigêmeos aqui se levantarem. Isso provavelmente é um pouco exagerado, mas na verdade estou apenas tentando mostrar todas as técnicas Então, vamos pegar a primeira nota aqui e fazer um pequeno aumento sutil para os trigêmeos Ok, vamos ouvir isso agora. E o que podemos fazer agora é copiar isso. Então, vamos destacar isso. Comande C ou Controle C se você estiver no Windows. Vamos trazer de volta nosso outro chapéu e abrir o rolo de piano. E o que eu vou fazer é deletar isso, editar, deletar. E depois vou colar nosso novo padrão de chapéu alto com a mudança de tom, os rolos as variações de velocidade e tudo Vamos ouvir agora com as duas camadas de chapéu alto tocando o mesmo novo padrão. E, por fim, há mais uma coisa a qual quero falar nesta palestra, que são chapéus altos excêntricos Então, para realmente voltar para casa um pouco de salto ou, você sabe, para obter aquele toque de hip hop, vamos adicionar um chapéu alto aberto, e ele tocará de forma excêntrica Portanto, lembre-se de que o inusitado é a metade de uma batida. Então, vamos procurar agora um bom som de chapéu alto aberto. Então, vou experimentar minha pasta tecnológica definitiva de armazém. Vamos experimentar alguns desses chapéus. São um pouco curtos. Você está procurando por algo um pouco mais longo do que isso. Ok, sim, é um chapéu aberto, mais ou menos do comprimento deste chapéu 12. Então, vou arrastar isso para dentro. E eu não vou abusar disso. Eu poderia colocá-lo uma vez aqui no início. Vamos ouvir. Talvez aqui também. Agora, não está dando o efeito que eu estava procurando, então vou ver se consigo encontrar uma amostra diferente. Talvez este apenas experimente. Eu só quero demonstrar o excêntrico chapéu alto para pular . Então, vamos ouvir isso. E agora, é claro, se você gosta do jeito que soa, pode colocá-la em todas as batidas para uma espécie de som de hip hop ou house Mas eu não sou muito fã disso, então vou deixar que haja apenas um no início do padrão. E vamos ouvir isso no contexto de nossa amostra original que estamos usando para nossa jornada 8. Teoria moderna de ritmos: colocação de bico e caixa.: Tudo bem, vamos analisar rapidamente um conceito simples, que é o posicionamento do chute e da caixa Essa é a base da produção de batidas, seja trap, hip hop, house, batidas experimentais, dominar esses elementos é fundamental para criar trilhas é fundamental para Então, o que eu vou fazer é reduzir tudo ao básico, ok? Então, vou colocar o chute em um e três, e vou bater palmas em dois e quatro Eu já coloquei um padrão de oi de oitava nota aqui só para dar um pouco de contexto à batida Então essa é a essência de uma batida, e vai soar muito básica e muito robótica Então, uma maneira de melhorar isso seria dobrar o chute. Então, você pode basicamente adicionar um chute extra antes ou depois de uma batida. Então, por exemplo, vamos dar um novo chute logo antes da terceira batida. Ou podemos colocá-lo logo antes da quarta batida. E, novamente, para fins de demonstração, vamos colocá-lo talvez depois. Então, vamos dar o chute duplo um passo após a quarta batida. Você também pode criar alguns sulcos realmente interessantes se deslocar um pouco a caixa Então, se trouxéssemos a segunda armadilha e colocarmos no ritmo inusitado, ela soaria assim Então, groove tem tudo a ver com expectativa e surpresa. Romper com um padrão rígido pode criar excitação e movimento Então, por exemplo, junto com essa ideia de chute duplo que temos, vamos adicionar outro chute duplo aqui. Também podemos dar chutes fora do ritmo. Então, por exemplo, vamos dar um chute talvez aqui na primeira vez. E então podemos usar coisas como fotos de aro ou percussão ou, por exemplo, a armadilha aqui para adicionar algumas notas fantasmas muito mais sutis em algumas notas fantasmas muito mais sutis Portanto, as notas fantasmas geralmente são sincopadas. Eles raramente ocorrem na primeira batida. Então, por exemplo, talvez pudéssemos usar essa armadilha como uma nota fantasma para dobrar nossas palmas Então, vamos dobrar isso aqui e talvez aqui. E com notas de fantasmas, elas devem ser bem sutis. Então, o que vou fazer é diminuir o volume apenas para que fique meio sutil. Você pode até mesmo usar as barras de velocidade que vimos na última aula para criar algumas notas fantasmas em outras amostras, como o Então, por exemplo, se tocarmos o chute no rolo do piano e dermos um desses chutes duplos, podemos fazer com que o chute duplo seja uma nota fantasma simplesmente diminuindo o volume Vamos adicionar outro para fins de demonstração. Opa Então, tudo o que eu realmente quero destacar com esta palestra é não cair na armadilha de colocar suas amostras rigidamente no ritmo Use coisas como dobrar seus chutes, dar o chute na batida excêntrica, dobrar suas palmas e sua armadilha e usar notas fantasmas de baixa dar o chute na batida excêntrica, dobrar suas palmas e sua armadilha e usar notas fantasmas de baixa velocidade. 9. Introdução às melodias: Agora vamos nos concentrar em escrever melodias memoráveis sem precisar mergulhar na teoria musical Então, o que faz uma boa melodia? Bem, primeiro de tudo, é cativante, então fica na cabeça do ouvinte Pode ser emocional quando cria uma vibração, você sabe, sombria, melancólica, edificante ou assustadora Mas as melhores melodias para fazer batidas são simples. Eles deixam espaço para a bateria e os vocais. Uma boa melodia geralmente vem do ritmo e da forma corretos, não apenas das notas em si A melodia tem tanto a ver com quando as notas são tocadas quanto com quais notas elas são Então, o que vamos fazer é começar com um ritmo simples. Então, vou criar um novo padrão chamado melodia. E colocaremos um plug-in divertido, talvez um soro. E vou tentar emitir uma espécie de som suave de chumbo. Talvez algo desse banco de som comercial do Deep House. Vamos ver aqui. Ok, vamos ficar com esse universo predefinido por enquanto Então, agora eu vou pensar ritmicamente. Vou abrir o rolo do piano e vou desenhar um ritmo. E eu poderia simplesmente aumentar isso em uma oitava com o comando para cima ou para o controle para cima Então, o que você está procurando aqui é um ritmo repetitivo curto e sincopado Agora, para aqueles que entendem de teoria musical, esse é um ótimo ponto de partida. Você sabe, se você estiver em C menor, você pode começar a mudar essas notas para as diferentes notas em C menor, e você pode criar um bom tipo de Algo parecido com isso. Mas eu entendo que muitos criadores de batidas não vêm de uma formação em teoria musical. Então, com o FL Studio, vou te mostrar um truque. O que vou fazer é voltar ao meu rack de canais. Vou carregar uma amostra aleatória e vou silenciá-la Então eu vou abrir isso no rolo de piano. Eu vou vir até aqui até esta pequena lista suspensa, e vou descer para carimbar Então, para melodias, o que nos interessa aqui são as escalas Tenho certeza de que todos vocês já ouviram falar de escalas menores e maiores, mas também há muitas outras escalas de diferentes culturas de todo o mundo. E também há essas coisas chamadas modos. E um modo é basicamente o que acontece quando você toca a forma de uma escala em uma tecla diferente. Então, por exemplo, a chave de C maior. Opa, eu preciso de um instrumento melódico. Então, com a tecla de C maior , são todas as notas brancas. Está bem? Então, eu me referiria a isso apenas como a forma. Então, por exemplo, temos um tom, um tom, um semitom, um tom, um tom, um Você não precisa se preocupar com isso. Apenas se concentre no fato de que a tecla C usa todas as notas brancas. Se eu fosse mudar isso para A, tocando apenas as notas brancas. Agora você obtém a chave de Lá menor, que na verdade também é conhecida como modo Eólio Está bem? Então, o que fizemos foi pegar todas as teclas brancas da tecla C e mudá-las para A. Tocamos todas as notas brancas partindo de A. Então, se tocarmos a mesma ideia em que tocamos apenas notas brancas, em D, teremos uma nova escala ou modo chamado Dorian Dorian pode parecer meio melancólico e assustador. Se fizermos o mesmo agora para E, obteremos um modo chamado Phrygian E assim por diante. Há modos para todas essas notas, incluindo Lydian, Mixolydian e Locrian De qualquer forma, tudo isso é meio irrelevante. Eu só queria demonstrar a diferença entre os diferentes modos. Mas se voltarmos ao chapéu alto que estávamos usando e chegarmos até a flecha, podemos estampar em alguns desses modos Então, por exemplo, talvez com o modo Dorian, vamos gravar isso. Vou arrastar as notas por todo o meu bar. E então eu vou voltar para a melodia em que eu estava trabalhando Lembre-se, isso está silenciado. E quando voltamos aqui, há uma função no FL Studio onde você pode ver outras notas no padrão, ok? Então, acho que fiz isso antes, mas se não fiz, o atalho é a opção V ou a opção Victor em um Mac ou Alt V Alt Victor em Agora, é apenas uma oitava muito alta, então vou voltar e movê-la para E eu vou resetar nossa melodia. E agora eu basicamente tenho um plano para o modo Dorian. Então, se eu quiser criar uma melodia legal e interessante no modo Dorian, tudo o que eu faria seria mover as notas do ritmo que criei anteriormente para uma dessas Então, por exemplo, vamos jogar isso lá em cima, talvez lá em cima. E veremos como isso soa. E você pode experimentar diferentes posicionamentos de notas. E você pode ver instantaneamente que isso nos deu uma atmosfera muito legal e interessante, e agora seria muito fácil começar a construir sobre isso Vamos, só para fins de demonstração, fazer outra. Então, vou excluí-los. Eu vou entrar Vamos escolher algo aleatório. Vamos usar talvez essa escala húngara. Ok, isso é interessante. Vamos ver como isso soa quando alteramos nossa melodia para caber na escala húngara Eu só preciso esticar essas notas. Então, vamos arrastá-los por aí. E veremos como isso soa. Eu não sou um grande fã dessa nota, então eu poderia mudar isso. Isso é meio sombrio e sinistro um pouco dissonante e Mas muito rapidamente, novamente, eu criei uma vibe completamente diferente Agora, a próxima coisa sobre a qual vou falar é o contorno. contorno é basicamente a forma da sua melodia, independentemente de as notas subirem, diminuírem ou permanecerem estáveis Basicamente, com isso, se você consegue se imaginar desenhando uma linha entre as notas da sua melodia, não deve haver saltos extremos Está bem? Deve ser meio suave, então estamos subindo, subindo, caindo, descendo, subindo, dando um pequeno passo para baixo, pulamos e depois caímos novamente. Então, basicamente, tudo o que você precisa fazer é manter o contorno da melodia consistente Então, o que você não quer é, você sabe, um grande salto como esse, um grande salto para baixo, outro salto. Talvez guardemos isso e talvez pulemos direto para cá. Isso vai soar meio em todo lugar, mas não junto. Quero dizer, é legal. É interessante. É diferente. E, novamente, música, não há uma maneira certa de fazer as coisas, mas o contorno da melodia é muito importante Então, uma maneira de corrigir isso pode ser manter esse salto no início. Mas, em vez de recuar, talvez desçamos um pouco e talvez continuemos caindo nesta nota aqui E então, como temos um grande salto aqui, talvez tentemos dividir isso adicionando , você sabe, esta nota aqui. E então isso é um grande salto novamente. Então, talvez eu coloque aquela nota lá. E você deve ver agora que há um bom tipo de contorno suave entre todas as notas Agora, ignorando o fato de que essa escala é bastante dissonante, assustadora e assustadora em si mesma, se você superar esse fato, poderá ouvir que a melodia é um pouco mais consistente e tem um pouco mais de fluxo porque o contorno é porque o E quero dizer, esse é um tipo bonito de melodia agitada. Todas as notas são curtas. Mas se você quiser alongar isso, talvez faça 2 barras O que poderíamos fazer é mudar essa escala porque não sou muito fã dela, então vou voltar para Dorian Vamos colocar isso. desenhá-lo para as 2 barras. E muito rapidamente, vamos criar um novo ritmo. Isso é um pouco mais lento Opa. Talvez algo simples assim. E o que podemos fazer é alongar as notas. Opa. Algo parecido com isso. E agora podemos arrastá-los para esse tipo de nota destacada, ok? Então, novamente, mantendo a ideia de contorno. E com isso, isso me leva ao meu próximo ponto, que é usar notas fantasmas em melodias Então, já analisamos as notas fantasmas e, basicamente, tudo o que vamos fazer é talvez adicionar pequenas notas. Assim. Opa, assim Isso pode ser um pouco mais silencioso para quebrar a monotonia dessas notas mais longas Então, talvez adicionemos um pequeno passo aqui e veremos como isso soa. Então, basicamente, se você não conhece a teoria musical, FL Studio está realmente cheio ferramentas quando se trata de criar melodias Se você entende a teoria musical, vou supor que você pode cantarolar melodias em sua cabeça e, sabe, sabe o que está vendo e sabe o que está procurando Mas para aqueles de vocês que realmente não entendem isso, é assim que eu faria. 10. Emoção em harmonia: criando acordes: Ok, agora vamos nos concentrar em como criar acordes que aprimorem sua melodia e funcionem ritmicamente Então, esqueça a teoria musical rígida, vamos nos concentrar em técnicas práticas baseadas na sensação usando as ferramentas e abordagens criativas da FL Studios Portanto, os acordes na criação de batidas servem como base da faixa Ele suporta a melodia e define o tom emocional. Bons acordes podem complementar sua melodia, adicionar riqueza, profundidade e groove com o ritmo Então, estou de volta ao meu projeto aqui. E o que eu fiz foi tentar copiar a melodia dessa amostra vocal Eu tentei fazer isso com um sintetizador. E eu acabei de adicionar um pequeno desvanecimento rápido no final da amostra, para que ele possa desaparecer à medida que a melodia do sintetizador vai aparecendo, e então ela se transformará em esse tipo de seção de refrão esse Então, honestamente, sem usar a teoria musical, a maneira mais fácil de descobrir em que chave está uma melodia é perguntar ao ChatBT Então eu já o tenho aberto. Opa. Posso abrir os dois ao mesmo tempo? Eu não sei. Talvez se eu fizer isso, sim. Ok, então eu tenho o Chachi PT aberto, e eu só vou perguntar. Vamos ver. Em que chave está essa melodia. E agora vou dizer quais notas estamos usando. Então temos E, F, está escrito na nota, G A F, F, A F. 1 barra provavelmente é suficiente para dar uma ideia. Então, vamos colocar isso. Então Cha CIBT acha que essa melodia está em fá maior. Então eu vou voltar para o meu projeto, e vou tocar a melodia, e eu vou tocar a nota de F e C, isso soa bem para mim? Sim, isso provavelmente parece certo. No entanto, com a maioria dos gêneros de criação de batidas, eles geralmente estão em um tom menor Então, Chachi BT disse que estamos nos especializando aqui. Diz que estamos em Fá maior, mas a boa notícia é que podemos usar o relativo menor de Fá maior, e ainda assim soará igualmente bem. Então, para fins de argumentação, talvez você mesmo tenha feito uma melodia e Chachi BT tenha dito que estava em um tom menor. Está perfeitamente bem. Você pode simplesmente ir em frente. Mas se Chachi BT disser que sua melodia provavelmente está em maior , podemos usar a relativamente menor Então, se você não sabe o que é isso, novamente, uma pequena pesquisa rápida no Google dirá exatamente o que é. Mas não preciso fazer isso porque sei que o menor relativo de Fá maior é Ré menor. Então, agora vamos verificar quando eu mantenho o nó de D. Isso soa tão bem quanto F? Sim, isso soa igualmente bem para mim, mas o tom é um pouco mais sombrio porque agora estamos em um tom menor Então, agora que sabemos que estamos na tonalidade de Ré menor, vamos gravar essa escala em nosso tipo de notas fantasmas de fundo Stamp, um desses menores melódicos ou menores naturais Pessoalmente, prefiro os sons menores melódicos, então vou gravar esse som em mim mesmo E vamos arrastar essas notas para fora. Em seguida, vamos criar um novo padrão chamado acordes. E talvez adicionemos algum tipo de piano. Agora, como mudei para um padrão diferente, na verdade perdi minhas notas fantasmas, então vou gravá-las novamente e carimbar menores em D. E depois voltaremos ao nosso piano E podemos começar a criar nossos acordes. Então, o que vou fazer é colar os acordes abaixo da melodia, como fizemos antes, e vou deletar essas notas porque, e vou deletar na verdade, não precisamos Vou soltar a melodia clicando com o botão direito do mouse nessa luz verde E então eu também vou ligar meus acordes apenas clicando nesta luz verde E então, se eu chegar aqui até os números das barras, posso clicar com o botão direito do mouse e arrastar para criar um loop. Então, agora, quando eu clico em reproduzir no Song View, ele continua repetindo esta seção para que eu possa ouvir minha melodia e tocar com alguns acordes Então, por enquanto, Opa, eu deveria estar em meus acordes Então, por enquanto, tudo o que precisamos fazer é tentar adicionar algum tipo de nota de baixo que achamos que pode funcionar Então, vamos ver, estamos um pouco altos demais. Eu só vou apresentá-los. Talvez caiamos novamente. Sim, agora estamos na parte de baixo do piano. Então, usando nossas notas fantasmas, vou colocar primeiro a nota raiz, que é D, e veremos o paradeiro da melodia, queremos adicionar outro novo Então, talvez pudéssemos adicionar outro tipo de acorde aqui na metade da Então, se eu encurtar isso, e basicamente escolhermos uma dessas notas fantasmas, talvez tentemos esta Talvez tentemos este. E essa? E como estamos na escala, porque estampamos em nossa escala menor, devemos ser capazes de colocar qualquer tipo de nota que quisermos, e ela deve funcionar 90% das vezes. Vamos tentar isso. E você nem sempre precisa começar pela nota raiz. Você pode começar com uma nota diferente, talvez essa, mas precisa ter certeza de que sempre tem a nota raiz em algum lugar. Está bem? Então, no momento, não temos F, A, E e G, e D é nosso nó raiz. Não temos D. Isso fará com que o acorde soe como se eles não tivessem uma casa. Eles não têm para onde ir É sempre querer voltar à nota raiz. E essa nota raiz pode estar em qualquer lugar. Pode ser no final. Talvez tentemos algo como eu não sei. Então, agora, vou adicionar os acordes que eu acho que soam melhor com essa melodia, e eles são em os acordes que eu acho que soam melhor com essa melodia, Si bemol aqui ou A nítido, como diz o FL Studio, C, D, e eu acho G ou não, talvez A. E eu quero que eles estejam meio que chegando à nota raiz Sim, eles são o tipo de acordes que eu prefiro com essa melodia Agora, o motivo pelo qual escolho esses acordes é porque, basicamente, quando a melodia estava tocando, eu cantarolava esses acordes junto com E isso é algo que você também pode fazer. Se você tiver essa habilidade de cantarolar junto com a melodia, poderá cantarolar sua linha de base e descobrir quais notas combinam com a linha de base que você está cantarolando base que Além disso, com base em anos de experiência, eu meio que sei quais acordes funcionam para determinadas teclas quais acordes eu gosto e quais acordes eu sempre acabo voltando Então, para vocês, talvez vocês já estejam nesse estágio em que já estão produzindo há algum tempo e também podem escolher acordes de que gostam com base na experiência Mas alguns de vocês podem ser iniciantes e, se forem iniciantes, recomendo esse método com a balança E agora vamos usar a magia do FL Studios novamente. Vamos voltar à função de carimbo e vamos estampar em acordes e vamos estampar em Agora, há dois tipos principais de tonalidade com acordes Há tonalidade maior e tonalidade menor. Então, se você aparecer e tocar um acorde aqui, digamos que substituímos aquele A afiado por um A afiado, talvez não soe muito bem. Quero dizer, isso realmente soa muito ruim porque é conflitante Mas você sabe, brincando aqui com a escala, que o A nítido, que também é essa nota, está na chave. Então, talvez o que escolhemos, que era um acorde menor, simplesmente não seja o tipo certo de tonalidade Então, o que eu vou fazer é voltar para o meu selo E, ok, então o menor não funciona. O outro tipo de tonalidade é maior. Então, vamos tentar um acorde maior lá em vez disso. Ok, vou mudar tudo por um segundo só para realmente destacar isso. Então é assim que soa major. Mas, por exemplo, novamente, vou voltar a estampar nessa tonalidade menor Novamente, o acorde menor está se chocando quando o acorde maior não era outra forma de ter certeza absoluta verificar se as notas do cordão que você acabou de estampar também coincidem você acabou de estampar também com as notas da escala Está bem? Então, uma nitidez aqui, podemos ver ainda, que coincide. C nítido, por outro lado, é essa nota, e isso não está na escala, ok? Então é provavelmente daí que vem o tipo de dissonância conflitante Então eu sei, ok, isso obviamente não está funcionando. Então, em vez disso, voltaremos a estampar aquele cordão principal. E vamos tentar a mesma coisa com o C. Então, vamos vir aqui e gravar, por exemplo, talvez um nono menor, e vamos colocar isso com o C. Então essa é uma corda jazzística bem grande Mas vamos verificar se achamos que pode ser adequado. Então, temos um C, que sim está em nossa escala. Temos um D nítido, que não está na nossa escala, ok? Temos um G, que é um A nítido, que é, e um D que é Este D nítido não está em nossa escala. Então, eu não acho que esse cabo vai soar muito bem. Vamos trocá-lo por um acorde maior. Então, vamos voltar ao nosso selo. E marcamos um nono menor. Então, vamos tentar a sétima maior e colocá-la no C. Novamente, isso não parece muito bom porque a nota B aqui em cima não está em nossa escala. Então, talvez tudo isso seja muito sofisticado para aquele acorde em particular e devêssemos voltar ao bom e velho major Novamente, vamos tentar com o D. Vamos marcar talvez um sétimo menor Vai caber? Bem, vamos verificar. Nós temos um D. Nós temos um F. Sim. Nós temos um A. Sim. E nós temos um C. Sim. Ok, então esse cordão provavelmente vai soar bem. Sim, isso soa bem para mim. E então, para esta última palavra, por que não tentamos a mesma Vamos tentar um sétimo menor porque soou muito bem no D. Então, vamos colocar um sétimo menor aqui no nosso F, e eu vou abaixar isso para que possamos dar uma olhada Há alguma nota aqui que não esteja em nossa escala? Bem, existe. Na verdade, são dois. Há G sharp aqui. Isso não está em nossa escala, e há D nítido aqui, que não está em nossa escala. Então, eu não acho que esse cabo vai soar muito bem. Mas eu sei que o nó de F soa bem, então vou ficar com o nó de F. Vou estampar na tonalidade oposta de um menor, que é maior Então, vamos escolher um sétimo maior nesse F. Vamos conferir. Achamos que vai funcionar? Temos um F, A, um C e um E. Bem, temos um F, sim, um A. Sim, um C. Sim, isso está na nossa escala e um E. Sim, isso está na nossa escala também. Então eu acho que esse acorde vai soar bem. Ah, a próxima coisa que veremos aqui são as inversões. E a inversão é apenas uma maneira elegante de dizer: Vamos espalhar as notas desse acorde Então, no momento, você pode ver quando eu destaco uma das notas que todas elas se acendem. E isso é porque eles estão agrupados, eles estão agrupados porque nós os carimbamos Mas se quisermos desagrupá-los, podemos destacar e chegar até esse elo da cadeia, e simplesmente desligá-lo Então, agora devemos ser capazes de editar cada uma dessas notas individualmente, o que nós somos. Então, o que vou fazer para criar uma inversão é talvez pegar o D e movê-lo para o D aqui em cima Talvez eu pegue o E e faça a mesma coisa. E suponho que continuaremos fazendo o que estamos fazendo, então pegaremos a segunda nota do acorde e a moveremos até sua contraparte mais alta Então, vamos mover esse F até esse F, e então vamos mover esse A, talvez até aquele A. E as inversões são uma ótima maneira de obter um som muito, muito grande e aberto, ok? Então, antes, quando todas as notas estavam aqui embaixo, as cordas pareciam apertadas e compactas Mas ao mover todas essas notas até suas contrapartes mais altas, podemos tornar os acordes muito mais abertos e cheios E o último aspecto da construção de acordes envolve tentar encaixá-los na bateria Então, vou destacar todos esses acordes que acabamos de fazer, e vou torná-los todos bem curtos para que possamos desenhar um bom ritmo Então, se eu voltar para visualização da minha playlist e silenciar a melodia desta vez, para que tenhamos apenas a bateria tocando com Então, o que vou fazer agora é desenhar um ritmo com os acordes que eu acho que se encaixa na bateria Então, vamos ouvir um pouco. Então, como o chute aqui chega um pouco cedo, acho que devemos mudar os acordes para coincidir com o chute, e vou mostrar o que quero dizer Então, no padrão da bateria, o chute aqui está caindo antes da batida da barra. E isso também acontece aqui. Os dois chutes estão caindo antes da batida da barra. Agora, esses chutes tecnicamente deveriam estar no ritmo, o que soaria assim Mas lembre-se, de antes, quando estávamos construindo tambores, podemos juntar esses chutes para criar chutes duplos E se também os afastarmos da primeira batida, podemos criar uma boa sensação de ritmo ou salto Mas por causa disso, acho que essas cordas devem ser deslocadas para frente para também pousar quando esses dois chutes duplos Então esses são esses dois caras aqui. Então, agora essa etapa se torna a nova para nossos novos acordes, o novo tipo de lugar onde esses acordes deveriam começar Então, vamos agora tentar criar um ritmo para eles. Talvez algo assim, e copiaremos essas outras notas para criar acordes completos como este E então o que podemos fazer é preencher o espaço intermediário simplesmente arrastando as notas para fora desta forma Frank, esse também está fora. E algo que estou fazendo aqui, deixando um pouco de espaço entre algumas das notas mais curtas, esqueci esse acorde Mas sim, deixar um pouco de espaço após esses acordes mais curtos criará um pouco mais de ressalto, porque você está usando esse silêncio como uma espécie de efeito de gagueira ou tropeço após esses acordes mais curtos criará um pouco mais de ressalto, porque você está usando esse silêncio como uma espécie de efeito de gagueira ou tropeço . Vamos ouvir agora. E, de qualquer forma, talvez você não goste do som disso. Então você só quer reforçá-los todos. Isso também está perfeitamente bem. Tudo o que soa bem é bom. Vamos também trazer nossa melodia. O. Só para destacar rapidamente algumas outras técnicas que você pode fazer é, por exemplo, digamos que seu acorde, desculpe, seu padrão de acordes seja duplicado desta Há outra duplicata dos acordes. O que você pode fazer para criar um pouco de interesse é talvez mudar um desses acordes para que fique um pouco diferente da primeira metade, ou você pode reordenar alguns deles Então, por exemplo, talvez peguemos esse acorde F e o reordenemos com esse acorde Dcord E só teremos que corrigir o ritmo Oops. Só quero destacar isso. E ele está vindo aqui, Ops, no meio do caminho. E esse precisa ser encurtado. Então, agora o ritmo disso coincide com o ritmo desses. Mas a ordem, então D e F é trocada em torno de F e D. E, novamente, alguns ajustes adicionais que você pode fazer são ajustar a velocidade aqui, ajustar a velocidade aqui, fazer com que os cabos pareçam um pouco mais naturais, você sabe, apenas desenhando diferentes tipos E se você realmente quiser obter detalhes, pode começar a ajustar, pode começar a ajustar as velocidades de cada nota individual no cordão Ou você pode adicionar coisas como passar acordes. Então, por exemplo, aqui, onde nosso padrão de acordes está começando a se reiniciar, ele está voltando de F para A nítido Poderíamos simplesmente adicionar um pequeno acorde de um passo para baixo para que pudéssemos, digamos que queremos usar esse D novamente, copiaremos esse acorde D. E vamos tornar isso um pouco mais silencioso, como as notas fantasmas. E agora você adicionou uma palavra de passagem em que o F desce para D muito rapidamente e depois volta para o A brusco Isso pode ser um pouco rápido demais. Só Opa. Basta arrastá-lo até aqui. 11. Preenchendo espaço com arps e pads: Então, agora vamos mergulhar em arpejos e almofadas. Essas são ferramentas essenciais para preencher o espaço em suas batidas e, ao mesmo tempo, manter a clareza Esses elementos trazem profundidade, movimento e atmosfera às suas faixas sem sobrecarregar a mixagem Assim, os arps podem adicionar ritmo e movimentos complexos, meio que acompanhando a batida, enquanto os pads podem criar um cenário exuberante e atmosférico que preenche um cenário exuberante e atmosférico que preenche o espaço do Sonic. O objetivo aqui é preencher lacunas intencionalmente sem competir com a melodia principal ou Então, eu vou vir até aqui e vou criar um novo padrão, e vamos renomear esse padrão Rp. E então eu vou carregar um sintetizador, então vamos tomar E estamos procurando sons ou plugues curtos . Talvez encontremos algo nessa pasta melódica de techno. Ok, vamos pegar um desses plugues. Vamos tentar limpar esse plugue. Então, a primeira maneira de fazer um arp é abrir o rolo do piano e, a partir daqui, podemos gravar os acordes que tínhamos Agora, se lembrarmos, eles eram nítidos em uma grande tonalidade C em Preciso voltar e pegar meu selo principal Então, vamos carimbar em C em uma tonalidade maior. Então tivemos a nota raiz, que era D, e eu sei que essa é uma tonalidade menor porque estamos na tonalidade de D menor Vamos fazer isso. E então eu acredito que era F em uma tonalidade maior Sim, isso parece certo. Agora, vou verificar o ritmo porque me lembro de antes de mudarmos o ritmo aqui. E como você pode ver, com os acordes de piano, eles estão realmente chegando antes dos nossos acordes de arp. Então, temos que consertar isso. Temos que garantir que tudo esteja alinhado. Então, vamos mover os acordes do arp para combinar com os acordes do piano E depois voltaremos e daremos uma olhada. Sim, isso parece certo para mim. E então, se você se lembra de antes, também invertemos os dois últimos acordes. Então, vamos fazer isso de novo para que nosso arp combine com nossos acordes de piano Então, muito rápido, vamos invertê-los . E lá vamos nós. Então, agora, antes de prosseguirmos, eu só quero falar sobre o que realmente é um arp ou um arpejo Então, um arpejo ou arpa é apenas uma palavra chique para um cordão quebrado Então, basicamente, você pegaria seu cordão aqui. E o que você faria seria dividi-lo em pequenas notas individuais, aumentando e diminuindo Isso seria um rp. No entanto, o FL Studio está cheio de pequenas surpresas mágicas. Então, se destacarmos todas essas notas, Opa. Deixe-me vir até aqui para ver as ferramentas. Você pode ver que, na metade deste menu, há uma ferramenta chamada arpejo E isso abre essa janela aqui. E com isso, há algumas opções diferentes, ok? Há um padrão aqui na parte superior, que basicamente abre uma pasta e permite que você escolha entre todos os diferentes arpejos predefinidos que vêm Você pode usar esse menu suspenso aqui para virar as notas ou alterná-las para frente e para trás Aqui, com a multiplicação do tempo, você pode esticar as notas para criar alguns ritmos interessantes ou alguns arps muito rápidos Você pode definir um intervalo para a altura em que deseja que os arps cheguem. Você pode usar a função de sincronização para alterar quando o loop do arpejador E então você pode jogar com coisas como velocidade, panorâmica e liberação e todo esse tipo de coisa Mas, no momento, vamos ver como isso soa. Vamos desfazer isso e dar uma olhada em um tipo diferente de padrão que poderíamos usar Então, entraremos no arpejador e talvez procuremos uma predefinição divertida que vem Vamos tentar uma dessas três notas, talvez. Vamos dar mais alcance. Digamos que talvez duas oitavas. Vamos ver como isso soa. Então, com arps, você provavelmente vai usá-los moderação como uma espécie de elemento de fundo Eles são usados para adicionar ritmo sem se distrair da melodia principal Então, onde eu os tenho aqui provavelmente não vai funcionar porque eles estão tocando ao mesmo tempo que a ideia principal ou a melodia principal da faixa Então, se tocarmos agora, provavelmente vai soar um pouco confuso e um pouco desorganizado Mamãe. Então, esses dois elementos, a melodia e o arp, estão realmente lutando por sua atenção Mas do jeito que estou imaginando essa faixa, esta será uma espécie de seção de refrão Então, teremos nossa pequena introdução com a amostra em que estamos trabalhando A melodia principal meio que desaparecerá. Vamos tocar um refrão bem construído para esses 4 compassos e, em seguida, entraremos em algum tipo de seção de versos Então eu acho que, para mim, o arp provavelmente deveria estar em algum lugar por aqui Em seguida, criaremos um painel para profundidade e atmosfera. Então, novamente, vamos subir até o topo e encontrar o próximo vazio e criar um novo padrão de almofada. Então, mais uma vez, vamos carregar um sintetizador. E com isso, estamos procurando por algo meio suave e ambiental. Vamos tentar encontrar um bom som de teclado. Então, acho que havia muitos blocos nessa pasta melódica de techno nessa pasta melódica de techno Então, vamos dar uma olhada aqui. Ok, e o que vamos fazer com as almofadas é desenhar as cordas da nossa pista Então, temos A afiado até a última etapa da segunda batida. E então, aqui, temos C. Então temos nossa raiz sem D, até a última etapa da segunda batida. E então temos F. Oops. Oops Então, com isso, talvez eu sorteie alguns quintos. E se você quiser uma maneira rápida de encontrar a quinta, basta contar sete notas para cima. Então, temos um, dois, três, quatro, cinco, seis, sete. Para que houvesse nosso quinto. E a partir daqui, talvez eu faça algo um pouco interessante. Então, estou pensando que posso alternar entre essas duas notas aqui e depois pousar nessa novamente no final do padrão. Então, se eu apenas desenhar isso , soa assim. E todos os outros acordes têm três notas. Então, vou copiar isso e abaixar uma oitava para dar três notas a esse cordão também E então podemos trazer essas almofadas de volta ao nosso arranjo aqui, colocá-las em camadas e ver como soa Agora, idealmente, na mistura, eles seriam realmente muito mais silenciosos Então, eles foram feitos apenas para preencher um pouco de espaço de fundo. E esqueci que tenho que desenhar na segunda parte do padrão em que viramos esses dois cordões Essas são almofadas de acordes, mas há outro truque que você pode fazer quando as almofadas realmente não seguem as cordas Então, por exemplo, com aquela pequena ideia de nó alternativo que eu tinha antes, poderíamos excluir os cabos e manter aquela pequena ideia de nó alternativo Veja como ele preenche sutilmente o espaço em segundo plano. Ou você pode fazer algo chamado nota de pedal, em que, se entrarmos em nossos blocos, basicamente nos depararmos com a exclusão de todas as notas e apenas segurarmos a nota raiz Portanto, a nota raiz dessa faixa é D porque estamos na chave de Ré menor. E então você simplesmente deixaria seu bloco manter essa nota sólida no fundo. Mas, para mim, acho que preferi a ideia da nota alternada 12. Contracanto: Ok, vamos dar uma olhada nas contra-melodias. Essa é uma técnica interessante para fazer com que suas batidas pareçam mais completas, dinâmicas e Uma contra-melodia é uma melodia secundária que complementa e interage com Não supera a melodia principal, mas a aprimora, criando uma textura musical mais complexa e envolvente Portanto, algumas das principais características de uma boa contra-melodia incluem suporte Então, isso adiciona profundidade, mas não domina a pista. É ritmicamente complementar, então pode preencher alguns espaços vazios ou talvez, se sua melodia estiver muito ocupada, apenas copie o Também deve funcionar em harmonia com a melodia principal, geralmente usando a mesma escala ou tecla Mas é diferente o suficiente da melodia principal para criar interesse, mas não tão contrastante que pareça fora de lugar Então, para fazer uma contra-melodia, vou abrir minha melodia original e clonar esse padrão Então eu vou abrir um novo sintetizador. E talvez eu escolha algum tipo de coragem. Vamos ver. Vou escolher um aleatório aqui. Então, o que eu vou fazer, em primeiro lugar, é copiar a melodia original e trazê-la para o meu novo sintetizador Então, como é uma contra-melodia, na verdade vou colocá-la acima da melodia principal Agora, nesta faixa, o ritmo da minha melodia está bem movimentado. Tem muita coisa acontecendo. Então, acho que para minha contra-melodia, vou imitar o mesmo ritmo E, mais uma vez, vou precisar do meu carimbo de escala para poder ver em qual tecla estou e quais notas devo usar Então, vou pegar meu instrumento mudo para poder gravar algumas notas fantasmas para a escala Então, estamos em ré menor. E eu vou carimbar essas notas lá, e então podemos voltar ao nosso novo instrumento de contramelodia, e podemos usar essas notas da escala para desenhar uma contra-melodia e podemos usar essas notas da escala para desenhar uma contra-melodia Vamos começar a fazer isso. Vamos arrastar essas notas para posições diferentes. No entanto, ainda precisamos nos lembrar do contorno, que o contra-corpo não possa estar pulando Ele ainda precisa ter um contorno suave. Vamos talvez mudar essa nota. Vamos começar a tocar a contra-melodia agora. E então talvez façamos algo assim. E vamos ver como isso soa. Talvez eu diminua o tom para que possamos ouvi-lo melhor. E se colocarmos isso em contexto, provavelmente seria na segunda metade desse refrão quando a melodia original fosse tocada algumas vezes, você sabe, as pessoas a ouviram Eles se acostumaram com isso, e então podemos trazer algo novo. 13. Escolhendo e colocando sons em camadas: Agora vamos analisar um dos aspectos mais cruciais da produção musical, que é escolher e sobrepor sons Portanto, entender como selecionar os sons certos e colocá-los em camadas adequadamente é essencial para criar uma trilha sonora rica, dinâmica e profissional Portanto, a razão pela qual você pode querer colocar camadas é por textura e profundidade. Você sabe, as camadas criam um som mais completo e complexo que envolve o ouvinte e adiciona muita profundidade ou gordura Também oferece um pouco de variedade à sua faixa e garante que ela não seja muito repetitiva e que sempre pareça nova Portanto, ao escolher o som certo para sua faixa, primeiro você deve observar o clima e o gênero. Então, cada gênero e cada faixa terão um clima ou tipo de vibração específico, e sua escolha de som deve refletir isso Então, por exemplo, em um ritmo sombrio e atmosférico, você pode escolher almofadas profundas e assustadoras e talvez algumas e Mas então, para um tipo de faixa melódica mais otimista, talvez como a que estamos trabalhando agora, você pode optar por sons mais brilhantes e Uma das melhores coisas que você pode fazer é ouvir faixas de referência em seu gênero. Portanto, isso ajudará você a entender quais tipos de sons funcionam melhor nesse contexto. Você também precisa pensar em onde a camada se encaixa no espectro de frequência. Tem principalmente baixas frequências? É principalmente um instrumento de base média ou é composto por mais altas frequências Você quer evitar muitos sons na mesma faixa de frequência. Então, por exemplo, quando colocarmos nossos acordes de piano aqui, provavelmente vou escolher uma camada que complemente o piano, que provavelmente seria um tipo de instrumento médio baixo, e então eu poderia escolher uma que tenha mais frequências altas para arredondar o som e dar uma sensação muito mais completa Então, um aspecto muito importante é a textura e o tambre. Portanto, o tambre ou a qualidade do tom de um som podem desempenhar um grande papel na forma como ele se encaixa na faixa geral Portanto, usar uma espécie de sintetizador quente como camada criará uma textura de fundo suave, enquanto usar um toque nítido pode criar um pouco de contraste e fazer com que o instrumento Por fim, basta percorrer e ver o que soa melhor. Então, vamos começar a colocar esses acordes em camadas aqui. No momento, vou tocar a faixa primeiro, na verdade, só para ouvir como ela soa de antemão Então, no momento, é bastante escasso. Só temos um instrumento tocando a melodia e um instrumento tocando os acordes A faixa não vai soar tão cheia. Então, vou começar a trabalhar agora colocando esses acordes em camadas. Então, o que eu quero fazer é trazer um novo sintetizador, e isso se tornará nossa primeira camada Também vou imediatamente copiar esses acordes e colá-los em nosso novo sintetizador, porque não estamos interessados em nosso novo sintetizador, porque não estamos interessados Nós já fizemos isso. Agora vamos ouvi-lo. Então, como o padrão de piano que estamos usando é um pouco jazzístico, acho que vou usar um tipo quente de teclas que soem jazzísticas Então, vou procurar um banco de som que eu tenha que possa funcionar. Talvez esse pacote de chaves Somatics seja bom. Então, vamos carregar o primeiro, e vamos continuar. Ouviremos como soa em camadas em cima do piano Ok, então instantaneamente está um pouco alto demais. Sobod vai abaixar o volume para que possamos ouvir os dois misturados Agora, isso seria um som bem nítido. Tem um toque transitório no início de cada nota Então, está fazendo com que as teclas se destaquem um pouco mais. Isso está dando a eles um pouco mais de impacto. Vamos continuar navegando e ouvir algumas predefinições diferentes essa predefinição em particular Acho que essa predefinição em particular não funciona nem um pouco com o piano Acho que é meio perturbador e não está adicionando nada à textura original do piano ou ao som do piano que temos. Então, vamos continuar. Novamente, não sou um grande fã disso. Estou procurando algo quente para colocar por baixo. Talvez isso. Isso é muito bom. Aí. Eu acho isso adorável. Portanto, essa predefinição está em camadas com o piano. Não está prejudicando, mas na verdade está adicionando algo quente. Na verdade, está adicionando uma textura extra que não obteríamos apenas com o piano sozinho. Agora, os dois juntos são bem suaves. Não há muitas informações de alta frequência provenientes do piano que projetamos aqui. E esse som em particular é focado principalmente em baixos e médios. Então, acho que devemos adicionar outra camada mais focada em outra camada mais focada altas frequências para que ela complemente essa camada e, esperançosamente, complemente o piano Então, por um segundo, vamos clonar isso. E eu vou fazer a mesma coisa, copiar o padrão. Mas cole e ouviremos, daremos uma olhada e veremos qual terceira camada podemos com nosso piano e nosso outro sintetizador e ver qual soa melhor Agora, isso é bom. Tem algumas frequências altas, mas é um pouco nítido demais. Estou procurando sons mais suaves e quentes. Muito legal para causar algum impacto, mas, novamente, não é o que eu pretendo. Isso é muito animado. Estou procurando por mais suavidade. Então, agora, acho que esse som em particular está adicionando as altas frequências que estavam faltando, mas não está assumindo o controle e não o está deixando muito animado ou impactante Eu só quero que os acordes no momento estejam um pouco mais suaves e meio relaxantes no fundo Talvez, quando estivermos organizando a faixa, haja uma seção em que eu queira ficar muito empolgada, e eu possa colocar outro sintetizador que tenha mais empolgação , talvez como uma supersa ou algo assim , só para dar um pouco Mas, no momento, é exatamente isso que estou procurando com minhas chaves. Vamos ouvi-la no contexto da faixa. E vou silenciar as camadas enquanto tocamos para que você possa ouvir a diferença Opa. Então, espero que você possa ver que todas essas três camadas, incluindo o piano, estão todas combinadas para criar um instrumento que parece ter muitas texturas diferentes e é muito interessante e agradável de ouvir Também está adicionando uma boa quantidade de profundidade ao piano. Está tornando-o mais espesso e soando mais cheio. Então, assim, podemos fazer a mesma coisa com nossa melodia. Então, vamos pegar isso e ouvir. E, novamente, vou clonar um desses e copiar minha melodia em um novo sintetizador E como estou procurando sons principais desta vez, vou mudar meu banco de som. Talvez continuemos com o mesmo pacote de somática e usemos alguns sons principais Vamos ver como elas soam combinadas com nosso som de melodia original Ok, agora, eu realmente acho que o primeiro que selecionamos foi muito bom. Então, vou carregar isso de volta. Então, eu poderia testá-lo em oitavas diferentes, então vou abaixá-lo e ver como soa aqui embaixo. Não, acho que preferi na oitava original. Então, sim, acho que esses dois sons estão realmente se unindo muito bem para criar um instrumento principal completo e grosso Então, novamente, vamos ouvir no contexto da nossa faixa. Opa, preciso mudar para a visualização da música. Agora, só mais uma coisa rápida sobre a qual quero falar é sobre suas camadas. Então, por exemplo, com essas camadas de cordão. Você pode movê-los para a esquerda e para a direita para tentar criar uma espécie de difusão estéreo ou para tentar fazer com que os cabos soem um pouco mais largos Então, por exemplo, vou pressionar play e deslocar os instrumentos um pouco para a esquerda e para a direita, e espero que pareça que está ficando um pouco mais largo E a razão pela qual parece mais amplo é porque agora você criou uma diferença entre o lado esquerdo e o lado direito. Então, como há mais desse instrumento no lado esquerdo e mais desse instrumento no direito, esses dois sons diferentes estão fazendo seus ouvidos percebam que o som é mais amplo. Então, vamos ouvir novamente no contexto da faixa, e então acho que podemos seguir em frente. 14. Ciência: Vamos dar uma olhada na base direita. Essa é a base da produção musical moderna, especialmente em gêneros como Trap, hip hop Dominar as oito sobre oito significa entender não apenas como fazê-las soar bem, mas como fazê-las se mover, cantar e se destacar em sua faixa Agora, quando falo sobre oito oh oito, na verdade estou me referindo ao chute e ao baixo ao mesmo tempo Tradicionalmente, o oito sobre oito é na verdade um bumbo. Mas na música moderna, é usado para se referir ao clássico trap kick and base Agora, você pode baixar alguns pacotes de oito que vêm com um toque e uma base meio misturados, e você pode arrastá-los para o seu padrão e, obviamente, construir sua faixa dessa forma Acho que o FL Studio ainda tem alguns que são gratuitos. Deixe-me verificar novamente. São só chutes. Lá, aquele chute de folga do colisor provavelmente seria um oito oh oito Então, como você pode ouvir, tem um toque e um baixo meio que misturados Mas se você realmente quer que suas faixas soem bem, profissionais e únicas, você vai criar suas próprias. Então, para isso, vamos entrar em nosso padrão de bateria. Então, o que vou fazer é colocar outra instância de soro E para isso, estamos procurando alguns sons básicos. Então, vou ver se algum dos meus bancos de som se encaixa no tipo de base que estamos procurando aqui, que terá muitos submarinos Então, vamos ver. O baixo futuro é provavelmente uma boa opção porque os sons de baixo desse gênero geralmente combinam muito bem com o que estamos fazendo aqui. Opa Estou sempre fazendo isso. Ok, vamos começar aqui por um segundo. Então, antes de fazermos qualquer coisa, temos que estar cientes do que o baixo oito e oito realmente faz Então, nesse gênero de música, a direita e a direita geralmente seguem o chute. Então, por causa disso, para mim, eu vou entrar aqui e copiar o padrão de chute, e vou colá-lo no meu instrumento de baixo. Em seguida, vou alongar as notas. Assim. E eu geralmente deixo um espaço entre cada nota apenas para dar um pouco de ressalto à base, mas podemos ajustar isso depois Mas, por enquanto, vamos deixar uma pequena lacuna. Em seguida, vou redefinir minhas velocidades para cerca de zero. E vamos ver como isso soa agora. Opa. Ok, pode ser um pouco alto, então vou abaixá-lo. Mãe, hmm. Ok, eu não sou um grande fã do som do baixo, mas ainda há alguns ajustes que precisamos fazer melodia real do baixo ou no padrão do baixo Então, se você se lembra de antes, a chave da nossa faixa está, na verdade, em ré menor. Então eu vou afinar as notas até D. E também, temos acordes em nossa faixa, a base vai ter que seguir esses acordes Então, se observarmos quais são as notas principais das cordas, opa, temos A nítido, C, D e F. Então, vamos voltar para nossa base, que está em nosso que está em nosso Eu poderia simplesmente renomear isso agora, na verdade, para que saibamos o que estamos vendo. Tambores. Opa. Migalhas. OK. E vamos para nossa base. E o que eu vou fazer é afinar a base até as notas básicas dos acordes. Então, temos A Sharp. Temos C. Esse D está bom, e então temos F. Então, a seguir, vamos criar um slide de oito em oito Portanto, eles podem adicionar drama e expressividade às suas batidas. Com um plugue de terceiros, como soro. Portanto, esse é um plug-in que não é feito pelo próprio FL Studio. Você terá que ativar algo chamado portamento. Então, isso está aqui no soro, então vou me certificar de que está ligado E você também quer ter certeza, com soro, de que está definido como mono Mas com a maioria dos sintetizadores, a função Porta é perfeita Então, vamos ver se agora podemos criar um slide. Vou colocar outra nota na oitava aqui e ver o que isso faz E talvez outro aqui. Então, temos D até a oitava. Em algum lugar lá. Espero que seja D afiado. Mmmmmm Então, agora criamos dois slides em nosso padrão, e estou gostando da forma como soa e de onde eles são colocados O que eu quero fazer agora é criar uma linha de base oito sobre oito mais melódica Nada muito drástico, apenas algo para criar um pouco de movimento no baixo Então, por exemplo, se estivermos pensando em nossa base como sendo uma melodia, podemos voltar ao nosso conceito de contorno Então, sabemos que o baixo começa aqui e depois desliza até esta nota aqui E então a próxima nota que está tocando está aqui novamente. Então, acho que um contorno melhor seria pular para cima. Gosto do slide, mas depois desço. Que possamos descer até essa nota principal para nosso próximo acorde Então, para isso, vou voltar aos meus cordões e ver quais notas estão sendo usadas nesse cordão e posso usá-las na base Então, nós já estamos usando A sharp e deslizamos até esse A sharp na base, então eu poderia usar D, ou eu poderia usar F. Ok? Vamos testar D e F em nossa base e ver como isso soa. Então, vamos mover essa nota até D e ver como isso soa. Mamãe. D. E agora vamos tentar S. Ed. Gosto do som do F aqui e também acho que é um contorno melhor Acho que pular desse A nítido para esse A nítido e depois pular de volta para D apenas para descer para C é um pouco extremo para o Então, eu gosto de como estamos pulando, mas depois estamos descendo para o F e descendo para o C. Então eu vou fazer a mesma coisa Estamos no acorde de D. Vamos voltar. Vamos verificar quais notas podemos usar. Então, em nosso D, podemos usar A ou podemos usar F ou podemos tentar um C. Então, vamos voltar à nossa base e vamos testar algumas dessas notas. Bem, não podemos usar D porque já estamos em D. Provavelmente não podemos usar F porque o próximo acorde será F, então isso vai meio que gaguejar na mesma nota, enquanto eu queria deixar o enquanto eu queria Então, vamos tentar isso C. Mm. E agora podemos tentar isso com alguns sons de baixo diferentes. Então, como eu disse antes, eu não sou um grande fã desse som básico. Vamos ver como soa com alguns outros sons básicos. Agora, está tudo bem, mas se você estiver usando o FL Studio como seu dw principal , ele realmente vem com um plug-in muito útil que tem muitas bases oito e oito boas que vêm com o plug-in E, para ser sincero, ao fazer batidas, isso é o que eu mais uso para meus pesos de oito horas Então, vou substituir o plug-in Serum por algo chamado Flex E aqui no Flex, há um pacote chamado mobile tuned eight on eight base São muito, muito bons. Vamos ouvir. No entanto, quando você usa plug-ins padrão do FL, como o Flex, ou se está usando uma amostra de oito em oito, o que você pode fazer para criar slides, e na verdade é muito melhor, é substituir a nota que você deseja deslizar por uma nota de slide Então, vamos ativar a função de slide. Então, isso está destacado. E vamos colocar nossa nova nota, que está aqui. E quanto maior a nota, maior será o slide para cima , enquanto quanto menor a nota, rápido ela deslizará para cima Então, vamos ver como isso soa. OK. Agora, isso é um pouco lento demais para mim, então vou encurtá-lo em mais meio passo E para mim, pessoalmente, acho que essa pequena seção aqui precisa de um pouco mais de movimento apenas para tornar a base um pouco mais interessante. Então, acho que vou fazer com que a base alterne entre duas notas diferentes e depois volte para C. Então, é claro, posso usar o C acima. Assim. Opa, eu não quero que sejam notas de slides Eu não quero que ele deslize para cima. Eu só queria tocar as notas. Isso agora adiciona um pouco de movimento apenas para quebrar a monotonia dessas notas, você sabe, muito longas, especialmente quando o padrão se repete na Então, a partir daqui, eu gosto da minha melodia básica, minha melodia de oito e oito baixos E o que vou fazer é expandi-lo porque, se você se lembra de antes, na verdade trocamos os dois últimos acordes do padrão Então, eu vou vir aqui e vou trocá-los. Então, para fazer isso, eu basicamente quero mover esse D para um F e esse F para um D. O F agora deve deslizar para outro F. Então, atualmente, está deslizando para um D. Vamos trazer isso para outro F. E nossa nota C aqui parece que pode funcionar porque estamos deslizando para cima e ainda estamos descendo D. O F agora deve deslizar para outro F. Então, atualmente, está deslizando para um D. Vamos trazer isso para outro F. E nossa nota C aqui parece que pode funcionar porque estamos deslizando para cima e ainda estamos Mas vou verificar se o C se encaixa no acorde F. Então, vou entrar no meu outro padrão de acordes. É o penúltimo acorde no padrão, e é F. Então, posso usar um Sim, eu posso. Então, vamos voltar e ver como isso soa agora. Uma vez que minha linha de baixo esteja construída, e eu usei e usei o padrão de bateria para informar o ritmo do baixo, eu vou pegá-la, vou cortar Então, não está mais no meu padrão de bateria, e agora vou criar um novo padrão chamado base. E vou colar isso. E agora eu posso incluir isso no meu acordo. 15. Design de baixo avançado: Tudo bem, então construímos nossa base. Agora vamos falar sobre algumas técnicas avançadas para fazer com que pareça ainda mais profissional. Então, vamos usar coisas como distorção e camadas superiores Então, em primeiro lugar, uma coisa muito simples que podemos fazer é pegar a base que projetamos. Podemos atribuí-lo a uma faixa de mixagem. E agora podemos usar pouco de saturação ou distorção pesada para tentar fazer com que ela se destaque Então, se eu usar algo chamado modelador de ondas, posso adicionar um pouco de areia ao som desenhando uma espécie de forma de serra Então, isso é tudo antes. E depois. Pode ser um pouco demais. E, como você pode ver, você pode brincar com essas formas diferentes no modelador de ondas e criar alguns e criar No entanto, se você quiser que soe muito mais limpo, o que podemos fazer é criar uma camada superior. Então, esse é um tipo de conceito simples. Estamos apenas voltando às nossas técnicas de camadas onde colocamos outro som de baixo em cima deste Então, no momento, parece assim. É muito simples, mas como esse gênero é fortemente focado na base oito sobre oito, criar seu próprio tipo de som de baixo exclusivo com camadas ou efeitos pode realmente fazer você se destacar Então, vamos adicionar soro. Vou copiar nossa melodia base. Vou colá-lo em nosso plugue de soro. E eu só preciso ter certeza as notas do slide não funcionem em plug-ins de terceiros, então vou ter que mudar isso para uma nota normal. E o mesmo vale para este. E o mesmo vale para este. Ah, e esse também. OK. Então, agora vamos encontrar um bom som de baixo. Vou rolar para a direita e ver se tenho alguma coisa aqui que possa funcionar. Oh, talvez algo neste terremoto de base. Eu gosto do som disso. Talvez haja algo interessante aqui que possamos colocar em cima do nosso outro baixo. Uau, tudo bem. Esse não é o gênero que estamos procurando. Etapa de dublagem impressionante. Não, obrigado. Estamos apenas procurando uma camada arenosa que possamos colocar em cima de nosso outro som de baixo limpo Vamos tentar algo em que o estranho soa . Volume um Então, obviamente, este é um pacote baseado nos sons de Stranger Things Vamos colocar isso em camadas e ver como soa com nosso som original da baía. Então, essa poderia ser uma camada bem legal para nossa base. Então, o que vou fazer agora é afetá-lo. No momento, está um pouco limpo demais, mas acho que tem potencial para parecer bastante arenoso Então, o que eu quero fazer, e esse primeiro passo é muito importante usar um equalizador e criar um decote Então, com nossa primeira banda aqui, vamos mudar o tipo para passa-alta. Ou filtro de corte baixo. Passagem alta e corte baixo significam a mesma coisa. Além disso, abordaremos um pouco o EQ na seção de mixagem deste curso, que você não precise se preocupar com mais nada no momento Saiba que você pode clicar com o botão direito do mouse na primeira banda e alterá-la para uma frequência alta, e isso eliminará as frequências básicas que não precisamos no segundo som base. E eu vou aumentá-los até talvez cerca de 150. E a razão para isso é que você não quer que dois sons básicos diferentes ocupem a mesma faixa de frequência Então, lembre-se de que, antes, quando estávamos colocando os cabos em camadas, eu falei sobre como você deseja tomar decisões com base na faixa de frequência Então, por exemplo, nosso oito sobre oito aqui, é bem profundo. É bem básico. Está ocupando essas frequências básicas. Essa camada que adicionamos também é bastante básica e também tem muitas informações básicas que não queremos combater com nosso som básico original de que gostamos É por isso que usei o EQ aqui para cortar as frequências básicas da nossa camada Então, espero que pareça um pouco mais limpo agora. Aqui está o que soa agora sozinho Antes? E depois. Agora, com essa camada, podemos realmente tentar fazer algumas coisas divertidas para criar um som interessante. Então, talvez usemos aquele modelador de ondas que vimos antes para criar um Talvez usemos um pouco de distorção. Então, talvez usemos algo como, sei lá, talvez hardcore frutado, que é um efeito de amplificador Mas antes disso, provavelmente vai ficar bem alto porque um amplificador literalmente amplifica o Então, vou recusar isso para o caso de eu danificar meus ouvidos e os seus. Eu não sou um grande fã desse som. Vamos trocá-lo por talvez Blood Overdrive. E então, talvez para um pouco de brancura estéreo, possamos colocar um efeito de coro Vamos ouvir no contexto da nossa faixa. Você também não precisa usar um som baixo. Assim, você também pode usar um instrumento principal para algo interessante. Então, vamos adicionar uma pista, e talvez tenhamos que explicar isso. Opa. Eu só quero fazer isso sozinho. Isso. E vamos tentar isso com alguns dos efeitos que tivemos. Talvez não seja o refrão. 16. Cadeia de sinal: Mais uma coisa que eu não mencionei foi a ordem desses plug-ins. Então, originalmente, esses plug-ins eram assim. Tivemos o Waveshaper, o blood overdrive e o frucorus Também mudei a predefinição que estamos usando para isso. Desculpe, originalmente, teria soado assim. A forma como o áudio passa por esses efeitos é de cima para baixo. Então ele está passando pelo E Q, e então esse sinal está sendo enviado para o modelador de ondas, e então esse sinal está sendo enviado para o overdrive, e então isso está sendo Então isso significa que eu estou distorcendo o som e então eu estou adicionando um refrão Mas acho que seria legal distorcer o refrão. Então, vou mover o refrão até o topo e ver como isso soa E se trocarmos as duas distorções, isso também pode mudar o som Portanto, certifique-se de brincar com os diferentes sons das camadas e com os diferentes efeitos e com a ordem diferente dos efeitos. Porque você pode realmente criar alguns sons legais. 17. Noções básicas de design de som e ajustes predefinições: Então, vamos agora examinar os fundamentos do design de som com foco na personalização das Usar predefinições pode realmente economizar tempo, mas saber como ajustá-las pode permitir que você crie sons exclusivos adaptados à sua faixa Ajustar seus sons para combinar com a vibração da sua faixa garante que eles se encaixem na mixagem Portanto, embora não aprenderemos sobre design de som e criação de predefinições de sintetizadores, aprenderemos como manipulá-las para que se ajustem à manipulá-las Então, para fazer isso, eu poderia simplesmente dar uma olhada na nossa predefinição básica com a qual trabalhamos na última palestra Então, vou desligar todos os efeitos que usamos. Vou ligá-lo novamente e vou silenciar o som base original Então, essa é a aparência e o som da predefinição sozinha. Mas se quisermos ajustá-lo, há algumas áreas gerais que devemos examinar E esses são os osciladores. Então, neste caso, há dois. Há o oscilador A e o oscilador B. Essa é a fonte do som Eles geram formas de onda brutas, como seno, quadrado, serra, triângulo, etc Então, por exemplo, para esse som em particular, há dois osciladores sendo usados ao mesmo tempo Então, vamos tocar o som e ouvir o som de cada um sozinho, e então talvez eu desligue os dois, e tudo o que deve sobrar é apenas uma camada de ruído. Agora, para ajustar isso, podemos mudar a forma do oscilador talvez pegando outra coisa, uma forma talvez pegando outra coisa E, como você pode ver, mudou a forma da onda Então, isso terá mudado o som fundamental. E também podemos fazer outras coisas aqui, como desajustar e usar o uníssono Então, o Unison duplica o sinal e, em seguida, o botão de dessintonia usa o que é chamado de micro deslocamento para ajustar essas duplicatas de forma um pouco diferente e tornar o som um pouco mais grosso e um pouco mais grosso pouco Mamãe. Mmm. Outro aspecto de um sintetizador que pode ser ajustado é essa seção de filtro Então, com o soro, você pode mudar a forma do filtro. Então, por exemplo, vamos usar o low pass 12. E isso é essencialmente como um EQ. Portanto, o passe baixo é literalmente um passe baixo. Está apenas permitindo que as frequências baixas sejam ouvidas e está cortando todas as altas frequências. Mamãe. Mmm. Opa, eu não sabia que o botão de corte estava realmente ligado a um dos envelopes, então ignore isso por Ok, então agora devemos ouvir apenas frequências baixas. E se aumentarmos a ressonância, você pode ver que está adicionando um pequeno tipo de E isso vai fazer com que fique meio estridente. Agora, nem todas as predefinições serão vinculadas. Então, por exemplo, se eu escolher outro, este cortado é naturalmente configurado para um filtro passa-baixa. Então, por exemplo, com um filtro passa-baixo e a roda de corte, você pode fazer esse tipo clássico de criação de música eletrônica. Ou você pode mudar a forma para alguns sons realmente interessantes. W E a próxima coisa a qual quero falar são os envelopes ADS Ou, nesse caso, temos ADS, H e ou. Então, A se refere ao ataque, e é a rapidez com que o som pode atingir seu volume máximo. Muitas almofadas costumam usar esse tempo de ataque para criar uma espécie de efeito de inchaço Então temos a decadência e a sustentação. Agora, eles estão meio que interligados. Portanto, a sustentação é basicamente o nível de volume mantido quando a nota é sustentada E então a decadência é o tempo necessário para que o som caia até o nível de sustentação Então, no momento, você não vai realmente ver a deterioração porque a sustentação está muito alta Mas se eu derrubar, você pode ver a decadência aqui agora. Então, se eu ajustar o tempo de decaimento agora, você pode ver que está aumentando o tempo que vai levar para a nota atingir o nível de sustentação Então, vamos clicar em play e ver o que esses dois botões realmente fazem em ação Só vou acabar com o ataque. E então eu vou aumentar esse sustain novamente. A liberação é quanto tempo o som leva para desaparecer depois que você tira o dedo da nota ou, literalmente, a nota é liberada Então, olhando para esse envelope, podemos ver que o lançamento é bem rápido Você sabe, a nota chega ao volume máximo muito rapidamente. Ele permanece nesse volume e, quando você solta a nota, ele volta para baixo muito rapidamente. Mas se prolongarmos o lançamento, você ouvirá que as notas começam a se sobrepor Então, eu não tenho certeza se você pode ouvir isso completamente. Vou pegar uma predefinição diferente que talvez seja mais fácil de ouvir. Talvez não esse. E, de fato, só para demonstrar melhor o argumento, isso seria muito mais fácil de ouvir em um arp em que as notas são curtas H E, finalmente, o outro tipo de elemento básico que eu costumo ajustar está aqui na seção de efeitos Portanto, a maioria das predefinições virá com seus próprios efeitos. Eles geralmente vêm com coisas como atraso e reverberação. E geralmente a maioria terá um EQ e algum tipo de compressor Mas, por exemplo, talvez você encontre um plugue e realmente ame o som dele, mas ele tem muita reverberação. Você pode simplesmente desligar isso. Então, normalmente com predefinições, eu realmente não vou tocar nos osciladores, talvez muito raramente. Então, normalmente com predefinições, eu realmente não vou tocar nos osciladores, São principalmente algumas coisas de filtro que eu vou fazer e também o ADSR aqui embaixo Mas não tenha medo de tocar com nenhum desses botões que você tem no sintetizador porque todos eles fazem alguma coisa e você pode descobrir algo legal como uma espécie de Agora, se alguém quiser um tipo completo curso de design de som, onde examinemos talvez soro ou outros sintetizadores diferentes, eu posso absolutamente fazer isso. Apenas me avise. E caso você pense que, sabe, só isso se aplica ao soro, vou colocar um sintetizador diferente Talvez tentemos o Vital. Então, agora esse sintetizador parece completamente diferente. Então, vamos pegar uma predefinição rápida, talvez algum tipo de tecla soe muito forte. E o que vou fazer é muito rápido, vou pegar isso e transformá-lo em vital. E não foi colado no início. Eu não sei por quê. OK. E se eu voltar ao nosso tipo de visão geral, podemos ver aqui que temos o oscilador Ok, oscilador um. Temos nosso ataque, nossa decadência está aqui, nossa sustentação e nossa libertação Então, por exemplo, vamos ajustar alguns deles. E também podemos mudar as coisas no oscilador, para tornar todo o som fundamentalmente diferente Agora, acho que não temos nenhum dos filtros ativados aqui, mas se quisermos, podemos, então podemos ativar um filtro. E agora temos nosso filtro passa-alta clássico. E podemos mudar a forma. Então, com essas três coisas, com o oscilador, o envelope ADSR e o filtro, você pode realmente ajustar o som geral da predefinição o som geral da predefinição E a principal razão pela qual eu faria isso é, você sabe, se a predefinição é um pouco clara ou muito escura, ou se parece perfeita, mas, você sabe, algumas das notas são um pouco longas ou não estão sendo cortadas tão rápido quanto eu quero Eu posso ajustar o ADSR e posso alterá-lo e ajustá-lo para que fique do jeito que eu quiser 18. Cavagem de caixa digital: o que é sampling?: amostragem é o processo de pegar uma parte do áudio existente e depois incorporá-la à sua música Pode ser uma melodia de um disco de jazz antigo ou talvez um trecho vocal de um vídeo do TikTok ou até mesmo sons do A amostragem está em toda parte na criação de batidas modernas, especialmente em gêneros como trap, drill e hip hop O objetivo da amostragem não é apenas copiar e colar, é transformar sons em algo novo e pessoal De músicas icônicas de Ja Dilla e Kanye West a clássicos modernos do trap de Metro Boman, a amostragem sempre foi amostragem Então, por que a amostragem é essencial para fabricantes de batidas? Bem, antes de tudo, ele pode lhe dar inspiração instantânea. Uma amostra pode despertar uma ideia ou definir o clima para sua batida, especialmente quando você está começando com uma tela em branco Você também pode usar amostras para texturas exclusivas. Então, seja um toque vocal emocionante ou um loop de sintetizador assustador, as amostras permitem que ou um loop de sintetizador assustador, você introduza texturas exclusivas A amostragem também pode fornecer harmonias, ritmos e tambres complexos instantaneamente Não é necessário criar tudo do zero. E, finalmente, a amostragem permite que você conecte suas batidas à maior história da música É uma forma de respeitar o passado enquanto cria algo novo e novo Então, quais são os melhores lugares para encontrar amostras? escavação digital de caixas tem tudo a ver com encontrar as amostras perfeitas E graças à Internet, você não precisa de uma pilha de discos de vinil para procurar ouro Então, Luperman, eu já mencionei isso duas ou três vezes durante o curso, e é uma enorme biblioteca de loops e amostras isentos de direitos autorais Você pode filtrar por gênero, por chave, por BPM e encontrar exatamente o que precisa Na verdade, todos os quatro exemplos de áudio do slide anterior vieram de Luperman Depois, temos plataformas de mídia social como TikTok, YouTube e Instagram TikTok tem muitos clipes de áudio peculiares que podem ser Você pode baixar ou até mesmo gravar a tela do áudio e depois transformá-lo com efeitos, mudança de tom ou cortes O mesmo vale para o YouTube, onde talvez você possa pesquisar algumas apresentações estranhas ao vivo, músicas ousadas e esquecidas ou até mesmo coisas aleatórias, como ambiente da floresta ou sons de cachoeiras Usa colmeia. Maio. Metade. Poidepshalp. Sim, está feito. Em seguida, você tem plataformas pagas e pacotes de amostras. Plataformas como splice, sounds.com e Somatics oferecem amostras selecionadas alta qualidade Ou você pode comprar amostras de empresas como a Ghost Hack ou algo Eles podem ser ótimos para produtores de armadilhas e furadeiras que procuram sons modernos E então temos o domínio público. Portanto, sites como archive.org ou Public Domain Review oferecem acesso a gravações de áudio, composições clássicas Qualquer coisa em domínio público ser usada gratuitamente sem direitos autorais. Portanto, procure gravações antigas ou peças clássicas para adicionar um toque vintage às suas batidas O domínio público inclui qualquer obra criada antes de uma determinada data, que atualmente é 1928, ou qualquer faixa que tenha sido lançada em domínio público À beira-mar, à beira-mar. ao lindo mar, você e eu, você e eu. Aqui estão algumas das melhores práticas para transformar suas amostras em batidas de qualidade profissional. Seja original. Não basta enrolar a amostra como está, virá-la, esticá-la ou cortá-la até que pareça sua própria criação Combine as amostras ao seu ritmo. Portanto, use EQ, reverberação, compressão, faça com que a amostra se encaixe naturalmente na batida Mantenha-se organizado, e isso é importante. Identifique suas amostras por chave e por BPM para economizar tempo durante seu fluxo de trabalho Se você passar um dia baixando várias amostras diferentes e as agrupando em uma pasta, não se lembrará em dez semanas em que BPM e em qual chave essas amostras estavam Portanto, dedique algum tempo ao baixá-los para marcá-los por chave e por BPM Certifique-se de experimentar. As melhores batidas geralmente vêm de combinações inesperadas ou acidentes felizes Mas sempre respeite os direitos autorais. Sempre verifique o licenciamento de suas amostras. Fontes de domínio público e isentas de royalties são as apostas mais seguras se você planeja lançar 19. Flipping samples: Nesta palestra, vamos explorar amostras invertidas, que pegamos o áudio existente e transformamos em algo totalmente único Então eu sei que já temos uma espécie de amostra vocal aqui em nossa faixa. Mas acho que vou usar uma amostra diferente, só para demonstrar as técnicas. E depois, podemos pegar uma ou duas dessas técnicas e aplicá-las à amostra vocal que já temos em nossa faixa. Além disso, acho que algo como um loop de piano é um pouco mais fácil de ouvir sozinho, do que apenas uma amostra vocal. Então, vou trazer o piano, amostra para uma parte em branco da faixa e vou mostrar como soa. Então, uma vez na playlist, temos que combinar o tempo da amostra com o nosso tempo. Agora, não preciso me preocupar com isso, porque quando você baixa uma amostra do Luperman, ela informa qual é o tempo Então, em Luperman, a pessoa que fez o upload disse que a amostra era 140 Então, vou digitar 140 e ver como isso afeta o som. Agora, para mim, parece que é depois de esticá-la um pouco Isso soa bem para mim. Mas se você quiser encurtar isso, você pode usar essa função de alongamento, e você pode, eu suponho, esticar o áudio até a metade Ou outra forma de fazer isso seria quando você ajusta a amostra ao seu tempo, em vez de digitar 140, usaríamos 70 Então, agora, a primeira técnica que vamos examinar é cortar a amostra E acho que a melhor maneira de fazer isso no FL Studio é usar um plugin chamado SlicEx Então, vou adicionar isso a um novo padrão. E o que você quer fazer com isso é arrastar o som original. E, basicamente, o que ele faz é dividir sua amostra em marcadores diferentes que são mapeados para diferentes teclas no teclado E você pode usar seu rolo de piano aqui, se eu simplesmente deletar esses. Você pode usar seu rolo de piano para tocar diferentes partes da amostra. Então, o que você poderia fazer então é talvez usar essas fatias de amostra para criar algo novo. Talvez algo rápido como isso. Ou você pode fazer algumas coisas divertidas, como onde usamos a ferramenta de carimbo de antes, podemos carimbar em uma escala aleatória aqui apenas para destacar algumas notas específicas E então talvez nós os arrastemos por aí, algo assim. E então podemos pegá-los, usar a ferramenta de arpejo e ver se podemos criar algo novo E então, obviamente, você pode pegar isso e colar de volta em seu arranjo, talvez adicionar sua bateria ou qualquer outra coisa, e você terá uma batida legal, tipo sampleada Agora, o SlicX também funciona muito bem com vocais, onde você pode criar algumas habilidades vocais muito legais Outra técnica simples que podemos tentar é reverter a amostra Então, no FL Studio, isso é bem fácil. Acabamos de abrir o clipe de áudio e podemos clicar no reverso. Mas, para ajustá-lo ainda mais e manter a progressão original do cabo, o que poderíamos fazer é cortar facilmente esse clipe de áudio em seus E então vamos reorganizá-los em nosso arranjo. Então, como está invertido, vou reorganizá-los assim , começando de trás para E agora estamos mantendo a progressão original das palavras, mas todas as cordas estão, na verdade, invertidas Ou podemos torná-lo mais criativo e talvez inverter algumas delas, alterando a ordem e criando algo completamente novo com o que já tínhamos Além disso, vou mostrar rapidamente uma técnica muito legal. Então, estou apenas desfazendo o que fizemos lá até que a amostra volte ao estado inverso, onde mantivemos a progressão original de acordes. E então o que eu posso fazer é duplicá-lo. Então, para fazer isso, você precisa usar esse pequeno símbolo de forma de onda no canto superior esquerdo do clipe Em seguida, clique em Tornar exclusivo. Isso fará com que seja um clipe totalmente novo. Então eu posso desfazer a reversão. Opa, eu não queria esticar. Então eu posso desfazer a reversão. E então eu posso colocar o tipo original de clipe de piano em cima da versão invertida E como a versão invertida está tocando os mesmos acordes da versão original, teremos um tipo legal de som de acordes invertido. Isso provavelmente seria mais fácil de ouvir se eu quisesse me alongar. Vou fazer isso muito rapidamente só para dar um exemplo. Vou esticar talvez apenas os dois primeiros acordes. Ou talvez eu consiga construí-lo enquanto joga. Então, também podemos dividi-lo aqui na playlist. Então você já me viu cortá-lo manualmente, mas o FL Studio pode realmente cortar sons automaticamente. Se formos até aqui para cortar. Você pode fazer com que ele corte automaticamente com base em picos e transientes no áudio ou pode usar alguns padrões de corte predefinidos Então, por exemplo, vamos até essa seção complexa e colocaremos algo como, sei lá, gagueira três E então o que você pode fazer é pegar essas fatias individuais e reorganizá-las em algo novo Então você pode pegar partes completamente aleatórias disso. E isso funciona muito bem para vocais. Então, se você cortar uma amostra vocal como essa e pegar algumas partes aleatórias dela, você pode criar algumas costeletas vocais rítmicas muito legais Vamos tentar algo bem rápido. Então, talvez você possa fazer um pequeno loop como este. H Depois, há outras coisas simples que podemos fazer, como mudar o tom totalmente para cima L L Ou se deslocando até o fim. E talvez pudéssemos até tentar reverter o que temos , mantendo a mudança de tom mantendo as amostras cortadas R A Então, vou apenas colocar a amostra de volta ao seu estado original. E vou esticá-lo até a metade para acelerá-lo Então, agora devemos voltar ao som original do piano. Oh, não, ainda está sendo revertido. Então, agora vamos adicioná-lo a uma trilha de mixagem. No FL Studio, há um plugin de manipulação baseado no tempo muito legal chamado Gross Beat Vamos abrir isso agora por um segundo em nossa amostra de piano. Basicamente, o Gross Beat usará um padrão predefinido para cortar e manipular sua amostra Ah. E então você também pode colocar isso em camadas. Vou definir isso para o Complexo 2 por um segundo. Você pode colocá-lo em camadas com alguma manipulação baseada em volume. Então, vamos deixar com o Transcate quatro. Podemos usar talvez o Complexo 5 aqui, e então reverteremos a amostra original e a reduziremos. Agora, isso vai soar completamente diferente daquele som de piano original que tínhamos antes. E então, é claro, você pode colocar isso em camadas com outros efeitos, talvez um flange frutado, e talvez um flange frutado, e também adicionaremos um pouco de overdrive Vou abaixar o volume caso esteja muito alto. Inverter amostras tem tudo a ver com combinar criatividade e habilidade técnica De costeletas SlicX a técnicas avançadas, como, você sabe, batida bruta e, em seguida, o uso Você pode realmente pegar uma amostra de qualquer coisa e transformá-la em algo diferente. 20. Legalidades do sampling: Nesta palestra, vamos analisar a amostragem legal. O que é seguro versus o que é arriscado. Então, por que você deve se certificar de amostrar legalmente? A amostragem é uma das ferramentas mais criativas no arsenal de um produtor Mas com um grande poder vem uma grande responsabilidade, uma responsabilidade legal. E é por isso que a amostragem legal é fundamental. Número um, você pode evitar processos judiciais. Usar material protegido por direitos autorais sem permissão pode causar problemas legais. Segundo, você também pode proteger sua reputação. Portanto, disputas legais podem prejudicar sua credibilidade e seu relacionamento na indústria musical Ao fazer a amostragem legalmente, você pode evitar o número um, que são as ações judiciais, o que , por sua vez, evita o número dois, que está prejudicando Finalmente, os dois primeiros são muito raros a menos que você seja um dos 100 melhores artistas da Billboard Mas o número três definitivamente se aplica a todos, e essa é a liberdade de monetizar seu trabalho Portanto, limpar suas amostras para uso ou apenas usar material de domínio público isento de direitos autorais material de domínio público isento de garante que você possa monetizar sua Então, vamos ver isso com um pouco mais de detalhes. O que é seguro e o que é arriscado? Bem, em primeiro lugar, na categoria segura, temos amostras isentas de royalties Amostras rotuladas como isentas de royalties podem ser usadas em sua música sem pagar royalties contínuos Você os encontrará em sites como Luperman ou Splice ou em pacotes de amostras isentos de direitos autorais pagos Então temos domínio público. O material em domínio público é de uso gratuito sem qualquer permissão legal ou royalties. As obras criadas antes de 1928 a 1930 são geralmente de domínio público Algumas músicas mais recentes foram lançadas em domínio público para uso. Mas se você estiver usando esses, tenha cuidado com as gravações Portanto, algumas gravações modernas de composições antigas de domínio público na verdade, ainda estar protegidas Não é a música que eles protegeram, mas a gravação. Depois, coloquei coisas como Tik Tok e vídeos do YouTube, mas eu realmente enfatizei a palavra original Então, por exemplo, TikToks e vídeos virais podem ser fontes interessantes e exclusivas para Mas, para se manter seguro, você precisa experimentar o conteúdo viral gerado pelo usuário. Então, esses seriam aqueles vídeos semelhantes ao Vine no TikTok, se o criador os tornasse totalmente originais Então, um exemplo seria uma frase falada engraçada ou um efeito sonoro exclusivo criado pelo remetente do vídeo. Você pode captar sons do ambiente deles, talvez como uma buzina de trem ou aplausos, desde que eles mesmos os capturem O risco disso vem do conteúdo derivado. Portanto, vídeos contendo música de fundo protegida por direitos autorais ou clipes de filmes e programas de TV ou talvez remixes de outras obras não podem ser amostrados legalmente sem permissão O melhor cenário seria entrar contato com o criador para obter sua permissão. Agora, o que é arriscado. Então, primeiro de tudo, o que são direitos autorais? Bem, os direitos autorais protegem o direito do criador ao seu trabalho, e isso inclui músicas, gravações e até efeitos sonoros Na música, tanto a composição quanto a melodia, a letra e a gravação geralmente são protegidas por direitos autorais separadamente Então, um exemplo disso seria fazer uma amostra da faixa de um artista famoso sem sua permissão, usando músicas de filmes, programas de TV ou talvez anúncios sem E alguns equívocos comuns com a amostragem incluem, você sabe, se eu usar apenas 5 segundos, tudo bem Não há duração mínima para a violação de direitos autorais. Até mesmo uma única nota reconhecível pode causar problemas. E em segundo lugar, eu o cortei irreconhecível, então estou seguro. Bem, se a obra original ainda puder ser identificada, ela ainda poderá ser considerada uma violação Então, digamos que você esteja decidido usar uma amostra específica e queira eliminá-la. Antes de tudo, você precisará da permissão do proprietário da composição. Então, geralmente os editores, e você também precisarão da permissão do proprietário da gravação, que geralmente é a gravadora Depois de ter a permissão deles, você pode começar a negociar os termos Os contratos de amostra geralmente envolvem um pagamento adiantado ou royalties sobre a venda de sua faixa E, por fim, se você está seguindo esse caminho, saiba que, por envolver a lei, você precisa documentar tudo Portanto, certifique-se de obter acordos por escrito descrevendo os termos de uso Então, qual é a melhor prática para amostragem segura? Opte por fontes isentas de direitos autorais. Comece com plataformas como Lupermin ou Splice para uma amostragem sem complicações Transforme suas amostras, então manipule a amostra de forma significativa Corte, mude de tom, inverta e coloque camadas, crie algo completamente irreconhecível em relação ao original Limpe suas amostras quando necessário. Se você realmente precisar de uma amostra protegida por direitos autorais, siga as etapas adequadas para eliminá-la. Conheça a lei. Familiarize-se com as regras de direitos autorais em sua região. Termos como uso justo têm interpretações diferentes dependendo onde você mora. Mantenha registros. Salve a documentação para cada amostra, incluindo onde você a encontrou e seus termos de licenciamento E para ser extremamente seguro, crie seu próprio conteúdo, grave ou crie seus próprios sons e, em seguida, incorpore-os às suas faixas para obter a máxima liberdade criativa e legal. Por fim, aqui estão alguns recursos úteis. Portanto, para limpar amostras, eu recomendaria usar o tracklib O processo real de limpeza de uma amostra é muito demorado e pode ser muito caro Portanto, eu recomendaria usar o tracklib para músicas pré-limpas para Para amostras gratuitas e isentas de royalties, use lubrien, splice, somatics E quanto ao Ghost Tack, ao vandalismo, qualquer um desses pacotes de amostra pelos quais você pode pagar, e eles vêm com uma E então, para domínio público, use sites como archive.org, USupen e informações de PD ou informações 21. Estrutura de arranjos: Antes de começarmos a finalmente organizar a batida, é importante saber o que é cada parte de uma faixa Cada faixa é composta por seções diferentes que ajudam a contar uma história e a manter o ouvinte envolvido Então, vamos detalhá-los. Então, primeiro, temos a introdução. A introdução está logo no início da sua faixa e é como se fosse a primeira impressão A introdução apresenta o clima, a vibração e dá ao ouvinte uma amostra do que Portanto, a introdução geralmente é bem curta. Tem cerca de quatro a 16 bares. Pode ter uma melodia simples, atmosfera ou talvez apenas um ritmo para definir o tom e, muitas vezes, não terá nenhuma bateria ou qualquer tipo de arranjo completo aqui Isso só gera expectativa. O objetivo da introdução é chamar a atenção e preparar o ouvinte para o que está por Muitas vezes, as introduções não apresentam os elementos principais da música, mas sugerem ou introduzem uma parte importante do som, como talvez uma melodia principal ou uma progressão de acordes principais Então, à medida que analisamos a estrutura da música, incluí um exemplo de estudo de caso. Esta é uma faixa que fiz anos atrás com um pequeno rapper independente que queria ouvir suas letras em uma Não é nada sofisticado, mas dá uma ideia da estrutura da música Alguns navegam aqui mesmo. O poder do sonho, senhoras e senhores Ele marcou Dream Chaser. G. Em seguida, temos o verso. Portanto, o verso é onde as principais ideias ou temas de sua faixa são apresentados. Nas músicas com letras, é aqui que o artista começa a cantar ou fazer rap sobre a história ou a mensagem. Assim, com o verso, ele pode ser curto ou longo, geralmente de oito a 32 compassos. Normalmente, vem depois da introdução. Tem um pouco mais de desenvolvimento musical em comparação com a introdução, talvez com bateria baixo e mais instrumentos envolvidos, e a melodia aqui geralmente desenvolve o tema da faixa Seu objetivo é contextualizar a música, estabelecendo a base antes que a parte cativante chegue, o refrão ou o refrão Em uma batida instrumental, é aqui que você estabelecerá o ritmo, a textura e a vibração Amanhã negra. Limpe como cristal, mergulhe, sente-se nessa Imagine se preocupar, assim como Charlie Sheep. Esse é o poder do sonho em sua mansão, Scarface. Como a tocha, você quer o lugar. Minha bolsa não me incomoda. Agradeço ao pai por seu túmulo na noite. É um pouco de Sya Northwest Mayo. Tentando rápido naquele polo. Gritando. Yolo no banco fumando rolando. Pensando que você era o chefe com aquele capuz. Gritando se alguém me amava? Não, eles não têm piedade e até a próxima, temos o refrão, o refrão ou a parte cativante O refrão ou o que às vezes é chamado de gancho é uma parte da faixa que é repetida várias vezes e geralmente é a mais memorável É a parte com a qual os ouvintes podem cantar facilmente ou ficar presos na cabeça Portanto, geralmente tem o mesmo comprimento ou é menor do que os versos, ou seja, cerca de oito a 16 compassos Geralmente é mais alto, mais enérgico e apresenta uma melodia memorável ou uma espécie de Geralmente, é a parte da música que se repete, literalmente ou com pequenas variações Se você ouvir uma parte da música que parece ser o ponto principal da faixa, provavelmente é o refrão O refrão torna sua música ou batida memorável e traz energia Geralmente é usado para resumir a mensagem da música para que seja cativante e impactante P.O. TD. P.O., LTD. PO. TD. Poder. Do sonho. G para ter o poder do sonho. Uau. Bem preenchido, bebê. O que? Então, o versículo dois é a segunda iteração do seu verso. Seu papel é continuar a história, o tema ou o ritmo que foi introduzido no verso um, mas com alguma variação. Isso mantém a pista avançando e evita que ela pareça estática. Então, longitudinalmente, geralmente tem o mesmo comprimento ou é menor que o primeiro, cerca de oito a 32 barras Geralmente tem a mesma ideia musical do primeiro verso, mas mais elementos para mantê-lo interessante. Então, talvez você adicione alguma variação melódica. Você pode mudar a melodia ou o ritmo no segundo verso para manter as coisas mais interessantes Quase sempre há mudanças líricas. Portanto, se sua faixa tem letras, verso dois geralmente traz novas letras para avançar na narrativa ou adicionar profundidade. Às vezes, há mudanças instrumentais. Você pode variar a instrumentação introduzindo novos elementos, talvez alterando o instrumento principal, alterando o arranjo ou alterando A ideia é que o verso dois pareça familiar, mas também ofereça algo novo e evoluído do verso um. Massa fumegante, como se você tivesse bigodes, como nas praias de Navita, na piscina Garota, eu quero ver. Navegando mais longe naquele Roy. É Phantom, sim. Roupas douradas. Gooch. Você é uma garota. Smoogy SmookmImagine sua vida. Como se fosse um filme. Diretor de cinema, Malcolm Dee. Flies e Jess. Vegas. A música está ficando famosa nesse estilo de vida. Está ficando perigoso. Esses sonhos, porém, são contagiantes. Siga os sonhos, a ambição. Persiga-os. Missão. Acerte-os com força. Colisão. Odeie-os. Determinação. Você vê você. Em seguida, temos o refrão também. Portanto, o segundo refrão é a segunda iteração do seu primeiro refrão ou Novamente, essa é a parte mais cativante da faixa. O objetivo de ter um segundo refrão é reforçar a mensagem central ou o clima de sua música Então, 90% das vezes, geralmente tem o mesmo comprimento ou é maior que o primeiro. Então, oito a 32 barras. E isso porque às vezes o refrão dois é o objetivo de toda a faixa, já que geralmente é o refrão final da Às vezes, o refrão dois é uma cópia e colagem literal do refrão um, ou pode ser o mesmo tipo de ideia musical, mas mais animada e mais completa Você quer que o segundo refrão seja tão forte quanto o primeiro Portanto, certifique-se de que a melodia e o ritmo permaneçam reconhecíveis Adicione alguma variação. Portanto, considere pequenas variações no segundo refrão, como adicionar mais camadas, trazer novos instrumentos ou usar harmonias para fazer o segundo refrão pareça muito mais grande e muito mais O primeiro refrão é sutil ou meio moderado, então o refrão dois geralmente pode ser uma chance de trazer mais energia, seja por meio de escolhas de produção ou refrão dois é importante para enfatizar o tema principal de sua faixa e torná-la mais memorável para o BO T D. BOT, D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. W nós temos a ponte. A ponte é uma seção curta que oferece contraste com o resto da pista. Normalmente acontece depois alguns versos e refrões para dar ao ouvinte algo diferente antes de retornar às partes familiares Pode soar diferente dos versos e refrões em termos de ritmo, melodia Geralmente é curto em torno de oito a 16 barras. Pode soar diferente dos versos e refrões em termos de ritmo, melodia Geralmente vem depois de alguns refrões e dá uma sensação de mudança ou desenvolvimento. A ideia com uma ponte é manter as coisas novas e interessantes e evitar que a pista pareça repetitiva Você pode adicionar emoção ou tensão antes de trazer de volta as partes principais da música. Às vezes, a ponte pode ser substituída por um terceiro verso, como neste exemplo. Clima quente. Você quer um preto. Pensando grande. Você quer. Esses sonhos te dão uma chance. Um pincel de drenagem Lã. É uma luz. Em LA Boga. Segundo s. Mahony Meus sonhos Uma loja de pneus com moscas nuas no tecido. Carne bovina. Vamos ver. Bons grandes sonhos. Vamos. Seja eu. Mas de sonhos. Lá dentro. E então temos o outro. Esse é o fim da pista. Ele encerra tudo e dá ao ouvinte uma sensação de Geralmente é bem curto, de oito a 16 compassos. Mas em alguns outros gêneros, como talvez drum and bass e trap, pode ser mais longo em torno Mas isso geralmente é apenas para permitir que dejas tenham tempo misturar essa faixa em uma faixa diferente Geralmente, é um desvanecimento lento ou uma redução nos instrumentos O outro pode repetir algumas das partes anteriores, como o refrão ou uma versão simplificada do verso, e é a seção final que deixa o ouvinte com uma sensação de finalidade Pode parecer que a música está parando suavemente ou desaparecendo em segundo plano Na faixa que estou prestes a tocar, a letra original do verso um é reusada para dar uma sensação de familiaridade e encerramento Black Marvel, cristalino. Job Jar bebendo uma folha. Imagine rugir como Charlie Sheep. Esse é o poder do sonho. Quem Então, antes de voltarmos ao Daw, eu só queria dar alguns pequenos exemplos de alguns modelos de estrutura Portanto, essa estrutura básica funciona para a maioria das músicas e batidas, incluindo trap, hip hop, drill e muitos outros Começa com uma introdução, que inicia a faixa, definindo o clima. Em seguida, obtemos um verso desenvolvendo o tema musical e dando espaço para o ritmo e a melodia, um refrão ou um refrão, a parte mais memorável e cativante da faixa, outro verso mantendo o desenvolvimento em andamento, depois outro refrão ou gancho para reforçar o núcleo da faixa e um outtro que encerra a faixa e um outtro que encerra a faixa desaparecendo ou trazendo coisas para um fechar. Então temos uma estrutura dupla, que é bom para uma música que precisa de mais versos, como uma música de rap ou uma batida com muito conteúdo lírico Isso começa com uma introdução. Ele terá duas iterações de um verso, depois um refrão, depois duas iterações de um verso, outro refrão Mas a estrutura realmente não é tão complicada. Se você seguir essas três regras simples, poderá fazer o que quiser. A primeira regra é sempre usar algum tipo de introdução. Mesmo que seja apenas uma a duas barras de um tipo de símbolo reverso ou algo assim, certifique-se de que algo esteja introduzindo a faixa. Sempre tenha pelo menos um refrão. Portanto, você não precisa ter dois ou três refrões, mas precisa ter algo para o qual a faixa esteja se desenvolvendo Você pode ter uma faixa de 10 minutos de duração, onde 9 minutos são um acúmulo apenas um grande refrão no final E, por fim, tente não repetir as seções mais de duas vezes. Então, por exemplo, não tenha algo como introdução, verso, verso, verso, refrão, refrão, verso, refrão, refrão, verso , verso, refrão Mantenha no máximo dois. Então, introdução, verso, refrão, primeiro verso, refrão primeiro verso, refrão Você também nem sempre precisa terminar com um outtro. Algumas músicas terminam após o refrão final, e sua introdução nem sempre precisa entrar em um verso Algumas introduções vão direto para o refrão. E às vezes a introdução é o refrão, apenas uma versão muito simplificada 22. Síndrome do personagem principal (o truque do elemento principal): Vamos dar uma olhada em uma das técnicas mais eficazes para criar batidas que ficam na mente de seus ouvintes, o truque do elemento principal Essa abordagem consiste em identificar e criar toda a sua faixa em torno de um único som ou ideia de destaque Seja uma amostra, uma melodia ou até mesmo um groove rítmico, ou até mesmo um groove rítmico, esse elemento principal se torna âncora que mantém tudo unido Ao final da palestra, você não só entenderá como encontrar e enfatizar seu elemento principal, mas também como estruturar toda a sua batida em torno dele para obter o máximo impacto Então, qual é o truque do elemento principal? Bem, é simples, mas incrivelmente poderoso, e é a ideia de focar sua faixa em um som definidor ou em uma ideia musical. Isso não significa que outras partes do seu ritmo não sejam importantes. Eles são, mas o elemento principal é a estrela do show. Por exemplo, seu elemento principal pode ser um toque vocal que chama a atenção, uma melodia assustadora, talvez isso defina o clima ou um ritmo acelerado que mantenha a Esse conceito é fundamental para tornar suas batidas memoráveis, coesas e fáceis para os ouvintes É o que dá identidade à sua faixa. Então, vamos falar sobre por que isso funciona tão bem. Em um mundo onde os ouvintes são inundados com música, a simplicidade se destaca Um único elemento forte torna sua batida instantaneamente reconhecível Pense nas faixas mais icônicas que você conhece. Provavelmente, eles têm uma característica marcante. Por exemplo, a amostra vocal do Daft Punk em Stronger, de Kanye West, ou a melodia e a linha de baixo do piano , em Doctor Dre's Stildre Além disso, ao se concentrar em uma ideia central, você pode criar uma trilha completa com mais rapidez e menos risco de complicar demais Ter um elemento de destaque oferece algo para evoluir e manipular ao longo de uma pista, mantendo-a atualizada sem precisar reinventar a roda a reinventar Isso é o que temos feito o tempo todo. Começamos com a amostra, e essa amostra se tornou nosso elemento principal. Então construímos a bateria em torno dela, construímos uma melodia em torno dela, e essa melodia ganhou os holofotes e depois impulsionou a E como usamos a melodia para criar os acordes, também acabamos construindo os acordes em torno dessa amostra Tudo o que estou tentando fazer agora é dar um nome ao processo e refiná-lo para que você possa usá-lo conscientemente em cada batida que fizer Dominar esse conceito tornará suas faixas mais intencionais, mais coesas e mais impactantes Então, para identificar seu elemento principal, comece com o que se destaca. Quando você está experimentando, qual som chama sua atenção Esse geralmente é seu elemento principal. Além disso, confie em seus instintos. Se algo parece excitante ou meio memorável, talvez esse possa ser o elemento principal. Por exemplo, se você tivesse que descrever sua batida para alguém, qual seria a primeira coisa que você mencionaria? Tudo o que você menciona é provavelmente o seu elemento principal. Pode ser uma melodia que você toca, um som que você ajusta em um sintetizador ou até mesmo algo inesperado, ou até mesmo algo inesperado como uma amostra aleatória Depois de identificar o elemento principal, a próxima etapa é criar uma batida em torno dele. Adicione elementos que complementem o elemento principal sem ofuscá-lo Por exemplo, se seu elemento principal for uma amostra vocal, use alguma percussão leve ou talvez alguns acordes suaves para Em seguida, use seções como um verso despojado ou um detalhamento para dar ao elemento principal um pouco mais de impacto quando ele finalmente retornar Use reverberação, delay ou até mesmo alguns filtros criativos para destacar ainda mais seus elementos principais e sempre traga seu elemento principal de volta em momentos-chave, mas, você sabe, adicione pequenas variações para mantê-lo atualizado Mesmo com um truque tão simples, há erros a serem observados. Portanto, no primeiro, não deixe que outros sons ofusquem seu elemento principal Sempre deve ser o foco. Mas com isso, você quer variar a repetição. Portanto, se o elemento principal permanecer o mesmo durante toda a pista, pode ficar entediante. Adicione mudanças sutis para evoluí-lo com o tempo. A simplicidade é fundamental aqui, então deixe seu elemento principal brilhar sem muita confusão E certifique-se de aumentar a tensão e a liberação variando a presença do elemento principal em diferentes seções Então, vamos dar uma olhada em um exemplo rápido de outra faixa que fiz com aquele rapper de quem eu estava falando antes, onde o elemento principal é um piano É repetido com algumas pequenas variações por toda parte, e os outros elementos são construídos em torno dele, em vez de lutarem por atenção. Estou quase enlouquecendo em F. Andando naquele OssoyceGld Crone. Você mencionou que parecia com você em Roma até as docas, boas correntes brilhando nos barcos, sentindo que seu dinheiro fluía para Vá para uma derrota. Isso é um tapete, o maior chefe. Você está usando aquela cruz Diamond Gold parecendo a versão irlandesa de Rick Rose. Não devo fazer essa voz rolada. Corvo gritando. Espere para ouvir sua voz. Você sente que fez a escolha certa. Cheio de emoção. Graças às alegrias Com dedicação, você nunca cairá O Bloco A nos odeia como o construtor de Trump, Ball, segue metas. Fique em pé. Persiga seus sonhos. Ganhe mais. Teta dourada na cena naquela torre, toda em creme Esse é o poder do sonho. Isso é o que você chama de sonho milionário. No final, digamos, se você preencher. Agora você os faz como um n no pano com a honestidade, se sente como um idiota, não em casa Saia daquele carro com esse terno preto. 23. Arranjos básicos usando marcadores: Agora que sabemos como uma faixa deve ser estruturada, vamos realmente estruturar essa batida usando marcadores no FL Studio Os marcadores são ótimos para organizar suas ideias, criar transições e fazer sua trilha flua Então, no momento, essa é apenas uma ideia básica de onde eu acho que quero que a pista vá. É principalmente para visualizar a estrutura da batida para que possamos planejar as transições e construir em torno do Então, vamos ouvir rapidamente o que temos até agora e, depois disso, colocaremos alguns marcadores para dar uma ideia geral do arranjo da batida Então, eu gosto do arranjo geral até agora. Gosto do fato de usarmos a amostra na introdução e quero que ela desapareça quando a melodia principal chegar desapareça quando a melodia principal E então eu quero entrar nessa seção instrumental ou talvez de refrão E então eu sei que quero que o verso apareça depois disso. Então, vamos adicionar esses três marcadores primeiro. Portanto, em um Mac, se você pressionar Command e T, primeiro precisará mover o indicador de reprodução para onde deseja colocar o marcador Então, eu quero um marcador no início da playlist. Em um Mac, vou pressionar Command e T ou em um Windows, pode ser LdT ou Control, não tenho certeza Mas um deles provavelmente fará isso. E se clicarmos duas vezes nela, ela destacará toda a seção para você repetir. Agora, no momento, eu não tenho nenhuma outra seção, então acho que eu quero repetir a música inteira. Mas vou te mostrar isso novamente quando tivermos mais marcadores. Então, por enquanto, vamos renomear isso clicando com o botão direito do mouse e podemos renomear isso como Em seguida, adicionaremos outro marcador. Então aqui, e vamos chamar isso de Hook. E então o outro marcador que eu quero adicionar agora é um verso aqui. Verso um. Então, novamente, por exemplo, se eu clicar duas vezes no Hook aqui, ele destacará o Hook para mim, para que eu possa repeti-lo e editá-lo facilmente. Então, agora vou planejar uma estrutura básica para a pista. Então eu sei que quero que isso seja um verso. Então, o que eu vou fazer é expandir isso. Por talvez 16 barras. Um bar no FL Studio é apenas essas duas linhas grossas aqui. Mas você geralmente conhece uma barra por causa dessas duas cores diferentes. Portanto, temos cinza claro e cinza escuro. E dentro de cada uma dessas cores, haverá 4 barras. Então, temos 1 barra, 2 barras, 3 barras, 4 barras, 1 barra, duas barras, 3 barras, 4 barras, e quatro por quatro é 16. Então, quatro dessas cores diferentes, nós lhe daremos 16 barras. Então, se ouvirmos esse verso por um segundo, eu só quero falar sobre algo enquanto ele está tocando. Então, geralmente a cada 8 barras, algo diferente acontece. Então, no momento, é exatamente a mesma coisa. E fica muito, muito repetitivo. Se esse padrão se repetisse por apenas 16 compassos, ficaria muito, muito estagnado Então, basicamente, eu estou procurando fazer algo diferente daqui em diante Estou tentando adicionar algo ou torná-lo um pouco mais interessante. E o que eu estou pensando em fazer é porque vamos voltar para uma seção de ganchos depois do nosso verso, eu sei que a melodia principal está voltando, e eu sei que a melodia principal é baseada nessa amostra Então, acho que se eu apenas copiar e colar essa amostra, ela meio que sugerirá a melodia principal antes de nos levar de volta Então, nesta parte, eu realmente não quero que desapareça. Então, vou me livrar do fade. E então esta seção será outro gancho. Então, vou copiar e colar isso. Vamos ver como isso soa. Então, depois desse segundo gancho, podemos adicionar outro verso. Então, vamos adicionar Oops. Vamos adicionar primeiro. Para. E o que podemos fazer novamente é talvez copiar e colar o que temos para o primeiro. Mas geralmente com o versículo dois, adicionaremos algo ou criaremos algo ou mudaremos algo para torná-lo um pouco diferente. Não queremos copiar e colar de verdade, mas no momento não estamos preocupados com isso. Estamos apenas preocupados em ter um tipo inicial de estrutura na pista. E então, uma vez que sabemos como a faixa deve ser arranjada, é aí que podemos realmente começar a analisar, você sabe, coisas como transições e talvez adicionar coisas, retirar coisas, deixar esse segundo gancho um pouco mais cheio do que o primeiro, e então, você sabe, variar o verso dois Então, para fins de argumentação, no versículo dois, podemos trazer aquele arp que estávamos fazendo antes Hum, acabei de deletá-lo porque não era um grande fã, mas podemos adicioná-lo apenas para mostrar que queremos algo diferente no verso dois. E então, é claro, provavelmente entrará em outra seção do Hook, então vou adicionar uma muito rapidamente. Você também pode clicar com o botão direito na linha do tempo do marcador para adicionar outro E talvez porque esse seja o terceiro gancho, esse aplicativo possa continuar. Agora, para ser honesto, eu realmente acho que o arp está colidindo com a melodia Você sabe, aquele truque de um elemento que estávamos vendo antes. Acho que o arp está meio que se afastando do nosso elemento principal aqui, que é a melodia Então, eu não vou ter um arp na versão final. Eu sei disso. E, na verdade, provavelmente vou acabar mudando o arp no verso dois Talvez eu nem o use. Talvez eu use algo diferente. Mas eu só quero destacar para mim e para vocês, suponho, que algo diferente deveria estar acontecendo no verso dois, e então esse terceiro gancho deve estar um pouco mais cheio do que os outros dois ganchos Seção da ponte. Então, por exemplo, vamos adicionar uma ponte. E aqui podemos usar a bateria por enquanto, e vamos fazer com que ela tenha apenas 8 compassos, apenas algo curto Mas esta seção será algo totalmente diferente, você sabe, da melodia e da ideia que estão em execução esse tempo todo, só para nos dar uma pausa, porque repetimos bastante E então, quando tivermos nossa pequena quebra de oito barras aqui em nossa ponte, voltaremos para outro gancho. E esse gancho servirá como o gancho final da pista. Então, vou trazer todos os meus elementos para mostrar que é um gancho, mas também quero usar esse arp ou algo assim apenas para deixá-lo um pouco mais cheio E também estou pensando que, como é o último trecho, talvez possamos colocar essa amostra vocal em cima de tudo porque parece que a faixa está construindo em direção ao gancho final em que a amostra volta. E depois disso, teremos um outtro. E, novamente, isso pode ser algo simples, talvez bateria e baixo E então terminamos. Então, vamos ver como isso soa. Talvez daqui. E você sabe o que? Na verdade, não sou um grande fã de ter um Outro. Acho que pode ser um pouco repetitivo demais. Você sabe, nós meio que temos a bateria e o baixo funcionando durante toda a música Então, na verdade, vou deletar isso e usaremos esse gancho final como nosso Outro. Então, vou estender isso um pouco para nos dar um pequeno clipe em branco para o Otro, para que FL Studio não o repita, e isso nos dê uma história de reverberação como a do Então, agora temos claramente um arranjo básico. Temos nossa introdução, que é apenas uma amostra. A melodia aparece à medida que as amostras desaparecem. Então somos atingidos pelo primeiro gancho. Em seguida, entramos em uma seção de versos onde são apenas, você sabe, bateria, baixo e algumas A amostra volta como um tipo de acúmulo em direção a outro gancho, que vem aqui Depois desse gancho, temos o versículo dois, e no verso dois, algo diferente vai acontecer. Mas segue o mesmo tipo de estrutura em que a amostra entra Para sugerir o gancho, o gancho entra novamente. Mas desta vez, está um pouco mais construído. Parece um pouco mais completo. Tem mais elementos adicionados. Então temos uma ponte que deveria ser diferente para nos livrar da repetição que estava acontecendo antes, e então entramos em nosso último gancho para reforçar a ideia principal da faixa, e então a faixa termina Obviamente, como eu disse antes, vamos desenvolver isso. Vamos adicionar transições e efeitos, elementos de preenchimento e apenas, você sabe, outras coisas que podem realmente construir essa faixa Mas, no momento, acho que esse é um bom arranjo básico. O que vou fazer agora é, para qualquer pessoa interessada, jogar a coisa toda. Assim, você pode ouvir como pode soar um arranjo muito básico e cru. Mas não há mais nada no resto desta palestra, apenas uma apresentação Então, se você não estiver interessado, pode pular em frente. Ok , mãe. 24. Variações de loop: Então, nesta palestra, vamos nos concentrar na criação de variações dinâmicas de um loop para manter suas faixas envolventes Vamos fazer três versões separadas, menos, média e mais. E ajustaremos a complexidade e a energia para caber em diferentes partes do arranjo. A razão pela qual você deve criar variações diferentes é porque, bem, um loop estático pode se tornar entediante rapidamente Também permite que a energia na pista se acumule e se decomponha naturalmente. E, no mínimo, você pode atender às necessidades de arranjos. Então, seções diferentes, você sabe, verso de introdução Hook. Eles exigem diferentes níveis de energia. Então, ok, vamos dar uma olhada na criação de algumas variações diferentes da bateria Então, no momento, nossa bateria soa assim. Eles são bem construídos e têm muita energia. Então, o que eu vou fazer é pegá-los e cloná-los, e vou renomear isso como drums Então, para isso, eu definitivamente vou excluir a camada de aplausos Acho que aplaudir menos fará com que esse padrão pareça ter menos energia Então, isso significa excluir essas duas camadas também. Eu também vou me livrar da nossa camada de chapéu alto. Eu não acho que precisamos disso para a versão simplificada. Vamos ver como isso soa. E eu também posso excluir esses chapéus abertos no início do padrão Então, agora nos resta o básico, o bumbo, um simples aplauso ou laço, um padrão simples de chapéu alto e apenas um pouco de percussão padrão simples de chapéu alto e apenas um e Então, por exemplo, acho que isso poderia funcionar bem nas seções de versículos. Então, vamos em frente e substituí-los. E depois criar uma versão média. E a razão pela qual estou criando uma mídia é que acho que esse padrão é meio que nosso padrão de bateria completa. Isso meio que tem tudo o que precisamos. Tem todas as camadas e toda a percussão extra, os chapéus abertos e Então eu acho que esta é a nossa versão completa ou superior. Então, vou cloná-la novamente e renomear essa bateria Médio. Então, para isso, estamos adicionando elementos extras. Então, talvez eu me livre da camada principal de aplausos, mas vou manter as teclas, o som foley, o som natural que colocamos em camadas com o primeiro e o último aplauso E talvez eu também me livre dessa camada alta de chapéu. Então, agora esse pode ser nosso padrão de bateria média. Então, isso poderia funcionar em, você sabe , seções de construção como esta e talvez Então, para fazer o mesmo com talvez os cabos, vamos dar uma olhada neles Acho que essas palavras seriam a versão média. Então, opa, eu nunca renomeei a bateria. Então, na verdade, isso é mais bateria. Mas voltando aos cabos, vou renomear os cabos agora como Cords medium E então eu vou cloná-los. E esses podem ser menos cabos. E o que eu vou fazer é me livrar dessas duas camadas. Então, agora ficamos com apenas o piano original. E isso pode funcionar em algum lugar, talvez no segundo acúmulo, de modo que esteja sugerindo cordões ou o padrão do cordão que ocorre no Mas você notará que não está tão cheio quanto os cabos que estamos usando no gancho, que são os cabos médios. E então, para criar uma versão adicional, eu clonaria nossos cabos médios novamente e os renomearia como mais eu clonaria nossos cabos médios novamente e os renomearia como E o que vou fazer é copiar nosso padrão de cordão. Vou adicionar um novo sintetizador e colá-los para criar uma nova camada E essa camada será algo como um super sau, algo realmente cheio de energia e cheio Não. Não, eu não sou um grande fã de nenhum desses. Talvez tentemos algo talvez melódico de Techno. Vamos ver o que temos aqui. Então, esse seria o tipo perfeito de ideia que estou adotando, mas há um LFO sendo automatizado, então está um pouco ocupado demais para o que estou procurando. Então, vou continuar. Tudo bem. Então, talvez algo assim para adicionar um pouco mais emoção e um pouco mais sofisticado, e talvez eu coloque isso em nosso segundo e nosso terceiro gancho. E então, como último exemplo, o que podemos fazer com a melodia para criar uma versão menor, deixe-me cloná-la e renomeá-la, se me Renomeie Melody Less. O que podemos fazer é, antes de tudo, excluir nossa camada. Mas também podemos entrar e talvez possamos editar um pouco a melodia Assim, poderíamos pegar algo como todas as notas longas e nos livrar de todas as notas curtas para ver como isso soa. Talvez algo assim, só para dar uma dica da melodia principal E, você sabe, novamente, você pode usar isso em, tipo, uma seção de construção, talvez em algum lugar na ponte que leva ao gancho final. Agora, pessoalmente, há alguns sons na faixa com os quais eu não estou feliz. E uma delas é a camada de acordes que acabamos de adicionar nessa palestra Então, estou consciente de passar muito tempo procurando predefinições diferentes, então costumo escolher uma, mas vou voltar e alterar algumas das predefinições, imagino E provavelmente também mudarei alguns sons da bateria. Mas o núcleo da pista ainda está lá. Tudo o que vou mudar são as predefinições. Então, como você pode ver, criar diferentes variações de seus loops originais é uma ótima maneira de permitir que a energia na faixa flua naturalmente 25. Subtração e preenchimentos (Transições Parte 1): Nesta palestra, vamos nos concentrar em como criar transições suaves e impactantes Portanto, uma técnica de transição bastante básica e básica seria adicionar silêncio antes da queda. E, basicamente, isso significa retirar algo antes de adicionar algo. Então, por exemplo, aqui, antes de adicionarmos nossa amostra e a camada de acordes, podemos tirar um pouco da bateria e talvez tirar um pouco do arp E isso por si só é uma transição simples. Ou podemos variar a bateria aqui para criar um preenchimento de bateria. Então, se eu tornar esse padrão único, ele o clonará. E agora podemos entrar nisso. Agora, esse é um padrão diferente desses três tambores, e podemos fazer algum tipo de preenchimento no final Talvez façamos um preenchimento de barras de t. Talvez algo assim. Para. Ou podemos fazer algo muito legal, que é substituir o rolo de chapéu alto por um rolo de chute. Então, vou deletar as palmas por um segundo e vou dar alguns chutes extras Vamos abri-lo em nosso rolo de piano. E talvez apenas na última seção aqui, criemos um pouco de kick roll. Vou ajustar meu ajuste de grade para meio passo. E também notei que algumas das velocidades são meio diferentes, então vou destacar todos esses chutes, e isso deve ser um lançamento de chute. Poderíamos até ir um pouco mais longe aqui no final e talvez duplicá-los novamente, ficando ainda menores Então, vou configurá-lo para um quarto de etapa, e vamos duplicá-los. Então isso soa assim. Mas isso realmente funciona bem se você fizer a mesma coisa na base. Está bem? Então, vamos abrir nosso kitum novamente. Está aqui. Vamos copiar essas últimas jogadas de chute e trazê-las para a base. E no final aqui, onde está na nota D, vou colar meus kick rolls. Vamos trazê-los até aqui. Vou deletar o D e vamos substituí-lo pelo nosso kick roll. E eu tenho que fazer o mesmo na camada, que está aqui. E vou deletar os pads para que você possa realmente ouvir. Mas você também pode usar coisas como preenchimentos de bateria dedicados. Portanto, alguns pacotes de amostras vêm com tambores dedicados, ou você pode fazer os seus próprios Vamos tentar fazer o nosso aqui com um loop de bateria. Então, mesmo que tomemos a primeira parte disso, talvez tenhamos que ajustá-la ao nosso ritmo. E veremos como isso soa. Parece que pode ser um pouco rápido. Não, tudo bem. Portanto, você pode usar algo simples como esse como preenchimento. E vamos tentar um diferente para fins de demonstração. E com isso, por exemplo, você pode abri-lo no seu mixer e manipulá-lo para que soe mais como uma transição Então, para fazer isso, podemos remover algumas dessas baixas frequências para fazer com que soe um pouco mais distante ou como se tivesse menos energia. Talvez também possamos nos livrar de alguns dos altos para tentar criar um efeito de rádio Algo parecido com isso. E então talvez coloquemos, eu não sei, um refrão ou um flanger ou talvez um phaser ou Vamos experimentar um flanger. E eu vou escolher algo que eu não sei, o motor. Vamos ver. Talvez algo mais do que isso. Não, eu não sou um grande fã disso. Talvez eu substitua isso muito rapidamente efeito de refrão Sim, talvez algo assim, e pudéssemos usar um pouco de reverberação. Agora, não parece ótimo. Parece um pouco estranho, mas a ideia é que você possa criar um drum fill usando loops de bateria ou pacotes de amostras dedicados que contenham tambores, e então você pode pegar isso e manipulá-lo de alguma forma para fazer um tipo de transição interessante e diferente Voltaremos às transições na próxima palestra e na palestra Então, tecnicamente, essa é a primeira parte das transições, fazendo algumas transições básicas Mas com mais algumas técnicas e um pouco mais de conhecimento, podemos realmente criar algumas transições sonoras interessantes 26. Efeitos de composição (Transições Parte 2): Nesta palestra, abordaremos downlifters, impactos Você pode usá-los de forma criativa para criar transições perfeitas, aumentar a tensão e criar recompensas Então, por exemplo, estamos no final do versículo dois aqui. Sim, entrando no gancho. E acabei de criar uma grande transição retirando a maioria dos elementos antes que eles cheguem. E eu também adicionei um enchimento de tambor aqui, um enchimento de tambor adequado que eu tinha em um pacote de amostra. Então, vou jogar isso por um segundo. Então, o que queremos fazer é aumentar um pouco mais de tensão até essa transição e, em seguida, aliviar essa tensão quando entrarmos na queda. Portanto, duas maneiras de aliviar a tensão que cai são usando impactos e downlifters Então, vamos dar uma olhada em alguns deles. Então, talvez peguemos apenas um, por exemplo, e eu o torne meio silencioso, então é um efeito sutil. Mas eu quero que desapareça um pouco mais rápido. eu quero que desapareça um pouco mais rápido E então talvez pudéssemos colocar isso em camadas com um impacto ou um subboom Então, talvez esse terremoto de impacto tenha um grande impacto. E agora vamos adicionar um riser para avançar em direção a essa transição Então, primeiro usaremos um desses tirantes. Talvez algo assim. E quando você usa tirantes, o melhor lugar para eles terminarem ou subirem também é no início da transição, não no início da queda E eu vou te mostrar o porquê em um segundo. Mas primeiro, vou ajustar isso ao nosso ritmo e vamos prolongá-lo, e veremos como isso soa. Então, ao terminar o riser na transição, você está, na verdade, adicionando um nível extra de tensão Então parece que tudo está meio que prendendo a respiração, esperando que essa gota chegue. Se você continuar subindo durante a transição, perderá o efeito de prender a respiração Portanto, é sempre uma boa ideia deixar algum tipo de espaço entre o elevador e a descida Quero dizer, você pode até mesmo fazer com que o riser suba até o enchimento do tambor e usar o enchimento do tambor como o tipo de, você sabe, uma seção de retenção da respiração Mas, para mim, pessoalmente, acho que prefiro um lugar por aqui onde toda essa transição onde todos os elementos desaparecem, cria um pouco mais de tensão. E então, para desenvolver esse riser, podemos usar algo aqui chamado inversão tonal, que é como um tipo reverso de efeitos de reverberação Eles têm uma chave, como você pode ver, então estamos na chave de Ré menor. Então, temos um que diz D, mas eu não sei se é D maior ou D menor. Então, vou usar este e ver como soa. Portanto, você pode usá-los para criar um nível extra de tensão. Ou o que poderíamos fazer é criar a nossa própria. Então, se você notar que isso parece muito legal, mas a textura real parece um pouco sinfônica Na verdade, não se encaixa no som geral da faixa. Então, o que podemos fazer é criar um deles nós mesmos, que é chamado de reverberação reversa Então, o que vou fazer é pegar tudo o que antecede a transição. Então, talvez apenas esses elementos, e eu vou trazê-los para o meio do nada, onde há muito espaço por trás deles. Então, eu só quero ter certeza de que ele termina exatamente onde a transição deveria começar. E também quero ter certeza de que FL Studio, quando estiver tocando, será cortado aqui e retornado, mas eu quero criar uma cauda grande e longa de reverberação Então, o que vou fazer é pegar um desses elementos, talvez as almofadas, e simplesmente colocá-las lá Portanto, agora o FL Studio não voltará atrás quando esse acabamento estiver sendo reproduzido. Assim, podemos criar uma boa cauda de reverberação. Então, vamos entrar em nosso master e carregar um grande reverb. Então, vou aumentar totalmente o sinal úmido ou afetado e vou aumentar totalmente o sinal seco, que é o tipo inicial de sinal sem reverberação Vou recusar isso porque quero um som de reverberação úmido muito exagerado Então eu poderia aumentar o tamanho desse tipo de espaço em que estamos trabalhando. Então, em vez de ter uma sala pequena, parece muito maior e mais ampla. E a verdadeira magia vem dessa época de decadência. Então, isso é basicamente dizer ao reverb. No momento em que está configurado para aqui, você pode ver 1,5 segundo. Então, após 1,5 segundos, a reverberação ficará completamente silenciosa novamente. Então, eu quero que isso seja bem longo e exagerado. E talvez eu me livre da bateria. Acho que só quero elementos melódicos. Talvez o baixo também. E vamos aumentar isso imediatamente. E agora, o que faremos é destacar talvez daqui, apenas o suficiente para incorporar essa transição. Vou dar 8 barras grandes e compridas para deixar a reverberação acabar. E então o que eu posso fazer é aparecer e exportar um arquivo wave. E vou chamar isso, por exemplo, de reverberação reversa. Agora posso excluí-los novamente porque não preciso deles. Eu posso me livrar dessa reverberação e podemos importar o áudio que acabamos de exportar Ok, então agora eu tenho isso importado. É muito simples de importar. Basta abrir a janela do Finder ou seus documentos ou onde quer que você os tenha renderizado e simplesmente arrastá-los para Mas não consegui encontrá-lo por alguns minutos, então fui até aqui, onde o arrastamos De qualquer forma, esse é o nosso poço de reverberação. Mas a verdadeira magia também vem de cortá-la. Então, se nos lembrarmos, nossos instrumentos estavam tocando aqui, e é aqui que eles são interrompidos e a história de reverberação começa Então, queremos recortar onde os instrumentos estão tocando e, em seguida, queremos pegar a história de reverberação e revertê-la Opa, isso é depois de adicionar novamente nossa melodia. Então, vamos excluir alguns deles. E agora temos uma boa onda de reverberação reversa. Então, isso é muito legal. Mas outra coisa que fiz antes foi colocá-lo aqui e torná-lo mais curto, talvez não tão curto, talvez sobre isso. Nós vamos acabar com isso. Então, ainda estamos meio que segurando nossa seção de respiração, mas isso está apenas nos levando à queda. E o que eu fiz antes foi colocar distorção nisso. Então, vamos distorcê-lo por um segundo. E espero que isso não pareça muito ruim. Definitivamente demais. E uma última coisa sobre a qual falar são os elevadores. Então, temos downlifters. Agora, este pacote não parece ter nenhum, a menos que eles estejam aqui. Mamãe. Mais ou menos. Na verdade, isso pode funcionar melhor como um som de impacto. Então, talvez eu substitua nosso impacto por isso. Mas sim, também existe algo chamado elevadores Então, temos downlifters, que são como varredores de ruído branco que varrem para baixo para reduzir a tensão Mas se pegarmos um desses e o revertermos, devemos ser capazes de criar um levantador, que é basicamente apenas um levantador descendente, que é basicamente apenas um levantador descendente Então, vamos tentar adicionar isso em. E agora isso não está sincronizado com minha linha de bar. Vou me ajustar ao ritmo muito rapidamente. Então, agora colocamos um elevador em camadas com um elevador. Agora estamos entrando em uma seção de transição em que retiramos alguns elementos e usamos o preenchimento do tambor para nos colocar no gancho. Junto com essa onda de reverberação, temos um impacto e um downlifter Ok, então esta palestra estava abordando, você sabe, downlifters, uplifters, risers, todos esses abordando, você sabe, downlifters, uplifters, risers, todos esses tipos de efeitos do tipo transição. Então, essa foi basicamente a segunda parte das transições. Na próxima palestra, vamos dar uma olhada na automação E com a automação, podemos tornar essa transição ainda melhor. 27. Automação (transições parte 3): A automação é um ingrediente secreto que faz com que suas faixas pareçam dinâmicas e vivas. Vamos nos concentrar na criação movimento, na evolução dos efeitos e nas transições suaves usando a automação para elevar sua música ao próximo Então, o que é automação? Bem, a automação controla como um parâmetro, como, por exemplo, seu volume ou sua panorâmica, como esse parâmetro muda com o tempo ou ao longo da faixa Então, podemos usá-lo para adicionar dinâmica e variação. Podemos criar algumas transições de som suaves e profissionais e podemos usá-las para automatizar efeitos para ligar e desligar diferentes instrumentos ou para aumentar ou diminuir com Então, por exemplo, logo no início, quando eu desvaneço a amostra principal e tenho a melodia chegando, a melodia está começando imediatamente, mas eu gostaria que ela Então, se eu abrir minha faixa de melodia e me deparar com o botão de volume, clique com o botão direito em Criar clipe de automação Agora, ele adicionou um clipe de automação à playlist. Então, se aumentarmos o zoom, você pode ver que há uma palestra aqui. E se você quiser adicionar mais palestras, basta clicar com o botão direito do mouse Então, uma nota principal é basicamente aquele pequeno círculo no clipe de automação acima do mouse E há as partes que você pode arrastar para cima e para baixo. Então, no momento, se olharmos para o canto superior esquerdo aqui, ele nos dirá para o que está configurado, então está definido para 41% Então, vamos definir este para cerca de 41 também. E então, se arrastarmos o lado esquerdo para baixo, isso fará com que o volume desse instrumento aumente com o tempo. Agora, como há duas camadas nessa melodia, eu também tenho que automatizar o segundo instrumento Então, vamos fazer isso agora. Clique com o botão direito em Criar clipe de automação. Para que está configurado? Está definido para 24, 23, 25, 24. E agora nossa melodia deve desaparecer medida que a amostra está desaparecendo E acho que desaparece um pouco rápido demais, então vou ajustar a curva Então você pode ver aqui que se eu aumentar a curva, ela vai desaparecer mais rapidamente, mas eu quero que ela desapareça mais lentamente, então vou diminuir a curva E o mesmo com este aqui. Você também pode automatizar coisas como efeitos. Então, por exemplo, isso está configurado para a faixa seis. Então, vamos colocar um efeito rápido aqui. Talvez eu fique com os efeitos padrão do FL Studio por enquanto. Então, se carregarmos um filtro frutado de amor, que é basicamente apenas um filtro de alta frequência, vou desligar totalmente o filtro e automatizá-lo Agora, em nossa pequena seção de acúmulo onde a amostra está indo para o gancho, podemos adicionar uma nota principal, adicionar outra aqui para fazer todas as altas frequências meio que desapareçam, e vamos filtrá-la até o gancho. Veja como está meio abafado. Vai ficar mais claro com o passar do tempo. Então, onde a automação para transições é realmente útil é, digamos, usaremos a transição na qual estamos trabalhando Temos um piano até lá, então vou atribuir o piano a uma faixa de mixagem. Eu não preciso saber nada disso. Aqui, agora é a faixa 13. Assim, eu posso carregar, por exemplo, talvez, aquele plug de batimento bruto que estávamos vendo antes para criar algum tipo de gagueira Deixe-me só fazer isso sozinho. R. Talvez algo assim. E o que podemos fazer é porque isso está sempre ativado, sempre afetando as teclas. Mas não queremos isso. Queremos que ele apareça apenas nesta pequena seção de transição para nesta pequena seção de transição que possamos automatizar o liga/desliga Então, totalmente ativado significa que está ligado. Então, queremos que ele seja desligado e só venha aqui e desligue novamente quando entrarmos no gancho. Ou, por exemplo, podemos substituir isso por algo estranho, como, sei lá, destruidor Então, como você pode ver, você pode usar a automação, automatizando o liga/desliga ou até mesmo o volume de efeitos diferentes para criar algumas transições muito legais e interessantes E então, por exemplo, você também pode ir um pouco mais longe. Então, digamos que eu deveria adicionar um efeito phaser. Se eu quiser que esse parâmetro específico faça a mesma coisa que outro que eu já automatizei, não preciso criar outro clipe de automação. Basta clicar com o botão direito do mouse e selecionar Link para o controlador. E aqui, neste painel interno do controlador, quero selecionar a batida bruta porque foi para isso que eu havia automatizado o mudo, o botão liga/desliga para antes Então eu quero clicar. Ah, sim, eu quero clicar em Remover conflitos. Então, isso pode estar ativado automaticamente para vocês. Se você fizer isso, ele desativará essa automação original que você tinha, mas você deseja basicamente vincular essa automação à automação original. Então, temos que garantir que a remoção conflitos esteja desativada e, em seguida, clicamos em Aceitar. Agora, ambos seguirão a mesma automação. Então, você pode ver que ambos estão automatizados para serem desativados no momento, porque esse é o nosso clipe de automação. E aqui, os dois estão ligados novamente. Agora, eu também quero falar sobre a automação de parâmetros dentro dos próprios sintetizadores parâmetros dentro dos próprios sintetizadores Então, se pegarmos esse Rp, por exemplo, e abrirmos o sintetizador, podemos automatizar qualquer tipo de parâmetro aqui que Então, por exemplo, não a decadência, talvez a sustentação. Poderíamos automatizar isso para abrir o som com o tempo No entanto, você não pode simplesmente clicar com o botão direito do mouse e selecionar Criar clipe de automação porque não está mais trabalhando com os plug-ins padrão do FL Studio. Agora estamos trabalhando com terceiros. Vital é um plug-in de terceiros. Então, o que você pode fazer é mexer um pouco, mexer o parâmetro que você deseja efetuar Venha aqui para ver as ferramentas ajustadas para a última vez. E aqui você verá um menu de aparência muito semelhante e criaremos um clipe de automação. Então, agora podemos automatizar a sustentação para talvez abrir com o tempo e talvez cortar novamente Então, com nossa transição aqui, vou me livrar disso por um segundo, porque eu não gosto disso. Talvez eu simplesmente exclua o estruturador e nós o manteremos com o phaser Então, agora temos um elevador, um riser, alguma automação para fazer o piano soar diferente apenas nesta seção antes de voltar ao Temos um pouco de reverberação reversa temos um downlifter e um E talvez seja mais fácil ouvir sem esse toque. Assim, você pode basicamente automatizar qualquer parâmetro que desejar. Você pode automatizar o liga/desliga o mudo, você pode automatizar o volume, você pode Qualquer coisa que você possa tocar e controlar, você pode automatizar E isso o torna uma ferramenta muito criativa para introduzir mudanças dinâmicas ao longo da pista. OH, 28. Elementos de fundo para preenchimento e textura: Aqui, vamos mergulhar conceito de elementos de preenchimento Esses são apenas pequenos toques extras que aprimoram o núcleo da faixa Os elementos de preenchimento funcionam como overdubs na música tradicional para dar à sua faixa profissional e sofisticado Então, por exemplo, para mim, quando estávamos criando a menor variação da melodia principal, então esse é esse cara aqui Na verdade, eu estava pensando que a ideia de duas notas poderia ser um overdub Então, por exemplo, se eu me livrar dessa nota e dessa nota, e mantivermos esse tipo alternado de ideia de duas notas E e F E pegamos essa ideia de duas notas alternadas e a trouxemos para talvez um instrumento diferente para criar um overdub ou um Então, vamos fazer isso agora. Vamos copiar e colar isso em um novo instrumento chamado maybe OD for overdub E eu vou trazer um novo sintetizador. E para isso, acho que estou procurando um tipo de som de chumbo grosso e gordo. Oh, eu quero me livrar das notas mais longas e manter a ideia de alternância de duas notas Então, vamos ver se podemos encontrar algo que possa funcionar para isso. Talvez algo na futura discoteca. Vamos procurar um som principal aqui que possa funcionar. LD, que significa chumbo. Estou procurando que seja um pouco mais profundo, então acho que vou reduzi-lo. Talvez seja algo legal assim. Essa pode ser uma textura interessante para adicionar. Então, por exemplo, poderíamos colocar isso em camadas talvez no último gancho. E se eu apenas solo dessa e da melodia original, você poderá ouvir o que os overdubs estão adicionando à Talvez você possa até mesmo transformá-los em acordes tomando a posição das notas e sobrepondo-as com a progressão de acordes que Por exemplo, os acordes são A nítido, C, D e F. Então, se talvez os colocarmos em camadas, assim Acho que muda para C aqui. Isso seria D e isso seria F. Agora, não consigo ouvi-los porque o plugin está configurado para mono Então, eu só tenho que ter certeza de desligar isso. E agora que eu fiz isso, eu realmente gosto do jeito que soa. Então, eu poderia até mesmo manipular os acordes para que se encaixassem mesmo ritmo, de modo que isso se tornasse o principal tipo de ideia de Mas eu não vou fazer isso só porque, por enquanto, estamos analisando overdubs Então, este é apenas um exemplo de overdub que você poderia fazer É uma espécie de ideia melódica simples tirada da ideia original, mas está adicionando um sabor extra Está adicionando um pouco de espessura, tornando-a mais completa e mais interessante. Outra técnica de preenchimento e que é realmente muito importante é usar atmosferas ou efeitos no fundo da faixa Então, por exemplo, acho que aqui há algumas atmosferas agradáveis Sim, eles já estão abertos. Então, estamos na chave de D. Então, sim, isso é perfeito. Opa. Esse é um tipo muito simples de corte vocal com reverberação que podemos colocar em camadas no fundo de forma muito, muito sutil, ok Então, vamos ajustar isso ao ritmo, caso não esteja no nosso ritmo. E veremos como isso soa. Sim, tudo bem. Agora, está um pouco alto demais, mas a ideia é que seria muito, muito sutil. Você mal percebe, a menos que esteja ouvindo, o que vocês, é claro, estão. Mas, por exemplo, vou tocá-lo sem o efeito no início, e depois ele virá aqui e espero que você consiga ouvir a diferença Então, basicamente, basta ver todas essas lacunas entre as amostras de bateria e as lacunas entre o baixo aqui. E eu sei que realmente não há lacunas entre o bloco. Então, o teclado está tecnicamente adicionando a isso, esse tipo de elemento de fundo Mas você verá que isso preenche espaço de forma muito sutil Vamos começar do início. Então, idealmente, você teria isso talvez em toda a seção do verso apenas colocada em camadas no fundo Provavelmente não é necessário nos ganchos e no refrão porque há muita coisa acontecendo Acho que todo esse espaço está praticamente preenchido. Mas se você tem áreas da sua pista onde há um pouco de espaço vazio, essa é uma maneira incrível de preencher esse espaço. E nem precisa ser algo tonal assim. Vamos ver se eu tenho algo atonal. Então, para isso, provavelmente vou procurar amostras de techno do meu tipo, talvez efeitos sonoros Não. Só estou procurando alguns elementos de fundo. Loops de ruído, talvez? Sim, isso é perfeito. Então, esse tipo de coisa, vamos arrastar um deles para dentro. Adequado ao ritmo. Então, foi definido para 150, 75 é metade de 150, então vou ver o que o FL Studio faz. Opa. Sim, tudo bem. Talvez seja um pouco rápido demais. Vamos apenas esticar isso. Provavelmente é um pouco rítmico demais para o que estamos procurando, mas um bom exemplo seriam coisas como ruídos de chuva ou talvez até vozes falando baixinho com reverberação e outras coisas para dar à faixa uma sensação meio triste e dar à faixa uma sensação meio Mas eu definitivamente recomendo usar algo parecido com os efeitos atmosféricos que vimos antes. Esses. E você não precisa de um pacote de amostras. Quero dizer, você pode criar seus próprios efeitos atmosféricos em segundo plano. Então, vou voltar para o que estávamos usando E então outro tipo de elemento de preenchimento é introduzir algo curto e novo apenas em áreas onde a batida parece que está ficando um pouco repetitiva Então, por exemplo, talvez aqui ou talvez até aqui só para quebrar ou acabar com o ciclo. Então, vou te mostrar um exemplo disso. Vou chamar isso de intervalo de overdub. E nós vamos trazer. Vamos usar o flex desta vez porque só o usamos para sons básicos Então, vamos tentar com um sintetizador e adicionar algo, talvez muito simples : uma nota raiz até outra nota raiz e até outra nota raiz Algo parecido com o que a base está fazendo. E vamos encontrar uma boa predefinição. Sim, talvez essa cauda fractal. E vamos simplesmente colocar isso lá. E provavelmente está um pouco alto. Podemos recusá-lo apenas para dar uma ideia de que ele deve estar em segundo plano apenas para adicionar um pouco de textura ou preencher um pouco de espaço. 29. Silêncio estratégico: saiba quando recuar: silenciamento estratégico é uma técnica poderosa, mas muitas vezes negligenciada, na produção musical Saber quando recuar pode criar espaço, tensão e foco em sua pista, fazendo com que os momentos em que, você sabe, todos os elementos voltem você sabe, todos os elementos voltem pareçam muito mais impactantes Esta palestra ensinará como e quando silenciar elementos estrategicamente, ajudando você a aprimorar a dinâmica, ajudando você a aprimorar a dinâmica, ritmo e a recompensa emocional Então, um exemplo instantâneo disso é o que estávamos fazendo aqui quando estávamos trabalhando na transição. Então, silenciando a bateria, o baixo e as almofadas, criamos Se não tivéssemos feito isso, isso é o que soaria. Então, ao silenciar elementos antes da queda ou o que é chamado de silêncio antes da queda, você pode realmente aumentar a tensão E, no mínimo, você quer silenciar a bateria e o baixo O resto é meio ambíguo. Depende de você, mas eu definitivamente silenciaria pelo menos a bateria e pelo menos o baixo Mas acho que também silenciamos as almofadas. Então, por exemplo, podemos silenciar as faixas para criar algumas variações dinâmicas e interessantes Então, por exemplo, talvez aqui nesse padrão de bateria, eu só vou cloná-lo para torná-lo único, para não afetar todos os outros. Talvez pudéssemos silenciar os chutes no início, talvez alguns dos chapéus E talvez esses dois chapéus. Então, tudo o que nos resta em duas batidas é apenas um aplauso. E então você pode fazer coisas como silenciar para causar impacto emocional, onde talvez toquemos a bateria e o baixo para um ou dois compassos Opa, essas são as almofadas. Eu pretendia silenciar o baixo. Então, isso poderia criar uma espécie de, você sabe, queda mais emocional e falsa. Também podemos fazer algo chamado chamada e resposta com silenciamento ou antifonia, se você estiver vindo de uma perspectiva clássica Mas chamada e resposta é basicamente quando um elemento chama e outro responde. Então, por exemplo, vamos silenciar o arp até mais ou menos aqui. E então o que faremos é silenciar a melodia quando o arp E então vamos deixar a melodia tocar novamente, e então vamos silenciá-la E então todos eles podem voltar juntos para esta seção aqui. E devido à natureza da nossa melodia, forma como o segundo e o quarto acordes estão um pouco à frente da batida, podemos ajustar a melodia e o arp Então, isso realmente soaria um pouco mais coerente. E, claro, se você quisesse ser realmente criativo, você sabe, você pode alternar o instrumento. Então, talvez esse seja o instrumento normal, e talvez na segunda vez, seja um instrumento completamente diferente, e esse arp seja totalmente diferente desse arp E talvez, você sabe, talvez você use uma batida grosseira e um phaser nisso e coloque distorção muito forte nisso para criar algo realmente sonoramente Então, como acho que vimos antes, temos transições subtrativas nas quais você pode simplesmente silenciar um ou dois elementos por uma batida, e isso pode indicar que uma mudança está chegando Então, por exemplo, vamos tirar a bateria do baixo no final do gancho E então temos coisas como silenciamentos repentinos para dar ênfase. Então, talvez no meio desta seção do gancho, pudéssemos silenciar a primeira batida da barra 63 aqui Então, vamos tentar silenciar, então vamos tentar silenciar isso. Eu não pretendia estender este. E então vou precisar da minha ferramenta de corte. Assim, poderíamos silenciar, por exemplo, todos os instrumentos e deixar apenas a bateria tocando por apenas uma batida para respirar Ou podemos silenciar tudo para dar ênfase repentina. E acabei de notar que não tenho certeza se expliquei, mas ao usar a ferramenta de fatiar, um clique normal apenas cortará o E se você clicar com o botão direito do mouse e fatiar, ele cortará e excluirá a seção menor Então, nesse caso, será tudo o que estiver à direita da linha vermelha. Portanto, o silenciamento estratégico é uma das formas mais eficazes de criar dinâmica e focar em sua pista Você pode guiar a atenção do ouvinte. Você pode enfatizar os principais elementos e manter seu arranjo envolvente. Você sabe, pequenas mudanças como essa realmente interrompem a repetição da faixa 30. ASSISTA ACOMPANHO: edição do beat em tempo real: Este será um vídeo longo em que farei algumas alterações na faixa. Não estou feliz com alguns dos sons do sintetizador ou da bateria que estamos usando, e quero acrescentar mais ao arranjo ou talvez até mesmo alterar alguns dos padrões Como eu estava fazendo a faixa à medida que avançávamos, eu estava meio que consciente de tentar não perder muito tempo e, ao mesmo tempo, demonstrar as técnicas Então, por causa disso, há algumas coisas que eu não estou totalmente feliz. Eu não queria voltar de repente com muitas mudanças aleatórias, embora eu tenha uma palestra mais curta depois desta, apenas examinando as principais mudanças que fiz Então, se você estiver interessado em me ver mexendo coisas diferentes e tentar refinar a faixa, continue Mas se não, pule esta palestra e mostrarei na próxima quais foram as principais mudanças que fiz Não haverá mais nenhuma conversa nesta palestra. É apenas uma espécie de apresentação, mas todas as técnicas que você vai me ver usar são aquelas que acabamos de abordar. Então, sim, vou começar a mexer com a faixa agora Mas se você não estiver interessado em ver isso, pode pular I. A. A. Tudo bem. Olá mãe. Mamãe. Obrigada Obrigada Obrigada Obrigada SR. M.B . 31. ATUALIZAÇÃO: mudanças feitas na batida: Esta palestra será apenas uma rápida olhada em algumas das mudanças que eu fiz Se você não assistiu à última palestra em que pôde ver o que eu estava mudando em tempo real , vou dar uma olhada aqui rapidamente Se você assistiu à última palestra, provavelmente não precisa assistir a esta E se você realmente não precisa assistir, também não precisa assistir. Não há nenhuma informação nova nem nada sendo ensinado aqui. Só que eu mudei alguns dos sons e adicionei muito mais transições e microinterruptores Vou falar rapidamente sobre o que fiz. Vou deixá-lo tocar, e então podemos seguir em frente e aprender mais algumas coisas. Então, acho que a primeira coisa que fiz foi mudar a melodia principal apenas para combinar um pouco mais com a amostra Eu só tive que mover uma ou duas notas. Pego os elevadores e downlifters que usamos antes e meio que os espalhei pista em lugares onde achei que E eu também adicionei esse efeito de símbolo de colisão, que acho que coloquei reverberação Sim. Depois, há alguns lugares onde há um pouco de silenciamento estratégico acontecendo Há novas amostras de preenchimento. Eu adicionei um som de impacto diferente porque eu não era um grande fã do primeiro. Eu mudei o som do rap para isso. O primeiro foi um pouco nítido demais para mim. Eu realmente não gostei. E então, no final, eu acabei de fazer isso. Acabei de deixar esse gancho mais cheio colocando outra melodia em camadas com a melodia do overdub Então isso soa assim. E então o principal para mim foi mudar os sons da bateria. Eu realmente não gostei nem um pouco deles, então acho que mudei a maioria deles. Então, aqui está o que parece agora. E isso é tudo. Então, vou deixar a faixa tocar agora e, quando terminar, passaremos para a próxima palestra 32. Menos é mais (deixando espaço para o artista): Os produtores geralmente buscam fazer com que suas batidas soem completas. Mas ao trabalhar com vocalistas rappers ou qualquer outro artista, criar espaço para esse artista é tão importante quanto fazer um ótimo Esta palestra se concentra em como aplicar a filosofia “quanto menos é mais” à sua produção, garantindo que sua batida apoie em vez de ofuscar A batida que você faz é mais parecida com uma tela. Não é a pintura final. Artistas, cantores, rappers, eles adicionam a camada superior da criatividade, as letras, a emoção e a performance Se você superlotar a batida, ela pode acabar competindo com o artista, fazendo com que a faixa final pareça opressora ou até turva ela pode acabar competindo com o artista, fazendo com que a faixa final pareça opressora ou até Então, por exemplo, em nossa faixa, temos uma melodia bastante movimentada tocando no gancho Isso provavelmente só funcionará se o artista ou quem estiver cantando ou fazendo rap nessa faixa cantar a mesma melodia, muito parecida com a amostra Então, por exemplo, se pudermos imaginar que essa amostra é uma letra e o artista está cantando a mesma melodia, isso funcionaria Mas se o artista estivesse cantando qualquer outra melodia, eu provavelmente removeria nossa melodia Então esse agora seria nosso gancho. Então você sempre tem que se perguntar: esse elemento é necessário ou está apenas preenchendo espaço? Porque às vezes, quando você está projetando uma faixa instrumental, você está tentando projetá-la para que ela tenha espaço, e então você acaba preenchendo acidentalmente esse espaço com elementos que não são Portanto, há algumas maneiras de verificar se deixamos espaço suficiente. Idealmente, sua faixa se concentrará apenas na ranhura central. Então, esses são os elementos principais, como o chute, a armadilha, o chapéu alto, o baixo e talvez uma ideia melódica Durante os versos, você precisa retirá-lo imediatamente. Silencie todas as camadas não essenciais e remova melodias complexas ou percussão extra Então, por exemplo, talvez seu verso seja apenas bateria, baixo e um simples teclado Então, para nós aqui, acho que nossos versos estão bem. Eles são bem esparsos. E até mesmo esse verso provavelmente está bom porque esse arp é apenas um elemento de fundo Mas quando se trata do nosso refrão, talvez essa melodia seja demais. Mas, em última análise, isso depende do artista. Então, se você está fazendo batidas para, você sabe, colocar no YouTube e vender, eu recomendaria seguir esse caminho onde menos é mais e você está tentando evitar melodias agitadas que podem dificultar o rap da faixa Mas se você está colaborando com um artista ou talvez esteja escrevendo uma música sozinho, você provavelmente poderia manter essa melodia lá, porque então você poderia usá-la e tentar cantar a mesma melodia no Mas tudo o que eu queria destacar nesta palestra é que menos é mais Deixe espaço em suas produções. Se você conseguir dominar essa abordagem , suas batidas parecerão verdadeiras colaborações, não apenas apresentações instrumentais O. 33. Gravação simples no FL Studio: Tudo bem, vamos dar uma olhada em duas maneiras simples de gravar áudio no FL Studio. Isso é para quem quer gravar sua própria música em sua batida. Então, primeiro, vamos configurar nossa interface de áudio, ou seja, nas configurações de áudio, e você pode ver sua saída de entrada aqui. O meu está configurado para o meu microfone, então está tudo bem. O seu pode ter que ser configurado para qualquer microfone que você esteja usando ou sua interface de áudio. Em segundo lugar, e o mais importante é reduzir o tamanho do buffer Então, vamos reduzir isso para cerca de 25, seis. Se você não fizer isso, sua voz reproduzirá em seus ouvidos, um pouco mais devagar do que você está realmente cantando, e é muito difícil cantar quando isso está acontecendo Portanto, certifique-se de definir o comprimento do buffer para cerca de 512 ou menos No entanto, 256 geralmente é o mais recomendado. Agora, também, ao fazer isso, você pode descobrir que seu software começa a atrasar ou pular, e isso é bastante normal Então, o que eu geralmente faço é destacar a faixa inteira e exportá-la como um arquivo wave. E então eu arrasto o arquivo wave de volta, o que eu já fiz como uma nova faixa. E vou me certificar de que esteja sozinho. Se você clicar com o botão direito do mouse na luz verde, esse menu será exibido e você poderá soltar e soltar Então eu solei a batida renderizada, e ela soa assim Diversão. E eu posso deletar coisas aqui porque isso não tem nada a ver com o que está acontecendo aqui embaixo na faixa renderizada Então, basicamente, tudo isso é redundante no momento, e estamos apenas trabalhando nessa faixa renderizada Em seguida, abriremos o mixer e usaremos um canal em branco e o atribuiremos à entrada do microfone. Então, vou escolher o canal 18 aqui e vou renomeá-lo para vocal Talvez eu dê uma cor para que se destaque. E então, se você vier até a seção de entrada, poderá escolher qual entrada na sua interface de áudio. Portanto, sua interface deve estar listada aqui, e você pode ter uma entrada ou duas ou quatro ou oito ou qualquer número de entradas que tenha em sua interface O meu só tem um no momento. E depois de fazer isso, você poderá ver sua voz entrando no software. Então, em seguida, você precisa falar ou tocar seu instrumento ou cantar ou o que quer que esteja tentando gravar e assistir aos níveis da faixa do mixer aqui. Você pretende que o sinal chegue em torno de -12 a menos seis Então, no momento, menos alto demais, está chegando em torno de menos seis a zero, mas na verdade não consigo ajustar isso porque também está vinculado ao OBS, que está gravando o áudio do curso E eu realmente não quero afetar isso. Mas o que você faria em teoria é que, com o botão de ganho na interface de áudio, você o diminuiria até que os níveis de áudio estivessem entre menos seis e Você também deve usar fones de ouvido para isso. Caso contrário, você se deparará com um problema chamado feedback, em que, basicamente, se você estiver usando um alto-falante ou o alto-falante do laptop ou algo parecido, o som que sai do alto-falante volta para o microfone, para o software, e então o software o envia volta para os alto-falantes, que o reproduzem na sala, e então o microfone o capta novamente, envia de volta para o software, volta para os alto-falantes, de volta para o microfone, e você cria um loop de feedback. Além disso, o uso de fones de ouvido é muito mais silencioso, por isso permite gravar um som isolado, como um vocal ou um instrumento Se você não quiser se ouvir, podemos silenciar esse canal E é assim que eu normalmente faço. Não sou muito fã de me ouvir quando estou cantando, então me certifico de silenciar o canal Então, o primeiro método é usar o Edison. Então, vou trazer o plugin Edison, que está aqui embaixo. E aqui, é muito simples. Eu normalmente o configuro para gravar agora e por talvez cinco a 10 minutos. Minha música tem 3,5 minutos de duração, então 5 minutos são perfeitos. Então, basicamente, assim que você pressionar o botão vermelho, ele começará a gravar. Mas, é claro, você vai precisar que a faixa seja tocada em segundo plano, e eu esqueci disso porque não pretendo cantar Então, vou redefinir Edison para o padrão. Registro. Agora, por 5 minutos está bem. Vamos clicar em play. Então, talvez, por exemplo, você esteja gravando algo no gancho aqui e batamos em gravar. E agora estou gravando meu vocal. La lala la la, la, la. Perfeito. Depois que o áudio for gravado, basta arrastar e soltar diretamente na sua playlist. E você pode ouvir de volta. Não sei se realmente quero, mas para fins de demonstração, agora estou gravando meu vocal. L. L. Perf. E, como qualquer outra amostra ou faixa que você arrasta, você pode atribuí-la a uma faixa de mixagem e começar a mixar. A outra forma de gravar áudio no FL Studio não é usando o Edison, mas sim gravá-lo diretamente em uma dessas faixas da playlist, como você faria com qualquer outro software Portanto, a primeira coisa que você precisa fazer é garantir que o canal ao qual seu microfone está atribuído esteja armado para gravar, que é esse botão vermelho na parte inferior aqui embaixo. Ou no caso de outra faixa, seria esse botão branco. Então, agora essa faixa também está armada para gravar. Então voltaremos ao nosso acordo, talvez em algum lugar aqui no gancho e usaremos o botão de gravação aqui em cima. Ele nos perguntará se queremos gravá-lo Edison ou na playlist como um clipe de áudio, e queremos gravar na playlist como um clipe de áudio Então, vamos selecionar isso. Ok, então, obviamente, precisamos atribuir uma dessas faixas de arranjo ao canal vocal. Vamos clicar com o botão direito aqui na faixa 13, e então podemos escolher nosso vocal. E agora podemos clicar em gravar na playlist. Vamos fazer uma pequena contagem. E agora estamos gravando nosso vocal aqui, e você pode ver a forma de onda chegando L, não, não, não, não, não, não, não, não. Então, podemos desarmar o FL Studio e clicar em play. Desculpe, esqueci que tínhamos silenciado o Canal 18. Deixe-me ir em frente e reativar isso. E agora estamos gravando nosso vocal aqui, e você pode ver a forma de onda chegando Não, não, não, não, não, não. Então, aqui no metrônomo, se você clicar com o botão direito do mouse, poderá alterar o som E aqui temos a contagem inicial ou pré-lançamento. Então você pode definir isso para uma ou duas barras. Você pode ativá-lo ou desativá-lo. E você também pode ligar ou desligar o metrônomo se quiser que ele toque o tempo todo enquanto estiver gravando Mas não precisávamos dessa vez porque temos a batida de bateria Como você pode ver, gravar áudio no FL Studio é realmente muito simples. 34. Afinando samples de bateria para reduzir a turvação: A afinação da bateria é um dos aspectos mais negligenciados e críticos da criação de uma batida coesa e profissional Tambores devidamente ajustados evitam turvamento quando se trata Então, vamos abrir nosso padrão de bateria. E sabemos o que soa, mas vou tocá-la novamente só para refrescar nossas memórias Ok, então as amostras mais importantes que você quer afinar são seu chute e seu aplauso Idealmente, você estará ajustando todos eles, mas, no mínimo, você definitivamente deveria ajustar seu chute e seu aplauso Então, para afinar a bateria no FL Studio, vamos usar o Edison novamente, o mesmo plugin que estávamos usando para nossa Vou apenas abrir uma instância disso no master. E com isso, vamos arrastar nossas amostras individuais para Edison Clique com o botão direito do mouse, desça até as regiões e selecione detectar regiões de inclinação. Então nosso chute está sintonizado em F, certo? E F não é a chave da nossa faixa. D é a chave da nossa faixa. Então, queremos reduzir a amostra de chute de F para D. Então, queremos reduzir um semitom, dois semitons, três semitons Está bem? Então, para fazer isso, abrimos novamente a amostra de chute e chegamos aqui até o botão de inclinação E você verá no canto superior esquerdo um valor chamado sentido, certo? E o senso se traduz apenas em semitom. Então 100 centavos é um semitom, e nós queremos reduzir isso em três, Então, 300 semitons devem inclinar nossa amostra de bateria de F para D. Então agora nossa amostra de bateria está inclinada até a nota raiz da faixa, e eu sei que está inclinada para D. Mas no FL Studio, C cinco é qualquer que seja a Então, como configuramos a amostra para ser ajustada em D no rolo do piano, C cinco é o que está tocando nossa amostra padrão Então, neste caso, C cinco é na verdade D. Se você quisesse que seu rolo de piano coincidisse, você poderia facilmente pegar as notas da bateria, aumentá-las em um, dois semitons e depois voltar aqui e fazer o oposto Reduza isso em um, dois semitons. E agora a nota de D é a nota de D. Então, agora estamos 90% do caminho até lá. Nossa amostra de bateria está afinada na nota raiz da faixa, e isso significa que provavelmente soará em sintonia com tudo o que está acontecendo No entanto, porque nosso baixo e chute estão intimamente ligados Então, vou tocar o bumbo sozinho por um segundo. E em qual instrumento nosso baixo está tocando? Eu vou fazer isso sozinho também. Esse aqui e esse. Opa. Eu não pretendia soltá-los totalmente. Eu só queria ativá-los também. Então, vamos ativar os dois e também ativar o chute. Então, e também ativar o chute nosso padrão de baixo está tocando o mesmo ritmo do chute. Então, toda vez que o chute bate, o baixo também bate E como esses dois instrumentos estão na mesma faixa de frequência, outra coisa a fazer para realmente limpar essa confusão seria afinar a bateria com as mesmas notas que o baixo Então, em nosso baixo, estamos tocando A nítido, C, D e F. Então, vamos lembrar disso Entre no nosso kitrum no piano roll. E se nos lembrarmos, essas duas primeiras notas estão tocando A bruscamente. Mamãe, hmm. Essas duas notas estão tocando C. Elas estão tocando D, e essas duas no final aqui estão tocando F. Agora, isso é o que soa sozinho Quando colocamos isso em camadas com o baixo, é assim. Vou simplesmente desfazer tudo e ouviremos isso no contexto. Então, eu diria que isso é obrigatório em trap music hip hop, drill ou qualquer outra coisa que você esteja fazendo Com certeza, ajuste o bumbo de acordo com as notas do baixo. Isso não apenas reduz a lama, mas também não é tão perceptível Além disso, você pode notar que alguns dos bumbos soam ligeiramente diferentes dos outros, e isso adiciona uma camada extra de humanização ou tipo de diferença dinâmica para que a batida não soe tão robótica e os tambores soem mais como se tivessem sido tocados ao vivo do que programados Em seguida, vamos ajustar algo que não precisa ser lançado Então, por exemplo, o aplauso aqui. O aplauso é apenas tocar a cada segunda e quarta batida. Portanto, isso não precisa ser aplicado a nenhum instrumento. Só precisa ser inclinado até a tecla da pista. Então, vamos dar uma olhada em qual tecla esse aplauso está tocando por padrão Está tocando na chave das regiões, detecta regiões de inclinação, F nítido. Então, o que podemos fazer com isso é saber se você conhece o acorde básico da tríade da nota raiz em que sua faixa está Então, por exemplo, estamos na chave de Ré menor, ok? Então, se eu for até meus carimbos de cordão e em um acorde menor simples, vou estampar isso em D. Isso vai me mostrar as três notas que eu posso Está bem? Então, eu posso inclinar para D, a nota raiz, eu posso inclinar para F, ou posso inclinar para A. Então, idealmente, com suas amostras, você vai querer lançar para o que estiver mais próximo Então, para nós, com nosso aplauso, porque está em Fá nítido, que está aqui, e porque podemos afinar em F ou A, vamos afinar esse aplauso em F. Dessa forma, ele estará na tonalidade da faixa sem distorcer o som original, porque o som original porque o som original Se diminuirmos demais, isso muda, e se aumentamos demais, ele também muda. Mas se colocarmos apenas um semitom, é quase imperceptível Então, vamos reduzir isso em 100 centavos ou um semitom, e agora nosso chute e nosso aplauso foram lançados reduzir isso em 100 centavos ou um semitom, e agora nosso chute e nosso para a pista E talvez sintonizemos mais um aqui. Vamos ajustar a amostra da caixa que estamos usando como percussão. Então, vamos abrir o Edison. Aqui está nossa amostra de caixa, arraste-a para dentro e detecte regiões de inclinação E, novamente, estamos em F sharp four. Então, o que vou fazer é, enquanto o padrão está tocando, vou ajustar o tom para você possa ver que as amostras de bateria que estão fora de sintonia não soam tão coesas quanto as amostras que estão afinadas, ok Então, vou clicar em Play e vou começar a mudar o tom dessa amostra Vou aumentar o volume para que você possa ouvir. Agora, para o meu ouvido, isso está completamente fora de sintonia. Parece muito dissonante E se você se lembra, originalmente foi configurado em F sharp. Então, ao reduzi-la em 100 centavos, estamos colocando-a no tom da faixa Então, isso deve soar bem. Então, espero que você tenha conseguido ouvir como alguns outros tons podem realmente ser meio dissonantes até que você coloque a amostra corretamente na tonalidade da faixa 35. Vocais: Autotune e Vocoders: Ok, então para aqueles que estão trabalhando com artistas ou talvez estejam cantando ou fazendo rap, nesta palestra, veremos o ajuste automático e outro efeito vocal chamado Se você não é um artista e não está trabalhando com um artista, você pode encontrar uma capella em, você sabe, pacotes de amostras Há muitos pacotes de amostra do Acapella, ou você pode usar alguns dos recursos sobre os quais falamos anteriormente, como Lupermen, splice, somatics, Há muitas pessoas que publicam suas próprias letras e suas próprias Acapellas E outras coisas, como fóruns de produtores em talvez, você sabe, Red It ou Slash, we are the music makers, geralmente tenham recursos vocais gratuitos que são compartilhados pelos membros Então, primeiro, vou fingir que estou trabalhando com uma artista, e é uma garota Ela está cantando nessa faixa, e eu vou me arrastar. Vamos talvez experimentar uma dessas A capellas. C maior. Não estamos procurando um curso. Estamos em uma chave menor. Mi menor. Isso poderia nos fazer. Vamos arrastar isso para dentro. E está definido para 135. Então, vou ajustar o ritmo. Mas como estamos em 87, acho que isso vai torná-lo um pouco lento. Sim, provavelmente. Santo. Sim, então vou reajustar isso para a metade de 13.567,5 Então, agora isso deve estar de acordo com nossa faixa. Oh, ele tinha seu carro. Sim, a coisa sumiu. Nós temos muito tempo. Não vamos ficar sozinhos. Ok, e eu acho que eu queria começar na primeira batida do Bar. Tudo bem, agora temos um vocalista fingido que gravamos, e agora eles estão cantando nessa faixa Vamos resolver os problemas de tom. Então, vamos atribuí-la a uma faixa de mixagem, o que já é. E primeiro veremos a forma mais natural de ajuste automático que podemos fazer no FL Studio, que é usar um plugin chamado Newton E Newton é basicamente a mesma coisa que Melodynee Ele analisa a forma de onda e coloca em notas visíveis Mas você verá o que quero dizer em um segundo. Então, vamos arrastar nossa amostra vocal para Newton. Oh, nós temos essa bola. Sim. Para Newton. E podemos fechar isso novamente. Vou aumentar isso para que possamos ver o que estamos fazendo. Então aqui você pode ver que esse é o nosso vocal. A linha laranja representa o contorno e o tom. Então, por exemplo, aqui, ela está cantando a nota de E, um pouco trêmula, mas tudo bem porque a linha laranja me parece que nunca sai realmente do alcance dessa nota de E. No entanto, aqui em cima, temos o que parece Então, ela está meio que oscilando entre dois tons diferentes. Então, por exemplo, aqui, você pode ver que a linha está na nota E, mas ela fica um pouco plana no final, e a linha está em algum lugar entre essas duas notas. Então ela não está realmente cantando uma nota aqui. Ela está cantando em algum lugar no meio, apenas um pouco achatada em G e um pouco nítida em F Sharp. Então, se ouvirmos isso, deveríamos ouvir um pouco de vibrato aqui, e deveríamos ouvi-la talvez ficar um pouco chata aqui Oh, nós temos isso agora. Ah. Sim, está bem, então, pelo que parece, esta é na verdade uma nota diferente. Mas o que aconteceu é que ela não tocou na nota separada. Ela não cantou fundo o suficiente para atingir essa nota. Portanto, Newton não a reconhece como sendo uma nota nova. Então, o que podemos fazer é cortá-lo para separá-lo. E agora temos duas notas separadas, que podemos arrastar e manipular separadamente. Então, com Newton, há dois tipos principais de parâmetros que usaremos, e esses são o botão central e o botão de variação Então, o botão central apenas arrastará essas notas que são planas ou nítidas, como por exemplo, esta aqui, você pode ver que é o centro da forma de onda branca Então, toda essa forma de onda aqui, o centro dela está Não está no nó de A e também não está no nó de A flat. Está em algum lugar no meio. Então, o botão central aqui simplesmente arrastará isso para o centro de uma dessas duas notas, que estiver mais próxima desta seção em particular Então, vamos fazer isso agora para todo o vocal. Você verá todas as formas de onda se movendo para serem centralizadas em Oh, nós temos isso agora. Sim, isso é verdade. Então, para mim, essa nota está errada. É um pouco alto demais. Acho que deveria ser essa nota, e provavelmente terei que arrastá-la para baixo também. Uau. Sim, isso é verdade. E então, novamente, acho que ela deveria estar se demitindo. Aqui. Assim. Sim, para o TG. E então, a partir daqui, podemos ajustar quantidade de variação que ocorre nessas linhas. Então, agora estamos olhando para a linha laranja. Está bem? Então, por exemplo, o vibrato aqui, podemos meio que reduzir isso e tornar o vibrato Ou, por exemplo, vamos encontrar outro lugar onde ela possa ter ficado um pouco chata. Talvez coisas desse tipo aqui. Então, onde a linha laranja é uma espécie de curva, ajustando a variação, podemos torná-la um pouco mais reta, então parece que ela está segurando aquela nota Talvez algo parecido. É muito sutil para mantê-la dentro do campo. Oh, nós temos a neve dele. Sim, no dia C, temos muito que fazer. Então, com esses dois botões e o fato de você poder arrastar cada nota individualmente e separá-las. Então, por exemplo, outra área que você pode separar está aqui porque acho que parecem duas notas separadas que o software não reconheceu. Então, poderíamos dividir isso e agora podemos lançá-los separadamente. Você tem muito mais controle sobre o tom do vocal. Esse método também exige muito trabalho para acertar e fazer com que pareça natural Então, por exemplo, no início, isso não parece muito natural. Ah. Parece bastante ajustado automaticamente. Ah, eu tenho. Então, isso provavelmente precisaria de um pouco de ajuste para tentar fazer com que soasse um pouco mais natural. Ah. Ah. Ah. Pessoalmente, não acho que Newton seja incrível. É ótimo para esse tipo de coisa, mas é muito mais trabalhoso fazer com que soe natural do que um plug-in como o Melodynee ou o Waves Tune. E acho que não tenho 100% de certeza. Não me cite sobre isso, mas acho que os dois têm algum tipo de versão gratuita ou uma versão light, na qual você pode fazer algumas coisas com seus vocais. Você não pode se aprofundar muito, mas existem alternativas mais baratas e gratuitas disponíveis. Agora, digamos que passamos, sei lá, 3 horas trabalhando nesse vocal. Nós terminamos com isso. Estamos prontos para importá-lo novamente para que possamos usar essa ferramenta para arrastá-lo de volta para nossa amostra. Ele vai colocá-lo de volta em seu tempo original, então temos que ajustá-lo novamente. Acho que foi 67,5. E agora, como a amostra vocal está em mi menor, podemos usar o botão de afinação para reduzi-la dois semitons até D. E agora ela deve estar Deve parecer um pouco menos plano e também deve chegar a tempo. Oh, nós temos o dele agora. Ontem acabou. Tivemos muito tempo. Não vamos ficar sozinhos. Agora, é claro, eu realmente não toquei os vocais, então há áreas em que Newton está ajustando a nota errada Mas vou substituí-la pela versão original que não foi afetada. Ainda está inclinado. Eu só tenho que esticá-lo novamente. E vamos dar uma olhada em um plugin diferente no FL Studio chamado Pitcher E o pitcher é ótimo para fazer aquele tipo clássico de som ajustado automaticamente Portanto, este é muito simples de usar. Depois que sua amostra vocal ajustada ao tom de sua música, ou, por exemplo, se você mesmo a gravou, não precisará ajustar o tom geral Mas de qualquer forma, você vai executá-lo uma faixa de mixagem e carregar o plugin chamado pitcher E com isso, é muito simples de usar. Você tem sua tonalidade menor maior. Pentatônico é apenas uma escala de cinco notas. Nós realmente não precisamos nos preocupar com isso ou todas as notas ou com apenas uma única nota. E então podemos ajustar a tecla em que estamos. Então, para nós, estamos em ré menor. O ajuste mínimo de Hertz indica ao plugue o quanto você está disposto a deixar a nota oscilar quando ela Então, por exemplo, se ela estiver segurando a nota F, ela pode estar meio vacilante em seu tom, e ela pode oscilar muito ou um E isso é basicamente o seu botão de variação. Então você está dizendo ao plugue o quanto você vai permitir essas pequenas oscilações 25 Hertz é um valor pequeno. Então você está dizendo que eu não quero muitas oscilações. Eu quero que você aperte a nota e a segure. E então, com 220, seria muito mais natural. Isso permitirá muito mais vibrato e muito mais tipos de oscilações entre os tons em uma Então, vamos deixá-lo ajustado para 110 por um minuto e depois veremos a velocidade. A velocidade é literalmente a velocidade com que o jarro entra Então, quanto mais rápida for a velocidade, mais rápido o ajuste automático entrará em e soará mais robótico, talvez como TPNe ou Cane West E então, quanto mais devagar ele entrar em ação, mais natural ele soará e mais você poderá preservar esse desempenho natural Então, vamos agora ouvi-lo em ação. Vamos tentar ajustar automaticamente essa amostra vocal. Oh, nós temos o carro dele. Sim, sumiu. Nós temos muito tempo. Não vamos ficar sozinhos. Sozinho. Não, Shop be on the bone Alone. Há luz depois de uma loja pesada. Eu vou, é melhor se mover. Não espere encontrar alguém Não, as abelhas não devem esperar. Não, então talvez algo assim soe natural o suficiente para esse vocal. Estamos permitindo muito pouca variação, mas estamos definindo a velocidade para média. Então, a primeira parte da nota está meio que preservada. E então é apenas a última parte da nota em que talvez ela a esteja segurando. Essa é a única parte que está sendo ajustada automaticamente. Então, vamos soltar o vocal e ouvi-lo com o jarro ligado e o jarro desligado Oh, nós temos o dele agora. Sim, os Ts vão. Nós temos muito tempo. Não vamos ficar sozinhos. Sozinho. Não, ela estará no telefone. Al. Há luzes apagadas em todas as lojas. Deixe pra lá. Você tem que seguir em frente. Mas você está vivo. Não há tempo para pagar. Tudo bem para você, alguém. Adoro não pagar. E, por exemplo, se você estivesse tentando usar esse tipo de efeito vocal de Tepin, você simplesmente aumentaria isso e diminuiria o mínimo Oh, pegue o dele agora. Sim, é mais do que Sc. Nós temos muito tempo. Agora vamos ficar sozinhos Então eu também mencionei que, com o Newtone, os plug-ins mais avançados e pagos seriam Melodynee Com o plug-in de imagem, a versão mais avançada e padrão da indústria seria o Antares auto tune ou o plugin néctar da Esses dois são ótimos. Eles são plug-ins maravilhosos que vêm com o software gratuitamente. No entanto, se você estiver processando vocais, eu recomendaria pegar um dos outros dois também Para mim, a melhor combinação é Melodynee em vez de Newton e depois Antares autotune em vez do jarro. Ok, vamos dar uma olhada nos vocoders agora. Então, temos nosso vocal aqui e vamos carregar um plugin chamado Voca Dex Eu só quero ter certeza de que eles estão silenciados lá. Então, com isso, isso fará com que o som vocal seja meio robótico Então, vou jogar isso. Vamos. E há algumas predefinições diferentes que você também pode usar. Olá. Olá. Sem compras. Isso é um programa de cinema. Agora, isso é legal e interessante. Mas o que fica realmente interessante é quando adicionamos um sintetizador portador a isso Então, eu já tenho um padrão configurado para isso. É apenas um padrão em branco no momento. Vou adicionar, vou adicionar um sintetizador, um velho e confiável soro E então talvez vamos desenhar as cordas da pista Então, vou carimbá-los muito rapidamente. Então eu lembro que tivemos uma batida maior nítida por quase duas batidas inteiras, exceto que ela corta logo antes e depois muda para C maior, carimbo maior C. Então temos D menor E então temos Fá maior. Então, agora, isso soa assim. Vou aumentar, acho que está muito baixo. E então vamos atribuir esse sintetizador a uma faixa de mixagem Então, está designado para a faixa 21. Vamos colar o sintetizador portador de vocoder embaixo nosso vocal e talvez aqui também E entrando na faixa do mixer com esse canal destacado, vou renomeá-la para que saibamos o que estamos vendo, operadora Foca E então vamos clicar com o botão direito do mouse nessa pequena seta aqui e dizer cadeia lateral somente nesta faixa. Então, em nosso vocoder, vamos mudar o número do mod para zero e o número da operadora para um Agora, você pode ter mais números aqui, dependendo quantos canais você enviou para esse canal vocal. Mas para nós, é apenas um no momento. Então, em nosso vocoder, temos apenas uma opção E agora nosso vocal deve soar como um robô, mas também tocar esses acordes. Oh, Happi está agora. Sim, e há dias. E podemos brincar com diferentes predefinições e ver o que acontece Não. Sou. Não faça compras no telefone. Será que essa luz apagou uma pedra pesada? Perna Sim, é. Oh, é agora. Sim, está pronto. Nós temos ch down. Vamos agora ficar de pé. Deslize até cada pedra. L. E isso pode ser muito legal se você colocar em camadas com seu vocal original. Então, por exemplo, vamos atribuir isso a uma faixa diferente. Então, agora este não tem vocoder, e este E agora podemos brincar com uma mistura de ambos. Oh, nós temos o dele agora. Ah. Ontem C. Eu cometi um erro muito simples em que acabei mudando as duas amostras vocais. Então, vou arrastar isso de volta para o canal 18. Então, agora está de volta ao nosso canal Vocoder. E com este, eu tenho que torná-lo único para que fique separado deste. Então, vamos agora atribuir essa a uma nova faixa de mixagem, e podemos obter uma mistura de ambas. Oh, nós temos o dele agora. Ontem acabou. Nós temos muito o que fazer. Não vamos ficar sozinhos. Aloe. Agora, faça compras em qualquer lugar. Toda essa luz de uma forte tempestade. Deixe-o ir. Agora, isso parece muito legal. Mas como você está usando um sintetizador portador, ao alterar a predefinição, você mudará o som do vocoder Portanto, também há mais opções com as quais podemos brincar alterando o som do sintetizador Então, por exemplo, entraremos aqui. Vamos pegar talvez algumas chaves, talvez essas chaves de elementos. E agora, se eu pressionar play na playlist, percorrerei algumas predefinições no sintetizador e você ouvirá o som do vocoder mudar Sim. Assustado. Não vamos. Dentro. Deixe pra lá. E, claro, como tudo mais, você pode adicionar processamento adicional, onde talvez adicionemos um pouco de areia usando o modelador de ondas Oh, tenha-o agora. Sim, eles vão. Tivemos muito tempo. Não vamos ficar em A lo. Agora comprando pelo telefone. Carregue essa luz até Emmy Stone. Deixe-me ir. Você Oh, não tem. Sim, hoje é dia, desapareceu. Tivemos muito tempo. Não vamos ficar em casa. 36. Visão geral dos efeitos criativos: Efeitos criativos são essenciais para transformar sons simples em áudio dinâmico, rico e texturizado Isso pode incluir coisas como britadores de bits, amplificadores de gabinete, coro, filtros, flangers, processadores granulares, phasers, efeitos rotativos e talvez modulação LFO. Então, o que vou fazer aqui é dar uma demonstração de alguns dos efeitos legais e criativos que eu tenho. Vou explicar o que são e o que fazem. Analisaremos algumas predefinições para que você possa ouvir o que o plug-in faz E espero que você conheça alguns plug-ins criativos dos quais goste do som e que talvez queira adquirir no futuro Isso não é, oh, veja todos os plugins legais que eu tenho. Eu só quero que alguns de vocês conheçam os nomes de certos plug-ins e o que eles fazem para que, no futuro, se você estiver procurando por um tipo específico de plug-in ou um tipo específico de efeito, saiba o que pesquisar. Se você já é intermediário ou avançado na produção musical, mais do que provável que esses plug-ins sejam algo que você já encontrou antes. Mas se você é iniciante, talvez não tenha ouvido falar de nenhum deles e pode ser benéfico ver o que são e o que fazem Então, para isso, vou repetir uma seção aqui no final com o vocal. E vamos fazer isso sozinho, e vamos percorrer alguns desses efeitos em nosso vocal aqui. Então, aqui está como nosso vocal soa sem nenhum efeito criativo. Mamãe. E o primeiro que adicionaremos é um triturador de bits. Então, eu tenho aquele verão aqui. Agora, esse plug-in específico do Bt fun é realmente gratuito. Faz parte do pacote de efeitos gratuitos MelderPduction. Então, se você estiver interessado, talvez dê uma olhada nisso. Você tem coisas como um analisador, autopan, autotune, esse plugue do britador de bits, reverberação, um compressor, um atraso, todo esse tipo um atraso, todo esse Além disso, há um site muito bom chamado KV OR e eles têm um enorme banco de dados de plug-ins Mas o mais importante é que eles têm um enorme banco de dados de plug-ins gratuitos. Você pode obter alguns plug-ins muito legais e muito interessantes no site de áudio da KVR Mas, por enquanto, voltando a esse triturador de bits. Portanto, um britador de bits basicamente adiciona uma qualidade digital de baixa qualidade ao reduzir a profundidade de bits ou a taxa de amostragem profundidade de bits ou a taxa Então, vamos ouvir como isso soa e examinaremos algumas predefinições Em seguida, temos um amplificador de gabinete. Eles emulam o som de amplificadores de guitarra ou gabinetes de alto-falantes para proporcionar calor Então, vamos experimentar alguns deles . Mamãe, hmm. Depois, temos efeitos de coro, e eles geralmente vêm de graça com a maioria dos softwares, mas vou mostrar um que eu tenho aqui da Melda Eles podem criar largura e profundidade duplicando um som e, em seguida, desajustando ou atrasando ligeiramente as cópias, o Em seguida, vamos dar uma olhada em um plugue de filtro. Um plugue de filtro molda o conteúdo de frequência de um som enfatizando ou cortando faixas de frequência específicas É basicamente como um EQ automatizado. Vamos ouvir. Aí está aí Você pode realmente ver o que está acontecendo com o EQ na tela A seguir, daremos uma olhada em um flanger. Agora, novamente, esse flanger em particular também faz parte do pacote de efeitos livres M. Certo. Um flanger pode adicionar um tipo de movimento metálico e giratório atrasando e modulando A seguir, temos um muito divertido chamado granulizador. Um granulador quebra o som em pequenos pedaços , chamados de grãos, e depois os remonta de maneiras Então, com isso, você pode obter algumas texturas realmente atmosféricas e estranhas, ou você pode obter efeitos de falha. Em seguida, temos um phaser. Então, vamos abrir um plugin phaser. E mais uma vez, eu só quero salientar que o M phaser faz parte do pacote de efeitos gratuitos Um phaser adiciona uma espécie de movimento de varredura modulando a fase Então, temos plug-ins rotativos. Eles emulam o som de um alto-falante giratório. É mais frequentemente usado com teclados ou órgãos elétricos, mas é um efeito muito, muito legal para colocar em vocais, sintetizadores ou Mamãe, hmm. Ah , então temos os plug-ins Unison E analisamos o Unison antes muito rapidamente, quando estávamos editando os parâmetros do sintetizador. Mas aqui, ele faz a mesma coisa. Então, ele basicamente divide um som em vários tipos de vozes do mesmo som e, em seguida, adiciona uma música D para engrossá-la e ampliá-la Eu amo esse plug-in. Isso é incrível para fazer sons meio gordos e cheios. E a próxima coisa a observar seria a modulação LFO ou, neste caso, é algo chamado de wobbler Agora, isso também tem um filtro embutido, e acho que tem alguns outros efeitos como phasers, flangers e Mas não há nada que o impeça de criar o seu próprio, obtendo algo como ferramenta LFO e talvez usando um filtro e talvez um pouco de distorção, e você possa criar seu próprio tipo de efeito de oscilação E pelo que parece , o wobbler também tem uma panorâmica automática embutida, que é apenas um efeito que automatiza a panorâmica da esquerda para a direita Então, essa foi apenas uma demonstração de alguns dos tipos divertidos de plug-ins criativos que existem e que talvez você queira baixar ou comprar no futuro. 37. Cadeias de efeitos: Nesta palestra, examinaremos as cadeias de efeitos, e é aqui que você empilha efeitos diferentes uns sobre os outros nesses espaços individuais Então, primeiro, temos que entender a ordem de uma cadeia de sinais aqui, e é bem simples. O áudio entra no início e depois desce. Portanto, seja qual for a ordem em que você empilha os plug-ins, é a ordem que o som será processado Então, aqui, nosso áudio está chegando em newton, depois está sendo enviado para a imagem E esses são dois plug-ins de ajuste automático. Então, a partir daí, enviamos nosso sinal sintonizado automaticamente para o filtro do amor e, em seguida, enviamos o sinal sintonizado e filtrado automaticamente para Então, essa é uma visão geral simples da cadeia de sinais aqui no FL Studio. Mas o que eu quero fazer é talvez tentar usar os plug-ins padrão do FL Studio e colocá-los em camadas para tentar criar algum tipo de efeito interessante semelhante a esse wobbler Então, me parece que o wobbler está adicionando uma caneta automática Então o som está saltando da esquerda para a direita, assim. Assim. E parece que há uma espécie de filtro lá, talvez um pouco de distorção e eu não sei, talvez um efeito de coro para adicionar alguma testemunha estéreo Então, vamos tentar criar algo muito semelhante ao wobbler usando plugues padrão Então, primeiro de tudo, vou começar com o filtro frutado do amor E vamos tocá-la enquanto ouvimos algumas das predefinições Ok, esse é um efeito muito legal. Então, agora vamos continuar e distorcer esse efeito. Então, estamos pegando esse sinal de processo e agora estamos adicionando distorção a ele Aqui. E então, para fazê-lo saltar da esquerda para a direita, vamos adicionar uma panela automática, que é frutada E então talvez pudéssemos adicionar algo como um refrão para dar um pouco de espessura e largura Então, esses quatro efeitos em camadas criaram algo muito legal, e soa como algo que o wobbler Vamos ver rapidamente o que acontece quando invertemos a ordem desses plug-ins Então, no momento, estamos filtrando o som. Então estamos distorcendo o som filtrado. Em seguida, adicionamos um pouco de panorâmica, uma panorâmica automática ao som filtrado distorcido e, em seguida, adicionamos refrão a tudo isso Mas, por exemplo, em vez de talvez distorcer o som filtrado, poderíamos filtrar o som distorcido Ou, em vez de adicionar refrão à coisa toda, talvez também pudéssemos fazer uma panorâmica automática do refrão Ou podemos filtrar o refrão. Ou podemos distorcer o refrão. Então, como você pode ver, você pode aplicar efeitos em camadas para criar um design de som muito legal. E se você entender o fluxo do sinal, poderá colocar esses efeitos na ordem em que deseja que eles processem o som. 38. Gain Staging e Headroom: Gain staging e headroom são conceitos fundamentais na mixagem e masterização O estágio de ganho adequado garante uma mistura limpa e dinâmica. Nesta palestra, explicaremos como ganhar estágio no FL Studio A razão pela qual ganhamos estágio é principalmente para evitar cortes durante a mistura O recorte é um tipo de distorção digital que ocorre quando seus sinais excedem zero DB Por exemplo, se não ganhamos palco, você sabe, o que quer que esteja no Insert 90, por exemplo, vamos pegar o vocal. Se não ganhássemos o vocal adequadamente, talvez estivesse atingindo um pico de cerca de menos dois E então entramos e adicionamos coisas como EQ, aumentamos cinco DB no tipo de faixa média, e então adicionamos um pouco de compressão e saturação e um pouco de O sinal de áudio então passará de zero dB. E isso é porque você não tinha espaço livre. Portanto, o espaço livre é a diferença entre o tipo de nível de pico dos sinais de áudio, que, neste caso, dizíamos que era -2,5 e zero Portanto, o espaço livre, nesse caso, é de apenas 2,5 decibéis, mas devemos aumentar para menos seis. Agora, o que nos interessa é o sinal de áudio que entra na faixa. Portanto, esse nível de fader está controlando o áudio que sai. Então o áudio entra e é processado aqui com todos os efeitos. Ele passa pela panorâmica pela inversão de fase e pela separação estéreo e por todos esses botões aqui, e então chega ao E esse fader controla o nível de volume de todos os itens acima Então, se talvez ganhássemos o estágio da melodia, estaríamos usando o volume individual do canal, porque isso controla o ganho de entrada Isso controla o nível de áudio que está sendo enviado para o mixer. Então, se eu tocar esse padrão por um segundo. Então, aqui estão nossos dois instrumentos de melodia. O que precisamos fazer é garantir que o master fader esteja definido como zero e que os níveis de fader do que você está ganhando estadiando também estejam definidos como Desative todos os efeitos que você tenha ativado. Além disso, redefina todas as alterações de panorâmica ou volume do canal que você já tenha feito Então, fizemos algumas alterações no volume do canal aqui, então vou apenas redefini-las. E esse também. E vamos solo para o primeiro. E o que procuramos quando clicamos em play é que o sinal não exceda menos seis E, idealmente, também não fique abaixo de -18. Então, esse é o tipo de alcance que estamos procurando. Agora, isso para mim é perfeito. Vamos dar uma olhada no outro instrumento. Ok, então este instrumento está excedendo menos seis por cerca de dois ou três Então, vamos diminuir isso. E agora temos ganhos em colocar o instrumento no Canal 16 para não exceder menos Então, se você ainda não descobriu, este é o estágio em que você precisa garantir que cada instrumento e cada elemento que instrumento e cada elemento que você está usando estejam em seu arranjo Então, todos esses acordes, as três camadas de acordes que estamos usando, as duas camadas de melodia, toda a bateria, o baixo, todos esses efeitos e esses sons extras que adicionamos, e os vocais, todos precisam ser atribuídos a uma faixa de mixagem para que possamos monitorar os níveis de áudio que chegam a essa faixa de mixagem e todos precisam ser atribuídos a uma faixa de mixagem para que possamos monitorar os níveis de áudio que chegam a essa faixa possamos obter resultados com sucesso as duas camadas de melodia, toda a bateria, o baixo, todos esses efeitos e esses sons extras que adicionamos, e os vocais, todos precisam ser atribuídos a uma faixa de mixagem para que possamos monitorar os níveis de áudio que chegam a essa faixa de mixagem e possamos obter resultados com sucesso. Então, novamente, talvez vamos ganhar a base aqui. Então, temos dois instrumentos. Estamos no canal oito e no canal nove. Eu também tenho que redefinir seus volumes de canais. E vou me certificar de que esses níveis de fader sejam redefinidos Parecem redefinidos, mas talvez não estejam . E então clicaremos em Play. E daremos uma olhada nos níveis de áudio que estão chegando. Portanto, para nossa base oito sobre oito, o nível de áudio é um pouco alto. Vamos reduzir isso. E o mesmo vale para o outro instrumento, a camada superior do baixo. Isso também está chegando um pouco quente demais. Então, agora, ambos parecem estar em algum lugar dentro da faixa de menos seis a -18, e nenhum deles está excedendo Vamos ver mais um padrão agora, talvez. A bateria simplesmente adotará esse padrão de bateria. Então, pelo que parece, nosso chute está realmente bom. A armadilha também está bem. Os chapéus também estão bem. E esse instrumento precisa ser reiniciado. Essa é que está perto de ficar bem. Está um pouco acima do nível adequado de ganho e espaço livre são essenciais para uma mistura profissional e limpa Domine esses conceitos e sua faixa estará pronta para brilhar em qualquer ambiente. 39. EQ sem matar a vibração: O EQ é uma das ferramentas mais poderosas na produção musical. Ele molda sua mixagem, equilibra as frequências e garante clareza No entanto, um EQ agressivo ou mal planejado pode tirar a vida do seu caminho Então, nesta palestra, exploraremos como usar o EQ forma eficaz para aprimorar sua mixagem sem matar a vibração Então, em primeiro lugar, o que é EQ? Bem, EQ ou equalização é o processo de ajustar o equilíbrio de diferentes frequências em Assim, podemos limpar a mistura removendo frequências indesejadas ou severas das quais não gostamos e, em seguida, podemos aumentar. Podemos destacar elementos importantes para se adequar ao espaço do Sonic Você também pode usá-lo para aprimorar o caráter da faixa. Então, vou abrir um plugin de EQ por um segundo aqui em nossa amostra vocal que trouxemos no início do curso E estou abrindo o EQ paramétrico frutado dois. Estou tentando manter a maioria dos efeitos que estou usando para manter os plug-ins de caldo de frutas, só para que todos possam acompanhar Então, de qualquer forma, com o EQ, vamos nos concentrar em dois tipos de regras principais, que são cortadas para corrigir e aprimoradas para adicionar personagens Portanto, cortar pode resolver problemas como lama ou caixa. Vamos ver isso em apenas um segundo. E depois, o aumento pode enfatizar os principais elementos ou frequências que adicionam um pouco de clareza ou talvez calor ao som Então, enquanto estamos aqui, vamos dar uma olhada rápida diferentes frequências e no que está associado a cada faixa de frequência. Então, do fundo aqui, 20 até cerca de 60 hertz, temos a região da subbase E isso você sente mais do que ouve, mas é crucial para uma energia de baixo custo. Então, o que você quer cortar dessa faixa é talvez remover, bem, eu suponho, remover todo esse tipo de faixa de frequência de qualquer coisa que não seja um elemento básico, ou seja, base de chute ou qualquer tipo de teclado que você tenha, talvez esteja ocupando essas baixas frequências. Mas, ao contrário, você manterá essas frequências em coisas como sua base ou seu chute. Em seguida, temos de cerca de 60 hertz até 250 hertz. Esse intervalo é conhecido apenas como base. Ele define o tipo de peso e o impacto da pista. Portanto, nessa faixa, você pode cortar coisas como lama e lama geralmente é encontrada entre cerca de 1:50 a 250, mas geralmente acho que Então, você simplesmente pegaria seu parâmetro para cerca de 170 e o retiraria para reduzir a confusão. Mas se o seu som não estiver realmente turvo, esse alcance é ótimo para adicionar força, especialmente à bateria e ao baixo Então temos os médios baixos. Então, são de 250 até cerca de 500. Essa faixa pode adicionar calor, mas pode ser um pouco turva ou um pouco Portanto, o termo boxiness geralmente está associado a cerca de 400 a 500 hertz Então, isso está meio que aqui. E se eu apertar play, talvez eu possa te mostrar um exemplo de como soa quadratura Então, se eu pegar meu parâmetro e aumentar em torno de 400 para 500? Você pode ouvir que o vocal soa como se ela estivesse cantando em uma caixa. Está um pouco abafado. E simplesmente não está muito claro. Mamãe. Então, temos os MDs de cerca de 500 até dois K ou 2 quilohertz Esse intervalo geralmente está associado a um termo conhecido como honky Então, se eu pegar o parâmetro e aumentar essa faixa, espero que você consiga ouvir o tipo de onomatopéia dessa descrição É meio parecido uma buzina ou, se você puder imaginar, o nariz de um palhaço Se você tentasse cantar essa forma sozinho, estaria emitindo muitos tipos de sons. Muito honrado. No entanto, dentro dessa faixa, você pode encontrar um pouco de presença em coisas como vocais e protagonistas Então, na verdade, depende apenas do som e do que você tem em sua mixagem. Então, temos as médias superiores de cerca de dois K, até seis K, que provavelmente estão em algum lugar aqui É aqui que a clareza e a definição vivem. Mas também, nessa faixa, você pode encontrar frequências meio severas em chapéus altos ou talvez alguns sons de sintetizador. Mas, muitas vezes, está associado a um tipo de clareza e presença nos vocais. Então, por exemplo, vou apenas aumentar o tipo de zona de clareza ou a zona atual, que é cerca de cinco K nesta amostra vocal que temos, e você poderá ouvir espero que a amostra vocal fique um pouco mais clara É adicionar um pouco de recorte ou alguns presentes. Não é exatamente como a leveza ou a clareza que obteríamos aqui Mas só um pouco de recorte e alguns presentes. Agora, também nessa faixa de cerca de 2,5, então talvez em algum lugar aqui haja uma espécie de qualidade nasal. Então, se eu apenas tocar e aumentar , você pode ouvir que o som agora está ficando bastante nasal. E isso ocorre especialmente nos vocais. Mãe, ele. Então, normalmente, um corte em torno de 2,5 K em um vocal soa muito bem. Mas, novamente, nem sempre. Depende apenas do seu vocal e da sua mixagem. Então, temos as máximas de seis K até 20 K aqui no topo Este é o seu ar, brilho, brilho, chiado e tipo de sensação de abertura Então, com isso, você pode usá-lo para eliminar um pouco de aspereza, talvez de símbolos ou efeitos, mas também pode adicionar um pouco de brilho aos símbolos ou efeitos Depende apenas do que você quer fazer. Mas em coisas como vocais , pads ou talvez melodias, isso pode adicionar um pouco de ar Então, em nosso vocal aqui, se eu apenas aumentar essa faixa de frequência de cerca de seis K para cima, devemos obter um pouco de leveza ou brilho Mamãe, hmm. E então, se fôssemos equalizar esse vocal, analisaríamos esses dois princípios sobre os quais falei antes do cut and boost Ou, em outras palavras, estamos analisando o EQ subtrativo e aditivo Então, com algo assim que não tem muitos tipos de informações básicas em andamento, vou eliminar a maior parte delas porque não precisamos delas. Então, vou sair dos mínimos em cerca de 150. E isso eliminará esse tipo de peso. É um peso vazio, na verdade. Não é o peso que precisamos, e ele só vai colidir com o chute e o baixo Então eu vou me livrar disso nos vocais e, na verdade, em qualquer outra coisa, você sabe, acordes, melodias, qualquer outra coisa que não seja meio pesada, que nessa faixa provavelmente seria apenas o chute e o baixo que nessa faixa provavelmente seria apenas o chute e o Então, por enquanto, vamos sair dos mínimos. E desculpe, acabei de fazer isso clicando com o botão direito do mouse no parâmetro. Mudando a forma. Assim, você pode alterar a forma dessas bandas individuais. Então eu escolhi uma passagem alta, que literalmente permite que todas as altas frequências passem. Mas o outro tipo de termo para isso seria um corte baixo. Também temos outras formas, obviamente, como, você sabe, um pico, que é o seu tipo de curva em forma de sino ou entalhe, e uma prateleira, que é a configuração dessa faixa de sete , onde você pode ver o tipo de forma em que a forma do EQ sobe para o que parece ser uma colina ou uma Então isso seria uma forma de prateleira. Mas estamos procurando um corte baixo ou um passe alto para eliminar as frequências baixas no final aqui. Então, vou reduzir isso para 150 ish. E você deve ouvir que o tipo de peso vazio foi eliminado desse vocal. Em seguida, vamos pegar outra banda e ajustar o Q ou a largura de banda Então, sabemos agora que elas são chamadas de bandas, e a largura de banda é exatamente o que parece É a largura desse tipo de curva. Então, podemos ajustar isso com o pequeno botão aqui embaixo do nosso Então, se eu apertar as coisas, vamos tentar ser meio cirúrgicos com isso Estamos procurando encontrar frequências que não gostamos e depois retirá-las. Este é o nosso estágio subtrativo ou de corte do EQ. Então, vamos varrer esse vocal. E encontre algumas frequências que não gostamos e retire-as. Então, imediatamente, eu tenho um pouco de caixa Está um pouco abafado, não sou muito fã disso, então vou tirar isso Espero que o vocal tenha um som um pouco mais leve. E então, novamente, podemos pegar outra faixa, ajustar a taca para ficar um pouco mais apertada e vamos varrer Agora, há algum tipo de ressonância aqui da qual eu não sou muito fã Então, eu vou retirar isso também. Ainda não queremos moldar o som. Isso vem a seguir. Então, eu sei que havia algo aqui que meio que não parecia muito bom, mas era mais uma sensação geral de honky boxy. Eu realmente não gostei. Mas, especificamente, havia uma espécie de ressonância em torno dessa faixa aqui E então aqui embaixo estava um pouco abafado. Então, vou continuar com talvez a Banda Três, ajustar isso e vamos dar uma olhada Ah. Então, talvez algo aqui seja um pouco estranho, eu não sei, é duro É meio doloroso, eu acho, nos meus ouvidos. Então, eu vou retirar isso também. E se formos A B agora, deveríamos ter uma voz muito mais limpa. Então, nos livramos desse tipo de sensação abafada. E nós o tornamos um pouco mais claro e um pouco mais leve. Em seguida, vamos fazer um equalizador aditivo. Então, vamos abrir outro EQ. E desta vez, estamos usando uma ampla largura de banda ou uma pista ampla Então, não estamos sendo cirúrgicos, agora estamos sendo meio generalistas, e estamos procurando apenas moldar o som. Então, vamos aumentar as frequências que soam bem e vamos cortar algumas que achamos que não acrescentam nada agradável ao Portanto, não se trata de ser cirúrgico e remover frequências específicas que estão causando problemas. Trata-se apenas de moldar o som. Então, aqui está um pouco confuso. Não sou um grande fã disso. Então, vou tirar isso um pouco. Mas você pode ver que é uma dica ou largura de banda muito mais ampla que estamos usando . Então, vamos continuar. Agora, algo aqui em cima é um pouco duro. Não parece um verdadeiro tipo de leveza. É mais ou menos porque suponho que a amostra seja de baixa fidelidade ou baixa fidelidade, parece que estamos apenas aumentando essa baixa taxa de amostragem ou a baixa profundidade de bits Então, eu poderia cortar um pouco da parte superior das coxas aqui. Então, se lembrarmos das altas frequências de seis K a 20 k, vou cortá-las um pouco. Mas então eu poderia aumentar nossa zona de presença desse vocal. E podemos varrer novamente e simplesmente eliminar um pouco dessa nasalidade. Talvez por aqui. E agora vamos A B. Nós dois seremos A B. Então, eu desligo os dois e ligamos os dois enquanto o vocal estiver tocando. Então, o primeiro é nosso EQ subtrativo Então, estamos apenas adicionando alguns presentes ou um pouco de ar e moldando o som com esse Agora, por um segundo, se colocarmos algo como a base, Oops Então, eu só estou procurando por este no momento. Então, vamos equalizar isso. Vamos abrir nosso equalizador paramétrico E como esse é um elemento básico, essas frequências são boas. Queremos que eles permaneçam no som. Queremos essas frequências porque elas adicionam peso, acrescentam força e meio que aquecem a faixa Essa faixa de frequência é onde a base geralmente deveria estar. É literalmente chamado de base. Portanto, não estamos focados em eliminar nenhum deles. No entanto, pode haver algum tipo de informação inútil aqui Então, como você pode ver, estou aumentando. Os altos e nada está realmente acontecendo. Na verdade, está adicionando um pouco de clique, o que não é nada bom ouvir. Então, vou mudar a forma para o oposto de uma passagem alta, que é uma passagem baixa, ou às vezes seria um corte alto. Mas não precisamos de nada disso aqui em cima. Vou sair das máximas. Não queremos matar todos os altos, mas apenas o tipo de clique inútil do qual eu não sou muito fã E então, novamente, vamos fazer o mesmo processo. Então, vamos restringir nossa fila. Então, instantaneamente, essa área está realmente muito lamacenta. Vou cortar um pouco disso. Vamos novamente com a Banda 3. Não há nada mais que cirurgicamente esteja causando problemas, então vou passar agora para meu EQ aditivo Então, vamos carregar outro EQ. E, neste caso, estamos apenas procurando moldar o som com uma largura. M Então, isso é um pouco confuso. Pode apenas estreitá-lo um pouco e retirar alguns deles. E talvez por ser uma base, pudéssemos dar um pequeno empurrão nesse tipo de área de baixa frequência. Então, vamos AB isso. Então, como esta é minha subbase, ela pode potencialmente colidir com meu bumbo Então, agora vou equalizar minha base contra meu bumbo. Então eu vou solar o chute e vou solar a base. E, novamente, passaremos pelo mesmo processo. Então, com seu bumbo, você abrirá um equalizador paramétrico Você fará um equalizador cirúrgico, retirando algumas frequências de que não gosta com uma espécie de largura de Mas eu vou pular essa etapa por um segundo, então vamos fingir que eu fiz Mas vamos tentar encaixar o baixo e o chute agora Então, vamos tocar os dois ao mesmo tempo, vasculhar e encontrar áreas em que o chute possa estar colidindo com o baixo e , em seguida, tentaremos usar o EQ para fazer com que os dois sons pesados do baixo dois sons pesados do baixo se complementem. Então, vamos ouvir. Opa, eu preciso ver a música. Então eu acho que em algum lugar aqui é onde eles começam a se confrontar. Eles estão meio que ocupando a mesma faixa de frequência agora. Então, se eu estreitar um pouco e tirar um pouco do chute, posso aumentar a verdadeira energia de baixo custo aqui no Kitrm Dê uma boa pancada. E se eu me lembrar do que fiz aqui, aumentei cerca de 75 Hertz e cortei 135 voltando para minha base Eu posso ver, bem, em primeiro lugar, que não estou aumentando nada abaixo de 75, na verdade, exceto por isso, mas talvez eu possa tirar um pouco disso da base para que possamos abrir espaço para o kitrum E então talvez eu pudesse pegar outra banda e tirar um pouco de 135 em algum lugar por aqui. Vou restringir um pouco a fila. Então, agora moldamos a base contra o bumbo e ambos devem se encaixar perfeitamente e se complementar E então você usaria esse mesmo tipo de ideia no resto da sua faixa. Então, já gravamos aqui nossa amostra vocal que trouxemos no início do curso Opa, eu quero repetir isso. Talvez coloque-o lá. Então, nós já equacionamos isso Então, agora o que você gostaria de fazer é equalizar outros elementos. Então, vamos pegar, por exemplo, o piano. Gostaríamos de comparar o piano com o vocal para que ele se encaixasse E então poderíamos comparar a liderança com o piano e o vocal e fazer com que todos se encaixassem E então separamos a camada de chumbo. Então, ao trabalhar com camadas, trataria cada camada como uma espécie de parte de um instrumento. Então, idealmente assim, isolaríamos nosso chumbo e a camada de chumbo, e faremos isso em apenas um segundo, e os igualaremos juntos E depois disso, nós os comparávamos com os outros elementos do resto da faixa, como seu vocal ou seu piano Então, vamos primeiro dar uma olhada rápida nos instrumentos principais aqui. Opa, esse é o baixo. Onde está minha pista? Aqui. Ok, então eu tenho dois instrumentos principais em 15 e 16. Então, vamos soltá-los por um segundo. E, novamente, vou fazer apenas um solo. E agora, muito rapidamente, vou fazer nosso tipo de EQ subtrativo Então, novamente, isso não é um som básico. Eu não quero que haja muita informação acontecendo aqui embaixo, então vou começar do zero. Vamos fazer uma pequena cirurgia. Algo um pouco esquisito lá dentro ou ressonância. Vou tirar isso um pouco, e vamos novamente com a Banda 5. Talvez alguma coisa lá. E acho que havia outro aqui em algum lugar. Meio assobiante. Sim, talvez esteja lá. Então, agora usamos o EQ subtrativo e retiramos algumas dessas frequências desagradáveis Em seguida, você sabe o que fazemos. Abrimos outro e agora estamos adicionando ao som. Então eu acho que esse tipo de área nasal é, na verdade, muito fundamental para o som, então eu vou aumentar isso um pouco. Veja, eu acho que isso é adicionar personalidade. Aqui está plano. E agora acabamos de adicionar esse tipo de nasalidade fundamental do som Acho que não há mais nada aqui em cima. Estou adicionando um pouco de clareza. Não tenho certeza se preciso disso porque sei que tenho outra camada. Então, vou deixar isso por enquanto e vou pegar minha camada. Vou fazer um solo primeiro para que possamos ouvi-la sozinha, você sabe, meio fora de contexto, meio fora de contexto sem mais nada na faixa, só para que possamos fazer nosso equalizador cirúrgico Então, novamente, estou cortando alguns dos mínimos desnecessários, depois vou dar uma olhada muito rapidamente e vou encontrar algumas frequências que são desagradáveis. Um pouco assobiado Isso é muito duro. Provavelmente é só isso. Então, agora vamos carregar nosso segundo EQ. E aqui, vamos voltar para a outra e descobrir onde está o mascaramento e onde podemos complementar a outra camada Então eu sei que eu aumentei isso no outro som, e você pode ouvir aqui imediatamente quando eu o aumento nesta camada também, eles estão se chocando Há um pouco de mascaramento de frequência acontecendo. E isso basicamente significa que você não consegue realmente discernir os dois sons diferentes se unindo Parece meio que uma bagunça ou um borrão. Então, vou retirar essa máscara de frequência para abrir espaço para essa camada E então, talvez porque sabemos que é aqui que o mascaramento de frequência está ocorrendo, poderíamos aumentar algumas outras frequências Talvez em algum lugar aqui. E talvez um pouco mais nas altas frequências de lá. E se agora tentarmos ouvir isso no contexto, então temos nosso gancho vocal. Vamos tocar nossa melodia solo, e espero que meu laptop não fique Novamente, podemos voltar ao nosso vocal e ajustá-lo. Mas acho que não precisamos. estamos cortando essas frequências principais De qualquer forma, estamos cortando essas frequências principais do nosso vocal, que está em algum lugar por aqui. Então, eu não acho que seja necessário. E podemos adicionar Oops, o piano, também, e eu vou silenciar essas camadas porque acho que elas estão fazendo com que meu laptop fique mais lento Então, vou abrir o piano e vamos os cabos e contra o equalizador Agora, há um pouco de calor na parte inferior do piano aqui Não quero reduzir muito porque dá para ouvir que fica um pouco fino. Então, vou manter um pouco desse peso. Talvez em algum lugar lá. E agora fazemos nossa cirurgia. Isso é um pouco ressonante. Vamos pegar a banda quatro. A maioria deles são, na verdade, conotações, então provavelmente estão bem Mas talvez apenas um pequeno corte como esse. E agora vamos ligar nossos outros instrumentos e equalizar o piano contra eles. Então, vamos encontrar áreas em que o piano complementa todo o resto. Então aqui está o conflito com a melodia e aqui está meio que colidindo Então, eu poderia tirar um pouco disso. Talvez impulsione aqui e talvez impulsione. Algo aqui só para cortar ou morder. E esse é o processo que você faria com toda a sua faixa. Então eu sei que com nosso piano, temos duas camadas. Por exemplo, digamos que sejam esses dois, faríamos um solo de piano. Bem, primeiro, soltaríamos uma das camadas e fazíamos nosso equalizador cirúrgico, sozinhos, fazíamos um equalizador cirúrgico E então fazíamos nosso aditivo ou modelagem contra as duas camadas, e então fazíamos alguma modelagem aditiva com o piano ligado E então faríamos, novamente, algumas modelagens aditivas com todos os outros elementos ativados e assim por diante Você quer ter certeza de que está cortando baixas frequências de elementos que não precisam delas, coisas como sinth ou seus vocais, ou até mesmo suas palmas, seu chapéu, sua armadilha Eles também não escapam disso. Não há muita informação de baixa frequência em um piscar de olhos. Portanto, você também aplicaria um corte alto ou baixo em suas amostras de bateria. E então, com coisas como o chute ou o baixo, você está fazendo o oposto, em vez disso , pode emitir algumas das altas frequências, mantendo essas frequências baixas lá dentro Então, EQ, como você pode ver, é realmente uma espécie de ato de equilíbrio entre clareza e caráter Você pode criar misturas limpas, dinâmicas e cheias de vida. Lembre-se sempre de que o EQ é uma ferramenta para melhorar a vibração. Não existe para dominá-lo . Portanto, seja sutil. Portanto, mantenha-o sutil, com propósito e suas faixas sempre brilharão 40. Compressão para beats: Então, agora vamos analisar a compressão. A compressão é uma ferramenta essencial em qualquer produção musical para controlar a dinâmica. Então, primeiro, vamos abrir um compressor e dar uma olhada em alguns de seus parâmetros. Então, vamos abrir um compressor aqui no piano, que está no Canal 13, e eu vou carregar o compressor. Então, agora com isso, vamos dar uma olhada nos parâmetros. Primeiro, temos o ganho de entrada, é quanto volume está entrando no compressor. O ganho de saída ou o que é chamado ganho de composição é quanto volume está saindo do compressor. O tempo de ataque é a rapidez com que o compressor é ligado. O lançamento é o oposto. É a rapidez com que o compressor é desligado. O limite é o nível de áudio no qual a compressão começa e a proporção é a quantidade de compressão que está realmente sendo aplicada Sei que também temos um botão RMS aqui, mas isso na verdade não tem nada a ver com compressão Isso tem a ver apenas com o gráfico visual aqui embaixo. Portanto, não precisamos nos preocupar com isso. E depois temos o joelho. Isso controla a suavidade da curva de compressão. Então, no momento, é um joelho duro. Então, quando o nível de áudio atinge esse limite, o compressor praticamente começa a compactar Mas podemos ajustar o joelho para ficar macio para torná-lo talvez mais suave ou linear, por exemplo, para tentar suavizar o som Ok, só um corte rápido aqui. Eu comprimi o piano, mas meu laptop não aguentou Eu não sei por quê. Então, eu vou fazer isso de novo aqui. Eu tenho meu compressor M aberto. Estou no meu canal de piano. Então, agora vamos usar os parâmetros que acabamos de ver para compactar o piano Então, primeiro de tudo, o piano é um instrumento acústico e é bastante suave, vou definir minha proporção em talvez três Eu não quero ser muito agressivo com isso. Vou reduzir meu limite para atingir onde esse nível de volume está chegando Agora, você pode ouvir a compressão lá. Está começando a meio que esmagar o piano. Se eu reduzir totalmente esse limite, você poderá ouvir como realmente soa a compressão pesada Soará como se o piano estivesse meio amassado, ou você terá uma espécie de efeito de bombeamento Isso é uma supercompressão extrema. O piano está bombando. Então, só queremos ser um pouco mais sutis com isso. E, novamente, vou ajustar o joelho e você verá instantaneamente que um joelho macio realmente ajudará a eliminar parte desse efeito de bombeamento Isso só torna tudo um pouco menos óbvio, e a palavra que gostamos de usar é mais transparente. Então eu acho que é um pouco demais. Vou ajustar o limite novamente. Em termos de tempo de ataque , como o piano tem um som bastante fraco ou seria descrito como difícil, ele tem uma transitoriedade meio nítida no início de Então, vou deixar alguns deles transitórios usando o ataque E então vou fazer com que pareça um pouco mais suave aumentando o lançamento para cerca de 100 e um ataque de 50 Então, espero que agora tenhamos um piano bem comprimido, mas também seja meio transparente e faça com que soe um pouco mais suave Deixe-me apenas A B disso. Essa é uma diferença mais sutil. E então podemos ver nosso medidor de redução de ganho. Então, está lendo talvez menos três a menos quatro. Então, isso basicamente significa que estamos reduzindo o ganho do piano nessa quantidade de decibéis Então, eu quero usar meu ganho de produção ou maquiagem para compensar essa redução de ganho. Então, opa. Isso é demais. Talvez cerca de -3,5. E agora comprimimos o piano com sucesso. Agora, enquanto ainda estamos nessa seção, vou explicar a compressão com cola e a compressão multibanda pouco antes voltarmos para o outro vídeo Então, para compressão de cola, vamos pegar, por exemplo, duas das camadas. Então, essas são as duas camadas da melodia. Mas com a compressão de cola, é basicamente um grupo. Você vai comprimir um grupo ao mesmo tempo para colá-los ou misturá-los. Você pode fazer isso em coisas como camadas. Então, por exemplo, nossa camada de melodia aqui. Também poderíamos fazer isso com os acordes. Poderíamos ter compressão de cola em todos os acordes. Então, usamos nosso piano e talvez nossas duas camadas de piano. Você pode usar compressão de cola na bateria, em todos os vocais, nos vocais e nos acordes Você pode fazer isso em toda a faixa no canal principal. Mas, por enquanto, vamos fazer isso apenas com essas duas camadas de melodia Então, deixe-me abrir meu padrão de melodia. Então, para isso, estamos procurando criar um barramento, e um barramento está basicamente usando um desses canais como um grupo. Então, vamos enviar o sinal de áudio da Pg dois e do soro número seis Vamos enviar o sinal de áudio para fora e para baixo para qualquer canal que quisermos. Então, vamos pegar o canal 50 e renomeá-lo como Melody Bus, então vou pegar Praga 2 E o que eu quero fazer é enraizá-lo apenas nessa faixa. Porque eu não quero que o prog two seja enviado para meu ônibus e para o master ao mesmo tempo, porque isso vai dobrar o sinal Eu não quero dobrar o sinal. Eu só quero enraizar o sinal aqui, até o meu ônibus. E então, do ônibus, que combina o sinal das minhas duas camadas de melodia, então isso será enviado para o mestre Então, vamos pegar nossa outra camada e vamos enraizar novamente somente nesta faixa. E você verá que ele deixa de ser enviado ao mestre. E, em vez disso, começa a ser enviado para cá. Então, agora, essas duas camadas estão passando por esse ônibus. E posso verificar se, quando clico em Play e silencio o ônibus, não ouço nada Agora eu sei que esses dois sinais aqui embaixo estão sendo enraizados apenas através deste canal 50, esse barramento melódico Para fazer um pouco de compressão com cola, vamos comprimir os dois sinais, as duas camadas ao mesmo tempo Então, vamos abrir nosso compressor. E o que estamos procurando aqui é uma compressão sutil para colar os elementos, por isso é chamada de compressão de cola. Então, o que vamos fazer é definir nosso limite de ajuste abaixo de onde nosso nível de volume está chegando Nada extremo. Estamos tentando ser muito sutis. Vamos usar uma proporção bem baixa. 1.8 é realmente bom, mas eu poderia definir o meu em dois. Vamos mudar o ataque para cerca de 30 apenas para deixar alguns dos transientes passarem Então, vamos definir nosso lançamento em cerca de 1:50. Queremos que isso seja bem suave e crie um desfoque ou uma mistura E então definiríamos o ganho de maquiagem para corresponder a qualquer que seja a redução do ganho. Então, aqui, provavelmente é cerca de menos um ou menos dois, então eu vou mais Agora, esse será um efeito muito sutil. Mas é só colar esses dois elementos separados e fazer com que pareçam um elemento ou um instrumento. Agora, vamos analisar rapidamente a compressão multibanda. Isso funciona muito bem em canais de ônibus, mas funciona principalmente melhor para sons que têm uma ampla faixa de frequência. Nossa melodia aqui é bem fina. Não é se eu simplesmente abrir um equalizador por um segundo, você pode ver que a faixa é principalmente a principal frequência fundamental desse som ou que essas duas camadas estão entre, eu suponho, 500 e talvez seis K. Essa é eu suponho, 500 e uma faixa bem pequena, ao passo que se tomarmos, por exemplo, talvez o piano, que está Eu apenas os silencio por um segundo. Podemos ver que o alcance é muito maior. Talvez seja de 50 a cinco K. Nós o reduzimos um pouco com nosso Mas se talvez pegássemos uma ou duas dessas camadas. Então, vou pegar este porque sei que esse está realmente causando pânico na minha CPU. Mas se pegarmos essa camada e fingirmos que essas são as únicas camadas em nossas cordas, vamos enraizá-las em um novo ônibus, talvez ao lado do barramento melódico aqui, vamos renomeá-la rapidamente para cordas e vamos pegar nosso piano e enraizar apenas essa vamos pegar nosso piano e enraizar E também vamos usar nossa camada e raiz de acordes para essa faixa E então vamos abrir um compressor multibanda. Então eu tenho, você sabe, versões diferentes dessas, mas o FL Studio vem com uma. Então, vamos abrir o Maximus. E aqui, se você ainda não adivinhou um compressor multibanda é como compressão e EQ meio Assim, você pode compactar as baixas frequências e configurá-las onde precisar Você pode compactar os baixos, os médios e os máximos separadamente um E é por isso que funciona melhor em sons que têm uma ampla faixa de frequência. Portanto, não faz sentido comprimir multibanda um som que está ocupando apenas essa parte da faixa de frequência Mas, por exemplo, se usarmos nossa camada de piano e acordes aqui, se eu abrir novamente, um EQ só para dar uma olhada na faixa de frequência Estamos indo de cerca de 50, ainda mais agora, provavelmente estamos subindo para cerca de seis K. Então, temos uma faixa bem grande lá Portanto, usar a compressão multibanda como nossa compressão de cola provavelmente funcionará muito bem Agora, você não precisa usar compressão multibanda em canais de barramento Eu gosto, mas você pode simplesmente inseri-lo sozinho no piano ou nos acordes sozinhos Ele pode ser usado para realmente engrossar um som. Mas, por exemplo, vamos usá-lo apenas como compressão de cola aqui. E isso nos permitirá ficar um pouco mais focados em cada uma das frequências individuais. Agora, eu também quero dizer que com Maximus, temos três. Temos as bandas de baixa, média e alta frequência. Mas com alguns outros compressores multibanda, você obtém mais ou alguns deles permitem que você coloque quantos quiser . Vou ver quantas. Se eu ampliar essa dinâmica multibanda, por um segundo, abrirei uma predefinição Com isso, temos uma, duas, três ou cinco bandas diferentes. E eu não sei. Podemos adicionar? Temos seis. Temos seis bandas que podemos usar neste compressor multibanda Mas eu não estou focado nisso por enquanto. Estou pensando em usar os plug-ins padrão do FL Studio, então vamos dar uma olhada no Maximus E o Maximus é, na verdade , um plug-in muito, muito poderoso Então, vamos usá-lo agora. Vamos isolar nossas baixas frequências para definir nosso tipo de faixa para as baixas frequências. Então, estamos meio que indo para o meio. Talvez em algum lugar aqui. Vamos definir nossas frequências médias. Acho que quando eu clicar, vai mudar para máximos. Vamos apenas definir os máximos. Talvez em algum lugar lá, e essa também é a nossa média definida por padrão Então, agora, com seu pré aqui, esse é o seu ganho de entrada. Ou com o Maximus, você também pode arrastar o tipo real de bloco de frequência, suponho, para cima e para baixo. Mas vou deixar esse reset por enquanto. Vamos apenas desenhar nossa compressão aqui. Então, você realmente não pode ver isso. Então, vamos ao médico por um segundo. Então você pode ver o sinal chegando lá. Definimos nosso limite com o botão direito do mouse nessa linha Então, se eu clicar com o botão direito aqui, esse é um limite bastante alto O sinal nem está atingindo isso. Mas se eu baixar o limite, agora estamos captando esse sinal e podemos arrastá-lo para cima ou para baixo para alterar nossa proporção Então, vamos arrastá-lo para baixo. É um tipo real de representação visual do que realmente está acontecendo com o sinal. Então você pode ver os volumes do sinal chegando assim, e então o compressor está retirando parte desse volume quando atinge esse limite Então essa seria uma proporção muito alta, talvez de 100 para um tipo de limitação. Então, estamos apenas tentando comprimi-lo um pouco. E então, se mudarmos para a visualização do monitor, o roxo é o que o sinal costumava ser. Então, se eu demonstrar isso também, isso é o que o sinal costumava ser, e o branco é o que é agora. Então, vamos comprimir isso levemente. Talvez algo parecido com isso. Com o roxo, provavelmente não estamos perdendo muito, talvez apenas um ou dois decibéis Então você ajusta nosso ganho de maquiagem para cerca de um, talvez 1,3. Faremos o mesmo com os pontos baixos. E se você não consegue ver o sinal chegando, provavelmente precisará ajustar o ganho de entrada. Então, eu posso ver isso um pouco lá agora. Monitor, provavelmente estamos perdendo talvez novamente, algo como dois ou 3 decibéis Então, vamos ajustar isso. Talvez dois, e vamos para as máximas. Novamente, não estou recebendo muito sinal aqui. Agora, você não quer insistir muito nisso. De qualquer forma, provavelmente não há informações suficientes lá em cima. Eu só quero ver um pouco do sinal. Então, agora usamos esse compressor multibanda e também podemos compactar o geral Então, fizemos cada banda separadamente. Vamos comprimir muito rapidamente, com muita leveza. No geral, devemos ter um sinal comprimido agora usando compressão multibanda no canal do barramento Agora, meu ganho de entrada foi definitivamente um pouco extremo. Eu só queria mostrar o processo de uso do Maximus. Mas esse ganho de entrada provavelmente é um pouco demais, e a razão pela qual não recebemos tanto sinal foi porque não há muita informação qualquer forma, não há muita informação nessas baixas frequências. Então, eu ainda gostaria de aumentar um pouco, mas o que eu fiz foi demais. E você pode ouvir que no som geral estava ficando um pouco básico demais Mas, por enquanto, isso é apenas uma demonstração da compressão com cola e de como usar a compressão multibanda Você quer realmente tratar cada banda como seu próprio compressor. Então, obviamente, você não está pensando no som como um todo, mas está pensando nas baixas frequências como seu próprio som. Você está pensando nos médios como seu próprio som e nos agudos como seu próprio Você pode pensar nisso da mesma forma que você pode pensar neles como camadas. Então você tem uma camada baixa, uma camada média, uma camada alta e, em seguida, no seu mestre aqui, você tem seu ônibus, onde você envia todas as camadas individuais e elas se juntam aqui, e você pode comprimi-las todas juntas Por enquanto, acho que vamos voltar para o outro vídeo e dar uma olhada na bateria e na compressão de base. Então, para demonstrar talvez o uso do tempo de ataque, vamos dar uma olhada na armadilha dessa faixa Então, isso está no canal dois ou no mixer faixa dois. Portanto, é uma armadilha bem rápida. Vamos carregar nosso compressor. E vamos reduzir o limite para pouco abaixo de onde o nível do volume está sendo lido Então, talvez logo abaixo dessa linha branca. E se eu insistir muito nisso por um segundo , podemos realmente ouvir o que está fazendo. Se eu diminuir o tempo de ataque, ele captará aquele transiente no início do som Então você pode ver aqui que o nível de volume no início da caixa é bastante alto Mas no resto da caixa, o nível do volume é um pouco menor Então, se ajustarmos o tempo de ataque muito rápido, o compressor pensará que esse é o nível que queremos comprimir e o usará para esmagar toda a armadilha Então, esse som de armadilha agora está reduzido. Mas ainda podemos manter essa compressão pesada, mas diga ao compressor que não quero que você ligue aqui no início. Eu quero que você ligue talvez aqui ajustando o tempo de ataque E você pode ouvir o estalar daquela armadilha começando a aparecer O tempo de lançamento é muito bom aqui. Não é muito longo e não é muito rápido. Então eu acho que um tempo de lançamento de 50 milissegundos é perfeito. E agora podemos ir em frente e ajustar o ganho de maquiagem. Então, vou ajustar o limite novamente porque mudamos o som Então, agora estamos reduzindo em cerca de menos quatro. Vamos aumentar isso para quatro. E usando isso, criamos uma caixa sonora rápida, mas comprimida . Então, talvez, por exemplo, com o bumbo, provavelmente vamos comprimi-lo para dar soco em vez de estalar Então, o que estamos procurando aqui é, bem, antes de tudo, temos que ter certeza de que nosso limite está definido corretamente Uma proporção pode ser de cerca de quatro ou mais, dependendo. Vamos definir o nosso em quatro por enquanto. O ataque, novamente, como o início do kikrum é um pouco transitório, não queremos comprimir o som da batida do kiktrum não queremos comprimir som da batida do Então, vamos permitir que parte disso passe. Tempo de lançamento novamente, 50 milissegundos é perfeito. E podemos aumentar nosso ganho de maquiagem em, novamente, cerca de 3,5. E agora devemos ter um kiktrm forte. Então, para coisas como um oito sobre oito. Então, vamos abrir nossa base oito sobre oito. Mamãe. Vou simplesmente deletar qualquer compressão que eu já tinha lá. Vamos abrir nosso compressor novamente. Então, com isso, como há muita energia acontecendo na faixa subbásica ou com essas frequências baixas, nós realmente queremos controlá-las para que elas não saiam do controle e não dominem a Então, geralmente, com uma sub-base como essa, eu definiria a proporção em cerca de sete ou oito para realmente controlar essa base M Eu também definiria o tempo de lançamento para ser um pouco mais longo, para que soasse um pouco mais suave E então podemos ajustar nossa saída para corresponder. E agora temos uma base oito sobre direita com som mais suave que Para tipos como a camada base oito sobre oito. Então, esse cara aqui. Não há muita informação de baixa frequência nisso. Então, provavelmente não precisamos comprimir em, você sabe, uma proporção de sete para um e oito para um Uma proporção padrão de talvez quatro para um será suficiente. Em seguida, se observarmos alguma compressão vocal muito rapidamente. Então, aqui está nossa voz. Vou repetir isso. Vamos abri-lo no Canal Seis. Desculpe. Eu preciso estar no Song View. Vou silenciar o filtro do amor por um minuto. E, novamente, exclua qualquer compressão que eu tinha lá. Então, os vocais são bastante dinâmicos. Eles têm muita faixa dinâmica. Você sabe, dependendo da expressão do artista que está se apresentando. Quando você está cantando, fazendo rap ou qualquer outra coisa, o artista terá muitas inflexões e faixas dinâmicas diferentes em E você pode ver isso na forma de onda. Há partes muito silenciosas, como, você sabe, sons respiratórios e coisas assim. E você pode ver aqui que ela fala alto, e então ela meio que diminui o volume. Há alguns transientes lá dentro, como se esse transiente aqui fosse enorme em comparação com o volume real da forma de onda Portanto, os vocais são bastante dinâmicos e, por isso, precisam de um pouco de controle extra Isso significa ajustar o compressor para talvez uma proporção de quatro. O tempo de ataque não é tão importante. Não há muitos sons transitórios estridentes em uma Portanto, um tempo de ataque de dez milissegundos é realmente perfeito Queremos que o compressor seja acionado bem rápido, mas não tão rápido que seja óbvio o que está fazendo com o som. tempo de lançamento pode variar se você quiser que soe um pouco mais suave 50 milissegundos seriam bastante naturais. E então, às vezes, um rápido tempo de lançamento também pode parecer um pouco óbvio. Então, eu normalmente definia os vocais em cerca de 50 milissegundos, o que era definido por padrão E então ajustaremos o limite. O que, na verdade, pode ser bom. E ajustaremos nosso ganho de saída. Agora, estamos reduzindo em talvez menos três. Então, vou adicionar um pouco de ganho de maquiagem. E agora nosso vocal foi comprimido. É muito sutil. Mas está apenas controlando essas dinâmicas no vocal. Dois erros a serem observados são a compressão excessiva. Isso pode simplesmente matar sua dinâmica ou matar a energia em sua pista. Portanto, você quer ter certeza de que não está usando uma proporção muito alta. Então, vamos abrir esse compressor. Sua proporção não está muito alta. É, você sabe, talvez uma média de quatro seja para um ou menos que só supere isso quando você realmente precisa controlar o som. Você também quer ter certeza de que seu limite não está muito baixo Portanto, onde quer que o volume do áudio esteja chegando, geralmente você define o limite um pouco abaixo disso Além disso, preste atenção apenas ao ataque e aos horários de lançamento. Quanto mais longa a liberação, mais suave é o som, você sabe, quanto mais curto, mais rápido o compressor é desligado, e seu som de ataque é muito importante para sons transitórios nítidos ou estridentes, como armadilhas, chutes, chapéus altos ou, você sabe, sons meio ousados, como talvez um piano ou um sintetizador corajoso talvez E por último, e o mais importante, você não precisa de compressão em todas as faixas Isso é algo sobre o qual eu vejo muitos tutoriais falarem não apenas sobre a criação de batidas , mas sobre qualquer coisa, na verdade, qualquer tipo Eles dizem: Oh, você precisa de compressão em todos os canais, e você tem que comprimir isso e aquilo e comprimir assim Não é um compressor não é algo que você precisa colocar em todos os canais E, de fato, na música eletrônica, muitos sons de sintetizadores, de qualquer forma, eles não têm muita faixa dinâmica Portanto, não há necessidade de um compressor. O compressor é uma ferramenta para controlar a faixa dinâmica. Ele pode adicionar ou retirar o soco, eu posso adicionar ou tirar o estalo. Ele pode suavizar os sons ou, você sabe, controlar as diferenças de volumes em uma performance vocal entre as partes altas e suaves Você pode usá-lo para tornar os vocais mais íntimos, onde você pode ouvir cada pequeno tipo de batida labial e som onde você pode ouvir cada pequeno tipo de respiração Ou se você não gosta disso, pode fazer o oposto. Na verdade, não é essencial adicionar gordura à faixa. Ou calor ou algo parecido. Você vê muitos desses tutoriais dizendo: Ah, se você quer que seu trato fique realmente gordo e quer que seu chute e sua base batam com muita força, use compressão Você precisa usar a compressão. Os compressores não são realmente usados para isso. E, de fato, se você quisesse esse efeito, teria que fazer uma compressão bem pesada, talvez uma compressão paralela pesada ou algo parecido. Para obter um som realmente gordo, você precisa usar algo chamado saturação e distorção harmônica, mas veremos isso em algumas palestras Por enquanto, estamos usando apenas compressores como controle dinâmico Então, para adicionar força, adicionar um pouco de estalo, como eu disse, para suavizar as apresentações vocais, é uma ferramenta usada para esculpir o som, sem usá-lo demais para tentar torná-lo E geralmente é aí que os produtores erram e acabam realmente comprimindo demais e fazendo com que o som seja reduzido Eles querem fazer com que a faixa soe mais gorda e, para isso, precisam comprimir muito, e então acabam simplesmente esmagando Portanto, a conclusão é que um compressor é uma ferramenta e você não precisa usá-lo em todos os canais Basta usá-lo onde for necessário para controlar a faixa dinâmica. 41. 808s: faça eles estourar: Criar oito sobre oito que batam sem sobrecarregar a mistura é fundamental na E o que eu quero dizer com oito oh oito aqui é o chute e a base juntos. Podemos fazer isso com uma técnica chamada compressão de cadeia lateral. A compressão da cadeia lateral reduz temporariamente o volume de um som quando outro som é reproduzido. Então, com isso, podemos permitir que o chute brilhe através da base direita e direita e crie uma extremidade baixa clara e impactante Então, isso é muito simples. Vou tocar nossa bateria solo, vou tocar nossa base e vou tocá-los em loop. E em nossa faixa de mixagem, eu vou soltar tudo para que possamos ouvi-las. Desculpe, eu deveria estar vendo a música. E só estamos interessados no chute aqui e no baixo. Agora, no momento, os dois estão tocando ao mesmo tempo e provavelmente estão se chocando porque ambos estão absorvendo frequências no tipo de faixa subbásica de baixa frequência Mas podemos usar o chute para fazer a base cair toda vez que o chute for executado. Então, vamos vincular nosso chute à nossa base, mas desta vez, vamos nos afastar dessa pista. Então, em nosso canal base, vamos trazer o limitador de frutas. Porque podemos usar isso como um compressor para criar alguma compressão de corrente lateral. Então, estamos interessados no lado da compressão , não na limitação. Em nosso menu de cadeia lateral, vamos definir isso como um, e isso funciona como seu codificador de voz, onde você pode ter vários canais diferentes vinculados à sua base oito e oito, e isso pode dizer um, dois, três, quatro, cinco, mas para nós, temos apenas um canal Então, para nós, só precisamos definir esse menu da cadeia lateral como um. Então, com isso, o limite dirá ao compressor quando abaixar a base A proporção dirá ao compressor quanto canalizar a base. Seu ataque é a rapidez com que a base deve se esquivar. Então, geralmente, isso deve ser definido o mais baixo possível. Você quer que a base se abaixe imediatamente quando o chute E então, geralmente, ajustávamos a liberação para tentar combinar com o formato daquele bumbo. Então, vamos definir nossa proporção em cerca de quatro para um. Você pode vê-lo no canto superior esquerdo da tela. E clicaremos em reproduzir e ajustaremos o limite à medida que estiver sendo reproduzido Então, se você quiser se esquivar mais, podemos aumentar a proporção. Mas acho que quatro para um foi realmente muito bom. Você pode soltar rapidamente para que o compressor se desligue novamente muito rapidamente. Ou podemos configurá-lo e o que eu recomendo é tentar capturar o chute inteiro. Então, talvez em algum lugar lá. Também podemos usar o limite para fazê-lo descer ainda Então, agora você sempre pode ter certeza de que seu bumbo cortará a base e criará aquele efeito de batida que todo mundo está procurando Vamos aplicá-lo à nossa camada base. Então, vamos pegar nosso chute, amarrá-lo lateralmente até nossa camada base, entrar na camada base, carregar o limitador de frutas, entrar na seção de compressão e ajustá-lo para E, novamente, talvez uma proporção similar de quatro seja para um. E veremos como isso soa. Ah. E não é só com o baixo que eu recomendo usar o encadeamento lateral Na verdade, eu colocaria praticamente tudo no bumbo. Algumas coisas são mais leves do que outras, como eu amarrar o chute lateral aos chapéus, mas eu faria isso de forma muito mais sutil E eu também colocaria o chute de lado , bem, em quase todos os elementos. Então, a melodia, as teclas, as almofadas, qualquer outra coisa que possa atrapalhar o chute Por exemplo, se pegarmos nossa melodia, tomaremos a melodia no canal 15 Então, temos nosso chute. Vamos transferir isso para o Canal 15. E, novamente, colocaremos nosso limitador na seção de compressão, cadeia lateral um, com uma proporção inicial de cerca de quatro, e ajustaremos o limite Então você pode ver que o chute agora está fazendo com que o chumbo se esconda por baixo Então, podemos adicionar novamente em nossa base. E você pode ver que o chute está realmente funcionando. Ah. Você também pode usar corrente lateral para outros fins. Por exemplo, você pode adicionar reverberação ao seu vocal e seguida, colocar a reverberação em cadeia lateral ao vocal para que, toda vez que o vocal chegar, esse reverberação diminua um pouco, o que faz com que o E então, quando o vocal para de tocar, o nível de reverberação volta a subir e você obtém uma bela cauda longa de reverberação sem apagar o som do Portanto, conecte todos os instrumentos e o baixo ao seu bumbo. Isso permite que ele corte a pista e crie esse efeito de batida 42. Saturação e distorção harmônica: Ok, agora estamos analisando saturação e a distorção harmônica Esse é o segredo da gordura, do calor e da coragem. Então, vamos adicionar um pouco de saturação e distorção harmônica a vários elementos Vamos começar com a base direita sobre a direita. Adicionar saturação à base oito sobre oito adicionará, na verdade, harmônicos extras, que ajuda a melhorar a presença e torná-la audível no alto-falante do telefone ou em pequenos fones de ouvido de baixa qualidade. E, basicamente, tudo o que vamos fazer é abrir o modelador de ondas E vamos dobrá-lo para cima. Podemos ser bastante agressivos com um baixo oito contra oito. Agora, é claro, isso faz com que fique mais alto. Mas você descobrirá que, ao abaixá-lo novamente, há harmônicos extras, que pode ajudá-lo a ser audível em alto-falantes pequenos Podemos fazer a mesma coisa com o bumbo. Então, vou abrir meu padrão de bateria. E se apenas soltarmos o chute, vamos abrir o modelador de ondas e dar a ele um pouco E dê um pouco de saturação. E então eu descubro em coisas como os chapéus altos e a armadilha que adicionar alguma distorção harmônica pode fazê-los brilhar ou adicionar um pouco de Então, estamos procurando o excesso de sangue aqui. E faremos a mesma coisa com nosso aplauso ou laço, neste caso Veja como ele está adicionando mais ruído ou altas frequências. Então, aqui está o antes e o depois. É uma armadilha gorda Com algo como nossas melodias, podemos adicionar um pouco de coragem ou calor. Então, eles estão nos canais 15 e 16. Vamos dar uma olhada em 15 por enquanto. Então, novamente, podemos simplesmente arrastar essa curva do modelador de onda para cima. Mas, como acho que vimos antes, também podemos desenhar em formas diferentes. E talvez façamos a mesma coisa nessa camada. Então, estou adicionando uma saturação um pouco mais agressiva fazendo com que a curva aumente um pouco Então, agora, se ouvirmos no contexto, temos um som principal saturado, um oito sobre oito bem saturado E nosso laço e nosso chapéu também estão saturados. Então, no contexto, isso soa assim. Desculpe, eu estou sempre fazendo aquela visualização de música. Então, tentando ignorar os volumes ruins porque ainda não mixamos os níveis do fader, espero que você possa ouvir como o som é muito mais intenso. Vou apenas tentar fazer um AB. Mamãe. E a saturação também pode ser bem legal nos vocais Também há plug-ins de saturação multibanda. Portanto, lembre-se de que, antes, com o compressor multibanda, podemos compactar diferentes faixas de frequência Podemos fazer a mesma coisa com um saturador multibanda para saturação Então, talvez pudéssemos saturar muito as baixas frequências. Talvez os médios um pouco e os altos, muito para dar um pouco de brilho No entanto, você não quer saturar muito. Não é a resposta para tentar engordar sua pista. Definitivamente, você deve usar camadas adequadas, mas quando se trata de coisas como chapéus, palmas, base oito e oito e, você sabe, cabos sintetizados e talvez cordões sintetizados, eu definitivamente acho que a saturação é mas quando se trata de coisas como chapéus, palmas, base oito e oito e, você sabe, cabos sintetizados e talvez cordões sintetizados, eu definitivamente acho que a saturação é uma ferramenta incrível para adicionar gordura. modelador de ondas frutado é um tipo adequado de saturador, enquanto o excesso de sangue, para mim, soa mais para mim, Então, eu costumo usar blood overdrive na minha bateria e no modelador de ondas e depois nos Mas existem muitos outros plug-ins de saturação por aí, e todos eles permitem que você obtenha esse som gordo Um dos mais famosos é o OTT, mas isso significa exagero, e é isso que ele faz. É uma saturação exagerada. No FL Studio, algumas pessoas usam o purificador de som como saturador Mas isso não é um saturador. Na verdade, isso é compressão multibanda. Você pode realmente ver isso em Maximus, o que ele está fazendo. Sim, lá embaixo, predefinições de som do Goodiser, A, B, CD Então, quando você está usando o sound goodeiser, na verdade você está usando apenas o Maximus, e é para isso que o Maximus está É mais como saturação com uma compressão multibanda pesada Sound Godeiser Algumas pessoas riem dos produtores que usam o sound Goodiser e, você sabe, eles meio Mas acho que tudo se resume ao que parece. Se isso soa bem, é bom. Apenas tome cuidado com o som Godeiser porque ele é muito pesado e tem uma compressão multibanda bastante pesada Então, ele vai esmagar o som e mudar a forma desse som 43. Reverb e delay: Reverberação e atraso são ferramentas essenciais para criar profundidade, espaço e ritmo ao criar batidas Portanto, a reverberação pode adicionar espaço a um som simulando um ambiente como uma sala ou um salão, e pode criar uma sensação de profundidade ao empurrar os sons para trás na mixagem ou adicionar O atraso então repete os sinais de áudio em intervalos, criando um ritmo ou uma sensação de eco O atraso pode adicionar ranhura, eu posso preencher espaços vazios ou talvez destacar áreas específicas da pista Ao usar reverberação e atraso, veremos algo chamado enviar faixas Vou pegar um inserto vazio, uma faixa de mixagem vazia e vou descer até o fundo, Dock two, gosto de encaixar a minha à direita, mas você pode encaixar a sua à esquerda, se quiser. Só não os encaixe no meio, pois isso os manterá aqui no meio da batedeira. Vou encaixar dois, um para reverberação e outro para delay. Vamos renomeá-los. Reverberação. E deite. E agora, é bem simples de usar. Vamos abrir um plugin de reverberação. Então, vou ficar com os plugues padrão, e talvez escolhamos uma predefinição aqui, um grande salão Nós viremos e tocaremos nossa voz, que é essa. E o que faremos é também ativar nossos canais de reverberação e atraso Vamos enviá-lo para o reverb apenas clicando nesta seta. Você não precisa clicar com o botão direito do mouse. Você pode clicar apenas uma vez. E agora temos reverberação. Este é o nível de envio da quantidade de sinal que você deseja enviar para o reverb. E ao usar um plug-in como envio, geralmente, vamos querer 100% molhado. Então, vou diminuir o seco e vou aumentar o molhado para 100%. Às vezes, isso pode estar em um botão que diz molhado e seco, mas pode ser um botão que diz apenas misturar Para nós aqui no fruity reverb two, queremos diminuir o nível seco, que é o sinal vocal original, e queremos manter o molhado em 100% Então, tudo o que está saindo daqui é apenas a reverberação. E então talvez enviemos para um atraso. Então, vamos aumentar um atraso. E, novamente, com isso, queremos diminuir o nível seco e deixar o nível úmido cheio em 100%. Então, podemos simplesmente ajustar nosso nível de areia. Mãe, hmm. Vamos agora talvez aplicar reverberação e delay ao piano E deixe-me verificar se o canal do ônibus também está ligado. Isso é. E eu acho que esse Maximus está fazendo com que pareça um pouco estranho Acho que devemos ter tido as altas frequências isoladas. Sim, nós fizemos. OK. Tudo bem. Vamos enviar nosso piano para o reverb primeiro. Apenas uma quantidade sutil de espaço e talvez uma quantidade sutil de atraso para algum tipo de movimento. Usar reverberação dessa maneira também é ótimo porque permite colocar tudo no mesmo espaço Então, geralmente, eu usaria dois reverbs. Eu usaria um tipo de curta, então talvez fosse configurado para uma sala de bateria ou um pequeno estúdio. Isso seria colocar todos os instrumentos em um tipo de espaço similar, e isso funciona para borrar e colar todos juntos Em seguida, eu usaria um segundo conjunto de reverberação com um tipo de cauda mais longo ou uma predefinição mais longa, como um salão ou talvez uma placa longa, e atribuiria apenas meu tipo principal de elementos a Então esses podem ser os vocais, a melodia e talvez algo que eu queira um pouco mais de reverberação, como o arp Agora, olhando para os plug-ins, com reverberação, há três tipos de parâmetros principais que podemos ajustar ou ajustar E esses seriam o tamanho do quarto. Então, quão grande é esse espaço. Então, vamos de, você sabe, uma sala pequena para uma sala de tamanho médio para um tipo enorme de arena. A decadência, que é quanto tempo dura a reverberação. Então, aqui aquela cauda de reverberação ainda está tocando. E se eu diminuir essa deterioração, a reverberação será interrompida muito mais rápido E então você pode ter algo como o pre-delay, em que você pode criar uma espécie de efeito slapback Então, vou aumentar o decadência para ouvir isso. Parece que o piano está meio batendo na parede quando você aumenta o pré-atraso E então, com o atraso, nosso principal tipo de parâmetro seria o feedback. Então, às vezes, isso tem seu próprio botão dedicado. Mas para o Fruity Delay Bank, na verdade é uma seção Então, podemos controlar isso aqui com o botão de volume de feedback Então, vamos desligar o reverb e aumentar o atraso para que possamos ouvi-lo Portanto, o feedback controla quantas repetições realmente ocorrem. Portanto, ter esse conjunto bem alto fará com que os ecos continuem indefinidamente para sempre. Então temos tempo. Isso geralmente controla o intervalo entre cada atraso. Então, por exemplo, se recusarmos isso, os atrasos acontecerão muito mais rápido Na verdade, eles são tão rápidos que você mal consegue ouvi-los. E então, quanto mais alto isso sobe, mais tempo leva para o atraso começar. Geralmente, com reverberações e atrasos, você pode simplesmente brincar com as diferentes predefinições e geralmente encontrar algo que soe geralmente encontrar algo que soe A última coisa sobre a qual eu queria falar era sobre como afetar os atrasos Então, por exemplo, aqui, com uma hora de atraso, posso silenciar o piano Não, acho que não consigo. Então, vou ter que manter o piano ligado, mas vou tentar aumentar o volume geral do atraso. E talvez possamos distorcer o som de atraso. Então, vamos encontrar algum tipo de plugue de distorção. Talvez excesso de sangue. E se ligarmos o pré-amplificador. Não, estou procurando uma distorção mais óbvia. Talvez vamos tentar o Destructor. Isso é muito legal. Veja como isso criou um atraso sonoro realmente interessante 44. Equilíbrio de volume: Ok, agora você chegou ao final da fase de mixagem. Você usou as técnicas que analisamos anteriormente para mixar e moldar sonoramente sua faixa Agora, estamos analisando o estágio final, que é o balanceamento ou a mixagem de volume Portanto, a mistura de volume é a espinha dorsal de uma mistura limpa e profissional Nesta palestra, exploraremos como equilibrar seus níveis de fader para criar clareza e profundidade e garantir que cada elemento de sua faixa tenha seu próprio lugar Então, com isso, é bastante subjetivo. Nós vamos ser, eu ainda estou nisso. Vamos analisar todos esses elementos individuais. E vamos analisar o equilíbrio relativo. Então, o equilíbrio, você sabe, desse vocal em comparação com o baixo, em comparação com o piano, em comparação com a melodia e como todos eles se encaixam Os elementos mais importantes, como seu vocal, sua melodia na altura certa, devem ser mais altos do que os elementos de apoio, que seriam como seus chapéus altos, talvez, ou as almofadas ou o tipo de levantadores ou downlifters Você também deve considerar o foco da faixa. Então, para nós, nosso foco principal é provavelmente esse Whoops. Eu não quero que seja abafado. Essa amostra vocal que trouxemos no início, esse tipo de melodia, provavelmente seria nosso foco, assim como nossa E também, em menor medida, nosso baixo. Mas também, em qualquer tipo de gênero eletrônico de música, seu bumbo, é certo que esse também é um dos esse também é um dos principais elementos de foco da mixagem. Então, algumas pessoas têm diferentes processos de mixagem. Eles podem começar com os acordes e o baixo, criando uma espécie de base para a faixa, e depois colocam suas melodias acima disso Algumas pessoas começam com os elementos de foco. Eles começam com o vocal e as melodias e depois trazem coisas como pianos e acordes ao redor deles Outros produtores gostam de agrupar elementos, como se eles pudessem tocar toda a bateria uma só vez e depois todos os acordes uma só vez e depois equilibrar cada um deles um contra o outro Não há um jeito certo de fazer isso. É o que funciona para você, mas há algumas diretrizes que posso lhe dar. Então, primeiro de tudo, vamos começar com nosso kiktrum porque, para mim, é um dos principais tipos de elementos de foco E se eu simplesmente repetir esta seção aqui por um segundo. Então, eu quero ajustar meu volume para este kitrum em cerca de menos oito Então, vou usar o fader, o ganho de saída aqui Reduzir o sinal para algo entre menos seis e menos nove é bom Mas a razão para isso é que estamos tentando deixar um pouco de espaço livre no canal principal que, quando chegarmos à masterização, quando adicionarmos compressão, EQ e volume durante a masterização, tenhamos espaço para e volume durante a masterização, fazer isso Então, basicamente, estamos balanceando e mixando volumes, mas também estamos meio que ganhando dinheiro no processo de masterização Então, por enquanto, eu gosto de colocar meu chute em torno de menos oito. Então eu geralmente trago a armadilha ou o aplauso. Eu começo com ele silencioso no início e depois o misturo gradualmente. E eu estou procurando um equilíbrio entre o chute e o aplauso aqui ou o chute e a armadilha, porque são como as âncoras rítmicas Então, vamos pressionar play e vamos misturar nossa caixa até que ela corresponda ao tipo de nível de volume do chute aqui. Talvez em algum lugar lá. Você quer fazer isso com seus ouvidos e não com seus olhos. Então eu sei que o nível do volume é diferente. O aplauso está chegando em -11 e o chute está chegando em menos oito Mas, audivelmente, se você ouvir, eles soam como se estivessem mais ou menos no mesmo volume Talvez o aplauso pudesse ser um pouco mais alto. Mas se eu fosse fazer isso visualmente e aumentar o aplauso para menos oito, para mim seria um pouco alto demais. Então você pode trazer coisas como seus chapéus altos, talvez. Eles vão chegar abaixo do chute na palma Talvez em algum lugar lá. Não queremos que seja tão alto. Queremos isso meio que em segundo plano, adicionando um pouco de ressalto E então podemos adicionar coisas como percussão. Eles também estarão em um nível um pouco mais baixo. E também, nesta fase, eu também vou fazer um pouco de planejamento Eu poderia deslocar essa amostra de vantagens para a direita e talvez os chapéus pudessem ir um pouco para E a única razão para isso é meio imitar uma bateria real Então, em uma bateria real, se você imaginar, você é o baterista, seu chapéu alto estaria ligeiramente para a esquerda e a percussão ou os Toms estariam em algum lugar à sua e a percussão ou os Toms estariam em algum lugar Em seguida, adicionaremos a direita sobre a direita. E o que queremos fazer aqui é garantir que esteja equilibrado com o chute. Portanto, a direita sobre a direita deve complementar o chute, mas não dominá-lo Vamos dar uma chance. Talvez em algum lugar lá. E então, a partir daqui, eu poderia trazer minha camada base e tentar misturar o volume dela com a outra camada de oito e oito. Então, vamos derrubar essa camada. E para mim, eu quero isso muito sutil. Estou meio que lá no fundo adicionando um pouco de textura. Na verdade, isso provavelmente é um pouco demais. Em seguida, vamos pegar a melodia principal. Então, vamos incluir isso também. E com isso, deveria estar meio no mesmo nível da bateria e do oito oh oito, talvez um pouco acima, mas definitivamente em algum lugar no mesmo nível Opa, eu tenho que estar em uma seção onde a melodia está realmente Vamos apenas soltá-los. E, novamente, esqueci do meu ônibus. Então, em algum lugar lá parece certo para mim. Parece que está meio que em cima desses dois elementos. Agora estou mais focado nisso do que no chute na base. Então, isso é um bom sinal. E então vamos trazer nossa camada. E se eu descobrir que, você sabe, eu estou usando muitas camadas e estou tentando obter um equilíbrio entre elas, eu posso, é claro, usar um canal de ônibus. Então, por exemplo, aqui eu tenho duas camadas. Mas digamos que eu tinha, você sabe, quatro e todas essas quatro camadas estavam se juntando para fazer um som. O que você pode fazer é isolar todas as camadas. Assim, talvez consiga um equilíbrio entre eles. Então, algo assim, talvez. E então você enraizaria todas essas quatro camadas em seu próprio ônibus. Então, com esse ônibus, eu posso controlar todas essas camadas juntas. Então, se trouxermos de volta, por exemplo, nosso chute ou a bateria, e trouxermos de volta o baixo, podemos controlar essas duas camadas de melodia Então, uma vez que tenhamos um bom tipo de mistura entre eles, podemos controlá-los todos com esse único fader agora no canal de ônibus Então, talvez em algum lugar seja um pouco mais natural dessa vez. E então você pode começar a adicionar coisas como acordes, mas vamos trazer nosso piano, que também tem seu próprio ônibus E com isso, você está procurando apoiar os elementos principais. Então, nossa melodia, nosso baixo e nosso bumbo, não queremos dominar . Isso é muito alto. Agora isso está assumindo o controle. Agora meu foco está voltado para o piano e não para as melodias. Não quero que meu foco esteja no piano. Eu quero que esteja nas melodias. Então, de repente, usando aquele piano para apoiar a melodia. E então, é claro, você pode usar seu ônibus para misturá-los todos juntos, misturar todas essas camadas. E esse é o processo que você executaria com cada elemento da pista, incluindo seus elevadores, seus downlifters, o tipo de efeito que você está usando, as texturas de que você está usando, Todos eles precisam de seus volumes meio que misturados na faixa. Então, apenas algumas dicas finais, você quer ter certeza de que está mixando em volumes mais baixos. Isso apenas evitará o cansaço do ouvido e garantirá que sua mixagem soe bem em qualquer volume. Se você pensar bem, quando está gostando ouvir uma faixa no carro, qual é a primeira coisa que você faz? Você pega o volume e o aumenta. E isso porque quando as coisas estão mais altas, elas realmente soam melhor Então, o que você quer fazer é talvez misturar em um volume baixo. Certifique-se de que sua faixa soe bem nesse volume baixo e, quando você aumentar a faixa novamente, ela soará ainda melhor. Além disso, confie nos seus ouvidos, não nos seus olhos. Então, os medidores de volume e outras coisas aqui no FL Studio ajudam, mas seus ouvidos são o guia definitivo. Certifique-se de deixar cerca de menos três DB em seu canal principal para masterização É recomendável que você deixe cerca de menos seis DB, mas definitivamente deixe cerca de menos três DB de espaço livre para masterização E também a fadiga auditiva é meio inevitável. Portanto, faça pausas regulares para manter sua perspectiva atualizada e evitar misturas excessivas. Com a mixagem de volume adequada, suas batidas soarão nítidas, equilibradas e prontas para masterização Essa habilidade é essencial para criar música de qualidade profissional. 45. Como dominar e exportar: Ok, agora a faixa foi mixada e todos os níveis de volume foram balanceados, a panorâmica está concluída e adicionamos alguma separação estéreo masterização é a etapa final no processo de produção musical em que a faixa mixada é preparada para distribuição Então, queremos ter certeza de que essa faixa seja alta, clara e competitiva. Então, o que eu fiz foi porque meu laptop parece estar com dificuldades para reproduzir a faixa, acabei de exportar uma versão renderizada do meu mix Então, vamos masterizar essa versão final do mix e depois podemos voltar e exportar tudo. Em primeiro lugar, gosto de dominar fazendo loop na parte mais alta ou mais climática da Porque quando estamos tentando tornar a faixa mais alta, queremos torná-la mais alta sem Então, normalmente pegar a parte mais alta da faixa nos dá uma ideia de quão alto podemos realmente tocá-la Mas primeiro, vamos considerar a adição de um equalizador sutil Então, vamos carregar o EQ paramétrico também. E aqui estamos apenas procurando boas frequências para talvez aquecer o som ou adicionar um pouco de clareza. Também estamos tentando nos livrar de um pouco dessa lama ou caixa Então, há um pouco de lama por aqui. Então, vamos retirar isso. Nosso objetivo é ser muito sutil com isso Eu não sou um grande fã dessas frequências. Então, vou retirar alguns deles também. Muito gentilmente e muito sutilmente. Apenas um aumento sutil em algumas das altas frequências para maior clareza. E geralmente também gosto de cortar uma pequena área de cerca de 1,5, ainda mais fina do que isso E também de 2,5 para eliminar algumas das qualidades turvas e nasais Vamos fazer um AB e garantir que gostamos de como soa. Acho que estamos adicionando um pouco demais de altas frequências. Lembre-se de que você quer ser muito sutil com isso. A razão pela qual você quer ser sutil é porque os fones ouvido, alto-falantes, sistemas de som automotivos e seus telefones de todos estão adicionando sua própria cor ou equalizador ao Portanto, não queremos afetar muito isso. Queremos tentar mantê-lo o mais estável possível, ao mesmo tempo em que aumentamos sutilmente as frequências que gostamos e diminuímos sutilmente as frequências que não conhecemos, removendo coisas como Em seguida, eu pulo direto para Maximus. Como sabemos, é um compressor multibanda e, como nosso canal principal tem muitas informações de espectro de frequência, temos frequências baixas até altas frequências, é uma boa ideia usar a compressão multibanda Então, vamos definir nossas bandas de frequência. Com isso, você está quase ouvindo o fundo da caixa. Talvez em algum lugar lá. Suas empregadas, vocês só querem ouvir o tipo de ponta de seus chapéus altos Talvez em algum lugar lá. E então vamos continuar nosso processo normal. Então, vamos entrar em nossos mínimos adicionar onde queremos que nosso limite esteja diminuindo a proporção O mesmo com os médios. W e o mesmo com os máximos. Com os altos, você quer ser um pouco mais sutil. Então, por exemplo, com nossos mínimos, vamos usar uma proporção maior, os médios um pouco menos e os máximos um pouco menos novamente Agora, vamos voltar e fazer nossa maquiagem novamente. Então, o roxo é o que era originalmente, e o branco é o que é agora. Então parece que estamos perdendo cerca de três DB. Na verdade, as empregadas não estavam perdendo tanto, talvez um ou dois dB E os máximos novamente, talvez um ou dois DB Agora, também dentro do Maximus, para nossas baixas frequências, vamos mesclá-las Então, isso funciona da mesma forma que o botão de separação estéreo aqui no mixer Vamos mesclar nossos mínimos para garantir que sejam monocromáticos Vamos separar um pouco nossos médios, e então podemos realmente expandir os máximos Depois de fazer isso, podemos adicionar alguns recortes suaves Este é um plugue de saturação muito macio que pode ajudar a adicionar um pouco mais de volume Portanto, não estamos apenas adicionando um pouco de volume, mas também adicionando alguns desses bons harmônicos de saturação Então vamos pegar um limitador. E o limitador faz o que diz na lata. Isso limita o som em um determinado limite. Então, basicamente, não permite nada além desse valor. Então, por exemplo, nosso teto ou limite está definido como 0,0. Eu gosto de reduzir isso para cerca de -0,2, geralmente apenas para ter certeza de que está ativo E então podemos usar o ganho de entrada para realmente extrair o máximo de volume possível Não queremos apertar demais. Não queremos esmagar a dinâmica. Apenas o suficiente para nos dar uma espécie de volume total. E agora dominamos nossa faixa. Nós moldamos o som sutilmente. Usamos compressão multibanda para controlar a dinâmica e também usamos separação estéreo aqui para ampliar a Adicionamos uma saturação sutil para adicionar um pouco mais de gordura e extrair um pouco E então usamos um limitador para garantir que não estamos recortando e que a faixa não recortando e que a faixa danifique nenhum sistema de áudio Também usamos o botão de ganho para reduzir um pouco mais de volume Agora, como sua faixa foi mixada e masterizada, podemos exportar a faixa inteira Você apenas destacaria a área que deseja exportar , exportar e salvar o arquivo. É um nome exportado. Bater. E com isso, nosso modo deve ser a seleção de músicas. A cauda deve ser ajustada para deixar o restante. A profundidade de bits da onda deve ser definida para 24 bits ou 32. Eu geralmente gosto de usar 24. Verifique se está configurado para estéreo e também se a alta qualidade de todos os plugues está ativada , defino sua qualidade de reamostragem Normalmente, defino sua qualidade de reamostragem como a mais alta possível, a mais alta qualidade, mas seu tempo de renderização será um pouco Parabéns por compor, organizar, mixar e masterizar uma 46. Reprodução de batida finalizada: [Sem discurso] 47. Conclusão do curso: Parabéns. Você chegou à aula final deste curso Até agora, você aprendeu a criar batidas da bateria ao baixo e aos acordes, estruturar suas faixas usando estrutura e arranjo de músicas adequados, técnicas de mixagem com equalização, técnicas de mixagem com equalização, compressão e saturação e Mas o que acontece a seguir? Como você pega o que aprendeu e continua crescendo de forma criativa e profissional Bem, a conclusão deste curso abordará as peças finais do quebra-cabeça, como evoluir sua carreira, se inspirar, superar o perfeccionismo e realmente abraçar sua identidade como produtor Pense nisso como o combustível para sua longa jornada na produção musical. Se você está fazendo batidas em seu quarto ou já começou a trabalhar com artistas, o crescimento nesse setor é uma jornada sem fim Então, veja como continuar subindo. O crescimento não acontece por acaso. Você precisa mirar nisso. Pergunte a si mesmo você quer trabalhar com grandes artistas? Você quer marcar colocações na TV e no cinema? Você quer construir sua própria marca como produtor de slash artist Depois de descobrir quais são seus objetivos, divida-os em etapas menores e acionáveis Então, por exemplo, sua meta de querer colaborar com artista designado pode ser alcançar dez artistas por semana com pacotes de batidas personalizados Talvez seu objetivo de colocar uma batida em um filme possa se tornar supervisores musicais de pesquisa e enviar amostras de batidas sofisticadas O sucesso na produção musical não tem ver apenas com talento, mas com conexões. Tente colaborar com outros produtores, artistas e engenheiros, deixe comentários significativos, responda às mensagens e participe de comunidades musicais Além disso, como nota final, tente evoluir seu som. Permanecer relevante significa evoluir. Estude as tendências e experimente novas ferramentas e esteja sempre aberto ao aprendizado. O crescimento ocorre quando você ultrapassa os limites da sua zona de conforto. A inspiração nem sempre surge quando você quer. Para manter uma produção criativa estável, você precisa de sistemas para manter suas ideias fluindo Pessoas criativas geralmente odeiam a ideia de rotina, mas a estrutura pode, na verdade, ampliar sua criatividade Por exemplo, você pode praticar diariamente, talvez passar de 30 minutos a uma hora todos os dias trabalhando em batidas, mesmo que não esteja se sentindo inspirado Você também pode reservar um tempo para diferentes partes do processo, como design de som, criação ou mixagem de melodias, ou pelo menos passar algum tempo por semana ouvindo seu trabalho e identificando áreas para melhoria Em seguida, temos empréstimos de outros gêneros. A inspiração pode vir de lugares inesperados. Pegue elementos de gêneros em que você normalmente não trabalha, como Afrobeat, música clássica Ao combinar essas influências, você pode criar um som exclusivamente seu Experimente ferramentas ou instrumentos desconhecidos. Se você estiver preso em um barranco, talvez pegue um instrumento que não saiba tocar Experimente um plug-in que você nunca usou ou experimente um daw completamente novo O ato de explorar pode realmente revelar algumas descobertas criativas E, finalmente, alimente sua mente. Esse é um grande problema. A criatividade não vem apenas de fazer música. Isso vem de viver a vida. Leia livros, assista filmes, explore artes visuais, viaje, você sabe, mergulhe em diferentes culturas e reflita sobre suas experiências pessoais e tente canalizá-las para seu trabalho A seguir, temos métodos para tentar superar o beat block. Então, antes de tudo, o perfeccionismo é o inimigo do progresso. É a voz na sua cabeça que diz: Essa batida não é boa o suficiente ou vou terminá-la mais tarde, quando estiver mais inspirada. Mas a música é subjetiva. Não existe batida perfeita. Concentre-se em completar suas faixas em vez de ajustá-las sem parar Lembre-se de que os melhores produtores não fazem apenas sucessos. Eles acabam com eles. Para cada faixa de sucesso, há cerca de 100 que nem chegaram perto. Se você tiver dificuldade em terminar as batidas, estabeleça prazos rígidos para Você sabe, defina um alarme para terminar a batida em 2 horas ou talvez se comprometa a enviar duas ou três batidas por semana Os prazos podem forçá-lo a tomar decisões e levar as coisas adiante E, por fim, estabeleça sistemas para manter sua criatividade fluindo Portanto, use modelos de daugh para diferentes gêneros para iniciar seu processo ou manter uma pasta de batidas, melodias ou padrões de bateria inacabados que Além disso, passe algum tempo experimentando sem pressão para terminar nada Às vezes, suas melhores ideias vêm apenas da diversão. Então você concluiu o curso e agora tem todas as ferramentas necessárias para ter sucesso como produtor. A coisa mais importante de agora em diante é confiar em si mesmo. Seu gosto único, seu estilo e sua perspectiva são tudo o que o diferenciará. Não deixe que esse curso seja o fim. Que seja o começo, estabeleça metas, realize ações e continue aprendendo. Lembre-se de que o crescimento é uma jornada. Não é um destino. Fique conectado com outros produtores e artistas, compartilhe seu conhecimento, peça feedback e comemore suas vitórias grandes ou pequenas. A comunidade musical prospera quando todos nos apoiamos mutuamente E no final do dia, lembre-se por que você começou a fazer música em primeiro lugar. Seja para se expressar, conectar ou talvez apenas para amar o som, o mundo precisa da sua música. Então, obrigado por fazer essa jornada comigo, e estou animado para ver aonde sua música o levará. Lembre-se de que estou sempre aqui se você tiver dúvidas ou precisar de orientação. Agora, vá lá e faça algumas batidas. 48. Jogo da indústria: Bem-vindo a esta palestra abrangente sobre um dos aspectos mais importantes de ser produtor, marca e sua estratégia de negócios Embora criar batidas seja a essência do que fazemos, entender como criar uma marca reconhecível e uma renda sustentável com sua música é igualmente crucial Aqui, abordaremos tudo, desde o desenvolvimento de sua assinatura sonora até o upload de suas batidas, trabalho com um artista, o preço de seu trabalho e até mesmo uma pequena ideia simples para diversificar Uma tag de batida é como seu logotipo. É um selo vocal ou de áudio que toca no início ou durante toda a batida É essencial para criar uma marca, especialmente se você estiver fazendo upload on-line ou compartilhando-as Então, em referência aos três pontos na tela, temos reconhecimento, então sua etiqueta ajuda as pessoas a conhecerem sua batida. Proteção, pode desencorajar uso não autorizado de seu trabalho e identidade Uma boa etiqueta reforça sua marca. Um bom exemplo seria o beat tag de Pierre Bourne. Eu tenho um exemplo disso aqui. Ei, Pierre, você quer vir aqui. Para criar seu beat tag, você mesmo pode criar um ou talvez contratar um dublador em plataformas como o Fiber Certifique-se de mantê-lo curto e cativante. Sua etiqueta deve ser memorável , mas não distrair. Além disso, use muitos efeitos divertidos e criativos, como reverberação, atraso e mudança de tom, para torná-lo único E, finalmente, coloque a etiqueta no início da batida e possivelmente em algumas outras seções, geralmente antes da queda ou do refrão Então, ao criar batidas, você precisa saber onde estão seus potenciais clientes, rappers, artistas e criadores Aqui estão as plataformas nas quais você deve se concentrar. O YouTube é ideal para mostrar suas batidas. Use miniaturas e títulos que reflitam o estilo. Por exemplo, dark trap beat gratuito para uso sem fins lucrativos. Ou você pode otimizar com palavras-chave como Juice world type beat para atrair artistas que procuram uma atmosfera específica Temos o Beat Stars, que é um mercado específico para produtores venderem batidas Ele permite licenciamento e também flexibilidade de preços. Alguns produtores optam por publicar trechos curtos com imagens ou legendas de texto no Instagram e no Aqui você pode interagir com artistas diretamente por meio DMs ou marcando-os em suas postagens SoundCloud pode ser bastante relevante para criar um portfólio e uma rede E, finalmente, você pode fazer o upload para um site pessoal e usá-lo como um hub central para suas músicas, sua biografia, suas informações de contato e talvez uma página onde as pessoas possam comprar suas músicas Ao fazer o upload, tente fazer o upload regularmente para criar um público e use capas ou vídeos envolventes para destacar seu envio Além disso, esse truque de otimização para mecanismos de pesquisa é ótimo usando termos como Drake type beat ou free non-copyright beat E ao fazer o upload, sempre inclua um link para comprar ou baixar sua música. Colaborar com artistas é uma ótima maneira de criar sucessos que geram renda por meio de royalties e licenciamento Você pode encontrar possíveis colaborações navegando pelas redes sociais e enviando mensagens diretas para os próximos artistas no Instagram ou no Tik Tok no Instagram ou no Tik Também existem plataformas de colaboração como o Airbit ou até mesmo comunidades do Discord que podem ajudar a conectar você com vocalistas Ao trabalhar com um artista, comunique-se com clareza, cumpra os prazos e respeite a contribuição criativa do artista Sempre discuta seus termos com antecedência, portanto, certifique-se de que ambas as partes concordem com as divisões de royalties, os créditos e o licenciamento E o licenciamento determina apenas como um artista pode usar sua batida Portanto, os tipos comuns incluem licenças não exclusivas, nas quais você pode vender a mesma batida para vários artistas, e uma licença exclusiva, na qual o artista que compra a batida obtém os direitos exclusivos da batida Cada licença deve especificar o preço de uso, como limites de streaming e direitos comerciais, e os créditos, como você será creditado pelo trabalho final. Geralmente, vi licenças não exclusivas passarem de cerca de $30 para $100 e licenças exclusivas passando de $300 para, quero dizer, se você estiver trabalhando com grandes artistas, podem estar muito acima de $1.000 Mas à medida que sua reputação cresce, suas tarifas também aumentam. E também o último ponto sempre use contratos para se proteger. Sites como o Beat Stars têm contratos integrados, ou você pode contratar um advogado para criar um contrato personalizado, mas os principais termos incluem estrutura de pagamento, divisão de royalties e direitos de propriedade Então, aqui está uma pequena ideia simples para gerar receita extra. produtores são pacotes de sons que você pode vender para outros produtores, como kits de bateria, loops e one shots Eles são uma ótima maneira de diversificar sua renda. Você pode criar loops de bateria, loops de melodia ou efeitos, e pode até incluir arquivos midi ou predefinições Em seguida, analisaremos a seleção de som como marca. Portanto, sua seleção de som faz parte da sua marca, assim como os sinos do Metro Bowman ou as flautas de Pierre Bourne Você precisa encontrar uma paleta consistente de sons que reflita seu estilo Então, para fazer isso, você pode seguir os três pontos na tela experimentando instrumentos ou texturas exclusivos, reutilizando sons característicos em todas batidas E use outros produtores como inspiração. Mas sempre adicione seu próprio toque. Não copie diretamente. Sua identidade como produtor é o que faz você se destacar em um mercado concorrido É uma combinação de seu som, sua marca e sua personalidade Conheça seu nicho. Decida quais gêneros ou vibrações você quer dominar Seja consistente, desde o visual até o som, para manter sua marca coesa. Interaja com seu público, interaja com ouvintes e artistas nas mídias sociais e permaneça autêntico Não persiga tendências, crie sua própria pista. Construir sua marca como produtor leva tempo, mas vale a pena o esforço. Ao estabelecer uma assinatura sonora clara, usar estratégias inteligentes de upload, colaborar com artistas e diversificar sua renda com coisas como pacotes de produtores, você pode transformar sua paixão em Comece a implementar essas estratégias hoje e não hesite em entrar em contato se tiver alguma dúvida ou quiser feedback. Vamos tentar fazer com que sua jornada de produtor seja um sucesso. 49. Fundamentos do Boom Bap: Então, nas próximas palestras, veremos apenas os elementos básicos da criação de diferentes gêneros Então, por exemplo, aqui estamos vendo o boom bap. Com isso, você vai querer usar algo como uma amostra de jazz, sol ou funk Você pode cortá-lo ou fazer outras edições, se quiser, mas a que eu achei é realmente muito boa Você também pode colocar uma camada de vinil estalando, espécie de textura ambiente Mas essa amostra, em particular, já tem um estalo de vinil Então você vai usar algum tipo de amostra de som antiquada dos anos 90. Então, esta é uma amostra do Shaker que eu escolhi. Aqui está um chapéu inusitado. Esse é o chute. E essa é a nossa armadilha Também temos outro padrão de bateria em que coloco outra caixa e uma coqueteleira extra excêntrica Você também vai usar muito swing, cerca de 50% de swing. Você também está procurando um padrão de bateria de hip hop realmente descolado dos anos 90 Além disso, com isso, seu padrão de baixo ficará um pouco diferente, geralmente optando por notas mais curtas que imitam o estilo dos anos 90, mas também se encaixam E então, para dar um sabor extra, coloquei em camadas uma espécie de teclado de cordas e esse instrumento principal Vamos ouvir tudo isso juntos. 50. Fundamentos de Lofi: Aqui, vamos dar uma olhada rápida no Lo Fi. Para isso, você deseja manter seu BPM entre cerca de 60 e 90 BPM Use tambores de som suave. E um pequeno truque que eu gosto de fazer meus chapéus altos é quando eles estão aqui no piano roll Se você atrasar o segundo chapéu alto , o chapéu alto estará jogando cada primeira e segunda batidas. Se você atrasar a segunda cartola alta ou a cartola alta na segunda batida, adie isso em cerca de um quarto de passo até aqui. Você acaba com esse tipo de sensação de swing preguiçoso. Então você vai querer usar algum tipo de tecla jazzística, seja um piano normal ou um piano elétrico, ou às vezes uma guitarra realmente sonhadora também pode funcionar Então essa foi minha amostra antes de eu adicionar efeitos a ela. É quase como música lounge. E esse é um gênero real, se você quiser pesquisar isso. Então, com isso, Opa. Com isso, adicionei um gabinete para amplificá-lo um pouco e deixá-lo um pouco mais abafado Então, antes e depois? Em seguida, adicionei vibrato, que é uma leve espécie de oscilação de tom Opa, eu continuo fazendo isso. Faz com que pareça um pouco desafinado ou fora de sintonia. E então eu adicionei um pouco de esmagamento sutil. Então você pode ouvir lá, meio que adicionado, como um estalo de vinil E então eu coloquei isso em camadas com um baixo muito simples e aquele padrão de bateria sobre o qual estávamos falando anteriormente A ideia com Pi baixo é tentar criar um som sonhador, hipnótico, relaxado e fluido É também um dos gêneros em que, se você coloca sons de chuva ou talvez de uma cidade com carros apitando e outras coisas, mas você coloca muita reverberação nisso, parece que está Esse gênero é ótimo para esse tipo de efeito ambiente. 51. Fundamentos de Detroit: Aqui vamos dar uma olhada rápida no estilo de Detroit. Você vai querer usar melodias repetitivas de piano ou sintetizador, Vai ser em uma tonalidade menor, e tem que soar sombrio e meio sinistro Também coloquei em camadas esse loop escuro de sintetizador usei no Lupermen como Algumas pessoas gostam de fazer Detroit em tempo duplo. Então, estou definido em cerca de 1:05, mas eles podem definir seu BPM em 2:10, mas isso é A parte principal do estilo de Detroit vem do padrão de bateria Então você vai querer desenhar seu chute assim, e deve soar assim. Também costuma estar muito distorcido. Então, o chute originalmente soou como Onde está meu chute? Originalmente, soava assim. Mas queremos dar uma mordida nele, então meio que o distorcemos demais E então seu padrão básico seguirá o padrão do chute. Então, novamente, com isso, eu também adicionei um pouco de distorção. E aqui está como a batida soa. 52. Fundamentos do UK Drill: Finalmente, vamos dar uma olhada rápida nos exercícios do Reino Unido. Então, essas faixas geralmente são bem sombrias e geralmente têm melodias assustadoras e repetitivas Vamos ouvir. Essas melodias assustadoras geralmente são bem simples e, como eu disse Vamos ter um tipo clássico de padrão de armadilha e armadilha Mas nossos chapéus altos serão bastante sincopados. E então, o outro elemento principal do treinamento britânico seria a sub-base oito sobre oito, mas é quase uma melodia em E também há muitas notas deslizantes. Agora, meu padrão de baixo provavelmente está um pouco exagerado, mas tudo bem Estou apenas tentando demonstrar os principais tipos de elementos de cada gênero. Então, vamos ouvir isso o Oh, eu também esqueci de Oh, e também esqueci de mencionar que as melodias geralmente são bastante desafinadas Então, novamente, usei esse efeito vibrato.