Domine o processo de edição de vídeo: do briefing criativo ao projeto finalizado

1. Bem-vindos ao processo!: Finalmente, terminei. edição de vídeo pode ser uma tarefa muito assustadora. Por onde você começa com tiros? Você escolhe quais edições você usa? Música, efeitos sonoros, história de cores. Quer que esta edição seja boa? Não, você queria ser ótimo. Mas pode ficar esmagador. Aqui. Vamos rolar a introdução. Pedi o processo de pós-produção e o início dos seus projetos até o final, ao longo da minha carreira, tive a oportunidade melhorá-lo ou encontrar o meu próprio processo de edição, analisar, tomar o tempo para dissecar cineasta e editor Cooper Canadá. Nesta aula, vou quebrar o processo de pós-produção e fornecer etapas práticas que você pode aplicar ao seu próprio projeto. Você aprenderá como se preparar para a Edição, por que eles escolhem certos clipes em vez de outros, e por onde começar e também para onde ir. Vou te ensinar técnicas de edição. 2. Projeto do curso: Muito obrigado por ter assistido à minha aula. Estou animada por ter você aqui. Vamos nos divertir muito, aprender muito e criar um projeto incrível. Nosso projeto de classe é aproximadamente uma edição motivacional de 30 segundos. Seja paciente. Não julgue cada dia pelo escritório para ler. Mas pelas sementes que você traçou. Dia determinado a escuridão irá cobrir-te. Você vai lutar para ver a luz. Segure a esperança. Seu dia chegará. A filmagem do nosso projeto da turma foi originalmente destinada a outro projeto que filmamos. E nunca acabamos usando porque as coisas acabaram indo para uma direção criativa diferente. Era um trabalho em andamento, e decidi adaptá-lo a este projeto de classe. Consegui uma voz adicional para ele e criei uma pequena história. Eu diria que este projeto é mais uma edição criativa em que é ambígua em termos de como a edição final pode parecer. E realmente isso é o que é ótimo nisso. De modo algum você tem que tornar este projeto idêntico ao que eu criei? Você pode usar os clipes que quiser e usar o máximo ou o mínimo de voice-over que quiser. Você pode mudar completamente o tom. Pode fazer um filme de terror, se quiser. E estou animado para ver o que você pode fazer com isso. O que é ótimo sobre este projeto é que você pode fazer tanto ou tão pouco trabalho quanto você quiser sobre ele se você quiser flexionar suas habilidades de edição, fazer isso se você quiser trabalhar em design de som ou cor em particular, vá para isso. Se você descobrir que você está tendo problemas com qualquer processo ao longo do caminho, basta fazer o seu melhor para obter algo lá fora, um corte áspero, um trabalho em andamento, editar qualquer coisa irá ajudá-lo a se tornar um editor melhor e também solidificar o processo para você. Também é importante lembrar que o design de som, mistura de som, a classificação de cores, todas essas coisas. São trabalhos especializados em que os criativos nos concentraremos durante toda a sua vida e aperfeiçoarão e dominarão. Como editor, espera-se que você seja capaz de fazer todas essas coisas. Portanto, tenha em mente que estamos fazendo tudo, mas não estamos fazendo isso ao mesmo nível de alguém que está se concentrando nessa habilidade de forma independente. É preciso muita prática. É preciso muita habilidade, então não se culpe, apenas se divirta. Eu quero que você seja capaz de pegar este processo e aplicá-lo a qualquer projeto em que você trabalha. Você pode fazer isso em um UA para ser criativo. E só estou aqui para encorajá-los e guiá-los através desse processo. Você precisará ter algum tipo de programas de edição para concluir este projeto. Vou usar o Premier Pro para demonstrar, e eu recomendo que você use este programa. Mas se você quiser usar um programa diferente, você pode, especialmente para os processos gerais que você vai aprender e algumas outras grandes idéias que vamos discutir. Algumas das lições das quais você pode tirar as grandes ideias, mas eventualmente você as aplicará com alguns filtros ou processos no Premiere Pro que podem não ser exatamente os mesmos em outro programa. Também é aconselhável que você tenha as habilidades técnicas de edição antes de iniciar este projeto. Agora, eu vou estar ensinando sobre processos ao longo das diferentes etapas de edição, mas eu não vou necessariamente entrar em detalhes sobre como criar uma sequência ou navegar nos painéis. Por exemplo, se você tem um projeto no qual está trabalhando atualmente, encorajo-o a trabalhar nisso e certifique-se de que publicou para revisão ou escreva uma ou duas frases explicando como você aplica as lições aprendidas ao seu próprio processo. Depois de fazer este curso, espero que você não se assuste com as dificuldades inesperadas em seu projeto, seja qual for o problema que você enfrenta, você pode simplesmente voltar ao processo e se sentir bem com o que sua edição está acontecendo para estar no final. Vamos começar a primeira etapa do processo criando limitações para nossa edição. 3. O briefing criativo: Nesta próxima etapa do processo, vamos passar algum tempo focando na criação de limitações para o nosso projeto. Este passo é tão importante porque nos ajuda a mapear nossa edição e economiza tempo e potencial esforço desperdiçado. Digamos hipoteticamente que você trabalhe para uma empresa de surf. E esta empresa de surf tem um monte de imagens incríveis de saque e encarregou-te de criar um vídeo a partir dele. Dizem que pode fazer o que quiser. Você está pensando, incrível, eu tenho total liberdade criativa. Você olha para todas as filmagens e você não sabe por onde começar, você não sabe o que fazer. Qual é o ponto? Bem, este é o problema. Você não tem quaisquer limitações definidas para orientar suas decisões. Criação de diretrizes para o seu projeto. O que é conhecido como um breve criativo. E dependendo da empresa ou do projeto, você pode ter um resumo criativo ou você pode não, mas ainda é seu trabalho criar esse resumo criativo para você ou limitação gera criatividade e nos permite concentrar nossos esforços. Então vamos em frente e criar algumas limitações para o nosso projeto. A primeira e mais importante pergunta a fazer ao iniciar qualquer projeto é por quê? Qual é o ponto? Qual é a finalidade das suas lojas para o projeto ou para trabalhar? É um pequeno trecho de um projeto maior. Então, qual é o objetivo disso? Bem, quando eu vim com este curso pela primeira vez, eu pensei que esta filmagem poderia ser usada como uma peça inspiradora. Então minha intenção seria inspirar o público. E essa intenção, por sua vez, pode nos ajudar a descobrir o propósito do projeto. Talvez queiramos lembrar às pessoas que as menores coisas na vida e as coisas mais lentas na vida podem criar o maior impacto. Então, claro, também precisamos considerar nossa voz, que é o paciente não julgar. Todos os dias pelo punho do corredor você lê, mas pelo estoque de sementes você planeja e permanece determinado. A escuridão vai cobrir-te. Você lutará para ver a luz, mas segure a esperança com o tempo, seu dia chegará. K, vamos pensar que aqui talvez o objetivo é encorajar as pessoas, mesmo que estejam em um ponto difícil, tendo um momento difícil, estão lutando. Que faz parte do processo de crescimento. A perseverança acabará por permitir que eles saiam dela como uma pessoa mais forte. Certo, agora sabemos o nosso propósito. Queremos passar esta mensagem. E a maneira como vamos fazer isso é tentar fazer com que o público sinta alguma coisa. E fazemos isso através do tom do filme. O tom pretendido visa fazer você sentir algo. Isso me faz sentar na borda do meu assento, coração batendo, excitante. Isso, por outro lado, me deixa assustado. Isso me assusta, me assusta. E então isso, é um filme leve e se sentir bem que me inspira. Você pode curar as palavras, tom e humor jogados juntos sinônimos. E nesta aula eu usarei as palavras humor e tom de forma intercambiável, mas é importante notar que elas não são inteiramente a mesma coisa, mas ambas são importantes. Imagine ter uma conversa com alguém. O tom é como você pode dizer algo para eles. Você pode dizer algo com raiva ou empateticamente. E como você faz a outra pessoa se sentir através do seu tom é o humor que você cria. Pode deixá-los tristes, loucos, zangados, felizes, inspirados como contadores de histórias, como editores, temos controle sobre o tom do filme, mas nem sempre temos controle sobre o humor que ele cria para todos que o assistem. Chegando com algumas intenções. Como se eu quisesse que o público se sentisse inspirado. Quero que se sintam encorajados. Quero que se sintam esperançosos. Todas essas intenções são ótimas maneiras de se conectar emocionalmente ao público, para o propósito geral do nosso filme. É esse tom que queremos estabelecer que ajuda a conectar o público emocionalmente. O tom e o propósito geral do filme andam de mãos dadas já aqui. Isso nos dá uma grande vantagem em contar a história. Você pode usar essas intenções e o propósito geral da nossa edição para orientar todas as decisões de edição de agora em diante. E esta é a coisa mais importante para pregar o mais cedo possível no processo. Outro exemplo disso é do filme recomendado para um sonho. Depois que eu terminei de assistir isso, eu fiquei petrificado e isso me fez não querer tocar em nenhum tipo de droga nunca. O tom geral do filme, É muito escuro. É incrível como eles são capazes de fazer você sentir este isolamento enquanto assiste o filme. Há muitas decisões de edição que contribuem para o humor criado pelo tom. Mas uma técnica em particular que realmente acrescentou a essa sensação de isolamento foi o uso de tela dividida. Mesmo na cena em que Harry está falando com Marion, eles estão na mesma cama. Eles estão tendo um momento íntimo, uma conversa íntima. E ainda assim você sente essa incrível desconexão entre os personagens e é inquietante assistir. Agora pegue a mesma cena e imagine que se eles não tivessem tela dividida, você a veria de uma maneira completamente diferente. As formas de tom, decisões musicais, ritmo, efeitos sonoros. É a conexão emocional com o propósito geral do filme. Sem o tom, o propósito é meio inútil. Há muitas interpretações diferentes deste filme e idéias de qual é o propósito deste filme. Mas qualquer uma dessas interpretações atravessa o tom do filme e a forma como ele impacta as pessoas emocionalmente. Todos saíram dos filmes sentindo diferentes graus de emoção. E nos melhores casos, o filme vai nos mudar. E sim, muitos aspectos entram nisso. Mas, como editores, cada edição que fazemos está ajudando a criar essa conexão emocional, aprofundando a história, conectando você ao seu propósito, ou está tirando você da experiência. A próxima coisa a considerar é, qual é a história? E o que quero dizer com a palavra da história é a sequência cronológica, o início, o meio e o fim. E no nosso caso, estamos editando um jardineiro cavando um buraco, pegando uma semente, colocando-a no buraco, cobrindo a semente com sujeira, e finalmente regando a semente. Então, temos um simples começo, meio e fim, nada de quebrar a terra. Nós também temos um começo, meio e fim com a nossa narração. Este projeto é bastante simples, mas em muitos projetos, eles podem ser ambíguos. Você pode ter um monte de filmagens, um monte de cenas, e você precisa decidir o que é mais importante para o início, o meio e o fim. Isso ajudará você a reduzir muito suas filmagens. Outra limitação extremamente útil é entender quanto tempo você terminou a edição pode demorar. Você pode determinar a duração de um projeto logo no início. Você terá um tempo muito melhor trabalhando dentro dessa limitação. Limitações de comprimento podem ajudá-lo a escolher melhor música. Se você sabe que um projeto será aproximadamente na marca de um minuto. Você pode apontar para encontrar músicas adequadas para esse minuto ou cinco músicas que você pode potencialmente reduzir para esse minuto. Eu também amo a limitação de tempo porque se eu sei que eu só tenho que preencher trinta segundos de filmagem, eu realmente posso ser exigente sobre os clipes que eu escolher. Seu público-alvo também pode ser uma maneira eficaz de orientar seu projeto na direção certa. Eu trabalhava em produção para uma empresa de móveis onde o público-alvo era a mãe ocupada entre 28 e 34 anos. Algumas empresas se aprofundarão muito nesses perfis de personagens e serão muito específicas sobre o tipo de público-alvo que estão buscando. E isso é ótimo porque pode realmente ajudar você a decidir quais clipes se adequam melhor ao público. Mais especificamente, o público-alvo pode afetar as escolhas musicais, ritmo e ritmo, o comprimento da peça geral, realmente afeta a peça inteira. Então, por exemplo, na agenda, há um ritmo mais lento geral, música brincalhão e efeitos sonoros. Há uma ênfase maior na continuidade da edição, que vamos analisar na lição sobre o processo de edição de vídeo. Os episódios têm apenas 20 minutos de duração. O tom geral é positivo e alegre. Você não adicionaria um programa infantil da mesma forma que editaria um programa como Breaking Bad. Em Breaking Bad, o ritmo é voltado para a história. As opções de música também são orientadas para a história e orientadas por tom. Há menos ênfase na edição. Continuidade. Os episódios são 60 minutos de duração, e o tom geral é escuro e cômico, É sombrio cômico. Ter uma boa ideia de quem é o seu público-alvo, ou também ajudá-lo a dirigir-se aos seus projetos em conformidade. Ok, então para o nosso projeto, vamos apenas hipoteticamente chegar ao público-alvo aqui. Estamos a tentar encorajar as pessoas com esta peça. Então eu estou supondo que nosso público vai ser algumas pessoas que passaram por algumas dificuldades. Provavelmente mais velho, mas pode ser mais novo também. Talvez da faixa de 18 a 25 anos de idade. Talvez estejamos tentando encorajar crianças que acabam de sair do colegial. Eles não sabem o que fazer com a vida. E eles precisam de algum encorajamento. Talvez estejam chateados porque as coisas não estão acontecendo tão rápido em suas carreiras. Nosso público-alvo pode ser de 18 a 25 anos de idade. E esta é uma mensagem inspiradora e esperançosa para aqueles que estão presos sentindo que eles não sabem o que fazer com sua vida. Então, quando dizemos isso, vamos apenas apontar para o intervalo de 18 a 25 anos, masculino, feminino, 18 a 25 anos. Outro aspecto importante a considerar é onde o filme será exibido? Estará no YouTube, Facebook, Instagram, Tiktok na TV. Todas essas diferentes plataformas podem afetar a edição de um filme e de uma maneira diferente com Facebook e Instagram, muitas vezes as pessoas nem sequer habilitam o áudio. Então, isso pode afetar a maneira como você edita. Isso pode afetar a maneira como você usa o áudio ou não usa o áudio. E, obviamente, isso afetará a duração total do projeto, como você mistura o áudio do projeto, se você precisa ou não realmente se preocupar com transmissão segura, a maneira como você entrega o projeto, o arquivo e a Kodak escolhas, estes são todos bastante simples. As limitações precisam ser seguidas para poder até mesmo publicá-las nessas plataformas em primeiro lugar. O que eu realmente amo é usar essas limitações criativamente. Eu realmente amei este exemplo aqui. Esta empresa colocou seus anúncios no YouTube e eles tinham o conhecimento de que o anúncio seria ignorável depois de um certo período de tempo, eles construíram seu anúncio em torno desse conhecimento que se eles não chamassem a atenção do público, público ignorará o anúncio assim que o botão Ignorar ficar disponível. Não me agradeça. Agradeça a poupança. Você não pode pular este anúncio geico porque ele já acabou geico. 15 minutos podem dizer 50 por cento ou mais no seguro automóvel. Sei que não há muita edição aqui, mas este é um ótimo exemplo de como os criativos podem usar a plataforma e as limitações de tempo de forma criativa. Então estas são as diretrizes básicas que eu passo ao abordar e editar. Essas diretrizes ajudarão a restringir sua edição imensamente e permitirão que você fique mais focado no seu trabalho. Mas lembre-se, o propósito da sua história e a conexão emocional com o público é o mais importante. Vá em frente e termine seu próprio resumo criativo e lembre-se que você não precisa fazer exatamente dessa maneira. Você pode adicionar suas próprias limitações, o que você acha que pode ajudar a moldar o foco e o propósito da sua história. organização de arquivos é exibida em seguida. 4. Regras da organização de arquivos: Ter uma excelente organização de arquivos e pastas torna mais rápido ao procurar ativos para seu projeto. E isso torna a gestão de projetos, com toda a dúvida muito mais fácil. Esta é apenas a minha opinião, mas com meus projetos, eu pretendo ter mais pastas dentro da minha pasta principal do projeto, o que elimina a necessidade de mais subpastas e me permite chegar aos arquivos que preciso dentro de menos cliques. Sim. Com projetos mais complexos, você precisa de mais subpastas. Mas estou sempre buscando menos cliques para chegar ao arquivo que preciso acessar. Isso aumenta a velocidade para chegar ao ativo e eu preciso chegar e também reduz a dor de cabeça que vem de cozinhar tanto. O mesmo vale para o gerenciamento de pastas de projetos. Tente manter os cliques mínimos que você precisa para manter algum tipo de organização. Quanto menos pastas, na minha opinião, melhor. uso de números permite que você organize suas pastas na ordem que preferir. uso de números também ajuda a criar alguma hierarquia para sua estrutura de pastas. Se eu não tivesse números aqui, tudo estaria em ordem alfabética. Vá em frente e mude os números, se preferir. Você pode alterar as pastas se preferir, o que faz mais sentido para você. Uma ótima maneira de nomear seus arquivos de projeto ou exportar arquivos, é incluir a data. Então, por exemplo, com esses arquivos de projetos, eu tenho 210 515, que corresponde a 202105 para mim e 15 para o dia. Então, sempre que eu trabalho neste projeto, se é um novo dia e eu adoeci e progredi, eu salvo como e incluo a data. Isso me permite acompanhar a versão atual da edição em que estou trabalhando. Se eu precisar voltar e dizer, ok, o que diabos eu fiz em 15 de maio? Eu posso fazer isso. O mesmo vale para sequências dentro do seu projeto. Faço progressos significativos. Vou copiar colar, adicionar a data atual. Desta forma, todo o trabalho que faço neste dia é auto-suficiente nesta sequência. Se eu precisar voltar, posso voltar para ele. Não é destrutivo. Além disso, se eu fizer progressos significativos o suficiente dentro do mesmo dia e eu sentir que eu só quero fazer uma sequência de backup. Eu vou em frente e copiar colar isso, manter a mesma data e adicionar a letra b. Se eu fizer isso novamente e eu fizer mais progresso, eu vou ter a letra C. Talvez você tenha uma idéia que você quer experimentar, mas você não quer destruir sua sequência atual. Se você quiser fazer isso, você pode copiar colar e, em seguida, escrever ALT no final da própria data. Então você pode ver que é uma sequência alternativa. Você pode explorar essa sequência alternativa. E se funcionar, ótimo, copie cole-o e faça disso a sua sequência principal. Se não for bom, deixe-o como uma sequência ordenada. O que há de bom nisso? Não é destrutivo. Você pode testar edições em sua sequência sem se preocupar em destruir o trabalho que você já fez. Incluí minha própria estrutura de pastas no download. Se você sentir vontade de usar isso, vá em frente, mas você não é obrigado a seguir isso para um T. Crie sua própria estrutura de pastas. Basta lembrar que menos cliques vai salvar você clique dores de cabeça, na minha opinião, eu gosto mais quando é útil. Use números para criar hierarquia em sua estrutura de pastas. E, finalmente, use a data dentro do nome de seus arquivos ou sequências de projeto como um backup adicional para ver o progresso feito e para permitir rotas alternativas fáceis e não destrutivas em seu projeto de edição. Eu sei que a organização de arquivos pode ser super tediosa, mas por favor, tente o seu melhor para organizar agora para que você não se arrependa mais tarde. 5. Escolha os melhores clipes para sua história: É hora de selecionar nossas filmagens. Reduzindo nossas filmagens para os melhores clipes nos ajudará a nos tornar mais eficientes ao iniciar nossa primeira edição. Este é o primeiro passo para rever todas as filmagens na sua totalidade. A maneira que eu gosto de fazer isso é colocar todos os meus clipes em uma sequência, revisão. E como eu vejo partes de clipes ou clipes completos que eu gosto e acho que vai funcionar bem com a história. A cortar essas partes para fora e colocá-los na segunda faixa, enquanto ainda tem acesso a todas as imagens é essencialmente como uma edição pré. Editar todos os clipes que você acha que não funcionarão para o projeto e deixando de lado os penhascos que você acha que funcionarão melhor. Depois de revisar as filmagens, você terá um banco mental de informações que pode tirar ao fazer edições. Se por alguma razão você decidir que um tiro não está funcionando, você sempre pode voltar para a sequência e dizer, Oh sim, eu lembro que temos outra chance que poderia funcionar para isso também. Você pode voltar rapidamente, pegar aquele tiro, jogá-lo dentro Sem problema. Enquanto estiver no processo de revisão, pergunte a si mesmo quais clipes se adequam melhor à história? E para esclarecer quando estou usando a palavra história, ela engloba o quê ou a sequência cronológica. O y, que é o propósito geral, o significado da mensagem. E como o que e o porquê estão conectados, que é através do tom e humor, ou como a história pretende fazer você se sentir. Esse clipe funciona melhor do que esse clipe ao contar a história? Tudo se resume a isso. Se soubermos o quê e porquê da história e como queremos que o público se sinta. O processo de escolher clipes será muito mais fácil. Pode se resumir a, bem, ambos os tiros para a história, mas qual tiro é realmente melhor? O tiro da esquerda é melhor do que o da direita? Este close-up à esquerda é melhor do que este close-up à direita. Às vezes, a qualidade de um tiro está fora de foco de uma maneira ruim e inutilizável. Talvez seja muito instável ou o equilíbrio de brancos seja horrível. Nesses casos, eu colocaria de lado e não usaria, mas não exclua também. Basta mantê-lo em sua linha de tempo Selects. Se no final do seu projeto você está descobrindo que você está lutando para encontrar cobertura e você não tem escolha alguma a não ser usar essa foto, então esse seria o tempo que você usaria. Há também momentos surpreendentes que eu usei clipes inutilizáveis. E uma filmagem, eu achei uma foto que eram os chicotes da câmera passar para a luz, eu pensei. Certo, isso é lixo. Não vou usar isso. Deixe-o de lado. Mas, eventualmente, acabei por usá-lo no projeto porque acrescentou algum interesse visual. Agora, quando eu filmo vídeos de música como este, eu vou pensar sobre isso e eu vou propositadamente tentar obter algumas panelas de chicote através de luzes e outros objetos. Eu tenho algum espaço para experimentar dentro da edição. Dê uma escuta a este som curto ou escuridão irá cobri-lo. Para mim, a performance soa bem, mas eu descobri que não combina com a história tanto quanto poderia ter. Então pedi ao Mike, os artistas de dublagem para fazer uma segunda tomada com a direção de dar uma manhã rigorosa. E isso mudou bastante o seu desempenho. A escuridão vai cobrir-te. Depois de ouvir essa tomada, eu realmente gostei da vibração disso. No entanto, eu me senti como o fim da voz aqui. Pareceu-me um pouco forçado. Então tudo que eu fiz foi manter a maioria da segunda narração e cortar a parte da performance que eu não gostei. Eu o substituí pela primeira tomada. A escuridão vai cobrir-te. Descobri que esta malha juntos soundbite, escolher o melhor desempenho de qualquer tomada e por sua vez, se adaptou à história e seu propósito. O melhor. A escuridão vai cobrir-te. A escuridão vai cobrir-te. A escuridão vai cobrir-te. Decifrar e desempenho de atores pode ser uma coisa muito subjetiva e não temos tempo suficiente para aprofundar isso. Mas por agora, pergunte a si mesmo, isso soa bem para você? Ele comunica claramente partes da história que você quer passar? Parece autêntico? Parece real? Vemos em 3D, mas em um monitor de computador, tudo está em 2D. Imagens com grande profundidade têm essa qualidade 3D para elas. Você pode identificar a profundidade em uma imagem observando o contraste e o brilho e a escuridão da imagem, ou o contraste e a cor. Você também pode olhar para a perspectiva, quais linhas estão conduzindo você através do quadro. Ele não cria uma perspectiva de primeiro plano, meio e plano de fundo distintos. Você também pode identificar a profundidade através da profundidade do campo do tiro, que é apenas as partes da imagem que estão dentro do foco aceitável. E a maneira fácil de identificar se um quadro tem profundidade é apenas olhar para as camadas do próprio quadro. Voltando ao nosso projeto, aqui estão alguns exemplos. Nesta foto, temos um plano de fundo claro e um fundo claro. Isso é criado com um fundo desfocado e o primeiro plano está em foco nítido. Nesta foto aqui temos três camadas acontecendo em primeiro plano. O solo está fora de foco. A semente está em foco no meio do solo e o fundo está fora de foco. A profundidade também é criada pela perspectiva. O ângulo de disparo é baixo para o chão, dando-lhe mais profundidade. Se você fosse aumentar o ângulo do tiro, digamos, por exemplo, nesta foto aqui, nós não temos tanta profundidade da perspectiva. A maior parte da profundidade é do contraste criado entre o tom de pele mais claro e a sujeira mais escura. Isso não significa necessariamente que este tiro é pior do que o outro. Eles só guardavam histórias diferentes. E novamente, histórias, o fator decisivo mais importante aqui. Aqui temos duas fotos que contam a mesma história. O jardineiro é branco na terra das mãos. Depois de olhar para esses dois quadros, eu escolhi o ônibus e ri porque a profundidade é muito maior do que a perspectiva à esquerda está em um ângulo diferente, criando um primeiro plano com os dedos e as mãos, e meio terreno com os braços e as calças, e um fundo com a folhagem. A perspectiva do tiro à direita é mais uma foto de perfil, criando apenas duas camadas separadas. O fundo no tiro esquerdo também cria mais contraste com os tons de pele. Depois o tiro à direita. Ambos tiros grande profundidade através de profundidade de campo. O plano de fundo está fora de foco, enquanto o primeiro plano está em foco. O movimento dentro de um quadro pode criar interesse visual. Isso pode ser o movimento de uma câmera ou o movimento de uma ação dentro do próprio quadro. A vantagem de um tiro com movimento sobre um tiro estático é que ele tem a capacidade de guiar o olho de uma edição para a próxima. Então, no caso de eu ter dois tiros diferentes com ângulos idênticos, um é estático, mas o outro tem movimento. Eu provavelmente escolheria aquele com movimento. A menos, claro, que o tiro estático conte melhor a história. O pan da câmera da esquerda para a direita corta bem com este tiro com movimento semelhante. O mesmo vale para estes dois tiros. Um tiro tem muito menos movimento do que o outro, que parece mais interessante para você. Além disso, temos a vantagem de usar o movimento dentro do quadro que pode orientar o olho do espectador de uma parte do quadro para a outra e pode ajudar a conectar este tiro a outro tiro com movimento semelhante. Às vezes você pode estar apenas confiando em sentimentos para algumas dessas fotos. Você pode sentir que este se sente melhor. Não sei porquê, mas parece melhor. Eu vou escolhê-lo. Isso é totalmente bom. Toda vez que você revê as imagens, você refina seu olhar para os pequenos detalhes. Você ficará melhor ao determinar qual filmagem funcionará melhor e como ela funcionará com a edição geral. Depois, ele pode descobrir, oh sim, que o tiro tem um brilho sutil nele. Isso é o que o tom da peça e algo com um flare parece otimista. E é isso que eu estou indo para. O que é ótimo é que tudo isso não é destrutivo. Você sempre pode voltar e usar um clipe que você pensou que não funcionaria originalmente. Então, recapitulando, revisando todas as filmagens dá a você uma chance colocar mentalmente em sua mente para que você possa desenhar sobre ela e, mais tarde, usuário projeta história para restringir suas filmagens para os melhores clipes. Você também pode determinar os melhores clipes observando a qualidade do clipe, o desempenho de um ator, se o clipe tem ou não movimento, profundidade e o que o clipe está tentando se comunicar no geral. E se for eficaz em fazer isso. No mundo perfeito, você teria todos esses atributos dentro de um clipe. Portanto, as próximas etapas para este projeto é restringir suas opções de clipe nas seleções de nome da pasta. Verá que já fiz esse processo por você. Se você preferir fazer esse processo sozinho, que é uma ótima idéia, vá em frente e faça isso agora. Na próxima lição, vamos aprender por onde começar com a edição e para onde ir. 6. Como montar qualquer tipo de vídeo: Ótimo, você tem seus seleções escolhidos, mas por onde você começa? Saber por onde começar e para onde ir ajudará a aumentar sua confiança e deixar de fora a adivinhação. Saber por onde começar pode ser bastante simples, mas não é fácil quando se trata de projetos com script. Pode acompanhar o script, conectar as filmagens, e ir do início ao fim até que você tenha uma montagem áspera. Mas quando se trata de trabalhos não programados, pode ser um pouco mais difícil saber por onde começar. Eu mesmo. Esta pergunta, que elemento mais claramente conta uma história? Por exemplo, em vídeos musicais, a música é o que impulsiona a história, é porque muitas vezes a música é a história. A música ajuda a informar suas edições. Outro exemplo no trabalho de estilo documental, a narrativa é impulsionada pelas entrevistas. Então, focando na palavra falada é onde você gostaria de começar. Como neste projeto aqui, meu objetivo principal era focar na narrativa primeiro, ter o que é chamado de edição de rádio, que é onde você apenas se ater a editar as entrevistas. A imagem neste momento não é importante. Você pode até editar essas entrevistas sem ver o entrevistado. Em alguns casos, você pode não ter narração ou diálogo ou um script a seguir. Nesse caso, você pode começar com Eclipse e colocá-los em uma montagem áspera usando as histórias início, meio e fim como um guia. Assim, depois de criar uma montagem aproximada de seus clipes, você pode começar a conectar a voz e os clipes juntos que eles correspondam um pouco melhor e tenham algum fluxo para essa função. Neste processo, estamos trabalhando com a edição para obter um esboço aproximado da nossa história através do visual e do VoiceOver. Primeiro, uma vez que temos nossa edição áspera de visual e de voz, podemos começar a procurar música adequada. Há algumas escolas de pensamento quando se trata de edição com música ou sem música. Alguns editores preferem estabelecer uma faixa temporária imediatamente e cortar para a música, o que eu acho que é bom em algumas circunstâncias, outros preferem cortar a cena sem música. O pensamento aqui é que se você conseguir fazer a cena trabalhar com visuais e diálogos primeiro, a música irá melhorá-la, vez de confiar na música para fazer a cena parecer correta. Há momentos em que você só tem esse pensamento. Preciso cortar com a música primeiro. Especialmente se você estiver cortando sequência de montagem com uma variedade de clipes, a música pode realmente ajudar a tratar a estrutura e conter a edição geral. Em outras edições, você pode decidir não adicionar música até o final. Eu sugiro que você se inclinar para cortar a cena primeiro uma vez que você tem uma edição áspera e começou a se sentir bem, tem bom fluxo, ritmo. Em seguida, adicione a música. Se você quiser ter certos momentos que são acentuados pela música, você pode refinar a edição a partir daí. Então, até agora com esta edição, começamos com visuais, os clipes, então incorporamos a voz, e então começamos a adicionar a música. Cada parte deste processo exigirá alguns ajustes. Então, depois de adicionar voice-over, por exemplo, você vai ter que ajustar o eclipse e a voz para que eles se encaixem melhor. E então uma vez que você tem a música, você provavelmente estará se ajustando para ter certeza de que todos eles são harmoniosos juntos e se encaixam bem juntos. Isso também faz parte do processo e é muito importante que você não esteja segurando a edição. Você quer mudar com a edição à medida que ela evolui. Então, se você tem idéias, não tenha medo de experimentá-las, e não tenha medo de alterar sua sequência completamente. Apenas certifique-se de que você está criando uma sequência adicional para que ela não seja destrutiva. Você não está restrito a esta ordem em particular. Às vezes, quando estou trabalhando em uma edição de rádio para vários tipos diferentes de entrevistas. Eu posso ficar totalmente cansado disso e eu só preciso fazer outra coisa. Ou pode haver um momento específico em uma edição que eu não estou me sentindo totalmente confiante sobre ou eu realmente não posso ver onde a edição vai chegar. E neste ponto eu posso decidir que eu prefiro trabalhar em visuais ou talvez eu vou procurar alguma música que possa ser apropriada para a cena. Às vezes, um pouco de exploração irá ajudá-lo a voltar ao caminho certo com uma entrevista ou uma parte particular da história está trabalhando. Isso pode realmente ajudá-lo a ganhar confiança e ajudá-lo a permanecer envolvido no projeto. Como os editores eram os sensores, não os robôs, a intuição do usuário. Se achar certo fazer alguma tentativa de música, faça-o. Ou se você quiser gastar algum tempo trabalhando em gráficos e descobrindo como isso pode funcionar, edite no geral e faça isso. O processo envolve a tomada de rotas alternativas. Às vezes, o único caminho através do projeto é fazer um desvio para experimentar com uma idéia, e então perceber que ela funciona. Ou talvez descobrir alguma outra ideia que você só poderia ter descoberto tentando essa primeira ideia. Não tenha medo de se desviar do caminho se estiver se sentindo preso ou sem inspiração. Agora vamos dar uma olhada no processo geral. Por onde começamos e para onde vamos com a assembléia? Começamos com os visuais, adicionamos a voz, depois adicionamos a música. Não se preocupe muito com a duração da montagem geral. Comece trabalhando na edição até que faça sentido cronologicamente. Se você estiver trabalhando em um projeto diferente, como um vídeo de música, comece com a música. E trabalhando em um documentário. Comece com a narração e o diálogo. Nossas próximas lições, vamos nos aprofundar nas próximas etapas do processo de edição. Isso fará mais sentido quando você passar por mais lições. Uma vez que você tenha uma estrutura áspera, faça ajustes em suas filmagens, dublagem e música em cada passagem de edição, concentre-se no ritmo e no ritmo geral. Trabalhar no propósito, tom, eu traço e movimento, e edição de continuidade. Dependendo de quem você está trabalhando. Este talvez um bom momento para exportar uma edição rápida para revisão. Na fase de edição final, os ajustes que você fará alguns visuais, narração e música serão mínimos. Você pode começar a adicionar gráficos, mas é claro que você poderia adicioná-los mais cedo, se necessário. Você também começará a trabalhar em sua paisagem sonora, o que exigirá mais ajustes. Mais uma vez, esses ajustes são necessários para garantir que todos os elementos se sintam harmoniosos e mantenham um bom ritmo e ritmo. Neste ponto, você pode enviar outra edição para revisão, fazer ajustes, revisar novamente obter a aprovação final do bloqueio de imagem, significa que nada hipoteticamente deve mudar na edição. Mas, novamente, nunca é tarde demais para adicionar revisões se você absolutamente precisa. Isto é quando você trabalha na correção de cores e na classificação de cores. Em alguns casos, se você estiver trabalhando com a gravação de log, especialmente, talvez você esteja adicionando lotes ou cor corrigindo a gravação no início do processo. Mas essas são tarefas que você meio que quer bloquear editar para que você seja mais eficiente e não correção de cores e clipes de classificação de cores que você acabará excluindo na edição fina. E finalmente, quando todos estão felizes, é hora de entregar o produto final. Por favor, lembre-se que estas são apenas diretrizes. Cada processo, cada equipe, cada profissional envolvido na produção mudará o processo em geral. Portanto, espero que esta lição não seja irritante para aqueles que querem um caminho específico. Não há uma resposta 100% correta aqui. Mas o que não posso dizer, sugiro que comece com a narrativa. São visuais, a voz, o diálogo, a música. O que impulsiona a história? Comece com isso primeiro e, em seguida, obter esse início áspero, meio e fim na linha do tempo. Se você está acostumado a cortar a música, tentou cortar a cena primeiro e depois adicionar a música. Se você está extremamente preso e você não pode ver para onde o projeto está indo. Tente procurar música primeiro, vá para a aula de música e escolha música para o seu projeto. Lembre-se de que, independentemente da parte do processador, você sempre terá que fazer pequenos ajustes para conectar os elementos e torná-los coesos. Vá em frente e comece sua primeira edição. Adicione os visuais, adicione a voz, mas não vá muito à frente, porque na próxima lição, vamos passar pelo processo de edição de vídeo, que irá ajudá-lo com sua edição inicial. 7. O processo de edição: Nesta lição, eu vou passar por meu próprio processo de edição de vídeo e dar-lhe as razões pelas quais eu faço certas edições. E espero que isso o ajude a melhorar e refinar seu próprio processo. Uma grande razão para fazer um corte é simplesmente para a história. Gostei muito do tiro checando o solo. Então, talvez comecemos pelo solo aqui. Então lá vamos nós. Acho que é tempo suficiente. Nós temos a idéia do que está acontecendo realmente, você não precisa ter um clipe ir por mais tempo do que o necessário imediatamente. Eu vejo. Ok. É uma mão caindo no solo e está esfregando o solo, você vê que você consegue o ponto do clipe muito rapidamente. Também é ótimo começar com esta foto é que é a nossa foto mais ampla disponível, então nos dá o maior número de contextos para a cena. Podemos ver que estamos nesta área de jardim. Há algumas folhagens por aí. Isso nos dá uma noção do meio ambiente. E em alguns casos, é mais importante ter tomadas que outros. E neste caso, pode não ser tão importante porque você pode ver claramente o contexto da cena sem precisar de tanta informação. Outra regra geral ao cortar para história é que você geralmente quer cortar para um tiro que revela algum tipo de nova informação sobre a cena, o personagem ou a própria história. Às vezes, você pode optar por não revelar informações que o público deseja. Isso pode ser porque você está tentando suportar o tom de sua edição. Então você é como uma pintura com sua tela. Esta sequência de seleção e esta sequência são suas telas com todas as suas cores. E você está apenas deslizando sobre todas as cores, tentando descobrir quais clipes queremos cortar para testá-los. Você pode misturar alguns clipes juntos e eles não funcionam, mas tudo bem. Você continua e continua tentando as coisas. E eu vou continuar passando por este processo até que eu tenha toda a história áspera montada. Eu já conheço esse anúncio, não vai funcionar bem a menos que cortemos fortemente parte da ação. Então isso significa que só porque esta mão está voltando para a câmera não significa que precisamos cortar de volta para a mão. Mudando para trás. Quero dizer, você poderia, mas neste caso, acho que não queremos. Acho que queremos parar por aí, fazer uma edição rápida. E então a escavação começa. Quer dizer, acho que funciona mesmo. Então isso é chamado de continuidade de edição, que é onde personagens e objetos estão em relação um ao outro ao longo de uma sequência de tiros. No tiro um corte para SHA2, temos continuidade de edição porque a mão de tiro para tiro dois não salta dentro de seu espaço físico. Mas no tiro para este tiro três, cortamos um monte de ação para quebrar a continuidade. Você nunca vê a mão direita entrando e começando a cavar o buraco. Em vez disso, cortamos essa ação e cortamos direto para ambas as mãos cavando no buraco. Então estamos cortando muita ação aqui. Se eu cortar a ação logicamente do ponto A para o ponto B para o ponto C, público vai entender exatamente o que está acontecendo. E às vezes isso é muito importante, mas outras vezes não é. Nossos cérebros podem preencher a ação que não vemos a ação que está faltando. Também podemos usar a continuidade de edição para chamar a atenção para edições específicas. Então, nesta sequência curta aqui, nestes três cortes, não estou seguindo a continuidade da edição. Isto é para escolhas de ritmo e para fazer a história avançar rapidamente. Então, neste corte aqui, eu escolho seguir a continuidade da edição. Não vou cortar nada da ação. E eu acho que ele chama mais atenção para este corte e é aqui que eu quero chamar a atenção, que é para a semente. Veja como meu olho está seguindo o dedo mindinho. E depois direto para o próximo tiro. Meu olho já está no todo a ação de escavação e já é um suave que já. Então vamos por aqui, cavando o buraco. Você nem precisa dele. Novamente, só queremos ficar na filmagem enquanto precisarmos que o público entenda o que está acontecendo. E eu nem sempre estou pensando em onde algo está no quadro e também pensando em como ele está se movendo. E esta é a razão pela qual eu procuro movimento dentro do quadro e por que um movimento priorizado dentro do quadro do nosso tiro estático. Eu gostaria do movimento aqui, e é por isso que eu escolhi este tiro em vez do tiro. Então basicamente em tentar fazer é seguir o movimento de um quadro para o outro. Eu tentei criar a edição, logo quando a semente estava voltando na minha mão. Mas agora estou tentando descobrir uma maneira de fazer funcionar com o movimento movendo-se da direita para a esquerda. Então vamos ver como isso funciona. Algo não está funcionando aqui. Não é fluido. Também é muito importante lembrar que isso requer experimentação. Isso me levou um tempo para descobrir como fazer o movimento e o traço ocular funcionar e tive um monte de experimentação com diferentes clipes. Então continue até conseguir algo que funcione para você. As mãos vão da direita para a esquerda, torcendo e também um segue através deste tiro aqui. Cada tiro revela algo novo. Este tiro revela esta parte da semente. Este talvez seja mais desnecessário, mas ainda podemos ver um ângulo diferente da semente, pelo menos. E então este, ele mostra o tiro mais largo, que basicamente vai se conectar a partir deste tiro para plantar a semente. Então eu já estou pensando um passo à frente. Voltando a cortar para a história. Acabei cortando este tiro aqui porque era redundante. E mesmo mostrando uma parte diferente da semente, não foi suficiente para avançar a história de forma significativa. Então acabou cortando. Outro exemplo aqui. Cortando daqui até aqui, sem qualquer movimento, o tiro parece muito semelhante, mas também é diferente o suficiente para não parecer consistente. Veja o assento está virado para este ângulo e, em seguida, neste tiro está virado para este ângulo. Então, quando você corta deste tiro para este tiro, o ângulo da semente é muito diferente e, em seguida, torna-se chocante. Para corrigir isso, podemos começar por ter parte do solo entrando em moldura imediatamente. Então não somos Jarred por esse tiro. Nosso olho pega no movimento que entra. Como o solo cai incrementalmente aqui, talvez possamos fazer algumas edições complicadas para que possamos manter o movimento. Isso não funciona. Vamos tentar. Vamos tentar ir aqui porque a semente inteira, ela se move neste momento. Então vamos tentar este corte aqui. Então a semente pára e depois se move novamente. Isso é o que está me atrapalhando agora. E eu vejo que ele pára e então ele volta e vai de novo. Talvez sigamos esse movimento aqui. Tente consertar isso. Vamos ajeitar um pouco. Vamos tentar isto. Isso pode funcionar. Neste momento, é só uma edição difícil. Nós podemos definitivamente descobrir como corrigir isso, ou você pode voltar para nossos seleções e escolher um tiro diferente. Então isso é um vislumbre do meu processo ao montar uma primeira edição, uma história de capa, não exagerando minhas boas-vindas com um clipe. Revelando novas informações conforme necessário. Usando a história para decidir qual clipe eu poderia usar a seguir. Também pensar na continuidade da edição é importante para incluir toda a ação de algo ao longo de uma sequência de tiros. Ou podemos cortar a ação? Movimento dentro de um quadro? Pode atrair o olho de alguém de um tiro para outro. Considere também o movimento de objetos físicos dentro da cena e como eles fluem de um corte para o próximo. Alguns de vocês podem estar se perguntando, e o ritmo. E sim, isso é importante e eu considero isso também. Quando estou editando, isso se torna mais importante medida que você passa com efeitos sonoros de voz e música, porque isso aumenta o ritmo e ritmo geral da peça. Se você quiser mais dicas sobre ritmo e ritmo, eu liguei nas notas abaixo a aula de ritmo e ritmo da minha outra aula sobre técnicas de edição de vídeo. Então pense nessas coisas enquanto está fazendo sua parte. Você não tem que fazer todas essas coisas de uma vez. Durante sua montagem, você pode fazer várias passagens e se concentrar em cada uma dessas coisas individualmente conforme você passa por cada passagem, caso ainda não tenha feito isso, vá em frente e termine sua montagem inicial ou corte áspero com imagem e dublagem. Agora é um bom momento para adicionar música ao seu adicionado. Então, na próxima lição, vamos falar sobre como escolher uma ótima música. 8. Escolhendo ótimas músicas: Escolher música fantástica pode dar vida à sua história, ajudar no ritmo e ritmo do seu projeto e ajudar a estruturar a sua edição em geral. Por isso, é importante saber como identificar uma boa música. Para esta lição, vou usar artless para explicar como eu escolho música, você pode usar qualquer provedor de serviços de música que você preferir. Eu uso principalmente listas de arte e Som Epidêmico. Muitos desses serviços de assinatura de música permitem que você se inscreva para uma avaliação de 30 dias. Então você pode ir em frente e fazer isso e baixar uma faixa de marca d'água para usar em sua própria edição. Eu também listei alguns sites que você pode usar para música gratuita, que você pode usar para projetos pessoais e comerciais. Como sempre. O propósito da história que estou tentando contar para orientação. Você se lembra deste diagrama aqui de menos de três, o tom é nossa conexão emocional com o propósito da nossa história. E a música faz um ótimo trabalho criando uma conexão emocional. Por isso, é tão importante que tenhamos como objetivo escolher músicas que se encaixem no tom do nosso projeto e garantir que sejam ótimas. Queremos alcançar um humor inspirador e tom, e talvez até um pouco dramático. Quando estamos escolhendo músicas, queremos permanecer abertos, baixar faixas que você acha que podem funcionar. Podem não, mas tudo bem. Vamos escolher mais música do que precisamos e, em seguida, reduzi-lo a partir daí com qualquer um desses provedores de música online, a melhor maneira de começar é usar as tags disponíveis para restringir suas escolhas musicais. Nós não estamos realmente preocupados com o tema do vídeo ou os instrumentos dentro da pista. Estamos mais preocupados com o humor e o gênero porque o nu é o resultado do tom do nosso projeto, é como queremos que nosso público se sinta. E o gênero também pode ajudar em nosso tom pretendido. Em vez de clicar em todas essas tags que se aplicam, como se clicássemos em edificante, oh sim, é totalmente épico. T2. E é poderoso e excitante, e é feliz e, e é engraçado. Isso não vai te levar a lugar nenhum. Escolher muitas tags reduzirá demais nossas opções. Essas opções simplesmente não funcionam para o projeto em que estamos trabalhando. Tentando reduzir as etiquetas para um ou dois ou três no máximo. Então vamos ver o que estamos tentando criar aqui. Então acho que vai ser um pouco dramático. Talvez tentemos edificar dois. Vamos tentar que para o gênero também vai ajudar a restringir nossas escolhas. Porque já sei que esta peça não vai funcionar bem com blues, rock, sem cantora e compositora, não, não queremos que a nossa voz concorra com a cantora. Precisamos de música que não tenha um cantor. Hip hop, não, férias, não, isso não significa que esses gêneros não funcionem para o seu projeto. Se você vir qualquer gênero que se encaixe no tom que você está procurando, cinematográfico selecionado. Esta é uma ótima etiqueta. Selecione imediatamente. Queremos levar o público a uma viagem. E quando você clica na tag cinematográfica, ele oferece mais opções musicais que têm essa história natural do que jornada natural já na música. Um começo, meio e fim interessantes. E a música leva você em uma jornada através de diferentes camadas de som, instrumentos. E a música como um todo tem um tom e um humor para ele. Então aqui está um exemplo de uma música que eu acho que leva você em uma jornada. E você pode ver que eu dividi a música em segmentos. E os cortes que fiz nesta pista são novos instrumentos sendo introduzidos, diferentes tipos de ritmo, um tipo diferente de sensação ou humor. E ele muda de intensidade, mesmo um tipo diferente de efeito. E tenho certeza que há outros atributos para a música que músicos profissionais podem codificar, mas é assim que eu derrubo uma faixa como editor. Então aqui temos um exemplo de um novo instrumento sendo introduzido, guitarra e um baixo, violoncelo, eu acho que eu não tenho certeza exatamente o que é isso. Este segmento também introduz um novo campo e vibração. E primeiro temos esse piano e isso te dá esse tipo de sensação certa e apenas um sentimento errante por mim. E então quando a guitarra e o baixo ou que quer que seja entra e quase parece mais exótico, como se tivéssemos chegado a algum lugar. Você pode interpretar isso do jeito que quiser. Mas é importante notar que há uma mudança no tom. Há uma mudança no humor. Aqui está um exemplo de mudança de música e ritmo. E o que eu quero dizer com isso é a quantidade de contas jogado PRE medida. Então você não precisa saber o que é uma medida? Basta ouvir este segmento ou a quantidade de batidas aumenta. Portanto, há mais notas sendo tocadas por medida desta faixa, o que a torna mais interessante. Essa mudança torna-o mais imprevisível. Aqui está um exemplo de como efeitos especiais podem mudar a música. Ouçam isto e vejam se conseguem ouvir. Você ouviu isso? Ouviu aquela mudança sutil na reverberação? A música parecia que estava mais perto de você. E então o músico alterou a faixa aumentando a reverberação. Acrescentou um pouco de espaço. Parece que chegamos a outro novo local. Então, este efeito também está adicionando à história que é para o tom, acrescenta à jornada desta pista. E por último, há intensidade. Ouça esta mudança na intensidade de laticínios intensos para chamar serina. A intensidade de uma faixa pode ser determinada por quantos instrumentos estão sendo tocados ao mesmo tempo, pela quantidade de batidas em um determinado momento e também pelo quão alto é a parte da faixa. Aqui está um exemplo de música que pode ter um propósito em alguns casos, mas na maioria das vezes eu provavelmente não usaria música como esta. Eu quebrei a pista da mesma forma que eu fiz como a anterior. O que notei imediatamente foi que não há mudança na batida. Não há mudança de tom. Não há mudança na intensidade, além da introdução. As únicas mudanças que realmente ocorrem nesta música são ou novos instrumentos sendo introduzidos ou instrumentos sendo retirados, e a estranha mudança sutil na progressão dos acordes, a falta desses outros elementos nesta música nos faz acompanhar um pouco mais previsível e não a melhor escolha para contar histórias. Não há nuance no tom, parece um tom o tempo todo. Uma dica muito útil aqui, olhe para as formas de onda quando você está olhando para a música. Você pode ver imediatamente ao comparar ambos os exemplos que as formas de onda são completamente diferentes. Só picos e vales neste. Enquanto neste, o mesmo. Ouça suas primeiras impressões. Ok? Tudo isso soa bem também. Se você está recebendo uma certa vibração da pista, inicialmente, as chances são de que outras pessoas possam obter o mesmo campo dessa faixa também. Arquivos-X. Parece algum tipo de programa de crime. Está bem. Isso soa como uma fantasia. Bem ali. Parece o Senhor dos Anéis ou algo assim. E então eu vejo a etiqueta da fantasia. Não é o gênero certo para nós. Isto é interessante, bastante dramático. Se ele se encaixa no tom, você está indo para ele, ótimo. Experimente isso. Uma maneira rápida de adicionar sua faixa é reproduzir o áudio no serviço de assinatura de música do que guia de volta para o programa de edição, pressione Reproduzir, e dê uma escuta ao paciente. Não julgue, mude o dia pelo escritório para colocar a Bíblia. Ela já fez muito. Posso ver que está funcionando. É dramático, acrescenta algo a isso. É em si mesmo. Nós vamos salvar este aqui. Às vezes você vai se surpreender com faixas que não parecem muito bem. Mas quando ele assistiu ao vídeo, eles podiam funcionar. As células são muito dramáticas. Mas para o inferno, vamos tentar fazer um teste. Isso mata o tieback. Seja paciente. Não julgue. Todos os dias pelo corredor peixe FUV, mas pelos lençóis que você traçou. E tudo bem, pode funcionar. Mantenha-se determinado. Escuridão, Clavey U, você vai lutar para ver a luz. Indo para o O. você vai atualizá-lo. Está bem. Eu não pensei que essa droga funcionaria, mas na verdade, pode, pode, pode funcionar muito bem. E especialmente se você viu o crescendo lá, aconteceu bem no final dos 29 segundos aproximadamente de qualquer maneira, mas com alguns ajustes, você provavelmente o tempo limite. Vá em frente e encontre alguma música, teste algumas opções diferentes. E quando você adicionar a música à sua edição, lembre-se que você estará reajustando o tempo de sua edição. Você pode obter alguma inspiração diferente para a escolha da música e isso mudará a maneira como sua edição é, e isso é ótimo. Deixe-o moldar ainda mais a sua edição. Lembre-se que o processo de edição é feito e passa. Assim, cada novo elemento que você adicionar à história precisará ser integrado na sua edição atual e sua edição disposta a ajustar e alterar de acordo. Então, para recapitular, tente selecionar apenas algumas tags. Comece com gênero e humor. Identifique ótima música ouvindo as mudanças no instrumento, ritmo, tom, intensidade e efeito, e certifique-se de que a faixa realmente o move de alguma forma emocionalmente. Primeiras impressões do usuário com as faixas. Certifique-se também de editá-los. E quando estiver em dúvida, experimente. Não dói. Vá em frente e procure música para o seu próprio projeto. E na próxima lição, vamos aprender o que significa editar com propósito. 9. Edição com propósito: Queremos ter em mente em todos os momentos como nossa edição está fazendo o público se sentir. Como esse corte faz o público se sentir? E quanto a este? Como todos os cortes em sua edição fazem com que o público pareça geral, independentemente de você ter sucesso ou não na conexão com o público, você ainda precisa justificar todas as edições feitas. Caso contrário, qual é o sentido de fazer uma edição em primeiro lugar? Então, por exemplo, aqui mesmo, quando o jardineiro coloca a semente no buraco, bem ali, aquele corte é super simples, mas também tem muito a ver com o propósito geral da peça que estamos tentando inspirar, estamos tentando encorajar, estamos tentando criar essa mensagem esperançosa. E uma maneira de fazer isso é enfatizar nosso personagem herói, que é a semente. É um tiro muito centrado que pode representar estabilidade. E também é a primeira vez que você vê o buraco cavado com apenas a semente dentro dele. Então coloca muito mais ênfase neste momento. Voltando também à lição sobre o processo de edição, expliquei o que era a continuidade de edição e como usei a continuidade de edição neste corte, particularmente para contrastar as outras edições que não seguem as regras de continuidade. E eu faço isso e tento criar mais significado com essa edição. Também usei um zoom digital muito sutil para enfatizar. Concentre-se mais na cena dele. Na própria paisagem sonora. Acrescentei esta explosão, que soa mais como um ataque de base. Para enfatizar a gota de uma semente. Eu segurei um pouco mais no tiro. Então eu realmente tive que copiar colar esses quadros algumas vezes para alongar o tiro um pouco mais. Permanecer no tiro muda o ritmo, adicionando um pouco mais de tensão e drama. E, finalmente, temos a nossa voz, mantenham-se determinados. Mantenha-se determinado, que é a mensagem da nossa peça que estamos tentando encorajar ou tentando inspirar. Quero chamar a atenção para esta mensagem. Portanto, o momento em que o VoiceOver aparece é importante. O público para se sentir como se fossem a semente em si, eles estão nessa posição. O assento está sozinho no centro do quadro. Sabemos que vai acontecer, vai ser coberto. Então talvez haja um pouco de ansiedade em torno disso, mas o lembrete de voz, mantenha-se determinado. Sabemos por que estamos fazendo isso. Sabemos que vamos passar por essa transformação. Não vai ser fácil, mas há coisas boas do outro lado. Eu sei que isso soa meio ridículo, mas isso sempre me ajuda a fazer uma edição e ter uma boa razão para a edição que justifica a edição. Eu tenho uma razão. Espero que atinja o público da maneira pretendida. Então, todas essas razões, usando a continuidade de edição que cortou neste momento, a base atingiu o tiro prolongado prolongado, o dia de narração determina o zoom digital. Todas essas edições são uma tentativa de fazer o público se relacionar com essa posição, para chamar a atenção para o propósito da história. Muitas vezes, quando estou a fazer edições, penso como é que isto se sente? Eu estou mesmo falando alto e usando as palavras, eu sinto que este corte está usando essas palavras sentimento pode me ajudar a me conectar à emoção do corte e vai me ajudar a justificar minhas escolhas de edição, certificando-se que propósito é sentida e vista com cada escolha que faço. É por isso que temos de confiar nestas intenções. Nossa intenção para a edição é esta. Isso não significa que o público vai receber essa edição dessa maneira, mas você tem o poder de justificar sua edição e tentar desenhar esse propósito, e ter uma maior capacidade de conectar o público ao propósito geral. Outro exemplo aqui, fades são tipicamente conhecidos por serem usados para criar um passar do tempo. Senti que este dissolvido funcionaria o melhor para este momento, a dissolver é uma transição suave das manchas de sujeira caindo fósforo dissolvendo para as gotículas de água, a sujeira e a água se contrastam e ambos têm significados diferentes. O público pode criar o significado que eles querem fora disso e pode ser sutil. Pode nem ser tão óbvio. Mas a ideia é que eu tinha isso em mente para justificar o corte. Estou tentando mostrar que com o tempo, as manchas de sujeira, a sujeira que cobre a semente acabará por se transformar em água nutritiva, que representa a esperança. A esperança que te leva através dos tempos escuros profundos. Segure a esperança. Uma vez que você ouve a palavra esperança, é quando você pode ver a água totalmente visível. Não há nenhuma mudança de opacidade porque eu realmente queria enfatizar a esperança da situação naquele momento. Agarre-se à esperança. Eu também decidi amplificar o ruído da chuva para enfatizar mais esse simbolismo. Tentei todas as edições para justificar as minhas razões para fazer o corte. Tentei fazer com que cada edição se adapte ao propósito através da emoção. Nem todas as edições vão funcionar dessa forma, mas eu tentei, este é apenas alguns exemplos da minha edição. E quem sabe? Talvez tenha interpretado de uma forma completamente diferente. Isso é bom. Tudo o que realmente importa é que cada edição que você faz precisa ser justificada. Você está sempre tentando pensar sobre como o público vai se sentir naquele momento. E se está servindo o propósito do seu projeto. E então o que é ótimo é que quando outra pessoa analisa seu projeto, pode confirmar se o tom pretendido está passando ou não. O propósito da sua Edição deve estar sempre na vanguarda da sua mente. Pense em sua própria edição e como você criou significado com cada corte ou grupo de cortes, isso pode significar que você está fazendo cortes para que outro corte tenha significado. Esta é também a arte da edição e leva tempo e prática. Isso é o que realmente me deixa animado sobre a edição geral. Divirta-se criando um propósito com a sua edição. E lembre-se, você pode fazer sentido a cada edição que fizer. Na próxima lição, vamos mergulhar na mixagem de áudio. 10. Guia sobre mixagem de áudio: Nesta lição, vamos passar por algumas diretrizes gerais de mixagem de áudio. Compreender este processo ajudará a melhorar a qualidade da sua paisagem sonora. O objetivo de uma paisagem sonora é atrair o público para a história e para ser bem sucedido nisso, a paisagem sonora precisa melhorar a edição. Livrar-se de todas as possíveis distrações. Isso significa principalmente limpar todos os cliques e pops. Para mim, tornou-se um hábito adicionar dois milissegundos áudio desvanecimento para os prós e contras de cada pedaço de áudio. Fazer isso criará rapidamente transições suaves para o seu áudio. Vou rever algumas diretrizes gerais sobre os níveis de áudio aqui. Então pegue isso com um grão de sal. Você precisa usar seus ouvidos. E para cada projeto vai ser diferente. Este projeto, na minha opinião, é misturado um pouco mais quente do que outros, que significa que estou jogando meu áudio mais perto do pico máximo, que eu não faço para todos os projetos. Uma outra coisa para ter em mente, não pico passado 0 decibéis ou você vai distorcer seu áudio porque a voz é tão integral para a nossa história, É muito importante que ouçamos a voz claramente, nítida, não abafada, concisa. Então, não importa o que aconteça, vamos garantir que a voz é clara acima da música e dos efeitos sonoros. Não julgue, todos os dias junto às joias de peixe do salão, gosto de manter a minha voz a espreitar de menos 12 para menos 6. Há momentos em que pode atingir até menos três, mas não vai além disso. Dica rápida, use o compressor multibanda com uma predefinição de broadcast. Isso comprime o áudio, dando à voz um som mais uniforme, enfatiza frequências particulares na voz e concentra o som da voz sobre, tornando-a mais forte e nítida e clara. Isso também permite que você aumente sua música e efeitos sonoros um pouco mais sem perder a clareza de voz dentro da mistura. Além disso, quando você estiver aplicando efeitos de vários clipes de áudio, tente usar o mixer da faixa de áudio dessa forma. Se você fizer ajustes, poderá fazê-los em todos os seus clipes de uma só vez, em vez ter que selecionar cada clipe de áudio individual em um tempo. O que eu amo é que essas são diretrizes, então você não precisa necessariamente ficar com isso, especialmente se sua história exigir isso. Eu amei o show mente Hunter, e eu especialmente encontrei sua escolha para manter a voz é menor do que a música nessas cenas de bar cativante, você realmente tem que ouvir. E se você estivesse neste local na vida real com uma banda ao vivo tocando, você provavelmente não seria capaz de ouvir a outra pessoa tão bem sobre a música. Então eu gosto de como eles usam isso para contar a história e fazê-la parecer mais real. Mas o que eles também fizeram foi adicionar legendas. Não ter legendas permite que o público seja capaz de ler o que está dizendo. Se eles não pegarem as palavras reais do que estão dizendo, é isso lhes permite manter as escolhas de mistura voltadas para o realismo da história. Esta é apenas a minha opinião, mas dê uma olhada nessas cenas quando tiver uma chance. Ao contrário dessas cenas especificamente misturadas em caçador de mentes, a história complexa e os visuais do inquilino exigem toda a sua atenção. É do meu entendimento que Christopher Nolan queria dar ao público e experiência imersiva e ele realmente acredita no cinema. Então este filme era para ser visto nos cinemas, e eu não tive a chance de ver nos cinemas, então tive que assistir na TV. E eu descobri que alguns dos diálogos era difícil de entender sobre a música em expansão e o alto alcance dinâmico me faz aumentar o áudio durante os momentos de silêncio e baixá-lo durante os momentos altos. Eventualmente, optei por assistir com legendas, que também competiam com os visuais complexos. E tornou-se mais difícil seguir a história, que acabou me tirando da experiência. Mais tarde eu decidi assistir as cenas, fones de ouvido e a mistura foi incrível em meus fones de ouvido. Então, qual é a moral da história aqui? Embora a maioria dos filmes e programas de TV mantenha as vozes claras acima do restante do áudio, você nem sempre precisa seguir as regras, mas também precisa considerar onde e como sua edição será visualizada. Apenas certifique-se de encontrar aquele meio feliz que combina com a história sem frustrar seu público. Para efeitos sonoros, eu vou apontar para manter os níveis estão atingindo o máximo de cerca de menos 20 para menos oito. E alguns efeitos podem até ir para menos três. Esse é o objetivo para mim com som, é complementar a edição e atrair o público mais fundo para a ação e a história. Na próxima lição, vou passar por mais algumas dicas sobre efeitos sonoros, pois é uma grande parte de uma grande paisagem sonora. A música gosta dos efeitos sonoros, também, você adivinhou. Precisa atrair o público para a história. E o que a música faz muito bem é melhorar o tom do projeto. Eu vou apontar esquiou minha música atingindo o pico entre menos 20 decibéis a menos 10 decibéis. E, em alguns casos, a música e até chegar a menos três decibéis. Se a história exigir, a música servirá principalmente para equilibrar os momentos entre nossa voz e levará nosso público até o final da peça. Quando as dublagens estão presentes, eu costumo abaixar ou mergulhar a música para manter a voz clara. Cada dia pelo salão jóias peixe, dependendo da cena, você pode ter que pato ou mergulhar mais frequentemente do que não, quando você tem momentos sem dublagem ou efeitos sonoros concorrentes e música e fazer um ótimo trabalho para preencher O vazio. Se deixarmos um momento MC ou onde não há diálogo ou efeitos sonoros, pode soar como um erro foi cometido na mistura. Agora isso não quer dizer que você não pode ter momentos de silêncio em sua música, apenas apontar para ser intencional sobre isso. Então, nesta parte da mistura, eu quero que ele mergulhe a música para enfatizar a chuva, que simboliza a esperança. Então, neste caso, eu vou gradualmente mergulhar a música para baixo para guiar o ouvinte da música para o som crescente da chuva. Então aqui vai uma recapitulação. Use desvanecimentos de áudio para se afastar de quaisquer cliques ou pops em seu áudio. A voz deve ser limpa e clara, compreendida sobre outros sons. Aponte para manter seu diálogo em torno de menos 12 a menos seis decibéis. Tente usar o compressor multibanda. É uma ótima maneira de levar sua voz para o próximo nível de forma rápida e fácil. Efeitos sonoros são geralmente para mim, cerca de menos 20 a menos oito decibéis. Mais uma vez, eles complementam a edição, atraem o público para a ação, enfatizam certos momentos da história. A música em torno de menos 20 decibéis a menos 10 decibéis. Música e realmente beneficiar o tom da sua peça. Queremos que cada elemento de áudio, diálogo, efeitos sonoros, música, todos para elogiar uns aos outros e a edição geral. Então, na próxima lição, vamos falar sobre efeitos sonoros em nossa paisagem sonora. 11. Criando uma paisagem sonora cativante: Semelhante à música, os efeitos sonoros podem atrair o público para a ação que está acontecendo na tela. Por isso, é importante saber quais efeitos sonoros escolher e como alterá-los para se adequar à sua história. A maneira como gosto de abordar o processo de seleção de efeitos sonoros. Percorra a minha sequência, identifique onde os efeitos sonoros podem caber e que tipo de som pode funcionar com a ação. A maneira como eu faço isso é apenas colocar marcadores e escrever todas as idéias de efeito sonoro que eu tenho para qualquer ponto específico na linha do tempo. A proximidade da câmera com um personagem ou objeto alterará a qualidade do som, a intensidade e a escolha do som. Então, neste tiro à distância, vemos a cabeça esfregando contra a sujeira. E em vez de ouvir os barulhos de sujeira porque está tão longe, o ambiente da cena vai dominar isso. Então você pode ouvir neste exemplo, eu escolhi amplificá-lo, os pássaros e o ambiente em vez da sujeira. Em um tiro como este, onde estamos mais perto do assunto, temos um pouco mais de liberdade e acionando esse áudio. Eu até tive a idéia de que eu poderia usar algo como construir efeitos sonoros de escombros ou como um slide de rocha ou algo assim. Os sons não necessariamente todos precisam soar realistas. Eles só precisam soar direito para a ação, a cena, e a história geral. Usando um efeito sonoro que pode não ser realista para a cena, vai se destacar mais e pode ser útil quando você está tentando chamar a atenção para certos momentos da história. Esperemos que esses momentos atraiam o público mais fundo na história e em seu significado. Use isso para descobrir quais partes da história você quer enfatizar. Ouça esta paisagem sonora que criei. Eu silenciei a música e a voz para que você possa realmente ouvir os efeitos sonoros. Que papel eles desempenham no propósito da história. Sei que todos terão uma ideia diferente. Que tipo de paisagens sonoras soa bem para eles e o que eles preferem. Mas minha intenção com a paisagem sonora era usar uma variedade de efeitos sonoros para chamar a atenção para o nosso herói, que é a semente, eu usei uma variedade de hits, desejos, impactos para amplificar os movimentos da semente. Enfatize a cobertura desta equipe com a sujeira. Faça parecer um pouco mais aterrorizante. Anel Boone. Traga atenção para o alimento da água, a chuva, e faça essa transição para os pássaros cantando novamente, que é destinado a mostrar a vida da semente, o futuro dela. Então é tudo sobre a história da semente, tudo sobre o propósito dessa semente. Estou apenas enfatizando esses momentos e pensando em como posso chamar a atenção para o propósito deste projeto? É muito importante ter uma paisagem sonora completa. E realmente o que isso se resume a é utilizar uma gama completa de frequências, baixa frequência e sons de alta frequência. E você pode fazer isso colocando vários efeitos sonoros juntos que apresentam frequências altas são baixas freqüências, ou você pode manipular a freqüência usando um filtro. Fazer isso adicionando várias camadas de efeitos sonoros é realmente bastante simples. Vou procurar um efeito sonoro que funcione e que tenha altas frequências. E então eu também vou olhar para efeitos sonoros de frequência mais baixa que funcionarão para a mesma ação também. Neste segmento aqui, usei uma combinação de sons de alta frequência e sons de baixa frequência. O som de alta frequência do George. As mãos escovando juntas incluem uma combinação de frequências de alta frequência e médias-altas. Aqui está uma frequência mais baixa. Por último, eu adicionei um par de efeitos sonoros whoosh para destacar o corte de preto para as mãos escovando juntos, aqui temos um desejo de alta frequência média. E esta lavagem profunda e empurrão cobrindo nossas baixas frequências. E, novamente, todos esses efeitos sonoros se misturaram. Vamos voltar para a sujeira caindo sobre esta parte de semente da edição para que eu possa mostrar como esta parte soa sem nenhum ajuste de frequência. Antes de aplicar qualquer efeito, era uma confusão de sons. E depois de ajustar as frequências, é assim que parece. Vou usar este segmento curto com dois efeitos sonoros diferentes para ilustrar como manipular frequências. Neste caso, vamos silenciar a nossa segunda faixa. Vamos dar uma escuta a esta primeira faixa aqui para mantê-lo simples. A nossa faixa superior será de alta frequência e a nossa faixa baixa será de baixa frequência. E nós já temos muito dessa alta frequência neste efeito sonoro. Então eu não vou ajustá-lo em tudo. Vamos ouvir a segunda faixa de áudio agora. Então você já pode ouvir que soa muito alta freqüência. É um elogio, o efeito sonoro de alta frequência na primeira camada, queremos retirar um pouco mais dos sons de baixa frequência neste. Então, para fazer isso, eu vou usar o equalizador paramétrico, que é um filtro de efeitos de áudio. Qualquer controle de efeitos de equalizador paramétrico de fila edita o efeito. E podemos ler isto da esquerda para a direita e do lado esquerdo temos os nossos sons de baixa frequência, e o lado direito temos sons de alta frequência. Quando o reproduzirmos, podemos ver todos os sons de baixa frequência deste lado e sons de alta frequência deste lado aqui. Há um pouco mais sons de alta frequência sendo enfatizados aqui. E o que eu gosto sobre o equalizador paramétrico é que você pode obter muito específico com diferentes frequências. E há uma tonelada de coisas que você pode fazer com isso. Mas como estamos apenas focando em tentar criar frequências baixas e altas, podemos desativar todos esses intervalos aqui. Manter apenas são notas de alta e baixa frequência. Se você simplesmente clicar e arrastar um desses pontos, você não pode ir além de menos 15 dB ou passar o low end ou o high-end na escala de dano. Então, uma maneira de ir além disso é usar os controles deslizantes numéricos. E vamos baixar essa alta frequência completamente. E vamos aumentar essa baixa frequência, boa e alta. Então só estamos capturando essa parte das frequências aqui. Então, vamos dar uma escuta a isto. Já. Você pode ouvir, estou captando muito mais sons de baixa frequência. Mas acho que quero empurrar isso um pouco mais. E vamos ajustar isso um pouco mais. Cortaremos até essas frequências também e nos concentraremos nas baixas e baixas. No entanto, você teria um bom campo de base para ele. E agora, quando combinamos nosso efeito sonoro de alta frequência e o nosso efeito sonoro de baixa frequência, obtemos uma boa gama completa de frequências e nossos sons. E foi isso que fiz com todos os efeitos sonoros. Escolhi frequências altas e baixas frequências. E usei essas frequências para criar uma paisagem sonora mais completa. Então, recapitulando, ao procurar por efeitos sonoros, considero a proximidade do som com a câmera. Quando você estiver mais longe da ação, talvez o ambiente possa assumir o controle. Se você está mais perto da ação, você definitivamente tem mais liberdade e criar sons que podem não ser tão realistas para a ação, mas eles vão soar direito para a cena. E, de fato, é mais importante encontrar fatos que soam direito à ação ou à cena na história, em vez de soar precisos. Isso também se aplica ao propósito da nossa história. O efeito de deslizamento de rocha pode não ser preciso para a nossa cena, mas parece certo para mim e funciona com a história. E por último, é tão importante criar um som completo, criar uma cama de música com efeitos sonoros de baixa frequência e efeitos sonoros de alta frequência. E certifique-se de que você também está usando um efeito de freqüência como o equalizador paramétrico para alcançar o som que você deseja. Tome estas dicas e ideias e divirta-se criando a sua própria paisagem sonora. Na próxima lição, discutiremos os padrões de intensidade. 12. Padrões de ruído: Depois de conseguirmos uma mistura completa, seguindo nossas diretrizes gerais de mixagem de áudio, é hora de fazer alguns ajustes finais para garantir que nosso volume seja um nível apropriado para sua plataforma pretendida ou usando o Radar de Loudness, podemos medir o volume médio de toda a nossa edição. Isso é importante porque nos dá as informações que precisamos para garantir que o volume de nossa edição é onde queremos que ele esteja ao produzir para transmissão web ou cinema, aderir a um padrão é uma ótima maneira de desenvolver um sistema que você poderia seguir todas as vezes. Assim, cada uma de suas edições permanece consistente. Para usar o latim rendê-la, abra o mixer da faixa de áudio e nós vamos aplicar o efeito à nossa faixa mestre. E, claro, a faixa mestre é onde todos são áudio é saída 2. Portanto, qualquer coisa aplicada aqui será aplicada a todas as faixas de áudio. Ir para Special clique Loudness Radar escreveu quando clicar com o botão direito do mouse e editar, ele vai abrir e você vê este radar extravagante. Imediatamente. Você pode ver aqui que temos uma lista de predefinições, que é um ótimo lugar para começar dependendo de onde sua edição vai eventualmente viver, será o fator determinante de quais configurações você precisa discar. Diferentes emissoras têm requisitos diferentes para o volume e picos. E quando você está entregando ativos, uma emissora geralmente terá algum tipo de folha de especificações detalhando tudo o que você precisa para fornecê-los. E isso inclui requisitos de volume também. O padrão de volume é medido em amores I'll UFS, que é unidades de volume, full-scale ou alce AFS volume K ponderado em relação a amores de escala completa e LCF S são essencialmente a mesma coisa. Ambos são medidos em escala absoluta e são iguais a um. Vamos dar uma olhada nessas predefinições. Temos ATSC, que é comumente usado na América do Norte. Se clicarmos em Configurações aqui, veremos as alterações sendo aplicadas junto com suas predefinições. E você também pode ver aqui que o volume alvo é menos 23 ALK AFS. Aqui temos as normas europeias de radiodifusão. Altura do alvo é menos 23 Elliot de S, então um pouco mais alto. E então aqui temos TRB 32, que é o padrão de transmissão japonês. E isso também está em menos 24 alces AFS. E então temos Cinema, que é menos 24. Medir o volume é diferente do que medir picos. Seus medidores de áudio é o que mede picos, seu áudio de pico. Enquanto o radar mais alto mede os níveis médios. Para a web, a diretriz geral é manter menos 16 LK IFS usará a predefinição ATSC para o nosso ponto de partida. E isto é para os padrões de transmissão da América do Norte. Clique e arraste o controle deslizante para baixo até menos seis. E mudaremos a velocidade do radar para um minuto. E a razão para isso é porque nosso projeto é apenas cerca de 40 segundos ou mais. Então a velocidade do radar é o que determina o quanto será exibido em nosso radar. E também pegue nosso indicador de pico e arraste para baixo para 0 decibéis porque para a web, nós apenas não queremos que ele pico passe 0. Não há nenhuma exigência geral do que o pico máximo precisa ser. Seja paciente. Não julgue cada um. Certo, então estamos muito barulhentos. Estamos em menos 14. Eu também não notei nenhum pico. O indicador de pico acenderá se os picos forem além do que você disse, o indicador de pico 2. Então, como ele está definido como 0, nada é o pico de caminhos 0, então não vamos arriscar qualquer distorção. O que é ótimo sobre este Radar Loudness é que ele nos dá uma representação visual do volume. E podemos ver que é bastante consistente. Mas aí por aqui fica um pouco mais alto. Então eu posso voltar para a mistura e tentar obter mais de um volume uniforme ao longo. Agora nosso objetivo é nos dar um menos seis OK AFS. E a maneira de fazer isso é, bem, há um monte de maneiras diferentes de fazermos isso. Mas eu usaria o limitador duro. E a razão é porque o limitador duro faz duas coisas diferentes. Vamos clicar nele. Primeiro, limita o áudio. Então você está garantindo que o áudio não vai além de um certo limite que você definiu. E você também pode alterar o aumento de entrada, que aumentará o áudio geral ou diminuirá o áudio geral usando este controle deslizante. Então, se você tem áudio que não é alto o suficiente, você pode aumentá-lo em uma certa quantidade de decibéis para chegar ao nível que você quer chegar. Mas, no nosso caso, temos que baixá-lo por uma certa quantidade de decibéis. Então, se você quiser levar isso a menos 16 decibéis, precisamos reduzir isso em 1,4 decibéis. Então clique com o botão direito do mouse no limitador rígido e levará o impulso de entrada para baixo em 1,4 decibéis. E também vamos mudar isso de pico para pico. E a razão é porque o verdadeiro pico é onde o nível máximo do nosso sinal de áudio será atingido. Não pode ultrapassar o que indicamos nesta escada. Se ele diz um verdadeiro pico e o verdadeiro pico é como um pico, mas do meu entendimento, é mais preciso e eu não tenho certeza exatamente por que precisamos de verdadeiro pico e pico e não apenas ter verdadeiro pico. Mas é assim que é. Basicamente, se você vai usar pico, você ainda está arriscando a chance de que alguns picos desonestos podem passar do seu limite definido. Não importa o que bloqueará qualquer sinal de ultrapassar o limite definido. E no nosso caso isso é menos 0,1 decibéis. Vou rodar o radar mais uma vez, redefinir isto, e vamos ver onde aterramos. Boom, lá vamos nós. Estamos no programa menos 16. Apenas processando nosso áudio usando o limitador rígido nos levará o resto do caminho até lá. Agora vamos fingir que isto foi transmitido. O que faríamos? Baixei as especificações do hemograma. Eu sou do Canadá. Imaginando que entregamos algo para o hemograma. E aqui temos este enorme documento cheio de especificações técnicas que poderíamos seguir e incluído nele é o nosso áudio. E olhe para isso, temos som de áudio bem aqui. Diz aqui menos 20 decibéis verdadeiro pico máximo. Então isso significa que não podemos ir além de menos 2. Então, vamos voltar às nossas configurações. Podemos definir este indicador de pico agora 2 menos 2 DDNTP. Então isso nos mostrará para Pequim passado menos 2, um programa de intensidade de menos 24 alces AFS e uma ALU mais menos 2 significa que poderíamos estar dentro de duas unidades de intensidade de menos 24 LK IFS, mas não há problema. Podemos acertar Minus 24. Vamos ajustar isso de volta para menos 24. Nosso radar mudou, então agora está fora dos limites do que precisamos para transmissão. Como equilibramos nosso áudio de menos 16, podemos voltar direto para nosso limitador de disco rígido. Temos verdadeiro pico selecionado e vamos definir isso para menos2 porque não queremos que ele passe menos 20 dB TP. E vamos levar nosso impulso de entrada para baixo mais oito pontos decimais. Se tirarmos isto daqui a oito, devemos descer para menos 24. Então, o que é isso? Isso é menos 9.4. Agora é radar isso. E lá você não leu menos 24 alces AFS e nada está atingindo o pico passado menos 2 DDNTP. Então, recapitulando, medir o volume é diferente de medir picos. Os medidores de áudio medem picos, enquanto o radar de intensidade mede os níveis médios. Para a web. Você pode manter um alvo de menos 16 intensidade, mas apenas certifique-se de que você não está ultrapassando 0 para transmissão. E consulte a folha de especificações técnicas de qualquer emissora que você está entregando seu projeto final 2. E no nosso exemplo, ficamos com menos 24 ALK AFS e menos 20 dB TP. O verdadeiro pico é a versão mais precisa do Peek. Use o verdadeiro pico para garantir que você não vai ultrapassar qualquer que seja o limite. Usamos o limitador rígido porque limita seu áudio e também permite que você ajuste o ganho de saída geral usando a escada de aumento de entrada. Então, se você está muito quente, recusou um pouco para chegar ao volume do alvo. E se você estiver muito quieto, aumente para que você possa voltar ao volume do alvo. Se você está vendo muita variação em seu medidor de volume de ouro de volta para sua mistura e certifique-se de que tudo está soando bem e não está atingindo o pico. E está dentro das diretrizes gerais de mixagem de áudio de menos de 10. Ótimo trabalho. Completamos a parte de áudio desta classe. Em seguida, vamos falar sobre correção de cores ou como alcançar brilho e contraste precisos. 13. Ajustando o brilho e o contraste: Antes de dar uma olhada em suas filmagens, é importante que obtenhamos níveis de luminância adequados. Então, nesta lição, vamos nos concentrar em como alcançar brilho e contraste precisos. Ao iniciar a correção de cor primária, precisamos de algumas ferramentas de correção de cores, Lumetri Color e nossos escopos. Se você não tiver esses painéis abertos, vá para Janela, Lumetri Color e limite seus escopos, que está localizado aqui. Quando o painel Lumetri está aberto, a seleção segue. opção de cabeça de reprodução será ativada onde quer que a cabeça de jogo esteja, ele selecionará automaticamente o clipe que ele está acima. Eu não sou um grande fã disso. Então eu vou para a sequência. Desselecionar Seleção Segue cabeça de jogo, e lá você tem isso. Agora ele não está mais selecionando automaticamente o clipe. Agora vamos dar uma olhada em nossos escopos. Então aqui temos uma gama de escopos. Escopos estão aqui para nos ajudar a medir os valores de iluminação, cor e saturação dentro de nossa imagem. Agora não vamos ficar muito sobrecarregados aqui. Basta desmarcar todos estes, exceto a forma de onda. E tudo o que estou fazendo é clicar com o botão direito do mouse na janela de escopos do Lumetri para obter esse menu. Também pode clicar nesta pequena chave inglesa para obter este menu para cima. Portanto, certifique-se de ter apenas a forma de onda selecionada. E vamos mudar o tipo de forma de onda para Luma porque o primeiro passo no processo de correção de cores é obter níveis de luminância precisos. E quando selecionamos nossa forma de onda para ser luma, estamos apenas medindo o brilho da imagem. Não há valores de cor. Todas estas pequenas partículas brancas aqui no monitor de forma de onda correspondem aos valores de luminância da nossa imagem. Então esta banda aqui é a sujeira. A sujeira preenche a maior parte do quadro e que está sentado entre 10 e 20 IRI. Então, o que você acha que é isso? Bem aqui, nesta área? Bem, essa é a folha. Esta folha está sentada entre 20 a 50 IRE. E então você pode ver esta folhagem mais escura, que está nesta área aqui. E o que você acha que é isso? Na nossa mão? E quando nós reproduzimos, você pode ver que é como animar essas partículas enquanto a mão está se movendo. Uma maneira realmente fácil de identificar qual parte da imagem corresponde a qual parte na forma de onda é ir para seus controles de efeitos. Selecione uma Máscara. Volte para seus escopos Lumetri e, em seguida, você pode clicar e arrastar a máscara sobre a imagem estão vendo apenas partes que são mascaradas. Então, sim, há a nossa folha, há a folhagem mais escura. E depois há a nossa mão. Lá está o nosso tom de pele indo até lá. Isso vai ser muito útil quando estamos tentando obter todos os elementos com nossa imagem para a luminância adequada. Se você é novo na leitura de formas de onda, percorra o resto dos clipes e tente identificar quais valores correspondem a quais partes da imagem. E então pegue sua máscara e descubra o quão perto você estava para estar incorreto. O que eu gosto de usar como referência para níveis de luminância precisos é o Sistema de Zona. Isso foi criado por Hansel Adams e Fred Archer para determinar a exposição e desenvolvimento ideais do filme. É para fotografia de impressão em preto e branco, mas também uso isso como uma referência para quando expor para vídeo e na pós-produção ao definir meus controles deslizantes de exposição. Assim, o 0 a dez no sistema de zona pode corresponder a 0 a 100 em nossa escala IRE. Vamos dar uma olhada nisso e combiná-lo mais ou menos com o sistema de zonas. E é claro que você ainda tem o usuário eu parei o determinado nestas circunstâncias, sob essas condições de iluminação com esses elementos no quadro olhar como este. Então eu estou empurrando e puxando controles deslizantes até que as coisas estão pousando tipo de nas áreas certas. Você pode ver que eu estou começando com meu contraste e eu estou lentamente trazendo meus destaques e minhas sombras para os valores de luminância certos. Então a forma de onda começa a se expandir um pouco e eu não estou tentando esmagar o detalhe nas sombras, nem estou tentando cortar os destaques. É tudo sobre reter o máximo de informação possível na imagem. Você pode ser tentado a trazer as sombras para baixo sujeira porque ele adiciona mais contraste e, naturalmente, isso adiciona mais soco. E é meio satisfatório ver uma imagem de alto contraste, mas evite fazer isso nesta fase. Tente obter essa sujeira no nível certo, o que significa que você não está esmagando as sombras só porque a sujeira é escura. Isso não significa que ele precisa estar em 0 IRE. Então eu vou jogar uma máscara aqui, verificar os valores, verificar os tons de pele. Os tons de pele parecem um pouco quentes, então vou puxá-los de volta um pouco para a zona de pouso 6. E os destaques dos tons de pele poderiam empurrar possivelmente na Zona 7. E quando eles são tons de pele no quadro, geralmente estou priorizando os níveis dos tons de pele primeiro, e essa é outra maneira de determinar qual é o nível do mar, olhando para os tons de pele dentro do quadro. E às vezes eu vou apenas monitorar os níveis dos tons de pele e deixar tudo cair onde um macho em torno disso, o alcance dinâmico dos tons de pele nesta foto é muito amplo. Ele vai de 10 IRI todo o caminho para 70 IRE. Então, neste caso, e na maioria dos casos, eu estou olhando para os destaques da pele e trazendo os níveis para onde os destaques devem estar. Como editor, você vai corrigir muitos tipos diferentes de tons de pele. E eles vêm em uma ampla gama de iluminação e diferentes situações de iluminação. Muitas vezes estou usando essas diretrizes, mas também estou me perguntando, isso parece natural dadas as condições de iluminação? Isso parece realista para a história e o mundo em que estamos vivendo. Novamente, na fase de luminância, tudo o que estamos tentando fazer é obter brilho e contraste precisos em cada uma de nossas fotos para que elas pareçam consistentes por toda parte. Você sempre pode alternar entre cada quadro para verificar os ajustes. Mas usar a exibição de comparação é uma maneira muito mais fácil de se certificar de que tudo está correspondendo. Para fazer isso, verifique a guia Color Wheels e Match. Selecione nosso clipe. Então queremos combinar este clipe com o nosso primeiro. Clique no modo de exibição de comparação. E você vai ter os dois clipes bem ao lado do outro. Outra maneira rápida e fácil de obter a visualização de comparação é ir ao seu editor de botões aqui. A vista de comparação é este ícone aqui, clique e arraste para a barra de botões e você está pronto para ir. Bem, eu especialmente amo sobre a visão de comparação é que você pode comparar escopos também. Então você tem uma visão muito clara de, tudo bem, sombras mais ousadas não estão bem alinhadas aqui. Por isso, é fácil entrar e alterar algumas coisas. E então nossos destaques parecem um pouco mais quentes. E este quadro comparado ao nosso quadro à esquerda, e eu meio que prefiro os destaques gerais do tom de pele aqui do que eu faço aqui. Então, talvez eu leve estes para baixo só um pouco. Então, vou tirar os destaques. Vou até tirar a exposição só um pouco. E novamente, estou apenas ajustando meus controles deslizantes até obter um nível geral que corresponda ao nosso primeiro tiro. Então parece que temos uma comparação mais semelhante de quadros. Luminância sábia. Esta é uma moldura mais fria do que esta. Os níveis de luminância quase podem parecer diferentes em cada quadro. Mas uma vez que você ajustar seu equilíbrio de branco, matiz e saturação na próxima lição, as fotos parecerão muito mais ainda luminância sábia. É por isso que é tão importante confiar sempre nos seus âmbitos. Normalmente estou corrigindo luminância e cor ao mesmo tempo. Se você quiser ir em frente e fazer isso, você pode fazer isso depois de assistir a próxima lição. Mas, por todos os meios, se você quiser passar por cada clipe e ajustar a luminância primeiro, é uma ótima prática e é uma ótima maneira de se concentrar em um aspecto da correção de cor de cada vez. Então, para recapitular, monitor de forma de onda do usuário para ajustar os valores de luminância para seus níveis precisos. Use uma máscara para obter uma leitura mais precisa de seus níveis de luminância. O sistema de zonas é uma ótima referência ao ajustar os níveis de iluminação. Mas lembre-se, use seu melhor julgamento sobre o que parece bom, o que parece real, o que parece natural, e não se esqueça das condições de iluminação que mudam tudo. Em alguns casos, é mais importante que cada clipe seja consistente em toda a sequência. Ter uma base consistente tornará o processo de gradação de cores ou adicionar uma aparência muito mais fácil. Então, se você decidir que seus destaques de tom de pele vão estar em 70 IRE, certifique-se de que os destaques dos tons de pele em cada quadro acabam sendo cerca de 70 IRE. E lembre-se também que estamos apenas tentando manter o máximo de informações possível. Não caia na armadilha de puxar suas sombras até 0 e seus destaques até 100. A menos que, claro, você tenha preto puro ou branco puro dentro do quadro. Se o objetivo é manter o máximo de detalhes nas sombras e destaques possível. Vamos para a próxima lição onde vamos corrigir nossas cores. 14. Ajustando cores: Agora que alcançamos níveis de iluminação adequados, é hora de focar na precisão da cor. Obter uma base de cor precisa nos dará um bom lugar para começar ao adicionar controle remoto. Corrigir a cor também faz parte do nosso processo primário de correção de cores. E para isso, precisamos dar uma olhada no escopo vetorial. Desde a última lição que usamos o monitor de forma de onda. Então, basta deixar o escopo vetorial, você pode usar a chave inglesa ou clicar com o botão direito do mouse na janela Lumetri e selecionar Vector Scope YUV. E vamos desselecionar uma forma de onda luma, então temos uma visão maior do escopo vetorial. O escopo vetorial nos mostra diferentes tons e quão saturados esses tons são, as cores representadas por essas caixas e letras conectadas por essa linha delimitadora aqui. Quanto mais longe as partículas estão do centro do escopo vetorial, mais cores saturadas são, mais próximas elas estão do centro, menos saturadas lá. Então, se eu ajustar meu controle deslizante de saturação, você pode ver e levar a saturação para preto e branco. Não há nenhuma cor registrada em nosso escopo vetorial. Aumentamos essa saturação. Essas partículas se afastam mais do centro. Linha delimitadora representa transmissão segura para vídeo SD, que é 75% de saturação de cor. Agora que trabalhamos em HD, podemos ir além dessa linha e essas caixas do lado de fora representando 100% de saturação para manter seus níveis de saturação legal, você não quer ir além dessas caixas externas, mas para web ele faz realmente não importa. Mas novamente, para a web você não vai querer ir além dessas cores de qualquer maneira, porque você não está ganhando nada indo além 100% de saturação de cor ao ajustar para cores precisas dentro de um tiro. A primeira coisa que vou fazer é ajustar o equilíbrio de brancos. O processo de ajuste de branco balanceado remove moldes de cores irrealistas e nossa imagem. Então, qualquer coisa no quadro que é suposto ser branco puro aparecerá branco quando visto sob o monitor do computador. Portanto, há algumas maneiras de obter equilíbrio de branco preciso, cartão branco de combustível ou 18 por cento cartão cinza. Você pode simplesmente pegar seu seletor de equilíbrio de branco. Click e voila, você tem o seu balanço de brancos. Ou, se você quiser fazer isso manualmente, você pode selecionar uma máscara. Certifique-se de que apenas a porção branca está aparecendo. Vá para o seu escopo vetorial. E você pode ver aqui que este branco está realmente ligeiramente inclinado para o amarelo e vermelho. Então, se adicionarmos um pouco mais de azul lá, vamos derrubá-lo um pouco e então talvez um pouco muito verde lá, que muito azul até você ajustá-lo assim. Então agora você pode ver aqui nós temos menos saturação em nosso cartão branco, que é suposto ser branco, que não tem nenhum valor de cor para ele. Portanto, ele deve estar no centro do escopo vetorial antes, depois. Você não precisa necessariamente de um cartão branco também. Se você não tinha um cartão branco, vamos redefinir isso. Você pode selecionar algo dentro do quadro que é branco. Podemos até clicar no planejador branco lá atrás, mas ele se inclina um pouco mais para o azul. Então use esta técnica com cautela. Se você não tiver nenhum cartão de balanço de branco ou qualquer coisa que esteja branca dentro do quadro para referência. Não se preocupe, você também pode olhar para os tons de pele. Então vamos mascarar os tons de pele. Nós vamos ter alguns desses destaques bem aqui. Vamos voltar aos nossos âmbitos. Agora, o nosso equilíbrio de brancos é bastante preciso. E a maneira que você pode dizer é por esta linha aqui, é chamada de linha de tom de pele. Enquanto seus tons de pele aqui, que nós mascaramos, estão se movendo para cima nesta linha. Você está recebendo tons de pele precisos. Não importa com que tipo de tom de pele você está lidando. Todos os tons de pele precisos cairão nesta linha. Há um pouco mais dos tons de pele inclinados para verde e amarelo. Para que pudéssemos ajustar nossa tonalidade em direção à magenta um pouco mais. E parece mesmo um pouco quente. Talvez muita saturação se você gosta disso, tudo bem. Mas se estamos tentando obter uma base mais precisa, poderíamos apenas derrubar isso um pouco, apenas um pouco. Vamos ver onde isso nos leva. Então vamos ver um antes e um depois. Então é um pouco quente, um pouco amarelo, você pode ver um pouco do verde amarelo. Ligamos essa coisa e agora ficamos um pouco mais magenta e azul. Talvez você não goste muito disso, então encontramos algo no meio. E aí está. um equilíbrio de branco mais preciso do que usar esses tons de pele no quadro. Vamos dar uma olhada em um quadro dentro do nosso projeto. Eu vou adicionar um novo efeito de cor Lumetri só para que eu pudesse demonstrar isso um pouco melhor. Nós já completamos nossos ajustes de luminância. Então eu vou adicionar um novo efeito de cor Lumetri e ajustar a cor. Para que possamos ver antes e depois. Máscara. E uma coisa a notar, você não precisa mascarar tudo perfeitamente assim. Como toda a mão perfeitamente. Você não precisa fazer isso. Basta jogar uma máscara lá e certifique-se de que você está pegando uma ampla gama de tons de pele não precisa ser perfeito. Então você pode ver que estamos inclinados um pouco para o amarelo. Então vamos levar esta tenda em direção à magenta dela. O calor da cena parece um pouco aborrecido. Então pode levar isso um pouco e se mover através de uma linha um pouco mais. Lá vamos nós. Vamos desmarcar isso e dar uma olhada. Então porque este tiro filmado na mesma lente e tem uma configuração semelhante a este tiro. E eu tenho tons de pele nesta foto. E consegui corrigir o equilíbrio de brancos. Posso clicar com o botão direito do mouse em copiar e clicar com o botão direito nesse clipe e colar atributos Selecione a cor Lumetri. Agora temos um quadro que já parece muito bom porque estamos pegando todas as informações desta foto e aplicando a esta. Tenha cuidado porque se as fotos tiverem um balanço de branco diferente ou filmes em câmeras e lentes diferentes, você realmente vai querer discar em cada uma dessas fotos individualmente. Outra ferramenta extremamente útil ao ajustar o equilíbrio de brancos é usar o RGB Parade. O RGB Parade mostra o canal vermelho, o canal verde e o canal azul em nossa imagem. E você pode ver imediatamente aqui, ao olhar para esta imagem, temos um pouco mais vermelho geral e o canal azul está um pouco tonificado. Então isso mostra que é um pouco mais de uma imagem quente. E o que é ótimo sobre o RGB Parade é que podemos ver imediatamente se as coisas estão parecendo mesmo cor sábia. Então, se filmarmos desta maneira para aquecer o equilíbrio de brancos errado, se não for óbvio já, podemos ver que é uma imagem quente, mas olhando para o RGB Parade, você pode ver imediatamente que é uma imagem mais quente. E se nós filmamos muito frio, você pode ver que há mais azul na imagem, então há vermelho e verde. Só de olhar para o desfile do RGB. Vamos redefinir isso. Podemos usar o RGB Parade para equilibrar esta imagem. E uma vez que temos um verificador de cores neste quadro, podemos simplesmente jogar uma máscara sobre o verificador de cores. Volte para os nossos Lumetri Scopes. E você pode ver imediatamente as sombras, os tons médios e os destaques que correspondem ao nosso verificador de cores. Se estamos apenas olhando para a cor, podemos ajustar as cores de acordo usando as sombras, tons médios e realces. Então vamos ver aqui. Vamos tentar ajustar e ficar mais azul. Isso está parecendo muito bom. Mas você pode ver, neste caso, ajustar a temperatura e a tonalidade não é suficiente para obter esse equilíbrio em nossas sombras, tons médios e destaques. Então você tem que ir em curvas ou rodas de cor para obter uma imagem mais equilibrada. Temos um pouco de azul demais no destaque aqui, então vamos tirar isso um pouco. Lá vamos nós. Claro que sim. Vamos tentar igualar as sombras um pouco mais. Temos um pouco mais de vermelho nas sombras. Então clique no canal vermelho, abaixe isso um pouco. Então agora temos o nosso vermelho, verde, azul lá, mesmo nas sombras, fique mais uniforme nos tons médios e mais uniforme nos destaques. Agora, vamos dar uma olhada em como é quando tiramos nossa máscara. Então temos o nosso antes e depois. Então, é um pouco mais equilibrado no geral. Pode não ser, mas podemos continuar a ajustar-nos a partir daí. Então, depois de obter uma correção geral do equilíbrio de brancos, você pode parar por aí ou você pode ir para o seu RGB Parade. E, mais especificamente, marque a cor dentro das sombras, tons médios e destaques. Podemos ver ao abrir o RGB Parade, o vermelho nas sombras é um pouco maior do que o azul e o verde. E, na verdade, se você olhar para ele, há um pouco de um molde vermelho nas sombras. E eu tenho certeza que isso aconteceu porque eu mascaro muito das sombras dentro dos meus tons de pele e há muita sujeira nas minhas mãos. Então o escopo vetorial estava exibindo mais tons dentro da sujeira, resultando em mais vermelho nas sombras. Mas podemos ir para nossas curvas, clicar no vermelho e derrubar nossas sombras um pouco. E então isso nos dá uma imagem mais equilibrada dentro de nossas sombras, clicando antes e depois você pode definitivamente ver o elenco vermelho. Antes de fazermos esse ajuste. Nós tiramos esse elenco de nossas sombras com a ajuda do RGB, rezamos por correção de cor secundária. Estamos lidando com seleções de cores individuais. Aqui é onde podemos fazer alguns ajustes finos. Estou me sentindo muito bem com isso. Mas eu notei que a folhagem em nosso quadro quase parece um pouco amarela para mim. Então, se olharmos para a nossa mira, quero dizer, é super sutil, ok? Estou sendo exigente aqui, mas se quiséssemos que isso parecesse um pouco mais verde. Podemos fazer isso. Então, para corrigir cores individuais, eu posso ir para minhas curvas de saturação de matiz, usar a correção de cor Matiz vs Matiz e permite que você altere qualquer cor no espectro para qualquer outra cor que você quiser. Então eu vou selecionar este conta-gotas aqui. Clique na folha. Esta é a nossa âncora aqui. E à medida que você clica e arrasta o ponto do meio, você pode ver que as cores estão mudando. Podemos comer em direção a esta cor ficar um pouco mais verde. E eu posso ver, você pode ver que ele está dobrando um pouco mais desse jeito. Então eu poderia abrir essas âncoras se encaixam. Então eu estou capturando mais do espectro dessas cores na folha. Então é um azul diferente. Agora, vamos um pouco mais perto do verde. Isso é muito indelicado, ok, você não tem que fazer isso. Algumas câmeras têm preconceitos de cores diferentes e corrigi-los. Você quer ir para a sua correção de cor secundária para isso. Então estamos recebendo algo um pouco mais perto do verde. Vamos dar uma olhada nisso. Então, o quadro geral, se eu desselecioná-lo, as folhas parecem um pouco mais verdes, quase explodiram mesmo. Retire isso um pouco, só um entalhe e vamos dar outra olhada. - Sim. Sim, isso é ótimo. É por isso que ter um verificador de cores e quadro também pode ser benéfico. Porque neste perfil em particular que eu filmei isso, você pode ver que a cor verde também é um pouco amarela. Você pode ver aqui na mira, e ele vai entre amarelo e verde. Não está mirando completamente no verde. Então, se eu quisesse ajustar isso, eu poderia usar novamente o Hue vs Hue. Selecione o Conta-gotas. Clique na Cor e clique e arraste até que eu me aproxime dessa cor verde. Quando ele desmarcar isso, você pode realmente me ver antes que pareça verde. Mas quando ele corrigiu é como, oh, na verdade, é assim que parece mais verde para mim agora do que antes. Então é muito sutil, mas você pode ver a diferença. A correção de cor secundária é uma ótima maneira de realmente marcar essas cores ainda mais. Então, recapitulando, é ótimo se você tiver um cartão de balanço de branco, você pode usar o seletor de balanço de branco, mas eu sugiro até mesmo mascarar a área branca e ajustar manualmente sua temperatura e tonalidade. E também o escopo vetorial do usuário para ajustar seus tons de pele e certificar-se de que eles estão pousando nessa linha de tom de pele. Abra o RGB Parade para que você possa ter uma noção geral do equilíbrio da sua imagem. Usar o RGB Parade é uma ótima maneira de solucionar problemas de cor em sua imagem. Use a função Copiar Atributos de Colagem para acelerar o fluxo de trabalho. E, finalmente, se você estiver percebendo algo estranho com qualquer cor individual, você pode usar uma correção de matiz vs matiz curvas para marcar essas cores para algo mais que esteja ao seu gosto ou mais preciso. Aproveite o tempo para corrigir suas cores. Jogue sua sequência e certifique-se de que eles são consistentes ao longo de tudo. Na próxima lição, discutiremos os atributos de um olhar. 15. Atributos de um visual: O visual na cor da sua edição pode adicionar ao tom do seu projeto e servir como uma forma prática na criação de profundidade na sua imagem. O processo de correção de cor é tudo sobre precisão dentro da luminância, do contraste e da cor. Enquanto que na classificação de cores, trata-se de criar uma aparência geral para nossas filmagens que pode provocar alguma resposta emocional. Ao criar um visual, estamos alterando e imagens de contraste luminoso, cor e textura. Aviso rápido, estamos apenas tocando a superfície aqui. Não sou um colorista profissional. As varas, muita prática e habilidade e há uma tonelada de maneiras que a cor pode influenciar o público que eu ainda estou aprendendo. Mas com isso sendo dito, é assim que eu determinaria como dar uma olhada nas minhas filmagens. Será que você está vendo chamada para um olhar brilhante e alegre, ou escuro e mal-humorado. O Ozark. É o melhor exemplo de baixar a luminância para se adequar ao tom escuro do show. Considerando que em muitas comédias, a colisão, a luminância e a saturação para caber o tom mais leve do gênero. Um visual de baixo contraste. Dez, proporcionar uma sensação mais unificada, sutil, até mesmo autêntica e mais natural, preservando os detalhes nos destaques e sombras. Um visual de alto contraste pode adicionar um toque à sua imagem, desenhar o olho e criar mais separação entre os realces e as sombras. Também pode ser levado a extremos esmagando os detalhes nas sombras ou recortando os destaques. Agora, novamente, nas lições de correção de cores, eu disse manter detalhes, manter detalhes, não esmagar sombras ou clipe destaques. Bem, agora estamos no processo de classificação de cores onde as regras podem ser quebradas. Você pode esmagar sombras ou recortar realces. Certifique-se de que funciona com a sua história. As sombras de esmagamento na cena de Kill Bill Volume 2 realmente aumentam a coragem e a violência. Há muita ciência e pensamento por trás das quais as cores suscitam o tipo de emoções que todas são usadas para comunicar coisas diferentes a um público. Adicionar tons azuis pode criar uma sensação temperamental e triste. Mais quentes. Uma sensação mais esperançosa e otimista. Do filme Rey Reign, sua esposa Della se casou. As cores se inclinam mais para tons mais quentes à medida que o tempo passa e desaparecemos para a próxima cena. Você pode ver que as cores D saturar inclinam-se mais para tons azuis. Mesmo no RGB Parade, você pode ver o turno. E também o contraste geral diminui tão ligeiramente. 16. Trabalhando com uma equipe: Como editor, há tanto para cobrir tecnicamente que é fácil ignorar as habilidades necessárias ao trabalhar dentro de uma equipe. O fortalecimento dessas habilidades ajudará você a manter o nível de liderança, ser um colaborador melhor e, finalmente, produzir uma edição melhor. Depois de trabalhar em um projeto por dias intermináveis, você finalmente envia uma edição para revisão, ou você acha que isso é perfeito, nada deve mudar. É fácil entrar nessa mentalidade. Mas quando você envia uma edição inicial, faça o seu melhor para se separar de certos resultados positivos. Na verdade, seria bom. Espere revisões, não importa o quão bom você acha que a edição é. Quando você receber qualquer tipo de crítica ou feedback, tome seu tempo para absorvê-lo. Sua reação inicial pode ser descartar e dizer, eles não sabem do que estão falando ou talvez você leve para o lado pessoal. E a verdade é que eles podem não estar certos. O feedback pode piorar o projeto. Mas muitas vezes da minha própria experiência, quando pensei assim e estive um pouco na defensiva. E depois de refletir sobre a crítica, pude ver além da reação inicial que tive e pegar a parte construtiva desse feedback e tornar a edição ainda melhor. Você sabe o que? Eu realmente não gosto desta sugestão de revisão e eu acho que é ótimo, mas eu diria para manter para si mesmo, criar outra versão, enviar-lhes duas versões. Uma versão com revisões sugeridas que eles forneceram e, em seguida, uma versão adicional com suas próprias idéias que podem melhorar sobre as revisões sugeridas. Eles podem decidir que Ei, você está adicionando funciona melhor. Ou podem dizer: “Gostei do que fez lá. Talvez você possa trazer essas idéias para a edição original. Pense em si mesmo como um solucionador de problemas. Isso me ajuda a me separar de tomar revisões pessoalmente como o editor que tomou essas decisões para o solucionador de problemas, que pode corrigir quaisquer problemas dentro da edição. Isso me capacita a usar meus poderes criativos de resolução de problemas para atender a projetos. Ok, você tem olhado para o set por meses enquanto alguém revê pela primeira vez tem olhos novos. Isto é um presente. Eles podem ver a edição e ter suas próprias respostas emocionais iniciais para sua edição. Agradeça-lhes por isso e, em seguida, trabalhar para obter soluções. Lembre-se, a história e seu propósito são maiores do que você e sua edição. Quanto mais você aponta para, maior o bem da edição, mais pessoas com quem você trabalhou para 1D isso e aponta para isso também. É clichê, mas tirar seu ego da solução incentiva os outros a fazerem o mesmo vindo desse ponto de vista, incentiva todos a se separarem de levar o crédito por qualquer parte específica e se concentrarem no trabalho como um para se concentrar em obter os melhores resultados possíveis. Isso leva anos de prática, e é por isso que também é importante trabalhar em si mesmo. Não leia apenas livros sobre edição e cinema. Leia livros sobre melhorar a si mesmo. Leia livros sobre como ouvir melhor, como receber feedback, como melhorar a si mesmo e habilidades de comunicação. Estou nos corredores deste nível, mas com experiência, aprendi a me tornar um solucionador de problemas melhor e mais rápido. Ajudou as pessoas a ganhar mais confiança em mim e no trabalho que faço. E realmente é apenas esse ciclo para continuar oferecendo soluções e quaisquer outros problemas que surjam, basta ir novamente com uma atitude positiva de resolução de problemas. E da próxima vez que você receber feedback sobre quaisquer edições, pegue algumas dessas dicas e experimente-as. A próxima lição é a hora do fim do gerenciamento de projetos. 17. Fim do gerenciamento de projetos: Agora que você terminou sua edição é hora do fim do gerenciamento de projetos. Isso inclui explorar diferentes versões de sua edição para entrega e armazenamento e seguir esse processo de gerenciamento de projetos irá salvá-lo de problemas futuros. Vamos falar sobre que tipo de exportação de arquivos precisamos de quatro situações diferentes. O primeiro tipo de exportação que você deseja fazer é uma versão de resolução total de qualidade do seu vídeo. A partir daí, você pode usar esse arquivo mestre para exportar vários codecs para carregar duas plataformas diferentes. Na maioria dos casos, um tempo rápido para dois para o tipo de arquivo HQ será muito bom. Para 22 é para vídeo atendido e é mais comum. Se você estiver editando uma gravação em bruto que foi filmada em uma câmera com o codec ProRes 4, 4, 4, 4. Em seguida, escolha ProRes 444 como ele foi projetado para vídeo de 12 bits. Portanto, se você estiver exportando várias versões, use este arquivo mestre para exportar essas versões do. Se você estiver exportando apenas outra versão para a Web, você pode simplesmente exportar diretamente da sua sequência. Mas é sempre bom ter esse arquivo mestre porque você nunca sabe no futuro que você pode precisar de um tipo de arquivo diferente ou você pode precisar de um clipe daquele adicionado para usar em um trailer ou peça promocional, ou você pode precisar criar uma nova edição completamente. Então eu iria tão longe quanto a dizer exportar um mestre sem nenhum dos seus efeitos de classificação para fins de arquivamento e edições futuras. E, em seguida, também exportar e outro arquivo mestre sem gráficos ou terços inferiores, apenas no caso de você precisar de flexibilidade para projetos adicionais. O tipo mais comum de Kodak para web é H.264. Em muitos casos, você está carregando para a Web para que outras pessoas possam lhe dar notas ou você está fazendo isso para entrega final. Clique em H.264 e você verá que há uma variedade de predefinições que você pode usar, como YouTube, Vimeo e meu favorito, que é de alta qualidade. A única coisa que eu fiz apenas nessas configurações é exportar como uma taxa de bits variável para passar com uma taxa de bits alvo de 20 e uma taxa de bits máxima de 24. Exportar com essas configurações aumentará o tempo de exportação. Então, se você tem projeto mais longo e você quer que eles exportar é mais rápido, você pode usar CBR. A única desvantagem do uso do CBR é que ele é menos eficiente e otimiza o tamanho versus a qualidade. Assim, o tamanho geral do arquivo ficará maior, enquanto a qualidade permanecerá constante na taxa de bits escolhida. Considerando que se você escolher a taxa de bits variável na primeira passagem, seu computador fará cálculos para determinar qual é a taxa de bits ideal. E na segunda passagem, vamos ajustar a taxa de bits dependendo da quantidade de informações o computador precisa processar em qualquer quadro. Nesta foto, temos apenas o primeiro plano das folhas se movendo. Assim, uma taxa de bits variável se ajustará de acordo com a quantidade de informações que precisam ser processadas de quadro a quadro. Isso nos dá um tamanho de arquivo menor, um tamanho de arquivo mais eficiente, mas leva mais tempo. Em projetos menores. Você não vai notar isso tanto. Mas com os projetos maiores, projetos mais complexos, os tempos de exportação podem fazer a diferença. Você não se importa com o tamanho do arquivo vai ser usado. Taxa de bits constante, é mais rápida, mas com tamanhos de arquivo maiores porque não leva em conta onde ele pode economizar espaço. Se você quiser uma maneira mais eficiente de codificação, use a taxa de bits variável com para passar na seleção. Isso levará mais tempo para exportar com maior taxa de bits. Assim, você terá tamanhos de arquivo maiores com maiores retornos menores na qualidade. Mas se você estiver descobrindo que sua imagem está se quebrando em determinados quadros ou certos detalhes estão se perdendo, aumente sua taxa de bits conforme necessário para obter uma imagem mais limpa. Pode haver alguns casos em que você está exportando para diferentes emissoras e, nesse caso, basta seguir a folha de especificações desde que seja tão simples quanto plug and play. Assim, o tipo final de exportação seria para hastes. As hastes são sub-misturas separadas do nosso mix principal, que incluem música, efeitos sonoros e diálogo. Você pode exportar cada faixa de áudio individualmente, ou pode agrupá-las de acordo com a categoria, somar cada faixa e, em seguida, exportar um arquivo WAV. Este processo de exportação de hastes é totalmente bom, especialmente se você preferir ter arquivos de áudio individuais. Apenas certifique-se de que você está exportando como um arquivo WAV, pois ele é um formato de áudio descompactado. Outra maneira de fazer isso de uma maneira mais eficiente para fazer isso seria exportar suas hastes junto com seu arquivo mestre. Agora temos nosso vídeo final pronto para exportação. Antes de fazer qualquer coisa, vamos limpar as faixas de áudio e vídeo adicionais que não precisamos. Então clique com o botão direito nas faixas, exclua faixas. Verifique a exclusão de faixas de vídeo. Verifique a exclusão de faixas de áudio. Todas as faixas vazias selecionadas. Clicando em OK, excluiremos todas as faixas de áudio e vídeo que não são utilizadas. Ok, então nós queremos exportar nosso arquivo mestre, que é um arquivo 42 HQ QuickTime. Se exportarmos a partir da sequência, só obtemos dois canais de áudio, que não nos permite dividir ou áudio em hastes. Não podemos personalizar nossa seqüência atual para exportar como um mestre multicanal. Então, para fazer isso, precisamos criar uma nova sequência que inclua uma série de canais para que possamos exportar hastes junto com nosso arquivo mestre. Se isso é confuso, não se preocupe, vai fazer muito mais sentido quando você passar por esta lição. Então, vamos clicar na nota, criar uma nova sequência. E usaremos a predefinição digital SLR 10 ADP porque ela corresponde às configurações atuais que temos. Você também pode usar a predefinição ADP 10 arejada, como funciona. Fazer até mesmo a leitura 10 ADP seqüência funciona também. Se você estiver editando 1280 por 720, apenas certifique-se de ir para suas configurações, altere o tamanho do quadro de acordo. Vamos renomear nossa seqüência para algo que tem a palavra mestre nela para que você saiba que é seu arquivo mestre e inclui hastes. Então eu vou nomear meu HD, o mestre jardineiro. E dê o nome de algo que funcione para você. Então daqui a cinco anos, você vai saber exatamente o que é isso e o que significa para 42 quartel general. Posso até nomear acuidade para QuickTime. Então agora eu sei o que é o arquivo mestre e qual codec ele será exportado como. Então, vamos para a nossa guia Faixas. Aqui é onde podemos mudar nossa saída mestre de estéreo, o que só nos permite canais de áudio para uma exportação multicanal. Então podemos exportar 32 canais de áudio, se quisermos. Para que, ao importar o arquivo mestre exportado, você tenha 32 canais de áudio disponíveis. Então, a maneira como determinamos quantos canais precisamos é pela forma como queremos agrupar nossas hastes. Você pode agrupar as hastes da maneira que preferir. Você pode exportar todas as oito faixas de áudio se quiser como hastes individuais. Eu acho que isso é um pouco exagerado, mas em alguns casos você pode querer fazer isso. Ou você pode exportá-los agrupados em voice-over, efeitos sonoros e música. Mas no meu caso, eu quero exportá-los como narração, efeitos sonoros Foley, impacto cinematográfico, efeitos sonoros, efeitos sonoros ambientais e música. São cinco agrupamentos separados, cinco hastes separadas de áudio. Então, para fazer isso, precisamos de dez canais de áudio porque temos cinco agrupamentos diferentes e eles são todos estéreo. Isso é um total de 10 canais porque cada faixa de áudio tem um canal esquerdo e um direito para ele. Se você já nomear os canais, você pode simplesmente clicar em carregar a partir da sequência, encontrar a sequência da qual você deseja carregar suas faixas. E ele irá adicionar automaticamente os nomes das faixas. Você também pode usar o botão de adição para adicionar faixas. E isso é bom também. Como eu não nomeei minhas faixas de áudio na edição, vou renomear essas faixas para o que elas representam na minha linha do tempo. Queremos mudar nossa saída mestre de estéreo para multicanal. Portanto, temos a capacidade de determinar qual faixa cada um desses agrupamentos estará quando exportamos nosso arquivo mestre. E lembre-se, como estes são pareados estéreo, queremos ter 10 canais, cinco agrupamentos pareados estéreo equivale a 10 canais. Se você clicar em atribuições de saída, você pode ver aqui que estamos atribuindo cada agrupamento à sua faixa correspondente. Então, uma narração nas faixas 12. Então isso é preciso. Vamos atribuir os nossos efeitos sonoros a 34. Então vamos passar por cada Um, atribuindo-o a 34. E então nossos efeitos sonoros de impacto cinematográfico atribuirão duas faixas. 56 são ambiente será atribuído a 78, e música será atribuído a 9 e 10. 1 e 2, voz acima de 34, efeitos sonoros Foley, 5 e 6, impactos cinematográficos. 7, 8, ambiente, 9 e 10 músicas. Então, são cinco fluxos de áudio separados. Também podemos mudar nosso vídeo para a quantidade de faixas que precisamos. Então, porque temos seis faixas de vídeo aqui, podemos mudar isso para seis acertos, certo? E cria uma nova sequência com todo o seu áudio bem chamado aqui. Seis faixas de vídeo. Vá para o final bloqueado para editar, selecione todas as cópias e, em seguida, cole-o na nova sequência. Então, agora essa sequência nos permite exportar vários canais porque nós mudamos. Então agora você pode ver aqui que são 10 canais de áudio. E na nossa sequência anterior, é apenas estéreo. E por algum motivo, você não pode alterar a configuração do canal depois de ter criado a sequência. É por isso que estamos a criar esta nova sequência. Controle M ou Command M para exportação. Selecione o formato QuickTime. Para o nosso arquivo mestre 422 HQ. Clique na guia Áudio e altere o tamanho amostral de 16 para 24 porque a voz, os efeitos sonoros e a música são gravados em áudio de 24 bits ou superior. E esta é uma especificação recomendada para a maioria das emissoras. E aqui na configuração do canal de áudio, se não tivéssemos a sequência multicanal, não teríamos a capacidade de adicionar mais fluxos de áudio. Agora que temos 10 canais, podemos adicionar cinco streams de áudio estéreo. Altere todas essas saídas de áudio para estéreo. E lembre-se, cada um desses agrupamentos pertence ao que configuramos nossos canais para serem. Então isso nos dará cinco faixas pareadas estéreo em Export. Se ainda estás confuso, não te preocupes, vou mostrar-te como vai ser depois de reimportarmos o nosso Mestre final. Eu já criei uma pasta mestre de exportações para manter nossas exportações mestre. Vai importá-lo de volta para o nosso projeto. Para que eu possa te mostrar como é. Quando clicamos e arrastamos este arquivo mestre para a nossa sequência. Olhe para isso. Você pode ver cinco faixas de áudio individuais com 10 canais à esquerda e à direita. Quem está assumindo o aspecto promocional do projeto, eles podem dizer, prefere música diferente. Você pode apenas tirar isso todos os dias pelo punho que você lê, ou eles podem dizer, Ei, esses impactos cinematográficos realmente não se encaixam no tom desta peça promocional que talvez seja muito dramática. Então vamos levar Mount não julgue, todos os dias pelo corredor pescar para você. Ou talvez eles possam dizer, Ei, eu quero misturar este áudio de uma maneira diferente. Então vamos entrar e ajustar esse áudio. Vamos adicionar novos filtros a ele. E é também por isso que é importante selecionar áudio de 24 bits porque é muito mais flexível ao editar do que áudio de 16 bits. Então, espero que você possa ver a vantagem de exportar um arquivo mestre com várias hastes. Então, para recapitular, exporte primeiro seu arquivo mestre e, se necessário, a exportação também foi hastes. Você pode usar esse arquivo mestre para exportar versões adicionais de sua edição para outras plataformas de sua escolha, dependendo da complexidade do projeto, com quem você está trabalhando, a quantidade de exportações pode variar. Você pode ter um arquivo mestre com hastes, uma versão não classificada para fins de arquivamento e edições futuras. E você pode até ter uma exportação sem nenhum gráfico incluído no seu arquivo mestre que você pode explorar em H.264 para YouTube, Vimeo, Facebook, instagram, qualquer coisa. Então, novamente, é por isso que é tão importante ser organizado porque você pode acabar com 20 versões diferentes de sua edição, 20 formatos de arquivo diferentes. E pode ficar meio louco. Vá em frente, exporte e carregue seu projeto para revisão para que você possa receber feedback. E se você ainda não terminou, tudo bem. Você pode carregar trabalhos em andamento. Ou, se você não puder enviá-lo por qualquer motivo, basta explicar em algumas frases como este curso afetou seu processo. Adorei ouvir isso. Na próxima lição, vamos passar pela recapitulação final. 18. Recapitulação final: Sim, ótimo trabalho passando por todas as lições e chegando até aqui. Espero que esteja inspirado a levar tudo o que aprendeu e aplicou aos seus próprios projetos. Certo, agora é hora da recapitulação final. Um resumo criativo orienta a edição e ajuda a equipe a permanecer na mesma página de forma criativa, o propósito da sua edição e o tom no qual você conta sua história são de extrema importância. Certifique-se de organizar seus arquivos, faça como preferir. Se você já tem um sistema que é ótimo. Caso contrário, quanto menos cliques, melhor. Use números para criar hierarquia em sua estrutura de pastas e adicionar as datas de seus arquivos de projeto, exportações e sequências de projeto para organização adicional ou escolha de clipes pode ser determinada por suas histórias, propósito, tom pretendido, e é ordem cronológica. Use esses critérios para qualificar seus clipes. Qualidade, desempenho, profundidade e movimento. Começou sua edição com o elemento que mais claramente conta sua história é que a filmagem, é o áudio de suas entrevistas? Talvez seja a música durante todo o processo. A experimentação é uma obrigação. Apenas pendure em um clipe pelo tempo necessário. Use o movimento e eu rastreei para manter sua edição fluindo de tiro para tiro. E lembre-se de usar a continuidade de edição para contribuir com sua edição. Objetivo apoiar o propósito da sua história em todas as escolhas de edição que você fizer. Na minha opinião, esta é a parte mais importante e divertida da edição e da narrativa. Use esses critérios ao selecionar música, variação e instrumentos, ritmo, tom, intensidade e efeitos. Nem todos esses critérios precisam estar presentes, mas garante que o tom geral da música seja compatível com sua edição. Uma grande paisagem sonora atrai seu público para a história, aponta para um diálogo de som claro e cria um som completo através da seleção de efeitos sonoros e manipulação de frequência. Lembre-se também de usar seu Radar de Loudness para detectar quaisquer problemas e encontrar esse ponto ideal de intensidade, brilho do corretor, contraste e cor usando seus escopos de cor. Lembre-se de apontar para precisão dentro do processo de correção de cores e, em seguida, adicione um visual que beneficie sua história. Depois, trabalhar com uma equipe ajudará a elevar sua edição. Aceite as críticas com graça. Lembre-se, o feedback é um presente. Tenha também em mente que lidar com críticas e feedback requer prática. Quando você tiver sua edição final caminhada, exportar, um mestre de alta qualidade com hastes para entrega final. Isso também será usado ao exportar formatos e codecs adicionais. Além disso, exportar um mestre sem efeitos para gráficos a serem usados na reedição e para fins de arquivamento. Agora é hora de fazer upload do seu projeto finalizado. Se ainda não terminou seu projeto, tudo bem. Você pode fazer upload de um trabalho em andamento. Se, por alguma razão, você não pode fazer upload do seu projeto, tudo bem também. Você também pode escrever algumas frases explicando como você aplicou o que aprendeu em seu próprio processo. Como seu processo mudou? Como evoluiu? Estou animado para ouvir isso. Por favor, deixe um comentário e recomende esta aula a um amigo ou pessoa que você possa conhecer do meu benefício dele. Além disso, por favor, siga meu perfil se você quiser ver mais aulas no futuro. Se você quer saber mais, tenho mais aulas disponíveis sobre edição de vídeo e filmagem. Obrigado mais uma vez por fazer o meu curso sobre o processo de edição de vídeo. Lembre-se, a história é o seu guia. Te vejo uma amostra.