Do desenho à ilustração: conecte seu estilo de desenho e de ilustração

1. Introdução: O desenho é o cerne de cada arte e isso inclui ilustração. Se isso é verdade, então por que tantos ilustradores lutam com o desenho? Se você quiser desenhar com mais confiança do coração e se conectar mais perfeitamente como você desenha com a forma como você ilustra, você não está sozinho. Meu nome é Tom Froese. Sou um ilustrador premiado e um professor de topo aqui no Skillshare, onde ajudei dezenas de milhares de estudantes a desvendarem o mundo da ilustração comercial. Quando eu estava começando como ilustrador, descobri que, embora fosse bom em desenhar e tivesse um talento para ilustrar, eu não conseguia conectar esses dois mundos. Minha maneira de desenhar e minha maneira de ilustrar onde duas coisas separadas, e sempre foi uma luta para juntar essas coisas. Nos primeiros dias como ilustrador trabalhando para clientes, enquanto eu era capaz de criar conceitos decentes em esboços soltos, era sempre uma aposta para saber se eu seria capaz executá-los no meu estilo de ilustração final. Isso não só gerou muita incerteza no meu processo, me custou muito tempo e realmente acabou com a minha confiança como artista. Mais importante ainda, ele criou um monte de ansiedade como eu corri entregar as expectativas do meu cliente enquanto cumpria o grande prazo. Felizmente, desde então, tenho sido capaz de desenvolver um processo que me ajuda a superar esses desafios de forma confiável uma e outra vez. Uma das descobertas mais importantes para mim foi realmente aprender a desenhar em direção à ilustração. Agora, estou animado para mostrar o que aprendi, você possa usar o desenho de forma mais poderosa em seu próprio processo de ilustração. Junte-se a mim enquanto eu o guio primeiro através de uma série de mini-palestras, contando tudo o que sei sobre desenhar em direção à ilustração. Então vamos tentar tudo em alguns exercícios, construindo algumas habilidades fundamentais e desenho, primeiro da observação e depois do coração. Então, no projeto final, vamos colocar tudo juntos harmoniosamente em uma cena ilustrada de página inteira em seu estilo. Não importa que tipo de artista você é, desenhar é sobre questionar sua habilidade mais importante e o influenciador chave do seu estilo. Quanto mais confiante estiver em como desenha, mais eficaz será na sua arte e, em última análise, mais livre e menos ansioso estará ao desenhar para ilustrar o trabalho do cliente. 2. Sobre este curso: Esta aula é dividida em três seções principais, o primer, os exercícios e o projeto final. A cartilha é onde eu estabeleço algumas das minhas principais percepções e princípios para ajudar a guiá-lo através dos exercícios e projeto final e, claro, através de sua própria jornada como ilustrador. Os exercícios são onde podemos colocar a teoria em prática. Aqui, vou guiá-lo através de algumas tarefas de desenho desafiadoras, mas divertidas. Juntos, vamos experimentar o que eu chamo de mudança de modo, a experiência de desenhar primeiro no modo de observação e depois no modo de ideação. Não se preocupe, vou te contar mais sobre isso no primer. O projeto final é onde podemos colocar tudo o que aprendemos no primer e nos exercícios para o teste final, uma ilustração de página inteira de uma cena com um assunto e um fundo e muitos detalhes. Estaremos nos concentrando principalmente no desenho e desenho do processo. Minha esperança é que qualquer aluno possa aplicar os princípios ensinados nesta aula para seu próprio estilo de ilustração usando suas próprias ferramentas e técnicas preferidas. Dito isto, mostrarei uma visão geral do meu próprio processo de ilustração enquanto concluo minha própria cena para mostrar um exemplo de a transição do esboço para o final pode parecer. Em termos de habilidades e equipamentos necessários, aqueles com pelo menos alguma instrução de desenho tradicional e experiência, que estão lutando para fazer este desenho funcionar para eles em sua ilustração, beneficiarão mais desta classe. Em termos de equipamento, você realmente não precisa de muito, apenas um lápis e um papel ou um caderno de esboços, pelo menos até você levar as coisas em seu próprio estilo de ilustração no projeto final. Se você usa o Procreate ou um bom lápis e papel velho, cabe a você, realmente não importa. Para o projeto final, novamente você pode trazer suas próprias ferramentas e equipamentos. O que você usa é totalmente com você. Se você está em um caminho rápido para completar esta aula, você provavelmente poderia completá-la em um dia, pelo menos o componente de desenho. Você pode achar que precisa de mais um dia ou mais para trabalhar no seu projeto final. Claro, realmente não há limite de tempo nesta aula, e você é bem-vindo para passar pelos exercícios rapidamente, tudo de uma vez, ou lentamente, um de cada vez, como puder. Em termos do que você vai ganhar com esta aula, ele vai ajudá-lo a desenvolver suas habilidades de desenho para ajudá-lo a desenhar com mais confiança do coração e para conectar como você desenha com seu estilo de ilustração final. Eu só quero enfatizar mais uma vez que esta não é uma classe para ajudá-lo a desenhar realisticamente. Claro que vou mostrar-lhe alguns truques realmente úteis para desenhar a partir da observação. Mas se alguma coisa, eu provavelmente vou te encorajar a se deixar desenhar mal. Na minha experiência, não é o que você pode desenhar, é o que você não pode que é a chave para o seu estilo de ilustração. Acho que estou pronto para entrar nisso, então vamos. 3. Primer: desenhando para ilustração: Desenho para ilustração é diferente do que maioria de nós pensa quando pensamos em desenhar. Quando falo de desenho para ilustração, penso especificamente no processo de desenvolvimento de ideias usando desenho com o objetivo final de uma ilustração final em mente. O produto final não é um desenho, é uma ilustração, ou mais importante, é uma expressão visual de uma ideia. Se nós, ilustradores, não desenhamos coisas, mas expressamos ideias, onde o desenho se encaixa? Bem, não nos enganemos. O desenho é crucial para o processo de ilustração. Mas acho que estamos empatados em cenários tradicionais. Apenas um tipo de desenho que está tirando da vida ou referências de uma forma representacional mais realista. O objetivo do desenho tradicional é imitar a realidade. Quanto mais precisa a representação, mais valorizamos o desenho. Eu não estou dizendo que isso não é impressionante, e eu certamente não estou dizendo que isso não é uma habilidade valiosa. Acredito, no entanto, que há uma lacuna na maior parte do nosso treinamento como ilustradores, que se trata de conectar nossas habilidades de desenho às nossas vozes como ilustradores. Eu acho que é compreensível por que ensinar outras pessoas sua voz ou estilo é quase impossível. Você não consegue encontrar sua própria voz no livro, vídeo ou classe de outra pessoa. No entanto, eu acredito que é possível mostrar aos outros pistas para encontrar sua voz através de certas técnicas. Isso é o que eu quero fazer nesta aula. Uma das maiores descobertas que fiz foi que nossa voz não vem de ser tecnicamente precisa em como desenhamos, mas sim de como expressamos idéias apesar de como não podemos desenhar. Deixe-me explicar descrevendo meu processo de ilustração em duas etapas que usaremos nos exercícios mais tarde. Quando estou trabalhando para uma ilustração para um cliente, o que você acha que é a primeira coisa que eu faço? Você pode adivinhar que eu começo esboçando quais idéias. Sim, eu começo a esboçar, mas no começo, apenas observacionalmente. Ainda não estou a trabalhar para ideias. Digamos que preciso ilustrar uma página inteira para uma revista de corrida. Eles querem que eu ilustre algo sobre ficar seguro e saudável quando correr no clima quente. A primeira coisa que vou fazer é sair e coletar algumas referências de imagem em torno do tópico de execução. Claro, procure imagens específicas que se relacionem com idéias encontradas no artigo. Agora eu tenho fotos de referência de pessoas correndo, talvez imagens de lugares que as pessoas correriam , equipamentos de hidratação, protetor solar, óculos de sol, basicamente uma mistura de imagens que se relacionam com idéias no artigo. Agora estou pronto para começar a desenhar, mas no começo, não estou desenhando ideias. Estou apenas desenhando o que vejo nas minhas imagens de referência. Eu chamo isso de observação ou modo um desenho. Na minha aula de esportes, chamo isso de esboço livre. É livre de pressão para ter alguma idéia, é apenas uma maneira de baixar informações visuais em minha mente que eu posso literalmente extrair de mais tarde no segundo passo, ou o que eu chamo de esboço de modo 2. Então, em um certo ponto, eu desenhei minhas referências observacionalmente, e agora eu estou pronto para chutar para o segundo modo, desenho ideacional. Neste modo, já não estou a olhar para as minhas referências. Eu colocá-los de lado e eu tento o máximo que eu posso não referi-los a menos que absolutamente necessário. Ao fazer isso, começo a desenhar as coisas um pouco erradas. Embora isso possa parecer uma desvantagem, é na verdade a minha maior força. Conheço o suficiente da ideia geral do meu assunto ou do conteúdo da minha ilustração para saber o que deve ser incluído. Mas então eu tenho que inventar ou inventar como ele realmente parece, como tudo se encaixa na composição. É nesta tradução do desenho do que vejo, desenho do que me lembro e, em última análise, do que preciso simbolizar no desenho onde mais criatividade acontece. É por isso que eu acredito que o desenho ideacional ou modo 2 é mais criativo do que o desenho observacional ou modo 1. Desenho ideacional não é melhor e quase não é possível sem desenho observacional. Os dois são parceiros e um leva para o próximo. Da mesma forma que a primeira marcha de um carro é necessária para fazer com o carro se mova rápido o suficiente para entrar na segunda marcha. Para resumir; desenhar para ilustradores é tudo sobre entender esses dois modos de desenho e saber como e quando usar cada um. Nosso objetivo como ilustradores comerciais, especialmente aqueles que trabalham de forma gráfica mais estilizada, é desenhar simbolicamente e não literalmente. Como nossas imagens são ideias visualizadas, tudo o que desenhamos em nossa arte se torna mais uma interpretação ou uma simbolização da coisa real. A interpretação ativa, devemos primeiro ver um objeto para o que é, mas depois expressá-lo para o que significa para nós. 4. Primer: ferramentas e técnicas: Para desenhar e esboçar, as ferramentas são sempre simples; um lápis e papel ou seus equivalentes digitais. Em termos de técnicas, nesta aula, vamos nos concentrar em algumas técnicas de desenho muito simples. Para alguns, estes podem vir naturalmente, enquanto para outros, eles podem se sentir forçados, pelo menos no início. Mas para aqueles que querem apontar para um estilo mais gráfico e a ilustração e relacionar o seu estilo de desenho mais desta forma, as seguintes técnicas são essenciais. A técnica fundamental que eu uso é o desenho de contorno, que é basicamente desenhar os contornos e detalhes internos e bordas do seu assunto com linhas contínuas. Eu acho que muitos artistas tendem a desenhar mais tentativamente, construindo suas formas com uma série de traços de luz mais curtos, esculpindo os fóruns na página levemente antes de se comprometer com um acidente vascular cerebral mais confiante depois. Eu não recomendo desenhar desta forma, mesmo que possa ser como você está acostumado a desenhar, em vez de apontar para cair traços mais confiantes, contínuos que levam você quase tanto quanto você liderá-los. O que acontecerá é que o acidente vascular cerebral assumirá uma vida própria. Você verá formas inesperadas emergindo que se parecem com o que você estava procurando, mas como eu disse, eles terão um pouco de mente própria, especialmente no início. À medida que você pratica e desenvolve essa técnica, você ganhará mais controle, mas é esse método de desenho, linhas mais confiantes e contínuas que definirá seu estilo de desenho e ilustração mais do que qualquer coisa. Se esta maneira de desenhar é simplesmente muito antinatural para você no início, é claro, desenhe como ele sai e concentre-se no objetivo geral de desenhar o que você vê no modo observacional e, em seguida, desenhar o que você lembra ou pensa no modo ideacional. Você sempre pode rastrear suas falas tentativas depois do fato. Até eu traço meus desenhos de contorno para dar a eles uma sensação ainda maior de resolução e confiança. No desenho de contorno puro, os sujeitos são expressos em linha pura sem sombreamento. O efeito é achatamento de tudo na imagem, quer haja um primeiro plano e um fundo, essas coisas se fundem no mesmo plano. Para um estilo gráfico achatado de ilustração, isso é realmente ideal e uma grande pista como se casar com seus estilos de desenho e ilustração. Como estamos indo para representar tudo em um plano na ilustração final, faz sentido achatar nosso estilo de desenho também. Isso não quer dizer que às vezes não queiramos expressar uma sensação de profundidade em nosso trabalho, é só que queremos ter cuidado em um estilo mais mínimo para não nos apoiarmos muito em outras técnicas de renderização, especialmente sombreamento. O sombreamento é muito útil e encontra o seu caminho para o meu trabalho, mas apenas na medida em que é necessário. Precisamos ter em mente que quando estamos desenhando para ilustração, nosso cliente verá e aprovará o esboço antes de você passar para a ilustração final. Nosso objetivo em nossos esboços, especialmente mais para desenhos, nossas idéias, deve ser focado em conteúdo, composição e conceito e não entrar muito nos detalhes de sombreamento e profundidade. Quanto mais simplesmente o esboço mostra sua idéia, melhor. Ele exala uma sensação de confiança para o seu cliente e elimina oportunidades para picar detalhes estranhos que não deveriam importar nesta fase. Para resumir, desenhar em direção à ilustração deve ser feito com um lápis e papel simples, e você deve tentar desenhar em ambos os modos observacional e ideacional usando contornos. Use traçados contínuos confiantes em vez criar formas usando traços curtos e tentativos. Objetivo expressar todas as formas de forma tão plana quanto possível, evitando a tentação de dar às coisas uma aparência mais volumosa e manchada. Claro, permita-se jogar em momentos de escolha de sombreamento ou outras marcas expressivas que podem ajudar a esclarecer a imagem ou adicionar mais personalidade. 5. Primer: Os 3 Cs do desenho: Ao desenhar em direção à ilustração, seja, ao desenvolver esboços que acabarão por compartilhar com nossos clientes antes de passar para nossa ilustração final, as principais coisas que você quer trabalhar são o que eu chamo de 3 C do esboço; conteúdo, composição e conceito. Conteúdo é o que você incluirá em sua ilustração. Basicamente, quais objetos ou símbolos você estará representando na arte. Composição é como você organiza esse conteúdo na página. conceito é, em última análise, o que é a ilustração. Como o conteúdo da composição trabalha em conjunto para expressar claramente a mensagem ou o significado pretendido. Estes 3 C e nada mais deve ser o assunto da conversa, no momento em que você compartilha seus esboços com seu cliente. Você não quer descarrilar a conversa entrando em detalhes, com cores, padrões ou texturas, ou outras decisões estilísticas que deveriam, idealmente , entrar diretamente em seu domínio como uma vantagem criativa. Um esboço é uma oportunidade, é claro, para o cliente pesar e influenciar a direção da arte sem pisar em seus dedos criativos. Você quer que eles sejam capazes de confirmar que você atendeu suas necessidades, resolveu seu problema em seu esboço, ou oferecer-lhes para dizer por que você não atendeu. Mas a última coisa que você quer discutir é se ele está no estilo certo. Você pode manter a conversa no caminho certo certificando-se de que há poucas oportunidades para distrair comentários que podem prejudicar a conversa geral de conteúdo, composição e conceito. Compartilhar seu primeiro esboço é sempre um momento vulnerável e com razão, mas você não quer se expor a mais críticas do que absolutamente necessário. Mantenha seus esboços sobre conteúdo, composição e conceito, e você terá mais chances de ver suas melhores ideias ganharem a aprovação de seus clientes. Ao guiar o cliente através do processo desta forma mais limpa, você vai realmente ganhar mais rapidamente a confiança deles. Apenas uma observação sobre o feedback do cliente sobre estilo, você pode perguntar se ou quando está tudo bem para um cliente oferecer feedback sobre seu estilo. Eu diria que tudo é justo quando discutido respeitosamente. Claro, nós, tipos de artistas, precisamos construir uma pele fixa, caso o respeito pareça sair da janela. Dito isto, o melhor momento para trazer o estilo não é no meio do projeto, mas antes mesmo de começar. Nesta fase da minha carreira, trabalhei muito duro para construir um estilo de ilustração que acredito que meus clientes vêm até mim em primeiro lugar. O estilo em que trabalho já não está em discussão. Mas se eu sentir que pode ser, eu pergunto antecipadamente. Eu pergunto ao cliente que trabalho meu eles viram que os inspirou a vir até mim em primeiro lugar e até incentivá-los a me enviar imagens do meu trabalho eles gostam e pensam que se relaciona com sua própria visão. Esta é uma ótima maneira de abrir e dar ao cliente uma chance de pesar em estilo sem que isso se torne uma questão de saber se você faz isso em seu próprio estilo ou outra pessoa que geralmente não é muito divertido. Se você é novo em ilustração e não tem um único estilo, você sente que pode impor, isso é totalmente normal e esperado no início. Nesse caso, eu recomendo ter uma conversa sobre estilo no início. Você pode perguntar por que eles vieram até você e se era um estilo particular que eles sentiram que você poderia fazer isso os levou a fazê-lo. Ou se você estiver animado para experimentar um de alguns estilos diferentes possíveis, tente criar um álbum do Pinterest com duas ou três direções ou estilos possíveis e use isso para ter uma ideia melhor do que seu cliente quer. Claro, seja claro para o seu cliente sobre não imitar o estilo de outra pessoa, mas simplesmente que você quer fazer o trabalho inspirado por ele. Se você está confiante em um único estilo ou apenas começando e experimentando coisas diferentes, ou em algum lugar no meio, é realmente importante garantir que o seu cliente e suas expectativas se alinham. Tenha essa conversa de estilo no início, mas em seus esboços, mantenha a conversa para os 3 C; conteúdo, composição e conceito. 6. Primer: modos direita e esquerda do cérebro: Queria falar brevemente sobre uma ideia que influenciou o meu desenho desde o início. Quando eu estava no meu início dos anos 20 e apenas começando a descobrir Arte e Design como uma possível escolha de carreira, mãe do meu amigo notou e me deu um livro chamado Desenho do lado direito do cérebro por Betty Edwards. Este livro mudou a minha vida. Sem ler o livro inteiro, posso dizer que a maior ideia é sua distinção entre os modos direito e esquerdo do cérebro. Estes não devem ser confundidos com os dois modos de desenho que eu falo nesta classe, embora possa haver alguma sobreposição. Em suma, nosso cérebro esquerdo é responsável pela linguagem e razão, enquanto nosso cérebro direito é responsável pelo pensamento abstrato espacial e mais criativo. Ao desenhar a partir da observação, o truque é mudar para o modo R onde seu cérebro não está pensando em palavras e lógica. Se permitirmos que o cérebro esquerdo interfira, é quando nossos desenhos começam a se quebrar, quando nos desencorajamos por não sermos capazes de colocar no papel o que vemos na nossa frente. Edwards caracteriza o cérebro esquerdo como sendo muito orientado para tarefas e até mesmo impaciente, com desenho. Quando estamos desenhando algo, digamos nossa própria mão na nossa frente, nosso cérebro esquerdo quer acelerar a operação com atalhos que tem. Diz: “Oh, eu sei o que é isso, são dedos, isso é uma mão, essas são unhas.” e para o melhor ou para o pior, o cérebro esquerdo tem símbolos para essas coisas que muitas vezes são bastante simplificadas e irrealistas. É por isso que quando muitas pessoas tentam desenhar as mãos, eles desenham um monte de dedos de salsicha saindo do que é suposto ser a parte principal ou a palma da mão. Mas se você pode acalmar o cérebro esquerdo e treiná-lo para se afastar por um momento e dar ao cérebro certo uma chance de fazer sua coisa, então de repente você está desenhando começa a se assemelhar à realidade diante de você. Seu cérebro direito, livre das armadilhas de linguagem e símbolos, não vem preparado com uma resposta ou símbolos pré-fabricados, ele apenas traça os contornos de sua mão ou o objeto antes de você que você está tentando desenhar. Ao desenhar observacionalmente, tanto nesta aula na minha prática como ilustrador, começo no meu modo R o máximo possível. Esta é uma das experiências mais agradáveis que você pode ter com o desenho onde você perde noção do tempo e se perde e apenas vendo o que você está desenhando. Mas infelizmente, onde o seu modo R pode desenhar nem sempre funciona para uma ilustração que deve ter uma camada linguística comunicativa para ele. O paradoxo é que, para o tipo de ilustração que estamos buscando, que é mais estilizado e simbólico, devemos realmente converter o que desenhamos no modo R em algo mais parecido com o modo L. À medida que desenvolvemos, como ilustradores, construímos um repertório de coisas que desenhamos antes e, em maior ou menor grau, estas tornam-se símbolos mais no comando do nosso cérebro esquerdo. Modo de ideação, o segundo modo ou estágio de desenho no meu próprio processo volta para o modo L Betty Edwards. O modo de ideação é mais simbólico e linguístico. Em vez de tentarmos desenhar da maneira mais [inaudível] do modo R, deixamos nosso lado racional assumir novamente. Mas é sempre um equilíbrio. Enquanto praticamos esses ilustradores, queremos ser capazes de alternar entre observacional ou modo R, ideacional, ou modo L, dependendo das necessidades da situação. 7. Primer: 5 desafios do desenho: Quando eu anunciei aos meus alunos e depois que eu ia organizar esta aula sobre desenho, eu perguntei a eles quais eles consideram ser seus maiores pontos de dor. Houve muitas respostas diferentes, mas sinto que elas podem ser resumidas dessas cinco maneiras. O primeiro ponto de dor é ser capaz de tirar do coração sem usar referências. Eu acho que este é o sonho de todo ilustrador, ser capaz de desenhar sem obstáculos livremente, da mesma forma que se pode sentir uma vez que eles se tornam fluentes em uma segunda língua. A realidade é que, mesmo depois de anos de experiência, eu ainda tenho que tirar de referências de vez em quando. Mas a boa notícia é que ao longo do tempo, medida que continuo a desenhar e a ilustrar, estou a tornar-me cada vez mais familiarizado com a forma como desenho a partir de dentro e cresço a aceitar o que desenho porque o reconheço como se fosse meu. É claro que, tirando coisas da vida, das referências repetidas vezes, eu gradualmente construo um repertório, mais imperfeito que essas coisas em minha memória. A maior cura para este ponto de dor que posso oferecer é a promessa de que, à medida que desenhas as coisas uma e outra vez, vais encontrar uma maneira de as desenhar de uma forma mais natural e fluente. Quero lhe dar permissão para desenhar essas coisas exatamente como elas saem. Dê a si mesmo permissão para desenhar, como você desenha e deixar que isso seja o que é. Você encontrará um padrão ao longo do tempo em como desenha certas coisas: mãos, sapatos, carros, casas, gatos, árvores, e se tornará mais confiante em recorrer a elas para contar suas histórias e idéias em suas ilustrações. O segundo ponto de dor é ser capaz de manter um desenho simples sem sentir que você precisa adicionar mais a ele e se sentir confiante nisso. Para mim, manter as coisas simples não é algo que eu pretendo diretamente. A verdade é que eu não poderia tornar o meu trabalho tão simples se eu tentasse. O momento, estou tentando tornar meu trabalho simples e não pensar demais é o momento em que estou mais complicado e pensando demais. Em vez disso, pretendo tornar a mensagem das minhas imagens o mais clara possível. Não estou perguntando: “Como posso tornar meu trabalho mais simples e mínimo?” Estou perguntando: “O que é necessário e o que não é necessário? Ou para expressar o significado pretendido ou para criar uma imagem convincente.” Desenhar com simplicidade é o resultado do meu objetivo de estilização no meu trabalho. Eu falo sobre isso em meus corpos estranhos e classes de pontos doces e eu vou estar tocando em estilização mais especificamente no próximo vídeo. O terceiro ponto de dor é desenhar e ilustrar cenas coesas com fundos. Bem, isso é menos especificamente sobre desenho e mais amplamente sobre uma certa ilustração. Eu acho que vale a pena abordar nesta classe por causa do papel que o desenho desempenha na construção de um tipo de cena completa de ilustração. Eu acredito que o problema subjacente com este ponto de dor é mais sobre não saber como compor tal cena. Referindo-se aos três Cs, esse problema é todo sobre conteúdo e composição, sobre o que incluir e como incluí-lo no desenho. A grande suposição aqui é que você está tentando criar uma cena de sua imaginação. Se tivesses um modelo da cena que querias ilustrar à tua frente, podes desenhar a partir disso no modo observacional, certo? A grande visão aqui vem na construção de uma cena primeiro em partes e depois juntos como um todo. Mas não é exatamente o que você pode pensar. A maneira como desenho cenas e tomo decisões sobre o que incluir em minhas imagens sempre vem de ter algum tempo para coletar imagens de referência que me dão ideias sobre a cena que estou tentando construir e depois estudá-las através de desenho observacional. A boa notícia é que todos os exercícios nesta aula demonstram exatamente esse processo e você vai ter a chance de colocá-lo à prova no projeto final. Portanto, a primeira parte é baixar as informações visuais que você deseja incluir em sua cena, a partir de imagens de referência ou da vida. Essa é a parte fácil. A segunda parte que pode ser mais difícil, especialmente no início, é deixar tudo isso sair na composição do seu esboço. Aqui está o truque principal, porém, ao desenhar uma cena de uma forma mais plana e estilizada, conseguimos organizar e modificar as coisas na página de qualquer maneira queremos tanto para contar sua história certa quanto para obter a composição certa. Porque não estamos tirando de referências nesta fase, não estamos ligados à realidade, podemos corajosamente mudar o que quisermos para enquadrar nosso assunto ou preencher o quadro. O quarto ponto de dor está desenhando com confiança. Isso está muito relacionado ao desenho do coração, mas acho que vale a pena expandir um pouco mais neste ponto. Para desenhar de coração, uso a metáfora de fluência da segunda língua. Se desenhar de coração é saber falar fluentemente, desenhar com confiança é saber o que dizer. O problema subjacente com esse ponto de dor é não conhecer sua voz. Não é diferente quando somos mais jovens e tentamos encontrar nossa identidade, quem somos à medida que atingimos a maioridade. Quanto menos nos conhecermos, menos confiança temos. Mas à medida que envelhecemos, esperamos que nos tornemos mais confiantes porque começamos a entender quem somos e é a partir disso que temos nossa voz mais forte. A cura para este ponto de dor é descobrir como você desenha no modo observacional e ideacional ao longo do tempo. Lamento dizer que não há como ganhar esse autoconhecimento, exceto pela experiência e experimentação e isso significa tempo e simplesmente não há substitutos. Se houver algum hack que eu possa lhe dar, é só dar permissão enquanto só você pode dar a si mesmo essa permissão. Mas dando-lhe a permissão para desenhar mal, deixe o que sai naturalmente da sua mão enquanto desenha acontecer. Use essas linhas de contorno mais confiantes e contínuas em vez de traços tímidos e curtos com os quais você constrói suas formas. O mais importante é encontrar maneiras de aceitá-lo e abraçá-lo. Se há alguma coisa com que te sintas infeliz, há problema em desafiá-lo. Mas eu diria a si mesmo, “Que voz você quer ter se não é a que você tem direito, certo? De quem a voz mais te inspira? O que você pode aprender com o deles? Como você pode integrar isso de forma autêntica com o seu próprio?” O quinto ponto de dor é ligar a forma como os esboçam com a forma como querem que a sua ilustração final seja. Eu acho que este é o maior ponto de dor lá fora e foi o que me empurrou para descobrir o que eu tenho falado até agora em minha própria jornada. Eu disse na introdução quando eu estava começando como um ilustrador, minha maneira de desenhar e ilustrar onde duas coisas separadas e era sempre uma luta para encontrar uma maneira de juntar essas coisas. O problema subjacente aqui é um conflito entre como aprendemos a desenhar na maior parte realisticamente e o estilo de ilustração em que queremos trabalhar. As chances são, o que o inspirou a aprender a desenhar desde uma idade jovem foi bastante separado do que o inspirou a se tornar um ilustrador mais tarde. Portanto, desde o início, essas duas coisas não combinam. Não ajuda que haja pouco treinamento oficial em como desenhar em direção ao seu estilo de ilustração de escolha. Há apenas instrução de desenho que tende a favorecer o realismo e a representação literal. A cura para este ponto de dor está na compreensão dos diferentes modos de desenho, que há um tempo e um papel para desenho observacional e um tempo e um papel para o desenho ideacional. Ambos os modos de desenho devem ser nutridos, mas se o seu estilo de desenho e ilustração não coincidirem, você deve trabalhar no desenvolvimento de como você desenha no modo 2. Objetivo desenvolver uma forma de desenho mais simbólica e que venha de como você desenha sem referências. Claro, é completamente aceitável também ser inspirado por seus heróis em ilustração e deixar que eles influenciem a maneira como você desenha e ilustra. Para mim, eu sempre fui inspirado por ilustradores de meados do século como Paul Rand e Alice e Martin Provensen, então eu tenho e ainda permitir que algumas de suas abordagens para estilização influenciem a minha própria. A segunda parte desta cura é a engenharia reversa seu estilo de ilustração para trabalhar mais com a forma como você desenha. O que quero dizer é que você pode achar útil em encontrar um meio termo entre como você desenha mais naturalmente e como você ilustra. Na verdade, esta pode ser a combinação exata que você precisa para encontrar seu estilo de ilustração. A visão chave com este ponto de dor é que seu estilo de desenho e seu estilo de ilustração são muito possivelmente duas coisas muito diferentes, pelo menos no início e é seu trabalho descobrir como trazer essas coisas mais perto juntos. A melhor maneira que eu sei fazer isso é primeiro separar como eu extraio da observação de como eu desenho do coração ou em um modo ideacional. Em seguida, para ter certeza de que o que estou desenhando pode ser realmente desenvolvido no meu estilo de ilustração. Você pode ser muito apegado a como você pode desenhar algo de uma forma mais observacional ou mesmo de uma forma ideacional, mas se for incompatível com o seu estilo de ilustração, você tem que estar disposto a deixá-lo ir. Isso pode ser muito difícil, mas você tem que garantir a si mesmo que seu trabalho não é desenhar o desenho mais bonito, mas comunicar uma idéia para o seu cliente. O mais importante é não ser capaz de ilustrar uma coisa desta forma neste caso, mas ser capaz de ilustrar qualquer coisa de uma forma estilisticamente consistente ao longo do tempo. À medida que você cresce como ilustrador, procure maneiras de desenhar coisas usando as mesmas formas e estilos, certificando-se de que elas sempre fazem sentido em seu estilo de ilustração final, o que significa que você pode realmente entregar os produtos quando se trata de transformando esse esboço em sua ilustração final. Se você precisar, você sempre pode testá-lo em seu estilo antes de compartilhar com seu cliente e, em seguida, modificar seu esboço para aproximá-lo do que você pode realmente alcançar. É sempre melhor subutilizar e entregar demais aos seus clientes. Nunca compartilhe esboço não importa o quão bonito, se você não tem certeza, você pode levá-lo para a frente na final. Claro, idealmente, você pode ilustrar muitas coisas em um estilo que você ama e, novamente, esta aula é tudo sobre ajudá-lo a chegar lá. 8. Primer: estilização e curadoria: À medida que nos aprofundamos na ideia de unir nossos estilos de desenho e ilustração, inevitavelmente chegamos à discussão da estilização. A estilização em termos simples é descrever algo de forma não realista. A estilização pode ser dividida em cinco princípios ou elementos, que realmente entram em mais profundidade em ambos os pontos doces e corpos estranhos para outras classes que eu tenho aqui sobre compartilhamento de habilidades, mas eu estou mais do que feliz em tocá-los rapidamente aqui. Os princípios da estilização funcionam convenientemente nos rostos acrônimos, F-A-C-E-S. F é para achatamento, A é para abstração, C é para clareza, E é para exagero ou excentrificação, e S é para simplificação ou simbolização. Aplanamento é, naturalmente, reduzir o que observamos na realidade a um espaço plano, removendo a noção de profundidade e volume em favor de uma representação mais simples e gráfica. Abstração é resumir algo até sua essência visual de descrever a idéia de algo em vez de sua forma literal. abstração é a chave para a estilização na medida em que nos permite retratar coisas mais complexas de uma forma simples. Meu exemplo favorito é usar apenas o triângulo verde, talvez com o retângulo na parte inferior para uma árvore de Natal. Você não precisa desenhar cada agulha e pedaço de casca, você simplesmente precisa mostrar a forma geral da árvore e talvez adicionar alguns círculos coloridos como ornamentos. Claridade é certificar-se de que o que você está representando é claro para o seu público. Uma coisa é descrever algo de forma não-realista, mas se a idéia da coisa não é clara que ele perde todo o ponto completamente. Ao estilizar um assunto, você deve sempre apontar para descrevê-lo de uma forma que seja claramente identificável. O exagero é, apesar de ser livre para jogar com escala em seu trabalho. Só porque as coisas têm um certo tamanho na vida real, isso não significa que você tenha que retratá-lo dessa maneira em sua arte. Você tem permissão para modificar os tamanhos e escalas das coisas para fazer sua composição funcionar. Eu também mencionei a palavra excentrificação para este ponto, e isso é realmente apenas permitir que as peculiaridades entrem em seu trabalho, em seu estilo porque estas são, em última análise, o que torna seu trabalho mais identificável, se ele é muito nítido e muito perfeito e você não permite alguns erros cuidadosamente curados, então pode parecer um pouco mecânico e robótico. Permitir que parte dessa humanidade entre em seu trabalho também é muito importante quando estilizar. Finalmente, a simplificação tem tudo a ver com incluir apenas o que é necessário para contar a sua ideia ou história. O que está relacionado à abstração em que você quer resumir algo à sua essência, tanto quanto possível. Claro, você quer equilibrar a simplificação com o interesse. Você não quer simplificar tanto algo que não há mais nada para olhar. Você não quer simplificar tanto um quarto que você só tem paredes brancas nuas. Ao mesmo tempo, você não quer incluir mais do que o necessário ou então sua idéia má pode se perder. Outra palavra que eu gosto para o “S “nos rostos é simbolização. O que quero dizer é desenvolver uma maneira de descrever certos elementos em seu trabalho de uma forma altamente abstrata repetidamente. Todos os símbolos são, por natureza, abstrações. A letra A, por exemplo, é uma abstração pura porque não tem significado representacional, a forma do A não é uma imagem de nada que encontramos na vida real. Para ilustração, no entanto, usamos muitas abstrações como atalhos estilísticos. Por exemplo, eu tenho símbolos que eu uso abstrações para árvores, grama, ondas, e até mesmo edifícios em segundo plano. Eu simbolizei esses objetos para que eu possa usá-los para sugerir a idéia dessas coisas sem ter que começar a desenhá-los com mais detalhes. Isso é especialmente útil se eles não são o foco da minha ilustração principal, eles são extras no meu set de filme. Ao simbolizar certos elementos menos importantes em uma ilustração, você pode construir o sentido de uma cena sem ter que literalmente desenhar toda a cena, que de outra forma seria muito perturbador e possivelmente mais demorado do que valem. Ao desenhar e ilustrar, uma ótima maneira de adicionar estilo e personalidade ao seu trabalho é em como você escolhe em uso abreviaturas estilísticas, símbolos efetivamente mais simples no lugar de coisas mais complexas. Squiggles para molas ou fumaça, ziguezagues para montanhas ou zíperes, divisas em uma vara para árvores, essa coisa. Além da estilização, quero tocar no que chamo de curadoria. curadoria é o ato de selecionar, organizar e apresentar as coisas de acordo com um propósito ou gosto específico. Uma galeria organiza uma coleção específica de arte de acordo com seu mandato. Há certas obras que aceitará pendurar como paredes e outras que nenhuma ofensa não se encaixam. Em um exemplo muito óbvio, pintura não teria lugar em uma galeria de esculturas. Ticiano não teria lugar em um Museu de Arte Moderna. Um dos meus pequenos segredos sujos como ilustrador é o fato de que eu sou curador ou optar por retratar certos objetos de certas maneiras com base em como eu posso desenhá-los com a maior facilidade, ou pelo menos com o menor sentimento possível de esforço O meu estilo. Não se trata de ser preguiçoso, mas de tirar partido dos meus pontos fortes do meu estilo em vez de tentar forçá-lo a agir como um estilo diferente. Como minha maneira particular de ilustrar é altamente estilizada e simplificada, é do meu interesse trabalhar com assuntos e pontos de vista que mais se prestam a essa abordagem. Um grande exemplo é em como eu desenho carros. Bem, um ilustrador com um estilo realista mais complexo não teria problema em desenhar um carro moderno em três quartos de vista. No meu próprio estilo, posso ter dificuldade em trabalhar em algo. Em vez disso, se eu tivesse que ilustrar um carro, eu poderia usar o meu sentido curatorial para escolher um carro que eu possa desenhar mais naturalmente no meu estilo, digamos um 1980, Volvo 240, visão interna, que é basicamente um tijolo sobre rodas. Curadoria significa escolher objetos que funcionem melhor em direção aos objetivos de sua ilustração. Nesse caso, o objetivo pode ser simplesmente representar a idéia de um carro. Um Volvo 1980 é muito mais icônico em sua interpretação ou representação da idéia de carro do que dizer um Ford Taurus 2018. Também deve ser notado que eu simplesmente prefiro um Volvo 1980 a um sedan moderno de qualquer marca ou modelo. Isso pode ser uma razão válida para incluí-lo na minha arte como qualquer outra. Quando falo de curadoria na ilustração e no desenho para ilustração, estou falando de ser seletivo em que, em como você desenha certas coisas. curadoria aqui é sobre a escolha de assuntos e pontos de vista que funcionem melhor no seu estilo e em direção à sua intenção. Como você curadoria, o que você decide usar como suas referências, e como você decide incluir idéias em sua arte, isso é uma grande parte do seu estilo. Se você já se perguntou por que um ilustrador escolheu incluir uma coisa em vez de outra em uma ilustração, há uma boa chance de ter sido baseado em seu sentido curatorial, tanto em termos do que eles se sentem confiantes em ilustrar quanto em Eles gostam. 9. Primer: Repetição (a receita secreta): Este é o último vídeo primário e então podemos passar para os exercícios. Mas antes disso, quero dar a vocês uma das ferramentas mais poderosas que conheço em ilustração. Iteração. Iteração significa fazer algo uma e outra vez até que você acerte. Raramente as idéias se apresentam a nós em plena forma imediatamente. É aí que entra a iteração e seu primo, refinamento. À medida que nos aproximamos da ilustração, especialmente quando trabalhamos para desenvolver nossos conceitos, devemos primeiro iterar em termos de quantidade de ideias diferentes. Tente muitas coisas diferentes sem ser muito crítico. Depois de passar algum tempo esgotando todas as nossas opções, podemos nos afastar por uma hora ou durante a noite, basicamente descansar. Então podemos voltar a ele mais tarde com uma mente nova e escolher o nosso conceito mais forte. Então podemos repetir novamente, mas desta vez sobre este conceito forte e refiná-lo para torná-lo claro ou para ajustar a composição mais, ou para torná-lo mais interessante de alguma forma. O refinamento é apenas uma iteração diferente que se concentra na qualidade e não na quantidade. Iteração e refinamento são o molho secreto em termos de pisar seu caminho de zero idéias para mais idéias do que você sabe o que fazer com. A iteração e o refinamento ajudam você a construir uma idéia que você nunca teria imaginado de outra forma. Há um mito que ilustradores apenas derramam idéias diretamente da imaginação rica para a página, como magia. Mas a realidade é que as ideias raramente saem do nada assim. Em vez disso, conceitos fortes são desenvolvidos iterativamente passo a passo, começando com marcas ásperas que parecem inseguros, e construindo sobre eles até que o grande momento eureka ocorra. À medida que desenharmos os exercícios e no projeto final e medida que você desenha para ilustração em sua própria jornada, tenha em mente que as idéias vêm iterativamente. Se você se sentir preso e não sabe o que fazer, comece fazendo marcas e depois responda a essas marcas e depois responda a essas respostas, sempre procurando essa ideia ou fazendo a pergunta, isso está funcionando? Isso está fazendo o que a ilustração precisa fazer? Somente pela iteração e, em seguida, afastando-se e voltando e procurando aquelas coisas que estão funcionando de uma maneira mais objetiva, você pode realmente construir até idéias que você nunca teria pensado antes. Basta ter isso em mente enquanto passamos pelos exercícios e projetos nesta aula. 10. Exercícios: pontapé inicial: É hora de entrar nos exercícios. Há quatro exercícios, cada um sendo semelhante na medida em que eles têm duas partes. Na primeira parte, desenhamos do modo observacional, da vida real ou de uma foto de referência. Na segunda parte, desenhamos em modo ideacional, usando o que conhecemos e lembramos da primeira parte como nossa única referência. Para todos os exercícios, você deve usar desenho de contorno para descrever o formulário. Evite a tentação de sombrear e modelar o volume excessivamente. À medida que você passar por esses exercícios, leve o tempo que quiser. Mas eu vou sugerir um tempo alvo para cada parte de cada exercício e isso vai ajudá-lo a permanecer fresco e não pensar demais as coisas. Mas novamente, se você quer apenas se perder no desenho e não se preocupar com o tempo, isso é totalmente bom também. Finalmente, antes de entrarmos no primeiro exercício, lembre-se, estes são exercícios de aprendizagem, não performances. O exercício torna-te mais forte, o que implica que ainda não somos tão fortes como seremos. A maior maneira de evitar frustração ou impaciência aqui é primeiro definir um temporizador e não se dar muito tempo para mexer com detalhes e pensar demais as coisas. Em segundo lugar, dê a si mesmo permissão para ser ruim, e terceiro, apenas empurrado através através de qualquer coisa. Quando sentir que cometeu um erro, aceite e continue. O que quer que você faça, não pare para dar a si mesmo esse tempo para dar um pé para a frente. Há um momento para ser crítico e duvidoso, mas este não é o momento. 11. Exercício 1: a cadeira: No exercício 1, estaremos desenhando uma cadeira. Encontre uma cadeira em sua casa ou, se necessário, encontre uma imagem de uma cadeira on-line. Pode ser qualquer ângulo, embora eu sugiro que desenhar uma cadeira em três quartos vista onde você vê alguns do topo e dois lados ao mesmo tempo. Isso dá a você a informação visual mais possível sobre seu assunto em uma única visão e se torna útil para desenhar de coração na segunda parte. Para a primeira parte, modo observacional, dê a si mesmo dez minutos ou menos para completar. Basta desenhar a cadeira como você vê usando contornos. Para a Parte 2, modo ideacional, tente não demorar mais do que cinco minutos. Tenho aqui uma foto de uma cadeira da minha área de trabalho do meu estúdio. Eu só vou desenhar isso o melhor que eu puder, o mais fiel que eu puder, lembrando de desenhar apenas em contornos e evitar fazer muito sombreamento extravagante e pensar em termos de torná-lo muito realista ou qualquer coisa assim. Mas estou tirando da observação usando linhas de contorno ousadas. Então, eu vou entrar no assunto e vamos ver o que acontece. Imediatamente, eu entrei e decidi traçar o contorno externo da cadeira em um golpe ousado. Ao desenhar qualquer objeto, você está procurando qualquer borda de feição ou feição do objeto que ajudou a defini-lo. Especialmente com uma superfície mais curva como esta cadeira, vou precisar o máximo que puder para me ajudar a descrever esta superfície usando contorno. Estes parafusos que seguram as pernas no assento são muito importantes para ajudar a descrever o contorno geral desta cadeira sem usar sombreamento. Novamente, eu posso usar um pouco de linha de contorno aqui. Um aqui que eu vejo que a ajuda está chegando tem esse senso de contorno. Se isso ajuda, se você está tirando da vida, ajuda a achatar seu assunto em sua mente, fechando apenas um olho para que você não perceba a profundidade tanto. Estou olhando na minha tela na minha foto de referência e vendo onde essas pernas se sentam em referência umas às outras, mas também em referência aos parafusos que seguram o assento nas pernas. Mais uma vez, você procura por quaisquer pontos de referência em seu assunto que você possa usar para fazer o seu próximo passo que eu tenha bolas de tênis nas pernas da minha cadeira para proteger meu chão. Eu só gosto de como parece. Este ousado fica um pouco mais alto no avião , depois este e este desce um pouco mais. Novamente, estou fazendo o meu melhor para descrever esta cadeira usando apenas contornos e evitando-os para sombrear, se possível. Agora, eu poderia querer apenas dar um pouco de um sombreamento aqui, tipo do que eu estou vendo na minha foto apenas para dar um pouco mais de uma sensação de curvatura desta superfície. Esses tipos de serviços são muito mais desafiadores para desenhar em estilo de contorno. Mas mesmo essas linhas, acho que foram suficientes. Eu realmente não precisava adicionar o sombreamento, mas o sombreamento é apenas satisfatório para adicionar lá ao esboçar. Mas como você pode ver, eu poderia continuar indo e trabalhando demais, e isso é exatamente o que aconteceria. A busca só olharia sobrecarregada. Vai perder essa espontaneidade, mas é claro que isto é uma imagem de estudo. Não importa o quão bom isto seja, porque este não é o meu produto final. O meu produto final vai ser uma ilustração final para o meu cliente. Esta é uma imagem observacional. Isso é algo que eu faço no que eu chamo de pontos doces. Eu chamo isso de esboço livre onde eu estou apenas baixando informações visuais para que a ação tenha sido feita, eu baixei informações sobre esta cadeira. Lá está ele. Vou deixá-la e mudar-me para a Parte 2. Na Parte 2, estamos passando do modo observacional para o modo ideacional. Vou guardar a minha referência. Eu não estou olhando a foto da cadeira que eu tinha antes. Vou fazer o meu melhor para desenhar esta cadeira usando linhas de contorno da memória. Lembro-me que há esta forma do assento. Havia parafusos neste tipo de padrão de diamante. Havia um contorno aqui, pode haver algo lá e isso realmente ajuda a descrever o lábio da cadeira. Havia as pernas que se relacionavam um pouco com os parafusos do mar. Eu também me lembro que as bolas de tênis na parte inferior de cada perna onde eles formam uma forma de diamante, se você pensar sobre essas bolas em termos de talvez constelações. Nós temos essas bolas fazendo a forma e eu me lembro disso. Eu só vou desfazer essa linha ali e essas cabeças, esses tipos de cortes onde a perna meio que entrou nas bolas. Há o motivo da bola de tênis, aquela linha de bola de tênis em cada uma delas. Aqui está a minha cadeira. Eu faço isso totalmente de memória e eu diria que provavelmente é bem perto. Lembro-me que estas pernas eram pretas. Agora, aqui está uma coisa interessante que eu gostaria que você tentasse também. Agora que você tem essa referência desta cadeira em sua mente, tente brincar com o ângulo dessa cadeira sem girar a cadeira real em torno de procurar ângulos diferentes. Você terá que fazer isso, especialmente se você estiver trabalhando apenas partir de imagens de referência porque você não terá outros ângulos. Mas é apenas um exercício visual interessante. Como você pode girar esta cadeira em sua mente de maneiras diferentes da sua imaginação? Imagine, como seria essa cadeira em todos esses outros ângulos e desafie-se a desenhá-la sem ter que ter uma referência visual. Vocês notarão que a minha vista frontal da cadeira, as minhas vistas laterais, não são tecnicamente tão boas, mas são divertidas. Eles são caprichosos e mal-humorados e, por fim, essa é a minha voz, essa é a minha voz de desenho, e eu gosto disso. Novamente, o que eu poderia fazer se eu quisesse tipo de passar por cima destes, eu tenho uma nova camada aqui. Eu coloquei desenhos que eu fiz como uma espécie de opacidade mais baixa, então agora é como se eu tivesse papel de rastreamento sobre ele. Eu posso ir e tentar rastrear sobre eles de uma forma mais esclarecida e confiante. Talvez compensar qualquer um dos erros que pensei ter cometido na primeira passagem. Por exemplo, eu posso descer aqui e realmente ter certeza que a interação entre a rachadura na bola onde a luz entra naquela fenda. Eu posso deixar isso um pouco mais claro sobre o que está acontecendo lá. Isso pode ser necessário ou desnecessário na minha ilustração final, tudo depende. Mas estes são os tipos de coisas que você pode fazer quando você passa por cima de uma ilustração. Aqui, minha qualidade de linha é realmente oscilante, que eu acho que tem um monte de sensação de movimento para que eu possa escolher apenas deixar isso, mas talvez o estilo de ilustração que eu estou indo para a minha arte final precisa ser um pouco mais nítido. Vou descobrir o que está acontecendo aqui. Eu fiz um pouco de oopsy lá. Então eu vou fazer isso mais uma vez e eu posso iterar sobre isso tanto quanto eu sinto que eu preciso até que seja perfeito, especialmente se for digital. Não é pele das minhas costas, exceto por um pouco de tempo. Simplifique essa fenda para apenas alinhar. Se eu não quiser descrevê-lo de uma forma mais tridimensional. Isso pode ser tudo o que eu preciso. Você pode ver que há um movimento, uma progressão em direção ou linhas mais nítidas confiantes que descrevem o meu desenho. Mais uma vez, eu quero trazer alguns desses pequenos detalhes que contam a história deste objeto que é mais interessante do que a cadeira em si é que eu coloquei bolas de tênis nele. Veja quantos ângulos diferentes você pode desenhar sua cadeira. Depois, quando terminar, compare o que desenhou na segunda parte com o que desenhou na primeira parte. Farei isso aqui com vocês, minha própria arte. Aqui temos a cadeira que desenhei da vida e aqui temos a minha versão mais refinada das cadeiras que desenhei em ângulos diferentes. Você pode realmente ver aqui que temos muito mais sutilezas no desenho observacional como a sutileza da curva das pernas dobrando para trás em direção ao outro. Você tem tudo mais em um lugar realista. Até a maneira como descrevi esses contornos com essas linhas simples funciona e faz sentido quando você olha para ele. Aqui na minha segunda parte onde desenhei apenas para memória, eu endireitei as pernas, eu não me lembrava desse detalhe aqui. Eu realmente simplifiquei os contornos do assento. Enquanto você pode olhar para isso e pensar que isso parece melhor. Este primeiro desenho observacional parece melhor, é uma observação justa e uma opinião justa. Mas você também pode olhar para isso como sua própria coisa separada do que você desenhou observacionalmente e ver o valor em também. Isso é apenas mais divertido, é mais caprichoso, e seria realmente interessante ver como isso ficaria Se eu fosse adicionar, eu pintaria e textura e usaria minhas técnicas de ilustração final para renderizar isso. Há algo ousado, corajoso e divertido em ir com isso, apesar do que você sabe que poderia ter feito. Essa é uma das decisões criativas que você toma como ilustrador, é o nível de realismo em detalhes e sutileza que você traz para o seu trabalho. Se você quer desenvolver um estilo consistente, maneira consistente de desenhar, eu acredito que você realmente tem que se acostumar com suas peculiaridades e as coisas que não são perfeitas em seu trabalho. Porque, em última análise, você precisa estar desenhando de seu coração. Quando você tira do coração, acaba parecendo mais assim do que assim. Este segundo modo de desenho vai ser para o melhor ou para o pior, o que você pode desenhar de forma mais consistente. Vou deixar assim. Este é o primeiro exercício, e agora vamos passar para o segundo exercício que é a planta. 12. Exercício 2: a planta de casa: Neste exercício, vamos desenhar uma planta de casa. Pode ser uma planta pendurada ou em vaso, grande ou pequena. Cabe a você. Estarei desenhando uma das minhas plantas de casa em vaso. Para este, sugiro desenhar uma planta com folhas e características que você acha que seria difícil de desenhar versus digamos, um simples cacto de pêra ou uma planta de cobra, uma palma ou ficus são espécimes ideais para desenhar, por exemplo. Para a Parte 1, modo de observação, dê a si mesmo 10-15 minutos para completar, dependendo da complexidade da planta e da precisão que você deseja desenhar. De nossos assuntos complexos com peças sobrepostas como plantas, será mais difícil confiar a si mesmo com a tarefa de desenho. Além disso, assim como eu vou sobre o meu próprio, que é mais fácil se você passar a maior parte do tempo olhando para o seu assunto, em seguida, para a sua página. Deixando sua mão traçar o que seu olho vê enquanto ele escaneia as bordas e contornos da planta. Para a Parte 2, modo ideacional, dê a si mesmo 5-10 minutos. Este é o segundo exercício. Agora nossa tarefa é desenhar uma planta. Agora, por que uma planta? As plantas são orgânicas, complexas, têm muitas partes sobrepostas, e no geral apenas representam um desafio para nossos pacientes e definitivamente um desafio para algumas das minhas ideias sobre desenhar apenas em contornos. É realmente uma grande oportunidade para tentar colocar seu cérebro no modo r quando você está desenhando observacionalmente, permitir que seu cérebro direito assuma onde seu desenho, o que você vê. Seu cérebro esquerdo vai ficar muito frustrado porque é como se fosse uma folha, que é uma folha, apenas desenhe uma folha. Ele realmente não tem um símbolo para a forma como todas essas folhas em sua planta ou o caule ou a casca ou o que quer que seja que você está desenhando em sua planta. Ele provavelmente não tem um símbolo muito claro para todas essas coisas, ou vai querer dizer para você parar, ele vai dizer que você está fazendo um trabalho ruim e é apenas geral vai ser muito impaciente. Eu tenho na minha frente uma foto de uma de minhas plantas de casa e está em uma panela em um estande. Eu posso desenhar toda essa montagem, mas vamos entrar nisso. Talvez só para me enganar para desenhar o single, vou começar desenhando o próprio plantador porque não é um objeto orgânico. problema aqui é que eu realmente comecei um pouco grande demais, eu quero apenas limpar isso e começar de novo. Nada precioso aqui, e você vai ter que me dar algum espaço para esta planta. Novamente, eu estou começando com o desenho plantador em traços de contorno agradáveis e confiantes versus tacadas tentativas e esboçadas. Não seja tímido, não tenha muito cuidado, veja se consegue descrever todas as suas bordas e contornos. Agradável, confiante, traços limpos, não perfeito, apenas limpo e confiante. Enquanto desenho no modo observacional, estou pensando em relacionamentos de tamanho também. Estou me perguntando, quão grandes são as pernas no suporte da planta em comparação com o plantador? É um plantador deste tamanho e as pernas deste tamanho ou se a planta deste grande e o comprimento deste tamanho, baseado no que eu estou medindo aqui do meu olho, o suporte e o plantador são aproximadamente da mesma altura. Ok. Eu posso lidar com o plantador mais tarde eu tenho isso. Agora eu posso desenhar o caule da planta saindo dela agora para começar com realmente muito fácil, eu vejo o caule e, de repente, uma vez que ele chega a cerca de aqui, ele se perde em todas as folhas separadas desta planta. O que eu vou fazer é apenas ir com qualquer coisa que eu possa ver e articular facilmente, e então me enganar, facilitar a mim mesmo apenas começando a desenhar por contornos. Agora, uma coisa sobre desenhar, coisas complicadas como esta. Um truque é realmente olhar mais para o seu assunto do que para a sua página, porque se você está olhando para a sua página, você não está olhando, você não está vendo o que você realmente está desenhando. Aqui eu estou apenas permitindo que minha caneta para rastrear essas linhas, eu estou tentando esquecer que eu estou desenhando folhas e apenas desenhando formas, linhas, contornos, ondulações. Não vai ser perfeito. Pode até ficar confuso, você pode perder o controle, está tudo bem, fazer o seu melhor para acompanhar, mas desenhar olhando, não pensando. Estamos tirando do lado direito do cérebro, recontando o cérebro esquerdo, desculpe. Você tem que ter o seu jeito mais tarde, agora, estamos apenas desenhando essas linhas abstratas que vemos na nossa frente. Eles não têm nomes, mas você vai descobrir que mesmo quando você está desenhando da vida, você começa a mover sua mão, especialmente com folhas. Você move sua mão no mesmo padrão como você seca cada folha uma e outra vez. Repare que não estou tomando muito tempo aqui. Você poderia ser mais cuidadoso, você pode levar o tempo que você quiser para desenhar sua planta. Eu olhei para a minha tela. Eu olhei para realmente algumas vezes, mas eu realmente não olhei, agora eu estou olhando. Esta planta que acabei de desenhar é realmente um contorno cego. Um contorno cego é realmente apenas um desenho de contorno como eu descrevi antes, mas você gasta quase zero tempo olhando para a página em si. Agora vou preencher alguns detalhes do meu plantador. Desenhado em padrão de grade, estes são madeira que eles afunilam. Acho que isso é tudo o que posso fazer neste modo, caso contrário, há apenas, já é uma massa. Mas esta é a primeira parte do desenho da planta e levei menos de 10 minutos para chegar aqui, e isso é realmente tudo que eu precisava para realmente ver a planta para meus propósitos. O que vou fazer é esconder essa camada por enquanto, vou abrir uma nova camada. Vamos para a segunda parte do exercício da planta, que é, naturalmente, tirar a planta da memória. Estou movendo a planta uma referência do meu ponto de vista e sem olhar, sem pico, sem trapaça. Vamos tirar nossa planta friamente da memória, e é claro que agora estamos olhando para a tela. Eu gosto de começar com o objeto mais seguro ou borda que eu posso lembrar ou ver, e que, claro, foi a planta stand com o plantador ou pote. Sério, só estou adiando a parte difícil, mas aqui vamos nós. Eu sei que o caule desta planta tem estas linhas, e as folhas começaram a continuar assim. Pequenos bananas realmente, e eles se sobrepuseram, e às vezes eles não, e às vezes eles não se relacionaram e às vezes eles não, dependendo da borda, meu cérebro esquerdo está recebendo sua satisfação agora, porque estes são símbolos, estes são símbolos para as folhas, meu cérebro esquerdo encontrou um hack, uma maneira de desenhar estas folhas complexas como símbolos, como noções rápidas ou ideias. Meu cérebro direito fez seu trabalho, pode relaxar. Posso desenhar essas plantas e agora cabe a mim determinar quando é suficiente. Tenho o suficiente neste desenho? Talvez eu precise jogar mais uma coisa lá dentro. Eu sempre posso desfazer se eu sentir que há muito, eu sempre posso adicionar mais. Algo assim, talvez já tenha exagerado. Mas há a planta da memória, um organismo orgânico muito complexo. Sim, eu sinto que esta forma de memória é muito mais próxima do que eu ilustraria. ele é removido da forma de observação pura e certamente é muito mais limpo do que os contornos cegos que eu usei no modo observacional, mas vamos ver o que acontece se eu tentar estilizar isso um pouco mais usando alguns dos meus princípios de estilização. Há achatamento, obstração, clareza, exagero ou excentrificação e simplificação, ou simbolização. Esta planta tirada da memória é tão representativa, é muito próxima do original. Mas vamos ver o que acontece se eu removê-lo ainda mais do realismo. O que posso fazer com isso? Eu tenho o plantador, eu o achatei. Estou acabando com o sentido do interior daquele plantador, talvez com as pernas, talvez com as pernas, eu só transformo essas em paus. Não vou me preocupar com o padrão ainda. Então, com a planta, a questão é, como posso torná-la plantae, mas realmente afastá-la da realidade? Como podemos capturar a essência desta planta? Ainda não sei como se chama esta planta. O que eu realmente quero fazer é manter estes simples e plana. Eu não me importo de um pouco de sobreposição, apenas um pouco embora. Caso contrário, a ilustração poderia ficar muito ocupada. Este desenho, o que estou fazendo aqui está mais perto do que eu chamaria de meu estilo de ilustração do que este. É mais estilizado, eu tenho coisas simbólicas mais, simplificado, é ainda mais excêntrico. A forma como desenhei as pernas, não era como era na vida real. Há algo peculiar nisso, mas acrescenta caráter. Se eu quisesse, eu poderia adicionar de volta em algum padrão, e agora eu estou totalmente achatando deste padrão. Não estou sugerindo curvatura com este padrão. Só uma coisa de waffle grade, algo assim. Então eu vou brincar com isso, eu posso decidir que quando eu estou ilustrando no meu estilo que ele não precisa do padrão, ou talvez eu queira mudar o que esse padrão é. Eu não tenho que passar exatamente pelo que eu vi na imagem de referência ou uma vida real, talvez seja suficiente ter listras horizontais no pote, ou talvez eu tenha um rabisco como o padrão. Você pode realmente brincar com a realidade. A realidade é diferente da ilustração porque na ilustração você começa a fazer o que quiser, seu mundo é plástico e maleável e festa em suas mãos. Vamos comparar o desenho original que fiz com os estilizados que fiz no modo ideacional. Agora, eu gosto muito disso, eu acho isso muito legal. Há um monte de sentimento e expressividade neste desenho, mas eu questionaria se eu seria capaz de obtê-lo exatamente assim outra vez se eu precisasse. Claro, eu poderia ser capaz de desenhar outro contorno cego da planta e teria algumas dessas características, mas uma das coisas que queremos melhorar como ilustradores, é ser capaz de repetir sucessos passados de forma confiável. Queremos ser capazes de fazer os nossos maiores sucessos uma e outra vez, ser capaz de ter um repertório que podemos extrair. As chances de fazer isso, novamente, não são tão grandes quanto as chances de fazer isso novamente. Esta é a minha planta estilizada simbolizada. Isso eu poderia fazer de novo, e talvez de agora em diante e eu estou desenhando plantas de casa e cenas, por exemplo. Eu vou acabar fazendo alguma variação sobre isso subconscientemente ou conscientemente, porque agora eu tenho, e agora é uma parte da minha linguagem de símbolos, minha linguagem visual que eu uso na minha ilustração. Isso conclui o sorteio de um exercício de planta Partes 1 e 2, e vamos passar agora para o terceiro exercício, que está desenhando nosso espaço de trabalho. 13. Exercício 3: o espaço de trabalho: Neste exercício, estaremos desenhando nosso espaço de trabalho ou alguma outra cena interior de uma sala em sua casa. Você também pode encontrar uma foto de um espaço de trabalho que o inspire on-line, a escolha é sua. Deve ficar claro que seu espaço de trabalho não precisa estar em forma intocada para desenhá-lo. Na verdade, eu acho que seria muito mais interessante se você apenas desenhar as coisas como elas são sem muito estilo. Dê a si mesmo mais tempo para desenhar isto, se quiser. Para a parte 1, dê a si mesmo talvez 20 minutos para completar o desenho. Lembre-se de se concentrar em desenhar contornos com traços de confiança, não sendo tímido e tentativo. Como sempre, evite a tentação de sombrear e modelar uma sensação de volume. Certifique-se de dar espaço suficiente na página para desenhar uma cena tão ampla quanto possível. Se você está intimidado e não sabe o que começar a desenhar primeiro, basta começar com uma borda do objeto mais dominante em sua visão, seja qual for o seu olho naturalmente atraído. Para a parte 2, dê a si mesmo cerca de 10 a 20 minutos para completar. Você pode descobrir que você se lembra de tudo que desenhou na parte 1, ou que sua memória está um pouco nebulosa, mas à medida que você vai junto, você vai encontrar, enquanto eu faço isso, minha memória é jogada com cada nova marca que eu adicionar. Cada nova marca me ajuda a lembrar qual deve ser minha próxima marca, qual foi a próxima coisa em minha cena quando eu desenhei observacionalmente. Este vai demorar mais tempo do que a cadeira e os exercícios da planta, mas na verdade é o mesmo exercício, desenhando com contornos, o que você vê, comece com a borda que seu olho é atraído primeiro, e vá a partir daí. Não te preocupes com o teu ponto de partida. Talvez a única coisa a pensar é a escala. Você não quer ficar sem espaço. Eu vou apenas começar com a coisa mais visualmente óbvia que é a minha tela, talvez procrastinar e preenchê-lo porque há tantos detalhes que parece mais gratificante imediatamente preencher essa tela com algum sombreamento em vez de apenas fazer o que eu deveria estar fazendo. Você vai descobrir que mesmo que o desenho seja um exercício maravilhoso e agradável, é algo que tendemos a querer procrastinar e evitar porque requer uma concentração para realmente extrair da observação. Enquanto você desenha, você pode achar que a medida errada, e está tudo bem, basta editar enquanto você vai junto, eu desenhei meu monitor um pouco pequeno demais. Estou desenhando algumas das estantes que tenho, posso usar isso como uma forma de medir no meu desenho geral. Desenhar a partir da observação não significa necessariamente precisão, apenas significa que você está aberto a realmente ver o que está à sua frente e, em certa medida, desenhá-lo, gravá-lo na sua superfície de desenho. Quanto mais complexa for a coisa que você está desenhando da observação, mais esboçada pode começar a parecer, mais erros você vai cometer, então você vai ter esse efeito de as coisas parecerem um pouco menos claro e confiante, que é o ideal, mas nem sempre o resultado exato que você obtém. A foto que estou usando como referência, acabei de tirar uma foto do meu estúdio, como é agora que estou gravando, então há muita confusão do dia de gravação aqui, incluindo a iluminação. A coisa boa sobre desenhar a partir da observação é certas coisas não são necessárias ou desejadas, você pode deixá-las de fora. Posso deixar de fora a iluminação da minha instalação aqui, mas quer saber, porque está lá, prefiro desenhá-las, acho que vou incluí-las. Você vai notar que você pode ser totalmente errado em termos de relacionamento como na minha imagem, minha tela e meu MacBook estão muito mais perto, então se eu quisesse, eu poderia ir e mover tudo dessa forma apagar e começar de novo. Mas vou continuar com isso no interesse de provar a vocês que as coisas não precisam ser perfeitas mesmo quando estão tirando da vida. Você está realmente tentando baixar informações visuais e gravá-las na página. Este não é o nosso objectivo final, não estamos a desenhar isto como o nosso destino final. Novamente, usando, como minha prateleira tem esses suportes que a seguram, eu posso usar esses intervalos uniformemente espaçados como formas de medir onde as coisas vão. Na minha composição, tenho um grande frasco de vidro cheio de fita e réguas, é a minha fita e o frasco de régua. Eu tenho uma bola de papel lá que eu amassei em algum momento. Aqui, eu tenho uma luz, e estou apenas rastreando os contornos que eu vejo até minha mesa e apenas deixar meu cérebro direito fazer sua coisa aqui. Com esta cena mais complexa, eu estou interessado na cena geral mais do que eu estou sobre cada minúsculo detalhe, e sim, eu estou usando sombreamento além de contornos porque ele está me ajudando a dar referência para todos os outros elementos em minha composição aqui. Há alguns livros aqui, e você verá que eu não estou muito preocupado com exatamente o que esses livros são, talvez mais tarde, se me sentisse importante, eu poderia realmente voltar e tentar referenciar o que alguns desses detalhes são, e você verá que eu não estou muito preocupado com exatamente o que esses livros são, talvez mais tarde, se me sentisse importante, eu poderia realmente voltar e tentar referenciar o que alguns desses detalhes são, pode adicionar à história, ou eles podem ser apenas muitos detalhes. Novamente, vocês podem ser tão detalhados quanto quiserem. Eu posso realmente começar a desenhar cada pequeno detalhe e ser preciso. Para mim agora, estou apenas tentando entrar na informação visual geral, ideia-chave aqui, a história-chave é o meu espaço de trabalho. Estou trabalhando rápido o suficiente para passar por isso, não me preocupo muito com precisão e precisão, mais sobre apenas mapear tudo isso na página, e no meu coração e na minha mente. Enquanto estou desenhando, estou indo mais rápido e rápido, e a razão é, eu estou realmente apenas em um modo certo onde minha mente não está pensando, eu não estou olhando para minha página tanto, eu não estou tentando ser crítico. A borda da minha mesa é aqui e ela vai para baixo, eu tenho algumas gavetas. Novamente, minha mente está vendo padrões aqui com esses pequenos puxadores, os pequenos buracos nas portas para que você possa puxar para fora. Isso pode parecer uma bagunça quando eu realmente olhar para a minha tela, mas por enquanto, eu estou apenas na zona rastreando a realidade com minha caneta no papel. Uma coisa que eu estava desenvolvendo essa aula eu pensei sobre como isso, o que eu estou fazendo agora não é diferente de rastreamento, e se você quiser inverter isso ao redor, rastrear é apenas desenhar seus sujeitos com o mínimo possível espaço entre seu lápis e seu assunto. Quando você está rastreando, você está apenas seguindo as linhas que estão logo abaixo da ponta da sua ferramenta. Mas quando você está desenhando no modo observacional, você está rastreando as linhas na sua frente é apenas que esses objetos dentro de seu traçado estão a poucos metros de distância, poucos metros de distância ou a centenas de metros de distância, se estamos a pés de distância ou Que seja. Se estiver a uma distância, ainda está rastreando. Quando você se sentir satisfeito por ter descrito seu espaço de trabalho usando essas linhas de contorno confiantes, você pode terminar isso sempre que quiser. Estou olhando em volta só para ver se perdi algo importante. Não consigo encaixar em mais nada, e está tudo bem. Eu poderia desenhar um pouco mais como um brack na minha mesa de luz, mas eu sinto que isso vai ser um exagero. Como estou tentando me apressar agora, estou ficando impaciente e realmente rabiscando coisas para baixo, este é o meu tapete, e para ter uma sensação de que é material, eu vou apenas fazer alguns rabiscos pelo menos para ter uma sensação de tapete. Às vezes, quando eu estou desenhando coisas mais complexas, e eu quero manter o controle do que eu realmente desenhei, eu vou apenas rotulá-lo às vezes, isso vai ser como se fosse um tapete, isso parece realmente aleatório, Isto era um aquecedor. Voltei e nomeei as coisas, por isso lembro-me do que eram, se sentisse que eram importantes. Mas há o meu desenho de contorno do meu espaço de trabalho. Justamente quando você pensou que tínhamos acabado, agora temos que desenhar este espaço de trabalho da memória. Agora esta é a Parte 2, e isso vai ser muito legal por causa de quão detalhado um espaço de trabalho é comparado a uma cadeira ou uma planta. Há muito mais partes. É em um espaço maior, mas é a mesma coisa. Está desenhando a partir do nosso modo ideacional, e eu estou realmente tentando ver como é quando nós tiramos da memória. Qual é a aparência do nosso desenho quando esquecemos certos detalhes? Como compensamos isso? Mas não pense muito sobre isso enquanto avançamos. Eu diria apenas faça o seu melhor para tirar da memória. Agora, para mim, acho que costumo começar onde comecei meu desenho observacional. Eu acho que porque eu estava desenhando para aquela tela no meu desenho observacional do meu espaço de trabalho, é o que eu mais lembro e é muito possível que eu siga muito os mesmos passos que eu dei no meu caminho para desenhar isso em ambos os modos. Uma coisa a tirar dessa parte do exercício é que agora, eu realmente não me lembro de todas as coisas que estavam no meu espaço de trabalho. Há muitas coisas, e isso é um pouco intimidante, mas uma linha pode levar à próxima. Uma linha pode lembrá-lo que linha veio dessa linha, e isso é apenas uma pequena palavra de encorajamento. Esqueci que meu iPad estava aqui. Então, olhando para o canto do livro em que meu monitor está sentado, eu lembrei, “Sim. Havia alguma coisa lá. - Sim. Era o meu iPad.” Então é claro que eu me lembro que eu tenho uma prateleira. Lembro-me que tenho a minha câmara, minha câmara aérea e o meu portátil aqui. Há um monte de acordes aqui. Não estou tentando desenhar exatamente como era na realidade. Agora estou tomando algumas liberdades. Eu fiz coisas como esses acordes. Eu só uso uma abreviação estilística, um rabisco para representar a forma como todos aqueles acordes se enrolaram por lá. Lembro-me que havia um holofote. Claro, lembro-me de haver uma mesa de luz bem aqui. Honestamente, pessoal, não estou olhando para as minhas referências. Não estou olhando em volta do meu quarto, mesmo que pudesse. Lembre-se que há um chapéu aqui, estes suportes que seguram a prateleira para cima, igualmente espaçados e estes têm estas partes aqui. Em seguida, sob a mesa também há alguns suportes. Um rádio lá atrás. Estou tentando não olhar bem na minha frente porque está bem ali. Um pouco abstrato. Mas sim. Agora eu estou me lembrando que ele tinha um suporte lá segurando, que significa que havia um suporte neste também. Esta luz é um pouco alta. Não consigo desenhar o que estava lá, mas está tudo bem. Eu sei que há molduras. Meu objetivo com essa primeira iteração de desenho do coração é realmente, novamente, mapear as coisas como eu me lembro delas. Este é um mapa do que eu me lembro do meu primeiro desenho e, mais tarde, se eu quisesse, eu poderia refinar isso iterativamente. Esta imagem é realmente um exemplo interessante de realmente impor o seu estilo em algo que anteriormente não era. Este desenho é feito no estilo de pintura de outra pessoa. Não é o meu estilo. Mas enquanto eu estou desenhando isso da memória, porque eu desenho rostos de uma certa maneira, estou impondo essa maneira de desenhar no estilo de pintura dessa outra pessoa. Acho que está tudo bem. Não estou tentando reproduzir e imitar o estilo de pintura de outra pessoa. Na verdade, se eu posso interpretar algo assim no meu próprio estilo, isso agrega valor ao que eu posso ilustrar. Digamos que tenho a Mona Lisa pendurada lá. Eu poderia fielmente desenhar a Mona Lisa e toda a sua semelhança ou talvez eu possa desenhar a Mona Lisa de uma forma que é mais baseada no meu estilo. Então é como uma mistura do meu estilo e do estilo da Mona Lisa. Além do meu laptop aqui, sei que tenho um scanner. Só estou desenhando isso. Eu não desenhei isso na primeira parte do exercício, mas eu vou apenas desenhá-lo lá porque eu preciso preencher o espaço onde o espaço em branco costumava estar. - Sim. Interessante que eu simplesmente não posso, para a vida de mim lembrar quando nestes espaços. Vou parar agora e vamos comparar estes dois, o original e este e ver o que me lembrei, o que deixei de fora e, no geral, qual é a diferença entre eles. Pegue o original e mova-o para este lado. - Sim. Isso é interessante. Estou olhando para essas duas coisas e há algumas coisas que esqueci aqui e aqui. Uma das coisas que noto e me lembro é que quando cheguei aqui, não estava pensando no que estava desenhando. Eu estava indo longe demais e eu não descrevi nada disso. Eu não dei nada à minha mente para me ligar em sua memória desta coisa. Então eu não me lembrava o que era. Mas agora que eu posso olhar, eu sei que há uma pequena garrafa e um chapéu e está tudo sentado em uma caixinha pequena. Mas, no geral, para uma cena tão complexa, lembrei-me bastante. O fato de eu ter desenhado isso duas vezes agora, uma vez da observação, uma vez através da ideação, os objetos nesta cena vão ficar na minha memória por algum tempo. Nas próximas horas e no próximo dia, terei algumas memórias muito novas do que estava nessa cena e isso me ajuda a usar isso no caso de precisar ilustrar uma cena que é como esse espaço de trabalho. Um pequeno alerta de spoiler neste momento, vamos estar usando o desenho que temos feito aqui, nosso espaço de trabalho e também os dois outros desenhos, a cadeira e a planta em nossa ilustração final. Mas antes de fazermos isso, vamos apenas fazer mais um desses exercícios onde fazemos observação e então ideação e isso vai ser uma figura humana. Se você chegou até aqui, se você foi capaz de tirar do seu espaço de trabalho, da observação e, em seguida, da ideação através da memória, parabéns por ter chegado tão longe. Sei que dá muito trabalho. Mas minha esperança é que, neste momento, você esteja se tornando mais confortável com essa mudança do modo 1 para o modo 2, a mudança de observação e gravação, e pegando dados, informações e, em seguida, derramando de volta em seu modo ideacional para desenho. Bom trabalho. Vamos continuar. Vou te ver no próximo vídeo de exercícios. 14. Exercício 4: a figura: Este é o último exercício de desenho. Para este, desenhe uma figura humana completa. Alguém sentado em uma pose interessante funcionará melhor. Você pode tirar uma foto de si mesmo, você pode recrutar um voluntário para viver modelo para você, ou você pode encontrar uma foto de uma pessoa on-line. que seus modelos se sentem ou fiquem em uma pose interessante, ou encontrem uma foto de alguém de alguma forma em ação. Evite fotos de pessoas que estão apenas em pé ou em uma pose reta chata. Este pode ser o mais difícil de desenhar, porque seremos tentados a querer capturar semelhança em nossa figura. Isto não se trata de capturar semelhanças ou de desenhar pessoas realistas. Estamos simplesmente desenhando outro assunto assim como a cadeira, a planta no espaço de trabalho, primeiro da observação, percebendo sua essência geral e forma, e depois desenhando da memória. Se você fez minha aula de Corpos oculares, você estará familiarizado com este método de primeiro desenhar a pessoa da referência e depois da memória. Neste vídeo, você vai ver que até eu ficar preso em querer capturar a semelhança do meu modelo, e eu quase desfazer meu exercício e começar de novo. Mas então eu garanto a mim mesmo que capturar semelhança neste caso não é importante. Temos como objetivo capturar a idéia de uma figura humana, não a semelhança exata desse personagem em particular. Para a parte 1, não se dê mais de 10 minutos para completar o desenho. Novamente, expresse tudo em contornos. Procure linhas e contrastes interessantes que ocorrem entre roupas e pele, relógios ou jóias, e até rugas e pregas. Cada linha que você vê em seu modelo se torna um ponto de referência que pode informar sua próxima marca. Para a parte 2, dê a si mesmo cerca de cinco minutos para completar. Novamente, concentre-se na figura geral. Não se preocupe em entrar nos detalhes. Especialmente, não se perca ao tentar desenhar o rosto. Seu cérebro esquerdo vai ter um ataque, mas combatê-lo e apenas apontar para obter a idéia de uma figura em uma pose particular para baixo. Você pode áspero nas marcações gerais do rosto se quiser ou você pode deixar o rosto em branco. Qualquer coisa que você possa fazer para evitar tentar desenhar esse rosto em plena semelhança. vez, apenas o objetivo de obter a idéia de uma figura em uma pose particular, que é o seu único trabalho. Bem-vindos ao último exercício, desenhando uma figura humana. vez, você pode tirar da vida real ou de uma foto de referência como quiser, e claro, no meu próprio exercício aqui, eu vou usar uma foto que eu tirei de mim mesmo aqui hoje e eu pensei que era uma pose engraçada, e eu só vou trabalhar com ele e vamos ver o que acontece. Eu fui provavelmente com uma das bordas mais dominantes, que é a linha sob minha coxa e meu assento, e eu estou apenas desenhando contornos sobrepostos. Novamente, não estou pensando em anatomicamente correto, estou apenas desenhando os contornos do que vejo. Eu estou vestindo todo preto aqui que realmente ajuda a trazer um monte de contraste entre onde minha pele está mostrando e cria esses contrastes dramáticos de escuro e luz. Mas então, é claro, quando se trata da própria roupa, o preto no preto não fornece quase nenhum contraste, o que pode ser um desafio para desenhar. Aqui estou eu apenas rastreando a forma da minha mão aqui. Como você verá, é diferente de desenhar, digamos, em uma classe de desenho de vida que você pode precisar levar para animação ou certos tipos de ilustração. Isso não é desenhar dessa forma onde você está analisando mais o volume da forma humana e coisas assim. Estou desenhando isso exatamente da mesma forma que tenho desenhado todo o resto. mesma abordagem, a única coisa que é diferente é o assunto. Sim, então se eu quisesse alguma semelhança, eu poderia ter mais cuidado aqui, mas agora, estou apenas tentando memorizar algumas dessas coisas. Estou sobrecarregando este sapato por alguma razão. Está tudo bem. Isto é apenas um estudo, é apenas um exercício, não uma performance. Posso ver que eu vim um pouco curto aqui, ver que minha camisa vem por aqui. Se você ficar sem espaço e estiver trabalhando digitalmente, você sempre pode mover sua página um pouco para baixo. Agora, eu vou ficar pendurado na minha cara aqui porque assim que virmos o rosto, nosso objetivo será fazer com que esse rosto pareça com essa pessoa, porque é assim que estamos ligados. Você só tem que resistir a essa tentação de tentar trabalhar nos detalhes do rosto e fazê-lo parecer exatamente como ele. Não pense nessas coisas tanto quanto apenas fazendo o que tem feito o tempo todo. Desenhe o que você vê. Não é um rosto, eles não são lábios, não é um nariz, estes são apenas os contornos do que você vê. Claro, aqui estou eu usando alguns atalhos estilísticos, que na verdade está ficando no caminho de eu desenhar o que estou vendo, para ser honesto. Agora meu cérebro esquerdo está vindo aqui e dizendo, não, não se parece com você. Você não é uma boa gaveta, as pessoas que frequentam essa aula não vão te respeitar e vão parar de fazer essa aula porque você não sabe desenhar. Mas isso é o que o cérebro esquerdo está dizendo. Só estou dizendo que não estou acreditando nisso. Isto é o que o cérebro esquerdo vai dizer quando você está desenhando porque ele precisa que tudo seja perfeito e ele não quer cometer nenhum erro. Ele quer ter certeza e certo e eu acho que se você pode apenas empurrar através disso, você pode apenas atravessar um monte de lixo e chegar ao que você realmente precisa fazer. Gosto muito do contraste das minhas roupas pretas. Eu acho que há algumas coisas que eu gostaria de melhorar nisso se eu fosse fazer isso de novo. Se você quiser tomar algumas tomadas diferentes para desenhar sua figura humana, vá em frente. É bom praticar e não quero desencorajar-te disso. Mas eu diria que se você achar que está batendo em uma parede, deixe isso. Esta aula agora não é sobre capturar a semelhança das pessoas que você desenha. Na verdade, raramente vou capturar semelhança nas pessoas que desenho. Só porque eu não sou um ilustrador realista, e se você fez minha aula de corpos estranhos, você tem uma noção de como eu desenho as pessoas. De qualquer forma, há um cara que se parece comigo, há tanta coisa que eu gostaria de mudar, especialmente porque sou eu. Mas apenas algumas dicas quando você está desenhando pessoas neste estilo de contorno de observação, seja de imagens de referência ou da vida, isso só ajuda se você tiver recursos nessa pessoa que você pode usar como pontos de referência. Assim como no desenho do meu espaço de trabalho, usei a mesa e os suportes de prateleira e certos objetos naquela cena para sinalizar o que estava a seguir. O mesmo porque há contraste entre as roupas e o meu corpo como a minha pele. Eu posso usar essas áreas de contraste intenso como meus pontos de referência e alavancar essa sugestão visual incorporada que ela me dá. Agora, eu poderia apenas tentar mais uma ilustração da observação apenas para testar as águas um pouco, e aqui eu tenho uma versão diferente de mim. Desta vez fora na frente, e novamente, aqui eu tenho minhas pernas e um sapato ou pé encurtado pode ser muito duro no cérebro esquerdo porque não há símbolo para isso e começa a parecer realmente confuso. Então o que você tem que usar é desenhar o que você vê da melhor forma possível e talvez voltar e corrigi-lo mais tarde. Aqui eu tenho alguns dedos cruzados, o que caramba, é aqui que eu realmente tenho que deixar o cérebro certo assumir, olhando apenas para a foto, eu não estou olhando para a minha tela para o meu desenho. Aqui, estou usando uma camisa. Eu queria fazer um em que ele está usando apenas uma camiseta e um em que ele está usando uma camisa abotoada porque eu pensei que os botões iria criar um bom recurso para desenhar. O colarinho, algumas das amassas da camisa, as rugas. Não, eu poderia preencher tudo isso e trabalhar com o preto versus os tons mais claros da minha pele, novamente, só para descrever essa forma em geral. Com o sapato, isso é loucura. Vou deixá-la. Uma coisa que você pode ter certeza quando você está desenhando coisas, se elas são difíceis de desenhar para você, isso é apenas uma realidade, isso é apenas algo que você tem que abraçar e aceitar, e então perguntar a si mesmo, o que você quer fazer sobre isso? Você quer ficar melhor em desenhar aquelas coisas que são difíceis ou você vai apenas trabalhar em torno delas? Acho que cada abordagem é válida. Você pode optar por simplesmente evitar desenhar coisas em ângulos ou você pode optar por evitar desenhar assuntos inteiros que são difíceis para você ou que não lhe interessam. Você não está interessado em ficar melhor, você está mais interessado em idéias versus representações exatas das coisas e tudo bem. Faço isso no meu trabalho e falei um pouco sobre isso, e um primário quando falei sobre curadoria onde deixo as coisas ou edito coisas com base no que estou interessado, baseado no que sou capaz de desenhar. Desculpem rapazes, estou aqui desenhando e não consigo falar e desenhar ao mesmo tempo. Eu tenho uma pequena briga com meu cérebro esquerdo agora. Com superfícies curvas como rostos, às vezes é a única maneira de usar um pouco de sombreamento para descrever o que você vê, e é claro, você tem que tentar conciliar isso com seu estilo de ilustração final. Algo está estranho aqui, mas é claro, estou sendo altamente crítico sobre isso porque é uma imagem de mim e meu ego dizendo que não se parece comigo, mas há algo interessante nisso. Mas lá vai vocês, talvez apenas terminando uma cadeira só para ter uma noção da coisa em que a figura se senta. Ok. Esse sou eu desenhando da observação. Agora vou entrar na Parte 2, desenhando a partir do modo de ideação. Muito rapidamente, eu tenho essas duas versões de mim e estas duas são tiradas da observação. Você pode ver que eles são, de certa forma, eles são muito diferentes como o jeito que eu desenhei os olhos. Há alguma diferença é, mesmo estilisticamente eu diria, e isso é um grande ponto de dor com desenho para ilustradores é quando você desenha de referências, às vezes você vai desenhar um e às vezes você vai desenhá-lo de outra maneira e queremos estar mais no controle do estilo em que desenhamos, e a única maneira que podemos fazer isso é deixando o desenho observacional para o que é. Estamos tomando informações sobre o que estamos desenhando, como eu continuo dizendo, mas então precisamos de uma maneira, um estilo, uma abreviação, uma maneira de desenhar as coisas de forma mais consistente de uma forma mais próxima do nosso estilo de ilustração. Então é isso que espero que eu veja emergir quando eu entrar na Parte 2 deste exercício. Ok. Então agora eu vou começar a desenhar minha figura humana da memória e apenas trabalhar com a informação que eu aprendi e baixei na primeira parte. Agora, porque eu desenhei duas versões diferentes de duas fotos diferentes, eu estou tendo dificuldade em lembrar, eu estou misturando ambos na minha cabeça e eu acho que isso é realmente uma desvantagem. me dera não ter feito isso, mas vou fazer o meu melhor para fazer o primeiro. Esta em que eu tinha apenas a minha t-shirt vestida, e lembro-me que a minha mão estava a ser jogada um pouco na minha coxa. Eu estava usando meu relógio. Acho que meu cotovelo estava mais fora. Só vou desfazer e voltar. Acho que meu ombro estava fazendo isso. Certo, algo assim. Minha camisa veio até aqui e peguei um quarto e desenhei um pouco daquela cadeira lá só como referência. Agora, é claro, vou desenhar coisas muito estilizadas como faço com as pessoas. Acredito que esta perna surgiu assim. Eu estou realmente capturando a essência dos meus sapatos sem tentar obter cada detalhe realisticamente. Mantenha o N aí, que diz que estou usando uma certa marca. Estou usando sapatos New Balance, o que é específico. Às vezes, quando você está ilustrando ter alguma especificidade, você pode adicionar à história de alguma forma. Não me lembro do que estava fazendo com a mão. Eu sei que eu tinha um relógio lá. Eu estava vestindo todas as roupas escuras e então, claro, eu estava olhando diretamente para a câmera. Agora, quando você está desenhando uma pessoa, você pode estar desenhando essa pessoa para representar um personagem ou você pode estar desenhando uma pessoa para representar apenas uma figura. Um personagem é uma pessoa específica que tem mais personalidade. Você vai querer injetar alguns detalhes sobre o rosto e a expressão. Considerando que uma figura é uma abstração de uma pessoa. É uma representação de uma pessoa. Pode ser um homem, pode ser uma mulher, pode ter cabelo comprido, cabelo curto. Poderia ter essas coisas específicas sobre ele, mas não é sobre uma pessoa ou caráter específico. Então, enquanto desenho meu modo ideacional da minha figura humana, quando se trata do rosto, a questão é, é alguém que eu preciso conhecer bem ou é apenas uma figura humana? É um personagem ou uma figura? Talvez, essa pergunta ainda não importa, mas eu posso pelo menos dizer, se parece comigo? É suposto ser eu? Para os propósitos deste exercício , realmente não importa. Eu acho que o que mais importa é que você é capaz representar uma figura porque no projeto final, novamente, alerta spoiler, vamos incorporar os números de nossa memória em uma cena. Então, é realmente apenas sobre ter uma figura em uma cena e, em seguida cabe a você se essa pessoa é muito específica, se é realmente você ou se ele apenas representa mais uma abstração ou uma idéia de uma pessoa mais em um figura sentido do que em um sentido de personagem, se isso faz sentido. Eu amo coisas como rugas onde eles apenas mostram expressão e gesto. Eu estou usando essa camisa e então eu me lembro como minhas pernas estão apontando para a parede ao meu lado, mas então eu estou olhando diretamente para a câmera e eu estou torcendo minha parte superior do corpo, há algumas rugas na minha camisa acontecendo. Para expressar aqueles neste desenho aqui, realmente capta aquele sentimento de eu torcendo minha metade superior do meu corpo assim. Eu procurei oportunidades como essa, especialmente quando estou desenhando pessoas em roupas onde elas têm apenas como um pouco de ondulação ou rugas que podem ajudar a descrever mais sobre esse gesto que o personagem faz. Esta é uma pessoa estilizada, é feita através de desenho ideacional e eu só consegui fazer isso por causa do desenho observacional que eu fiz antes. Caso contrário, eu poderia realmente não ter tido esta pose disponível na minha cabeça no meu repertório para desenhar. Mas por que eu não vejo mais uma vez o que acontece se eu tentar desenhar a outra figura, aquela em que eu estou vestindo a camisa com botão para baixo. Eu me lembro que naquele eu acho que eu também estava olhando para a câmera. Neste por uma razão, estou começando com a cabeça. Eu só vou desenhar a cabeça de um cara só para começar, não importa que ele não se pareça comigo. Lembro-me que eu tinha uma camisa com botões e eu tinha uma perna mais encurtada aqui com o sapato apontando mais para a frente e menos uniforme. Então isso, ela estava totalmente encurtada no chão apontando diretamente para mim, até onde eu me lembro. Então acredito que minhas mãos estavam cruzadas. Eu só posso expressar isso de uma maneira muito solta sem que pareça realmente complicado. Eu só vou deixá-lo. Isto é, novamente, o que eu estava chamando de uma estenografia estilística. Eu poderia tentar desenhar a maneira como os dedos se sobrepõem como uma cesta tecida do jeito que eu estava fazendo. Mas eu definitivamente precisaria de uma imagem de referência para isso. Eu vou dizer apenas por agora no esboço, está tudo bem deixar isso solto e gestual. Tenho as mangas enroladas, a roupa que estou a usar é muito escura, excepto os meus sapatos. Claro, estou sentado numa cadeira. Não estou preocupado com o quão irrealista isso parece. Só estou desenhando o jeito que desenho baseado no que me lembro. Há algo muito legal sobre o que acontece quando você faz isso, especialmente quando você se familiariza com como você desenha, que tipo de linhas você faz, quais são suas ferramentas favoritas? Agora, é claro, o desafio será, como eu pego as informações que ganhei neste exercício e faço com que funcionem mais para o meu estilo de ilustração achatada. Vou escolher, em primeiro lugar, vamos dar uma olhada e comparar a ideação em desenhos observacionais. Tem esse cara aqui e esse cara. Isto é o que eu não parei de chegar direito neste desenho é onde meu braço estava descansando na minha coxa lá e claro que eu realmente exagerei a maneira como meu outro braço estava saindo, mas fora isso é a pose. Novamente, você pode ver que eu realmente me enganei. Mas, eu realmente gosto disso muito mais do que eu gosto isso.Este desenho da observação era realmente apenas eu trabalhando com a informação na minha frente. Bem, há certas coisas que eu realmente gosto nesta imagem é o rosto que estraga para mim e isso é porque quanto mais perto você tenta chegar de uma semelhança, se você é incapaz de fazer isso, ele vai mostrar. Uma opção é, como eu disse, ficar melhor em fazer rostos para que você possa capturar semelhanças de forma mais confiável cada vez, que é claro que é o ideal. Mas você também pode apenas contornar e não desenhar semelhanças. Você poderia desenhar mais estilizado e abstraído. Vamos pegar um desses e dar um passo mais adiante em como eu poderia ilustrar no meu estilo. Vou desligar o meu observador aqui e trazer meu homem ideacional e vou apenas rastreá-lo. Eu vou iterar, eu vou refiná-lo e trazê-lo mais perto do meu estilo de ilustração achatado que eu sei que posso trabalhar com. Aqui, eu sei que eu uso forma mais do que linha no meu estilo de ilustração final. Estou procurando maneiras de ter certeza que eu tenho formas limpas para rastrear quando eu levar isso para o Photoshop. Vou usar linhas para descrever detalhes sutis e bordas em dedos separados, coisas assim. Mas principalmente, estou descrevendo minha figura aqui em formas. Agora, há algumas coisas que eu posso mudar nesses sapatos quando eu levar isso para uma final. Mas agora a idéia é que é o suficiente, não acabou rápido, é o suficiente para um esboço. Claro que aqui está o rosto. Tenho que me perguntar, como vou desenhar esse cara na minha ilustração final? Algo assim pode funcionar. Há algo sobre isso aqui que eu não gosto. Lembro que meu braço estava estendido um pouco mais na minha coxa, tem algo estranho acontecendo lá. Eu não estou olhando para nenhuma referência, eu estou apenas trabalhando um pouco mais fielmente para o que eu acredito vi da última vez que eu olhei para o desenho original, o desenho observacional. Apenas uma nota, porque estamos falando sobre pegar esses esboços e torná-los mais perfeitamente integrados com nosso estilo de ilustração, isso é muito como eu ilustraria. Claro, há um sentido em que os recursos de software como o cabelo e a barba. Eu vou ter que gastar um pouco de atenção para isso na fase final para tentar resolver isso para fazer o cabelo olhar como cabelo, se eu fosse apenas para ilustrar isso como uma forma sólida, é que vai olhar para amido e estático e Rígido? Como vou fazer isso parecer bonito e solto como cabelo e coisas assim? Isso é coisas que eu posso resolver na final e eu realmente não acho que eu realmente preciso resolver isso nesta fase, mas eu tenho um nível razoável de confiança que eu posso fazer isso fora. É por isso que eu não teria problemas em mostrar um esboço como este para um cliente. Esta é a minha figura humana, pessoal, terminamos os exercícios. Fizemos uma cadeira, uma planta, nosso espaço de trabalho e agora a figura humana, e fizemos isso tanto em modo observacional quanto ideacional. Agora, é hora de colocar tudo junto no projeto final, vamos criar uma cena que incorpora todas essas coisas. Vejo você na próxima parte e faremos isso juntos. 15. Projeto final: início: Agora que fizemos os exercícios, é hora de juntar tudo na composição final. Para o projeto final, sua tarefa é criar uma cena ilustrada de um espaço de trabalho ou sala que inclua os três assuntos que desenhamos nos exercícios: a cadeira, a planta e a figura. A única regra aqui é que você não pode olhar para suas referências. Você deve tentar tirar a coisa toda do coração. Sua ilustração final será de oito por 10 polegadas na orientação retrato ou paisagem. O projeto final é dividido em três fases: esboços ásperos, esboços refinados e ilustração final. Eu vou orientá-lo através do meu próprio processo de construção de áspero para refinado para final, mas eu vou manter o foco no esboço e composição aspecto deste processo. Quando se trata da parte final da ilustração, onde eu transformei meu esboço em uma ilustração totalmente acabada no meu estilo, vou mostrar-lhe uma visão geral deste processo, mas focar na relação entre meus desenhos anteriores na final, em vez de dar um play-by-play das minhas técnicas de ilustração reais no Photoshop. Minha esperança é que você seja capaz de usar os princípios de desenho a partir dos dois modos de desenho para primeiro construir sua própria compreensão de seu assunto a partir de referência, e então para desenhar intuitivamente sua cena do coração. Mais importante ainda, à medida que você esboça e refina sua composição, procure criar formas, formas e linhas que se traduzam perfeitamente para o seu estilo final. Pergunte a si mesmo, isso funcionará usando minhas técnicas? Eu tenho uma ferramenta que pode tirar o cabelo assim? É possível mostrar essa perspectiva ou profundidade usando meu estilo? E outras perguntas como essa. 16. Projeto final: esboços grosseiros: No trabalho do meu cliente, uma vez que eu fiz minha pesquisa inicial e encontrei imagens de referência e as estudei através de desenho observacional, é quando eu posso começar esboços ásperos. Esboços ásperos é quando começo a trabalhar composição, conteúdo e conceito. Para uma cena ilustrada, o conceito é simples, é uma cena de um espaço de trabalho. Então agora eu só preciso descobrir quais elementos eu incluo nesta cena e como. A coisa mais intimidante será apenas começar. Aqui, eu vou encorajá-lo a apenas começar a desenhar a coisa mais dominante em sua mente e ir a partir daí. Isso não é diferente quando estávamos desenhando o espaço de trabalho da memória no Exercício 3. No meu próprio exemplo aqui, começo com o meu Thunderbolt Display, que é o ponto focal do meu espaço de trabalho. A partir daí, construindo outros elementos, use seu senso de curadoria para incluir ou excluir certos objetos, perguntando-se se eles contribuem para o conceito ou história que você está tentando contar em sua imagem e, claro, se é algo que você pode e quer ilustrar em seu estilo. Este processo de curadoria se aplica não apenas ao que você inclui, mas também à forma como o inclui. Em que ângulo será apresentado? Direto ou de alguma forma angulado e em que tamanho? Você é livre para pegar a informação visual que aprendeu no modo observacional nos exercícios e brincar com ela como quiser nesta composição. Em esboços ásperos, trabalhe com traços confiantes ousados, mas tenha em mente, esta versão mais áspera será um pouco mais confusa do que em seus esboços mais refinados. Guarde a perfeição para mais tarde. Concentre-se na composição neste. Você pode ser solto e áspero no início e progressivamente iterado em direção ao refinamento. Normalmente, no meu processo, faço o que chamo de esboço livre. É onde vou recolher imagens da internet e depois desenho-as livremente. Nesta aula, temos chamado isso de desenho observacional. Agora a boa notícia é que já fizemos todo o desenho observacional ou esboço livre que precisamos fazer para este projeto final e agora vamos para a direita na verdade, esboçando nosso esboço para nossa ilustração. Como eu disse, queremos que seja oito por dez em termos de proporções. Acho que vou fazer a minha nesta forma. Só para começar, esta pequena coisa áspera que eu desenhei é boa o suficiente, mas talvez eu queira ser um pouco mais preciso com a minha largura. Então eu poderia realmente fazer um documento de oito por dez e configurá-lo exatamente neste. Mas quando estou desenhando, gosto de ter um pouco de espaço para sair ou algo assim. Quando estou trabalhando no Procreate, não quero que isso seja a borda do meu quadro. Então, o que eu faço quando eu estou desenhando, especialmente meu primeiro esboço, é configurar usando guias unidos e eu sou capaz de apenas usar esses grandes guias grossos aqui para definir a proporção geral da minha composição ou do meu quadro, o tamanho da página. Então dois, três, quatro, cinco, seis, sete, oito, nove, dez. Um, dois, três, quatro, cinco, seis, sete, oito, e lá temos um quadro de oito por dez para trabalhar. Então eu não preciso mais desses guias de desenho. Isto é tudo o que preciso. Eu só vou derrubar isso em opacidade para que eu possa ver, mas não muito. Esta rede será agora o meu quadro para trabalhar dentro. Agora vou começar a trabalhar na minha cena. Então, sempre, é claro, quando você está desenhando, é, “Por onde eu começo, o que eu uso?” Porque estamos realmente em um modo criativo aqui e o resumo em si é realmente bastante aberto, é apenas para ilustrar nosso espaço de trabalho. Então eu diria para começar em qualquer lugar e ver o que acontece. Vou começar com o monitor, a tela no meu espaço de trabalho. Agora só estou sendo duro. Haverá alguns erros cometidos e está tudo bem. Mas a chave aqui é apenas mapear o que eu quero e o que eu preciso incluir. Há certas coisas que eu quero deixar dentro e certas coisas que eu quero deixar de fora. Eu quero incluir alguns dos tapetes que eu tenho no meu estúdio porque eu acho que vai criar um bom contraponto visual para tudo o resto que está acontecendo. É como essa área ampla e agradável de forma e cor que eu posso incluir nisso para criar interesse. Tenho uma suspeita que vai funcionar. Vamos ver. Esta é talvez a superfície da minha mesa aqui. Eu tinha a minha luz, eu acho que este caule realmente sai daquele lado lá. Realmente apenas mapeando as coisas. Mesmo que seja difícil, eu não estou sendo muito tentativo sobre apenas trabalhar lentamente as coisas em, eu provavelmente estou apenas colocando as coisas e vendo se vai funcionar. Porque eu estou trabalhando digitalmente eu não tenho medo, eu sei que eu sempre posso desfazer ou apagar com muita facilidade. Acho que agora é uma boa hora para jogar na cadeira, jogar no meu laptop e no meu iPad. Novamente, eu não estou olhando para nenhuma referência, mas eu estou facilmente lembrando muitos dos detalhes que estavam em meu exercício. A pergunta que tenho agora é : “Isso é apenas uma foto do meu espaço de trabalho, ou é uma foto minha no meu espaço de trabalho enquanto grava uma aula de Skillshare?” Nesse caso, eu poderia incluir alguns dos equipamentos de iluminação que montei aqui, que é definitivamente uma história específica. Não era o que eu estava pensando no começo. Eu estava pensando que talvez eu poderia editar estes fora como eu fiz o projeto final. Mas agora que eles estão lá, o que eu gosto sobre o que esta luz especificamente está fazendo é que ele está me dando um elemento de primeiro plano e um elemento de enquadramento onde eu posso jogar tudo o resto no meu espaço de trabalho aqui. Então minha tela, eu acho que será um pouco maior. Eu tinha as bolas de tênis na cadeira. Porque esta é uma ilustração agora isso não é pura realidade, eu não estou tentando gravar fielmente para toda a história o que estava na minha mesa neste momento da história, é realmente sobre apenas alguns caras espaço de trabalho que acontece para estar gravando. Então eu vou realmente usar algumas técnicas de estilização aqui e editar as coisas e mudá-las e realmente apenas sugerir o que elas são de maneira mais alto nível. Então eu tenho livros, livros, molduras, mais livros. Vou fingir que há uma planta lá. Eu tenho alguns troféus lá em cima e esta mesa está presa à parede deste lado, mas a forma como esta ilustração está funcionando, não necessariamente mostra isso. Vai ser difícil desenhar uma parede aqui a menos que eu queira desenhar a janela aqui, mas eu não quero desenhar uma continuação da janela lá eu quero isso, mesmo que seja de página inteira e vá para as bordas, eu quero que haja uma sensação de auto-contenção na imagem. O que eu poderia fazer é incluir mais gavetas de arquivo plano aqui, que eu tenho deste lado, mas eles não estão nesta orientação exata, mas isso realmente fica bem lá. Acho que gosto disso. Eu tenho uma lata de lixo debaixo da mesa, que eu não me importo de representar uma lata de lixo na ilustração, mas a lata de lixo debaixo da minha mesa no momento é uma leitura difícil. Seria difícil para mim descrever isso para as pessoas conseguirem o que é. Ter mais um clichê procurando lata de lixo aqui pode fazer o truque se eu quiser ter uma lata lá. Claro, alguns acordes e cabos torcem e passam por baixo da mesa. Acrescenta algum caráter, acredite ou não, incluir alguns deles, e eu acho que está tudo bem. Perdemos a impressora deste lado, estava atrás da luz. Posso bloquear algo lá dentro. Estou perdendo algumas coisas que eu preciso incluir nesta cena, uma é a planta. Talvez uma planta possa fazer um bom dispositivo de enquadramento aqui neste canto e eu me lembro que a planta tem apenas bananas em uma vara e há um padrão de grade no plantador. Talvez eu só queria ter um pouco dessa planta vir acima da mesa, então não está preso sob esta linha antes, eu vou apenas recuar um pouco antes e eu só parei [inaudível]. A planta está se perdendo, você realmente não vê e então há o topo da mesa. Só por estourar sobre a superfície da mesa, agora dá à planta um pouco mais de destaque. A planta acrescenta um interessante, eu não quis dizer isso, mas acrescenta um interessante como um paralelo à iluminação do estúdio aqui, em que é uma das poucas coisas verticais nesta imagem. Acho que acrescenta algo bom lá para contrariar apenas as linhas verticais das luzes. Há também agora uma planta vertical e eu gosto de como ele espelha isso, mas de uma maneira diferente. Eu tenho a cadeira, eu tenho a planta. Estou perdendo a figura humana, então aqui estou desenhando uma figura humana baseada no que desenhei da melhor forma possível. Agora, eu sei que no meu desenho que eu fiz no exercício, eu estava sentado mais assim com minhas pernas cruzadas e então talvez eu possa trazer isso e minha cabeça obviamente existe, então eu vou incluí-lo. Estou realmente desgastando isso agora. Eu realmente não estou pensando sobre como incluir tudo isso porque é tudo auto-evidente por causa do fato de que este é um espaço de trabalho, eu sei que um personagem deve estar neste espaço de trabalho trabalhando. Sentado em uma cadeira na frente da mesa, está embutido nesta cena. Funciona para colocá-lo no centro e eu realmente não tinha que pensar muito sobre isso. Da mesma forma, a peça central do meu espaço de trabalho é a minha tela, é o meu grande monitor [inaudível] onde todo o trabalho acontece. O olho naturalmente gravita-se lá e, claro, minha mente gravitou lá imediatamente quando comecei a desenhar a cena, foi aí que comecei. Então tudo o resto, porque estou baseando isso na realidade, é fácil colocar tudo isso aqui. E se estivermos a falar de uma cena fictícia que não existia? É o mesmo processo. Você vai e encontra imagens de referência de um espaço de trabalho neste caso e quando chega a hora de despejá-lo em alguns esboços conceituais, então você tem essa imagem carregada em sua mente e você pode se separar. Pode levar algumas tentativas, mas você está muito mais à frente, tendo feito todo aquele desenho observacional no início do que seria de outra forma. Vamos falar um pouco mais sobre o que está acontecendo nesta composição e quais decisões estou tomando. Uma das coisas que eu decidi enquanto eu estava desenhando isso é que eu quero que haja uma margem fina em torno do trabalho. Eu poderia escolher se eu quisesse trazer o trabalho direto para o limite ou, em outras palavras, cortá-lo, e então tudo está sangrando por direito, mas eu sinto que esta cena pode ser auto-suficiente bastante bem. Vou tentar ter algum espaço negativo que rodeia o espaço de trabalho o máximo possível. Essa é uma decisão estilística que tomei. Uma opção, é claro, seria trazer certos elementos para a borda, mantendo ainda um sentimento geral de espaço negativo. Eu poderia desenhar o tapete na parte inferior além das bordas e, em seguida, talvez escolher algumas outras coisas para quebrar fora para o site. Talvez neste caso, a mesa em si vai direto para as bordas e as prateleiras também, ou pelo menos de um lado, e então talvez eu possa trazer aquela moldura que eu tenho pendurado. Para tornar isso ainda mais de uma cena de página inteira eu vou fazer isso assim, eu vou apenas estender as prateleiras e a mesa para fora para a borda esquerda e, em seguida, jogar uma foto emoldurada aqui. Agora, o que eu estou sentindo é que há algo acontecendo em todos os lados exceto no topo. Agora, o que você não viu no meu desenho, mas o que eu tenho no meu estúdio é uma lâmpada pendente. De repente eu tenho um elemento que pode deixar parte do topo da composição sangrar fora dessa borda bem e que cria um pouco mais de equilíbrio na composição geral. A coisa a tirar aqui, no entanto, seu desenho e qualquer cena que você está tentando ilustrar é que quando você está pensando sobre composição, você começa a decidir quais elementos vão para onde e qual é a escala deles. Você pode exagerá-los, você pode diminuí-los. Você pode torná-los mais altos ou menores, todos trabalhando para o seu objetivo de contar a história que você está tentando contar e criar uma composição que você gosta. Você não tem que ficar com o que suas referências lhe disseram na realidade. Você pega essa realidade e então você amassa. É plástico, é maleável, está colocando suas mãos e você começa a trabalhar com ele em seu próprio benefício. Este é o meu esboço muito áspero. Agora há algo que eu sinto que está faltando porque eu tenho a iluminação do estúdio. Acho que preciso de algo que faça referência a uma câmera, então eu poderia colocar a câmera de volta aqui, mas é um pouco sutil. Eu não acho que ele vai ser lido na imagem em tudo. Talvez em vez de meu laptop estar aqui, eu coloquei um pequeno tripé com a câmera aqui. Há uma oportunidade para mais cabos e acordes. O que eu também gosto com a câmera estar lá neste pequeno tripé é que ele espelha os tripés da iluminação do estúdio, então algumas coisas mais interessantes acontecendo lá, mas há algumas coisas para esclarecer nesta imagem. Vamos trazer isso agora para um esboço mais refinado no próximo vídeo. 17. Projeto final: esboços refinados: Uma vez que eu tenho trabalhado a minha composição em forma áspera, é hora de refinar. Nesta fase, eu sei principalmente o que será na minha ilustração e onde eles serão colocados. Agora é hora de esclarecer tudo mais. Aqui eu rastreei sobre o meu esboço áspero com traços mais confiança tão limpos e articulados quanto possível. Esta é a minha chance de descobrir algumas coisas que eu realmente não resolvi no duro. Vou passar um pouco mais de tempo sendo específico aqui, perguntando o que cada marca deve ser, e então deixar essa intenção clara. No final desta etapa, você deve ter um esboço que você se sente confiante de que pode finalizar em seu estilo de ilustração. No trabalho do meu cliente, são esboços deste estágio que vou mostrar-lhes antes de passar para a arte final. Na verdade, depois de iniciar um projeto, o cliente não verá nada de mim até o final da fase de esboços refinados. Quero garantir que eles tenham a chance de ver o máximo de minha visão articulada o mais claramente possível. É apenas em um esboço refinado que um cliente pode dar corretamente feedback sobre os três C's; conteúdo, composição e conceito. Quero evitar perguntas como, o que ou quem é? Se o esboço não é evidente em como ele conta a história ou a mensagem, ainda há mais trabalho a ser feito. Então eu mapeei, partir da minha memória e usando algumas decisões artísticas, uma cena do meu espaço de trabalho, e eu decidi me ter no espaço de trabalho gravando com minha configuração de estúdio. Fiz algumas mudanças na realidade da situação para contar melhor a história, e fiz alterações na escala real e no tamanho das coisas para ajudar a ajustar melhor o quadro e preencher melhor o quadro. Então a próxima coisa que quero fazer é refinar isso. Então eu vou apenas pegar este esboço, eu vou discar sua opacidade para que eu possa vê-lo, mas não muito, mas não muito, e então adicionar uma camada acima e começar a refinar sobre isso com linhas mais confiantes. Agora, é claro, se você estiver desenhando no papel, você pode simplesmente colocar outra folha de papel fresca em cima e usar uma mesa leve para fazer seu esboço refinado. Você pode usar papel de rastreamento, isso é basicamente o que eu estou fazendo adicionando uma camada sobre uma versão mais transparente do meu esboço. Eu só vou, novamente, começar com as formas dominantes primeiro. Em um certo ponto, vou me sentir corajoso o suficiente para começar a fazer algumas das partes mais complicadas como a figura humana. Meu estilo de ilustração é muito plano e estilizado, então tudo o que estou desenhando agora na minha versão refinada é voltado para esse estilo mais achatado. Aqui estou aproveitando a oportunidade para refinar tudo, ter certeza que parece melhor do que no meu esboço. Talvez prestando um pouco mais de atenção a alguns desses detalhes sutis, como o que está mais perto e mais longe. Eu vou ter um momento difícil com essa mão agora, eu acho, então o que eu posso fazer é apenas fingir que eu enfiei minha mão entre minhas pernas, que não, eu acho que isso não vai funcionar também. Se você está preso em algo, volte a ele mais tarde, ou cometa um erro agora, e você pode refiná-lo em uma nova iteração, eu acho. A melhor coisa que posso fazer agora é fazer algo que pareça meio errado e então eu vou descobrir mais tarde. Costumo usar um chapéu. Eu sou pequeno nessa cadeira, e então eu acho que o que eu vou fazer, talvez o que não está funcionando aqui, é que minha escala é muito pequena. Então eu acho que isso está funcionando melhor. Novamente, eu não quero ficar muito preso nisso, eu provavelmente vou ter que reiterar sobre isso novamente mais tarde. Agora, enquanto você itera, você vai perder a frescura de alguns dos esboços abaixo. O esboço áspero, mesmo não sendo refinado o suficiente para ser um esboço final, ele tem uma certa vida ou vivacidade que você pode nunca mais ser capaz de repetir. Essa é a realidade de como as coisas funcionam quando você está desenhando para ilustração, e eu cresci para ficar bem com isso. Meu objetivo, quando estou desenhando para ilustração para clientes, é sempre ter algo claro, e que eu sei que posso fazer no meu estilo final. Ao longo do caminho, há algumas baixas. Eu itero sobre algo perdido, alguma marca ou rabiscos que eu achava incrível e tinha um monte de caráter. Eu guardo e nunca mais olho para ele, porque pode ser verdade que foi melhor, mas não importa que foi melhor, o que importa é que quando eu venho mostrar ao meu cliente o meu esboço, eu não quero confundi-los com todas essas opções de como, “Devemos tirar esta boa parte desta e esta boa parte deste outro esboço, colocar tudo junto. É muito confuso e você perde muito de sua liderança criativa nesta situação. Então a melhor coisa que você pode fazer é apenas exceto a próxima iteração como geral melhor do que a última. É mais nítido, é mais claro. Sim, certas sutilezas são perdidas, mas a trajetória geral é que você está fazendo a imagem melhor. Enquanto estou desenhando algumas dessas varas na ilustração aqui, as pernas na mesa, as pernas no suporte da planta, as pernas nos tripés da iluminação do estúdio. Agora estou expressando com um tipo de linha, que é muito mais próximo do tipo de linha que vou usar na minha ilustração. Então eu tento usar apenas uma ou duas espessuras de linha e isso cria uma harmonia visual geral. Se você quiser saber mais sobre algumas dessas decisões estilísticas, minha classe Sweet Spots tem toneladas de idéias sobre decisões como esta, o que eu chamaria de suas decisões estilísticas, e então eu falo sobre ter paleta de estilo, onde você realmente predefine que tipo de qualidade de linha e espessura você vai trabalhar antes mesmo de começar o trabalho, e então você apenas se disciplina para manter aqueles em toda a peça, e isso cria essa harmonia visual só porque Só há uma coisa acontecendo, em vez de muitas coisas diferentes acontecendo estilisticamente. Às vezes eu vou desenhar uma linha de referência que me dá uma sensação de, por exemplo, esta é uma linha de horizonte no chão que eu quero igualar sobre este lado. Há mais achatamento acontecendo nisso do que na iteração anterior. Estou vendo algumas linhas conflitantes que estão ficando muito ocupadas lá que eu não tenho certeza sobre, mas eu vou continuar. Posso editar isso na próxima rodada. Eu tenho que me mover para onde meu iPad estava para poder vê-lo agora que eu ampliei minha figura, e eu preciso preencher algo naquele espaço possivelmente. Posso pelo menos colocar um microfone aqui. Vou colocar o meu MacBook aqui só para encher o espaço. Eu também me lembro que eu tinha suportes de prateleira. Agora, com essa luz pendurada, há algumas coisas que estão sendo obscurecidas aqui atrás, então talvez eu apenas mantenha isso simples lá atrás. Enquanto estou desenhando esses quadros no meu esboço, estou indeciso o que vai entrar neles. Porque é uma composição tão ocupada, talvez apenas ter quadros com espaço em branco vindo através ajudará a imagem a respirar um pouco, mas também pode ser bom apenas classificar de forma abstrata que estes são cartazes, ou fotos, ou algo assim. Eu não sei o quão específico eu gostaria de ser. Eu quero realmente ser específico e colocar 4chan, em seguida, tentar imitar a ilustração que está na revista que eu emoldurei? Pode ser muito específico. Depende se eu quero que isso seja mais documentário ou um pouco mais de uma idéia sobre apenas um cara. Agora, porque isso já tem muito específico, nós temos iluminação de estúdio, e é, de certa forma, é mais documentário do que um cara legal em um estúdio legal, então eu vou ter que pensar sobre isso. Mesmo que eu vá junto, eu me pergunto, eu quero mudar alguns dos conteúdos do que está aqui apenas para simplificá-lo ou torná-lo mais familiar ou reconhecível para um estranho? Essas são perguntas que eu faço e poderia responder apenas tentando coisas diferentes que eu acho que uma das coisas que eu estou indo para isso é clareza. Tudo o que eu incluir aqui, eu preciso ser claro sobre o que é para que eu saiba como ilustrá-lo no meu estilo final. Parece que vou entrar em uma próxima iteração disto. Então eu só vou esconder o esboço anterior e então eu vou burrar este para baixo ou torná-lo menos visível, é como desenhar sobre isso. Então eu estou olhando para a minha composição. Estou me sentindo muito bem com isso. Só quero esclarecer algumas coisas. Eu senti que há alguns conflitos acontecendo com a planta e a luz do estúdio aqui. Então o que eu posso fazer é encontrar uma maneira de realmente remover um desses. Acho que o que posso fazer é ficar com a planta e ver o que acontece se remover a segunda luz. Acho que posso refazer estas folhas. Parecia um pouco pesado demais no meio, gostei do que tinha antes, e esse cara, eu gosto disso onde estava. Eu só dei uma olhada na minha luz, só para descobrir como esta peça se encaixa lá. Então eu trapaceei um pouco, mas foi no espírito de deixar as coisas mais claras. Não determinei qual será a cor do tapete. Será uma cor sólida? Será um padrão? Eu posso descobrir isso mais tarde. As mãos são um ponto de alfinete quando se trata de ilustrar as pessoas. Agora eu fui de camiseta para abotoar camisa por algum motivo. Descrevendo esse cara na parte de trás da cabeça, você automaticamente não precisa se preocupar com quem ele é, seu rosto se parece, esse tipo de coisa. Esta é uma última decisão a tomar e na verdade cria mais mística na própria imagem. Porque eu fiz a mão dele assim, parece que agora ele está falando e fazendo algo. Há algo interessante apenas sobre a forma como sua mão está posicionada, há alguma ação acontecendo lá. Eu realmente não me lembro exatamente como meu carrinho de microfone funcionou, então eu vou realmente abstraí-lo esperando que você tenha a idéia de um stand. Se quando você está desenhando no Procreate, e você só quer ter certeza de que as coisas se alinham, você pode sempre apenas jogar de volta no seu guia de desenho, e você usa isso apenas para ter certeza de que, para mim como eu quero esta borda de a mesa para alinhar no site, bem como, você possa usar o guia de desenho para se certificar de que tudo alinha assim, mas eu tento não confiar em coisas assim muito onde todas as coisas começam a olhar realmente gridy. Em algum lugar ao longo do caminho eu perdi minha lata de lixo, eu acho que quando eu coloquei a planta lá. Evitando a tentação de preencher tudo. Então desenhe essa prateleira do outro lado, esta prateleira do outro lado para aqui. Este é o chão. Vou descobrir o que fazer com isso mais tarde. Às vezes ajuda a desligar a bagunça do esboço subjacente. Você pode ver o que você está trabalhando agora um pouco mais claramente. Eu só vou ser um indício de uma cômoda aqui sem que ele seja todo o caminho, apenas a borda dele. Da iteração à iteração, eu mantenho as coisas, algumas coisas iguais Eu apenas as redesenhei novamente, não me importo. Aqui está apenas uma planta estilizada que não existe, mas eu queria algo para preencher esse espaço e eu tinha isso disponível na minha imaginação, então eu apenas coloquei lá. Quando outras pessoas olham para uma cena como esta, desde que você coloque coisas que lhes pareçam familiares, elas não se distrairão com elas. Assim que você colocar algo obscuro na mistura, e não está claro o que é, as pessoas vão coçar suas cabeças e se perguntar o que é. Pode ser uma distração. Se você só tem a forma de uma garrafa, a forma de uma planta, a forma de uma moldura, essas coisas são bastante genéricas. Não quer dizer que sua ilustração seja genérica, mas você escolheu apenas manter algumas coisas familiares na cena que as pessoas podem pelo menos não se distrair ou se identificar idealmente. É estranho que haja flores e agora estamos pensando demais nisso, mas é estranho que haja flores lá e copos pequenos, então deixe-me adicionar flores. Eu estou escolhendo aqui para realmente estilizar muito as coisas e removê-las da realidade, mas poderia realmente fazer uma ilustração interessante para realmente manter algumas das coisas que estão realmente no meu estúdio em. Como eu disse, poderia ser documentário, poderia ser mais sobre a realidade e isso também poderia ser interessante, mas o que eu quero mostrar nesta classe é como estilizar, abstrair, simplificar e, de certa forma, generalizar para o efeito de comunicar claramente uma ideia. Decidi mover todos os braços desses colchetes indo assim só porque funciona melhor para encaixar as coisas e manter as coisas espaçadas uniformemente. Quero uma forma diferente aqui. Vou fingir que tenho um galhardete. Não sei o que diz, mas é mais interessante ter alguma outra forma lá, um triângulo e o triângulo bem. Agora que eu olho para ele ecoa o triângulo ali e aqui, pode ser que eu trarei de volta meus óculos de sol, e talvez eu vou áspero em algum padrão aqui. Eu não tenho que ser específico, eu posso apenas sugerir que há algum padrão, e se eu tiver que mostrar isso a um cliente primeiro para assinar, nós não temos que entrar em uma conversa sobre o que exatamente esse padrão é antes de eu Estou pronto para tomar essa decisão. Vamos desligar o esboço subjacente, e estou me sentindo muito bem sobre onde isso vai dar. Acho que só precisa de uma coisinha. Temos um grande monitor aberto aqui sem nada na tela, e se ele tivesse esse cara gravando a si mesmo usando uma camisa em seu estúdio? É estranho porque a câmera está vindo para cá. Eu quero algo no monitor, então vamos descobrir isso. Poderia ser eu desenhando este quadro. Poderia ser eu com uma caneta na mão desenhando esse quadro, resolvendo. Eu só estou descobrindo isso enquanto eu vou junto. Eu tenho a idéia principal da cena feita. Se eu quisesse, eu poderia levá-lo para a final, mas eu só estou morando aqui um pouco e vendo os detalhes divertidos que eu poderia adicionar para torná-lo mais interessante. Há algo sobre isso que eu gosto. O desenho aqui vai ser muito simplificado comparado com o desenho que eu realmente estou fazendo aqui, mas é uma pepita agradável para descobrir na cena onde este cara desenhando uma imagem de um quadro em que ele está, e há uma configuração da câmera. Há apenas uma história acontecendo aqui. Estou pronto para levar isso para a ilustração final. Tenho certeza que há algumas coisas estranhas que eu vou descobrir que eu perdi, mas na maior parte, eu estou feliz com isso. Vamos ter certeza de duplicar isso só para salvá-lo e abrir uma dessas cópias aqui. O que eu quero fazer é comparar o original com o mais refinado. Vamos colocar o mais refinado à direita e o mais áspero à esquerda. Como você pode ver, eu rapidamente deitei todas as minhas coisas de memória no primeiro esboço. Enquanto eu fiz isso, uma história sobre o que estava acontecendo se desenrolou diante de meus olhos. Eu não vim no planejamento para fazer uma história sobre um cara em seu computador com uma tela auto-referencial da imagem em si e tudo isso, tudo que eu sabia era que eu iria fazer uma cena de mim e meu espaço de trabalho ou um cara em seu espaço de trabalho e eu tinha todas essas peças já para trabalhar. Enquanto os colocava para fora, eu era capaz de descobrir qual era a minha composição, quais elementos permaneceram, quais elementos saíram, quais coisas novas que eu introduzi, como eu simplifiquei, todas as decisões que tomei para tornar a composição mais forte e para contar a história melhor, e para corrigir coisas como conflitos onde há muitas coisas sobrepostas que eu pensei que poderiam ser limpas um pouco. Este processo de aperfeiçoamento e refinamento continuará até mesmo na arte final, mas é claro que se eu estivesse mostrando isso a um cliente, eu teria certeza de que eles estão assinando conteúdo, composição e conceito, então eu não quero ficar muito louco no que eu mudo entre isso na minha arte final. O cliente agora vai esperar ver algo muito parecido com isso, mas no meu estilo e em cores com algumas texturas e em outros pedaços mágicos como esse. As coisas vão ficar mais ou menos iguais, mas posso ter algumas ideias sobre o que fazer sobre o que está acontecendo aqui. Por exemplo, na final, mas talvez tudo esteja alinhado perfeitamente e eu não precise fazer nenhum ajuste na composição, então é isso que eu vou fazer a seguir, e eu vou te ver no próximo vídeo. 18. Projeto final: arte finalizada: [ MÚSICA] Depois de refinar seu esboço, é hora de fazer sua mágica e torná-lo uma ilustração completa. Como eu disse, é aqui que você traz suas próprias ferramentas e técnicas para o projeto. Vou mostrar-lhe uma visão geral do meu processo, mas a grande ideia aqui é como meu estilo de desenho se conecta mais perfeitamente ao meu estilo de ilustração final. Agora é a sua vez de colocar os princípios desta classe à prova [MÚSICA] nesta classe, todo desenho e desenho leva a um destino final, a ilustração final, isto é desenhar para ilustração e tudo o que temos tem sido com uma direção e um propósito. Como ilustradores, não desenhamos para viver. Criamos imagens que contam histórias poderosas e expressam ideias significativas de maneiras visualmente atraentes. Quando terminar sua ilustração, por favor, compartilhe-a na página de projetos da classe. Mas, por favor, não se esqueça de nos mostrar todo o processo que antecedeu. Na verdade, esta é a coisa mais importante a mostrar nesta classe, para mostrar a progressão do Modo 1 ou desenho observacional para o Modo 2 ou desenho ideacional. É nessa transição onde sua voz em confiança começa a brilhar, quer você goste ou não. Minha esperança, é claro, é que você comece a se apaixonar pelo desenho à sua maneira, que você se torne confiante e ousado em como você desenha em direção à ilustração. Se você está animado para compartilhar qualquer coisa no Instagram, por favor, não se esqueça de me avisar marcando @mrtomfroese e use o #drawingtowardillustration. Esta é uma das melhores maneiras de me mostrar o que você está fazendo e eu sou sempre grato pelo hype, mas o mais importante, eu sou muito grato pelo tempo que você escolheu passar comigo. Muito bem pessoal, é hora de finalizar esta ilustração. Eu já enviei meu esboço do Procreate para o meu Mac. Agora eu tenho ele aberto no Photoshop e, claro, Photoshop é o que eu uso para finalizar minhas ilustrações e eu estou incentivando vocês a finalizar suas ilustrações usando as ferramentas e técnicas que você gosta de usar. Para muitos de vocês que vão ficar no Procreate e terminá-lo ali mesmo, eu acho que isso é ótimo. Muitos de vocês terão fluxo de trabalho semelhante ao meu usando o Photoshop. Talvez você goste mais de ilustração vetorial, seja como for. Para ser honesto neste momento, você aprendeu tudo o que precisa aprender nesta aula. Agora aprendemos a desenhar em direção à ilustração e tudo o que resta a fazer é terminar a ilustração em um estilo mais finalizado. Com isso fora do caminho, vamos deixar essa coisa toda ilustrada. Eu tenho este esboço do Procreate aberto, mas é claro que eu preciso fazer um arquivo de ilustração final real no Photoshop. O que eu vou fazer é criar um novo arquivo e eu quero que este seja o meu tamanho final de impressão, que é de 8 polegadas por 10 polegadas. Claro que eu quero torná-lo 300 pixels por polegada que ele vai imprimir bem se alguma vez foi isso que eu queria fazer. Eu mantenho meu espaço de cores no RGB e muitas pessoas podem pensar de forma diferente sobre isso, mas foi assim que eu comecei. Eu recomendo trabalhar no modo de cor RGB. Vamos abrir esse novo arquivo e a primeira coisa que quero fazer é pegar essa versão mais refinada do esboço e copiá-lo e colá-lo aqui no meu documento e apenas esticá-lo até as bordas. Como sempre, eu gosto de reduzir meu esboço para cerca de 30% de opacidade e então eu crio um grupo de camadas acima dele que eu chamo de Arte. Aqui é onde eu coloco toda a arte na ilustração final tudo termina neste grupo de camadas e eu apenas definir a transparência de todo esse grupo de camadas para multiplicar e assim tudo o que eu faço dentro deste grupo permitirá que o esboço para brilhar através. Então vamos começar. Para começar, eu apenas começar a fazer uma forma onde quer que meu olho leve, que está no centro da composição e imediatamente, eu estou trabalhando fora de cor. Agora eu tenho uma paleta de cores go-to e eu uso essa paleta com quase todos os projetos, a menos que eu seja obrigado pelo meu cliente, eu apenas manter isso, modo que minha decisão de quais cores usar é muito fácil. Aqui eu estou apenas bloqueando em formas de cor e, claro, eu me lembro neste momento para salvar meu documento, muito importante quando você está trabalhando em uma ilustração muito detalhada. Aqui, eu vou cortar a forma do plantador da laranja abaixo para que eu tenha efetivamente uma forma negativa lá a cor da página está passando, e agora eu estou indo para a tela. Aqui, estou trabalhando como fazer esses cantos parecerem arredondados de uma maneira agradável e limpa. Às vezes eu tenho que começar de novo do zero só para ter certeza que tudo está limpo e limpo quanto possível. Os cantos arredondados são realmente difíceis de fazer manualmente quando você não está usando um recurso automático como o que você pode obter no Adobe Illustrator. Photoshop é um pouco diferente. Agora estou fazendo as conchas. Esta é uma cópia fácil e colar, mas é claro, ao copiar e colar você obtém não apenas uma duplicata da forma, mas uma duplicata de suas peculiaridades e acidentes para que você queira se livrar desses acidentes. Caso contrário, você vê dois do mesmo acidente que os amplifica. Agora é a primeira vez que estou introduzindo trabalho de linha na equação e agora aplicando o que eu fiz no final, também nas pernas das cadeiras, sempre usando um estilo de leão muito semelhante e consistente. Estou usando um pincel aqui para adicionar as bolas de tênis para os pés. Adicionando alguns pequenos detalhes para torná-los mais como bola de tênis e finalmente, eu decidi aqui para fazer essas rachaduras nas bolas de tênis com uma forma muito simples. Agora trabalhando nas pernas do plantador, usando exatamente a mesma pincelada que as pernas na cadeira. Às vezes, é preciso algumas tentativas para conseguir essas linhas exatamente do jeito que eu quero. Aqui estou questionando se ter a mesa do outro lado é a ideia certa. Talvez eu queira ter a mesa no meio da composição para que a página inteira não seja dividida em dois com aquela grande linha escura da mesa no meio. Eu sempre acho que fazer figuras humanas usando a ferramenta de caneta como eu faço, uma das partes mais complicadas de uma ilustração, só porque você tem todas essas camadas sobrepostas e partes do braço sobre o corpo e coisas assim. Lentamente, mas certamente eu trabalhar para fora recebendo algum tom de pele lá dentro e, claro, alguns cabelos. Eu ainda estou trabalhando para fora as cores, talvez aquele azul claro vai funcionar para a minha tela, eu não tenho certeza de uma e outra vez, eu ainda estou trabalhando para fora se eu quero que a mesa para cortar direito através da tela ou da página. Talvez por torná-lo um rosa mais claro em vez desse azul escuro, isso eliminará o efeito de cortar a página ao meio. Aqui, eu estou adicionando detalhes a esta gaveta e o que eu vou encontrar aqui é que apenas copiar e colar a linha com um pequeno puxador lá cria uma agradável repetição e olhar harmonioso apenas copiando e colando isso e simplesmente não se preocupando muito em ter mesmo espaçamento. Isso acrescenta um pouco mais de qualidade humana a ele também. Agora trabalhando as formas das pernas. Sempre um pouco de um processo para resolver isso. Neste ponto, com os sapatos, estou tentando descobrir qual cor eles serão para que eles contrastem tanto com minhas pernas quanto com os elementos de fundo. Apresentei o cinza, que na verdade não é diferente da cor dos meus sapatos reais na vida real. Mantendo os traços de linha consistentes com tudo o resto. Eu basicamente tenho dois traços de linha em termos de largura. Eu tenho o mais fino como você vê nos detalhes do sapato e os mais grossos como você vê nas pernas da cadeira. Adicionar algumas linhas brancas adiciona alguns detalhes agradáveis e separação entre os elementos escuros da minha roupa, e então ver se eu posso adicionar algumas rugas para melhorar a sensação de flexão das minhas pernas. Novamente, apenas brincando, vendo o que funciona, fazendo um pouco demais e depois pegando de volta. Qual é o equilíbrio certo entre a linha que separa as duas pernas e ter as rugas lá e agora eu estou trabalhando em eu deveria ter costura ou outras facetas ou características nos genes lá? Então eu digo que não. Era um pouco chamativo demais, então eu tirei. Tentando colocar esses dedos na forma certa. Agora está tudo bem para tirar o esboço por um tempo apenas para ver como a obra de arte está de pé por conta própria. Agora eu vou passar para adicionar alguns suportes para as prateleiras e novamente, é uma operação de copiar e colar aqui porque esses elementos são muito menores, permitindo que eles repitam apenas cria uma consistência agradável de uma maneira muito simples e limpa. Agora eu estou adicionando as formas para a luz do estúdio e eu vou estar trabalhando fora como eu faço essas abas na luz. Vou usar traços ou vou usar formas? Em última análise, decidi que as formas são o caminho a seguir. Então eu começo a mexer com os detalhes de como essas abas estão ligadas à própria luz e, claro, quais os detalhes na parte de trás do isqueiro. Só preciso do suficiente para sugerir um pouco de profundidade só para dar a luz de um pouco de presença. Mas eu vou me preocupar um pouco sobre quais detalhes incluir na parte de trás, então não é distração. Agora, estou trabalhando no padrão do plantador. O que eu estou indo para aqui é apenas ter certeza de que é natural de certa forma, como o pincel que estou usando. Na verdade, não parece um pincel digital. Alguns dos meus pincéis aqui parecem muito digitais, então eu estou trabalhando para fora quais são os mais naturais e, em seguida, trabalhando na qualidade real de cada linha nesse padrão. Em última análise, crio um pequeno conjunto de linhas que repito novamente apenas para ter essa consistência e simplicidade. Agora é hora de descobrir como na terra eu vou criar as folhas da planta, que no meu estilo que usa muitas formas usando a ferramenta de caneta, é complicado. Então eu encontrei este pincel, ele se inclina a um fim e eu estou apenas trabalhando aqui, e usando uma borracha para apenas afiar as extremidades de cada uma dessas folhas na planta. Eu decido agora que a área de trabalho vai ser amarelo e então eu segundo acho se o tapete vai sangrar fora das bordas, em vez disso, cortá-lo apertado quase até a borda e agora eu estou brincando com o padrão que eu vou adicionar a isso tapete. Primeiro repetindo o padrão e, em seguida, adicionando um pouco de variação para que ele não pareça totalmente cortado e colar. Eu também adicionei as listras vermelhas lá também, e então eu decidir apenas adicionar uma briga para as extremidades do tapete e isso adiciona mais interesse visual e ajuda essa borda do tapete apenas para não ser tão abrupta. Agora estou considerando a cor da minha camisa. Na imagem que eu desenhei isso, eu estava vestindo tudo preto, mas adicionar a camisa como uma cor diferente irá criar novamente mais interesse visual em contraste. Agora eu estou trabalhando no quadro do iPad e os contornos da cadeira, apenas uma linha muito simples fará, e agora adicionando meu MacBook. Agora eu queria que ele fosse preto como a tela, a tela principal no meio é preta, mas não contrasta bem, é claro, com a luz do estúdio na frente dele, então eu torná-lo azul claro em vez disso. Então, é claro, descobrir qual será a cor da tela no MacBook. Acho que voltarei a isso mais tarde. Novamente, fazendo o tripé para a câmera na mesma qualidade de linha que eu fiz para as pernas na cadeira e os tripés nas luzes do estúdio, apenas trabalhando alguns detalhes simples para a própria câmera, não sentindo leais às cores da câmera na vida real. Eu não tenho uma câmera rosa e azul, mas eu quero um pouco de rosa lá. Imaginei que adicionar a mesma cor de laranja a esta pequena luz de braçadeira, fazendo com que a mesma cor que a luz pendente acima de mim faz sentido. Verificando sem o esboço de novo, vendo como tudo está se juntando. Agora, eu estou achando que as bolas de tênis não estão contrastando com o amarelo no tapete o suficiente, então eu estou pensando se talvez adicionar algumas sombras vai ajudar as bolas de tênis a estourar mais, mas eu sinto que a sombra simplesmente não funciona realmente aqui, ele realmente se destaca. Então, em vez disso, eu escureço todo o tapete e apenas torná-lo um tom mais escuro, o que ajuda essas bolas a sair. Agora adicionando o cabo da luz e apenas recebendo essa torção do cabo apenas para a direita. Enquanto estou fazendo cabos, por que não fazer o plugue do outro lado da foto? Novamente, trabalhando como fazer essa tomada parecer uma tomada sem sobrecarregá-la. Aqui, eu estou trabalhando como eu vou fazer as duas gavetas, e eu acho que apenas repetir a gaveta à esquerda e fazê-lo funcionar à direita funciona perfeitamente. Trazendo uma roda para o conjunto certo de gavetas, mesmo que eu não tenha uma na vida real, funciona bem. Agora estou trabalhando no pingente. Configurando minha grade aqui para que eu possa fazer algumas letras para o pingente. No começo, eu estava pensando em colocar “Skillshare” no pingente, mas não estava certo, então eu escrevi “legal” em vez disso. Eu faço minhas letras um pouco maior do que eu normalmente preciso dele na posição final colocada e, em seguida, encolhi-lo para baixo e isso faz com que as letras pareçam um pouco mais nítidas. Agora eu estou adicionando um pouco de textura de grão de madeira para a área de trabalho. Primeiro desenho-o por cima da coisa toda e, em seguida, vou colocá-lo mais tarde na forma da própria área de trabalho. Agora estou ajustando a cor para branco porque é um pouco mais sutil. Agora, na minha parede eu tenho diferentes fotos e registros com gráficos que eu realmente gosto. Então é isso que estes são aqui e eu vou estar trabalhando apenas para fora o quanto de detalhes que eu incluo nestes registros. Eu vou para a cidade e realmente adicionar toneladas de detalhes ou eu puxo para trás e apenas sugiro o que está nas capas sem ser super literal? Então aqui no microfone, eu vou descobrir como fazer essa malha e eu acho que apenas uma linha mais fina realmente funciona bem, e apenas repeti-lo em um hash como uma textura cruzada ou padrão, funciona muito bem. Adicionar alguns detalhes ao chapéu ajudará a separar esse chapéu da tela, que são da mesma cor. Agora eu estou trabalhando em alguns dos quadros na prateleira e ao redor da prateleira, e assim como os registros, eu estarei trabalhando para fora quão detalhado eu vou fazer o que está dentro desses quadros. Então será apenas branco brilhando, como a página brilhando, ou vou adicionar detalhes reais do que está nessas molduras? É algo que vou descobrir mais tarde. Se eu não souber quais cores usar, eu vou usar qualquer cor aleatoriamente, e fazer alterações se eu precisar mais tarde. Além disso, apenas tentando descobrir a proporção exata desses livros que eu tenho deitado um sobre o outro não estava funcionando para mim, então eu comecei de novo e então eu percebi que o telefone é aquela cor vermelha, então eu levo a leitura fora do livros e usá-lo para o telefone que está sentado em cima. Em vez disso, faço o livro do meio branco. Agora aqui eu passo muito tempo apenas tentando acertar aquele rabisco ou espiral do cabo do telefone. Nada parece estar funcionando até que eu faça apenas um pequenino lá e lá eu tenho isso. Agora vamos para estas garrafas. Estas garrafas estão na minha prateleira porque eu desenhei as etiquetas. Eles agora estão vazios, mas eu amo os rótulos, então eu os tenho na minha prateleira. Só uma pequena linha branca para separar os dois. Adicionando outro registro que está entre as duas prateleiras, movendo esses suportes, para que eles possam acomodar as diferentes coisas na prateleira, e agora é hora de fazer algumas das revistas e livros na prateleira. Então eu acho que apenas fazendo um simples golpe para representar a coluna vertebral de uma revista e variar as cores eu criei um belo padrão abstrato. É uma maneira simples e agradável de representar as revistas sem ficar muito detalhado. Claro, certificando-se de que a variação entre cores diferentes é de uma forma inesperada. Não é tudo apenas cores de aparência aleatória como eu agrupei alguns em azul e rosa e vermelho lá em cima, especialmente aqueles em pequenas caixas que eu estou desenhando buracos agora. Ainda estou a tentar descobrir de que cor serão as gavetas debaixo da secretária. Descobri que o rosa era um pouco menos intenso que o vermelho. Voltando para o MacBook novamente, adicionando apenas alguns detalhes simples e sutis. Estas coisas revelam-se a mim enquanto eu avança. Se ele ficar preso nele, eu apenas deixo, volto para ele mais tarde, e geralmente eu tenho mais clareza quando eu faço. Agora estou fazendo alguns dos livros maiores na minha estante. Estes são livros de mesa de café. Tentando alguns espinhos mais largos aqui em cores diferentes, e vendo como isso funciona. Estou lutando aqui para ver o que funciona, e pensando que talvez eu precise de algum tipo de elemento de separação entre cada livro. Mas eu acho que olha no congresso com outras coisas que eu tenho acontecendo nas prateleiras particularmente. Por isso, acabo com essa abordagem e decido apenas ir para as linhas semelhantes às que tenho na prateleira acima, porque não importa o que realmente está lá. Agora eu quero apenas sugerir que há livros na prateleira e têm um nível de consistência visual e harmonia em toda a composição. Mantê-lo simples, abstrato e repetido me permite não me preocupar com os detalhes que estão sobre esses espinhos dos livros. Eu estava ficando preso no que esses livros eram e em que cores eles eram, então eu simplesmente descartei e fui com algo mais simples. Era um elemento menor, então não importava. Assim que algo diz está chamando muita atenção para si mesmo, e não é realmente destinado a ser um ponto focal da ilustração, eu tento simplificá-lo e burrá-lo para baixo. Agora eu vou trabalhar para fora como fazer um transparente como um vaso de vidro. No meu outro tipo de esquema de cores planas e sólidas aqui. Então, apenas delinear aquele vaso com um contorno azul sugere claramente onde a água não veio até lá. As flores eu não pensei sobre que tipo de flores estas são, apenas flores em geral. Então qualquer detalhe lá realmente não importa, desde que eles têm uma flor como aparência para eles e parece bom, então eu estou feliz. Aqui eu estou trabalhando alguns detalhes daquele clipe ou grampo que estavam me incomodando. Descobri que o contraste e o sombreamento no tapete estavam muito escuros, então eu o iluminei. Então quero adicionar mais alguns pontinhos àquelas bolas. Agora estou trabalhando alguns detalhes para as folhas da planta da casa. Posso fazer a planta da casa parecer mais interessante e de alguma forma mais completa? Nada do que estou a fazer está a resultar. Talvez algo branco faça. Apenas continue tentando. Tem algo lá. Agora estou exagerando. Decidi acabar com ele e talvez voltar mais tarde. Agora estou a elaborar um padrão para a minha camisa. Um dos meus padrões de go-to na minha ilustração para camisas é, claro, xadrez, que eu também tendem a usar muito. Então há um elemento autobiográfico nisso, e aqui eu estou tentando fazer esse padrão xadrez mais agradável e simples, mas eficaz possível. Sempre tentando fazer as coisas parecerem soltas e caprichosas sem parecer desleixadas, e do outro lado, você não quer que pareça sobrecarregado. Voltando a ligar o esboço para que eu possa continuar com alguns detalhes. Obtendo tanta variedade de cores quanto eu puder. Equilibrando onde as cores aparecem ao longo da ilustração. Aqui está outra nave transparente. Este é um frasco em cima da minha mesa com algumas réguas e fita adesiva. Então aqui eu estou lutando para fazer essa forma parecer uniforme e finalmente eu desistir, trapacear copiar e colar o lado sobre o outro para que ele seja simétrico, e então começar a desenhar os elementos ou o conteúdo deste frasco. Mais uma vez, apenas, eu vou estar trabalhando fora como eu represento os objetos neste recipiente transparente usando um esquema de cores bastante sólido e plano. Levo um pouco de tempo aqui, mas eu chego lá eventualmente. Um monte de coisas que eu fico preso, eu apenas deixá-lo por agora e passar para a próxima coisa, aqui está um par de óculos de sol na minha mesa e eu os obtenho mexendo sobre exatamente como fazer esses óculos. Depois passo para alguns dos outros elementos inacabados. Neste caso, a planta em cima da minha prateleira. Para a própria planta, vou usar a mesma cor e o mesmo pincel que usei para as folhas da planta, a planta principal no chão. Esta grande caixa cinza aqui é a minha impressora. Agora, para os detalhes dentro da tela aqui, que é uma imagem da imagem aqui, eu mantenho isso muito simples, eu apenas uso um traço de linha em uma cor e sugiro esta imagem em vez de ir e tentar repetir o imagem inteira em mais detalhes aqui. É o suficiente para algo deste tamanho. Vou levar tempo e cuidado para que pareça considerado para que não pareça desleixado. Mas fora isso, eu mantenho simples. Basta harmonizar as coisas mais criando um estilo de canto semelhante à tela atrás do iPad lá. Então, claro, porque eu estou trabalhando no Astra pad, usando meu iPad como um tablet gráfico, ele está vendo o que está na minha tela também, então eu incluo esse detalhe. apenas adicionando alguns toques finais aqui, escurecendo as imagens nas minhas telas lá. Então eles não são tão óbvios e dominantes. Eventualmente, encontro a cor que funciona. Eu sinto que eu quero colocar algum tipo de elemento em cima desses livros e na frente daquele quadrado rosa. Eu pouso neste rosnador de cerveja, que eu realmente tenho na minha prateleira, e deixo assim. Agora, eu finalmente estou adicionando os detalhes a este disco mais escuro ao meu lado na parede, e eu adiciono um pouco de letras manuais a ele. vez, trabalhar no meu letreiro um pouco maior e, em seguida reduzi-lo pode fazê-lo parecer mais nítido do que se eu tivesse apenas desenhado no lugar, fazendo mais letras desta vez para o registro amarelo. Este disco amarelo é uma capa desenhada por Alex Steinweiss, um dos grandes designers de capa de álbuns de meados do século. Não entrar em muitos detalhes aqui, apenas sugerindo o que está no registro, e certificando-se de que eu coloque isso atrás das réguas. Agora eu estou trabalhando em talvez adicionar algum sombreamento, apenas um toque e fazer o cabo branco aqui, eu acho que foi uma boa jogada porque é legal como ele tipo de desaparece e o branco perto dos meus pés e, em seguida, leva você para fora da página na parte inferior. Então eu estava muito feliz com como isso acabou. Mexendo com mais alguns detalhes. Finalmente voltando para este pote de réguas e fita adesiva na minha mesa. Resolvendo isso, trabalhando um último tipo de detalhe abstrato nesta capa. Eu não quero ser muito específico e distraí-los, então eu crio um blob e refino a borda dele para torná-lo mais considerado. Apanha o tom certo. Eu brinco com um tom dentro deste rosnador também. Algo um pouco mais escuro para sugerir vidro escuro. Finalmente, eu decido que sim, eu vou colocar algo nesses quadros. Apenas uma sugestão do que está neles sem ser muito específico. Então, novamente, fazendo mais letras manuais. Esta moldura tem uma revista com uma capa desenhada por um dos meus ilustradores favoritos, Ben Shahn. Não vou tentar imitar isso na ilustração aqui. Eu só desenhei uma bolha geral lá dentro e isso é o suficiente. mesmo com a pintura do palhaço. Apenas algo simples. Claro, não se esqueça deste toque final muito importante. Acho que terminei. 19. Conclusão!: Tudo bem, pessoal, é isso. Nós terminamos. Obrigado por trabalhar em todas as palestras e o primer, por passar por todos os exercícios e, claro por trazer tudo para casa no projeto de ilustração final. Espero que tenha se divertido trabalhando nas tarefas. Espero que tenha aprendido muito sobre “Desenhar para Ilustração”. Eu especialmente espero que você ganhe algumas pistas valiosas para sua própria voz única em tudo isso. Se você tiver alguma dúvida ao longo do caminho, como sempre, por favor, pergunte-me, embora eu esteja respondendo suas perguntas. Para perguntas gerais sobre o conteúdo desta aula, você pode me escrever uma nota na página de discussões desta classe. Se você quiser um feedback mais específico sobre os exercícios ou projeto final, certifique-se de postar seu trabalho na página de projetos e recursos desta aula. Publicar lá é a melhor maneira de eu ver o que você ganha. É meu objetivo ver cada projeto que vocês postam. Além disso, postando seu projeto, você inspira outras pessoas a fazer o mesmo. É claro que encorajo todos vocês a olhar para os projetos uns dos outros e a dar feedback útil uns aos outros. Vocês são sempre um bando de stand-up, sempre amáveis e respeitosos. É sempre uma alegria ver nossa comunidade de criativos se construindo. Eu recomendo vivamente tirar proveito da comunidade de alunos criativos da Skillshare buscando feedback de seus colegas estudantes. Talvez ofereça uma troca de sua crítica sobre o projeto deles, para o deles, para o seu. Se você compartilhar qualquer coisa que você fez nesta classe ou diretamente como resultado de levá-lo no Instagram, por favor use a hashtag drawingtowardillustration. Assim eu posso realmente acompanhar o que você está fazendo além desta aula. Sabes que adoro ver o teu trabalho na selva. Muito obrigado por fazerem Desenho para Ilustração. Vejo você na próxima aula.