Curso de estilo: defina seu estilo de ilustração com um projeto diário

1. Trailer: Basta rolar direto para ele? Sim. Ok. Como você encontra seu estilo de ilustração? Se você já fez essa pergunta, esta aula é para você. Talvez você tenha se perguntado se você deveria se limitar a um único estilo ou se está tudo bem trabalhar em muitos. Talvez você esteja constantemente lutando para se sentir confiante nos estilos que você tem agora ou talvez você esteja procurando por um estilo mais original que se pareça menos com suas influências. Se isso soa familiar, bem-vindo à aula de estilo, eu fiz essa aula para você. Meu nome é Tom Froese. Sou um ilustrador premiado e professor ensinado aqui no Skillshare, onde ajudei dezenas de milhares de pessoas criativas como você a desbloquear o mundo da ilustração comercial. Ao longo dos anos, eu tenho lutado com meu próprio estilo, constantemente me perguntando como torná-lo mais coeso e consistente, enquanto constantemente duvido de mim mesmo ao longo do caminho. Quando me obceco demais com estilo, esqueço a alegria de criar que me inspirou a me tornar um ilustrador em primeiro lugar. Embora o estilo seja um tema difícil de falar, eu acho que é importante, e acho que existem alguns passos realmente práticos podemos dar para nos sentirmos melhor sobre nosso estilo. Esta classe foi projetada para ajudá-lo a navegar pelo mundo complexo e confuso do estilo de ilustração. Vamos começar construindo uma compreensão do que significa estilo e como ele pode funcionar para você no primer. Em seguida, vamos aprofundar alguns exercícios rápidos para descobrir o que mais nos inspira e como fazer trampolim com essa inspiração em nosso próprio trabalho. Depois disso, o trabalho real começa. Um mergulho profundo em um projeto de ilustração de vários dias, onde podemos trabalhar nossas perguntas de estilo em uma série de 26 ilustrações. Isso vai nos tirar de nossas zonas de conforto, mas acho que é a única maneira de realmente começar a trabalhar nosso estilo de ilustração autêntico. Esta aula é toda sobre entender os problemas mais profundos em torno do estilo, como ele se relaciona com você e sua identidade, e como usar o estilo para resolver problemas visuais forma confiável e expressiva em sua ilustração comercial. Não se trata dos componentes individuais do estilo ou como usar ferramentas e técnicas específicas. Realmente, estilo pode parecer qualquer coisa, sua arte pode parecer qualquer coisa, e eu não quero atrapalhar isso. Meu trabalho é dar-lhe as ferramentas para encontrar seu próprio estilo de ilustração, que você possa trabalhar melhor e apreciá-lo mais ao longo do caminho. Como você encontra seu estilo de ilustração? Vamos resolver isso juntos na aula de estilo. 2. Sobre este curso: Esta aula é dividida em três partes: o primer, os exercícios e, claro, o projeto final. A cartilha é onde vamos dar um mergulho profundo nas questões de encontrar o seu estilo de ilustração. Através de uma série de mini-palestras, vou estabelecer alguns dos meus principais insights e princípios para ajudar a guiá-lo nos exercícios, projetar e, claro, em sua própria jornada. Os exercícios são onde começamos a colocar toda essa teoria em ação. Aqui, veremos o que mais nos inspira e, em seguida, usaremos isso como trampolim para descobrir pistas sobre o que queremos explorar e experimentar dentro do projeto e além. O projeto foi onde ele teve a chance de colocar tudo o que aprendemos no primer e nos exercícios à prova. Um projeto de ilustração de 26 dias onde criaremos uma série de ilustrações sobre um tema de sua escolha, trabalhando como resolvemos problemas visuais em uma técnica de sua escolha. Por que 26 dias? Porque nós estaremos ilustrando uma lista alfabética de coisas e idéias sob nosso tema escolhido de A a Z. É o meu projeto de classe mais ambicioso até agora, mas não se preocupe, eu vou guiá-lo para ele, eu vou guiá-lo para ele, e configurá-lo com tudo que você precisa para obter indo. Claro, eu vou estar compartilhando como eu penso sobre o estilo enquanto eu trabalho através de minhas próprias ilustrações nas demos. Em termos de experiência, esta aula é para qualquer um que já se perguntou sobre como encontrar seu estilo de ilustração, quer você tenha experiência zero, ou tenha sido ilustrado por décadas. Esta classe abrange todas as gamas de experiência e habilidades, e dá a todos a chance de mergulhar profundamente em suas próprias perguntas de estilo. Dito isto, quanto mais experiente questionar e trabalhar seu próprio estilo você entrar nesta aula, mais você vai sair disso. Esperemos que você possa continuar voltando aos princípios desta classe enquanto se desenvolve em seu próprio caminho criativo. Em termos de habilidades e equipamentos, é claro, alguma experiência em mídia artística e ferramentas digitais serão úteis. Isso pode ser qualquer coisa, desde pintar em aquarela até brincar um pouco e procriar. Nos exercícios da aula, você terá a chance de descobrir quais técnicas de ilustração reais você gostaria de usar ou explorar. Vou usar o Procreate para esboços e exercícios, e o Photoshop para o meu projeto de ilustração final. Porque eu sei o que alguns de vocês vão pedir, eu uso o Astropad para usar o meu iPad Pro como um tablet gráfico para o meu Mac. Eu executo o Photoshop no meu Mac e, em seguida, o Astropad me permite conectar meu iPad e usá-lo como um tablet baseado em tela. Os exercícios não demorarão muito. Eu acho que você poderia fazer isso em uma hora ou duas, mas realmente você pode levar o tempo que você precisar. Quanto ao projeto, estou recomendando cerca de 26 dias no total. Vou explicar como isso se decompõe mais no início do projeto. Este é o mais longo que eu já sugeri para um projeto de classe em minhas aulas, mas eu realmente acredito que um projeto criativo de vários dias é a maneira mais poderosa de descobrir pistas sobre seu estilo de ilustração. É claro que vocês são encorajados a compartilhar cada ilustração à medida que avançam. Fazer algo regularmente é apenas uma parte de encontrar seu estilo, compartilhá-lo com um público, e com a classe também é super importante. Ao fazer essa aula, você terá uma compreensão mais profunda de por que a ilustração é, como ela funciona e como ela se relaciona com sua maneira particular de criatividade e pensamento. Você aprenderá como o estilo pode começar como uma semente e crescer com o tempo. Sobre como ele pode ser usado para resolver problemas em vez de simplesmente expressar sua própria identidade, você também terá uma conexão mais profunda com o que o inspira e aprenderá a canalizar toda essa energia em seu próprio trabalho. Finalmente, o projeto lhe dará uma quantidade louca de prática e experiência de trabalhar seu próprio estilo de perguntas. Se você se ater ao seu projeto de A a Z, não há como você não sair do outro lado um ilustrador mais forte. Vamos continuar com o show. 3. Sobre estilo: Estilo é um dos tópicos mais discutidos para ilustradores, especialmente quando se inicia. Vemos artistas estabelecidos e os admiramos por seu estilo ou pela aparência de suas ilustrações, e nos fazem sentir. Enquanto a busca do estilo de alguém é frequentemente descartada como uma distração, não há como contornar o fato de que as pessoas ainda vão ficar obcecadas com isso. Se as pessoas estão pensando tanto nisso, certamente merece nossa atenção. Para mim, a questão não é se deve se preocupar com isso ou não, mas perguntar por que se preocupar ou talvez, como devemos nos preocupar? Podemos achar que, no final, é melhor nos concentrar em outras coisas, mas primeiro, devemos olhar mais fundo o que é exatamente o estilo de ilustração e como ele funciona. Por que é tão grande coisa, e por que talvez não deveria ser? O que é estilo? Simplificando, estilo é a aparência de uma ilustração, além de qualquer conteúdo das imagens; quais cores são usadas, quais técnicas foram usadas para torná-la, qual é a qualidade expressiva na imagem? Comparando duas ilustrações da mesma coisa, o que torna uma mais atraente do que a outra? O estilo é complicado porque é o que mais conhecemos na ilustração, mas o menos capaz de descrever. Mas acho que entendemos, no nível muito intuitivo, a importância do estilo. É o que nos atrai para o trabalho em primeiro lugar. Essa é a fonte da nossa obsessão. Seja qual for o conceito ou ideia, é transmitido materialmente, visivelmente. Antes de atingir o nosso intelecto, passa pelos nossos sentidos, directamente para os nossos corações. Como artistas, o estilo pode nos guiar, ou podemos derivar nosso estilo. Como ilustradores comerciais, nosso trabalho é entender o estilo como uma ferramenta para que possamos conduzi-lo. Use-o a nosso favor, tanto no nosso trabalho como na forma como o usamos como uma extensão da nossa identidade. Existem duas maneiras principais pelas quais o estilo é importante. Por que devemos prestar atenção ao estilo em nosso trabalho. A primeira coisa é estabelecer nossa identidade, nossa marca como empreendedores criativos. Como o nosso trabalho é o nosso produto, ele deve sempre ligar de volta a nós. Da mesma forma que as marcas aplicam uma qualidade consistente em seus produtos, nossas ilustrações devem sempre ter alguma qualidade consistente que é exclusivamente nossa. Esta qualidade consistente de trabalho torna-se sinônimo de nós. A consistência não nos torna artistas unidimensionais. É simplesmente um reconhecimento de um conjunto estreito de qualidades em que somos bons, que podemos fazer repetidamente, que outros podem crescer para depender de nós. Isso leva à segunda maneira em que o estilo é importante; ele se torna uma ferramenta confiável para nós como solucionadores de problemas visuais. Independentemente da aparência do nosso estilo, independentemente de quantos estilos abrigamos sob o teto do nosso negócio criativo, tendo estilos estabelecidos resultantes de técnicas e processos específicos, nos torna mais eficientes e confiáveis. Embora pudéssemos ilustrar em qualquer número de estilos, escolhemos não fazê-lo. Como temos um conjunto estreito de qualidades sob nossa marca em nosso kit de ferramentas, podemos começar direito a trabalhar no problema em vez de tentar descobrir em que estilo trabalhar. Também gastamos menos tempo ficando na mesma página que nossos clientes sobre qual estilo trabalhar. Na verdade, quanto mais clientes virem consistência em seu trabalho, mais eles confiarão em você para fazer isso novamente e, portanto, confiarão mais em você com a parte criativa do trabalho. Agora definimos o que é o estilo de ilustração e o que o torna importante. Nas lições restantes desta cartilha, e depois através dos exercícios e do projeto, vamos ver como o estilo funciona para os ilustradores, especialmente quando começamos e como ele se desenvolve junto com a gente. Analisaremos os principais problemas de estilo que os ilustradores enfrentam e maneiras de superar esses desafios. Eu até desenvolvi algumas maneiras de nos ajudar a colocar no espectro de estilo de ilustração em termos de temperamento e personalidade. Mais importante ainda, vamos analisar o que eu acredito serem as maneiras mais eficazes de começar a descobrir seu estilo como ilustrador; aproveitar o que nos inspira e resolver nossas perguntas de estilo fazendo um trabalho real. Em última análise, seu estilo não é algo que você possa decidir agora, de uma vez por todas. Mas você pode e deve certamente fazer escolhas ao longo do caminho. Acho que uma das coisas mais difíceis de encontrar um estilo, é simplesmente não saber quais são as nossas escolhas para fazer boas escolhas. Sentimos que, se escolhêssemos um estilo hoje, estaríamos negando a nós mesmos tanto potencial para crescer experimentando outros estilos, outras coisas. Encontrar um estilo de ilustração não é sobre encontrar um estilo estático, parar o crescimento de propósito para que nosso estilo possa permanecer consistente, é sobre sempre criar, sempre trabalhar, sempre buscar a alegria nisso, e depois levar algum tempo a maneira de descobrir quais maneiras funcionam melhor para nós, e então como fazer isso mais de propósito. 4. Dificuldades com estilo: Quando olho para todas as perguntas que os alunos fazem sobre encontrar seu estilo, quase todas elas se dividem em um ou mais desses pontos de dor: consistência, confiança e originalidade. Vejamos cada um desses pontos de dor um pouco mais de perto. Ter um estilo significa ter um olhar consistente para o nosso trabalho. Não é surpresa, então, que a maioria dos ilustradores lutem com esse ponto de dor. Por que é tão difícil conseguir consistência em nossa ilustração? O que funciona para um tipo de ilustração pode não funcionar para outro. Outro cenário, pode ser alguém que não pode imaginar apenas aderir a um estilo. Eles simplesmente gostam de trabalhar de forma diferente cada vez e se perguntam se eles precisam comprometer com um único estilo, a fim de ser um ilustrador legítimo e respeitado. Uma das perguntas mais feitas em torno do estilo é, eu preciso ter um estilo disciplinado singular para ser tão bem sucedido como ilustrador? Outra é, e se eu quiser trabalhar em vários estilos? Tanto quanto eu posso dizer, você pode ser bem sucedido com um ou muitos estilos. Depende realmente do seu temperamento e ao longo do tempo, o que parece funcionar melhor em sua prática profissional. Se você está feliz e bem sucedido trabalhando em uma variedade de estilos, então isso é tudo o que importa. Se é mais importante para você ter algo mais individual e singular, então isso é algo para o qual você pode deliberadamente trabalhar. No final, você provavelmente vai se encontrar em algum lugar entre ter vários estilos e algo mais singular. O mais importante é que você tenha uma consistência geral no que você oferece como seu produto. Você verá que tem alguns pontos dinâmicos comuns consistentes partir dos quais aborda todo o seu trabalho. Falaremos mais sobre isso daqui a pouco. O segundo ponto de dor é a confiança. Nós, artistas, somos duros conosco mesmos. Metade do nosso tempo é gasto lidando com emoções debilitantes e pensamentos negativos sobre nosso valor como artistas. Tendemos a nos relacionar com nosso valor percebido como personalidades semi-públicas ou como artistas. E se pudéssemos esquecer o que os outros pensam e focar na alegria e satisfação que experimentamos quando criamos? Tendemos a perder a nossa confiança quando comparamos injustamente o nosso trabalho com os outros. Enquanto isso, esquecemos por que começamos a ilustrar em primeiro lugar. confiança não tem que vir de nos sentirmos comparativamente ótimos como ilustradores, pode vir de saber que estamos fazendo nosso trabalho bem com o melhor de nossas habilidades e de alguma forma agregando valor aos nossos clientes e públicos através de nossa arte. Como podemos fazer um trabalho de que nos orgulhamos, o que nos dá alegria de fazer do início ao fim? Precisamos lembrar de não levar nossa busca pelo estilo muito a sério. Precisa acontecer, mas nos nossos termos. Enquanto isso, temos que sobreviver como artistas. Isso significa dar a nós mesmos espaço para explorar e crescer, para cometer erros à medida que nos atrapalhamos em direção a um estilo mais confiante, natural e expressivo. Isso vem com tempo e prática. Lamento dizer que, ao longo do caminho, nossa confiança e dúvida virão em ondas. Mas, em última análise, à medida que o mantiver, ficará mais confortável na sua própria pele. Minha experiência é que começamos com uma falsa visão de quem devemos ser, mas com o tempo ganhamos uma imagem clara de quem realmente somos. É por isso que o estilo não acontece apenas conosco rapidamente, especialmente se o estilo que você está procurando é um que é autenticamente seu, não apenas baseado no que está na moda ou legal. A chave é lembrar, a alegria da ilustração. Lembre-se por que você foi inspirado em primeiro lugar, e simplesmente para seguir essa centelha de paixão. Se nada em sua arte está lhe dando alegria, nem mesmo uma pequena parte dela, então você pode querer considerar tentar outra coisa. Mais uma vez, pode ajudar a lembrar que tendemos a ser mais difíceis para nós mesmos do que os outros são para nós. Bem, estamos nos colocando sob nosso trabalho para baixo, outros provavelmente estão bastante impressionados com nosso trabalho. para o estilo, a verdade é que, nós nos preocupamos muito mais com o que o nosso estilo é do que outros. O terceiro ponto de dor é originalidade. Claro, tanto sobre ter um estilo distinto é sobre identidade. Queremos que as pessoas nos reconheçam através do nosso trabalho. Porque despejamos tanto de nós mesmos em nossa arte, preocupamos com como ela nos representa. Como o estilo em si, acho que todos nós entendemos a importância da originalidade como artistas. Isso nos diferencia, é algo que podemos reivindicar como apenas nosso. Ter nossa própria voz como artistas é realmente assado em todo o negócio. Como podemos nos aproximar de nos tornarmos originais em nosso próprio trabalho? Ser original é ser capaz de pensar e fazer as coisas de forma independente e criativa. Isso não significa que somos tão diferentes de tudo e de todos os outros, é mais sobre como usamos nossa situação dada e habilidades à nossa maneira. As ideias não precisam ser esotéricas para serem originais ou emocionantes. Row, designer americano Paul Rand. Eu só acrescentaria a isso que se você quiser ser original, a única coisa que você pode realmente fazer é falar de sua perspectiva e não tentar falar de outra pessoa. A coisa difícil de falar a partir de sua perspectiva é que muitas vezes é preciso muita escavação para encontrá-lo. É muito mais fácil emprestar em outros, o trabalho já foi feito. Se não tivermos muita prática procurando nossa própria perspectiva, tenderemos a duvidar de nós mesmos e desistir cedo demais. O que acontece em vez disso é, não nos sentirmos confiantes sobre a nossa própria voz única , olhamos para outras perspectivas, outros artistas , outros estilos, e de alguma forma imitá-los em nosso próprio trabalho. Talvez seja porque não acreditamos na nossa maneira original de fazer arte. Parece que de alguma forma não é suficiente, de alguma forma desconhecido. Sabemos o que os outros fizeram, quão bem foi recebido por outros. Vemos tendências e assumimos que temos de as seguir para sermos atuais e bem recebidos. Eu não acho que é errado prestar atenção às tendências, mas é muito fácil cair em um buy-in total, onde você se inclina muito sobre o familiar e perde trazer algo verdadeiramente único para você para a mesa. O que estou dizendo é que é preciso coragem para ser original. É mais fácil ficar atrás de uma tendência ou emprestar o estilo de outra, porque é instantaneamente gratificante. Mas isso nos distrai do verdadeiro nós abaixo. O desafio é que provocar a nossa verdadeira voz começa a tremer, talvez até embaraçosamente. É vulnerável. É ruim ser imitado? Se o nosso estilo ainda não cresceu até a maturidade, e temos trabalho a fazer enquanto isso, como é que vamos fazer alguma coisa? A verdade é que todos nós começamos imitativamente. Em quase todas as minhas aulas, falo sobre os três Is: inspiração, imitação e inovação. Começamos por ser inspirados pelo trabalho dos outros em imitá-lo. Mas ao longo do tempo, à medida que trabalhamos para trazer mais de nossa própria voz em nosso trabalho, nosso trabalho se torna mais nosso. Nós nos afastamos de imitar os outros e mais para nos referirmos a nós mesmos. Nós nos tornamos uma mistura de toda a nossa inspiração, e através da prática nos tornamos bons em canalizar isso de uma maneira única. Desenvolver um estilo original é um equilíbrio. É um equilíbrio entre, por um lado, aceitar um certo nível de imitação, permitir que nossas influências entrem em nosso trabalho de propósito, e, por outro lado, desafiar-nos a sermos mais ousados, aceitar o que nosso trabalho acaba parecendo apesar de nós mesmos. No caminho para encontrar o nosso próprio estilo, todos experimentamos a sensação de que o nosso trabalho de alguma forma não está à altura, que está demasiado em todo o lado e inconsistente, que de alguma forma não é original o suficiente, ou quando é, não nos sentimos bem sobre isso. Estas são todas preocupações válidas e devemos definitivamente apontar para um estilo que bate fora do parque de todas essas maneiras. Mas ao longo do caminho, vamos precisar ter graça conosco mesmos. mais importante é que visamos trabalhar a partir do lugar de alegria e paixão que nos levou à ilustração em primeiro lugar. Sempre que nos sentimos mal com o nosso trabalho, podemos lembrar-nos da nossa primeira faísca e fazer o que pudermos para voltar àquele lugar. 5. Cinco observações sobre estilo: Certamente, não há um único caminho para encontrar o estilo de ilustração. Todos nós entramos em ilustração e viajamos através dela de maneiras muito diferentes. Dito isto, quando você observar os caminhos de carreira de alguns dos ilustradores mais bem-sucedidos de hoje, você verá alguns padrões interessantes emergir, coisas que parecem ser verdadeiras para quase todos eles. Tenho cinco observações em particular, que penso que devem servir tanto de encorajamento como de inspiração. Encorajamento em que até mesmo nossos heróis têm pontos de partida humildes, e inspiração em que os primeiros passos que eles deram e os levaram ao sucesso inicial são aqueles que você e eu poderíamos facilmente dar hoje. A primeira observação é, todos os artistas começam com um estilo informado à mão que se torna mais bem definido horas extras. Pegue qualquer ilustrador com um estilo definido e único hoje, e rastreie seu trabalho até o início, e você provavelmente descobrirá que eles não começaram dessa maneira. Na verdade, você provavelmente verá algo que parece mais instável, menos confiante, de alguma forma mais informado. Na verdade, o que você está olhando provavelmente se assemelhará mais ao seu estilo de desenho natural, na época, do que ao trabalho que estão fazendo hoje. Isto é especialmente verdadeiro para artistas cujo estilo é agora fortemente influenciado por processos mecânicos ou digitais. Eles tiveram que começar com as mãos porque era isso que eles sabiam na época. Foi ao longo do tempo no trabalho que eles desenvolveram um estilo mais transcendente, que expressa suas idéias sem menosprezar as origens mais artesanais de seus esboços. Falo mais sobre isso longamente na minha turma, Desenho para Ilustração. Você pode ter um desejo de ter um estilo mais transcendente como este. Mas se você está mais perto do seu começo, você provavelmente só tem uma noção disso. Você passará mais tempo agora, experimentando e explorando diferentes técnicas, e seu trabalho virá de seu conjunto atual de habilidades, especialmente técnicas que estão mais próximas de sua ferramenta mais acessível, suas mãos, inclinem-se para elas. O que parece se inclinar em suas habilidades atuais? Significa, mais do que tudo, entrar em contato com como você desenha tudo, objetos, pessoas, idéias. Significa desenhar todos os dias, seja aquela pessoa que carrega um caderno de esboços em todos os lugares, e então experimente técnicas que transformam esses desenhos em algo mais. Isso é muito parecido com o processo de ilustração em que começamos com esboços, e depois adicionamos camadas de cor, linha , textura, forma e assim por diante, na mídia de nossa escolha. Por que ilustrar desenhando quando você poderia ir direto para o computador? Porque ao se permitir criar livremente desta forma, mais tarde, você poderá encontrar padrões dentro do seu trabalho que são exclusivos para você, pistas para o seu próprio estilo. Você vai notar que você desenha formas de uma certa maneira, ou que você repete um determinado motivo uma e outra vez. Se você se esforçar demais para ter um estilo transcendente mais disciplinado cedo demais, você pode acabar se apoiando muito em suas influências e suas técnicas, ao mesmo tempo ignorando as pistas importantes de sua própria voz natural. A segunda observação é, a identidade única do ilustrador torna-se mais forte no trabalho ao longo do tempo. Todos os ilustradores começam com uma semente, uma noção nebulosa do que eles podem ser na estrada, e todos os ilustradores começam por ser inspirados por seus heróis, provavelmente copiando-os em um grau maior do que eles vão acabar mais tarde. Quando somos crianças pequenas, nossa identidade vem mais de nossa família, de nossos pais, do que de nós mesmos. Nós, ilustradores, começamos como crianças, que se assemelham fortemente às nossas influências, nossos mentores e aos nossos heróis. Mas à medida que atingimos a maioridade, crescemos a nos conhecer mais, e não podemos ir direto de criança para adulto bem formado e totalmente independente. Todos nós temos que passar pelo constrangimento daqueles adolescentes e adolescentes. Fique com ele e você vai superar tudo, e você vai amadurecer. Alguns de nós envelhecem com graça, outros menos, e para cada um de nós, isso simplesmente aumenta a nossa história e a singularidade da nossa voz. A terceira observação é, o ilustrador passa de uma abordagem mais geral para algo mais específico. Enquanto a maioria dos ilustradores acabam se especializando em um pequeno canto do universo da ilustração, nós normalmente começamos como generalistas. No início de nossas jornadas, começamos com infinitas possibilidades. Mas à medida que avançamos, aprendemos quem somos, o que podemos fazer, o que não podemos fazer, o que somos atraídos e o que evitamos, e todas essas coisas ajudam cada um de nós a se estreitar em um definição como artista. Quando começamos, não tendo ainda forjado nossa própria identidade, estamos mais abertos às várias influências dos outros, e estamos dispostos a aceitar trabalhos mais variados. Ainda não sabemos qual é a nossa especialidade, nem devemos. Esta é uma das razões pelas quais, creio eu, os designers, que mais tarde se tornam ilustradores, estão em vantagem. Designers são generalistas por treinamento, e eles têm muita experiência trabalhando com diferentes tipos de problemas visuais, e como tal, eles aprendem sobre o que eles são bons e gostam, mesmo quando começam como ilustradores. À medida que crescemos como ilustradores, descobrimos que desfrutamos de certos tipos de ilustração, tanto estilisticamente como no assunto, que nos leva a um foco cada vez mais nítido em nosso trabalho e estilo. Ao pensar sobre essa progressão de geral para específico, eu sempre vejo um cone lateral, ou duas linhas convergentes. Tudo à esquerda desta abertura é, bem, tudo. Quando fizermos o primeiro movimento em nossa jornada, esse é o começo dessa coisa de cone lateral. De repente, nossas escolhas são limitadas, e à medida que avançamos, experimentando, recebendo feedback, descobrindo o que funciona e o que não funciona, nosso foco se torna mais nítido e nítido. Estamos deixando a possibilidade de tudo, e indo mais para o único ponto, que eu gosto de chamar de singularidade. No sentido mais ideal, é aqui que encontramos o nosso único estilo coeso, ou a nossa voz artística. Na realidade, este ponto é um alvo em movimento, sempre diante de nós. Isso porque quanto mais aprendemos, mais percebemos o quanto mais há para aprender. Mesmo quando nos tornamos mais específicos, nunca ficamos estagnados. A quarta observação é que os ilustradores começam a compartilhar antes de estarem prontos. Eu amo este porque é a observação mais acionável neste conjunto. Muitos ilustradores começam suas carreiras antes de serem aceitos pelo público como ilustradores, antes de terem um estilo estabelecido, antes de alguém dar um tempo a eles. Esses indivíduos motivados criam suas próprias oportunidades iniciando e mantendo um projeto criativo diário. Isso lhes dá a oportunidade de trabalhar seu estilo tangível, enquanto constrói um público ao mesmo tempo. Ilustração comercial é tudo sobre comunicação com um público. Os ilustradores precisam de toda a prática possível, tanto para desenvolver seu estilo quanto para aprender a se envolver com um público. Ter uma prática de criar algo para compartilhar regularmente faz com que os ilustradores se acostumem a pensar em um público, e também, trabalhar dentro de um cronograma. Para mim, quando eu estava começando, o principal local para uma prática criativa diária orientada para o público era blogs. Mas aqueles que me lembro particularmente, que mais me influenciaram, estavam focados em um tema específico e desenvolveram uma técnica ou meio específico. Alguns exemplos dos meus primeiros dias incluem Consumo Obsessivo de Kate Bingaman-Burt, e o Desenho de um Dia de Lauren Nassef. Fiquei fascinado pelo trabalho deles e inspirado a fazer algo semelhante. Eu mesma espelhei esse hábito e, finalmente, construí um estilo de desenho inicial, pelo qual me tornei conhecido, e do qual vieram meus primeiros trabalhos de ilustração. A quinta observação é que os ilustradores deixam o cabelo para baixo de vez em quando. Para aqueles que lutam muito com o ponto de dor número um, compromisso, por favor, tome nota. Não importa o quão rigoroso seja um ilustrador em seu estilo comercial principal, eles provavelmente fazem desvios e trabalham fora de sua zona de conforto de vez em quando. Só porque eles apresentam um corpo altamente coeso de trabalho no Instagram ou em seu site de portfólio, isso não significa que eles não deixem seus cabelos para baixo nunca. Todos os artistas têm sua própria maneira de compartilhar seus projetos paralelos. Se algo é realmente meio cozido, para mim, vou postar em minhas histórias, ou talvez tuitar sobre isso. Muitas vezes, fico feliz em compartilhar meus experimentos mais na marca como postagens do Instagram, mantendo meu portfólio do site mais consistente e estático. Claro, nem tudo o que é feito precisa ser compartilhado. Pense em tudo o que acontece em seu livro de esboços ou diário que ninguém vê, e considere que a maioria dos artistas está fazendo isso o tempo todo. 6. O poder do projeto diário: No vídeo anterior, observei como os ilustradores começam a compartilhar antes de estarem prontos e descreveram o projeto criativo diário. Na minha opinião, não há melhor maneira de começar sua busca para encontrar seu estilo de ilustração do que trabalhar regularmente e compartilhá-lo com um público. Para esta aula, eu realmente acredito que não há outra maneira de guiá-lo através da jornada de descobrir seu estilo, a não ser conduzi-lo através de um projeto de ilustração de vários dias. É o que faremos depois de todas as palestras e exercícios. Enquanto eu estava tentando descobrir uma maneira de ensinar estilo, olhei para trás em minha própria jornada e percebi que meus primeiros esforços para ilustração realmente começaram quando comecei a fazer e compartilhar desenhos no meu blog quase diariamente. Eu estava muito diretamente inspirado por um punhado de ilustradores fazendo isso na época, mas mais visivelmente Lauren Nassef, que é confiante pelo estilo introspectivo de desenho de contorno que eu realmente me relacionava. Envergonhosamente, eu até nomeei meu blog de forma semelhante ao dela. O dela era um desenho por dia, meu era desenhar algo todos os dias. Pelo menos, fui honesto sobre minhas intenções e inspiração. Eu realmente queria desenhar algo todos os dias, assim como a minha inspiração. O que começou como um esforço imitativo ao longo do tempo cresceu para ser minha própria coisa, eventualmente abrindo caminho para outras experiências criativas. Ao longo do caminho, eu estava realmente aperfeiçoando minha própria maneira de desenhar, descobrindo o que eu gosto de desenhar, desafiando a mim mesmo a desenhar coisas que eu não queria gostar de luvas de malha de cabo ou jaquetas drapeados em ganchos, e experimentando a adição de cor elementos de colagem digitalmente. Este projeto diário começou na minha graduação, e continuou bem depois que eu me formei e encontrei emprego como designer. Foi sempre uma forma de demonstrar a minha paixão pela criatividade aos meus empregadores e clientes. Desde que me tornei ilustrador em tempo integral, tive a sorte de poder fazer a maior parte do meu trabalho fora do meu estilo com o trabalho real do cliente. Aqui está o poder do projeto diário. Você não precisa ter clientes reais ou empregos reais para começar a trabalhar seu estilo e voz. Tudo o que você precisa é começar a fazer o trabalho que você gosta, trabalhando para algo de forma focada e consistente, e compartilhá-lo. Uma das coisas mais difíceis sobre fazer um projeto diário, claro, é saber o que fazer em primeiro lugar. Acho que isto pode ser o que impede muitas pessoas de se intrometerem. Na seção do projeto, guiarei você pelo processo de configuração do projeto, incluindo escolher algo para trabalhar e um assunto para testá-lo. Enquanto isso, se você quiser conferir alguns projetos diários inspiradores do passado e do presente de alguns dos meus ilustradores favoritos, certifique-se de encontrar alguns links na página Projetos e Recursos da classe. 7. Os dois tipos de ilustradores: Os ilustradores vêm em todas as formas e tamanhos, mas há dois tipos abrangentes, cada um apontando mais ou menos para dois tipos de personalidade diferentes. Quando entendemos que tipo de ilustrador somos ou parecemos ser mais parecidos, isso nos ajuda a entender melhor a nós mesmos, como trabalhamos, o que nos impulsiona, e especialmente informar quão mais rigorosos flexíveis somos com nosso estilo ou estilos. É a diferença entre extrovertidos e introvertidos. Aqueles de nós que preferem passar mais tempo sozinhos, são de repente validados sabendo que há um grupo normal de pessoas que chamamos de introvertidos. Podemos perceber que somos os normais e não aqueles extrovertidos loucos. Mas, seriamente, quando percebemos os dois ilustradores, podemos entender melhor por que talvez nossas tendências de estilo parecem estar indo em uma determinada direção. O primeiro tipo de ilustrador é ilustrador como artista. Outro nome pode ser rockstar ou o ilustrador de estilo avançado. Enquanto somos todos artistas, o tipo de artista é obcecado com a auto-identidade em seu trabalho. Pelo menos em sua personalidade, eles são extrovertidos corajosamente se expressando de uma forma muito específica. Seu estilo de ilustração pode parecer ser mais baseado em padrões e elementos repetitivos, fortemente estilizado, e apenas usando um conjunto específico de cores. Eles aplicam seu estilo a todos os problemas de ilustração da mesma forma uma marca pode aplicar as mesmas cores e estilos aos seus produtos nas comunicações. Os ilustradores do tipo artista são conhecidos por sua voz forte e singular em todas as disciplinas. Sua identidade é inconfundível, altamente constrangida, decisiva e limitada. Podemos silenciosamente insinuá-los por isso, acusando-os de serem pôneis unidimensionais e de um truque. Mas olhe mais de perto, eles têm um talento especial para liderar com uma visão forte e eles são capazes de dobrar todos os problemas que surgem em seu caminho através de sua própria visão única. Eu sempre invejei ilustradores do tipo artista pela confiança e força da identidade que eles exalam. Se você sente que tem uma personalidade forte e uma visão artística, ao longo do tempo você pode encontrar-se inclinado mais para o ilustrador do tipo artista. Por outro lado, você pode sentir que ter essa identidade para o design significa você não é capaz de usar todas as suas capacidades artísticas na medida em que lhe dará satisfação. Você pode achar isso sufocante. Você também pode ser simplesmente mais introvertido ou um solucionador de problemas em sua ética de trabalho. Insira o segundo tipo de ilustrador. O segundo ilustrador é o designer. Outro nome pode ser o solucionador de problemas ou o ilustrador de ideias. Nós tendemos a lembrar os nomes e lux ousado do tipo artista de ilustradores, mas os ilustradores tipo designer estão fazendo apenas um trabalho tão impressionante, muitas vezes assumindo cada projeto com uma determinada marca de inteligência em vez de elementos estilísticos particulares como cores e coisas assim. Estes são mais como introvertidos, permitindo que o trabalho e as ideias surjam mais fortemente do que qualquer expressão pessoal. Isso não quer dizer que seu trabalho não é identificável de volta para eles como o artista, é apenas mais camadas e facetado. Eles colocam as mãos em mais potes. O ilustrador do tipo solucionador de problemas desfruta do desafio de resolver cada problema visual de uma forma mais única. Eles também têm um foco, um alcance em que eles são capazes de trabalhar, mas é simplesmente menos evidente e assume mais formas. Os ilustradores do tipo artista podem insinuar os tipos de designers acusando-os de serem camaleões, carentes de uma personalidade clara, de serem indecisos. Mas olhe mais de perto, eles sabem exatamente quem são e usam isso para levar alguns grandes clientes a algumas obras de arte altamente criativas e surpreendentemente variadas. Eles são tão decisivos quanto o tipo de artista, mas eles são capazes de adaptar suas habilidades exclusivamente a cada problema. Eu sempre admirei ilustradores tipo designer por sua proeza criativa e engenhosidade. Se você sentir que cada problema visual o move de maneiras diferentes, que é difícil simplesmente acertar cada prego com o mesmo martelo de estilo, isso pode significar que você é um ilustrador de tipo de solução de problemas ou designer. Como você pode ver nos exemplos nos slides, há tanta personalidade e singularidade em cada exemplo e eles não parecem ter qualquer problema em atrair grandes clientes e fazer um trabalho novo e único sem fim. Estes dois tipos são, naturalmente, extremos. Você pode gostar da maioria das pessoas, encontrar-se em algum lugar entre estes, e sentir-se mais como um do que o outro em vários momentos. Talvez ao longo do tempo, no entanto, você perceba em seu próprio trabalho uma tendência geral para um sobre o outro. Enquanto em algum momento nos encontraremos mais como um desses tipos do que o outro. No início, você provavelmente será mais parecido com o tipo de designer do que com o tipo de artista. Isso é simplesmente porque você ainda não sabe o suficiente sobre si mesmo para fazer esta chamada de uma forma ou de outra. Isso é talvez um pouco de cautela para as pessoas no início de sua carreira que se sentem mais como o artista para não se fechar para a exploração estilística muito cedo. Mantenha-se aberto ao máximo de oportunidades que puder nos seus primeiros dias. Dizer sim, não só lhe dá uma experiência valiosa e, claro, uma renda, mas também permite testar sua visão forte em uma ampla variedade de aplicações. Algo que muitos dos dois tipos de ilustradores se tornam respeitados. 8. Resolvendo problemas com estilo: onde teremos a chance de criar uma série de ilustrações representacionais e conceituais em um estilo consistente, mas de forma mais intensiva. Estilo é tanto sobre como você resolve problemas quanto sobre como você se expressa. Tendemos a pensar que o estilo é principalmente um meio de auto-expressão para um artista e exaltações de identidade. Mas o estilo é uma ferramenta que podemos adaptar aos problemas visuais que surgem em nosso caminho ou que podemos contornar esses problemas. Para mim, pensar no estilo como uma ferramenta de resolução de problemas tira a pressão de qualquer um dos meus estilos ou ilustrações para expressar a totalidade de quem eu sou como artista ou humano. Eu não sou o meu estilo. Meu estilo não precisa ser a expressão total de quem eu sou. Quando se trata de trabalhar para clientes, seu estilo de ilustração deve ser expressivo, mas não se trata de se expressar. É sobre o você que eles querem usar para se expressar. Neste vídeo, veremos como o estilo e a resolução de problemas se relacionam especificamente. Eu achei essas idéias tremendamente úteis para entender como eu trabalho e por que meu estilo parece mudar dependendo do trabalho em que estou trabalhando. Eu tenho sido capaz de usar essas idéias para ser mais intencional sobre minhas decisões estilísticas, e ao longo do tempo para encontrar uma maneira cada vez mais unificada de trabalhar entre clientes e tipos de projetos. O poder do estilo de ilustração de alguém é que ele parece mágico para todos os outros. Nós nos perguntamos como na Terra os artistas inventaram isso. É uma boa pergunta; onde vem o estilo? Como um ilustrador se exercita? Como ilustrar qualquer coisa especialmente no início quando as opções parecem infinitas? Como eles sabem em que estilo trabalhar ou em qual técnica ou qual aplicativo ou qual dispositivo usar? Essas perguntas tornam-se mais agudas quando confrontados com o infinito final, a página em branco. Tendemos a igualar ter opções ilimitadas com liberdade criativa, mas as opções são um dos maiores inimigos da criatividade. À medida que trabalhamos para um estilo que é nosso, algumas propriedades e restrições decisivas, devemos eliminar opções em vez de procurar mais delas. Quando se trata de trabalhar para os clientes, um dos primeiros problemas que resolvemos é o do estilo, os vários elementos visuais que se unem como uma ideia em uma imagem. Para ilustradores de tipos de artistas, esse problema vem principalmente pré-resolvido. Há menos uma conversa sobre o estilo em que trabalhar e mais uma sobre onde o estilo deve ser aplicado. Para ilustradores de tipo designer, um dos primeiros trabalhos é entrar na mesma página que nosso cliente estilisticamente. Quais técnicas devem ser usadas? A ilustração deve ser literal e realista, ou conceitual e estilizada? Tendemos a pensar que o estilo vem totalmente da imaginação, de dentro do artista ou, por outro lado, podemos pensar nele como totalmente baseado em alguma técnica externa, como a gravura ou a arte vetorial. Em vez disso, uma abordagem estilística é determinada por três fatores abrangentes, internos e externos. Estes são o que eu chamo de três fatores de estilo. Um, seu estilo de desenho natural, dois, sua técnica escolhida, e três, o assunto que você deve representar em uma imagem. Enquanto o artista tipo Illustrator terá uma visão estilística clara desde o início, em seguida, os tipos de designer, ambos devem ter um forte senso de como esses três fatores funcionam juntos, como eles influenciam um ao outro, e, mais importante, o que seus limites são. O primeiro fator de estilo é o seu estilo de desenho natural. Esta é a sua maneira natural de desenhar sem estar muito consciente do seu estilo. Você pode ter uma maneira distinta de desenhar a partir de observação ou referências, e então descobrir que você tem uma maneira diferente de desenhar a partir da imaginação. Talvez um seja mais realista e naturalista e o outro mais simbólico ou talvez mesmo cartoony. Verrugas e tudo, é assim que você desenha. Esta é, naturalmente, uma habilidade aprendida na qual você pode melhorar, mas também há uma mão ou assinatura única para seus desenhos, assim como sua assinatura literal à mão, que é quase inevitável. Esperamos que você cresça para apreciar sua qualidade de desenho única e possa identificar sua utilidade e até mesmo poder na construção de sua voz como ilustrador. O segundo fator de estilo é o assunto. Por assunto, quero dizer as formas que estão sendo representadas em sua ilustração. Também significa, naturalmente, o tema mais abstrato, como carros elétricos ou saúde mental, mas todos os conceitos em idéias abstratas se resumem a ser representados em forma visual de um tipo ou de outro, e esse é o assunto. Alguns assuntos são mais fáceis de representar do que outros e, da mesma forma, certas técnicas e estilos de desenho são mais adequados para representar certos assuntos de certas maneiras. Os ilustradores precisam se tornar adeptos em entender a natureza do assunto e como eles podem usar algo de seu próprio kit de ferramentas estilísticas para transmiti-lo. Darei alguns exemplos rápidos disso em alguns instantes. O terceiro fator de estilo é a técnica escolhida. A palavra-chave aqui é escolhida porque este é, de certa forma, o fator mais voluntário dos três. Seu estilo de desenho natural pode ser melhorado, mas sempre desmente sua mão. Enquanto você, criativamente, pode muitas vezes escolher uma forma particular que você representa em seu trabalho, há definitivamente limites impostos pelo sujeito que precisa ser representado. Mas a técnica é totalmente sua escolha. É claro que, quando o trabalho chega até você, essa decisão já pode ter sido tomada com base no trabalho pelo qual você se tornou conhecido, seu acesso a mídia como Procreate on the iPad ou Watercolor on Arches papel, por exemplo. Claro, escolher o seu ir para o conjunto de técnicas é uma grande parte desta classe e uma grande parte do seu desenvolvimento inicial como ilustrador. Quanto mais você sabe o caminho em torno de uma determinada técnica, mais você é capaz de resumir nela para resolver problemas visuais e mais você é capaz de saber quais tipos de problemas cada técnica será melhor para resolver. Estes são os fatores separados e eu já comecei a sugerir como eles influenciam uns aos outros. Mas o que realmente fica interessante é como eles trabalham juntos e como você pode marcar cada um para cima e para baixo uma maneira muito deliberada para alcançar o resultado estilístico que você está procurando. Em um diagrama de Venn desses três fatores, seu estilo final é onde todos eles se sobrepõem no meio. Imediatamente você pode ver que seu estilo depende do assunto tanto quanto de qualquer outra coisa. Como você ilustra um determinado assunto será uma combinação de como você desenha naturalmente e sua técnica de ilustração, ou você escolherá uma maneira particular de desenhar em uma técnica específica que você sente melhor lidar com o assunto. Um dos meus exemplos favoritos é desenhar carros. Acho que é muito mais fácil desenhar certos modelos de carros, algo como 1980 Saab, por exemplo, os carros mais novos, que parece não ter uma forma distintiva. Então acho mais fácil desenhar carros de lado do que de uma vista de três quartos. Se você é muito rigoroso em relação ao seu estilo, você evitará situações em que o sujeito determine demais os outros fatores de estilo. No meu próprio trabalho de cliente, muitas vezes tenho que ajustar ou reinterpretar o breve ou assunto dado para poder entrar nele a partir do meu estilo e perspectiva únicos. Meu herói Paul Rand expressou essa mesma situação em seu ensaio, O Problema do Designer, e eu cito: “Como o material fornecido, o designer é muitas vezes inadequado, vago, desinteressante, ou de outra forma inadequado para interpretação visual, a tarefa do designer é reafirmar o problema.” Aqui, Rand afirma minha própria crença de que, como ilustradores, não temos que ser vítimas de um chamado “briefing “ruim, ou mesmo vítimas de nossas próprias limitações como artistas. Nós simplesmente precisamos ser hábeis em dobrar os problemas visuais em torno de nossas habilidades, tanto quanto possível. Quer sejamos artistas ou ilustradores do tipo designer, todos temos que resolver problemas visuais para comunicar ideias visualmente. É só que os tipos de artistas mais naturalmente vieram para resolver a questão preliminar do estilo. Já está embutido no produto deles. Mas resolver problemas é sempre parte do trabalho, não importa que tipo de ilustrador você seja. Vimos como o estilo em si pode ser uma ferramenta para a resolução de problemas, mas que tipos de problemas existem para o estilo resolver? Existem dois tipos abrangentes de problemas, representacionais e conceituais. Quando uma ilustração é representacional, ela retrata objetos, pessoas, cenas e cenários. É direto, onde a idéia de uma maçã representa uma maçã, e uma multidão em um metrô representa uma multidão em um metrô. Quando um Illustrator é solicitado a representar um objeto literal, grande parte do trabalho do Illustrator já está feito. Há menos preocupação com o que representar. O problema então realmente se torna um de estilização. Como representar o objeto, cena ou cenário em um determinado estilo. Quando uma ilustração é conceitual, no entanto, ela retrata ideias, é mais abstrata e figurativa. A ideia vem em primeiro lugar, e pode ser representada de maneiras diferentes. A ideia de educação, por exemplo, pode ser representada por uma maçã, mas também por uma tampa de argamassa ou por um lápis. O Illustrator tem mais trabalho para fazer na frente, porque não só eles são chamados representa algo em um estilo particular, também é esperado para descobrir a idéia, quais objetos ou símbolos representarão melhor a idéia em questão. Por que é útil ter essa distinção e como podemos nós como ilustradores e usá-la para fortalecer nosso próprio senso de estilo? Para mim, essa distinção me ajuda a perceber por que alguns problemas de ilustração são mais difíceis de quebrar do que outros, por que certos objetos e idéias são mais difíceis de representar do que outros. Mais importante, isso me ajuda a entender por que tive que usar diferentes estilos ou abordagens em momentos diferentes ao longo da minha carreira. Nos meus primeiros dias como ilustrador, meu estilo costumava ser um monte de colagem digital, formas de corte bruto, linhas de tinta expressivas, texturas amostradas. Foi um pouco abstrato. Isso, porém, foi ótimo para ilustrações conceituais ou para representar objetos de uma forma muito simples e estilizada. Sempre foi bom em sugerir a idéia de algo mais do que os detalhes ou a realidade da coisa. Assim que precisei descrever uma cena ou um cenário onde detalhes específicos eram importantes, como rostos das pessoas ou talvez algum aspecto da iluminação, o estilo se separou. Lembro-me de quando comecei a receber mais trabalhos editoriais, cada vez mais me pediram para retratar cenas e cenários. Por estes, quero dizer, há uma configuração como uma sala, como um interior ou uma paisagem ao ar livre, e muitas vezes personagens fazendo algo nele. Meu estilo abstrato não lidou muito bem com isso. Achei que meu estilo aplicado a esses problemas representacionais parecia ingênuo involuntariamente. Embora eu tenha conseguido forçar algumas ilustrações representacionais usando meu estilo conceitual e técnicas de colagem digital. Nunca fiquei satisfeito, e acho que é porque a minha visão para a minha abordagem artística sempre foi conceitual. Eu nunca quis ser um ilustrador de cenas, e para ser honesto, provavelmente foi porque eu achava que não poderia ser. Era mais fácil para mim trabalhar de forma abstrata do que desenvolver as habilidades necessárias para trabalhar de forma mais representativa. Hoje, eu posso olhar para trás e ver que eu simplesmente não entendia a diferença entre ilustração representacional e conceitual e eu ainda não tinha desenvolvido um estilo para problemas de tipo representacional. Ao longo dos anos, eu observo no meu próprio estilo uma deriva em direção a técnicas que são capazes de lidar com a representação foram consistentes e mais robustas, e há pistas do meu estilo mais antigo, mais abstrato, pistas para minhas raízes e meus gostos em design, mas de alguma forma descobri um conjunto de elementos estilísticos e maneirismos que podem lidar com problemas conceituais e representacionais de uma forma mais consistente. Há um sacrifício aqui, porém, eu comprometi alguns dos projetos mais pares ou a abordagem conceitual que eu comecei a ilustrar, e que eu ainda amo. Para ser honesto, sou nostálgico quando a ilustração para mim foi mais sobre problemas conceituais, abordagem artística mais vaga e abstrata que me lembrou do trabalho que me inspirou, como o de Paul Rand e Saul Bass. Mas eu continuava descobrindo que o mercado estava pedindo algo diferente de mim, e eu era capaz de responder a essa demanda do meu jeito. O estilo resultante se sente de alguma forma menos sério e menos sofisticado ou artístico. É mais tola e ingénua, por isso permiti que o mercado influenciasse o meu estilo até certo ponto. Quando olhei no espelho do mercado, refletiu-me uma imagem diferente de mim mesma do que eu esperava ver. Mas dentro disso, encontrei uma expressão que é exclusivamente minha. Aprendi a abraçar o feedback que outros me deram sobre o meu trabalho, que sempre acaba sendo algo sobre como meu trabalho os faz sorrir ou se sentir bem. Sempre achei que meu trabalho deveria fazer as pessoas pensarem ou serem espertas. Aprendi, em vez disso, a me apoiar no que me traz alegria enquanto estou fazendo meu trabalho, um sentimento de liberdade e a me levar menos a sério, que acontece que outras pessoas amavam e queriam ser lembradas de si mesmas no meu trabalho. Por exemplo, eu nunca pensei que eu iria ilustrar personagens tanto quanto eu faço agora, mas eles são quase tudo que eu faço. Eu costumava representar personagens figurativamente, abstractamente porque eles estão sempre a serviço dos meus conceitos. Nunca pretendi dar-lhes rostos e personalidades individuais. Pensei que era pateta, mas com o tempo percebi que um dos meus palpites era dar caras divertidas às pessoas e ser boba. Grande parte da minha ilustração dos últimos cinco anos é totalmente pateta. Em vez de evitá-lo, posso envolver-me nisso, e agora é uma das minhas ilustrações favoritas e suspeito que o meu público goste de algo. Que conselhos práticos posso dar-lhe sobre os dois problemas de ilustração? Realmente, a coisa mais prática que você pode fazer é praticar trabalhando em ambos os problemas de ilustração. Primeiro, observe como você lida com problemas de representação direta. O que parece representar objetos de diferentes graus de complexidade? Como você ilustra uma lata de cerveja, um urso ou uma pessoa? Em seguida, observe como você lida com problemas mais conceituais. Como é representar conceitos abstratos como perdidos na floresta ou um número surpreendente de YouTubers que estão deixando Califórnia ou a corrida pela nossa vacina COVID-19? Finalmente, observe as diferenças e semelhanças entre esses problemas de ilustração. Você acha que você teve que mudar sua técnica ou estilo um pouco para qualquer um deles? Então pergunte, se diferente, qual abordagem você mais gosta? Ver como você resolve ambos os problemas dá-lhe a oportunidade de entender seus pontos fortes e fracos como um artista, mas também os pontos fortes e fracos de sua técnica. Nós abordamos isso nos três fatores de estilo, que agora você pode adaptar seu assunto para trabalhar mais com sua técnica e estilo de desenho, ou para ser mais seletivo nos tipos de assuntos e trabalhos que você assume em primeiro lugar. Faço isso o tempo todo. Quando me chegam projetos que se sentem fora de como lido com problemas de representação e conceitualização, tento ver se há uma maneira de reafirmar o breve de uma forma que funcione mais para o modo como trabalho. Se não parece possível, se parece com um ajuste de força ou não um ajuste tudo, eu perco isso. Na minha aula de ponto ideal, criei um projeto que deu aos alunos a chance de praticar ambos os tipos de problemas, quatro pontos de ilustrações de objetos simples, e depois mais quatro de idéias ou experiências mais abstratas, e quase todos os os alunos acharam fácil ilustrar o primeiro conjunto, mas muito mais difícil de fazer o segundo. Na maioria dos segundos sets, os alunos se voltaram para usar personagens, figuras ou mãos para agir fora ou mente as idéias. É o oposto do problema que tive no início. Enquanto eu era capaz de descrever idéias conceitualmente, eu tive um tempo difícil representando personagens e cenas. O projeto para esta aula é semelhante, 9. Siga sua inspiração: Todos nós começamos nossas jornadas ilustrativas sendo inspirados pelo trabalho de outra pessoa. A questão é, o que fazemos com essa inspiração? Como podemos canalizá-lo em nossa própria criatividade? Acho que muitos de nós não precisam de uma lição de como nos inspirar. Há muita criatividade lá fora, seja no Instagram, Dribbble, Behance ou mesmo nas prateleiras da sua biblioteca local ou livraria. Mas o que vem a seguir? Como você faz qualquer coisa sem apenas copiar o que você ama? Você imita o estilo? Talvez, nunca dói imitar o que te inspira, é como aprendemos e é inevitável. Então, sim, descubra quem faz o trabalho que você ama, aprenda sobre suas técnicas e aprenda sobre os artistas. Você vai encontrar pelo menos um ou dois que têm a maior influência sobre você, cujo trabalho mais fala com você. Estes se tornarão seus heróis, estudá-los, imitar suas técnicas, e aprender sobre seus hábitos. Mas praticamente falando, como você pode transformar sua inspiração em seu próprio estilo, algo que não é totalmente imitativo? Embora não seja exatamente simples ou rápido calcular os pontos de partida, os passos iniciais para você ir são muito diretos. Conhece bem este passo. Identifique as ilustrações que mais o inspiram, simplesmente colecione-o, veja o que faz seu coração cantar. Em um certo ponto, comece a fazer perguntas sobre isso, talvez categorizando e classificando as qualidades comuns que você observa. Como eles se parecem? O que eles têm em comum? São todas as suas fontes de inspiração de uma certa época ou influenciadas pela mesma disciplina ou movimento artístico? Existe uma maneira semelhante de usar cor ou textura? Em seguida, encontre seus heróis. Quem são os artistas por trás das ilustrações que você mais ama? Você, sem dúvida, terá uma atração muito forte para uma ilustração e talvez um artista em particular. Descubra quem são e procure-os. Encontre mais de seu trabalho. Veja o que é o fio comum. Qual é o elemento estilístico ou pessoal que aparece em todo o seu trabalho? Em que clientes ou projetos eles parecem trabalhar mais? Eles são estritamente em publicar, fazer livros ilustrados ou eles parecem se especializar em murais, por exemplo? Gostaria de ver suas ilustrações em contextos semelhantes? Em seguida, determine o contexto. Contexto é tudo. ilustração nunca é feita no vácuo, é sempre feita por algum motivo, para alguma aplicação dentro de um nicho e mercado específicos. O contexto de uma ilustração é basicamente onde ela existe na natureza. Qual é a sua forma final? Está num anúncio ou num cartaz num terminal de metro? É uma página inteira em uma revista de saúde? É uma estampa de arte vendida em uma boutique de decoração de casa? Compreender o contexto nos ajuda a entender algumas coisas. Primeiro, ajuda-nos a relacionar certos estilos de ilustração com determinados mercados. Por exemplo, embalagens em ilustração publicitária tendem a favorecer a ilustração plana, fortemente estilizada e, muitas vezes, abstrata. Algumas revistas, por outro lado, tenderão a favorecer a ilustração altamente representacional e realista sobre conceitual e abstrata. O trabalho que você gosta é mais representacional ou mais conceitual? É mais realista ou mais estilizado? Em que mercados e contextos você tem maior probabilidade de encontrar o trabalho que você gosta? Finalmente, descubra as técnicas. O trabalho que você gosta provavelmente estará dentro de um estilo semelhante. Um enorme motor de estilo são as ferramentas e técnicas usadas para torná-lo, o trabalho é mais pintativo e naturalista ou mais plano e estilizado? Que ferramentas poderiam ter sido usadas para fazer cada peça? Faz parte da jornada de cada ilustrador para descobrir quais ferramentas e técnicas existem e quais estilos são possíveis ao usá-las. Claro, isso pode nem sempre ser fácil de responder, mas apenas fazendo a pergunta, como isso foi feito? É importante e pode enviá-lo para fora em um caminho de descoberta. Embora a técnica nem sempre seja o principal motor do estilo de um artista, é sempre uma influência sobre a aparência de uma ilustração. Ao classificar a ilustração por estilo, ela geralmente é categorizada pela técnica usada. Como você pode ver nesta tabela, existem duas categorias gerais de mídia, tradicional ou analógico, e digital. Em seguida, sob a mídia tradicional, há todos os suspeitos habituais, há todos os suspeitos habituais, desenho, pintura, mídia mista e impressão. Se você estiver desenhando com lápis, pintando com aquarelas ou juntando colagens, ao usar mídias tradicionais, as técnicas são quase sempre evidentes. As coisas ficam mais complicadas com a mídia digital, já que o digital é muito agnóstico de estilo e técnica. Em outras palavras, a mídia digital é projetada para emular mídia tradicional e você só precisa descobrir qual aplicativo faz o melhor trabalho de emular qual técnica tradicional. A única exceção realmente é a ilustração vetorial, que é digitalmente nativa e, portanto, se parece com o que é; ilustração digital. As coisas ficam embaçadas quando você começa a misturar técnicas tradicionais e digitais na mesma página. Isso pode tornar muito da ilustração hoje mais difícil descobrir como ela foi feita, já que hoje, maioria dos estilos comerciais são feitos digitalmente e suas técnicas podem ser muito mais difíceis de rastrear. No entanto, em 99% dos casos, você pode ter certeza de que eles foram feitos usando um dos três grandes programas, Photoshop, Illustrator ou Procreate. Devido à acessibilidade e facilidade de uso do Procreate, ele está se tornando rapidamente a ferramenta mais popular para ilustradores iniciantes. A questão então é realmente qual dessas ferramentas foi usado especificamente para a arte que você ama e de que maneira? Se você gosta de arte gráfica plana sem textura, provável que tenha sido feita no Illustrator. Se formas e linhas são perfeitamente nítidas, você pode ter quase certeza que é Vector. Se você gosta de imagens com muita profundidade e textura e detalhes variados, provavelmente é feito no Photoshop ou no Procreate, mas alguns artistas conseguem obter uma quantidade surpreendente de detalhes e textura no Adobe Illustrator. Como cada artista alcança o estilo artístico no lado técnico é, naturalmente, parte de sua fonte secreta e cada ilustrador tem que passar por uma jornada para se familiarizar com os diferentes aplicativos digitais e mídia e descobrir qual dos estes eles se sentem mais confortáveis em ao alcançar os efeitos visuais que eles querem. Como você supera certos desafios técnicos usando a tecnologia disponível para você é uma das maneiras sua criatividade brilha e se torna parte do seu estilo. Vejamos alguns exemplos de ilustrações e as técnicas que provavelmente foram usadas para fazê-las. Esta primeira imagem é da ilustradora Rebecca Green, sediada em Osaka. Rebecca usa uma variedade de ferramentas principalmente analógicas, incluindo várias tintas à base de água e lápis. Esta bela peça foi feita usando lápis colorido sobre papel. Você pode ver os traços individuais de lápis e a textura do lápis esfregando sobre o grão do papel. Embora seja provável que a imagem tenha sido limpa um pouco quando foi digitalizada, a integridade da mídia original está intacta. Aqui está uma peça de um dos meus ilustradores favoritos de todos os tempos, tcheco-nascido Miroslav Sasek, que é mais conhecido por seus livros infantis temáticos de viagem dos anos 50 e 60. Sasek trabalhou principalmente em meios à base de água como aquarela, lavagem de tinta. Enquanto seu trabalho é altamente gráfico e claramente feito com mídia de impressão em mente, sinais reveladores de sua mídia pintativa mostram claramente. Eu amo como ele corta abruptamente o branco da página nas texturas lavadas, criando efeitos interessantes com espaço negativo. Se ele não tivesse trabalhado na era pré-digital, eu teria pensado que ele montava digitalmente pedaços de recortes de papel pré-pintado para alcançar esse efeito. ilustrador baseado em Sacramento Christian Robinson cria ilustrações graficamente marcantes e surpreendentemente doces usando uma mistura de pintura e colagem. Ele reúne suas imagens, deixando pistas óbvias para sua técnica subjacente, alcançando um efeito quase tridimensional e tátil. As texturas ricas e as cores ousadas de Robinson são contrariadas pela simplicidade contida em suas formas e detalhes, um minimalismo confiante e jovial. Ilustrador francês, Blexbolex é conhecido por seu estilo lúdico e abstrato em técnicas de impressão. As técnicas de Blexbolex estão enraizadas na impressão, principalmente serigrafia, embora muitas de suas composições sejam digitais. Ao incluir textura de papel amostrada e permitir superimposições ou duas cores sólidas se sobrepõem para criar uma tonalidade mais escura, uma sensação de técnicas analógicas é alcançada. Com sede no Reino Unido, Louise Lockhart ou The Printed Peanut, cria lindas ilustrações influenciadas de meados do século para todos os serviços incluindo impressão e têxteis com cores sólidas brilhantes salpicadas com texturas granuladas, seu trabalho está claramente enraizado em uma gravura estético. Se ela trabalha digitalmente ou em mídia física, o resultado final ainda é como os outros exemplos de artistas discutidos aqui, muito tátil. Como seu nome sugere, o estilo de amendoim impresso é feito para ser impresso. Eu queria mudar de marcha aqui e mostrar uma peça que poderia ser mais difícil de entender em termos de técnica. Este é o trabalho de Mathias Ball cujo trabalho inclui traços à mão livre e texturas de impressão, mas também formas brilhantes e planas que podemos associar mais à mídia digital. Aqui está um exemplo do que eu chamaria de pintura predominantemente digital. Quando um artista descobre uma técnica como pintor digital e a domina, seu trabalho transcende a mídia não se sentindo obviamente digital ou analógica, enquanto parece completamente contemporâneo. No meu próprio estilo, eu sempre fui atraído para a estética de impressão da ilustração de meados do século com cores planas limitadas, texturas impressas e trabalho de linha preta contrastante. Eu também fui influenciado pelas composições de luz de colagem de ilustradores como Paul Rand e Saul Bass e até mesmo Miroslav Sasek que, apesar de ter trabalhado em uma técnica de guache e aquarela, ele sempre trouxe a colagem e gravura técnica em suas ilustrações, que adicionou ao seu apelo estilizado gráfico. Resumindo, podemos aprender muito sobre diferentes técnicas de ilustração em nossos estilos seguindo nossa inspiração. Podemos olhar para aquela arte que nos faz dizer, “Eu quero fazer isso”, e então ir em uma jornada para descobrir como ela foi feita. Também podemos aprender muito aprendendo mais sobre o artista por trás do trabalho e os mercados em que trabalham. Uma das grandes questões que temos para começar é sobre quais ferramentas usar e seguir nossa inspiração nos dá alguns dos melhores pontos de partida. 10. Lettering: o elemento secreto: Uma vez que esta classe é sobre encontrar o seu estilo de ilustração, você pode se surpreender ou talvez até mesmo desapontado ao descobrir que eu não cobri nada sobre os elementos de estilo reais como linha, forma, cor, textura, e assim por diante. Embora fosse meu sonho ter uma aula que realmente lhe desse um tipo de kit de elementos estilísticos e instruções sobre como colocá-los juntos, no final, isso iria derrotar o propósito de você encontrar seu estilo. Acho que é por isso que muitos professores não tocam neste assunto. Na lição anterior sobre seguir sua inspiração, isso é o mais próximo de apontar para técnicas para começar que eu posso obter. É realmente um microcosmo da minha própria jornada de descoberta. Comecei com minha inspiração e trabalhei para descobrir como aprender com ela, mas trouxe algo pessoal e novo para ela também. Isto é o que todos temos de fazer para aprender o nosso ofício e encontrar a nossa voz. Dito isto, eu realmente cubro esses blocos de construção em minhas outras aulas e convido você a mergulhar mais fundo nelas quando tiver uma chance. Em Sweet Spots, descrevo os cinco elementos do estilo, os seis princípios do design e os cinco princípios da estilização. Eu também toquei em estilização em ODD BODES e Desenho para Ilustração. Finalmente, embora eu certamente planeje ensinar mais sobre composição em futuras aulas, eu dei a maior parte do que eu sei sobre isso em Desenho para Ilustração, especialmente na lição chamada Três Cs de Esboço. Em todas as minhas aulas até agora, eu parece ter deixado de fora uma grande ferramenta estilística que eu acredito que cada ilustrador deve ter em sua caixa de ferramentas, letras. Embora a letra seja uma disciplina inteira para si mesma, muitas vezes isso leva em ilustração. Quando bem feito, acrescenta uma tonelada de caráter à ilustração e se torna uma marca registrada do estilo do artista. A boa notícia é que você não precisa de uma tonelada de estilos de letras diferentes em seu repertório. Honestamente, uma forma consistente de escrever é tudo que você precisa. Veja como Andy J. Pizza usa letras consistentemente em seu trabalho. Não é copiar uma fonte, é baseado em sua própria caligrafia, e você pode ver como sempre foi parte de seu trabalho desde os primeiros dias. Olhe para o trabalho de Kate Bingaman-Burt. Ela tem um estilo principal de letras, um estilo de todas as tampas peculiares. Ela mistura de vez em quando para adicionar um pouco de variedade. Sua maneira de escrever é sempre feita pela mesma ferramenta, então, se ela está usando um script ou letras quadradas blocos, eles sempre se sentem coesos. Finalmente, dê uma olhada no trabalho de Louise Lockhart. Sua letra é muitas vezes decididamente simples e ingênua, mas combina perfeitamente com seu trabalho. Seu estilo de letras não precisa ser incrível, ele só precisa ser consistente e atencioso. Para mim, uma das coisas mais decepcionantes é quando um ilustrador usa uma fonte em seu trabalho em vez de usar seu próprio estilo de letra manual. Eu sei que às vezes, não cabe a eles ou às vezes, uma fonte é exatamente o que o médico receitou. No meu trabalho anterior, eu realmente tinha duas fontes que eu uso especificamente como fontes de casa. Eu usei Futura e Monotype Modern. Isso realmente foi uma imitação do que eu estava inspirado no trabalho de Paul Rand. Funcionou a maior parte do tempo porque o estilo dessas fontes corresponde à era de inspiração que eu estava trabalhando. Mas ao longo do tempo, eu me tornei mais confortável usando meus próprios estilos de letras, como Scripts, Serifs, e desenhado à mão Serif, e Sans Serif tipo de letra influenciada por fontes. Hoje, eu emprego uma sensibilidade e técnica muito específicas em minhas letras de mão, e eu aproveito todas as oportunidades para incluir letras em meu trabalho. Eu acho que isso é porque eu tenho treinamento tipográfico como designer e eu sempre fui um nerd apertado. Mas se você olhar de perto, a maioria dos ilustradores precisará usar letras em algum momento, e cada um tem suas próprias tendências em como eles fazem isso. Você realmente não precisa ter muito para ter estilo de letras indecente go-to mão para suas ilustrações. Como ponto de partida, eu recomendo que você pretende ter apenas um estilo de letras simples, mas consistente que você pode fazer com uma de suas ferramentas ou pincéis. É tudo uma largura ou varia? Sua letra é alta ou pelotão? É tudo maiúsculas, todas minúsculas, ou uma mistura de ambos? Você segue uma linha de base e linha de base consistentes, ou suas linhas de palavras são mais soltas e vacilantes? Pratique seu estilo básico de letras tanto quanto puder, aproveite todas as oportunidades para usá-lo, tanto em sua arte quanto em sua vida real. Escreva anotações para seus colegas de quarto nele, anote as aulas nele. Se você diário, escreva suas entradas com ele. Vai demorar muito mais tempo, mas você vai se tornar rápido nisso, e suas entradas de diário ficarão incríveis. Se você quiser ir além de um estilo de letras mão básico, eu recomendo conferir alguns dos grandes artistas lettering aqui no Skillshare, incluindo Mary Kate McDevitt, Martina Flor, e Jon Contino.Se você quiser ir além de um estilo básico letras, eu recomendo verificar alguns dos grandes artistas lettering incluindo Mary Kate McDevitt, Martina Flor, e Jon Contino.Se você quiser ir além de um estilo básico letras, aqui Eu também vou deixar alguns recursos de letras nos projetos de classe e recursos para dar uma vantagem. Se você quer ser mais elaborado com letras ou realmente apenas mantê-lo simples e focado no lado ilustrativo das coisas, ter um estilo distinto de letras que você pode recorrer em todo o seu trabalho irá fortalecer seu estilo e identidade como um artista e ser uma variável a menos para se preocupar, uma decisão a menos que você tem que tomar indo para novos projetos. 11. Estabelecendo metas com foco na alegria: Não há respostas fáceis para a questão de encontrar seu estilo único, mas há definitivamente hábitos que você pode adotar e atitudes que você pode adotar que tornarão a jornada mais agradável. Uma das coisas mais difíceis sobre encontrar um estilo em que você se sinta confiante é que não há mapa. A coisa mais próxima de uma ferramenta de busca de maneira são as metas que você definiu para si mesmo. Defina metas para as quais você pode, pelo menos, começar a se mover com um senso de propósito. Ao estabelecer metas, escrevê-las, declará-las no universo, repente temos um meio de medir nosso progresso. Este sentimento de progresso é vital para se manter positivo e motivado. Como você define metas? Quando pensamos em estabelecer metas, talvez nem saibamos por onde começar. Quais devem ser os nossos objetivos? Talvez achemos que nossos objetivos precisam se parecer com os objetivos dos outros. Os objetivos só podem ajudar se forem nossos. Eles só podem ser contraproducentes se não estiverem alinhados realisticamente com quem somos ou onde estamos neste momento. Objetivos são sobre dar a si mesmo uma direção a seguir, para se concentrar em que você não se solta sem rumo. Você só pode ter um objetivo se houver um objetivo. Não tenha medo de fazer metas ou que você possa ter que mudar de idéia mais tarde. objetivos mudam o tempo todo, mas precisamos de algo antes de nós para trabalhar nesse meio tempo. Existem dois tipos de objetivos. Existem metas de curto prazo e metas de longo prazo. As metas de curto prazo são mais acionáveis e orientadas para tarefas. Os objetivos de longo prazo são mais inspiradores ou aspiracionais. Estes são os nossos sonhos. As metas de longo prazo podem ser mais vagas e metas de curto prazo mais específicas. Por exemplo, talvez nosso objetivo a longo prazo seja simplesmente ser um ilustrador para viver. Se você está no início, isso pode ser tudo o que você sabe e isso é bom o suficiente. Isso lhe dá uma noção de quais devem ser seus objetivos de curto prazo. Tendo aulas de ilustração, melhore no desenho, aprenda teoria das cores. Defina metas de curto prazo que você sabe que pode alcançar se você tentou, que estão ao seu alcance. Não defina metas que sejam muito difíceis ou fora da sua capacidade atual de controlar. Eu gosto de usar a execução como um exemplo. Se você está fora de forma e nunca correu antes, então não faça seu objetivo para treinar e correr uma maratona em um mês. Em vez disso, faça seu objetivo correr cinco quilômetros em três meses. Encontre um plano de treinamento que detalhe os exercícios que você deve fazer todas as semanas e basta segui-lo. Estes são objetivos alcançáveis. Só você traz a motivação e o esforço. Dito isto, você pode sonhar em ser capaz de um dia correr uma maratona, isso é um objetivo de longo prazo. Talvez seja possível, mas talvez não seja. Nunca se sabe até começar a treinar para o 5K. As chances são que você nem sequer sabe como é uma maratona realmente. Sei que não fazia ideia de como era correr por 26,2 milhas. Quando eu comecei a correr distâncias mais curtas, essas distâncias cresceram cada vez mais até que eu era capaz de correr uma meia maratona. Então, eu tinha certeza que eu poderia correr uma maratona mesmo que eu não tivesse corrido mais de meia maratona e então um ano depois eu corri uma maratona. É assim que as metas de longo prazo começam como ideias vagas, mas se tornam metas de curto prazo alcançáveis. Nós nunca fizemos isso, mas temos uma forte suspeita de que podemos alcançá-los se continuarmos fazendo o mesmo nível de esforço que usamos para chegar onde estamos agora. Um bom objetivo é desafiador o suficiente para nos fazer crescer mais fortes, mas alcançável o suficiente para não sermos debilitantes ou nos deixarmos totalmente desencorajados. Seus objetivos serão diferentes dos de qualquer outra pessoa. Isso inclui seus objetivos para o tipo de trabalho que você quer fazer, e também seus objetivos estilísticos, como você quer moldar a maneira como você trabalha. Uma ótima maneira de estabelecer metas é simplesmente escrevê-las em uma folha de papel. Não se limite a quantos objetivos você pode ter. Apenas escreva o que quiser. Então veja quais podem ser metas aspiracionais ou de longo prazo e quais são mais de curto prazo, mas você poderia trabalhar agora mesmo. Também ajuda a lançar em alguns objetivos de sonho. Ilustrar a capa do The New Yorker, pode ser um tiro no escuro, mas se você realmente quer, você precisa nomeá-lo. Não coloque lá porque acha que deveria ou outros achariam que seria legal. Coloque-o lá porque este seria o seu sonho se tornar realidade. Papel em alguns ainda sonhador mas talvez objetivos mais realistas também. Ilustrar mais capas de revistas em geral. Trabalhe em um tiro animado. Trabalhe com marcas mais grandes. Construa o seu negócio de ilustração de retratos. Nomear as coisas, escrevê-las na página é muitas vezes o primeiro passo para vê-los acontecer na realidade. Coloque este pedaço de papel na sua parede e olhe para ele às vezes. Deixe-o assombrá-lo ou esquecer tudo isso juntos. Então, no início do ano novo, revise, passe algum tempo revisando como as coisas foram. Eu tento escrever uma reflexão anual sobre o ano passado de cada janeiro. Refleto sobre quais objetivos eu alcancei e falhei em alcançar, e depois estabeleci novos objetivos ou me comprometo com os meus antigos. Escrevo isto numa folha de papel e substituo o antigo na minha parede. Embora a maioria dos meus objetivos não sejam específicos para o estilo, eu escrevo metas de estilo também. Os objetivos de estilo podem ser específicos ou vagos também. Eu tive objetivos como, fazer meu trabalho parecer que estou me divertindo e abraçar espontaneidade e liberdade. Isso não é algo que eu posso simplesmente fazer mudando qual pincel photoshop eu uso, mas eu posso colocar mais movimento e sentimento em meu trabalho ou me permitir ser mais espontâneo e fazer menos pensar demais, confiar em mim mesmo mais. Claro, embora não tão tangível como a cor ou uma textura, estes são igualmente uma parte do meu estilo. Só quero dizer mais uma coisa e então começaremos a parte divertida, os exercícios e o projeto. Como criativos na era das mídias sociais e alta ansiedade, é fácil perdermo-nos e sentirmo-nos duvidosos sobre o nosso trabalho, sobre nós mesmos como criativos, e receio dizer sobre o nosso valor como humanos. Colocamos tanto da nossa identidade no trabalho que fazemos. Esquecemo-nos de apenas desfrutar de fazer e talvez se gostássemos de fazer mais, também nos divertíssemos mais. Posso dizer-lhe que tive a minha quota de auto-dúvida e sentimentos negativos no meu trabalho ao longo dos anos. Eu vou ser honesto que eu realmente acho difícil olhar para a maior parte do meu trabalho passado sem dores de arrependimento e remorso. É uma maravilha, na verdade, eu durei tanto tempo ou assim pode parecer. A coisa que me faz continuar é voltar ao que eu amo fazer trabalho e para mim que é dar alegria aos outros. Quer seja ajudar a resolver um problema para meus clientes ou fazer meu público rir com uma ilustração boba. Meu talento, ao que parece, não é fazer arte séria, mas em não me levar muito a sério, e ao fazer isso, outros são lembrados de que podem fazer o mesmo. Eu também me lembro que eu simplesmente amo cores, formas , linhas, letras, e todo o resto. Eu adoro isso. Mesmo que eu fosse um péssimo ilustrador, eu ainda adoraria e ainda criaria com ele. Eu simplesmente tenho sorte que algo que eu amo tanto se sobreponha a algo que outros me pagarão para fazer. Enquanto isso continuar acontecendo, eu estou fazendo meu trabalho e não importa o quão incrível eu acho que meu próprio trabalho é ou quão apertado e singular meu estilo é. Eu disse isso antes e vou dizer de novo, ninguém se importa tanto com o meu estilo como eu. Ninguém se importa tanto com o seu estilo como você. Todo mundo acha que você é muito criativo e é disso que eles gostam no seu trabalho. Se o seu trabalho é consistente de alguma forma ou de outra, se você está tirando de seu eu autêntico, apoiando-se nas coisas em que você é bom, trabalhando criativamente em torno de suas limitações, então seu trabalho é tão bom quanto pode ser. A partir daí, sua voz, seu estilo surgirá. Quando você vai compartilhar seu trabalho, como nós criativos fazemos, compartilhe porque você está satisfeito com ele, porque você quer compartilhá-lo com outros, você quer fazer os outros felizes. Porque você tem algo importante a dizer. Porque você quer garantir aos outros que eles não estão sozinhos. Compartilhe porque acredita que o trabalho tem valor. Não compartilhe porque deseja validação. Não publique seu trabalho e, em seguida, determine seu valor com base em curtidas e comentários. Eu sei que você vai, mas você tem que tentar não. Post trabalho não para obter gostos, mas porque você gosta. Toda vez que alguém bate como é um bônus, um alto cinco que você não poderia ter recebido se você nunca tivesse compartilhado. Eu sei que isso é centrado no Instagram, mas se aplica a tudo. Nosso trabalho deve ser um transbordamento de nossa alegria de criatividade. Assim que o nosso trabalho deixa de nos trazer alegria, assim que nos faz sentir negativos e ansiosos, precisamos voltar àquele lugar de alegria. A primeira inspiração que fez o nosso coração saltar. Dito isto, quero fazer isso. 12. Exercício 1: estudo de caso de inspiração: Agora que terminamos com o primer, é hora de entrar nos exercícios. Os exercícios simples são uma mistura de um pouco de caça inspiração e um pouco de escrita. Eles são importantes porque eles vão nos dar alguns pontos de partida para o projeto, particularmente em quais técnicas queremos explorar. O primeiro exercício é o que chamo de estudo de caso de inspiração. É muito divertido e simples. Neste exercício, mergulhamos em alguns dos trabalhos que mais nos inspirou e depois fazemos algumas observações. Primeiro, eu vou compartilhar com vocês meus próprios estudos de casos inspiradores como exemplos, e então eu vou lhe dar instruções específicas sobre como fazer o seu. Este é o meu primeiro estudo de caso de inspiração. É baseado no meu objeto ilustrado favorito de todos os tempos no livro, Seasons by Blexbolex. Eu encontrei este livro em uma pequena livraria em Vancouver, e tem sido uma grande inspiração para mim desde então. O livro em si representa para mim o que seria um projeto de sonho, e eu acho que é porque eu realmente me relaciono com todos os tipos de coisas que estão acontecendo aqui como seu uso de texturas de impressão, seu peering de palavra e imagem é muito inteligente e simples, e apenas usando formas simples e algumas cores simples, ele é capaz de expressar tanto. Eu sinto que eu sempre quis fazer um projeto como este no meu próprio trabalho e isso sempre me levou ao fundo enquanto eu estou trabalhando. Se você olhar para o meu estudo de caso, eu só tenho algumas imagens de estações, algumas páginas que tiraram apenas do Pinterest ou o que quer que seja. À direita, é claro, acabei de listar coisas que amo e já toquei neles. Eu amo as paletas de cores simples, eu amo as cores sólidas que se sobrepõem com overprints. Superprints são literalmente uma impressão de tinta sobre a outra para fazer uma terceira cor. Mesmo as composições abstratas inteligentes que ele faz, como se você apenas olhar para o exemplo da piscina, você pode dizer que é uma piscina, mas não está no sabe, há algo nele que é muito misterioso. Ele fez isso de uma maneira surpreendente. Isso também me inspira. Finalmente, eu amo seu uso de texturas inesperadas que ele usa de maneiras inteligentes e geniais. Claro, eu preciso ressaltar que o uso dele de letras, a forma como ele combina palavra e imagem, é apenas parte de seu estilo e isso também tem sido algo que eu tenho sido inspirado. À esquerda, é claro, eu listei o nome Blexbolex, e, em seguida, para técnica, eu listei serigrafia. Agora eu sei que Blexbolex é um artista de serigrafia e muito de seu trabalho, mesmo que seja digital, é influenciado pela impressão. Enquanto eu estava fazendo isso, foi bastante fácil apenas listar isso. Conheço muitos de vocês, se estão apenas começando, não vão saber o caminho em torno de todos os diferentes tipos de técnicas de ilustração ou as técnicas de arte que as influenciaram. Vai demorar um pouco mais de escavação de sua parte para fazer isso, mas isso é realmente apenas parte de ser mais deliberado sobre sua ilustração. Você precisa ir e descobrir. Descubra na página de biografia do artista ou do Illustrator pelo qual você está inspirado, veja se você encontra algumas pistas sobre suas técnicas. Então, finalmente, contexto. Esta é apenas aquela informação que me ajuda a entender que tipo de ilustração eu quero fazer? Em que tipo de mercados eu encontro isso? Só de saber onde encontrei as ilustrações pelas quais me inspiram, onde elas vêm? Onde eles acabam vivendo na natureza? Esse é o contexto. Claro, este é um contexto muito fácil de decifrar. É um livro, é uma publicação. Se encontrares uma imagem solta aleatória no Pinterest, terás de investigar um pouco mais para saberes como foi utilizada. Vá e descubra qual é o contexto da imagem, e então como você faz talvez dois ou três estudos de caso inspiradores, você pode encontrar algumas pistas para os contextos ou mercados onde as ilustrações que você gosta acabam. Meu segundo estudo de caso inspirador é baseado neste livro, Sparkle and Spin, que é o meu livro infantil favorito de todos os tempos. Quando penso em fazer um livro infantil, este para mim é o modelo do livro infantil. O que eu amo nisso, é claro, é o uso do minimalismo. Ele é como um designer modernista, mas quando ele ilustrou, foi tão brincalhão e mínimo. Adoro como ele pegava um jornal, cortava e usava palavras do jornal. Outra coisa que eu amo é, você vai ter apenas esta mão desenhada em partes, detalhes que talvez você teria pensado que precisava de mais cuidado e técnicas especiais para usar. Ele desenha-os com uma caneta e depois adiciona-os à colagem. Para mim isso é tão espontâneo e criativo, e realmente tem um efeito expressivo. Novamente, para o estudo de caso inspirador, eu tirei algumas das imagens que eu encontrei on-line que se relacionam com este livro e, em seguida, é claro, eu acabei de escrever em cima algumas notas sobre as especificidades desta peça que me ajudarão a entender minha inspiração um pouco mais. Aqui temos à esquerda artista, técnica e contexto, e neste caso, a técnica é colagem ou mídia mista, se você está sendo mais geral. O contexto novamente está publicando. É uma grande pista para mim. Blexbolex também foi editora. Este está na publicação, e então eu sinto que um dos meus contextos mais inspiradores ou mercados para ilustração está no mesmo mundo na publicação. Então, claro, do lado direito, eu tenho coisas que eu gosto nesta peça. Eu escrevi coisas como simples, ousado, cores primárias, confiante, simplicidade expressiva, uso de técnicas de colagem, elementos manuscritos e desenhados, todas essas coisas que eu falei, eu apenas colocá-los aqui e então este estudo de caso apenas cria quase como um pequeno mini-guia ou referência que eu posso olhar para se eu alguma vez quiser tirar desta inspiração, particularmente. Fiz meus exercícios usando o Procreate, mas você pode fazer isso no seu Sketchbook ou em outra mídia preferida. Eu escolhi coletar minhas imagens de inspiração e escrever sobre elas, mas você também pode simplesmente fazer upload de suas imagens de inspiração e digitar seus pensamentos diretamente na página do seu projeto de classe. Para começar, pense em um produto de ilustração ou ilustração, como um livro ou impressão que causou e uma impressão importante em você, que talvez seja sua maior fonte de inspiração. Tente encontrar uma imagem dele online e, em seguida, 2-5 mais imagens do mesmo artista. Eles podem ser da mesma série ou livro ou de projetos diferentes completamente, mas todos eles devem estar estilisticamente relacionados. Se você estiver usando o Procreate, copie-os e cole-os em uma nova tela, como no meu exemplo. Em seguida, escreva à mão neste mesmo documento sobre as imagens, o que você ama nessas imagens. Mais uma vez, você pode simplesmente digitá-los em sua página do projeto, se é isso que você está usando. O que te inspira? Por quê? Nomeie as coisas específicas que você gosta. Quanto mais específico, mais você começa a pensar detalhes que você pode incluir em seu próprio trabalho. Finalmente, nomeie o artista, a técnica ou gênero de ilustração e o contexto. Quem fez o trabalho? Como você classificaria isso? Onde o trabalho existe? Se você não sabe as respostas, procure. Você aprenderá muito apenas pesquisando termos como processo, técnica ou até mesmo entrevista com o nome do artista. Não se esqueça das páginas sobre ou biografia para artistas que têm sites. Finalmente, compartilhe isso na página do projeto da classe. Você deve fazer pelo menos alguns desses exercícios, mas você pode fazer quantos quiser. Aproveite o tempo que você precisa para passar por este projeto. Você pode achar que precisa de uma hora ou mais para aprender sobre as partes do artista, técnica e contexto, especialmente se tudo for novo para você. Desça o buraco do coelho, se perca, aproveite aprender sobre seus heróis e inspiração. 13. Exercício 2: autoinventário criativo: Este exercício é uma boa maneira de refletir sobre o seu trabalho e entrar em contato com o que você gosta sobre ele, e especialmente o que o torna único. Se você tem alguma experiência ilustrando, Eu convido você a reunir alguns de seus trabalhos favoritos e refletir sobre o que você gosta sobre ele. Se você acha que não tem trabalho suficiente para fazer este exercício, tudo bem, basta pular para o projeto. Dito isso, você pode ter mais para passar do que pensa. Basta abrir seu SketchBook ou onde quer que sua arte favorita exista e procurar três a cinco peças favoritas que parecem ter um fio estilístico comum. Assim como nos estudos de caso de inspiração, eu vou fazer este auto-inventário criativo no Procreate, mas você pode fazer isso no seu SketchBook ou em outras mídias preferidas como você é capaz. Novamente, se você quiser, você também pode simplesmente carregar suas imagens de inspiração e digitar seus pensamentos diretamente na página do projeto da classe. Então, para começar, reúna três a cinco imagens de suas próprias ilustrações que você considera seu favorito ou melhor trabalho. Deve ser trabalho que você gosta em termos de estilo, não trabalho que você acha que vendeu bem ou tem mais gostos ou agradou seus clientes. Coloque isso em sua tela. Da mesma forma que o último exercício, comece a escrever o que quiser sobre cada peça usando setas para chamar instâncias ou detalhes específicos, se quiser. Este não é um momento para nos derrubarmos e sermos críticos, mas para celebrar verdadeiramente o que amamos em nosso próprio trabalho. Considere, quais são algumas das semelhanças nas peças que você escolheu como seus favoritos? O que isso diz sobre sua visão artística única, ou o que você pessoalmente traz para sua arte que ninguém mais faz? O que eles têm em comum que você pode ou quer trazer mais para o seu trabalho? Compartilhe isso na página Projeto da classe. Se você tem muito trabalho e está se sentindo indeciso sobre o que você mais gosta, você pode tentar dividir seu trabalho em diferentes grupos de estilos e, em seguida, fazer inventários separados para cada grupo. Mais uma vez, aproveite o tempo que você precisa para passar por este projeto. Isso pode levar alguns minutos ou algumas horas. Reúna todas as suas unidades de backup, classifique todas as suas caixas de cadernos de esboços, deixe-se perder nesta etapa por um tempo. Além desses exercícios, eu também incluí uma lista de perguntas relacionadas ao estilo que você pode fazer a si mesmo. Localize-os na página Projetos e Recursos da classe. Este é o meu auto-inventário. Acabei de reunir algumas das minhas imagens favoritas, coisas que eu realmente gosto no meu próprio trabalho. Estas são imagens das quais me orgulho. Eu posso olhar e me sentir muito bem. Eu não posso dizer isso sobre todo o meu trabalho de ilustração, mas estes são como, sim, se eu puder fazer mais trabalho como este, eu ficaria muito feliz. Algumas coisas que eu notei sobre isso e aqui é onde eu acabei usar o fato de que eu posso desenhar sobre o meu trabalho e procriar. Acabei de escrever pequenas notas para mim mesmo sobre coisas que eu gosto, como cenas abstratas. Tudo é achatado, abstraído e simplificado enquanto ainda é representacional. Então eu ainda tenho coisas claramente representadas como uma planta de casa ou uma cadeira ou um gato ou um cara com um machado, mas é muito achatado e estilizado. Outra coisa que eu amo é a paleta de cores brilhante e simples. Eu tenho um monte de rosa e este laranja avermelhado que eu sempre fui atraído. Ele aparece durante todo o meu trabalho e aproveito todas as oportunidades para trazer o máximo possível disso no meu trabalho. Outra coisa que eu amo trazer para o meu trabalho que eu vejo aqui é um monte de letras manuais. É geralmente um bastante simples, o que eu chamo de um grotesco ousado, assim como um estilo de letra de bloco all caps, se você quiser. Eu faço isso usando um pincel físico real com tinta e eu digitalizá-lo ou eu realmente simplesmente emular isso usando um pincel no Procreate. A mesma coisa está acontecendo no meu mapa. Todos estes pequenos rótulos, são todos ilustrados à mão. Eu realmente sinto que isso ajuda meu trabalho a ser distinto e se destacar como meu. Por último, eu acho que eu gostaria de apontar neste conjunto, eu amo como há texturas e é um pouco de colagem. Como se eu fosse criar uma textura e então eu vou fechá-la em uma forma. Você pode ver que obviamente não está fluindo com a maneira como uma camisa fluiria um padrão se você estiver usando. Eu adoro essas pistas de técnica que podem sair quando você olha para a ilustração. Talvez como uma última coisa seja que eu amo fofura. Trazendo mais rostos nas coisas, isso é aparecer no meu trabalho agora. Estou me divertindo muito com isso. Então esta é apenas a minha pequena sinopse rápida do trabalho que eu amo agora. Chame isso de auto-inventário. Ao tirar algum tempo para fazer isso, criar um auto-inventário, sou encorajado a ver que existem padrões e consistências reais no meu trabalho, mesmo ao longo dos anos que eu gosto e sinto que posso possuir. Esta é uma prática útil em todas as etapas de nossas carreiras. Podemos sempre aprender algo sobre o que é natural através das linhas, revisando nosso trabalho. 14. Projeto | Dia 1: início e configuração: Na cartilha, exploramos o mundo do estilo de ilustração, sobre como ele funciona, sobre como podemos usá-lo como uma forma de resolver problemas visuais para nossos clientes. Nós tocamos em como seu estilo de desenho natural, o assunto dado, e sua técnica escolhida, influenciam seu estilo de ilustração. Nos exercícios, investigamos o que mais nos inspira. No exercício 1, estudo de caso de inspiração, escolhemos pelo menos uma ilustração ou conjunto de ilustrações que mais nos inspira e aprofundou as técnicas que podem ter sido utilizadas no processo. Tudo isso nos preparou para o projeto, um projeto criativo diário de curto prazo, onde criaremos uma série de 26 ilustrações baseadas em um tema comum, elaborando uma técnica específica. O objetivo de um projeto diário é em grande parte desenvolver uma técnica aplicando-a a problemas reais de ilustração. Claro, uma vez que você acumula vapor em seu projeto, compartilhá-lo é uma ótima maneira de manter o ímpeto em andamento, para obter feedback e para ter um sentimento de criação para um público, que ilustração é sempre sobre. Neste vídeo, vou lhe dar uma visão geral do projeto para ajudar a mapear o processo geral. Em seguida, nos vídeos que se seguem, vou dar instruções mais específicas para cada etapa. O projeto é dividido em três etapas gerais: o plano, o conjunto piloto e, em seguida, empurrar através do resto do conjunto. Na fase do plano, escolheremos a técnica de ilustração e o tema que queremos elaborar no nosso projeto diário e, em seguida, escrever uma lista de palavras de a a z, que servirá como prompts para cada ilustração. A criação de um plano específico forte será fundamental para manter o nosso esforço ao longo do projecto. A fase do plano deve acontecer no dia 1. Quando terminar, compartilhe seu plano com a classe na página do projeto. No estágio piloto, escolherá três a quatro dos prompts para ilustrar primeiro. O objetivo de uma fase piloto é testar e desenvolver uma linguagem visual e técnica que podemos usar para o conjunto maior. Eu acho que é sempre muito mais trabalho para obter as primeiras ilustrações em um conjunto trabalhado para fora, mas isso dá a você a chance de descobrir como você vai usar coisas como forma, cor, linha, textura e assim por diante antes de passar para o resto do conjunto. Ele também dá a você a chance de descobrir como você vai lidar com diferentes tipos de problemas de ilustração; o representacional e o conceitual. O cenário piloto pode levar até três dias. Quando terminar, compartilhe seu conjunto piloto com a classe na página do projeto. O estágio “push-through” é onde finalizamos todo o conjunto. Claro, vamos fazer um a cada dia. Você é bem-vindo para fazer vários dias se você se sentir inspirado ou para fazer um por semana, se isso lhe convier mais. O importante é continuar com isso, empurrar até o fim. Claro, cada vez que terminar uma ilustração, certifique-se de compartilhá-la com a turma e, claro, onde quiser compartilhá-la. Nos vídeos a seguir, vou detalhar ainda mais as etapas para cada uma dessas etapas. 15. Projeto | Dia 1: planeje um projeto: A primeira etapa é planejar seu projeto. A criação de um plano específico forte será fundamental para manter o nosso esforço ao longo do projecto. Este estágio é simples em conceito, embora, a lista de palavras A-Z talvez mais difícil de encontrar do que você pensa. Certifique-se de passar por este estágio cuidadosamente e cuidadosamente. Se precisar de alguns dias para resolver isso, tudo bem. Claro, também não pense demais. Se você achar que você está ficando preso, é melhor apenas ser decisivo, mesmo que você não esteja 100% em alguns dos detalhes. Às vezes, você não sabe o suficiente para seguir até fazer um plano difícil, seguir em frente nos próximos passos e, de repente, as coisas se tornam mais claras. O importante é continuar andando. Para começar, vamos escolher uma técnica baseada no seu estudo de caso de inspiração. Se você fez vários estudos, aqui é onde você precisará escolher um. Alternativamente, se você já tem uma técnica que você gostaria de desenvolver, vá com isso. Não tente fazer tudo em um único projeto. Você sempre pode fazer uma segunda série para elaborar outra técnica depois desta. No primário, falamos sobre como a maioria das ferramentas digitais emula mídias tradicionais ou analógicas. Então, se você sabe que está usando uma ferramenta digital como Procreate ou Photoshop, isso é realmente apenas a ferramenta apenas metade da equação. A outra metade é técnica. Para ferramentas digitais, você deve ter alguma noção de qual mídia analógica ou processo você deseja emular ou se inspirar. Na minha opinião, quase toda a ilustração digital pode ser categorizada em três processos analógicos ou tradicionais: desenho e pintura, impressão e colagem. Se a técnica que você deseja usar parecer mais como foi feita com traços à mão livre, você pode encaixá-la sob desenho e pintura. Se a sua técnica parecer mais plana com paletas de cores simples e texturas sutis, você está olhando para um processo mais influenciado pela impressão. Se a técnica ou estilo que você está indo para parece ser uma mistura de peças artesanais e digitais, ou se há uma sensação de estilos diferentes montados na mesma página, isso seria mais colagem ou mídia mais amplamente misturada. Para o meu projeto, eu decidi ir com a gravura como minha inspiração técnica. Especificamente, estou inspirado em como o Blexbolex usa algumas cores sólidas, formas simples e, em seguida, camada estas de maneiras inteligentes. Eu também gosto do emparelhamento de palavra e imagem. Eu juntei essas notas rápidas para mostrar como a técnica da minha inspiração, vamos chamá-la de técnica fonte, se relaciona com a técnica que eu acho que vou usar ou a técnica de destino. Só estou inventando esses termos para descrever como estou relacionando a técnica usada pela minha inspiração e as técnicas que eu sei usar a mim mesmo. Primeiro, sei que trabalho digitalmente. Referindo-se à tabela de técnicas tradicionais e digitais do primer, eu sei que ilustrador e Photoshop são ambos bons com a emulação de técnicas de impressão e colagem. Em seguida, eu sei que particularmente eu quero usar texturas, e Photoshop é muito melhor em lidar com texturas, então eu definitivamente vou ficar com isso. Vou descobrir alguns detalhes, como como fazer as letras e quais cores usar mais tarde. Para ser honesto, no meu projeto, eu acho que vou usar o mesmo conceito subjacente como Blexbolex, particularmente de emparelhamento de palavra e imagem de uma forma poética simples. Bem, eu não pretendo copiar o estilo exato do Blexbolex porque seu uso de palavra e imagem é um tema consistente em seus livros, eu corro o risco de parecer imitativo. Eu não estou preocupado com isso para este projeto embora, porque trabalhar com sua inspiração é um dos meus principais pontos. Precisamos começar por aí e espero que ao longo do caminho trabalhando em nossas ilustrações, podemos emergir com algo mais de nós. Eu vou ter certeza de nomear minha inspiração para este projeto, especialmente se ele parecer muito perto de seu trabalho. Não tenho vergonha de dizer que este projeto é inspirado pelo meu herói. Dependendo de quão semelhante parece, eu também teria muito cuidado em fazer qualquer coisa comercial ou para lucro com a obra de arte. Eu iria modificá-lo de alguma forma no início, talvez ter uma abordagem diferente com a forma como eu pareço imagem e palavras, por exemplo, isso é menos diretamente inspirado. Se você precisar de mais informações sobre as possíveis técnicas de ilustração, consulte a tabela de técnicas de ilustração que mencionei na lição, Siga Sua Inspiração. Eu incluí isso como um download nos projetos de classe na página de recursos. Agora é hora de escolher um tema. Seu tema deve ser o mais específico possível. Para o meu projeto, eu vou para o trail running, que é um dos meus tempos passados favoritos. Embora eu ame todos os tipos de corrida, trail running é mais específico. Corrida em geral incluiria corrida na estrada, ultra maratonas, pista e assim por diante. Trail running contém sentimentos e visuais diferentes dos outros tipos. Se você gosta de viajar, você pode querer estreitar algo mais específico, como mochila na Europa ou viajar em 2020. Cada um desses evoca uma experiência específica que será útil quando você estiver tentando imaginar conceitos para suas ilustrações mais tarde. Esta etapa é opcional, mas pode ajudar a moldar mais suas ideias de projeto. Toda ilustração acaba em algo em algum lugar. Este é o seu contexto. Um contexto poderia estar em um livro infantil, como uma série de cartazes ou talvez um conjunto de cartas comerciais. Onde você imagina suas ilustrações existirem? Porque este é um projeto diário que vamos compartilhar, é claro, um dos contextos será a sua página de projeto aqui na classe. Outro lugar possível para compartilhá-lo, é claro, está no Instagram. Nesse caso, é fácil imaginar qual formato suas ilustrações terão. Imagens feitas para o Instagram provavelmente serão formato quadrado. As ilustrações para um livro ilustrado podem ser de quatro por cinco proporções. Desta forma, imaginar um contexto dá-lhe uma sensação de formato. Meu próprio projeto para a demonstração da classe é baseado na minha inspiração, um livro ilustrado por Blexbolex. Eu gosto de como as imagens são emparelhadas com palavras e como elas espaçadas sob cada ilustração para as palavras. Meu contexto será um livro de imagens e o formato para cada imagem será um formato mais alto em torno de oito polegadas de largura por 10 polegadas de altura. Em seguida, escreva a sua lista de coisas e ideias de A-Z para ilustrar a sua série. Você deve acabar com uma palavra por letra, mas no início, se você tiver algumas palavras para algumas letras, basta escrevê-las todas e decidir na próxima etapa quais você quer seguir. Ao criar sua lista de palavras, mantenha suas palavras simples. Só uma palavra para ilustrar, se possível. Já que estou fazendo trilha, minha lista de palavras inclui palavras como urso, combustível, perda e recuperação. Na minha lista, escolhi deliberadamente incluir substantivos e adjetivos, coisas que podem ser literalmente representadas, bem como coisas que só podem ser representadas figurativamente. Escolher uma mistura de substantivos e adjetivos dá-me a oportunidade de descobrir como abordo os dois tipos diferentes de problemas de ilustração que falamos no primário, representacional e conceitual. Urso e combustível são substantivos e serão mais fáceis representar, pois quase exigem uma solução literal. Um urso para representar um portador e algum tipo de produtos alimentares para representar combustível. Perdida e recuperação, por outro lado, são mais abstratos. Certamente não são objetos que eu possa imaginar facilmente na minha cabeça. Perdido sozinho pode ser difícil de visualizar, mas junto com essa experiência específica de corrida de trilha para mim, isso me faz pensar em perder meu caminho na floresta e olhar para mapas no meu telefone para ver onde estou. A recuperação é um substantivo em massa, o que significa que não tem forma específica. Semelhante ao perdido quando emparelhado com o tema geral, ele evoca um significado específico. Para mim, poderia ser cerveja no final de uma corrida longa ou corrida, por exemplo. Estou me adiantando um pouco aqui. Na fase piloto, vou guiá-lo através de alguns exemplos de como passo da minha lista de palavras para conceitos de ilustração reais. Mas também é útil pensar um pouco sobre o potencial ilustrativo de cada palavra agora. Depois de encontrar palavras para cada letra do alfabeto, é hora de finalizar a lista. Você precisará fazer isso se tiver várias palavras para algumas letras. Considere o potencial ilustrativo de cada palavra. Referindo-se aos três fatores de estilo, considere como cada assunto ou aqui o significado de cada palavra, pode ser tratado usando sua técnica escolhida ou estilo de desenho natural. É algo que você está animado para ilustrar? Você acha que pode ser muito desafiador representar claramente no seu estilo? Para o meu exemplo de corrida trilha, digamos que eu tinha duas palavras r, raça e recuperação. Aqui eu posso decidir que eu sou muito incerto sobre a possibilidade ilustrativa de raça. Pode ser muito amplo ou ter muitos detalhes. Talvez, eu não quero ter que ilustrar uma cena completa como uma cena de corrida, mas eu tenho uma visão específica para a recuperação. Seria mais simples ilustrar esta palavra para esta carta. Posso descartar a corrida por enquanto e ir com a recuperação. Quem sabe? Talvez uma vez que eu tenho que ir no projeto, Eu vou ser mais inspirado para ir com a idéia de uma corrida ou alguma outra palavra r. Posso trazê-lo de volta, se quiser. O importante é ser decisivo e continuar em movimento. Depois de finalizar sua lista, você terá seu plano de projeto. Se isso ajudar, anote em um lugar arrumado o seguinte: sua técnica escolhida, seu tema específico, seu contexto imaginado, se você tiver isso e, claro, sua lista finalizada de palavras A-Z, e você pode fazer isso em uma página separada se Você tem que fazer. Aqui eu tenho meu plano de projeto e eu apenas anotar todas as coisas que acabamos de falar para que eu tenha tudo em um só lugar e eu possa me referir a ele durante todo o projeto. Você pode fazer isso no seu caderno de esboços ou onde quiser fazer essas anotações. Acabei de fazer um título bonitinho aqui, meu plano de projeto, e é claro que temos técnica, tema, contexto, e nossa lista de palavras A-Z. Eu sei que para a minha técnica, vai ser inspirado em impressão e eu sei que o melhor aplicativo para fazer o tipo de técnicas que eu quero usar será Photoshop. Em seguida, eu vou apenas escrever meu tema, que é, claro, trail running, e, claro, o contexto que é um livro de imagens. Estas são todas as coisas que eu pensei e é apenas algo que pode ter nesta página fácil de referenciar sempre que eu passo para este projeto, especialmente, se foi uma semana entre a minha última imagem e a que eu estou fazendo agora, e de curso sua lista de palavras A-Z. Agora isso pode levar um pouco de tempo e como eu disse antes, pode ser surpreendentemente difícil de inventar e separar alfabeticamente especificamente para o seu tema. Mas fazer este trabalho agora é realmente ótimo para apenas se preparar, e então uma vez que você vem para ilustrar todos os dias cada nova ilustração, você não precisa mais fazer isso pensando. Você pode simplesmente mergulhar no processo de ilustração real. Aqui estão a lista de palavras, e, claro, eu só tinha que ser decisivo e escolher palavras sempre que eu tinha múltiplos para as letras. com isto que acabei, e não tenha medo de me comprometer agora. Talvez queiras mudá-lo mais tarde, está tudo bem, mas pelo menos tens alguma coisa. Então podemos passar para o próximo passo. 16. Projeto | Dias 2 a 4: Conjunto Piloto (estudos preliminares): Eu amo esses sinais caminho encontrando, fazendo esses esboços de modo observacional realmente era como, desenhei tudo o que parecia estar a chamar a minha atenção. Quais são as diferentes formas?” mesmo com a perda, eu estava desenhando pessoas correndo, é claro, Eu realmente acho que isso é realmente um cenário de horror se você está como eu posso desenhá-lo sem ser uma certa marca ou mesmo uma certa variedade de cerveja, esboços do modo O que eu fiz apenas para mostrar o que acontece. eu até olhei para como as palavras ficam Parece que ela tem um portador de bebê ligado. e uma de suas únicas maneiras de encontrar o caminho é o seu dispositivo GPS ou o seu mapa. Em seguida, passando para os esboços de combustível ou para os esboços de modo observacional. Passei pelas minhas imagens de referência e desenhei o que vi, há sinais e coisas assim? Pelo menos aqui, estou tendo a idéia de Estes são os tipos de coisas que eu estava desenhando principalmente em modo observacional aqui. como são essas dicas? A coisa complicada com a cerveja como eu estava eu realmente comecei a desenhar estes enquanto eu ia junto, e isso me faz pensar em correr pela floresta. Então, claro, pensando em se perder e precisar de um kit médico, Não tenho certeza se estou no caminho certo, então é bom ter em mente. Quando terminar, você pode passar imediatamente para o próximo passo ou fazer uma pausa. quando são emparelhadas com as imagens de sinais, por exemplo. Neste caso, esse pode não ser o meu ponto de vista. Claro, alguém perdeu, olhando para um mapa, Você pode ver, eu fiz alguns estudos de ursos, Uma mão, como é que o braço se relaciona com esse mapa? É alguém olhando para o telefone, por exemplo, o que parece? “Como é um pacote de gel energético, por exemplo? talvez nem todos gosta desses sabores de cerveja ou o que quer que seja. Eu também queria compartilhar alguns dos outros conceitos como o cocô, então eu vou apenas mostrar-lhe um pouco mais ou um mergulho mais profundo desses É realmente como você pode ser específico sem ser muito específico? para o meu conceito se eu quisesse usar uma imagem como esta. Algo assim. tentando pensar em quais são os objetos que você pode associar a ser perdido, e eu quero compartilhar alguns dos esboços que eu criei. eu preciso criar um novo espaço onde eu possa fazer isso. E se sua bateria estiver fraca, meus esboços de modo O, No meu esboço livre, Eu sei que passei pela demo lá, como certos dispositivos GPS ou campi ou outras ferramentas de wayfinding como mapas. posso usar isso como uma forma de contar a história de estar perdida na floresta? Claro, o que uma cerveja pode parecer? é uma cerveja ou um pilsner, Estamos falando de cocô aqui, Mas eu posso substituir isso pela idéia de um colete de hidratação ou algo assim esses são realmente uma imagem forte na minha cabeça. É bem simples. Eu só estou tentando dizer como, Faço alguém agachado perto de uma árvore? esses sinais laranja coloridos brilhantes que são pregados no tronco da árvore, alguém que está lendo um mapa na floresta se parece. vai haver alguns narizes aparecendo nisso. na floresta e você está tentando encontrar o seu caminho, A próxima etapa é iniciar o conjunto piloto. O conjunto piloto é onde começamos a brincar com as técnicas e ideias que declaramos na fase de planejamento. Sempre que eu tenho um projeto maior, seja pessoal ou para um cliente, eu sempre faço um piloto onde eu trabalho questões de estilo e técnica em um conjunto menor. Isso me dá uma idéia de como o resto do projeto será executado, e ao trabalhar com clientes, isso dá a eles a garantia de que estamos no caminho certo e isso lhes dá a chance de pesar com feedback antes de chegarmos longe demais. Para o projeto-piloto, passaremos pelo mesmo processo que uso no trabalho do meu cliente e pelo mesmo processo que usei nas minhas outras classes. Começamos com estudos preliminares onde coletamos referências de imagens e extraímos delas sem outro objetivo a não ser baixar informações visuais. Ao desenhar em direção à ilustração, chamo isso de esboços observacionais ou O-Mode. Mais tarde, vamos começar a esboçar nossas idéias reais. Mas, por enquanto, vamos nos concentrar em entrar no mundo do nosso tema escolhido para começar. Para o projeto-piloto, estaremos trabalhando em um lote de três ou quatro ilustrações. Mas para o resto do projeto, você pode seguir as etapas a seguir para cada ilustração individual. Primeiro, vamos escolher 3-4 imagens para os nossos conjuntos piloto. Eles podem ser os quatro primeiros de A a D em sua lista ou qualquer um que você acha que seria divertido para começar. Eu sugiro escolher uma mistura de tipos de palavras, digamos dois substantivos ou objetos simples que você pode ilustrar mais através de representação direta e dois adjetivos ou conceitos abstratos que você precisará para ilustrar mais simbolicamente ou figurativamente. Um conjunto piloto forte demonstrará como você lidou com problemas de ilustração representacional e conceitual em seu estilo. Apenas olhando para o meu plano de projeto onde eu tenho minha técnica, tema, contexto, e minha lista de palavras de A a Z, eu vou escolher ursos, combustível, perdido, cocô. Eu coloquei cocô como uma das minhas palavras. É porque quando você faz trilhas, especialmente se você estiver nas trilhas ao longo do tempo, nem sempre há um banheiro disponível então é apenas parte da experiência de ser um corredor de trilhos. Eu tive que colocar isso lá e eu sinto que se eu estivesse fazendo este set para uma audiência de corredores de trilha, eles se relacionariam com isso e achariam isso hilário. Acho que vou escolher um quinto só para o caso de escolher a recuperação. Escolhi estas palavras específicas para o meu subconjunto porque elas apresentam um bom equilíbrio ou uma mistura de coisas representacionais para ilustrar, e também algumas coisas que são mais conceituais. Ursos é fácil. Eu posso apenas desenhar um urso e eu acho que um só vai ser bom para entrar em. combustível novamente é um pouco mais de um objeto simples. Eu poderia representar produtos alimentares ou algo assim. Perdido é uma das palavras mais complicadas. Provavelmente vai exigir uma ilustração mais complexa. Mas é por isso que quero incluí-lo. Eu quero ser capaz de ter essas ilustrações conceituais mais complexas emparelhadas com essas ilustrações mais simples, diretamente representacionais. Então, claro, cocô, isso vai ser interessante. Eu provavelmente quero ir sobre isso de uma forma indireta, que apresenta um bom desafio ilustrativo. Em seguida, a recuperação, para mim, que instantaneamente me faz pensar em tomar uma cerveja no final de uma corrida muito longa e assim esta lista de cinco palavras, o que eu decidir ilustrar, será um bom piloto definido para começar. Em seguida, reúna algumas imagens de referência para cada palavra ou ilustração. Você não precisa ser altamente seletivo aqui, basta procurar suas palavras em uma pesquisa de imagem e baixar as imagens que você mais atraiu. Quando faço pesquisas de imagens, crio uma pasta chamada referências. Aqui eu só tenho uma pasta chamada referências na minha tela e é aqui que eu vou basicamente arrastar qualquer uma das minhas imagens de referência. Para um projeto multi-ilustração como este, eu também vou ter subpastas para cada ilustração ou assunto, como urso, combustível, etc. Eu simplesmente ir para o Google ou onde quer que eu acho que as imagens eu estou procurando podem ser e começar minha pesquisa, colocando meu imagens escolhidas nas respectivas pastas. Já me perguntaram por que eu uso imagens do Google em vez do Pinterest, onde as imagens tendem a ser mais curadas e refinadas, na verdade prefiro que minhas imagens de origem sejam tão não filtradas pelo gosto quanto possível. Sei que quando estou pesquisando no Google, há mais chance de que as imagens sejam básicas e aleatórias. As pessoas que postam seu Pinterest muitas vezes têm um filtro de sensibilidade ou gosto ou viés e eu quero evitar isso desde o início. O objetivo é encontrar imagens que lhe dão um visual onde você pode não ter nada para passar de outra forma. Para a palavra urso, por exemplo, eu só quero encontrar imagens que me ajudem a entender a forma essencial de um urso. Para o tema da trilha, eu estaria olhando para um urso preto ou urso pardo. Para combustível, procuraria fontes de energia específicas ou alimentos usados por corredores de trilha. Produtos como géis e barras energéticas, bem como alimentos naturais como bananas e nozes. À medida que você procura suas imagens, dependendo de sua técnica e preferências, você pode querer que suas referências sejam simples e diretas em vez de um ângulo mais obscuro. Ainda não estamos ilustrando, nem desenhando ideias. Mas também queremos estar atentos às informações visuais com as quais temos de trabalhar nessas fases posteriores. Gaste talvez 10-15 minutos à procura de imagens. Eu tenho minhas imagens de urso, eu estou indo para ir rapidamente e fazer algumas imagens para combustível, e claro, por combustível eu tenho que ser específico, géis de energia para correr, e aqui eu estou apenas olhando para as diferentes formas ou formas. Como é a energia ou os combustíveis neste caso? Esses pacotes de diferentes formatos que você aperta em sua boca enquanto você está executando estes são icônicos. Eu só quero estar ciente de que eu não quero nada muito polido e, em seguida, apenas desenhar isso na minha ilustração. Como se alguém faz um pouco de seus próprios produtos em execução, não é como se eu só quisesse ilustrar a foto de outra pessoa, mas eles não podem ser úteis apenas para ajudar a entender o que seria uma coleção desses alimentos ou produtos? Perdido é a palavra mais complicada, então eu tenho que ser mais específico, como perdido na floresta. Isso pode me dar algumas idéias interessantes para tirar. Apenas em termos de floresta. De repente, estou vendo a sensação estranha de, seu verde escuro. Tenho uma sensação de solidão ao olhar para isto. Aqui eu estou fazendo uma pesquisa no Google da palavra direta perdida na floresta, que já está sendo super útil. Mas é claro, eu não estou tentando ilustrar como uma pintura ou apenas reinterpretar uma fotografia aqui. Quero pelo menos ter algum senso de conceito aqui. Talvez eu precise pensar um pouco mais conceitualmente enquanto estou pesquisando imagens no Google. Perdido na floresta, como o que eu iria querer, talvez um kit de primeiros socorros e eu vou apenas pegar um screengrab rápido dessas coisas. Aqui eu não vou ser super exigente sobre as imagens. Um kit de primeiros socorros é geralmente apenas como um saco com uma alça em uma cruz sobre ele e alguns suprimentos de modo que pode ser suficiente apenas para obter a minha imaginação indo lá. Quando você está perdido, estou pensando em alguém lendo um mapa. Eu vou fazer mais uma pesquisa de imagem do resto das minhas palavras, mas eu só pensei em passar algum tempo perto de uma das palavras mais desafiadoras que eu acho que vou ter é o cocô. Agora, eu sei que eu não quero ilustrar as fezes de alguém, eu só acho que isso seria desagradável, então eu teria que pensar conceitualmente sobre este também. Para este, vou apenas dizer trilha correndo metade para fazer cocô e ver o que a Internet me dá. Claro, há todas as coisas que você esperaria, as pessoas compram casas, e algumas imagens são um pouco menos diretas. Felizmente, não estou a ver nada demasiado nojento a aparecer aqui, mas sim, vou procurar formas de representar esta ideia claramente possível sem ser demasiado directo. Depois de passar algum tempo encontrando algumas imagens, é hora de começar a desenhar. No meu desenho para a aula de ilustração, chamo esses esboços observacionais porque estamos desenhando o que vemos em nossas imagens. Estes não são criativos. Nós não estamos expressando idéias aqui, mas simplesmente usando desenhos como uma forma de ver e absorver informações visuais para usar mais tarde de nossa imaginação. Passe o tempo que quiser, desenhando a partir de suas imagens de referência, talvez 5-10 minutos por assunto ou palavra. Você pode desenhar com um lápis e papel ou em um equivalente digital. Minha ferramenta de desenho favorita é o lápis 6B ou HB no Procreate no iPad. Novamente, esses esboços, eu não tenho objetivos além de apenas desenhar o que eu vejo. Não preciso desenhar todas as imagens de referência que baixei. Uma vez que eu sinto que tenho informações visuais suficientes para extrair de mais tarde sem olhar para referências, eu posso passar para a próxima. Eu só tenho algumas das imagens que eu acho que serão úteis para possíveis conceitos, então eu não estou chegando com conceitos neste ponto, mas eu também estou tentando pensar sobre quais são as diferentes coisas que podem fazer bons conceitos. Tenho spray de urso, tenho alguém usando esse spray de urso. Outra coisa que eu penso quando eu estou na trilha e eu estou pensando em ursos, são esses sinais amarelos que te alertam sobre um urso na área e coisas assim. Toma, só estou a tentar perceber como são estes tipos. Eu realmente posso me perder neste processo e às vezes, ele vai durar muito mais só porque eu estou me divertindo ou eu não sinto como se eu tivesse baixado a informação para minha mente através de desenho suficiente ainda. Diria para levar o tempo que quiser e se estiver gostando, aproveite. Aqui, eu estou pensando sobre quais são as proporções de um urso? Como seus membros se conectam? Quais são as formas icônicas de um urso? Apenas olhando para essas imagens, eu estou vendo que eu nunca teria imaginado que braço de um urso voa para trás e para a frente assim, apenas por exemplo. Outra coisa que eu noto sobre um urso é que quando você olha para seu rosto, seus olhos e focinho ou nariz área ou focinho só ocupam menos do que a metade inferior. Isto é interessante. Suas orelhas estão aqui em cima, e eles têm essas cabeças grandes e gordas, seu rosto realmente é apenas uma pequena parte disso, e eu estou pensando sobre como suas características faciais se parecem, como eles se conectam, coisas assim. Então, para o spray de urso, eu estou procurando, enquanto eu estou desenhando isso, baixando informações, eu realmente só quero saber quais são as partes que são essenciais para isso quando se trata comunicar a idéia de spray de urso para outras pessoas. Quais são os sinais reveladores de uma garrafa de spray de urso contra, eu não sei, talvez [inaudível] que você usaria para segurança pessoal em um contexto urbano, talvez isso seja diferente. Eu imagino que esse spray de urso, eles sempre têm este rótulo amarelo, toneladas de palavras e avisos, o que é interessante, que poderia fazer para uma ilustração realmente interessante se você quisesse nerd com todo o tipo e coisas como Isso. Algumas palavras ultra ou extra ou max e parte da marca, algum tipo de urso. Não estou tentando projetar nada aqui, só estou tentando entender qual é a forma essencial disso. Quais são as coisas que eu preciso observar sobre essas coisas? Um sinal e depois, claro, o urso. Agora, aqui está um exemplo engraçado em que eu estou desenhando um desenho, é como uma silhueta de um urso que alguém ilustrou. A questão para mim é, se eu usasse isso como minhas ilustrações finais, algo sobre o sinal do urso, eu simplesmente copio a silhueta de um urso de outra pessoa ou eu inovo nisso de alguma forma, à minha maneira de melhorar a singularidade da ilustração? Não acho que esse cara seja um corredor, ele é mais como um caçador. Vou passar para a próxima imagem. Perdido é complicado, não há uma imagem para perda do jeito que há para o spray de urso ou urso. Aqui, eu estou apenas desenhando essas referências que eu reuni e talvez, eu posso fazer algo com eles para um perdido mais tarde. Este é um tipo de régua de bússola. Agora, para esta demonstração, estou correndo por estes desenhos. Eu geralmente gosto de tomar meu tempo com estes e realmente afundar neles quando eu faço isso para a maioria dos meus projetos. É relaxante, é uma boa maneira de desenhar e entrar em contato com esse lado das coisas antes que eu tenha que realmente começar a pensar em idéias. Algo que eu penso em termos de ser perdido em uma floresta é a idéia de encontrar maneira, então talvez como sinais se você estiver na trilha. Quando você está fazendo esboços gratuitos, se você quiser, você pode ser muito solto e rápido ou você pode ser realmente detalhado, o que for preciso para apenas colocar algumas idéias em sua cabeça. uma vez, eu tenho algumas imagens aqui para referenciar e apenas desenhar a partir delas, não se preocupando muito sobre como eles jogam fora em fases posteriores. Tem um cara correndo na floresta, e você pode ser tão detalhado quanto quiser sobre isso. Para mim, como eu estou rapidamente rabiscando estes para fora, isso está me ajudando, pelo menos, a ter uma noção de algumas das maneiras, digamos, por exemplo, como pernas olhar, quando alguém está correndo. Quais são as roupas deles? O que está acontecendo nessa imagem? Além disso, é claro, o que está acontecendo em torno da pessoa? Como é uma cena florestal? Eu amo o padrão das árvores, os troncos, e então a idéia desses galhos descendo com verde, e depois, claro, o caminho. Esta imagem aqui de um cara correndo sozinho, se você puder deixar de lado o fato de que para mim, esta cena, é estranha para mim. A idéia de que é mais em um deserto, não é minha experiência, mas eu gosto que ele tenha sua mochila de hidratação e ele esteja correndo sozinho lá, 17. Projeto | Dias 2 a 4: Conjunto Piloto (esboço de ideias): Eu não vou ser capaz de pegar pincéis e realmente esculpir e moldá-lo, Na verdade, vou usar o meu apartamento. Agora eu estou olhando para meus esboços ásperos para perdidos, É sempre isso que procuro nos meus esboços. O que eu estou procurando é a idéia que vai Tendo selecionado estes, rastreá-los com traços mais confiantes. Eu gosto de como isso me dá algum espaço de peso em torno do urso, O outro que realmente mostra algum potencial para mim é este com O que realmente funciona bem com a forma como costumo escrever. Este é um pincel digital que eu uso que eu encontrei funciona muito Talvez ele tenha o chapéu rastreador. talvez seja mais fácil escapar por não ser muito específico em seus refinamentos. mas ainda evoca uma sensação de cerveja? Eu ainda estou tentando o meu melhor para ir pela imaginação. Ele comunica claramente a idéia pretendida ou mensagem e promete fazer para um pouco mais como eu disse atmosfera ou textura para entrar na imagem. quaisquer técnicas de ilustração que sejam mais precisas ou mecânicas, Tenho informação suficiente. mostrar apenas o mapa e depois o cara por trás dele. e podemos ver aqui que já está muito claro. Talvez ele tenha se inclinado um pouco mais e nós só vemos uma parte da cabeça dele e ele está olhando para o telefone. Você tem que ser um pouco corajoso e se deixar desenhar Com este, é a idéia de um cara perdido A imagem deve ser clara o suficiente para que tudo o que você realmente precisa Eu vou implicar o senso de textura e casca sobre Não é super criativo, Imagine que estou mostrando isso a um cliente para obter sua aprovação ou buy-in na imagem, Um conceito forte é claro e convincente. Isso será mais importante para e o cara que perdeu, e isso é o suficiente. eu estou apenas pensando sobre o potencial para apenas como um bom, que era a idéia de estar perdido. simbólica e abstrata no fundo? No final desta etapa, Ou é estranho que esteja pulverizando sem que alguém realmente faça isso acontecer? esse é um pensamento que eu tenho neste momento. Estou a começar com o Urso. Este é um talvez para mim. só para ver como isso vai correr. Em um certo ponto, Eu acho que aquele em que o cara está apenas segurando o mapa é definitivamente basta colar esse urso para baixo e apenas torná-lo mais baixa opacidade, ser estilizadas, abstratas, nocionais. tomando que eu acho que pode funcionar neste caso. Seu outro braço talvez esteja se tocando no Talvez o suficiente para torná-lo maior. Achei que era engraçado. Há um pouco mais de história para este aqui. Como ilustração, isso vai ser um pouco Apenas realmente construindo as formas reais que formarão nos esboços refinados para que eu não tenha que trabalhar mais para as ondas etéreas de perda, que poderia ser divertido. todas as pequenas conexões da ilustração onde os shorts se tornam suas pernas nuas Talvez seja uma ilustração mais orientada por personagens. como ilustração vetorial, ou, no meu caso, técnicas inspiradas na impressão. Preciso da mão? eu tenho os sinais pregados na árvore, com esse cara aqui em cima como um possível segundo. Primeiro, vou fazer o urso aqui. e as palavras abaixo neste, Quando você olha para o estilo de outro ilustrador e você se pergunta, , um rosto travesso no urso, esses detalhes de composição e formato com mais atenção. eu acho que é esse cara aqui, Agora, para refinar esses esboços, que pode levar muito tempo e são mais difíceis de mudar, Às vezes vejo alto potencial em ideias que pensei serem descartáveis enquanto as criava. e todos esses tipos de coisas eu sei o que todas essas interseções e esse cara parado na floresta e imaginando qual trilha, Este é mais apenas objetos, Sei que na minha arte final estas árvores vão Vou começar por ser um pouco mais claro em todas as minhas formas. para o meu cliente e eu começar a escrever parágrafos sobre o que está nele, mais uma rodada de refinamentos e isso só vai garantir que isso é super claro, O que é que isso parece? O que acontece quando eu desenhar sobre ele mais uma vez escrever essa palavra em um estilo de letras mais concreto. como a forma do braço dele e assim por diante. entrar e apenas fazer algo que eu me sinto confiante em fazer, Isso porque as técnicas finais são menos mecânicas e precisas, Mas e o cara parado na floresta? Gosto da história que está acontecendo aqui. você tem que parar de inventar ideias e começar a refiná-las. você terá um esboço refinado para cada uma das ilustrações piloto escolhidas. Acho que essa é boa. mas é certamente evocativo da experiência de estar na trilha. Alguém na linha de chegada de uma corrida, por exemplo, fora como certas formas ou detalhes se juntam nas ilustrações finais. Talvez só uma sugestão de terra, Algumas peculiaridades interessantes podem sair disso e isso o que torna o símbolo do urso mais claro Eu vou ser capaz de descobrir Pode me dar o spray de urso só pulverizando? A idéia de um urso subindo uma árvore e alguém possivelmente está lá em cima. Em um documento novo, Como estou trabalhando no Photoshop, na floresta tentando descobrir onde ele está. Eu tenho um pincel quadrado plano. mas algumas coisas inesperadas acontecem nisso. eu sei que a imagem não está fazendo seu trabalho. semelhante ao quando eu uso um pincel plano com tinta sobre papel. Em técnicas mais inspiradas à mão livre, como desenho Então aqui, porque isso é refinado, eu acho que este com os géis de energia e as diferentes embalagens e Aqui também estou pensando na minha técnica. , incluindo alguns dos galhos das árvores. permitindo que você improvise mais. Mas é bom, pelo menos, mapeá-los aqui. No momento em que estou finalizando e criando todos os detalhes finais na obra de arte real, Mas estou me sentindo mais forte sobre o urso e a árvore. um bom ponto de partida para colocar isso em um lugar mais refinado. Há mais espaço para confundir um pouco as coisas. É algo que eu acho que vou desafiar a mim mesmo só para esta demo, Eu posso realmente desligar aquele esboço original como eles inventaram a maneira de desenhar aquele urso? eu estou pensando mais precisamente sobre as proporções, Então, apenas como um possível, A próxima coisa é o que está no chão? fazer é escrever por que você fez a imagem e não o que está na imagem. Aí está o meu esboço refinado para o meu conceito perdido e eu provavelmente levaria isso com o tipo de urso e área. Isso poderia ser legal. refinado até que eu me sinta bem com isso. que será refinar a ilustração e apenas trabalhar alguns dos há sempre outra idéia para ter. às vezes eu sinto que eu estou um pouco hesitante em começar a Acho que é uma coisa muito importante para resolver. Eles estavam apenas desenhando da imaginação e é assim que porque é um esboço, ele ainda pode ser um pouco solto. sendo exigentes sobre a imagem de referência ou a realidade. Preciso ser claro sobre isso. neste caso fazendo algumas letras ousadas agradáveis que só me faz ir. Eu vou seguir com isso e depois passar para o próximo conceito, o que será uma boa distração dessa outra abordagem. tudo vai parecer tão claramente quanto possível Eu acho que ajuda fazer uma pausa depois de chegar com meus esboços ásperos, , pintura e colagem, Ou talvez seja a ideia de ser revigorado. refinamento e, finalmente, trazer para a ilustração final. Quando estiver pronto, escolha o conceito mais forte para cada lote de esboços. Caso contrário, é apenas uma floresta desses troncos marrons e apenas pelo menos deve ser claro o suficiente para um cliente ou outra pessoa dizer, Estes foram apenas mais alguns exemplos de ursos que eu ilustrei. mapa tentando beliscar e ampliar e coisas assim. fiz no estágio mais áspero e eu vou apenas ver Ambos têm um personagem ou um animal sobre eles. Acho que vou tentar ir com este como meu conceito e ver como vai. eu tenho alguns bons outros conceitos. Mas eu quero ter certeza de que eu estou dando a mim mesmo o quadrado completo que eu Como vou criar essas formas? Em seguida, o fundo, eu preciso desenhar uma floresta inteira atrás do urso? Quanta informação você precisa na imagem para criar a história e, Eu tenho a floresta de fundo, um novo documento onde posso rastreá-los com linhas mais confiantes. o que sobrou da página. ou pelo menos um dentro desses cinco ou seis esboços que eu fiz, Agora eu estou apenas passando por alguns dos esboços que eu Talvez eu queira levar isso mais uma vez em porque parece que quando eu começar, então eu posso me sentir bem em passar para o próximo estágio, É nesta lacuna entre o que você viu em suas referências e o que você lembra delas. Eu poderia esboçar idéias como esta por um longo tempo, e o que eu me senti melhor foi este aqui, verde ou qualquer cor que eu vou usar para folhagem. Ou é suficiente apenas para representar árvores de forma mais Então eu não tenho que me preocupar com o que está no chão e outras coisas assim. as coisas assim muitas vezes acontecem. eu talvez possa resolver algumas das coisas que estavam me incomodando, Ele só me envia para este caminho de que se isso Se eu tiver que sair mais tarde, as pequenas setas direcionais, Outras vezes, eu percebo que nenhuma das minhas ideias está resolvendo o problema ainda, É muito provável que tenha sido um acidente e aconteceu porque eles não estavam e uma mochila que foi deixada na trilha. Para a recuperação, eu só obviamente comecei com a lata de cerveja e tentando descobrir o que é que Você vê esse sinal e você fica tipo, eu devo ir? e porque eu estou refinando, representar mais claramente essa idéia de ser perdido e ser trilha correndo. Claro, este não é um urso perfeito olhando para uma árvore, em seguida, quanto é demais? Talvez eu pense demais, mas Porque isso realmente funciona tão bem, Tudo isso para dizer, a coisa certa, Mas serei capaz de usar essa idéia pode se tornar apenas uma parte do seu estilo. Será que funciona só para tê-lo sem a mão? Isso deve me ajudar a ter um sentimento ou Esse cara segurando o mapa, Este, eu acho que vai ser um pouco mais de um desafio. ousado, ilustração icônica neste livro de imagens lindamente impresso. coisas pode ser muito divertido e uma pausa agradável dos outros dois. no momento em que estou fazendo que o cliente já se sente bem com a imagem e Ele tem sua mochila de corredor vestida. “Eu sei o que é isso”, e eu não tenho que explicar muito. qual deles será o melhor candidato para o Acho que há algo sobre isso. eles, mas não ficar muito detalhado sobre qualquer outra coisa. exatamente como isso vai funcionar assim que eu começar a entrar na final. Isso dá-me informação suficiente para este conceito? Talvez seja como um sinal amarelo ou laranja muito legal Como essas formas vão ser construídas? Acho que o personagem central aqui é o corredor perdido. para que eu não tenha que trabalhar muito mais na final. vou copiá-los em uso a ferramenta de caneta para criar muitas das minhas formas e criar linhas precisas nas minhas formas. e apenas alguns desses ramos de pele descendo, e eu estou super certo de que Então talvez apenas o spray de urso como outro objeto. Eu acho que é realmente útil ser o mais resolvido possível O que é que isso parece? Posso ilustrar um refresco? e eles têm a cerveja na mão e eles obviamente estão tão felizes em tê-la. Mas uma vez que eu sinto que eu tenho cinco ou seis bons candidatos, mais complexo para mim tentar fazer contra o mapa um. quero que uma imagem exista em todo este quadrado aqui, forte e eu posso definitivamente me ver ilustrá-lo no meu estilo e usando minhas técnicas. Então talvez como um banheiro fora das árvores, Só, eu mostro um urso de perto cortado? a rotulagem vai parecer em uma lata de cerveja, então não é muito específico, e, claro, o texto Aqui. Acho que vai ajudar a dar mais atmosfera mal de uma forma, a fim de fazer isso. Alguns conceitos de urso. dessas ondas em algum outro lugar do set? Não importa. Nós vamos ter a árvore e eu ainda não estou referindo nenhuma imagem de referência aqui. é muito menos provável que eu esteja indo ter que fazer quaisquer alterações nessa fase final. Me dá uma largura uniforme para minhas cartas. salamandras ou o que quer que esteja no chão. Isso é muito específico para a maneira como eu trabalho e Isso me dá a oportunidade de incluir terra e grama. uma ilustração interessante dando suas decisões estilísticas e técnicas. qual bifurcação na estrada pegar. eu vou apenas torná-lo um pouco maior para que eu possa apenas Este urso tem que ser uma forma clara que sai dessa maneira. Este é um pincel que eu uso muito para o meu letreiro no Procreate. Talvez eu não precise mostrar todo o caminho até os sapatos dele. minha ilustração e trabalhar no meu estilo usando minhas técnicas. porque eu posso voltar com uma mente nova e eu sou Ou como eles inventaram a maneira de atrair as pessoas de uma certa maneira? Eu sempre acho que se eu estou tentando apresentar um esboço Acho que há algo inteligente eu acho que é tão claro e tem muita diversão nisso. Eu só vou escolher um desses que eu acho que é mais forte. é algo que eu não posso fazer mais de uma vez no set e se torna um pouco de um outlier. Como você desenha as coisas da imaginação? Eu não tenho que me preocupar com pedras, seixos, varas, raízes e para emular que eu realmente muitas vezes apenas usar este pincel em vez. isso apenas cria um bom ponto de partida satisfatório quando eu começo a refinar meus esboços, e que eu ainda tenho algum trabalho a fazer na fase difícil. Em termos de ilustração de combustível, ser um pouco mais alta resolução com meus desenhos. Talvez o que eu faça primeiro, como fiz no outro, é capaz de ver meus conceitos de forma mais objetiva. e ser muito solto sobre isso. Então, entrar aqui está uma decisão editorial que eu estou Você pode se sentir mais confortável deixando tudo isso acontecer mais na fase final da arte. e esses tipos de coisas quando eu estou fazendo a arte final. Claro, quando você entra na final, há sempre mais refinamento a fazer. e eu posso me concentrar em coisas como cor e textura fico o mais abotoado possível e então é apenas uma vela suave, Eu realmente prego o máximo que eu posso no esboço, é mais provável que você tenha que resolver essas coisas na fase final. Na verdade, se a sua técnica não é, eu diria, cristalizada da maneira que a minha está ao longo dos muitos anos que tenho feito isso, Esta fase é onde começamos a esboçar nossas idéias reais. No meu desenho para a classe de ilustração, chamo este modo ideacional ou desenho i-modo. A diferença entre o modo O e o modo I é que agora estamos tirando de nossa imaginação, não de referências e enquanto em nosso modo O nosso único objetivo era baixar algumas informações visuais para nossa imaginação, no i-Mode nosso objetivo é chegar a ideias para as nossas ilustrações. Algumas palavras serão mais fáceis de criar ideias do que outras. Se você estiver representando objetos, a tarefa é simplesmente descrever o objeto de forma estilizada. Você está pensando principalmente sobre a forma aqui, não o que você vai ilustrar, mas como você vai ilustrar o seu assunto. Se você está representando idéias abstratas, por outro lado, você vai ter que fazer um pouco mais de trabalho. Você está pensando sobre o que você irá ilustrar além de como. Ao desenhar em direção às nossas ideias, começamos com miniaturas ásperas e pequenas. O objetivo em primeiro lugar é a quantidade, apenas continue desenvolvendo idéias como elas vêm sem se preocupar muito com detalhes. Então, mais tarde, passamos por nossas idéias para ver quais são os que mais se destacam para nós. Em seguida, escolhemos os que mais gostamos e refinamos antes de movê-los para as ilustrações finais. A primeira coisa que vou fazer é criar um modelo de miniatura, porque agora estamos pensando em ideias, vamos começar a pensar no formato real de nossas ilustrações. Enquanto os esboços do modo O foram feitos de forma livre, eu recomendo esboçar usando miniaturas para este estágio. Então, quando eu faço miniaturas usando o procreate, eu gosto de usar guias de desenho e, ao ativá-las, você obtém basicamente papel gráfico ou papel de grade e seguida, você pode apenas medir usando os quadrados qual será a sua proporção. Então o meu é oito por 10, ou quatro por cinco, então eu vou contar cada dois quadrados como uma polegada. Então 1,2,3,4,5,6,7,8,9,10, por 8, 1,2,3,4,5,6,7,8. Agora você pode ser tão preciso quanto você quiser, eu estou sendo super preciso aqui só para que eu saiba exatamente qual será o meu formato e proporção como eu estou miniatura, e claro que estas são miniaturas eu quero torná-las um pouco menores, então eu vou apenas escala que para baixo proporcionalmente, e eu provavelmente poderia caber seis nesta página muito facilmente sem eles ficar muito pequeno, então eu vou apenas duplicar isso. Agora é claro que você pode fazer isso e apenas desenhar quadrados fora em seu livro de esboços ou em outro programa de sua escolha. Esta é apenas uma das muitas maneiras de fazer isso. É uma tarefa bem simples. Em última análise, você deve acabar com apenas seis miniaturas se você estiver usando este formato, no meu caso, oito por 10, eu posso caber um seis. Se você está fazendo um formato quadrado, então é claro que você será capaz de caber mais aqui, provavelmente três linhas ou quatro, e então eu vou apenas dimensionar isso de volta para apenas apenas luz o suficiente para que eu possa vê-los. Eu não preciso que eles sejam totalmente escuros, a fim de fazer as miniaturas, eu só preciso estar lá para que eu saiba quais são as minhas fronteiras. Eu posso desligar o guia de desenho para ficar um pouco mais limpo, e depois sobre isso, eu realmente vou começar meus esboços ideacionais. Esboços sempre começam ásperos e incertos. Basta começar na primeira miniatura com o que vier à mente. Não seja precioso. Você não está perdendo tempo e não está desperdiçando um quadrado em sua folha de miniaturas. Cada idéia áspera, cada marca que você colocar vai te dar alguma pista para uma idéia mais específica ou um novo pensamento. Quando você preencher sua página, comece uma nova. No procreate, eu apenas oculto a camada atual e adiciono uma nova, sempre mantendo a camada de caixas de miniaturas visível, mas em uma opacidade menor. Se você achar miniaturas muito restritivas para criar ideias, basta trabalhar em uma folha em branco e se preocupar com formato e proporções mais tarde. O mais importante nesta fase é ter boas ideias. Você sempre pode fazer ajustes nas proporções posteriormente. Gaste o tempo que puderes ou quiseres a trabalhar nos teus esboços ásperos, mas pelo menos 10 minutos por palavra ou conceito aqui. Você pode achar que é preciso um monte de problemas para realmente sentir que você está chegando a qualquer lugar, mas então você pode achar difícil parar. Se você está se sentindo lento para começar, continue empurrando através. Se estiver achando difícil parar, mantenha a festa o máximo possível, mas lembre-se de que quanto mais ideias tiver, mais difícil será escolher no próximo passo. Você pode parar quando sentir que realmente encontrou pelo menos uma ideia promissora para cada ilustração. Então eu estou pensando sobre essas imagens de urso que eu estava ilustrando e eu estou pensando sobre a idéia de como isso funciona em minha experiência de corrida de trilhos. Uma das primeiras idéias que eu pensei, que pode ser um pouco óbvio, mas eu vou determinar que mais tarde, são os sinais 'BEAR NA ÁREa' e então há algum urso aqui, e bem, sim, eu quero ter certeza que meus esboços gerais acabam parecendo bons eventualmente. Agora eu estou apenas focando em idéias e, em seguida, quando chega a hora de os esboços refinados como escolher as idéias que eu quero ir com, eu vou levá-los em uma forma mais refinada. Sabe, talvez eu queira incluir um daqueles “Urso na ÁREA “usando um urso aqui, um sinal de “Urso na ÁREA “em uma árvore ou talvez em uma floresta. Também estou lembrando que o formato pelo qual me inspiro é emparelhar as imagens com palavras. Então minha palavra aqui que eu estou trabalhando é claro urso e apenas escrevendo essa palavra aqui, grande, onde minha grande palavra vai acabar no meu formato final, ela me ajuda a tocar a imagem que estou desenhando ou o conceito com a palavra e ver como aqueles trabalham juntos. Então eu posso continuar a fazer isso para todos esses conceitos, esboços ou miniaturas. Talvez seja a idéia de um urso de pé em suas patas traseiras, eu vou descobrir como essa cabeça se parece mais tarde, eu estou realmente tentando apenas desenhar da imaginação agora. Eu poderia olhar para algumas imagens de referência mais tarde quando eu estou refinando apenas para ter certeza de que eu tenho alguns detalhes certos, mas a idéia aqui é apenas para obter a idéia para fora. Então eu estou pensando em um urso olhando para cima de uma árvore e talvez haja sapato de alguém para sugerir que há um corredor que acabou de subir uma árvore, algo assim, talvez ele tenha postes de corrida e eles são jogados aqui ou algo assim. Há também o conceito de spray de urso, então emparelhar palavras com imagens, pode ser muito poderoso apenas ter uma imagem do próprio spray de urso, a lata com uma pequena parte do buraco do dedo do gatilho lá, e então fazer algo com o rótulo aqui, algo como, “BEAR MAX” ou inventar algum nome que não seja muito específico, mas evoca essa sensação de spray de urso, e então há como avisos de explosividade ou o que quer que seja aqui. Perigo. Preciso mostrar uma mão realmente operando o spray de urso? Novamente, eu posso ter que olhar para a minha mão para ter uma noção de como é puxar esse gatilho ou até mesmo olhar para uma imagem, uma imagem de referência apenas para acertar isso. Mas agora só estou perguntando, é uma boa idéia que vale a pena perseguir e passar por todo o trabalho de refinar mais tarde. Novamente, como é que combina com as minhas palavras? Eu provavelmente vou fazer as proporções gerais de cada ilustração, a ilustração parte um quadrado, e, em seguida, encaixar a palavra aqui em baixo. É um corredor que entrou em contato com um urso na floresta e eles estão surtando? Basta obter todas as idéias que vêm à sua cabeça neste momento. Você pode encontrar-se entrando em detalhes e tentando acertar sua forma e depois voltando e gostando do que estou fazendo aqui, sendo mais esquemática ou fazendo coisas tipo bastão só para resolver a idéia. Ambos estão bem nesta fase. Fazemos um pouco dos dois. Aqui eu tenho algumas idéias que eu acho que vai funcionar. O que vou fazer é passar para o próximo conceito. Vou fazer um “perdido “para o meu próximo exemplo. Isso ajuda apenas para colocar minha mente neste próximo conceito escrevendo a palavra, mesmo que você não vai incluir palavras em sua ilustração real em seu projeto. Escrever a palavra em algum lugar onde você está desenhando pode ser apenas uma maneira de obter algumas marcas na página e apenas fazer você fluir imediatamente. Por perdido, isto vai ser mais complicado. Estou pensando em alguma imagem que seja clara e evoca uma sensação de estar perdida ao mesmo tempo. Uma ideia é um corredor atrás de um mapa, um mapa de trilha, o que quer que pareça, talvez haja uma floresta atrás dessa pessoa. Então, claro, se houver um mapa, eu tenho que pensar se ele vai ter algum mapa real nesse mapa, algo para pensar. Mas eu gosto dessa imagem, é clara e icônica. Alguém está por trás do mapa e até mesmo o fato de estar atrás do mapa os faz perder para nós, o que reforça o conceito. Estou pensando agora sobre a imagem do corredor que vimos de trás que desenhamos em modo observacional em nossos esboços preliminares, e ele tinha seu pacote de hidratação e ele estava correndo, em algum caminho em algum lugar. Vou mudar a situação dele um pouco como se estivesse num deserto. Estou mais familiarizado com os bosques do noroeste do Pacífico, então são árvores. Quero dizer, o que posso acrescentar a esta ideia? Vou copiar e colar isto. Isso pode ser mais específico sobre estar perdido porque agora ele é como ter uma corrida. Ele pode estar se divertindo se sentindo bem, ou pode estar se sentindo perdido. Talvez haja uma maneira de evocar esse sentido com algo mais etéreo. Um pouco menos sobre o que está acontecendo realisticamente e talvez sobre o que ele está sentindo. Talvez estas ondas de nevoeiro ou algo assim que vêm dele. A palavra que vem à mente é como se fosse etérea, e talvez nessas áreas nebulosas, eu poderia ter setas direcionais diferentes para mostrar a sensação de confusão, e talvez as árvores apareçam sobre elas. Ele cria essa jogada muito dinâmica sobre essa idéia de ser perdido. Essa poderia ser interessante. Eu definitivamente poderia ver algum potencial realmente interessante para como minha técnica baseada em impressão funcionaria aqui com cores sobrepostas e superimpressões e coisas assim. Isso poderia ser muito legal. Vamos tentar mais um pouco. Eu acho que para este conceito aqui, eu vou torná-lo o mais próximo possível da minha própria experiência de estar perdido. Então, quando estou correndo trilhas, especialmente trilhas com as quais não estou familiarizado, eu me perco sempre. Não há dúvida sobre isso. Eu sempre me vejo me questionando em junções. Estarei em um cruzamento e estarei, é por aqui ou é por ali? Então essa experiência muito específica de estar em uma trilha e há uma bifurcação na estrada e eu estou questionando, eu só escolho esse caminho com base na intuição ou é hora de quebrar meu telefone e olhar para o meu mapa e ver onde estou realmente. Com este, eu só penso em mim e no meu chapéu de corrida e olhando para o meu telefone intrigado e para onde ir. Muitas vezes há pequenos marcadores de trilha nas árvores, e neste caso, talvez nesta ilustração, teremos um apontando uma direção e um apontando a outra, apenas para dar esse senso de escolha. Às vezes, quando você está perdido, você está perdido em sua escolha. Você não sabe para que lado ir com duas opções diferentes. Que é uma metáfora para a vida. Nós temos, eu amo a sensação de apenas todas essas árvores, estas verticais quase como barras e a luz filtrando através, alguns dos galhos descendo para a imagem. Então aqui eu estou pensando sobre idéias, eu estou pensando sobre composição, eu estou pensando sobre qual destas vai causar o maior impacto. Eu sinto que eu não preenchi minha folha de miniaturas para perdido, mas eu realmente sinto que eu definitivamente tenho algumas opções fortes para ir com aqui, e eu tenho certeza que dentro deste conjunto, eu vou ter pelo menos um para passar com na ilustração final. Aqui estão alguns outros esboços que eu elaborei algumas idéias. Eu tenho aqui, alguns esboços para combustível. Então, o tipo de comida que você vai comer em uma trilha. Eu só tenho uma mistura de coisas diferentes, como layes planas de icônicos procurando pacotes de gel de energia. Outra coisa que eu pensei foi talvez apenas como eu usei gel de energia como eu gastei mandíbula de energia com top arrancado fora e a cola material açucarado saindo como um tubo de pasta de dente usado ou algo assim. Talvez um pacote para mostrar claramente o que é e um que tem sido usado e, claro, talvez uma variedade diferente de fontes de energia naturais e baseadas em produtos para funcionar. Algumas outras coisas que eu tinha para perder, apenas os sinais de encontrar caminhos em um tronco de árvore. Esses poderiam ser muito gráficos em si mesmos com uma laranja brilhante, talvez, ou talvez apenas segurando um telefone com seus mapas de trilha, bem ali. Talvez alguém a esteja a segurar. É um conceito simples que pode funcionar bem. Eu tinha algumas opções para fazer cocô, aqui eu tenho alguém fazendo a ação e alguém está vindo pelo caminho e ela está pirando porque isso seria horrível. Aqui está algo um pouco mais sorrateiro. Só a cabeça de alguém, o que eles estão fazendo fora? Não sabemos, mas junto com a palavra cocô, pode evocar a sensação de alguém fazer esse negócio. Claro, algo um pouco mais gentil. Uma pá, um desinfetante para as mãos, e um rolo de papel higiênico, por exemplo. Só mais brincando com a idéia da pessoa no tronco da árvore, que eu realmente gostei. 18. Projeto | Dias 2 a 4: Conjunto Piloto (arte finalizada): Esta fase é onde tudo se junta. É aqui que você usará a técnica escolhida para criar ilustrações acabadas a partir de seus esboços. Quando você domina uma técnica, quando você tem um estilo no qual você está acostumado a trabalhar, esse estágio se torna muito mais fácil. Acho que posso gastar mais de metade de um projeto apenas no desenvolvimento de esboços. Quando chega a hora de ilustrar, é velejar suave. Esta é uma das grandes vantagens de ter um estilo definido ou conjunto de estilos em que você está acostumado a trabalhar. As chances são, é claro, que você estará experimentando uma técnica que você ainda não dominou, e será neste estágio que você provavelmente vai achar mais difícil. É aqui que você experimentará a curva de aprendizagem mais íngreme e a maior diferença de sabor como outros, como Lisa Congdon e Andy. J. Pizza apontou, onde o que você imagina será diferente do que você é capaz de fazer agora. Você deve esperar, nesta fase, especialmente nos pilotos, para encontrar alguns obstáculos técnicos. Você vai se perguntar como fazer todas as coisas, como alcançar um certo efeito, qual pincel usar, como obter uma certa textura. Todos esses obstáculos são as coisas que muitas pessoas desistem em tentar superar porque é trabalhando através desses, ou encontrar soluções alternativas que você vai dominar sua própria técnica, e sair do outro lado com um mais verdadeiro para você estilo. Esta é a parte da turma onde eu gostaria de poder dar-lhe um passo a passo de sua técnica escolhida, mostrar-lhe como superar seus obstáculos específicos. Claro, eu só trabalho à minha maneira e meu propósito não é fazer com que todos trabalhem no meu estilo. Dito isto, vou guiá-lo através do meu próprio modo de fazer as coisas porque, pelo menos, posso dizer-lhe como estou aplicando os princípios ensinados nesta classe ao meu modo de ilustração, e isso é realmente a coisa mais importante que eu quero dar-lhe nesta classe. Eu quero que você veja como o estilo não é apenas algo que eu faço completamente por intuição, como se por magia. Há um monte de pensamento real sobre as coisas, estratégias e racionalização. A boa e a má notícia é que, todas as técnicas que você quer aprender estão lá fora. Quer você queira aprender guache, triagem de seda ou Procreate, alguém está dando uma aula sobre isso. Meu trabalho nesta aula não é dar técnicas específicas, mas guiá-lo na descoberta suas próprias técnicas e trabalhá-las em ilustrações reais. Honestamente, passar por este processo de bater paredes e obstáculos vai fazer você crescer mais do que qualquer outra coisa. Você vai descobrir que você vai aprender maneiras de saltar sobre seus obstáculos ou você vai encontrar maneiras de trabalhar onde você pode evitar com sucesso esses obstáculos completamente. No final da etapa, você terá um conjunto piloto, talvez 3-4 ilustrações que demonstrem o estilo e abordagem que você usará para o resto do set da E-Z, ou o que você deixou de fora do seu conjunto piloto. Este provavelmente será o estágio mais difícil, mas você será capaz de levar tudo o que você aprendeu aqui e deixá-lo guiá-lo, espero que mais suavemente através do resto do set. Quando você terminar seu conjunto piloto, certifique-se de compartilhá-los na página do projeto da classe junto com alguns pensamentos sobre como o processo foi ou está indo para você. É sempre tão encorajador e inspirador ver o seu trabalho, tanto para mim como para outros alunos. Uma das grandes coisas sobre este projeto é compartilhar. Compartilhar nos dá prática e ser vulnerável em relação ao nosso trabalho, e em ilustrar para um público. Também nos dá uma oportunidade valiosa para o feedback um do outro. Certifique-se de olhar para outros projetos, dar-lhes algum amor, e até mesmo alguns comentários amigáveis, se você puder. Se você planeja compartilhar no Instagram, certifique-se de usar a tag, TheStyleClassIllustration. Estou olhando para a minha tela e o que eu fiz foi colocar todos os meus esboços selecionados para cima, e eu apenas completamente para que eu possa vê-los como um conjunto. Todos eles têm um nível consistente de refinamento para eles. Eles são todos muito claros, e também muito claramente ainda esboços. O que resta a fazer é fazer a magia acontecer com cor, textura e forma e todas as outras coisas boas. Eu só tenho que escolher um desses e começar a trazê-lo para uma ilustração. Vou começar com o urso. Aqui eu peguei meu retrato refinado do urso e eu copiei e colei em um novo documento do Photoshop. Então, para mim, vou chamá-lo rapidamente de configurações do meu documento. Eles têm 2400 pixels de largura por 3000 pixels, ou em polegadas, isso é 8 por 10 polegadas a 300 pontos por polegada ou pixels por polegada. Este é apenas o formato que eu escolhi para trabalhar, e agora, aqui eu realmente tenho que definir isso exatamente no Photoshop, é aqui que as coisas se tornam reais e nós temos que ser mais precisos. Tenho aqui o meu sketch. Uma das primeiras coisas que faço quando trago um esboço para o meu arquivo de ilustração final é, eu queria puxar para trás em opacidade, então eu apenas derrubo isso para cerca de 20, 30 por cento ou mais, e eu deixei isso ficar na camada inferior grupo que eu chamo de esboço. Isso só vive lá. Eu posso torná-lo visível ou escondê-lo como eu preciso, enquanto eu estou trabalhando, e sobre o grupo de camadas de esboço, eu coloco um grupo de camadas em cima que eu chamo de arte, e é aqui que todo o meu trabalho artístico acontece, todas as coisas acabadas acontecem dentro desta pasta. Muito importante, eu faço essa camada opacidade de todo esse grupo se multiplicar. Então, tudo o que faço naquele grupo de camada de arte, o esboço acaba aparecendo através de todas essas coisas. Você vai ver o que quero dizer enquanto eu for junto. Claro, enquanto eu guio você através de minhas próprias ilustrações finais, eu vou estar usando o Photoshop. Este é apenas o aplicativo que eu uso que funciona melhor para mim. Se você estiver usando o Photoshop, ótimo, tudo isso será aplicado, mas ainda assim, maioria dessas coisas se aplicará a qualquer aplicativo que você estiver usando, seja Procreate, Illustrator ou de outra forma. Isso é apenas um preâmbulo, mas definitivamente a coisa mais importante para sair disso são as decisões que estou tomando. Como estou aplicando as técnicas e as coisas estilísticas que faço a esses problemas de ilustração em particular? Agora, antes de nos anteciparmos demais, vamos salvar isso. Vou pegar essa ilustração e dar um nome a ela, urso. Eu sempre gosto de dar-lhe um número de versão, uma vez que esta é a minha primeira tentativa, eu vou chamá-lo Urso v1 e, em seguida, claro, a pequena extensão lá, psd. A próxima coisa que quero fazer é ter certeza que tenho minhas proporções. Como eu estava dizendo antes, eu quero que as ilustrações sejam um quadrado perfeito e então o restante desse espaço será onde eu coloquei a palavra. Uma maneira rápida de apenas ter certeza de que há um quadrado é, eu uso a ferramenta de letreiro, a ferramenta de letreiro quadrado, e eu apenas mantenho o shift para que ele o torne perfeito quadrado e , em seguida, preenchê-lo de borda a borda da tela Aqui. Então eu só pego um guia e o coloco no fundo. Aí está o meu quadrado perfeito. Posso desmarcar. Como você já pode ver eu tenho que refinar minhas proporções no meu esboço um pouco. Eu posso ver que onde eu pretendo colocar minhas letras é um pouco grande. Eu vou colocar isso lá embaixo e eu vou estar fazendo aquela letra ou costume mais tarde, então não importa muito sobre exatamente o quão grande isso é lá em baixo. Então, é claro, aqui em cima, eu só quero ter certeza que estou preenchendo o máximo que puder deste quadrado de cima. Vou guardá-lo de novo e vamos para as corridas. Para mim, a primeira coisa que fiz foi escolher algo na imagem para começar a piscar. Neste caso, vai ser a forma do urso aqui. Então eu vou começar a fazer meus caminhos aqui com a ferramenta de caneta, que eu uso para obter essas formas precisas. Tenho umas partes engraçadas do dedo do pé aqui para o urso. Tenho que ter cuidado. Eu só vou passar rapidamente pela forma aqui e então eu posso refiná-lo um pouco mais tarde. Agora, usando caminhos vetoriais, quanto menos pontos de controle você tiver, mais fácil é controlar a forma geral, então estou sempre atento a isso. Esse é um truque que aprendi fazendo letras personalizadas. Eu acho que estava no livro de Jessica Hische sobre desenhar letras, que é totalmente diferente do que eu estou fazendo, mas alguns princípios realmente bons em termos de apenas construir caminhos vetoriais elegantes. É mais uma técnica baseada em ilustrador, mas acho que funciona bem. Novamente, o princípio principal que aprendi aqui é que quanto menos pontos de controle você tem, mais fácil é realmente controlar essa forma. Você terá menos peculiaridades associadas ele de modo que é apenas a forma de primeiro plano do urso. Em minha própria técnica no Photoshop, eu crio esses caminhos e depois os aplico a grupos de camadas inteiros, e então tudo o que eu faço dentro desse grupo de camadas torna-se mascarado por essa forma de caminho e mostrarei a vocês o que quero dizer. Eu poderia preencher isso com uma cor sólida como essa, mas porque eu quero ter algumas texturas neste, eu vou usar um pincel que eu amo usar. Não me lembro do que esse pincel é um dos muitos pincéis de Kyle T. Webster. Este é um pincel baseado em Guache, eu acredito que é do seu conjunto Mary Blair que eu desde então nomeei algo mais específico para algo que eu estava fazendo na época, mas eu uso o tempo todo e eu vou mostrar a vocês como isso funciona. Eu fiz essa forma de caminho, eu mascarei, e agora tenho uma camada dentro desse grupo de camadas e você pode ver como eu estou desenhando, ele preenche a forma. Vou escolher uma cor diferente. Quando você está começando, você pode não ter uma boa noção de quais cores começar. Eu tenho um punhado de cores, talvez seis ou oito cores específicas que eu quase sempre uso tanto quanto eu sou capaz a menos que o cliente me peça para fazê-lo de outra forma ou eu tenho algumas outras restrições que eu estou trabalhando com, mas que torna a minha escolha de cor fácil. Eu não abordo como escolher cores nesta aula. Eu vou para ele com Sweet Spots e eu dei alguns prompts em termos de algumas cores pontos de partida se você não sabe o que cores para começar. Por favor, dê uma olhada nisso na classe, projetos e recursos da minha classe Sweet Spots. Vamos começar a dar-me uma ideia do que a forma do urso vai parecer e isso dá-me a sensação de que estou a progredir e acho mais fácil continuar. Uma vez que eu obter alguma forma ou forma má na página. Mesmo que esta forma de urso é tudo como uma forma, eu estou fazendo os membros traseiros ou como os pés que vão atrás separados, e isso me dá alguma flexibilidade em termos de terminá-los mais tarde e adicionando texturas e ajudando a distinguir primeiro plano e fundo sobre esta forma de urso particular mais tarde. Estes dois membros que saem na parte de trás podem ser um grupo e eu vou preencher isso com a mesma cor de antes. Eu provavelmente vou adicionar algum ou sombreamento para distinguir estes das formas do urso que estão mais perto em primeiro plano ou eu vou usar linhas. Aqui está um detalhe que eu vou prestar atenção. Eu fiz a minha pequena forma de pata lá usando a ferramenta de caneta e ele fez estes pequenos loops, este pouco de espaço negativo aqui. Posso entrar e ser muito exigente com esse detalhe. Mesmo com o tamanho de cada dedo. Este mindinho aqui pode ser um pouco menor, mas são pequenos detalhes como esse. Como quando olho para trás e olho para o meu trabalho ao longo dos anos e vejo quando achei que estava tudo bem deixá-los, há uma energia espontânea para eles, mas olho para trás e vejo um erro. Eu vejo algo que pode ser um detalhe, talvez eu chamá-lo de um movimento de novato e agora eu gostaria de ter certeza que todos esses detalhes estão realmente resolvidos. Isso parece melhor para mim e eu posso continuar e, claro, você pode optar por começar apenas a fazer suas formas gerais muito rapidamente e depois voltar a esses detalhes mais tarde. Muitas vezes é o que eu faço. Mas, às vezes, se eu encontrar algo, vou lidar com isso imediatamente e continuar. Isso é algo que pode fazer rapidamente. Mas vamos encher este urso um pouco mais. Acho que esta textura ainda é um pouco granulada demais. Eu queria apenas preenchê-lo um pouco mais e com este pincel particular, eu acho que fazer um pouco maior e, em seguida trabalhar mais na ponta preenche essa textura um pouco mais solidamente. Mesmo que este seja tecnicamente não um pincel baseado em impressão, é suposto ser mais Guache. Tem uma textura verdejante que me lembra de tinta verde sobre papel, que muitas pinturas como se você olhar para o trabalho dos Provensen, eles trabalharam em Guache, mas então seria impresso em papéis, então há cruzamento entre essas técnicas Guache sobre técnicas de impressão. Todos eles sentem o mesmo para mim, então eu vou usar um pincel diferente para o olho do urso. Aqui eu tenho um costume, Eu chamá-lo como um pincel tipo Caneta tipo Photoshop. Eu uso este muito para detalhes, trabalho de linha e coisas assim. Aqui está o peso do olho, eu vou preencher isso com, claro, a pupila para ser escura. Minhas técnicas, incluindo as cores que eu quero usar e quantas cores eu quero usar, são realmente inspiradas pelo que Blexbolex fez em seu trabalho. Onde ele tinha apenas como um punhado de cores e se você quisesse cores que não existissem em sua paleta ou um tom mais escuro, ele poderia misturar essas cores imprimindo uma sobre a outra. Posso emular esse Photoshop usando o canal de multiplicação ou o modo de mesclagem de multiplicação. Para isso, este azul é na verdade o tom mais escuro que eu posso obter nas cores que eu quero usar. Eu só vou desenhar rapidamente aqui. Quero usar este vermelho-alaranjado. Eu uso isso em quase todas as minhas artes, é apenas uma das minhas cores favoritas que eu vou usar isso. Eu também quero usar este azul escuro, claro. Acho que o amarelo vai ser uma ótima cor para o tema “Trail Running”. Então verde seria uma ótima cor, claro, porque você está na floresta, há muito verde por aí, então faz sentido ter essa cor. Então essas quatro cores, eu estou fingindo que minha peça vai ser impressa usando um conjunto limitado de tintas, neste caso, essas quatro. Então a questão é, como eu posso realmente trabalhar com essas cores e esticá-las o máximo possível enquanto permanecer dentro dessa restrição. Para o urso, eu quero que esta seja agora a cor inicial para que eu possa usar o vermelho para tornar o resto do corpo ainda mais escuro. Então eu vou apenas definir meu modo de mistura para normal. Eu vou escolher um pincel aqui chamado Godfather of Grain, que é da Retro Supply Company, um bom pincel de influência de impressão, impressão. Eu só começo a desenhar em alguma textura sobre deixar as bordas um pouco inacabadas lá, e isso vai sugerir luz. Claro que o rosto, eu quero que ele seja mais leve, então eu vou evitar a área do rosto. Você pode ver que eu perdi um pouco do preenchimento do antebraço lá, mas eu posso descobrir isso mais tarde. Mas vamos agora colocar o modo de mesclagem de volta para multiplicar. Você pode ver que eu tenho este tom escuro agradável que é feito pelo azul e o vermelho, o azul profundo e o vermelho, e cria um tom mais escuro agradável. Se eu fizer isso tudo de novo, vai criar alguns efeitos agradáveis. Há algumas peculiaridades aqui, como algumas daquele vermelho de baixo mostrando por aqui. Então, vou preencher esse traseiro azul. Isso conserta isso. Claro que pegue alguns dos membros traseiros, estou criando uma nova camada e pegando meu padrinho de grãos e preenchendo isso aqui também. Vou multiplicar isso. Então, estou achando que o azul mais profundo é um pouco escuro demais. Eu acho que se eu iluminado apenas um pouco, fui com um mais leve, eu provavelmente veria mais desse contraste entre as áreas tingidas vermelhas mais escuras e o azul abaixo. Então o que eu vou fazer é apenas remover isso, eu selecionei apenas como um tom mais leve ligeiramente modificado da mesma cor, e já estou vendo este trabalho muito melhor. Você realmente vê essa transição sutil, mas muito mais perceptível das áreas tingidas vermelhas ou as áreas matizadas vermelhas para aquele azul. Acho que isso vai passar por muito mais agradável. Apenas como um lado técnico, quando você está trabalhando em impressão, se você está fazendo um livro de imagens, por exemplo, e ele vai ser em certos tipos de papel, especialmente papel não revestido, aqueles cores mais escuras começam a sangrar um com o outro. Portanto, ter uma cor ligeiramente mais clara e escura vai realmente ajudar suas chances de não ficar muito confuso quando comparado com as outras cores, especialmente se duas cores mais escuras estão batendo uma contra a outra. Vou fazer isso também por aqui. Então eu vou voltar para o Poderoso Chefão de Grãos. Eu acho que eu vou apenas preencher algumas dessas áreas que eu sinto que são um pouco agora muito leves e contrastes. Queremos ser mais escuros, exceto pelo rosto. Então agora eu quero trabalhar nos detalhes do urso como o nariz, a boca e algumas das linhas, talvez. Vou usar um pincel aqui, é um lápis 4H da caixa de desenho do Kyle. Eu acho que se eu fizer branco aqui e usar alguns traços rápidos, isso deve ser o suficiente. Agora eu vou colocar esses traços, por cima de todas as formas de urso e apenas usá-lo para resolver alguns desses detalhes que de outra forma seriam perdidos. Eu acho que o que eu vou fazer é começar a suavizar um pouco e isso só vai ajudar minhas pinceladas a ser muito mais suave do que eu posso fazer naturalmente com minha própria mão. Para isso, acho que vai ajudar com certeza. Eu vou definir isso para cerca de 70 e agora isso é muito melhor. Uma coisa que eu estou tendo em mente em termos de estilo é entrar nesse curso levemente no início, quase como um avião aterrissando na pista. No início, ele toca levemente e, em seguida, o peso total da coisa está na pista. Isso só deixa o derrame aqui realmente entrar. Então não cria um fim abrupto para essa forma, o que eu acho que é um bom efeito para este estilo em particular. Aqui em cima, eu também vou definir onde o pescoço e peito do urso se cruzam com o braço que está atrás. Mais uma vez, apenas parando com o braço. Eu não preciso desta linha para chegar até aqui, se eu fiz isso, eu vou fazer isso muito rápido, você vai ver que chama muita atenção para este cruzamento aqui. Eu não acho que isso é necessário para distinguir essas duas formas diferentes que estão em dois planos diferentes. mesmo com o que está acontecendo aqui. Só uma pequena linha para separar os dedos um pouco mais. Os ursos não têm dedos, mas este não é um urso realista e estamos a tomar algumas liberdades. Estes pequenos detalhes apenas ajudam a dar-lhe um pouco mais de caráter. Posso revisá-los mais tarde se achar que são o caminho errado. Então, aqui estou eu achando que o arco do meu traço não está realmente combinando com o arco da forma do caminho que eu fiz lá, e isso é algo que eu vou querer corrigir. Eu poderia corrigi-lo agora ou mais tarde, mas é algo apenas para anotar e ter essa transição ser um pouco mais suave assim. A coisa boa sobre esse efeito de desvanecimento, aquele avião tocando suavemente no início é que isso implica que a linha continua sem que você realmente tenha que colocar a linha todo o caminho. É apenas uma maneira mais elegante de colocar essa linha. Para este detalhe aqui, eu só quero ter certeza que essas pequenas linhas, essas linhas brancas estão mascarando ou obscurecendo ou escondendo as pequenas cúspides, esses pequenos cantos afiados aqui. Se eu deixar que os golpes bem ali em cima, ele tira aquele pequeno momento afiado de tensão e suaviza um pouco. A única coisa que resta para fazer no urso aqui, é claro, é a boca. Vou tentar um derrame lá, deixar e ver como fica comigo mais tarde. Então, em termos de nariz, eu vou voltar para aquela camada vermelha esta aqui, e apenas usar meu pincel de tinta na mesma camada e usando a mesma cor de vermelho. É a mesma idéia de imprimir aquele tom de leitura sobre o tom azul, que é aquela coisa impressa que eu estou tentando usar neste estilo, e apenas desenhar aquele nariz lá dentro. Se às vezes eu achar que as bordas do que eu pintei ou desenhei, não são exatamente o que eu quero. Posso usar o conjunto de ferramentas de borracha para um pincel. Este é outro que eu nomeei e há muito esquecido o que o pincel real é, mas eu posso definir a ferramenta borracha para este pincel e, em seguida, apenas suavizar isso um pouco. Apenas limpe. Eu não quero perfeitamente crocante. Eu quero um pouco de uma sensação artesanal áspera para ele, mas é um pequeno detalhe e eu acho que ele só parece um pouco mais suave. De vez em quando é bom esconder seu esboço e ver como sua arte real está indo junto. Estou me sentindo muito bem com esse urso, e ele não parece super assustador ou ameaçador, mas ele é super fofo. Acho que vou continuar com isso. A próxima coisa que vou fazer é fazer aquela árvore. Eu acho que para este eu vou fazer a árvore descer para o nível dos pés do urso. Vou desenhar uma diretriz lá, só para mostrar que os pés do urso estão. O fundo da árvore e o urso estão sentados em um terreno imaginário que talvez eu não precise desenhar. Claro, eu posso estender a árvore além do topo da tela porque é claro que a árvore vai mais do que apenas até lá. Novamente, eu estou contendo um grupo de camadas com uma forma passada e, em seguida, tudo que eu desenhar neste grupo de camadas será contido, terá essa borda nítida agradável. Para a árvore, eu vou usar, se você referenciar as cores, eu manchar para este projeto. Preciso achar um jeito de fazer marrom. Acho que minha melhor aposta será em algum lugar na combinação das cores vermelho e verde aqui, ou na minha imaginação, estas são tintas. Vou desenhar uma camada vermelha aqui primeiro, novamente, usando meu pincel mais amplo baseado em textura. O que eu amo sobre este pincel é que eu posso torná-lo maior, mas a textura que sai dele sempre permanece a mesma escala, não importa o que eu faça. Eu poderia continuar escovando sobre aqueles e a textura onde aqueles pequenos pintos exatos de branco vindo através sempre ficar no lugar como se essa é a textura literal real do papel de modo que isso é ótimo. É verdade, parece um pouco torto, então vou endireitá-lo, talvez torná-lo um pouco mais, menos afunilado. A próxima coisa a fazer, é claro, é fazer aquela árvore um pouco mais marrom. Se eu desenhar um pouco de verde sobre isso, novamente definindo o modo de mesclagem para multiplicar. Eu sinto que isso me dá uma cor marrom agradável realmente. A próxima coisa que eu poderia querer fazer é adicionar algumas das texturas reais talvez casca a isso. Acho que o que vou fazer é adicionar mais uma camada aqui e usar o tom azul com que eu estava trabalhando. Vou usar mais uma textura de lápis, e desenhar isso. Claro, se eu definir o modo de mistura para multiplicar, repente escurece e tem esse efeito de cor harmonioso agradável. Por último, quero adicioná-lo apenas um pouco de textura a esta árvore apenas para dar-lhe um pouco de atmosfera. Novamente, o padrinho do verde é ótimo. Mesmo que eu esteja usando este pincel granulado, eu estou usando o outro, o pincel mais guache que eu estou usando para as texturas amplas. Então eu estou usando esse pincel de lápis para alguns desses contornos. Em última análise, eu vou estar aderindo a um conjunto muito estreito e limitado de pincéis e Photoshop que eu uso de maneiras diferentes. O desafio está em como fazer com que todos eles façam coisas diferentes. Mas o benefício de apenas usar alguns estilos de pincel em vez de um pincel diferente para cada efeito diferente possível que você quer, é que ele cria consistência estilística. Isso é uma coisa enorme se você quer consistência em seu trabalho, sempre use as mesmas cores. Use sempre o mesmo conjunto de pincéis. Use sempre a mesma série consistente de estilos de letras. Todas essas coisas somam-se ao longo do tempo. Se você olhar em todo o seu trabalho corporal e se você está sempre sendo consistente dessa forma, um estilo consistente emerge. Vou usar esse pincel granulado, mesmo tom de azul para harmonia. Acho que se eu criar uma coisa dessas, basta. Para essas árvores, vou usar meu pincel de guache aqui. Vou reduzir o tamanho para talvez 60, e usar verde, é claro. Eu vou definir suavização em talvez 70 ou 80 por cento. O que eu não quero é algo que pareça muito mecânico. Eu quero que haja um pouco de peculiaridade nisso. Eu vou fazer os galhos aqui um pouco mais swoopy do que eu desenhei no esboço. Dê um pouco mais de caráter. Eu poderia copiar e colar isso, talvez fazer um mais baixo, e se eu achar que isso é muito obviamente repetitivo, o que eu poderia fazer é apenas modificar cada um de forma independente. Então eles são duplicados, mas eu posso modificá-los de forma independente, o que dará a cada um um pouco mais de um sentimento único. Estou usando a ferramenta de borracha aqui para reduzir e afiar alguns desses, fazê-los parecer um pouco mais como se eu quisesse dizer isso, e isso é uma coisa enorme quando você está usando ferramentas digitais. O risco que você corre usando pincéis de outra pessoa que estão comercialmente disponíveis é que outras pessoas vão usá-los também. Então você não está pronto para ir, se você encontrou um pincel que você ama, você deve sempre encontrar uma maneira de usá-lo de uma maneira única. Às vezes isso virá muito facilmente apenas na forma como ele pousa pela forma como sua mão se move naturalmente, mas também em como você modifica as marcas que esse pincel em particular faz. Isso realmente faz uma grande diferença de apenas usar algumas predefinições ou pincel fora da caixa. Eu estou deixando algumas peculiaridades permanecerem enquanto estou fazendo isso, e permitir que alguns acidentes permaneçam e não se preocupando muito com isso, é uma estratégia que você pode usar para manter seu trabalho parecendo espontâneo e não sobrecarregado. Para grama eu vou usar um pincel à base de lápis, algo para fazê-lo parecer desenhado à mão lá, e eu estou apenas passando por algumas das escovas de lápis que eu tenho na mão. Veja qual funciona melhor. Este funciona bem, e apenas tendo em conta as larguras que saem. Novamente, estou empregando repetição aqui, se você está pensando em estilização e princípios de design. Repetição aqui é apenas usar três da mesma coisa, mas cada um também é feito de forma independente, que faz com que cada um, eles apenas criam um pouco mais de movimento, então é o mesmo, mas diferente. Para esses pólos, acho que o que vou fazer por esses pólos é ser mais preciso. Vou usar minha ferramenta de caneta, e acho que serão amarelas. Eu usei amarelo aqui porque eu preciso adicionar alguma variedade de cores, e é apenas uma oportunidade para trazer um pouco disso aqui. Para as alças, vou usar esse azul mais escuro. Quero essas alças para cima, e eu estou entregando isso como um pequeno detalhe, e eu posso realmente apenas duplicar isso. Coloque isso no outro poste, em seguida, eu vou desenhar os pequenos loops talvez usando a mesma qualidade de linha que eu fiz no urso. Eu poderia até duplicar isso para mais repetição. Às vezes, o fundo desses postes tinha alguma parte de borracha. Então, algo assim. Pode ser algum senso de design ou talvez estes sejam pólos dobráveis, e esta é a junta onde você pode estender, algo assim. Bem, antes de entrarmos nas letras, vamos dar uma olhada na imagem. Neste ponto, a pergunta vem a mim, é suficiente que este urso esteja aqui e estes postes estejam aqui, mas você não vê o corredor? Eu gosto disso. Acho que se for uma série de trilhos e você já sabe disso, você entra e vê os postes lá embaixo. Há história suficiente na imagem, e há algo satisfatório quando você está vendo uma imagem onde você começa a inventar o que aconteceu um pouco, você começa a participar de fazer o resto dessa imagem. Vou deixar isso aí e focar agora em fazer as letras. Muitas vezes eu faço minhas letras usando um pincel plano usando tinta, e então eu coloco isso no papel e digitalizo isso. Mas, na verdade, tenho uma maneira de emular isso digitalmente. Vou mostrar-vos como faço isso no Procreate. Vou pular aqui para Procreate e vou criar um novo documento aqui. Mostrei mais cedo usando guias de desenho. Guias de desenho são excelentes para fazer letras. O que eu gosto de fazer é encontrar aquele guia de desenho mais perto de dizer, um valor de 75. Então eu só meço minhas letras em termos de quantos quadrados de grade cada letra é. Então eu sei que se eu precisar fazer, como para esta série, eu vou estar fazendo uma palavra para o urso, e então para perdido e então por diante para toda a série, vai ser bom saber quantos quadrados de grade eu usei e então eu posso ser muito consistente sobre as proporções das minhas letras. Para este, eu uso um pincel estilo marcador plano ou quadrado. Isso vai ser um pouco pequeno quando eu levá-lo para um Photoshop, então eu vou fazer isso um pouco maior. Apenas em termos de suavização de caminhos ou suavização de traçados, como eu estava fazendo no Photoshop. Você pode fazer isso também no Procreate. O recurso no Procreate é chamado de streamline. Para este pincel e para letras tê-lo em torno de 50 por cento é bom. Ele tira o tremor cru da minha mão, mas ainda permite que alguns acidentes aconteçam apenas de uma forma ligeiramente reduzida. Então a primeira palavra aqui é, claro, urso. Apenas medindo quantos quadrados de grade eu tenho aqui, 3, 4, 5, 6, 7. Agora, você vai notar que eu fiz certos traços antes de eu entrar em meus traços horizontais. Eu só acho que ao fazer uma palavra e eu me concentrar nos traços verticais primeiro e depois nos traços horizontais, ele cria mais consistência no ritmo dessas letras. Claro, agora vou usar uma ferramenta de borracha para cortar algumas das coisas que saíram das minhas mãos, refiná-la um pouco. Novamente, eu acho que isso é uma coisa enorme quando você tem tantos pincéis à sua disposição em ferramentas digitais como Procreate e Photoshop. Não basta ter o pincel e o efeito que sai da caixa. É bom encontrar uma maneira de fazer isso funcionar um pouco mais forma personalizada e mostrar que você tem mais controle sobre suas ferramentas. Eu permito que alguns dos pedaços que eu apago de volta permaneçam visíveis apenas como um pouco de uma pista do meu processo sem que ele esteja totalmente escondido ou totalmente óbvio, por outro lado. Antes de ser ilustrador, eu era designer. Fui treinado como designer e, através disso, fizemos muito treinamento tipográfico, aprendendo sobre como as letras são formadas em conjuntos mais oficiais. Muito do jeito que eu entendo como as letras funcionam vem disso e eu também tive alguma prática fazendo mais letras manuais de livros didáticos, como bola de velocidade, livros didáticos de letras manuais e outros recursos desse tipo. Apenas entendendo a idéia de fazer seus traços verticais e seus traços horizontais, eu não inventei isso, é apenas uma técnica que aprendi estudando as lições de outras pessoas de forma eficaz. Tenho a minha primeira palavra aqui. Agora, vai ser importante para mim quando eu voltar a fazer mais palavras que eu sempre sei quais configurações eu uso, então é consistente para esta série. Saber quantos quadrados de grade é alto faz parte disso. A outra parte é apenas saber quando eu estou usando meu pincel plano aqui, qual é a configuração de tamanho que eu usei. Eu só vou anotar o fato de que estes, eu acho que foram 16 por cento, e eu vou apenas escrever isso aqui no documento. planilha era de 16 por cento. Agora eu vou apenas copiar isso e colar isso no Photoshop. Porque este é um iPad e eu estou trabalhando em um Mac, eu posso apenas usar AirDrop para isso, então eu apenas copiar isso, e então quando ele entrar no Photoshop aqui, eu vou direto para a camada superior e arte, peça que em, e que quase é um tamanho perfeito, que funcionou bem. Claro que tenho alguns ajustes a fazer nesta palavra. Eu vou trazer o R mais perto do A. Eu gostaria de fazê-lo ler bem e dar-lhe um pouco mais das texturas que são evidentes em outros lugares. Eu acho que é sutil, mas não tem nenhuma das mesmas texturas e eu quero que isso venha através também. O que vou fazer é cortar a coisa toda. Eu vou para canais e eu mostro esta técnica em ilustrações de tinta especificamente onde eu uso canais para amostra em texturas de tinta. Funciona da mesma forma com qualquer tipo de marca fazendo qualquer tipo de mídia. Mas basicamente, eu crio um canal dessas marcas, neste caso lettering, e então eu clique com o botão direito do mouse no canal alfa e, em seguida uso a máscara que carrega para criar um preenchimento de cor sólida dentro da forma desses cartas. Eu queria fazer isso aquela cor vermelha, mas eu vou deixar essa cor azul, e eu vou te mostrar o porquê. Vou trazer isto aqui para baixo. Essa é a cor mais escura. Eu só vou trazer isso aqui. Eu vou realmente transformar isso em um Objeto Inteligente para que se eu dimensioná-lo para cima e para baixo, ele não perca nenhuma informação. Eu vou dimensioná-lo um pouco para baixo, colocá-lo aqui. Eis como vou conseguir aquela textura que tirei do pincel. Eu só vou fazer uma camada por cima e, em seguida, selecionar o pincel de textura, ter certeza que está definido para a minha cor vermelha, e eu vou apenas começar a pintar sobre isso com o mesmo pincel. Agora, aqui é onde a magia acontece. Se eu apertar Command Opção G, isso cria uma máscara a partir das marcas abaixo e me permite pintar o que eu quiser sobre ele e ele apenas assume as qualidades das texturas ou o que está acontecendo nesta camada superior aqui. Photoshop chama oficialmente essa máscara de recorte. Você também pode apenas clicar com o botão direito nessa camada e ir criar máscara de recorte e isso se aplica a textura e cor que eu fiz sobre ela para baixo e de repente você tem essa imagem harmoniosa, todas as mesmas texturas acontecendo, um pouco de variedade, porque eu usei pincéis diferentes e harmonia de cores definida porque eu usei apenas quatro cores e eu combiná-los para fazer cores adicionais, e tudo o que se junta muito bem na imagem final. Tendo feito o urso, acho que vamos passar para a próxima ilustração. O próximo que quero enfrentar está perdido. Eu colei meu esboço aqui no arquivo final, e agora eu posso apenas ter certeza que ele está sentado naquele espaço bem. Talvez eu separe a parte da letra da ilustração real. Vou colocar as letras mais de perto onde acabará mais tarde. Então este, eu vou fazê-lo caber, eu quero que essas pernas para ir direto para o fundo deste quadrado. A diferença entre este e a ilustração do urso que acabei de fazer é que o urso onde os pés do urso estavam no fundo da árvore sentou-se um pouco acima dessa linha de base, aquele guia que eu tenho Lá. Este vai até aquele guia e vamos cortar um pouco as pernas dos corredores. Enquanto eu compor esta imagem do jeito certo, vai ficar muito bem. Eu tive aquele esboço e eu puxei para trás em menos opaco e então eu tenho tudo na camada de arte. Eu fiz uma ação que faz tudo isso automaticamente agora, mas faz exatamente o que eu mostrei na última imagem onde eu tenho o esboço em uma camada e puxado de volta para cerca de 20%, e então toda a arte acontece na arte grupo de camadas. Mais uma vez, eu gostaria de começar com o que mais se destaca para mim na imagem, esse é sempre o meu ponto de partida, e claro t, vai ser o personagem neste caso. Acho que escolhi uma parte complicada dele para começar, mas vou continuar com isso. É complicado porque há muitas camadas aqui. Tem o tríceps ou a parte de cima do braço, e depois sobrepõe-se ao antebraço. E depois tem o telefone e os dedos ali. Isso é um pouco demais, mas eu vou apenas corajosamente entrar nisso qualquer maneira e eu vou descobrir isso em um pouco. Na verdade, vou tratar todo o torso dele até os joelhos como uma peça única, por enquanto. Vou criar meu primeiro grupo de camadas mascaradas assim. Acho que vou apresentar apenas uma cor extra aqui, tipo um rosa muito pálido. Vou usar isso como cor base. À medida que você vai junto em seu conjunto, você pode achar que você precisa modificar suas restrições apenas um pouco. Neste caso, uma das minhas restrições era ter essas quatro cores. Na verdade, decidi que quero mais uma cor, cor base para trabalhar. Agora eu tenho o vermelho alaranjado para verde, aquele azul mais profundo e o amarelo e agora eu estou adicionando o rosa, este rosa muito pálido. A partir disso, eu posso obter todos os tipos de tons adicionais, aumentando-o por outras cores. São os meus primeiros formulários. Agora, é claro, ele não está usando roupas que são todas de uma cor. Acho que os calções dele vão ser um azul mais profundo aqui em baixo, eu vou apertar isso. Então, acho que a camisa dele, vou começar com um amarelo e ver como é. Só estou pensando em quais serão as cores da árvore por trás dele, então preciso de cores diferentes disso. Agora eu vou apenas usar uma ferramenta de caneta aqui só para tornar essa camisa um pouco mais precisa e cortada. Esconderei meu esboço por um segundo só para ver como está indo. Ainda não há muito para apreciar, por isso vou continuar a desligar. Comece como pacote, o que me dará uma oportunidade de fazer outra cor, que vermelho-alaranjado será ótimo para isso. Eu gosto de usar este pincel de textura porque permite que as cores sob ele, não apenas como se eu estou passando por cima de branco, você pode ver o papel branco ou cor da página vir através. Ele também permite que as cores que está acima brilhe através desses pequenos pontos picantes lá, aqueles pequenos pontos salgados ou especificações salgadas. Para o cabelo, eu não preciso ser super preciso, eu não acho. Eu acho que vou deixar a borda deste pincelado aqui para ser a borda de seu cabelo porque o cabelo tende a ser uma característica mais suave de qualquer maneira. Acho que posso acrescentar aqui é o dedo dele aqui bisbilhotando na interface do mapa aqui e eu posso esgueirar isso aqui e ver se eles podem fazer isso parecer certo. Claro, basta preenchê-lo com a mesma cor rosa. Talvez o que faremos a seguir é adicionar alguns detalhes por cima. Então eu vou voltar para o mesmo lápis 4H que eu usei para o trabalho de linha do urso. Lembro-me que eu tinha definido a porcentagem de suavização para cerca 70 e isso me permite ter um pouco mais de uma qualidade de linha controlada. Eu tive algumas rugas aqui, onde essa linha muda drasticamente de direção. Adicionar algumas linhas de rugas faz com que essa mudança um pouco mais natural de alguma forma, mesmo que seja muito estilizada. Vou adicionar alguns detalhes no pacote aqui. Para isso, eu vou definir a opacidade da camada deste trabalho de linha para multiplicar e isso vai dar-lhe um tom mais escuro e deixá-lo harmonizar, o vermelho abaixo, e ele parece mais integrado em vez de apenas sentado em cima dele. Eu não gosto de como isso corta fora, eu só vou derrubá-lo um pouco. Agora, uma coisa que você pode ver em um pacote são algumas cordas elásticas que adicionam tensão ao lado ou a outros lugares. Então talvez nós vamos adicionar mais um lá e mais um aqui, e então para este bolso aqui, parece apenas muito do vermelho, eu vou separá-lo com um pouco de branco para estourar através. Às vezes é bom deixar parte da página respirar através da imagem, e assim deixar algum espaço negativo passar é às vezes uma grande coisa. Traga isso um pouco mais sutilmente. Posso tornar o pincel um pouco mais transparente quase, mais dessa textura para passar se eu usar o lado do meu lápis em vez da ponta. Então, além disso, vou adicionar mais trabalho de linha. Desta vez, será como costura. Para mim, em vez de desenhar as linhas de pontos como esta, é mais fácil apenas desenhar a linha sólida e, em seguida, usar o pincel de borracha e cortar isso assim. Enquanto estou fazendo meu trabalho aqui, vou adicionar alguns detalhes aos dedos. Vou deixar isso como está por agora. Então vou tirar o chapéu dele agora e acho que vou deixar o chapéu verde. Então talvez um pouco do lado será sólido, 19. Projeto | Dias 5 a 26: completando o conjunto: Esta é a parte onde você completa todo o conjunto de ilustrações. Seu objetivo, é claro, é ter uma série de 26 ilustrações que você criou sobre ele apenas muitos dias. Você pode levar mais tempo se precisar, ou você pode tentar apertá-los em menos dias, se você estiver se sentindo ambicioso. A maior força deste projeto está em como ele o desafia a trabalhar em um objetivo concentrado durante um período de tempo mais longo. Você não só aprenderá muito sobre o estilo e a técnica em que deseja trabalhar, mas também sobre como você muda e cresce ao longo do tempo. Sem dúvida, sua última ilustração será diferente da sua primeira, especialmente se você estiver aprendendo algumas novas técnicas. O objetivo deste projeto, pelo menos no início, não é ter um conjunto perfeitamente coeso de A a Z. O ponto, é que você cresça e melhore. O que você pode acabar com um conjunto que evolui ao longo do projeto. Se você quiser, você sempre pode voltar para o set e resolver as torções mais tarde. Quando se trata de ter um projeto diário que você compartilha com outras pessoas, não se trata de cada ilustração saindo perfeita e nunca mudando de qualidade de uma para a outra, o que é mais interessante é olhar para trás para todo o conjunto, e ver você o artista crescendo, e evoluindo, e ficando melhor. Um projeto diário não é uma história de quão perfeitamente coeso seu estilo é, mas de como você está trabalhando e aprendendo coisas novas ao longo do caminho. Essa é a história pela qual os outros serão inspirados, e essa é a história que devemos querer para nós mesmos. Agora, vou ser honesto aqui, eu fiz o meu conjunto de paletas, mas no momento da gravação desta aula, foi o mais longe que eu cheguei. Enquanto eu completar meu alfabeto de trail running, honestamente, eu estava querendo fazer mais ilustração temática de corrida, e esta classe me deu a oportunidade de realmente fazê-lo. Quem sabe, talvez eu seja tão inspirado pelos seus próprios conjuntos completos. Vocês vão chutar minha bunda tão forte que eu sentirei que não tenho outra escolha. De qualquer forma, tendo feito a paleta, já aprendi muito sobre como abordo esse tópico, e agora tenho algo que posso escolher, quando quero fazer um projeto mais pessoal, ou criar conteúdo para o Instagram. Um projeto de vários dias não precisa acontecer todos os dias. Isso pode acontecer com a frequência que você pode ou quer. Esse é talvez o meu encorajamento para aqueles que sentem que 26 ainda é muito trabalho. Entendo, estamos ocupados e a vida acontece. Mesmo que você conclua o projeto de paleta, você estará tão à frente em termos de aprender novas técnicas e resolver suas perguntas de estilo. Encorajo você a completar a paleta pelo menos, e então sinta-se livre para deixá-lo assim. Mas eu sei que se você fizer o 26 completo, não haverá como impedi-lo. 20. Comentários finais!: Tudo bem, pessoal, conseguimos. Resolvemos todos os seus problemas de estilo e agora você tem um estilo único completamente único e nunca mais precisará se preocupar com seu estilo de ilustração. Isso é ótimo. Talvez você ainda tenha perguntas, mas espero que suas perguntas sejam mais específicas e até mesmo que você tenha mais delas porque não é ter perguntas que nos prendem, mas não saber as perguntas certas a fazer. Esperemos que, passando pelas palestras, exercícios e projetos desta turma, você vai descobrir que está formando mais das perguntas certas para fazer e que você é capaz de avançar e não ficar preso tanto mais. Mais uma vez, todo o meu propósito para esta aula é mostrar que o estilo não é algo que você pode descobrir de uma vez por todas, que é algo que você descobre ao longo do tempo medida que você evolui e à medida que evolui junto com você. Se você é um ilustrador do tipo artista com um estilo único muito disciplinado ou ilustrador do tipo designer com um punhado de estilos à sua disposição, estilo é uma ferramenta que você pode usar para ajudá-lo em seu trabalho. O estilo orienta você e seus clientes e não o contrário. Você não precisa se sentir preso por um estilo que você nunca se sentiu confortável em primeiro lugar. Encontrar o seu estilo é saber o que o inspira, como tirar essa inspiração e canalizá-la para o seu próprio trabalho de forma autêntica. Quando você faz isso, não é uma questão de qual estilo é certo para você, mas sobre quais formas de trabalhar funcionam melhor para você e o que lhe dá alegria e experiência de crescimento e transformação ao longo do caminho. Enquanto você trabalha em seus exercícios e projetos, compartilhe na página do projeto da classe. A melhor maneira de receber feedback de mim e de outros é compartilhá-lo aqui com o resto da turma. Adoro ver seus projetos. Sei que este é um dos maiores e mais ambiciosos projetos até agora e agradeço muito pelo seu tempo e envolvimento aqui. Como sempre, quando você compartilha no Instagram, certifique-se de usar a hashtag, #thestyleclassillustration. Adoro ver o teu trabalho na natureza, e esta é a melhor maneira de o descobrir fora do Skillshare. Pessoal, esta aula tem sido uma loucura de montar, mas tem sido uma alegria ensinar. Muito obrigado por fazerem a aula e pelo vosso apoio enquanto a juntei. Eu só quero dizer que houve um momento em que eu estava escrevendo esta aula em que eu duvidei que esta aula iria se juntar, e muitos de vocês me enviaram palavras de encorajamento e foi por causa de seu apoio que eu fui capaz de continuar, então obrigado. Mal posso esperar para ver o que você ganha para a aula, e como isso ajuda você em seu próprio trabalho. Obrigado mais uma vez. Vejo você na próxima aula. 21. Vá mais fundo com uma sessão 1 a 1: Ei, só uma última coisa. Se você gostou desta aula e gostaria de passar para o próximo nível em sua jornada criativa. Tenho o prazer de anunciar que ofereço sessões de treinamento individuais em colaboração com a Skillshare São videochamadas diretas de 1 hora comigo, nas quais você pode obter suporte pessoal mais personalizado nas áreas de que mais precisa, incluindo análises de portfólio e críticas de ilustração, conselhos sobre o setor e carreira, tutoriais personalizados e, claro, suporte pessoal direto qualquer uma das minhas aulas, incluindo esta, as sessões custam $130 ou $105 pode obter suporte pessoal mais personalizado nas áreas de que mais precisa, incluindo análises de portfólio e críticas de ilustração, conselhos sobre o setor e carreira, tutoriais personalizados e, claro, suporte pessoal direto em qualquer uma das minhas aulas, incluindo esta, as sessões custam $130 ou $105 se você for patrin apoiador e apenas $80 se você for estudante em uma faculdade ou universidade qualificada Agora eu sei que esse não é um investimento pequeno, então eu gostaria de dar uma ideia do valor que eu trago para aqueles que dão uma chance a essas sessões individuais. A primeira coisa que meus clientes dizem sobre suas sessões é que eu venho preparado, dou toda a minha atenção e que minhas perguntas e ideias são muito personalizadas para sua situação específica. Em uma resenha, escreveu Daniel S., Tom se preparou muito bem para nossa sessão. Ele fez perguntas muito boas, ficou muito curioso e achei que foi uma sessão muito personalizada. Obviamente, no final de sua sessão, trabalho com você para criar as próximas etapas concretas e acionáveis a serem seguidas em sua jornada para reservar sua sessão Encontre o link de reserva na minha página de perfil do skillshare ou visite Tom Frost.com Eu abro apenas oito vagas de treinamento por mês, então, por favor, não demore a reservar a sua hoje. Estou ansioso para conhecê-lo em breve.