Desenhe personagens 102 fundamentos do desenho

1. Desenhar personagens 102 introdução: Ei pessoal, bem-vindos a desenhar personagens, um ou dois, Fundamentos do Desenho. Nesta parte do curso, vamos dar uma olhada em alguns dos principais fundamentos do desenho que você realmente precisa conhecer e aprender para desenhar bem desde o início, analisando coisas como pesos terrestres, caligrafia, bem como como usar imagens de referência e muitos outros tópicos importantes. Como sempre, quero que você leia esse conteúdo duas vezes, assista pela primeira vez e depois leia novamente e faça as tarefas. Eu acho que você realmente vai encontrar uma grande quantidade de valor. Embora esse módulo seja bastante simples, alguns dos conceitos discutidos geralmente não são claros para iniciantes. Então eu acho que você vai se divertir fazendo essa parte do curso. Incrível. Nos vemos no curso. 2. Warmup e acabamento: Bem-vindo ao Módulo 2. E no início deste módulo, faremos treinamento de aquecimento e caligrafia. Vou te mostrar um exercício de aquecimento que foi realmente projetado para ajudá-lo a melhorar sua caligrafia. Como você basicamente desenha linhas e como você pode basicamente conseguir uma boa maneira se soltar, desenhe com o braço. E é um ótimo exercício. Você pode fazer isso digitalmente, você pode fazer isso tradicionalmente, realmente não importa. Então, vamos direto ao assunto. Então, a primeira etapa disso é realmente desenhar uma página de círculos. E observe o quão rápido eu os estou desenhando. Estou mantendo meu pulso meio trancado e usando meu braço e meu cotovelo para desenhá-los. Então, tudo o que você precisa fazer é basicamente dizer, ok, deixe-me desenhar círculos sem mover meu pulso. E eu também quero que você preste muita atenção ao quão solto eu estou sendo. Você pode ver que aqui e aqui e aqui e em todas essas áreas, os círculos não necessariamente se fecham adequadamente. Agora, você quer se esforçar para ter círculos bons e perfeitos o mais perfeitos possível, mas não à custa de desenhar devagar, certo? Ou qualquer coisa assim. E não queremos desenhar devagar. Não queremos fazer nada disso, certo? Então, fique bem solto. Tranque seu pulso , mova seu braço e faça uma página de círculos, certo? Vou tentar ser o mais perfeito possível aqui. E o que eu costumo fazer é simplesmente colocar círculos nos círculos, círculos menores, sem usar meu pulso. Mais uma vez, não use o pulso. Então é isso que queremos fazer como primeiro exercício em qualquer camada ou obter uma nova página. E o que queremos fazer depois disso é desenhar algumas reticências. Agora, o que faz uma elipse? Uma elipse é um círculo que, se girado levemente, agora está em perspectiva, certo? Então, basicamente, ainda é o mesmo círculo, é o mesmo pequeno, vamos fingir que é um prato. Por exemplo. Nós apenas giramos em perspectiva, isso é o que é uma elipse. Você sabe, suas elipses são boas. Se você puder cortá-los no meio aqui. E isso é chamado de eixo menor para seus nós teóricos existentes. Opa, o que estou dizendo? Eu ia ter uma teoria e um eixo menor. Se você cortá-lo no meio, diretamente no eixo menor, o eixo maior não é importante para nós. Isso seria cortá-lo verticalmente e você é capaz dobrar um lado sobre o outro e eles combinam muito bem ou perfeitamente, certo? Esse está muito bom. Além disso, observe que, apenas uma nota lateral, o eixo menor sempre apontará para um ponto de fuga em perspectiva. Se você sabe muito sobre perspectiva, certo? No entanto, o que queremos fazer é uma página de reticências e obter todo o movimento de desenhar reticências. E você pode variar o grau da elipse, ou seja, o espaçamento entre um grau absurdo de rotação que está acontecendo com o círculo. Assim, você pode fazer pequenas elipses muito finas, onde você pode tentar fazer seu tipo de elipse maior. O objetivo é garantir que os dois lados sejam realmente iguais um ao outro. Certo? Agora, o que você pode fazer depois fazer uma página de elipses é simplesmente percorrer e verificá-las e colocar uma marca ou uma cruz se achar que era uma boa elipse ou uma elipse ruim, essa não é muito boa. Este é razoável. também são razoáveis. Ruim. Essa está bem. Esse é ruim. E mais uma vez, eu quero reforçar o solto, apenas estar solto, fisicamente solto por direito próprio. Agora, menos do que surgir, a chamada frouxidão e dinamismo, realmente aprofundará o que significa estar solto em termos de frouxidão física em seu braço. Então, isso está chegando. Mas, no entanto, quero que vocês já comecem a fazer os exercícios de aquecimento. Tudo bem, vamos ver se vamos ao EPS não é grande coisa. É só um exercício de aquecimento. Vai subir. A próxima coisa que vocês devem fazer no exercício de aquecimento e no treinamento de caligrafia é realmente desenhar linhas retas tão retas quanto possível à mão livre muito rapidamente, não lentamente, e tentar e mantenha-os o mais paralelos possível. Isso é especialmente útil quando você está tentando fazer linhas obviamente retas em seu trabalho. Se você estiver fazendo qualquer tipo de desenho industrial. Eu geralmente faria isso de cima para baixo, de baixo para cima, de baixo para cima de Tom. Só estou fazendo o meu melhor, colocando as terras. E muito rapidamente você pode ver a rapidez com que estou desenhando isso, travando meu pulso e tentando obter a linha reta possível. Você pode ver aqui que eu meio que desviei as linhas não estão perfeitamente paralelas. Eles diminuem um pouco. Afilamento, afunilamento. Eles estão meio que convergindo, tentando se converter de alguma forma. Mas é um ótimo exercício. E eu provavelmente faria cerca de três páginas, duas ou três páginas em que estou constantemente treinando meu braço, me movendo rapidamente. E você verá que quanto mais você entra, mais você se concentra no licitante com o passar do tempo. E eu costumo fazer um desses fluxos completos de exercícios, exercícios de aquecimento em cerca de cinco minutos pouco antes de começar a desenhar. E isso ajuda a realmente afrouxar o braço, porque obter boas linhas suaves realmente requer a frouxidão da frouxidão física. E por último, mas não menos importante, está o exercício ponto a ponto. O exercício ponto a ponto, na verdade, é colocar cerca de 67 pontos na página. E o que você quer tentar fazer é apenas um fantasma. Se você tiver dois, deixe-me tornar o cursor um pouco maior aqui para que você possa ver o tipo de tentativa e um tiro reto é a linha mais reta possível, juntando esses dois pontos juntos. E então eu vou para a linha. Basicamente, eu não desenho, apenas mouse com a mão para tentar atirar. Experimente e vá em frente. Não acertei bem, mas a linha é bem bonita e reta. E então eu vou tentar o próximo. Agora, se você estiver no papel, sinta-se à vontade para girar a página Photoshop, você pode pressionar R e girar a página assim, porque acho que desenho linhas retas com precisão razoável de baixo para cima. Ghosting, tentando atingi-lo. Aqui eu vou para este também. Ok. Aperte, mas vou ultrapassar um pouco. Mas os pulmões terminaram listrados. E as ultrapassagens do fim do mundo, você está realmente apenas tentando se treinar para traçar linhas muito retas, ok? E então, uma vez bastante razoável, certo? Então, em resumo, o fluxo de trabalho para o treinamento de aquecimento e caligrafia, e eu recomendo que você faça isso todos os dias antes de começar a desenhar, é fazer uma página de círculos bem frouxamente. Uma página de elipses muito solta. Não se esqueça de medi-los ao meio para verificar a precisão. Uma página de linhas, linhas retas ou duas ou três páginas se você quiser, se você for muito rápido nisso. E, em seguida, uma única página de ponto a ponto onde você deseja conectar as linhas com a linha mais reta possível, conecte os pontos com uma linha reta quanto possível. Esse é o fim desta lição. Vamos passar para a próxima lição. 3. Desenho em 3D e desenho através: Nesta lição, veremos o desenho em 3D e o desenho por meio de formulários. E somos artistas realistas. Então, estamos desenhando coisas de tal forma que se possa acreditar que elas existam em um mundo 3D. E, como tal, precisamos afastar nossas mentes de desenhar formas simples, certo? E, em vez disso, desenhar formas em o espectador possa perceber vários lados de um objeto, certo? Então, neste exemplo, pegamos essa forma quadrada, quadrada e adicionamos alguns lados a ela. Então, agora temos uma visão frontal e inferior do objeto. E é muito mais crível parecer tridimensional em certo sentido, certo? Mesmo que seja muito simplista, 3D. Desenhar em 3D nos ajuda a convencer o espectador e persuadir a visão da credibilidade do que estamos desenhando. Agora, esse método que eu fiz aqui é uma espécie de abreviação para fazer que algo pareça 3D muito rapidamente. Você pode pegar qualquer forma simples e adicionar uma linha adicional a ela. E isso lhe dá a percepção de que tem vários planos, vários lados. Então, no chamado, isso pode ser um botão. Giramos o botão Enter do círculo, dando a ele uma visão frontal e uma lateral. Você também pode usar esse método para outros objetos, vários objetos, como uma rocha, ninguém acreditaria viavelmente que isso é uma rocha. No entanto, se tomarmos essa forma específica e simplesmente dermos uma outra linha a ela, por exemplo, por aqui. Agora estamos indicando aviões adicionais, certo? Que o espectador possa ver mais lados do objeto. Vamos salvar os argumentos. Digamos que seja a frente e a lateral. E quando você detalha um pouco mais esses tipos de formas, elas se tornam bastante convincentes ao retratar o que deveriam ser. Então eu meio que levantei um pouco a linha, coloquei uma pequena forma lá e pontos, alguns pontos, e talvez dê a ela outro pequeno plano. E se torna uma rocha bastante convincente, embora um pouco caricatural . Portanto, esse é um método simplista em que você está simplesmente dizendo para si mesmo “Eu não quero formas na minha peça. Eu quero formulários. Você está pegando formas simples que você pode estar desenhando e apenas adicionando planos adicionais a elas, trazendo-as para um mundo 3D. Ok, então essa é a primeira maneira básica entender como passar de alguém que talvez se apegue a um trabalho muito plano em 2D. Como você pode começar a trazer esse trabalho para o 3D de forma errada. Mas eu queria que vocês soubessem disso, mas esse não é o caminho principal. Quero que pensemos em desenhar em 3D. principal maneira pela qual quero que pensemos sobre desenhar em 3D é o que é chamado de desenhar ou desenhar através de formas. No mundo real, realmente não existem formas planas em 2D, digamos que tudo seja 3D até certo ponto. Até adesivos, adesivos são completamente planos. Mas se você olhar para eles com um microscópio, verá que eles têm largura, comprimento quente e assim por diante. E existem tridimensionais. No entanto, desenhar , desenhar através de formas é realmente imaginar os outros lados do objeto enquanto você tenta desenhá-lo. Por aqui, estou imaginando os outros lados dessa caixa. E desenhar esses elementos me ajuda a sentir todos os diferentes lados da caixa. Então, aqui podemos ver todos os seis lados da caixa, 12345 e a frente 16, certo? Então, podemos imaginar todos os seis lados da caixa. E da mesma forma com as esferas também. Isso é apenas um círculo, mas desenhando uma linha de contorno. E isso seria feito em sua fase de construção, certo? Isso nos ajuda, como os mais estranhos, sentir a tridimensionalidade do objeto que estamos desenhando. Você pode adicionar linhas de contorno na superfície dos objetos, bem como desenhar as formas para ajudá-lo a descobrir a métrica de volume, o tipo de massa do objeto ou os campos do objeto em 3D, certo? Não é a massa exata. Obviamente. Uma forma muito popular para desenhar e ajudar você, especialmente em caracteres estranhos, é o cilindro simples. Então, para desenhar um cilindro de forma eficaz, eu desenho duas elipses, meio que as conecto. E esse seria o plano de fundo desenhado em uma linha de passagem. E quando eu fizer o desenho final limpo, vou manter apenas os lados que eu queria ver, certo? Portanto, seria a seção inferior e a seção superior. Mas digamos que isso é o fundo e que está no topo. Mas explorar as me ajudou a estabelecer uma vantagem externa convincente aqui. Porque eu usei uma elipse para me guiar. E então eu tenho um formato de cilindro 3D muito atraente. Tudo bem? Quando começarmos a adicionar dinamismo a isso, que veremos na próxima lição. Então pegamos um cilindro e adicionamos um pouco de dinamismo a ele. Podemos começar a obter formas muito mais complexas. Então, aqui estão algumas linhas de contorno que nos ajudam a entender, e eu desenhei a forma. Então, aqui podemos basicamente ver as duas entradas da buzina. Parece algum tipo de buzina, certo? E então isso possivelmente está acontecendo. Mas, em última análise, essas linhas de contorno nos ajudam a imaginar a forma. Então, isso é efetivamente o que desenhar é o seu desenho por meio de formulários. Você está imaginando objetos em três dimensões. Agora, deixe-me dizer isso. Há muito poucas coisas que realmente impulsionarão seu cérebro tanto quanto se esforçarão para, especialmente se você for um iniciante, se afastar dessa ideia bidimensional de desenhar e forçar você mesmo pensar que escultura é realmente incenso e pensar em formas de objetos são formas básicas que você deseja desenhar em 3D básicas. E você realmente tem que entender isso. E isso requer um pouco de prática. Embora não demore muito tempo se você estiver fazendo os exercícios práticos, começamos a nos acostumar com isso. E o melhor é quando você pode imaginar vários lados de um objeto, certo? Quando você começa a pensar em 3D e também a olhar para o mundo ao seu redor e a imaginar todos os planos e os diferentes lados dos objetos, certo? Obter uma visão mais profunda da observação do mundo. Em seguida, você poderá girar objetos facilmente no espaço virtual da página. Então, pegue um cilindro, por exemplo. Vamos supor que somos nós olhando diretamente para o senador de baixo, de frente para frente. Nessa nota, vistas frontais e vistas frontais diretas. Visões laterais indiretas são coisas que não queremos e estranhas deixe-me reiterar que não queremos pontos de vista diretos . Não queremos o abuso de refrigerantes, a menos que eles estejam sendo projetados especificamente para fins de impressão azul ou folhas de especificações de personagens ou algo parecido. Mas, de um modo geral, para uma obra de arte atraente, você não quer uma visão frontal ou lateral direta, especialmente em trabalhos ilustrativos. Mas, no entanto, esse é o nosso cilindro. Não parece muito um cilindro no momento. Vamos girar o cilindro levemente para a direita. único achatamento que estou fazendo é desenhar por aqui. E isso está se tornando os lábios não podem mais ser um círculo porque girando ligeiramente em perspectiva. E ao desenhar, girei o cilindro ligeiramente para a direita, ligeiramente para a margem esquerda. Então, ele é girado dessa forma. Nós o movemos dessa maneira. Vamos fazer uma rotação mais extrema. E eu vou superar novamente. E aqui estou eu girando o cilindro para uma esquerda ou direita ainda mais extinta. E, eventualmente, provavelmente teremos uma visão lateral parecida com esta. Certo? É como se isso fosse um lado direto de você. E nós o rotacionamos continuamente. E podemos então levar isso adiante e basicamente fazer o oposto do número dois aqui e girá-lo ainda mais para levantar. E isso fará com que tenhamos nosso cilindro meio que retrocedendo agora. Vai subir. E isso não é tão arredondado quanto não deveria ser, mas mesmo assim, ele girou ainda mais nessa direção. E então podemos trazê-lo de volta para uma rotação ligeiramente, apenas muito leve. Parece um pouco estranho, mas mesmo assim, e enquanto fazemos isso, estamos desenhando as formas, exceto pela vista lateral. Quero dizer, realmente não preciso passar por isso. A visão lateral direta, igual à vista frontal. E estamos tendo uma noção das dimensões do objeto, certo? Basta colocar esse ponto na lateral para nos ajudar a sentir os planos que estamos vendo quando o cilindro gira, certo? Então, efetivamente, é isso que é desenhar. O conceito é bem simples, certo? O conceito é bem simples. Para enraizar isso em seu cérebro será necessário praticar um pouco, especialmente se você nunca fez isso antes, certo? Vou fazer um cubo aqui, mais um termo ou uma caixa, é só sandbox. E, basicamente, estou apenas desenhando, estou imaginando todos os lados e estou apenas conectando-os. Outra coisa importante antes de terminarmos esta lição, outra coisa importante a perceber é que todas as formas complexas, você imagina braços, pernas, mãos e pés. E essas coisas parecem imensamente complexas. E há anatomia e essa superfície da pele, músculos e sistemas esqueléticos a serem levados em consideração e assim por diante. Mas, fundamentalmente, a maioria dessas coisas são feitas apenas de caixas. Eles são feitos de cilindros e vários tipos de formas triangulares, mas formas triangulares muito básicas. Eles não fazem nada muito complexo. E o que fazemos como artistas, como artistas realistas, é que temos um fluxo de trabalho que seguimos, um fluxo de trabalho estrutural que seguimos para construir coisas da forma à forma, aos detalhes. E é assim que obtemos nosso valor bruto completo, que podemos então refinar até a parte completa do trabalho. Então, usamos esses tipos básicos de formas, seja qualquer tipo de forma cubóide, qualquer tipo de forma cilíndrica. Por exemplo, também podemos dobrar o cilindro para obter certos membros, certo, mas ainda desenhando para sentir essa forma, colocando linhas de contorno em cima dele para sentir as formas, se necessário. Não estamos percebendo isso bem o suficiente, certo? Usando esferas para conectar juntas e outras coisas e desenhar cabeças, por exemplo, meu crânio droide como uma esfera e, em seguida, anexar uma seção de mandíbula a ele. Certo? Então, estamos constantemente pensando em formas e desenhando através das formas e imaginando o volume e a massa das formas, certo? Então, isso é desenhar em 3D e desenhar através de formulários. Definitivamente, envolva-se intensamente nesses exercícios específicos. Porque uma vez que você obtenha isso, os fundamentos básicos e básicos do desenho em 3D serão instalados em você. Esse é o fim desta lição. 4. Solidez e dinamismo: Nesta lição, vamos dar uma olhada na frouxidão e no dinamismo no desenho de personagens. E essa teoria realmente faz parte das formas. Então você quer pensar sobre isso em termos da categoria de forma. Tudo bem, então você pode ter descoberto que, quando você está desenhando, algo tende a parecer muito rígido e pode não ter dinamismo apenas em seu campo, certo? Então, há dois tipos de categorias sobre as quais eu quero falar e quero ensinar a vocês que uma seria frouxidão e a outra é dinamismo. E ambos são aplicados de maneiras diferentes. Então, digamos que quando a frouxidão está em primeiro lugar. Tudo bem. Portanto, a frouxidão é muito física. É só escrever algumas notas ainda e soltar. E vou colocar o dinamismo do outro lado. OK. frouxidão tem a ver com fisicalidade. Ok? E o que quero dizer sobre isso é literalmente seu braço. Fisicalidade. E dinamismo tem a ver com movimento e fluxo em formas. Ok, então essa é a teoria básica disso. Sim, vamos ficar pelo lado da frouxidão. Então, quando você desenha linhas físicas, como quando você está desenhando linhas fisicamente, quando você desenha linhas lentamente. Então, por exemplo, vou desenhar uma linha lentamente aqui. Ok? comparação com quando eu desenho uma linha rapidamente, há uma diferença fundamental entre as duas linhas. Agora, além da retidão, certo? Essa é a diferença óbvia. Uma linha tem direcionalidade e a outra lente não. Então, se você olhar para o final dessa linha aqui, meio que apenas mira em primeiro lugar, e em segundo lugar, por causa de seu caminho meio instável. Porque eu o desenhei lentamente. Realmente não parece que está indo a lugar algum. Parece muito estático, certo? Então isso seria ruim, certo? Queremos linhas soltas. Então, em termos de folga, o que temos é uma redução em cada extremidade. Tudo bem? Uma espécie de aparência mais OCT da terra, seja ela mais ou menos reta, não importa. É simplesmente muito suave. E o que isso significa é que as linhas soltas e, portanto, os pulmões se contraem rapidamente. Eles têm um senso de direcionalidade. Então, os pulmões parecem estar se movendo dessa maneira e daquela maneira ainda mais quando você começa a ter linhas curvas desenhadas frouxamente, certo? Versus linhas curvas desenhadas lentamente. Embora agora você tenha alcançado uma sensação de direcionalidade na linha mais lenta por causa da curva, certo? Você ainda perde a direcionalidade quando o final diminui. E também isso, esses pequenos solavancos, confusões e fendas ao longo do caminho, meio que atrapalham a compreensão do espectador sobre o fluxo da linha, certo? Contra, obviamente, esses tipos de lindos cones que você tem em linhas desenhadas adotivas. E apenas um fluxo muito suave e comunicação ininterrupta. Portanto, frouxidão significa desenhar frouxamente; fisicamente, você não pode ter ouvido conselhos sobre pessoas dizendo: desenhe com o braço, não desenhe com o pulso. E esse é um bom conselho, certo? Então, definitivamente, tente desenhar mais com o braço para obter as maiores formas, mas é claro que formas menores precisarão usar seu pulso. Mas a ideia é que você não ceda às linhas de uma forma em que você esteja meio que fazendo hiper esboço assim, que é chamado de linhas de arranhão de galinha. Você não quer desenhar assim. Nem você quer desenhar muito devagar assim. Porque você está perdendo dinamismo, certo? Bem, desculpe, você está perdendo a frouxidão nos pulmões. Você realmente quer ser o mais rápido possível. Estou usando a tecla Shift lá, mas realmente não importa. E sim, enquanto você está tendo essas sobreposições, a forma parece mais dinâmica em geral, certo? E mais atraente e também com mais aparência profissional. E essa é uma das maneiras pelas quais as pessoas obtêm uma aparência profissional no trabalho é tendo traços muito soltos. Agora, aliás, isso também se aplica à pintura, embora dependendo de como sua pintura, não necessariamente a parte afunilada, mas apenas estar solta fisicamente se perca. Então, quando falamos sobre frouxidão, estamos falando sobre frouxidão física em seu braço. E um dos principais inquilinos disso realmente é desenhar rápido, ok? Então, eu vou apenas escrever isso aqui. Desenhe rápido ou adote, certo? Se você não é tão rápido, mais rápido e realmente meio que solto. Pode ser difícil de entender, mas é basicamente estar fisicamente frouxo. Solte, desenhe mais rápido. Ok? Essa é basicamente a teoria da frouxidão. Não é difícil de fazer, mas você precisará praticar isso. Portanto, haverá exercícios práticos para a frouxidão. O dinamismo, por outro lado, é um tópico completamente diferente. Não tem a ver com fisicalidade. Tem a ver com teoria e entender a diferença entre algo que é estático e algo que está se movendo, certo? Você simplesmente tira isso. Está me incomodando. OK. Então, quando estamos falando sobre dinamismo, certo? Vou te dar um exemplo. Vamos desenhar um triângulo. Vamos fingir que esse é um triângulo perfeitamente simétrico, certo? Se eu tivesse que perguntar qual é a direcionalidade nesse triângulo, você provavelmente diria, bem, parece estar apontando em todas essas direções diferentes, certo? O que, você sabe, tecnicamente falando, se for esse o caso, não está se movendo para lugar nenhum. É meio que ficar aqui. Esse é meio que seu centro de movimento, se você quiser. Ou é, você sabe, é só não está realmente se movendo para sua estática. No entanto, pegamos o triângulo e demos ele uma direção definitiva, certo? E observe como eu curvei esses lados, certo? Mas, mais do que isso, demos a esse triângulo uma direção definitiva. Definitivamente está se movendo dessa maneira. Essa forma deixou de ser estática, certo? Para uma forma que tenha fluxo ou movimento. Algumas pessoas usarão a palavra energia. Ou tem energia cinética, cinética. Certo? Agora, você pode estar pensando, bem, isso não quer dizer como isso se aplica ao personagem Dory? Então, tenha paciência comigo quando você pensa em um personagem, um personagem bem desenhado em, digamos, um ângulo de três quartos para que eles não fiquem voltados para o lado frontal da câmera, que meio que ligeiramente girado. As formas que compõem esse personagem são em grande parte assimétricas. Na verdade, na maioria das vezes, todos eles serão simétricos. E assimétrico basicamente significa que, embora entendamos, digamos, os seres humanos são simétricos da esquerda para a direita, por exemplo, que quando são colocados em perspectiva e girados, não há simetria na forma. Portanto, entender particularmente que queremos que todas as nossas formas, nossas formas básicas, leiam dessa forma que elas tenham fluxo direcional é extremamente importante. Então, deixe-me dar um breve exemplo. Vamos usar um cubo. Digamos que decidamos e faremos isso mais na seção de anatomia. Então você vai me ver fazendo lá. Digamos que decidamos, ok, queremos ter alguns elementos básicos para a forma de um ser humano, certo? Então, fazemos o circuito, vamos fazer do baú um bloco como esse, certo? Então, vamos fazer disso um quadrado. Então, se você pode imaginar comigo, podemos desenhar a cabeça e isso é um pouco estranho proporcionalmente, mas de qualquer forma, e então podemos desenhar algumas juntas para os braços e ter algumas esferas para os braços e outras coisas. Mas de qualquer forma, tenha paciência comigo. Nós vamos, isso é como todo o cuidado. Mas de qualquer forma, vamos ter o quadrado. Então decidimos, ok, vamos usar esse cubo, desculpe, como base para o baú. Tudo bem, porque estamos escrevendo os formulários, podemos ver que há três lados desse cubo e isso é ótimo. Mas o problema é que esse primeiro agora está certo, direcionalidade das pernas em sua forma. Então, quando você olha para suas formas, que seriam seus filhos diferentes, não há direcionalidade. Agora, não me entenda mal, não me entenda mal aqui. Eu não quero que vocês construam os formulários de uma forma em que estejam tentando transformar cada lado em uma forma direcional que seria estranha. Saiba, o que você quer que Raul faça é assumir essa forma e começar a dobrar a forma geral. OK. Então, como se você estivesse curvando os lados e adicionando amarração aos lados. Ok, aqui vamos ver a parte inferior em vez da parte superior. Mas, no entanto, a mesma coisa se aplica. E você está obtendo uma espécie de direcionalidade, um movimento direcional através da forma porque está dobrando os lados e adicionando movimento a ela, certo? Isso é o que significa dinamismo e quais formas dinâmicas significam em que você está, você está ingerindo vida nas formas. Agora, você pode dizer que, embora onde esteja o suprimento, isso se aplica apenas aos seres vivos? De um modo geral, no mundo natural, eu diria de forma diferente. E quando digo coisas vivas, não me refiro apenas a coisas que podem se mover. Isso se aplica a árvores, plantas, qualquer coisa que esteja viva já tem algum tipo de fluxo direcional. Coisas como montanhas e coisas. Você quer que eles tenham fluxo direcional neles porque foram formados de alguma forma via energia, certo? Eu sei que isso é meio, mas como eu disse, esotérico e um pouco exagerado. No entanto, a ideia é que, para um espectador, quando está vendo formas estáticas, parece Dell e sem rir, quando está vendo formas dinâmicas, certo? Parece estar vivo. Parece estar se movendo como se houvesse vida lá, como esse movimento. Ok? Então, vamos escrever aqui formas dinâmicas e estáticas. Então, a ideia é que você queira ter certeza de que, em sua arte, noventa e nove por cento das vezes, você está trabalhando com formas dinâmicas o tempo todo. Agora, obviamente, isso será diferente se você estiver fazendo uma visão frontal direta de um carro, por exemplo, você ainda vai querer formas dinâmicas, mas obviamente elas serão espelhadas da esquerda para a direita. A mesma coisa com a vista lateral. Conceder. É verdade que a visão lateral geralmente não tem paralelos, quero dizer, nenhum espelhamento nela. Mas espero que você entenda esse conceito de dinamismo. E vamos falar muito sobre isso à medida que avançamos e você verá como o dinamismo define como vamos desenhar todas as nossas formas, certo? Vamos garantir que tudo esteja funcionando o tempo todo, pois obviamente este é um curso de design de personagens. Então, vamos realmente nos concentrar e nos concentrar em seu dinamismo, aplausos e design de personagens. E se você pensar em um ser humano típico, exceto quando estamos dormindo, embora mesmo quando estamos dormindo, mas normalmente, estamos sempre nos movendo. Estamos sempre nos equilibrando e contrabalançando. Estamos sempre experimentando a força da gravidade e lutando contra a força da gravidade. E isso então permite que, dentro de nós, tenhamos essa ideia. O que estou dizendo? O que isso significa é que temos energia e fluxo direcional se movendo em nós o tempo todo, mas está meio que saltando. Então, precisamos, como artistas, desenhar formas dinâmicas o tempo todo, certo? Então, uma vez que vocês pensem formas dinâmicas e entendam o que torna a forma dinâmica, ela tem um fluxo direcional para ela, certo? Então, por exemplo, apenas um quadrado, apenas reiterando aqui, isso, isso não tem fluxo direcional. Mas se tivéssemos sido a praça de uma forma estranha, de repente, o fluxo direcional de gangues é mais interessante de se ver. Ok, isso é tudo para frouxidão e dinamismo. Vamos seguir em frente. 5. Mostrando a profundidade nos seus desenhos: Nesta lição, falaremos sobre tangentes e o que elas realmente são. Ou quando as linhas se tocam e impedem o espectador de distinguir o que está à frente do que está por trás. Ou isso cria uma forma muito estranha para eles. Então, vou usar uma forma muito familiar aqui. Talvez pareça um M ou logotipo de uma franquia de alimentos popular. Vamos supor que essas sejam duas montanhas. Por causa da forma como as linhas se tocam no centro aqui, é muito difícil dizer o que está na frente e o que está por trás, certo? Nós não sabemos. Mas quando usamos a sobreposição das linhas, pegue uma linha e faça com que ela se sobreponha à outra. De repente, para o espectador, fica óbvio que isso deve estar na frente e isso deve estar atrás. Então, tangentes são qualquer instância em que objetos se tocam de forma a criar uma única forma, ou devo dizer que nossas linhas se tocam forma a criar uma única forma e não deixe claro para o espectador o posicionamento espacial dos elementos ou linhas, se desejar, ou das bordas. Então, neste caso, esses são dois pedaços de papel. E vamos dar a eles um texto. E talvez seja um livro aberto visto diretamente de cima ou algo parecido. Mas vamos supor que sejam dois pedaços de papel e um esteja definitivamente na frente e outro definitivamente atrás. Para o espectador, seu cérebro verá toda essa forma retangular, nem mesmo os retângulos menores em seu interior. Eles eventualmente chegarão lá. Mas primeiro, a primeira compreensão da forma é, na verdade, esse grande retângulo. E nosso problema aqui são essas duas tangentes, certo? Não podemos dizer o que está na frente e o que está por trás. Mas se começarmos a sobrepor certas linhas, podemos obter um efeito muito convincente para adicionar profundidade, mesmo em ícones 2D muito planos de designs gráficos como essas páginas. Agora que sobreponho algumas linhas, está muito claro quais páginas estão na frente e qual página está atrás. As coisas com as quais estamos lidando, todas essas tangentes são ruins. Ok? tangentes são ruins e se sobrepõem ou são boas. Parece, eu acho, um conceito muito simples. Mas muitas vezes vejo isso no trabalho dos estudantes. Na verdade, somos algo tão simples quanto não ter uma sobreposição de linhas faz com que as coisas pareçam planas e sejam facilmente mal interpretadas pelo espectador. Isso mudou nosso título aqui para tangentes e sobreposições. Tudo bem, para que sejamos bem claros sobre o que estamos falando. A melhor coisa com sobreposições, deixe-me tirar isso. O melhor das sobreposições é que as sobreposições podem implicar em profundidade e criar uma sensação de profundidade. Então, por exemplo, se eu estivesse desenhando uma perna com o joelho na parte inferior. Então, isso é apenas um design de perna aqui. Ao chegar à seção bonita, garanto que as linhas do joelho se sobreponham à parte de trás da perna. E isso me dá uma sensação de forma. Certo? Então, como essas linhas sobrepostas estão ocorrendo aqui, eu posso acontecer de muitas maneiras diferentes em formas simples. Se eu tiver uma esfera e depois desenhar um cubo atrás dela, e então eu desenho um cilindro atrás dela. Embora eu esteja pensando de uma forma, também sei que essas sobreposições dessas linhas ajudam o espectador a distinguir o que está na frente e o que está por trás. E aqui temos a linha da esfera sobreposta, o cubo formado. E as linhas do cubo se sobrepõem claramente à forma do cilindro. E isso é em poucas palavras. Quais linhas sobrepostas existem linhas, é simplesmente sobreposição. Eles se estendem um pouco além dos outros objetos para mostrar que o objeto está na frente. Deixe-me dizer isso. É algo sobre o qual queremos ser muito intencionais. Você quer se perguntar constantemente: eu tenho alguma tangente? E se você tem tangentes, precisa ser como um franco-atirador e eliminá-las. Eles precisam ir porque as tangentes realmente não têm lugar em nossa arte. Esta é a lição sobre tangentes e sobreposições e a importância das sobreposições. Vamos passar para a próxima lição. 6. Evitando os Paralelos: Tudo bem, nesta lição, veremos os paralelos. E o que são paralelos? Por que precisamos conhecer os paralelos? Por que precisamos evitar paralelos, etc., etc., certo? Então, na verdade, são paralelos, e acho que gosto do L duplo aqui. É uma boa ferramenta de memória. Eu sou realmente linhas paralelas quando você está desenhando ou em termos da comunicação visual de uma peça, até mesmo a comunicação simbólica com paralelos de paz também pode ser objetos paralelos. Por exemplo, a posição de um personagem em pé e a posição do braço. Mesmo que esteja em um ângulo de três quartos posição é basicamente a mesma em ambos os lados. Então, esse é um paralelo visual. Às vezes, isso é chamado de espelhamento. E então os paralelos também são números iguais de objetos em uma peça. Então, por exemplo, você tem uma cena e algumas árvores ao fundo. Se você tem duas árvores, isso é considerado paralelo e parece muito equilibrado. E equilibrado de uma forma ruim. Parece muito projetado, certo? Então, há uma espécie de duas árvores ao fundo. Então, o que queremos fazer constantemente em nosso trabalho é ter certeza de que estamos quebrando os paralelos, certo? Então, obviamente, o que é o oposto de um paralelo? Embora seja algo que converja, certo? E neste caso em que temos essas duas linhas próximas uma da outra bastante paralelas. A diferença entre essas linhas paralelas e convergentes é que as linhas convergentes têm uma sensação de direcionalidade, certo? Eles têm um senso de direcionalidade. Agora, isso é em termos de um paralelo literal em que talvez você tenha desenhado uma perna. Por exemplo, vamos imaginar que estou desenhando a perna aqui. E eu fiz as linhas nos dois lados da perna, mesmo que haja direcionalidade nessas linhas. Esse é um paralelo literal entre as formas reais, se você desejar, ou as linhas para que elas realmente se espelhem e criem paralelamente. Então, isso se encaixa mais na categoria de espelhamento. Digamos aqui que um seja literal, literal paralelo também é espelhamento. E então três é, eu diria que isso é mais simbólico. Na verdade, simboliza o paralelo simbólico. Isso é espelhamento. Muito disso não exige uma nutrição literal porque o espelhamento literal seria então uma visão frontal. E você tem essa simetria realmente literal que você está vendo na peça. No entanto, em geral, tenho certeza de que você começará a ter uma ideia do que é um paralelo. Não apenas na arte dos personagens, em todos os tipos de arte, você sabe, você tem duas montanhas no fundo de uma peça e dividindo a página igualmente assim. Algo parecido. É muito, estou distraindo o equilíbrio, estranho de projetar para o espectador. Então, queremos evitar paralelos. Em todos os momentos. Nós odiamos paralelos. Os paralelos não devem estar em nossa peça, sejam eles paralelos literais, sejam eles simbólicos , por exemplo. Outro exemplo de paralelos simbólicos é, digamos que você esteja desenhando um personagem e o personagem esteja vestindo uma camisa. E você pode pensar, bem, isso é loucura como você pode dizer o que ele está prestes a dizer? Bem, você verá, digamos que ele esteja vestindo uma camisa aqui camisas de colarinho e pergunte camisa colorida e você está colocando os botões na camisa. Estou dizendo que definitivamente não coloque oito botões. 345678. Ok. Talvez um pouco agitado. Vamos reduzir esse número para seis, certo? Eu diria que definitivamente não faça seis botões, faça sete ou cinco, certo? Como os números ímpares são mais interessantes e porque os números ímpares não podem ser divididos igualmente, eles não estão paralelos entre si em certo sentido, certo, de uma forma simbólica. E então a peça parece mais natural. Há um ditado que diz que não sei de onde vem o nome, então peço desculpas. Há um ditado que diz que Deus não traça linhas retas. Então, coisas que são naturais, estão apenas em greve. Eles não são equilibrados, que não são matematicamente iguais a eles no mundo natural, na verdade, tudo foi formado pela , de maneiras naturais, em termos do mundo e assim por diante. Quero dizer, o que quero dizer é que havia energia por trás da formação dessas coisas. E então as coisas, você olha para montanhas e montanhas muito aleatórias em certo sentido, embora elas tenham um senso de direcionalidade em relação a elas e provavelmente à energia que as formou, mas elas são realmente meio aleatório. Não há nada como exatamente quatro montanhas. Agora, é claro, há casos em que existem exatamente quatro onças ou exatamente duas montanhas e esses geralmente são destinos turísticos porque é incomum, certo? É, não parece natural, parece inserções não naturais, há um apelo nesse tipo de coisa. Mas quando estamos tentando criar uma cena com aparência natural ou um personagem com aparência natural, queremos evitar paralelos literais. Então, definitivamente não temos um. Os braços são nossos membros, roupas ou qualquer coisa que tenha paralelos literais assim, certo? E definitivamente queremos evitar o espelhamento. Por que ter os dois personagens com os braços para baixo no mesmo ângulo? Você tem o mesmo bolso nos dois lados de uma camisa, etc., etc. Quero dizer, você pode realmente fazer isso se quiser. Mas você tem que se perguntar : é uma sensação de equilíbrio, de engenharia ou natural? Termine bem, certo? Então, queremos mudar a direção e, em vez de espelhá-la, temos um braço desse jeito e talvez os outros braços estendendo a mão para algo ou sobre ele, no quadril ou algo parecido. Dessa forma, alcançamos um bom campo natural. Ok, então, essencialmente, isso é o que os paralelos existem. Paralelos literais paralelos, paralelos espelhados, paralelos simbólicos e o oposto de paralelos são realmente assimetria. Queremos assimetria em tudo o que estamos fazendo. E veremos as formas assimétricas novamente. Mais tarde, abordamos um pouco, veremos novamente mais tarde, apenas para esclarecer o quanto precisamos evitar paralelos em nosso trabalho. . Tudo bem, esse é o fim desta lição. 7. Pesos de linha: Bem-vindo à aula sobre pesos terrestres. Nesta lição, aprenderemos e entenderemos mais sobre por que precisamos aprender. Espere enquanto devemos aprender, Espere, quais são os pesos da linha e de onde espera terrestre vem do conceito de espera terrestre. A primeira coisa que eu quero ensinar a vocês é algo chamado perspectiva atmosférica. O conceito é bem simples. Basicamente, no mundo real, ar se acumula entre dois objetos, certo? Então, há apenas um monte de ar entre os dois objetos. E isso acontece em vários graus. Obviamente, quando as coisas estão muito perto de nós, há ar lá, mas o acúmulo não é muito. Mais para trás, as coisas vão, as coisas tendem a se acumular um pouco mais. Quando o ar forma suas equipes para clarear os valores, esse é o brilho e a escuridão do objeto à medida que ele se afasta mais longe. E você vê isso quando você está olhando para o topo, quando você está sentado no topo de uma montanha, você está olhando para uma cidade. E você vê que quanto mais as coisas vão para trás, você meio que pode ver essa atmosfera. Você pode ver esse ar. E isso, essa percepção desse acúmulo de ar ajuda a medir a distância de volta em que esses objetos estão. Porque quanto mais para trás, mais tarde eles ficam. E, por outro lado, quanto mais as coisas se aproximam de nós, escuras ficam, certo, mais contrastantes elas ficam. E você também pode dizer que quanto mais detalhados eles ficam, porque não estão sendo embaçados pelo ar entre os objetos, certo? Em poucas palavras, essa é a perspectiva atmosférica. Vamos chamar isso de “ perto”, “esse de longe”. E então, só para empurrar a ponta, o objeto distante seria um pouco mais leve. Tudo bem, então o ar se acumula. E isso é o que é a perspectiva atmosférica. Entendo, esqueci o C aqui. Vai colocar isso aí, certo? Perspectiva atmosférica. Objetos mais próximos são mais escuros, mais distantes, mais claros. E vamos usar a perspectiva atmosférica para informar como entendemos a espera na fila. A espera na fila não é apenas algo que queremos usar como palco de pintura. Queremos tentar implementar a fila de espera o tempo todo. Então, vamos falar sobre pesos de linha. Ok? Pesos de Lan ou fila em espera, certo? Até agora, aprendemos algumas técnicas para obter uma aparência 3D, na ponta direita. Uma dessas técnicas é desenhar, certo? Queremos desenhar objetos quando imaginei o outro lado deles. E a outra técnica que aprendemos é a sobreposição de linhas, certo? Portanto, mesmo em formas 3D ou 2D, quando começamos a sobrepor linhas, podemos obter uma sensação de profundidade. E o que a espera na fila faz em muitos aspectos é aumentar as sobreposições e introduzir perspectiva atmosférica na peça. Portanto, os pesos das linhas são realmente graus de ponderação das linhas. Linhas mais grossas aparecem e linhas mais finas são recebidas. Ok. Assim, linhas mais grossas se e linhas mais finas recuam para a distância. Conceito bastante simples, eu acho, certo? Então, quando estamos desenhando algo em primeiro plano e temos um objeto em segundo plano. O que podemos fazer além das sobreposições, além de desenhar as formas para nos ajudar a imaginar as formas e as estruturas, é que podemos esperar as linhas em que elas se sobrepõem ao objeto em primeiro plano torne-os mais grossos e escurecidos. Para reforçar que esse objeto está na frente do objeto atrás dele. O que podemos fazer é até mesmo escurecer um pouco a origem da linha dos pontos de fundo para sugerir um pouco de sombra que está acontecendo lá a partir da sobreposição. Ok? Portanto, a regra básica é que, se um objeto estiver na frente, ele deve ter linhas um pouco mais grossas, depois o objeto atrás dele. Então, por exemplo, um braço cruzando o peito, mesmo em uma visão aproximada como essa, Aqui está o braço cruzando sobre o peito. Esse braço seria linha mais grossa e teria uma linha mais grossa esperando por ele. Em geral. Então, as linhas que está cobrindo, por exemplo, existem algumas linhas curtas aqui seriam mais claras, etc. Agora, outra dica para isso também é manter os detalhes internos das formas menores, dos detalhes. coisas como camisas e botões, vincos e dobras e coisas em detalhes geralmente os mantêm nas linhas tenares e mantêm as formas maiores, as formas maiores têm linhas mais grossas e escuras. No entanto, os fundamentos dos pesos de linha realmente são que objetos em primeiro plano têm linhas mais escuras e mais grossas e objetos de fundo têm terrenos posteriores. Agora, eu não tenho apenas essa teoria para você, eu quero te mostrar um exemplo. Esta é uma peça em arco que eu fiz. Aqui você pode ver uma infinidade de pesos de terra variados na peça. Deixe-me pegar um lápis vermelho aqui e vamos mergulhar fundo. A linha pesa um pouco. Então, aqui podemos ver detalhes internos, como aquelas pequenas marcas de tatuagem, os pequenos pelos em seu queixo e suas linhas musculares do esternocleidomastóide. E muitos detalhes internos têm bem finas e também linhas de rapaz silenciosas, certo? E então, os objetos maiores como sua cabeça, por exemplo, que está sobrepondo seu pescoço, você pode ver que há uma linha mais grossa esperando aplicada. Em geral, à medida que esses elementos se sobrepõem, se sobrepõem aos objetos por trás deles. Linhas mais finas nos elementos de fundo, linhas mais grossas nos elementos do primeiro plano. Outro ponto também é que objetos em primeiro plano geralmente são mais escuros significa que você pode usar linhas mais escuras nos objetos em primeiro plano e pressionar levemente o lápis para obter linhas mais finas e claras nos objetos de fundo. Então, aqui você pode ver como, embora essa linha esteja, aqui, ela meio que se afunila e fica bem clara quando chega à borda aqui. Quero dizer, essa não é uma regra geral que as coisas ficam mais altas à medida que avançam, certo. Mas estou apenas reconhecendo que não há mais leveza aqui. Basicamente, isso também implica em detalhes para o espectador. Esse não é o ponto focal principal da peça. Você apenas deixa pra lá, deixa que seja fino, um pouco solto, mas está tudo bem. Aqui está a mão entrando em primeiro plano que está segurando a espada aqui, que o peso da linha seja enfatizado à medida que nos movemos. Esse formulário em particular, certo? E assim, toda a idade se torna mais espessa e muito mais escura para ajudar o espectador perceber e entender que isso está na frente e os outros objetos estão atrás. Para adicionar profundidade. espera na fila também adiciona um senso de caráter muito bom. A peça. Isso faz com que a peça pareça bastante profissional, faz com que a peça pareça bastante lisa. E então você quer estar sempre tentando criar pesos de linha, empilhando as teorias umas sobre as outras. Segundo formulário com sobreposições de linhas. Então, desenhando, certificando-se de que você tenha sobreposições de linhas e, em seguida, certifique-se as espessuras de suas linhas estejam indicando que objetos em primeiro plano têm linhas mais grossas, que objetos de fundo têm linhas mais finas. E depois, lembrar sempre de se soltar para obter esse tipo bonito está na ponta dos pulmões e que as terras parecem naturais e têm direcionalidade para elas. Tudo bem, esse é o fim da aula sobre pesos terrestres. 8. Desenhando com pouco e leveza: Bem-vindo à lição sobre desenhar o joelho e levemente. Agora, geralmente quando desenhamos, às vezes podemos ser bem pesados, certo? Podemos usar linhas muito grossas. Podemos pressionar com muita força a página e obter linhas muito escuras e o que estamos fazendo. E esta lição é realmente sobre como incentivar você a desenhar linhas mais finas e mais claras em geral. Em geral, desenhar mais fino e mais leve. Por exemplo, vou pressionar levemente aqui. Vou desenhar uma cabeça usando linhas finas e linhas tão claras quanto possível. E o que isso faz é me dar a liberdade de fazer correções. Primeiro de tudo, pressionando com mais força onde eu preciso. Então, digamos que eu desalinhei a orelha, sem problemas. Vou desenhar outra orelha e pressionar com mais força. E por causa do aumento do contraste e da escuridão, em certo sentido, meu cérebro não reconhece mais as últimas linhas e é como se elas nem existissem mais. E então desenhar de forma fina nesse sentido me ajuda a fazer correções e não precisar apagar tanto quando estou ocupado tentando fazer um esboço, certo? Exercite o esboço do esboço. Em segundo lugar, desenhar o joelho me ajuda a controlar mais os pesos da linha. É muito difícil fazer uma linha grossa que você desenhou. Então, se eu desenhasse essa linha aqui para o queixo, para a mandíbula deles muito grossa, e então eu decidisse que realmente queria um pouco mais fino porque queria aumentar os pesos da linha. É muito difícil dirigir a borracha. Certifique-se de que estou usando o tipo certo de pincel e, em seguida, estou tentando entrar aqui e afinar a linha e, em seguida, estou arruinando fluxo da minha linha e o fluxo da minha linha e a boa folga que tive no traçado. E é só que não é algo com o qual você queira ter que lutar. V.S. Desenhar com firmeza no começo me permite, vamos apagar todo esse comprimento, me permite controlar os pesos da linha. Muito melhor. Então, vamos desenhar isso novamente. Vou usar uma linha fina e bonita. E agora eu quero controlar a espera e eu quero dizer, ok, bem aqui pelo pescoço, onde ela se sobrepõe, eu quero que essa seja uma linha mais grossa e escura e deixe esse tipo de diminuir nos dois lados. E então, talvez aqui, onde a mandíbula meio que vem e se curva ao redor do pescoço. Quero que seja mais grosso e você possa ter muito mais controle sobre suas linhas quando estiver mais inclinado para desenhar de forma fina, fina e leve. Para que você possa modificar facilmente sua construção. Para que você possa controlar facilmente os pesos da terra e engrossá-los onde precisar. Então, em poucas palavras, isso é realmente o que significa desenhar fino e alto construir com linhas finas de luz e seguida, aprimorar os pesos da linha e ter mais controle sobre os pesos da linha e ajustar facilmente. sem precisar apagar demais. Basta pressionar um pouco mais forte. Ok, essa é a lição sobre desenhar de forma fina e leve. Então, realmente, eu quero que vocês se lembrem disso. Essa é uma lição frequentemente ignorada e depois acabamos com esses desenhos realmente agitados do documento. E eles parecem muito loucos. E até eu mesmo nem sempre me lembro de desenhar magro e levemente, mas deixe-me encorajá-lo. Por favor, incline-se em direção ao joelho, desenhando levemente. Obviamente, estou falando demais. Isso está levemente aqui, desenhando a articulação fina e fina do joelho no joelho e levemente. Vejo vocês na próxima lição. Desenhe fino, me ilumine, por favor. Obrigado. 9. M2A importância do desenho rápido: Tudo bem, se você é iniciante, provavelmente tem dificuldade em desenhar rapidamente. E isso pode estar relacionado a não estar solto. Pode estar relacionado ao medo e à luta sobre como desenhar primeiro e o que desenhar primeiro, querer pensar e assim por diante. No entanto, nesta lição, queremos falar sobre a importância de desenhar rápido. E, na verdade, vou dar alguns pontos-chave que só para ajudar a motivá-lo e ajudá-lo a pensar sobre por que desenhar mais rápido, mais rápido é uma coisa muito, muito boa. Então, primeiro de tudo, quando eu digo desenhar rápido, eu literalmente quero dizer, vá em frente, fique solto, vá em frente. Enlouqueça com seus problemas. Desenhe muito rápido. Basta desenhar o mais rápido possível e sempre tentar desenhar rapidamente, não à custa da precisão, mas para tentar ir o mais rápido possível e ser o mais preciso possível ao mesmo tempo. E quando digo precisão, não me refiro à exatidão , como nos pequenos detalhes. Você sabe, você está ocupado obtendo alguns detalhes precisos agora, só quero dizer precisão em termos de garantir que as formas lidas de forma precisa. Mas tente ser Foster sobre isso, certo? E essa solidez será muito útil para nós quando você estiver desenhando rapidamente. Uma das melhores coisas é que velocidade geralmente é igual a frouxidão, certo? Se você está lutando para ficar solto, basta desenhar um pouco mais rápido e você não pode deixar de se soltar quando estiver desenhando em um ritmo um pouco mais rápido. Então, essa é a primeira a velocidade ser igual a frouxidão. E a folga é muito boa porque tem uma bela aparência natural na peça. E, quanto à aparência profissional da peça, não há medo e pequenas linhas malucas lentas. São apenas linhas soltas e bonitas. Ok? A segunda é que desenhar rápido é uma vantagem. E quanto mais rápido você conseguir um sorteio, o licitante. Então, desenhar rápido é uma vantagem. E a razão pela qual é um ácido é porque quanto mais rápido você desenha, quanto mais desenhos você faz, mais rápido você desenha é igual a mais desenhos. E a melhor coisa sobre isso é que se você estiver fazendo mais desenhos, isso mesmo. Você está progredindo rapidamente e aprimorando suas habilidades e seu nível de tia muito mais rápido. Ok? Então, desenhar promove muitas coisas por trás disso, certo? E quanto mais progresso você fizer, mais cedo alcançará sua meta. E é uma loucura. Quanto disso está realmente relacionado a desenhar rápido ou desenhar mais rápido? Então, eu quero encorajá-lo a desenhar mais rápido, ser mais livre ou solto. Correto. E seu estágio de refinamento, e falaremos sobre rugosidade e refinamento agora mesmo. Mas realmente encorajo você a desenhar mais rápido, desenhar rápido por esses motivos, certo? Novo desenho rápido. Dê a você mais desenhos. E mais desenhos significarão que você progredirá mais rápido e progredirá e mais rápido significará que alcançará seus objetivos e o nível que deseja alcançar Foster, ok? E no final do dia, você também recebe muitos outros desenhos. Então, empatar rápido é realmente vantajoso para todos. Eu não encorajo você novamente a desenhar mais rápido, perfurar mais rápido. Não desenhe devagar. Vamos seguir em frente. 10. O fluxo de trabalho em dois estágios de rugosidade e refinado: Nesta lição, veremos o que é chamado de fluxo de trabalho em dois estágios. E não é um fluxo de trabalho que você fará imediatamente, especialmente se for iniciante. Mas é importante saber agora mesmo, no início do curso, é o fluxo de trabalho em duas etapas e como você eventualmente quer trabalhar ao criar seus desenhos. Então, primeiro de tudo, o que é um fluxo de trabalho? Na verdade, o fluxo de trabalho é apenas a ordem e as etapas que você segue para realizar o trabalho, da maneira certa. Então passo um, passo dois, passo três, passo quatro, até chegar ao Passo dez, talvez, e você esteja pronto. Agora, esse fluxo de trabalho em dois estágios realmente envolve duas partes. A primeira parte é chamada de áspera e a segunda parte é chamada de refinada. E isso e isso é em relação ao sorteio e ao saque de reembolso. E o desenho aproximado é realmente a fase em que queremos garantir que as bases sejam sólidas, certo? As bases são sólidas. Que a maior parte da teoria está sendo implementada. E eu tenho alguns exemplos, então veremos alguns exemplos agora. E é nosso planejamento ou nossa fase de planejamento, certo? Fase de planejamento ou projeto. Ok, só uma maneira de pensar na fase difícil de um desenho. Também é muito solto e muito despreocupado. Despreocupado. Deixe-me dizer também que a fase difícil geralmente é muito feia. OK. E isso é importante. É normal que seja feio porque precisa marcar algumas caixas. Esse é seu objetivo. Seu objetivo não é não ficar bonita, não é parecer um bom esboço. Foi feito para ser feio. É para parecer um canteiro de obras, certo? Tudo o que acontece com o lado da construção é muito diferente do que acontece com o prédio. Neste exemplo, quando a construção é concluída e os designers de interiores chegam e os deuses que projetam a fachada vêm e fazem com que ela fique linda por fora. Mas, na verdade, você não pode fazer todas essas coisas que , então, cairiam na fase de reembolso, certo? Você não pode fazer todas essas coisas, a menos que tenha bases sólidas na maior parte de suas teorias, você tenha o planejamento e os planos. Está solto, é despreocupado. É feio, mas funciona, certo? Tudo precisa funcionar. Funciona. Então, tudo funciona. Basta mover esta página um pouco para cima. Esta é a fase difícil e como eu quero que vocês se sintam em seus corações ou em suas mentes ou em ambos, quando estão trabalhando e fase difícil, é realmente ficarem despreocupados. Por favor, não se preocupe com a aparência do trabalho. Agora você pode dizer, bem, isso é meio louco. Tipo, isso não é um desenho? Não deveria ter uma boa aparência. A parte bonita disso vem na fase de reembolso, certo? Mas a fase difícil é realmente planejar, garantir que tudo esteja em sua perspectiva correta. Sim, vou abordar os exemplos agora mesmo e isso fará mais sentido. No entanto, o estágio refinado é realmente sobre profissionalismo. Limpeza, profissionalismo, limpeza, limpeza, eu acho, certo? Limpeza, limpeza e limpeza. Boa apresentação. E, na verdade, a beleza geral disso. A beleza geral. Aplicando filtros, suavizando um pouco as linhas, fazendo linhas limpas, fazendo linhas limpas com tinta e outras coisas. Nenhuma dessas coisas pode ser feita sem o difícil, então isso é sempre fundamental. Mas, na verdade, o estágio refinado é onde você faz o trabalho parecer bom, certo? É aqui que você faz o trabalho parecer bom. Mas o mais importante do que fazer com que o trabalho pareça bom é que esse é realmente o estágio em que você pode ser mais criativo, certo? Assim, você pode ser livre e ser o mais criativo possível. Seja o mais criativo. E a razão é porque quando você constrói esse sistema de regras, se você quiser, ou a base sólida, ou imagina que você estava construindo uma casa, você construiu uma estrutura da casa. Você construiu a parede, construiu o chão, pois colocará as portas e tudo está dentro. Você pode realmente ser livre na decoração dessa casa. Escolhendo a cor, escolhendo a dor, escolhendo os móveis onde você vai pendurar as fotos. Você não precisa mais se preocupar com coisas técnicas estruturais de Suffolk. Você pode simplesmente se preocupar com coisas criativas, linhas legais, experimentar coisas com as cores, experimentar coisas com a forma como você pode pintá-las, ou pode arrumar o gramado esperando uma maneira diferente ou experimentando algo novo coisas, certo? E, portanto, nas fases de reembolso, nós realmente queremos que você seja livre e criativo. E então, assim como eu falei sobre a postura da fase difícil em que você não está se preocupando com a beleza dela, certo? O palco refinado é onde você pode se preocupar com a beleza dele e você está livre para fazer as coisas divertidas, criativas e decorativas da peça em que você, onde você sabe que está construindo essas coisas no sólido, áspero Então, à medida que avançamos no curso, você aprenderá a distinguir o que o torna difícil, bom e correto com base na teoria. E então, como refinar e refinar. E realmente, quero dizer, se tivermos dois triângulos tão rugosos e refinados, vai ficar mais ou menos assim. Tudo é feito em bruto, toda a teoria é feita em bruto. Tudo é praticamente feito de forma irregular. E depois os refinadores, como se estivesse acabando com isso. Ironicamente, isso leva 20% do tempo e isso leva 80% do tempo para ser feito, certo? Então essa é a regra 8020. Em termos de liquidação e reembolso. Espero que estejamos bem claros sobre esse fluxo de trabalho em dois estágios, aproximado e refinado. Então, vamos dar uma olhada em alguns exemplos. E isso vai chocar você, eu acho. Então, aqui está um artigo que fiz de um top de mago LTE de sangue. E no lado esquerdo você pode ver claramente meu lindo áspero que vai marcá-lo lá fora. E então minha super linda versão refinada. Tudo bem? E você pode ver, bem, provavelmente pode parecer loucura, especialmente se estiver no meio. Louco, como eu passei disso para isso? Como se isso simplesmente não fizesse nenhum sentido em sua mente. Como isso aconteceu? E abordaremos isso durante o curso. Mas em termos de fluxo de trabalho em dois estágios, esse é basicamente o aspecto de um fluxo de trabalho em dois estágios. Você tem um desenho estrutural aproximado onde tudo está em seu lugar. Aqui eu estava marcando o feitiço porque eu o pintei. Isso acabou sendo uma pintura, nem tanto uma ilustração em si. Mas aqui tudo é simplesmente difícil, mas tudo está no lugar certo. Eu meio que resolvi os detalhes técnicos das coisas, no posicionamento das coisas , na estrutura e nas formas das coisas sentidas. E eu apliquei todas as teorias para garantir que isso pareça certo de uma forma estruturalmente correta. E eu sei que, uma vez feito isso, é muito fácil para mim chegar ao topo e fazer o quê? Muitos grandes jantares pararam de funcionar. Meio que adicionando as linhas bonitas, adicionando os olhos detalhados e os detalhes, o nariz e outras coisas. Mas geralmente, se você começar com uma fase de reembolso, é apenas um parafuso em bases muito fracas e simplesmente horrível, certo? Acaba parecendo ruim. E então o mais estranho pode entender por que o trabalho parece ruim ainda não está funcionando. Você está esperando na fila e todas as coisas legais que vê seus artistas favoritos fazendo. Então esse é um exemplo de reembolso indicado. Aqui está outro exemplo. É só um retrato e é basicamente a mesma coisa, certo? É basicamente a mesma coisa. Temos o bruto no lado esquerdo, o reembolso no lado direito. E veremos o que estou prestes a dizer com mais detalhes. Mas o que realmente é fundamental lembrar aqui é quando pensamos sobre a forma, a forma, os detalhes estrutura de como os artistas se estruturaram teoricamente. E vai para o modo Exemplo sobre isso. Certo. A estrutura de como pensamos sobre a forma em forma de ares em detalhes, na verdade implica um fluxo de trabalho, certo? Isso implica um fluxo de trabalho no qual começaremos com a forma. Bem, que temos forma, forma e detalhes. Meio que estruturalmente colocado. E então passamos a refinar tudo isso juntos, certo? Na verdade, em um fluxo de trabalho refinado, ainda estamos pensando em todos esses elementos, mas nossa mentalidade é diferente. Então, o que quero dizer com isso, se isso foi um pouco confuso, é que nossa categoria global ou eu fluxo de trabalho global é difícil e reembolsável. Claro. Mas, como iniciante, você não conseguirá fazer isso logo de cara porque, na verdade, há uma infinidade de teorias que precisavam reaplicadas na fase difícil. E definitivamente passaremos por excelentes fluxos de trabalho sólidos, pois na verdade são compostos por alguns estágios em si. E esses estágios são divididos em forma, forma e detalhes. E então passamos para a fase de reembolso, que tem suas próprias teorias, mas elas não são nada loucas como as encontradas na fase difícil. E aqui falamos sobre coisas como gestos, que temos módulos e gestos inteiros para percorrer. E a forma envolve a anatomia e a estrutura das coisas. E o gesto voltando à forma também tem a ver com a composição do personagem. Isso é tanto uma composição simbólica quanto rural. E então os detalhes são realmente detalhados. Detalhando coisas, comece a estilizar coisas, etc. Mesmo que alguns dos elementos estilísticos também estejam no estágio de forma. Então, espero que isso não seja muito confuso para você agora. Mas saiba que o estágio difícil e o estágio refinado ou o fluxo de trabalho global. Depois de praticar um pouco, você poderá fazer todas as coisas teóricas na fase difícil e, em seguida, resolvê-las e torná-las bonitas na fase de reembolso, como vemos em esse tipo de demonstração. Então, embora possa parecer meio difícil. E embora você saiba que estruturalmente tudo está em seu lugar, há muita teoria acontecendo no lado áspero de alguma coisa. Muita teoria, na verdade, praticamente toda a teoria. E isso é muito do que o curso tem. Deus é todas essas teorias que ajudam você a construir uma mistura boa e sólida. Porque, de um modo geral, eu quero, não quero dizer que existe uma regra global, mas é muito fácil terminar algo que é fundamentalmente forte, certo? Você não pode terminar algo que é fundamentalmente fraco porque então ainda está fraco. Tudo bem? Então, esses são os fluxos de trabalho difíceis e de reembolso. E vamos nos aprofundar mais nisso à medida que o curso avança. Mas eu queria apresentá-lo a você agora para que você comece a pensar na fase do desenho. E também que, ao fazer, ao desenhar, você se esforça para trabalhar nesses dois estágios. E que todos vocês nos sintam loucos e não estejam se escondendo em dificuldades. Que, uma vez que você esteja satisfeito com o áspero, áspero não precise ser loucamente detalhado. Depois, você pode entrar na fase de detalhes construir sobre ela e torná-la linda. Então, sempre trabalhando nesses dois estágios. Vamos seguir em frente. 11. O que é estilo?: Nesta lição, responderemos a uma pergunta antiga. O que é estilo? Especialmente se você é iniciante em Artes e pode muito bem ser estiloso, pode ser algo com que você está se preocupando , seu estilo pessoal. Você tem um estilo, como você vai conseguir um estilo? E é uma pergunta muito comum. É uma pergunta muito comum. O que é estilo? Como faço para começar a estilizar? Devo estar trabalhando no meu estilo, etc. etc. E a verdade é que a resposta para essa pergunta é, na verdade, nem se preocupe com isso. Vamos dar uma olhada quando falarmos sobre estilo. O que é estilo? Você realmente tem dois tipos de estilos. Você tem gêneros estilísticos, certo? Gêneros estilísticos. E então você obtém seu estilo pessoal. Seu estilo pessoal ou até mesmo o estilo pessoal de outra pessoa. Mas, no entanto, são coisas pessoais deles. E estamos falando sobre gêneros estilísticos. Na verdade, estamos falando sobre proporcionais e algumas regras de design que fazem com que determinadas obras de arte tenham uma aparência específica. Então, por exemplo, um exemplo de gênero estilístico seria a Disney. O estilo Disney tem uma aparência muito distinta. Há uma certa proporção de tamanho da cabeça, então os olhos e as medidas que fariam algo parecer Disney. E sabemos que quando vemos algo Disney, reconhecemos que é Disney por causa de seu estilo. Tudo bem? Outro exemplo de gênero estilístico é o mangá. Agora, obviamente, existem muitos subconjuntos do estilo mangá. Não é apenas um estilo, há um estilo de mangá. Mas temos uma sensação de estética que parece muito autêntica, muito japoneses são muito parecidos com mangas. E, novamente, tudo se resumirá a regras proporcionais e escolhas de design. Agora eles não são todos iguais e você tem a capacidade de criar seu próprio estilo dentro desses estilos. Mas reconhecemos o mangá como uma espécie de gênero estilístico. Vamos fazer outro exemplo. O que seria, digamos, quadrinhos americana, ser muito específica. Estilo cômico americano. Mais uma vez, é a mesma coisa, certo? É um gênero estilístico. E tem certas regras proporcionais e opções de design que fazem com que tenha uma aparência específica. E muitas vezes poderíamos olhar para uma história em quadrinhos da Marvel ou uma história em quadrinhos da DC e dizer, bem, esse é o estilo americano de quadrinhos. Nós olhamos alguns mangás e dizemos, bem, esse é o estilo japonês de mangá. E veja, alguns filmes da Disney são algumas obras de arte da Disney em livros e outras coisas e diga, bem, olha, isso é muito estilo Disney. Então, esses são tipos de gêneros estilísticos. E, em um sentido geral , o estilo real pode seguir essa linha de realismo. Como superrealismo, realismo até o que é chamado de superdeforma. Vou colocá-lo em ASD, sim, mas está super deformado. Todos esses estilos tendem a se encaixar em algum lugar ao longo da linha. E, por exemplo, algo como o Dexter's Lab, que é muito plano, está mais no lado superdeformado de um gênero estilístico. E então, uma espécie de realismo fotográfico está do lado realista ou quando você está fazendo desenhos e coisas do tipo que são muito realistas. Esses são gêneros estilísticos. Então você quer pensar em estilo em termos de gêneros estilísticos. Agora, em termos de estilo pessoal, isso é realmente algo que se desenvolve sozinho, certo? Então, ele se desenvolve sozinho. Você nem precisa pensar que ela se desenvolve sozinha. E, na verdade virá de coisas que você gostaria de desenhar, coisas que você gostaria de desenhar. Agora, supondo que você goste de desenhar no estilo Disney uma célula de mangá ou um vendedor de quadrinhos jamais veria o que você realmente gosta. Ou mesmo se você quiser criar seu próprio estilo. O que acaba acontecendo é que você começa a colocar parte de si mesmo nesse estilo. Que é inequivocamente um gênero estilístico. E ainda assim, inequivocamente, seu próprio estilo. Ou se você criou seu próprio gênero estilístico onde definiu certas regras, conjuntos e coisas que deseja seguir, então é tudo totalmente seu e você tem seu próprio gênero estilístico e seu células pessoais nele. Mas supondo que você realmente gostou, nem quer trabalhar na indústria de quadrinhos ou na indústria americana de quadrinhos, ou você realmente quer ser um artista de mangá, você vai insira inerentemente seu estilo pessoal nisso. Mesmo que você esteja emprestando, pegando emprestado e pegando coisas de artistas diferentes , sejam estilos de arte diferentes, gêneros diferentes ou hibridização, acabe misturando estilos. Mas a chave principal aqui é que eu quero que você perceba que seu estilo pessoal realmente vai acontecer. De qualquer forma, você vai fazer a arte que você gosta de fazer, a arte que lhe agrada. E seu estilo pessoal crescerá naturalmente e surgirá disso. E você começará a criar hábitos da maneira como talvez tenda a desenhar os olhos, da maneira como conseguiu desenhar o cabelo, da maneira como tende a desenhar as orelhas. E pode ou não se encaixar nesse gênero estilístico ou em um conjunto, gênero estilístico de conjunto específico baseado no que você quer fazer. Portanto, a chave aqui, na verdade, em muitos sentidos, é não se preocupar com seu estilo pessoal. E em termos de gêneros estilísticos, se você quiser trabalhar nesses gêneros, faça isso. Se você não quiser trabalhar nesses gêneros e criar seu próprio estilo e maneira de fazer as coisas. No entanto, você não precisa se preocupar com isso e se preocupar se você tem um estilo, você inerentemente sempre terá um estilo. As coisas que você desenha porque as desenhou têm uma parte sua na forma como elas são implementadas. Então, em última análise, isso é o que é estilo. Mas agora, quando pensamos em estilo em termos de teoria, deixe-me acrescentar mais um ponto a tudo isso. E isso realmente é, esse estilo é uma pequena camada muito fina, certo? Uma pequena camada muito fina do bolo enorme. Essa é a teoria fundamental, certo? Então, digamos que o estilo da teoria das partes fundamentais seja, na verdade, apenas uma pequena camada fina sobre os fundamentos. Porque quando você conhece a teoria fundamental da arte, você pode desenhar em qualquer estilo. Você pode se adaptar a qualquer estilo porque entende o que realmente é estilo. E são realmente alguns ajustes. Em poucas palavras. Na verdade, são apenas ajustes nas proporções e certas opções de design com tendências de design que estão sendo seguidas. Então, isso tem muito a ver com proporções e tendências de design. Por exemplo, como a lei talvez não seja feita, como a fila esperando talvez para baixo, linhas mais grossas, linhas mais finas, etc, etc. E isso é realmente o que é estilo. Mas saiba que é essa camada fina, fina e fina. Não é uma coisa louca muito importante. Os fundamentos são muito, muito importantes. Então, isso é realmente um resumo do que é um estilo. Espero que tenha sido útil para você e vamos seguir em frente. 12. M2Como usar a referência corretamente: Nesta lição, abordaremos e falaremos sobre como usar a referência, certo? É muito controverso, algumas pessoas acham que é trapaça. Vamos falar sobre esses tópicos e também abordar em profundidade o que significa usar a referência. E vamos falar sobre isso de duas maneiras. E fale sobre isso em termos de design. E eu vou falar sobre isso em termos de estudo ou aprendizado. Primeiro, vamos falar sobre estudar e aprender, certo? Quando falamos sobre o uso de referência em termos de estudo ou aprendizado, geralmente isso envolve copiar e observar. Copiando e observando. O que estamos fazendo é examinar a referência. E aqui eu tenho essa imagem de referência dessa garota na sala de aula. E, na verdade, talvez queiramos aprender sobre valores e sobre iluminação. Queremos aprender apenas sobre a estrutura da composição da foto. Em seguida, copiaríamos a peça inteira exatamente como está. E, como você sabe, isso fará com que ela caia na arte observacional. E o que podemos fazer copiando é que aprenderemos certos elementos da estrutura, certos elementos da anatomia. Podemos observar a anatomia, copiar as formas da anatomia e memorizar essas coisas que estamos aprendendo copiando e observando quando podemos usar referência para estudar e aprender, certo? Mas não queremos usar referência, certo? Definitivamente, não queremos usar a referência para ser a obra de arte, certo? A obra de arte ou a base da obra de arte. Onde alguém pode perceber que usamos, que acabamos de pintar sobre fotos desenhadas estão traçadas ou algo parecido. Essas são coisas que não queremos fazer. Não é assim que também usamos o rastreamento de referência. Não é assim que usamos a referência. Então, essas são coisas que não queremos fazer. Isso não é um bom uso de referência. Então, quando estamos usando a referência em termos de estudo e aprendizagem, estamos usando isso. Estamos usando isso para copiá-lo, para aprender algo sobre a referência ou o objeto na imagem de referência. E também o estamos usando para aprender a ver, ver melhor, observar, fazer anotações e aprender melhor. Então, copiar é bom quando você o usa para estudar e aprender. Mas não é bom ser apresentado como obra de arte, base de uma obra de arte ou até mesmo traçado dela, certo? Que é basicamente a base de uma obra de arte ou usá-la como obra de arte. Mas, de qualquer forma, quando estamos usando a referência para estudar e aprender, podemos observar essas várias coisas, certo? E, particularmente, você usará muitas referências em termos de desenho gestual, em termos de desenhar anatomia e aprender a desenhar elementos anatômicos, musculatura, sistema esquelético e assim por diante. E vamos literalmente copiar a referência e fazer um milhão de versões diferentes de referências semelhantes e ângulos de câmera diferentes para que possamos aprender a estrutura dessa coisa anatômica. Mas a principal forma de realmente usarmos a referência é para o design. Quando você está referenciando um design, é uma forma completamente diferente de ver a referência. Não estamos mais preocupados em copiar o que vemos, mas sim olhar as coisas maneiras fundamentais e estruturais. Por exemplo, se no topo da minha cabeça pudéssemos referenciar nesta imagem as cores. Eles são muito pastel e leves. Vamos meio que semi-colorida aqui do livro combina muito bem com esse tipo de cor verde menta latina. Então, poderíamos referenciar as cores e dizer, bem, você sabe, nessa imagem de referência, eu realmente gosto da cor. Quero referenciar a cor. Poderíamos referenciar a expressão dela, por exemplo. Portanto, não vamos copiar essa expressão exata em nosso desenho nessa exata pose. Podemos simplesmente referenciar expressão dela e dizer: Ok, ela tem um sorriso alegre e um sorriso interessado e que conquistou sobrancelhas para baixo e outras para cima. E podemos replicar essas coisas em nosso trabalho. Mas não estamos copiando, estamos nos referindo, certo? Estamos pegando emprestado, se você quiser, da peça. Você certamente poderia referenciar a pose, certo? Faça referência à pose. E ao fazer referência à pose, talvez seu personagem esteja cansado depois um dia difícil na faculdade, universidade ou escola. E você realmente está pegando emprestado a estrutura da mão sob o queixo e o braço, o torso nesse ângulo e talvez o outro braço na mesa. Você pode referenciar a pose, você pode referenciar a composição. Você pode não gostar de toda a composição dessa dama ao fundo e de outra dama ali e depois do personagem principal aqui, e apenas de toda a composição geral de tudo. Assim, você pode referenciar a composição. E dependendo do que você está desenhando, se você está desenhando objetos mecânicos são objetos feitos pelo homem. Você pode referenciar a operação mecânica, você pode referenciar a escolha do projeto. Você pode referenciar tantos elementos, tantos elementos teóricos que você poderia sem dúvida, referenciar quando estiver pintando e outras coisas. Você pode referenciar valores, ou seja, os valores claros e escuros na peça. Você pode referenciar a lente da câmera se desejar. Lente de câmera. Então, aqui eles estão usando uma lente f-stop muito baixa para obter aquele bom desfoque de fundo e um primeiro plano nítido. Então, isso é o que realmente, quando falamos sobre referência, na maioria das vezes, é o que estamos falando quando estamos fazendo trabalho criativo ou trabalho criativo. E, portanto, a referência ao design se enquadra solidamente no trabalho criativo e criativo. E referenciar o estudo e o aprendizado está realmente nesse lado observacional do OT. Onde estávamos observando, aprendendo, estudando, crescendo em nossa compreensão do mundo e de como a luz funciona e como a anatomia funciona e assim por diante. Mas quando estamos fazendo referência ao design, estamos emprestando elementos que apreciamos e podemos misturar com outros elementos e descartar designs próprios. E quando você está se referindo design em geral, e espero que esse seja o caso. 9,99 vezes em dez. Se não dez em cada dez vezes, seu trabalho não se parece em nada o trabalho a partir do qual você se referiu ou com as peças que você está usando para referenciar as várias fotos, objetos ou árvores ou antecedentes ou o que você tem. Como você está referenciando elementos de design, não está referenciando a imagem real em si. E isso realmente resume esta lição sobre como usar a referência. E eu acho que é só isso. Vamos seguir em frente. 13. Desenvolvimento da biblioteca visual: Bem-vindo à demonstração de desenvolvimento da biblioteca visual. O desenvolvimento de bibliotecas visuais é um exercício que fazemos para aumentar nossa biblioteca visual. Ajudando-nos a não precisar de referências quando estamos desenhando, mas eles conseguiram extrair as informações visuais de que precisamos de nossas mentes. É algo que deve ser feito com bastante regularidade, especialmente se você não desenhou muito ou se é super novo no desenho. E, essencialmente, visual, todo desenho de desenvolvimento envolve dois estudos de desenho observacional a partir de referência, seguidos por um desenho imaginativo sem qualquer referência usando seu novo conhecimento sobre o objeto. Todos os desenhos são feitos com um fluxo de trabalho de duas etapas, aproximado e refinado. Em seguida, eles são dispostos na página e numerados 123. Geralmente, o número três sempre se refere ao desenho imaginativo, que é o desenho da sua cabeça. Nesta demonstração, tirei fotos de cartola, que começo a desenhá-las grosseiramente, e depois as aproximei antes de passar para um terceiro desenho da minha imaginação. desenvolvimento da biblioteca visual, ou vl di, é uma ótima maneira de aumentar sua biblioteca visual e também obter uma boa sessão de desenho de aquecimento e assistir até o final do vídeo para obter a essência do desenho do VLT e, em seguida, sinta-se à vontade para participar de uma determinada tarefa de VLDL. Então, neste momento, começou a etapa refinada desse primeiro desenho de cartola. E estou ocupado adicionando pesos terrestres e mostrando as sobreposições. Antes disso, quando eu estava fazendo o áspero, eu estava desenhando apenas tentando pegar as formas grandes, tanto as formas tridimensionais quanto tentando fazer com que as formas bidimensionais funcionassem. Aqui, estou fazendo meu segundo desenvolvimento de biblioteca visual, desenhando por cima da cartola e tentando ser o mais preciso possível. Pessoalmente, fico muito bagunçado quando desenho. Às vezes eu quebro totalmente a regra da magreza e da luz. Mas, definitivamente, é sempre melhor tentar nos atrair do que a mim e com a maior leveza possível , porque isso torna o ajuste das coisas muito mais fácil. No entanto, lá consegui obter mais ou menos o formulário. E então começo a fazer o refinamento por cima. Fazendo isso no papel, você pode usar uma caixa de luz ou uma borracha amassada para clarear as linhas ásperas. Quando estiver satisfeito com o áspero digitalmente, basta colocar uma camada na parte superior diminuir a opacidade da camada inferior. E então, literalmente, basta colocar suas linhas superiores e você limpará as linhas em cima das ásperas. Obviamente, uma das grandes vantagens do digital é que quando você estraga um traço muito longo ou uma linha muito longa e suave, você pode simplesmente desfazê-la. Então, com mídias tradicionais como lápis e papel e assim por diante, o que você já quer fazer é garantir que seu valor bruto chegue mais ao nível de reembolso antes de fazer as linhas finais para que suas linhas finais realmente estão quase traçando seu desenho original, por assim dizer. Então, aqui mais uma vez, eu termino a segunda imagem. E você pode notar que eu realmente não coloquei muitos sombreamentos ou sombras nesses desenhos e colaborativos. E há uma razão para isso, especialmente porque este é um curso de desenho que eu quero que nos concentremos novamente no desenho, não na pintura e na renderização. E, em segundo lugar, é também porque isso leva mais tempo quando você está fazendo desenhos visuais de redesenvolvimento de laboratório para transformar seu cérebro no modo de valor e começar a entender. conceitos de renderização. Então, aqui vou começar a fazer minha própria peça imaginativa. Relativamente imaginativo. Tenho certeza de que você já viu um design semelhante de cartola algum tempo antes. No entanto, vá em frente e use o que eu aprendi desenhando a parte superior das duas cartolas antes e comece a criar minha própria versão. E então, mais uma vez, vou para o estágio de refinamento usando duas camadas e meio que fazendo alguns pesos de linha, garantindo que as sobreposições sejam lidas e finalizadas. E então eu basicamente termino colocando-os fora da página, rotulando-os. E isso seria um exercício completo de desenvolvimento de biblioteca visual. 14. Stacking da teoria: Bem-vindo à última lição do módulo dois. E nesta lição eu quero falar sobre algo chamado empilhamento teórico, ou pelo menos é assim que eu chamo isso. E, como o próprio nome indica, tem a ver com empilhar e implementar várias teorias, particularmente na ordem correta. Agora, a forma como o curso foi estruturado, está sendo estruturado de forma que o tipo de teorias fundamentais seja construído primeiro. E todas as pequenas teorias se acumulam na base e você as implementa todas em seu desenho ao mesmo tempo ou qualquer outra coisa , peça por peça. E à medida que você aprende teorias mais avançadas, você começa a empilhar essas teorias e, se preferir , percorre o triângulo da teoria da arte. E assim por diante até que você esteja realmente construindo uma peça acabada, que é realmente construída de muitas teorias diferentes, certo? Então, um exemplo de empilhamento teórico baseado no que aprendemos no módulo dois, é que se eu desenhasse algo muito simples, como uma caixa, eu adotaria minha primeira abordagem depois de me aquecer para realmente obter um pouco de 3D desenhando. Vou desenhar uma caixa de embalagem como uma empresa de mudanças ou algo assim. Então aqui está minha caixa. E estou me aprofundando e pensando também no fluxo de trabalho ou no fluxo de trabalho aproximado e de reembolso. E então eu estou bem em ser bagunçado, não estou me preocupando com nada. E depois pensando bem, quais são as caixas? Preciso verificar? Sim. Ah, sim. Frouxidão e dinamismo. Acho que vou ter que estar bem solto no meu estágio refinado para ter essas linhas muito bonitas meu estágio refinado para ter essas linhas muito bonitas e limpas que tenham direcionalidade de massa em relação a elas versus linhas estáticas lentas que não têm direcionalidade. Então, isso é algo em que estou pensando ao fazer isso, pensando em paralelos tangentes. Bem, uma caixa realmente é, na maioria das vezes, bastante paralela. Portanto, o paralelo terá que ficar nesse caso. Mas se eu quisesse chamar atum para a caixa, eu poderia decidir, bem, vamos adicionar alguma direcionalidade às laterais da caixa e fazer com que a caixa pareça um pouco mais dinâmica. Nós podemos fazer isso. Também quero pensar pesos das linhas enquanto estou desenhando esta caixa, desenhando o joelho improvável, que claramente não estou fazendo aqui. Estou desenhando levemente e depois um pouco mais sombriamente em cima dela. Então, é claro, desenhando rápido. Comecei a desenhar rápido e também a pensar nesse fluxo de trabalho em duas etapas. Então, o que estou fazendo é desenhar essa caixa e depois fazer o bruto, estou empilhando teorias à medida que a percorro. Talvez haja uma aba aqui, outra aba aqui. Mas eu não quero que eles façam, Marisol os desenhe em ângulos diferentes. E estou pensando nesses paralelos e também tem sido com essas terras. Isso fará com que pareça um pouco mais caricatural. Você não precisa ir para o desenho animado Look. Você pode ter paralelos em objetos feitos pelo homem. E realmente faço meu fluxo de trabalho em dois estágios. Isso pode ser difícil. E ainda por cima eu farei o reembolso. Vou simplesmente apagar muito isso e depois trabalhar em todas essas teorias. Então, aqui vou tentar ser realmente simpática e solta. E você definitivamente viu um pouco disso também no vídeo de demonstração de desenvolvimento de linguagem visual. E aqui estou eu meio que solta com os movimentos dos meus braços. E eu estou jogando a teoria de estar livre para isso. Tudo bem? E não precisarei desenhar a caixa porque a caixa não é transparente. Tudo bem? E, obviamente, se estivesse em uma camada separada, eu teria uma caixa limpa muito boa em vez da caixa áspera no fundo. No entanto, esse conceito de empilhamento teórico é basicamente um, e por falta de platina Desculpe por isso, é realmente uma coisa de marcar a caixa. Ao desenhar, você quer ter certeza que está marcando as várias caixas. Por exemplo, perguntando a si mesmo estou desenhando frouxamente? Eu tenho formas dinâmicas? E tudo isso é coisa de fase difícil, certo? Eu tenho formas dinâmicas? Estou fazendo o fluxo de trabalho em duas etapas? Em como estou trabalhando? E quanto, por exemplo, aos paralelos? Estou verificando paralelos? E assim por diante. E você se certifica de que, ao fazer seus desenhos, toda a teoria que você aprendeu, que é realmente uma teoria fundamental no módulo dois, você se certifica de que está marcando as caixas como dizem, certo? Verificando as caixas. Ok, estou fazendo o fluxo de trabalho em dois estágios. Ótimo. Ok, eu tenho formas dinâmicas. Incrível. Definitivamente estou solto com meu braço. Estou desenhando de forma fina e leve, você sabe, todos os elementos que aprendemos nisso. Então, à medida que avançamos no curso, certifique-se de que todas as teorias que você está aprendendo estejam sendo integradas ao trabalho que você está fazendo. Não trabalhe e omita teorias de fora. E, portanto, pode ser muito útil para você criar suas próprias caixas para verificar se você acha que precisa de algo muito granular e muito específico como esse para garantir que, enquanto estiver desenhando, Você está se certificando, Ok, essas teorias nessas teorias e as teorias nesta, não existem. Deixe-me salvar isso como R. Nesta lição, você pode confiar na teoria da arte realista, você realmente pode. As regras realmente permitem que sua criatividade seja livre e seja bem implementada? Então, realmente certifique-se de que você está implementando a teoria. Empilhe a teoria. E à medida que aprendemos mais teorias e tipos de teoria de nível superior, você continuará continuamente empilhando a teoria e implementando continuamente tudo de uma vez quase. E à medida que você se torna melhor em arte, você começa a fazer as coisas naturalmente. Você não faz as coisas mais por desejo do que por necessidade, porque está se tornando parte de você. Esse é o fim desta lição. E se você estiver pronto para passar para o módulo três, nos vemos lá.