Desenhar personagens 101 Introdução ao desenho de personagens

1. Apresentação: Olá e bem-vindo ao curso. Meu nome é Scott Harris e pensei em fazer esse vídeo introdutório apenas para apresentar a vocês a mim mesmo, quem eu sou, e falar sobre o curso, dizer como vocês devem fazer o curso. Eu deveria seguir o curso. E também podemos, mesmo que eu não conheça muito bem vocês, que vocês me conheçam e que espero que seja uma experiência benéfica para vocês passarem por este curso. Então, em primeiro lugar, eu realmente sinto que este curso tem minha obra-prima, provavelmente de todo o conteúdo do curso que eu já fiz. Tem tantos elementos valiosos que têm a ver com o design de personagens e desenhar personagens de forma abrangente, estou desenhando personagens, personagens bem desenhados, atraentes. Então, à medida que você avança no curso, eu acho que você vai descobrir que este não é um curso que você, você faz todo o curso e talvez você tenha tido experiência antes de fazer um curso e você sente que, Você sabe, havia uma ou duas boas informações nesse curso. Espero que você sinta que, Uau, esse curso realmente me tirou talvez de alguém quando você não sabia desenhar personagens para gostar agora, agora eu realmente sinto que sei o que estou fazendo. Ou se você começou a desenhar um pouco ou seu, seu intermediário, um desenho, você sente que , uau, isso aumentou muito minhas habilidades. E também que esses conceitos são conceitos muito legais à medida que se tornam parte de como você desenha. Você acha que, uau, esse curso valeu a pena para mim. Essa é a minha esperança. E eu realmente espero que vocês realmente se tornem grandes artistas de personagens e sejam capazes de desenhar uma infinidade de estilos em qualquer tipo de personagem uma infinidade de estilos em que quiserem com apelo, sentimento, história, com emoção, e o que você tem. Então, sim, então é assim que eu me sinto sobre o curso e como eu quero apresentá-lo a você. E também a apresentação do curso, enquanto as teorias e os conceitos serão bem sérios. Por sua vez, eu vou apresentar o curso de uma forma muito casual, como se eu estivesse te ensinando em uma classe. Então, eu não acho que você precise se estressar com estudos teóricos agitados ou algo parecido. Mas, definitivamente, farei o meu melhor para ser o mais claro e conciso possível, para que você compreenda as teorias rapidamente e possa então continuar a praticá-las e fazer exercícios à sua medida. de colocá-los em seu sistema e se acostumar com eles. Então, eu imagino que vocês façam o curso é que assistam todos os vídeos primeiro. Uma vez. Você assiste a cada vídeo, assiste a eles, não faz nenhum exercício, apenas assiste, aprende, tenta absorver, certo? E então, na sua segunda corrida, você faz o curso e faz todos os exercícios. É extremamente importante que você dedique tempo e dedicação à elaboração de todos os exercícios, fazendo os desenhos necessários em cada uma das seções. E a razão é que, embora estranho seja definitivamente extremamente mais teórico do que as pessoas pensam que é, eu gostaria, e talvez seja digamos, tocar um instrumento musical, você deve saber tudo o que há para saber sobre uma guitarra ou um instrumento específico. Você pode conhecer toda a teoria, toda a teoria musical. Mas se você não pegar um violão e tocá-lo, a teoria é meio inútil ao mesmo tempo, usando o mesmo tipo de analogia. Você pode perceber que muitas pessoas dirão, bem, como você melhora na arte? E eles responderão e haverá tipo, você apenas pratica, apenas pratica mais. Bem, se você pudesse se imaginar pegando um violão e pensasse, bem, quanto mais eu continuo dedilhando, eu vou aprender a me tornar um pouco de guitarra. Obviamente, isso não vai acontecer, certo? Esse não é o caso. Você vai precisar da teoria. Portanto, não há uma dualidade, se você quiser. Equilíbrio entre teoria e prática quando se trata de arte. E espero que este curso faça com que você se envolva de forma abrangente em ambas as coisas. Tudo bem, acho que isso é tudo para a introdução do curso. Espero que você goste. Espero que você se divirta. Espero que você definitivamente mantenha contato comigo, mantenha contato comigo, me envie suas obras de arte em seus exercícios enquanto faz o curso. E eu desejo a você tudo de bom. Estou muito otimista e espero que este curso seja absolutamente incrível para você. Então, sim, vamos começar o suficiente para conversar. Vamos começar. 2. Saber (teoria) vs fazer (prático): Ótimo, bem-vindo à teoria versus prática. O vídeo em teoria versus prático, então você pode estar pensando, bem, cara, você acabou de falar sobre isso na introdução. Você usou o exemplo de violão, música de guitarra, instrumento, teoria musical. Bem, eu quero realmente reforçar como você pensa sobre teoria da arte e prática estranha, há um grande, grande, grande tipo de concepção na arte que, para ser melhor como honesto, você tem que colocar no tempo e você tem que apenas desenhar, desenhar, desenhar, desenha um papel na prática, praticar, praticar todos os dias e, de alguma forma, descobrir as coisas com o tempo e você vai melhorar. Claro. Isso pode funcionar por talvez dez ou 15 anos. Você quer passar dez ou 15 anos aprendendo a desenhar personagens? Eu acho que não, certo? Então, a razão pela qual eu queria adicionar este vídeo ao curso e realmente enfatizar o assunto é como eu quero que vocês pensem sobre teoria da arte e deveria ser prático, certo? Você precisa de ambos. Ambos são muito importantes e ambos são igualmente importantes. Então, essa é a primeira coisa principal que ambos são igualmente importantes. Mas a maneira que eu quero que você pense sobre isso é que você quer chegar a um destino. Digamos que você esteja procurando um tesouro. Discussões como sua parte. Você está procurando um tesouro. O que os piratas tinham para chegar até a Trisha? Eles têm um mapa do tesouro, certo? Eles têm direções que os mostram passo a passo, têm algum tipo de cronologia ou fluxo lógico de como eles vão chegar à caça ao tesouro, vão chegar a esse objetivo. Nossa teoria é praticamente a mesma coisa de certa forma. Você precisa da teoria onthe, não apenas da teoria em si. Você sabe, que são todas pequenas bolhas flutuantes, você sabe, anatomias aumentam suas perspectivas aqui e ali e tudo está inundando os níveis. Você não precisa da teoria na ordem correta com tudo no lugar certo, que você pode seguir passo a passo e aprender passo a passo estruturalmente, desde os fundamentos até as coisas avançadas. Então, uma vez que você construa esse tipo de fundação, construa uma espécie de pirâmide, que abordaremos agora. Que você entenda isso, que você saiba, que você tem uma direção clara e que pode chegar facilmente ao seu objetivo pensando em seu mapa. Como eu faço isso? Qual é a estrutura desses vários elementos da arte? Então, eu só queria fazer esse vídeo apenas para reforçar esse ponto. Não pense que a teoria não é mínima e prática é tudo o que você realmente precisa de ambos. Você realmente precisa se tornar fluente em ambos. E, definitivamente, você precisa se concentrar em ingerir, absorver, aprender as teorias e ser muito forte em sua teoria. Então, quando se trata de prática, mesmo que sua habilidade prática seja um pouco fraca, você sabe que pode confiar na teoria. Veja o que você precisa corrigir, marque as caixas da teoria e saia no final do dia com um bom desenho. Então, mais uma vez, a teoria do OT é muito, muito importante, tão importante quanto nossa prática. 3. Vamos nos sujar: Bem-vindo ao, Let's get bagunch. E o que é Let's get messy, certo? Por que estou adicionando esse vídeo aleatório na seção de introdução? E vamos bagunçar é realmente um incentivo para você ser Macy, ser desarrumado, ser solto, ser rude quando está desenhando, certo? Eu fiz este curso de uma forma em que não quero que você sinta que, Uau, eu nunca conseguiria os desenhos que estou vendo nesses vídeos. Não, eu não fiz o curso de uma forma em que você tenha esses exemplos refinados e perfeitamente desenhados, exercícios perfeitamente desenhados, coisas perfeitamente desenhadas que você sente que, Bem, eu posso alcançar esse nível de perfeição, certo? Não, eu fiz o curso de uma forma solta, confusa, grosseira, mas os elementos da teoria estão corretos. Os elementos da teoria da força. E eu vou te mostrar como sair de um trabalho árduo e bagunçado, muito refinado, arrumado , limpo e profissional, certo? Mas eu quero encorajá-lo ao iniciar o curso, comece a deixar de tentar fazer desenhos perfeitos, certo? Comece a deixar isso de lado. Seja rude quando estiver fazendo exercícios. Seja rude quando estiver tentando resolver as coisas. Seja rude, seja solto, deixe-se ser selvagem, livre e rápido. Ok, vamos bagunçar. Vamos ficar muito confusos. Pense sobre isso. Um canteiro de obras é pago integralmente, mas está construindo casas, está construindo edifícios. Está bagunçado. Não é coisa completa, não é? É só que a coisa toda está bagunçada. É um caos. Equipamentos de construção em todos os lugares, trabalhadores em todos os lugares, coisas em acabamentos pintados na colocação. Você tem que pensar assim. A mesma coisa com a cozinha. Um bom padeiro, um bom cozinheiro. Eles não operam nessas cozinhas imaculadas como você vê nos programas de TV. Eles são bagunçados e estão jogando sabores na comida e estão ficando bagunçados, estão entrando, e estão sujando as mãos. E quando você está construindo algo ótimo, você tem que sujar as mãos. E então você pode usar o estágio de refinamento para tornar essas coisas limpas claras, bonitas e profissionais. Porque uma aparência realmente profissional e um sentimento profissional vêm de uma construção sólida e a construção é confusa. Então, deixe-me encorajá-lo. Vamos ficar bagunçados. Vamos ser rudes. Vamos aos tribunais de arte. E então, uma vez que tenhamos as coisas no chão e a pedra fundamental sólida, podemos nos concentrar em precisar delas, apertá-las, pintar aqueles edifícios, arquear esses bolos como uma metáfora. Tudo bem, vamos bagunçar. Vamos seguir em frente. 4. Lembre-se sempre de uma coisa: Antes de começarmos, há algo muito importante e precisamos conversar com você. E isso é isso. Qualquer pessoa pode pegar um lápis ou uma caneta de pincel e fazer marcas. Eles podem mover o braço e fazer linhas que podem causar traços. O problema aqui é que dominar e realmente alcançar um alto nível de profissionalismo tem muito mais a ver com a teoria do que com a prática. Porque, é claro, todos nós podemos fazer essas marcas, certo? Então, o que queremos fazer é entender a teoria o alto possível para que possamos tornar cada marca que tornamos efetiva. Agora você aprenderá muita teoria no curso, mas o custo também está repleto de atividades práticas, demonstrações práticas e, em seguida, muitos desenhos a serem feitos. E você pode fazer esse desenho tradicionalmente usando lápis e papel, onde você pode usar o Photoshop, você pode usar um iPad Pro com o aplicativo procreate ou qualquer aplicativo de sua escolha. O curso foi formado no Photoshop apenas para facilitar a gravação, mas isso não tem relação com o meio que você está usando. O principal é que você entenda como a teoria crítica está desenhando. Bem, é um equívoco comum que artistas se sentem em cafeterias esticando a língua com suas peles de toupeira, cadernos de desenho em um cappuccino, apenas o desenho surpreendentemente desse talento é fluindo para fora deles. Desenhar é uma habilidade. Não é um talento, é uma habilidade aprendida, assim como ler e escrever. E existimos hoje em uma época em que a maior parte da população carece dessa alfabetização visual. E eu acredito que em alguns 100 anos, provavelmente todo mundo será capaz de desenhar bem. Mas em nossa sociedade atual, tendemos a dar essa honra sagrada ou a honra sagrada de atrair duas pessoas consideradas talentosas. Eu quero dissipar esse mito agora. É uma habilidade aprendida. Nessa nota, pague antecipadamente e se humilhe para aprender algumas das principais teorias de desenho que você precisa conhecer. E a beleza disso é que uma vez que você os conhece, você os conhece, uma vez que você sabe a verdade, você não pode realmente mentir para si mesmo enquanto desenha. Portanto, considere um incentivo que ser capaz desenhar bem depende de saber exatamente o que você está fazendo. E isso requer muita teoria. E mais uma vez, como eu disse, apesar de haver muita teoria, obviamente também há muita prática. Então eu quero que você pegue seus lápis, eu quero que você desenhe. Portanto, tenha isso em mente à medida que avança. E vamos levá-lo totalmente aonde você quer estar em termos de suas habilidades de desenho. 5. Estrutura de arte básica: Olá pessoal e bem-vindos ao vídeo Art Basics. Este é o primeiro vídeo do curso, e vamos falar sobre três coisas básicas uma forma muito simples no início, e no próximo vídeo vamos realmente expandir seu pensamento sobre essas coisas. Então, a primeira coisa sobre a qual queremos falar é sobre forma e o que queremos dizer quando estamos falando sobre forma. Tudo bem? Shape ready se refere a 2D ou I, tipo de formas gráficas, certo? Ícone ou gráfico, certo? Iconográfico. Realmente algo assim, no topo do círculo ou em um quadrado. Qualquer coisa que seja meio 2D, plana na página, algo assim, é uma forma. Todas essas coisas podem ser formas. Essas são formas, a forma das coisas, a forma básica fundamental de algo, até mesmo algo que é 3D. Digamos, por exemplo, que seja um design mais ou menos 3D HD aqui. É só um som básico. Até mesmo o design disso tem uma forma básica que o espectador verá. Tudo bem? Então, na verdade, apenas aquela forma básica, se você a sombreasse, era plana e não era mais 3D. Tem esse tipo de forma. Então é isso que forma são formas 2D ou formas iconográficas. E talvez até 2D seja demais. São muitas inundações, quase como 1D, porque você realmente só vê um lado de uma forma. Como se uma forma fosse apenas um tipo de coisa unilateral, certo? A próxima coisa que queremos ver é a forma, certo? E o que queremos dizer com formulários. A forma é, na verdade, três formas 3D, vários lados. Assim, podemos ver vários lados do objeto. Então começamos a usar palavras como esfera, certo? Então, podemos imaginar que uma bola é uma esfera ou um cubo. Então, essas são formas e assim por diante em qualquer coisa. Podemos tentar transformar qualquer coisa em um formulário atribuindo-lhe vários lados. Então, agora eu adicionei uma elipse no final dessa coisa e talvez pareça algum tipo de buzina, certo? Então, meio que tem mais forma. Então, podemos ver que existem vários lados e esses lados das casas e coisas que geralmente fazem parte da Teoria da Forma são coisas como a perspectiva, que nos ajuda a entender uma área espacial virtual, certo? Então, isso nos dá espaço para construir coisas como iluminação, certo? Quando adicionamos luz e sombra às coisas, meio que indicamos a forma. Por exemplo, se mantivermos os satélites e colocarmos esse lado e a sombra, o espectador pode então prosseguir, através desses dois planos, esses dois planos iluminados diferentes, que este é um lado e esse é outro lado. Então isso é forma. Por último, mas não menos importante, temos essa categoria chamada detalhe. Em detalhes. Na maioria das vezes. Coisas como texturas, texturas e tipos de materiais, que basicamente informavam as texturas. Tipos de materiais e coisas como cor, certo? Então, essas coisas formam as texturas, os tipos de materiais, a cor. E, por exemplo, se essa fosse a nossa forma, e pudéssemos ver que essa forma tem essa forma, o que é realmente algo parecido. Poderíamos então dizer: Bem, vamos fazer disso um bloco de pedra e eu vou adicionar algumas texturas a ele e talvez bagunçar um pouco suas bordas pareça mais pedregoso e parecido com uma rocha. E, obviamente, se eu adicionasse uma cor ao cinza ou o que você tem, essa seria a seção de detalhes. Tudo bem, então, no próximo vídeo, discutiremos isso em profundidade. Mas, basicamente, essa é a estrutura da arte. De várias maneiras. Temos forma na parte inferior. Eles os informam detalhadamente. Anote quanto espaço cada uma dessas categorias ocupa nesse tipo de pirâmide teórica aqui. E isso realmente ajudará você a entender quais são as partes mais importantes da sua arte. Tudo bem, vamos nos aprofundar nisso. No próximo vídeo, te vejo lá. 6. O que é forma e detalhe da forma?: Tudo bem, ao começarmos a seção de fundamentos da arte, vamos dar uma olhada na forma, na forma e nos detalhes. E isso é, na verdade, apenas para solidificar a forma como você entende a estrutura da arte. E meio que deveria lhe dar algumas perspectivas sobre como ver a arte, talvez de três maneiras diferentes, certo? Então, a primeira coisa que vou ilustrar aqui é isso, esse triângulo. E o triângulo é feito de três partes. É mais ou menos em ordem de importância. Certo? Na parte inferior, temos a forma, no meio formamos. E no topo temos detalhes. Tudo bem? E quando estamos falando sobre cada uma dessas categorias, o que realmente queremos pensar é em toda a teoria da arte relacionada a essas três categorias principais de arte. Moldado, por exemplo, tem a ver com composição. É sobre suas formas iconográficas 2D. É sobre o dinamismo de suas formas. É sobre o leitor de suas formas, sobre silhuetas e todos esses vários elementos, certo? E, claro, a composição é extremamente fundamental, escreve sobre o formato dos seus lats e assim por diante. forma basicamente lida com perspectiva, luz e desenho em 3D em termos de você está estabelecendo formas sólidas que fazem sentido em um espaço? E esse espaço é definido pela perspectiva, certo? E em termos de iluminação, ilumine objetos de uma forma que você possa ver sua forma. Portanto, a forma está relacionada a tudo o que nos dá uma percepção da tridimensionalidade. E, por fim, os detalhes se referem a uma espécie de texturas. Você é literal, detalhes menores de objetos, assim como a cor, a cor das coisas. Tudo bem, então do jeito que você quer entender a teoria, a forma como nossa teoria é estruturalmente um parafuso está nesta forma detalha o tipo de modelo onde forma é a consideração mais importante teoricamente, depois formulário e depois detalhes, certo? Mas vamos pegar isso, movê-lo para o lado aqui e adicionar outro triângulo. Haverá, teremos três triângulos, três maneiras diferentes de vocês pensarem sobre a estrutura da arte, certo? Vamos colocar outro triângulo aqui. Na verdade, vamos apenas torná-los um pouco menores para que possamos encaixar o terceiro que eu vejo. Tudo bem, agora, a segunda maneira pela qual você quer pensar sobre isso é a teoria, vamos chamá-la de hierarquia. Ok, então quando você está desenhando, você quer pensar, pensar primeiro na forma, depois formada em detalhes em termos do que é estruturalmente importante para a peça. No entanto, sua teoria de implementação. Teoria da implementação. É assim que você realmente vai trabalhar, certo? Como você está? Ei, você praticamente vai trabalhar. Então, podemos chamar isso de prático também, certo? E isso é basicamente forma e forma acontecendo simultaneamente. Lembre-o de que vamos chamá-lo de forma e forma. Isso é porque. E então, por último, esses seriam detalhes, certo? E a razão pela qual sua forma de capataz é para o espectador e nós faremos o triângulo de espectadores agora mesmo. Mas, basicamente, precisamos desenhar objetos 3D como realistas, certo? Então, estamos fazendo realismo imaginativo ou arte representacional, como é chamada. Então, tudo o que fazemos precisa ser tridimensional, faz sentido no tempo, no espaço, em um lugar com iluminação e assim por diante, certo? Por isso, sempre precisamos de formulários. Mas podemos ver pela hierarquia teórica que a forma é extremamente importante. Então, precisamos desenhar os formulários, mas depois deixar que a forma informe as formas 2D dos formulários. Então, as silhuetas dessas formas, certo? No entanto, abordaremos isso um pouco mais tarde em termos de quando estivermos fazendo desenhos práticos e coisas assim. Mas é importante saber que queremos abordar a forma como desenhamos, como nosso lado prático de desenhar como forma e forma acontecendo ao mesmo tempo. Estamos pensando nisso ao mesmo tempo. E depois de resolvermos isso , fazemos os detalhes. E os detalhes em termos de sorteio podem realmente ser o processo de reembolso. E isso seria como linhas limpas e todos os detalhes e as lindas linhas de cabelo. E esse seria seu processo difícil ou planejado. Aqui você pode ver uma pequena imagem do fluxo de trabalho de como desenharíamos. Fazemos um plano aproximado que incorporaria forma e forma. E então, o desenho de reembolso na parte superior seria desenhado nos formulários e formas que fizemos, adicionando os detalhes a eles. E então teríamos um belo desenho completo. É uma boa maneira de pensar, certo? Essa é uma hierarquia teórica. Esta é a nossa teoria implementação e hierarquia de implementação, se você desejar, começamos com forma e forma. E depois fazemos os detalhes. E, na verdade, deixe-me realmente esclarecer isso. Os detalhes são sempre muito mais simples de fazer quando você tem uma base sólida. Então, acho que muitos artistas iniciantes, especialmente lá, nos preocuparemos muito com os detalhes. Mas é assim que queremos esperar o trabalho quando se trata de realmente fazer o lado prático do desenho, certo? Muito trabalho nas formas e nas formas. E então você não precisa de muito trabalho nos detalhes para finalizar. Embora, ironicamente, como nota lateral, essa seja realmente a regra 8020. Eles dizem que 80% do trabalho leva 20% do tempo para fazer isso, você pode ver 80% do trabalho Sim, forma e forma. Só vai levar 20% do tempo para fazer isso. E, inversamente, os detalhes, mesmo que sejam uma espécie de 20% do pensamento e da teoria, eles levarão 80% do tempo para serem feitos, porque você acabará gastando muito mais tempo refinando o desenho. Mas você só pode fazer isso em uma base muito sólida, certo? Que é forma e forma. Certo? Então, o último triângulo, que é bonito e acabado, fácil de entender, é como o espectador vê. Então, digamos que a perspectiva do espectador. E é importante saber isso apenas para que você tenha uma compreensão boa e completa do tipo de estrutura teórica da arte, compreensão boa e completa do tipo de estrutura teórica da estrutura teórica da teoria ou prática, e também como o espectador C60, o espectador realmente vê as coisas, eu diria de uma forma combinada. Mas, de um modo geral, eles verão as coisas como formas. E isso seria prejudicado assim. Eu diria formulários e depois detalhes. E os espectadores, normalmente, não estão olhando para a forma, composição e composição. Estou falando sobre seu típico espectador comum. Mesmo quando você mesmo está vendo obras de arte. Você tem esse modo de apreciação da arte. E esse modo é muito diferente da análise de auditoria. Porque quando você está olhando para uma peça que você realmente gosta ou tem uma obra de arte, uma pequena pasta de arte ou qualquer coleção de algo. Bem, talvez seja uma pasta grande. Quem sabe onde você colecionou obras de arte. Quando você olha para as coisas que gostaria, você se apaixona por dois de vocês serem vendidos. Está conseguindo convencê-lo de sua credibilidade. E então você realmente percebe os formulários primeiro e depois os detalhes. E você pode ver aqui neste terceiro triângulo, vamos apenas rotular esses 123 Exit. Talvez isso não seja uma boa ideia. Vamos chamá-lo de a, b e c, certo? Você notará neste terceiro triângulo, por quê? Desculpe-me, por que iniciantes se esforçam tanto quando estão começando a desenhar, certo? Porque eles estão fazendo o que viram e o que só viram e acreditam ser verdade sobre o mundo são basicamente as formas e os detalhes. E geralmente têm o mesmo peso. Então, eles meio que tentarão desenhar algo que pareça uma cabeça e depois preenchê-la com eles e depois com detalhes. Esse é um problema comum para iniciantes. No entanto, a forma como vemos as coisas é diferente de como fazemos as coisas. E é diferente da teoria das coisas. Então, outra maneira de entender isso é que a receita de um bolo é substancialmente diferente de como você realmente faz o bolo, certo? E substancialmente diferente. Isso é muito alto. Você prova o bolo, certo? Então, há uma vantagem nisso e espero que isso seja útil para você. Então, essa é essencialmente a estrutura da arte. E todas as obras de arte prontas se encaixam nisso, não apenas desenhos, desenhos , pinturas, paisagens, retratos e assim por diante. personagens, designs de veículos. Tudo realmente se enquadra nesse tipo de estrutura quando analisamos como o ADH é feito. No entanto, esse é praticamente o fim desta lição. Vamos passar para aspectos técnicos versus impacto emocional, que é um tópico de alto nível em alguns sentidos. Mas espero que isso tenha ajudado você a entender as estruturas e revisitar constantemente este vídeo e focar especialmente em 0,2 sobre como precisávamos implementar uma forma e uma forma no ao mesmo tempo, depois detalhes. E saiba que entraremos em detalhes sobre os elementos da forma à medida que avançamos no curso. Assim, você saberá que forma isso realmente significa, quais formas realmente significam, quais detalhes realmente significam à medida que avançamos no curso. Legal. Nos vemos na próxima lição. 7. Veja como um artista: Ao aprender a ver como artista, queremos usar nosso modelo teórico de forma, forma e detalhes quando estamos observando o mundo e tentar ver as coisas que vemos na realidade dessa maneira, que nos ajudará a agarrar os detalhes, pegue a estrutura, pegue os designs do que estamos procurando e coloque isso em nossas mentes e faça com que realmente entendamos as coisas de uma forma mais complexa e menos simplista observar o mundo ao nosso redor. E a primeira maneira pela qual realmente queremos ver as coisas é olhar as coisas em uma forma puramente distante. Estamos meio que ignorando os detalhes e ignorando a iluminação e a tridimensionalidade. E, na verdade, estamos apenas olhando primeiro para a silhueta geral dos objetos. Então eu vou desenhar a silhueta dela aqui. Em um sentido geral. Estamos observando as formas formadas pela silhueta e a assimetria dessa silhueta. E depois também examinando os recursos e, em seguida, observando as formas 2D planas básicas que estão sendo feitas em um objeto específico que estamos observando. Estou começando a reconhecer apenas essas formas planas e ver as coisas dessa maneira plana. Isso não quer dizer que você queira aprender as coisas dessa maneira simples. Em vez disso, queremos usar o que entendemos sobre essas formas planas para nos ajudar a entender as proporções muito bem. Aqui eu estou apenas colocando linhas ao redor das grandes formas, das grandes formas internas, e apenas tirando esses objetos bidimensionais muito planos delas, especialmente no rosto, e vamos cobrir proporções faciais mais tarde. Basta agarrar essas formas planas básicas que nos ajudam a posicioná-las, colocá-las no espaçamento correto no rosto, para que possamos ter rostos com aparência atraente e rostos proporcionalmente agradáveis. . Então, na verdade, todas essas formas, por exemplo, essa forma assimétrica muito aleatória aqui, a forma aqui, essa forma vermelha na parte superior. É assim que queremos ver os objetos. Uma perspectiva ou uma lente Se você quiser olhar primeiro para objetos no mundo real, queremos ver apenas as formas gerais que estão sendo formadas. Primeiro. A partir disso, queremos começar a examinar os formulários. As formas são, na verdade, os elementos 3D definidos pela perspectiva e pela iluminação. E comece realmente a tentar entender quais são as formas básicas subjacentes a esses elementos. Então, por exemplo, na mão , podemos dizer, tudo bem, há uma espécie de forma esférica aqui. E esses formulários vêm aqui. Há uma espécie de forma de mandíbula. E há a forma das orelhas. E imaginar como seriam as faces traseiras dos objetos nas laterais dos objetos e ter uma noção do plano. Então, por exemplo, na cabeça dela aqui, este é o plano frontal, esse é o plano lateral. Meio que preenchendo os formulários aqui, aqui. E meio que imaginando qual é a massa e o volume da estrutura apenas da estrutura básica dela, suas costas e seu peito aqui. E desenhando coisas em sua mente e imaginando, por exemplo, o braço, talvez o braço seja verdade apenas um cilindro. Tudo bem? Só um cilindro. E então a mão em si pode ser algum tipo de bloqueio. E olhar para objetos na realidade e imaginar quais são suas formas básicas. Então aqui talvez tenhamos outro cilindro novamente, e o antebraço também é outro cilindro. E estou desenhando aqui para preencher essas formas cilíndricas dos braços. Então, queremos ter um formulário desde quando estamos vendo coisas no mundo. E então, finalmente, uma vez que observamos as formas e as formas e tenhamos uma ideia das formas e das formas tridimensionais, tridimensionalidade dos objetos. Depois, podemos dar uma olhada nos detalhes, na cor da camisa, na textura da pele, na cor dos lábios, nos detalhes dos dentes. Por exemplo, os detalhes em seus olhos, os detalhes de seu cabelo, os fios de cabelo e todos os pequenos detalhes finos. Realmente olhar para coisas como textura e coisas como cor e meio que ter uma ideia dessas coisas. E, na verdade, são as últimas coisas com as quais realmente queremos nos preocupar quando estamos trabalhando. É assim que queremos aprender a ver objetos. Queremos observar as formas, depois as formas e depois os detalhes, e estar constantemente observando e estudando as coisas dessa maneira, dividindo esses elementos complexos em elementos básicos categorias e nos ajudando a realmente observar o mundo mais como artistas e realmente capturar e nos inspirar nas coisas que vemos na realidade. Vamos seguir em frente. 8. Habilidade técnica vs impacto emocional: Nesta lição, analisaremos aspectos técnicos versus impacto emocional. Agora, logo de cara, o impacto emocional é uma peça que tem muita emoção. Tem um humor e uma história, e tem um sentimento. Uma peça com esses elementos emocionais sempre vencerá uma peça tecnicamente mais correta, mas carente desses elementos emocionais. Tecnicalidades geralmente ocorrem, por exemplo, quando alguém critica seu trabalho onde você viu como sendo criticado, onde alguém dirá: Ei, esse braço está puxado incorretamente ou golpe está aceso distorção ou algo parecido. No entanto, se a peça tiver um elemento emotivo suficiente, basta sentir nela. Muitas vezes, isso causa cegueira nos telespectadores, por assim dizer. Talvez até mesmo uma cegueira voluntária que eles estejam dispostos a ignorar a correção técnica apenas por causa da alegria que estão sentindo ou do ser emotivo, emotivo ou das emoções que eles estão sentindo dessa peça em particular, certo? Os sentimentos que eles estão recebendo da peça. Agora, isso não quer dizer que devemos abandonar todas as regras técnicas e coisas desse tipo , mas sim isso. Mas, entendendo o peso dos elementos emotivos de uma peça, podemos usar esse conhecimento para aproveitá-lo de uma forma muito semelhante à maneira como os poetas aproveitam as perdas poéticas, certo? Onde eles estão inventando palavras e coisas que não existem. As palavras não estão tecnicamente corretas mas o poeta as usa de tal forma que elas realmente apenas contribuem para o poema. E nós realmente não olhamos, e as pessoas não foram bem, olha para esse idiota inventando essas palavras aleatórias. Isso não existe como esse cara educou. Não, vamos, uau, essa é uma palavra muito legal, inventada e isso é incrível. Então, nós meio que queremos aproveitar o impacto emocional de nossas peças. E, claro, definitivamente instilo o máximo de história, sentimento e emoção e eu trabalho o máximo possível antes de nos libertar. Em alguns aspectos, não estamos sendo tão difíceis para nós mesmos sobre os aspectos técnicos de uma peça em particular. Então, a última coisa que eu quero dizer também é que você vai descobrir, como discutiremos isso mais tarde, que isso se relaciona muito com credibilidade e realismo e a diferença entre essas duas coisas e qual é mais importante em uma obra de arte. Então, vamos para a próxima lição. 9. A história é tudo: Nesta lição, falaremos sobre a história é tudo. Agora eu sei que talvez nesta fase do curso você esteja pensando como, uau cara, é aqui que eu vou fazer algum desenho? Confie em mim, a maior parte do curso é relacionada a desenhos, mas essas coisas são muito, muito importantes de saber, ter em mente para aprender, digerir. Então, realmente leve isso a sério e conservador, muito, muito importante. Tudo bem, então a história, certo? O primeiro grande ponto é a visão. Se você fez o curso de fundamentos da arte, ou mesmo se não fez, isso realmente não importa. A visão é seu preconceito ou você está conceituando o personagem que está desenhando. Pensando em quem é o personagem. Onde está o personagem, talvez na cena da prisão, quais papéis eles vivem? Qual é a personalidade deles? Qual é a história da peça que você está desenhando atualmente? Qual é a sensação? Qual é o clima? Qual é a expressão no rosto deles? O que é a peça que comunica a história é extremamente, extremamente, extremamente importante para criar uma peça que seja emotiva. E, como aprendemos em aspectos técnicos versus impacto emocional, Mason, o impacto emocional é Rachel, ao criar uma peça que é atraente. Em última análise, nós realmente queremos criar trabalhos que sejam atraentes. Queremos que nosso trabalho tenha apelo. Essa é a capacidade persuadir alguém a olhar para ela e mantê-la olhando para ela e dar-lhe um pouco de alegria. Ou comunique totalmente a mensagem da peça a eles de uma forma eficaz que considerem satisfatória. Agora, uma das coisas mais importantes que eu poderia te contar sobre arte, e vou fazer o meu melhor para deixar isso o mais claro possível, é fazer com que você perceba que a obra de arte em si é apenas o meio, certo? Parece óbvio, certo? Mas deixe-me dar alguns exemplos de livro é um meio, filmes um meio e jornais um meio e revista como meio, certo é um meio. Música como meio, certo? Esses são apenas médiuns. A arte com a qual você acaba de várias maneiras é apenas o meio, certo? A mensagem, no entanto, é aquela coisa que você está comunicando por meio do meio. E a mensagem é muito, muito, muito importante. Como eu digo, os estudantes, constantemente, fazem algo legal. Não faça uma obra de arte legal, certo? Não pense na obra de arte. Pense na coisa. Você tem ideias sobre o que você está criando em si? No nosso caso, personagens. Pense profundamente sobre o personagem, quem é o personagem, o que o personagem está vestindo, onde estão os personagens, qual é sua personalidade e assim por diante, certo? Fazer algo legal é muito mais importante do que fazer uma obra de arte legal, certo? O conceito em si deve ser bom. Ele deve poder ser descrito com 100 palavras-chave. Sabe, você tem uma mensagem ruim. Se houver apenas algumas palavras-chave que possam ser atribuídas ao que é comunicado pelo meio. Se você fizer um, se você criar um ótimo personagem, ele deve ser capaz de ser comunicado forma eficaz e me atrair por qualquer meio. Seus argumentos dizem, digamos, digamos, por uma questão de argumento, um modelo 3D, ou em um livro, ou em uma história em quadrinhos, ou em uma pintura e uma bela pintura, o conceito do personagem em si deveria mantenha a maior parte do recurso e sua implementação deve ser suficiente para descrever e fazer justiça adequadamente descrever e fazer justiça ao conceito que você criou. Então, mais uma vez, a arte é um meio. Não é a mensagem, e a mensagem é extremamente, extremamente importante. E no nosso caso, a mensagem é a história e a história é tudo, certo? A história é tudo, especialmente quando estamos falando sobre arte de personagens. Espero que tenha sido muito claro. Vamos seguir em frente. 10. Crença versus Realismo: Nesta lição, falaremos sobre desenhar para apelação. Agora já mencionei a palavra apelo antes. Eu mencionei que meu trabalho precisa ser atraente. Mas de onde isso realmente vem é entre contrastar duas ideias diferentes. A primeira ideia é a credibilidade. O segundo é o realismo. Tentamos desenhar em prol do realismo? Ou tentamos desenhar em prol da credibilidade e do que é mais importante. Embora esperemos que a resposta seja óbvia, algo pode ser muito real, muito realista, ser desenhado com muita precisão, tecnicamente correto. Mas se faltar credibilidade, algo que está pior nessas categorias, mas é mais crível, sempre vencerá. Queremos lembrar disso, quando criamos nossos personagens, de que a credibilidade talvez em suas roupas, sua pose, no que estão fazendo, quem são, é um fator muito mais significativo. Então Vim parece realista. A razão pela qual eu queria falar sobre isso é que descobri que muitos estudantes tendem a se envolver nessa ideia de realismo. Essa coisa é realista é o que eu estou desenhando realista. Estou tentando torná-lo tão realista ou estou lutando para torná-lo realista. E esse não é realmente o problema. O problema é que você precisa descobrir como tornar crível o que você está desenhando. Isso vai novamente para a licença poética em um sentido em que você poderia desenhar um pouco a anatomia, mas se ela for um pouco errada, mas crível ou completamente precisa, você seria inacreditável. As pessoas sempre acharão o desenho mais crível mais atraente, certo? Então, realmente pense sobre isso, contemplou a si mesmo. É apenas uma pequena seção que eu queria colocar lá, que considerava para si mesmo as diferenças entre credibilidade e realismo. Pense nisso, digerir um pouco mais. 11. Maturidade como artista: Nesta lição, gostaria de abordar alguns pontos sobre maturidade como artista que espero que sejam encorajadores para você e que também realmente o ajudem em sua jornada se tornar bastante caracterizado. A primeira é que quero encorajá-lo a ser muito egoísta em relação ao outono. Eu digo egoísta. Não quero dizer não amar os outros. O que quero dizer é realmente fazer o trabalho que você quer fazer e se concentrar em seu próprio trabalho. Não se preocupe com o trabalho de outras pessoas. Não se preocupe em se comparar com a arte de outras pessoas. Você nunca poderia ser eles. Você nunca poderia fazer o que eles fazem simplesmente porque quer que eles se concentrem em seu próprio trabalho, focados em seu próprio estilo, se concentrem em suas próprias metas de auditoria. Isso é muito, muito importante. Quando você olha para o trabalho de outra pessoa e para as auditorias, acha que pode ser melhor do que olhar para ele em um santo agradecido e também vê o que você pode aprender. Mas se há algo contra o qual eu quero alertá-lo , nunca, nunca, jamais se compare a outro honesto. Mais uma vez, você não é. É muito provável que essa pessoa seja impossível trabalhar exatamente da mesma forma que ela. Simplesmente não é possível. Vocês não são eles. Você quer, você se concentra em seu próprio trabalho e em si mesmo, em certo sentido, em termos de como você cria arte, cria a arte que você quer fazer. E ao fazer isso, você não está agradando à tia que acha que as pessoas querem ver. Bem, isso pode impressionar os outros, faça OT que impressiona você. Acho que isso é principalmente o que eu quero que você aprenda quando digo: seja muito egoísta com seu próprio trabalho, crie obras de arte que o impressionem e que atendam aos padrões que você gostaria de si mesmo. Em seguida, eu gostaria de falar sobre o medo. Agora, não sou estranho temer uma arte, embora eu deva dizer que hoje não me preocupo muito com isso. Claro, todos nós sentiremos medo na arte e na arte. Até certo ponto. A primeira coisa que quero dizer é que se você tem a TM, se você tem a inclinação e se tem fundos para fazer isso, definitivamente compre um livro chamado injusto. Será muito, muito útil para você e sua jornada artística. E é definitivamente uma excelente leitura e abrange muitos dos medos que os riscos de auditoria normalmente sentem, certo. Então, definitivamente, considere comprar ou inferir é um ótimo recurso, é um recurso muito valioso para você. A segunda coisa é que você terá que aprender ao desenhar e pintar que o fracasso não é algo a ser temido. O fracasso é realmente maravilhoso. Pense em uma criança que se queima no fogão pela primeira vez, certo? Naquele momento. Claro. É uma porcaria. Quero dizer, ele se queimou e isso é horrível. Mas ele aprendeu algo muito valioso com essa experiência. E é improvável que isso cometa esse erro novamente, certo? Então, o que eu quero encorajar vocês a fazer é começar a se tornar amigos. Seja corajoso, seja corajoso. Não olhe para uma página em branco e para a apreensão. Não se preocupe em desenhar. Vou adiar para procrastinar porque você está preocupado que possa não ser bom. Quem se importa com o bem? O que é bom? Quero dizer, temos vários ideais e padrões do que nos sentimos bem, podem variar de pessoa para pessoa. Enquanto você estiver aprendendo a teoria, praticando diariamente, com base na teoria, você ganhará habilidade em arte. Portanto, você não precisa se preocupar em ser bom ou eles estão criando uma boa peça. Basta criar o trabalho que você deseja criar. E com o tempo, você chegará a um ponto em que perceberá que chegou onde queria estar em sua arte. Em última análise, é a isso que vai acontecer. Você vai querer estar em algum lugar e vai ter que fazer uma jornada para chegar lá. Então, deixe de lado seu medo. Talvez seja muito fácil dizer isso para você se livrar do medo. Mas eu quero encorajá-lo, você precisa ser corajoso. Você precisa ser corajoso. E o mais importante, você precisa estar disposto a falhar. Você precisa estar disposto a falhar muito. Se você não está disposto a falhar e não gosta do sabor do fracasso, talvez estranho não seja para você. Por fim, quero falar sobre o medo relacionado à capacidade técnica. Essa é a sua capacidade de desenhar boas linhas, entender espumas, implementar a teoria corretamente. A habilidade técnica é uma coisa muito aprendida. É uma coisa muito aprendida. Você aprende a teoria, implementa exercícios que colocou em seu cérebro e, eventualmente, ela se torna parte de você. Quando se torna parte de você, você começa a fazer desenhos. As pessoas olham para o seu trabalho e acham que é mágica saindo desse lápis. Mas, na verdade, é apenas a repetição da teoria que constantemente invade seu cérebro de que você é capaz de eventualmente torná-la parte de você. Então, eu quero que você não tenha medo de fazer arte porque está preocupado com sua habilidade técnica. É realmente uma coisa técnica. Mais uma vez, lembre-se de que o ADH é um meio. Então, quando você está aprendendo a implementar nesse meio, verdade é apenas um processo de, bem , isso funciona e isso não funciona. Também quero acrescentar que quando estamos falando sobre desenho de personagens ou dois, quando algo que seja meio realista, certo? Estamos nos diferenciando substancialmente das pessoas que fazem arte abstrata, estranha e pós-moderna e desses outros tipos de formas de arte, somos realmente realistas. E a beleza do realismo. Realismo são regras. Você aprende as regras, implementa as regras. Você fica melhor em arte. Então, realmente não tenha medo de desenhar e criar arte e talvez até mesmo concluir este curso, porque você está preocupado com sua habilidade técnica, você verá muitas vezes causas completas que você tenha as ferramentas de que você precisa, as ferramentas teóricas necessárias para começar a praticar e refinar a habilidade técnica nela. Apenas uma arma de arte lindamente trabalhada, digamos, se você desejar. Você descobrirá que o curso fornecerá muitas ferramentas que você pode usar para realmente refinar sua capacidade técnica para algo realmente bonito e enviar isso de verdade. funciona para você. 12. Estudos de arte e criação de arte: Nesta lição, falaremos sobre nossos estudos versus sobre a criação, talvez nem mesmo versus qual é a diferença entre essas duas coisas. Agora, na verdade, é muito importante que tenhamos uma ideia muito clara que são os estudos de arte e o que deve ser a criação. Porque isso realmente vai se relacionar com nossos níveis de medo sobre a arte e não cometer erros. Há muito medo em criar arte, certo? Estudos de arte são todo trabalho que fazemos para aprender. Exercícios, esboços e nossos cadernos de desenho, desenhos por gestos quando você está em uma cafeteria. Esboços conceituais e aproximados antes de fazermos as folhas de design de conceito adequadas para um personagem e assim por diante. É para isso que os estudos devem ser feitos, para nós mesmos. De um modo geral, eles estão prontos para aprender. Eles são feitos para observar coisas, para meio que fazer anotações visuais. Isso é o que não são todos estudos. Especialmente quando você está no palco e se exercita. Eu quero te encorajar. Por favor, não tenha medo de desenhar ou se preocupar com a aparência. Realmente não importa o que parece. O que importa é que você esteja fazendo boas anotações visuais e observacionais sobre o que está fazendo. Então é isso que todos os estudos sobre criação do outro lado, é claro, são a criação da obra de arte principal, certo? No entanto, não foi criado para o aprendizado. Você aprenderá coisas ao criar coisas. Mas toda criação é o processo de criar uma bela obra de arte, esperançosamente uma peça de arte atraente com uma história boa e forte. Então, apenas uma nota rápida, apenas um vídeo rápido sobre como garantir que você tenha tudo claramente dividido. Estudar é uma coisa. A criação de arte é outra coisa. E quando estiver trabalhando, certifique-se de saber o que está fazendo. Estou fazendo um estudo e estou fazendo arte. Fazendo arte. Você quer ficar em um mês, sente-se. E se você estiver estudando, você quer ter uma mentalidade totalmente destemida. 13. Arte imaginativa e observacional: Vamos dar uma olhada rápida arte observacional e na OT imaginativa, quais são as diferenças e também como elas se conectaram. Então, arte observacional é basicamente uma obra de arte que é feita observando algo, recriando-o na página e, em seguida possivelmente adicionando seu próprio toque a ela, dramatizando-a um pouco. Mas, principalmente, a obra de arte foi criada fazendo referência direta a algo. Imagine se, por outro lado, feito principalmente da sua cabeça, certo? Você está imaginando coisas, ideias, lugares, personagens e assim por diante, e depois tentando implementá-las na página. Agora, imagine que se o estranho exige muita teoria, você precisa realmente ter um controle firme sobre teoria para saber como implementar e também corrigir a reimaginação das obras de arte que você está criando. Auditorias observacionais, extremamente úteis para artistas imaginários. E neste curso é realmente sobre arte imaginativa, arte de personagens imaginativos. Isso é, porque usamos observação em nossos estudos quando estamos estudando roupas, quando estamos estudando posar, quando estamos estudando anatomia, estamos estudando penteados, auditorias observacionais, a observação em nossos estudos quando estamos estudando roupas, quando estamos estudando posar, quando estamos estudando anatomia, estamos estudando penteados, auditorias observacionais, ferramenta de estudo massiva para nós. No entanto, a arte observacional não é a arte real para nós. E esse é um ponto muito importante. Neste curso. Somos artistas firmemente imaginativos, mas tanto artistas imaginativos quanto observacionais fazem uso de referências, sejam elas referências a informações visuais em sua mente ou informações visuais à sua frente. E, claro, definitivamente existem artistas que usam ambos com uma mistura de elementos da realidade, com elementos de imaginação. 14. Desenhe personagens 101 Resumo: Olá pessoal, bem-vindos ao vídeo de resumo do módulo um. E era um módulo muito falante, mas você não precisa se preocupar. O resto do curso é realmente sobre desenhar coisas práticas antigas e não sobre o tipo mental de coisas teóricas em que você precisa pensar. No entanto, vamos resumir o módulo um. Por favor, faça anotações se você ainda não começou a fazer anotações e vamos direto ao assunto. Portanto, a primeira coisa que queremos dar uma olhada rápida é o SFD ou o detalhe do formulário moldado. E resuma isso em três triângulos, estrutura e forma sendo a maior forma de seção e depois os detalhes. E esse primeiro triângulo é uma espécie de OT, teoria, certo? Como queremos pensar sobre a teoria da estrutura das imagens ou da teoria. E também uma boa maneira de pensar sobre isso é como pensamos, certo? E por nós, quero dizer artistas, como pensamos. O segundo triângulo é como criamos arte, certo? Então, essa é a teoria da implementação. Implementação na minha teoria da escrita à mão. E, na verdade, é que queremos nos engajar em uma espécie de forma. Vamos colocar a forma aqui primeiro, pensar na forma e na ao mesmo tempo e depois fazer os detalhes. E é basicamente assim que desenhamos. Tudo bem? E por último, mas não menos importante, essa é a forma como o espectador vê, como o espectador vê as peças e como vemos a arte quando estamos em nossa mentalidade apreciativa, mentalidade quando olhamos para a arte que admiramos. E é uma espécie de divisão 5050 entre detalhes e forma. V0 realmente não percebe a forma, certo? E, como sabemos, a forma é extremamente importante. Vou enfatizar novamente e, à medida que avançamos no curso, você perceberá o porquê, porque a forma tem tudo a ver com a composição. E é uma espécie de razão oculta pela qual a arte parece boa, se sente bem e comunica certas coisas, certo? E até permeia a seção de formulários em termos de paisagens e coisas assim. E é assim que as pessoas realmente veem, certo? Como as pessoas veem ou veem a arte. Ok? Provavelmente coisas na vida também, mas eu não quero entrar nisso. Então, essa é realmente a nossa teoria da forma em detalhes e ela realmente estrutura tudo também implica um fluxo de trabalho que examinaremos mais tarde. Então é isso, é isso. Vamos mover isso para o lado. A próxima coisa é habilidade técnica versus impacto emocional, certo? Então, vamos colocar uma bolha aqui, e vamos chamar isso de impacto emocional. E vamos colocar outra bolha, um pouco menor aqui. Habilidade técnica. O resumo disso realmente é que, enquanto estiver em um mundo ideal, você desejará ter uma divisão de 5050. impacto emocional sempre será mais importante do que a habilidade técnica. E você definitivamente vê isso em muitos livros infantis e muitos desenhos animados e outras coisas populares. Eles são muito planos, muitas vezes ausentes, mas têm um enorme impacto emocional no apelo da estrutura da obra de arte, que muitas vezes supera qualquer tipo de critério técnico que não estejam cumprindo. Então, vamos sempre lembrar que o impacto emocional é muito importante. Queremos causar um impacto emocional primeiro quando pensamos em conceituar nossos personagens. E então queremos habilidades técnicas para tentar comunicar isso ao espectador da maneira mais eficaz. Mas se 5050 fosse o ideal, isso ou 100100 mesmo, mas 5050 dividiria isso. Você está obtendo o impacto emocional e a habilidade técnica. E então você deve ter uma peça realmente boa e bem equilibrada a esse respeito. Certo? Vamos passar para a história. É tudo, certo? Eu só vou escrever isso muito grande aqui. A história é tudo. Tudo bem? Então, mais uma vez, a história sendo tudo é realmente essa história, o sentimento, a emoção e a inveja, a própria coisa da arte, certo? O conceito da história de Arthur sobre esse conceito e como ele faz as pessoas se sentirem quando se comunicam com elas. O clima, a expressão e todas essas coisas são tudo quando se trata da obra de arte, isso obviamente está relacionado ao impacto emocional. E, na verdade, a história é tudo. Se você tem uma ótima história, mas tem uma implementação ruim. Ainda é uma ótima história. Sim, talvez a implementação não seja ótima, mas a história ainda é ótima. Você tem uma história muito ruim. Alimentação deficiente, mau humor, falta de emoção e ótima implementação. Parece uma peça morta. Parece uma boa peça de um ponto de vista técnico, mas está morta e não vai enaminar. Qualquer um os obrigará a olhar por mais tempo. E isso simplesmente não seria realmente uma virada de cabeça ou uma obra popular. Lechs lotados atraem porque não têm uma história atraente. Tudo bem, vamos falar sobre credibilidade versus realismo. Agora, isso não quer dizer que não façamos arte realista, ou que estamos tentando fazer as obras de arte pareçam estar no tempo, no espaço, na tridimensionalidade. Saiba, na verdade, esta seção é apenas você entender que ter uma obra de arte que seja crível supera ter uma obra de arte extremamente realista. Realista não é igual a bem, credibilidade é igual a bom. E quanto mais críveis os trabalhadores e mais crível é a história, a parte da história, o sentimento e o impacto emocional. Tudo isso ajuda na credibilidade de uma obra de arte ser super real. E você provavelmente já viu modelos 3D renderizados pelo Super Hopper de alguma coisa, mas o modelo parece morto. Parece estático. Sim, parece muito real, mas não parece vivo. E tudo isso vem da história do sentimento, da emoção, da credibilidade que foi colocada na obra. E é disso que trata essa seção. Certo? Vamos passar para os estudos de arte e criação de arte, certo? Então, mais uma vez, estudos de arte são, na verdade, apenas desenhos com os quais fazemos completamente, sem medo, completamente com o FEF para aprender. Nós fazemos que esses não são estudos para aprender. Eles são os esboços que podemos fazer em uma cafeteria. Os desenhos observacionais que fazemos no desenvolvimento de bibliotecas visuais, que você aprenderá em breve. Mas quando estamos tentando expandir nossa biblioteca visual, quando estamos tentando apenas entender melhor o mundo, observar o mundo, obter referências do mundo e entender melhor os designs. Acho que escrevi esses estudos de arte errados. E realmente, eu não quero que vocês se estressem com estudos estranhos. Apenas fazer os estudos, não importa o que pareça. Tudo o que importa é que você está observando e aprendendo. E então uma criação estranha. E a razão pela qual estou fazendo essa divisão muito particular entre os dois é que, se você sente, se você tem todos esses sentimentos de medo de bons desenhos e outras coisas quando se trata de estudos de arte, você vai, isso vai atrapalhar seu aprendizado. Você não vai aprender rápido porque está preocupado com a boa aparência. Você está preocupado que se você fosse um bom artista, você está se esmagando. Se você tem alguma habilidade ou talento, se ele deveria estar fazendo isso e assim por diante. Não queremos que isso falte com nossa velocidade de aprendizado e nosso progresso de aprendizado, certo? Agora. Criação estranha, sim, há medo, mas criação estranha realmente é fazer uma boa arte, certo? Fazendo boa, boa arte. Queremos que tenha uma boa aparência. Queremos que ele tenha direitos de apelação e que tenha um acabamento profissional. Então, é diferente dos estudos de arte e você quer aprender como, opa, eu estava pensando na palavra justo. Você quer aprender como evitar o medo nesta fase. E uma das maneiras pelas quais evitamos ter medo na criação de arte é ter um fluxo de trabalho sólido, certo? Ter um mapa sólido, saber o que fazer quando estamos criando arte. Então, quando cometemos erros ou estamos confusos sobre o que fazer a seguir, temos o mapa e percebemos, ok, eu preciso fazer isso, isso, isso ou isso pode ser corrigido dessa maneira, certo? E então isso remove o medo. Quero dizer, muitas vezes o medo vem de não saber, certo? Então, com uma pergunta estranha, temos fluxos de trabalho que ajudam você a saber exatamente o que você precisa fazer. Tudo bem? E por último, mas não menos importante, arte imaginativa e observacional. Então, vou usar esse pequeno espaço no topo aqui. Arte imaginativa ou realismo imaginativo, certo? Digamos que realismo imaginativo é uma obra de arte que fazemos a partir de nossa imaginação. E a arte observacional é praticamente a maior parte do tempo. A obra de arte que você vê caras fazendo em lojas rua na rua, copiando fotos, pessoas copiando fotos de suas famílias, pessoas fazendo pinturas com uma família em crianças pequenas e pessoas e coisas como isso. E as pessoas simplesmente pintam paisagens das pinturas de planetas do mundo real como as chamam, isso é observacional. estranha observação é, em muitos aspectos significativamente mais fácil do que o realismo imaginativo. Porque no realismo imaginativo, precisamos de toneladas de teoria. Toneladas de teorias para que possamos realmente entender como pintar essas coisas sem nenhuma referência, se precisarmos escrever. E, de um modo geral, dependendo da autoauditoria, você pode trabalhar assim. E os artistas observacionais podem realmente, em grande medida, simplesmente copiar o que está à sua frente. E também que eu acho que pessoas normais, eu digo que pessoas normais e não artistas não percebem que as auditorias observacionais na verdade, são bastante simples. Tudo o que você realmente precisa fazer é observar e recriar exatamente o que você observou, recriar as medidas, recriar os valores, recriar as cores, os tons ou qualquer que seja o caso. Todas as linhas são, as bordas, são as formas que você está vendo. Basta recriá-los nas medidas corretas um do outro, nas proporções corretas um do outro. E geralmente, qualquer pessoa pode fazer isso com um pouco de prática de apenas copiar coisas, certo? E faremos alguns desenvolvimentos de médias visuais de auditoria observacional no módulo dois para nos ajudar a aprender e desenvolver bibliotecas visuais. No entanto, você também pode obter um híbrido de realismo imaginativo e modo observacional, onde conhece toda a teoria da arte e todas as regras. E então você usa coisa observada, como uma pessoa ou uma paisagem. E você usa a teoria imaginativa para adicionar drama para aumentar e impulsionar o mundo observado. E você realmente vai dramatizar o que está vendo. No entanto, esse curso está solidamente no território do realismo imaginativo. E, obviamente, coisas como arte para pré-visualização de animação, arte conceitual para personagens, designs de personagens estilizados, arte de mangá, arte em quadrinhos e coisas assim. Tão imaginativo, real não é certo? E vamos aprender essas toneladas de teoria, pelo menos em termos de design de personagens. Tudo bem, isso é tudo para o vídeo de resumo, vamos passar para o módulo dois. Espero que você esteja animado. Vai ser um módulo realmente incrível. Vamos começar.