Descubra o seu estilo: como desenvolver sua própria estética de lettering

1. Introdução: Nós, como seres humanos, somos profundamente impulsionados pelo nosso sentido de identidade. É como nos definimos, e muitas vezes como os outros nos definem. Como criativos, nosso estilo único serve como nossa identidade artística. É o que ajuda a defini-lo como artista. Falando em identidade, oi, meu nome é Gia Graham, e eu sou ilustradora, artista de letras manuais, e professora de topo aqui em Skillshare. Minha identidade criativa ou meu estilo criativo está enraizada na maneira como eu combino letras à mão com ilustrações florais exuberantes e paletas de cores bem selecionadas. A beleza de ter uma identidade criativa definida é que é mais do que apenas um cartão de visita visual. Ele também pode ajudá-lo a construir uma marca de arte próspera. Uma vez que desenvolvi um estilo próprio, minha carreira de letras e ilustração realmente começou a florescer. Clientes e diretores de arte começaram a me procurar porque pensaram que minha estética criativa seria perfeita para seus projetos ou produtos. Minha obra de arte apareceu em uma variedade de produtos, desde cartões e roupas até capas de livros e até acessórios. Como a maioria dos artistas estabelecidos lhe dirá, não há fórmula mágica para desenvolver seu estilo, e a prática consistente é a chave. Mas quando você é um iniciante aprendendo uma nova habilidade, às vezes é difícil saber como praticar. Como iniciantes, muitas vezes olhamos para outros artistas para inspiração ou imitar o que vemos, mas isso não nos deixa mais perto de aproveitar nossa própria jornada de estilo. Agora, esta aula não vai lhe dar um estilo, mas nós vamos adotar uma abordagem muito prática e amigável para iniciantes para o desenvolvimento de estilo, e eu vou mostrar a vocês como praticar suas letras de forma lógica e intencional que irá ajudá-lo a alcançar seu objetivo de encontrar sua própria estética. Na primeira metade desta aula, faremos um balanço de suas influências visuais e como você as internaliza. Então, na segunda metade da aula, mostrarei como observar suas influências com intenção e como explorar e impulsionar sua criatividade, que você possa remixar e reinterpretar essas influências em vez de apenas imitá-las. Embora o projeto seja baseado em letras, esta classe não é apenas para artistas lettering. Os princípios podem ser aplicados a qualquer foco criativo, seja ilustração, pintura ou arte. Vou trabalhar digitalmente no iPad Pro, usando o app Procreate, mas você pode trabalhar em qualquer meio que preferir. Não é necessário um iPad para esta classe. Por favor, note que, embora esta seja uma aula para iniciantes, o foco não será na técnica de lettering. Se você não estiver familiarizado com letras à mão ou com o básico do Procreate, recomendo começar com as letras da minha mão na classe Procreate. Agora, se você está pronto para partir na jornada para encontrar seu estilo, vamos dar o primeiro passo. Vejo-te na aula. 2. Projeto de classe: O projeto para esta classe é criar sua própria versão do trabalho artístico de exemplo fornecido seguindo o processo passo a passo descrito na classe. Se você gostaria de mergulhar mais fundo em seu processo de desenvolvimento de estilo, eu também incluí um projeto divertido na forma de um Mini Desafio de Desenho de cinco dias; onde você pode recriar cinco peças de letras diferentes em seu próprio estilo emergente. Você pode trabalhar no projeto de bônus no seu próprio ritmo. O objetivo é praticar para não alcançar a perfeição. Por favor, certifique-se de fazer o upload da sua arte na galeria do projeto. Você também pode compartilhar seus esboços ou quaisquer notas que você gostaria de incluir. Adoro ver o seu processo de pensamento. Para compartilhar seu projeto, vá para a guia Projetos e Recursos e clique no botão “Projeto de Classe”. Nomeie seu projeto e carregue quantas imagens quiser clicando no ícone de imagem aqui onde diz, adicione mais conteúdo. Você também pode digitar notas ou fazer perguntas na área do projeto. Não se esqueça de enviar uma imagem de capa, porque é isso que aparecerá na exibição da galeria. Aqui na seção de recursos, você pode baixar todo o trabalho artístico de amostra que você precisa para as tarefas de prática. Se tiver alguma pergunta para mim, pode digitá-las aqui na área de discussão. Mal posso esperar para ver como sua jornada de estilo evolui. Mas antes de chegarmos a esse ponto, vamos falar um pouco sobre como suas influências podem afetar seu estilo. Vejo-te na próxima lição. 3. Entrada e saída: Quero reiterar que desenvolver seu estilo não acontece da noite para o dia. Assim como levou tempo para que sua identidade pessoal tomasse forma, sua identidade criativa também precisa ser nutrida e desenvolvida. Também antes de começarmos, quero esclarecer algumas coisas. Quando me refiro ao estilo nesta classe, estou me referindo a um estilo de assinatura. Uma é estética artística. É a sua expressão criativa única e a forma distinta como aborda a sua arte. Isso não deve ser confundido com estilos de letras. Quando me refiro a um estilo de letras, estou falando sobre a aparência específica das letras que você usa em uma obra de arte. Em termos de arte, seu estilo de assinatura surge quando você faz consistentemente as mesmas escolhas em seu trabalho. Isso pode se mostrar nas cores que você gravitou, nas técnicas que você usa repetidamente, ou no assunto ou conteúdo que aparece repetidamente em seu trabalho. Lisa Congdon é um grande exemplo de artista com um estilo muito reconhecível. Sua paleta é consistente, quase sempre incorporando azul, rosa, vermelho ou preto. Suas letras têm uma sensação muito brincalhão desenhada à mão, e ela geralmente usa formas ousadas e simplificadas em seu trabalho. Aliás, em uma nota relacionada, Lisa escreveu um livro chamado Encontre Sua Voz Artística, que é sobre estabelecer sua identidade como artista. Eu recomendo se você gostaria de dar um mergulho mais profundo neste tópico. Eu comprei o meu na Amazon e vou deixar um link para você na seção de recursos. trabalho de Belinda Kou é um exemplo de como o conteúdo se correlaciona com o estilo. Grande parte do trabalho de Belinda centra-se em torno da comida e muitas vezes você vai encontrar divertidos ingredientes voadores girando em torno de suas letras. Jill De Haan é um exemplo de uma artista cujo trabalho assume muitas formas, mas a sua estética única ainda consegue brilhar, quer sejam os seus intrincados layouts frondosos ou a forma como conta histórias com letras detalhadas. Sua letra ilustrativa é fácil de reconhecer como distintamente sua própria. A pergunta milenar é: como chegar ao ponto em que você tem uma identidade criativa distinta e reconhecível? Como se desenvolve um estilo? Acredite ou não, o desenvolvimento de estilo realmente acontece muito antes você colocar lápis no papel ou lápis da Apple no iPad como o caso pode ser. Embora nem sempre estejamos conscientes disso, a informação visual que consumimos ou a nossa entrada muitas vezes informa o trabalho que criamos, que é a nossa saída. Tudo começa com o que observamos ou ingerimos todos os dias. Há um interessante documentário chamado The Creative Brain na Netflix, que explora a criatividade e como o cérebro funciona. Uma das percepções do show que achei particularmente interessante é o fato de que as entradas do mundo ao nosso redor estão constantemente colidindo e se remisturando em nosso cérebro. Nós, como humanos, temos a habilidade única de tirar ideias de um lugar e aplicá-las em um contexto completamente diferente. Por exemplo, eu cresci em um país muito colorido. Tudo é vibrante em Barbados. Não apenas as praias azuis brilhantes ou o pôr-do-sol rosa e laranja, mas é muito comum encontrar casas e até mesmo edifícios na cidade pintados em cores quase chocantemente brilhantes. Todos os anos, nosso Crop Over Festival recebe uma explosão de cores na forma de fantasias ornamentadas. Toda essa entrada colorida está presente no meu cérebro desde a infância. Faz sentido que o meu estilo criativo seja tão fortemente influenciado e enraizado na cor. Junto com esses tipos de influências visuais, outra entrada poderosa é sua coleção de influências criativas. Os artistas que você admira, as contas que você segue no Instagram, o conteúdo criativo que você olha todos os dias. Tudo isso se infiltra em sua mente, se mistura e colide com o que já está lá. Embora você não perceba, essas coisas podem, de alguma forma, ressurgir na arte que você cria. O primeiro passo nesta jornada de estilo é fazer um balanço de suas entradas. Aqui está sua primeira tarefa. Liste três influências visuais que você lembra de sua infância. Você estava cercado pelas linhas duras de uma paisagem urbana ou as formas orgânicas na natureza? Você tem uma memória de padrões ousados em sua casa ou a decoração foi mais neutra? Você viu muitas cores vibrantes todos os dias ou seu ambiente estava mais silenciado? O próximo passo é listar três artistas cujo trabalho você ama. Quem são eles? O que te atrai ao trabalho deles? Além disso, note se há algo que todos eles têm em comum. Eu forneci uma planilha para você anotar suas descobertas. Você pode imprimir o arquivo PDF ou baixar e importar o arquivo Procreate para fazer anotações no iPad. A última parte da tarefa é identificar quaisquer outras habilidades, hobbies, experiências ou hábitos que se tornaram parte de quem você é ou da maneira que você pensa. Você tem algum passatempo além da arte? Você pode listar três habilidades que você aprendeu na escola que você ainda usa? Ou há algo que você aprendeu no seu trabalho atual ou anterior que pode ser útil? Eu já fiz esse exercício e vou compartilhar minhas anotações. Para minhas influências visuais desde a infância, notei muita cor vibrante como mencionei antes. A natureza foi outra influência visual para mim. Havia sempre plantas, flores e árvores por toda parte. Lembro-me especialmente de todas as árvores frutíferas. A serenidade do oceano era outra influência, uma vista do oceano nunca estava longe. Aqui estão três artistas cujo trabalho eu amo. Primeiro é Caroline South. Adoro como ela brinca com cor e composição. A segunda artista que listei é Dana Tanamachi. Eu amo a natureza gráfica de sua obra de arte e como limpo e preciso é. O terceiro artista que escolhi é Kelly Ventura. O movimento em seu trabalho é realmente atraente para mim. É muito animada e expressiva. Uma vez que coloquei seu trabalho lado a lado e realmente prestei atenção, noto que todos os três artistas incorporam elementos inspirados na natureza em seu trabalho, mesmo que seja de maneiras muito diferentes. Quanto aos meus hobbies, escrevi jardinagem. Três habilidades que adquiri na faculdade incluem layouts de design, como criticar e apresentação visual. Três habilidades que aprendi com meus trabalhos anteriores incluem estilo de foto, direção de arte, ambos dando direção de arte e recebê-lo, e gerenciamento de projetos. Agora, não vamos pegar essas respostas, depois adicionar uma fórmula especial, e depois puf, identificar imediatamente o seu estilo. O objetivo deste exercício é simplesmente trazer consciência para essas coisas que você pode nem perceber que o influenciaram. A seguir, vamos dar uma olhada na minha jornada de estilo como um exemplo de como todas essas entradas podem se manifestar na estética artística de alguém. Vejo-te na próxima lição. 4. Uma viagem de estilo: Eu sei que já disse isso, mas é preciso repetir. O desenvolvimento do estilo não acontece durante a noite. É um processo. Mesmo que pareça que alguém encontrou seu estilo rapidamente, a verdade é que o que você está vendo é mais do que provável o culminar de uma construção longa e estável. Eu gostaria de levá-lo em uma pequena viagem pela minha carreira como um exemplo para mostrar como é essa construção estável. Minha carreira criativa começou no design gráfico. Fiz muitos projetos corporativos como esses folhetos e materiais de marketing. A maior parte da entrada visual que eu estava recebendo durante esse tempo foi focada na tipografia e como organizar informações no layout mais atraente. Deixei o design corporativo para iniciar um negócio de convite de casamento e, enquanto imerso no mundo do casamento, comecei a brincar com paletas de cores. Blogs eram realmente grandes naquela época e as noivas estavam sempre em busca de inspiração estilo para seus casamentos. Comecei a curadoria desses quadros coloridos que compartilhei no meu blog e no Pinterest todas as semanas. Neste momento, muito da minha opinião era a curadoria de cores. A primeira iteração real do trabalho que faço agora começou quando lancei minha coleção de cartões e papelaria em 2014. Na época, eu ainda não estava fazendo nenhuma letra manual, mas eu comecei a explorar meu estilo de ilustração floral e eu experimentava com a interação entre os florais e a tipografia. By the way, apenas para esclarecer, tipografia refere-se ao uso de fontes em impressão e design. Não é o mesmo que letras manuais. Em janeiro de 2018, baixei o aplicativo Procreate e decidi realmente dar essa coisa de letras atrás que me colocou no caminho para o meu estilo atual. Na época, eu só estava focado em aprender e praticar. Não tinha expectativas sobre o que se tornaria. Criei minha conta atual do Instagram e usei os desafios do desenho para me manter motivado. Aquele primeiro ano foi realmente experimental. Tentei um pouco de tudo. Comecei a seguir muitas contas de letras e olhava para as letras manuais todos os dias. Eu estava realmente consumindo muitos estilos de letras diferentes. No final do ano, fiz um balanço do trabalho que criei e anotei quais as peças que mais gosto, quais as peças que mais gostei de criar e quais elementos continuavam a recorrer-me no meu trabalho. Por volta de 2019 foi quando meu estilo realmente começou a surgir. Depois da minha auditoria artística de fim de ano, percebi duas coisas. Eu queria fazer da cor uma parte central do meu trabalho, e eu realmente gostei de adicionar ilustrações florais ao meu letreiro. Com esse conhecimento, eu me tornei mais intencional sobre o que eu estava criando. Em retrospectiva, posso ver que minhas entradas armazenadas foram remixadas e expressas nessas novas maneiras. Aqueles quadros de cores de casamento que eu costumava criar eram a gênese das paletas limitadas mensais que eu tenho criado e compartilhado nos últimos dois anos. Minha experiência de layout de design gráfico é a base para como abordo layouts de letras agora. Essas entradas se fundiram com o novo conhecimento de lettering que eu estava ganhando e vários estilos de letras que eu estava observando e despertou minha própria criatividade. Com uma prática consistente, meu estilo logo começou a tomar forma. Eu também acho importante notar que você não cria seu estilo tirando todas as suas inspirações e copiando pedaços e peças de cada um. Um estilo se torna único para você quando você é capaz de remixar e reinterpretar suas entradas com base em sua própria perspectiva e experiências. Por exemplo, na última lição, eu listei três artistas cujo trabalho eu amo e olho com frequência. Eles são uma grande fonte de entrada visual para mim. No entanto, meu trabalho não se parece nada com nenhum deles. Veja como acho que minhas entradas foram reinterpretadas. Eu mencionei que eu realmente gosto do movimento e energia no trabalho de Kelly Ventura. Eu acho que isso aparece no meu trabalho porque eu tendem a adicionar um monte de movimento para minhas ilustrações florais. Eu só faço isso de uma maneira diferente. No trabalho de Caroline South, há uma nova abordagem moderna da forma como ela usa cores pastel. Eu tendem a usar pastéis em combinações ligeiramente inesperadas também. O designer gráfico em mim realmente ama a estrutura do trabalho de Dana Tanamachi. Embora meu trabalho tende a ser mais solto e fluído, eu me vejo gravitando em direção a layouts mais estruturados e simétricos de vez em quando. Como você pode ver, nunca há uma comparação um-para-um. Meu trabalho pode ser influenciado por outros artistas enquanto ainda é único para mim. Agora, vamos voltar a focar em você. Após a última tarefa, você está ciente de algumas de suas entradas. Estes podem ou não entrar em jogo à medida que o seu estilo emerge, mas é bom estar ciente de por que você pode estar fazendo certas escolhas estilísticas. Agora, e a parte prática de desenvolver seu estilo? Vamos nos concentrar nisso na próxima lição. 5. Três passos para o estilo: A remistura e a reinterpretação dos insumos que falamos na última lição geralmente acontecem inconscientemente. Eu tenho uma formação escolar de arte e muitos anos de experiência de design para extrair do que ajuda o processo a acontecer um pouco mais intuitivamente para mim. Mas mesmo que você seja um iniciante, você pode absolutamente ainda fazer isso. Meu objetivo é dividir esse processo intuitivo em etapas acionáveis que você pode usar para ajudar a treinar sua mente criativa. A verdadeira magia acontece quando você pratica suas letras regularmente. Mas como você pratica pode fazer toda a diferença. Há coisas que você pode fazer para ajudá-lo a praticar de forma intencional. Estou chamando estes três passos para o estilo: observação, exploração e consistência. Primeiro, vamos falar sobre observação. Eu toquei sobre isso brevemente na lição 18 de minhas letras de mão na aula Procreate, e acho que vale a pena discutir mais aqui. A fim de realmente se beneficiar de todas as influências visuais que você está constantemente tomando, é importante observar com intenção. Zombie percorrer o Instagram não faz o trabalho. Como eu disse na minha aula de letras de mão, é importante observar com olhos atentos. Digamos que você está rolando no Instagram e você está olhando para um monte de arte incrível. Você se depara com uma peça com letras à mão que realmente inspira você e você está completamente apaixonado com o estilo dessa pessoa. Você já gostou do post e deu-lhe vários emojis coração-olho. Este é o lugar onde eu acho que muitos iniciantes tropeçam. O que muitas vezes acontece é que um iniciante verá uma obra de arte que ama, e em vez de fazer a observação profunda necessária para entender por que ama a obra de arte, eles imediatamente querem replicar o visual. Eles vão direto da entrada para a saída sem remixagem, o que resulta em simplesmente copiar o estilo de outra pessoa, em vez de tomar medidas para descobrir o seu próprio. Muitas vezes, eu sou marcado no Instagram post onde alguém criou um pedaço de letras mas copiou um layout exato do meu ou os florais exatos que eu usei. Muitas vezes haverá um doce conhecimento na legenda dizendo como eles foram inspirados pelo meu trabalho. A coisa é que não é bem inspiração, é imitação. Embora isso possa ser frustrante para mim como artista, eu entendo que é uma coisa muito normal e esperada para iniciantes fazer. Aristóteles escreveu que: “O ser humano é a criatura mais imitativa do mundo. Aprende a princípio por imitação.” É algo que todos fazemos desde a infância e continuamos a fazer bem em nossas vidas adultas, especialmente quando estamos aprendendo uma nova habilidade. Ao dar conselhos para iniciantes, maioria dos artistas dirá que você só deve reunir inspiração de artistas fora do seu meio. Ou que você nunca deve olhar para o trabalho de outro artista de letras quando você está tentando criar seu próprio trabalho. Tenho certeza que já dei esse conselho no passado. Mas o que eu percebi é que a maioria dos iniciantes não pode se relacionar com esse conselho, especialmente se eles não foram para a escola de arte. É muito difícil saber como remisturar a inspiração intuitiva e inventivamente se você ainda não teve o treinamento para fazê-lo. O fato da questão é que a maioria dos novos artistas estão rolando Instagram diariamente tentando aprender imitando aqueles que admiram. O desafio é reformular a forma como você imita. Imitação com integridade e intenção pode realmente ser uma ótima maneira de adicionar novas informações ao seu cofre criativo, que você pode extrair e reinterpretar inconscientemente ao desenvolver seu estilo. Copiar com integridade significa que você está fazendo isso apenas para sua prática pessoal. Nunca está certo copiar o trabalho de outra pessoa, depois postá-lo como seu próprio. Isso é roubo de arte, simples e simples. Há a idéia de flutuar lá fora que se você mudar algumas coisas em sua versão copiada, talvez as palavras ou as cores, então tudo bem. A verdade é que não está bem. Lembre-se de que todos os artistas consagrados pelos quais você está inspirado dedicaram o trabalho duro necessário para desenvolver seu estilo individual. Quando alguém copia seu trabalho ou elementos de seu trabalho, é doloroso para aquele artista que você tanto admira e prejudica sua marca. Quando você copia com intenção, isso significa que você está sendo consciente do que você está fazendo e como você está fazendo isso. A questão é dissecar o trabalho que você está imitando, tentar descobrir o que sobre isso inspira você? O que ressoa com você? Como é feito, e quais escolhas específicas foram feitas? Quando você copia dessa maneira consciente, você está mergulhando em muito mais conhecimento do que imagina. Essas entradas começam a saltar em seu cérebro, prontas para remixar. Mais tarde na aula, vamos cavar em um exercício prático sobre como copiar com intenção. Fique atento para isso. Há uma terceira parte do processo de observação, que é a auto-observação, onde você observará seu próprio trabalho. Na última lição, mencionei que fiz uma auditoria de fim de ano após meu primeiro ano de prática de letras. Eu acho que é importante dar um passo atrás e fazer um balanço do corpo de trabalho que você está criando e anotar todos os temas recorrentes, assuntos, cores e assim por diante. Tirar um momento para refletir dessa maneira também ajuda você a ver o progresso que você está fazendo, o que, claro, pode ser um grande motivador para continuar avançando. frequência com que você faz essa auditoria de arte dependerá da frequência com que você pratica e da quantidade de arte que você está fazendo. Mas eu sugiro fazer isso pelo menos uma vez a cada dois ou três meses. Agora, para o segundo passo em direção ao estilo, que é a exploração. Você encontrou aquela peça de arte de letras que realmente te inspira. Você fez sua observação consciente e você tem uma compreensão clara de por que você gosta da arte. Agora, você pode pensar sobre como usar essa entrada para empurrar as coisas ainda mais. A fim de empurrar as coisas ainda mais, você precisa explorar. Pegue as principais características que você observou dessa arte inspiradora e experimente novas maneiras de abordá-las. Experimente o estilo de letras com o qual você se sente mais confortável. Experimente diferentes embelezamentos nas letras. Retrabalhar o layout, ou incorporar elementos que você ama, como suas cores favoritas, um floreio que você realmente gosta de usar, e assim por diante. Passe pela sua zona de conforto e experimente coisas novas. Não tenha medo do fracasso. Mesmo que o resultado não seja bom ou não seja o que você esperava, há sempre algo novo para descobrir sobre nós mesmos como criativos se nos dermos permissão para explorar. Além disso, lembre-se de que cada peça que você criar não precisa ser postada nas mídias sociais. Tire a pressão para criar algo digno de aprovação das pessoas. O último e mais importante passo em direção ao estilo é a consistência. Não há como contornar e não há atalhos. prática consistente é a única maneira de desenvolver um estilo de assinatura. Agora, o quanto você pratica será diferente para cada pessoa. prática diária pode não ser viável para todos, mas eu recomendo que você pratique suas letras pelo menos três a quatro dias por semana. É melhor se você pode construir estrutura em torno de sua prática para ajudar a mantê-lo motivado. Isso pode ser em uma forma de um projeto que você cria para si mesmo, ou você pode participar de um desafio on-line. Por exemplo, uma vez por ano, a conta do Instagram, 36 Dias do Tipo, executa um desafio de um mês para escrever o alfabeto. Claro, você também pode criar seu próprio projeto. Belinda Kou, que mencionei anteriormente na aula, já fez isso algumas vezes. Com sua série Hungrily Ever After, ela criou 18 capas de livros ilustrados e escritos à mão que eram falsificações inspiradas em alimentos em contos de fadas clássicos. Antes disso, Belinda criou uma série chamada What's Not Cooking, onde criou 15 peças com um tema central. Lauren Hom iniciou sua carreira de lettering enquanto desenterrava seu estilo criando seu projeto diário de desonestidade, que documentava as pequenas mentiras brancas que ela contava a si mesma todos os dias. Ohn Mar Win não é uma artista de letras, mas ela é um ótimo exemplo de alguém que participa regularmente em desafios de 100 dias que a ajudaram a dominar seu estilo. Ohn Mar também é uma professora de topo aqui no Skillshare, e ela tem uma aula sobre prática artística diária, que tem insights úteis sobre mentalidade e a abordagem para a prática consistente. Se encontrar seu estilo é uma prioridade para você, você precisará ter tempo para praticar. Além disso, tenha em mente que a prática não deve parecer um fardo. Sim, temos aqueles dias em que não nos apetece fazer nada. Mas se as letras são algo pelo qual você é realmente apaixonado, praticar deve parecer mais uma indulgência do que uma tarefa. Recapitulando, os três passos para o estilo são observação, exploração e consistência. Observar o trabalho dos outros com intenção e integridade. Empurre sua criatividade explorando e experimentando coisas novas, e pratique consistentemente para que seu estilo tome forma. A seguir, finalmente conseguimos desenhar. Vamos começar a colocar todas essas coisas que falamos em prática, começando com um exercício de observação. Vejo-te na próxima lição. 6. Exercício de observação: Vamos começar. Vou mostrar-vos como abordo a prática de observação que delineei na última lição. Como um lembrete, o objetivo é observar com olhos atentos, copiar com integridade e copiar com intenção. Minha fonte de inspiração é esta peça Chill Out, criada por uma de minhas amigas de letras, Jane Wongjirad, mais conhecida como cottonwood312 no Instagram. Nascida na Tailândia e com sede em Chicago, Jane é designer gráfico durante o dia e adora experimentar letras após o horário. Ela é muito habilidosa com letras de roteiro e floreios delicados. Isso combinado com as ricas cores escuras que ela usa frequentemente, acrescenta uma verdadeira elegância ao seu trabalho, que eu amo. Quando eu vi esta peça pela primeira vez, o que imediatamente me atraiu foi o sentimento calmo e descontraído que deu, o que naturalmente funciona perfeitamente com a frase, relaxe. Eu amo a mistura do rosa macio com as cores fortes aterrado. O roteiro é preciso, mas ainda se sente relaxado e quase varrido pelo vento com a adição da linha de queda sutil. Eu também notei que Jane usou um estilo textural solto de pintar as folhas e florais, o que aumenta a vibração relaxada da peça, e a maneira como ela colocou os florais com as flores grandes na frente e as flores menores no fundo realmente ajuda a criar dimensão e atrai-lo para a peça. Jane me deu permissão especial para recriar seu trabalho artístico para esta aula, e eu não tenho intenção de repostar a cópia que criei em qualquer plataforma, online ou de outra forma. Esta parte do exercício é puramente para a prática pessoal. Não se preocupe, no final desta lição, eu fornecerei obras de arte para você usar para sua prática de observação. Por favor, não imite a obra de Jane sem permissão. Agora, vou tentar recriar essa peça intencionalmente, tentando descobrir como foi feita e quais escolhas foram feitas. A primeira coisa que eu noto é que as letras saltam, não está em uma linha de base reta. Há também esta grande interação aqui onde a palavra Out apenas se dobra no espaço deixado pela curva de Chill. Letras de script realmente não vem facilmente para mim, então eu vou ter que me concentrar nas formas e descobrir como essas letras são estruturadas. Como de costume, eu vou começar com um esboço de esqueleto áspero só para que eu possa ter a colocação planejada. Eu tenho as letras para baixo, então agora é hora das flores. Estas duas hastes curvam ligeiramente para dentro, quase criando um quadro em torno das letras, então eu vou começar posicionando-os, e então eu vou apenas preencher a partir daí. Meu esboço parece certo, então agora é hora da tinta. A primeira coisa que eu vou fazer é apenas fazer minha janela de referência maior aqui e usar a ferramenta conta-gotas para selecionar cores dentro da peça para que eu possa fazer a paleta. Deixe-me desligar meu esboço, e começar a puxar as cores. Eu criei uma nova palete e salvei todas essas cores para fácil referência. Agora eu posso começar a pintar, então eu vou reduzir a opacidade aqui, iniciar uma nova camada. Eu notei que a tinta nas letras aqui é realmente nítida e limpa. Vou usar o pincel de monolina, e este letreiro está no marrom, então eu escolho isso. Então, as letras de Jane também incluíam um detalhe embutido e linhas de queda realmente sutis, então eu vou adicionar as próximas. Agora, em contraste com a letra que era agradável e nítida, a tinta para os florais é muito solta. Tem muita textura para ele. É como uma textura de tinta seca, então eu acho que eu vou usar um pincel deste conjunto de texturas secas, e eu vou adicionar um link na seção de recursos para onde eu comprei este conjunto de pincel. A escova seca grossa deve funcionar bem aqui, então eu vou escolher este azul escuro, que é o que Jane usou para todas as folhas e caules, e eu vou apenas manter isso agradável e solto porque todas as imperfeições realmente adicionar à textura. Não sei o quão bem você pode vê-lo na tela, mas lá está, linhas azuis ligeiramente mais claras e detalhes em cada folha. Então, vou acrescentar isso agora. Para as flores, acho que a melhor maneira de abordá-la é construir camadas de textura. Então eu vou começar com grandes traços soltos para as pétalas e depois ir de lá, e então há também esses pequenos pontos amarelos na peça de Jane. Então eu vou adicionar essas em cada uma das flores também. Agora, uma coisa eu notei durante minha observação atenta que eu realmente não notei quando eu olhei pela primeira vez para esta peça, eram essas folhas tom sobre tom no fundo. Eles são sutis, mas eles realmente aumentam a profundidade da peça. Então eu vou adicionar esses e terminar todos os detalhes restantes. Aqui está o resultado. Não é uma réplica perfeita, mas acho que consegui capturar a essência da peça da Jane. O que aprendi com este exercício? Bem, eu nunca tentei esse estilo particular de letras de roteiro antes, então recriar isso me ajudou a entender como as letras eram estruturadas. Usar uma linha de queda da maneira que Jane fez é uma ótima maneira de adicionar movimento sutil às letras, e essa é a técnica que vou ter em mente para projetos futuros. O tom no tom deixa no fundo é outra técnica que nunca pensei. É uma ferramenta que eu poderia potencialmente implementar em outra peça de uma maneira ligeiramente diferente. Agora, aqui está a sua missão. Desenhei esta peça para você recriar. Se você estiver trabalhando digitalmente, o arquivo JPEG estará disponível na seção Recursos para você baixar e importar para o Procreate. Assim como eu demonstrei nesta lição, pratique a observação com olhos atentos, lista as coisas que você percebe e as coisas que você gosta sobre a peça, em seguida, copie a peça com intenção, prestando atenção ao detalhes e escolhas feitas. Além disso, lembre-se de copiar com integridade, por favor, não compartilhe sua versão copiada on-line como se fosse sua própria arte. Este exercício é estritamente para sua prática pessoal nesta aula. Assim que você se tornar mais experiente, este passo de imitação não será necessário. Quanto mais você pratica, mais contínuo e intuitivo esse processo se tornará. Mas, por enquanto, é uma ótima maneira de construir o músculo de observação, especialmente se você é um iniciante. A seguir, vamos empurrar isso ainda mais. Vou explorar maneiras de reinterpretar o humor e os detalhes da peça de Jane, e vou lhe dar uma tarefa para fazer o mesmo com a minha peça. Vejo-te na próxima lição. 7. Exercício de exploração: A tarefa de observação na última lição era tudo sobre olhar para fora, examinar as escolhas criativas de outra pessoa. Agora que analisamos todos esses detalhes, é hora de olhar para dentro, começar a explorar e tentar tirar do seu próprio cofre criativo. O objetivo é trazer partes de si mesmo para o trabalho. Comece revisitando as notas feitas nas duas últimas tarefas. Estes são os destaques que tirei das minhas notas de entrada visual. As entradas que reconheço e me conecto são cor, natureza, serenidade, limpo, preciso, trabalho gráfico e movimento. Aqui está o que eu destacou de minhas notas de observação quando eu estudei a peça de Jane, o estilo de letras era relaxado, mas ainda nítido e refinado. Também notei essa textura e dimensão. Meu objetivo é reinterpretar esta peça, mantendo essas coisas em mente, quero manter a vibração relaxada, mas refinada, e a textura, e a dimensão da peça de Jane. Mas eu quero incorporar as coisas que ressoam comigo, como cor, movimento e qualidade gráfica precisa. O lugar mais lógico para começar é com as letras. Eu não quero usar exatamente o mesmo estilo de script, mas eu quero manter o mesmo sentimento casual e relaxado. Vou tentar o estilo de letras maiúsculas frias. A propósito, este pincel largo com que estou desenhando é o pincel de lápis de bloco da Cynlop Ink. Cynthia teve a gentileza de oferecer aos meus alunos um código de cupom para sua loja, então deixarei o link e o código na seção de recursos para você. Eu realmente gosto da forma como a palavra é dobrada nesta curva criada pelo frio, e a forma como a barra transversal do T também se encaixa perfeitamente neste pequeno recanto. Estou tentando trazer esse mesmo sentimento para este letreiro. Então eu coloquei um L na forma do outro. Esta pequena curva que o L está fazendo aqui parecia um ótimo lugar para a barra transversal deste T. Eu realmente acho que eu também posso fazer este O sentir como se estivesse escondido neste espaço um pouco mais também. Agora, como vimos na última lição, há uma linda linha sutil usada nesta letra. Eu não vou fazer uma linha de queda, mas eu acho que eu vou usar uma sombra em vez disso. Agora, para os florais, eu gosto de muito movimento em meus florais, então em vez de ancorá-los no fundo da tela, eu acho que vou tê-los em torno das letras. Eu vou manter as folhas grandes como Jane fez, mas eu vou usar formas que apenas vêm mais naturalmente para mim. Essa será outra maneira de separar meu trabalho do dela. Na última lição, falamos sobre como as folhas aqui são colocadas em camadas para dar à peça mais dimensão, eu vou adicionar um pouco de dimensão, tendo algumas das minhas folhas se sobrepõem às letras. Claro, eu não quero afetar a legibilidade, então eu vou ter que cobrir apenas pequenas áreas das letras para que ainda possamos ler tudo. Estou satisfeito com o layout e sinto que parece diferente o suficiente da peça de Jane. Vou fechar esta referência e agora posso passar para a cor. Em sua peça, Jane combinou esses tons realmente suaves com cores bem fundas. Eu tendem a combinar tons suaves com cores mais saturadas, então eu vou mudar essa paleta um pouco para algo que se sente um pouco mais como eu. Eu definitivamente vou manter este rosa e este coral, mas eu quero clarear este azul um pouco. Eu também quero manter uma cor de lavanda, mas eu queria ser um pouco mais leve e talvez até um pouco mais rosa nele, e eu realmente acho que eu quero adicionar uma cor de ameixa agradável também. Para outro pop de cor, acho que vou iluminar este vermelho profundo. Eu ajustei todas as cores que eu queria ajustar e adicionei algumas opções extras para sombreamento e destaques e assim por diante. Agora que minhas cores estão prontas, posso começar a pintar. A propósito, se a seleção de cores é um desafio para você, eu tenho alguns recursos úteis. Para uma correção rápida, você pode se inscrever meu boletim informativo de e-mail uma vez por mês para obter acesso ao meu arquivo de paletas, eu incluirei um link nos recursos, ou você pode fazer minha aula de paletas de cores para aprender a criar paletas próprias. Se você já assistiu meus vídeos de lapso de tempo no Instagram, você saberá que eu costumo pintar de preto primeiro, é apenas uma preferência pessoal. Se você quiser, você pode conferir minha aula de bis ao vivo para ilustrar uma nota de agradecimento por uma explicação de como eu abordo tinta dessa maneira. Agora, eu não quero usar os mesmos enfeites que Jane fez isso em vez de fazer um inline, eu acho que vou delinear cada uma dessas letras. Eu acho que vai adicionar um sentimento polido semelhante a essas letras relaxadas. Acabei de fazer uma máscara de recorte sobre as letras roxas. Assim eu posso entrar e criar os contornos sem me preocupar em ficar dentro da forma. Agora, para as folhas e flores, em vez de começar com um pincel muito texturizado como eu fiz no exercício de observação; vou começar com formas mais limpas e depois adicionar textura. Eu gosto de adicionar um sombreamento sutil em minhas folhas, então eu vou usar meu pincel de sombreamento guache aqui. Vou deixar um link na seção de recursos para onde consegui esse pincel. Aqui está o resultado final. Como podem ver, embora a minha última peça tenha sido fortemente inspirada no trabalho da Jane, os dois não se parecem nada. Após a atribuição de observação e a prática de imitação, você deve agora estar muito familiarizado com esta obra de arte. Agora é hora de se esticar e ver como você pode reinterpretar minha peça. Para ser claro, o objetivo não é copiar minha peça, mudar um ou dois detalhes, depois chamá-la de sua própria; tente empurrar mais do que isso, alterar o layout, mudar o estilo das letras, ou tentar algo diferente com os florais. O objetivo é experimentar e trazer mais de si mesmo para isso. Se você é novo para desenhar flores, assista a minha diversão com aulas florais, onde eu quebrar o processo e mostrar-lhe como você pode criar suas próprias flores imaginativas ou você pode substituir as flores com algo que você sente desenho mais confortável. Lembre-se, embora minha obra de arte sirva de inspiração, sua peça final não deve se parecer com a minha. Pedi a um par de meus amigos que se juntassem a nós neste exercício, então eles também desenharam esta peça em seu próprio estilo. Jane e eu trocamos de lugar, e desta vez, ela reinterpretou minha arte e fez dela. Como você pode ver, nós dois incorporamos florais e paletas semelhantes, mas a obra de arte é bastante diferente. habilidade de Jane com letras de roteiro realmente brilha aqui. Adorei o jeito que ela desenhou as palavras, Self Love. Havia uma conexão entre o S e o L na minha peça. Jane reinterpretou essa conexão criando essa linda ligadura entre seu S e L, ao invés de ter as letras sobrepostas como eu fiz. Enquanto a minha peça cria uma forma quadrada, Jane optou por mais de um layout circular. Esta obra de arte representa claramente o belo estilo de Jane. Agora, aqui está outra comparação de estilo. Cynthia Lopez é outra das minhas amigas de letras. Mencionei os pincéis personalizados dela no início da lição. Há uma qualidade fácil e sem esforço no trabalho da Cynthia. Ela muitas vezes incorpora grandes flores ousadas com suas letras, que se destacam contra os fundos escuros que ela usa frequentemente. Outro cartão de visita do trabalho de Cynthia é a forma como ela brinca com textura. Na versão de Cynthia da peça Self Love Club, ela usou sua assinatura paleta escura e estilo de script casual. Ela decidiu mudar o formato de quadrado para vertical e incorporou muita textura gostosa que ela é conhecida por isso. Este é o estilo 100% da Cynthia. Como você pode ver, existem várias maneiras de reinterpretar o trabalho artístico. Lembre-se de tocar em suas entradas e tentar re-misturar suas influências para chegar a algo que representa você. A seguir, vamos analisar algumas maneiras de criar estrutura em torno de sua prática, incluindo um projeto de bônus divertido. Vejo-te na próxima lição. 8. Prática consistente: Agora que você trabalhou em algumas peças e você tem um pouco de prática sob seu cinto, vamos manter o ímpeto em andamento. A prática consistente é onde o progresso realmente começa a acontecer. Para ajudá-lo a construir estrutura em torno de sua prática, eu criei uma atribuição bônus para você na forma de um mini desafio de cinco dias de desenho. É assim que funciona. Criei cinco letras para você usar como inspiração. Sua tarefa é reinterpretar cada peça em seu próprio estilo emergente. Como a frase para o projeto principal da classe era clube de auto-amor, estamos continuando esse tema de autocuidado, então, como você pode ver, cada frase está relacionada ao autocuidado de alguma forma. Você também notará que a complexidade da arte muda a cada dia do desafio. A primeira peça é bastante simples com apenas uma palavra e um layout mínimo, enquanto a quinta peça é mais detalhada, não se intimide embora. É perfeitamente bom se você chegar à quinta peça e você ainda não se sentir confiante o suficiente para enfrentar um layout mais complexo. Simplifique, faça funcionar para você. Afinal, o ponto aqui é aproveitar sua estética pessoal. Embora eu esteja chamando de desafio de cinco dias, realmente não há limite de tempo. Quer demore cinco dias ou cinco semanas para completar o desafio, basta ir no seu próprio ritmo. O objetivo é simplesmente ser consistente e ter uma coleção de cinco peças concluídas até o final do projeto. Você encontrará os prompts e a arte de inspiração para este desafio bônus no guia PDF da classe, que você pode baixar na seção de recursos. Há duas maneiras de abordar esse desafio. Você pode usar prompts visuais ou prompts de palavras. A abordagem visual é essencialmente o que temos vindo a fazer ao longo da turma. Muito parecido com o que Jane e Cynthia fizeram, você usaria minha arte como inspiração, mas você vai explorar e experimentar novos temas para que sua peça não seja simplesmente uma réplica do que eu criei. Claro, se for útil, você é bem-vindo para começar com os exercícios de observação e imitação, desde que imite com intenção e integridade como falamos. Mas não pare por aí, empurre mais e tente reinterpretar a obra de arte. Se você tem um pouco mais de experiência com letras e está mais confortável com o processo de remixagem de ideias, você pode deixar de lado meus exemplos e usar a lista de prompts de palavras para orientar sua prática. Incluí algumas frases extras no caso você querer estender o projeto para além dos cinco dias. Com a abordagem rápida da palavra, leia cada frase e veja quais imagens ou conceitos ela evoca para você. Você tem total liberdade com esta abordagem. Mais uma vez, confiei em meus amigos de letras para dar alguns exemplos para você. Como você pode ver, todos eles tomaram abordagens conceituais completamente diferentes para a mesma frase. O estilo de Sonia é simples e gráfico, e ela geralmente incorpora ilustrações de personagens doces para ajudar a transmitir qualquer mensagem que ela está escrevendo. Fiel à forma, Sonia adotou uma abordagem muito imaginativa e gráfica para o prompt. Ela incorporou as palavras amor próprio em um coração, e as letras revelam uma imagem de um de seus personagens de assinatura. É quase como se o personagem estivesse olhando através de uma janela de amor próprio. Agora, o estilo Roselly é ousado, colorido e fluido. Ela é muito hábil em combinar ilustração com letras de uma forma que te atrai para a composição. Em sua peça, as hastes das flores criam uma forma de coração e se transformam perfeitamente em mãos embalando um coração. Novamente, a palavra que vem à mente é fluida por causa da forma como todos os elementos fluem tão lindamente. Este é o trabalho de Kevin Adams. Seu estilo de assinatura inclui letras em negrito, tridimensionais e muito detalhadas com um pouco de um filme de arte pop retro. interpretação de Kevin da frase é exatamente o que eu aprendi a conhecer e amo sobre seu estilo. É gráfico, ousado e repleto de detalhes elegantes. Mal posso esperar para ver como você se aproxima desses avisos. Por favor, compartilhe sua série completa na galeria do projeto, e se você postar qualquer uma de suas peças no Instagram, certifique-se de me marcar para que eu possa ver seu trabalho. Em seguida, falaremos sobre como revisar e auditar seu trabalho depois de concluir o projeto. Vejo você na próxima lição. 9. Auditoria de projetos: No início da aula, falei sobre fazer sua própria auditoria artística para observar e fazer um balanço do trabalho que você criou. Encorajo-o a ter uma dessas auditorias depois de terminar o desafio de cinco dias. Revise sua arte do desafio individualmente e em grupo faça essas perguntas a si mesmo. Qual peça você mais gosta? Qual peça você mais gostou de criar? Você vê algum tema ou elemento recorrente? A coleção se sente coesa ou desarticulada? Se fizesse de novo, o que mudaria? A fim de intencionalmente dar passos para fixar seu estilo, talvez considere o seguinte. Seja qual for a peça que você mais gostou, talvez tente fazer mais dessa coisa ou use essa peça como sua própria inspiração seguindo em frente. Para a peça que você realmente gostou de criar, pense sobre o que a tornou agradável. Talvez incorporar mais disso em seu trabalho. Afinal, desenvolver um estilo torna-se mais fácil se você estiver curtindo o que está fazendo. Se você estiver vendo temas recorrentes, desde que esses elementos recorrentes sejam originais para você, isso pode ser um indicador do seu estilo emergente. Se o seu projeto se sentir desarticulado, tudo bem. Significa que ainda está na fase exploratória. Pense em como você poderia potencialmente trazer algum elemento de assinatura para o seu trabalho avançando. Se sua coleção se sente coesa, então isso é incrível. Significa que você está bem no seu caminho para ter um estilo de assinatura. Pense no que você pode melhorar e lembre-se de fazer essas mudanças em sua próxima peça. Ser intencional sobre melhorar é a única maneira de aprimorar com sucesso sua habilidade e chegar mais perto de estabelecer seu próprio estilo. Lembre-se, é um processo em constante evolução e nem tudo se encaixará depois de apenas um desafio. Mas fazer essa auto-auditoria definitivamente ajudará você a chegar lá um pouco mais rápido. 10. Obrigado: Muito obrigado por fazer esta aula. Espero que isso tenha lhe dado alguns novos insights e novas maneiras de pensar sobre o desenvolvimento do seu estilo. Claro, esta aula não eliminará todas as frustrações e dores crescentes de encontrar a sua estética artística, mas espero que lhe dê um roteiro útil a seguir enquanto você começa nesta jornada. Lembre-se que o caminho de todos é diferente. Você pode encontrar-se gravitando para mais de um estilo ou até chegar à conclusão de que você não quer se limitar a qualquer estilo em particular. Todas as opções são válidas. Você é o artista, então você decide. Por favor, não se esqueça de compartilhar seu trabalho na galeria do projeto. Às vezes pode ser difícil ver seu próprio trabalho objetivamente, então fico feliz em lhe dar uma perspectiva externa e encorajo-o então fico feliz em lhe dar uma perspectiva externa a fazer o mesmo com seus colegas de classe também. Além disso, não se esqueça de me marcar @IAMGIAGRAHAM se você postar seus projetos no Instagram. Se você gostou desta aula, eu adoraria que você deixasse um comentário. Seus comentários não só me ajudaram a melhorar minhas aulas, mas também ajudam os alunos em potencial a saber o que esperar. Além disso, você pode clicar no botão Seguir para que você seja alertado sempre que eu postar uma nova classe. Como sempre, foi um prazer compartilhar esse espaço criativo com você e estou ansioso para vê-lo na próxima aula. 11. BÔNUS! Entrevista com Brooke Glaser: Olá de novo. Tenho um pequeno deleite para você. Agora, muitos de vocês já conhecem Brooke Glaser, que é uma colega professora de topo aqui no Skillshare. Agora, a Brooke também tem uma aula sobre como encontrar seu estilo. Nesta aula de bônus, vou conversar com ela sobre sua abordagem ao tópico. Se você ainda não está familiarizado com Brooke, ela é ilustradora e designer de superfície. Seu trabalho pode ser encontrado em lugares como Target e em produtos como vestuário infantil, cartões, embrulho e muito mais. Brooke ajudou a quase 200.000 artistas a subir de nível tanto sua arte quanto suas carreiras criativas com aulas sobre temas como desenhar e ganhar a vida como artista. Ei, Brooke, é bom te ver. Muito obrigado por se juntar a nós para compartilhar alguns de seus insights sobre o desenvolvimento de estilos. Minha primeira pergunta para você é como você aborda o desenvolvimento de seu estilo de arte exclusivo? Para mim, o estilo é mais do que apenas a forma como sua arte se parece, é claro, é sobre a vibração o sentimento e os temas que você usa. É bom examinar, ok, quais são as coisas que eu quero mostrar na minha arte? Penso nisso ser como um empresário ou um patinador é; não é apenas o que eles usam, é também a gíria que eles usam, ou a linguagem que eles usam, ou a música que eles ouvem, ou os lugares que eles vão. Mas, embora essas coisas sejam importantes, é realmente a forma como sua arte parece que é a base, a parte mais importante do desenvolvimento do seu estilo. Para esse fim, gosto de examinar meu estilo através da lente dos elementos da arte. Você tem como, como você desenha formas? Como você desenha linhas? Como você usa a cor? Na verdade, existem maneiras diferentes específicas você se aproximar delas. Por exemplo, quando falamos sobre os elementos de arte e forma, você pode desenhar coisas em um estilo geométrico ou um estilo orgânico, ou pode fazer uma variação entre esses dois. Na minha classe, uso um exemplo de vamos desenhar um cogumelo. Se você tem o cogumelo, o topo do cogumelo pode ser como um meio círculo perfeito, e essa é uma maneira muito geométrica de representar formas. Talvez os círculos em cima desse cogumelo sejam círculos perfeitos, talvez você tenha até o sombreamento do topo do cogumelo para o estoque, talvez esse sombreamento tenha a forma de um triângulo real, e esse é um estilo de desenho muito geométrico. Considerando que se você fizer um desenho orgânico, isso pode ser muito mais realista das formas e é irregular e acidentado e não é suave, é uma maneira muito orgânica de abordar isso. Claro, há uma infinita variedade de maneiras de desenhar formas entre serem orgânicas e geométricas, mas é essa prática de, ok, como faço para chegar a esses detalhes cruéis do que são os elementos de que minha arte é feita e como posso brincar com esses elementos? Por exemplo, outra maneira de olhar isso é se você olhar para linhas em desenhos animados. A maneira como um quadrinho da Marvel pode ser desenhado pode ser completamente diferente das linhas no anime ou em Calvin e Hobbes. Você pode ter uma linha uniforme completamente sólida e grossa que é desenhada muito grossa, ou você pode ter linhas realmente esboçadas que se afunilam de uma extremidade para a outra. Minha abordagem na classe é realmente examinar essas diferentes maneiras que você pode desenhar e como você traz o que você gosta para sua própria arte? Certo. Sim, adoro essa abordagem porque é tão prática e prática. É uma ótima maneira de misturar e combinar e descobrir o que ressoa com você e o que mais fala com você. Sim. Agora, sua turma está muito focada na ilustração. Muitos dos meus alunos são artistas de letras ou combinam letras com suas ilustrações, você tem alguma visão específica sobre desenvolvimento de estilo especificamente para letterers? Sim, totalmente. Acho que a parte mais importante para nós é entender os fundamentos das letras e, claro, você tem muitas ótimas aulas sobre isso. Depois de entender os fundamentos, você pode começar a experimentar, explorar e tomar sua própria visão única. Quando estou desenhando letras, a grande parte disso é criar forma e como faço para criar sombreamento? Por exemplo, você usa essas lindas letras do clube de amor próprio para os alunos emularem em sua classe. Você tem essa gradação muito bonita, muito fina. Isso cria onde as letras se cruzam, cria um sombreamento para que você possa ver, “Ei, parte disso está na frente do outro”, esse é o sombreamento. Nesse caso, uma maneira que você pode experimentar isso é que você pode tomar em vez de usar um pontilho muito fino, você poderia talvez fazer trabalho de linha, você poderia fazer eclosão ou crosshatching, você poderia faça um tipo de textura totalmente diferente, você poderia usar apenas um bloco sólido então onde as letras se encontram em vez de ter uma gradação para criar esse senso de forma, você poderia ter um bloco sólido de cor que diz, ” Ok, aqui está o que está na frente e aqui está o que está por trás.” É, novamente, examinar esses detalhes realmente cruéis de quais são os elementos do que sua arte é feita e como isso muda a aparência do que você está desenhando. Eu entendo isso totalmente e concordo com você, porque essas escolhas podem realmente fazer uma enorme diferença em como a peça se torna geral. É bom examiná-los isoladamente e dizer: “Ok, vamos nos concentrar na forma e na forma como sombreamos a forma, vamos nos concentrar na cor”. Mas no final, todas essas coisas misturam e não são isoladas por si mesmas, sempre há textura dentro da cor, bem, quase sempre, ou há falta de textura, o que também é uma escolha intencional. Mas espero que, na minha classe, possamos examiná-los individualmente e depois ver como eles se integram todos juntos. Mas sim, são todos aqueles pequenos vestígios que você faz em suas letras que tornam suas letras únicas. Adoro que você entre nesse nível de detalhe na sua turma porque é uma sequência perfeita para meus alunos irem desta aula para a sua, porque eles podem tirar as sugestões de imagem ampla que eu oferecer e, em seguida, entrar nos detalhes reais com sua classe, com técnicas e como experimentar coisas diferentes e maneiras diferentes de se aproximar de uma peça. Adoro isso. O que foi interessante sobre a diferença entre nossas aulas é que eu começo minha aula dizendo: “Ei, você realmente precisa estar prestando atenção que os outros artistas estão fazendo porque sim, você pode entrar nestes detalhes importantes, mas você realmente precisa ver o que outros artistas estão fazendo para entender isso.” Eu acho que sua classe realmente dá uma boa perspectiva sobre “Aqui está como você olha para o que outras pessoas estão fazendo, e aqui está como você a integra no que você faz”. Porque é muito melhor construir sobre os ombros de gigantes ao seu redor, isso provavelmente não é o mesmo, mas você aprende as pessoas incríveis ao seu redor e você constrói sobre o que elas fazem. Eu acho que essa é uma ótima maneira abordar a arte também. Agora, isso é realmente um ótimo seguimento para minha próxima pergunta porque parte do desenvolvimento do seu estilo é observar outros artistas, e você fala sobre isso em sua classe e eu falo sobre isso nesta classe também. Mas o desafio de olhar para outros artistas é que você poderia cair nessa temida maldição de comparação, e às vezes é fácil sentir como se não pudéssemos combinar com os artistas que admiramos, aqueles gigantes que você já falou. Como você aborda ou lida com a comparação? Sim. Isso é tão grande e um grande negócio também. Acho que a comparação é uma espada de dois gumes porque comparação pode ser muito boa. Quando a comparação é boa, está inspirando você a ser como, eu amo o que essa pessoa faz. Quero nivelar o que estou fazendo. Quero experimentar algo novo. Quero fazer o que faço melhor. É quando a comparação é boa. Mas não é tão bom se você ficar preso, e quando você quiser, eu nunca vou me medir. Nunca serei capaz de ser tão bom quanto essa pessoa. Isso é muito fácil para mim ficar sobrecarregado e intimidado, e isso é muito difícil. Eu gostaria de poder dizer, oh, bem, quando você chegar a um certo nível, isso vai desaparecer e você ficará absolutamente confiante o tempo todo. Nunca. Mas isso não é verdade na minha experiência. Não é verdade na minha experiência, não é verdade em muitos artistas que conheço em qualquer nível que estejam. Você está sempre aprendendo e se esforçando outras pessoas e a comparação faz parte desse território. Eu desenvolvi várias maneiras. Certamente não sou especialista em lidar com comparação, mas desenvolvi muitas maneiras diferentes de lidar com isso. Eu falo sobre um monte na classe. Mas alguns deles eu diria que estar atento ao consumo passivo, e quando penso no consumo passivo, penso no consumo passivo e ativo. Há uma diferença entre, você está apenas rolando no Instagram ou na internet e você está apenas vendo essas coisas e você está se sentindo como se eu não sou bom, repente você começa a se sentir mal você mesmo. A diferença entre não um consumo ativo é quando você está usando ativamente essa comparação em ação e fazendo algo com ela. Se você está tentando descobrir ativamente, como faço para desenhar uma cachoeira muito bem, e então você vai e olha como outro artista desenha uma cachoeira. Porque você está no modo de ação. Bem, porque estou no modo de ação, devo dizer, tenho muito mais fácil dizer como, acho o que essa pessoa faz inspirador e vou tentar imitar essa maneira de desenhar, cair linhas, cair água. É porque sou ativo, que me ajuda a não sentir esse senso de comparação. É quando estou apenas passivamente, apenas vendo algo e não fazendo algo que me sinto muito pior. Sim. Trazendo essa intenção para a comparação. Sim. Acho que você fala sobre o pergaminho zumbi. Sim. Na sua classe. Não é bom. Sim, é exatamente isso. O que você está descrevendo é exatamente o pergaminho de zumbi, você está apenas indo e indo e indo, mas você não é intencional sobre olhar para o trabalho de outras pessoas. Na verdade, acho justo, todos nós precisamos de tempo para um pergaminho de zumbi, somos todos humanos. Precisamos de tempo para relaxar no sofá e veg out e não fazer nada. O que eu achei que é realmente útil para me ajudar a evitar essa armadilha de comparação é encontrar inspiração na mídia diferente do que eu faço. Não quero dizer, oh, eu tenho que ouvir música e podcasts. Quero dizer, ainda me inspiro na mídia visual. Para mim, gosto de jogar videogame ou me inspirar no design de interiores ou em filmes. Essas são coisas das quais me inspiro visual direto porque desenho cenários e gosto de desenhar design de interiores. Mas a diferença aqui é que eu acho que a razão pela qual isso funciona tão bem para mim e me ajuda a não sentir esse senso de comparação é porque as medidas de sucesso para um filme do Studio Ghibli talvez seja, é um Oscar e eu não estou tentando ir para um Oscar, então eu não estou me comparando com esse incrível trabalho de animação. Provavelmente tenho maior probabilidade de me comparar outro ilustrador que está indo para os mesmos clientes ou quem é, estou olhando para minhas curtidas no Instagram e estou comparando outra pessoa que tem mais O Instagram gosta de mim e isso me faz sentir mal. Se eu estou olhando para mídias que têm diferentes medidas de sucesso e isso é um pouco diferente, ainda é útil para mim, mas diferente do que eu faço. Isso é útil para mim. Eu gosto do que você disse sobre quando você compara um para um como outro ilustrador que faz um trabalho muito semelhante, então isso realmente aumenta esse sentimento de comparação e concorrência. Mas você ainda pode olhar para outro artista visual. Mas se eles estão fazendo algo diferente de você, essa é uma ótima maneira de ainda se inspirar sem ter esse nó no estômago. Sim, acho que é uma ótima maneira de abordá-lo. Sim. Eu vou em profundidade com muito mais técnicas, mas acho que a terceira que eu talvez deixaria daqui é que, eu gosto de me comparar a mim mesmo também. Acho que você falou sobre isso sobre fazer uma auditoria de si mesmo. Para mim, se eu olhar para trás sobre o trabalho que fiz, há um ano, há dois anos , há três anos, posso sentir muito orgulho no crescimento que me fiz como artista. Sim. Substituindo essa emoção de eu não estar lá e dizer como: Ei, estou correndo minha própria corrida aqui e esse é o progresso que estou fazendo para mim mesmo. Pelo menos me ajuda. Com certeza. Centralize minha visão novamente, pelo menos mude essa emoção, então não estou sentindo que não posso medir, eu sou como, não. Sim. Eu fiz alguns progressos. Sim. Adoro que você esteja correndo sua própria corrida. Isso é absolutamente isso. Ninguém pode dizer o quão rápido ele deve ir, quão devagar ele deve ir, que forma ele deve tomar porque é sua corrida. Quer dizer, honestamente, você provavelmente nem consegue dizer isso, a vida toma seus próprios termos e você faz o que pode, mas você não tem muito controle sobre a corrida para começar. Isso é tão verdade. Bom ponto. Sim. Bem, muito obrigado, Brooke. Um enorme agradecimento à Brooke por se juntar nós e compartilhar sua perspectiva. Certifique-se de conferir sua classe, que se chama Find Your Style: an Actionable Guide to Develop Your Illustration Style. Se você ainda não está fazendo isso, se esqueça de seguir Brooke aqui no Skillshare, então você será alertado sempre que ela postar uma nova aula. Vejo você aqui novamente em breve. Vamos fazer isso mais uma vez. Sim. 1, 2, 3. Estou congelado? Agora você pode me ouvir? Sim. Não, você está congelado. Vamos tentar isso novamente. Não sei dizer se você está congelado ou se está falando.