Curso definitivo de Ableton Live 11, parte 6: mixagem, masterização e DJ

1. Introdução: Olá a todos, bem-vindos ao Ableton Live 11. Nesta aula vamos cobrir todos os aspectos do Ableton Live, de apenas aprender o programa para gravar, para produzir, dois DJ, mixagem, masterização. Tudo vai ser incluído nesta enorme classe multi-parte. Esta é a Parte 6. Na parte 6, vamos falar sobre mixagem, masterização e DJ. Então vamos mostrar como pegar faixas que já fizemos e convertê-las em uma configuração de performance ao vivo para que possamos usar essas faixas para DJ ou fazer o que quisermos. Nós também vamos nos concentrar em mixagem e masterização. Para isso, vou chamar um dos meus colegas que é um profissional e engenheiro de mixagem e masterização. E ele vai nos mostrar como ele usa capaz de cuidar 11 e alguns de seus truques principais de mixagem e masterização. No final desta aula, você terá completado faixas prontas para enviar para Spotify, Bandcamp, o que quer que você queira fazer, tudo estará 100% feito e pronto para string. Então, o que realmente é capaz de pessoas certificadas Treinador que têm essa credencial. Eu passei por um processo bastante rigoroso com ser capaz de acompanhar para provar que não só o seu um especialista no programa, mas também, você sabe como ensiná-lo. Portanto, o processo real de obter o selo de aprovação do Treinador Certificado é um processo de duas partes. Primeiro, você tem que provar que você é um super ninja e o programa para ter que ser um professor realmente habilidoso ou então eles não vão dar para você. E você vê alguém que diz ser incapaz de Treinador Certificado, como eu, você deve saber que é alguém que o próprio Ableton deu seu selo de aprovação após um processo muito rigoroso. Não é só comprar um certificado. Tive que fazer um exame de dois ou três dias que incluía muitas demonstrações de ensino. E além disso, fui à conferência internacional deles em Berlim para apresentar temas incapazes a toda a comunidade internacional ao vivo. Então não foi fácil de conseguir. Estou muito orgulhoso disso e espero trazer o benefício disso para você. 2. O que estamos cobrando aqui: Certo, então, parte 6. Então, nesta seção vamos entrar em algumas das coisas mais pesadas. E nós realmente vamos nos concentrar em tipo de três ferramentas incorporadas ao vivo ou três tipos de áreas da vida. E eles são, de fato, racks seguem ações e mapeamentos. Ok, no entanto, essas três coisas são o que vamos usar para explorar mixagem, masterização e performance. Ok? Então, e vamos começar com um fato RAX. Vamos entrar em controladores e depois vamos entrar em acções de acompanhamento, o que é muito divertido. E há um monte de coisas legais novas de ação de acompanhamento no Live 11. E então eu vou marcar em um amigo meu para nos guiar através de mixagem e masterização. E você pode apostar que ele vai usar um monte de racks de efeitos em seus fluxos de trabalho de masterização. Então, sem mais delongas, vamos direto para entrar nas ervas daninhas com um fator de atos. 3. O poder das racks de efeito de áudio: Ok, então, se você está acompanhando desde o início da primeira parte desta série de aulas. Você já viu Racks de Instrumentos, você viu racks de efeito midi. E na última aula, você viu racks de efeito apenas introduzidos, certo? Então, já sabemos o que são racks e o que os racks fazem. Mas deixe-me colocar efeito RAX em um pouco de contexto. Imagine que você tem um atraso. Na verdade, vamos fazer isso enquanto estou passando por isso. Então aqui está a nossa pequena demonstração que eu tenho para isto. Eu só peguei um pequeno segmento de um remix de uma trilha minha. Nem a deixe saber, suponho. Então. Vamos construir um rack de efeitos e, de repente, jogá-lo bem ali. E o que eu vou fazer é fazer um super atraso. Ok, e eu só quero fazer isso como uma demonstração do que podemos fazer aqui. Então eu vou jogar um rack de efeitos vazios lá. Você pode encontrar rack de efeitos de áudio em utilitários. Mas não há nada assim tão certo, então agora vou para o tempo e o espaço. E eu vou para as minhas correntes. E eu vou adicionar nosso reverb e eco, um flanger phaser. Ok, então eu vou mudar o nome deles. Isto é reverberação. Isso é flanger, vou chamá-lo assim. E esta é a Echo. Ok? Vou reordenar estes pedacinhos arrastando-os por aí. Ok, então o que eu vou fazer aqui é eu vou fazer um único botão. Isso vai levar minha reverberação de milissegundos até enorme. Ok, então o que isso significa é que eu vou fazer um efeito que vai começar como um flanger, ir para reverberação e então subir para retardar eco neste caso. Ok, agora, o que eu vou fazer é ir para o seletor de corrente para cada um destes. Vou abrir isso todo o caminho. Ok, e eu vou dizer que este chuta em torno de 33. Este chuta em torno de 66. Sabe, quando chuta por volta dos 40. Este chuta em torno de 80. Top um começa em torno de 50. Vai deixar que haja um pouco de sobreposição. E então vamos desvanecer este com fé, cruzar um pouco aqui para desvanecer este aqui,desaparecer, e desaparecer este aqui. E então vamos desvanecer este com fé, cruzar um pouco aqui para desvanecer este aqui, Vamos fazer um pouco mais de sobreposição lá. Aqui é o Sam. Ok, agora, o que eu criei com esta macro é um super atraso. Certo? Agora, eu vou pegar este seletor de corrente. Ele vai controlar clique sobre ele e mapeá-lo para macro um. Agora, o que eu criei aqui é um super atraso porque vamos começar com algo como um fasor. Quando isto é todo o caminho para baixo. À medida que eu subir, vamos adicionar, transformar-fade em reverberação, que é como um atraso maior, mas ainda assim um atraso muito, muito pequeno. E então ele vai empurrar todo o caminho para dentro de você, um eco, um grande atraso. Então eu tenho um atraso que vai de efetivamente como um par de amostras de atraso todo o caminho até um par de segundos de atraso. Isso é certo. Antes de fazer isso, vamos criar mais uma cadeia. E deixe secar todo o caminho para que ainda possamos ouvir o seco. Certo, então aqui vamos nós. Esse é o nosso flanger. Como nosso grande reverberação ou exame. Eu vou, Ei, podemos fazer esse eco muito maior. Vou ligar de volta. Tudo bem, então a razão pela qual eu configurei isso é só para mostrar a vocês essa idéia de efeitos de desvanecimento cruzados e fluxos de trabalho de efeito de construção, certo? Eu poderia fazer isso. Então vamos dizer que sempre temos o atraso indo E, ou tecer. Ou mapeamos a largura estéreo para a mesma macro para que ela fique mais larga à medida que ficamos maiores. Certo? Então há possibilidades ilimitadas com isso. Você pode ficar muito complicado e você também pode fazer algumas coisas realmente incríveis. E uma maneira muito simples para isso é uma das minhas coisas favoritas absolutas sobre ao vivo como a construção de cadeias de efeitos de áudio, você pode fazer coisas que é simplesmente incrivelmente legal. Então vamos falar sobre o que realmente está acontecendo nos bastidores com racks de efeito. 4. Processamento paralelo: Certo, então o poder real por trás do efeito de áudio do AKS vem de algo chamado processamento paralelo. E aqui está o que isso significa. Isso significa que quando fazemos esse tipo de coisa, o que realmente estamos fazendo é que nosso sinal está vindo aqui e então ele está se dividindo em quatro. E dividir é, na verdade, o termo errado. Na verdade, está duplicando. Não é como se tivéssemos 25% do sinal em cada canal e uma matriz em cada cadeia. Temos 100 por cento do sinal em cada cadeia, certo? E está processando todos eles em paralelo até o fim, quando está juntando-os novamente. Então isso significa que você pode ver como quando eu adicionei esta corrente limpa, nós começamos a cortar, certo? Porque temos muito sinal. Então você tem que ter cuidado para cortar seu sinal porque você essencialmente transformou esta faixa em quatro faixas. Essa é outra razão pela qual, no final de uma cadeia de efeitos, você pode ver muitas vezes um limitador ou um compressor apenas para enrolar e garantir que ele não fique muito fora de controle. Então o processamento paralelo é uma bênção e uma maldição. Torna-nos muito poderosos. Há também faz com que seja um pouco perigoso. Então, fique de olho em seus níveis aqui. Você pode controlar o que está acontecendo. E você também pode colocar um limitador do outro lado só para evitar que ele exploda em você. Geralmente não é um problema. Eu acho que há algumas coisas internas acontecendo para garantir que a TI, para controlá-lo um pouco antes de chegar à saída. Mas muitas vezes você verá um limite ou apenas quando você tem um monte de cadeias indo apenas para mantê-lo de cortar. Então, cuidado com esse processamento paralelo. 5. O famoso fade para exemplos de Fade: Ok, vamos olhar para um exemplo que é construído ao vivo. Esta é uma famosa, uh, famosa cremalheira de efeitos. Se você entrar em seus efeitos de áudio ou atos, rack de efeitos de áudio, Predefinições, vá para a performance em DJ e pegue este chamado botão. Isto chama-se “Fade to Grey”. Isso foi renomeado botão 1 Fade para Grey. Não sei bem porquê. Uma versão mais antiga do vivo, foi chamada de cinza desbotada. Agora chama-se botão um. E eu acho que a idéia aqui é que o que eles estão tentando dizer é que este é um botão único, grande efeito. Isso é o que muitas pessoas usam para transições no desempenho. E é quase atrevido neste momento, mas vamos ver como funciona. Então aqui está o que parece. Então o que podemos fazer com isso é girar esse botão para cima quando estamos fazendo uma transição. Tapa isso fora. Quando estamos no final da transição, como transição suave e transição. Certo? Então você pode cortar entre duas faixas dessa forma você pode fazer isso todos. Então vamos ver o que está lá dentro. Ok? E as nossas correntes. Então nós temos apenas uma única cadeia e nós temos dois defeitos para efeitos, EQ três e um atraso. Ok? E temos um monte de mapeamentos aqui. Ok, então se eu mover nosso botão aqui, vamos ver o que acontece. Então, no nosso QE três são os médios descer, apenas um pouco embora. São baixos sobe e nosso alto desce. Ok, é legal. Também vemos que quando estamos no 0, nosso atraso desliga. E depois liga-se. Quando foi outra coisa além de 0? E o nosso feedback surge e o nosso molhado seco surge. Certo, isso significa que estamos fazendo um mapeamento aqui. Então não só mapeamos esses parâmetros, tudo com um ponto verde, incluindo o on-off aqui para este botão. Mas também configuramos algumas configurações de mapeamento personalizadas aqui com o botão de mapa. Então vamos clicar nisso. Vamos ver o que acontece. Então aqui está o nosso botão. Desvanecer. Então Q3, ganho médio, é este. Certo? Então isso é definido em um mínimo de 0 e um máximo de seis negativos. Então isso significa que vai se mover um pouco, certo? Vai passar de 0 a 6 negativo. Agora, o segundo número é negativo, o que significa que vai cair. Se fosse positivo seis, iria empurrá-lo para cima. Ok, então isso significa que um vai cair enquanto eu aumentar isso, vamos olhar para esta baixa frequência. Vai todo o caminho de 50 a 200 três. Então, se olharmos para o nosso mapeamento, frequência baixa 50 a 2,03, frequência alta 18 a 2,18. Então esse número é menor. Então vai cair. Este dispositivo ligado. Vamos ver isso. Mínimo é um. Nenhum mínimo pode ser 0, mas não é um. Então 127 é o topo. Isso significa que tudo de um a 127 vai ligar este dispositivo porque o dispositivo ligado é um botão binário, certo? Tem dois estados, muitas vezes ligados. Então off é 0, on é qualquer coisa diferente de 0. Então o que isso está dizendo é que se esse botão fade degradar, ou se esse botão de fade é algo diferente de 0, ligue-o. O feedback está indo de 0 para quase máximo. Cortaram-no um pouco antes do topo. Top seria 100 por cento e seco molhado. Mesmo acordo. Ok, então isso faz uma coisa bastante dinâmica. Muito legal. Então isso mostra como apenas com uma cadeia e dois efeitos simples, você pode criar esse efeito realmente exuberante usando apenas um botão e um monte de mapeamentos. 6. Racks de efeito: Agora, devido à capacidade insana de fazer esses mapeamentos complicados, você pode ver por que eles são bons para o desempenho. Com o desempenho, não podemos parar e ajustar, certo? Precisamos que tudo seja configurado o máximo possível que possamos fazer com um botão ou não. Então vamos dar uma olhada em algumas das predefinições no desempenho. Nós já olhamos para o Fade to Grey, que está bem aqui. Vamos olhar para este canal mestre, canal mestre de DJ. Então, claramente, eles querem que coloquemos isso no nosso mestre se tivermos uma pista complicada. Agora o que faríamos é mapear todos esses dois controladores, sobre os quais falaremos na próxima seção. Mas vamos ouvir o que ele faz. Vamos nos molhar com isso. E depois podemos retirar os nossos baixos, empurrar para dentro, nossos baixos, obter apenas aquele pontapé para dentro. Então nós temos uma configuração simples de equalização. Companheiro mudança de frequência. Dê-nos um pouco de oscilação nele. Tenho reverberação. Podemos lavar tudo e reverberar decadência. Outro bom efeito de transição, e depois seco, molhado e um pouco de aumento de volume. Então, um monte de coisas aqui. Vamos dar uma olhada lá dentro. Sim, você só tem que secar molhado e, em seguida, filtro automático, reverberação. E um QE acabou, apenas um monte de mapeamentos. Vamos ver o que há nas ferramentas de DJ. Mas este aqui agora eu tenho vários efeitos. Atos estavam acontecendo? Ei, ferramentas de DJ, movimento, taxa de movimento e forma de movimento. Moções solares. A isso. E é chamado por web lábil e mudar a velocidade dele, ajusta a forma. Isso é um efeito legal. Então isso está ligando e desligando outras coisas, semelhante a como vimos no fader exemplo cinza desbotada. Nós efetivamente solando este efeito de movimento. Efeito arranhão. Cético, vamos ouvir. Livre-se dessa moção. Cara, não é fã daquele daquele filtro passa-alto para brincarmos com retoques molhados e de baixo volume. Então, há um monte de coisas aqui que são apenas coisas feitas com racks que realmente úteis se você está tentando configurar um RIG de desempenho onde você pode querer jogar suas faixas em seus experimentos com alguns desses, só para colocar as mãos em algumas coisas que você pode fazer rápido. E de uma forma que lhe dá um monte de controle dinâmico sobre a música e também é totalmente seguro, certo? Porque com tudo isso, a pista ainda está fluindo se você brincar com o equalizador, esse movimento, até mesmo a coisa do arranhão. Mas, então, você apenas a manivela fora. Você não perdeu o bebê porque o bebê ainda está indo. Isso é o que é viver. Uma das coisas que vivem é excepcionalmente boa. Você não vai perder o B. Sempre vai estar lá. 7. O World dos Controladores: Ok, então há toneladas de diferentes tipos de controladores lá fora. Eu acho que na primeira classe, falamos sobre o uso de controladores midi. Agora usamos teclados midi. Acho que te mostrei uns controladores de guitarra. Há muitas coisas diferentes por aqui. Lá fora. Este controlador que estamos olhando aqui é e Akai APC 40. Este é o clássico capaz de no controlador de desempenho. Na verdade, acho que é exatamente isso que a APC representa. Neste caso. Isto é projetado para funcionar com capaz de em que é realmente construído para Ableton. Assim que eu conectá-lo, este rack que eu tenho aqui, apenas mapeia automaticamente. Eu não fiz nenhum mapeamento em tudo. Só sabe o que fazer com este conjunto. Também sabe que a faixa um aqui é o meu volume. Ele sabe que a minha panning está aqui. Então funciona bem fora da caixa. Agora nem todos os controladores vão fazer isso. Este é realmente projetado para ele. E, obviamente, você pode ver que eu posso lançar o Eclipse e ele vai saber quais clipes eu tenho se eu estiver na visualização de sessão. Agora, outro controlador popular agora é capaz de empurrar, ou empurrar para. Esse é um controlador incrivelmente bom. Ele não é realmente super projetado para desempenho, tanto é para composição, mas ele funciona bem para desempenho também, se você quiser usá-lo. Este modelo 4D da APC está um pouco desatualizado. Eles têm alguns mais novos agora, mas eu ainda gosto deste. É simples, funciona muito bem e é apenas confiável. Então a grande coisa a lembrar com os controladores é que alguns deles vão funcionar bem fora da caixa como este porque ele é projetado para funcionar com Ableton e tem um recurso chamado auto map, que significa que ele só sabe o que acontecendo e ele vai fazer isso. Outros controladores, nem tanto. Você vai ter que fazer mapeamentos por conta própria. Você pode obter praticamente qualquer controlador para trabalhar com o live. Se você está disposto a entrar nas ervas daninhas e fazer um pouco de mapeamento. Então, primeiro, vamos falar sobre como configurar esses controladores, e depois vamos falar sobre mapeamento. 8. Você conectar controladores: Ok, então para configurar um controlador corretamente, precisamos voltar às nossas preferências. E precisamos dar uma olhada em nossa guia midi porque todos esses controladores são Midea. Ok, então eu vou aqui. E então eu vou olhar aqui. Então, meu APC 40, ele apenas lado. Eu não precisava fazer nada. É o que diz a superfície de controle. E o que realmente estamos falando aqui é um controle de superfícies. Normalmente, estes não têm a forma de um teclado, embora possam ser. E um teclado pode ser usado como uma superfície de controle. Mas o que eles são é que eles nos dão controle sobre muito do programa. Então este em particular precisa tanto de entrada quanto de saída. Então a saída é do controlador para viver. Isso é o que eu preciso. A entrada é de direto para o controlador para que o meu controlador saiba o que está fazendo ao vivo. É assim que eu posso auto mapear as coisas e ter ao vivo realmente atualizar o controlador para I. Ei, agora você também vai vê-lo vir acima em dispositivos midi aqui. E eu quero controle remoto e trilha selecionados. Você vai vê-lo novamente aqui em baixo como dispositivo de saída. Só precisa de controle remoto porque não estou inserindo notas MIDI. Então, essencialmente, se você quiser usar algo como uma superfície de controle, você quer que ele apareça aqui. Ok? Há um monte de coisas embutidas. Poderá ter de instalar controladores para a superfície de controlo se estiver a utilizar algo diferente. Mas vai aparecer. Agora, mesmo que ele não venha aqui, se ele só vem aqui como um dispositivo midi, você ainda pode usá-lo como um controlador midi. Nós só vamos precisar fazer alguns mapeamentos. Então vamos entrar em como configurar esses mapeamentos agora. 9. Mapeamento MIDI: Ok, então a chave para configurar qualquer mapeamento, quer você esteja usando qualquer dispositivo midi, é este botão midi aqui em cima. Você também pode obtê-lo com o Command M, se quiser. Então eu vou clicar em Midea e, em seguida, qualquer coisa que é azul, eu posso mapear para qualquer coisa midi que eu tenho. Ok, então eu ainda estou sentado na frente do meu APC 40, então vamos brincar com isso. Talvez eu queira fazer algo diferente com o meu APC 40. E se eu quiser que meu botão crossfade controle minha mistura seca e úmida deste rack? Vou clicar nele uma vez. Ok, e então eu só vou mover aquela coisa que eu quero mapear para K e apenas mexer essa coisa e agora ele está ligado a ela. É tudo o que preciso fazer. Saia do modo de mapeamento MIDI feito. E agora o meu crossfade está ajustado para este rack seco molhado. Isto é realmente uma coisa comum que você vai ver as pessoas fazer é colocar todos os seus efeitos no botão crossfade de um controlador para que eles têm, eles são sinal seco todo o caminho até aqui e eles são sinal molhado todo o caminho até aqui. E então, enquanto eles estão se apresentando, eles mantêm-no seco. E então, se eles querem fazer algo como aquele grande Fade to Grey, eles apenas um grupo e, em seguida, esmagá-lo de volta para se livrar dele. Para que eu pudesse fazer mais mapeamentos midi. Digamos que eu queria mapear. O que mais eu não estou usando? Vamos voltar para o modo de mapa midi, e vamos mapear minha taxa de LFO para este botão. Ok, então eu cliquei de uma vez lá em cima e agora eu vou apenas mexer aqui. E agora eu consegui. Você pode ver uma pequena tarefa veio até lá e sair do modo de mapeamento MIDI. E ele assume o controle. Então agora este botão é a minha taxa para o meu LFO. Ok? E seus mapeamentos vão continuar com sua sessão. Ok, então se eu salvar esta sessão, agora, minha carga novamente. Ele vai voltar logo. Não vai passar para outra sessão. A menos que eu use um modelo. Eu poderia salvar isso como um modelo aqui. E depois o mapeamento, vamos ficar com ele. Mas se eu acabei de salvar minha sessão e, em seguida, reabrir minha sessão, todos os meus mapeamentos virão com ela. 10. A interface de push do Ableton: Ok, então vamos falar sobre o Ableton Push to Controller. Então eu tenho aqui em Ableton Push também. E a maior coisa que você vai notar sobre o empurrão é que ele sabe muito sobre o que Ableton está fazendo. Toda a idéia por trás do push to controller é que você poderia escrever uma faixa inteira sem nunca olhar para sua tela. Você precisa estar conectado para capaz de em um computador para usar o push dois. Porque ele realmente não tem viver nele. Precisa falar para viver, mas sabe tudo o que está acontecendo. Então aqui está o meu tipo de pedra de botões. Eu posso ajustar estes e você pode vê-lo ajustando automaticamente na tela. Isto é realmente feito pelo Ableton, isso é integrado em todos os níveis. Eu posso ir para a pista, eu posso ir para os meus envios. Aqui está o meu QE. Tem gráficos muito bonitos embutidos nele. Então eu posso realmente ter o controle das coisas. E tem a grade. Agora, esta grade não é tanto projetada para lançar clipes. Na verdade, foi projetado para ser mais um teclado. Se eu puxar um instrumento aqui, apenas jogue analógico para cima, e você vai vê-lo atualizar imediatamente. Agora que tenho, tenho tudo o que preciso para tocar música. E neste caso, a forma como está configurado é que está em Dó maior. Esses diferentes nós coloridos são meus Cs. Posso enfileirar qualquer escala ou algo assim e fazer com que eu possa jogar totalmente cromático se eu quiser. Posso ajustar qualquer configuração do sintetizador aqui. Se eu puder, se eu navegar por ele, vamos mudar para ser uma onda retangular. Agora, eu digo que isso não foi projetado para ser uma ferramenta de lançamento de grade de slot de clipe, mas obviamente tem um modo onde você pode fazer isso. Então as pessoas usam isso como um controlador de desempenho onde você pode entrar no modo de lançamento de clipes. E você pode fazer todos os tipos de coisas divertidas como este botão Quantize pode ser muito divertido e dar-lhe alguns efeitos muito legais. Mas, principalmente, pensamos nisso como uma ferramenta de composição. Ele morreu você que foi dito, é um super grande controlador e se você tem o dinheiro extra, eu recomendo ganhar um. Minha coisa favorita sobre ele, na verdade, não é o elemento de desempenho dele, mas a maneira que este é basicamente apenas um teclado midi colocado para fora de uma maneira realmente estranha. Ajuda-me a inventar novas ideias, certo? Como quando ponho a mão num piano, vou fazer algo porque sei tocar piano um pouco. Mas aqui, é tão diferente que eu poderia vir acima com algo diferente apenas a propósito, as coisas que ele faz meu cérebro fazer, isso é apenas diferente. Então eu tenho ideias diferentes, certo? Porque é um instrumento totalmente diferente. Então é meio divertido para isso. Mas não é a minha ferramenta favorita. 11. O wavetable e echo no push: A única coisa que eu deveria dizer que o empurrão tem que nada mais tem, é uma interface absolutamente bonita para alguns dos dispositivos Live, em particular, tabela de onda e eco. Se eu carregar um dispositivo de onda aqui, deixe-me carregar. Basicamente vemos toda a interface de cabo de onda. Deixe-me pegar algo um pouco mais cedo. Lá vamos nós. E agora podemos vê-lo funcionando. E é muito divertido brincar com o efeito eco. Com o túnel de eco também é muito divertido. Então é realmente um controlador bonito. Eu só queria apontar isso. 12. O que são ações seguidas: Ok, agora, a seguir, vamos falar sobre seguir ações. Agora. Ações de acompanhamento estão escondidas em todo o live 11. Eles estavam em versões anteriores do Live. Eles foram realmente tipo de encontrado apenas para a maior parte na grade de slot clipe. Mas uma das características legais sobre o live 11 é que você pode encontrar ações de acompanhamento e um monte de lugares diferentes agora. Então, a fim de aprendê-las, vamos até a exibição de sessão e meio que aprendê-las tipo de classicamente como elas foram usadas. Então, eis o que vou fazer. Vou levar este clipe com o qual temos trabalhado. Vou adicionar outro, que é mais tarde parte da mesma equipe. Ok, então eu vou levar os dois clipes. Vou levar aquele e aquele. Oops. Selecione os dois. E eu vou clicar e manter pressionada como eu vou movê-los para algum lugar e eu vou pressionar Tab, levá-lo para Session View e soltá-los ali mesmo. Agora você vai notar este grande quadrado vermelho. Não tínhamos isso antes. Ou acho que é um retângulo. O que é isso é que está me dizendo que Live vê meu Ableton Push. E isso é o que está aparecendo na minha tela. Então você provavelmente não tem um grande retângulo vermelho a menos que você tem um empurrão. Então, se eu colocar meu push no modo que me permite lançar clipes, isso é o que eu vou ser capaz de ver na minha tela, é todo este ano, certo? Se eu tiver mais clipes, não conseguirei vê-los todos. Então esse retângulo vermelho meio que me mostra o que está em foco. E eu posso rolar para baixo e rolar para cima. O APC 40 faz a mesma coisa, embora eu ache que é uma caixa verde. Lembra-se? Então a coisa vermelha só me mostra o que estou vendo. Vou desligar isso só desligando meu empurrão para que não seja confuso para aqueles que não o vejam. Ok? E agora ele vai embora porque eu não vou usar meu pincel no momento. Ok, então o que eu tenho aqui é este clipe. E vamos fazer um loop aqui. Amplie um pouco para definir isso para ser certo neste um-para-muitos. Ok? Então agora eu tenho esse loop indo, e agora eu realmente não preciso configurar um loop para este outro. Vamos apenas lançar e isso vai jogar até o fim. Então. O que podemos fazer aqui com ações de acompanhamento é que podemos dizer, eu vou deixar esse loop por um tempo. E então, em algum momento, algo vai acontecer automaticamente. Ok? Então, a fim de chegar às nossas ações de acompanhamento, temos que acertar este pequeno triângulo aqui. Agora, em versões mais antigas de ações ao vivo apareceram através de um pequeno botão aqui em baixo, mas agora eles estão neste pequeno triângulo. Certo, então vamos acertar aquele triângulo. Agora vemos nossas ações de acompanhamento. Ok? Então eu vou ativar a ação de acompanhamento e eu recebo outro desses pequenos menus suspensos duplos. Este funciona um pouco diferente dos outros dropdowns duplos que já vimos antes. O que este faz é isto dizer, que percentagem do tempo isso vai acontecer? E que porcentagem do tempo isso vai acontecer? Ok. Isto é apresentado um pouco diferente do que costumava ser se você está olhando para uma versão mais antiga do live, este é um fluxo de trabalho um pouco diferente, mas é o mesmo conceito. Então poderíamos dizer 100% do tempo jogar o próximo clipe como o que diz. Ok, então isso significa que no final deste loop, ele vai seguir em frente e tocar o próximo clipe. Vamos fazer isso. Você pode ver que este já está aquecido. Então, foi automaticamente. Eu poderia dizer 100 por cento do tempo. Pare. Toca outra vez. Então, efetivamente, faça um loop. Reproduza o clipe anterior. Então suba um, toca o próximo clipe, toca o primeiro clipe naquela faixa, toca o último clipe nessa faixa, placa. Algum clipe? Jogar outro que seria qualquer clipe exceto o mesmo que está jogando ou saltar no momento. Não sei bem o que saltou faz. Este é um novo. E presumo que signifique saltar para um local aleatório. Então estes dois são funções aleatórias e esta é uma terceira função, função aleatória. Eu já experimentei com este salto um ainda. Então eu só tenho dois clipes, então eu não posso fazer muito com qualquer randomização, certo? Mas digamos que o próximo clipe, que será este tipo de seção de freio. E vamos mudar 100 por cento para 50 por cento. Então, 50% do tempo vai saltar para o intervalo. É até mesmo fazer isso menor. Vamos fazer 25 ou mais, certo? Todas as outras vezes vai tocar de novo. Ok, então agora 75 por cento do tempo que o loop está indo, ele vai loop novamente. Mas 25 por cento do tempo, ele vai decidir aleatoriamente saltar para o intervalo. Vamos tentar. Eu posso dizer o que é. O RD é decidido para sua próxima jogada com base no que está piscando. Certo? Ainda vai ficar lá. Ainda decidindo ficar lá. Continua a ficar aí. Isto é o que se ganha com coisas aleatórias. Ainda fique em casa. Vai ser uma velha área de demonstração muito chata. Ok, então agora ele tem a próxima seção na fila e ele vai saltar para lá. Ok, então o que eu basicamente fiz lá foi tipo de automatizar o que vai acontecer depois deste ciclo. Ok? Agora, e se eu quisesse dizer “loop” isso quatro vezes e depois continuar? Eu faria lá é eu diria jogar o próximo clipe 100% do tempo depois de quatro passa pelo loop. Ok, então agora ele vai jogar através daquele loop quatro vezes e depois ir para o próximo. Então não há mais randomização aqui. Isto vai ser sólido. Vai tocar o loop quatro vezes. Você pode ver que isso já está na fila. Tem 23. E aqui é longe. Então agora ele vai para o próximo gol. Então, se você não quiser usar randomização em seu desempenho é, ou mesmo composição. Na verdade, há um truque legal de composição que você pode fazer com isso, que eu vou te mostrar em um minuto. Esta é uma boa maneira de apenas dizer quando eu lancei este clipe, esperar por um 16 vezes através do clipe e, em seguida, ir para a próxima seção. Pode forçá-lo a seguir em frente. Então, siga ações pode ser muito divertido para dar ao seu desempenho alguma previsibilidade e também alguma aleatoriedade. 13. Modo de Legato: Antes de mostrar meu truque de composição, preciso falar sobre o modo legato. Ok, então esse é o botão aqui embaixo. K. Então, a maneira como as ações de acompanhamento funcionam agora, até agora, o que vimos até agora é que uma ação de acompanhamento é chamada no final de um clipe, mas não precisa ser assim. Pode chamá-lo do que quiser. Então, se dissemos desligado, Não vai ser o número de vezes através da pista, vai ser o número de batidas. Aqui temos barras, batidas e notas 16, certo? Então, digamos que a cada duas barras, ok, agora este laço tem quatro barras de comprimento. Ok, então vamos cortar ao meio aqui. Cada duas barras acionam uma ação de acompanhamento é o que estou dizendo agora. Ok, então todo o resto ainda funciona. Podemos dizer, tocar a próxima, todas as barras judias. Agora, se eu disse seis barras aqui, ele vai jogar através do loop duas vezes, 2,5 vezes ou 1,5 vezes, na verdade. Então, digamos apenas duas barras. E então aqui para o lançamento, digamos legato. Agora o que isso significa é que vai acontecer, nós vamos estar no meio do nosso ciclo aqui, certo? Vamos estar em dois bares. Então, quando for para o próximo clipe, vai começar com as duas barras, ok? Em outras palavras, ele vai assumir o novo clipe onde o primeiro clipe parou. Então vamos pensar em um uso prático para isso. Este não é realmente um, mas um seria você ter que tocar loops, certo? E você diz que cada batida, escolhe aleatoriamente ir para o outro loop de bateria ou não. Então, se você está na batida um no primeiro loop de tambor em B2, você diz ir para outro loop de tambor e ele faz. Você quer que ele comece na batida 2, não saltar para trás para ser um. Se você tivesse batido um, então você está indo para aqui B1, um monte de grandes, certo? Se você quisesse ir para B2, e na próxima vez você queria ir para bater três, certo? Então está sempre se movendo, mas mantendo o fluxo indo para a direita. Esse é o truque exato de composição que quero te mostrar. Então vamos a um novo vídeo e fazer isso. 14. Como configurar ações de acompanhamento: Ok, Esta é uma faixa meio boba, mas na verdade gera alguma batida muito legal às vezes. Ok, então eu vou jogar um monte de loops de bateria em uma nova faixa de áudio. Vamos ligar. É legal. É legal. Vamos lá. - Claro. Mais uma. - Claro. Ficar estranho. Ok, então agora o que eu vou fazer é eu vou selecionar todos esses. Está bem? Então eu tenho Shift clique para selecionar todos eles. E agora eu vou para as seguintes ações e ligá-lo. E isso vai se aplicar a todos eles. Então o que eu vou dizer é que 100 por cento do tempo ir para um diferente, saltar por aí. E dizemos desvinculados. E vamos fazer isso a cada batida. Legal, fácil. Agora. E vamos dizer “Legato Mode”. Ok, então isso significa que cada batida, vai para um loop de bateria diferente. E vai retomar de onde o anterior parou. Então ele vai ir de B1 para B2 para B3 para ser exatamente como nós gostaríamos que um loop de bateria para fazer. Mas ele vai mudar em torno de qual. Então, a fim de nos expulsar, eu tenho que começar com um deles e então ele vai começar a voar. Está bem. Por isso, neste momento, ainda está a ser lançado por bar. E eu, oh, eu vejo por quê? Porque isso mudou de, isso voltou a uma batida. Então eu preciso que isto seja 0, 1, 0. Vamos tentar isso. Lá vamos nós. Está bem, fixe. Vamos ficar ainda mais estranhos com isso. E diga a cada oitava nota, que será 216 notas. Opa, eu não defini isso para todos eles. Então eu vou dizer 002 16 notas. Os ouro ficam ainda mais estranhos. Vamos a cada nota 16, mudar para outro arquivo. Então você pode se divertir muito. Nós seguimos ações. Eu gosto. 15. Como ganhar de hastes: Ok, vamos falar sobre a configuração de uma sessão para a performance. Em outras palavras, para DJ uma faixa, como vamos preparar as coisas? Então eu vou voltar para esta coisa que fizemos na seção anterior. Certo, digamos que queríamos usar isso como uma performance ao vivo. Queríamos um DJ isso em um set. Então, a primeira coisa que vou fazer é saltar para fora os caules. Assim, o termo pode significar algumas coisas diferentes dependendo de com quem você está falando. Pode significar cada faixa individual ou pode significar os grupos de faixas. Então, para os meus propósitos aqui, vou tratá-lo como grupos de faixas. Não quero a habilidade de lançar cada uma dessas faixas. Eu quero meio que reduzi-lo aos elementos que eu vou querer controlar de forma independente. Então, antes de fazer qualquer coisa, eu vou apenas combinar estes em loops únicos para que tudo fique em sincronia. Então, como ver como este é mais curto e na verdade são dois clipes. O que eu vou fazer aqui é selecionar tudo isso e pressionar Command J. Isso vai combiná-lo em um só clipe. Ok, fácil o suficiente. A mesma coisa com este. Eu só vou fazer isso ser todo o comprimento. Você pode ou não precisar fazer isso dependendo de como você está pulando as coisas. Mas é um tipo de hábito em que me meti. Então eu vou selecionar essa coisa toda e pressionar Command J. Ele vai convertê-lo em um clipe que é todo o comprimento. Então, agora, se eu fizer um loop de cada um desses clipes, eles vão estar exatamente certos. Agora. Vamos equilibrar tudo. Então sei que vou querer que esta voz seja uma coisa própria. Ok, então eu só vou sozinho aquele e exportá-lo. Então eu vou para File Export. Eu já tenho algo selecionado, então eu sei que meu tempo de início e duração está correto. Agora, quando você está nesta janela, você pode exportar todas as faixas individuais. Isso vai te dar um arquivo de áudio para cada faixa que temos aqui. E isso pode funcionar para alguns caules. Mas porque eu vou agrupar um monte de coisas, eu não vou fazer isso dessa maneira. Então eu só tenho este sozinho, então isso está tudo aqui. Ok, e vamos. Então vamos chamar isso de Vox. E vamos saltar isso para fora. A próxima coisa que vou querer é estes tambores sozinhos. Certo? Agora, se eu sozinho isso, eu não vou conseguir esse atraso lá dentro. Então vamos sozinho esse atraso também. Adicionar em que eco irá adicionar que atrasada de volta em quando configuramos isso na exibição de sessão. Por enquanto, vamos apenas soltá-lo como está e cuspir para fora. Então Exportar mestre de áudio, mas é solado, Digamos bateria. Ok, a seguir, vamos ver o que está aqui, o que é isso. Certo, essa coisa de clichê, coisas estranhas. Então as coisas do piano, coisas clicky, coisas do clicky, e coisas do clicky. Ok, então vamos juntar todas as nossas coisas clicky. Isso funciona. Então, vamos exportar isto. E vamos chamar isso de clichê. E estou tentando agrupar as coisas o máximo possível. Então, agora vou levar tudo o resto que funciona. E o que chamamos a isto? Isso é como o ambiente da pista, então vamos chamá-lo de ambiente. Ok, então agora eu tenho todas as minhas hastes desta pista. Se eu pegar todas essas coisas, eu apenas saltei para fora as quatro faixas que eu acabei de saltar para fora, colocá-los no Eclipse e tocar-los todos de uma vez. Eu vou ter isso. Então vamos fazer isso. 16. Como carregar tronos em um novo conjunto: Ok, agora estou na mesma sessão, mas acabei de ir para a Vista de Sessão. Eu poderia ir para uma sessão totalmente nova aqui, mas eu quero manter meus efeitos, então eu vou ficar na mesma sessão e carregá-los na grade de slot de clipe. Ok, então eu vou pegar tudo isso do meu Finder. Então, há todos os quatro. E eu vou colocá-los dentro Agora. Antes de eu soltar, você vai notar que se você está segurando vários arquivos e você soltá-los na grade de slot de clipe, eles vão aparecer na mesma faixa. Se continuar a guardar estes ficheiros. Então, eu cliquei e arrastei e ainda não soltei esse clique. Se eu pressionar a tecla de comando, ele não vai colocá-los, todos os quatro deles na mesma faixa, mas distribuí-los entre a faixa subsequente. Então, se eu pressionar o comando, você os vê atravessando caminhos diferentes. Então vamos fazer isso. Por isso, agora vou largar. Ok, então agora eu tenho minhas quatro coisas. Ok, então se eu desligar meu solo aqui e eu lançar toda essa cena, uma coisa a lembrar é que eu não vou deixar cair volta nos mesmos trilhos que eles estavam antes, certo? Porque eles estavam em todos esses trilhos aqui. E agora estou usando as três primeiras faixas. Então eu vou precisar reconfigurar meu mixer um pouco. E isso também significa que eu não vou querer voltar para Session View com esta faixa. Então, na maioria dos casos, realmente acho que é melhor usar uma nova sessão do Ableton para isso do que tentar usar a mesma coisa, porque provavelmente vamos combinar um monte de faixas. Sabe, uma vez que você configura uma performance inteira. Mas, por enquanto, vamos puxar algumas coisas para trás e ajustar a nossa mistura um pouco. Ok, bom o suficiente. Então agora temos tudo arrumado, pronto para ir. Agora, vamos construir algumas cenas. 17. Como configurar cenas: Ok, então agora eu estou pronto para efetivamente executar isso. Posso lançá-los como eu quiser. Posso descer aqui e parar todos eles e dizer, vamos lançar o ambiente. Tem que ir por um tempo. Puxando aquele vocal, talvez tenha caído a bateria. Certo? Mas posso fazer isso. E às vezes é sábio configurar cenas dependendo de quão complicado é sua coisa com apenas esses quatro clipes. Nós não precisamos. Vamos fazer isso de qualquer maneira. Então lembre-se que as cenas são a linha horizontal de clipes. E podemos lançar uma cena daqui. Basicamente, o que ele vai fazer é nos deixar criar um tipo de combinações em avançado. Digamos que vou querer começar com este ambiente como fiz. Então vou deixá-los vazios. Então, quando eu lancei a segunda cena, eu quero ter certeza de que o ambiente continua, então eu vou copiar isso lá em baixo. Ok, e a segunda coisa que eu vou fazer é puxá-lo para dentro. Só os vocais. E então a terceira coisa será apenas a bateria e depois tudo. E eu quero ter certeza de que os vocais continuem e talvez eu realmente vou puxar os vocais aqui. Certo, então agora quando lancei minha primeira cena, vou conseguir um ambiente. Eu lanço minha segunda cena. Vou conseguir um ambiente e os vocais. Quando lancei minha terceira cena, vou ter bateria e vocais. Quando eu lancei o meu previsto, eu vou ter coisas clicky ambiente na bateria. Agora, se você quer ficar chique, nós realmente não tivemos que duplicar nosso ambiente todo o caminho por aqui. Eu poderia me livrar deles e apenas remover essa pequena parada aqui, certo? Porque eu não quero deixar isso vazio porque quando eu lancei esta cena, certo, o que ele vai dizer é tocar vocais, parar qualquer coisa nesta faixa porque ele vai apertar o botão stop. Pare qualquer coisa nesta pista e pare qualquer coisa nesta pista, certo? Então eu não quero apertar o botão de parar. Então, uma maneira de fazer isso é apenas copiando isso. Então, oops, para que ele aperte o botão Play novamente, certo? Mas outra maneira seria clicar aqui e pressionar o Comando E. Isso tira o botão Parar. Então agora este vai continuar tocando quando eu lancei esta cena. Então talvez eu me livre disso todo o caminho. Poderia fazer a mesma coisa com essa bateria. Esconda isso. Com esse foco, esconda isso. Agora eu vou conseguir efetivamente a mesma coisa. Não importa de que maneira você faz. Depende da limpeza e do que você gosta de ver. Para mim. É um pouco mais fácil ver o que está acontecendo. Se eu duplicar o clipe, não economiza memória ou algo assim. Mas de qualquer maneira funciona. Se você tiver uma sessão enorme, você pode apenas querer ocultar alguns dos botões de parada. Ou se eu tivesse como este ambiente vai jogar apenas para sempre. Eu poderia me livrar de todos esses botões de Parar e então apenas saber que esse vai durar para sempre. Você pode fazer assim. É apenas bom. Certo, agora temos cenas. Vamos renomear essas cenas. Então eu estou indo para o Comando R. Eu só vou chamar isso de introdução. Vamos chamar isso de Vox Enter. Vamos chamar isso de bateria para entrar, e vamos chamar isso de principal. Então este vai ser o nosso grupo principal. Ok? Bem, nós acabamos de descobrir um pequeno problema aqui, certo? Se eu apenas clicar em principal, eu não vou lançar meu ambiente a menos que ele já está indo. Então isso é uma espécie de benefício de colocá-lo em todos os lugares. Agora, se eu clicar em Nome, vamos ouvir tudo. Ok? E agora posso pular, certo? Posso voltar ao ambiente. É legal. Vá aqui. E se eu estou sentindo isso, eu ainda posso apenas lançar coisas clicando nele. Só por coisas clicky. Eu posso fazer isso. Então você pode ir entre os dois. Isso realmente não importa. Mas montar cenas é uma ótima maneira de organizar seus pensamentos um pouco. Mas ainda assim dá-lhe espaço para realmente tipo de apenas improvisado lançando clipes sempre que quiser. 18. Como criar Remix e transposição: Agora, muitas vezes o que fazemos quando estamos tentando configurar uma performance de DJ é que vamos ter uma sessão que tem toda a nossa performance nela. Você não vai tocar este e depois fechar ao vivo do que abrir uma faixa diferente, certo? Você vai colocar todas as suas hastes e tudo que você precisa para cada faixa em uma sessão de performance ao vivo. Digamos que temos outra música aqui. Ok, então essas são músicas diferentes. Vamos até fazer isso e aquilo, e com certeza. Certo, então temos duas músicas diferentes. Então deixei um pouco de espaço entre dois deles. Isso pode ser bom. Às vezes, apenas sair do espaço é útil. Mas esse espaço também pode ser útil. Você pode decidir que você quer criar alguns clipes para entrar aqui que ajudem a transição entre as duas músicas, certo? Por exemplo, talvez vamos usar essa coisa clichê ou não. Vamos usar a bateria. Vamos usar os tambores para passar por lá. Vou mudar o nome desta transição de bateria. Não vai se preocupar em soletrar agora. E talvez eu vá fazer alguma coisa com este clipe de bateria. Talvez eu, não sei, transponha um pouco assim como não sei de alguma coisa. Agora estou no nosso grupo principal. Posso usar isso como uma maneira de começar a nos empurrar para o próximo grupo, o que for preciso para nos colocar no próximo grupo. Talvez seja um ajuste de tempo, talvez seja um ajuste de tom. Talvez seja só aquele enorme efeito Fade to Grey, certo? Só para lavar as coisas por um minuto e deixar-nos entrar na nova pista. Então dê a si mesmo algum espaço entre as faixas e, em seguida faça alguns clipes de transição que ajudarão você entre as duas faixas. 19. Como adicionar mais elementos: Outra coisa popular a fazer é adicionar alguns elementos ao seu conjunto que você pode jogar ao vivo. Você provavelmente tem algum tipo de controlador, como falamos, seja um empurrão ou até mesmo um APC 40. Você pode fazer isso. Ou qualquer tipo de teclado midi ou qualquer coisa. Adicione alguns elementos que você pode jogar ao vivo. Então, vamos, por exemplo, jogar um kit de bateria. Então eu vou, eu vou fazer uma nova pista midi aqui e jogar um kit de bateria nela. E vamos deixar isso bem ali. Isso faz com que com meu controle, teclado ou o que eu quiser, eu possa viver. Jogue alguns tambores se eu quiser. É assim que você costuma ver artistas como jogar. E então eles têm umas baquetas e eles estão batendo em um bloco. É assim que eles têm tudo configurado. Eles têm kits de bateria na fila, prontos para ir. Agora eles podem ter um kit de bateria diferente na fila para cada faixa. E falaremos sobre como configurar isso em um segundo. Mas você pode apenas estar jogando seu 2° e então só quer jogar, jogar em uma armadilha. Eu sei que parece que está fora e eu não tenho ritmo, mas é por causa do atraso e do software de gravação de tela. Confie em mim. Eu tenho ritmo. Estava na batida. Então jogar em alguns elementos, não tem que ser bateria também pode apenas chaves, pode ser, você sabe, sua guitarra midi, qualquer coisa que você sabe como tocar e você está confortável com, dar a si mesmo a capacidade de pegá-lo e tocar algumas notas nessa melodia. Então vamos falar sobre como você pode configurar sons diferentes para cada música usando um rack de instrumentos. 20. Como usar automação selecionar cadeia: Ok, então digamos que no 12, nesta primeira música, eu quero tocar bateria e na segunda equipe, e eu quero tocar piano, todos usando o mesmo teclado. Ei, isso é fácil o suficiente. Não precisamos fazer uma trilha separada e alternar entre elas ao vivo. O que vamos fazer é pegar isso, vamos pegar nossos tambores e colocá-lo em um grupo para que tenhamos um rack de efeito de instrumento. Então era o Comando G. Coloque-o em uma prateleira. Agora você vai notar que já está interagindo, que já está no Iraque, mas agora isso também é no Iraque. Então aqui vamos renomear esta cadeia como faixa 1. E vamos adicionar uma nova cadeia apenas controlando clicando em algum lugar. E vamos renomear esta faixa 2. Agora vamos adicionar o nosso piano. E vamos para os instrumentos. Me dê algo que pareça um rack de instrumentos de piano, piano e teclas. Tem um piano. Jogue isso na pista dois. Certo, agora temos um piano. Então, como é que vamos trocar entre estes? Poderíamos fazer isso de várias maneiras. Como vimos quando brincamos com Racks de Instrumentos. Poderíamos fazer isso por diferentes gamas de chaves. Então, quando está no lado baixo, temos bateria, mas quando está tudo acima das coisas baixas, temos o piano. É assim que você faria bem ali. Isso limita as notas que você pode tocar no piano. Então eu não gosto disso. Poderíamos fazê-lo com velocidade para que quando tocarmos silenciosamente, pegarmos bateria ou em voz alta pegarmos piano. Provavelmente mais prático seria o oposto disso. Mas isso soa super perigoso, certo? Porque nós vamos estar em uma performance, nós vamos estar brincando por aí, nós vamos ficar loucos. Tenho de me lembrar de ajustar o quanto estou a tocar notas. E essa não é uma boa maneira de fazer isso. Então não vamos fazer isso. Poderíamos usar o eleitor da Jane e dizer: “ Vamos dedicar uma maçaneta a isto. Certo, então vamos achar um botão. E nós vamos dizer quando estiver todo o caminho, já que nós só precisamos de dois estados aqui, o que eu provavelmente faria é isso, então quando estiver, o botão está todo o caminho para baixo, vai ser bateria. E quando for todo o caminho para cima, vai ser piano. Assim, podemos pegar aquele botão, esmagá-lo todo o caminho para baixo. Vai ser bateria, esmagá-lo todo o caminho para cima. Vai ser piano. E pode até dar-se um pouco de alcance para que você não tenha que se preocupar em chegar ao topo absoluto. Talvez algo assim. Mas agora você vai alternar entre os dois. Então, vamos tocar bateria aqui em baixo. Vou pegar essa maçaneta esmagá-la até o topo. E agora estou tocando piano. Você pode adicionar quantas dessas cadeias quiser. Apenas continue indo. E, em seguida, basta adicionar mais áreas aqui. Para as outras correntes. Depois de adicionar muitos deles, será difícil acompanhar. E você pode querer mudar para usar um botão para isso, que você possa pressionar um botão e ele salta para um determinado valor. Você pode fazer isso mapeando isso para uma macro. E, em seguida, entrar em suas configurações de mapa. E fazer um mini-mapa a partir de seus botões para acionar certos valores de seu seletor de corrente. Então eu vejo as pessoas fazerem isso onde eles montaram, você sabe, dez pistas de midi diferentes aqui em cima. E então eles trocam qual deles está armado para que eles possam jogar com ele. Essa é uma maneira muito ineficiente de fazer isso. Um rack de instrumentos onde você tem uma faixa que tem todos esses Racks de Instrumentos nele. E você pode discar em qual você quer jogar. Uma maneira muito mais eficiente de fazer isso. 21. Mapeamentos e controladores para desempenho: Ok, nesta seção, eu juntei apenas um punhado de dicas aleatórias para montar uma sessão de performance ao vivo 11. Então, a primeira coisa que precisamos mergulhar é mapeamento chave e midi. Nós conversamos sobre isso um pouco aqui e ali, mas o mais importante agora, quando estamos falando sobre a criação de uma sessão de performance para DJ. Então a coisa chave a lembrar é que temos esses dois botões aqui em cima, chave em midi. O mapeamento de chaves vai permitir que você mapeie qualquer coisa sobre isso. Está bem? O mapeamento Midi vai permitir que você conecte mais ou menos qualquer outro tipo de controle ou você tenha conectado ao seu computador. Então, com o mapeamento de teclas, se eu pressioná-lo, qualquer coisa, laranja pode agora ser mapeado para uma tecla. Está bem? Agora há uma coisa importante que você tem que considerar aqui. Deixe-me dizer, digamos que eu só quero lançar este clipe cada vez que eu pressionar o botão a. Ok, lá eu apertei. Então tudo o que eu tenho que fazer é clicar na coisa que eu quero mapear e , em seguida, clicar ou pressionar a coisa que eu quero mapear para. Então eu só cliquei neste clipe, que é o Twister da Língua. E então eu pressionei um, e agora essas coisas estão mapeadas. Então agora vou desligar o mapeamento. Toda vez que apertar um, vou lançar esse clipe, mas não funciona, certo? E aqui em cima você vê as coisas ficarem vermelhas. Quando as coisas estão ficando vermelhas para você, geralmente significa que algo está errado. O que está acontecendo aqui? A razão pela qual o mapeamento não está funcionando é porque eu tenho este teclado midi de computador ativado. Isso significa que meu teclado está agindo como um teclado midi, que pode ser útil se você não tiver um teclado para inserir notas e coisas assim. Usar o teclado pode ser útil. Mas se eu mapear notas, agora eu tenho uma chave fazendo várias coisas, certo? A letra a deve tocar uma nota midi e lançar este clipe. Então, está confuso. Então é isso que este piscar vermelho aqui está dizendo. Está dizendo que não sei o que quer que eu faça. Então, para que este mapeamento midi ou este mapeamento de teclas funcione, eu tenho que desligar o teclado midi do computador. Agora, quando eu pressionar muito desse clipe. Então, mapeamento de teclas, apenas certifique-se de desativar o teclado MIDI do computador. Se quiser fazer alguma coisa, tudo pode ser mapeado. Observe também que você obtém alguns controles extra pouco que surgem. Vejo-te esta linha de botões de jogo e esta linha de jogo parar e, em seguida, algumas teclas de seta aqui. São coisas extras que só aparecem quando estamos no modo de mapeamento, certo? Eles aparecem no modo de mapeamento midi também. Está bem? Mas o que isso significa é que isso significa reproduzir o clipe selecionado no momento. Ok, então eu vou mapear isso para, eu não sei, Q, K. E então eu vou mapear esta seta para baixo, nenhuma seta para cima para ser uma seta para baixo para o nosso. Certo, vou desligar o mapeamento de teclas. Agora o que isso significa é ver como esta cena é cinza mais claro. Isso significa que está selecionado. Com o meu E e R, posso mover essa seleção para cima ou para baixo, certo? E agora com q, eu posso lançar qualquer um nesta faixa de qualquer maneira que nós selecionamos. Então eu poderia ir até aqui e dizer lançar aquele pressionando Q. Se eu agora subir até aqui. Certo, então quando isso é útil? Acho isso muito útil quando estou usando um pedal. E a maneira que eu realmente faço isso não é se isso, então eu vou clicar neste e pressionar Delete. Isso vai se livrar desse mapeamento. Mas eu vou para a cena do crime, e eu vou pressionar. Eu não sei. Q. Ok. Agora o que eu tenho é que posso subir e descer, e então lançar toda aquela cena. Quando eu chegar lá e eu posso movê-los para outro, lançar isso parece certo. Agora posso subir ou descer e lançar a cena. Então, se eu fizesse isso com mapeamento midi e eu tivesse um pedal, e era assim que minha configuração de desempenho funcionava. Eu dedicaria um pedal para ser para cima e um pedal para ser para baixo. E eu ia para cima e para baixo com essas pétalas de dois pés e, em seguida, um pedal para ser lançado, eu usei um pedal Beringia fc 1010 pé. Está por aqui em algum lugar. E ele tem oito, na verdade tem 10 pétalas nele. Então, três deles poderiam ser dedicados a subir e descer e lançar uma cena. Portanto, não se esqueça dessas pequenas fileiras extras de coisas que você começa quando você está no modo de mapeamento. modo de mapeamento mini funciona da mesma forma. Você só clica em coisa. Qualquer coisa que seja azul pode ser mapeada. Digamos que queria fazer algo estranho, como ligar ou desligar o metrônomo. Quando você move algum tipo de controle deslizante ou, ou qualquer outro tipo de controle que você tem que poderia fazê-lo. Agora, para que isso funcione corretamente, certifique-se de que em suas preferências e Midea, você tenha selecionado remotamente no que quer que você queira controlar as coisas. Ok, agora que eu selecionei remotamente, eu poderia ir ao metrônomo e pressionar e eu vou apresentar nota. Ok, eu pressionei, veja. Então agora sempre que eu tocar a nota C, se eu desligar o modo de mapeamento midi, ele vai ligar meu metrônomo. Então, se estiver desligado, vai desligá-lo. Então, isso é fixe. Então, qualquer coisa azul, você pode mapear. Pontos de loop, iniciar, parar. Braços, recorde. Tempo. Isto é como empurrar o ritmo. Qualquer coisa em seus plug-ins, qualquer coisa em seu mixer, muitas coisas. Você se divertiria muito com isso. 22. Configuração crossfader: Ok, agora uma coisa que ainda não olhamos é que estes pequenos botões aqui em baixo nos mostram algumas coisas extras. E um deles é particularmente importante para nós. Aqui. Este pequeno X vai mostrar-nos desvanecimento cruzado. Então, se você já viu em DJ atuar, eles costumam usar fones de ouvido. Ouvir algo nos fones de ouvido, é diferente do que está indo para a casa, certo? E eles têm uma cruz fader. Já analisamos o mapeamento do crossfader no APC 40 para um parâmetro diferente apenas por diversão. Mas como um fader cruzado é normalmente usado é algo assim. E tipicamente em algo como o APC 40 que realmente tem um cross-fader. Esse fader cruzado vai ser mapeado para este fader cruzado, que é como se o crossfade fosse construído ao vivo. Você pode mapear o que quiser para isso. Se você tem algum tipo de controle que tem um controle deslizante para cima, para baixo ou qualquer coisa assim, você pode mapeá-lo para este fader cruzado. Agora o que isso faz é que você vai ver que, além deste controle deslizante, nós também temos todos esses pequenos ABS. Ok? Então isto é A e este é B, certo? Então, para cada faixa vamos atribuí-lo a um ou B. Então vamos dizer que este é um e este é B. Estes são B. Ou você pode dizer que estes são um. Estes são todos um e todos os meus efeitos. Ou B, se quiséssemos, poderia fazê-lo dessa forma para todos os meus não todos os meus efeitos necessariamente, mas todos os meus ônibus são B. Mas vamos mantê-lo simples. Digamos que estas são abelhas e estas são A's. Então agora o que você está ouvindo é “A “e “B “ para que você possa deslizar entre eles. E isto é o que vai sair. Seu mestre vai ser A, B ou ambos, ou alguma mistura deles. Você pode configurar seus fones de ouvido, que é este volume aqui para aqui o oposto. Você faria isso em suas configurações. Ou mais comumente, seus fones de ouvido podem ouvir tanto a e B. E então você pode decidir qual deles enviar para o principal com este crossfader. Então cruzar faders totalmente mapeável e está meio escondido. Vamos ver o que mais está aqui. Além disso, este atraso pista, Eu acredito que é algo novo no vivo 11. Isto é um, isto não é um efeito. Este é um pequeno atraso minúsculo como, como milissegundos que usaríamos para problemas de faseamento. Como, digamos, você tem uma faixa onde isso é deslocado todo o caminho para a esquerda e como uma caneta toda a direita, digamos. E o alto-falante esquerdo está bem ao seu lado e o alto-falante direito está muito longe. Isso pode causar um problema porque você tem um cabo super longo indo para o alto-falante direito. Então você pode atrasar o alto-falante esquerdo apenas um pouco, não tanto. Só para que ele, o som chega a ambos os alto-falantes ao mesmo tempo. Então você não usaria isso como qualquer tipo de efeito de atraso. Isto é como compensar um sistema de som estranho numa sala. Meio negócio. Então eu vou desligar isso. E aqui em baixo, temos um pequeno medidor de CPU que nos mostra o que cada faixa está fazendo. Você pode ver isso aqui. Isso mostra qual porcentagem do meu computador pode usar. Então agora mesmo capaz de usar 4%, eu posso obter um pouco mais de informação se eu for aqui. Mas aqui em baixo diz o que cada faixa está usando. Nenhum deles está usando muito. Aquele local está usando um pouco, certo? Quando está tocando. Ele tem um monte de efeitos sobre ele e coisas, mas tudo o resto não está mesmo quebrando a menor quantidade de uso de CPU. Então, estou em boa forma. Se você tem essa gritaria e isso está em cima de 60 ou 70 por cento, então você está em risco de seu computador falhar. Então, se isso estiver acontecendo, você pode querer abrir isso para que você possa ver qual faixa está causando o problema e, em seguida, talvez achatar essa faixa ou algo para aliviar a carga. Mas normalmente mantenho-a escondida. E eu mantenho o cross fader escondido quando eu não estou fazendo nenhum tipo de coisa de DJ. Então só saiba sobre esses, especialmente cross fader. 23. Como configurar efeitos para desempenho: Certo, uma dica sobre efeitos na performance. Muito do que vais fazer quando estiveres a actuar ao vivo é manipular efeitos. Então você realmente não quer uma situação como esta onde você tem uma tonelada de efeitos e você tem que rolar para chegar a tudo. É muita coisa na tela. Você realmente quer simplificar isso. Então este é um bom uso para um rack, ok? Você pode usar o ARAC com uma única cadeia apenas para aproveitar as macros. Por exemplo. Vamos levar tudo isso. Então eu estou indo para o comando, eu vou mudar clique para selecionar todas essas coisas. E então o Comando G vai colocá-lo em um rack em uma única corrente. Isso vai soar exatamente o mesmo. Ok? Só temos uma corrente. E é isso. Ok, então nós não mudamos o que está acontecendo no processamento do áudio aqui. Mas o que conseguimos fazendo isso são nossas macros. Então, com isso podemos dizer, Ok, de todas essas coisas, o que eu realmente quero ver? Quero o Dry Wet deste curso. Então vamos mapear isso para uma macro. Quero o Dry Wet da AMP. Talvez eu queira definir meu tipo de amplificador para uma macro, certo? Então, se eu mapear esse tipo de AMP e eu percorrer ele, ele vai esfregar através de meus diferentes tipos de amplificadores. É legal. Talvez eu queira fazer isso. Tempo seco, este armário talvez eu queira não precisa do sintonizador, não preciso do auto pan, o que seja. Ok. Então talvez essas sejam as únicas quatro coisas que eu preciso. Então eu não preciso olhar para essa lista enorme de coisas e rolar ao redor. Posso escondê-los, posso esconder as correntes. E apenas tenha isso. Agora posso mapear isto para alguns dispositivos e não tenho de cavar nesta pista. Simplicidade é ótimo. Ok, então lembre-se que você pode renomear estes, controlar clicando neles. E você pode dizer o que quer que seja. Você pode mudar a cor deles apenas para fazê-los pop e ajudá-lo a lembrar o que é o quê. E você pode fazer alguns mapeamentos personalizados para que você não vá até o topo ou até o fim. O que você quiser. Isso simplificará tudo. Oh, e não se esqueça, você pode obter mais macros se quiser. Agora, através deste botão mais, você pode obter até 16 macros aqui. Então isso pode ser realmente útil ou você pode reduzi-los para torná-lo ainda mais simples. Agora só temos nossas quatro macros que vamos precisar aqui. Então coloque as coisas em um rack de efeitos apenas para aproveitar as macros. Você nem precisa ter minhas correntes múltiplas. Tudo soa igual. 24. Modelo de desempenho para DJ: Outra ótima dica para criar uma sessão de desempenho é salvá-la como um modelo. E nós conversamos sobre quais modelos eram muito no início quando estávamos olhando para o navegador. Mas digamos que configuramos tudo como queríamos. Nossos mapeamentos de chaves são mapeamentos midi são nossas macros de Beck. Criamos a configuração perfeita de desempenho. Então o que podemos fazer agora é ir para Arquivo, Salvar como Modelo. E isso vem aqui em cima. Então podemos dizer DJ, set e press return. Ok, e agora isso foi para a biblioteca de usuários. Mas se formos para a nossa guia templates aqui, ele vai aparecer. DJ set. Lá está ele. Então, agora, sempre que vamos criar um novo desses, temos um modelo todo configurado. A coisa mais importante sobre isso é que ele salva seus mapeamentos midi e chave. Não há maneira de mudar globalmente. Mapeamentos de chaves. Em outras palavras, você não pode salvar. Você não pode entrar em preferências e criar mapeamentos de chaves personalizados em tempo real. Você não pode adicionar alguns outros programas e isso seria legal. Muitas pessoas pediram isso. Mas, pelo que sei, não há como fazer isso ao vivo. Mas com modelos, você basicamente pode, porque seus mapeamentos de chaves permanecerão no modelo. Então, se eu carregar isso e criar algo novo com ele em meus mapeamentos de chaves estarão lá e meus mapeamentos midi também. Então é meio que uma maneira de contornar isso. Então, esses modelos são realmente ótimos. 25. Mais para conferir: Ok, a última coisa que eu só quero dizer sobre criar um sistema para performance ao vivo, usando Ableton Live é que não há maneira errada de fazer isso e todos fazem diferente. Ok, então as principais coisas que você quer fazer é descobrir como tirar proveito de quais habilidades você se sente confortável. Então, se você estiver confortável tocando uma guitarra, encontre maneiras de fazer seus dedos se moverem dessa maneira. Talvez usar um controle de guitarra, talvez usar um controle diferente que permita articular com a mão esquerda e a cidade que você está certo ou algo assim. Todo mundo faz diferente. Um bom exemplo que eu gostaria de apontar é esse cara Moldávia. Ele é realmente interessante e sua configuração de performance ao vivo é fascinante porque ele realmente gosta de controladores personalizados. Então ele tem essa guitarra que tem todos esses botões extras nele. E ele tem essa engenhoca maluca que ele construiu, que é apenas um controlador chique. Tem um monte de botões nele também. E ele tem outras coisas para me deixar ver se consigo ver alguns botões na guitarra dele. Você pode ver lá que são como botões de joystick velhos em toda a guitarra dele. Ele faz algumas performances realmente fascinantes. Então veja como ele faz. É muito avançado, mas acho que é muito legal ver. Então, seja qual for a decisão, lembre-se que o objetivo final é fazer uma boa música, certo? Então não fique atolado com a criação da configuração mais selvagem e estranha. Configuração, todos os seus mapeamentos e tudo o que você precisa, para que você possa fazer alguma música realmente grande com ele. 26. Como introduzir James Patrick: Certo, enquanto entramos na parte de mixagem e masterização desta turma, quero apresentar meu amigo e colega, James Patrick. Ele vai nos mostrar como ele trabalha com mixagem e masterização no Live 11. É ele ali em baixo. Ele tem sido um engenheiro de mixagem e masterização e apenas um produtor geral de todos os tipos de música por muito tempo. Ele é um super especialista, capaz de usar. Então eu estou realmente animado para tê-lo contribuindo para esta aula também. Agora uma coisa eu vou apontar bem rápido, a versão dele do “live” parece um pouco diferente. Está apenas nas Preferências. Você pode meio que digitalizá-lo novamente para mudar a forma como parece um pouco. Então ele colocou o dele nesse modo roxo, enquanto o meu é o modo padrão que ele vem com, você pode brincar com essas peles pequenas para fazê-lo parecer e se sentir um pouco diferente, se quiser. É divertido fazer às vezes é o mesmo programa. Ele só tem um tipo de tema roxo na sua calma. 27. Técnicas avançadas: Está bem. A última coisa antes de entregarmos ao James Patrick e depois estarás com ele por cerca de 15 vídeos e depois voltarei no final. Ele vai entrar em algumas coisas bem avançadas. Uma coisa que estou atrasada, recomendo que faça é que se ele entrar em algo e você ficar tipo, uau, eu não me lembro o que é isso. Volte para a aula e revise tudo o que está falando. Se ele falar sobre como usar um compressor e você não se lembra todos os detalhes do compressor que examinamos. Volte para os vídeos e assista aqueles K. então ele vai ficar bem avançado. Então você pode ter que saltar para trás e para frente para realmente entender tudo o que está acontecendo. Mas eu sei que você pode fazer isso. Então, depois de James Patrick 28. Organização de sessão: Todo mundo sabe que James Patrick está animado para entrar no nível de mixagem e masterização no programa Ableton Live. Faço música eletrônica há cerca de 20 anos e mixagem e masterização é apenas a arte essencial de equilibrar tudo. Então todos os seus sons são altos e claros e você sabe, todo o cheeseburger sabe bem quando você dá uma mordida, Não há muito ketchup ou mostarda ou qualquer coisa ajuda bem equilibrada e facilmente digerível. Vamos nos mover com esta música aqui como nosso exemplo, através de todas as etapas de mixagem que você poderá aplicar em suas próprias músicas apenas um passo de cada vez. E, finalmente, no final deste nível, vamos dominar ou maximizar o volume das nossas músicas, o volume e a clareza. Então ele estará pronto para o streaming do Spotify ou nossa bolsa de discos para nossos DJ Sets ou seja lá o que for que vamos fazer por ele, faça com ele. Então, mais uma vez, James Patreon e feliz ser levado vocês nesta jornada. Vamos entrar nesta pista. Esta faixa é principalmente apenas gravações sintéticas analógicas cruas e algumas faixas midi para algumas máquinas de bateria, talvez um instrumento acústico ou dois, apenas para um tipo de apimentar o negócio, Vamos ouvi-lo e ver o que estamos indo para misturar os próximos vídeos. Então, como você pode aqui, eu tenho bateria. Tenho percussão. Tenho base, alguns sintetizadores, pandeiro, outra camada aqui. Então essa é a primeira seção. À medida que nos movemos para a pista, obtemos algumas almofadas e alguns acordes. Reveja a mudança de chave lá para o colapso. Pelo teclado sintetizador. Outro elemento há algumas estradas chaves também dimensionador, e alguns efeitos sonoros para aqueles caras. Crocante não é seu próprio. Também temos um bom kit de bateria acústica que eu provei. Isso para o tambor preencher sua escolha. Então, isso é praticamente todos os elementos. Então, uma das primeiras coisas que vamos abordar é organizar o mixer, toda essa série de vídeos antes de começarmos a mixagem real vai ser sobre preparar para misturar. Então, nos preparando para o mixdown real, a primeira coisa que vamos fazer é organizar o mixer. Agora este misturador ou este arranjo é muito bem organizado. Obrigado. Mas geralmente há sempre um pouco de refino que podemos fazer para ter certeza de que podemos ver tudo e temos um bom visual para onde todas as peças estão como para não peneirar e cavar através do nosso misturador tentando encontrar o sons. A primeira coisa que vou fazer é otimizar o tamanho de todos esses canais. Você pode ver que eu tenho cinco faixas de retorno. Alguns destes são grandes. Vou clicar em Shift e torná-los minúsculos para que eles estejam fora do caminho. Vou até pegar este lançador de cenas, que já não preciso e tirá-lo do caminho. Então, como você pode ver, eu tenho esse tipo de misturador aqui. Não, não há uma tonelada de pistas aqui, mas 16 ou 17. Vou clicar em um e apertar Command a ou Control em um PC para selecionar todas as faixas, obter os suportes e apertou o mixer um pouco. Agora eu tenho um tipo agradável de visão compacta, o que é bom. E além disso agora, uma vez que eu vou estar ajustando os níveis de tudo realmente de perto, faz sentido pegar os canais do mixer e fazer uma bagunça e alta. Agora eu tenho um bom e grande misturador de todos os meus sons. Posso vê-los todos de uma vez. E isso geralmente me leva ao próximo passo que é realmente, muito eficaz, que é entrar no canal mestre e ir em frente e agarrar em um dispositivo de espectro. O espectro é um efeito de áudio que podemos encontrar em nossa pasta Audio Effects, ou podemos apenas digitar uma seta para baixo Enter. E agora podemos ver não só o mixer, para que possamos ver no canal mestre o conteúdo espectral geral. Esta ferramenta é muito útil para todos os tipos de aplicações de áudio, design de som e acústica e tudo mais. Mas aqui nós seremos capazes de realmente ver o quão bem nossas misturas gerais equilibradas até baixo e médio alcance e texturas e ambientes e a faixa de frequência superior lá. Então, uma vez que fizemos tudo isso, eu geralmente gosto de passar pelo mixer aqui e ter certeza que tudo é bem nomeado e organizado. Se você tem estudado comigo no passado ou possivelmente Dr. Jay, você já terá um fluxo de trabalho para manter seu mixer bem organizado. Mas geralmente isso começa assim. Começando pela esquerda, devemos ter bateria, percussão e base. Basicamente, toda a seção de ritmo deve estar na extrema esquerda, começando com o kit de bateria. E então devemos ter notas, coisas como melodias, harmonias e acordes. Devem estar todos no meio. E então devemos ter efeitos sonoros, vocais, e qualquer tipo de instrumentação ao vivo que estamos adicionando que é como um tipo de coisa principal. Isso pode ser potencialmente na extrema direita. Normalmente, são os efeitos sonoros, os sons não repetidos e os tiros. E então, é claro, temos nossas faixas de retorno aqui que podem acabar sendo no mixer eventualmente de qualquer maneira. Você pode ver se você olhar por aqui, eu tenho linha de base para, Vamos mover isso para a área de linha de base. Eu sou como aqui melodias, melodias, acordes, almofadas, macacos funky, mais como um tipo de coisa melódica também. Vamos passar isso pelo material melódico. Grindy, isto é um efeito sonoro. Símbolo é um tipo não-repetitivo de um tiro caiu. O que acontece de vez em quando? E isso afeta todos obter essa pista midi vazia e vamos nos livrar disso. Para trás. Olha para esta faixa de áudio. Tenho certeza que isso também não está sendo usado para nada. O que é checar duas vezes? Não há nada naquela pista. Podemos nos livrar disso também. E à medida que começamos a fazer essas mudanças, seria uma boa hora agora para fazer um Shift Command S, vai ser como um Save As. E eu diria, ok, isso é chamado de música democrática inteligente. É onde a virada da loucura e eventos políticos em nosso mundo agora. Então essa é a inspiração para isso. Eu só vou colocar o fim disto misturado para baixo. Então eu sei como se eu quiser colher qualquer uma dessas partes que eu estou apagando ou movendo. Eu posso encontrá-los na versão anterior, mas colocando misturado no final, eu tenho isso em meu projeto ou minha vida setName que vai ajudar a manter as coisas bem organizadas. Legal. Então, uma vez que eu tenho bateria, percussão, baixo, melodia, harmonia, efeitos sonoros e sons não repetidos aqui à direita junto com vocais, se houvesse algum. E então, claro, minhas faixas de retorno bem organizadas, então eu vou olhar para possivelmente agrupar coisas. Agora, por exemplo, maracas e pandeiro, ambos são apenas percussão manual. Eu normalmente gosto de filtrar um EQ aqueles juntos. Então eu vou para Shift clicar naqueles dois e apertar Comando G. E eu vou dizer percussão. Vou dobrar isso. Aqui estão minhas duas faixas de linha de base. Pela aparência das coisas, na verdade, vamos verificar a linha de base para que eu vou bater Tab. E pelo que parece, nunca usei essa nesta sessão. Então esta é outra vantagem de bater em Salvar como porque eu sei que eu vou ser capaz de descobrir que mais tarde se eu precisar dele, eu vou apagar aquele. Midi para boutique. Esta era a faixa midi que eu estava usando para controlar o sintetizador analógico que eu tenho sentado ao meu lado. Você não pode realmente ver na câmera que eu realmente não preciso mais. Vamos ver se quero salvar alguma coisa disso. Talvez algumas dessas notas midi que eu me agarre. Então vamos ver como sobre coisas melódicas. Vamos pegar esses três instrumentos melódicos que funky 12, e vamos bater Grupo sobre isso. Talvez chame isso de melodia. Agora estamos consolidando este misturador vai ajudar uma tonelada a manter as coisas apertadas. Que tal acordes e almofadas? Claro, ambos estão na categoria de harmonia, comando G. Você não precisa fazer isso, mas faz as coisas um pouco mais agradáveis, especialmente se acontecer de você ter uma sessão com 1000 canais ou até mesmo qualquer coisa mais do que, você sabe, 20 ou 30, ele começa a ser um pouco pesado. Então, se nada mais para o bem de agrupar e apenas manter as coisas fáceis de olhar e ver tudo de uma vez. É bom agrupar coisas. Mas eu também acho que além de apenas organização, é realmente bom e eficaz para ser capaz de colocar como um compressor de cadeia lateral ou um EQ, sobre o qual vamos falar nos próximos vídeos em todo o ônibus. Isso pode ajudar a manter as coisas amarradas e a poupar um monte de pensar. Então são símbolos e efeitos grindy. Estes são todos um tiro ou efeitos sonoros. Só vou mudar o nome e chamar isto de efeitos. Então agora olhe para o meu mixer, ainda mais agradável de olhar. Especialmente agora, eu posso talvez pegar todos estes uma última vez com e eu posso dobrá-los e isso vai torná-los todos tipo da mesma largura. Agora olhe para esse negócio legal. Consigo ver tudo de uma vez. E aqui está o meu visual misturador, é ainda mais fácil de se aproximar agora. Então eu tenho minhas faixas todas agrupadas e bem organizadas. Eu os prendi sempre que possível. Ajustei a altura do meu misturador. Eu coloquei e até coloquei um espectro no do homem. Então, uma outra dica profissional que eu acho que é verdadeiro gosto é que você pode apertar Option Command 0 e que será Alt Control 0 em um PC se você quiser. E você pode puxar isso para baixo agora você pode realmente ver todo o seu mixer. E eu tenho que tomar cuidado por não ter espaço suficiente para os meus faders reais com o espectro. Então talvez eu faça isso um pouco menor. Haverá uma boa oportunidade para, porque agora eu posso ver toda a música com a visão geral do arranjo, mas esta pode ser uma boa oportunidade para fazer um pouco de imóveis, por assim dizer. Talvez eu abra isso agora. Consigo ver a música. Podemos ver o misturador, eu posso ver o espectro. Tudo está bem equilibrado e pronto para ir. Estou me sentindo muito bem com isso. Isto é uma espécie de preparação para a mistura e como um tipo de administrativo e não muito criativo como isso parece, mais organizado você pode ser quando é hora de fazer uma mistura para baixo, mais rapidamente você será capaz de trabalhar. E isso é muito importante porque cada vez que você ouve essa música repetidamente e não sabe o que fazer com ela. Você vai gostar cada vez menos como eu digo isso para meus alunos o tempo todo que a melhor música do mundo em repetição por três ou quatro dias, vai começar a dirigir suas notas. E então não deixe que seja você com suas próprias criações originais porque uma vez que você perde a inspiração, está praticamente acabado. Então, fazer tudo isso sem ouvi-lo, especialmente ouvir um muito alto e apenas organizar as coisas vai ajudar uma tonelada com você acelerar o próximo down e começar a fazer mais música. E esse é realmente o objetivo. Então este tem sido Vídeo 1 para preparar a mistura e feliz por estar aqui. Tudo bem, para o próximo vídeo. 29. Como criar hastes: Ei pessoal, estamos de volta com mais dicas de mistura de onde paramos pela última vez. Nós apenas organizamos nosso mixer e preparamos esta sessão para a mixdown. A próxima coisa que vamos fazer é dar uma olhada na vista do arranjo. E vamos olhar para todos os nossos rastros. Eu vou esconder a janela inferior e talvez segurar Option e expandir todas essas faixas. Agora eu posso ver todo o seu conteúdo. E eu vou me perguntar, há algo aqui que eu possa imprimir em áudio? Porque uma coisa que é super verdadeira é quando você está trabalhando com, especialmente com instrumentos melódicos ou instrumentos harmônicos ou então quaisquer faixas de áudio que têm toneladas de efeitos sobre eles, como modulação aleatória e outras coisas. Não é tão eficaz misturar porque você só toda vez que você ouve, é um pouco diferente e é mais eficaz como um produtor trabalhar com áudio. Esta é parte da razão pela qual na maioria dessas faixas você verá aqui já são arquivos de áudio. Posso segurar Option Shift ou Shift Alt no PC e usar dois dedos para expandir ou contrair meus diferentes canais para ver o que está lá dentro. E ver que estas são geralmente todas as faixas de áudio. E eu posso clicar duas vezes nos trilhos aqui para ver que não há efeitos em nenhuma das coisas. Então isso é tudo muito bom para ir. Se eu olhar aqui em cima, eu tenho uma faixa de baixo. E, em particular, ao vivo 11, uma das características mais emocionantes no vivo 11 é a probabilidade de nota , o que é muito divertido, mas também é um pouco confuso porque você acaba apenas meio que tendo sorte com sequências legais. E isso não é uma boa maneira de realmente gostar adequada produzir uma melodia sua necessidade de interferência, e é legal para vir acima com idéias. Mas eu quero mostrar um par de maneiras rápidas que podemos imprimir nosso áudio ou imprimir nossa mídia e nossas modulações aleatórias e operações aleatórias como essa para áudio e nos permitir trabalhar de forma mais eficaz com as partes como tipo de Jogou uma lente de produtor. Então esta é a nossa faixa de baixo. Vamos ouvir essa coisa rapidinho. Então, tocando a letra S, eu posso sozinho. Podemos olhar para este clipe. Veja como não está tocando todas as notas. Vamos curar. Mas vai ser problemático. Então eu vou mostrar a vocês algumas maneiras diferentes de virar nossas faixas para áudio para que possamos ver o que está acontecendo. Meu favorito quando queremos todo o canal é simplesmente clicar com o botão direito do mouse na pista e congelá-lo. E isso vai em frente e fazer um pouco de renderização off-line. Vai gravar o canal inteiro para uma nova gravação de áudio. E você vai ter um par de maneiras diferentes. Você pode extrair essa gravação e colocá-la em uma nova faixa de áudio. E ainda será capaz de preservar a pista midi com todas as informações nele. Se quisermos mudá-lo mais tarde, mude a chave da música, ou faça algo drástico. Mas na maior parte, é hora de nos comprometermos, porque estamos nos preparando para nos misturar. Então, como isso está congelando, é, é como uma gravação rápida através de toda a faixa. E então nós vamos apenas criar uma nova faixa de áudio e arrastar esses clipes congelados para baixo. E então teremos uma versão em áudio da faixa midi. Ele está indo para um tipo de maneira liso para avançar rapidamente através do processo de renderização. Isso seria o mesmo que gravar toda a faixa, perdoe-me, e em tempo real fazer uma nova faixa de áudio. É só um pouco mais rápido. Então agora você pode ver que a pista está congelada. Todos os processos estão sendo suspensos. Eles não estão realmente acontecendo mesmo que pareça e parece que eles estão. E agora posso acertar o Comando T ou o Controle T em um PC. Posso pegar todos esses clipes. E eu posso segurar a opção e apenas arrastá-los para baixo. Então agora eu posso ver todas essas, veja, todas essas modulações ver onde cada parte individual está acontecendo. Isso é muito escorregadio. De qualquer forma. Então agora eu tenho o meu belo sintetizador na pista e isso funciona. E isso vai me dar a chance de realmente apenas ouvir o áudio e ver se eu acabei tendo sorte com as modulações aleatórias certas. Agora, o último método que eu vou mostrar aqui para transformar as coisas áudio que eu vou fazer para as faixas de retorno. Eu realmente gosto, você sabe, eu tenho esses como cinco ou seis faixas de retorno e muitos deles têm como olhar, este é um tipo aleatório de onda senoidal modulação LFO no filtro ou qualquer outro tipo de efeito aleatório que vai afetar o tom ou madeira ao longo da duração da pista. Então, uma coisa muito legal que você pode fazer aqui é você pode selecionar as faixas que você deseja transformar em hastes. Isso é basicamente como seu fluxo de trabalho de criação de tronco. Vou pegar os três retornos e transformá-los em hastes. Clique na cinta de loop e pressione Shift Command R. E agora, para faixas renderizadas, você pode escolher apenas faixas selecionadas, ou se você só queria uma, você pode simplesmente escolher uma das faixas individuais. Isto é bem apertado. Então eu vou fazer hastes a partir de A, B, e C. Essas são minhas três faixas de retorno que têm modulação aleatória neles. Então, escolhendo apenas faixas selecionadas e certificando-se de que as chaves em loop sobre toda a música. Vou em frente e certificar-me de que é um reservatório alto. Não preciso de um vacilante aí. Não vamos colocar isso aí, e então podemos equilibrar isso. Então agora estamos neste projeto IDM e eu posso criar uma nova pasta aqui chamada hastes. Isso é bom, muito bom fluxo de trabalho. E então eu ia dizer IDM, apenas para o nome do tronco e ele ainda vai colocar o nome da faixa diretamente no canal. Então agora, novamente, isso não é diferente de congelá-lo e depois arrastá-lo para uma nova faixa. Mas neste caso, somos capazes de capturar todo o áudio em 17, até mesmo fazer várias faixas ao mesmo tempo. Então isso vai ser criar o que é chamado de 0 início de timestamp, que pode ser realmente liso. Então falamos sobre silenciar as faixas originais depois de gravá-las em áudio, talvez até mudar a cor para preto e chamá-las de originais. Talvez até estes são todos fluxos de trabalho legais para salvar suas peças originais sem ter que se preocupar em ouvi-las mais. Pode ser muito agradável e eficaz. Eu também gosto muito de fazer esse fluxo de trabalho para bateria. Especialmente se eu tiver como um kit de tambor cortado re-sampled. Porque então eu sou capaz de ampliar e talvez fazer alguns hits reversos ou fazer alguns ajustes nos sons individuais. Realmente, muito legal quando você ocasionalmente começa como uma reverberação reversa antes uma armadilha ou até mesmo uma armadilha reversa, quer reverter chute. Esses são pequenos movimentos que podem ser incríveis em uma produção de uma música. Que a única maneira de realmente evocá-los é abandonando a faixa midi e entrando no áudio. Então, enquanto isso, vamos para o ônibus do Effects e vamos abrir isso. E eu vou criar três faixas de áudio tocando Comando T. Agora eu tenho um destino para soltar esses novos sons e alguém vai para o meu Finder aqui, por este lado aqui, indo para sair de tela cheia para que vocês pode ver isso. E eu vou para meus projetos, e eu vou para a IBM, e eu vou para as hastes. E agora eu tenho estes três caules. Eu só vou agarrá-los e seguir para a pista. E se eu for deixar ir, vai colocar todos em ordem. Mas se eu manter o comando, ele vai deixá-los em seus próprios canais, que são Shirts, ASD, e olhar para fora bem nomes as faixas, isso é legal. Só para mantê-los em ordem eu vou mover o A para cima e o C para baixo. Desdobre aqueles para cima e eu posso até ver os efeitos que estão nos trilhos. Essas podem ser coisas muito legais que eu posso usar mais tarde em nossa composição. Talvez eu decida por um segundo, quero que tudo mude. Agora posso pegar o botão de apagar. Em vez de se preocupar em fazer um monte de automação e outras coisas, vai ser muito mais arrumado e muito mais limpo. Isso também me permite colocar desvanecimentos adequados no final da pista. Talvez até use esse áudio de forma criativa em uma situação diferente. Como, por exemplo, vamos ouvir isto. Se eu acertar Solo, como se fosse um acorde muito legal. Tipo, você sabe, talvez faria sentido para mim segurar Option e apenas mover isso para cá, você tem no início da música. Posso até acertar R e reverter. Eu posso começar a fazer todo tipo de coisas criativas legais com a faixa que eu não era capaz de fazer antes. Então isso é realmente para ser honesto com você, um pouco mais de uma dica de produção. Mas eu acho que quando você está fazendo uma mistura para baixo, pode ser bom ter acesso a essa pequena nota ninja extra, ele vai olhar agora, eu tenho essa pontuação reversa. Talvez eu até use isso uma vez no começo. Talvez eu até dê um empurrão. Meio que desbotou. Agora vamos ouvir isso agora em mistura. Oi. Então, essas pequenas idéias legais que você pode fazer para tornar sua música mais interessante e também mais eficaz na mistura. Então agora tudo que eu preciso fazer é silenciar esses A, B e C. E se eu quisesse economizar energia da CPU, eu poderia até mesmo desligar os efeitos sobre eles mesmos completamente. Então, fazendo isso, isso vai me poupar um pouco de recursos de hardware para aplicar todos os meus efeitos mais tarde. Então eu vou segurar Option e dobrar isso, dobrar o ônibus de efeitos. E agora imprimi o doce. Então, sim, estes são todos legais, pequenas dicas legais que você pode fazer quando você está fazendo um misto sobre este tem sido o segundo vídeo na preparação para misturar série. E ansioso para os próximos vídeos. 30. EQ: Ei, de volta para vocês. Organizamos nosso mixer, saltamos algumas de nossas faixas dinâmicas para o Áudio para que possamos ver tudo apertado. Fizemos um último casal ouvir para ter certeza de que tudo está bem, onde quer que as coisas estejam no lugar. E agora é hora de passar para as partes mais emocionantes da mistura, que ainda está no tipo de preparação para misturar categoria. Mas nós vamos estar olhando para o processamento de efeitos. Geralmente. Nós provavelmente aprendemos isso em sessões anteriores na Slam Academy, mas há um pouco de uma teoria sobre processamento de efeitos e a ordem geral em que você coloca as coisas. Essas regras são todas feitas para serem quebradas. Mas definitivamente quando se trata de mistura, é bom ter um bom fluxo de trabalho sólido em torno do processamento de efeitos. E geralmente começa com EQ. Para este vídeo, vamos falar sobre técnicas de equalização e algumas boas práticas padrão para, em particular, moldar seu espectro de frequência para cada som. Então, não só eles são tão claros e altos quanto eles podem ser em soar saborosos, mas que eles estão se encaixando como peças de quebra-cabeça. Então isso me traz de volta para o misturador aqui. Eu quero bater guia e olhar para a exibição de sessão e até mesmo olhar para o meu, minha visão espectral aqui também. Isso também é muito bom. Então agora o que eu vou fazer é ir até o meu acordo. Talvez nos tragamos na entrega aqui, esta última gota. E eu vou fazer um pouco de escala da tela para que possamos ver o mixer e eu vou começar a aplicar efeitos em minhas faixas, em particular EQ para este vídeo. Aqui vamos nós. Eu vou seguir em frente e loop esta seção porque eu me sinto como trabalhando na bateria um pouco, então eu destaque o hit Command L. Vamos dar uma olhada neste rack de bateria. Então agora eu posso ir em frente e pegar um QE apertando o Comando F e diminuindo. E você vai notar que meu equalizador padrão já tem o primeiro nó é o único que acabou em torno de 33 hertz. Vamos apenas abaixo, praticamente a nota mais baixa que alguém vai bater. Às vezes, para tambores, eu abro um pouco, mas você pode ver onde está o espectro. Então eu tenho praticamente tudo o que eu preciso me preocupar lá. Eu cortei alguns low-end desnecessários que vai ser altamente eficaz. E então eu poderia até adicionar um nó aqui que é um nó de sino. E apenas impulsionado um pouco e surfar ao redor. Veja se há algo que seja indesejado ou não saboroso. Acho que estes tambores soam muito bem no geral. Então, eu vou deixar isso. Reparem que o primeiro treino que fiz foi cortar a base e então, e então eu agarro um sino estreito e eu impulsionei e surfe ao redor e ouvir alguma coisa. Eu não gosto de estudantes com bateria para ir aos meus dramas, Gravidade QA, jogá-lo lá, rolar aquele Salmo geralmente em torno de 30 hertz. E eu posso olhar e ver se algo está muito alto ou muito quieto. E eu posso até ver no espectro que o hi-hat fechado é muito barulhento olhando para como aquela coisa está lá fora e agradável e brilhante. Eu poderia, é claro. Talvez você aplique como um V Q de prateleira alta agora, e eu posso colocar assim lá em cima e acorrentá-lo um pouquinho. Eu também posso, claro, ir para o misturador submarino aqui. E nós damos a isso apenas um pouquinho de diminuição no volume lá também. Nós vamos ser capazes de equilibrar essas coisas de qualquer maneira, mas nós estamos economizando um passo mais tarde. Dado esse pequeno termo, Nice. Tente outro pequeno impulso. Surfar por aí. Acho que 9K, 10K é um pouco quente para o meu gosto. Então eu vou empurrar isso para baixo apenas um toque e fazer isso agradável. E está procurando o lugar nojento. E se eu quiser ouvir o que eu realmente estou cortando, eu posso acertar este solo, isolar. Ouça esse tipo de anel metálico que é um pouco demais para mim. Então é assim que o modo de isolamento de banda é realmente bom para equilibrar as coisas. Vamos para a nossa base. Oh, o áudio base parece que não há base nesta seção, então vamos dar uma olhada. - Sim. Oh, você sabe o que eu errei nisso. Isto é isto é apenas uma carga base que para cima. E então esse cara é que há áudios como o que está acontecendo com isso. Este é o que realmente queremos verificar nossos níveis aqui. E vamos em frente e verificar isso. Temos o QE, seguimos os mesmos passos, cortamos a base, qualquer coisa abaixo do que você não precisa. Você pode ver que há um muito baixo agora. Agora, grande contra. Tenho um subharmônico lá dentro que pode ser legal. Geralmente, quanto mais decibéis você pode cortar aqui na extremidade baixa, mais alto a pista inteira será capaz de estar aqui. Então eu posso ver onde as notas estão lá geralmente em espécie de oitava, que é muito alto para uma base. Então é principalmente uma espécie de base de pokey que está acontecendo, não um monte de sub bass nele, então eu acho que vou deixar um pouco disso, mas atenuar uma grande quantidade disso. Podemos fazer isso surfar por aí. Vou fazer o meu Q agradável e estreito e impulsionar e surfista. Agora, se eu encontrar algo que eu goste, eu posso aumentar um pouco. Mas, na maior parte, este estágio é tudo sobre fazer cortes. E como se tudo isso fosse mais saboroso meus ouvidos. Então, quando estiver em dúvida, não perca nada, apenas faça os cortes, começando com cortar a base. Vamos tentar ou coisas melódicas. Você pode ver por que faz sentido ter esse EQ padrão para ter o primeiro nó e o modo high-pass, você pode configurar isso apenas colocando isso em high-pass, colocá-lo em torno de 30 hertz, colocá-lo em torno de 30 hertz, e clique com o botão direito do mouse e salvar como predefinição padrão. Mas agora olha, eu tenho informações de frequência aqui em baixo. Isso não está me fazendo bem algum. Então eu só procuro a nota mais baixa para me livrar ao lado disso. E isso está me poupando espaço. E toda a música está ficando mais alto cada vez que eu sou capaz de fazer isso é um bom e estreito picos, provavelmente não é um monte de ajustes que eu preciso fazer. E o equalizador ainda apenas cortou na extremidade baixa. Vamos olhar para o nosso chefe Harmony e fazer a mesma coisa. Ouvindo a nota mais baixa. Tudo parece bem inclinado para baixo. Uma boa dica pro é geralmente as baixas frequências devem ser a parte mais alta e deve inclinar suavemente para baixo agora, se tudo fosse exatamente assim, música seria muito obsoleto e chato som, você precisa de pequenos empurrões. Essa é a parte excitante. Mas se você ouvir algo que é soletrado um pouco indesejável, você pode procurar onde esses picos altos estão e surfar por aí e essas podem ser as freqüências que você não quer. Como esse cara, talvez ele tenha um pouco disso. Este é o nosso barramento de efeitos reamostrado. Vamos ouvir isso. Veja esse cara está um pouco barulhento. Pegue algumas coisas metálicas lá em cima. Vamos surfar ao redor e ouvir impulsionado. Você pode até colocar o isolado solo imediatamente e surfar por aí, ouvir aquele metal. Então eu posso aceitar não, isso é 3,6 K. Outro lá na 2K. E alcance para esse 2K. Definitivamente um lá também em toda esta área. Eu só vou dar um pouco de alisamento para fora. E eu poderia fazer isso 3,6 K também. Eles estão doentes e soltam. E agora você pode descrevê-lo novamente e atenuá-lo. Você pode torná-lo muito estreito. E se você decidir que é uma frequência que você quer matar completamente. Você pode ir para este modo de entalhe. É como matar uma banda. Isso só vai piratear totalmente de lá. Geralmente evite usá-los. Possível. Depende de quão sério eu estou sobre fazer custos. Neste caso, há um monte de frequências lá em cima que eu meio que quero alcançar. Então eu acho que eu poderia até colocar um só um pouco mais alto do que isso. Agora, quanto mais, quanto mais fizermos esses cortes sutis, mais seremos capazes de aumentar o som. Longo prazo. Então, uma regra geral aqui também, é que quanto mais você corta fundo, tão longe quanto a amplitude mais estreita que você quer que a banda seja. Se você vai ter um corte mais largo, basta fazer quantidades suaves para meio que suavizá-lo para fora. Isto é, esta técnica é chamada de torcer para fora. Então cortamos a base e a torcemos. Nós fizemos isso. E note quanto tempo isso economizou se tivéssemos feito isso em todas as nossas faixas individuais, às vezes isso é necessário, mas neste caso estamos apenas fazendo isso com os ônibus mistos. Se você ainda precisa obter resultados mais apertados, você pode abrir o grupo e ir para as faixas individuais e tocar ainda mais canais individuais de pontos SWOT. Então agora que eu tenho todos eles tipo de desonesto, nível de superfície um corte para a base e meio puxado para fora um pouco para fazê-los soar bem por conta própria. Este é um que faz muito sentido para verificar o seu espectro agora e para passar e sozinho as coisas novamente, vamos ter certeza de que é permitido retina parte da pista. Vamos por aqui. Na verdade, esta seção é mais sentido as coisas que eu sou, eu posso olhar para o meu declive. Eu posso até bater em parar e olhar para a sombra da música. Essa é uma chance legal de fazer isso e fazer isso bom e grande. E isso, É uma boa chance de lembrar o tipo de inclinação de ruído rosa. É apenas uma espécie de teoria da mistura que basicamente você quer ter um tipo geral de mesmo inclinado para baixo sem quaisquer grandes rampas são picos em seu caminho para baixo. Mesmo essas coisas aqui, isso vai ser um pouco de é um sinal de que talvez as coisas estejam um pouco brilhantes demais. Você não quer viver e morrer por esta regra porque novamente, é aqui que o personagem vive no som. Você quer ter cuidado sobre ser muito pesado de mãos. Mas se isso é como uma grande rampa de lançamento de esqui chegar à cidade, isso geralmente é um sinal de que talvez seja qual for o som que for possa ser atenuado um pouquinho. Agora temos algumas opções para suavizar esse chapéu alto. Acho que vou subir acima de 10 K. Essa é uma boa chance para lembrarmos nossas faixas de freqüência e o que elas realmente significam. Obviamente, este é r sub baixo e são meio baixos médios são o tipo de material baseado gama média. E então todas as nossas melodias e harmonias vivem no meio. E a maioria de nossas texturas e ambientes estão no topo agora, muito acima de 10 K. É bastante sutil quanto ao que realmente estamos fazendo. Então às vezes você pode realmente tipo de hackear aqueles para baixo e realmente não prejudica o sinal geral para a nossa forma lá. Agora temos controlado que um pouco mais e torná-lo grande quando olhamos para a nossa sombra agora, Este é Ben EQ fluxos de trabalho. Fizemos dois ou três fluxos de trabalho diferentes com EQs. Primeiro de tudo, cortar a base em tudo, e depois olhar para tocar coisas. E, em seguida, a última etapa é olhar para o espectro no mestre e tentar tipo de estabelecer um bom, mesmo equilibrado ao longo de todos os sons apenas usando nossos ouvidos, mas também ter um pouco de ajuda visual do inclinação e solo faixas individuais no misturador. Então podemos realmente ver e ouvir quais vozes estão preenchendo qual parte do espectro no mestre. Então isso é tudo então E enfileirando e se preparando para fazer a mixdown. Obrigado por se juntar a mim nesta jornada. 31. Dinâmica: Todos de volta aqui estamos misturando esse tipo de faixa de breakbeat EDM e estamos passando para o processamento dinâmico. Então vamos verificar o nosso vermelho na melodia e então vamos ver onde ele nos leva. Muita dinâmica aqui. Oi. Há mais curtos. Então, pelo que parece, vamos ter muitas oportunidades para comprimir algumas coisas. Eu vou fazer meu volume faders um pouco mais alto aqui. A primeira coisa que quero salientar é novamente, uma vez que você pode ver todo o mixer, você pode usar seus ouvidos para decidir quais sons poderiam usar alguma compressão se você tiver alguma experiência. Caso contrário, uma ótima maneira de aprender sobre isso é apenas olhar para os medidores de volume. Quando você olha para medidores de volume em Ableton, você verá um alto ou conjunto de picos que são verdes mais suaves no fundo e esses são os picos reais. E então a agitação mais brilhante mais baixa está aparecendo. Há o RMS também eles conheciam como uma espécie de média de volume. E assim a distância entre os picos e a média é um bom indicador visual de quanta dinâmica existe no som e na dinâmica. Em outras palavras, movimento no volume. E o que a compressão realmente vai fazer, como você provavelmente aprendeu em lições anteriores, empurra para baixo os picos. Em outras palavras, diminui a distância geral em volume do mais silencioso para a parte mais alta do. Portanto, dando-lhe a capacidade de aumentar a coisa toda. No processamento de mistura e dinâmica, fazemos algumas técnicas de compressor diferentes, incluindo encadeamento lateral, que é expansão, em outras palavras, aumentando o alcance dinâmico. Então vamos começar olhando para a nossa ponte de medidores aqui e apenas ouvir o sulco onde paramos pela última vez. E acho que vou expandir a minha visão geral do arranjo e voltar a pôr-nos de volta, logo com aquelas maracas. E vamos ver o equilíbrio dos nossos medidores. Você pode vê-lo no mestre a quanta distância há dos picos para a média. Então eu posso dizer, procurando por certeza e bases geralmente um bom lugar para começar, especialmente com música eletrônica, é geralmente quer um bom som comprimido baixo, como um bom final baixo completo. E podemos ver que cada uma dessas pequenas marcas horizontais é como seis dB, então isso é uma espécie de pedaço de volume. Esses picos são bem altos. Vamos dar um duplo clique na faixa de baixo e ver de onde paramos pela última vez. Fizemos EQ e no anterior, passamos por todo o mixer no vídeo anterior. Agora é hora de pegar apenas o regular capaz de compressor. Há um par de compressores diferentes em live board vai usar o compressor regular porque é o transparente. Não introduz qualquer distorção ou ruído. A primeira coisa que vamos fazer é derrubar os limiares empurrados para baixo esses picos, assim como você aprendeu nos níveis anteriores. E nós vamos então adicionar proporção para decidir quanta compressão vai estar acontecendo. Observe que estamos apenas puxando o limiar para baixo para meio onde o, o topo das médias não muito menor do que isso porque queremos ter certeza de que compressor pode deixar entrar entre os quadris e, em seguida, proporção. Uma boa regra de ouro com base está em algum lugar entre três a 18 a um. Instrumentos musicais em geral, que geralmente é uma base de arranjos bonita. Você sabe, você pode ir um pouco mais difícil como cinco ou seis ou mesmo oito para um. É como uma compressão mais pesada. Tendo em mente, estamos apenas comprimindo os picos. O envelope vai se certificar de que ele pode deixar ir a tempo com o lançamento antes da próxima nota chegar. E também atacar. Ataques mais rápidos vão comprimir todo o som, enquanto ataques mais lentos vão deixar passar o transitório inicial. Neste caso, eu praticamente um iria comprimir a coisa toda. E você pode olhar para esta pequena janela para ver quanta compressão está sendo evocada pela linha laranja. E, em seguida, certificando-se que o compressor pode entrar entre os hits, esses picos. E parece incrível. Então isso é muito bom para o próximo método que vou demonstrar. E se isso estiver atingindo o pico de compressão, a próxima coisa que vamos demonstrar é a compactação RMS. Muitos produtores sábios disseram que, em vez de sobrecomprimir um som com um compressor, apenas finesse um pouco e pegue um segundo compressor para jogar lá, especialmente com novamente, música eletrônica. Se você não está tentando preservar os harmônicos naturais ou a beleza de como uma guitarra acústica ou um porto um vocal feminino ou qualquer tipo de vocal. Mas em vez disso, você está fazendo música que soa como se fosse, você sabe, do espaço, música eletrônica é muitas vezes supostamente para soar alienante. Isto. Ou talvez você apenas alienígena seja a palavra certa que estou procurando, mas maior que a vida, não um instrumento acústico. Você vai muitas vezes terá vários compressores seguidos. E, mais comumente, os compressores de pico primeiro. E então o segundo compressor vai comprimir o RMS ou a média. Então você pode ver que eu troquei este compressor e o modo RMS. E agora, quando eu puxar o limiar para baixo, eu não vou estar assistindo aqueles picos verdes suaves. Eu vou estar olhando para a média verde brilhante. Vamos realmente realçar o volume. E você sabe, nós nos reunimos e você está se certificando que ele pode deixar entrar entre os sucessos. Tem que ter dificuldade em puxar para o limiar só para tocar. Eu sei do grupo através do loop. E geralmente o compressor RMS enquanto ele está compactando apenas com base na média, você vai ter um pouco mais baixo de uma proporção então geralmente os picos. Use seus ouvidos para provar lá. E novamente, o envelope certificando-se de que ele pode. Terreno com uma boa quantidade de tempo. Ouça atentamente qualquer tipo de distorção ou cliques que possam acontecer. Isso pode acontecer se qualquer um dos envelopes ou muito rápido. E se você tem os envelopes para retardar de novo lá, é meio que segurar por muito tempo e parar de soar natural e punchy. Um ataque muito lento irá preservar o soco, mas ele vai acabar sendo muito chato e não sob controle e desligado. Então eu sou como e como esta configuração RMS vai se sentir depois do pico. Este é um equalizador de base muito comum. Na verdade, é assim. Ao ter um roll-off no sub baixo, especialmente se for um baixo sintetizador ou uma base de microfone, eu acho que eles vão acabar tendo um monte de baixo. E então aparando isso e empurrando para baixo os picos e apertando o RMS. Temos uma dinâmica controlada. Ainda é bastante dinâmico. Mas vamos em frente e apenas talvez ficar com isso por enquanto porque este estilo desta faixa é suposto ser um pouco mais descolado e um pouco mais peculiar. Então, para o terceiro estilo de compressão mencionado de fato, nós vamos colocá-lo direito nesta pista. Esta vai ser a expansão que eu estava falando. Em outras palavras, adicionando dinâmica ao som com base no volume de um mixer de som diferente, em particular o tambor de pontapé. Então, se eu apenas sozinho que nós podemos ouvir isso juntos e eu posso ligar o encadeamento lateral e eu posso pegar o áudio do kit de bateria. Segundo dropdown, eu só vou escolher, vamos ter que ser todo o kit de bateria para começar. Então agora isso é comprimir baseado em snaps, na armadilha e no chute. Isso é tudo muito saboroso. Mas se eu quisesse controlar o que estava realmente acionando a cadeia lateral, eu poderia escolher o som individual aqui ou eu poderia filtrá-lo. Eu acho que eu vou realmente escolher o tambor de pontapé e eu vou escolher prefeitos. Isso é muito comum. É agora olhar se eu apenas solo, apenas a faixa de baixo e eu vou colocar este pequeno interruptor monitor. Você será capaz de ouvir este pequeno tambor não processado. E eu posso derivar isso muito difícil. É bom ter os efeitos pré por causa dos efeitos sobre as crianças e especialmente o tambor chute geralmente vai comprimir isso também. E não queremos esse grande chute saturado tentando acionar nossa cadeia lateral. É melhor ter um pequeno cara mole e depois dar um pouco mais de drive que vai ajudar. É meio que um ataque rápido e solte esse gatilho lateral. Além disso. Se a base da célula do pontapé estiver tocando muito forte, você pode até filtrá-la com um filtro passa-alto ou passe de banda. Vamos puxar isso para 500 e usar isso. Agora olhe para isso. Agora diz que nos deram muitas correntes laterais rápidas e rápidas e outras oportunidades. Esta vista aqui, eu só estou me certificando de que, uh, deixar entrar entre os hits se ligam para baixo, isso é mau slam. E agora vamos tirá-lo, monitorar e ouvir. Não é incomum ouvir um clique sutil lá dentro. Geralmente não é grande coisa, mas se você quiser rolar isso, você pode retardar o ataque. Você também pode aumentar o olhar para cima nesta visão que vai dar ao compressor um pouco de inteligência artificial para olhar à frente do sinal, permitindo que você finesse a pilha ainda mais. Vamos ouvir isso com o QG. Eu poderia até ir tão longe quanto a duplicar essa configuração exata e escolhê-lo apenas a partir do tambor para eu tenho este rack de instrumentos. Vamos entrar em colapso, armadilhas e outras coisas. E agora posso abaixar essa base, misturar um pouco. Vamos ouvi-lo completamente. Novo. Há uma chance de ver espreitando, RMS e encadeamento lateral tudo na faixa de baixo. Vamos em frente e ver quais outros canais em nosso mixer poderiam usar um pouco disso. Tenho certeza que essa melodia é boa. Mesmo que seja só um pouquinho, podemos colocar um pouco de compressão máxima lá. E então talvez uma corrente lateral logo depois que foi empurrada para baixo, alguns picos suaves. Vamos apenas duplicar e ligar essa corrente lateral. Neste caso, vou em frente e fazer o kit. Vamos ouvir de todo o kit. E só para ver como isso soa. Normalmente cadeia lateral e recebe uma proporção bastante pesada, certifique-se de que ele pode deixar ir. Isso é muito legal. Eu gosto disso. A configuração adequada da corrente lateral, se você estiver indo para sutil, você realmente não notará que bombeia. Você só vai ouvir o som do gatilho. Neste caso, os tambores perfurando através deles misturaram-se mais, porque de repente há mais espaço para eles. Por isso, nem sequer ouças o som. Você está comprimindo tanto quanto ouvir o som e isso está ativando para ver se ele parece mais claro e presente. Agora, outra coisa que você pode fazer com a cadeia lateral é que você pode ir tipo de drama na cadeia lateral. Isso é realmente uma grande coisa para fazer para nossos pads. Vou me mudar para uma seção onde esses acordes realmente bons. Acho que é por aqui. O céu é jogado compressor aqui também. Vamos começar empurrando para baixo alguns desses picos um pouco. Agora quase nenhum pico. Vamos capela-mor, retardar a libertação. Então é meio estável no Sudeste Asiático. Vou pegar outro compressor e quais canais laterais escolher. Agora, vamos ver um mapa. Então agora, neste caso, se quiséssemos obter um efeito de cadeia colateral mais dramático, poderíamos retardar a liberação. Nós realmente podemos ouvi-lo meio bombeando dramaticamente para o grupo, trazer esse limiar ainda mais baixo, indo para o inferno e uma bomba de cadeia lateral lá. E até abrandar isso e rolar um pouco daquela clínica, se você quiser. Antes de otimizar meu armazenamento, vou dizer adeus com isso e vamos seguir em frente em nosso próximo vídeo olhando para o processamento de madeira e espacialização. Ansioso por isso. Vejo você então. 32. Saturação: O que se passa, pessoal? Estamos fazendo o processamento de efeitos em todos os nossos sons individuais. Antes de ir para equilibrar tudo, fizemos alguns desenfileiramentos e alguns processos dinâmicos, e agora vai ser hora de fazer um pouco de saturação e alguns adicionar alguns harmônicos naturais e, em seguida, colocar os sons em um espaço. Haverá especialmente diversão com este tipo de faixa sintetizadora IDM, especialmente porque muitas das faixas sintetizadoras são realmente secas. Vamos deixá-lo aqui e o tipo de seção da ponte e ver onde estamos, com o que estamos trabalhando. Comece com a base. Então os cursores que fizemos no último vídeo. Então isso parece muito legal. Acho que vamos nos concentrar um pouco mais nesta faixa de baixo. Você pode ver o EQ e as tiras de canais de compressão que estávamos fazendo antes. E agora vai ser hora de talvez dobrar alguns deles e adicionar saturação. saturação é uma espécie de termo geral para adicionar um pouco de adoçante. Em outras palavras, adicionar um pequeno tipo de recorte modelado analógico é mais comum se é saturação como saturação de fita de um dispositivo e capaz de saturar. Ou limitação de clipe suave, que é realmente popular para tambores no canal mestre em seus grupos. Isso é, isso é mais comumente encontrado no Compressor de Cola. Vamos em frente e verificar algumas dessas coisas. O que a saturação faz, e novamente, vamos começar com a saturação de fita é que ele emula dispositivos analógicos tradicionais da maneira que eles iriam clipar. Em outras palavras, quando você os dirige aquecendo-os um pouco, ele adiciona harmônicos naturais ao som. Em outras palavras, adiciona algum tipo de energia musical que vai ajudar, como sons graves cortar através do próximo. Também ajudará os tambores a sentirem-se um pouco mais alto e forte, apenas aumentando a intensidade geral percebida do som. Cuidado, porém, porque quanto mais você dirige em qualquer tipo de dispositivo de modelagem analógica, mais, bem, ele está distorcendo o som. E também pode realmente sugar a base como o sub-baixo dos sons e meio que fazê-los parecer nojento se você não tiver cuidado. Então vamos continuar de onde paramos aqui neste escritório. Primeira gota e adicionaremos pouca saturação à base. Você pode ver esta pequena linha na areia aqui embaixo. Se virem aquela pequena linha branca, quando começarmos a cruzar isso com a unidade, impulsionando-a, é aí que o verdadeiro recorte começa. Está sempre a adicionar coloração. Mas a verdadeira coloração pesada começa lá. Teríamos a oportunidade de colocar um limitador aqui também, para ter certeza que ele nunca vai no vermelho, não importa o quão duro nós dirijamos. Mas geralmente eu não gosto disso, especialmente neste caso onde esta base já tem um monte de harmônicos. Vamos pegar de volta lá. Dê um pouco seco. Isso é legal. Agora, às vezes, se você não tem certeza do que está ouvindo, você pode simplesmente aumentar a entrada da garagem e isso realmente vai adicionar uma tonelada de coloração. Vamos apenas ouvir o que ele vai estar fazendo lá. Então você pode ouvir como esses percebidos, todos esses picos extras no espectro realmente fazem a coisa parecer alto. Se você não tem certeza do que quero dizer com isso, você pode olhar para ele no espectro. Este dispositivo que estamos usando a mistura mais cedo no canal principal. Aqui não há saturação. Já há um monte de harmônicos lá, mas se formos em frente e dar-lhe um pouco de carro, provavelmente um pouco mais e nós a viramos para baixo. É realmente um pouco intenso. Então isso pode ser muito divertido. Eles dão a você esse ganho de saída para tipo de compensar dessa forma se você acabar dirigindo-o muito sem o limite de clipe macio ou você pode voltar para baixo. Então, uma configuração comum para muita distorção é batê-la e, em seguida, baixá-la sobre a mesma quantidade, talvez um pouco menos. Agora, neste caso, novamente, eu estou realmente sentindo apenas um pouco daquele recorte analógico. Há outros modos aqui que você pode aprender. Eles podem ser um pouco mais tipo de design de som orientado no saturado. Mas principalmente nós estamos realmente trabalhando apenas com pouca unidade observando aquela linha na areia, certificando-se de que não estamos nos vermelhos aqui ou cortando suave ou ajustando a álgebra novamente. Eu poderia até abaixar um pouquinho. Vou para uma seção onde há mais base. Vamos ouvir isso na mistura. Isso é legal. Isso parece ter uma tonelada de dinâmica em um dois, está totalmente bombeando como uma loucura porque temos esses compressores de corrente lateral aqui para trás. Nós temos três deles em uma fileira que estão realmente fazendo isso pop grande momento. Então isso é realmente uma coisa muito dinâmica soou legal de salientar é que quando você adiciona saturação, você não está apenas adicionando harmônicos naturais, mas também naturalmente apenas funciona como compressão. Porque a forma como o recorte funciona é quanto mais você conduz os picos acima do limiar. Em outras palavras, aqueça o deck de fitas. Há um limite finito para o quão barulhento pode ficar. E essa é realmente a pequena linha na areia aqui. E também quanto mais você dirige sobre o topo do que você está, por sua vez, comprimindo para, é apenas pegar aqueles picos naturais que vão por cima e espalhá-los para fora sobre a série harmônica, que é suculento. Mais sobre isso em nosso curso de design de som, é lambda acabou. Claro, outra coisa que vale a pena considerar na nota de comprimir o, às vezes eu vou tomar isso saturado e eu vou colocá-lo na frente ou para a esquerda como antes, meus compressores de cadeia lateral. Dessa forma, o encadeamento lateral também está evitando a saturação. Ele vai, este, este fluxo de trabalho vai te dar mais efeito de cadeia lateral porque saturando e depois da cadeia lateral você está meio que descomprimindo, que pode não ser tão saboroso. Vamos verificar isso. Então, nesse caso, a expansão como o encadeamento lateral que está acontecendo está acontecendo depois do saturado de modo que o amor preservando assim a palma da mão para a cadeia lateral está evocando. Vamos fazer outra técnica de saturação que eu realmente gosto. Vamos para o nosso kit de bateria e vamos para o nosso tambor. Notei na nossa mistura, o nosso tambor soa bem. Poderíamos usar um pouco de calor. É muito agradável. Tem apenas uma boa compressão nele e uma compressão de ataque lenta dando-lhe um pouco mais de corpo. Isso é divertido, um pouco mais de ponche. E acho que eu quero ir em frente e neste caso eu vou pegar um dispositivo de distorção diferente e capaz de, e isso é um pouco menos comum na mistura porque o som é realmente muito agressivo, mas o Overdrive é ótimo para bateria . Você pode, isso é como um filtro para nossa distorção. E então há o mesmo botão de drive que você pode reconhecer, se ouvirmos isso por si só, tudo filtrado assim vai ser bem crocante, bastante oco e crocante. Mas se você se mover por aqui para baixo, vamos apenas ouvir girando a mistura seca e molhada todo o caminho para fora. Isso é o que podemos acrescentar aqui. Então isso pode ser bom som. E agora podemos puxar isso de volta na mistura para preservar a clareza original. Mais bombas que até aqui sem ela. Isso é um pequeno impulso de baixa frequência lá dentro. Estamos realmente impulsionados como 55 hertz e cavalgamos por lá. Isso é muito saboroso. Essa é outra maneira legal de usar distorção na saturação. Outra ótima maneira de adicionar saturação e outra grande ferramenta que eu mencionei. E isso é geralmente popular em todo o dispositivo de designer de kit de bateria chamado o chefe de tambor. Agora, para isso, eu vou para a minha pista de travões de tambor e eu tenho esse papel muito duro aqui. Vamos fazer um loop nisso. Ouça esse cara. Então vamos a esta seção de freios de tambor e vamos pegar o chefe do drone. Este é um dispositivo e viver cidade ou viver 11s, isso é realmente radical. São três estágios diferentes de coloração. Você tem alguns recortes como o overdrive. Você tem um tipo transitório de forma estão aqui na categoria crise e, em seguida, você tem um boom que adiciona mais base. Coisa legal sobre cada um deles é que eles são todos tipo de independente e eles vão ter uma mistura úmida seca geral aqui. Então estamos na pista dos freios. Vou recusar esses caras. E vamos começar com um pouco de carro. Isso é legal. Eu gosto desse tipo de DR embutido e alguma compressão se quiséssemos comprimir também. Como se a lua transitória similar ainda estivesse lá fora. Há um filtro de controle de corrente embutido no pouco mais escuro, como se variasse transientes aqui, isso vai comprometer mais energia para os picos ou um pouco mais de energia para a parte traseira do som. Se fores ao “Allows “, sabes, acho que tenho aquela fileira e vamos ver. Sim, então isso é mais para a cauda e isso é mais para um pico. Isso é bom também. E no que diz respeito ao boom, a forma como isto funciona é uma boa gorjeta. Você pode descobrir o que sua base é n ou onde chave sua música como ele. E você pode mover isso para encontrar a chave certa. Como se você sabe que você está dentro, você pode apenas ver nenhum clique shift e ajustar este raio para a zona 43 Hertz ou 41 hertz. E foi um bom baixo enguias para isso. Então, sobre se adicionarmos um A, vamos para 55. Isso é legal. Agora, neste caso, isso é apenas para um pouco de enchimento de tambor. Não vou usar nada disso. Na verdade, quando usamos isso, um pouquinho dessa crise, apenas um pequeno drive. E isso me leva à minha próxima técnica de distorção que estamos fazendo múltiplos em cada vídeo. Este vai ser tudo sobre. Este último método que eu quero mencionar é que todos esses dispositivos de distorção têm uma mistura úmida seca. Então, se você realmente gosta do som de distorção, mas você não quer necessariamente sugar a clareza ou o soco transitório do som. Eu sou uma coisa muito comum a fazer é apenas conduzi-lo muito duro e, em seguida, puxar a mistura seca molhada de volta, permitindo assim que o natural limpo, transitório não distorcido e base geralmente ser destruído por um monte de distorção para ainda passar. E então você pode usar a mistura para tipo de mistura. Então, neste caso, se fizermos isso em paralelo, podemos apenas como fazer macacos sobre isso. E então podemos puxá-lo todo o caminho de volta e depois misturá-lo no gosto. Então isso é como aquela parede de som na técnica de Phil Spector, descanse em paz, recentemente faleceu. Esta é uma idéia de dizer para criar um ambiente maior do que a vida, ele empilhar as coisas em paralelo. Agora, para mim, neste caso com esta pista de travões de tambor, eu realmente prefiro no toque mais suave, pouco mais Titan socar. Eu não estou tão preocupado em preservar a base ou os transientes lá porque já soa agradável e apertado. Legal. Então, nessa nota, eu tenho que mencionar a técnica final aqui. Como eu disse, estamos colocando as coisas em paralelo e dissemos não puxando o anexo molhado seco para trás. Ainda mais avançada ou tipo de técnica também clássica para processamento paralelo é construir uma faixa de canal de distorção em uma faixa de retorno. Agora, neste caso, eu tenho o overdrive e saturados, seguido de um equalizador de alta passagem. E eu tenho minha distorção batida todo o caminho para cima. Então agora o meu kit de bateria aqui, esta é a nossa visão principal. Aqui está o que parece sem esse retorno, que é distorção paralela ou, em outras palavras, compressão de Nova York. É isso sem ele. Então um bom baixo e essa base é realmente agradável, especialmente com o overdrive que adicionamos. Mas agora eu posso misturar isso em paralelo. Isso seria o mesmo que transformar a mistura molhada seca um pouco naquele tambor nós. Mas isso está fazendo toda a cadeia. Você vai notar que eu tenho o Compressor de Cola no final da corrente. E, neste caso, é o modo de clipe suave. Então o compressor de cola não é apenas um compressor meio que a metade esquerda do dispositivo, mas então ele tem esse ganho de maquiagem que você pode usar para dirigir o sinal para os circuitos de clipper suave. Esta é outra coisa de distorção de corte modelado analógico que estávamos falando anteriormente no vídeo. Mas este é um dos melhores sons e para ônibus onde você tem alta, baixa e média frequência todos os tipos de coisas que vêm através da chaminé. Eu mesmo. Preservar um pouco transitório e abrandar isso. Transientes praticamente brutalizados aqui por causa de toda a distorção anterior. Mas, felizmente, temos um sinal seco descomprimido aqui. Aqui estão eles juntos. E estamos aplicando um pouco sobre a compressão de Nova York naquela pista de freios de tambor, sobre corrida. Então agora temos toda essa terra paralela de supersaturados, esmagados, informação hiper harmônica com até mesmo recortes suaves e tudo o resto. Nenhuma base real. E é todo o aquecimento misturado, em paralelo em uma pista de retorno. Então há algumas grandes técnicas de distorção e saturação. Overdrive, muito nervoso, dentado e afiado. Então ele tem um filtro embutido saturado e eu canto redondo e gordo. O modelador de fita, o chefe do tambor era clássico para todos os tipos diferentes de sons, mas especialmente ranhuras de tambor como todo o kit de bateria. E então cola o compressor e o modo de clipe macio e até mesmo colocando tudo em paralelo. Essas são todas as técnicas que cobrimos hoje. Se for o próximo, colocaremos esses sons em um espaço e terminaremos essa coisa. 33. Imagens Stereo: Então deslize. E, em seguida, para o nosso estágio final de processamento de efeitos, geralmente, uma vez que tenhamos colocado na fila, compactado e saturado coisas e talvez até colocar um pouco de EQ hyping em algum lugar para tipo de impulsionar as coisas e fazer tudo parecer doce, tipo de intrigado juntando tudo. E faz também envia para olhar para a imagem estéreo de uma música e até mesmo sons individuais. A coisa realmente legal que você pode fazer é ir ao canal principal se você está curioso sobre o quanto, quão grande é sua mistura, se você está apenas trabalhando dentro do Ableton, você pode pegar um EQ Oito e você pode comutá-lo e desligar todos esses nós, para que ele não está fazendo nada e, em seguida, alterna o modo e os nós intermediários. Ao fazer isso, você tem que separar EQs, um para as bandas laterais e outro para as bandas mono. E se você mudar isso para os lados, você será capaz de jogar no sol. Você pode ver todas as suas frequências estéreo. Estas são todas as coisas que são apenas para que eu possa ver. Tenho muita imagem estéreo aqui. Vamos seguir em frente e aplicar essa mesma técnica em alguns de nossos ônibus individuais. Aqui está o nosso pad ou Harmony Track versus a nossa liderança. É aqui que é realmente bom considerar quais sons são os instrumentos principais versus quais sons são as vozes de apoio. Quando ouvi isto, sinto-me como o baixo e a bateria. Quero dizer, um tipo de sinal de IDM ali, o instrumento principal. Por isso, quero mantê-los mais no meio. Enquanto, como as almofadas e outras coisas, se formos para a nossa seção de ponte aqui, que é bem aqui, venha aqui, esses caras vindo aqui. Também as faixas de apoio. Então vamos em frente e ir para aquele ônibus rápido e ir para o fim da cadeia depois do encadeamento lateral e tudo mais e fazer a mesma técnica de equalização. Retorne todos os nós e coloque-o no modo interno. Podemos apenas olhar trocando para os lados. Aqui está a mononucleose. Aqui estão as bandas laterais. Então uma coisa que é realmente comum é cortar a base completamente fora dos lados, com certeza. E parece que não havia nenhuma. Mas se houvesse, você iria querer se livrar disso. E agora podemos em algum lugar entre 700 hertz e uns três ou quatro K. Essas são realmente as áreas onde nossos ouvidos podem ouvir o som picando mais. Vamos dar um impulso e ver como isso soa. Isso me deu um pouco mais de presença na imagem estéreo. E isso é uma coisa muito sutil, mas isso é muito bom. E se eu quisesse obter ainda mais ação disso, eu gostaria de colocar alguns efeitos estéreo bem na frente dele ou à esquerda antes no caminho do fluxo do sinal. E mais comum, um seria reverberação ou atraso, ou possivelmente um dispositivo de refrão. Ao vivo tem um bom dispositivo de refrão que podemos lançar antes do QE. Agora, neste caso, podemos usar conjuntos que vão gostar de camada e dar-lhe várias vozes. Clássico é apenas um velho coro normal. Aqui está sem ele. Aqui está com ele. Oi, é que a primavera e para fora para a largura um pouco. Temos controle de largura aqui, que podemos até ultrapassar. Isso é realmente empurrar essas vozes de apoio para o sinal. Também uma chance de se livrar de mais base. Se quiser ouvir mais coação, pode aumentar o feedback. Tenho um pressentimento que provavelmente não precisamos dele aqui. Isso realmente está trazendo para fora enfatizar que modulação LFO no tempo atrasado, talvez um pouquinho. Você vai até notar que eles vivem 11 agora eles nos dão um pouco de saturação também. Isso é legal. Perder a chance de ouvir essa coisa, doutor, e eu vou abrandar a corrente só um pouquinho. Não clique e mais. Isso é bom. Alto. Então essa é uma boa técnica de imagem estéreo. Vamos AB que aqui está desligado aqui faz no iOS você pode realmente ouvi-lo se movendo. Vamos fazer isso. Sam, coisa parecida com as faixas de retorno aqui. Estes são os nossos efeitos redimensionados retornos já muito largos. O truque que vou te mostrar aqui é que você pode pegar o dispositivo utilitário. Você só quer empurrar as coisas para o lado. Você pode aumentar o botão de largura no controle do utilitário. Agora, tenha cuidado com isso porque isso vai basicamente recusar tudo na genômica. E se você subir muito alto nisso, e acontecer de você estar ouvindo a faixa acabada e um ambiente mono onde é como se eu tivesse apenas um alto-falante ou talvez em uma nuvem ou algo assim onde há pequenos alto-falantes por todo o lado o quarto. Qualquer coisa que seja impulsionada para os lados como este basicamente, não estará existindo no próximo. Então, uma coisa da velha escola a fazer com a mistura, especialmente quando havia muito mais mixes acontecendo em mono, era não fazer muito boosting estéreo assim porque isso também é chamado de efeito Haas. Não faça isso porque se você fizer isso, então você perde o som no lema de x completamente, o que é uma droga. Então, vamos tentar espalhar um pouco. Neste caso, eu poderia tentar essa técnica de curso novamente. Você também pode tentar atrasar novamente ou um flanger ou reverberação. Adoro essa técnica de calor. Teremos uma pequena modulação na sua ampliação um pouco. Corte a extremidade baixa. Isso é legal. Agora vamos fazer essa técnica midside e Q novamente. Curioso quanto, quanta imagem estéreo você tem. Vire, dê uma olhada. Dê um pequeno impulso, talvez. Oi pessoal, são legais, cintilantes. E vamos nos livrar dos baixos. Como esses caras também. Agora esta é a sua chance de realmente fazer alguns cortes para se você quiser. Agora, por exemplo, digamos que tínhamos muita imagem estéreo no meio. Isso vai interferir com os nossos tambores e outras coisas. Então você pode até mesmo ser justificado. Isso é um truque um pouco mais avançado, mas digamos, você sabe, seu tambor está quebrando 250 ou 300. Talvez só impulsionar, tirar algumas dessas coisas do caminho. Sei com certeza que minha faixa de baixo, aquela base principal tem muita energia de 700 hertz. Vou cortar isso. Eu posso até ver isso na mistura mono muito alto. Então, vou arranjar espaço. Oi lá. Isto agora é encorajador. Essa coisa seria um pouco mais envolvente. Posso até tentar aumentar a escala para mais ou menos. Isto é super largo agora. E agora faz muito sentido fazer uma rápida verificação de mistura mono. Então vamos jogar o utilitário. Vamos colocá-lo em mono e ver se o som é como vai embora. Não perdemos muito, então acho que estamos bem. Então eu vou deixar isso fora, talvez deixá-lo lá para mais tarde, se quisermos. E esse é um bom exemplo de um equalizador intermediário. Vamos para a faixa de harmonia 2 e talvez cortar algumas coisas da banda média em torno da faixa de 700 hertz. Torne isso um pouco mais estreito. Vai ser muito bom para abrir espaço para a rachadura daquele tambor. E você sabe, qualquer outra coisa que esteja enchendo esse espaço e solte essa faixa e ouça isso. E eu posso ver aquele pico lá em cima, que é um Hadi. Mova esse cara para cá, tudo isso junto. Agora, vamos mudar-nos para aqui para onde os instrumentos ou expulsá-lo do nada. Super almofadas largas sobre sua análise como esses caras têm apenas uma tonelada de quando realmente imersivo e envolvente, você sabe, até o ponto onde nós provavelmente podemos transformá-los um pouco mais, esta é uma chance para não esquecer que nós tem um controle de ganho aqui. E então vamos produzir volume. Vamos dar uma olhada nisso. Veja quanto espaço eu tenho lá e vamos voltar para cima. Tipo de compensar alguns desses dB, ainda podemos fazer um pouco mais. Houston na MCA foi verificado o ônibus de efeitos. Legal. Mesmo justificar o uso deste utilitário. Mais dois drive que é de alguma forma menos do que todos juntos, você pode não saber sobre esta pista. Assim, imagens estéreo e slot de diversão geralmente começa com um pouco de efeitos estéreo como atraso ou reverberação. E então são talvez até mesmo vai um coro e, em seguida, algum EQ mid-side para realmente manchá-lo para fora, ou esquivando o material mono para as vozes de apoio e dar espaço para os tambores e as folhas, ou vice-versa, cortando para baixo em alguns dos que a energia da banda lateral para qualquer coisa que realmente deveria ser até o meio. Muitos dispositivos terão controle de largura embutido e eles estão meio que automatizando isso, mas é bom ser capaz de realmente esculpir e controlar essa imagem estéreo. Coisas muito legais. Assim, com alguns dispositivos de leitura espectral mais avançados, como a visão de isótopos, por exemplo, você será capaz de visualizar até mesmo a largura estéreo do som ligado. E isso pode ser muito bom. Mas apenas usando o EQ intermediário e olhando para as informações que você tem lá. Isso é legal. É uma boa técnica. Então, um último truque que te mostro, e esta é uma técnica de reverberação. Sempre que eu estou discando em um reverb, em particular em um som mais brilhante, mais apertado como digamos um chapéu alto, como ouvir essa batida de bateria. Este chapéu alto é muito clichê. A coisa é muito apertada e apertada. Nós somos uma técnica muito comum e legal para tentar é pegar uma reverberação, empurrar essa coisa todo o caminho para fora. Tudo o que pode ouvir é a reverberação. E eu poderia até tornar o tempo de decadência bem curto para iluminá-lo, até mesmo, até mesmo desligar o refrão, abri-lo, torná-lo agradável, apertado e brilhante. Traga isso para o clique. Isto é um B. Agora temos aquele pequeno espaço lá dentro. Você pode aumentar o espaço por aqui. Isso é muito mais agradável do que esta região é uma reverberação sob este real sutil. Mas agora como o pequeno equilibrar um pouco de cores favoritas. Então essa é uma maneira legal de tipo, você sabe, primeiro apenas ouvir a reverberação por si só e depois recuar e ter um pouco melhor para o que seu anúncio e você sabe, e eu sempre nunca, sempre, nunca, nunca hesitar em AB coisas lá. Só para verificar novamente sua mistura e ter certeza de que é um bom geral. Nunca esquecerei isso. Então a última coisa que ainda não fizemos aqui , então vamos fazer nos próximos vídeos é realmente equilibrada. O volume que eu ainda posso ouvir agora que nós exageramos as coisas e as aumentamos e saturamos e as espalhamos. Vamos querer readvestir todos os nossos níveis. E essa é realmente a mistura e isso é bem ao virar da esquina. Então, obrigado por estar aqui na Slam Academy e planejar com todas essas ferramentas divertidas dentro de Ableton. E lembre-se, não se esqueça se você sente como se estivesse perto mas não perfeitamente agora que você tem apenas continuar praticando e tudo de melhor. 34. Medição: Ei, pessoal, bem-vindos de volta. Agora, aqui estamos nós na segunda semana de mixagem e masterização e Slam Academy e eles são capazes de programar ao vivo aqui. Estamos usando ao vivo 11 e misturado nesta pista. Hoje vamos nos concentrar em obter uma boa compreensão do mix de volume geral e realmente certificar-nos de que temos os níveis certos para todas as nossas faixas em toda a coisa, criando um bom e equilibrado, realmente o mixdown é o que estamos prestes a fazer agora. Então vamos começar por um ouvir esta faixa e olhando para os nossos medidores, vamos aprender um pouco sobre medição, espaço livre, e também sobre o conteúdo de frequência que todos os nossos instrumentos estão gerando. Voltando àquela sessão anterior, coisa muito legal que podemos fazer aqui. Talvez preparar o nosso misturador. No entanto espectro lá em cima para que possamos ver todos os canais. Está tudo bem organizado. Vamos verificar isso. Tudo bem, então se olharmos, temos alguns pedaços diferentes de feedback visual com os quais podemos aprender. Primeiro de tudo, olhando para a amplitude e vamos começar com isso. Então é aqui que eu novamente, eu gosto de ter esses medidores bonitos e altos. Temos uma boa resolução visual para quanto, quantas casas decimais estamos trabalhando. E cada uma dessas linhas horizontais é seis dB. E eu sempre gosto de dizer especialmente meu curso de design de som, entender um decimal é como um. Db é como apenas uma pequena porção de volume, se preferir. E geralmente quando estamos ajustando as coisas, seja dentro de um compressor ou mesmo no mixer aqui, vamos mover as coisas para cima e para baixo em volume e decimais. E um dB é quase quase o suficiente para outras pessoas perceberem quando você está fazendo o ajuste. Se você ajustar algo em mais de três dB, todos vão notar se eles estão ou não prestando muita atenção. Então, às vezes, vamos ajustar as coisas por décimos de um dB segurando, clicando em um fader e segurando Shift e usando nossas teclas de seta, podemos olhar nesses pequenos campos de dados e nos dizer, vamos ver quantos dB estamos ajustando. Você tem 10 Shift clique antes que alguém perceba realmente. E como 30 ou 30 dB antes que as pessoas sejam realmente quatro, ele vai saltar para as pessoas. Essas são as áreas nos reinos vão ser muito bem ajustando nosso volume. E quando se trata de decimais, podemos olhar para os nossos medidores para ver como as coisas são barulhentas. Mas como mencionamos no vídeo de dinâmica, alguns vídeos de volta, podemos ver os picos mais suaves e verdes. Esse é o volume de pico momentâneo, enquanto o menor volume verde mais brilhante é o RMS, também conhecido como o volume médio. A distância entre esses picos e a média é como o quão comprimido ou o quão alto algo vai se sentir. Especialmente no que diz respeito ao nosso volume principal e à quantidade de espaço que temos no geral, vai fazer sentido ficar de olho nisso. Então essa é a primeira dica é medição e decibéis é, e quanto um dB, realmente? A leitura pouco superior aqui você pode clicar em e que redefine o medidor até a altura de pico. Então, se eu clicar aqui, eles estão todos redefinidos e agora eu posso apenas apertar Play. Na verdade, eu poderia ir para uma parte mais pesada da pista, talvez como a queda. E então eu posso bater Stop e eu posso ver como tudo está barulhento. Assim como minhas faixas de efeitos sonoros estão em 14 negativo e minha faixa de harmonia está em 7,5 negativo. Minhas melodias no negativo 12. Olha, o meu tambor aqui está em 1,5 negativo. Esses são bons números para notar porque nós vamos estar reajustando o volume de todas as nossas faixas e tentar preencher este volume mestre com todas as coisas boas, certificando-se de que cada dB aqui é todas as coisas que são desejáveis que nós realmente Quero. E há um pouco de um roteiro que eu posso traçar para vocês enquanto entramos no mixdown no próximo vídeo sobre como usar esses decimais para o melhor de nossa vantagem. Então temos o nível máximo. Temos o nível de fader de volume, que é ajustável intenso segurando Shift com setas. E, e nós temos pico versus média. Então, essas são todas as coisas que você quer estar ciente. Agora, a próxima coisa que é bom de olhar é o espectro. E eu coloquei o espectro na faixa principal alguns vídeos atrás. Mas faz sentido ter isso lá. E, às vezes, vou até às minhas Preferências aqui, diminuir o zoom e tocar. Então eu ainda posso ter aqueles grandes altos medidores de volume e uma bela visão espectral aqui onde eu posso ver o espectro. Assim que eu tiver tudo pronto, geralmente o que eu vou fazer é pegar o dispositivo de espectro no mestre novamente. E em vez de tê-lo neste intervalo de volume automático, onde o eixo y está sempre escalando para cima e para baixo o tempo todo assim. Veja como ele começa a comprimir à medida que os sons ficam mais silenciosos e silenciosos. Em outras palavras, ampliando e diminuindo o zoom. Isso é meio irritante. Então clique aqui no seu alcance e coloque este máximo em 0 negativo. E então, eu acho que ou 0, a mesma coisa. E então para o alcance dos homens, que é o fundo, vamos colocar isso em torno de 100. Então isso é, então o som mais silencioso que vai aparecer aqui vai ser como negativo 95 ou 100. E então o topo da nossa tela, o que podemos ver é literalmente o teto. Assim, quando parou? Não escala mais. Ele só fica bem ali. E você pode até ver, ok, se cada uma dessas linhas horizontais, neste caso nossos 12 dB, parece que meu chute está aqui em cima. O meu tambor está aqui em cima a 10 negativos. Estou olhando para baixo neste pequeno campo de dados, isso é realmente útil. Eu chuto bateria em 10 negativo, o soco do meu chute como em torno de 11 negativo. E você pode ver onde cada um desses picos estão e como eles são barulhentos. E isso lhe dará algumas dicas de como ajustar as coisas. Um pouco de um padrão que você pode usar quando você está olhando para este declive descendo, é chamado de referência de ruído rosa. Ruído rosa é como, não diferente do ruído branco onde é mesmo volume todo o caminho através, mas ele é realmente inclinado para baixo. Então e, e este é um padrão que podemos olhar e você não quer viver e morrer por isso. Mas, de um modo geral, a coisa mais alta em sua mistura deve ser a base, a base, e então deve, as coisas devem ficar progressivamente um pouco mais suaves e silenciosas à medida que chegamos aqui no território da textura. Então todas as nossas melodias e harmonias serão visíveis aqui entre 80, 90 hertz e talvez dois ou três K. E então este é todo o ambiente, textura e presença. Enquanto o subbaixo está aqui em cima. E eu posso até dizer olhando, eu provavelmente posso me safar girando meu tambor um pouco para cima. Seja qual for o som que estiver aqui, o que eu acredito é a coragem do som do baixo que volta a usar um tempo atrás, é um pouco alto. Eu posso abaixar isso e nós vamos tentar alcançar e como mesmo inclinação indo para baixo. E quando fizermos isso, provavelmente vamos estar misturando ao redor nosso tambor de chute sendo bem em torno de 10 negativo ou negativo, negativo 10 ou negativo 12 é meio que uma referência legal. Então isso é tudo apenas mais preparação para a mistura. Nós entendemos decibéis, como nossos medidores funcionam, como ajustar intensamente, como escalar nossa tela, como olhar para nosso espectro e tê-lo em uma faixa de amplitude fixa. E como realmente obter algumas dicas do que estamos vendo quando olhamos para essas interfaces. Então, para o nosso próximo vídeo, vamos falar sobre ganho de encenação e espaço livre. E vamos começar a construir a nossa pirâmide mista ao virar da esquina. Então aguente firme e te vejo no próximo vídeo. 35. Gain de baixo: Tudo bem, estamos de volta aqui para a primeira parte da mixdown real. Isso vai ser muito divertido e há um par de princípios legais que eu meio que alertei no vídeo anterior que nós vamos ser capazes de cobrir. Primeiro de tudo, antes de chegarmos ao mix real, uma técnica realmente grande que eu quero ter certeza de todos quadril dois é primeiro olhando para o seu mixer e se você tem qualquer automação em qualquer um desses faders de volume, como talvez eu fiz aqui no meu freios faixa, Eu tinha alguma automação de volume aqui para o enchimento do tambor. Faz muito sentido liberar esse fader e você não quer abandonar a automação porque foi uma coisa legal que você fez. Você pode simplesmente pegar a pista e apertar Command G. e isso vai colocá-lo em outro fader essencialmente mix. E você pode dobrá-lo e até mesmo renomeá-lo com o Command R. E agora você tem um novo controle de volume para essa faixa geral. E ainda está preservando a automação de volume. Portanto, há muito trabalho em torno de ter a automação do mixer para volume, mas essa é provavelmente a melhor porque isso só vai simplificar, permitindo que você ainda tenha sua automação. Você ainda pode editar sua automação. Ainda está tudo lá. Você pode ver que eu tenho uma boa bomba de volume no meu tambor. Isso é fixe. Então eu gosto disso. Eu não quero me livrar disso. Então, basta apertar o Comando G e agrupá-lo em outra pista, agrupá-lo em um ônibus, e depois dobrado. Então isso é bem apertado. É uma boa dica. A outra coisa que vale a pena mencionar é, eu acho que o próximo passo, uma vez que você tem tudo dobrado em grupos, isso é passar por seu mixer e silenciar tudo. Então mude todos os seus ônibus. Então o teatro pode, basicamente, você não vai ser capaz de ouvir nada. E olha aqui, eu tenho uma automação rápida aqui naquela pista. Agora esta é a minha faixa de baixo original. Eu só vou em frente e agrupar isso para que eu possa silenciá-lo. O mesmo acordo. Vamos silenciar tudo, exceto o chute. Como aqui, eu tenho meus filhos tambor aqui são realmente, realmente incrível coisa que você pode fazer agora é você pode ou agrupar isso ou você pode apenas fazer uma faixa separada apenas para o seu chute tambor. Este é um movimento clássico muito legal para, especialmente para música que é chute tambor pesado como techno ou house ou qualquer coisa que é como baixo pesado real. Você pode fazer uma faixa apenas para o seu KYC. E então o que você pode fazer é abrir o kit de bateria, silenciar o tambor de pontapé no mixer. E então aqui, aperte a opção Command I e pegue o áudio do seu kit, chute tambor. E uma vez que você faz isso, é honestamente, provavelmente é melhor fazer isso. Vamos levá-lo efeitos pós e, em seguida, colocá-lo no modo monitor de entrada. Agora podemos trazer esse cara para cá. Temos uma pista separada agora só para o nosso “kick drum”. Coisa legal sobre isso é que enquanto agora, quando o kick drum bate, ele não está comprimindo todos os outros tambores no KFC têm um compressor separado e pista de distorção para todos os seus tambores separados do pontapé. Mas também isso é bom e conveniente, porque você pode apenas mostrar apenas o tambor de pontapé e só defender na mistura. Agora, vamos para a seção onde está a entrega. E eu só tenho uma boa pista de bateria. O truque em fazer isso neste caso é que se você ajustou bem sua compressão e dinâmica, você vai querer voltar e fazer isso. Então eu posso olhar para este tambor groove, dar uma olhada no que está acontecendo no meu kit. E o compressor está trabalhando muito menos duro. Agora, neste caso, eu realmente não tenho nenhuma grande compressão acontecendo na bateria. Então eu devo ficar bem. Vou renomear este kit de grupo dobrado. E então eu vou realmente ir para aquele tambor e dar-lhe um pouco de compressão. Quero um pouco mais de espaço nisso. Se eu clicar, posso girar a serra. Decida quanto dessa tendência Zoom e um lá dentro, Isso é legal. Asana. Então, uma vez que você tem esse pontapé em sua própria pista, um tipo muito legal de técnica clássica aqui é apenas para ajustar o tambor de pontapé. Então coloque seu volume principal aqui até 0, e então ajuste esse tambor até que o fader mestre esteja atingindo um pico em torno de 10 negativo. Esta não é uma regra difícil e rápida de que esta é uma técnica que eu aprendi por anos e que foi realmente grande. Então, uh, assim como chute tambor aqui, até que você não tenha que redefinir esses caras novamente até que tenha uma ROM, negativo dez, negativo oito, negativo nove. Descemos um pouquinho mais. E aqui é onde eu posso clicar e mudar clique para baixo e ir para o outro dv. Nós dissemos negativo 9.5, isso é ótimo. Então agora o que nós vamos fazer é nós vamos, uma vez que você tem o chute no negativo 10, nós vamos essencialmente usar isso como um espaço reservado matemático apertado para construir todo o nosso Nick por aí com o nosso mestre canal em 0 negativo e nosso tambor de chute em 10 negativo, você deve ser capaz de apenas usar nossos ouvidos e construir esta pirâmide ao redor do tambor de chute, certificando-se de que o chute é como a parte mais alta e clara. Mas antes de começarmos a construir toda a pirâmide, há um outro pequeno passo legal que quero mencionar. Tenho aquele pontapé para cima. E agora este é um dos raros estágios na mistura onde você vai querer aumentar as coisas um pouco mais alto em sua sala de controle ou em seus fones de ouvido para corrigir meus fones um pouco. E nós vamos para a minha faixa de baixo e eu vou abaixar isso, desativá-lo. E sem olhar para os medidores, eu só vou levar isso até lá você vai. Então, agora eu trouxe aquele chute tambor para ter gosto como um pouco aninhado bem ali dentro com o bolo. Se eu adicionar um sub baixo, eu quero fazer o sub baixo primeiro. Mas basicamente só usando suas orelhas, pegue o chute e o baixo se encaixe perfeitamente. Então, fazendo isso, seu medidor ainda deve ouvir estar em torno de 10 é tempo especialmente negativo, especialmente se você tivesse uma boa corrente lateral lá, o que nós fazemos. E isso é meio que o começo para as pirâmides. As pirâmides vão iniciar o meio e o lema para a maior parte, chute e base são geralmente até o meio para a maior parte, pelo menos a extremidade baixa. E esse é o começo para sua pirâmide mista. Apenas fazendo aquele volume da base para provar em torno do chute que está em 10 negativo com tudo o resto silenciado. Então isso é um bom começo para construir a pirâmide, e vamos passar para os outros sons da pirâmide em seguida. 36. Crie a Pyramid: Certo, então para o próximo lugar, vamos pular aqui. Temos o nosso pontapé e base, todos bons e equilibrados chutes em 10 bases negativas a gosto. E aqui é agora que você tem que fazer uma espécie de escolha de estilo dependendo se você tem ou não vocais. Então, uma das primeiras coisas que eu gostaria de mencionar é se você tem vocais em sua faixa em tudo, você geralmente quer misturar seu volume apenas para o pontapé e base porque havia como realmente importante e eles devem estar presentes e alto sobre o Mistura inteira. E uma ótima maneira de conseguir isso é trazer aqueles em torno do chute e você só tem o pontapé e o papel baixo em trazer os vocais. Talvez até ajuste fino o equalizador, certifique-se de que eles se encaixam lá e a compressão, obter que apenas as vozes principais para caber e, em seguida, passar para as outras, outras vozes na mistura. Agora, neste caso, eu não tenho nenhum vocal nesta faixa, então eu vou pular esse passo. Mas vou começar a construir a pirâmide agora. E eu adoro visualizar uma pirâmide mista de novo com base de kickin no meio sendo mono. E então, à medida que começamos a descer a pirâmide, as próximas coisas que viramos, unmute e aparecemos são os próximos sons mais importantes que serão como a maioria do meio, a maioria mono, mas têm um pouco de estéreo, como tarola, chapéus altos montar pratos. E então, à medida que sairmos, talvez então vamos começar a gostar dos instrumentos de chumbo. E então, enquanto nos movemos um pouco mais para fora, acompanhando coisas melódicas e, em seguida, harmonias que são geralmente mais largas, mais silenciosas do que tudo o resto. E, por fora, temos as faixas de efeitos sonoros. Agora, felizmente, estamos organizando nosso mixer como bons produtores corretamente. Então esse é o arranjo do nosso mixer, mas não exatamente. Então vamos em frente e passar para o nosso kit de bateria para que eu possa vir aqui agora e fechá-lo. E eu posso começar. Estes individualmente são apenas trazer em todo o kit e Tate fazer isso a gosto. Eu vou abaixar. Só estou ajustando isso para abaixar o tambor em um pequeno turno de espera para décimos de um dB. E vamos ver os chapéus abertos aqui. E é muito bom. Quero recusar isso, tocar no nosso curso. Aí estão os meus tambores. Agora. Temos outra, outra vez, outra pista de bateria bem aqui. Vamos abaixar isso e ouvir esse cara, nossos grupos, nosso turno e flechas. Sei que tenho mais enchimentos de tambor aqui. É bom ter essa visão geral do arranjo. Agora. Eu subtrair a percussão onde alto e verificar o nível dentro do grupo. Clique. Já tenho esse grupo. Então eu vou definir dados. E o nosso tamarindo para baixo. É muito bom. Então agora temos nossos tambores dentro ou base em toda a nossa percussão meio movendo-se pela pirâmide. Estes sons agora têm um pouco de pan. Sabe, eles não são tão barulhentos quanto o chute e a base, mas eles estão meio que cercam o chute e a base. Então vamos passar para os nossos instrumentos melódicos. Esses serão os próximos no tipo de fluxo de trabalho. Então eu vou abaixar isso e trazê-lo para dentro. Provavelmente indo para uma seção da pista onde eles estão todos explodidos e ele iria para losango. Aqui vamos nós. É como nós, onde tínhamos aqueles para verificar o interior da mistura. Aqui, este intrusivo ou quem sabe, o que vai acontecer, é que a maioria MOOC. Estamos trazendo aquela voz melódica, só um toque. É bom saber que é muito bom. Vamos tentar essa outra seção. Vou passar pelos nossos primeiros dois milhares. E vocês podem ver uma regra geral que eu apliquei é que a voz principal é um pouco, é mais mono e está mais no meio e é um pouco mais alto. As vozes de harmonia, como os acordes e as notas de harmonia sustentadoras, são mais largas e um pouco mais silenciosas. Por isso, fez questão de equilibrar as coisas bem. E agora, por último, vamos olhar para o chefe da harmonia. Agora, eu vou sozinho para ter certeza de que nos lembramos com o que estamos trabalhando. Esta almofada passa. A API permite que você use. Então isso parece estar se encaixando bem na nossa última faixa. Vamos acasalar. São os nossos efeitos devem lembrar que estas são aquelas faixas isoladas de retorno foram gravadas para que possamos cortar e cadeia lateral e outras coisas. Então isso é coisa mais super ampla que vai ser o mais silencioso. Todos os nossos pequenos símbolos de um tiro, sons macios e sons de transição também estão aqui. Então podemos querer nos mover ao longo do arranjo e ter certeza de que temos a seção vermelha. Vamos para esta parte. Agora, o repentino, muito bom. Então nós temos uma boa mistura geral, tudo soando bem. Vamos passar para a próxima seção. Certifica-te de que apanhamos todas aquelas minorias de um tiro. Muito agradável. Então, uma vez que temos tudo para baixo, notem que fazer muito sentido apenas como verificar duas vezes. Olhe aqui e o canal principal e veja onde acabamos. Nosso alvo deve estar em torno de cinco negativos, seis negativos. E seis dB negativos é realmente o tipo de meta padrão da indústria para uma música remasterizada. E vamos saltar para fora e vamos fazer isso nos próximos vídeos. Nós apenas atravessamos e construímos nossa pirâmide. E muitas pessoas estão apreensivas para fazer este passo porque eles são como, Oh, eu já tenho trabalhado na música por tanto tempo. Estive misturando à medida que vou. E isso é ótimo. Mas o que acontece é que quando você está trabalhando no tambor, você vai querer que ele seja bom e alto. E quando você estiver trabalhando nas almofadas, você vai querer que seja agradável e barulhento. E enquanto você faz a música, tudo tem que ser alto e certo. Mas há algo importante sobre uma mistura quando é como exuberante e há alguns sons que estão no fundo, alguns sons que são todos frontais. Nem todos os membros da banda devem estar bem na frente da fase do público. E nós somos capazes de conseguir isso de forma bastante eficaz reconstruindo armados experimentados meio que começando do zero. Muitas escolas de pensamento aqui, lá fora no mundo sobre como misturar a pista. Este é apenas um de muitos. Mas começar a construir sua pirâmide em torno de seu chute no negativo 10, trazendo sua base a gosto, então fazendo vocais se você tiver algum, e então movendo seu caminho para baixo da pirâmide até finalmente você chegar aos efeitos sonoros e, e os sons de transição e tais que são os mais amplos e silenciosos, que geralmente vai produzir consistentemente bons resultados, tanto quanto a mixdown. Então estamos prontos para expulsar tudo. É o que faremos no próximo vídeo. Então, obrigado por sair comigo. Tudo bem. 37. Configurações de renderização: Tudo bem, estamos de volta, temos o nosso som de mistura e muito bom. Estamos muito felizes com isso. Agora é hora de fazer algumas configurações de renderização que vamos fazer neste vídeo é que vamos saltar para fora nosso negativo 6 dB premaster. Agora nós já construímos nossa mistura em torno de um chute no negativo 10, o que nos deixou em cerca de 7,7 negativo, o que é muito doce. Vamos deixar isso na entrega e ver o que está acontecendo. Na verdade, eu acho que talvez ouça realmente quando as coisas estão chutando. O negativo 6 em algum lugar entre cinco negativos e oito negativos geralmente está bem. E então, como você percebe, eu estava verificando meu espectro aqui só para ver como aquela inclinação estava olhando. Esta é a nossa última chance de fazer quaisquer ajustes mistos que as folhas devem ser provavelmente picar para fora um pouco. Eu sinto que as conotações naquela base são um pouco quentes. Então esta é a nossa última chance de passar e fazer alguns ajustes finais. Temos um pouco de seis negativos por aqui. Eu vou, vou olhar para o céu mais uma vez. Então eu posso apenas tomar uma pequena nota, eu posso dizer, tudo bem, bem esta nota F e este g, que são ambos vermelhos em torno de 350 e 400, bem como talvez este 580 a 350 a 400 e 500, 600. Eu posso apenas ir para a minha faixa de baixo e talvez a equipe que um pouco já está meio aninhada, mas eu vou me dar mais um pequeno nó, vermelho em torno daquela faixa de 350 a 400, um pouco mais estreita. Empurre esses caras um pouco para baixo. E esse cara, talvez eu derrube só um pouquinho mais e talvez por que acabou logo após nossos olhares de sombra CR agora, esses são um pouco mais equilibrados e meio que de forma constante não tinha feito isso. Soa bem aos meus ouvidos. Então última chance para a coluna em cada semana na mistura, verifique novamente seus níveis, obtenha-o entre seis negativos e oito negativos. E agora podemos ir em frente e selecionar tudo em todo o arranjo com o Comando e, em seguida, apertar o Comando L para definir a corrida de loop em torno de tudo. Mude o Comando R para renderizar para o disco e fazer nossos ossos. Agora, se você acabou antes de fazer o salto, precisando ajustar qualquer espaço aqui, como se fosse muito alto ou muito silencioso, você pode ajustar seu ganho aqui. Outra coisa que você pode fazer se você quiser é você pode selecionar tudo em todo o seu mixer. E como neste caso, queríamos que isto fosse até seis negativos. Vamos aperfeiçoar isso. Seis negativos, é praticamente perfeito momento tambor cheio. Com todos estes selecionados embora eu poderia clicar aqui e eu posso segurar Shift e eu estou ajustando todo o mixer em décimos de um dB. Vamos tentar aqui, que é três, negativo quatro pouco longe demais. Reiniciá-lo. E você mantenha o controle aqui. Ótima. Então CR eu selecionei tudo e fazer um pequeno clique de turno apenas para equilibrá-lo. Eu também posso apenas ajustar isso, mas nosso objetivo é em torno de seis negativos e a parte mais alta da música. E uma vez que selecionamos tudo, podemos pressionar Shift Command R para ir para nossas configurações de renderização. E os grandes passos que você quer ter certeza verificar novamente aqui é que você tem todos esses caras desligados em particular converter ou, obviamente, converter para mono. Mas normalize, você quer ter certeza que você tem fora. E, em seguida, geralmente colocar isso em 24 bits. E sem dither, você realmente não precisa fazer um MP3 neste momento, mas isso geralmente é suas configurações de renderização. Se o seu áudio foi originalmente gravado em 441, você provavelmente poderia estar saltando em 40 por um. Às vezes, isso lhe dará uma oportunidade de definir ossos e dobrar a taxa de amostragem. Não é realmente necessário para música eletrônica, mas se você está fazendo uma partitura de filme ou música clássica e gravado na orquestra ou algo onde sutilezas na faixa de freqüência pode ser realmente, muito importante. Isso pode ser uma teoria que algumas pessoas aderem a conhecer. Neste caso, eu estou ouvindo em 44 um, eu posso entrar em uma de minhas faixas de áudio e eu posso dar uma olhada nesta amostra. Está no 441. Então meu, todo o meu áudio e esta sessão é 44 1s. Então agora eu vou realmente saltar em 441 ou dobrar isso em 88 para evitar 48 ou 96, eu vou colocá-lo em 44, 124 bit. Isso faz bom sentido. Todas essas coisas desligaram. Agora vou fazer o meu equilíbrio. E a última dica para este vídeo está no final do nome do arquivo. Aqui é onde realmente faz muito sentido colocar talvez um sublinhado e depois fazer seis negativos. Pré-mestre todas as maiúsculas no final do nome do arquivo. Isso é importante porque este é um arquivo silencioso com todo aquele espaço em cima e coisas de alta ressonância. Você realmente não quer colocar isso acidentalmente sob SoundCloud ou qualquer coisa que faça sentido para mantê-lo separado. Então, pressionando Salvar agora ele vai estar saltando para fora meus 6 nicks negativos de arquivo. E isso vai ser o que vamos arrastar de volta para mestre e nossos próximos vídeos. Então, quando se trata desse premaster, ter esse nome de arquivo correto faz muito sentido. Também faz muito sentido manter esta coisa bem organizada. Coloque-o na pasta do projeto e certifique-se sempre que você estiver indo na estrada, eu não sei, fazer um MP3 ou compartilhar uma faixa com alguém ou o que quer que seja. Basta manter este arquivo 6 negativo tipo de sob wraps apenas para você porque novamente, é silencioso. Não tem desbotamento nem nada ainda. É no mestre. E é por isso que eu realmente gosto de ter essas coisas de nome de arquivo realmente resolvido. E além disso. E é basicamente isso. Assim que as coisas forem retiradas, podemos apertar o botão de pausa e passaremos a dominar esta faixa na próxima semana para as aulas de masterização. Então, tudo bem, tenha uma ótima noite. 38. Teoria para dominar: Muito bem, pessoal, estamos de volta. Esta série de vídeos. Vamos cobrir algumas técnicas de maximização ou masterização. Você será capaz de aplicá-lo às suas misturas estéreo. Em outras palavras, depois que você saltou para fora uma faixa como fizemos nos vídeos anteriores que está em seis negativos, tipo um arquivo WAV mais silencioso. Nós vamos ser capazes de arrastá-lo de volta, capaz de seguir estes passos, para bombeá-lo para cima e certificar-se de que é tão alto e claro quanto possível. modo geral, quando você estiver misturando, atribua seu tipo de mistura silenciosamente, certificando-se de que tudo está bem equilibrado em relação a tudo o resto. Enquanto que quando é hora de dominá-lo, é tudo sobre fazer com que ele seja tão alto e claro quanto pode ser em referência ou em relação a outras faixas, talvez em seu fluxo. Porque este pode ser o último passo que qualquer pessoa vai tocar na música antes que ela apareça no Spotify, Pandora ou iTunes ou qualquer serviço de streaming que as pessoas estão usando. E você quer ter certeza de que quando sua música for lançada, é tão alto e claro quanto as músicas anteriores misturadas e masterizadas profissionalmente. Então, há um pouco de uma velha teoria aqui chamada “Guerra do Loudness”. Mesmo datando dos primeiros dias da rádio, as músicas que vendiam mais discos foram as mais altas. Porque quando eles vinham no DJ, você sabe, tocavam a próxima música no rádio e permitiam que uma música chamasse a atenção de todos. Então esse foi o nascimento da guerra do barulho. E agora é enquanto eu acredito que as pessoas realmente cresceram fora disso e estão procurando por algo que é um pouco mais dinâmico e essencial do que apenas a coisa mais barulhenta possível. Certamente especialmente em gêneros modernos de EDM e outras coisas. Loudness ainda é muito, muito importante. Eu sei que tenho digitado um monte de minhas próprias músicas são obras em andamento no dia em que eu não fiz isso. E muitas vezes você tem que ligar o mixer de DJ para cima e simplesmente não soa tão bom. Então nós realmente queremos ter certeza de que qualquer pessoa que esteja ouvindo em casa pode ouvir todos os sons e é agradável e claro. E isso nos permitirá otimizar nossa experiência de ouvintes. Então, maximizando, eu gostaria de chamar esse tipo de processo de masterização. E isso é realmente tudo sobre aumentar esse volume. Então, se você se lembrar olhando para o canal mestre, um bom lugar para começar é aumentar seus medidores para onde eles são agradáveis e quentes, amarrá-lo bem e alto. E você quer ter certeza de que seu medidor, seus volumes estão todos 0 abaixo para 0 negativo. Então há todo o caminho para cima. E nós seremos capazes de assistir quando importarmos nossa pista e garantir, você sabe que ele está atingindo o pico abaixo ainda estão em torno de seis negativos. E vamos ser capazes de ver que a medição RMS bem como estávamos falando em vídeos anteriores. E aqui no mestre, depois de bombear tudo, você será capaz de ver que RMS fica mais alto e mais alto. E, eventualmente, como o nível de RMS fica dentro de cerca de seis dB dos picos, você está chegando perto de um bem dominado assim por diante, se ele está bem misturado, provavelmente já está muito perto disso. Mas estilos diferentes exigem um nível diferente de RMS. E geralmente, se você for para música eletrônica, o DJ vai tocar ou ser tocado em um festival ou em um clube. Você quer que essa rede, esse valor RMS esteja em algum lugar em torno de quatro negativos. Dar ou pegar um par de dB, qualquer coisa menos do que isso, como três negativos vai soar bastante áspero a menos que seja E cued perfeitamente. E qualquer coisa mais do que isso, como seis negativos ou sete negativos não vai ser alto o suficiente para se juntar às outras músicas da sua lista de reprodução. Então isso é um pouco sobre o padrão RMS. Outra coisa que eu gostaria de mencionar muito, muito rápido, é que você quer ter certeza de que se você sabe que você está mastering para MP3 ou apenas serviço de streaming, isso é apenas um pouco de uma abordagem diferente do que se você está masterizando para vinil. Por exemplo, masterização de vinil é sua própria forma de arte e não estamos cobrindo isso nesta classe. Assumo que depois de saltares estes rastros, vais pô-los no Bandcamp ou no SoundCloud ou enviá-los para destruir o miúdo ou o que for. Então eles vão para cima no Spotify ou beat port. É para isso que estamos preparando as coisas. Então isso é dominar para a era digital e para dominar idealmente nossas faixas para eventualmente se tornarem MP3s, o que é um pouco doloroso. Mas isso é o que é. Então, para preparar uma sessão novamente, nós queremos ter certeza que eu sou nossos volumes aqui estão todos em 0. E geralmente você pode se livrar de qualquer faixa que você tem, exceto para uma faixa de áudio. E também quero ter certeza de que não há efeitos padrão lá. Esse é o tipo de configuração vai passar aqui para o Arranjo View, vai estar desligando a grade também, então podemos simplesmente soltar coisas. Isto é como um cassetete agora. E poderíamos até nos livrar da quantização do lançamento ou do contador se tivéssemos um. Então isso agora vai ser meio que tudo configurado para dominar em uma única faixa. E em nosso próximo vídeo, vamos começar a empilhar alguns efeitos em nossa faixa e fazer com que ela soe bem alto. Tão tóxico. 39. Como se preparar para mestre: Tudo bem, agora que estamos de volta aqui e prontos para começar a importar nossa sessão e nos preparar para dominar. Posso guiar para a vista de arranjos e posso fazer alguns movimentos rápidos de configuração. Primeiro, posso acertar o Comando F4 para sair do radar. Então eu não tenho mais grade de edição e eu também posso ir para o condado. E se eu tivesse um e me livrar disso, vai ser irritante quando eu estiver dominando. Além de desligar a quantização do lançamento. Isso agora só vai funcionar como um deck de fitas estéreo. E posso arrastar a minha pista e prepará-la para dominar. Então eu vou em frente e apenas pegar minha música, meu pré-mestre de 6 dB negativo. E eu vou deixar cair. E eu vou me certificar de que eu tenho o arquivo negativo do banco de dados seis e eu vou olhar através do espaço todo o caminho para ver se há algum grande pico alto. Até esse cara aqui talvez seja um pouco questionável. Se eu realmente quisesse ser super retentiva anal, eu poderia ir para o mixdown e descobrir o que foi aquele pequeno hit de bateria. Foi um pouco alto ou som de percussão. Talvez seja uma gravação de campo. Mas no geral, antes de dominar, É sempre bom ver uma fase de ganho bom mesmo todo o caminho em toda a pista. Claro que deve haver dinâmica. Mas se você tivesse um grande pico aleatório saindo maior do que o que você vê aqui, você provavelmente vai querer voltar para a mistura e corrigi-lo. Isso vai, claro, ser suavizado em masterização. Mas quanto melhor for a mistura, menos do que a masterização tem que realmente evocar, e melhor o produto final soará. Então, agora que importamos a pista e podemos vê-la no canal. Faz sentido clicar duas vezes e olhar e certificar-se antes de tudo, que não está no modo warp. Isso é muito, muito importante. E disseram-me que estraguei tudo, se tiveres a tua pista a ser distorcida. E, além disso, você quer colocar fades no front-end do arquivo. Este é um estágio muitas vezes negligenciado, mas crítico do processo de masterização do engenheiro. Então vamos deslizar isso para o início da música. E agora vou dizer o primeiro som que ouço. Eu geralmente quero tê-lo em torno da primeira 16ª nota. A teoria aqui é que depois que você aperta Play, você tem como uma fração de segundo para tirar a mão do botão antes de ouvir o primeiro som. Isso vai garantir que nenhum áudio desapareça ou qualquer coisa esteja desaparecendo e tirando o soco do primeiro som. Tipo, digamos que, por exemplo, você teve uma faixa que começou como boom, e você deixou cair assim. Você não iria querer dominá-lo assim. Você gostaria de ampliar. Você pode ver minha 16ª nota aqui Aí está meu primeiro 16º. Eu provavelmente colocaria isso como lido em algum lugar aqui. E então eu entrava no primeiro golpe e certificava-me que aquele fago visse como foi suave o suficiente no primeiro golpe, que é o gueto. Você quer que primeiro ele esteja totalmente lá, mas você não quer nenhum feed porque isso vai soar como um clique potencialmente. Então em algum lugar lá com apenas um pequeno desvanecimento, cerca de uma nota 16 dentro, e soaria assim. Tudo bem, então quando você puxa sua mão para longe, bate no jogo. Agora, no caso da nossa produção, fomos inteligentes e fomos em frente e demos algum silêncio e o início da pista. Então agora eu posso apenas dizer, tudo bem, vamos até aqui. Faça com que este primeiro hit esteja em algum lugar um pouco antes da primeira 16ª nota, que é um pouco agradável de respiração, talvez um pouco menos. E então eu vou ir em frente e colocar um pouco de desvanecimento aqui para ter certeza de que não há clique no início. Vamos experimentá-lo. Então isso parece ótimo e se sente ótimo. Agora vamos para o final da pista e fazer a mesma coisa. Vamos até aqui e aqui é onde eu realmente gosto de ter certeza que eu posso ver meus medidores porque nós vamos estar esperando o som para ficar completamente silencioso. E parece que é silencioso, mas não é. Vamos esperar até que aquela coisa acabe. Bem ali. Isso é ótimo. E eu posso ver onde está essa linha. Vamos me arrastar por ali. E então eu posso ir em frente e acertar o desvanecimento. Vamos tentar isso. E imagine quanto tempo eu quero que isso seja tocado antes que a próxima música comece por aí? Então, na verdade, vou aproximá-lo um pouco mais. Vamos apenas para finesse e que altro desvanece. Isso é novamente negligenciado. Mas técnica importante dos engenheiros de masterização para deixar essa coisa desaparecer. Isso é provavelmente ótimo. Na verdade, eu sinto que ainda é um pouco demais apenas tempo suficiente para a próxima faixa de Pandora se desvanecer ou algo assim. Então isso é, isso é uma boa armação. Então agora o que eu vou fazer é pegar aquela corrida de loop, e eu vou arrastá-la até o início da música, certificando-se de incluir qualquer silêncio que eu coloquei manualmente lá e depois trazer isso para o final do faixa. Chegue um pouco mais perto aqui. Meu conselho é levar isso até o fim. Agora temos uma boa configuração ou uma faixa é importada. Podemos ver toda a fase do jogo cintas em torno de toda a quantidade de tempo com desvanecimento. Não estamos em modo warp. E agora não há nenhuma adição, há qualquer lixo adicional na sessão também. Mesmo que tivesses algumas faixas de retorno, podes apagar todos aqueles tipos. Alguma sessão adicional, alguma coisa adicional? Sempre, é claro, certificando-se de que não há efeitos padrão na pista. Os volumes estão todos em 0 também. Então isso é apenas excluído em 0. E nós devemos estar prontos para ir, basta começar a processar esta faixa e realmente bombeá-lo para fora e torná-lo agradável e alto estará fazendo isso no próximo vídeo. 40. Maximização: Tudo bem, então o vídeo que todos estavam esperando, esta é agora a seção de processamento do mestre na sala de aula, então nós importamos, tudo então nós importamos, tudoestá bom, muita abertura desaparece e sai. Tudo se sente bem. Hora de aplicar um pouco de molho. Então, a teoria geral da tira de canal que cobrimos nesta classe no passado, especialmente no nível de mistura em torno de começar com efeitos de frequência onde você corta e, em seguida, efeitos de amplitude onde você aperta a dinâmica. E então talvez alguma saturação ou distorção para adicionar harmônicos. Essa é a ideia básica, o mesmo fluxo que seguiremos. Isto vai ser ainda mais específico. Então, de modo geral, os principais dispositivos que usamos em nossa faixa de canal de masterização quando estamos trabalhando inteiramente dentro de Ableton são os seguintes, EQ Eight e, em seguida, dinâmica multibanda, e, em seguida, cola compressor. E esses são os três tipos de ferramentas de masterização padrão que você vai usar praticamente todas as vezes. Agora vamos começar a preparar essas coisas como fizemos antes. Vamos querer cortar a base. Agora eu acho que vou para uma parte da música que é agradável e barulhenta. Eu só vou para aqui. Isso é baseado em células caiu. É um tipo de papel ali. Eu vou ter certeza de não ser impulsionar em tudo e eu sou apenas cortado e geralmente em algum lugar entre 2033 hertz, 2528 geralmente é um bom lugar. Eu tenho aquele subbaixo bem profundo Robin Wall, que eu realmente gosto. Então eu quero preservar isso o máximo que eu puder e tentar chegar perto. E sim, isso é muito bom. Então eu cortei a base, isso é fácil. A próxima coisa que eu faria seria talvez torcer um pouco. Então vamos ligar uma banda. E se você se lembrar de misturar, nós torcemos geralmente em algum lugar entre como três ou 400 hertz até cerca de seis ou sete k. Essa é realmente a zona que queremos tomar cuidado. Então, no geral para mim, isso parece muito agradável para meus ouvidos, então eu não vou pensar muito sobre isso. E eu me lembro, não se esqueça da técnica de mixagem e masterização onde você pode tornar sua banda mais estreita e isolá-la sozinha. Definitivamente algum anel e acontecendo bem ali tirou 3.06 hertz. Agora, naturalmente, com conteúdo que tem um monte de melodia, harmonia e teclas, ele vai ficar mais alto quando você está tocando notas que estão na chave como aquela tecla do pecado. Isso é em Qi. Doo, doo doo. Então estamos escutando idealmente coisas que não são desejáveis. Definitivamente tinha um par de esgueirados aqui como este cara. Isso não é de forma alguma. Acho que não vamos cortar isso só para tocar. Então poderíamos fazer isso algumas vezes se quiséssemos saber geral e ouvir e sentir que é bastante sólido, Vamos fazer mais uma e ver se podemos fazer uma inclinação mais suave ou impulso. Vou dar novamente um backup por volta das quatro ou cinco na fila. Definitivamente algumas coisas acontecendo lá. Vou levar esse tópico. E este é um tipo de processo que você pode repetir tipo de ad nauseum, mas fazê-lo em pequenas quantidades e geralmente fazê-lo em silêncio ou volumes para se certificar de que você não está cansando seus ouvidos desnecessariamente uma vez que você fez um pouco ou tocando para fora, eu também gosto de olhar para o muito, muito superior e fazer açúcar às vezes em acidente, especialmente quando você está trabalhando em fones de ouvido, você vai acabar com impulsos desnecessários aqui em baixo e que pode ser realmente cresce sônico. Então vamos pegar uma prateleira. Normalmente vamos a algum lugar por volta de 10 mil e ouviremos as prateleiras. Vamos ver alguns picos aqui em cima. Essas pequenas frequências não importam muito em níveis de silêncio. Mas quando você ligar para cima ou você está na frente de um grande sistema de som e eles vão ser bem desagradáveis. Então essa é a configuração do QE. Então essa é uma grande parte dos estágios de masterização ou maximização, esses QEs subtrativos. E eu provavelmente vou revesti-los depois de aplicar alguma compressão de cola e clipping suave, assim como fizemos na mistura, onde há essa relação entre apertar a dinâmica e cortar o desnecessário frequências. Mas vamos, vou deixar assim por enquanto e teremos a chance de ler um pouco mais e em breve. 41. Acionadores adicionais: Tudo bem, agora que aplicamos um pouco de EQ, vamos em frente e passar para a dinâmica multibanda. Vou desligar o compressor de cola. E então eu vou seguir, eu vou orientá-los sobre como realmente discar corretamente no dispositivo NVD. Esse cara é muito doce, muito poderoso da maneira que geralmente começa como você quer solo cada uma das três bandas. Estes são três compressores diferentes em paralelo. Um só para os baixos, um para os altos, e um para o médio alcance. Estes pequenos controles deslizantes aqui vão ajustar a faixa de frequência para corte. Então, se eu sozinho isso, eu só estou ouvindo as freqüências acima de 2,5 K, e assim por diante. Então, vamos ajustar isto. Eu quero obter tanta informação nos altos e baixos para meio que estreitar nos médios, basicamente separar meus instrumentos para o melhor de minha capacidade. Então eu vou somar essa banda e ajustar isso até que eu possa apenas ouvir o tipo de brilho e não qualquer do corpo de qualquer um dos sons menos às vezes eu ouço o tambor. E eu realmente não quero ouvir muita armadilha e essa coisa em tudo além de talvez apenas um pouco cintilante, cintilante. Então, isso é fixe. Agora vamos fazer os mínimos. Eu também vou ouvir a armadilha, por exemplo. Vou trazer isto à tona, mas certifique-se de que não ouço a rachadura do corpo. Isso é legal. Agora aqui está para não ter submarinos e nenhum gol brilhante. Então esse é o primeiro passo. Próximo passo será capaz de olhar para cada uma dessas bandas e decidir qual delas é a mais dinâmica. E se ele precisa de alguma compressão, geralmente o que está se movendo mais será o primeiro que você aborda. E você pode dizer que estamos no modo RMS porque isso está ativado. Então nós estamos apenas olhando para as médias que faz mais sentido nesta fase. Quantidade decente de dinâmica em toda a linha. Vamos começar com o mais alto. Então, a fim de comprimir os altos, eu vou, este é o meu limite agora. Eu vou pegar isso, eu vou puxá-lo para baixo para r. Eu estou apenas tipo tick quando aqueles tops. Tendo em mente, este é o meu compressor RMS. E agora eu posso clicar no meio e puxar para baixo. Estou clicando aqui na vertical puxando para baixo. E vocês notarão que essas pequenas linhas horizontais estão se aproximando. O que está acontecendo lá é que o que era 10 dB? Todas as linhas verticais aqui, perdoe-me, verticais estão 10 decibéis separados. E à medida que eles se aproximam cada vez mais clicando aqui e puxando para baixo, estamos diminuindo a quantidade de dinâmica acima do limiar. Este tipo de uma maneira legal de olhar para a compressão. Então agora que eu fiz isso e ainda parece muito legal. Eu posso ver na melhor das hipóteses que estou fazendo 10 dB de redução de ganho lá. Então agora eu vou para este jogo de saída e transformar isso em torno de 10. Agora, antes de fazer muito disto, vou fazer um solo para ouvi-lo completamente e ajustar isto para provar o que estou a tentar pela cidade. Suponha que é chamado de baixo. O que acabou de acertar aqueles pequenos Grayson, aqueles tops. Agora vamos adicionar um pouco de compressão puxando para baixo um pouco mais baixo. Olhando, estou cortando cerca de cinco. Vamos levá-lo para solo e recomprar-nos todo o nosso nível para equilibrar isso até cerca de cinco negativos e cinco positivos parceiros. Novamente, estou apenas ajustando isso para provar aproximadamente indo em torno deste número. Incrível, então isso está soando muito bom. Vamos AB que Marla tantas presenças, ganho e cabeça fase dinâmica multi-banda. É sempre um pouco chocante que eu já fiz um milhão de vezes. Agora vamos somar o baixo e fazer a mesma coisa. Queremos ter muito cuidado para não comprimir muito o baixo, mas eu vou ouvir e eu também vou cobrir alguns desses parâmetros ascendentes aqui para a base, isso pode ser divertido, então eu vou olhar e vamos ver onde isso compressão deve ser. Normalmente, novamente, o limiar deve ser apenas cócegas no topo, certificando-se de que quando o sinal fica silencioso definitivamente vai abaixo do limiar. E agora eu posso adicionar um pouco de compressão aqui. Você pode ver que os pequenos medidores VU começam a separá-lo. Isso indica quanta redução de ganho há, cerca de três. E de novo, não vou equilibrar até tirá-lo. Um solo, claro. Então outra coisa que você pode fazer com a base e com qualquer uma dessas freqüências é que você pode aplicá-la para cima, compressão ou expansão. Então, se eu falar assim, e eu evocar compressão aqui embaixo, basicamente vai manter a base tão alta. Então, se eu gosto de compressão pesada, que é para cima neste caso, está empurrando aquele subbaixo para cima. Em outras palavras, não deixar o sub baixo ficar mais silencioso do que isso. Isto é como o cenário OTT. Você já viu essas predefinições OTT, tenho certeza, especialmente se você é novo em ETM, coisas de fazer emitidas super-duper alta compressão é realmente legal. Outra coisa que é muito apertado que você pode fazer com este dispositivo que eu realmente gosto, especialmente se eu estou fazendo algum, dizer que o mix original me engenheiro ou outra pessoa mais comprimir o baixo. Você pode realmente reverter isso e ver como se eu puxei para baixo agora eu estou realmente expandindo as linhas verticais. Então eles estão mais distantes, vão readicionar alguns saltos à minha base. Então, sempre que a base neste caso se torna mais silenciosa do que o limiar, vai empurrá-la para baixo e fora do caminho como um portal faz. Vamos ouvir isso. Agora isso é adicionar dinâmica às partes silenciosas do som. Agora, neste caso, então meus ouvidos, eu meio que quero comprimir para cima. Então, vou dar uma compressão a isto. Vamos ouvir isso completamente. Não faríamos um algoritmo de loop, por exemplo. E isso é muito bom, digamos B. E aqui está o que parecia antes. O filme “Americano”. A coisa divertida que você pode fazer com a dinâmica multibanda também, é que há uma escala aqui, uma quantidade para todas as proporções. Então, se você desligar isso quando é como desligá-lo e você pode fazer mais ou menos. Às vezes acabo exagerando um pouco e puxo isso um pouco para entrar um pouco mais no tipo de estado dinâmico sexy. O que vai acontecer é que se estiver muito alto, quando você aumentar alto, vai machucar seus ouvidos. E então isso novamente é uma chance de voltar e fazer mais torção se você quiser uma interface. Experimente isso. Por último, isso soa muito nevoeiro e bom para mim. E solte um pouco mais. A compactação é um algoritmo de subáreas, por exemplo, ou perde. Ótima. Então, sim, isto é, quero dizer, no geral eu que o EQ soou muito bom nesta coisa e a dinâmica multibanda definitivamente também. Vamos ouvir. Mas uma última vez sem defeitos, eles são ótimos em alguns felizes com isso. Então, por último, mas não menos importante, é hora de ligar o compressor de cola. Então o compressor de cola é realmente dois dispositivos diferentes em um, por padrão, seus clipes suaves, que podem estar desligados e isso provavelmente está para baixo. A primeira metade do compressor de cola é o tipo de compressor real que é baseado no limiar. E então esses três controles agora, qualquer redução de ganho que você evocar vai mostrar medição. E neste caso, se eu for fazer alguma coisa com a metade esquerda do dispositivo, eu vou dar um par de dB de compressão talvez. E de um modo geral, no domínio, você quer que essa coisa seja bem rápida. Normalmente não subo rápido, mas como ponto de partida, é um bom começo. E eu vou derrubar este limiar. Só uma turnê de toque. Eu estou apenas cócegas em um pouco dos picos é um chá de ervas. E na verdade eu, eu, eu, eu realmente não gosto muito dessa compressão, então eu estou apenas fazendo o suficiente honestamente, isso vai empurrar para baixo aquele cara realmente pequeno flagrante. Vejamos, vamos ver o pequeno salto do medidor quando atinge esta pequena parte alta do sinal. Assustador porque é como empurrá-lo para baixo, empurrá-lo para baixo como um banco de dados ou algo assim, tudo bem. Ok, então agora vamos para a segunda metade do dispositivo. E eu vou para esta seção, trazê-lo para cá. Para a segunda metade do dispositivo, vou ligar a limitação de clipped suave. Dois atrás. O limitador de clipe macio tem um pouco de luz quando você dirige para ele com o ganho de maquiagem ou perder. Então eu estou fazendo agora é eu estou girando isso para cima e dizer que eu estou começando a ver que a luz piscar apenas um pouquinho. E agora que pensei no Flickr, deixei ir. Vamos tocar de novo onde paramos e ver aquela luz mal virando. Então é aí que eu aperto Pausa e eu taco sobre o mixer e eu dou uma olhada neste mixer. Lembre-se que estou aqui em cima às 0. E assim meu, idealmente quando eu estou empurrando este ganho de maquiagem para cima, bem quando eu vejo que cintilação é quando meus picos vão estar atingindo 0. E de fato, você pode ver que este campo aqui está lembrando meu último pico, o limite de clipes suaves ou picos você fora em 0,5 negativo. Então, novamente, se eu redefinir isso, abaixe isso para onde atingindo um pico negativo 5.5, traga isso de volta. Normalmente, quando você tem que abaixar um pouco os alto-falantes, o sistema vai começar a ficar alto. E você pode ver bem ali, vinte e cinco anos. Isso é o que o SAR deixou limitadores fator geral em reverso. E agora eu posso decidir quanto RMS eu vou finalmente ter, assim como eu mencionei nos vídeos anteriores hoje, RMS headroom é quanto zeros aqui, volume médio. E então nós queremos trazer o RMS geralmente em algum lugar em torno de quatro negativos e cinco negativos para tipo tipo volume máximo de material EDM. E se eu subir assim, vai trazer aquele RMS muito alto. Também vai evocar muita coloração ou distorção do circuito de clipe macio. Se eu tiver isso baixo, terá maior distância entre o pico e o RMS. Então você pode ver quando os clipes de tambor batem palmas soam como cinco negativos. Então estamos chegando a cinco negativos e nosso RMS estava em 20 negativos. Então temos uma diferença de 15 dB entre o RMS e o pico, que é dinâmico. Então vamos em frente e aumentar isso para trazer os picos para cima em algum lugar por volta de cinco ou seis é quando vamos começar a bater o circuito soft clip. E nós vamos continuar até vermos que RMS chegar lá em torno de seis negativos, cinco negativos, em algum lugar por lá. Isto é, o meu RMS está a chegar lá por volta das três negativas. Então, na verdade, vou diminuir um pouco isso. E agora temos usado como uma frase introduz perfeitamente trabalhar fora. Na próxima premissa, mais batidas por milhão limiar abaixo para nós. Agora este vai ser um bom arquivo barulhento. Assim, o equalizador para cortes, dinâmica multibanda para separar cada banda e dar-lhes um pouco de compressão ou expansão para cima ou para baixo. E, em seguida, o compressor de cola para fazer qualquer corte final de quaisquer picos mais principalmente apenas impulsionando para este circuito de coloração agradável. O circuito de clipe macio não vai deixá-lo ir nos vermelhos. Mas sempre que você vê que pouca luz cintilando, estamos evocando alguma distorção agora, engenheiro de masterização normal é suave recortando as faixas um pouco, especialmente em gêneros mais pesados como dubstep ou dubstep. Qualquer coisa pesada assim, vai haver recortes suaves, especialmente nos picos como os tambores e outras coisas. Então isso é tudo lidar com isso bem ali. Então esses três são seus dispositivos principais. Agora, se você queria entrar em um ajuste realmente fino de coisas como a imagem estéreo, especialmente como se você está fazendo música acústica, é realmente comum talvez fazer um pequeno reverb sutil aqui depois da dinâmica multibanda e antes do circuito de clipe suave, e depois da reverberação, você poderia até fazer um pouco de desenfileiramento intermediário. Outra técnica que eu já vi as pessoas fazerem muito na nota de imagem estéreo é colocar um EQ 8 bem aqui antes do Compressor de Cola. Desligue todos os nós, mas coloque-o no modo intermediário. E então vá para as bandas estéreo e corte qualquer informação desnecessária. Vamos ver quanta informação estéreo há nos subúrbios. Veja, é assim que deve parecer. Apenas é largada. Nosso bom, então não há imagem estéreo. E a base, se eu visse movimento no conteúdo de frequência aqui em baixo nas bandas estéreo, eu com certeza cortaria isso de lá apenas rindo por volta de 80 ou 90 hertz, talvez até 100 hertz. Eu posso até colocar a prateleira íngreme, corte íngreme que vai me permitir empurrar este limiar para baixo ainda mais. Você também poderia considerar colocar um pouco de impulso nos altos. Eu costumo dizer ser muito cauteloso sobre fazer muitos reforços quando você está dominando. É principalmente sobre cortes. Cuco. Neste caso. Se não precisa, não use. Eu acho que está tudo bem. Esta é a nossa faixa de canal principal. Então, antes de seguir em frente, eu iria mudar, clicar em todos estes e apertar Command G e mostrar o cabeçalho para o rack. E eu chamaria esse canal mestre IDM. E eu guardaria isso na minha biblioteca dessa forma. Não vou usar as mesmas configurações, mas pelo menos estou me lembrando de onde parei da última vez. E se eu decidir que há algum ajuste que eu preciso fazer na pista em si. Eu posso fazer isso. E eu vou ter isso como um bom ponto de salto para jogar coisas lá dentro. Então, BAM, lá vai você. Então é sobre isso para este vídeo, o canal principal, faixa de canal. Você pode definitivamente pagar as pessoas para dominar sua música hoje em dia, muito barato, mas este é realmente um grande processo e também é muito bom para o seu cérebro. Da próxima vez que entrares e estiveres a fazer os teus microfones, vais ter uma mistura melhor se também tentaste dominar as tuas faixas. Tudo bem, então avante com a análise do nosso trabalho e fazendo pouca comparação AB. Este mestre com nossas músicas favoritas. 42. Renderização e referência: Tudo bem, então acabamos de dominar a nossa pista e agora vamos analisar a vista de arranjos. Vamos clicar na nossa cinta, certificar-nos de que inclui o início e o fim de todas as coisas de silêncio. Os efeitos estão todos ligados. Os volumes estão todos em 0. Podemos clicar bem aqui, bem no topo da corrida e bater Shift Command R. e vamos ser capazes de incluí-los Mestre, é claro, você pode praticamente deixar tudo isso desligado completamente. E aqui está a última vez em que você vai querer adicionar um pouco de dither. Falaremos sobre dither em um segundo assim que batermos OK aqui, uma onda 441 de 24 bits faz sentido. Você deseja certificar-se de que é a mesma taxa de amostragem ou dobro da taxa de amostragem da gravação original. Este foi um salto de 40, 41, então eu vou deixá-lo 24 bits com certeza. E então, neste caso, se eu quisesse fazer um MP3, eu poderia, eu vou ligar isso só para economizar tempo. Mas este é um motor de MP3 muito bom. Ele dá-lhe um MP3 muito bom é. Então, uma vez que você bater ok, você vai querer colocar isso em sua pasta de projeto a partir de sua faixa original. E neste caso, eu vou chamar isso o nome da música, música democrática inteligente. Só o nome completo da pista. Sem espaços, sem montagens de possíveis, não importa muito garganta em sua pasta de projeto. Então isso vai renderizar isso. Agora eu posso te contar sobre Deere lá. Assim como existe um filtro que irá remover aliasing e outras palavras como qualquer distorção digital sutil que fica para trás da conversão do arquivo entre diferentes taxas de amostragem e profundidades de bits, especialmente se você tiver algum gravações em sua sessão que somos diferentes taxas de amostragem, o dither vai ajudar a filtrar qualquer ruído desnecessário. Em outras palavras, então, quando você faz como normalizador, mestre o arquivo quando você bombeá-lo, você só estará bombeando as coisas boas. E não haverá nenhuma frequência de distorção que sejam artefatos indesejados devido à conversão da taxa de amostragem em alguma coisa totalmente nerd. Mas agora que passamos pelas coisas nerds, vamos entrar nas coisas divertidas. Eu vou pegar minha onda e vou jogá-la de volta na minha sessão. Teremos a chance de olhar para nossa música e ver como ela se parece. Normalmente gosto de ampliar verticalmente minhas faixas para ser quase o mesmo. Você pode usar a opção Shift e dois dedos. Faça com que ele tenha a mesma altura. E olha para isso. É uma almôndega picante e barulhenta. E agora, se quiséssemos, poderíamos silenciar essa faixa e fazer zoom sobre isso e ter certeza que foi largada e bem no topo. Opa, eu só não apontei essa queda no lugar certo. E agora temos uma boa pista dominada. Normalmente o que vou fazer é entrar e olhar para a parte mais alta da pista e ver como são os picos. Mesmo estes picos aqui há ver que ver aquele pequeno roll-off em cima. Não é um canto afiado, é uma curva. Se você viu como um jag afiado e canto, esse é o tipo de distorção que vai deixar harmônicos desnecessários ou indesejáveis. Agora, neste caso, é meio curva e inscrever-se fora do topo. É aquele Compressor de Cola, limitador de clipes macios. E se você decidir depois de ouvir isso, você sabe, é um pouco demais, nós saberíamos qual parâmetro voltar e entraríamos aqui e baixaríamos esse ganho de maquiagem um pouquinho. E você vai ter um pouco mais de dinâmica na mistura. Agora, neste caso, vamos apenas ouvir esta coisa rapidamente e ver como soa. E certificando-se de que estamos em 0 por chegar a 25 negativos. Ou RMS aqui é cerca de sete negativos. Bem, para que é esse subbaixo cabeça? Deve estar por volta do negativo quatro. Opa. Nunca conhecemos a Mode. Este tipo de volume é como você vai precisar para uma célula de DJ ou um nervo. Há o declive é negativo para uma casa não só fazer uma certa idade ou uma certa energia. Então tudo isso soa bem. Estou ouvindo atentamente para qualquer tipo de estranhezas como sobrecargas ou distorções que soa nojento, tudo parece muito bom e soa bem. Não machuca meus ouvidos. Estou muito feliz com isso. Então última pequena dica que eu posso dar a vocês, e isso é o que qualquer engenheiro de masterização deve sempre ter certeza de sugerir, é que você vá em frente e antes realmente chamá-lo completamente feito, pegue uma de suas faixas artistas favoritos em esse estilo e o estilo da música que você está dominando, especialmente se não são suas próprias faixas, você absolutamente quer fazer isso com certeza. Vou em frente e pegar um efeito na enzima. Vamos provavelmente fechar e dar uma olhada na forma de onda aqui. Agora esta é uma canção de um gênero semelhante. E se eu olhar para ele com aproximadamente o mesmo tipo de altura na pista, eu posso ver como isso está se parecendo também. Vamos ampliar a parte do tambor da pista e ver como isso se parece. Vamos olhar para um pico FX Twins, ver como eles estão atingindo o topo de seu tipo de arredondado fora. Parece a mesma coisa. Vamos ouvir RMS sábio e ver como isso soa. Negativo quatro torna-se muito bom para ele amá-lo. Então agora é um bom começo. Então a próxima coisa que eu faria era vomitar o cross fader. E isso pode ser meio doloroso porque pregar uma mistura como seus produtores favoritos pode ser muito difícil. Mas eu só vou ativar o som da minha pista principal, tê-los lado a lado, e então eu vou atribuir o fader cruzado aqui para ser um e B. E então aqui mesmo no interruptor cross fader em si, o fader em si. Vou apertar o mapeamento das teclas. E você vai notar que você pode mapear para a esquerda ou direita do fader cruzado. Então isso vai me permitir agora que eu posso bater Shift Barra de Espaço, e agora eu posso ter um ou dois e um B, S. Agora qual é a palavra angústia? E isso meio que tem uma sensação de como ele se sente fora. E você sabe o que estou tirando disso. Em primeiro lugar, poderíamos ser um pouco mais alto. Isso não é incrível? Como isso pode ser mais alto? Mas realmente poderia ser. Acho que poderíamos ter ido embora, se quiséssemos mesmo. Poderíamos bombear nossa própria pista um pouco mais alto mesmo com isso, com aquele ganho de maquiagem no compressor de cola. Agora a coisa que eu estou percebendo é que a trilha dele está chegando a 0, como todo o caminho para cima. Então, se eu redefinir esse fader, nossos picos estão subindo. Agora, de um modo geral, quando você está dominando suas próprias músicas, você quer dar-lhes um pouco de espaço livre. Isso ocorre porque, especialmente eles dizem quando você converte sua faixa em um MP3 e ele tem esse pouco de distorção que pode acontecer se ele é todo o caminho até 0. Então há diferentes escolas de pensamento sobre isso. Se você quiser adicionar o 0.5 dB, há algumas maneiras diferentes de fazer isso. Você pode ir para a faixa original e você pode simplesmente colocar um utilitário lá e adicionar 0,5 e isso vai colocar seus picos direito em 0. Outra coisa que você pode fazer quando você faz ir para saltar para fora, você pode apenas ligar normalizar e que vai acabar com certeza garantindo que você está arquivo WAV está em 0 dB negativo. Diferentes escolas de pensamento sobre isso. Eu pessoalmente gosto de deixar meio dB lá em cima, especialmente porque eu sei que vou transformar esta faixa em uma onda ou em um MP3. E eu acabei de ler um pouco sobre como há um bom argumento para deixar um pouco de espaço livre em cima do arquivo se você estiver indo para convertê-lo em um MP3. Então, de qualquer forma, isso nos deixa bastante confiantes que podemos AB entre nossos rastros. A resposta é uma espécie de colapso. Então vamos para uma parte onde ambos são chutados. Agora faz muito sentido ter um tipo semelhante de mistura acontecendo nesta seção das músicas são tão diferentes. Senti que o começo aqui era onde eram crianças. Agora, se formos até aqui sim, como se alguém alinhe essas seções se quiser. Então aqui vamos ter uma boa mistura AB entre estes dois. E isso é geralmente bastante satisfatório quando as coisas se sentem bem e bem equilibradas e semelhantes tipos de seções da música. Claro, você não iria querer comparar a construção ou o colapso com a queda ou algo assim, mas alinhá-los pode fazer sentido. E agora temos uma boa sensação de como isso funciona. Podemos chamar essa faixa de referência. E isso pode ser outra coisa que poderíamos facilmente construir em nossos modelos. E agora temos um AB com um switcher que podemos ter, certo, agradável e embalado lá embaixo do capô. Então saberemos que seremos capazes pesos verificar a referência e depois a faixa original. E você pode continuar fazendo novas versões, fazendo pequenos ajustes. Este é um ótimo lugar para deixar. Então, novamente, há muitas diferentes escolas de pensamento quando se trata de misturar e maximizar ou dominar a sua pista. E então, sim, muito obrigado por fazer essa aula. Agradecemos muito e estamos ansiosos para trabalhar com você nos próximos cursos. E espero que te desejes o melhor. Tudo bem. 43. O que vem o próximo momento?: Muito bem, chegamos ao fim da Parte 6. Grandes quantidades de material vivo 11. Espero que tenha se divertido. Espero que tenha aprendido muito. O que vem depois? Bem, a grande coisa que ainda não enfrentamos é Max for Live. Então eu recomendo vivamente que você confira um curso Max for Live. Vou ter um novo dedicado a viver 11 em breve. Vai ser a próxima coisa que vou começar a fazer. E não vai ser tudo sobre programar Max for Live. Alguns deles, uma boa parte disso vai ser sobre como usar Max for Live e como encontrar coisas que outras pessoas fizeram e eles estão dando de graça. Há uma enorme comunidade de pessoas apenas fazendo efeitos e instrumentos loucos e surpreendentes usando Max for Live e, em seguida, apenas postando-os e dando-os de graça se você souber como encontrá-los e instalá-los. Vamos, no entanto, também falar sobre os conceitos básicos de programação em Max for Live. Aprendi a usar o Max antes de aprender a usar ao vivo. Max esteve por aqui por muito, muito tempo, mesmo que seja mais velho do que viver. Mas vou entrar em toda essa história quando entrarmos em Max for Live, é realmente fascinante na verdade. Então espero vê-lo nessa aula. Se não for essa aula, eu tenho 100 outras aulas que você pode conferir para tirar vantagem de viver. Tudo, desde composição à composição, à pontuação de filmes, a fazer batidas e gravação de áudio, todos os tipos de outras coisas. Então, por favor, verifique algumas dessas coisas para ir ainda mais fundo em todos esses conceitos. 44. Conferência de bônus: Ei, pessoal, quero saber mais sobre o que estou fazendo com vocês. Você pode se inscrever para minha lista de e-mail aqui. E se você fizer isso, informarei quando novos cursos forem lançados e quando fizer adições ou alterações nos cursos em que você já estiver inscrito. Além disso, confira neste site. Eu coloco um monte de coisas lá e eu chego nele todos os dias. Então, por favor, venha sair comigo. E um desses dois lugares é ou ambos? E nos vemos lá.