Como entrar em caráter para atores e atrizes

1. Introdução: Oi, meu nome é Justin amigo. Sou ator e dublador de Los Angeles. E esta aula foi projetada para ensiná-los a responder à pergunta amorfa Como entro no personagem? Alguns anos atrás, eu era membro de uma companhia de teatro e o diretor da minha Companhia de Teatro me perguntou como eu entrei no personagem. Percebi naquele momento, não sei como responder a essa pergunta. Quero dizer, eu entendi o básico disso. Você tem que entender suas linhas através e através. Você tem que conhecer as motivações do caráter de tentar conectá-los à sua própria vida interior. Mas eu realmente não poderia descrevê-lo, ou pelo menos descrevê-lo em um processo repetível. Então eu decidi criar esta classe para compartilhar uma técnica que qualquer ator poderia usar para entrar no personagem. Agora, é claro, cada ator é diferente. Às vezes, os atores são mais capazes de encontrar o personagem trabalhando na fisicalidade. Alguns atores realmente precisam mergulhar na psicologia do personagem para compreendê-los. Então eu diria para experimentar todas as ferramentas que eu coloco para fora e depois ver o que funciona para você. Veja quais você gostaria de priorizar ao criar personagem. E quais você acha que pode chegar no final do processo de ensaio sem mais delongas, vamos começar a criar um personagem. 2. Como ler o script: Então você foi armazenado em cache neste papel incrível, o papel que você sempre sonhou. Mas antes que você possa subir naquele palco ou pisar na frente dessa câmera e dar o desempenho de uma vida inteira. Havia algo muito importante que devemos fazer primeiro, temos que ler o roteiro. Mas não vamos ler o roteiro só uma vez. Vamos ler o roteiro três vezes de volta para trás, se possível. A primeira leitura. Nosso objetivo aqui é abraçar a história simplesmente como um fã de contar histórias, como um membro do público, então queremos ver quais elementos da história ressoam dentro de nós. Pergunte a si mesmo, quais partes da história me atingiram emocionalmente? Quais personagens eu gosto mais? Quais são os temas desta história? Qual é o enredo da história? Quais são as subparcelas da história? A segunda leitura. A segunda leitura é sobre você. Você vai ler a história toda da perspectiva do seu personagem. Então leve as coisas para o lado pessoal, deleite-se com a atmosfera da história. Em cenas onde seu personagem não está na sala, imagine que eles são uma mosca na parede ouvindo essa conversa. Que pensamentos ou sentimentos podem surgir para eles ao ouvirem isso? As vantagens que você começa ao ler o roteiro como este não são algo que deve ser definido em pedra como um traço definitivo ou sentimento do personagem. Mas eles são sinais únicos que o orientam para onde seu instinto quer explorar, onde sua curiosidade está com o personagem. A terceira leitura. Para a terceira leitura, queremos anotar todos os fatos que descobrimos sobre o mundo da história, bem como fatos relacionados ao nosso personagem. Então descubra que hora do dia é, que ano é. Talvez haja uma linha no diálogo que descreve o tipo de roupa que todos estão vestindo. Mas não tire conclusões precipitadas. Certifique-se de que existe uma linha real que dita o fato de que você anote. O, por exemplo, se um personagem diz roupas bonitas e você leva isso para significar que todos estão vestindo ternos? Bem, isso é um grande salto na lógica. Então, queremos ter certeza de que há evidências textuais para o fato de que escrevemos em relação ao seu personagem diretamente em qualquer coisa que seja dito sobre eles. No Sonho da Noite de Verão. No Sonho da Noite de Verão, Helena diz da Crimeia embora ela seja apenas pequena. Ela é feroz. Esse é o tipo de frase que você gostaria de escrever sobre seu personagem. Isso não significa necessariamente que o personagem se vê como feroz, mas é importante saber como outras pessoas os percebem no mundo. Depois de ler o roteiro três vezes, sinta-se à vontade para fazer uma pausa. Mas voltaremos ao roteiro durante todo o processo de ensaio, é importante ler o roteiro tanto quanto você pode mergulhar no mundo do roteiro. Dizem que Anthony Hopkins lê seus roteiros umas 100 vezes. Ele não memoriza as falas. Ele memoriza o roteiro inteiro. Às vezes, revisitar o script depois de um tempo trabalhando no personagem pode levar a novas percepções com o personagem também. Então, para resumir, durante sua primeira leitura, leia como um membro do público. Durante a sua segunda leitura, leia a partir da perspectiva do seu personagem. Durante a sua terceira ganância. Escreva todos os fatos relacionados ao mundo e ao seu personagem. Agora vamos passar para as perguntas de seis atores que precisamos para entrar no personagem. 3. Quem sou eu?: Quem sou eu? Agora, esta não é uma questão filosófica profunda concebida para te confundir. Ele foi projetado para nossos personagens para que possamos deixar de lado qualquer medo existencial por enquanto e apenas focar no personagem antes começarmos a investigar essa enorme questão de quem sou eu? E o importante a lembrar é que sempre queremos nos relacionar com o roteiro. Lembre-se de agir como parte de uma forma de arte colaborativa. Todo mundo que está trabalhando na peça ou no filme tem uma voz artística que eles gostariam de emprestar para a história. Por isso, temos sempre de garantir que as nossas escolhas respondam sinceramente às necessidades e intenções do guião. Para fazer esse tipo de escolhas, temos que entender como nosso personagem se encaixa na história. Então tente entender qual é o enredo da história. Quais são as subparcelas? Quem são os protagonistas, quem são os antagonistas? Tentou descobrir o papel dos personagens na história. Eles são o herói desta cauda ou eles são os vilões? Eu, David farejando covarde que vende seus amigos? Ou eles são o poderoso guerreiro lutando contra o status quo? Em seguida, tente entender seus personagens arco ao longo da história. Um arco de personagem é quando um personagem começa em um lugar no início da história, mas no final da história é transformado emocionalmente, psicologicamente, ou fisicamente, ou todos os três. Um bom exemplo disso vem do filme, O Poderoso Chefão oportunidades. E Michael Corleone começa a filmar sem querer ter nada a ver com o negócio da máfia da família. Mas no final do filme, vemos que ele se tornou o novo amanhecer, o chefe da família criminosa. Então, em relação ao seu próprio personagem, perguntou-se quando, como e por que meu personagem muda? Será que eles começam como uma pessoa geralmente boa e tornar-se mal no final do script. No começo, eles são alguém que é mais um lobo solitário? Mas no final da história, eles perceberam que precisam de uma comunidade. Mais uma vez, vou lembrá-lo que cada personagem deve servir a história. Então, se seu personagem começa como um cara bom que, em seguida, se torna violento, mal até o final da história. Bem, você tem que jogar nessa mentalidade de bandido. Às vezes, os atores julgam seus personagens. Se um personagem faz algo ruim, eles olham para eles como uma pessoa ruim. Mas uma pessoa má raramente pensa que é má. Eles têm as suas razões. Eles acham que estão indo bem. É nosso trabalho como atores simpatizar com eles e ver como podemos entender logicamente e até estar a bordo apenas na peça com suas ações. Agora, perguntando-se a si mesmo, quem sou eu? Vai ser um processo. Começamos no primeiro dia, e vamos continuar explorando durante todo o processo de criação de personagens, durante todo o processo de ensaio. Uma maneira que podemos ajudar a identificar com a vida interior do personagem. É um truque simples, mas é bom, é começar a se referir ao personagem com o pronome pessoal. Então, por exemplo, se eu estava interpretando Macbeth e me perguntei, por que Macbeth mataria o rei? Em vez de frasear assim, o que coloca alguma distância entre mim e o personagem. Eu diria assim. Por que eu mataria o rei usando o pronome pessoal I, torna-se mais pessoal para mim. Sou mais capaz de me agarrar à vida interior do personagem. O. Em resumo, sempre fique com o script. Entenda o papel de seus personagens na história. Descobrir o enredo e subparcelas da história. Descubra seu arco de personagem e comece a usar o pronome pessoal I. No próximo vídeo, discutiremos como a localização também desempenha um papel importante na criação de seu personagem. 4. Onde estou eu?: Onde é que eu estou? A próxima pergunta que temos que fazer a nós mesmos é, onde estou? Todos nós nos comportamos de forma diferente com base na localização em que estamos. Por exemplo, você não agiria da mesma forma em uma igreja como você faria em um jogo de futebol. Todos nós interagimos com o nosso ambiente e o nosso físico e emocionalmente movido por ele. Nosso meio ambiente influencia nossas ações. Imagine sair do chuveiro no seu próprio quarto. Agora imagine sair do chuveiro e de alguma forma você foi teletransportado para o meio da cidade de Nova York, você vai se comportar de forma diferente. Não é só a localização física que temos de nos preocupar. Também temos que considerar o ambiente em que estamos, particularmente os detalhes sensoriais que podem estar nos afetando naquele momento. Então, com cada local em que seu personagem está, pergunte a si mesmo, o que faz meu personagem aqui? O que é que eles cheiram? O que eles sentiram? Uma nota rápida sobre nossas habilidades sensoriais. Isso é algo em que, enquanto actores, deveríamos estar constantemente a trabalhar para desenvolver. Muitas vezes, a irrealidade do palco ou do filme em que estamos pode ser esmagadora. E agora muitas vezes os atores têm que trabalhar em uma tela verde onde eles não têm nenhum objeto físico ao seu redor para se conectar. Há até uma história sobre E e Macallan quebrando no set do hábito. Agora, por set, quero dizer, na tela verde do Hobbit, ele começou a chorar e dizendo que não foi por isso que eu comecei a agir sem nada ao meu redor e olha, eu estou com você sírio, isso é difícil, imersos nos detalhes sensoriais do ambiente que são personagens supostamente de boa ajuda nos fundamentam em nosso desempenho. Mas outra coisa a considerar é onde você está em termos de sociedade e em termos de cultura, você quer descobrir em que tipo de sociedade seu personagem está vivendo. Eles são alguém que é respeitável e sociedade? Ou eles olharam para baixo, eles são um estranho ou eles são usados para este mundo ao trabalhar em local, nós também temos que considerar o momento antes de entrarmos em uma cena e o momento em que deixamos uma cena. Então, considere o que seu personagem pode ter feito antes de chegar à cena. Se eles estão deixando o local, tente considerar para onde eles podem estar indo e o que eles vão fazer. Então, para resumir, descubra a localização física em que seu personagem está. Quais são os detalhes sensoriais do ambiente em que seus personagens estão? Como é a sociedade? Como é a cultura? Então, vimos algumas das nuances que a localização pode trazer aos nossos personagens. Agora temos que nos fazer uma pergunta muito importante para citar o Dr. espaço-tempo da comunidade. A questão não é onde, mas quando. 5. Quando sou eu?: Quando é que eu sou quando fazemos a pergunta, quando é que eu estou? Não se refere apenas à hora do dia ou da noite que são personagens. Ele também se refere a onde eles estão na linha do tempo. A história acontece no passado, no presente ou no futuro? Se a sua história acontece no passado, parabéns, porque ele, você acabou de desbloquear um tesouro de recursos para inspiração. Quando você está interpretando um personagem que estava no passado, você pode procurar documentários, você pode olhar para fotografias antigas. Você pode encontrar livros escritos nesse tempo, ou livros que analisam esse tempo. Você pode até encontrar música a partir desse momento para ouvir. O objetivo desta pesquisa é entender melhor as normas sociais, as texturas que você pode sentir durante esse tempo, os cheiros, você pode cheirar. Qualquer coisa que possa ajudá-lo a entender a era em que você está. No entanto, uma das armadilhas que temos que tomar cuidado quando estamos trabalhando com um personagem que está no passado, é que ela pode nos levar a uma atuação clichê. Por exemplo, se você está interpretando um cowboy, bem, todos nós vimos filmes de cowboy. Todos jogamos jogos de cowboys. Então todos nós temos uma concepção geral do que é um Cowboy. Eles seguram o cinto. Eles dizem olá parceiro, e assim por diante e assim por diante. Se você simplesmente decidir agir como a generalização de um cowboy, então vai ser mais difícil se conectar à vida interior de seu personagem. Criando nunca queremos ser gerais, queremos ser específicos. Um grande exemplo de especificidade vem de O Poderoso Chefão. Quando Marlon Brando interpretou Don Corleone, ele criou a voz icônica que todos nós reconhecemos com o padrinho. Ele decidiu que o Poderoso Chefão tinha sido baleado no pescoço, é por isso que ele falou com aquela voz áspera. Agora a escolha dele era específica. Mas nós vimos em muitas outras fotos da máfia, as pessoas tentaram imitar essa mesma voz para seus personagens, e é sempre um pouco falta. Falta-lhes a especificidade que Marlon Brando tinha, entre outras qualidades surpreendentes. Agora, ao trabalhar na questão de quando eu estou, queremos considerar o tempo, mais especificamente, querer considerar os eventos que levaram ao início da história. Então, o que aconteceu nos dias anteriores a esta história? O que aconteceu nos meses anteriores? O que aconteceu nos anos anteriores? O que construiu seu personagem? Quando entendemos o passado, ele pode fundamentar nossa atuação e pode nos ajudar a entender as necessidades e desejos do personagem no presente. Se você está trabalhando no presente, eles ainda são pesquisas que você pode fazer. Por exemplo, se o seu personagem é um ativista dos direitos dos animais, então comece a investigar a pesquisa dos direitos dos animais. Tente entender como esse estilo de vida é como seus personagens no futuro. Essa é provavelmente uma conversa que você vai querer ter com o diretor ou o escritor do filme. Quando as pessoas criam novos mundos, às vezes têm regras diferentes que são promulgadas em todo o mundo. Essas regras podem afetar seu personagem. Então, em resumo, descubra onde na linha do tempo você está, o passado, o presente ou o futuro. Evite clichês. Vá com especificidade. Entenda os eventos anteriores que levaram ao primeiro momento da história. Agora que o tempo foi coberto, é hora de passar para a nossa próxima pergunta. 6. O que posso querer?: O que eu quero? Como seres humanos? Somos todos guiados por desejos e necessidades. Esses desejos e necessidades se manifestam em nossas ações e nossas palavras. Então vamos discutir objetivos para colocá-lo claramente, e objetivo é o que seu personagem quer. Alguns atores gostam de considerar um super objetivo para seu personagem. O objetivo Super é um desejo que governa os personagens toda a vida em Tennessee Williams, um gato em um telhado de lata quente. Podemos ver como o personagem de Maggie é governado pelo Super objetivo de ser financeiramente estável. A primeira cena ela discute como a família corretor sempre foi e vemos como este super objetivo orienta suas ações e suas palavras ao longo da história. Para alguns atores, saber que eles são super objetivos é incrivelmente útil. Eles acham que isso fundamenta essa performance e permite que eles saibam o que seus personagens devem estar sempre trabalhando para. No entanto, alguns atores preferem apenas focar nos objetivos encontrados na história. Isso é algo que todos devemos fazer. Então, vá através da história e descubra suas principais necessidades e desejos em cada cena em que seu personagem está. Estes objectivos devem estar ligados aos acontecimentos e de preferência, fazer avançar a acção dramática. Uma boa maneira de encontrar esses objetivos é perguntar a si mesmo, se eu estivesse na situação do personagem, o que eu iria querer? Fazendo essa pergunta a si mesmo? Se eu estivesse neste cenário é referido como a magia. Se é uma ferramenta criada por Constantine Stanislavski, você pode usá-la sempre que estiver trabalhando no personagem. A idéia é perguntar a si mesmo, se eu estivesse nessa posição, se eu tivesse esse tipo de pais, se eu fosse o príncipe da Dinamarca, como eu me comportaria? Isso nos ajuda a conectar nossas emoções, nossa vida interior, com os personagens de sua vida. Agora, objetivos não são algo para se ter colocado em pedra após o primeiro ensaio. Você quer experimentar com objetivos. Então, por exemplo, você pode ter um objetivo para ensaiar, experimentá-lo na cena e, em seguida, experimentar outro no dia seguinte. Dessa forma, você pode ver como seu desempenho muda com diferentes objetivos. Portanto, os objectivos não devem ser fixados em pedra. Existem ferramentas para nos ajudar a explorar o personagem. Outra dica com objetivos é sempre tentar escrevê-los de forma positiva. Por exemplo, você pode escrever, eu quero que ela fique em vez de eu não quero ser rejeitado. Quando usamos um objetivo positivo, ele nos dá algo para perseguir ativamente na cena, o que torna nosso desempenho mais ativo e mais envolvente. Agora, às vezes, no meio de uma cena, os objetivos podem mudar. Isto é o que é referido como uma batida. Por exemplo, se meu personagem estava voltando para casa para terminar com sua namorada, ele abre a porta, ele acende as luzes e de repente todos os seus amigos saem de trás da mobília e gritam surpresa. O objetivo dele de terminar com a namorada vai mudar. É algo para procurar em nosso roteiro. Pergunte a si mesmo, quando meus personagens mudam objetivamente na cena? Então, em resumo, objetivos são o que o personagem quer. Um super objetivo é o único desejo que rege a vida do personagem. Descubra o que o personagem quer em cada cena. Encontre as batidas nas cenas. Não estabeleça objetivos e pedras. Então, é claro que todos queremos coisas. O problema é que há sempre algo que está a atrapalhar. É disso que falaremos a seguir. 7. Qual é o meu Obstáculo?: Qual é o meu obstáculo? Imagine uma história agora em que um personagem queria desesperadamente um Twinkie. Ela foi até a geladeira, ela abriu. Ela pegou o Twinkie e sombreou-o. O fim. Ou imaginado no Senhor dos Anéis, se Gandalf deu o Anel Frodo, mas então ele disse, não se preocupe, pequeno hobbit, eu posso criar um círculo de teletransporte, mas isso nos levará direto ao Monte Perdição. Devemos acabar com isso em dois minutos. Bem, isso destruiria a minha infância. E também seria uma história menos convincente. Você vê que nossos personagens têm esses desejos, essas coisas que eles tentam realizar. Mas a história só é interessante porque as coisas ficam no caminho. Obstáculos são coisas que impedem que nossos personagens obtenham o que querem, ou pelo menos tentam impedir que nossos personagens obtenham o que querem. Agora, os obstáculos não têm que ser apenas objetos e pessoas. Eles podem vir de suas circunstâncias passadas e presentes. Eles podem vir de sua própria psique, os objetivos conflitantes de outros personagens, seus relacionamentos, e até mesmo seus arredores. Sem obstáculos, não há conflito. E sem conflito, não há drama. Então, como atores, o que precisamos fazer é passar pelo roteiro e perguntar a nós mesmos, quem e o que me impede de conseguir o que quero? Outra dica para os obstáculos é garantir que eles são imediatos ou urgentes. Caráter tem um exame enorme chegando, mas faltam dois meses, então a pressão para estudar não será tão grande. No entanto, se o exame for em quatro horas, então vamos ver uma história mais interessante. Então, em conclusão, obstáculos são as coisas que impedem ou se opõem aos personagens conseguirem o que querem. Os objetivos nem sempre são tangíveis. Eles podem ser intangíveis, bem como sem obstáculos, não há conflito e, portanto, nenhum drama. E os obstáculos são sempre melhores quando a sua imediata e urgente. Em seguida, vamos falar sobre como o seu personagem responde aos obstáculos, como eles conseguem o que querem. 8. Como posso obter o que quero: Como consigo o que quero? Então agora entendemos o que nosso personagem quer. Compreendemos os obstáculos que se opõem a eles. Agora temos que determinar como nosso personagem consegue o que quer. Você deve ter ouvido a expressão, atuar é traficar. Essencialmente o que isso significa é que o personagem é revelado através de ações, não apenas através de palavras. Nós nos referimos às coisas que nossos personagens fazem para perseguir seus objetivos como táticas. As táticas podem ser físicas ou psicológicas. Muitos atores estavam bem em seu caderno ou em seu roteiro, às vezes bem ao lado da linha. Suas táticas para conseguir o que querem em uma cena. Por exemplo, se você estiver em uma cena onde seu personagem quer, obter informações de alguém, você pode escrever táticas como suplicar, ser amigo, mostrar respeito. Coisas que podem fazer com que o outro personagem te dê o que você quer. Táticas são semelhantes aos objetivos e que não queremos colocá-los em pedra. Queremos experimentar com eles durante todo o processo de ensaio. Agora, uma nota rápida sobre táticas. Eu não escrevo minhas táticas. Aquele professor, eu nem sempre fui assim eu costumava escrever minhas táticas, mas eu descobri que quando eu fiz isso, eu tinha a noção preconcebida de como a cena deveria ser. Na minha mente, desenvolvo o caminho certo para a cena, que não é verdade. Não existe o caminho certo para uma cena. Há verdades e não são verdadeiras. Então eu descobri que quando escrevi minhas táticas, eu estava constantemente pensando na responsabilidade que eu tinha para a cena vez de estar no momento e me envolver ativamente com meu parceiro de cena. A outra razão pela qual eu não os uso mais é que eu acho que na vida, nós realmente não consideramos nossas táticas. Nós apenas nos adaptamos de acordo com a conversa. Como humanos, somos todos muito adaptáveis. Por exemplo, se nos encontrássemos numa festa e começássemos a ter uma conversa educada e divertida. Suas táticas podem ser positivas no início da conversa. Então, no meio do caminho, vamos imaginar que eu disse algo horrivelmente, horrivelmente ofensivo. Bem, suas táticas mudariam naturalmente. Você não teria que tomar tempo para considerar como mudar suas táticas. Você começaria instantaneamente a mudá-los apenas através de sua adaptabilidade. Antes de decidir nunca mais usar táticas, lembre-se, eu tentei os dois métodos repetidamente por muitos anos. Eu uso táticas e então eu decidi mudar para esta nova maneira de trabalhar. Então eu diria que experimente os dois, experimente como você está agindo mudanças quando você usa táticas. E então tente apenas estar no momento, focando no que você quer e adaptando-se a como a resposta do personagem para você, embora, em resumo, táticas são as coisas que fazemos para perseguir nossos objetivos. Eles podem ser físicos ou psicológicos. Você pode escrever táticas no próximo ano linhas, ou apenas se concentrar no que seu personagem quer e se adaptar de acordo. Essas são as perguntas dos seis atores. Agora vamos discutir algumas ferramentas extras que podemos usar para dar vida ao nosso personagem. 9. Ferramentas adicionais: Agora vamos discutir algumas ferramentas que os atores podem usar para aprofundar o caráter. A primeira ferramenta que vamos discutir é a substituição. Substituição envolve substituir objetos e pessoas na história por objetos e pessoas de sua própria vida. Isso pode nos ajudar a identificar com aspectos do personagem que podem não se relacionar conosco em nossa própria vida. Por exemplo, se você estivesse prestes a bancar um assassino, você não seria capaz de recuar em uma experiência que você tem de matar alguém, certo? No entanto, talvez tenha havido um tempo em que você sentiu que poderia matar alguém ou talvez você uma vez entrou em uma briga que saiu do controle, em vez de tentar gerar a emoção e a fisicalidade de um assassino do zero, você pode recuar essas memórias que são semelhantes ao personagem. Geralmente há duas escolas de pensamento sobre a substituição. Um deles é usar suas próprias memórias e situações de sua vida para se conectar com o personagem. Esta técnica foi popularizada por Constantino Stanislavski. Udl Hogan esclarece a idéia quando ela diz, devemos fazer esta transferência. Devemos fazer essa transferência, esse achado dos personagens dentro nós mesmos através de uma série contínua e sobreposta de substituições de nossas próprias experiências e Remembrances e colocá-los no lugar do ficção na peça. Digamos que seu personagem tinha uma carta que os chantageava. Você pode substituir o conteúdo dessa carta por algo que você, como sua própria pessoa gostaria de manter em segredo. A segunda técnica a ser utilizada para substituição, foi popularizada por Stella Adler. Ela realmente disse que teve uma conversa com Stanislavski antes de ele morrer, onde ele descontou a idéia de usar apenas suas memórias. Em vez disso, ele concordou com o pensamento dela que devemos usar nossa imaginação. Como ela disse, não use seu passado consciente. Use sua imaginação criativa para criar um passado que pertence ao seu personagem. Não quero que fiques preso à tua própria vida. É muito pouco. Eu usei ambas as técnicas e o que eu acho funciona para mim é realmente criar um híbrido de ambos. O que eu gosto de fazer é usar a minha imaginação, mas substituir personagens por pessoas que conheço na minha vida. Por exemplo, se a história envolve eu trair meu melhor amigo, então eu vou imaginar meu melhor amigo real nesse papel e as emoções que viriam se eu os traísse. Outra ferramenta a considerar ao trabalhar em nossos personagens é a ferramenta de investidura. Esta ferramenta é semelhante à substituição na medida em que ambos são usados para estimular a imaginação. No entanto, esta técnica é sobre dotar os objetos físicos que você usa e desempenho com as mesmas qualidades físicas que eles têm na vida real. Por exemplo, digamos que na história seu personagem tem que pegar uma mala cheia de pedras pesadas. Agora o departamento de adereços não vai encher a mala com pedras pesadas. Quero dizer, isso seria problemático para todos os envolvidos. Então, é seu trabalho como ator entender as qualidades físicas que a mala teria se tivesse pedras pesadas dentro dela. Para alguns atores, isso pode parecer uma pequena coisa para se preocupar. O público vai se importar se eu pegar aquela mala como se não pesasse nada? Bem, a resposta curta é sim. Em Bryan Cranston, é autobiografia, ele fala sobre as pequenas coisas que compõem performances. Ele diz que se ocorrerem pequenas quebras suficientes da realidade, o público não vai comprar. Não apenas isso, você dota objetos físicos do que esses objetos vão parecer mais reais para você também. Isso vai justificar que você está agindo e torná-lo mais credível para si mesmo e, portanto, para o seu público. Quando estamos dotando esses objetos, tente usar todos os seus sentidos para tornar o objeto mais real para você. Lembre-se também que os objetos podem ter qualidades físicas, bem como qualidades emocionais. Por exemplo, se sua avó lhe desse um colar que ela guardou toda a vida? Bem, esse Nicholas vai ter um pouco de Ajahn. Já existe há muito tempo. Também tem um valor emocional para você. É pessoal. Então queremos dotar o objeto com essas qualidades emocionais também. A última ferramenta que queremos discutir é a quarta parede. Então, se estamos no palco, temos o pano de fundo atrás de nós. Temos os nossos dois lados, e depois à nossa frente temos o público. Ou se estamos filmando, temos a câmera a centímetros de distância de nós em alguns casos, agora, é claro, nossos personagens não vêem o público. Eles não vêem a câmera. Mas às vezes pode ser difícil como atores superar o fato de que essas duas coisas estão tão presentes. Então criamos esta parede imaginária, a quarta parede enquanto completa a sala ou estende o horizonte se formos uma área externa, dessa forma não estamos tão conscientes do público ou da câmera para, para observar as distrações do público ou do câmera, nos concentramos inteiramente no que nosso personagem quer e criamos a quarta parede para alguns atores, a quarta parede é sempre detalhada e específica quando eles olham para ele. E se for esse o caso, é ótimo para eles. Algumas pessoas são altamente visuais, mas lembre-se da quarta parede e nunca tem que ser nada mais do que uma metáfora. Seu único objetivo é proteger sua realidade de ser quebrada pelo público ou pela câmera. Então, em conclusão, podemos usar a substituição, seja de nossas próprias memórias ou nossa imaginação para substituir pessoas e objetos na peça. E a favor do vento é usado para dar objetos tangíveis e estão agindo as qualidades físicas precisas que eles teriam na vida. Use a quarta parede, a parede imaginária, completando a sala ou área em que você está para proteger sua realidade do público ou da câmera. Então, agora que discutimos essas ferramentas extras, vamos mergulhar um pouco mais fundo no processo de criação de um personagem. 10. Pesquisa: Passamos pelas seis perguntas principais que você vai fazer a si mesmo ao trabalhar em uma peça. Agora vamos mergulhar um pouco mais fundo na concretização do nosso personagem. Lembre-se que o personagem é revelado pela ação. E se você está jogando um Joe comum ou um CEO, você sempre quer ter como objetivo ser um ser humano crível. O texto é o nosso maior recurso para realçar o personagem. E sempre queremos voltar ao texto ao responder à pergunta, quem sou eu? A razão pela qual quem sou eu foi a primeira pergunta foi que afeta todas as outras questões que temos. Por exemplo, você não pode determinar suas táticas até que você saiba como o personagem faria isso, até que você saiba quem você é. Antes de prosseguirmos, gostaria de discutir uma coisa. Muitos atores acreditavam que perder-se no papel é o ideal. Nós ouvimos histórias o tempo todo de atores sendo elogiados por quão profundo em caráter eles foram. Isso pode nos levar, como atores, a esforçar a alma para nos perder em um papel que fazemos, apenas que perdemos o nosso eu. Na realidade. Queremos usar o rolo para explorar aspectos de nós mesmos, bem como que irá nos conectar mais profundamente ao personagem e dar um desempenho mais verdadeiro. Então, em vez de se afastar de si mesmo, tente encontrar-se no papel. Ryan Gosling diz que, todos os meus personagens ou eu, eu me relaciono com cada um desses personagens porque aspectos de sua personalidade são como eu. E eu só transformo as partes de mim que são elas e recuso as partes que não são. Então lembre-se que você é o maior recurso para o seu personagem. Há uma razão pela qual tantos artistas diferentes voltam ao papel de Hamlet cada vez e outros atores entram no papel de Hamlet, eles trazem sua própria humanidade única para o personagem. É isso que vemos, é isso que nos atrai, e é por isso que temos tantas performances diferentes de Hamlet. Vamos voltar à questão de quem sou eu? Porque pode ser bastante assustador pensar que você não pode responder as outras perguntas até que você descubra essa. Quero dizer, essa é uma grande pergunta. Então, quando procuramos a resposta para quem eu me lembro, ela não será encontrada instantaneamente. É por isso que temos o processo de ensaio para tentar descobrir a resposta. É aí que podemos experimentar com nossas táticas, com nossos diferentes objetivos, bem como experimentar como vemos diferentes relacionamentos no mesmo. No entanto, no cinema e na TV, Você pode não ter a chance de explorar o personagem com a mesma quantidade de tempo que você faria no teatro. Nesse caso, temos de confiar ainda mais no texto. Uma maneira que você pode fazer isso é literalmente passando pelo script. E depois de cada linha seu personagem fala, perguntando a si mesmo, por que meu personagem diria isso? Mergulhando no tipo de coisas que eles dizem e como eles falam e uma conversa ou como eles respondem perguntas. Podemos nos aproximar de entender a psicologia do personagem, o que nos ajudará a entender o personagem. Aqui estão algumas das coisas que você pode olhar para fora quando você está lendo através do script. Mais uma vez, tente entender todos os conflitos humanos que estão ocorrendo ao longo do script. Veja se você consegue entender as necessidades opostas de diferentes personagens. Procure conexões pessoais, imagens, cheiros, sons e sentimentos. Relacionar-se com os eventos no script. Anote todas as palavras-chave e frases que informam e descrevem seu personagem. Ao fazer essas coisas após cada leitura, nossa compreensão da intenção do autor deve se tornar mais clara. Lembre-se que nossos personagens devem sempre servir a história. Então entender o que o dramaturgo ou o roteirista estava procurando é uma grande parte para criar um personagem verdadeiro para ajudar com a intenção autoral, tentar definir em uma frase o que o autor estava tentando se comunicar com este trabalho. Quando trabalhamos a partir da intenção do autor dessa maneira, nosso personagem sempre servirá o texto em vez de servir nosso próprio ego. Pergunte-se constantemente, o que a história quer? Além de mergulhar no roteiro, também podemos focar nossa energia na pesquisa. O objetivo de nossa pesquisa é tentar descobrir como nosso personagem passou a ser do jeito que eles são física e emocionalmente. Antes do início da história. Alguns atores escolhem fazer sua pesquisa escrevendo histórias inteiras para seus personagens. Viggo Mortensen é dito para escrever história desde o momento seu personagem nasce até o início da história que ele está contando. Ter esse tipo de passado detalhado pode te sustentar em seu desempenho. No entanto, você tem que ter cuidado ao escrever algo assim também, porque é possível que o diretor possa discordar de um elemento do seu passado e querer que você interprete o personagem de uma maneira diferente. Às vezes precisamos ser flexíveis com nossos diretores. Novamente, contar histórias é colaborativo, então queremos permitir que o diretor tenha suas percepções sobre o personagem também. Eles podem ver algo com o personagem ou com a história geral que você não vê de suas lentes estreitas no Personagem. Outra boa maneira de saber mais sobre o personagem é preencher um questionário de caracteres. Você pode encontrá-los apenas pesquisando on-line e eles podem fornecer diferentes tipos de perguntas, coisas que você pode não pensar sobre que irá ajudá-lo a entender seu personagem mais. Uma última maneira de descobrirmos mais sobre o nosso personagem é fazer-nos perguntas abstratas sobre o personagem. Algo como, se o seu personagem fosse uma bebida, que bebida eles seriam, ou que cor é mais parecido com o seu personagem? Fazer essas perguntas abstratas pode nos ajudar a nos envolver com o personagem uma forma que seja um pouco fora da caixa e talvez mais criativa. Em última análise, o que devemos fazer é fazer perguntas sobre os personagens. Você pode anotá-los ou apenas passar algum tempo meditando sobre eles. Eu diria para deixar sua imaginação correr solta. Faça qualquer pergunta, não importa quão grande ou pequena a pergunta pode ser, quem foi o verdadeiro amor da minha vida? Ou pode ser algo como, o que eu comi no café da manhã? Estas são todas perguntas que são estimuladas pelo seu subconsciente, mostrando o que você pode estar interessado como personagem. Então pense nelas, anote-as se você não responder, tendo as perguntas em seu subconsciente percolando o dia todo, ou talvez levá-lo a algumas novas ideias. Para resumir, revisitar e mergulhar no script. Considere a intenção autoral. Pesquise o personagem. Escreva uma história de fundo, preencha um questionário de personagens ou considere perguntas abstratas para ajudá-lo a entender como seu personagem ficou do jeito que está no início da história. Agora, vamos falar sobre o lado físico dos nossos personagens. 11. Fisicalidade: Fisicalidade, Sanford Mies nem uma vez disse que uma onça de comportamento vale uma libra de palavras. Com isso, ele quer dizer que nosso caráter é revelado através do que eles fazem, não necessariamente o que eles dizem. Basicamente, o público pode ler o personagem baseado em como o personagem se senta, como eles estão, como eles bebem uma xícara de chá. Todas as ações físicas do personagem faz, ajuda o público a criar a imagem desse personagem. Um bom exemplo deste citações comportamentos locutor vale uma libra de palavras vem do falecido grande ator John, porque l do caçador de veados filme, durante a cena da festa de casamento, seu personagem é suposto para executar em um um pouco tarde se alinham com o resto dos padrinhos que estão se preparando para tirar uma foto. Agora, isso foi o que foi escrito no roteiro porque o personagem ALS aparece, ele se alinha, eles tiram a foto, ele se atrasou. Isso é o que deixa superou. Em vez disso, ele correu rapidamente pouco antes da foto ser tirada. Ele olhou para baixo, percebeu que a braguilha estava aberta e fechou-a de volta. E só por essa pequena improvisação, por esses pequenos amplificadores de comportamento, temos uma melhor compreensão do caráter dele. Existem essencialmente duas maneiras de manifestar nossa fisicalidade. E eles também se relacionam com a forma como criamos um personagem. Podemos trabalhar de dentro para fora ou de fora para dentro. dentro para fora significa que você está começando a partir da vida interior do personagem e usando os impulsos psicológicos e emocionais para se manifestar na fisicalidade externa em significa começar com a fisicalidade, o que o personagem faz, como eles mover, e usar isso para informar a vida interior do personagem. Se você decidir trabalhar de dentro para fora, tente discernir o que o personagem pode estar sentindo em momentos diferentes ao longo do roteiro. Então pergunte a si mesmo, quando eu senti algo assim ou algo parecido? Quais são os paralelos que eu posso encontrar em minha própria vida, Eu uma vez tive que interpretar um personagem que teve uma enorme briga com seu outro significativo. Já estive em situações na minha vida em que estive em brigas com o meu outro importante. Eu tinha que me perguntar, como eu estava nesses momentos, o que era um sentimento? Como eu estava reagindo fisicamente? Sei que quando entro em brigas, não faço muito contato visual. Eu também estou muito rígido. É assim que eu me lido em uma discussão verbal com um outro significativo. Então eu trouxe esses traços que a fisicalidade para o personagem para trabalhar de fora para dentro, nós invertemos esse procedimento. Começamos a brincar com diferentes movimentos físicos. Talvez esteja coçando uma sobrancelha, talvez acariciando sua barba. Talvez seja só o jeito que você sacude a cabeça. Queremos experimentar diferentes fisicalidades e ver como isso afeta nossas emoções e nossa psicologia. Portanto, experimente diferentes formas de falar, caminhar e interagir com o mundo ao seu redor. Mas não temos que nos concentrar apenas em grandes movimentos. Também é interessante explorar a fisicalidade com pequenas coisas também. Tente descobrir como seu personagem escova os dentes. Como é que eles fizeram café? Como eles amarram os sapatos? Quando exploramos essas diferenças sutis, podemos lentamente construir o caráter de uma forma orgânica que pode parecer mais natural para nós. Outra boa idéia, apenas em geral para atuar é manter sempre um caderno com você quando você sair, ou talvez manter uma guia Notas aberta no seu telefone. Sempre que estiver fora, passe algum tempo observando as pessoas. Quero dizer, é isso que vamos jogar, certo? Pessoas reais. Então veja como as pessoas se comportam no mundo. Lawrence Olivier guardava um caderno que ele usava sempre que saía e as pessoas assistiam. Se você visse um comportamento interessante, ele escreveria no caderno dele. Então ele pode usá-lo para um personagem ou mais tarde. Não importa o método que você escolher, lembre-se, a fisicalidade que você explora deve se relacionar com o texto. Não só isso, é importante não trancar nossa fisicalidade no início como artistas, temos que prosperar com a incerteza do processo criativo e temos que fazer escolhas que talvez sintam assustadoras para nós porque isso significa que há um risco maior, uma chance maior de ser revelada. Se fizermos as escolhas seguras, isso dá-nos margem de manobra para nos escondermos, que não é o que queremos fazer, são actores. Uma última coisa a lembrar com a fisicalidade é que nossa física básica pode mudar com base na intenção do momento. Então, de momento em momento, enquanto nossos objetivos de personagens mudam ou suas intenções mudam, sua fisicalidade também pode mudar. Por exemplo, se o seu personagem está andando pela rua para chegar a uma festa de aniversário, isso vai parecer diferente do que se o seu personagem anda pela rua para chegar a um funeral. Resumindo, uma onça de comportamento vale uma libra de palavras. Podemos encontrar fisicalidade trabalhando de dentro para fora ou de fora para dentro. Se você está trabalhando de dentro para fora, decida o que o personagem pode estar sentindo e determine como você se comportou em sua vida quando você se sentiu de forma semelhante, trabalhando do lado de fora e tente diferentes ações físicas, decida o que o personagem pode estar sentindo e determine como você se comportou em sua vida quando você se sentiu de forma semelhante, trabalhando do lado de fora e tente diferentes ações físicas, grande ou pequeno, e ver como eles impactam seu personagem. Mantenha um caderno e anote qualquer comportamento interessante que você veja no mundo. Explorador físico como revelado pelo texto, não se resolva na fisicalidade no início. E a fisicalidade de base pode mudar com base na intenção. Em seguida, discutiremos a importância dos relacionamentos e como eles afetam nosso caráter. 12. Relacionamentos: Haverá sangue é um dos meus filmes favoritos de todos os tempos. Eu não gosto muito da palavra obra-prima, mas meu Deus, é uma obra-prima. Daniel Day Lewis, sua atuação como Daniel Plainview, na minha mente é a melhor atuação que já vi. Dizem que eles perdem são o maior ator de método vivo, se não, de todos os tempos. No entanto, mesmo dia que Lewis disse, você realmente não conhece o personagem até que você comece a tocar com os outros atores, até que você entenda as relações. Nós temos que trabalhar fora as relações do seu personagem com todos que eles vêem ou ouvem sobre o nosso relacionamento com a pessoa e pode começar mesmo antes de conhecê-los, nós construímos uma imagem mental de quem essa pessoa é baseada em coisas que podemos ter visto sobre eles, ou baseado em coisas que outras pessoas têm dito. Às vezes, até desenvolvemos uma conexão emocional com essa pessoa, apesar nunca ter nos encontrado. Um bom exemplo recente disso, dependendo de quando você assistir isso, é do filme Joker andando personagem Phoenix, Arthur Fleck tem um relacionamento com Robert fez o personagem de Nero Murray, que hospeda um programa de TV. Mesmo que Arthur nunca tenha conhecido Murray, ele sente uma conexão emocional com ele tanto que esse relacionamento impulsiona um segmento do filme. Então nosso trabalho aqui é desenvolver todas essas relações com detalhes específicos que afetam sua vida interior e afetam você emocionalmente. Uma maneira de fazer isso é conversando com outros artistas sobre seus relacionamentos que ocorrerão no palco ou no filme. Às vezes, ter uma história compartilhada com a pessoa, uma com a qual ambos concordam pode ajudar a aterrar ambos no momento. Outra coisa que você pode fazer com outros artistas é perguntado se você pode improvisar como visto do passado de seu personagem juntos. Talvez uma cena que nem esteja no roteiro. Por exemplo, se você estiver interpretando um casal que passou juntos por 20 anos, talvez você possa melhorar como foi o primeiro estado. Assim você tem uma memória de sentido real. Podes recuar quando estiveres a olhar para esta pessoa e a pensar na tua relação. Agora, às vezes você não tem a chance de trabalhar com os outros atores, ou talvez eles não estejam na idéia de história improvisada ou compartilhada. Sei que alguns atores querem inventar sua própria história e tudo bem. Temos que trabalhar dentro dos limites que temos. Então, outra maneira de começar a trabalhar em nossos relacionamentos é começar definindo as relações no script com um termo geral amplo. Então podemos definir um relacionamento com as palavras, eu as amava, ou eu as odeio, ou eu me sinto intimidado por elas, ou eu sou encorajado por elas. Usamos uma frase ampla para começar e então mergulhamos nos detalhes e descobrimos o que queremos que o outro personagem sinta. Para aprofundar os detalhes. Mais uma vez, nos concentramos no texto e nos concentramos no trabalho que fazemos no set. Outra coisa que pode ajudar a trazer nossos relacionamentos para a vida é focar nas tendas eretas maiores e menores sobre a pessoa. Talvez você decida que o outro personagem diz demais. E isso te incomoda assim. Toda vez que esse personagem diz, você vai ter uma reação. Claro, quando decidimos esses irritantes, lembre-se de um tem que fazer sentido no texto. Se estiver interpretando Julieta e decidir que tudo o que Romeu faz é irritante, você não vai servir a história. Também queremos considerar o status em termos de nossa relação. Por exemplo, se você estiver jogando um chefe falando com o funcionário, isso vai ser diferente do que se você estiver jogando um funcionário falando com o chefe deles. Status pode ser definido como lugar real ou imaginado de cada pessoa na hierarquia social em relação a todos os outros, as pessoas muitas vezes fazem julgamentos sobre sua própria importância em comparação com outros ao seu redor com base nisso, status e status podem até formar nossa fisicalidade. Por exemplo, se o seu personagem é Presidente dos Estados Unidos, eles provavelmente sentem muita autoridade, muito poder. Então talvez eles se levantem, talvez eles inchem o peito para fora, talvez eles falem em uma voz muito presidencial. Por outro lado, se o seu personagem se considera de classe baixa são sem importância, que talvez a tentativa de se esconder com sua fisicalidade. Talvez eles estejam constantemente se segurando, tornando-os menores. Talvez falar um pouco em silêncio, nervosamente às vezes, se estiver tudo bem. Outra coisa a se concentrar é como seu personagem percebe seu status em relação a todos os outros. E o professor interino disse-me uma vez, quando fizeres o rei, procura o mendigo neles. Quando você fizer o mendigo, procure o rei. Acho que é um ponto muito interessante porque todos temos momentos em nossas vidas onde nos sentimos fortes. Sentimos que temos alguma autoridade. Sentimos que podemos falar com um baú e depois temos outros problemas ou outros momentos em que foram hesitantes, não sabemos como saltar, preferimos ser invisíveis. Então, em conclusão, liberar as relações de caráter com todos que você conhece ou aqui sobre. Uma maneira é começar definindo a relação e o termo no exterior e, em seguida, indo para os detalhes. Você pode trabalhar com outros atores para desenvolver uma história compartilhada ou momentos improvisados de sua história para lhe dar uma memória sensata para se recuperar. Considere os irritantes principais e menores envolvidos no relacionamento. Considere o status do relacionamento e como esse status informa a voz, a fisicalidade e o comportamento do seu personagem. E a seguir, discutiremos a voz do personagem. 13. Voz: A voz, o trabalho vocal é outro assunto que pode honestamente ter uma classe em si mesmo. Tem sido tremendo para a minha própria atuação. Ajuda você a se envolver com sua respiração, com sua voz. E fazendo isso, você é capaz de ser impulsionado pela sua respiração em seus impulsos. É um trabalho verdadeiramente fascinante. Eu recomendo ler alguns livros diferentes sobre ele como Kristin Linklater está liberando a voz, ou Dudley escreve, falando com habilidade, há um monte de grandes recursos lá fora. E se você quiser um pouco mais, sinta-se livre para me dizer nos comentários, a voz pode nos dizer muito sobre o personagem. De certa forma, nossa voz é uma soma das experiências que nosso personagem passou ao longo de suas vidas. Quando pensamos no desempenho final dos livros de saúde como o coringa, uma das coisas mais icônicas que surgiu foi a voz dos palhaços. Daniel Day Lewis muitas vezes lê, acerta o roteiro uma e outra vez e não fala as linhas até que ele acredite que pode encontrar a voz do personagem em sua cabeça. Meryl Streep tem dado inúmeras performances onde ela altera completamente sua voz para ajudar a entregar um novo personagem. Dito isto, nem sempre temos que mudar fundamentalmente a nossa voz para o personagem. Mas há coisas a considerar. Por exemplo, se seu personagem cresceu no Brooklyn e ficou lá a vida toda, eles provavelmente têm um sotaque do Brooklyn. Isso é algo que você teria que trabalhar para trazer para o personagem. Como eu disse antes, nossa voz é uma soma de nossas experiências. Então, o que o seu personagem se dobrou na vida deles e como isso pode ter afetado a voz deles? Se você está interpretando um personagem que é um político, eles provavelmente passaram por cursos de palestras em público. Então talvez eles falem em um assunto mais refinado. Eles falam claramente, eles enunciam. E se o seu personagem fosse constantemente ridicularizado quando criança? Sempre que falavam, mandavam calar a boca. Bem, então talvez seu personagem hesite um pouco mais do que essa voz. Falam um pouco mais suave. Eles realmente não sabem se agora é a hora ou o lugar para dizer alguma coisa, mas talvez devessem. Ou talvez seu personagem cresceu em um bairro difícil onde eles tiveram um monte de brigas. Então talvez cada vez que seu personagem fala, quase parece que a briga com alguém, sabe, basicamente, queremos considerar o passado de nosso personagem e considerar como esse passado impactou como nosso personagem fala. Perguntem a si mesmos, por que meus personagens falam da maneira que falam? O que os levou a falar assim. Então, para resumir, você não precisa mudar fundamentalmente sua voz para o personagem. Se seu personagem é de uma área diferente do mundo, ele é considerado trabalho de dialeto. Nossa voz é uma soma de nossas experiências. Considere o passado do seu personagem e pergunte a si mesmo, como esse passado influenciou a voz do meu personagem? Em seguida, vamos falar sobre um assunto que é um pouco difícil, mas que é vital para os atores. 14. Vulnerabilidade: Vulnerabilidade. Grandes e verdadeiros atores se revelam, não apenas emocionalmente, mas também psicologicamente. O que significa ser vulnerável? Para chamado Brown é uma das principais autoridades em matéria de vulnerabilidade. Ela estuda vergonha e tem muitas palestras TED online. Ela tem um especial da Netflix, ela tem livros incríveis. Recomendo vivamente que alguém os tenha verificado. O trabalho dela é muito transformador. Mas, pela definição dela, ser vulnerável significa ter um coração aberto. Estar disposto a compartilhar a nós mesmos plenamente, e não apenas compartilhar, mas ser afetado totalmente também. Vulnerabilidade não significa ser fraca. Pelo contrário, ser vulnerável requer coragem e força. Provavelmente o ponto mais importante é que você, como você é hoje, é digno de amor e pertença. E essa é a totalidade de vocês. Você quando está no seu melhor e você, quando está no seu pior, você é digno. Às vezes, a pressão para ser algo maior do que nós mesmos pode reduzir nossa capacidade de sermos apenas nós mesmos. Muitos de nós passam anos negando nossa própria vulnerabilidade porque nos ensinam cedo que ser vulnerável é digno de vergonha. Como atores, temos que saber que isso não é verdade. Ser vulnerável não é digno de vergonha. Devemos reconhecer o poder da vulnerabilidade. A expressão de sua vulnerabilidade é o que move as pessoas em um nível emocional. Liga as pessoas à sua própria humanidade. Para colocar nossa vulnerabilidade em uso, temos que determinar o que nossos personagens passam na história e como responderíamos se estivéssemos nesse cenário, descobrir os sentimentos, emoções e psicologia por trás dela, e também descobrir os movimentos físicos que se manifestam a partir dessas coisas. Então temos que emprestar essa vulnerabilidade honesta, a verdade de como lidaríamos com essas mesmas circunstâncias. O personagem. Isso é o que pode dificultar. Você está se revelando emocional e psicologicamente, não apenas para outra pessoa, mas para qualquer um que esteja assistindo. Mas lembre-se, aquela pessoa que você está revelando é digna de amor. Em última análise, a vulnerabilidade é uma jornada em que temos de trabalhar constantemente. Sugiro diário e meditação e, se puder pagar, ir à terapia e desempacotar as paredes que possa ter construído subconscientemente ao longo dos anos. Nosso trabalho é nutrir nosso corpo, mente e espírito para que eles sejam macios e elásticos e possam absorver e recuperar. Você pode ser afetado e afetar os outros. O trabalho está encontrando compaixão em você mesmo para que você possa vê-lo em outros, mesmo aqueles que podem não vê-lo em você. Então temos que nos encher com autocuidado, amor próprio e expressão artística para que possamos ser mais honestos e vulneráveis no mundo. Resumindo, ser vulnerável significa ter um coração aberto. Vós, como sois hoje, sois dignos de amor e pertença. A nossa vulnerabilidade move as pessoas e liga-as à sua humanidade. Anexe suas próprias emoções e movimentos físicos ao que quer que o personagem esteja passando. Devemos nutrir nosso corpo, mente e espírito para que possamos ser vulneráveis enquanto agimos. 15. CONCLUSÃO: Aqui está o processo ou mais da lista de verificação ponto r que temos colocado para fora. Os três lê, os seis atores questões, substituição e dominante. E a quarta parede, pesquisa, fisicalidade, relacionamentos, voz e vulnerabilidade. A parte mais difícil de escrever um processo para entrar no personagem é que cada papel é diferente. Todas essas ferramentas que discutimos são úteis quando você entra no personagem pode variar de vez em quando. Às vezes, concentrando-se na fisicalidade irá levá-lo para o personagem. Outras vezes pode estar investigando pesquisas. A chave é seguir seu instinto, seguir sua curiosidade para levá-lo ao personagem. E lembre-se de que não importa o que aconteça, você será suficiente. Espero que goste desta aula. E se tiver dúvidas, comentários ou preocupações, sinta-se à vontade para me contactar e responderei assim que puder. Obrigado.