Como criar progressões de acorde incríveis

1. Sua aventura com progressões de acordes: Olá criadores de música, você gostaria de se tornar um mestre de um acorde progressões e moldar a história, é claro, e harmonias em sua música. Você quer escrever, moldar e expressar suas progressões de acordes para que eles se sintam inspiradores para seus ouvintes. Você está cansado de acordes de bloco de um bar simples e chato e usando o mesmo todos os três ou quatro acordes e variações em toda a sua faixa. Então eu convido você a ir em uma viagem e aventura para dominar o verdadeiro poder de um acorde progressões e harmonia na música, você vai aprender os fundamentos das progressões acordes e harmonia, diretrizes profissionais e técnicas, insights e segredos de exemplos ao vivo. E no final, você será capaz de fazer música em todos os tipos de som, cores e emulsões usando o poder de tribunais e harmonia de maneiras ilimitadas para expressar esta história de sua música. Então, tome medidas agora e torne-se um mestre das progressões de acordes. É música. 2. O que é progressão de acordes: O que é realmente uma progressão de acordes? Vamos pensar sobre isso por um momento. Porque mesmo que haja uma resposta simples para esta pergunta, a verdade é um pouco mais complexa. Assim, a resposta curta é uma progressão central é uma cadeia de acordes que cria um padrão de mudanças de código. Por exemplo, digamos que você use os seguintes acordes em uma faixa, C Maior, F maior, G maior e menor. Então sua progressão de acordes é simplesmente o padrão desses acordes que você usa em sua faixa. E muitas vezes essa sequência de acordes será diferente para as várias seções da sua música. Deixe-me dar-lhe um exemplo prático de progressão de acordes para um verso de introdução e refrão, mas usando apenas estes quatro acordes que acabei de mencionar. Então, como uma diretriz geral, você quer manter seus intros suaves e simples porque você quer salvar essa emoção e variação para partes posteriores em sua composição. E esta é também a razão pela qual você quer mantê-los curtos, porque caso contrário eles tendem a ser chato para a maioria dos ouvintes. Então vamos, vamos apenas usar um padrão simples de F para C, e depois de F para C, novamente, algo assim. Então essa é a introdução. Vamos continuar com o verso agora. E agora, vamos apresentar os outros dois acordes, um menor e g. Mas vamos manter a energia ainda justa ou média. Nível de energia. Não muito excitantes padrões comping e padrões rítmicos, mas ainda tem um pouco mais de energia. Então vamos de C Now. Um menor, duas vezes F, C, uma maneira. Então esse é o último acorde, diz ao ouvinte que há uma mudança chegando porque essa foi a primeira vez que o chamado foi usado. E agora vamos para o refrão. Já temos todos esses quatro acordes. Vamos torná-lo um pouco mais longo, mudanças de núcleo mais rápidas em alguns casos, modo que nem todos os custos têm a mesma duração antes da mudança. Vamos fazer algo com o MIT, um pouco mais de excitação. Então, algo assim. Este é o básico absoluto das progressões de acordes, que significa que a sua progressão de acordes está apenas descrevendo a sequência de acordes. Cada mudança de acorde que define o padrão dos códigos. Não descreve por quanto tempo cada acorde é tocado antes de mudar para o acorde seguinte. Não descreve o estilo de tocar de cada acorde, a instrumentação e o arranjo de voz, as inversões de acordes e as vozes e assim por diante. Há muito mais para as progressões de acordes do que os acordes que você usa. Como criador de música, você tem poder criativo ilimitado para moldar os harmônicos Tory em sua produção musical, escolhendo coisas como inversões de acordes, líderes de voz, estilos de tocar, articulações expressivas, instrumentação, organização, camadas e muito mais. Na verdade, mesmo que você opte por usar apenas três acordes em toda a sua faixa, você ainda terá liberdade criativa infinita e escolhas para fazer suas progressões de acordes soarem únicas. Muito bem, agora vou mostrar-vos estes dois exemplos rápidos que criei para demonstrar vosso poder criativo ilimitado como compositor de música em como exprimem as vossas histórias musicais, ou seja, as vossas progressões de acordes e as progressões harmónicas na sua música. E é assim que você toca sua música, não as progressões de acordes que você usa, porque esses dois exemplos compartilham exatamente a mesma progressão de acordes. F menor, C e D flat major são os únicos três cursos, três acordes simples, exatamente a mesma ordem aqui, o padrão e comprimento antes que ele mude para o próximo acorde. A diferença é como eu jogo essas progressões no estilo de jogo. A voz principal, a instrumentação, articulações, transições e assim por diante. Então deixe-me demonstrar o primeiro e, em seguida, o comparado com quão drasticamente diferente o som emocional e o caráter são no próximo. Jogando no 321. Certo? Então isso tinha um estilo mais triste, emocional, mas ainda pop. Na minha opinião. Usando apenas alguns tambores acústicos e baixo elétrico e um piano tocando e comping padrão rítmico. Vamos compará-lo com o próximo que é mais baixo no templo, você pode realmente ter ritmo e assinatura de tempo diferentes para mudar a vibração também. Eu ainda estou usando o mesmo kit de bateria, mas menor dinâmica de papel e, em seguida, instrumentos mais leves como prostituta, cordas pizzicato, regulamentos mais curtos sobre sopro. E em vez do baixo elétrico, estou usando cordas baixas, nós longos e altos aqui. Então parece assim. Como você pode ouvir, drasticamente diferente em comparação com o primeiro exemplo, mesmo que ambos compartilhem exatamente a mesma progressão de acordes. Então esse é o poder criativo que você tem como compositor em como você expressa sua música. E também mostrarei que você pode usar isso. Mesmo que todos usem apenas um instrumento. Porque você pode dizer, bem, você usa vários instrumentos e articulações aqui. Mas vamos fazer um piano simples. Você pode tocar a mesma progressão de acordes de tantas maneiras diferentes. Então, vamos começar com algo embora, quando suave como este, vamos fazer F menor. Então, uma transição lá fora, e assim por diante, comparado a tocar mais ritmicamente, talvez um pouco assim, ou talvez algo mais com ondas e fluxo como no arpejo. Como você pode ouvir, o que quer que você queira fazer em sua música, você pode fazê-lo com a forma como você toca cada performance, mesmo que você use exatamente os mesmos acordes e exatamente a mesma progressão de acordes. Então vamos nos fazer essa pergunta novamente. O que é uma progressão de acordes? A resposta mais complexa para isso é que sua história completa em sua composição musical é criada pela interação e relações de todas as suas harmonias e como tudo flui e soa juntos. É por isso que eu chamo uma progressão de acordes a história da música. E isso é o que você aprenderá a dominar neste curso. Então vamos continuar aprendendo. 3. A poder da harmonia na música: O poder da harmonia na música. Por que ou codifica a harmonia e as progressões de acordes tão incrivelmente poderosas na música? Bem, considere uma melodia simples de canção de ninar. Pode parecer bonito, mas também soará simples, fraco e infantil. Eu vou agora demonstrar isso tocando este pequeno exemplo que eu criei usando apenas uma pista de bateria, uma linha de base, e depois uma melodia de liderança na harpa colocada com Glaucon spiel. Então você pode ouvir o quanto ele fica essa profundidade, riqueza e complexidade e emoção que harmonia e tribunais adicionar à música. Então, vamos ouvi-lo. Primeiro. Acordes e harmonias tornam a música mais profunda, completa, mais complexa e interessante. Basicamente, hormônio é, vai encher sua música e fazê-lo soar mais poderoso e completo. Tudo bem, então vamos usar este mesmo exemplo, mas começar a adicionar algumas harmonias e acordes para fazer uma progressão de acordes que adiciona profundidade, riqueza, complexidade e emoção a esta peça musical. Então a primeira coisa que eu adicionei foi este piano aqui. Certo, um pouco de uma linha rítmica. Então eu adicionei essas cordas com essas notas mais longas. Em um curso completo. As transições suaves. Então uma linha de bronze aqui eu usaria dois dos nós por acorde, basicamente tocando uma harmonia de duas partes como essa. E eu fiz o mesmo nestes quires aqui, mas use duas notas diferentes do acorde. E isso é completamente gratuito para cada usuário. Você pode usar. Digamos que você tenha um acorde triad padrão. Basta usar dois dos nós daquele tribunal, aplicar um hormônio, uma linha. E então você pode apimentar escolhendo duas notas diferentes. Então eles juntos realmente enchem o acorde completo. Agora, tudo em contextos, se desativarmos essas faixas e elas forem, sua música será trazida para o próximo nível. Comparado com sem corte e harmonia. Grande, enorme diferença. Eu pessoalmente chamo a harmonia de profundidade da música. Sem harmonia, sua música será coisa rasa e trigo. Vou agora dar-lhe um resumo do que a harmonia acrescenta à sua música. Na minha opinião, a harmonia cria emoção à sua história musical. Harmony adiciona profundidade à sua composição musical. Harmony fornece suporte para suas melodias. E quanto aos acordes? Você pode perguntar, bem, acordes e harmonias são quase a mesma coisa. A única diferença é que pilhas de harmonias feitas a partir de três ou mais notas ou acordes chamados. Então você realmente precisa aprender esse conceito. Bem, cordas são pilhas de harmonias, e harmonias são basicamente dois intervalos tocados juntos. Então, se você tomar uma nota simples como esta, veja e adiciona um intervalo de um terço maior acima de a. Então quatro meios-passos, 1234, este E aqui. Agora juntos, eles jogam uma terceira harmonia. Então, se você tomar este E e adicionar um intervalo de um terço menor, 1, 2, 3 acima. Esta é uma terceira harmonia menor. Juntos eles criam uma pilha de dois terceiro maior inofensivo, terceiro menor no topo, o que cria um acorde de C maior. Você pode adicionar outro intervalo no topo, digamos um sétimo menor. Este aqui, daqui. Este é um sete menor. Bem juntos você toca um acorde sete dominante C7 ou C. Isso é o que acordes ou na música. E é por isso que você precisa tratar cada linha como uma de suas vozes harmônicas que para dar suas compõe cada acorde. Então não importa se falamos de harmonias, acordes ou progressões de acordes. Continua a ser a mesma coisa. Implementação prática de harmonia em seu enredo de música. Agora vou lhes dar exemplos práticos ao vivo dos três poderes fundamentais da harmonia na composição musical. Exemplo um, a harmonia cria emoção para a sua história musical. Então digamos que você tem uma melodia simples como esta. Agora, é claro, cada melodia ou um tema como este terá sua emoção por conta própria dependendo de quais intervalos você usa, como você toca, a escrita, o estilo simples, a articulação, o instrumento, e assim por diante. Mas harmonia e acordes, vamos adicionar muito mais profundidade ao seu enredo emocional da sua música. Então, se você pegar isso e começar com F menor, por exemplo. Porque estamos indo entre esses nós, que são as coordenadas do núcleo F. menor. Então vamos aqui. Então podemos ir, por exemplo, para um plano maior ou talvez para D plano maior apenas movendo este nó aqui. Então é basicamente isso em uma inversão como essa. Então, se importa, vamos para B bemol menor, E-flat maior. Ou ele pode querer adicionar alguns nós, por exemplo. Vá para, vamos fazer um B bemol menor, mas adicionou esta nota como esta. Que como essa vibração elegante ainda jazzy, porque estamos usando um plano B dominante sétimo ano. Ou um bemol menor sete é ainda melhor. Então, como você pode ver, você pode adicionar um monte de emoção dependendo todo o seu empréstimo acordes e harmonias e como você tocá-los, é claro. Então você pode brincar no nosso quarto ou do jeito que quiser. Mas acrescenta esse enredo emocional em sua música, dependendo de quais acordes e harmonias você usa. Exemplo para. Harmony, adiciona profundidade à sua composição musical. Então, primeiro, seu curso e integridade enchem a música. Então, mas ainda mais importante, é que você deve considerar tudo no registro base. Então a linha de base é realmente tocar uma linha de harmonia em comparação com a melodia. Então só usar uma melodia e uma base é realmente tocar uma espécie de harmonia, mas não um acorde completo. Então, por exemplo, assim. Eu só toco a linha de baixo aqui em oitavas no piano, mas você entende o ponto. Ele realmente adiciona profundidade à sua composição musical. Exemplo 3, a harmonia fornece suporte para suas melodias. Então vamos dizer que começamos com essa melodia e eu teria mudado o ritmo e o ritmo dela, mas parece assim. Então, é claro, cada melodia tem seu próprio padrão no ritmo de cada nota, que você pode realmente enfatizar e adicionar suporte de seus registros porque toda vez que ele mudou de núcleo, faça algo ritmicamente com seu acorde. Estás basicamente a criar um sotaque. Então você pode usar este ONE, por exemplo, não só causa, mas também fazer sua linha de base. Então, se começarmos este exemplo apenas tocando os acordes de uma barra longa e nariz de base longo assim. No entanto, essa emoção, riqueza e profundidade da harmonia. Mas você não tem esse apoio de sua melodia principal. Então o que eu fiz aqui é se olharmos para a linha de base, apenas notas longas, esse nó raiz para cada acorde iria verificar o outro exemplo que eu fiz para ele. Como este. Na verdade, estou checando esta linha ao mesmo tempo que a camada base. Você pode ver que eu mudo a nota base basicamente em cada, no caso dele, em cada mudança, quase todas as mudanças para a melodia. Então vamos tocar o baixo com a melodia. Então vocês podem ver, neste caso, eu realmente entrei e usei o ritmo, exatamente o mesmo ritmo na base da linha da melodia. Só para provar o meu ponto de vista. E enquanto a parte do piano aqui, a primeira parte é apenas tocar o acorde longo. Então vamos verificar a outra versão que fiz. Então, se entrarmos no rolo de piano e verificarmos ambas as partes agora a linha de melodia aqui em cima e eu realmente vejo comer por cor por região agora para que você possa ver, então este é o piano tocando a progressão do acorde, o calor. E estes ainda são a melodia principal. Como você pode ver, eu mudei o cordão ou o ritmo aqui. Eu faço isso aqui, eu faço aqui, que na verdade apoiam a melodia. Então compare isso com antes e com este ritmo. Então, nem todas as notas melódicas, mas quase todas elas. Eu realmente mudo o ritmo ou mudo o acorde aqui para acentuar essa, aquela linha da melodia. E você deve pensar nisso para todas as suas partes melódicas tocando harmonias ou cortes e sua música, por exemplo, sua linha de base novamente. Antes de termos isso, uma versão mudou frio ou baixo nota cada bar aqui. Mas quando eu mudo para realmente respeitar ou até mesmo apoiar a melodia, ritmo. Ok, então um pouco baixo no piano lá, mas você entende o ponto aqui. Agora tome medidas, abra seu DAW e escreva uma pequena seção de oito barras, começando com uma bateria e percussão cresceu uma linha de base mais uma melodia. Ouça o quão fino, simples e superficial soa sem códigos, sem harmonia. Em seguida, use um piano ou talvez uma predefinição insolúvel de cordas. Para praticar esses três aspectos fundamentais da harmonia, adicione humor, profundidade e apoio com harmonia. 4. Pontes de escamas, chave e diatônica: Escala, chave e os acordes diatônicos. Antes de começar a adicionar códigos e harmonia em sua música, você precisa saber qual idioma sua faixa usará. E essa linguagem é baseada na escala e na chave que você escolher para sua música. Por exemplo, digamos que você queira escrever uma faixa que seja emocional e um som triste, então você pode querer escolher escrevê-la usando a escala menor natural. Mas você também precisa escolher em qual chave sua faixa será baseada. Para simplificar, vamos usar o exemplo de uma escala menor, já que essa tecla está usando apenas as teclas brancas do teclado. Então, se você começar com um nó a e, em seguida, subir em todas as teclas brancas como esta, B, C, D, E , F, G, e a. Você já jogou em uma escala menor subindo. Você pode jogar indo para baixo. Então essas notas, e como o centro tonal, a casa de sua história harmônica, será a língua principal para sua composição se você escrevê-lo em um menor. Então agora que você tem a principal linguagem musical de sua faixa, escala, escala menor natural, e a tecla a. Isso nos leva para os códigos baseados na linguagem de sua música. E esses acordes são chamados de acordes diatônicos. A regra de ouro é usar apenas cabos foram todas notas de cada trimestre EUA, ou dentro da escala e chave de sua composição musical, a linguagem de sua música. Estes acordes são chamados de acordes diatônicos, porque isso significa acordes dentro da chave. Você pode, é claro, ir além dos acordes diatônicos. Mas isso está entrando em hormônio mais avançado é. Então vamos ficar com a regra principal por enquanto. Neste caso, a linguagem da sua composição musical será baseada nos nós a, B, C, D, E, F e D. Porque essas são as sete notas da escala menor natural. Assim, todos os acordes dentro da sua faixa serão baseados nessas sete cargas de escala se você continuar usando apenas acordes diatônicos. Então deixe-me deixar isso mais claro para você. Você escolheu escrever sua faixa em um menor, significa que um será o tônico, a casa de sua música. E então você só usará a caixa larga, porque esses são os casos dentro da escala menor. Agora, quando você escolhe códigos para sua composição em suas progressões de acordes, a regra de ouro é usar todas as notas de quarto dentro da chave e escala, então todas as notas brancas. Então vamos tomar D maior, por exemplo, que usa esta chave preta aqui. Isso não é um acorde diatônico neste caso, nem o E maior. E menor é porque só usa chaves brancas aqui. Então, notas importantes de dentro da chave e escala da sua música. Próximo. Quais acordes diatônicos você pode escolher? Bem, vamos começar por aderir ao curso mais básico de música que são chamados motins. Estes são três acordes de nota baseados em intervalos de empilhamento de terços, ou um terço menor ou um terço maior. E como você pode empilhar essas harmonias em quatro variações, você acaba com quatro acordes diferentes na música. Então vamos aprender esses quatro tipos de triad básico na música. Então vamos usar a nota C como o nó raiz para todos esses exemplos, as quatro tríades na música. Então o primeiro é uma grande tríade. É a chave raiz, seguida com um terço maior. Então 1234 meios-passos, você tem um terceiro maior, maior terceira harmonia, e então empilhados em cima disso é um terço menor. Então, a partir deste, 1, 2, 3, este é um terço menor que dá a vocês uma grande tríade, que eu chamo de som sentir-se bem ou som feliz, se quiserem. A próxima é uma tríade menor. Então vamos voltar, começar com a chave raiz, então subir um terço menor no topo. Porque lembre-se de todas as tríades ou baseado em empilhamento de dois terços, duas harmonias de terços em cima uma da outra. E há apenas duas versões, uma terceira menor ou uma terceira maior. Então aqui temos a chave raiz, crescemos em terceiro menor. Então 123 meios-passos é um terceiro menor, menor terceira harmonia. E além disso, a partir desta nota, empilhe um terço maior no topo, 1234, e você obtém um hormônio importante aqui, um terço maior. E juntos, isso cria uma tríade menor, que chamo de zona emocional ou som triste, se preferir. Então a próxima é uma tríade diminuída, que começa a partir do nó raiz novamente aqui C, e então subir um terço menor, 123. E então, a partir disso, você sobe outro lembrete terceiro. Então aqui, 123 e você tem, aqui está um terço menor, aqui está um terceiro menor. Então, duas pilhas ou terços menores cria, diminuir uma tríade diminuída. E eu chamo isso de um acorde sonoro assustador. E então você obtém a quarta variação final, que é chamada de uma tríade aumentada, então raiz e, em seguida, um terço maior, 1234, ME, terceira harmonia maior. E depois deste, mais uma vez, outro terço maior, 1234. Maior harmonia. Então a maior harmonia com um terceiro top hominino cria uma tríade aumentada. E isso cria o que eu chamo de acorde misterioso som. Essas são as quatro tríades em usar, porque existem apenas quatro maneiras de empilhar dois terços do fórum. Terceiro, terceiro hormônio está em cima um do outro. Maior, menor, menor, maior, menor, menor ou maior mais maior. Agora vamos verificar quais chamadas de tríade diatônica você pode escolher na escala menor natural e na escala principal também. Porque estas duas escalas, ou por quatro, as duas escalas mais comuns usadas na música. Então vamos verificar a escala menor natural, todos os sete acordes diatônicos. Então, uma escala na música é simplesmente um padrão de nós baseado em intervalos específicos entre cada grau de escala. Então vamos usar um menor, neste caso, , B, C, D, E, F, G e a. Bem, vamos verificar o padrão de escala de cada passo da escala. O primeiro, observe, se um então B para um menor natural, o que significa que você pular um passo aqui. Então, não ter definido, mas um passo inteiro de um para dois. E então, de dois a três, há um ar de meio passo. Então, de três para quatro, há um passo inteiro porque você pulou um aqui. Depois, mais um passo inteiro. Então aqui você vê um meio passo, e depois um passo inteiro. Passo inteiro, que forma o padrão para a escala. Agora, o mesmo vale para os acordes diatônicos. Eles são criados automaticamente usando, em caso de tribunais, pilhas de terços. Então, se você tomar um menor, a nota raiz para o tônico é a. A segunda nota da escala é b, mas como você está indo para empilhá-lo em terceiro lugar, você precisa ir para o terceiro passo, que é um C neste caso. Neste caso, é uma terceira harmonia menor. Então 1, 3, e, em seguida, pular o quarto e ir para cinco porque nós estamos indo para empilhar um terço para o primeiro acorde tríade. Você entra em uma escala menor é um menor. O próximo, começando na segunda escala grau escapar o terceiro, ir para o quarto para manter a fé, ir para o sexto, e ainda ser diminuído automaticamente. Então um menor e diminuído, Dó maior. E tão quente. E uma grande coisa sobre acordes diatônicos é como escalas. Não importa em qual chave você começa. Então verifique isso de novo, você recebe um acorde raiz menor. Um, o acorde é um menor, um menor neste caso, em seguida, um B diminuído, em seguida, um C maior, D menor, e E menor, e assim por diante, assim por diante. Digamos que você começa em D em vez disso, D menor, mesma escala, D natural menor, mas uma chave diferente. Bem, como com um menor, você recebe um acorde menor como o primeiro acorde. E se você se lembrar aqui, o segundo trimestre diminuiu, então B diminuiu durante o checkout. D menor de novo. Então você tem os escalares ou D, E, F, G, A, B bemol. Agora vamos verificar isso de novo. Primeiro acorde é D menor, então o segundo acorde começa na segunda escala grau pular uma nota de escala. Grau de escala ir para G, pular um, ir para B, mas isso é uma nota plana. Então você plana para ser plana, e você começa E diminuído automaticamente como os segundos acordes, o D menor, E diminuído terceiro é F- maior. O quarto é aqui. Um G e um apartamento para o B. Então você tem G menor, um menor e assim por diante. Agora vamos ver o curso da tríade diatônica para a escala maior. Então, novamente, para tornar isso mais fácil, eu vou demonstrar isso com a escala C maior porque isso só usa grande caso C, D, E, F, G, a, B e C. Então vamos começar no primeiro grau de escala, empilhar um terceiro. Então pule o grau de segunda escala não em um terceiro. Ignore o grau de quarta escala. Vá para a fé e você recebe o primeiro acorde, o acorde tônico de Dó maior. Dó maior. Então você vai para o próximo, começa na segunda, terceira, e na quarta rua, sexo, e você começa D menor. Então, para qualquer escala maior na música, você terá este padrão de acordes diatônicos tríade, major, menor, menor, maior , menor, menor, e então o sétimo será diminuído. Então, aí está. Estes são os sete cursos de tríade diatônica que você pode usar para criar suas progressões principais se você escrever sua música em um menor. E como o acorde diminuído soa muito estranho e tem alta tensão, você raramente o usará para a maioria dos estilos musicais. É por isso que o marquei entre parênteses, o que vos deixa com apenas seis escolhas, três acordes menores e três acordes principais. Então deixe-me terminar mostrando rapidamente três exemplos simples de progressões do núcleo para retrair escritos em menor. Então, primeiro você precisa aprender que muitas vezes uma progressão de acordes no amido de música no acorde raiz, a casa ou tônica, um menor neste caso, vez que estamos usando um menor como a chave e uma escala e terminam no mesmo. Como nós nem sempre, você pode começar em um acorde diferente, digamos. Mas basicamente toda vez que você quer terminar a progressão do acorde de uma forma que ele se sente resolvido. Você quer acabar com o tônico. O tribunal, neste caso, é uma mina. Ok, então deixe-me tocar rapidamente estes três exemplos diferentes. Os dois primeiros, estou começando no acorde raiz e terminando no código da estrada. Enquanto o terceiro exemplo, eu estou começando no quinto e terminando no tônico todo o trimestre. Então vamos jogar isso. Um menor, E menor, C , G, D menor, e E menor. Um menor de idade. E você realmente sentiu o quanto Oito puxado para o acorde de casa é um menor lá. E isso é porque usei o quinto acorde da escala antes de ir para casa. E essa é a piscina mais forte, a tensão mais forte para resolver a um acorde. Então, no caso de um menor, você tem o único acorde sendo um menor, a fé seria E menor. Então, quando você sai de você sente aquele empurrão para resolver para um menor? Vamos com o segundo exemplo. Vamos pagar algo apenas improvisando, começando com um menor, C, G, D menor, F, G, assim. Ok, então aqui eu realmente fui de G e depois faço um menor. Ok, então o terceiro exemplo, eu não estou começando com um menor, E menor. Então, o quinto acorde neste caso, que tem uma forte piscina para o acorde tônico, um menor. Então eu vou imediatamente lá, assim. Como isso. Agora, você pode, naturalmente, usar quaisquer acordes diatônicos em sua progressão de acordes. E digamos que use em menor escala um menor. Então o começo chamado Whitby menor, um menor neste caso. Mas uma dica de bônus aqui para você é que o acorde, neste caso, um menor, e, em seguida, o quarto, que neste caso é D menor. E então sua fé na escala menor aqui, o 145 core zone três partituras que eu chamo de cortes fortes ou música, porque eles terão o harmônico mais forte impactando qualquer progressão de acordes, independentemente do tipo de escala que você usa. No caso de uma escala menor, todos eles são menores, então um menor é um D menor, E menor. E se você usar uma escala maior, o curso 145 será maior, A, C maior, F maior, e G maior. Esta é a razão pela qual muitas músicas pop usam apenas três ou quatro acordes. Então, se eles são baseados em uma escala menor, esses serão os 45 acordes menores e, em seguida, talvez adicionando um F-maior lá para algum tempero. Assim, independentemente da progressão dos acordes e independentemente da escala, é sempre mais seguro usar os 145 acordes com mais frequência do que outros registros. E então pense nos outros acordes como tempero e canto para suas progressões de acordes. 5. Vai além: Indo além das tríades, os acordes da tríade padrão e especificamente os acordes principais e os acordes menores, ou os fundamentos absolutos para a harmonia na música. Os dois outros tipos de tríades, a tríade diminuída e a tríade aumentada, ou não usado tanto em estilos populares de música devido à sua tensão extra e dissonância. Vamos dar uma olhada nesses quatro tipos de acordes de tríade na música. E lembre-se, uma tríade significa duas pilhas de terços uma sobre a outra, que naturalmente significa que você tem quatro maneiras de empilhá-las. Primeiro, você tem a tríade principal, que é raiz mais terceiro maior, e outro terceiro maior intervalo no topo. E esse é o acorde de som bom ou feliz. A próxima tríade é a tríade menor, que é raiz mais terço menor. E, em seguida, um terço maior em cima disso, que é o acorde som emocional ou triste. Então você tem a tríade diminuída, que é a raiz, mais um terço menor, e depois outro terço menor no topo, que é o acorde assustador e assustador. E finalmente você tem a tríade aumentada, que é raiz mais terceira maior, e outra terceira maior no topo, que é o misterioso acorde sonoro digno. E agora se você quiser ir além dessas tríades? Existem centenas, se não milhares, de tipos de núcleos que você pode usar na música. Mas sejamos honestos, você não precisa de todos eles. Eu simplifiquei para vocês fazendo um resumo do que eu considero ser os sete acordes mais utilizados na música, incluindo o patrono dos intervalos que compõem este curso. Número 1, a tríade principal, raiz mais terceiro maior mais quinto perfeito. Número 2, a tríade menor mais um terço menor tem o quinto perfeito. Três, suspenso quarto, que é raiz. Assim, quarto perfeito, quinto perfeito. Número 4, suspenso segundo, que é raiz último grande segundo mais perfeito cinco, o sétimo acorde dominante, que é o sétimo acorde mais usado na música, que é root, passe maior terceiro, perfeito quinto, e um sétimo menor no topo. Então você tem o sexto núcleo mais fundamental, que é o sétimo maior, raiz mais terceiro maior, quinto perfeito, mais um sétimo maior no topo. E finalmente o número sete, que é o menor sete, raiz mais terceiro menor, quinto perfeito, e um menor sete. Na época. Eu diria que usando apenas esses sete tipos de acordes, você pode praticamente escrever todas as músicas que você pode imaginar. Na verdade, você pode até manter apenas os quatro primeiros desses tipos de núcleo como seus acordes principais para usar para suas progressões de núcleo. A grande coisa sobre o sus4 e SAS, dois acordes, a propósito. Que eles podem adicionar uma bela tensão de luz emocional em suas progressões de acordes. Então, se dermos uma escuta ao acorde sus4 menos, você vê sus4. Eles suspenderam quarto quer resolver de volta para os terços neste caso, pode voltar para o acorde C maior ou nos vê para estes suspensos segundo quer resolver para o terceiro também. Você também pode fazer isso para acorde menor, então vamos dizer F menor. E, em seguida, use SAS para voltar para o ou F sus4 e voltar para o F. menor. Mas como e quando você pode usar qualquer um desses outros acordes em sua música? Primeiro, a regra principal é usar apenas os acordes diatônicos em suas progressões de grupo. Portanto, certifique-se de que o tipo de núcleo que você usa usa apenas notas de dentro da tecla da sua música. Então deixe-me dar-lhe algumas demonstrações aqui de ir além das tríades. Vamos usar um menor como uma escala AND portão. E você já aprendeu a primeira tentativa e acorde é menor, então você começa B diminuído, C maior e assim por diante. Digamos que você queira tentar um acorde suspenso. Vamos começar com o tônico, o acorde raiz. Você pode fazê-lo suspenso, suspenso porque raiz perfeita quarto, papéis perfeitos é suspenso quarto acorde. E neste caso você está usando notas de dentro da escala ou assim que é aceito, que é um acordes diatônicos dentro da chave de um menor, como é o segundo suspenso, neste caso, um SUS 2. Agora vamos verificar que no quinto acorde, o acorde E menor, E passado quarto perfeito, quinto perfeito, é como quatro. Sim, isso é diatônico. E maior segundo mais perfeitamente ethos dois não é acorde diatônico. Ok, então você não pode usar o ethos um acorde dois se você quiser usar acordes diatônicos em sua progressão do núcleo quando você escreve em um menor. E vamos além disso. Vamos fazer um sétimo acorde. Assim como com as tríades que você simplesmente escolhe, empilhando 3rds no caso diatômico. Então 1, 3, 5 é menor. Basta empilhar um terço no topo, pular este, ir para este, e você recebe automaticamente um pequeno sete. Vá para o próximo grau de segunda escala, ignore todos os outros nós, para obter o um ou 246. E depois para a oitava aqui. Então você começa B meio diminuído, ser diminuído com outro terço empilhado em cima. Esse é o segundo sétimo acorde diatônico na chave de um menor. O próximo, C maior sétimo. O sétimo menor, E menor sétimo. E, F maior sete, F e G dominante sétimo, também chamado de G7 para abreviar. Então, para facilitar para você, eu criei isso. Um modelo ou uma folha de truques de tipos para os acordes diatônicos mais comuns que você pode usar na escala menor e na escala principal. Então, para começar com uma escala menor, se você usar um mineiro, por exemplo, o primeiro acorde raiz será menor, um menor neste caso, você não pode escolher aqui para ir com SaaS 2 porque, como você pode ver, root mais um grande segundo tem perfeito. Dave é um acorde SUS 2, e este só usa nós de dentro do jogo, como é pedido neste caso. E se você empilhar um terço em cima da tríade, você recebe o 7º Ar. Caso de uso um sétimo menor. Então todos aqueles quatro acordes, menor diz dois e sus4 e menor sétimo. Quando a chave raiz aqui é um, se você escrever sua música em um menor, a próxima é diminuída, ser diminuída neste caso. E aqui você praticamente nunca usa este cis em toda a tríade central diminuída, mas você pode adicionar um terço em cima para fazer um sétimo acorde, neste caso, um sétimo menor com um cinco plano, que também é chamado de sétimo metade diminuído acorde. Então essas duas versões que você pode usar para o segundo quarto de grau em um menor, então o terceiro acorde é maior. Você pode fazer um SaaS 2 para todos os sete principais. Vamos para, vamos passar pela quinta. Então é E menor e você não pode usar este. Há SUS 2 porque isso não é uma ordem diatônica, mas você pode usar um sus4. Por último, vamos com um acorde de seis, que é Fá maior, e aqui é o oposto. Você pode usar isso como dois, mas não o SAS para, porque isso não usa apenas chaves de dentro da escala. Então vamos verificar isso. Alguns exemplos da maior escala. Assim, o último uso do acorde C maior é maior. Você pode usar um SAS para SAS para sétimo major. Vamos tentar a terceira coordenada, que é E menor. Você não pode usar células T SaaS também, porque ele usa um desconhecido fora da escala. Então isso não é um diatômico ou, mas você pode usar o sus4 e empilhar um terço em cima da tríade cria um sétimo menor, ou o terceiro grau de escala. Vamos tentar com o quarto acorde, Fá maior. Aqui você pode usar FS 4s2, escreveu grande segundo. Quinto perfeito. partido não pode usar rudes mais perfeito quarto, quinto perfeito, porque não há, não dentro da chave de Dó maior. E se você quiser criar um sétimo acorde, adicione um terceiro no topo. E você obtém naturalmente um grande sétimo acorde para a quarta escala grau de Dó maior. Então você pode aplicar essas duas folhas de truques para a escala de animadores de escala menor em qualquer chave desse tipo de escala. Então, se você usar, digamos D menor, a primeira coordenada é menor, mas você pode usar um SAS para ouvir sus4 ou um sétimo menor. E o, digamos o quinto acorde de D menor, 1, 2, 3, 4, 5. Então aqui você tem um, um menor, você pode usar um SaaS. partido não pode usar um SAS para transformar seu caso não saber porque a chave de D menor tem um bemol B. Então esta nota deve ser achatada. É um SAS 2 não é um acordes diatônicos na chave de D menor. Portanto, aplique este modelo sempre que você criar suas progressões de núcleo, seja para a escala de nove menores ou para a escala principal. E você pode criar basicamente qualquer tipo e emoções de música que você quiser com todos usando esses acordes por grau de escala. Outra diretriz é que você pode considerar ir além das tríades quando a voz de acorde adicionada corresponde à sua linha melódica. Então, digamos que você joga em um menor e você quer usar um acorde de 7 maior em sua progressão. Pode ser uma boa escolha. Se você é linha melódica toca a nota B, que é a voz superior do sétimo acorde de C maior. Então deixe-me demonstrar isso usando a chave de um menor novamente. Então telhado chamado uma melodia vai assim e reutilizar um homem ou como um acorde de partida. Agora, se você quiser ir para este B aqui, você pode, naturalmente, usar em E menor acorde assim, mas se você quiser apimentá-lo para adicionar um sétimo acorde, tente o sétimo maior porque também usa esta nota que é um bom ponto em sua composição para experimentá-lo. Então aqui, digamos que você queira usar um acorde sus é nota G. Se você usar um, digamos D Salesforce também usa esse genoma ou assim. Portanto, use esta diretriz para qualquer momento em sua composição. Sua melodia apenas algo vai para uma nota específica. Experimente o código que usa essa nota. Ele não tem que ser sete quartos pode ser tão SaaS para nós adicionar buscas, qualquer tipo de cor acorde que você deseja usar. Em qualquer ponto específico. Sua melodia vai para um nó específico. 6. As vozes da música: As vozes da música. Agora vamos continuar sua jornada em progressões de acordes e harmonia indo um pouco mais fundo. Vamos além do que são harmonia e acordes e sua relação com a escala e uma chave. E vamos mergulhar em aplicações práticas de harmonia na composição musical. Harmonia é tudo sobre vozes. Então agora vou ensinar a vocês, provavelmente o aspecto mais importante da harmonia, que é este. Harmonia é tudo sobre vozes. Agora, pelo Voices, eu não estou falando de vozes humanas. Uma voz na música significa simplesmente um dos portos tocando no enredo harmônico ou melódico da sua música. Por exemplo, digamos que temos uma progressão de acordes simples sobre códigos de tríade. Esses três acordes de nota ou divididos em três vozes que cada um toca sua própria linha. Dentro da progressão do acorde. Você pode pensar em um coro. Todo o coro toca uma progressão de acordes ou harmonia juntos, mas as quadras são divididas em linhas diferentes, e cada linha do código é então atribuída a uma seção do coro. Vamos seção executa sua própria voz dentro da harmonia total. Então vamos dar uma olhada neste exemplo simples que eu criei no piano, indo de um Fá maior, Dó maior, G maior, e de volta para C. Certo, então em vez de pensar em suas progressões acordes como blocos como este, pense em cada como uma voz separada. Então, nesta linha de topo aqui, poderia ser tocada por, por exemplo, violinos. Estes poderiam ser tocados por violas, por exemplo, e isso por rasos. Você também pode dobrar ou que rasos e chifres franceses joga isso, ou pensar nisso como vozes em um coro. Então esta seção de cima são os tenores, sopranos, e você tem os altos e assim por diante. Mas é mais aparente se eu mostrar um exemplo real, tocando juntos, porque todas as vozes como uma família é o que cria seus acordes e progressão harmônica. Então, se você pegar um pouco de espaço solto. Então eu realmente tenho uma seção de cordas aqui, jogando o tolo tentou chamadas F menor para D flat aqui e assim por diante. Mas mesmo que eu exclua isso, você deve considerar cada instrumento melódico, cada instrumento que toca um som arremessado. Então, a base aqui, com a harpa tocando a melodia. Então a melodia é na verdade parte da progressão harmônica, mesmo que você não pense nisso. O bronze aqui tocando para notar harmonia. Então você pode ver e o coro aqui. Isso é apenas camadas no coração. Então agora dê uma olhada aqui onde quer que você coloque o indicador de reprodução. Você tem que contar todas as vozes que tocam. Verifique as notas e veja que este é o acorde atual. Então aqui temos outro F, então a nota raiz, G afiado, que é um terço menor, e F Novamente, o nó raiz dobrou aqui você pode ver no New York Times e, em seguida, outros pedaços afiados D, que é o Terceiro menor. E então uma vez que você vai aqui. A melodia realmente cai. Então, tecnicamente, isso é um add nove basicamente, ou adicionar ao se você preferir, mas tecnicamente é um add nove. Você ainda está no acorde F-Mor. Mas se a melodia muda lá, é a mesma para a linha de base. Assim que uma linha de base for para este nó aqui. Tecnicamente, é outro disco, muito brevemente aqui, é cabo de transição, mas é tecnicamente e outro acorde feito a partir da voz que lidera aqui com a linha de baixo vai andando linha de base aqui para o próximo acorde, que é um plano D maior. Então diz para ver Charpy sobre o seu D-flat Aqui, aqui. E então você tem um f, que é um terço maior acima. Você tem outro plano D e F novamente, e assim por diante. Então você tem que somar tudo, é claro, as cordas aqui também, para considerar que acorde está tocando a qualquer momento. E tudo juntos joga como uma família de vozes que cria o seu enredo harmônico. Então todo o código, instrumentos de tocar, todos os hormônios, vozes, toda a linha de base, a voz melódica, tudo conta quando soma-se para formar a progressão do acorde. Agora vamos falar sobre o centro tonal, a âncora da harmonia. Então o que o ouvinte trava em suas progressões de acordes e hormônio é, é o que é chamado de centro tonal. Esta é basicamente a âncora da sua história harmônica. O centro tonal mais importante é a chave raiz da sua faixa. Por exemplo, se sua faixa estiver escrita em D menor, D será o centro tonal principal. Então deixe-me mostrar-lhe rapidamente isso tocando algo em D menor como este. Então eu terminei lá com D menor novamente porque o Gleason ele segurar, gravitate fetal uma piscina para re-resolver para aquele doce lar, doce lar, que é d neste caso. Então, não importa qual escala você usa. A raiz anota a chave. Então d neste caso, serão sempre os principais centros tonais para a sua música. No entanto, você também tem um centro tonal, flui e progride através de sua composição, que é a âncora harmônica decidida por que acordes e harmonias você toca, a voz, arranjo e distribuição de cada voz, o foco por voz, etc. Uma regra geral é que você deseja fornecer ao ouvinte o centro tonal distinto para travar, razão pela qual o nó raiz de cada acorde em sua progressão de acordes. Atirar na maioria dos casos tem mais peso e foco. Você pode conseguir isso, certificando-se da base. Concentra-se principalmente na nota raiz por registro, e que o nó raiz também está em camadas em oitavas. Então vamos tomar D menor de novo. Este é um acorde D menor. Você pode jogá-lo em uma inversão, por exemplo, assim, ou assim. D ainda é o centro tonal desse acorde, mas você tem que fornecer mais peso no centro tonal para fornecer essa âncora harmônica para sua música, que é, na maioria dos casos, você quer tocar principalmente a nota raiz do acorde no registro de base. Então, se eu tocar uma inversão como esta, eu posso agir no centro tonal tocando o D aqui nas oitavas inferiores, ou até mesmo dobrando uma oitava acima aqui. Então você tem três “D” neste caso. Então você pode, claro, fazer sua linha de base andar assim. Mas assim que você mudar a base aqui para, para ver o centro tonal da quadra. O D, a nota raiz do acorde não é tão clara, então você não quer ficar lá por muito tempo. Cria um pouco de tensão aqui. Mais como um tempo de análise ou transição. Então eu diria que 80% das vezes você quer manter sua base na nota raiz. Apenas como uma diretriz geral. E sempre colocar mais peso sobre ele. E você pode fazer isso dobrando uma oitava acima, ou até mesmo uma oitava aqui em cima, se você quiser. Então esse é o centro tonal por acorde em sua progressão de acordes. Você também pode ter certeza de que o centro tonal tem mais foco dobrando com vários instrumentos. Então, se você tomar este exemplo novamente. Então ele começa com se você verificar a string, digamos, ou ele está realmente tocando o acorde completo em F menor aqui. Então F é o centro tonal bem ali. E você pode ver que é tocado um F no baixo. Também é duplicado como um dos dois não harmonias aqui no bronze aqui. Então F e o terceiro menor lá. E o coro é na verdade um tocando o terceiro intervalo menor bem ali na quadra. E o f, oi Rob aqui, então dobrando lá. Então, como você pode ver, você pode dobrá-lo em vários instrumentos. E isso fornece uma sensação mais forte do centro tonal para cada registro em sua progressão também. E também usando técnicas de produção para torná-lo mais proeminente na mistura. E as duas principais técnicas de produção para dar mais peso ao centro tonal é primeiro a aumentar a dinâmica do nível de velocidade aqui por, por exemplo, ou dinâmica de controle de expressão para instrumentos que têm controle dinâmico para notas sustentadas, bem como basicamente apenas aumentando o nível. Então, digamos que o ar base, se você aumentar o nível nesta pista, ele vai, naturalmente, ter mais peso na mistura. E, assim, um sentido melhor do centro tonal. 7. Chords e melodia: Acordes versus melodias. Então, como você deve pensar sobre a relação entre acordes e melodias? Bem, a regra mais essencial quando se trata de acordes, melodias e intervalos na música é esta. Todas as vozes melódicas de todos os seus instrumentos, ou o que cria o cabo atual em qualquer ponto específico da sua composição musical. Eu realmente acredito que este é o aspecto mais importante da harmonia de acordes e das progressões de acordes na música. Então preste atenção agora. Digamos que temos essa parte de piano aqui. Então, como você pode ouvir e ver, isso é obviamente tocar uma progressão de acordes. Uma sequência de acordes aqui em meia barra muda. Agora, vamos apenas mu para isso por completo por agora e verificar todos esses outros instrumentos tocando. Isso é tocar os acordes, mas quando eu silenciei, eu ainda estou tocando uma progressão de acordes com todos estes juntos. Então, certo? E se eu entrar e dar uma olhada em tudo em combinação como esta, vamos recolher para que você possa ver todas as notas aqui. Onde quer que você coloque sua cabeça de jogo aqui. Esse é o acorde atual. Então, a progressão do acorde, na verdade, é mais complexa do que você imagina primeiro. Mesmo se você tiver um instrumento tocando os acordes, cada parte melódica da sua música realmente contribui para a sua progressão harmônica. Então aqui você tem um F, C, F, D afiado. Então, tudo bem, essas formas juntas. Se o meu acorde menor, então temos um pouco de uma voz liderando aqui no quires. Então aqui você tem um F, D afiado, F, C, F, e G. Então isso forma outro acorde, e então a base sobe aqui. Então, com uma linha de baixo ambulante, você está criando um novo código bem ali nessa posição. Então, quando considerarem isso, tratem todas as vossas vozes como parte da família de instrumentos que tocam linhas melódicas. Então notas arremessadas como o que compõe a sua progressão de acordes completa em sua música. Isso é automático por suas relações de todos os intervalos entre as notas em suas partes. Então você deve sempre tratar cada linha e parte sua composição musical como uma só voz em toda uma família de outras vozes, todas tocando juntas para moldar a história de sua composição musical. Agora, se você tocar uma progressão de acordes em, por exemplo, piano, você geralmente muda de acordes muito lentamente para as vozes internas dos tribunais sejam consideradas uma melodia por si mesmas. Então, basicamente, a maneira usual de ver acordes na música. Como uma base harmônica, um quadro para a sua história musical. Então deixe-me mostrar-lhe outro exemplo para demonstrar isso. Então eu tenho duas faixas tocando o piano aqui é apenas tocar a linha da melodia, mas em camadas em oitavas para maior clareza de foco. Certo? E então eu tenho um outro piano que está tocando os acordes. Mas como só mudo acordes a cada bar, vai parecer mais cortes e não linhas individuais. Porque se verificarmos isso aqui, se eu selecionar a linha superior aqui, você pode considerar isso. É a própria voz em sua família harmônica que cria a progressão do acorde. Isto poderia, por exemplo, ser tocado em cordas enquanto esta voz do meio aqui, esta linha do meio poderia ser tocada por alguns chifres, por exemplo. E você pode organizar as diferentes vozes de discos para serem tocadas como uma família, criando sua corporação. E se você fizer isso, você pode, por exemplo, criar líder de voz, fazer, fazer a linha real fazer mais em sua progressão harmônica. E quanto mais você adicionar, mais se sentirá como linhas melódicas individuais tocando juntas. Então, contraponto a harmonia basicamente. Mas este primeiro exemplo é apenas tocar os acordes aqui em blocos. No entanto, se você mudar de acordes com muita frequência, como por exemplo, a cada quarto de nota ou mais rápido, sua progressão do núcleo se sentirá mais como harmonia de contraponto, ou seja, várias linhas melódicas independentes tocando juntas. Assim, quanto mais frequentemente você mudar de acordes, mais melódica sua progressão de acordes se sentirá, e mais amarrada será a interação entre seus acordes e suas melodias. Agora vamos voltar a este exemplo e isso também é muito importante. Então, verifique aqui. Você pode ver as quadras aqui em blocos, mas essa não é a sua progressão de acordes. Em foo, você obtém a progressão harmônica completa quando você conta, somar todas as vozes melódicas em sua música. Significando, por exemplo, neste caso, a linha da melodia aqui. Então você tem que, em cada momento específico, somar cada voz em sua música neste caso, mas a, C, F, a, e F aqui novamente. Então isso é um Major. Mas então nós vamos aqui e a voz melódica realmente sobe para G, onde o F-Mor ainda está tocando os acordes aqui. Agora este é realmente um acorde diferente porque sua voz melódica vai para outro nó aqui, G neste caso. Assim que soletrar em adicionar não f em nove acordes, e assim por diante e assim por diante. Você também tem que somar sua linha de base, cada voz melódica em sua música. Porque a relação entre seus acordes, melodias, cada linha melódica é o que vem quando, quando você define quais seus hormônios, sua progressão de acordes realmente é. Agora, como você escolhe quais acordes soarão bem com suas melodias? Então vamos verificar isso aqui. Se for major, então já que você, estou usando aqui F, G e A, você tem que considerar a relação entre todas as suas, todas as suas linhas harmônicas que compõem sua progressão de acordes e sua linha melódica. Então a melodia é sempre o centro das atenções. Essas são as notas que toco aqui. Então você tem que verificar para os acordes que usam algumas dessas melodias sabe. Então, desde que eu uso F, G e um aqui, F e a, vamos escolher esses. Poderia ir com um acorde Fá maior. Então, tendo visto aqui na parte inferior, eu também poderia optar por usar um D menor porque isso também usa dois desses nós que faziam parte desta linha aqui dentro da melodia. Então, o que vai dar a um menor se sente edificante, F-major. Ou se você quiser ir ainda mais fundo, vamos verificar isso. Se eu adicionar o B-flat aqui, já que isso é parte da linha também, eu realmente vou até B flat, você começa b-flat major sete. Você começa a vibração Jesse lá. Você pode, é claro, usar uma inversão e, em seguida, apenas continuar. E aqui, por exemplo, eu poderia ir para B bemol maior se eu começar em D menor. Você vê o relacionamento aqui. Você, você tem que verificar o que suas notas melódicas estão fazendo. Quais nós são? Está realmente focando e aterrissando? Então é um longo etanol agora rasgo. E depois ao longo B, ou B plano. No entanto, digamos que você queira ir para um campo importante. Outra modulação para, por exemplo. Então eu tenho o apartamento G e B aqui. Concentre-se nelas. Vamos para o Mi bemol maior. Vamos fazer um acorde de passagem. Então D menor. Então, na verdade, mude de D menor para F aqui. Porque ainda estamos focando principalmente nesses dois nós. Vamos até algo que use isso. Você poderia ir para B bemol maior. Ou que tal este D menor? E-flat maior? E isso vem como uma surpresa, mas também funciona para esta linha de melodia porque também tem foco nesses dois nós que faziam parte disso. Porque esta frase melódica são esses generais e essas duas notas. Então, como você pode ver, você tem muita liberdade para como você harmoniza qual significado, quais acordes você escolhe para sua linha melódica. E isso é realmente o que cria. Tudo se soma à curva emocional da história que você quer para sua música. Então isso nos leva de volta a este exemplo. Aqui eu tenho a linha da melodia em oitavas. Ok, então estamos começando aqui com um F maior, G menor, D menor, F D menor, D menor. Mas eu realmente criei uma harmonização diferente para isso aqui, ainda bloquear acordes. Mas eu começo aqui, em vez de F maior com D menor vai para E flat maior, assim como eu mostrei a você o que eu demonstrei ao vivo. E depois para f assim. Então, se é uma progressão de acordes diferente aqui. E agora isso ainda está usando curso de bloco, mas você acabou de aprender que você pode obter mais harmonia contraponto sentir suporte melódico se você adicionar mais acordes mudanças. Então aqui eu realmente adicionei mais mudanças de acorde indo aqui de F para G menor. G menor. E desde que eu mudei o curso aqui na posição exata onde a linha melódica muda, isso cria uma espécie de mais ênfase e apoio para o seu meio principal ouvir. Então essas notas de melodia onde eu realmente mudei o código aqui, tipo de tornar-se mais acentuada ou enfatizada sem. Especialmente aqui que você pode ter. Então, se eu não mudei o código aqui e apenas tendo isso, como você pode ouvir, ele perde. Esse acentuado enfatizou aqui. Tribunais versus fator melodia. Então eu chamo isso de fator de corte versus melodia porque você pode usar isso a seu favor para adicionar mais apoio à sua melodia. Porque cada vez que uma nota dentro do seu código muda, mesmo uma única voz, é como um micro acidente. E esse micro sotaque pode apoiar sua melodia se sua melodia mudar a nota na hora exata também. Se você mudar o acorde inteiro, isso é ainda mais um sotaque, ou você começa a ver o que você pode fazer aqui. Você pode usar suas mudanças de acorde e a voz que conduz dentro dos acordes para acentuar e apoiar suas melodias. Especialmente se você usar a liderança de voz que leva uma das vozes dentro do código para a mesma nota da melodia, ao mesmo tempo que as notas de melodia chegam em sua composição. Tudo bem, então vamos verificar este exemplo novamente. Então aqui eu realmente mudei toda a coorte, mas digamos que eu mantenho isso e aquilo e mude isso. Isso é como o que chamo na minha tripulação sotaque da harmonia. Eu mudei porque eu posso ter isso como um cordão de bloqueio. E isso não suporta. Mas se eu mudar para você, você não tem que mudar a voz ou o tom da nota, você pode realmente apenas repeti-lo. E isso cria o centro também. Certo? Assim, cortar o laptop de novo. Porque se eu repetir ou alterar cada nó aqui no código, modo que cria um sotaque mais forte. E vamos verificar aqui sobre a melodia faz aqui. Certo, então aqui vamos para um A. Vamos ver o que temos aqui? Então temos um “D” menor. Há um f, k aqui. Vamos criar uma camada axônica. Então, vamos levantar isso. Então agora você obtém um axônio apenas de repetir esses nós. Então é o mesmo acorde, mas recebe suporte estendido sua melodia. Está bem? Então é um “A “aqui. Mas digamos que vá para uma nota diferente. Então você pode alterar o código real. Digamos que você vá para o sétimo acordes. O que temos aqui? Temos um D menor, D menor 7 seria um C no topo. Então esse nó agora, ok, então vamos dizer que a linha da melodia realmente foi para um C aqui. Como isso. Está bem, assim. Então vamos voltar para a vista condensada. Agora, desde que eu fui ver aqui, eu ainda estou usando o acorde D menor, mas eu adicionei o sétimo ano, então criando um sétimo D menor. Porque essa nota aqui acentua o que a linha da melodia está fazendo porque é basicamente apenas colocar ou colocar em camadas com a linha da melodia. Então pense sobre isso quando você, quando você quiser adicionar um sétimo acorde e adicionar 9 Coordenador indo além de incêndios, é sempre um bom caso de uso quando a linha melódica vai para uma nota específica, em seguida, suportado com um acorde como este. Por isso, apoia-o harmonicamente. Mas também desde que eu mudei todo o acorde, ele suporta ritmicamente assim. Então, basicamente, mudando acordes com mais frequência, você está entrando mais no reino da harmonia de contraponto em sua progressão central. E isso pode adicionar ainda mais apoio às suas melodias principais. Está bem, deixa-me mostrar-te isto. Quanto mais você mudar o curso, mais essas linhas internas, porque ele deve sempre pensar em suas progressões harmônicas como várias. Linhas terminais aqui. Certo, isso juntos forma a sua progressão central. Agora, se eu for para o exemplo final que eu criei aqui, eu estou realmente mudando acordes ou repetindo o código toda vez que uma nova nota de melodia chega aqui. Ele entra, como você pode ver aqui como o primeiro acorde. Ali. Eu só repito para sotaque rítmico. Mude aqui, mude de novo lá. E agora estamos realmente começando a entrar mais em harmonia de contraponto porque eu mudei isso tão rapidamente aqui, na verdade foi menos mesmo aumento. Agora, vamos manter isso simples. Ou eu, como você ouviu, há tanto hormônio qualquer coisa acontecendo porque cada voz, a linha aqui é sua própria voz. Claro, eu poderia adicionar um pouco mais de movimento para torná-lo mais real harmonia contraponto contável. Mas ele está ficando mais naquele reino ou aquele estilo porque há muito mais acontecendo em comparação com o primeiro exemplo novamente, que foi longo bloco chato. Está bem? Então agora você aprendeu tanto a relação harmonicamente harmônica entre a linha da melodia e seus tribunais e como você escolhe harmonizá-los, bem como como como ele vai junto para formar a família de vozes que compõe sua verdadeira progressão harmônica completa. E como você pode usar esses cortes versus fator melodia para acentuar tanto a harmonia, vamos ver, quanto os ritmos de suas melodias. Agora experimente isso por si mesmo. Escreva uma linha de melodia de quatro barras. Em seguida, primeiro, adicione códigos que mudam cada bola. Em seguida, tente adicionar alterações de acordes no meio, começando com as marcas de meio furo. E se você puder gerenciá-lo, faça nas notas de quarto também. Aqui está a dica de bônus. Uma mudança de acorde não precisa ser um núcleo completamente diferente. Acordes de graves alterados, acordes suspensos e acordes estendidos geralmente funcionam muito bem. Então, por exemplo, digamos que sua melodia seja assim. Ok, então vamos começar com Fá maior. Uma vez que estamos nos concentrando nesses dois nós na melodia. Então vamos para o G aqui em vez de mudar o acorde completamente para, digamos g. Basta mover um do nariz para fazer o F-Mor é acorde suspenso. Então, quando a melodia vai assim, é, você pode ir para, para ver, e se você quiser adicionar outro acorde em vez de usar incompleto o outro núcleo, use SAS para, por exemplo, aqui. A versão suspensa desse código. Então, algo assim é muito mais agradável e interessante harmonicamente do que apenas usar esses corpos F e C. 8. O som da harmonia (Solo): O som da harmonia em solo. Então agora vou demonstrar vários exemplos ao vivo de harmonia de tribunais e progressões de acordes em ação. Em essência, os sons da harmonia. É muito importante que você use o poder que você tem como compositor para escolher uma forma, a paleta de som para suas vozes harmônicas que compõem suas chamadas e progressões, pois isso fará uma enorme diferença no estilo de sua música. Então eu vou usar a mesma progressão de acordes para todos esses exemplos para mostrar como o instrumento e o caráter tonal e seu estilo de tocar fazem uma enorme diferença no som geral. Então é assim, de um menor, assim para E menor, em seguida, para baixo para G maior, e até D maior. E espero que reconheça essa progressão de acordes. É da trilha sonora para o filme Inception composto por Hans, similar. Então vamos começar com um som suave de pianos. Eu diminuo o tom e tornou-o mais suave com estes mostradores aqui para fazê-lo soar assim. Ok, então vamos tocar essa progressão de acordes em um estilo muito íntimo como este, começando em um menor. E então ele começa de novo e vai ao redor e ao redor com mais instrumentos entrando, essas cordas mágicas e assim por diante. Então isso foi um som suave e estilo de tocar íntimo em um piano, neste acorde progressão para poderoso do que divino, como um grande coro em um salão orquestral. Então carreguei esta biblioteca de amostras de coro com vocais masculinos e femininos. Vamos jogar. E eu estou usando a roda de modulação para montar a dinâmica enquanto eu segurar esses núcleos, a mesma progressão de acordes, um menor a lírico e exuberante, como um arranjo de cordas. Então aqui estou eu usando outra biblioteca de amostras chamada cordas inundadas com as Cordas de Câmara, pulmões, minimalista, remendo. E eu organizei a mesma progressão de acordes, mas mais clara com as notas do legato. E esta automação aqui. Então mesma progressão de acordes, um menor, E menor, D maior, D maior. Então parece assim agora. Som completamente diferente, mesma progressão de acordes, muito elegante e divino, como um arpejo em uma sala de concertos. Então aqui estou eu usando uma harpa de pellets no bloco de esboços fonéticos com todos os microfones ligados. E gravei estes padrões de arpejo a partir da mesma progressão de acordes começando em um menor. Suas possibilidades de moldar seu hormônio é com a instrumentação e estilos de tocar ou verdadeiramente ilimitado. Agora tome medidas, pratique tocar progressões de acordes usando diferentes instrumentos e estilos de tocar por conta própria. Como esses exemplos no Solver, ouça atentamente a diferença de caráter tonal e emoção geral que eles criam. Como compositor, você deve desenvolver um instinto para essas características sonoras. Cada instrumento, família e estilo de reprodução podem adicionar à sua música. 9. O som da harmonia (família): O som da harmonia, família. Agora eu vou demonstrar vários exemplos ao vivo de um acorde progressões tocadas usando diferentes instrumentos, combinações. Porque é disso que se trata a música. Uma combinação de instrumentos e sons tocando juntos como uma família para contar sua história musical completa. Então aqui eu tinha criado um exemplo onde cada uma dessas faixas aqui desempenham sua parte em seu papel harmônico na família da harmonia que cria seu enredo harmônico ou progressão do núcleo. Então você pode ver a progressão real do núcleo aqui em cima, E maior, um maior, um menor, E sus4, E maior, E maior C, D e E. Então, se você quiser, você pode praticar com a progressão exata de acordes que eu tenho escolhido aqui. Agora, a fim de tornar as coisas mais interessantes, eu também optei por criar vários estilos de jogo em cada uma dessas performances. Então o piano aqui, em vez de tocar simples bloco curso como este, onde nosso E maior para um maior como um. Eu criei uma espécie de variação entre estilos arpejos, alguns comping rítmico, alguma voz levando a criar este tipo de groove. Há suave e íntimo. E com essa variação nacional de tempo humano que louva como alma à sua música. Certo? Então nunca quantifique qualquer melódico alimentado 100%, isso é uma dica que eu posso te dar. Certo, então esse é o piano, muito suave ao fundo. Estas cordas curtas aqui tocam uma espécie de ostinato rítmico, mas com acordes completos. E você pode ver variação na velocidade e os acentos criando o sulco principal. E parece assim. Ok, então eu tenho essa jogada difícil, mas as harpas costumam fazer um arpejo muito alto em alcance. Para adicionar essa sensação de brilho e ar. As cordas aqui estão tocando. Sim, eles estão tocando os acordes com cordas longas, suaves, brilhantes, cordas altas. Lindo. O bronze realmente não está jogando tribunais completos, mas sim para observar harmonias, modo a saber dois fora do nó. Assim, a partir do curso você pode ver o primeiro acorde. Onde você está? Track arranjo aqui? O que é um E maior? Então aqui eu estou usando e G-sharp, então a raiz eo terceiro. Então o bronze está tocando para notar harmonia. Eu acho que tudo bem. Soa um pouco estranho por conta própria, mas é apenas adicionar esses dois sem termina para adicionar seu próprio tom, caráter para a família geral. Lembre-se dessa gorda, é tudo sobre família na música. Então temos este vento splaying para observar, basicamente um padrão de tipo ostinato. Mas com estes e, uma vez que todos os acordes, basicamente, a maioria dos tribunais usa E neles. Então eu optei por usar isso como um tipo de drone rítmico, se você puder. O rótulo é que ele fica lá no II. Também novamente para adicionar vergonha lá junto com o cavalo. Então esses dois acrescenta à família da harmonia. Em seguida, adicionei estes coros, que estão tocando os acordes também. Então vamos sozinho. Então aqui eu estou realmente jogando os códigos de bloco longos tolo com animação e movimento da expressão dinâmica. E finalmente, também gravei algumas chaves elétricas. Eu acho que este é um piano Rhodes em chave Escape para ter algum suave, low-end distorcido senso de cor para o som. Ok? Tudo bem, então essas são todas as cores. Então vamos ser novos para estes por enquanto. E eu adicionarei o baixo e a bateria. Lembro-me que a linha de base também irá fornecer, fornecer o seu próprio papel na progressão harmônica da sua história musical. Mas vamos ouvir a família das vozes. Ouvir instrumentos que criam a progressão geral do acorde soa como este. Lindo. E finalmente eu adicionei alguns tambores e esta linha de base, que no todo cria um som completo. Imagine o seu poder como compositor ao combinar instrumentos, dividir as vozes que cada um toca, bem como o estilo de tocar de cada instrumento e linha, a dinâmica, a expressão e assim por diante. Você pode tocar acordes de tríade muito simples de um bilhão de maneiras diferentes escolhendo como você toca as notas no contexto de todos os seus instrumentos e portos como uma família. Por isso, permitam-me demonstrar isto rapidamente também. Então aqui eu jogo apenas C menor para G menor para C menor novamente. Então, dois acordes simples da tríade. O primeiro exemplo aqui é um piano. Parece assim, e você pode ver os nós aqui e o estilo simples, certo? O mesmo instrumento, piano, mas mais suave, mais íntimo e mais focado nos acordes, certo? Então C menor, G menor, volta para C menor. Aqui eu estou usando cordas curtas com algumas notas marcato e, e o resto curto. As notas curtas ou staccato, algo assim. Ok, a seguir eu tenho um conjunto de cordas aqui tocando os acordes, notas longas e exuberantes e este crescimento, esta onda de dinâmica e soa assim. E finalmente, eu também toquei nas chaves elétricas, o instrumento de estradas aqui na chave de escape. E alguma variação entre, Vamos lá e dar uma olhada. Então eu estou usando o pedal sustain aqui, mas alguma ração entre um pouco de estilo arpejos com alguns acordes de bloco. E, em seguida, construir um arpejo no final aqui para obter aquele sino como som e brilho, algo assim. Agora, tome medidas, guarde seu DAW e pratique combinando diferentes instrumentos e estilos de jogo para moldar o caráter tonal e a emoção de sua progressão principal. Esta é uma habilidade incrivelmente importante que você precisa para desenvolver como compositor. Porque orquestração e arranjo terão um enorme impacto no resultado final de suas composições musicais. 10. Introdução - como melhorar seus progressões de acordes: Então, como você escreve, executa e expressa suas progressões de acordes e partes de harmonia em sua música para ser dinâmico, interessante do que o som, incrível. Vou te ensinar minhas principais técnicas, diretrizes e dicas. E eu espero que você vai experimentá-los todos para que você pode armazenar para usar esses truques em seu processo de composição musical e composição musical para melhorar seus acordes e hormônio uma escrita. Vamos começar agora mesmo. 11. Crie um Groove com seus acordes: Crie um sulco com seus acordes. Acordes de bloco longos, ou a maneira mais chata de tocar acordes e harmonia na música. Em vez disso, tentou adicionar algum ritmo nos estilos de jogo. Todos os instrumentos que eles usam para tocar os acordes e harmonias em sua composição. O melhor exemplo que posso dar é uma guitarra acústica. Você já ouviu guitarrista tocar apenas um acorde longo por porta ou as progressões do núcleo? Provavelmente não está certo? Eles tocam um padrão de dedilhação para tornar a progressão do núcleo mais interessante com um ritmo e cresceram armazenados, aplicando essa mentalidade de um padrão dedilhante, mesmo se você tocar suas cartas em piano, teclados elétricos, ou até mesmo cordas orquestrais, apenas certifique-se de que você usar articulações que você pode jogar nós mais curtos como ele funciona melhor para ritmo e groove em curso em harmonia. Então vamos pegar essa string na amostra, por exemplo, algo assim. Agora em nossa posição de objetivo ou sustentar ou ler as articulações legato, você não será capaz de jogar ritmicamente. Então use uma articulação, staccato, Marketo, e assim por diante, por exemplo, assim. E digamos que você queira adicionar um piano em sua composição em vez de usar acordes longos, chatos e bloqueados como este, C maior, G menor, F maior, e de volta para C, aplicar sulco feminino real. Então, por exemplo, você pode tocar isso ritmicamente por registro assim. Ou você pode adicionar alguma variação ou jogar arpejos como este. Ou uma combinação dos dois. Semi quebrado, como eu chamo. Então não quebrado como Arcadia, mas assim. E cada combinação que você pode pensar, esse ritmo e ritmo em suas progressões harmônicas no piano. Então comping em vez de longos tribunais de livros chatos. E como um bônus adicional quando você faz isso, é que é muito mais fácil e mais natural para adicionar essas notas pulsantes que estão fora, fora do acorde principal. Então, por exemplo, se tomarmos esta progressão C, E, G menor F novamente, aqui temos o C maior. Mas você pode, por exemplo, isso. Note que quando você vai para a chamada menor, um SaaS aqui diz Jesus para e, em seguida, ir para f. e depositar. Nota aqui, F sub dois. E, em seguida, c sus4, desde que eu tinha dois anos e então C, Então todas essas notas extras ou mais natural para adicionar naquele anúncio tão quente para a variação e interesse em sua progressão acorde e ou enredo harmônico. Como você pode aqui em comparação com este Corpo de Fuzileiros Navais, você começa um. em seguida, há alguns instrumentos onde você começa automaticamente este estilo de jogo de liberdade e groove. Por exemplo, uma harpa, naturalmente tocada com ou produzir algo assim , e assim por diante. Você também pode usar estilos de reprodução que adicionam mais ar e o silêncio entre os nós para marcar, por exemplo, as batidas principais, acentos em seus ritmos centrais. Digamos que em um bronze você pode jogar esporte Asado e nem sequer jogou um núcleos CPU, mas apenas duas notas em um momento do cabo como este. E lembre-se também que uma verdadeira magia acontece quando alguns instrumentos tocam notas e linhas mais longas para sua parte harmônica, enquanto outros tocam uma ranhura rítmica. A combinação de ambos é o que cria essa variação e interesse em suas harmonias. Então aqui eu criei outro exemplo para você demonstrar o poder do grupo, lê-los e tocar estilos, especialmente em combinações quando você expressa suas histórias harmônicas e histórias musicais. Então eu usei a mesma progressão de acordes , a, C, E, G menor, F e C. Então vamos ouvi-los individualmente primeiro. Então, no piano, eu escolhi um pouco de um ano emparelhado. Será mais rápido, muito rápido nosso ano de treinamento para obter algum cordão de grupo lá e alguma variação aqui, meio tarde lá. Mas eu escolhi manter variações de tempo para adicionar ainda mais groove humano e assim para a música nas cordas curtas aqui, que são cordas somáticas também. Eu escolhi staccato em vez de e-mail de artistas de estuque porque eu queria isso um pouco mais. Notas para o ritmo. Tenha um pouco de cauda no som. Aqui eu sou baseado essencialmente jogando os coords tolo em um padrão de ritmo comping na harpa enquanto, mas você não harpa arpejos na maioria dos casos. Ok, e eu escolhi usar apenas as coordenadas nisso. Em seguida, nas cordas, eu estou tocando aqui, a corporação com as longas notas exuberantes. Então isso não é tão rítmico, para ser honesto. Quero dizer, isso é realmente o que cria esse véu de, MAS neste som geral. O mesmo em latão aqui eu escolhi usar acorde longo. Mas a diferença é que eu escolhi tanto quanto a articulação do staccato para obter aquele afiado ou ataque para marcar aquele som de bronze. Ok, e finalmente nas asas eu toco estas seguintes notas longas, estilo arpejo. Mas basicamente são as notas de acorde rescore com um diferente, lê-las para cada ONE, o arpejo real para cada acorde aqui. E em combinação como uma família. Com tudo isso, você tem esse tipo de estilo. 12. Mudar acordes nas barras: Mude acordes dentro das barras. Usar o mesmo acorde para uma ou até duas barras completas pode parecer muito chato em sua música. Então aqui eu criei um exemplo usando um piano com longos acordes de bloco de uma barra com estes acordes de progressão aqui em cima. Então vamos ouvir primeiro. Agora, se suas melodias e a maneira como você joga suas cartas tem muita variação, ritmo e movimento dentro de cada acorde. Você pode, claro, usar o mesmo curso por uma duração mais longa e ainda fazer uma ótima música. Então vamos pegar essa mesma progressão de acordes tocada no piano, mas aplicar um pouco de groove Redmond ao estilo assolante de cada acorde. Então cada acorde vai durar por uma barra, mas eu estou adicionando algum interesse com o groove e o estilo de tocar, algo assim, ser plano, D menor. E veja. E, claro, se você adicionar muita animação e movimento, como eu fiz nessas cordas ainda tocando acordes de bloco de uma barra como este, B plano para D menor. Mas você tem algum movimento dinâmico. E, claro, se você adicionar mais instrumentos tocando, digamos que eu adicione um piano em cima dele. Então, é claro, você obtém mais variação disso. Então ainda usando a mesma barra por registro. Mas você obtém animação, movimento e variação e mais profundidade do estilo simples e do movimento de sua música. Mas experimente ir além acordes de uma barra para adicionar mais variação harmônica em sua música, você deve considerar adicionar mais algumas mudanças de acordes em sua progressão. Os melhores momentos são geralmente no ponto de meia barra ou em uma batida, um quarto de nota. Ok, então vamos voltar para este piano aqui. Eu fiz o primeiro exemplo usando tribunais de bloco de uma barra. Em seguida, gravei outra demonstração aqui para você, onde eu realmente mudo acordes duas vezes por barra. Então primeiro vamos de B plano maior, B plano maior sete, depois de D menor para D menor sete, depois F Sus para dois. Então um, e você tem mais variação. Estou usando o pedal sustain, a propósito. Então parece assim agora. Certo? Um pouco de aço rígido porque só usar acordes de bloco, tocar todas as notas ao mesmo tempo do cabo como este é uma espécie de rígida, especialmente no piano. Então, se eu trazer o piano, para que você possa vê-lo aqui se nós tocarmos isso. Então, começando em B bemol, então eu fui para B flat, major sete, então D menor. E depois os sete menores assim. Então, e você pode começar a adicionar algum groove rítmico em seu estilo de jogo deste. Então, por exemplo, de F, G, talvez se sentido para você. E então talvez ver SaaS fazer. Assim, você pode adicionar muita profundidade mais calma e harmônica entre, entre as barras. Então, então você obtém mais variação harmônica, bem como alguns sulcos no estilo de planejamento. Eu realmente tinha feito isso sobre estas cordas curtas é aqui. Então eles estão jogando campo de beisebol, mas nós adicionamos variação nas mudanças de acordes aqui na batida final, como você pode ver. Então aqui na batida final também. Então eu troquei na linha de meia barra aqui para que você possa ver, e então a última perda de nota trimestre bateu lá. E parece assim, digamos em solo, sim. E assim por diante. E finalmente, deixe-me mostrar o que eu fiz aqui com esse arranjo de cordas. Então parece lindo. E se você adicionar melodias interessantes que tomam o foco, isso pode ser completamente bom, mas evoluiu mais interesse harmônico. Então vamos dar este exemplo onde eu tenho, Eu cortei as notas e fez algum movimento aqui em vez de pacotes nota longa. Reitor para adicionar alguma voz. Então você pode ver que isso começa com um B bemol maior, então ele vai para B flat major sete lá. Se tomarmos aqui você pode ver que é um F Sus para entrar em F, entrar em C. E então isso, e essa voz muda. Então é um C às nove. E você tem um movimento muito mais interessante na progressão dos acordes. Sua música ficará mais harmonicamente rica se você mudar de acordes dentro de um javali, e não apenas nas transições exatas do tabuleiro. 13. Adicione acordes de transição: Adicionar acordes de transição. Música é sobre contar uma história usando sons em vez de visuais. E o que é realmente importante para qualquer boa história. O fluxo da sua história. Neste caso, levando seu ouvinte em um passeio que se sente como uma montanha-russa com altos e baixos, voltas e voltas. Mas sempre se movendo em um fluxo que leva sua história musical do começo ao fim. E isso é verdade para suas progressões de acordes também. Uma maneira de melhorar o fluxo é com a liderança de voz para um passeio mais suave, mas também usando acordes de sessão de amigos e acordes pulsantes para tornar a jornada entre os cabos mais interessante. Então deixe-me demonstrar o uso de acordes de transição para apimentar sua progressão principal e tornar as transições entre acordes mais interessantes. Digamos que você é uma corporação é plana. Tudo bem? Agora, a primeira coisa é que você vai de Dó maior para um F. maior. O que você pode fazer é usar uma inversão de acordes. Então, por exemplo, F-major jogou assim. Então fazendo esses Topsy aqui embaixo. Agora eu estou aqui de C maior para fazer, F-maior torna-se suave, ER, mas você também pode adicionar um acorde de transição como este, C. E então vamos dizer c sus4, porque isso é uma nota F também é aparente no Núcleo EF. Ofereça assim. Ok, novamente, C e uma batida final como essa. E você também pode usar outro acorde ou fazer um sétimo acorde, digamos, ver que C maior 7. E, em seguida, ir para você em breve novamente. E você ouviu o acorde final lá está na batida final antes das cadeias da corte. E então você está em F, F sus4. Quando você vai para B flat maior, como você pode ouvir, ele cria mais interessante e basicamente amarra os acordes mais suave. Em vez de apenas mudar de acorde, eles são os melhores momentos para adicionar esses acordes breves é na nota final antes da próxima barra, onde um novo acorde entra. O cabo de transição não tem mesmo de ser muito diferente dos dois tribunais principais. Mas muitas vezes pode ser simplesmente uma variação de um deles. Por exemplo, um sétimo acorde, um acorde suspenso, um cabo de base alterado. Adicionado acorde nota ou quaisquer outras variações de um desses dois acordes principais na transição entre eles. Então deixe-me demonstrar rapidamente os dois tipos diferentes de curso de transição. O primeiro eu já demonstrei, que é um, outro código mais frio, mas ainda usando o mesmo nó raiz. Então C para F. Você pode fazer sus4, por exemplo. Você pode ver, vamos adicionar o seis rasgos. Então CC, C grande pesquisa. Você pode fazer C 7, este cabelo, então criando um acorde C sétimo maior sete, e assim por diante. Então várias cores, mas usando a mesma nota raiz do acorde ou mesmo o próximo acorde. Mas você também pode fazer um coord de transição. A outra maneira é usar uma coordenação completamente diferente, um nó de rota completamente diferente. Então, de C para F, você pode, você pode querer, por exemplo, uma vez que isso está usando E e G dentro, se apenas mover esse nó, você cria um E menor. Então você pode fazer isso como um acorde de transição. Você ouve que uma progressão de acordes totalmente diferente aqui. Uma vez que é tão curto, esse é o significado de acordes de transição repulsa curso. Eles são apenas aquele passo intermediário entre o prato principal, neste caso, Dó maior e F- maior. Mas eles podem adicionar um monte de cores interessantes para a sua progressão acorde, usando-os tanto a cor do mesmo, modo que a mesma nota raiz, mas outro sabor dele, ou um acorde diferente completado por um breve momento enquanto o A transição está acontecendo assim. Agora eu também criei algumas demonstrações aqui no DAW. Então, vamos começar aqui. Esta é a progressão do acorde, D menor, C, D menor, e assim por diante. E você pode ver apenas bloquear acordes aqui, então nenhum curso de transição. Parece assim. Ou duas barras, D-menor aqui e depois para ser plana. Ok? Agora, a próxima coisa é, eu basicamente copiei isso em outra faixa aqui, e então eu cortei e criei um acorde ou cor diferente aqui na batida final aqui, aqui, aqui, e assim por diante. E estes são acordes de transição. Então, vamos ouvir a diferença agora. Muito mais interesses, movimentos interessantes e variações na progressão dos acordes. Então vamos ver, vamos de D menor aqui. E então eu escolhi usar D menor, adicionar 11. E aqui, C a C sete, D menor, D menor sete, e assim por diante. Agora, é claro, você não joga livro. Como este no piano porque soa duro, mas você pode escrever sua progressão geral de acordes como um esboço no topo do seu sequenciador e incluir todas essas quadras de transição e usá-los como um guia visual quando você organizar sua música. Mas eu também criei este exemplo onde, porque aqui eu realmente mudei ou repito cada nota na coordenada criando esses blocos como este. Então vamos comparar isso com o acorde completo. Então, cada mudança, todos os nós mudam ou repetem. Mas aqui nas cordas que mostrei a vocês, mais uma maneira lírica e bonita de realizar harmonia é fazer com que o indivíduo chamado vozes faça suas próprias linhas individuais. E você não costuma criar uma mudança de acordes como esta, como um bloco, mas sim como vozes individuais. Então você tem movimentos de voz individuais. Então aqui você vê o D menor aqui a voz superior permanece a mesma, a mais baixa também. Este muda na batida final. hoje. E este vai para baixo para adicionar aquele movimento de voz, porque toda vez que até uma única voz muda. Por exemplo, digamos que aqui você tem um C e então este top g vai até B. E isso é loucura. C7 é apenas uma voz ou muda. Os outros estados é o mesmo R que acrescenta essa bela maneira lírica de uma progressão harmônica. E novamente, como com os acordes de transição aqui, você pode ter como diretriz, a batida final de cada barra, ou a meia barra aqui para adicionar esses movimentos de voz. E na maioria dos casos você não quer que todas as tensões se movam ao mesmo tempo, mas sim apenas uma única voz ou talvez em alguns casos aqui, porque se todas as mudanças que podem soar um pouco lamacento para a sua harmonia prostituta. E você pode perder a coesão do, o foco do que cada código realmente é em sua história harmônica. Mas essa é a essência de uma transição acordes na música. Então experimentar com isso, ir de acordes de livro longo e começar a adicionar curso de transição, ou o mesmo RootNode com uma cor diferente, o acorde, sétimo acorde, acorde suspenso, adicionar seis acordes e assim por diante, ou um acorde completamente diferente. E lembre-se também que você também pode mudar apenas uma ou duas vozes de cada vez e, assim, criar uma harmonia como uma transição para o próximo acorde. 14. Use melhor que a voice: Use a liderança de voz melhor. voz líder na música é a arte de escolher como tocar e conectar o fluxo de cada voz nos acordes e harmonias ao longo do tempo. Por exemplo, se você tocar um acorde de C maior, as notas ou C, E e G. Mas você pode jogar com qualquer uma dessas notas em uma ordem diferente da posição raiz padrão. Se você jogá-los como E, G, e C, é chamado de primeira inversão. E se você jogá-los como G, C, E, é chamado de segunda inversão. E se você tocar acordes com quatro nós, como os sétimos acordes, por exemplo, você também pode obter uma terceira inversão. Então, por exemplo, se você tem um C dominante sétimo acorde, C, E, G, B plano. Agora a primeira inversão movendo-se para cima, vejamos aqui, a segunda inversão movendo-se para cima este E aqui. E a terceira inversão, porque você recebe uma terceira inversão extra se você tiver um acorde de quatro notas movendo este G aqui, assim, todos eles, ou C7, mas três inversões diferentes. Na maioria das vezes, você quer jogar seu curso de uma forma que torne a progressão do núcleo fluir mais suave, o que significa escolher inversões para seus acordes. Isso cria menos e mais curtos saltos das vozes internas do núcleo. Então vamos dizer que você quer ir de C para F. Bem, este é um grande down. Agora, você pode usar uma inversão do acorde C antes de ir para o F, assim. Mova isso para uma oitava. Então você tem o c maior na primeira inversão. E então o C permanecerá porque essas duas outras vozes se moverão para cima assim para criar o acorde F. Assim você tem uma voz mais suave entre estes tribunais. Ou você pode optar por usar o brilho do outro lado, começar com a posição C e, em seguida, usar uma inversão do acorde F-Mor. Então mova isto uma oitava para baixo, assim. E este é um quarto de medida F também. Então, indo assim. Mas você pode ir um passo além disso. Se você começar a dobrar algumas das vozes principais no cordão e, em seguida, mudar a forma como você voz os acordes enquanto toca. Por exemplo, C, E, G é um acorde básico C maior. Agora, se você adicionar outro C, uma oitava acima, então C, E, G e C, você pode criar uma voz suave levando a transição para, por exemplo, um sétimo dominante em C. Depois disso, C, E, G, B flat. Agora, digamos que você segue indo para F sus4 e, em seguida, deixar dizer se major disso. Bem, parabéns, você acabou de criar uma grande progressão de acordes usando voz criativa, que acrescenta essa transição agradável e suave entre seus tribunais. Então, aqui eu criei um exemplo de progressão de acordes usando o acorde de posição raiz padrão. Então CGD menor, um menor. C, F e C. E soa como este muito nervoso e duro porque você começa por cada voz. Então a primeira coisa que você pode fazer é simplesmente parar para transpor estes como este uma oitava abaixo para fazer uma inversão dele. E você pode vê-lo realmente compartilhar agora, então você recebe um a menos, saltar sobre a transição de voz para o próximo acorde. Como isso. Mas diga que um abaixo é um talvez acima. Então você pode ver que você está começando a reduzir cada folha ou vozes como esta. Certo? Então esse é o primeiro passo. O próximo passo que você pode fazer é adicionar se você tiver grandes saltos que você não pode evitar. Como por exemplo, aqui, este é o nó raiz das bases de um acorde C, mas ele vai para G. Em seguida, próximo como o núcleo. Então esta é apenas a nota raiz nas oitavas ou nos tribunais aqui. Você pode começar a realmente criar algumas transições como a liderança de voz aqui. Então vamos dizer que o C aqui vai assim para andar suave ER, para a próxima nota. E todos estes juntos podem criar uma progressão de acordes muito mais suave. Então, se você verificar isso aqui, eu peguei isso e eu preparo este exemplo onde eu usei essas duas técnicas. E você também pode, não tem que ser os mesmos saltos aqui. Então aqui tem sido batida perdida onde eu adicionei uma mudança. Mas aqui eu fiz tudo. A nota mais baixa aqui, marca de meia barra. Quero dizer, você é completamente livre. Apenas certifique-se de que você não está criando muita bagunça para o cabo atual onde quer que você comece a adicionar esse tipo de voz. Então aqui nós chegamos de um C. E se você escolher andar para baixo ou para cima para qualquer voz em seu código, certifique-se de que você não está criando um tipo louco de curso, este é apenas um C maior 7. Soa assim. Portanto, a lição mais importante que você precisa aprender é tratar cada linha tem sua própria voz em seu código. Então, se eu, por exemplo, selecionar a linha superior aqui, três, isso tem sua própria voz ou dentro de sua harmonia. Então você quer, na maioria dos casos tem menos saltos. Então este é o ácido. Você tem passos ou um tom? Semitom irrigado, e assim por diante. E eu fiz isso em todas as vozes. Você não tem grandes saltos. É assim que se obtém essas progressões mais suaves. E é especialmente importante em instrumentos com notas longas e sustentadas, como cordas e ventos de latão sustentados e assim por diante. Então aqui eu fiz o mesmo exemplo em uma corda em Samba patch e seu braço assim agora. Então, quando você adiciona essas notas extras para criar uma voz mais suave e melhor para as suas progressões de acordes. Você deve ter cuidado em fazer demais ao mesmo tempo. Então, por exemplo, aqui, esta voz vai para baixo aqui, enquanto esta permanece a mesma até que a corte mude. E aqui você fica na meia palma da mão. Ok. Não faça todas as mudanças ao mesmo tempo. Ou será tratado como a sua própria palavra central. Então, é claro que você pode fazer isso, bem como tribunais de transição e tribunais de pausa. Mas aqui, quando falamos de liderança de voz, trate-as individualmente, as vozes, mas não faça muitas mudanças ao mesmo tempo. Então aqui eu fiz para este aqui para lá e este aqui também. Mas este, este, e este continua a ser o mesmo. E também, se estamos falando sobre a nota raiz para o cabo solar, na maioria dos casos será jogado na base. E também às vezes a octana da nota de baixo. Essa é a voz que você quer ter mais cuidado porque ela fornece a âncora tonal para o ouvinte, o nó raiz de cada acorde. Portanto, certifique-se de manter isso por mais tempo na maioria dos casos e fazer a voz liderando mais na terceira, quinta e outras vozes de seus discos. Então agora você pode praticar quando você escreve sua progressão principal para organizar suas vozes e adicionar notas extras para criar transições mais suaves indo de Stephen, bloquear acordes como esse, em algo com mais interessante e suave transição das vozes internas. Isso compõe a tua progressão principal. 15. Use a voção de acordes criativos: Usar a voz de acordes criativos, as chamadas inversões e a liderança de voz, é a maneira fundamental de fazer as suas progressões centrais fluírem mais suaves. Mas vamos dar um passo adiante. Agora, imagine um guitarrista que toca um acorde usando todas as seis cordas de uma guitarra acústica. Isto significa que algumas das notas de acorde serão duplicadas. E em alguns casos, o guitarrista pode optar por silenciar, ou seja, não tocar uma ou mais cordas. Então deixe-me demonstrar rapidamente estes nestes plugin de guitarra acústica. Então eu vou tocar um acorde E menor. Então vamos jogar um software para baixo. E você pode ver as cordas warbling sendo tocadas todas estas três cordas mais baixas, esta corda aberta, e estas duas no segundo traste. Se eu pressionar um pouco mais, ainda é a mesma coorte, mas agora os guitarristas superam todos os acordes. Então todas as seis, ou todas as cordas, todas as seis cordas. que significa que algumas vozes do cordão serão dobradas. E se eu fizer um golpe ascendente, vai na outra direção, e três cordas diferentes aqui. Estas quatro cordas agora, então você pode ver que é o mesmo acorde, E menor, mas é uma cor diferente dependendo da voz. Assim, você pode ver que você pode criar as vozes acordes pelas quais observa você dobrar em seus códigos. Então digamos que você tem um acorde Fá maior, F, A, e C. Bem, pense como um guitarrista, qual dessas vozes centrais você quer dobrar e onde? Então vamos pegar o C, a nota superior e duvidar uma oitava abaixo. Vamos pegar a nota raiz e dobrar que uma oitava abaixo também. Então temos F, C, F, a, C analito. Basta adicionar outro F e em cima disso. Então este é agora o mesmo acorde. Mas com voz acorde e acorde do que o acorde de três notas simples aqui. Causou acordes. Primeiro, você precisa entender a diferença entre as vozes de acordes fechados e abertos. Uma voz fechada, para registro é simplesmente ter todos os nós sobre o cabo distribuídos para que não haja espaço entre as notas, o significa que nenhuma nota ignorada é parte do acorde. E um cabo aberto, no entanto, é quando você escolhe distribuir as vozes do acorde para que haja de fato um espaço entre algumas das coordenadas que você usa. Então deixe-me demonstrar a diferença entre uma corda fechada e uma voz de acorde aberta. Então vamos pegar um acorde de C maior, C, E e G, ok? Então, se você tocar assim, este é um acorde fechado voicing porque as notas C, E e G, não há C, E ou G entre qualquer uma dessas notas. E mesmo que eu expresse com outras inversões, movendo isso aqui, ainda não há C, Não. As vozes internas no meio, você não pula nada. Mas assim que você for assim, pegue este nó, por exemplo, uma oitava acima aqui. As notas principais são C, E e G. Mas como podem ver, aqui está uma das coordenadas reais que são ignoradas. E o c aqui também é ignorado, significa que esta é uma voz de acorde aberta. Assim, você também pode adicionar mais nós. Então vamos dizer que você tem a nota raiz o C abaixo, escreva isso. Então você pega o terceiro, vamos dizer ali. E então você pega, digamos a raiz novamente, seu par de fé e o cabelo da raiz. Então este é na verdade um acorde de C maior com uma voz de acorde aberta. E compare isso com uma voz de acorde fechada, que pode ser algo assim. Mesmo que dobre tudo assim. Isso ainda é uma coorte fechada cursos. E novamente, uma voz de acorde aberta é sempre que você pula uma das vozes do tribunal interno. Então, por exemplo, C maior procurou. Nós vemos se você pular qualquer nota aqui como parte da coordenada como esta. Esta é uma voz de acorde aberta e você pode expressá-la como quiser, largura que quiser, como JB ou terceiro. E essa é uma voz de acorde muito espaçada. Claro, isso cria naturalmente um som mais aberto com melhor separação entre as vozes e como ar para outros instrumentos para tocar linhas melódicas, temas, recifes, ou o que você quiser adicionar. Mas espaçamento demais pode deixar o cordão solto. Está resfriado, Fundação e conexão. E em vez disso sentir como linhas completamente separadas em vez de um resfriado. Então você tem que ter cuidado com o quão longe você espaça as vozes centrais. Então deixe-me demonstrar isso nesta progressão de acordes de piano em E menor. Então eu estou começando em E menor, indo para E menor sete então para ver Jesus para G e assim por diante, soando assim. Ok, então aqui estou eu usando acordes de posição fechada novamente, significa que cada uma dessas vozes quadráticas, eu não pulo nenhuma voz de acorde interna. Não há, por exemplo aqui, isto é E em E menor, E, G e B. Então nós temos aqui E, G, e B. Então não há nenhuma nota EEG ou B entre qualquer uma dessas notas. Assim que você transpor qualquer nó disso para cima ou para baixo, você cria uma voz aberta. Então vamos tomar, por exemplo, a linha inferior aqui abaixo uma oitava inteira como esta. Agora você tem um acorde aberto voicing assim. E digamos que você transponha a linha superior até uma oitava. Isso está ficando um pouco largo demais. Não vai soar mais como um resfriado. Porque é espaço muito largo. Claro, se você usar isso e preenchê-lo com outros instrumentos, isso provavelmente pode funcionar, mas tenha cuidado com o quão longe você espaça isso provavelmente pode funcionar, cada acorde e se você espaça-os, você também pode, por exemplo, dobrar um dos as linhas. Digamos que pegue essa linha inferior e duplique isso aqui. Agora que ainda temos uma voz de acorde aberta. Mas você começa a sentir algumas das lacunas para fazer o aço se sentir como uma progressão de acordes e não apenas vozes individuais. Então você pode usar esses conceitos, os acordes de posição fechada e os acordes de posição aberta, e que chamou vozes. Você dobra de forma criativa para seus acordes em suas progressões principais. E uma boa diretriz é garantir que o nó raiz de cada acorde tenha mais peso e foco em seu acorde, que na maioria dos casos significa usá-lo como a nota mais baixa e até mesmo mergulhar é uma oitava acima. Então, digamos que você queira expressar um C, adicione nove acordes em sua progressão de acordes. Em vez de jogar direito sem duplicar assim. E então o add 9 é realmente o D aqui, mesmo que os nove pontos são pagadores, mas na posição fechada, é a, D, E, e G. Então C89, posição fechada. Experimente a voz. Por exemplo, vamos dobrar o nó raiz, então uma oitava Biao, Então vamos fazer C e, em seguida, outro C uma oitava acima, em seguida, ir para o quinto perfeito do acorde. Então o G, e então vá para o d, que é na verdade o add nove. E então você pode pegar, digamos o quinto G perfeito novamente, a nota raiz novamente para ainda mais focar naquele tônico ou na nota raiz do acorde. Então C, e depois termine com a carga final sendo e, que é a terceira neste caso. Tudo bem, então deixe-me agora demonstrar esta enorme diferença de tom e Colmar de criar uma voz de acordes como esta. Então aqui eu tenho você ver adicionar nove acordes em posição fechada, C, D, E, e G. Assim. Mas aqui, como eu acabei de dizer, eu escolhi ter o nó raiz aqui no baixo dobrou uma oitava acima. Então, vejo você de novo. Em seguida, o pivô perfeito, o g, em seguida, o add nove, o d, em seguida, o presente perfeito novamente. Então g, então a nota raiz aqui, C, e então a terceira é E, que soa assim, antes. E agora depois. Tom e cor completamente diferentes, exatamente o mesmo acorde. Tenha em mente que geralmente é recomendado para se concentrar no nó raiz e, ou quintos perfeitos na faixa inferior, eu diria abaixo do meio C. Para suas progressões do núcleo, você deve, na maioria dos casos, usar apenas a raiz nó de cada acorde e, ou perfeitas quinta harmonias e vozes. E depois acima do meio C, você pode ser mais criativo com o que as vozes e os intervalos que você adiciona. Em suas vozes centrais. Tudo bem, então digamos que você tem um acorde de D maior. Então aqui está o meio C. Então abaixo do meio C, eu recomendo que você tenha cuidado com a adição hormônios diferentes da nota raiz do acorde. Então d neste caso, e o quinto perfeito, então um neste caso. Então, por exemplo, digamos que você começa aqui na extremidade inferior com um D e, em seguida, uma oitava acima. E então a fé perfeita aqui. E então o real D, F afiado e um que ainda é claro e focado. E se você olhar aqui, eu realmente dobrou a nota raiz no, obtém. Aqui abaixo do meio C. Eu não tenho qualquer outra harmonia ou a voz do acorde além da raiz eo quinto perfeito, raiz, raiz, raiz, perfectivo, e depois o resto do núcleo. Certo, então agora vou te dar uma dica de como você pode praticar com voz criativa e legal. Então recomendo que pratique piano como eu fiz aqui, certo? Sua progressão no núcleo. E então você usa a nota raiz de cada acorde em oitavas com a mão esquerda e toca o código real com a mão direita. E aqui podemos usar inversões, se quiser, mas fique com as notas raiz aqui embaixo. Então deixe-me mostrar-lhe isso no piano. Então, se você joga Dó maior aqui, por quê? Então veja em Octavius lá. E agora, mesmo se você usar uma inversão, então pegue este C até uma oitava como essa. Continua a tocar a nota raiz aqui. Então vamos dizer que você vai para um menor, jogar isso em uma inversão como esta, ir para em RootNode Sinopterus aqui, então diga assim. E uma vez que você tenha registrado a progressão do núcleo, basta quantificar para barras ou ter barras como eu fiz aqui. E então comece a experimentar movendo uma das vozes para cima ou para baixo para criar vozes de acordes abertas para criar as inversões que você gosta. Então vamos dizer que você quer mover isso para cima, assim. Vamos mover isso para cima. Agora, esta é uma voz mais suave que conduz aqui. Oops, cara, assim. E digamos que você perceba que quer brincar, por exemplo, essa voz de acorde aqui. Então isso é g, w, h copiando-o e movendo-o para baixo uma oitava. Então você tem isso. E digamos que você queira ter isso, o dobro disso. Por exemplo, uma oitava acima como essa. A ondulação e oitava acima e espaço para fora como você gosta. Então é isso que se trata de criar vozes de acordes. Vozes de acordes fechadas versus abertas. E que vozes você duplica como um guitarrista, o dobro tocando várias cordas das mesmas notas, mas diferentes oitavas. E quão amplamente você espaço para fora na faixa de oitavas na música, e assim por diante. 16. Arranjo de voz por instrumento: Disposição de voz por instrumento. A grande coisa sobre curso e harmonia na música é que você está completamente livre para dividir e organizar todas as vozes de acordes individuais, as chamadas Notas, para serem tocadas em qualquer instrumento em sua composição. Por exemplo, digamos que você tenha uma tríade C maior padrão, C, E e G. Então você pode optar por reproduzir a nota raiz. Então veja na base, o C, uma oitava acima nas rasas, o E poderia ser tocado pela seção viola e o G nos violinos. Certo, então deixe-me demonstrar sua liberdade criativa com arranjo de voz por instrumento. E eu criei essa pequena progressão de acordes simples de C maior para G maior e depois de volta para C. Então o arranjo de voz que escolhi aqui é na base, eu simplesmente uso o registro de nó raiz, então C para G e de volta para ver aqui. Certo, muito simples. Em seguida, nas cordas, eu escolhi tocar a nota raiz, mas uma oitava mais alta como esta, dobrou com os bancos. Ok, em seguida, eu adicionei um pouco de bronze, e aqui eu escolhi usar o que ver, eu tenho um E aqui. Então o terceiro do acorde C maior, o B, que é este terço do acorde G-Mor, e então o terceiro novamente. Então vamos quantificar isso a propósito, assim. Então vamos empilhá-los um em cima do outro agora. Então temos a rota raiz uma oitava mais alta e o bronze é o terceiro, terceiro. Em seguida, adicionando as asas em cima disso. E aqui são usados, vamos ver. Começando no G, que é o quinto perfeito do acorde de C maior. Então vá para, vamos quantizar isso, a propósito. Opa. Em seguida, vamos dizer o d, que é o quinto perfeito do acorde G-Mor, e então ver qual é realmente a nota raiz do acorde. ordem tão diferente aqui. Então, finalmente, eu só uso duas linhas solo, uma nota ao mesmo tempo, mas no coro aqui eu realmente usei mais notas. Então vamos dizer que contra deve dar uma olhada nisso aqui. Comecei com o E e o G, que é o terceiro e um quinto perfeito do acorde de C maior. Então eu chamo isso de g, que é a raiz do próximo acorde, G maior. E adicionou uma voz líder, tinha o d, que é o quinto perfeito do acorde G-Mor. E depois termina com um acorde de C maior. E aqui eu uso uma raiz e uma terceira. Então é assim. Muito bem, super simples. Mas com tudo isso juntos, começa a ficar mais interessante. Apenas usando arranjo de voz criativa para cada acorde por instrumento. Então você ainda pode ter um piano tocando o código ritmicamente usando todas as coordenadas e dobrar a raiz e quinto, por exemplo, para tocar linha de harmonia em uma faixa de bronze e amostra e assim por diante. Ok, então vamos tentar gravar algo ao vivo neste FAQ de piano em cima deste arranjo de voz. Então eu só vou jogar de C maior para G maior para Dó maior. Algo assim. Quero dizer, adicionando um pouco de sulco, adicionando uma coloração interessante do cordão. Tenha em mente que muitos instrumentos só tocam mono fonicamente, significa uma nota de cada vez, enquanto outros instrumentos, como um piano ou uma guitarra, podem tocar todas as notas, incluindo a duplicação de algumas vozes centrais. E às vezes um instrumento toca uma harmonia de 2 nós acima de 2, ou as vozes centrais, ou até mesmo apenas relevantes para a escala da sua música. Como você pode ver, não há limitações em suas escolhas criativas aqui. Organize suas vozes de código como você quer em cada instrumento, você quer jogar uma parte da família harmônica em seu enredo musical. Então vamos dar outro exemplo aqui. Recorda progressão em E menor. Então eu começo com a voz de baixo aqui em notas de raiz, certo? Adicionando um piano tocando os acordes idiotas, incluindo dobrando a base para baixo. Então chegamos às cordas aqui onde eu toco três da voz é muito espaçada. Então, vozes de acordes abertas como esta. Em seguida, adicionamos linha de bronze aqui, também espaçados para fora eleitores para a maior parte. E pesando assim. Adicionando algumas janelas aqui onde eu também conhecia terminus. Digamos que não podemos trazê-los aqui. Meio espaçados, vozes de acordes abertas, mas outras vozes além do bronze. E finalmente adquiriu onde eu faço uma harmonia de duas partes aqui baseado, é claro, nas coordenadas reais da progressão do acorde. Então, ao todo, você obtém essas vozes criativas de acordes por instrumento tocando assim. Então vá em frente e experimente agora com a voz de acordes criativos por instrumento. Organize as vozes, suas progressões de acordes reais. Então, de sua causa em sua progressão, dois instrumentos diferentes, ou tocando monofônico, significando uma nota de cada vez, os acordes completos como uma guitarra de piano, ou para anotar harmonias como o bronze aqui e os sopros, e adquirir a sua liberdade criativa com voz, arranjo por instrumento e parte é ilimitado. 17. Estilos de desempenho de voz: Estilos de desempenho de voz Você tem total liberdade em organizar cada voz de acorde, seu instrumento e significado em sua composição. Mas vamos mais longe. Você também tem opções ilimitadas sobre como você toca cada instrumento tocando os acordes e/ou vozes de harmonia em sua música. O que significa que você pode ter o seu arranjo usando qualquer número de instrumentos que desempenham o seu papel na sua progressão principal. Mas cada instrumento também pode ser tocado uma maneira diferente e até mesmo mudar ao longo de seu desempenho, significa o estilo de jogo e desempenho de seu poder. Por exemplo, você pode ter um piano tocando, digamos o curso como um oito arpejo. Então, digamos que sua progressão de acordes é D menor, F maior, C maior. Então seu piano pode estar tocando algo como uma nota 8 ou pedigree como este. Você pode ter cordas staccato tocando duas das vozes principais como uma harmonia usando um sulco rítmico. Então, digamos que usamos a mesma progressão de acordes aqui. Um D menor, Fá maior, Dó maior, Dó menor. E eu vou tocar o baixo e arquitetos com minha mão esquerda e suas cordas curtas podem tocar, tocar estilo usando para saber terminus, mas com um baixo notas aqui. Com um grupo como este. Sua base pode estar tocando uma linha de base de condução, principalmente na nota raiz do acorde, mas com notas de transição usando uma das outras coordenadas antes de uma mudança de código. Assim, na mesma progressão de acordes, DFC e vetor d, sua linha de base pode estar tocando ritmicamente concordar com o uso principalmente das notas do acorde, mas adicionando algumas notas no meio e para apimentar o interesse da linha de base, algo assim. Um conjunto de latões pode estar tocando a raiz e o quinto de cada acorde como um x mais cultural e no início de cada acorde, algo assim, por exemplo. E assim por diante. É violoncelo pode estar tocando um spiccato monofônico, articulação curta em um ritmo ostinato, seguindo principalmente a progressão do acorde. Então, as vozes de cada acorde. Assim, na mesma progressão de acordes, novamente, D menor, F , C e D menor, poderia tocar algo assim, por exemplo. Mais uma vez, suas possibilidades criativas ou ilimitado. Mesmo se você tocar o mesmo acorde único para, digamos, quatro barras, você pode criar. Variações infinitas usando diferentes estilos de reprodução e performances nos diferentes instrumentos para as partes harmônicas da sua música. Então, por exemplo, digamos que você tenha um coordenador menor de D. E eu estou tocando a escrita fora da córnea e oitavas na base. Certo, algo assim. Digamos que sua linha de base está tocando isso no mesmo acorde. Digamos que os rasos ou fazendo algum tipo de ostinato possuem o D menor aqui. E então você tem um piano tocando um padrão calmante como estes são todos nós do acorde D menor. Você pode ter seu bronze tocando. Só. Isto. Pode ter um arpejo em uma harpa lá em cima. Como você pode ver, suas escolhas para cada voz. O que ele faz em articulação e estilo de jogo é ilimitado. Então vou agora demonstrar finalmente um exemplo que criei para isso. Aqui está a principal progressão de acordes tocada no piano, apenas no curso de blocos simples como este, com o nó raiz em Octavius aqui, indo de D menor para F para G menor. E sim, vamos ouvir primeiro. Você pode ver o curso aqui em cima. Ok, então esses são os tribunais e as vozes aqui. Então, a primeira coisa que você pode fazer é, naturalmente, escolher versões para criar uma melhor liderança de voz. E então você pode começar a organizar as linhas individuais, cada uma das vozes aqui para o curso, que eu já fiz. Então a primeira coisa que eu fiz foi tocar mais do padrão comping aqui para adicionar algum interesse rítmico no piano, mesma progressão de acordes. E assim por diante. Então eu escolhi adicionar as cordas curtas tocando um harmonias de 2 nós em um ritmo, diferentes vozes, vozes, e mais importante, diferente em tocar ciência. A harpa está tocando o que as harpas costumam fazer. Um arpejo, como aquele piano por enquanto, só para ouvir os outros instrumentos. O fluxo está aqui trazendo vozes de acordes muito espaçadas com latão longo o suficiente como eu acabei de mostrar lugar neste caso, é para sandália ou batata, eu acho, sim, Toto, ter esse sotaque. E então temos os ventos tocando apenas uma voz aqui. Vamos silenciar o bronze por enquanto. Está bem. Vamos reduzir a força do bronze, sua dinâmica. E então temos esses pedidos aqui estamos, mostra que temos o terminal de Reno aqui. Opa, como desinteressado em solo. Muito macio. Então as teclas tocam o baixo e oitava acima, eu acho. Quando eu finalmente tenho cordas pizzicato, instrumentos de corda então depenados que têm violinos placa neste caso. E eu só fiz a oitava, então o dd, apenas as oitavas de cada coordenada. E, ao todo, cria arranjo bonito com variação e interesse em como as vozes da corte ou distribuído, e também a independência dos estilos de plano de cada coordenada e cada instrumento. Então, todos eles eram apenas a progressão harmônica, uma progressão de acordes, as vozes internas para o enredo harmônico. Mas como você pode ver, você pode criar infinitamente variação, ritmos de interesse e movimentos para cada voz por instrumento, e assim criar um arranjo muito complexo, mesmo que seja apenas uma progressão de acordes, Não há melodias de liderança real e recifes ou motivos aqui, mas ainda parece interessante fazer hoje, estes arranjos criativos dos estilos de performance de voz por instrumento. 18. Dinâmica e adicionar movimento: Moldar a dinâmica e adicionar movimento. A música precisa de movimento e variação para soar interessante. Claro que isso virá principalmente das suas anotações. Demos o nome aos acordes, harmonias e melodias. Mas quando você escreve e grava seus portos tocando acordes e harmonias para suas progressões de acordes. Você também deve adicionar variação na dinâmica e movimento ao longo do tempo. Existem dois aspectos principais da dinâmica na música. A dinâmica de ataque, o que significa a força do início de cada nó. E a dinâmica de sustentação, que significa como a intensidade e a dinâmica mudam ao longo do tempo. Com alguns instrumentos como um piano, você não pode controlar a dinâmica ao longo do tempo. Enquanto que com cordas curvadas como um violino, e instrumentos de sopro como um alimento ou um trompete, você pode moldar a dinâmica de qualquer nota sustentada, como quiser. Mas ambos os aspectos são igualmente importantes. Para moldar a dinâmica de ataque. Você usa principalmente o nível de velocidade midi por nota. Então aqui está uma performance de piano. E se eu abrir a automação, você pode ver todos os vários níveis de velocidade para cada nota. E esse tipo de variação na dinâmica, dinâmica de ataque por velocidade, é um dos aspectos chave que acrescenta essa qualidade humana de vida a uma performance. Agora, dinâmica ou dinâmica de ataque controla principalmente duas coisas. Primeiro, a sonoridade. Então aqui você pode ver que a dinâmica média é sobre no meio, mas também controla e molda o ataque, brilho ou suavidade do tom. Então, se eu comer diminuir isso, ambos serão mais silenciosos, mas também mais suaves em tom, mais quente. E se eu mover isso para cima, é tanto mais alto, mas também mais brilhante. E isso é a mesma coisa, mesmo que eu tome, por exemplo, articulações curtas em cordas como staccato aqui. E você também pode ver neste exemplo aqui, eu também me certifiquei de realmente marcar os acentos principais. Como você pode ver aqui, esses valores de velocidade para este nível B são muito maiores do que estes intermediários. E então temos sotaque no Maine aqui novamente, o que soa assim. E você também pode ver que há um pouco de uma dinâmica média de inclinação, dinâmica ataque sobe aqui para rolar para o próximo sotaque. Então essas são algumas maneiras que você pode usar a variação de velocidade para moldar a dinâmica de ataque. E isso é o mesmo para instrumentos arrancados ou dedilhados como guitarra, prostituta, e muitos outros instrumentos. Considerando que a própria nota longa e sustentada, é aí que entra a outra forma de moldar a dinâmica. E para moldar a dinâmica ao longo do tempo. Para notas sustentadas, você usa mais frequentemente a roda mod no teclado midi ou um fader que controla o valor ACC no DAW. Depende do instrumento de software real. Então, neste próximo exemplo, já que estou usando principalmente notas sustentadas mais longas, eu me concentrei em adicionar movimento e movimento nessas notas sustentadas, moldando a dinâmica ao longo do tempo. Como você pode ver a partir desta curva aqui, que é a roda de modulação ou CC1, controlando a dinâmica desta biblioteca de cordas em particular. E isso faz uma enorme diferença como você pode aqui a partir deste exemplo. Eu também faço isso no bronze tocando aqui. Eu faço isso com os ventos aqui em menor grau, mas ainda assim estas ondas aqui. E, em seguida, um enorme grau neste coro aqui. Uma dica de bônus que eu posso dar é se você quer adicionar uma variação ainda mais dinâmica, apenas controlando o volume, você pode fazê-lo adicionando outra fonte de modulação para expressão. Portanto, a expressão não irá controlar o caractere tonal, mas apenas, apenas o volume. Dessa forma, você pode aumentar a variação dinâmica e o contraste sobre os retentores sustentados. Ou talvez você queira ter todo o desempenho construído ligeiramente em tempo alto e prata como este. Então isso vai agora em combinação com a curva de modelagem dinâmica real. Certo, então todos juntos. E a propósito, eu também quero mostrar que no piano, eu realmente escolhi diminuir, oops, o nível de velocidade muito baixo para obter aquele som super suave porque eu só queria no fundo. Ok? E como tudo agora se move ao longo do tempo, você pode vê-lo aqui também. Assim você pode ver. E então ele vai para baixo e dinâmica. Então é assim que você molda a dinâmica de notas sustentadas ao longo do tempo. Construir e voltar. Em dinâmica. Na maioria dos casos você quer fazê-lo em ondas como esta, subindo e descendo, crescendo, decrescendo. Mas você pode, claro, moldá-lo como quiser, e também você não tem que cronometrar perfeitamente. Pode ser. Então, as cordas ficam mais alto aqui, enquanto o bronze fica mais alto aqui para obter variação no movimento geral. Isso pode fazer uma grande diferença porque a cor tonal de sua peça geral mudará com o tempo também. O que você quer é tanto variação na dinâmica, mas também criar curvas dinâmicas ao longo do tempo com as diferentes partes. Pesar os hormônios de suas corporações, você ou em lojas, ou como você quer que sua loja de música soe e o que deve estar em foco a cada momento. É toda a experiência para o ouvinte que conta, não os instrumentos individuais sozinhos. Portanto, tenha em mente que cada instrumento em cada parte está simplesmente desempenhando seu papel na família de todos os instrumentos para moldar sua história musical. O exemplo final, quero mostrar-lhe esta progressão de acordes de três barras curtas, C maior, G maior para ver e como você pode usar Dinâmica e movimento para torná-lo mais interessante porque é apenas uma progressão simples de C, G e C. Então, no piano, eu escolhi apenas entrar e ter pouco cuidado. Tem não só variação aqui na dinâmica porque eu joguei-o, grave-o manualmente no meu teclado midi. Mas como você pode ver, eu também mostra dois, aumentar a dinâmica da velocidade ao longo do tempo pode basicamente fazer um pouco crescendo, mas com dinâmica de velocidade. Também fiz isto neste coração. Arpeggio. Ouçam isto. Você também pode vê-lo aqui. Ele sobe gradualmente, começando pelo mais baixo. afiada, e mais barulhenta no final. E, claro, nas cordas. Aqui. Você pode ver a dinâmica de automação aqui. Gravei isto com um fader no meu teclado midi que é branco, parece assim. Tenho-o no bronze, nos ventos e no coro. Mas diferente aqui. A partir disso, como você pode ver, você obtém na maioria das variações se você realmente gravar diferentes curvas dinâmicas para as notas sustentadas. E, ao todo, apesar de ser uma progressão de acordes super simples, parece lindo. 19. Moline o Groove principal e acentos: Forme o sulco principal e os acentos. Desde progressões acordes pode ter qualquer ritmo, você tem total liberdade criativa no ritmo e ele tocando estilo para cada parte instrumento e voz fria, é importante que você se certifique de seu sulco principal e ainda mais importante, seus acentos ou respeitado e enfatizado para cada parte tocando uma voz harmonia ou vozes em suas progressões acordes. Então, por exemplo, digamos que você jogue pequenas tensões de articulação como esta. Ok? Assim, os acentos principais, você pode marcá-los com a dinâmica da velocidade. Então, quanto mais você pressionar assim, alto o sotaque está em contraste com o resto. Mas também dobrando mais vozes. Como você pode ver se eu usar o Octavius na base aqui, ao mesmo tempo o acorde completo que ganha mais peso e se torna um acidente pela camada harmônica. Então, algo assim. E o grupo principal muitas vezes será fornecido pela linha de base ou ritmos baixos como esse. E assim aqueles que você pode usar em combinação com a dinâmica também. Como regra geral. Suas alterações de acordes devem ser isentas. Isso pode ser feito com ambos Dynamics em níveis de velocidade, significando ataque, intensidade, mas também com curvas dinâmicas em notas sustentadas. E, claro, com camadas sobre mais instrumentos. Vamos conferir este exemplo. Eu criei essa progressão de acordes primeiro no piano. O código de bloco para cada mudança de acorde. Então eu faço o papel no piano. E como você pode ver daqui, então se eu aumentar a velocidade aqui, e você pode ver que você tem algumas outras notas sendo sotaques. Então aqui, estes aqui são acentuados. Aumento um pouco mais porque eu realmente quero estender aqueles no desempenho geral com os outros instrumentos. Mas também, se você pode ver aqui, aqui está uma coordenada, então eu toco notas simples ou DOP até a próxima mudança de acorde e acessar as cadeias do núcleo por ter todas essas vozes ao mesmo tempo como esta. Mas você também pode ir ainda mais longe escolhendo usar articulações mais fortes e acentuadas para seus instrumentos sobre os principais acidentes, por exemplo, marcato, sforzando, ou qualquer tipo de articulação de acento. Você pode querer usar isso em certos instrumentos, batidas específicas em sua composição, onde os acentos principais caem para o seu ritmo. Então vamos verificar isso de novo. Então, se apropriado, aqui. Estes são acentuados tanto através da dinâmica, mas também sem usar as pétalas sustentadas desses nós tornam-se muito curtas. E eu quero estender isso em outros instrumentos. Então, digamos que o bronze aqui. Se você verificar aqui, este nó é longo, mas esses nós são sforzando, então um tipo de articulação acentuada no bronze aqui. Ok, assim. Eu também faço isso nestas cordas curtas aqui. Então, jogando staccato aqui, mas então vamos dizer staccato, mas então Marketo, que são estendidos, uma articulação acentuada. E também nesta cadência final. Então, todos os instrumentos ou apenas parte desta família para o seu núcleo, groove e ritmo, bem como os acentos. Então, se dermos uma olhada aqui também no início do piano aqui temos isso, Não, não um piano. As cordas curtas aqui, você tem essa coisinha mais rápida aqui que APA. E você tem uma lágrima de novo, somar. Ok? Você, eu respeito esse pequeno ritmo porque eu quero estender esse ritmo em outros instrumentos, então e aqui, mas acima, ok, bem como estes como marcato em vez de spiccato. Eu me desvio também nos ventos aqui, mas aqui em cima e aqui. Então sempre considere o principal motivo, o principal sulco de sua música, e então respeite isso em seus instrumentos tocando qualquer voz de harmonia ou melodia em sua música. Então, vamos ouvir tudo em combinação e você já pode ouvir isso. Eu também tenho na base, a propósito. Então a base faz esses dados digitais. E depois isto. E eles começaram. E assim você tem a combinação de tudo assim. Uma dica que eu posso dar a você sobre o groove principal é ter uma faixa de desenho de ritmo em seu software de música, que você simplesmente usa como um maquete e guia visual para o seu groove rítmico geral de sua música. Pode, por exemplo, ser uma linha de base, uma guitarra dedilhada, piano rítmico, ou talvez uma faixa rítmica de cordas staccato. Eu recomendo usar a linha de base para esta maquete. Então, porque desta forma você obtém o centro tonal harmônico principal, bem como um grupo de núcleo ao mesmo tempo. Como isso. Em seguida, você pode usar esses modelos de ritmo principal como guia visual e guia de áudio quando você gravar qualquer acorde ou parte de ritmo harmônico em sua música. Dessa forma, se você usar, por exemplo, uma linha de base na parte superior do sequenciador como uma faixa de maquete ou esboço para o ritmo de chamada, você também obtém o centro tonal fundamental aqui, especialmente se você usar apenas o nó raiz do acorde. Então F, C, G, D, e assim por diante. Desta forma, é muito mais fácil se você usar isso para verificar o núcleo real escrito e os centros tonais. Para que possamos fazer assim. Então você pode ver e, em seguida, gravar algo novo sobre isso. Por exemplo, cordas curtas como esta. E assim por diante. E então você pode entrar nas cordas mais curtas aqui e talvez planilha em combinação com essas outras faixas para ver, realmente verificar se você tem o sulco fundamental aqui para que você possa vê-lo melhor. Bam, tudo bem. Mas você quer mudar isso também. Por exemplo, Marcato, estenda-os. Eles agora assim, você tem que respeitar o ritmo e o ritmo do núcleo. Você também pode optar por ir para os níveis de velocidade, aumentar aqueles para realmente aumentar os acentos principais. Digamos que você tem extrações aqui em cada mudança de acorde, então nesses dois também, e estes para aumentar esses e como você obtém isso e assim por diante. 20. Ajuste os horários e comprimentos de nota: Ajuste os tempos e os comprimentos das notas. Assim como acordes de blocos estáticos ou super rígidos e chatos. Ter tempos robóticos perfeitos e comprimentos de notas exatos soarão como música sem alma. Então aqui eu criei uma progressão de acordes no piano. E o primeiro erro é que cada nó tem exatamente o mesmo nível de velocidade. Você já aprendeu que a variação na dinâmica para níveis de velocidade aqui é super importante, mas também o tempo de cada nota começa exatamente nos mesmos milissegundos para cada acorde aqui, e tem exatamente o mesmo comprimento de nó. Acima de todas essas três coisas fazem uma performance robótica e rígida e carece desse caráter humano, orgânico e natural. Você precisa ter variação nos horários para todas as suas notas de acorde em cada instrumento e porta. Mas você não quer que pareça fora do tempo. O perguntou alguma variação humana no tempo é o melhor. Então, não quantize notas e portas 100%. Eu acho que em algum lugar entre 50 por cento e 90 por cento Quantize força é suficiente. Eu uso quantificação mais apertada, mais quantificação, quanto mais rítmica as partes e menos quantificação, mais melódica é. Então deixe-me demonstrar a enorme diferença mostrando vocês esta outra faixa de piano que eu gravei e toquei ao vivo para obter que a variação de Shimon é a mesma progressão de acordes que você pode ver aqui em cima, mas um completamente desempenho diferente. Se eu ampliar, você pode ver aqui realmente cambaleada no acorde como um strum quase. Então você começa a variação, a variação humana aqui algumas são notas ou antes do verão autor da nota aqui. E faz uma grande diferença porque você tem aquele personagem ao vivo. Então ouça isso também. Você pode ver que eu quantifico para 75 por cento porque eu não quero que ele perfeito. E esse mesmo conceito também serve para comprimentos de notas. Ter, por exemplo, um piano ou DOP com exatamente oito comprimentos de notas até o milissegundo em cada nota também soará robótico e soldados. Então veja esse arpejo que acabei de gravar no piano usando a mesma progressão de acordes. Você pode ver a diferença de tempo no ponto de partida, mas também o nó de alcance de comprimento é diferente do aspecto ao vivo aqui. Se eu colocá-los todos no mesmo comprimento de nota, assim. Soa muito robótico e outras coisas. E você pode realmente ver o Asif voltar para a performance que eu gravei para este exemplo aqui. Você pode ver que isso é curto, isso é médio, isso é muito curto. Estes também são comprimentos de nota diferentes, então isso se estende um pouco do gradiente. Se eu estender esses e obter um campo diferente, este é mais curto. Então eles observam comprimentos e a variação individual ou cada um também faz uma enorme diferença. A melhor maneira de obter todas essas variações de tempo e comprimento de nó naturalmente é gravar todas as portas manualmente em seu software de música usando, por exemplo, um controlador de teclado midi. Então, como você pode ver sobre esses outros fatos, eles também têm variação de tempo individual. Aqui. Como você pode ver, não é perfeito na série. E isso realmente faz a diferença. Para cada voz, para cada instrumento. Alguns instrumentos que você realmente quer começar antes da batida porque eles têm alguns ataques mais longos, como por exemplo, cordas suaves. Nós não queremos que eles comecem aqui porque então leva muito tempo para realmente ouvir o som do instrumento. Trate-os como almofadas em uma vez, por exemplo. E você pode ver que você também tem variação por ter diferentes quantidades de ar em silêncio entre as notas. Não negligencie o ar e o silêncio também. Então vamos ouvir tudo em combinação. Porque tudo, todas essas pequenas variações, não só em velocidade e dinâmica, mas também pontos de partida para cada nota, tempo e comprimento do nó. Então é assim que parece. Mas se você optar por escrever os nós com seu computador, mouse e teclado no editor de rolo de piano ou editor de partituras. Você pode aproveitar um recurso de humanização ou randomização em seu software, que a maioria dos DAWs tem. Este tipo de recurso de humanização criará variações no tempo, comprimentos de nota e até mesmo velocidade dos valores automaticamente para você. Então, se voltarmos aqui para este arpejo de piano, que está escrito com o meu rato aqui. Então o tempo da nota, posições iniciais, e o comprimento do nó, ou exatamente até o milissegundo como um robô, como os valores de velocidade. Então você tem que verificar seu DAW. Mas na lógica, indo para o piano, roll, suas próprias funções aqui em cima, forma de transporte médio e humanizar. E agora você pode selecionar quanto randomização, o que na posição. Então vamos com 20. Pegue os interruptores. Um menor valor pode mudar qualquer coisa. Minuto, horas. Vamos para velocidade com 15 e comprimento. Vamos com 30. Leva selecionar não, certo? E você pode ver que os valores de velocidade mudam de cadeira. Então você sempre pode entrar e configurá-lo. Então algumas notas, quero dizer, ajustar manualmente alguns dos níveis aqui. Eu provavelmente no caso de um arpejo, aumentar o comprimento da cama para tudo. Mas você tem um caráter muito mais realista. Desta forma. Ainda é, eu prefiro, e eu recomendo se você pode lembrá-lo manualmente. Também neste caso, você provavelmente gostaria de adicionar algum pedal sustentado para ele, torná-lo fluir melhor. Mas você começa o ponto principal aqui, que é a variação nos níveis de velocidade que eu faz, mas também as posições iniciais para cada nota, bem como um comprimento de nota. Faz uma enorme diferença na realidade geral no caráter humano e faz com que a sua música se sinta mais musical, por assim dizer. 21. Movimento harmônico em suas progressões: Movimento harmônico em suas progressões. Por movimento harmônico, não estou falando do movimento de voz individual, todas as transições para cada mudança de acorde. Em vez disso, você precisa dar um passo para trás e ver toda a progressão do acorde como um todo. E olhe para esta curva de história e movimento de todas as vozes em suas harmonias criar juntos, construir energia com movimento ascendente. Se a curva da história harmônica de suas vozes tem um movimento geral para cima, você vai construir energia e tensão em sua música. Esta é uma ótima técnica pouco antes de uma transição para uma nova seção onde você deseja criar mais intensidade e energia. Por exemplo, um refrão em poder ou algo assim simplesmente movendo sua curva de história harmônica para cima. Então, primeiro deixe-me explicar rapidamente o que eu quero dizer com movimento harmônico. Então, se você tem uma progressão de acordes, você pode moldar o movimento real das vozes individuais para fazer um movimento ascendente para os inofensivos como este, para baixo mais movimento se você quiser ou mantê-lo mais reto. Basicamente, transpondo tudo, criando uma direção média para a progressão harmônica total. Certo? Então a primeira coisa, o primeiro exemplo aqui é essa string staccato é onde eu criei um movimento para cima na direção. Estes são o, como as notas de base e bases faz o que eles fazem de forma independente, mas basicamente verificar o que todo o seu acorde progressão DUS sobre, ao longo do tempo como este. Então aqui podemos realmente ouvir como construir energia e emoção por ter esse movimento ascendente. E muitas vezes estes funciona muito bem em combinação com o aumento neste caso, quando você vai para cima na direção, a dinâmica média ao longo do tempo basicamente criando um ligeiro crescendo aqui, resolver com movimento descendente. Então, na verdade, isso leva à direção oposta, um movimento geral para baixo de suas vozes harmônicas em sua progressão de acordes, que cria uma sensação de resortimento, estabelecendo-se e é uma ótima maneira de terminar com você quer seguir com uma seção de energia mais baixa, bem como no outro final e cadência de sua música. Se você quiser, sua composição com o humor relaxado e resolvido. Tudo bem, então aqui eu peguei a mesma progressão de acordes, eles ganharam. Você pode ver aqui em cima B-flat, G menor, F, B flat, e assim por diante. E eu gravei e outra performance no piano, não tão estática e rígida como acordes chatos de um bloco de bar, mas uma performance real. E vocês podem ver que aqui estou usando movimento descendente para a progressão. E se ouvirmos isto, e a propósito, também tenho uma ligeira diminuição na dinâmica. Se ouvirmos isso no contexto ou apenas individualmente, a propósito, você pode ouvir como ele resolve e acalma a energia. Jogando em 3, 2, 1. Estabilidade com movimento reto. Então, se você moldar sua voz acorde é de modo que o movimento harmônico é praticamente uma linha reta. Você criará um humor muito estável. Esta pode ser uma boa maneira de garantir que a progressão do acorde está se misturando em segundo plano porque é tão estática. Isso funcionará muito bem para música sutil, sublinhada , ambiente, atmosférica e relaxante, etc. Basicamente, você pode usar movimento harmônico reto sempre que quiser que seus acordes e harmonias se misturem no fundo de sua mistura. Então aqui eu gravei cordas e a mesma progressão de acordes que escrevi aqui em cima. Mas eu usei inversões de acordes e vozes para torná-lo mais como uma linha reta, como você pode ver. E no caso de dois acordes compartilhando as mesmas notas, eu apenas juntei a eles para obter ainda menos movimento porque este nó permanece o mesmo ao longo destes dois acordes, por exemplo. Então vamos ouvir como isso pode vender. Intensidade com movimento caótico. Agora, a principal diretriz para conduzir a voz é que você deve tentar minimizar o movimento da voz e usar intervalos menores ao fazer a transição do acorde para o acorde. E também que você deve fazer a curva harmônica ao longo do tempo lenta e gradual, como respirar ou ondas na natureza. Mas cada regra tem uma exceção, o que significa que você pode realmente enlouquecer com o movimento harmônico para fazer sua progressão parecer caótica e intensa. Então, para demonstrar isso, eu gravei esta parte aqui em cordas curtas. E como você pode ver, o movimento harmônico é caótico para criar essa vibração de ação. Então, vamos ouvir isso e você vai ouvi-lo em ação. Vamos assistir ao mesmo tempo jogando no 321. Isso é especialmente bom para a escrita rítmica, é claro, e inofensivo. E criaremos uma vibração muito intensiva e enérgica, que pode funcionar muito bem em alguns contextos. Por exemplo, música de ação caótica, música furada e assim por diante. Como sempre, sua visão criativa e objetivo final para sua música guiarão suas escolhas. Portanto, certifique-se de moldar o seu enredo harmônico com movimento e movimento que se adequam à sua composição musical. 22. Claridade de baixa extremidade: Baixa e clareza. Como você consegue essa baixa e nitidez em sua música? E o que isso tem a ver com acordes e harmonias? Bem, na composição musical, você tem muitas oitavas onde você pode distribuir todos os nós. Mas o que é muito importante aprender é como a distribuição de frequências funciona nos vários intervalos. música de primeira e octávia corresponde a uma duplicação de frequência. Então, se eu tocar um C aqui em baixo, e o próximo aqui, é um duplo em frequência. E para cada C, eu dobro. A frequência fundamental da nota. Embora nosso alcance tem menos espaço. Por exemplo, a nota acima do meio C no piano é 440 hertz. Esse é, de facto, o padrão para o nosso sistema de afinação. Bem, se você subir uma oitava acima até o dia seguinte, isso é o dobro da frequência. Então, 880 Hertz. Se você descer em vez disso, o a abaixo é 220 hertz Ouro em outro Octávio, ele chegar a 110, depois 255, e depois a 27,5 hertz. Esta é, de facto, a frequência fundamental da nota mais baixa de um piano. Então, você notou alguma coisa aqui? Quanto mais baixo você vai ao alcance nas oitavas da música. Este menor e mais apertado, a diferença de frequências se torna entre as notas. Esta é uma das razões pelas quais a música mais baixa octávia fica tão facilmente enlameada na mistura. Então, se você tocar um acorde na faixa verbal no seu piano, experimente. Vai soar enlameado e desfocado. A menos que você use isso como um efeito, ele deve ser em quase todas as situações evitadas. Faça as oitavas inferiores Rumi. Então, como você pode resolver esse problema? Como compositor irá simplesmente certificar-se de que você tem lacunas mais amplas para as notas que você usa na faixa baixa de sua composição. Isto é o que irá criar essa clareza e poder no registo base. Se sua base jogar uma linha, deixe suas sombras, por exemplo, pagar os mesmos nós e oitava acima, dobrar em oitavas. Como uma diretriz geral, você deve ter muito cuidado para adicionar quaisquer harmonias além das oitavas perfeitas e as quintas perfeitas. Nas oitavas mais baixas de sua música, eu diria abaixo do meio C ou assim. Então vamos fazer um exemplo prático, um exercício. Digamos que você queira tocar um acorde, pegar seu piano ou teclado midi e tocar o código real com sua mão direita. Então, digamos um acorde de C maior. Em seguida, toque o baixo em oitavas com a mão esquerda. A extremidade baixa é principalmente lá na música para fornecer energia, profundidade, e um centro tonal focado para seus hormônios, sua progressão de acordes. Então pratique isso e você pode ver que muitas vezes soa melhor. Se você ficar com o nó raiz e Octávio o registro base com a mão esquerda, e, em seguida, tocar o resto do acorde ou o acorde completo com a mão direita. Você também pode experimentar adicionando a quinta harmonia perfeita na base inferior, como eles são tão F-Mor aqui, como ele é uma posição raiz, jogar um F na base e adicionar o quinto perfeito. Como este. Pode soar bem, mesmo assim. Mas como você pode ouvir mais baixo você começa. O mais importante é ficar apenas com o Octavius. Mas você pode usar, por exemplo, passagem aérea, quinto perfeito. E na estrada assim, baixo você for, mais espaço você precisa entre os nós. Então, aqui no registro base extrema, eu recomendo usar apenas base mais Octavia como este. Finalmente, quero mostrar-vos um exemplo que criei para demonstrar a importância do Vo e da clareza. Então eu criei essa progressão de acordes aqui no piano. Como você pode ver, estou usando algumas notas graves extras aqui. E o que é realmente importante é quando você mudar sua nota de baixo, especialmente na extremidade baixa, registrado como linha de base, você quer ler um respeito essas mudanças de voz para seus outros instrumentos de baixa extremidade. Então a linha de base é assim aqui. E se você pegar isso e assistir em combinação com o piano aqui, você pode ver que eu respeito essas mudanças de voz aqui. O Pentágono está lá em baixo. Quando exatamente quando a base desce para ver aqui e aqui também. A base. E mesmo em outros instrumentos tocando notas sustentadas como os fios de cabelo, eu também estou respeitando a mesma mudança para assistir isso em combinação com a linha de base, as cordas inferiores aqui. Então, vamos ouvi-lo. E é, ele pode parecer dados sutis, mas realmente somam. Porque assim que você criar alguns, qualquer coisa, especialmente a partir de S3 e abaixo ícones, Eu considero tudo de S3 e abaixo para ser o baixo e registro de música. É aí que você realmente quer ter certeza de respeitar as mudanças de voz para manter o low-end limpo. Eu fiz isso pelo bronze tão bem quanto você pode ver aqui. Se você olhar para isso em combinação com a linha de base. Então vamos apenas esta é a linha de base sobreposta aqui. Você pode ver dessa maneira. Tudo soa claro e focado na extremidade baixa. Porque você não tem aquele confronto, uma lama de baixo alcance que você tem se no caso, por exemplo, o piano, o bronze, não respeitou esta nota na linha de base que teria criado um temporário, mesmo que seja breve Aqui, lama no baixo alcance da sua música. 23. Foco de topo: Foco high-end. Então, como você escolhe quais inversões e vozes você deve usar para seus acordes em suas progressões. Bem, isso, é claro, depende de como você quer moldar a linha de história harmônica de sua música. Você é o compositor do papel, mas há um aspecto muito importante que se relaciona com a forma como os nossos ouvidos captam as frequências e arremessos na música. Então você já aprendeu que a faixa de extremidade baixa geralmente é a nota raiz em oitavas na base para fornecer a profundidade, potência e centro tonal focado de sua progressão. O oposto a isso é a alta gama de seu hormônio é basicamente nossos ouvidos focam mais na voz mais alta de qualquer acorde, modo que a nota superior de cada acorde é o que mais ouvimos. É, é claro, dependendo da intensidade e dinâmica de cada voz e os níveis na mistura de sua música geral e assim por diante. Mas para qualquer acorde, geralmente pegamos as notas mais altas. Então vamos dizer que se você, por exemplo, jogar um D menor e, em seguida, entrar em G menor e talvez também, B flat. Agora, se você expressar seus acordes de uma forma que esta voz superior aqui é o que leva e guia o ouvinte. Você pode fazer algo assim. Por exemplo, comece aqui talvez nesta inversão do D. Então, se você quiser que a voz principal, esse foco de voz vá de F para G, bem, use G menor nesta inversão, então, e então você quer ir para esta nota aqui. Então use B flat nesta conversão. Então, assim, talvez de volta ao F. Então esta é a, agora a voz superior, os rapazes focados, o foco high-end. E, em seguida, para g, algo assim. A grande coisa sobre isso é que você, como compositor, pode guiar a atenção do ouvinte com seus acordes, escolhendo qual nota você toca no topo. Permitam-me que vos dê um exemplo prático. Agora esta é a melodia principal da trilha sonora do filme Thor do universo dos Vingadores. Então é algo assim, de um TA para ser plano para F e E, e assim por diante. Então, agora, quando você expressa seu curso, você pode usar sua voz mais alta para acentuar e realmente empurrar para a frente essa nota de melodia principal. Então começa em F-Mor. Mas como este é o topo, a voz melódica, escolha essa inversão. E então você vai para F aqui. E você pode usar B bemol maior. E então ele sobe aqui. Então você pode ir diretamente. Esta, a mesma coorte, B bemol. Mas a partir disso, e subir isso para uma oitava mais alta, e então para F e E. Bem, neste caso a progressão do acorde é c sus4 e depois para C maior, então novamente, e assim por diante. Então deixe-me mostrar um exemplo prático em meus DAWs aqui, eu tenho a melodia principal tocada em cordas. Está bem? Então eu dupliquei que está no vento. CRC pode ver que estes estão realmente jogando em uníssono. Então ambos se candidataram. Agora é que alguma cor para ele ou gelo, então eu tenho uma linha de base. Mas a questão é que aqui estão as principais progressões no piano. Então o que eu fiz foi ter o código aqui e gravar aqui, mas eu escolhi a voz acordada. Então essa é a voz de topo. Você ouve é exatamente a mesma melodia que as cordas aqui enquanto lê Melody. E assim, você ouve tudo enquanto assistimos no pianista. Você realmente enfatiza essa melodia principal. Então, vamos dar uma escuta. E é claro que neste caso, eu estou simplesmente tocando os quartos do bloco, que é muito duro e chato para ser honesto, mas é apenas para fins de demonstração mostrar cada mudança de acorde aqui. E na voz superior é o que guia a atenção do ouvinte. Lembre-se de que o alto e o foco para sua voz harmônica superior é o que o ouvinte vai ouvir mais. Então use isso a seu favor quando você compor sua música. Agora, tenha em mente que neste exemplo específico, eu realmente fui tudo no sentido de que eu enfatizei cada nota melódica na progressão do acorde usando o foco high-end para camada com a sequência melódica. Mas isso não é o que você costuma fazer. Claro, o que você faz como compositor é escolher criativamente onde, quando e por quanto tempo. As notas em sua sequência melódica, você quer enfatizar o sotaque com seu enredo harmônico. Então, sempre que você faz isso, é quando você recebe mais atenção e foco para aqueles melódicos agora, então você pode querer usar o high-end, a voz que leva a estender essas notas aqui, mas então você tem o diferente líder de voz, por exemplo, aqui. E, em seguida, você estende esses nós e assim por diante. E, claro, não há nenhuma regra que você tem que usar esse foco high-end para camada, você lideraria melodia em tudo? É apenas mais uma ferramenta que você tem como compositor. Experimente isto no seu teclado midi ou piano tocando a mesma progressão de acordes usando várias inversões para cada acorde para moldar qual nota é a mais alta. Você vai instantaneamente aqui como a voz superior realmente direciona sua atenção e o guia através da progressão do acorde. 24. Peso de voz: Voz, peso, o peso de todas as suas notas para todos os instrumentos e sons é um aspecto incrivelmente importante para o som geral. Isto é o que eu chamo de peso da voz. E é basicamente quanto poder cada voz de sua corporação recebe. Então deixe-me mostrar rapidamente o que eu quero dizer no piano. Então digamos que você tem um acorde tríade C menor padrão como este. Bem, agora se eu tocar a nota raiz aqui em uma dinâmica mais alta, e estas são as duas dinâmicas mais baixas, a voz terá mais peso de voz. Além disso, se eu dobrá-lo em oitavas como aqui na base, e você obter 33 camadas de C aqui, que lhe dará, claro, mais peso. E se eu usar outro instrumento para colocar isso aqui, por exemplo, um trombone de mama ou algo assim para sobrepor este. Este ver no, em todo o tribunal ouvir que a voz vai ficar ainda mais, espere, espere a partir de sons. Uma das principais maneiras de controlar o peso de uma voz dentro sua progressão principal é por quais instrumentos você atribuiu para tocá-la. Alguns instrumentos são mais harmonicamente ricos e densos, ou em outras palavras, mais poderosos, enquanto outros são mais descontraídos, suaves e leves, como um som de latão grosso versus uma luz ou. Então. Por exemplo, digamos que um dos instrumentos tocando uma voz harmônica em sua progressão, vamos tocar esta linha é C, E flat, G e B flat. Bem, se você tocar isso em um patch de bronze grosso, isso terá mais peso para essa voz em seu enredo harmônico comparado a um dano leve. Espere, de dobrar. Outra maneira de aumentar o peso de qualquer voz específica em sua progressão harmônica é dobrá-la com mais instrumentos. Por exemplo, digamos que você tenha um violoncelo tocando uma de suas vozes. Você pode adicionar uma trompa francesa tocando a mesma linha, que naturalmente dará a essa voz harmônica mais peso em sua composição musical. Quanto mais camadas você dobrar uma linha, mais peso a voz terá. E você pode fazer isso em uníssono ou em oitavas. Então vamos dizer que uma de suas vozes em seu enredo harmônico vai algo assim em torno do Dó menor. Ok? Agora vamos dizer que sua voz principal é tocada por rasos na faixa inferior como esta. Agora se você dobrá-lo em chifres franceses jogando em uníssono. Assim, a mesma gama aqui, será mais espessa e terá mais peso em comparação com ouvir quando os chifres entrarem. E se você camada uma oitava abaixo ou acima de qualquer camada de oitava com também dar que os meninos mais peso. Então eu escolhi o arco aqui uma oitava mais alta. Eu provavelmente baixou a dinâmica aqui no oboé estão apenas jogando ao vivo aqui, mas você começa o ponto principal aqui, o peso da voz de camadas, peso de Dynamics. Outro aspecto que você pode moldar o peso de cada voz de suas progressões do núcleo é pela dinâmica que os instrumentos tocam cada nota. Vamos dar uma olhada neste exemplo aqui, eu tenho rasos, violas e violinos, todos formando um acorde C menor padrão, C, E flat, e G. Agora, eu moldei o peso da voz escolhendo ter a viola tocando o terceiro em um nível dinâmico mais baixo, como você pode ver aqui. Se você olhar para essas curvas, os canais e os violinos tocando média mais alta dinâmica ao longo denotam violino, viola nós que tocam o terceiro, jogam dinâmica muito mais baixa e soa assim. Espere, da mistura. Finalmente, você pode controlar o peso de cada voz em sua música usando técnicas de produção e mixagem. O nível da pista é, naturalmente, o mais óbvio, mas também panorâmica equalizador em saturação, compressão, etc. Basicamente moldar quão gordo versus magro o instrumento tocando essa voz em sua progressão principal está em sua mistura. Assim, por exemplo, você pode usar níveis aqui para cada faixa tocando uma voz harmônica em sua música. Você pode usar um filtro EQ, uma panorâmica e assim por diante, largura estéreo. Então deixe-me mostrar o que eu fiz aqui na pasta Harmony Group. Então, cada faixa dentro deste é tratada neste grupo. Então, na maioria dos casos, você quer empurrar suas harmonias de volta para o fundo de sua mistura para deixar espaço na gama alta para seus recifes melódicos, temas e assim por diante. Então aqui estou usando um plug-in e uma configuração quente. Você pode usar um equalizador ou filtro para apenas empurrar as altas frequências para baixo na mistura. Ou... E também em alguns casos você pode querer tirar algo aqui nas freqüências de foco em torno de um a três quilohertz, porque é quando nós somos nossos ouvidos ouvir o máximo entre algum lugar por aqui, 12 para o geral, você obtém um muito tom mais quente para seus hominis. Você quer empurrá-los de volta para o fundo. Eu também uso imagens estéreo para empurrá-las para os lados, aumentando a largura. Aqui, estou usando um compressor para domar a dinâmica para que eles não se tornem muito proeminentes em qualquer lugar da mistura. E como eu disse, você também pode usar um equalizador ou filtro. Então, sem tudo, Soa assim. Agora com tudo ativo. E eu também vou mostrar a vocês no editor de rolo de piano. E vamos ouvir isto. Então vamos remover isso. E se eu ampliar agora você pode ver as vozes de código reais. Por exemplo, aqui temos um D menor entrar em G menor. Vamos verificar as camadas. Você tem D na parte inferior e oitava acima. Depois outro “D” aqui. Quinto perfeito. Então, um aqui. Aí vem um D de novo, e assim por diante. Então você pode realmente ver o som para o peso da voz que eu escolhi. Também as diferentes dinâmicas dinâmicas. Então a base é assim. O coro faz assim e assim por diante. Então eu me formei com Dynamics não só nas notas de sustentação, mas também para isso no nível e velocidade. E, claro, se você usar articulações curtas, isso dá mais ar entre os nós como este, que não ocupam tanto espaço quanto tempo. Nota sustentada. Então agora, quando eu uso tudo no contexto, incluindo todas essas técnicas extras de mistura e produção, soa assim. Vamos assistir. E você pode realmente ouvir o quão quente é o tom geral para todo o grupo de mistura de harmonia, o que deixa muito espaço para suas principais melodias, recifes e motivos para cortar em sua mistura. 25. Sete segredos em escrever progressões incríveis: Olá criadores de música, você gostaria de montar progressões acordes que soam incrível, indo de um símbolo, rígida e chata progressão acorde como este. Muito ruim, certo? Em algo bonito, evolutivo, expressivo e dinâmico como este. Então, neste vídeo, você vai aprender sete segredos para escrever incríveis progressões de acordes. Vamos mergulhar na ponta número um, inversões de acordes. Então, se olharmos para este exemplo novamente, esta pista de esboço para os tribunais, que vai indo G menor, G menor, e então C. Mas eu usá-los na posição raiz, que significa que eu toco a nota mais baixa do acorde, o D, depois o F, e depois o A para o D menor. Mas você pode, de fato, transpor a nota uma oitava para cima ou para baixo para criar uma transição mais suave. Então, por exemplo, aqui, se eu pegar esta nota superior no segundo acorde, transpor para baixo de uma oitava, você não recebe esses enormes saltos. Vamos fazer isso também. Agora, eles soam muito mais suaves quando conectados assim. Então você pode, naturalmente, transpor para cima ou para baixo no intervalo e criar essas inversões para criar transições mais suaves que soam melhor. E eu também recomendo que você reduza o nível de velocidade para torná-los mais suaves. Ok, então essa é a dica número um. A próxima é a voz de acordes. Então isso é importante porque o primeiro aqui são apenas as inversões. Mas se você verificar as vozes, aqui é onde você pode realmente dobrar algumas das vozes. Então, se você tiver um acorde D menor, D, F e a, você pode dobrar o nó raiz D na base para torná-lo mais proeminente e focado. E você também pode organizá-los de várias maneiras. Então aqui você tem entre a nota baixo e a próxima nota, há muito espaço que dá mais espaço para outros instrumentos e sons em sua música, como suas melodias, riffs, e assim por diante. Então você pode, se você quiser tomar a nota do meio, por exemplo, a linha do meio aqui. Vamos ouvir isto primeiro aqui. Só adicionando o ano base. Agora, isto é posição fechada, voz de acorde fechada. Entre estes. Aqui você tem voicings abertos ser porque você tem coordenadas deste acorde D menor que não são usados criando este espaço aqui. Então digamos que você pegue esse nó no meio aqui e transponha para cima, um octeto que cria mais ar, mais espaço, mais espaço entre as vozes da corte, o que cria um som mais aberto e dá espaço para seus temas importantes, recifes, melodias e assim por diante. Criando algo assim. Voz ainda suave, mas voz mais aberta. Então, essas são as vozes do acorde. E a propósito, uma lição importante aqui é que eu só toco em piano, mas você pode usar essas vozes de acordes para ter este tocado em bronze. E assim por diante. Dica número 3 é líder de voz. Então, novamente, as inversões de acordes criam a voz principal. Mas outra maneira é que entre os cabos, você pode fazer isso acontecer, por exemplo, não entre isso e isso, mas na verdade usando uma nota da escala no meio para criar uma transição desigual e mais suave. E se verificarmos o exemplo anterior aqui, você vê que é um núcleo chamado por barra aqui. Mas se você usar inversões de acordes de tal forma que eles compartilham a mesma nota como eu fiz aqui com a inversão de acordes, pegando, este aqui, gabando, transpondo em uma oitava para baixo. Em seguida, você pode juntar essas notas para criar uma transição de voz ainda mais suave entre o curso, pois elas compartilham essa nota. E então eu peguei essa nota de baixo assim. Então era assim antes. Eu corto. E, em seguida, use outra nota de escala como uma transição, criando mais loops de voz. Então, vamos ouvir isso assim. E aqui novamente, junte-se a esta e a esta transição ali. E você pode, claro, usar dias nas vozes internas também. A base é ótima para isso, a propósito. Então chegamos ao próximo passo, que é a dica número 4, voz escrita. Então isso é realmente importante porque o que começamos com acordes de bloco, um acorde, cada voz dentro de um lugar central para a extensão completa do acorde. Então um acordes de barra, que é chato e rígido. Então, se você verificar isso, você pode usar comping rítmico em guitarra ou piano para criar um padrão. E então cada voz de acorde pode ter um padrão diferente. Eles são independentes um do outro. Aqui está um exemplo, Eu pied também no piano. Mesma progressão de acordes, D menor, G menor, F e C e assim por diante. Então você pode usar isso para criar vários ritmos de viagem nas vozes e organizá-los em diferentes instrumentos. O próximo é o que eu chamo de acordes de transição, dica número cinco. Então, em vez de usar apenas um acorde aqui por barra, ou digamos dois núcleos de acordes por barra. Vamos verificar o que acontece se você realmente usar acorde de transição. Então vamos dizer que se eu jogar D, e depois ir para um G menor, eu poderia usar uma nota SAS aqui no meio. E indo de G menor para F, eu poderia manter isso achatado para criar um código SAS aqui para F, que é o que eu fiz aqui. Como você pode ver, a voz vai aqui de lá para lá, escrevendo isso. Então, a partir disso, que apenas usam os tribunais simples, mas com ritmo, sem tribunais de transição, Eu adiciono um acordes de transição. E isso cria muito mais emoção já lá. Então chegamos à dica número seis, creio eu, que é um arranjo de voz. E agora vamos para as coisas legais. Então, se você verificar, livre-se desses sons simples de piano e vá para o grupo de harmonia completa aqui onde eu tenho uma base. Cordas completas adquirem trombones, cordas curtas de samba e violas curtas. Então, por arranjo de voz, quero dizer que você pode organizar as vozes para cada acorde, acorde completamente independente em diferentes instrumentos solo a faixa de baixo aqui toma, claro, cuidado com a linha de base. Então eu tenho as cordas cheias tocando tanto a nota de baixo aqui e os acordes aqui. Mas não faz o curso completo. Acredito que está tocando a harmonia e depois as notas básicas adicionadas. E aqui você pode ver toda a voz que eu adicionei também na nota do meio, linha do meio ali. E então para os adquirentes de vacas, usei uma harmonia de duas notas dos mesmos acordes. Então você não tem que tocar todos os acordes. Você pode definir todas as vozes para cada instrumento. E então os trombones tocam outra linha da voz, dos tribunais. E você também pode ter ritmos diferentes de forma completamente independente. Então estas estão tocando longas notas de legato, mas estas cordas curtas aqui estão tocando, para conhecer Tom, qualquer linha no topo com uma Octavia adicionada da base aqui abaixo, criando isso. Certo? E então eu dobrei isso com Biologos curtos tocando um padrão similar, mas não exatamente assim. Então eles trabalham em sincopação para criar essa variação independente. Mas ainda tem o pum, pum, pum, pum, pum core groove lá. Então isso é um arranjo de voz. Dica número 7 é dinâmica e expressão. Então isso é muito importante. Você quer ter variação dinâmica aqui nos níveis de velocidade em partes rítmicas. E você queria ter movimento na dinâmica, criando esse som evolutivo, que eu uso a roda mod para aqui nas cordas, para inchar como ondas na natureza. Edifício. E, em seguida, uma rampa aqui para cima que cria aquele belo ou movimento. E você deve usar isso para todas as vozes. Como você pode ver, eu fiz isso nos coros e assim por diante aqui. Então essas são as sete fitas principais. Agora, eu tenho algumas dicas extras. Então, primeiro, a primeira dica de bônus é baixo, médio alcance. Então, o que eu quero dizer com isso? Bem, na maioria dos casos, as principais melodias, motivos e cuecas, ou na faixa média, onde normalmente a sua, a mesma faixa, uma voz humana canta. Na maioria dos casos. Então, o que você gostaria de fazer na maioria dos casos é para a harmonia para organizar isso de tal forma que você está tocando no baixo com a base e raso, por exemplo, ou guitarra rítmica ou, e assim por diante para mid-range. Mas nota geralmente não tem muita coisa acontecendo. Como entre C 4 e C6 aqui porque se você manter o espaço lá, então deixe-me mostrar o que eu quero dizer. Se eu levar isso aqui, então eu pego a linha de cima para cima. Então, digamos que como eu levo este também, eu não sei. Alguma coisa. Como você pode ouvir, é muito mais brilhante e mais em foco dessa forma. Mas isso, que seria a maioria das melodias importantes. Se eu levá-los aqui, ver se eu os vi, eu os descarrego. De qualquer forma. Eu acho que você pode entender o que eu quero dizer aqui. Então o que você quer fazer é organizá-los de tal forma que eles estão jogando em um registro mais baixo. Na maioria dos casos. Então essa é a dica bônus número 1. Mantenha-o no baixo para baixo feito e médios abaixo C4 para a maior parte, 4, se você comprou esse tipo de fundo de som para o hormônio está em citações, que na maioria dos casos você faz bônus dica. Dica número 2 são variações de desempenho. Então, na linha de base, você pode bater, você pode usar os bastões se você usar um baixo elétrico ou acústico. Ou você pode usar mais culturas em algumas notas, você sabe, trocá-lo. A maioria. O melhor exemplo para isso é onde eu uso essas cordas curtas aqui. Porque o que eu fiz foi agitar isso com a articulação. Eu adicionei mais fotos aqui e aqui sobre as batidas mais importantes. Então eu estou usando fotos stock sobre estes azul claro. E há, na verdade, este é o modo de corrida para a palestra da Ashley. Use-os aqui. Só por essas especiarias. Então confira isso no modo de execução que cria isso. E isso nos leva à próxima parte dessa variação de desempenho. Então, as articulações. E também adicionando tempero e sinto como eu fiz aqui com o instrutor que, que, que, que, que, esses dados e metadados, mas vai apimentar lá na variação, cria tantos interesses adicionais. E então, idealmente, com a violência também aqui. E assim por diante. Então isso é variações de desempenho, as articulações e estilos de jogo para apimentá-lo. E a dica de bem-estar número 3 é misturar seus acordes e harmonias no fundo, o que ela, uma forma para fazer isso é realmente tocá-los nas faixas mais baixas. Então de cerca de C4 ou lá e abaixo. Mas também jogando na dinâmica mais baixa. Quer dizer, se verificarmos isto aqui, não banque um homem. Se eu levar isso até aqui, digamos que eles são muito altos em dinâmica. Deixe-me ver se eu quero verificá-los na velocidade ou algo assim. Quero dizer, se você for assim, há dois proeminentes. Então, na maioria dos casos, você quer que suas harmonias sejam dinâmicas mais baixas, especialmente em notas longas como esta. Inquérito e trombones. Então você quer ir, se nós checarmos aqui, isso é como se conhecesse assim por diante. Você quer basicamente ter a posição mais alta em torno da metáfora. Sim, em torno da mídia média, superior e depois abaixo. Eu posso até ir mais baixo se você quiser, vamos trazê-lo ainda mais baixo assim. Porque então eles serão mais suaves. Mais uma vez para deixar espaço para suas melodias resumos em temas principais e ganchos. E de outras maneiras fazer este Leste no aspecto da produção, por exemplo, nestas cordas aqui, se as víssemos e eu carrego a biblioteca, que é esta de pulmões de cordas cheias de flatus. Descarreguei as posições mais próximas do Mike. Deixe-me mostrar-lhe a diferença aqui. Assim, as posições de microfones próximas. E eu realmente usei solo de know como a articulação, que é uma articulação mais suave rendeu em cordas. Antes de eu fazer isso, vai soar muito mais focado na costa. Jogando articulação da sardinha faz com que pareçam claros que a remoção dos microfones próximos os empurra de volta. E, ao todo, isso cria esse som mais suave. Você pode, naturalmente, usar filtros e equalizador para fazer isso também. O empurrá-lo para o fundo, que nos leva para a dica de bônus final, que é o aspecto de produção anular aqui, eu gosto de usar. Eu costumo usar este plug-in, mas basicamente você pode usar um filtro ou rekey para isso e eu vou configurá-lo na configuração quente. Comparar, em comparação com, digamos que eu usá-lo um brilhante, que é basicamente um impulso EQ na faixa mais alta. Agora, eu quero mais quente, assim comparado a ele remove aquelas altas frequências focadas. Eu também gosto de usar um pouco de saturação para apenas misturado na mistura com também alguns para empurrá-lo para o lado é também para dar espaço para seus sons médios focados como os sons no centro, que na maioria dos casos é o seu principal vocais, melodias de liderança, ganchos, recifes, e assim por diante. Então eu uso um estéreo, ampliei apenas um pouco como 20 por cento ou mais, porque você está usando no grupo completo aqui, que adiciona alguma profundidade, eu ligá-lo agora. Apenas um pouco de espaço adicional e profundidade para empurrá-lo assim. E depois uma compressão final. Você provavelmente pode usá-lo em nó paralelo como 5050 aqui. Continua a ficar com ele. Mantenha um pouco da dinâmica. Tenha cuidado com a compressão em instrumentos orquestrais, a propósito, que essas sejam todas as minhas melhores dicas para escrever progressões de núcleo que soam incríveis. Espero que você experimente isso por si mesmo e eu vou vê-lo no próximo vídeo. 26. Parabéns: Parabéns, meu amigo. Agora você aprendeu os fundamentos, as técnicas avançadas e diretrizes, os sons, cores, estilos de reprodução, e um pouco de maneiras criativas de moldar a linha da história de sua música, que é o que hormônios e todas as progressões Realmente tudo. Eu recomendo que você tome medidas agora sobre tudo o que você aprendeu neste curso, volte e assista novamente às aulas, se quiser. Mas o mais importante é que você pratique todos os aspectos que você quer realmente dominar porque nada é melhor do que aprender fazendo. Meu nome é Mike, e desejo-lhe grande sucesso em sua jornada na música.