Como dominar as emoções em sua música

1. Sua jornada às Master de música: Olá e bem-vindos criadores de música. Como compositor de música e artista, você é um maestro de instrumentos. Você é um diretor de emoções. Você cria uma história incrível de sons, e no final, você cria a forma de arte mais poderosa do universo. A única linguagem que pode ser compreendida e sentida no coração de cada pessoa no mundo. Música. Então você gostaria de se tornar um mestre de criar, controlar e moldar as emoções em seus joelhos. Neste curso, você vai obter técnicas para dominar emoções música, dicas avançadas e secretas, exemplos ao vivo e demonstrações. Você aprenderá todas as melhores e mais poderosas maneiras de composição musical e produção que você pode usar para moldar o enredo emocional de sua composição musical. E se você quiser fazer música para o trabalho visual e trilhas sonoras como filmes, TV, videogames, ou qualquer tipo de música de produção para uso comercial. Então você precisará dominar essa habilidade essencial. Criador de música, aprendendo a controlar e moldar as emoções da música, sua história de sons. Então, se você está pronto para se tornar um mestre de emoções na música, Vamos tomar medidas, armazenado sua jornada de aprendizagem e aventura para dominar o poder das emoções na música. Agora mesmo. 2. O gráfico de movimento da música: A emoção curta da música. Então, para ajudar você a criar, moldar e amigos a formar a história emocional da sua música, desenvolvi algo que você pode usar como diretriz. Chamo-lhe a emoção curta da música. E é baseado na tensão e nível de energia de todos os aspectos da sua música. Vou usar os termos energia e tensão muito durante este curso. Mas, na prática, ambos têm um significado semelhante na maioria dos casos. E essa emoção central é baseada em como ela afeta nosso estado de ser de paz e em perfeita harmonia até emoções estressantes, intensas e de alta tensão. O uso prático deste gráfico de emoções é ter uma maneira de descrever todas as emoções fundamentais e como elas são colocadas neste gráfico com base no grau de energia e tensão que possuem. Você pode pensar em uma emoção curta como uma escala que vai do pente todo o caminho para o caos. Nós somos o menor nível de energia seria como se você tivesse tomado um comprimido para dormir ou meditando. E o nível de energia mais alto seria como se você tivesse comido o tipo errado de cogumelo. Isso faria você alucinar como um louco. Agora vamos dar uma olhada nesta emoção música mais curta. E a palavra-chave correspondente que descreve a energia e o nível de tensão. Aqui está a emoção curta da música. Nível um, milho, paz, quietude. Nível para harmonia, felicidade e empoderamento. Nível 3, nível triste, emocional ou nostálgico para suspense, emocionante ou emocionante. Nível 5, caos, pânico, medo e terror. Então, basicamente, tudo o que você faz dentro sua música pode ser aplicado a essa emoção menos que música, ou adicionando ou reduzindo o nível de tensão e, ou o nível de energia. Você vai aprender todos os aspectos que você pode usar para controlar e moldar as emoções dentro desta emoção, música mais curta neste curso. Mas deixem-me começar por vos dar alguns exemplos práticos. Então vamos começar com o menor nível de tensão e o menor nível de energia. Você pode pensar neles como música ambiente, atmosférica ou meditando ou relaxante. Então, a harmonia mais estável é uma quinta perfeita como esta. Digamos que um acorde de força F. E se você tocá-los com notas de Valmy, isso será menos energia. Embora a dinâmica seja menos energia, bem como baixa tensão, porque é apenas um acorde de energia, a raiz e o perfectivo, e então vai para, digamos o B flat entre esses dois acordes de energia. Há muito tempo desenhado notas por um longo tempo e voltar para o F novamente. Ok? Agora algo que estaria do lado oposto. Então tensão muito alta e um monte de nível de energia seria incluir harmonias e intervalos e acordes que acrescentam mais tensão. Então vamos dizer que começamos com D menor. Então vá nesta nota, que na verdade é D diminuído acorde e a tritone aqui. E também adicionar muito mais movimento rítmico para adicionar energia que cria mais dessa vibração caótica e intensa. Então, algo assim. Você pode realmente ouvir a tensão daquele núcleo diminuído e o aumento. Faça isso na base, talvez vá de d2. O segundo movimento menor ou assim que poderia estar no lado oposto. Claro, você poderia usar outros instrumentos tocando rítmicas altas articulações do Mercado por caos maciço e assim por diante para realmente alcançar esse nível mais alto de tensão e energia. E então você tem tudo no meio. Então, por exemplo, se você tocar um acorde maior como F maior e depois ir para B bemol maior. Então e então talvez para ver. Então, todos os acordes principais, que é claro o nível de baixa tensão por causa da vibração de som maior. Mas você pode aumentar ou diminuir o nível de energia dependendo quão rítmico você joga estes e quanta força, dinâmica você empurra em cada nota. Então, esses acentos de CO2 no estádio acrescentam mais energia, mesmo que todos os acordes ou maiores. Mas se eu jogá-los suavemente, talvez com um arpejo, ele tem menos energia, então você chega aos outros níveis. Então, introduzir um acordes menores, que tem um pouco mais de tensão do que acordes principais. Mas não tão alta tensão como, por exemplo, menor com seis menores adicionais como este. E a harmonia de tensão ainda maior seria o acorde diminuído. Ou talvez você vá do menor e então riff na base. Então pense em todos esses aspectos. O hormônio são os acordes, os intervalos que você usa, o nível de energia da dinâmica, o ritmo, o estilo de tocar, as articulações, tudo conta e soma quando você molda o enredo emocional da sua música. E você aprenderá todos esses aspectos em vídeos posteriores neste curso. Mas este é o ponto de partida. A emoção música mais curta, o nível de tensão e o nível de energia. 3. Emoção da escala: Emoção a partir da escala, a linguagem principal da sua composição musical irá definir o ponto de partida emocional. E o primeiro aspecto desta base é a escala ou o modo que você usa. Aqui está uma boa diretriz sobre o caráter emocional do tipo de escala que você usa. Cada escala pode ter uma das seguintes características principais. Um, vibração maior para menor vibração, três, vibração mista, e quatro, vibração de tensão. Agora, como você define qual vibração geral essa escala que você usa tem? Como diretriz, você pode verificar o acorde diatônico 15 da escala ou modo que você usa o acorde tônico. Um acorde terá o maior impacto da emoção geral, seguido pelo acorde dominante, o acorde cinco. Se ambos são acordes maiores, então a escala terá um som maior global como esta escala maior padrão, também chamado de modo Jônico. Então aqui você pode ver todos os sete acordes diatônicos da tríade maior, também chamados de modo jônico. Então, neste caso, esta, a chave é C. Então você tem o C maior como o primeiro acorde ou o acorde tônico. Então a vibração principal edificante é a vibração raiz da escala maior, mas também o quinto acorde, ou é chamado de acorde dominante, é neste caso G maior. Então, ambos os maiores e maiores, é claro, criam uma vibração de som grande. Então de volta para ver se ambos ou menor, o modo escalar terá um som menor como a escala menor natural, também chamado de modo Eolian. Então eu vou demonstrar isso na chave de D. Então esta é a escala D menor, também chamada de modo eoliano. E como você pode ver, o acorde tônico, o primeiro acorde é um menor, então d menor neste caso. Ok, então uma pequena vibração baseada no acorde raiz, o tônico. E também uma vez que o quinto acorde ou acorde dominante aqui neste caso é um mineiro também são menores, menores, menores para o acorde tônico e dominante 15 acorde cria uma vibração geral muito menor som muito emocional da escala. Se um é maior e o outro é menor, você terá uma mistura de um personagem maior e menor, como o modo Mixolydiano, por exemplo. Então aqui temos as sete tríades diatônicas do modo Mixolydian. Então esta escala tem uma grande vibração geral baseada no acorde tônico sendo medido na chave de G. Este é G maior. G maior. A vibração principal. Mas como o acorde dominante, o quinto acorde é menor, você tem um tipo de vibração mista. É importante, mas com um toque menor. Então, como você pode ver, a vibração principal do G, mas então ele vai para D menor e, em seguida, de volta para o tônico g majors ou major. E isso realmente cria aquele belo personagem misturado de ter um acorde raiz grande e edificante em geral com um emocional, mais um quinto acorde soando menor. E se um acorde ou o cinco acordes for uma tríade diminuída ou aumentada, sua linguagem harmônica fundamental terá uma vibração de intenção de construção, como o modo frígiano ou o modo locriano. Então aqui você tem os acordes de modo frígiano. Então eu escolhi para demonstrá-lo em E. Então E menor é o acorde raiz, o tônico, dando ao núcleo fundamental viável este modo ou escala, o modo frígiano. Mais sombrio, emocional menor. No entanto, o quinto acorde neste caso é B diminuído, que dá, dá o caráter adicionado ou alta tensão. Por quê? Porque uma tríade diminuída é um terço menor com outros terços menores empilhados em cima dele, tornando este intervalo a tritona dentro do código, que é uma tensão muito alta. Então vamos de E menor, diminuído por dois. Essa é a vibração central do modo frígiano. A vibração de tensão. Locrian é de fato tão alta tensão que dificilmente é usado na música, uma vez que não tem uma cadência adequada devido ao seu acorde tônico diminuído. Então aqui você tem o modo Locrian, que tem um acorde tônico, que é na verdade um acorde diminuído. Então, neste caso, B diminuiu. E é muito raro ouvir música usar este modo em toda a composição porque como terminar uma progressão de acordes e resolvê-la com um acorde diminuído? Como o acorde perdido. É realmente raro, provavelmente para música muito assustadora, poderia funcionar, mas você começa o caso de coordenadas tônicas diminuídas e, em seguida, um grande acorde realmente dominante. Então, com o tempo você começa a tocar esses outros acordes. O ouvinte terá realmente quer ouvir outra guia de escala e digite e não voltar para o B diminuído. Mas há pelo menos, é a forma de escala de tensão mais alta. Qualquer escala que tenha um acorde tônico diminuído ou aumentado. Aqui está um gráfico de referência rápida para você onde eu ordenei os sete modos principais do mais brilhante, mais edificante, para o mais escuro mais tensão com cada tríade diatônica por grau de escala para cada modo. Agora, como você pode ver neste gráfico, eu marquei com as cores, o acorde tônico de cada modo, bem como o dominante, o quinto frio. Então, o modo mais brilhante, mais edificante, se você quiser, em música ou escala, porque a maioria é realmente praticamente escalas. Com a diferença sendo que em modos compartilham as mesmas notas, mas em uma ordem diferente, tônico diferente, e assim por diante. Então, o modo Lydian, vamos fazê-lo na chave de F, assim você começa o tônico principal. E então o quinto acorde também é maior. Então c neste caso. Mas se eu só jogar 151, isso é o mesmo que o modo jônico grande escala padrão. A diferença aqui é que o Lydian tem o segundo acorde sendo maior, enquanto o jônico tem o quinto, quarto, quinto. Então você começa o vídeo e tem o segundo, então g. e então ver como o quinto dourado. De volta aos 12 acordes principais, tríades para o primeiro segundo grau está realmente definindo o caráter deste modo. Os jônicos têm o tónico maior, neste caso, depois o quinto. E, na verdade, tenho um grande major. A diferença aqui é que um quarto acorde também é maior. Então f como o acorde de quatro, e então G, e depois de volta para um. E como eu demonstrei anteriormente, você tem o modo Mixolydian, que tem um som maior, tônicos, então g. E então o quinto acorde é na verdade um acorde menor. Então, se eu encontrar algo aqui indo de G2, D menor, que é o som mixolydiano. Em seguida, chegamos ao modo Dorian, que tem um acorde tônico, que é menor. Então d menor neste caso. O quinto acorde também é menor. Então, neste caso, você recebe um menor de idade. D menor. No entanto, isso também é compartilhado com a escala menor natural, o modo seguinte, eolian. Então o que diferencia esses dois é que o modo Dorian realmente tem um quarto acorde maior. Então, se você jogar o menor e, em seguida, um quarto maior, então, neste caso, G maior. Aquele acorde menor para o 4 quarto acorde maior está na verdade definindo o caráter do modo Dorian. Então, um menor, quatro, maior, menor quinto. E o próximo temos o modo Eolian, a escala menor natural, onde ambos, onde todos os 154 acordes ou menores. Então agora estamos entrando em uma vibração super emocional. Então vamos jogar em um menor. Um menor é. Acorde menor e o quarto menor. Então, neste caso, temos o D menor. E o cordão de fé também é menor, E menor neste caso. E, em seguida, um menor resolver essa progressão acorde. E então você tem o frígio, onde o acorde raiz é menor, como você pode ver aqui. Então o acorde menor E é diminuído acorde na chave de E, você começa a, B diminuído, como você já ouviu. E depois de volta para E. Então, aquele quinto acorde diminuído, são realmente as características do modo de tensão frígiano? E então um locriano, como você pode ver, é o único que tem um acorde tônico que não é menor ou maior, é diminuído, então você obtém o B diminuído como o tônico. Então é por isso que é super raro, realmente usado na música. Então você pode pular essa, mas eu realmente recomendo que você pratique entrar na vibração, essa vibração legal de todo o resto dos sete principais modos de música. Assim, você pode escolher uma escala, tipo ou modo neste caso, que realmente obtenha a vibração de chamada de vibração que você deseja para sua composição musical. Então, para resumir, o primeiro aspecto da sua linguagem emocional geral da sua composição musical será baseado nesta escala ou modo que você usa. Ele pode ter um som maior geral, som menor, som misto ou som de tensão. E isso é decidido principalmente pela combinação de um acorde, o tônico. Estamos tendo o maior impacto seguido do acorde cinco, o dominante, e um ponto final. E isso é muito importante. Você precisa lembrar que a escala ou o modo que você usa será simplesmente a base para sua linguagem harmônica. Os acordes e harmonias que você, como compositor, escolher para se concentrar, terão sempre mais impacto. Por exemplo, mesmo se você usar uma escala de som menor, digamos D menor, você pode optar por se concentrar mais nos principais registros dessa escala em suas progressões de núcleo para empurrar as emoções em direção a que fez sua vibração de som, o enredo harmônico de sua música sempre terá o maior impacto na jornada emocional de suas composições musicais. Então deixe-me demonstrar isso enquanto assistimos esses acordes para todos os sete modos principais de música. E lembre-se de modos ou simplesmente escalas que compartilham as mesmas notas, mas em uma ordem diferente. Assim, os graus de corte mudam para cada um desses modos. Então, vamos tomar um modo de som muito brilhante como o Ionian, que é o stand outra palavra para esta escala maior padrão. Então, C maior. Então, se você se concentrar apenas no acorde de 14 ou cinco, acordes 145 graus, você tem um muito edificante, brilhante que sua vibração soasse. Mas digamos que você começaria a introduzir alguns dos outros quartos de graus que são menores aqui. Então você empurra o enredo harmônico emocional em direção a uma vibração de som mais pequena, mesmo que a escala ainda seja uma grande escala de som. Então comece com C. Vamos para o segundo acorde, o menor, D menor, e depois para um menor, E menor, de volta para C. Então lá você vê que o tônico aqui é maior. Mas você pode tocar mais desses outros acordes menores dentro de sua progressão. E isso realmente empurra para rastrear em direção a uma vibração geral mais emocional, mesmo que eles ainda sejam importantes. E você pode fazer isso em outra coisa oposta, escala ou modo, como, digamos, o eolian, que é uma sondagem muito emocional. Então começa com um tônico menor. Digamos que você vá para o C maior, que é o terceiro maior. Os seis com isso para fatorar. Então você tem uma vibração de som maior mais edificante mesmo que estejamos em um menor, que é uma escala de som muito emocional menor. Então, como você pode ver, as escolhas que você faz para o seu enredo harmônico, os acordes e harmonias em que você se concentra para a sua progressão, têm um impacto ainda maior do que a escala ou modo real que você usa. Mas ainda assim, é importante reconhecer que o tipo ou modo de escala tem o núcleo fundamental, fundamental linguagem e emoção para a sua composição musical. 4. Emoção do medidor: Emoção de um metro. Tendemos a pensar principalmente neste tipo de escala, acordes e harmonia ao elaborar a história emocional da nossa música. Mas também deve considerar o medidor que você usa. Medidor é mais comumente chamado de assinatura de tempo na música, e é rotulado com os dois valores. O primeiro número é a contagem por medida e o segundo número é o valor do nó que você conta. Estes valores definem a linguagem rítmica fundamental da sua música. E pode realmente ter um grande impacto na vibração emocional também. Por exemplo, a assinatura de tempo mais comum é 44, é até chamado de tempo comum por causa de quanto usado é e como ele se sente natural para nós. Você simplesmente conta quatro batidas, notas de quarto com igual ênfase em cada batida para chegar antes para vibe como esta, 12341234 e assim por diante. Aqui está um gráfico de referência rápida para o que eu considero ser os principais tipos ao longo do tempo assinaturas baseadas na base emocional e rítmica. Um, assinaturas de tempo com uma vibração reta, por exemplo, para 422, Estas assinaturas de tempo baseadas em ter esse sulco de rua natural como a base emocional, rítmica. Às vezes pode até ser referido como o medidor de marcha, uma vez que pode soar muito militar devido a que reta e rígida o som. Então aqui eu criei dois exemplos de assinaturas de tempo com uma vibração direta. O primeiro é 44 e o segundo é 22. Então vamos ouvir primeiro e depois explicarei. Isso foi 44. E este é intuitivo. A razão pela qual estes tempos perigosos com uma vibração direta soa tão natural para nós é que se você ouvir isso, deixe-me contar. 1, 2, 3 4 1, 2, 3, 4 ou 2, 2, 1, 1. Então 22 funciona muito bem para essa marcha. Por. Então pense em 12 como se tivéssemos dois pés, então esquerda, direita, esquerda, direita. Ou se batermos palmas, temos duas mãos ou temos batimentos cardíacos, nosso pulso, tudo está reto assim. E é por isso que é muito usado em música pop, rock, música eletrônica. E sempre que você quiser esse tipo de pulso direto para o groove central, o ritmo fundamental da sua música, para assinaturas de tempo com uma vibração incrível. Por exemplo, 3, 4 ou 6, 8. Desta vez, assinaturas baseadas no número três. Tenha essa vibração legal, que pode ser uma espécie de balanço e uma sensação de ondas em sua música. 3 quatro é muitas vezes referido como tempo de valsa. E 6, 8 é especialmente bom para música de ação com muita energia e unidade. Mas ainda assim cresceu a vibração. Então nós, as assinaturas de tempo com uma vibração incrível, você tem estes divisíveis por três tipos de políticas. Deveríamos ser completamente diferentes da vibração natural, desse pulso reto. Então você tem esse 123123123123. E gravei dois exemplos. O primeiro em 34, como este. Então isso é 2, 3, 4. E então eu tenho outro exemplo aqui em 68. Então aqui nós somos curtos. Ainda é o tipo de divisível por três o crescimento do pulso aqui. Mas como é baseado em, em seis oitavos, é muito mais rápido e mais vibração de ação. Então você pode ouvir a taxa se eu tocar as cordas curtas aqui e carregar shorts. Então aqui temos, em vez de 123123, você tem os propósitos 123456123. Você ouve muito em música de ação cinematográfica, na verdade em trilhas sonoras e filmes. 123456123456123456, e também em rocha progressiva e assim por diante. Você obtém essa unidade de energia intensiva muito alta dentro da música quando você usa seis sites. Então, na verdade, agora deixe-me jogar esses dois exemplos, essas conversas curtas. O primeiro está em 33 4 aqui. Então escutem e podemos verificar o rolo de piano ao mesmo tempo. Isso é 34. E você realmente sente que balançando, tipo de vibração groovy, la, la. Como pensar na dança em um círculo ou algo assim. Essa é uma maneira que você pode pensar nisso. Mas eu tendem a pensar em ambos estes, 3, 4, e 6, 8 como círculo groovy, um tipo ondulado de assinaturas de tempo. Então seis oitavos podem soar assim. Três vezes assinaturas com vibração caótica. Por exemplo, 7, 8 ou 54. Basicamente, assinaturas de todos os tempos que são quase mas não perfeitamente divisíveis por dois. Desde o tempo comum para quatro e qualquer variação de medidores retos tem uma conexão natural tão forte para nós. Sempre que você ouve uma assinatura de tempo que a Rússia tem 78. Ou escória, tipo quatro ou cinco. Você vai adicionar intensidade e ação do caos de como ele mexe com nosso estado natural e coleção para o tempo comum. Essas intensidades adicionadas e vibração estressante tornam esses tipos de assinaturas de tempo incríveis para música dramática, como ação intensa ou música caótica de perseguição ou música de batalha. Então você pode realmente ouvir esses estressantes acrescentou a vibração de intensidade caótica se você contar essas assinaturas de tempo. Então 7 oitavo é 123456781234567123. É como tropeçar mais rápido para a próxima, é por isso que eu chamo que corre porque em vez de adicionar a oitava nota final, então é 8, 8 ou 4 para ela. Você corre para a próxima medida. Então 1, 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4, 5, 6, 7. E por exemplo, 54, que é o que eu chamo de um tipo de arrastar. O tipo é inteiro. Então você arrasta, você permanece no javali. Um quarto de nota extra. Então 44 é 1234, mas 54 é 1234512345. Está se arrastando e você não espera. Você realmente queria voltar àqueles caminhos retos naturais, é por isso que esse tipo de assinaturas de tempo com aquela vibração caótica, apressando ou arrastando, funciona muito bem para música dramática, ação, intensidade musical , caos, batalha, e assim por diante. Então, aqui está o primeiro exemplo que criei em sete oitavos. Mas você pode realmente ouvi-lo se você apenas ouvir o metrônomo. Então isso é só silenciar isso por enquanto. Então escute o metrônomo. 1 2 3 4 5 6 7 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6, 7 um. É como se tivesse tropeçado no próximo bar antes. E aqui para 54 você tem 1, 2, 3, 4 pi bond. Então, em vez de 123411, você realmente ouve aquela batida extra, 1234512345123451. É surpreendente, surpreendente batida extra basicamente. Agora vamos ouvir esses exemplos. Você pode ter uma sensação para eles. Isto é o que eu chamo de assinaturas de tempo com uma vibração caótica. Então aqui estão sete oitavos. Ok, vamos apenas ouvir a percussão com, vamos fazer a base. E corda curta é apenas isso. Para torná-lo ainda mais claro. Assim, ele pode realmente sentir que adicionou energia para estressar para a próxima barra, cada barra, ele realmente move a música junto e impulsiona a energia. Muito usado em música de ação intensiva e música dramática. 54 é estressante de outra forma porque está arrastando. E vamos, de fato, ouvir primeiro o primeiro exemplo de buraco. Está bem? Como você ouviu, ainda tem aquela vibração caótica. Mas em vez de correr, ele arrasta são 1234512. Vamos ouvir jazz a percussão quanto à base de shorts baixos. E vamos fazer essas cordas curtas também. Apenas dias. E lançado no 12345123451234123. E essa batida extra acrescenta a divisão intensiva caótica de arrastar. Então pense nesses exemplos e há outros, é claro, sempre que você tiver essa batida extra ou uma praia curta da vibe natural reta, você adiciona esse tipo de vibração caótica ao longo do tempo assinatura. Resumindo, você pode escolher sua assinatura de tempo para moldar a base rítmica e emocional para sua composição musical. Vibe reta divisível por dois, por exemplo, para quatro e 22, aumentou a vibração divisível por três. Por exemplo, 3, 4 ou 6, 8 ou vibração caótica, que está correndo ou arrastando assinaturas de tempo como 7, 8 ou 54. 5. Emoção do Tempo: Emoção do Templo. Nosso senso de tempo e o fluxo do tempo na música afetam fortemente nossa resposta emocional a ele. E há dois aspectos de como o tempo cria emoção na música. Primeiro, o tempo de anulação define o nível de energia. Assim, o BPM da sua música irá definir o tom geral para o nível de energia. Quanto mais lento o BPM, menor será a sensação de energia e ação. E quanto maior o BPM, mais energia central será fornecida na base emocional da sua música. O que eu acho fascinante é que o BPM da música está intimamente relacionado com o BPM do seu coração. Por exemplo, se nos sentarmos quietos ou deitarmos, sua freqüência cardíaca está relaxada e seus amigos com cerca de 60 BPM ou mais. E em torno desta gama de BPM é onde relaxar e estilos de música será. Então você pode ver a conexão lá. Se dançarmos ou nos movermos, nossa freqüência cardíaca estará em torno de 120 a 140 ou mais, que é onde a maior parte da música up-tempo estará. Aqui está um gráfico de referência rápida que criei para as faixas de música BPM e seu senso geral de energia do núcleo. Mas tenha em mente que, a qualquer momento, seus estilos de reprodução e os ritmos sempre terão o maior impacto sobre esse senso de energia em sua música. Certo, então aqui está o meu gráfico geral de energia baseado no BPM da sua música. Abaixo de 50 BPM é o que eu chamo de nível de energia meditativa. De 50 a 70 BPM é uma vibração relaxante. 70 a 90 BPM ou assim é baixo tempo sentir. 90 a 120 é meio-tempo. 120 a 140 é up-tempo. Vibrações. 140 a 160 é mais vibração de ação. E, finalmente, acima de 160 BPM é intensidade. Níveis de energia da música para as mudanças de tempo que você cria. Ao alterar o ritmo em certas seções ou transições em suas composições musicais, você pode moldar a resposta emocional ainda mais. Há dois tipos de mudanças de tempo na música. A primeira é uma mudança imediata. Por exemplo, indo de seu verso em, digamos 128 BPM, e alterá-lo imediatamente quando seu refrão atinge, digamos, 132 BPM. Essa pequena mudança aumentará a sensação de nível de energia em seu refrão porque sentimos que o contraste no templo muda de diversos. Algumas das formas mais comuns de implementar mudanças de tempo, ou ritmo mais lento na introdução e no Vs. Tempo ligeiramente maior no refrão. Breve abrandar pouco antes de um clímax, e gradualmente lento, desacelera no final da sua música. Então agora eu vou realmente demonstrar todos os diferentes níveis de tempo e como isso afeta o caráter emocional da sua música. Começando com abaixo de 50 BPM, que eu chamo de templo meditativo. Você pode ver as mudanças de tempo para cada exemplo aqui neste padrão de tipo de etapa aqui. Então, começando com 50 BPM, que eu chamo meditativo, funciona muito bem para música ambiente e atmosférica, que pode soar assim. E como você pode ouvir, o uso de notas longas, baixa dinâmica e transições crescentes entre cada nota funciona muito bem para este tipo de música nas mais baixas faixas de BPM. Porque ele queria ter aquela vibração ambiente e atmosférica. Como você também ouviu, não há percussão aqui porque nesses tipos de templos, percussão realmente não é benéfica para o tipo de atmosfera que você cria. Então esse é o primeiro nível de tempo para o seu nível de energia emocional abaixo de 50 BPM, meditativo, energia central ambiente. O próximo é entre 50 e 70. Vamos ver o que eu fiz com o cabelo. Então eu fui com 70 BPM. E isso é mais uma vibração relaxante. Pode soar assim. Então o adicionou seu piano cinematográfico a ele. Vamos entrar e ver o que temos. Então parece assim. Tudo bem, novamente, nariz mais longo e dinâmica mais baixa funcionam melhor se você quiser ter aquela vibração relaxante entre 50 e 70 BPM. Nenhuma percussão neste exemplo também porque eu realmente fui para isso. Relaxar, empurrando-o mais para o tipo de vibração atmosférica. Porque quando você chegar ao próximo nível, 760 BPMN. Lembre-se que estes não são listrados como corrida amarrada ou limiares. É só uma diretriz. É curto que baseio minhas escolhas criativas ao escolher o nível geral do templo. Então 70 a 90 BPM é o que eu chamo de registro de ritmo baixo. E aqui fui eu, onde, vejamos, 80 BPM. Então ainda é relaxante. É uma vibração de baixo tempo, mas um pouco mais de energia em comparação com os níveis relaxantes. E aqui realmente usou alguma precaução junto com uma base e algumas chaves apenas para obter alguma vibração. Pode soar assim. E como você pode aqui a partir deste exemplo, muito mais uso de staccato, notas curtas, comping e padrões rítmicos. Então, não só essas notas longas e altas do registro relaxante do templo, mas, na verdade, algum ritmo. E é claro que eu tinha uma batida indo também. Esta linha de base, em vez de apenas nota longa, nós realmente temos algum sulco nele. Então esse é o ritmo baixo, temperatura, registro ou tempo entre 70 e 90 BPM, ou Rousseau, ou direita. Então, passando para o próximo intervalo de tempo, que eu chamo de mid-tempo. É em algum lugar entre essa vibração de ritmo Groovy e vibração up-tempo edificante, você tem o mid-tempo e é a diretriz alta para isso é entre 90 e 120 BPM. Eu fui com 105 anos, então na faixa inferior aqui, mas basicamente você tem uma mistura, mistura de downsample, upsample em algum lugar no meio. Eu tenho um sulco percussivo acontecendo. Eu tinha a linha de base, tenho algumas cordas longas, algumas cordas staccato aqui, e uma espécie de arpejo de vibração de piano e algumas teclas. E pode soar assim, assim. Ok, então aqui você tem um pouco de um up-tempo elevador, mas não é do ritmo por conta própria porque isso você tem que perceber, bem como os estilos de jogo realmente não comeram impacto ruim no emocional, nível de energia e temporal campos. Então, desde que eu usei essas cordas curtas aqui, eles adicionam uma sensação de vibração. Dirija. E então eu tenho o padrão arpejo aqui. Adicione um pouco de drive também. Compare estes dois apenas jogando longas quadras de bloco, por exemplo. Digamos que as chaves também têm um pouco de um sulco. Mas é claro que eu tenho a percussão cria mais energia e aqui eu tenho alguns shakers também. E esta linha de base aqui. Assim, quanto mais nós usarmos, mais rítmicas forem suas partes, mais energia elas terão em toda a peça. Mas ainda está nesse intervalo de tempo médio para o tempo aqui. Então nós podemos realmente mastigar o up-tempo entre 120 e 140 BPM, que é onde a maioria da música pop está e a música rock popular e assim por diante, que aqui no rádio. Então é porque geralmente é a freqüência cardíaca, o pulso, o BPM do seu coração quando você dança e se move e você sabe, no aplicativo levantando tipo de humor. Então aqui eu tenho duas bases, um baixo baseado em SaaS e elétrico, mas é mais importante. Este piano de estúdio, piano comping padrão é o que cria o VIA principal. Ok, então no geral você tem essa sensação up-tempo assim. E, claro, o up-tempo principal para, para sulco vem da precaução, 1, 2, 3, 4. É como aqui. O padrão para, para o grupo que você tem na maioria das músicas pop, música eletrônica, e assim por diante. E bem, você tem essa vibração mais enérgica e edificante do Templo. Claro, ele pode ir um pouco mais alto, mas na maioria dos casos eu diria entre 120 e 140 ou mais. Próximo para chegar ao próximo nível aqui onde eu subi. Então isto foi 130. Então, no meio do up-tempo, então entre 140 e 160, eu, eu diria que o alcance para ação, vibração, nível de energia em tempo. Eu fui com 150 aqui. E aqui, eu me concentro muito mais em padrões rítmicos, como você pode ver para todos os nós, até mesmo a linha de base aqui. Para obter esse tipo de vibe, vamos assistir e ouvir ao mesmo tempo. muito mais intensiva. A energia disto está em 150. Assim, o próprio temperamento define a base rítmica do núcleo. Mas, claro, vê-lo jogar e quão rápido você analisador rítmico. E a dinâmica do shopping e. Tocar estilos e assim por diante, é claro, completamente cria essa vibração de ação e energia. Mas isso está no campo de ação do templo 114, 116, em algum lugar por lá. Finalmente, se você chegar acima de 160, isso é o que eu chamo de intensidade ou amplitude dramática de templos. Então aqui fui eu com 175 e você realmente ouve. Eu, mesmo se eu só tocar percussão aqui, você realmente tem essa sensação de ação dramática. E, ao todo, pode soar assim. Então, uma vibração dramática intensiva. Se você quiser ter isso, considere ter o BPM principal de sua pista em torno de 160 e acima. E é aí que você obtém essa vibração super enérgica do templo. Mas também, é claro, considere o aspecto rítmico de cada parte que você escreve. Mas quando você escolhe um ritmo específico, eu sinto que você tende automaticamente a se mover para este estilo de jogo específico. Então, se você começar em 175 e apenas ouvir o ritmo. Um. Impacto adicional no nosso campus. No entanto, carregue o datacenter. Então você escreve portas mais rápidas para seus instrumentos. Enquanto que se você só tem, digamos 70 BPM, como no início aqui. Quero dizer, só a partir do metrônomo, você realmente sente aquele nó alto, tão baixo movimento partes, criando aquela vibração meditativa, ambiente e atmosférica. E então, é claro, todos os BPM variam entre si. Então, sempre considere a emoção que você recebe com o ritmo da sua música. Agora, eu também vou demonstrar o poder do outro aspecto do tempo na música, que é a automação temporal. Então aqui eu tenho realmente uma composição curta com um, basicamente uma progressão de acordes e alguns padrões rítmicos. Mas você pode ver a pista de tempo aqui, começando em 84, subindo ligeiramente e depois rampa até 110, então gradualmente movendo-se para cima aqui, e depois para a segunda parte aqui do coro 125, continuando a acúmulo energético a 150. E, em seguida, para resolver a pista, Eu reduzir o tempo aqui gradualmente, mas muito breve maneira também. Então está abaixo de uma barra indo de 150 a 85 VPM para realmente retardá-lo para a cadência final. E isso pode realmente fazer uma grande diferença. Então, não há mudanças de tempo. E sábado às 115 soa assim. Mas com o poder de uma automação de tempo, você pode moldar a curva emocional energética para sua música. Então, como você pode ver aqui, começando em muito baixo, aumentando, intensidade de construção, a segunda parte, construindo ainda mais, então é uma enorme gama de automação de temperatura. E então criando essa cadência resolvida. E escutou realmente quão diferente é o aspecto emocional em termos de nível de energia sobre o enredo desta composição. Então esse é o segundo aspecto do tempo para moldar o nível de energia emocional da imunização, gradual ou rápida. Automação do templo como esta. Então, para resumir, você pode moldar a emoção de sua música com o ritmo, ou seja, o BPM geral, bem como com mudanças de tempo que podem ser repentinas ou graduais. Portanto, certifique-se de que você sempre considere o uso de BPM e mudanças de tempo para moldar a sensação emocional de fluxo e energia em suas composições musicais. 6. Emoção de Intervals: Emoção de intervalos, os elementos mais importantes da música ou os blocos de construção reais usados para escrevê-la. E esse ingrediente fundamental fundamental são os intervalos que você usa. Você pode pensar em intervalos e música como blocos de construção ou peças de Lego, se você quiser. Mesmo que haja apenas um punhado de intervalos únicos na música, eles podem criar uma quantidade infinita de variações, emoções e histórias de som, dependendo de como você usá-los. Então deixe-me compartilhar um guia rápido sobre todos os intervalos fundamentais música e como eu pessoalmente os rotulo em termos de emoção central. Então aqui estão os meus intervalos de música. Gráfico rápido. Assim, o primeiro e o menor intervalo na música é o segundo menor, que é um meio passo. Então, se você pegar qualquer nó, digamos C e ir para o nó mais próximo, cima ou para baixo, assim. Isso é um meio passo, modo que é um segundo intervalo menor, ou subindo de C para C afiado. Agora, o nível de tensão aqui é muito alto. Eu até chamo esse intervalo de segundo menor, o intervalo de tensão, porque apesar de haver outros intervalos e música que também têm tensão muito alta, o segundo intervalo menor é a mãe da tensão na música. Porque digamos que você tome o tritone. A razão para a alta tensão é, na verdade, se você olhar para ela, é um meio passo da quinta harmonia estável perfeita aqui. Então você poderia dizer que o segundo menor é realmente responsável por todos os outros tipos de intervalos de tensão na música. Então deixe-me demonstrar tocando o segundo intervalo menor na base, como este em oitavas. E você tem o tema do filme “Tubarão”. Ou você também ouviu. O clichê menor segunda harmonia. E harmônico significa tocar os dois nós juntos assim. Então, quando você quiser adicionar tensão muito alta em sua música, considere usar o segundo menor, a mãe de toda tensão com intervalos na música. Em seguida, temos o segundo maior, que eu chamo de intervalo emocionante. São dois meios-passos. Então, se você começar no último dia não, eu pulo isso. Eu vou aqui e você tem o segundo maior ou baixo assim. E o nível de tensão aqui é baixo a médio. É bastante baixo se você apenas entrar em um intervalo melódico sem adicionar harmonia ou registro. Mas digamos que você tem um acorde maior e, em seguida, suspenda o terceiro, o SAS até aqui. Então você começa. Tensão média, tensão leve, que se liga para resolver a atividade. Mas você vai ouvir o, este intervalo emocionante. Por que eu chamo isso é porque é bem excitante. Ambos como uma harmonia ou acorde como este. Resolver ou intervalo vai muitas vezes como uma emoção como esta, o que soa emocionante e emocionante. Então é por isso que eu chamo de intervalo emocionante. Tem aquele grande som edificante. E o nível de tensão é baixo a médio. Se você usá-lo. Acorde suspenso. Em seguida, temos o terceiro menor, que eu chamo de intervalo emocional porque é basicamente o ingrediente principal para todos os sons emocionais, melancólicos ou tristes movidos na música. Então são 3,5 passos, 123. Então, se você adicionar o quinto ano, ainda em menor, C menor acorde é um terço menor que cria o som. Na tríade menor. Adicionar um nível de tensão é baixo, por isso é um intervalo estável, mas tem aquele som mais escuro e emocional. Está bem. Então esse é o terceiro menor. A mãe de todo o hormônio sonoro emocional e triste está em quartos na música. Em seguida, você tem o terceiro maior, que é o oposto do terceiro intervalo menor. Chamo isso de sentir bom intervalo porque tem aquele edificante e faz você se sentir bem. Pode ser motivacional, poderoso, e assim por diante. E observe que eu não chamo de intervalo feliz, que eu não os chamei de terceiro menor, o intervalo definido, mesmo que não possa ser. Porque major, o som principal não precisa ser super edificante e feliz. Pode ser muito poderoso, nobre, majestoso, e assim por diante. É por isso que eu chamo de intervalo de sensação boa. Consiste em quatro meias-etapas. Então aqui de C, 1, 2, 3, 4. E é isso que cria a base para, por exemplo, esta tríade C maior. Então você pode jogar de uma forma feliz. Mas você também pode obter esses sons muito majestosos e nobres, ou digamos que há um Fé maior. Então esse é o tema principal da trilha sonora de Thor, trilha sonora de filme, que não está na verdade em F-Mor, mas soa, não soa feliz e otimista. Parece majestoso, nobre e poderoso. Então, o terceiro maior é o ingrediente principal. O núcleo fundamental. Sinta-se um bom intervalo na música. O próximo intervalo é o quarto perfeito, que é 5,5 passos, por exemplo, de C a F. E o nível de tensão é como o segundo maior, baixo a médio, tão baixo se você entrar. Integrais como esta para melodias, temas e riffs. Mas se você criar uma harmonia ou registro com a fé, por exemplo, veja aqui, e use o quarto aqui para criar um quarto acorde suspenso. Você recebe atenção emocional média e leve porque quer resolver o 23º, assim como o SO2. Tão baixa tensão quando pontiagudas como integrais, sério assim. Um pouco mais de atenção quando você joga como um núcleo. Ok, então eu chamo isso de Diderot qualquer intervalo porque ele realmente quer progredir em um tema melódico, motivo e assim por diante. Então, se você jogar de C a F, então você não quer voltar imediatamente. Você sente que quer continuar o movimento, a jornada, por assim dizer, da música. Então você realmente ouve essa piscina para criar algum tipo de viagem e aventura. E assim por diante. Então esse é o quarto perfeito, o intervalo de viagem. Em seguida, você tem o intervalo de tritões, que eu chamo de intervalo do diabo. E não estou sozinha nisto. Na verdade, foi referido como o intervalo diabólico da música nos tempos antigos da igreja, porque tem tanta tensão nela. Então, se você tocar um, C, uma manga, não muito perfeita quarta, ou a fé perfeita, mas entre eles, você tem um intervalo de tensão muito alto. E você pode usá-lo para criar um som muito assustador e maligno. Tema são melodias e harmonias, ou para soar peculiar, é usado no tema Simpsons. Uma música para música, por exemplo, porque parece tão antiga nesse caso. Então, o tritone é muito bom de usar para criar tensão super alta. Se você tomar, por exemplo, um acorde diminuído, que é um terço menor, terceiro menor. A alta tensão está realmente vindo deste intervalo tritone dentro do acorde diminuído. Então, se você for entre o menor e, eventualmente, o diminuir, você terá o Intervalo do Diabo tri-tom. Adicionando aquele som maligno e assustador moveu-se para a sua música. Certo? Então chegamos ao quinto perfeito, que é 7 meios-passos. Então, a partir de c 1234567, G aqui. E eu chamo isso de intervalo de energia. É um intervalo estável, então não há muita tensão. E não acrescenta muito comércio emocional. Então não é edificante, sentir-se bem. Não é emocional e triste. Na verdade, é um dos principais ingredientes para construir núcleos. Você tem a raiz perfeita quinto, e então você adiciona um terço ou um suspenso sem lágrima para criar uma tríade, adicionando. Quer adicionar uma sétima esquadra de controle ou qualquer intervalo no topo. Mas basicamente, todos os coords começam a partir desses ingredientes, raiz mais o quinto perfeito. E por que eu chamo isso de intervalo de energia é por duas razões. Primeiro, ele é realmente usado uma vez que é tão estável e não tem nenhuma cor emocional real, usá-lo em acordes de poder para que a raiz passe, fé perfeita, promessa, potencial, octâmero extra da raiz, criar um cabo de alimentação. Então, se acorde de energia, que é o que você ouve em, por exemplo, guitarras elétricas, muito para música e assim por diante. E a próxima razão é porque tem uma vibração poderosa. Então, se eu toco como intervalos em uma melodia ou tema, digamos de C a G Novamente, você sente essa sensação de poder e você pode permanecer por muito tempo nessa nota, uma vez que é tão estável, ou você pode se sentir para continuar o viagem da melodia. Mas esse intervalo está realmente adicionando uma sensação de poder para seus temas ou seus acordes, e estabilidade também. Em seguida, chegamos a outro intervalo de som menor, que é o sexto menor, que é oito meios-passos, ou de C até aqui você tem o quinto perfeito e sobe outro meio passo, oito meios-passos. Então esses são os pequenos erros que eu chamo de intervalo misterioso, é que tem uma tensão média e tem essas pequenas vibrações sonoras ou mais escuras, mais emocionais ou eu, você quer chamá-lo. Mas se você tocá-lo em uma série de nós em uma melodia ou tema, você sente que deseja continuar a jornada porque ele tem uma tensão média para ele. Então, talvez até o quinto perfeito, ou para cima, ou para cima assim, para o octeto ou o que quer que seja. Então você tem um tipo de tensão média e também o senso de mistério com seu sexto menor. Então, se avaliação alta aparecer como uma harmonia, ele quer resolver a um perfeitamente. Então, novamente, você pode ver que na verdade é este intervalo, em certo sentido, tem a tensão de meio passo ou segundo menor dentro dele. Assim como aprendeu mais cedo nesta lição. Agora, se você usá-lo em um acorde, em um arpejo ou em um acorde de bloco, você pode obter de um acorde maior. Então, se você jogar, essa é uma grande vibração sentir-se bem. Mas se você adicionar este sexto menor no topo, então teremos aquela vibração mágica, mágica e misteriosa. Se você adicioná-lo em cima de uma tríade menor para que você fique mais assustador. Então esse é um sexto menor, o intervalo misterioso. Então temos o sexto maior, que é claro, como você pode ouvir pelo nome, tem um grande humor geral, mas eu chamo de intervalo emocionante. São nove meios-passos. Então, por exemplo, de C aqui também. Este é um sexto maior do momento. Tem um baixo nível de tensão, mas a sensação de excitação é semelhante, pois é um grande segundo tem um som emocionante, edificante e grande assim como o sexto maior, que é o intervalo emocionante. E ele pode realmente ouvir essa sensação de excitação. Então, se eu tocar um acorde de C aqui e fazer acorde F-Mor, você tem esse intervalo. Então a emoção vem da vibração geral de som maior, mas também, se você olhar para ele, se você pegar um quinto intervalo perfeito novamente e então comparar este ajuste perfeito com o A aqui, que é o seis maior. Isto é realmente semelhante. Na verdade, é uma mente ou um grande segundo. É por isso que tem um tom semelhante ao segundo maior, que é o intervalo emocionante. É mais aberto com este comprimento extra. Tem um personagem ainda mais emocionante, tanto em intervalos, primavera e melodias e temas, bem como em acordes. Agora chegamos ao sétimo menor, que eu chamo de intervalo Jesse porque acrescenta que elegãs e garras, mas uma espécie de doce tensão. Portanto, tem um nível de tensão média. São 10 meio-passo. Então, por exemplo, C a B flat. Quer resolver porque tem um nível de tensão média. Mas também tem aquele doce nível de tensão emocional dois. E se você pegar, por exemplo, um acorde C maior, o anúncio é B plano. Você realmente tem um C7 ou C dominante sétimo acorde. E esses sétimos acordes dominantes são basicamente a base do jazz. E música elegante como esta, porque tem uma tensão elegante e doce. Então, por exemplo, indo de C7 para Fá maior, a voz superior aqui foi de B plano para A, que está resolvendo a tensão de um jeito elegante e doce. Mas mesmo se você usá-lo em uma melodia ou tema, esta integral realmente tem que classe é Suécia, tensão elegante para ele. Então chegamos ao sétimo maior, que eu chamo de intervalo estranho. Porque mesmo que seja um som grande, já que é 11 meios-passos, é quase até a oitava perfeita, que significa que se você passar de, por exemplo, C para B aqui, você realmente tem tensão muito alta porque é tão perto do octeto. E isso é a mesma coisa que você já aprendeu se é, se é um segundo menor de um intervalo mais estável ou perfeitamente envolvido, como de C para a base Octane aqui, o sétimo maior é realmente alta em tensão. Então, se você jogar, por exemplo, é C maior, e, em seguida, adicionar o maior 7 tem um som maior. Mas este grande sétimo realmente quer resolver ou para outro acorde como este ou para a oitava. Porque soa um pouco estranho e alta tensão. E é raro ouvi-lo em melodias, mas você pode ouvi-lo, por exemplo, neste tema de filme do Super-Homem como esse. Porque tem esse tipo de estranho. Não é o nível de tensão do mau humor, mas, mas tem uma tensão muito estranha. E isso vem do fato de que ele é realmente tão perto da oitava perfeita. Então o sétimo maior é o intervalo estranho. Finalmente, temos a oitava perfeita, que eu chamo de intervalo estável porque na verdade é a mesma nota, apenas uma oitava abaixo ou acima. Então, 12 meios-passos. Então tem um nível de tensão estável, então nenhum nível de tensão, assim como o perfeito salvo. Funciona muito bem para sobrepor melodias, acordes, harmonias ou qualquer coisa na música. Sempre que você quiser adicionar mais poder, mais foco a ele. Adicionando a octana perfeita porque é tão estável. Então essa é a oitava perfeita, o intervalo estável. Música. Agora você pode, naturalmente, ir além de uma octana para seus intervalos na música, mas os intervalos principais sempre estarão dentro da oitava. Por quê? Bem, porque há apenas 12 notas na música que se repetem no Octavius. Então, se você for, por exemplo, vamos tomar o nono intervalo menor. Então C, e depois aqui, C afiado e salvar acima. Isso tem o mesmo humor ou semelhante, caráter emocional como o segundo menor porque, por quê? Bem, dê uma olhada nisso. Leve esta nota para baixo uma oitava aqui. Então, isso é na verdade apenas um segundo menor, e então empurrou uma oitava para cima. Então o nono menor terá tensão muito alta, assim como o segundo menor. Os mesmos gols para o nono maior. Então c para o d acima tem que aspectos emocionantes e tensão leve como o segundo maior. Então você tem esse intervalo emocionante, o segundo maior, e esse é o nono maior. Mas este d é uma oitava acima. Então, basicamente, se você tomar qualquer intervalo que vá além da octana, como o nono maior, basta pegar isso, descer, OK, salvar isso. E você verá que este é um grande segundo. E você sabe que cor emocional e caráter ele vai adicionar mesmo que esteja além de uma oitava. Então, tecnicamente, chamou de major 9 neste caso. Mas tem o caráter emocional muito semelhante a um segundo maior. E você pode fazer isso para qualquer intervalo que vá além de uma música octávia. Então você pode escolher a cadeia de intervalos em uma melodia, este empilhamento de intervalos para criar harmonias em acordes. Você pode pensar em instrumentação em camadas, estilos de reprodução e muitas outras opções criativas para moldar seus arranjos musicais com esses blocos de construção da música. Então, basicamente, cada parte, exceto percussão, é baseada nos blocos de construção da música. Os intervalos, intervalos soarão diferentes se você tocá-los subindo, descendo, todos jogam juntos em harmonia. E quando você vai além da harmonia de duas partes em tribunais, você criará relacionamentos ainda mais complexos em sua música. Porque isso é o que intervalos ou relações harmônicas. É por isso que as inversões de acordes e a voz de tribunais podem soar completamente diferentes, mesmo que tecnicamente usem as mesmas notas. Porque você muda a forma como os intervalos se relacionam entre si ao longo de toda a gama de nós em sua música, suas progressões, e você abre uma nova dimensão na criatividade quando você vê os intervalos mudando ao longo do tempo em O seu arranjo. Permitam-me que demonstre isto com um exemplo muito simples. Digamos que você queira ir de um acorde Fá maior, um acorde de Dó maior. Se você jogar ambos na posição raiz como esta, você tem que verificar o que cada volume individual do acorde faz quando ele progride para o próximo acorde. Então aqui, a voz superior vai deste nó para este nó, que é na verdade perfeito quarto down. Isto vai para uma quarta queda perfeita. E esses meninos, para ver todas as vozes foram em um quarto intervalo perfeito, progredindo de um F-maior para ver major. Agora, se uma voz é diferente, como esta inversão aqui de F-major, esta voz realmente permanece a mesma em ambos os núcleos e nas outras duas vozes. Este vai de a para G, então um grande segundo movimento de um intervalo lá enquanto este vai de. Então, um segundo intervalo menor. Então, o parafuso terá um caráter completamente diferente e emocional mais frio, comparativo. E à medida que cada cadeia individual de intervalos em cada porta, um instrumento na sua música muda ao longo do tempo na sua composição. Todo o enredo harmônico de sua música flui como uma história. Ou seja, quando você vê o verdadeiro poder incrível dos livros de construção ou música, os intervalos. 7. Emoção com acordes: Emoção de acordes, progressões de acordes, ou as fezes que dependem da sua música, tem um impacto extremamente grande no humor emocional geral da sua música. E os acordes começam a partir dos blocos de construção da música. Os intervalos, você pode pensar em acordes como essencialmente pilhas de intervalos uns sobre os outros. A causa que você usa é um dos primeiros aspectos principais a considerar ao moldar a vibração emocional da sua composição musical, os quadrantes das emulsões. Eu desenvolvi meu próprio sistema, guia curto ou o que você quer chamá-lo, para classificar as quatro emoções fundamentais fundamentais na música, então cada cor emocional específica cairá em vários lugares dentro destes quatro campos, ou quadrantes das emoções, como eu os chamo. Os quatro quadrantes de emoção, ou uma vibração maior para menor vibração, três, vibração ambígua e vibração dissonante. Agora, a primeira coisa que você precisa aprender sobre esses quadrantes emocionais da música é que, embora eles sejam principalmente moldados pelos acordes e harmonias que você toca em sua música, você pode moldar a vibração emocional de tantas outras maneiras, como estilo de jogo, articulação, voz, voz de acordes, inversões e assim por diante. E na maioria das vezes você terá uma mistura, uma mistura como quando você cria uma boa refeição, você mistura ingredientes diferentes. No entanto, se voltarmos aos acordes fundamentais da música, as tríades. Então digamos que um C maior, você tem a raiz e o quinto. Porque ambos são tão estáveis, eles não têm muito mais frio emocional. A cor emocional vem principalmente do terceiro aqui neste caso. Então, se você tiver um terço maior aqui, uma tríade maior será basicamente apenas no quadrante principal da vibração. No entanto, se você pegar no quadrante menor, o terceiro menor, nós vamos fazê-lo no quadrante menor vibe. Agora, você também terá uma vibração diferente se você jogou em uma inversão como esta. Está bem? Porque agora a raiz é, na verdade, um quarto perfeito acima da fé. Neste caso, a raiz, o quinto perfeito é um quinto separado perfeito. Então você está realmente mudando as relações entre os intervalos individuais que compõem e acorde como um todo. E quando você adiciona uma nota ou sai de uma tríade como um sete. Agora é aqui que as coisas ficam super complexas porque você está realmente adicionando aqui, neste caso, um pequeno sétimo intervalo. Mas se você verificar todo o intervalo aqui, o acorde C7, você está realmente recebendo tantas relações diferentes nas harmonias entre as notas deste acorde. Aqui, você realmente tem um terço menor em cima da tríade principal. Mas você também tem. Como eu disse, um sétimo menor. Então, ok, você tem algum pouco extra viável aqui em cima do acorde principal. Mas você também tem esse intervalo que é uma tritona, que, que tem muita tensão dentro dele. Mas no geral, ele se sentar negócio principalmente recebendo a imagem núcleo emoção do terceiro. Assim como sua vibração, mas com uma tensão adicional e alguns campos menores com ele. Agora você está começando a ver como tudo fica complexo quando, quando você cria essas emoções e mistura os diferentes quadrantes de emoção para cada acorde. E, claro, como você toca cada acorde, seja, estilo de tocar, instrumentação, código, voz, bem como até mesmo como você coloca cada voz em seu arranjo. Então vamos dizer que você quer pegar este acorde C7 e adicionar mais peso a esta harmonia, este intervalo de um menor 7. Bem, se você adicionar mais peso, significando mais camadas, mais hidrodinâmica dinâmica, e basicamente fazendo isso mais alto no arranjo, a raiz e a sétima. Bem, é claro que você vai fazer todo o disco ser empurrado mais para a vibração menor do sétimo menor. Agora, se você adicionar mais do terceiro e tiver menos foco no sétimo, você terá mais. Seu acorde. Você é empurrado mais para a vibração principal, quadrante de emoção, enquanto apenas adiciona um ligeiro toque da tensão menor do sétimo corte tritone. Outra maneira de moldar o acorde nos quadrantes das emoções é tocá-lo em outra voz, outra inversão. Então vamos pegar o C7 de novo. Vamos pegar esse nó raiz e empurrá-lo uma oitava mais alto, tocando o acorde em uma inversão. Agora, olha o que aconteceu. Você não tem mais essa sétima harmonia menor ou envolvida. Mas em vez disso, você empurrou isso na oitava contratado para fazer a sétima e a raiz ser um grande segundo de diferença. Então você tem essa emoção entrando nisso. Está bem? Agora, você está realmente mudando as integrais independentes e independentes. Então você tem um terço menor aqui e outro terceiro menor ali, e depois um grande segundo aqui. E o maior intervalo é, em vez disso, um sexto menor, menor. Está bem? Então essa é uma emulsão completamente diferente apenas pela forma como você a voz. Então isso é outra coisa que você tem que considerar. Os acordes que você usar terão a emoção fundamental em um desses quadrantes de emoção. Mas você também pode adicionar um toque de outras coordenadas de emulsão como você faz quando você adiciona é sete, por exemplo, ou para que o assunto, para ver, adicionar seis aqui. Anúncios. Fez a sua vibração de uma manjedoura secantes e emoção. E você também pode alterá-lo moldando o cabo com vozes de acordes, até mesmo camadas. Está bem? Então sua camada e uma única voz mais do que outra, ou até mesmo camada em oitavas. Você tem tantas opções criativas para moldar cada acorde dentro desses quadrantes de emulsão criando uma mistura que muda ao longo de sua história emocional da música. Então, isso é tudo. Ajustar. Um exemplo do acorde C7 e uma esperança que abre os olhos para o seu enorme potencial em moldar a emoção, história da sua música através dos cabos baseados nas harmonias de cada voz e como você as toca em sua música. Agora deixe-me demonstrar e dar alguns exemplos de todas as quatro coordenadas emocionais da música. Um, o quadrante maior. Então, no quadrante maior, você terá todas as emoções que têm uma vibração fundamental. Aqui estão alguns exemplos de cores emocionais comuns neste quadrante. Feliz, edificante, motivacional, inspirador, grandioso, heróico, aventureiro. Agora, é claro, o núcleo fundamental do quadrante principal é uma tríade maior. Então digamos Dó maior, Dó maior, e assim por diante. Mas você também aprendeu que cada voz dentro do seu acorde conta. Então, se você adicionar um hormônio extra, como um C7, você adiciona na verdade uma mistura de uma vibração menor desse intervalo. Vibe de retenção a partir deste intervalo. Na verdade, uma milha extra fornece desta harmonia aqui, que é um terço menor e assim por diante. Também o estilo de jogo e a progressão, é claro. Então, se você jogar e como você joga, para que você possa jogar super feliz, digamos de C para D maior. Ou você pode jogá-lo em um muito heróico, ou digamos um grande poderoso, muito parecido. Ok, então esses eram todos os acordes principais, mas eu usei um acorde sus4 aqui porque isso adiciona uma leve tensão enquanto ainda o tenho. Um pouco de uma grande vide do segundo maior. Está bem? Então, se eu jogar e c sus4, você tem esta harmonia aqui, que é um grande segundo. Então fez sua vibração, mas ainda tem alguma tensão para ele, porque ele quer resolver. Então esse é o quadrante maior para o quadrante menor. Então, se continuarmos para o quadrante menor, as cores emocionais desses acordes terão uma vibração menor. Então aqui estão alguns exemplos de cores emocionais neste quadrante. Triste, trágico. Linda, emocional, saudade, suave, doce. E o acorde fundamental do quadrante menor é, naturalmente, uma tríade menor. Então, digamos o acorde D menor. E aqui você pode brincar suavemente como profanar sua vibração triste e melancólica assim. Ou você pode adicionar um pouco de doçura e saudade, adicionando, por exemplo, sus acordes suspensos na voz principal. Então vamos dizer D menor novamente, talvez adicionando um sétimo para criar uma limpeza mais ambígua. Três, o quadrante ambíguo. Então aqui você encontrará cores emocionais que não são menores nem grandes, mas mais ambíguas em sua vibe. Misterioso, ambiente, Jesse, misterioso, assombrador, assustador, peculiar. Agora, isso é muito importante. Chamo isso de quadrante ambíguo. Mas a qualquer momento você realmente vai além de uma tríade maior padrão no quadrante maior, tríade menor e um coordenador menor. Sempre que você vai além disso adicionando, por exemplo, um sétimo ou alterando o terceiro, por exemplo, um acorde suspenso, ou até mesmo abaixando o quinto, você está criando uma vibração mista mais ambígua. Não é completamente grande ou completamente menor. Então, por exemplo, vamos pegar, se você quiser criar uma vibração misteriosa, você poderia começar com uma tríade maior, em seguida, adicionar este sexto intervalo menor, que tem esse tipo de vibração misteriosa para ele. Está bem? Então, se você tocar chapa como um arpejo como este, e ele é realmente usado em algumas das leis élficas na música em um Senhor dos Anéis, esse som maior, a sexta edição menor. Se você quiser criar uma vibração ainda mais assustadora, você começa com uma tríade menor e, em seguida, adicionar este sexto menor como este. Está bem? Agora que você começa é realmente o tema principal do antigo programa de TV X-Files, série de TV. Um acorde menor com um sexto menor adicionado. E você pode fazer, por exemplo, se você adicionar este grande sétimo, que se você lembrar da lição sobre intervalos, um grande sete soa muito estranho. E alta tensão. Então, se você jogar, por exemplo, uma tríade menor e adicionar o meu sétimo maior, acrescenta essa vibração assombradora também. Porque se você verificar isso novamente, você está realmente recebendo este menor menor intervalo seis do terceiro do acorde menor e o sétimo. Então, como você pode ver, há tanta coisa que você pode fazer quando você vai além da tríade maior padrão, começou a tríade menor, você está criando, por exemplo, um sétimo acorde dominante padrão, um C sete. Neste caso, isto está no quadrante ambíguo, mas ainda tem uma grande vibração legal do terceiro maior. Mas acrescenta um pouco de ambiguidade porque você adiciona um terço menor em cima da tríade principal. E o oposto é se você começar com um menor, então você obtém a emoção central do terceiro, e então você colorir com outra harmonia de intervalo. Tão menor com um sétimo menor, assim, ou um menor com um major. Os sete maiores soam um pouco mais estranhos. Ele realmente tem alta tensão e quer resolver x2, por exemplo, a oitava. Então você também pode ir com, por exemplo, o tritone. Digamos que comece com um acorde maior e abaixe a fé até o quinto. Assim, você tem esse som peculiar ou sonoro da tritone, que é realmente uma tensão muito alta. Mas já que você tem um imóvel, eles podem ser importantes. Terceiro, você tem uma vibração muito legal com um sentimento peculiar e estranho. Então você pode fazer tanto aqui no quadrante ambíguo. Acho que isto é verdade, o mais poderoso quadrante de discos e plenitude na música para o quadrante dissonante. Assim, o quadrante distante, as cores emocionais, terá alta tensão para eles, como essas cores emocionais. Tensão emocionante, assustador, horror, escuridão, medo, mal. Agora, o quadrante dissonante, quatro acordes e harmonias, é onde você se concentra principalmente em adicionar tensão à sua música. E você se lembra da lição de intervalo que a mãe de todos os intervalos de tensão é os segundos menores, então o meio passo. Então, se você pegar, por exemplo, uma tríade menor e então você plana, achatar o quinto assim. Você está criando o que é chamado de tríade diminuída com, porque é feito de uma terceira harmonia menor com um terceiro dano menor e é empilhado em cima. Então, uma tríade menor com um achatado. Você também pode usar como todos vocês reaprenderam outros intervalos de alta tensão você tem o segundo menor, por exemplo, na base. Então, se você jogar um menor aqui e, em seguida, na base, ir um microsegundo meio passo, cima ou para baixo. Aqui, essa alta tensão ou para baixo. Ou você pode usar o tritone menos aprendido. Então, se você, mesmo se você usar uma tríade maior, você apenas achatar a quinta. É um pouco ambíguo. Mas sim, a tensão, o quadrante da disciplina, parte da emoção deste tritone, e a vibração principal do terceiro maior. Você também pode usar, como você aprendeu, este grande sétimo porque tem alta intenção. Então, se você usar uma tríade menor com um sétimo maior adicional, que adiciona alta tensão, você pode até usar uma tríade diminuída com o sétimo maior adicionado. Ou usar um sétimo diminuído. Então, três terços menores empilhados um em cima do outro, que cria essa tensão muito assustadora e assombrosa. Além disso, se você for alto que uma oitava, um intervalo de tensão muito alto é este e menor nove. Então tente adicionar, por exemplo, aquele nono menor em cima do menor padrão. Aqui. Tensão super alta. Outra maneira de usar um pouco mais poderoso, vibe maligno, luta contra o chefe do mal é começar com uma tríade menor. O recife em torno do quinto perfeito no tritone e o sexto menor como este. E então talvez a base, você pode ir em um segundo intervalo menor como este. Então talvez adicione o maior 7 ou a faca menor. Já tem medo em torno da octana e menor nono. Mas a mãe de toda tensão é baseada em torno do segundo menor ou meio passo. Então, sempre que você vai em meio passos, isso adiciona a vibração do quadrante dissonante. Certo? Então, se você fizer a raiz aqui, vá para cima, para baixo, ou para a base, talvez caminhando em meio degraus. E talvez dois, um sétimo menor. E a base é realmente uma ótima maneira de adicionar esse quadrante dissonante enquanto ainda tem a emoção central, talvez um quadrante menor. Neste caso, no cabo real. A base aumenta com uma vibração de quadrante dissonante da segunda harmonia menor. Então aqui você tem muito o que fazer. Lembrete em segundo lugar, o tom tri, um pouco de tensão também deste buquê. Menos 6, você tem o menor 7 pouco de atenção, mas muito mais cabelo na sétima maior. Você também tem o nono menor. Tudo isso você pode usar em seus acordes e harmonias para adicionar um pouco de sabor do quadrante dissonante em sua história emocional da música. Misturando cores emocionais na música. Agora, é claro, a música é como uma história e todas as histórias são uma mistura de emoções, bem como uma progressão do humor emocional geral que se desenvolve através de cada cena. que significa que você, como compositor, cria sua história emocional na música, não só baseada nos acordes e na progressão harmônica, mas também como você os toca com quais instrumentos e sons, e como você mistura tudo isso juntos. Basicamente, como acontece com uma história ou uma boa refeição, é muito raramente focado completamente em apenas um ingrediente. E você vai aprender sobre todos esses outros ingredientes na música que você pode usar para moldar a vibração emocional de sua música. Em mais vídeos dentro deste curso. 8. Emoção da progressão: Emoção da progressão. Portanto, existem várias maneiras de moldar a vibração emocional da sua música com progressões. Um, emoção de mudanças de acordes, os acordes que você escolhe, uh, um dos principais aspectos de moldar a emoção central em sua música, que significa que cada acorde em si tem uma emoção central embutida, mas de igual ou talvez até mesmo mais importante, é o aspecto emocional de cada mudança de acorde que você faz. Deixem-me dar-vos um exemplo. Se você montar sua pista em Dó maior e ir de Dó maior para Fá maior, então para G-Mor. Essa progressão de acordes soará muito edificante e com uma vibração de boa vontade. Mas se você introduzir alguns acordes menores na mesma progressão, você mudará toda a história harmônica para uma vibração mais emocional. E deixe-me demonstrar isso. Se eu jogar C maior, F maior, e G maior de uma forma muito edificante. E uma vez que a progressão é feita apenas seus acordes, isso vai se sentir muito edificante e vibe positiva. Então escute isso. Agora, se eu introduzir alguns acordes menores ou mesmo sétimo acordes ou qualquer outro registro, exceto tríades principais padrão. Posso empurrá-lo para um som menor mais emocional, mais ambíguo e misterioso som. Tudo o que você quiser vai funcionar para o seu enredo emocional da música. Então vamos começar e te ver de novo. Vamos para a EMA menor. E então, digamos um menor, Fá maior. Vamos fazer Fá maior com mais sete. Então, um grande sétimo, tão grande sétimo é mais ambíguo e tem esse tipo doce de tensão, mesmo que ainda seja uma grande emoção central. O sétimo maior, que tem esse caráter estranho e estranho, acrescenta essa tensão super doce. Então você pode começar de novo com Dó maior. Vamos fazer um menor com sete. Podemos introduzir alguns acordes suspensos. E você já pode ouvir que você tem a vibração menor daqueles acordes menores que os mineiros cortam uma vibração suspensa ou intencional dos sétimos. A tensão suspensa, que é edificante enquanto ainda tem esse tipo de tensão saudade das pontuações SAT e assim por diante. Então, cada acorde na sequência conta quando você sente, quando você raspa o enredo emocional da sua música. Aqui está outro exemplo. Se você introduzir um grande disco surpreendente em uma composição focada de outra forma menor, o ouvinte sentirá esse contraste repentino como um novo tipo de esperança e luz introduzido em seu enredo musical. Isto é especialmente verdadeiro se esse acorde maior não for um dos acordes diatônicos da sua escala. Então, digamos que sua composição é menor. Ok, então você tem essa sequência de tríades diatônicas. Então, toda a caixa branca, um menor de idade. Agora, se você jogar uma progressão como um escritor, E menor, Fá maior, e então ir para Dé maior. Isso é importante. Som edificante é realmente sente que uma faixa levanta energia para uma vibe mais positiva e esperançosa. Porque o acorde D maior não faz parte dos acordes diatônicos da escala menor. Então, um fio surpreendente ir e ir na direção oposta. Digamos que jogue em “C mater”. Está bem? Assim, digamos que você vai para um grande, um grande elevador surpreendente lá. Ou se você for para um resfriado menor onde deveria ser um grande Corso. Então, digamos que o menor F empurra mais para aquele tom emocional menor. Mesmo que a escala que você usa seja uma escala principal padrão. À emoção da voz, do movimento. Outro aspecto de moldar a emoção é sobre o movimento de cada voz individual da própria corte. Você pode escolher isso escolhendo diferentes inversões de acordes e vozes. Porque quando você faz o seu realmente alterar o movimento da voz em intervalos para cada mudança de acorde. Permitam-me que vos dê um exemplo interessante. Digamos que você toca um acorde G maior reto na posição raiz. Claro, essa coordenada em si tem uma grande, nossa vibração emocional. Vamos comparar isto com um julgamento de “F afiado”. Isso poderia, por si só, ser também uma grande emoção sonora. Mas se você jogá-los indo da posição raiz G para uma posição raiz, F-afiado maior. Você está realmente tomando cada voz fria independente em um intervalo de meio passo. Então, um segundo menor que tem alta tensão. Então, a progressão do G para o acorde maior, ou na verdade. Três progressões, uma por voz indo em um segundo movimento menor. Então, apesar de ambos os acordes serem um som importante, esta transição de todas as vozes em segundos movimentos menores com criação de uma espécie de vibração sorrateira ou misteriosa da própria progressão. Meu ponto é que você precisa pensar sobre as emoções centrais , bem como todos os intervalos individuais para cada trimestre mudou quando você molda seu enredo harmônico ou música de uma forma que se adapte ao impacto emocional, você quer que sua música tenha três emoções da direção harmônica. Finalmente, se você olhar para os acordes completos, você pode moldar as emoções com base na direção e movimento anular. Eu chamo isso de movimento harmônico. Por movimento harmônico, eu não estou falando sobre o movimento de voz individual e transições para cada mudança de acorde. Em vez disso, você precisa dar um passo para trás e ver toda a progressão do acorde como um todo novamente. E olhar para a curva da história e movimento de todas as vozes em seu hormônio é que eles criam juntos, construir energia com movimento ascendente. Se a curva da história harmônica tiver um movimento geral para cima, você construirá energia e tangente na música. Esta é uma ótima técnica pouco antes da transição para uma nova seção, onde você deseja criar antecipação e aumentar a intensidade e energia simplesmente a partir de sua curva de história harmônica. Então, primeiro deixe-me explicar rapidamente o que eu quero dizer com movimento harmônico. Então, se você tem uma progressão de acordes, você pode moldar o movimento real das vozes individuais para fazer um movimento ascendente para o hormônio é assim. Para baixo mais movimento se você quiser ou mantê-lo, o mais reto. Basicamente, transpondo tudo, criando uma direção média ou a progressão harmônica total. Certo? Então a primeira coisa, o primeiro exemplo aqui é essa string staccato é onde eu criei um movimento ascendente na direção. Estas são apenas as notas graves e bases faz o que eles fazem de forma independente, mas basicamente verificar o que toda a sua progressão acorde poeira sobre, ao longo do tempo como este. Então aqui nós podemos realmente ouvir como construir energia e emoção por ter este Ascendente Social. E muitas vezes estes funciona muito bem em combinação com o aumento neste caso, quando você vai para cima na direção, a dinâmica média ao longo do tempo basicamente criando um ligeiro crescendo aqui, resolver com movimento descendente. Então, naturalmente, isso leva à direção oposta, um movimento geral para baixo de sua progressão harmônica, que cria uma sensação de determinação momento se estabelecendo. E é ótimo terminar um refrão com, se você quiser seguir com uma seção de energia mais baixa, bem como no outro final e cadência de sua música. Se você quiser terminar sua composição com um humor relaxado e resolvido. Tudo bem, então aqui eu peguei a mesma progressão de acordes, eles ganharam. Você pode ver aqui em cima B-flat, G menor, F, B-flat, e assim por diante. E eu gravei e outra performance no piano, não tão estática e rígida como acordes chatos de um bloco de bar, mas uma performance real. E vocês podem ver que aqui estou usando movimento descendente para a progressão. E se ouvirmos isto, e a propósito, também tenho uma ligeira diminuição na dinâmica. Se ouvirmos isso no contexto ou apenas individualmente, a propósito, você pode ouvir como ele resolve e acalma a energia. Então, tocando em 321, estabilidade com o movimento reto, se você moldar as vozes acordes para que o movimento harmônico seja praticamente uma linha reta. Você criará um humor muito estável. Pode ser uma ótima maneira de garantir que a progressão do acorde está misturando com o fundo para subtil sublinhado, faixas ambiente e atmosféricas são simplesmente empurrar todos os inofensivos para a parte de trás da sua música. Basicamente, você pode usar movimento harmônico reto sempre que quiser que seus acordes e harmonias se misturem no fundo de sua mistura. Então aqui eu gravei cordas e a mesma cooperação que escrevi aqui em cima. Mas eu usei inversões de acordes e vozes para torná-lo mais como uma linha reta, como você pode ver. E no caso de dois acordes compartilhando as mesmas notas, eu apenas juntei a eles para obter ainda menos movimento porque este nó permanece o mesmo ao longo destes dois acordes, por exemplo. Então vamos ouvir como isso pode vender. Intensidade com o movimento caótico. Tenho certeza que você sempre ouviu que você deve tentar minimizar o movimento da voz e usar intervalos menores ao fazer a transição do quarto acorde. E que você deve fazer a curva da história harmônica ao longo do tempo, lenta e gradual, como respirar. Bem, cada regra tem uma exceção, que significa que você pode realmente enlouquecer com o movimento harmônico para tornar o meio-fio quase caótico, especialmente para a escrita rítmica, é claro, o inofensivo. Isso criará uma vibração muito intensiva e enérgica que pode funcionar muito bem em alguns contextos. Por exemplo, música de ação caótica. Como sempre, a sua visão criativa e a ONG da sua música irão guiar as suas escolhas. Assim, molde o seu enredo harmônico com movimento e movimento nas suas progressões que se adaptam à sua composição musical. Então, para demonstrar isso, eu gravei esta parte aqui em cordas curtas. E como você pode ver, o movimento harmônico é caótico para criar essa vibração de ação. Então, vamos ouvir isso e você vai ouvi-lo em ação. Vamos assistir ao mesmo tempo jogando no 321. Então, para resumir, você tem três maneiras principais de moldar a história emocional de sua música com a progressão de seus acordes e harmonias. Uma emoção do acorde muda para emoção do movimento de voz individual, e três, emoção da direção harmônica. 9. Emoção do ritmo: Emoção do ritmo. Você pode controlar o humor emocional moldando a quantidade de ação e energia que sua música tem. E não há melhor maneira de controlar esse aspecto do que com o ritmo. ritmo pode vir de várias formas, mas é claro, suas faixas de percussão, faremos o maior trabalho. Mas também o quão rítmico seus estilos de tocar ou para cada instrumento tocar acordes e harmonias. Até suas melodias têm o lado rítmico, dependendo de quantas notas por barra você tem para elas. Uma emoção de densidade rítmica. Este primeiro e principal aspecto de quanta ação e energia sua música tem é a densidade rítmica. Isso é basicamente quantos nós ou hits para cada medida de música que você tem. Por exemplo, se você tiver apenas um tambor baixo tocando duas batidas por barra, o nível de ação e energia será baixo. Mas se você adicionar mais nós e mais instrumentos com ritmos ainda mais rápidos, como chapéus altos, shakers, etc., você aumentará o nível de energia. Lembre-se, cada instrumento conta. Então, se você está liderando Medal as notas longas e altas da peça, ele terá menos emoção e energia. Mas se você ouviu, por exemplo, a música tradicional irlandesa, a melodia principal será muitas vezes muito rápida e de alta energia. Considere cada performance. Pode ser um piano ou Piaggio dedilhando padrão na guitarra e assim por diante. A densidade rítmica geral, significa o quanto está acontecendo ritmicamente em sua música, afetará fortemente o impacto emocional da ação e da energia em sua composição musical. Então deixe-me demonstrar isso mostrando esses três exemplos que criei com diferentes quantidades de densidade rítmica, de mínima a baixa a alta densidade rítmica. Então o primeiro exemplo soa assim. Ok? E por que tem energia tão mínima? Porque é tão simples. A densidade rítmica é muito, muito baixa, então está na íntegra para 120 BPM. Mas o chute tambor ou baixo tambor percussão aqui é apenas em 13, então dois aquecimentos por barra, as almofadas e metrôs e cordas aqui se verificarmos você olhar ou notas baixas para bares, ou uma barra longa, se eu remover a percussão ao todo. Esta é, naturalmente, a menor densidade rítmica que você pode ter basicamente. Então são poucas notas aqui. Indo para o próximo exemplo onde eu tenho uma linha de base kit de bateria. Como você pode ver, há mais notas para aqui, para este bar quatro aqui, três. E eu também tenho um piano tocando um pouco de uma vibração arpejo, e soa assim. Ok? Então ainda é bastante baixa densidade rítmica. Assim, você pode ouvir deste kit de bateria sozinho, a propósito. Então você tem mais ar e lacunas entre os hits se eu aumentar ou diminuir a energia aqui. Então toda a complexidade. Ok? E se eu aumentar ainda, energia mais alta, você molda a emoção a partir da densidade rítmica aqui e da base. Eu poderia ter ido por apenas um longo bar notas graves. Mas eu criei mais uma linha de base. Claro, isso acrescenta uma maior sensação de energia. E então, finalmente, onde eu fui basicamente com densidade rítmica muito alta. Então o kit de bateria está tocando com a maior complexidade. Vou falar com Shaker aqui, então só 120 BPM. Mas você fica um pouco seco. O Philip. E a linha de base agora está indo para padrão de oitava nota. Como muita energia. Então eu tenho essas cordas aqui fazendo um pouco de arpejo em alta gama. Agora, as cordas rasas e curtas ou mais padrão B-C aqui. E, em seguida, alguns shorts baixos Assim como X. E então, ao todo, você pode realmente sentir a unidade. Então é assim que podemos moldar o nível de energia mocional da densidade rítmica da sua composição à emoção, da complexidade rítmica. Batidas simples e retas se sentem mais naturais para nossos ouvidos. Então, tendemos a nos sentir mais em harmonia ao ouvir ritmos na íntegra, sem sincopação ou grande variação. Mas se você escrever sua música em outra assinatura de tempo, você pode criar ritmos mais complexos que parecem mais enérgicos. Outros aspectos em seus ritmos que podem torná-los mais complexos e, assim, aumentar a ação e energia. Paciente leve ou único sente transições, notas fantasmas e notas de graça e mudanças rítmicas rápidas. Então eu também criei três exemplos diferentes de moldar a energia emocional a partir da complexidade rítmica. O primeiro aqui é adicionar mais variação no ritmo. Então vamos verificar a linha de base em vez de apenas oito notas retas. Tenho variação no padrão rítmico. E isso acrescenta uma sensação de energia de toda essa variação. Se você verificar a percussão aqui, eu fui com mais preenchimentos, então confira o padrão. Ok, então se eu aumentar os campos aqui, você pode ver que ele atualiza aqui adicionando alguns campos extras, também tempera como variação de repercussão. Aqui. Eu verificaria os rasos e as cordas mais curtas aqui. Você pode ver que há muita variação acontecendo. E eles não estão realmente imitando completamente em alguma variação no meio. Então, ao todo, tudo junto, você realmente tem muita variação que tempera a energia emocional. E no próximo exemplo, negocie 120 BPM. Mas aqui estou eu usando seis oitavos e muita complexidade adicional em, por exemplo, a percussão aqui. Então todos esses super rápidos se sentem bem. Então você realmente sente que a energia está aberta, muito alta energia, mesmo que seja apenas em 120 BPM. Adicione alguns símbolos apenas para acentos. E seria preciso ouvir as cordas curtas e amarelos aqui. E você vê aqui um padrão arpejo aqui nos canais. Enquanto temos o padrão staccato aqui com variação nas cordas curtas. Então, como você pode aqui, você tem essa alta complexidade nos padrões rítmicos dele. Tudo isso realmente aumenta o nível de energia em um todo soa assim, certo? E finalmente, neste exemplo, adicionei alguma sincopação. Bem, eu tenho alguma sincopação aqui também, mas aqui eu realmente usando uma nota de trigêmeo para apimentar e adicionar alguma variação surpreendente no exemplo para que você possa ouvi-lo. Digamos que aqui. Então, se você ouvir, ouça os trigêmeos. Ok, oops, aquele deve ir lá. E eu também estou imitando aquele trigêmeo na linha de base aqui. Então, se você ouvir a linha de base, e completamente com cordas curtas, shorts baixos e set, et cetera, você tem alta energia ou alta complexidade, bem como variação na sincopação, o significa basicamente adicionando variação na ranhura rítmica ao longo do tempo. E reviravoltas surpreendentes e especialmente este tratamento aqui. Então vamos dar uma escuta completa. Então, para resumir, você pode usar o impacto emocional da energia e sensação de ação moldando a densidade rítmica, bem como a complexidade rítmica. E lembre-se, todos os instrumentos e performances em sua composição musical contam quando você considera o ritmo geral. 10. Emoção do poder: Emoção do poder, a quantidade de intensidade de ambos os seus instrumentos e sons em sua música, bem como a forma como os tocamos, influenciará fortemente o senso emocional de poder ou a falta de poder. Por exemplo, você quer que sua música soe, leve e mínima, ou vá até Epic e poderoso. Um, energia da densidade sonora. Alguns instrumentos são simplesmente mais poderosos em termos de tom e caráter do que outros. Por falta de uma palavra melhor, pode-se dizer que o som deles é mais gordo. Por exemplo, grandes instrumentos de latão, cordas baixas, tubos, órgãos, etc. Todos eles têm um som muito poderoso, mesmo quando tocados em nível dinâmico médio. No lado oposto da escala, você encontrará os instrumentos mais leves que ocupam menos espaço na mistura porque eles têm uma faixa de frequência mais fina, menos harmônicos, ou simplesmente mais sensação de ar. Coisas como cordas arrancadas, ventos fortes, martelos, notas, etc. Então vou agora demonstrar a grande diferença de poder com base na densidade sonora de vários instrumentos e sons. Então, um grande conjunto de latões pode soar assim. Tubo órgão como este. Ok, então esses são sons poderosos de alta densidade. Enquanto um cavalo, por exemplo, ou uma corda arrancada, é um CARTO ou um sino. Todos são instrumentos muito leves. Dois, energia do tamanho da seção. Outro aspecto do poder na música é baseado no tamanho da seção que você escolher para qualquer instrumento que signifique parte em sua música. Um instrumento solo será sempre o leve e maior o conjunto a tocar em uníssono, gordo e mais poderoso. Ele soará com base na frequência, densidade e nível na mistura. Assim, por exemplo, um violoncelo solo se sentirá menos poderoso do que uma grande seção de vendedores, tocando a mesma frase. Até mesmo o rastreamento envolvente entra nesta categoria. Você está basicamente tocando a seção de instrumentos ou ensaios vocais. Outro exemplo comum é comparar uma única guitarra rítmica elétrica e comparar esta com duas gravações de guitarra usando a técnica clássica dobrada esquerda e direita. A diferença de poder é enorme. Agora deixe-me demonstrar como você pode adicionar energia do tamanho da seção. Aqui tenho um violoncelo solo. Vamos tocar o nariz de um acorde D menor. E depois com um grande vendedor, ensemble, oito violoncelos tocando em uníssono como este. Som muito mais espesso e ousado. E se você camada, por exemplo, é dizer, baixo editado e Shambhala com chifres por conta própria, eles soam assim, mas você obtém uma seção maior e, portanto, mais poder por camadas, assim. E aqui eu tenho uma guitarra elétrica sem rastreamento duplo, então só uma guitarra como esta. Mas ouça com fones de ouvido quando eu dobrei faixa, você vai ter esse som largo na esquerda e direita. Sem. Vamos tocar acordes de força. Sem. Com um IV, você pode, claro, dobrou faixa ainda mais. Um quad empilhamento. Para um som ainda mais poderoso, três potência de Exons dinâmicos. Se você tocar uma linha em sua música em uma articulação de tipo acentuada, você aumentará a sensação de poder. Por exemplo, cordas marcato negrito, grande sforzando, facadas de respiração, ou simplesmente fortissimo dinâmica de papel. Todos os tipos de atos e estilo, articulações e estilos de jogo funcionarão muito bem para adicionar uma sensação de poder. E o oposto é jogar levemente sem ênfase e acentos pesados. Então deixe-me demonstrar o poder dos atos e das articulações tocando primeiro em uma nota normal, ou vá aqui com as cordas cheias em oitavas. Agora, nas cordas baixas aqui eu escolhi mais Costco, que é um tipo de som mais ousado, mais acentuado aqui no conjunto de cordas completo também, e todo o bronze. Estou usando essa articulação acentuada S4 Rosato. Então vamos jogar com eles. Bem, se você ouvir. E aqui, e aqui que mais enfatizou ataque ousado. E se eu tocá-los completamente, exceto que esta corda normal é obter esta zona super poderosa para poder da produção. Dois dos melhores efeitos para usar na produção musical para aumentar a distorção de barra de energia ou saturação, bem como a compressão. Quando você usa distorção, você aumenta a densidade harmônica, que torna o som resultante mais gordo e mais poderoso. Isto é o que você ouve em guitarras elétricas pesadas, por exemplo. Mas você pode usá-lo em menos grau para fazer qualquer som menos distorcido, mas ainda assim obter esse som analógico phat ou qualquer instrumento em sua produção. Compressão basicamente comprime o intervalo dinâmico para que você possa aumentar o nível geral de qualquer som. Então aqui eu tenho um grupo de mistura que eu chamo de produção com alguma percussão épica. Soa como isto. Ok, e alguns staccato de bronze com camadas com algumas cordas baixas também staccato. Então é assim que soa sem adicionar energia da produção. O que eu fiz então foi adicionar esse efeito de distorção de saturação. E se eu ligá-lo e apenas aumentá-lo de 00, então ele se torna mais poderoso. Mas depois de um tempo você ouve esses efeitos feios e distorcidos. Você realmente só quer discar um pouco para fazer o som geral mais grosso e rico. E então eu também uso este compressor, que eu defini para modos paralelos ou eu estou comprimindo o sinal e então eu estou misturando com o sinal seco. Este é também efeito legal para esse poder, enquanto ainda tendo que a dinâmica permaneceu um pouco assim soa sem ele. Então, agora, sem ambos os efeitos, eu ligá-lo. Você pode fazer seus sons super poderosos. E, claro, depende do tipo de instrumentos que você usa na percussão, baixo e instrumentos como esse, você pode usar mais saturação e compressão, e você deve ser mais cuidadoso com instrumentos dinâmicos como cordas, Então, para resumir, você pode moldar a emoção por este senso de poder de sua música. E você pode fazer isso controlando a potência com base na densidade do som, tamanho da seção, acentos dinâmicos , produção e efeitos de mistura. 11. Emoção da cor: Emoção da cor. Você pode criar e moldar o movimento de sua música, concentrando-se nas cores. Por cor, estou falando de nota, faixa e frequência, foco e distribuição. Pode ir de super tonto e uma cor profunda até uma cor brilhante e arejada. Um, cor da forma a partir do tom. Diferentes instrumentos têm cor de tom diferente, que significa que um C médio em um instrumento pode soar mais quente ou mais brilhante do que tocar o mesmo C do meio em outro instrumento. Depende de quão fortes são as conotações harmônicas, e, claro, depende do seu estilo de jogo também. Você também pode moldar o tom com dinâmica, onde a dinâmica mais baixa tem um tom mais quente. Então, se compararmos a diferença na cor do tom de diferentes instrumentos no meio C. Aqui na dinâmica do meio, tubo, órgão, clarinete, caixa e seção de violoncelo. Você pode realmente sentir alguns instrumentos são mais escuros em tomo, mais quentes e alguns são mais brilhantes e mais duros. E o que é importante é que muitos instrumentos realmente aumentam sua faixa e tom de alta freqüência. Se você aumentar a dinâmica, toque-os mais alto. Assim, por exemplo, respirações ir, pode ir de muito menor dinâmica é claro que é software em volume. Mas se eu aumentar a dinâmica, eu também abro a cor do tom para as frequências mais brilhantes mais altas. E se você pegar o órgão, por exemplo, esta é uma catedral, um órgão de catedral. órgão profundo tem uma cor de tom completamente diferente. Clarinete. A maioria dos sopros orbita software em tom. Chaves como uma estrada ou muito suave, vividamente CR é mais brilhante. Cordas rasas podem ir de quente para brilhante também. E há, é claro, várias articulações que você pode usar em diferentes instrumentos que afetam as cores do tom, como notícias sobre respirações, tocar em concertos DO ou articulações silenciadas em cordas e assim por diante. Então, por exemplo, com essas sombras, se eu tocar um disco de jazz aqui, um Sortino ativado, você pode ouvir que é como um cobertor macio nas cordas, tornando-o mais quente na cor do tom para moldar a cor do intervalo. Ao escrever suas portas, você pode moldar a cor emocional de sua música concentrando-se em determinados intervalos de notas em seu arranjo. Por exemplo, se você quiser que sua música tenha um tom mais escuro e mais quente, concentre-se mais nas notas abaixo do meio C. Naturalmente, isso levará a usar mais instrumentos que tenham um alcance fundamental na extremidade inferior, como base, rasas, com base em ossos, etc. Assim, por exemplo, instrumentos mais baixos e base de núcleos ou mais escuros como se eu jogar na faixa muito baixa. Tem um tom escuro super malvado, raso subindo um pouco mais. E violinos, vamos tocar acima do meio. C. Piccolo, flauta, muito alto. Você tem Horner na faixa média, baixo a médio, e trombetas, é claro, mais brilhantes porque eles são registrados alto. Então você pode realmente moldar a cor emocional a partir do alcance em que você se concentra em sua música a partir do menor, mais escuro, e mais maligno alcance deve evitar mais quente embora, médios ou todo o caminho até o alto alcance emocionante. Por exemplo, como uma flauta de piccolo. Mas, é claro, você precisa ajustar dependendo de quais recursos, qual alcance os instrumentos individuais têm quando você os adiciona à sua composição musical. Três, cor da forma da mistura. Você também pode moldar a cor emocional do estágio de mistura e produção. Aqui vamos descobrir que equalizadores e filtros são seus melhores amigos. Prateleiras altas ou baixas podem alterar drasticamente a cor da freqüência. Você também pode usar efeitos de produção que aumentam os tons harmônicos na mistura, como efeitos de distorção e saturação, excitadores harmônicos, etc. Então aqui eu criei um pequeno exemplo com cordas baixas. Uma corda na amostra, conjunto de latão e proprietários, que soa assim. Certo, digamos que essa é a harmonia de apoio nos tribunais para a sua música. E você quer fazê-los, empurre-os mais para o fundo. Enquanto você pode moldar a cor com, por exemplo, um EQ e filtros. Então eu tenho um filtro de prateleira alta aqui, este aqui. E eu adicionei também um corte de equalização aqui na faixa de um a dois quilohertz porque essa é a maioria das frequências de foco que eu chamo, porque nós os ouvimos mais. Nossos ouvidos os pegam porque é onde a maioria das informações nas vozes humanas. Então eu fiz um corte aqui antes. E quando. Novamente, é quase como cordas do Concertino colocando um cobertor neles. E eu faço isso em todo o grupo para fazer o, tornar a cor do tom mais quente. Claro, você pode ir na direção oposta se quiser, por exemplo, em seus principais recifes e temas, temas e assim por diante. Outra maneira é adicionar um pouco de saturação. E este personagem quente ou brilhante é basicamente apenas um filtro cozido neste plugin específico. Mas digamos que você queira ir com uma sensação muito calorosa. É o mesmo que fazer o QE antes. E ambos juntos se tornam muito quentes. Você pode ir na direção oposta. Vamos fazê-lo brilhante em vez disso. Um pouco mais de saturação sem você abrir essas altas frequências. Então, como você pode ver, há muito que você pode fazer com a forma e a cor de seus instrumentos, grupos e toda a mistura do lado da produção. Então EQs, filtros, saturação e assim por diante. Então, para resumir, você pode moldar os movimentos de sua música de moldar a cor geral, forma, cor a partir do tom de seus instrumentos e sons, do intervalo de foco com suas notas e de efeitos de produção e mistura. 12. Emoção do Dynamics: Emoção da dinâmica. A dinâmica de como você toca, cada nota, cada ataque e cada sustentado para cada instrumento e performance em sua música terá um efeito profundo na vibração emocional. Em suma, a dinâmica mais alta se sentirá mais ousada, poderosa e forte, enquanto a dinâmica mais suave se sentirá mais íntima, doce e gentil. Aumentando a dinâmica ao longo do tempo, vamos construir energia e diminuir a dinâmica ao longo do tempo. Vamos chamar as coisas para baixo. E há basicamente duas formas de dinâmica. Dinâmica de ataque para cada nó e sustentar a dinâmica de nós ao longo do tempo. Um, moldar a dinâmica com o nível de ataque. A dinâmica para o armazenamento de cada nó é controlada pela força que você joga. A nota que no ataque inicial parte do som. Há duas maneiras de moldar isso no mundo da mídia. O primeiro, que é mais comum, é pelo nível de velocidade para cada nó. A segunda maneira é escolher uma articulação sobre o instrumento que tem um ataque pronunciado como marcato, sforzando, et cetera. Então, se você tocar, por exemplo, uma porta de piano onde a dinâmica média por nó está na faixa inferior, você obterá um som mais suave e mais íntimo. E o oposto pode ser tocar um parafuso para alguns novos respirações em um nível dinâmico muito alto que lhe dará um som forte e poderoso. Então aqui está uma performance de piano, e se eu abrir a automação, você pode ver todos os vários níveis de velocidade para cada nota. E esse tipo de variação na dinâmica, dinâmica de ataque por velocidade, é um dos aspectos chave que acrescenta essa qualidade humana de vida a uma performance. Agora, dinâmica ou dinâmica de ataque controla principalmente duas coisas. Primeiro, o volume. Então aqui você pode ver que a dinâmica média é sobre no meio, mas também controla e molda o ataque, brilho ou suavidade do tom. Então, se eu diminuir isso, ambos serão mais silenciosos, mas também mais suaves em tom, mais quente. E se eu mover isso para cima, é tanto mais alto, mas também mais brilhante. E isso é a mesma coisa, mesmo que eu tome, por exemplo, articulações curtas em cordas como staccato aqui. E você também pode ver neste exemplo aqui, Eu também me certifiquei de realmente mais os acentos principais. Como você pode ver aqui, esses valores de velocidade para este nível B são muito maiores do que estes intermediários. E então temos sotaque no Maine aqui novamente. O que soa assim. E você também pode ver que há um pouco de uma dinâmica média de inclinação, dinâmica ataque sobe aqui para rolar para o próximo sotaque. Então essas são algumas maneiras que você pode usar a variação de velocidade para moldar a dinâmica de ataque. E isso é o mesmo para instrumentos arrancados ou dedilhados como guitarra, prostituta, e muitos outros instrumentos. Enquanto a própria nota longa e sustentada, é aí que a outra forma de modelar a dinâmica vem para moldar a dinâmica com o nível de sustain. Tantos instrumentos podem realmente mudar a dinâmica ao longo do tempo. Para qualquer nota sustentada, tanto cordas como instrumentos de sopro como latão e sopro, por exemplo. Você faz isso simplesmente aumentando ou diminuindo a força do ar ou seu arco nas cordas para mudar a curva dinâmica ao longo do tempo. Na maioria dos casos, você faz isso gravando ou gravando em automação em um valor CC em seu DAW. Para Dynamics, esta é, na maioria das vezes, a roda mod, que é CC1. Então, neste próximo exemplo, já que estou usando principalmente notas sustentadas mais longas, eu me concentrei em adicionar movimento e movimento nessas notas sustentadas, moldando a dinâmica ao longo do tempo. Como você pode ver a partir desta curva aqui, que é a roda de modulação ou CC1, controlando a dinâmica desta biblioteca de cordas em particular. E isso faz uma enorme diferença como você pode aqui a partir deste exemplo. Eu também faço isso no bronze tocando aqui. Eu faço isso com os ventos aqui em menor grau, mas ainda assim estas ondas aqui. E, em seguida, um enorme grau neste coro aqui. Ebola é a embalagem lhe deu é se você quiser adicionar ainda mais variação dinâmica, apenas controlando o volume, você pode fazê-lo adicionando outra fonte de modulação para expressão. Portanto, a expressão não irá controlar o caractere tonal, mas apenas, apenas o volume. Assim, você pode aumentar a variação dinâmica e o contraste sobre o sustentável. Ou talvez você queira ter todo o desempenho construído ligeiramente em tempo alto e prata como este. Então isso vai agora em combinação com a curva de modelagem dinâmica real. Certo, então todos juntos. E a propósito, eu também quero mostrar que no piano, eu realmente escolhi diminuir o nível de velocidade muito baixo para obter aquele som super suave porque eu só queria no fundo. Ok? E como tudo agora se move ao longo do tempo, você pode vê-lo aqui também. Assim você pode ver. E então ele vem para baixo e dinâmica. Então é assim que você molda a dinâmica de um nós sustentados ao longo do tempo. Construir e voltar. Em dinâmica. Na maioria dos casos você quer fazê-lo em ondas como esta, subindo e descendo, crescendo, decrescendo. Mas você pode, claro, moldá-lo como quiser, e também você não tem que cronometrar perfeitamente. Pode ser. Então, as cordas ficam mais alto aqui, enquanto o bronze fica mais alto aqui para obter variação no movimento geral. Isso pode fazer uma grande diferença porque a cor tonal de sua peça geral mudará com o tempo também. Desta forma, você pode moldar a emoção de sua música criando crescendos, significando aumentar a dinâmica, diminuendo, diminuindo dinâmica, e criando vários tipos de ondas e ondas do nível dinâmico ao longo do tempo. Agora com outros instrumentos como piano, martelos, cordas arrancadas, etc., você não pode fazer isso para notas sustentadas. Mas você ainda pode moldar essa dinâmica ao longo do tempo, reproduzindo as portas para que a dinâmica média todos os nós no nível de velocidade aumente ou diminua ao longo do tempo. O exemplo final, quero mostrar-lhe esta progressão de acordes de três barras curtas, C maior, G maior para ver e como você pode usar Dinâmica e movimento para torná-lo mais interessante porque é apenas uma progressão simples de C, G e C. Então, no piano, eu escolhi apenas entrar e dar uma olhada aqui. Tem não só variação aqui e dinâmica porque eu joguei-o, gravado manualmente no meu teclado midi. Mas como você pode ver, eu também mostra dois, aumentar a dinâmica da velocidade ao longo do tempo pode basicamente fazer um pouco crescendo, mas com ligações dinâmicas a partir da velocidade. Também fiz isto neste cavalo. Arpeggio. Leve tudo isso para isso. Você também pode vê-lo aqui. Ele sobe gradualmente, começando pelos arranques mais baixos, mais nítidos e mais altos no final. E, claro, nas cordas. Aqui. Você pode ver a dinâmica de automação aqui. Gravei isto com um fader no meu teclado midi que é branco, parece assim. Tenho-o no bronze, nos ventos e no coro. Mas diferente aqui. A partir disso, como você pode ver, você obtém na maioria das variações se você realmente gravar diferentes curvas dinâmicas para as notas sustentadas. E, ao todo, apesar de ser uma progressão de acordes super simples, parece lindo. Então, para resumir, pode moldar as emoções de sua música, controlando o nível dinâmico para cada instrumento, parte e nota. E você pode fazer isso a partir da dinâmica de ataque para cada nó, bem como para a dinâmica de sustentação para notas ao longo do tempo. 13. Emoção do contraste: Emoção do contraste. geada fria na música pode ser verdadeiramente incrível para criar uma sensação de surpresa ou mudar de direção para a história emocional da sua música. E há tantas maneiras de criar contraste na sua composição musical. Um, contraste com o Dynamics. Uma das formas mais fundamentais de criar contrastes na música é com a dinâmica. Se você, por exemplo, jogar um nível dinâmico bastante baixo e, de repente, tocar alto, os acidentes mais culturais, aqueles vão se sentir mais poderoso devido ao grande contraste em intensidade e nível 2, contraste do ritmo. Ao mudar a sensação rítmica, você pode mudar totalmente o personagem de uma porta para a outra. Ou para uma nova seção em sua música. Por exemplo, indo de uma reta e estável para, para sulco em, digamos, uma oitava nota, ranhura oscilante, ou talvez sincopação de trigêmeos. Três contrastam com o estilo de jogo. Você também pode mudar o estilo de jogo de, por exemplo, uma seção rítmica de staccato para uma longa e crescente notas legato, estilo de jogo. Ou talvez de belas ondas giratórias ou arpejos em rajadas sulistas de acentos altos com facadas sobre mais articulações de CTO. Para contrastar da harmonia. Aqui você pode optar por mudar de direção, adicionar algo inesperado em termos de núcleos em harmonia, ou fazer uma modulação completa para uma nova chave. Considere os quatro quadrantes de emoção, quatro núcleos e harmonia fez seu quadrante, quadrante menor, quadrante ambíguo e quadrante dissonante. Se a sua música é escrita em uma chave principal e você de repente usar um acorde que não é diatônico. Você criará contraste com a mudança harmônica inesperada. Cinco, contraste com um arranjo. Instrumentos em camadas e mudanças tamanhos de seção também podem criar muito contraste em sua música. Por exemplo, digamos que você comece com uma performance solo expressiva. Então você pode repetir esse tema, mas adicionar contraste e poder de ter uma seções completas jogado um tema em uníssono, oitavas ou mesmo harmonia. Seis, contraste com a cor. Pode até criar contraste a partir do tom, cor e do alcance das suas músicas. Talvez você armazene a seção na faixa inferior com instrumentos que tenham um tom mais quente e mais escuro. Em seguida, você abre o ar e o brilho, introduzindo instrumentos tocando em faixas mais altas e tocando-os de uma forma adiciona mais frequências e harmônicos high-end. Sete, contraste com a produção. Há também tantas coisas que você pode fazer para criar contraste em sua música, na produção musical e palco de mixagem. Por exemplo, automação de nível, rastreamento duplo, panorâmica para um estágio estéreo mais amplo, reverberação e atraso para adicionar filtro de profundidade, uma automação de equalização, automação de templo como cetera. Resumindo, você pode criar contraste para mudar a história emocional da sua música ou até mesmo introduzir coisas inesperadas de várias maneiras, como contraste do Dynamics, contraste do ritmo, contraste do estilo de reprodução. Contraste da harmonia. Contraste do teu arranjo. Contraste a cor e o contraste com a produção musical. 14. Emoção da Vibrato: Emoção de vibrato. Adicionar um vibrato a qualquer nota sustentada em sua música é uma das maneiras mais poderosas de adicionar uma vibração verdadeiramente expressiva e emocional e expressivamente trouxe uma taxa de como a nota está quase cantando de uma forma bonita. E com o jogo apaixonado e emocional, todas as notas de vibrato, você pode até sentir lágrimas se formando por causa de seu papel, poder emocional. Por que trouxemos a música é tão emocional. Primeiro, vamos considerar o que é vibrato. Uma nota que é tocada com o vibrato está realmente balançando e pulsando em tom. Ou seja, em vez de tentar permanecer Pitch Perfect, o vocalista ou instrumentista está realizando a nota com movimento pulsante em tom de propósito. A razão por que esses campos, tão emocionais, é principalmente a expressão adicionada que você obtém desse movimento, bem como a tensão de luz que a afinação pulsante cria. Mas também, se você pensar sobre como soa quando uma pessoa que está chorando tenta falar, você vai ouvir que o tom das palavras terá mais um tom oscilante com tom pulsante. Então, em um sentido que se você trouxe uma placa em um instrumento ou vocais é realmente uma espécie de imitar como uma voz chorando soa. Agora, pense no som frágil e puro de coração de alguém que está chorando. Adicionar este personagem à sua música com vibrato apaixonado nos nós irá explicar por que ele adiciona um humor triste, expressivo e emocional, diferentes tipos de vibrato na música. Então, ao executar um vibrato, você pode reproduzi-lo e moldá-lo ao longo do tempo de maneiras ilimitadas. Aqui estão os aspectos mais importantes do vibrato que você pode controlar. Vibrato força, o que significa que fez profundidade, a largura do vibrato em tom. Velocidade do Vibrato, ou seja, a frequência pulsante da curva vibrato e vibrato, que significa que você não pode atrasar o vibrato durante a nota e ajustar o tom, velocidade e profundidade ao longo do tempo para criar uma curva para o seu vibrato. Então deixe-me demonstrar isso mostrando estes sintonizadores aqui. Então, se você jogar em campo sem vibrato, você deve estar praticamente aqui, direto em 0. Quando você aumenta a profundidade do vibrato, isso significa que você está criando um amigo mais amplo em termos de ir plano e afiado, então ele vai balançar mais largo. Essa é a profundidade do vibrato. Então deixe-me tocar minha flauta aqui e eu vou te mostrar o que quero dizer. Eu tentaria jogar um g em linha reta primeiro. Então isso foi sem vibrato. Se eu aumentar a pressão do ar, pressão e liberação, diminuir a pressão do ar em pulsos, estou criando um vibrato que mudará o volume e o tom. Então verifique o que acontece. Vou tentar fazer muito amplo com pulsos lentos. Ok, então isso foi muito largo ou profundo vibrato. A próxima coisa é a velocidade de vibrato porque você pode realmente mudar a freqüência pulsante do vibrato. Ter um lago de Paul mais lento é dizer quarto de nota ou um arquivo que bate por medida para o cônjuge vibrato ou ainda mais rápido. Então vou tentar fazer vibrato novamente aqui ou minha flauta. Então eu aumento a velocidade lá no final. E então isso nos leva ao ponto final que você pode moldar com um vibrato, que é a curva. Primeiro, você pode atrasar o vibrato. Então você começa o nó de sustentação com uma nota direta, certo? Se eu for assim, então você não tem vibrato primeiro e depois adicione vibrato. E então você também pode variar a profundidade de vibrato e a velocidade para a nota sustentada. E assim você obtém todos os três aspectos ou expressão vibrato para criar um som verdadeiramente emocional para sua música. Agora você também precisa aprender que você executa o mais amplo de maneiras diferentes em diferentes instrumentos. Por exemplo, um piano não pode simplesmente não fazer um vibrato porque você não pode alterar o pH da nota sustentada. Então o vibrato está balançando o tom e o volume ao mesmo tempo. Em políticas que você controla com seu estilo simples expressivo. Então, se pegarmos estes violinos ou ambas as cordas, por exemplo, olhem para onde a escala aqui, se o marcador é se eu comprar o seu D sem vibrato. Agora, se eu me adicionar, refira-se a ele. Como você pode ver, o pequeno ponto aqui está subindo e descendo, e é isso que um jogador de cordas está fazendo quando ele ou ela está adicionando vibrato. Ok? E em uma guitarra você precisa dobrar este anel em vez dos impulsos e, e assim por diante, em instrumentos de respiração, é claro, como acabei de mostrar, você varia a pressão do ar em pulsos, mas alguns instrumentos simplesmente não podem fazê-los. Agora, com a maioria dos instrumentos de software e bibliotecas de amostras, muitas vezes você tem apenas um controle deslizante para os vibratos. Você não pode realmente alterar a taxa e a profundidade. Mas basicamente desvanecimento cruzado nos vibratos. Se eu jogar assim sem vibrato, e então eu aumentá-lo. Realmente vibrato ficando mais forte e mais fraco quando eu movê-lo para baixo novamente. E alguns instrumentos, vibrato é realmente gravado na amostra, o que é um pouco triste porque então você não pode adicionar sua própria expressão às notas. Eles controle completo sobre a profundidade do vibrato, velocidade e curva é uma das razões pelas quais instrumentos e vocais ao vivo, ou muito mais expressivos do que os instrumentos de software podem ser. Então, para resumir, você pode moldar as emoções de sua música com vibrato, força vibrato, que é a profundidade da velocidade vibrato, a freqüência pulsante do vibrato e a curva Bravo, atrasando e variando o vibrato durante a nota sustentada. 15. Emoção com articulações: Emoção de articulações. Articulações na música é sobre como você toca cada nota, a performance. Em instrumentos de software, muitas vezes você pode controlar e moldar as autocorrelações usando chaves e/ou automação CSE. Às vezes, o nível de velocidade para cada nó também pode ser alimentado. O que molda o artigo asiáticos? Mas o ponto principal aqui é o como. Porque como você toca as notas terá um enorme impacto no humor emocional e expressivo da sua música. Há tantas articulações diferentes para usar a música. E cada grupo de instrumentos terá seus próprios tipos de articulações dependendo de como você pode realmente tocar o instrumento. Por exemplo, em uma guitarra, há uma articulação chamada curva, porque você pode dobrar fisicamente esses anéis, que afetará o tom. Mas em, por exemplo, um piano, você não pode alterar as imagens das teclas que você pressiona em um instrumento curvado, um instrumento de corda, uma vez que não há trastes, você pode realmente deslizar na mesma corda com um glissando suave. Estes são apenas alguns exemplos de articulações. Mas para lhes dar mais ideias, criei um guia e uma visão geral das diferentes categorias de articulações na música. Um, articulações focadas na dinâmica. Estas são articulações que mudam como a dinâmica ou controlada e moldada pode ser tanto a dinâmica de ataque como a curva dinâmica ao longo do tempo para notas sustentadas, por exemplo, marcato, sforzando, crescendo, diminuendo e inchando. Duas articulações com foco no comprimento do nó. Há muitas maneiras de tocar notas curtas em instrumentos moles em, por exemplo, ambas as cordas. Você pode controlar o quão curta nota soa de muitas maneiras. Aqui estão algumas das articulações de notas curtas sobre vários grupos de instrumentos. Staccato, spiccato, pizzicato, e chamá-lo linear. Três articulações focadas no campo. Estas são articulações que altera o tom da nota, seja na história da nota, no final da nota, ou sobre o sustain do nó. Por exemplo, vibrato, curvas, quedas, rasgos, colheres, etc., para articulações com foco em transições. Estas são técnicas que se concentra em como você vai de uma nota para a próxima, de um completamente separado notas sem transição, muito longo, desliza suave entre eles. E a velocidade e a curva ou como você faz a transição entre os nós é realmente importante. Por exemplo, legato, portmanteau, Gillies, alguns embora, salas de martelo, piscina offs, et cetera, cinco articulações focando em um efeitos especiais. Então, há também um monte de técnicas especiais que você pode tocar instrumentos onde se concentra em uma certa energia, vibração, tensão, ou humor baseado na própria articulação. Por exemplo, harmônicos, tremolo, trills, concertino, mudo, rosna, flutter, etc. Então, para resumir, há tantas maneiras de tocar articulações dependendo do instrumento e das técnicas disponíveis que você pode usar. Mas o ponto principal aqui é que você, como compositor, tinha opções criativas ilimitadas para moldar as emoções de sua música com base em como você toca cada nota nos instrumentos e portos em suas composições musicais. 16. O quadrante maior: Então, neste vídeo, vamos explorar o grande quadrante das emoções musicais. Então eu tinha criado três pequenos exemplos aqui, cada um com um campo diferente. O primeiro é iluminado, feliz do que edificante e esclarecedor, e depois motivacional e sentir-se bem. Então, é claro, estou usando muitas das técnicas que você já aprendeu neste curso sobre moldar as emoções para o quadrante principal. Então vamos ouvir o primeiro exemplo e depois vou explicar minhas escolhas criativas. Certo? Assim como você pode aqui, som muito leve, otimista e feliz. Você pode ver que a quadra é aqui em cima, D maior A e G, e então o, então todos os acordes principais. E você também pode ouvir que ele tem um estilo de jogo muito staccato, focado com muitas notas curtas aqui. Também nas cordas aqui. Então estes criam mais, esses estilos rítmicos de jogo staccato obter essa maneira mais leve, otimista e brincalhão. Ok, você também pode ver que há uma direção para cima criando esse som edificante, empurrando-o mais para iluminar o som. E também usando harmônicos na guitarra. Muito semelhante ao padrão comum nas cordas. Também uma batida para cima direção aqui, como você pode ver. E acrescenta esse caráter leve porque quando você toca harmônicos, você não obtém muito do tom fundamental do nó, mas sim os harmônicos mais altos. Eu também uso um sino aqui porque, bem, um sino de alto alcance você pode ver acima do meio C. Também como aquele personagem leve, infantil. E então eu adicionei algumas teclas suaves em uníssono com o sino. Então, como eu estou usando um patch muito brilhante, patch aqui com um estradas ao vivo e piano. Vejamos, pequeno brilho na reverberação. Só, e eu só queria basicamente fazer essas contas sonhadoras porque eu estou tocando uma oitava abaixo só para estender aquela melodia, dar mais foco. Então os tambores aqui. Está bem, mas tem alguns preenchimentos divertidos. Então você tem essa sincopação visual. E a base faz essa laje muito rítmica tipo de sente nela? E, claro, se verificarmos não só a chave aqui, D maior com apenas os 145 acordes. Então você tem que, é tocado em um piano, tocado em uma vibração muito edificante. Ok? Há também o tempo 135, que é mais na vibração de tempo up para BPM. E, ao todo, cria essa vibração muito edificante, leve, feliz e brincalhão. Certo? Em seguida, o próximo exemplo, que eu chamo de edificante e esclarecedor. É semelhante a esta luz e feliz, mas não como criança, leve e feliz, mais edificante e esclarecedor em saber mais sentido mágico da vibração. Então aqui eu também estou usando harmônicos. Vamos verificar a progressão do acorde primeiro. Então estamos em G, então temos G, a, C, D, todos os acordes principais. vez, uma Coreia extra para eles. Mas, oh sim, a propósito, então se estamos em G Aqui, não há completamente G maior porque como você pode ver, há quatro acordes que são maiores aqui. E, claro, temos registros de 3 de maio em grande escala. Então nós temos um G. E então você pode ver o a. Então isso significa que se você tem um núcleo sendo um major e a segunda coordenada também maior. No entanto, aquele Lydian, que é o modo mais brilhante e edificante da música. E você já pode ouvi-lo se você pegar uma escala maior padrão. Então você tem, digamos C maior, C, F, G. A mudança de acorde mais brilhante é na verdade entre f aqui e GE. Pegue qualquer acorde maior e, em seguida, toque a ala médica todo o passo acima dele. É realmente aquela cor lídia edificante da vibração. Então essa é a vibração edificante e esclarecedora porque eu estou usando ainda uma progressão ascendente aqui para criar emoção. Assim, as cordas também forma rítmica. Mas se você ouvir o primeiro aqui temos mais sincopação, mais ritmo rítmico. Enquanto isso é mais um hétero Dr. Hayes notas. Por todo o lado e construindo um para cima como aquele. Piano, complicado. Aqui você pode ver um pouco de um elevador de direção para cima aqui. E se ouvirmos isso sozinho, ele tem aquela sensação iluminadora e edificante. Vamos comparar com o piano anterior. Isso eu sinto que é mais leve e mais brincalhão. Esta ainda é aquela vibração maior, mas mais esclarecedora, não tão leve e brincalhão. Então você pode dizer que isso é edificante, mas em você bater maneira mais séria. Então temos essa guitarra adicionando um pouco de preto aqui. Ok? E isso acrescenta um pouco de interesse para você porque não é tão simples como este primeiro exemplo para uma amostra e para a base que temos. Então eu fiz mais grupo acontecendo, eles estão mudando. E então temos os tambores, que é o vídeo do clássico rock pop drive com a armadilha e, em seguida, um pouco de agitador para adicionar algumas séries de emoção. Então, em suma, muito do esclarecedor realmente vem da guitarra e da gaita. Especialmente isso para cima ou arpeggio aqui no início realmente acrescenta que mágico. Então, apesar de tudo, edificante e esclarecedor, o ritmo, é claro, não é tão alto quanto é up-tempo. Ainda está na faixa temporal superior, mas mais perto do mid-tempo 125. Como você pode ver, se eu somar estes dois 135, Eu vou empurrar este mais para este isqueiro, feliz por gays e especialmente que luzes me iluminando, terminar aqui com um alcance muito alto. Também nas cordas, como você pode ver aqui, movendo-se um octeto cheio lá. E o exemplo final é o quadrante maior. Eu chamo isso de motivação e me sinto bem. Você pode ver que há um acorde menor dentro dele. E mais importante, o estilo simples é olhado como é mais sério, tem mais de um não, não tão leve e edificante. Bem, vamos dar uma escuta para nós e eu explico mais tarde. Então você pode instantaneamente aqui que é muito mais suave em estilo simples, muito staccato, foco rítmico, mas na verdade notas mais longas, legato, e mais de um passeio suave, por assim dizer. É por isso que eu chamei motivacional sentir-se bem ainda é uma chave importante, um meu um major. Vamos ver se podemos pegar o piano aqui. Então vamos para F em ponto e assim por diante. Então podemos começar com cordas. Eles criam muitos destes mais C ou usam um belo tipo de emoção dentro de notas longas. Você pode ver os acordes aqui que eu amarrei juntos. Então este está realmente compartilhando todas as pontuações no meio. E nós lhe daremos o acorde menor aqui. Major de novo. E veja isso também está na dinâmica de baixo a médio alcance aqui com a automação ou a curva dinâmica. E vamos ver. Eu adiciono algum peso com o vestido, brincando, com a dinâmica aqui, mas eu simplesmente queria adicionar um pouco mais de foco para a corporação. E você ganha mais desse papel. Você vai caráter nobre do peito, notas longas sobre os chifres lá. Mas ainda no piano. Eu tinha um pouco mais de ritmo acontecendo. Mas você pode ver também é mais na faixa inferior. Se compararmos estes dois. Enquanto aqui estamos de menor alcance. E também olá para mim dinâmica. E houve muitas vezes em que toco apenas uma nota de cada vez aqui para dar um pouco de ar. Então, uma ou duas notas em vez de lidar com muitas notas e ritmos e assim por diante. Então, se verificarmos os harmônicos, eu queria incluí-los aqui também. Onde a guitarra, estes são provavelmente o levantamento mais iluminado, parcialmente solúvel. Então eu adicionei essas teclas suaves aqui, que são as mesmas paixões antes das garotas com o híbrido de piano. Perigo, também na faixa inferior, como você pode ouvir. Baixo Schmidt. Mas acrescenta um pouco mais de peso ao piano aqui. E um pouco mais de sentido mágico nesse som híbrido. Então eu tenho essa base. Muito simples, os mineiros asteróides segundo movimento lá. De vez em quando para algum interesse. E os tambores tocam esta batida muito simples. E eu posso ver também o ritmo aqui é todo o caminho para baixo 115. E, ao todo, isso cria esse tipo de vibe motivacional, edificante, mas sentir-se bem, com o tom mais sério do que a cor dos movimentos em comparação com esses outros exemplos mais leves. Activador menor. Então, se eu quisesse empurrar isso mais verdadeiro, onde é que o brincalhão, edificante, esclarecedor e vibe que eu poderia ter usado corda staccato é, por exemplo, em vez dessas cordas longas, mais leitura na base, talvez fazendo algumas facadas de bronze em vez de apenas nós Longhorn aqui. E se eu quisesse empurrá-lo mais para o quadrante ambíguo ou menor, bem, eu deveria ter incluído talvez mais um ou dois acordes menores aqui, ou um sétimo acorde ou qualquer coisa para adicionar mais complexidade. E em vez disso, basicamente apenas tribunais principais. Mas estes três exemplos, eu recomendo que você experimente com todas as técnicas que você aprendeu nos vídeos anteriores deste curso, bem como neste vídeo para explorar o principal quadrante da música, emoções. 17. O quadrante menor: Então, neste vídeo, vamos explorar o aluguel do disco mineiro ou emoções musicais. Então eu tinha criado esses três exemplos, cada um com uma vibração diferente de menor, o quadrante menor primeiro é triste e solitário, depois introspectivo e melancólico, e finalmente, escuro e sem esperança. Então vamos começar com o primeiro. Vou tocar o exemplo primeiro e depois explicar minhas escolhas criativas para este tipo de emoção triste e solitária no quadrante menor. Espero que tenha sentido essa vibração triste e solitária. E a primeira coisa é, é claro, a chave e as harmonias, o foco harmônico que você usaria. Então isso é em um menor, mas você pode ver que eu estou realmente usando alguns acordes principais dentro dele. No entanto, a chave é o ponto principal, então uma chave menor. Se nós apenas tocarmos, vamos ver, nós tínhamos o piano aqui, então um menor. E depois para o daemon D. Está bem? Então, esses dois acordes são no início reais e define o clima. Se você verificar o templo aqui, eu estou usando um ritmo muito lento, mas também alguma automação. Então começa muito baixo aqui. 59 vai até 65 e, em seguida, diminuir no final de volta para 59. Então, um ritmo lento. Aquele sentimento solitário. E outra coisa são as notas reais que estou usando. Não é rítmico. Esta peça em tudo. É mais anel solo e notas longas, especialmente para a melodia principal, mas também a faixa de apoio, sim, melhores cordas de apoio. E a propósito, o som real aqui para as cordas, se você der uma olhada aqui, oops, é na verdade uma presa de solo macio. Som. Tão suave no personagem real Colmar do tom. A base apenas faz, é notas longas no nó raiz. Mas você ouve esse ataque onde quer que mude. Então nada Leia-me acontecendo lá também. E o mais importante, você pode ouvir da melodia principal, ouvi-la tocada no violino. E violino. Você pode perguntar, bem, é o primeiro violino cadeira, então este é realmente um violino solo. Eu também removo o reverb extra e um reverb de salão para torná-lo mais perto de você porque ele aumenta o foco expressivo do instrumento se você sentir mais perto, perto de você. Então é assim que parece. Então, primeiro violino solo, Sharon, você realmente ouve aquele vibrato expressivo, que, claro, também adiciona aquele impulso emocional expressivo. E se dermos uma olhada na linha melódica, você tem alguns saltos maiores, que na verdade cria mais tensão emocional, adicionando dois à vibração triste. E eu acredito que eu toquei exatamente a mesma coisa nos fluidos aqui na alta registradora. Também um monte de vibrato nas notas mais longas. Então essa é uma melodia muito triste e solitária. Os ventos de madeira registrados como fluidos são ótimos para isso, assim como o violino solo. E acredito que, neste caso, acabei de usar uma oitava mais baixa nas violas. Porque eu realmente queria que esta melodia fosse o ponto focal desta peça. Então, um monte de camadas irá ajudá-lo com isso. Também primeiro, não, não primeiro ano este quarto extra. Então, para a violência, uma seção muito pequena, viola. E eu usá-lo, Sir Dean ou aqui porque eu queria um som muito quente aqui em vez de, Vamos remover este Arduino e buraco para que você possa ver como o violino e você tirar isso. Eu pensei que era muito adiantado porque eu queria o violino solo tivesse esse ponto focal na frente e perto. Então eu coloquei Sardenha, que é uma articulação suave e suave e incluiu todo o reverb. Então, em cima dos fluidos e violinos. Ok, então isso cuida da melodia principal, super longos nós legato voando com muito vibrato. E então essas linhas de violoncelo elogiam a harmonia, harmonia inferior. Então as cordas são muito boas para essa vibração expressiva e solitária, vibração emocional, e o piano está tocando basicamente arranjo muito esparso. Se você ouvir isso. Nem mesmo um tribunal cheio como o Octavius aqui e a melodia em cima. E tudo isso. Claro, a progressão do acorde e uma linha de história harmônica é quadrante muito menor. Mas isto, a quantidade de ar entre os nós, as pausas acrescentam a este aspecto solitário. E finalmente, eu só queria adicionar um pouco mais de peso à peça, tendo os acordes mais a base aqui no sofá. Chaves remendar estas gajas mais estilo híbrido de piano com alguns meios de tremolo que vai para a esquerda, direita, amargo. Sim, o acorde muda. Então, ao todo, você tem essa vibração muito triste e solitária. Então esse é o primeiro aspecto e um dos primeiros exemplos, triste e solitário. Todas essas são escolhas criativas. Vamos passar para o próximo exemplo que criei no quadrante menor, que é, eu chamo de introspectivo e melancólico. Então eu aumentar o bit modelo até 70 aqui. Então, ainda é downsample, mas não tão relaxante, ambiente, personagem solitário como 50, 1965 ano foi 63 ou o que quer que fosse. Então vamos ter um ouvir este exemplo primeiro. Ok, então aqui estamos nós em D menor e os dois primeiros acordes aqui, ou ambos menores definem o tom, estes quadrantes menores tom. Se você compará-lo com o exemplo anterior, é um pouco mais rápido, não só em templos 70, mas também algumas das mudanças fizeram estes harmônicos aqui e o sino sonhador aqui realmente vai MLA a cada meio furo. Então não é um rítmico, eu diria, mas é mais do que em cada bar, como este aqui. Aqui está um pouco. Quanto mais rápido. Dessa forma. Então você apenas verificar a progressão do acorde aqui jogado nos refrigerantes novamente. E se você verificar aqui, é na muito baixa dinâmica de dois homens baixos, que também foi, a propósito, o caso dos exemplos anteriores pode ver aqui. Mas está basicamente aumentando a energia batida mais indo deste triste, super triste e muito humilde para introspectiva e melancolia. Eles são semelhantes, mas apenas um pouco mais de energia, um pouco mais acontecendo. Por assim dizer, aqui nas notas. A justiça base, exatamente como o exemplo anterior. Um, notas de barra longas e o lugar de iluminação y yo para a liderança. Malária. Notas tão longas, mas basicamente, especialmente com um ritmo lento, parece ainda mais longo. Violoncelo leva a harmonia. Olá. Certo, e depois temos o piano. Vamos ouvir o estilo simples real aqui. Então é esparso, mas não tão esparso quanto o anterior. Aqui podemos realmente ver curso completo como aqui e aqui. Está bem. Eu adicionei um pouco mais de peso como com o exemplo anterior aqui no caso macio, mas a diferença é que eu adicionar um pouco mais notas extras para um pouco mais de interesse. Comparado com o anterior, que era apenas uma barra de acordes. Então você pode ver que é outro nível mais adiante aqui. Indo para este introspectivo e melancólico ainda muito, ainda é maneira de empréstimo, mas não tão triste super longo quanto o primeiro. Então eu tenho essas linhas de bronze aqui tocando também notas longas. Então, junto com as melodias principais, basicamente harmonia. Ok, então ainda há notas altas, Legato. E então apenas para algum interesse rítmico adicionado é o mínimo harmônico básico e sonhador sino aqui que o leva para um local e solitário para introspectivo e um melancólico. Esses caras aqui fazem uma grande diferença porque é a cada duas vezes cada bar. Então, ao todo, você entende isso. Os registros dos meus não estão mais na vibração introspectiva e melancólica. Então faz você se sentir filosofado sobre a vida e assim por diante. É introspectivo. É outro nível entre aqui, triste e solitário e o próximo. Então, o exemplo final aqui, eu chamo isso de idiota e sem esperança, menos doente, Ouça, o templo está de volta para 65 anos. E parece assim. Então, porque é que isto parece tão desesperado? É, vamos começar. Por quê? Está tão escuro. Então, por que está no coordenador menor em primeiro lugar? Então é tudo uma chave menor. E como podem ver, não há nenhum acorde maior. É apenas menor. Opa, são apenas acordes menores e suspensos, é claro. Mas isso cuida do quadrante menor. Os modelos lento e branco idiota. Bem, se você verificar, verifique os intervalos aqui. É tocado, ok, então essas cordas são um Beatle por ano, mas eles, como eles usam uma articulação suave, soa. Mais quente, de cor mais escura. E essa é a coisa aqui. Basicamente está jogando principalmente nas faixas mais baixas, dinâmicas mais baixas. Vamos liderar o setor melodia mais harmonia aqui. Está bem? Então, abaixo do meio C aqui, exceto a flauta ali. Quero dizer, sim, ouça a melodia mais harmônica. Sem uma pista. Sim, as sombras da viola estão abaixo do meio C. Também notas muito longas. Quero dizer, aqui você tem 1.5 bar. Esta é duas barras. Então é como se tivesse dois, toda a vibração de bênção. A escuridão é o registro baixo e a cor escura quente do foco de registro inferior no registro de notas reais e a baixa dinâmica e também as articulações suaves. Eu até adicionei o bronze aqui em baixo. Então este é o meio C e este é, e harmonia. Até uma oitava abaixo do meio C. Só para adicionar um pouco mais de peso à progressão. E outro aspecto que traz todas as vibrações de bênção é não haver acordes principais. É tudo esperança na lei. Observe que não há inclusão importante na progressão do núcleo. Em vez disso, eu estou usando este acordes suspensos que vão para trás para um acorde menor, E sus4 de volta para E menor. Então é como quando você sente que pode haver alguma esperança que não há porque ele vai para menor e tudo em tudo. Isso leva esse exemplo de quadrante menor para ECori chamar de idiota e sem esperança. Como você pode ver aqui. Este é o meio C. Então há praticamente todo esse fluido com um tom suave dinâmico muito baixo que está acima do meio C. Tudo o resto está em torno do meio C e abaixo, que nos leva para a cor escura. E bem, é por isso que eu sinto que este é o Jorg e sem esperança e alcance do menor trimestre. Então eu recomendo que você pratique encontrar diferentes cores emocionais nas gravações mentais você mesmo agora, comece criando uma progressão de acordes e os instrumentos tocando estilos, faixas, articulações, cores para moldá-lo em qualquer tipo de quadrante menor. Então, é claro, há mais do que esses três exemplos, mas pelo menos como um ponto de partida, você pode explorar com. 18. O quadrante Quadrant: Tudo bem, então neste vídeo vamos dar uma olhada quadrantes ambíguos das emoções musicais, ou quadrante misto, se preferir. Então não é menor nem maior, mas uma mistura do tubo e às vezes até mesmo um toque do quadrante dissonante. Então eu fiz três cores diferentes dentro do quadrante ambíguo. Chamo a esta nostalgia e memórias o primeiro exemplo depois misterioso e sonhador, e finalmente amargo, doce e esperançoso. Então vamos começar com o primeiro. Parece assim. Tudo bem, então começa aqui no C maior, então tem um grande som positivo anular, mas com um toque menor. Porque se você olhar aqui, maneiras C a G eram 15. E o acorde de cinco acordes, acorde dominante é menor. Essa é uma cor Mixolydiana, a mistura para o modo Mixolydian. E isso é um pouco de uma mistura entre uma vibração grande, mas com um toque menor. Então, além disso, o que o torna nostálgico e memórias tipo de vibração, cor emocional é o templo lento. Você também tem esses foco de baixo alcance, dinâmica mais suave e suave, por isso não é estridente e alto registro é muito baixa dinâmica. E no registro inferior. Então você tem este violino solo plota a comida, cuidando da viola custo ou a harmonia. O baixo registro de alimentos com um legato e um pouco de um vibrato nas notas longas como um monte de que o som mais leve. E as cordas que são muito macias e arrebatadoras. Além disso, com este piano calmante aqui. Misturando entre um arpejo e um vídeo comping rítmico aqui no meio. Um som muito suave dessa forma também. O bronze aqui é muito baixo. Eu acho que isso é apenas em uníssono com a base e oitava acima. Então, no geral, não muito rítmico, mais focado em longo solar no jardim. Dinâmica baixa de registro. Tempo lento, o Mixolydiano. Por enquanto, T e escala. Um pouco maior, menor. Maior novamente, principalmente a vibração mixolydiana com uma baixa dinâmica, os pulmões subindo notas legato, o registro de carga, e o ponto focal sendo o violino solo e fluidos aqui no registro baixo ou os fluidos para criar estes muito nostálgicos vibração. Então, o próximo exemplo que eu chamo de misterioso e refeito e soa assim. Ok, então aqui você realmente tem várias coisas acontecendo. Primeiro, o estado sonhador é do ritmo lento, estes sonhadores Bell. E basicamente este estilo de jogo muito lento. Muito ar e lacunas entre os nós dentro deles soam assim. Mas a parte misteriosa disso vem principalmente de começar em uma chave maior aqui, D maior, D maior acorde. Adiciona um menor seis em cima dele. E você pode realmente ouvi-lo aqui no DRI e cintos são o som menor no tribunal. E, em seguida, adicione este menor seis. Ok, você ouve isso no piano aqui também. Então começa. E também aqui estamos indo de um grande som desde o início e depois para um menor, um quarto perfeito acima. Então é um som importante. O que fez o tom misterioso? E então nós vamos pegar você menor entre o ar. E depois para um grande elevador. Depois menores de novo. E este maior, D maior com um 9 plano adicional, tão linha menor. E a cadência é menor. Então é muito uma mistura entre o major e o menor acontecendo aqui. E você tem novamente, essas notas longas, legato, transições, baixa dinâmica, e também focado na faixa inferior com cordas suaves no topo. E ele pode realmente ouvir aqui e creche e ficar adicionado menor 6, o que cria esta vibração misteriosa. E o estado sonhador vem do baixo tempo, do baixo registro, do ar e do espaço deixando a sustentação tocar em muitas notas nas articulações suaves também. Mas ele pode realmente sentir isso a partir da progressão real dos acordes, o enredo harmônico. Maior menor, maior, maior menor menor. E estes intervalos misteriosos adicionados para o mais menos 6 lá e também um nono menor aqui em cima. Então, esse é o segundo exemplo. Misterioso e sonhador. ainda estamos no quadrante ambíguo. E vamos ver, temos o exemplo final aqui, que eu chamo de amargo, doce e esperançoso. Então vamos ouvir o que isso parece. Certo, então tem essa cor muito amarga, doce , melancólica e emocional. Ainda ressecado como aquela vibe de esperança. E também fez você se sentir acontecendo também. Muito ambígua, cor emocional mista entre o maior e o menor. Ele começa em um menor, mas então imediatamente vai para um acorde maior aqui. Então, e em cima disso, temos se Fá maior sete. E se você sentir que o ritmo também é muito lento. E é realmente tem o mais acontecendo nos primeiros Node CRC, como a comida, a violência, o baixo e o piano, realmente os começos fazem parte. Então começa a abrandar. Notas mais longas. E o piano realmente cuida. O acorde muda principalmente. Só não tomo nenhuma política. E então, oh sim. Então, a parte final lá onde terminamos em um menor, mas na verdade indo do acorde cinco E menor para um maior ou um elevador maior como esse aspecto esperançoso arquivo desta progressão acorde. E se ouvirmos apenas a parte de progressão como as cordas suaves e a outra seção de cordas aqui. E o piano. Tem um som muito romântico e doce. E é por isso que eu sempre agridoce porque ele ainda tem um monte de campo menor, especialmente desde que ele começou a chave menor. E como este sétimo acorde F maior, que tem este sétimo maior, você sabe, o intervalo mais velho, estranho intervalo de atenção nele, e então vai diretamente para um sétimo menor acordes são muito menores campo lá. Na verdade, um menor. Mas então ele começa a levantar para o seu vizinho aqui, mas G e F. E ele volta para você, o estranho sétimo maior adicionado e então E menor. Começando a sentir essa tristeza de novo. E então ele empurra para um major em vez disso como a cadência final. Então isso é que esses são três exemplos do que você pode fazer no bairro ambíguo e nostálgico e memórias, misterioso e sonhador e amargo, doce e esperançoso. 19. O quadrante dissonante: Neste vídeo, vamos explorar três exemplos diferentes do quadrante dissonante de música, emoções ou quadrante de tensão, se você quiser. Então eu criei esses três exemplos, sombrios e assustadores, caóticos e poderosos, e ameaçadores e maus. Vamos começar com o primeiro. Parece que é assim. Então, o que torna esse idiota e assustador? Bem, é claro, estamos jogando principalmente na faixa inferior. Se você simplesmente excluir o piano, por exemplo. Ou uma gama de cores tontas e quentes para os sons e as notas ou na faixa inferior. E nós também estamos usando apenas acordes menores por toda parte, como você pode ver aqui, G menor, G menor com um sétimo maior no topo e você sabe, o sétimo maior intervalo quando você adiciona isso, acrescenta muita tensão por causa de como está perto da oitava perfeita. E como estamos usando apenas acordes menores, alguns desses deveriam ter sido acordes maiores. Se você está em uma tecla menor adequada, mas com algumas modulações lá, como pegar acordes de outro modo, você pode simplesmente ir e usar cada acorde como menor como eu fiz aqui. Outra coisa é que estamos jogando em um ritmo muito lento. E basicamente o único movimento rítmico real é o piano e a base. Mas você realmente tem essa vibração assustadora do menor para o único menor é um menor, menor, maior sétimo e o menor no quinto. E então o a deveria ter sido maior se estamos em G menor, começou a chave aqui, mas na verdade é menor. Então eu fui tudo em cima do mineiro para criar este sentimento muito sombrio. E se você der uma olhada no que os instrumentos estão fazendo aqui, vamos apenas verificar todas as cordas. Então essas pegadas aqui entram e dão uma olhada. Você pode ver que eles estão jogando assim, assim, e uma dinâmica muito baixa tudo e todos, cada faixa aqui tem sua própria curva dinâmica. Do intervalo médio muito baixo ao baixo para o Dynamics. E se removermos e ouvimos tudo o resto, excepto o piano, o baixo. E realmente ouvir como o foco está em nós muito longos, varrendo, subindo, idiotas no registro inferior. E novamente, se você apenas dar uma olhada no, o que eles fazem, intervalos curtos, conduzir a voz próxima para fazê-los varrer entre si, cada voz na progressão do acorde. E como você pode ver, esse sétimo ano extra menor realmente acrescenta muita tensão. Então você tem esse tom aqui. Os mineiros, em seguida, para um assunto. Mas todos usando acordes menores dessa maneira podem criar um aspecto muito escuro e assustador. Claro, são suas portas em uma chave menor. O próximo exemplo que eu tenho é, na verdade, ele é caótico e poderoso. Então, aqui fui eu com um 6, 8 assinaturas de tempo. Contratei um chefe na primeira vez que mudei o centro de tempo de 44. Eu também optar pelo tempo para, vamos ver o que é. Em vez disso, são 100. E foi com um estilo de jogo muito mais rítmico, especialmente campos nas cordas aqui. E a progressão do acorde está em Fá menor. E eu sou heroína começando em você algum curso diminuído. E tribunais diminuídos são tribunais de tensão muito alta. Então, se você der uma olhada aqui, ali, aqui, não há um acorde maior dentro. Apenas acordes menores e até mesmo acordes diminuídos, o que o torna muito escuro, muito poderoso. Mas onde um vem o aspecto caótico. Então é muito poderoso, já que temos esse modelo poderoso, articulações mais capturadas aqui no início e, em seguida, começar a cetose. Então, mais quartos ou sotaque ou regulamentos muito ousados. Os chifres tocam este tipo de leões acentuados. Acho que estou usando alguém aqui para o Totto. Na verdade. Notas muito ousadas. E você ouve a respiração no fundo aqui, na verdade em Octavius para torná-lo ainda mais poderoso. Opa. Isso tudo está na faixa inferior, basicamente, exceto os poucos no mid-range aqui, torno de C4 e soprar para este staccato cordas. E se você ouvir as harmonias aqui, o presidente Biola tocando em oitavas. Então, o que o torna tão poderoso? Bem, menos do que este, este e este aqui, tudo, este é latão de oitava cheia em camadas com rasas e viola SaaS realmente Para, bem, você pode dizer que este é o principal motivo, mas há também um hormônio em nota Lá. Ok? Mas isso o torna muito poderoso. E então o aspecto caótico vem não só das modulações caóticas aqui nas progressões dos acordes para obter todos esses acordes menores. Também do som diminuído e deste grupo de ação rítmica. E como é um 68, ela poderia bronzear, bronzear, bronzear , bronzeado, muito poderoso. E o caos da progressão harmônica , assim como este sulco, realmente o torna muito poderoso, mau chefe tipo de vibração. E o último exemplo, voltei ao 44, é sinistro e mau. Então, enquanto este é o mal caótico e poderoso, mais ação orientada mal, isso é mais sinistro como pensar nas mandíbulas, o filme mais assustador quando, quando está muito escuro e você espera que os monstros do mal para sair. Bem, parece assim. Certo, um pouco de pressa, sinistro e muito mau. Então o que eu estou usando aqui, principalmente para este super mal, Tony é um grande foco no segundo menor, D para C afiado, G afiado, A, e assim por diante. E se verificarmos a base e rasos, acredito que toco uma oitava, então só mais, mais poder. Você pode ver o microssegundo se mover aqui e de volta, aqui. E então aqui você pode vê-lo no final. Então esta é uma abertura muito maléfica armazenada. E aqui você realmente ouve o que eu também uso aqui é muito grandes ondas dinâmicas indo para cima aqui, especialmente aqui, e depois para baixo novamente e para cima e para baixo, especialmente aqui nas três primeiras notas. E depois adicionei isto. Ali, esta camada de chifre, também oitava. Então eu acho que assim sempre que todos nós queremos muito focado, camada de som poderoso em uníssono e especialmente oitavas, e especialmente em baixo alcance como este. E fazer um monte de contraste dinâmico com a escrita da curva dinâmica. Então você tem esse surpreendente movimento ascendente lá. E outro aspecto do que faz com que seja muito assustador, na minha opinião é que eu sempre encontrei cravo para adicionar tipo de vibração assustadora vampiros, especialmente quando você usá-lo com essas mudanças de acordes dissonantes. Ok? E então eu adicionei o sino sonhador, porque sinos, usamos sons de sino quando você tem uma porta muito baixa, sem-teto, cordas baixas, instrumentos de latão baixo, tem aquela vibração inocente e inocente do sino, o que é muito assustador porque é como se não fosse, é deslocado. Você pode ouvir isso em muitos filmes de terror. E então uma grande onda no final lá com um poder combinado, o Octavius, uma camada lá. Então muito sinistro e mal soando grande foco em, um foco muito grande nesses segundos movimentos menores e super grande contraste em curvas dinâmicas, bem como a dicotomia do sino entre todos esses instrumentos focados em baixo alcance, bases e sombras e casas baixas. E este cravo muito assustador em cima de tudo. Então, esses são três exemplos diferentes de cores dentro do quadrante dissonante. Idiota e assustador, caótico e poderoso, mais campo de ação e sinistro e maligno. Então vá em frente e experimente tudo isso para quadrantes emocionais da música. Fiz três exemplos de cada um. Mas você pode ir em qualquer direção que você quiser misturar e misturar entre eles. Vá de super feliz de Happy para o mais escuro de tensão escura e alta e tudo o mais no meio. 20. Vingadores - tema principal: Tudo bem, então agora vamos analisar os aspectos emocionais do tema principal, do principal Vingadores terminar o jogo que se chama. Então vamos começar com a escuta. Vou pausar como expliquei, os aspectos emocionais. Ok, então começa na verdade no quadrante principal 4, a vibração da Victoria. Então acho que estamos no G0. Ok, então é maior, muito importante, bem aqui. E então continua ainda a grama bola lá. E então eu transito para você. Ok, então um elevador, ele sobe aqui. As vozes somam e você ganha algum símbolo. Cracashes realmente aumenta o poder emocional para a vibração da Victoria. Ainda mais longe. Levá-lo até um entalhe. A resposta de bronze e começa a tocar essa fanfarra como estilo de jogo. Vem mais aqui. Então, essas fanfarras, estilo de tocar latão realmente realçam a vibração nobre real. Quase como se um rei estivesse sendo coroado aqui. Vibe tão vitoriosa com a vibração nobre real. E aqui nós começamos da fanfarra para aquelas notas de transição calvas acentuadas é como Lee Sin agora é a música dizendo aqui, importância básica. Certo, então de volta a repetir aquela vibração vitoriosa. Muito grandes estão apontando. E novamente, aquela transição acentuada. Careca, notas longas com mais CO2, notas grandes e poderosas. Transição super acentuada. Como isso. Essas notas de Marcato realmente realçam esses superpoderes desses heróis. Agora estamos ouvindo que algo novo está chegando e você tem um pouco mais de emoção. Essas cordas de staccato adicionam alguma unidade. E isto é importante. A faixa vai, o tema vai de que G maior, o quadrante maior em uma chave menor, na verdade. Então, E menor. Mas como você pode ver, estamos com ADC, E menor, mas vai de E menor para C, em seguida, para a. E que a é na verdade um modo Doriano. Não faz parte da escala menor da EMA. E depois vai para Dó maior. G maior é todos os acordes maiores esperam, exceto aquele E menor. Então, ele tem esse núcleo emocional, mas traz muito daquela vibe vitoriosa ainda. E você tinha dados, dados, dados, dados. Essas cordas staccato é adicionar alguma unidade e emoção. Mas o tema principal é que notas marcato ousadas e poderosas para o tema principal e melodia, que realmente traz até isso. Conheça ambos os super-heróis vibração poderosa. E você ouve que a respiração é pesada no bronze aqui traz esse poder e também alguma excitação aumentando a dinâmica aqui. Então ele tinha o peito realmente abrindo o consultório. Então repetição sobre manter. E a segunda vez que você ouve essa respiração abre o brilho e a dinâmica. E então uma torção aqui no final com os chifres. E isso acrescenta uma espécie de vibe que, ok, Então nós fizemos isso, mas a história não acabou e vai para a transição final de n. Repetição do tema principal. Aqui. Ele pára abruptamente, abruptamente o tema principal e vai para aqueles apunhalados excitação acentuada. Eu os chamo na NBA. Ouça, está quase chamando esses solucionadores de histórias. Mas o que virá a seguir? Espera-se que continue com isso. É quase como colocar na música que haverá mais filmes dos Vingadores chegando ou filmes de super-heróis neste, neste mundo. Então essa é a análise emocional do tema principal no final do filme final dos Vingadores Endgame. 21. LOTR - O tema shire: Agora vamos analisar os aspectos emocionais do Condado, um tema do Senhor dos Anéis. Ok, então a primeira coisa, é muito focado no maior recorde de aluguel para essas vibrações edificantes e positivas. Então você tem D maior, G maior, um maior, volta a D maior, e um menor maior. E então ele volta de novo. E você tem esses solu muito expressivos, comida tocando em uma grande vibração para esse tipo de vibração alegre e simples de viver. Vamos continuar. Teste esse tipo de vibração doce e inocente. E então as transições na frase de violino solo de hoje CSU através dessas quebras, essas pausas no meio, e aquelas articulações brincalhão de frases. Imprimindo este brincalhão infeliz , fazendo a transição para esta seção de corda completa, que para mim, cria uma sensação dos hobbits, amor pela vida e pela paisagem exuberante. transição para esta seção de corda completa, que para mim, cria uma sensação dos hobbits, Então eles são exuberantes, completa corda sexual, romântico idealmente fornecer para que a vibração brincalhão, mas ele vai para a transição de hoje. Essas notas longas na transição, que é uma espécie de pausa e refletindo o momento. Isso é apenas levá-lo para dentro. E depois de volta ao ritmo do staccato. Cordas. Este cravo, eu acho que é. E então, em cima desta corda e ritmo de staccato, você obtém a comida staccato. Muito brincalhão. Novamente. Pense na vibração das coordenadas principais. Desde então, alternando entre essa doçura exuberante e a brincadeira alegre. Mais uma vez de volta para alegre, brincalhão. Como se estivessem gostando da vida simples aqui no Condado. E então ele se transita mais uma vez para esse final, que é o Soul Food, muito expressivo. Realmente. Sinta essa alegria, mas ainda assim essa completa inocência. E como era bonito Cordeiro simples e intocado no céu. Realmente se estabelecendo, resolvendo, chamando as coisas de estilo. E esse é tema do Senhor dos Anéis, O Shire. Essa análise emocional. 22. O Lion - o tema morto - Mufasa: Vou começar por jogar um pouco do tema e, em seguida, vou pausar enquanto explico cada ponto aqui que contribui para as emoções. Então esta é apenas oferta mais fossa morreram. Ok, então esse começo é um grande. Sétimo começa, então é como em E menor. Mas em vez de ter a octana aqui, você vai da octana para a sétima maior. E esse é um intervalo muito estranho e antigo, especialmente em um menor já que é uma nota não-diatônica. Então acrescenta um pouco de confusão, símbolos confusos aqui. Então aqui você pode realmente sentir que as harmonias, os acordes e harmonias, ou fortemente pesadas para o quadrante menor 4, essa vibração triste e emocional. Então você tem um menor, você tem B menor, você tem E menor aqui. E assim por diante. Um par de tribunais importantes também, claro, mas definitivamente no quadrante menor. Ok, então você também vai ouvir que é, tem um arranjo muito mínimo. É só um pouco de quires, cordas. E então você ouve a flauta entrar e você tem um muito lento. Então isso acrescenta, o arranjo mínimo acrescenta a essa vibração solitária. E um ritmo lento faz com que seja muito gentil. E agora ouça esta flauta solo expressiva que realmente se sente como A Inocência e momento frágil, tanto o momento como o próprio Simba. E ele teve para a primeira parte com um arranjo de cordas em cima do, atrás da expressiva comida soul. Eu diria que tem um peso careca do momento tipo de sensação. E agora é uma transição para a segunda parte onde a string é tomada mais expressiva. Ártico está jogando estilo para um empurrão emocional. Mais vibrato, movimentos mais dinâmicos. Ar expressivo super emocional. Então ele é como ele, ele, ele, quando ele tenta acordar, mover Fossa e não percebe jato que ele está morto ou ele não quer perceber. E agora a parte final é onde as cordas mais altas assumem, removeram as cordas baixas. É quase como mover mais rápido, agora morreram. Verdadeiro. Cbo percebeu isso. E são apenas as cordas altas e os ventos fortes. E você realmente sente que parece comprar agora entrar nesse estado de tristeza e tristeza. Sopros super emocionais aqui. Os intervalos menores. E a precaução distante é como memórias distantes. Tão mínimo, tão expressivo. Ok, então eu vou terminar aqui porque ele faz a transição para a próxima faixa da trilha sonora. Mas essa é a minha análise para as emoções da música do MOOC. Fossa morre tema do Rei Leão. 23. Parabéns: Parabéns, meu amigo. Vocês aprenderam agora os fundamentos centrais, as técnicas avançadas e as diretrizes. Os hormônios são sons, cores, estilos de reprodução e perda de maneiras criativas de moldar as emoções através de sua loja de música. Eu recomendo que você tome medidas agora sobre tudo o que você aprendeu neste curso, volte e assista novamente às lições se você escrever. Mas o mais importante é que você pratique todos os aspectos que você quer realmente dominar em seu DAW e com seus instrumentos porque nada é melhor do que aprender fazendo. Então. Que emoções você vai criar em suas histórias musicais? Meu nome é Mike, e desejo-lhe grande sucesso em sua jornada e música.