Aquarela para iniciantes — Como é a abordagem da paisagem — parte 3

1. Introdução: Olá e bem-vindos ao meu estúdio. Meu nome é Rachel Bradwell e sou professora de arte aqui em compartilhamento de habilidades. Bem-vindo à terceira parte de aquarela para iniciantes. Nesta aula, vamos construir sobre as aplicações e conceitos básicos que aprendemos nas partes 12 e começar a explorar algumas estratégias simples para a pintura paisagística com aquarela. Todas as pinturas em aquarela, não importa o quão complexas sejam construídas sobre aplicações simples e variações de valor e bordas. E agora também vamos olhar para alguma teoria de cores para criar um senso de profundidade em nossas paisagens. Muitos novos artistas se sentem intimidados por desenhar para suas pinturas. Mas neste curso eu vou mostrar que você está desenhando não precisa ser complexo ou mesmo terrivelmente preciso para criar belas pinturas em aquarela vai começar o curso, olhando algumas pinturas em aquarela pelos mestres para ver como eles usaram técnicas e conceitos muito simples para criar trabalhos incríveis. Em seguida, aplicaremos essas idéias às nossas próprias pinturas, enfatizando uma abordagem solta e lúdica. Assim como nas partes 12, usaremos um conjunto minimalista de materiais para explorar esses conceitos. Os projetos neste curso irão evoluir de simples para gradualmente mais complexos. No entanto, vou enfatizar o uso de técnicas básicas ao longo do curso porque é assim que podemos criar pinturas que parecem avançadas. Para o projeto capstone, vou começar a mostrar-lhe como até mesmo a representação mais básica de figuras humanas pode dar um sentido de contexto e narrativa à sua pintura paisagística. Esta aula é a terceira parte da minha série sobre aquarela para iniciantes. Portanto, certifique-se de verificar as Partes 12, e lembre-se de me seguir aqui em compartilhamentos de habilidades para que você seja notificado quando eu publicar mais cursos. Muito bem, vamos buscar a Pintura. 2. Um breve inquérito sobre aquarelas por Mestres: Antes de começarmos a pintar hoje, quero tirar alguns minutos só para fazer uma rápida pesquisa de algumas pinturas em aquarela de artistas mestres. Então eu vou passar por alguns slides. Estes não estão em nenhuma ordem específica. Fui ao Wiki Art.org para obter essas imagens. E assim você verá que o nome do artista está à esquerda, na parte inferior, e então o título da pintura está à direita. Mas o que eu vou fazer é passar por algumas dessas pinturas em aquarela e eu vou ampliar apenas para chamar sua atenção para algumas coisas que eu acho que tornam essas pinturas em aquarela muito interessantes. E também quero apontar algumas das técnicas básicas que aprendemos e como elas foram aplicadas a essas pinturas. E a grande vantagem que eu espero que você obtenha com isso é apenas o quão simples esses aplicativos podem ser. E assim a pintura em aquarela realmente não deve ser nada intimidante que faça você ter medo de cometer erros. Você realmente deve abordar a pintura aquarela do ponto de vista de apenas se divertir e relaxar. Então vamos ampliar este quadro. E o que eu quero que você veja é o quão simples essas formas são. Agora eu acho que este artista provavelmente combinou Inc, talvez com sua aquarela. Mas olhe para todos esses números agora, novamente à distância. Podemos ver claramente que esta é uma multidão de pessoas assistindo a uma corrida de cavalos. Mas se prestarmos mais atenção, podemos ver como isto é simples, até ao ponto de este cavalo ser verde. E ainda assim aquela forma básica dessas pernas que são tipo de espalhadas e o cavaleiro em cima. Temos a impressão geral de um cavalo. E o mesmo com esses números, podemos ver algumas indicações de guarda-chuvas. Mas realmente quando olhamos para esses números, eles são apenas um monte de linhas, quase figuras vara. Espero que tenha isso em mente à medida que avançarmos neste curso. Porque mesmo uma composição muito complexa e talvez intimidante pode ser simplificada desta forma. Agora eu quero que você preste atenção nesta pintura de John Singer Sargent, que eu acho que muitas pessoas ignoram o fato de que ele fez um monte de pinturas em aquarela porque ele é mais conhecido por suas pinturas a óleo. Mas ele era uma aquarela muito prolífico pinta ela e então eu encorajo você a verificar suas pinturas em aquarela. O que eu quero que você note aqui é que o rosto desta mulher, é quase inexistência. É muito impressionista. É apenas uma indicação de sombras. E isso é suficiente para podermos ler isso como uma fase. E então se olharmos para alguns dos traços que ele aplicou na água, muito, muito simples e ainda dá essa indicação de ondulações na água. E são essas aplicações simples e básicas de tinta que realmente nos envolvem e tornam nossas pinturas muito interessantes. Aqui está uma pintura que realmente, eu acho que lê como muito tempestuosa e escura. E, no entanto, quando realmente olhamos para ele, simplesmente não há muito aqui para indicar o que está acontecendo, mas temos esse senso geral de humor e energia. E isso é tudo criado através de muitas dessas aplicações de lavagens molhadas em molhadas, permitindo que as cores realmente se fundam de maneiras inesperadas. Parece muito caótico e enérgico. E quase por andar de barco. E ainda assim, este artista não teve que usar muita secagem literal ou indicações de uma paisagem ou um C que apenas lê como uma tempestade sobre algumas águas muito ativas. Agora, este é um artista interessante, e eu acho que todos nós reconhecemos Mondrian deste trabalho aqui à direita com as grades e os quadrados nas cores primárias. E eu acho que muitas pessoas consideram este artista como garantido e não entendem bem o que ele estava tentando alcançar. Agora, os quadrados, retângulos e grades. Esses eram seus trabalhos posteriores. Seus trabalhos anteriores eram mais assim e ele fez um monte de trabalho em aquarela. Então eu coloquei algumas dessas imagens extras para ele só para mostrar como ele evoluiu como artista e como ele via o mundo. E eu acho que você pode começar a ver isso em algumas de suas pinturas onde ele está começando a olhar para o mundo através das grades naturais que são criadas. Mas ele também fez muitos de seus estudos e pinturas na cor da água. E você pode ver que ele abordou o muito diferente. Então esse artista, esse artista, eu acho que foi mais expressivo. Ele era um pouco mais controlado com sua aquarela. E vamos ver muita variação entre esses artistas em suas técnicas e sua abordagem a esse meio. E eu joguei esta pintura aqui só para mostrar quanta informação pode ser comunicada com apenas alguns traços. Então podemos ver claramente que esta é uma pintura de algumas árvores estéreis. E essencialmente o papel é apenas deixado como é para indicar neve. E, no entanto, ele se comunica muito. Então, uma pintura em aquarela não é uma questão de passar horas detalhando meticulosamente tudo o que você vê em uma paisagem. É realmente sobre dar uma impressão e criar um humor. Isto é pelo mesmo artista e eu incluí isto porque obviamente a pintura é muito bonita e minimalista. Mas eu também contrastei isso com o título muito longo que ele deu a esta pintura, que é Pegadas na Neve ao lado do novo colega no Rio Cooper. E, no entanto, a pintura em si é tão minimalista e ainda assim lê como uma paisagem nevada. E então aqui está um estudo de paisagens monocromáticas. E nós vamos fazer um desses nesta aula porque eu realmente quero enfatizar novamente como é importante pensar sobre valor e controle de borda em aquarela. Ainda mais do que a cor porque podemos realmente comunicar uma composição muito eficaz apenas através do valor e das nossas bordas. E não temos que nos preocupar muito com a cor. Podemos meio que esquecer isso. Não precisamos nos preocupar em combinar cores com o que observamos em uma referência fotográfica ou se estamos pintando da vida, é realmente mais importante focar em seus valores e bordas. Aqui está um quadro de Anders Zorn. Ele é outro artista impressionista cujo mais conhecido por suas pinturas a óleo. Mas ele fez muitos de seus estudos em aquarela, e eles são muito bonitos. E o que eu quero que vocês notem aqui é o contraste entre o grande céu brilhante, o lago que está refletindo esse céu, e então realmente apenas um pincel seco sobre as áreas que indicam massas de terra. E eu não quero ampliar porque eu sei que esta é uma foto que é realmente uma resolução muito baixa. Eu vou, eu vou zoom em um pouco, mas você pode ver que nós temos uma impressão de um monte de barcos na água, algumas estruturas na terra, algumas árvores, mas estes são todos realmente criados tropeçando e pincel seco e usando valores escuros em vez de entrar e desenhar meticulosamente cada item. Aqui está outra pintura que está quase afiando em ser mais realista. E, no entanto, é muito simples. Na verdade, se olharmos apenas para o fundo, podemos realmente ver três valores principais. Há o valor da luz do céu e depois há dois valores que criam essas montanhas distantes. O tigre é realmente uma espécie de apenas alguns salpicos de laranja, algum valor mais leve mostrando através. E então a estrutura é dada ao tigre adicionando essas marcas mais escuras no topo. E então temos alguma técnica de pincel seco em primeiro plano para dar um pouco de textura. E faz uma pintura muito eficaz, embora no geral seja muito simples. Aqui está outra pintura que eu acho que é um ótimo exemplo de como podemos apenas nos divertir com a nossa aquarela e não nos preocupar muito em ter desenhos perfeitos e ser muito detalhado. Vamos dar uma olhada nessas figuras nesta pintura. Você pode ver que, quero dizer, realmente estes são basicamente figuras pintadas com um pincel. Muito simples. E, no entanto, quando estamos olhando para a composição como um todo, é muito evidente que esta é uma composição povoada com um monte de pessoas que tem muita atividade e energia para ela. E, no entanto, aplicações muito simples. E até mesmo as árvores à distância, você pode ver como elas são simples. Então muitas vezes com aquarela, e é claro que vai depender suas ambições como artista e do que é importante para você. Mas eu acho que o que eu espero que você obtenha com isso é uma mentalidade muito relaxada para saber que uma composição se junta como um todo. E você não vai ser julgado pela sua habilidade de replicar itens na vida em um desenho que você pinta em cima dele. É um meio despreocupado e acho que devemos aceitar isso. Aqui está uma pintura mais realista e sim, eu quero chamar a sua atenção para o quão simples é. Vejamos apenas as cores desta pintura. É basicamente um monte de verduras, um pouco de amarelo, e um pouco de calor bem aqui no celeiro para dar um pouco de contraste. Mas eu acredito que a maneira que isso foi provavelmente pintado foi com apenas um monte de salpicos de verde e algumas lavagens leves, um monte de bordas suaves. E então o artista poderia vir mais tarde e adicionar algumas das pinceladas secas mais escuras para dar mais textura. Por exemplo, para os detalhes do celeiro, para os troncos das árvores. Essas são coisas que provavelmente estamos todos adicionados no final do processo de pintura. E se olhássemos para isso antes de serem adicionados, e eu acho que o que veríamos é apenas um monte de salpicos de verdes e amarelos, algumas variações entre os valores. Mas no geral, uma pintura muito abstrata. Aqui está uma bela pintura que realmente abraça bordas suaves. Então o artista escolheu para realmente minimizar quantas bordas duras ele tinha nesta pintura. Então vamos olhar para aqui onde vemos o céu se fundindo com aquelas colinas e picos distantes. Mas aqui temos um pico que está atravessando aquela neblina. E isso chama muita atenção para si mesmo. É muito bonito. Na água temos bordas mais suaves e depois temos apenas algumas bordas duras muito pequenas, acho que indicam um pouco de atividade humana em primeiro plano. Mas não há detalhes suficientes para determinarmos o que está acontecendo. E, no entanto, dá muito contexto a esta pintura. Aqui está outra aquarela de John Singer Sargent. E realmente a mesma coisa está acontecendo aqui que vimos na outra pintura da mulher na gôndola. Então podemos ver claramente que esta é uma pintura da Esfinge. E, no entanto, quando olhamos de perto para o rosto, Ele não entrou lá e tentou pagar nos olhos, no nariz, na boca e fazer com que parecesse um retrato da Esfinge. Ele deixou muito geral. E eu acho que isso realmente acrescenta muito interesse a uma pintura porque ativa nossas mentes. Convida-nos a participar da pintura. E mais uma vez, eu acho que essa é uma ótima maneira de pensar em se aproximar de uma pintura, saber que não cabe a você como artista soletrar tudo para o seu espectador. Porque, como telespectadores, gostamos de nos envolver com a arte. Gostamos que haja um pouco de mistério. Então você deve usar isso como um tipo de permissão apenas para ser muito solto e caprichoso em sua abordagem. Aqui está uma bela pintura. E eu quero que vocês vejam que realmente há tanto contraste no valor aqui e muito contraste e bordas. Então, se olharmos para o céu, podemos ver muitas bordas suaves. E então, como o artista está construindo mais do primeiro plano desta pintura, ele está usando valores mais escuros, bordas mais duras. E outra razão pela qual incluí esta pintura é, na verdade , porque obviamente é uma pintura de um arco-íris. Mas parece. Oh, desbotada e pálida e você pode se perguntar por que o artista pintou assim. Bem, eu estou supondo que ele provavelmente fez isso. Ele provavelmente usou algumas cores muito brilhantes para aquele arco-íris. Mas uma coisa a saber sobre pintura em aquarela e pigmentos de cor de água é que muitas vezes essas cores mais brilhantes e vívidas, eles tendem a ser mais fugitivos em termos de seu C permanente, que significa que eles vão desaparecer com o tempo. E acho que foi isso que aconteceu com este arco-íris. Portanto, é importante prestar atenção à classificação C permanente nas tintas que você escolher. Eu sei disso quando comecei a pintar aquarelas e eu estava usando pigmentos muito baratos para estudantes. Notei que as pinturas que ainda tenho anos depois desapareceram para quase nada. Então é muito importante prestar atenção nisso porque você pode pintar algo que você realmente ama. E com o tempo pode desaparecer se você não prestar atenção à classificação C permanente de suas pinturas. Mas para alguns pigmentos que não podem ser ajudados, Existem alguns pigmentos que vão ser fugitivos, não importa o quão alta desigualdade você compra. Aqui está outra pintura que eu acho que mostra um monte de contraste incrível entre as bordas suaves, especialmente no céu. Todas essas cores se fundem essas falésias distintas realmente criam uma borda suave entre o céu, permitindo que elas pareçam mais atmosféricas, um pouco mais nebulosas. E então, à medida que nos movemos para o primeiro plano, temos algumas bordas mais duras, alguns valores mais escuros. Mas também observe como esses números são simplistas, mesmo a figura que está mais em primeiro plano. Ele é muito simplista. E, no entanto, quando olhamos para a composição como um todo, aros, podemos ver que isso está se unindo e que temos toda essa atividade humana, mesmo que nenhuma dessas figuras seja desenhada em detalhes ou pintada de forma detalhada. Aqui está outra pintura que eu queria mostrar apenas quatro, realmente sua simplicidade porque quando eu penso em desconstruir esta pintura, o que eu vejo são salpicos de amarelo, verde e laranja. E então uma vez que tudo isso foi permitido secar, então o artista foi capaz de entrar e realmente adicionar os troncos e os ramos dessas árvores mais tarde. E então é importante saber que você é, pinturas em aquarela quase sempre vão começar a ser muito abstratas, muito suaves. E vamos adicionar estrutura e nossos valores mais sombrios à medida que avançamos. Aqui está outra pintura que eu acho realmente mostra como desenho simplista deve ser para uma pintura em aquarela em geral. Quero que reparem em todas estas arestas macias nestas árvores distantes. Todas essas árvores estão se fundindo. aquecimento entra e tenta pintar cada indivíduo da árvore um do outro. Ele só entrou e permitiu que essas cores se fundissem. E então ele criou um olhar mais distinto quando mais tarde acrescentou os troncos e os ramos das árvores. E também reparem como ele permitiu que os galhos se quebrassem onde as folhas estavam se sobrepondo. E isso dá um bom senso orgânico e natural. Então, a pintura geral. E notem também no reflexo que ele não tinha que copiar exatamente todas as marcas que ele fez nas árvores para o reflexo. Na verdade, o que procuramos é apenas indicações gerais, impressões gerais, em vez de sermos muito meticulosos em nossos desenhos. E, em seguida, para contrastar com muitas dessas outras pinturas, eu coloquei este aqui porque é muito, muito detalhado, muito bem renderizado. Isso tem um monte de escovação a seco nele. E, obviamente, o elemento de secagem nesta pintura é muito mais forte. E novamente, vai depender do seu estilo pessoal e quais são seus objetivos como artista quanto ao detalhe que você quer, quão preciso você quer que seu desenho seja, porque você pode realmente ir em qualquer direção. Mas eu encorajaria você, mesmo que seu objetivo final seja ser um pintor muito realista, que você deve abordar aquarela com uma mentalidade muito despreocupada porque muito do realismo de uma pintura vai ser construído no final. E realmente ajuda ter mais de uma base despreocupada para qualquer pintura em aquarela. E eu acho que você pode ver aqui, você sabe, ali, há algumas marcas soltas, especialmente na distância. Tenho certeza que ele começou com uma lavagem leve muito agradável de bordas suaves. E então ele construiu toda a estrutura em cima daquela fundação. E então a última pintura que quero mostrar é apenas um grande exemplo de pintura negativa. Então, como eu disse anteriormente, nesta série, quando estamos pintando em aquarela, nós construímos a partir de nossos valores mais leves e, em seguida, trabalhamos até nossos valores mais escuros que podem apresentar um pouco de um desafio quando você tem um fundo que é mais escuro do que o primeiro plano, isso significa que você vai estar pintando torno dos elementos que estão em seu primeiro plano. E é exatamente isso que está acontecendo aqui. Então, para todos esses balões iluminados são lâmpadas aqui, estes foram todos pintados em primeiro lugar, e então os valores mais escuros foram realmente adicionados em torno dessas belas cores brilhantes. Tudo bem, então é isso para a nossa pesquisa de aquarelas mestre. E vamos em frente e começar a pintar. Devemos? 3. Projeto 1: Estudo com valor e borda: A primeira coisa que vamos fazer hoje é um pouco de valor de aquecimento e estudo de borda baseado em alguns dos princípios que tínhamos aprendido no curso anterior. E eu vou mostrar a vocês como você pode realmente simplificar qualquer assunto e entendê-lo melhor primeiro fazendo um estudo simples de valor e borda. Então, mesmo que você seja bastante experiente com pintura, mas você se sente intimidado por um determinado assunto, eu realmente recomendo começar desta maneira onde você está usando apenas uma cor e você está apenas trabalhando em compreender esses conceitos muito importantes de valor e arestas. Porque de novo, isso realmente compõe muito do que é a pintura em aquarela. E se você pode quebrar uma composição nesses princípios fundamentais, então você realmente vai entender isso muito melhor. E você não terá esse fator de cor jogado na mistura imediatamente. Isso pode tornar a tomada de decisões um pouco mais difícil. Então eu gosto de fazer meus estudos de valores em azul só porque eu tenho uma gama mais completa de valor, eu posso ir muito escuro com ele, e eu também posso ir muito leve. Então eu nunca faria um estudo de valor com, digamos, amarelo, talvez ler. Mas você não vai conseguir os valores mais profundos. E, na verdade, nesta pintura, quando eu precisar do meu valor mais sombrio, eu vou descobrir que mesmo o meu azul não é suficientemente escuro. Então eu vou realmente adicionar um pouco de vermelho lá apenas para escurecer esse valor um pouco. Então aqui estou eu começando com meus valores mais leves e minhas bordas suaves. E quando estamos pintando paisagens, uma coisa que queremos sempre pensar é a perspectiva atmosférica. E com a perspectiva atmosférica, tipicamente o que vamos ver é que o nosso valor mais leve na composição vai estar no céu. Isso é verdade quase todo o tempo, é claro, exceto se você estiver pintando um Nocturne, que é uma pintura de paisagem que você pinta com um céu noturno. Ou se você tem um céu muito tempestuoso com um monte de nuvens de tempestade que o seu céu, talvez mais escuro do que outros elementos na pintura. Mas, na maior parte, se estamos fazendo uma cena diurna, nosso céu será nossos elementos mais leves, então tendemos a pintar isso primeiro. E eu posso simplesmente ir em frente e aplicar um tipo de lavagem meio leve sobre toda a pintura. Porque em aquarela, pintamos de nossos valores mais leves para nossos valores mais escuros. E isso significa que podemos sempre aplicar nossos valores mais sombrios sobre tudo o resto. Então, quando começamos uma pintura em aquarela, vamos ser muito gerais em encontrar esses valores mais leves. Então você viu que eu usei meu secador de cabelo só para secar isso um pouco para que essas bordas fiquem um pouco mais difíceis. Eu permiti que meu papel permanecesse um pouco úmido porque eu não quero que essas bordas sejam muito duras, porque isso é meio termo. Então eu estou olhando para aquelas árvores que estão no meio da faixa. E vocês podem ver que nesta referência fotográfica temos um Hayes muito bom acontecendo. E isso ajuda a aumentar essa perspectiva atmosférica, é por isso que escolhi esta fotografia. E eu também quero mencionar que todas essas referências de fotos estarão disponíveis para download ou para visualização. E essas referências de fotos que estou usando para este curso, todas elas vêm de um site chamado pixabay.com. É um ótimo recurso para artistas porque é livre de royalties, que significa que você não tem que pagar pelo uso das imagens, e também é livre de direitos autorais, então você não precisa se preocupar com quaisquer implicações legais de usar essas referências fotográficas. E se você for à fonte original para todas essas referências de fotos que estou usando. Você vai notar que eles são um pouco diferentes do que você vê aqui na tela. Isso é só porque eu cortei eles para que a composição é um pouco mais em linha com o que eu uma vez. Então você pode ver que agora que eu tenho essas árvores de gama média no lugar, eu tinha usado meu secador de cabelo novamente apenas para secá-las porque agora eu quero realmente entrar com minhas bordas mais duras e criar alguma textura. E eu vou usar um monte de escova seca. E isso funciona muito bem com os valores mais escuros porque eu quero carregar mais pigmento no meu pincel e não ter tanta água no meu pincel para que eu obtenha esses valores mais escuros. E eu também vou ser capaz de alcançar mais textura. Pode ser um pouco difícil fazer com que a tinta seja transferida do pincel para o papel quando estiver usando uma técnica de pincel seco. Mas é apenas uma questão de talvez adicionar um pouco de água pode ser apenas mergulhar a ponta do seu pincel na água para que você possa obter fluidez suficiente para fazer essa transferência. E você também pode ver aqui, este é o lugar onde eu adicionei apenas um pouco de vermelho nesta mistura, apenas para que eu possa distinguir esses valores desses valores de médio alcance um pouco melhor. E então aqui você pode ver que quando eu estou fazendo essa técnica de escova seca, eu não tenho muita água no meu pincel. E se eu tivesse muita água no meu pincel, o que eu faria seria bloquear minha Bruxelas em uma toalha de papel para remover um pouco dessa umidade. E eu estou segurando meu pincel em um ângulo muito baixo. E realmente usando isso para fazer aquela técnica tropeçar sobre o resto da pintura para que eu obtenha alguma textura agradável. Eu quero ter certeza de que, ao construir minha pintura, eu nunca vou cobrir completamente esses valores anteriores porque, claro, eu os apliquei por uma razão. Eles são importantes. Mas queremos criar variações e camadas suficientes para dar uma sensação de atmosfera e profundidade em nossas pinturas. E você pode ver aqui que mesmo sem cor, nós realmente podemos transmitir uma mensagem forte. E você pode começar a pensar sobre as diferentes técnicas que você quer usar em sua pintura final. E você começa a resolver alguns dos problemas que você pode encontrar com a pintura. Portanto, é realmente ótimo fazer sempre um estudo de valor e borda antes abordar um assunto que você pode achar um pouco desafiador ou você não tem certeza de como isso vai funcionar. E então eu também estou fazendo um pouco de tropeço e escova seca aqui na grama só para dar um pouco de textura aqui. E é muito importante também, quando você está pintando paisagens, especialmente para começar a pensar sobre como você vai criar diferentes efeitos sem entrar e tentar pintar. Por exemplo, folhas individuais são ramos individuais são lâminas de grama. Então o que eu gosto de fazer apenas para adicionar um pouco de textura e essa impressão de grama em primeiro plano é apenas fazer um pouco de escovação seca ou embaralhar para dar um pouco de textura até deixar esses valores na distância ser mais leve e as bordas para ser muito mais suave. E à medida que passo para o primeiro plano, posso usar bordas mais duras e meus valores mais escuros. E isso dá um monte de contexto para a pintura e realmente ajuda tudo a se unir. Então aqui você pode ver a pintura final. E mesmo que nós realmente só usássemos um pouco azul minúsculo ou ler, ele realmente veio junto. 4. Projeto 2: Hazy Árvores: E agora que fizemos um estudo rápido de valores, vamos em frente e tentar essa mesma composição usando cor. Então o que eu vou fazer é falar um pouco sobre desenho para pinturas em aquarela porque eu sei que isso é algo pelo qual os novos artistas se sentem muito intimidados. Eles não se sentem como se fossem gavetas fortes. Eles se preocupam que eles precisam trabalhar em suas habilidades de desenho antes de entrar em aquarela. E talvez algumas pessoas não estejam muito interessadas em desenhar. Bem, eu tenho algumas notícias realmente boas para você porque muitas vezes nós somos melhor manter nossos desenhos muito soltos e simples e não ficar muito agitado sobre detalhes ou ser capaz de desenhar tudo o que nós pensamos que precisa para ir em um Boa pintura. E espero que você tenha visto quando passamos por aquela pesquisa de pinturas de aquarela mestre, que realmente os desenhos podem ser muito soltos e muito indulgentes neste processo. Porque o que estamos realmente focados, novamente, são os valores, as bordas. E agora também vamos começar a construir algumas cores muito interessantes. Então, quando eu estou fazendo uma pintura de paisagem em aquarela, eu começo meu desenho geralmente encontrando a linha do horizonte, colocando isso e talvez encontrando a linha principal que separa o céu de alguns dos outros assuntos. E eu gosto de fazer isso bem leve que você pode ver aqui. E não se preocupe se suas marcas de lápis aparecerem através de sua pintura em aquarela, você vai desenvolver uma sensação de quanta pressão aplicar com seu lápis ao longo do tempo. E honestamente, algumas pessoas realmente gostam das marcas de lápis mostrando através dele dá um pouco de estrutura e ajuda a pintura em aquarela a se sentir muito solta, fácil e relaxada. E isso é o que realmente queremos alcançar com nossas pinturas em aquarela. Não apenas no resultado da pintura, mas queremos estar muito relaxados e ter um estado de espírito muito fácil quando estamos fazendo pinturas em aquarela. Então não se preocupe muito com o desenho. Não se preocupe com suas marcas de lápis aparecendo. E vá para a parte da pintura, porque é por isso que estamos aqui. Acho que sim. Então, novamente, estou começando com meus valores mais leves e minhas bordas mais suaves, mas agora estou trabalhando mais com cores. Então eu fui em frente e eu localizei a cor mais clara e brilhante nesta composição, que é aquela pequena raia de amarelo no céu. E então esse seria o primeiro pilar para eu aplicar. E você viu que eu bati meu papel antes de aplicar qualquer cor só para ter certeza de que eu tenho uma borda muito suave entre todas essas cores para fazer o céu parecer que está brilhando e vivo. E mesmo enquanto tudo ainda estiver molhado e eu vou colocar aquelas árvores mais distantes. E eu basicamente misturei uma violeta pastel suave. E estou mantendo o valor muito leve. Então eu tenho muita água nessa mistura. E eu quero que essas árvores distantes se misturem com o céu só um pouquinho. Então você pode descobrir que quando você está trabalhando molhado em cores molhadas, comece a se fundir de maneiras que você não esperava ou uma vez. Mas eu encorajaria você a deixar isso pra lá. Porque quanto mais você mergulha seu pincel em sua pintura e tenta mudar essas cores do jeito que você acha que eles deveriam ir. Quanto mais suas cores realmente vão acabar parecendo muito lamacentas e sobrecarregadas. Então, não importa o que aconteça, apenas se comprometa a permitir que as cores fluam juntas da maneira que elas bem, porque eu garanto que no final, você vai esquecer que isso foi algo que você não queria que acontecesse. E você vai acabar com muitas dessas misturas inesperadas que tornam pinturas em aquarela tão interessantes. Então eu realmente encorajo você a esquecer isso. Então agora eu tenho todos os meus valores de luz no lugar. E você pode ver que eu apliquei uma boa lavagem leve sobre toda a composição. Eu realmente não queria deixar nada branco para isso. E realmente não há necessidade porque eu vou construir meus valores mais sombrios no topo. E enquanto este papel ainda está um pouco molhado, bem, eu não diria o quê? Eu diria. Talvez úmido. Eu vou em frente e colocar algumas dessas árvores do meio do solo. E se você se lembra do meu estudo de valor, eu realmente usei meu secador de cabelo e sequei isso antes de aplicar isso nesse valor estável. Mas eu decidi a partir desse processo de tentativa e erro de fazer esse estudo de valor que estes realmente poderiam ser melhor servidos como sendo um pouco mais suaves. E é por isso que eu decidi ir em frente e colocá-los em enquanto meu papel ainda estava um pouco molhado para que eu ainda tenha um pouco mais de distância construída e um pouco mais de perspectiva atmosférica. E novamente, enquanto isso ainda está bem, eu vou começar a adicionar em algumas cores mais ricas, alguns valores ligeiramente mais escuros no primeiro plano para que eu possa construir minha técnica de pincel seco em cima disso. E aqui estou eu finalmente secando isso antes de entrar em meus valores mais sombrios. Então agora eu quero ter um monte de pigmento, não muita água no meu pincel, mas o suficiente para que eu possa pelo menos obter alguma boa cobertura. Então eu estou meio que testando aqui depois que eu borrei isso fora na minha toalha de papel, eu quero que alguns desses valores médios para mostrar através para dar uma sensação de que essas árvores não são blocos completamente sólidos, mas especialmente quando eles se aproximam do topo vai haver um pouco mais de formas quebradas. Então eu estou usando mais desta técnica de pincel seco no topo das árvores. E quando eu descer até o fundo da árvore, vai haver um pouco mais sólido? E então eu posso realmente ter mais água no meu pincel e fazer pinceladas maiores. Mas aqui você pode ver que eu estou fazendo minha técnica de pincel seco onde eu mantenho meu pincel em um ângulo muito baixo, quase plano, quase paralelo à superfície da pintura. E eu só uso o lado largo do pincel para fazer movimentos de varredura curtos para obter. Um pouco daquela escova seca e técnica de tropeço. E eu estou trabalhando duro para manter meus valores bem escuros de adicionado muito mais azul para esta mistura. Enquanto no topo dessas árvores mais escuras, era um pouco mais violeta. E agora eu quero trabalhar mais perto de um preto, então eu preciso realmente misturar um pouco mais amarelo. Porque lembre-se quando estamos misturando neutros e negros iriam ter uma combinação de todas as três cores primárias. E se quisermos mesmo um preto rico do que queremos que a mistura se incline um pouco mais perto do azul. Mas também precisamos ter um pouco de vermelho e um pouco de amarelo lá também. E aqui estou eu novamente, aplicando um pouco de tropeço e escova seca na grama em primeiro plano para dar um pouco de textura. E você pode ver aqui que as coisas ainda estão um pouco leves. Mas se você notar o céu e as árvores mais distantes, elas estão se misturando muito bem e criam efeitos atmosféricos muito sutis. Então eu vou seguir em frente e secar completamente isso de novo antes de entrar com meu valor mais escuro e minhas bordas mais duras. Então eu vou começar com amarelo só para ter certeza que eu tenho o suficiente disso lá dentro. Não importa qual ordem você mistura suas cores quando você está tentando misturar um neutro ou um preto. Mas eu acho que você quer pensar um pouco mais adiante, você precisa disso para ser mais um marrom quente neutro ou você precisa que isso seja um preto neutro legal porque isso vai impactar o quanto de cada cor que você coloca na mistura. Então eu realmente queria que isso fosse um pouco mais quente. E foi por isso que comecei com o meu amarelo e o meu carro e depois adicionei um pouco de azul a isso. Para que isso se inclinasse um pouco mais perto dessas cores mais quentes e fosse um pouco mais marrom. E isso dá um bom contraste também para aquelas árvores que são principalmente violetas no meio do solo. Então aqui é onde eu estou começando a construir as formas mais sólidas nesta área de primeiro plano. E você pode ver aqui que eu estou usando mais tropeço, mais escova seca no topo onde esta grande árvore vai estar. Não está tão escuro agora como vai ser, mas quero começar mais leve. Quando você está pintando aquarela. Se você não tem certeza de um valor, é sempre melhor errar no lado de ir para a luz porque com aquarela, sempre podemos adicionar nossas escuras, mas não podemos trazer de volta um valor mais leve. Então, é melhor, se você vai cometer algum erro, cometer o erro de tornar as coisas muito leves, e então você pode avaliá-lo mais tarde e escurecê-lo conforme necessário. Então, novamente, eu quero que as formas sejam um pouco mais quebradas em direção ao topo dessas árvores. E então como ele chega ao fundo onde as coisas são um pouco mais condensadas porque há uma espécie de mistura de plantas curtas com as plantas altas, então temos uma forma mais sólida aqui. Mas você pode ver que mesmo que nós adicionamos um monte de cor aqui e nós usamos um monte de neutros que nós fomos capazes de realmente, novamente, efetivamente comunicar esta paisagem através do uso de primariamente valor e bordas. Fazendo um pouco mais seco escova para baixo na parte inferior antes de eu terminar isso, adicionando um pouco mais escuro. Então aqui eu entrei com um pouco de azul e eu estava apenas colocando isso em cima desses neutros mais quentes só para dar um pouco mais de profundidade a essas árvores para que elas não pareçam completamente planas. E agora eu estou apenas olhando em volta da composição, vendo se há algum ajuste final que eu preciso fazer antes de tirar a fita. Talvez um pouco mais de escovação a seco para tornar estas formas aqui em baixo um pouco mais sólidas. Mas, basicamente, deveria ser isso. Para isso, é realmente importante começar a pensar em que ponto você quer parar. E assim como com todas as minhas aulas de pintura, eu realmente enfatizo tirar algum tempo de sua pintura se você começar a se sentir duvidoso sobre se está ou não feito, volte a ele com olhos frescos e avalie-o nesse ponto. Porque muitas vezes você vai descobrir que menos é mais com pintura. E a pior coisa a fazer é sobrecarregar uma pintura com aquarelas. Nós certamente queremos mantê-los muito simples, caprichosos e relaxados. 5. Projeto 3: árvores do outono: Para o nosso próximo projeto, eu quero mostrar a vocês como basicamente a mesma abordagem para aquarela vai se aplicar mesmo quando você tem uma paisagem que não tem tanta profundidade e presença de perspectiva atmosférica. Então vamos pintar esta bela cena de outono. E novamente, esta referência de foto é de pixabay.com. Vai estar ligado nos projetos. E você vai descobrir que eu fiz alguns recortes aqui só para tornar a composição um pouco mais simples. Muitas vezes, quando estamos pintando, não importa o quão experiente você é. Muitas vezes ter uma composição mais simples vai ser melhor e às vezes isso não se traduz em fotografias. E então, muitas vezes, se estivermos usando uma referência fotográfica, quer você mesmo tenha tirado a foto ou esteja usando um site como pixabay.com, você descobrirá que muitas vezes você vai se beneficiar muito entrando e recortando o foto em uma composição que é um pouco mais simples. Vai fazer a sua pintura traduzir melhor. Vai ser, é claro, mais fácil de pintar e mais fácil de entender. Encorajo-te a brincar sempre com isso. Então na minha pintura você viu que eu comecei molhando meu papel e então eu procurei o valor mais leve na foto, que na foto eu realmente parece que ele é branco. E muitas vezes com fotografias iam ser explodidas áreas que parecem ser brancas. Com a pintura, normalmente queremos traduzi-los em algum valor muito leve. E então, para isso, escolhi um amarelo muito claro. E à medida que desço este quadro, mantenho todas as minhas bordas muito suaves e os meus valores, claro, muito leves. Mas procuro apenas algumas pistas das cores que construirei nesta pintura. E assim mesmo no centro da pintura você viu que eu misturei uma espécie de cor quente e neutra, quase um cinza. E, em seguida, abaixo disso e em seguida, um verde neutro agradável. E, em seguida, no fundo, é uma laranja terrosa muito agradável. E vou secar isto completamente antes de seguir em frente. Entrando com mais vermelho e amarelo aqui, porque eu estou olhando não apenas para o próximo valor, então meio que no valor médio, mas eu também estou olhando para que cor realmente vai ser o centro desta pintura, o foco pontos, e eu, claro, vejo um monte de laranja e um monte de vermelho. Então, vou começar com a minha laranja. E você pode ver aqui eu estou usando uma espécie de combinação de ter um pouco de água em minhas cerdas. Mas à medida que eu movo esse golpe para fora, eu estou permitindo que esse golpe se torne um pouco mais seco para que eu obtenha algumas dessas bordas rígidas agradáveis. E isso traz muita energia para a pintura. E isso é algo que é realmente divertido de fazer, eu acho, especialmente com árvores e folhagem. Então comecem com um pouco de água nas cerdas. Mas à medida que você move o pincel em seu papel, você naturalmente vai perder um pouco dessa umidade. Então, apenas permita que o golpe se dissipe em uma caneta de ponta mais dura de um tropeço. Vou fazer isto muito despreocupado por toda a pintura. Eu adicionei mais amarelo nesta mistura para dar um pouco de variação. E eu estou apenas procurando áreas onde eu possa adicionar um monte de esta realmente agradável cor brilhante. Então, neste ponto eu não estou realmente misturando quaisquer neutros, mas vai haver um monte de neutros nesta pintura em geral. Então agora vou misturar um pouco de verde. Eu quero que ele realmente se inclinar neste ponto em direção ao amarelo porque à medida que eu adicionar mais azul ao verde, ele vai chegar a um valor mais escuro. E é claro que agora eu estou apenas olhando para valores médios, mas você pode definitivamente ver que eu estou permitindo muitos desses valores mais leves para mostrar através. E se você olhar para cima no canto superior direito onde eu apliquei aquela lavagem leve de amarelo. Neste ponto, essa área quase parece branca, mas você verá quando eu remover a fita no final do processo de pintura que este é um belo amarelo brilhante. Não é completamente branco, mas dá aquela bela impressão luminosa de um céu brilhante nessas árvores são um pouco iluminadas. Então aqui estou eu misturando mais de um neutro. Eu adicionei um pouco de azul nessa mistura e eu vou ir em frente e começar a escovar levemente em alguns ramos. E uma coisa que eu gosto de dizer às pessoas sobre pintar árvores é que você não deve tentar copiar cada galho e um galho que você vê na referência da foto, porque é claro que uma fotografia captura tudo e nós não precisamos copiar isso. Então o que eu diria é para não ter muita água em seu pincel, mas o suficiente para você as tintas ou fluir e usar tipo de linhas afiadas, jaggedy. Não se preocupe com linhas retas. E também permitir que essas linhas se separem, especialmente quando você chegar ao topo da árvore, ele pode realmente trazer uma boa sensação de luzes aqui pinturas ou tê-las quebradas para que você não precise de linhas sólidas. E para essas árvores que estão mais à distância, você pode ver que eu adicionei um pouco de água nessa mistura para que elas se misturem um pouco com o fundo. Então isso vai dar uma impressão muito sutil de árvores à distância sem chamar muita atenção para si mesmos. E aqui estou eu adicionando um pouco mais azul para tornar esse valor um pouco mais escuro. E eu estou fazendo um pouco de escova seca no fundo onde temos algumas dessas folhas caídas acumulando. E isso vai nos dar uma boa sensação de profundidade nesta pintura que, você sabe, porque nós temos todas essas árvores que estão tão perto do ponto de espectador. Não há muita profundidade em termos de atmosfera aqui, mas podemos criar isso apenas usando mais de nossa textura e são bordas mais duras em primeiro plano. E então na distância que estamos usando são valores mais leves e são bordas mais suaves. Então, novamente, essas árvores que estão mais à distância, estou sendo muito cuidadoso para não ter. Cores muito saturadas para estes porque eu quero que eles estejam lá para dar um pouco dessa textura à distância. Mas eu não quero que eles adicionem muito contraste lá atrás porque isso vai chamar a nossa atenção para a distância demais e criar uma pintura que parece um pouco caótica. Então, qualquer coisa que eu esteja pintando mais à distância, eu vou deixar um valor mais leve e permitir que ele se funda com o ambiente. E novamente, como estou pintando alguns desses galhos, não me preocupo em copiar as árvores que vejo na foto. Só estou usando mais uma abordagem gestual. Então eu só vou entrar com o meu pincel e eu estou mexendo nele. Estou permitindo que a tinta e o pincel façam exatamente o que ele vai fazer e isso vai criar marcas mais naturais. Então, se eu estivesse tentando desenhar meticulosamente em cópia cada ramo que eu vejo. E, honestamente, estou adicionando muitos ramos na minha pintura só porque sinto que a referência fotográfica está um pouco faltando em termos de estrutura para esta pintura. Então sinta-se livre para fazer o que quiser. Você pode querer manter suas árvores mais mínimas e se concentrar mais na folhagem e nas cores, querendo ter apenas um pouco dessa estrutura sutil à distância. Tudo bem, então à medida que eu me movo para os objetos que estão mais no primeiro plano desta pintura, eu vou adicionar mais pigmento à minha mistura, então menos água, mais grávida, muito mais do meu azul, embora isso ainda esteja inclinado muito para o lado vermelho. Até agora, estou adicionando um monte de azul aqui, um pouco mais vermelho. E você vai encontrar, você sabe, qualquer cor que você está usando. Você vai descobrir que um de seus pigmentos é muito mais forte que todos os seus outros pigmentos. E no meu caso, vermelho é muito poderoso. Então, mesmo quando eu adiciono um pouco de vermelho e ele realmente leva para o lado vermelho dessa mistura. Então, se eu quiser que seja, caso contrário, eu normalmente tenho que adicionar mais azul neste caso para que eu obtenha esse valor mais escuro. Então agora estou começando a trabalhar nos troncos de árvores que estão mais em primeiro plano. Então, é claro que eu preciso que estes sejam muito mais escuros, muito mais saturados. E estou permitindo que as bordas sejam muito mais definidas e mais difíceis. E é importante apenas para aterrar estas árvores. Então eu estou adicionando um pouco de uma sombra elencada onde eles se encontram com o chão para que eles não pareçam que eles estão flutuando. Novamente, observe o gesto que faço quando estou pintando os galhos. Isso não é algo que você possa pensar como desenho. Então eu estou segurando meu pincel muito frouxamente, tipo em direção à extremidade traseira do pincel. E eu realmente encorajo você a fazer isso porque isso vai soltar seus traços. E você vai realmente obter marcas mais naturalistas usando uma aderência muito solta em seu pincel. E eu não tenho muita água aqui, então eu posso obter essas bordas mais duras, mas eu não estou tentando controlar essas linhas demais. E como eu me movo para o fundo de alguns desses ramos e troncos, eu vou usar mais azul lá para que pareça um pouco mais escuro. E não se preocupe se nem todos os galhos que você paga em sua árvore entrarem em contato com o tronco. Porque novamente, não se trata de copiar a semelhança exata dessas árvores. É realmente sobre capturar o gesto das árvores e criar uma impressão e uma textura. E nesta árvore que está no lado direito da composição, ela é quebrada um pouco por algumas das folhas que estão na frente dela. Então é realmente importante que eu não pague uma linha sólida desde o fundo da composição até o topo porque eu quero dar a impressão de que há realmente folhas sobrepostas a essa árvore. Então eu vou usar um monte de linhas quebradas naquela área, um monte de tropeço. E agora eu estou apenas olhando para tentar pensar que se há mais alguma coisa que eu precise fazer, é importante de novo dar um passo para trás da sua pintura. Faça uma pausa, volte para ele e veja como se sente sobre isso. Porque isso pode ser feito ou você pode ver algumas áreas que só precisam de um pouco mais de melhorias. Então o que eu decidi que eu precisava fazer aqui era apenas para iluminar alguns desses amarelos. Agora aquarela de cursos, um meio muito transparente. Então esses amarelos que eu estou aplicando aqui enquanto eles estão molhados, parece que está fazendo uma grande diferença, mas à medida que seca, ele vai se tornar muito transparente nesse efeito será muito mais sutil. Vou tropeçar com um pouco de vermelho aqui no fundo porque eu sei que preciso de alguns valores mais escuros na parte inferior para que esta pintura, de novo, tenha aquela boa sensação de profundidade e textura. E eu também decidi isso porque eu tenho todas aquelas laranjas e amarelos e eu precisava de um pouco mais de variação nas próprias folhas. Então eu estou tropeçando com apenas um pouco de vermelho aqui. E eu vou fazer alguns salpicos com o vermelho também. E esta é uma técnica que pode ser muito divertida de usar em aquarela. Eu não cobri isso na aula de técnicas básicas de textos porque não há realmente uma maneira de demonstrá-lo em um pequeno quadrado. Você pode ver aqui que eu carrego meu pincel. Ele tem um pouco de pigmento e um pouco de água nele porque precisamos desse pigmento para ser capaz de tipo de deslizar fora das cerdas e sobre a pintura. Então é um equilíbrio entre ter água suficiente e pigmentos suficientes para que ele apareça. E com uma cena como esta onde temos um monte de folhagem, Esta é uma ótima maneira apenas para adicionar um pouco mais de textura nas partes superiores das árvores. E você vai ter que apenas tipo de experiência com saber onde a água vai pousar quando você respingos. E também, é claro, você quer estar em uma área de trabalho onde você não se importa que as coisas fiquem um pouco confusas. As tintas em aquarela podem ser muito coloridas e permanentes. Então, se você está fazendo essa técnica, apenas certifique-se de que você não tem nada por perto que você não quer respingos porque é muito difícil controlar exatamente onde os fundadores vão. E eu acho que com isso, e talvez um pouco mais de valor em alguns desses ramos, especialmente os ramos de primeiro plano. E, na verdade, o que eu decidi aqui foi que este ramo ou este tronco precisava ser um pouco mais grosso porque eu não achava que havia variação suficiente entre a espessura dos troncos. Então eu adicionei um pouco de espessura lá com um valor muito escuro. E vai neutralizar isso um pouco mais com um pouco de amarelo. Basta entrar aqui, tem algumas folhas no canto superior. Talvez eu devesse ter deixado isso de fora, mas você sabe, você toma decisões rapidamente e às vezes eles funcionam e às vezes não. Então eu acho que, no geral, esta pintura funcionou muito bem. E isso eu acho que é apenas parte de saber quando parar e quando realmente as coisas parecem boas o suficiente ao ver que pode haver coisas em sua referência fotográfica que não necessariamente precisam entrar em sua pintura para fazê-lo funcionar. Então eu diria que foi esse o caso. Eu realmente não precisava adicionar esses últimos traços, mas, você sabe, você faz o que você faz e você aprende. E no geral, porém, essa composição, eu acho, funcionou muito bem, e é bem simples. 6. Projeto 4: Grand Canyon: Agora que pintamos algumas composições mais simples, vamos em frente e começar a olhar para algumas composições mais complexas para ver como podemos usar todos esses mesmos conceitos e técnicas muito simples para aplicá-los a qualquer composição. E por isso, vamos pintar o Grand Canyon. E o Grand Canyon é um assunto tão grande e você vai encontrar, é claro, muitos artistas pintando o Grand Canyon, idealmente da vida se você realmente chegar e visitar. Mas no nosso caso, vamos usar outra referência fotográfica de pixabay.com. E novamente, se você olhar para a referência original da foto, você vai ver que eu cortei isso um pouco. Esta foi realmente uma vista panorâmica. Mas a razão pela qual o Grand Canyon é tão incrível para tintas é porque temos uma visão tão incrível de tanta distância. Então podemos ver por milhas e milhas porque estamos tão altos e temos um ponto de vista muito claro tipicamente. E então o que vamos conseguir é muita perspectiva atmosférica realmente forte, que torna a pintura tão interessante. E as variações de cor vão ser muito nuances e divertidas de misturar e, claro, bonito para olhar. Então, novamente, eu estou começando com um desenho muito, muito simples, mantendo minhas formas em primeiro plano tipo de rígida e irregular. Então segurando meu lápis muito vagamente, é claro, assim como eu faço com meu pincel. Porque novamente, nós não estamos realmente indo para um desenho muito apertado ou sua pintura de altura. Queremos mantê-lo muito caprichoso e leve. Então, novamente, não se envolva muito no desenho, apenas encontre algumas dessas bordas mais básicas que precisamos distinguir. E eu sei que você mal pode vê-lo, mas eu apenas levemente lápis no topo mais distante do cânion. E novamente, não tentando copiar exatamente essa forma. E eu acho que uma boa maneira de se manter sob controle para ter certeza de que você não está ficando muito preocupado com a precisão em seu desenho, é que a foto faz referência apenas a um ponto de salto para você. As pessoas vão ser capazes de olhar para o seu quadro e saber o que você pintou. E eles não vão dizer, hey, você sabe, há um ângulo lá atrás que você não entendeu bem porque eles vão estar olhando para o seu quadro. Eles não vão olhar para o seu quadro aqui, referência fotográfica e compará-los. Isso não é o que fazemos. Nós amamos pinturas porque elas são feitas por nós com nossas mãos e elas têm essa qualidade para elas. Então vou começar a pintar o céu. Há muita cobertura de nuvens aqui atrás. Então eu quero um pouco de variação de valor no meu céu. Então eu tenho um pouco de valores mais leves sobre no canto superior direito do Skype. Deixei um pouco mais leve e entrei com mais Violet do lado esquerdo. E agora, enquanto isso ainda é o que eu vou apenas muito vagamente começar a colocar no topo do cânion mais distante. Vou permitir que isso se funda com o céu onde quer que seja. Eu só vou deixá-lo. Entrando com mais pigmento e menos água. E isso ajudará a controlar esse limite um pouco. Mas é claro, porque tudo está molhado vai se fundir e criar uma fusão suave muito agradável. E agora eu estou olhando mais para o queniano que eu diria que está na faixa média. Então nós temos um canyon muito longe na distância que vai ler como um pouco mais de um violeta azul. E então, no intervalo médio, teremos um cânion que é um pouco mais quente. Então eu adicionei muito mais laranja e amarelo. Então isso, mas vamos neutralizá-lo um pouco para que nossas cores mais saturadas sejam o primeiro plano onde os pontos de vista estão. Então, novamente, mantendo isso muito abstrato, muito solto, é tudo apenas uma grande lavagem de valores de luz, bordas suaves e cores brilhantes neste ponto. E esta vai ser a base para o que podemos construir esta pintura. Então isso é muito importante para não tentar pintar itens individuais na pintura neste ponto, mas para tipo de capturar esse senso geral de bordas suaves, cores brilhantes, valores de luz. E mesmo que as coisas neste momento não estejam indo do jeito que você pensou que deveriam. Talvez algumas cores estejam se fundindo de maneiras que você não necessariamente gosta neste momento. Estes serão todos valores tão leves que, no final, eles nem vão ser perceptíveis. Agora eu só adicionei um pouco de azul de volta aqui para este Canyon mais distante, enquanto isso ainda é macio para que eu possa obter algumas bordas suaves realmente agradáveis aqui. Mas eu não quero exagerar nesse azul, então eu preciso mantê-lo bem leve. E eu vou ter algumas flores. E mais uma vez, isso é apenas outra coisa que você pode não planejar. Mas eu diria que deixe acontecer. Porque eu acho que no final da pintura, em primeiro lugar, não vai chamar muita atenção para si mesmo, e vai adicionar muito caráter à sua pintura. Agora que eu sequei isso, eu vou entrar e eu vou ter alguns desses quenianos mais distintos ser um pouco mais definidos por eu preciso ter cuidado para manter meus valores bem leves. Então, muita água na mistura, porque eu não quero ter muito contraste entre o céu e essas bordas mais distantes do Canyon. Porque novamente, isso vai arrastar muita atenção visual para a distância e fazer com que pareça que é o ponto focal quando realmente queremos que isso esteja lá para o contexto. Mas não é o ponto focal. O primeiro plano será os pontos focais. Então agora eu estou adicionando alguns tons mais quentes para este lado do canyon no mid-range, fazendo um pouco de escovação a seco apenas para capturar algumas das estrias de todas as formas rochosas. E o que eu realmente preciso fazer para este desfiladeiro que é meio que de alcance médio é que eu preciso neutralizá-lo agora mesmo. Está um pouco quente demais. Não é grande coisa nesse ponto, porque podemos passar por cima dessas cores quentes com algumas cores neutras e fazer um pouco de vidros para meio que tonificar aqueles para baixo um pouco. Mas isso é algo que eu preciso começar a pensar neste momento. Porque quando temos tantas formações, que, claro, todos esses canyons são essencialmente feitos dos mesmos materiais. E assim obtemos aquela cor azulada, violeta e nebulosa apenas por causa das partículas na atmosfera que estão se acumulando entre o ponto de vista e os penhascos. E isso é o que está mudando nossa percepção da cor. E então, quando estamos pintando, precisamos manter isso em mente que, apesar de todos esses mais próximos feitos do mesmo material, e se estivéssemos em cima de outro penhasco, pareceria muito quente e meio que que cor laranja avermelhada para ele, assim como o primeiro plano aqui. Mas porque há tantas partículas ou moléculas de atmosfera, de oxigênio entre nós e aqueles penhascos, isso vai ser o que cria essa bela névoa atmosférica. E então precisamos ter certeza de que estamos mantendo essas cores neutralizadas de acordo com esse conceito de perspectiva atmosférica. E à medida que me movo agora para o primeiro plano, vou entrar com uma cor quente muito viva, muito amarelo, um pouco de vermelho e apenas um pouco de azul. Vou começar a construir um pouco dessa textura. Então eu não chamaria isso de escova seca. Eu chamaria esse tipo de molhado no Drive porque não estou tropeçando. Mas estou permitindo que um pouco desse valor mais leve apareça. Mas o que eu preciso fazer aqui é realmente começar a construir essas cores mais vivas e saturadas para que eles se distinguem dos penhascos e dos cânions que estão mais à distância. E algo que espero que vocês comecem a notar como um padrão medida que passamos por todas essas pinturas é que vamos passar a maior parte do nosso tempo e esforço nas áreas da pintura que são mais dos pontos focais. Então, onde queremos mais interesse visual, é aí que vamos realmente acabar gastando a maior parte do nosso tempo. E eu mencionei isso porque é importante saber que com partes da pintura que não são o seu ponto focal, talvez estejam mais à distância. É realmente importante parar de mexer muito com essas áreas porque elas podem ficar sobrecarregadas. E quanto mais tempo gastarmos em uma área da pintura, mais atenção vai ter porque colocamos muita informação lá atrás basicamente. Então precisamos ter certeza de que estamos mantendo essas áreas realmente mais do lado de serem desfeitas ou inacabadas. E muito leve e não tem muita informação visual nessas áreas. E então na área onde queremos que o espectador passe a maior parte do tempo procurando. É onde vamos passar a maior parte do tempo pintando. Então, neste momento, eu vou embora. Tudo o que está à distância e no meio do chão sozinho. E eu vou passar o resto do meu tempo trabalhando em primeiro plano nesta pintura, construindo algumas texturas interessantes, alguns bons valores escuros. E você vai notar também que temos um monte de plantas em primeiro plano, e eu nem sequer comecei a pintar nenhuma delas ainda. E isso porque eu realmente quero me concentrar mais nas áreas em primeiro plano que são um valor mais leve. Claro, essas plantas são praticamente todos um valor mais escuro e então eu não preciso me preocupar com eles em tudo apenas por causa do fato de que eu posso pintar em valores mais escuros em cima de todos esses valores mais claros na pintura aquarela. que, novamente, é realmente a coisa incrível sobre usar um meio transparente como a cor da água. Porque não temos que planejar tudo antes do tempo. Podemos nos concentrar no quadro geral primeiro. E então, à medida que avançamos através da pintura, podemos obter mais detalhes sobre esses detalhes finais. Então agora eu estou realmente focado em construir o croma ou saturação de todas essas formações rochosas em primeiro plano onde está o ponto de vista. E depois de eu ter tudo isso no lugar, então eu vou ir em frente e começar a adicionar alguns desses pequenos detalhes. Então eu fui em frente e eu sequei isso completamente porque agora que eu tenho um monte de bordas de software no lugar que eu uma vez, eu vou começar a usar mais pigmento, menos água, e realmente construir alguns dos detalhes aqui no Primeiro plano. Então a primeira coisa que vou fazer é misturar um bom verde amarelo. Então, um monte de pigmento amarelo, e nós temos que usar muito desse pigmento amarelo porque adicionar muita água nesse pigmento amarelo vai fazer isso desaparecer em nosso papel porque vai ser muito leve. Então, porque eu queria colocar um pouco de amarelo em cima de algumas dessas características em primeiro plano, eu preciso de um monte de pigmento. E neste ponto, não muito verde porque podemos, sinto muito, não tanto azul, porque podemos adicionar mais azul como vamos. Novamente. Azul tem um valor local mais escuro. E então é realmente importante errar no lado de ser muito leve para nós porque podemos voltar com os escuros, mas não podemos voltar e adicionar valores mais claros com uma pintura em aquarela. Então você pode ver aqui agora que eu meio que bloqueei em algumas das plantas que estão mais em primeiro plano lá pegando um pouco mais de luzes. E então eles vão ficar um pouco mais amarelos. Eu tenho esses no lugar. Agora eu adicionei um pouco mais azul a essa mistura e eu posso começar a trabalhar em um pouco da vida vegetal que está mais à distância. E vai ser um pouco mais escuro. E então este que está um pouco mais em primeiro plano também. E você pode ver que estou fazendo ajustes da referência da foto na minha pintura. Eu não tenho que pintar as plantas exatamente onde elas estão localizadas na referência fotográfica. Posso mudar isso por uma melhor composição. Então é isso que eu estou fazendo e movido para cima uma dessas plantas realmente para o primeiro plano imediato para que não haja tanto espaço vazio bem ali naquela área de primeiro plano imediato. E como eu adiciono estes, eu não chamaria isso de técnica de escova seca porque eles têm um pouco de água nas cerdas. Mas isso vai ser uma técnica seca ou eu sinto muito, uma técnica molhada em seco então eu sou capaz de controlar o fluxo da água na tinta que eu estou aplicando porque não há muita água aqui. Eu tenho muita dor em muitos pigmentos e água suficiente para obter uma boa transferência do meu pincel para o meu papel. Mas eu não estou neste momento indo para uma técnica de escova seca. Vou começar realmente neste ponto. E agora eu estou adicionando um valor mais sombrio dois, o fundo dessas plantas porque isso vai ajudar a aterrá-las um pouco mais para que elas não pareçam desarticuladas ou como se estivessem flutuando. Dá-lhes um pouco mais de profundidade. Claro, tendo certeza de não dominar os valores mais leves que eu tinha aplicado. Deixando que muitos desses valores de luz apareçam. Então eu estou sendo um pouco mais minimalista com esses valores mais sombrios. E muitas vezes quando eu preciso de um valor mais escuro em um objeto que é verde, é uma boa idéia adicionar muito mais leitura nessa mistura porque vermelho é a cor complementar do verde. E então nós vamos obter um bom contraste entre os verdes e, em seguida, esses valores mais escuros. E também vai aumentar a aparência dos verdes para ter um pouco de vermelho na mistura. E aqui estou eu começando a fazer um pincel um pouco mais seco. Então eu não vou entrar muito na minha água. Apenas o suficiente para que a tinta seja mais maleável e possa transferir do meu pincel para a minha pintura. E eu vou entrar e eu estou olhando para algumas das fendas no chão e novamente, adicionando um pouco mais de profundidade a algumas das plantas bem na base delas, apenas para dar-lhes um pouco mais de uma base sólida. E este é o ponto em que eu vou começar a avaliar as coisas só para ver se eu realmente estou alcançando profundidade suficiente. E se não, você sabe, começando a pensar sobre o que eu posso fazer para superar isso. 7. Projeto 5: Sun: Neste ponto, eu realmente espero que você esteja começando a ver que não importa quão complexo o assunto possa parecer, é realmente uma questão de aplicar essas técnicas muito básicas que já aprendemos. E então esses conceitos de valor e controle de borda que realmente podem fazer ou quebrar sua pintura. E se você começar a pensar sobre a pintura que você quer fazer em termos de primeiro valor e próxima borda. Eu acho que você vai descobrir que você pode facilmente simplificar qualquer assunto. Então, para este projeto, eu quero fazer uma composição que pode parecer um pouco mais complexa só por causa disso tem alguns sujeitos humanos nele. E eu quero mostrar a vocês agora, enquanto eu estou fazendo o desenho, quão simples realmente seus desenhos podem ser. Então eu não vou entrar e tentar fazer Ticulate quase copiar a forma exata do barco ou das pessoas. Estou basicamente olhando para o tamanho do barco e sua forma relativa. E então mesmo para as pessoas, basicamente o que eu vou ter é um pequeno círculo onde a cabeça vai estar e então onde o corpo está. Vai ser uma espécie de retângulo. E eu vou apenas inclinar isso da maneira que o corpo é a nossa posição e que realmente vai ser os braços realmente não são nada mais do que apenas algumas linhas. E o que eu amo em adicionar figuras a uma pintura, especialmente quando as figuras estão meio à distância, é que com marcas muito simples, podemos realmente criar a impressão de pessoas e podemos até dar-lhes uma senso de ação muito facilmente. E não precisamos nos preocupar em ter um conhecimento detalhado ou íntimo da anatomia humana para fazer isso, é muito, muito simples. E queremos manter isso muito solto porque isso dá muita vida ao quadro. Espero que você possa ver esses números como eles são simplesmente desenhados. Eu não entrei e desenhei pequenas curvaturas para indicar onde seus músculos estão ou algo assim. Muito, muito simples. E novamente, para alguns desses pontos de quebra primários onde temos algumas bordas, eu estou sendo muito, muito solto e posso ser um pouco mais escuro e pesado com meu golpe nas bordas onde o valor será o mais escuro. E à medida que me afasto, vocês podem ver que estou usando um traço muito mais leve, menos pressão no meu lápis para que essas linhas não fiquem muito escuras. Agora, eu não vou desenhar um círculo para o filho. Eu vou mostrar a vocês, eu acho que uma maneira mais fácil de pintar algo assim, em vez de desenhar o círculo e depois tentar pintar em torno desse círculo. Então o que eu vou fazer é eu vou começar com apenas um traço muito bom e ousado de amarelo. E quando comecei isto, estava a tentar pintar um círculo, mas depois apercebi-me, sabes que mais, não tenho de fazer isso. Então eu basicamente vou pegar um pouco daquele amarelo e apenas tipo de lá vamos nós. Apenas meio que fazer uma bagunça bem ali, porque eu vou dar a volta com aquela laranja brilhante e agradável. O importante aqui é que se você quer uma borda dura para indicar onde seu filho está, você terá que secar o amarelo primeiro para que sua laranja não sangrar no amarelo. Mas honestamente você poderia ir de qualquer maneira. Você poderia ter uma boa vantagem lá. E aquele filho pareceria um pouco mais nebuloso e ainda ficaria muito, muito bonito. Então o que eu fiz aqui é que eu adicionei apenas um pouco de vermelho para aquele amarelo. Ainda é um valor muito leve. E, na verdade, o que eu vou acabar descobrindo é que é quase muito leve de um valor. Preciso de mais contraste entre o céu laranja e o sol amarelo brilhante para realmente criar essa sensação de luzes. Mas isso vai servir por enquanto. Novamente, como eu já disse antes, é sempre melhor na pintura em aquarela errar no lado da luz, porque sempre podemos repassar isso com cores mais vivas, valores mais escuros muito, muito facilmente. Então aqui eu adicionei um pouco mais vermelho, mas eu vou ir para uma cobertura geral sobre toda essa composição, porque realmente eu estou pensando sobre isso como ter tudo realmente aquecendo aquelas luzes quentes agradáveis. Então, vou rever toda a composição. Os números vão ser um valor mais sombrio. Então, é claro, eu não preciso deixar nenhum espaço para eles porque eu posso aplicar o valor mais escuro bem em cima de todos esses valores mais claros. E eu estou adicionando um pouco de azul nesta mistura para esta área do céu que está um pouco mais longe do sol. Novamente, apenas para dar um pouco de variação, eu não acho que é necessário tentar entrar e ter a cobertura mais uniforme sobre toda a pintura. Acho que muita gente está estressada com isso. Um pouco demais. Ser capaz de conseguir uma boa lavagem uniforme. Mas na natureza, quase nunca vemos isso. Vemos sempre algumas mudanças de cor, variações de valor. Então eu acho que é importante apenas ser muito experimental, especialmente nesta fase da pintura onde tudo é realmente meio descomprometido. Podemos nos divertir muito e ser muito soltos nesta fase da pintura. E isso não vai ter um grande impacto no resultado final. E o impacto que tem, geralmente acho que é universalmente positivo. Então agora eu estou indo com um valor um pouco mais escuro para as árvores mais distantes que estão tipo de acima em uma colina distante lá atrás. Adicionamos um pouco mais de azul. Mas novamente, tipicamente com perspectiva atmosférica, o que vamos ver é que os objetos no fundo têm um tom mais frio ou mais azul para eles. Mas isso se aplica principalmente a pinturas diurnas. Para uma pintura como esta, onde é de manhã cedo, o sol nasce e o céu é muito quente. As coisas à distância vão ter o mesmo tom quente. Então nós não queremos voltar lá com um monte de azul para aquelas árvores mais distantes porque isso realmente vai criar um monte de contraste entre o céu laranja e, em seguida, algumas árvores azuis. E isso vai, novamente chamar nossa atenção para a distância demais, criar muito de um ponto focal não intencional lá atrás. E vai parecer um pouco estranho. Portanto, é importante notar que quando você está pintando, existem alguns princípios gerais. Como eu disse. modo geral, com perspectiva atmosférica, as coisas à distância terão uma aparência mais azul e nebulosa. Mas isso não será verdade quando pintarmos um nascer do sol ou um pôr-do-sol. E à medida que me aproximo das árvores mais do meio do solo, vou entrar um pouco mais com esta violeta, deixando um monte de vermelhos lá. Mais uma vez, porque queremos que essas árvores pareçam que estão se aquecendo com aquela luz quente e agradável da manhã. Se você olhar para o meu filho, você pode ver que agora há realmente algumas flores porque eu tentei voltar ao redor do sol com um pouco de cor branca, então há Bloom aparecendo. Eu não quero necessariamente esses, mas novamente, eu não vou me preocupar com isso em tudo. Na pintura em aquarela, temos que deixar as coisas acontecerem como vão acontecer. Porque quanto mais voltamos com nosso pincel e tentamos manipular as coisas por conta própria, mais teremos cores enlameadas. E há quase sempre um remédio para qualquer problema que você possa encontrar que você realmente sente que vai ser um problema. Infelizmente, porque eu pintei meu céu à luz de um valor, eu realmente preciso voltar por todo o céu com uma laranja avermelhada mais vívida. Então agora eu deixei tudo secar completamente e eu posso voltar e redefinir o sinal. E porque eu estou revisando esses valores mais claros com um valor mais escuro que tem muito mais croma ou saturação nele. É muito fácil redefinir essas bordas e você nem vai notar mais essas flores. Agora, em comparação com como eu pintei esse cara antes, isso parece realmente dramático. Mas percebi que, a fim de criar esse bom senso de luminosidade no signo, eu realmente preciso ter tanto contraste. Então eu vou ser muito corajoso e muito experimental aqui. Vou esmaltar o céu inteiro com esta mistura que é principalmente vermelha, um pouquinho de amarelo. E então, enquanto eu me movo para as bordas externas do filho, eu vou adicionar ainda mais saturação de leitura nessa tinta. E já que está tudo molhado, vai criar umas fusões muito boas. E então, como um movimento em direção à borda da pintura mais longe do sol, eu apenas adicionei um pouco mais de azul lá para dar um pouco de variação. E agora que eu reajustei o céu, eu também tenho que reajustar essas árvores mais distantes. Então, voltando para lá com um valor um pouco mais escuro e vidros bem em cima daquelas árvores. E como esta composição inclui o filho real, o céu em torno dele precisa ser um valor mais escuro e isso vai empurrar o valor de toda a pintura um pouco mais para a borda escura. Então, quando eu chegar às árvores que estão mais próximas do ponto de vista, eu realmente vou ter que colocar um monte de esforço para construir o valor. Então está escuro o suficiente para dar. Contrasta entre. É eu mesmo neste tipo de árvores de médio alcance aqui, o que você pode ver agora, eu estou pintando muito escuro. Estou permitindo que essas bordas sejam um pouco macias. Eu não secava isso desde que eu pintei as árvores mais distantes, então elas se misturam muito bem. E agora eu também preciso ter a água tipo de correspondência com a intensidade do céu. E isso é algo que eu penso quando você está pintando água que pode se sentir um pouco intimidante. Muitas vezes as pessoas sentem como, especialmente se há um reflexo na água, que eles têm que criar uma duplicata exata de cabeça para baixo do que está sendo refletido. Mas eu realmente quero que você pense na água como realmente você vai pintá-la da mesma maneira que você pintaria o céu. E então, basicamente, será apenas uma replicação do que vemos no céu, especialmente se ainda for água como a que temos aqui. Então eu vou tentar igualar essa intensidade de cor na água. E enquanto isso seca, irei em frente e começar a trabalhar em alguns dos valores mais sombrios. Então, muito azul, muito vermelho, minúsculo pedaço de amarelo para neutralizá-lo. Então não é apenas completamente violeta. E então vamos ver se isso vai ser um valor escuro o suficiente. Claro, eu quero ter certeza de que tudo está realmente seco, porque aqui é onde eu quero algumas das minhas bordas mais duras adicionando um pouco mais amarelo porque eu já posso dizer que eu preciso distinguir essa cor e valor um pouco mais daquelas árvores de médio alcance. E isso vai ser um pequeno desafio aqui. Então eu vou ter que usar um monte de pigmentos. Isto é basicamente vai ser uma camada base e eu vou ter que construir algum valor em cima disso. E isso, mais uma vez, é outra grande coisa sobre aquarela. Para que possamos criar uma camada base. Podemos não ser capazes de obter o valor mais sombrio que precisamos imediatamente, mas à medida que colocamos nosso pigmento, seremos capazes de criar uma boa sensação de um valor sombrio apenas colocando pigmento em cima dos pigmentos. E no topo dessas árvores, estou permitindo que um pouco mais dessa técnica de pincel seco passe e crie algumas linhas quebradas para o topo dessas árvores. E então eu não vou exagerar em termos de toda a vida vegetal que podemos ver cutucando através da água. Mas eu quero dar um pouco de uma sensação dessa vida vegetal. E então eu estou usando um pincel seco apenas para adicionar um pouco disso, não tudo o que eu vejo na fotografia, mas apenas algumas indicações de onde algumas dessas gramíneas altas estão mostrando através da água. Porque isso eu acho que dá um monte de contextos realmente agradáveis. E eu também estou apenas esperando que essas árvores em primeiro plano para que eu possa colocar um pouco mais de pigmento e intensificar o valor lá. Então eu vou seguir em frente e usar a mesma mistura escura para começar a bloquear no arco nas figuras. E uma coisa que você pode notar é que se você olhar de perto para a referência da foto, que novamente é fornecida a você na seção do projeto. Você poderá determinar que a cor do arco é amarela. Mas isso não significa que nós vamos entrar e pintar esse amarelo porque o sol está à distância, nós temos um efeito retroiluminado em toda a composição, o que significa que o barco vai realmente aparecer mais escuro em valor do que o que um amarelo permitiria. Então não vamos pintar o barco de amarelo. Mas eu acho que isso pode ser muito confuso porque nós somos capazes de olhar para isso e ver que é um barco amarelo. Mas isso não se traduz necessariamente em sua cor real. Então sua cor real não é a mesma que sua cor local. A cor local é amarela, mas a cor real, porque é um pouco de uma silhueta, vai ser muito mais escura do que o que poderíamos pintar, um amarelo para b. Então agora que essas árvores são dirigindo, apenas passando por cima deles com mais pigmento, mais escovação seca apenas para começar a construir valores mais escuros que possamos obter a quantidade apropriada de contraste. E vocês podem ver que eu deixei os números no barco e o barco si muito inacabados neste momento porque eu estou apenas bloqueando essa área. E neste ponto eu estou apenas tentando pensar em como abordar algumas dessas cores. Por exemplo, os pescadores no barco ou vestindo coletes salva-vidas, eles são vermelhos muito brilhantes. Eu não sei se eu necessariamente quero pintá-los essa cor vermelha brilhante, porque eu realmente quero que o ponto focal seja sobre as figuras como um todo e não sobre a cor de seus coletes. E sempre que adicionamos figuras humanas a uma composição, elas automaticamente se tornam os pontos focais, mesmo que sejam muito, muito pequenas e não detalhadas. É a maneira como nossos cérebros humanos funcionam. Vamos escolher formas humanas e isso vai atrair muita atenção. É importante ter isso em mente. E eu acho que isso vai ajudar você também a não sentir que você tem que entrar e criar uma pintura altamente detalhada dessas figuras. Porque apenas essa forma geral de uma forma humana vai atrair nossa atenção e nossos cérebros podem automaticamente ler isso e entender o que está acontecendo. Que há um elemento humano lá dentro e que vai a maior parte da nossa atenção. E nossos cérebros vão ler isso como informação importante porque é a forma geral dos humanos. Portanto, definitivamente não precisamos nos preocupar em adicionar um monte de detalhes ou dirigir muita atenção para essa área. Porque queremos que ele leia como uma espécie de narrativa aqui. Queremos pensar mais sobre o sentimento ou o humor da pintura do sobre um retrato detalhado de dois pescadores no início da manhã. Então isso é apenas um lembrete para manter sua mente no quadro geral e não ficar muito envolvido nesses detalhes. Então agora nós basicamente temos os pescadores no lugar. Eu poderia fazer mais alguns ajustes neles enquanto avançamos. Uma coisa que eu decidi fazer é romper esta costa aqui para que não seja completamente em linha reta. Então aqui na mão esquerda, apenas trazendo para baixo um pouco para que tenhamos mais de uma linha de costa quebrada, não apenas uma linha reta do horizonte. E eu percebi também, que em muitas das outras pinturas que eu fiz para esta aula, nós tínhamos apenas uma linha reta do horizonte diferente da pintura do Grand Canyon. Então eu queria apenas quebrar isso um pouco, abaixar um pouco. E agora vou adicionar um pouco mais de pigmento escuro. Então, apenas algumas áreas dos pescadores, principalmente as cabeças e, em seguida, os braços, e, em seguida, alguns dos detalhes nos coletes salva-vidas. Porque eu acho que isso dá um pouco mais contextos que esses são coletes salva-vidas e não apenas camisas vermelhas. Então eu acho que vamos chamar isso feito neste momento e vamos em frente e apenas dar uma olhada em como isso acabou. E eu realmente espero que você possa ver que mesmo que tudo o que fizemos foi baseado em todas essas técnicas simples que aprendemos na primeira parte desta série. E então nos concentramos em nossos valores e em nossas bordas. Fomos capazes de comunicar uma imagem muito completa. E o elemento humano faz automaticamente uma composição um pouco mais interessante para nós humanos, e adiciona um tipo de senso de narração, eu acho, para a composição geral. Portanto, não se sinta intimidado por adicionar pequenas figuras em primeiro plano ou até mesmo no meio do chão de suas pinturas. Você certamente não precisa ser um especialista em anatomia humana para adicionar basicamente um pequeno bonequinho em sua pintura. E isso cria tanto contexto e torna a pintura muito mais interessante. 8. Conclusão: Muito obrigado por fazer este curso. Eu realmente aprecio isso. Eu realmente espero ver seus projetos em pinturas na seção de projeto deste curso. E novamente, se você tiver alguma dúvida ou precisar de mais esclarecimentos, sinta-se à vontade para postar quaisquer perguntas que você tenha na seção de discussão deste curso. E lembre-se de verificar o meu catálogo de outros cursos de pintura aqui sobre compartilhamento de habilidades, você vai encontrar um monte de informações e eu estou sempre adicionando novos cursos, então não se esqueça de me acompanhar. E como sempre, pintura feliz.