Techniques de tournage : les paramètres de l'appareil photo pour raconter des histoires

1. Introduction au cours, C'EST PARTI !: Vous êtes sur place pour filmer des images épiques. Vous avez des mouvements malades et des réglages de caméra malades. Chargez cette vidéo, on y va. C' est tellement granuleux, c'est surexposé, c'est orange, c'est bleu. Qui plaisantes-tu ? Vous n'êtes pas cinéaste, vous ne savez même pas utiliser votre appareil photo. Non, tu ramasses cette caméra hors des poubelles et tu clique sur ce cours. Ce cours a l'air fou. Techniques cinématographiques : Paramètres de la caméra pour la narration. Parce que ce cours est pour vous, le débutant qui a été déterminé à apprendre les bases, mais aussi apprendre les choses plus avancées aussi, parce que vos ambitions vont au-delà du mode auto. Heck, peut-être que tu veux faire ça pour gagner ta vie, peut-être que tu peux être payé pour faire ça. Peut-être que vous pouvez être payé pour faire ça. Impressionnant. Snap hors de celui-ci, cliquez sur la première leçon. Vous apprendrez de Sean, qui a plus de 10 ans d'expérience en tant que créateur vidéo. Wow, ces gars ont de la chance. Il vous apprend ce que signifient ces mots étranges et pourquoi ils sont importants pour le cinéma. Joli. Plus important encore, la narration. Vous prenez votre propre appareil photo et découvrez comment utiliser ces paramètres manuels. Vous testez même certaines de ces théories sur votre téléphone, et l'appareil photo de votre ami aussi. Tu ferais mieux de lui rendre ça, tu l'as depuis des mois. Vous continuez à regarder et obtenez des informations techniques sur les paramètres de la caméra, les techniques de tournage et la façon de les utiliser pour raconter votre histoire de manière créative. Wow, wow. Vous absorbez les techniques d'apprentissage comme une éponge, finissant le cours, devenant plus confiant dans l'utilisation de votre appareil photo, créant des séquences plus cinématographiques, professionnelles et polies. Vous commencez à réaliser. Ce truc technique est important. Cela me donne la liberté d'être créatif et de raconter des histoires incroyables. Retournez maintenant et filmez cette séquence que vous avez foiré la première fois. Publiez votre projet dans la galerie de projets et obtenez des commentaires incroyables. Maintenant, vous êtes prêt à entreprendre plus de projets avec toutes vos nouvelles connaissances et votre expérience. Oui, toi, mon ami est génial. Impressionnant. 2. Projet de cours: Je suis heureux que tu aies choisi de suivre mon cours. Commençons par discuter de notre projet de classe. Vous allez créer une courte séquence de clichés pour raconter une mini histoire en utilisant le mode manuel sur votre appareil photo reflex numérique, ou même sur votre iPhone. Ce que nous visons, c'est une courte séquence de moins de 30 secondes avec autant ou autant de tirs que vous le souhaitez. Votre histoire pourrait être une journée à la plage, marcher à travers la forêt, tout ce que vous voulez, juste rester simple. J' aurai plus de conseils dans la leçon 19 sur le tournage de votre séquence. Je vais entrer plus en détail dans la prochaine leçon sur ce que je pense être une histoire. Mais pour le bien de ce projet, quand j'utilise le mot « histoire », je veux juste dire un début, un milieu et une fin simples. Il n'a pas besoin de changer la vie. Par exemple, vous pourriez faire quelque chose comme ça, une séquence de trois coups, ou quelque chose de plus complexe. L' idée ici est de mettre en valeur les techniques apprises après avoir suivi le cours et de les appliquer à votre séquence de tir. Nous voulons également voir les choix techniques que vous avez faits pour réaliser votre séquence d'histoire. Les points bonus vont à ceux qui affichent leurs spécifications techniques sur chaque tir. Cela peut être placé dans la séquence de prise de vue elle-même avec un graphique ou écrit sous votre vidéo téléchargée lorsque vous publiez votre projet dans la galerie de projet. Au fur et à mesure des leçons, laissez-vous inspirer par ce que vous apprenez et expérimentez avec des idées au fur et à mesure qu'elles apparaissent. Si vous le pouvez, regardez pendant que vous avez votre appareil photo dans votre main, sorte que vous pouvez déplacer les cadrans et tester la caméra pendant que vous regardez et apprenez. Prenez votre appareil photo avec vous des endroits après avoir regardé la leçon et testez chaque technique apprise. La plus grande chose que je vous encourage à faire, c'est d'expérimenter. Ne vous inquiétez pas pour obtenir le tir parfait. Il suffit d'obtenir quelque chose sur la caméra et de répéter le processus. Utilisez vos idées d'histoire comme guide pour vos photos. Si vous n'avez pas d'idées maintenant, je suis certain que vous en aurez après avoir regardé d'autres leçons. Ce qui est si génial dans un projet comme celui-ci, c'est qu'il est court et doux. C' est un faible engagement et vous aurez des gains élevés en apprentissage et en expérience. Une chose qui me plaît toujours, c'est qu'aucune opportunité n'est gaspillée. Même les fois où vous vous sentez comme, oh, ce tir était terrible, vous pourriez aller voir vos coups et être super heureux avec eux, ou vous pourriez penser, oh, en fait, ce sont des tirs terribles. Mais tu ne perds pas beaucoup. Vous pourriez simplement le mettre en valeur comme une autre expérience d'apprentissage. Je prendrais ça comme un mot d'encouragement. Si vous n'êtes pas satisfait de votre travail, réessayez. Échec rapidement. Cela fait partie du cycle d'apprentissage. Ce dont vous aurez besoin, c'est d'accéder à une caméra. Il peut s'agir d'un reflex numérique, appareil photo sans miroir ou d'un iPhone avec une application pour contrôler les paramètres vidéo manuels. Tout appareil photo avec des réglages manuels fera très bien. Si vous utilisez un iPhone ou un Android, je recommande l'une des applications répertoriées ici. Ils vous permettront d'avoir un contrôle total sur vos paramètres vidéo, ce qui est encore une fois essentiel pour cette classe. Parce qu'il y a tellement de marques d'appareils photo différentes, ce ne sera pas une classe qui passe par les menus vous montrant où se trouvent les choses dans les menus, parce que c'est différent pour chaque appareil photo. L' objectif de cette classe est de vous apprendre à appliquer les paramètres universels et les techniques de tournage pour démarrer sur n'importe quel appareil photo en mode manuel. Il y a beaucoup à apprendre quand vous commencez à filmer avec votre appareil photo pour la première fois. Cela peut être difficile parce qu'il y a beaucoup de paramètres et de fonctions sur une caméra et qu'ils sont tous interconnectés. Donc, si vous modifiez une chose, vous allez probablement affecter une autre chose. Il y aura des moments ou des leçons complètes dédiés à fournir beaucoup d'informations à la fois sur un réglage ou une technique de caméra donnée. Il y aura aussi des moments où cette information sera appliquée à des exemples pratiques. L' information ne reste pas seulement théorique. Pendant ces moments de chargement d'informations, faites de votre mieux pour rester calme. Prenez des notes si vous en avez besoin. Posez des questions. Il est important de comprendre comment et pourquoi ces paramètres fonctionnent afin que vous puissiez avoir un contrôle total lors de leur application pratiquement à vos projets vidéo. Mon objectif est de vous enseigner les paramètres de réalisation, leur utilisation dans des situations pratiques, et comment ils soutiennent l'histoire afin que vous puissiez appliquer ces principes à tous les types de réalisation, courts métrages à YouTube et même à travail rémunéré des clients. J' espère que vous êtes excité de commencer. Allons-y. 3. Paramètres de l'appareil photo et histoire: Le but de ce cours est d'avoir une meilleure compréhension de votre appareil photo et comment utiliser ses paramètres à travers la théorie et la technique afin de créer de superbes images. La raison pour laquelle nous apprenons à utiliser notre appareil photo au maximum, est de remplir le but des histoires que nous choisissons de raconter. Savoir que toutes ces leçons contribueront à une meilleure réalisation cinématographique vous conduira tout au long du cours, et avec certains des contenus les plus difficiles qu'il peut présenter. Une histoire a un début, un milieu et une fin, et a la capacité de se connecter émotionnellement avec son public. Le but d'une histoire dépend de la personne qui la raconte, et elle peut aussi changer selon la personne qui l'interprète. Vous pouvez raconter une histoire à travers une comédie de sketch pour divertir votre public YouTube. Peut-être que votre histoire est une courte annonce où vous essayez de vendre un produit, ou peut-être que vous essayez de persuader quelqu'un de reconsidérer ses pensées sur quelque chose avec un essai vidéo sur un sujet donné. Quels que soient les objectifs de votre histoire, le but est de se connecter émotionnellement. Peut-être que vous faites rire, pleurer ou les rendre en colère, et à la fin d'une histoire réussie, cela pourrait persuader le spectateur de prendre des mesures, changer, d'acheter un produit ou de se sentir bien moment qui éclaircit leur journée. Regarde vers le bas. Sauvegardez. Où êtes-vous ? Tu es sur un bateau. Je sais que je suis l'un des nombreux influencés par les publicités Old Spice. Ils m'ont fait rire et penser à quel point le marketing était génial, et quand je le vois dans le magasin, honnêtement, je choisis de l'acheter même si je connais le marketing derrière. Je suis sur un cheval. Toutes les annonces ou films ne se connectent pas avec succès à son public. L' échec fait partie du processus. Mais il est bon de savoir ce que nous visons, qui est un lien avec le public. façon dont nous choisissons de filmer quelque chose change radicalement la façon dont le public interprète son sens et ses intentions. Il y a beaucoup d'éléments qui entrent dans la narration, y compris l'histoire elle-même. Dans ce cours, nous nous concentrons sur une petite partie mais importante de la réalisation de films sur des caméras en mode manuel en apprenant les paramètres de la caméra et les techniques de tournage et comment ils aident à filmer les histoires que vous voulez raconter. Votre prochain objectif est de commencer à réfléchir aux histoires que vous voulez raconter. Comment voulez-vous affecter votre public ? Voulez-vous inspirer ? Créer de la curiosité ? Faire rire les gens ? Décider d'intentions simples comme celles-ci est un excellent moyen de créer un but pour votre projet. Si vous avez du mal à trouver une intention, regardez le contenu que vous regardez en ce moment. Comment ce contenu vous frappe ? Après l'avoir regardé, vous sentez-vous heureux ? Peut-être que tu pleures. Peut-être que tu es inspiré. C' est dingue. Si cela évoque une certaine émotion en vous, alors il s'est connecté avec succès émotionnellement. Selon la façon dont il vous fait penser ou sentir par la suite, est un bon signe quant à l'intention du cinéaste. Tout ce que j'offre, c'est la vérité, rien de plus. Je me souviens, après avoir regardé la Matrice pour la première fois, j'ai été soufflé, et j'ai été inspiré de réfléchir profondément aux choses. Cela peut sembler pénible, mais à l'époque son histoire m'a aidé à réfléchir aux problèmes auxquels je faisais face d'une manière différente. Si je faisais face à quelque chose de difficile dans la vie, j'allumerais une Matrix et la regarderais, juste une zone dehors. J' ai vu le film plus de 30 fois maintenant et c'est juste un film important pour moi. Peut-être qu'il y a une idée dans laquelle vous voulez essayer. Vous pouvez tester des idées à mesure que vous apprenez de nouveaux concepts et techniques. vous aurez terminé toutes les leçons, vous aurez plus de techniques et de connaissances pour sauvegarder les histoires que vous voulez raconter. N' oubliez pas que la raison pour laquelle nous apprenons les tenants et aboutissants techniques de nos réglages de caméra et de nos techniques de tournage est pour narration plus efficace afin d'amplifier les points d'une histoire et d'avoir un impact considérable sur son public. Pour récapituler. Une histoire a un début, un milieu et une fin, et se connecte émotionnellement à son public. Découvrez quelles sont les intentions de votre histoire pour ses téléspectateurs. Est-ce pour inspirer, rire, pleurer ? Cela vous aidera à atteindre les objectifs que vous avez dans votre projet. Nous apprenons la technique et les réglages de la caméra afin que nous puissions raconter des histoires plus efficaces. Il s'agit d'une petite partie de la production cinématographique, mais il est très important de comprendre pour obtenir une image correcte pour commencer. La prochaine leçon, nous allons en apprendre davantage sur l'ouverture. 4. L'ouverture: Une partie importante de raconter des histoires efficaces est d'avoir le contrôle total de votre appareil photo. Commençons par l'ouverture, une fonction importante lors de l'exposition correcte d'une image et de l'ajustement de sa profondeur de champ. L' ouverture est le mécanisme d'ouverture d' un objectif qui permet à la lumière d'atteindre un capteur de caméra. Si vous regardez cet objectif, vous pouvez voir que le trou de l'appareil photo est constitué de ces lames d'ouverture. Ils peuvent rendre le trou plus grand ou plus petit. Cette ouverture est mesurée en fstop. Plus le nombre f est grand, plus le trou est petit ou moins de lumière est laissé entrer, et plus le nombre f est petit, plus le trou est grand et plus la lumière est laissée entrer. Nos yeux agissent très semblables à une ouverture de lentille. Nos pupilles rétrécissent pour laisser moins de lumière entrer ou se dilater pour laisser plus de lumière entrer en fonction de notre environnement. Ouvrir et fermer l'ouverture est une façon de modifier l'exposition d'une image. L' ouverture détermine également quelque chose appelé profondeur de champ, qui est la partie entre les éléments les plus éloignés et les plus proches de ce que la caméra voit, qui serait considérée comme mise au point. Si je fixe mon ouverture à un nombre f bas, le trou dans l'objectif s'ouvre et a ce qu'on appelle une faible profondeur de champ. Lors de l'ouverture de l'ouverture, la profondeur du champ se rétrécit, moins de mon plan est mis au point, donc la profondeur du champ est maintenant plus facile à voir. Maintenant, pour illustrer cela d'une manière différente, si vous regardez la configuration que j'ai ici, j'ai placé mon appareil photo sur un curseur. À cette profondeur de champ peu profonde, si je fais glisser ma caméra de l'arrière du curseur vers l'avant, vous pouvez voir clairement toute la profondeur de champ se déplaçant avec la position de la caméra. Si je fixe mon ouverture à un nombre f élevé, le trou dans l'objectif devient plus petit et une grande profondeur de champ est atteinte. La boca ou le bokeh d'une image est également affectée par l'ouverture. Bokeh est en fait un mot japonais qui se traduit littéralement par flou ou brume. Bokeh est toutes les parties hors focus d'une image. Différentes lentilles jouent bokeh de qualité différente. Il peut être utilisé subtilement ou pour un effet plus dramatique. Ecoutez, je sais que c'est beaucoup d'informations que vous avez prises, donc j'ai inclus une feuille de triche dans le panneau des ressources, les imprimer ou les faire enregistrer sous forme d'images sur votre téléphone afin que vous puissiez les consulter pendant la prise de vue si nécessaire. Ok, ça prend du temps et de l'entraînement. Sois gentil avec toi-même. Pour récapituler, l'ouverture est le mécanisme situé à l'arrière de l'objectif qui est utilisé pour éclairer ou assombrir une image, et est également utilisé pour déterminer la quantité d'image mise au point. Rappelez-vous, plus le f-stop est petit, plus l'ouverture de l'ouverture permettra à plus de lumière de passer et moins de profondeur de champ. Plus l'ouverture est petite, moins la lumière passe à travers et plus la profondeur de champ est grande. L' ouverture crée également le bokeh, qui est toutes les parties d'une image qui sont hors de la mise au point. Plus l'ouverture est petite, plus le bokeh sera présent dans votre tir. Si vous augmentez votre ouverture, le bokeh deviendra moins perceptible. Dans la prochaine leçon, nous allons en apprendre davantage sur ce qui affecte la profondeur du champ. 5. Ce qui affecte la profondeur du champ: La profondeur de champ est une caractéristique unique qui est fortement affectée par l'ouverture. Mais il y a quelques autres facteurs qui contrôlent la profondeur de champ, et la compréhension de ces facteurs non seulement vous donnera une meilleure compréhension de votre appareil photo, mais aussi plus de contrôle sur la profondeur d'une image. Dans la dernière leçon, nous avons discuté de la façon dont l'ouverture affecte la profondeur du champ. Plus l'ouverture est grande, plus la profondeur du champ est faible. Plus l'ouverture est petite, plus la profondeur de champ est grande. Il y a trois autres facteurs qui contrôlent la profondeur du champ. La longueur d'une lentille affecte également la profondeur de champ. Si je devais ouvrir l'ouverture à F2.8, vous pourriez vous attendre à ce que la profondeur du champ devienne moins profonde, cause de ce que nous avons appris dans la leçon précédente. Pour la plupart, c'est vrai. Mais lors du tournage sur le côté plus large de, disons un objectif 24-70 mil, si j'ouvre le F-stop à F2.8, vous verrez que, dans cette prise de vue, une grande partie de la scène apparaît en focus. C' est parce que plus l'objectif est large, plus nous maintenons la profondeur de champ. Cependant, si je fais un zoom avant sur 70 mil, vous remarquerez que le tir devient plus compressé. Le premier plan et les éléments d'arrière-plan se resserrent, apparaissant plus proches les uns des autres. La profondeur de champ est également compressée. À des longueurs de lentille plus longues, une profondeur de champ moins profonde est atteinte. La distance de mise au point a également un effet sur la profondeur de champ. Se concentrer sur un sujet lorsqu'il est proche de la caméra fournit une profondeur de champ moins profonde. Se concentrer sur le même sujet plus loin crée une plus grande profondeur de champ. La taille du capteur de la caméra affecte également la profondeur de champ. Je simplifie un peu cela, mais je ne pense pas que les spécifications techniques d'un capteur soient extrêmement importantes. Tout ce que tu as vraiment besoin de savoir, c'est ça. Typiquement, plus le capteur de la caméra est petit, plus la profondeur de champ est grande. Plus la taille du capteur est grande, plus la profondeur du champ est faible. C' est pourquoi tant de cinéastes veulent une caméra pleine image, parce que le capteur plus grand offre une profondeur de champ moins profonde, que beaucoup de gens considèrent comme cinématographique. Si vous travaillez avec une caméra dotée d'un capteur plus petit, mais que vous souhaitez une profondeur de champ peu profonde, vous pouvez compenser cela en utilisant les deux autres éléments qui affectent la profondeur de champ, qui augmente la longueur de votre objectif, ou rapprocher votre sujet de la caméra. profondeur de champ a de nombreuses variables, et comprendre comment chacun de ces facteurs affecte la profondeur du champ, vous permettra de garder le contrôle des différentes situations de tournage avec une variété d'équipements. Pour récapituler, plus l'objectif est long, plus la profondeur de champ est petite. Plus l'objectif est large, plus la profondeur de champ est grande. Plus la distance de mise au point est proche, plus la profondeur de champ est petite. Plus la distance de mise au point est éloignée, plus la profondeur de champ est grande. Une grande taille de capteur de caméra donne une plus petite profondeur de champ. Alors qu'une taille de capteur plus petite donne une plus grande profondeur de champ. Dans la prochaine leçon, nous discuterons des nombreuses utilisations pratiques de l'ouverture et de la profondeur du champ. 6. L'ouverture et la profondeur du champ : application concrète: Dans la dernière leçon, nous avons discuté de ce que sont l'ouverture et la profondeur de champ et comment elles affectent une image. Mais comment choisissez-vous une ouverture, et quand contrôlerez-vous la profondeur du champ et comment ces paramètres contribuent-ils à la narration ? Allons le découvrir. Du point de vue de la narration, la profondeur du champ a un grand impact sur la façon dont un public interprète une image. En tant que conteurs dans le film, contrôler la profondeur du plan est un excellent moyen de guider le spectateur. Lors de l'utilisation d'une faible profondeur de champ, l'œil est attiré vers une très petite partie du cadre. Vous pouvez utiliser cette mise au point superficielle pour souligner un point important de l'intrigue dans l'histoire. faible profondeur de champ peut également attirer l' attention sur l'émotion ou le monde intérieur d'un personnage. Une épaisseur de bon goût sur. Oh mon Dieu, il a même un filigrane. Vous pouvez également utiliser une faible profondeur de champ pour guider l'œil du spectateur d'un sujet à l'autre. Comme dans la séquence de Young Victoria, vous pouvez voir la profondeur de champ se déplaçant à travers chacun de ces plans. Les clichés et le focus sont soigneusement chorégraphiés avec les mouvements des acteurs, les hochements de tête, le tournage des têtes. On a l'impression qu'ils sont tous dans quelque chose. La profondeur du champ et son mouvement contribuent à illustrer cela. Voici une de mes scènes préférées de Whiplash. La focalisation peu profonde guide l'œil vers des points importants de l'histoire. Comment le protagoniste, Andrew, a versé du sang, de la sueur et des larmes. Littéralement, vous pouvez voir le sang et la sueur sur les symboles, ses mains, sa tête, c'est incroyable. La concentration insensée sur les instruments et même sur les parties des instruments eux-mêmes, me communique vraiment que tout est au sujet de la musique. Il est prêt à tout sacrifier pour la musique. Une plus grande profondeur de champ permet au spectateur de choisir ce qu'il doit regarder et peut créer un contexte pour une scène en incluant davantage de la prise de vue et de la mise au point. Des plans de mise au point en profondeur comme dans celui-ci, de Children Of Men, nous permettent de voir une grande partie du monde et son environnement en focus. La grande profondeur nous aide à prendre dans l'environnement, et nous permet également d'expérimenter l'impact de cette explosion, fois visuellement et émotionnellement. Aussi, nous voyons dans cette scène d'Austin Powers, la plus grande profondeur de champ aide à vendre la comédie. Si l'arrière-plan de cette scène était flou, cela n'aurait pas le même effet. Dans le film, Full Metal Jacket, nous pouvons voir la majorité du cadre est en détail, y compris tous les soldats. Cela donne un sentiment d'égalité que chaque soldat dans le cadre compte. Même lorsqu'un personnage est plus important dans le cadre, les soldats de l'arrière-plan sont toujours au centre. Selon le contexte d'une scène ou d'une histoire, l' ouverture peut être utilisée pour diriger l'œil du spectateur, aidant à se concentrer sur des aspects importants de l'histoire et du caractère. C' est donc génial de réfléchir à l'histoire que vous racontez et de l' comme guide pour choisir l'ouverture à utiliser. Il est également important de noter que dans différentes situations de tournage et avec des budgets et des équipements différents, changement d'ouverture différera. Dans une situation où il y a un équipage, un focus polaire, un camion de lumières, alors vous avez tellement plus de contrôle sur votre éclairage, sorte que vous pouvez choisir la meilleure ouverture pour votre histoire. Lorsque vous êtes un équipage d'un seul homme qui filme un mariage avec votre appareil photo sans miroir avec un budget, l'éclairage et les paramètres changent radicalement, et il devient très difficile de maintenir une ouverture et une profondeur de champ cohérentes à travers votre coups de feu dans une scène. D' après mon expérience personnelle, j'essaie d'utiliser l'ouverture pour l'histoire d'abord. Cependant, si je suis limité par l'équipement, il y a des situations où je dois faire des compromis. Si je le peux, je pense aussi à filmer dans une ouverture cohérente tout au long d'une scène pour avoir une qualité d'image similaire, tout au long des prises de vue d'une scène. Parfois, le choix des ouvertures est purement pratique ou basé sur des limitations de l'engrenage. Je me déplace entre le choix des orifices en fonction de la situation. Je pense à l'histoire, et je pense à l'endroit où je veux que le spectateur regarde. Mais si je suis dans une pièce faiblement éclairée, je vais ouvrir cette ouverture aussi large que possible jusqu'à F2.8 ou 1.4 pour que la caméra soit correctement exposée. Ou disons, je suis sur un cardan où il y a beaucoup de mouvement. À moins qu'il n'y ait une bonne raison de tirer avec une faible profondeur de champ, je ne vais pas faire ça. Je vais déplacer mon ouverture jusqu'à 5,6 ou F8 pour que plus de détails soient mis au point. Il est plus facile de mettre l'accent sur un sujet et le garder au point avec une plus grande profondeur de champ. Il y a donc des raisons pratiques pour choisir l'ouverture. Si je suis dans une situation où j'ai le contrôle de la lumière, je vais penser à ce que je veux que le public regarde. Dans le cadre d'une entrevue, je veux que le spectateur se concentre sur la personne interrogée. Je ne veux pas distraire le spectateur en mettant tout au point, mais je ne veux pas nécessairement filmer à une ouverture si basse pour qu'un seul morceau du sujet soit mis au point. S' ils avancent pour faire un point, ou se penchent en arrière pour réfléchir, ils vont plonger et se déconcentrer et cela va juste être distrayant pour le spectateur. Mais bien sûr, il y a des exceptions à cela. Il y a une danse entre viser à utiliser une ouverture pour vous aider à raconter votre histoire et l'utiliser pour des raisons pratiques. Pour récapituler, dans cette leçon, nous avons appris comment utiliser l'ouverture pour vous aider dans l'histoire que vous racontez. point peu profonde attire l'attention sur les points de tracé et le monde intérieur des personnages. concentration plus profonde attire l'attention sur le monde extérieur et sur notre environnement. Nous pouvons également utiliser l'ouverture et la profondeur de champ pour maintenir point critique et exposer correctement une image. En fin de compte, nous utilisons l'ouverture et la profondeur de champ pour guider l'œil du spectateur. Dans la prochaine leçon, nous allons discuter de l'ISO. 7. L'ISO: « C'est granuleux, si granuleux. » Une compréhension approfondie de l'ISO nous aidera à choisir les bons paramètres ISO pour tirer le meilleur parti de notre capteur de caméras. Avant que nous ayons nos reflex numériques fantaisistes, appareils photo sans miroir et smartphones, le film était le seul moyen de capturer une image en mouvement. Une bande de film est revêtue de produits chimiques qui réagissent à la lumière, et la rapidité avec laquelle elle peut réagir à une quantité donnée de lumière, est déterminée par la vitesse du film ou ISO. Plus l'ISO est élevée, plus la réaction est rapide. Plus l'ISO est basse, plus la réaction est lente. ISO, l'Organisation internationale de normalisation, élabore et publie des normes internationales. La vitesse du film étant l'un d'entre eux. Beaucoup de gens utilisent le terme ISO pour faire référence à la sensibilité de l'appareil photo ou à la vitesse du film, ce qui est en fait incorrect. La raison pour laquelle il n'est pas prononcé ISO, c' est parce que c'est un acronyme, et parce que l'Organisation internationale de normalisation aurait des acronymes différents dans différentes langues, ils ont décidé de le prononcer ISO, qui est dérivé du grec « isos », ce qui signifie égal. Mais j'ai été endoctriné en disant ISO, et beaucoup de gens ne connaissent pas cette information, et ne vous jugeront pas pour avoir dit ISO. Pour moi, c'est une habitude, et c' est comme ça que je le vois pour l'instant, mais je promets que je vais essayer de corriger cela pour les futurs cours. Le film sur un appareil photo numérique est le capteur. L' ISO sur film nous aide à comprendre comment l'ISO affecte une image sur les appareils photo numériques. Mais il est important de noter qu'ils ne fonctionnent pas entièrement de la même manière. Voici la clause de non-responsabilité. Je ne suis pas un expert technique en capteurs de caméra et ISO. Consultez les liens dans les notes ci-dessous, si vous voulez descendre le trou de lapin qui est ISO. Pour l'instant, je vais faire de mon mieux pour vous avoir les bases. L' ISO sur les appareils photo numériques affecte quatre choses. La luminosité d'une image exposée, le bruit d'une image, plage dynamique et la précision des couleurs. Plus l'ISO est faible, l'image exposée sera sombre. Plus l'ISO est élevée, plus une image exposée sera brillante. L' ISO affecte également le bruit produit dans un appareil photo numérique. En règle générale, plus l'ISO est faible, moins le bruit global et plus l'ISO est élevé, vous commencerez à voir plus de bruit dans l'ensemble. Un bruit plus élevé peut également provoquer ce qu'on appelle un bruit de chrominance, qui apparaît sous la forme de pixels colorés. L' ISO affecte également la plage dynamique. La plage dynamique est la façon dont une caméra enregistre les parties les plus lumineuses et les plus sombres d'une image. Dans un plan comme celui-ci, par exemple, où vous voulez capturer les feuilles de cet arbre et le ciel en même temps, vous serez limité par la portée dynamique de la caméra. Soit nous pouvons capturer les détails de l'arbre et de ses feuilles, en faisant sauter le ciel, soit nous pouvons sous-exposer l'arbre et ses feuilles, et maintenir les détails dans le ciel. Dans les caméras à plage dynamique élevée, vous avez une plus grande capacité d'enregistrer les détails dans les ombres et les reflets. Typiquement, nous voulons capturer le plus de détails possible. Une ISO inférieure donne une plage dynamique plus grande, et une ISO plus élevée, une plage dynamique inférieure. Des ISO plus élevés affectent également la précision des couleurs. Dans les ISOs inférieurs, les couleurs sont plus précises. Une fois que vous avez poussé l'ISO à haut, à un certain point, vous verrez que les couleurs commencent à s'effondrer. Les couleurs deviennent plus pâles et inexactes dans l'ensemble. Dans les ISOs inférieurs, les changements de couleur sont assez subtils. Une fois que vous atteignez un certain ISO, c'est très perceptible. Assurez-vous de garder ces ISO bas, et n'oubliez pas que chaque caméra est différente, et qu'elle rendra le bruit et les couleurs différemment, même si elles sont conformes à la même ISO. Résumons cette leçon. Plus l'ISO est faible, l'image sera sombre, produisant moins de bruit et offrant généralement la plus grande plage dynamique, ainsi qu'une meilleure précision des couleurs. Plus l'ISO est élevée, plus l'image sera brillante, produisant plus de bruit et moins de plage dynamique, avec une précision de couleur réduite. Dans la prochaine leçon, nous allons discuter de la façon d'utiliser l'ISO dans des situations de tournage réelles. 8. L'ISO : application concrète: Discutons comment appliquer pratiquement l'ISO à une variété de situations de tournage. Comment choisir l'ISO sur laquelle filmer ? Eh bien, parce que les appareils photo numériques ne rendent pas le plus beau bruit, j'ai tendance à avoir l'image la plus propre possible. Cela signifie généralement le tournage au réglage ISO le plus bas qu'offre une caméra. Je vise également la plus grande plage dynamique, et la façon de le faire est de filmer à l'ISO natif de votre appareil photo. Lors du tournage à l'ISO natif, la caméra n'est pas nécessaire d'augmenter la tension du capteur. C' est généralement là que le capteur de la caméra fonctionne le mieux. Chaque caméra a des ISOs natifs différents et rend le bruit différemment, sorte qu'il peut devenir un peu accablant. Vous devrez peut-être effectuer une recherche en ligne pour trouver l'ISO natif de votre appareil photo. Pour simplifier les choses, dans le meilleur des cas, essayez de vous en tenir à la prise de vue dans l'ISO natif de votre appareil photo. Sinon, je recommande de photographier au niveau ISO le plus bas possible de votre appareil photo. Dans les environnements plus lumineux, il sera beaucoup plus facile de maintenir votre ISO bas. Mais le tournage dans des emplacements de gradateur, vous vous retrouverez à augmenter votre ISO. Chaque caméra est différente en ce qui concerne l'ISO. certains sont plus sensibles que d'autres. Cela signifie qu'à des ISOs plus élevés, vous pouvez obtenir beaucoup de bruit dans l'ombre, et il est important de comprendre les limites de votre appareil photo. Essaie ça. Trouvez un tissu noir et un film dans un espace faiblement éclairé. Mettez votre ISO jusqu'à ce que vous commenciez à voir le bruit dans le tissu. Une fois que vous avez découvert jusqu'où vous pouvez pousser l'ISO de votre appareil photo et obtenir une image nette, prenez note de cette ISO et visez à filmer en dessous de ce point. Récapitulons. Les ISOs élevés et les ISOs faibles ont leurs avantages et leurs inconvénients. Pour simplifier les choses, photographiez l'ISO natif de votre appareil photo ou respectez l'ISO de base. Chaque caméra a différentes capacités de faible luminosité, et avec une meilleure technologie, il est de plus en plus facile d'enregistrer une image propre. Vous devrez peut-être tester votre appareil photo à des ISOs plus élevés pour déterminer la quantité de bruit acceptable pour vous. Essayez de travailler dans une plage ISO au-dessous de cette marque. Avant d'en apprendre davantage sur la vitesse d'obturation, discutons des fréquences d'images, à venir ensuite. 9. Le nombre d'images par seconde: Tout ce qu'un film est sont des images simples clignotantes devant nos yeux à un rythme déterminé qui est appelé la fréquence d'images. Plus la fréquence d'images est élevée, le mouvement est lisse. Il existe un certain nombre de fréquences d'images standard à choisir. Vingt-quatre images par seconde est la norme cinématographique du cinéma, et la majorité des films que vous voyez sur grand écran sont tournés à 24 images par seconde. La raison en était de maintenir les coûts plus raisonnables. Avec 24 images par seconde, vous obtenez une fréquence d'images suffisamment rapide pour créer un mouvement fluide à l'œil tout en réduisant les coûts de stock de film. Nous avons l'habitude de voir 24 images par seconde, donc quand on regarde n'importe quelle autre fréquence d'images dans les salles, c'est juste bizarre. Je me souviens avoir vu The Hobbit dans les salles qui était projeté à 48 images par seconde et je le détestais. Puisque nous voyons des choses cinématographiques à 24 images par seconde, si vous préférez un look plus filmique, je vous recommande de filmer à 24 images par seconde. Trente images par seconde est la norme de diffusion pour télévision en Amérique du Nord appelée NTSC. Vingt-cinq FPS est la norme de diffusion pour la télévision dans pays d' Europe et du Moyen-Orient avec deux types de formats différents appelés PAL et SECAM. Ces formats sont encore utilisés aujourd'hui, même si les téléviseurs de nos jours peuvent dépasser ces limites de fréquence d'images. De plus, nous avons le streaming, YouTube, Twitch, Netflix, qui ne sont pas limités par NTSC, PAL ou SECAM, et ne sont pas nécessairement lus à 25 ou 30 images par seconde. Si vous tournez des nouvelles ou que vous tournez principalement pour la diffusion, vous tournerez probablement en 25 ou 30 images par seconde pour respecter les normes de radiodiffusion. Soixante images par seconde sont également utilisées pour la diffusion, les sports en particulier. Vous obtenez un mouvement fluide et cela a du sens parce que le sport se déplace rapidement et que vous voulez être en mesure de capturer et de voir toute l'action. YouTube et Twitch ont également des vidéos à lire à cette fréquence d'images, et elles sont le plus couramment utilisées pour les jeux vidéo. Je reconnais que c'est une explication très simpliste des différentes fréquences d'images, mais si vous produisez du contenu en ligne, vous avez beaucoup de flexibilité dans les fréquences d'images pour choisir de filmer et de choisir la sortie, aussi. Vous avez toujours la possibilité de convertir les taux d'images et de publier. Il y a beaucoup plus de nuances à cela, donc si vous produisez des projets pour des points de vente spécifiques tels que des diffusions et d'autres fournisseurs à la demande, vous devez examiner les exigences techniques avant de commencer le tournage. Si vous voulez mettre l'accent ou attirer l'attention sur le mouvement, c'est là que les prises de vue à des cadences plus élevées telles que 60, 120, 240 et au-delà sont d'excellentes options. Lorsque vous filmez à 60 images par seconde et que vous vous conformez à 24 images par seconde, vous ralentissez votre métrage de deux fois et demie. Si vous filmez à 120 images par seconde et votre métrage est conforme à 24 images par seconde, votre métrage est ralenti de huit fois. Ce genre de ralenti ajoute du drame à un tir. Il améliore certains moments d'action ou apporte clarté et attention à un mouvement. Il peut également créer une sensation de rêve pour les séquences. ralenti est un excellent moyen d'attirer l'attention sur les points de l'histoire ou les moments impactants dans le voyage d'un personnage. Ça ne veut pas dire que je filmerais tout au ralenti. Certains projets n'incluent pas un seul coup de ralenti, mais certains projets que je filmerais incluent 24, 30, 60 et 120 images par seconde. Certains sont entièrement au ralenti. Demandez-vous ceci, est-ce que le ralentissement de l'abattage correspond à l'histoire que je raconte ? Est-ce que ce moment, ce tir ou cette séquence en bénéficierait vraiment ? Un autre but pour utiliser le ralenti est lors du tournage à main. Si vous faites une sorte de mouvement avec la caméra et avez besoin de plus de stabilité, alors la prise de vue à une fréquence d'images plus élevée et le ralentissement dans poteaux va vraiment lisser la came tremblante un peu. Pour les besoins de ce projet de classe, je vous recommande de rester à la lecture de vos séquences à 24 images par seconde pour un look cinématographique tout en permettant des options de ralenti. En fin de compte, c'est à vous de décider quelle fréquence d'images est la meilleure pour votre projet. Pour résumer, 24 images par seconde sont la norme cinématographique, 25 images par seconde est la norme de diffusion pour les pays d'Europe et du Moyen-Orient, 30 images par seconde est la norme de diffusion pour l'Amérique du Nord. ralenti peut être utilisé pour lisser les coups de main secoués. Utilisez le ralenti pour ajouter de l'impact à votre histoire, mais assurez-vous qu'elle sert l'histoire que vous racontez en premier. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la vitesse d'obturation. 10. La vitesse d'obturation: La vitesse d'obturation ainsi que l'ouverture, contribue à l'exposition d'une image, mais contrôle également le flou de mouvement. L' obturateur est un rideau mécanique qui recouvre le capteur de la caméra. Plus l'obturateur est long, plus le capteur de l'appareil photo expose l'image, la rendant plus lumineuse. Une vitesse d'obturation plus rapide entraîne moins de lumière et le capteur expose l'image pendant moins de temps, ce qui la rend plus sombre. La chose unique que contrôle la vitesse d'obturation est la façon dont une caméra capture le mouvement. Lorsque l'obturateur est ouvert plus longtemps, les sujets en mouvement deviennent flous dans l'image finale. Moins l'obturateur est ouvert, moins vous obtiendrez de flou de mouvement avec les objets en mouvement. Parce que nous tournons des vidéos sur des appareils photo numériques et non sur des photos pour ce cours, je veux expliquer comment la vitesse d'obturation fonctionne sur caméras de cinéma traditionnelles et certaines caméras de cinéma numériques haut de gamme. Une note de côté sont les reflex numériques, obturateurs sans miroir ne fonctionnent pas de cette façon. Ils mettent en place un obturateur électronique qui active et éteint le capteur de la caméra. Si j'enregistre une vidéo sur mon Sony, vous pouvez voir que rien ne se passe mécaniquement avec la vitesse d'obturation. Tout est électronique. Tu ne peux pas le voir. Mais pour mieux comprendre la vitesse d'obturation pour la vidéo, plongons dans la façon dont ils ont tourné le film avant que le numérique ne soit une chose. Dans les caméras cinématographiques, le mécanisme d'obturation est appelé obturateur à disque rotatif. On dirait ça. La façon dont ils travaillent est de tourner devant une grille de film de caméras de film exposant le film en fonction de l'angle de l'obturateur. que le film se déplace au-delà de la barrière du film, l'obturateur tourne, laissant passer une certaine quantité de lumière pour chaque image du film. L' obturateur peut fonctionner à différents angles. Plus l'angle est large, plus le mouvement est flou. Plus l'angle est petit, moins le flou de mouvement est faible. En effet, avec un angle plus large, le film est exposé à la lumière en mouvement pendant plus longtemps. Un angle plus court est égal à un temps d'exposition plus court. Le film tournait généralement à un angle d'obturation de 180 degrés, et maintenant comme nous sommes habitués à ce type de mouvement, il nous semble le plus naturel. Ou en d'autres termes, si vous voulez que vos vidéos ressemblent à un film, filmez à un angle d'obturation de 180 degrés. Sur n'importe quel projet sur lequel je travaille, je suivrai surtout cette règle de filmer à un angle d'obturation de 180 degrés. Avec la plupart des reflex numériques et des caméras sans miroir, la vitesse d'obturation est enregistrée en fractions de secondes. Si je veux répliquer le flou de mouvement filmique ou obtenir un angle d'obturation de 180 degrés sur un appareil photo numérique. La règle est de définir votre vitesse d'obturation pour doubler la fréquence d'images. Il y a aussi ces astucieux angle d'obturateur pour calculateurs de vitesse d'obturation qui se convertissent pour vous. Si je tourne à 24 images par seconde, et que je veux un flou de mouvement filmique à un obturateur de 180 degrés, je mettrais ma vitesse d'obturation à 148e de seconde. D' accord. Mais mon appareil photo ne fait pas 148e de seconde. Eh bien, vous le définissez à 150e de seconde, ce qui est l'option la plus proche pour doubler votre fréquence d'images. Si vous vouliez filmer à 30 images par seconde. Suivez la règle de doublement et réglez votre vitesse d'obturation à 160e de seconde. Voyez que vous voulez filmer à 60 images par seconde et le mettre à, oui, vous l'avez deviné 120e de seconde. Je filme généralement tout à un angle d'obturation de 180 degrés. Cependant, vous n'avez pas toujours besoin de suivre ces règles. Mais rappelez-vous juste qu'ils vous donneront des résultats qui se sentiront le plus cinématographique. Pour récapituler cette leçon, la vitesse d'obturation est un autre outil pour exposer l'image. l'obturateur est ouvert, plus il y a de lumière et plus le flou de mouvement est grand, plus l'obturateur est court, moins la lumière entre et moins de flou de mouvement est capturé. Je vous recommande de vous en tenir à la règle d'obturation de votre obturateur étant deux fois la quantité de votre fréquence d'images afin que vous obteniez un flou de mouvement cinématographique. Dans la prochaine leçon, nous examinerons les applications pratiques pour la vitesse d'obturation. 11. La vitesse d'obturation : application concrète: Après la dernière leçon, vous pourriez penser, si le tournage à un angle d'obturation de 180 degrés entraîne un flou de mouvement filmique, alors pourquoi ne pas tourner à un angle d'obturation de 180 degrés tout le temps ? Eh bien, la plupart du temps, c'est génial, mais il y a des moments qui pourraient nécessiter des vitesses d'obturation plus élevées ou plus basses. Dans la plupart des cas, le tournage à un angle d'obturation de 180 degrés est préférable. D' un point de vue narratif, la plupart des films utilisent un obturateur à 180 degrés. Il y a des moments où la prise de vue avec un angle supérieur ou inférieur est préférée. Si vous choisissez d'utiliser un angle d'obturation plus élevé, vous obtenez plus de flou de mouvement. Dans certains films, il pourrait créer un look rêveur ou quelque peu dramatique, comme dans le film Gladiator pendant cette scène de combat. Le réalisateur, Michael Mann, utilise aussi un obturateur plus lent. Je ne sais pas exactement pourquoi. C' est peut-être parce qu'il filme beaucoup de scènes nocturnes de faible luminosité pour augmenter l'exposition. J' ai remarqué que certaines personnes semblent l'aimer et d'autres ne le font pas. C' est une utilisation subtile de l'effet qui pourrait être la raison pour laquelle il passe largement inaperçu. Vous pouvez constater lors de la pause de certains mouvements que le flou de mouvement est plus visible qu'un angle d'obturation typique de 180 degrés. Rejouons ça et arrêtons. Regardez le flou de mouvement ici. Cet effet est également utilisé dans les scènes pour émuler une sensation droguée. J' avais sauté la phase d'enchevêtrement et je suis allé directement à la double phase. Permettre au spectateur de voir ce que le personnage vit. Cet effet est vraiment cool. Mais une fois que vous l'avez filmé avec cette vitesse d'obturation, tout a cette qualité de flou de mouvement, et c'est irréversible. C' est pourquoi je préfère ne pas utiliser ces volets. Si je le voulais vraiment, je peux toujours ajouter plus de flou de mouvement ou d'effets de stator et post. Avoir de la flexibilité est plus important pour moi que la cuisson dans le look d'obturateur lent. Là où je pense qu'un obturateur plus lent brille vraiment, c'est quand on utilise une photographie time-lapse. Puisque vous prenez une photo et que vous n'êtes pas limité par la fréquence d'images, vous pouvez ralentir l'obturateur au-delà de 1/124e de seconde et exposer pendant quelque chose comme une seconde et obtenir des pistes de flou de mouvement incroyables. Si vous filmez avec un angle d'obturation inférieur, vous obtenez moins de flou de mouvement, ce qui donne un aspect hyper-réel, et vous pouvez voir les détails des objets en mouvement et une image beaucoup plus claire. Beaucoup de gens se mélangent avec une image plus nette. Vous n'obtenez pas une image plus nette en filmant à une vitesse d'obturation plus élevée. Ce n'est pas plus net. Il y a juste moins de flou de mouvement qui vous permet de voir les détails des objets en mouvement. Vous pouvez décider d'utiliser une vitesse d'obturation plus élevée pour les moments où vous voulez apporter de la clarté aux objets qui se déplacent plus rapidement ou peut-être vous filmez une séquence d'action où vous voulez moins de flou de mouvement pour améliorer l'action. Un obturateur plus élevé peut également apporter de la clarté aux points d' une histoire et peut améliorer l'état émotionnel actuel d'un personnage. Saving Private Ryan est bien connu pour son utilisation d'un angle d'obturation plus petit. Le directeur de la photographie, Janusz Kaminski, mentionne dans une interview que l'utilisation d'un angle d'obturation de 45 degrés lui a permis d'obtenir un look staccato avec les mouvements des acteurs. Il a dit qu'il y avait une croustillance dans les explosions, et il a aussi dit que cela lui a donné un aspect un peu plus réaliste. L' utilisation de la vitesse d'obturation doit d'abord être déterminée par votre histoire. Cela dit, augmenter ou diminuer la vitesse d'obturation de quantités minimales n'affectera pas vraiment le flou global du mouvement du I. Si vous décidez de l'utiliser pour des raisons d'exposition, c'est tout à fait bien. Une autre bonne raison de régler votre vitesse d'obturation est lorsque vous rencontrez un scintillement. Beaucoup de lampes, lampes fluorescentes, moniteurs d'ordinateur, etc., ils peuvent fonctionner à une fréquence différente de notre vitesse d'obturation. La solution simple pour scintiller est d'ajuster votre vitesse d'obturation jusqu'à ce que vous ne voyez plus scintillement. Je dirais que je filme surtout en utilisant un angle d'obturation de 180 degrés. Il peut y avoir des moments où je vais monter la vitesse d'obturation pour réduire le flou de mouvement et augmenter le détail des objets en mouvement, et surtout pendant les prises de vue au ralenti. Je suppose qu'après cette leçon, je devrais essayer de changer un peu les choses et expérimenter avec différents types de flou de mouvement. Récapitulons. Une vitesse d'obturation plus lente augmente le flou de mouvement qui peut donner une sensation rêveuse, dramatique ou même droguée, comme regarder une image en mouvement lent et rapide en même temps. Un obturateur plus rapide réduit le flou de mouvement, ce qui peut créer un aspect plus réaliste et donner une vue plus détaillée des objets en mouvement rapide. Si vous vous trouvez dans une situation de scintillement, essayez de régler votre vitesse d'obturation jusqu'à ce que vous n'en voyez pas ou qu'il y en ait très peu. Pour la plupart, vous pouvez filmer en utilisant un angle d'obturation de 180 degrés. Si vous choisissez d'augmenter ou de diminuer considérablement l'angle d'obturation, assurez-vous qu'il sert l'histoire que vous racontez. Dans la leçon suivante, nous allons parler de la façon d'exposer correctement une image. 12. Comment exposer correctement une image: Une bonne exposition est essentielle pour créer des images qui sont superbes et qui ont le plus de flexibilité dans la correction de post-production. Dans cette leçon, nous allons déterminer les étapes à suivre pour exposer correctement une image. Une bonne exposition est incroyablement importante pour conserver le détail vos images et pour le plus, la flexibilité dans la post-production. C' est surexposé. Si vous avez surexposé une image et soufflé les surlignements, l'appareil photo ne capture aucune de ces informations. Quand vous jetez cela dans votre logiciel de montage, vous serez déçu parce que lorsque vous essayez de réduire cette exposition, il n'y a pas d'information là-bas et cela devient, eh bien, elle devient inutilisable. Il en va de même pour les ombres. Dans certaines situations, la sous-exposition de l'image entraîne la perte de tous les détails des ombres. Dans d'autres, cela entraîne des niveaux élevés de bruit. Alors, comment pouvons-nous obtenir une bonne exposition ? La première étape consiste à activer certains paramètres de lecture de l'exposition. Un bon endroit pour commencer est avec l'histogramme. La plupart des caméras ont un histogramme et ce qu'elles font est de vous dire où se trouvent les ombres et les reflets d'une image. Les pics sur le côté gauche de l'image représentent des ombres et les pics sur le côté droit représentent les reflets. Toutes les autres valeurs de luminance se situent entre les deux. sous-exposition entraîne des pics tombant loin vers la gauche et vous pouvez voir que nous commençons à perdre des détails dans l'ombre. Lors de la surexposition, nous pouvons voir les pics se déplacer plus loin vers la droite montrant que les points forts sont en train de s'effondrer et que nous perdons des détails. À mon avis, le meilleur outil pour gérer l'exposition serait d'utiliser un moniteur de forme d'onde. Mais beaucoup de ces plus petits appareils photo reflex numériques sans miroir ne les ont pas. Vous pouvez cependant louer ou acheter un moniteur externe pour un meilleur contrôle de l'exposition. Personnellement, je ne possède pas de moniteur externe, mais je les loue si j'en ai besoin. Je vais vous expliquer comment ils fonctionnent dans Premier Pro. Dans beaucoup de programmes d'édition, vous avez un moniteur de forme d'onde et c'est le même que ce que vous verrez dans un moniteur externe avec le paramètre de forme d'onde. Ici, nous avons nos ombres ici, nos tons moyens ou gris moyen par ici. Ensuite, nous avons nos points forts ici. Si vous regardez vers la gauche, vous pouvez voir ces chiffres de 0 à 100, ce qui nous indique à quel point l'exposition est brillante ou sombre. La façon dont vous lisez un moniteur de forme d'onde est de gauche à droite, tout comme une image. Dans le côté gauche de ce cadre, vous pouvez voir Gavy tenant ce vérificateur de couleur et vous pouvez le voir juste ici dans le moniteur de forme d'onde. Par exemple, nous avons cette bande noire ici, et c'est quelque part ici sur la forme d'onde. Il devient plus sombre ici avec ces fenêtres et ensuite cette bande lumineuse qui est juste ici. C' est les fenêtres noires et cette bande lumineuse s'allume et les fenêtres à nouveau, juste ici. Ensuite, nous avons cette bande grise et elle est juste là. Vous pouvez le voir, juste là. Ce blanc, bam, juste là. Puis toutes ces couleurs et ces valeurs de luminance dispersées tout autour. Ce gros vieux morceau ici, d' accord, qu'est-ce que tu crois que c'est ? C' est le teint de Gavy. Les faits saillants sont autour de 60 IRE et puis probablement une partie de sa barbe juste ici. Shadows, barbe, ses cheveux, et ceci, ok, c'est mon logo de proxy pour l'édition. Ensuite, vous avez cette petite bosse ici, qui encore une fois, c'est le cadre de la fenêtre juste ici. J' espère que cela vous donnera une meilleure idée du fonctionnement des formes d'onde. Le système de zone a été développé par les photographes Ansel Adams et Fred Archer, et il a été créé pour déterminer la meilleure exposition pour certaines situations. Par exemple, si nous regardons la carte système de zone, vous pouvez voir qu'elle passe de zéro, qui représente le noir pur, jusqu'à 10, qui représente le blanc pur. Toutes les autres valeurs d'éclairage se situent entre les deux. Le système de zone a été créé à l'origine pour le développement de films, mais je trouve toujours qu'il a ses utilisations en vidéo, en l' utilisant comme guide de référence. Cela nous montre à peu près où les choses doivent se retrouver dans nos outils de mesure. Jetons un coup d'oeil à cette photo ici. Vous pouvez voir que mon teint est exposé à environ 70 IRE. Ok, tu peux voir ma barbe dans la forme d'onde, alors découpons ça, et maintenant tu peux voir ma peau. Voilà, tu y vas. Vous pouvez voir que c'est juste entre 60 et 70 IRE, ce qui est juste là où ma peau et ses points forts devraient être. Disons maintenant que j'expose mes tons de peau au-dessus de 70 IRE. Même si je l'ai empêché de couper, il serait toujours considéré pour exposition. Cela signifie que nous ne nous contentons pas d'exposer pour empêcher nos histogrammes et nos formes d'onde d'écraser les reflets et d'écraser les ombres. Nous exposons également pour différents tons et où ils se trouvent dans le système de zone. Vous pouvez utiliser le système de zone comme guide. Rappelez-vous, si vous surexposez un peu, ou sous-exposez un peu, vous pouvez l'ajuster à sa zone appropriée ou à son exposition en post. Bien sûr, c'est dans la raison. Toujours viser la meilleure exposition possible. exposition d'une image peut être difficile car toutes les caméras ne possèdent pas la plage dynamique qui permet de capturer tous les détails, les reflets et les ombres en même temps. Des choses comme le soleil, les lumières vives ou les fenêtres sont naturellement incroyablement lumineuses. La plupart du temps, surtout si vous n'avez pas lumières ou d'appareil photo avec une plage dynamique élevée, vous devrez les souffler afin d'obtenir une bonne exposition d'un sujet. Je veux dire, quand on regarde le soleil, le ciel ou les lumières vives, elles sont naturellement très lumineuses. Donc, sur la caméra, il est plus acceptable de souffler les faits saillants de ces sources. Un dernier outil que j'utilise beaucoup sont les zèbres. Je trouve cette fonction très utile dans les situations à contraste élevé, brillamment éclairées. La façon dont j'aime utiliser les zèbres, mettez-le à 100 pour cent. Cela signifie que lorsque les points forts de mon image sont surexposés, vous verrez toutes ces lignes qui ressemblent à des lignes de zèbre et elles apparaissent sur les parties surexposées. Je vais exposer tout le chemin jusqu'à ce que j'atteigne le bord de la surexposition. En fait, je commencerais même par une lecture surexposition qui exploser les faits saillants, puis je réduirais lentement mon exposition jusqu'à ce que tous les zèbres aient disparu sur les parties de l'image que je ne veux pas être soufflé. Dans ce cliché ici, j'ai gardé le ciel surexposé de sorte que lorsque j'entre dans le cadre, je ne suis pas une silhouette et vous pouvez toujours voir mon visage. L' éclairage de la silhouette est également très bien. Mais au moins avec les zèbres, nous savons ce que nous soufflons et si nous voulons être intentionnels à ce sujet ou non. Comme vous pouvez le voir, une exposition adéquate peut devenir une chose difficile à manœuvrer en fonction de la situation ainsi que du type d'équipement et d'éclairage auquel vous avez accès. À mon avis, si vous voulez assurer la meilleure exposition et avoir la plus grande flexibilité en poste, c'est ce que je recommanderais. Utilisez votre histogramme ou vos formes d'onde pour obtenir un jeu d'exposition approprié. Assurez-vous ensuite que vos zèbres sont réglés à 100 pour cent afin de savoir si vous suressez les faits saillants ou non. De cette façon, vous pouvez devenir délibéré sur si vous voulez ou non choisir de souffler les faits saillants. Pensez également à l'endroit où se trouvent les choses sur le système de zone et à la façon dont vous voulez manipuler ces tons. J' ai filmé avec d'autres professionnels de la vidéo au fil des ans et ils voient mon écran plein de zèbres et de paramètres d'exposition et ils disent  : « Whoa, il y a beaucoup de choses là-bas. » Je réponds toujours avec  : « Je ne fais pas confiance à ce petit écran LCD. » Alors pourquoi le laisserais-je au hasard, surtout quand vous avez ces outils qui peuvent vous dire quand les choses sont surexposées ? Vous devriez les utiliser. Pour récapituler, la surexposition de l'image entraîne la perte de détails et de surbrillance, et la sous-exposition entraîne la perte de détails dans les ombres. Dans certaines situations avec des lumières vives, le soleil ou les fenêtres, il est acceptable de souffler les points forts. Utilisez votre histogramme ou vos formes d'onde pour obtenir une exposition appropriée. zèbres sont parfaits pour savoir exactement quand vous explosez les faits saillants. Donc je recommande de garder ça, et si vous n'avez pas de zèbres, tenez-vous à utiliser l'histogramme. Essayez de sortir et de filmer dans des situations lumineuses, des situations sombres, l'aube, le crépuscule, la lumière du jour. Vraiment mettre ces outils de lecture d'exposition à travers la sonnerie pour obtenir un réglage confortable bonne exposition. Dans la leçon suivante, nous allons apprendre comment l'ouverture, vitesse d' obturation et l'ISO peuvent fonctionner harmonieusement. 13. En utilisant l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO de façon harmonieuse: Comprendre une bonne exposition n'est qu'une partie du puzzle. L' autre est de comprendre comment utiliser harmonieusement l'ouverture, l' ISO et la vitesse d'obturation tout en obtenant une bonne exposition. Nous savons à quoi ressemble une bonne exposition. Nous utiliserons les paramètres de l'histogramme et du zèbre pour obtenir une lecture correcte d'une scène. Mais comment y arriverons-nous ? Voici mon approche recommandée. Quel est le but de votre tir ? Essayez-vous de mettre l'accent sur la beauté des fleurs au premier plan ? Essayez-vous de montrer l'immensité de l'endroit où vous êtes ? Pensez d'abord à votre histoire et à son but. Gardez votre vitesse d'obturation constante. Ce que je veux dire par ceci est de choisir la quantité de flou de mouvement que vous voulez et de s'y tenir. Je recommande la prise de vue à un angle d'obturation de 180 degrés, ce qui permet de régler votre obturateur à deux fois le nombre de cadences auquel vous tournez. N' ajustez pas l'obturateur pour obtenir une bonne exposition, maintenez-le constant. Modifiez uniquement la vitesse d'obturation lorsque vous changez votre fréquence d'images pour vous assurer qu'elle reste à un angle d'obturation de 180 degrés, ou si vous essayez d'obtenir un look créatif pour un tir particulier dans une séquence. Puisque votre vitesse d'obturation est constante, la première chose à décider lors du tournage est savoir si vous voulez une grande partie de votre environnement, ou si vous voulez une profondeur de champ peu profonde, ou peut-être que vous voulez quelque chose entre les deux. Une fois que vous avez choisi la profondeur de champ, essayez de garder ce paramètre constant tout au long du tournage d'une scène pour maintenir la cohérence. Une fois que vous avez un réglage d'ouverture préféré, utilisez votre ISO pour affiner l'exposition tout au long de vos clichés de scène. Dans la plupart des endroits intérieurs et des endroits ombragés ou nuageux, cette technique fonctionnera bien. Mais dans des endroits extérieurs lumineux, vous n'avez pas d'autre choix que d'augmenter votre réglage d'ouverture, ce qui n'est pas toujours idéal, mais parfois nécessaire. L' autre option consiste à utiliser un filtre ND. Un filtre ND agit comme des lunettes de soleil pour votre appareil photo, réduisant la quantité de lumière entrant dans l'objectif. Cela vous permet de tirer à 2-8 en plein jour. Si vous faites la majorité des tournages à l'extérieur dans des situations ensoleillées , prendre un filtre ND variable est une excellente idée. Je vais me contredire un peu ici. le meilleur des cas, les options idéales pour régler l'exposition sont d'ajuster l'éclairage de l'environnement ou d'utiliser une caméra de cinéma avec un ND intégré. Nous aurions notre vitesse d'obturation à 180 degrés pour maintenir le flou du mouvement filmique, nous aurions une ouverture constante définie à notre préférence pour la scène et pour une profondeur de champ constante, et nous aurions notre ISO réglé au besoin de la caméra de pour une image propre. Mais ce sont des situations idéales. Cela pourrait nécessiter plus de temps, plus d'équipage, plus d'argent, plus d'équipement avancé. La réalité est, avec les reflex numériques et les caméras sans miroir, filtres ND peuvent être douloureux. Lorsque vous avez une crise de temps, il est facile de ne pas tenir compte de ces filtres ND. Essaie ça. Apportez votre appareil photo avec vous pour une promenade. Essayez de mettre en place un tir. Peu importe ce que vous tirez. Ça pourrait être une fleur, un arbre ou une voiture en mouvement, peu importe. Avant d'exposer une prise de vue, pensez à la meilleure combinaison de paramètres pour capturer ce moment, cet objet ou cette séquence. Quel est le but du tir ? Comment cela s'insète-t-il dans l'histoire ? C' est juste un exercice, donc les choses n'ont pas besoin d'aller trop loin ici. Une fois que vous connaissez le but de votre prise de vue, suivez les étapes ci-dessus et ajustez vos paramètres pour une exposition correcte. Par exemple, je tournais ici pour une partie de mes leçons et je me sentais stupide et je voulais obtenir des photos trop sentimentales. J' ai donc décidé de passer ma fréquence d'images à 60 images par seconde pour un effet surdramatique. Je suis allé pour une faible profondeur de champ à F2.8 pour souligner également la sensation sentimentale rêveuse. Ensuite, j'ai également changé mon ISO à 1600 qui est l'ISO natif de mon appareil photo. Il était couvert et j'avais une couverture d'arbres, donc je n'avais pas besoin d'un filtre ND. En outre, cela vous donne une idée de la facilité avec laquelle il est juste de filmer une séquence rapide. Je ne l'ai pas pris au sérieux. J' ai juste tiré ce qui m'était venu à l'esprit en premier. Je vais jouer la séquence pour récapituler. On y va. Lorsque vous réglez l'exposition, n'oubliez pas de garder votre vitesse d'obturation constante. Déterminez l'ouverture sur laquelle vous voulez tirer, puis ajustez l'ISO pour obtenir une exposition correcte. Si vous êtes dans une zone bien éclairée et que vous devez filmer à faible ouverture, utilisez un filtre ND pour régler votre exposition. Dans la leçon suivante, nous allons parler de certains des mathématiques derrière la mesure de la lumière. Ça semble super ennuyeux, mais croyez-moi, une fois que vous aurez ce concept, ça va vraiment vous aider à comprendre comment chaque paramètre d'exposition affecte l'autre. Alors restez là pour ça. 14. La relation entre l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO: Dans cette leçon, nous allons explorer la connexion entre l'ouverture, ISO et la vitesse d'obturation. Comprendre comment ils se connectent vous donnera un meilleur contrôle sur l'exposition lorsque vous modifiez l'un de ces paramètres. J' ai mentionné dans la leçon sur l'utilisation de l'ouverture que nous mesurons la lumière dans ce qu'on appelle les arrêts. Un arrêt consiste simplement à doubler ou à couper de moitié la quantité de lumière que l'appareil photo laisse entrer. Si je changeais mon f-stop de f2.8 à f4, cela diminuerait un arrêt de lumière ou réduirait de moitié la quantité de lumière que mon appareil photo laisse entrer. Maintenant, il en va de même pour la vitesse d'obturation. Si je change ma vitesse d'obturation de 1/50e de seconde à 1/100e de seconde, je réduirais aussi de moitié la quantité de lumière que mon appareil photo laisse entrer, ce qui, encore une fois, diminuerait la quantité de lumière d'un arrêt. Enfin, il en va de même pour l'ISO. Si je change mon ISO de 200 à 100, encore une fois, je réduirais de moitié la quantité de lumière et diminuerais la quantité de lumière d'un seul arrêt. Cela signifie que si vous modifiez l'un de vos paramètres d'exposition, vous pouvez rapidement déterminer si vous devez réduire de moitié ou doubler un autre paramètre d'exposition pour maintenir une exposition adéquate. Une fois que vous comprenez que vous doublez ou réduisez de moitié la quantité de lumière, vous pouvez rapidement déterminer quel réglage vous devez changer dans une situation donnée. Ainsi, par exemple, dans cette photo, nous tournons à 30 images par seconde, 1/60e de seconde vitesse d'obturation, ouverture à f4, et ISO à 1 600. Nous décidons ensuite de changer notre fréquence d'images à 60 images par seconde pour le ralenti. Ce faisant, nous devons changer notre vitesse d'obturation, à 1/120e de seconde, ou aussi près que notre caméra le permet. Rappelez-vous, pour maintenir un flou de mouvement filmique, la règle est de tourner avec une vitesse d'obturation qui est le double de notre fréquence d'images. En changeant notre vitesse d'obturation de 1/60e à 1/120e, nous diminuons la lumière d'un seul arrêt. Si je change notre ouverture de f4 à f28, cela augmenterait la lumière d'un seul arrêt. Ou je peux changer notre ISO, de 1 600 à 3 200, ce qui augmenterait également la lumière d'un seul arrêt. Parce que je veux maintenir une ouverture constante tout au long de ces deux clichés, je reste avec ISO. Maintenant, si vous regardez ces plans côte à côte, vous pouvez voir qu'ils ont des paramètres différents, mais une exposition identique. Un autre exemple serait cette scène ici. Nous tournons à 24 images par seconde, 1/50e vitesse d'obturation, ouverture est réglée sur f5.6 et ISO à 800. Je veux créer une profondeur de champ encore plus faible, donc je change mon f-stop en f2.8. Donc, dans ce cas, nous diminuons notre ouverture de f5.6 d'un arrêt à f4, puis un autre arrêt à f 2.8. Nous avons réduit l'exposition globale de deux arrêts. Pour maintenir une exposition identique à celle de notre photo précédente, nous devrons ajuster l'un de nos autres paramètres d'exposition, ISO ou vitesse d'obturation. Rappelez-vous que la seule raison d'ajuster la vitesse d'obturation est lorsque vous modifiez la fréquence d'images, ou si nous voulons un type spécifique de flou de mouvement. Nous ne modifions pas la fréquence d'images et nous voulons maintenir un film comme le flou de mouvement, donc nous restons avec l'ISO. Donc, nous allons diminuer l'ISO de 800 à 400. C' est un arrêt. Puis de 400 à 200, ce qui est un autre arrêt. Encore une fois, nous avons deux photos avec des paramètres différents et une exposition identique. Plus vous tirez, cela deviendra une seconde nature et vous ne ferez pas de calculs dans votre tête. Vous commencerez à ajuster automatiquement les paramètres à votre goût. Par exemple, quand vous filmez un mariage ou une vidéo d'entreprise, quelque chose où vous devez fuir et fuir, croyez-moi, vous n'aurez pas le temps de vous asseoir et de faire ces calculs, vous allez vous déplacer trop rapidement et ne veulent rater le coup parfait. Mais lorsque vous décidez de changer de fréquence d'images, vous saurez exactement ce que vous devez faire pour maintenir l'exposition correspondante. C' est une idée simple et il est incroyablement bénéfique de comprendre que lors de l'ajustement de l'exposition, nous doublons ou réduisons de moitié la quantité de lumière. Alors essaye ça. Concentrez-vous sur divers objets dans une variété de situations d'éclairage. Définissez votre exposition pour vos paramètres préférés, prenez une photo ou enregistrez des vidéos. Ensuite, gâchez l'un des trois paramètres. Soit enfoncer quelques arrêts ou descendre quelques arrêts, et essayer de déterminer quels autres paramètres vous pouvez ajuster pour maintenir une exposition correcte par rapport à votre photo précédente. Donc maintenant, nous avons des paramètres différents, mais la même exposition. C' est une partie de l'exercice et une partie pratique. Cela pourrait s'appliquer davantage aux personnes en situation de tournage d'armes à feu, avec très peu d'équipement ou de contrôle sur l'éclairage. Idéalement, nous allons essayer de garder notre ouverture constante tout au long d'une scène. Nous allons garder notre vitesse d'obturation, où nous avons un flou cinématique, ce qui nous oblige à le changer si nous changeons notre fréquence d'images. Vous allez probablement essayer de changer votre éclairage et votre ND. Si vous n'avez pas ces choses, votre ISO. La meilleure façon d'apprendre est de sortir et de filmer des trucs. Vous commencerez naturellement à déterminer comment ajuster vos paramètres et quels paramètres fonctionnent où et avec quel type de lumière. Pour résumer, un arrêt est une mesure de la lumière. Vous réduisez de moitié ou doublez la quantité de lumière que l'appareil photo laisse entrer. Comprendre ce concept vous aidera à déterminer à quoi définir rapidement l'exposition. Travaillez jusqu'à ce qu'il devienne une seconde nature. Dans la prochaine leçon, nous allons en apprendre davantage sur la balance des blancs. 15. La balance des blancs: L' utilisation du réglage de la balance des blancs dans votre appareil photo est de la plus haute importance lorsque vous visez la précision des couleurs, et peut créer des looks uniques à l'appareil photo. Pour comprendre la balance des blancs, nous devons d'abord en apprendre davantage sur les températures de couleur. température de couleur est la chaleur ou la fraîcheur d'une source lumineuse. Différentes sources de lumière ont des températures de couleur différentes. Par exemple, les ampoules semblent chaudes et la lumière du jour semble plus fraîche. La température de couleur est mesurée dans ce qu'on appelle Kelvin. Bizarrement, plus la couleur est chaude, plus le nombre est bas et vice versa. Le réglage de la balance des blancs est la façon dont nous indiquons notre caméra quelle est la température de couleur d'une scène globale. Lorsque nous définissons la balance des blancs, nous disons à nos caméras à quoi ressemble le blanc sous une certaine lumière, ce qui donne aux couleurs l'impression qu'elles devraient. Par exemple, si je remplis la lumière du jour, je réglerais la balance des blancs de mon appareil photo à 56,00 Kelvin, ce qui correspond approximativement à la température de couleur de la lumière du jour. Si je tourne dans mon salon, avec des ampoules de tungstène, avec des ampoules de tungstène, je réglerais ma balance des blancs à 3,200 Kelvin, qui est ce que la température de couleur d'une ampoule de tungstène est typiquement. La raison pour laquelle j'utilise des valeurs approximatives est que la température de l'éclairage varie considérablement. lumière du jour change radicalement avec le lever et le coucher du soleil se situant entre 2000 et 3.000K, crépuscule étant compris entre 7.500 et 10.000K. L' éclairage de l'après-midi est d'environ 5 500 K, et ciel couvert, d'environ 6 500 K, il varie. Si vous ne savez pas quelle est la température de couleur de l'éclairage dans un endroit ou une scène spécifique, vous devez obtenir une carte blanche ou une carte grise de 18 %. Pour capturer la balance des blancs personnalisée, placez votre carte blanche ou grise sous la même lumière que celle que vous prévoyez de filmer. Chaque appareil photo est un peu différent. Recherchez donc le réglage de la balance des blancs, puis sélectionnez Personnalisé, puis visez votre appareil photo sur la carte blanche en capture diable. Vous pouvez voir ici ça me dit que la lumière réfléchissant de la carte arrive à 8 300 Kelvin, surtout parce qu'il est couvert, et l'heure de la journée qui était au coucher du soleil. Essayons de définir une balance des blancs pour cette lumière ici. Sélectionnez la balance des blancs personnalisée, frapper la capture, et nous obtenons une balance des blancs de 3 100 000, mais attendez, qu'est-ce que c'est ? Ça dit M6. Il existe un autre paramètre pour la précision des couleurs, et c'est ce qu'on appelle la teinte. Les teintes d'une image ajustent la couleur verte ou magenta. La lumière du soleil a une teinte verte ou magenta pour eux, et c'est très difficile à voir sur ce petit écran LCD. Quand je viens juste de régler ma balance des blancs, ça dit que la lumière a une teinte verte. En ajustant la teinte magenta de six points, l'appareil photo contrecarre la teinte verte provenant de cette lumière. Maintenant, la caméra a une balance des blancs appropriée pour tout ce qui est allumé sous cette lumière. C' est pourquoi il est si important de définir la balance des blancs dans diverses situations, vous ne connaissez jamais la qualité de la lumière à laquelle vous avez affaire, et c'est la meilleure façon d'obtenir la balance des blancs la plus précise. Qu' en est-il de tous ces autres préréglages de balance des blancs ? Qu' en est-il de l'ombre et de la balance des blancs automatique ? Je ne les utilise pas vraiment. C' est bon, si vous voulez vraiment utiliser un préréglage, vous pouvez. Mais dans cette classe, nous visons à avoir un contrôle manuel complet. Avoir un contrôle manuel complet de votre appareil photo et être plus précis avec votre balance des blancs vous aide à ne pas avoir à compter sur des préréglages et à saisir au fil du temps une compréhension plus approfondie des températures Kelvin dans différents environnements. Lorsque vous utilisez votre carte de balance des blancs, vous commencerez à voir une tendance dans différentes situations d'éclairage. Par exemple, à la lumière du jour, je vise à filmer à 5 600 K , sous un ciel couvert ou en forme , je tourne à environ 6 500 , je tourne à environ 6 500K, ou même 7 000 K. K, ou même 7 000 K parfois, je tire même à 3,600K. Étudiez les graphiques Kelvin, obtenez une carte de balance des blancs ou une carte grise à 18 pour cent. Une fois que vous vous familiariserez avec les températures d' éclairage dans différents endroits et situations, vous serez en mesure de régler votre balance des blancs très bien, sans utiliser de chariot. Récapitulons. La balance des blancs est un paramètre qui indique à l'appareil photo quoi ressemble le blanc sous un certain type de lumière. Il s'adapte aux températures de couleur chaudes et froides et compense également une teinte verte ou magenta. Utilisez une carte de balance des blancs, apprenez l'échelle Kelvin et mémorisez les températures de couleur de certaines conditions d'éclairage, sorte que vous pouvez être rapide sur le cadran lors de la prise de vue. Dans la leçon suivante, nous allons parler de la balance des blancs à choisir dans différentes situations d'éclairage. 16. Le balance des blancs : application concrète: Dans la dernière leçon, nous avons discuté de ce qu'est la balance des blancs, de la façon de la définir et de l'importance d'une carte de balance des blancs. Mais il y a quelques autres facteurs importants à prendre en compte lors du choix de la balance des blancs pour votre tournage. Regardons quelques conseils sur la façon d'appliquer la balance des blancs dans des situations de tournage réelles. L' éclairage mixte est incroyablement commun. Vous filmerez dans des situations avec des luminaires de toutes sortes. Ce n'est pas idéal, mais parfois il n'y a pas moyen de le contourner. Lorsque vous le pouvez, éteignez les lumières intérieur et utilisez la lumière naturelle venant de l'extérieur. lumière naturelle rendra les couleurs les plus belles et les plus naturelles. Vous n'aurez pas à vous soucier des couleurs étranges frappant votre sujet et vous n' aurez pas à faire face aux maux de tête que l'éclairage mixte peut causer en post. Cela est particulièrement vrai lorsque vous traitez avec un éclairage mixte, frappant les tons de peau. La meilleure option pour un espace est de le limiter à une source de lumière. Mais il y a beaucoup de situations que cela n'est pas possible. événements spéciaux et les mariages sont notoires pour ce type de situations. Disons que vous avez un éclairage divisé avec deux températures de couleur différentes, le tungstène et la lumière du jour. Dans ce cas, vous devrez choisir l'un ou l'autre. Réglez votre balance des blancs à 3,200 K et la lumière de tungstène frappant le côté gauche de mon visage devient équilibrée et la lumière du jour frappant le côté droit de mon visage devient plus fraîche. La scène générale semble aussi plus cool. Réglez votre balance des blancs à 5 600 K. La lumière du jour frappant le côté droit de mon visage devient équilibrée et le tungstène frappant le côté gauche de mon visage devient plus chaud. La scène générale semble plus chaude. L' éclairage mixte peut être très intéressant et peut communiquer différents types d'idées. On ne va pas s'en mêler dans cette classe. Mais beaucoup de films utilisent la couleur pour obtenir un certain ton ou une certaine sensation. C' est juste vraiment cool. Pas de jeu de mots. Si vous avez un éclairage mixte qui frappe votre sujet de tous les côtés et qu'il s'agit d'un lavage de lumière mixte, sélectionnez la balance des blancs qui compense les deux. Par exemple, ici, nous avons un lavage de lumière du jour et le tungstène a frappé notre sujet du même côté. Si nous l'équilibrons pour la lumière du jour, il sort trop chaud. Si on l'équilibre pour le tungstène, trop froid. Réglons notre balance des blancs à 4 300, donc nous atterrissons entre 3 200 et 5 600 K. Nous finissons avec une image plus équilibrée. Lorsque vous réglez correctement la balance des blancs pour compenser la température Kelvin supposée d'une scène, vous pouvez constater que la balance des blancs appropriée est moins souhaitable qu'une balance des blancs ajustée. Par exemple, la température de couleur de la bougie se situe autour 2 000 K. Si vous définissez l'équilibre correct, vous obtenez une image qui ne semble pas tout à fait correcte, ou du moins elle ne correspond pas à la chaleur de la bougie. Dans ce cas, il serait préférable de tirer sur une balance des blancs incorrecte plus élevée pour conserver l'ambiance chaleureuse. Un autre exemple serait de filmer un tir au lever du soleil ou au coucher du soleil où la balance supposée des blancs se situe quelque part entre 2 000 et 3 000 K. Si je mets ma balance des blancs à 2 500 K, nous obtenons une teinte incroyablement bleue, ce qui peut être très intéressant. Il est également important de noter que, oui, le soleil est à une balance des blancs de 2 500 K. Mais si l'on regarde l'ambiance de la scène dans son ensemble, la lumière du soleil ne frappe pas vraiment tout. C' est pourquoi la couleur globale est bleue. Vous devez prendre en compte la quantité de la source lumineuse d' une certaine température frappe votre environnement. De plus, si vous regardez de plus près, vous pouvez voir qu'il est couvert dans le tir aussi. Donc, la balance des blancs devrait être plus chaude pour compenser cela. Réglons notre balance des blancs de l'autre côté du spectre, à 9 500 Kelvin. Regardez ça, nous avons une image très chaude. Je préfère cela plus parce que c'est ainsi que j'interprète un lever de soleil, d'être de couleur chaude. Il est important de penser à la source de lumière et à sa balance des blancs, mais aussi à la lumière ambiante globale et à ce qu'est cette balance des blancs. Selon votre histoire, vous pouvez choisir de filmer un ton plus frais, et c'est une autre excellente option. Vous pouvez également trouver une place quelque part entre les deux à disons, 5,600 K, ce que j'aime normalement faire, et puis je peux faire de petits ajustements à la couleur dans le post. Les petits ajustements à la balance des blancs sont corrects. Vous pouvez réchauffer ou refroidir une image à la poste, mais attention, si vous essayez d'apporter de gros changements à la balance des blancs de votre image en post, vous devez faire face à d'étranges projections de couleurs potentielles, la flexion, les couleurs ne semblent pas exactes, et ne pas avoir assez de flexibilité de l'image pour corriger une photo dans le post. Il pourrait en résulter un tir inutilisable. La raison en est que la plupart de ces systèmes de caméras sans miroir DSLR sont 8 bits, tandis que certains rendent les couleurs à 10 bits. Les termes techniques ne sont pas nécessairement importants ici. Mais ce qui est important, c'est de comprendre que plus votre appareil photo peut prendre de bits, plus il peut capturer d'informations de couleur. en résulte une transition plus fluide entre les couleurs et une plus grande flexibilité lors de l'édition des couleurs dans la publication. C' est pourquoi vous avez peut-être entendu beaucoup de cinéastes préférer le film au format brut. Raw offre une flexibilité incroyable, vous permettant de changer votre balance des blancs en poste. Si vous tirez cru, ne vous inquiétez pas. Vous pouvez le réparer en post. Si vous ne filmez pas en brut, assurez-vous que vous visez à obtenir les couleurs prévues dans caméra afin que vous n'ayez pas à faire face au mal de tête qui vient lorsque vous essayez de le réparer dans la poste ou lorsque vous devez vider un tiré en raison de moulages de couleurs indésirables. J' ai eu quelques photos dans une cathédrale que j'ai d'abord aimé et puis j'ai réalisé trop tard que j'ai filmé un de ces clichés en 3.600 K et l'autre en 4.300 K, je pensais que je mettrais la balance des blancs correcte, mais évidemment pas. J' ai essayé de le réparer en post, eu un coup vraiment rude de lui. S' il y a une prochaine fois, je sous-exposerais plus pour obtenir un look silhouette, définir la balance des blancs personnalisée, et peut-être même apporter une lumière pour compenser la luminosité de la fenêtre. erreurs se produisent. Nous vivons et apprenons. On échoue. Nous essayons de gagner. Les petits changements dans Kelvin pour les images de 8 ou 10 bits sont corrects. De gros changements. Soyez conscient. Pour récapituler, la plupart du temps, vous voudrez utiliser la balance des blancs appropriée. Mais il peut y avoir certaines conditions d'éclairage où vous pouvez préférer utiliser une balance des blancs incorrecte pour composer un aspect différent. Avec un éclairage mixte, si vous le pouvez, essayez de le limiter à une température de couleur pour éviter un lavage de couleur. Si vous n'avez pas d'autre choix que de filmer un lavage de lumière mixte, essayez de trouver la balance des blancs qui atterrit entre les deux sources de lumière différentes. Si elle est égale et provient de deux directions distinctes, choisissez une température et laissez l'autre rester au chaud ou au frais. C' est délicat et il faut de la pratique et de l'expérience. Apportez votre appareil photo avec vous où que vous alliez. Entraînez-vous à définir votre balance des blancs pour différents clichés ou scènes. Essayez de laisser votre carte de balance des blancs à la maison et d'utiliser vos graphiques Kelvin pour déterminer le meilleur réglage de la balance des blancs. Vous avez juste à pratiquer, à pratiquer, à pratiquer. Dans la prochaine leçon, nous allons parler des profils d'image. 17. Les photos de profils: Les profils d'image peuvent grandement contribuer à rendre vos séquences plus flexibles en post, ou à créer un look que vous aimez dans votre appareil photo. Il est important de comprendre le profil d'image qui convient le mieux à votre flux de production de films, afin que vous puissiez obtenir la meilleure image de votre appareil photo. Vous trouverez un menu dans les paramètres de votre appareil photo avec un certain nombre de profils d'image ou de styles d'image. Ces paramètres vous permettent d'ajuster et de modifier les paramètres qui déterminent les caractéristiques d'une image. Ces caractéristiques contrôlent la saturation, le contraste, la netteté et la couleur d'une image enregistrée . Chaque marque d'appareil photo possède ses propres profils d'image, livrés avec chacun de ses appareils photo, et offre une variété de looks adaptés à des scènes spécifiques. Dans les appareils photo Canon, nous avons un certain nombre de styles d'image, et ils sont tous conçus pour s'adapter à un type spécifique d'imagerie. Paysage a un coup de pouce en saturation pour rendre les couleurs d'un plan de paysage pop. Ensuite, nous avons le portrait, ce qui est apparemment idéal pour les portraits. Ceux-ci sont appelés profils d'image standard, et ils ont l'air assez bien à la caméra. Le seul problème est qu'une fois que vous jetez cela sur un grand moniteur, vous voyez que vous perdez une tonne de détails dans les reflets et les ombres. Tous les profils d'image ne sont pas créés égaux, certains sont meilleurs que d'autres pour fournir une bonne plage dynamique, tout en donnant un look décent dans la caméra. Si vous avez une exposition adéquate et une balance des blancs, profils d'image standard n'ont pas besoin d'autant de travail en poste, mais offrent moins de flexibilité dans la plage dynamique et lors de la classification des couleurs. Il existe d'autres profils appelés profils de log, qui vous donnent une image plus plate, à faible contraste et à faible saturation. Chaque marque a sa propre version, C-Log, S-Log, V-Log, et ainsi de suite. La raison en est qu'il est conçu pour capturer une large plage dynamique. Vous pouvez conserver plus de détails dans vos tons clairs et ombres. Un profil de grumes permet également plus de flexibilité dans la post-production. Si vous filmez dans des situations où vous avez besoin de capturer une plage dynamique élevée, ou beaucoup de reflets lumineux et d'ombres sombres dans la même image, ce profil est un excellent choix. L' inconvénient de vous connecter est que vous devrez faire plus de travail en post pour que l'image revienne à la normale, ce qui est un art en soi. Si vous avez le temps et la connaissance de la façon de colorier les métrages de journal, ou si vous avez un autre cours sur le classement des couleurs que vous aimez, alors optez pour cela. Si vous n'êtes pas sûr du classement des couleurs et que vous n'êtes pas trop inquiet d'avoir cette flexibilité supplémentaire, essayez de filmer dans un profil standard. J' ai travaillé à la fois avec des profils standard et des profils de journal, et j'aime utiliser les deux. Tout se résume à la scène ou au projet sur lequel je travaille. Personnellement, en ce moment, je tourne sur un appareil photo Sony. Je n'ai jamais aimé filmer dans les profils de journaux de Sony, et j'ai trouvé que la correction des couleurs était très difficile. J' ai utilisé un profil personnalisé appelé E-O-S-H-D Pro Color. J' aime filmer en utilisant la version standard de ceci, et il y a aussi une version journal que je peux filmer pour correspondre à mes photos de profil standard. Pour les projets avec un délai d'exécution rapide et un budget inférieur, je tourne principalement en standard. Sur ces photos difficiles, où je veux maximiser la portée dynamique, je suis passé à journaliser, et correspondre à l'apparence de mon profil standard en post. Ce profil particulier, bien qu'il soit un profil standard, est bien meilleur que la plupart des autres, et il est spécifique aux appareils photo Sony. Sur mon appareil photo Canon, je n'ai pas de C-Log disponible, mais j'ai installé un profil de journal gratuit, appelé Cinestyle, qui se trouve sur le site Web de Technicolor. J' ai également filmé dans un style d'image neutre, et j'ai ajusté un profil personnalisé pour obtenir une faible saturation, faible contraste et une faible netteté afin d'émuler un profil de journal. Le ciel est la limite quand il s'agit de profils d'image, et il se résume vraiment à vos préférences personnelles, ou vous pouvez simplement suivre mes préférences et Google le meilleur paramètre de profil d'image. C' est génial de filmer en standard pour la facilité et la vitesse, mais je recommande fortement de filmer dans un profil de journal, et de prendre le temps si le budget le permet, de composer votre look en poste. Pour récapituler, Si vous voulez plus de flexibilité, avoir le temps, le budget, et les compétences ou le désir d'être qualifié dans le classement des couleurs, puis tirer avec le profil de journal. Si vous voulez gagner du temps dans la publication et ne vous dérange pas de sacrifier un peu de plage dynamique, respectez un profil standard. La prochaine leçon porte sur la concentration. 18. Comprendre la mise au point: Le contrôle de votre image ne se limite pas à l'exposition, et la couleur, la mise au point est un autre aspect très important lors du tournage. Comprendre l'accent en théorie et en pratique sera grandement bénéfique pour votre travail. point est essentiellement la netteté ou la douceur d'une image capturée, en fonction de votre réglage d'ouverture. Lorsque vous tournez la bague de mise au point à droite ou à gauche, vous poussez ou tirez la profondeur de champ. Si vous vous souvenez de la leçon sur l'ouverture, nous avons parlé de la profondeur du champ et de la façon dont elle est affectée par l'ouverture que vous choisissez. Si vous tirez sur un petit nombre f, tel que f2.8, vous aurez une faible profondeur de champ, et lorsque vous tournez la bague de mise au point, il est très visible que vous déplacez les choses dans et hors de la mise au point. Avec un nombre f plus élevé, vous ne le remarquez pas autant parce que vous avez plus de profondeur de champ pour travailler. La profondeur du champ a des niveaux de focalisation acceptables différents. Il y a le point le plus net d'une lentille que nous voulons viser lors de l'obtention de la mise au point, puis il y a les parties de mise au point acceptables qui entourent ce point le plus net. Ces points sont acceptables, mais pas aussi bons que le point d'intérêt le plus pointu. Regardons quelques lentilles pour comprendre le focus un peu mieux. Les anciens lentilles vintage ont des marques pour une représentation visuelle de la mise au point. Donc, par exemple, sur cet objectif ici, vous pouvez voir beaucoup de marques, ne vous laissez pas submerger ce n'est pas aussi déroutant qu'il n'y paraît. Ici, nous avons un anneau d'ouverture. Sous la bague de mise au point, notre échelle de distance hyper focale montre les mesures en pieds et en mètres. Les marques blanches sont des mètres, et le jaune dans les pieds. Cela vous montre à quelle distance quelque chose est mis au point. Si je déplace mon objectif à 5 mètres, ce qui est à 5 mètres de distance sera mis au point. Vous pouvez également voir ici que cet objectif peut se concentrer aussi près de 0,45 mètre, c'est ce qu'on appelle la distance focale minimale des objectifs. Chaque objectif a une MFD, et certains ont même des capacités macro. Macro est incroyablement utile pour la flexibilité lors de la prise de vue sur un objectif. Maintenant, ce qui est cool dans ces lentilles vintage, c'est qu'ils nous disent à quelle distance nous avons une concentration acceptable. Par exemple, si je tourne à f8, et que je me concentre sur le sujet qui est à cinq pieds, regardez les huit correspondants ici, ils créent un bel espace entre eux. Tout entre ces huit, si le tir à f8, sera un objectif acceptable. Donc, le point de mise au point le plus net sera à cinq pieds, et les points de mise au point acceptables seront approximativement compris entre quatre pieds et demi et six pieds et demi. Il s'agit également d'un objectif vintage, qui est considéré comme un peu plus doux dans la mise au point que la plupart des objectifs plus récents, sorte que les résultats varient. Fondamentalement, il s'agit d'une représentation visuelle de la profondeur de champ disponible. Sur cet objectif de zoom vintage, vous pouvez voir que la quantité de zoom affecte également la profondeur de champ. Aux angles [inaudibles], vous avez une plus grande profondeur de champ. Lorsque nous tournons à f11, et que nous avons effectué un zoom sur 35 moulin, notre gamme de focalisation acceptable est maintenant à peu près un peu plus de trois pieds à un peu moins de six pieds. Nous pouvons voir du point de vue de la caméra que la caméra vintage à cinq pieds est au point. La lentille à quatre pieds est mise au point, mais la lentille à trois pieds est juste hors de la mise au point. Lorsque les longueurs de zoom sont plus longues, vous avez une profondeur de champ plus petite. Fondamentalement parce que lorsque vous filmez sur un objectif long, les éléments d'une image sont compressés avec la profondeur de champ. Encore une fois, si nous revenons au zoom avant, vous pouvez voir qu'à f11, les marques commencent lentement à se rétrécir jusqu'à ce que nous ayons peu moins de quatre pieds à environ quatre pieds et demi de mise au point acceptable. Du point de vue de la caméra, vous pouvez voir que la caméra à quatre pieds est en nette mise au point, l'appareil photo vintage est juste hors de la mise au point et l'objectif à trois pieds est également tout simplement hors de la mise au point. Il est important de noter que lorsque vous réglez la mise au point, les marqueurs de distance sont calculés à partir du sujet vers le capteur de la caméra, non vers l'avant de l'objectif. C' est pourquoi les caméras ont ces marques, ce marquage est appelé un marqueur plan de film. Sur les appareils photo numériques, c'est là que se trouve le capteur de votre appareil photo. Vous avez peut-être vu des séquences dans les coulisses où extracteurs de mise au point utilisent des bandes de mesure pour définir la mise au point. Ils mesurent la distance entre un sujet et le capteur de la caméra ou le plan du film afin de déterminer où définir la mise au point parfaite. Maintenant, vous n'utiliserez probablement pas un ruban à mesurer pour obtenir une mise au point critique dans votre appareil photo reflex numérique ou sans miroir, mais il est bon de savoir comment ces choses fonctionnent afin que vous puissiez être plus à l'aise avec la mise au point. Pour résumer, la compréhension de ces concepts vous aidera à mieux connaître le fonctionnement de la mise au point et à devenir globalement plus confortable lors de la mise au point. Apprendre les marques sur les lentilles nous aide à connaître le fonctionnement de la mise au point, et nous permet de mieux comprendre comment l'ouverture et la longueur des lentilles affectent ce qui sera pointu et dans une mise au point acceptable. Dans la prochaine leçon, nous allons apprendre la meilleure façon de mettre l'accent sur les choses. 19. Faire la mise au point: En plus de transporter un ruban à mesurer avec vous ou utiliser les marques sur les objectifs de votre appareil photo pour la mise au point, il existe d'autres outils et paramètres utiles pour obtenir la mise au point. L' utilisation de la fonction de zoom sur votre appareil photo est l'une des meilleures options pour obtenir une mise au point nette. Zoomez numériquement tout le chemin et obtenez l'image la plus nette possible. Certaines caméras vous permettent de zoomer pendant l'enregistrement, d'autres pas. C' est génial d'avoir la fonction de zoom pendant enregistrement car parfois votre sujet se déplace, ou si vous avez du mal à voir sur ce petit écran, si votre obturateur est toujours en phase de mise au point, vous pouvez toujours zoomer pendant que enregistrement pour recentrer. Certaines caméras ont ce qu'on appelle la mise au point. Fondamentalement, tout ce qu'il fait est de mettre en évidence les parties d'une image qui sont mises au point. Parfois, le fait de fixer votre concentration à faible donne les meilleurs résultats. De cette façon, l'écran LCD de votre appareil photo ne sera pas jonché de contours rouges et vous ne verrez que les points les plus nets de l'image. pic de mise au point fonctionne en détectant les bords du contraste le plus élevé dans votre scène. Si vous constatez que vous n'avez pas assez de contraste, vous pouvez augmenter le réglage de la mise au point afin qu'il puisse détecter les arêtes plus facilement. L' autofocus dans certains cas est totalement correct. Par exemple, filmer quelqu'un qui marche vers la caméra est très difficile à mettre au point manuellement. Cela peut être fait, mais vous pouvez vous en tenir à l'autofocus pour cela. Une autre excellente option pour l'autofocus est lors de l'utilisation d'un cardan. C' est idéal pour suivre quelqu'un tout en faisant des mouvements complexes et en changeant la distance entre vous et votre sujet. Une chose dont il faut faire attention, c'est la chasse au focus. La chasse au focus se fait lorsque votre appareil photo tente de déterminer sur quoi vous concentrer. Si vous utilisez le premier plan dans vos prises de vue, comme des arbres ou des feuilles, votre appareil photo finira par changer de mise au point au milieu de la photo Utilisez donc l'autofocus avec précaution. Une chose qui m'a aidé lors de l'ajustement de la mise au point est de déterminer de quelle façon vous devez tourner votre bague de mise au point pour obtenir une mise au point ou une mise au point étroite. Ensuite, quand vous vous rendez compte, coincez dans votre cerveau que si vous vous concentrez sur quelque chose de loin, vous tournez votre objectif de cette façon et lorsque vous êtes près, vous tournez votre objectif de cette façon. Je sais que cela semble super simple et simple, mais j'ai vu beaucoup de fois lors de l'édition de séquences où l'opérateur de la caméra panique sur un plan important et ne se rappelle pas de quelle façon tourner la bague pour obtenir une bonne mise au point. Cela dit, la concentration demande beaucoup de pratique. La plus grande chose que je puisse dire à propos de la concentration est de l'utiliser pour raconter votre histoire. Utilisez-le pour diriger le regard du spectateur, utilisez-le pour diriger l'attention sur l'émotion d'un personnage. Dans ce coup, sans donner les spoilers, nous pouvons voir que Homelander est clairement contrarié par quelque chose. L' accent peu profond attire l'attention sur son monde intérieur, mais montre aussi que l'accent est sur lui, qu'il est égocentré. Au fur et à mesure qu'il atterrit, les racks de caméra se concentrent sur la maison où il projette d'exercer sa puissance et son énergie. De cette façon, l'accent agit comme un conteneur de sa colère. C' est juste mon interprétation. Vous pourriez regarder cette série et décider par vous-même. Lorsque vous tentez d'afficher les détails, assurez-vous qu'ils sont concentrés. Lorsque vous tentez de guider l'œil du spectateur en rayonnant la mise au point, assurez-vous d'obtenir un déplacement continu intentionnel de la mise au point d'un sujet à l'autre. Tout ce qui est légèrement hors de la mise au point ou pose de mise au point bâclée peut ressembler à une erreur involontaire. C' est concentré, ça, c'est hors de portée. Le spectateur va commencer à se demander, qu'est-ce que c'était ? Ils deviendront distraits et votre tir perdra son but de diriger le focus et l'attention du spectateur. Ça ne veut pas dire que tu ne peux pas tirer sur les choses. J' aime le look hors de la concentration, mais seulement quand il semble intentionnel ou si cela sert l'histoire. Assurez-vous que vos choix de concentration semblent intentionnels. Essaie ça. Asseyez-vous sur votre chaise ou votre canapé préféré ou peut-être un banc de parc, visez votre appareil photo sur des objets à différentes distances. Essayez d'abord d'ajuster la mise au point, cas échéant, en utilisant les marquages des pieds et des compteurs sur votre objectif. Toutes les lentilles n'en ont pas. Ensuite, essayez d'utiliser votre zoom numérique pour obtenir la mise au point correcte d'un objet. Essayez de vous éloigner plus loin, essayez de vous rapprocher. Testez la distance focale minimale de votre objectif ou objectif. Ajustez l'ouverture pour créer plus de défis de mise au point. C' est une excellente pratique et vous donnera une bonne idée des limites et des forces de vos lentilles quand il s'agit de se concentrer. Pour résumer cette leçon, utilisez la fonction de zoom de votre appareil photo pour définir votre focus. Si vous avez un pic de mise au point disponible, utilisez-le en tandem avec la fonction de zoom. Pratiquez vos compétences de concentration. Assurez-vous que votre concentration, ce soit à l'intérieur ou à l'extérieur, est délibérée et sert l'histoire que vous racontez. Ensuite, je vais partager quelques conseils sur le tournage de votre séquence d'histoire. 20. Filmer votre séquence d'histoire: La raison pour laquelle nous apprenons sur les aspects techniques du tournage sur appareils photo numériques, c'est pour que nous puissions raconter des histoires plus efficaces. Le temps que vous avez passé à apprendre et à appliquer ces techniques et paramètres, dans l'application pratique aidera à mieux raconter les histoires. J' espère également que vous vous sentez beaucoup plus à l'aise, et bien informé quand il s'agit de commencer à utiliser n'importe quel appareil photo en mode manuel. Alors vient maintenant la prochaine étape importante, qui est de créer votre séquence d'histoire courte, afin que vous puissiez mettre en valeur ce que vous avez appris. Rappelez-vous, une histoire a un début, un milieu et une fin, et idéalement elle se connecte à son public. Le but de ce cours est d'avoir une meilleure compréhension de votre appareil photo et de ses paramètres, afin de remplir le but des histoires que vous voulez raconter. Le but d'une prise de vue, d'une séquence ou de l'histoire globale est à vous de décider. Pour ce cours, nous ne cherchons pas la perfection. Vous expérimentez, vous vous entraînez, essayez les choses pour essayer les choses, et apprenez de l'expérience. S' il vous plaît soyez gentil avec vous pendant ce processus. Il y a une tonne de variables qui servent à raconter une histoire efficace. Nous ne les avons pas tous couverts parce que cette classe est principalement axée sur les paramètres de l'appareil photo. Gardez à l'esprit que, lorsque vous travaillez sur ce projet, vous présentez principalement ce que vous avez appris, paramètres de l' appareil photo et la façon dont il s'applique à l'histoire de votre séquence ou prise de vue. Vous encadrez, tournez des mouvements, éditez de la musique, ils contribuent tous, mais ils sont secondaires à l'objectif principal de ce cours, qui est de mettre en valeur une compréhension du matériel appris. Faites de votre mieux pour utiliser les paramètres de votre appareil photo pour raconter l'histoire. Cela signifie une exposition correcte, point délibérée, une couleur préférée, la température, ainsi que le choix de l'ISO la plus propre, manipulation de la profondeur de champ, le choix des fréquences d'images et leur flou de mouvement. Ne vous inquiétez pas, vous ferez bien. Ceci étant dit, voici quelques conseils sur ce qu'il faut filmer et comment le filmer. Votre histoire n'a pas besoin d'être élaborée. Allez à un endroit. Pensez à trois photos qui pourraient raconter l'histoire des gens de cet endroit ou de l'endroit lui-même. Ou peut-être que vous suivez un animal ou un insecte, limitez-vous à filmer trois clichés qui, selon vous, racontent le mieux l'histoire. Retournez loin et incluez beaucoup de la scène que vous filmez, afin que le public puisse voir où vous vous rapprochez. Capturez quelques détails importants qui pourraient en révéler davantage sur l'histoire que vous racontez. Restez simple. Vous pouvez même raconter l'histoire en deux coups, ou même en un seul coup. Que se passe-t-il au début, au milieu et à la fin ? Quelqu' un creuse un trou, puis plante une graine, et enfin arrose le sol. Super simple, rien de fou. Ou filmer quelqu'un qui fait quelque chose, qui fait des cookies, joue de la guitare, ou peut-être travailler. Vous pourriez avoir le temps et les ressources nécessaires pour créer un lien émotionnel, et c'est génial. Si ce n'est pas le cas, ne vous inquiétez pas trop, essayez de vous concentrer sur la façon dont les techniques que vous avez apprises dans ce cours peuvent aider l'histoire que vous racontez et ses objectifs. Par exemple, regardons la séquence que j'ai filmée. Je voulais filmer le premier jour du printemps et apporter un peu de paix, de calme et d'inspiration aux jours des gens. Je pensais que mes intentions pour le tournage seraient bien complétées en utilisant une profondeur de champ extrême et peu profonde, en utilisant F2. Tournage au ralenti, 120 images par seconde, avec un flou de mouvement filmique 1-250e de seconde et tournage à 5600 K balance des blancs, mais j'ai aussi ajouté de la chaleur au post. J' aurais pu changer ma balance des blancs sur place à quelque chose de plus près 6500 K pour obtenir un look plus chaud, mais je ne l'ai pas fait. Maintenant, si j'avais filmé tout en profondeur en 24 images par seconde, et changé ma balance des blancs en quelque chose de plus cool, cela changerait toute la sensation des prises de vue, l'histoire et son but guidaient mes choix techniques. Nous regardons toujours vers l'histoire en premier lorsque nous faisons des choix techniques. Cela dit, vous pouvez faire face à des défis comme les conditions d'éclairage, avoir trop peu, ou peut-être avoir trop de lumière pour servir votre histoire au mieux. Nous devons nous adapter, changer et, malheureusement, parfois, faire des compromis. Tu ne riras pas. Tu ne pleureras pas. Ou faites ce que Stanley Kubrick fait et ne vous contentez rien de moins. Il est connu pour adapter différentes lentilles pour avoir différentes capacités apparition. Zeiss a créé son propre objectif ultra rapide, un f/0.7 pour que Cooper puisse filmer sous la lumière des bougies. Je crois qu'il a également modifié les lentilles utilisées dans la veste en métal, sorte qu'il puisse maintenir une concentration profonde en fonction l'idée que chaque soldat était important dans le cadre. Je veux dire, je suis la langue de joue ici. Évidemment, nous ne sommes pas tous des Kubricks avec tout le temps, et le budget pour adapter notre équipement pour atteindre certains paramètres en fonction de l'histoire. Mais cela montre juste la longueur, cinéastes vont raconter une histoire comme ils le jugent bon, sans laisser les limitations techniques dérailler leur vision. Donc, au moins, nous pouvons être inspirés par cela pour peut-être trouver d'autres moyens de surmonter les situations de tournage difficiles. Pour résumer, une histoire a un début, un milieu et une fin, et elle peut avoir un impact émotionnel. Le but ultime d'une histoire est de créer des changements. Gardez vos projets simples. Essayez de le limiter à quelques coups. Pensez à ce qui se passe au début, au milieu et à la fin de votre séquence. Pensez à la façon dont vous voulez que votre séquence atteigne votre public. Quelles sont vos intentions, pour faire rire les gens, pleurer ? Pour les mettre en colère ? Amuse-toi bien. Expérimentez et faites des erreurs afin que vous puissiez apprendre d'eux, et assurez-vous de publier vos projets finis dans le panneau Projet, afin que tout le monde puisse voir votre travail et obtenir des commentaires. Je te verrai dans la prochaine leçon pour le résumé final. Bonne chance. 21. Récapitulatif et merci !: Oui. Tu l'as fait. Honnêtement, c'était beaucoup de matériel que nous avons couvert. J' espère que vous avez été inspirés pour amener votre cinéma à un niveau supérieur. Ne vous sentez pas mal si vous avez besoin de regarder à nouveau l'un des documents que vous pourriez avoir du mal à comprendre, ou si vous avez des questions, allez-y et posez-leur dans l'onglet discussion et je répondrai dès que possible. On y va. Le résumé final. Choisissez d'abord les paramètres de votre appareil photo en fonction de votre histoire et de son objectif. Mais rappelez-vous, il y a des raisons pratiques de choisir les paramètres, surtout si vous êtes limité par la lumière ou l'équipement. L' ouverture est le mécanisme d'ouverture de la nouvelle lentille qui contrôle la lumière. Plus l'ouverture est grande ou plus le nombre f est petit, plus il y a de lumière et plus la profondeur du champ est faible. Plus l'ouverture est petite ou plus le nombre f est grand, moins la lumière est laissée entrer et plus la profondeur du champ est grande. Outre l'ouverture, les autres facteurs qui modifient la profondeur de champ sont proximité d'un objet, la distance focale de l'objectif et la taille du capteur de votre appareil photo. Deep Focus apporte des contextes à vos scènes, environnement et à vos personnages du monde extérieur. point peu profonde dirige l'œil du spectateur et peut attirer l'attention sur les détails du monde intérieur des personnages. L' ISO natif est la sensibilité globale d'une caméra à la lumière. Plus l'ISO est faible, plus l'image produit moins de bruit et offre généralement la plus grande plage dynamique ainsi qu'une meilleure précision des couleurs. Plus l'ISO est élevée, l'image deviendra brillante, produisant plus de bruit et moins de portée dynamique avec une précision de couleur réduite, adhère à la prise de vue dans l'ISO natif de votre appareil photo. Sinon, je recommande de photographier au niveau ISO le plus bas possible de votre appareil photo. Choisissez votre fréquence d'images principale pour le tournage et lecture en fonction de l'endroit où vous livrerez votre projet final. ralenti met l'accent sur le mouvement, attire l'attention sur les moments et l'histoire révèle plus de détails d' une action et peut être un outil pour lisser les coups de main et les messages. La vitesse d'obturation contrôle le flou de mouvement et l'exposition. Plus la vitesse d'obturation est élevée ou plus l'angle d'obturation est faible, moins une image est exposée, ce qui réduit le flou de mouvement. la vitesse d'obturation est basse ou plus l'angle d'obturation est grand, plus une image est exposée, ce qui entraîne plus de flou de mouvement. C' est un outil pour raconter une histoire. Utilisez avec prudence et rappelez-vous l'importance de la règle de 180 degrés et son effet sur le flou de mouvement d'apparence filmique. Faites confiance à vos lectures d'exposition, les outils d'histogramme, de forme d'onde et de zèbre sont parfaits pour vous assurer que vous ne perdez pas les détails d'une image, comme couper les hautes lumières ou écraser les ombres. Lorsque vous réglez l'ouverture, l'ISO ou la vitesse d'obturation par un seul arrêt, nous doublons ou réduisons de moitié la quantité de lumière. Le réglage de la balance des blancs est la façon dont nous indiquons notre caméra quelle est la température de couleur d'une scène globale. Utilisez votre balance des blancs, ou carte grise à 18 pour cent pour obtenir la balance des blancs correcte de la scène. Les profils standard sont parfaits pour la vitesse et la facilité. Ou si vous êtes limité par le temps et le budget, ils produisent une plage dynamique plus faible, perdant des détails dans vos ombres et vos surlignements et ont moins de flexibilité dans la publication. Filmer dans LOG est la meilleure option pour la flexibilité et la publication, donnant une plage dynamique élevée, plus de détails dans une image, des ombres et des reflets. LOG prend du temps pour ajuster et publier. Oui, il est très cool que vous puissiez utiliser le ruban à mesurer pour mettre point ou même utiliser les marques sur votre objectif pour obtenir la mise au point. Mais pour la plupart, s'il vous plaît utiliser votre fonction de zoom sur votre appareil photo pour obtenir la mise au point. Peeking est aussi un excellent outil. Vérifiez toujours votre concentration. Amusez-vous, expérimentez, faites de votre mieux. Échouez et apprenez des erreurs que vous ne pouvez pas apprendre sans essayer d'abord, téléchargez votre séquence de plans finis sur la page des projets, afin que les autres élèves puissent être inspirés à créer leur propre et que vous puissiez obtenir des commentaires. Si vous avez apprécié ce cours et que vous l'avez trouvé précieux, veuillez laisser un commentaire et le recommander à un ami ou à quelqu'un que vous connaissez, qui, selon vous, pourrait en trouver de la valeur. Veuillez également suivre mon profil pour rester à jour avec les nouveaux cours. Si vous n'avez pas vu mon cours sur les techniques de montage vidéo, donnez-lui une montre et appliquez les techniques d'apprentissage à la séquence que vous venez de filmer pour ce cours. Merci aussi beaucoup d'avoir regardé. Je suis très reconnaissant pour les réponses que j'ai reçues depuis que j'ai commencé à créer des cours, et je suis vraiment heureux que les gens apprennent et grandissent dans leur travail. Je me sens bien de pouvoir faire partie de ce voyage. Un grand merci à vous d'avoir pris part aux leçons et de poster votre travail. Merci. Je te verrai bientôt. 22. Leçon en prime : intro au découpage du film: Je me suis rendu compte que j'ai manqué une excellente occasion de partager mon propre processus de pensée avec les paramètres de l' histoire et de la caméra en utilisant mon film d'introduction comme exemple. Donc, dans cette leçon, je vais parler à travers le film d'introduction de ce cours. En faisant cela, j'espère pouvoir aider à mieux illustrer comment l'histoire et d'autres obstacles peuvent influencer les réglages de la caméra et les choix de tournage. Ce film d'introduction avait quelques couches. Il était destiné à montrer ce que les élèves apprendraient dans le cours, donc je voulais que le spectateur ait l'impression qu'il pouvait voir des parties d'eux-mêmes dans le personnage. Le projet de classe consiste à créer une séquence courte. Ce film d'introduction était presque comme mon propre projet de classe pour cette classe, c'est une sorte de méta. Je voulais aussi faire quelque chose de différent qu' une vidéo d'introduction en tête parlante et faire de mon mieux pour pratiquer ce que je prêche, qui est d'utiliser l'histoire pour se connecter à votre public. Je savais que pour ce cours je voulais créer une séquence de nouvelles que je pourrais ajouter à la galerie de projets pour lancer les choses pour les étudiants. Mais bien sûr, je me suis un peu emporté et j'ai pensé à quel point ce serait génial si mon intro était mon projet de séquence de courte histoire. Naturellement, j'ai suivi mes idées et les ai laissées grandir et je l'ai écrit comme un script lâche. Dans la leçon 3, nous avons discuté de ce qu'est une histoire. Une histoire a un début, un milieu et une fin ; et a la capacité de se connecter avec son public émotionnellement. Décomposer le film d'introduction. Au début, nous présentons notre personnage principal et le narrateur que nous pouvons également considérer un autre personnage dans cette histoire. début présente également le problème, qui est qu'il n'a pas une grande compréhension de son appareil photo et ses réglages, ce qui conduit à ce qu'on appelle l'appel à l'aventure. Soit le personnage principal peut accepter la défaite et laisser son appareil photo à la poubelle ou a répondu à l'appel pour en savoir plus sur son appareil photo et grandir dans cette compétence. Le milieu de l'histoire présente le voyage ou la solution, qui est ma classe. Je n'essaie pas d'impliquer que ma classe résoudra tous vos problèmes de tournage, j'espère que c'est utile, mais dans l'introduction, c'est évidemment hors du commun, ce qui ajoute à la comédie. Le milieu contient aussi ce qu'est la classe parce que j'ai besoin que l'élève comprenne ce qu'il fait. Typiquement au milieu, nous avons ce qu'on appelle l'action montante, qui est où le personnage est présenté avec des obstacles et les surmonte, puis plus d'obstacles, puis surmonte ceux jusqu'à ce que nous atteignions le point culminant de l'histoire. Dans ce cas, l'action montante est le personnage qui absorbe nouvelles informations et l'applique pratiquement dans différentes situations de tournage. Nous ne voyons pas nécessairement les obstacles explicitement ici, et pour la plupart, l'action montante est rapide et surtout sans douleur pour notre personnage, parce que je voulais que les élèves soient encouragés et excités à apprendre plus que penser aux problèmes auxquels ils seront confrontés lorsqu'ils suivent le cours et l'appliquer à des situations de tournage. Il y a tellement d'obstacles qui nous gênent en tant que cinéastes, donc je ne voulais pas imposer plus de fardeau au spectateur. Nous voulons que ce soit excitant et encourageant. Pour regarder le positif, était plus important dans ce cas. Le milieu de notre histoire comprend également le point culminant, qui est quand notre personnage revient à l'endroit initial où tous ses problèmes ont commencé. Dans ce cas, il refilme la séquence, sélectionnant les paramètres de caméra plus appropriés pour son projet, ce qui lui permet d'atteindre son objectif. C' est quand nous arrivons à la fin de l'histoire, qui est après que notre personnage ait réglé le conflit principal. Il a compris comment utiliser cette caméra, il est bon d'y aller. Cette partie de l'histoire comprend quand il reçoit commentaires impressionnants et filmer de nouveaux projets en utilisant ses nouvelles connaissances, puis la carte de titre finale avec sa réaction. Cette réaction finale dans beaucoup de bandes-annonces de film serait considéré comme le bouton. Habituellement, il taquine le public et excite le public un peu plus. La raison pour laquelle j'ai mis cela là-dedans était parce que je voulais que le personnage principal réagisse également à la carte de titre elle-même. C' est une dernière chose d'exciter le public à propos de ce parcours génial. Quand j'ai écrit ceci à l'origine, je n'avais pas tout exactement comme c'était dans l'édition finale. Chaque étape du processus de production comprend l'ajout ou la soustraction d'éléments de l'histoire. Cependant, j'avais un but pour l'histoire, qui est que les gens s'inscrivent à ma classe. Alors que je passais par le processus d'écriture, de tournage et de montage, je pesais constamment mes options sur les éléments de l'histoire à garder et à laisser aller. Cela a été déterminé par le but de mon histoire. Par exemple, à l'origine, j'avais un tout autre segment où j'étais assis sur mon canapé en regardant mon appareil photo et ensuite je décidais de sortir filmer une séquence. Tu es assis là à regarder ton appareil photo. Votre caméra vous regarde en arrière. Tu regardes ton appareil photo. Votre caméra vous regarde en arrière. Tu es prêt à faire quelque chose d'épique. Après l'avoir filmé et l'avoir mis dans le montage grossier, j'ai décidé que ce n'était pas nécessaire parce qu'il ne servait pas le but des histoires. Premièrement, il n'a rien ajouté que nous ne savons pas déjà sur le personnage. Cette scène ici, je pense révèle le caractère mieux. Garder la scène avec moi sur le canapé, regarder la caméra serait redondant. Deuxièmement, le découper nous a aidés à entrer dans la viande de l'histoire plus rapidement et à présenter le problème plus rapidement aussi, ce qui, j'espère, concerne le spectateur. Il aide à retenir l'attention du spectateur et les maintient engagés. En cas de doute, demandez-vous cette idée d'élément affecte-t-elle le réglage de la caméra, etc. ? Est-ce que cela sert le but de l'histoire ? Je n'ai pas beaucoup d'expérience de filmer moi-même, donc c'était très difficile. Parce que je me tournais moi-même, j'ai fait quelques choses pour me faciliter la vie. Ces choses servent toutes les deux l'histoire et ne l'ont pas nécessairement servi. Laissez-moi vous expliquer. Pour la plupart, je tournais à 24 images par seconde. J' ai aussi tourné à 60 images par seconde pour certains de ces types de clichés ici, et j'ai tourné à 120 images par seconde pour ces deux clichés ici. Pour la plupart, je collais à un angle d'obturation de 180 degrés pour toutes les fréquences d'images, à l'exception de celui-ci, qui a été tourné à un quatre-centième de seconde. Vous vous demandez peut-être pourquoi, et la raison au début était que je voulais être plus dramatique. Je voulais que la caméra se débrouille vraiment. Je me demandais aussi à quoi cela ressemblerait si je prenais la vitesse d'obturation plus bas et augmentais le flou de mouvement du mouvement. Cela aurait pu être intéressant aussi. En passant, j'ai choisi une ISO 1600 car c'est l'ISO natif de ma caméra. Je n'aurais peut-être pas choisi un f-stop de 5.6 si j'étais capable de faire fonctionner la caméra. Parce que je n'étais pas capable de me remplir et d'opérer en même temps, j'ai choisi une ouverture qui me permettrait de mieux me concentrer. Je n'avais pas les meilleurs outils pour me concentrer, donc j'ai utilisé ce rouleau de mousse pour me concentrer et j'ai fait confiance que lorsque j'ai répondu au cadre et que je me suis assis sur cette chaise, je serais dans le champ acceptable de ma caméra pour me concentrer. Vous pouvez voir dans certains des coups, ce n'est pas le plus net, il pourrait être plus net, mais choisir un f-stop plus haut m'a donné un peu plus de profondeur et un peu plus de marge d'erreur quand il s'agissait de me concentrer. En ce qui concerne la balance des blancs, j'ai utilisé des lumières équilibrées de lumière du jour à 5600K, donc j'ai réglé ma balance des blancs à 5600K. C' est pourquoi cette lumière ici est si chaude, parce que c'est en fait 2800K. Mais ce que cela fait ici, c'est qu'il nous donne un beau contraste avec la couleur, et ajoute également un peu de chaleur à la scène. Une autre chose intéressante à propos de cette lumière ici, et je ne l'ai pas remarqué à l'époque, mais si vous jouez cette photo à une vitesse différente, vous pouvez voir qu'elle a un très faible scintillement. Aussi le scintillement, heureusement, n'était pas sur mon visage, c'est juste sur les murs ici, et ça ne fait pas beaucoup pour moi. J' ai aussi filmé en résolution 4K. Nous n'avons pas abordé cela dans ce cours, mais ce que 4K nous permet de faire est de placer un clip 4K dans une séquence HD et d'avoir la possibilité de recadrer l'image et de zoomer numériquement sur l'image sans perdre de qualité. La résolution 4K est deux fois la taille de la résolution HD. Vous pouvez soit garder l'image à l'échelle de 50 % et vous pouvez voir l'intégralité de l'image, soit zoomer jusqu'à 100 %, en recadrant efficacement l'image là où vous le souhaitez sans perdre de qualité lorsque vous sortez votre vidéo en HD. Parce que je n'avais pas la capacité de faire fonctionner la caméra, j'ai utilisé une résolution 4K pour me donner la possibilité recadrer et de poster au cas où mon cadrage était éteint. Encadrer soi-même est super difficile, donc j'avais besoin de cette flexibilité. Dans ce cliché avec moi au ralenti, je n'avais pas de 4K disponible, et vous pouvez voir que je suis plus loin à droite du cadre parce que je ne pouvais pas me voir moi-même. Un autre avantage du tournage en 4K, qui a aidé la narration, était qu'il m'a permis de faire ces zooms rapides et farfelus. Ce cours a l'air fou. Ces zooms attendent essentiellement certains de ce qui est censé être des moments comiques ou des réalisations de personnages. Ces petits mouvements s'accumulent, construisent l'anticipation, mettent l'accent sur le personnage et l'histoire, et sont vraiment là pour aider à orienter l'attention et l'attention du public, fois à l'écran et sur le plan émotionnel. Wow. Donc vous pouvez le voir ici, j'utilise le 4K pour recadrer sur la souris et mon visage pour montrer la panique que le personnage éprouve. Si je devais juste couper cela sans zoomer à chaque fois, la séquence semble plus plate. Avec le zoom numérique, je peux m'en sortir avec ça ressemblant presque à un tout nouveau coup. En outre, cela illustre l'idée que vous voulez toujours ajouter quelque chose de nouveau au cadre si vous voulez réduire à la même prise de vue afin que vous fournissiez au public de nouvelles informations pertinentes à l'histoire. Si vous ne vous donnez pas de nouvelles informations, vous pouvez envisager de couper le plan ou d'utiliser un nouveau plan complètement. L' un des derniers éléments que j'ai ajoutés était l'utilisation du ralenti. J' utilise un petit mouvement pour souligner et surdramatiser des moments comme le clic de la souris. Nous avons l'accumulation et l'anticipation exagérée, qui contraste avec la réalité ou la lecture en temps réel des séquences. C' est drôle parce que vous vous attendez à voir des séquences épiques et ensuite vous obtenez ces terribles mouvements de karaté et des séquences inférieures à la moyenne. L' utilisation du ralenti pour surdramatiser et créer de l'anticipation, il aide à vendre la comédie. Encore une fois, cela sert mes intentions de se connecter avec le public en utilisant l'humour, tourner ces intentions pour servir le but de mon histoire, qui est d'encourager les gens à suivre mon cours. C' est tout pour cette leçon, les gars. J' espère que cela a été utile, et j'espère que cela aidera à illustrer comment chaque élément du processus de production est déterminé par le but général de l'histoire que vous racontez. Merci beaucoup d'avoir regardé. Merci pour les commentaires incroyables gars. Je suis impatient de vous voir dans mon prochain cours très bientôt.