Techniques de montage vidéo : créer des modifications lisses

1. Introduction au cours: [MUSIQUE] En tant que monteurs vidéo, nous sommes comme des magiciens. Surveillez mes mains de près. Je prendrai cet as de cœur, le mettrai au milieu du pont, et je vais le secouer jusqu'au sommet. C'est là, pas mal. Quand un magicien réalise un excellent tour de main, on ne remarque pas de tour de passe-passe. Vous ne remarquez aucune des transitions fluides utilisées pour faire fonctionner l'astuce, mais ce que les magiciens font le mieux, c'est guider l'attention du public en utilisant une mauvaise direction. Bien sûr, je ne sais pas comment faire ces tours de cartes fantaisie, mais j'ai pu créer un tour de passe-passe, mauvaise direction, faire ce que je sais faire, c' est-à-dire éditer. Bonjour, je suis Sean Deakin, réalisateur et monteur, et je veux vous apprendre les techniques nécessaires pour créer un montage fluide. Un montage fluide contient un certain nombre de techniques de montage vidéo. Dans ce cours, nous allons nous concentrer sur la façon de créer des connexions visuelles fluides entre les prises de vue. Cela inclut des principes d' édition fluides, la création de modifications et de transitions , un mouvement fluide, un flou de mouvement cinématographique et des techniques de montage pratiques que vous pouvez appliquer à votre propre projet. Notre projet de classe est une annonce courte et passionnante pour une marque de vodka. ne s'agit pas nécessairement d'un tutoriel étape par étape. Vous aurez beaucoup de liberté pour utiliser les techniques d'apprentissage pour créer votre propre édition et de votre manière créative. Ce cours s'adresse aux éditeurs vidéo intermédiaires, et il est recommandé d'avoir une compréhension de base de la façon de monter. Nous utiliserons Premiere Pro et After Effects pour ce projet. Cela dit, il existe de nombreuses techniques de montage vidéo dont n'importe quel niveau de compétence peut apprendre et s'appliquer à n'importe quel programme de montage. Si vous ne souhaitez pas utiliser After Effects, vous pouvez toujours terminer un projet dans Premiere. Les techniques apprises dans ce cours s' appuieront sur la base de vos capacités d'édition et vous donneront les compétences nécessaires pour créer des modifications et des transitions fluides. Cette fois-ci, pas d'astuces de montage vidéo. As de cœurs au milieu du pont, et secouez-le. [MUSIQUE] 2. Projet de cours: Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Je suis très excité par ce projet de classe car il est court et accroché et il y a beaucoup de place pour expérimenter ici et tester des techniques de montage fluides. Allons-y. Notre projet de classe est une courte annonce pour une entreprise de vodka. L'entreprise, cependant, n' est pas réelle. Je l'ai complètement inventé, donc nous avons un contrôle créatif total sur ce que nous pouvons faire avec cela. Cela signifie également que si vous finissez par créer votre propre projet, vous pouvez le publier sur vos propres réseaux sociaux où vous le souhaitez, tant qu'il est uniquement destiné à un usage personnel. Je vous demande simplement de créditer le cours et moi-même afin que d'autres personnes puissent découvrir et suivre le cours et créer leur propre projet. Je serai très précis sur la façon dont je travaille avec cette annonce, mais n'hésitez pas à l'éditer toutes les manières que vous souhaitez juger bon. Vous pouvez modifier les couleurs, modifier la longueur, créer une annonce de cinq secondes, une annonce d'une minute, vous pouvez créer ce que vous voulez avec cela. Mais je vous encourage vivement à rester simple. Ne le compliquez pas trop parce qu'il peut être incontrôlable. s'agit pas d'un tutoriel dans lequel vous devez suivre chaque étape, mais les techniques et processus apprises seront très applicables à tous les projets sur lesquels vous travaillez. Je vais faire de mon mieux pour illustrer techniques et le processus à travers mon propre projet sans trop entrer dans détails car il ne s'agit pas nécessairement d'un tutoriel de suivi. Allez-y, téléchargez les ressources incluses et chargez-les dans Premiere Pro pour vous familiariser avec elles. Pour rappel, il s'agit d'un cours intermédiaire et le projet peut varier en difficulté en fonction de ce que vous décidez d'en faire De très simple à extrêmement avancé, vous aurez besoin d'expérience avec montage et Premiere Pro. Avoir une compréhension de base du fonctionnement de Premiere Pro et des images-clés est un atout. Nous allons également nous lancer dans After Effects, apporter des ajustements aux mouvements et terminer notre projet. Je serai un peu plus précis en guidant After Effects, mais encore une fois, il y a un avantage. Si vous êtes quelque peu défavorable à After Effects, comme moi, il y a la possibilité de terminer votre projet dans Premiere Pro, mais il n'y a tout simplement pas assez de temps dans cette classe pour passer par là. processus. Cependant, beaucoup de choses que nous allons aborder dans After Effects s'appliqueront à Premiere Pro. Si vous êtes coincé avec l'une des techniques ou des idées, n' hésitez pas à le demander dans l'onglet de la discussion. Une dernière chose technique à savoir, j'utilise une Lazy Susan électronique qui n'était pas la plus efficace, alors sachez qu'à un moment donné, dans certains des tirs de rotation de la bouteille, la Lazy Susan s'arrête brièvement un instant, puis s' accélère à nouveau, donc vous voudrez peut-être éviter cela. Avant de nous lancer dans les techniques d'édition fluides, nous allons parler de la façon raconter l'histoire de la marque. 3. Raconter l'histoire de la marque: [MUSIQUE] Vous pouvez généralement vous épargner beaucoup de maux de tête lorsque commencez un projet en regardant vers le dossier créatif. Un dossier créatif est essentiellement une liste de contraintes créatives qui aident à guider votre prise de décision créative dans un projet et à raconter l'histoire d'une marque. Mais que se passe-t-il lorsque vous n'avez pas de mémoire créatif ? Dans notre cas, nous n' avons pas de mémoire créatif. Cela ajoute un niveau de défi supplémentaire. Encore une fois, pour être très clair, il s' agit d'une marque entièrement confectionnée. Ne soyez pas confus, je ne fais que m'envoyer un courriel, faisant un jeu de rôle essentiellement. Il est conçu pour être amusant, informatif et éducatif. Il s'agit du premier e-mail que nous avons reçu de l'équipe marketing elle-même sur le type d'annonce qu'elle recherche. On dirait qu'il s'agit d'une toute nouvelle marque. Ils n'ont pas beaucoup de détails, mais ils mentionnent qu' ils recherchent une publicité entre 10 et 30 secondes. C'est aussi une annonce pour la vodka. Nous savons que notre public doit avoir 18 ans ou plus, ou 21 ans et plus, selon l'endroit où vous vivez. L'autre chose que nous avons disponible pièce jointe est cette annonce en ligne. Nous avons ici la bouteille, le nom et le slogan, ouvrez votre esprit, et un bref blurb sur la boisson et la compagnie elle-même. Déjà avec ces petites quantités d'informations, nous avons une idée de ce qu' est l'entreprise et de ce qu'elle représente. Maintenant, j'y ai déjà réfléchi avant même de filmer la courte annonce, et j'ai créé cette annonce elle-même. Je sais déjà ce que j'allais chercher, donc je sais que c'est de la tricherie. abord, si je n'ai pas assez d'informations et que je ne me sens pas sûr de commencer à le modifier, je poserai des questions. Je vais demander quel est le but du projet ? Quel est l'objectif du projet ? Quel est le but ? Que voulons-nous que le public fasse après l'avoir regardé ? Quel genre de ton ? Que veut-il que le public ressent ? Est-il censé être léger, est-ce censé être sérieux ? Quelle est la durée de la modification ? Cela vous permet évidemment de gagner du temps. Édition uniquement à la longueur dont vous avez besoin. Où va-t-il aller ? Est-ce que ça va être mis en ligne ? Va-t-on aller au théâtre ? Est-ce que ça va aller, où va-t-il aller ? Parfois, je vais demander qui est le public cible. Mais la plupart du temps, vous pouvez simplement utiliser les informations qu'ils vous donnent et formuler vos propres conclusions. Nous allons cliquer sur « Envoyer » et très bien, nous avons reçu une réponse. Comme vous pouvez le constater ici, l'équipe marketing ne sait pas exactement ce qu'elle veut. C'est bon. Dans ce genre de cas, ils veulent juste que vous leur donniez quelque chose. Quand vous faites cela, ils se rendent compte, oh, en fait, nous le voulons, ou ils réalisent que c'est génial. Oui, c'est exactement ce que nous voulions et ils s'en attribueront le mérite . Nous allons cliquer sur « Envoyer ». Je suis allé de l'avant et j'ai rapidement mis en place et modifié en fonction de la longueur requise pour cette annonce. Bien sûr, je le ferai généralement après avoir visionné toutes les séquences et choisi mes sélections. La modification est ennuyeuse. Il n'y a rien d' excitant là-dedans, mais c'est un bon point de départ et cela vous donne une idée de la façon dont les choses se coupent ensemble, mais cela manque de caractère. Il ne répond pas à l' objectif de la marque. Ce que je veux dire par là, c'est que la seule chose reconnaissable dans ce produit est le logo, puis les couleurs de la marque vraiment. Nous devons commencer à superposer certaines modifications, certains effets, quelques idées pour imiter la marque, pour illustrer la marque, car la marque elle-même a sa propre vie et son caractère. Nous pouvons le comprendre en examinant les attributs de l' entreprise et en imitant ces attributs grâce à des techniques d'édition. La première étape, naturellement, vous commencerez à obtenir des idées sous forme d'e-mail de lecture pendant que vous passez en revue des séquences. Il est important de prendre note de ces idées et de les garder à l'esprit. Tout de suite, le nom m'a donné le nom, Vrtigo, ce que certains pourraient ressentir avec un déséquilibre suggère que nous pourrions éventuellement modifier l'angle de la caméra pour illustrer la marque par le mouvement créer des rotations, ou probablement l' idée la plus évidente serait de créer un cliché Vrtigo et un post pour montrer la perspective d'une manière unique. Cela signifie également qu'il s'agit d'avoir une conversation. La prise de vue verticale vous donne cette perspective unique qui change constamment tout au long de son mouvement. Cela contribue à la mission de l' entreprise d'être ouverte et réceptive aux différentes idées et opinions. Ensuite, nous avons également cet indice ici où il est dit, des conversations à la fois sérieuses et légères, qui pourraient contribuer au ton général de ce projet. Ce petit peu d'informations sur l'entreprise, nous pouvons commencer à façonner quelques idées sur la façon de modifier cela. Comment créeriez-vous des modifications sérieuses et ludiques basées sur la conversation ? Eh bien, vous pourriez penser au rythme d'une conversation, façon dont cela peut inclure des interruptions. Peut-être qu'il coule vraiment bien. est peut-être ça le rythme. Ou si nous considérons la conversation comme un effet, vous pourriez penser à un effet miroir d'une sorte. Parce que lorsque deux personnes participent à une conversation, elles écoutent et répondent, écoutent et répondent. Peut-être que l'effet miroir peut imiter deux personnes différentes trouvant un terrain d'entente. Je sais que cela peut paraître ridicule, mais c'est de ça qu'il s'agit. Vous essayez de créer un sens partir des quelques détails dont vous disposez. Cela vous aidera à trouver immédiatement quelques idées que vous pourrez mettre en œuvre et tester immédiatement. Je commencerais même à lancer ces clips dans la chronologie avant même d' avoir un montage grossier ensemble et de tester certaines de ces idées. Voyez ceux qui collent, voyez ceux qui se sentent bien, qui vous enthousiasment, qui se sentent bien pour le projet, qui se sentent bien pour la marque et prenez note de ces choses. Finalement, vous trouverez une direction à travers cela. Écoutez vos premiers instincts même si ça semble bizarre. Ne vous inquiétez pas de bien faire les choses. Nous sommes dans la phase d'exploration. Vous pouvez vous tromper. Commencez simplement par cette idée et laissez-la évoluer à partir de là et travaillez avec elle. Par exemple, mon premier instinct a été d'utiliser la musique de synthé des années 80 pour cela parce que j'avais l' impression de vouloir frapper cette nostalgie du produit. [MUSIQUE] Le problème a fini par être que j'ai choisi une musique avec des paroles spécifiques qui ne correspondaient pas tout à fait à la marque. J'aime bien le morceau, je voulais qu'il fonctionne, mais je n'ai pas trouvé un autre morceau qui avait la même sensation et ne contenait pas de paroles aussi spécifiques. J'ai juste abandonné cette idée. Je voulais que l' effet Vrtigo fonctionne. Pour diverses raisons, cela n'a tout simplement pas fonctionné comme je le voulais. Vous pourriez toujours le faire fonctionner, mais j'ai fini par lâcher cette idée même si elle aurait été si parfaite car le nom de marque est Vrtigo et le cliché est Vrtigo. Eh bien, vous ne pouvez pas tous les gagner. Il n'est pas vraiment utile de s'engager sur chaque idée, vous obtiendrez un mélange d'effets différents. Le montage ne sera plus focalisé et le public sera confus quant à ce que vous essayez de faire avec la modification. Si vous avez des essuie-glaces et des fondus d'étoiles, jetons des transitions aveugles vénitiennes là-dedans, puis peut-être des effets de colorisation, et vous les ajouterez tous dans l'édition, ce sera un gâchis. Ma suggestion est de m'en tenir à quelques idées différentes qui fonctionnent vraiment bien ensemble et servent le but de votre édition. Par exemple, dans le cadre de l'édition de mon projet, je me suis surtout collé aux mouvements numériques et rampes de vitesse, ainsi que dans l'édition invisible étrange pour garder l'édition invisible étrange pour garder ce sentiment de flux en mouvement tout au long de l'édition. Une autre chose importante à noter, les rotations animées sont probablement parmi les mouvements les plus remarquables, mais je ne l'ai pas utilisé à chaque édition. Je voulais qu'il conserve sa spécialité et son importance lorsqu'il s' agissait de la marque elle-même. J'ai surtout essayé de mettre l'accent sur ce mouvement autour du héros ou des photos de produits en bouteille afin qu'il attire davantage l'attention sur la marque. L'utilisation excessive d'un effet peut réduire la signification de l'effet et créer une prévisibilité dans votre édition. Maintenant, dans certains cas, lorsqu' il s'agit d'un projet si court, vous devez établir le style rapidement pour qu'il puisse être utile d'utiliser un effet sur chaque élément. Maintenant que j'ai toutes ces idées, je peux commencer à les appliquer à mon montage grossier et vraiment créer un personnage pour cette édition. Pour rappel, assurez-vous que votre séquence est réglée sur 1920 par 1080, afin que vous puissiez utiliser pleinement les mouvements numériques sans perdre de détails dans l'image. Bien sûr, après avoir réglé vos paramètres de séquence, tous vos clips 4K dépasseront la taille d'image de vos paramètres de séquence. Pour faire des mouvements de clips pour qu'ils correspondent à la taille du cadre, vous pouvez redimensionner manuellement chaque élément ou redimensionner manuellement un élément jusqu'à 50 % et copier les attributs de collage dans le reste des clips, s'assurer que le mouvement est sélectionné. Mais le moyen le plus rapide consiste à sélectionner tous les clips, à cliquer avec le bouton droit de la souris et à sélectionner « Définir sur la taille du cadre ». L'utilisation de la fonction Définir sur la taille d'image permet de réduire automatiquement les clips que vous avez choisis à la taille d'image de séquence, qui correspond exactement à la moitié de la taille de nos clips 4K. Récapitulatif, nous pouvons ajouter de la vie à l'édition en regardant le caractère de la marque elle-même. Ces attributs de caractères peuvent ensuite être traduits en style d'édition à l'aide de différentes techniques d'édition. Vous n'avez pas besoin d'utiliser toutes les idées et définitions, sinon vous risquez votre modification devienne déconcentrée. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la correspondance sur l'action. 4. Correspondance / découpage sur l'action: [MUSIQUE] Couper sur l'action ou faire correspondre à l'action est un moyen pratique de créer une coupe lisse. appariement à l'action fait généralement référence à deux plans différents découpés ensemble sur l'action d'un personnage ou d'un objet. Vous pouvez même couper les mouvements de la caméra. Fondamentalement, tant que vous coupez le mouvement, l' action ou le mouvement, vous aurez plus de facilité à cacher cette édition au public. En faisant correspondre l'action, vous créez un pont visuel entre les prises de vue. Cela distrait le spectateur du montage, car il est concentré sur le mouvement qui relie les deux prises de vue différentes entre elles . Lorsque vous coupez un brouillon approximatif de votre histoire, cherchez des moyens de relier les plans à travers le mouvement. Essayez également de coller à la coupe entre les clips avec un mouvement et une direction similaires. Sinon, il peut s' agir d'une modification de séchage. Alors que je parcourais mon propre montage, j'ai trouvé ces deux clichés qui, je pense, vont très bien se couper ensemble. Nous avons le mouvement de la casquette et le mouvement de la glace qui attirent notre œil, et lorsque nous les relions ensemble, les associons à l'action, nous aurons déjà quelque chose super. lisse à regarder. C'est aussi simple que ça. En plus de faire correspondre l'action ou de couper sur l'action, recherchez également des possibilités de trace oculaire. La technique de traçage des yeux fait référence à l'endroit où le public regarde dans le cadre à un moment donné. Nos yeux sont les plus attirés par les traits humains. Les yeux couleurs vives, zones de contraste élevé, texte et mouvement. Notre édition de projet comporte principalement des mouvements, des contrastes, des textes et des couleurs vives. Encore une fois, étant donné que nous avons métrages 4K dans la chronologie 1080P, nous pouvons réajuster la position, l'échelle et la rotation de nos clips sans perdre de détails. Bien sûr, le but est de créer notre propre mouvement à chaque plan pour créer des coupes fluides et des transitions fluides. Gardez ces éléments à l'esprit à chaque modification que vous effectuez. À partir de cette coupe, notre point de trace oculaire est là, puis, dans la coupe suivante, notre point de trace oculaire est bien en bas du verre. Mais à cause de la glace en mouvement, notre cerveau est amené à suivre ce mouvement du capuchon et à descendre avec ce glaçon. Nous avons réussi à faire correspondre l'action, mais pas nécessairement sur la trace des yeux. Nous pouvons même étendre un peu cette modification. Je pourrais même l'avoir juste à propos de sortir du cadre. Une note rapide, vous avez peut-être entendu dire que vous devriez attendre que l'objet en mouvement à l' intérieur de la photo quitte la prise de vue avant de faire une coupure. Mais vous n'êtes pas toujours obligé de le faire, parce que le plafond avance si vite et que nous sommes en train de réduire l'action, nous pouvons nous en sortir avec des coupes qui ne suivent pas nécessairement les règles de continuité. Maintenant, j'ai mis à l'échelle notre cadre et j'ai ajusté la position. Nous travaillons un peu mieux avec la trace des yeux de cette façon, car le cube de glace tombe très rapidement dans notre point de trace oculaire. Vos yeux n'ont pas besoin d'ajuster la position entre ces deux prises de vue. Si vous vouliez manipuler le cadre pour mieux ajuster la trace des yeux, vous pouvez le faire. Dans ce cas, je pense que la composition de ce plan rapproché n'est pas si géniale. C'est trop asymétrique pour moi et il est plus difficile identifier qu'il s'agit d'un verre quand il est si près qu' il peut même s' agir d'un vase ou d'un autre récipient en verre. Je n'aime pas beaucoup cette composition. Le match sur l'action fonctionne si bien que la trace des yeux ne fait pas autant de différence distraire votre œil de la coupe. Mais revenons à cela. Un mythe sur l'utilisation de la trace oculaire est que vous devez couper d'un coup à l' et avoir tout ce qui attire votre œil dans la position identique de votre prochain tir. Mais ce n'est pas toujours le cas, car notre temps de réaction n'est pas si rapide. Ce n'est pas comme si nous voyons un coup de feu et nous savions immédiatement ce que nous regardons. Dans ce cas, la glace se déplace si vite et atteint notre point de trace oculaire dans trois ou quatre images, nos yeux s'adaptent à peine à la prise de vue suivante avant que nous ayons occasion de voir ce qu'il y a en cours. En fait, dans certains cas, vous voulez que votre point de trace oculaire tombe dans la prochaine photo et son point de trace oculaire. Pour résumer, faire correspondre à l'action ou à la coupe sur action, c'est lorsque vous coupez le mouvement d' un tir au mouvement du tir suivant. n'est pas nécessaire que les mouvements se déplacent de manière unilatérale, mais s'ils se déplacent dans la même direction, il est beaucoup plus facile pour votre œil de suivre. Si vous pouvez créer une trace oculaire plus efficace avec votre action coupée , en théorie, vos modifications seront encore plus fluides. Mais ne compromettez pas la composition ou l'histoire de votre montage ou votre clip simplement parce que vous pouvez obtenir une trace visuelle en recomposant votre plan et votre publication. Parfois, couper sur l'action est suffisant pour masquer les modifications et créer une coupe lisse. 5. Créer un mouvement fluide: [MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons apprendre comment mieux contrôler et personnaliser vos mouvements numériques l'aide d'images-clés. L'une des plus grandes erreurs commises lors de l'imagerie par clavier, animation ou de tout ce qui se déplace est d'utiliser uniquement l' interpolation linéaire. Lorsque nous parlons d'action en direct ou de graphismes animés, interpolation est ce qui se passe entre les images-clés. L'interpolation est la façon dont votre logiciel détermine les valeurs entre ces points. Par exemple, supposons que nous animons ce carré violet. Nous allons animer l'échelle, donc nous allons créer une image-clé au début de notre clip et passer à la fin et créer une autre clé, et comme je veux l' animer de 0 à 100, passons à notre première image-clé. Définissez cela sur zéro, et par défaut, nous obtenons cette interpolation linéaire entre nos images-clés, qui commence brusquement et se termine brusquement. Il s'agit d'une vitesse constante tout au long de l'animation. Maintenant, si nous voulons voir ce qui se passe visuellement ici, nous pouvons cliquer sur ce triangle à gauche de notre propriété à échelle, et maintenant cela ouvre ce désordre ici. Pour avoir une meilleure vue de ce qui se passe ici, nous pouvons cliquer sur cette fine ligne grise en bas de notre graphique de vitesse, et sur cette autre ligne grise fine sur notre graphique de valeurs. Il existe deux graphiques, deux façons différentes de voir visuellement ce qui se passe avec notre animation. Nous avons le graphique des valeurs ici, qui mesure la valeur au fil du temps, et le graphique de vitesse en bas ici, qui mesure la vitesse dans le temps. Si nous passons de gauche à droite, selon l'endroit où se trouve une tête de lecture, elle se croise avec notre ligne de valeur ici, et vous pouvez voir qu'elle se déplace de façon linéaire de 0 à 100 à un rythme constant. Regardez notre graphique de vitesse, nous pouvons voir ici que notre vitesse est à zéro. Mais une fois que nous sommes arrivés à notre première image-clé, bam, nous sommes à une vitesse constante tout au long de l'animation. Ce type de mouvement n'a pas air ou le sentiment d'être organique ou réel de quelque façon que ce soit parce que je ne pense pas qu' il y ait quelque chose dans la nature qui bouge de cette façon. Même les mouvements mécaniques ont une certaine variation de vitesse et de caractère pour eux. Cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas utiliser l'interpolation linéaire. Gardez simplement à l'esprit le type de look qu'il offre et qu'il n'a pas l' air le plus naturel. Pour créer un mouvement réaliste, nous devons modifier le mode d'interpolation. Le point de départ le plus évident, et peut-être que vous le faites déjà, c'est de changer votre interpolation pour vous faciliter ou faciliter l'entrée. Vous cliquez avec le bouton droit sur l'image-clé, cliquez sur « Ease Out » quand une animation commence et « Ease In » à la fin d'une animation. Nous avons maintenant changé notre interpolation, passant de linéaire à des courbes de Bézier. Toute courbe que vous créez dans le graphique de valeurs est considérée comme une courbe de Bézier. Les fonctions de facilité d'entrée et de sortie ne sont que des types de courbes très spécifiques disponibles dans le menu des images-clés. Avec cela, nous avons maintenant réalisé des animations très fluides. Notre graphique de vitesse a également changé. Vous pouvez voir que nous commençons à zéro, que nous montons à la vitesse maximale ici, puis nous ralentissons à zéro. Le graphique des valeurs est donc différent en ce sens qu'il mesure la valeur au fil du temps plutôt que sur la vitesse. la pente est raide, plus le mouvement est rapide, alors que plus les pentes sont peu profonds, le mouvement est beaucoup plus lent. C'est génial car vous avez maintenant deux façons différentes d'examiner les informations sur ce qui se passe entre vos images-clés. Il suffit d'utiliser la facilité d'ouverture, la facilité dans les courbes de Bézier est le moyen le plus rapide d'obtenir mouvement organique fluide lors de l'imagerie des touches, et parfois ces préréglages faciles ne sont pas suffisants pour votre animation, et pour obtenir plus de personnalisation et contrôle sur ce que vous faites, vous pouvez simplement ajuster les poignées par vous-même. Lorsque vous réglez ces poignées, assurez-vous que le redimensionnement automatique de la plage est sélectionné. Sinon, des parties de votre graphique seront hors de vue. Lorsque vous ajustez les poignées de votre animation, vous pouvez voir notre graphique de valeurs et notre graphique de vitesse change, et nous pouvons obtenir des looks vraiment intéressants simplement en discutant avec les courbes. Vous avez peut-être rencontré ce problème lorsque vous avez défini votre image-clé à zéro et votre deuxième image-clé à 100 et vous pensez, accord, ça va passer de 0 à 100. Mais ensuite, tu le reprends, et c'est comme : « Ouah, d'accord. [RIRES] Nous allons au-delà de notre deuxième image-clé. » Lorsque vous ne regardez pas le graphique d'animation, c'est très frustrant car vous voyez, attendez une seconde, ma première image-clé est réglée 100 et mes deuxièmes images-clés à zéro. Que se passe-t-il ici ? Cela n'a aucun sens, et c'est parce que vous ne regardez pas ce qui se passe visuellement lorsque vous voyez simplement les images-clés. Si vous voulez éviter ce type de comportement, c'est simple. Gardez simplement vos courbes entre ces deux lignes horizontales imaginaires et tout ira bien. L'ordre des opérations qui m'ont le plus de sens est simplement ébaucher votre animation avec des images-clés linéaires, puis d'ajouter vos facilités, vos courbes de Bézier, puis d'entrer dans votre graphique et lissez tout, obtenez la vitesse et le timing comme vous le souhaitez. Vous bénéficiez d'une personnalisation beaucoup plus importante, et le look est beaucoup plus unique à chaque projet que vous entreprendrez. Ce que je vous recommande de faire maintenant, c'est d'expérimenter courbes d'animation et de voir quel type de mouvements uniques vous pouvez créer. Modifiez le graphique de valeurs lorsque c'est possible, il n'est pas possible de modifier le graphique de valeurs en position dans Premiere Pro, et j'expliquerai pourquoi vous ne pouvez pas le faire dans une leçon ultérieure. Mais n'avancez pas trop loin avec votre propre projet avant de suivre les prochaines leçons car elles vous aideront à choisir le flux de travail le mieux adapté à vos résultats souhaités. Récapitulatif, l'utilisation des courbes de Bézier facilite, vous donne un aspect plus organique à vos mouvements. Pour obtenir encore plus de contrôle et personnalisation de vos mouvements, ouvrez votre graphique d'animation et effectuez des ajustements à partir de là. N'oubliez pas que le graphique de vitesse et le graphique de valeurs sont deux façons différentes de transmettre des informations avec l'interpolation de vos mouvements. y a absolument rien de mal à utiliser les courbes de Bézier , à faciliter l'entrée, à s'en sortir, mais il est bon de savoir comment utiliser cette fonction, donc lorsque vous êtes dans une situation où vous devez ajuster votre facilite plus précisément, vous le pouvez. [MUSIQUE] 6. Flou mouvement: [MUSIQUE] Pour que vos mouvements soient encore plus réalistes et que vos modifications soient encore plus fluides, nous devons ajouter un flou de mouvement. Lorsque nous regardons des films, nous nous attendons à voir une certaine qualité de flou de mouvement dans les mouvements de la caméra et les objets en mouvement. de pouvoir recréer un flou de mouvement similaire dans notre propre projet aidera à vendre plus efficacement les mouvements et les modifications. En règle générale, vous pouvez ouvrir After Effects, claquer certaines images-clés, puis activer le flou de mouvement Il s'agit d'un flux de travail parfait, en particulier pour les projets dont les mouvements sont plus complexes. Mais dans certains cas, se peut que vous ayez quelques mouvements animés simples, vous ne voulez pas nécessairement tout déplacer vers After Effects. Dans ce cas, pour que les choses soient simples et surtout faciles, plus tard, nous pouvons utiliser l'effet Transform. Pour cette leçon, il est important que vos paramètres de séquence correspondent à vos paramètres de clip. Ne vous inquiétez pas, cela aura du sens dans la prochaine leçon. Mais pour l'instant, si vous souhaitez suivre et tester ces idées, je vous suggère de créer une nouvelle séquence qui correspond aux paramètres de votre clip. Ajoutons l'effet Transform. Cliquez sur votre calque, accédez au panneau Effets, saisissez Transformation, puis vous remarquerez qu' il y a deux effets de transformation. La seule différence par rapport à ce que je peux dire est que la case Uniform Scale n'est pas cochée et que la case Echelle uniforme est cochée dans l'autre . [RIRES] Il n'y a pas de différence énorme entre les deux, je ne sais pas pourquoi ils doivent en avoir deux, mais cet effet, je vais vous avertir, est un peu pénible dans certains cas. Parce que nous voulons que notre échelle reste uniforme, nous supprimerons ce premier effet et tiendrons au deuxième effet Transform. Vous remarquerez tout de suite que l'effet Transform possède les mêmes propriétés que nos effets de mouvement. La seule différence est que nous avons la possibilité de modifier l'inclinaison de notre cube et de régler l'angle d'obturation. Vous vous êtes peut-être demandé ce que signifie vraiment l'angle d' obturation. Vous le voyez et vous pensez quel est ce nombre arbitraire ? Je l'ai déjà expliqué dans mon cours de techniques cinématographiques, donc je vais vous donner les notes attentives. l'angle d'obturation est bas ou petit, moins il y aura de flou de mouvement. Plus l'angle d'obturation est élevé ou large, plus le mouvement est flou. En effet, plus la lumière frappe longtemps le capteur ou le film sur une caméra, plus l'exposition capturera plus de mouvements au sein d'une image individuelle. Le point idéal pour un flou de mouvement cinématographique est de 180 degrés. Vous n'avez pas besoin de coller à obturateur de 180 degrés si vous préférez un flou plus ou moins, mais sachez simplement qu'un angle d'obturation de 180 degrés donnera des résultats les plus proches des films. Maintenant que vous comprenez ce qu'est un angle d'obturation, vous pouvez faire un choix beaucoup plus éclairé lorsque vous composez le type de flou de mouvement recherché. Pour nous, il est plus logique de s'en tenir à un obturateur de 180 degrés car le projet a été tourné sur un obturateur de 180 degrés. Le flou de mouvement de nos mouvements sera le plus réaliste et restera le plus fidèle à ce qui a été photographié en respectant un angle d'obturation de 180 degrés. Désélectionnez Utiliser l'angle d' obturation de la composition car nous n'avons pas de composition dans Premiere Pro qui détermine déjà quel est l'angle d' obturation. Réglez notre angle d'obturation sur 180. Une fois cela fait, tous les mouvements d'image-clé que nous appliquons dans notre effet Transform contiendront un flou de mouvement. Testons cela en ajoutant une image-clé à notre position. Déplacons ça ici, on va aller un peu plus loin, puis on va le déplacer jusqu'ici. Rapprochez les images-clés pour augmenter la vitesse de déplacement. Maintenant, vous pouvez le voir. [inaudible] Nous le mettons en pause. Vous pouvez voir le flou de mouvement dans notre cube. Nous passons tout le chemin à 0. Pas de flou de mouvement. Cliquez dessus jusqu'à 360, vous obtenez une quantité intense de flou de mouvement, mais n'oubliez pas que vous voulez vous en tenir à un flou de mouvement réaliste d' apparence cinématographique. Collez à un obturateur à 180 degrés ou collez à l'obturateur sur lequel le projet a été tourné, probablement un obturateur de 180 degrés. Le flou de mouvement nous donne maintenant un aspect beaucoup plus réaliste de nos mouvements et tous les mouvements numériques que nous appliquons dans notre projet correspondront au flou de mouvement correspondront au flou de mouvement des mouvements effectués à huis clos. Pour l'échantillonnage, vous pouvez vous en tenir à la bilinéaire. Tout cela signifie que l'ordinateur utilise moins de traitement, mais la qualité du flou de mouvement n'est pas aussi lisse. Toutefois, lorsque vous le modifiez en bicubique, l'ordinateur traite davantage d'informations, ce qui devrait entraîner un flou de mouvement plus lisse de qualité supérieure. Mais pour la plupart, je ne remarque aucune différence. Vous remarquerez peut-être une différence dans le projet sur lequel vous travaillez, et si c'est le cas et que vous avez besoin la meilleure qualité, restez bicubique. Je n'ai pas fait de tests là-dessus, donc je ne sais pas à quel point il est plus efficace, mais je dirais que les deux sont de meilleure qualité en fonction de votre projet. Pour résumer, si vous souhaitez vendre vos mouvements numériques au public, vous devez ajouter un flou de mouvement. votre angle d' obturation est élevé, plus vous obtiendrez de flou de mouvement, votre angle d'obturation est bas, moins vous obtiendrez de flou de mouvement. Pour ce look filmique, appliquez un angle d' obturation de 180 degrés ou faites simplement correspondre votre angle d' obturation à l'angle d'obturation avec lequel le projet a été tourné. Vous pouvez obtenir un flou de mouvement à l'aide de l'effet Transform dans Premiere Pro. Soyez prudent, car cela peut être un peu pénible. Pour les mouvements simples, les projets, les animations de texte, c'est génial, mais pour les projets et mouvements plus complexes, je suggère de terminer votre projet dans After Effects et d'activer le flou de mouvement. 7. Premiere Pro VS After Effects: Maintenant que vous avez une meilleure idée de la façon de créer un mouvement organique et réaliste, je veux m'assurer que vous comprenez les avantages et les inconvénients de l'utilisation d' Adobe Premiere Pro par rapport à After Effects. [MUSIQUE] Je pousserais à utiliser l'effet Transform lorsque vous créez des animations simples dans Premiere Pro, il peut s'agir d'effets de texte. Par exemple, pour mes cours, j'utilise l'effet Transform pour mes titres car ils sont simples et permettent de créer un projet After Effects, puis d'ajouter un flou de mouvement à mes effets de texte, puis de modifier le texte. Ensuite, si j'ai une faute de frappe, je dois la changer à nouveau que je dois revenir dans After Effects et cela prend beaucoup plus de temps pour le faire. Pour les métrages qui correspondent à vos paramètres de séquence, c'est un excellent effet qui vous permet obtenir rapidement des animations After Effects dans Premiere Pro rapidement et sans avoir à ouvrir up After Effects en premier lieu. Mais je vais dire qu' il a des inconvénients. Le principal inconvénient de l'utilisation d'Adobe Premiere Pro pour imagerie de clés personnalisée est que ce n'est pas le plus convivial. Il se peut que vous ajuste la fenêtre du graphique d'animation constamment la fenêtre du graphique d'animation lorsque vous ajustez les mouvements entre deux prises de vue. Vous ne pouvez pas mettre ces poignées en place, et il n'y a pas autant d'options de visualisation de graphiques disponibles. Vous pouvez également voir avec la propriété position que nous avons uniquement la possibilité d'animer le graphe de vélocité et non le graphique de valeurs. Alors que dans Adobe After Effects, nous avons cette capacité. Au moment où vous utilisez clips 4K dans une chronologie 1080p, il peut devenir très pénible de travailler avec le problème des clips Forky dans une chronologie 1080p L'effet de transformation est que vous obtenez ces points d'ancrage fabuleux lors de la modification de la propriété de rotation. Une fois que vous avez fait correspondre le 4K attaché à un point d'ancrage 1080p en ajustant la position et l'ancre, alors génial, il tourne au centre du clip. Mais finalement, ils obtiennent l'étrange pépin où quand j'ai arrêté de lire les images, le cadre sautera et se positionne. La seule façon d'obtenir une représentation précise de l'effet consiste à rendre les clips avec l'effet Transform, ce qui n'est pas une solution très pratique lors de l'ajout et du réglage d'images-clés. Si Adobe corrige cet effet et que les graphiques d'animation dans Premiere Pro sont peut-être un peu plus faciles à utiliser, j'envisagerais d' utiliser l'effet de transformation pour les projets avec des séquences 1080p contenant des clips 4K. Si vous souhaitez vous en tenir à l' outil de transformation de Premiere Pro et que ce n'est pas pénible, continuez à utiliser vos clips 4K dans une séquence à quatre cours ou utilisez vos clips 1080p dans une séquence 1080p. N'oubliez pas que si vous dépassez l'échelle de 100 %, vous perdrez la qualité de votre image. Si vous effectuez des mouvements animés, cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas dépasser 100 %. Gardez simplement à l'esprit que lorsque vous dépassez 100 %, vous perdez la qualité de votre image. Cela n'a pas autant d'importance si vous utilisez strictement l'échelle dans le cadre d'une transition. Par exemple, dans ce projet que j'ai complètement terminé en utilisant l' outil de transformation dans Premiere Pro, je me suis arrêté à utiliser l'échelle uniquement sur mes transitions. De cette façon, le spectateur peut voir ce qui se passe pendant prises de vue et peut voir toute la qualité de l'image. Mais pendant les transitions, les mouvements se produisent si vite que la dégradation de la qualité n'a pas autant d'importance. Compte tenu du délai d'exécution, les différentes réductions que j'ai dû faire pour ce projet. Étant donné que les clips étaient de 1920 par 1080, il était plus logique de créer ces transitions dans Premiere Pro. After Effects présente également ses avantages, moins glitchy, plus facile à utiliser, et vous pouvez également créer votre séquence 4K dans une chronologie 1080p, en utilisant un recadrage numérique. Lorsque vous créez des rotations numériques, vous verrez moins de recadrage lorsque vous serez poussé plus loin. Mais, bien sûr, After Effects prend du temps à apprendre. C'est facile pour vos projets, devenez très complexe et prenez plus de temps pour nécessiter plus de puissance informatique. Vous devrez visualiser davantage le mouvement dans Premiere Pro avant de passer à After Effects Vous ne voulez pas travailler trop loin et commencer à ajouter des facilités à votre animation car After Effects n'interprète pas correctement ces changements d'interpolation. Vous devrez donc l'ajuster dans After Effects de toute façon, tenir à l'interpolation linéaire avec Premiere Pro, réduire l'apparence, la sensation et les mouvements, afin que vous puissiez ajuster vos modifications avec les mouvements eux-mêmes, puis ajustez la facilité dans After Effects. Vous pouvez également effectuer ces ajustements faciles dans Premiere Pro, puis retweeter dans After Effects. Quoi qu'il en soit, vous devrez effectuer ces ajustements dans After Effects. Si vous souhaitez tirer pleinement parti de vos clips 4K dans une chronologie 1080p. [RIRES] Maintenant que vous avez toutes les options devant vous, vous pouvez décider quel est le flux de travail approprié pour votre projet. Pour résumer, Premiere Pro et l'effet de transformation sont excellents lorsque vous travaillez avec des mouvements simples, des animations simples et lorsque vous travaillez avec clips correspondant à vos paramètres de séquence. Si vous voulez pousser numériquement dans le cadre sans perdre détails et ne pas vous inquiéter autant du recadrage sur les clips, vous devrez utiliser vos clips 4K dans une séquence 1080p. Mais il est alors recommandé de passer à After Effects. Mais bien sûr, cela ajoute un niveau de complexité supplémentaire. Malheureusement, lors de l'importation de votre projet Premiere, After Effects n'interprète pas correctement les courbes de Bézier. Il est recommandé de visualiser votre projet dans Premiere Pro à l'aide d'images-clés linéaires, puis de créer des courbes personnalisées et terminer votre projet dans After Effects. Très bien, avant d'entrer dans After Effects, nous allons explorer comment relier deux plans ensemble en utilisant la composition, action et l'image-clé au mouvement. 8. Créer une transition fluide: Dans de nombreux cas, vous aurez l'occasion réduire l'action entre deux tirs. Mais il y a aussi des moments où vous voulez connecter deux prises de vue différentes qui, à première vue, ne semblent pas très bien se connecter. Je veux relier ce coup d'éclaboussures de citron vert ce coup de produit final et vous pouvez déjà dire que ce tir de héros a ce chariot, mais notre tir à la lime n'a aucun mouvement . la chaux tombe et ensuite des éclaboussures de vodka partout. Déjà, en regardant cette photo, je sais que je vais devoir faire correspondre l'action avec cette vitre et utiliser un zoom arrière numérique. J'ai tout de suite remarqué que nous obtenons déjà une certaine correspondance de composition car nous avons ici cette forme en forme de cylindre avec le verre et le reflet et lorsque nous avons atteint le plan suivant, nous avons cette forme de cylindre de cette bouteille. La coupe de match est l'endroit où vous coupez pour correspondre à la composition ou à l'action de deux tirs différents et techniquement, le but réel des coupes de match est de relier deux scènes distinctes. Si vous pouvez trouver un moyen de faire correspondre également les éléments compositionnels d'un plan à l'autre, vous utiliserez également la technique de traçage des yeux, qui ajoute un élément supplémentaire d' édition fluide et de signification à votre édition. Nous pouvons faire un peu de réglages pour faire correspondre ces deux clichés ensemble un peu plus et évidemment, nous sommes déjà en train d'obtenir une trace oculaire parce que l'œil du spectateur serait probablement au centre du cadre parce que c'est le point central de cette composition, de ce cliché à celui-ci, nous sommes déjà à peu près sur l'étiquette et nous pouvons la déplacer un peu pour utiliser la trace des yeux un peu plus efficacement. Pour mieux faire correspondre ces plans, ce que je vais faire, c'est prendre notre plan de verre et de le déplacer jusqu'à la couche 2 et nous allons simplement ouvrir cette couche pour que nous puissions accéder à notre opacité. Avant d'ajuster mon opacité, je vais étendre le clip sur notre clip de bouteille et je vais réduire l'opacité afin que nous puissions obtenir une peau d'oignon ou un aspect superposé et nous pouvons voir ici que c'est déjà très bien. Mais parce que je suis perfectionniste, je veux le rendre encore meilleur et ce que je peux voir ici aussi, c'est qu'en fait, le coup de bouteille est un peu tordu. Nous allons résoudre ce problème en ajustant notre rotation. Ensuite, je vais également augmenter l'échelle de la bouteille pour qu'elle corresponde à celle de la classe. Maintenant, nous avons quelque chose qui correspond déjà beaucoup mieux et je vais mettre la bouteille en poupée à ce stade juste ici. Ce que je veux faire avant aller de l'avant avec ce tir, c'est de m'assurer que le tir est centré et je peux dire maintenant que ce n'est pas le cas. Je sais que cela devient très difficile, mais parce qu'il est censé être centré et qu'il n'est pas tout à fait centré, je ne veux pas donner l'occasion au public d'être distrait. Je veux que l'accent soit mis sur l'histoire de cette marque. Je clique sur « Mon moniteur de programme », accédez à l'affichage. J'ai activé l'affichage des guides, mais il n'y a pas de guides, donc je vais afficher mes règles puis cliquer sur les « Règles », les faire glisser vers le centre, qui est 960, et ce que nous pouvons faire, c'est que vous pouvez cliquez avec le bouton droit sur votre « Guide », cliquez sur « Modifier le guide » et si vous souhaitez obtenir encore plus de précision, tapez 960 pour la moitié de notre cadre. Nous pouvons également faire de même en cliquant sur un « guide horizontal » de haut en bas à 540. Nous pouvons maintenant voir le capteur d'une trame. Nous connaissons maintenant les ajustements que nous devons apporter à notre bouteille et à notre verre pour nous assurer qu' ils sont centrés. La note rapide à propos des guides ici est que vous pouvez également utiliser les guides comme outil utile pour obtenir la trace des yeux. À l'aide de vos guides, vous pouvez trouver point de traçage de votre œil à partir un tir et le faire correspondre au plan suivant. Je vais ramener mon opacité à 100, et je vais faire une modification ici. C'est là que la coupe se produit. Je remarque déjà que l'étiquette de vodka verticale n'est pas tout à fait centrée non plus et qu'elle me semble un peu étrange, donc je pourrais la déplacer un peu et je pourrais voir qu' il y a la récolte, donc Je ne veux pas aller aussi loin. Même là, c'est beaucoup mieux. Nous faisons correspondre la composition à ces formes et nous voulons maintenant faire correspondre l'action. Maintenant, avant de commencer à ajouter des images-clés à ce clip, je dois déterminer où je veux que la coupe soit. Parce que j'aime bien ce mouvement ici et que je veux couper le mouvement, je ne veux pas zoomer ici parce que l'excitation de la prise de vue est juste là où tout cela La vodka ne fait que se déverser. Si j'attends de créer le mouvement après cela, vodkas déjà déversées, nous avons raté le point culminant de ce clip. Je veux que cette édition soit excitante, je veux qu'elle continue de bouger. Ce que je vais faire, c'est que je vais faire un montage juste ici où il y a encore beaucoup de mouvement dans le plan. Ensuite, je relierai les deux plans ensemble. [MUSIQUE] Parce que nous avons un coup de poupée sur notre photo verticale de héros de vodka, mais nous n'avons pas de poupée ici sur notre plan de verre. Eh bien, vous l'avez deviné. Nous devons créer un zoom arrière numérique avec notre plan de verre. Nous pouvons ajouter quelques images-clés. Une à la fin, déplacez quelques images et ajoutez une image-clé supplémentaire. Ensuite, nous effectuerons un zoom avant sur la première image-clé afin de créer un zoom arrière numérique comme celui-ci. Rejouez-le et vous remarquerez que la bouteille ne zoome pas à la même vitesse. Nous pouvons soit faire correspondre le verre à la vitesse de la bouteille, soit pour rendre cette édition encore plus efficace. Ce que je vais faire, c'est que j' augmenterai la vitesse du chariot de bouteille en créant un zoom arrière numérique. C'est plus efficace, car avec une vitesse plus rapide, le public doit avoir un temps de réaction plus rapide pour prendre la coupe. À une image-clé au début du tir du héros à l'échelle et j'en ajouterai également une en position car nous devrons ajuster la composition du tir de la bouteille lorsque nous effectuons un zoom arrière. Nous ajouterons quelques images clés plus tard. zoom arrière sur cette photo, ajustez la composition de manière à ce que nous n'ayons pas de recadrage et lisons-la. Nous avons amélioré le tir, mais vous pouvez voir maintenant que nous avons cette bosse bruyante dans le tir de la bouteille ici. Je pense que nous pouvons lisser cela avec quelques courbes de Bézier lors de notre dernier ajustement et sinon, nous devrons faire des ajustements plus tard de toute façon. Comme il est plus difficile de suivre les mouvements plus rapides, augmenter la vitesse du mouvement reliant chaque tir permettra de mieux masquer le montage. À la vitesse de nos prises de vue, nous pouvons soit utiliser nos courbes de Bézier, soit modifier la distance entre nos images-clés. En fin de compte, vous allez combiner les deux, mais comme nous n'ajustons pas nos courbes de Bézier, je réduirai simplement la distance de nos images-clés. Je vais encore jeter un coup d' œil à la coupe. ce moment, on a l'impression que la bouteille est un peu lente, je vais donc ajuster les images-clés là-bas. C'est un peu mieux, et je sais que nous n'avons pas beaucoup de place pour déplacer cette image-clé sur ce plan de classe, mais je vais la déplacer un peu plus. Génial. Ça a l' air beaucoup mieux. Récapitulatif, nous sommes toujours à la recherche de ces occasions de relier deux plans ensemble grâce au mouvement et à la composition assortie. Tout en prêtant attention à la trace des yeux, correspondre la composition ou le point de traçage de l'œil en ajustant votre opacité aux couches de peau d'oignon, et bien sûr, il existe d'autres moyens de le faire, comme l'utilisation de votre guide ou curseur de souris utilisateur pour avoir une idée approximative de la trace des yeux tout en basculant d'avant en arrière entre chaque prise de vue. correspondez à la qualité du mouvement et à la vitesse correspondante, vous bénéficierez une transition plus fluide d'un coup à l'autre et vous vous souviendrez une fois que vous aurez ajouté un flou de mouvement et effectuez un dernier réglage. à l'intérieur des effets secondaires, ça va être beaucoup mieux. [MUSIQUE] 9. Remappage temporel: Ces deux clichés contiennent tous les deux des mouvements de la caméra, un étant un chariot extérieur et l'autre étant un chariot. Avec quelques travaux, nous pourrions connecter ces deux prises de vue en utilisant le remappage temporel ou le ramping de vitesse. [MUSIQUE] Le remappage temporel ou la vitesse d'accélération sont un moyen d' accélérer ou de ralentir votre clip. Cela peut être utilisé de manière pratique ou narration pour faire fonctionner un montage, timing pour dramatiser le plan, pour passer rapidement à travers une séquence. Il y a tellement de façons différentes d'utiliser les rampes de vitesse. Mais dans ce cas particulier, je vais vous montrer comment utiliser une rampe de vitesse comme outil de transition entre deux tirs. Nous devons faire correspondre ce chariot à ce chariot en plan. Pour ce faire, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris sur ce clip. Sélectionnez vitesse/durée ou le raccourci clavier, notre commande R, sélectionnez la vitesse inverse. Maintenant, je vais le lire et c'est très lent, la vitesse de connexion n'est pas correcte, mais nous pouvons régler cela avec des rampes de vitesse. Pour accéder au remappage temporel, vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris sur cette petite icône d'effets ici, naviguer jusqu'au remappage temporel, sélectionner la vitesse. Vous verrez maintenant que nous avons cette barre au milieu, que nous pouvons cliquer et faire glisser pour augmenter la vitesse ou diminuer la vitesse. Sélectionnez P pour l'outil Plume et cliquez sur un point sur le graphique. Je vais revenir à mon outil de sélection à l'aide hockey V, puis cliquer et faire glisser ces poignées. J'ai maintenant ces deux poignées disponibles, ce qui me permet de créer une rampe de vitesse. Si je déplace ce côté du clip vers le haut, vous verrez que nous créons une rampe de vitesse. Nous passons du temps réel à 317 pour cent et nous pouvons simplement augmenter ce montant un peu plus. Peut-être que nous allons passer à 720 et nous assurer que vos poignées affectent le mouvement réel du chariot. Vous pouvez voir que le clip se déplace partout et c'est simplement parce que nous manipulons l'heure du clip. Il va raccourcir et s'allonger dans le temps en fonction de la façon dont nous manipulons ces poignées. Je vais juste jouer ça. Vous pouvez voir que nous accélérons lentement. Ce n'est pas parfait, mais c'est quelque chose et maintenant nous pouvons faire de même avec ce cliché ici. Cliquez avec le bouton droit sur l'icône des effets. Sélectionnez la vitesse de reprogrammation temporelle, appuyez sur P pour l'outil Plume. Étendez les poignées ouvertes, puis créez une autre rampe de vitesse de ce côté, car je veux que la vitesse corresponde à ce tir, soit 721% pour ce tir. Je sais que les chariots ne correspondent pas exactement à la vitesse. Mais ils sont assez proches pour que je pense que si j'ajuste cela pour correspondre à la vitesse de sortie de mon autre rampe de vitesse, nous aurons quelque chose de très proche. On y va. Très bien. Rejouons-le. Très bien, donc nous avons un petit saut ici. Je vais y faire une coupure parce que je pense que c'est juste de se mettre à la vitesse. Ensuite, nous avons également un peu plus bas sur ce plan. Le nom du jeu ici est de vous assurer que vous coupez au plus fort de l'action. Si ce n'est pas le cas, vous allez être aussi bas et cela va tuer l'énergie entre les deux tirs. Nous avons un tir qui monte lentement à grande vitesse. Plus la vitesse et le tir sont rapides, plus il est facile de masquer le montage. Nous coupons également à la hauteur de la vitesse ou de la hauteur de l'action du tir, puis relions à la hauteur de l'action du prochain tir et à la partie la plus rapide du tir suivant. Boom. Dans la leçon précédente, j'ai parlé de couper la hauteur de l'action. C'était un principe important lors de la coupe ce coup de vodka sur le tir du héros. Nous voulons réduire la hauteur de l'action parce que nous ne voulons pas que l'énergie ou le flux soient détruits au milieu d'une modification, vous voulez que chaque modification soit ajoutée à la suivante. Il est important de couper la hauteur de l'action maintenir cette énergie qui coule d'un coup à l'autre. Une autre chose que nous pouvons faire pour lisser encore plus ces rampes est d'ajouter des courbes de Bézier aux rampes. Cliquez sur la poignée pour afficher des poignées supplémentaires. Cliquez sur l'une ou l'autre des poignées, vous pouvez déplacer votre souris vers la gauche et la droite pour ajuster la quantité de courbe. Nous prenons une aisance puis une rampe au milieu, puis on s' enfonce ou un saut complètement fou au milieu. Lorsque vous avez réglé votre rampe de vitesse, votre clip se déplacera partout et plutôt que de le retirer et cliquer sur le bord du clip et de le faire glisser, je vous suggère d'utiliser le outil de glissement, en utilisant la touche de raccourci, Y, il suffit de glisser l' ensemble du clip. Le peu de réglages, nous pourrions en fait rendre le mouvement encore plus fluide. Un dernier conseil sur les rampes de vitesse et je suis désolé si cela est évident lorsque vous accélérez, c'est tout à fait normal d'augmenter la vitesse. Si vous décidez de ralentir les choses, assurez-vous de ne pas passer sous fréquence d'images de votre clip ou vous risquez d'avoir un look bégaiement. Pour résumer, le ramping de vitesse est l'endroit où vous augmentez ou diminuez la vitesse à des fins de narration, pour des raisons pratiques et dans ce cas, et nous avons abordé comment utiliser la rampe de vitesse pour connecter deux différents plans ensemble. Plus la vitesse de coupe est rapide, plus la modification sera fluide. Assurez-vous de couper la hauteur de l'action pour maximiser l'effet des rampes de vitesse. Pensez également à combiner vos rampes de vitesse avec un mouvement numérique et, bien sûr, activer le flou de mouvement sur vos mouvements numériques. Tous ces éléments combinés, vous pouvez créer des transitions très douces. Très bien, je veux maintenant que vous preniez toutes ces idées différentes dont nous avons discuté jusqu'à présent et que discuté jusqu'à présent et tentiez de les intégrer dans votre édition. Effectuez une coupe grossière avec vos images-clés linéaires générales pour le mouvement, puis dans la leçon suivante, nous allons prendre cette coupe grossière et importer dans After Effects. 10. Importer des projets Premiere dans After Effects: J'ai terminé une édition où j'ai créé le look de base de ce que je veux faire. Jetez un coup d'œil. [MUSIQUE] C'est encore un peu rude sur les bords avec le mouvement, mais c'est bon. À ce stade, tout ce que nous faisons est d' ébaucher le mouvement avec des images-clés linéaires, car nous savons qu' After Effects n' interprétera pas les courbes de Bézier. Si vous en avez vraiment besoin, vous pouvez toujours apporter de petits ajustements à vos clips dans After Effects. Mais à part cela, c'est à peu près la structure générale de mon histoire. Les derniers ajustements de Bézier se produiront dans After Effects avec n'importe quel masquage ou peut-être même des animations graphiques. Une chose qui peut sembler un peu étrange à faire, mais nous aurons beaucoup plus de sens une fois que vous aurez ouvert votre projet After Effects c'est de définir tous vos clips sur deux couches vidéo distinctes. [MUSIQUE] Il suffit de déplacer tout ça vers le haut, ça vers le haut. Maintenant, chaque vidéo obtient son propre calque. Je suggère également d'utiliser des images-clés pour vos fondus dans votre audio plutôt que de les dissoudre par défaut . Encore une fois, j'expliquerai pourquoi plus tard dans cette leçon. Nous sauvegarderons notre projet et nous nous dirigeons vers After Effects. Parce que nous voulons importer notre projet Adobe Premiere, accédez à Fichier, Importer et Importer Adobe Premiere Project. Sélectionnez votre projet de classe, Ouvrir, puis voici la fenêtre de l'importateur Premiere Pro. Sélectionnez Séquences. Il affichera toutes vos séquences de travail, y compris vos nids, afin qu'elles deviennent écrasantes. Vous n'avez pas besoin de tous les importer. Il suffit de sélectionner la séquence qui correspond à votre séquence de travail. Assurez-vous également d' importer votre audio. Vous verrez maintenant qu'il remplit notre panneau de projet Adobe After Effects notre panneau de projet Adobe After Effects avec tous nos métrages et qu'il garde tous les dossiers ouverts, ce qui n'est pas nécessaire, je vais donc les fermer. [MUSIQUE] Ensuite, nous avons notre séquence de projets ici. Comme vous pouvez le constater, il a pris la séquence du projet et a convertie en composition After Effects. After Effects fonctionne avec des compositions équivalentes à des séquences dans Premiere Pro. Après avoir double-cliqué pour ouvrir la composition, vous pouvez voir ici pourquoi j'ai choisi placer tous mes clips sur des calques distincts, car c'est ainsi qu' After Effects fonctionne. Il fonctionne en couches. Si j'avais tous mes clips Premiere Pro comme avant , ça devient un peu désordonné. Pour utiliser des transitions audio par défaut comme celle-ci, il sera importé dans After Effects comme sa propre transition, ce qui rendra votre projet After Effects beaucoup plus déroutant à regarder. De cette façon, il est plus facile de tout prendre en compte. Je vois ici que j'ai tous mes clips audio. Si je le veux vraiment, je peux les sélectionner, cliquer avec le bouton droit sur l'étiquette et les modifier tous, faire de même avec mes clips vidéo, et les changer tous par quelque chose de complètement différent. Vous pouvez également constater que nous avons ces pré-comps, ce qui est l'équivalent d' un nid dans Premiere Pro. Je peux sélectionner toutes mes pré-comps dans After Effects, sélectionner l'étiquette et les modifier en une couleur différente. Maintenant, je peux voir encore plus clairement ce qui se passe dans ma comp After Effects. Pour résumer, avant d'importer votre projet Premiere, assurez-vous de définir tous vos médias sur des calques distincts. Ainsi, lorsque vous importez dans After Effects, votre chronologie est un peu plus facile pour les yeux. Utilisez des images-clés pour vos fondus vidéo et audio plutôt que des transitions par défaut pour réduire les calques indésirables supplémentaires dans After Effects. Assurez-vous de profiter des étiquettes d'After Effects, c'est beaucoup plus facile à regarder car croyez-moi, After Effects peut devenir très complexe. [MUSIQUE] 11. Régler les courbes bezier dans After Effects: Nous allons commencer par animer ce mouvement ici. Accédez au calque et cliquez sur le petit triangle à gauche. Ouvrez Transform. Vous verrez ici que ces propriétés de transformation sont disponibles, qui sont très similaires à celles disponibles dans Premier Pro sous l'onglet Contrôles d' effets. Pour effectuer un zoom avant afin d'avoir une meilleure vue de nos images-clés, nous pouvons cliquer sur cette petite loupe ici et la faire glisser. Vous pouvez voir ces premières images clés un peu plus facilement. Pour accéder au graphique d'animation, cliquez sur l' icône du graphique située ici. Lorsque nous le sélectionnons, nous obtenons notre éditeur de graphes. Mais nous ne voyons rien pour le moment car aucune de nos principales propriétés encadrées n' est mise en évidence. Une fois que vous l'avez mis en surbrillance, vous verrez, ok, nous avons notre propriété d'échelle sous forme de graphique, et nous pouvons également cliquer en maintenant la touche Maj enfoncée sur notre propriété de rotation pour activer la vue graphique de plusieurs propriétés et de leur images-clés. Si vous préférez utiliser le graphique de vitesse, vous pouvez sélectionner cette icône de liste ici pour afficher les options d'affichage de vos graphiques. À ce stade, je ne veux pas utiliser le graphique de vitesse, je vais donc continuer à utiliser le graphique des valeurs. Si c'est trop écrasant pour voir toutes ces images-clés en une seule fois, il suffit de travailler avec une propriété à la fois. Nous pouvons commencer par l'échelle. Maintenez la touche Option ou Alt lorsque vous cliquez dessus en premier, cela vous permettra de faire glisser une poignée hors de l'image-clé. Dans ce cas, je veux un zoom arrière numérique. Touchez-le très rapidement, puis faites-le doucement à la fin. N'oubliez pas qu'étant donné qu' il s'agit du graphique des valeurs, la courbe est raide, plus le mouvement est rapide. Parce que nous effectuons un zoom arrière numérique, notre courbe se déplace vers le bas et diminue en échelle. Je vais faire tomber la première image-clé très spectaculaire , puis j'ajouterai une poignée à la deuxième image-clé pour ajouter cette facilité très progressive. Option Alt, cliquez et faites glisser le curseur. Ce qu'il peut également faire est de maintenir la touche Maj enfoncée pour limiter ces poignées à cette ligne de graphique. C'est génial parce que nous ne voulons pas ces lignes ressemblent à ceci, car nous rencontrons ce problème où la courbe de Bézier dépasse la valeur de la deuxième image-clé, ce qui vous donne Boomerang ou saut à l'élastique. Assurez-vous que vous maintenez la touche Maj enfoncée pour que la courbe de Bézier ne dépasse pas votre deuxième valeur d'image-clé. Vous avez peut-être remarqué que lorsque je règle les courbes, le graphique empêche automatiquement chaque image-clé de quitter le haut ou le bas du graphique. C'est parce que la hauteur de mon graphe de zoom automatique activée. Si vous souhaitez voir toutes vos images-clés en même temps dans l'éditeur de graphiques, cliquez sur l'icône « Ajuster tous les graphiques à afficher ». Je suis content de ce type de facilité, mais je peux déjà dire que quatre cadres ne vont pas le couper. Je vais vouloir tout déplacer un peu pour que la facilité soit plus progressive. Je vais déplacer l'image-clé. Encore une fois, nous sommes confrontés à ce problème, donc je vais juste faire quelques ajustements. Maintenant, j'ai la qualité du mouvement que je recherche sur notre propriété à grande échelle. Je vais maintenant créer une courbe très similaire sur ma propriété de rotation. Dans ce cas, comme je veux une rotation fluide et un zoom arrière en même temps, il est important que mes images-clés soient exactement sur la même image pour que le mouvement soit synchrone. Maintenez la touche Option Alt et faites glisser une poignée. Je vais faire de même avec ce point. Maintenez la touche Maj enfoncée pour limiter les points sur l'axe horizontal. Là, nous avons maintenant une courbe semblable, mais vous pouvez voir ici que notre rotation s' étend légèrement. Encore une fois, nous savons d'où vient cet étrange regard. En sélectionnant uniquement la propriété de rotation, nous pouvons voir qu'elle provient de la courbe de Bézier dépassant la valeur de la deuxième image-clé. Une fois que vous avez vos images-clés sur la même image dans votre chronologie et que chaque propriété présente une courbure similaire, il s'agit de modifier la durée du mouvement lui-même jusqu'à ce que vous obteniez l'apparence souhaitée. Après avoir parcouru vos courbes, vous remarquerez peut-être que vous souhaitez réajuster certains de vos clips. Vous remarquerez peut-être qu' ils n' ont pas été programmés correctement. Ou lorsque vous ajoutez des courbes, vous vous rendez compte que le moment peut devoir changer. Maintenez la touche Contrôle ou Commande enfoncée lorsque vous cliquez et faites glisser la tête de lecture. [BRUIT] Non seulement vous parcourez les visuels, vous obtiendrez également un aperçu audio, ce qui vous permettra de prendre en compte votre musique lors du rechronométrage et du découpage de vos clips. Au fur et à mesure que vous parcourez vos animations, vous allez probablement vous déplacer entre deux plans différents assez fréquemment pour vous assurer que l'animation est en correspondance. Si vous souhaitez accéder rapidement à vos images-clés actives, vous pouvez cliquer sur votre « Calque », puis appuyer la touche U pour afficher les propriétés avec toutes vos images-clés actives. Vous pouvez également accéder rapidement à des propriétés individuelles en tapant P pour la position, S pour l'échelle, R pour la rotation et A pour point d'ancrage. Pour résumer, utilisez votre éditeur de graphes pour ajuster vos courbes. Pour éviter les débordements, animez une propriété à la fois. Assurez-vous que les images-clés de l' une de vos propriétés actives correspondent pour maintenir un mouvement synchrone. Je ne l'ai pas mentionné dans cette leçon, mais vous pouvez également utiliser votre bouton d' icône Easy Ease ici pour créer une courbe sur toutes vos images-clés même temps, puis ajuster à partir de là. [MUSIQUE] 12. Flou Motion dans After Effects: À ce stade, c'est une bonne idée d'activer le flou de mouvement. flou de mouvement modifiera considérablement l'apparence de vos mouvements et le flou supplémentaire nous permet de créer plus facilement une transition en douceur entre deux clichés contenant du mouvement. Vous trouverez l'icône de flou de mouvement à gauche de l'icône de l'éditeur de graphiques, cliquez dessus pour activer le flou de mouvement. Mais le flou de mouvement ne fonctionnera pas à moins que vous n'ayez activé l' interrupteur de flou de mouvement sur chaque calque contrôleur et la commande permettent de sélectionner tous vos calques en même temps, puis de sélectionner le commutateur de flou de mouvement pour activer tous vos calques en même temps. Commande Maj A ou Commande de contrôle A pour tout désélectionner. Après avoir activé le flou de mouvement, vous pouvez vous en sortir avec des mouvements plus grands et plus rapides car les détails fins de l'image sont flous et il suffit de nous concentrer sur ce flou plutôt que sur les détails fins. . Il y a moins à interpréter visuellement. Pour ajuster votre angle d'obturation, accédez à votre composition, cliquez avec le bouton droit de la souris, sélectionnez Paramètres de composition et , dans la fenêtre Paramètres de composition, cliquez sur « Onglet Avancé » et vous pouvez voir ici nous avons cette section de flou de motion ici et que nous regardons cela. Notre angle d'obturation est réglé par défaut sur 180 et vous pouvez même l' ajuster à 720 degrés après effets, ce qui crée un flou de mouvement sauvage. Je ne le recommanderais pas nécessairement parce que nos images ont été prises à un angle d'obturation de 180 degrés. Mais l'option est ici, vous pouvez effectuer des ajustements, ce qui est très cool. Revenez à 180. Une autre chose que je n'ai pas remarquée jusqu'à présent, notre premier tir, la balance est augmentée, ce qui est étrange. Je ne sais pas comment cela s'est produit, mais pour résoudre ce problème, nous pouvons double-cliquer sur notre maquette ou notre nid gratuit, « Sélectionner » notre plan imbriqué et appuyer sur S pour l' échelle pour ouvrir uniquement la propriété scale. Vous pouvez voir ici que c'est à 100 % que nous voulons qu'il soit à 50 %. On dirait maintenant ce qu'il fait dans notre premier projet. Après avoir activé le flou de mouvement, j'ai augmenté la différence échelle et de rotation entre mes images clés pour améliorer l'intensité dramatique de la prise de vue et du mouvement lui-même. Pour résumer, lorsque vous activez le flou de mouvement, il est encore plus facile de masquer nos modifications car l'augmentation du flou de mouvement rend plus difficile la mise au point sur point donné l'image entre le prises de vue connectées. Vous pouvez également constater que vous pouvez dramatiser davantage leurs mouvements avec le flou de mouvement récemment ajouté. 13. Dimensions séparées: [MUSIQUE] Maintenant, il est temps de s'attaquer à notre prochain coup. Ce qui est différent de ce plan c'est que nous avons maintenant affaire à une nouvelle propriété, la propriété de position. Lorsque vous cliquez dessus et que vous le chargez dans l'éditeur de graphiques, vous pouvez voir que nous avons deux graphiques distincts, car la position a une valeur x et un y. Lorsque vous avez affaire à un poste, vous avez affaire à ces deux coordonnées. Lorsque vous essayez d'ajouter une courbe sur notre graphique de position, cela ne fonctionne pas. Mais vous pouvez cliquer avec le bouton droit et l'image-clé, Easy Ease In , Easy Ease, vous pouvez ajouter cela, mais il n'y a aucun moyen de personnaliser la courbe. C'est parce que les coordonnées x et y sont connectées. Nous ne pouvons pas les ajuster individuellement lorsqu'ils sont connectés. Pour séparer les valeurs x et y, vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris sur votre propriété Position et, ici, sélectionner Dimensions séparées. Nous avons maintenant la possibilité de personnaliser notre position x et notre position y. Maintenez l'option enfoncée, cliquez et faites glisser, puis créez notre courbe. 14. Conseils rapides sur le mouvement: [MUSIQUE] Il est facile d'être submergé par l'éditeur de graphes, surtout lorsque vous animez plusieurs propriétés simultanément. Cela peut entraîner des erreurs courantes qui ont des solutions quelque peu simples. Si vous remarquez que des mouvements se poursuivent dans une propriété mais pas dans une autre, cela peut signifier que vous n'avez pas fait correspondre vos images-clés sortantes et entrantes. Dans ce cliché, j'étais tellement investi dans la bonne apparence du mouvement , mais j'ai négligé les images-clés sortantes, et elles se sont retrouvées sur des images séparées. Assurez-vous que vos images-clés se trouvent sur la même image pour garantir un mouvement synchrone. Dans cette combinaison de prises de vue, j'ai introduit des rotations plus complexes dans le mix, et je connecte deux plans similaires. Lorsque vous connectez deux tirs similaires, il peut être utile de faire correspondre les points d'ancrage d'un tir à l'autre. Dans cette prise de vue, de la grande bouteille à la plus proche, notre point d'ancrage se trouve par défaut au centre du cadre pour chaque prise de vue. Nous ne savons pas nécessairement où se trouve ce point d'ancrage par rapport à la bouteille lorsque nous comparons ces deux coups. Mais si vous animez votre point d' ancrage pour qu'il se verrouille sur une partie spécifique d' un objet d'un plan à l'autre, il peut être plus facile de faire correspondre les rotations. Dans ces deux clichés, j'ai fait correspondre mon point d'ancrage à cette petite lèvre dans le goulot de la bouteille. Cela m'a permis de m'assurer que ma rotation était cohérente d'un coup à l'autre, correspondante à mes animations de rotation, et qu'elle n'avait qu'à m' inquiéter vraiment de ma position et de mon échelle. Si vous visualisez toutes les courbes de propriétés animées à la fois, sans nécessairement avoir une image précise de ce qui se passe avec chaque courbe, essayez d'animer une courbe à la fois. Vous pouvez également utiliser la molette de défilement de votre souris tout en maintenant la touche Contrôle pour zoomer davantage sur l'éditeur de graphiques. Cela ne sera possible que si hauteur du graphe de zoom automatique est désactivée. cliquer et de le maintenir enfoncé sur le bouton central de la souris vous permettra également d'accéder rapidement à l'outil manuel pour cliquer, faire glisser et ajuster votre vue. Si vous remarquez un mouvement spécifique dans votre projet qui ne semble pas tout à fait correct, vous pouvez également examiner nombre d'images-clés que vous utilisez pour réaliser le mouvement. Plus d'images-clés ne signifie pas nécessairement mieux. Cela peut facilement compliquer les choses et aggraver vos mouvements , surtout si vous n'êtes pas un animateur à temps plein, essayez de simplifier vos mouvements et d'utiliser moins d'images-clés. Pour résumer, si vous rencontrez des problèmes avec vos mouvements, assurez-vous que vos images-clés sont appariées. Faites correspondre ces points d'ancrage entre des prises de vue similaires pour faciliter l'animation de rotation. Ajustez l'utilisation de votre graphique pour avoir une idée précise de ce qui se passe avec chaque propriété. Essayez également d'utiliser moins d'images-clés. [MUSIQUE] 15. Modifications invisibles: L'édition invisible est celle que vous ne voyez pas, et c'est ce qui en fait une technique si puissante lorsque vous souhaitez créer des transitions transparentes. Les modifications invisibles peuvent être utilisées de plusieurs façons, afin de réunir de nombreuses prises de vue pour apparaître comme une seule prise de vue. Il peut également être utilisé pour connecter deux clichés ou scènes différents ensemble de manière transparente. La coupe invisible est également un moyen pratique de couper ensemble des plans difficiles qui seraient très difficiles à réaliser en une seule prise. Je vous recommande vivement de consulter le travail de cet éditeur. s'appelle Eddie Hamilton et il a fréquemment fait films comme celui-ci où il y a des modifications invisibles, rampes de vitesse et recrée beaucoup de différents types de mouvements numériques soit pour avoir un sentiment ou connecter deux clichés différents ensemble de manière transparente. Lorsque vous créez une modification invisible, un masque est votre meilleur ami. Tout ce que nous faisons, c'est ajouter des masques à nos différents calques pour assembler les deux plans de manière transparente. Commençons par ce cliché ici. Assurez-vous de cliquer d'abord sur votre calque, cliquez sur « Outil de forme » situé dans la barre d'outils. Si vous cliquez et maintenez la touche enfoncée, vous pouvez voir une variété de formes parmi lesquelles vous pouvez choisir. Mais je vais choisir l'outil Ellipse car je veux masquer le fond de ce verre, qui a une forme similaire. Si la couche sur laquelle vous travaillez n'est pas activée, il vous suffit de créer un calque de forme Assurez-vous donc que votre couche est activée. Il n'est pas nécessaire d'avoir le reflet dans la photo, alors cliquez et faites glisser. Pendant que je fais glisser le curseur, je peux maintenir la barre d'espace pour déplacer toute la forme, ou je peux maintenir la touche Maj enfoncée pour limiter l'échelle, la largeur et la hauteur. Je vais juste essayer de prendre la forme du fond de ce verre, et je vais lâcher prise. En sélectionnant le point, je peux utiliser les poignées pour compléter cette forme. Si je recule dans ma chronologie, vous pouvez voir que je suis en train de recadrer tout le plan, donc je vais déplacer mon masque vers le haut. Parce que j'ai besoin d'une meilleure vue de l'ensemble de mon masque, je peux utiliser la molette de défilement de ma souris pour effectuer un zoom arrière avec ma vue et régler mon masque à partir d'ici. zoom arrière, et maintenant j' ai une bonne coupe. Le seul problème, c'est que la coupe est très dure, c'est très dur, ce que nous pouvons faire c'est l'adoucir avec un peu de plumes. Je clique sur mon calque, si vous ne voyez pas le calque de masque, vous pouvez appuyer sur « M » pour le masque, ce qui fera apparaître le calque de masque. Je vais simplement basculer ce triangle pour voir le reste des propriétés, naviguer jusqu'à Feather et l' éplucher un peu. Après avoir ajouté des plumes, je remarque que nous pouvons voir une partie du reflet du verre, donc je vais rentrer un peu notre masque. Ce n'est pas grave si la plume se produit au bas de notre verre, car avec le flou de mouvement, cela va encore plus le lisser. De plus, vous ne voyez le masque que pendant la transition. Maintenant, je vais aller sur ce clip et ajouter un masque. Parce que nous avons une vignette, nous avons une couleur violette plus foncée sur le bord de notre clip ici et sur le bord de notre clip ici. Ce que nous pouvons faire, c'est créer un solide pour notre arrière-plan afin de ne pas voir de transparence dans notre plan. Avant de le faire, je vais ajouter un masque à notre lime drop shot. Cliquez sur ma photo de citron vert, puis cliquez à nouveau sur le calque de forme et ajoutez le masque. Maintenant, je vais simplement parcourir image par image, assurant que mon clip ne se recasse pas et qu'il l'est. Je vais passer à mon outil de sélection, sélectionner chaque partie de mon masque. Je ne veux pas découper cette goutte de citron vert, je vais juste arrondir un peu plus ça pour qu'elle corresponde un peu mieux à la vignette. Ce que je pense aussi faire, c'est ajouter une animation à ce masque pour que la transition soit plus fluide. Démarrez mon masque ici, tapez M sur votre calque pour le chemin du masque, créez une image-clé, avancez sur votre chronologie, puis je cliquerai et faites glisser ce point, augmentez un peu cela également. Jetons un coup d'œil. Ajoutons maintenant la plume. Puisque mon calque de masque est sélectionné, je pourrais taper F pour plume, peut-être jusqu'à 400. N'ayez pas peur de mettre ça en plumes. Oui, je pense que ça marche bien. Pour gérer la transparence, nous allons ajouter un nouveau solide et recréer le fond violet. Revenons à Calque, Nouveau, Solid, puis utilisons la pipette pour sélectionner une couleur proche du bord, car nous voulons que le bord de notre masque corresponde à la couleur unie. Notre solide est désormais au-dessus de toutes nos couches. Je vais zoomer sur ma séquence en maintenant l' option enfoncée et à l'aide de la molette de défilement, puis fermez cette couche solide pour correspondre à notre plan de versement de verre. Je vais aussi simplement déplacer ce calque sous les clichés sur lesquels nous ne voulons pas voir de transparence. Jetons un coup d'œil ici. Vous pouvez maintenant voir ce que fait notre solide. Si je l'éteins, que je le rallume, je peux voir que la couleur est juste un peu plus brillante que le bord de notre cadre ici, ce qui n'est pas vraiment quelque chose que nous voulons. Ce que je vais faire, c'est redéposer cette couleur pour qu'elle corresponde mieux à l'arrière-plan. Cela prend juste un peu de réglages, jusqu'à ce que vous obteniez quelque chose qui fonctionne. Là, ce n'est pas mal. Si cela semble correct sans votre flou de mouvement, alors vous savez que vous êtes dans un bon endroit. Parce que maintenant, lorsque nous réactivons notre flou de mouvement, il va devenir encore plus transparent. [MUSIQUE] Pas mal. Pour résumer, la coupe invisible est la coupe invisible qui relie deux plans et scènes différents et qui peut être utilisée pour créer l'apparence d'une prise longue. [ARRIÈRE-PLAN] Bien sûr, c'est un excellent outil pour couper ensemble longues séquences qui, autrement ne pourraient pas être réalisées en un seul coup. Lorsque vous créez vos propres modifications invisibles, le masque est votre meilleur ami. Imaginez la trajectoire de votre masque si nécessaire, et assurez-vous également de fournir une plume généreuse pour fusionner les prises de vue et les prises de vue connectées. Encore une fois, le flou de mouvement aidera également à résoudre l' édition invisible. [MUSIQUE] 16. Paramètres de projet After Effects: Lorsque vous êtes prêt à exporter vos projets depuis After Effects, vous devez modifier quelques paramètres pour garantir la meilleure qualité de sortie. La première consiste à changer la profondeur de bits de notre projet After Effects. profondeur de bits fait référence aux informations de couleur stockées dans une image. la profondeur du bit est basse, plus vous pourrez voir les étapes entre les couleurs ou les bandes, et plus la profondeur du bit est élevée, le dégradé de couleur est lisse. Par défaut, After Effects est défini sur huit bits par canal Comme nous traitons toutes ces vignettes et ces dégradés complexes, il est important que vous définissiez la profondeur de bits de votre projet sur quelque chose de plus de huit bits par canal, de préférence 32. Tout type de dégradé de couleur lisse, comme une vignette, peut facilement provoquer baguage si la profondeur du foret est trop faible. Pour modifier la profondeur de bits de votre projet After Effects, cliquez sur cette petite icône ici, indique 8 BPC, huit bits par canal, ce qui ouvre nos paramètres de projet et notre onglet de couleurs. Nous allons passer de huit bits par canal à 32 bits par canal. Maintenant, je clique sur OK, et je m'assure également que votre espace de travail est là où vous voulez qu'il se termine. Mon projet veut probablement se terminer davantage autour de 13 secondes. Vous remarquerez également qu' après le passage à 32 bits, After Effects s' exécutera encore plus lentement. Travailler en huit bits par canal est utile pour assurer le bon déroulement de vos effets et de vos modifications. Assurez-vous simplement de le ramener à un débit binaire plus élevé lors de l'exportation finale. Passons maintenant à l'exportation de fichiers, ajoutons à la file d'attente de rendu. Vous pouvez ensuite cliquer sur le module Output ici pour modifier certains paramètres. Nous allons nous en tenir au format QuickTime, mais nous allons modifier nos options de format et changer Apple ProRes 422 en DNxHR. Je préfère simplement ce Kodak à un temps rapide particulier parce que j'ai l'impression, d'après mes tests , que les dégradés et les vignettes finissent meilleurs résultats et réduisent le potentiel de baguage lors de notre exportation finale. Il est très important de changer cela de 8 bits à 10 bits car nous avons montré ce projet en 10 bits et nous n'utilisons aucun graphique ou quoi que ce soit de ce genre, 10 bits nous donnera de bons résultats. Cliquez sur OK, je suis d'accord avec ça, et je cliquerai sur OK. Choisissez l'emplacement vers lequel vous souhaitez effectuer la sortie , puis cliquez sur Rendu. Pour résumer, travailler en mode 8 bits est excellent lorsque vous souhaitez maintenir le bon fonctionnement de votre ordinateur pendant que vous travaillez sur votre projet. Assurez-vous simplement de le modifier lors de l'exportation finale à une profondeur de bits plus élevée pour éviter tout problème de baguage. Bien sûr, c'est plutôt un problème avec un projet comme celui-ci où il y a des vignettes lourdes et des dégradés très fins. Lors de l'exportation, assurez-vous d'avoir une profondeur de bits supérieure à huit bits. 17. Recap final et merci !: Félicitations pour avoir terminé le cours. J'espère que vous avez eu beaucoup de plaisir à créer ce projet, et j'ai hâte de voir ce que vous avez imaginé. Bien sûr, il y a des tonnes de choses qui constituent une modification fluide. Dans cette classe, nous avons surtout passé en revue les éléments visuels, les transitions visuelles. Bien sûr, avant même de passer à ces modifications en douceur, nous avons parlé de la façon de raconter l'histoire de la marque et c' est tellement important. L'histoire est la base de votre montage, cherchez des moyens de faire correspondre l'action ou couper l'action entre deux plans. Assurez-vous que vous n' utilisez pas seulement des images-clés linéaires, mais essayez d'utiliser des facilités pour un mouvement plus naturel. Ne vous contentez pas de vous fier à ces raccourcis clavier faciles. Assurez-vous d' ajuster vos graphiques, obtenir cette apparence personnalisée. Pour une modification encore plus fluide, activez le flou de mouvement en utilisant l'effet de transformation ou important votre projet dans After Effects. En plus de ces techniques, nous pouvons également faire correspondre la composition et essayer de trouver des moyens de faire correspondre composition et l'action ensemble tout en gardant à l'esprit, iTrace, les rampes de vitesse et les invisibles Les modifications sont également d'excellents moyens pratiques pour créer une modification fluide. Si vous avez un projet prêt, n'hésitez pas à le télécharger, nous avons hâte de le voir et cela aidera d'autres personnes publier leurs propres projets et à s'inspirer de votre travail. Merci beaucoup d'avoir mon cours et j' apprécierais vraiment que vous suiviez mon profil pour nouvelles sorties de cours et de cadeaux. Si vous avez trouvé de la valeur dans ce cours ou si vous avez des commentaires critiques à me donner, j'aimerais bien l'entendre. Veuillez laisser un avis, cela m' aide à apprendre et à grandir dans mon propre enseignement et à vous fournir un meilleur contenu. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours et rappelez-vous que l'histoire est votre guide. Attendez, nous avons oublié d' envoyer notre projet. Faisons ça. Voici une modification à réviser. J'ai hâte de recevoir des nouvelles de vous. Sortez, envoyez. Nous avons reçu un e-mail assez rapidement. Toucher sur l'édition a fière allure. Nous avons quelques visions plus petites. Non, nous avons beaucoup de travail à faire.