Techniques de montage vidéo : un guide pratique pour créer des montages visuellement attrayants

1. Présentation du cours, c'est parti !: En tant que monteurs vidéo, une partie de notre travail consiste à créer un montage invisible, une expérience de visionnage fluide et transparente qui aide à communiquer une idée, une histoire, vendre un produit ou promouvoir la marque. Tout en se connectant émotionnellement à un public. Comment pouvons-nous le faire avec succès ? Salut, je suis Sean Dykink. Je vis à Vancouver, au Canada, et je réalise des vidéos depuis un peu plus de 10 ans. Le montage vidéo a toujours été quelque chose que j'ai gravité. Quand j'ai commencé, je ne savais pas pourquoi j'ai fait certains choix d'édition. Mais finalement, j'ai su après l'essai et l'erreur qu'ils ont fonctionné. Je ne savais pas que j'utilisais des techniques de montage vidéo. Si vous avez du mal avec le POURQUOI derrière si l'édition est bonne ou mauvaise, ne cherchez pas plus loin. Je suis ici pour vous enseigner les techniques de montage vidéo pour un montage réussi. Apprenez à comprendre comment l'histoire façonne une mise à jour. apprendre les techniques d'édition audio pour des modifications sonores transparentes. Apprenez des techniques de montage vidéo qui connectent le public émotionnellement à votre histoire. Nous ferons tout cela en créant un trailer vidéo de 30 secondes. Vous aurez des tonnes de séquences à choisir. Vous avez une créativité infinie dans la façon dont vous choisissez de raconter l'histoire. Si vous avez un projet sur lequel vous travaillez actuellement, je vous encourage à ouvrir ce projet et à appliquer ce que vous apprendrez au fur et à mesure. Terminer ce cours vous aidera à approcher toute modification avec plus de confiance. Vous bénéficierez d'une meilleure connaissance des techniques de montage vidéo pour vous aider à affiner votre processus de prise de décision et vos capacités de résolution de problèmes critiques. Cette classe est destinée aux débutants et aux intermédiaires. Il est recommandé d'avoir une certaine connaissance de l'utilisation d'un programme de montage vidéo choisi. Cependant, il y a beaucoup de techniques de montage vidéo explorées qui ne vous obligent pas à suivre avec le projet de classe. Pour les intermédiaires, vous savez peut-être déjà comment utiliser un programme d'édition. Vous aimeriez approfondir vos connaissances des techniques de montage vidéo. Peut-être que vous êtes au courant de certains d'entre eux, mais que vous êtes ouvert à les voir d'un nouveau point de vue. J' utiliserai Premiere Pro pour démontrer ces techniques et recommander l'utilisation de ce programme. Cependant, ce sont de grandes idées qui s'appliquent à n'importe quel programme d'édition dans n'importe quel projet sur lequel vous travaillez. Ne soyez pas timide si vous préférez utiliser un autre programme. Allons de l'avant et donnons un coup de pouce à votre montage avec ce guide pratique sur les techniques de montage vidéo. Cliquez sur la leçon. La suivante... C'est juste... Quelque part en bas. Allez-y. Ok, tu es toujours là. Eh bien, qu'est-ce que tu attends ? Il suffit de cliquer sur la leçon. Allez. D' accord. Je vais juste m'asseoir ici alors. J' ai eu toute la journée. D'accord. Je n'ai pas toute la journée. Il suffit de cliquer sur la leçon ci-dessous. 2. PROJET DE CLASSE: Je suis très excité que tu aies choisi de me rejoindre dans ce cours. Nous allons commencer avec notre projet de classe, qui est un trailer vidéo de 30 secondes. C' est d'un projet que j'ai filmé et édité. Ce qui est génial dans ce projet ou n'importe quel clip musical vraiment, c'est que vous avez déjà le contenu. Vous avez la musique, qui est l'histoire, qui guide la plupart de nos décisions d'édition. Une autre grande chose à propos des vidéoclips est que le rythme est déjà là. Vous avez la musique, donc ça va vous aider à prendre vos décisions dans le montage. Allez-y et téléchargez les clips, jetez-les, examinez-les, si vous avez des idées, qui suscitent votre imagination sur la façon dont vous pourriez éditer cela, l'écrire. Ça va probablement évoluer, ça changera probablement. Cela fait partie du processus. Soyez prêt à être ouvert aux changements créatifs. Demandez-vous toujours, et si j'essayais ça ? Et si j'essayais ça ? Ne reste pas coincé dans une façon de penser. Si vous avez des idées, testez-les. Si vous recevez des commentaires qui modifient ces idées, laissez-les les modifier. Restez ouvert au processus. Si vous pouvez être ouvert à ces changements, cela va rendre votre travail beaucoup plus facile. que nos compétences évoluent, notre goût évolue et nos modifications vont changer. Si vous utilisez Premiere Pro, n'hésitez pas à télécharger les fichiers du projet. Je vous recommande d'utiliser Premiere Pro car je l'utilise pour cette classe. Mais si vous préférez utiliser un programme différent et un programme meilleur et différent, utilisez ce programme. Il va être moins coupé ici, faire ça, faire ça, bien qu'il y en aura une partie. La plupart d'entre elles seront de grandes idées que vous pouvez appliquer à n'importe quel projet et à n'importe quel programme dans lequel vous travaillez. Cela étant dit, je vous encourage, si vous avez un autre projet sur lequel vous travaillez, peut-être pour un client, un ami ou un projet personnel, travailler sur ce projet. Si vous vous sentez ambitieux, prenez votre projet personnel et prenez la bande-annonce du clip vidéo et, à la fin de la classe, publiez les deux pour obtenir des commentaires. Mon objectif est de vous enseigner la technique de montage vidéo, afin que vous puissiez l'appliquer à votre propre processus de travail, à n'importe quel projet ou programme dans lequel vous travaillez. Donc, avec cela étant dit, commençons. 3. Posez les bases de votre montage en utilisant l'histoire: Lorsque vous commencez à éditer un projet, il peut être très intimidant de savoir par où commencer. C' est là que l'histoire de votre projet entre en jeu et aide à guider vos décisions d'édition dès le début. Dans cette leçon, nous allons apprendre quelle histoire nous racontons et pourquoi. Si vous savez quelle histoire vous racontez et pourquoi vous la racontez, cela vous aidera énormément lorsque vous modifiez le projet. Une histoire a un début, un milieu et une fin, et elle a la capacité de se connecter avec un public émotionnellement. Ce que j'aime faire, c'est décrire dans une phrase ou deux histoires que j'essaie de raconter avec les images que j'ai. Cela m'aide à rester concentré sur ma tâche, à éviter de perdre du temps et à communiquer efficacement. Je vais également identifier le début, le milieu et la fin de l'histoire, et où certains éléments de l'histoire pourraient s'intégrer dans cette histoire. Cela m'aide à organiser mes clips, et cela m'aidera à disposer en montage ou en montage brut très rapidement. Avec ce projet de clip vidéo, nous avons déjà l'histoire, qui est la chanson. L' histoire de ce projet était une fille danse sous les feux des projecteurs. C' est aussi le point de départ de notre aventure dans le studio par défaut de la boîte noire. Alors qu'elle explore son monde extérieur ou les lieux alternatifs, et aussi le milieu de notre histoire. Elle commence à laisser son monde intérieur prendre plus de contrôle, ce qui est montré par la toile de fond rouge. La toile de fond rouge a été utilisée pour signifier son monde intérieur , plus séduisant et plus affirmé. Cette toile de fond rouge prend le dessus et son caractère change, et c'est la fin de l'histoire. Dans la bande-annonce du clip vidéo, vous racontez la même histoire, mais dans un format condensé. Pour raconter cette histoire condensée, nous commençons par le studio de boîte noire, puis nous passons à la phase d'exploration, qui est à plusieurs endroits. Parce que son personnage change vraiment au fur et à mesure qu'elle découvre son monde intérieur, nous pouvons la faire glisser lentement dans les fonds rouges, puis finalement la laisser prendre le contrôle du cadre et obtenir les moments de fond rouge plus intenses comme le ralenti. Rappelez-vous, ce n'est que la première édition. Nous suivons la structure approximative des éléments de l'histoire. En tant que rédacteurs en chef, vous avez votre propre vision unique de la façon dont l'histoire doit être racontée. Vous pouvez réorganiser ces éléments en conséquence. L' idée ici n'est pas de le faire correctement. Réorganisez ces éléments de l'histoire à ce que vous pensez que l'histoire est ou pourrait être. L' idée ici est juste de trouver votre propre interprétation de l'histoire afin que vous ayez un cadre pour guider vos choix d'édition. Maintenant que vous comprenez ce qu'est l'histoire, il est temps d'identifier les objectifs et le but global du projet. Pourquoi racontez-vous l'histoire ? Qu' est-ce que tu essaies de dire avec ça ? Essayez-vous d'influencer les gens pour qu'ils deviennent en bonne santé, pour acheter un produit, pour s'abonner ? Peut-être que vous essayez d'obtenir des dons. Quoi qu'il en soit, nous devons déterminer quel est le but afin que nous puissions créer des objectifs pour atteindre cet objectif. En ce qui concerne ce clip vidéo, nous voulions que le spectateur s'intéresse à la musique et qu'il finisse par suivre l'artiste, et nous avons tenté de définir des objectifs plus petits pour atteindre cet objectif global. Par exemple, nous voulions attirer le public. Nous voulions que le public soit hypnotisé par tous les lieux de la danse. Nous voulions aussi garder leur attention. Nous voulions mettre en vedette les artistes, mais nous ne voulions pas que cela domine la vidéo et se sent comme une pièce de performance exclusivement. Chacun de ces objectifs indique, d'une certaine façon, notre objectif global. Le but global et les objectifs nous aident à déterminer nos décisions en matière d'édition. Revenons à ces objectifs. Nous voulions faire battre les gens. Nous avons donc utilisé des coupes plus rapides. Nous voulions que les gens se sentent hypnotisés et captivés par la danse et les lieux, donc nous utilisons des coupes de match pour aider le spectateur à rebondir rapidement d'une image à l'autre. Il semble presque un peu magique parce que le corps coule d'un endroit à l'autre. Dans cette leçon, nous avons identifié ce qu' est l'histoire que nous racontons et pourquoi nous la racontons avec nos objectifs et notre but. En tant que rédacteurs, nous avons tous des perspectives créatives différentes. Alors n'ayez pas peur de raconter l'histoire à votre manière. La prochaine fois que vous regardez une émission ou une publicité, ou quoi que ce soit, essayez d'identifier ce qu'est l'histoire et quel est le but de l'histoire. Essaient-ils de vous vendre sur un produit ? Ils essayent de te faire changer d'avis sur quelque chose ? Pensez à ces choses. Comme il s'agit d'un clip vidéo, nous allons d'abord éditer la musique. Dans la leçon suivante, nous allons choisir les parties de la chanson qui servent le mieux notre histoire. 4. Modifier la musique pour servir l'histoire: Dans cette leçon, nous allons éditer notre musique dans un format de bande-annonce condensé. Puisque la musique raconte une histoire d'un projet, commencera par éditer la musique d'abord. Nous savons ce qu'est l'histoire du clip. Il reste le même pour cette remorque. Le but est similaire à la vidéo pleine longueur, mais l'objectif global sera quelque peu différent. Nous voulons que le public s'intéresse à regarder la vidéo complète après la chanson et, de même, vérifier le reste du travail de l'artiste. La modification sera également utilisée sur les réseaux sociaux. Un morceau plus court est ce que nous visons. Bon, alors commençons par poser la piste audio. Ouvrons également vos formes d'onde afin que vous puissiez voir ce que vous modifiez. C' est une excellente représentation visuelle de la musique. Normalement, je trouverais quelle est la meilleure partie de la piste ? Qu' est-ce qui raconte une histoire de la piste le meilleur ? Ensuite, je trouverai comment y mettre fin pour que nous puissions couper cette remorque à environ 30 secondes. Ils nécessitent généralement de couper deux sections de la même piste ensemble. Nous le faisons pour que notre projet reste cohérent, afin que nous puissions choisir les meilleures parties de la chanson. Cela rendra la pièce plus courte et nous serons en mesure d'avoir plus de flexibilité sur les parties de la chanson que nous voulons choisir le point culminant. C' est ce que j'ai atterri ici. Fais une coupure ici à 55h22. Ce que j'aime dans cette partie de la piste, c'est qu'elle raconte une histoire de la chanson et des paroles, et ça commence lentement. Nous avons un peu d'accumulation et puis il baisse le rythme. Il y a déjà des sommets et des vallées dans la chanson. Vous voulez toujours penser à la façon d'emmener votre public dans un voyage du point A au point B, ce n'est jamais un rythme statique. Il a des hauts et des bas, rythme rapide, rythme lent. Vous voulez choisir des parties uniques intéressantes de la chanson et n'oubliez pas de raconter l'histoire en même temps. Maintenant, le rythme tombe et la chanson continue comme ça pendant un certain temps maintenant, alors nous voulons couper à autre chose. Continuons à jouer pour voir où on veut mettre fin à ça. Bon, alors on va aller de l'avant et finir cette partie de la piste juste ici. Si vous deviez aller à la fin de la chanson juste pour divertir l'idée comme si nous voulions finir à la fin de la chanson. Voilà la fin de la chanson, et vous savez quoi ? Parfois, dans un montage, j'essaie d'incorporer la fin ou la vraie fin de la chanson dans l'édition musicale. Mais dans ce cas, j'ai l' impression que la chanson tombe dans l'énergie, et pour moi, elle n'a pas l'impression qu'elle devrait finir énergiquement vers le bas. Si cela a du sens. Je veux que le public laisse hyper, plein d'énergie. Rappelez-vous, nous voulons que le public soit hyper après avoir regardé ça. Nous voulons terminer sur une note énergiquement élevée, si pleine d'énergie. J' ai trouvé cette partie de la chanson à 1:27:22. La raison pour laquelle j'aime cela est parce qu'il y a beaucoup de sons intéressants qui se passent, la piste change de ton et il raconte aussi l'histoire, je veux juste vous regarder briller bébé. Ça a l'air drôle avec la musique qui vient de ma bouche. J' aime comment DJ termine cette partie de la chanson, en disant « go ». C' est presque comme un appel à l'action comme aller, aller regarder la vidéo complète. Vous pourriez penser que je suis trop en train d'examiner ça, mais nous sommes là pour parsemer de petits détails partout où nous pouvons et justifier l'histoire que nous racontons à chacun d'eux. Il y a beaucoup d'options à choisir. C' est ce que j'ai choisi et c'est ce que je pense bien fonctionné, mais vous avez probablement une idée différente. Tout le monde a des idées différentes, alors allez-y. Essayez quelque chose de différent. Maintenant, je vais prendre les portions qu'on a décidé de garder. Nous allons juste les étiqueter pour qu'on puisse voir et nous supprimerons le reste du clip. Maintenant, écoutons cette coupure ensemble et cela finit par laisser notre audio complet pour la bande-annonce à environ 33 secondes, ce qui est un excellent début. Maintenant, il est temps de récapituler ce que nous avons appris dans cette leçon. Choisissez la partie de la chanson qui raconte une histoire du meilleur. N' oubliez pas les petits détails, ils ajoutent du sens à votre édition. Lorsque vous trouverez un sens dans les petits détails, l'édition la plus nuancée sera. Ça va le rendre plus intéressant. Les petits détails ajoutent de la couleur à votre travail. Même si le public ne prend pas en compte tous ces petits détails, il y a quelque chose à dire sur la façon dont nous prenons les choses à un niveau subconscient. Emmenez le public dans un voyage. Tout montage sur lequel vous travaillez doit avoir un début, un milieu et une fin intéressants et passionnants avec beaucoup de pics, beaucoup de vallées, beaucoup de rebondissements et de virages permettent toujours à votre public de deviner où ils vont éditer. Dans ce cas, nous avons choisi une partie. 5. Connecter des pistes musicales en utilisant le rythme: Dans cette leçon, je vais vous apprendre à relier deux sections distinctes de notre musique en utilisant le rythme. Nous devons le faire pour que notre musique sonne comme une seule piste unifiée. Tu te souviens d'une école primaire ? En cours de musique, votre professeur vous enseignerait le timing de la musique en utilisant des claps et enseigné ta, ta, tt, ta. Je m'en souviens, et ça m'a beaucoup appris sur la façon de compter un rythme de musique, et nous allons essentiellement utiliser les mêmes techniques qu'elles nous ont enseignées en cours de musique en ce moment. Maintenant, jetons un oeil à la chanson et commençons à compter le rythme. Je vais juste double-cliquer sur la chronologie pour voir ce qui se passe. Eh bien, même ouvrir les formes de vague un peu plus. Maintenant, nous allons écouter la piste et essayer d'identifier le rythme. Boum, boum, boum. Tout prêt naturellement, vous allez être en mesure de prendre le rythme. La prochaine chose à faire serait de compter le rythme, 1 et 2 et 3 et 4 et 1 et 2 et 3 et 4 donc il y a quatre battements par mesure. Rejouons-le et je vais vous montrer 1 et 2 et 3 et 4 et 1 et 2 et 3 et 4 et 1 et 2, et vous pouvez comprendre le premier temps, le deuxième temps, et le troisième temps, le quatrième temps de chaque mesure. Cela va être extrêmement utile lorsque vous essayez de réduire la musique et de couper plusieurs parties d'une même piste ensemble. Une autre excellente façon de marquer le rythme est d'ajouter des marqueurs à chaque quart de note et même à chaque huitième note. Donc, cliquez sur le clip et comptez le temps avec les marqueurs 1 et 2 et 3 et 4 et 1 et 2 et 3 et 4 et 1 et ainsi vous obtenez le point. Comptons la fin de la piste ici, 1 et 2 et 3 et 4 et 1 et 2 et 3 et 4 et 1. D' accord. Maintenant, comptons la deuxième partie de la piste. Allons simplement cela un peu pour que nous ayons un peu d'avance, 1 et 2 et 3 et 4 et 1 et 2 et 3. Ok, bien. Nous avons les pièces que nous voulons connecter au rythme. Le rythme est cartographié avec les marqueurs, voyons ça ici. Allons prolonger ça, Oh, j'ai raté un battement, on y va. Tu dois sentir la musique, donc c'est le rythme qu'on veut finir ici. Vous pouvez voir le rythme avec la forme d'onde ici. Nous terminons ce clip juste au début de ce temps, et c'est aussi le battement un. Cette partie de la piste est également battue un, 1 et 2 et 3 et vous voulez faire correspondre le rythme de chaque piste ensemble. Battre un de chaque piste va ensemble, battre deux de chaque piste va ensemble, et ainsi de suite et ainsi de suite. Mettons ces premiers battements ensemble, ça a besoin d'un peu de travail, et sa dernière lyrique est coupée. Si nous déplaçons ce clip vers le bas et nous allons étendre cela, prenons juste une écoute à ce solo. va toujours voler, il dit qu'on veut que ça s'essoigne un peu. Vous l'entendiez respirer, alors retirez-le un peu en arrière. Écoutons, ça arrive juste un peu tôt. Déplacez le clip sur un cadre. Ouais, ça semble bien mieux, ce qui veut dire que ça prend juste du temps et de l'entraînement pour obtenir le bon timing. Vous pourriez même avoir besoin de demander à quelqu'un de l'écouter et de dire, hé, c'est bon. Il y aura des moments où vous avez ajouté quelque chose ensemble et ça sonnera juste au moment et le lendemain, vous serez comme, quoi je pensais ? C' est très bien, ça fait juste partie du processus. Écoutons encore ça. Cela se connecte vraiment bien, il faut encore du travail, mais ça semble très bon, et voici le résumé. Utilisez des marqueurs pour cartographier le rythme des pistes musicales. Lorsque vous coupez deux parties distinctes d'une même piste ensemble, assurez-vous de couper le premier temps, le deuxième temps, le troisième temps ou le quatrième temps de chaque piste afin que la musique se coupe parfaitement, puis la musique s'écoule au bon moment. Ouvrez cet audio pour que vous puissiez voir les formes d'onde, c'est une représentation visuelle du rythme et cela rend beaucoup plus facile lors de l'édition audio. Si vous n'avez pas tout terminé sur ce son, allez-y et faites-le maintenant, et je vous verrai dans la leçon suivante. Où nous allons apprendre à éditer notre audio sur le point zéro. 6. Régler l'audio sur le point zéro: Dans cette leçon, nous allons lisser la musique et expliquer pourquoi vous pourriez rencontrer des clics et des pops dans votre audio. Commençons par cette technique d'édition audio. Toujours ajouter des fondus sur tous vos fichiers audio. Laissez-moi vous expliquer pourquoi. Chaque piste audio a ce qu'on appelle des échantillons, et ces échantillons ressemblent à des ondes. Ces vagues montent et descendent au-delà du point zéro, qui est situé ici. Maintenant, si vous coupiez ce son au sommet de la vague ici et que vous le lisiez, vous auriez un pop dans l'audio. Si vous deviez couper sur le point zéro ou le point où la vague est au centre, vous n'entendrez pas la pop. Maintenant, je vais vous montrer comment ajouter des fondus à votre audio en un clin d'œil. J' ai configuré mes transitions audio pour être deux images dissout et dans Premiere, vous le feriez en allant dans Modifier, Préférences, Chronologie. Ensuite, vous pouvez voir ici, Durée par défaut de transition audio. Je l'ai défini sur deux images, cliquez sur « OK », puis j'ai besoin de configurer mon raccourci clavier, donc j'ai un accès rapide à cette transition audio par défaut. Alors allez dans Modifier, Raccourcis clavier, puis tapez dans la barre de recherche ici, Appliquer la transition audio. Vous pouvez voir ici que j'ai réglé ma touche de raccourci sur Y, tout ce que vous voulez, assurez-vous juste que vous le définissez parce que vous allez l'utiliser beaucoup. Cliquez sur « OK ». Cela nous permettra d'ajouter l'audio se dissout rapidement à tous nos sons. Dans n'importe quel projet sur lequel vous travaillez, vous pouvez simplement sélectionner tout, appuyer sur la touche « Hotkey » pour la transition audio par défaut, puis vous obtiendrez des transitions audio sur chaque partie de votre audio très rapidement. Il est idéal pour empêcher les pops audio et lisser votre audio très rapidement. Écoutons. Ça semble déjà plus lisse, mais on peut encore modifier l'audio d'ici. Maintenant, nous pouvons aller dans et étendre sont à travers résolves, pour obtenir le son que nous voulons. Donc, ce que je cherche ici, allons en solo ça. Je veux lui enlever son souffle, parce qu'on pouvait entendre qu'il respire encore un peu. Mais je veux aussi faire sentir que ce clip se termine aussi doucement que possible. Pour que je puisse même le déplacer un peu. Peut-être que je vais juste le faire, le tonifier un peu. Ouais, je suis d'accord avec ça. Ensuite, je vais solo mon prochain clip et voir si ça sonne bien. Je crois que j'ai coupé sa parole ici, alors revenons-la un peu en arrière. Retrouve-le un peu plus. Donc on a tout le mot là-dedans maintenant, mais j'ai toujours l'impression que ça pourrait se calmer un peu plus, alors essayons ça. Essayons de le retirer un peu plus. Ouais, ça a l'air bien, je pense. Désolons notre deuxième piste audio et écoutons la pièce entière. Oui, gentil. Dans cette leçon, nous avons appris l'importance d'utiliser des fondus sur tous nos fichiers audio, en nous assurant que nous éditons toujours sur le point zéro pour éviter les clics ou les pops. N' oubliez pas également de définir votre raccourci de transition audio par défaut afin que vous puissiez ajouter des transitions audio très rapidement.Rejoignez-moi dans la prochaine leçon où nous allons en apprendre davantage sur réverbération et sa flexibilité dans le montage audio. 7. Réverbération pour un montage musical flexible: Maintenant, nous avons cette fin. Ça ne marche pas. Notre fin semble toujours rude. Pourquoi ai-je choisi de finir sur ce rythme ? Encore une fois, il est plein d'énergie et il garde notre pièce globale courte et accrocheuse. Même si cela semble être un petit détail, je crois qu'il [inaudible] à nos objectifs et à notre objectif global. Une façon de faire face à la fin gênante est d'ajouter une réverbération à la fin de notre piste. Cela aidera la musique à se sentir plus concluante et presque comme si c'était une fin naturelle à la chanson. Trouvons la partie où nous voulons réverbérer, qui sera la fin de notre clip. Écoutons. Quand DJ dit « Go », on finira là. Juste ajuster ça un peu. Bien. Ça sonnera bien. Maintenant, sélectionnons cette partie du clip, copiez-la et placez-la sur le suivi de trois. Maintenant, cliquez sur la fenêtre, Audio Track Mixer pour ouvrir la fenêtre de mixage de piste audio. Audio un, deux et trois correspond à un, deux et trois dans notre chronologie. Dans Premiere, j'ajoute la réverbération à la table de mixage de pistes audio. De cette façon, je n'ai besoin de créer mes paramètres qu'une seule fois, et tout son, sur cette piste spécifique, a les mêmes filtres appliqués. Cliquez sur ce triangle et cliquez sur Reverb, Studio Reverb, puis Modifier les effets. Maintenant, je ne vais pas entrer dans beaucoup de détails sur la façon d' éditer ces effets parce que cela pourrait être une vidéo entière en soi. De plus, je n'ai pas vraiment l'expertise, je sais juste comment faire en sorte que ça sonne bien avec l'expérimentation. Maintenant, cliquez sur Presets. Allons à la Grande Salle. Nous voulons beaucoup de réverbération pour qu'elle sonne bien. Nous allons faire la taille de la pièce 100, donc c'est beau et grand ; ajouter quelques réflexions précoces à l'audio, prendre la largeur vers le haut. Nous voulons le rendre aussi grand et en plein essor que possible. Nous réduirons le mélange sec à zéro pour cent et toucherons le mélange humide à 100 pour cent, donc nous n'entendons pas l'audio source d'origine, et nous entendons simplement les effets du filtre appliqué. Maintenant, la tête de jeu s'arrête à cette partie parce qu'elle pense que c'est la fin du projet même si nous avons appliqué la réverbération à cela. Nous voulons entendre la réverbération, alors dupliquons le clip inférieur, faites-le glisser, et cela deviendra la nouvelle fin du projet. Ce sera juste une solution temporaire pour que nous puissions entendre notre réverbération sonner. C' est en plein essor. Faisons juste un peu plus de peaufinage. Allez-y et ajoutez autant ou aussi peu de réverbération que vous le souhaitez, assurez-vous qu'elle sonne concluante. Si vous préférez copier ce que je fais ici, c'est très bien. Voici les paramètres. Maintenant, je pense toujours que cette partie dupliquée du clip contient trop de l'audio avant que DJ ne dise « Go », donc je vais découper cela et ajouter une transition audio. Utiliser la réverbération est un excellent moyen de terminer [inaudible] lorsque vous n'avez pas fin naturelle à une chanson ou si nous préférons une partie différente de la chanson. Allez-y et terminez la modification de cette réverbération. Dans la prochaine leçon, nous allons apprendre comment vous pouvez utiliser la musique pour cibler votre public. 8. Signaler son public avec de la musique: Dans la dernière leçon, nous avons utilisé la réverbération pour unifier notre piste et la terminer dans un endroit maladroit. Nous avons aussi involontairement, suivi le public avec la réverbération. Dans cette leçon, je vais parler de ce concept et des avantages de l'utilisation de cette technique. Regardons la fin de la bande-annonce de musique éditée. Dans ce cas, la réverbération signale la fin de la vidéo. Il amplifie et met l'accent sur le texte. Tout ce que vous voyez à l'écran, ce sont les mots, maintenant. Si vous pensez que je surexploite ça, c'est bien, mais jetons un coup d'oeil à la fin de la vidéo avec la musique disparue. Cela fonctionne aussi bien à sa manière, mais il n'apporte pas autant d'attention au texte, ce qui soutient notre objectif global. Les signaux musicaux sont également un excellent moyen de signaler les changements d'humeur, de passer du bonheur au triste, ou de passer d'une idée à l'autre, ou même d'une chanson à l'autre. Voici un exemple de mon intro Skillshare. Écoutez une histoire pour vendre un produit ou promouvoir une marque. Comment pouvons-nous le faire avec succès ? Vous pouvez voir ici que je commence sérieux, puis la musique se réverbère et passe à une humeur différente , une idée différente, une nouvelle pensée, puis la musique reprend pour introduire le titre de la vidéo. L' idée ici est que la musique signale le public avec réverbération pour indiquer un changement d'humeur ou une nouvelle idée. Il aide le public à se calmer dans une nouvelle humeur, se faciliter dans une nouvelle idée. Je l'ai fait à nouveau à la fin de la vidéo pour améliorer la comédie de la situation. Sur les techniques de montage vidéo. Cliquez sur la leçon. Le suivant, c'est quelque part en bas. Allez-y. Le son réverbère en ajoutant l'accent sur le bruit de la pièce et l'embarras de rester seul dans le silence. La musique remonte pour inciter le public à penser que je vais m'asseoir là toute la journée. D' accord. Je vais juste m'asseoir ici alors. J'ai eu toute la journée. La musique incite le public à croire qu' une nouvelle pensée ou idée se passe et cela vous fait vous demander, y a-t-il plus dans cette vidéo ? Ok, je n'ai pas toute la journée. Il suffit de cliquer sur la leçon ci-dessous. Mais bien sûr, j'ai fermé la vidéo, la musique se réverbère et c'est drôle parce que, je trompe le public en pensant que la vidéo va durer éternellement. Du moins, peut-être, une partie du public. Utilisez de la musique dans votre vidéo pour attirer un public d'une nouvelle idée, d'une nouvelle pensée, d'une nouvelle humeur. Les indices musicaux peuvent vous aider à mettre en évidence la structure de votre montage et à la rendre plus facile à suivre. Vous pouvez être aussi évident ou subtil que vous le souhaitez lors de l'édition de votre musique. Rappelez-vous, la musique sert votre histoire. Allez-y et finissez de peaufiner cet audio et dans la prochaine leçon, nous parlerons des différents types de montage vidéo. 9. Montages vidéo partie 1: Dans cette leçon, nous allons commencer à discuter des modifications vidéo. Comprendre quand et pourquoi vous utiliseriez certaines modifications vous aidera tout au long du processus d'édition. retouches vidéo sont comme de la magie. Ils peuvent cacher les erreurs, vous faire sentir d'une certaine façon à propos d'une personne, d'un produit ou d'une chose. Ils aident à restructurer les histoires et ils font avancer les histoires. Je vais ressembler à un disque cassé ici. Nous utilisons des retouches vidéo pour raconter une histoire et déplacer le spectateur émotionnellement. narration puissante peut créer une forte réaction émotionnelle et inciter le spectateur à apprendre quelque chose de nouveau, à être obligé de changer d'une manière autre ou à faire quelque chose. Nos histoires peuvent changer les gens, c'est pourquoi elles valent la peine d'être racontées. La raison pour laquelle nous choisissons certaines modifications plutôt que d'autres est de servir le but de l'histoire. Cela dit, la plupart du temps, nous voulons créer un montage invisible, sorte que notre public puisse être immergé dans l'émotion de l'histoire et ne pas sortir de l'histoire par des modifications choquantes. Cela étant dit, nous allons y entrer. La coupe standard. Cette coupe est exactement ce que ça ressemble. C' est juste une coupure d'un coup à l'autre. C' est idéal pour faire avancer l'histoire et révéler de nouvelles informations en montrant une nouvelle perspective. Couper sur l'action. Ce que nous faisons ici, c'est de couper d'un coup à l'autre, alors qu'un sujet est en mouvement. Le mouvement du personnage ou de l'objet entraîne le spectateur à se concentrer sur le mouvement et à le suivre, ce qui rend l'édition moins secrète. Vous pouvez aussi couper de petites actions. Un certain nombre de ces coupes coupent sur l'action et c'est essentiellement le personnage. Il attire le public plus profondément dans l'histoire. Le saut coupé. La coupe de saut est lorsque nous coupons d' une partie d'un clip à une autre partie du même clip, d'où la coupe de saut. Vous pouvez également couper d'un tir à un autre plan qui a un angle similaire pour obtenir le même effet. C' est un excellent moyen de couper rapidement en action pour montrer le passage du temps, cette opportunité et cette énergie à une scène. Il peut également être utilisé pour mettre en évidence la réalité émotionnelle d'un personnage, comme faire cette anxiété provoquant un appel téléphonique ou avoir une dépression mentale. Ceci est souvent utilisé dans les films d'action et il peut être très subtil. Les coupes de saut aident à apporter un flux à l'action et souligne également la violence de la scène. Reprogrammation temporelle. La cartographie en temps opportun est lorsque vous accélérez ou ralentissez un tir. Accélérer un tir sur un montage est un excellent moyen de masquer une coupe. Lorsque vous ralentissez dans un tir rapide, il crée plus d'importance sur le plan que vous choisissez de ralentir, ce qui vous permet de voir une scène ou un objet en détail. Vous pouvez également accélérer un tir pour passer rapidement à l'action suivante dans la séquence. Parfois, cet effet, combiné avec des coupes de saut peut se sentir quelque peu anormal et rendre le caractère surhumain. La coupe J et L. Les coupes J et L sont nommées d'après la forme de la coupe uniquement audio et vidéo dans votre timeline. Ce sont des modifications audio, ce qui signifie que vous entendez l'audio d'un seul coup, continuez à la prochaine prise ou que vous entendez l'audio de la prise de vue suivante. avant de voir la vidéo. La coupe J crée de l'anticipation et c'est un excellent moyen de passer d'une scène à l'autre. Je crains que ce que vous décriviez soit la schizophrénie. Non, ce n'est pas de la schizophrénie. Peut-être plus important encore, cette technique attire l'attention sur des détails importants de l'histoire, comme dans cette transition de scène où réveil de Neo de la scène suivante est entendu bip avant que nous le voyions. Cela montre que Neo est toujours coincé dans la matrice et doit être réveillé au monde réel. Avec la découpe L, l'audio d'un élément actif continue jusqu'au clip suivant. C' est une excellente façon de montrer de quoi parle un sujet, de montrer des visuels sur son dialogue. C' est beaucoup. Oui. Tu n'as pas juste imprimé la tusa de ce truc, on a imprimé beaucoup de bijoux. Comme la coupe J, la coupe L attire également l'attention sur les détails importants de l'histoire. Je l'appelle, et elle a changé de numéro, alors je suis allée voir Anda Garty pour lui trouver quelque chose. Je me suis dit, donnez-lui une Saint-Valentin. Les coupes J et L sont utilisées fréquemment lorsque deux caractères parlent l'un à l'autre. Il peut créer un flux fluide vers le dialogue. Attends, c'est vrai ? Oui. D' accord. Alors attendez, je m'excuse, d'accord ? Je dois aller étudier. Monica. Oui. Je suis désolé, je le pense. Lorsque les coupes J et L ne sont pas utilisées dans une scène de dialogue, elles peuvent se sentir plus comme une transaction ou impersonnelles. Tu as deux heures de retard. Je sais, c'est de ma faute. Tu as l'argent ? Deux mille dollars. Comme vous pouvez le voir, ces modifications vidéo simples peuvent être utilisées de plusieurs façons pour une narration efficace. Nous reviendrons dans plus de modifications vidéo. Mais avant de le faire, commençons sur l'aspect visuel de notre projet en choisissant des sélections. 10. Choisir les sélections: La première partie du processus d'édition consiste à examiner tous les métrages dans leur intégralité, puis à choisir les meilleures parties de ces clips, appelées sélections. Cela nous donne une vue d'oiseau sur les clips qui pourraient mieux s'adapter à l'édition du projet. Cela rend la quantité de séquences beaucoup plus gérable lorsque nous commençons à éditer notre projet. D' une certaine façon, le choix des sélections est le début de notre édition approximative. Il y a différentes approches quand il s'agit de choisir les sélections, la mienne est simple. Je vais commencer par cliquer et faire glisser chacun de mes dossiers de métrage individuels dans leur propre séquence. Cliquez sur chaque dossier et faites-le glisser vers le bas jusqu'à l'icône de papier ici. Il va créer une nouvelle séquence avec tous mes clips dans l'ordre dans lequel ils sont organisés dans le dossier. La nouvelle séquence se trouve dans le dossier qui a été utilisé pour créer la nouvelle séquence. Je vais renommer mes séquences de sélections en ajoutant le mot sélections à la fin de mon titre de séquence, puis le déplacer dans mon dossier de séquences. Je regarde toutes les images et pendant que je passe en revue les images, si je dis quelque chose que j'aime ou une partie qui pourrait bien raconter l'histoire, je vais couper cette partie et la déplacer vers la deuxième piste de ma chronologie. Toutes les portions de tasse ci-dessus seront mes sélections, et tous les clips ci-dessous sont des clips que je sais que je ne vais probablement pas utiliser ou ils peuvent être utilisés plus tard pour résoudre un problème que je pourrais avoir. Dans ce cas, la plupart des meilleures prises sont déjà coupées pour vous. Vous pouvez aller de l'avant et choisir des sélections dans le métrage qui n'a pas besoin d'être synchronisées avec la musique. Quand il s'agit de la performance et des pièces de danse, ils doivent être synchronisés avec la musique. Ce que je pourrais suggérer pour ces clips, c'est de les garder tels quels, prendre note des endroits que vous préférez ou des performances que vous aimez le plus. Mais pour l'instant, arrêtez de mettre des points d'entrée et de sortie ou de faire des coupes sur la performance et les pièces de danse. Je vous expliquerai cela plus quand nous arriverons à la leçon d'édition approximative. Allez-y et créez vos séquences de sélection à partir de vos séquences, puis parcourez toutes les séquences qui n'ont pas besoin d'être synchronisées avec la musique et choisissez vos sélections. Aussi, n'oubliez pas de prendre note de vos clichés préférés de danse et de performance. Ce processus rendra l'édition beaucoup plus facile à gérer. Dans la leçon suivante, nous allons passer par d'autres modifications vidéo. 11. Montages vidéo partie 2: Dans cette leçon, nous allons explorer d'autres modifications vidéo. Le montage. Le montage est une technique où une série de clichés sont découpés ensemble pour montrer un passage du temps. Vous pouvez afficher le parcours d'un personnage d'un point à un autre, ou afficher un personnage qui change au fil du temps. Il pourrait s'agir d'un choix stylistique ou de ramener un point à la maison. Il y a plusieurs façons d'utiliser le montage. La croix se dissout. La croix dissoudre est principalement utilisée pour montrer un passage du temps. Beaucoup d'éditeurs débutants utiliseront des dissout croisés à chaque édition. Ne fais pas ça. Soyez intentionnel avec chaque édition choisie, fondez et sortez. Les flux sont généralement utilisés pour démarrer une scène ou un film et pour mettre fin à une scène ou à un film. C' est aussi une excellente option pour couper au noir pour mettre fin à la scène et pour couper du noir pour commencer une scène. Coupes et inserts. Un pan coupé est lorsque l'éditeur coupe un plan qui n'appartient pas au même espace ou au même moment que la scène en cours. Par exemple, il peut s'agir d'un flashback ou d'une photo de quelque chose dont le personnage pense ou parle. Cutaways nous donnent la possibilité de voir le monde intérieur du personnage. Ils peuvent également être utilisés pour rappeler au public des pièces importantes de l'histoire et créer de l'importance. Un insert est lorsque vous avez coupé une autre prise de vue dans le même espace et le même temps que la même scène. Il pourrait s'agir de quelque chose avec des personnages qui tiennent ou d'une photo plus détaillée de quelqu'un qui termine une action. Les inserts sont un excellent moyen d'aider le public à comprendre la scène dans son ensemble en montrant plus de détails et d'informations. inserts s'inspirent du monde de l'histoire en montrant les détails complexes de la scène. Montage transversal et parallèle. coupe transversale est lorsque l'éditeur, coupe entre deux séquences distinctes se produisant en même temps. Il est souvent utilisé pour construire des tensions dans l'ordre, mais peut souvent dessiner des parallèles entre les deux scènes. Comme dans cette scène de Snatch. Dans une séquence, nous avons deux chiens pourchassant un lapin, puis cette autre séquence se produit simultanément avec deux hommes de main poursuivant Tyrone. Coupe d'allumage. Une coupe de match est quand nous coupons d'un tir à l'autre, où les deux coups correspondent en composition ou en action. Dans un clip vidéo, nous nous appuyons fortement sur les coupes de match pour fusionner nos lieux, principalement grâce à l'action et au placement de notre danseur. Pendant les moments d'exploration de la localisation, nous avons une idée des personnages principalement ancrés et de ses mouvements au fur et à mesure que son environnement change. Cela permet également des changements de tir rapides parce que le danseur ne se déplace pas de sa position, ce qui rend le montage plus facile à suivre. La coupe de match peut aussi être audible comme ça. Ou faire correspondre un mot à l'action, comme dans cet exemple de Hot Fuzz. Non, je veux dire, lequel veux-tu regarder en premier ? Tu me tires la jambe. [ Bruit]. Le match coupa deux coups ensemble et peut créer un sens. La coupe invisible. La coupe invisible est une coupe magique pour moi et c'est tellement satisfaisant quand c'est fait correctement. La coupe invisible est invisible. Vous n'êtes pas censé voir où est la coupure. Cela permet des prises longues et des transitions transparentes entre les scènes. Il peut également être utilisé pour montrer le passage du temps. Dans des films comme Birdman et 1917. Ils gardent l'impression que ce sont des films à prendre, mais ils sont jonchés de coupes brillamment cachées dans tout le film. coupe brisée. C'est là que j'ai des divergences d'opinions. Je ne pense pas qu'une coupure soit ses propres coupures. C' est sur le point de partir. Je pense que, selon le contexte, une coupe Smash, peut être juste une coupe régulière ou un pan coupé, ou un insert ou une coupe match, laissez-moi simplement l'appeler la technique smash. C' est une technique utilisée pour passer du calme à l'intense. Un cœur humain est un tel mystère. Ou a l'intention de les appeler. Vraiment, cela dépend du contraste entre les deux plans séparés et de l'endroit où vous faites le point de coupe. C' est brusque et ça attire votre attention. Maintenant, nous venons de passer en revue toutes les modifications vidéo et c'est super excitant de voir comment nous pouvons appliquer ces idées à n'importe quel montage sur lequel nous travaillons. Rappelez-vous, chaque coupe que vous faites est intentionnelle. Il devrait servir l'histoire, le but général de l'histoire et les objectifs qui l'atteignent. Revenons maintenant à notre projet principal et commençons notre édition approximative. 12. Créer le montage approximatif du projet: Maintenant, il est temps de commencer dans une coupe rugueuse. C' est une partie très importante du processus parce qu'elle nous aide à voir nos séquences, coupées ensemble dans une séquence logique ou au début, au milieu et à la fin. Cela nous donne un endroit où commencer. Nous avons quelque chose de tangible avec lequel nous pouvons travailler. Dans l'édition approximative, nous sommes simplement en train de définir la structure de l'histoire. Rappelez-vous dans la leçon 1, nous avons discuté de l'histoire de ce projet. Nous avons donc un début, un milieu et une fin pour guider notre édition approximative. Au début, notre personnage principal commence dans le studio Black Box. On pourrait commencer par ce coup de feu. Au milieu, elle explore de multiples endroits et découvre son moi intérieur, qui est représenté par le fond rouge. Nous pourrions aller à plusieurs endroits, puis scintiller dans le fond rouge. Puis finalement, nous pouvons utiliser un ralenti pour montrer le moi intérieur et sa forme complète. Puis, à la fin, elle trouve l'équilibre. Cela pourrait être un mélange de lieux, le studio Black Box, peut-être les pièces de performance et tous les autres bureaux que nous avons tous en un. C' est juste une idée de ce que peut être la structure rugueuse, mais c'est un processus simple étape par étape et facile à suivre. Lorsque je commencerai à éditer le projet, je mettrai en place deux calendriers distincts. Je vais ouvrir les deux calendriers en même temps. Celui ci-dessus sera mes sélections et celui ci-dessous sera ma séquence principale. Lorsque vous commencez à modifier votre première édition approximative, cliquez sur l'élément entier et faites-le glisser vers le bas jusqu'à votre montage principal. Synchronisez le clip avec la piste musicale. Toutes les pièces de performance et les pièces de danse sont synchronisées à l'extrémité avec la musique. Cela devrait être aussi simple que de cliquer et de faire glisser dans la chronologie. Une fois vos clips synchronisés, supprimez la piste musicale du clip, supprimez les parties du clip que vous ne pensez pas utiliser, puis répétez le processus. Mettez les superpositions au ralenti, elles n'ont pas besoin d'être synchronisées. On peut placer ces clips partout où on veut. Une autre chose à mentionner, nous devons également inclure le nom de l'artiste, The Castons, le nom de la piste, Spotlight, et la danseuse vedette, Joyce Nguyen. Vous pouvez les placer au début de la vidéo. Alors peut-être à la fin de la vidéo, nous pouvons inclure un appel à l'action, comme sortir maintenant ou tout ce que vous pensez bien. Ne vous sentez pas limité à placer ces éléments graphiques, si vous avez d'autres idées sur l'endroit où ils pourraient aller sur la chronologie, donnez-lui un coup de feu. Allez-y et créez vos propres éléments graphiques. Utilisez l'animation, différentes polices, ou vous pouvez utiliser les fichiers PNG que j'ai inclus dans le dossier assets du projet. Obtenir des clips sur la chronologie et obtenir une coupe vraiment rugueuse est une bonne façon de commencer avec quelque chose. C' est imparfait, mais c'est un endroit pour commencer. Continuez et utilisez le début, le milieu et la fin de l'histoire comme une carte pour mettre en page vos clips et éléments graphiques préférés. Dans la prochaine leçon, nous allons en apprendre davantage sur le rythme et le rythme. 13. Cadence et rythme: Dans cette leçon, nous allons parler de rythme et de rythme. Comme la musique, les histoires que nous racontons à l'écran ont différents tempos, rythmes et rythmes globaux. Ils emmènent le spectateur dans un voyage. Parlons de ces idées plus en détail. D' abord. Pacing. Hé ! Hé ! Pacing est le moment des coupures. Ça pourrait être la longueur d'un tir, comment ça va. Bien. Merci, vous ? Bien. Bien. Oui. Vraiment bien. Bien. Il pourrait s'agir de l'espace entre le dialogue, ou de l'espace tenu au moment où quelque chose se passe. Tu as l'air super. Merci. Il peut être lent à des points ou rapide, ou quelque part entre les deux. rythme est le résultat du rythme. Toutes les différentes coupes, rythmes, moments, espaces entre dialogue et action, créent un rythme global à une vidéo. Pacing est comme une montagne russe, vous voulez des moments de vitesse, d'excitation, d'énergie. Vous voulez aussi des moments d'anticipation lente, tension, un moment pour respirer. rythme peut aider un public à interpréter ou à ressentir les moments de l'histoire tels qu'ils sont prévus. Demandez-vous ceci. Qu'est-ce que cette histoire que je raconte appelle ? Qu'est-ce que cette scène appelle ? Vous voulez clairement que je dise quelque chose. Peut-être que nous essayons d'atteindre l'anticipation, l'intention dans les pauses. J' ai juste. Nous attendons une réponse. Donc on ne coupe pas. Je vais me coucher. Le personnage est laissé avec la réponse qu'il ne veut pas. Donc on ne coupe pas. C' est peut-être un argument. Le rythme des modifications imite les va-et-vient du dialogue. Tout le monde savait que tu étais énervé. Sérieusement, c'est comme ça que tu veux commencer cette conversation. Oh je suis désolé, comment voudriez-vous que je commence la conversation ? Ne vous inquiétez même pas à ce sujet. droite. Pour que vous puissiez l'aborder dans trois mois. Tu es un cul parfois. Oh, je suis un cul. Parce que je veux te parler. Parce que tu sais que je ne veux pas faire ça maintenant et que tu ne laisseras pas tomber. L' histoire dicte le rythme. Un très bon exemple de rythme est tiré du film Baby Driver. Le film est fortement influencé par sa piste musicale et suit le rythme de la musique. Tout est merveilleusement expiré, mais pas au point de prévisibilité. Il y a des moments d'anticipation dans les poursuites de voiture avec accumulation lente, puis énergie explosive. Votre cœur bat hors de votre poitrine de l'évasion miraculeuse alors que bébé tire dans un parking sûr, nous sommes récompensés par un long tir comme une pause du rythme bourdonnant, nous avons une chance de respirer, mais nous sommes encore à gauche ressentant la tension de savoir que nous ne sommes toujours pas à l'abri de la police après l'évasion. Si vous voulez obtenir un très bon sens du rythme et du rythme montre Baby Driver. Alors, quels sont les moyens pratiques de savoir quand faire une coupe ? Avec un clip vidéo, nous avons le rythme d'une chanson pour déterminer le rythme des modifications. Les huitième notes, les notes de quart, les demi-notes, les notes entières et les mesures complètes de la chanson peuvent être utilisées pour cartographier les coupes et nous donner une variété de liens vers notre édition. Cela pourrait être une façon d'aborder le rythme. Nous ne sommes pas seulement coupés au rythme. rythme et le rythme sont très basés sur le sentiment de l'édition aussi. Avec les modifications musicales, il est beaucoup plus facile de sentir la coupe parce qu'il est similaire à sentir la musique. Mais quand il s'agit de scènes de dialogue ou de scènes qui n'ont pas d'éléments qui guident évidemment le tempo, cela pourrait être un processus plus intuitif où il faut ressentir le rythme du dialogue de la narration, ou la personne qui parle à la caméra. Une façon de le faire est en lisant simplement le clip , puis en appuyant sur la barre d'espace pour arrêter le clip quand je pense que l'édition devrait être faite. Je vais continuer avec ce processus jusqu'à ce que ça se sente bien. Vous pourriez faire une pause de la scène et la regarder à nouveau, en réalisant que le rythme est toujours désactivé, puis vous répéteriez le processus jusqu'à ce que ça se sente bien. Donc, cela dit, une autre technique pourrait être pour une scène sans musique, vous pouvez simplement ajouter de la musique qui se sent appropriée à la scène pour inspirer une compréhension différente de la scène et de son rythme, et pour expérimenter et effectuer des modifications en connaissance de cause. Le contraire peut être vrai aussi. En désactivant tout votre audio, vous n'utilisez pas de signaux sonores du tout. En fait, vous utilisez le mouvement des acteurs ou de la scène. Le mouvement de leurs yeux, de leurs mains et peut-être des décisions instinctives encore plus subtiles que vous pourriez prendre en fonction si vous n'êtes pas en mesure d'entendre quoi que ce soit. En fait, la majorité de la façon dont j'édite, même si la musique et le son sont activés, consiste à regarder les mouvements de l'acteur ou le mouvement de la chose ou d'une caméra. Ces mouvements ont leur propre rythme et rythme et peuvent indiquer des points de coupe possibles. Je pourrais aussi pousser un clip autour, image par image, puis le lire jusqu'à ce qu'il se sente bien. Cela inclut évidemment beaucoup d'expérimentation et d'essais et d'erreurs. Cela peut être super frustrant pour certains d'entre vous, mais c'est plus un sentiment. Vous devrez peut-être faire une pause et le regarder, demander à quelqu'un de le regarder pour vous et avoir leur sensation de, est le bon rythme ? Est-ce que ça se sent juste ? Il n'y a pas de formule, alors continuez à pratiquer. Donc, pour résumer cette leçon, rythme est le moment des coupes et aussi le moment des moments entre les actions et le dialogue. Même les effets sonores et visuels peuvent être inclus dans cela. rythme est le résultat global de la stimulation, tout cela prend de la pratique. Retournez dans votre édition et vérifiez à nouveau le rythme. Est-ce que ça se sent bien ? Ou vous pouvez attendre jusqu'à ce que nous ayons à la dernière leçon sur l'affinement de l'édition. Avant d'entrer dans ça, nous allons passer à la leçon 12. Trace oculaire. 14. Traçage des yeux: Lors de l'édition d'une histoire, nous voulons créer une expérience visuelle fluide pour le public. Dans cette leçon, nous allons parler d'une technique appelée trace oculaire, qui fait exactement cela. Lorsque vous regardez un film, nos yeux sont attirés vers des parties spécifiques de l'image. Très probablement sont les yeux d'un personnage, le mouvement dans le cadre, ou peut-être un objet de couleur vive. La trace oculaire est une technique utilisée pour diriger l' œil du spectateur d'une partie de l'image vers une autre, ou d'un plan à l'autre. Cette scène que nous regardons est incroyablement lisse. Votre regard n'a pas besoin de se déplacer loin d'une partie du cadre sur le premier plan, à la partie suivante du cadre sur le plan suivant. Mes yeux sont en train de suivre les signes, d'atterrir sur les yeux , puis de suivre les signes, puis d'entrer dans le texte, puis de revenir aux yeux. Il y a un flux naturel vers le mouvement des yeux. En tant que rédacteurs, nous n'avons pas beaucoup de contrôle sur ce que le spectateur regarde dans un plan continu de mouvement. C' est le choix du réalisateur. Mais dans le montage, nous avons beaucoup plus de contrôle sur l'endroit où le spectateur regarde. Dans une image, nos yeux sont généralement attirés vers le visage d'une autre personne, le mouvement d'une action ou de la caméra, la couleur et le contraste, et la composition. Nous pouvons utiliser ces informations pour nous aider à déterminer la partie du cadre vers laquelle un public pourrait être attiré. Cela peut nous aider à effectuer une modification éclairée. Dans notre clip vidéo, la plupart du temps nous sommes attirés par le mouvement des danseurs et son visage, parce qu'elle est dans la même position relative tout au long de la séquence, nous avons obtenu une trace oculaire. Nous suivons ses mouvements d'un cadre à l'autre sans effort. Parce que cette vidéo utilise beaucoup de photos similaires pour atteindre son style magique, vous obtiendrez beaucoup de clips se connectant avec trace oculaire. Y a-t-il d'autres façons de le faire ? Pensez à d'autres modifications créatives qui peuvent guider l'œil. Vous serez toujours en mesure d'utiliser la trace oculaire tout le temps. Ne le voulez pas nécessairement, ne le forcez pas, s'il sacrifie l'émotion, la cohérence ou le rythme de l'histoire. La technique de trace oculaire est un autre outil à utiliser pour guider l'attention du spectateur sur certains éléments de l'histoire. Rappelez-vous, nous sommes attirés par les visages, le mouvement, la couleur et le contraste , et surtout, nous sommes attirés par la recherche de sens dans le cadre. Quelles sont les façons créatives et significatives d'utiliser la trace oculaire dans votre montage, sans sacrifier l'émotion, clarté et le rythme de votre histoire ? Dans la leçon suivante, nous allons parler d'affiner notre édition. 15. Affiner le montage approximatif: raffinement de l'édition approximative donne vie à notre histoire. En utilisant certaines des techniques d'édition apprises, nous pouvons apporter sens et un flux visuel à notre projet. C' est maintenant notre chance d'expérimenter et de donner quelques idées d'édition différentes d'essayer. Demandez-vous ceci. Amusez-vous, expérimentez avec le rythme, essayez différentes modifications, réorganisez la structure des plans. Pendant que je suis en train d'éditer, je passe toujours rapidement par ces trois étapes dans ma tête. Étape 1, je passe en revue l'édition et me demande ce qui fonctionne ? Qu' est-ce qui ne marche pas ? Identifiez les problèmes qui doivent être résolus. Par exemple, quelque chose ne va pas tout à fait avec ces coupes ici, ne peut pas tout à fait comprendre ce que c'est. Donc, la lecture lentement. Ça a l'air drôle parce que les mouvements ne correspondent pas d'une coupe à l'autre. Cela m'amène à l'étape 2, j'essaie de résoudre les problèmes au sein de l'édition en utilisant des techniques d'édition. Le problème auquel je suis confronté ici est que la coupe sur l'action n'est pas tout à fait sur une partie appropriée de l'action. Quels sont les réajustements qui permettent de s'assurer que le flux d'un élément suit dans le clip suivant ? On y va. C'est mieux. Maintenant, sur le deuxième clip, j'ai juste eu le sentiment de le couvrir là-bas. La réaction se produit assez rapidement, comme des chambles rebondissent de ce mouvement. Mais je suis d'accord avec ça pour l'instant. Regardons les clips YouTube en arrière. Ça a l'air plutôt bien. Puis elle lentilles ici de cette manière étrange. Je vais devoir y retourner et faire quelque chose à ce sujet. Peut-être que tu as des problèmes de rythme. Utilisez ce que vous avez appris de la vidéo de rythme et de rythme et appliquez ces principes. Peut-être qu'un montage d'un plan à l'autre est choquant, mais pas à cause d'une coupure sur l'action, mais à cause d'un problème de trace oculaire. Quelles sont les façons créatives dont vous pouvez guider le regard du spectateur pour le faire regarder où vous le souhaitez ? Nous passons constamment à travers ces deux étapes, en identifiant les problèmes, puis en les résolvant à l'aide de la technique d'édition. Étape 3, si je ne peux pas comprendre ce qui ne va pas avec l'édition ou je ne suis toujours pas satisfait avec elle. Je revisiterai la phase d'expérimentation. Je vais continuer à parcourir ces étapes jusqu'à ce que je me sens satisfait de l'édition et de la structure. Étape 4, éventuellement je vais obtenir des commentaires à travers ce processus. Il aide à résoudre les problèmes que vous ne remarquez pas ou les problèmes que vous avez de la difficulté à résoudre. Maintenant, il est temps pour vous d'expérimenter avec votre propre édition. Après avoir atterri sur une mise à jour avec laquelle vous êtes satisfait, identifiez les problèmes possibles de la mise à jour, les techniques d'édition susceptibles de résoudre ces problèmes. Publiez votre travail et votre progression ou votre pièce finie. Amusez-vous, expérimentez, essayez de nouvelles choses. Bonne chance. 16. Récapitulatif et merci !: Oui C'est toi qui l'as fait. J' espère que tu l'as fait. Tu l'as fini ? J' espère vraiment que tu as terminé le projet. Nous avons abordé une tonne de techniques. Donc, si vous avez toujours du mal à comprendre certains concepts. Ou si vous avez besoin d'une référence rapide, revenez en arrière et regardez à nouveau certaines leçons Posez une question dans la section des commentaires. Il y a peut-être quelqu'un qui connaît la réponse. Je pourrais. Je vais essayer de répondre à la question dans les meilleurs délais. C'est l'heure de la récapitulation finale. Premièrement, l'histoire de votre projet guide le montage. Identifiez l'histoire que vous racontez au début, au milieu et à la fin et, pendant que vous la racontez, les objectifs et le but général. Deuxièmement, emmenez votre public dans le voyage grâce à votre audio et à votre vidéo. Choisissez les parties qui racontent le mieux l'histoire et qui ont le plus d'impact émotionnel. Troisièmement, comptez le rythme du morceau de musique pour en couper un, deux, trois et quatre et connectez facilement les différentes sections entre elles. Quatrièmement, modifiez le son au point zéro en utilisant dissolutions audio à deux images comme point de départ pour chaque transition audio Cela éliminera tous les clics et les pops. Cinquièmement, la réverbération est un excellent outil pour l'édition audio flexible, en particulier lors de l'édition d'une piste musicale à un moment difficile Sixièmement, diffusez de la musique auprès de votre public. La musique peut signaler des changements d'humeur, nouvelles pensées et idées et faciliter le suivi de certaines parties d'un montage. Sept. Lorsqu'elles sont utilisées à bon escient, les coupures et les transitions vidéo peuvent vous aider à raconter votre histoire et à émouvoir le public. Huit. Facilitez la gestion de vos modifications en choisissant les sélections qui racontent le mieux votre histoire Neuvièmement, utilisez le début, milieu et la fin du récit de votre projet pour établir rapidement une ébauche de montage. Dixièmement, le fait de bien rythmer un projet peut aider à communiquer l'histoire, les émotions et les idées au public comme prévu Le rythme et le rythme sont très basés sur les sensations et il faut du temps et de l'expérience pour en tirer parti. Dirigez l' attention du spectateur à l'aide du système de traçage oculaire. N'oubliez pas de donner d'abord la priorité à l'histoire, à sa résonance émotionnelle et à son rythme. 12, identifiez les problèmes liés à l'édition et résolvez-les à l'aide de techniques d'édition. Tu es en train de résoudre des problèmes, 13 ans. Demandez-vous : et si vous expérimentez, jouez, amusez-vous, soyez ouvert à de nouvelles idées. Je vais avoir l'air d'un record battu une dernière fois. L'histoire est votre guide. En cas de doute, référez-vous à l'histoire de votre projet pour obtenir la réponse. C'est maintenant l'heure de la grande révélation. Téléchargez vos projets sur la page de la galerie afin que nous puissions tous voir votre incroyable travail. J'ai hâte de voir la créativité et les idées que vous mettrez dans ces projets. Et si vous avez des projets personnels sur lesquels vous avez travaillé parallèlement à ce cours, téléchargez-les afin que nous puissions voir comment vous avez appliqué les techniques de montage au travail réel. Si vous aimez ce cours et que vous l'avez trouvé utile, veuillez laisser votre avis et le recommander à un ami ou à quelqu'un que vous connaissez qui pourrait également y trouver de la valeur. Assurez-vous également de suivre mon profil pour rester à jour. Nous avons appris de nombreuses techniques de montage vidéo, mais il reste encore beaucoup à apprendre. OK. Un grand merci à vous d'avoir participé à ce cours et avoir publié votre projet terminé. Nous vous verrons bientôt.