Storytelling visuelle déchaînée : le plan du cinéaste

1. Introduction: Bonjour et bienvenue à ce cours et introduction au cinéma. m'appelle David Richey et j'ai écrit, produit, réalisé et édité des courts téléphones, des publicités, des vidéoclips et des documentaires au cours des cinq dernières années. Et en cours de route, j'ai appris le métier en étant sur le terrain et aussi d'autres grands cinéastes. Bien que pour être utile, pour partager tous les trucs et astuces que j'ai appris en cours de route, il n'y a pas de meilleur moment dans paysage numérique d' aujourd'hui pour les créateurs de contenu et les cinéastes de s'épanouir. Et c'est devenu une compétence très appréciée de pouvoir mettre en valeur le monde, les histoires qui vous intéressent et les autres. Que ce soit une idée fictive qui explore les thèmes les plus profonds de ce que signifie être solution d'affaires humaine et innovante que vous cherchez à faire de la publicité ou un documentaire saisissant qui expose la vérité cachée au sein de notre société mondiale. Le cinéma a un pouvoir sans précédent pour évoquer le changement et avoir un impact significatif dans notre, dans ce cours, nous allons décompresser l'essence de la grande narration, la compréhension, la caractérisation, pour structurer le voyage de votre protagoniste et le thèmes que vous cherchez à explorer dans les genres avec lesquels vous travaillez. Ensuite, nous chercherons à organiser votre processus de pré-production, écrire votre script dans le bon format, organiser votre casting et votre équipe, et à mettre en ordre toutes les formalités administratives salissantes et grossières. Par la suite, il s'agit de mettre la scène et d'utiliser la mise en scène appropriée pour rehausser l'humeur et le ton de votre histoire. Dès que vous aurez terminé cela, nous allons examiner le processus de post-production et le transformer brouillon brut en un chef-d'œuvre poli en utilisant les six règles de montage, partition efficace et de conception sonore efficace. Enfin, nous allons examiner la distribution marketing et explorer diverses méthodes pour obtenir votre film au bon public et laisser votre marque dans le pliage. Alors prenez un siège dans votre tanière, saisissez un stylo, puis sans plus tarder, lumières, appareil photo, action. 2. LOI I : Votre protagoniste: Il était une fois dans un pays lointain, quelque chose d'extraordinaire est arrivé à quelqu'un. C' est le plan des histoires que nous racontons. Et il y a des rencontres avec l'inconnu. Des leçons à interpréter et une capacité à façonner croyances culturelles sur la façon dont nous nous connectons avec nous-mêmes, sur façon dont nous donnons un sens au monde qui nous entoure et sur la façon dont nous nous connectons avec les gens qui nous entourent. Mais qu'est-ce qui donne une histoire ce facteur X ? Eh bien, il ne s'agit pas toujours de ce qui se passe, mais plutôt de qui il arrive. Le protagoniste. C' est le personnage central autour duquel l'histoire est construite et le voyage que nous suivons. Pensez Frodon du Seigneur des Anneaux, près du symbole de la Matrice du Roi Lion. Luke Skywalker de Star Wars, Harry Potter, de Harry Potter. Et la liste continue. Si une histoire est un voilier, vos personnages autre frère qui dirige l'ensemble du navire. Nous avons été témoins du monde à travers une lentille de la perception des protagonistes. au long de leur voyage, ils recueillent des connaissances afin de surmonter une série d'obstacles posés devant eux par, vous l'avez deviné, l'antagoniste, la force opposée à demander. Alors juste avant qu'on pense qu'ils l'ont, tout espoir est perdu, mais il ou elle parvient à invoquer toutes leurs forces et à arracher la victoire des mâchoires de la défaite. Si vous pouvez amener votre public à sympathiser là où vos personnages le désirent, vous avez fait un travail de base formidable. Cependant, ce qui enrichit votre récit, c'est de leur donner un plancher caché derrière cette chanson. Et le public aura inconsciemment envie qu' ils reconnaissent qu'ils changent pour atteindre l'objectif. Il ne s'agit pas toujours de ce qu'ils veulent, mais de ce dont ils ont besoin. Au niveau de la surface, nous observons comment vos personnages naviguent dans le monde qui les entoure. Mais leur processus décisionnel interne ajoute une troisième dimension à la narration visuelle et permet au public de ressentir ce qui se passe. Alors demandez-vous, comment votre personnage change-t-il non seulement à l'extérieur mais en interne ? Par exemple, dans Breaking Bad, Walter White, un homme mourant d'un cancer, craint que son salaire d'enseignant ne puisse subvenir aux besoins de sa femme et de son fils handicapé à sa mort. Nous suivons son parcours au cours de cinq saisons alors qu'il métamorphisme passe d'un professeur de sciences élémentaires non assertif à une impitoyable rencontre, trafic de drogue King écrit des changements clés. À quel type d'architecte de personnage appartient votre personnage ? L' amant, le héros, le magicien, le hors-la-loi, l'explorateur , le sage, l'innocent, le créateur, le souverain, le soignant, tous les hommes. Le geste se penchera sur la caractérisation en profondeur dans un instant. Mais pour l'instant, cherchez l'inspiration dans vos propres expériences de vous-même, gens, vous savez, de gens dont vous avez entendu parler. Quelle est l'histoire qui brûle en toi que tu veux raconter ? Quel est le film que vous voulez regarder ? De quoi s'agit-il ? Et pourquoi cette histoire spécifique est-elle importante ? Raconter toutes les histoires et mieux, moins de n a besoin d'être chanceux. Et la réalisation qui simplifie la complexité de la vie et l'entreprise que vous voulez souligner et aha, moment dans le bain lors du développement de votre histoire protagoniste. Créer un personnage par ou peut vous aider avec cela énormément. Cela donne raison à leur comportement et les rend crédibles lorsque le public les rencontre pour la première fois. Mais que se passe-t-il dans une histoire ? Et comment le structurez-vous ? 3. LOI I : Structure de l'histoire: L' humanité a toujours servi après structure pour rendre l'ordre du chaos qui nous entoure. Nous sommes passés de la vie dans les arbres à la vie dans les maisons, cheval, à la conduite en voiture, possession de liquides, à l'invention de vaccins. Il y a toujours des solutions. Et les cinéastes font de même depuis des décennies. La structure en trois actes d'Aristote définit chaque histoire pour avoir un début, un milieu et une fin. Une thèse, une antithèse et une synthèse, l'exposition, le conflit, et une conclusion. La structure des cinq lois en est un autre raffinement. Et il suffit de diviser le deuxième acte en trois parties. séparation de ces actes est les inversions ou les virages, unités d'action délimitées par les choix d'un personnage. Dans le premier acte, l'exposition, le temps et le lieu sont définis. Ce qui est normal est connu, et l'attention est portée à chaque terme de conflit. Une question dramatique est posée à l'auditoire seulement pour qu'il y ait réponse dans le dernier acte. Le méchant s'en sortira ? Eh bien, il ou elle trouve l'amour. Le premier tournant est l'incident incitant. Les choix présentés à la fois choisis, il n'y a pas de retour en arrière d'une fourche dans la route. Choisir le rouge per, tomber dans le trou de lapin, mâchoires revendiquant leur premier bit. Le deuxième acte, les complications se développent. Pas si lié. intérêts s'affrontent, les tensions augmentent. Le protagoniste est confronté au premier obstacle et est généralement triomphant, les propulsant dans le troisième acte. Et c'est là que se produit le point médian. Le bang au milieu, la montée de Jeopardy. Titanic frappe l'iceberg et les extraterrestres sortent de l'estomac d'un astronaute. Les forces de l'antagonisme renforcent et protègent sa connaissance des changements de situation. Une Vérité est dévoilée, et ils doivent donc s'adapter en conséquence. Le quatrième acte, un autre obstacle est confronté et est souvent le point de crise du monde de l'histoire. Les protagonistes reviennent et meurent, ou changent de nerf. L' invitation est présentée et ici tout est en ligne. C' est le match de confrontation, finale, héros rencontre méchant. Il se rend compte qu'il n'y a personne comme on a besoin de sortir du bâtiment avant qu'il n'explose. Le cinquième acte introduit un objectif final. Pour vaincre l'antagoniste, pour vaincre les démons, pour gagner le prix, pour rentrer à la maison, ou pour obtenir la croissance. Notre protagoniste combat l'antagoniste en utilisant les connaissances acquises après le milieu et les surmonte et devient trou. Ils rentrent ensuite chez eux, une personne transformée. Maintenant, il n'y a pas de règles strictes lors de la structuration d'une histoire. Mais il s'agit d'une ligne directrice générale qui vous aidera à créer une intrigue qui continue de se démêler et de garder votre public engagé. 4. ACTE I : Caractérisation: Nous sommes tous pareils, mais différents. Toutes les pommes de terre dans le jeu sérieux appelé la vie. Quel sens de soi, qui nous sommes. D' autres réflexions de notre mère et de notre père sont des amis, les leaders avec lesquels nous vivons. Et toutes les histoires que nous partageons collectivement. que l'on vieillit, l'individu veut se connaître et se définir plus clairement. Le conflit entre la façon dont nous voulons être perçus et ce que nous ressentons réellement est la racine de tout caractère. Les hommes et les femmes vivent en conflit constant avec les désirs tout en essayant de maintenir un comportement socialement acceptable. Nous sommes constamment dans un train de guerre entre nos egos, sod de ce que nous voulons présenter, et le fonctionnement intérieur de qui l'on est vraiment. Lorsque vous écrivez votre scénario, considérez ce qui est le, ce que c'est, ce dont votre personnage a besoin plutôt que ceux qu'il ou elle avance sur son chemin. Comment ont-ils reconnu les sols ? Comment ont-ils révélé leurs vulnérabilités intérieures et levé leurs façades ? Quelles sont les craintes les plus profondes et comment les surmonter ? Voici une liste de lignes à considérer et à réfléchir. Votre point médian devrait inverser ces deux forces là où il devient plus évident pour le personnage ce dont ils ont besoin plutôt que ce qu'ils veulent. Comment réagissent-ils à une série de défis du premier acte par rapport aux défis du cinquième acte ? Comment ont-ils changé en interne ? Quels sont les mécanismes de défense de l'ego face au changement externe ? Ils rient et pleurent à ce sujet ? De ton walkaway ? Tuer ou pardonner ? Chaque question répondue présente une caractérisation plus profonde et un caractère plus mémorable pour votre public. Maintenant, votre protagoniste n'est pas le seul personnage qui fait avancer l'histoire. Il est également important de prêter attention aux autres personnages de l'histoire, tels que l'antagoniste. Ce n'est pas nécessairement une personne, mais il peut aussi être une force extérieure ou une lutte interne. Le Deutéronome. C' est la personne qui est charge secondaire ou est un cyclique, comme Rob, votre intérêt amoureux, un mentor, une personne qui guide et pointe le protagoniste dans la bonne direction. Le narrateur, c'est la personne qui raconte l'histoire. Ce sont souvent les protagonistes eux-mêmes, l'agoniste tuteur, ou dans la plupart des cas, une troisième personne que nous n'avons pas rencontrée. Et c'est généralement le réalisateur du film, un personnage secondaire. C' est quelqu'un qui rejoint vos protagonistes sur le voyage. Caractère tertiaire, quelqu'un qui ne vous rejoint pas protagonistes leur voyage mais fournit toujours des informations cruciales. Et puis il y a un personnage de drapeau, quelqu'un qui est habituellement dans une scène qui n'ajoute pas grand-chose à l'histoire, mais qui aide toujours le protagoniste. Vous connaissez maintenant les blocs de construction de la façon dont le protagoniste et l'histoire. Mais qu'est-ce que vous essayez de répondre dans votre téléphone ? Qu' est-ce que vous essayez de communiquer avec le public ? qui essaies-tu de parler ? Pour y répondre, nous devrons examiner les thèmes qui sous-tendent votre flux dans notre prochain chapitre. 5. LOI I : Thèmes de thèmes: Un film peut être comparé à un essai. Il y a une question persistante à laquelle il faut répondre. Et pour ce faire, vous devrez creuser quelques recherches, trouver les preuves à l'appui de votre message. Le thème d'une mousse est le sujet de discussion ou de discussion. Alors, quels thèmes de la condition humaine essayez-vous d'explorer ? C' est un changement ? Conflit, communauté, exploration, forces, relations, ou les modèles ou le pouvoir attachés, ou d'autres liens pour votre référence où vous pouvez trouver des thèmes de discussion à incorporer. Vous pouvez terminer le thème peut se branche à d'autres sous-thèmes et le concours numéro d'erreur. Mais il est important de le réduire, généralement à une idée centrale. votre public ressentira après avoir quitté le film est déterminé par la façon dont un écrivain écrit l'histoire. Le ton est textuel, comment l'auteur l'a écrit. Le choix des mots. humeur, cependant, est le sentiment qui est évoqué dans le spectateur à la suite de ce que l'auteur a choisi d'écrire ou d'afficher. En tant que cinéaste, il s'agit de combinaisons de couleurs, lumières, d'angles, de sons, de partitions, d'expressions , de symboles et de juxtapositions que vous pouvez incorporer pour améliorer l'humeur particulière de vos scènes et personnages. Nous y reviendrons dans quelques chapitres de notre section, mise en scène. Pour l'instant, prenez le temps de rechercher les thèmes particuliers que vous disséquez. Lisez sur la science, l'histoire, certains articles, journaux ou biographies derrière des histoires similaires, des événements similaires et d'autres personnalités. Alors, comment créer un thème ? Eh bien, vous devez placer votre conflit de kératine. Cela crée l'occasion pour des actions, des choix et des conversations de se dérouler. Renforcez vos thèmes avec des motifs, des images récurrentes ou des détails qui rappellent au public les idées centrales du téléphone. Par la répétition. Grâce à la répétition, représenter vos pensées et vos idées avec des symboles. Ce sont des personnages, des paramètres ou des objets qui font allusion à quelque chose d'important dans le film. En utilisant ce processus, il améliorera votre script pour être beaucoup plus viscéral et plus authentique. J' espère donc que vous vous êtes posé ces questions importantes sur les thèmes que vous essayez d'aborder. Alors que nous passons à notre prochain chapitre, Quel est le genre de vos téléphones ? 6. LOI I : Genre de genre Genre: Les comédies nous font rire. Les thrillers font un cri. Les hormones font un cri. Les documentaires nous font questionner. Et la science-fiction nous fait réfléchir. Et Rom Coms, faites couler la fusion du bien-être. Avez-vous déjà eu ce sentiment en regardant un film, vous pouvez presque prédire ce qui va se passer au fond. Vous avez déjà vu la séquence avant et vous avez une intuition d'une sorte de résultat probable. Eh bien, c'est parce que les films utilisent souvent des tropes ou des motifs que public contient dans les banques de littératie visuelle. Oui, un lien ci-dessous, explorant plus de genres. Le genre cinématographique est un système de codes et de conventions qui le classent en de telles sommes. Les exemples de genre sont les comédies, drame, l'action, l'horreur, le thriller , l' aventure, le crime, l'histoire , la guerre, les occidentaux, les saphirs, les documentaires. Et la liste continue. Maintenant, afin de conserver une certaine familiarité avec le cinéma, les écrivains utiliseront souvent les tropes. C' est un motif qui est assez répété pour être reconnu. Les thrillers utilisent les effraies de saut. enquêtes criminelles auront un grand complot, torsion, fin de moi. Et les Westerns ont une impasse, et ainsi de suite. Pour plus d'exemples sur les tropes utilisés dans les films, consultez les liens ci-dessous. genres créent des attentes et les grands cinéastes sont capables de les subvertir, ce qui donne un nouveau visage au genre et au film. Ils peuvent également être entrelacés les uns avec les autres en plus d'un seul saut. Par exemple, l'heure de pointe est une comédie d'action. Schindler's List est un drame canard et la gravité est un thriller de science-fiction. Alors, familiarisez-vous avec le genre avec lequel vous opérez. Donc, vous savez quels dispositifs littéraires fonctionneront bien avec eux. n'y a pas de règles et le public adore quand les règles sont pliées, tordues ou brisées. Alors expérimentez. Maintenant, vous avez l'essence de votre histoire. Vous avez créé un protagoniste et d'autres personnages. Vous avez structuré leur voyage dans ses actes. Compris les thèmes qui cherchent à explorer, et le genre dans lequel vous travaillez. Il est temps de mettre cette idée dans un script et de commencer par votre processus de préproduction. 7. LOI II : Écrire votre script: La plupart des grandes idées sont nées quand un papier stylo, ils étaient probablement terribles pour commencer. Mais avec le temps, ils ont été raffinés jusqu'à ce que quelque chose de magique émerge Einstein n'a pas trouvé sa théorie de la relativité. Et un jour, et Shakespeare n'a pas écrit ses pièces en une nuit. Ainsi, votre script prendra un certain nombre de brouillons avant de pouvoir le présenter à des bailleurs de fonds potentiels, des acteurs et d'autres participants. Certains scripts peuvent atteindre dix brouillons avant même qu'ils ne soient considérés. Alors laissez votre imagination se déchaîner et remplissez les espaces vides. Connectez les points, et commencez à voir l'image plus large émerger. Plus tôt vous commencez, mieux c'est. Remplir les fondations en construisant le monde et les règles qu'ils suivent. Ensuite, situez votre protagoniste à l'intérieur et identifiez leurs objectifs. Introduisez des personnages supplémentaires, tels que l'antagoniste, le mentor, les intérêts d'amour et d'autres personnages mentionnés précédemment, et construisez des scènes qui ont propulsé le voyage vers l'avant avec vos points de tournant, tous routes doivent conduire à des actes de déclin. Maintenant, si vous produisez un documentaire, le processus est légèrement différent. Pour cela, vous devrez faire deux colonnes décrivant votre audio et vos visuels que le public verra et entendra. Le récit se démêlera au fur et à mesure que vous menez vos entrevues et vos recherches, et gardez à l'esprit la façon dont vous formulez vos questions dans les entrevues influencera également la façon dont les réponses sont données. Essayez donc de les encadrer de manière à évoquer le récit que vous recherchez. Donnez au script une certaine marge de respiration. Un grand mur de briques appelé Writer's Block devrait arriver à votre porte en un rien de temps. Mais ne le voyez pas comme une barrière, mais plutôt comme un signal pour aller faire une promenade, pour parler à des amis, à la famille et à des collègues. Donnez-leur votre idée et il y a des chances qu'ils mentionnent quelque chose de pertinent, comme une idée, une pensée ou un sentiment que vous pouvez imaginer alors que vous pouvez ensuite vous adapter à votre script. Les scripts sont à la fois avec ce que les cinéastes appellent les beats. Un rythme est le moment ou le mouvement d'un film ou d'une pièce. C' est une décision d'événement ou une découverte qui modifie la façon dont les protagonistes poursuivent son objectif. Ainsi commence à saupoudrer des scènes avec d'autres actions, caractéristiques comportementales et dialogue qui l'enrichiront. Le public aime aussi savoir où se dirige le voyage. Il est donc efficace de faire usage de la préfiguration à travers les phrases, les symboles ou les invites que vous choisissez. Tout doit arriver pour une raison. Chaque scène doit avoir un début, un milieu et une fin. Il y a une citation bien connue dans l'industrie cinématographique, c'est-à-dire arriver tard sur la scène et partir le plus tôt possible. Les scénarios sont différents des livres ou des articles. L' auteur a besoin de savoir ce qui se passe, plutôt que de le dire explicitement au public. Vous devez écrire de manière à décrire ce qui se passe surface et suggérer ce qui évolue en interne au sein de vos personnages. Une règle générale est qu'une page de script correspond à une minute de temps d'écran. Par conséquent, un court métrage sera dix à 30 pages et téléphones longs 90 à 130 pages. Maintenant, en tant que créatif à l'autre, vous n'atteindrez jamais ce brouillon parfait. Mais à la troisième ébauche, il devrait pouvoir commencer à penser aux équipes que vous aimeriez aborder. Cependant, nous devons nous assurer qu'il est présentable, ce qui nous amène au prochain chapitre. Format du script. 8. LOI II : Format de script: Les scénaristes comme le pétrole à l'industrie des mousses, ce sont eux qui alimentent la production. Et tout comme les diagrammes d'ingénierie ont une méthode normalisée de mesures, de variables et de constantes. Il en va de même pour les scripts. Ils fournissent un format standardisé qui peut, que les réalisateurs peuvent facilement scanner les pages à travers et préparer leurs équipes pour la production. Les règles de base de la mise en forme des scripts sont les suivantes. Vous devriez utiliser le fonds coréen de taille 12, avoir une marge d'un point de cinq pouces sur la gauche de la page, une marge d'un pouce sur la droite de la page, une marge d'un pouce sur le haut et le bas de la page. Chaque page devrait avoir environ 55 nines. Le bloc de dialogue commence à 2,5 pouces à partir de la gauche. Les noms de caractères doivent être en majuscules et être positionnés à 3,7 pouces de la gauche. Les numéros de page sont placés dans le coin supérieur droit avec une marge d'un demi-pouce à partir du haut de la page. Et la première page ne doit pas être numérotée. Et chaque numéro est suivi d'un arrêt complet. La page de titre. Il y a généralement des détails sur le titre du film et sur qui le scénario a été écrit. Encadrement de scène. C' est l'endroit où la scène a lieu et elle, et il est important de désigner si c'est à l'intérieur en utilisant int ou extérieur en utilisant l'extérieur ou les deux. Intérieur, extérieur s'il bouge et à quelle heure de la journée il est, soit le jour ou la nuit, lever du soleil ou le coucher du soleil. Parfois, les auteurs montrent comment chaque scène change d'emplacement de l'extérieur à l'intérieur, ou décrivent une autre pièce dans laquelle les personnages ont déplacé dans la scène. Transitions. Ceux-ci peuvent être utilisés pour décrire la manière dont vos scènes passent de l'une à l'autre. Il peut s'agir d'un ket, d'un fondu ou d'un dissoudre. Introductions de personnages. Lorsque vous introduisez un personnage pour la première fois, utilisez toutes les lettres majuscules et les caractéristiques de référence telles que l'âge, tenue et d'autres membres du personnel. personnalité ou maniérismes du personnage. Action. Décrivez les actions visuelles et audibles qui ont lieu à l'écran. Vous devez écrire à la troisième personne et au présent. Si un élément est important pour l'histoire, assurez-vous d'utiliser toutes les majuscules pour le dialogue en surbrillance. Le dialogue est ce que vous dites carotte. Et c'est probablement la partie la plus difficile de l'écriture de script. Vous devriez écrire entre les lignes et jamais sur les nombres. Les personnages devraient dire une chose, mais en dire une autre. Ceci est connu sous le nom de sous-texte. La façon dont vos personnages parlent doit être unique et révéler les traits de personnalité, qu'ils ressentent et montrer comment les relations qu'ils entretiennent avec d'autres personnages évoluent. Une chose qui aide est de lire votre dialogue à haute voix et de voir ce qui fonctionnera. Extensions. Ceux-ci se produisent lorsque votre personnage dit quelque chose hors écran, connu sous le nom de dialogue non-diégétique. Quand on ne voit pas la source d'où vient le son. Os écran dénotatif et V, D annote une voix hors parenthèses entre parenthèses pendant le dialogue, le spectacle de petites actions ou des événements de changement d'humeur sans avoir à sauter hors de l'action. Ils ont un direct, ils aideraient à diriger des acteurs avec des nuances telles que le sarcasme. Des photos de la caméra. Ceux-ci décrivent le plan pour le réalisateur à incorporer, mais en utilisant, mais essayer de les utiliser avec parcimonie lorsque nécessaire. Maintenant, il y a un logiciel que vous pouvez utiliser pour écrire un script. Et le plus largement utilisé est le logiciel appelé Celtics. J' ai fortement recommandé pour sa fonctionnalité et son adoption dans le monde entier. 9. ACTE II : Pages aux pages de étapes: Vous avez donc réussi à punir trois brouillons ou plus de votre script, et vous cherchez maintenant à afficher votre histoire à l'écran. C' est là que vous devez chercher quelqu'un pour être votre producteur. C' est la personne qui a généralement les poches, les réseaux et le savoir-faire logistique sur la façon de transformer votre script en image visuelle. Il y a aussi dans l'affaire de faire de l'argent frontal. Ils vont donc s'attendre à quelques centimes de retour sur investissement. Mais si vous débutez en tant que cinéaste, la plupart des trois grands rôles qui tombent sur vos épaules. Ce sont le réalisateur, le directeur de la photographie et le rédacteur en chef. C' est une bonne pratique d'être expérimenté dans ces trois rôles. Et nous vous donnerons un grand avantage dans l'industrie cinématographique. Cependant, soyez prêt car il s'agit d'un long voyage de négociations, de nuits blanches d'édition et de problèmes imprévus que vous devrez résoudre. Mais le produit final des gens qui rient, crient ou pleurent dans les cinémas ou dans le confort de leur propre maison en vaut certainement la peine. Alors prenez un stylo rouge et obtenez une copie papier de votre écran. Encerclez ce qui suit sur votre script. Les personnages, les lieux, les accessoires, les costumes et les effets possibles et S, S FX. Et essayez de les compter en tables. Vous devrez lancer des acteurs pour ces rôles. Mettez de côté quelques jours pour faire cela en envoyant des frais et causé des agences ou des écoles de théâtre et les amener à lire le scénario et l'audition pour les différentes parties. Ensuite, il est temps d'aller emplacements jardin, donc parler aux autorités relatives et de prendre note de l'éclairage et les bruits de fond, acquérir les permis nécessaires et avoir un formulaire de libération d'emplacement. Sur place. Procurez-vous vos accessoires et vos costumes dans les magasins. Il est utile d'embaucher généralement une personne dévouée pour ce rôle, un concepteur de production pour courir pendant que vous vous concentrez sur d'autres éléments du film, comme des répétitions à votre coût. Il est également important de prendre note des sons particuliers dont vous avez besoin pour pouvoir entendre et modifier que vous devrez enregistrer et définir. Alors assurez-vous de prendre note de cela. Maintenant que vous avez fait tout cela, vous pouvez commencer à voir combien d'emplacements, acteurs et d'éléments de jeu vous aurez besoin en production. Donc rassemblé des citations et des délais pour cela. Vous pouvez donc commencer à estimer le budget et le calendrier de votre script. Parfois, certaines scènes devront être supprimées et vous devrez improviser un plan. Mais il y a toujours une façon de traiter les directeurs. La responsabilité du réalisateur est de guider l'équipe sur la façon d'exécuter la production de l'histoire. Et il est important pour eux d'expliquer pourquoi cette histoire est importante pour le public et d'être en mesure de justifier les choix uniques de styles, tels que les méthodes d'interprétation, les lieux, cinématographie, les techniques de montage et les techniques sonores. Tout cela est compilé dans un document appelé traitement décrivant comment la production sera exécutée. Le storyboard. Une des ressources les plus utiles pour le directeur de la photographie et le réalisateur est un storyboard. Et dans un Illustrator ou graphiste va entrer en pré-production et aider le réalisateur en esquissant les actions décrites dans le script et aider à composer l'imagerie des personnages dans leurs environnements. Le DOP l'utilisera ensuite comme référence de ce qui est le plus important dans la journée et organisera une liste restreinte en conséquence. Financements cinématographiques, il est difficile de faire des films seuls, peu importe le solde bancaire de 0. Il est donc essentiel de trouver une nouvelle production pour payer l'ensemble du personnel, de la nourriture , de l' équipement, des lieux, des costumes et d'autres articles. Heureusement, il y a quelques options de films cultivés là où vous pouvez postuler. Mais gardez à l'esprit que certains fonds ont certains critères. En tant que cinéaste, vous devez être le médium par lequel le message est communiqué. Alors demandez-vous, quel genre d'histoires va évoluer dans le climat d' aujourd'hui et vous aurez plus de chances de recevoir ces fonds. Donc, consultez toutes les options de fonds dans le lien ci-dessous et avoir un laiton. Si vous n'êtes pas en mesure de collecter des fonds pour votre téléphone, ce n'est pas la fin du monde. Les personnes que vous avez à bord sont les plus importantes pour le téléphone. Alors finalisez ce plein d'abord. Maintenant que vous avez séparé tous les éléments constitutifs de la mousse, il est temps de rassembler vos 18 pour donner vie à votre téléphone. 10. LOI II : Préparer votre cascade et l'équipe: Donc tu as compris l'histoire. Vous aimeriez venir en ville, mais maintenant il s'agit de convaincre les gens pourquoi il faut le dire. Vous allez avoir besoin des rôles suivants au sein de votre équipe pour y arriver. Le directeur, c'est le capitaine du vaisseau. Tout le monde, un conseil d'administration, travaille à la vision qui est fixée par le directeur. Les meilleurs téléphones sont meilleurs à cause de personne d'autre que le réalisateur. Avant dans les planches et marqué et l'action est appelé un outil direct chorégraphe la caméra, fonte et l'équipage pour exécuter ce qui est décrit sur le script. Si quelque chose ne se sent pas bien, il ou elle peut le changer en conséquence et il est temps de prendre une autre prise. Producteur. Nous venons d'en parler dans la vidéo précédente. Si vous avez besoin de plus d'informations, retournez là-bas. Directeur de la photographie, L'homme avec le plan et sa caméra. Plus ils ont d'expérience, mieux c'est. S' il a leur propre équipement, il finira par être plus rentable que de louer de l'équipement dans une autre maison de location. Jetez donc un coup d'œil aux bobines de spectacle et voyez si leur style de prise de vue conviendra, s'adapte à l'aspect et à la sensation de votre mousse et les mettre dans le processus de pré-production au bureau dès que vous le pouvez. Poignées et éclairage. Ce sont les gens qui vont faire le levage lourd de caméras et de Riggs et s'assurer que les scènes sont correctement éclairées pour la scène photographiée. Concepteur de production. C' est quelqu'un qui va concevoir et construire des ensembles de votre téléphone. Ils s'approvisionnent et trouvent les bons endroits pour que vos scènes se déroulent. Et tous les accessoires que vous utilisez. Département des arts. Cela se compose principalement des costumes et du maquillage. Et ils travaillent en étroite collaboration avec le concepteur de production pour s'assurer que tous les acteurs à l'écran se débrouillent. Si un film de zombie, vous avez du sang et du gore, si c'est un film d'action, ils ont les faux pistolets. Assurez-vous de chercher la bonne équipe là-dessus. L' homme du son. Maintenant, c'est probablement le rôle le plus sous-estimé dans toute production. Un téléphone avec un beau visuel est génial, mais sans son clair. C' est une épave de train absolue et ne crie rien d'autre qu'amateur. Assurez-vous que vous sachiez ce qu'ils font avec l'éditeur de Boom Pole. Voici les mains des ciseaux Edward derrière le vaisseau spatial. Et c'est généralement une bonne idée de les amener à bord peu de temps avant la production afin qu'ils puissent ajouter leurs commentaires sur la façon de filmer. Nous examinerons de plus près leur rôle dans notre chapitre de post-production. Effets spéciaux et équipe d'effets visuels. Surtout les effets, sont les personnes qui apportent habituellement la machine à fumée, explosions et parfois coordonner les étudiants qui ont une expérience énorme dans un tel travail. Effets visuels ou les personnes qui apportent les écrans verts, les pointeurs et les marqueurs pour tout ce que vous essayez de réaliser dans le talent de la post-production. Ce sont les stars du spectacle. Les fonctionnalités sont les noms des acteurs et des actrices qui sont reconnaissables à l'écran, tandis que les extras ou les talents de fond sur les personnes qui peuplent le monde formique que vous essayez de construire. Partition musicale. Compositeur travaillant en étroite collaboration avec le réalisateur, ils veilleront à ce que les bons sons de l'instrument, les touches musicales et les motifs soient utilisés pour évoquer la bonne humeur et le bon ton que la production est souvent. Maintenant, vous savez qui vous avez besoin d'aller et de recruter. Alors commencez à demander ou à faire du bénévolat sur d'autres productions pour réseauter avec ceux qui pourraient connaître quelqu'un. Votre téléphone sera seulement aussi bon que les gens qui le font. Et le capitaine qui dirige le vaisseau. Tout le monde dans le département de l'Est doit jeter un coup d'œil à leur performance. En même temps. 11. ACTE II : Paperwork: En tant que cinéaste, vous avez des capacités incroyables pour faire résonner les messages au public et potentiellement évoquer de puissants changements. Une grande responsabilité repose sur vos épaules sur les représentations des gens et de leurs cultures, ainsi que sur la façon dont vous encadrez les systèmes de croyance. Il est donc préférable d'avoir vos documents juridiques et de l'eau. Ce n'est pas la partie la plus exaltante, mais certainement essentielle. Ce sont les documents suivants dont vous aurez besoin pour préparer une déclaration de propriété du scénario. Cela protège votre idée d'être plagié et protège cette idée sur laquelle vous avez travaillé si longtemps et dur. Habituellement, cela peut être obtenu par l'intermédiaire de la Writers Guild de votre pays. Feuilles d'appel. Cela mène votre équipage et ne coûte nulle part où ils ont besoin d'être et leur donne également une idée de la façon dont la journée va ressembler. Il contient des détails tels que les superviseurs de la production, les coordonnées, les prévisions météorologiques, le calendrier de prise de vue, équipe de coûts sans frais, les canaux de communication et d'autres notes de service. Alors assurez-vous que vous envoyez cet art quelques jours et avancer les formulaires de libération de talents. Il s'agit de l'accord légal entre le cinéaste et les acteurs, ou extras de fond, confirmant que leurs performances et les noms peuvent être utilisés lors de la commercialisation du téléphone et de la distribution du film. Contrats d'équipage. Il s'agit de l'accord légal entre le cinéaste et l'équipe de production, confirmant leur participation, responsabilités de rôle et leur génération pour travailler sur le projet. Liste des contacts de l'équipage. Un document central avec tous les noms, numéros, numéros d'urgence et les coordonnées de tous les membres de l'équipe participant à la production. Formulaire de sortie de musique. Cela permet de confirmer légalement que le film a droit d'utiliser de la musique ou de la partition entendue dans le film, qu'il soit composé ou acheté en ligne, il est essentiel d'avoir des sorties en lieu. Ainsi fournit l'autorité est que vous avez la mission par les décideurs nécessaires que vous êtes en mesure de mener votre tournage sur leur prémisse. Horaire principal de la photographie. Maintenant, cela guidera l'équipe sur quelle scène sera tournée, quand, et un aperçu de base de ce à quoi s'attendre sur la liste de présélection du jour. Maintenant, c'est le document sacré du GOP rempli tous les détails nécessaires qui décrivent ce que chaque plan d'action, conversation ou B-roll est et comment il sera composé, comme la taille du tir, l'angle, mouvement, et description devrait être incluse en eux. Assurance production, accidents se produisent et il y a beaucoup de pièces mobiles dans une production. Donc, avoir un courtier d'assurance fournit une police, fournit une garantie pour tout passif qui pourrait survenir. Et il est recommandé pour les projets de plus grande envergure avec des budgets plus importants. Politique de santé et de sécurité. Vivant dans une ère post-secrète, ce document est crucial et décrit comment votre production sera produite en toute sécurité dans le téléphone juridique. Mais maintenant, cela est généralement compilé en deux sections au-dessus de la ligne où les parties prenantes de la production qui ont plus créé, influençant les décisions de la production est répertorié comme les producteurs, scénaristes, réalisateurs et acteurs. En dessous de la ligne. Ce sont les participants qui n'ont pas grand mot à dire dans les décisions prises et peuvent être considérés comme remplaçables, tels que les extras, les scripts, l'éclairage , le département des arts, les transports, les manipulateurs d'accessoires, etc. Donc, décomposer votre script en pages par jour et le budget autour de cela, mais prioriser les scènes difficiles en leur donnant plus de temps. Ce qui peut être utile, c'est de découper votre budget en un graphique circulaire et allouer chaque département avec le montant respectif et l'estimation en conséquence. Maintenant, tout ça pourrait sembler beaucoup de choses pour commencer. Mais heureusement pour vous cuisinez et j'ai attaché tout le matériel mentionné de sorte que vous pouvez obtenir directement à elle et ne perdre aucun temps à balayer l'Internet pour des modèles. Vous êtes les bienvenus. 12. ACTE III : Équipement de l'équipement: Votre pool d'équipements ne déterminera pas la qualité de votre téléphone, mais plutôt l'histoire que vous essayez d'éclairer. Les grands livres n'ont pas été atteints par les couvertures, mais par le contenu. Donc, avec cela étant dit, regardons ce dont vous allez avoir besoin pour peindre votre mousse. Et quelques connaissances clés autour de ça. Appareil photo. C' est votre outil le plus important, le pinceau de votre téléphone. Si vous commencez, comme j'ai commencé à regarder pas plus loin que smartphone dans votre poche. Les mousses ont été présentées en avant-première dans les salles tournées sur iPhone. Ainsi, vous pouvez toujours utiliser ce que vous avez. Si vous cherchez à mettre à niveau à partir de là, nous nous dirigeons vers la gamme DSLR avec des appareils photo tels que le Fuji X t3, avec lequel je tourne ici, ou le Canon 70 d. un step-up. Et nous recherchons des reflex numériques plus avancés, tels que la gamme Sony A7 ou un Canon 5D ou Canon S3 100. Et puis nous nous dirigeons vers l'arène de classe mondiale où les caméras ont un prix élevé. Ce sont vos dragons rouges et Aaron Alexis, qui sont utilisés à Hollywood. Maintenant, quelques paramètres que vous devriez connaître sur l'appareil photo ou l'ISR suivant. C' est la sensibilité des caméras à la lumière. l'ISO est élevée, plus votre image développera ce qu'on appelle du bruit, qui rend votre image granuleuse. Alors essayez de garder ça aussi bas que possible. Fps, Ceci est votre fréquence d'images par seconde. Combien de tranches d'image sont en 1 seconde et les FPS de 24 apparaîtront plus lisses qu'un 60 FPS car il a ce qu'on appelle le flou de mouvement. Si vous enregistrez dans un FPS élevé et que vous jouez à 24 images par seconde, il apparaîtra au ralenti, vitesse d'obturation. La vitesse d'obturation fait référence à la durée pendant laquelle chaque cadre est exposé pour les lentilles, c'est le verre qui donnera votre classe de film. Différentes lentilles peuvent créer une sensation et un look différents, que nous examinerons plus tard. Mais pour l'instant, vous devez connaître deux caractéristiques principales dans un objectif. La distance focale est la force de divergence de la lumière, et comment, tandis que le champ de vision capable de capturer l'ouverture est l'ouverture de l'objectif qui détermine la quantité de lumière qui passe à travers. Une ouverture basse vous donnera une faible profondeur de champ, brouillant l'arrière-plan. Alors qu'une grande ouverture donnera l'effet inverse. Familiarisez-vous avec le triangle 19. Si vous modifiez un paramètre, vous devrez généralement ajuster les deux autres paramètres. Maintenant, les différents types de lentilles vous pouvez obtenir RA îles de poissons qui n'ont pas ultra large champ de vision et varie dans sa longueur focale de quatre millimètres à 14 millimètres. Alors que les lentilles peuvent généralement capturer une plus grande partie de la scène et qu'il est idéal pour les photos de paysage, 14 taupes à 55 taupes. Les objectifs standard vont de 35 mil à 85 mil de plus, tandis que les téléobjectifs ou les objectifs zoom capturent un champ de vision étroit et variaient de 85 à 400 millions. Les lentilles macro sont des lentilles capables de capturer le monde microscopique. Alors que les objectifs principaux ont une focale fixe, il y a moins de pièces mécaniques en eux et ont donc une ouverture plus élevée, ce qui produit généralement des images de meilleure qualité. Et rappelez-vous, il est toujours préférable de sous-exposer vos photos plutôt que de les surestimer. Il est plus facile de corriger dans les appareils de caméra de post-production que le trépied. Il s'agit d'une plate-forme standard d'un cinéaste, utile pour les prises de vue statiques ou les mouvements simples comme un pan ou une inclinaison. Mais assurez-vous d'avoir la bonne tête de caméra montée sur le trépied pour enregistrer un mouvement vidéo fluide. Shoulder Rick, c'est une grande plate-forme indispensable que tous les GOP peuvent s'asseoir sur leurs épaules et est idéal pour le curseur de tir à la volée. Montez une caméra là-dessus. Et il peut vraiment vous donner la ferme qui a un look et une sensation incroyable que vous vous déplacez le long de vos sujets. Gymnases ou grues. Ce sont des plates-formes qui peuvent balancer un grand, de grands rayons, gauche, à droite, ou de haut en bas, stabilise. Maintenant, ce sont des appareils électroniques très intelligents qui aident à éviter les secousses indésirables et maintient un mouvement fluide avec quelques techniques de contrôle intelligent et des moteurs brushless. Équipement de son. Comme je l'ai déjà mentionné, un grand téléphone avec un son terrible est finalement un film terrible. Alors jouez, alors faites attention à cela. Quelques outils du métier sont les suivants. Un appareil électronique standard enregistré avec zoom qui est portable et dynamique, qui peut enregistrer tout votre son non dit sur une carte SD. Un micro fusil de chasse. Il s'agit d'un micro qui capture l'audio provenant d' une direction spécifique de vos acteurs ou actrices. Dans un mât de flèche est ce que l'homme du son utilise pour avoir une longue portée pour pivoter entre les acteurs et capturer l'audio. Un microphone à revers est un petit microphone qui peut généralement être attaché à un sujet qui parle et transmet le signal à un récepteur sans fil, à l'enregistreur de zoom. Excellent pour les interviews, mais n'oubliez pas d' avoir du ruban adhésif et des peluches si vous cherchez à l'attacher et la poitrine de quelqu'un en dessous émise pour éviter tout éclat. Les lumières les plus couramment utilisées sur les ensembles sont les LED, et vous pouvez généralement régler la luminosité sur eux au niveau ou à la luminosité désiré. Bandes de LED ou aussi une solution de bricolage et peut offrir une grande variété d'options créatives en raison de la gamme de couleurs que vous pouvez utiliser. Et d'autres effets tels qu'un effet stroboscopique. Scrums sont les grandes planches qui montent sur les onsets de CSU Dan et se déclinent en deux variétés. Les Noirs se marient qui absorbent la lumière et les écrans blancs qui peuvent rebondir ou ajouter de la lumière. réflecteurs sont des feuilles portatives en argent ou en or qui jouent un rôle similaire à celui de crimp et peuvent venir dans 51 enfants, qui sont toujours utiles à avoir autour. Assurez-vous que le réglage de la balance des blancs votre appareil photo est ajusté à la bonne température de couleur de l'éclairage afin d'éviter toute correction inutile des couleurs lors de l'étalonnage de post-production. D' autres éléments supplémentaires sur le plateau comprennent un tableau de clapet. Ceci est utilisé pour votre éditeur pour couler le son sur le métrage et aide également à organiser la façon dont les prises de vue d'être catégorisé. Et vous devez prendre note de la scène, du tir et prendre des chiffres. Gaffers du ruban adhésif de marqueurs pour les acteurs jusqu'au blocage de la lumière des fenêtres voisines. Un bon rôle de bande de gaffers dans différentes couleurs est toujours utile d' avoir l'apparition de disques durs. Tu vas avoir besoin de stocker tes images quelque part. Achetez donc un disque dur ou deux que vous pouvez stocker toutes les séquences brutes de vos prises de vue. Un. Maintenant, vous avez une idée approximative de ce dont vous aurez besoin pour produire un nouveau film, apprendre à connaître les maisons d'équipement autour de votre région et essayer de nouer une bonne relation avec eux. Parce qu'il y a des chances que vous puissiez négocier de bonnes affaires avec eux dans n'importe lequel de vos projets et projets futurs. 13. LOI III : Mise-en-Scène - Conception de scènes et costume de décors: Mise en scène est un terme français qui se traduit par la mise en scène et qui décrit la manière dont les éléments cinématographiques sont conçus dans le cadre. En tant que cinéaste, Ce sont les décisions cruciales que vous allez penser longtemps et dur à atteindre efficacement l'humeur désirée et le ton qui évoquera les thèmes de votre image. Si vous pouvez créer la bonne ambiance sur le plateau, le téléphone se déroulera devant moi. Conception de l'ensemble. Maintenant, il y a deux options pour décider comment organiser votre ensemble. Vous pouvez tirer sur un endroit qui a déjà été repéré, est peut être la place d'un ami ou un lieu public, mais assurez-vous d'avoir ce formulaire de sortie de lieu prêt. Ou vous pouvez aussi construire. Il a dit que cela incarnerait l'atmosphère que vous essayez de créer. Votre concepteur de production et votre département d'art devront gérer tout cela pendant que vous êtes occupé à répéter avec votre coût. Set doit transmettre la bonne période de l'histoire, ainsi que le ton et l'humeur de votre projet. Votre choix de couleurs, de lignes, formes et d'invites s'ajoutera à cela. Et comme maintenant, décorateurs peuvent parfois faire des efforts extrêmes pour créer ce dont le réalisateur a besoin. Par exemple, l'ensemble du téléphone de 1953, Ben Hur, couvrait plus de 18 acres et prenait 1101000 hommes sur un an pour construire le costume. Maintenant, selon le genre et la période avec laquelle vous travaillez, costume joue un rôle énorme dans votre téléphone. Il peut être au-dessus du haut et de la flamboyance ou moderne, audacieux. Alors familiarisez-vous avec certaines maisons de location de costumes dans votre région, les cheveux et le maquillage. Leurs fonctions principales sont d'améliorer l'esthétique du visage en utilisant maquillage pour créer un look personnalisé dont une production a besoin pour créer les personnages. prothèses peuvent également être amenées à bord pour aider avec tous les gobelins, zombies ou autres créatures cicatrisées que vous cherchez à incorporer dans l'histoire. 14. LOI III : Mise-en-Scène - Lumière et couleurs: L' art de la cinématographie est de pouvoir peindre avec la lumière et la couleur. Alors passons un peu de temps à regarder ça. L' écriture crée une ambiance visuelle, une atmosphère et donne un sens au public. Il aide à guider l'œil où il doit regarder dans le cadre vers un acteur spécifique, accessoire ou une partie de la scène. Il peut refléter la psychologie d'un personnage et peut également améliorer le genre du flux. Donc, avant que les acteurs ne soient positionnés et que la caméra commence à rouler, la scène doit être suffisamment éclairée. Placez votre source principale et la plus forte de lumière, appelée une lumière clé sur un côté de l'acteur pour créer une légère ombre sur le côté opposé du visage à une seconde lumière appelée une lumière de remplissage sur le côté opposé de l'acteur pour adoucir toute ombre sévère créée par la lumière clé joue une troisième lumière, un rétroéclairage derrière l'acteur pour aider à définir et mettre en évidence l'une de leurs caractéristiques ou contours. Maintenant, l'éclairage à haute touche est une esthétique d'éclairage avec peu d'ombres et de faibles niveaux de luminosité. Vous le verrez généralement dans les télévisions, sitcoms ou une publicité. Alors que l'éclairage discret est une esthétique d'éclairage avec beaucoup d'ombres pour créer un sentiment de mystère ou de suspense. C' est beaucoup plus d'animaux cinématographiques adoptés lourdement dans le genre du film. Film noir. Scrams montagne avec une pince peut ensuite être utilisé pour bloquer, rebondir, et absorber tout naturel ou artificiel aligné. Ajustez-les en conséquence. Vous pouvez également utiliser des travaux colorés sur les lumières pour ajouter n'importe quelle couleur si nécessaire. L' écriture d'une scène nécessite des essais et des erreurs. Prenez donc le temps d'expérimenter avec un système d'éclairage à trois points. Des lignes douces, des lumières dures, un éclairage discret, un éclairage à haute touche pour trouver le bon équilibre entre la lumière et l'ombre, ombres pour votre photo. Couleur. Maintenant, la couleur a une incroyable capacité d'évoquer une certaine humeur que vous cherchez. La théorie et la psychologie derrière elle ont été incorporées dans les pièces de théâtre et les téléphones tout au long de l'histoire. Alors arrêtez la vidéo ici et cherchez la bonne couleur qui convient aux émotions et à l'humeur que vous êtes. Après. Nous allons examiner de plus près le classement des couleurs plus tard. Mais pour l'instant, passons à l'élément le plus important de la mise en scène, comment composer vos clichés. 15. LOI III : Mise-en-Scène - Compostition de cadrages: Rapport d'aspect, le cadre de votre film est une toile et peut varier dans ses dimensions. Les téléphones au cinéma utilisent généralement un ratio de 2,39 pour un. Dans de rares occasions, vous pouvez réellement changer le rapport d'aspect si cela aide à transmettre la bonne sensation à votre téléphone, assurez-vous de tirer dans la résolution la plus élevée possible afin vous puissiez le recadrer et ajuster en conséquence. Taille du tir. Des tirs extrêmement longs. Ce sont les plans larges qui ont généralement établi le cadre dans lequel se déroule la scène. Et c'est un excellent moyen d'ouvrir une scène. Un Longshot est un excellent moyen d'introduire personnages dans la scène et dans leur environnement. Alors qu'un tir moyen est à partir des genoux et obtient un effet similaire. Les gros plans sont de la poitrine vers le haut et nous rapprocher du personnage et nous permettent de commencer à voir leurs émotions. Alors que les gros plans moyens sont des épaules vers le haut. gros plans sont des plans rapprochés qui montrent expression faciale complète d' un sujet et peuvent mettre en évidence une émotion spécifique comme la tristesse ou la surprise. Un gros plan extrême peut être utilisé pour mettre l'accent sur un sens particulier pour le public, comme la vue, l'ouïe ou l'odeur. Et insert est un gros plan d'un objet de prop qui jouera un rôle important dans l'histoire. Et il est important que le public ne manque pas. Une bonne règle de base est de commencer large et lâche et de s'accumuler vers des gros plans comme le vu augmente dans son intensité. Angle de tir I angle de niveau. Maintenant, c'est un plan qui met l'accent sur une perspective neutre et imite la façon dont nous voyons les gens dans la vraie vie, oeil à œil. Un tir à angle bas est en dessous des sujets. Je suis aligné et c'est un coup qui crée une dynamique de puissance, faisant apparaître le sujet supérieur, créant un sentiment de peur ou de peur envers ce sujet. Angles élevés. Maintenant, cela atteint le contraire de l'angle bas, rendant le sujet petit, inférieur, vulnérable ou impuissant. Niveau de la hanche. Les coups inclinés sont utilisés pour montrer une action qui se passe, comme dessiner un pistolet ou atteindre quelque chose de leur poche. Mon niveau. Maintenant, ces clichés peuvent également mettre l'accent sur une supériorité de personnage, tout comme un tir à angle bas. Alors qu'un tir au niveau du sol est généralement utilisé pour montrer votre personnage marchant et peut créer un sentiment de mystère. Un coup d'épaule est très similaire au plan de niveau des yeux, et il est en fait utilisé beaucoup plus souvent. Et info angle néerlandais ou inclinaison hollandaise, est l'endroit où la caméra est légèrement inclinée, donnant un sentiment de désorientation ou de tension. Et un coup de vue d'oiseau est tenu au-dessus des acteurs, 90 degrés au-dessus d'eux et fournit la perspective, la perspective de la scène et peut créer un point de référence divin. Mouvement de la caméra. Zoom. C'est donc là que vous modifiez la distance focale de votre appareil photo. Un panoramique est l'endroit où vous déplacez votre appareil photo horizontalement de gauche à droite, et il est génial d'établir un sens de l'emplacement d' une inclinaison est de déplacer votre caméra verticalement, vers le haut ou vers le bas. Et c'est une excellente façon de présenter vos personnages ou de donner un sentiment de hauteur à un public. Dans un plan large. Un dolly est lorsque vous déplacez la caméra vers l'avant ou vers l'arrière. Et c'est mon préféré personnel car il peut vraiment souligner que quelque chose évolue en interne avec vos personnages ou lorsque l'émousse en arrière les met en perspective avec le monde qui les entoure. Un tir de camion, également connu sous le nom de tir coulissant, est lorsque vous déplacez votre appareil photo de gauche à droite, et un râteau coulissant. Et le piédestal est lorsque vous déplacez votre caméra verticalement vers le haut ou vers le bas, et est un excellent moyen de révéler les caractéristiques physiques d'un sujet. L' accent est mis sur l'Irak lorsque vous déplacez l'attention d'un sujet à l'autre et est efficace pour faire passer l'attention de votre public d'un personnage à l'autre. Contraste dominant et subsidiaire. Donc, vous devez vous demander, quel ou qui est le sujet dominant dans le cadre ? Où réside l'attention et ce qui suit, qui est connu sous le nom de densité de contraste subsidiaire. Maintenant, c'est la quantité d'informations visuelles contenues dans l'image. Il s'agit d'une visite très textuelle, modérée, simple et simple. Y a-t-il beaucoup de cadrage d'espacement négatif ? Maintenant, le cadrage lâche est l'endroit où les personnages se déplacent plus librement tandis que le cadrage serré est l'endroit où les caractères sont confinés à un seul endroit. Composition dans le Raul bidimensionnel, quelle humeur suggèrent les lignes et les formes de votre cadre ? Sont-ils horizontaux, ce qui évoque la tranquillité ? Sont-ils diagonales, ce qui peut évoquer la tension et l'anxiété ? Ou est-ce que la verticale qui peut faire allusion à renforcer le soutien ? Sont le binaire, qui peut parfois suggérer parallèle, parallèle, parallélisme. Ou triangulaire, ce qui suggère une interaction entre les personnages. Ou même circulaire, ce qui peut donner un sentiment de sécurité. Positionnement et proxémique, comment vos personnages sont-ils placés dans le cadre les uns par rapport aux autres ? Sont-ils proches du sommet, ce qui concerne le pouvoir, l'autorité et l'inspiration ? Ou en bas, ce qui suggère le contraire. Les personnages placés à gauche et à droite suggèrent généralement l'insignifiance et proximité ou l'éloignement de nos personnages placés les uns par rapport aux autres à, Est-ce que cela suggère quelque chose d'une relation intime, personnelle ou publique ? Positions de mise en scène, comment sont votre scène de personnage par rapport à la caméra ? C' est un trimestre avant, un plan de profil, un tour de trois quarts ? Ou ont-ils le dos vers la caméra ? Règle des tiers ? Maintenant, c'est un excellent moyen de cadrer votre tir lorsque vous bloquez ou placez de nouveaux talents, essayez de positionner les îles près de l'une des quatre intersections, car c'est là que les yeux du public gravitent vers la plupart. Maintenant, c'était une bonne poignée d'informations à considérer. Passez donc du temps avec le DOP pour vous assurer que vous portez une bonne attention à tous ces éléments mis en scène. 16. LOI III : III:: Maintenant, pour que la production fonctionne aussi bien que possible, tout le monde un conseil doit jouer le rôle et respecter un code de conduite sur le plateau. Voici quelques règles que tout le monde devrait connaître et suivre. Essayez de trancher le plus tôt possible. Essayez d'éteindre vos téléphones portables. La dernière chose que vous voulez, c'est si un acteur joue une scène intime où une larme coule doucement la joue et quelqu'un obtient un Watson de la mère. Ne débranchez rien sauf si vous demandez à la bonne personne et ne touchez pas ou bougez quelque chose dont vous n'êtes pas responsable. N' entre pas dans le tir. Et si vous faites un coup d'État, essayez d'éviter la question Quand pensez-vous que nous sommes en train d'envelopper ? Toujours être toujours moins que et toujours être vigilant et savoir quand la caméra roule. Et enfin, nourrir vos coûts et votre équipage parce qu'un Cu affamé est la dernière chose que vous voulez. Maintenant, vous avez réussi à choquer votre courte vidéo vidéo publicitaire ou de nombreux documentaires. Et il est temps de se lancer dans la suite de montage et de commencer la capture, la capture instantanée, la post-production. 17. LOI IV : Logiciel, ingestion et catégorie: Donc maintenant, vous devriez avoir tous vos séquences enregistrées et tous ses sons sur plus d'un disque dur. Espérons qu'il est temps de télécharger des logiciels que vous allez utiliser pour éditer votre téléphone. Maintenant, il y a quelques options sur le marché, alors regardons-les. Les options gratuites comprennent des œuvres légères, qui est intuitif, simple, et a beaucoup de soutien autour d'elle et est considéré comme le meilleur logiciel de montage vidéo gratuit. Video pad est également un autre excellent logiciel pour les débutants. Et DaVinci Resolve est le meilleur éditeur vidéo gratuit avancé avec une incroyable suite de classement des couleurs. Maintenant, les versions payantes incluent principalement Final Cut Pro et Premier Pro. Pour les deux prochaines vidéos, nous allons utiliser Adobe Premiere Pro. Et vous pouvez obtenir un essai gratuit de sept jours, ou vous pouvez vous abonner au logiciel Adobe pour 24$ par mois et par logiciel, n'est-ce pas ? Une fois que vous avez installé et ouvert votre éditeur vidéo, accédez à votre dossier de projet de ouais, nous allons faire glisser et déposer nos séquences, ce que j'ai déjà fait. Alors ce que vous allez devoir faire, c'est commencer à renommer vos séquences. Ce que j'aime utiliser, c'est le sujet, l'angle et la taille du tir, ainsi que la prise. Vous devrez le faire aussi pour votre son, le sujet, la scène, et prendre aussi une autre chose utile à faire est de passer au crible toutes vos séquences et de comprendre ce dont vous avez besoin et ce dont vous n'avez pas besoin. Après cela, vous pouvez le supprimer. Cela permet d'éviter tout encombrement et de garder les choses nécessaires et plus facile pour vous de travailler, non ? Une fois que vous avez renommé tous vos séquences et fichiers audio, il est temps de créer une nouvelle séquence. Assurez-vous que la taille de l'image est adéquate et que vous chronométrez, vous basé sur le temps est la bonne image par seconde. Ce qu'on va faire, c'est commencer à couler le son. Il vous suffit donc de glisser et de déposer votre métrage sur la timeline. Naviguez jusqu'au bon fichier audio et placez-le sous l'heure sous le clip d'origine. Sélectionnez ensuite tous les clips, cliquez avec le bouton droit de la souris. Et synchronisez, sélectionnez le canal audio et attendez qu'il se synchronise. Une fois que cela est terminé, Watch peut faire est de le couper soigneusement. Une fois qu'il a été synchronisé, verrouillez le fichier vidéo et supprimez l'audio d'origine pour que vous ayez ce son de boom net. Sélectionnez les deux et fusionnez dans un fichier synchronisé. Une fois cela fait, il est utile de créer un nouveau dossier et de créer un dossier de synchronisation avec tous les métrages. Faites glisser et déposez ceci dans votre dossier de synchronisation. Et maintenant il est prêt à être édité lorsque vous commencez à éditer le projet complet, il est également utile de commencer par ajouter les fichiers audio à votre timeline afin que vous puissiez commencer à éditer en rythme sur la piste sonore. Quelques sites Web que je recommande, point sans artless IO et sons épidémiques, à l'époque, en termes de navigation dans le logiciel de montage vidéo, dans ce cas Premiere Pro. Ce qui est utile, ce sont ces panneaux en haut ici pour différents modes d'édition. ce moment, nous sommes en mode édition. Mais pour commencer, Il est une bonne pratique de commencer par l'assemblage, mouvement, édition, couleur féculent, ajouter des effets, ajouter l'audio et les nouveaux graphiques. C' est une introduction à la suite Premier Pro. Il y a encore beaucoup à apprendre, comme ces touches astucieuses ici et les raccourcis. Je vous suggère donc, pendant votre temps libre, de faire un peu de pratique derrière cela et de rechercher plus de fonctionnalités sur Premiere Pro. C' est un logiciel puissant et fortement recommandé. ce moment, maintenant, nous savons comment les bases du flux de travail et Premier Pro, comment pouvons-nous savoir quelle séquence sélectionner ? Comment savoir quelle coupe fait où se déplacer de quel coup à quel coup ? Et c'est là que nous allons regarder notre prochain chapitre six règles de l'édition et des techniques de montage. 18. LOI IV : Six règles de montage de montage et autres techniques de modification: Chaque cadre de votre histoire est un tableau. Les yeux de votre public frémiront sur le cadre, recueillant de nouvelles informations au fur et à mesure que l'histoire se déroule. Mais comment peut-on savoir mais tiré pour sélectionner pour votre prochaine coupe ? Pour cela, nous allons examiner un clin d'œil les six règles de l'édition de son livre explorer les différents types de coupes. Lors de la décision sur quelle coupe devrait suivre, vous demandez-vous si elle atteint ce qui suit. Règle. Numéro un, l'émotion. La coupe est-elle fidèle à l'émotion du moment ? Essayez de préserver cela tous les coûts. Règle numéro deux, histoire. Est-ce que la coupe avance et fait avancer l'histoire d'une manière convaincante ? Règle numéro trois, Ribbon. Est-ce que la coupe a un sens rythmique ? Est-ce que cela va dans le sens de la musique, du tempo ou de la structure du rythme du film ? Règle numéro 4, je trace. Quel est l'intérêt de votre public dans le cadre ? Et puis où se déplace-t-il à la prochaine coupe ? Règle numéro cinq, plan bidimensionnel. La coupe respecte-t-elle la minorité de l'endroit où se trouve le film ? Règle numéro 63, dimension espace d'action. Est-ce que la coupe respecte la continuité tridimensionnelle des caractères par rapport à l'emplacement ? Les trois premières règles ont une priorité élevée sur les trois dernières. Si, si elle est fidèle aux émotions, à l'histoire et au rythme, mais manque de continuité dans l'espace tridimensionnel, alors par tous les moyens, utilisez cette coupe. L' effet « cooler shop ». Au début du XXe siècle, le cinéaste soviétique Lev cooler shove a démontré qu' un spectateur tire plus de sens à partir de deux plans séquentiels plutôt qu'à lui seul. La somme de ses parties crée un trou plus grand. Ceci est également connu sous le nom de juxtaposition lorsque le contraste entre deux coups dérive un troisième sens, les types de coupes. Le saut coupé. Maintenant, cette coupe saute en avant dans le temps sur le même coup, la coupe de hibou. C' est là que le public entend l'audio de la photo précédente, mais voit l'image de j cut. Maintenant, c'est le contraire de l'alcool où vous voyez l'image de la prochaine photo. Une fois entendu l'audio de la même. Ce sont des coupures sur l'action. C' est là que vous coupez d'un plan à l'autre en fonction de la même action effectuée par les personnages. Cutaways. Cela aide à montrer au public quelque chose d'autre. Salut, ça se passe ailleurs dans la scène. Coupe transversale, également connue sous le nom d'édition parallèle. Il montre deux événements qui se déroulent en même temps, mais dans des endroits différents. Coupes de masse où deux plans ont une forme de sujet similaire ou une nature symbolique à différents endroits. Ce qui est également utile dans Adobe Premier Pro ou d'autres logiciels d'édition, c'est que vous pouvez également sélectionner l'onglet effets ici, ou simplement aller déplacer F7. Et puis vous avez accès à divers effets que vous pouvez utiliser dans votre coupe. Les transitions vidéo, nous pouvons ajouter croûte dissout entre deux clips et changer la longueur de la dissoudre. Vous pouvez également tremper au noir au blanc. Vous pouvez dissoudre et vous pouvez ajouter d'autres grands effets comme l'iris. L' iris s'estompe, les lingettes ou les diapositives. Et puis aussi dans les transitions audio, vous pouvez vous assurer qu'il y a une transition en douceur entre le fichier audio au fichier audio. Surtout si vous utilisez différents bruits et que vous souhaitez des transitions fluides, vous pouvez ajuster en conséquence. Un autre grand effet est le stabilisateur déformé, faites glisser ceci dans les hubs Eclipse pour éviter généralement tout mouvement de tremblement dans l'image elle-même. Donc, si votre tir est un peu fragile et que vous aimeriez vous assouplir. Mais le stabilisateur déformé fait habituellement l'affaire. Mais la meilleure façon de savoir quelle coupe ou quel travail de transition est d'expérimenter. Alors, lancez tous les clips de votre timeline dans une histoire, modifiez en fonction de votre script, puis modifiez en conséquence et mixez et essayez de comprendre ce qui fonctionne le mieux avec quelle transition. 19. LOI IV : Musique et conception du son Musique et musique en musique et: La bonne école ou la bonne musique peut vous faire ou vous casser des films. Alors prenez le temps de réfléchir longtemps et dur. Mais qu'est-ce qui améliorera vos scènes ? Certaines connaissances de fond autour d'une clé musicale et des compétences peuvent également aider à décider ce qui fonctionnera le mieux. Par exemple, les scores SAT utilisent des échelles moins, tandis qu'un score plus cérébral et heureux utilise des échelles majeures. Demandez-vous lequel des mouvements suivants vous êtes hors, d'accord ? D' accord. Les motifs de mélodie peuvent également être utilisés pour mettre en valeur un personnage ou un thème particulier et une histoire et ajouter encore une troisième dimension à l'expérience. Je vous recommande d'insérer vos fichiers musicaux jusqu'à ce que la chronologie soit éditée tôt dans le processus d'édition. Ainsi, vous pouvez commencer à faire vos coupes au rythme de la pièce. Regardez vos formes d'ondes audio et prenez note de l'endroit où insérer la coupe. Une astuce que j'aime utiliser est de lire la musique sur la timeline et de placer des marqueurs en appuyant sur M sur votre clavier. C' est là que vous pouvez sentir et imaginer la coupe qui se produit et ensuite vous pouvez ajuster votre métrage en conséquence. Les effets sonores se composent des échantillons qui apportent des mouvements, des actions, des objets ou des animaux à vivre dans votre téléphone. Comme un sabre léger, pas de pas ou enlever la vache en arrière-plan qui peut être enregistré sur le plateau, trouvé dans une base de données d'échantillons ou être recréé dans un studio sonore à travers un processus appelé folie sound design. Un peu de mélange. Il est important que les niveaux de vos volumes des différents timelines sonores n'interfèrent pas les uns avec les autres. Vous ne voulez pas que votre dialogue soit surenchéri par la partition ou la musique. Essayez donc d'utiliser ces directives suivantes pour obtenir cela correctement. Le pic maximal de vos sons devrait être de deux décibels, tandis que les effets sonores bruyants tels que les explosions et les coups de feu, devraient être de trois à deux décimales. Une piste sonore plus forte qui n'est en concurrence avec aucune de vos boîtes de dialogue doit être comprise entre 54 décibels. Tout se tenait. Le dialogue devrait être autour d'environ 11,5 décibels à dix téléphones de bureau. Et les bruits ambiants ou la musique de fond peuvent ensuite être utilisés autour de 18 à 16 ceintures du désert. Maintenant que vous avez une compréhension de base de votre musique et de votre design sonore, il est temps de commencer par la touche finale votre téléphone avec le classement des couleurs et l'ajout de titres. 20. LOI IV : étalages des couleurs et titres des couleurs et titres pour la couleur: Nous sommes tous familiers avec les filtres sur Instagram, qui est une qualité de couleur rapide et facile pour votre contenu, ils enrichissent l'ambiance que la recherche d'une annonce qui possède en plus. Alors regardons ça de plus près. Fantastique. Donc, une fois que vous avez édité l'histoire sur votre timeline et que votre design sonore est correct, il est temps d'ajouter le calibrage. D' accord, mais avant de faire ça, ce qu'on va faire c'est commencer à corriger les couleurs. Et cela permet de s'assurer que les niveaux de toutes les couleurs de votre prise de vue, les réglages et réglages adéquats pour que nous puissions commencer à appliquer le classement sur toutes les séquences. Donc, ce qu'on va faire, c'est naviguer vers la barre de couleurs, onglet couleur. Ensuite, on va ouvrir la portée de la Mettrie. Assurez-vous que vous avez votre parade RGB, il y en a d'autres. Mais pour l'instant, nous allons simplement utiliser la portée nanomètre de parade RGB de base. Donc, ce que nous allons faire est de commencer par aller aux corrections de base et ajuster la température de couleur pour s'assurer que les couleurs sont plus ou moins équilibrées. Ensuite, nous allons nous assurer que les Noirs commencent à s'accrocher ici en bas. Ensuite, nous allons augmenter l'exposition, mais pas trop autour de là. Nous allons ajouter un peu de contraste, faire tomber les ombres, faire tomber vos blancs, et ajouter juste un peu de saturation. Le mujer après va également déterminer ces paramètres ici et quel genre de sensation et de recherche. C' est une scène onirique. Nous essayons donc de le faire paraître aussi coloré et aussi joli que possible. Donc, une fois que vous aurez fait cela, nous allons aller dans les paramètres créatifs ici et nous allons faire quelques ajustements. Donc pour ça, j'aimerais que le ciel soit un peu plus bleu. Donc je vais juste ajuster les faits saillants. Vont ajouter un peu de vibrance. Et lentement, notre image est en train de se rassembler. ce cas, vous pouvez également utiliser ce qu'on appelle vos courbes RVB pour faire un peu de classement des couleurs. Je suggère de se familiariser un peu plus avec les étendues et les paramètres de correction créatifs et de base avant de passer à cela. Comme c'est tout à fait une entreprise, mais très utile. Donc ce sont les couleurs de votre image. Et ceux-ci, et cette ligne est représentative des différents niveaux de ces couleurs. Donc pour le rouge, rouge foncé, et ce sont vos rouges clairs. Pour le bleu, ce sont vos bleus clairs et bleus foncés. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va sélectionner nos marqueurs et qu'on va faire ressortir les points forts du blues. Je vous recommande donc d'expérimenter et de faire quelques recherches sur d'autres fonctionnalités de classement des couleurs offertes par Premiere Pro. Davinci Resolve est également un logiciel fantastique pour calibrer vos histoires. Alors. Donc, une fois que vous avez corrigé la couleur de votre image, ce que vous pouvez faire est de copier cette correction de couleur et vous pouvez la coller sur vos autres photos. Et déjà ça a l'air beaucoup mieux. C' est avant. Et c'est après, non ? Donc, une fois que vous avez corrigé la couleur de tous vos clichés, nous pouvons commencer à ajouter une nuance de couleur. Il s'agit donc d'un look global pour tous les coups de feu. Cliquez avec le bouton droit de la souris dans votre dossier de projet et créez une couche d'ajustement. Faites glisser et déposez ceci dans votre métrage et appliquez-le sur tous vos plans. Ensuite, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons aller dans nos calques de réglage, les paramètres de couleur, aller à la création et aller à la dernière section. Maintenant, beaucoup est un réglage spécifique que les cinéastes vont glisser ou télécharger dans les plans et ajusté pour lui donner un look et une sensation particuliers. Donc ici, nous avons un tas de lots différents que nous pouvons appliquer. Donc, mais ce qu'on peut faire, c'est commencer à faire du vélo ici. Rendons ça un peu plus grand. En outre, les séquences sont plutôt lentes à travailler. Donc, une chose que je vous recommande de regarder est de créer des fichiers proxy. Donc, une fois que vous avez corrigé la couleur, vous avez tourné et vous commencez à parcourir toutes vos nuances de couleur. Ooh, ça a l'air plutôt bien. Donc maintenant, cette calibrée appliquée à u Calque d'ajustement et va maintenant s'appliquer à tous vos coups. Comme je l'ai déjà dit, vous allez devoir le modifier pour obtenir ce vrai look californien ou froid dont vous vous occupez, selon l'humeur et le ton de votre histoire. Et cela devrait prendre un certain temps pour modifier tous les paramètres. Mais n'oubliez pas de commencer par la correction de couleur appliquée d'abord sur tous vos clichés. Assurez-vous qu'ils fonctionnent sur chaque plan en regardant les étendues de Dmitry, puis en créant un Calque d'ajustement et en ajoutant la nuance de couleur pour ajouter des titres à la fin de votre film. Ce que tu vas faire, c'est aller déposer un nouveau titre hérité. Donc, une fois vos crédits ouverts, ce que vous pouvez toujours faire est d'écrire ce que j'aime faire ici est plus grand et c'est plus petit. Et puis avoir cela centré et aussi dans un meilleur fonds. Vous pouvez donc avoir deux options différentes de vos titres ou crédits apparaissant ou appliquer les deux. Ce que vous pourriez faire, c'est que vous pouvez avoir un fondu d'entrée et de sortie. Ou vous pouvez avoir ce qu'on appelle des crédits mobiles. Pour créer des crédits glissants, ajoutez simplement vos deux colonnes, puis assurez-vous de l'aligner vers la droite et de l'avoir un peu au milieu. Copiez coller cela, alignez-le dans l'autre sens et commencez à ajouter vos noms, n'est-ce pas ? Une fois que vous avez ajouté tous les rôles, les noms des personnes impliquées et les différents départements. Ce que tu vas faire, c'est ouvrir les options d'appel en haut à gauche sous le titre. Et vous allez sélectionner la ligne, démarrer hors écran et hors écran, appuyez sur. D'accord. Parce que ce glisser-déposer les crédits à votre chronologie. Et c'est là que vous pouvez ajuster la longueur et la vitesse des crédits de roulement. Mais maintenant, nous voulons que les crédits tournent dans la direction opposée. Alors comment on fait ça, non ? Eh bien, vous allez devoir faire un clic droit ici, imbriqué dans sa propre séquence. Et à partir de là, nous allons cliquer avec le bouton droit de la souris sélectionner la vitesse et la durée, inverser la vitesse, donc il va dans la direction opposée. Maintenant, pour exporter votre clip, ce que vous devez faire est de sélectionner tout ce que vous incorporez dans votre produit fini. Appuyez sur i pour n out. Donc tu peux le marquer là. Accédez ensuite à Fichier Export Media. Par ici. Nous allons sélectionner H.264, qui est le format le plus couramment utilisé en ligne. Nous allons lui donner un débit binaire élevé et c'est aussi facile que d'exporter. Mais avant de le faire, utilisons la qualité de rendu maximale. Et ici, les paramètres du débit binaire détermineront également la qualité ou la quantité d'informations transmises dans l'exportation finale. Une fois que vous avez fait cela, vous devez vous assurer que vous avez votre vidéo finale ici et allez dans le nom de la sortie, sélectionnez l'emplacement et appuyez sur Exporter. Maintenant, cela va prendre un certain temps pour que les fichiers soient rendus en fonction de la durée et de la qualité des images que vous utilisez. Mais une fois que c'est fait, il devrait être situé dans ce dossier. Là, vous l'avez. Vous avez réussi à modifier votre formulaire, mais il est maintenant temps pour le monde entier de le voir. Regardons donc quelques méthodes sur la façon dont vous pouvez le marquer et distribuer votre téléphone. Dans notre prochain chapitre. 21. LOI V : Pyramind marketing: Félicitations si vous avez rempli avec succès votre premier formulaire. Et si vous êtes encore en développement, restez concentré et gardez l'Envision à l'esprit malgré sa mousse. Cela ne signifie pas nécessairement que le travail est terminé. En fait, ce n'est peut-être que le début et il est maintenant temps de l'amener aux yeux et aux oreilles du bon public à travers le monde. Personne ne va regarder votre téléphone s'ils ne savent pas, c'est dehors. C' est le but de la commercialisation et de la distribution. Vous devez manifester une raison pour que les gens prennent leur temps précieux pour le regarder. Pour cela, nous allons envisager de développer une nouvelle pyramide marketing. Cela vous aidera, que vous teniez toujours d'obtenir du financement et du soutien pour votre scénario ou que vous vouliez assister à des festivals de cinéma. En haut de votre pyramide se trouve le titre, le seul mot qui convient à tous, faisant généralement allusion à un symbole de caractère ou à un thème dans votre image. Ci-dessous, c'est votre slogan. Et cela devrait être un slogan excentrique ou un slogan qui clarifie une idée ou crée un effet dramatique. Il peut faire référence à une intrigue, expérience ou à une phrase dans le film. Quelques bons exemples sont Ghostbusters que vous allez appeler Jaws. Tu n'iras plus jamais dans l'eau. Monster Inc. nous avons peur parce que nous nous en soucions. La réalité matricielle est une chose du passé. Ci-dessous, c'est votre logline. Voici un bref résumé de vos genres conceptuels, histoire, personnages et intrigue, le tout enveloppé en une ou deux phrases. Une formule qui peut généralement aider est un, décrire votre protagoniste avec des adjectifs forts pour donner à votre protagoniste un objectif clair. Trois, essayé d'augmenter les enjeux et pour essayer de faire usage de l'ironie où vous pouvez, quelques exemples, la matrice, un jeune pirate informatique aux serveurs que notre monde est une réalité virtuelle créée par des machines intelligentes pour asservir l'humanité. Maintenant, il doit se joindre aux humanités, lutter contre les machines et sauf son nouveau rôle de leader de la résistance. Assez simple, non ? Seigneur des Anneaux, un jeune Hobbit Frodon, qui a trouvé l'unique anneau qui appartient au Seigneur des Ténèbres Sauron, commence son voyage avec huit compagnons à la montagne, Le seul endroit où il peut être détruit. C te fait accrocher tout de suite. Les meilleures lignes de log prennent plusieurs brouillons et beaucoup d'expériences. Assurez-vous donc que vous consacrez un peu de temps à cela. Voici votre synopsis. La meilleure façon de décrire un synopsis est qu'il s'agit d'une nouvelle pour votre film. Concentrez-vous sur le conflit fondamental. Utilisez des visuels forts, directement dans le présent. Mettez en surbrillance le genre que vous utilisez. Décrivez vos personnages, votre personnage , votre arc et leur évolution. Essayez de diviser l'histoire en trois à cinq paragraphes et ne soyez pas timide pour inclure des spoilers. Il devrait s'agir d'une histoire complète pour les sélecteurs du festival et les fonds par téléphone, téléphone et téléphone. Maintenant, vous avez votre pyramide marketing pour soutenir votre entreprise là où elle doit aller. Si vous l'avez terminé, examinons certains documents de presse que vous pouvez ajouter pour la sortie de votre téléphone. 22. LOI V : Matériel de presse: Communiqués de presse, affiche. Ce n'est pas lui-même, devrait être une œuvre d'art qui attire l'attention et suscite la curiosité. Il devrait contenir le titre de votre mousse et des images qui mettaient en valeur les personnages centraux de l'histoire. Vous pouvez également incorporer d'autres iconographies que vous utilisez dans le film et dans le coût de vos rôles principaux, votre slogan et d'une date de sortie. Si vous avez ceux au bas de votre affiche en ajoutant d'autres détails sur les réalisateurs, producteurs, écrivains, Costas, concepteurs de costumes, concepteursde production et éditeurs du studio principal producteurs, écrivains, Costas, concepteurs de costumes, concepteurs . Je recommande d'utiliser le plaisir suivant pour cette affiche de film grand, sombre et beau, ou SF. Si vous filmez a été créé un Festival et, ou gagné des prix, vous pouvez également les inclure dans de petites parenthèses. Trailer, ceci devrait être une vidéo d'une à deux minutes expliquant l'essence de votre film. Ça devrait être une histoire forte seule. Nourrissez l'appétit de votre public, menez vos meilleurs moments, tels que le dialogue intrigant et les faits saillants de l'action, mais ne donnez pas de spoilers qui révèlent vos actes finaux. Identifiez ce qui rend votre téléphone spécial et mettez en évidence ces moments. rythme est tout dans le métier en tant que tel, assurez-vous de garder un rythme cohérent que vous vous déplacez entre les actes résumés de la pleine. La partition musicale dont vous faites également usage est l' un des éléments les plus critiques de votre bande-annonce. Les effets sonores lourds tels que les sentiments cinématographiques, IDS peut également améliorer la bande-annonce et ils peuvent facilement être trouvés en ligne. C' est une excellente idée d'organiser une table ronde animée par un journaliste avec vos principaux rôles, producteurs, écrivains et réalisateurs, assurez-vous que des questions réfléchies ont été formulées. Ainsi, une discussion organique peut être évoquée autour de l'inspiration, jeu et des méthodes de production et des espoirs futurs du projet dans les coulisses. Les grands fans de votre projet de film aimeront également mesurer travail acharné et les efforts qui ont été déployés dans la production. Alors assurez-vous que de temps en temps, quelqu'un peut être responsable de cela, pour enregistrer ce qui se passe sur le plateau autour la scène en interviewant les gens et en capturant la réalisation de tout cela. Avis. Une façon de savoir si votre film est aussi bon que vous l'espériez est de demander aux blogueurs, écrivains et autres journalistes des critiques honnêtes, que vous pourrez ensuite partager. S' ils font la coupe. heure actuelle, vous savez, quoi avez-vous besoin pour construire le buzz et pour amener les gens à monter sur le Hype Train. Il est temps d'y aller et d'examiner les voies de distribution que vous pouvez prendre. 23. ACTE V : Distribution: Une fois que vous avez compilé votre matériel de presse, vous devez élaborer une stratégie pour votre film. mousse de créature comme une entreprise. Attirer l'attention, créer l'intérêt et le désir, et amener les gens à agir en le regardant. Sortez votre affiche et votre bande-annonce bien avant la publication et publiez vos entrevues et commentaires après la publication. La meilleure chose pour commencer est d'organiser une première dans votre cinéma local et de vendre des billets pour cela. Invitez toute votre équipe de production et demandez-leur d'inviter autant de personnes que possible. Et c'est aussi une excellente idée d'envoyer des invitations à d'autres professionnels de l'industrie près de chez vous. Cela permet de nouer des relations plus solides avec des partenaires potentiels et de créer des occasions de projets futurs et de collaboration. Une fois que vous êtes devenu local, il est temps de passer à l'échelle mondiale. Et l'un des meilleurs itinéraires est de soumettre votre travail à un site appelé film freeway.com. Ici, vous pourrez postuler à plus de 9 mille festivals différents. Je vous recommande de créer un calendrier annuel de tous les festivals que vous souhaitez voir afficher votre photo. Et j'en ai joint un ci-dessous. Mais notez que les dates peuvent varier. En outre, différents festivals recherchent différents thèmes de genres pour leur programme. Alors assurez-vous que vos costumes cela. Vous ne pouvez pas faire voir votre comédie d'action dans un festival de conservation de la nature. Les festivals sont également fantastiques à atten, vous obtenez de regarder des formes incroyables là-bas qui sont rarement entendues. Vous rencontrerez également des personnes partageant les mêmes idées avec lesquelles vous pourrez rester en contact. Vous ne savez jamais si vous allez être un prêt de main ou leur production ou les prêter mains dans votre production. De là, il sera vu par des milliers d'yeux, probablement ramassé par un distributeur de téléphone pour l'héberger sur leurs plateformes. Et cela peut être n'importe qui de Netflix show, Max Hulu, Amazon Prime dans n'importe quel autre. Une fois que vous aurez ouvert les portes, des opportunités futures pourront suivre. Alors assurez-vous d'avoir une idée de ce que votre prochain projet pourrait ressembler si tout reste échoue et que votre projet n'est pas repris par le festival aux distributeurs, c'est bon. Il y a YouTube et Vimeo, ou toujours des options à considérer et vous pouvez le promouvoir là-bas. On ne sait jamais si ça va devenir virale. Et votre premier formulaire est là pour vous familiariser avec l'ensemble du processus. Et au fait, je craque quand je vois mon premier plein. Alors, attendez toujours avec impatience à l'avenir. Pratique rend parfait. Alors filmez, montez et regardez autant de films que vous le pouvez. 24. LOI V : Quoi suivant ?: Les gars, ce cours a été un plaisir absolu à enseigner et j' espère sincèrement que vous avez beaucoup appris sur le cinéma et la vie en général. Espérons que les informations que vous avez acquises au cours de la dernière heure et un peu, nous vous donnerons un coup de main lorsque vous entrez dans le monde du téléphone avec de nouvelles connaissances, techniques et compétences à appliquer, n'oubliez pas de toujours garder un esprit ouvert et de chercher de nouveaux des expériences qui inspireront travail original et innovant avec un nouveau message ou une nouvelle perspective que vous avez acquise et que vous avez aimé communiquer avec le monde. Ne doutez jamais de la valeur de votre intégrité artistique et persistez toujours avec les patients et la passion. L' argent, la renommée, le respect suivront après ça. Donc, cela nous amène à la fin du cours et j'aimerais en savoir plus sur vos projets ou même les voir. Ne sois pas timide de me faire passer un message sur Instagram, David dot Rashidun, IG. Je suis toujours là pour prêter une oreille et en main. Ce qui serait aussi vraiment utile, c'est si vous laissez un commentaire gentil ci-dessous et que vous recommandiez ce cours à l'un de vos autres amis qui se font des films. Et il a fondé utile et utile. Jusqu' à la prochaine fois. C' est une pellicule.