Storyboard pour l'animation

1. Intro: Storyboards. Qu'est-ce qu'ils sont ? Un storyboard est essentiellement une grande bande dessinée d'un film. Il résume les scènes clés dans une animation, plan par plan. Salut. Je suis Sue, et je suis un artiste de storyboard freelance et illustrateur. Dans ce cours, je vais vous guider à travers les étapes de la création d'un storyboard et ensemble, nous trouverons la meilleure façon de raconter votre histoire. Vous pouvez dessiner vos tableaux dans Photoshop, Storyboard Pro ou n'importe quel programme d'adhésion. En fait, un crayon et du papier fonctionnent très bien. La partie importante n'est pas le médium, mais le storyboard lui-même. Je vais créer un storyboard à vos côtés, alors continuons ce voyage ensemble. Vous regarderez votre histoire ou votre scénario et je vous apprendrai à comprendre quel est le thème principal de l'histoire. Ensuite, vous collecterez des références pertinentes et je vous enseignerai les principes du storyboard. Vous découvrirez ce qu'est un tableau de rythme et nous les dessinerons, puis je vais passer en revue la terminologie du storyboard que vous aurez besoin de savoir pour faire vos vignettes, dessiner votre brouillon, puis le réviser, et enfin dessiner le nettoyé la version de votre storyboard final. Ce cours est idéal pour tous ceux qui ont une idée d'histoire existante qu'ils veulent transformer en animation ou ceux qui veulent apprendre quoi que ce soit sur le stroryboard par exemple. Ces compétences peuvent également être appliquées à la création de bandes dessinées animéthiques ou de bandes dessinées. À la fin de la classe, les élèves auront les outils et les connaissances nécessaires pour créer des storyboards efficaces basés sur le thème de leur histoire. Pour ceux qui n'ont pas d'idée d'histoire existante, pas de soucis, je vais fournir un lien vers une version de l'histoire, The Emperor's New Clothes. N' hésitez pas à réinterpréter et à adapter cela comme vous le souhaitez. Alors commençons. 2. Trouver le thème principal: Bon, maintenant, parlons de scripts. Dans cette leçon, je vais vous apprendre comment identifier votre thème principal et comment le montrer à votre storyboard. D' abord, vous devriez avoir votre histoire de base prête. Vous pouvez le transcrire dans un format de script si cela vous facilite la lecture, mais ce n'est pas nécessaire. Ensuite, j'analyserai un clip de haut en haut et je vous enseignerai les leçons que nous pouvons tirer de la façon dont Pixels traduit son thème d'histoire de script en ses visuels. Je terminerai la leçon en vous montrant mes propres scripts et en parlant de ce que j'ai l'intention de faire. Ensuite, je vous donnerai votre mission à la fin de la leçon. Je ne suggère pas que vous commenciez par une histoire très compliquée avec de longues complots. Surtout si c'est votre premier storyboard. Je serais moi-même en train de créer une histoire simple et j'ai déjà écrit un script. Il s'agit de deux sœurs, Z et J. qui essayent de faire un gâteau d'anniversaire pour leur mère. Pour ceux qui utilisent une histoire que j'ai fournie, ils embrassent de nouveaux vêtements.Vous pouvez changer votre histoire de la façon que vous voulez et la réinterpréter dans votre propre script. Nous allons analyser ce clip à partir du haut, qui a été posté par pixels canal officiel YouTube. Je publierai le lien ci-dessous sous Ressources. Je vous suggère de vérifier vous-même après cette leçon. J' ai également fourni un lien vers un guide sur la façon de formater votre script. Maintenant, vous n'avez pas nécessairement besoin de réécrire votre histoire dans un format de script. Mais si vous choisissez de le faire, ne vous obsédez pas trop. Il suffit de l'écrire d'une manière afin que vous compreniez ce dont vous avez besoin d'histoire d'une scène à l'autre. Juste en vous faisant savoir qu'il y aura des spoilers à venir, mais ce n'est rien qui gâchera l'expérience de regarder le film à mon avis. Le scénario détaille la vie de Carl et Ellie. Ce clip compare le script aux visuels finaux que nous voyons dans le film. Le thème central de Up, à mon avis, est de se souvenir mais aussi de passer du passé afin que vous puissiez être ouvert à l'amour de nouvelles amitiés et vivre de nouvelles aventures dans la vie dans le présent. Mais comment pouvons-nous le savoir ? Quand nous regardons à travers le script, nous voyons décrit Carl et sa relation. Il montre à quel point nos personnalités sont contrastées, comment elles ont commencé ensemble, se marier, venant de deux milieux très différents. Ensuite, nous voyons comment ils vivent ensemble. Comment leurs différences se complimentent les uns les autres.Nous voyons comme ils passent par les moments heureux et les moments difficiles. Après qu'ils ont tous les deux découvert qu'ils ne peuvent pas avoir d'enfants, Ellie a le cœur brisé, mais Carl lui rappelle l'aventure qu'elle voulait avoir quand elle était enfant. Ils travaillent vers une nouvelle motivation.Paradise Falls. Ils vont pour la motivation de vouloir avoir une aventure ensemble. Ils essaient tous les deux d'économiser pour ça. Mais maintes et maintes fois, les choses échouent et ils trouvent qu'ils doivent continuer à dépenser de l'argent pour d'autres choses. Cela montre qu'ils ont des difficultés à essayer d'atteindre leur objectif. Mais vous pouvez voir d'après la séquence qu'ils sont encore heureux ensemble. Il atteint un point où ils vieillissent ensemble, heureux et unis. Mais comme ils nettoient un jour, Carl tombe sur une vieille photo d'Ellie. Il se rend compte que leur rêve originel n'a pas été réalisé et il pense qu'il a échoué Ellie. Carl essaie de réaliser le rêve d'Ellie en achetant des billets pour l'Amérique du Sud, mais malheureusement, Ellie tombe malade et meurt avant qu'il ne parvienne à lui apporter ce rêve. À la fin de la vie d'Ellie, elle lui transmet le livre d'aventure. Carl a le coeur brisé. Tout au long du film, cela signifie qu'il ne pouvait pas supporter de regarder à travers le livre d'aventure jusqu'à la fin à cause de la façon dont il lui rappelle comment il n'a pas apporté Ellie son vrai rêve. Toute cette séquence pose la question que Carl a dans son cœur : qu'il a échoué Ellie et qu'il ne sait pas s'il peut réaliser le rêve d'Ellie. Il passe le film à faire sa propre aventure, découvrir par lui-même que l'aventure qu'il a donnée à Ellie était en fait assez. Cette question est enfin résolue vers la fin du film quand Carl regarde le livre d'aventure jusqu'à la fin et croise des pages qu'il ne pouvait pas supporter de regarder à travers avant. Il voit les derniers mots d'Ellie à lui, » Merci pour l'aventure. Maintenant, allez en avoir un nouveau. » Cela répond à la question que Carl avait dans son cœur depuis le début. Il apporte le film plein cercle. La configuration au début et la réponse révélée vers la fin du film établissent le thème principal de Up : passer du passé tout en se souvenant et en prenant soin des gens qui faisaient partie de votre vie. Vous pouvez être ouvert à la formation de nouvelles amitiés et à l'expérience de nouvelles aventures. Up établit l'amour de Carl et Ellie les uns pour les autres dès le début du film avec une touche de vie conjugale pour connecter une touche de vie conjugale pour connecterle public à ces personnages. En terminant le montage avec la mort d'Ellie et en montrant clairement les regrets de Carl pour avoir perdu la trace de leur rêve original. Il explique pourquoi Carl est devenu si proche de profiter de nouvelles expériences et d'amitiés avec de nouvelles personnes pour le reste du film. Cela renforce la fin parce qu'il fournit une réponse à Carl, ainsi qu'au public, que lors des aventures d'Ellie avec lui était suffisant et marteaux maison le thème principal de l'histoire. Le script de Up l'exemple d'écran nous le dit. En analysant le début et la fin de votre script, vous pouvez trouver le message qui lie les deux. Ce que cela transmet est votre thème principal de l'histoire. Pensez à la façon dont vous pouvez configurer votre thème principal en donnant à votre public une question à laquelle vous répondrez plus tard à la fin de l'animation qui soutient et montre pleinement le thème principal de vos histoires. Pour mon storyboard, je sais qu'il va mettre en vedette les deux sœurs, Z et J, et comment elles ont du mal à faire cuire un gâteau d'anniversaire pour leur mère. Maintenant, ce sont les événements qui se produisent dans le script. Mais quel est le thème principal de l'histoire ? Le thème principal que je sais que je veux transmettre au public est d'apprécier les membres de votre famille et d'essayer de se comprendre et de se soutenir mutuellement dans les moments difficiles. Maintenant, c'est un simple complot et c'est un message très simple. Mais ce qui compte vraiment, c'est la façon dont vous le transmettez dans votre storyboard. Je vais vous laisser lire votre script et trouver votre thème principal de l'histoire. Tout le meilleur. Après cela, revenez pour la prochaine leçon, où nous allons apprendre à collecter des références pertinentes. 3. Rassembler des références: Parlons de la collecte de références pertinentes. Dans cette leçon, je vais parler de comment et où obtenir des références pertinentes, que ce soit en ligne ou dans la vie réelle. Je vais également vous parler de ce concept art que vous devriez avoir prêt avant de commencer à dessiner quoi que ce soit et de ce que les références de narration devraient obtenir en fonction de votre thème principal de l'histoire. La plupart de mes références en ligne sont collectées sur Pinterest et YouTube. Je regarde également d'autres références de Google ou d'autres blogs spécialisés en fonction du sujet sur lequel j'ai besoin de référence. J' aime Pinterest parce que vous pouvez le classer assez bien. Vous pouvez créer différents mood-boards, et c'est presque comme un dossier qui contient plusieurs images différentes. J' ai créé différents mood-boards basés sur les différents personnages qui sont dans mon storyboard. Les différents paramètres d'arrière-plan, ainsi que les différents appareils et objets que je ne sais peut-être pas nécessairement dessiner sans référence. Après avoir recueilli vos références, vous devriez commencer à dessiner vos concepts artistiques si vous ne l'avez pas déjà fait. Vous avez besoin de dessins de personnages et de dessins d'arrière-plan. Les deux n'ont pas à avoir l'air fini, ils peuvent être laissés non colorés, et vous pouvez même les laisser dans un format d'esquisse si vous le souhaitez. Ce qui est important pour les dessins de personnages, c'est que, il est clair à quoi ressemblent les personnages, et la taille des personnages les uns par rapport aux autres. Vous pouvez dessiner dans un format d'échelle comme celui-ci. Comme vous pouvez le voir, mon dessin d'arrière-plan est à peu près un croquis et il montre également clairement ce qui se trouve dans l'environnement sans vraiment aller par-dessus bord des détails. Il a également aidé à adapter vos conceptions de personnages à l'intérieur de l'environnement dans un calque séparé afin que vous sachiez la hauteur de vos personnages par rapport aux éléments d'arrière-plan et aux objets qui se trouvent autour. En plus d'avoir conçu l'environnement de fond, j'ai également dessiné une vue d'oiseau de la mise en page. C' est comme un plan architectural qui vous aide à résumer la conception des environnements à ses parties de base. La forme globale des environnements, les objets et l'endroit où ils sont placés, et comment tout serait placé les uns contre les autres. Cela aide vraiment beaucoup lorsque vous êtes en storing, car il peut être facile de se perdre dans l'endroit où placer votre appareil photo lorsque vous dessinez scène à scène. Si vous ne trouvez pas la référence dont vous avez besoin en ligne, je vous suggère d'essayer de les créer dans la vraie vie, vous pouvez soit poster vous-même et prendre une photo ou vous pouvez demander à un ami ou un membre de la famille de poser pour vous. Je ne pouvais pas non plus trouver une photo d'une fleur dans un angle précis que je voulais. J' ai pris une photo dans cet angle quand je me promenais dans le parc. Je recueille également des références de YouTube et les organise en différentes listes de lecture. Cette playlist est en fait exclusivement réservée aux papillons qui volent parce qu'il y a un papillon dans mon storyboard qui joue un rôle important. J' essayais de comprendre comment les ailes batteraient réellement pour que je puisse storyboard efficacement ? Les autres références que vous pouvez collecter sur YouTube proviennent de films, séries ou de tout court métrage qui y est téléchargé. La collecte de ces références est importante parce que vous voulez savoir quel type d'humeur et de ton vous allez définir pour votre storyboard. Par exemple, si votre histoire se concentre principalement sur le drame avec un élément de comédie à l'intérieur aussi, je vous recommande de regarder les clips de Coco ou Song of the Sea, si elle est destinée à ses enfants. Si votre storyboard est plutôt un drame direct qui est encore pour les adultes, alors je vous recommande de référencer des clips de Persepolis ou Grave of The Fireflies. Vous pouvez également trouver vos références de storytelling dans Netflix ou dans toute autre plateforme vidéo que vous pouvez imaginer. J' ai organisé différentes playlist YouTube selon différents genres pour vous les gars de se référer dans les ressources. Si les liens que j'ai fournis ne conviennent pas à votre thème principal, alors n'hésitez pas à rechercher vos propres liens de référence sur YouTube, Netflix ou tout autre site Web de streaming vidéo. Bon gars, alors maintenant nous savons quelle référence pertinente à collecter en ligne et dans la vie réelle et quel genre d'art conceptuel nous avons à dessiner avant de commencer à storyboard. Amusez-vous à la recherche de références et revenez plus tard pour en apprendre davantage sur les principes du story-board. 4. Principes de la narration : narrations: Bienvenue de retour. Maintenant que nous connaissons notre thème principal, avons déjà nos références et notre concept, entrons dans les principes du storyboard. Les principes du storyboard que je vais aborder seront la narration, clarté, la règle de 180 degrés, la composition et la continuité. Dans cette leçon, je vais me concentrer sur la narration. Plus tôt, nous avons discuté de trouver notre thème principal, et j'ai abordé un peu la narration là-bas. Mais je veux parler en profondeur des visuels que vous pouvez dessiner et comment adapter votre storyboard pour soutenir votre thème principal. Tous les liens sont disponibles sous Projets et Ressources comme toujours. Maintenant, analysons la narration dans ces deux clips. L' un vient de Coco et l'autre de Up. Commençons par Coco. Juste en te faisant savoir qu'il y aura des spoilers à venir. J' ai choisi Coco comme l'une de mes principales références de storyboard. C' est principalement parce que mon propre thème d'histoire est similaire à celui de Coco, et la façon dont ils dépeignent leur thème est si efficace, surtout dans cette scène pivotante. Dans cette scène, Miguel essaie de faire en sorte que sa grand-mère Coco se souvienne d'un membre de la famille qui est passé, afin que leur esprit ne disparaisse pas. À mon avis, le thème de Coco est le suivant : se souvenir du passé afin que vous puissiez en apprendre et apprécier et écouter les uns les autres quand vous êtes de la famille, ne laissant personne derrière. Le but de cette scène est de ramener la mémoire de Coco, mais je pense que le plus important est la façon dont ils ont montré leur thème principal à travers la scène. Comment ont-ils soutenu ce thème dans leur storyboard ? Au début de la scène, Miguel court désespérément en essayant d'aller voir son arrière-grand-mère Coco, mais il est arrêté par son abuela. Il parvient à entrer dans la pièce où Coco est et ferme son abuela dehors. Il essaie de lui faire se souvenir, mais elle ne peut pas. Miguel a le cœur brisé. Juste après sa tentative ratée de faire se souvenir de son arrière-grand-mère, son abuela débarque dans la pièce avec ses parents. Ses parents sont d'abord en colère, mais quand ils voient les larmes de Miguel, ils l'embrassent à la place. Regardez maintenant comment le storyboard est vu. Quand Miguel se rend compte que son Coco ne se souvient pas, il reculera et une caméra suit son expression, s'éloignant de Coco, se concentrant uniquement sur lui. Ce mouvement de caméra isole Coco de Miguel parce qu'elle ne se souvient pas et ne peut plus se connecter avec lui maintenant. De la façon dont ils ont construit ce plan, vous pouvez toujours voir clairement que Miguel est le centre de concentration. Mais vous pouvez également voir clairement les membres de la famille débarquer par derrière, de sorte que le public sache que les membres de sa famille entrent sur la scène. Pourtant, il reste sur l'expression de Miguel comme l'objectif principal pour que vous puissiez voir à quel point il est brisé. Quand Miguel interagit avec ses parents et pleure, vous ressentez le moment parce qu'il persiste sur l'expression de Miguel et montre aussi clairement que ses parents l'étreignent et essaient de le réconforter. Puis une caméra montre son abuela en parlant à Coco et en disant à Miguel de s'excuser auprès d'elle. Dans les prochaines scènes, Miguel obtient enfin son arrière-grand-mère Coco de se souvenir du membre de la famille perdu en chantant et en jouant de la guitare. Comment est la configuration ? Juste après ça, il y a le plan de la guitare que Miguel a apporté dans la pièce. Le plan de la guitare et l'expression de Miguel met en scène que Miguel va commencer à chanter pour essayer de lui faire se souvenir. Quand Miguel commence à chanter et à jouer de la guitare, le tournage se concentre exclusivement sur Miguel et Coco. Cela réduit brièvement pour montrer l'objection d'Abuela et son père la retient. Aussi, des coupures pour montrer que les autres membres de la famille sont maintenant là à regarder Miguel chanter à Coco. Cependant, pour la plupart des autres scènes, il se concentre principalement sur Miguel et Coco car ce sont eux qui portent le thème principal de l'histoire. Ils sont aussi les seuls à connaître personnellement le membre de la famille qui est décédé. Le moment où Coco commence à se souvenir est un moment crucial, sorte que la caméra commence par montrer les mains tremblantes de Coco qui tournent vers ses yeux, commencent à retrouver la mémoire. Il réduit ensuite pour montrer les réactions des membres de la famille parce qu'ils en font partie aussi. Cependant, ils ne sont pas au centre de cette scène, donc le reste des scènes se concentre principalement sur Miguel et Coco et sur la façon dont ils se lient et se connectent sur la mémoire de leur bien-aimé perdu. À la fin de la scène, Coco se souvient et tout va bien. Toute la séquence s'achève avec Miguel embrasse Coco et les autres membres de la famille dans le plan, montrant enfin toute la famille unie. analysant une séquence dans Coco, je peux apporter ce que j'ai appris dans mon propre storyboard. Parce que mon storyboard se concentre exclusivement sur deux personnages, Z et J, je peux me concentrer sur la dynamique de leur sœur en appliquant ce que j'ai appris dans Coco. Maintenant que nous avons analysé Coco, analysons Up. Maintenant, j'ai déjà analysé ce clip dans la leçon 1 quand nous trouvions notre thème principal. Mais ici, je veux me concentrer sur les visuels et les plans répétitifs que cette séquence utilise pour bien mettre en valeur leur thème principal de l'histoire, et comment ils ont mis en place la séquence de sorte qu'elle soulève la question que Carl a tout au long du film, peut-il donner à Ellie la dernière aventure qu'elle mérite ? Dans le montage de la vie conjugale d'Up, ils utilisent la répétition pour montrer le passage du temps dans leur relation. Si vous reregardez le montage, il y a plusieurs prises de vue qui se répètent. Par exemple, le plan de Carl et Ellie grimpant sur la colline herbeuse, les coups de Carl et Ellie regardant les nuages, et le plan d'Ellie mettant les cravates de Carl. La photo de Carl et Ellie qui remontent la colline herbeuse apparaît pour la première fois juste après que Carl et Ellie se soient mariés. Carl a du mal à grimper sur la colline alors qu'Ellie est déjà au sommet parce qu'elle est si énergique. Cette scène réapparaît vers la fin quand Carl et Ellie remontent la colline. Seulement cette fois, Carl est celui qui est sur le dessus excité de donner à Ellie les billets d'avion qu'il a obtenus afin qu'ils puissent enfin avoir leur aventure. Mais Ellie est montrée tomber, et Carl se précipite à son secours. Il y a un repère visuel qui prélude à la scène suivante où Ellie est dans son lit d'hôpital donnant à Carl ses derniers mots. Ces indices visuels font également que le public associe inconsciemment la colline herbeuse au début et à la fin de leur histoire ensemble. La scène d'observation des nuages se produit également deux fois parce que la première fois, c'était juste pour montrer Carl et Ellie s'amuser. La deuxième fois est montrée quand Carl et Ellie veulent avoir un bébé ensemble et ils le réalisent en regardant les nuages. La dernière répétition que Up utilise est la répétition d'Ellie qui aide Carl à mettre ses liens. Chaque moment où ils font cela montre clairement Carl et Ellie se sont mariés heureux. Il installe le reste du film où Carl doit réaliser à travers sa propre aventure qu'Ellie était déjà heureuse de sa propre vie avec lui. Alors laissez ces méthodes de mettre l'accent sur le thème principal de l'histoire vous apprendre à mettre en valeur le vôtre. Relisez votre script et déterminez sur quels personnages et sur quelles relations de caractère vous souhaitez vous concentrer, et sur quel point de l'histoire aimerait mettre en évidence. Après cela, vous pouvez revenir et je vous apprendrai le côté technique du storyboard ; comment créer de la clarté dans vos storyboards. 5. Principes de la Storyboarding: : clarté: Apportons un peu de clarté dans cette leçon. Dans cette leçon, nous allons apprendre à rendre nos storyboards clairs afin que notre public sache ce qui se passe et que les animateurs sachent exactement comment animer chaque scène. Je vais vous apprendre en montrant et en analysant un exemple clair d'un storyboard. Alors je vais vous en montrer une mauvaise et vous expliquer pourquoi ce n'est pas clair. Il y a plusieurs façons de rendre votre storyboard clair. L' une des façons est de s'assurer que dans chaque scène de votre storyboard, il ne se concentre que sur un mouvement majeur. Voici un exemple. Dans cette séquence, J fait fondre le chocolat et ne réalise pas que le gâteau brûle en arrière-plan. Quand elle et Z réalisent et sortent du four, il est déjà brûlé à un croustillant. Puis leur chocolat prend feu. Bien que J fasse une action et que quelque chose se passe derrière elle, nous nous concentrons seulement sur chaque action une à la fois. Chaque élément introduit est également introduit étape par étape seulement. Scène 1. J casse le chocolat pour le faire fondre dans un bol. Scène 2, J commence à faire fondre le chocolat en le remuant répétitivement sur une casserole. Ce n'est qu'après avoir vu J faire fondre le chocolat qu'on voit la fumée venant de l'extérieur. Après avoir vu la fumée, on voit le papillon voler en avertissant J du gâteau qui brûle dans le four. Le papillon vole hors de l'écran. Parce que notre attention est déjà sur le côté gauche de l'écran, quand Z vient courir avec le papillon, notre attention est immédiatement sur elle. Quand elle sort le gâteau du four, la caméra la suit et J. Ils ouvrent la porte du four et sont couverts de fumée. Scène 3. La révélation de leur gâteau brûlé. Cette scène est importante parce que nous devons montrer à quel point ce gâteau est irrécupérable, afin que nous sachions pourquoi Z et J ont l'air si déçus dans la scène suivante. Scène 4. Z et J regardent tristement le gâteau. Ensuite, le chocolat prend feu. Le chocolat ne prend feu qu'après avoir vu les expressions déçues de Z et J. C' est important parce que nous devons établir quelles émotions négatives Z et J ressentent avant de montrer l'incident final. Maintenant, si une séquence montrait tout ce qui se passait exactement en même temps, ça ressemblera à ceci. La scène aura l'air déroutante et le public ne saura pas quoi regarder. Une autre chose à noter est que tout cela s'est produit dans une scène dans cet exemple, donc nous ne comprenons pas le contexte que J fait fondre le chocolat dans la scène avant, et nous ne voyons pas non plus le résultat du gâteau brûlé. De cet exemple peu clair, nous pouvons également voir que l'action principale est coupée en partie, ce qui ajoute à la confusion. Rappelez-vous qu'il est normal de faire des erreurs surtout dans l'étape initiale des vignettes. Je vais vous suggérer de lire votre script et de tout miniatures en premier, sorte que vous ayez vos idées initiales là-bas. Vous pouvez toujours vérifier les erreurs et les modifier dans votre brouillon brut. Mais ne faites pas de vignettes pour l'instant, parce que nous avons encore trois principes de storyboard à faire. Ensuite, il y a une leçon sur la règle des 180 degrés. 6. Principes de la narration : règle 180°: Quelle est la règle de 180 degrés ? La règle de 180 degrés stipule que deux personnages doivent conserver la même relation gauche et droite l'un par rapport à l'autre dans le film. Disons qu'il y a deux personnages et qu'il y a une ligne entre eux. Imaginons que Z et J sont le personnage en question. Dans cette section, l'arrière-plan se compose de compteurs, le dessus des trucs, des pots, casseroles accrochées sur le rebord de la fenêtre et la porte dérobée, et une frange sur le côté droit. Dans cette section sur le fond, il y a plus de comptoirs, un évier, des murs , les armoires de plafond, le couloir , la porte de la cuisine, et les franges sont sur le côté gauche. Je vais vous montrer deux exemples. L' un suit la règle de 180 degrés, l'autre pas. Commençons par celui qui le fait. Dans cette séquence, j'ai embarqué Z et J sont montrés avoir une conversation. Si vous remarquez, Z est à droite et J est toujours à gauche de Z. Un arrière-plan que nous voyons comme un public est seulement de cette section de la ligne. qui veut dire que notre point de vue ne passe jamais au-delà du frigo, ni au-delà du four et du rebord de la fenêtre. Voici un exemple de violation de la règle de 180 degrés. À partir de cette séquence, nous pouvons voir que le public sera tout aussi confus que nous le sommes lorsqu'il le regarde. La raison en est que Z et J continuent de changer de lieux entre eux et l'environnement continue de basculer. Cela est dû à la façon dont la caméra ou le point de vue de l'audience continue de regarder d'un côté à l'autre de la ligne. Ce qui signifie que nous continuons à voir une partie différente de l'arrière-plan et Z et J retourneront constamment entre la gauche et la droite. Cela fait que le public ne sait pas où se trouvent les personnages les uns par rapport aux autres, où ils sont et leur environnement. Maintenant, il y a en fait quelques façons de briser clairement la règle des 180 degrés. Une des façons de le faire est de montrer pourquoi personnage franchit littéralement la ligne d'une manière claire. Là, vous voyez les personnages changer leur relation gauche, droite les uns aux autres. Voici un exemple tiré d'un vieux storie que j'ai dessiné où deux personnages se battent et la règle de 180 degrés est enfreinte. Mais il est brisé d'une manière où les positions des personnages sont encore claires pour le public. Dans cette séquence, la caméra est repositionnée pour montrer le personnage venant de derrière. Repositionner le point de vue ou la caméra du public afin de montrer la relation gauche et droite changeante entre eux. Voici un autre exemple de violation claire de la règle de 180 degrés. Cette séquence montre J et Z essayant de suivre un tutoriel de cuisson sur leur téléphone. Il commence par un plan neutre, qui est un plan qui montre un sujet ou un personnage d'une manière neutre qui n'a pas de relation solide à gauche et droite établie entre les personnages dans leur arrière-plan. Bien que cette scène établisse Z à gauche et J à droite. Un plan neutre placé juste après cette scène nous permet de rétablir leur relation gauche et droite l'un avec l'autre dans la scène suivante. Cela aide également à voir Z et J sortir de l'écran pour quitter la table. Ce qui implique qu'ils seraient à la recherche d' articles de plusieurs armoires et tiroirs différents. Quand ils reviennent à l'écran, le public ne se demande pas pourquoi ils revenaient de différents endroits d'où ils étaient partis. Ils ont mis en place un plan neutre entre les deux afin que lorsque vous revenez aux personnages, vous puissiez rétablir leur relation gauche et droite les uns avec les autres. Soit cela, soit vous pouvez montrer un nouveau coup d'établissement, puis il coupe à une scène, rétablissant leur relation gauche-droite avec leurs positions modifiées de la scène qui a été montrée avant le coup d'établissement. Maintenant que vous savez quelle est la règle des 180 degrés, pourquoi ne pas regarder des spectacles et des films et comprendre quelle façon ils ont suivi cette règle ou de quelle manière ils l'ont enfreint, ce qui fait encore comprendre pourquoi le public les personnages sont en relation les uns avec les autres et dans leur environnement. Après cela, revenez et nous apprendrons ce qui fait une bonne composition dans la prochaine leçon. 7. Principes de la Storyboarding: : Composition: Qu' est-ce que la composition de toute façon ? Dans cette leçon, nous allons apprendre ce qu'est la composition, comment faire une bonne composition, et quels pièges à éviter lors de la composition de tous les plans. Je vous enseignerai en vous montrant des exemples de grands artistes et en vous montrant quelques-uns de mes propres dessins, ceux qui fonctionnent et ceux qui ne fonctionnent pas. Alors, qu'est-ce que la composition ? La composition est la façon dont les éléments à l'écran apparaissent les uns par rapport aux autres, et comment ils sont disposés dans un plan. C' est comment et où un personnage ou un accessoire est placé en arrière-plan sur l'écran et sur quelles parties sont concentrées. Bonne composition, souligner la partie importante qui portent l'histoire et le message principal de la scène. Maintenant, je vais vous montrer un exemple de l'artiste Karolis Strautniekas dont je prononce définitivement le nom et je m'en excuse. Donc, cette illustration aussi que Karolis a dessiné pour The New Yorker. Sans même connaître le contenu de l'article, nous pouvons déjà ressentir de la tension et du suspense dans cette image. L' une des façons dont Karolis fait cela est en montrant le contraste fois dans la taille des caractères et dans la valeur. Nous pouvons voir que l'homme au premier plan est beaucoup plus grand que l'homme à droite et à gauche. Ce contraste dans la taille donne un sentiment plus inquiétant. Le contraste de taille de l'homme au premier plan regardant l'homme sur le côté gauche, donne le sentiment que celui au premier plan a le pouvoir. Cela s'ajoute au fait que l'homme au premier plan et l'homme droite regardent tous les deux cet homme à gauche qui tient un dossier et s'en éloigne. L' homme qui s'en va ne regarde ni l'un ni l' autre et ne semble pas savoir qu'il est surveillé. Le contraste et la valeur ajoutent également à la tension. L' homme de premier plan est hors de la valeur la plus sombre. Il regarde l'homme à gauche, qui est littéralement baigné de lumière par son téléphone. Si vous remarquez, l'homme sur le côté gauche n'est pas couvert par l'obscurité d'un bâtiment ou d'un panneau d'affichage autour de lui. Cela contraste avec l'homme au premier plan et l'homme du côté droit des deux côtés, qui se croisent avec des éléments de fond comme des panneaux d'affichage et des bâtiments. L' homme du côté droit, bien qu'il ne soit pas de la valeur la plus sombre, est encore enveloppé dans l'obscurité par les bâtiments, comme nous l'avons dit auparavant. En plus de ne pas distraire de l'objet principal de cette illustration, les éléments de fond aident également à attirer l'attention sur eux. Il y a aussi un rythme, les panneaux d'affichage qui se croisent avec l'homme au premier plan sont des formes variées de carrés, c'est le début. Montrer le rythme et conduire l'œil du spectateur à l'objectif principal de la scène. Si vous remarquez, aucune des parties sombres du bâtiment ne se croise avec l'un de ces caractères. Le plus d'intersection que vous obtenez dans cette image est avec l'homme sur le côté droit qui est en face de la voiture. Mais même ainsi, les bâtiments ont disparu dans un ton orange clair, et le court est parfaitement équilibré par les murs de chaque côté de l'image. Mais de quoi parle réellement l'article ? Il s'agissait de la façon dont deux agents ont été chargés de reporters sévèrement et comment ils ont été impliqués dans un complot international visant à réprimer allégations d' agression contre Harvey Weinstein. Cette illustration a défini la scène de l'article sans révéler ni gâcher le contenu. Maintenant, analysons la composition dans les alambics de Spirited Away de Studio Ghibli. Spirited Away a tant d'exemples de composition merveilleuse, prenez cette photo par exemple, dans cette scène, le personnage principal, Chihiro, essaie d'obtenir un emploi de ce vieil homme. Le poids est représenté comme composé, il indique clairement qu'elle attend sa réponse et suit également toutes les règles de composition que nous avons mentionnées précédemment. Il y a un contraste dans la taille des caractères et la valeur et le plan est parfaitement équilibré de chaque côté. Bien que Chihiro soit beaucoup plus grand au premier plan, l'emplacement des trois chaises en bas à gauche et la valeur sombre de ce mur de ciment font en sorte que le poids du côté gauche est égal à la droite. Ce plan suit également la règle des tiers. Quelle est la règle des tiers ? Imaginez maintenant si nous avons dessiné deux lignes de distance égale l'une à l'autre horizontalement, puis nous avons dessiné deux autres lignes de distance égale l'une à l'autre verticalement, quel que soit le caractère ou l'objet qui croise ou est très proche de l'un ou l'autre des ces quatre points suivront la règle des tiers. C' est loin d'être la seule scène de Spirited Away qui suit cette règle. La plupart du temps dans les films et les spectacles, les personnages sont des invites qui sont importantes, sont placés en croisant ces quatre points ou au moins près d'eux. Comme vous pouvez le voir dans cette scène, Chihiro et le vieil homme sont placés dans ces positions exactes. Même un plan de près comme ce plan avec Yubaba et Haku adhèrent à cette règle des tiers. La scène adhère également au rapport d'or. Maintenant, vous vous demandez quel est le ratio d'or si vous n'en avez pas entendu parler avant, le ratio d'or est en fait un calcul mathématique, mais il est souvent utilisé dans l'art comme un ratio littéral à utiliser pour qu'une scène soit visuellement agréable. L' explication tant du ratio d'or est qu'il a un point focal majeur qui est légèrement hors centre, qui est également adhère à la règle des tiers. Vous n'avez pas nécessairement à suivre la règle des tiers ou le ratio d'or dans toutes vos scènes. Cela dépend fortement de ce que vous avez besoin de la scène à transmettre et de ce que vous voulez souligner. Maintenant, cet exemple de Spirited Away ne suit probablement pas vraiment la règle des tiers ou le ratio d'or. Il a un bâtiment imposant et c'est un petit bureau juste rencontré pour établir où et ce que Chihiro voit. En général, cependant, vous ne pouvez pas échouer lorsque utilisez la règle des tiers ou le ratio d'or. Dans tous les clichés de Spirited Away, il y a la répétition et le rythme. La plupart du temps, les éléments répétitifs mènent à l'objectif principal de la scène. Ils utilisent aussi parfois des lignes directrices afin de guider le spectateur vers l'objectif principal de la scène. Cette prise de vue Chihiro en cours d'exécution sur une pipe est l'un des exemples les plus flagrants de l'utilisation des lignes de tête afin que le public fasse attention au personnage. Il ajoute également du flux à la scène. Voici d'autres exemples de lignes de départ. Spirited Away, utilise également la composition pour renforcer la narration. La scène avec Yubaba et Haku montre que Yubaba est livide, grand et imposant. Pourtant, Haku, être si petit, est toujours fort, ses visages n'ont pas de visage et c'est elle qui perd le contrôle. Ses cheveux sont partout et son feu ne l'affecte pas. La scène adhère également au rapport d'or. Vous êtes entièrement concentré sur eux parce qu'il n'y a pas de distractions en arrière-plan ou ailleurs. Cela parce que c'est un moment crucial dans le film où ils sont des changements de dynamique de relation. Voici un autre exemple, mais cette fois-ci sans aucun personnage, le plan adhère toujours à l'ensemble de la règle de composition dont nous avons parlé. La règle des tiers, le contraste, le rythme, les lignes de cap et le rapport d'or. Ok, je vais te montrer quelques uns de mes vieux storyboards. Bien que les compositions soient définitivement imparfaites, elles respectent les règles de composition dont nous avons discuté précédemment. Analysons les et voyons comment vous pouvez appliquer des règles de composition à votre propre storyboard. Voici un exemple d'un plan d'établissement qui suit la règle des tiers et a un contraste de taille. Je pense que j'ai dessiné la lune un peu trop grande ici, mais à part cela, elle adhère généralement aux règles de composition moyenne. Il y a du rythme dans les réverbères et les bâtiments. Il y a des contrastes dans la forme de ce bâtiment principal et dans la taille de l'arbre avec le bâtiment plus petit en arrière-plan. Nous passons maintenant à une photo où les personnages cassent une entrée. Il suit toujours les règles générales de composition. Si vous remarquez qu'il y a des lignes de perspective dessinées en bas, il est plus facile pour les artistes soutenant de savoir jusqu'à quel point se trouvent les objets et les personnages en arrière-plan. Je vous recommande de laisser tomber les lignes respectives sur le sol aussi. Ce plan ne suit pas la règle des tiers. Mais la raison en est parce que c'est censé être un plan du milieu qui met l'accent sur le caractère avant-gardiste, le vol d'un objet précieux. Chaque fois qu'un personnage est surpris ou essaie de faire quelque chose de méchant, vous pouvez vous concentrer sur son visage et son geste. Parfois, lorsque vous voulez mettre en surbrillance l'expression d'un personnage ou introduire un nouveau personnage, vous pouvez placer les personnages au milieu de l'écran pour souligner leur importance pour le public. N' oubliez pas d'alterner les types de compositions que vous utilisez dans votre storyboard afin que votre public soit engagé. Par exemple, alterner entre l'utilisation de la règle des tiers, le rapport d'or, et les compositions avec le focus central à un plan de variété. Voici l'introduction du super-héros qui va les vaincre ou essayer de toute façon, décombres et le mur l'encadrent pour que notre attention soit exactement sur elle et nous savons d'où elle entre dans la scène. Dans cet exemple, il suit généralement la règle des tiers avec l'hypothèse du héros du lapin au milieu. Il aide à ombrer les caractères les plus proches du spectateur ou au premier plan afin que vous puissiez voir la différence de distance entre chaque personnage. D' accord, donc c'est un extrait de mon ancien storyboard. J' espère que vous avez réussi à en apprendre quelque chose. Maintenant, je vais vous montrer quelques exemples d'erreurs de composition courantes à éviter. Pas de chevauchement gênant de différents personnages qui distraient de l'objectif principal de la scène. Pas d'objets qui se croisent et sortent des personnages, en particulier ceux qui donnent l'impression d'avoir une forme étrange. Pas de coupures bizarres de personnages, de pieds et de mains, surtout quand ils bougent ou si ce que vous faites est censé être le centre de la scène. Quand il y a une foule nombreuse, ne vous concentrez pas sur le mauvais personnage, comme un personnage de fond qui ne va pas entrer en jeu ou affecter l'histoire, sauf si c'est pour un peu comique spécifique. Je veux que vous vous souviez que c'est normal de faire des erreurs. Chaque erreur que vous faites est un pas de plus vers la création d' belle composition qui raconte votre histoire et c'est correct si cela prend du temps. Maintenant, je vous suggère de regarder et de regarder à nouveau et d'analyser la composition de ces films. Le Grand Budapest Hotel, Ghost in the Shell, Whiplash et Spirited Away. Maintenant, la raison pour laquelle j'ai choisi ces films est parce qu' ils sont tous des films fantastiques pour une chose, et ils sont tous très différents les uns des autres. Ils ont tous aussi de grandes compositions qui racontent l'histoire de manière très efficace dans toutes les scènes. J' ai l'impression que vous ne pouvez pas mieux internaliser la leçon en analysant ces films. Après ça, reviens et je t'enseignerai la continuité dans la prochaine leçon. 8. Principes de la Storyboarding: : continuité: Continuons avec une certaine continuité. Dans cette leçon, je vais vous enseigner la continuité en montrant et en analysant les bons et les mauvais exemples de mon storyboard. Que signifie la continuité ? continuité fait référence au maintien de la cohérence et logique d'une scène à l'autre dans un film d'animation ou n'importe quel spectacle. Mon storyboard se concentrera sur deux sœurs qui préparent un gâteau d'anniversaire pour leur mère. Voici un exemple de storyboard qui a une continuité décente. C' est une partie de mon storyboard où Zee et Jay ont une conversation au début. Comme il n'y a pas de problèmes de continuité, notre objectif principal est la dynamique soeur entre Zee et Jay. Une bonne continuité permet au public de se concentrer sur ce qui est important dans la séquence, ce qui contribue à renforcer la dynamique entre les personnages et le thème de l'histoire dans son ensemble. Fondamentalement, si votre storyboard a une bonne continuité, vous permettez au public de se concentrer sur l'histoire et les personnages à la place. Voici un exemple de storyboard avec une mauvaise continuité pour que vous ayez un point de comparaison. Jetez un oeil et voyez si vous pouvez voir des choses qui sont un gâchis. Vous avez eu toutes les incohérences ? Si vous avez l'impression que vous ne l'avez pas fait, alors vous pouvez regarder à nouveau la séquence et la comprendre. Sinon, voici la liste des choses qui sont incohérentes dans cette séquence. La première chose qui se produit est que l'élément avec lequel un personnage interagit disparaît soudainement dans la même scène. Dans cette scène, le calque de premier plan n'est pas rendu visible dans chaque panneau, ce qui rend la scène très distrayant car elle ne cesse de scintiler. Dans cette scène, la table est montrée pleine d' éléments qui disparaissent soudainement dans la scène suivante. Ensuite, dans les scènes suivantes, les articles d'épicerie réapparaissent, mais dans une position différente de celle d'avant. Il y a des petites choses en arrière-plan qui changent constamment aussi, ce qui ne serait pas une grosse affaire si ce n'était pas si proche ou près des personnages principaux. Enfin, dans la scène qui suit, le plan de Jay montré étant trempé, ni Zee ni Jay ne sont mouillés. À tout le moins, Jay devrait encore être trempé car la séquence implique que les deux dernières scènes sont consécutives sans passer de temps entre les deux scènes, et elles viennent de revenir d'être sous la pluie. Maintenant, vous n'avez pas besoin de dessiner un storyboards de détail, ils sont toujours incroyablement cohérents, mais les principales choses perceptibles comme le personnage changer soudainement leur apparence sans l'implication du temps passé ou éléments disparaissant juste après les personnages les ont attirés, sont trop perceptibles pour la plupart des publics, et va briser la suspension de l'incrédulité, et va les faire se demander sur des choses qui ne sont pas liées à l'histoire. continuité et la cohérence sont également importantes afin de ne pas confondre l'animateur et les artistes de fond avec lesquels vous collaborerez sur votre projet. Ne vous obsédez pas pour les détails, vérifiez simplement les incohérences majeures qui peuvent confondre les personnes avec lesquelles vous travaillez ou le public et vous serez bien. Vous n'avez pas à vous soucier trop la continuité lorsque vous refaites vos vignettes. Les vignettes sont juste là pour que vous puissiez faire connaître vos idées. C' est plus le cas lorsque vous faites votre brouillon, que vous devez vérifier scène par scène et voir s'il y a des erreurs. Même s'il y en a, c'est bon, vous pouvez le réviser dans votre version révisée. Je vais vous suggérer d'obtenir l'aide de vos amis ou d'un animateur avec lequel vous collaborez sur ce projet pour vous assurer que la logique et la cohérence sont là entre chaque scène. Après cela, la prochaine leçon, nous allons enfin commencer à dessiner. Vous allez apprendre ce qu'est un Beat Board et nous allons les dessiner ensemble. 9. Créer des planches de combat: Apprenons et dessinons des tableaux de rythme. Dans cette leçon, je vais vous apprendre ce qu'est un beat board en vous montrant des exemples. Ensuite, expliquez-vous comment les dessiner et pourquoi vous en avez besoin avant votre storyboard. Qu' est-ce qu'un beat board ? Un tableau de rythme est fondamentalement le même que les miniatures, mais au lieu de dessiner quelque chose panneau par panneau, vous résumez une scène en un seul dessin. Il a l'idée d'environ 9-16 images sans détails supplémentaires. Voici un exemple de panneau de storyboards par progression de panneau, au lieu de dessiner un caractère pas à pas, effectuer une action et de mener à la suivante. La scène entière est résumée dans un panneau ici. Ce panneau unique est une planche à rythmes montrant Zee et Jay étalant du beurre sur un gâteau de maïs. Voici un autre exemple de plusieurs scènes présentées panneau par panneau de la conversation de Zee et Jay, montrant leurs différentes personnalités étant résumées en un seul tableau de rythme. Il est important de dessiner un tableau de rythme afin que vous puissiez résumer l'émotion prévue et le point de chaque scène, comme je l'ai déjà dit, car il sert plan pour l'ensemble de votre storyboard et de vos miniatures. Ainsi, lorsque vous dessinez vos miniatures et que vous dessinez une ébauche approximative, vous savez quel devrait être le focus dans chaque segment de vos scripts. Pensez aux planches de rythme comme le squelette du corps de votre storyboard. Un squelette fort soutient bien votre corps et prévient les problèmes de santé plus tard. Dans ce cas, il évite d'avoir problèmes imprévus surgissent lors de l'animation beaucoup plus tard et empêche les moments d'embarquement dans l'histoire qui finiront par distraire du thème principal de l'histoire. Vous pouvez dessiner vos tableaux de rythme dans n'importe quel support. Vous pouvez utiliser Photoshop ou n'importe quel programme numérique, ou vous pouvez le dessiner traditionnellement dans un carnet de croquis comme celui-ci. Honnêtement, la seule raison pour laquelle j'ai dessiné ceci dans Photoshop au lieu de traditionnellement, c'est parce que je voulais le compiler PDF et c'est plus facile de le faire en dessinant numériquement. Quel que soit le médium dans lequel vous choisissez de dessiner vos planches de rythme, ils seront précieux pour l'arrivée. Il suffit de le laisser dans un croquis et de le dessiner très rapidement. Parce que rappelez-vous, le but de dessiner des tableaux de rythme est de simplement résumer le focus de chaque segment d'un script. Ce n'est pas à quel point ça a l'air joli. Très bien, amusez-vous à dessiner vos planches de rythme. Après cela, revenez et je vous apprendrai à composer différents clichés en utilisant différents angles de caméra dans la prochaine leçon, partie 1 de la terminologie du storyboard. 10. Terminologie du tableau de histoire : partie 1: Apprenons-en à propos de la terminologie du storyboard, ceci est la première partie de deux. Dans cette leçon, je vais vous nommer et vous montrer différents types de photos. Ensuite, je vais vous expliquer ce qu'ils utilisaient habituellement et comment vous pouvez les utiliser dans votre propre storyboard. Voici un exemple de plan large. Il s'agit d'un plan qui montre le sujet ou personnage en entier dans leur environnement environnant. Habituellement, cette capture est utilisée pour montrer les personnages et établir où ils se trouvent, et pour indiquer clairement à l'auditoire quel est votre environnement après avoir modifié l'emplacement de leurs personnages. Un plan similaire mais légèrement différent est le coup d'établissement. Maintenant, un plan d'établissement est le plan extrême large d'un film ou d'une vidéo. Habituellement, il est utilisé au début d' une nouvelle séquence pour établir une vue d'ensemble de la scène qui suit. Il est également utilisé pour les débuts de films et de courts métrages et séries pour initier le public à un monde complètement nouveau. Vous n'avez pas besoin de commencer votre film en utilisant le plan, mais il est bon de l'utiliser quand vous voulez créer un monde totalement nouveau, entièrement fictif ou basé sur la fantaisie. Un tir moyen est un tir qui montre un personnage de la taille vers le haut. Maintenant, un plan moyen est généralement utilisé pour montrer des personnages ayant des conversations. Le plan moyen est très polyvalent car il peut soit être détendu et rien ne peut se passer dans une scène, soit vous pouvez l'utiliser de manière à augmenter l'intention dramatique, en changeant l'angle selon lequel le public voit le personnage à partir de. Filmer votre personnage sous un angle bas, comme le public regarde le personnage de près vers le sol, les rend plus forts et plus dominants. Tout en filmant votre personnage sous un angle élevé, comme le public regarde vers le bas sur le personnage pour ci-dessus, rend le personnage plus faible et plus vulnérable. Un plan rapproché est un plan où visage d'un personnage ou un sujet occupe la majeure partie de l'écran. Maintenant, la plupart du temps, ces images sont sauvegardées pour mettre l' accent sur les émotions d'un personnage à des moments dramatiques d'une histoire. Par exemple, si un personnage traverse un moment d'angoisse, de colère, de peur, de joie, etc. Je vous recommande de ne pas trop utiliser ces coups de feu et de le sauver pour des moments qui comptent vraiment. Une version plus intense de ce plan est le gros plan extrême. Un gros plan extrême se concentre sur une seule partie du visage du personnage ou d'un sujet. Habituellement, ce plan est utilisé juste avant ou juste après une énorme révélation dans une histoire, marquant son point tournant ou le point culminant. Certainement, n'utilisez pas trop ce plan parce que vous voulez le sauvegarder pour les moments qui comptent vraiment. Parfois, ce plan est utilisé au début d'un film. Assurez-vous simplement que si vous l'utilisez au début de votre storyboard, ils le suivent avec un plan d'établissement ou un plan large afin que les membres de votre public sachent exactement où se trouve votre personnage et que vous présenter à votre public le monde de votre histoire. Un autre coup qui suit souvent sur le gros plan extrême est un PDV shots. La prise de vue du PDV met le public dans le point de vue des personnages. Maintenant, cette méthode est très utile pour que les membres de votre public aient de l'empathie avec un personnage dans des moments de détresse émotionnelle extrême ou de confusion, de sorte que quoi qu'ils soient témoins, le public éprouve aussi. Si vous êtes nouveau dans le storyboard, je ne vous recommande pas vraiment d'utiliser trop le PDV shot parce qu'il peut être assez difficile à storyboard et est généralement réservé à des moments très spécifiques. Le dernier tir que je couvrirai, c'est le coup d'épaule. Le plan au-dessus de l'ombre est pris sur l'épaule d'un personnage pour mettre en valeur l'autre parlant. Maintenant, cette méthode est le plus souvent utilisée pour transmettre des personnages qui parlent tout en mettant en évidence les expressions et les gestes d'un personnage. C' est tous les angles de caméra que je vais couvrir dans cette leçon. Maintenant que vous connaissez la terminologie du storyboard, pensez aux différents angles de caméra que vous pourriez vouloir utiliser dans votre storyboard. Maintenant, vous n'avez pas à les utiliser tous, utilisez juste ceux qui conviennent le mieux à votre histoire. Je vous recommande également de regarder à nouveau différents films et spectacles qui sont similaires dans le thème de votre propre storyboard. C' est ainsi que vous pouvez analyser quand ont-ils utilisé différents angles de caméra et comment est-il efficace pour raconter leur histoire. Dans la prochaine leçon, je vais vous enseigner la deuxième partie de la terminologie du storyboard, où je vais vous apprendre différents mouvements de caméra à utiliser dans votre storyboard. se voit dans la leçon suivante. 11. Terminologie du tableau de histoire : partie 2: Apprenons plus de terminologie de storyboard dans la deuxième partie de deux. Dans cette leçon, nous allons apprendre une terminologie spécifique du storyboard et explorer différents mouvements de caméra que nous pouvons utiliser dans notre storyboard. Commençons par énumérer d'abord toute la terminologie dans son intégralité. Ensuite, je vais les expliquer en détail après deux exemples. La caméra fait référence à ce que le public voit à l'écran ou au point de vue du public. scène fait référence à la position du personnage dans une scène par rapport à l'autre pour une lisibilité claire de ses actions pour le public. camion avant fait un zoom avant, le camion arrière fait un zoom arrière. Pan gauche signifie que le tir se déplace vers la gauche tandis que le pan droit signifie que le tir se déplace vers la droite. Une prise de suivi est une prise de vue qui suit un caractère ou un sujet unique, qui reste plus ou moins au centre de l' écran pendant que l'arrière-plan passe au fur et à mesure qu'ils se déplacent. Examinons ces termes en détail. Je vais commencer par vous montrer un exemple de ce qu'une caméra verrait, selon l'endroit où elle est placée dans la mise en page. Disons que la caméra est placée ici près du frigo. Notre vision de la scène serait la suivante. Si notre caméra est placée légèrement au-dessus de la table ou près du niveau des tables, notre vue sera celle-ci. Quand je parle de la caméra, je veux dire ce que le public voit et ce que vous dessinez dans l'écran. Maintenant, je vais vous montrer ce qu'est la mise en scène. Ici, Z et J suivent une recette de cuisson à tort, parce qu'ils n'ont pas les bons outils. J choisit une méthode simple qui fonctionne. Z et J sont positionnés clairement de sorte que vous pouvez voir leurs mouvements oculaires complets et vous pouvez voir à la fois leurs expressions et les façons contrastantes de traiter la situation. Voici un exemple de mauvaise mise en scène et comment cela peut affecter votre composition et votre clarté. La mise en scène ici est très peu claire et mauvaise, parce que les caractères ne sont pas bien espacés et parce que voir où ils sont dans l'environnement. Leurs principales actions sont coupées. L' objectif principal de l'ensemble de la séquence est dispersé et n'a pas sens pour le public puisque nous ne pouvons pas voir ce qu'ils font. Dans la première scène d'eux jouer un tutoriel de cuisson sur leur téléphone. On ne peut pas dire ce qu'il est dans le plan parce qu'il est très zoomé. Lorsque vous introduisez un nouvel élément dans la scène, assurez-vous de laisser de l'espace lorsque vous mettez en scène votre environnement, sorte que vous puissiez voir la forme complète d'un téléphone et que le public puisse dire ce qu'il est lorsqu'il est introduit. Si quelqu'un avec qui vous collabore dans l'animation vous conseille d'améliorer votre mise en scène, cela signifie qu'il fait référence à la façon dont les personnages sont placés dans une scène par rapport aux objets et à leur arrière-plan. Pour ceux qui créent des bandes dessinées de mouvement, n'oubliez pas de laisser place à une bulles de discours parce qu'il y a essentiellement un autre personnage dans votre storyboard. Maintenant, je vais vous montrer un exemple de camion. Un camion est fondamentalement un zoom avant. Dans cette scène, Z a une réalisation qu'ils ont oublié quelque chose d'important pour elle et pour souligner sa réaction, j'ai fait le camion caméra dans son visage. Un camion est généralement utilisé pour mettre l'accent sur la réaction de quelqu'un ou dramatiser un moment. Voici un exemple de camion dehors. Un camion arrière est essentiellement un zoom arrière. Un camion out est normalement utilisé pour surprendre le public avec un nouvel environnement ou un nouveau personnage. Voici un exemple de la caméra panoramique à gauche. Dans mon storyboard, les poêles de caméra sont partis de Z, qui porte une tenue de cuisson appropriée à J qui porte un t-shirt bâclé. Voici un exemple d'un pan droit. Dans ce storyboard, la caméra tourne droit pour révéler le gâteau qui brûle dans le four. La plupart du temps, un panoramique à gauche ou à droite est utilisé pour révéler le contraste entre deux personnages, ou pour révéler quelque chose qui se passe en arrière-plan à l'insu du public. Le dernier exemple est un plan de suivi. Une prise de suivi est une prise de vue qui suit un caractère unique qui reste plus ou moins au milieu de l'écran à mesure que l'arrière-plan change. Ce cliché est principalement utilisé pour montrer au public un nouvel environnement à travers les yeux d'un personnage pour évoquer un sentiment d'émerveillement et de fantaisie. Il est également souvent utilisé au début des films ou lorsque des personnages sont introduits dans un nouveau monde. N' oubliez pas de vous renseigner auprès de l'animateur et de soutenir artistes avec lesquels vous collaborez lorsque vous êtes en story-board, en particulier dans la phase de clouage du pouce et de brouillon. C' est pour être sûr que tout ce que votre story-board est possible pour eux d'apporter au résultat final. La seule raison pour laquelle j'ai ajouté quelque chose d'aussi compliqué qu'un tir de suivi dans mon storyboard est que je n'ai pas vraiment l'intention d'apporter cela à une animation finale, je ne suis pas lié par les mêmes limitations. Maintenant, vous connaissez toute la terminologie du storyboard dont vous avez besoin pour dessiner vos miniatures. Encore une fois, ne ressentez pas de pression pour utiliser toutes ces terminologies et mouvements de caméra. Je ne les ai répertoriés que pour que vous ayez le choix lorsque vous dessinez votre storyboard. Avec ça, passons à notre prochaine leçon, les miniatures. 12. Vignettes: Dessinons quelques miniatures. Dans cette leçon, nous allons faire une miniature de notre script du début à la fin. Maintenant, vous pouvez miniatures en utilisant n'importe quel support. Il peut être dans Photoshop ou dans n'importe quel programme commun, ou vous pouvez dessiner dans votre carnet de croquis. Pour ceux qui dessinent vos miniatures numériquement, j'ai fourni un modèle pour vous sous ressources. En tant que vignette d'un gars, je vous recommande d'avoir vos références ouvertes, comme vos planches de rythme, vous êtes une mise en page de vue d'oiseau, et vos dessins d'arrière-plan. C' est ainsi que si vous n'êtes jamais sûr de l'endroit où se trouvent vos personnages ou à quoi ressemblerait votre arrière-plan, vous avez une référence, ou si vous ne vous souvenez pas tout de ce que le point de concentration de la scène est censé être, vérifier en arrière sur vos planches de rythme aussi aider. Voici mes miniatures. J' ai dessiné mes miniatures comme une histoire sur Pro, et j'ai dessiné les personnages et les arrière-plans dans un calque séparé au-dessus du modèle de vignettes. Je recommande à ceux qui dessinent cela dans Photoshop ou tout autre programme de dessin, de faire de même. En fait, je dessine normalement mes miniatures dans mon carnet de croquis, mais cette fois je l'ai dessiné numériquement à des fins de présentation. Pour ceux qui dessinent traditionnellement, je vous recommande de rejoindre vos vignettes panneau par panneau, avec chaque vignette sur une note collante. De cette façon, si vous souhaitez réorganiser vos panneaux ou n'importe quelle scène, vous pouvez le réorganiser sans avoir à redessiner l'ensemble des vignettes. Cela vous permettra de déterminer plus facilement quel sera le meilleur flux pour votre storyboard. Vous devriez probablement utiliser les notes collantes jaunes régulières car il y a plus d'espace pour dessiner vos panneaux, mais j'ai choisi cela parce que c'est adorable. Si vous êtes un jour coincés lorsque vous dessinez vos miniatures, allez de l'avant et regardez à nouveau les deux leçons précédentes sur l'histoire de la terminologie. De cette façon, vous pouvez rafraîchir votre mémoire sur les types de photos et de mouvements de caméra disponibles et déterminer lesquels ont été utilisés chaque scène de votre histoire, sauf la meilleure. D' accord. C'est une pellicule sur les vignettes. Après avoir dessiné les quatre sets, revenez pour notre prochaine leçon où nous allons dessiner ensemble notre brouillon. Bonne chance, mais surtout amusez-vous. 13. Projet sommaire: Bienvenue de retour. Nous allons rejoindre notre Rough Draft. Dans cette leçon, nous allons apprendre à dessiner notre ébauche. Encore une fois, vous pouvez utiliser n'importe quel support que vous voulez, qu'il soit numérique ou traditionnel. Si vous dessinez numériquement, veillez simplement à ce que les calques dans lesquels vous dessinez votre brouillon soient clairement étiquetés en tant que calques de dépouille. Croyez-moi, ça vous évitera beaucoup de confusion plus tard. Si vous dessinez votre brouillon brut dans Photoshop, assurez-vous de dessiner tous les panneaux du storyboard sur des calques distincts dans un seul fichier Photoshop maître. Pour ceux qui dessinent traditionnellement, vous pouvez choisir si vous voulez ou non continuer à dessiner vos panneaux sur des notes collantes, ou si vous voulez dessiner directement sur votre carnet de croquis. Si vous dessinez encore vos panneaux sur des notes collantes, assurez-vous que lorsque vous confirmez l'ordre dans lequel vos panneaux devraient être, vous renforcez ces notes collantes avec de la colle et les collez dans un carnet de croquis. C' est pour s'assurer que vous ne perdez pas de panneaux importants. Assurez-vous de coller vos notes collantes sur un carnet de croquis relié en spirale afin qu'il soit plus facile de numériser ultérieurement. J' utilise Storyboard Pro pour faire mon brouillon. Lorsque vous faites une ébauche approximative, assurez-vous de vous référer à vos vignettes et n'ayez pas peur changer quoi que ce soit si vous pensez que le flux peut être meilleur ou que la continuité n'a pas de sens. Par exemple, j'ai changé cette scène miniature où J a du mal à fermer un parapluie quand elle entre dans la cuisine. C' est parce que cela n'a pas vraiment de sens puisque l'entrée la maison serait le salon plutôt que le coin cuisine, donc elle aurait déjà fermé le parapluie alors, plus Z serait plus enthousiaste et serait sur l'achat produits de boulangerie. Il est plus logique pour J d'avoir beaucoup d'épicerie à la place. La version brouillon a J portant un tas d'épiceries et entrant dans la cuisine sans enthousiasme. Lorsque vous dessinez votre brouillon, n'ajoutez pas trop de détails, dessinez simplement les gestes généraux et indiquez à peu près ce qui serait en arrière-plan, car vous allez le réviser plus tard de toute façon. Personnellement, j'aime dessiner mon brouillon en bleu parce qu'il distingue clairement entre la couche brouillon et les lignes finales du storyboard. Une étape importante après avoir dessiné un brouillon complet est d'obtenir les commentaires d'autres personnes pour voir si votre magasin fonctionne. Une bonne façon de le faire est de publier votre ébauche en tant que projet dans cette classe pour obtenir les commentaires d'autres élèves qui créent également des storyboards, et voir ce qui peut être amélioré à partir de votre brouillon original. Vous pouvez également partager vos propres pensées avec d'autres étudiants travaillant, afin que vous puissiez tous les deux s'entraider. En plus de cela, vous pouvez demander des commentaires de l'animateur et l'artiste de fond avec qui vous travaillez pour voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas dans votre storyboard. Si vous êtes vos propres animateurs et artistes de soutien, vous pouvez simplement demander à votre famille et vos amis et obtenir leurs commentaires pour voir ce que vous pouvez améliorer et ce qui n'était pas clair pour eux. C' est tout ce que j'ai à dire sur l'ébauche. Une fois que vous avez terminé, revenez pour la prochaine leçon, où nous apprendrons comment réviser notre storyboard. Tous les meilleurs gars. 14. Projet révisé: Bienvenue de retour. Passons à la révision de notre ébauche. Dans cette leçon, nous allons apprendre à dessiner notre ébauche. Maintenant basé sur toutes les informations et les commentaires que vous avez recueillis auprès d'autres personnes, ainsi que votre propre jugement comme temps pour éditer votre storyboard selon la critique la plus courante. Pour ceux qui ont dessiné numériquement, vous pouvez choisir de réviser et de modifier le calque que vous avez créé ou vous pouvez créer un calque de brouillon révisé et l'ajouter au-dessus de votre calque d'origine. Pour ceux qui dessinent traditionnellement, vous pouvez choisir de conserver une méthode de note collante ou de rejoindre vos panneaux dans un carnet de croquis. Soit cela, soit vous pouvez dessiner vos panneaux dans un format numérique à la place. Donc, cette révision est de s'assurer que partout où vous avez dessiné avant, est à la fois clair et porte également le thème principal de l'histoire que vous voulez transmettre tout au long de votre storyboard. Lorsque vous regardez votre brouillon, assurez-vous de vous demander si le thème principal de l'histoire est devenu réalité à la fin du storyboard. Si ce n'est pas le cas, que pouvez-vous faire pour le modifier et vous assurer qu'il est exprimé au public. Si vous vous sentez coincé, n'hésitez pas à regarder à nouveau ces leçons de narration et de clarté qui étaient sous les principes du segment story-board dans cette classe. Pour que vous puissiez vous rappeler comment exprimer le thème principal de l'histoire à votre public. J' ai fait quelques révisions à mon storyboard à. Dans cette scène, J replie une épicerie dans un triangle alors que Z lit la liste de courses pour vérifier s'ils ont tout. J' ai trouvé que, cette séquence traînait parce que Z lisait la liste des courses pendant un certain temps et que la scène où J pliait le sac en plastique ne servait à rien. Donc je l'ai entièrement sorti. Alors les gars, n'ayez pas peur de jeter des scènes qui ne fonctionnent pas, vous pouvez certainement en dessiner une meilleure. Une autre scène que j'ai changée était la scène où J fait fondre des chocolats et le gâteau brûle dans le four. La première fois que j'ai dessiné ça sur le brouillon, c'était beaucoup trop rapide. Donc, dans mon brouillon révisé, j'ai ralenti les choses et réorganisé la séquence des événements. Si quelque chose n'est pas clair, il arrive parfois que simplement ajouter des scènes ou réorganiser et ralentir une scène fonctionne beaucoup mieux. C' est tout ce que j'ai à dire sur la révision de ton storyboard. Bonne chance et je suis sûr que vous pouvez le faire. Nous sommes si proches de la fin. Après ça, reviens et je t'apprendrai la prochaine leçon comment finaliser ton storyboard. 15. Finalisation de votre storyboard: Finalisons notre storyboard. [ MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons apprendre comment finaliser notre projet de storyboard. Maintenant, si vous êtes vos propres animés et que vous êtes de retour sur les artistes, alors vous n'avez pas nécessairement à faire cette étape tant que vous êtes clair comment les animations du personnage devraient être basées sur votre brouillon révisé, et vous savez ce que vous devriez dessiner dans votre lorsque vous l'apportez à un visuel final. Si vous passez votre storyboard à un autre animateur ou à un autre artiste de fond, vous devriez certainement finaliser vos lignes afin qu'elles soient claires exactement comment animer chaque personnage et ce qu'il faut finaliser en arrière-plan semble. Pour ceux d'entre vous qui finalisent une histoire sur numériquement, je vous recommande de créer une nouvelle couche de revêtement au-dessus de votre couche de brouillon révisée, puis de les regrouper en fonction de chaque image ou panneau de votre storyboard. Voici comment le faire dans Photoshop. Créez un nouveau calque et renommez-le en tant que calque de revêtement. Après cela, sélectionnez tous les calques qui appartiennent à une seule image ou à un seul panneau, puis appuyez sur Ctrl+G pour regrouper tous ces calques. Après avoir regroupé tous les calques appartenant à un seul panneau, renommé le calque en fonction du numéro de panneau qu'il est. Si vous prévoyez de finaliser votre histoire sur traditionnellement, vous pouvez utiliser n'importe quel type de stylo anti-taches et dessiner au-dessus des lignes de brouillon révisées que vous avez dessinées dans un carnet de croquis. Vous pouvez également choisir de finaliser un article sur numériquement, si vous le faites traditionnellement à l'avance, scannant l'ensemble de votre brouillon révisé, puis en l' important dans Photoshop et en dessinant de nouveaux calques au-dessus de votre calque numérisé. Habituellement, lorsque j'ai finalisé mon storyboard, j'aime créer des couches séparées pour mon liner de personnage et racheter de l'art en ligne. Personnellement, je trouve plus facile d'organiser mes personnages et mon arrière-plan de cette façon afin que si je veux le déplacer, je puisse le faire librement. En outre, lorsque j'ai un caractère ou un objet au premier plan, je crée un calque de premier plan distinct. C' est au cas où j'aurais besoin de déplacer le premier plan ou je veux le supprimer complètement. D' accord, c'est tout ce que j'ai à dire sur la finalisation de votre storyboard. Notre prochaine leçon est la fin de notre classe, où je vous apprendrai à exporter votre storyboard en PDF et à partager mes réflexions finales. Bonne chance les gars, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 16. Réflexions finales: Félicitations, vous avez maintenant un storyboard complet. Finissons ce cours. C' est notre dernière leçon où nous allons apprendre à exporter notre storyboard dans différents formats de fichiers, puis je partagerai mes réflexions finales. À partir de là, vous pouvez choisir d'exporter votre livre d'histoire au format PDF, j-pegs ou les deux. Voici comment le faire. Sélectionnez le groupe contenant votre cadre ou panneau, puis sélectionnez cette icône, il s'agit de l'icône de composition du calque. Une fois sélectionné, créez un nouveau calque en cliquant sur cette icône. Vous pouvez renommer votre composition de couche en fonction du numéro de panneau. Faites ceci à tous les autres panneaux de votre storyboard. Sélectionnez un fichier, puis des scripts, puis choisissez des compositions de couches au format PDF. Choisissez l'endroit où enregistrer votre fichier PDF, puis cliquez sur Exécuter. Après cela, vous avez votre PDF prêt. Si vous voulez exporter vos fichiers dans j-pegs à la place, sélectionnez le fichier, puis les scripts, puis cliquez sur Comps de couches dans les fichiers à la place, puis choisissez à nouveau l'endroit où vous voulez enregistrer vos j-pegs, puis cliquez sur Exécuter. Après ça, vous avez vos J-pegs. Pour ceux qui ont dessiné vos storyboards traditionnellement, vous pouvez décider si vous voulez en avoir des copies numériques. Si vous le faites, scannez-les simplement dans votre ordinateur. Si vous souhaitez créer un PDF de toutes vos scans de storyboard, voici comment. Une fois que vous avez scanné tous vos panneaux de storyboard, vous pouvez les importer dans Photoshop en cliquant sur Fichier, placer intégré. Sélectionnez le panneau que vous souhaitez importer, puis cliquez sur Placer. Photoshop l'importera sous la forme d'un calque séparé. Après cela, vous pouvez exporter vos calques dans un PDF en utilisant la méthode de composition des calques que je viens de vous apprendre. D' accord les gars, c'est un film sur notre classe, un storyboard pour l'animation. En résumé, nous avons appris à la fois la théorie et la pratique du story-board. Notre théorie portait sur la façon d'identifier notre thème principal de l'histoire, collecte de références, l'apprentissage des principes du story-board, qui consistait en la narration, la clarté, la règle de 180 degrés, la composition, la continuité et la terminologie du storyboard et notre pratique nous ont fait faire nos planches de rythme, miniatures, le brouillon brut et révisé, et notre storyboard final. Je tiens à vous féliciter une fois de plus d'être allé jusqu'ici et d'avoir terminé votre storyboard. À partir de là, vous pouvez partager votre storyboard final en créant un projet ou en mettant à jour le projet que vous avez créé précédemment avec votre storyboard final. J' adore voir ce que vous avez créé et j'ai hâte de voir vos projets. Merci beaucoup d'avoir rejoint ma classe et je vous verrai partout.