Série de crayons de couleur : Cours 1 - Prismacolor Premier

1. Introduction: Bonjour et bienvenue à ma nouvelle série de crayons de couleur sur Skill Share. m'appelle Imran, je suis graphiste, illustrateur et artiste, et j'utilise des crayons de couleur, mais maintenant de nombreuses années dans l'illustration et l'illustration. Cette zone est destinée aux débutants qui veulent plonger dans ce monde merveilleux des crayons de couleur, ou à quiconque a utilisé des crayons de couleur dans le passé, et ils voulaient revenir dans la rainure des crayons de couleur. Dans cette série, nous allons examiner différents types de crayons de couleur qui peuvent être utilisés à fins d'illustration pour réaliser des esquisses pour créer de l'art abstrait, peinture ou tout simplement de la coloration dans importe quel type d'œuvre que vous souhaitez produire en utilisant crayons de couleur, vous apprendrez sur les techniques de pression, comment appliquer la pression pour créer des variantes de couches de couleur, créant de belles couleurs riches et lisses. Vous apprendrez sur les techniques de mélange, comment créer un mélange sec, pour créer de beaux gradients vibrants et la colonne existe, et vous apprendrez également comment ajouter de la lumière et de l'ombre à votre œuvre en utilisant couleurs crayons vraiment vous donner morceau de travail beaucoup de profondeur et de contraste. Vous apprendrez également des conseils et astuces sur la façon d'utiliser les crayons de couleur, en particulier en regardant comment aiguiser les crayons de couleur de la bonne façon d'éviter les ruptures, et nous explorerons également différentes surfaces qui fonctionnent le mieux pour crayon de couleur. Vous recevrez un pack de feuilles de calcul gratuites que vous pouvez utiliser en même temps que cette classe pour vraiment pratiquer et développer votre technique de crayon de couleur et vos compétences. Nous allons commencer cette série avec une marque populaire crayon de couleur à base de cire appelé prisonnier couleur premier. Ce sont des crayons très populaires qui ont une vaste gamme de couleurs et un vibrant, et viennent dans de nombreuses formes différentes et ensemble, alors prenez vous un verre au gâteau ou un biscuit. Asseyez-vous, détendez-vous et commençons avec ce cours. 2. Qu'est-ce que Prismacolor ?: Examinons quelques rudiments de ce que sont les crayons de premier ministre prismacolor. Ce sont des crayons de couleur à base de cire doux qui sont bons pour la superposition, le mélange et l'ombrage. Ils s'adressent aussi bien aux débutants que aux professionnels. Ce sont des crayons de qualité artistique avec une couche de couleur lisse et ils ont des pigments de haute qualité qui produisent une saturation des couleurs très riche lorsqu'ils sont posés sur une surface. Les boîtes qu'ils viennent dans les tailles et les variations qu'ils viennent dans acquièrent vaste et variée. Ils commencent la taille 12, puis ils vont à 24, puis c'est 36, 48, 72, 132 et 150 sets. J' ai les 24 et 72 sets avec moi juste ici. Je les utilise depuis de nombreuses années et j'ai vu le développement au fil ans d'un crayon de très haute qualité à un crayon plus artiste utilisé pour les professionnels. Cependant, il y a des avantages et des inconvénients avec ces crayons comme il y en a avec tous les types de matériel dans ce monde. Ce que nous allons faire, c'est nous allons couvrir les avantages et les inconvénients et les avantages dans la prochaine vidéo. Dans cette vidéo, comme le résultat vous montre rapidement la gamme de couleurs qui sont disponibles dans ces boîtes que j'ai. Prismacolor est une marque de crayon. Ils sont basés aux États-Unis. Ils sont uniquement disponibles directement aux États-Unis et au Canada. Elles sont produites au Mexique et distribuées aux États-Unis et ailleurs. Au Royaume-Uni, ici, il est très difficile de les trouver parce qu'ils ne sont pas facilement stockés au Royaume-Uni dans les magasins d'art. Nos magasins ont tendance à stocker plus de fibres castell, crayons polychromos et Dowen, parce que Dowen est une marque basée au Royaume-Uni. Avec le prismacolor, il est très difficile de mettre la main sur crayons particuliers et ils ne sont pas vraiment disponibles sur une base simple. Vous ne pouvez les acheter intenses au Royaume-Uni. Vraiment, ce sont les fournisseurs en ligne qui les fournissent. Je ne connais aucun au Royaume-Uni, magasins au Royaume-Uni qui stockent réellement ces crayons. Je sais qu'ils le faisaient, mais ils ont cessé de le faire depuis un moment maintenant. Juste rapidement pour passer à travers certaines des couleurs principales. J' ai tendance à ne pas garder mes crayons dans les dizaines. C' est purement parce que j'ai tellement de doublons et doubles d' entre eux parce que vous ne pouvez pas les acheter en singles où je viens de toute façon au Royaume-Uni, qui est à Manchester, j'ai tendance à les stocker simplement dans ma boîte pastel, qui est un grand système de stockage pour crayon de couleur. Je vais juste faire tomber ça. Vous pouvez voir, je viens d'avoir toutes mes couleurs dans les gammes. Faire des verts et des bleus et des couleurs plus chaudes sur la gauche ici et ces plateaux fonctionnent vraiment bien. Ensuite, il y a des plateaux pastel pour les pustules, nous l'appelons pastel vieux car ils fonctionnent très bien pour les crayons de couleur réels pour les garder organisés et réglés. Ce que je vais faire, c'est laisser des liens dans les feuilles de calcul que vous pouvez télécharger. Donc, vérifiez que de tous les matériaux et le stockage et les produits que je traverse dans cette classe afin que vous puissiez avoir un oeil à eux, lire, convenu sur eux commentaires, et les acheter si c'est ce que vous vouliez à faire. D' une manière générale, les prismacolors sont très bons. Ils étaient une beauté absolue avec laquelle travailler. Je ne peux plus le souligner. Mais ils ont leurs inconvénients. Comme je l'ai dit, nous allons passer par les avantages et les inconvénients dans la prochaine vidéo. Mais juste généralement parlant encore, ils sont crayon à base de charbon doux. La qualité est très bonne. Vous pouvez les utiliser pour effectuer la superposition, la fusion et la création de dégradés de couleurs lisses et d'ombrage. Nous allons passer en revue toutes ces techniques dans les prochaines vidéos. Je pense que ce que nous allons faire maintenant, c'est passer au pour et au contre. 3. Les avantages et inconvénients: Bienvenue de retour. Examinons les avantages et les inconvénients de ces prismacolor de vos crayons. Maintenant, passons rapidement par les pros. Il y a beaucoup de pros avec ces crayons. L' un des principaux avantages de ces crayons est qu' ils sont un crayon absolument beau pour travailler avec. Ils sont classés comme des crayons de qualité artistique. Ils sont à un prix raisonnable et ils sont livrés avec de nombreuses variations et gammes différentes. Ils ont un pigment de très haute qualité, ce qui produit une riche saturation des couleurs. Ils sont très bons pour la superposition, ils sont également bons pour le mélange à la fois sous forme sèche et humide. Nous allons couvrir ces deux techniques, mais nous allons vraiment nous concentrer sur le type de mélange sec parce que c'est un mélange que j'ai préféré faire sur le mouillé. Ils travaillent sur de nombreuses surfaces. Vous pouvez les utiliser sur du papier, du coton Toile. Vous pouvez même les utiliser sur du bois parce qu'ils sont à base de cire. Ils ont cette très belle consistance. Beaucoup de gens disent que c'est très beurré et je suis tout à fait d'accord avec ça. Ils ont une très belle sensation de beurre pour eux, surtout quand vous les posez sur du papier. Encore une fois, avec n'importe quel type de matériau, la meilleure façon de déterminer si c'est quelque chose que vous allez aimer est de le tester et de l'utiliser. Je recommande que, si c'est un médium qui vous intéresse ou que vous voulez travailler avec le milieu des crayons de couleur, alors vous obtenez peut-être un petit ensemble. Encore une fois, c'est un autre avantage qu'ils viennent en petits ensembles. Je veux dire, le plus petit ensemble est la taille 12. Personnellement, je ne recommanderais pas cette taille 12 mais je pense que la palette de couleurs est limitée en taille 12. Personnellement, je n'ai jamais utilisé une taille 12. Prismacolor, nous avons commencé le 24 dans n'importe quel matériel que j'ai et les différences de prix dans un très grand, donc vous obtenez beaucoup plus dans le 24 que vous le feriez dans le 12. Travailler sur n'importe quelle surface est très utile pour mélanger et superposer des couleurs, et ils sont disponibles en ligne. Cela signifie que l'accès à eux est assez facile, je veux dire, nous vivons à l'ère de la technologie, moins que vous n'ayez pas accès à Internet, alors il est peu probable que puissiez les trouver en fonction de la partie du monde que vous . Si vous êtes des États-Unis, du Canada, du Mexique, alors vous devez être en mesure de les obtenir. Ceux-ci devraient être disponibles dans tous les magasins parce que c'est principalement un crayon basé aux États-Unis, et d'autres pros, c'est à ce sujet. Passons aux inconvénients de ces crayons. Maintenant, prismacolor ont eu les problèmes du passé et la principale question avec ceux-ci sont qu'ils se cassent facilement parce que le noyau lui-même est un noyau doux. Ils ont eu des problèmes avec le contrôle de la qualité. Je vais vous montrer ça, le montrer sur la vidéo. Je vais juste saisir quelques crayons puis le démontrer. Nous avons ces crayons ici et le principal problème de qualité avec ceux-ci était qu'ils étaient très bien collés et qu'ils étaient alignés centralement. Ce que je veux dire par aligné centralement est en train de sortir. Par exemple, pour vous montrer une couleur de point, appareil photo montre ce rouge. Avec le noyau du crayon réel lui-même ici, vous pouvez voir que le noyau de couleur, donc quand je parle du noyau de couleur, c'est le matériau de couleur de cire réel que vous avez à l'intérieur du boîtier de crayon. Le boîtier est en bois et le noyau est constitué de la cire collée avec ce matériau pour vous donner cette couleur dure et douce. Vous pouvez voir ici, le problème était ces crayons n'étaient pas alignés de façon centralisée dans le boîtier. Vous avez ce petit point là-bas du noyau et il n'était pas centralisé, c'est comme aller vers une extrémité. C' était une indication que le crayon n'était pas très bien fait. Ce qui aura tendance à se produire, c'est que le crayon aurait tendance à se fissurer chaque fois que vous l'aiguisez. C' était un énorme problème avec elle et nous allons expliquer comment aiguiser ces crayons de manière correcte ou la meilleure façon de tirer le meilleur parti dans les vidéos suivantes. Les ruptures de cette cause douce étaient un gros problème avec ces crayons. Personnellement, je n'ai pas connu trop de ruptures avec eux. J' ai des ruptures et je peux vous montrer un exemple ici. Ce crayon, je veux dire, même si le noyau n'est pas décalé à quoi que ce soit, il est à peu près aligné au centre. C' est juste que la qualité du noyau n'était pas très bien. Chaque fois, indépendamment de la façon dont je aiguise ce crayon, il continuerait à se casser. Cela signifie que, si vous obtenez ce crayon est à peu près un gaspillage et vous n'allez pas obtenir cette couleur à nouveau dans l'ensemble particulier que vous avez, sauf si vous avez un doublon. C' était un énorme problème avec ces prisons appelées les crayons de premier plan. Encore une fois, parce que la nature de ces crayons est qu'ils sont doux, ils vont être plus enclins à se casser en fonction de la pression que vous utilisez sur eux. Un crayon de qualité artistique ne devrait pas vraiment se casser lorsque vous les aiguisez. C' est pourquoi il paie une prime pour eux à cause des matériaux et du processus qu'ils passent pour vous atteindre. C' est un désavantage décevant, si vous voulez, de ces crayons qu'ils cassent facilement. Ils sont difficiles à maintenir un point pointu aussi bien sur ce purement parce que créé avec de la cire, c'est un matériau doux et vous pouvez obtenir un point pointu une fois que vous avez aiguisé et correctement. Encore une fois, nous allons passer par ça dans la vidéo suivante, mais je vais juste vous montrer ici, nous avons des liens bien aiguisés. Alors fondamentalement, cet inconvénient en soi, ce n'est pas vraiment un inconvénient est juste parce que c'est un problème avec le matériel. Vous pouvez obtenir un très bon point pointu, mais ça ne dure pas très longtemps. C' est parce que l'usure est très rapide, raison du matériau qui conduit crayons sont faits, rapport au faber castell, qui sont à base d'huile, ils ont plus de plomb à l'intérieur. Ne menez pas vraiment, c'est le canon de colonne qui est à l'intérieur. Je vais parler de plomb techniquement ce n'est pas correct, mais c'est ce que nous savons. Le plomb à l'intérieur de ces, ils ne s'usent très rapidement, il est donc difficile de maintenir que les points pointus et les problèmes de qualité avec le collage et le boîtier, encore une fois, c'était avec la question de la centralisation le boîtier aligné avec le matériau collé réel qui se trouve à l'intérieur. En général, je pense que nous avons surmonté ce problème maintenant. Leur contrôle de qualité est beaucoup mieux. Cela a vraiment touché les gens, peut-être il y a 5-6 ans, alors que cette question devenait de plus en plus apparente. Maintenant, si vous les achetez, vous êtes beaucoup plus susceptible d'obtenir un ensemble décent. Encore une fois, il n'y a aucune garantie qu'ils ne vont pas casser. C' est juste la nature des crayons à noyau doux, et surtout avec le problème que Prismacolor premier avait, ils seront probablement des ruptures, mais vous avez juste à être vraiment prudent avec eux. Un autre inconvénient est qu'au Royaume-Uni, on ne peut pas obtenir de célibataires, mais c'est juste un désavantage pour le Royaume-Uni. Vous ne pouvez pas vraiment dire que c'est un désavantage mondial parce que je ne sais pas quelle est la situation dans d'autres parties du monde. USA, Canada, Mexique, ils seront disponibles en célibataires, je pense en ligne. Je ne suis pas sûr s'ils sont disponibles en ligne singles, mais ils sont certainement disponibles dans les magasins. Europe, Royaume-Uni, certainement pas aussi loin que je sache, je veux dire, j'ai voyagé au Royaume-Uni pour voir tous les magasins, mais ils sont généralement disponibles avec d'où je viens, et même en consultant les principales fournitures d'art au Royaume-Uni, ils ont tendance à ne pas les arrêter. En ligne est le meilleur pari pour les artistes et les professionnels britanniques. Un autre inconvénient est qu'ils ne sont pas très légers rapidement. C' est un désavantage énorme, surtout si vous cherchez à vendre vos œuvres d'art. Maintenant, la lumière rapide, c'est essentiellement la capacité d' un crayon ou d'un matériau à résister à la lumière au fil du temps et à ne pas s'estomper, c'est-à-dire qu'ils ne s'estompent pas. Si vous dites que quelque chose est rapide, cela signifie qu'il ne s'estompe pas, et si vous dites que quelque chose n'est pas rapide, cela signifie qu'il s'estompera. Ces crayons ne sont certainement pas rapides à la lumière du tout. Si vous cherchez à commencer à pratiquer des crayons de couleur le but de vendre vos œuvres d'art à des collectionneurs ou des acheteurs d'art, alors je ne les recommanderais pas vraiment. Je recommanderais ceux-ci pour peut-être pratiquer disparu ou juste s'habituer à l'appeler crayons. Cependant, l'inconvénient est que chaque type de crayons de couleur, ce soit à base de cire, à base d'huile, charbon de bois ou même de pâte à base de n'importe quel type de crayon de couleur que vous avez, selon la marque, il se sentiront et travailleront différemment. Tout va se résumer à vos préférences et goûts personnels. La seule façon dont vous allez savoir si vous allez faire de la cire, c'est si vous essayez. Vous êtes peut-être quelqu'un qui aime vraiment la sensation des crayons Prismacolors, mais vous n'aimez pas Faber Castell, ou vous pourriez être comme moi qui aime vraiment tous les crayons que j'aime tous nos fournitures à la fois pour moi personnellement, ces crayons sont absolument brillants en raison de la texture lisse et beurrée et la couleur se trouvent qu'ils ont. Je ne produit pas mon oeuvre avec des prismacolors à vendre. Je produit mes œuvres d'art à et conçu pour des illustrations de livres pour enfants. J' avais l'intention d'y aller numériquement. C' est pourquoi j'utilise des crayons Prismacolors. Pour mon œuvre d'art que je produis la cellule. J' utilise des crayons rapides plus légers comme le faber castell et l'imminence nationale actuelle. Nous passerons à ces crayons dans la prochaine série de cours de cette série. Je pense que c'est un petit tour d'horizon des avantages et des inconvénients. Passons aux techniques d'affûtage de ces crayons. 4. Techniques d'affûtage: Parlons de l'affûtage de vos crayons Prismacolor Premier. Maintenant, l'affûtage est très important parce que la nature des crayons de couleur est que vous allez les utiliser encore et encore , même si vous produisez une œuvre d'art, vous pouvez avoir à les aiguiser continuellement. Maintenant, comme nous l'avons mentionné, Prismacolor, a des crayons à base de noyau doux, ce qui signifie qu'ils vont moudre et s' user beaucoup rapidement par rapport aux crayons hardcore comme Faber-Castell, ou tout simplement généralement des crayons durs et par comme les crayons en graphite ou les crayons en carbone. Il est essentiel que vous ayez le bon aiguiseur et la bonne technique pour les aiguiser, surtout parce qu'ils sont plus sensibles aux ruptures. Mon expérience de la netteté au fil des ans est que je préfère toujours utiliser la netteté à base longue, donc ce taille-crayon que j'ai ici s'appelle un taille-pointeur long, et ce que cela fait, c'est que cela produit un long point sur le crayon de sorte que le noyau de couleur réel est légèrement plus étendu que le taille-crayon standard réel que vous avez, qui est un taille-crayon comme celui-ci, ou peut-être un couple de taille-crayons comme celui-ci. Je vais montrer chacun de ces éléments et vous montrer comment tenir réellement votre crayon lorsque vous affûtez et parce que votre technique de tenue est aussi importante, même lorsque vous utilisez un taille-crayon comme celui-ci. Commençons par le taille-crayon de base. J' ai un taille-crayon Staedtler ici. Je l'utilise pour tous mes crayons de graphite et même mes crayons de carbone. Faisons une petite démonstration de celui-ci. Encore une fois, j'ai un crayon Prismacolor, un crayon vert ici. La meilleure chose à faire est de vous montrer la façon dont cela est aiguisé. Staedtler est une marque très solide, ils produisent des taille-crayons décents et de très bons crayons et fondamentalement c'est exactement comme vous le feriez normalement aiguiser un crayon, insérer un crayon dans, mais ne l'insérez pas avec trop de pression. Je ne sais pas si cela peut être vu sur l'appareil photo ou non, mais vous avez cette zone ici où vous pouvez voir où se trouve le code couleur réel du crayon, donc il se termine là où l'écart est entre la lame et le et c'est ainsi que cela fonctionne généralement lorsque vous aiguisez. Vous pouvez voir le matériau de couleur réelle, la cire étant rasée pendant que je tourne lentement ce crayon. Maintenant, il y a un moyen facile d'aiguiser les crayons où vous tournez littéralement le crayon et tournez le taille-crayon en même temps ainsi vous avez le crayon et le taille-crayon tournant, et qui maintiendra une coupe décente tout le chemin ronde. Mais avec ce vrai crayon particulier que j'ai ici, ce crayon vert, on peut dire qu'il n'a pas besoin d'être trop aiguisé parce que ce n'était pas tout le long. Mais vous pouvez voir que juste avec quelques tours parce que c'est un crayon de noyau doux, vous avez un très beaux points là-bas. Tu as vraiment de bons points à la fin de ça, juste en utilisant quelques tours. Cet aiguiseur est très bon pour cela. Encore une fois, c'est juste une base plus nette, et ce n'est rien de spécial. On peut les obtenir dans la plupart des magasins. Encore une fois, je vais laisser tous les liens dans la feuille de calcul que je laisse alors vérifiez que s'il y a quelque chose que vous voulez jeter un oeil. J' ai une autre couleur ici. J' ai cette couleur bleue. Je vais montrer celui-là que j'ai ici. C' est par Helix Oxford. Un très bon aiguiseur, il y a une boîte standard, un taille-crayon standard, a les deux lames, les deux positions vous obtenez la grande blanche et vous obtenez l'étroite. Voilà un point. N'utilisez jamais ces taille-crayons larges avec ces massifs , énormes, cercle blanc avec les Prismacolors, parce que lorsque vous placez cette extrémité, vous avez cet écart. Si vous commencez à affûter avec un espace qui bouge, alors littéralement votre crayon va se casser. C' est juste la physique. Ça ne va pas marcher. Cette grande ouverture est pour les crayons durs. Un crayon avec un noyau plus dur, comme un crayon en graphite H dur ou un crayon en carbone. C'est pour ça que ça marchera. Ne mettez jamais vos crayons Prismacolor dans l'un de ces taille-crayons à cercles larges. Allez pour les petites coupures serrées. Si nous faisons exactement la même chose, vous pouvez voir que la couleur réelle est juste en dessous où l'écart et la lame se terminent. Encore une fois, il suffit de tourner le taille-crayon et le crayon en même temps dans des directions opposées et ce que vous verrez est, vous verrez ce rasage lisse de votre crayon en cours fabrication et il fonctionne vraiment bien donc nous l'avons. Vous pouvez voir avec cet aiguiseur a produit un point très pointu. Mes mains sont toutes couvertes de cire. Voyons si tu peux voir ça sur la caméra. Maintenant, c'est un point très pointu, c'est exactement ce que vous voudriez. Je pense que c'est absolument magnifique. Maintenant, rappelez-vous, quand vous avez un point super pointu comme celui-ci, en utilisant ces crayons Prismacolor, ça ne durera pas vraiment, alors quand vous avez tendance à vous pencher sur votre surface et à mettre un peu de pression sur ce point pointu va s'accrocher. Vous n'allez pas maintenir ce point pointu purement parce que c'est un matériau doux, il va se casser. C' est idéal pour ne pas l'aiguiser tout le chemin. C' est probablement une bonne idée de l'aiguiser à un point tel que celui-ci où vous avez juste cette légère pointe de ciseau à la fin, car cela maintiendra la structure réelle de ce point et il ne se cassera pas lorsque vous appliquez cette pression. Cependant, avec ce super tranchant sur ici, cela va se casser et vous ne voulez pas qu'il se casse trop loin en arrière que vous perdez votre matériau de cire. C' est juste une technique standard pour économiser sur vos matériaux réels. Nous avons deux démonstrations avec les deux taille-crayons, et je laisse un gâchis sur la table parce que je les laisse ouvertes, mais c'est seulement pour vous montrer comment les taille-crayons fonctionnent. On a un petit taille-crayon ici. C' est juste un taille-crayon de base. Vous pouvez même utiliser ces taille-crayons de base. Ce n'est pas un problème tant que la lame est suffisamment tranchante pour maintenir le mouvement réel de votre crayon. Encore une fois, j'ai un bout légèrement fade ici. Tout ce que nous devons faire, c'est le mettre et le tourner lentement. Maintenant, vous pouvez voir que je ne tourne pas en petits cercles. Je transmets ces motions comme ça. L' avantage de tourner en mouvement complet est que vous maintenez cette coupe lisse et continue sur votre rasage au crayon lorsque vous produisez votre aiguiseur. Vous pouvez voir ici, un très beau point produit. Ce n'est pas aussi pointu que les autres parce que c'est plus du taille-crayon de base. En fait, celui-là, je crois, est libre avec mes mixeurs. Il est livré avec le mélangeur de qualité artiste donc il est produit pour les artistes crayon de qualité et vous pouvez voir très lentement, ne pas mettre trop de pression sur le tout. Vous devez vous assurer que vous maintenez fermement le taille-crayon, mais pas le crayon. Le crayon devrait lentement guider sur cette lame et produire cette belle couleur rasage et là nous l'avons. Nous avons encore un point pointu vraiment agréable sur ce crayon et c'est juste ce point, ce n'est pas trop pointu et ce n'est pas à ciseler. C' est la technique que vous voulez. Maintenant, enfin, je vais montrer l'aiguiseur à long point réel ici et comment l'utiliser. Maintenant, ce que je vais faire, c'est que je vais juste mettre tous ces copeaux de côté pour que la caméra ne perde pas sa mise au point. Taille-crayons et crayons, et nous pouvons simplement travailler sur le taille-crayon à pointe longue réelle. Donc, c'est un taille-crayon que je recommande absolument pour n'importe quel crayon, crayons ou crayons de couleur que vous avez, purement parce qu'il produit un énorme long point. C' est ce que vous avez vraiment après, quand vous faites la coloriage, que nous allons voir dans les prochaines vidéos. Donc je vais expliquer le mécanisme de ça maintenant. Il s'agit d'un aiguiseur produit par une société appelée KUM, K-U-M. Je vais absolument laisser un lien dans les feuilles de calcul pour celui-ci parce que vous ne pouvez pas vraiment les obtenir dans tous les magasins. Je reçois ça en ligne. Il y a d'autres magasins qui stockent cela au Royaume-Uni, mais pas tous. Maintenant, il est livré avec quelques lames supplémentaires que vous pouvez voir ici dans cette petite section, qui est super, et il est livré avec ce double canon. Maintenant, ce double canon n'est pas le même que le double canon qui était sur l'aiguiseur Oxford Helix. Donc ce n'est pas comme un large et un petit, avec celui-ci, c'est un petit et c'est un long. Donc c'est comme ça que vous aiguisez votre point long, et c'est comme ça que vous produisez votre point long, et je vais le démontrer. Alors saisissons un crayon qui nécessite un affûtage. Donc j'ai, ouais ça, ça marchera bien. Donc vous pouvez voir avec ce crayon ici. Avec ce crayon, nous pouvons voir que la pointe est complètement émoussée et c'est un court rasage d'un crayon, donc ce n'est pas un long rasage. Maintenant, vous verrez comment nous pouvons produire ce long point avec une netteté. Donc, celui sur la gauche ici, vous pouvez voir que ceux-ci sont numérotés. Donc, vous pouvez le voir sur l'appareil photo, numéro 1 et numéro 2. C' est donc l'ordre dans lequel vous devez les aiguiser. Vous pouvez voir qu'il y a un énorme écart à la fin de l' endroit où se trouve la lame et vers la fin de cette partie métallique, et c'est ainsi que vous obtenez votre point long réel lorsque vous affûtez, s'étend jusqu'à cette pièce. Donc, il vous dit d'arrêter aussi bien, donc il vous dira essentiellement d'arrêter d'affûter lorsque votre couleur de cire frappe cette zone là-bas, sinon il se cassera. Donc, comme avant, placez le crayon, vraiment légèrement jusqu'à ce qu'il ira, maintenez-le à un angle. Ce que vous ne voulez pas faire, c' est qu' il y a un léger mouvement, donc vous ne voulez pas simplement le tenir à cet angle ou cet angle, le meilleur angle pour le maintenir, c' est de le reposer sur la partie inférieure du canon. Vous vous reposez à la partie inférieure, ne mettez pas trop de pression, maintenez fermement le taille-crayon avec votre main gauche ou droite, quelle que soit la main que vous voulez utiliser. Retour lent dans de longs mouvements de cercle, et vous pouvez voir que ce que cela fait, il a commencé à raser le boîtier de bois réel. Donc le boitier de bois est en train de se détacher d'abord maintenant. C' est donc ce que fait ce premier baril de l'aiguiseur. Il commence à raser le boitier de bois. L' angle de la lame est fait de telle sorte que le rasage du bois est ce qui est cliqué en premier et c'est le mécanisme de celui-ci. Donc numéro 1, ce que tu fais c'est que tu te débarrasses du rasage du bois aussi loin que ça va aller. Une fois que vous continuez à faire cela pendant un certain temps, il commencera à exposer une partie de ce matériau de base à l'intérieur, le matériau coloré. Comme vous pouvez le voir, je vais juste faire tomber ça. Le matériau est exposé et vous pouvez voir que le boitier en bois va plus loin, avant que nous ne l'ayons jusqu'ici. C' est ce qui va arriver avec ce taille-crayon. Cela va littéralement faire courbure de rasage du boitier de bois bien que tout le chemin vers le bas jusqu'à ce qu'il ira, sorte que nous puissions créer un pointu avec un long point. Donc juste comme ça et ensuite continuer. Ce que je fais maintenant, c'est que je déplace le taille-crayon et le crayon dans des directions opposées. Donc, pour maintenir un bel équilibre doux sur le manteau réel, vous pouvez voir qu'il a produit une très belle coupe lisse tout le long de ce crayon. Donc, c'est tout ce que je vais faire, c'est continuellement faire ça aussi loin que ce noyau ira. Donc vous pouvez voir maintenant, je vais vous montrer sur la caméra réelle que le noyau a étendu. Si vous pouvez voir cela, le noyau réel lui-même a étendu ce point. Donc je vais juste le pointer avec ce crayon. Ce noyau est allé au-delà de ce point de la lame et c'est ce que l'aiguiseur a l'intention de faire. Donc si on continue, ça aura l'air vraiment stupide, quand je sortirai ça. Quand tu vois ce noyau vraiment cahoteux et laid, il est coincé et tu penses, de quoi s'agit-il ? Ça a gâché mon crayon, mais je vous assure que ce n'est pas le cas. Donc lentement, la clé pour faire cela est que vous devez le faire vraiment lentement. Ne vous précipitez pas et ne le faites pas vite et dur avec trop de pression, sinon vous casserez votre crayon. Donc, juste comme ça, vous pouvez voir que c'est maintenant plus de la couleur se détache et nous allons juste supprimer cela. Je peux dire que vous avez ce drôle de point de blobby à la fin du crayon aiguisé, qui est le noyau. Donc, nous avons une belle longue aiguisage, ce qui a fait de ça une belle pointe longue. Ce que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez continuer avec ça, mais j'ai tendance à m'arrêter peut-être à mi-chemin avant qu'il ne frappe cette barrière, qui est en bas à la fin de la partie métallique réelle. Donc, vous pouvez voir que le crayon a atteint à peu près à mi-chemin, il est étendu à mi-chemin de cette distance. Je peux voir cette extension du noyau de cire. Maintenant, nous sommes prêts à passer au deuxième canon de cet aiguiseur. Ce que cette deuxième barrière va faire, c'est qu'elle va commencer à faire de ce point épais, laid gras un point pointu très lisse. Donc très doucement mettre cela dans le deuxième trou. Parce que si tu frappes ça trop fort, alors ça va s'écraser. Donc, placez doucement ça dans et vous pouvez voir que ça ne va pas au-delà de ce point dans le deuxième baril. Donc, juste comme ça, une légère pression, lentement au crayon et vous pouvez voir maintenant tout ce qu'il est enlevé est la cire de couleur, le matériau de couleur réel. Donc, nous tournons lentement ça en demi-cercles, et là nous l'avons. Vous avez un point absolument beau, fin, pointu à la fin du crayon, et c'est exactement ce que vous voulez. Tu ne veux pas être trop pointu et on ne peut pas continuer avec ça pour vraiment aiguiser ce point. Mais comme je l'ai déjà dit, un point trop pointu aura tendance à se briser lorsque vous appliquez la pression sur, donc je dirais que ce point ici est absolument parfait, pour ce que nous essayons d'atteindre. Donc, cela dit alors les gens pour les techniques d'affûtage. Généralement parlant, même si vous pouvez être aussi prudent que vous le souhaitez, vous obtiendrez quelques ruptures dans vos ensembles de couleurs prisma. Je veux dire, tu auras de la chance de ne pas en avoir. Cela ne veut pas dire que vous allez absolument avoir des ruptures, quand vous les aiguiserez, mais vous les obtiendrez. Ne soyez pas trop déçu, si vous avez une rupture. Vous pouvez facilement les fixer en retournant au crayon réel et en utilisant simplement ces techniques, ou en utilisant l'un de ces taille-crayons longs. Maintenant, vous pouvez avoir un crayon qui va être problématique tout au long selon la façon dont le noyau a été collé ou si ce n'est pas très bien collé avec le boîtier réel. C' est l'expérience que j'ai avec ce crayon ici. Donc, la couleur ici est, c'est la pêche légère. Cela ne veut pas dire que tous les crayons de pêche légers vont être mauvais. Il est probablement juste ce crayon et ont aiguisé cela plusieurs fois, je n'ai aucune utilité hors du tout. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais le démontrer ici. Il se casse constamment, donc je vais juste rapidement faire un long affûtage sur cela et voir si cela fonctionne, vous ne savez jamais pourquoi j'enregistre cette vidéo. Ça pourrait me prouver que je me trompe et qu'il fonctionne vraiment. Mais je peux déjà dire que la couleur ne va pas fonctionner là-dessus, parce qu'elle est à peu près fissurée. Encore une fois, c'est malheureux parce que, ne sont pas des crayons bon marché en aucun cas, vous pouvez acheter vraiment, crayons bon marché et s'ils craquent, alors vous n'êtes pas vraiment si dérangé. Mais quand vous dépensez, une quantité importante d'argent pour quelque chose, vous voulez vraiment qu'il dure et en tirer le meilleur parti. Donc vous pouvez voir maintenant, j'ai ça ici et je pense que si, oui, on y va. J' ai littéralement à peine touché ça et c'est juste sorti. C' est le signe d'un mauvais crayon et vous n'allez vraiment pas en profiter. Si tu as un crayon comme ça, au lieu de te battre avec ça, je le laisse. Ou ce que vous pouvez faire est que vous pouvez réellement aller à l'arrière du crayon et peut-être aiguiser le dos. Ça dépend de l'endroit où se trouve la rupture de ce crayon. Si vous allez à l'arrière et commencez à affûter quelque chose de frais, alors utilisez comme un aiguiseur mince. Donc vous ne voulez pas un taille-crayon long pour ça, si vous utilisez peut-être celui-ci ici. Allons pour l'aiguiseur Oxford, donc si nous commençons à affûter à l'arrière, nous allons probablement en tirer un peu d'usage. Donc, je dirais que si vous affûtez quelque chose et plus qu'à la troisième fois, le plomb est cassé et arraché, il est plus probable que le plomb va continuellement s'enclencher. Donc ce sera une bonne idée d'essayer de sauver un peu de ce crayon et de s'en servir, pour peut-être aiguiser l'autre extrémité. Maintenant, il a l'air moche d'avoir les deux côtés du crayon aiguisé, mais vous voulez vraiment maximiser le crayon et en obtenir un peu d'utilisation. Donc ce qu'on va faire, c'est que je teste ça maintenant sur la caméra. Je ne sais pas comment ça va se passer, alors on va jeter un coup d'oeil. Donc vous pouvez voir par ici, non, voir littéralement juste sortir. Donc c'est juste à propos de crayon, je ne vais pas m'en servir. Il ne sert à rien d'essayer de remettre ce noyau et ensuite d'essayer de l'utiliser parce que vous allez juste être frustré avec ça. Donc, c'est en fait une bonne démonstration d'un mauvais crayon, ce qui n'est pas bon en soi, mais c'est un point culminant pour vous que les crayons sont sensibles aux ruptures et vous pouvez obtenir de mauvais crayons. Donc, je pense que c'est tout pour l'instant sur l'affûtage des crayons de couleur prisma et je pense que nous allons passer à des surfaces et quel papier utiliser. 5. Types de papier: Bienvenue de retour. Jetons un coup d'oeil aux surfaces et au papier. Maintenant, les crayons de couleur peuvent être utilisés sur une variété de surfaces différentes, le papier, le carton, même sur le bois, vous pouvez utiliser des crayons de couleur en fonction de la douceur de celui-ci. C' est vraiment le point principal. C' est si vous avez assez de dent sur la surface que vous utilisez le crayon de couleur sur, déterminera à quel point le crayon de couleur s'attache réellement à cette surface. Quand je parle de dent, ou généralement quand les gens parlent de la dent du papier, ce sont les bosses et les collines et les vallées que les gens aiment à se référer à eux comme, qui font la texture du papier lui-même. C' est ce qui déterminera la quantité de crayon attachera à cette surface. Je ne peux pas dire qu'il y a un papier particulier qui fonctionnera le mieux pour les crayons Prismacolor ou tout simplement en général pour les crayons de couleur. Parce qu'il y a tellement de variété et que tout se résume à vos préférences et goûts personnels. Vous allez m'entendre dire ça beaucoup parce qu'en fin de compte, art est tout au sujet de l'expression. Personne ne peut vraiment vous dire que c'est le mauvais matériel à utiliser pour obtenir cet effet, ou que cet effet n'a pas l'air bon. C' est vraiment en fonction de vos préférences et de vos choix personnels. Ce que vous pouvez faire est que vous pouvez jeter un oeil sur les avantages et les inconvénients de l'utilisation de certains matériaux avec d'autres matériaux pour obtenir l'effet désiré que vous recherchez. Maintenant, ceux que j'ai ici sur la table en ce moment, ces variantes de papier aquarelle, papier dessin normal, nous avons même du papier Pastel ici aussi. La meilleure façon de démontrer cette série est de faire une nuance de couleur en utilisant les Prismacolors sur chacun de ces papiers. Maintenant, gardez à l'esprit, ne sont pas seulement les papiers que j'utilise, j'utilise beaucoup d'autres types de papiers, mais juste pour le garder concis et à ce niveau débutant, j'ai décidé d'aller avec cet ensemble de six papiers différents que j'ai. Juste brièvement, le premier type de papier, qui est celui-ci ici, le papier Langton et le papier Bockingford et le papier Reeves, sont principalement des papiers aquarelles. Maintenant, les papiers d'aquarelle fonctionnent très bien avec des crayons de couleur parce qu'ils viennent dans un très beau grain, ils viennent en grains divers, donc ça donne une bonne dent au papier. Mais ceux-ci en eux-mêmes, il y a beaucoup de versions différentes d'entre eux, donc ils sont généralement divisés en deux. Ils sont divisés en papier pressé à froid et ils ont été divisés en papier pressé à chaud. Il y a aussi un troisième qui s'appelle un papier rugueux. Principalement, la différence est que le pressé à froid est généralement une belle texture épaisse et lourde au papier alors qu'avec le papier pressé à chaud, vous obtenez une surface très lisse. Vous obtenez un peu de texture dessus, mais vous obtenez une surface très lisse qui est un excellent travail dans les détails. Ce sont les trois principaux types de papier que nous pouvons diviser les surfaces en catégories d'un point de vue papier. Si vous voulez travailler sur d'autres surfaces telles que la toile de coton, ou la planche, ou même sur des surfaces en bois, alors cela entre vraiment dans une catégorie différente de surface. Je vais vraiment me concentrer sur le papier uniquement parce que c'est un cours pour débutants. Ce que je vais faire, c'est que je vais obtenir une petite bande de papier de chacun de ces six tampons que j'ai et faisons un échantillon rapide. Maintenant, ce qu'on a c'est qu'on a sept bandes différentes des différentes surfaces que j'aimerais montrer dans ce cours. Maintenant, si vous regardez ça du côté gauche, j'ai quatre papiers d'aquarelle, donc nous avons le papier pressé à chaud, pressé froid, extra lisse et juste un papier aquarelle standard ici. Je vais les examiner beaucoup plus en détail quand nous les regarderons un peu plus attentivement. Sur le côté droit, on a du papier cartouche normal. Nous avons du papier Bristol lisse Strathmore, qui est une très bonne marque de papier. Ensuite, nous avons un papier Pastel ici aussi. Ceci est traditionnellement utilisé pour les pastels, mais vous pouvez également utiliser des crayons de couleur sur eux. Je vais montrer quelques couleurs sur chacun de ces, de sorte que vous pouvez vraiment avoir à sentir pour eux ou vous pouvez vraiment observer comment ces papiers fonctionnent. Si nous nous concentrons sur les papiers d'aquarelle, donc le premier que j'ai ici est le papier à aquarelle Bockingford Hot Ppressed fait de Bockingford. Maintenant, c'est un très beau papier. Si je rapproche ça de la caméra, vous verrez que le grain est très, très lisse. Il a un grain très fin et il fonctionne très bien avec des crayons de couleur. Non seulement avec Prismacolors, mais il fonctionne très bien avec d'autres types de crayons de couleur. Encore une fois, nous allons passer en revue un grand nombre de types différents au cours de cette série. Je vais probablement utiliser beaucoup de ces papiers à nouveau dans les autres classes pour le démontrer. Si on rapproche ça un peu plus de la caméra, je veux vraiment vous donner cette vision du grain là-dessus. Vous pouvez voir que c'est un grain très, très agréable, lisse et il fonctionne très bien. Je veux dire, ce sont traditionnellement des papiers aquarelle, mais comme je l'ai dit précédemment, ils peuvent être utilisés avec des crayons de couleur, graphite, tout type de matériau fonctionnera. Cela ne veut pas dire que si quelque chose est conçu pour l'aquarelle, vous ne pouvez pas l'utiliser sur autre chose. En fin de compte, tout peut être utilisé de façon interchangeable. C' est le style des médias mixtes absolument. Deuxièmement, jetons un coup d'oeil au papier pressé à froid de la société Bockingford. Maintenant, Bockingford est une entreprise basée au Royaume-Uni qui produit des papiers moulés. Ceux-ci viennent en tampons, ils viennent en grandes feuilles. J' achète ces deux dans les petits tampons et je les achète également dans les grandes feuilles simples, qui sont beaucoup plus économiques. Je ne dirais pas qu'ils sont très chers par rapport à certains autres mais c'est un papier de milieu de gamme, je dirais. Mais néanmoins, il a une très, très bonne texture. La qualité est exceptionnelle. J' utilise cette marque depuis un certain temps maintenant depuis de nombreuses années. Une grande partie des œuvres d'art que je produis est sur le papier pressé à chaud de Bockingford. Si nous rapprochons de cela, vous pouvez voir qu'il y a beaucoup plus de texture que celle pressée à chaud. C' est juste que vous avez toutes ces jolies petites bosses et collines et vallées sur lesquelles vous pouvez vraiment fixer la couleur sur. Tu dois te rappeler avec du papier pressé à froid, tu vas avoir beaucoup d'espaces blancs entre les deux quand tu colories. Je le montrerai quand on mettra la couleur sur le papier. Beaucoup de gens n'aiment pas ça. Personnellement, cela ne me dérange pas en fonction du type de dessin ou de peinture que j'essaie de produire. Mais il est beaucoup plus difficile de combler les lacunes sur un papier plus épais comme celui-ci par rapport à un papier pressé à chaud lisse comme celui-ci. Vous pouvez voir juste à côté de l'autre que c'est un contraste coincé, n'est-ce pas ? C' est une autre chose à garder à l'esprit. Le type de look et de sensation que vous recherchez. Il s'agit d'un papier extra lisse de Langton Daler Rowney, et c'est beaucoup plus cher que le Walking Foot. Mais néanmoins, c'est un très bon document. Les œuvres que je produis pour vendre sont faites sur ce papier. J' ai utilisé des crayons de luminance Caren Dache sur ce, Faber-Castell pour vendre l'œuvre originale. C'est sans acide. Il a une texture très, très lisse, comme le Bockingford l'a fait. Cela fonctionne très bien à mon avis. Je vais juste voir si je peux apporter le zoom pour que vous puissiez voir le grain réel de celui-ci. Il y a un grain super lisse. Il tient vraiment, vraiment, vraiment la cire du crayon ou l'huile du crayon selon le crayon que vous utilisez, très bien en effet. C' est un papier que je recommanderais, surtout quand vous vous familiarisez avec les crayons de couleur. Je n'irais pas en acheter un tout de suite parce qu'ils sont tout à fait [inaudibles], et vous ne pouvez pas les obtenir en feuilles simples comme vous le pouvez avec le papier Bockingford. Si nous comparons les trois, vous avez la douceur de la surface par rapport à la rugosité de la presse froide. Vous pouvez voir qu'ils produiront des résultats différents. Ces trois papiers que je vous recommanderais, je veux dire, si vous avez des magasins d'art locaux qui, ils pourraient ne pas avoir les mêmes marques, vous pourriez avoir toutes les marques, mais juste jouer avec les journaux, la plupart des magasins d'art vous permettent de dessiner sur des échantillons de papiers. Demandez dans le magasin que si vous pouvez avoir un aller avec du papier de presse chaud, papier de presse à froid, et peut-être un papier extra lisse si elles ont le en magasin. Je veux dire, ce serait un excellent moyen d'avoir une idée du type de papier que vous préférez. Si vous passez au papier d'aquarelle final, c'est un papier moins cher par une société appelée Reeves. C' est juste un papier moyen, donc, ce n'est pas lisse, et ce n'est pas pressé à froid, et ce n'est pas un papier pressé brut non plus, c'est juste comme un papier lisse standard. Cela fonctionne très bien avec un crayon de couleur. Personnellement, je ne l'utilise pas vraiment pour mon travail de crayon de couleur, mais j'ai tendance à l'utiliser comme un échantillon de papier ou un papier de ferraille. Mais encore une fois, vous avez cette option aussi. Il est vraiment important que vous utilisiez le bon papier qui vous donnera couverture efficace et la capacité d' utiliser ces crayons parce que si vous utilisez un papier bon marché, comme le papier imprimante ou vraiment un papier pour 1£, il ne va vraiment pas rendre justice à ces crayons parce que vous allez gaspiller tout votre crayon sur eux et vous n'allez pas obtenir les effets souhaités, et vous pourriez penser que le crayon pas bon, mais en fait c'est le papier qui n'est pas bon. Il est donc important que vous obteniez le bon type de papier. Passons des papiers à l'aquarelle aux papiers plus cartouches et croquis. Ici, j'ai le papier Daler Rowney lisse, super fin, lourd. C' est un excellent papier à utiliser pour le crayon de carbone du crayon graphite, et même pour le crayon de couleur. Personnellement, je l'utilise pour juste faire travail de pratique sur en raison de la douceur du papier. Je ne l'utilise pas pour les œuvres d'art finales mais, encore une fois, je l'utilise plus comme un papier à gratter, mais néanmoins, il est assez facilement disponible, surtout en ligne et au Royaume-Uni, il est dans presque tous les magasins d'art, donc, c'est un bon papier pour utiliser celui-ci. C' est un 220 g/m², donc, il est assez épais, et c'est ce qu'on appelle du papier cartouche. Le papier cartouche fonctionne très bien. Si vous pouvez voir qu'il a une surface très lisse mais il est juste un peu plus mince que les variantes d'aquarelle. C' est le papier cartouche, c'est fini. Celui-ci, le suivant, c'est un de mes papiers préférés. C' est un papier sur lequel je fais ma dernière illustration aussi, et ce n'est pas de l'aquarelle, c'est un papier Bristol Smooth par une société appelée Strathmore. Maintenant, Strathmore fait une série de papiers. Ils font Strathmore 300 série, qui est celui-ci ici, ils font 400 et une série 500 je pense, et je pense qu'ils ont aussi fait un plateau 700. Je vais l'amener près de la caméra pour voir si vous pouvez voir le grain sur ce, parce que cela a une texture absolument belle à elle. Vous pouvez voir sur l'accent, vous pouvez voir qu'il y a une texture lisse vraiment, vraiment agréable à cela, et j'ai fait beaucoup d'œuvres d'art à ce sujet pour produire pour l'œuvre finale et pour vendre, et même ceux qui vont dans la série de livres de mes enfants ou mes romans graphiques, j'ai tendance à faire sur ce papier parce qu'il permet un mélange de couleurs très, très bien. C' est un peu cher du côté cher, surtout quand vous allez à la série 400, la série Vellum, qui est encore une très bonne mais j'ai tendance à l'utiliser plus pour mon Caren Dache, un Faber à base d'huile Des crayons Castell. Encore une fois, c'est un très beau papier. Donc c'est un que je vous recommande de donner un coup d'envoi, surtout si vous pouvez en faire un essai dans l'un de vos magasins d'art à proximité. Je vais juste perdre le focus là-dessus et récupérer la concentration. Et enfin, j'ai du papier pastel. Maintenant, le papier pastel est disponible en différentes qualités, tailles et styles. Celui-ci est très mince. C' est seulement £75. C' est un 160 g/m². Ce papier, je n'utilise pas ce papier pour produire des œuvres d'art finales. J' utilise ce papier, si je suis d'humeur à venir avec un croquis, ou à décider que je veux juste faire un petit croquis ici, ou aller avec des crayons, j'utiliserai ça. C' est un très bon papier à utiliser. Mais encore une fois, quand je le démontrerai, vous serez en mesure d'en voir les résultats. papier pastel est généralement très cher par rapport aux papiers à cartouche normaux. Alors gardez cela à l'esprit. Je vais l'ignorer à nouveau et l'essayer dans votre magasin d'art local et voir si vous en avez une idée. Cela fonctionne certainement pour les crayons de couleur et absolument [inaudible] encore une fois, cela va être en fonction de vos préférences personnelles. Reprenons le zoom sur. Là, nous l'avons. Nous avons nos sept types de papier. Ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais obtenir quelques couleurs et faire des petits échantillons rapides, puis je les rapprocherai de la caméra pour vous montrer à quoi ressemble cette surface. Commençons par ça. D' accord. Maintenant, nous avons des échantillons sur chacune de ces bandes de papier dont nous avons parlé plus tôt. Vous pouvez voir en jetant un coup d'œil à cela, que les résultats sont très différents pour chacun d'eux. Maintenant, encore une fois, comme je l'ai déjà mentionné, tout dépend du type de préférence que vous avez ou du type de résultat que vous voulez obtenir. Pour moi, j'aime personnellement les résultats de tout cela. Selon le type de projet que je fais ou la prochaine œuvre d'art que je vais faire, je déciderai lequel de ces papiers que je vais utiliser uniquement selon ma préférence. Si on regarde de gauche à nouveau, on a les papiers d'aquarelle, les quatre papiers d'aquarelle ici, vous pouvez voir, je rapprocherai ça de la caméra. Sur le côté gauche, on a le papier pressé à chaud. Vous pouvez voir que vous avez une très belle couche de couleur en douceur. Il a l'air vraiment agréable et lisse. C' est vraiment facile à appliquer. Sur la prochaine vidéo sur laquelle je vais faire la démonstration, j'utiliserai probablement le papier pressé à chaud pour montrer beaucoup de ces crayons. Je vais également utiliser le papier Langton extra lisse, parce que personnellement j'aime vraiment la texture que vous obtenez. C' est comme une texture moyenne. Vous avez le papier pressé à chaud sur la gauche ; ce qui est très lisse. Sur la presse froide, comme je l'ai déjà dit, vous allez obtenir beaucoup de grains larges ; surtout quand vous posez juste une couche de couleur, et vous devez remplir ces grains larges, cela peut être une tâche assez laborieuse, mais personnellement j'ai vraiment aimé cette texture qui est créée. Tout dépend de la couleur que vous utilisez. Si vous voyez les couleurs plus sombres, produira plus de ce large contraste dans les bosses que vous obtenez sur le papier, tandis que les couleurs plus claires vous obtenez beaucoup moins. Ici, nous avons le papier extra lisse, qui est un milieu de gamme. Vous avez une légère texture par rapport aux papiers pressés à chaud lisses. Si nous avons un coup d'oeil ici, si vous le regardez sur une échelle de lisse jusqu'à très texturé, vous pouvez voir que c'est vraiment très différent. Les résultats vont de lisse tout le chemin à aimer un aspect rugueux, et cela représente la façon dont un crayon serait sur le papier. Vous pouvez créer beaucoup de variances avec ces différentes textures en utilisant du papier aquarelle. Si vous regardez les récifs, vous pouvez voir que c'est un papier moins cher, et personnellement, je n'aime pas vraiment ce regard comparé au papier pressé à froid. Je préfère ce regard sur le froid pressé. Je pense que vous obtenez beaucoup plus de couleur que les récifs. J' ai juste l'impression que c'est un peu effacé l'effet réel sur ce papier. Si c'est un papier, ce n'est pas mal, mais personnellement ce n'est pas un que j'aime utiliser. Ce sont les papiers à l'aquarelle. Si nous avons juste un coup d'oeil aux résultats que nous avons obtenus des autres papiers, du papier cartouche, du Strathmore et du papier pastel. Nous allons les écarter du chemin. Vous avez une gamme de résultats différents. Avec le Strathmore, vous avez un look très lisse qui était similaire à celui pressé à chaud. Vous pouvez voir ici que vous avez le chaud pressé juste à côté du Strathmore. C' est très similaire en termes de résultats. Je préfère toujours le Strathmore plutôt que le Bockingford pressé à chaud parce que, avec le Strathmore, il y a un peu plus de texture en dessous que vous pouvez produire. Avec le Bockingford, il est vraiment pur et lisse. Si j'essaie de travailler sur quelque chose où j'ai besoin d'un peu plus de texture, j'irai chercher le papier Strathmore, la planche Bristol. Si je veux quelque chose de tout à fait lisse, alors je choisirai le Bockingford pressé à chaud. Jetons un coup d'oeil au papier à cartouche Daler Rowney. Vous pouvez voir que produit un résultat plus agréable aussi, donc c'est un résultat mitigé que ce n'est pas lisse et ce n'est pas trop tache. C' est comme un milieu de gamme comparé aux papiers pressés à chaud et à froid. Si on regarde le papier pastel, on a un aspect très texturé comme avec un papier pressé à froid. Mais vous pouvez voir avec le papier pastel, il faut beaucoup de pigment, et j'ai adoré ça. Si nous regardons le papier pressé à froid ici et comparons, vous pouvez le voir quand j'appliquais la couleur réelle. Je vais te montrer ici. Quand j'appliquais la couleur, j'utilise exactement la même pression sur les deux, et vous pouvez voir que le papier pastel prend cette couleur beaucoup plus. Il prend immédiatement le dynamisme de la cire à l'intérieur de ce crayon. Alors qu'avec le Bockingford, je dois appuyer beaucoup plus fort pour obtenir cette couleur, et ça ne semble pas être aussi dynamique. C' est l'avantage d'utiliser des papiers pastel. Ils apporteront vraiment le dynamisme de votre couleur. Si vous êtes à la recherche d'un look vraiment dynamique, alors le papier pastel est probablement une bonne option pour vous. Mais n'oubliez pas que vous allez obtenir beaucoup de ces bosses blanches, donc pour couvrir ces larges étangs, vous devrez aller avec beaucoup plus de couches et appuyer beaucoup plus fort et brunir. Nous passerons à toutes ces techniques dans les prochaines vidéos. C' est à peu près tout pour les journaux. Les nuanciers que nous avions, vous pouvez voir qu'ils produisent tous une belle gamme de couleurs. Généralement, lorsque vous commencez dans n'importe quel type de matériel d'art, c'est une bonne idée de tester quelque chose avant de vous y engager. Nous allons juste reprendre la caméra et nous aurons un petit aperçu de ce que nous venons d'apprendre. Un petit aperçu de ce que nous avons vécu dans cette vidéo. Tout dépend du type de look que vous recherchez, qui déterminera quel papier vous devriez utiliser. regardant cette variance dans les nuanciers de couleur d'en haut, vous pouvez voir avec l'aquarelle, vous obtenez un contraste assez vaste selon que vous utilisez pressé à chaud, pressé à froid, ou si vous utilisez extra lisse ou simplement un papier standard bon marché. Si c'est le genre de look que vous cherchez, alors je vous recommande d'obtenir les papiers de couleur Bockingford, peut-être le pressé à froid et le dur pressé juste pour obtenir un peu de pratique. Lorsque vous avez décidé lequel vous voulez, ou que vous avez assez de pratique hors de lui, peut-être que vous voulez le Langton extra lisse, mais gardez à l'esprit que celui-ci est beaucoup plus cher le Bockingford dans le pressé à froid et pressé à chaud a varié. J' éviterais d'utiliser les Reeves uniquement parce que, je n'aime pas la couleur sur ce papier particulier. Mais si c'est le seul papier que vous avez, je suppose qu'il est bon de garder ça comme un papier à gratter juste gribouiller avec ou juste faire un peu de pratique. Je ne gâcherais pas tes couleurs sur ce papier. Ce que je vais faire c'est, je vais juste déplacer ça vers le bas et ceux que je recommanderais, je vais les garder à l'écran. En ce qui concerne les autres papiers, le papier à cartouche de surface lisse Daler Rowney, qui produit aussi de très beaux résultats. C' est beaucoup plus lisse que les papiers d'aquarelle. Vous avez un peu de texture dessus, et ensuite nous avons le Strathmore. Maintenant, c'est un document que je recommande fortement. Le Daler Rowney, je ne recommanderais pas cela comme votre premier choix, si vous êtes à la recherche d'un résultat vraiment lisse. J' irais pour le Strathmore, ou pour le Bockingford chaud pressé. Mais avec le Strathmore, c'est une qualité de papier plus chère, et si vous êtes vraiment après cet effet de texture lisse ou moyenne, alors je vous recommande fortement celui-ci. Enfin, si vous êtes après un effet rugueux comme nous avons eu avec le papier pressé à froid, et que vous avez beaucoup de texture dedans, alors je recommande du papier pastel. Je pense que le papier pastel est génial pour cela. Mais encore une fois, c'est une option assez coûteuse en fonction de la marque que vous optez. Celui-ci ici, je dirais que le papier pastel et l'aquarelle, le papier Langton, ce sont des prix similaires et le Strathmore. En termes de gamme de prix, si vous mettez le plus cher sur le dessus, puis nous apportons le moins cher plus bas, ne leur donner un aller dans les magasins, dans les magasins d'art si vous pouvez, et sinon, je voudrais recommander comme un débutant peut-être obtenir un couple de papiers pour simplement pratiquer sur des papiers différents. chaud et pressé à froid peut-être dans la gamme Bockingford, ou une gamme moins chère, et évitez d'utiliser du papier d'imprimante ou des papiers de prêteur sur gages, parce que vous allez perdre vos couleurs. J' espère que cela vous a donné un aperçu décent d' une information de niveau de démarrage sur les surfaces à utiliser, et vous pouvez voir quel type de résultats ils atteindront. Ensuite, nous allons passer à, comment tenir votre crayon et les différentes techniques de tenue de vos crayons pour obtenir les résultats que vous voulez. 6. Tenir des positions: Parlons de quelques positions de maintien de vos crayons prismacolor, et cela s'appliquera à tout type de crayon de couleur ou vraiment n'importe quel crayon, il est donc générique pour tous les types de crayons. La raison pour laquelle je passe par cela est parce que je pense qu'il est très important que vous teniez votre crayon dans une bonne position pour obtenir le résultat souhaité que vous cherchez, et c'est de vraiment maintenir le crayon que vous avez et d'éviter les ruptures. Il y a trois types principaux de postes que j'utilise personnellement. Ce que nous allons faire, c'est commencer par tenir la position numéro 1, qui est le style d'écriture. Maintenant, c'est généralement la façon naturelle que plupart des gens vont tenir n'importe quel type d'instrument d'écriture ou de dessin, c'est la façon dont vous écrivez. C' est juste le tenir comme ça entre vos deux doigts et votre pouce et juste reposer votre partie de votre main sur le morceau de papier, et ensuite simplement écrire dans ce style d'écriture. Donc, juste comme ça, c'est l'une des façons les plus courantes de tenir un crayon, c'est un bon moyen de tout le crayon, il n'y a pas de problèmes avec elle. Cependant, lorsque vous coloriez, ce que vous voulez vous assurer est que vous ne le tenez pas trop près la pointe ici parce que ce qui va se passer est pendant que vous faites vos coups, vous verrez qu'il est très difficile de maintenir un et ce que vous obtiendrez, c'est que vous obtiendrez beaucoup de ces taches et lignes dures qui viennent dans votre couleur. Ce que ma recommandation est que vous tenez dans cette position d'écriture, vous tenez le crayon légèrement plus haut. Je dirais peut-être quelques distances de doigts et plus haut à partir de la fin de la partie aiguisée. Ce que vous trouvez que c'est que lorsque vous commencez à superposer la couleur vers le bas, vous serez en mesure de maintenir un plus cohérent et regarde si nous avons regardé leur boîte ici. Donc, en le maintenant plus loin, vous pouvez maintenir beaucoup plus de cohérence dans vos coups et vous obtiendrez beaucoup moins de ces lignes difficiles. Nous allons vous mélanger et les lignes difficiles et comment enregistrer le mélange correctement dans les prochaines vidéos qui viennent sur cette classe. C' est le style d'écriture. Alors évitez de le tenir trop près de la pointe et maintenez-le un peu plus bas et cela aiderait vraiment à créer vos couleurs. En regardant la deuxième méthode, maintenant c'est la méthode verticale. Maintenant, cela signifie fondamentalement que vous allez tenir votre crayon complètement verticalement et vous peu vous allez colorier comme ça. Maintenant, c'est bon pour aller dans les petits détails vraiment minuscules. Cependant, cette méthode est quelque chose que j'utilise en fonction des parties de la peinture ou du dessin que je colore ou dessine. Mais j'éviterais d'utiliser cela trop. Il suffit de l'utiliser peut-être quand vous avez poche très serrée de détail que vous avez juste besoin de coloration vierge dans. Il ne va pas être bon pour la méthode de branding parce que vous allez et vraiment dur dès le début. C' est ce point vertical, et avec le point vertical, vous allez devoir tenir les écritures au crayon à la fin ici. Si vous tenez le crayon à mi-chemin, alors vous finirez par payer beaucoup de pression dessus. Ça pourrait vaciller votre main et vous pourriez finir par casser la pointe. Si vous allez faire la position verticale, utilisez-le uniquement sur certaines zones où vous avez juste besoin couleur sombre peut-être plate et vous n'avez pas besoin de trop de branding, et cela fonctionnera très bien pour ces détails. La dernière façon de tenir le crayon, la façon dont je le fais est le côté en attente. Donc, en tenant latéralement, c'est comme le tenant généralement comme un pinceau, vous le tenez comme ça. Je vais vous montrer le dessous de la main états comme ça. C' est très proche des papiers, si vous pouvez voir ici, il n'y a pas beaucoup d'espace entre mon pouce, le crayon et le papier. C' est vraiment maintenir la prise latérale, et juste avec des mouvements lents, en superposant doucement cette couleur. Vous pouvez voir que vous obtenez un effet différent complet avec cela. Je l'utilise beaucoup, surtout quand j'essaie d'avoir beaucoup de couverture sur le dessin qu'ils essaient de faire. Vous avez ça et vous pouvez voir que je tiens la position du crayon réel est plus haut. Ce n'est pas trop proche, mais tu ne peux pas te rapprocher de ça. Si vous voulez aller un peu plus dur avec un peu plus de détails, vous pouvez voir que j'utilise les mouvements circulaires pour créer une texture. Ça fonctionne très bien. Je veux dire, j'utilise une combinaison de toutes ces trois méthodes, j'ai utilisé le style d'écriture, le style vertical, et le style pinceau, ombrage sur le côté, et je pense que tout ce que vous êtes à l'aise avec fonctionnera avec vous. Mais vous devez juste faire attention que vous ne mettez pas trop de pression sur le crayon lui-même parce que cela finira par briser la led, la couleur conduit sur le crayon réel lui-même. Ce sont les trois principales techniques, et je voulais juste passer rapidement à travers, et je pense que ce que nous allons faire maintenant est que nous allons passer à d'autres techniques de pression qui sont impliqués dans les crayons de coloration. 7. Techniques de pression: Bienvenue de retour. Parlons maintenant de différentes techniques de pression. Maintenant, nous pouvons diviser les techniques de pression en trois domaines principaux. Nous pouvons parler de la pression légère, qui est une pression très faible que vous utilisez pour appliquer votre couleur. Ensuite, nous avons le niveau suivant, qui est la pression moyenne. C' est un peu plus que la pression de la lumière. Enfin, nous avons une forte pression et nous appelons la forte pression comme brunissement. Ce que c'est brunir, c'est vraiment très dur dès le départ et aplatir cette texture du papier, cette dent du papier, et ça va très dur. Nous allons donc démontrer ces trois textures et ces techniques et trouver les avantages et les inconvénients de chacune, alors commençons avec celle-ci. Tout d'abord, regardons la pression légère. Quand je parle de la légère pression, je parle de tenir vraiment le crayon soit vous pouvez tenir dans le style d'écriture comme nous l'avons discuté dans la vidéo précédente, ou vous pouvez le tenir dans le style de pinceau couleur que le maintenez latéralement. Si vous le tenez comme ça, cela permettra de démontrer les deux façons. Donc, la première façon est le style d'écriture. Vous devez vous assurer que vous tenez cela plus haut. Parce que pour obtenir cette légère pression, vous devez maintenir un bon mouvement graduel, très progressif avec votre main. Ce que tu veux faire, c'est que tu ne veux pas bouger ton bras. Vous voulez simplement déplacer littéralement les doigts qui tiennent le véritable crayon lui-même. Vous pouvez voir ici que je vais à nouveau en mouvement en arrière et en avant. Vous pouvez voir qu'à cause de la couleur, il est tellement pigmenté, et c'est un énorme avantage des crayons de couleur PRISMA qu'ils ont beaucoup de pigment en eux, que vous n'avez vraiment pas à passer beaucoup de temps à appuyer vers le bas pour obtenir la couleur sur. Ce qui est encore une fois, c'est un autre signe d'une console de haute qualité. Si vous regardez cela, vous pouvez voir que j'ajoute lentement cette nuance de couleur ici, juste en arrière et en avant avec une légère pression. Maintenant, c'est sympa et même parce que je répète cela quelques fois et que nous ajoutons des couches, et nous allons discuter des couches plus en détail dans la prochaine vidéo. Vous pouvez voir, j'utilise juste un papier légèrement texturé par ici. Vous pouvez voir une partie de la texture qui sort du bas. Ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais regarder l'autre coup que nous avons en utilisant le côté retenu comme si vous teniez un pinceau. Ce qu'on peut faire, c'est qu'en dessous, on va juste faire côté. Vraiment léger, nuance par ici. Encore une fois, comme vous pouvez le voir, j'appuie à peine sur ça, sur lequel on a juste plané ce point de cette lumière de couleur juste au-dessus de la surface de ce papier avec presque aucune pression du tout. Vous pouvez voir que la couleur se détache très facilement. C' est la légère pression. Maintenant, vous utiliseriez cette légère pression pour vraiment fixer votre couleur. Si vous faites de l'arrière-plan, nous essayons de remplir une grande zone, c'est la technique que je recommanderais que vous utilisiez aller en lumière sur souligne plus parce que c'est vraiment important. Vous pouvez voir que je suis allé là où nous étions vraiment en arrière et en avant et vous avez une belle petite nuance de couleur là-bas. Passons à la deuxième technique. Revenons maintenant à la position du style d'écriture. Maintenant, nous allons ajouter une pression moyenne ici. Donc, pour une pression moyenne, précédemment, nous avons tenu le crayon autour de ce point. Ce n'était pas au centre. Vous ne pouvez pas le tenir au centre pour la technique de la lumière, mais je dirais pour le médium, vous voudriez vraiment aller à mi-chemin entre ce que vous avez tenu sa lumière et le bord de la tranchant et des parties du crayon. Je dirais que la moitié est à peu près ici. Maintenant, j'ai une bonne prise ferme. Je ne change pas la position de ma main. La main reste la même. On va juste utiliser nos doigts pour bouger de haut en bas. Maintenant, vous pouvez voir que la couleur se détache automatiquement beaucoup plus forte. Maintenant, je n'applique plus de pression ici, je suis juste le changement de position du crayon de la prise du crayon qui provoque plus de pression pour être mis sur le pigment réel dans la cire donc il est beaucoup plus facile. Vous pouvez voir qu'avec presque aucun effort, avec une pression moyenne, vous obtenez une couleur beaucoup plus profonde et vous obtenez une couche plus lourde de cire ou de pigment. Ça marche vraiment bien. Encore une fois, je vais juste en arrière et en avant pour simplement ajouter à cette nuance. Ce que vous pouvez faire est, si vous voulez ajouter continuellement à cela, vous pouvez simplement appuyer littéralement un peu plus fort avec votre pouce et ce que cela fera est que cela ajoutera un peu plus de pression, mais il suffit de le garder à ce mouvement constant et alors vous n'aurez pas de lignes dures qui apparaîtront. Mais encore une fois, nous allons entrer dans la superposition, un calque extérieur et mélanger la couleur dans les prochaines vidéos. On a une technique de pression moyenne, un chiffre d'affaires ici. Passons à l'autre prise, qui est la prise latérale. Encore une fois, je tiens le crayon à la position de lumière originale qui était ici, autour d'ici donc je vais juste le tenir un peu plus loin, mais au lieu de déplacer toute ma main vers l'avant comme ça, je ne vais pas bouger tout mon main avant ici parce que je ne veux pas trop de pression sur. Je vais juste mettre mon doigt un peu en avant. Il va juste appuyer sur les doigts. Comme vous pouvez le voir, tout en dessous est comme ça, tenant entre mon pouce et mes autres doigts, et la première chose que j'ai ici, mon premier doigt. Je me déplace légèrement vers le bas pour que cela puisse augmenter la pression. Vous pouvez voir ici, la couleur est beaucoup plus lourde que la première nuance, et c'est juste cette continuation. N' oubliez pas de vous assurer que vous êtes à l' aise dans la position où vous tenez un crayon. Vous ne voulez pas finir par vous cramper les mains parce que l'art n'est pas une question de payer, art est une question de plaisir, n'est-ce pas ? Assurez-vous que vous êtes à l'aise dans n'importe quelle technique que vous utilisez, qu'il s'agisse d'une légère pression, d'une pression moyenne ou d'une pression lourde que nous allons passer à la suivante parce que vous ne voulez pas vous blesser. Encore une fois, ce média de crayons de couleur, c'est un média très lent et ce n'est pas quelque chose que vous pouvez faire rapidement. Vous devez prendre votre temps là où il y a vraiment un de ces temps de qualité, des médiums de qualité, quelques-uns comme. Tout ce que j'ai fait ici, c'est que je viens d'ajouter cette pression moyenne dans le même mouvement cité pour la première fois dans cette attente secondaire, et je suis content de ça. Vous pouvez voir que c'est agréable et lisse. Je veux dire, vous pouvez voir ces endroits sauvages tous au milieu, mais nous allons passer à la prochaine technique de pression pour se débarrasser d'eux. J' aime beaucoup cette texture. Certaines personnes n'aiment pas ça. Ils n'aiment pas les petits morceaux blancs qui sortent de la surface du papier. Personnellement, ça ne me dérange pas en fonction de ce que j'essaie de réaliser. Si tu peux voir, on a du médium ici, et maintenant on peut passer à la suivante. Nous regardons le numéro 3, qui est la pression dure. Pour la pression dure qui est également connu sous le nom de brunissage, il suffit de tenir le crayon le plus près possible de la pointe. Maintenant, vous n'avez pas besoin d'aller jusqu'ici parce que si vous entrez juste là, vous manipulez très probablement glissant, vous risquez de casser la plume du crayon. Tenez donc une position confortable où vous pouvez la maintenir stable, parce que c'est vraiment la clé avec la position que vous pouvez la maintenir stable et c'est celle qui va travailler pour vous. Commençons par ça. Ce que je fais ici, c'est que je me penche la main. Ces parties de ma main, je me penche en avant, je l'incline un peu en avant par rapport à ce que j'avais ici où je me reposais juste sur le côté. On ne repose plus sur le côté, on tient juste la main sur le côté et on met la pression sur cette partie de la main. La pression est sur cette partie de la main. Maintenant, tout ce que nous faisons, c'est que nous entrons et que nous entrons dans la pression. Vous pouvez voir la couleur se détache vraiment agréable et faire cela dans des mouvements lents. Ne le faites pas trop vite parce que vous ne voulez pas un horrible lignes dures pour apparaître dans votre coloration. Si on regarde ça par ici, ils vont aller en arrière et en avant avec une pression difficile. Maintenant, je ne vais pas très dur là-dedans, mais vous pouvez voir que ça a l'air vraiment sympa. Il semble très soigné et lisse dans le portrait. Encore une fois, c'est la qualité de ces crayons que j'aime absolument. Ce que je fais, c'est que j'utilise les mouvements circulaires et ovales pour fixer les collectionneurs. Je ne veux pas abîmer complètement le bout du papier. Pendant que je fais ça, ma main glisse vers le bas, se rapproche de la fin. Tout ce que vous avez à faire est juste ajuster légèrement, déplacer vos figures en arrière ou simplement le positionnement de votre main et vous pouvez ajouter quelques couches supplémentaires. Voilà notre polissage à pression dure. Maintenant, pour enlever complètement les taches blanches, ce que vous pouvez faire est d'incliner votre papier et vous pouvez commencer à aller dans la direction opposée. Si vous voyez ici, je vais dans la direction opposée et vous pouvez voir que la pression que j'applique est exactement la même et qu'elle se débarrasse de ces taches. Ce qui se passe ici, c'est que les lacunes qui ont été laissées dans la première position que nous avons essayé, nous sommes capables de colorer les lacunes avec la pression. C' est littéralement se débarrasser de tous et c'est juste une nuance de couleur absolument magnifique. Retournez-le. Là, nous avons notre pression dure brunie. Vous pouvez voir le bout du crayon qu'il est passé à plat maintenant, n'est-ce pas ? Ce n'est pas très pointu. C' est pourquoi encore une fois, il est très important que vous mainteniez une pointe pointue tout le temps parce que si vous ne maintenez pas une pointe pointue, alors ce qui se passe est que votre superposition réelle des couleurs, la mise en page des couleurs devient très tachetée et vous aurez des lignes dures. Pendant qu'il y en a, je vais juste montrer la prise latérale et faire le brunissement avec la prise latérale. Encore une fois, cette fois avec du brunissement, je vais très près de la pointe par ici. Je le tiens avec mon doigt là-bas d'en bas à peu près de distance et je veux mettre la pression en face de cette façon. Encore une fois, nous entrons et nous commençons à mettre un peu plus de pression. Maintenant, voici un pourboire. Si jamais vous allez faire du brunissement dans de grandes quantités de surface, alors je vous recommande de ne pas aller droit avec le brunissement et je vais vous expliquer pourquoi. Parce qu'une fois que vous commencez à brunir très dur au début, alors ce qui se passe est que la dent du papier devient complètement plate et vous ne pouvez plus y ajouter de couches. Il sera très difficile de réparer ou de mélanger, surtout si vous faites simplement un mélange à sec et que nous allons venir à techniques de mélange dans les prochaines vidéos. Comme je l'ai dit, ce que je fais ici, c'est que je construis progressivement ce brunissement dur. Vous pouvez voir, j'aurais pu aller très fort. Je le construis lentement. J' utilise juste le crayon et ce que je fais, c'est que si tu as remarqué, je tourne lentement ce crayon. Je ne le garde pas à une seule position et la raison pour laquelle je fais est que je puisse maintenir cette astuce. Si vous voyez ici, je tourne lentement le crayon. Vous pouvez voir les coalesces PRISMA tourner autour pendant que je fais cela, et la raison en est que je veux maintenir cette pointe de ma couleur pour qu' elle ne se casse pas ou ne devienne trop faible. C' est une très bonne technique pour vraiment maintenir vos matériaux pendant que vous les utilisez réellement. Comme vous pouvez le voir ici, nous avons un très bon brunissement et nous n'avons même pas besoin de passer l'autre côté pour sortir les blancs parce que nous avons en fait débarrassé de la plupart des taches blanches. C' est une excellente technique à utiliser si vous voulez obtenir cette quantité de pigment de couleur sur votre papier. C' est à peu près tout pour les techniques de pression. Je suppose que ce que nous pouvons faire maintenant, c'est que nous pouvons appliquer ces techniques au processus de superposition et c'est là que la pression que vous ajoutez devient importante. Passons à celle-là. 8. Techniques de calques: Bienvenue de retour. Parlons maintenant de la technique de superposition. Maintenant, la superposition est un processus d'ajout de couleur sur une autre couleur pour créer un effet désiré. C' est généralement la méthode qui est couramment utilisée lorsque vous êtes généralement juste colorier. Examinons quelques raisons pour lesquelles vous seriez en superposition en premier lieu. Numéro un, c'est pour créer une répartition uniforme de la couleur. La raison pour laquelle vous voulez le faire dans la technique de superposition est maintenir une diffusion cohérente de cette couleur. Finalement, cela deviendra lisse et texturé en fonction de la pression que vous utilisez. Maintenant, avec prismacolors, la clé et l'un des principaux avantages est que c'est un crayon softcore. Il est très pigmenté, donc la superposition est très facile, et vous n'avez pas besoin d'appliquer trop de pression. C' est l'un des points clés que vous devez comprendre avant de commencer à superposer. La pression que vous appliquez doit être très minime, surtout dans les premiers stades de la superposition. Je veux dire, vous pouvez ajouter autant de couches que vous voulez pour obtenir le résultat souhaité que vous recherchez. Deuxièmement, une autre raison pour laquelle vous seriez superposé est qu' il ajoute de la profondeur en créant des ombres et de la lumière dans les zones, ajoutant des couleurs différentes , des couleurs complémentaires ou même des couleurs appartenant à la même famille. Nous allons peigner davantage pour ajouter de l'ombre et de la lumière à vos illustrations à l'aide de crayons de couleur dans l'une des vidéos suivantes. Je vais aller dans beaucoup plus de profondeur dans la façon de sélectionner le type de couleur que vous devriez utiliser. Enfin, le point principal pour la superposition est de créer une autre couleur. Maintenant, vous avez peut-être une palette limitée. Vous n'avez peut-être qu'un lot de 12 crayons, ou vous n'avez que quelques crayons de votre boîte parce que vous êtes à court d'autres. Vous pouvez même créer des couleurs avec la superposition. C' est l'avantage d'utiliser des crayons d'artiste sur crayons de qualité bon marché comme des crayons pour enfants que vous obtenez dans ces packs gratuits. Commençons par une démonstration de création d' une répartition uniforme de la couleur en utilisant une seule couleur. Encore une fois, ce qui est important, c'est que vous devez garder une pression très, très légère. Votre technique de tenue, comme nous l'avons expliqué dans la vidéo précédente, devrait vraiment être soit au crayon comme dans la technique d'écriture standard. Mais vous devriez tenir votre crayon aussi loin que cela est confortable et est possible pour vous de maintenir un mouvement constant. Je dirais par moi-même. Je suis à l'aise de tenir ce crayon à propos de cette position ici. Je veux dire que vous pouvez le retenir plus loin, mais si vous n'allez pas être capable de maintenir un mouvement cohérent, alors je dirais venir un peu plus près où vous avez une bonne prise du crayon, mais vous ne voulez pas de faire pression sur elle. Vous voulez que la pression soit sur le côté de votre main, et vous voulez juste avancer en arrière et en avant. Démontrons cela. Je viens de dessiner ces deux carrés pour vous faire une démonstration. On va juste commencer dans le coin supérieur. Je vais juste progressivement avec presque aucune pression, continuer à faire ce mouvement vers l'arrière et vers l'avant pour juste colorer dans cette zone aussi léger que possible. Je vais en avant et en arrière, et ceci est toujours considéré comme la première couche. Je vais remplir ce carré avec une couche de couleur très légère. Vous pouvez voir avec presque aucune pression un pigment vient de sortir et de passer à ce journal. Maintenant, sur cette première couche, ce n'est pas beaucoup, mais maintenant l'avantage est que vous pouvez revenir en arrière et commencer votre deuxième couche. En utilisant à peu près la même pression et vous pouvez voir ces lacunes qui sont laissées dans le papier, dans la dent du papier qui a déjà commencé à se couvrir avec la deuxième couche que vous venez d'appliquer. Maintenant, c'est absolument génial quand vous voulez faire une large couverture de plus grandes surfaces dans votre œuvre d'art. Ce que je fais maintenant, c'est j'applique juste cette troisième couche. Vous pouvez voir que j'ajoute ce mouvement de couleur cohérent à ce carré, et vous pouvez voir qu'il est rempli très, très bien. Maintenant, si j'ai mis trop de pression depuis le début, il aurait été utilisé pour un polissage direct ce dont nous avons parlé auparavant dans l'autre vidéo. Ainsi, vous ne serez pas en mesure de créer la couleur lisse, uniforme et uniforme. C' est une très bonne technique à utiliser. Encore une fois, je vais juste entrer avec une autre couche. Vous pouvez entrer avec autant de couches que vous le souhaitez. n'y a pas de règle stricte qui dit que vous ne pouvez faire que cinq couches ou 10 couches. Vous pouvez entrer avec autant de couches que vous le souhaitez jusqu'à ce que vous atteigniez l'effet désiré optimal que vous recherchez. Maintenant, un avantage de ceci est que vous pouvez retourner le papier, et vous m'avez vu le faire dans la vidéo précédente, et vous pouvez commencer à superposer de l'autre côté. Ce que cela assurera est que vous avez une belle couverture uniforme de ces taches blanches qui apparaissent sous la propagation colorée. Si vous voulez vous en débarrasser complètement avec votre technique de superposition, tout ce que vous avez à faire est de continuer à ajouter lentement ces couches, tourner votre papier, essayer de changer la direction de votre coloration en position, et vous pouvez voir que vous avez une très belle couverture en douceur des papiers. Je tourne lentement mon papier. J' utilise tous les côtés du carré pour apporter lentement et progressivement la couleur et pour vraiment la lisser avec le crayon, et je maintiens une pression très légère et une prise très légère sur le crayon. C' est la clé. Encore une fois, je ne peux plus le souligner. Tu dois y aller et vraiment alléger ça. Si vous retournez tout cela, ce que nous avons ici, c'est que nous avons un très joli carré caché de couleur avec la technique de superposition. Maintenant, ce que vous pouvez faire, c'est, vous pouvez varier vos couleurs. Vous pouvez ajouter un peu plus de pression sur l'une des couches pour ajouter un peu de variance. J' ajoute juste un peu plus de pression en ce moment. Je dirais que ce n'est pas une pression moyenne est juste un peu plus de pression que ce que j'avais avant. Vous pouvez voir les couleurs se détacher, encore plus, vous obtenez beaucoup plus de cire pigmentaire qui se détache. Je vais juste aller et retours dans cette moitié de la place pour vraiment vous montrer comment vous pouvez varier en utilisant ces façons. Encore une fois, je vais revenir en arrière, recommencer à partir de la fin, et juste continuer à superposer cette couleur par étapes. Vous obtenez toujours cette transition en douceur. Maintenant, nous allons aller sur les techniques de mélange dans la prochaine vidéo. Vous pouvez vraiment appliquer ce même principe en utilisant la technique de superposition. Ils vont main dans la main, et nous le montrerons quand nous reviendrons à la prochaine vidéo. Mais vous pouvez voir ici, nous avons une très belle couverture lisse de cette seule couleur, allant de l'obscurité à un peu de blanc. Il ajoute vraiment cette profondeur et cette douceur à votre coloration. Essayez cela surtout essayer sur la feuille de calcul, que j'arriverai à droite vers la fin de cette classe. Nous allons juste ajouter un peu plus lentement, et je pense que nous allons le laisser à ça. C' était la première technique de superposition avec une seule couleur. Passons maintenant à la seconde, qui ajoute de la profondeur en créant des ombres et des lumières et en utilisant deux couleurs. Maintenant, les deux couleurs que je vais utiliser sont ces violets ici. Notre première couleur, je vais juste lire ce que cette première couleur était, que j'ai démontré avec qui était un rouge coquelicot. C' est le numéro, PC 922 si c'est celui que vous voulez suivre dans cette classe. Pour la deuxième démonstration, je vais utiliser un PC 933, qui est le violet-bleu. Je vais accompagner cette couleur avec la violette parme, qui est une belle couleur absolue. Au fait, c'est l'une de mes couleurs préférées, c'est pourquoi elle est toujours épuisée, et c'est PC 1008. Avec cela, ce que nous allons faire est de créer des superpositions avec deux couleurs, et nous utilisons des couleurs d'une famille de couleurs similaire. Cela est très important aussi. Vous devez avoir une compréhension de la façon dont couleurs fonctionnent et comment les couleurs vont se fondre dans l'autre lorsque vous êtes en superposition. Nous reviendrons sur plus de mixage sur la vidéo de la technique de mélange. Mais en général, si vous choisissez simplement deux couleurs du bleu et essayez de les superposer, vous pourriez ne pas toujours obtenir le résultat souhaité. Vous pourriez finir par obtenir une couleur marron horrible ou vraiment sombre que vous ne vouliez pas obtenir. Ce que nous ferons, c'est que nous commencerons lentement à ajouter les lumières. C' est un autre point. alors je préfère toujours ajouter la couleur de la lumière d'abord, donc c'est une nuance claire. Donc encore une fois, tout ce que je vais faire est que je vais juste aller dans un coin par ici, vais recommencer à partir du même coin. Je vais juste mettre cette couleur sur avec une pression très, très légère, et alors ce que nous allons faire est que nous allons ajouter cette deuxième couleur donne que la profondeur réelle et la vibrance à notre coloration dans, et vous pouvez l'utiliser dans tant de différents types d'art, des pièces de travail. Vous pouvez l'utiliser dans les livres à colorier si vous êtes dans les livres à colorier, livres à colorier pour adultes, vous pouvez faire votre propre. Vous pouvez également simplement dessiner et esquisser littéralement avec ces crayons de couleur. Ils sont tout simplement absolument incroyables. Donc ce que je fais maintenant est de nouveau, je vais juste ajouter cette couleur comme je l'ai fait avant, je vais dans des directions différentes, donc je suis en train de maintenir les directions. C' est toujours une bonne idée, si vous allez changer de direction, assurez-vous de compléter votre flux directionnel d'une extrémité à l'autre. Vous ne commencez pas à le faire à partir d'ici et ensuite vous déplacer au milieu parce que cela créera cette incohérence et vous obtiendrez des lignes horribles à venir. C' est donc la deuxième à la troisième couche. En bas, nous ajouterons peut-être une couche de plus, et ensuite je vais ajouter cette nuance pourpre foncé que j'avais. Donc, nous allons d'abord obtenir l'ombre claire, puis lentement à mesure que nous construisons sur cela, nous allons obtenir une belle profondeur de lit qui monte. Maintenant, nous avons cette couleur plus foncée, cette couleur bleu violet. Ce que je vais faire, c'est que je vais recommencer lentement à partir du coin supérieur. J' utilise exactement la même pression et vous pouvez voir comment la couleur est réellement attachée au papier sur cette couleur. Maintenant, ce que nous ne voulons pas faire, c'est que nous ne voulons pas mélanger les couleurs parce que ce n'est qu'une autre technique et mon but n'est pas vraiment de mélanger, c'est de calquer. C' est juste de placer littéralement cette couleur sur l' autre couleur pour créer l'effet désiré. Mais vous obtiendrez quelques éléments de mélange purement parce que le pigment et la cire sont si doux dans ces crayons, vous obtiendrez un type de mélange et vous pouvez finir par obtenir une troisième couleur en cours de production, mais c'est rien à craindre. Ceci est vraiment juste pour ajouter de la profondeur à votre travail d'art de coloriage afin que vous puissiez voir déjà avec ce peu très léger de violet foncé que j'ai eu sur. Il est déjà créé un peu de variance, n'est-ce pas ? Donc, je vais continuer à le faire dans l'autre sens, mais je ne vais pas aller jusqu'à la fin ici parce que je veux garder une partie de ce violet plus léger. Vous pouvez le voir juste créé un bel effet mélangé, même si elle n'est pas mélangée, la couleur n'est pas mélangée, c'est littéralement juste une couche qui place de plus en plus de pigment sur la dent de ce papier à différentes étapes dans couches. Donc si on retourne avec les lumières du crayon et qu'on le dit au journal. C' est toujours une bonne idée d'incliner le papier lorsque vous coloriez à nouveau juste pour maintenir une position confortable sur votre main et votre poignet. Je veux dire, vous pourriez être capable de colorier en utilisant une position. Vous pourriez être capable de le faire. Personnellement, j'aime toujours incliner le papier. juste ajouté l'autre couche sur, je vais en haut. Vous pouvez voir que nous avons une très, vraiment, vraiment belle variance avec cette couche. Maintenant, nous pouvons ajouter un peu plus de pression. Si nous ajoutons un peu plus de pression, cela va créer un léger brunissement. Je ne vais donc pas en ajouter trop. Je vais juste aller un peu plus dur avec la nuance plus claire et puis vous pourrez voir que cette couche sort vraiment, vraiment, que la transition et la couverture sont vraiment, vraiment, vraiment, vraiment sortir. Donc, je vais continuer à faire ça quelques secondes de plus. Ajoutons un peu plus de pression avec le violet plus foncé et juste pour fermer la couleur en bas. S' efforcer comme les besoins que nous pouvons [inaudible], n' est pas mon idée n'est pas vraiment de l'appeler un carré en parfait, juste pour montrer vraiment ici comment ces crayons fonctionnent en utilisant cette technique de superposition. Donc je vais aller un peu plus sombre avec le violet plus foncé sur le dessus. Vous pouvez voir que cela crée un effet vraiment agréable. Vous pouvez l'utiliser si bien dans certaines de vos pièces, Vous pouvez l'utiliser sur l'architecture comme une briques, et sur les feuilles, et sur tout type de structure, ce que vous voulez. Je veux dire que ça crée juste ce vrai, vraiment bel effet. Donc, nous l'avons là. Nous avons l'obscurité et le violet créant de la profondeur et des intérêts. Donc, enfin, démontrons comment créer une nouvelle couleur. Donc, vous pourriez être dans la situation où vous n'avez que quelques couleurs dans votre palette. En superposition, vous pouvez créer une autre couleur, alors laissez-nous opter pour les couleurs primaires standard. Nous avons le jaune, bleu et créons une troisième couleur. Donc, ce que nous allons faire est de nouveau, avec le jaune, ce jaune est un PC916e jaune canari de l'ensemble, et tout ce que je vais faire, c'est que je vais juste ajouter cette couche comme je l'ai fait avant. Donc tout ce que j'ai fait est ajouté peut-être trois ou quatre couches différentes très, très légèrement avec ce jaune, et vous pouvez voir qu'il a une belle couverture lisse sur ce carré. Tout ce que je vais faire maintenant est d'ajouter dans ce bleu, qui s'appelle True Blue 903. Juste avec exactement la même pression, je vais juste ajouter ce bleu dedans. Vous pouvez voir déjà le moment où les coups vont sur un carré où il ramasse ce pigment, il a commencé à créer cette deuxième couche. On sait tous qu'avec le bleu et le jaune, on les mélange ensemble, on devient vert. Absolument. Donc juste comme ça, je vais juste aller plus, comme je l'ai fait avant vraiment léger pour créer cette nouvelle troisième couleur. Cela fonctionne vraiment bien lorsque vous coloriez à nouveau, peut-être des feuilles ou des coloriages dans quelque chose comme des parties intéressantes de votre œuvre d'art. Vraiment ajouter dans cette profondeur et vous évitez de regarder trop plat. Donc vous pouvez voir que j'entre avec une légère pression et ce que je peux faire c'est que je peux même augmenter cette pression pour créer plus de profondeur comme nous l'avons fait avec le violet. C' est vraiment aussi facile que ça. Eh bien, je dis que c'est facile parce que vous ne devez pas vraiment appuyer trop fort en termes de pouvoir colorer les mélanges que vous aimeriez produire. Cela va prendre un peu de temps pour vous habituer. Donc il faudra un peu de pratique et encore une fois, c'est comme ça avec quoi que ce soit, n'est-ce pas ? Vous avez juste besoin de pratiquer et d'explorer et vous vous rendrez compte qu'il y a tellement de choses que vous ne saviez pas qu'un outil pourrait faire. Donc, je vous recommande vraiment de pratiquer ces techniques avec ces couleurs si c'est ce que vous voulez entrer dans. Donc, je vais juste rentrer avec le jaune. Donc on intensifie cette couleur verte maintenant avec un peu de jaune. Vous pouvez voir qu'il se transforme en vert jaune. Vous pouvez simplement continuer à ajouter ce calque sur et sur jusqu'à ce que vous obteniez vraiment l'effet désiré et la couleur que vous recherchez. Donc, c'est une telle technique, cette technique de superposition, et c'est une méthode lente, mais vous pouvez obtenir de si beaux résultats. Vous avez juste besoin d'un peu de temps, pratique et d'un peu de patience. Si vous souhaitez obtenir le résultat vraiment rapide, puis crayon de couleur probablement difficile pour vous parce que c'est un moyen très lent, comme nous l'avons expliqué précédemment dans les autres vidéos. Ce n'est pas un moyen rapide, il est donc difficile d'obtenir des résultats très rapidement. J' appellerais ça un milieu relaxant. Donc, vous pouvez vraiment, vraiment, vraiment, vraiment, vraiment, vous détendre, mettre un peu de musique, vous asseoir. Détendez-vous et faites un peu de coloriage ou faites des croquis ou créez des illustrations. C' est vraiment si bon. Donc vous pouvez voir maintenant, j'ai ajouté quelques couches décentes ici, et nous avons une très belle couleur verte que nous avons produite en utilisant seulement le jaune et le bleu. Donc c'est à peu près tout pour les effets de superposition. Je donnerais ça un coup de pouce, donnerais ça une pratique. Nous allons maintenant passer à la partie passionnante du mélange. Nous allons donc aller dans le mélange sec et ensuite nous allons aller dans le mélange humide. Alors je te verrai sur le prochain. 9. Techniques de mélange sec: Bienvenue de retour. Ce que nous allons discuter maintenant dans cette vidéo est le sujet passionnant de mélanger vos crayons de couleur. Maintenant, il existe de nombreuses façons de mélanger des crayons de couleur. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai divisé ceci en deux types de styles de mélange. J' ai un mélange sec, ce qui est le sujet de cette vidéo, et ensuite on a un mélange humide aussi. Maintenant, j'utilise personnellement le mélange sec plus que le mélange humide dans mes œuvres d'art. Comme je trouve qu'il reste plus fidèle à l'apparence des crayons de couleur sèche parce que c'est ce qu'il est essentiellement. C' est un milieu sec. Cela a tendance à éviter les techniques de mélange humide. Cependant, les techniques de mélange humide ont leurs avantages et je les utiliserais parfois et nous allons passer à cela dans la prochaine vidéo. Commençons par les techniques de mélange à sec. Ce que j'ai ici, c'est que j'ai quatre cercles ici et je les ai étiquetés comme brunissant, crayon blanc, mélangeur incolore et crayon brunisseur. Ce sont quelques-unes des façons courantes que les crayons de couleur sont mélangés. Nous avons déjà parlé du premier qui est brunissant et ce dont je parle spécifiquement ici est utiliser deux couleurs et les couleurs que je vais utiliser sont rouge cramoisi et orange standard. Ils ont les numéros sur les couleurs du prisme si vous voulez suivre. Comme je le disais, ce que je veux dire par brunissement à sec ici est littéralement ce dont nous avons parlé un peu dans la vidéo précédente de superposition. Ce que nous allons faire ici, c'est que nous allons simplement superposer le crayon comme nous l'avons fait auparavant dans des pas lents. commençant par la couleur claire, puis en ajoutant dans l'obscurité, nous allons essayer de créer ce mélange transparent d'une couleur à l'autre pour créer efficacement un dégradé. Nous allons utiliser la pression, en utilisant les techniques de pression dont nous avons discuté pour vraiment, vraiment passer par étapes en augmentant cette pression et en brunissant efficacement cette couleur afin qu'elle recouvre en douceur notre surface de notre papier, sorte que nous n'avons littéralement pas de taches de papier en dessous. Commençons par ça. Ce que je vais commencer à faire, c'est que je vais juste ajouter une petite couche d'orange, commence par une couleur plus claire. Je vous conseille de toujours commencer par une couleur plus claire est parce que si vous commencez avec une couleur foncée, parfois vous pourriez finir par appliquer trop de cette couleur et alors il est assez difficile de mélanger, surtout si vous utilisez des méthodes de mélange à sec. L' un des avantages de la méthode de mélange humide est qu'il est beaucoup plus facile de mélanger. Nous y reviendrons dans la prochaine vidéo. Tout ce que je fais ici est juste d'ajouter une couche d'orange très, très légère de la moitié supérieure de ce cercle et je suis juste en train d' assouplir lentement dans cette couleur dans toutes les lacunes et je vais le faire pour quelques couches. Nous allons simplement continuer à ajouter peut-être deux ou trois couches supplémentaires à cela et vous pouvez aller dans la direction opposée aussi, comme nous l'avons discuté dans la vidéo précédente, ce qui est toujours un bon moyen de couvrir ces taches blanches et obtenir ce mélange même lissé. Comme vous pouvez le voir, j'ai couvert un peu plus de la moitié de ce cercle avec l'orange, et j'ai juste utilisé juste deux couches. J' utilise une pression très légère et nous sommes en position d'écriture ici. Je le tiens assez bas parce que je veux éventuellement augmenter cette pression. Vous pouvez voir par ici que la couleur du pigment se passe vraiment bien comme on s'y attendait et ce que nous allons faire maintenant c'est que nous allons passer à la couleur plus foncée. On va juste mettre ce crayon sur le côté. Passons au rouge cramoisi et on va faire la même chose à partir de l'autre côté. Si nous appliquons lentement ce rouge cramoisi et que vous pouvez le voir avec la couleur plus foncée, il semble tellement plus important et il vient tellement plus vite, c'est absolument incroyable. Ce que je fais, c'est que je suis lentement, en ajoutant lentement dans cette couche. Je ne passe pas sur cette zone orange que j'ai couverte. Ce que je vais faire, c'est que je le ferai à partir de la deuxième couche. Vous pouvez voir maintenant que j'applique une deuxième couche de lumière de ce pourpre et maintenant ce que je vais faire est que je vais passer sur cette zone orange à un peu plus de la moitié de ce cercle. Vous pouvez voir qu'il y a maintenant une distinction entre l'orange et le rouge. Cette petite zone que nous avons ici est où la couleur se chevauche. C' est ce que nous allons essayer de faire, nous allons juste continuer à chevaucher cette couleur, passer de la couleur plus claire à la foncée et ensuite nous allons juste entrer à partir du bord. Il est toujours important de se fondre vers l'intérieur. Ce que je fais, c'est que je me mélange vers l'intérieur du bord du cercle plutôt que de commencer ici et ensuite de me fondre. L' avantage de cela est que vous serez en mesure de maintenir cette transition en douceur d' une couleur à l'autre et cela deviendra plus évident lorsque nous commencerons à brunir et à entrer vraiment dur. Nous ne conservons qu'une couche très, très légère et une légère pression. Vous pouvez déjà voir qu'on a une belle petite différence de couleur, une belle petite gradation qui se passe ici. Je rentre avec le rouge, le rouge cramoisi, juste fournir un peu plus de pression, amener à ce point et juste continuer au-delà de cette ligne orange. Vous pouvez voir que nous avons vraiment, vraiment de beaux morceaux de couche. Maintenant, c'est juste mélanger en utilisant juste l'effet de superposition. On n'a pas encore mélangé quoi que ce soit, ou quoi que ce soit. Nous chevauchons littéralement cette couleur autant de fois que nous le pouvons avant de commencer le brunissage réel. Maintenant, le brunissage est la dernière étape. C' est là que vous mettez vraiment autant de pression que possible sur le crayon pour vraiment sortir cette couleur. Encore une fois, nous allons juste rentrer à nouveau pour vraiment faire ressortir autant de pigments que possible de la manière la plus fluide. Vous pouvez voir plus de couches que vous continuez à ajouter sur le plus lisse que le mélange devient, et c'est absolument magnifique. C' est probablement l'un des meilleurs effets que vous pouvez obtenir. La meilleure méthode de mélange en termes de vibrance et effet parce que le pigment de crayon reste fidèle à car il sort du crayon et ce que je veux dire par là, c'est qu'il ne se dilue pas ou n'est pas obtenir des blancs et dehors, qui va être la prochaine méthode lorsque nous utilisons le crayon blanc. C' est vraiment ce pigment pur que vous obtenez sur le papier. Maintenant, je pense que ce qu'on a à faire maintenant c'est qu'on est prêts à arrêter de brunir. Ce que nous allons faire, c'est que nous allons ajouter un peu plus de pression, alors commencez à intensifier cette couleur. Vous pouvez voir que j'ajoute juste un peu de pression moyenne maintenant et je ramène ça à ce point médian qu'on avait avant et je vais m'arrêter là. Encore une fois, avec la supernova orange et nous ajoutons juste un peu plus de pression pour que l'orange traverse cette section croisée. C' est la clé. C'est vraiment cette section de croisement sur laquelle vous voulez vous concentrer. Tu ne veux pas aller trop fort depuis le centre. Il est toujours préférable d'entrer de l'extérieur. C' est d'après mon expérience, c'est comme ça que j'aime brunir. Vous pouvez aller à partir du centre, mais je pense personnellement que vous allez perdre le contrôle de votre mélange réel et ça va un peu partout. Encore une fois, ce que je fais maintenant, c'est que j'y vais un peu plus dur. Vous pouvez voir qu'on a un très beau mélange qui se passe là-bas. Encore une fois, avec l'orange va dans un peu plus difficile. C' est certainement une méthode qui prend beaucoup de temps parce que vous allez entrer et sortir dans autant de couleurs que vous le souhaitez. Maintenant, ce que je vais faire, c'est que je vais tourner le journal un peu dans la direction opposée. Tu m'as vu faire ça beaucoup des autres fois. Obtenez juste un peu plus de couverture sur l'ensemble des objets que nous colorions dans ce que vous avez décidé de colorier. Je ramène juste cette orange par les bords. Maintenant, je vais faire exactement la même chose avec le rouge dans la direction opposée. C' est juste pour combler toutes les lacunes et s'assurer qu'il n'y a pas de lacunes là-bas. Maintenant, tu n'as pas à faire ça. Si vous aimiez qu'une partie de ce papier soit visible par le bas, alors laissez-le dans si c'est l'effet que vous voulez parce qu'il leur laisse des petites crevasses et des petites marques, si vous faites du travail texturé, peut-être que vous dessinez la lune, une planète, ou quelque chose qui a de la texture sur elle. Ça donnerait un effet assez décent comme vous pouvez le voir ici, je vais juste aller et venir. Une autre chose importante à retenir est que lorsque vous brunissez ou coloriez et mélangez, c'est toujours une bonne idée lorsque vous sur les deux couleurs, quand elles se chevauchent, utilisez plutôt des mouvements circulaires que simplement des mouvements de haut en bas parce que ce que cela va faire est, qui vous donnera un beau mélange arrondi où les couleurs se rencontrent. Vous pouvez voir par ici, ça se passe très bien. Tout ce que je fais, c'est ajouter cette pression moyenne. Je n'ai pas ajouté trop de pression à ce stade. Il est vraiment juste moyen, mais la chose est, parfois vous n'avez pas besoin d'ajouter autant de pression sur le crayon de couleur prisme purement à cause de cette cire douce qu'ils sont fabriqués à partir de. Encore une fois, avec l'orange, je vais juste dans les mouvements circulaires pour m'assurer que toute la surface est couverte, et nous avons une belle transition de couleur absolue, un beau mélange. C' est tellement vibrant du rouge à l'orange, puis dans les tons moyens, au milieu, vous créez tout ce nouveau type de couleurs chaudes. C' est juste beau, gentil. C' est vraiment mon type préféré de méthode de mélange purement à cause des résultats que vous obtenez. Enfin, je vais juste finir celle-là. Je vais juste ajouter un peu plus de pression à la fin là. Vous pouvez voir que nous avons presque terminé celui-ci et il n'y a presque aucun des vieux mouchetures de blancs qui apparaissent en dessous. Je suis content de ça. Si nous prenons juste un pas en arrière et nous avons un coup d'oeil, juste analyser, vous pouvez voir que la couleur va du rouge jusqu'à l'orange et cela produit un beau gradient un beau spectre de rouges se fusionnant en oranges et c'est exactement ce que vous voulez quand vous sont mélangés. C' est la méthode de brunissage. C' était la première méthode des techniques de mélange à sec. La deuxième méthode consiste à utiliser un crayon blanc auto avec votre ensemble Prismacolor que vous avez. Quel que soit l'ensemble que vous obtenez. Je pense que c'est vrai pour les ensembles de taille 12 aussi. Vous devriez obtenir un crayon Prismacolored blanc et c'est Prismacolor 938, le numéro est PC 938 blancs blancs et vous allez utiliser ce crayon comme brunisseur. Encore une fois, ce que nous allons faire, c'est que je vais utiliser les mêmes couleurs. Je vais ajouter des couches de couleur très légères comme je l'ai fait avant d'aller pour le vrai brunissement lui-même. Nous resterons à la même position et ce que nous ferons, c'est que nous ferons un laps de temps rapide pour que nous ayons exactement le même point que nous avons eu avec le brunissage. Ce que je vais faire, c'est que je vais le faire pour tous ces trois cercles qui restent afin que nous ayons une couche similaire afin que nous puissions passer à la fusion réelle. Asseyez-vous, détendez-vous et regardez la vidéo accélérée. [ MUSIQUE] Ok. Ce que j'ai fait, c'est que je viens d'ajouter la même quantité de couches, trois ou quatre couches de chaque couleur de chaque côté que je l'ai fait avec le brunissage et je l'ai répété pour les trois autres types de techniques de mélange. Maintenant, c'est pour que nous puissions comparer à quoi ressemble le résultat final. La technique suivante, dans le mélange sec, est le crayon blanc. Comme je l'ai déjà dit, c'est un crayon Prismacolor PC 938. Maintenant, avec cette étape que nous avons ces trois en ce moment, nous venons juste de superposer. Nous venons de mettre la couleur en couches. Vous pouvez voir qu'il y a un léger mélange qui se passe naturellement à partir du mélange des couleurs pendant que vous les superposez l'un sur l'autre, mais nous avons beaucoup de taches blanches. Si vous pouvez voir dans la caméra, nous avons beaucoup de taches blanches, très granuleuses. Ce n'est pas lisse et velouté comme ça. Ce que nous allons essayer d'atteindre, c'est cette vision lisse et veloutée brunie à l'aide d'un crayon blanc. Tout ce que nous avons à faire, c'est que nous devons traiter ça comme si c'était la dernière couche de brunissement que nous allions ajouter et que nous commençons juste à la fin par ici. Juste dans des mouvements circulaires, avec de bonnes quantités de pression, je dirais moyenne à forte pression, nous sommes juste en train de mélanger cette couleur. Vous pouvez voir immédiatement, comme ce crayon blanc touche la cire, parce qu'il reste encore un peu de surface sur la dent du papier, il s'attache à ce blanc. Ça permet à ce blanc de s'attacher. Ce que nous faisons, c'est que nous pleurons ces mouvements circulaires et il répand cette couche que nous avons en dessous, cette couche d'orange et c'est tout simplement bien mélanger ça. Vous pouvez voir maintenant qu'il a l'air beaucoup plus lisse. Maintenant, probablement la meilleure façon de le faire est d'utiliser les mouvements circulaires parce que de cette façon vous évitez de les avoir horribles, dures indents ou lignes qui apparaissent lorsque vous essayez de brunir avec une autre couleur. Vous pouvez voir maintenant que les couleurs se mélangent vraiment bien. Avec cette technique, l'avantage est que vous n'avez pas à utiliser tout votre crayon de couleur parce que vous êtes effectivement bruni avec un crayon blanc à l'entité que vous mélangez. Cela fonctionne vraiment bien mais il y a une différence immédiate que vous pouvez remarquer. Le fait est que parce que vous utilisez un crayon blanc, ce pigment blanc couvre à peu près le pigment coloré. Je veux dire, c'est très bien mélangé comme le premier, mais le regard sera légèrement plus léger. Il aura comme un regard nuageux, comme plus d'un look pastel. alors gardez cela à l'esprit. Si ce n'est pas le genre de look que vous recherchez, si vous voulez quelque chose qui est vraiment vibrant et lumineux, alors il sera mieux en brunissant les couleurs. Eh bien, vous pouvez voir que la partie de brunissage réelle avec un crayon blanc est assez rapide. Ça n'a pas pris trop de temps et ça n'a vraiment pas pris trop de pression. J' exerce à peine trop de pression sur ça. Je vais dans la lumière, puis je fais moyen, puis un peu dur et je vais juste reculer et avancer avec ces mouvements circulaires. Vous pouvez voir qu'on s'est débarrassés de tout ce blanc. Ce que nous avons ici, c'est que vous pouvez voir qu'une partie de la cire du crayon, une partie de la poussière de cire, des petits morceaux de cire, ils s'effritent. Eh bien, c'est juste une propriété de cires [inaudible]. Plus tu utilises, ça va moudre et cette poussière de cire, si tu veux, va aller au sommet. La meilleure façon de se débarrasser de cela est, vous pouvez naviguer dans votre papier et juste lui donner un peu de secousse comme ça. Évitez d'utiliser votre main pour essuyer à travers parce que ce que vous ferez est, cette cire, si c'était de la cire colorée, elle va juste étaler sur le papier. Tu ne veux pas étaler ce papier. Comme vous pouvez le voir, nous avons un très beau mélange, mais vous pouvez voir la différence. Il est beaucoup moins vibrant et saturé que le look brunissant. Nous allons juste effacer ça et passer au mélangeur incolore. Le mélangeur incolore, la technique est exactement la même. Au lieu d'utiliser le crayon blanc, nous allons utiliser un mélangeur incolore. Maintenant, un mélangeur incolore est fondamentalement un crayon sans couleur. Au lieu du pigment à l'intérieur du matériau qui est à l'intérieur, nous avons juste les matériaux de liaison, et dans ce cas c'est de la cire. Maintenant, ceux-ci viennent dans différentes marques. Prismacolor ont leur propre mélangeur incolore. Personnellement, j'ai tendance à ne pas les utiliser parce qu'ils ne sont pas facilement disponibles pour moi. Je les ai utilisés dans le passé. J' en ai peut-être un qui traîne quelque part, mais je pense que c'est assez usé. Je dirais probablement que le Prismacolor est le meilleur en termes de qualité à utiliser avec Prismacolor car il est toujours préférable d'utiliser la même marque avec la marque de crayon que vous utilisez. Cependant, j'utilise celui de Derwent, la marque britannique Derwent et cela fait partie de leur pack de mixeur. Vous pouvez l'acheter comme un pack de mélangeur avec un mélangeur, un brunissoir, taille-crayon et une gomme ou un caoutchouc et nous allons passer au crayon de polisseuse dans la technique suivante. Concentrons-nous sur celui-ci ici avec le crayon mélangeur. Donc vous pouvez voir le point du crayon, je l'ai délibérément pas rendu trop pointu. La raison en est que lorsque vous entrez avec un point pointu, ça finira par se briser. Donc ce que j'ai fait, c'est que j'ai arrondi tout ça. Une bonne technique pour arrondir le point est prendre un peu de papier de ferraille, un peu de papier rugueux et juste arrondir ce bord pour que vous n'ayez rien qui va s'y écraser. Parce qu'il n'y a rien de tel que vous avez passé tant de temps à faire la coloration et au moment où vous appliquez un peu de pression, il casse et crée un retrait dans votre papier. C' est la dernière chose que tu veux. Si vous utilisez juste comme un peu de papier de sable et que vous arrondissez ce bord, vous verrez que vous avez un très bel effet arrondi. Avec cela, nous pouvons commencer sur le mélange réel. En utilisant la même technique qu'avec un crayon blanc, nous allons juste entrer par le haut et nous allons commencer à mélanger ça. C' est beaucoup plus efficace que d'utiliser le crayon blanc parce que vous ne mettez aucun autre pigment de couleur sur cela. Vous pouvez voir, je n'utilise pas de pression avec ça et déjà, ça a commencé à lisser cette couleur. Tu dois te souvenir d'une chose. Le brunissoir et le crayon mélangeur et même le crayon blanc, vous obtiendrez les meilleurs résultats si vous avez suffisamment de couches colorées en dessous. C' est l'un des meilleurs conseils de mélange. Assurez-vous d'avoir placé suffisamment de couches de couleur dans votre superposition en dessous avant d'entrer et de commencer à mélanger à l'aide du mélangeur incolore ou du crayon à brunisseuse que nous allons passer à la suivante. Vous pouvez voir ici, de beaux mouvements circulaires créant ce magnifique et magnifique mélange. C' est si facile. De cette façon, vous n'aurez pas une main douloureuse en utilisant vos crayons pour le brunissement et vous obtenez un joli mélange vibrant. Le résultat final ne sera pas aussi vibrant que le brunissoir réel, car effectivement, vous étalez juste cette couleur. Tu ne mets pas plus de couleur. Mais il n'y a aucune raison pour que vous ne puissiez pas réellement ajouter cette couleur à nouveau. Donc, une fois que vous avez bruni, vous pouvez continuer et ajouter plus de couleur si c'est ce que vous voulez, pour l'obtenir un peu plus saturé, un peu plus vibrant. Je pense que c'est l'une des techniques les plus efficaces à utiliser. Un crayon de polisseuse est un outil supplémentaire dont vous avez besoin pour y parvenir. Si vous avez juste un paquet de crayons de couleur, crayons de couleur Prisma, alors vous allez devoir acheter ceci séparément. Cependant, je pense que cela vaut vraiment la peine. Je pense que les résultats sont absolument brillants si mélange sec est quelque chose que vous voulez vraiment faire. C' est l'une de mes méthodes préférées, à la deuxième place du brunissement proprement dit. Vous pouvez voir ici, nous avons mélangé cette couleur. Il a l'air vraiment, vraiment agréable et lisse. On n'a pas de taches blanches là-dedans. Vous avez un très beau mélange qui se passe là. Ce que ce mélangeur fait en fait, c' est juste ajouter un revêtement cireux translucide sur votre couleur réelle. Il crée juste un look de type brillant mat. C' est plus un look mat qu'un look brillant. Le look brillant est en fait produit avec la technique suivante que nous faisons avec le véritable crayon de polisseuse. Ce qu'on va faire, c'est qu'on finira tout de suite et passons à la suivante. Je suis content de celui-là. Enfin, la dernière technique de séchage consiste à utiliser le crayon de polisseuse Derwent. Maintenant, comme je l'ai déjà dit, cela vient dans un paquet et il vaut vraiment la peine d'obtenir ce paquet si c'est le type de mélange que vous voulez faire. Ceci est très similaire au crayon mélangeur réel, mais vous pouvez voir que le matériau réel à l'intérieur du crayon, il a une propriété légèrement plus brillante à elle. C' est incolore. Il n'a pas de couleur réelle mais ce qu'il fait, c'est qu'il obtient un look brillant. Si nous revenons à cela et commençons à faire notre mélange, vous pouvez voir qu'avec les trois autres, le brunissage brut vous donne le look le plus vibrant. Le crayon blanc vous donne un look pastel délavé. Le mélangeur incolore vous donne un look agréable, décent, vibrant, mais pas aussi saturé que brunissant. Avec cela, cela vous donne un look similaire comme le mélangeur incolore mais avec un léger brillant à elle. Maintenant encore une fois, vous devez vous assurer que vous avez suffisamment de couches en dessous pour que ce crayon et cette méthode fonctionnent. Parce que si vous n'avez pas assez de couches, il n'y a aucun moyen pour le crayon de pousser le pigment sur le papier. Ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai laissé un peu de pigment loin du bord pour te le prouver. Vous pouvez voir que j'essaie de brunir ça maintenant avec ce crayon à polir et que je n'ai plus de couleur là-dedans. Mais si vous voulez ajouter un effet, si vous voulez un léger brunissement allant dans un brunissement sombre, alors c'est une bonne façon de le faire. C' est une autre technique de laisser une partie de la zone sur le bord et il vous donnera une couleur légèrement plus claire. Donc, si vous pouvez voir ici, tout ce que je fais est exactement la même chose. Je suis juste en train de brunir toute cette couleur. Le polissage lui-même n'est pas aussi facile qu'avec un mélangeur incolore, car le matériau à l'intérieur est légèrement plus ferme en raison des propriétés qu'il a à l'intérieur. Vous devez donc appliquer un peu plus de pression qu'avec le mélangeur incolore. Gardez cela à l'esprit. Encore une fois, ce que nous obtenons ici, c'est que nous obtenons un très beau mélange de couleurs. C' est juste un peu brillant. C' est un léger aspect brillant. Je ne sais pas si vous pouvez le voir sur l'appareil photo, mais quand vous venez à l'utiliser, si c'est ce que vous voulez faire, vous remarquerez qu'il y a une légère brillance, surtout si vous déplacez le morceau de papier autour sous un peu de lumière. Ce que nous faisons ici, c'est, encore une fois, nous utilisons juste les mouvements circulaires pour vraiment, vraiment mélanger cette couleur, la mélanger sur le papier, couvrir les taches blanches. On a presque fini sur celui-ci aussi. Personnellement, je n'utilise pas le crayon de polisseuse aussi souvent. Je l'utiliserais probablement peut-être pour ajouter quelques faits saillants dans le mélange, mais surtout, j'ai juste tendance à utiliser la méthode de brunissage originale et juste aller avec un peu de mélangeur incolore. C' est ma méthode. J'évite d'utiliser le crayon blanc à moins que je ne veuille ajouter un peu d'éclairage à l'effet global. Là, nous l'avons puis les gens, ce que nous venons de faire est les quatre techniques de crayon sec mélangeant avec la couleur Prisma. Juste pour récapituler rapidement, nous avons fait le brunissage avec les deux couleurs comme elles étaient, ce qui a produit le look saturé le plus vibrant. Ensuite, le deuxième que nous avons fait était un crayon blanc, qui a produit un type pastel de look délavé. Le troisième était en utilisant le mélangeur incolore de Derwent et cela a produit un beau mélange même cohérent. Enfin, nous utilisons le crayon brunisseuse qui a produit un léger mélange brillant, mais qui a été beaucoup plus difficile à appliquer en termes de pression. C' est à peu près tout pour les techniques de mélange de crayon des aspects secs des choses. Maintenant, nous pouvons passer à regarder les techniques humides. Ce que nous ferons, c'est que nous utiliserons les mêmes couleurs et nous appliquerons quelques autres techniques que j'ai utilisées dans le passé et celles que je vous recommanderais probablement d'utiliser. Alors passons à la suivante. 10. Techniques de mélange humide: Bienvenue de retour. Regardons maintenant les techniques de mélange humide. Maintenant, précédemment dans la dernière vidéo, nous avons couvert quatre façons différentes de faire le mélange à sec. Maintenant, nous allons passer aux techniques de mélange humide. Maintenant, il existe plusieurs méthodes différentes de faire le mélange humide. Personnellement, j'utilise ces trois. Cependant, je ne fais généralement pas de mélange humide très souvent parce que personnellement je n'aime pas l'apparence de mes crayons de couleur ressemblant à de la peinture. Ce n'est généralement pas l'effet que j'aime faire. J' aime garder le crayon cru. Encore une fois, c'est l'une des raisons pour lesquelles j'aime cet effet brunissant ici parce qu'il le garde vraiment naturel et brut. Cependant, vous pouvez parfois avoir besoin de mélanger à l'aide d'un mélange humide. Eh bien, j'ai parfois besoin d'utiliser un mélange humide et c'est l'une de ces trois méthodes que j'utilise. La première méthode, dont nous avons parlé un peu, est l'utilisation d'un solvant. Fondamentalement, ce que fait le solvant, c'est qu'il dissout le liant qui tient le pigment à l'intérieur du crayon. Parce que ce matériau que vous avez, comme nous l'avons expliqué dans la vidéo précédente, qu'il est composé du pigment de couleur et il est constitué d' un liant qui le lie tous ensemble dans cette forme solide. Ce que fait le solvant, c'est lorsque vous appliquez le solvant sur les couches de celui-ci, il se décompose et dissout ce liant, et il vous laisse avec juste le pigment de sorte que vous pouvez étaler ce pigment et répandre efficacement cette couleur autour de votre surface. Il y a beaucoup d'options différentes pour les solvants, Gamsol est l'une des plus populaires que les gens utilisent. Il y a Mona Lisa inodore diluant à peinture. Effectivement, c'est ce que sont les solvants, ne sont que des diluants à peinture. Cependant, ces types de diluants et de solvants ont des aspects négatifs assez longs pour eux en ce sens qu'ils sont inflammables, toxiques, ils peuvent être très dangereux, ils peuvent avoir des vapeurs et vous ne pouvez pas vraiment les utiliser dans des environnements fermés efficacement. Ce n'est pas sûr de le faire. Personnellement, je ne les utilise pas du tout. J' utilise une alternative appelée Zest It. Maintenant, Zest est un solvant efficace et efficace pour la peinture à l'huile en général, mais il peut également être utilisé pour mélanger des crayons à base de cire, mélanger l'encre, les pustules d'huile, et aussi nettoyer les brosses. C' est fait d'une substance naturelle. Je vais juste te montrer sur l'écran. C' est la bouteille Zest it que j'utilise assez régulièrement. Maintenant, il est dit diluant de peinture à l'huile et nettoyant de brosse. Maintenant, cela est emballé différemment pour le mélange de crayons. Cependant, le produit lui-même à l'intérieur est exactement le même. Vous pourriez en trouver un qui dit blender crayon dessus, et vous pourriez penser, accrocher une minute, pourquoi utilise-t-il le diluant de peinture à l'huile ? C' est exactement la même chose. Si vous allez sur le site de Zest It, ils clarifient cela dans la FAQ, la foire aux questions, où ils clarifient littéralement le fait que le produit à l'intérieur de ces deux bouteilles est exactement le même. Où que vous soyez dans votre région, si l'on vous demande ou si vous avez seulement le diluant de peinture à l'huile et le nettoyant à pinceaux, alors saisissez-le parce que c'est exactement la même chose que le mélangeur à crayons. Si vous avez le mélangeur à crayons, prenez ça. Ça ne fait vraiment aucune différence. C' est juste une différence dans l'emballage. Maintenant avec ça, tu te taises une odeur de Zesty. C' est une fumée piquante qui sort de ça. Sur la bouteille elle-même, dit-on, exposition répétée peut provoquer une sécheresse de la peau, une fissuration. Évidemment, vous ne voulez pas qu'il soit en contact avec vous dans vos yeux ou avaler. Ce n'est pas naturellement bon à boire ou quoi que ce soit du genre. Ne le gardez à l'écart des enfants. C' est effectivement une solution chimique. Je traiterais ça avec prudence partout où tu essayes ça. Assurez-vous simplement que vos enfants ne courent pas partout si vous avez enfants ou des jeunes enfants dans votre maison, dans votre studio, ou partout où vous pratiquez cela. Faites attention lorsque vous utilisez ceci. Maintenant, ce que je vais faire, c'est que je vais aussi vous montrer comment utiliser des marqueurs incolores. Ce sont des marqueurs à base d'alcool, et vous pouvez utiliser la marque que vous pouvez mettre la main sur ou celle que vous préférez. Personnellement, j'utilise ces deux-là. Ce sont le Winsor & Newton Promarker, et le marqueur de pinceau. Ce sont des marqueurs incolore à base d'alcool, et ils sont utilisés pour mélanger des marqueurs réels, mais vous pouvez également les utiliser pour mélanger des crayons de couleur. Je vais juste vous montrer les conseils de ces trucs. Le promarker ici, il a une belle pointe d'un côté, et de l'autre côté, il a une pointe de ciseau. Ceux-ci, je me sens, fonctionnent assez bien. Je ne les utilise pas tout le temps. Je dirais que j'utilise plus du Zest que les marqueurs incolores réels. Ici, nous avons le marqueur de pinceau. Ceux-ci ont leurs avantages et inconvénients dans le fait que vous n'avez pas besoin d' appareils ou d'instruments supplémentaires pour réellement utiliser pour mélanger. Ils sont prêts à l'emploi. Vous devez cependant les nettoyer une fois que vous les avez utilisés. Sinon, vous allez ruiner l'espérance de vie de votre marqueur. Parce qu'une fois que tu auras cette couleur pigmentaire dessus, et si tu ne l'as pas nettoyée, ça va rester là définitivement. C' est quelque chose à garder à l'esprit. Je passerai à travers tout ça quand on démontrera ces techniques. Le dernier est l'huile pour bébé. Maintenant, tu penses peut-être à l'huile pour bébé. Comment pouvez-vous mélanger des crayons avec de l'huile pour bébé ? Eh bien, c'est une méthode assez efficace. J' utilise l'huile pour bébé que j'ai dans la maison. Je suis un père avec des enfants. J' ai un petit bébé, un enfant d'un an, donc on a ce genre de choses dans la maison. J' ai tendance à utiliser de l'huile pour bébé, mais très rarement. Je n'aime pas vraiment l'effet de ça. Peut-être que si j'étais à court de ma solution Zest it, j'irais probablement chercher de l'huile pour bébé. Mais je vais vous montrer ces trois choses pour que vous puissiez regarder vous-même et décider ce que vous voulez. Maintenant, avant de mélanger quoi que ce soit, vous aurez besoin d'avoir un peu de couleur pour mélanger. chose la plus importante, la plus vitale lorsque vous faites un mélange humide, même lorsque vous faites un mélange sec, est que vous avez besoin d'avoir suffisamment de couches de couleur. Parce que si vous n'avez pas assez de couches de couleur, une fois que vous commencez à appliquer ces médiums humides, ça va littéralement étaler la couleur minimale que vous avez, et ça va juste laisser horrible, incolore, dilué, travail horrible et désordonné sur votre joli papier et c'est ce que vous ne voulez pas. La première chose à faire est de commencer à ajouter dans vos calques. C' est exactement ce que je vais faire. Dans tous ces trois cercles où j'ai le Zest It, le marqueur incolore, et l'huile pour bébé, je vais juste ajouter la couleur comme je l'ai fait avec la méthode de couleur sèche que nous avons fait avant. Commençons par ça. Je viens de mettre trois ou quatre couches différentes de couleur sur l'autre comme je l'ai fait avec celles sur le dessus pour le mélange sec. Maintenant, nous sommes prêts à appliquer le mélange humide. Une autre chose importante à retenir est, encore une fois , cela est vital, lorsque vous faites n'importe quel type de mélange humide, vous ajoutez efficacement du liquide sur votre papier, donc vous devez vous assurer que votre papier est capable de prendre du liquide. Chaque fois que vous faites un mélange humide, utilisez toujours un papier aquarelle ou un tableau d'aquarelle, ou quelque chose qui peut vraiment prendre de l'eau. Parce que sinon ce que vous allez obtenir, c'est que le liquide va s'infiltrer à travers le papier, et ça finira par faire récolter votre papier. J' utilise du papier aquarelle pressé à chaud de Bockingford. C' est l'un des documents que j'ai montrés dans la vidéo précédente. Assurez-vous juste d'avoir un papier aquarelle décent lorsque vous faites cela. Je vais commencer par le nettoyant pour pinceaux à huile Zest it. Vous pouvez l'appliquer de deux façons différentes. Vous pouvez l'appliquer avec juste un pinceau normal, car effectivement ce que vous faites est que vous voulez juste ajouter cela vraiment, vraiment doucement sur le pigment afin qu'il commence à rompre ce liant du crayon et commence à libérer le pigment se propager. Cependant, une autre astuce supérieure pour les techniques de mélange humide est que vous devez, et vous ne devez absolument pas trop tremper votre brosse ou tout outil que vous utilisez pour appliquer votre solution humide sur. Tu n'as pas à trop tremper. Il a juste besoin d'être très, très léger. Sinon, vous allez juste avoir des taches de solvant, d'huile ou d'alcool, et ça va juste paraître horrible. Ça va être un gâchis. Vous pouvez utiliser un pinceau, c'est une façon. Vous pouvez également utiliser des cotons-tiges. J' aime utiliser des cotons-tiges. Je pense qu'ils sont super, ils sont tellement faciles, ils sont jetables, vous n'avez pas à vous inquiéter de les nettoyer après. Je préfère toujours utiliser des cotons-tiges. En fait, je vais montrer en utilisant des cotons-tiges, je ne vais pas vraiment déranger avec la brosse. Cependant, avec le pinceau, vous avez ce peu de contrôle supplémentaire où vous pouvez créer des traits. Avec un coton-tige, vous allez effectivement juste appuyer et juste mettre cette couleur sur la surface du papier. Commençons par ça. Je vais juste chercher un coton-tige propre. Vous pouvez voir que je viens de toucher ce pigment et qu'il a déjà commencé à se détacher sur les cotons-tiges. Méfiez-vous de ça. Encore une fois, rappelez-vous que c'est un milieu humide, donc vous allez être plus enclins à faire un gâchis avec cela. Avoir du papier de soie ou du papier de ferraille sur le côté juste pour que vous ne faites pas un faire un gâchis partout sur votre table ou avoir des gouttelettes à venir sur votre papier réel. Je vais juste te montrer. Ce que je vais faire c'est que je vais mettre ça comme ça. Je vais vraiment utiliser ce côté. Tu as ce côté ici. Je vais juste tamponner légèrement ça à l'intérieur, tamponner rapidement. Alors, ce que nous voulons faire, c'est nous débarrasser de cet excès. Vous pouvez voir, je tourne juste ce coton-tige, et je me débarrasse de cet excès sur le bord. Se débarrasser de cet excès parce que ce que nous ne voulons pas, c'est que nous ne voulons pas de grumeaux et de blobs de cette solution partout. Vous pouvez voir que je viens de l'écraser et qu'on est prêts à partir. Il suffit de déplacer ça de ce côté. Ce que nous allons faire, c'est que nous allons l'appliquer lentement. Maintenant, ce que je vais faire, c'est que je vais mettre la caméra à un angle pour que vous puissiez voir ça. vois, si on rapproche juste la caméra un peu plus, tu vois tout ce que je fais ici, c'est, dans les cercles de lumière , juste faire le tour, et tu peux voir, dès que ça touche la couleur, ça a déjà commencé efficacement faire fondre ce liant et c'est comme de la peinture, il est effectivement devenu comme une peinture aquarelle ou même une peinture gouache. Vous pouvez voir à quel point cela devient beau, et j'aime vraiment l'effet de cela, cela fonctionne vraiment bien. Tu vois, juste un peu le tamponner, je devrais avoir des échasses et frapper un peu plus de là, parce qu'il y a encore trop de liquide là-dedans. Donc, si on a juste un peu de papier de ferraille ici, et qu'on frotte ça sur un peu de papier de ferraille, et on peut continuer. Donc, vous pouvez voir, lentement, mouvements circulaires appliquant cette solution, le zeste, et je suis juste en train de mélanger. Vous voulez vous assurer que vous le faites très légèrement. Vous ne voulez pas mettre trop de pression sur elle, parce que vous ne voulez pas déplacer complètement le pigment du papier. Vous poussez le pigment dans ces crevasses et la dent des blancs restants qui vous reste, et vous pouvez voir que vous avez un très beau mélange là-bas. Absolument magnifique, n'est-ce pas ? Et un autre conseil est de continuer à tourner votre coton-tige, si c'est ce que vous utilisez pour que vous puissiez vraiment obtenir un bon étalage partout. Donc j'ai un joli peu étalé là-bas, et je pense qu'on a fini avec ça, parce que tu ne veux pas trop mélanger. Si vous mélangez quelque chose, vous continuerez à déplacer ce pigment, et une autre chose, c'est que le pigment va continuer à se détacher sur ce coton-stomp. Donc, vous perdez une partie du pigment. C' est donc un inconvénient d'utiliser des techniques de mélange humide parce que votre pigment ne reste pas tout sur le papier, une partie de celui-ci va se détacher. Donc, vous devez garder cela à l'esprit, alors passons à la suivante. Vous pouvez voir par ici, nous remettrons la caméra dans cet appartement. Vous pouvez voir que nous avons une très belle diffusion de couleur là-bas et cela lui donne vraiment un effet vraiment agréable. Ce que je vais faire, c'est rapprocher ça de la caméra. Vous pouvez voir que nous avons un peu de saignement là-bas, et c'est parce que j'ai trop ajouté le zeste sur, et c'est pourquoi vous devez vraiment maintenir un léger tampon de celui-ci vraiment, quand vous appliquez ceci, et que est l'inconvénient d'avoir un coton-tige, donc si j'avais utilisé la brosse, il y aurait eu un peu plus de contrôle avec la brosse. Alors qu'avec un coton-tige, il est difficile d'entrer dans toutes les zones. Avec un pinceau, vous pouvez en fait, ce que nous allons faire, c'est qu'on va juste ajouter un peu, juste apporter ça à la caméra, et on va juste entrer et taper légèrement ça dedans et je vais juste enlever une partie de l'excès de ça sur le côté, et je vais juste entrer avec le pinceau légèrement, maintenant vous pouvez voir, vous y allez. Ainsi, vous pouvez facilement peindre sur cela beaucoup mieux, et vous pouvez voir que vous êtes vraiment dans le contrôle de l'endroit où pousser votre pigment, mais cependant, si vous mélangez plus alors le pigment va juste continuer à bouger et à se répandre et vous ne Je ne veux pas laisser de taches blanches. Donc, c'est à ce sujet pour ça. C' est à peu près tout ce pigment est étalé, mélangé et c'est vraiment gentil et velouté. Je veux dire, si vous comparez ceci directement avec le brunissage, vous pouvez dire qu'avec le brunissage, c'est sec, avec cela, vous obtenez un léger brillant, une sensation brillante, un effet brillant à la fin. Donc, si c'est ce que tu aimes vraiment, alors donne-lui un coup de pouce. Je veux dire, je pourrais donner un coup d'envoi de toute façon ça dépend si tu peux avoir un peu de zeste. Je veux dire, il est fabriqué au Royaume-Uni et il peut ne pas être disponible d'où vous venez, mais en général, vous pouvez l'obtenir en ligne et je vais laisser des liens et toutes les feuilles de travail que j'ai de tous les documents que j'ai démontré. Alors, passons à la suivante. Changeons la caméra. D' accord. Donc, le suivant est les marqueurs d'alcool, les marqueurs incolores. Maintenant, parmi ceux-ci, je préférerais utiliser le marqueur de pinceau, parce qu'avec le marqueur de pinceau, vous pouvez étaler le pigment réel assez bien, mais vous pouvez voir, comme je vous l'ai déjà montré, que Il y a du pigment là-dedans. Tu dois juste t'assurer que si tu as du pigment là, tu l'essuies. Donc, vous avez juste un autre morceau de papier rebut. Assurez-vous simplement qu'avant d'appliquer le marqueur, ce marqueur est clair. Tu viens d'avoir de l'alcool clair qui sort de là parce que c'est tout ce que c'est. Donc c'est clair, je suis content de ça, et ce qu'on peut faire, c'est commencer à mélanger tout de suite. Si vous remarquez avec ça, j'y vais très lentement. Maintenant, ce que j'aime dans le mélange avec des marqueurs, c'est que vous n'avez pas besoin d'un autre outil, un autre bout d'appareil, vous n'avez pas besoin d'un pinceau ou d'une souche de mélange ou quoi que ce soit du genre. Vous venez juste d'entrer, et avec des mouvements circulaires légers, il commence juste à se fondre. Vous pouvez voir qu'il a déjà commencé à se fondre là. Il a l'air absolument magnifique. J' adore ça, mais le truc avec des marqueurs, c' est que tu vas avoir une forte odeur d'alcool. Vous aimeriez peut-être dans certains cas, je ne le fais pas personnellement, mais, vous pouvez juste voir que je n'exerce pas de pression, et c'est juste enlever ce pigment et il est juste étalé gentiment et uniformément, et ça marche un régal. Je veux dire, comme je l'ai dit, je n'utilise pas de techniques de mélange humide aussi souvent, mais parfois ce sera juste si je suis d'humeur à faire un mélange humide. Parfois, je ne suis pas d'humeur, j'aime juste faire un mélange sec, purement à cause de la valeur thérapeutique de celui-ci, mais avec le mélange humide, c'est tout simplement génial, vous avez un contrôle et vous l'effet global est comme un look peint. Donc, parfois, vous pourriez même pas être en mesure de dire si vous avez utilisé un crayon de couleur ou non. Maintenant, vous pouvez voir beaucoup de ce pigment a disparu, trempé dans la pointe de ce marqueur maintenant, et ce que je dois m'assurer que je fais c'est, prendre ce morceau de papier, ce papier à gratter et frotter ce marqueur, Parce que, comme je l'ai déjà dit, si vous ne faites pas ça, alors votre marqueur va être ruiné et vous ne pourrez plus l'utiliser. Tu dois juste continuer à faire ça jusqu'à ce que tu aies une nette série d'alcool qui sort de là. Que tu n'as pas de couleur. Une fois que c'est fait, tu as presque fini. Donc, nous l'avons alors. On a le marqueur, tu peux utiliser la partie ciselée du marqueur, mais personnellement, je pense que c'est inutile. J' aime utiliser la pointe douce de ce pinceau et je pense que cela fonctionne très bien avec le mélange. Il imite un pinceau. Donc c'est le mélange de marqueurs fait, et on peut passer à l'huile pour bébé. Maintenant, je vais appliquer l'huile pour bébé avec un pinceau donc, vous serez en mesure de voir comment ça fonctionne réellement. Donc, la brosse que j'ai, je vais juste m'assurer que je nettoie tout le zeste de lui, et allons chercher de l'huile pour bébé. Donc on va juste ouvrir cette bouteille, et se méfier de l'huile pour bébé, même si c'est une alternative bon marché, et je viens de renverser sur la table. C' est ce dont j'essayais de vous avertir et je l'ai fait moi-même. Regarde par ici, tu vois ça, j'ai déjà fait un gâchis. Je suis censé te dire de ne pas faire ça et je l'ai fait moi-même. Alors, ramenons la caméra ici. Donc, oui, avec l'huile pour bébé, encore une fois, vous devez juste vous assurer que vous n'en mettez qu'un peu. Vous ne voulez pas tremper votre pinceau avec cette huile, alors assurez-vous que l'excès se dégage, parce que vous allez avoir le même problème que vous avez eu avec le solvant, avec le zeste. Que si tu mets trop, ça va commencer à saigner sur les bords. Donc, avec ça maintenant, nous pouvons juste entrer et commencer lentement à déplacer ce pigment. Maintenant, vous remarquerez qu'avec l'huile pour bébé, vous devez travailler un peu plus, parce que le prismaple est une base de cire, ils ne sont pas à base d'huile, donc il va prendre un peu plus de temps pour que cette huile activer la séparation du liant. Donc, il faut un peu plus de temps, alors qu'avec le zeste il, dès que vous touchez la surface du pigment, il commence à se mélanger et à fondre, et une autre chose avec les solvants sont, avec le zeste, les minéraux inodores et les spiritueux, ils sèchent très rapidement, alors qu'avec l'huile pour bébé, il faut beaucoup plus de temps à sécher. Donc, c'est un peu un inconvénient de l'utilisation de l'huile pour bébé. Il va prendre beaucoup plus de temps à sécher, il est plus susceptible de saigner sur les bords et si vous le renversez, c' est très difficile à nettoyer, et cela va de même pour les esprits inodores et le zeste. Si vous le renversez sur votre papier, il est assez difficile de le nettoyer et vous pourriez ruiner votre œuvre si vous avez des parties de votre œuvre où vous ne vouliez pas que cela se produise. Alors gardez cela à l'esprit. L' odeur de l'huile pour bébé est belle, n'est-ce pas ? C' est comme si tu avais cette odeur poudreuse fraîche, n'est-ce pas ? C' est vraiment agréable et naturellement agréable par rapport au Zest It qui sent juste comme des citrons forts et de l'agrume et très pointu. Vous pouvez voir ici, je viens de faire le mélange, ça n'a pas pris de temps. C' est l'un des principaux avantages de l'utilisation de techniques d'apprentissage humide que vous pouvez mélanger en un rien de temps. Alors qu'avec une méthode de mélange sec, cela prend beaucoup plus de temps, il peut être très difficile, compléter une grande œuvre d'art juste faire un mélange sec, surtout si vous faites brunir. Ce sont toutes choses à garder à l'esprit. L' ensemble des points de vous montrer c'est ça, donc vous obtenez une sensation globale à ce niveau débutant. Parce que pour la coloration de niveau avancé, il y a quelques techniques supplémentaires que vous pouvez faire quand il s'agit d'elle, surtout quand il s'agit de mélange sec. Mais parce que c'est un cours de niveau débutant, sont les principales techniques que je vous recommande d'essayer. Donnez-les un coup de pouce et faites-moi savoir comment vous allez avec eux, juste en résumé, ce que nous allons faire est de résumer ces techniques de mélange et les positifs et négatifs de toutes d'entre elles. Pour le brunissage, le brunissage à sec est la méthode la plus longue, cela prend le plus de temps et il peut être assez intense sur votre poignet et sur votre main. Cependant, les résultats sont les plus dynamiques lorsqu'il s'agit de mélanger à sec. Le crayon blanc se mélange à nouveau, cela prend du temps. Il ne prend pas autant de temps que le brunissage fait, parce que vous brunissez la coloration à l'autre, avec le crayon blanc efficacement que vous faites une couche de brunissement tout en une seule fois donc il prend moins de temps. Cependant, il peut produire des effets pastel et vous n'obtiendrez pas cette saturation et cette vibrance comme vous l'avez fait avec le brunissage. Ce sera un peu de pâte et de pastel comme si c'était le look que vous voulez faire, alors j'essayerais ça. Numéro trois, nous avions le crayon mélangeur incolore et c'était génial parce que, il a fallu beaucoup moins de temps que le crayon blanc et le brunissement. Parce que tout ce que nous devions faire était littéralement juste passer sur le pigment que nous avons déposé en couches, et il a mélangé efficacement son brunisseur inactif. Cependant, il n'est pas aussi vibrant que la méthode de brunissage originale, mais il est beaucoup plus vibrant que d'utiliser un crayon blanc qui en est un avantage. Un autre avantage est que vous êtes moins susceptible d'utiliser vos crayons de couleur parce que efficacement vous économisez vos crayons de couleur en utilisant un mélangeur incolore. La quatrième méthode que nous avons traversée était le crayon brunissant. Maintenant, le crayon brunissant à mon avis, personnellement, je ne l'utilise pas beaucoup. Je préfère toujours utiliser le mélangeur incolore. L' avantage est à peu près le même, il donne une légère sensation plus brillante et soyeuse. Le mélange réel lui-même est à peu près le même qu'un mélangeur incolore, n' est pas à craindre si vous ne pouvez pas obtenir un crayon brunissant, parce que vous pourriez ne pas être en mesure de l'obtenir d'où vous êtes, quelle que soit la partie de la monde d'où vous venez. n'y a rien à craindre à ce sujet, si vous pouvez le faire, vous aimerez peut-être la technique ou la sensation du crayon de brunisseur. Cependant, le crayon de polisseuse est un peu plus rigide dans le matériau avec lequel il est lié. Alors que le mélangeur incolore ressemble plus au crayon lui-même, le crayon à base de cire, ce sont les résumés des techniques de mélange sec. Passant aux techniques de mélange humide les techniques de mélange humide que nous avons faites dans cette vidéo, nous avons commencé avec l'utilisation d'un solvant qui Zeste It, et les avantages de ceci sont que, vous pouvez l'utiliser, c'est très rapide à utiliser. Il est plus respectueux de l'environnement et il n'est pas inflammable, il est donc moins dangereux et il peut être utilisé à l'intérieur dans les studios, vous pouvez l'appliquer avec divers outils, vous pouvez l'appliquer avec une brosse, avec des bourgeons d'air en coton, vous pouvez également l'appliquer avec des bâtons de papier compressé comme [inaudible], comme vous l'utilisez pour les crayons, il existe donc différentes méthodes d'application. Cependant, il a une méthode de mélange humide, vous devez vous assurer que vous avez besoin de papier aquarelle pour cela. Alors qu'avec le mélange sec, vous n'en aviez pas besoin. Cela ne fait aucune différence sur le papier que vous utilisez tant que c'est un papier assez décent avec de bonnes dents. Pour les techniques de mélange humide, vous avez besoin de papier spécifique, vous avez besoin de papier qui peut prendre des milieux humides. Ensuite, nous avons passé sur le marqueur incolore, maintenant les avantages du marqueur incolore étaient que vous n'avez pas besoin d'outils supplémentaires pour l'appliquer, sorte que vous pouvez appliquer directement hors du marqueur si vous le souhaitez, et vous avez beaucoup de contrôle. Vous pouvez obtenir de nombreux types différents de marqueurs incolores, j'ai utilisé des marqueurs pro Winsor et Newton. Vous pouvez utiliser les marqueurs Copic, Copic Kio ou les marqueurs d'esquisse Copic. Il existe de nombreuses marques différentes de marqueurs que vous pouvez utiliser, et ils sont bon marché et facilement disponibles. Je lui donnerais un coup d'envoi, c'est une très bonne façon de se mélanger. La dernière façon est d'utiliser juste de l'huile de bébé commune, et vous pouvez utiliser l'application d'une brosse ou d'un bourgeon d'air comme vous l'avez fait avec le solvant et Zeste It. Si je vous montre le dos du papier où nous avons fait le mélange humide, vous pouvez voir qu'avec le mélange humide, vous obtenez des infiltrations qui arrivent, surtout avec le Zeste et avec l'huile pour bébé. C' est quelque chose à garder à l'esprit que si votre coloriage quelque chose dans, si vous utilisez un livre de coloriage, alors j'éviterais d'utiliser la technique de mélange humide purement parce qu'il va voir à travers les pages suivantes et laisser une marque horrible, baveuse, grasse marque à l'autre extrémité, et c'est la dernière chose que vous voulez sur votre joli livre de coloriage. C' était l'ensemble des techniques de mélange pour cette classe de débutants. En général, je vous conseille de faire le mélange sec d'abord, de vous y habituer, et si vous voulez vraiment essayer les techniques de mélange humide, peut-être juste essayer le Zest It, si vous pouvez mettre la main dessus et marqueur incolore. Je pense que c'est tout pour les parties de mélange de cette classe. Maintenant, nous pouvons passer à la façon d'ajouter des ombres et de la lumière à votre œuvre d'art en utilisant le cours Prisma. 11. Ajouter des ombres et de la lumière: Bienvenue de retour. Maintenant, regardons les ombres et les lumières. Chaque fois que nous essayons de faire un crayon de couleur, une œuvre d'art, ce soit sous forme de réalisme, d'œuvre abstraite, d'illustration, quel que soit le type d'œuvre que vous essayez de produire, quel que soit le style que vous produisez , dans la plupart des cas, vous allez envisager d'ajouter des sombres et des lumières à votre travail. Ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais couvrir trois des principales façons d'ajouter des ombres et des lumières à l'œuvre que je produis. Par tous les moyens, ce ne sont pas les seuls moyens d'ajouter des lumières et ombres ou la seule séquence d'ajout de lumières et d'ombres. Ce sont juste les méthodes que je trouve que j'aime utiliser et je les recommande surtout à ce cours de niveau débutant. Tout d'abord, je vais juste mettre en évidence les trois méthodes et ensuite nous allons les examiner et les montrer. Numéro 1, pour ajouter des reflets et des ombres, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons utiliser différentes valeurs de la même couleur. Maintenant, par valeur, je veux dire des nuances plus foncées ou plus claires d'une couleur particulière. Ici, dans cette démonstration, j'ai décidé d'aller avec la couleur verte et j'ai décidé que je vais ajouter quelques sombres et quelques reflets sur cette couleur verte. La première étape que vous devez faire est de sélectionner la couleur que vous voulez aller de l'avant dans votre ensemble Prismacolor et de trouver une nuance plus claire de cette couleur, un ton moyen et une nuance plus foncée. C' est ainsi que nous allons créer ces ombres et ces lumières, variant dans le mélange de cette couleur particulière. Maintenant, il peut être n'importe quelle couleur que vous décidez de choisir. Prismacolor ont généralement beaucoup de variances dans les valeurs de chaque couleur. Cependant, cela dépend également de la taille de l'ensemble que vous avez. Si vous avez le set 12, alors vous serez limité. Si vous avez le 24 set, 36 ou les plus grands ensembles, alors vous avez plus d'options pour le faire et choisir parmi. Mais en général, c'est ce que nous devons faire. J' ai décidé d'y aller avec le vert. Avec le vert, j'ai cette couleur médiane ici. Midtone signifie essentiellement que c'est comme la nuance de valeur moyenne de cette couleur particulière et que vous pouvez également trouver une couleur de surbrillance, ton plus clair de cela, et aussi un ton plus sombre de cela. J' ai ces trois couleurs ici. J' irai dire exactement ce que sont ces couleurs une fois que j'ai rapidement parcouru les trois méthodes. C' était la première méthode. La deuxième méthode consiste à utiliser des couleurs complémentaires pour ajouter ombres et aussi pour ajouter des lumières en utilisant simplement du blanc général. Couleurs complémentaires entrant dans les détails plus techniques de la couleur et la roue de couleur et plus la théorie des couleurs, ce n'est probablement pas le meilleur pour la phase débutante mais j'ai décidé de passer par là parce que je pense qu'il est bon d'avoir un léger compréhension du fonctionnement de la couleur. Nous allons en venir aux descriptions et comment les couleurs complémentaires fonctionnent dans la roue des couleurs lorsque nous en viendrons à cette deuxième option. C' est la deuxième option, d'utiliser des couleurs complémentaires pour ajouter dans les ombres. La troisième option, la dernière option que je vais démontrer est d' utiliser les tons noirs standard ou différents gris pour ajouter dans cette ombre. Encore une fois pour ajouter à la lumière, nous utiliserions simplement du blanc. Ce sont les trois principales méthodes. Vous pouvez combiner ces méthodes de sorte que vous n'avez pas à vous limiter seulement aux trois d'entre elles dans l'isolement. Vous pouvez les combiner et c'est ce que je fais souvent. Le résultat final sera toujours différent pour chacune de ces méthodes. Je ne dirais pas que l'un est meilleur que l'autre ou vous ne devriez le faire que de cette façon parce que, comme je l'ai déjà dit, art est une question d'expression et c'est vraiment exprimer qui vous êtes et ce que vous voulez réaliser. S' il y a une certaine façon que vous voulez faire quelque chose, pour obtenir un certain résultat, alors vous devriez aller de l'avant et le faire. Je ne vais pas dire que vous ne pouvez pas le faire de cette façon ou vous devez le faire de cette façon, sont que trois options que vous pouvez essayer ne sont que trois options que vous pouvez essayer de voir si vous les aimez et les combiner à ce que vous voulez. Commençons par la première option. Nous utilisons différentes valeurs de la même couleur. Comme je l'ai expliqué plus tôt, j'ai décidé d'aller de l'avant et de le démontrer avec une couleur verte. J' ai sélectionné mon ton médian. La première instruction aujourd'hui est de sélectionner votre ton médian. Nous avons notre ton médian ici. On a ça comme une herbe verte. C' est un beau vert de niveau moyen qui fonctionnera bien comme la couleur médiane de base. Ensuite, nous devons sélectionner notre couleur de surbrillance afin que la nuance plus claire et la valeur de ce vert. Je suis parti pour cette couleur ici, ça s'appelle un vrai vert. C' est le numéro Prismacolor, PC 910. L' autre était PC 909. Si vous voulez suivre ce tutoriel réel et que vous utiliseriez les mêmes couleurs que j'utilise, alors il suffit de les choisir dans votre ensemble Prismacolor en fonction de l'ensemble que vous avez. J' ai l'ensemble 72 et donc si vous avez cet ensemble et alors vous serez en mesure de trouver ces couleurs à partir d'eux. La nuance de vert plus foncée que j'ai ici que j'ai sélectionnée, elle s'appelle en fait vert foncé et c'est PC 908. Ce sont les trois valeurs que je vais utiliser pour mon ombrage vert. Commençons par ça. Je vais juste le démontrer. Encore une fois, comme je l'ai dit, la séquence de la façon dont vous faites cela, c'est entièrement à vous de décider, mais c'est la séquence préférée que j'aime faire. J' aime toujours ajouter ma valeur médiane en premier. C' est ce que je vais faire ici sur le bout de papier. Je vais juste ajouter ma valeur médiane. Eh bien, ajoutons juste une belle couche de ce ton médian. Maintenant, en revenant aux couches, lorsque vous ajoutez des ombres et que vous ajoutez des lumières, vous devez toujours vous assurer que vous avez assez de dents de ce papier pour que ce pigment puisse ajouter une touche comme nous l'avons décrit et illustré dans la vidéos précédentes. Si vous allez de l'avant et brunissez tout de suite avec votre ton médian et suivez cette séquence, alors vous ne serez pas en mesure d'obtenir beaucoup de cette ombre 1. Je suggère juste de faire peut-être trois ou quatre couches de ton moyen et de l'étaler uniformément. Ensuite, vous pouvez pratiquer cela vous-même avant commencer votre œuvre d'art ou votre projet de classe. Je viens d'exposer cette valeur moyenne de vert, l'herbe verte, juste garder ça sur le côté là-bas. Maintenant, deuxièmement, encore une fois vous n'avez pas à le faire dans cet ordre, mais c'est l'ordre dans lequel je préfère le faire. Le deuxième ton que je vais ajouter, la valeur, va être le plus léger donc je vais ajouter dans cette vraie couleur verte. Je vais ajouter ma valeur plus légère sur le dessus. Vous pouvez voir tout ce que je fais est juste d'ajouter ce calque, chevaucher le bord du ton médian et d'ajouter un autre calque sur le dessus. Vous pouvez voir cette différenciation. Je vais juste essuyer l'excès de cire qui s'est détaché. Je vais lentement dans des mouvements circulaires et vous pouvez voir ici le chevauchement. Vous avez ce chevauchement, ici, chevauchement de couleur. C' est juste en mélangeant cette couleur comme nous l'avons fait avec les techniques de mélange dans la vidéo précédente. Nous allons juste le revoir et j'étire ce chevauchement plus dans le ton médian avec un autre calque, reentrant avec un autre calque. Tout comme ça, nous construisons simplement cette couleur pour ajouter efficacement à cette mise en évidence. C' est ce que nous faisons vraiment, nous ajoutons plus de lumière avec une valeur plus légère de ce vert. Vous pouvez voir, je suis juste en train de mélanger lentement cela, en ajoutant de plus en plus de couches à elle. Une fois que j'aurai atteint peut-être la moitié de l'échantillon médian que je viens de faire, alors ce que je vais faire, c'est que je vais revenir avec le ton médian. Je vais remplir légèrement ces motions circulaires à partir de la fin du centre-ville. Donc, vous pouvez voir ce que ça fait, c'est qu'il mélange littéralement cette couleur, et ça a l'air beaucoup plus agréable et plus lisse. Donc, vous avez du ton moyen, de la valeur moyenne, à la valeur plus légère, puis revenez avec la valeur moyenne. Vous pouvez le faire par étapes comme nous l'avons fait avec le processus de superposition et avec le brunissage ; peut être utilisé autant de fois que vous le souhaitez, mais essayez de le garder léger. Il démarre toujours la lumière, car alors vous serez en mesure de maximiser la quantité de laser que vous pouvez mettre dans. Donc nous sommes passés du ton médian à la lumière et je reviendrai au ton médian. Maintenant, je vais ajouter dans l'ombre, le ton plus sombre. Donc, le ton plus sombre est cette couleur vert foncé. Je vais le faire exactement comme je l'ai fait avec le point culminant. Je vais juste commencer par le bas, et couvrir la même quantité de cette valeur de ton médian que je l'ai fait avec le ton plus clair, et nous allons juste travailler ça. Maintenant, si vous avez remarqué, j'ai mes crayons très pointus, et c'est une autre chose importante que nous devons maintenir. Que, si vous n'avez pas de crayons pointus, alors ce sera beaucoup plus difficile pour vous de faire cette technique. Il va généralement être difficile pour vous de faire n'importe quelle technique appellerait ça crayons, si vous ne les avez pas pointus. Ils ne vont pas creuser dans cette dent du papier. Tu as vraiment besoin de pousser ce pigment, et tu ne feras que pousser ce pigment avec un crayon pointu. Donc vous pouvez voir maintenant, je fais exactement la même chose. Je me chevauche juste en mouvements circulaires, en utilisant de la lumière à la pression moyenne. On a un très vieux mélange qui se passe là-bas. Vous pouvez voir que nous avons gris foncé, allant dans un vert moyen, dans un vert clair. Donc ça a créé un très beau dégradé, et je vais juste revenir avec ce ton médian, comme je l'ai fait avec la couleur claire. Je vais juste passer par le chevauchement. Ensuite, je vais passer sur le ton médian, vraiment pour le confondre avec des mouvements circulaires. Donc, c'est effectivement brunir cela. J' ajoute à nouveau, de plus en plus de couches, pour obtenir cette belle transition en douceur. Ce que vous pouvez faire est que vous pouvez ajouter, si vous voulez aller et mélanger cela avec un mélange humide, et que nous avons discuté dans la vidéo précédente, vous pouvez utiliser votre marqueur d'alcool. Vas-y, et je vais le garder au sec parce que j'aime garder mon mélange sec. Voilà, tu y vas. Donc je viens de rajouter un peu de ton médian. Donc, vous pouvez voir que le papier le prend toujours parce que je vais en pression légère à moyenne, et je construis ces couches progressivement. Nous venons d'entrer dans le ton médian , en retournant maintenant au vert foncé, à l'ombre, ce qui va un peu plus difficile maintenant pour obtenir ce dernier morceau de brunissement dans le mouvement circulaire, tenant le crayon et le style d'écriture. Maintenant, j'applique une pression moyenne, je n'applique pas encore de pression dure. J' applique une pression moyenne, et je vais un peu plus haut, si vous pouvez voir dans cette valeur médiane pour vraiment faire ressortir ce mélange. Maintenant, je vais faire est juste revenir à ma couleur de surbrillance et a fait exactement la même chose sur le dessus. Je vais juste entrer avec une pression moyenne, et dans ces mouvements circulaires, je brûle ça. Donc nous allons dans un mouvement circulaire, de type ovale, et nous allons juste faire entrer cette lumière dans l'obscurité, et nous en avons assez fini avec ça. Vous pouvez donc voir cette gradation progressive, ce gradient étant créé dans cette zone ici. Donc, nous avons une valeur sombre, moyenne, et nous avons de la lumière. Tout comme ça, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons juste ajouter profondeur et des intérêts à notre coloration dans, donc peut-être votre coloration dans une feuille, ou peut-être votre coloration à nouveau. Je ne sais pas, une branche d'arbre ou quelque chose comme ça, ou même une brique d'une maison. Vous pouvez ajouter autant de profondeur et d'intérêt en utilisant cette technique. C' est assez facile, c'est assez rapide. Ça ne prendra pas beaucoup de temps. C' était donc la première méthode que nous avons couverte. Donc, il utilisait différentes valeurs de la même couleur. Maintenant, la deuxième méthode utilise des couleurs complémentaires. Je vais donc vous présenter un joli petit graphique à l'écran, et nous allons vous expliquer ce que sont les couleurs complémentaires. Donc, les couleurs complémentaires sont fondamentalement des couleurs dans la roue de couleur, qui sont sur les côtés opposés. Donc, vous pouvez voir sur le diagramme, nous avons vert, et au moins légèrement les valeurs de vert. Le côté opposé des valeurs de vert, sont plus de valeurs de tons rouges. Donc, vous pourriez penser au rouge, comment pouvez-vous utiliser le rouge pour ajouter au vert. Cela n'a pas vraiment de sens. Eh bien, il le fait en fait parce que ce rouge est une couleur complémentaire de cette couleur opposée. Donc, ce que cela produira est un léger tons terreux, donc nous produirons comme un ton brunâtre. Alors démontrons cela. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va ajouter, on va retrouver le ton médian, l'herbe verte. Nous allons produire exactement la même nuance que nous avons produite auparavant. Donc nous allons commencer par une nuance de cette valeur médiane. Il s'amène légèrement vers le bas. Vous devez vous rappeler avec cela parce que nous allons chevaucher cela avec le rouge, où nous n'avons pas besoin d'espace en bas parce que ce rouge va réellement ajouter notre ombre sur. Donc, j'ajoute autant de zone contrairement à avant. Ce que j'ai fait, c'est que j'avais autant pour le ton médian réel et j'ai ajouté l'obscurité en bas, le plus sombre. Nous n'avons pas besoin d'ajouter de la ligne rouge à cela. La couleur complémentaire du vert parce que nous ne voulons pas qu'il soit rouge, nous voulons effectivement qu'il assombrit le vert. Donc, nous avons notre valeur médiane. Nous avons ajouté peut-être trois couches de ce ton moyen. On ment juste, à la pression moyenne. Donc tu as une belle couverture, et maintenant je vais ajouter à la lumière. Alors ajoutons les lumières à nouveau comme nous l'avons fait avant. Encore une fois, en ajoutant cette couleur verte, en la mélangeant, beaux mouvements circulaires ronds, se chevauchant sur cette valeur de ton moyen pour créer vraiment un joli mélange de couleurs comme nous l'avions fait auparavant. Je vais faire exactement le même processus avant d'ajouter la couleur de l'ombre. Maintenant, allons-y et ajoutez-y légèrement ce vert. Vraiment le mélanger et le faire paraître vraiment soumis en réalité. Encore une fois avec Prismacolors parce qu'ils sont si doux, c'est un crayon de noyau doux, Il rend juste ce processus tellement plus facile. Parfois, lorsque vos crayons sont un peu émoussés ou si vous utilisez ou des crayons plus lourds et pas doux à base, alors cette méthode est assez difficile à faire. Ce n'est pas si facile à réaliser. Donc, de façon générale, avec Prismacolors, ces techniques suggèrent, beaucoup plus facile et vous apprendrez à le savoir quand nous montrons les autres types de crayons, les crayons à base d'huile et peut-être d'autres styles de crayons dans les classes à venir dans cette série. Donc maintenant, nous allons utiliser la couleur complémentaire et l'opposé du vert sur la roue de couleur est des nuances de rouge. Donc ici, j'ai un rouge cramoisi, qui est comme un beau rouge foncé profond. Donc, ce que nous allons faire, c'est, nous allons juste ajouter lentement ceci à droite en bas ici. Vous pouvez voir que lorsque nous ajoutons la couche de ceci, il produit en fait ce ton sombre et terreux. Vous ne pouvez pas vraiment voir beaucoup de rouge dessus parce que nous allons vraiment dans la lumière et qu'il produit efficacement une nuance brunâtre et cela fonctionne si bien. Lorsque vous utilisez ces couleurs complémentaires, c'est plus naturel. Donc, si vous faites un mélange sur peut-être un arbre sur certaines feuilles, il vaut probablement la peine d'avoir un coup d'oeil à cette technique pour ajouter une couleur complémentaire au lieu d'utiliser une valeur plus foncée de cette même couleur. Donc ce qu'on va faire, c'est retourner avec ce ton moyen de base. Donc on va juste par-dessus cette ombre, pour vraiment la mélanger. Vous ne sauriez même pas que c'est un rouge que nous avons utilisé. On dirait un vert plus foncé. Ça a l'air tellement plus naturel, n'est-ce pas ? Le vert original que nous avions ici a fière allure aussi. Ce n'est qu'une autre façon d'atteindre ce résultat. Donc, si vous avez des crayons limités, donc par exemple, si vous avez acheté 12 set ou 24 set, et que vous n'avez pas trois valeurs d'une couleur particulière, alors il est toujours une bonne idée de regarder la couleur complémentaire parce que vous va toujours avoir les couleurs primaires dans vos ensembles. La plupart des ensembles viennent avec les couleurs primaires. Ensuite, vous pouvez facilement utiliser les couleurs complémentaires pour ajouter cette ombre. Donc, de toute façon, vous avez des options. Évidemment, ce sera un excellent moyen d'ajouter certaines valeurs : les valeurs sombres et les valeurs de lumière. Mais si vous n'avez pas l'option, alors vous avez toujours la possibilité de le faire. Donc tout ce que je fais ici maintenant est juste d'ajouter dans les couches pour vraiment mélanger cela bien et maintenant je vais dans cette pression moyenne pour vraiment obtenir cette garniture sur et vous pouvez voir qu' il a l'air vraiment beau et beau. C' est tout simplement incroyable comment la couleur fonctionne dans la vraie vie, c'est tout simplement absolument incroyable comment la couleur fonctionne. Donc, nous l'avons là. On peut passer à la dernière. Le dernier, après cette méthode de couleur gratuite est de simplement utiliser essentiellement des sons noirs ou grands. Maintenant, certaines personnes disent que vous ne devriez pas utiliser le noir ou que vous ne devriez pas utiliser le noir du tout, ça n'a pas l'air naturel. Mais sérieusement, peu importe ce que vous utilisez. Si vous êtes après cet effet particulier et que vous aimez utiliser le noir, alors allez-y et utilisez-le, personne ne peut vous le dire, vous ne pouvez pas le faire et vous ne pouvez pas le faire. L' art est la liberté d'expression et c'est tout ce que vous aimez et quelle est votre texture. Ce que les gens ne peuvent pas vous montrer et c'est le but de ces vidéos et de ces cours est de vous montrer les options pour obtenir des résultats différents. Donc, si vous avez la possibilité de le faire de trois façons différentes, pourquoi ne pas les essayer toutes ? Vous devriez toujours garder vos options ouvertes, mais à la fin de la journée, c'est entièrement à vous de décider. Vous pouvez ajouter du noir, vous utilisez du noir pur pour obtenir des résultats sombres et vifs. Personnellement, je l'aime beaucoup dans mes dessins. Je vous conseille donc d' utiliser la technique que vous aimez et les résultats que vous pouvez obtenir de cette technique. Donc encore une fois, tout ce que nous faisons en ce moment, c'est que nous ajoutons la valeur de ton moyen de base de ce vert et je vais faire exactement la même chose que je l'ai fait avant. Je vais juste ajouter le point culminant vraiment pour le garder cohérent et pour que nous puissions comparer les résultats. Nous allons juste entrer avec les points forts dans le mouvement circulaire et juste ajouter dans cette couche, avec une pression moyenne. Je pense que nous avons à peu près terminé de ce côté, je voudrais juste entrer et ajouter une autre couche sur sa propre valeur. Essayez ceci avec différentes couleurs. Tu n'as pas à le faire dans ce vert. Je veux dire, vous pouvez suivre ce cours et utiliser les verts et les couleurs que j'utilise si vous les avez à votre disposition, sinon, essayez avec autre chose. Essayez-le avec des bleus, peut-être des oranges ou des rouges, quelles que soient les couleurs qui vous sont disponibles, essayez-les. Cette technique fonctionnera sur toutes les couleurs et il suffit de lui donner un coup d'envoi et vous serez surpris par les résultats que vous atteignez. Donc, nous avons bien [inaudible] qui se passe là-bas de la lumière à l'obscurité, lumière au ton moyen et encore une fois, tout ce que nous allons faire maintenant c'est que nous allons juste utiliser un crayon Prismacolor noir. Nous avons donc le crayon noir standard 908. On va juste entrer légèrement avec le noir. Donc nous commençons juste par le bas. N' oubliez pas que si vous essayez d'assombrir une couleur ne va pas trop dur avec un noir tout de suite parce que si vous voulez un bon mélange, alors vous voulez garder cette pression très minime. Donc vous pouvez voir que j'utilise une pression très légère. Je vais tenir le crayon encore plus loin pour que ma pression soit encore plus légère. Donc, vous pouvez voir que nous ajoutons pression très légère à cela et qu'il s'assombrit progressivement. Donc ça a l'air assez bien et tu as beaucoup de contrôle. C' est une bonne chose à propos de l'utilisation de crayons de couleur, à mon avis. Je pense que l'aspect de contrôle est absolument brillant parce que c'est un outil sec, c'est un milieu sec et vous n'avez pas à vous soucier de quelque chose qui se répand sur le côté ou votre couleur saignant dans une autre couleur, ça fonctionne vraiment bien. Donc vous pouvez voir que je construis graduellement cette valeur sombre en bas avec ce noir. Donc, il n'y a aucun problème avec ça du tout. Évidemment, les résultats vont sembler légèrement différents et vous pouvez également le faire avec différentes valeurs de gris. Donc, dans les plus grands ensembles de Prismacolor, vous obtenez différents tons de gris. Donc je vais vous montrer quelques bonnes valeurs de tonalité que j'ai ici, donc on a 50 % de cheveux gris. C' est PC 105, c'est un gris chaud à 50 pour cent, puis en dessous, nous avons un gris frais à 50 pour cent, qui est PC 1063. Donc, si vous avez ces crayons, essayez-le avec ceux-ci. Vous pouvez le chevaucher, vous n'avez pas à vous en tenir au noir. Donc ce que je vais faire est juste d'ajouter ce gris sur. Vous pouvez voir que même avec le gris, vous pouvez obtenir une belle différenciation de ton et de valeur et sombre d'une manière légèrement différente. Donc, si c'est le type de résultat que vous voulez obtenir, alors allez-y. C' est donc toujours une bonne idée de pratiquer avec quelques couleurs différentes. Faites-le plus d'échantillons et il y aura plus de cela sur les feuilles de calcul. Sur la feuille de calcul, je vous fournit un modèle avec des petites cases sur ceux-ci à pratiquer. Donc, parfois, si vous n'avez pas de modèle pour le colorer c'est un peu difficile de simplement gâcher un morceau de papier, ça vous donne juste un peu de conseils, n'est-ce pas ? Ce crayon n'est pas très bon parce que tout se démarque du bord, mais ne vous inquiétez pas. Rien n'est parfait dans cette vie, n'est-ce pas ? Non, ce n'est pas le cas. Alors ajoutons peut-être ce gris plus foncé pour réchauffer le gris. Comme vous pouvez le voir, j'ajoute légèrement ce gris dans le mouvement circulaire. Vous pouvez voir qu'il fait sombre et [inaudible] que les parties inférieures des bandes de collège. Donc, vous avez une ombre sombre qui va dans un ton moyen, ton moyen allant dans les reflets. Donc c'est à peu près tout pour les ombres et les reflets. J' espère que cela vous a donné une idée de quelques méthodes différentes de la façon dont vous pouvez le faire. Encore une fois, si nous observons simplement chacune de ces méthodes, elles ont produit un résultat légèrement différent avec la valeur différente que nous avions sur la première option. On a plus, je dirais, un mélange plus naturel que les deux autres. Avec les autres., nous avons plus d'un, je dirais, un mélange progressif, plus de contraste dans le mélange où nous utilisions des couleurs complémentaires. Cela fonctionnera pour différents scénarios. Mais encore une fois, c'est entièrement à vous de décider, lequel vous voulez aller de l'avant et utiliser. Ensuite, la dernière, en ajoutant dans le noir, vous pouvez voir que c'est une légère différence dans la structure de cette gradation. Mais encore une fois, je vais continuer à le dire tout au long de cette classe, il ne s'agit pas de le faire de la bonne façon ou de la mauvaise façon, mais de la façon dont vous préférez obtenir les résultats que vous aimez. Donc, vous les utilisez, pratiquez ces trois méthodes que j'ai discutées, les utilisez les uns à côté des autres, les utilisez individuellement, les utilisez isolément si vous voulez, ou utilisez simplement une combinaison d'entre elles. Vous pouvez commencer à utiliser différentes valeurs ici ou vous pouvez même ajouter un crayon blanc. C' est une autre chose qu'on pourrait faire. On pourrait éclaircir la zone avec un crayon blanc. Donc, si vous voulez ajouter un peu plus de surbrillance sur votre couleur réelle, vous pouvez ajouter un crayon blanc. Si vous vous souvenez, c'est le pouvoir du brunissement blanc. Donc vraiment nous éclaircissons une couleur que vous pouvez ajouter dans un crayon blanc et vous pouvez le faire sur n'importe lequel d'entre eux. Donc je vais juste le faire avec un crayon blanc, tout comme les effets brunissants, mais nous sommes aussi la foudre de cette couleur en haut. Si c'est l'effet que vous aimez, alors allez-y et faites-le. Nous le ferons aussi sur celui-là. C' est pourquoi il est toujours génial d'expérimenter avec ces couleurs parce que, chaque couleur et variation va vous donner quelque chose de différent et vous pouvez utiliser dans votre propre travail pour n'importe quel type de résultat que vous voulez obtenir. Donc c'est à peu près [inaudible] pour les lumières et les ombres de Prismacolors, j'espère que vous pratiquez ceci dans votre feuille de travail et dans votre œuvre d'art. Je pense que ce que nous allons faire maintenant, c'est de faire un croquis complet en utilisant toutes les techniques que nous avons faites dans ces vidéos précédentes pour trouver un joli résumé de ce que nous avons appris jusqu'à présent. Alors je te verrai sur la prochaine. 12. Feuilles de travail: Bienvenue de retour. Avant de commencer notre croquis complet en utilisant crayons de couleur PRISMA avec toutes les différentes techniques que nous avons apprises au cours des deux dernières leçons, ce serait une bonne idée d'aller à ces feuilles de travail. Je vais juste passer rapidement en revue les feuilles de calcul que j'ai fournies dans ce cours. Maintenant, je les ai spécialement conçus pour suivre les techniques dont j'ai parlé dans les vidéos précédentes de cette classe. Il y a trois feuilles de calcul au total, elles sont toutes sur un PDF. Ce que vous pouvez faire est que vous pouvez simplement afficher les feuilles de calcul en ligne sur votre écran, ou vous pouvez les imprimer sur un papier décent. Cartouche de papier ou l'un des types de papiers que nous avons discuté dans la leçon précédente, et juste travailler votre chemin à travers eux. Maintenant, je les ai adaptés pour que vous puissiez suivre spécifiquement les leçons de la classe. Nous allons regarder le premier ici. Nous avons la feuille de calcul PRISMA couleur premier. Maintenant sur celui-ci, j'ai étiqueté ceci comme de la pression, mélange, et des lumières et des ombres. Ce sont les trois principales techniques que nous avons apprises. Si vous vous en souvenez, nous avons appris à faire varier notre pression et à créer des lumières et des tons sombres de superposition. Nous avons également créé des techniques de mélange, nous avons passé par diverses techniques de mélange. Nous avons passé en revue les techniques de mélange sec et les techniques de mélange humide. N' oubliez pas que si vous allez pratiquer ces techniques de mélange humide, alors vous devez imprimer les feuilles sur du papier aquarelle. C' est vraiment, vraiment important parce que si vous les imprimez sur disons, juste du papier à croquis normal ou du papier à cartouche, alors votre support humide va tremper à travers et il va probablement récolter votre papier et vous n'allez pas d'être très heureux à la fin de cela. Décidez du type de mélange que vous souhaitez pratiquer. Je vous conseille d'aller pour le mélange sec d'abord et de lui donner un coup d'envoi parce que vous pouvez imprimer autant de ceux-ci que vous le souhaitez. Donner la pression il ya en utilisant différentes couches comme nous l'avons fait dans la leçon de couches. Allez au brunissage, au crayon blanc, aux mélangeurs si vous les avez ou tout simplement en superposant, vous pouvez brunir comme nous l'avons démontré et ajouter des lumières et des ombres. Si vous pouvez vous rappeler ce que nous avons fait avec les lumières et les ombres en utilisant trois variantes différentes, où nous avons utilisé des teintes de couleur, nous avons utilisé le crayon blanc, nous avons utilisé des crayons gris-noir. Vous pouvez essayer ceux-ci et travailler, expérimenter avec tous les crayons si vous le souhaitez. Il vous donnera un peu d'expérience de première main sur elle. Ici, ce que j'ai fait, c'est que j'ai divisé les parties de mélange, en différentes étapes. Je vous ai donné quelques indications sur les types de couleurs que vous pourriez éventuellement mélanger. Tu pourrais peut-être mélanger un peu de lecture en bleu. J' ai divisé les boîtes, que ça te facilite la tâche. Nous pouvons simplement colorier dans la couleur réelle elle-même. Nous avons du bleu ici, donc si vous ajoutez légèrement quelques couches de bleu pur, vous pouvez simplement continuer sur ce carré complet, ajouter comme vous le feriez normalement, prendre votre temps avec. Ensuite, sur la troisième place où nous avons le bleu, vous continuez exactement la même chose et ensuite vous obtenez votre couleur rouge, ce qui est la deuxième étape. Ensuite, vous allez aller où il est écrit rouge, vous allez juste passer légèrement avec du rouge. Vous pouvez voir que nous créons que joliment tous les mélanges de couleurs. Donnez à ça un entraînement. Utilisez différentes pressions lorsque vous mélangez. Allez en superposition, allez dans le brunissage. Si vous pouvez vous procurer un mélangeur incolore, essayez cela. Si vous avez du papier aquarelle, essayez-le dessus. Vous n'avez pas besoin de les imprimer, vous pouvez simplement l'utiliser comme un modèle et dessiner ces boîtes vous-même si vous le souhaitez, juste sur votre tampon d'aquarelle normal. Ensuite, j'ai donné un autre exemple ici avec quelques couleurs différentes, donc varier les couleurs, mélanger quelques couleurs primaires ensemble, mélanger quelques couleurs secondaires ensemble, et voir quels résultats vous obtenez. Ça vous donnera une vraie idée de ce que vous essayez de faire. Ou si vous voulez juste suivre ceux que j'ai fait en utilisant les oranges et les rouges, alors allez-y et faites ça. Vous n'avez pas besoin d'utiliser ces feuilles de travail parce que nous vous avons également fourni des carrés vides, donc cela pourrait vous rendre très pratique pour faire ce type de brunissage ou de superposition, en expérimentant. Encore une fois, imprimez autant de ceux-ci que vous le souhaitez et imprimez sur le bon papier selon le type de support que vous utilisez. J' ai pensé que je vais rapidement parcourir ces trois feuilles de calcul. Nous avons celui avec les étapes réelles sur eux avec un peu d'instructions et quelques conseils sur quels crayons et quelles couleurs utiliser. Nous en avons un qui n'a rien, il a juste une boîte comme de petites boîtes de modèles pour vous de pratiquer dans. Ensuite, le troisième est en fait le même que le premier, mais je n'ai tout simplement pas ajouté d'indications de couleurs ou d'étapes différentes. Je viens de les laisser vides afin que vous puissiez décider par vous-même comment vous aimeriez utiliser la pression et j'ai ajouté plus de carrés pour vous donner plus d'options. Lumière et ombres, ajoutez votre propre lumière et ombre, faites-le avec des crayons sombres, crayons noirs, tout ce que vous voulez. J' essaie vraiment d'ouvrir ce [inaudible] pour vous le rendre aussi facile que je peux, parce que je sais parfois quand vous voulez essayer quelque chose, c'est toujours agréable d'avoir un modèle à suivre ou à utiliser. C' est le raisonnement pour lequel j'ai décidé de les concevoir pour vous, les gars, pour que ce voyage soit beaucoup plus facile pour vous. Par tous les moyens, vous n'avez pas besoin de les utiliser du tout, si vous êtes à l'aise juste essayer les méthodes juste une normale à l'intérieur d'un livre d'aquarelle, alors allez-y et faites cela. C' était tout, ce n'était qu'un bref rappel de certaines des techniques que nous avons faites et des feuilles de travail que nous avons fournies dans ce cours. Passons aux aspects passionnants de la création de notre propre croquis en intégrant toutes ces techniques que nous avons apprises dans la prochaine vidéo. Je te verrai sur la prochaine. 13. Liste de contrôle et croquis complet: Bienvenue de retour. Maintenant, nous sommes prêts à commencer notre première illustration ou dessin ou croquis en utilisant des crayons prismacolor. Maintenant, à ce stade, vous auriez pratiqué toutes les techniques dont nous avons discuté en classe jusqu'à maintenant, et vous auriez rempli les feuilles de calcul si vous vouliez suivre la séquence des feuilles de calcul ou si vous n'avez pas voulez suivre la séquence sur les feuilles de calcul, vous auriez pu simplement pratiquer ces techniques sur des morceaux de papier comme nous l'avons recommandé. Donc, à ce stade, vous devriez avoir une belle petite expérience de première main de faire les techniques en utilisant la pression, en utilisant différentes techniques telles que la superposition, brunissage, l'utilisation de certains solvants ou techniques de mélange humide ou techniques de mélange à sec. Vous auriez eu une belle petite pratique de ça. est donc le moment de commencer votre première œuvre d'art en utilisant prismacolor. Avant de commencer, il y a quelques choses que je dirais avoir une liste de contrôle de ces choses avant que vous ne commenciez. Il s'agit juste de la planification et de la préparation avant commencer à mettre des illustrations sur le papier. Donc numéro un, la chose la plus importante est d'aiguiser tous vos crayons. Maintenant, vous devez sélectionner les couleurs que vous recherchez dans votre illustration ou dans votre composition. Sélectionnez toutes les couleurs avant la main et aiguisez tous les crayons comme nous l' avons illustré dans la vidéo d'affûtage du crayon et assurez-vous que le crayon que vous avez n'a pas cassé ou qu'il n'est pas fissuré ou que ce soit parce qu' il n'y a rien de tel que l'utilisation d'un crayon, puis l'aiguiser , puis il se fissure et vous ne pouvez plus continuer à l'utiliser à nouveau. Alors assurez-vous que vous donnez un aiguisage à tous vos crayons, même s'ils sont déjà assez aiguisés et qu'ils sont prêts à l'emploi, je leur donnerais toujours un peu aiguisé parce que ce que cela pourrait faire est de vous montrer d'abord si ce crayon est assez bon et ce que vous ne voulez pas, c'est commencer avec une belle couleur sur le crayon, entrer vraiment dans la rainure des choses et ensuite quand vous venez pour l'aiguiser, il est fissuré et cassé. C' est donc d'identifier les mauvais crayons dès le début. Alors, obtenez tout votre crayon bien aiguisé, préparez toutes vos combinaisons de couleurs pour la prochaine étape. Donc, l'étape suivante serait de sélectionner le type de papier que vous voulez. Maintenant, cela dépendra de si vous avez pris votre décision ou si vous allez faire le mélange humide ou prêt à sec. Donc, pour ce croquis que je vais faire dans cette démonstration, je n'ai pas encore décidé 100 pour cent et si vous êtes dans la même position, vous ne savez pas si vous allez faire humide ou sec ou une combinaison des deux, je vous recommande d'aller pour le papier de couleur humide. Par là, je veux dire, c'est le papier aquarelle. Alors traitez-le comme si vous alliez faire un mélange de couleurs humides. De cette façon, si vous êtes en quelque sorte en train de faire vos illustrations et la coloration et que vous décidez, oh je devrais faire un mélange humide ici, alors vous n'aurez pas à avoir ce souci que, oh non j'ai utilisé le mauvais type de papier et je ne peux pas utiliser le mélange humide. Donc, pour vous épargner ces tracas, il est probablement préférable de commencer avec du papier aquarelle. De sorte que même si vous ne décidez pas d'aller de l'avant avec le mélange humide, vous pouvez toujours aller de l'avant et le faire si le besoin se fait sentir. Donc je vais aller avec mon papier à aquarelle Bockingford pressé à chaud et je vais faire une œuvre d'art de taille A5 et ça va passer au point suivant. Assurez-vous que cette première esquisse que vous faites, la première illustration que vous faites est petite. N' allez pas faire un gros croquis A4 ou A3 et ensuite être déçu parce que vous entrez vraiment dans le groove des choses là-bas parce que ce n'est qu'une étape de niveau débutant et ce sera votre première ou peut-être la deuxième dessin avec des crayons de couleur. Alors prenez juste un peu de papier et encore une fois j'utilise un A5, mais je ne vais pas faire complètement l'A5, je vais juste faire un petit carré sur l'A5 comme une bordure et puis je vais illustrer en cela et c'est une autre bonne idée de , ne vous inquiétez pas d'illustrer tout le chemin jusqu'au bord du papier. suffit de vous prendre peut-être une feuille A5 ou si elle est plus petite, peut-être une feuille A6 et juste dessiner quelque chose, faire un croquis au milieu de cette feuille en utilisant un peu réaliste crée une bordure. De cette façon, vous travaillez petit et il est beaucoup facile de compléter quelque chose qui est petit et si vous faites une erreur et que vous ne pouvez pas aller et corriger, alors vous ne vous sentirez pas trop mal de perdre tout ce crayon que vous avez utilisé et un autre point, et c'est important, c'est d'avoir un morceau de papier à gratter. Donc juste un petit morceau de papier de ce même papier que vous utilisez juste pour tester les crayons pendant que vous allez le long. C' est une bonne idée de tester les crayons avant commencer votre croquis afin que vous puissiez avoir un peu du plan. Si vous ne testez pas vos crayons et que vous commencez à les utiliser immédiatement sur votre illustration et qu'ils ne tournent pas comme vous le souhaitez, alors vous pouvez éviter cette situation en testant vraiment les plages de couleurs que vous avez choisies et c'est toujours avoir un bon papier à gratter à côté de vous pour vraiment pratiquer sur cela avant de commencer ou pendant votre illustration sur notre travail. Un autre point important est que vous devriez vous assurer que le croquis que vous faites, le faire au crayon léger. N' allez pas avec un crayon très dur, comme des marques dures sur un crayon. Donc, je vous recommande d'utiliser peut-être un crayon HB ou un 1H, 2H ce sont des fils de crayon durs. Donc ils sont assez légers, ils ne feront pas de marques sombres. Alors que si vous utilisez un crayon 4B ou 6B ou 8B, ils auront des marques très sombres et ce que cela fera est qu'il se fondera dans la couleur du crayon tout en coloriant. Alors évitez de le faire, utilisez une touche très légère pour faire votre croquis et utilisez une gomme à mastic. Donc c'est une gomme à mastic ici, sont vraiment pas cher à acheter et encore une fois je vais avoir des liens vers tous ces matériaux dans les feuilles de travail comme nous l'avons expliqué dans la première et aussi dans les descriptions de la classe. Donc, vérifiez ceux-ci, ils sont vraiment bon marché à utiliser et vous pouvez l'utiliser pour simplement enlever tout ce travail de graphite de votre croquis pour garder votre illustration vraiment légère parce qu'il est important que vous ne voulez pas ces marques obscures de graphite entrant dans votre coloration. Il va juste gâcher ce look propre de couleur. Alors prenez vous une gomme à mastic, ou même si vous n'avez pas de gomme à mastic juste une gomme normale et effacez légèrement ces marques, donc vous avez juste eu un faible croquis que vous pouvez suivre. Assurez-vous donc que votre croquis est également correct. Alors passez votre temps à obtenir votre croquis correctement parce qu'une fois que vous faites l'esquisse et que vous commencez à appliquer de la couleur sur le papier, vous ne pouvez pas vraiment revenir en arrière, il est très difficile de retirer la couleur du papier et si votre n'est pas correct, ou si vous n'êtes pas satisfait de ce croquis alors une fois que vous l'avez colorié, il ne sera pas de la bonne taille, alors vous ne serez pas heureux et vous serez juste déçu. Assurez-vous donc que votre croquis est correct, passez un peu de temps dans votre croquis, assurez-vous qu'il est correct et ne compliquez pas trop les choses. Si vous faites un croquis vraiment compliqué dans ces premières étapes, ces étapes de début, alors vous allez juste être frustré parce que vous allez devoir appliquer tant de détails et de couleur. Gardez simplement votre croquis très simple et c'est pourquoi je vais viser à le faire dans cette démonstration. Nous allons rester très simple, donc je peux utiliser un mélange simple, couleurs simples et des contrastes. Dans ma coloration dans et de cette façon, vous pouvez lentement construire plus de complexités que vous vous habituez à ce médium de couleur crayon et la couleur PRISMA en particulier pour cette classe. Gardez également vos taille-crayons à proximité afin que vous utilisiez pour aiguiser, car une fois que vous êtes épuisé, vous devrez évidemment le réapprovisionner avec l'affûtage. Il est toujours bon d'avoir toutes ces choses à portée de main afin qu'une fois que vous commencez, vous puissiez continuer à le faire. C' est à peu près tout. On a juste besoin de commencer notre croquis. Encore une fois, nous avons passé en revue les principaux points que je vais soulever à l'écran ici. Ce que je vais faire, c'est que je vais commencer à esquisser et ensuite nous passerons à la phase de coloriage, alors commençons. Nous avons terminé notre croquis, et il a fallu un peu de temps pour compléter cette vidéo accélérée. Évidemment, ça va très vite et je me suis dit, ce que je vais faire est juste très rapidement peu de revue des techniques que j'ai faites, et ce sont toutes les techniques que nous avons traversées dans les vidéos précédentes de la classe. Fondamentalement, cela a pris environ 2,5-3 heures. Maintenant, c'est beaucoup de temps pour faire une si petite œuvre d'art. Cependant, c'est juste la nature de ce type de support. Avec des crayons de couleur, vous allez toujours passer beaucoup plus de temps à entrer et à sortir, à construire ces couches. J' ai vraiment commencé avec le bleu sur les parties inférieures de la scène et ça allait vraiment avec une couleur de base. Encore une fois, quand vous entrez, essayez d' abord d'éviter de brunir tout de suite, comme nous l'avons discuté dans la vidéo sur le brunissage. Nous voulons vraiment construire ces couches. C' est ce que je faisais. J'utilisais différents bleus pour construire cette couche et faire ressortir cette vibrance et cette profondeur dans cette partie du dessin. Puis je me suis lentement déplacé dans les zones de ce buisson, ces mini petites collines entrant avec le vert et utilisant la technique d'aller dans les lumières, entrer avec un ton moyen et d'entrer dans ombres sombres comme nous l'avons fait dans le ombres et lumières vidéo, donc nous l'appelons superposition. Nous appelons ça des ombres et des lignes, juste dans ces premiers stades par ici. Mais rappelez-vous, encore une fois, nous avons fait le croquis à l'aide d'un crayon. Je l'ai fait avec un crayon H. Je pense que c'était un crayon H ou un 2H. Juste pour faire un aperçu approximatif de ce que je voulais et jusqu'à ce que je sois heureux avec cela, seulement alors, je suis entré avec la superposition de couleur réelle. C' est la chose la plus importante que je dirais que vous devez englober avant de décider d'appeler ça un journal, si vous voulez. Encore une fois, il suffit de construire uniquement sur ces quelques éléments dans différentes étapes, puis juste superposer la coloration. J' utilisais une prise très légère et une pression très légère tout au long de l'ensemble seulement quand il s'agissait du brunissage et peut-être des troisième et quatrième couches où j'augmentais la pression, c'est là que j'ai décidé d'aller dans un peu un peu sombre. Cependant, vous devez avoir remarqué que l' arrière-plan réel de la zone supérieure de ce dessin, j'ai disposé beaucoup de couleur avec les couches. Puis je suis entré avec le promarker. C' était en fait le bushmarker pas le promarker avec lequel je suis entré. Je suis allé avec le pinceau pour mélanger cette couleur. Vous pouvez voir dans la vidéo pendant que je faisais ça, c'était vraiment éclaircir cette couleur. Encore une fois, c'est un bon point pour mentionner qu'une fois que vous utilisez un milieu humide, comme un promarker ou un zesty, vous pouvez toujours y retourner. C' est ce que j'ai fait. J'ai ajouté de plus en plus de couches avec les tons plus foncés et les nuances roses pour vraiment faire ressortir ce dynamisme. Vous pouvez le faire par étapes. Vous pouvez ajouter plus de couches avec le crayon, revenir avec le médium rouge, puis admirer jusqu'à ce que vous soyez vraiment heureux. Puis une fois que j'ai fait ça, j'ai fait le dernier brunissement de l'arrière-plan, et vous pouvez voir que vous avez une très belle transition allant de l'obscurité jusqu'à la lumière. Il fait ressortir beaucoup d'intérêt pour le dessin plutôt que d'avoir une couleur plate complète. Puis avec les détails sur la maison, je suis juste allé en très lumière pour le sous-ton, puis a fait ressortir beaucoup de couleurs et de contraste et d'ombres avec des valeurs différentes de ces couleurs. À la fin, ce que j'ai fait, c'est que j'ai tracé toute la pièce à l'aide d'un crayon noir PRISMA. Ce que ça fait, c'est vraiment qu'il sort vraiment. C' est mon style d'illustration de toute façon. J' aime illustrer avec beaucoup de lignes sombres. C' est pour ça que j'ai fini par le faire. Vous pouvez voir certains des détails ici, vous pouvez voir que j'ai réellement ajouté dans le travail détaillé sur le mélange. Cela fait ressortir une partie de ce détail de type esquissé en utilisant la couleur noire PRISMA et les couleurs vert foncé. Encore une fois, les détails en utilisant les briques, en utilisant juste un orange clair et brun, puis à la fin, une fois que j'ai fini et j'étais heureux parce que pour être honnête avec vous, vous pouvez réellement continuer et sur et sur pour toujours vraiment jusqu'à ce que vous ayez à court de crayons de couleur. Mais, je pensais que c'était le bon point d'arrêter. J' ai juste fait une petite bordure tout autour avec un stylo à encre. Ensuite, ce que j'ai fait, c'est que j'ai utilisé la couleur grise PRISMA avec une règle pour simplement ajouter dans ce fond en utilisant simplement une règle pour donner un effet de bordure. C' est à peu près il alors pour les chemins d'esquisse en utilisant la couleur PRISMA est. J' espère que vous avez repris quelques compétences et quelques techniques dans les vidéos que nous avons présentées dans ce cours. Ce que nous allons faire maintenant est de faire un joli petit tour de résumé ouvrir quelques réflexions finales sur la prochaine vidéo. Je te verrai sur la prochaine. 14. Réflexions finales: Bienvenue de retour. C'est la dernière leçon de la classe, et nous allons juste faire un petit résumé d'arrondi et quelques réflexions finales sur la classe Prisma couleur Premier que nous venons de terminer. Nous avons appris les techniques de pression, nous avons appris comment appliquer différentes couches et comment augmenter et réduire les pressions et la saturation des couleurs. Nous avons également appris différentes techniques de mélange sous forme sèche et humide. Nous avons également appris à ajouter des ombres et de la lumière à notre travail d'art, et à la fin de tout ce processus, et je vais vous recommander de donner les feuilles de calcul il y a que nous avons traversées dans les vidéos précédentes. Si vous obtenez ces feuilles de travail et allez pratiquer toutes ces techniques et méthodes différentes, et n'oubliez pas de garder vos crayons aussi pointus que vous le pouvez et de faire varier la pression et essayer différentes couleurs et variantes, vous aurez vraiment l'expérience de première main dans la production de différentes marques avec ces crayons. Ensuite, une fois que vous aurez pratiqué quelques variantes différentes et que vous pratiquez les techniques en utilisant ces feuilles de calcul ou simplement en les pratiquant sur du papier normal, vous serez prêt à produire votre première pièce de notre travail. Rappelez-vous, comme nous l'avons dit dans la vidéo précédente, gardez votre première œuvre petite. Utilisez du papier aquarelle plutôt que d'utiliser du papier cartouche juste au cas où vous changeriez d'avis, que vous souhaitiez aller avec un mélange sec ou un mélange humide et vraiment donner à cela un coup de pouce et de la chair dans vos dessins. J' espère que vous avez apprécié cela, s'il vous plaît ne essayez les projets de classe et aussi télécharger les feuilles, feuilles de travail où vous pouvez jeter un oeil à toutes les fournitures que j'ai traversées dans toute cette classe et vous pouvez lire sur les commentaires sur ces matériaux et produits. Maintenant, comme je l'ai déjà dit, c'est une série de crayons de couleur, donc nous allons passer des crayons de couleur Prisma à un autre type de crayon. Ce sera probablement le Faber Castell Polychromos, qui est un crayon à base d'huile. Ensuite, nous pourrions même aller dans des crayons à charbon de bois, des crayons pastoraux, même des crayons très haut de gamme. Restez à l'écoute et assurez-vous de me suivre sur Skillshare pour obtenir les dernières informations de tous ces cours à venir que je vais créer. 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