Scénarimage pour l'industrie graphique : Une introduction aux titres principaux

1. Introduction: Bienvenue dans le storyboard pour les animations graphiques, une introduction aux principaux titres. Nous aborderons la base de n'importe quelle animation qui est le design. Si vous êtes un designer de cœur qui a toujours aimé le cinéma et télévision et que vous voulez savoir comment concevoir des titres principaux, promos, des bandes-annonces, cette classe est faite pour vous. Eh bien, ils devaient mieux transmettre le style et le ton, en manipulant la photographie et la typographie, mais aussi en injectant du mouvement dans des images fixes. Nous allons également apprendre à organiser tous nos cadres de style dans une séquence de titres complète pour faire notre livre de contes. Je vais t'apprendre beaucoup de trucs amusants, beaucoup de raccourcis clavier dans Photoshop. Il est recommandé de venir à cette classe avec une sorte de connaissance de base de Photoshop. Juste pour que vous ayez une connaissance générale de tous les outils de base parce que nous allons plonger directement dans. Un peu sur moi, je suis Maggie Seelig et je travaille dans l'industrie du cinéma depuis plus de dix ans. J' ai travaillé dans de nombreuses agences et sociétés de post-production. J' ai une longue liste de clients que vous reconnaîtrez probablement. Je suis allé chez Parsons pour le graphisme et je ne me suis pas spécialisé dans le graphisme. Je me suis spécialisé dans l'impression et je suis tombé dans le mouvement graphique et j'ai vraiment aimé. Si vous n'avez conçu qu'en impression et en numérique et que vous voulez aventurer dans les animations graphiques, vous pouvez le faire. Dans cette classe, nous concevrons une séquence de titre principale pour le film de David Fincher, Gone Girl. Nous nous inspirerons des affiches originales du film et de la séquence pour trouver un concept pour notre design. Attention, nous n'allons pas vraiment animer quoi que ce soit dans cette classe. Nous nous concentrerons sur le côté conceptuel et la partie design des animations graphiques, sorte que si vous travailliez pour une entreprise et que vous vouliez lancer pour créer des titres principaux, c'est ce que vous montreriez au client. Allons-y. 2. Le contenu: Chaque design commence comme un concept et chaque grand concept est la meilleure façon de présenter son contenu. Dans notre cas, c'est le film de David Fincher 2014, « Gone Girl ». Gone Girl est l'adaptation cinématographique de Gillian Flynn 2012, le roman le plus vendu. En fin de compte, si vous avez regardé ce film, vous savez que c'est une histoire où la relation personnelle entre Nick et Amy Dunne est rendue publique par les médias. La frénésie des médias suscite le soupçon que Nick est responsable de la disparition de sa femme. Fincher est un maître du thrillers et du rythme et ce film livre sur les deux et bien plus encore. collaborateur Fincher Neil Kellerhouse distille ce sentiment dans la première de ses affiches de cinéma. Une mystérieuse bouffée de fumée dans une vue imprenable sur le lac et aucun titre de film ou de générique d'aperçu. Seules l'imagerie et la ligne de balise font allusion au titre du film. L' affiche principale du film qui suit est l'endroit où le titre et les personnages principaux font leurs débuts. Nous utiliserons cette affiche comme inspiration pour notre titre principal. Kellerhouse a des motifs de moire mixtes, qui sont ces parties qui ont la texture de ton écran dans la photographie de Ben Affleck et l'environnement du lac. Il y a un effet de pépin du nouvel autocollant entourant et affectant Affleck et plus de la texture de l'écran sur les yeux cachés au-dessus du titre. Le titre est intégré à la bouffée de fumée comme si elle entrait ou sortait de lui. Nous utiliserons ces mêmes dispositifs de conception dans notre séquence de titre. 3. Que sont les titres principaux ?: Vous avez peut-être entendu les titres principaux, séquence de titres, les crédits d'ouverture, en passant, et vous vous êtes demandé s'ils faisaient tous référence à la même chose ou à quelque chose de différent. Il y a encore des différends entre les industries. Mais dans notre industrie, ils nomment tous la même chose. Ce sont les noms techniques de la partie de tout film ou série télévisée qui énumère tous les contributeurs les plus importants à un projet. Elle est généralement divisée en trois sections. Premièrement, les principales sociétés de production concernées. Cela inclut généralement des noms de grandes entreprises que vous reconnaîtrez, comme des cadeaux Universal Pictures ou une production de 20th Century Fox. Cette partie inclut également le crédit cinéaste, qui est l'endroit où vous verrez un film de David Fincher, par exemple. Deux, facturation supérieure. C' est là que nous listons les acteurs principaux ou les actrices. Ce sont aussi les noms que vous voyez habituellement dans les affiches de cinéma. Trois, contributeurs. Enfin, nous énumérons tous les contributeurs importants au projet, du moins important au plus important. C' est pourquoi vous lisez généralement le directeur de casting ou les producteurs associés avant de lire les producteurs exécutifs et le réalisateur. Rappelez-vous, comme pour toutes choses, quand il s'agit des détails plus fins de l'appel de crédit, il diffère d'un projet à l'autre et diffère généralement plus d'un genre à l'autre. Maintenant que nous savons ce que les crédits doivent lire, comment pouvons-nous décider à quoi cela ressemble et ce que nous allons montrer visuellement ? Chaque dessin de titre est différent parce que son contenu et son format sont différents. Signification du contenu, de quoi s'agit-il ? Quel genre ? C'est une comédie ou un thriller ? Et le format, s'agit-il d'un long métrage, d'un documentaire ou peut-être d'une série télévisée ? Il est important de noter que les films et les séries télévisées peuvent aborder la conception des titres très différemment. C' est parce que, dans une version, vous allez regarder l'histoire entière se dérouler dans, probablement, environ deux heures alors que dans l'autre, vous regarderez par incréments d'une demi-heure ou d'une heure, appelés épisodes, pendant toute une saison. Dans une séquence de titre de film, vous voulez montrer le scénario au spectateur. Vous voulez utiliser des détails subtils dans votre choix d'images et d'animations pour définir l'ambiance et présenter des thèmes sans renoncer à des rebondissements significatifs de l'intrigue. Dans la séquence de titre de Gone Girl, la taquinerie du thriller est le début de son générique d'ouverture. Il commence par noir avec notre premier crédit s'estompe. Déjà cette animation parle de l'histoire de la disparition du personnage de Rosemund Pike, Amy Dunne. Le personnage de Ben Affleck, Nick Dunne, raconte ses troubles conjugaux ponctués d'une pensée sombre sur un plan d' Amy alors qu'elle tourne la tête vers le haut et regarde devant la caméra, probablement à Nick. Le titre du film s'anime sur une scène de rivière ou de lac très similaire à celle utilisée dans les affiches de cinéma. Le reste de la séquence est très calme et nous choisissons de laisser les images parler. Il initie le spectateur à la scène en jouant plusieurs plans modestes en haut. C'est l'aube. Nous passons de l'obscurité à la ville et plus loin dans le quartier à mesure que le soleil se lève et que c'est le début d'une nouvelle journée. Personne n'est debout, et la première personne qu'on voit est Nick soupirant. Nous avons déjà beaucoup appris sur le personnage de Nick grâce à son monologue d'ouverture et maintenant à son langage corporel. Le seul autre mouvement dans la séquence de tunnel est l'animation du type. En utilisant le même fondu d'entrée et de sortie depuis le début de la séquence, ce mouvement renforce le sentiment de disparition et de réapparition de quelque chose, qui est un clin d'œil subtil à une torsion de l'intrigue, qui se produit plus tard dans le film. 4. Concept et outils: Après avoir vu à la fois l'affiche originale du film et la séquence de titre, nous allons prendre des morceaux des deux pour inspirer nos clients. Nous allons prendre l'effet de coloriage et de pépins des affiches de film, et utiliser la chronologie de l'aube pour nos titres. Au lieu d'utiliser des photos de la ville, nous allons utiliser un mouvement de caméra qui se déplace du dessus des nuages vers le bas vers la scène de l'horizon de la rivière. À mesure qu'il se déplace vers le bas, nous ajouterons des problèmes à notre cadre pour mettre en valeur à la fois le mouvement et la destruction des médias. Ligne à l'idée que tout n'est pas aussi agréable qu'il y paraît. Nos textes seront également assis sur les côtés opposés du cadre, jouant à la dualité d'Amy et des personnages suivants, et de leurs personnalités. Pour mettre notre concept en une seule phrase, ce serait : « Alors que nous tombons dans le ciel de l'aube, pépins perturbent à la fois l'imagerie sereine et jeu de type opposé au thème qu'il y a deux côtés à chaque histoire. » Pour créer nos mosaïques principales, nous avons besoin de deux éléments : la première est un abonnement Adobe Photoshop Cloud. C' est parce que j'utiliserai Adobe Photoshop Cloud dans notre didacticiel de classe et que nous utiliserons les pinceaux Photoshop, qui ne sont disponibles que via un abonnement Photoshop Cloud. Le deuxième point est une tablette. Personnellement, j'ai utilisé la marque Wacom et j'utilise leur version moyenne Intuos. C' est de loin le meilleur outil que j'ai trouvé lors de la conception. Pour moi, il offre une précision imbattable par rapport à une souris et surtout quand je suis profondément dans mes effets Photoshop, et je fais beaucoup de dessin et d'utilisation de pinceaux, ce que nous allons faire dans cette classe. Cependant, vous remarquerez peut-être que je n'utilise pas la famille de tablettes Intuos Pro, ni ma tablette n'est la plus grande taille qu'ils offrent. C' est parce que, comme pour tous les créatifs, c'est vraiment basé sur vos préférences personnelles. Vous pouvez trouver que la tablette la plus petite taille fonctionne très bien, ou que vous êtes finalement plus à l'aise avec la souris. n'y a pas de bien ou de mal, seulement ce qui fonctionne pour vous. 5. Configuration du fichier: Tout au long du processus de conception, vous m'entendrez souvent faire référence à deux termes, savoir styleframe et storyboard. Le cadre de style est vraiment le véritable début de tout design de mouvement. C' est parce que cela nous aide à trouver la façon de transmettre le style et le ton au sein d'une seule image fixe. S' il s'agit d'un bon cadre de style, vous pourrez passer de cette image à un ensemble complet de cadres, et cela devient notre storyboard. Le storyboard est vraiment nos cadres de style disposés dans un ordre spécifique pour montrer le type complet de séquence. Maintenant, lorsque les sociétés de production lancent pour gagner l'opportunité de créer un titre principal, elles présenteront généralement n'importe où de 3-6 concepts uniques. Dans chacun de ces concepts, ils peuvent montrer n'importe où aussi bas que six images par concept, jusqu'à trois fois ce montant. Comme il s'agit d'une introduction à la conception de mouvement, nous allons nous en tenir à l'extrémité inférieure de ce spectre. D' abord, ouvrons Photoshop. Une fois Photoshop ouvert, vous souhaitez créer un nouveau fichier. En haut de cette nouvelle fenêtre de document, vous pouvez voir qu'il existe différentes catégories de types de fichiers. On va passer sous le film et la vidéo. Cette rangée supérieure a essentiellement normes de l'industrie pour les types de fichiers que nous utilisions normalement. Notre plus utilisé est ce haut à gauche appelé HDTV 1080P. C' est essentiellement une image de pixels 1920 par 1080 à 72 PPI, qui représente des pixels par pouce. Si vous vous déplacez vers la droite, vous pouvez voir les détails prédéfinis. Ici, vous pouvez remarquer que encore une fois, la largeur est 1920, la hauteur est 1080, et c'est dans le paysage, la résolution est de 72 pixels par pouce, mode couleur est RVB parce que nous concevons quelque chose pour un par rapport à quelque chose pour l'impression qui serait en mode CMJN. Ensuite, à droite de celui-ci, vous pouvez voir qu'il est actuellement en huit bits. Maintenant, si vous cliquez sur la flèche déroulante, vous remarquerez que nous avons également des sélections pour 16 et 32 bits. La différence entre chacun de ces éléments fait référence aux valeurs tonales que vous obtiendrez dans une couleur. Au lieu d'entrer en maths, je vais juste te montrer la différence. Sur la gauche, nous avons une image huit bits, et sur la droite nous avons une 16 bits. Vous pouvez voir que juste en faisant un dégradé rouge, que les étapes entre les valeurs de couleur pour le huit bits sont beaucoup plus difficiles que celle pour 16 bits, ce qui est beaucoup plus lisse. C' est une exagération. C' est juste pour vous aider à voir visuellement la différence entre les deux. Maintenant, bien qu'il puisse sembler que 16 bits soit la réponse évidente, dans la plupart des cas, si vous ne manipulez pas une image autant, vous n'avez vraiment pas besoin d'aller au-delà du huit bits par défaut. Comme cadre de référence, toute image que vous téléchargez à partir d'Internet est huit bits. Seize bits est si vous savez que vous allez beaucoup manipuler votre image. Vous allez ajouter beaucoup de calques de réglage, changer les couleurs et si vous savez que vous allez ajouter beaucoup de flous et de dégradés, c'est là que 16 bits peut vous aider car cela aidera votre image à paraître beaucoup plus lisse et à avoir une meilleure précision plus claire. Sachant ce que nous allons faire, nous allons aller avec une image 16 bits. Maintenant, plus bas, vous pouvez voir le contenu de l'arrière-plan, et actuellement il est blanc. Si vous cliquez sur le menu déroulant, il y a beaucoup d'autres options comme le noir, couleur d' arrière-plan, la personnalisation transparente. Cela fait simplement référence à la couleur de votre calque Photoshop de base. C' est vraiment une préférence personnelle. Si vous savez que votre design va avoir tendance à se pencher vers quelque chose de plus lumineux dans les couleurs et l'humeur, alors le blanc est un moyen plus facile d'aller juste parce qu'il vous donne cette couche blanche de base pour rompre. Mais si vous savez que votre design va se pencher quelque part vers le côté plus sombre où vous utiliserez des couleurs plus sombres, humeur plus sombre, alors le noir est un bon point de saut. Donc on va changer le nôtre en noir. Maintenant, nous allons cliquer sur « Créer ». ce moment, j'ai mon Photoshop aménagé en utilisant l'espace de travail essentiel, bien que je me sois déplacée autour des différents panneaux uniquement dans le but d'enseigner ce cours. À gauche, nous avons notre barre d'outils, en haut, nous avons un menu condensé, à droite je l'ai actuellement mis en place pour que nous ayons nos couches, canaux et chemins en haut, et nos propriétés et ajustements ci-dessous. J' ai aussi un menu réduit plus petit de nos fenêtres de caractère et de paragraphe. Aussi pour les besoins de cette classe, j'ai configuré ma fenêtre de Finder en tant qu'espace Mac. Les espaces Mac ont essentiellement plusieurs zones de bureau. Je peux ouvrir une nouvelle fenêtre de recherche et on peut aller dans notre dossier source. Tout ce que je vais avoir à faire est de cliquer sur ce bouton vert développer et cela va étendre les fenêtres du Finder afin qu'il le place dans un espace Mac séparé. Tout ce que vous avez à faire est de cliquer sur « Contrôle, la touche Flèche Gauche ou Droite », pour mélanger Photoshop et la fenêtre du Finder. Je l'ai mis en place de cette façon pour qu'il soit plus facile pour vous voir d'où je tire nos photos et nos polices, et tout ça. Vous pouvez également configurer une fenêtre de recherche plus petite à côté de votre fenêtre Photoshop si vous préférez. 6. Cadre de style : Composition: [ MUSIC] D'abord et avant tout, nous allons enregistrer notre fichier. Je vais aller à Fichier, Enregistrer sous. Je vais juste l'enregistrer dans notre dossier de fichiers de projet. Je vais le nommer styleframe. Maintenant, nous voulons aller dans notre dossier source de fichiers de projet, aller dans la photographie. Nous allons suivre cette photo dans notre fichier Photoshop. Donc, même en glissant dans notre cadre H-D, qui est 1920 par 1080, vous pouvez voir ici que nous ne sommes pas à pleine capacité d'image, actuellement l'image est à 27 pour cent. Je vais faire 20 pour cent plus gros, à 47 pour cent. Maintenant, nous voulons colorier l'image. Notez que je n'ai pas dit la couleur correcte, j'ai dit la qualité de couleur et c'est parce qu'il y a une différence entre les deux. La correction des couleurs fait référence à l'amélioration des couleurs qui se trouvent déjà dans une image. Cela pourrait signifier réduire la saturation du cyan ou augmenter l'intensité des rouges dans cette rubrique. La qualité de couleur, d'autre part, signifie changer complètement les couleurs pour créer un nouveau sens du style en. Voici comment je vais l'aborder. Tout d'abord, je vais ajouter un calque d'ajustement. Ici, si vous cliquez sur cette icône, nous pouvons ajouter un noir et blanc, juste dans le calque et vous pouvez voir qu'il a tourné notre image en noir et blanc. Je vais retourner dans notre dossier de fichier de projet, dans le dossier source, et je vais ouvrir notre affiche GoneGirl_Movie dans la préférence de Photoshop. Je vais d'abord sélectionner une teinte claire. Je vais aller quelque part dans cette bouffée de fumée et prendre seulement une valeur, puis je vais frapper « X » sur notre clavier, et vous pouvez voir cela, qui a changé nos nuances de premier plan et d'arrière-plan, et maintenant notre nuance d'arrière-plan est en face de premier plan. Je vais choisir une teinte plus foncée sur la même affiche, probablement dans la zone de scories et de gris bleu profond. Maintenant, revenant à notre style pour PSD, je vais revenir sur nos ajustements et je vais ajouter une couche d' ajustement de la carte dégradée. En ajoutant la couche de carte dégradée, vous pouvez voir qu'il est fondamentalement ajouté un lavage de couleur des deux teintes que nous avons relevées de la posture du film sur notre image. Mais ça a l'air un peu plat. C' est parce que nous avons perdu une partie de cette définition entre les nuages dans le ciel, et donc, pour remettre cela, nous allons changer le mode de fusion de la carte dégradée de couleur normale à couleur plus foncée. Vous pouvez voir en faisant cela maintenant, nous avons encore cette définition entre les nuages dans le ciel. Nous allons aussi changer l'opacité de 100 à 50 pour cent. Maintenant, nous allons retourner dans l'affiche GoneGirl_Movie, en utilisant l'outil pipette. Nous allons sélectionner un vert bleu foncé. Retournez dans notre cadre de style, PSD, revenez à nos réglages et ajoutez ici un ajustement de couleur unie. Vous cliquez simplement sur « OK » et nous allons changer ce mode de fusion de normal à couleur. Je vois que ça l'a profondément poussé dans ce territoire bleu-gris. Eh bien, ça ressemble beaucoup plus à ce à quoi ressemble l'affiche du film. Je veux rendre cette image beaucoup plus sombre. Ce que nous allons faire, c'est ajouter une couche d'ajustement des niveaux. Juste en jouant avec ces curseurs, nous avons la valeur noire sur la gauche, gris est au milieu et le blanc sur la droite. En les faisant glisser vers le haut, vous pouvez voir que cela change déjà notre image pour qu'elle soit beaucoup plus sombre. Je vais aussi aller ici à nos niveaux de sortie noir et blanc, et je vais déplacer nos blancs. Faisons 175. Vous pouvez voir qu'il a déjà changé ce qui ressemble journée pour revenir à quelque chose qui peut ressembler à ce qu'il est avant l'aube. Nous allons ajouter une couche de réglage de l'exposition et l'assombrir davantage en augmentant notre correction de la caméra. En faisant cela maintenant, notre image semble que c'est plus la nuit qui commence à l'aube. Je vais sélectionner toutes nos couches de réglage et je vais les regrouper dans un dossier et le renommer grade. En faisant cela, vous vous assurez simplement que vous gardez vos calques Photoshop organisés, surtout lorsque nous manipulons des images comme celle-ci, vous pouvez vous retrouver à ajouter beaucoup de calques différents, beaucoup d'ajustements différents, et ils peuvent devenir un peu hors de contrôle, puis difficile de se rappeler lesquels fonctionneraient. C' est particulièrement génial si vous travaillez en équipe et que vous devez transmettre votre fichier à un autre concepteur ou animateur. De cette façon, ils savent exactement quels calques se trouvent et à cause de cela, ils peuvent changer et modifier l'image rapidement. Passons maintenant à la topographie. 7. Cadre de style : Typographie: Passons à la typographie. Tout d'abord, nous voulons nous assurer que nos polices sont installées. Donc je vais juste appuyer sur Contrôle, flèche droite pour entrer dans notre fenêtre de recherche. On va aller dans les polices. Et si vous n'avez pas installé de polices auparavant, c'est vraiment simple. Tout ce que vous avez à faire est de double-cliquer sur le fichier de police. Et ça va apparaître dans le livre de polices. Et il dira, ici vous pouvez voir, « Non installé ». Et tout ce que vous avez à faire est d'appuyer sur installer la police. Et tu seras bon d'y aller. Vous voulez juste vous assurer que vous avez fait cela pour Acherus Grotesque et IBM Plex Sans. On va juste commencer avec le type blanc pour l'instant. Donc, je vais appuyer sur « X » pour changer nos couleurs de premier plan et d'arrière-plan afin que nous ayons sélectionné le blanc, et je vais utiliser notre outil de texte. Et je vais juste taper, « Un film David Fincher ». Et nous l'utiliserons comme ligne de crédit. entrant dans notre panneau Caractère, vous pouvez dire que nous utilisons Acherus Grotesque en standard, nous l'utilisons à une taille de police de 40 points. Le début en ce moment est automatique et le crénage est actuellement à des métriques avec un suivi de 0. Maintenant, en regardant la majuscule et la minuscule, on peut dire que c'est un peu différent. Donc, ce que nous voulons faire est que nous voulons sélectionner notre calque de type et nous voulons faire toutes les majuscules en appuyant sur cette icône. Il est également beaucoup trop petit à 40 points, donc nous allons le changer à 60 points. Nous allons également utiliser l'astuce de l'affiche de film sur la façon dont ils créent le logo en traçant les personnages. Donc, en le sélectionnant une fois de plus, sous suivi. Au lieu de 0, on va en faire 500. Donc juste en faisant ces quelques choses, vous pouvez dire que cela semble déjà beaucoup plus cinématographique qu'avant. Mais nous voulons ajouter un peu plus d'intérêt visuel à notre type. Je vais donc en faire trois lignes au lieu de la ligne actuelle. Je vais le déplacer au centre du cadre. Eh bien, nous devons certainement changer la longueur puisque maintenant tout est un peu trop serré dans l'espacement des lignes. Donc je vais le changer à 150 pour vraiment l'espacer. Je vais aussi changer cela d'aligné à gauche à aligné à droite. Et en vous assurant de supprimer tous les espaces afin qu'ils s'alignent ensemble. Cela semble déjà beaucoup plus intéressant que l'endroit où nous avons commencé. Mais je vais aller plus loin en ajoutant une police secondaire. L' ajout d'une police secondaire est donc une bonne façon de différencier le nom dans la ligne de crédit et le rôle dans la ligne de crédit. Nous allons donc changer les deux mots, « A » et « Film », pour notre police secondaire, qui sera IBM Plex Sans Condensed. Je sais que ce nom est très long. Et nous allons utiliser le poids, léger et régulier. Faites de même pour Film. Nous allons aussi faire environ la moitié de ce que nous avons réglage David Fincher. Donc, c'est actuellement tous les 60 points en ce moment. Mais on va changer A et Film à 35 points. Maintenant, vous pouvez voir qu'il y a certainement plus d'une hiérarchie dans notre type. Maintenant que le type a l'air bien, nous voulons le positionner dans notre cadre. Et actuellement, nous l'avons juste centré dans le cadre. Mais je veux en fait l'aligner sur la sécurité du droit de titre. Qu' est-ce que la sécurité du titre ? Vous demandez. Si vous appuyez sur la commande point-virgule. Ça fera apparaître ces guides dans notre cadre. Et cette zone intérieure se réfère à la sécurité du titre. Et cela signifie simplement que tout type est à l'intérieur cette zone est à l'abri d'être coupé pendant n'importe quelle diffusion. La zone juste à l'extérieur est ce que nous appelons la sécurité d'action. Et la sécurité d'action est tout ce qui se passe dans vos séquences qui sera également sûr et assuré pour ne pas être coupé pendant la diffusion. Donc, je vais sélectionner notre couche de type, et je vais juste le déplacer vers la droite jusqu'à ce que nous l'alignions à droite de la sécurité du titre et appuyez à nouveau sur le point-virgule de commande pour les guides touristiques hors. Je vais juste sélectionner notre couche de type à nouveau, assurez-vous qu'il est centré verticalement. Une fois que nous avons fait cela, je vais le suivre à nouveau dans le dossier et dire qu'il tape juste pour m'assurer que toutes nos couches sont toujours nommées correctement et organisées. Appuyez sur Enregistrer. Passons maintenant à quelques effets visuels. 8. Cadre de style : VFX: La première chose que nous voulons faire est d'injecter un peu de mouvement dans cette affaire. La façon dont nous le ferons, c'est de faire une image fixe à l'arrière-plan de notre ciel et de nos nuages, dirait qu'il y a un mouvement de caméra dessus. Où il se déplacera verticalement de haut en bas. Pour ce faire, nous allons sélectionner notre calque d'image, va monter en haut à « Filtre », « Galerie de flou ». Nous allons choisir « flou de chemin ». Maintenant, vous remarquerez qu'une flèche bleue apparaît sur notre cadre. Il s'agit simplement de la direction dans laquelle la motion va aller. Ce point ici, fait référence à notre point de départ, puis où la pointe de flèche fait référence à notre point final. Ce que je vais faire, c'est déplacer notre point de départ à peu près ici, et notre point final juste ici. Notre vitesse actuelle est juste à 30 pour cent, nous pouvons juste laisser ça pour l'instant. Mais ce que nous allons faire, c'est changer notre vitesse de point final, disons 25 pour cent. Appuyez sur « Retour » et vous pouvez voir que nous obtenons une belle profondeur de mouvement qui se passe dans notre image. Si vous cliquez sur et hors de notre filtre « Galerie de flou », vous pouvez voir que nous avons injecté un bon mouvement. On dirait que l'arrière-plan bouge même s'il s'agit toujours d'une image. Vous pouvez déjà voir qu'il y a un peu de problème de baguage. C' est-à-dire, voir les différentes étapes entre toutes les teintes bleues de notre cadre. Maintenant, je vais vous montrer à quoi ça ressemble réellement sur mon écran, par rapport à cet enregistrement QuickTime pour ce cours. Vous pouvez voir que bien qu'il ne ressemble pas à mon écran, l'enregistrement de l'écran, cependant, l'emmène dans ce territoire où il semble plus 8 bits, même si nous travaillons en 16 bits. Si vous suivez dans votre Photoshop, vous remarquerez également qu'il semble lisse dans votre cadre. Mais pour le bien de cette classe, une bonne vérification pour la référence future de la façon de se débarrasser de cette bande, est de créer une couche de bruit. Ce que nous allons faire, c'est que nous allons aller dans « Réglages », « Couleur unie » et nous allons le changer en noir, RGB000, frapper « OK ». Maintenant, nous allons passer sous « Filtre », « Bruit », et nous allons sélectionner « Ajouter du bruit ». Maintenant, il y aura une boîte qui vous indique de le convertir en objet intelligent ou de le rastériser. Nous pouvons le convertir en objet intelligent. Maintenant, il affiche le panneau « Ajouter du bruit ». Vous pouvez voir qu'en ce moment, il est multicolore, il y a différentes options que vous pouvez choisir. Nous pouvons choisir la version uniforme, qui est tous ces différents points de bruit se sentant comme ils sont en effet uniformes. gaussien est celui où il a l'impression qu'il est un peu plus randomisé. Ensuite, bien sûr, nous pouvons le changer de bruit multicolore, à monochromatique, qui est juste en niveaux de gris. Nous allons le garder en couleur, et nous allons choisir « Uniforme ». ce moment, je l'ai réglé à 195, et c'est parfaitement bien. On va frapper « OK ». Maintenant, ce que nous voulons faire est de changer notre mode de bandes de couches. Si vous descendez, nous allons choisir « Overlay », et nous allons changer l'opacité de 100 à, faisons 15. Maintenant, vous pouvez voir comment cela a enlevé ce baguage qui se passait dans nos teintes bleues, et il semble à nouveau lisse. Je vais également m'assurer de double-cliquer sur mon calque « Color Fill » d'origine, et je vais le changer en « Noise », donc nous savons que c'est notre couche de bruit. Je vais aussi le déplacer vers le haut, là. Voir. Maintenant, nous voulons ajouter un effet [inaudible]. Nous allons retourner dans notre fenêtre de recherche, dans notre dossier source, et nous allons dans notre dossier « Textures ». Maintenant, vous pouvez voir que j'ai un « moire.psd » et un « screentone.psd ». On va d'abord travailler avec le screentone. Nous allons glisser dans notre calque Photoshop, nous avons juste appuyé sur « Retour ». Je vais aussi faire glisser cela dans un dossier et l'appeler fx, juste pour que nous sachions pour [inaudible]. Je vais aussi déplacer notre couche de bruit d'origine dans ce dossier. Vers le calque supérieur à nouveau. Maintenant avec notre screentone, vous pouvez voir que c'est la pleine 1920 d'ici 1080, et ce que nous allons faire, c'est nous allons le masquer à un seul morceau. Je vais aller ici sous l'outil Lasso, et nous allons utiliser l' « Outil Lasso Polygonal ». Cela rend juste chaque bord de la sélection linéaire. Je vais dessiner à peu près une boîte, elle n'a pas besoin d'être exactement droite. Il va venir ici, et sortir d'un cadre et je vais passer par le nom de David Fincher [inaudible] Je vais juste fermer. Ensuite, je vais passer à notre panneau Calques, assurer que nous sommes sur le calque screentone, et je vais ajouter un masque de calque. Je peux voir que nous avons simplement dessiné un morceau de cette texture screentone, en le masquant de notre calque Textures d'origine. Je vais également changer le mode de fusion des calques de « Normal » à « Color Dodge ». Vous pouvez voir qu'il est passé du screentone original, noir et blanc à quelque chose qui se sent plus dans cette gamme bleue, du reste de notre cadre. En appuyant sur « Commande » et en sélectionnant notre masque de calque, je vais aller dans notre calque type et masquer notre ligne de crédit David Fincher avec ce même masque. Il est évidemment caché à la fois les mots A et film et la partie inférieure du nom de David Fincher. Nous allons dupliquer ce calque, et nous allons inverser le masque. Nous sélectionnons simplement le masque de calque et nous appuyons sur « Commande I », et maintenant vous pouvez voir le reste du crédit a repris. Maintenant, un moyen facile d'obtenir l'effet de pépin, est de juste décaler légèrement le type de sorte qu'il semble qu'il l'affecte. Alors que pour ici, nous allons renommer ça en « bas ». Nous savons que c'est la partie inférieure du crédit, et renommez ceci en « haut ». Maintenant, en sélectionnant le calque inférieur, nous allons simplement utiliser l'outil Déplacer, et nous allons le déplacer légèrement vers la gauche. Vous pouvez voir juste en faisant cela, il semble que le problème a effectivement affecté le type, parce qu'il est coupé et il est légèrement décalé maintenant. Je veux également ajouter un peu plus de notre texture screentone dans, donc je vais également dupliquer ce calque. Je vais supprimer le masque de calque en le faisant glisser vers la poubelle. Nous allons en dessiner un autre de Art Glitch Silvers, donc cette fois je vais commencer et encore une fois, je vais aller au-dessus du A, je vais descendre et sur notre problème précédent. Fermez-le, puis ajoutez ce calque, et j'aime ce nouveau calque de bleu, donc ce qu'il va faire est de s'assurer que ce calque est sélectionné. Je vais juste le déplacer plus bas où il frappe juste au milieu de l' A. Je vais juste double-cliquer sur ceci et quel est le nom de ce screentone, haut. Puisque nous le superposons au-dessus de notre screentone précédent et enregistrez périodiquement. Maintenant, ce que je veux faire, c'est apporter une autre image dans notre zone de pépin. Juste pour que cela ait vraiment l'impression d'affecter le cadre non seulement en jetant un coup d'œil sur la bande, mais aussi en faisant changer le métrage pour quelque chose de complètement différent. Nous allons retourner dans notre dossier source, dans la photographie, et nous allons choisir cette photo et la faire glisser dans notre photoshop. Je vais juste enlever cela de 20 pour cent pour m'assurer qu'il passe au-delà de l'image, appuyez sur retour, et je vais faire glisser ce calque en dessous de notre calque de métrage d'origine. Puisque nous n'utilisons plus ce fond noir, je vais juste le supprimer en appuyant sur supprimer. Ce que je veux faire maintenant est de sélectionner nos deux masques de calque screentone, donc je vais appuyer sur le décalage de commande pour les sélectionner les deux. Je vais aller à notre calque d'origine, et faire le masque de calque. Nous avons masqué juste la partie qui est notre screentone, mais nous voulons vraiment inverser cela. Nous allons revenir en arrière et nous assurer que le masque de calque est sélectionné et appuyez sur Commande I. Maintenant, vous pouvez voir que nous avons notre arrière-plan d'origine tel qu'il est, mais nous avons injecté une nouvelle image dans notre zone de problème. En raison de la façon dont nous l' avons positionné, nous obtenons les ailes de l'oiseau qui était dans l'image originale, et nous voulons nous débarrasser d'eux. Ce que nous allons faire, c'est sélectionner notre nouveau calque d'image. Nous allons cliquer avec le bouton droit de la souris et rastériser la couche. Maintenant, en arrivant à notre barre d'outils, nous allons utiliser cet outil de brosse de guérison ponctuelle, si je maintiens ma souris enfoncée. Mais il y a plusieurs options différentes, mais nous allons simplement utiliser l'outil Pinceau de guérison ponctuelle pour l'instant. On va dessiner au-dessus de l'oiseau. Une fois que vous avez dessiné dessus et que vous avez lâché prise, vous pouvez voir que l'oiseau est couvert. C' est juste un moyen facile de supprimer n'importe quel objet, personne que vous ne voulez peut-être pas dans votre image originale. Pour revenir à la sélection de notre outil de déplacement, appuyez sur Enregistrer. Maintenant, vous pouvez voir avec cette image de lettre dans notre zone de pépin que cette zone semble maintenant un peu trop lumineuse. Ce que nous allons faire est de changer l'opacité de nos deux couches screentone, de 100 à 50. C' est définitivement réduit un peu la luminosité. Mais nous voulons l'assombrir davantage, alors ce que nous allons faire, c'est nous allons cliquer sur notre masque d'image à partir de notre calque de métrage d'origine, et nous allons utiliser l'outil de pinceau. Je vais juste changer ça pour que ce soit un peu plus grand. Un moyen facile de le faire au lieu de cliquer avec le bouton droit pour changer la taille de votre pinceau est de frapper à la fois le contrôle et l'option, vous faites glisser votre souris de gauche à droite. Ça changera la taille facilement. Je veux m'assurer que la couleur de notre pinceau est blanche, et m'assurer que notre masque de calque est sélectionné, et je vais ramener le flux de notre pinceau à 70 pour cent et changer l'opacité à, disons 8 pour cent. De cette façon, je peux brosser notre masque de calque sans enlever trop de problème efficace ou l'interception que nous essayons d'assombrir. Notre type est vraiment brillant parce qu'il est actuellement blanc, donc nous allons changer cela en un bleu d'une certaine sorte. Je ne fais que sélectionner les deux calques, et aller dans notre outil de personnage, nous allons cliquer sur l'onglet Swash de classe, et je vais juste le changer sur un côté clair. Frappe bien. Maintenant, il a l'impression qu'il est plus intégré dans notre cadre parce qu'il prend les couleurs dans l'image. Puisque nous obtenons différentes couches de notre pépin. Ici, je veux également décaler l'image dans le problème, donc nous allons sélectionner notre masque de calque d'origine, et je vais faire glisser notre image secondaire vers un nouveau calque, et y ajouter ce masque de calque. Ensuite, ce que je vais faire est de la dissocier parce que je veux déplacer l'image dans le masque de calque, et pas à la fois l'image et le masque en même temps. Je vais le dissocier en cliquant sur le lien de chaîne, je veux cliquer sur le calque d'image. Je vais juste utiliser l'outil Move et juste le lisser jusqu'à ce qu'il semble très évidemment différent de la tranche supérieure du problème, donc c'était bon. Je vais également déplacer notre couche supérieure screentone en utilisant l'outil Move, et je vais juste le déplacer le long du cadre jusqu'à ce que j'ai l' impression qu'il ajoute une autre couche d'intérêt. Juste en voyant ce léger bord sur notre couche supérieure screentone, est une belle façon de le différencier des couches inférieures. Maintenant, je veux juste faire glisser dans notre image juste attacher. En descendant dans notre dossier, et notre couche d'exposition originale, je vais réduire l'exposition qui vient d'être attachée. Maintenant, nous revenons dans ce territoire modulaire. Je vais retourner à notre couche screentone, la couche originale. ce moment, c'est à 50 pour cent, mais je veux le ramener en luminosité puisque nous avons réduit l'exposition de notre image de fond globale. Je vais le ramener à 100, et c'est tout. Nous allons juste effondrer toutes les couches pour l'instant. C' est aussi un bon moment pour nous de sélectionner nos calques d'image d'arrière-plan et de les regrouper dans un dossier, et nous allons nommer cet arrière-plan. Appuyez sur sauver, et maintenant nous avons fait notre première couche off. 9. Cadre de style 2: Maintenant que nous avons conçu notre premier cadre de style, commençons par un autre. Donc, en retournant dans Photoshop, nous allons créer un autre fichier. Nous allons aller à « Film & Vidéo », HDTV, et choisir les mêmes paramètres que ceux que nous avons faits pour notre précédent. Donc, en le changeant de 8 bits à 16 bits, blanc à noir, et « Créer ». Ce que j'aime faire est de mettre mes fenêtres côte à côte, donc je peux commencer à m'assurer que le prochain cadre de style sur lequel je travaille se trouve dans le premier que j'ai créé. Je veux sauver ce nouveau. Travailler sur les mensonges pour l'instant. Puisque notre cadre de style est en fait plus vers le début de notre séquence où il est avant l'aube et il se sent toujours comme la nuit, maintenant je veux l'amener dans la partie lumière du jour et sachant que dans notre premier cadre de style que nous colorons classés comme étant l'heure de nuit et qu'à l'origine il pourrait passer l'heure du jour. Nous allons réellement prendre des couches de notre cadre de style précédent et les mettre dans notre nouveau cadre. revenir à notre cadre de style original, Pourrevenir à notre cadre de style original, je vais cliquer dans notre couche de fond et nous allons juste utiliser la même image originale pour l'instant. Je vais sélectionner ce calque et maintenir ma touche Maj enfoncée et la faire glisser dans notre nouveau cadre. Cela garantit juste que le positionnement de l'image est le même, même en la faisant glisser entre différents fichiers PSD. Je vais supprimer notre masque de calque et je vais juste au cadre [inaudible] et nous allons le sauvegarder. Maintenant, nous allons le classer plus dans la coloration de l'aube. Je vais supprimer notre couche de fond et je vais juste regrouper cela dans un dossier d'arrière-plan et également créer une nouvelle mise à niveau de dossier. Maintenant, je vais aller dans nos calques de réglage et sélectionner un calque de réglage de la couleur vendue et nous allons choisir un bleu juste pour déplacer les signes originaux de l'image plus vers la couleur bleue que nous aimons et je vais changer le mode de mélange de la normale à la couleur, mais nous avons perdu une partie de cette orange originale qui est agréable pour aider à faire sentir plus comme l'aube et que le soleil se lève, donc nous allons sélectionner notre masque de couche et utiliser notre outil de brosse. Maintenant, je suis en train d'utiliser les brosses générales dans Photoshop et j' utilise la capacité de pression ronde douce et c'est juste parce que l'utilisation de la tablette avec mon stylet, il est plus facile de gagner plus de contrôle, donc nous allons toujours ont notre flux à 70 pour cent et notre opacité à 80 pour cent et nous allons simplement le garder de cette façon. Assurez-vous que votre nuance de premier plan est noire et que votre masque de calque est sélectionné, et nous allons simplement dessiner légèrement au-dessus du masque pour ramener certains de ces tons orange. Vous pouvez jouer autour de ce que vous pouvez faire plus ou moins et maintenant je vais ajouter un calque d'ajustement de la balance des couleurs. Cet équilibre des couleurs est un excellent moyen de changer légèrement les teintes de vos tons moyens, hautes lumières et d'ombres dans votre image, juste pour mieux comparer votre tonalité ou votre humeur particulière. Depuis, nous sommes pour l'aube, je veux juste changer légèrement la couleur un peu pour que nous puissions conserver les teintes originales mais aussi ajouter des cyans et des jaunes. Nos tons moyens, nous allons juste jouer avec ces curseurs un peu jusqu'à ce qu'il arrive à l'effet que nous aimons. Vous pouvez déjà voir la différence, comment maintenant il conserve encore ce bleu mais nous avons ajouté une partie de ce cyan et une partie de ce jaune dans l'orange. Maintenant, je vais ajouter une couche d'exposition juste pour assombrir tout, donc ce n'est pas aussi brillant aller à notre décalage, nous allons juste augmenter le décalage un peu, réduire l'exposition, et le gamma un peu. Nous allons économiser et maintenant nous voulons ajouter notre type. Nous allons créer un autre dossier et ajouter un type et nous allons simplement tenir notre couche de type de notre cadre de style précédent. Entrez le dossier de type, en appuyant à nouveau sur « Maj » afin que le positionnement soit le même et nous allons supprimer ce masque de calque. Nous changerons également la ligne de crédit de A David Fincher Film » à « Réalisé par David Fincher ». Nous allons également renommer la couche pour refléter la même chose. Maintenant, nous voulons ajouter notre effet de paillettes, donc je vais créer un autre dossier et le nommer effets et liens dans le premier que j'ai fait. Maintenant, je veux enregistrer ce nouveau et nous allons juste l' appeler cadre de style juste en veillant à ce que l'image soit la même que vous êtes glisser dans nous allons la changer en vert foncé. Je vais également m'assurer que j'appuie sur la commande C pour copier notre couleur de texte nuancier. Maintenant, nous allons désactiver la visibilité pour cette couche afin que nous puissions sélectionner la couche sous elle et faire la même chose. Ici, nous pouvons cliquer sur la commande V pour coller, donc nous avons la même valeur .color. Cliquez sur « OK », puis revenez à la visibilité de la couche ci-dessus. Nous allons renommer ça en haut et en bas aussi. Vous pouvez voir même en prenant l'image originale de notre premier cadre de style et en modifiant simplement les couleurs un peu et les textures, nous avons créé un second cadre de style à partir de cela. Passons maintenant à notre troisième cadre de style et peut-être notre plus important, savoir nos cadres de titre de film. 10. Cadre du titre: Passons à l'image peut-être la plus importante où nous présenterons notre titre de film, créons un nouveau fichier Photoshop. Nous allons aller dans Fichier, Nouveau, Film et Vidéo, encore une fois, nous allons créer un fichier plus grand pour cela. Au lieu de l'habituel HDTV 1920 par 1080 que nous avons utilisé, si nous allons sous la vue tous les presets, vous verrez dans la deuxième rangée qu'il y a un autre appelé UHDTV 4K, et c'est essentiellement la valeur par défaut pour quand vous voulez concevoir un cadre de style 4K, donc nous allons cliquer dessus. Vous verrez que la largeur est 3840 par hauteur de 2160. Nous pouvons toujours le garder à 72 pixels par pouce et nous allons également le changer de 8 bits à 16 bits. Sachant que cette image sera plus vers le bon côté, nous allons juste garder le contenu d'arrière-plan comme blanc ; la raison pour laquelle nous utilisons le format de fichier 4K est parce que nous savons que c'est notre cadre le plus important, nous voulons il sera présenté en plein écran et de regarder haute résonance. Nous allons cliquer sur Créer et nous nommerons ce cadre de style trois. Je vais aussi réorganiser un peu nos cadres dans Photoshop en déplaçant notre cadre de style deux vers le panneau de gauche et en gardant notre nouveau cadre de style trois vers la droite. C' est parce que je sais que notre nouveau cadre de titre de film apparaîtra après notre, Réalisé par David Fincher ligne de crédit. revenir dans notre dossier source, nous allons faire glisser cette image dans notre fichier Photoshop. Nous allons également augmenter de 30 pour cent pour nous assurer qu'il remplit l'ensemble du cadre. Glissons ceci et nous le mettons dans un dossier d'arrière-plan et nous pouvons simplement supprimer notre fond blanc. La première chose que nous voulons faire est de le classer à nouveau. Nous allons créer un autre dossier de grade. La première chose que nous voulons faire est de créer un calque de réglage de la balance des couleurs. Pour nos mi-parcours, nous voulons l'amener davantage dans le cyan et le jaune. Les ombres pousseront dans le rouge un peu et le bleu et le surlignement, nous allons le déplacer vers le jaune. Maintenant, l'image se déplace à peu près vers la coloration de notre affiche de film, mais elle est un peu trop saturée, donc nous allons ajouter un calque de réglage de la teinte et de la saturation et nous allons réduire un peu la saturation. Faisons moins 40. Maintenant, vous pouvez voir que nous l'avons certainement poussé plus vers la zone grise. Je vais également utiliser notre outil de dégradé, et nous allons utiliser un dégradé radial et je viens d'appuyer sur X pour rafraîchir notre nuance de couleur. Je vais juste commencer par le centre, maintenez la touche Maj enfoncée et faites glisser pour passer l'image, et je veux inverser cela aussi bien pour que le bord extérieur de notre cadre soit plus saturé et puis une fois que nous arriverons vers le centre, il est plus désaturé. Nous allons également ajouter une couche de réglage de l'exposition et assombrir un [inaudible]. Maintenant, nous voulons ajouter à notre logo de film. En retournant dans notre dossier source, on passera sous le logo. Maintenant, nous allons juste ouvrir ce PSD, donc nous allons juste double-cliquer, et le logo est déjà placé là où il devrait être pour notre cadre de style, donc tout ce que nous avons à faire est de cliquer sur le calque, cliquer sur Maj et de le faire glisser dans notre cadre actuel. Nous pouvons fermer ce PSD et nous allons le faire glisser dans un dossier de logo. Maintenant, je veux ajouter quelques effets. Nous allons créer un dossier d'effets, et ce que nous voulons faire est essentiellement répliquer l'affiche du film où ils ont cette bouffée de fumée et nous allons ajouter une bouffée de fumée similaire dans notre scène. En retournant dans notre dossier photo, nous allons utiliser cette image. Nous allons le faire glisser dans notre fichier Photoshop et nous allons juste le garder à cette taille originale d'environ 75 %. Nous allons le faire glisser dans notre dossier d'effets. D' abord, nous voulons légèrement colorier cette image. Nous allons créer un calque de réglage noir et blanc, et nous allons maintenir la touche d'option enfoncée et vous verrez que cette flèche apparaît entre nos calques et cela signifie simplement que notre ajustement noir et blanc n'affectera que cette image. Nous allons également ajouter un ajustement des niveaux, faire la même chose, garder notre option. Maintenant, nous allons faire apparaître le noir [inaudible] dans cette image, sorte qu'il y ait plus de contraste ; et maintenant nous allons changer le mode de fusion de notre calque d'image d'origine en écran. Parce que nous avons transformé notre image en noir et blanc et ajusté un peu les niveaux, cela a déjà beaucoup aidé à se fondre dans notre image dans notre scène. Nous avons la même chose qui se passe ici aussi avec l'oiseau à notre image, donc nous allons faire la même chose que nous avons faite plus tôt, est-à-dire rasteriser la couche, utiliser notre brosse de guérison et dessiner tout simplement sur l'oiseau. Maintenant, nous allons le changer en objet intelligent. Nous allons cliquer avec le bouton droit et cliquer sur Convertir en objet dynamique. Maintenant, nous allons ajouter un peu de flou autour de notre bouffée de fumée. Nous irons à nouveau dans Filter, Flou Gallery, et cette fois nous choisirons Flou Iris. Vous pouvez voir qu'il est essentiellement créé une forme ovale sur notre cadre et cela fait simplement référence à la zone de flou. Mais nous allons légèrement étendre et nous allons changer le flou de 15 pixels pour faire 35, et maintenant vous pouvez voir les bords autour de cet ovale et à l'extérieur de celui-ci sont devenus flous, puis vers le centre, il est encore assez net. Maintenant, ces points internes se réfèrent au moment où le flou commence grossièrement. Si nous voulons qu'il commence plus tôt, nous pouvons le rapprocher ; mais si nous voulons qu'il soit plus vers le bord extérieur, nous pouvons le garder tel qu'il était, et nous allons juste frapper Ok. Maintenant, ce que nous voulons faire est essentiellement brosser la partie où l'image s'arrête pour qu'elle soit transparente dans notre scène. Nous allons ajouter un masque de calque et nous assurer que notre nuance est noire, et nous allons commencer à dessiner les bords. Maintenant, je veux que la bouffée de fumée réfléchisse sur le lac, plutôt que d'être directement devant la caméra. Donc, nous allons vraiment brosser beaucoup de ça, la partie du lac. Et encore une fois, je vais très légèrement avec mon pinceau, pour que nous ne perdions pas tout. Maintenant, vous pouvez voir que cela ressemble plus à un reflet. Voyons voir. Je vais aussi déplacer l'alter sur notre premier dossier. Je veux juste ajuster le gris un peu parce qu'il est trop lumineux et saturé, surtout avec la bouffée de fumée. Je vais aller dans la balance des couleurs, au lieu de 100 pour cent, je vais en faire 50 pour l'amener plus vers la zone grise bleue. Je vais aussi ajouter un peu plus de profondeur dans notre arrière-plan ajoutant un filtre de flou sur notre image originale. Donc, en passant sous filtre, galerie de flou, nous allons utiliser l'inclinaison. Cette ligne fait référence à la partie inférieure du décalage d'inclinaison et c'est la partie supérieure, donc je sais que je ne veux pas beaucoup affecter le haut, donc je vais le faire glisser vers le haut de notre image, et nous allons aussi faire glisser celui-ci de plus vers le bas, en l'alignant sur notre ligne d'horizon. Nous allons aussi augmenter le flou de 15 à 50. Vous pouvez voir maintenant qu'il est lissé ou scène de lac beaucoup. Nous allons également ajouter un autre flou pour aider les bords de celui-ci, de sorte que nous nous concentrons davantage sur notre titre de film. Nous retournerons à Filter, Flou Gallery et choisirons à nouveau notre Flou Iris. Et vous pouvez le voir déjà, qui concentre la netteté de l'image vers le centre où se trouve notre logo, mais c'est un peu trop, donc nous allons juste élargir notre masque de flou et encore une fois, nous allons passer de 15 à 35 ans. Appuyez sur Retour. Maintenant, vous voulez aller dans la partie amusante, qui est comment cela affectera le logo ; pour cela, je vais aller en plein écran, juste pour que nous puissions voir mieux. entrant dans notre dossier Logo, tout ce que nous allons faire est de faire croire que le logo est en train de se désintégrer. Pour ce faire, nous allons utiliser une brosse Photoshop amusante appelée spatter. Si vous n'avez pas installé de brosses Photoshop, c'est aussi très facile. Nous retournerons dans notre dossier Source et dans notre dossier Brosses Photoshop. Vous pouvez voir qu'il y a un fichier de pinceaux de soulignement des éclaboussures. Tout ce que vous avez à faire est de double-cliquer dessus pendant que vous êtes dans Photoshop et il installe le pinceau. Tout d'abord, nous allons ajouter un masque de calque. Je vais sélectionner mon outil de brosse. Je vais cliquer avec le bouton droit de la souris, pour obtenir notre panneau de brosse. Vous pouvez voir en ce moment je suis toujours sur notre brosse à opacité ronde souple, mais en regardant vers le bas, j'ai aussi beaucoup d'autres brosses installées. Celui que vous venez d'installer s'appelle les brosses Spatter. On va ouvrir ce menu et on va faire défiler vers le bas et on va utiliser les brosses de Kyle, le contrôle de pression 2. Maintenant, vous pouvez voir qu'il a changé notre curseur à cette forme comme des éclaboussures, alors assurez-vous que nous sommes toujours dans notre masque de calque. Je vais zoomer un peu plus pour que vous puissiez voir. Ce que nous allons faire, c'est simplement utiliser notre pinceau pour dessiner les textures des éclaboussures dans notre logo. Vous remarquerez également que chaque fois que vous cliquez sur ou sur le bouton, cela change automatiquement la position des éclaboussures, ce qui nous aide beaucoup. J' aime aussi m'assurer que nos éclaboussures n'ont pas l'air trop uniforme, et donc j'aime changer entre la taille de la brosse pendant que je l'utilise, donc je vais maintenir le contrôle et l'option enfoncés. Vous pouvez voir que ma brosse à éclaboussures est beaucoup plus petite. Maintenant, je vais juste m'amuser avec elle et aller sur différentes parties du logo et m'assurer que j'ajuste aussi ma taille au fur et à mesure que nous allons. Ce qu'on va faire, c'est s'assurer que toutes les éclaboussures qu'on vient de dessiner ressemblent à des particules physiques qu'on peut remettre dans la scène. Je vais créer un nouveau calque. À l'aide de notre compte-gouttes, je vais sélectionner la couleur de notre logo. Ensuite, en retournant dans l'outil Pinceau, je vais dessiner sur ce calque comme si ces particules se détachaient du logo. Maintenant, il semble plus que les particules que nous faisons partie du logo volent maintenant vers l'extérieur. Cela prend un peu de patience, parce que parfois vous obtenez trop d'éclaboussures, parfois pas assez. Je veux m'assurer que nous renommons cette couche, pour éclabousser. Maintenant, vous allez vouloir prendre l'astuce de l'affiche de film où les lettres entrent et sortent de la bouffée de fumée. Nous allons en fait ajouter un masque de calque à notre calque de logo. Allez à notre brosse et assurez-vous que nous sommes de retour sur l'opacité de pression ronde douce contre notre brosse Spatter et nous allons essentiellement dessiner certaines parties du logo pour qu'il semble qu'il entre et sort de la bouffée de fumée. En utilisant également la même astuce d'ajuster la taille de notre pinceau que nous allons. Maintenant, nous avons créé notre cadre de titre principal. 11. Scénarimage : Séquence: Vous pouvez voir avec ces trois cadres de style que nous avons déjà notre storyboard en marche. Avec le premier cadre, il est plus vers le début de notre séquence de titres, pourrait être n'importe où du milieu à la fin de notre séquence, et notre cadre de style de tuiles principal est évidemment vers la fin. Maintenant que nous avons trois images et que nous ne faisons que six, nous avons déjà la moitié de notre storyboard fait. Alors maintenant, il est temps de trouver où nous avons des trous dans notre séquence de titre, et comment l'affiner. Donc, un bon moyen de s'assurer que nous remplissons tout ce dont nous avons besoin dans notre séquence de titre est de créer essentiellement des espaces réservés. Donc on va à File, New, je vais créer une nouvelle image HD, 16 bits, et on va faire du noir pour l'instant, sachant que je serai vers le début de notre séquence. J' aime utiliser l'espace de travail Photoshop où je peux verrouiller différents PSD l'un à côté de l'autre. Mais il y a d'autres façons de le faire aussi. Vous pouvez choisir d'aller sous Fenêtre, Arrangement et flotter tous dans Windows, afin qu'ils soient tous dans leur propre fenêtre séparée. Ensuite, vous pouvez simplement le réorganiser en le faisant glisser sur votre espace de travail Photoshop. Donc, notre cadre de titre principal est évidemment vers la fin, et sont dirigés par crédit est aussi quelque part soit de milieu de gamme ou juste avant notre moyenne heure. Nous savons avec notre premier cadre de style que c'est vers le début parce que nous l'avons classé de couleur pour ressembler à ce qu'il était avant l'aube. Donc maintenant, je vais juste faire glisser notre calque de type à partir de notre cadre de style original. Nous allons supprimer le masque de calque, et je vais juste changer ce type de couleur en blanc pour l'instant, et je vais aussi changer la ligne de crédit 20e Century Fox Presents. Renommez également notre lecteur de type, et maintenant nous allons ajouter un autre espace réservé. Mais cette fois, nous allons utiliser le blanc en sachant que c'est dans le milieu de notre séquence. Je vais suivre cette tuile dans notre nouveau fichier Photoshop, et nous allons changer la couleur en noir. Faisons un crédit-casting. Donc ici, nous allons utiliser Ben Affleck, et nous allons renommer notre couche. Ensuite, une image HD de plus. Nous pouvons simplement le garder aussi pris les mêmes paramètres que le précédent. Maintenant, je vais faire glisser ça sur le nouveau cadre, et on va taper Rosamund Pike. Nous mettrons également à jour le nom de la couche. Maintenant, vous pouvez le voir simplement en l'étalant de cette façon, nous avons comblé les lacunes de notre séquence de titre avec des espaces réservés, donc nous savons ce qui nous manque encore. Maintenant, sauvegardons nos fichiers. Je vais créer un nouveau dossier appelé storyboard. Nous allons renommer ceci en, « MainTitle_1 », et nous allons également enregistrer notre cadre de style original dans le storyboard comme, « MainTitle_2 ». Gardez celui-ci comme trois, celui-là comme quatre. Nous allons renommer celui-ci en « MainTitle_5 », et notre dernier en « MainTitle_6 ». Je vais réorganiser ces fenêtres pour qu'elles soient verrouillées en place. Donc je vais passer sous Fenêtre, Arrangement, et je vais juste utiliser la sixième option puisque nous avons six images. Donc il les a réarrangés dans un ordre un peu étrange et cela arrive parfois, mais je vais juste le réorganiser en faisant glisser et déposer. Maintenant, nous les avons dans le bon ordre, allant de gauche à droite, de haut en bas. 12. Scénarimage : Conception: Remplissons la première image de notre séquence de titre. Nous allons donc changer notre ligne de crédit pour nous assurer qu'elle correspond à ce qui a été réellement utilisé dans la séquence de titre. Donc, nous allons changer de 20th Century Fox Presents en utilisant l'outil de type art, nous allons ajouter Regency Enterprises et cadeaux commerciaux à présent. Plus également copier et coller des antennes [inaudibles] présentes, et changer ceci pour ajouter pour vous assurer que nous utilisons sont caractères secondaires pour les différentes lignes et notre ligne de crédit. Sera également faire ce que nous avons fait à un film David Fincher qui est de s'assurer que chaque crédit, rôle et nom est sur leur propre ligne séparée, sera également aligner le type par rapport à [inaudible]. Encore une fois, nous voulons nous assurer que nous nous dirigeons vers la gauche de la sécurité du titre pour ce cadre. On va frapper Commande, point-virgule et on le déplace jusqu'à ce qu'il soit aligné sur la gauche. Maintenant, vous verrez que quand les gars monteront, même si notre ligne centrale verticale est en place, on dirait qu'il est en fait assis un peu en dessous de ça. Lorsque nous regardons le 20th Century Fox et le haut de l'espace de cadre par rapport au présent et au bas de l'espace de cadres. Un bon moyen de s'assurer qu'il est centré verticalement est de placer un calque de type d'art dans un dossier. Nous allons nommer le type comme nous le faisons et nous assurer que lorsque nous le réalignons, que le dossier de type est sélectionné, et maintenant vous verrez que lorsque nous le faisons glisser vers le haut avec notre guide, l'espacement est correct. Pendant que nous sommes ici, modifions notre titre de calque de texte pour 20th Century Fox présent et nous allons nous arracher le courage, puisque c'est la première image de notre séquence de titres, il est important de garder à l'esprit comment notre séquence de titres va progresser en ce qui concerne les trois parties que nous avons déjà abordées, à savoir la composition, la topographie et les effets visuels. Dans tous ces domaines, il est important de garder à l'esprit comment il progresse immobile. Donc, puisque c'est la première image, nous voulons garder tout assez minime et subtil parce que nous voulons faciliter notre mouvement plutôt que de le frapper avec tout ce que nous avons [inaudible] le premier nous allons travailler avec notre arrière-plan, fera glisser ce calque dans un dossier et le renommera en arrière-plan. Ce que je veux faire avec ce cadre, c'est le garder en mode nuit, avoir un peu de couleur en regardant à travers de sorte qu'il suggère une sorte de mouvement et de changement en arrière-plan, et cela nous mènera à notre deuxième cadre. Donc ce que je vais faire est d'utiliser notre compte-gouttes, et je vais aller dans notre deuxième cadre ici et choisir une couleur bleu foncé. En utilisant notre outil de dégradé, je retourne dans notre première image ajouter un calque, et je veux d'abord m'assurer que nous sommes à une capacité de 100 %, et que notre dégradé utilise la file d'attente que nous venons de sélectionner. Dégradé linéaire, je vais juste dessiner notre gradient à partir du bas du cadre, en tirant vers le bas et en m'arrêtant juste là où les entreprises de régence frappent. Maintenant, vous pouvez voir que nous avons ajouté ce genre de sélection de couleur à travers. Il semble que quelque chose se passe en arrière-plan par rapport au noir. Nous allons renommer ces deux couleurs, et nous pouvons déverrouiller ce calque. Maintenant, dans le cours de classe, vous pouvez voir que nous sommes à nouveau dans ce problème de baguage, si vous suivez dans votre cadre, vous remarquerez que votre dégradé sera lisse puisque nous sommes en 16 bits. Mais depuis que j'enregistre ça sur QuickTime, et qu'il y a ce truc bizarre avec le baguage, nous allons revenir dans notre deuxième cadre de titre principal. Je vais passer sous les effets et copier sur ma couche de bruit à nouveau, enfoncée et m'assurer que le positionnement reste le même d'une image à l'autre. Aller vers le haut, placer à nouveau dans son propre dossier, nommer ses effets, et maintenant vous pouvez voir que nous avons résolu le problème de baguage. Maintenant, ce que nous voulons faire est d'ajouter l'effet [inaudible] dans le type d'art. Comme c'est, encore une fois au début de notre séquence de titre, je veux la garder relativement subtile. Donc, nous n'utiliserons pas notre texture de ton écran. Nous allons juste faire le groupe de problèmes offset. Donc encore une fois, en utilisant l'outil de sélection rectangulaire, je veux m'assurer que je sélectionne le calque de type d'art et je vais juste dessiner un rectangle frappant juste au-dessus du premier tiers du 20e siècle Fox, ajoutera le masque de calque. Faites la même chose que nous avons fait plus tôt, où nous dupliquons le calque et inversons le masque. Nous allons renommer ces deux bas et ces deux haut. En sélectionnant notre couche supérieure, nous allons utiliser notre outil de déplacement et juste décaler légèrement le type. Vous pouvez voir que je l'ai à peine déplacé juste pour garder tout subtil. On va faire la même chose avec le cadeau. Donc, en prenant mon outil de sélection rectangulaire, je vais dessiner sur le bas du présent, et je vais dupliquer ce calque supérieur, supprimer le masque de calque, et en appliquer un nouveau avec notre sélection actuelle. Maintenant, si nous zoomons, vous pouvez voir en ce moment qu'il est décalé, mais il conserve également le positionnement d'origine, et c'est parce que nous avons toujours ce qui se passe dans notre couche inférieure depuis plus tôt. Je vais renommer ce calque deux présent, et je vais sélectionner ce masque de calque. Ensuite, passez dans notre calque de texte inférieur 20th Century Fox et sélectionnez ce masque. Ce que je vais faire est de cliquer sur shift, supprimer, et vous pouvez voir que cela fait apparaître une fenêtre de remplissage, qui est un autre moyen rapide de remplir n'importe quelle zone de sélection avec notre premier plan, arrière-plan ou couleur spécifique. suffit de choisir le premier plan pour l'analyse, il est noir, appuyez bien et vous pouvez voir qu'il est supprimé cette double couche de présent. Reprenons le zoom arrière. Je vais aussi resélectionner le présent et le déplacer légèrement vers la gauche pour qu' il n'y ait pas trop d'un [inaudible] Maintenant, notre effet glacier est super avec les types d'art. C' est toujours subtil, mais je veux colorer le type subtil pour le faire fondre dans notre arrière-plan plus. Je vais sélectionner la couleur que nous utilisions avant, et je vais ajouter un calque de réglage de couleur unie en utilisant la couleur que nous avons prise avant, frapper ok. Maintenant, je vais déplacer ce calque au-dessus du type d'art pour m'assurer que ce n'est pas dans le dossier des effets. Je veux faire la même chose où nous frappons l'option et m'assurer qu'elle affecte uniquement la couche de type. Ainsi, vous pouvez voir qu'il est ajouté le lavage de couleur juste au type d'art. Maintenant, je veux cliquer sur le masque de calque et je vais juste dessiner un dégradé linéaire. Assurez-vous de choisir cela comme dégradé noir et blanc. Je vais commencer au-dessus juste à l'extérieur de notre cadre en maintenant Shift enfoncé. Et je vais l'emmener là où commence les entreprises de régence. Laissez aller, et vous pouvez voir qu'il a ajouté ce dégradé au type d'art afin qu'il se sente plus intégré à notre arrière-plan. Je vais aussi renommer ce calque pour taper la couleur afin que nous sachions. Maintenant, nous venons de terminer la première image de notre séquence de titre. Maintenant, en passant à droite dans notre troisième image de la séquence de titre, nous voulons aborder le premier crédit de distribution qui a été comme application. Tout d'abord, nous allons travailler sur nos images de fond. Donc, en retournant dans notre dossier source , la photographie, nous allons utiliser cette image et la faire glisser dans notre fichier Photoshop. Eh bien, jusqu'à 10% de plus à 37% environ. Juste pour qu'il remplisse notre cadre. Appuyez sur le retour. Nous pouvons supprimer cette couche pour l'instant. Mettons ceci dans le dossier d'arrière-plan et ceci dans notre terme de type. Encore une fois, nous voulons colorier l'arrière-plan de grade. Créons un nouveau dossier appelé grade. Vous pouvez fermer ce dossier pour l'instant. D' abord, on va changer ça en noir et blanc juste pour nous donner un sommeil propre. Maintenant, en ajoutant dans notre calque noir et blanc, nous voulons changer l'opacité de 100 à 70. Donc, ce n'est pas complètement noir et blanc. Ensuite, nous allons retourner dans notre dossier frame to grade, et nous allons utiliser la même carte de dégradé sont utilisés pour cela. Je vais juste sélectionner le tueur, maintenir la touche Maj enfoncée, glisser, et au lieu d'utiliser des couleurs plus foncées pour le mode de fusion, nous allons le changer pour se multiplier. Nous allons également changer l'opacité de 50 à 100. Maintenant, nous allons ajouter une couche d'ajustement de l'exposition. [ inaudible] son abaissement de l'exposition juste pour tabuler et augmenter notre gamma. Maintenant, je veux ajouter un calque de réglage de la balance des couleurs. Pour nos tons moyens, nous allons le glisser dans notre cyan, ajouter un peu de notre bleu. On va faire la même chose pour nos ombres. Ensuite, pour les faits saillants, nous allons le déplacer un peu dans le rouge. J' aime la façon dont les couleurs ressemblent, mais je veux qu'il soit un peu plus sombre, donc je vais retourner dans l'exposition. Je vais juste réduire l'exposition de bit de sorte que globalement les images encore assez sombres. Première collection que je tape du noir au blanc, et je vais aussi l'aligner à gauche de la sécurité du titre. Maintenant, nous voulons ajouter un mouvement à notre image de fond. Nous allons retourner dans la galerie Filter, Flou, et nous allons choisir le décalage d'inclinaison. Nous voulons vraiment que nos nuages vers le haut du cadre soient flous, et la même chose avec le bas, mais nous allons le faire glisser un peu en dessous. Nous changerons également notre fusée de 15 à 30. Maintenant, nous pouvons déjà voir qu'il y a un peu plus de profondeur dans notre cadre, ce qui est génial. Je veux approfondir cette profondeur en ajoutant également un flou de chemin. Filtrer, flotter le flou du chemin de galerie, et nous allons déplacer notre point de départ du centre vers deux tiers vers le bas et déplacer notre point de terminaison, le cadre passé vers le bas. Nous allons également changer la vitesse de 50 à 30, et nous ajouterons également 30 à notre cône. Maintenant, nous avons à la fois l'effet de la profondeur dans notre cadre et le mouvement vers le haut ou vers le bas. Après avoir travaillé sur notre motion, nous obtenons à nouveau un peu cet effet de baguage. Donc, je vais ajouter un dossier f x, et revenir dans notre deuxième cadre, je vais faire glisser notre couche de bruit pour aider avec le baguage. Maintenant, c'est [inaudible] Je vais aussi glisser sur notre tonification de l'écran, en me souvenant de maintenir la touche Maj enfoncée. Supprimez cette masse de calque. Je vais le repositionner sous notre couche de bruit, on peut les effondrer pour l'instant. Maintenant, nous voulons faire la même chose avec notre tonalité d'écran là-bas que nous l'avons fait avec les cadres deux et cinq. On va utiliser l'outil de tente rectangulaire. Je vais dessiner une boîte à environ deux tiers à travers le crédit d'athlétisme, et nous ajouterons le masque de couche. Dupliquez également ce calque et je vais le suivre vers le haut. Ensuite, je vais le dissocier, sélectionner notre masque de calque, et je vais à ce formulaire. Maintenant, je vais juste faire pivoter légèrement vers le haut juste pour lui donner un coup de pied. Tourne, et je vais le déplacer. Vous pouvez changer le mode de fusion pour diviser, mais c'est trop dur en ce moment donc nous allons changer l'opacité de 100 à 30. vais aussi retourner dans notre dossier de grade, et je vais jouer avec la balance des couleurs plus pour apporter plus de ces teintes bleues pour correspondre à notre deuxième cadre. Les ombres, je vais le modifier légèrement et même avec nos points forts. Nous allons renommer cette couche en haut. Je vais sélectionner à nouveau le masque de calque et utiliser notre outil de pinceau. Je vais juste sortir de ce calque de tonalité de l'écran supérieur pour qu'il se fond plus avec notre image d'arrière-plan. Donc, il nous reste plus d'un ruban. Je veux aussi retourner dans notre dossier de grade et nous voulons nous assurer de ce qui a coupé tous les masques de couche et nous allons prendre notre bleu foncé original que nous avons sélectionné pour notre première image. Nous pouvons appuyer sur X pour évaluer le premier plan, et nous allons ajouter un calque de réglage de couleur unie. Nous allons également changer le mode de fusion de la normale à l'ajout d'esquive linéaire. Maintenant, en sélectionnant le Masque de calque, nous allons utiliser l'outil Dégradé. On va le garder, mais le gradient linéaire. Nous allons dessiner un gradient juste d'environ un tiers dans notre cadre jusqu'au bas de notre cadre. Nous voulons également nous rappeler d'affecter le calque de type d'art avec le problème. Donc, sélectionnez notre calque de type, nous allons également appuyer sur commande et sélectionner notre masque de calque de tonalité d'origine, ajoutez-le à notre type. Dupliquez, inversez notre masque, et avec notre clavier flèche droite juste quelques touches pour le rendre décalé. Renommez cela en automne. Vous souhaitez également sélectionner les deux couches de notre type. Allez dans notre panneau de personnages ici, sélectionnez la couleur et déplacez-la dans ce territoire bleu cyan argenté. Ajoutons également ou plus un motif juste pour lui donner un autre niveau de dimension. Nous allons entrer dans notre cinquième image sous effets, et nous allons glisser dans ce calque de morène et nous ferons de même avec le décalage de maintien. Assurez-vous qu'il est placé au-dessus de notre tonalité d'écran, mais en dessous de notre bruit. Nous pouvons supprimer cette masse de calque et en ajouter une nouvelle. Cette fois, je pense à changer notre mode de prêt de la lumière normale à la lumière vive, puis avec notre outil de brosse, nous voulons le rendre moins uniforme, donc nous allons juste tirer un peu. Les effets sont superbes, mais nous voulons ajuster légèrement la couleur et l'exposition un peu. Nous retournerons dans notre dossier, exposition, et je vais juste déplacer nos décalages légèrement vers la gauche. Ensuite, remontez un peu notre gamma. En entrant dans la balance des couleurs, vous voulez aller dans les ombres, et je veux l'amener plus dans le territoire cyan. C' est la même chose pour nos mi-mandats. Maintenant, on dirait qu'il saute de notre deuxième image à notre troisième image. Jouez en toute sécurité. Maintenant, nous allons passer à la quatrième image de notre séquence générale. 13. Scénarimage : Dernière image: Avec un seul cadre à parcourir, vous pouvez voir que le reste de nos cadres sont bien regroupés, car ils sont dans une histoire de couleur similaire. Vous pouvez dire à partir du métrage et de la coloration, la progression de la séquence de titre de la nuit à aube et l'introduction de l'effet de pépins et comment chaque image l'approche différemment. Lorsque notre storyboard est limité à un si petit nombre d'images, il est toujours bon de montrer une image où elle a un impact important et qui peut être la façon dont elle est colorée, la façon dont le mouvement fonctionne à l'aide d'une texture de calque externe, ou la totalité de ce qui précède, donc avec notre quatrième cadre, nous allons déplacer radicalement notre classement des couleurs dans ce cadre particulier. Commençons par créer un dossier d'arrière-plan et faites-le glisser dans notre dossier de type et en sélectionnant notre dossier d'arrière-plan. Revenons dans notre dossier photo et nous allons glisser dans cette image. Nous allons le mettre à l'échelle de 40 %, appuyer sur « Retour », et assurez-vous de le déplacer dans le calque d'arrière-plan. Nous allons garder ce cadre relativement chaud dans la couleur actuelle dans laquelle il est, mais nous ferons encore un peu d'évaluation. Mais d'abord, nous allons modifier légèrement l'image en superposant une image séparée sur le dessus, donc revenir dans notre dossier photo, nous allons maintenant glisser dans cette image. Nous allons augmenter de 30 pour cent, appuyer sur « Retour » et changer le mode de fusion de lumière normale à lumière douce. Maintenant, vous pouvez voir que nous avons intégré les deux ensemble. Et je vais le repositionner légèrement en maintenant « Shift » enfoncé et en le faisant glisser un peu vers le bas pour que nous puissions obtenir plus de ces rayons du soleil. Je vais aussi ajouter un masque de calque. Utilisez notre outil de dégradé, spline linéaire, je vais dessiner notre ligne de dégradé juste à l'extérieur vers la droite de notre cadre jusqu'au centre du cadre. Maintenant, nous avons les deux images et nous allons voir la couleur correcte. Nous allons commencer par créer un dossier correct, nous allons ajouter une couche de réglage de la teinte et de la saturation, et nous allons juste réduire un peu la saturation. Nous allons aussi garder notre type relativement à l'extrémité sombre, puisque notre arrière-plan est clair. Mais nous allons aussi l'aligner sur la sécurité du droit de propriété. Nous allons aussi aller à notre Panneau de personnages, Nuancier de couleur, et je vais faire entrer dans un violet profond, juste pour jouer les couleurs actuellement dans notre cadre. « Ok ». « Sauver ». Maintenant, nous allons ajouter nos effets. Nous pouvons supprimer ce calque d'arrière-plan et nous assurer toujours que nous sélectionnons notre calque d'image de base. Allez dans « Filtre » « Galerie de flou » et puis nous ferons également un flou de chemin sur celui-ci. Nous allons déplacer notre point de départ vers le haut du cadre, notre point de terminaison vers le bas et nous le changerons de 50 à 70 %. Vous pouvez voir que cela a ajouté un joli flou de mouvement aux nuages sur notre côté droit ici, et juste un peu à notre gauche. Nous allons également ajouter à notre calque de tonalité d'écran maintenant. Je vais ajouter une couche d'effets au-dessus de notre couche actuelle. Nous allons juste passer à notre cinquième image, aller dans le dossier FX, et nous allons faire glisser la tonalité de notre écran. Je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et supprimer ce masque de calque et nous allons utiliser à nouveau l'outil Lasso polygonal pour dessiner une nouvelle zone de problème. Je ne veux pas qu'il soit exactement niveau, donc je vais l'incliner légèrement vers le bas , puis à travers le nom de Rosamund Pike. Nous le fermons et nous appliquerons le masque de calque. Nous allons sélectionner ce masque de calque et l'appliquer à notre calque de type. Faites la même chose où nous dupliquons, puis inversez le masque, amenant cela au bas et ceci au sommet. En sélectionnant le calque inférieur, utilisez votre outil de déplacement et notre flèche gauche du clavier, nous allons le déplacer légèrement vers la gauche. Je veux aussi différencier les deux plus en réduisant simplement l'opacité de la couche supérieure d'un 100 à Let's do, 70. Appuyez sur « Enregistrer ». Maintenant, nous allons également dupliquer notre couche de tonalité d'écran. Nous allons supprimer ce masque de calque et nous allons redessiner à l'aide notre outil de sélection rectangulaire une autre zone de sélection de problèmes. Nous allons ajouter le masque de calque et nous allons changer le mode de fusion de l'esquive de couleur à la gravure de couleur. Utilisons également notre outil de pinceau pour dessiner un peu notre masque de couche. Maintenant, je veux prendre notre image d'arrière-plan et l'insérer dans cette tranche de notre problème, donc ce que nous allons faire est, je vais réduire tous les calques, et je vais désactiver la visibilité pour notre type pour maintenant, et pour notre FX et nous allons sélectionner le bon dossier. Ensuite, je vais appuyer sur « Shift », « Option », « Commande E ». Cela a essentiellement fusionné nos couches correctes et d'arrière-plan en une seule couche Photoshop. C' est une astuce astuce quand vous voulez juste avoir un calque de votre image d'arrière-plan entière. Nous allons renommer ceci en arrière-plan. Je vais revenir sur nos couches d'effets et de type. Je vais ouvrir notre dossier FX, et je vais déplacer ce calque d'arrière-plan au-dessus de notre calque inférieur de tonalité de l'écran et nous allons sélectionner le masque du calque inférieur de tonalité de l'écran, appliquer à notre calque d'arrière-plan, et changer le mode de fusion de cette couche de gravure normale à linéaire. Nous allons également le dissocier et nous assurer que la couche d'image est sélectionnée et que nous allons déplacer cela vers le bas, sorte que nous obtenons un peu plus de liens de définition de nuage. En cliquant sur le masque de calque, nous allons utiliser notre outil de pinceau pour brosser à nouveau la majorité de cela afin que ce n'est pas si dur. Je vais aussi retourner dans notre couche supérieure de tonalité de l'écran et je veux ajuster la forme de cela aussi, donc je vais revenir avec notre outil de brosse, je veux juste brosser la plupart de cela sur le côté gauche juste sorte que ce n'est pas si uniforme. Enfin, nous allons ajouter la texture de la moire, donc nous allons revenir dans notre cinquième cadre, sélectionner la couche de moire, et nous allons la glisser dans notre quatrième cadre. Nous allons supprimer ce masque de calque, appliquer un nouveau, et faire la même chose avec les autres, ou nous prenons juste un peu de ce que nous voulons, donc ce n'est pas sur tout le cadre et je vais garder le texture plus vers le haut pour ce cadre. Nous fermerons à nouveau et enregistrerons tous les fichiers. Maintenant, nous avons rempli notre storyboard de séquence de titre entier. Alors que nous avons travaillé sur nos trois premiers cadres de style indépendamment les uns des autres, où nous nous sommes concentrés sur chaque cadre de style et à quoi nous voulions qu' il ressemble, il est préférable qu'une fois que vous travailliez sur le storyboard complet, où nous nous sommes concentrés sur chaque cadre de style et à quoi nous voulions qu' il ressemble,il est préférable qu'une fois que vous travailliez sur le storyboard complet, de cette façon, où vous pouvez tout voir à la fois, parce que c'est ainsi que vous pouvez déterminer que tout se trouve dans la plage de couleurs correcte dans laquelle vous voulez qu'il soit, et qu'il y a toujours une progression que vous voyez dans la séquence de titre du mouvement, de la façon dont le type fonctionne et de la façon dont vous affectez votre métrage. En un coup d'œil, nos planches sont plutôt belles. Nous voyons certainement la progression de la nuit à journée et nous avons également une belle progression de notre effet de pépins avec notre type, sorte que chaque image n'est pas exactement la même. Mais dans cette vue, où nous avons toutes les six images, vous pouvez voir que les images quatre et cinq, l'effet de pépin est en fait relativement similaire. Vous pouvez voir ici que notre couche supérieure de paillettes, est presque la même taille que le cadre cinq, puis la couche inférieure aussi. Vous pouvez aussi dire que la couleur entre le cadre deux et le cadre trois est encore un peu décalée, parce que celui-ci est plus dans la gamme bleu-vert que celui-ci est nettement plus bleu, avec un peu de cyan vers le haut ici. Vous pouvez également dire qu'entre le cadre cinq et le cadre six, la couleur est légèrement désactivée. Celui-ci est beaucoup plus chaud et plus bleu que celui-ci est moins saturé. Maintenant que nous avons repéré ces différences dans notre storyboard, nous pouvons les mettre à jour pour perfectionner la séquence de titre. 14. Scénarimage : Dernières retouches: Commençons par travailler sur le Fran 5. La première mise à jour que nous allons faire est la couleur. Je vais retourner dans notre dossier de notes et je vais ajouter une couche de réglage de la teinte et de la saturation. Je vais juste réduire la saturation de ça. Faisons moins 20. Je vais déplacer notre teinte un peu vers la gauche pour que nous soyons plus vers le cyan. Vous pouvez voir en faisant simplement ces deux étapes, cela se sent beaucoup plus dans le monde de notre cadre final. Je veux également aller dans notre couche d'effets et sélectionner notre masque de couche screentone. Utilisez l'outil de brosse et dessinez légèrement l'extrémité gauche de ceci et la droite, juste pour que l'effet se sente moins dur. Maintenant, passons à l'image 4, puisque les formes de l'effet de glitch pour quatre et cinq sont si semblables. On va atteindre ces masques. Aller dans FX, screentone, la version supérieure, et je vais juste supprimer ce masque de calque. Je veux utiliser l'outil Lasso polygonal. On va dessiner au fond de cette fois-ci. Je vais recommencer notre cadre. Encore une fois, je ne veux rien de trop niveau. Je vais faire ce fond un plus grand aussi. Genre de trucs. Nous allons appliquer notre masque de couche. Je vais aussi dissocier sélectionner notre masque de couche inférieure et utiliser notre outil de déplacement, il suffit de le déplacer légèrement vers le haut pour qu'il frappe dans notre grattoir supérieur jusqu'à là. Liez à nouveau et je veux changer la capacité de 50 à 20. Je vais également mettre à jour la capacité de la couche d'arrière-plan, de 100 à 60. Juste pour que ce ne soit pas si dur. En sécurité ici. Maintenant, en passant à notre mise à jour finale, nous allons ajuster le classement des couleurs dans le cadre 3. Nous allons changer le mode de fusion de Linear Dodge à Color Dodge. Ensuite, nous allons aller dans notre couche d'exposition et ramener un peu notre correction Gamma. Nous allons également ajouter un peu plus de luminosité vers le bas de notre cadre, sorte que même si notre image 4 est une valeur aberrante, nous pouvons toujours voir qu'il y a une progression en termes de nuit à jour. Je vais zoomer un peu sur notre cadre, assurer que nous sommes dans le masque de couche de notre couche d'exposition. Nous allons utiliser notre outil de dégradé. Assurez-vous qu'il s'agit d'un dégradé radial. Nous allons juste dessiner un dégradé à partir du cadre extérieur et ensuite le dessiner ici. Comme il s'agit du bas à gauche de notre cadre, il coïncide en haut à gauche de notre cadre 4 où se trouvent les résumés. On va frapper Save. Nous avons entièrement terminé notre storyboard. 15. Merci: Merci beaucoup d'avoir pris ce cours. J' espère que vous avez appris quelque chose de cool et de nouveau dans Photoshop, j'espère que vous avez apprécié votre première expérience dans la conception de titres principaux et votre premier storyboard. Je vous encourage à essayer différentes choses. Tu n'as pas à le faire comme je l'ai fait. Vous pouvez changer les couleurs, changer la police, changer complètement l'imagerie. Jouez avec, surtout, j'espère que vous vous êtes amusé. Si vous avez des questions, hésitez pas à contacter. Merci encore.