Réalisation et production vidéo Vol. 2 : montage de films avec Adobe Premiere et Boris Suite - Deluxe

1. Montage et production vidéo Editon de luxe MONTAGE DE FILM II: Avez-vous déjà rêvé de monter des vidéos ou des films vraiment professionnels ? Voulez-vous découvrir les secrets de la création d'un projet audio visuel xful Alors ce cours est fait pour toi. Bienvenue dans ce deuxième volume du nouveau cours de réalisation de films et de production vidéo , l'édition Looks Concentrez-vous sur le montage professionnel de films et de vidéos. Je m'appelle Avila Perez et je suis réalisateur, acteur et chanteur depuis plus de 15 ans je suis réalisateur, acteur et chanteur depuis Je suis diplômé de la meilleure école de cinéma d' Espagne et je suis là pour partager toutes mes connaissances avec vous. J'ai conçu ce cours autour deux vidéos musicales cinématographiques créées spécifiquement pour cette plateforme grâce auxquelles vous apprendrez étape par étape comment transformer vos idées en une véritable confidentialité audiovisuelle Dans ce cours, vous apprendrez à échantillonner et à modifier à partir de zéro. Maîtriser des techniques qui vont au-delà de l'utilisation de logiciels et vous permettent de prendre les bonnes décisions d'édition montage pour le cinéma ou la vidéo professionnels ne consiste pas seulement à apprendre à utiliser un logiciel. Il s'agit de prendre les bonnes décisions de montage en basant sur des critères cinématiques statistiques dans le langage de l'insensibilité aux ellipses, afin de créer de nouvelles choses à partir de Ce cours s'adresse à tous ceux qui souhaitent apprendre étape par étape comment créer une modification dans le cadre d'un projet professionnel. Si vous avez déjà lu le premier volume où vous avez vu comment ces œuvres ont été filmées, ce second volume est parfait pour vous. Vous pouvez voir à l' écran la qualité des productions sur lesquelles nous travaillerons. Passons maintenant au contenu de ce deuxième volume de cette édition de luxe consacrée au montage de films et de vidéos Le volume deux est entièrement consacré à Audio Vsel en tant que production Le logiciel que vous utilisez est le dernier élément important. De nos jours, il n'est pas nécessaire d'être un expert en effets visuels pour créer des compositions visuelles, et c'est l'un des outils les plus importants vous apprendrez dans ce volume. Vous apprendrez à créer un montage complet à mes côtés, et il vous fournira tout le matériel nécessaire pour le réaliser à partir de zéro. Vous apprendrez à corriger les couleurs, restaurer des images sous-exposées et à donner un aspect totalement cinématographique à votre vidéo Prenons comme exemple l'une des meilleures solutions du moment, la suite Bore Effect dans Adobe Premier. Vous apprendrez à créer un signe sonore en montage de manière simple et complète. Enfin, vous découvrirez le processus de création de ces effets visuels fantastiques, en utilisant uniquement la composition visuelle et le montage. En tant que projet de cours, vous allez créer votre propre version de la modification. Je le ferai étape par étape, et je vous fournirai le matériel pour le faire vous-même. Ne manquez donc pas l'occasion d'acquérir des connaissances qui ne sont pas accessibles à tous. J'ai créé ce cours afin que vous puissiez avoir la chance d'apprendre avec un vrai projet en utilisant des outils que quelqu'un comme vous aurait à sa disposition. Si vous avez toujours suivi une formation pour réaliser des films ou si vous souhaitez devenir un vrai réalisateur, ce cours est fait pour vous. Je m'appelle Avio Perez, et voici mon atelier et de montage de films qui volume 2 de l'édition Je te vois dans la première leçon. 2. Commander et sélectionner des séquences vidéo: Bonjour, tout le monde. Bienvenue dans ce nouveau cours de montage de films. Comme vous le savez, il s'agit du deuxième volume du cours de réalisation cinématographique de l'édition Dukes Nous allons donc commencer la première leçon en abordant directement l'un des sujets les plus importants matière de montage vidéo, d' organisation et d'arrangement du Video Futge N'oubliez donc pas que pour bien comprendre ce contenu, nous allons procéder à un assemblage étape par étape. Et une partie de ce cours vous permettra de créer votre version ronde de ce que je fais. C'est pourquoi j'avais laissé tout le matériel nécessaire pour le réaliser en tant que projet de cours. Mais il faut d'abord connaître les fondamentaux pour réaliser un arrangement de feudage artistique et professionnel OK. Imaginez donc que vous êtes face à une table pleine d'affaires Chaque clip vidéo est une pièce unique que nous devons placer stratégiquement pour donner une image complète de notre récit. Mais comment choisir les bonnes pièces ? C'est là que notre jugement en tant qu'éditeurs entre en jeu. Il ne s'agit pas seulement de sélectionner les plus beaux clichés, mais d'identifier ceux qui transmettent le mouvement et le message que nous voulons communiquer au public. Quel est donc le processus de sélection et d' organisation de ces prises de vue ? abord, nous devons développer une critique pour reconnaître les moments les plus marquants de chaque clip Cela implique d'analyser des aspects tels que la clarté de l'image, la pertinence par rapport à l'histoire que nous racontons et la capacité à susciter des émotions chez le spectateur Je vais donc vous en donner un parfait exemple. Le défi d'un bon photographe n' est pas seulement de prendre une bonne photo. C'est bien plus complexe que cela. Au cours d'une séance photo de deux heures, un photographe peut facilement prendre 500 photos, et l'une des tâches les plus difficiles d'un photographe est de sélectionner les meilleures photos issues de cette séance photo. Vous ne pouvez pas imaginer à quel point il est difficile de savoir lesquels sont les meilleurs. Et pas seulement cela, mais dans quelle mesure une mauvaise sélection des photos finales peut endommager une séance photo. J'ai travaillé avec des gens qui prennent vraiment de très bonnes photos, puis la sélection est un véritable désastre. Donc, pour ceux qui pensent que la vidéo est très différente de la photographie, je vous rappelle qu'un deuxième film comporte 24 images ou photos. Je veux dire, lorsque vous choisissez la seconde exacte à laquelle vous allez effectuer une découpe, c'est comme si vous choisissiez une photo spécifique dans une section photo. Ainsi, si, par exemple, le clip que vous êtes en train de visionner dure 10 secondes. Ce clip contient environ 240 photos parmi lesquelles vous êtes censé sélectionner les meilleures. J'ai tendance à insister beaucoup là-dessus parce que ce problème n' a rien à voir avec la qualité du logiciel que vous utilisez. Depuis plus de 100 ans, il y avait des films au rythme excellent. tout juste 30 ans, de nombreux clips musicaux et films étaient encore édités sur des systèmes analogiques, et pourtant ils bénéficiaient d'un excellent montage. Le problème est donc que ce n'est pas aussi simple que le noir et blanc. Mais un peu comme un photographe doit choisir entre 500 photos. Vous avez également de nombreux clips vidéo parmi lesquels vous devez choisir les meilleurs moments en tenant compte précisément de cette échelle de gris qui va de la priorité à la performance de l'acteur, par exemple, à la beauté du plan J'ai tendance à beaucoup insister là-dessus car ce problème n' a rien à voir avec la qualité du logiciel que vous utilisez. autre côté, vous aurez toujours des photos qui, à première vue, se ressemblent beaucoup, mais en réalité, diffèrent un peu. Il est donc important que vous preniez tout cela en compte lorsque vous réalisez le projet de cours, que vous fassiez attention au travail que je vais faire et que je vais développer pendant le cours, non seulement dans les leçons de montage, mais aussi dans le reste. Une fois que nous avons identifié nos photos les plus remarquables, il est temps de les organiser efficacement. Cela implique de créer une structure actuelle pour notre projet, divisant en séquences et sous-séquences, ce qui nous aide à maintenir le flux narratif et l'équation visuelle Mais la narration visuelle est également importante dans la réalisation d'un film Chaque plan a un but et contribue au développement de l' C'est pourquoi il est si important de savoir comment créer tension et du rythme dans la disposition des images, en utilisant des transitions et des effets pour maintenir l'attention du spectateur du début à la fin. est un excellent exemple d'Asne avec un arrangement de plans magistral scène de poursuite du film The Dog Night, réalisé par Christopher Nan, réalisé par Christopher Dans cette scène, nous voyons le joker s'échapper du poteau dans les rues de Godm City à bord d'un camion de pompiers de Salen Le montage de cette séquence est accéléré pour plusieurs raisons Tout d'abord, l'intention rythmique, le montage maintient un rythme effréné hauteur de l' intensité de la poursuite Les prises de vue se succèdent rapidement. crée un sentiment d'urgence et tension qui maintient le public sur le bord de son siège. D'autre part, le réalisateur utilise une grande variété d'angles et de plans pour saisir l'action sous différents angles, qu'il s' agisse de plans larges qui montrent l'ampleur de la poursuite ou de gros plans qui mettent en évidence les mouvements des personnages. Chaque cliché est soigneusement sélectionné pour maximiser l'impact visuel. Malgré ce rythme de montage rapide, la séquence conserve des cors négatifs impeccables Chaque plan est parfaitement connecté au suivant, ce qui permet au public de suivre facilement le développement de l'action sans se perdre dans la confusion. Je pense que c'est l'une des choses les plus importantes du montage. D'autre part, le montage inclut une utilisation créative d'effets spéciaux qui ajoutent du spectacle à la scène sans pour autant sacrifier crédibilité des explosions au profit de sons impressionnants Chaque effet spécial est parfaitement intégré au montage, contribuant ainsi à l' immersion du public dans l'action Je pense que la scène de poursuite dans la nuit noire est un excellent exemple d' arrangement efficace des prises de vue lors du montage. Tout au long de son rythme phentique, de ses angles variés, de courants narratifs et de son utilisation créative d'effets spéciaux Cette séquence montre comment un montage magistral peut élever une scène d' action vers de nouveaux sommets cinématographiques Un autre détail important à prendre en compte lors de l'édition est le concept d'ellipses. L'ellipse dans le montage de films est un outil puissant qui nous permet de condenser le temps et d' avancer efficacement sur le récit Je veux dire qu'en omettant les intervalles de temps entre les scènes et au sein d'une même scène, les moments les plus pertinents de l'histoire peuvent être mis en évidence, en gardant l'attention du spectateur et en évitant les redondances, éliminant les éléments superflus et en se concentrant sur l'essentiel, contribuant ainsi à une expérience cinématographique plus dynamique et impressionnante En outre, les points de suspension permettent aux spectateurs de combler les lacunes narratives par une interprétation erronée, favorisant ainsi un engagement actif et une réflexion sur l' Je veux dire, en suggérant des événements qui, bien entendu, simulent l' imagination du public, en l' invitant à établir des liens et en suscitant un invitant à établir des liens et en suscitant engagement émotionnel plus profond avec personnages, les séquences et leur position de sac Ainsi, Ellipsis non seulement stimule le flux de pourboires, mais enrichit également l'expérience cinématographique en impliquant le spectateur plus profondément dans En fait, dans mon précédent cours de montage de films, nous nous sommes penchés sur cette Je vous ai montré un exemple d' ellipses dans le film 12 years of slave, mais maintenant je vais vous présenter deux bien meilleurs un exemple remarquable d'ellipses créatives film 2001 Space Dys est un exemple remarquable d'ellipses créatives au cinéma Dans une séquence emblématique, des ellipses sont utilisées pour présenter l'évolution de l'humanité depuis la préhistoire jusqu'à un futur lointain en quelques minutes seulement Le film s'inspire habilement de l'instant présent et du singe et découvre l'utilisation d' un os comme outil pour le lancement d'un vaisseau spatial vers Jupiter, sur des millions d'années dans une Cette ellipse non seulement condense une grande quantité de temps, mais suggère également le progrès et l'évolution de l'humanité d' une manière frappante et évocatrice D'autre part, le film Lost in translation, réalisé par Saphia Coppola, présente plusieurs scènes où des points de suspension sont utilisés pour représenter le passage du temps et le développement de la relation entre les personnages principaux Une scène remarquable est celle où Bob et Charlotte se rencontrent dans un bar karaoké à Tokyo À travers une série de coupes rapides et suggestives, le film montre des moments importants de leur interaction au bar, qu'il s'agisse de partager leur amour conversations intimes ou de danser ensemble Les points de suspension permettent donc au spectateur de déduire l'évolution de leur relation. Pendant ce temps, ils passent ensemble dans le décor, créant un sentiment de connexion et de complicité entre les personnages sans qu'il soit nécessaire de montrer chaque instant de leur interaction OK. Cette technique contribue donc à l' atmosphère émotionnelle et évocatrice du film En résumé, l' arrangement des images est un processus fondamental du montage vidéo, qui nous permet de créer des récits visuels percutants et passionnants J'espère que vous êtes prêts à vous lancer dans ce voyage passionnant et instructif. Je suis là pour vous guider à chaque étape. Je te vois dans la prochaine leçon. 3. Atterrissage de soldat: Parfait, nous sommes prêts pour la première d'Ado. Nous allons commencer à créer la séquence directement. Nous allons cliquer ici et passer au nouvel élément, et nous allons créer la séquence. Nous tapons ici le nom de la séquence, résolvons votre séquence ou ce que vous voulez taper. Et ici, en mode édition, nous allons sélectionner personnalisé. Ici, nous allons sélectionner la taille du cadre L'horizontale est 1920 et la taille verticale est 900. Ici, dans le rapport hauteur/largeur des pixels, nous allons sélectionner des pixels carrés. Et juste ci-dessous, nous allons sélectionner Quicktime dans la vidéo précédente. Nous avons donc déjà un cadre à aspect anmorphique. C'est une sorte d'aspect cinématographique. Nous allons maintenant passer au futage pour sélectionner le futage dont nous avons besoin N'oubliez pas que cette fois, dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur le débarquement des soldats. Et pas seulement cela, mais aussi que cette scène est censée être différente de celle du clip vidéo. Nous allons donc commencer à revoir le fuge à chaque clip Nous allons donc commencer par ce clip, est une sorte de plan ouvert. Et ce que je vais essayer, c'est d'extraire une coupe transversale de ce clip, une coupe utile car vous pouvez remarquer que dans le cadre, j'essaie de soulever le parachute, mais je n'y parviens pas Nous allons donc passer au point où j'ai réussi à soulever le parachute Je pense que c'est juste pour le moment, non. Je fais donc décoller le parachute du sol et le parachute se replie rapidement sur le sol C'est la raison pour laquelle j' insiste sur le fait que le rédacteur doit avoir beaucoup de patients à rechercher pour ces moments. Vous pouvez remarquer qu'ici, il y a d'autres moments qui peuvent être utiles. À ce stade, le pilote essaie de replier le parachute et de le relever du sol Alors peut-être que si cela n'est pas indiscret dès le début, vous pouvez l'y ajouter en atteignant la séquence finale Nous allons donc choisir entre le moment où je soulève le parachute et le moment où le parachute tombe au sol Nous allons donc cliquer ici, taper, puis sélectionner la sortie qui se trouve ici, et je vais faire glisser le putage vers la chronologie Nous cliquons et conservons les paramètres existants. N'oubliez pas que le clip de la chronologie surdimensionne le cadre que nous avons sélectionné au début Il faut donc le faire correspondre au cadre. Nous allons donc passer au clip suivant. Nous allons chercher d'autres moments où je soulèverai le parachute Heureusement, peu de fois, j'ai réussi à faire décoller le parachute du sol Nous n'avions donc pas 20 clips où je soulevais le parachute Donc, dans ce cas, c'est exactement un moment qui en vaut la peine. Un moment utile car cette action est suffisamment ferme pour représenter le pilote atterrissant dans le désert Je vais donc sélectionner cette section transversale, et je vais la faire glisser vers la chronologie. Mais la prise est plus longue. Je vais donc chercher d' autres moments où je soulèverai le parachute Mais je pense que le moment que nous avons sélectionné auparavant est le meilleur de cette prise de vue. Parce qu'en fait, vous pouvez remarquer à l'écran que je m' efforce de manier le parachute, ce qui ne convient pas à l'histoire Je veux dire, ce pilote est censé être un expert dans ce qu'il fait. L'action de l'acteur ne peut donc pas contredire le cœur du personnage De plus, seul le pilote est visible à l'écran. Le parachute est partiellement visible. Et vous pouvez remarquer que je fais beaucoup d'efforts ici. La tentative précédente est donc bien meilleure. Nous allons donc passer au clip suivant. Celui-ci est vraiment une belle prise. Je l'ai utilisé dans le clip vidéo au moment où je luttais contre le vent pour replier le parachute parce que le vent était très fort À ce moment-là. En fait, j'ai mentionné dans le cours de réalisation que c'était une situation inattendue, une situation météorologique inattendue à laquelle nous avons été confrontés le jour du tournage Vous pouvez donc remarquer que le paragraphe apparaît dans une sorte de ralenti en raison de la taille de la pièce. Mais comme je l'ai mentionné, je l'ai utilisé pour le clip vidéo. Je ne suis donc pas intéressé à utiliser ce moment de prise de vue parce que je veux créer une autre histoire à partir des mêmes images. Mais malgré cela, nous pouvons tracer une coupe transversale à partir de ce moment, une autre section ou d'un autre moment, d'un moment spécial. Par exemple, ici, je trouve que ce moment est spécial lorsque je fais le tour du parachute en essayant de le plier Je vais donc le sélectionner uniquement pour le faire glisser dans la chronologie. Mais je vais passer à d'autres moments de ce clip. Il y a déjà des moments où j' atterris avec le parachute, deux moments Je vais regarder un moment où le parachute est déjà au sol Par exemple, ici, c'est intéressant parce que le pilote est en train de vérifier s' il n'y a pas de danger aux alentours, en se rendant compte qu'il est seul sur place. Mais tu dois faire attention à ça. Vous devez savoir exactement à quel point vous allez couper, et c'est là que les détails prennent de la valeur. Si vous remarquez, regarder autour de vous était une bonne action. Mais il arrive un moment où je baisse les épaules. Et cela dans la performance est préjudiciable au personnage. Je veux dire cette action qui consiste à abaisser les épaules et à réduire la fatigue Une fatigue que le personnage ne devrait pas avoir à ce moment-là. C'est donc un signal fort pour y mettre fin avant cette date. Donc, ce que j' essaie de vous dire, c'est que ce n'est pas quelque chose de complètement visible. Vous devez développer votre sensibilité pour remarquer ces détails et savoir où prendre la photo. Je trouve donc cette partie modulable grâce à cette technologie, et je vais sélectionner uniquement cette partie pour la faire glisser dans la chronologie Nous allons donc passer au clip suivant. N'oubliez pas que lorsqu'il s'agit de visionner de nombreux clips, vous devez essayer de vous souvenir des moments que vous avez déjà pour construire le montage dans votre esprit. C'est donc le suivant. Je vais donc vérifier cela dès le début. Je suis donc ici en train de contourner le parachute, de déplacer ce noyau Je ne sais pas pourquoi, je pense que je trouve ça un peu insensé Cela ne m'intéresse donc pas. Et malgré le fait que le tir soit équilibré. Je veux dire, la prise est bonne, mais la performance n' est pas très bonne. Mais nous pouvons continuer à chercher pendant quelques instants. Ce n'est pas un problème. Et vous pouvez remarquer que plus tard, le focus polar a complètement raté la mise au point. C'était une erreur, des choses un peu aléatoires qui se sont produites en une seule journée, tu sais, OK. Mais en fait, lorsqu'il se concentre à nouveau, la prise devient plus belle, car juste au moment où la prise se met à nouveau au point, le pilote fait le tour de l'endroit. Et c'est l'action précédente que nous avions sélectionnée lors de la prise de vue précédente. Je vais donc sélectionner ce moment et faire glisser dans la chronologie. OK. Mais la prise continue, nous pouvons donc sélectionner d'autres moments. Par exemple, dans les moments où le pilote contemple l'horizon, il regarde aussi autour de lui, mais de plus près Il est important de mentionner ces moments où un personnage regarde un endroit. Fixement, ces moments sont précieux pour les coupures. Je veux dire, vous pouvez passer d'une prise à l'autre à cause de ces moments et créer des ellipses. Comme je l'ai mentionné dans mon cours d'art cinématographique, les ellipses sont des sauts dans le temps, utiles pour raconter des histoires Je ne prends pas en compte les détails de l'arme parce que je ne suis pas en train de suivre cette situation aléatoire. Il suffit de déposer le pistolet de ma combinaison, puis je me tourne vers le caméraman. Je vais donc sélectionner uniquement le moment où je regarde l'horizon jusqu'ici, et je vais le faire glisser dans la chronologie. Nous allons donc passer au clip suivant, et cette fois c'est celui-ci où le soldat fait quelques pas dans le désert. Peut-être qu'il respire après avoir atterri avec le parachute Voyons donc cette prise de vue. En fait, la même action comporte deux prises. Il s'agit de la deuxième prise. M. Mais nous allons réduire cette prise ici, car partir de ce moment, le soldat regarde fixement les avions Les avions de combat approchent. C'est donc la scène du clip vidéo. Mais cette fois, je me concentre uniquement sur le soldat qui est dans le désert. Nous allons donc vérifier que l'autre prise de cette même action est ce clip. Vous pouvez donc remarquer dans ce clip que c'est un clip plus proche. Il s'agit donc de la même action d' un point de vue rapproché en termes de scène et de patographie OK En fait, il y a certains détails que vous pouvez remarquer, par exemple le reflet dans le miroir des deux opérateurs. C'est un détail important car vous êtes censé le corriger lors du montage. Mais d'un autre côté, je pense que les performances sont presque les mêmes. La même qualité, et le même soldat, c'est presque la même action. Mais j'oserais dire que la photographie est meilleure dans parce que la prise précédente est une prise de vue plus large Ce détail rend donc la prise plus belle de mon point de vue. Revoyons la prise précédente. Mm. En fait, le caméraman entoure le pilote lorsqu'il marche, et ce détail rend la prise de vue plus intéressante. Ainsi, une fois que nous avons fini de sélectionner les séquences pour une scène spécifique, nous pouvons recadrer toutes les séquences sélectionnées, le clip sélectionné, pour les faire correspondre à la taille d'image de la séquence Je veux dire, cette taille d'image que nous avons sélectionnée lors de la création de la séquence. Donc, à partir de maintenant, ne nous reste plus qu'à rassembler tous les clips. Voici un exemple de séquence où j'ai terminé tous les mendages, mais nous allons les revoir, clip par clip, vous savez C'est la première fois que le pilote atterrit et vous savez que cette action vient de ce clip. Nous ne choisissons donc que la section dont nous avons besoin, c' est-à-dire le début du clip. Et puis je mélange ça avec le suivant. C'est exactement ce moment où il touche le sol, le sable. Il a donc fallu être très patient pour déterminer le moment exact qui produit une action fluide entre les deux prises. Parfait. Je trouve que ça a l'air très beau et que c'est fluide. Le plus intéressant, c' est que tant que vous maintenez le courant entre les deux prises jusqu'au point d'union, le public ne remarquera pas que l'action ne se déroule pas exactement au même endroit. En fait, dans la séquence que j'ai déjà créée, j'ai déjà créé. Le deuxième clip a été recadré pour ne maintenir que le pilote sur le cadre. Je pense donc que ce n'est pas nécessaire. Je pense que lorsque le parachute est visible, c'est plutôt beau. Il n'est pas nécessaire de le recadrer. Nous continuons donc avec la séquence. Vous pouvez remarquer que le troisième clip, c'est la même première prise quand je cherche un appel d'offres, etc. Nous cherchons donc simplement une autre coupe transversale à partir de la première prise. Je pense que c'est dans les dernières secondes de la première prise. OK. Donc, le moment exact dont nous avons besoin, c'est lorsque le pilote fait face au parachute, et non avec son ventilateur, parce qu'il faut avoir ce moment pour qu'il corresponde à l'autre clip, le clip où le pilote vérifie les alentours, vous savez Ici, vous pouvez voir de près que le pilote est avec son fan, vous savez ? Alors à cet instant, il a fait demi-tour et il fait face au parachute de la même manière que dans l'autre clip Ce genre de détail semble très basique, mais ce ne sont pas du tout des détails de base. Ce sont des détails assez difficiles à mettre en évidence lors du montage. Donc, en pratiquant beaucoup, vous allez maîtriser cela. Vous allez découvrir le secret de l'extraction des détails d'une vidéo. Maintenant, vous pouvez remarquer que le clip suivant reprend la même action, mais quand il revient, il fait demi-tour et fait à nouveau face au barget Je crée donc une action comme s'il s'agissait d'une sorte de chorégraphie préalablement préparée pour ce tournage et qui n' est pas du tout créée à partir du futage, du montage Et à partir de maintenant, nous allons laisser ce clip continuer jusqu'au moment où il regardera l'horizon ici Et ce moment est utile pour créer la découpe permettant de créer des ellipses, le moment où le soldat respire, moment où le soldat fait quelques pas dans le désert N'oubliez donc pas que les moments où un personnage regarde endroit sont utiles pour créer des découpes et des ellipses De toute évidence, lorsqu'il y a un plan de séquence comme celui-ci, il n'est pas nécessaire de créer des découpes et des découpes nécessaires qui gâchent l'aspect cinématographique de la scène Cette première partie s'arrête donc ici. Nous pouvons donc reprendre une partie de la séquence que nous avons créée à partir de ce moment. Fais attention à son apparence. Cela me semble très agréable. Je trouve cette fois le saut, le psis et notre plan final très sympa . C'est le soldat qui marche dans le désert pour respirer. Jusqu'ici tout va bien, nous allons continuer à créer ce montage en éditant ce montage dans la prochaine leçon. 4. Fuir les avions de chasse: Parfait, lors de la dernière leçon, nous sommes restés dans cette partie, où le soldat respire et regarde le ciel. Mais ce que nous sommes censés créer à partir de maintenant, c' parce que ce soldat est censé continuer à errer dans le désert Mais vous savez que ce pieu représente le moment où le soldat regarde le ciel et où il se rend compte que les avions de combat s'approchent de lui Le soldat se relève donc. Il sort donc son arme et s'apprête à fermer les avions, ce qui n'a aucun sens. Mais il le fait à cause de sa colère, vous savez, mais pour le moment, nous ne nous concentrons pas particulièrement sur ce moment, car ce moment implique que nous devons ajouter les avions de combat et effets visuels liés au pistolet à feu, et je veux juste me concentrer pour le moment sur le portrait du soldat errant dans le désert Nous avons donc deux options. Le soldat regarde le sol et le soldat regarde le ciel Deux options sont disponibles pour créer le reste de la séquence. Je vais donc chercher d'autres clips pour trouver d'autres moments pour compléter cela. En gros, nous avons besoin que le soldat marche dans le désert. Nous allons donc rechercher ces moments. Ici, je fais du trotin mais je n' aime pas du tout la façon dont je trotte Je vais chercher un autre moment. Peut-être que c'est au début. Ici, lorsqu'il revendique la chanson, cela me semble vraiment intéressant. Je vais donc sélectionner celui-ci avec le, puis le final, la sortie, avec le, et je vais le faire glisser dans la chronologie pour l' avoir dans la séquence. Mais je pense que nous pouvons sélectionner un autre échantillon de cette même prise. Par exemple, ici, quand il descend cette colline de dunes, je trouve cela vraiment intéressant. Mais je sais que vous pensez avoir déjà une image, une idée de ce point de vue. Eh bien, il existe une solution. Nous pouvons transformer cette image en une autre prise. Nous pouvons ajouter et créer un plug-in qui peut retourner l'image de manière horizontale pour créer une autre prise. Et c'est une stratégie très importante pour faire passer votre avantage au niveau supérieur. Je veux dire, tu as le même point de vue. Mais dans cette prise, il y a deux moments que vous voulez utiliser, mais vous devez faire la différence en une seule tentative pour faire comprendre au spectateur qu'il y a deux moments différents. Nous passons donc au faisceau vidéo x, nous cherchons le faisceau de transformation et nous sélectionnons le retournement horizontal. OK. Et voilà, une toute nouvelle approche. Parce que de ce point de vue, à cette distance, le spectateur ne remarquera pas qu'il s'agit de la même prise. Je veux dire, la distance entre le personnage et la caméra est suffisamment longue pour empêcher le spectateur de remarquer que les images se retournent. Vous n'avez aucune idée du nombre de fois où j'ai utilisé cette stratégie pour créer d'autres prises pour la prise initiale. Et les gens ne le remarquent pas du tout. Et vous pouvez remarquer que même la direction de la lumière est la même. Prêtez attention à l' ombre du personnage sur le sol. Je veux dire, même s'ils sont dans des directions opposées, c'est un autre point de vue. Peu importe donc que de cette façon, l'ombre soit vers la gauche et que dans l'autre clip, elle soit vers la droite. Parce que c'est un autre point de vue, comme si la caméra était dans des positions différentes. Nous étions donc dans cette partie de la séquence où le soldat est accroupi et regarde le sol Et s'il s'agit de la position finale, les clips suivants seront ceux où le soldat marche dans le désert ou peut-être en train de rouler, comme dans le dernier que nous avons créé, comme celui-ci, par exemple Mais je vous ai déjà dit qu' il y avait deux options. Par exemple, si cette prise devait s'arrêter là où le soldat regarde le ciel le combattant, nous pourrions créer un autre tournant Je veux dire, vous savez que dans la séquence originale, le soldat se rend compte que le combattant approche. Alors il s'énerve. Il se lève et défie les avions avec son arme Mais une autre action pourrait être simplement de fuir cet endroit, vous savez, pour survivre. Et comme nous avons d' autres clips dans lesquels le personnage court dans le désert, nous pouvons utiliser ces clips pour créer cette séquence dans l'histoire. Par exemple, il s'agit d' une autre prise où le personnage erre dans le désert Mais en fait, il marche. Il ne court pas, mais c'est un tireur très intéressant. C'est une approche vraiment intéressante car elle comporte différents moments, différentes actions, et elles sont toutes très utiles. En fait, nous allons l' utiliser plus tard, je vais vous laisser contempler cette photo Je vais donc le faire glisser immédiatement dans la séquence pour gagner du temps. Mais en réalité, dans le même ordre, il y a différentes actions. Par exemple, il s'agit d'une autre action, d'un moment, et c'est la raison pour laquelle je ne le fais pas. Je n'ajoute pas la séquence complète une seule fois parce qu'il y a différents moments Je vais donc découper une autre coupe transversale à partir de la même prise pour créer un autre moment, un moment différent dans la séquence de l'histoire. De plus, vous pouvez remarquer que cette partie s'arrête là lorsque je regarde un endroit, comme si le pilote envisageait tout le chemin à parcourir Je vais donc recadrer les clips immédiatement pour gagner du temps. Nous sommes donc de retour ici. Le soldat est accroupi, et je vais placer l' autre clip après Donc c'est beau, beau, c'est en fait une option pour créer l'histoire d'un soldat errant dans le désert Mais comme je vous l'ai dit, il existe une autre option le soldat se rend compte que les avions de combat approchent. Je vais donc revenir au premier clip où le soldat est accroupi, et je vais couper juste au moment où il lève la tête Donc, juste à ce moment-là, nous pouvons créer un autre tournant. Je vais donc chercher une autre photo où le soldat court dans le désert. Par exemple, celui-ci me semble très utile. Nous pouvons l'ajouter à la chronologie. Mais il y a un détail important à prendre en compte concernant ce clip. Si vous remarquez qu'il court désespérément, comme si la menace le poursuivait et que les avions ne le poursuivaient pas Dans le cas du clip vidéo, les avions de combat le combattaient directement. Mais ce n'est pas le cas. Cette fois, il a vu les avions de combat de loin. Il a donc eu le temps de s'enfuir, tu sais ? La section transversale que je suis censé sélectionner est donc la dernière section de la course. Donc, quand il ne court pas de façon désespérée, mais qu'il arrive au talon que vous voyez à l'écran. Je vais donc ajouter cette coupe transversale à ce moment-là, et je vais la faire correspondre clip précédent, le clip sur lequel le soldat est accroupi Vous pouvez donc remarquer que ça a l'air très joli. Ça a l'air parfaitement cohérent. Et le plus intéressant, c'est que nous pouvons combiner ce clip avec celui-ci. Ici, où le soldat regarde le ciel pour s' assurer qu'il n' y a pas d'avions de combat dans les parages. N'oubliez pas que celui-ci, dans les dernières secondes d'un autre clip que nous avions utilisé auparavant, comme il s'agissait d'un plan de séquence, nous pouvons le laisser couler. Poursuivons donc l'action. En fait, le pilote va nettoyer un peu ce soin. Il sort son arme et reprend son souffle après avoir guéri. Ici, le caméraman perd le contrôle. C'est la raison pour laquelle je vais couper juste ici. Je vais faire glisser le pointeur dans la section transversale de la chronologie. Je vais donc recadrer le clip pour qu'il corresponde à la séquence Et ici, nous pouvons regarder les deux clips ainsi que l'ensemble de l'action. Je pense que c'est le secret du montage. Vous créez une série d' actions à partir des clips. Bien entendu, ce projet s'inscrit dans une bonne direction. Je veux dire, les actions du personnage ont du sens. Et c'est très important lorsqu'il s'agit de créer de nouvelles séquences à partir du futage original Je vais donc continuer à revoir cette mise. Il y a une autre partie où le pilote vise avec le pistolet, vérifie les alentours, et je pense que c'est très utile, vous savez. Je vais donc sélectionner ce moment. En fait, c'est le moment que j'ai sélectionné dans le clip vidéo. Je vais aussi le faire entrer dans le temps. Et comme je vous l'ai déjà dit, il y a un autre moment où il continue à regarder l'horizon. Et nous pouvons utiliser cette action pour créer un autre saut temporel, une autre ellipse. Je vais donc le faire glisser dans la chronologie afin de l'utiliser plus tard. Mais cette même prise continue. Je vais donc chercher d'autres moments utiles. Je sais qu'il y a d'autres moments. Par exemple, dans le même plan plus tard, le soldat revient parce que c'est dans cette prise qu' il fuit il fuit les micels du clip vidéo Alors, quand je faisais demi-tour, je faisais demi-tour en marchant. C'est donc très utile également, et je vais créer une autre image comme s'il s'agissait un autre plan avec une autre image avec une autre cinématographie Cela me permet de différencier cette prise de vue de l'autre où je m'enfuis. Je vais donc combiner celui-ci avec l'autre. L'autre partie de la séquence, celle où le soldat marche dans le désert. Parfait. Nous allons donc vérifier ce que nous avons créé jusqu'à présent depuis le tout début. Alors, tu es là. Un soldat arrive dans son parachute Il essaie de replier le parachute. Il a fait le tour des lieux. Il est fatigué. Et nous avons créé les ellipses, en diminuant le temps. Maintenant, le soldat marche dans le désert en essayant de reprendre son souffle. Il s'accroupit. Puis il retire son casque. Il écoute les avions de combat qui s'approchent de cet endroit. Il s'enfuit donc de cet endroit. Il regarde à nouveau le ciel. Je veux dire, la différence avec l'histoire du clip vidéo, c'est que dans cette histoire, les avions de combat ne sont pas si proches, vous savez. Il est en train de prendre, il est sorti. Il est en train de vérifier à nouveau les lieux. Regarde ce détail. Le soleil s'étend devant la caméra. Ça a l'air super. Et ici, nous avons créé un autre saut dans le temps. Le psis et on passe à l'autre scène. La séquence prise de celui-ci est vraiment magnifique. Et nous sommes l'autre à marcher dans le désert. Et nous continuons quand il traverse les dunes, mais nous allons continuer avec cela dans les prochaines leçons. 5. Among les dunes: Nous voici donc de nouveau dans Adobe Premiere. Continuons à créer cette séquence du soldat traversant le désert. Comme je vous l'ai dit, cette fois, nous allons nous concentrer sur le soldat qui traverse les dunes. Dans la dernière leçon, nous avons donc atteint le point où le soldat, le pilote, regarde l'horizon dans ce plan de séquence Je pense donc que nous avons sélectionné ces clips. Je crois que vous vous souvenez que nous inversons l'une d'elles pour créer une autre prise. Je veux dire, ces clips pourraient être utiles pour faire la transition entre les lieux. Il fuit les avions de combat vers les dunes. Vous pouvez donc remarquer qu'il y a des petits arbres en arrière-plan, des branches, et cela pourrait être un signal, un signe que vous êtes en train de peser depuis cette partie du désert, vous savez ? Vous pouvez donc remarquer qu' il a commencé à jouer. Continuons donc à revoir les séquences ici dans le B. En fait, dans le cadre de vos propres projets, vous pouvez jouer avec les clips, faire une sorte d'expérimentation pour créer un autre moment. Donc, par exemple, passons en revue cet autre clip. C'est une prise vraiment intéressante puisque le directeur de la photographie a créé deux prises et une seule Par exemple, dans les premières secondes de cette prise, le pilote marche vers l'arrière-plan et vous ne pouvez pas observer le fils. C'est donc un point de vue. Je vais tout de suite le faire glisser dans la chronologie. Mais plus tard, vous remarquerez cette autre composition de cadre. Une fois qu'il a atteint l'arrière-plan et qu'il commence à revenir, c'est comme s'il s'agissait d'une autre prise, une autre composition, un autre moment sur place dans le désert. Nous pouvons donc également sélectionner cette partie. Tapez pour l'entrée et pour la sortie et faites-la également glisser dans la chronologie. Nous pouvons donc passer à un autre clip. Voyons, par exemple, ceci ici. C'est très intéressant car il s'agit d'un plan ouvert. Le soldat traverse-t-il la colline ? N'oubliez pas que la chose la plus intéressante en termes de scénarisation est que chaque découpe que vous faites est un saut dans le temps. Donc, lorsqu'il s'agit de créer une histoire comme celle-ci, lorsque vous traversez un vaste espace comme un désert. Il est très important de décrire le passage du temps. Et je vous dis cela parce que nous avions utilisé plans de séquence dans cette composition. Mais nous créons également des sauts dans le temps avec ces coupes qui sont des ellipses Je veux dire que le soldat passe beaucoup de temps à traverser le désert. Je suis donc en train de terminer le réglage du cadre, le cadre final. Faites-le correspondre au cadre de la séquence. Parce que maintenant, je vais vous expliquer quelque chose d'important concernant le point de vue. Le point de vue est l'une des erreurs les plus courantes dans le langage audiovisuel. Donc, en vous montrant cet exemple, je vais vous empêcher de commettre cette erreur. Vous pouvez donc voir à l'écran que le soldat marche ou qu'il joue. Mais visuellement, il avance ou marche dans une direction précise. Mais il arrive qu'il y ait d'autres clips où le soldat marche dans une autre direction. Par exemple, celui-ci. Ici, le soleil marche vers la gauche, du moins visuellement. Si nous mélangeons ce clip, cela ne correspond pas aux autres. Cela va créer de la confusion dans la séquence des événements. Parce que les clips montrent le produit en train de marcher vers la droite. Permettez-moi de faire glisser un autre clip de la même action. Je pense qu'ils sont assez similaires, mais je pense que l'un d' eux est le meilleur. Je pense que c'en est un, celui-ci est le meilleur. Je vais le faire glisser dans la chronologie pour qu'il soit prêt. Parfait. Nous nous retrouvons donc dans cette partie de la composition. Vous pouvez remarquer que le soldat regarde fixement le fils et que le fils est situé du côté droit, vous savez, du côté droit Et là, vous pouvez également remarquer que le soldat marche vers la droite. Sur cette photo. Et les photos suivantes montrent également le soldat marchant vers le côté droit, j'ai raison, c'est logique. Donc, pour continuer à raconter action du soldat traversant le désert, vous êtes censé suivre cette direction de manière logique, car visuellement, cela a du sens pour le public Mais il se trouve que nous avons un autre texte où le soldat marche vers la gauche. Donc, ce que nous sommes censés faire pour faire le match. Il faut donc créer une sorte de transition pour faire le match afin de les combiner correctement. Alors d'abord, je vais vous montrer ce que vous n'êtes pas censé faire. Je vais localiser ce clip juste après le dernier tournage dans le désert et voir ce qui se passe. Vous voyez, vous pouvez remarquer qu' Isai revenait, et cela n'a aucun sens Nous avons donc besoin d'un cliché qui représente une transition en termes de point de vue. Ce type de problème est appelé problème d' axe en termes de cinématographie Et ce sont tous des problèmes amateurs qui révèlent que vous n' êtes pas un professionnel, moins en termes de montage. Donc, comme je vous l'ai dit, nous avons besoin d'une transition de prise de vue, et cette photo pourrait être celle-ci ici. Vous pouvez remarquer que sur cette photo, le soldat marche vers l'arrière-plan et légèrement vers la gauche. Mais comme il marche vers l'arrière-plan, lorsque je mélange cette photo avec la dernière prise dans le désert, cela ne pose aucun problème, car le soldat marche principalement vers l'arrière-plan. Mais comme le pilote marche légèrement vers la gauche, nous pouvons ajouter l'autre prise où le soldat marche vers la gauche. Je vais donc déplacer le clip que vous voyiez à quoi il ressemble. Prêtez attention. OK. Et cela semble parfait parce qu' il est compréhensible que ce soit un autre point de vue, un point de vue complètement différent. J'ai vu cette erreur commise dans tant de films et de vidéos sur les réseaux sociaux. Et ce que je veux, c'est que tu ne commettes pas cette erreur à partir de maintenant. Parfois, la cinématographie est bonne, la mise en scène est bonne, mais le monteur n'en est pas conscient. C'est donc quelque chose de très important en ce qui concerne l'axe. Revoyons donc la séquence à nouveau. Le soldat traverse cette partie du désert et il finit par regarder l'horizon qui se trouve du côté droit, vous savez, juste après ce point Ce point. C'est un saut dans le temps. L'autre prise. Il continue dans cette voie infernale pour sortir de cette partie du désert. Il continue vers la droite, et il continue jusqu'au point où il y a la photo de transition qui nous permet de changer de point de vue pour cette prise qui est vers le côté gauche. Tu sais. Il y a donc une autre prise où le soldat pointe à l'horizon avec son vin cos. En fait, il y a deux plans liés à cette action. Passons en revue ces deux clichés pour vous expliquer pourquoi j'ai sélectionné celui-ci. C'est donc l'autre plan, et vous pouvez remarquer que le cadre n' est pas complètement équilibré. En fait, nous avons oublié une partie du dos du soldat. Vous pouvez remarquer que la composition est meilleure ici. C'est presque le même cadre, mais ce n'est pas exactement pareil. Je pense que l'autre est meilleur. Quand on est capable d'observer complètement le corps. De plus, lorsqu'il se lève, il commence à trotter sur ce coup L'autre, il marche juste. Il est donc plus utile de le regarder prendre la gorge. Je transforme cette partie de la photo en une autre prise en gros. OK. Enfin, j'ai terminé cette partie du montage avec cette partie que je n'étais pas en train de jouer du tout à ce moment-là. J'étais justement en train de descendre cette colline, et le directeur de la photographie continue Il a donc immortalisé le moment où j'étais en train de vivre cet enfer. J'ai donc inclus ce moment dans le montage. Jusqu'ici tout va bien, nous allons continuer avec la dernière partie de ce montage dans la prochaine leçon. 6. Atteindre la mer: Parfait. Nous sommes là encore en avant-première pour créer l'étape finale de cette scène de ce montage. Dans cette partie, le soldat atteint le rivage pour activer la bombe nucléaire. N'oubliez pas que le soldat est épuisé, et c'est ce que nous allons également essayer de décrire Mais qu'y a-t-il de si spécial dans cette partie ? Contrairement à l'éclipse du prieur, dans cette partie, il est plus important de décrire la performance de l' acteur Pourquoi ? Parce que, par exemple, dans les actions précédentes où le pilote essaie de traverser le désert au milieu des airs Le plus important est de décrire le passage du temps et montrer qu'il traverse une énorme distance dans ce désert C'est pourquoi il est si important de créer ces découpes pour créer ellipses afin de créer différents moments pendant qu'il traverse ce désert Mais inversement, lorsque le pilote atteint le rivage, les conditions sont différentes car les performances se situent au même endroit. Je parle de cette partie du cliché. Donc, d'un point de vue cinématographique, il n'est pas important de créer des coupes à ce moment-là, car vous voulez décrire à la perfection la performance de l' acteur Ce clip que vous regardez à l'écran en ce moment serait donc ce moment serait la dernière étape de la traversée de ce désert. Le soldat halète et titube pour atteindre les lieux. Donc, à partir de maintenant, vous allez regarder des séquences plus longues, des vue et des prises de vue plus longues, car le plus important est de faire portrait de ce soldat fatigué Afin de permettre au public de contempler la performance de l' acteur, il est donc contempler la performance de l' acteur, il est très important de sélectionner des prises plus longues Et c'est la première fois qu'il est à court de musique. autre côté, je pense qu' il est également très important de parler de style, car le style change au fil des ans. Donc, à ce stade de l'ère 2024, je pense que les plans de séquence sont plus importants et que le langage cinématographique Personnellement, je pense que c'est une sorte d' art qui met en quarantaine l'héritage C'est une sorte de style qu'ils installent chez les cinéastes en herbe, tu sais ? Je veux dire, ils jouent beaucoup avec les plans de séquence. Donc, après ce cliché, ne reste que trois prises à venir. Le premier est celui-ci qui décrit l'action qui se passe sur le visage du soldat lorsqu'il atteint le rivage, faites attention au bac Il ne reste que quatre clips à examiner. Par exemple, celui-ci est un point de vue très ouvert. Il y a deux points de vue à ce sujet. Je pense que c'est le premier. En fait, je pensais que j'étais en train de m'entraîner à la performance que je suis censé faire. Le soldat a donc dû retirer son étui à fusil, puis boire les dernières gouttes d' eau de la cantine Mais cette prise, je n'enlèverai pas du tout le t-shirt. J'étais donc en train de répéter l'action pour le directeur de la photographie à ce moment-là Mais parfois, ces répétitions de la performance sont importantes, car ce type de prises permet de faire ressortir des actions importantes J'ai donc supprimé l'action ici, je pense, pour créer une autre prise. Nous allons donc passer en revue l'autre clip. L'autre est bon, c' est le même point de vue vu de loin, mais cette fois l' action est terminée. Le soldat atteint le rivage. Il est épuisé. Il enlève son étui de protection solaire Il boit les dernières gouttes d'eau. Il enlève sa chemise, comme je te l'ai dit, et il tombe sur le rivage. Le soldat est donc en train de plonger profondément dans ses pensées, de ressentir le moment présent. Et il opte pour son détonateur qu'il a rangé dans sa poche Il s'agit donc également d'un plan de séquence même si l'appareil photo ne se déplace pas du tout, mais que l'action est suffisamment longue pour être un plan de séquence. Il finit donc d'activer le détonateur. Il entre à nouveau dans l'eau pour contempler l'explosion. En fait, j'ai utilisé certains de ces moments pour créer ce moment posi dans le clip vidéo, car c'est un très bon cliché Mais je pense que la photo la plus importante de cette partie est celle-ci. Je veux dire, le point de vue le plus proche. Je pense qu'en termes de performance des acteurs, les performances sont meilleures et que la cinématographie est également très bonne Je vais donc vous laisser contempler l'ensemble du début à la fin Je pense que cette prise était incroyable. Le directeur de la photographie contemple l'instant entier d'une manière profonde Et comme la caméra est plus proche des acteurs, est capable de capturer les gestes en détail, et les performances sont meilleures, en fait. C'est plus réel, plus fort et plus ferme. La façon dont le SI détruit le détonateur, il le fait de façon désespérée Et au moment où le soldat se relève, la caméra suit assez bien l'acteur. C'est vraiment un excellent directeur de la photographie. Je trouve vraiment magnifiques ces moments où le directeur de la photographie s'implique vraiment dans la performance Et c'est la raison pour laquelle le fait de créer des coupures cette fois-ci nuit au langage cinématographique Je veux dire, la caméra est censée être soumise à la performance de l' acteur. Je ne retire donc que la partie où le soldat retire l'étui de son arme Et je l'ai fait parce que je voulais ajouter le point de vue général de l'action. J'ai donc ajouté la réaction du soldat lorsqu'il atteint le rivage. Ensuite, j'ai ajouté cette photo pour créer un point de vue général, parce que nous devons montrer que le désert se termine sur cette plage Donc ici, il y a une mini-ellipse car on ne voit pas le moment où il s'est accroupi C'est donc une sorte de mini-saut dans le temps. Et j'ai choisi ce moment exactement parce que l'action d' enlever le t-shirt est meilleure au plus près. Nous pouvons regarder à nouveau le plan grand ouvert pour voir à quel moment le soldat enlève sa chemise. Juste ici en ce moment. Il enlève donc sa chemise, mais la performance ne dépeint pas un état d'épuisement. Je pense que j'ai eu une mini-déconnexion à ce moment-là. C'est la raison pour laquelle je préfère l'autre action, l'autre prise parce que dans l'autre prise, elle était complètement liée au personnage. Donc, à partir du moment où j'ai retiré le t-shirt, je pense que c'est largement suffisant pour laisser passer le deuxième coup. Bien entendu, dans le clip vidéo, j'ai créé des extraits dans cette partie parce qu'il s'agit un autre type de produit audiovisuel. Donc, dans le clip vidéo, je suis censé ajouter les parties lorsque je chante. Je dois donc créer des découpes. D'autre part, j'ai ajouté la partie où le missile s'envole dans le ciel et aussi le dessin. Mais ce que j'essaie de vous expliquer, c'est que lorsqu'il s'agit de créer un court ou un long métrage, il est plus important de sélectionner un plan de séquence capable de décrire la performance de l' acteur, la performance du personnage Il est important d'y prêter une attention particulière car il pourrait y avoir d'autres textes aussi beaux que celui-ci. Mais peut-être qu'ils ne dépeignent pas aussi bien la performance de l'acteur que celle-ci Par exemple, celui-ci, il y a des moments si beaux en termes de cinématographie, par exemple, ce moment, où vous pouvez remarquer la mer infinie à l'horizon Et le reflet des personnages sur le sable mouillé, par exemple, ce sont de beaux détails dans le cadre, mais ils ne sont pas plus importants que la performance de l'acteur dans l'autre prise. En fait, ce moment est bon quand je m'accroupis, mais la séquence entière n'est pas aussi bonne que l'autre Il n'y a donc aucune raison de créer des coupures ici. Cela nuit au langage cinématographique. Comme je vous l'ai dit, lorsqu'il s'agit de créer des films ou des courts métrages, c'est le plan de séquence qui compte le plus. Il y a un autre détail important à la fin de cette séquence : le détonateur En fait, le détonateur est une sorte d' horloge dotée d' un Nous avons activé le chronomètre, puis nous avons reporté la prise à l'envers Maintenant, les seconds comptent à rebours. OK. Je vais donc vous laisser contempler toute la séquence depuis le tout début jusqu'à ce moment précis. Essayez donc de faire attention à tous les détails visibles. Et si vous devez revenir aux leçons précédentes pour vérifier à nouveau le processus, vous pouvez également le faire. Regardons donc la scène depuis le début. 7. Créer le passage du temps dans le montage: Bonjour, dans cette leçon, nous allons analyser comment représenter le passage du temps dans Mantag. Par exemple, dans ce clip vidéo, il était nécessaire de représenter le bas au début. Pour créer cette illusion du passage du temps, il est important non seulement de corriger les couleurs du dégradé de couleurs, mais aussi d'intégrer certains signes en termes d'écriture d'écran qui aident le public comprendre que la scène entière représente la montée complète de la chanson en quelques secondes. Vous pouvez donc vous rendre compte que dans cette photo, il y a une correction de couleur spécifique. Je dirais que c'est pour les couleurs bleues. Ainsi, même si nous ne regardons pas directement la chanson monter, la correction des couleurs représente exactement ce moment. L'élément clé de cette partie est donc la couleur du ciel. Vous pouvez voir à l'écran que la couleur du ciel et cette photo est quasiment la même sur les photos suivantes. Par exemple, celui-ci. C'est assez similaire. Mais tant que le combat de chiens commence, le lever du soleil apparaît à l'écran. Il faut donc faire très attention à la correction des couleurs juste avant cette prise car juste après cette prise de vue, la correction des couleurs évolue vers l'écran et le jaune, car le soleil est désormais plus visible Ce time-lapse accélère donc le temps en termes d'écriture d'écran C'est donc une fantastique vidéo d' archives. Il est donc important d'en tenir compte lorsqu'il s'agit de créer un montage comme celui-ci, car les découpes de ce montage me permettent d'ajouter toutes ces images du soleil. Et créez un intervalle de temps prolongé en quelques secondes, car en fait, ce processus de repos sain peut parfaitement prendre 1 heure Je veux dire dans la vraie vie. Non De plus, il est important de prendre en compte la sélection de vidéos d'archives car non seulement le temps mais aussi l'espace sont importants. Donc, si vous remarquez au début, les avions de combat venaient de régions partiellement montagneuses. Et sur les plans suivants, nous voyons des avions de combat s'éloigner de A motin Mais pour en revenir à l'éclairage, vous pouvez remarquer qu' au moment où l'avion du personnage va être arrêté, la couleur du ciel est complètement différente. Je veux dire, toute la séquence est plus illuminée. Je veux dire, nous essayions de représenter ce moment où le soleil se lève et tout est illuminé. Je pense que juste ici, la différence est plus perceptible. Revenons au début de la vidéo. Vous pouvez remarquer la température bleue. Et juste ici, le soleil s'est déjà levé. C'est pleinement le matin. Donc, en résumé, lorsqu'il s'agit de créer ce genre de scènes, vous devez tenir compte de ces deux facteurs, fois la correction des couleurs et la sélection du corran et des vidéos appropriées D'autre part, vous pouvez remarquer la nature de la surface sur laquelle vivent ces personnes. C'est une zone rocheuse, semblable à celle où l'on voit passer des avions de combat. Mais je dirais que le plus important est de décrire le passage du temps dans ce court laps de temps Je veux dire, c'est une séquence assez courte. Mais comme je vous l'ai dit, en raison de sa nature, de sa découpe, ces découpes me permettent de créer cet effet. Cette transition temporelle se produit à chaque prise de vue. Je vous ai donc montré cet exemple car cette partie du clip vidéo est principalement créée à partir des vidéos d'archives. Donc, lorsqu'il s'agit de créer ce type de montage, il est très important d'apprendre à ordonner correctement les clips et les séquences. autre côté, j'avais utilisé cette stratégie non seulement au début de la vidéo, mais tout au long du clip , du début à la fin. Vous pouvez remarquer ici que le clip commence dans une sorte de température froide, puis la vidéo passe à des couleurs plus chaudes. Par exemple, ici, c'est tout l'après-midi. Mais la vidéo ne décrit pas seulement le passage du temps grâce à la correction des couleurs, mais utilise également à nouveau des vidéos d' archives Parce que, par exemple, il y a une autre photo ici où vous pouvez voir la lumière du soleil indiquant qu'il fait déjà jour. De plus, à ce moment de la vidéo, il était également très important de montrer que le soldat se trouvait dans le désert au son des airs Je veux dire, ça ne peut pas être une vidéo du lever du soleil. Il fallait que ce soit spécifiquement dans le désert. Ainsi, la perception que vous avez en tête lorsque regardez la vidéo est la somme de ces facteurs. Et de la même manière que le soleil se lève au début de la vidéo. Au fur et à mesure que le clip vidéo avance, le soleil est censé se coucher. Mais à partir de ce moment, il n'a pas été difficile de décrire cela car nous tournions au coucher du soleil La représentation naturelle de la lumière tout au long des prises était donc tout au long des prises était parfaitement liée à l'histoire. Je veux dire, du moins dans cette partie de la vidéo. Par exemple, ici, le soleil est presque caché derrière les nuages et presque au coucher du soleil. Donc, en ce moment, la lumière est évidemment différente. Je n'ai pas besoin de mettre à nouveau le soleil sur l'écran. De plus, le soleil est évidemment caché derrière les nuages. Je veux dire que le soleil ne déteste pas directement l'image. La lumière est filtrée par les nuages. Il est important de mentionner qu'il existe d'autres facteurs, d'autres signes que vous pouvez utiliser pour décrire le passage du temps Il peut s'agir d'un arbre à chaque saison, par exemple. C'est une sorte de pépin , mais c'est utile. Il existe de nombreux films, de nombreux grands films qui dépeignent le passage du temps en représentant un élément naturel de chaque saison Il peut également s'agir d'un événement important d' une année spécifique ou quelque chose d'aussi simple qu'une horloge, par exemple. Vous avez donc pu sélectionner, choisir autant de signes que possible pour représenter le passage du temps. Je voulais donc terminer cette leçon en vous rappelant deux choses importantes La différence entre le temps diététique et le temps narratif. J'en ai parlé dans mon cours d' art cinématographique, mais je vais vous le rappeler dans cette leçon Le temps diététique est donc le moment où l' histoire se déroule Cela peut prendre des heures, des jours, oui, par exemple, toute une vie. Mais d'un autre côté, le temps narratif est la durée du produit audiovisuel. Cela peut prendre 4 minutes pour un clip musical, 50 minutes pour un court métrage ou deux ou 3 heures comme un film. C'est l'heure de la narration. Essayez donc de vous souvenir de tout et mettez-le en pratique jusqu'à la prochaine leçon. 8. Ordre du point de vue et progression dans l'explosion: Encore une fois, c'est parfait dans Adobe Premiere. L'idée est d' analyser cette scène en profondeur car ce n' est pas si simple que cela. Ce n'est pas si simple de créer ce genre de scènes. Le premier détail à prendre en compte est le traitement attentionnel de l'être humain Je veux dire, lorsque vous lisez le produit Adviso. Il y a une progression dans cette lecture. Ce que je veux dire par là, c'est que j'ai utilisé plusieurs images pour représenter l'explosion nucléaire La première vidéo est donc une véritable explosion. En blanc, c'est le premier car une fois que vous le voyez à l'écran, l'idée de la bombe nucléaire s'installe dans votre esprit. Manière complètement sérieuse. Je veux dire, en quelques microsecondes, cette idée s' installe dans votre esprit À partir de ce moment, les autres vidéos sur la bombe atomique doivent faire moins d'efforts que la première vidéo pour vous convaincre qu' il s'agit d'une véritable explosion. Il s'agit d'une progression progressive qui se produit dans toutes les œuvres audiovisuelles Cette stratégie consistant à utiliser les meilleures vidéos de l'explosion est donc très importante pour générer l'effet d' une véritable explosion dans l'esprit du public. Bien entendu, cela doit également s'accompagner d'une progression des actions correctes utilisant les coupes aux moments appropriés. Ce que je veux dire, c'est que la deuxième image que nous voyons à l'écran, je veux dire la deuxième image de la bombe, doit coïncider avec la progression de l'explosion. Cela semble évident alors que la réalité ne l'est pas. Je veux dire, si la première image représente le premier stade de l'explosion, la seconde doit montrer un stade d'explosion plus avancé. Ce n'est pas le début, et cette progression doit avoir des coordonnées. Vous pouvez donc voir à l'écran qu'il y a des coordonnées. Faites attention à la taille du champignon explosif dans les premières images, puis le champignon apparaît plus tard. Je dirais donc que ces deux points sont très importants pour sélectionner les meilleures images au début et la bonne progression de l' action à l'écran. autre côté, il y a un autre facteur , c'est le point de vue. Lorsque vous regardez cette partie de la vidéo, je parle de l'explosion nucléaire L'onde de choc est censée aller dans une direction précise. Je veux dire, dans ce cas, qui est un clip vidéo, il reste peu de temps pour montrer l'explosion nucléaire Donc, de la même manière, comme je vous l'ai montré dans cette partie, de la scène du soldat. Je veux dire, la scène où le soldat marche dans le désert. Dans certaines parties du montage, nous avons dû sélectionner de quel côté le soldat était censé marcher. À certains endroits, le soldat marchait vers la droite. Dans les autres, il marchait vers la gauche , même s'il traversait juste le désert. C'est donc la même chose qui se passe ici. Nous sommes donc censés sélectionner de quel côté se dirige l' onde de choc. Ce que je veux dire, c'est qu'il peut s'agir d'une rivière, par exemple, qui s' écoule à l'écran vers un côté spécifique. Donc, sur le montage, vous êtes censé suivre ce côté pour le rendre court. Je veux dire, vous ne pouvez pas montrer à l'écran une rivière qui coule vers la droite, puis la photo suivante coule vers la gauche, par exemple. Cela n'a aucun sens. Donc, dans ce cas, où la nouvelle explosion est censée l'étendre, vous devez choisir de quel côté cette explosion est censée s'étendre à l'écran. Mais pas aussi sur la direction mais aussi sur la position de l'explosion par rapport au personnage, tu sais ? Sur cette photo, vous pouvez remarquer que l'explosion se trouve sur le côté gauche par rapport au personnage. Ces détails constituent donc une lecture compréhensible pour le public. De plus, si vous voulez changer le point de vue du soldat, comme c'est le cas sur cette photo, il doit y avoir des points de référence visibles pour savoir où se trouve le soldat par rapport à l'explosion. Par exemple, vous pouvez remarquer que le C se trouve derrière le soldat sur ce cliché. Vous savez donc que sur ce cliché précis, l'explosion se trouve du côté droit. Pour en revenir à la question de l' explosion, vous pouvez remarquer que toutes les images représentant l'onde de choc représentent une onde qui se déplace vers le côté droit. Donc, pour le faire, certains clips sont censés être retournés avec l'effet correspondant De la même manière que nous l'avons fait dans la scène où le soldat croise les airs. Et vous devez faire très attention à cela, car ce sont des choses qui sont perçues inconsciemment par le public Et n'oubliez pas que si vous ne voulez pas retourner les images, il doit y avoir des signes à l'intérieur du cadre. Il doit y avoir des points de référence qui indiquent où le personnage est positionné. Remarquez que même l'enfant regarde le côté gauche. Une autre raison pour laquelle, dans ce cas, je peux mettre ce clip ici. Je veux dire, dans le clip où le soldat contemple l'explosion, celui-ci montre qu' auparavant, il y avait une scène entière où le soldat contemplait le désert de l'arrière Juste quelques secondes après l'explosion de la bombe. Je veux dire, si nous revenons à la scène précédente, vous remarquerez que le soldat regarde le désert de ce point de vue, et vous pouvez remarquer que le s est derrière lui. Donc, même si l'onde de choc se déplace vers le côté droit, nous avons ce point de vue qui nous fait comprendre que le soldat est là-bas et qu'il envisage l'explosion de ce point de vue Donc, en conclusion, je pense que cet exemple est parfait pour vous expliquer cela, et je pense qu'il est utile pour vous permettre de créer une scène de course automobile ou une poursuite dans une scène et dans A Street, vous devez toujours suivre la même direction dans la progression des actions dans une scène. Donc, si vous voulez changer cette direction, vous êtes censé le justifier. Et le moyen que vous êtes censé utiliser pour le faire est de justifier le changement de direction ou simplement d'ajouter un point de référence dans le cadre. Comme dans cet exemple, où le soldat regarde le désert avec la mer derrière lui. Je veux dire, vous pouvez créer une scène où une voiture goûte une autre voiture, et vous pouvez jouer avec un point de vue différent en termes de cinématographie Mais si le spectateur est capable de comprendre dans quelle direction se dirige la voiture dans la scène, il n'y aura aucun problème. Cela signifie qu'il y a suffisamment de points de référence. Essayez donc de vous en souvenir, essayez de mettre tout cela en pratique, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 9. Améliorer les lunettes de visée Sky Lumetri et le deuxième cycle HSL: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons découvrir un outil puissant permettant modifier le coucher du soleil et d'améliorer l'apparence du ciel de notre époque. La correction HSL Cutter dans Adobe Premier Metric Cutter. Mais offrez également un aperçu de la façon d' utiliser correctement les télescopes Lumetri Le correcteur de couleur HSL est un outil qui nous permet d' ajuster de manière sélective la couleur du vintage Cela nous permet de contrôler avec précision la teinte, saturation et la luminance de chaque couleur dans C. En matière de réalisation de films, soleil sont des moments magiques où couleurs du ciel changent ou se privilégient Cependant, nos appareils photo capturent parfois avec précision la beauté de ces orteils. C'est là qu'intervient le correcteur de couleur HSL. Cela nous permet d'améliorer la couleur du coucher de soleil, mais en ajustant la teinte pour rendre les tons plus chauds ou plus froids selon nos préférences. De plus, nous pouvons augmenter la saturation pour rendre les couleurs plus vivantes et attrayantes sans perdre le champ naturel de la mer. Enfin, nous pouvons ajuster la luminance pour mettre en évidence les zones éclairées par le soleil et ajouter de la profondeur au ciel Mais passons à la première d'Adobe pour comprendre l'outil lumroscope et le Bonjour encore une fois. Je pense que le sujet principal, le principal sujet à aborder lorsqu'il agit de créer ou corriger les couleurs est d' apprendre à utiliser les Lumetri Le lumetri scopes est donc un outil qui me permet d' analyser le spectre lumineux dans Je l'ai expliqué dans mon autre cours de montage de films, mais je trouve cela très agréable de le revoir avec un autre exemple. Nous allons donc aborder ce sujet à nouveau afin de bien le comprendre. Nous avons donc ici la séquence, le futage brut de cette partie du clip vidéo J'irai là où je chante. Ce premier clip est donc l' image sans filtre ajouté. Je veux dire, l'image brute. Et en voici un autre, c'est le même clip avec la correction des couleurs. Ce que je veux faire, c'est vous montrer comment réagissent les lumetri scopes lorsque la correction des lumetri scopes lorsque la couleurs s'améliore grâce à l' C'est donc une leçon très intéressante. Allons donc chercher les lumetri scopes ici. Vous pouvez le trouver facilement, à proximité du panneau de commande des effets. Le limeroscope est donc une sorte d'analyseur de fréquence sonore, mais en termes de couleur de la lumière Je vais donc déplacer le curseur sur le premier clip brut Donc, comme l'image n'a pas de correction des couleurs, je veux dire qu'elle est désaturée Les couleurs ne sont pas trop vives, rien du tout. Vous pouvez remarquer que dans le spectre des limescopes, il y a une sorte de mince nuage qui s'étend sur les Mais il ne ressent pas du tout tout le spectre de la lumière. Cette image ne touche donc que certaines fréquences lumineuses. Ces couleurs et fréquences sont liées à ce que vous regardez sur le moniteur, vous savez ? Mais vous pouvez remarquer tout l'espace qui reste ici. Spectre. Mais attention à ce qui se passe lorsque vous déplacez le curseur sur l'autre clip. Prêtez attention à la différence. Vous pouvez remarquer que la bande perçoit l'ensemble du spectre, car sur l' ensemble du cadre, la couleur saturée est suffisamment lumineuse pour ressentir l'ensemble du spectre. Cette distorsion située au milieu du spectre est la représentation dans cette langue du personnage au milieu de l'image. Je veux dire, le personnage a une chemise noire et le costume est vert, mais il est foncé et vert, tu sais ? La bande du spectre se replie donc vers le dessus noir. Mais le plus important, c'est qu'en fait la correction des couleurs de l' image se fait vers les couleurs chaudes, mais qu'elle a une correction de couleur appropriée, et c'est la raison pour laquelle elle perçoit tout le spectre. Revoyons à nouveau l'image brute. Vous pouvez remarquer que c'est trop pâle, et c'est la raison pour laquelle cette rayure est trop fine. Nous allons donc maintenant créer une sorte de correction des couleurs. À ce cadre, ce cliché vous apprendra à utiliser correctement la correction des couleurs de manière simple et en utilisant comme guide, les lumetroscopes Commençons donc par ajouter un connecteur de niveaux, et je vais déplacer légèrement l'entrée en noir et l'entrée blanche également. Je veux dire, je vais augmenter la quantité de lumière et le contraste de l'image. Faites maintenant attention à la façon dont le lumetrocope change en déplaçant Remarquez que la bande s'est un peu élargie, car en ajoutant du contraste et de la lumière, les couleurs se sont automatiquement améliorées Je veux dire qu'ils sont devenus plus brillants. Ainsi, en réglant correctement la quantité de lumière ou de contraste que l'image peut avoir, nous améliorons la plage dynamique de l'image. Ainsi, par exemple, si vous ne pouvez pas vous permettre un bon moniteur, je vous recommande vivement de suivre les métroscopes Leo pour effectuer une correction des couleurs appropriée Je vais donc ajouter le reste des plug-ins de cette image. Par exemple, ce coucher de soleil. Je l'ai utilisé pour améliorer l'apparence de ce ciel. En arrière-plan. Donc, dans la mesure où j'ajouterai des effets, les scopes li metro vont changer Je vais donc chercher l'effet du coucher de soleil ici. Par ici, c'est parfait. Et je vais modifier la configuration par défaut. Permettez-moi de mentionner que vous allez voir en détail le coucher du soleil dans une autre leçon Mais ce que je veux vous montrer, c'est la réaction des métroscopes Leu en ajoutant cet effet En gros, le displugin permet d' améliorer l' apparence générale du cliché C'est comme s'il s'agissait d' une sorte de filtre, j'améliore la couleur du ciel y ajoutant une sorte de balle bleue. Et je peux également ajouter d'autres couleurs au bas de l'image. Et le plus intéressant, c'est que même si vous n' avez pas de ciel bleu, vous pouvez créer une sorte de ciel bleu en ajoutant cet effet. C'est donc l'un des outils les plus utiles de cette suite de bars. Donc, pour l'instant, il suffit de prêter attention aux modifications l'image pour comprendre la comparaison entre les deux images, les deux prises de vue. Vous êtes en train d'améliorer celui-ci et un autre qui est déjà corrigé. Passons donc aux lumetroscopes, et vous y êtes. Regarde cette rayure. C'est tellement différent. Ce plug-in a donc vraiment amélioré la plage dynamique de l'image. Mais essayez de faire attention à ce que le moniteur et le moniteur du programme affichent. Nous nous rapprochons de plus en plus. La partie supérieure du spectre correspond aux lumières. Je vais donc augmenter la quantité de lumière de l'ensemble de l'image, et vous remarquerez la différence sur les métroscopes Liu. Et tu es là. La bande se rapproche de la partie supérieure du spectre. C'est très important car si vous n'avez pas un moniteur de bonne qualité, je veux dire, un moniteur physique externe, le métroscope Leu vous aidera à atteindre la bonne quantité de lumière Mais attention à cela. Cela ne signifie pas que vous êtes censé toujours remplir tout le spectre. C'est une sorte de subjectivité. La correction des couleurs est toujours subjective. La correction des couleurs apporte une touche personnelle. Mais je pense qu'en termes de plage dynamique et de lumière, vous êtes censé avoir une configuration générale capable de s'adapter à tous les appareils. Continuons donc à effectuer cette correction de couleur. Nous allons maintenant montrer une petite partie du ciel, cette partie en arrière-plan où la lumière passe parmi les nuages. Et en fait, le simple fait d'ajouter ces détails à l'image lors de la correction des couleurs va changer radicalement Nous allons donc ajouter le correcteur de couleur HLS ici. Nous allons ajouter la couleur lumetri. Comme vous le savez, il s'agit d' un plugin original d'Adobe Premiere, un outil très utile, en fait. Je vais donc faire ressortir les faits ici. Parfait. Nous allons donc en haut de la page, HSL secondaire. Et maintenant, nous allons sélectionner la couleur spécifique S du ciel que nous allons modifier. Je veux dire, cette partie du ciel près des montagnes, où le soleil brille à son paroxysme, tu sais ? Ce que je veux faire, c'est une sorte d'effet comme si la lumière du soleil était directement là-bas. Je veux dire, comme si le soleil lui-même était caché derrière les montagnes. En fait, dans cet autre clip, ça ressemble à ça . Remarquez la différence. Donc, comme je vous l'ai dit, nous allons au lycée HSL. Ensuite, nous allons passer à ce compte-gouttes ici. Ensuite, nous allons cliquer sur la couleur S spécifique que nous voulons modifier. Ce plugin va donc automatiquement créer un masque. Et en fait, nous pouvons choisir la façon dont ce masque sera affiché sur le moniteur. La partie blanche du moniteur correspond donc aux tons spécifiques qui seront affectés par cette correction de couleur. Vous pouvez voir sur le bleu qu'il y a trois lignes. Le premier, g, correspond aux tons gamma, le second à la saturation et le troisième à la lumière. Mais attention car je ne déplace pas la correction des couleurs. Je règle le masque avec plus de précision en déplaçant les faveurs. Ainsi, en le déplaçant, vous pouvez modifier la quantité de lumière que le masque va sélectionner dans l'image. agit donc, d'une certaine manière, d'une sorte de masque, n' a pas du tout à créer de polygone Ainsi, une fois que nous avons fini de créer cette sélection, nous pouvons passer à cette autre section consacrée aux outils de correction des couleurs. Et par exemple, nous pouvons modifier la température. Remarquez la différence sur le moniteur. Nous pouvons améliorer la couleur en déplaçant également cette roue ici. Vous pouvez toucher n'importe quelle couleur, en fait. Vous pouvez vous déplacer pour porter du rouge, jaune et du bleu Mais évidemment, vous devez avoir certains clans en déplaçant cette roue, ces couleurs. En fait, vous pouvez expérimenter en le déplaçant. Rien n'est établi lorsqu'il s'agit de créer une correction des couleurs. Dans un autre conseil, il est simple de bouger petit à petit, chaque paramètre. Regardons l'autre clip. De toute évidence, l'autre correction de couleur est plus lumineuse, plus éclairée. Mais la correction des couleurs que je fais en ce moment est également très intéressante. Vous pouvez remarquer que la couleur du ciel dans cette partie où le soleil couche parmi les nuages donne vraiment l'impression que le soleil était caché derrière cette montagne, vous savez. Je vais maintenant désactiver ce dernier effet. Vous pouvez donc remarquer la différence, vous savez. En fait, c'est très intéressant car cette image semble vraiment avoir une plage dynamique plus étendue que l'autre. Je veux dire, de mon point de vue, il y a plus de couleurs que l'autre. Mais le métroscope Leu indique que l'autre a une plage dynamique plus importante Et cela est dû au fait que l'autre a une meilleure configuration d'éclairage. Il est donc trop important de prendre en compte ces paramètres afin de corriger correctement les couleurs. Mais ne soyez pas trop strict , car la correction des couleurs est assez subjective. Donc, ce que j' essaie de dire, c'est que même si le liméroscope indique que l'image ne reflète pas tout le spectre, votre image est peut-être assez belle en termes de narration Tous ces outils de correction des couleurs sont donc en fait des appareils créatifs pour la réalisation de films qui vous aideront à raconter des histoires Regardons donc à nouveau l'image brute. Maintenant, nous allons réactiver tous les gins bleus que nous avons ajoutés auparavant. Je pense que c'est une différence spectaculaire en termes de correction des couleurs. D'autre part, je vous recommande vivement d' utiliser comme source d' inspiration des peintures, des peintures baroques, des peintures de la Renaissance, etc. Je pense qu'il n'y a pas de meilleures références que celles-ci pour créer des corrections de couleur extraordinaires. Regarder des films de qualité est également une bonne stratégie. En résumé, le correcteur de couleur et de couleur lumétrique HSL est un outil inestimable pour améliorer l'apparence des couchers de soleil et leurs formes lors du cutage . Cela nous permet d'améliorer la saturation de la graisse et ajouter de l'aluminium pour créer des époustouflantes et mémorables Donc, la prochaine fois que vous vous retrouverez à éditer un coucher de soleil, n' oubliez pas de tirer le meilleur parti de ce puissant outil. Mais je vais vous montrer un exemple de l'utilisation de cette technique dans cette scène du film Benjamin Button. Dans cette scène, la chanson n'était pas vraiment de cette couleur. Je veux dire, certaines parties du coucher de soleil ont été modifiées en changeant de couleur, de sorte qu'il semble que Songlight était exactement là Preuve en est que Songlight ne se reflète ni sur la scène ni sur les objets Cependant, ça a l'air génial. Puisque toute la scène est magnifique. De plus, le public n'est pas au courant de ces détails, vous savez, surtout quand le film est génial, l'histoire est également géniale. J'espère donc que cette leçon vous a été utile et que vous êtes prêt à appliquer ces connaissances à votre projet de montage vidéo rond jusqu'à la prochaine fois. 10. Améliorer le filtre de coucher de soleil Boris: Bonjour, tout le monde. Comment ça se passe ? Dans cette leçon, nous allons aborder la correction de la couleur du ciel à l'aide de l'effet Boris, un outil incroyablement utile pour le montage vidéo. L'idée est de donner à nos scènes un aspect plus raffiné et réaliste en ajustant la couleur du ciel pour mieux correspondre à l'ambiance que nous voulons transmettre dans l'histoire. Mais pourquoi est-ce si important ? Eh bien, le ciel peut avoir une grande influence sur l' atmosphère d'Aosine Aosine peut se sentir plus blanche et plus heureuse avec un ciel bleu clair ou plus foncé et plus tendue avec un ciel habillé maîtrise de la correction de la couleur du ciel nous donne donc un niveau de contrôle supplémentaire sur les sentiments que nous voulons transmettre dans l'histoire ou dans le projet général Boris Effect nous offre des outils incroyables pour y parvenir. Grâce à des outils tels que le nivellement du coucher du soleil et les filtres, nous pouvons ajuster la couleur et le ton du ciel de manière très précise, ce qui nous donne une grande flexibilité en termes de créativité et de style Mais à quoi cela ressemble-t-il dans la pratique ? Eh bien, si nous regardons des films comme Mad Max Fury Road, nous pouvons voir comment la correction de la couleur du ciel peut réellement transformer une scène. Dans ce film, le ciel rouge et poussiéreux contribue grandement à l'atmosphère post-apocalyptique et au sentiment de désespoir et de chaos Dans cette leçon, nous allons donc découvrir comment le faire nous-mêmes. Je vais vous montrer étape par étape comment vous pouvez utiliser les outils d'effet d'alésage pour ajuster la couleur du ciel en cas d'acné et lui donner exactement l'apparence que vous recherchez. Mais passons à Adobe Premiere pour voir cela en détail. Nous sommes donc de nouveau dans la première d'Adobe. Ce que nous allons voir dans cette leçon. Nous allons apprendre à utiliser ce que j'appelle le numérique et les filtres en utilisant un plugin spécifique de la suite Boris. Quelle est donc la chose la plus importante lorsqu'il s'agit de créer une correction des couleurs et d' améliorer l' apparence du ciel sur n'importe quel cliché ? Tout d'abord, nous devons apprendre ce qu'est A et filtrer. Et les filtres ont été créés au siècle dernier alors que les appareils numériques n'existaient pas. Je veux dire, des outils numériques comme les ordinateurs pour créer une correction numérique des couleurs. Donc, comme le montage de l' époque était complètement analogique, afin de créer cette apparence du ciel que vous regardez sur l'écran que vous regardez sur ces photos Il était nécessaire d'ajouter des filtres à l'appareil photo pour créer look que vous regardez à l'écran. Les filtres sont donc comme des gels placés sur le dessus de l'objectif et qui déforment la couleur de l'image pour obtenir une apparence réelle directement sur l'appareil photo lors de l'enregistrement Ainsi, vous pouvez remarquer sur les disques, par exemple, qu'il y a une sorte de dégradé qui passe du bleu au jaune, et si vous aviez prêté attention au ciel dans votre vie quotidienne, vous remarquerez que le ciel ressemble à ceci Je veux dire, c'est tout à fait normal que vous puissiez remarquer tous ces dégradés de couleurs dans le ciel Par exemple, vous pouvez remarquer encore plus ce cliché où les ratés tombent au sol Ici, on remarque qu' il y a un bleu en haut et un autre ton pâle en bas. Mais comme vous le savez, lorsque vous photographiez, le ciel ne ressemble pas toujours à ça. Je veux dire, il n'y a pas toujours des conditions qui font que le ciel ressemble à ça. Essayez donc d'imaginer ce H huit ans alors qu'il n'y avait pas tous les appareils qui existent aujourd'hui. Les filtres D étaient donc à l'époque un outil stratégique pour obtenir une image avec une plage dynamique de couleurs élevée. Donc même ici, dans ce cliché qui semble déaturé, il y a aussi cet effet pour améliorer la couleur du ciel Je sais que c'est un effet subtil, mais il existe. Cela contribue à donner à l' image un aspect professionnel. Il existe donc de nos jours des outils pour y parvenir sans utiliser de filtres physiques D. autre côté, il est important de se souvenir d'une chose importante. Le cinéma est un art de raconter des histoires. Le plus important est de raconter une histoire. Et peu importe qu'il s'agisse d'une courte ou d'une grande histoire. La correction des couleurs est donc également un outil narratif. Donc, si vous avez besoin d'améliorer le ciel pour raconter une histoire, une partie précise de l' histoire, n'hésitez pas à utiliser cet outil. Mais si vous ne trouvez pas nécessaire de changer la couleur du ciel pour raconter votre histoire, vous n'êtes pas obligée de le faire. Commençons donc par cette photo. Regarde cette photo. C'est l' aspect brut de ce cliché. Vous pouvez remarquer qu'il a une sorte d'apparence pâle, et vous pouvez également remarquer qu'il n'y a pas une gamme dynamique de couleurs élevée dans le ciel. Cette apparence manque donc profondeur en termes de cinématographie Nous sommes donc censés corriger cela pour donner à cette image un aspect professionnel. Je vais donc vous montrer un exemple que j'ai créé qui n'est pas le même que le clip vidéo, mais il est également très bon. Alors, faites attention à quel point la différence est spectaculaire. Ainsi, vous pouvez même sentir la distance entre le dernier nuage à l' horizon et le personnage. Je n'ai pas ajouté ce type de correction de couleur au clip vidéo car j'ai dû y ajouter un effet spécial. Je parle de l'explosion nucléaire. Les conditions d'explosion sont donc différentes en termes d'éclairage. La scène entière est censée être complètement énuminée et entièrement brûlée Mais si on regarde le dernier cliché avant l'explosion ici, celui-ci, par exemple celui-ci, on peut remarquer que le ciel présente cette correction de couleur d'une manière subtile. En fait, nous pouvons accéder au panneau de configuration des effets. Et vérifiez qu'il a l'effet coucher de soleil. Mais comme je vous l'ai dit, en termes de narration, ce clip vidéo était différent Je voulais créer un effet de Seconde Guerre mondiale. Le clip vidéo a donc dû être exagéré en termes de couleur C'est pourquoi j'utilise un autre exemple, une autre correction de couleur pour vous montrer comment l'utiliser et l'effet de filtre qui est en fait appelé filtre de coucher de soleil. Mais il y a une différence notable entre l'image du clip vidéo et la séquence brute ici. Dans l'exemple que j'utilise ici, j'ai exagéré l'effet de couleur pour vous montrer comment l'utiliser autre côté, essayez de vous rappeler qu' une bonne cinématographie dépend de plusieurs facteurs Et l'un de ces facteurs est la correction des couleurs. Vous êtes donc également censé faire attention à l'équilibre et à l'éclairage. Commençons donc, ce que je vais faire en premier, c'est ajuster les niveaux en termes d'éclairage. Je vais donc utiliser le même clip. Je vais effacer l'effet de coucher ici dans l'effet du panneau de configuration, et je vais travailler sur l'effet de niveau. Nous avons donc ici le niveau de la suite Boris, mais il y a aussi un autre effet de niveau issu de la première version de DoV, sorte que vous pouvez utiliser ce que vous voulez Au fait, je ne déplace pas beaucoup de détails depuis les niveaux. J'ajuste les niveaux d'obscurité à partir de la ligne de saisie noire. Je déplace simplement cet échec vers la droite où vous pouvez remarquer que le contraste de l'image est correct. Je pense que c'est plutôt bien comme ça. Rappelez-vous ce que nous avons vu dans la dernière leçon avec les télescopes Leu Metro nous devons tester les niveaux pour améliorer la plage dynamique des couleurs Ce qui suit est donc d' ajouter l'effet de coucher de soleil ici. Vous pouvez donc vous rendre compte que la configuration du pli ressemble à celle de Mars. Nous n'en avons pas du tout besoin, nous devons donc modifier les paramètres afin de créer l'apparence que nous voulons. Je pense que ce plugin n' est pas si difficile à utiliser, vous savez, les critères sont la chose la plus importante lorsqu' il s'agit de modifier ces paramètres. Ce plugin permet donc d' ajouter une sorte de filtre à triple bande. Le plugin divise l'image en trois bandes horizontales. Le cadre que vous voyez ici est donc la zone affectée par le gin bleu. Voici donc la bande supérieure qui est un peu rouge que vous pouvez voir ici. Au milieu se trouve une bande orange et en bas, une bande jaune. Ainsi, pour chaque bande, vous pouvez modifier à la fois la couleur et l'intensité. Commençons donc par l'intensité. Vous pouvez remarquer la différence, vous savez, et l'intensité du jaune et de l'orange. Nous pouvons également changer la couleur pour ce bleu. Remarquez la différence. C'est jaune. Et nous pouvons changer la bande supérieure en bleu. Comme vous le souhaitez, vous pouvez réellement expérimenter en déplaçant ces paramètres, vous savez. C'est ce que je vous ai dit : si vous avez vu des peintures rupestres et des peintures de la Renaissance, des peintures réalistes, vous pouvez recueillir suffisamment de sources d'inspiration pour mieux modifier ces paramètres. Par exemple, je vais déplacer le ciel vers des couleurs bleu clair et remarquer que cela semble très intéressant. Je vais charger l'intensité. Et remarquez la différence. Ça a l'air plutôt bon. Mais comme le soleil est de couleur plus foncée, nous pouvons déplacer cette bande vers le rouge. Et vous pouvez remarquer à quel point ce panneau est fantastique car en fait, lorsque le soleil est mouillé, il ressemble à ceci, une sorte de brun, de brun plus foncé. Je pense qu'en termes de plage dynamique élevée, il y a une énorme différence entre l'image brute et l' image avec ce filtre. C'est juste un plugin incroyable. Vous n'avez pas besoin d'un écran à deux 000 dollars pour créer une bonne correction des couleurs. Mais en utilisant correctement ces plugins, vous pouvez obtenir un résultat professionnel. De plus, vous devez vous rappeler que même dans le même travail, l' éclairage n'est pas toujours le même. Je veux dire, il y a plusieurs étapes en plein jour. L'après-midi, par exemple, il y a une certaine quantité de lumière, une certaine quantité de couleurs, et le coucher du soleil est différent, le duvet est différent. Vous devez tenir compte tous ces facteurs lorsqu' il s'agit d'ajouter. Ce filtre, ce filtre de coucher de soleil. Par exemple, dans le clip vidéo, il y a différentes tonalités dans le ciel. Dans cette étape de la vidéo, l'histoire se déroule par exemple dans l'après-midi. La couleur du ciel est donc saturée pour représenter cette quantité de lumière. Je veux dire, dans cette partie de l' histoire, c'est complètement l'après-midi. Vous pouvez donc remarquer le ciel, et le ciel bleu est là-bas. Chez les fils supérieurs, cette première bande est bleue. Mais lorsque nous arrivons au matin, c'est différent, c'est plus désaturé et ce gradient est moins stressant. C'est plus subtil. Vous pouvez remarquer qu' ici, c'est vers le vert, mais un vert subtil. Il y a un autre détail important à propos de cette technique : vous pouvez mélanger ce bleu avec des masques. Je veux dire, vous pouvez créer un masque dans une zone spécifique à l'intérieur du cadre, n'affectant ainsi que cette partie de la prise de vue. Voyons donc un exemple avec l'image sur laquelle nous travaillons. Si nous voulons changer uniquement la couleur du ciel, nous pouvons créer un masque ici. Nous passons donc au bleu , c'est-à-dire celui-ci. Vous cliquez sur le stylo et nous créons le masque à l'endroit souhaité. Donc, point par point, vous allez créer le masque. Mais le problème avec ce processus est que lorsque vous souhaitez changer radicalement la couleur du ciel. La différence entre la couleur du ciel et le reste de l'image va paraître un peu étrange. La correction des couleurs que vous effectuez dans le ciel est donc censée être suffisamment subtile pour empêcher le spectateur de remarquer cette correction de couleur. Essayez donc de déplacer tous ces paramètres, la plume, l'expansion du masque pour le rendre réel et naturel Le ciel est censé se fondre dans le reste de l'image. Par exemple, ici, l'effet de coucher n'affecte que le ciel, mais la bordure ci-dessous n'est pas plate Nous devons donc essayer de délimiter cette frontière. Parfois, cela semble très facile, mais parfois ce n'est pas le cas, car tout dépend du type de correction de couleur vous allez appliquer au s, à que vous allez appliquer au s, à toute la zone située en dessous. Je vous dis toujours que la correction des couleurs est une expérimentation. Parfois, il peut sembler préférable de porter un masque qui agit sur le ciel. Je pense que c'est l'un des gins bleus les plus importants de cette suite Boris. Mais tout dépend des décisions qui sous-tendent l'utilisation de ce plugin. Je veux dire, le problème n'est pas à quel point il est compliqué d'utiliser ce plugin. L'astuce consiste à choisir la meilleure tonalité pour le ciel. Je veux dire, il y a des films des années 70 et 80 qui ont une meilleure cinématographie et une meilleure correction des couleurs que certains films actuels Parce que peut-être que dans ce film des années 80, ils utilisent le filtre le plus approprié, améliorant ainsi mieux la couleur du ciel. Bien sûr, sans rien appliquer de numérique. Combien de films avez-vous regardés sur Netflix ou sur toute autre plateforme présentant une correction des couleurs horrible ? Et ils ont tous les plugins et plus encore, mais ils ne prennent pas les bonnes décisions quant à leur utilisation. Qu'il s'agisse d'améliorer la beauté naturelle du paysage ou d'ajouter une touche spectaculaire à l'éosine Cet outil nous permet d'exprimer notre vision de manière frappante et efficace. Un autre exemple de la façon dont la correction de la couleur du ciel peut améliorer l'éosine se trouve dans le film Jangle réalisé par Plus précisément, dans ces scènes où les personnages voyagent à cheval, une correction de couleur est utilisée comme s'il s'agissait des filtres, exactement comme l'effet généré par le coucher du soleil par lougin de la suite Bors Vous pouvez voir que ça a l'air très beau et que c'est assez similaire à ce que nous faisions. Ainsi, en maîtrisant les techniques de correction de la couleur du ciel avec Boris fx, nous avons développé ou créé Arson tant que créateurs de terrain et narrateurs, ce qui nous a permis de porter nos productions à un niveau supérieur d'excellence visuelle J'espère que vous avez trouvé cette leçon instructive et inspirante, et je vous encourage à continuer d'explorer et expérimenter avec les outils de correction des couleurs d'OS afin de découvrir de nouvelles façons de donner vie à vos projets cinématographiques jusqu'à la prochaine leçon. 11. Restaurer des séquences sous-exposées: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons explorer des stratégies efficaces de restauration et de capture d'images sombres pendant le processus de montage. Souvent, le vent contrarie les situations où les images ne sont pas suffisamment exposées, soit en raison de mauvaises conditions d'éclairage soit en raison de réglages de caméra inappropriés Mais ne t'inquiète pas. Avec les bons outils et une bonne technique de montage, nous pouvons toujours obtenir des résultats impressionnants. Au cinéma, la technique de réduction du contraste entre les péchés noirs est couramment utilisée pour s'assurer que les actions sont clairement visibles pour le public. Lorsqu'une scène se déroule dans des conditions de faible luminosité, exemple sur un bureau ou dans un intérieur faiblement éclairé, il est essentiel de maintenir une clarté visuelle afin que le public puisse suivre le récit Ainsi, en atténuant le contraste et en levant les ombres, obtient une image plus uniforme dans laquelle les détails importants ne sont pas perdus dans l'obscurité Cela est particulièrement important dans les scènes d'action et de suspense où chaque mouvement et chaque geste des personnages peuvent avoir un impact significatif sur l'intrigue Mais je vais vous montrer un exemple à ce sujet. Dans le film Terminator 2, en particulier dans cette scène où Sarah Connors se dirige vers la maison de Miles Dyson Les cinéastes ont choisi d' utiliser la réduction du contraste pour garantir une clarté visuelle au crépuscule Cette décision était cruciale pour conserver l'extension Aliens et garantir que les actions de Sarah Connor soient facilement visibles dans l'obscurité du crépuscule atténuant le contraste, mouvements et les gestes de Sarah ont été mis en valeur, intensifiant ainsi le sentiment de danger et d'urgence dans cette scène Il s'agit d'une application stratégique de réduction du contraste montre comment les cinéastes peuvent utiliser des techniques visuelles pour améliorer le récit et créer une expérience plus immersive et passionnante Aujourd'hui, nous allons nous concentrer sur l'utilisation des différents plug-ins de réduction du bruit, correction des couleurs appropriée et édition intelligente pour récupérer ces images sombres Mais voyons comment procéder dans Adobe Premiere. Parfait. Nous sommes de nouveau là pour l'avant-première de la série B. N'oubliez pas que c'est encore plus important pour prévenir ce genre de problèmes, vous savez. Nous sommes censés nous occuper des détails d'éclairage paramètres de l'appareil photo tout en évitant ce genre de problèmes. Je veux dire, ce problème de forcer l'image, forcer une prise de vue à atteindre une exposition que la photo n'a pas vraiment, sera toujours une sorte de problème, vous savez. Mais supposons que vous preniez grand soin de ces détails. Mais malgré cela, ce problème se pose. La première étape consiste donc à prendre conscience de la nature d'un cliché sous-exposé. Utilisons donc cette photo comme exemple. Même si cette photo est vraiment superbe, moins en termes d'éclairage , d'équilibre, de couleur. En fait, je dirais qu'il a été créé exactement au mauvais moment. Je veux dire, la lumière est parfaite. Ça a l'air super. Malgré cela, l'appareil photo n' était pas réglé correctement. Par conséquent, du bruit est créé dans ces zones sombres, comme vous pouvez le constater à l'écran. Et cela est dû au fait que l'appareil photo s'efforce de capter la lumière. Les détails de ces phases sont donc perdus dans le noir. Dans ces conditions, nous ne serons donc pas en mesure de régler cette photo avec l'éclairage de cette autre prise de vue. Cet autre cliché a été créé correctement. Et le plus intéressant, c'est que nous pouvons faire en sorte que cette photo ressemble à une photo sous-exposée. Par exemple, je vais déplacer les niveaux de la photo pour qu'ils correspondent aux autres niveaux en termes d' éclairage ici. Je vais éteindre la lumière directement sur cette piste. Exactement. En fait, je peux le rendre encore plus sombre. Et même s'il a été créé dans des conditions plus lumineuses, nous pouvons obtenir cette apparence en déplaçant les niveaux. Je vais concentrer les noirs sur cette photo pour qu'ils correspondent à l'autre Je vais aller sur cette piste ici. J'exagère un peu. Il nous en faut un peu moins ici. De cette façon. Parfait. Vous pouvez maintenant constater que ces deux images ont la même apparence en termes d'éclairage. Mais à la différence que cette prise de vue a une plus plage dynamique en termes d'éclairage, du fait qu'elle a été créée avec les bons réglages sur l'appareil photo. Mais le problème, c'est que sur cette photo, je ne suis pas capable de faire le processus inverse. Je veux dire, je vais essayer d' augmenter la luminosité sur cette photo. Je passe à l'effet du panneau de commande, et je vais ajouter une couleur lumetri pour augmenter, par exemple, l' exposition ici. Perf. Juste ici. Comme ça, par exemple. Une fois que vous augmentez la lumière dans ce type de prise de vue, vous remarquerez beaucoup de grain dans les zones sombres. Laisse-moi rapprocher le moniteur. Je pense que vous pouvez facilement remarquer le grain. Et je ne vais pas prendre la photo comme les autres, tu sais. En fait, si vous faites attention à cette zone près de l'épaule, vous remarquerez le processus de compression dans les zones sombres. Faisons donc à nouveau la comparaison. Regarde cette photo. Et regardez-en une autre. Ce n'est pas pareil, n'est-ce pas ? Donc, si vous voulez résoudre ce problème de grain, vous pouvez utiliser un connecteur de réduction du bruit. Je vais donc dans la corbeille correspondante ici et restauration d' images depuis la suite pour garçons, et je vais sélectionner ce plugin de réduction du bruit. Ce plugin de réduction du bruit aura donc une sorte de réglage par défaut qui réduira de manière significative le bruit sur l'image. Vous pouvez remarquer, par exemple, sur les joues, ces petits détails Je vais désactiver ce plug-in, afin que vous puissiez constater une différence C'est un bon exemple, cela se voit sur les joues D'autre part, sur le plugin, vous allez trouver plusieurs paramètres. Mais celui que je vous recommande vivement d'utiliser est celui-ci, le lissage spatial Donc, tant que vous augmentez le lissage spatial, le plugin supprimera le bruit Mais une fois que vous aurez atteint les niveaux supérieurs, vous allez commencer à remarquer autre chose Et c'est que le plugin va commencer à synthétiser l'image Je veux dire, au fur et à mesure que j'augmente ce paramètre, vous remarquerez moins de détails sur le visage, par exemple. Par exemple, plus je réduis le grain, moins il y aura de détails sur l'image. Il semble donc que l'image ait perdu de sa résolution, comme lorsque vous réglez le lecteur Tu en basse résolution. Donc, en gros, dans chaque réducteur de bruit, vous allez perdre en résolution Quelle que soit la marque, ils fonctionnent tous selon le même principe. Mais d'un autre côté, vous avez d'autres possibilités pour éviter que le public ne s'en aperçoive. L'une de ces stratégies consiste à raccourcir la durée de ces clips. Je veux dire, si vous mixez ce plan avec d'autres, avec de meilleures conditions d'enregistrement, public ne remarquera probablement pas ce genre de problèmes. Par exemple, en écoutant le clip vidéo, l'image passe assez rapidement. Vous n'êtes donc pas en mesure de remarquer les détails, vous savez. Je trouve donc cette stratégie vraiment géniale, mais il faut tenir compte du fait que vous avez besoin d'autres plans bien enregistrés pour compléter le montage, vous savez. Mais il existe une autre stratégie qui consiste à tenter justifier l'utilisation de ce type d'éclairage. Je vais donc désactiver tous ces plugins ici. Vous allez donc essayer de justifier dans le montage , l' utilisation de cette image sombre. Vous pouvez donc le voir ici dans l'intra du clip vidéo J'ai mis toutes ces images sous des images exposées. J'essaie de ne pas trop les boiser. Et comme je n'arrivais pas à augmenter l'éclairage de ces clips, j'ai décidé de les utiliser presque à l'état brut. J'essayais donc de créer une sorte de duvet, vous savez, joignant ces photos et en ajoutant cette image du soleil qui court à l'horizon. Par conséquent, lorsque les gens découvrent cette séquence, ils ne se demanderont pas pourquoi ces images semblent si sombres, car c'est tout à fait justifié. En fait, si ces photos avaient été correctement enregistrées, j'aurais quand même dû les assombrir pour que le soleil se lève. Enfin, lorsqu'il s'agit d' utiliser ce type d'images, vous êtes censé augmenter légèrement le point sombre du fetage Je veux dire, vous pouvez remarquer ici, par exemple, dans le gilet que j'ai légèrement augmenté les tons noirs, pour les rendre visibles. Je veux dire, de la même manière qu'ils l'ont fait dans cette scène de Terminator, vous savez, avec un coin de rue direction de la maison de Mel Dyson. Vous allez donc augmenter le niveau du paramètre noir de sortie. Donc, en résumé, récupérer Dark Futage et le retoucher peuvent sembler un jeu d'enfant Mais avec les bonnes stratégies, nous pouvons obtenir des résultats impressionnants. Utilisez des outils tels que les barres, la réduction du bruit la correction des couleurs appropriée et édition intelligente pour récupérer les images exposées et leur donner vie dans votre projet. Avec la pratique et les patients, vous serez sur la bonne voie pour créer vidéos de lapidation visuelle, quelles que soient les conditions d'éclairage initiales J'espère que cette leçon vous a été utile et que vous vous sentirez inspiré pour appliquer ces stratégies à votre propre projet de montage vidéo jusqu'à la prochaine fois. UN 12. Améliorer l'aspect cinématographique des séquences par drone: OK. Parfait. Nous sommes de nouveau là pour la première de Dobby Cette fois, vous allez aborder le problème des images filmées par drone. Comme vous pouvez le voir, c'est une image dessinée qui se déplace entre les bâtiments. Et j'oserais dire que cette image semble puissante, car c'est simplement le fait que le drone voyage entre les bâtiments de New York qui fait passer l'image au niveau supérieur. Je veux dire, ça serait enregistré avec un smartphone, et ça aurait aussi une belle apparence. C'est la raison pour laquelle j' insiste sur le fait que ce que vous filmez, ce que vous capturez avec votre appareil photo, est trop important lorsqu' il s'agit de réaliser un film De plus, c'est la somme de plusieurs facteurs qui fait passer votre vidéo au niveau supérieur. Je veux dire, tant que vous améliorez les petits détails, ces détails feront passer votre vidéo au niveau supérieur. Nous allons donc commencer alors. La première chose à aborder dans cette vidéo est donc de prendre conscience de la qualité de cette séquence. Donc cette prise, ce clip est une vidéo d'archives. Et l'une des principales caractéristiques des vidéos d'archives est que plupart d'entre elles ne sont pas filmées avec des appareils de haute qualité. Et c'est aussi la raison pour laquelle vous ne pouvez pas vous les payer. Je veux dire, s'il s'agissait d'une vidéo filmée par un drone de haute qualité, peut-être qu'une seule vidéo de ce tambour attirerait un ou deux 000 donneurs. Et ce ne serait pas du tout un projet à petit budget. Je veux dire, l'une des principales caractéristiques des batteries de haute qualité est que vous pouvez y installer des caméras de haute qualité. Je veux dire, le dragon rouge, par exemple, ou le Sonny FX Three Ce sont en fait des caméras spécialisées pour fonctionner dans les tambours. Je veux dire, la caméra repose sur une sorte de support ou de base relié à l'avion. Et cela vous permet d' installer un objectif de haute qualité, par exemple, pour capturer un paysage de haute qualité. Et s'ils coûtent cher c'est parce que tout le monde n' est pas capable de manipuler ces appareils pour piloter ce type d'avion. Je veux dire, vous avez besoin d'une formation, de qualifications, de certifications officielles, etc. Sans oublier que vous avez également besoin d'un permis et d'une autorisation, etc. Et cela a un impact significatif sur votre budget. En fait, dans l'autre vidéo de l'histoire du soldat, je voulais louer un drone de haute qualité, mais c'était hors de ma portée. Nous allons donc commencer par faire une comparaison entre la qualité de cette image prise par le drone et la qualité de la caméra que nous avons utilisée pour filmer la vidéo. Donc, si vous aviez suivi l'autre cours, vous savez que nous avons utilisé un objectif photographique, supposons un objectif allant de 35 millimètres à 17 millimètres. Nous avons donc ici deux clips, deux échantillons. Je dirais que le premier exemple mesure 50 millimètres, et cet autre, évidemment, 17 millimètres. Essayez donc d'imaginer que vous pouvez installer cette caméra dans un drone et que le futage de votre drone ressemblera à ceci Ce serait incroyable, en fait. Parce qu'en raison de la distance focale, tous ces effets apparaissent à l'écran. Je veux dire, la fenêtre est bleue, mais vous pouvez changer le bleu et rendre le bâtiment en arrière-plan flou Donc, cette caractéristique d' une caméra professionnelle, cette fonctionnalité n'est pas disponible dans les drones de milieu de gamme, car ils sont tous d'une caméra intégrée qui facilite l'enregistrement vidéo en vol. De plus, la taille du drone est importante à cet égard. Les drones de milieu de gamme sont évidemment plus petits. Nous pouvons donc faire la comparaison. Voyons l'autre image. Celui-ci, tu peux remarquer une différence. La quantité de détails sur l'arrière-plan des bâtiments n'est pas la même que dans l'arbre FX. Je sais qu'un utilisateur ordinaire et le public commun ne le remarqueront probablement pas. Mais je pense que la distance focale, la mise au point et le flou sont importants dans cette comparaison Par exemple, dans ce clip de la caméra FX Tree, vous pouvez remarquer qu' en arrière-plan, vous pouvez remarquer une partie de la ville. Mais cette partie de la ville est un peu floue. C'est un effet subtil, mais il existe, et c'est le sous-produit de l' utilisation d'un objectif professionnel Vous pouvez remarquer que la fenêtre est focalisée, mais pas l'arrière-plan, moins moins que la fenêtre. Et cela crée un effet cinématographique sur les images. En fait, dans la mesure où les bâtiments sont plus éloignés, ils sont plus flous. Mais ici, sur l'image dessinée, les conditions sont différentes. L'appareil photo concentre simplement tout ce qui se trouve à l'intérieur du cadre Cette fonctionnalité particulière est toujours présente dans les vidéos non professionnelles. C'est en fait une énorme différence car il y a une distance importante entre les bâtiments situés à proximité du drone et ceux situés en arrière-plan. Donc, ce que j' essaie de vous apprendre dans cette leçon, c'est comment masquer cette fonctionnalité. La stratégie pour créer cet effet n'est pas si difficile. Mais c'est une stratégie importante que vous devez connaître pour faire passer votre vidéo au niveau supérieur. Le résultat que nous voulons atteindre est le suivant. Dans cet exemple, l'arrière-plan est flou. Il s'agit d'une mise au point appliquée manière subtile pour créer l'effet d' un objectif professionnel. Par exemple, faites attention à ce gratte-ciel en arrière-plan, le bâtiment Crisle, faites attention à la façon dont il est flou et essayez de faire la comparaison avec les bâtiments situés près de la caméra, près de Rome Ce que nous devons faire, c'est garder bâtiments situés sur les côtés totalement focalisés, et ceux de l'arrière-plan, se concentrer. Je sais que vous pouvez remarquer qu'il y a une sorte de correction des couleurs, mais le plus important cette fois, dans cette image , c'est le problème de mise au point. Alors, comment pouvons-nous résoudre ce problème ? Comment pouvons-nous résoudre ce problème en ajoutant simplement un masque bleu. Je vais donc cliquer ici dans l'effet correspondant dans le panneau de configuration de l'alimentation, et vous y êtes. Voici le masque. Tout ce qui se trouve à l'intérieur de ce masque est flou. Le flou affecte donc une zone spécifique à l'intérieur du cadre. Et c'est quoi celui-ci ? Tout ce qui se trouve après cela se construit, et vous pouvez remarquer que le masque s'adapte au voyage du drone. C'est très important car au fur et à mesure que le drone se rapproche des bâtiments, leur taille change . Mais attention, je n' essaie pas de dire que c'est l'apparence exacte d' une caméra professionnelle de l'arbre FX, par exemple. Parce qu'avec un objectif professionnel, par exemple, le bâtiment en arrière-plan, la Chrysler, serait plus flou que les bâtiments situés à proximité de ces deux grands bâtiments situés près de la caméra Je veux dire, ce serait la progression de la mise au point d'un objectif professionnel. Mais en ajoutant cet effet, nous pouvons essayer d'atteindre ce niveau, vous savez, du moins d'un point de vue général. Commençons donc, nous allons chercher le flou gaussien. Nous allons rechercher le gaussien. En fait, le haricot s'appelle flou et la netteté est un effet qui appartient à la configuration d'Adobe Premiere La suite or possède également son propre flou. Mais nous allons l' utiliser parce qu'il est plus facile à utiliser et plus pratique. Nous avons donc ajouté cet effet au clip, et nous allons déplacer ce paramètre ici pour augmenter la quantité de grippe sur l'image. Vous pouvez donc remarquer la différence. Je vais le supposer sur l'image, afin que vous puissiez mieux remarquer la différence. Il est très important de se rappeler que vous devez avoir de bonnes références, car vous devez essayer de déterminer exactement la quantité de grippe nécessaire pour améliorer cette image. Je joue avec ce fa pour que vous puissiez remarquer une différence, mais vous allez y faire face vos propres œuvres, vous savez, dans la mesure où vous regardez nombreux films avec des paysages, avec des objectifs de haute qualité, qui vont comprendre, découvrir et reconnaître à quoi cela est censé paraître d'autant plus bleu en arrière-plan, par exemple Mais concentrons-nous et ce que nous voulons faire c'est essayer de rendre l'arrière-plan plus flou Après ces deux bâtiments. Je pense que juste ici, le bleu est parfait Vous pourriez dire que vous pouvez ajouter d'autres, mais ce n'est pas le cas. Parce qu'en fait, les deux bâtiments situés sur les côtés sont totalement focalisés. n'est donc pas censé y avoir un flou dramatique en arrière-plan , du moins dans les petits bâtiments situés après ces deux bâtiments, y compris dans la rue. Mais s'il s'agissait d'un autre cas où, par exemple , ici, cette fenêtre apparaît près de la caméra. Les conditions sont différentes car la distance entre la fenêtre et l'arrière-plan est plus grande. Donc, si c'était le cas, le sol serait censé être plus grand. Mais comme ce n'est pas le cas, la quantité de fluor que nous sommes censés ajouter n'est pas si drastique Donc, une fois que nous avons sélectionné la bonne quantité de fluor, nous devons créer le masque Nous cliquons donc sur ce volet ici et nous allons créer le masque étape par étape. Nous devons donc essayer de suivre le bâtiment H la frontière pour suivre la ligne d' arrivée à partir de ce point. Nous passons ensuite au point suivant. Et voilà le masque dans son intégralité. Nous avons sélectionné en arrière-plan. Ensuite, il faut activer le chemin du masque, ici l'automatisation. Ici, et nous avons déjà le cadre clé de la ligne d'automatisation. Nous avons donc déjà une approximation de ce à quoi cela ressemble. Je vais activer le masque. Je parle du polygone, et je vais augmenter la quantité de fluor que vous puissiez remarquer davantage la différence Évidemment, j'exagère la quantité de fluor, mais je veux que vous remarquiez qu'il y a une différence entre les bâtiments sur sites et l' arrière-plan, vous savez Un autre élément important est donc de définir la quantité de plumes pour que le masque se fond dans l'image Par ici. Mais évidemment, nous devons réduire la quantité de leurre en arrière-plan Ce n'est pas si naturel. Je pense que le point exact n'est pas tant que ça. Il n'a certainement pas 17 ans. Je pense que c'est une sorte de 12. Par ici. Mais j'insiste sur le fait que c'est une sorte de subjectivité. Si vous pensez qu'il est plus beau avec plus de bleu, n'hésitez pas à prendre vos propres décisions Ce sont toutes des décisions créatives, tu sais. Maintenant, nous allons cliquer à nouveau sur le masque, et nous devons essayer de créer la ligne d'automatisation, car le bâtiment change de taille au fur à mesure que le drone passe, vous savez. Nous passons donc à un autre point et modifions le masque en suivant le bord des bâtiments. Le bord des bâtiments est donc le guide pour le faire correctement à chaque point. Prêtez attention à ce que nous faisons ici, car nous prenons des décisions qui ne sont pas liées à la sophistication du logiciel. Je veux dire, il existe de nombreux logiciels qui ont ce genre d'effet : un plus bleu, After X, Diving, Cheese, Sonny Vegas. L'astuce consiste donc à sélectionner l' effet le plus approprié pour votre séquence et même la stratégie la plus appropriée pour améliorer les couleurs et l'apparence de votre séquence. Nous suivons donc la création du masque. Nous devons faire preuve de patience, suivre les limites, suivre l'âge du bâtiment, essayer de ne pas trop les dépasser. Vous avez d'ailleurs le paramètre plume pour que le masque se fond dans l'image Donc, ne vous inquiétez pas trop pour être précis. Tu n'avais pas besoin d' être précis sur ce point. Parfait. Voyons à quoi ressemble le mouvement du masque. Je trouve ça très sympa. Mais je pense que nous avons besoin d' un autre cadre clé au début. Voyons donc à quoi ressemble le mouvement du masque. Ça a l'air très joli. Et aussi, la quantité de leurre est très belle. Il est important de se rappeler que lorsque les gens regardent la vidéo, la plupart d'entre eux pensent tout le temps que c'est la même caméra. Donc, si vous ajoutez à votre futage des éléments à votre montage qui font croire aux gens qu'ils envisagent les mêmes images en termes de qualité L'expérience de visionnage de la vidéo sera plus enregistreuse et enrichissante. Pour en revenir à cette image, vous pouvez modifier ce paramètre, la quantité de fluor Vous pouvez choisir le montant de l'uri un. Tout dépend de votre style, votre perception, de vos sources d'inspiration également. Pour moi, le tien ici dans 15 ans est plus que suffisant. N'oubliez pas que seul le fait que cet arrière-plan soit flou fera passer votre séquence au niveau supérieur, car vous ajouterez un aspect cinématographique significatif à votre prise N'hésitez pas à expérimenter. En fait, vous pouvez ajouter cette stratégie à d'autres prises de vue, pas nécessairement à des prises de drone. Si vous prenez une photo d'un paysage, par exemple, vous pouvez améliorer l'apparence de cette photo en utilisant cette stratégie. Je te vois donc dans la prochaine leçon. 13. Supprimer le scintillement: Bonjour, tout le monde. Nous sommes de nouveau là pour l'avant-première à l'AB. Dans cette leçon, nous allons apprendre à supprimer le scintillement. Et qu'est-ce que le scintillement ? Alors fais attention. Parfois, lorsque nous créons des scènes comme celle-ci, lorsque nous sommes en présence de lumières artificielles comme celles des bâtiments, surtout la nuit et en fin de journée, nous devons être conscients de la lumière et de la nature elle-même. Il arrive donc que l'appareil photo argentique, par exemple, ou celui que vous utilisez, puisse détecter les lumières de la ville. Ce n'est pas continu. Et qu'est-ce que cela signifie ? Habituellement, les lampadaires, les ampoules des maisons, des bâtiments, etc., fonctionnent sur des pulsations lumineuses que l'œil humain peut détecter Mais c'est la caméra qui le fait. Ainsi, si l'obturateur de l'appareil photo n'est pas configuré correctement, l'appareil photo détectera l'acte et le rendra visible dans l'enregistrement. Ici, sur la photo, vous pouvez remarquer le scintillement des lumières Je veux dire, dans ce contexte, tu sais ? Donc, idéalement, cela ne devrait pas se produire. Mais lorsque vous travaillez dans des conditions de mise faibles, vous oubliez parfois simplement de régler l'appareil photo d'une certaine manière. R, en fait, il se trouve que j'ai enregistré cette scène. Ces choses se produisent donc, et nous devons y remédier. autre côté, essayez de ne pas être trop stressé à ce sujet , car parfois les gens ne font pas attention à ce scintillement, vous savez Parfois, ils pensent que cela fait partie de l'environnement de la lumière, de la nature, etc. Mais j'insiste, essayez de faire attention aux réglages de l'appareil photo car parfois ce scintillement est très difficile à supprimer Donc, ce que vous êtes censé faire, c'est dupliquer ce clip deux fois. Ensuite, vous allez superposer le premier clip à ces deux nouveaux clips comme s'il s'agissait du même clip trois fois, comme dans un sandwich, vous savez. Vous allez donc vous rapprocher de la chronologie jusqu'à ce que vous atteigniez les cadres. Tu vas t' en approcher le plus possible. Vous allez donc remarquer que lorsque vous atteindrez le haut, vous pourrez passer d'un cadre à l'autre. Donc, ce que vous allez faire, c'est déplacer ce clip situé au-dessus du premier d'une image vers l'avant de cette façon, ici même. Et vous allez également placer l'autre clip une image vers l'avant. Je vais dupliquer à nouveau ce deuxième clip, et vous allez placer cet autre clip, une image en avant de ce deuxième clip. Vous remarquerez donc ici que cette petite échelle à clips ne dure que deux cadres. L'étape suivante est que dans ce deuxième clip, vous allez ouvrir l'effet du panneau de configuration, et vous allez déplacer le paramètre d'opacité ici à 50 % En gros, vous n'avez pas besoin d'être précis. Et avec le troisième clip, vous allez faire exactement la même chose. Voyons maintenant le résultat. Mais vérifions encore une fois, quelle était la quantité d' alcool au début. Je vais désactiver ces deux clips ici, et c'est tout C'est ainsi que fonctionne le scintillement sans rien. Prêtez attention à tous les détails sur les bâtiments, sur les chiens d'ici, toutes ces fenêtres ici et aussi sur le toboggan sur le pont. Je veux dire, essayez de faire très attention, remarquez la différence. Maintenant je vais activer ces deux clips, je vais vérifier le résultat. Et vous pouvez remarquer que même s' il n'est pas complètement supprimé, il a l'air tellement mieux, vous savez. Au moins dans les bâtiments, c'est presque complètement retiré, tu sais ? Je dirais donc que cette technique atténue le scintillement mais ne l' élimine pas complètement Je vais à nouveau désactiver ces deux clips que vous puissiez constater à nouveau la différence. Je vais les activer à nouveau. Et voici le résultat. Je pense qu'en termes de suppression de ce scintillement, c'est très beau Je veux dire, ça me convient, et je pense que le cliché est aussi parfait que d' habitude, tu sais ? Le seul problème que vous pouvez rencontrer en procédant ainsi est que si vous remarquez que les acteurs sont en mouvement, une sorte de traînée les surprend. Et évidemment, cela est dû au fait qu'il existe plusieurs couches qui se chevauchent Mais une fois qu'ils ont trouvé cette balustrade et qu'ils sont statiques, ce genre de sentier n'est plus visible, tu sais ? Et je vous l'ai montré parce qu' il y aura des occasions où cette technique sera plus adaptée que d'autres. Mais je dirais qu'il y a un scintillement d'acier dans le cliché Et si vous voulez vraiment le supprimer complètement, vous devez suivre l'étape suivante. Disons donc que ce que nous voulons de cette scène de cette séquence, c'est le moment où les acteurs sont appuyés sur la balustrade. Dans ce cas, vous devez donc procéder comme suit. Vous devez cliquer sur ce bouton ici pour soutenir un cadre à partir de ce moment précis. Et une fois que vous avez cliqué sur ce bouton, automatiquement une sorte de photo ou un acier sera stocké dans le projet, vous pourrez le retrouver dans l'élément principal du projet. Je vais donc chercher ce cadre ici et le faire glisser dans la chronologie. Parfait. L'idée est de placer cette photo au-dessus du reste des clips, et de l' étendre sur toute la séquence comme ceci. Comme s'il s'agissait d'un clip de plus, vous savez, nous devons nous assurer que nous sommes exactement au point que nous voulons. Je vais le désactiver, et je vais avancer jusqu'ici Donc, si vous prêtez attention à la prise de vue, vous remarquerez qu' une grande partie du cadre est en acier. Je parle de cette partie de la ville. Et les sections seraient l'eau en mouvement. Et aussi les acteurs qui jouent et qui sont légèrement en mouvement, mais qui font des actions. Donc, ce que nous allons faire, c'est réactiver ce cadre, et nous allons supprimer toutes les sections du cadre qui sont en mouvement. Nous devons donc créer un masque d' opacité pour y parvenir. Je vais donc cliquer ici et je vais commencer à créer ce masque. Il n'est pas du tout nécessaire que ce soit parfait. Nous voulons simplement créer une sélection de l'espace que nous voulons. Et cet espace, c'est la ville en arrière-plan, tu sais. Si vous pensez que le masque entre dans l' eau, par exemple, nous pouvons déplacer le paramètre d'extension pour le réduire un peu. Comme ça. Vous pouvez également déplacer la plume comme bon vous semble N'oubliez pas qu'il s'agit d'une caractéristique importante du masque. Nous allons maintenant voir le résultat. Je vais à nouveau étendre le moniteur du programme ici. Vous pouvez maintenant remarquer qu'il n'y a aucun flou en arrière-plan Vous pouvez donc remarquer que l' image est visuellement parfaite, moins en termes de scintillement. Vous pouvez remarquer les voitures là-bas. Et je dirais qu'il n'y a qu'un seul détail ici dans cette partie de la documentation. Nous pouvons donc déplacer le masque pour couvrir cet espace. Je pense que nous devons étendre un peu plus cette partie du masque. Oui, je vais étendre un peu plus le masque. Ici encore. Et nous pouvons déplacer ce point. Un peu plus bas que ça. Parfait. Et tu es là. Vous avez une photo parfaitement adaptée à ce scintillement. Je pense que c'est un excellent moyen d'y remédier. Je trouve que ça a vraiment l'air génial. Au moins assez bien pour moi. Mais je vous recommande vivement d'essayer de prévenir ces problèmes dès le début, vous savez, dès le tournage. D'autre part, vous devez tenir compte du fait que pour corriger ce type de prises de vue, les prises de vue doivent respecter certaines conditions. Dans l'une de ces conditions l'arrière-plan ou l'espace qui scintille est immobile Je vais donc vous montrer les résultats étape par étape. Voici à quoi cela ressemble avec les deux couches. Je vais désactiver ces deux couches. Cela se fait sans supprimer le scintillement. Vous pouvez remarquer tout le scintillement là-bas, et je vais réactiver ces couches. C'est donc à vous de décider. Si vous souhaitez utiliser les couches, si vous souhaitez utiliser un cadre en acier, vous devez faire très attention aux détails en mouvement. Je veux dire, essaie de ne pas toucher ces parties du cadre. De plus, vous pouvez également supprimer ces deux clips et n'utiliser que le cadre supérieur. Et je dirais que c' est exactement pareil. Tout dépend de la nature du plan, vous savez, je veux dire, puisque le rôle que nous voulons, c'est celui-ci, où les acteurs sont au même endroit, presque en acier. Ainsi, dans ces cas-là, vous pourrez réparer le fond créant un cadre en acier. Eh bien, jusqu'ici tout va bien. Mettez tout cela en pratique et je vous verrai dans la prochaine leçon. 14. Plugin de beauté Boris: Parfait. Nous voici de nouveau dans Adobe Premiere. Nous sommes ici pour apprendre à utiliser le studio de beauté, un outil à effet Boris pour lisser l'apparence de la peau afin d' améliorer l'apparence des visages à l'écran Je veux dire, cet outil est utile pour les occasions où le maquillage n'est pas correctement appliqué. De plus, ce plugin est également utile pour réduire le nombre d'acteurs. En fait, j'ai constaté au fil des ans que ce type de plugins est utilisé dans la publicité, vous savez. Je vais donc utiliser cette fois, ces deux clips, ces deux images, des vidéos avec deux éclairages différents Et cet exemple est excellent car à la date du tournage, elle a un peu d'acné ce jour-là. Son visage était un peu irrité. Je veux dire, ce n'était pas une crise critique, tu sais ? Je vais donc utiliser ces deux exemples, comme je vous l'ai dit avec des éclairages différents, car la beauté de Boris va réagir différemment dans ces deux circonstances différentes Et je pense que c'est très important parce que vous allez savoir à quel point il est important de prendre soin de l'éclairage. Et en gros, parce que plus l'éclairage est bon, plus la caméra capturera de détails. Je vais donc commencer par cette image. Il s'agit d'une vidéo au ralenti. Il a été créé avec 60 images par seconde, et il a défini une vitesse de 50 %. Donc, dans l'ensemble, elle a l'air superbe. Elle n'a rien de mal dans l'interface. Mais vous pouvez remarquer que sur son visage, il y a des taches, des détails, petites ombres qui sont le sous-produit de l'interaction entre l'éclairage et le caractère irrégulier du schéma Et il arrive aussi qu'en général, lors des tournages, au fur et à mesure que le tournage avance, maquillage va se diffuser, disparaître au fil des heures de la journée Vous avez donc au moins une maquilleuse qui prête attention à ces détails chaque seconde du tournage. Vous ne pourrez pas obtenir un résultat parfait avec ce genre de choses. Nous avons donc dû aller dans le dossier de correction vidéo, puis dans celui-ci, restauration d'image et sélectionner Beauty studio plug in. Je vais le faire glisser dans la chronologie ici et vous y êtes. Je vais donc activer le plugin ici car le studio de beauté possède une sorte de configuration par défaut qui corrige automatiquement l'image. Je vais donc faire une petite supposition sur le moniteur. Mais attention, ne vous méprenez pas. Il ne s'agit pas du tout d' une chirurgie plastique. Ce plug in ne fait qu'améliorer l'apparence de la peau. Je vais donc l'activer. Faites attention à la partie supérieure du visage autour des yeux, au front, à la partie supérieure des joues Toute cette section est adoucie. Mais il s'agit d'une différence subtile, et c' est pourquoi il est très important de commencer car c'est subtil. Je vais donc fermer le moniteur ici, et je vais augmenter plusieurs paramètres du connecteur. Ici, jusqu'à présent , c'est le maître mot, les moindres détails. De plus, tous ces paramètres détectent les détails du visage. En fait, nous pouvons activer ce paramètre ici, la qualité de précision et régler les niveaux de détails à cinq. Je vais donc désactiver à nouveau ce plug-in avant d'ouvrir le moniteur du programme. Tu es là. Il s'agit de l'aspect brut du métrage et faites attention à la différence. Cette configuration est plus sollicitée qu'auparavant. Et si cette partie supérieure du visage est adoucie , c'est parce que cette zone est plus éclairée que les autres Vous pouvez voir qu' à l'état brut, il y a des imperfections ici, et lorsque vous l'activez, ces imperfections disparaissent tout simplement. Mais même si nous nous améliorons et que l' apparence de la peau s'améliore ici. Je pense que ce n'est pas très visible parce qu' à cette occasion, cette vidéo montre une sorte de coucher de soleil, elle n'est pas très illuminée. Je vais donc passer à l'autre exemple, celui-ci, qui est essentiellement enregistré à midi. Je crois que c'était le matin en fait. Mais sur cette autre photo, on remarque davantage la petite éruption sur les joues Je vais donc appliquer le même plug-in ici. Je vais le faire glisser dans le clip, et vous remarquerez la configuration par défaut à l'écran. Vous pouvez remarquer une différence. Je pense que c'est plus visible avec cet exemple. Mais je vais augmenter les paramètres ici. Je veux dire, tout ce que j'ai fait dans l'exemple précédent, le montant principal se trouve ici, les petits détails jusqu' ici, les petits détails. Ici, dans cette section ci-dessous, les niveaux de qualité à précis et de détails sont de cinq. Ici, vous allez vraiment remarquer cette formidable différence Sa peau est tout simplement parfaite. Et je vais désactiver ce bluin ici pour que vous puissiez remarquer une différence. » C'est une différence spectaculaire. Et cette différence est due à deux raisons principales. Tout d'abord, l' éclairage, l'éclairage permet à l'image d' obtenir plus de détails. Le studio de beauté a donc plus d'informations sur lesquelles travailler. Et la deuxième raison est la résolution de l'image. D'autre part, vous devez faire attention aux autres détails. Vous pouvez remarquer que ce plugin Boris affecte l'ensemble du cadre. La couleur de ce bâtiment en arrière-plan est donc affectée par le plugin Boris. Je veux dire, le plugin ne reconnaît pas les visages par l'ensemble du cadre. Alors peut-être que si vous avez plusieurs visages à l'écran, je pense que la meilleure option est de laisser les barres branchées affecter l'ensemble du cadre. Mais dans ce cas, nous perdons des détails sur le fond. Donc, si vous ne voulez pas perdre les détails et les autres sections du cadre, vous êtes censé créer un masque sur la section, que vous voulez corriger, et cette section est évidemment le visage. Je vais donc créer un masque autour du visage de la fille. Et le masque n'a pas besoin d'être parfait du tout. Je veux dire, il suffit d' entourer le visage, la tête avec le masque. En fait, si vous avez plusieurs phases à l'écran, vous pouvez également créer plusieurs masques pour les améliorer séparément. Maintenant, l'effet du corps n' affecte que cette phase. Le plus important est que comme le masque ne doit pas être parfait, vous pouvez créer la piste d'automatisation, et cette tâche n'est pas si difficile, vous savez, car vous n' aviez pas à suivre une forme parfaite à l'écran. Vous pouvez donc remarquer ici que l'effet du corps n' affecte plus l'arrière-plan, mais uniquement la phase de la fille. Je trouve qu'elle est vraiment superbe avec ces bluegins, vraiment professionnels Une autre chose importante à propos ce résultat est qu' il semble réel. Je pense que c'est insensé d'essayer de corriger ce genre de choses sur les visages Et le résultat est un peu exagéré, tu sais ? Je veux dire, avec l' influence des réseaux sociaux, les gens du monde entier peuvent remarquer ce genre de filtres, vous savez. Être en selle est donc l'une des choses les plus importantes lorsqu'il s'agit d'améliorer l'apparence du visage Tenez donc compte de tout cela et jusqu'à la prochaine leçon. 15. Teinte lumetri au look cinématographique: Bonjour, tout le monde. Comment allez-vous ? J'espère que cette leçon vous plaira. Dans cette leçon, nous verrons comment la couleur verte peut être utilisée pour donner un aspect plus cinématographique à notre travail Souvent, les appareils photo argentiques ont naturellement tendance à capturer des tons verts dans les images. Cela est dû à la sensibilité spectrale de la caméra et à d'autres facteurs techniques. Mais comment pouvons-nous en tirer parti à notre avantage ? Lorsqu'il s'agit de réaliser des films, les appareils photo argentiques sont conçus avec différentes caractéristiques de sensibilité spectrale Certaines caméras captent plus de lumière dans la partie du spectre correspondant à la couleur verte. Par conséquent, les images peuvent avoir une prédominance de tons verts. De plus, les filtres et les objectifs utilisés en cinématographie peuvent animer des tons verts Cela peut être intentionnel pour obtenir des effets esthétiques spécifiques ou peut être une caractéristique inhérente certains équipements optiques. Un autre sujet important est que l'éclairage naturel et artificiel du film et de l'environnement peut également influencer le ton des images. Dans de nombreuses occasions, les environnements extérieurs naturels présentent une abondance de tons verts, ce qui peut contribuer à la présence de la couleur dans les images. D'autre part, lors du traitement du film et de la numérisation ultérieure, certains changements de couleur peuvent être liés à des facteurs techniques Ces processus peuvent influencer la résection chromatique finale de l'image, accentuant ou en atténuant certains tons, En résumé, la prédominance de couleur verte dans les images cinématographiques peut être utilisée comme outil créatif pour donner à notre travail un aspect plus distinctif et cinématographique En comprenant ces facteurs qui contribuent à cette caractéristique, nous pouvons utiliser efficacement la couleur verte pour améliorer l'esthétique visuelle de nos productions. Cet effet peut être encore accentué lors de la correction des couleurs en post-production, ce qui nous permet de créer un style visuel unique et commémoratif dans nos films Voici donc certainement deux exemples de films dont l'apparence des couleurs tend vers l'écran en raison de caractéristiques que je n'ai pas mentionnées auparavant. Tout d'abord, la matrice. Ce film est réputé pour son style visuel distinctif, caractérisé par une palette de couleurs dominée par les tons verts. Cet effet a été obtenu grâce à l'utilisation de filtres de couleur verte pendant le tournage lors d'une manipulation minutieuse des couleurs en post-production. L'esthétique verte de la matrice contribue donc à son atmosphère futuriste dystopique contribue à donner au film un ton visuel unique Un autre exemple est le film Seven Seven , un autre film qui utilise efficacement la couleur verte pour créer une atmosphère sombre et oppressante La cinématographie du film montre une tendance vers les tons verts, obtenue grâce aux filtres d'éclairage et au traitement des films Cette utilisation de la couleur verte contribue à la sensation de tension qui imprègne l'ensemble du film, complétant parfaitement son thème sombre et sinistre Ces deux exemples montrent comment les couleurs vertes peuvent être utilisées de manière créative pour influencer l'atmosphère et l' aspect visuel du film Passons maintenant à la double première pour voir comment procéder correctement dans la production en boss. Bonjour, tout le monde. Qu' allons-nous faire dans cette leçon ? Nous allons apprendre à utiliser le paramètre de teinte dans la couleur limérique Généralement, le paramètre de teinte est utilisé pour ajouter une touche cinématographique à la correction des couleurs Par exemple, dans le clip vidéo, vous remarquerez peut-être qu' il y a une sorte de voile vert qui couvre chaque plan. Dans le premier volume, j'ai mentionné que la source d'inspiration pour créer cette cinématographie dans cette correction des couleurs était le film Dunkerque était le film Dunkerque Vous remarquerez donc peut-être toutes ces pierres dans le ciel qui pointent vers le vert. Et ici, dans cet exemple, vous remarquerez peut-être que le ciel ressemble également à cela. Mais cette atmosphère verte n' affecte pas seulement le ciel, mais aussi le reste du cadre. Donc, ce que je veux vous montrer, c'est comment y parvenir correctement. Vous pouvez donc voir ici qu' il a un aspect cinématographique, orienté vers les couleurs vertes, mais je vais rajouter cet effet pour vous montrer comment le réaliser Donc, sur cette couleur métrique, vous allez passer au paramètre de teinte. Vous allez commencer à déplacer ce paramètre vers les tonalités souhaitées. Et la raison pour laquelle je vous recommande d'utiliser ce paramètre est que déplacez uniquement le paramètre de teinte, vous n'allez pas gâcher toute la correction de couleur que jusqu'à si vous déplacez uniquement le paramètre de teinte, vous n'allez pas gâcher toute la correction de couleur que vous avez créée Et aussi cette plage dynamique que vous avez atteinte jusqu'à présent. Alors fais attention à ce cliché. Je vais supprimer la teinte ici. Dans cette couleur lumetri. Vous remarquerez donc peut-être la différence. Je vais effacer cet effet, et je vais l'ajouter à nouveau. Maintenant, je passe au paramètre de teinte ici et je vais baisser un peu cette faveur ici, et vous y êtes. Vous avez un voile vert sur le cadre au-dessus de la photo, ne déforme pas la correction des couleurs n'altère pas la plage dynamique Bien sûr, ce voile peut sembler exagéré comme ça. Revoyons à nouveau la différence. C'est très différent. Mais ici, il existe une autre option, une configuration plus subtile. Le problème est donc que lorsque vous commencez à modifier, vous commencez à explorer tous les plug-ins des outils de correction des couleurs. Donc, si vous ne savez pas comment créer correctement une atmosphère de couleur, vous allez finir par ajouter du bleu après le branchement, sans vous rendre compte de quoi que ce soit. Donc, l'une des erreurs que vous allez commettre au début est celle-ci. Je vais tout désactiver pour vous montrer cet exemple Ici, vous pouvez voir l'image brute. Et dans cet appel au contrôle d'image, vous pouvez trouver cet effet appelé balance des couleurs. Et peut-être que vous l'utilisez parce que les noms du gin bleu sont liés à la correction des couleurs. Vous déplacez donc la piste verte comme ceci. Vous allez donc tomber sur ce résultat amoureux. Donc, au moins, vous voulez créer un effet comme s' il y avait une sorte de brouillard vert ou si vous voulez créer un effet selon lequel l'air est pollué par une substance verte, par exemple, vous n' allez pas réussir à corriger les couleurs plus foncées Et même si vous modifiez les paramètres du niveau, le cliché aura le même aspect. Je vous recommande donc vivement de vous en servir comme exemple pour éviter faire une mauvaise correction des couleurs. Je ne vous dis pas que vous n'êtes pas censé utiliser la balance des couleurs de cette façon. Mais vous devez être conscient plage dynamique associée à la correction des couleurs avant d'ajouter une atmosphère générale qui affecte l'ensemble de l'image. La bonne façon de corriger les couleurs est donc celle que nous avons créée jusqu'à présent. Je vais donc activer toutes les corrections de couleur appropriées. Et vous pouvez remarquer ici, dans les oscilloscopes Lumetri , que la plage dynamique se répercute sur l'ensemble du spectre de couleurs Essayez donc d'utiliser tous ces outils, essayez de mettre tout cela en pratique et en soins intensifs dans la prochaine leçon 16. Images d'une bombe nucléaire: Parfait Nous sommes de nouveau ici en tant que Premier ministre, c'est ce que nous allons faire cette fois-ci. Nous allons créer un nouvel effet visuel. Vous savez donc qu'une partie de la stratégie que j'ai utilisée pour créer ce clip vidéo était le montage. Nous allons donc faire un mélange de retouche, de correction des couleurs et de peinture sur tapis. Nous allons nous concentrer sur celui-ci, où le soldat envisage l'explosion, et il voulait se concentrer sur celui-ci cette fois-ci, car une fois que vous l'aurez maîtrisée, vous serez en mesure de maîtriser le reste Je pense donc que l'une des choses les plus importantes est le montage. Je veux dire, je vous disais dans une autre leçon que pour créer ce genre d'effets, il était nécessaire de joindre des plans de courte durée. Cela empêchera le spectateur de trop remarquer la qualité des effets visuels, vous savez ? Donc, je voulais aussi utiliser celui-ci parce que nous y avons travaillé dans une leçon précédente. Je vais donc commencer par vous rappeler que ce que nous allons utiliser pour créer cet effet dans ce plan est une vidéo d'archives. Choisir la bonne stratégie est donc l'une des choses les plus importantes lorsqu'il s'agit de créer des effets avec cette stratégie. Nous sommes donc censés étudier en détail la nature du cliché que nous allons appliquer à l'effet visuel. Je vais donc vous montrer la vidéo d'archives. Vous pouvez remarquer qu'il y a un filigrane d'origine. Vous êtes donc censé trouver la solution la plus appropriée sur votre fournisseur de vidéos stock. Et c'est très bien parce qu'ils vont vous laisser l'essayer, tester en basse résolution, bien sûr, avant de payer pour cela. Je vais donc vous montrer comment mixer cette vidéo d'archives à partir de vos séquences afin de créer les effets visuels de l'explosion d'une bombe nucléaire. Je vais donc travailler avec cet aperçu boursier parce que c'est une sorte de proxy. Il a une faible résolution, tu sais ? Le premier sujet à aborder est donc de savoir quels étaient les critères pour sélectionner celle-ci afin de sélectionner cette vidéo stock. Et le premier critère était qu'il s' agissait d'une explosion dans le désert. Comme notre histoire se déroule dans un désert, cette vidéo est donc appropriée. D' un autre côté, les montagnes en arrière-plan sont une autre chose importante . Je veux dire, si nous passons à la photo que nous avons créée, vous remarquerez qu'il y a des montagnes en arrière-plan, également près de l'horizon. Donc, lorsque nous recherchions cette vidéo d'archives, ce détail était très important pour nous. Et vous remarquerez également que ce n'est pas un désert quelconque. Je veux dire, c'est un simple désert. Donc, une fois que vous avez trouvé la vidéo stock la plus appropriée, vous devez l'essayer avec les modes fades Les modes fades sont en fait des modes d'opacité. Vous allez tous les trouver ici dans la section Effet du panneau de configuration dans la intpacity. Je vais cliquer ici. Et je vais le chercher ici, ici même. Il fonctionne de manière assez similaire aux modes de fusion de Photoshop. Et en gros, ils vont vous aider à mélanger les couches, les couleurs des couches d'une manière spéciale. Et je vous enseigne cette stratégie car il n'est pas toujours nécessaire de créer des effets visuels complets à partir de zéro. En fait, aujourd'hui, il existe des outils d' IA, des services d' IA, des fournisseurs d'IA qui créent pour vous des vidéos d'archives avec les éléments dont vous avez besoin pour votre projet. Vous pouvez donc voir ici que je suis en train de modifier les options dans les modes de fusion. L'objectif est donc de trouver le plus adapté à ce cas. Et nous devons essayer de trouver un mode spécifique qui efface l'arrière-plan Je vais les essayer un par un. Je pense que celui-ci est très intéressant. Donc, une fois que vous avez trouvé une approximation de mode, nous sommes censés modifier la taille de l'image. Je veux confirmer que votre mode est adapté à vos besoins. Je vais donc déplacer tous ces paramètres petit à petit. Pour le faire correspondre à l'arrière-plan. Nous avons plusieurs points de référence comme horizon, également la surface sur laquelle l'explosion se produit. Ce sont tous des points de référence. De plus, il faut tenir compte de la taille. Quelle est la taille précise que doit avoir cette explosion pour être plaçable ? Les dernières étapes pour tenter de positionner la bombe nucléaire sont donc les plus importantes car elles sont très subtiles Par exemple, lorsque je m'approche la bombe nucléaire à l'horizon, je trouve qu'elle est plus belle de mon point de vue. Parce qu'il semble que l'explosion se produise plus loin. Et c'est la raison pour laquelle vous devez recourir à des peintures rupestres, à des peintures de la Renaissance. Comme vous pouvez le voir sur cette peinture de nuages, éléments les plus éloignés sont ceux qui sont les plus proches de l'horizon. C'est donc exactement le même principe ici. Nous pouvons donc essayer d'autres modes comme celui-ci, par exemple. En fait, celui-ci est bien plus adapté, mais nous pouvons essayer le reste des modes car vous devez tenir compte du fait que l'explosion implique un processus, un processus dans lequel l'explosion paraîtra plus brillante, par exemple. Cela dépend également de la nature de la correction des couleurs que vous allez utiliser. Cet exemple ne présente pas la même correction de couleur que le clip vidéo. Il y a donc des considérations importantes à prendre en compte lors de la sélection du mode le plus approprié. Vous pouvez donc voir ici que l' exemple du clip vidéo est plus lumineux et un peu plus saturé. Mais ne vous y trompez pas en ce moment car il reste encore plusieurs étapes à franchir. Je veux dire, tout au long du processus, vous pouvez changer de mode quand vous le souhaitez. De plus, vous devez vous rappeler que vous êtes censé ajouter de l'effet au futage en arrière-plan Je veux dire, l'image avec le soldat et le désert. Et une fois que vous aurez ajouté un effet à chaque mode, cela changera. Mais disons que cette option est la meilleure, la plus appropriée pour nous en ce moment. Nous devons donc essayer de créer l'image de fond. Je veux dire, l'image solaire avec le désert correspond celle de la bombe nucléaire moins en termes d'éclairage. Je passe donc à l'effet B et je cherche le bac de correction des couleurs, et je vais sélectionner la couleur liumétrique D'accord. Nous allons déplacer le paramètre d'exposition. Petit à petit, pour le faire correspondre à une bombe nucléaire. Mais attention à cela, car une fois que vous aurez déplacé ce paramètre, le mode changera. Je veux dire, même si le mode sélectionné était approprié au début. Peut-être qu'en regardant la vidéo de fond, nous nous rendrons compte que ce n'était pas le mode le plus approprié Mais vous devez faire attention au fait que le mode convient peut-être à une partie spécifique du cadre. Par exemple, ce mode donne une belle apparence à l'explosion. Mais le problème réside peut-être dans les limites de l'explosion. Nous devons donc essayer de résoudre ce problème. Nous pouvons le faire en créant un masque, exemple, qui ne recense que l'explosion. Je vais donc passer au paramètre d'opacité, et je vais créer un masque Je vais isoler l'explosion. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait car nous allons utiliser le reste des paramètres. Je veux dire, la plume, l'expansion, etc. Vous pouvez donc remarquer ici c'est beaucoup mieux parce que lumière d'explosion se fond dans l'arrière-plan. Maintenant, l' étape suivante consiste à faire en sorte que la vidéo d'arrière-plan ressemble encore plus à la vidéo nucléaire Et pour y arriver, nous allons créer un autre masque autour de l'explosion, mais dans la vidéo de fond, et nous devons essayer de nous rapprocher des bords de l'explosion. Aussi près que possible. Nous devons essayer de traiter les patients à ce stade. Vous êtes censé créer autant de points que nécessaire. Vous devez également cliquer sur la case Inverser dans le masque. Vous pouvez maintenant remarquer qu'ils ont tous deux presque la même quantité de lumière. Mais continuons à créer le masque. Nous devons essayer de suivre l'évolution de l' explosion dans toute la mesure du possible. Comme je vous l'ai dit, essayez d'être patient, étape par étape, et appréciez les points. Nous allons maintenant augmenter le paramètre de température dans l'image d'arrière-plan de la vidéo d'arrière-plan ici. Une fois que nous avons créé ces masques, il est temps de jouer une fois de plus avec les modes. Nous allons donc changer une fois de plus le mode fade pour trouver celui qui convient le mieux à notre composition Je vais donc passer à cet écran. Je trouve celui-ci plutôt bon. Ça a l'air incroyable. Je trouve que la lumière semble beaucoup plus incandescente Mais on peut en essayer un autre pour tester un autre mode. Par exemple, celui-ci. Cela n'a rien à voir avec ce que nous sommes en train de faire. Cette autre n'est pas bonne non plus. Voyons cette superposition. Celui-ci est vraiment génial car vous pouvez même remarquer que la couleur des montagnes derrière l'explosion correspond à celles de l'image de fond. Enfin, il faut ajouter un dernier élément. Et cet élément est une sorte de g, une lueur générale censée être dans le ciel, et nous allons créer cela sur la vidéo de fond. Pour ajouter ce globe, nous allons donc créer un autre masque. Nous allons ajouter une couleur Lumetric à la vidéo d' arrière-plan Nous appuyons sur le stylo et nous créons ce masque. Permettez-moi de mentionner que ce masque n'a pas besoin d'être parfait. En fait, il peut s'agir d'une sorte de masque irrégulier. Parfait Et la raison pour laquelle cela ne doit pas être parfait est due à la nature du ciel. Je veux dire, il y a des nuages là-bas. Et ces nuages sont complètement irréguliers en termes de forme. Cette lueur est donc censée suivre cette caractéristique. Donc, ce que nous allons faire maintenant, c'est déterminer à quel moment précis cette lueur va commencer et se terminer. Nous pouvons donc revoir le clip vidéo. Dans le clip vidéo, vous pouvez remarquer que l'explosion suit plusieurs étapes. La première étape consiste à faire briller cette explosion de lumière. Je veux dire, vous pouvez remarquer ici, dans cette première vidéo d'archives, que l'explosion commence par cet éclat de lumière. Nous sommes donc censés suivre ce processus, tu sais ? Donc, sur le plan, nous travaillons avec cela, cela se passe de la même manière. Nous avons donc dû créer une sorte de ligne d'automatisation pour créer cette rafale de lumière, puis l'éteindre. Nous passons donc au masque que nous avions créé, puis nous passons à la couleur lumentaire, et nous allons déplacer le paramètre d'exposition Vous devez faire attention à cela car lorsque vous déplacez l'exposition, vous êtes censé déplacer également la plume dans les bordures pour la fondre dans le fond Mais vous devez tenir compte du fait que nous n'avons pas créé le système de suivi de cette explosion nucléaire Je veux dire, l'explosion se déplace sur la vidéo de fond. Il n'est pas censé bouger. C'est censé s'en tenir à la vidéo de fond, tu sais. Mais je ne vais pas encore en diffuser toutes les nuances. Je veux dire, je veux que tu remarques la présence de ce masque. Vous pouvez donc remarquer la différence. Si je déplace le curseur, la couche qui masque cela apparaît se fond lentement et en douceur dans l'arrière-plan. Mais jusqu'ici, tout va bien. Ne vous inquiétez pas pour l'instant, nous allons laisser cette leçon ici, et nous allons passer à la suivante en suivant le mouvement de la bosse 17. Suivi des bombes nucléaires: Bonjour, encore une fois. Nous sommes là encore pour continuer à modifier cet effet visuel. L'étape suivante consiste donc à stabiliser l'image d'arrière-plan. Je veux dire, la photo que nous avons créée lors la fusillade où le soldat est debout en train de réfléchir à une explosion Donc, avant d'ajouter le stabilisateur de rap, nous devons imbriquer ce clip Nous cliquons donc sur le bouton droit de la souris. Et nous cliquons sur un nid pour créer cette sous-séquence. Nous devons donc imbriquer ce clip parce que le stabilisateur d'enroulement exige que le clip corresponde à la taille de l'image de séquence Ainsi, une fois que vous avez imbriqué le clip, la sous-séquence correspondra à la taille d'image de la séquence sur laquelle vous travaillez L' étape suivante consiste donc à sélectionner l'extrait exact de cette séquence imbriquée N'oubliez pas que nous n'avons besoin que d'une petite partie de ce clip. N'oubliez pas que cela faisait partie de la stratégie visant à créer ce type d'effets visuels. Je vais donc compresser cette sous-séquence Pour sélectionner cette petite partie, je pense que cette partie est exactement ce dont nous avons besoin De plus, si vous ne choisissez qu'une petite partie du clip, le logiciel mettra moins de temps à stabiliser la prise de vue. Je vais donc aller dans le dossier des défauts de le dossier de distorsion M et je vais faire glisser ce stabilisateur rapide dans le clip Par ici. V est déjà stabilisé. À partir de maintenant, il est donc plus facile de créer le suivi de l'explosion de cette bombe. Je veux dire qu'à présent, il n'y a qu' un mouvement de haut en bas, mais la vibration a disparu. Et c'est crucial, car moins le plan ci-dessous présente de mouvements, plus il sera facile d'adapter la vidéo de l'explosion à celui-ci. Vous pouvez donc utiliser l'outil de suivi automatique pour résoudre ce problème. After Effects et Adobe Premier disposent tous deux de cet outil. Mais cela ne donne pas toujours le meilleur résultat. Donc, afin d'obtenir le résultat exact que vous souhaitez, je vous recommande vivement de penser aux effets visuels dès le début du projet. Je veux dire, à cause de la fusillade elle-même. Vous remarquerez peut-être que la vidéo où se trouve le soldat est presque statique pour faciliter l' intégration de cet effet visuel. Mais d'ailleurs, pour comprendre comment fonctionne le suivi automatique, nous pouvons utiliser comme exemple les effets ci-dessous. Je vais donc désactiver la couche de bosse. Et je vais créer une sorte de masque dans la vidéo des soldats. Donc, sur cette falaise, je vais passer à cet effet de couleur lumétrique, et je vais créer un masque Ce n'est qu'un exemple. Je vais donc créer un masque irrégulier ici. Ainsi, par exemple, vous pouvez remarquer que ce masque se déplace irrégulièrement autour du soldat Je veux dire, ce n'est pas parfait. Il bouge parce que le tir bouge aussi. Dans ce cas, le suivi serait donc utilisé pour maintenir le masque dans la position exacte souhaitée pendant toute la durée du clip. Ainsi, si nous plaçons le curseur, par exemple, spécifiquement à ce stade, puis que nous cliquons ici pour jouer, le logiciel créera un chemin automatique que le masque suivra tout au long du clip pour essayer maintenir le masque dans cette position exacte. Le problème, c'est que le résultat n'est pas toujours exact, et parfois c'est le cas, ce qui complique les choses. Vous pouvez donc voir l' automatisation ici. Vous pouvez remarquer qu'il présente des imperfections difficiles à réparer car il y a trop d'images-clés à corriger. Et parfois, même lorsque l'image est stabilisée, des erreurs de suivi se produisent, ce qui complique le résultat final C'est pourquoi, même si dès le début, nous avons pensé aux effets visuels, je veux dire que, depuis le début, nous allons effectuer le suivi manuellement. Nous passons donc à ces effets de contrebande. Nous allons désactiver cette voie d'automatisation, ainsi que cet effet Je vais réactiver cette couche de bombe nucléaire, et je vais essayer de trouver un moment précis où le Nuk semble dans la position exacte, dans la position parfaite Souvenez-vous de ce que je vous ai dit : le Nuk est censé être proche du fils pour qu'il paraisse plus éloigné. Je pense que ce moment précis est parfait. Je vais donc cliquer ici sur la position pour créer l'image clé, et je vais étudier en détail l'image. Nous allons rechercher ces petits détails sur l'image de fond que nous pouvons utiliser comme point de référence pour maintenir la vidéo Nuk dans la même position Vous pouvez donc remarquer qu'au fur et à mesure que le clip avance, le Nuk tombe en panne. Nous devons donc essayer de le remettre dans la même position. Ce deuxième objectif clé est donc d'y parvenir. Nous devons donc continuer à analyser le mouvement de l'image. Par exemple, vous pouvez remarquer que ce n'est qu'en créant deux images clés le mouvement de bosse suit complètement la vidéo d'arrière-plan Quelque chose qui n'allait pas tout à fait paraître correct après le suivi. L'utilisation de cette méthode demande donc beaucoup de patience, mais le résultat est bien meilleur. Continuons donc à déterminer quelle est la position exacte de cette troisième image clé. Je pense que je devrais le déplacer un peu plus haut. Jusqu'ici. N'oubliez pas que l'écart entre un cadrage clé et un autre est presque comme s'il s' agissait d'une automatisation Et comme je vous l'ai dit, cela ne va pas être si difficile parce que la vidéo de fond n' est pas si ébranlée, vous savez ? Parfait Ça a l'air super. Maintenant, je vais créer les autres images-clés. Je veux dire, ceux qui sont censés être antérieurs au premier. Juste dans cette partie. Prêtez attention à ces détails sur la surface du désert. Je les suis toujours pour amener l'arme nucléaire au bon endroit Faites attention à cette partie car l'image d'arrière-plan se déplace légèrement vers la gauche. Nous devons donc également suivre ce mouvement. Vous allez donc toujours passer beaucoup de temps à suivre ce genre de chemin. Et c'est la raison pour laquelle les effets visuels prennent beaucoup de temps à être créés. Ne vous précipitez donc pas si vous insérez une mauvaise image clé, il vous suffit de la retirer, puis de revenir au point que vous essayez de corriger. En fait, je trouve que c'est comme dessiner. Lorsque vous dessinez, vous tracez des lignes, puis vous les rayez. Ensuite, vous revenez à la partie que vous essayez de représenter sur votre toile Vous pouvez voir à l'écran que nous nous approchons du résultat que nous voulons étape par étape, petit à petit, avec un grand nombre de patients. Je pense que je vais vous montrer quelques points clés ici. Je vais réparer celui-ci ici. Et je trouve que tel quel, il est très beau. Vous pouvez sentir l' explosion se développer. C'est presque parfait. Je vais continuer à le réparer. Il y a un autre détail que nous devons corriger dans cet effet visuel, savoir le masque lumineux que nous avons créé ici dans la vidéo d'arrière-plan. Nous avons créé une sorte de masque qui produit de la lumière, celui-ci. Le problème est que ce masque est censé être aussi métallique que le u Nous devons essayer de corriger cela sur le chemin de l'automatisation. Faites attention à ce que j' utilise comme point de référence la tête du soldat pour maintenir le masque dans la même position. Nous avons donc réparé cette lumière maintenant. L'étape suivante consiste à sélectionner la portion exacte que nous voulons à partir de ces clips. Je parle de l'extrait de cet effet visuel. N'oubliez pas que la stratégie consiste à joindre plusieurs parties de la vidéo pour créer la séquence complète de la bombe nucléaire. Mais avant de découper ce clip, il faut tenir compte du fait que ce clip est stabilisé. Vous devez donc réimbriquer le clip avant de le couper. Si vous ne le faites pas, vous allez détruire tout le processus de stabilisation. Cela gâche également tout le travail que nous avons effectué sur l'automatisation des bombes nucléaires Nous imbriquons donc à nouveau le clip, nous le renommons, puis nous sommes prêts à le découper à nouveau Cet effet visuel nucléaire est donc déjà créé. En fait, nous pouvons ajouter une fonctionnalité supplémentaire à cet effet visuel. Et c'est qu'en raison de la distance entre le soldat et l'arme nucléaire, celle-ci est censée paraître plus Je veux dire un peu plus flou. Par exemple, voyons l'image brute en détail. Je parle de l'image de la bombe nucléaire ici. Vous pouvez remarquer que l' image est effectivement floue. Mais dans cette vidéo, l'explosion est plus proche de la caméra. Donc ce n'est pas censé être si flou, tu sais. Mais ici, l'explosion est plus éloignée. Donc, afin d' améliorer cet effet, nous pouvons ajouter ce flou supplémentaire ici Nous passons au flou calcique et nous le traînons jusqu'à la couche de bombe nucléaire Nous pouvons donc jouer avec la quantité de leurre. Vous pouvez voir le résultat ici en déplaçant ce paramètre. Je trouve que ça a l'air super ici. Tu es là. L' effet de bombe nucléaire est en fait plus beau que celui que j'ai utilisé dans le clip vidéo. Je pense que c'est dû à la correction des couleurs, en fait. Cette correction de couleur est meilleure. N'oubliez pas non plus que puisque j'utilise cette vidéo stock en basse résolution, lorsque j'exporte un fichier, le système utilise la vidéo originale, la vidéo en quatre K. Merci beaucoup et je vous verrai dans les prochaines leçons. D'accord. 18. Impact de missile: Parfait. Cette fois, vous allez analyser cette scène où ces missiles s'écrasent ici. Il s'agit donc essentiellement du même processus. À la différence que celui-ci est encore plus simple. Je veux dire, les explosions que vous voyez à l'écran sont des vidéos perforées et préparées pour être incorporées dans une composition visuelle Je veux dire, vous n'avez pas besoin de faire un effort supplémentaire pour que ces vidéos correspondent à l'arrière-plan. Et tout ce que vous avez à faire en rapport avec ces explosions, c'est la correction des couleurs, en gros. En suivant les étapes que nous avons apprises dans les leçons précédentes avec une bombe nucléaire, vous serez en mesure de réussir ces petites explosions. C'est la raison pour laquelle j'ai abordé ces effets visuels en éditant essentiellement la bombe nucléaire. Par exemple, examinons l' effet du panneau de commande ici, et vous remarquerez que je n'utilise pas les modes de fusion pour faire correspondre ces petites explosions à l'arrière-plan. Ainsi, en utilisant une correction de couleur appropriée, vous pouvez obtenir les effets visuels. Je pense donc que la clé réside dans l'image de fond. Je veux dire, cette vidéo sur le désert. Tant que cette vidéo garde l' acier en arrière-plan, vous réussirez à créer ce type d'effets visuels. Mais ne vous méprenez pas. Je ne vous dis pas que la vidéo de fond est censée être entièrement en acier. Mais c'est plutôt du mouvement, il est censé être suffisamment fluide pour faciliter cette composition visuelle, tu sais ? J'ai donc stabilisé cette vidéo de fond. Où le soldat court dans le désert pour éliminer ces petites vibrations totalement néfastes afin de créer une décomposition adéquate. Un autre détail important de la décomposition des ongles est de prêter attention au personnage et aux effets visuels. Je veux dire, tu dois essayer de ne pas superposer le personnage à l'effet visuel. Je veux dire, le personnage passe par le bas et les explosions se trouvent dans la taille supérieure. Mais je dirais que le point le plus important de cette leçon est le missile. Ces missiles qui s'écrasent et produisent ces petites explosions. Je vais donc chercher mon image dans un fichier PND. D'un missile. Je pense que vous pouvez trouver ce genre de photos en surfant sur Internet. Ce dont vous avez besoin, c'est d'un fichier P&D comme celui-ci ici. Vous pouvez remarquer que l' arrière-plan est vide, vous pouvez donc faire glisser ces images dans ce logiciel comme vous le souhaitez. Et je vais prendre comme exemple la séquence que nous avons créée avec le Nuclear Vamp Je vais donc ajouter ce missile ici au hasard. Je ne veux pas créer les effets du missile qui produit cette explosion nucléaire. Pas du tout Ce que je veux vous montrer, c'est comment créer ce genre d'effets. Vous pouvez donc voir l' image du missile qui est perforée. Vous pouvez voir le missile et vous pouvez également voir l'arrière-plan. Donc, la première chose que je suis censé faire est de changer le sens horizontal de l'image parce que je veux que le missile se dirige vers l'explosion. Je vais donc chercher le respect Ici, retourner horizontalement, puis passer à la raquette dans ce clip Parfait. Vous pouvez voir que la pointe du missile vise à exploser. L'étape suivante consiste à analyser la taille exacte que le messile est censé avoir lorsqu'il tombe dans le désert Mais vous pouvez le remarquer même si je bouge et que je déforme la taille du missile C'est une perspective que la nature ne correspond pas aux voyages que nous voulons créer. Nous sommes donc censés déformer l'apparence du missile pour créer un autre point de vue sur le missile Nous passons donc à ce dossier dans cette perspective, et je vais sélectionner ces trois éléments de base ici, et je vais les faire glisser dans ce missile. Donc, dans l'effet de contre-panneau, nous allons déplacer le paramètre Swivel ici. Avec cette roue. Et vous pouvez remarquer que je change la perspective de l'objet. Et c'est très important lorsqu'il s'agit de créer ce genre d' effets, car ce messyle est censé voyager dans ce désert Ainsi, dans la mesure où il se déplace vers l'horizon, le messyle est censé changer de forme Le gin bleu change donc la forme du missile pour qu'il corresponde à la perspective que nous voulons. Je vais donc définir les deux points du voyage. Je veux dire, le point exact dans le désert où le désordre va s'écraser. Supposons donc que le messyle commence ici, hors du cadre, puis qu'il entre dans le cadre, puis qu'il s' écrase juste Par exemple, ici. Vous pouvez donc remarquer que j'ai changé de position dans la taille du missile. Et maintenant, vous pouvez voir comment le missile s'enfonce dans le cadre comme s'il s'engageait dans le cadre. Et vous pouvez augmenter la taille du missile au début pour le rendre plus spectaculaire. Maintenant, vous pouvez remarquer que c'est comme si le missile passait à côté de nous. La chose suivante que j'ajouterais est de changer la couleur du missile. Je veux dire, de ce point de vue, nous sommes contre la lumière. Le missile est donc censé être plus sombre. De plus, transformer ce missile en aide aux effets visuels semble convaincant Nous pouvons donc simplement utiliser un faible paramètre d'exposition ici. Et cet objet va devenir noir. Mais tout dépend de la correction des couleurs du cadre général de la prise de vue unérale Je ne prends pas l'exemple de l'explosion nucléaire parce que c'est très loin Je veux dire, tu n'es pas censé voir un faux à cette distance Ce n'est pas plausible. Le missile est censé avoir une taille proportionnelle à cette explosion. Je veux dire, si c'était le cas, tu sais. J'ai donc utilisé exactement cette technique ici. Nous avons intégré ces missiles ici. Ils sont presque imperceptibles, mais ils sont là. Et en fait, ce sont ces petits détails qui font passer vos projets au niveau supérieur. Nous devons donc essayer de ne pas sous-estimer ce genre de détails Je vous recommande donc vivement de vous concentrer sur les compositions visuelles plutôt que sur les effets visuels, car en fait, vous pouvez trouver tous les effets visuels sur Internet. Le défi sera donc d' intégrer ces effets visuels dans vos projets. Je te vois donc dans la prochaine leçon. 19. Revue de tir: Parfait. Dans cette leçon, nous allons aborder le problème des coups de feu, qui est encore plus simple que tout ce que nous avons créé jusqu'à présent Donc, en gros, ces coups de feu sont essentiels à l'action. effets visuels sur fond vide que nous pouvons utiliser pour créer ce genre de scènes, vous savez ? Donc ce que j'ai fait, c'est placer ce coup de feu dans le canon du pistolet, vous savez, ici Il y a quatre coups de feu, et j'ai incorporé ce coup de feu quatre fois. Le coup de feu est donc si rapide qu'il n'est pas nécessaire de créer une trace, que ce soit manuellement ou automatiquement Je pense que l'un des éléments les plus importants pour créer cet effet est la performance de l' acteur. Lorsque vous tirez avec une arme à feu, le coup de feu est censé vous repousser un peu C'est censé exercer une certaine pression sur tes mains. La performance de l'acteur est donc censée créer cet effet pour décrire cet effet Mais pour en revenir à ces effets visuels, dans ce cas, j'utilise un peu les trois D de base puisque le pistolet vise le ciel. Je déforme donc la perspective lors du coup de feu et de la rotation également Vous pouvez voir que le tir initial vise le côté droit. Vous pouvez les voir ici. J'ai donc dû modifier la rotation vers le ciel. Une seconde vise le ciel. Donc je pense que ce n'est pas si compliqué, vous savez, c'est très simple. C'est l'un des effets les plus simples à ajouter à un projet. Mais en fait, je pense que cette toute récente simplicité empêche plupart des cinéastes de trouver le type d' effets, car dans la mesure où ils pensent que c'est facile, ils sous-estiment certains détails importants pour donner à ce coup de feu une apparence Et ces détails sont la perspective et la taille du coup de feu, la scène elle-même est censée être réaliste, authentique. Et même s'il est absurde de tirer sur un avion de chasse depuis le sol, l'action elle-même est censée être suffisamment claire et réelle pour captiver le public. Créer cette composition n'est donc pas aussi difficile que dans l'exemple de la bombe nucléaire. Je dirais que la chose la plus importante à ce sujet est la correction des couleurs. Si nous revenons à l'effet du panneau de commande, vous remarquerez peut-être qu'il a ajouté une couleur limpide pour déformer la saturation du coup de feu Voyons donc que le paramètre de saturation est en 48e et que la valeur par défaut est 100 Donc, comme le plan entier, toute la composition est désaturée, le coup de feu est censé être comme ça autre côté, certaines choses qui se produisent manière aléatoire lors des tournages peuvent améliorer l'apparence de vos effets visuels Par exemple, vous remarquerez peut-être ici dans la montre une sorte de brillance, une lueur, c'est-à-dire un reflet du soleil sur la montre. Vous pouvez parfaitement tirer parti de ce genre de choses car c'est comme s'il s'agissait d'une sorte de réflexion sur le feu d'une arme à feu. Essayez donc d'être conscient de la nature du cadre lui-même. Donc, comme vous l'avez remarqué jusqu'à présent, toute la composition visuelle ici est un sous-produit de toutes ces stratégies Mais je dirais que la stratégie la plus importante est de faire croire au spectateur que vos effets visuels sont des choses réelles qui se passent à l'écran. atteindre cet ordre dans plus important est d'atteindre cet ordre dans le futage J'insiste plusieurs fois sur cet exemple Une fois que vous aurez vu cette vraie photo du Nuga, les autres photos seront également réelles Ainsi, en suivant et en respectant le processus d'attention du public, vous aurez plus de chances de réussir ce type d'effets de visite Essayez donc de mettre tout cela en pratique, faites attention à chaque détail, et je suis absolument sûre que vous y arriverez. Je te vois donc dans la prochaine leçon. 20. Comprendre le cadre: Parfait. Nous sommes ici dans Adobe Premiere. Ce que nous allons faire cette fois-ci, c'est créer une sorte de design sonore très rapide et très facile à comprendre. Nous allons donc prendre comme exemple cette scène du clip musical Much Tiempo, où le pilote est sur le point d' activer le détonateur la fusée que vous regardez à l' Puis la fusée explose avec l'ogive nucléaire. Pour avoir une compréhension globale de cela, il est donc compréhension globale de cela, nécessaire de comprendre le sujet de la couche. Et quel est le sujet de la couche ? Quand je parle de couches, je fais référence au fait que chaque élément du cadre à l'intérieur du cadre produit du son. Et le plus intéressant à propos des leçons suivantes, nous allons créer ces couches sonores avec tous les fichiers trouvés sur Internet sound effect. Et YouTube est un excellent endroit pour trouver du son. Pour créer votre propre design sonore, totalement professionnel. Mais il y a une exception l'enregistrement de la performance de l' acteur, vous savez, mais nous allons créer le reste des éléments à l'intérieur du cadre avec des sons trouvés sur Internet. Une autre chose importante liée aux leçons suivantes est qu'à la fin de ces leçons, nous allons revoir le même design sonore, mais créé sur QvSE Je ne vais pas créer de design sonore sur Qvase. Je vais le créer ici dans Adobe Premiere. Mais c'est à vous de comprendre cela. Commençons donc. Donc, la première chose que vous devez comprendre est la nature de la chronologie. Vous savez que la partie supérieure est la section vidéo, et l'autre côté en dessous appartient au mixage sonore. Mais cette section audio ci-dessous est divisée en pistes de la même manière que la section vidéo. Mais il y a une différence notable : lorsque vous créez un montage dans la partie supérieure de la section vidéo, couche que vous êtes censé placer au-dessus est la couche qui sera ainsi visible sur le moniteur du programme. Je sais que cela est très clair pour vous. Mais en ce qui concerne la conception sonore et la section son, la section de mixage audio est très différente car chaque piste audio sera jouée en même temps. Je veux dire, c'est très important parce que vous êtes censé superposer les clips audio lors du montage. Ainsi, lorsque vous superposez clips audio, c'est comme si vous mixiez clips vidéo dont l'opacité est définie à 50 % J'ai déjà un autre cours de design sonore axé uniquement sur le design sonore sur cette plateforme. Vous pouvez y avoir recours si vous souhaitez approfondir ce sujet, vous savez. Mais ce que je veux vraiment en ce moment , c'est vous apprendre à le faire facilement et professionnellement en utilisant AB Premier. Commençons donc par analyser cette image de ce cadre. Vous pouvez remarquer qu'un personnage, le pilote, interagit avec cet environnement. Avec une plage également avec du sable. Il est en train d'activer cet appareil, le détonateur, et il halète également en ce moment De plus, il y a cette fusée qui sort de l'océan, de la mer, puis elle survole le ciel au loin, un point de vue éloigné dont il est très important de tenir compte de ces détails Et puis le pilote marche lentement vers le désert, pour contempler l' explosion, tu sais ? Le pilote continue donc à respirer et haleter jusqu'à la fin de cette scène, vous savez Et aussi, tu dois te rappeler que ce détonateur compte à rebours, puis que l'arme nucléaire explose, tu J'essaie de lister ces détails parce que je voulais vous faire comprendre quelle est la nature du cadre. En termes de design sonore il ne faut pas oublier que le design sonore est un dispositif narratif en termes de narration en termes de réalisation de films L'un des principaux objectifs de ces leçons, en particulier de cette leçon, est de vous faire comprendre l'une des erreurs les plus courantes en matière de design sonore. Même au niveau professionnel, j'ai rencontré ce problème à de nombreuses reprises dans mon école de cinéma et même parmi les cinéastes professionnels Ainsi, lorsqu'il s'agit de créer un design sonore, vous devez être conscient de la distance entre la caméra et l'objet qui produit le son. La nature de ce son est censée relier cette distance. Et ce que je veux dire par là, lorsque vous regardez ce cadre, ce cliché est une sorte de plan moyen. Et vous allez utiliser ces deux plans dans la même scène. Vous êtes censé adopter un point de vue différent en termes de design sonore. Je veux dire, sur ce cadre, le personnage est plus éloigné, et un autre est plus proche. Tous les sons produits par ce personnage sont donc censés être liés à la nature du cadre. Je veux dire, vous pouvez voir que le personnage manipule le détonateur Mais sur certains plans, vous pouvez voir le détonateur plus loin, et ici c'est un autre cliché, et ici c'est un autre cliché, le détonateur Donc la nature du son est censée suivre ce schéma, tu sais ? Vous n'avez aucune idée du nombre de fois où cette erreur est commise. Même au niveau professionnel. D'autre part, vous devez être conscient de ce qui se passe réellement à l'intérieur du cadre. Si vous le remarquez à l'écran. À ce moment précis de cette unité d'action, le C, les vagues ne touchent pas complètement le personnage. Je veux dire, il y a une distance entre le personnage et les vagues. Vous êtes donc censé représenter tous ces détails dans la conception sonore pour pouvoir le faire correctement, vous savez ? Par exemple, sur cette autre photo, vous pouvez voir les vagues s'approcher. Vous êtes donc censé le représenter également à ce moment précis. Donc, si vous n'êtes pas en mesure de détecter ces nuances lorsqu'il s'agit de créer un design sonore, vous ne serez pas en mesure de créer un design sonore correctement. J'utilise cette partie spécifique du clip parce que je ne voulais pas m' attarder trop longtemps dessus. Je veux dire, cette partie commence ici. Pourtant. Mais il y a une partie antérieure où le personnage est accroupi, presque en train de ramper sur la plage Et vous pouvez voir sur l' écran que les vagues entrent en contact avec ses bras, ses mains. Ce que je veux dire, c'est que les effets sonores de ces petites ondes ne sont pas censés être les mêmes que ceux des photos précédentes prises d'un point de vue éloigné, le plan blanc. Le public est donc censé sentir l'eau plus près d'ici. Je veux dire, l'objectif principal est de créer une sorte d' expérience immersive en écoutant le design sonore. Ainsi, lorsqu'il s'agit de créer du design sonore, il n'y a que trois manières d' atteindre cette distance. Je veux dire, cette distance ou un mélange qui représente la distance entre la caméra et l'objet qui produit le son. La première façon serait donc de prêter attention au moment où vous enregistrez le und. Je veux dire, si vous enregistrez le son de la plage. Vous allez placer un appareil d'enregistrement portable à une distance spécifique de cette plage. Le sous-produit de cet enregistrement serait donc un point de vue spécifique de la plage en termes de son La deuxième méthode serait d'essayer de recréer cette distance par réverbération Vous pouvez également jouer avec le volume. Et le troisième moyen serait de trouver le son exact sur Internet. Je vais donc vous donner un exemple. Je vais ouvrir le navigateur. Je vais chercher un son sur YouTube. Je vais taper ici, effet sonore Oshan. Et le navigateur va afficher tous ces effets sonores. Tu peux essayer ce que tu veux. Nous pouvons essayer celui-ci, par exemple , ici. C'est un effet sonore très intéressant. Vous pouvez remarquer la distance entre la caméra, ce serait l'appareil d'enregistrement et la plage, vous savez ? Vous devez donc essayer d'être créatif avec cela. Essayez de comprendre votre mauvaise scène, votre propre cadre, vos propres plans, la nature même de vos plans. Et vous devez essayer de rechercher ces éléments, ces éléments sonores qui correspondent à l'image que vous affichez dans votre montage. Il existe un autre aspect très important lorsqu'il s'agit d'analyser le bon effet sonore. Et il arrive que, par exemple, lorsque vous enregistrez le son de la plage, vous captiez également le son de l'air. Je veux dire, la plage sonore est le son de l'environnement. Et cet environnement inclut l'air. Quand tu dis, je fais référence au vent, tu sais ? Essayons donc un autre type de son. Je suis donc en train de taper ici Fighter Sound Effect et le navigateur va afficher toutes ces options ici. Par exemple, celui-ci. C'est très intéressant. C'est donc une voie à suivre pour trouver les effets sonores exacts et appropriés pour votre montage ou votre conception sonore. Préparez-vous donc pour la leçon suivante lorsque vous allez commencer à créer le design sonore. 21. Ajouter un effet sonore de l'océan: Parfait Dans cette leçon, nous allons créer le son de fond. Je veux dire, le bruit de l'océan, le bruit de cette plage. J'ai ma propre banque audio et j'ai déjà cet effet sonore. Je pense que cela correspond à ce dont nous avons besoin, tu sais. Ainsi, lorsqu'il s'agit de sélectionner l'effet sonore approprié, vous devez contempler votre prise de vue tout en écoutant l'effet sonore Je trouve cela parfait. Mais j'en ai aussi une autre. Essayons-le. Celui-là. Mais je pense que cette mer est plus agitée, plus mouvementée. Vous ne pouvez pas simplement mesurer facilement la taille des vagues, par exemple. L'autre est donc plus adapté à cette conception sonore pour ce boîtier, vous savez. Je vais donc faire glisser le fichier vers la chronologie ici. Et ce que nous allons faire ensuite, c'est découper une sorte d'extrait de celui du fichier et le positionner aux moments exacts dont nous avons besoin Je veux dire, ces moments où le soldat est sur la plage alors qu'il agit , en gros. Nous n'avons pas besoin de l'océan au début car il y a le t. Mais ensuite, le soldat apparaît. Ici, nous avons besoin de l'océan. Nous allons donc couper ici. Jusqu'ici, jusqu'à ici. Nous pouvons effectuer la découpe suivante ici, puis ici, ici même, par exemple, nous allons supprimer cette partie et cette pièce également. Nous allons créer l' autre découpe jusqu'ici. Vous avez donc sélectionné cette scène jusqu'à cette seconde avant exploser la bombe parce que ce que nous faisons est plus complexe, vous savez L'étape suivante consiste donc à diviser les sections que nous avons sélectionnées. Par exemple, ici, vous pouvez remarquer qu'il existe différents points de vue sur la même action. Je veux dire, le soldat est plus près d'ici, puis il est plus loin. Donc, comme nous devons adapter le design sonore à cette fonctionnalité, nous devons créer un point de vue différent en modifiant le volume. Je suis donc en train de créer ces découpes ici. Et je vais changer la ligne d'automatisation sur les clips en modifiant cette ligne ici, je modifie le niveau de gain dans ce clip en particulier. Donc, pour compléter cela, je vais ajouter l' autre effet sonore où les ondes sont plus perceptibles, et je vais le mixer avec l'autre. Nous allons donc placer le son de l'onde dans le plan spécifique où les ondes apparaissent à l'écran. Vous devez toujours essayer de faire attention aux nuances, aux différences subtiles. Je veux dire, ces différences vont faire passer votre travail à un niveau supérieur, vous savez ? Je cherche donc l'extrait spécifique de cet audio qui correspond à cette vague à l'écran C'est ce qui se cache derrière le personnage, tu sais ? Par exemple, ici, cela semble vraiment intéressant. Je pense que cette partie convient. Allons y jeter un œil. Parfait Vous pouvez remarquer la différence. C'est parfait Et je pense qu'en faisant cela, j'améliore vraiment cette scène, car chaque montage que vous regardez à l'écran est une sorte d'ellipse Je veux dire, ce montage décrit le moment où le personnage active cet appareil de façon désespérée De plus, les coupures indiquent qu' il passe beaucoup plus de temps à activer cet appareil que le temps que vous voyez à l'écran. J'ai beaucoup expliqué cela dans mon autre cours de montage de films, en particulier le sujet et le problème des points de suspension. Jusqu'ici, tout va bien. Je trouve que ça sonne bien. Vérifions-le donc une fois de plus. D'accord. Pour ce qui est de la partie missile, je vais laisser cet arrière-plan, le même arrière-plan que le s, mais je vais diminuer le gain, le volume de ce clip en particulier. Je crée cette réduction ici pour modifier le volume, le montant du gain ici, vous pouvez remarquer une différence. C'est donc le même océan, mais vu d'un point de vue éloigné. Ici, nous pouvons augmenter à nouveau le volume qu'ils gagnent pour qu' il corresponde à la scène. Et dans cette unité d'action, nous pouvons laisser ce clip à tout moment. Ce que je vais faire dans cette partie au début de cette unité d'action est d' ajouter une couche C supplémentaire. Parce que lorsque le soldat est à terre, on voit un peu les vagues. Je veux donc ajouter cet effet sonore au début, puis il s'estompe J'ai donc créé une sorte de ligne d'automatisation sur le clip directement sur le clip, et maintenant l' effet sonore des ondes s'estompe Nous avons donc déjà notre arrière-plan, notre effet sonore en arrière-plan, et nous allons continuer dans la leçon suivante avec l' effet sonore des vêtements et les sons des personnages. Donc, jusqu'à la prochaine leçon. 22. Ajouter un effet sonore de personnage Adobe Mixer: Parfait. Nous sommes de nouveau là pour la première d'AP. Ce que nous allons faire, c'est tout d'abord essayer de comprendre que tous ces morceaux présentés dans cette section ci-dessous, je parle de la section sonore. Chaque titre a une sorte de représentation dans une table de mixage dans un mixage général dans le Dp Premier Vous pouvez trouver ce mixeur dans le préréglage audio, ou vous pouvez le trouver ici, en accédant au stop de la fenêtre et en trouvant le mixeur audio. Donc, comme je l'ai mentionné, chaque piste de cette section la chronologie a une représentation spécifique dans ce mixeur. Vous pouvez trouver A un, A deux, trois, et vous pouvez également retrouver sur le mixeur les mêmes pistes. Et je le mentionne parce que nous sommes censés gérer deux types de pistes, principalement des pistes stéréo et des pistes mono. Généralement, lorsque vous enregistrez sur un appareil portable, vous utilisez un microphone, un seul microphone qui capte un son spécifique de l'environnement. Ainsi, lorsque vous utilisez un seul microphone connecté à une piste, un fichier mono correspondant à une piste est créé. Vous pouvez constater une différence ici. Ici, il y a une piste mono et les autres ci-dessus sont des pistes stéréo Ils ont deux pistes, deux ondes sonores, tu sais ? Je veux dire, l'effet sonore de l'océan est censé avoir été enregistré antérieurement Je veux dire, il est nécessaire de créer un effet surround. Dans ces cas-là, ce type d'environnement est enregistré avec deux microphones. Mais il est important de se rappeler que cela n'a rien à voir avec la qualité. Je veux dire, vous ne pouvez utiliser qu'un seul microphone. Et si vous utilisez un microphone de bonne qualité, vous allez capturer un effet sonore de haute qualité. Comme dans le cas de cet enregistrement, nous avons ici un monopile qui appartient à la performance de l' acteur, et il fonctionnera parfaitement selon nos besoins C'est une sorte de peinture, tu sais ? Ouais. C'est donc ce que nous allons ajouter à ce montage. J'oublie donc presque que si vous voulez ajouter une piste mono, vous devez aller à l'arrêt de séquence, puis vous allez mettre zéro ici, nous allons taper zéro parce que vous n'avez pas besoin de pistes vidéo. Vous allez mettre ici un certain nombre de pistes que vous souhaitez. Et ici, vous allez sélectionner la position de la piste sur la chronologie. Vous pouvez sélectionner ici la nature de la piste. S'il est standard, standard est stéréo et l'autre mono. Vous pouvez sélectionner d'autres options, comme le 5.1 qui est Surround. Je veux dire pour ce genre de mixs, tu sais. Je vais donc rapprocher ce clip de ce montage. Nous avons déjà les personnages haletants. Une autre chose importante est que lorsque vous utilisez une piste mono, vous pouvez créer un halètement plus efficace Je veux dire, le halètement est plus perceptible une piste mono que sur une piste stéréo Mais attention, je ne vous dis pas que vous n'êtes pas capable de créer un panoramique dans une piste stéréo Mais dans le mootrat, c'est plus visible, plus efficace. Je vais donc essayer de faire correspondre le halètement à la performance Nous pouvons jouer avec le volume avec le jeu. OK. De la même manière que dans l'exemple précédent avec les vagues, si le personnage est plus proche, nous sommes censés augmenter le volume du halètement Je veux dire, par exemple, dans cet autre plan où le personnage apparaît plus loin, nous sommes censés diminuer le volume de halètement Vous pouvez le retirer, mais je préfère baisser le volume. Donc, dans cet autre plan, nous pouvons augmenter à nouveau le volume, et nous pouvons créer une découpe ici même. Ici, on peut le retirer. Revoyons-le depuis le début. Ici, avec le bouton droit de la souris, je vais augmenter le volume de ce clip de deux points. Parfois, vous devrez le faire parce que l'onde sonore n'est pas assez forte. Il est important de se rappeler que lors de la création du design sonore, il est important de modifier le volume de chaque clip sur la chronologie. Je veux dire en modifiant l'annonce ou en modifiant la ligne d'automatisation, notant le mixeur, car le mixeur va modifier le volume de tous les clips contenus dans cette piste. Par exemple, si je déplace cette faille qui appartient à la piste où nous avons créé l'effet sonore de l'océan, nous allons tout détruire. Je veux dire, chaque morceau contient plusieurs clips qui ont une configuration spécifique, tu sais ? Une quantité spécifique de volume de gain Passons donc à la partie suivante. Celui-ci, où le personnage est debout. J'essaie de le faire correspondre au mouvement. J'augmente le gain. Ouais. On peut aussi laisser le halètement ici, même lorsque le personnage est sur le dos, tu sais ? Vérifions-le donc depuis le début. Donc, vérifions-le dès le début, ici. Parfait ici. Je dois essayer de diffuser les découpes, en créant une sorte de fondu ici pour nettoyer le début des clips. Parfait. Jusqu'ici, tout va bien. Nous allons continuer dans les leçons suivantes avec l' effet sonore des vêtements et les étapes à suivre jusqu'à la prochaine leçon. OK. 23. Ajouter des vêtements et des étapes: Parfait. Nous sommes de nouveau ici. Ce que nous allons faire. Maintenant, j' ajoute l'effet sonore des vêtements. Mais je vais également ajouter les étapes des personnages. Mais pour l'instant, je commence par les vêtements. J'ai donc trouvé que cet effet sonore sur Internet est un son très intéressant. Je veux dire, une fois que j'ai trouvé l'effet sonore, j'usine immédiatement la combinaison du pilote. Je ne sais pas pourquoi. Je pense que c'est la nature du tissu. Qu'est-ce que tu en penses ? Je vais donc extraire un extrait de cet effet sonore, et je vais le faire glisser dans la Laissez-moi vérifier les autres pièces. Celui-ci est également intéressant. Je veux dire, pour jouer avec ces deux sections. Et je vais essayer de faire correspondre ces effets sonores, ces extraits, aux mouvements des personnages, aux Le personnage cherche donc le détonateur dans sa poche Et nous devons essayer de décrire cette interaction entre les mains et le costume, vous savez, cette poche Mais attention à ce que je fais ici. Cet effet sonore, cet audiophile, est stéréo, mais je travaille dessus sur une piste mono On dirait donc qu'il s'agit d'un monopile. C'est très intéressant car nous avons déjà ce fond de mer sur l'océan qui est assez immersif Mais nous devons concentrer le son produit par le costume de manière très ciblée. D'autre part, de la même manière que nous l'avons fait avec l'effet sonore CA. Nous devons essayer de faire correspondre les effets sonores de ces vêtements à chaque prise de vue. Je veux dire, nous devons être conscients que sur cette photo, le vêtement est censé être entendu d'un point de vue éloigné et l'autre plan d' un point de vue plus proche. Je crée donc les coupes respectives et je modifie le volume dans ce cas, c'est le gain, vous savez. Je suis donc en train de terminer ça. Je vais ajouter un effet sonore vestimentaire dans cette partie, ce gros plan. OK. Par ici. Je pense que le design sonore n' est pas si difficile, mais il faut être très patient en prêtant attention aux couches sonores, vous savez. De plus, vous devez vous rappeler que le plus important est la narration, l'écriture du scénario Par exemple, dans l'un des plans. Même s'il s'agit d'un point de vue plus éloigné. Nous devons décrire ce moment à l'aide d'un design sonore. Donc, si vous pensez qu' il est nécessaire augmenter le volume de cette partie, je veux dire le volume de l'effet sonore des vêtements. Vous pouvez le faire parfaitement parce que vous améliorez l'écriture du scénario Vous améliorez l'unité d'action, vous savez ? Je pense qu'ici, nous pouvons éliminer le bruit des vêtements parce qu'il ne fait que bouger les mains, tu sais ? Nous allons donc passer à la partie suivante. C'est alors qu'il est debout, et je vais faire en sorte que le son des vêtements corresponde à la performance, tu sais. C'est important de faire ça en selle. Essayez de ne pas mettre l'accent sur ce type d'effets sonores. Le plus important, c' est la performance des acteurs. Je veux dire, la peinture, dans ce cas, est la chose la plus importante. Nous devons prêter attention aux moments critiques où il est debout, je pense que c'est un indice en termes de design sonore. Vous devez donc améliorer ce moment en utilisant l'effet sonore, le son du tissu. Donc je pense que c'est à ça de décider. Je vais donc effacer la fin de ce clic ici puisque le personnage n' est plus en mouvement, nous n'avons pas besoin d'ajouter un effet sonore vestimentaire supplémentaire. Nous pouvons donc revoir cela à nouveau. Vérifions-le donc depuis le tout début. OK. Parfait. C'est fait. Passons donc à l'étape de l'effet sonore. Je vais donc chercher dans mes casquettes un effet sonore assez intéressant car il marche sur le sable J'ai trouvé tous ces fichiers sur YouTube, tu sais. Mais il y a beaucoup de pages qui proposent ce genre d'effets sonores, vous savez. Quoi qu'il en soit, faites attention à l'effet sonore. C'est tout simplement parfait. dont nous avons besoin, c'est d'extraire quelques étapes à partir d'ici. Nous n'avons besoin que de quelques étapes. Vous remarquerez facilement que ce sont des étapes plus rapides que ce que nous faisons ici. Mais nous pouvons facilement régler ce problème. Je veux dire, dans cet effet sonore, les pas sont plus rapides. Vous pouvez remarquer que vous pouvez compter les étapes sur la performance, par exemple, ici. Un, deux, un, deux, un, deux, un. Et les performances sont plus lentes. Donc, ce que nous allons faire, c'est frapper chaque étape de ce banc de découpe, vous savez, en créant des coupures Et vous pouvez remarquer les pas, ces petits talons dans l'onde sonore. Je vais donc créer une découpe ici, juste ici et l'autre ici, et diviser les étapes en procédant ainsi. Je pense que c'est suffisant. Je vais donc ordonner toutes ces étapes pour qu'elles correspondent à la performance, tu sais ? Donc, dès le début, je vais ajouter cette étape ici au moment où le pilote est debout. Puis le suivant. Ici, ce n'est pas si difficile. Nous essayons juste de suivre la performance de l' acteur, tu sais ? Essayez de ressentir les moments où il marche sur le sable. Et vous devez également faire très attention à la force fournie à chaque étape. Je fais référence au son, tu sais, parce qu'à la fin de cette marche, il fait un pas fort, tu sais. L'effet sonore doit donc correspondre à cela. Je cherche donc une étape de plus. J'ai juste besoin d'une étape de plus qui corresponde à ce moment précis. Revoyons donc le tout. OK. Je pense que je dois être plus précis à ce sujet. J'essaie donc de régler ces petits problèmes ici. Je pense que les pas, les effets sonores sont plus rapides que les mouvements. Je vais donc régler ce problème. Je vais déplacer celui-ci ici et cet autre ici. Parfait. Mais il y a un problème supplémentaire ici. J'ajouterais une fonctionnalité supplémentaire à ces étapes. Et c'est qu'en termes de fréquences, ces pas sonnent dans les hautes fréquences Nous devons donc également améliorer les basses fréquences car ces étapes sont trop importantes à ce moment-là. Je veux dire, ce sont les dernières secondes de sa vie. Nous devons donc mettre l'accent sur chaque étape de la narration en termes de scénarisation Je vais donc passer au morceau exact de la table de mixage qui correspond à celui-ci ici. Je vais m'assurer que c'est le bon, d'accord. Je passe donc à ce panneau ici, et ci-dessus, où je peux ajouter des effets. Donc, sur ce panneau, vous allez cliquer sur cette petite flèche. Je vais ajouter que cet égaliseur est un égaliseur à 20 bandes. Et sur cet égaliseur, vous trouverez l'ensemble du spectre, le spectre sonore ici Le côté gauche correspond donc aux basses fréquences et le côté droit aux fréquences les plus élevées. Donc, de manière subtile, nous sommes censés modifier ces faders là-bas, et petit à petit Une par une, vous allez augmenter la quantité de fréquences de flux au cours de ces étapes. Je trouve que ça sonne très bien. OK. Je pense que vous pouvez remarquer les coupures, vous savez, les coupures entre chaque étape. Mais cela n'a pas d'importance, car ces produisent un effet sonore au-dessus de l'arrière-plan au-dessus du do Je veux dire, vous n'êtes pas en mesure de remarquer ces coupures. Et c'est tout. Ce serait l'effet sonore des vêtements et l'effet sonore des pas. Revérifions-le depuis le tout début. Donc, pour l'instant, continuons dans la leçon suivante. 24. Rocket et Jet: Parfait. Tu es de nouveau là. Ce que nous allons faire cette fois, c'est ajouter l'effet sonore du jet et également l'effet sonore du missile. Nous allons donc commencer par créer un effet sonore de missile. La première étape consiste donc à analyser la nature du cadre, ce qui se passe à l'écran. Vous pouvez remarquer que le missile sort de l'eau. Ensuite, il y a une sorte d'explosion, puis le missile commence à voler. Mais il y a un détail supplémentaire lorsque le missile sort de l'eau. Cette action produit un son. Mais commençons par le missile qui est en fait une fusée, non, une sorte de fusée. Je ne sais pas exactement quelle est la différence, tu sais, je ne suis pas du tout un expert. Mais vérifions-le. Je pense que c'est très intéressant. Au moins, lorsque le missile vole, l'effet sonore est assez bon. Voyons cette autre partie. On dirait qu'il s' envole, tu sais ? L'autre est un effet sonore de fusée. Je trouve cela vraiment fantastique. Revérifions-le encore une fois. De plus, en termes de qualité, il s'agit d'un effet sonore haut de gamme. Il a plus de résolution que l'autre. Je passe donc à l'étape de séquence. Je vais ajouter d'autres titres. Mais cette fois, ce sera une piste antérieure. Peu importe, tu sais, parce que l'effet sonore que j'ai trouvé est intérieur, tu sais. Je vais donc appuyer ici. Parfaitement. Vous pouvez remarquer que ce signe n' identifie pas les pistes mono. Je vais donc faire glisser l'effet sonore de la fusée dans la chronologie ici. qui suit est donc de faire en sorte que cet effet sonore de fusée corresponde au missile. Nous pouvons utiliser comme indice le moment où l' explosion se produit, vous savez, cette explosion. Parfait. Ça a l'air parfait. Je vais maintenant ajouter une autre piste audio. Une autre piste ici. Parfait. Nous appuyons. Et je vais également faire glisser l'effet sonore du missile dans la chronologie pour créer la piste sonore de ce missile. Donc, ce que je vais faire, c'est compléter cette partie de la conception sonore. Je pense qu'à ce stade, c'est nécessaire pour le vol du missile, tu sais ? Je vais donc le faire glisser ici. Je trouve que ça a vraiment l'air génial vu de ce point de vue lointain. Nous devons donc créer ici une sorte de transition. Nous devons mélanger ces terminaisons avec un fondu ici. Et si nous devons créer un fondu dans l'autre clip, nous pouvons créer ce fondu. Je pense que ce n'est pas nécessaire. Il suffit de couper exactement. Je vais donc supprimer cette partie de l'effet sonore du missile afin de ne pas la surcharger Parfait. J'ai presque fini. Mais il reste un élément : nous devons créer l'effet sonore du moment où la personne induite en erreur sort de l'eau Nous avons donc besoin d' une sorte d'effet sonore d'éclaboussures qui corresponde à cette action et à ce moment précis. Nous devons donc sélectionner un extrait à partir de celui-ci. Un bruit d'éclaboussure très simple, tu sais. Je pense que celui-ci est parfait. Cette partie. Parfait. Je vais faire glisser cette partie dans la chronologie ici et je vais l'adapter à ce moment. Juste ici. Donc, jusqu'ici tout va bien, j'ai trouvé cet effet sonore de missile. Parfait. Continuons avec l'effet de jet sound. J'ai plusieurs effets sonores de jet ici. Nous allons passer en revue chacun d'entre eux. Je pense que ceux-là ne conviennent pas, tu sais. Essayons-en un autre ici. Par exemple, celui-ci ici. Celui-ci. Je pense que c'est plus approprié que l'autre. Comme il ne s'agit que d'un simple vol, vous savez, je veux dire, l'autre effet sonore ressemble à un avion de chasse supersonique, vous savez, et ce n'est pas ce que nous recherchons Je veux dire, en fait, c'est une sorte de drone militaire, vous savez , mais ce n'est pas encore un chasseur. Du moins, pas encore un combattant tripulé. Donc, comme cet effet sonore est plus long que le plan lui-même, je le raccourcis J'ai créé un découpage afin de réduire cet effet sonore. Alors, vérifions-le. Nous devons ajouter une sorte de transition ici pour mélanger les deux coupes. Nous allons donc dans le dossier des effets ici et dans le dossier de tous les transitions. Et je vais sélectionner une puissance constante, et je vais faire glisser ce bouton ici, cette transition. Et tu es là. Parfait. La présence de cet avion de chasse est créée. Nous pourrions ajouter une atmosphère supplémentaire et créer une atmosphère de vent à ce moment-là. Je pense que ce n'est pas du tout nécessaire, mais nous pouvons l'essayer. Donc, pour l'instant tout va bien, nous allons continuer à créer l'effet sonore du détonateur dans la leçon suivante 25. Effet sonore du détonateur: Parfait. Continuons ensuite la création du design sonore. Je vais ajouter une atmosphère supplémentaire à ce moment où le jet apparaît à l'écran. Je vais créer un autre morceau ici. Cette fois, ce sera sur une piste stéréo. Je vais donc sélectionner une norme ici et cliquer sur. Je vais donc rechercher cette atmosphère sur ma banque ici. Il s'agit d'un effet sonore du désert. C'est donc une ambiance. Je vais le traîner ici. C'est assez simple, mais je pense que ça va très bien fonctionner. J'ai donc déjà mentionné dans la leçon précédente qu'il n'était pas nécessaire d'ajouter une atmosphère supplémentaire à ce moment, mais nous allons essayer cela pour vous faire savoir comment cela sonne avec cet effet sonore du désert. Je vais le faire sonner isolément. Cela semble intéressant, n'est-ce pas ? Et puis couper cette atmosphère ici parce que l'effet sonore contient déjà cette couche de vent, l'air. Et je pense que dans les missiles, le péché est également nécessaire Je vais donc également mettre cette ambiance ici. Donc, en faisant cela, vous devez faire attention aux transitions, vous savez ? Vous devez porter une attention particulière aux moments où l'atmosphère commence et où l'atmosphère se termine. Donc, par exemple, ici, cette coupe. Nous sommes censés être précis dans cette transition. Par exemple, nous devons définir cette atmosphère C au début de la prise de vue pour la rendre labourable, pour qu'elle ait un son réaliste Et aussi pour atténuer cette transition, vous savez. Parfait. Passons maintenant à l'effet sonore de l'appareil. Je veux dire, le dispositif est le détonateur. Tu sais, c'est une sorte de détonateur. Et je vais chercher ces effets sonores, les effets sonores numériques sur mon dos. J'ai trouvé que celui-ci est une sorte de son électronique. Passons-en en revue. Des sons surnatiques. Une sorte de son d'activation, tu sais. Ils sont vraiment utiles. Je vais le faire glisser ici parce que nous avons besoin moments différents, car une fois qu' un soldat sort le détonateur de sa poche, il commence à l'activer Et puis il introduit une sorte de gothique sur l'appareil pour activer le missile, tu sais ? Je vais donc faire glisser celui-ci ici. C'est une sorte d'effet sonore de machine à cache. Nous devons également essayer d'expérimenter en faisant cela, vous savez ? Il n'existe aucune recette pour le créer à partir de zéro. Vous devez essayer d'expérimenter le design sonore avec les effets sonores et faire preuve de créativité. Je vais tester une autre partie des effets sonores car nous avons besoin de la réaction de l'appareil, vous savez, une fois que nous avons saisi le code. Je pense que cette partie est bonne. Je vais le faire glisser dans la chronologie. Nous passons à cette scène où le soleil sort l'appareil de sa poche. Je vais créer le premier moment. Une fois qu'il a sorti l'appareil, il l'active en quelque sorte, tu sais ? Vous pouvez remarquer ce moment ici. Je vais donc déplacer ce son cybernétique vers ce moment, le premier extrait Exactement. Ensuite, nous allons ajouter le son du distributeur automatique de billets. L'épingle. Parfait. Je réduis un peu le volume de cette partie de l'épingle. Je pense que c'est un peu fort et je vais mettre l'autre son sphérique. Et tu es là. Je vais déplacer ce premier effet sonore avec plus de précision, ici. Parfait. Revérifions-le à nouveau. Passons maintenant au C vers le bas parce que la bosse du détonateur est censée avoir une sorte d'horloge, Je vais donc ajouter une autre piste, une piste mono cette fois. Je vais sélectionner Mono ici, appuyer sur K et je vais chercher cet effet sonore dans ma banque. Et faites attention à cela car pour être précis en réglant cette partie, cela n'a rien à voir avec le design sonore, mais avec le montage, car nous sommes censés faire correspondre le résultat avec cette image, vous savez. Nous devons commencer à être très patients à cet égard. Je fais évoluer petit à petit l'effet de design pour le faire correspondre aux chiffres. La mise en conserve n'est donc pas nécessaire dans la première partie. Juste dans cet endroit où le soldat est debout et fait quelques pas dans le désert, vous savez. Donc, puisque j'ai correctement réglé le détonateur sur le montage Je ne trouve aucun problème pour régler l'effet sonore de ce détonateur Je veux dire, la deuxième diapositive est toujours la même, tu sais. Un autre détail important est qu'en termes de scénarisation, on est censé entendre ça plus fort Même si le détonateur est éloigné du soldat parce qu'il l'a laissé près de cette plage, vous savez, sur vous savez, Il s'installe dans le désert. Mais nous avons besoin de ce c réduire tout le poids en termes d'écriture d'écran. Je veux dire, c'est beaucoup plus dramatique comme ça. Et bien sûr, vous pouvez également ajouter une sorte de musique si vous le souhaitez, une atmosphère musicale qui correspond à l'ambiance de la scène et au ton de la scène. Je vais vous montrer le design sonore original avec la musique. John, je vais voir. Il est important de vous faire savoir que dans cette partie, il y a aussi le son de la bombe nucléaire. En fait, je vais vous le montrer dans la prochaine leçon, mais il est très intéressant de voir comment cela évolue, comment cette conception sonore évolue depuis le tout début Et si je n' ajoute pas la bombe nucléaire ici c'est parce que cet effet sonore est mélangé à la musique, en fait. Mais je pense que le plus important est tout ce que nous avons créé jusqu'à présent. Oui. Et je sais que vous pouvez dire que vous n'ajoutez pas d'égaliseurs Vous n'ajoutez aucun compresseur au mixage des pistes Et la raison en est que lorsqu'il s'agit de créer du design sonore, le mix est très différent de celui d'une bande son d'une chanson ou d'une musique. Tout d'abord, nous pouvons utiliser des égaliseurs. Nous avons utilisé des égaliseurs pour améliorer les étapes. Par exemple, si vous remarquez que certaines étapes entrent en collision dans votre conception sonore que certaines étapes entrent en collision dans votre conception sonore Vous pouvez utiliser des égaliseurs pour déplacer les fréquences vers différentes zones du spectre sonore Je veux dire, dans cette conception sonore, nous n'avons trouvé aucun problème critique, vous savez. Mais si, par exemple, cet effet sonore asvernétique, nous entrons en collision avec un autre Nous pouvons augmenter les hautes fréquences pour éloigner ce son de l'autre. Je veux dire, c'est ce que nous avons appliqué sur les marches. Je veux dire, l'environnement C couvrait les étapes. Nous avons donc amélioré les basses fréquences de ces étapes afin soient perceptibles afin de les rendre perceptibles dans la conception sonore. Mais ce n'est pas le seul moyen de rendre un son perceptible dans le mixage. Je veux dire, vous pouvez utiliser des compresseurs, par exemple. Mais il faut faire très attention à cela. Je pense que c'est l'une des choses les plus importantes lorsqu'il s'agit de créer du design sonore. Lorsque vous utilisez des compresseurs, vous détruisez la nature naturelle du son car dans notre environnement réel, les sons ne sont pas du tout compressés Il s'agit d'une fonctionnalité de la musique, d'une fonctionnalité musicale, d'une fonction de bande sonore, par exemple. Je veux dire, lorsque vous effectuez une action, par exemple, celle de sortir l' appareil de votre poche. Cette action a une nature spécifique, une nature irrégulière, et le son est censé correspondre à cette nature. Je veux dire, la nature même de la performance d'un acteur est irrégulière. On ne peut pas comparer la performance d'un acteur à celle d'une guitare ou d'une batterie. Je veux dire, lorsque vous créez des mets musicaux, par exemple, dans une batterie, lorsque vous mixez une batterie, chaque battement, chaque chaleur de la caisse censé sonner au même volume parce que c'est une caractéristique professionnelle de la musique professionnelle Mais attention à ces étapes, elles sont complètement irrégulières, et c'est le sous-produit de la performance Donc, si vous ajoutez un compresseur à ces étapes, vous gâchez le véritable danger d'une œuvre Donc au moins vous parlez du mixage général, vous pouvez ajouter un compresseur au mixage général, un compresseur multibandes Nous en parlons également dans le cours de design sonore disponible sur cette plateforme. Mais pour ce qui est de la création du design sonore, ce que nous faisions jusqu'à présent n'est pas du tout nécessaire pour nous adapter au processus de montage. Enfin, l' élément unique dont vous aurez besoin pour ajouter un compresseur est la voix de l'acteur. Donc, si vous avez une voix, vous pouvez ajouter un compresseur ici, ce type de compresseur, ce compresseur monobande, et vous pouvez choisir ce leer vocal C'est un compresseur subtil. Parce que la voix de l'acteur est un outil narratif très important. Mais en matière de conception sonore, les compresseurs appliqués à la voix de l'acteur ne sont pas les mêmes que ceux les mêmes que appliqués à un chanteur, vous savez ? Elles sont très différentes parce que la voix de l'acteur a besoin de dynamisme. Je veux dire, la voix de l'acteur doit transmettre cette impression réelle, et nous devons dépeindre les nuances du mouvement, vous savez Je vous rappelle donc si vous êtes intéressé par le design sonore à un niveau plus professionnel car ce que nous avons créé est également professionnel. Mais vous pouvez recourir à mon autre cours de design sonore disponible sur cette plateforme. Nous allons continuer à passer en revue la session basée sur Q dans la prochaine leçon où vous allez voir les voix compressées sur les pistes. Je te vois donc dans la prochaine leçon. 26. Compressifs d'examen Cubase: Parfait. Nous sommes de nouveau ici , mais cette fois sur un vase. Je ne vous apprends pas du tout à utiliser Q vase car un autre cours porte sur ce sujet, le cours de design sonore disponible sur cette plateforme. Je vous montre juste la session régionale sur un vase de cette conception sonore. Parce que je voulais vous faire comprendre la nature de ce style qui n'est pas si différent, puis d'Adobe Premiere, cette session et des outils avec lesquels nous travaillions. Vous pouvez donc remarquer ici qu' il existe une piste vidéo qui vous aide à créer le design sonore. Il s'agit du moniteur de référence au même titre que l'Adobe Premiere. Et ce que vous regardez en arrière-plan, c'est le tableau de bord, la chronologie. Je dirais que c'est presque exactement le même que la chronologie d'Adobe Premiere. Mais concentrez-vous uniquement sur les sons, vous savez, sur tous les morceaux. Et bien sûr, vous pouvez utiliser ici outils plus utiles lorsqu'il s'agit de créer du design sonore ou d'éditer du son, vous pouvez ajouter ici les pistes que vous souhaitez de toute nature. Et je voulais vraiment vous montrer le début de la vidéo car au début de la vidéo, il y a une voix off. Via For, revenez donc aux noms. Vous ne le faites pas et au. Vous ne devez pas réduire le 5 d'un s. Je voulais donc vous montrer les morceaux où il y a une voix off. Si nous ouvrons les paramètres de la piste, nous pouvons voir qu'il existe un égaliseur, un égaliseur plus professionnel, plus sophistiqué Il s'agit d'un égaliseur parmétrique. Les égaliseurs que nous avons utilisés dans la leçon précédente où égaliseurs graphiques sont différents Les égaliseurs graphiques ont des avantages liés à une plage spécifique de fréquences Mais l'égaliseur parmétrique fonctionne avec ces lignes. D'autre part, nous avons le compresseur. Il s'agit d'un ensemble de compresseurs professionnels spécialement conçu pour les voix, vous savez, et vous pouvez également ajouter une réverbération, une réverbération Vous pouvez donc voir l'onde sonore plus en détail ici. Vous pouvez remarquer que cette voix a des nuances irrégulières. Le compresseur est donc censé niveler les petites différences que vous remarquez dans cette onde sonore à l'écran Mais vous pouvez utiliser le compresseur de manière à améliorer la performance de l' acteur, sans détruire la dynamique de la performance de l'acteur. Il doit donc s'agir d'un compresseur à selle. Reviens maintenant. est dingue, tu es arrivé au C'est dingue, tu es arrivé au N cent cinq arrêté par ou. Et il faut aussi savoir que dans la même pâte, dans le même vase Q, on peut créer des bandes sonores. Je veux dire, des bandes sonores numériques, une orchestration numérique. Je vais vous en montrer un peu. C'est une sorte d' atmosphère entretenue. Je suis également compositeur de musique de film. Je crée toujours la bande sonore de mes œuvres. De la même manière que le Db premiere possède son mixeur de son. Il y a un mixeur ici. Il s'agit d'un mélange professionnel. Comme je l'ai mentionné dans Adobe Premiere, tous ces avantages sont la représentation de ces pistes sur la timeline. De toute évidence, cela est conçu pour créer un design sonore de manière professionnelle. Il dispose d'outils plus utiles. Il possède des collines bleues, spécialement créées pour le mixage sonore. C'est un accord très important, tu sais. Deux. Dans la chanson je voulais vraiment vous montrer l'effet sonore de la bombe nucléaire. C'est celui-ci. Mais vous pouvez remarquer que j'ai supprimé toutes les basses fréquences liées à cette explosion parce qu'elle entrait en collision avec le mastering des chansons Je veux dire, les basses fréquences de la bombe nucléaire ne sont pas censées être plus puissantes que celles de la chanson, tu sais, et c'est pourquoi j'ai diminué les basses fréquences dans cette gamme du spectre. Et messieurs Street Jusqu'ici, tout va bien. J'espère que vous avez apprécié toute cette conception sonore et que vous avez beaucoup appris. Je vous rappelle que si vous souhaitez en savoir plus sur ce problème de design sonore, vous pouvez recourir à mes autres cours de design sonore disponibles sur cette plateforme. À plus tard. 27. Fin de la réalisation et de la production vidéo VOLUME II: Bonjour, tout le monde. Nous étions arrivés à la fin de ce cours. J'espère que vous l'avez beaucoup apprécié. N'oubliez pas que si vous souhaitez approfondir montage de films et apprendre à utiliser AV Premiere, vous pouvez également suivre mon cours de montage vidéo disponible sur cette plateforme Par ailleurs, je suppose que vous venez du premier volume, où nous avons vu comment tous ces documents ont été tournés. Si vous n'avez pas suivi ce cours, vous pouvez également vous y rendre directement. Je voulais te demander quelque chose d'important. Si vous êtes parvenu à la fin de ce cours et que vous l' avez aimé, sachez qu'il a été fait avec beaucoup d' efforts pour essayer de partager le meilleur avec vous. J'adorerais continuer à créer un cours pour chacune de mes productions. J'adore vraiment ça, mais ça dépend de toi. Il existe d'autres cours sur cette plateforme, et pour que je puisse continuer à le faire, mon cours doit être très apprécié. Si vous pensez que mon cours est bon, et comme je l'ai mentionné, vous aimeriez voir d'autres cours sur d'autres productions, par exemple un cours dans un espace intérieur, etc., j'ai besoin d'une très bonne critique Mais tout dépend de toi. C'est à vous d'évaluer mon cours. Merci beaucoup d'être arrivé jusqu'ici et je t'aime beaucoup jusqu'à la prochaine fois. OK.