Devenir réalisateur et producteur professionnel : l'art de la cinématographie

1. L'art de la cinématographie: Bonjour, je m'appelle Wabillo Babe. Je suis réalisateur, acteur et compositeur de musiques de films. Mais je pense que je ne suis qu'une commissaire, une âme artistique depuis mon plus jeune âge. Ma passion a toujours été de raconter des histoires. Au début, je le faisais avec mes jouets. Je voyais et ressentais chaque détail du monde que je créais avec eux. Mais un jour, cela n' a pas suffi. Ce n'était tout simplement pas suffisant. Ce rêve m' a vraiment inspirée à utiliser ces outils pour donner vie à toute mon humination Tout comme je raconte des histoires avec mes dessins, je les raconte maintenant en dessinant avec la lumière. J'adore travailler devant et derrière la caméra, concevoir chaque détail, la lumière, les scènes, le son, et même créer des personnages pour vivre plusieurs vies en une seule. J'ai créé ce cours pour partager avec vous tout ce que je sais sur le cinéma J'ai appris en filmant mes histoires et en apprenant les connaissances que j'ai pu acquérir dans la meilleure école de cinéma d'Espagne. Je veux juste que tu puisses réaliser tes rêves, comme tu peux le voir à l'écran. Faire des films est un mode de vie. Il suffit d'inspirer des amis et des artistes courageux comme vous et de les amener à rêver jusqu'à ce qu'ils voient leur rêve se réaliser. Dans ce cours, vous apprendrez étape par étape comment développer une idée afin de la transformer correctement en histoire. Vous découvrirez la sémiotique des différents types de scènes Vous apprendrez à gérer une équipe de production composée du directeur de la photographie, des monteurs, des compositeurs et Vous apprendrez à sélectionner correctement les acteurs qui vous représenteront tous afin de pouvoir créer des films même avec un sujet limité Dans le cadre du projet final, vous aurez pour tâche de rédiger un synopsis sur une seule page, accompagné sa méthodologie et de son concept principal respectifs. Vous devez également sélectionner une image qui identifie ce projet de manière sémiotique Je te souhaite bonne chance. Je m'appelle Valdilio Penis et voici mon adhésion complète 2. Caméra et objectifs: Bonjour tout le monde. Je veux commencer ce cours en vous montrant directement ce que vous êtes sûrement le plus désireux de savoir. La caméra, cet instrument extraordinaire, cet outil que nous avons utilisé pendant si longtemps pour raconter des histoires, simplement en enregistrant des images animées, nous permettant de raconter cette histoire que nous voulons tant raconter. Cependant, permettez-moi de mentionner que la vérité est que les connaissances les plus importantes que vous devez connaître pour devenir réalisateur n'ont rien à voir avec l' utilisation de la caméra. Et c'est ce que vous allez apprendre tout au long de ce cours, plus tard bien sûr. Mais évidemment, nous devons également connaître l'appareil photo. Je veux dire que vous connaissez les aspects les plus importants à prendre en compte lorsqu'il s'agit d'une caméra argentique pour pouvoir l'utiliser ou même donner instructions précises au directeur de la photographie ou aux caméramans Commençons alors. La caméra vidéo est un instrument qui nous permet de capturer des impressions de lumière à travers un ****. Ce **** interprète les lumières d'une certaine manière, en laissant passer au capteur de l' appareil photo situé à l'intérieur, qui prend plusieurs photos par seconde, généralement 24 images par seconde, pour créer cette sensation d'image animée Dans le passé, ces photos étaient enregistrées sur un rôle de film, mais aujourd'hui, tout ce processus auparavant analogique a été transformé en œuvre numérique. Je veux dire, tout a évolué jusqu'à une caméra numérique arrivée d' une caméra numérique comme celle que j'ai ici, qui, au lieu de simplement tout enregistrer sur un rôle de film, enregistre toutes les informations sur une carte mémoire. Vous pouvez imaginer tout le travail qu'un appareil photo numérique économise, juste le système de caméra lui-même, créant un seul fichier vidéo contenant toutes ces photos ou images par seconde. Cependant, il existe des appareils photo numériques qui combinent la technologie du rôle cinématographique avec celle la carte mémoire pour obtenir les deux types d'enregistrements. Certains réalisateurs s' intéressent vraiment à ce processus analogique et au type de texture que ce processus génère dans l'image. Bien sûr, ces caméras sont très chères, mais en ce qui nous concerne ce moment de ce cours, étant donné que nous sommes généralement des cinéastes indépendants, ou peut-être que nous voulons stocker une petite société de production par exemple Il est important que vous appreniez à différencier deux choses très importantes, la caméra de cinéma numérique et l'appareil photo reflex La principale différence entre l'appareil argentique et l'appareil photo reflex numérique réside dans le format d'enregistrement et la qualité du capteur Je pense que la taille de la caméra parle d'elle-même. Généralement, les reflex numériques sont des appareils photo pour prendre des photos qui nous permettent également d'enregistrer des vidéos, et dont les fonctionnalités nous permettent d' enregistrer des vidéos assez bien, même à un niveau professionnel Cependant, en raison de la taille des caméras et de leurs caractéristiques elles-mêmes, le capteur n'a généralement pas la sensibilité à la lumière d'une caméra de cinéma professionnelle. Je veux dire, le système compresse la vidéo dans un format réduit qui est plus simple et plus facile à utiliser, mais en même temps, leur qualité ne permet à un éditeur de corriger en profondeur la couleur de la vidéo. qui signifie ceci. Je vous ai dit que les appareils photo prennent 24 photos par seconde ou plus. Chacune de ces photos a une résolution, la résolution de tout appareil photo. Mais la résolution dépend non seulement du nombre de pixels de l'image, mais également de la quantité d'informations que chacun de ces pixels contiendra à l'intérieur. Lorsqu'il vous indique que l'appareil photo reflex numérique enregistre dans un format compressé, cela signifie que chaque pixel de chaque image vidéo contient moins d' Vous pouvez voir ici un exemple de vidéo d'un reflex numérique. Bien que cela semble très beau, les informations contenues dans chaque pixel sont bien inférieures à celles d' un format non compressé Malgré cela, il existe de très bons reflex numériques qui vous permettront d' enregistrer un format compressé de haute qualité, tel que le format Bress, par exemple, conçu pour faire tout son possible pour préserver C'est important à savoir car beaucoup d'entre vous vont acheter une caméra DSL, et c'est ce que vous devez prendre en compte lors de l'achat et quand Assurez-vous donc que l'appareil photo possède le meilleur capteur possible, même s' il enregistre la vidéo dans un format compressé. Je vais vous laisser dans la description de la leçon, les meilleures options pour moi. D'autre part, il existe des caméras de cinéma professionnelles comme celle que vous voyez à l'écran. différence la plus importante, comme je l'ai mentionné, est que les caméras vidéo professionnelles enregistrent dans un format non compressé afin que le système puisse enregistrer toutes les informations possibles provenant des capteurs de lumière Qui sont très sensibles. Les caméras de cinéma professionnelles ont une grande sensibilité à la lumière. De plus, le capteur permet de capturer une plus grande gamme dynamique de couleurs. C'est très utile pour monteurs vidéo car cela leur permet modifier la couleur des images même si l' éclairage n'est pas parfait. C'est la raison pour laquelle le système enregistre dans des fichiers sans compression afin d'enregistrer le plus d'informations possible afin d'obtenir un meilleur résultat. Par contre, les appareils photo professionnels ne chauffent pas. Ils sont obligés de travailler de nombreuses heures d'affilée. De plus, ils disposent de nombreuses autres entrées audio pour enregistrer du son professionnel. Et d'un autre côté, aujourd'hui, la plupart d'entre eux vous permettaient d'enregistrer à un plus grand nombre d'images par seconde, résolution supérieure à ce que peut faire un reflex numérique. Sur l'écran, vous pouvez voir différentes images enregistrées avec des caméras argentiques professionnelles. Nous allons maintenant aborder parties les plus importantes de l'appareil photo, une caméra argentique comme celle-ci. Ces détails que vous devez connaître pour pouvoir réaliser une production cinématographique et publicitaire, ou un court métrage par exemple. Il n'y en a pas vraiment beaucoup, mais si vous voulez devenir réalisateur, vous devez les connaître afin de communiquer correctement vos idées à une équipe de production. La première chose que vous devez savoir, c'est ce qui confère à l'image une qualité. Est-ce le **** ? Est-ce la caméra ? Est-ce la lumière ? Disons cela. C'est la somme de tout. Commençons par le premier. Ce qui influence le plus la qualité de l'image, c'est principalement la qualité du ****. Il faut que le **** y soit vraiment professionnel et sophistiqué. Objectifs photographiques Dans les objectifs de cinéma, la principale différence est que les objectifs filmés sont plus sophistiqués et inconfortables car ils sont spécialisés dans le fait de tirer le meilleur parti de ce que nous enregistrons. Dans le cas des objectifs photographiques, ils sont adaptés aux besoins et à l' aspect pratique dont un photographe besoin lorsqu'il s'agit de prendre des photos Par exemple, la différence de poids entre l'un et l'autre est un facteur important Et cela est dû à la nature du **** lui-même. La photographie et les objectifs de cinéma montrent tous deux quelque chose. Ils ont un premier anneau pour contrôler l' ouverture et un second anneau pour contrôler la mise au point. La bague du diaphragme nous permet de contrôler la quantité de lumière qui entrera dans le capteur de l'appareil photo et la bague de mise au point, la netteté de l'image. Bien sûr, comme les objectifs de cinéma sont de meilleure qualité, ils ont une ouverture plus grande , c' est-à-dire qu'ils ont une meilleure capacité à laisser entrer la lumière. Sur l'écran, vous pouvez voir un exemple de diaphragme. Plus le diaphragme s'ouvre, le chiffre est intelligent. Ces chiffres sont le moyen universel d'identifier l'ouverture du diaphragme. N'oubliez pas que plus le nombre est petit, plus l'ouverture est grande. Ne vous y trompez pas. Cependant, dans le cas des objectifs photographiques, beaucoup d'entre eux ont une troisième bague qui nous permet de changer le Zum du **** d'autres termes, comme il s'agit d'objectifs plus pratiques, ils permettent au photographe de passer de 24 millimètres à 105 millimètres en déplaçant simplement cet anneau. C'est quelque chose d'important, car lorsqu'il s'agit d'objectifs de cinéma, nous avons besoin d'un étui **** contenant chacun des objectifs que nous voulons utiliser. Cela représente 120, 4 millimètres, 36 millimètres de plus, 50 millimètres de plus, donc 105 millimètres, et cetera Je vais vous expliquer quelque chose d' important concernant les objectifs, la distance focale, mais je le mentionnerai également plus tard dans le cours pour vous assurer que vous vous en souvenez bien. La distance focale est la capacité du **** à se rapprocher d'un objet en détail. Plus la distance focale du **** est grande, plus les millimètres seront grands. Par conséquent, nous allons voir des objets de très près. Nous allons même pouvoir nous approcher très près des objets pour voir leurs détails et même nous rapprocher d'objets ou de lieux au loin. D'autre part, un **** avec une courte distance focale, une perte pour capturer une plus grande quantité d'espace au sein de l'image. Je veux dire, l'angle de vue est plus large. Je ne veux pas dire qu'on ne peut pas capturer un grand espace avec un **** de millimètres de plus. Ce que j'essaie de dire, c'est que plus les millimètres des objectifs sont petits, plus vous pourrez capturer d'espace, même si cet endroit est très proche de vous en utilisant l'autre ****. Avec des millimètres plus élevés, vous devrez vous déplacer beaucoup plus loin de l'espace pour capturer la même quantité d'espace. Bien sûr, tout cela signifie que les lentilles déforment l'image, et vous êtes censé vous en souvenir par cœur Tous les objectifs déformeront l'image. Cette distorsion a une signification cinématographique. Nous verrons cela plus tard dans le cours. Prêtez attention à cet exemple. Sur l'écran, vous pouvez voir la différence dans la façon dont chaque **** déforme la forme du buste En utilisant le **** de plus de millimètres, l'image semble s'élargir davantage vers les côtés et la perspective de l'image est moins ressentie Je vais maintenant passer à 24 millimètres. Avec cette photographie****, vous remarquerez peut-être que le buste semble beaucoup plus éloigné, malgré le fait que l'appareil photo se trouve à la même distance de l'objet que lorsque vous utilisez le **** précédent pour prendre la même photo précédente. Maintenant, je dois me rapprocher du bateau. Vous pouvez maintenant remarquer à quel point la forte perspective déforme l'image en raison de la nature du **** et de son angle de vision plus large Regardez les deux images en même temps afin remarquer la différence de distorsion de l'image. Les objectifs photographiques sont similaires aux objectifs argentiques. Seulement plus léger et plus pratique adapté aux circonstances dans lesquelles , si vous êtes photographe, vous vous déplacez d'un côté à l'autre. Par conséquent, les objectifs photographiques ont un stabilisateur d'image, dont beaucoup ont une mise au point automatique connectée au boîtier de l'appareil photo dans nos tubes Er De plus, il faut savoir que chacune des caméras, argentiques ou photographiques, possède une borne d'adaptation spécifique qui leur permet de connecter le **** à l'appareil photo. Vous devez en tenir compte lorsqu'il s'agit d' acheter des lentilles. En ce qui concerne l'appareil photo, je parle du boîtier de l'appareil photo. Les caractéristiques les plus importantes que les directeurs de l' USI devraient connaître sont les suivantes La première chose est que vous allez pouvoir contrôler l'ISO et la température dans la configuration de la caméra. L'ISO est la sensibilité dont le capteur aura besoin pour capter la lumière. Aussi simple que, plus il est élevé, plus la caméra est capable de capter la lumière. Par exemple, dans le cas d'une prise de vue nocturne, par exemple, si vous augmentez l'ISO, l'appareil photo peut capturer beaucoup plus de détails de la nuit. Bien entendu, plus l'ISO l'appareil photo est élevé et plus le capteur est performant, plus l'appareil photo est cher. revanche, dans le cas de la température, c'est une couleur présente que l'appareil photo aura lors de la capture de l'image. Il y a des températures chaudes avec des couleurs plus orientées vers le rouge, et des températures froides avec des couleurs plus proches du bleu. Une autre des principales caractéristiques de l'appareil photo est la résolution et le format. En ce qui concerne la résolution, il existe plusieurs formats, HD deux K, qui est plus grand, et six touches, ou huit touches également. Il s'agit du nombre de pixels pour chaque image de la vidéo. Dans les appareils photo argentiques, vous pourrez également changer l'aspect radio. Cela nous permet de modifier la forme du rayon de l'image capturée afin qu'il soit plus large vers les sites ou plus carré Ceci est utilisé pour adapter l' image aux écrans possibles. Vous pouvez en voir trois exemples ici. L'aspect quatre tiers de la radio, qui était celui des anciens téléviseurs, comprend également le 169, qui est le plus répandu aujourd'hui sur tous les téléviseurs numériques, et le 23091, qui ressemble à l'écran du cinéma Cela n'a rien à voir avec la résolution elle-même, mais avec l'apparence de la vidéo. L'autre paramètre que vous allez pouvoir contrôler dans l'appareil photo, c'est la fréquence d'images. Je veux dire, les images par seconde. Le cinéma a généralement 24 images par seconde. Mais si vous voulez enregistrer quelque chose puis mettre au ralenti plus tard dans l'édition, souvenez-vous qu'il doit y avoir plus d'images par seconde. Parce que s'il ne s'agit pas d'un ralenti, nous devons continuer à voir 24 images par seconde même lorsque l' image se déplace très lentement. Nous avons donc besoin de plus d' images par seconde. Par exemple, 60 images par seconde, ou 120, voire plus. Et enfin, le format d'enregistrement. Les caméras vidéo enregistrent dans un format compressé. L'un des formats les plus courants est le M X, mais il permet généralement d' enregistrer un format compressé de haute qualité appelé Progress. Tout ce que je viens de vous montrer , c'est tout ce que vous devez savoir en tant que réalisateur sur les éléments techniques de la caméra. Tout le reste n'est pas pertinent. Ce qui fera de vous un bon réalisateur n'a rien à voir avec la connaissance de la caméra. Heureusement, nous allons voir tout cela dans le ce cours et je le pense très sérieusement, ne vous attardez pas sur les aspects techniques. Parce que même si vous voulez devenir directeur de la photographie, par exemple, ce dont vous avez vraiment besoin en tant qu'artiste, c'est d' capable de développer de bonnes images, bonnes histoires et un bon produit cinématographique jusqu'à la 3. L'éclairage: Bonjour tout le monde. Cette leçon est très importante car tout se résume à raconter des histoires avec de la lumière. Mon objectif avec ce cours est de vous donner les outils nécessaires que vous puissiez raconter des histoires en faisant des films. Pour y parvenir, nous devons être conscients de ce que signifie la lumière en sinus. L'une des meilleures sources d'inspiration pour comprendre l'utilisation de la lumière est la peinture de l'époque baroque. Beaucoup pensent que ce qui a rendu les peintures de ces grands maîtres attirantes c'est le réalisme des drames, ce qui n'est pas le cas En fait, il existe aujourd'hui des peintres, des dessinateurs, capables réaliser des dessins réalistes, beaucoup plus réalistes dans les détails que ceux de n'importe quel maître baroque La première chose à comprendre, c'est qu' il n'y a pas qu'une seule façon d'éclairer les scènes. Ce serait comme dire qu' il n'y a qu'une seule façon de peindre. En ce sens, vous devez tenir compte du fait que ce que je vais vous apprendre en ce moment , c'est mon point de vue sur mon expérience, l' éclairage des scènes. Je suis peintre et dessinateur. J'ai étudié dans la plus prestigieuse école d'art de mon pays. J'ai pu découvrir quels étaient les éléments qui ont fait des grands peintres une référence artistique. S'il y a un moment dans l'histoire de l' art où la lumière est devenue un signifiant artistique, c'est à l'époque baroque. L'un des plus grands représentants a été Carvallo, qui a véritablement consacré sa vie à transmettre des émotions par Mais beaucoup d'autres se sont inspirés Carvallo pour transmettre des émotions tout en peignant L'un des principaux objectifs de l' éclairage à l' époque baroque était de préserver la tridimensionnalité des visages et le concept de base des figures dans les compositions Les peintres ont découvert que le meilleur moyen d'y parvenir était d'utiliser une source lumineuse principale provenant d'un côté. Ainsi, le contraste généré sur le visage montrerait esthétiquement la profondeur du visage et sa place dans l'espace C'est l'une des raisons pour lesquelles, même à l'extérieur, les meilleures heures de la journée pour éclairer sont le crépuscule et le coucher du Parce que la lumière vient de côté, générant cette tridimensionnalité qui était utilisée dans la mode en ce sens en tant que réalisateur Lorsque vous éclairez un intérieur, vous pouvez utiliser une source lumineuse principale d'un côté, qui peut être artificielle ou naturelle. Dans l'exemple que vous voyez, c'est naturel, c' est-à-dire que la lumière naturelle filtre à travers la fenêtre. Mais attention à ce peintre baroque nommé Johannes Beer Meer, qui a fait exactement la même chose que ce que je fais ici. Son atelier avait de grandes fenêtres à travers lesquelles la lumière filtrait d'un côté. Et il a créé des scènes avec des gens de la même manière que dans un film. En fait, il existe un film sur ce peintre dans lequel Scarlet Johansen est l'actrice principale, avec une urine perlée C'est le principe que j'ai utilisé pour créer de l'éclairage dans mes sinus Cependant, la source lumineuse principale n' était pas toujours la seule. Parfois, il était nécessaire de préserver le concept de base figurative. En peinture, ce concept signifie deux choses. D'une part, le personnage principal d' une manière ou d'une autre, détaché de l'arrière-plan, même si celui-ci n' avait aucun sens. Et d'autre part, qu'il y avait un lien entre l' environnement et le personnage. Pour ce faire, les peintres ont ajouté une deuxième source de rétroéclairage qui soulignait le personnage principal afin qu'elle se détache de l'arrière-plan. Cette lumière peut être de n'importe quelle nature, elle peut être naturelle. Je veux dire, le reflet généré par les miroirs ou certains vêtements blancs couramment utilisés à cette époque. Aujourd'hui, il existe des outils plus sophistiqués, tels que les rebonds, qui sont beaucoup plus efficaces Mais d'un autre côté, la lumière peut également être artificielle. À cette époque, des bougies étaient utilisées. De nos jours, on utilise évidemment des lampes, mais si cela est nécessaire pour la scène, vous pouvez également utiliser des bougies. De plus, cette deuxième lampe peut se trouver dans différentes positions. Tout d'abord, comme je l'ai dit, par derrière, pour détacher le personnage de l'arrière-plan Mais il a également été utilisé pour changer la couleur de la partie ombrée du visage Je veux dire que la partie du rythme qui est ombrée est éclairée une lumière douce qui rend sa texture intéressante. D'autre part, cette lumière douce nous renseigne sur le lieu, sur les objets illuminés qui s'y trouvent, et qui racontent les choses avec la lumière. Voyons maintenant quelques exemples à l'écran. Dans cette scène olfactive, j'utilise ce principe. La lumière du matin illumine une partie du visage, mais la grotte assombrit l'autre Générer cette sensation vocale et picturale naturelle dans Maintenant, regardez cet autre exemple, qui se trouve à l'intérieur d'une maison. La lumière principale entre par les fenêtres, illuminant l'un des sites touristiques, mais les bougies produisent une lumière supplémentaire Ces deux exemples sont des scènes dans des environnements différents, mais ils partagent tous deux le même principe. Bien sûr, il existe d'autres types d' éclairage plus commerciaux, mais mon objectif est de vous apprendre à raconter des histoires avec la lumière afin que vos films captivants, artistiques et intéressants. Il y a un détail important à prendre en compte concernant l' appareil photo et les objectifs. C'est que l'ouverture des lentilles ne doit jamais déformer la lumière naturelle du lieu et des objets, car elle modifie la nature de la forme des objets En plus, ça a l'air horrible. De plus, nous devons essayer de régler l'ISO le plus bas possible, afin que le capteur de la caméra ne fasse aucun effort pour capter la lumière. Et vous êtes censé régler l'ouverture **** à un point tel que l'image ressemble vraiment à ce que nous voyons directement avec nos yeux. En ce qui concerne l' éclairage des films, les cinéastes essaient généralement de flouter les arrière-plans pour faire sortir le personnage principal de l'arrière-plan lorsque cela est de l' Pour y parvenir, des filtres ND sont utilisés. Ils peuvent être internes, c'est-à-dire qu'ils sont fournis avec l'appareil photo par défaut, ou externes, qui sont ajoutés avec des accessoires. Les filtres sont ensuite utilisés pour réduire l'intensité de la lumière, vous permettant ainsi d'ouvrir l'ouverture du ****, afin que plus de détails entrent dans le capteur sans brûler l'image. En conséquence, nous avons réussi à améliorer encore la qualité cinématographique de l'image, car nous pouvons rendre les arrière-plans encore plus flous et rendre le tout plus doux et plus Heureusement, ce n'est pas la seule leçon dans laquelle nous parlerons de lumière. Parce que c'est un sujet intrinsèque à tout langage cinématographique Je vous recommande vivement de vous immerger dans le monde de l'art, de la peinture, afin qu'une véritable sensibilité à l'émotion par le biais de la lumière émerge lorsque vous vous rendez dans des musées, assistez à des expositions photographiques, par exemple. Quelque chose de très important. Au lieu de payer pour Netflix, payer pour le tournage ou d'être plateforme, vous trouverez sur une plateforme, vous trouverez un plus grand nombre de films du monde entier, très qualifiés dans lesquels la lumière est utilisée avec un véritable talent. Peu importe que votre but dans la vie soit de réaliser des films commerciaux ou des publicités. Peu importe, car si vous parvenez à avoir de meilleures références artistiques, si vous parvenez à avoir une plus grande sensibilité à la lumière, tout ce que vous ferez sera le sous-produit de toutes ces références Et par conséquent, vous atteindrez un niveau artistique supérieur jusqu'à la prochaine leçon. 4. D'une idée à la cinématographie: Bonjour tout le monde. Par où nous commençons lorsqu'il s'agit d'écrire le scénario, chaque film, chaque projet de film. Ça part d'une idée. Une idée que nous voulons raconter et décliner dans le langage cinématographique Mais avant de commencer à taper le premier mot, nous devons être pleinement conscients que cette idée doit contenir en elle-même le concept audiovisuel créé par le projet de film. Nous voulons réaliser, le court métrage que nous voulons réaliser, ou même la publicité que nous voulons créer. Vous devez vous rappeler que la publicité contient également ce langage cinématographique blanc Comme de nombreux autres types de projets audiovisuels actuels, cette idée principale doit être écrite et conçue de manière à ce que toute équipe de production puisse la comprendre et la développer correctement. Dans ce contexte, il existe un outil de travail qui nous permet de saisir une idée sur une page, le scénario du film ou un scénario, qui n'est rien d'autre qu'un outil qui nous permet de communiquer avec chaque membre d'une équipe de production. En d'autres termes, les différentes équipes de production devraient être en mesure de capturer l'idée principale d' même projet de film dans leurs tournages respectifs sans un même projet de film dans leurs tournages respectifs sans trop déformer le script ni le modifier Mais les idées sont censées partir d'une base. Je veux dire, avant de créer un scénario complet, vous devez avoir un aperçu de votre projet, un aperçu de votre histoire. Il existe donc des dispositifs d'écriture qui nous permettent germer des idées avant de nous lancer dans le projet de film. En profondeur, il y a deux informations conceptuelles sur notre histoire ou sur le projet de film lui-même. Nous pouvons présenter cela de deux manières. D'un côté, il y a le concept haut de gamme. D'autre part, il y a la ligne Tac. Mais quelle est la différence entre les deux ? La gamme Tach est un outil qui nous permet de résumer le contenu de l'histoire d' un film afin de générer une compréhension chez le public, chez les spectateurs C'est l'objectif principal de la gamme Tac. De plus, la gamme Tac ne nous permettra pas de donner à l'équipe de production des idées pour créer le projet de film lui-même. La ligne directrice est généralement une phrase, une déclaration, une phrase qui contient le concept, ce que le bureau va voir au cinéma En tenant compte de cela, nous pouvons non seulement utiliser le slogan, mais également le journal, la ligne du magasin et enfin le synopsis Ce dernier serait la dernière étape. Récapituler le slogan est une phrase. La ligne de journal serait une sorte de paragraphe, par exemple, contenant l'histoire complète. Et enfin, le scénario, qui serait presque identique au synopsis Habituellement, le synopsis occupe une page entière et le scénario, une demi-page Je vais prendre comme exemple le film Alien in the space. Personne ne t'entend crier. Cette phrase pourrait parfaitement figurer sur l'affiche du film ou la page d'accueil d'une plateforme pour vous inviter à regarder le film, par exemple. C'est un parfait exemple de tactique, car dès que vous la voyez, vous commencez à vous demander pourquoi je vais crier Aurai-je envie de crier au cinéma en regardant le film ? Telle est la question. Qu'y a-t-il de si terrifiant pour que je crie au cinéma ? C'est donc une phrase qui nous invite à voir le film directement. C'est simple, mais d'un autre côté, le concept haut de gamme fonctionne différemment. Le concept haut de gamme n'est pas fait pour le public. Il est conçu pour donner une idée conceptuelle principale afin que les créateurs, les scénographes, les concepteurs personnalisés, etc., scénaristes et l' ensemble de l'équipe de production aient une idée en tête du type de produit qu'ils vont créer Prenons le film Titanic comme exemple. Quel est le concept phare de ce film Remain on Juliet on a Ship ? Vous ne pouvez pas coller cette phrase sur l'affiche du film, d' abord parce que c'est presque un spoiler Et en plus, il manque d'émotion et de narration. C'est le concept principal du film. Je veux dire, James Cameron s'est rendu dans la société de production pour présenter ce projet. Il est entré par effraction dans leur bureau avec une peinture représentant le navire en train de couler, le Titanic, et leur a dit Roméo et Juliette étaient sur ce navire, toute évidence un navire qui allait couler, ce qui est Le spectateur sait de quoi parle la fin, mais pas les personnages principaux. C'est l'ironie. De toute évidence, nous pouvons utiliser le concept Tackline ou High Glen pour conceptualiser notre travail afin d'approfondir chaque étape du développement d'un projet de film Mais supposons que ce que nous voulons faire soit un projet de film. Un projet que nous voulons voir au cinéma. Afin d'établir les premières idées du projet de film, nous devons connaître l'objectif de notre projet. Notre film sera-t-il un projet dont le but est d'amener le public au cinéma, par exemple ? Ou voulons-nous que notre film fasse partie de la sélection officielle d' de la sélection officielle d'un festival européen, par exemple ? Il y a deux objectifs différents. Voulons-nous capter complètement l'attention du spectateur ou voulons-nous transgresser le langage cinématographique traditionnel Telles sont les questions que vous êtes censé créer. Ce sont deux options disponibles que nous avons dû définir dès le début. Nous devons le savoir pour déterminer le type de langage que nous allons utiliser pour écrire, par exemple aux États-Unis. Ils sont spécialisés dans le langage commercial mondialisé Je veux dire, parce qu'ils contrôlent une grande partie de l'industrie, c'est une option. Mais d'un autre côté, il y a le marché européen et même le marché Stern dont le public cible est assez différent. C'est une sorte de cinéma expérimental qui s' adresse à toutes les élites intellectuelles, celles qui soutiennent les critiques de films dans les plus grands festivals Europe, par exemple Mais à ce sujet, il y a quelque chose de très important à prendre en compte. Vous devez vous débarrasser de tout préjugé avant de vous attaquer à un projet de film. faut comprendre qu'il n'y a pas de langage plus artistique que les autres. Parce que les super-héros et les films sociaux ont tous deux des chances de tomber dans la banalité Bien qu' un projet de film soit une création artistique, son développement a pratiquement suivi le processus d'une enquête académique. Parce que nous devons définir clairement les objectifs et les outils que nous allons utiliser pour les atteindre. Le scénario a été développé au début du 20e siècle par un groupe d'anthropologues, de psychologues, d'hommes d'affaires, etc., également de producteurs, qui souhaitaient trouver un moyen industrialisé de gagner de l'argent en faisant venir le plus de monde possible dans une En conséquence, ils ont réussi à créer une structure d'outil intégrée basée sur le processus d' attention chez les êtres humains Un processus d'attention précédemment étudié par des psychologues. Cela a abouti à la construction d' une structure avec un point d'attention différent pour que le public reste connecté à l'écran pendant une période donnée. Mais en outre, cette structure est soutenue par un type d' attention chez les êtres humains, une attention involontaire, une attention bienveillante que les humains ne peuvent pas contrôler C'est le genre d' attention que l'histoire est utilisée pour engager le public, pour engager les gens. Par exemple, l'attention que nous avons lorsque nous sommes témoins d'un accident de la circulation soudain au milieu de la rue. Peu importe à quel point vous êtes occupé, vous ne pouvez pas vous empêcher de vous tourner vers l'accident pour voir ce qui se passe. Partant de ce principe, ils élaborent une structure en trois actes divisée par des points de l'intrigue qui captent l'attention du public tout au long de l' histoire. De plus, cette structure commence au premier acte et se termine au premier point de l'intrigue. Je veux dire, le premier acte, puis le deuxième acte, puis il y a un point médian en plein milieu de l'histoire Et enfin, un deuxième point de l'intrigue qui mène au troisième acte. Tout ce voyage en trois actes a dû être vécu par le personnage qui est le protagoniste de l'histoire. Ce voyage devrait contenir l'arc dramatique de notre histoire. Ce R dramatique va nous permettre de rester en contact avec le personnage tout au long de l'histoire. Tout au long du film, notre personnage principal commence ce voyage avec une sorte de pensées ou d'idées, puis il en tire une leçon en vivant ce voyage, cette histoire. Enfin, à la fin du film, c'est une autre personne à l'intérieur ou à l'extérieur. Presque tous les films à succès de l'histoire du cinéma ont cette particularité. De plus, il est important de savoir que, comme le cinéma commercial doit garantir le lien avec le public pour garantir une billetterie, il a tendance à utiliser davantage cette structure car il est nécessaire que les hommes d'affaires aient des garanties En ce sens, nous avons beaucoup à apprendre des films commerciaux, pour le cinéma commercial, même si nous devons également tenir compte du fait que c'est précisément pour cette raison que nous trouverons autres histoires similaires dans d' autres histoires similaires dans les films commerciaux. D'une certaine manière, ces caractéristiques devraient être présentes à la fois dans le cinéma et dans les films commerciaux. Mais en même temps, il faut essayer d'être original. C'est la raison pour laquelle , au cinéma, essayez d'enfreindre les règles. Mais briser les structures en soi ne signifie pas que vous allez être bon. Nous devons le faire de manière créative. Pour réussir. Mais ce n'est pas la seule caractéristique importante du cinéma expérimental indien En fait, on trouve ce genre de cinéma partout. Non seulement en Europe, on peut le trouver en Asie, en Amérique latine et aux États-Unis eux-mêmes. En ce sens, ce type de cinéma essaie souvent de dépeindre un moment, un contenu, une époque, un événement historique plus important que l'histoire elle-même En fait, on assiste ces dernières années à une vague croissante de sorties de ce type de films. de Rome est un parfait exemple de ce dont je film de Rome est un parfait exemple de ce dont je parle. Dans ce film, la protagoniste, le personnage principal, la femme de ménage, n'a pas d' objectif important même si elle est tombée enceinte sans le planifier. Vous savez, elle essaie de résoudre ce problème, mais son objectif n'est pas si important parce que l'important est de décrire le contexte dans lequel elle vit Le contexte dans lequel l' histoire se déroule dans ce contexte est la célèbre tragédie survenue dans les années 1970 au Mexique, le massacre de Corpus Christie Pour le réalisateur, il était nécessaire de dépeindre le Mexique dans les années 70 pour que le spectateur ait l' impression témoin de ce qui s'est passé au Mexique à cette époque L'histoire elle-même, le personnage, sont le prétexte pour créer ce genre d'histoires, ce genre de films. On pourrait les comparer aux peintures baroques de Clue, ou à celles où il y avait quelques petits personnages, mais il s'agissait simplement d'un prétexte pour dépeindre un paysage magnifique autre côté, dans le cinéma commercial, cela ne fonctionne généralement pas, car pour en revenir à l'affaire, le nombre de personnes peut généralement être tercet dans le cadre de la criminalité de masse au Mexique Il y a généralement des intellectuels, des personnes qui viennent d' horizons différents et qui s' intéressent plus qu'à la structure classique d'un film Mais revoyons cette structure car elle n'est pas aussi simple qu'il y paraît. Une structure représente-t-elle le parcours du personnage ? Notre personnage commence une histoire dans un monde où règne une paix relative. Ce monde est présenté dans le premier acte, mais dès le début du premier acte, quelque chose se passe dans le monde du personnage qui bouleverse la vie du personnage Ce personnage doit faire face à cette situation pour finalement prendre une décision qui le fera avancer. Cette décision sera toujours de surmonter cette situation, ce conflit qui lui a été présenté au début de l'histoire. Une fois qu'il a pris cette décision, le personnage entre dans le deuxième acte, où il semble qu'il va vraiment le faire. C'est la première partie du deuxième acte qu'on appelle les jeux finaux, mais ce deuxième acte a un point intermédiaire où il y un obstacle majeur et inattendu à ce moment-là. La force antagoniste de notre histoire, qui peut être présentée et représentée par un autre personnage Par exemple, peut-être un groupe de personnages ou un événement climatique. Quoi qu'il en soit, cette force semble réussir à vaincre notre personnage principal. Mais à la fin de ce deuxième acte, notre personnage réfléchit à nouveau profondément et rassemble ses forces pour prendre une autre décision décision la plus importante de l'histoire qui mène au deuxième point de l'intrigue de la structure, c' est lui qui prend cette décision. Nous en sommes au troisième acte, qui est la résolution de l'histoire. Je vous recommande vivement de regarder les films d'Alfonso Quaran car il parvient à créer des commerciaux et indépendants Il gère les deux langues. J'avais déjà commenté Run auparavant, mais il a également réalisé Gravity. Ces deux films avaient des langages complètement différents, mais ils représentent exactement ce que j'essaie de vous expliquer. De plus, c'est une preuve fidèle que vous pouvez réaliser films extraordinaires en utilisant l'un ou l'autre de ces deux langages. L'exemple de la gravité est le cinéma hollywoodien classique. Parfait car le personnage principal est une astronaute inexpérimentée qui a été embauchée pour sa capacité à réparer des satellites Quand le film est en vedette, tout semble normal. Il semble que rien ne puisse altérer cette tranquillité de la mission Le genre de sensation d'un bon premier acte, car vous devriez être très surpris par tout ce qui se passe par la suite. Mais soudain, une avalanche de débris provenant d' un satellite russe se dirige vers sa mission. Cela ébranle complètement le monde paisible dans lequel elle se trouvait. Elle se bat pour survivre avec le capitaine, mais le premier point de l'intrigue arrive. Elle doit prendre la décision d'y aller seule. À partir de là, elle pourra y retourner. Elle ne peut pas y retourner. Elle est la seule à pouvoir aller de l'avant en surmontant toutes ses craintes d'être une astronaute inexpérimentée À mi-parcours, elle rencontre toutes sortes de difficultés. C'est quelque chose de plus difficile, bien sûr, jusqu'au moment où elle perd espoir à la fin du deuxième acte et qu'elle sort le module spatial C'est juste avant le deuxième point de l'intrigue, où tout semble perdu, mais tout à coup, le temps limite réapparaît, ce qui n'est que son imagination, bien sûr. Je pense que vous pouvez aussi regarder le film, pour voir ça. Mais ce rêve l'incite à prendre une autre décision, à désactiver le modèle spatial Encore une fois, l'ombre de l'espace. Cette décision est le deuxième point de départ de l'histoire qui nous amène à la résolution du film. D'après ce que je vous dis, cela semble très simple. Mais ce qui est vraiment difficile, c'est d'adapter une histoire à la structure pour qu'elle nous surprenne à chaque fois que nous voyons le film. Vous pouvez également combiner ces deux langues afin d'émouvoir et de surprendre le public. Tu sais, c'est une méthode très créative. De mon point de vue, ces deux langues sont toutes deux commerciales. Parce qu'une fois que vous avez le contrat social consistant à demander de l'argent aux gens pour un billet, je veux dire que pour vendre le billet, regarder votre film, le public s' attend à voir quelque chose en retour. Ils veulent ressentir quelque chose en échange de cette somme d'argent. Dans le cas des films plus indépendants et expérimentaux, c'est une sorte d'industrie soutenue par la classe sociale moyenne et supérieure qui consomme généralement ce type de films. Bien entendu, le cinéma traditionnel et classique attirera beaucoup plus de public car il est vu par toutes sortes de personnes. Il est important d'être conscient de ces deux mondes, en particulier lorsque nous commençons à faire des films afin de ne pas perdre de temps et d'argent. Cette capacité d' adaptation est ce qui nous permettra de mieux réussir tous les aspects de la vie elle-même. Comme je vous l'ai déjà dit, il est nécessaire de se débarrasser des préjugés pour être plus créatifs, et surtout, pour devenir producteurs dès le moment où nous créons une idée. Ce sont des dissertations très courantes dans les écoles de cinéma. Si vous envisagez de vous lancer dans un projet de film, vous devez tout connaître avant de vous lancer dans votre premier projet de film. autre côté, l'un des défis que nous rencontrons habituellement lorsque nous commençons à faire des films est le court métrage. Tout ce que je vous ai expliqué précédemment repose sur le fait pouvoir aborder le court métrage de la bonne manière. De la bonne façon. Le court-métrage a plusieurs fonctions, plusieurs objectifs. Par exemple, quelque chose de très important. Il est impossible de résumer l' histoire du futur film en un court métrage de 15 minutes. C'est impossible Les êtres humains ont besoin de plus de temps pour comprendre des histoires complexes. Cependant, vous pouvez utiliser un court métrage pour répéter avec votre équipe de production Par exemple, votre signal de production. Je veux dire, tout ce dont vous avez besoin pour réaliser un tournage professionnel avec des mensonges et des costumes, des acteurs professionnels et toute l'équipe technique. Il y a une autre chose très importante que vous pouvez essayer avec les courts métrages. Celui qui vous aidera à vraiment vous vanter de vos futurs projets de films. Et c'est la construction d'un personnage. Parce que le personnage va être le reflet du public tout au long de l'histoire. Afin de développer ce personnage et de le préparer à l'écriture, nous devons créer une feuille de travail sur le personnage laquelle nous allons écrire toutes les croyances, caractéristiques, traits, coutumes, peurs et secrets du personnage D'un autre côté, il y a aussi une différence qui dépendra du projet que nous allons réaliser. Par exemple, si notre projet est une histoire classique et traditionnelle, chacune des caractéristiques du personnage doit avoir un but dans l'histoire. En d'autres termes, les compétences et même les défauts possibles notre personnage doivent lui permettre d'atteindre les objectifs de l'histoire. Mais d'un autre côté, dans une histoire plus expérimentale en Inde, les traits du personnage ne sont pas nécessairement liés aux objectifs de l' histoire car ils font partie du contexte de l'histoire. Par exemple, dans la Rome romaine, les caractéristiques, les croyances origine ethnique de la fille sont sélectionnées pour représenter sa classe sociale, son contexte social. Et ils ne sont pas du tout liés à son objectif et à l'histoire. Je veux dire, le personnage fait partie de l'objectif de dépeindre l'environnement. L'écriture est un long processus de patience. Un réalisateur ne doit pas nécessairement être scénariste, mais il doit connaître la langue pour pouvoir décrire correctement ce que le scénariste veut raconter C'est la fin de cette leçon, mais je vous attends dans la prochaine, jusqu'à la prochaine leçon. 5. Page de scénario: Dans cette leçon, vous allez voir à quoi ressemble la page du scénario. Il est important de tenir compte fait que n'importe quelle page d'un scénario, d'une production audiovisuelle ressemblera également à ceci. Par où devons-nous commencer ? Nous devons commencer par comprendre qu'une page d' un scénario représente toujours 1 minute de film. Ce format provient à l'origine du temps qu'il faut habituellement pour lire une page de n'importe quel scénario. Mais ce n'est pas une constante, car cela peut prendre plus de temps. La première chose à apprendre à ce sujet, ce sont les titres des scènes. Les titres nous permettent de décrire le journal à l'endroit précis où se déroule Acene Mais pas seulement cela, mais aussi le moment où la scène se passe. L'heure de la journée est importante car l'équipe de production sait quel sera l'éclairage de cette scène. Le premier détail que nous trouverons dans le titre ASN , en partant de gauche à droite, sera l'information sur la nature du lieu où la scène sera filmée, en intérieur ou en extérieur Avec l'agrégation NT pour l'intérieur et EXT pour l' Ensuite, il y aurait une période juste après cette période. Vous devez saisir le lieu précis où se déroule la scène. Ensuite, une autre période juste après cette période, vous devez taper le lieu général. Ensuite, une autre période juste après, vous devez taper le moment de la journée. Vous pouvez écrire le jour ou la nuit, ou le lever ou le coucher du soleil comme vous le souhaitez. Ce ne sont que des détails d'éclairage. En revanche, lorsqu'il s'agit de taper des titres, si le personnage se déplace de l'espace intérieur vers l'extérieur, nous devons écrire l' abréviation INTS, ET, pour indiquer que notre personnage se déplace de cette façon, car la scène sera illuminée à la fois en car la scène sera illuminée à la intérieur et en Je vous dis cela parce qu'il y a des endroits qui ont les deux illuminations. Comme le quadrilatère intérieur d'un château, par exemple. D'autre part, il ne faut pas oublier qu' un scénario est toujours écrit en unités d'action. Chaque phrase représente une unité d'action. Par exemple, Odio entre dans la pièce, Odilia s'assoit dans le fauteuil Vodlio mange lentement une pomme, point final. Chaque paragraphe représente un ensemble d' actions qui se produisent à un moment donné. Il est important d'apprendre à jouer avec ces actions et, plus important encore, d'apprendre à jouer avec ces sauts de temps entre les actions Parce que cela nous permet de résumer une longue période, vous êtes censé mettre en évidence et sélectionner les actions les plus importantes de l'histoire. Cette technique s'appelle ellipses. En utilisant correctement cette technique, vous serez en mesure de résumer et de filtrer une grande quantité d'informations afin que le public puisse mieux comprendre l'histoire. Pour connaître le fonctionnement des ellipses, il est important de comprendre la différence entre le temps diététique et le temps non diététique . L'espace-temps d'un récit se poursuit Par exemple, si l'histoire parle de la biographie d'une personne, un biopic par exemple, où le personnage vit 50 ans. La durée du régime alimentaire est de 50 ans. Mais le temps non diététique est le temps narratif. Par exemple, les 2 heures que dure le film. C'est la raison pour laquelle l'utilisation parfaite des ellipses va nous permettre de raconter de belles histoires en peu de temps à scanner, tels que Benjamin Button, écrit par Eric Growth, sont des exemples d'une excellente utilisation films à scanner, tels que Benjamin Button, écrit par Eric Growth, sont des exemples d'une excellente utilisation de cette technique Benjamin Button, écrit par Eric Growth, sont des . Dans les deux films, une grande partie de la durée de vie se résume aux deux ou trois heures que durent les films Par contre, le nom du personnage est trop important. Essayez de ne pas changer le nom du personnage pendant que vous écrivez. Parfois, nous changeons à tort le nom d'un personnage spécifique, qui doit toujours être le même tout au long l'histoire, du début à la fin Lorsqu'il s'agit de créer les dialogues, chaque dialogue a un titre qui est le nom du personnage qui parle. Les noms sont toujours en majuscules et centrés. De plus, juste sous le nom du personnage entre parenthèses, nous devons écrire le mouvement dans lequel le personnage prononce ce dialogue C'est très important, mais attention à cela. Parfois, la voix de notre personnage est présente. Mais nous ne voyons aucun personnage. Je veux dire, nous entendons sa voix. Mais nous voyons un autre personnage à ce moment-là, ou les caméras se focalisent sur un objet, une vue ou un paysage. Dans ce cas, vous devez écrire à côté du caractère le point abrégé, qui signifie écran, pour indiquer que la voix est là, mais que le caractère n'est pas visible à l'écran à ce moment précis. Par contre, si nous entendons une voix off, c'est-à-dire la voix qui ne vient pas d'un personnage lui-même dans la scène. Je veux dire que c'est un narrateur, par exemple, ou un personnage qui raconte quelque chose. Il faut taper à côté du caractère d'en-tête l'abréviation entre parenthèses V point, qui signifie voix off Mindmap, je ne suis pas égo Quand nous vous promettons. autre côté, il est important de noter que les transitions entre les scènes sont également les transitions entre les scènes sont représentées dans le scénario. Ce n'est pas un détail très significatif car lors du montage, les monteurs et les réalisateurs jouent souvent mieux avec les transitions pour améliorer le rythme de l'histoire. Cependant, il devrait y avoir un guide pour que les transitions les plus importantes soient présentes dans le scénario. Tout d'abord, lorsque nous passons d'ACN à un autre, il est entendu qu'il y a une transition entre les deux. Mais parfois, nous devons indiquer qu'il y a une coupure vers le noir. Par exemple, dans ces cas cela doit être écrit à la fin de la scène sur une ligne vers la droite. Nous pouvons également écrire, par exemple, fondu ou dissoudre pour obtenir le résultat correspondant à la résolution deux, etc. De plus, et ce n'est pas moins important, si les transitions apparaissent au début de la scène, par exemple un fondu, etc., elles doivent être écrites sur la gauche manière générale, ce sont les éléments les plus importants que tout scénario devrait avoir pour qu'il soit correctement écrit. Mais je dois avouer que chaque auteur a son propre style. Par exemple, les rédacteurs ajoutent parfois plus de détails, comme les mouvements de caméra par exemple. Mais cela n'est autorisé que si vous êtes le réalisateur de votre propre scénario. Ce que vous devez toujours retenir, c'est que votre scénario doit être écrit en images. Vous devez décrire les images et éviter les phrases poétiques. Le scénario est un outil de travail permettant à une équipe de production de disposer d'un guide pour développer l'histoire en utilisant simplement le langage cinématographique Je te vois dans la prochaine leçon. 6. Sémiotique: Bonjour tout le monde. Dans cette leçon, nous allons parler de sémiotique S'il y a quelque chose qui a trait à la réalisation de films, c'est bien la sémiologie La sémiotique est la science qui étudie le sens des images Les idées contenues dans une image. Les cinéastes doivent interpréter le scénario. Pour ce faire, le réalisateur est censé rassembler autant de concepts que possible liés à l' histoire, au style et au thème. Les éléments conceptuels les plus importants de l'histoire doivent être inclus dans les images. Chaque scène, chaque image, chaque séquence doit intégrer le concept du film dans notre histoire. Mais par où devons-nous commencer pour pouvoir répondre à cela dans le langage audiovisuel ? Il faut commencer par le concept issu de la peinture de la Renaissance. la Renaissance, lorsque tous ces grands peintres que nous connaissons aujourd'hui ont commencé à émerger, ils ont pensé à deux éléments fondamentaux, personnage et le contexte. Le concept de base en forme de figurine. Vous pourriez résumer en disant que le personnage et le contexte à cette époque étaient liés au personnage et au contexte. Un personnage dans une scène, c' est exactement pareil. Il y a un personnage à un endroit ou à un moment précis où ce personnage effectue des actions. Dans les peintures baroques et les peintures de la Renaissance, il y avait toujours un ou plusieurs personnages qui se démarquaient des autres. Cette caractéristique essayait de nous raconter une histoire. Mais non seulement le personnage raconte l'histoire, mais tout ce qui l' entoure, ces histoires racontées à travers des peintures, été compris par le spectateur en raison du temps qu'il passait à contempler le tableau Lorsque nous investissons suffisamment de temps pour contempler une image, nous pouvons découvrir des choses Découvrir ce que l'auteur essaie de nous dire au cinéma, c'est exactement pareil. Si nous accordons suffisamment de temps à une image lors du montage final, nous pouvons permettre au spectateur de percevoir des choses qui ne peuvent peut-être pas être vues à l'œil nu. En tant que réalisateur, tant que vous êtes capable transmettre le plus grand nombre d' informations et la meilleure qualité d'informations à l'esprit du spectateur, la qualité de votre langage audiovisuel sera meilleure. Je ne dis pas que vous devez transmettre informations au spectateur , mais vous devez essayer de le faire de manière créative, artistique et astucieuse pour donner au spectateur suffisamment d'informations pour qu'il comprenne et ressente profondément comprenne et L'image elle-même a la capacité de toucher directement notre esprit. Parce qu'en fait, les êtres humains pensent en images, nous devons en tenir compte car selon le contexte dans lequel se déroulent les événements ou les actions de notre histoire, la scène peut avoir un sens complètement différent. C'est fondamental pour pouvoir raconter des histoires et transmettre des émotions. Mais quel serait l'élément le plus important pour comprendre smotique de l'image par rapport au scénario ? L'ironie dramatique. Il s'agit d'un outil smutique. Il s'agit d'un outil que l'auteur utilise lorsqu' il écrit pour donner aux spectateurs le sentiment d' avoir plus d' informations sur ce qui se passe dans la scène que sur les personnages mêmes de la scène. Ce processus génère des émotions chez le spectateur, car en tant que spectateurs, nous voulons savoir quelle sera la réaction du personnage lorsqu'il découvrira ce qui se passe réellement dans cette scène. Par exemple, dans les films d'horreur où nous voyons le protagoniste s' approcher d'un endroit où nous savons que cela constituera un grand danger pour lui. Un autre exemple serait lorsque le protagoniste s'approche d'une pièce où un fantôme l'attend ou où un meurtrier l' attend. Qu'est-ce que cela a à voir avec la sémiotique ? Cela fonctionne de manière assez similaire parce que nous devons nous poser une question : que sait le spectateur du sujet qui entre dans notre cadre anymatique des signes En d'autres termes, en raison des connaissances générales que le public peut avoir, notre cadre peut inclure dans ses symboles et ses signes des informations que ce public a déjà en tête. Ce processus de communication est fondamental car, en tant que cinéaste, nous devons savoir comment interpréter les signifiants et les codes que possède notre société ou notre public potentiel afin de communiquer efficacement et puissamment En ces termes, même la distribution des couleurs de notre plan donne un grand impact sur le sens de notre scène et de nos séquences. J'oserais donc dire que plupart des problèmes liés à l' écriture de scénarios n'ont rien à voir avec les compétences artistiques, mais avec la capacité de communiquer correctement avec le public Il faut toujours se poser une question. Le processus de communication entre l'auteur et le spectateur fonctionne-t-il bien ? courts métrages sont très utiles sous ce terme, car lorsque nous conseillons des réalisateurs, notamment dans les écoles de cinéma, nous avons tendance à reprocher au public ne pas être capable de comprendre nos films, alors qu'en réalité nous ne sommes pas mesure de transmettre les informations que nous voulons. Parce que nous n'ajoutons pas suffisamment d'informations aux prises de vue, à l'arrière-plan, à la dimension sonore, et surtout, nous ne donnons pas assez de temps à chaque image. Dans le montage final, toute cette compréhension devrait être une priorité pour nous. Prenons, par exemple, la plateforme de production de films. L'histoire de ce film n'est pas la chose la plus importante. En fait, j' oserais dire que même sa fin est excessivement conceptuelle et vague. Mais l'attrait le plus important de ce film, c' la métaphore, c'est qu'elle représente la plate-forme par rapport à la lutte des classes Cette lutte de classe est présente dans le monde occidental. Nous connaissons tous cette lutte, et nous sommes tous concernés, d' une manière ou d'une autre, une manière ou d'une autre, par cette lutte de classe. Il est impossible de ne pas se sentir identifié quand on voit une plate-forme qui est un ascenseur dont les lettres représentent chacune des classes sociales. De plus, même dans le monde du cinéma, je parle de la plateforme, nous pouvons nous réveiller à n'importe quel niveau, laissant derrière nous la réalité des différentes classes sociales. Un autre exemple parfait serait le film dramatique Rom. Tous ceux qui sont allés le voir, du moins au Mexique, étaient au courant de l'existence du massacre dans les années 70 Un massacre au cours duquel plus de 100 étudiants ont été tués sur une place par des forces liées à l'État. Il s'agit de l'arrière-plan du film. Comme je vous l'ai dit dans une leçon précédente, l'histoire de la fille n' est pas si importante. C'est le plus important. C'est le contenu du moment historique dans lequel elle vivait. L'une des choses qui ressortent de ce film, ce sont ces événements tragiques dont nous sommes conscients dans le film. La protagoniste elle-même n'est pas consciente de l'ampleur de ce qui se passe. Et c'est aussi quelque chose qui décrit le personnage. C'est son état d'esprit et son niveau d' éducation qui lui font prendre conscience de l' importance sociale qui l'entoure C'est une ironie dramatique qui rend le film artistiquement Tout cela fait partie du pouvoir de la sémiotique d'un film, et nous devons apprendre à nous en servir pour acquérir cette sensibilité D'autre part, vous devez également connaître et vous souvenir d'une citation d'un grand philosophe de la communication, Marshall Mclichhan Le message, c'est le médium. Cela signifie que la façon dont nous communiquons le contenu, la manière dont ce contenu atteint le public, dépasse le message lui-même. Le cinéma en est plein. Parfois, peu importe la profondeur de notre message, mais la façon dont nous le transmettons peut générer une compréhension plus profonde chez le spectateur. Par exemple, combien de films parlent aujourd'hui du même sujet ? Combien de films parlent aujourd'hui d'amour ou de bravoure, haine, de passion ou de vengeance ? sont les ressources narratives, poétiques et sémétiques qui permettront au spectateur de se sentir plus profondément connecté au message De nombreux professeurs de cinéma de mon université m'ont dit que toutes les histoires avaient déjà été racontées et qu'il n'y avait rien de nouveau. C'est tout à fait vrai. La seule chose qui changera , c'est la façon dont nous racontons ces histoires, ce point de vue et la façon dont nous utilisons ces ressources audiovisuelles pour raconter l'histoire. En revanche, ne sous-évaluez aucun long métrage de film. La plupart des réalisateurs de John sous-estiment les ressources sonores et musicales du cinéma Cela signifierait qu'ils constituent une partie essentielle et fondamentale contenu du système sémétique du film Signification de tous les éléments d'un film. Et tout dans un film raconte quelque chose des coutumes à la dernière image du mandat The Revenant est un parfait exemple de ce que je suis en train de vous dire. Ce film est une simple histoire de vengeance. L'histoire classique d'un personnage qui veut se venger de quelqu'un qui a tué l'un de ses proches. Combien de films avez-vous vus qui racontent cette histoire ? Il existe une longue liste de citations allant de Gladiator aux films les plus commerciaux et les plus simples Mais la vérité est que dans The Revenant, son cadre est conçu comme un lien entre les êtres humains et le monde naturel, l'environnement humain. Et malgré tout ce que traverse le personnage, celui-ci s'arrête un instant pour contempler ce qui l'entoure, car la nature a toujours l'occasion de nous surprendre C'est profondément écologique. Vous savez, cela nous parle l'exploitation et des mauvais traitements infligés aux peuples autochtones américains. C'est beaucoup plus significatif et important que l'acte de vengeance lui-même. En fait, à la fin du film, le personnage antagoniste Ça le dit au personnage principal. As-tu fait tout ce chemin pour te venger ? Cette phrase donne un sens à l'ensemble du film ? Cela donne de la valeur au film parce que nous disons « whoa ». Cela en valait la peine, car nous avons pu contempler en profondeur tant de choses tout au long de ce long voyage C'est la raison pour laquelle Alejander Gonzalez a reçu l'Oscar du meilleur réalisateur, car en fait, son histoire est D'un point de vue, je dirais que c'est même un point faible du film. Mais malgré tout , le réalisateur a réussi à prouver avec son film qu'il était capable de transformer cette histoire de base en quelque chose d'extraordinaire. Je dirais que la clé, le secret, c'est d'être conscient de la façon dont les gens pensent aujourd'hui. Je veux dire, de quoi parlent les gens aujourd'hui ? De quoi souffrent les gens aujourd'hui ? Je veux dire, la façon dont nous pouvons changer le point de vue de n'importe quelle histoire, mais nous devrons trouver un meilleur moyen de communiquer avec le public. du film Maria est un autre exemple parfait histoire du film Maria est un autre exemple parfait de ce processus. Ce film nous donne un autre point de vue sur le mariage. Je veux dire, tant de boulangers parlent de mariages impossibles. Des amours impossibles aux fins tragiques et romantiques. Mais ce film simplifie tout dans un contexte aussi courant qu'un processus de divorce, un couple ordinaire. Ce n'est pas seulement le processus de divorce, mais le processus émotionnel que traverse le couple pendant le divorce. Et même la fin du film surprend, car même si nous voulons que tout soit résolu, le divorce est finalement consommé C'était un film très réussi. Toutes les personnes qui avaient divorcé se sentaient complètement identifiées. N'importe qui pourrait dire que cela a été fait intentionnellement et délibérément à des fins commerciales. Mais la différence, c'est que le directeur voulait que les gens s'y identifient. Et cela s'est traduit par un avantage commercial considérable. Il a créé quelque chose de profond qui est bon, et comme c'est bon, c'est commercial. autre côté, nous pourrions faire quelque chose de simple, éphémère et de clignotant qui pourrait également être commercial et qui ne restera peut-être pas gravé dans le cœur des gens C'est la capacité de rester dans l'histoire de l'art, dans l'histoire du cinéma, mais aussi dans nos mémoires. Cela donne une grande valeur aux films. Je veux dire, il y a même des films primés qui ne restent pas gravés dans le cœur des gens parce qu'ils ont été récompensés en raison des circonstances du moment. Je veux dire, parce qu'il n'y avait pas de meilleur film, mais parfois il y a des films fantastiques qui ne sont pas récompensés du tout, mais qui ont un excellent contenu artistique et restent gravés dans le cœur des gens pour toujours. En tant qu'Andy, il a passé cette pause, cent ans à l'ombre, avec un petit sourire aux lèvres Il est également important de rappeler que l'une des principales caractéristiques du cinéma indépendant et expérimental est que ses réalisateurs consacrent beaucoup plus de temps aux tournages. C'est-à-dire que le spectateur puisse contempler chaque détail des prises de vue comme s'il s'agissait de peintures qu'ils essaient de mieux comprendre le contenu des prises de vue. Cependant, essayez de savoir que parfois les photos ne veulent rien dire. Les réalisateurs essaient simplement de montrer leur intelligence, par exemple. Mais parfois, les photos contiennent des éléments sémiotiques profonds qu'il faut lire attentivement pour percevoir des sensations plus profondes D'autre part, les publicités jouent également avec sémiotique car elles visent à faire tomber amoureux le plus rapidement possible le spectateur pour vendre un produit ou une idée Les meilleurs producteurs commerciaux sont des experts en narration en sémiotique car le succès du secteur de l'audiovisuel se traduit directement par des revenus entrants Je pense qu'aujourd'hui, les publicités essayent de nous faire tomber amoureux de plus en plus vite Parce qu'aujourd'hui, dans les réseaux sociaux, il faut être très rapide. Parce que la course au contrôle des esprits est massive et continue. D'autre part, nous devons comprendre que lorsque nous contemplons une image, une prise de vue, il y a une partie inconsciente de notre observation Il s'agit de recevoir des informations alors que nous nous concentrons peut-être sur le personnage principal qui fait partie du concept Go Grand. Et il est nécessaire d'en être constamment conscient si vous voulez devenir cinéastes Il en existe de bons exemples au cinéma. Le film Parasites en est un exemple incroyable car il y a plusieurs éléments en arrière-plan du film. Je veux parler, par exemple, des lieux, des caractéristiques de l' endroit où vivent les familles. Ces détails nous renseignent sur les classes sociales de l'histoire. Par exemple, la famille pauvre vit sous le niveau du sol tandis que la famille riche vit dans les collines. De plus, à la fin de l'histoire, le père de la famille pauvre est piégé dans les sous-sols de la maison, par exemple Ces informations nous renseignent sur le concept de l'histoire ainsi que sur le temps pluvieux qui régnait dans les étapes les plus tragiques de l'histoire. Tout cela est une question de sémiotique. Et c'est un processus d'apprentissage lent qui nécessite de faire des erreurs et de s'interroger sur le contenu de nos films, de nos courts métrages et de chacune des pièces audiovisuelles, quel que soit leur genre Mon plus grand conseil est que vous devriez vous imprégner de différents langages artistiques. La peinture, le théâtre, la musique, la poésie , la littérature, car en fait, le cinéma et les films incluent toutes ces ressources. Le septième art est essentiellement l'union esthétique, presque toutes les formes d'art connues avant le cinéma H Le cinéma ne se limite pas à des images animées, c'est bien plus que cela. Il regorge de concepts très profonds qui vont au-delà du simple fait de savoir comment utiliser une caméra ou de n'importe quel élément technique de production. Essayez de mettre tout cela en pratique. Essayez de remplir votre vie d'art. De cette façon, vous n'aurez pas à faire d'effort pour créer un cliché ayant une signification profonde pour votre histoire. Je te vois dans la prochaine leçon. 7. La scène: Bonjour tout le monde. Dans cette leçon, nous allons parler de la scène. Qu'est-ce qu'une scène ? Une scène est un ensemble d' actions ordonnées esthétiquement qui visent à raconter une partie spécifique de l' Du point de vue de la production et du point de vue de la mise en scène, c'est donc et du point de vue de la mise en scène l'événement central de la production sur lequel le scénario est une structure. Mais pour ce qui est de l'écriture de scénarios, c'est tout autre chose. Quels sont les types de scènes matière de scénarisation ? Il existe trois types de scènes, dont la plupart peuvent se situer au milieu des autres. Les scènes d'action, les scènes de réaction et les essènes descriptifs Commençons par les scènes d'action. Cela n'a rien à voir avec des effets spéciaux ou des chorégraphies de combat compliquées Par exemple, nous parlons de l'écriture du scénario. Les scènes d'action sont les scènes où le personnage arrive à un endroit, par exemple, avec un objectif en tête. Ce personnage parvient à atteindre notre objectif. Ou pas aussi simple que ça. De toute évidence, cela va générer une conséquence, une suite dans l'histoire. Par contre, les scènes descriptives sont assez différentes. Le seul but de cette scène est de décrire le contexte dans lequel vit notre personnage Ou l'environnement dans lequel il vit, dans lequel se déroulent les événements de l'histoire. Mais il y a toujours un objectif direct ou indirect, que nous ignorons. Par exemple, il arrive que notre personnage pense à un événement ou un fait que l' action le fait changer d'avis pour continuer à avancer dans l'histoire C'est-à-dire que cela génère toujours une suite qui aide l' histoire à avancer. En revanche, les scènes de réaction sont assez similaires aux scènes d'action. La seule différence est que notre personnage va arriver à un endroit et qu'il lui arrive quelque chose, ce qui va provoquer une réaction chez ce personnage. Cela générera évidemment une suite et cela changera l'histoire ou la fera avancer. En gros, la différence entre les scènes d'action et le sens de réaction est que dans le cas de péchés de réaction, les événements des scènes seront générés par un élément extérieur au personnage. Cependant, tout cela a une fine bordure dans laquelle les deux types de scènes sont séparés ou mélangés. Par exemple, un personnage peut aborder un lieu avec un objectif en tête, mais quelque chose de totalement inattendu lui arrive qui change évidemment le but de la scène. Essayez de l'utiliser de manière créative pour révéler l'histoire, les événements. Voyons un autre exemple. Imaginez cette situation. Vous rentrez chez vous pour vous remettre en forme, par exemple. Et tu as réussi à l'obtenir et tu poursuis ta journée. Ce serait une scène d'action. Mais la réaction, une fatalité avec ces scènes d'action, serait que , par exemple, vous revenez chez vous pour récupérer votre sac Mais il arrive que devant votre maison, deux voleurs vous agressent, vous les combattez et ils vous frappent Vos actions découleront de l'action générée par une autre personne. Compte tenu de tout ce que j'ai mentionné précédemment, il est important de savoir que nous pouvons mélanger les types de sens, car les éléments descriptifs peuvent également être mélangés avec un autre type de sens. Je veux dire, la réaction des péchés et l'action des péchés, améliorant ainsi la qualité sémiotique de notre langage cinématographique Par exemple, en ajoutant un élément descriptif au début de chaque scène, nous pouvons résumer les informations dont elle aurait peut-être besoin pour une scène supplémentaire lors du tournage. De plus, s'il y a quelque chose qui fera de nous de grands cinéastes et écrivains, c'est notre capacité à décrire des choses vraiment profondes dans le cadre Il ne suffit pas de montrer un personnage en train d'effectuer une action. Il y a tellement de détails qui peuvent être une scène. C'est pourquoi certaines scènes sont si descriptives et si attrayantes qu'on oublie complètement ce que le personnage pourrait faire à cet endroit. Ce qui se passe, c'est que l'endroit et ce que nous voyons sont si puissants que nous nous sentons complètement bouleversés. Parfois, il y a des moments isolés dans l'histoire, dans les scènes, même en un seul plan, mais ils font passer notre histoire à un niveau supérieur. D'autre part, il existe un autre élément très important dans la construction des scènes, le mouvement. Le mouvement est un principe découvert par Kurosawa. Il est étroitement lié au concept de sol fugal. En raison du phénomène psychologique des êtres humains précédemment étudié. Tout au long de l'histoire du cinéma, il a été démontré que lorsque les gens regardent un film, ne peuvent pas supporter de le voir sur un écran pendant une longue période. personnages qui sont dans le même état de repos que celui dans lequel les gens regardent un film, je veux dire que le processus de contemplation doit se reposer. Tranquillité. Mais il faut qu' il y ait toujours du mouvement dans les images. C'est la raison pour laquelle. Dans les bons films, même si deux personnages ne font que parler, il y a toujours une chorégraphie de mouvements dans laquelle les acteurs se lèvent, par exemple, ils marchent dans la rue en fumant une cigarette ou en train de déjeuner Les personnages font tout pour que le public se sente l'aise alors qu' regarde une vraie scène, un moment réel. En fait, un personnage qui fume est si courant que c'est presque chose courante. Dans le cas d'Ursa, il a créé la sensation à travers l'arrière-plan des scènes Par exemple, il créait une conversation où il y avait la pluie en arrière-plan ou peut-être une rivière qui coulait en arrière-plan. Les acteurs n'avaient pas besoin chorégraphie pour ajouter du mouvement aux scènes Il s'agit donc d'un principe très basique. C'est la raison pour laquelle le grand public aime les films d'action et les effets spéciaux. Le mouvement est très attractif aux yeux du spectateur. Cela ne signifie pas que nous devons délibérer, prendre des mesures inutiles pour respecter cette règle. Il est de notre devoir de veiller à ce que ces actions soient totalement justifiées et naturelles pour que le spectateur se sente à l'aise. revanche, en règle générale, l' ASN a généralement une structure classique similaire à celle d' une histoire complète, car nombre d'entre elles avaient des objectifs clairs Ils ont donc eu un début, une confrontation et une fin, une résolution. Vous devez vous en souvenir dans le scénario. Les scènes sont racontées avec des énergies qui racontent que l'action se passe toujours dans le présent Il est important de prêter attention au point de vue de la scène. Je veux que le spectateur ait l' impression de voir le point de vue du personnage qui mène l'histoire. Je veux dire, c'est une erreur courante car parfois un mauvais point de vue mène à un malentendu Parce que nous ne consacrons pas assez de temps aux photos du visage du personnage surtout lorsque celui-ci réfléchit aux événements de la scène Cela doit être détaillé dans le scénario afin d' éviter toute confusion ou dispersion chez le spectateur. récapitulation du scénario est une chaîne d'événements qui sont du point de vue d' personne importante pour l'histoire D'autre part, lorsque vous filmez les scènes, n'oubliez pas l'importance de l' éclairage dans l'aspect visuel. Les détails visuels, nous devons nous demander, quelles sont les couleurs qui évoquent notre sens ? Notre scène est-elle heureuse ? Est-ce tragique ? Est-ce informatif ? Quel sentiment souhaitez-vous susciter chez le spectateur ? Nous devons faire très attention à cela car nous pouvons contredire l'objectif de la scène avec un éclairage inapproprié L'éclairage a la capacité de gâcher tout travail d'acteur extraordinaire L'éclairage créera une atmosphère qui améliorera même la performance de l'acteur. Je veux dire, jouer est un métier très difficile. Cela demande beaucoup de concentration, et lors d'un tournage, il y a trop d'éléments distrayants. Nous devons tout faire pour améliorer cette concentration. Mais en plus de cela, pendant que vous vous entraînez et que vous écrivez les scènes, que vous les superposez, les filmez et que vous effectuez le montage final, vous vous rendrez compte que, bien souvent les scènes n'étaient pas mauvaises, mais l'éclairage , car de mon point de vue, éclairage est un outil qui doit être pris en compte dès que nous écrivons une histoire. Cependant, n'oubliez pas qu' en tant que réalisateurs, nous pouvons varier l'éclairage de Sen afin d'améliorer la puissance narrative. Au même titre que l'éclairage, les couleurs sont importantes et étroitement liées à l'éclairage. Par conséquent, pour le public mondial, il existe une interprétation globale de la signification des couleurs. Par exemple, les feux de signalisation sont les mêmes partout dans le monde. Les effets de ces trois couleurs ont été analysés scientifiquement. Ce que je veux dire, c'est que nous devrions essayer d'utiliser la couleur comme langage universel qui nous aide à communiquer émotionnellement avec le public. D'autre part, il y a aussi le langage sonore qui fonctionne comme une quatrième dimension pour le spectateur. N'oubliez pas que le public perçoit tout par ses sens et que tout est traité par son esprit La conception sonore est une couche d'information supplémentaire. Il faut essayer de le maîtriser pour faire participer le spectateur à l'ambiance du film et aux sensations qui vont être ressenties pendant le film. Ce n'est pas seulement en tant que réalisateur, mais aussi en tant que scénariste. Nous devons ajouter l'élément sonore comme support cinématographique pour raconter les histoires Je vais vous donner un exemple. Supposons que notre scénario nous le dise. Un soldat très fatigué marche au milieu du corps. Le soldat découvre les cadavres des autres soldats. Alors qu'il marche, le soldat aperçoit le cadavre d' une femme indigène , puis se retourne et voit une autre femme indigène pleurer au loin D'accord, cela pourrait être notre scène, mais nous avons la possibilité de remplacer les images par des sons, des images comme la femme qui pleure au loin, par exemple. Vérifions-le. Avez-vous remarqué que vous saviez comment vous pouvez ignorer une image visuelle dans le scénario et la remplacer par une image sonore ? C'est l'art du cinéma. Le scénario raconte qu' il y avait une femme qui pleurait au loin. En fait, la femme qui pleure est là. Mais on ne la voit pas à l'écran, mais on l'écoute au loin, donnant encore plus de mystère et de profondeur à l' histoire, à la scène. C'est votre travail en tant que réalisateur. En tant que cinéaste, je vous recommande vivement de ne pas attendre le tournage pour trouver le genre d'idées. Ces idées peuvent évidemment surgir dans les jours qui précèdent le tournage, mais je suggère vraiment que nous commencions à imaginer puis, au moment de l'écriture du scénario, ou au moment de la lecture générale du scénario avant le tournage, nous allons regarder une autre scène avec le même personnage, une séquence complète dans laquelle ce personnage objectif de révéler à son père la raison pour laquelle il a quitté la maison. C'est une scène assez longue. Vérifions-le. Petit look Dios los Los Paocai Dios los Los Paocai A emmagasine les vitamines. Oui, je suis une femme de presse. Tu peux me faire parvenir me Papa Matt Yeboa Quand je le jure, E. Pedro Yo remarque les différentes sensations de la scène. La plupart des éléments que j'ai mentionnés jusqu'à présent et qui devraient figurer dans la scène sont affichés. Dans cet exemple. Les personnages bougent pendant qu'ils discutent à table. L'un d'eux se lève de sa chaise, par exemple, puis une voix semble nous dire quelque chose directement. Mais c'est en fait le récit à son père pendant toute la scène. Le son est très important dans cet exemple, mais nous le verrons plus loin dans une autre leçon concernant les bandes sonores Essayez de vous souvenir de la couleur, du mouvement, des objectifs du personnage, des quelques bons concepts de terrain que vous avez vus précédemment. Par exemple, il y a des films qui ont même des histoires confuses, dont l'objectif n'est pas complètement clair, mais il y a scènes suffisamment cohérentes pour attirer l'attention des spectateurs et nous faire réfléchir à des choses profondes. Des scènes qui nous invitent à nous poser des questions sur notre vie, sur nos situations quotidiennes, ce genre de scènes, même du point de vue d'une autre époque. Des scènes qui relient des choses profondes à travers des éléments sémiotiques. Essayez de poser vos propres questions par écrit. Est-ce que Mycin est une scène d'action ? Est-ce que mon sinus est une réaction ? Une scène est-elle descriptive ? Vous aurez besoin de ces questions. Quand il s'agit d'écrire. Mettez tout cela en pratique, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 8. L'équipe de production: L'équipe de production. L'équipe de production est l'armée que nous allons commander pour mener à bien notre projet de film. Réaliser toutes les étapes d'un projet de film. Mais sur quoi repose cette équipe ? Qu'est-ce que l'axe ? La colonne centrale de cette équipe ? Tout commence par le producteur. Le producteur est le responsable de notre projet de film. Un projet en lui-même ne devrait pas être différent de la construction d'une maison, gestion d'une entreprise, de la création d'une entreprise, etc. En fait, la plupart des problèmes liés à la production sont dus au fait que nous ne savons pas que la production est tout à fait similaire aux exemples que j'ai mentionnés précédemment. Mais qui est le producteur ? Le producteur est un administrateur responsable qui supervise toutes les étapes d' un projet de film dans le but de transformer l' idée initiale en film Cela signifie qu'en fonction des besoins de notre projet, le producteur doit être impliqué dès les premières étapes de la recherche sur le sujet que portera notre film. Il y a aussi les castings, les lieux dont le scénario a besoin, toute la logistique des tournages Je veux dire, tout ce dont vous avez besoin pour que le tournage soit réussi doit être géré par le producteur. Et surtout, la bonne administration du budget du film afin que toutes les étapes soient remplies. Toutes les étapes doivent être terminées depuis l'idée initiale jusqu'au moment de la distribution du film. Le succès d'un producteur est de terminer le film avec les objectifs fixés au tout début. Donc, de mon point de vue, le producteur n'est pas le plus important, c'est au moins l'un des managers les plus importants du projet de film. Les réalisateurs sont souvent leurs propres producteurs. Il est important d'assumer cette responsabilité dès le début, autant plus que le producteur est également impliqué dans la manière de vendre l'histoire du projet à une société de production de films par exemple. D'autre part, les personnes les plus riches de l'industrie cinématographique sont les producteurs. Parce que ce sont eux qui ont la clairvoyance d' analyser le film que le public pourrait demander puis de développer des projets de films en fonction de cela Il est important de savoir qu'en tant que John est réalisateur, John est un cinéaste qui commence sa carrière cinématographique Nous devons apprendre à assumer chacun des différents rôles qui constituent la construction d'un film au-dessus de Ble. Parce que dans le cas du cinéma indépendant, il est généralement financé par deux sources principales. Tout d'abord, l'autofinancement. Vous collecterez des fonds pour votre premier court métrage et vous devrez donc gérer vos Bud Jets afin que l'argent puisse couvrir tous les objectifs du projet. Deuxièmement, le programme de financement. Les programmes de financement, qui sont un type d' institutions privées ou publiques qui accordent des fonds pour financer des produits cinématographiques non commerciaux D'un autre côté, les producteurs ne travaillent pas seuls. Ils ont des assistants de production qui sont chargés d'effectuer les différentes tâches que le producteur peut avoir. Compte tenu de tout cela, le producteur a de nombreuses responsabilités. Par conséquent, il ou elle devra effectuer de nombreuses tâches qui seront déléguées à ces producteurs. Cela signifie que nous pouvons avoir autant d'assistants que nous le voulons. Tout dépend du budget de notre projet de film. Le prochain sur la liste est le directeur adjoint. L'assistant réalisateur est le bras droit du réalisateur, mais pas au sens créatif du terme. Je pense que presque tout le monde, lorsque nous commençons à entendre parler d'assistants réalisateurs, pense que cela doit être assez similaire au travail du réalisateur. Mais en fait ce n'est pas le cas. C'est pourquoi nous avons fini par être quelque peu frustrés. L'assistant réalisateur effectue essentiellement des tâches de facilitation, le réalisateur ne devrait pas le faire. Le réalisateur a l'esprit concentré uniquement sur la création artistique. Mais je dirais que la tâche principale de l'assistant réalisateur est de gérer le temps pendant le tournage. L'annonce doit contenir une liste de toutes les scènes qui doivent être tournées. Par exemple, dans une journée qui ne compte que 4 heures. L'AD doit garantir que toutes ces scènes sont filmées pendant cette période. Pour y parvenir, il doit gérer le temps imparti, y compris le temps que l'équipage passera à manger ou à prendre une collation. Un autre aspect qui dépend de l' assistant réalisateur est la discipline de l'équipe de tournage. Vous ne pouvez pas imaginer à quel point c' est important , car les équipes de production sont composées de personnes qui ont des besoins personnels, des problèmes, personnes qui partagent avec d'autres et qui peuvent également être distraites Je ne veux pas dire que l' AD doit être une sorte de flic, mais il doit veiller à ce que toutes les équipes se concentrent sur les lieux et ce qu'elles s' acquittent de leur tâche. En fait, qui a dit que l'action pendant le tournage, c'est la publicité. Les autres directeurs adjoints, qui peuvent être un ou deux de plus, occupent de toutes les tâches logistiques qui facilitent le travail du réalisateur. Le script est le suivant dans la liste. C'est lui qui a la responsabilité de dresser une liste. Et en gardant un ordre de toutes les scènes enregistrées pendant le tournage, en mettant en évidence toute éventualité survenue pendant le tournage de la scène Par exemple, si la scène est vraiment bonne, le script doit l'écrire S'il y a un problème dans la scène, le script doit également l'écrire. En général, les règles maintiennent l'ordre de chaque scène de telle sorte que pendant le montage, c'est le montage du film. L'éditeur peut identifier chacun des fichiers présents sur le disque mémoire, sachant que chacun d'entre eux les utilisera ou non, quelles ont été les prises les plus importantes du tournage ? Fondamentalement, le script est étroitement lié au travail de l'AD car il concerne le contrôle du tournage. Il est très important que le script tienne compte de toutes les imprévus qui peuvent apparaître pendant le tournage C'est-à-dire, par exemple, si le réalisateur change quelque chose dans le scénario à la dernière minute, par exemple, le script doit le noter. Parce que ce changement générera peut-être des changements à l'avenir. Puisque, je veux dire qu'un détail qui a été modifié dans l'histoire ou qu'un scénario devrait incidence sur le futur de l'histoire. Le chargeur à clapets est celui qui porte la planche à clapets. Le clapper board est un outil qui nous permet d'identifier la scène à l'intérieur du cadre au début du hot En général, les demandes relatives au clapet board incluent les informations suivantes Le nom du disque mémoire, le numéro ou le nom de la scène et le numéro de prise. Car il faut savoir que la scène peut être répétée plusieurs fois. Pour de nombreuses raisons, l' éditeur doit reconnaître visuellement les informations de prise de vue dans le logiciel de montage. De toute évidence, l'une des principales raisons pour lesquelles le clapet est utile est qu'il faut synchroniser le son avec l'image dans les projets de friction. La chaleur générée par le joystick supérieur du clapboard nous permet de savoir à quel moment synchroniser le son et la vidéo dans le logiciel Je veux dire, depuis l' audio et la vidéo, ils sont souvent enregistrés sur différents appareils. Dans chaque département, il existe d'autres rôles dont la fonction est de faciliter le travail de l'opérateur principal. Dans le cas de l'éclairage, il existe des spécialistes, tels que Gaffer et le technicien en chef de l' éclairage, qui sont chargés, par exemple, de mesurer exactement la lumière à appliquer dans la scène Il connaît exactement la puissance de chaque lampe pour générer un certain éclairage grâce à son assistant du directeur de la photographie, par exemple. En règle générale, la différence entre une production à faible coût et production à coût élevé réside précisément dans le nombre d' assistants dans l'équipe. En fait, même si le directeur de chaque département se concentre davantage sur la partie créative que sur la résolution des problèmes opérationnels, le résultat en termes de qualité sera meilleur. Il y a des cas comme le directeur de la photographie mexicain Emmanuel Luveski, qui a l'habitude d'opérer avec l'appareil photo car cela prouve qu' il vient d'une formation laquelle il apprend chaque étape du processus N'ayez donc pas peur de jouer plusieurs rôles dans un projet à petit budget. D'autre part, la direction artistique est le département qui veille à ce que tous les éléments de la scène, par exemple la scénographie, les costumes , les accessoires, soient liés à l'histoire Tous ces éléments devraient nous en dire autant que le scénario. Les éléments qui figurent dans la scénographie doivent avoir qualités en termes de structure de couleur, de sémiotique également Pour que ces scènes en V désespérées que j'ai mentionnées tout à l' heure atteignent leurs objectifs. De toute évidence, il s'agit d'un effort conjoint entre le réalisateur du film et le directeur artistique, et ils doivent suivre le même chemin qui mène à raconter les histoires par le biais d'images. Le département artistique et le département des enseignes sont étroitement liés, car les éléments sémiotiques que nous ajoutons aux scènes sont plus coûteux, surtout Cela impliquera un coût plus élevé pour le film, une rentabilité plus élevée. D'autre part, les techniciens du son sont également importants, ce qu'il ne faut pas oublier car le son doit être correctement enregistré lors du tournage suivant peur que l'équipe de restauration ne soit chargée des détails du pied Et surtout, essayez de ne pas penser que ce sont les producteurs qui sont les producteurs chargés de résoudre les problèmes de pieds. C'est une erreur d'amateur. Un autre département important lié à l'équipe de production est la conception des costumes, le département des costumes. Ce département est également très lié à l'équipe artistique, puisque c'est le département artistique, le réalisateur et les créateurs visuels qui choisissent les couleurs des costumes, mais c'est le costumier qui les fabrique. Il y a également un superviseur des troupes de guerre qui est chargé de s'occuper des costumes pendant le tournage. Mais dans la plupart des fusillades, ce superviseur de service fait partie des assistants de l'équipe de maquillage Il est important qu'un nombre suffisant de personnes soient toujours déléguées pour ce type de travail. Il s'agit parfois de tâches très simples, mais elles sont déléguées. Des personnes qui font travail créatif sur le tournage et c'est un problème. Cela nuit à la qualité de production. Lorsqu'il s'agit de gérer une équipe de production, il est nécessaire de référencer les personnes qui effectueront le travail créatif et celles qui effectueront le travail technique Les premiers sont les plus importants. Le personnel technique doit veiller à ce que ce travail créatif soit aussi bon que possible. Bien qu'une seule personne puisse être chargée de plusieurs tâches au cours des étapes de production, vous devez bien combiner cette tâche Par exemple, vous savez que le processus de production comporte différentes étapes. Par exemple, le directeur artistique peut travailler avec le département artistique avant le tournage. Le réalisateur doit travailler avec tous les départements du film, etc. Mais sur le plateau, cela fonctionne différemment. Par exemple, je peux diriger et être acteur en même temps sur le plateau. Cela ne me pose aucun problème, car ces tâches sont soit artistiques et créatives, mais elles sont liées entre elles. Mais en fait, je ne suis pas capable d'être réalisateur et directeur de production en même temps. Parce que l'échelle va devoir résoudre de nombreux problèmes sur le plateau. Vous devez avoir un bon producteur au début. Ce même producteur peut être à la tête d'une production et cette personne doit également aimer être et manager. Je veux dire, un producteur doit connaître l'administration du logiciel Excel, et ce producteur doit avoir des compétences en matière de réseautage pour interagir avec des personnes capables de réaliser notre projet de film. Je dirais que la partie artistique de la production consiste à avoir la capacité visualiser une idée et savoir si cette idée en vaut la peine. Enfin, le réalisateur. Le réalisateur est le directeur artistique qui va effectuer la partie créative de la réalisation d'un film. Les réalisateurs doivent très bien connaître tous les départements de l'équipe de production. Un bon réalisateur doit tout savoir. Cinématographie musicale, histoire, rédaction de nouvelles. Plus vous aurez de connaissances, plus vous serez capable de communiquer avec les autres responsables créatifs de votre projet. De plus, vous serez en mesure de transmettre n'importe quoi au public grâce au langage cinématographique Les réalisateurs doivent également avoir la capacité d'avoir une excellente vue d'ensemble créative du film, ce qui n'est pas seulement la partie visuelle. Je remarque que la chanson est très importante, qu'elle représente 50 % du langage cinématographique autre côté, l'un de mes meilleurs conseils est que les réalisateurs soient principalement impliqués dans le processus d'écriture. Scénario, dans la construction de l'histoire. Il est important d'avoir quelque chose à dire en tant que réalisateur, de générer de la voix et du style. Cela vaut vraiment la peine de réaliser des histoires qui concernent nos vies, car ce n'est qu' ainsi que vous pourrez mieux imaginer un film. Même si réaliser le scénario de quelqu'un d'autre peut aussi être extraordinaire. Nous devons avoir notre propre voix lorsque nous formons notre point de vue. Je veux dire, les plus grands réalisateurs de l'histoire du cinéma ont la capacité d'écrire des histoires parce qu'ils connaissent très bien la langue. C'est la différence entre cinéma d' auteur et le cinéma traditionnel, qu'il soit réalisé ou non par Hollywood. Qu'il s'agisse d' un film à effets spéciaux ou non, d'une histoire de super-héros ou non Le réalisateur participe au processus d'écriture et apporte une vision unique de sa narration D'autre part, les connaissances ne devraient pas être une limite pour les cinéastes Ils doivent toujours être prêts à apprendre jour après jour. Essayez de regarder toutes sortes de films, vous pouvez en tirer des leçons. Dans chacun d'entre eux, vous trouverez précieux outils qui vous aideront à créer votre propre langage. De plus , la connaissance des différents départements vous permettra de protéger le projet de film. Parce que vous serez en mesure de savoir si ce que le directeur artistique ou concepteur sonore vous dit est vrai ou non. Je vais vous donner un exemple. Il y a quelque temps, je travaillais sur un tournage en tant qu'assistant du son, mais ce n'était pas un tournage professionnel. Vous savez, je rendais service à une amie qui étudiait le réalisateur Elle ne connaissait pas ou sous-estimait mes connaissances en matière de tournage sonore Je ne la blâme pas du tout car cela fait partie du processus d'apprentissage. Mais cela peut vous arriver est susceptible de vous arriver. Ce qui s'est passé, c'est qu' en insérant une scène, nous avons dû enregistrer le son d'une conversation Je tenais le micro avec le stick d' extension correspondant, comme ça, mais elle ne l'avait jamais vu. Le fait est que je le faisais de cette façon parce que nous utilisions un micro unidirectionnel Par conséquent, je tenais le micro du bas vers le haut de cette façon pour pointer du doigt la bouche du personnage. La voix était correctement enregistrée. À ce moment-là, je le savais parce que j'avais de l'expérience avec les microphones, parce que j'avais travaillé avec eux toute ma vie, non seulement dans des studios de tournage mais aussi dans des studios d'enregistrement musical, où j'ai vu comment l'ingénieur du son les utilisait pour enregistrer le son du tambour. Par exemple, lorsque vous comptez y enregistrer une batterie, vous devez placer les microphones dans différentes positions pour capter le son de chaque partie de la batterie. Dans le cas des symboles du tambour, vous devez les positionner en haut car ils sont en haut. Quoi qu'il en soit, pendant le tournage, je positionnais ce micro unidirectionnel vers la bouche du personnage, dans cette position de bas en haut Mais la réalisatrice s'est sentie complètement confuse car elle avait seulement vu sur les photos des tournages que l'assistante du son avait mis le micro d'un robot Cela lui a posé un gros problème car elle m'a forcée à changer position juste pour qu'elle se sente en sécurité sur la photo que vous voyez. En ce moment, l'assistant audio utilise un microphone omnidirectionnel signifie que ce microphone a la capacité de capturer généralement le son de l'espace tridimensionnel devant vous. C'est le seul moyen de placer ce type de microphone le plus près possible des visages et de ne pas apparaître dans le cadre. Mais le réalisateur ne l'a pas remarqué. Elle a commis l'erreur de me donner de mauvaises instructions. Le son a été ou a été enregistré manière inappropriée en raison du manque de connaissances à ce sujet C'est pourquoi j'insiste sur le fait qu'il vaut mieux enquêter, être curieux de connaître chaque département afin de prendre les bonnes décisions pendant le tournage, toutes les étapes du projet de film. Mais nous allons voir tout cela afin que vous puissiez tracer la voie à suivre dans cette belle carrière de réalisateurs et de pouvoir réaliser n'importe quel type de projet cinématographique. Je te vois dans la prochaine leçon. 9. Prises de vue et objectifs: Les types de prises de vue et l'utilisation d'objectifs. Ce sujet est vraiment intéressant car il commence par une excellente question. Une question que je me pose toujours car c'est un doute permanent lorsqu'il s'agit de tirer. C'est le réalisateur qui choisit les types d'objectifs et de décors, ou le directeur de la photographie ou le directeur de la photographie, si c'est le réalisateur qui est chargé du cadrage, en particulier du cadrage qui permettra d' équilibrer l'image Pourquoi le directeur de la photographie est-il entièrement reconnu pour la réalisation de la Il est évident que le directeur de la photographie ou le directeur de la photographie a la responsabilité d'assurer le cadrage final d'un plan, mais les idées pour ces plans viennent du réalisateur du La tâche principale du directeur de la photographie est l'éclairage du Mais dans tous les cas, ce qui nous intéresse dans cette leçon, c'est de savoir quels sont les aspects formels que les plans doivent avoir pour être bien créés et réalisés de manière professionnelle. Il est important de savoir que cette leçon ne sera pas la seule à aborder les éléments des plans dans les leçons sur les mouvements de caméra et les mouvements au sein des prises de vue. Nous allons également parler de choses concernant l'équilibre et les éléments de la composition, ainsi que des éléments sémiotiques qui aident à raconter les histoires Je vous invite à toujours essayer sentir libre et ouvert à l'expérimentation, à enfreindre les règles et à essayer développer votre mauvaise façon de faire les choses. Commençons par un long plan. Le but de ce plan est de présenter le personnage dans son contexte. Afin d'identifier ce personnage dans un espace géographique spécifique. N'oubliez pas que cet espace peut nous dire des choses. Dans ce type de prises de vue, il est essentiel d'utiliser le concept du sol figuré, car il y aura couches stériles qui nous fourniront des informations sur l'histoire et sur ce type de prises de vue. Il y a aussi le cliché extrêmement blanc qui est une version plus éloignée. En général, selon les règles, on laisse suffisamment de temps à ce type de prises de vue lors du montage, lors du montage final, pour qu'elles puissent être lues correctement en détail à l'écran, car les détails seront visibles dans une plus petite taille. De plus, il se peut que deux ou trois phrases de notre scénario soient représentées sur un seul plan blanc. Par conséquent, le spectateur doit disposer de suffisamment de temps pour lire correctement l'image. Un autre cliché important est le plan complet. Son objectif est de mettre davantage l'accent sur le personnage qui fait bouger son corps, qu'il s'agisse de se battre , de préparer une valise ou de marcher dans la rue L'arrière-plan est également important dans ces prises de vue pour savoir où se déroule cette action. Ce personnage peut être un animal, une voiture, une personne, peu importe. Faire une action en chantant, c'est tout. Contrairement aux plans précédents, notre personnage occupe beaucoup de place dans le cadre. Ce cliché est également important pour décrire les rencontres entre les personnes au cours d'une conversation Par exemple, une conversation d'un point de vue général. En général, lors du montage après un excellent plan général, nous passons généralement aux plans aimables. Cependant, ce n'est pas du tout une règle, mais c'est un bon moyen pour le spectateur lire de manière fraîche et confortable les séquences et les images qui représentent notre scénario. Ces prises de vue sont généralement très saisissantes, surtout lorsque nous jouons avec des éléments de perspective qui nous permettent de sentir la profondeur d'un grand espace avec différents éléments au loin. Le suivant est The Cowboy Shot, qui a été conçu pour les films de cowboys, les westerns, afin de montrer les C'est là que le tir est susceptible de passer légèrement au-dessus des genoux. C'est une prise de vue à moyen terme, mais de plus près. Ici, nous pouvons voir un exemple. Notre personnage est assez proche et nous pouvons voir l'expression à travers son visage et son corps. Ce n'est évidemment pas quelque chose d' exclusif aux films de cow-boys. amusant à propos de ce cliché est qu'il a été inventé pour des cowboys immobiles attendant de tirer De nos jours, ces prises de vue sont presque toujours associées à des mouvements où l'homme approche ou s' éloigne du personnage. La prochaine est la prise de vue moyenne. Sur cette photo, nous allons voir le personnage beaucoup plus près de la tête des hanches. C'est très similaire au cliché du cow-boy. En fait, certains réalisateurs l'utilisent pour les mêmes types de scènes. Conversations par exemple. Mais il est beaucoup plus courant de voir le cliché médian dans les conversations que des photos de cow-boy C'est un cliché expressif. Son objectif est de voir l'expression du personnage, bien qu'il ne soit pas centré sur le visage suit la liste, il existe également le plan rapproché moyen qui est un peu plus proche. Le choix de ces plans sur scène dépendra, dans l'ensemble, l'importance de l'attention accordée à quelque chose par un personnage dans la scène. Par exemple, lorsqu'un personnage écoute attentivement le discours de quelqu'un. Ce sens, il y a aussi le gros plan, qui est le point d'attention maximal d'un personnage. Le contexte perd toute son importance. C'est généralement flou parce que nous nous concentrons uniquement sur la phase qui consiste à s' occuper de quelque chose. Cette phase peut consister à contempler un objet en détail, bien sûr, à une conversation importante ou à un échange de regards Ces plans doivent être éclairés très soigneusement car nous travaillons sur les instruments les plus précieux pour l'acte. Le rythme auquel l'éclairage peut nuire à l'expression de l'acteur doit être très prudent et l'éclairage adapté aux traits de l'acteur, par exemple. D'autre part, il y a aussi le gros plan, qui se concentre uniquement sur les yeux pour montrer encore plus d'attention. Ce cliché peut également être utilisé pour des objets, par exemple, ou pour des objets contemplés par quelqu'un dans les moindres détails. Les éléments importants de l'histoire qui doivent être détaillés. En raison de leur importance, il est important de tenir compte du fait que lorsque, par exemple, nous devons lire quelque chose d'écrit pour comprendre l'histoire, un plan doit être suffisamment proche et suffisamment long pour pouvoir lire correctement les informations , sans aucun doute. Je veux dire, pour ne pas en arriver à un point de l'histoire où nous aurions dû savoir que la lecture de ces informations, informations antérieures étaient certainement essentielles pour comprendre le fond de l'histoire. Tous ces plans sont choisis pour le réalisateur. En fait, de nombreux réalisateurs réalisent une œuvre narrative à partir de dessins référentiels du type de plan qui sera filmé Un autre aspect important est de savoir sous quel angle et à quel endroit la caméra sera placée. C'est le point de vue du cliché. Le premier type de prise de vue en ce qui concerne l'angle est la prise de vue même. Une prise de vue aérienne est prise de très haut, regardant le personnage vers le bas et une bonne dose d'essence l'entoure ou l'entoure ici Vous pouvez également combiner cet angle avec les prises de vue précédentes. Je veux dire qu'ils peuvent être proches ou éloignés. N'oubliez pas que l' ensemble des prises de vue précédentes avait trait à l'équilibre et à la forme du cadre. Mais c'est une question d'angle. La créativité que vous pouvez avoir vous aidera à obtenir de meilleurs résultats. Ces deux caractéristiques seront toujours présentes dans tous nos plans, et elles représenteront pratiquement la calligraphie visuelle que vous utiliserez pour représenter l'histoire du scénario La suivante est la prise de vue en grand angle. La caméra pointe votre personnage vers le bas. Cela crée généralement un sentiment d' infériorité ou un mépris pour votre sujet Voici un exemple de prise de vue en grand angle tirée d'un de mes courts métrages. Vous devez tenir compte du fait que vous pouvez également utiliser différents types de cadrage C'est-à-dire que la prise de vue peut être plus proche ou plus éloignée, même avec ce type d'angle. Cet angle est très courant lorsque nous voulons dépeindre votre personnage dans ses capacités chères Vous pouvez également l'utiliser pour décrire des moments intimes où le personnage est isolé sans soucier de ce qui l' entoure ou de ce qui se passe ici Ce qui suit est le plan en bas angle tourné en cinématographie. Une prise de vue à faible angle est une prise de vue positionnée n'importe où en dessous de la ligne des yeux pointant vers le haut Il peut même se trouver sous les pieds du personnage, ce que l'on appelle la prise de vue en angle extrêmement bas, de la même manière que vous l'avez vue avec les angles précédents. Il peut s'agir d'une prise de vue rapprochée en faible angle ou d'une prise de vue en faible angle à distance. Cela dépendra toujours de ce que vous voulez représenter dans le cadre. Je pense qu'une référence de base pour effectuer des prises de vue à la fois en haut et en bas angle est de prendre en compte le niveau de votre horizon, si vos yeux sont au-dessus, c'est le plan en grand angle. S'ils sont en dessous, il s'agit d'une prise de vue en faible angle. De ce point de vue, c'est assez simple. Il n'y a aucun degré d'angle spécifique que vous devez avoir. N'hésitez pas à laisser libre cours à votre créativité. Mais en règle générale, il s'agit généralement d'un angle de 45 degrés, peut-être un peu plus ou un peu moins, quel que soit l'angle, condition que le spectateur ne se sente pas mal à l'aise en regardant l'image. Le prochain de la liste est le cliché par-dessus l'épaule, un cliché populaire où un personnage est capturé derrière l'épaule d'un autre personnage. Vous pouvez capturer les personnages n'importe où pour un gros plan, par exemple, où vous pouvez voir l'épaule, le cou ou l'arrière de la tête de l'autre personnage. Vous savez que ces types de photos sont utiles pour montrer la réaction du visage pendant les conversations. Il a tendance à mettre davantage l' accent sur la connexion entre deux haut-parleurs. Ces plans sont les classiques de la conversation, en particulier lorsque nous voulons que le spectateur ait l'impression d'être la personne qui écoute l'autre personnage de la scène. Mais le plus intéressant à propos de ce type cliché, c'est qu'il peut également être combiné avec un plan entier. Par exemple, lorsque nous voyons l'autre caractère au loin, un caractère au loin. Mais nous voyons le contour du dos d'un autre personnage qui contemple ce personnage au loin Vous pouvez jouer avec toutes les images possibles, de près comme de loin. Dès que vous représentez l'interaction entre deux personnages. Il y a aussi la prise de vue arrière, il s'agit simplement du repositionnement de la caméra, ajouter juste derrière notre personnage Il est généralement utilisé pour voir le point de vue du personnage, mais en incluant le personnage dans le cadre. Comme vous pouvez le voir dans les exemples à l'écran, je l'ai utilisé à plusieurs reprises dans ma cinématographie, ce qui m'a permis de montrer l' intégralité et Ari devant le personnage Ces plans sont conçus pour être des témoins et des protagonistes aux côtés du personnage qui contemple un lieu Mais il peut aussi s'agir d'un personnage face à quelque chose de bien plus grand que lui. Un défi. Par exemple, la prise de vue de cadrage du profil. Cela nous permet de voir le personnage d'un seul côté. Il est généralement utilisé pour voir le personnage lors d'un moment de contemplation. Par exemple, dans ce plan, le personnage regarde la fille morte sur le rocher. Mais avec beaucoup d' attention, le plan néerlandais, le plan néerlandais est simplement un plan incliné qui a généralement pour but de créer un déséquilibre dans la représentation des scènes d'action Mais la vérité est que ce n' est pas toujours le cas. Parfois, les réalisateurs ne l'utilisent qu'à des fins esthétiques. C'est-à-dire pour donner une touche différente à la cinématographie du Dans les années 80 et 90, il était très courant d'utiliser ce plan pour améliorer l'esthétique des scènes et des séquences, donner une touche sophistiquée à la N'oubliez pas que parmi les spécialistes du cinéma, des spéculations surgissent parfois sur le langage cinématographique C'est d'ailleurs l'un des principaux défauts du cinéma indépendant. Je veux dire, parfois ils essaient d'embellir les scènes et tourner avec des concepts artistiques qui ne sont pas réels dans le film Ils ont tendance à spéculer sur ce cliché. Cela arrive souvent, nous devons donc être très prudents lorsque nous l' et ne pas essayer de nous tromper et de tromper les autres avec cela Cependant, je vous invite à l'utiliser librement, mais surtout la prise de vue frontale, qui serait la façon dont vous me voyez en ce moment, totalement frontale. Je vais vous montrer quelques exemples de tous ces clichés pour les regarder pendant quelques secondes. Mais quelle est l'importance des objectifs de cinéma dans la construction d'une image cinématographique ? Qu'est-ce qu'ils sont si importants ? La plupart d'entre vous qui regardez ce cours sont des personnes qui souhaitent découvrir ce qui commence dans le monde audiovisuel de mon point de vue. L'une des choses les plus importantes vous puissiez apprendre dans ce cours, que vous puissiez apprendre dans ce cours, même s'il vous servira d'outil dans votre carrière cinématographique, est de savoir que tous les objectifs de cinéma déforment l'image Tous transformeront à 90% l'image que nous essayons de capturer avec l'appareil photo. L'objectif est un appareil. Il s'agit d'un verre qui interprétera la lumière qui le traverse pour projeter une image sur le capteur numérique de l'appareil photo. Mais pourquoi les objectifs si importants pour le réalisateur ? Parce que le type d'objectifs sera choisi par le réalisateur. Le directeur de la photographie peut également suggérer pompes et même prendre une décision Mais c'est le réalisateur qui doit avoir le dernier mot. Autre détail important, j'ai rencontré nombreux créateurs de vidéos qui ne savent pas vraiment ce qui donne une belle apparence à une image. Je vous dis cela parce que je ne peux pas imaginer que beaucoup d'entre vous envisagent d' investir dans du matériel audio diesel, par exemple. Par conséquent, vous allez essayer de choisir l'équipement à acheter pour obtenir la meilleure qualité au moindre coût possible. Je peux vous dire avec certitude que ce qui rend l'image belle, c'est l'objectif. En fait, vous pouvez utiliser un appareil photo d'il y a dix ans, mais si cet appareil est équipé d'un objectif totalement professionnel, et quand je dis professionnel, je veux dire peut-être 100 000$ pour acheter des objectifs Je vous assure que l'image que vous devriez avoir sera parfaite. Je peux te dire ça ? Au cas où vous auriez un objectif pour réaliser votre projet de film ? Vous avez un buc jet qui accorde plus d'attention à l' objectif qu'à l'appareil photo Bien entendu, il ne suffit pas d'avoir des objectifs incroyables. Vous devez savoir comment les utiliser et comment les utiliser correctement. Pour y parvenir, nous devons apprendre le langage de la perception dans l'espace et dans la peinture. La peinture réaliste est une grande source d' inspiration et d'apprentissage, car ces personnes n'avaient d'autre outil que de s'asseoir et observer attentivement comment l'image est déformée dans la vision humaine lorsque nous nous approchons des objets et que nous nous en éloignons. Par exemple, si vous voulez faire une belle photo générale d'un paysage linéaire, par exemple. Vous pouvez le faire avec n'importe quel objectif, mais vous devez être conscient de ce que vous pourrez capturer à partir de ce paysage linéaire avec chacun de ces objectifs. Par exemple, vous pouvez utiliser un objectif de 16 millimètres. L'objectif va comprimer l'image de sorte que même si la distance entre l' appareil photo et l'espace que vous souhaitez représenter n' est pas si longue, l'appareil photo pourra capturer un espace très large Mais cet objectif de 16 millimètres doit déformer l'image pour y parvenir Par conséquent, cela aurait une apparence différente. Mais d'un autre côté, si nous utilisons un objectif de 120 millimètres, si nous voulons capturer le même paysage, nous devons nous éloigner suffisamment pour intégrer tout le paysage dans le cadre Parce que l'objectif ne déformera pas le paysage pour l' adapter au cadre. En conclusion, nous aurions deux paysages avec les mêmes détails à l'intérieur du cadre mais avec un aspect complètement différent. Tous ces détails sont censés être pris en compte lorsqu'il s'agit d' utiliser des objectifs, car dans la mesure où nous déformons l'image à des fins esthétiques pour générer une belle sensation de perspective dans les prises de vue, nous aurons un film plus beau visuellement Et changez même le sens des images, le sens du sens. D'autre part, les Lensens auront également à voir avec notre casting, car selon les traits du visage d'un acteur, un objectif sera plus ou moins approprié pour cette personne Et il faut respecter une certaine distance entre la caméra et l'acteur afin de ne pas dénaturer l'apparence de l' acteur en termes de musculation ou de traits faciaux de l'actrice Par exemple, certains réalisateurs essaient parfois de trouver acteurs principaux ayant une trace similaire pour le même film , ce qui n'est pas du tout une solution car vous pourriez travailler différemment sur les plans des acteurs principaux. Et cela arrive généralement à des professionnels de grande qualité. Les cinéastes sont ceux qui font répit, Ils ne nuisent pas à la beauté du modèle de l'acteur. En outre, ils s'efforcent de jouer avec tous les éléments de la composition. Mais ils ne se limitent pas à rapprocher la caméra de la phase de l'acteur pour générer la sensation. Le problème tient en grande partie au fait que déformer la phase d'un acteur est un signe visuel et que nous ne pouvons pas le faire de manière aussi aléatoire Par exemple, in every two in the Remnant déforme la phase de Capris pour approfondir la dimension psychologique du personnage C'est un parfait exemple de ce que je suis en train de vous dire. Je parle de pierre d'une manière délibérée et réfléchie. C'est un personnage qui contemple tout ce qui l' entoure depuis sa folie C'est un film dont le ton lui-même parle du lien entre l'être humain et son environnement. Parfois, les réalisateurs snovides utilisent des objectifs pour déformer l'image de manière aléatoire et impensable, afin de se vanter d'être capables de le afin de se vanter d'être capables Mais le choix de l'objectif n'a aucune signification cinématographique objectif n'a aucune signification C'est terrible, car une sélection aléatoire d'objectifs, uniquement à des fins d'expérimentation, par exemple, peut contredire le message qui sous-tend le scénario La réalisation de films est basée sur le scénario et l'utilisation du. C'est un outil de plus pour tirer le meilleur parti de l'histoire et remplir le spectateur d'émotions et de sensations. N'oubliez pas que l'un des problèmes les plus fréquents cinéma est le processus de communication entre l'auteur et le public Notre priorité doit être que chaque processus de communication soit suffisamment clair , ou du moins qu'il soit clair, afin nous permettre de saisir les moindres détails des deux objets et de les transmettre. D'autre part, les objectifs millimétriques sont les objectifs les plus similaires à vision humaine car ils ne déforment pas trop l' image. Nous pouvons jouer avec la gamme complète d' objectifs pour capturer plus ou moins de détails. D'autre part, les objectifs millimétriques inférieurs se concentrent sur la capture de plus d'espace Malgré la distance de l' appareil photo par rapport à cet espace, vous pouvez avoir ces deux options pour capturer plus d'espace ou capturer des détails N'hésitez pas à jouer avec ça. Je vous ai montré un exemple à visage humain. L'image d'un homme représentée avec différents objectifs, jouant de 60 millimètres à 135 millimètres. Arrêtez la leçon si vous souhaitez et observez chaque changement, car cela change vraiment l'apparence de ce type. Il y a une autre chose importante à vous dire, en particulier les objectifs de faible millimètre sont beaucoup plus chers que les objectifs de plus haut niveau. Je ne sais pas exactement pourquoi. Mais je suppose que cette capacité à capturer une grande quantité d'espace, même si l'appareil photo est proche d'un espace, implique que l'objectif possède une classe au design plus compliqué. Je vous le recommande vivement au début, lorsque vous ne pouvez pas vous permettre un bon objectif de faible millimètre Essayez de réaliser vos films, courts métrages ou autres, avec des films au millimètre près Parce que, par exemple, en utilisant un objectif de 24 millimètres de faible qualité, nous pouvons révéler le faible budget de notre projet de film Un autre détail important est que les objectifs avec une plus grande ouverture laissent entrer plus de lumière dans le capteur. Par conséquent, l'image sera bien meilleure. En fait, le problème avec les objectifs de faible millimètre est qu' il est plus coûteux d'avoir une ouverture plus grande Et je pense que c'est la raison pour laquelle les objectifs de faible millimètre sont plus chers que les autres Le problème, c'est qu'en tant que créateurs, nous sommes toujours motivés à déformer l'image, car il est évident que les meilleurs cinéastes le font Mais il ne faut pas oublier que le cinéma coûte très cher et que même dans de nombreux films qui semblent indépendants dans un objet Lob, ils utilisent des objectifs très coûteux même des prises de vue à main levée, il fallait faire très attention à Un autre facteur important lié aux lentilles est le temps nécessaire pour changer les lentilles. En ce qui concerne les prises de vue, je veux dire, le temps que les assistants de caméra mettront à passer d' un objectif à l'autre est un temps précieux pendant le tournage Vous devriez donc essayer autant que possible d'organiser vos prises de vue en fonction de cela possible d'organiser vos prises de vue en fonction de Je veux dire, il est parfois plus facile de changer d'appareil photo d'un endroit à un autre que de changer d'objectif car les objectifs sont extrêmement délicats, ils doivent être traités avec soin. De plus, chaque objectif nécessite des réglages de fragmentation de l' appareil photo différents Il est important de savoir qu'aujourd'hui la résolution des caméras présente un grand avantage, et je vais vous donner un exemple. Supposons que vous deviez photographier le péché au coucher du soleil. Il ne vous reste que 30 minutes pour terminer. Dans cette scène, il y aura également une conversation, une conversation avec le roi. Vous n'avez pas eu le temps de changer d'objectif pour enregistrer tous les clichés dont vous avez besoin. Par exemple, vous devez créer deux plans longs incluant les deux personnages et plusieurs gros plans du visage du personnage. En parlant, si votre appareil photo enregistre en quatre touches, il existe un moyen de tout filmer sans perdre de temps. Si vous utilisez, par exemple, un objectif de 50 millimètres et que vous positionnez l'appareil photo suffisamment loin pour capturer les deux personnages au loin, vous avez déjà la photo blanche, mais comme vous avez enregistré en quatre touches, vous pouvez recadrer le cadre plus tard dans le processus de montage pour ne prendre que le visage du personnage Et croyez-moi, vous obtiendrez un résultat assez similaire à celui d'un objectif de 80 millimeaux ou plus Mais même si écouter attentivement n'est pas exactement la même chose, il est important de mettre l'accent sur il est important de mettre l'accent sur l'utilisation d' un steadicam ou de mentir et d'un objectif en voyage Lorsqu'il s'agit d'utiliser un objectif milliméal élevé, le mouvement vers l'avant et vers l'arrière de la prise de vue est plus difficile à remarquer, car l'objectif est intégré à l'image Cependant, le mouvement latéral sera plus évident non seulement dans cela, mais aussi dans le tremblement de la caméra dû au frottement sur le rail, par exemple en raison du mouvement du système de caméra. Tout cela sera beaucoup plus visible avec un objectif millimétrique plus élevé Essayez de voir du bon cinéma pour avoir une bonne référence à suivre lorsqu'il s'agit d'utiliser des objectifs de cinéma comme Quentin Tarantino, James Cameron ou Good Enough Mais Tarkowski, le cinéaste russe, a également été incroyablement bon à cet égard Il a fait de ses films un héritage d' apprentissage visuel pour les générations futures de cinéastes Prenez tout cela en compte, mettez tout cela en pratique, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 10. Mouvements de caméra: Le mouvement de la caméra. Qu'est-ce qui est le plus important dans cette leçon ? Cela n'aurait aucun sens de gaspiller cette leçon à vous apprendre ce qu'est une poupée dedans ou tout à fait , ou un voyage ou un voyage. Je pense que c'est quelque chose que vous pouvez également trouver sur vous, dans n'importe quel tutoriel. N'importe quel tutoriel vous les expliquera facilement. Cela ne vaut pas la peine de perdre cette leçon là-dessus, en gros, car les noms de tous ces mouvements expliquent la direction dans laquelle la caméra va se déplacer, soit sur le statique , sur le rail ou sur un autre. Même si ce mouvement est effectué par un drone, il fonctionne de la même manière. autre côté, il y a des spécialistes du cinéma à l'ancienne qui s'en tiennent à de fausses théories sur les mouvements de caméra, peu comme ce que je vous ai expliqué à propos du cliché néerlandais. Et ils associent les mouvements de caméra et les voyages à certaines émotions présentes dans les scènes. Cela n'a aucun sens car le cinéma a fait évoluer les plans. Je veux dire, il y a des plans qui étaient initialement utilisés pour des films sur commande et qui sont aujourd'hui utilisés pour des comédies. Parce que la langue change, elle évolue. C'est donc comme si je vous disais que les peintures sur l'amour doivent toujours être lues ou dans un format précis. Ça ne marche pas comme ça. Le cinéma, c'est l'évolution. Arquaron en est la preuve. Le seul mouvement qui, selon moi , est toujours utilisé de la même manière et qui peut vous être utile est qui représente l' intérêt et la pensée. Lorsqu'un personnage regarde un objet ou regarde quelqu'un d'autre d'une manière réfléchie, la caméra se dirige généralement lentement vers le visage du personnage ou lentement vers l'objet. Sur l'écran, vous pouvez voir plusieurs exemples sorties du Tic. Dites-moi quand, quand est-ce que c'est parti ? Ça ne marche pas. Le V, le seul moyen de voir comment utiliser le reste des mouvements de déplacement est de regarder de nombreux films. Pour que vous puissiez voir comment la caméra bouge aujourd'hui, comment se comporte le langage aujourd'hui. Mais surtout, vous ne perdez pas l'envie d'expérimenter. En fait, la leçon de tir est beaucoup plus précieuse dans ce sens. Compte tenu de tous ces éléments, le plus important en termes de déplacement de la caméra, quel que soit le type d'appareil que vous utilisez , est l'ancre cinématographique, car c'est l' erreur la plus courante lors des prises de vue De nombreux caméramans et cinéastes oublient la qualité des prises de vue et de la composition lors du déplacement de la La principale caractéristique d' un bon voyage est qu'il permet la séquence de mouvements de rester aussi équilibrée que possible sur le plan esthétique pendant le voyage Pour y parvenir, nous avons besoin de l'ancre cinématographique. En gros, cela consiste à établir des points de repère pendant le voyage, pendant le trajet que devra suivre notre appareil photo afin de préserver l'équilibre de l'image et la qualité de l' image pendant le voyage. Le cadrage créé par le caméraman doit reposer sur ces points de guidage pour propulser le mouvement vers le point de déplacement suivant Ces points d'ancrage nous permettent d'avoir une carte de l'origine de nos déplacements en prises de vue continues. C'est indispensable car en termes de production, l'utilisation d'une caméra fixe nécessite différents opérateurs et assistants pour garantir le bon déroulement des scènes. D'autre part, nous devons étudier la nature de la surface sur laquelle nous allons marcher et nous allons tracer cet itinéraire. Je veux dire, les voyages ont deux objectifs principaux. Tout d'abord, il se passe de donner au spectateur le sentiment d'être présent sur le lieu de la scène. Et aussi, dans de nombreux cas, pour représenter le point de vue du personnage comme si nous étions le personnage lui-même. Quel que soit l'objectif sémiotique, nous devons comprendre que le plus important est faire techniquement afin que vous puissiez l'utiliser à tout moment Le point d'ancrage est une sorte de constellation, une constellation composée d' un ensemble d'étoiles qui forment une forme plus grande. Par exemple, la constellation d' Orient est composée de points qui forment la forme entière. Mais cette constellation peut avoir n'importe quelle forme. Un cheval, un ours, par exemple, n'importe quoi. Essayons d'imaginer la trajectoire de la caméra comme les lignes de la constellation. Les voyages fonctionnent de la même manière. Ce dont nous avons besoin, c'est de localiser les points sur la trajectoire que la caméra va suivre afin que le cadrage de ces points soit parfait en termes d'équilibre, de forme et de profondeur Je veux dire que les termes de qualité d'image et d'esthétique doivent également être parfaits. De toute évidence, l'idée principale est que l'appareil photo puisse être équilibré dans l'ensemble, tout au long du trajet. Mais en fonction du voyage, cela ne sera pas toujours possible. Parce que dans le cas d'un type de déplacement vers l' avant et vers l'arrière, le mouvement est plus facile. Mais dans le cas d'un déplacement irrégulier, lorsque la came stable signifie se déplacer irrégulièrement dans un lieu, c'est beaucoup plus difficile En ce sens, nous devons toujours souvenir du règne de la Terre. Cette règle propose qu' une image ait un équilibre basé sur la vision binoculaire des êtres humains Means est une théorie analysée scientifiquement qui a prouvé comment la vue humaine concentre son intérêt pour la perception sur les quatre points de rencontre qui divisent l'image vous regardez en ce moment. Cela se produit parce que le cerveau se concentre sur un œil tandis que l'autre complète la vision. Selon cette technique, l'alignement d'un sujet ces points crée plus de tension, d'énergie et d'intérêt pour la composition que le simple fait de centrer le sujet au milieu de l'image Cette règle théorique devrait être utilisée non seulement pour les déplacements avec la caméra, mais également pour les prises de vue en acier. Cela fait partie de la composition. C'est quelque chose d' important à prendre en compte pour les réalisateurs et les cinéastes Je vais vous donner un exemple d'ancrage cinématographique et de prise de vue en continu que nous avons réalisée dans l'une de mes œuvres Le personnage joue derrière une pierre puis continue de marcher jusqu'à ce qu'il trouve son père mort. Je veux savoir ce que cela signifie . Avez-vous remarqué, avez-vous remarqué qu'en ce moment le personnage est derrière la pierre sur le point de se lever ? Il y a une ancre cinématographique parfaitement créée. Le personnage se lève et commence à marcher, et immédiatement la caméra se lève avec lui. Le plan se poursuit dans un plan américain, le cliché de cowboy encadrant l'ancre cinématographique est également présent pendant la promenade et il est en train de voir La caméra se déplace évidemment vers l'arrière, mais il existe également un mouvement de haut en bas qui s'adapte à la position du personnage Mais vous pouvez remarquer que pendant le voyage, cette règle essentielle du troisième est toujours respectée afin que le spectateur éprouve du plaisir à regarder l'intégralité de la séquence. Il faut également jouer avec les éléments qui vont se déplacer dans la séquence. Qu'ils s'adaptent d'une manière ou d' une autre à l' esthétique de l'image. C'est-à-dire que malgré la liberté que peut avoir l'acteur sur les scènes, il doit y avoir une sorte de chorégraphie qui nous permette de respecter l'équilibre des cadres Voici un autre exemple où le soldat marche au milieu du corps. La séquence est également équilibrée tout au long du voyage. Au moment où les cadavres sont vus au sol, la qualité cinématographique Il est important de se rappeler que l'ancre cinématographique doit également être utilisée avec des drones à de nombreuses reprises. Il est important de noter qu' en fonction de l'origine du vol, il sera plus facile de maintenir la qualité, mais que d'autres fois, cela sera plus difficile en raison de la nature du vol et du vent. Dans cette séquence prise avec la fixe que vous regardez en ce moment, l'appareil photo se déplace vers le viseur, mais il y a des moments où l'appareil photo repose fixement Dans ces moments-là, nous devons essayer de respecter l'équilibre du cadre. Voici un autre exemple un cliché à l'équilibre parfait suivi un autre sinus esthétique parcourant tous les arbres à l'œil nu. L'ensemble du mouvement semble très doux et délicat, mais en réalité, il présente une grande difficulté en raison de la nature du terrain sur lequel travaillent les cadreurs et les directeurs de la photographie. La vérité est que même dans des conditions parfaites, les caméramans et le directeur de la photographie ne sont pas toujours en mesure respecter l'esthétique du voyage. Cela est essentiel pour ajouter une excellente qualité cinématographique au film ou à tout projet visuel Audi Il existe aujourd'hui des outils automatisés pour ce faire. Les sociétés de production itinérantes dépensent beaucoup d'argent pour que leurs séquences soient filmées à la perfection, car cette perfection procure plus grand plaisir visuel au spectateur. D'autre part, il faut se rappeler que imperfection est aussi un langage Parfois, un tir régulier et continu peut légèrement trembler, mais cela nous donne l'impression d'être aux côtés du personnage qui vit quelque chose de stressant, comme dans le cas d'une bataille ou d'une poursuite, par exemple. Ce mouvement imparfait de la caméra a une certaine signification pour le spectateur Nous devons également apprendre à nous en servir. En règle générale, la caméra est le point de vue du spectateur. Si vous aviez vu The Revenant, où il n'y a pratiquement aucune coupure. Toutes ces prises de vue en continu sont réalisées pour nous faire sentir témoins de l'histoire. C'est la puissance cinématographique des longues prises et des séquences continues Essayez de répéter et de vous entraîner beaucoup afin développer la capacité de déplacer la caméra dans n'importe quel espace Comme je vous l'ai déjà dit, les mouvements sont aussi nombreux que vous le souhaitez dans la direction que vous souhaitez. Le plus important est la qualité, la violence, l'esthétique visuelle de cette émotion que peuvent avoir vos photos. Je te vois dans la prochaine leçon. 11. Mouvement dans la prise de vue: Bonjour tout le monde. Dans une leçon précédente, je vous ai parlé du mouvement qui devrait se produire dans les plans, même si les actions qui se sont produites entre les personnages ne sont pas en mouvement. Évidemment, cela est également subjectif car parfois l'absence de mouvement à l'intérieur d'un cadre est justifiée. Quoi qu'il en soit, je vous ai déjà parlé l'approche selon laquelle l'image devait avoir un certain mouvement pour capter l'attention du spectateur. Je vais vous montrer un exemple de scène d' un court métrage que j'ai réalisé auparavant, même si ce court métrage était en fait mon premier court métrage, évidemment plein d'imperfections dues à mon inexpérience Mais il y avait de bonnes choses là-dedans. Et l'une de ces choses était l'ASN en particulier, où le personnage principal, un soldat, rencontre son amant qui est en train de mourir au bord d'une rivière Et cette rivière continue de couler en arrière-plan. Parfois, ce genre de choses se produit sans aucune planification et pendant les tournages. Et je dois avouer que c'est quelque chose qui est apparu à ce moment-là pour la simple raison que nous avons pensé que le cadre semblait préférable d' avoir cette rivière derrière Mais ce que nous ignorions à ce moment-là, c'est que inconsciemment, notre esprit a découvert cette image avec la rivière qui coulait derrière Je suis plus attiré par le principe de Kurosawa. Regardons la scène alors. Masa Masada s'est rendu compte de ce que j' essayais de t'expliquer Bien qu'il y ait du mouvement dans les personnages, eh bien, parce que le soldat bouge fort. Malgré cela, il n'y a mouvement dans le cadre mais en arrière-plan, l'eau coule toujours. Kurosawa l'a beaucoup fait, en particulier sur le plateau de tournage et au soleil, en tenant compte lors du développement des Essayez de le faire à partir du scénario même. Le scénario dégage un sens cinématographique qui peut être mieux représenté par le réalisateur Et cela peut être des objets qui bougent en arrière-plan, des voitures ou les vagues de la mer, par exemple. Mais essayez d'expérimenter cela, avec l'image de votre propre travail. Quel que soit le type de projet. Il peut également s'agir d'une publicité. Mais cet outil cinématographique a été d'une grande valeur dans l'histoire du cinéma jusqu'à aujourd'hui Ces décisions sont également évidemment liées à la composition de l'ère Shot Us. Quand il n'y avait pas d'outils aussi sophistiqués pour les voyages au cinéma, c'était utile. déplacement de la caméra contribue également à générer cette sensation chez le spectateur. Mais comme nous n'aurons pas toujours ce genre d'outils, nous devons apprendre à travailler sans eux afin d'être plus créatifs et artistiques sans un gros objet. Je vous verrai lors de la prochaine leçon. 12. Vision créative: Réalisation cinématographique et vision créative. C'est l'une des leçons les plus importantes de ce cours. de Dans mon école de cinéma, ils avaient l' habitude de nous donner un excellent conseil, à savoir qu' un bon réalisateur n'est pas seulement celui qui fait un bon film, mais aussi celui qui parvient à en faire un excellent avec un budget limité. Si vous êtes producteur ou réalisateur de films, dans la mesure où vous pouvez gérer ces petits moyens ou ce budget réduit de manière très créative Je veux dire que vous avez fait en sorte votre projet audiovisuel paraisse plus cher qu'il ne l'était réellement. D'une manière ou d'une autre, votre projet de film sera couronné de succès, vous vous démarquerez donc en tant que bon cinéaste. La vision créative ne concerne pas seulement le budget, mais aussi les efforts humains déployés par l' équipe de travail dans le projet de film. Je vais vous donner un exemple. Supposons que notre film contienne une scène de la fête dans un appartement, mais que cette scène soit représentée par un plan de 20 secondes. Je n'ai pas nécessairement besoin de produire une fête incroyable avec tous ses détails, augmentant ainsi le budget de mon projet de film. Vous pourriez parfaitement faire une petite partie de cette fête et capturer certains détails de la fête qui représentent vraiment le scénario. Et prenez ce temps précis en ajoutant des éléments sonores cinématographiques suffisamment puissants pour représenter cette fête sans créer explicitement tout le désordre dans un appartement À moins que cela ne soit vraiment nécessaire pour l'histoire, vous n'êtes pas obligé de créer toute la fête. Tout ce que nous ajoutons au scénario doit être lié pour pouvoir passer par toutes les étapes du projet. Cela va de l'idée initiale à la sortie du film. Dans cet ouvrage historique, ce court métrage historique que je vous ai montré pendant les leçons, plusieurs scènes fonctionnent selon ce principe. Toutes les scènes à l'intérieur de la maison en sont un exemple. Parce que la maison ne ressemble pas complètement à ça. La composition et la mise en page des plans ont été manière à donner l' impression qu'il s'agit d'une vieille maison du XVIIe siècle. Je n'avais pas besoin de recréer tous les détails de la maison à la perfection, car je n'allais pas utiliser tous ces détails Ce facteur est crucial pour être en mesure de mieux administrer le projet de film En revanche, nous ne pouvons pas prendre comme exemple les grandes productions hollywoodiennes pour réaliser un projet indépendant. Cela n'a aucun sens. Les conditions ne sont pas les mêmes. Peut-être qu'à Hollywood, ils pourraient se permettre de créer un village entier à côté la maison parce que cela serait peut-être nécessaire, comme dans le cas du Titanic, par exemple Je veux dire, de nombreux endroits construits sur le navire n' ont jamais été utilisés, mais c'est parce qu'ils n'en ont pas les moyens. Mais la plupart des lieux et lieux apparaissent dans le film. Je vous recommande vivement de toujours essayer d'économiser des efforts à cet égard. D'autre part, il existe un autre facteur important appelé minimalisme dans le même travail Dans de nombreuses scènes, nous voyons le même personnage marcher dans de magnifiques paysages. Par exemple, dans les scènes où le personnage se déplace dans le Valid, je n'ai pas eu besoin de construire un château pour que le spectateur ait l' impression d'être au 17e siècle. En créant simplement un excellent costume, vous pouvez fournir au public suffisamment d' informations sur l'époque de l'histoire. Ce que j'essaie de dire, c'est que moins c'est parfois plus. Parce que si nous ne voyons que deux personnages vêtus costumes incroyables dans une direction artistique incroyable, utilisant peu d'éléments, nous n'avons pas besoin d' embellir quoi que ce soit Tous ces éléments combinés magnifiques paysages de magnifiques paysages millénaires, là pour le reste totalement, nous pouvons utiliser ce principe avec tous les éléments du film. Avec tous les signifiants apprenant à choisir les décors dans lesquels les scènes seront filmées, par exemple De plus, il est important de devenir une sorte d'explorateur de scène. scoutisme est le processus par lequel nous allons rechercher les lieux où nous allons tourner notre film Au moment précis où l' avenir de votre projet est fixé, il ne faut pas sous-estimer cette tâche Le film Terminator en est un autre excellent exemple. Le premier, le premier, Terminator, le film a coûté environ 1 000 000$ On peut supposer qu'à cette époque, dans les années 80, 1 million de dollars, c' était Mais dans le contexte d'Hollywood à Los Angeles, où les films d'action coûtent entre 50 et 100 millions de dollars, James Cameron a fait une vraie différence Tout d' abord, c'est une belle histoire avec une narration extraordinaire Et deuxièmement, le minimalisme. Enfin, ce film est largement raconté à travers trois personnages. Le casting est magnifique. Arnold Schwarzenegger ressemble vraiment à un cyber, mais pas seulement, mais le squelette interne du cyberespace n'est visible que dans quelques scènes, et le squelette métallique est James Cameron a réalisé le cyber-design en dessinant de nombreuses œuvres d' et de croquis afin que art et de croquis afin que l'équipe de création artistique puisse le construire de la meilleure façon possible. Le reste du film est un film de street chase. Comme dans un autre film de cette époque où quelqu'un fuit le meurtrier. Mais je trouve que Terminator est incroyable. L'histoire sous-jacente reprend tous les éléments de l'histoire en utilisant seulement trois personnages, trois personnes seulement partageant une seule histoire, une seule nuit. Et c'est un film commercial extraordinaire, aussi profond que psychologique que l'impact de la technologie sur le destin de l'humanité James Cameron est un exemple extraordinaire car il écrit lui-même son scénario dans Terminator One Il l'a fait de telle sorte qu'il n'ait pas à ajouter trop de scènes du futur. Ce que cela signifierait d'augmenter ces jets d'un million de dollars. Une bonne stratégie à adopter est de savoir quels sont ces éléments présents dans notre environnement. Supposons que nous vivions près d'une plage où se trouvent les restes d'un naufrage Nous devons nous demander si je pourrais écrire une histoire à partir de ce paysage l' utiliser dans une, dans une histoire. Nous devons tirer parti de ces avantages. Peut-être que nous partirons en voyage dans un endroit intéressant où nous pourrons facilement nous rendre. Peut-être avons-nous réussi à connaître des endroits intéressants qui peuvent contribuer à notre histoire en tant que réalisateurs indépendants. Vous n'êtes donc pas censé commencer à écrire des idées avant de réfléchir à la manière de les photographier. Cela va être beaucoup plus difficile car vous aurez besoin de toute une équipe de production capable de le faire. Donc, en fin de compte, lorsque vous êtes réalisateur ou producteur indépendant, est vous qui devez faire les premiers pas de l'équipe de production du projet de production. C'est pourquoi la vision créative est si importante, car elle nous permet de concevoir des projets et des histoires ayant de réelles chances de se développer. D'autre part, la vision créative d'un réalisateur nous permet d' utiliser la métaphore pour donner du sens aux éléments de l'histoire, améliorant ainsi le langage poétique du film La poésie dans les films est très importante. Ne pensez pas que la poésie est réservée aux artistes et aux personnes profondes. Tous les êtres humains aiment la poésie. Les cinéastes sont des gens profonds. Si vous ne voyez peut-être pas autant de poésie à la télévision commerciale ou dans les films commerciaux, ce n'est pas parce que les créateurs superficiels n'aiment pas la poésie, mais parce qu'il faut beaucoup de temps pour créer de la poésie. Vous avez donc dû vous imprégner d'art. Il fallait s'asseoir sur une chaise et beaucoup réfléchir pour créer des idées poétiques. autre côté, la plupart des gens d'affaires, des producteurs d'entreprises , veulent des réponses rapides, même si ces réponses rapides coûtent très cher. Les réponses rapides sont plus faciles que de s'asseoir et d'écrire de la poésie. Ce sont des idées très poétiques qui peuvent représenter des actifs très coûteux. Parfois, le problème des films, c'est qu'ils sont très explicites, ils ne laissent rien à l'imagination. Le storytelling y est pour quelque chose. L'art de raconter des histoires consiste précisément faire imaginer aux gens des choses à partir de ce que vous racontez Souvenez-vous toujours de cela pour vos projets de films. Je te vois dans la prochaine leçon. 13. Meilleurs acteurs: Comment choisir les meilleurs acteurs Je pense que c'est l'un des sujets les plus abstraits et les plus profonds, surtout parce qu'il sera lié non seulement à la sensibilité que vous pouvez avoir, mais aussi à la perception que vous pouvez avoir des films dans la façon dont vous percevez le comportement des gens qui vous entourent. Les acteurs sont ces visages qui vont identifier notre film. L'acteur va également suivre le chemin du personnage du scénario, cet acteur va, d'une certaine manière, participer aux événements que nous allons construire en écrivant une histoire en utilisant un langage cinématographique Cependant, il y a une chose que nous devons savoir. La phase que nous allons choisir ne sera pas déconnectée de la perception qu'ont les êtres humains du village planétaire. Je veux dire, les humains ont une idée bien établie de ce que l' on peut attendre d'une personne ayant des caractéristiques et des comportements particuliers. Je vous raconte tout cela parce que l'une des premières étapes d'un projet de film est le casting. Lors du casting, nous avons le défi de choisir l'acteur qui possède le plus grand nombre de caractéristiques et qualités correspondant au personnage de l'histoire. Le processus de sélection qui sous-tend les castings commence par la compréhension de ce que nous voyons à l'écran Ce que nous regardons à l'écran, voyons-nous le personnage, voyons-nous l'acteur ? Est-ce que nous voyons la personne qui s'est présentée à l'audition ? En gros, ce que nous regardons à l'écran manière très simple est le mélange de trois choses fondamentales. Dans le premier, il y a le personnage, ce qui est écrit dans le scénario, dans l'histoire, je veux dire, ce qui est écrit dans le scénario, dans l'histoire, je veux dire, toutes les caractéristiques de notre personnage, je veux dire, degré de développement du personnage et la véracité le degré de développement du personnage et la véracité de ses caractéristiques pour convaincre le public tout au long de l'histoire. La deuxième chose que l'on voit l'écran, c'est le talent des acteurs. La capacité qu'il possède ou qu'elle possède pour réaliser une performance convaincante. Mais ne vous y trompez pas. Je ne parle pas de jouer le personnage, je parle simplement de la capacité de l'acteur ou de l'actrice à agir de manière convaincante. Pour résumer, nous avons le premier, qui est écrit sur l'histoire, et le second, le talent d' actrice Mais il y en a une troisième qui est très importante et la plupart des gens oublient qui est la personne qui est l'individu, qui est cette personne derrière l'acteur ou l'actrice ? Je veux dire, vous êtes-vous déjà demandé qui est cet acteur lorsqu'il ne joue pas ? La personne qui est venue à l'audition. Cette personne sera également à l'écran. Ce que vous regardez à l' écran, c'est l'unité composée de trois éléments, comme s' il s'agissait du Saint-Esprit. Cette unité a évidemment un objectif commun, qui est de représenter le personnage et de générer de l'empathie. autre côté, il existe une idée commerciale selon laquelle les visages qui apparaissent à l'écran et qui devraient apparaître à l'écran doivent être de beaux visages. Dans la plupart des cas, c'est loin d'être la réalité car tout dépendra la production audiovisuelle que nous allons réaliser. En fait, cette erreur est l'une des plus courantes dans le monde du cinéma. En fait, le problème réside dans le fait que nous avons l'impression que le cinéma fonctionne comme une publicité rapide. La publicité rapide a une autre règle, car en fait, le public ordinaire n'a même pas temps de voir la publicité jusqu'au bout. Même si cela ne dure que 20 secondes, le spectateur accompagnera le personnage par son apparence physique pendant très peu de temps. Je pense que c'est quelque chose de très basique et simple. La publicité exige que vous restiez à regarder l' écran pendant 15 ou 20 secondes en regardant à quel point la personne est attirante. De plus, si je vous vends un produit ou un service, il possible que vous regardiez la publicité et que vous voyiez le produit ou le service. Ou même dans un cas plus simple, si je veux acheter un shampoing, je suis censé voir de très beaux cheveux à l'écran. Si c'est un dentifrice, je dois voir de belles dents. Tous les visages affichés dans publicités sont également basés sur cela, un impact rapide sur le public. Le problème se pose lorsque la publicité commence à construire les histoires. Lorsqu'ils essaient, lorsqu'ils ont besoin de garder le public connecté à des histoires qui ressemblent à la réalité, les règles changent automatiquement. Ces règles changent parce que le spectateur commence à réfléchir beaucoup plus. résulte un en résulte un besoin d'empathie chez le spectateur, l' une des qualités les plus difficiles à trouver, car le spectateur doit se sentir identifié au personnage de l'histoire. C'est l'un des détails les plus importants et nous devons nous atteler à la construction du film, car quel que soit le type de projet nous devions raconter l' histoire avec un personnage. Nous devons analyser en profondeur les caractéristiques de ce personnage. Je veux dire, vous êtes censé vous demander honnêtement à quoi ressemble vraiment ce personnage dans la vraie vie. Je vais vous donner un exemple. Imaginons que notre personnage soit un scientifique, un scientifique qui peut être mature, peut-être âgé de 40 ans ou peut-être un scientifique de 30 ans. Il n'a pas trop d'importance, mais c'est un scientifique. À partir de là, il faut se poser les bonnes questions. Quel genre de film voulons-nous faire ? Est-ce un film comme Avengers, par exemple ? À partir de là, vous pouvez vous demander si un scientifique dans Avengers ressemble vraiment à un vrai scientifique ou non À quoi ressemble un scientifique dans la vraie vie ? C'est la première question que nous devons nous poser. Avons-nous déjà parlé à un scientifique ? Avons-nous déjà parlé à un enquêteur ? À quoi ressemble un professeur de mathématiques ? Voilà à quoi ressemble vraiment le personnage. Ou est-ce que nous essayons délibérément de faire correspondre le visage qui nous semble beau à notre personnage simplement parce que nous pensons que c'est un beau visage qui devrait être devant la caméra. Telles sont les questions. C'est pourquoi nous devons être honnêtes avec nous-mêmes et surtout avec nos personnages. D'autre part, l' intelligence et la sexualité sont deux dimensions très complexes, se reflètent toutes deux dans nos expressions corporelles. Par exemple, c'est presque impossible pour un acteur qui n'est pas très intelligent dans la vraie vie. Il lui est impossible de représenter correctement un personnage intelligent, car l'intelligence est cette dimension qui se manifeste dans notre corps, dans notre voix, dans le rythme de notre voix, dans notre regard et même dans la façon dont les muscles du visage bougent. Une très belle personne ne se comporte pas physiquement comme une personne ordinaire. Et l'une des raisons est que dans de nombreux cas, mais ce n'est pas du tout une règle, ne me jugez pas, mais dans de nombreux cas, le monde leur est plus facile parce que tout le monde est prêt à leur sourire. Je sais que ce n'est pas facile à comprendre. Mais je ne parle pas d'agir en fait, mais comment se comporte une personne intelligente et ce qui la rend intelligente est une excellente question Par exemple, pourquoi Merrill Strip est-elle une meilleure actrice que Megan Parce qu'elle a dit elle-même, dans des interviews, dans de nombreuses interviews, qu'elle n' était pas la plus belle actrice. Par conséquent, elle savait qu' elle devait faire plus d'efforts. Par conséquent, elle est la meilleure actrice. l'autre, Megan Fox, qui était si belle au début Je vous assure qu'elle a été sélectionnée parmi tous les castings publicitaires jusqu'à l'époque où elle jouait dans un film sans avoir fait d' effort Strip Megan Fox n'a pas eu à faire l'effort de Mel C'est normal Le monde fonctionne comme ça inconsciemment Nous savons tous que cela fonctionne comme ça. Nous pouvons en voir un exemple lorsque nous parlons des Avengers, car il est intéressant de savoir comment se déroule le processus de sélection qui sous-tend le casting Faisons une comparaison entre l'acteur qui représente Thor et le plus âgé qui représente Ironman Pourquoi le réalisateur du film et l' équipe de casting sélectionné Cream Ham Worth pour Thor et Robert Downing Junior pour Irman À première vue, il semblerait que ce soit uniquement parce que Robert est plus âgé, mais ce n'est pas tout à fait le cas , car le premier film Ironman dans lequel il était le protagoniste remonte à 2008 et il regarde toujours La vérité est que Robert Downey Junior, moins en termes physiques, extérieurs, n'est pas aussi beau que l'arbitre Robert n'a pas l' air d'un crève-cœur. En fait, plus il vieillit, plus il ressemble à quelqu' un d'intelligent. preuve en est que certains des films dans lesquels il joue jouent toujours quelqu'un d' intelligent, comme dans le cas de Sharlock Holmes Mais voyons un autre exemple, le film extraordinaire Shawshank L'une des choses qui rendent ce film fantastique est son casting exceptionnel. Mais si vous ne le saviez pas, Brad Pitt était l'une des options pour commencer ce film Mais Tim Robbins représente une personne bien plus intelligente. Non seulement cela, mais on pourrait aussi dire que Tim Robbins est une personne ordinaire en termes de beauté Par conséquent, lorsque nous voyons le personnage, nous n'admirons pas son apparence physique, ses caractéristiques physiques comme nous le ferions peut-être s' il était Brad Pitt À l'inverse, nous ne voyons que son monde intérieur et ses qualités intérieures qui nous font percevoir et ressentir un ton complètement sérieux de l'histoire. Je ne veux pas dire que Brad Pitt est un mauvais acteur, pas du tout En fait, c'est un excellent acteur, mais la plupart de ses personnages ne sont généralement pas des gens très intelligents. Ils sont colériques, passionnés, braves et de grands soldats Prenons un autre exemple, le cas d'Anthony Hopkins C'est une autre personne qui ressemble à quelqu'un d'intelligent. Mais la vérité est qu'il est en fait une personne très instruite et intelligente dans la vraie vie. Et toute cette intelligence se manifeste dans son expression corporelle comme dans son expression physique. Nous allons remarquer que l'intelligence réside dans sa voix et dans la façon dont il prononce chaque mot Dans la vraie vie, Anthony Hopkins est une personne très intelligente. Il est musicien. C'est un artiste, il n'a donc aucun effort à faire pour bien parler. Et la raison en est qu'il n' était pas si beau que ça Il a donc fait beaucoup plus d'efforts que Brad Pitt pour figurer dans des films Nous savons donc tous que Brad Pitt est à l'écran depuis son adolescence Et même s'il est un excellent acteur, il a dû lutter contre ce préjugé parfois injuste mais universel. C'est pourquoi nous avons dû être clairs sur les caractéristiques des personnages. N'oubliez pas que, quelles que soient les compétences de l'acteur, il y a une personne individuelle derrière l'acteur. Cette personne individuelle fait partie de ce que nous regardons à l'écran, ce que nous allons voir dans notre personnage. Bien sûr, si vous voulez jouer avec cela délibérément pour induire le spectateur en erreur, Perfect a raison de pouvoir jouer avec ce que le spectateur respecte d'une belle personne ou non Le film American Beauty en est un exemple. À la fin du film, nous avons réalisé que la jolie fille blonde typique des années 90 était en fait aussi marquante que vous vous y attendiez Tout d'abord, elle aimait vraiment son amie et elle était pressée, trompant tout le monde, ses amis comme les spectateurs, en faisant croire le contraire tout au long de l'histoire, à travers ses discours et à travers son apparence physique autre côté, un autre aspect important casting est que vous devez essayer de vous débarrasser du point de vue que vous avez de la personne derrière l'acteur. Parfois, le choix que nous faisons n'a rien à voir avec le fait que l'acteur ressemble ou non au personnage, mais plutôt avec le fait que la vraie personne derrière l' acteur nous aime vraiment. C'est typique, c'est une erreur très courante. Il y a de très mauvais acteurs qui sont de très gentils gens qui ont tendance à paraître très authentiques au casting, lors des auditions. Un autre thème important est la dimension sexuelle du personnage. Ce sujet est délicat car parfois, les aliments pour les gens y font également allusion. Mais la vérité est que la dimension sexuelle notre esprit se manifeste dans nos expressions corporelles et physiques. Parfois, il y a des hétérosexuels qui essaient de représenter les homosexuels et Ils n'ont pas compris la dimension corporelle de la sexualité car nous pouvons remarquer l'orientation sexuelle de leur corps. Beaucoup de gens s'en sont plaints parce que de nombreux réalisateurs désignent des hétéros pour représenter les homosexuels. Mais ce n'est pas une règle. Mais la vérité est qu'il existe des acteurs doués qui ont une capacité extraordinaire à représenter tous les genres, quelle que soit leur orientation sexuelle dans la vie réelle. Parce qu'ils sont vraiment conscients la façon dont les personnages bougent et parlent afin de ne pas que le spectateur se sente soustrait à l'histoire Je vais récapituler ce sujet du casting, car je veux que vous gardiez à l'esprit que le casting peut être fois une belle opportunité ou une voie directe vers l'échec dans la sélection des acteurs Et je vous le dis, parce que nous sommes des humains qui commettons des erreurs, nous ne sommes pas exempts d'erreurs. La première chose à faire est de comprendre que le casting est un entretien d'embauche. Par conséquent, toutes les variables de l'entretien d'embauche seront présentes. Par-dessus tout, le charme d'une personne peut jouer contre lui. Je vous recommande vivement que le processus de sélection soit lié à au moins 70 % à la vidéo, au livre vidéo ou au livre vidéo de l'acteur . Au final, c'est le moyen le plus juste d'y arriver, c'est le véritable programme de l'acteur. Selon la coutume, nous allons rencontrer la personne et peut-être vérifier une manière ou d'une autre certaines capacités de l'acteur. Cassin doit également connaître le parcours de l'acteur, son lieu d'apprentissage , ses origines, etc. Mais vous demanderez sûrement aux acteurs de dire quelques lignes. Mais la vérité est que, bien souvent le casting lui-même ne nous fournit pas suffisamment d'informations sur les acteurs qui apparaîtront à l'écran. Seul le livre vidéo peut le faire avec certitude car dans le casting, il y a deux facteurs fondamentaux qui peuvent être préjudiciables au choix final. L'un d'eux est le charme de la personne. Et je vais vous raconter une histoire qui a à voir avec ça. Une fois que j'ai cherché un acteur, un personnage pour incarner un vieux capitaine d'infanterie expérimenté pour un court métrage, deux options s' offraient à moi. Une option était un très bon acteur de théâtre, mais peu connu. Et j'avais une autre option : celle d'un acteur de télévision bien connu dans mon pays d'origine. Le problème était que la personne qui faisait du théâtre n'avait pas de livre vidéo. Et comme il n'avait pas joué dans beaucoup d'autres choses visuelles, il n'avait aucun moyen de me montrer à quoi il ressemblait à l'écran. En fait, il le savait lorsqu' il s'est rendu à l'audition. Il a donc adopté une attitude plus timide et plus prudente que j'ai mal comprise Parce qu'en fait, la personne se préparait secrètement au rôle, améliorant ainsi ses compétences en équitation Par exemple, en répétant les défis possibles, même apprenant à maîtriser des armes anciennes adaptées au personnage, il faisait tout ce qu'il fallait pour obtenir le rôle Mais il n'a pas trouvé le moyen de prouver qu'il était qualifié pour le poste. Et c'était dommage car une grande chance se cachait derrière eux. En réalité, chaque processus de casting d'un film doit anticiper ce qui se passe. autre côté, le deuxième acteur, lorsqu'il est arrivé au casting, à l'audition, a adopté l' attitude la plus fiable au monde. Je veux dire, quand j' écoutais sa voix, je l'ai trouvé tellement sûr de lui. En même temps, nous pouvions plus ou moins avoir une idée de ce à quoi il ressemblerait à l'écran car nous l'avions déjà vu à la télévision. Par conséquent, le plus logique était de le choisir. C'est ce qui s'est passé, et nous l'avons choisi parce que nous pensions qu'il était le plus approprié. En fait, nous n'en avons jamais douté. Mais après le tournage, je me suis rendu compte que la personne n' était pas prête pour le rôle, la réponse était toujours là et que nous ne savions pas comment la voir. La vérité, c'est que toutes les références télévisées que nous avions provenaient de comédies. Pas d'un acteur capable de faire un drame d'une manière sérieuse et puissante. Non seulement cela, mais même l'ego, la confiance de la personne nuisait à ses performances. Parce qu'il était bien connu et que notre production n'était pas très sophistiquée, il pensait être prêt à relever tous les défis. Le résultat a été que nous avons dû réécrire l'histoire du court métrage pour essayer de nous débarrasser de toutes les répliques de ce personnage C'est ce que je te dis. Ce qui compte le plus , c'est certainement le livre vidéo. En fait, je crois que les grandes productions hollywoodiennes sont réalisées ainsi, car même si elles font une sorte de casting, une sorte d'ajout, les livres vidéos des acteurs sont préalablement analysés en détail. Par conséquent, les réalisateurs ont déjà fait l'objet d'une sélection préalable. Seul le livre vidéo peut nous fournir ces informations. Mais en plus de cela, il y a l'énergie d' un acteur que vous ne pouvez pas voir avant le montage final du film. Ce n'est pas possible de le voir lors de l'audition. Par conséquent, le livre vidéo de l'acteur est la meilleure garantie que vous aurez de son succès. Mais il se peut que vous débutiez dans le monde du cinéma et plusieurs acteurs qui se présentent à votre audition aient ensuite un livre vidéo En tant que réalisateurs, vous devez préparer le casting, l'audition suffisamment bien avec de bonnes caméras et recréer mieux un certain type de décor pour stimuler la performance Et en tant que réalisateurs, vous aurez une meilleure idée de ce à quoi ressemblera l'acteur à l'écran. Mais mon point de vue est que si vous voulez avoir un résultat fiable, vous devez tout mixer, du livre vidéo à l'audition La dernière chose que je vous dis, c'est que lorsqu'il s'agit de démarrer et de réaliser des courts métrages, un acteur qui veut vraiment jouer le rôle est beaucoup plus fiable et intéressant qu'un très bon qui ne se préoccupe pas trop de votre projet de film. Vouloir vraiment incarner le personnage en vaudra toujours la peine. Je te vois dans la prochaine leçon. 14. Diriger des acteurs: Diriger des acteurs. Cette partie est très importante car elle nous permettra d'expliquer comment la relation que nous devons entretenir avec l'acteur doit être non seulement du point de vue du réalisateur, mais aussi du point de vue de l'ensemble de l'équipe de production. Cette relation commence dès le moment où nous choisissons les acteurs, depuis l'audit, depuis le casting. C'est à ce moment que commence un voyage que nous entreprendrons avec l'acteur tout au long du projet de film. Notre travail avec l' acteur comporte deux étapes. L'un en phase de reproduction , l'autre en tournage. Lors du tournage, la partie reproduction comprend toute la préparation et la construction notre acteur aura besoin pour incarner un personnage. Cela se divise également en deux choses, les aspects physiques et les qualités dramaturgiques La préparation physique implique que parfois notre acteur ou actrice corresponde au personnage, mais qu'il ne possède pas certaines conditions physiques qui rendent les traits du personnage plausibles. Cela doit être pris au sérieux. Nous devons discuter avec les acteurs et les actrices et nous devons parvenir à des accords Mais non seulement cela, mais aussi la préparation du personnage, la préparation physique doivent être incluses dans le budget. Je veux dire, parfois ce n'est pas une limite pour un acteur, mais il n' a pas les moyens de payer pour cette préparation. Parfois, nous pensons que c'est uniquement à l'acteur de préparer le personnage. Et s'il est un acteur patient et doté de certains moyens économiques, peut-être que le même acteur ou actrice investira dans sa préparation. Mais nous ne pouvons pas l'ajouter en tant que variable au projet. Dans la plupart des cas, l'acteur ou l'actrice n'a pas à investir son argent là-dessus. Bien entendu, je vous parle dans le contexte où vous commencez à réaliser des projets de films. Mais ce que j' essaie de dire, c'est que si nous consacrons de l'argent au budget, la préparation de l'acteur, à la préparation de l'acteur, nous verrons la préparation du personnage présentée devant la caméra. L'acteur doit être le personnage. N'oubliez pas que c'est essentiellement la différence entre le cinéma et le théâtre. Le théâtre est une représentation, c'est-à-dire que tous les éléments présents sur scène et même les costumes et l'apparence des acteurs sont des allégories Ce sont des éléments métaphoriques qui fonctionnent très bien au théâtre parce que nous sommes conscients que nous assistons à une pièce Mais au cinéma, c'est différent. Le cinéma, c'est comme si vous regardiez la réalité. Cela ne fonctionnera pas de la même manière. La caméra est comme une escapade vers la réalité. Donc, si le personnage a besoin d'une habileté comme sauter, courir et même convaincre le public qu'il est physiquement prêt à faire de l'activité. Toutes ces compétences ou qualités physiques doivent être visibles à l'écran. Parfois, il faut beaucoup de préparation pour y parvenir, pour le réaliser. Cette préparation ne sera pas uniquement liée à l'aspect physique, mais aux relations efficaces qu' il y aura entre les personnages du film. La vérité est que c' est un défi que de nombreux réalisateurs n' abordent pas de cette façon. Il y a des administrateurs qui sont plus conservateurs. Mais je pense que si vous voulez faire une histoire, par exemple, où il y a un couple qui va devenir amoureux, ou le devenir pendant une histoire, il doit y avoir une alchimie entre les acteurs. Une étincelle, une chimie qui, bien qu'elle n' existe peut-être pas au début, doit être développée. Ce type de chimie doit apparaître, sinon l'inconfort sera visible sur la caméra, ce qui nuira bien sûr au film. Mais attention quand je dis qu'il devrait y avoir de la chimie. Je ne veux pas dire que l'acteur doit avoir une liaison pendant le tournage ou devenir amoureux dans la vraie vie. Mais ce genre de chimie qui empêche de ne pas avoir honte de se toucher. Par conséquent, il doit y avoir quelques principes de base dans le casting et dans le froid, à savoir informer l'acteur. Quelles sont, en termes généraux et en règles générales, les actions les plus difficiles qu'il va accomplir dans le cadre du projet de film. Par exemple, il y a des gens qui ne se sentent pas à l'aise de faire des scènes romantiques dans un autre. Qui ne se sentent pas à l'aise de faire des scènes érotiques avec un acteur spécifique, des actrices avec qui ils ont dû jouer Tous ces facteurs sont préjudiciables au projet. Par conséquent, d'une certaine manière, vous deviez savoir à l'acteur lors du casting qu'il faire savoir à l'acteur lors du casting qu'il doit relever toutes ces choses et relever tous ces défis, car ce genre d'émotions n'est pas facile à incarner. Croyez-moi, les Mets veulent vraiment le faire. Voyons un exemple. Par exemple, sur l' écran, vous pouvez voir un spot publicitaire dans lequel j'ai joué. Et il y a une fille qui a le défi de représenter mon ami Gul dans l'histoire. Tout a l'air parfait. Mais ce sentiment est dû au fait qu'il est mon ami depuis des années et que nous nous connaissons depuis des années. Nous ne sommes pas du tout amants, mais nous nous connaissons depuis des années. Nous avions la confiance nécessaire pour réaliser cette performance. En d'autres termes, il y avait une voie avancée, ce qui était un avantage pour représenter les amoureux. Mais si ce chemin n'est pas terminé, nous devons créer une coexistence entre les acteurs afin qu' ils se sentent à l'aise de se parler, de se toucher. Qu'il n'y a aucune difficulté à filmer. Cela dit, il n'y a pas d' inconfort, il se peut aussi qu'ils ne se connaissent pas et qu'ils le fassent parfaitement. Mais en général, il s'agit de répétitions de scènes compliquées pour pouvoir résoudre ces problèmes avant le tournage, pendant le tournage Ces problèmes ne peuvent pas être résolus avec tristesse car chaque seconde coûte très cher. Ce n'est pas seulement pour les émotions entre amoureux, mais aussi pour les relations entre un père et son fils, une mère et une fille grand-parent, et tout type de famille qui implique une grande affection D'après mon expérience, l'amitié entre acteurs est quelque chose de puissant, encore plus qu'avec les Romains. C'est bien plus que le genre de confiance que vous pouvez ressentir avec vos amis. En tant que réalisateurs, vous devez essayer de créer un environnement qui permette aux acteurs de construire cette amitié. Il y a quelques exemples dans l'histoire du cinéma, grands films où l'acteur semble avoir une excellente connexion, cette chimie qui est si bonne qu'il faut en profiter. La deuxième étape de la mise en scène d' acteurs concerne les défis liés à la discipline sur le plateau. Cela a à voir avec les conditions qui doivent exister sur le plateau pour que les acteurs puissent jouer de la meilleure façon possible. Je veux dire, le plus important pour les acteurs lorsqu'ils jouent, c'est la concentration et la relaxation. Pour ce faire, il est nécessaire que le directeur de production capable de le générer sur le plateau, afin de discipliner les membres de l'équipe. Ce n'est pas une tâche facile. Les acteurs doivent souvent recourir à la technique de la mémoire émotionnelle, qui consiste à établir un lien avec un souvenir personnel de toute nature pour évoquer le mouvement dont la scène a besoin Ce processus est très complexe et nécessite un silence absolu sur le plateau. Ce silence est parfois difficile à corriger sur le plateau, car 20 ou 30 personnes travaillent une tâche précise et c'est une situation courante, les gens parlent de problèmes de production, etc. Malgré cela, les acteurs essaient de se concentrer sur émotions et de recréer une réalité dans leur esprit, et ce processus est très difficile En même temps, sans compter que l'acteur ou actrice doit jouer devant toute une équipe de production. Toute une série de facteurs distrayants et intimidants doivent être pris D'autre part, les réalisateurs, lorsqu'ils ont affaire à des acteurs, doivent tenir compte de la respiration. Ce processus est important pour stimuler les émotions. Le processus de respiration normal est essentiel pour les acteurs. Vous devez faire attention à ce que les nerfs n'empêchent pas les acteurs de respirer. Parfois, les acteurs arrêtent respirer à cause de la tension générée, mais le bruit se fait sentir sur le plateau. C'est pourquoi je vous ai parlé de discipline. discipline est la seule chose qui garantira ce début. De toute évidence, l'équipe créée ne peut pas s'en occuper. Il doit y avoir un directeur de production qui s'en charge. D'autre part, d'autres aspects sont importants pendant le tournage. Lorsque nous tournons une scène où une actrice regarde à un moment donné dans la direction de son regard. Aucun membre de l'équipe ne peut être croisé car l'actrice doit se concentrer sur son esprit et ce qu'elle voit peut la distraire Je veux dire, nous sommes impatients que l'acteur nous dise, désolé, pourriez-vous déménager ailleurs ? Parce qu'elle perd sa concentration. Cela ne peut pas se produire. dit, il faut le savoir dès le début, car il y a des moments dans la performance qui ne se répètent pas Dans le cas d'une conversation, cela est plus facile, car seul l'acteur principal de la scène est dans notre cadre, mais l'autre acteur peut être devant la vision de l'acteur principal pour donner du terrain à la conversation. Mais lorsque nous sommes dans une scène contemplative, lorsque notre personnage ou notre actrice regarde quelque part ou quelque chose de manière approfondie et réfléchi, aucun élément distrayant ne doit devant sa vision Même le réalisateur ne devrait pas être devant l'acteur. Parfois, il faut limiter le nombre de personnes dans le set pour ne pas perdre la concentration. autre côté, la même chose va se produire avec l'appareil photo qui se déplace. Aucun mouvement de caméra ne doit limiter la performance de l'acteur, ni le mouvement de la caméra, ni le sens de la photographie. Par exemple, le réalisateur ou le directeur de la photographie sont parfois tellement attachés à l'esthétique du plan qu'ils obligent l'acteur à effectuer un mouvement naturel afin équilibre parfait avec la composition du cadre Cela n'a aucun sens lorsque cela se produit. Il s'agit d'un problème sous-jacent au tournage. Mais il y a un autre aspect important lorsqu'on dirige des acteurs, savoir comprendre la différence entre théâtral et le langage cinématographique Dans la plupart des cas, le monde des artistes a tendance à penser que les acteurs de théâtre sont meilleurs que les acteurs de cinéma. C'est une grave erreur car les deux langues sont complètement différentes. Nous ne pouvons pas aborder les acteurs de cinéma du point de vue d' un metteur en scène de théâtre. Le principal problème est que les pièces sont réalisées en termes de production pour un public situé à une distance beaucoup plus grande que la distance que nous allons avoir avec l'écran. Par conséquent, les acteurs doivent gesticuler, je veux dire, bouger leur visage et leur corps d'une manière que la dernière personne au théâtre puisse pleinement voir ici, comprendre et compléter l'histoire Au cinéma, cela n'arrive pas, la distance entre les acteurs et la caméra est très courte. La performance doit être totalement naturelle. C'est un défi complètement différent. Dans de nombreux cas, il y a des metteurs en scène dans les castings qui ne sont pas en mesure de comprendre cette différence D'autre part, en termes de jeu d'acteur, le théâtre est une représentation et le cinéma une réalité. Par exemple, il est possible que vous soyez un grand acteur de théâtre en raison de vos capacités astronomiques, que vous vous adaptiez à cette langue, mais vous ne pouvez pas l'adapter à la langue du cinéma Je veux dire, c'est tout à fait normal dans la mesure où le langage astronomique peut parfaitement représenter n'importe quel mouvement au théâtre Et c'est la raison pour laquelle il y a souvent des réalisateurs qui choisissent des acteurs de la vie quotidienne. Je veux dire, ils choisissent une personne qui leur semble intéressante, puis ils l' auditionnent pour voir s'ils sont capables de se comporter de la même manière devant la caméra Jouer dans un film est très complexe, cruel et sincère. Parce que dans les films, il est très difficile de mentir. C'est très difficile. Peut-être qu'au théâtre, vous trompez le public en exagérant votre crime Par exemple, exagérer votre colère dans une pièce de théâtre. Cela pourrait fonctionner parce que tout le monde est conscient que c'est une pièce de théâtre. Mais lorsque vous agissez avec de vraies émotions, agir de manière tout à fait naturelle dans une scène de film, rester concentré, sans penser que vous agissez, est une tâche très difficile. Je veux dire, il fallait être conscient de la façon dont la voix d' un être humain change dans une conversation naturelle. Les différents tons de voix, notre façon de bouger, notre apparence. Enfin, je vous recommande vivement, en tant que réalisateurs d'observer les gens qui vous entourent dans la vie de tous les jours. Apprenez de la gravité, de vos proches, lorsqu'ils pleurent, lorsqu'ils sont en colère, lorsqu'ils sont heureux. Je te vois dans la prochaine leçon. 15. Conception du son: Le design sonore. Cette leçon est stratégique car l' idée est que vous êtes capable de gérer le département du son et surtout que vous ne craignez plus que tout ce qui concerne le design sonore, il y a le montage sonore et l'enregistrement sonore. Commençons par l'enregistrement sonore. Le principe fondamental est d'enregistrer la performance de l'acteur en termes acoustiques. C'est ce qu'il y a de plus important quand il s'agit de tourner, car les actions des acteurs sont souvent irremplaçables C'est le talent de l'acteur dans la nature la plus pure. Le son doit être fidèle aux performances affichées lors de la prise de vue. Pour que cela soit possible, il est nécessaire d'utiliser des microphones professionnels. Avec les condensateurs, il existe microphones unidirectionnels et omnidirectionnels, nous sommes censés apprendre à les utiliser tous en fonction de ce que nous allons faire sur le Cela dépendra également de ce que le concepteur sonore va faire ensuite lors du montage. En règle générale, lorsqu'il s'agit d'enregistrer le son du péché, il y aura deux sources acoustiques principales. Les sources enregistrées par Bomb, c'est-à-dire le stick qui maintient le microphone au-dessus de la perche, peuvent en fait contenir unidirectionnels ou omnidirectionnels C'est très simple. Le microphone omnidirectionnel nous permet de capter le son général du lieu dans une zone relativement ouverte à proximité du microphone D'autre part, nous utilisons l' unidirectionnel pour capturer une source sonore spécifique Je veux dire, nous prenons la même perche en pointant le micro vers la bouche de la personne, par exemple. Mais ce microphone unidirectionnel peut également être utilisé pour capter le son de l'action d'un acteur Par exemple, les pas de l'acteur, ses vêtements, etc. Le microphone isolera le son de l'environnement dans une large mesure, ne laissant que celui que nous voulons. Tous ces fichiers audio que nous capturons seront utilisés ultérieurement par l' éditeur de son Mais d'un autre côté, nous pouvons utiliser cette perche pour compléter un autre type de microphone. Par exemple, nous pouvons utiliser un microphone à cravate, comme celui que j' utilise en ce moment, pour capter le plus fidèlement possible la respiration ou le halètement de l'acteur Le problème avec ces microphones est que comme ils sont cachés à l'intérieur des vêtements, la richesse des hautes fréquences est perdue. Bien entendu, la taille du microphone limite également quelque peu la qualité du son. Mais nous pouvons parfaitement nous associer à cette perche en utilisant les deux types de microphones, omnidirectionnels ou unidirectionnels Mais d'un autre côté, nous devons être conscients du principe de réalisation lorsqu'il s'agit d'utiliser chacune de ces combinaisons. Lorsque nous tournons le péché, par exemple, nous choisissons comment ou à quelle distance la caméra se trouve des acteurs. Supposons que nous choisissions une photo de réunion ou une photo de cowboy américaine qui atteint les genoux Et il y a deux personnages qui discutent. Le son capté par le microphone horaire n'est pas le plus approprié car distance entre la caméra et le visage de l'acteur ne correspond pas à la distance entre le microphone horaire et la bouche ouverte de l'acteur . Dans ce cas, le mieux serait de masquer la perche à l'aide du microphone directionnel de manière à ce qu'elle ne soit pas visible dans le cadre. le pointeur vers la bouche de l'acteur pour obtenir une bonne voix à distance suffisante pour correspondre à celle du plan central. Ou ce shot américain. J'ai vu cette erreur commise même au niveau professionnel. Mais fais attention. Cela ne signifie pas que le micro ne peut pas fonctionner pour ce type de prise de vue. Mais si nous les utilisions ultérieurement dans l'édition, nous devrions ajouter Revert au son pour qu'il représente cette distance entre la caméra et la bouche de l' acteur Si nous trouvons un moyen d' utiliser le boom, la qualité sonore sera bien meilleure et réelle. Cependant, le microphone horaire peut être très utile et esthétique. Dans le cas suivant, imaginons que nous devions faire un plan ouvert. Ce plan grand ouvert avec ces deux mêmes personnages discutant en arrière-plan. Le son du micro horaire recrée l'intimité qu'ils entretiennent, comme si nous étions témoins de cette conversation Mais les voir de loin, les voir de l'extérieur, c'est cinématographique, artistique, et c' est un cas particulier Mais en règle générale, il faut respecter la distance. De toute évidence. Plus le cliché est proche du visage, plus la voix est difficile à entendre. Même si vous devez capturer le chuchotement dans le microphone, Thy semble être adapté pour cela Le microphone unidirectionnel serait bien plus utile et beau en raison de la proximité du cliché Le technicien du son aura la possibilité de se déplacer et de se rapprocher pendant l'enregistrement afin que le micro soit dirigé vers la bouche. Et nous aurons un enregistrement de haute qualité. Bien entendu, ce sont des écouteurs de niveau très chers ou leurs microphones sont aussi bons que les microphones unidirectionnels ordinaires. Mais je parle d'un contexte dans lequel vous souhaitez tourner un court métrage ou un film en jet low back. Il est important de savoir que le technicien du son travaille en coordination avec le script. Personne qui prend l' ordre de la prise de vue afin que l'éditeur puisse identifier ultérieurement les données sur l' appareil d'enregistrement. Souvenez-vous de ce que je vous ai dit à propos du clapper board. Le clapet, le joystick supérieur, sont enregistrés par l'appareil et l'identification de la scène qui , selon le chargeur, sera également enregistrée Par contre, alors que nous avions déjà tourné Sin et que nous avions enregistré la performance des acteurs, il fallait créer un morceau endiablé. Une piste endiablée n'est rien d'autre que l'enregistrement de tous ces sons que les acteurs émettent dans les scènes, le tissu, les pas de l'environnement. Ces sons seront ensuite utilisés par le son pour effectuer le montage sonore en couches, ce qui permettra de créer une expérience acoustique plus immersive. Pour récapituler, rappelons qu'il existe des microphones unidirectionnels et omnidirectionnels L'unidirectionnel vous permettra d'enregistrer ce que nous avons devant nous dans la cible que nous visons avec le boom D'autre part, l' omnidirectionnel vous permettra d' enregistrer tout ce qui se passe autour du micro Dans l'espace situé à proximité de l'écran, vous pouvez voir un graphique illustrant le comportement du microphone. La bulle est l'espace à partir duquel elle capte le son. Chaque microphone a ces graphiques dans ses instructions pour savoir exactement comment il fonctionne. Rappelez-vous également que la distance entre la bouche de l'acteur et le micro doit coïncider avec le cliché. C'est essentiel, car cela apportera une touche très professionnelle à votre travail. Un exemple de cela pourrait être une scène où les acteurs crient. Par exemple, le microphone ne peut pas être dans la bouche de l'acteur. Ce ne peut pas être une pointe, un micro. Parce que pour que le cri soit réel, le son de ce cri doit rebondir dans tout l'espace où se trouve toujours l'acteur N'oubliez pas que les sons voyagent dans l'air. Tout cela fait partie de la conception sonore du montage sonore. De mon point de vue, le plus important en tant que réalisateur est d'avoir un pantalon dans le mix. En tant qu'élément narratif, le design sonore est réalisé en couches. Nous pouvons jouer avec chaque élément sonne dans la scène et aussi avec les proportions en termes de distance et de proximité Nous avons donc eu la possibilité de jouer avec cet outil pour construire un point de vue, créer des environnements et ajouter des éléments distants dans péché qui font partie de la richesse narrative du scénario du film. Nous pouvons créer des environnements très complexes en ajoutant des éléments sonores au loin. Bien entendu, en tant que réalisateurs, nous devons être capables de donner ces instructions au son qu'il l'utilise comme langage Je vais vous en montrer un exemple. C'est la même scène que je vous ai montrée dans les leçons précédentes où la femme pleurait au loin. Mais cette fois, tu vas faire attention à autre chose. Essayez de trouver de bons écouteurs et faites attention à la façon dont les pas des personnages se déplacent de droite à gauche. Tu sais à quel point c'est intéressant. Je veux dire, nous nous élargissons pour vous faire sentir que la présence du personnage dans l'espace est un excellent outil narratif. Tout comme la femme qui pleure au loin. Il est également important que vous développiez une sensibilité à la réverbération réverbération est cet effet qui permet d'agrandir l'espace dans lequel un élément est émis Par exemple, il est possible que dans votre prise de vue, la seule source acoustique dont vous disposez soit le son du microphone Time. Mais Racine est dans une impasse dans l'édition sonore. Vous devriez être en mesure de fournir les instructions précises à l'éditeur de son pour ajouter ces effets aux voix et avoir une idée générale degré de révérence à appliquer à ces voix Cela n'est pas exclusif à l'éditeur de son. Vous devez également fournir votre point de vue et des instructions précises. Mais il faut surtout tenir compte du vent et de l'environnement. Je veux dire, les détails de l'atmosphère. Ils doivent être ajoutés par couches au montage sonore. Tous ces éléments font partie de la conception sonore et fonctionnent comme un dispositif narratif qui génère une expérience immersive pour le public. Mettez tout cela en pratique et souvenez-vous de ne jamais avoir peur de faire des erreurs. Je te vois dans la prochaine leçon. 16. Force du réalisateur: La force du réalisateur. Cette qualité est l' axe central du projet de film. C'est ce qui définit l'attitude du réalisateur et le lien qu' il peut avoir avec son armée. Cette petite armée, c'est-à-dire l'équipe de production ou l'équipe de production, n'est pas si différente d'un directeur d' orchestre Le réalisateur est cette personne en qui il faut avoir confiance sur le plan créatif et artistique, c'est cette personne qui doit transmettre calme et confiance à l'équipe de travail pour déléguer des actions fonction de la vision générale qu'il a du Un réalisateur ne peut pas être une personne qui ne sait que faire fonctionner la caméra ou écrire un scénario. Un réalisateur doit tout savoir , il doit connaître beaucoup de choses, beaucoup de choses du quotidien, des connaissances générales, l'histoire de l'art. Le réalisateur est censé connaître de nombreuses choses afin de disposer d' outils lui permettant ou lui permettant de communiquer avec l'équipe de production créative. Et bien sûr, pour créer son propre langage. Afin de créer la confiance dans les différents départements, il est nécessaire de parler avec un point de vue clair. Nous devons être capables de parler dans la langue parlée par le concepteur sonore, l'ingénieur du son. La langue du directeur de la photographie parle la langue du scénariste C'est la raison pour laquelle réalisateurs ont besoin de savoir à quoi ressemble un script, quels sont les outils d'écriture et aussi savoir comment construire un Aracure Nous pouvons avoir une bonne idée générale, mais si nous ne savons pas comment l'expliquer dans le langage technique approprié, le processus de communication avec l'équipe créée devient inutile dans le sens où il est important. L'humilité intérieure est ce genre d'humilité que personne n'observe, que personne ne se rend compte que vous l'avez ou non. Mais c'est cette humilité intérieure qui vous permet de toujours continuer à apprendre. C'est-à-dire, n'ayez jamais l' impression d'en savoir trop sur quelque chose dans votre esprit. Un autre aspect important, surtout lorsqu' il s'agit de jouer un rôle principal et d'avoir une petite équipe de tournage, est que vous devez être un exemple d'effort pour votre équipe. S'il y a quelque chose de commun qui se produit dans certains films, lors des tournages, ce sont les luttes d' égo Parfois, il semble qu' une personne travaille plus qu'une autre. Et je crois que le réalisateur dans cette affaire devrait être un exemple de discipline et d'effort. Bien que le réalisateur soit impliqué dans la partie créative, vous devez faire en sorte que l' équipe ait le sentiment que vous travaillez aussi dur que tout le monde. Faites-leur sentir que vous êtes aussi occupé que tout le monde. Je l'ai vu à de nombreuses reprises au cours de toutes ces années, en particulier dans le cadre de projets publicitaires , dans des contextes publicitaires où le réalisateur est assis sur une chaise, regarde simplement l'écran, parle d'une position confortable à la fin, qui sera visible dans la finition finale. Parce que le réalisateur n' est pas au courant de ces petits détails qui font passer votre film ou votre projet de film au niveau supérieur. Je veux dire, pour y parvenir, il est toujours nécessaire d'avoir une vision artistique générale dont le réalisateur s' occupe constamment d'une manière ou d'une autre . Peu importe qu' il s'agisse d'une publicité, il y a toujours cette vision artistique générale qui doit être soignée en détail. Le plus important dans cette vision, c'est le savoir. connaissance est la seule chose qui permet au réalisateur de constater ou de découvrir que les idées des différentes équipes créées sont possibles ou non, plausibles ou non, qu'elles soient utiles ou non pour le projet de film. D'un autre côté, il est important de parler de respect. C'est tellement important d' en parler en ce moment. Parce que beaucoup d'entre vous vont commencer à travailler comme assistants de toutes sortes dans le cinéma et vous allez accéder à des postes plus élevés au fur et à mesure que vous progresserez dans votre carrière. Il est important de respecter le réalisateur, ses décisions et son rôle de leader au moment du tournage. Parfois, il est courant que des acteurs expérimentés, ceux qui tournent déjà depuis de nombreuses années, prétendent donner des directives à John Directors Je ne dis pas qu'ils ne peuvent pas faire de suggestions, mais ils doivent respecter le leadership du réalisateur parce que l'équipe est censée lui avoir fait confiance. Et cette attitude peut nuire à cette confiance, gâchant ainsi le flux de travail sur le plateau L'équipe de travail doit avoir confiance en ce que fait le réalisateur, il s'agisse d'un acteur ou d'une actrice, d'un assistant ou d'un technicien, et commencer à discuter avec le réalisateur. Au moment du tournage, il parlait de ses idées. C'est un manque de respect total, car que vous ayez raison ou non, parce que vous avez peut-être raison, mais ce n'est pas de votre responsabilité Ce n'est pas votre travail et vous allez nuire l'image de confiance et de décor du réalisateur, et surtout, ils vont vous détester pour cela. De plus, souvenez-vous toujours que parfois le réalisateur a une idée en tête et que nous ne sommes pas capables de la voir. Nous devons donc suivre les réalisateurs calmement et respectueusement pour toujours apprendre et être prêts à les aider Je vous invite vraiment à devenir une sorte d'éponge de connaissances, renseigner sur les sciences, la politique ou tout ce qui peut correspondre à votre créativité. D'autre part, vous devez vous intéresser aux nouvelles technologies audiovisuelles liées aux nouvelles formes de communication et de narration De nos jours, il est de plus en plus difficile de surprendre le public car les manières de raconter se répètent encore et encore. Il est nécessaire de connaître les nouveaux récits et les narrations pour améliorer notre langage audiovisuel Mais dans tous les cas, l'art en est un exemple. Dans ses derniers films , il a transféré le nouveau langage des jeux vidéo au cinéma. Je veux dire qu'il existe des jeux vidéo appelés Open World, où le personnage que nous contrôlons représente un avatar. Ce personnage est l'interaction. Et vivre dans un monde comme si nous étions nous-mêmes dans l'art pour vouloir transférer ces sensations et ces expériences au cinéma. Surtout dans The Revenant et Bertman, ces films nous donnent l' impression d'être dans un jeu vidéo Généralement, ces films sont remplis de séquences continues qui nous permettent de combler la place. L'absence de coupure nous permet de vivre une expérience immersive. Et ce type d'expérience fait l'objet des nouvelles technologies. Mais Nartu n'est pas le seul à avoir travaillé sur ce sujet, même dans un autre film intitulé 1917 de Sean Mendez, il joue également avec même dans un autre film intitulé 1917 de Sean Mendez, il joue également Il est important de tenir compte du fait que cela ne figurait pas dans le script. C'était l' esprit du réalisateur parce qu' avait été dans le contexte des nouvelles façons de raconter l'histoire. Nous devons nous demander si nous sommes suffisamment en contact avec les nouveaux langages et technologies. C'est pourquoi je vous dis qu' un réalisateur doit avoir la capacité créative de résoudre de manière créative et artistique tous les défis du scénario d' N'oubliez pas que le réalisateur interprète toujours un scénario de film. Plus vous aurez d'outils pour le faire, mieux ce sera. C'est pourquoi je pense que l'ère contemporaine exige que nous sachions un peu tout. Parce que de nos jours, il y a de plus en plus d'accès à l' information partout. Je veux dire, l'accès au savoir n' est plus aussi limité qu'avant. D'autre part, le réalisateur doit également avoir un réseau de responsabilités vis-à-vis de son environnement. Non seulement l'environnement, mais aussi la société à laquelle il appartient. Nous avons presque tous un message à faire passer. Parfois, nous ne sommes pas conscients de notre propre message. Mais ce message est lié à ce que nous vivons en tant qu'êtres humains, ce que nous avons vu autour de nous au cours de notre vie et aussi à nos défauts. C'est le véritable carburant du réalisateur, quoi qu'en disent les autres. Ce qui fait vraiment passer votre histoire au niveau supérieur, c'est la motivation que vous en avez. Quelle envie tu as de raconter cette histoire. Car ce n'est que lorsque nous aimons trop une histoire que nous avons réussi à faire les efforts nécessaires et voir le minimum de détails qui conduiraient votre projet au succès. Ce n'est que lorsque nous consacrons beaucoup d'énergie à un projet que nous pouvons inspirer d'autres personnes. Au début, nous allons devoir constituer une équipe de travail. Et cette équipe de travail doit avoir confiance en votre idée. Faites-vous même confiance lorsque vous commettez des erreurs. Et pour y parvenir, vous devez faire en sorte que les autres tombent amoureux de votre projet, qu'ils soient motivés, qu'ils aient une vision du succès de votre projet qu'ils aient une vision du succès de votre projet afin de convaincre cette équipe que vous allez atteindre les objectifs qu'ils se sont fixés au début. Je dois également avouer que vous ne pouvez pas attendre que toutes les réponses soient résolues dès le début Il y a un pourcentage qui est toujours à risque. Il est donc toujours bon de prendre des risques. Si tu ne risques pas, tu ne gagnes pas. Donc, dans un premier temps, n'ayez pas peur de faire des choses plus risquées car à partir de là, vous vous rendrez compte qu' parfois possible de faire quelque chose de plausible, même si vous avez un petit budget Je vous invite également à un processus scientifique appelé groupe de discussion. Une fois que vous avez créé votre film ou vos publicités, organisez un groupe de discussion, c'est beaucoup plus fiable que demander à vos professeurs de cinéma de vous parler de votre film Ce que vous allez faire, c'est rassembler suffisamment de personnes qui, selon vous, peuvent être claires. Évidemment, des gens qui aiment le cinéma et qui les interrogent sur votre film. Créez un espace de discussion pour savoir ce qu'ils pensent de votre travail. Tenez-les toujours en compte. Et je te vois dans la prochaine leçon. 17. Le montage: Le montage, le montage. Le moment le plus excitant une fois le tournage terminé. Une fois que nous avons enregistré le son, eh bien, une fois que nous avons eu tous les éléments avec lesquels nous allons assembler le film, il est temps de procéder au montage. Mais il y a une capacité que le réalisateur doit développer en matière de montage, dont les fondamentaux proviennent de la phase d'écriture du scénario ? Évidemment, dans cette affaire, le script. Il est également important, je veux dire, que le membre de l'équipe ait les directives nécessaires pour maintenir l'ordre des scènes et aussi quels sont les meilleurs plans, les meilleures séquences et les meilleurs sons enregistrés. Pour avoir une idée fiable de ce que l'éditeur va utiliser dans le montage. Mais la vérité est qu'en matière de réalisation de films, tout n'est pas complètement réglé Cela signifie que des choses inattendues se produisent. Je veux dire, des imprévus qui sont souvent bons et on ne se rend parfois pas compte ces détails au moment du tournage Parfois, nous ne sommes pas conscients de certains détails que l'appareil photo a réussi à capturer pendant les prises de vue, car nous sommes distraits par tellement de choses qu'il est possible que de très bons éléments ou détails échappent à notre Cependant, lorsque nous visionnons les séquences pour la première fois , je parle des données, nous devions être capables d'en extraire de nouvelles choses, des éléments qui correspondent au film, qui nourrissent l'histoire, qui la font grandir Parce que nous devons avoir des signifiants qui nous aident à accompagner toutes les idées qui ont été tournées sur la base du scénario Une fois les données visualisées, la deuxième tâche consiste à déterminer quels sont les meilleurs moments de chaque scène. En tant que réalisateurs, peut-être pendant les tournages, nous avons demandé au scénario de prendre note d' une scène spécifique que nous trouvions bonne, par exemple Mais peut-être que plus tard, lorsque nous visualisons la matière première, nous nous sommes rendu compte qu'un autre sinus est plus gros et que nous devions être capables de le détecter Les bons éditeurs le font généralement, mais nous ne pouvons pas leur laisser toute cette responsabilité. En tant que réalisateurs, nous devons sélectionner les meilleurs moments des prises de vue. N'oubliez pas qu' en général, plusieurs plans d' une même performance sont enregistrés sur plusieurs prises. Nous devons avoir la sensibilité nécessaire pour utiliser le meilleur des meilleurs en termes de cinématographie, de couleur, de caméra et de performance des acteurs Je sais que vous vous demandez peut-être en ce moment : que fait le rédacteur en chef ? Les éditeurs sont donc censés le faire eux-mêmes. Le problème, c'est que vous êtes celui qui a la vision du film. Si le rédacteur est vraiment bon, il fera le travail mieux que vous. Mais j'insiste pour que nous commencions à faire des films. Cela ne se produira pas dans le projets comportant peu d'objets, par exemple. Il y a toujours des limites de toute nature. Parfois, les éditeurs qui ne sont pas en mesure de le faire perdent l'opportunité de faire un excellent travail . Bien, qui ne sait pas comment choisir les meilleurs plans et séquences. Il est dommage que votre projet lequel vous avez travaillé si dur pour le rendre possible soit un gâchis à cause de cela. Mais qu'est-ce qui est essentiel dans le montage ? Quel est le principe le plus fondamental ? Le montage doit commencer par le scénario. Comme nous savons que la page du scénario dure 60 secondes, nous devrions être en mesure de modifier cette page pour obtenir total de 60 secondes lors du montage. En d'autres termes, les données contiennent probablement un grand nombre de séquences liées à une page du scénario, mais le monteur doit organiser ces séquences de manière à ce qu'elles ne dépassent pas ces 60 secondes. Le problème est que si vous dépassez ce temps à un moment précis du scénario, vous pouvez détruire le rythme et la narration du film. Je veux dire, la période non diététique. chose la plus intéressante à propos de ce processus est qu'il nous permet de découvrir combien durent réellement les actions d'une histoire. En éditant, nous deviendrons meilleurs rédacteurs, car parfois nous essayons presser un sinus pour regrouper une action assez longue en un seul paragraphe, cette action dure en fait plus d'une minute. Le problème, c'est que si nous écrivons cette action dans une partie narrative du script, qui devrait durer 35 minutes au total, nous ajoutons des minutes et des minutes supplémentaires à cette partie du scénario et, par conséquent, nous détruisons le rythme et l'emplacement des points de l'intrigue dans l'histoire. Tout cela est lié à la structure que nous avons déjà vue dans les leçons précédentes. Peut-être que si nous le faisons en une ou deux séquences d' un long métrage, ce n'est pas un problème. Je veux dire, nous dépassons une minute ou même deux dans un sens précis. Mais lorsqu'il s'agit de réaliser un court métrage différemment, cela est affecté car la plupart des courts métrages sont censés durer 15 minutes ou moins. Cette équation exponentielle qui consiste à ajouter des minutes aux séquences va vraiment vous poser problème Tout ce processus va vous faire changer d'avis en tant que réalisateur, car vous allez devoir développer des compétences narratives qui vous permettront de résumer une partie du scénario. Je veux dire, en sachant ce qui est vraiment important ou non pour le scénario, la vérité est qu'en tant que réalisateurs, lorsque nous tournons une série de scènes, nous devons faire un montage dans notre esprit. En fait, je pense que cela devrait commencer dès le processus d' écriture, mais la seule façon de devenir un meilleur écrivain est de savoir combien de temps dure réellement une scène, ou une unité, une faction de celle-ci. L'un des conseils que je vous donne est que lorsque vous écrivez, essayez d'utiliser des pièces musicales pour contrôler le temps des actions. De cette façon, vous pourriez répéter avec les acteurs au rythme et à l'heure de ces pièces musicales Vous saurez exactement combien durent les actions et le scénario. D'autre part, il faut faire très attention à la musicalité et au rythme de la scène L'émotion doit être contrôlée dans le déroulement des scènes car il faut parfois les échanger pour ne pas gêner le spectateur. Il est possible qu'une partie du scénario comporte une très forte charge émotionnelle entre les scènes émotionnelles consécutives du montage, mais nous sommes en mesure de résoudre ce problème. Je veux dire, de la même manière qu'un fils comporte plusieurs parties que le public détend et excite à certains moments Nos films auront également cette fonctionnalité. En résumé, je dirais que éléments les plus importants sont les suivants la sélection et le filtrage des meilleurs moments des plans et des scènes N'oubliez pas que le rythme et les mouvements des scènes sont censés être esthétiques et agréables pour le spectateur. De plus, le plus important est que si nous travaillons avec un scénariste, tant que nous avons plus de compétences en montage, nous serons également en mesure de mieux communiquer avec ce scénariste Parce que nous saurons si ce qu'ils écrivent a du sens ou non. Peut-être que le scénariste vient de la littérature et que nous devrions l' emmener dans le domaine du cinéma Tous ces détails sont importants à réaliser. Comprenez combien de temps les actions durent réellement sur le papier. D'autre part, il existe de nombreux logiciels pour le montage de Premiere, Abbott, Da Vinci, ils sont tous parfaits. D'autre part, les éditeurs corrigent généralement les couleurs des images. Mais à un niveau vraiment professionnel, il existe deux métiers complètement différents. La correction des couleurs nécessite vraiment une technique d'une autre nature, également un appareil spécifique, et des écrans spécialisés pour corriger correctement la couleur des images. Le plus important dans le montage est de savoir que le film n'est pas prêt tant que le montage n' est pas terminé. De plus, s'il y a quelqu' un qui peut devenir un grand scénariste de film, c'est un monteur, car il doit presque toujours réparer les erreurs commises précédemment dans le scénario. Les monteurs professionnels ont vu tant de séquences et de scènes, ce qui leur a permis d'avoir suffisamment d'idées sur le rythme et la structure émotionnelle d'un mondage autre côté, lors du montage, vous pouvez parfois réparer des erreurs de direction ou corriger la cinématographie en termes de quantité de lumière que l'AC devrait avoir Par exemple, de nos jours, il est habituel d' enregistrer avec une résolution bien supérieure à celle du produit final. Nous pouvons recadrer les photos et créer une nouvelle avec un meilleur équilibre Par exemple, il s'agit d'une seconde chance en termes visuels. En fait, c'est quelque chose de très simple qui peut être fait dans n'importe quel logiciel de retouche et qui vous permet de prendre pratiquement une nouvelle direction de la photographie à partir de n'importe quelle prise de vue. autre côté, une question que l'on me pose toujours, le monteur devrait être capable de modifier le son ? Oui, il peut le faire. Mais à un niveau non professionnel, je veux dire, si vous voulez un résultat totalement professionnel, cela devrait être fait par un concepteur sonore professionnel dans un logiciel uniquement dédié à cela. Le montage vidéo est de plus en plus accessible à tous. Je veux dire, il existe de nombreux logiciels accessibles de manière professionnelle. En fait, les Youtubeurs ou la plupart d' entre eux sont très bons pour le montage vidéo, mais une chose est d'éditer une vidéo pour Youtube ou Instagram, et une autre complètement différente est de monter un film ou un spot publicitaire Les compétences ne sont pas les mêmes. La spécialisation en logiciel n'est pas la même en réalité, et surtout, les connaissances sur le cinéma ne sont fournies par aucun logiciel de montage. Pour bien monter le cinéma, il est nécessaire de savoir tout ce dont nous avons parlé jusqu'à présent afin disposer des outils précis nécessaires pour gérer parfaitement n'importe quel logiciel pour n'importe quel projet de film. Je te vois dans la prochaine leçon. 18. Bandes sonores: Musique de films et bandes sonores. C'est peut-être l'un des sujets que je dois aborder en termes de son et de musique. Parce que la bande originale est la musique qui sera en arrière-plan de nos scènes. Sélection de l'endroit où la musique doit entrer dans le montage où elle doit commencer à jouer. Et arrêter est une tâche qui demande beaucoup de pratique. Il faut regarder de nombreux films et développer autant de sensibilité pour découvrir quelle est la musique la plus appropriée à notre histoire. Fondamentalement, cette connaissance commence par la compréhension de la notation. D'autre part, la musique diététique. La musique diététique est constituée de toutes ces chansons ou musiques produites par des éléments de l'histoire, des scènes Par exemple, dans Titanic, le petit orchestre qui joue lors la fête et même lorsque le navire coule, c'est une façon très créative d'utiliser de la musique qui fait partie de la bande originale, bien sûr En fait, dans le cas de Titanic, c'est le compositeur lui-même, James Horner, qui a composé la musique de l'orchestre Mais Quentin Tarantino l' utilise également pour des choses comme appareils de musique dans les pièces, comme les chaînes stéréo Un autre exemple est le film Braveheart. Dans ce film, dans la scène où l'on voit l'Écossais funérailles du père de Wallace jouer de la cornemuse, c'est une musique diététique extraordinaire car elle permet de relier une musique créée par le compositeur, spécialement pour le film, à la réalité de l'histoire Cela donne une valeur ajoutée au film car non seulement le public entend les mélodies, mais les personnages les entendent également Un autre défi lorsque l'on essaie de déterminer ce que sera la bande originale est savoir comment choisir la touche émotionnelle exacte que la musique peut avoir. Ce ton émotionnel est lié à l'époque à laquelle nous réalisons le projet de film. Quand je dis heure, je parle de l'année. Ce que je veux vous dire, c'est parce que peu importe à quel point nous aimons ces bandes sonores des années 90 ou plus, la musique des films a changé et continue En tant que réalisateur, nous devons comprendre que la technologie a changé la musique et nous devons connaître ces changements en termes de son et comment l' orchestration traditionnelle est passée à l'orchestration numérique Bien entendu, toutes les sensations générées par la musique dépendent du genre du film. Mais pour ce qui est de ce que je vous ai dit à propos du mélange de musique et de technologie, les mains en sont un exemple. Il y a une scène du Moving Interestler, laquelle Hand Simmers déploie toute sa puissance compositionnelle grâce à des instruments synthétisés numériquement afin de créer une musique qui représente la taille de cette grande vague marine de cette planète pleine d' eau Il a réussi à utiliser les basses fréquences des instruments numériques pour créer une expérience immersive dans cette vague de mer géante qui traverse le ciel. C'était évidemment le souhait du réalisateur, Christopher Nolan, qui a dit à Han que j'avais besoin d'une musique qui représente toute la puissance de cet océan inconnu D'autre part, en tant que réalisateurs, nous devons être conscients de l' utilisation des basses fréquences. Par exemple, cette musique sonne à une fréquence suffisamment basse pour ne pas entrer en collision avec le son d'un sinus dans les boîtes de dialogue, par exemple Cela n'était pas possible 20 ans parce que la technologie ne le permettait pas, parce que les orchestres traditionnels ne peuvent pas atteindre une fréquence aussi basse Mais de nos jours, vous pouvez le faire car instruments numériques peuvent atteindre presque toutes les fréquences. Même pour un effet déclencheur parfois aussi bas que le tampon de soupe. Cela signifie que les compositeurs utilisent ces éléments pour créer des choses que le compositeur des années 90 n'était pas capable de créer Regardez cet exemple de bande son que j'ai composée pour l'une des myosines utilisant des basses fréquences. Oui aussi. vois, je presse du vin, tu es Catalano pour moi, Papa Mata Yago Pepa, quand je jure que P. Pedro y va, oh moi. Comment remarquez-vous à quel point c'est intéressant C'est une bande son entièrement composée d'instruments numériques. Il propose également des arrangements d'orchestration traditionnels utilisant la technologie multimédia, mais il a un son contemporain Il est nécessaire de comprendre cette langue, afin de pouvoir communiquer correctement avec les compositeurs. Pour favoriser ce processus de communication, il est nécessaire de comprendre que le notation est le processus par lequel nous ajoutons des pièces musicales de toutes sources au montage, au montage afin d'assembler les scènes avec le rythme et la musique possibles . C'est extrêmement important car il n'y a aucun moyen de décrire exactement type de musique que vous voulez pour votre film. Le compositeur doit avoir des références claires en termes d'instruments, de tonalité, de mélodies et de rythme C'est très courant, même au niveau professionnel. Vous pouvez imaginer à quel point il est courant de simplifier cette erreur parce que vous n'aviez pas cette connaissance, qui permet à un compositeur de faire la musique sans lui donner aucune référence. Je veux dire, juste lui parler et essayer de décrire avec des mots la musique que tu veux. Cela fera perdre beaucoup de temps et d'efforts au compositeur . En tant que réalisateur, vous devez être capable de donner suffisamment de références au compositeur en utilisant la notation. Le compositeur vous dit honnêtement s' il est capable ou non de faire cette musique. Les photos que vous regardez en ce moment proviennent du casting du film, qui a une note extraordinaire, bien sûr, une excellente bande son d' Alan Silvestre Vous savez que le personnage laisse une grande partie du film sur l'île. Nous n'entendons aucune musique. Seul le bruit de la mer dans le silence nous parle de la solitude du personnage. Mais ce n'est que lorsqu'il quitte l'île sur le radeau et traverse cette grosse vague pour échapper à ce moment où il continue de rouler vers l'océan. Puis il fait demi-tour et aperçoit l'île de l'extrême droite. À ce moment-là, la musique commence à jouer. Cette musique composée par Alan Silverstreet. Pourquoi est-ce que ça joue juste là ? Parce que maintenant nous retrouvons l'île de mémoire. La musique représente donc tout ce que le personnage ressent à l'intérieur de lui-même. Une fois qu'il est parti et qu'il a dit au revoir à l'île avec ses yeux, nous n'avons pas besoin de retrouver des souvenirs de ce qu'il a fait sur l'île. Nous l'avons déjà vu. Et nous l'avons dans notre mémoire. De la même manière que le personnage l'a maintenant. Nous ressentons simplement la même chose que le personnage. Je veux dire, nous nous souvenons de son amour, de ses pleurs, de ses efforts et du temps qu'il a passé sur l'île. Ce sont ces moments qui nous font tomber amoureux du cinéma. C'est une façon extraordinaire de prendre des notes. de noter que le compositeur n'a pas eu besoin de créer trop de musique pour le film, car seule la bonne quantité était nécessaire pour une scène spécifique. Il y a des films qui contiennent beaucoup de musique et ils sont également extraordinaires. Mais même si j' essaie de bien intégrer la musique, pour ne pas faire ce que font habituellement les mauvais films, je veux dire écrire 2 heures de musique, puis baisser et augmenter le volume de la musique tout au long du film Enfin, je vous recommande vivement d'écouter beaucoup de musique. Nous aimons tous la musique. Plus nous écoutons de musique, plus nous aurons d'outils pour communiquer avec le compositeur et les éditeurs. Merci beaucoup et je vous verrai dans la prochaine leçon. 19. Effets spéciaux et effets visuels: Les effets spéciaux et les effets visuels. S'il y a quelque chose qui va avoir un impact direct sur l'objet du film, c'est la quantité d' effets spéciaux et visuels que notre film peut avoir. Cependant, nous devons essayer de ne pas considérer les effets spéciaux ou les effets visuels comme des éléments susceptibles de mordre l'objet de votre film, limitant ainsi les possibilités de fabrication. Nous devons essayer de ne pas y voir quelque chose d'impossible avec des moyens limités. Au contraire, nous avons dû y voir la possibilité de faire des choses incroyables en tant qu'administrateurs indépendants. Je veux dire, en utilisant correctement les effets spéciaux et visuels, nous avons eu la chance de faire des choses qui seraient peut-être impossibles à faire de manière traditionnelle. Tout d'abord, nous avons dû différencier les effets spéciaux des effets visuels. C'est quelque chose de très simple. Les effets spéciaux sont des effets créés physiquement, tels que des blessures, de véritables explosions, des feux de sang. Mais d'un autre côté, les effets visuels peuvent être exactement les mêmes en utilisant un appareil informatique, en utilisant l'ajout de technologies numériques. Lorsqu'il s'agit de créer des effets, il est toujours préférable de commencer par comprendre bases des effets cinématographiques, à savoir les couches d'observation Lorsque j'ai commencé à travailler sur des films historiques, j'ai compris le sujet des couches d'observation rencontrées fournisseurs qui proposent des services personnalisés pour tout type de projet de film. J'ai compris qu' en fonction du type de plan et des caractéristiques du projet de film, tous les détails qui apparaissent à l'écran , en termes de costumes et d'accessoires, seront élaborés avec plus ou moins de détails Je demandais un devis pour certains fusils à hélice à l'époque, destinés à un grand nombre de soldats Et la première chose qu'ils m'ont demandé, c' quelle distance se trouve cette armée sur les lieux ? Est-ce qu'ils ont l'air loin ? Est-ce qu'ils regardent à proximité ? Parce qu'en fonction du nombre de détails des fusils visibles sur l'appareil photo, il allait être nécessaire de mettre plus ou moins de détails sur les fusils, augmentant ainsi le jet arrière élément fondamental lors de la réalisation d'un film Imaginez que cela se traduise de façon exponentielle par rapport à une production de grande envergure. Nous pourrions dépenser beaucoup d' argent à faire des choses inutiles, gaspillant ainsi le back jet Ce sujet n'est pas seulement pour les réalisateurs, mais aussi pour les bons producteurs de films. Je vais vous donner un exemple. Supposons que ce soit le cliché. Regardez à quelle distance se trouvent ces fichiers audio à cette distance. Il n'est pas possible de voir les petits détails, les données devaient être totalement réelles. Je veux dire, il n'est pas nécessaire que toutes ces coutumes soient réelles. Par conséquent, il n'est pas non plus nécessaire que tous les effets à cette distance soient des effets spéciaux. Parce que si nous mélangeons ce plan général à un plan plus rapproché où apparaissent peut-être six ou dix soldats, je veux dire qu'il y a peu de soldats qui ont des fusils et des vêtements complètement authentiques Le spectateur ne doutera pas que les fusils et les vêtements utilisés lors de cette prise de vue à distance sont exactement les mêmes La même illusion visuelle se produit avec les effets visuels. Ainsi, lorsque nous utiliserons des effets visuels pour remplacer des choses que nous ne sommes pas en mesure de faire, nous pourrons jouer avec même principe pour le faire. Bien entendu, nous utiliserons des effets spéciaux de près et, d'autre part, effets visuels de loin, ce qui nous permettra d'économiser beaucoup d'argent. En ce qui concerne le processus d' attention humaine, il est important de savoir comment fonctionnent les effets visuels et les effets spéciaux. Lorsqu'une personne regarde un film, son psychisme augmente de 20 points en raison de sa motivation En d'autres termes, le spectateur peut vraiment savoir si un effet visuel est convaincant ou non. Cela ne doit pas être sous-estimé. Par conséquent, pour convaincre le spectateur avec nos effets, il est nécessaire de jouer avec la durée des prises de vue, en particulier lorsque les effets visuels ne sont pas de la plus haute qualité. Donc, ce que j'essaie de vous apprendre , c'est que dès le début, vous deviez savoir quels sont les plans de votre tournage, où seront placés les effets visuels dans ces plans et quelle est la durée de ces effets visuels. Tout cela, de sorte que les concepteurs de défauts avaient de réelles chances de produire ces effets. Cela peut être des chevaux de feu, des explosions, la météo, une armée numérique, etc. Je vais vous donner un exemple si vous voulez créer une armée de chevaux. Je veux dire, vous voulez avoir une armée de chevaux sur le dos, mais vous n'avez que cinq chevaux sur le plateau. Vous pouvez parfaitement combiner des plans rapprochés de ces cinq chevaux avec un gros plan, avec une armée complète de chevaux créée avec trois d'entre eux. Modélisation. Parce que dans le contexte d'un film indépendant, il est plus facile de recruter quelques bons chevaux puis d'engager un animateur en trois D pour concevoir le reste des chevaux de manière assez intelligente, en ne montrant pas trop de détails, obtenir un look totalement professionnel Vous ne pouvez pas imaginer combien de films vous avez vus dans lesquels cette stratégie a été utilisée. Et tu ne l'as pas remarqué. Rappelez-vous encore une fois que les effets spéciaux sont ceux qui sont réalisés physiquement sur le plateau et les effets visuels sont ceux réalisés numériquement. autre côté, malgré les avancées technologiques, certains réalisateurs préfèrent utiliser des effets réels plutôt que des effets numériques. Il a fallu apprendre à les mélanger le mieux possible pour provoquer la sensation visuelle. Les deux types d'effets nécessitent des ressources, nécessitent du Bok Jet, car les effets spéciaux nécessitent des objets, des substances, des cascades, des carburants liquides et des produits spécialisés. D'autre part, les effets visuels nécessitent une équipe spécialisée qui doit passer des heures et des heures devant un ordinateur à travailler dessus. Vous êtes donc censé commencer à planifier cela dès le début, dès le scénario. Le scénariste, de mon point de vue, doit apprendre à écrire un scénario basé sur un type de projet spécifique Je veux dire, si je dois écrire un film indépendant, moins en termes d'effets visuels et d'effets spéciaux, les scènes doivent être écrites dans le contexte d'un film indépendant. Nous ne pouvons pas écrire des choses impossibles à faire. Jetons un coup d'œil à ça. À l'écran, vous pouvez voir un exemple de ce que je suis en train de vous dire. Nous allons voir des chevaux dans la scène, et les premiers chevaux que nous verrons sont évidemment réels. Mais ensuite, sur le plan où la maison brûle, en arrière-plan, les chevaux sont conçus avec des effets visuels. Lorsque vous voyez cette scène pour la première fois, vous n'en doutez pas. Parce que si vous vous concentrez sur l'histoire et que vous voyez auparavant les vrais chevaux, vous ne douterez pas que les chevaux vous verrez plus tard sont des faux. Plus tard, il y a même une autre scène où une armée s'approche d'une montagne à ce moment de l'histoire. Si vous vous concentriez sur l'histoire, vous n'allez pas vous demander si les soldats sont réels ou non. Et cela est dû au processus d'attention humaine. Je vais vous laisser la scène sacrée, afin que vous puissiez tout voir plus en détail. Il l'a remarqué peut-être en le voyant isolément en ce moment, vous êtes en mesure de le remarquer. Mais la vérité est qu'à ce stade de l'histoire, vous avez déjà vu plusieurs scènes réelles avec de vrais chevaux et soldats. Il est donc peu probable qu'ils soient réels ou non en un seul coup. La photo n'est pas si longue. Comme je vous ai déjà dit qu'ils ont été fabriqués numériquement, vous êtes peut-être qu'ils ont été fabriqués numériquement, prédisposé à les voir de cette façon. Mais si vous regardez le film pour la première fois, il est très difficile de le remarquer. Par exemple, regardez cette bataille au début. En fait, même en termes de production, on peut dire s'ils ont réussi à mener cette bataille avec des chevaux, des accessoires, etc. Vous ne vous demanderez pas pourquoi ce petit groupe de soldats à la fin ne serait pas réel. Remarquez qu'il y a des soldats qui portent des uniformes bleus. Les soldats que nous avons vus à la fin s'approcher de la montagne étaient également bleus. Vous pouvez ajouter autant de facteurs de référence qui aident à effectuer lecture précise si vous souhaitez obtenir la lecture précise que vous souhaitez concernant cette scène Bien entendu, James Cameron est un expert dans ce domaine, car il a réussi à le faire de telle manière dans Terminator et Titanic que même si vous êtes un professionnel, et que vous remarquez qu'il y a éléments numériques mélangés à des prises de vue réelles, vous n'allez pas vous en plaindre car tout est si puissant que vous n' allez pas trop vous concentrer sur effets visuels. Je veux dire, ce que j'essaie dire, c'est que la meilleure stratégie pour masquer un effet spécial et visuel est d'avoir une bonne histoire lorsque le spectateur est connecté tout au long du film. Ils ne sont donc pas censés prêter attention à ces détails, sauf s'ils sont vraiment mauvais, bien sûr. Mais d'une manière générale, comme vous l'avez vu jusqu'à présent, il s'agit d'un mélange de divers facteurs et éléments distrayants Qu'est-ce qui donne aux effets spéciaux et visuels un aspect réel ? Mais vous vous demandez peut-être ce que vous pouvez faire pour accéder à la technologie numérique afin de créer les effets visuels. Bien entendu, il existe certains types d' effets visuels pour lesquels vous n'avez pas besoin d'un grand expert professionnel pour les rendre réalistes et suffisamment beaux pour votre histoire. Les effets de coups de feu et de sang que vous avez vus ont été créés à partir d'une bibliothèque qui existe depuis quelques années et qui s'appelle Action Essentials Ces bibliothèques ne sont rien que de courtes vidéos contenant tous ces éléments tels que des étincelles, des explosions, du sang, de la poussière, etc. Et ces petites vidéos sont enregistrées avec un écran vert ou un fond vert. Ensuite, avec le processus chromakey, ils suppriment l'arrière-plan Ils proposent ensuite une application, ces petites vidéos sous la forme d'un produit appelé Action Essentials. Idéalement, vous devriez faire ces vidéos vous-même, mais cela demande de l'argent. Bien entendu, si vous n' avez pas assez d'argent pour créer ces effets visuels à partir de zéro, je vous recommande vivement d'acheter Action Essentials ou toute autre vidéo similaire que vous pouvez trouver en ligne. Parce que la mauvaise solution serait d'essayer de faire l'entreprise qui a conçu les Action Essentials, mais sans avoir assez d'argent pour le faire. Donc, si vous déménagez, vous aurez l'air d'essayer d'une manière ou d'une autre de paraître professionnel et d'échouer. chose la plus importante à propos ces connaissances est de réussir, car même d'avoir tout l'argent du monde. N'oubliez pas que si vous n'avez pas une bonne histoire, public d'un bon projet est susceptible devenir plus attaché aux effets spéciaux qu'aux personnages, ce qui est absolument préjudiciable au projet de film. Je te vois dans la prochaine leçon. 20. Mettre fin à l'art de la cinématographie: Eh bien, ce cours de réalisation de films vise cette fin. Le plus important, c'est que je vais éventuellement le mettre à jour avec d'autres leçons, notamment en ce qui concerne la compréhension du langage cinématographique Je pense que c'est essentiel pour devenir de meilleurs cinéastes, de meilleurs vidéastes et pour mettre tout en pratique Comme je vous l'ai dit, consommez de l'art de qualité, développez votre propre sensibilité aux images animées, ainsi qu'à la dimension sonore. Eh bien, si vous aimez ce cours, vous pouvez me laisser un avis car il m'aidera beaucoup à créer des cours encore meilleurs que celui-ci. Jusqu'à la prochaine fois.