Montage de films et de vidéos avec Adobe Premiere Pro - L'art du montage de films

1. Montage de films et de vidéos avec Adobe Premiere Pro L'art du montage de films: Bonjour, je m'appelle Badillo Perez. Je suis réalisateur, acteur et scénariste. J'écris, tourne et édite mes histoires depuis plus de dix ans, travaillant pour le cinéma et la publicité. Pendant ce temps, j' ai utilisé tout ce j'ai appris dans la meilleure école de cinéma d'Espagne, en travaillant devant et derrière la caméra. Mais surtout, le fait de passer des milliers d'heures devant mon ordinateur à essayer de créer chacune de mes œuvres dans de nombreux logiciels de montage, montage de films et de vidéos m' a permis de réaliser tous mes rêves. Qu'il s'agisse de monter mes propres clips musicaux de modifier chacune de mes histoires étape par étape, j'ai créé ce cours pour partager tout ce que je sais sur le montage vidéo et cinématographique. Ce cours ne vise pas seulement à apprendre à utiliser le logiciel Adolph Premiere, mais aussi à apprendre les bases essentielles du montage que vous allez utiliser à partir de maintenant, quel que soit le logiciel que vous avez devant vous À la fin de ce cours, vous aurez donc une compréhension complète de la manière de modifier des vidéos et des fichiers audio à l'aide d' ado premiere pour travailler sur n'importe quel projet de film. Voyons le contenu de l' atelier et du montage de films. Ce cours est conçu pour vous permettre d' acquérir des connaissances théoriques et pratiques. Dans le premier module, vous apprendrez les outils fondamentaux d'un V Premier, qui vous permettront de maîtriser le logiciel afin pouvoir commencer à éditer le plus rapidement possible. Tous ces outils pour automatiser le texte, modifier la taille de la vidéo, stabiliser les prises de vue, tout ce dont vous avez besoin pour optimiser le master Premiere Mais dans ce même module, vous allez apprendre les bases du montage, afin d'apprendre à échantillonner des plans de manière professionnelle dans le cadre d'un projet de fiction. Vous devez connaître le concept du sol figuré. Vous devez savoir ce que sont les points de suspension, l'importance de chronométrer un cliché, l'importance de la couleur dans le péché Vous devez savoir comment le rythme du montage dans un clip vidéo est déterminé. Et vous allez apprendre tous ces sujets étape par étape , depuis l'étape de compréhension du scénario d'un film pendant le processus de montage jusqu' au moment où vous améliorerez la qualité visuelle des images. Dans le deuxième modèle, nous allons aborder la correction des couleurs et l'étalonnage des couleurs La plage dynamique est un concept qui va au-delà des aspects techniques d'un format. Il s'agit en fait d'une illusion d'optique qui peut être obtenue au-delà de la résolution d'une image. Et je vais vous le montrer étape par étape du point de vue d'un peintre, car j'ai passé toute ma vie à développer ma sensibilité aux couleurs par le biais de la peinture. De plus, vous apprendrez à ajouter des effets visuels étape par étape. Et je vous laisserai du matériel téléchargeable afin que vous puissiez ajouter ces effets visuels à vos vidéos. Dans le troisième module, nous travaillerons en profondeur sur le design sonore. Étape par étape, nous allons construire le design sonore de Sin à partir de zéro. De cette façon, vous aurez des connaissances que la plupart des éditeurs ignorent. Cette connaissance vous donnera un avantage sur les autres. Tout cela se retrouve bien davantage dans cette expérience cinématographique. N'oubliez pas qu'en tant que projet pour ce cours, vous devez tirer parti d' une scène très simple où vous vous réveillez et vous préparez dans votre chambre. Tout ce dont vous avez besoin est de vous enregistrer avec un smartphone puis de le modifier sur votre ordinateur en utilisant toutes les connaissances de ce cours. Je m'appelle Valles et voici mon atelier de montage Fom. 2. Ellipse, temps et couleur dans la première approche de montage: Bonjour à tous. Bienvenue dans cette belle occasion d' en apprendre davantage sur le montage de films. Nous allons commencer par ce premier modèle dans lequel nous allons voir en détail les outils narratifs fondamentaux que vous devez connaître pour commencer à éditer. De plus, c'est bien sûr dans ce cadre que nous allons apprendre à utiliser Adobe Premier. Il est nécessaire d'aborder principaux outils qui, de mon point de vue, sont ceux nécessaires pour aborder n'importe quel projet de montage, n'importe quel projet de film. Le montage de films et le montage vidéo ne sont pas un simple problème technique. Ainsi, en apprenant à utiliser le logiciel Adobe Premiere, nous apprendrons des choses importantes liées au montage et à la réalisation de films Dans ce même modèle, nous allons découvrir le processus d'assemblage des plans. Je pense que c'est fondamental pour la fiction. Au cours de ce premier modèle, nous allons voir plusieurs leçons à ce sujet. Où nous passerons en revue le même concept mais dans des exemples différents. Je veux dire des exemples professionnels que nous allons éditer dans le premier logiciel et d'autres exemples professionnels à l'écran. Toutes ces connaissances font partie de ce que j'ai appris dans le cadre de mon master de scénarisation en tant que meilleure école de cinéma d'Espagne. Scag, ne manquez pas l' occasion de l'apprendre. Commençons une bonne fois pour toutes par cette leçon théorique. La première chose que vous devez savoir est que dans le processus d'édition, il existe trois concepts fondamentaux ou outils narratifs que vous devez utiliser lors de l'édition. Lorsqu'il s'agit d' un projet de film. d'un projet de fiction, le montage de film est essentiellement une étape supplémentaire de l'écriture d'un scénario, car il arrive qu'un script soit écrit pour pouvoir enregistrer tous les plans qui représentent ce script ou moins se rapprochent de ce script Mais dans le processus de montage, nous allons joindre les plans pour indiquer le contenu du script. Au cours de ce processus, des problèmes et des difficultés impossibles à voir pendant le tournage surgiront Pendant l'écriture, c'est également la dernière étape de l'écriture, car le script n' est pas le film, mais le montage est le film. Faites donc attention à son importance. Ces trois concepts sont donc les ellipses, le temps et la couleur. Commençons alors. L'ellipse est un outil narratif qui permet de résumer les informations d'une histoire Je veux dire des moments omis dans une chaîne d'événements pour raccourcir la durée du film Il permet de sauter certains moments qui n' interfèrent pas avec la compréhension de l'histoire. Cela va se produire pour une raison très simple. Le public voit une scène et comprend déjà ce qui a pu se passer entre les sauts temporels. Je veux dire, qu'est-ce qui aurait pu se passer avec ces informations que je ne vous montre pas parce qu'elles sont comprises Voyons donc cet exemple qui est un très bon exemple dans le film 12 Years Slave. Il y a un moment où Solomon demande de l' aide à un homme qui travaille comme charpentier Les acteurs ? Brad Bet. En effet, regardons la scène et je vous dirai ensuite que je suis originaire du Canada. Je suppose que là où c'est, je sais où se trouve le Canada. J'y suis moi-même allé, à Montréal, à Kingston et à Queenston, de nombreux endroits très fréquentés à Montréal, à Kingston et à Queenston, par les esclaves Comment êtes-vous arrivé ici, Maître Bash ? Si justice avait été rendue, je ne serais jamais venu ici. Comment est-ce que ça peut me dire tout ce que j'ai peur de te dire ? Chaque mot que tu prononces est profond. Secrètez votre histoire. C'est incroyable et ce n'est pas une bonne chose. Croyez-vous, monsieur, en la justice, comme vous l'avez dit, moi aussi. L'esclavage est un mal, il ne devrait s'abattre sur personne Comme vous avez pu le constater, à ce moment-là, le film est presque terminé, je pense qu'il reste quelques minutes pour le terminer. Je veux dire, il n'y a aucune raison de raconter à nouveau l' histoire de Solomon. Salomon est donc censé raconter son histoire à cet homme. Cette histoire que nous connaissions déjà. C'est tout ce que nous avons vu dans le film jusqu'à ce moment-là. C'est pourquoi il y a un saut narratif direct entre le moment où Solomon demande de l' aide et le moment où le personnage de Brad Pitt le lui dit. C'est une histoire incroyable, pas dans le bon sens si le saut est une ellipse. Nous n'avons pas besoin de montrer Solomon racontant l'histoire à l'autre personnage. Mais comme nous connaissons l'histoire en tant que public, nous pouvons imaginer ce qu'il a raconté à l'autre personnage. Cette stratégie narrative permet donc de réduire le ***gth du montage Dans tous les cas, nous verrons un autre exemple pratique ultérieurement. L'autre élément important est le temps. Le ***gth d'un cliché change le sens d'un cliché C'est très important, nous allons en voir un petit exemple très rapide dans l'une de mes œuvres, 2012. Dans cette scène, qui est en fait un flashback, je parle d'un souvenir, on remarque que le personnage regarde la famille, la famille indigène, mais surtout que le personnage regarde fixement la famille lorsque la scène dure longtemps Le changement de regard dure longtemps. Mais il arrive que ce processus de recherche de secondes suscite des attentes chez le public. Parce que le personnage ne regarde pas simplement quelque chose pour le reconnaître, mais qu'il regarde l'enfant pendant longtemps pour peut-être deux raisons. La première est que le personnage est peut-être ému par ce qu'il regarde. Je veux dire, la famille avec sa fille lui semble très tendre. Mais d'un autre côté, peut-être qu'il veut fonder une famille ou peut-être que c'est sa fille. Je ne sais pas. Tellement de choses que vous pouvez imaginer du simple fait qu'il regarde quelque chose depuis longtemps. Parce que plus le public passe de temps, plus de questions seront posées. L'autre élément est la couleur. Le résultat chromatique est important dans la même scène. Comme il s'agit de flashbacks, vous pouvez remarquer que pour que ces scènes soient prises comme des flashbacks, il est nécessaire d'utiliser une correction de couleur différente à ces moments-là afin de donner plus d' informations au public Je veux dire, ils doivent être conscients du fait que ces scènes se situent à un moment différent de ceux qu'ils regardaient auparavant. Voici un autre exemple de flashback. On suppose que le personnage se souvient d'un moment passé avec natif qu' il a rencontré. Comme vous pouvez le constater, la mémoire possède une autre correction de couleur, un autre étalonnage des couleurs De plus, la couleur est également liée aux mouvements et à l'éclairage lors de la correction des couleurs. Vous n'êtes pas censé sélectionner une couleur pour la scène qui pourrait nuire au mouvement de la scène. Comme vous avez pu le constater, ce sont des éléments très importants lorsqu'il s'agit de raconter des histoires par montage. Peu importe qu'il s'agisse d'un film ou d'une publicité. Peu importe qu' il s'agisse d'une vidéo Youtube. Tous ces outils sont utilisés pour raconter une histoire correctement. Plus tard, nous verrons un autre élément important lié au montage des plans , à savoir l'ordre des plans. Mais nous verrons cela dans une autre leçon, jusqu'à la prochaine fois. 3. Équipement recommandé: Le but de cette leçon est de vous donner mes recommandations concernant l'équipement. Vous devriez avoir à éditer des vidéos de manière professionnelle depuis chez vous. Tout d'abord, il vous faut un bon ordinateur. Cet ordinateur doit se distinguer par trois caractéristiques principales. Tout d'abord, une bonne unité de traitement graphique, qui vous permet d' avoir un bon flux de travail lorsque vous travaillez avec les formats actuels. De plus, vous devez disposer d'un disque dur haut débit solide. Ce type de disque dur permettra à l'ordinateur de transmettre des informations entre le disque dur et le logiciel rapidement et instantanément. Et c'est quelque chose qui va vraiment accélérer votre flux de travail. Enfin, un bon processeur qui est également essentiel pour le montage, ce serait le plus important en termes de performances informatiques. Passons donc à la partie correction des couleurs. Je sais que la plupart d'entre vous ont des ordinateurs portables. Il y a un problème lorsqu'il s'agit de modifier les couleurs sur un ordinateur portable. Les écrans d'ordinateurs portables sont adaptés pour fonctionner même à l'extérieur. Je veux dire, l'écran peut être vu même en présence de lumière solaire. Par conséquent, presque tous les écrans ont plus de lumière que n'importe quel moniteur en a habituellement. Donc, lorsqu'il s'agit de corriger les couleurs, je recommande vivement d'avoir un moniteur supplémentaire que vous pouvez connecter à votre ordinateur portable. Peu importe s'il ne s'agit pas d'un moniteur haut de gamme. Ce sera simplement votre référence pour modifier correctement les couleurs et l'éclairage. Après tout, il vous suffit de comparer les couleurs des œuvres que vous utiliserez comme référence avec les couleurs de votre œuvre. L'écran de l'ordinateur portable vous posera des problèmes lorsqu'il s' agira d'ajouter la quantité de lumière appropriée à vos vidéos. Pour la partie édition audio, vous aurez besoin de trois éléments fondamentaux, principalement des écouteurs qui vous permettent travailler correctement le son , par exemple, les 280 sont très bons pour réussir l'édition audio. Sachez toutefois que les écouteurs ne reproduisent pas les fréquences les plus basses. Si vous souhaitez créer une conception sonore totalement professionnelle, je vous recommande vivement d'avoir une paire de moniteurs comme ceux que vous recherchez actuellement. Ce sont des moniteurs prosoniques. Ils ne sont pas si chers. Mais il arrive que pour travailler avec des moniteurs audio, vous ayez besoin d'une interface audio, qui est un périphérique qui vous permet de traiter le son ou de ne pas utiliser trop de ressources informatiques. De plus, il vous permet de connecter des microphones pour enregistrer, et c'est évidemment là que vous devez connecter les moniteurs que j'ai mentionnés précédemment. Voici toutes mes recommandations concernant l'équipement que vous devriez avoir en matière de montage vidéo et de film. Nous sommes maintenant prêts à commencer à découvrir Adobe Premier. 4. Le début Paramétrer un projet dans Adobe Premiere: Parfait, nous y sommes. Nous allons ouvrir notre logiciel de montage, qui est dans ce cas, Premiere. Je vais donc aller dans mon dossier pour cliquer sur l'icône du raccourci. Je vous rappelle que quel que soit le logiciel que vous utilisez, une fois que vous en aurez maîtrisé un, il sera beaucoup plus facile de maîtriser le reste des logiciels de montage vidéo Cette fenêtre de bienvenue s' ouvrira dans laquelle nous trouverons les projets récents sur lesquels nous avons travaillé, mais également la possibilité de créer un nouveau projet. Nous cliquons sur Nouveau projet et cette nouvelle fenêtre s'affichera immédiatement. De quoi s'agit-il ? Dans cette fenêtre, vous trouverez les paramètres généraux du projet. Principalement le nom du projet, en particulier le dossier dans lequel le logiciel enregistrera tous les fichiers temporaires qui seront créés afin que le flux de travail soit meilleur pour nous. Nous pouvons cliquer sur Parcourir et choisir le dossier dans lequel vous souhaitez enregistrer toutes les informations. Ce qui va être très important car nous devrons éventuellement supprimer des fichiers ou récupérer des fichiers. Par défaut, le logiciel les enregistre dans le dossier Documents de Windows ou Mac. Tout d'abord, nous allons nommer notre projet ici. Nous allons noter le montage vidéo par exemple. Vous pouvez voir que ci-dessous, il y a trois robinets Le plus important est ce premier général. La première chose que nous allons trouver est cette boîte relative au rendu et à la lecture vidéo. Où nous pouvons changer le matériel vidéo que l'ordinateur utilisera pour travailler sur le projet, ce soit dans le moniteur général du logiciel que ce soit dans le moniteur général du logiciel ou lors de la création des fichiers finaux. N'oubliez pas que le logiciel crée constamment des fichiers afin que nous puissions voir un aperçu de ce que nous éditons ici. Dans ce petit onglet, nous pourrons choisir soit la carte GPU de l'ordinateur, notamment pour la vidéo, soit la carte vidéo intégrée à l'ordinateur. C'est très important car évidemment, lors de l'utilisation du GPU, tout est plus rapide mais aussi moins stable. Par exemple, cette erreur peut apparaître pendant que vous exportez le fichier final, ce qui signifie que la carte GPU est tombée en panne parce qu'elle est devenue trop chaude ou parce qu'elle n'est pas suffisamment alimentée pour créer ce fichier. Cela dépend du type de projet que vous modifiez. Lorsque vous soutenez le fichier final ou que vous créez les fichiers de rendu, vous pourrez utiliser l'un ou l'autre Cependant, si vous possédez un ordinateur de dernière génération, je ne pense pas que vous ayez un problème mineur. Dans ce cas, le DPU de l'ordinateur doit toujours être sélectionné Dans la boîte suivante, vous allez définir la manière dont vous souhaitez que le temps soit mesuré par images ou par temps. Pour le moment, vous ne le comprendrez pas. Je vais vous l'expliquer lorsque nous connaîtrons le calendrier, car il est plus facile de le voir et nous expliquerons d'abord comment préparer un projet. Il convient de mentionner que vous pourrez le modifier à tout moment dans ce paramètre audio. Nous serons en mesure de choisir la manière dont nous voulons que la chronologie mesure le temps de l'audio. Pour ce faire, nous devons comprendre quelle est la fréquence d'échantillonnage. La fréquence d'échantillonnage est la résolution de l'audio, c' est-à-dire le nombre d' échantillons d' enregistrement d'un fichier audio. La chronologie peut mesurer le temps de chacun de ces enregistrements, ainsi que le temps en millisecondes, qui serait le La case suivante permet de définir le type de format de capture vidéo. Il existe encore sur le marché des appareils photo qui fonctionnent avec des cassettes et aussi avec des rôles de film. Cette boîte de capture nous permet de définir la résolution à laquelle nous voulons que la capture soit afin connecter le logiciel au matériel TR, qui est l'appareil utilisé pour cela, mais en réalité c'est quelque chose qui n'est plus vraiment utilisé. Cette dernière case est liée à une possibilité qui a été donnée aux utilisateurs d'améliorer l'édition des couleurs, notamment lorsque nous utilisons des appareils photo argentiques dotés d'une plage dynamique de couleurs élevée. Cela nous permet donc d'avoir une meilleure configuration entre le logiciel et notre moniteur physique. Mais en réalité, personnellement, puisque je me consacre à la fiction, je pense que la qualité de l'image n' est pas seulement liée à la plage dynamique, mais plutôt à la qualité photographique de l'éclairage. Mais par contre, si c'est le cas d'œuvres d'animation, par exemple, où il faut vraiment respecter la couleur des paysages ou des personnages pour en tirer le meilleur parti. Nous pouvons modifier le réglage aux valeurs les plus élevées pour avoir une meilleure référence. Passons au deuxième clic. Ce deuxième robinet que nous voyons ici, rayez-le. C'est très important. Dans cet onglet, nous allons indiquer au logiciel où il va enregistrer les fichiers temporaires du projet. Ces fichiers temporaires que le logiciel va créer pour améliorer le flux de travail dans ces dossiers, non seulement les fichiers temporaires seront enregistrés, mais également les fichiers de capture. De plus, les fichiers d'enregistrement audio y seront également enregistrés dans ces dossiers. Dans le cas où nous faisons un Davin par exemple, nous devons porter une attention particulière à ce dossier Bien évidemment, nous choisissons le dossier principal dans lequel le projet sera enregistré. Mais dans ce cas, dans ce même dossier, des sous-dossiers contenant tous ces fichiers temporaires et non temporaires seront créés contenant tous ces fichiers temporaires . Je vous recommande vivement de ne pas modifier l'emplacement de ces dossiers car tous les fichiers d' même projet sont censés se trouver au même endroit. Non seulement pour maintenir l'ordre et éviter que des erreurs ne se produisent sur l'ordinateur, mais aussi parce qu' il est possible que notre ordinateur tombe en panne de façon inattendue Ensuite, nous devrons déplacer l'ensemble du projet vers un autre ordinateur Nous devons donc savoir où se trouvent tous les fichiers liés à un projet. D'autre part, dans de nombreuses occasions, nous devrons également supprimer les fichiers temporaires liés aux rendus. Je veux dire, pour libérer de l'espace sur le disque dur. Ce troisième onglet que nous avons ici concerne les paramètres d'ingestion. C'est pour quoi ? Il s'avère qu'à un moment donné, nous allons travailler sur des projets dans lesquels ils utiliseront des appareils photo argentiques. Les fichiers générés dans l'appareil photo argentique auront une haute résolution et seront assez lourds. Par conséquent, nous allons devoir les transférer sur un disque dur externe avant qu'ils n'atteignent notre ordinateur. Cet outil d'ingestion me permet de déplacer plus facilement les fichiers qui se trouvent sur le disque dur externe vers le disque dur externe vers le disque dur interne de l'ordinateur Comment allons-nous procéder ? Nous devons sélectionner cette petite case que nous voyons ici et la première d'adoption se connectera automatiquement à un autre logiciel de la même suite d'adoption appelé Medi Encoder Ce logiciel effectuera le transfert pendant que nous continuerons à travailler sur Premier. C'est un outil très utile, mais en réalité, il nécessite que nous disposions d'un ordinateur suffisamment puissant pour effectuer les deux processus en même temps. De plus, nous pouvons sélectionner un endroit où nous voulons que les fichiers du disque dur soient copiés. C'est intéressant car nous pouvons même enregistrer dans l'audio Creative Cloud ou dans le dossier que nous voulons sur l'ordinateur, nous avons la possibilité de copier les fichiers avec ou sans vérification. C'est pour quoi ? Parce que parfois les fichiers provenant de l'appareil photo contiennent des erreurs. Le logiciel nous permet donc de vérifier lesquels d' entre eux contiennent des erreurs, soit pour les corriger, soit pour ignorer le transfert de ces fichiers. Mais nous avons également la possibilité de copier sans vérification, mais d'un autre côté, nous pouvons passer à l'option de transcodage Cela me permet de copier les fichiers, mais de les convertir en un format compressé haute résolution, ce qui me permet de les modifier presque comme s'il s'agissait des fichiers originaux. Cependant, nous avons la possibilité à la fin de l'édition d'exporter à la fois en utilisant ces fichiers et en utilisant les fichiers originaux en résolution maximale. De la même manière, l' encodeur multimédia copiera les fichiers en arrière-plan pendant que nous travaillons sur la première Il existe ici plusieurs formats, certains plus lourds que d'autres, mais en général ils ont tous une bonne résolution. Ce sont des fichiers compressés, mais ils ont une résolution et des informations excellentes , ce qui nous permet de les modifier et même de les exporter sans perdre autant d'informations. L'option suivante consiste à créer des proxys. Qu'est-ce qu'un proxy ? la même manière que nous pouvons créer les fichiers compressés précédents, nous pouvons créer les proxys qui sont fichiers encore plus compressés qui me permettent de travailler avec des fichiers sans compression en haute résolution Il arrive que nous travaillions parfois avec des appareils photo argentiques qui génèrent des fichiers à quatre ou six clés ou huit clés très volumineux. Les proxies sont des fichiers jumeaux en basse résolution que Premier utilise pour ce faire et améliorent considérablement le flux de travail, comme si nous le modifiions avec un ordinateur super puissant Nous pourrons faire comme nous travaillions avec les fichiers originaux, mais lors de l'exportation, le logiciel se connectera aux fichiers originaux. Les proxys seront tes meilleurs amis. À partir de maintenant, nous les utiliserons dans des exemples plus tard. Il est important de prêter attention aux leçons où je parle de ce sujet des fichiers proxy. De la même manière, nous pouvons choisir dans quel dossier nous voulons que le logiciel enregistre le fichier, les fichiers proxy, les options sont les mêmes. Enregistrez les fichiers dans le même dossier de projet dans Creative Cloud, et vous pouvez également choisir le dossier. Nous pouvons modifier les paramètres du proxy, c' est-à-dire passer d'une très basse résolution à une fois avec une résolution supérieure. C'est très similaire au cas du transcodage de fichiers compressés À la différence que dans le cas de fichiers transcodés, presque toutes les options sont de haute qualité Il est important de comprendre que dans les cas de proxy et de transcodage, ces paramètres sont utilisés pour améliorer le flux de travail C'est leur principal objectif. C'est juste que parfois nous avons une caméra vidéo et que nous voulons effectuer rapidement des travaux qui ne nécessitent pas de super résolution. Les fichiers transcodés sont parfaits. La dernière option consiste à copier et à créer des proxys. Cette fonction me permet de créer deux dossiers distincts. D'une part, les fichiers originaux qui se trouvent sur le disque dur externe. D'autre part, dans un autre dossier, les proxies. N'oubliez pas que le codeur met transférera tous ces fichiers en arrière-plan, mais en réalité, comme je vous l'ai dit, il consomme également de la mémoire de fonctionnement des ordinateurs. Quoi qu'il en soit, nous allons continuer à parler des fichiers proxy plus tard, car je vais vous montrer comment connecter les proxys à l'édition dans le moniteur du programme Mais il est important de connaître le sujet des proxys, car la plupart d'entre vous n'ont pas de superordinateur Même les ordinateurs que nous pensons être super puissants, comme Mac de dernière génération par exemple, ont besoin de proxys. Une fois la configuration générale du projet terminée , il suffit de cliquer sur OK, et notre projet s' ouvre immédiatement. Comme j'ai déjà créé un projet précisément pour vous apprendre à utiliser le logiciel, je cliquerai simplement sur Annuler, et je sélectionnerai l'un des derniers projets récents sur lesquels nous allons travailler. Ce serait donc le plus important lorsqu' il s'agit de créer un nouveau projet. Cette première leçon se résume donc à ici, et nous continuerons à en apprendre davantage sur ce logiciel de premier plan pour adultes dans la prochaine leçon. 5. Créer une séquence Savoir les formats vidéo et le rapport d'aspect: Parfait. Nous sommes de nouveau ici dans Adobe Premiere. Dans cette leçon, vous allez voir comment créer une séquence, ce qui est selon moi la chose la plus importante pour commencer à travailler dans Adobe Premiere. Avant de commencer, je voulais mentionner un point lié à la distribution des dossiers. Lorsque nous sommes dans un projet, nous devons savoir quel est le dossier général afin de l'identifier. Nous observons simplement que le nom du projet apparaît souligné, comme vous pouvez le voir ici, lorsque nous sommes dans ce dossier. De plus, le bouton de retour n'est pas activé. Ce bouton n'est pas activé ici. Si je clique automatiquement sur ce dossier, le bouton de retour est activé. Et bien sûr, dans ce cas, ce dossier est identifié par un autre nom qui se trouve dans. Mais n'oubliez pas que vous pouvez identifier les dossiers comme vous le souhaitez, c' est-à-dire mettre le nom que vous souhaitez. J'écrirai le premier dossier. Sachant cela, nous pouvons maintenant passer à l'essentiel, à savoir comment créer une séquence. Tout d'abord, en cliquant avec le bouton droit de la souris, soit dans le dossier , soit dans cet espace ci-dessus, l'option permettant de créer un nouvel élément sera activée. Il peut s'agir d'un nouveau dossier et d'une nouvelle recherche de dossier, dans le cas où nous avons de nombreux dossiers, ou il peut également s'agir d'un nouvel élément. Dans cette dernière option, un long ensemble d'éléments apparaîtra. Mais pour l'instant, nous allons nous concentrer principalement sur le premier de la séquence. Immédiatement, lors de la création de la séquence, cette fenêtre s'ouvre dans laquelle ces dossiers avec différents préréglages apparaîtront Chacun de ces préréglages lié aux configurations des différents types de caméras avec lesquelles nous aurions pu filmer les scènes Je ne recommande pas d'utiliser l'un de ces préréglages car nous sommes censés apprendre à configurer notre séquence en comprenant chacun des paramètres que cette séquence aura Au final, nous devons être en mesure de configurer la séquence comme nous le voulons vraiment. Sans oublier que bon nombre de ces préréglages sont liés à des formats de diffusion télévisuelle par ondes qui n'existent presque plus. Nous devons accéder directement aux paramètres ici. Nous allons pouvoir choisir les paramètres spécifiques de la séquence. Le premier est le mode d'édition. Nous allons trouver ici tous les préréglages que nous avons vus précédemment mais tous affichés sur une liste Mais comme je vous l'ai dit, il sera toujours préférable de le faire nous-mêmes, de choisir les paramètres spécifiques de notre séquence. Je vous recommande de sélectionner personnalisé. sélection de la commande personnalisée permet de configurer tous les paramètres, alors faites attention à la différence. Si je sélectionne l'un des autres préréglages, notez que je ne peux pas modifier la taille de l'image, ni le champ de visualisation, ni les critiques vidéo Comme je vous l'ai dit, lorsque vous sélectionnez personnalisé, vous pouvez modifier tous les paramètres comme vous le souhaitez. Assurez-vous donc que la séquence est personnalisée. Le premier paramètre est le nombre d'images par seconde. N'oubliez pas que les images animées sont constituées de cadres qui lorsqu'ils passent rapidement les uns après les autres, génèrent un défaut de mouvement. Dans le cas du cinéma, c'est 24 images par seconde. 23 virgule 976 est exactement la même chose. Il existe d'autres configurations, comme celles de la télévision qui ont 30 images ou 60 images par seconde, mais il faut toujours le régler sur 24 images par seconde. Après cela, nous devons aller à la boîte vidéo. Dans cette boîte, nous allons trouver cinq paramètres importants auxquels nous allons prêter attention, les deux premiers, à savoir la taille du cadre et le rapport hauteur/largeur en pixels. Commençons par la taille du cadre. Ce paramètre nous permettra de définir la résolution du cadre. C'est-à-dire le nombre de pixels que comportera chaque image. N'oubliez pas que chaque format, HD two K, etc., possède un nombre spécifique de pixels Le paramètre suivant, le rapport hauteur/largeur des pixels, est lié au type de déformation que chacun de ces pixels devra adapter à un type d'écran spécifique. N'oubliez pas qu'il existe différents types d'écrans, ces écrans de cinéma allongés. De plus, les écrans des télévisions numériques et même les écrans de télévision du siècle dernier sont plus carrés, le rapport hauteur/largeur des pixels déforme les pixels pour réaliser cette adaptation Et je vais vous donner un exemple. Ici, il indique 14, 40 x 1080, mais ici, sur un côté, il indique également 169. Cela signifie qu'avec la distorsion générée par le rapport hauteur/largeur des pixels de 1,3 l'écran aurait une apparence 169, car les pixels sont étirés à la taille requise pour l'obtenir. Mais ce n'est pas la bonne façon de le faire dans un montage vidéo de cette époque. 2023. Parce qu'aujourd'hui, presque tous les appareils du monde entier ont une haute résolution et de nombreux écrans qui s'adaptent à la taille originale de la vidéo. Sachant cela, il faut revenir aux paramètres et sélectionner les pixels carrés. Faites attention au fait que dans l'onglet, il existe plusieurs options de déformation, mais je vous recommande vivement de toujours utiliser des pixels carrés afin que la forme de l'image soit réellement liée au nombre de pixels que nous avons défini dans la taille du cadre. Faites maintenant attention à la taille réelle liée à cette résolution et à un rapport hauteur/largeur en pixels carrés. L'image semble désormais carrée, comme sur un vieux téléviseur, car elle respecte l' aspect carré des pixels. Donc, si je veux modifier la taille de l'image pour qu'elle ressemble un écran de télévision numérique dans n'importe quelle maison de 169, je devrai la porter à 1920 x 1080. De cette façon, l'image serait de 199 pixels carrés, comme sur un téléviseur numérique, et nous le ferions correctement. Cela signifie que si je voulais donner un aspect beaucoup plus étiré aux sites, comme dans le cas des écrans de cinéma, je devrais ajouter beaucoup plus de pixels à la ligne horizontale pour obtenir cette taille. D'un autre côté, il est important de le savoir. Si c'est le cas d'une vidéo pour Instagram ou Tiktok, je veux dire qu'avec une apparence verticale, il faut inverser la proportion de la taille de l'image Nous devons d'abord résider en 1080, puis en 1920, par exemple. De cette façon, notre moniteur de programme aura l'apparence d'une vidéo réelle. Mais en faisant cela, vous devez faire très attention à ce qui se passe : lors du montage ultérieur vous devrez adapter les vidéos à cet aspect. va falloir résumer suffisamment l' image pour s'adapter à l'aspect, mais nous allons perdre en résolution. J'ai deux rappels. Tout d'abord, vous enregistrez avec un appareil photo avec une résolution suffisante pour même en additionnant ne pas perdre beaucoup de résolution même en additionnant de cette façon L'autre solution consiste à faire pivoter la caméra verticalement pour qu'elle enregistre verticalement. Le problème est que vous ne pourrez le faire qu'avec un appareil photo reflex numérique. Avec un appareil photo argentique, ce n' est pas si simple. Mais continuons avec un autre point important concernant l'aspect pixel, la radio. Parce qu'il existe encore sur le marché des appareils photo qui enregistrent, par exemple, en 1920 par 1080. Mais ils nous ont donné la possibilité d'avoir un look cinématographique allongé sur le site Le fichier généré par l'appareil photo comporterait des pixels déformés par défaut. Dans ces cas, l'outil radio Pixel Aspect est utile pour que l'image ne soit pas déformée si nous travaillons avec la caméra dont les fichiers sont HD mais déformés à 1,3 pour avoir un aspect cinématographique Notre séquence ne peut pas être définie en pixels carrés car l' image aura l'air serrée. Dans l'exemple que vous regardez, vous pouvez voir à quoi ressemblerait une image initialement enregistrée avec un rapport hauteur/largeur de un rapport hauteur/largeur de 1,3 dans une séquence de pixels carrés. Maintenant, particulièrement dans le cas contraire, cela fonctionne différemment. Je veux dire, si le fichier vidéo que j'utilise à l'origine a un rapport hauteur/largeur en pixels de un, c'est son carré. Si je changeais la configuration de la séquence en 1.3 l'image vidéo ne serait pas déformée, simplement parce que lorsque le fichier sera pris en charge, les pixels du fichier seront étirés jusqu'au site. Il est important de noter que presque toutes les caméras vidéo actuelles ne déforment pas le rapport hauteur/largeur des pixels Ils proposent simplement des configurations avec plus de pixels moins de pixels pour adapter le nombre de pixels à l'aspect large de l'écran de cinéma ou l'aspect carré des anciens téléviseurs Dans tous les cas, vous pouvez jouer avec ce paramètre. Je recommanderai toujours d'utiliser les pixels carrés. Si vous souhaitez que l'image soit plus large, modifiez simplement le nombre de pixels au point voulu. En fait, vous n'avez même pas à respecter l' aspect traditionnel de Ratius Vous pouvez rendre l'image aussi large ou carrée que vous le souhaitez. Voici le look traditionnel des écrans numériques 169. Il est important de mentionner que même après avoir créé la séquence, vous pouvez continuer à modifier les paramètres de la séquence en cliquant simplement sur la séquence avec le bouton droit de la souris , puis en accédant aux paramètres de séquence. Le paramètre suivant concerne les champs. En quoi cela consiste-t-il ? Il y a longtemps, il n'y avait que des télévisions analogiques et des émissions de télévision analogiques. Une chose était de regarder un film dans une salle de cinéma, c' en était une autre. diffuser par signal ouvert en transmettant des images par seconde à un signal ouvert était très difficile. Ils ont dû recourir à une autre technologie pour que l'œil humain puisse percevoir les images par seconde, comme dans une salle de cinéma. Ensuite, une technologie a été inventée qui a permis de dupliquer les cadres en utilisant des barres horizontales qui affichaient l' image assez rapidement Pour que l'humain, je ne détecterais pas les images qui passent les unes après les autres. L'une de ces technologies est le NTSC, qui est utilisé sur tout le continent américain Dans l'autre, il y a la technologie Pol qui est utilisée en Europe. Nous avons le choix entre ces deux options , supérieur et champ inférieur. Tout d'abord, cela appartient à ces deux technologies. Mais cela existe à Nado Premier, car il existe encore aujourd'hui une télévision à signal ouvert Il est nécessaire que nous ayons la possibilité de configurer notre projet sous cette configuration. Mais la vérité est que vous devez toujours régler la séquence en scan progressif. C'est-à-dire que ces barres n'apparaissent pas, le flux d'images est continu comme dans une télévision numérique. Ainsi, vous pouvez obtenir la meilleure qualité vidéo possible dans votre séquence. Ensuite, plus tard dans l'exportation, si vous le souhaitez ou si c'est nécessaire, vous pouvez adapter le fichier final au NTSC ou au format pile si Mais pensez toujours à régler la séquence de manière progressive afin que l'image soit aussi nette que possible. En fait, si vous oubliez de le régler sur progressif, vous remarquerez des barres horizontales sur l'image. Le paramètre suivant que nous avons ici est le mode de mesure du temps dans le format d'affichage de la chronologie. Je vous en ai déjà parlé lors de la création du projet. Plusieurs options s'offrent à vous. La première consiste à indiquer au logiciel de suivre le nombre d'images par seconde tout en visualisant le temps en continu. Cette deuxième option, le code temporel sans perte de trame, est un mode qui nous permet de nous adapter aux erreurs que la capture peut présenter à la suite du processus de transmission des données de la bande à l'ordinateur. Cette option me permet d'ignorer ces erreurs et de suivre le temps en continu. Nous n'allons pas nous en servir. Nous devons toujours utiliser le code temporel, qui est le moyen adapté au temps réel lors du montage. Et vous vous en rendrez compte vous-même lorsque vous mesurerez la durée du sinus encore et encore. Il existe également les cadres Feed Plus, mode 16 millimètres et 35 millimètres. Ceci est destiné aux caméras de rôle argentiques avec ce format analogique. Ensuite, le logiciel mesure la quantité de film LED par rapport au nombre d'images par seconde. Enfin, il y a le mode images, dans lequel seules les images seront affichées et non l'heure. Quelle est la différence visuelle sur la ligne de temps que nous allons utiliser, par exemple, le code temporel continu. Maintenant, regardez la chronologie où vous pouvez voir l'heure directement et avoir l'heure générale. Ou pas seulement sur la chronologie, mais également sur le moniteur du programme. Mais vous pouvez les modifier dans les paramètres, par exemple en cadres. Faites maintenant attention au passage des codes temporels aux cadres. Maintenant, il montre chacune des images. Ici, sur le moniteur, il indique zéro car aucune vidéo n'est sélectionnée dans la chronologie. Mais également dans le même espace de travail chronologique, nous pouvons modifier l' affichage de l'heure à notre guise. Je veux dire, c'est une fonctionnalité qui n'est pas exclusive aux paramètres de séquence. De la même manière, vous pouvez également le modifier dans le programme Monitor. Le paramètre suivant est l'espace colorimétrique de travail que j'ai mentionné lors de la création du projet. Nous avons plusieurs options pour travailler avec une gamme dynamique de couleurs élevée, mais comme je vous l'ai dit, je les expliquerai plus tard. L'important est que nous puissions modifier tous ces paramètres quand nous le voulons. Le paramètre suivant est le paramètre audio, où nous allons trouver la fréquence d'échantillonnage. C'est la résolution que j'ai mentionnée dans les leçons précédentes. Nous pourrons choisir plusieurs résolutions et cela dépendra de l'interface audio dont vous disposez. Je veux dire, si vous en avez une ou aussi sur les ressources de l'ordinateur, bien sûr, plus la résolution est élevée, meilleur sera le son, mais cela consomme également beaucoup plus de ressources. Nous pouvons non seulement modifier la fréquence d'échantillonnage, mais également la façon dont le temps audio sera mesuré dans la chronologie. Mais ne vous attardez pas trop là-dessus. Cela ne change rien d'important, il s'agit simplement d'un élément visuel de la chronologie que nous verrons plus tard. Cette dernière boîte que nous avons ci-dessous est la vidéo prévisualisée. Le premier paramètre de cette boîte concerne le moniteur du programme. C'est le type de format dans lequel la séquence sera affichée sur le moniteur. Je vous recommande vivement de choisir Quick Time. Il s'agit simplement de formats de prévisualisation. En fait, ils sont tous compressés. Pour améliorer le flux de travail, je le laisse toujours dans le codec d'animation Mais il existe également d'autres formats compressés Pro Rest. Il en existe de nombreuses différentes. Certains sont plus qualitatifs que d'autres, et en fait, c'est quelque chose que vous pouvez également modifier à tout moment. Cela n'a rien à voir avec l'exportation, ce sont simplement les paramètres que le moniteur du programme aura pendant l'édition. Permettez-moi de mentionner que non seulement le temps rapide est utile, mais aussi le cadre uniquement et que P est très bon. En fait, la différence de performance entre l'un et l' autre n'est pas grande. D'autre part, il est important de mentionner que plus les fichiers vidéo contiennent d'informations , plus les fichiers que vous utilisez dans la séquence sont riches en informations. L'ordinateur utilisera également davantage de ressources. D'autre part, ces cases ci-dessous concernent l'aperçu vidéo. Faites attention à ce qui est très bien précisé. Ils se trouvent juste dans la boîte de prévisualisation de la vidéo. Le composite linéaire de couleurs nous aide à avoir une couleur vidéo dans l'aperçu, mais consomme plus de ressources informatiques. Il existe également d'autres options de profondeur de bits maximale et de qualité de rendu maximale. La chose importante à savoir est que tous ces détails concernent l'aperçu de la vidéo, la séquence elle-même ou le fichier à exporter. Ce que j'ai l' habitude de faire pendant montage, c'est d'activer ces paramètres pour avoir une approximation de la qualité finale du travail, puis de les désactiver. D'autre part, lors de la création de la séquence, nous avons également la possibilité de créer autant de pistes publicitaires que nous voulons dans le format que nous voulons. Il peut s'agir d'un Surround 5.1 stéréo , il peut être multicanal et aussi en module comme je vous l'ai dit, vous pouvez ajouter autant de pistes que vous le souhaitez L'ajout d'une nouvelle piste ouvre automatiquement le même nombre de pistes au mixeur dans le préréglage audio. Par exemple, ici j' avais ajouté six titres. Si je clique sur OK, six pistes seront automatiquement ajoutées à la séquence. Mais si nous voulions ajouter encore plus de pistes audio, par exemple, dans cette autre séquence que j'ai créée lorsque je vous l'ai expliquée, il nous suffisait d'aller l'onglet de séquence ci-dessus et de cliquer sur une piste. De cette façon, je peux ajouter d'autres pistes audio ou vidéo à la séquence, et je peux même indiquer où je voulais apparaître par rapport aux autres pistes. En fait, je peux modifier les mêmes paramètres relatifs aux pistes audio que nous pouvions sélectionner lors de la création de la séquence. En fait, comme vous pouvez le constater, vous pouvez également sélectionner le format, qu'il s'agisse d'un format stéréo, mono ou surround. Par exemple, les pistes mono sont très importantes car ce sont les pistes lesquelles nous allons faire le Bing. Lorsque nous ajoutons une piste mono, un petit symbole est automatiquement ajouté pour identifier cette piste. C'est un petit haut-parleur. Il faut que la piste sur laquelle on plonge soit mono car c'est un micro unique qui captera la voix. Nous verrons également cela plus tard, car c'est quelque chose que nous devrons sûrement faire en tant qu'éditeurs. Enfin, après l'onglet pistes audio, nous avons l'onglet réalité virtuelle. entendu, dans ce cours, nous n' aborderons pas ce sujet car ni vous ni moi n'avons le matériel approprié pour vous l'expliquer en ce moment , mais je suis très motivé pour le faire. C'est quelque chose que j'ai l'intention d'ajouter à ce cours une fois que j'aurai tous les appareils liés à cette technologie. Mais il est important de savoir qu'Adobe Premier nous permet de travailler avec la réalité virtuelle, et c'est le paramètre qui me permet de travailler avec ces appareils. Cela est fourni avec les dernières éditions d'Ado Premier. Ensuite, nous appuyons sur OK, et notre séquence est créée. Je sais que j'ai cliqué sur Annuler, car pendant le processus d' explication, la séquence a été créée automatiquement. N'oubliez pas qu'en cliquant avec le bouton droit sur la séquence puis en accédant aux paramètres de séquence, vous pouvez toujours modifier les paramètres de séquence autant de fois que vous le souhaitez. Ce serait tout ce qui concerne la création d'une séquence. Comme je vous l'ai dit, la séquence sera connectée au moniteur du programme. Une fois notre séquence créée, nous pouvons commencer à ajouter des vidéos à la chronologie. C'est le fragment de la vidéo que nous voulons. Lorsque nous le ferons, le logiciel nous demandera si nous voulons conserver les paramètres existants dans la séquence ou si nous voulons remplacer les paramètres par ceux du fichier vidéo et nous devons cliquer sur Conserver les paramètres existants. Ce serait très important lorsqu' il s'agit de créer une séquence. À partir de maintenant, nous allons commencer à approfondir le montage et comprendre quels sont ces outils fondamentaux qui vous permettront de devenir un véritable monteur de films. Je te vois dans la prochaine leçon. 6. Sensibilité aux images, à l'équilibre et à l'éclairage: Bonjour tout le monde. Je tiens vraiment à vous donner quelques conseils importants , non seulement en tant que monteur vidéo ou réalisateur, mais aussi en tant qu'artiste lui-même. Je sais que beaucoup d'entre vous tournent également des vidéos, ou du moins qu'une grande partie d'entre vous s'intéresse une manière ou d'une autre au tournage d'histoires ou autre. De toute évidence, le montage fait partie de ce processus. Mais la vérité est que les outils que vous devez connaître pour éditer de manière professionnelle ou suffisamment bien pour mener à un projet audiovisuel ne sont pas trop nombreux. Le reste du savoir ne vient pas d'lui-même. En apprenant tous les boutons, raccourcis ou fonctions d'un logiciel. Peu importe lequel c'est. Premier, Sony Vegas ou Da Vinci. Je veux dire, le reste des connaissances provient de votre habitude de consommer des œuvres d' art de qualité en termes d' image, de son et de ses histoires. S'il n'y a pas de références de qualité dans votre esprit, il vous est impossible d'obtenir une édition de résultats de qualité aussi simple que cela. Par exemple, vous ne pouvez pas vous attendre à être un grand héritier de la photographie si vous ne regardez que des films Marvel Je n'essaie pas de dire qu'on ne peut pas apprendre choses techniques dans un film de super-héros Mais il faut d'abord apprendre à être pleinement conscient de ce que l'on regarde à l'écran pour avoir une bonne culture visuelle. J'en parle toujours avec mes collègues et je prends comme exemple le film Spider Man and Forest Camp. Je parle de la façon dont ils filment sur les lieux, sur le boss du film Spider Man. Et je le compare à ce que l'on voit dans le film Forest Camp, par exemple. Prêtez attention à ce premier coup du sinus. Saviez-vous, par exemple, que les couleurs des douanes ont été spécifiquement choisies pour correspondre à la gamme de couleurs du gazon ? C'est très important car les éditeurs vidéo peuvent changer ou modifier les couleurs de n'importe quel élément d'un sinus. Regardez, par exemple, ce tableau de Manet. C'est le même choix de couleurs dans la composition. Le bleu des chemises représente la couleur bleue du ciel. Cette autre peinture de Monet est du même bleu et les nuances de vert sont des couleurs qui correspondent au vert de l'herbe Donc, ce que j'essaie de dire, c'est que cette scène n'est pas comme ça à cause d'une palette de couleurs téléchargée sur Internet. Je veux dire, c'est le sous-produit d'une excellente culture visuelle Par contre, faites attention à la durée de cette première prise de vue. Cette photo dure assez longtemps à l'écran pour montrer qu'il y a un chemin de terre et qu'ils vivent loin de la ville ou du village. Faites maintenant attention à la couleur verte du plafond à l'intérieur du système d'exploitation. Cela a également été fait délibérément pour correspondre à l' ambiance de l'ensemble du pays , car c'est la route que emprunte le 0 Je suis Forrest Forrest. J'ai compris, je suis Dorothy Harry. Eh bien maintenant, nous ne sommes plus des étrangers. Maintenant, faites attention aux plans rapprochés ne sont réservés qu' au personnage principal et à ce que personne d'autre n' ait la même couleur dans ses vêtements que Forrest a dans le t-shirt Et je dirais que même la couleur des vêtements pour enfants est choisie pour que personne ne se démarque. Et aussi des b***ds avec la couleur des sièges. Je ne peux pas m'asseoir ici. Tu sais, c'est drôle ce dont un jeune homme se souvient parce que je ne m'en souviens pas Faites également attention au fait que même la chemise que Forrest porte en tant qu' adulte est également bleue Non seulement nous le connectons directement à l'enfant , mais nous l'associons également aux arbres qui l'entourent. D'autre part, juste au moment où les filles apparaissent à l' écran pour la première fois dans le film, le lamotif le plus puissant de la bande originale joue Je n'avais jamais rien vu d' aussi beau de ma vie. Elle était comme un ange. Avez-vous remarqué que la même chose s'est répétée exactement comme lorsque Forrest était avec sa mère ? La fille a une robe vert clair. Tout ce que je vous dis, c'est pour essayer d' éveiller la flamme artistique qui sommeille en vous La sensibilité artistique est ce qui vous permettra de prendre de meilleures décisions Alors que les monteurs prêtent attention à l'éclairage de la scène pour créer de la profondeur dans les visages, une moitié du visage de la fille est ombrée et l' autre est illuminée. Et il y a même un petit plateau de lumière qui frappe le cadre de la fenêtre. Peut-être aussi stupide que Dos Jane, je suis Forest Forest. À partir de ce jour, nous avons toujours été ensemble. Judy. Passons maintenant à la scène Spider Man, qui se déroule également dans un bus scolaire où l'amour du personnage principal est présenté. Mais je peux vous assurer que toute histoire digne d'être racontée parle d'une fille. Cette fille, la fille d'à côté, Mary Jane Watson, la femme que j'aime avant même que j'aime les filles. Faites attention au fait que dans le montage étroitement lié au script, ils vous ont présenté la fille au début sans aucune surprise dans la scène forestière. Vous êtes surpris qu'il trouve l'amour de sa vie dans le bus. Et là, il n'y a rien de surprenant, ni au niveau du montage ni du scénario, la femme que j'aime bien avant même que je n'aime les filles. J'aimerais vous dire que c'est moi à côté d'elle. Je vous avais dit que les plans fermés sont utilisés pour les personnages principaux. Je ne sais pas pourquoi il y a une solution fermée pour ce type. Il n'a aucune importance dans l'histoire. Je vous dis cela parce que dans le montage de films, nous pouvons créer un plan pour en créer un plus fermé. Un gros plan par exemple. Ici, ils recommencent et ils le font au hasard. Et cela ne peut pas être fait de cette façon. Cela a une importance et cette importance s'appelle le point de vue cinématographique Dans le cas de la fille, c'est important parce que nous parlons de l'essentiel de sa vie. Mais les autres personnages de Boss ne sont pas très importants pour l'histoire. Faites attention au fait que les coutumes ici n'ont aucune importance dans la statique de la scène ni dans les couleurs de l'espace donc extrêmement important de savoir exactement pourquoi les choses sont faites dans un film ou est donc extrêmement important de savoir exactement pourquoi les choses sont faites dans un film ou une scène pour pouvoir prendre les bonnes décisions en tant que monteurs. De plus, la phase de montage est la dernière étape d'écriture d'un film. C'est la dernière chance qu' a le projet de film de réparer ses faiblesses. C'est un parfait exemple à ce sujet. Imaginez que vous ne voyiez que des films de cette qualité. Je ne déteste pas vraiment ce film Spider Man En fait, je le trouve très amusant. Mais si vous ne voyez que des films de cette nature et que vous voulez un jour tourner une histoire dans laquelle il y a une scène, un bus. Quel sera selon vous votre point de référence pour créer une scène ? Ce sera votre référence, ce n'en sera pas une autre. va de même si vous êtes musicien , peintre ou photographe. C'est pareil. Quand on constate la qualité du travail d'une personne, je lui demande immédiatement quelles sont ses coutumes. Que font-ils habituellement pendant leur temps libre ? Quel genre de choses aiment-ils ? Je veux dire, tout ce que nous faisons temps libre alimente notre créativité. Je veux dire, le montage fait partie du cinéma, et faire un film, c'est comme parler une langue On ne peut pas apprendre complètement une langue du jour au lendemain. Et il est rempli de tellement de choses. Musique, théâtre, peinture, art sonore, évasions sonores, etc. Au fil des années passées à travailler dans le montage, j'ai rencontré de nombreux monteurs et vidéastes qui abordent la liste des œuvres d'Audi de manière très superficielle Parce que beaucoup d'entre eux concentrent toutes leurs connaissances sur le fait de savoir quels sont les meilleurs plugins pour améliorer la qualité de l'image. Quel est le meilleur appareil photo avec la meilleure plage dynamique ? Quel appareil photo possède la résolution la plus élevée ? Quel est le logiciel le plus avancé, par exemple, au fil des années et leur travail continue avec la même qualité, les mêmes lieux communs, le même manque de culture visuelle Tout cela est quelque chose qu'aucun professeur ne vous enseignera en une seule leçon. C'est quelque chose qu'il faut des années pour cultiver pour vous. Vous devriez prendre l'habitude d'aller dans un musée, d'assister à une exposition où vous contemplez des œuvres d'art de qualité Je n'essaie pas de dire que les éléments techniques ne sont pas importants, mais en réalité, s'il y a quelque chose que je ne veux pas pour vous, c'est que vous deveniez ce genre de vidéastes ou de monteurs qui ne s'intéressent qu'aux aspects techniques J'aimerais vraiment que tu puisses faire de ton mieux. Ce que beaucoup de gens appellent ta***t est en fait le bon produit d'un mode de vie Tout cela est très important pour le monteur vidéo, car lorsque vous fournissez les données d'un projet, je veux dire les séquences d'un projet, vous êtes censé apprendre à choisir les meilleurs plans de la scène. Par exemple, quels sont les critères que vous allez utiliser pour choisir la meilleure prise ou pour corriger un cliché ? Parfois, par exemple, vous devez supprimer des photos ou recadrer l'image pour créer une nouvelle prise de vue et vous devez avoir une bonne référence visuelle pour le faire Déterminer l'équilibre d' une image est essentiel pour l'éditeur, car vous devez recadrer des images en permanence La cantonnière provient de la vision vernaculaire des êtres humains Et ce spectacle vernaculaire n'attire pas l' attention sur les deux yeux en même temps. Mais l'un est toujours celui qui concentre le plus et les autres complètent C'est la raison pour laquelle leur loi dans une image doit être respectée pour centrer les principaux éléments d'une composition sur l'un des quatre points que vous y voyez Dans ce cas, c'est le visage de la fille qui est proche du point supérieur droit. Cela a été utilisé pour l'équilibre entre les peintures rupestres et les dessins et c'est aujourd'hui une utilisation fondamentale pour la cinématographie Connaître ces connaissances fait partie de ce qui fait de nous de meilleurs éditeurs. De nombreuses idées vous viendront à l'esprit lorsque vous aurez une bonne culture audiovisuelle. sont ces idées qui vous aideront à créer un meilleur avantage, un meilleur montage, un meilleur travail. Tenez compte de tout cela et continuons à apprendre dans ce cours de montage de films. 7. En savoir plus sur les cadres-clés et les automatismes: Parfait. Nous en sommes à nouveau à la première, et il est temps d' apprendre à utiliser le panneau de configuration Fx et pourquoi ? Parce que chaque fois que nous ajouterons un clip vidéo à la timeline, il peut également d' une photo ou d'une animation, etc., nous allons pouvoir modifier certains paramètres de ce clip et surtout, donner des instructions au logiciel pour automatiser les modifications de ces clips Le but de cette leçon est de vous apprendre à utiliser le panneau de contrôle des défauts, qui est en fait le même endroit où vous pourrez ajouter différents effets que le logiciel doit utiliser. Cette fois, nous allons travailler avec cette photo, je vais donc l'ajouter à la chronologie. Cette photo que j'ai ici est une photo de l'espace. Vous savez qu'une fois que nous avons ajouté un élément à la chronologie et que cette ligne passe au-dessus de cet élément, nous verrons ce clip vidéo sur le moniteur du programme. Mais il arrive que les clips n'aient généralement pas la même taille que la séquence. Je veux dire, la plupart du temps, la vidéo ou la photo ont une résolution et une apparence différentes de celles de la séquence. Par exemple, cette photo est plus grande que la taille de la séquence. Comment le vérifions-nous ? Il suffit de double-cliquer sur le moniteur activer un cadre indiquant la taille réelle de l'image que nous utilisons. Ce cadre est un outil qui nous permet de modifier la taille de l'image sur le moniteur, par exemple. Dans ce cas, nous pourrions faire l'image spatiale corresponde autant que possible à la séquence. Mais il se peut que nous voulions que certaines parties de l'image soient visibles dans la séquence. Ce cadre me permet de jouer avec ça, car en déplaçant ces différents points que l'on voit dans les lignes du cadre, on peut modifier la position et la taille de l'image. Mais nous pouvons également modifier la rotation de l'image. Mais lorsque nous modifions la position et la taille ce clip par rapport à la séquence, nous modifions les paramètres qui se trouvent dans le panneau de commande du télécopieur. L'un des endroits les plus importants de la première lorsqu'il s'agit de modifier quoi que ce soit. Par exemple, alors que nous déplaçons le cadre il y a quelques instants, les paramètres de position et d'échelle changeaient dans la section de mouvement. Dans ce panneau de commande d'effets. Prêtez attention. Je vais à nouveau déplacer l' image pour que vous puissiez voir comment les nombres évoluent dans le paramètre de position. De la même manière, si je suppose que l'image est entrée ou sortie , le paramètre d'échelle est modifié . En fait, nous pouvons aller encore plus loin car ces paramètres me permettent de changer si je veux, par exemple, que l'échelle soit uniforme ou non. Si je désactive l'option d'échelle uniforme, je peux modifier la largeur ou la longueur que je souhaite donner à l'image. Bien entendu, nous déformons la nature originale de l'image En gros, vous pouvez modifier la taille de l'image soit en utilisant le cadre le moniteur du programme, soit en modifiant les valeurs dans le panneau de commande Fx. Bien entendu, vous aurez toujours la possibilité, quelle que soit la modification, de faire attention au fait qu' en cas de rotation, les valeurs changent dans le panneau. De plus, n'oubliez pas que chaque fois que vous souhaitez modifier la rotation à l'aide du moniteur du programme, vous devez positionner le curseur dans les coins du cadre jusqu'à ce que vous voyiez cette petite flèche incurvée indiquant que nous ne pouvons pas modifier la rotation. Mais l'outil suivant après la rotation est le point d'ancrage, ce qui est très important. Le point d'ancrage me permet d' indiquer au logiciel le point de référence qu'il aura lorsque nous redimensionnerons et ferons pivoter l'image. Par exemple, vous pouvez remarquer que lorsque je fais la somme et que je fais la somme, c'est à ce moment-là que je change l'échelle. Cela se produit vers le centre du moniteur du programme. De la même manière, lorsque je modifie la rotation de l'image, celle-ci pivote en utilisant le centre de l'image comme axe Mais il arrive que si je change le point d'ancrage dans le coin inférieur gauche, par exemple, lorsque je modifie l' échelle de l'image, cette image ne sera pas convertie ou additionnée vers le centre, mais vers le point situé en dessous et vers la gauche. Il en sera de même pour le paramètre de rotation. Mais pourquoi je vous explique tout cela, car à partir de maintenant, vous allez savoir quelque chose de très important que nous allons utiliser tout le temps lorsqu'il s'agit de modifier l'image clé. À quoi sert le cadre clé ? Le cadre clé nous permet de donner une instruction au logiciel pour modifier n'importe lequel des paramètres que nous trouvons dans le panneau de commande des effets, non seulement dans les paramètres déjà fournis, mais également dans les paramètres des différents effets que nous pouvons ajouter à l'éclipse et qui apparaîtront également dans ce panneau de configuration des effets. Nous allons utiliser l' échelle comme exemple. Vous savez que lorsque vous cliquez sur un clip vidéo, le contrôle d'effet correspondant est immédiatement activé. Où nous pouvons modifier beaucoup de choses. Je veux dire, tout ce que nous venions de voir et bien d'autres choses que nous continuerons de voir et d'apprendre tout au long du cours. L'idée est d'y aller étape par étape, mais vous remarquerez peut-être aussi qu'à côté du panneau de contrôle des défauts, celui-ci s'affiche sur la droite. Une sorte de chronologie. Mais cette petite chronologie correspond à l'espace temporel occupé par ce petit clip vidéo que nous avons sélectionné. Évidemment, nous pouvons modifier cette durée simplement en étirant ou en pressant le clip Il est donc important de le savoir, car c'est dans cet espace que nous allons placer les images clés. Il faut savoir que cette petite chronologie correspond à la durée du clip. Il est important de le savoir car nous allons parfois placer des images clés dans la chronologie du contrôle Fx. Ensuite, nous allons modifier la durée du clip dans la timeline principale. Et puis, lorsque nous reviendrons à la chronologie du contrôle des défauts, nous ne verrons plus les images clés parce qu'elles étaient cachées en tête ou en arrière. Mais nous allons voir tout cela en utilisant l'un des paramètres. Par exemple, l'échelle présente dans le panneau de mouvement. La première chose à faire est activer cette petite horloge que nous avons ici. Notez que tous les paramètres ont leur horloge respective. C'est simplement ce qui nous permet d'activer les images-clés. Une fois que nous l'avons activé, la première image clé apparaît dans la chronologie de ce panneau de commande d'effets, indiquant au logiciel que les images auront cette échelle spécifique, cette taille spécifique à ce moment-là . Nous allons automatiser cette image l' univers à partir de zéro. Nous allons le faire augmenter sa taille avec le temps. En automatisant ces paramètres à l'aide des images clés, je veux dire que les valeurs changent au fur et à mesure que le montage progresse Il suffit de positionner le coursier au début du clip, puis d'activer l'horloge correspondant à l'échelle, et la première image clé apparaîtra automatiquement et l'automatisation sera activée De plus, quelques secondes plus tard, nous effectuons un changement de taille. Nous pouvons le faire directement dans le paramètre d'échelle du panneau de commande du fax. Ou nous pouvons le faire en déplaçant la taille de l'image avec le cadre, le moniteur du programme. En d'autres termes, la modification des paramètres de l'une ou l'autre des manières est exactement la même. L'important est de savoir que les images clés sont à l'endroit que nous voulons. Remarquez maintenant que lorsque je joue le montage, l'image change de taille. De toute évidence, toute cette procédure fonctionne pour tous les paramètres et même pour de nombreux autres effets apportés par le premier ministre. Par exemple, nous pourrions effectuer cette automatisation pour modifier l' effet du point d'ancrage J'active simplement l'horloge dans le paramètre du point d'ancrage et je déplace le point d'ancrage vers ce coin inférieur gauche, par exemple, puisque nous automatisons également l'échelle. Désormais, lorsque l'image est redimensionnée, au lieu d'aller au centre, au lieu d'aller au centre, elle passe désormais dans le coin inférieur gauche. Mais il faut faire attention aux images clés. Notez que je vais en ajouter un autre ici, mais cette fois sans changer les paramètres. Et attention, cela ne changera pas du tout car je n'ai pas modifié le paramètre. Passons à un autre paramètre, par exemple la position de l'image. Ensuite, il suffit de rechercher le paramètre de position et de cliquer sur l'horloge pour activer l'automatisation. Et la première image clé sera créée. À partir de là, il faut avancer quelques secondes celles que l'on veut, bien sûr, et changer la position de l'image. Nous pouvons le faire en utilisant le cadre sur le moniteur du programme. Faites attention à ce que même le logiciel crée un guide pour la racine que l'image aura jusqu'à cette position. Nous pouvons vérifier toutes les modifications en revenant simplement au début du clip et en jouant le montage pour voir comment se comporte l' automatisation C'est quelque chose de très simple. Une fois que nous aurons compris que nous serons prêts à utiliser tous les effets Deal nous permettra d' automatiser tous les effets du premier. Je vous raconte tout cela parce qu' une grande partie d'entre vous veulent apprendre à créer des vidéos pour Youtube ou pour vos chaînes Instagram ou Tik Talk, peu importe, je veux dire créer du contenu. Il est nécessaire de les connaître pour ajouter des éléments qui enrichiront les vidéos, faisant en sorte qu'elles deviennent dynamiques et amusantes. Nous pouvons utiliser un autre exemple. Par exemple, en utilisant ce logo que j'ai ci-dessous, nous pouvons l'ajouter en haut de l'image de l'univers. Permettez-moi de mentionner que dans ce cas, il s'agit d'un fichier PNG qui ne contient que la partie du logo, laissant passer tout ce qui se trouve en dessous. Je vais donc supprimer toutes les images clés et les automatisations que nous avons créées sur la photo de l'univers Il suffit de cliquer sur ces flèches courbes situées à droite pour revenir à l'état initial. Ce que je vais faire pour vous est typique des vidéos. Je vais faire apparaître ce logo soudainement, c'est-à-dire qu'il entre dans l'image. Pour ce faire, nous devons automatiser la position du logo car c'est ce qui me permettra de retirer le logo du cadre de l'image quand je le souhaite. Ensuite, il suffit de cliquer sur le clip du logo et d' activer l'automatisation de la position dans le contrôle Vex En cliquant sur l' horloge, bien sûr. Nous devons donc définir le temps que je veux que le logo mette à apparaître, puis nous devons créer un autre cadre clé à cette position. Dans ce cas, nous avons besoin de deux positions pour indiquer au logiciel où le logo doit être au début et où il doit aller. Vous devez toujours faire attention à être juste au-dessus des images clés pour vous assurer que vous êtes bien sur l'image clé, vous devez vous assurer que le petit point bleu noircit. Permettez-moi de mentionner que vous pouvez ajouter d'autres images clés en utilisant ce petit bouton pour gagner. Sur le premier cadre clé, nous changeons la position horizontale du logo à un point tel qu'il ne soit pas visible à l'écran. N'oubliez pas que vous pouvez le faire en modifiant ces nombres ici directement dans le paramètre horizontal, qui serait celui de gauche. La verticale est celle de droite. Mais vous pouvez également le modifier en utilisant le cadre du moniteur du programme. Mais dans ce cas, je recommande vivement de le remplacer directement la valeur horizontale afin que le logo ne se déplace qu'horizontalement. Comme vous pouvez le constater, c'est assez simple. Si vous souhaitez, par exemple, que le logo apparaisse beaucoup plus rapidement, il vous suffit de réduire la distance entre le premier et le deuxième image-clé afin que le changement soit plus rapide. Ensuite, nous pourrions même modifier un autre paramètre comme l'échelle. Par exemple, si nous voulons que le logo apparaisse lentement après son apparition à l'écran, nous créons une première image-clé juste au moment où il finit d'apparaître, puis une autre image-clé où le logo est censé être plus proche Dans ce cas, par exemple, nous pouvons utiliser le cadre à l'écran pour mettre le logo exactement à la taille que nous voulons à la fin N'oubliez pas qu'une fois l' automatisation activée, toute modification apportée aux paramètres générera automatiquement une nouvelle image clé. Évidemment, tout au long du cours, nous allons utiliser de nombreuses images-clés. Mais je voulais que vous connaissiez le panneau de commande du télécopieur, moins cette première partie du mouvement. Dans cette leçon, dans les autres leçons, nous verrons les autres parties. Mais connaître parfaitement les images clés est un bon début. Essayez de vous entraîner avec des photos, des vidéos, avec n'importe quoi, pendant que nous continuons à progresser et à approfondir le contenu du cours jusqu'à la prochaine leçon. 8. Panneau de commande des effets Apprendre à utiliser les modes opacité et de mélange: Parfait. Nous allons continuer à apprendre à utiliser le panneau de commande du télécopieur. À ce stade, vous allez revoir le paramètre d'opacité, qui n'est pas aussi simple qu'il y paraît Cependant, c'est l'une des plus utiles, car à partir de là, nous allons apprendre à créer des transitions. Nous allons commencer par l'un des points les plus importants à souligner à propos de l'opacité C'est le premier des paramètres généraux qui nous permet de créer un masque. C'est l'une des fonctionnalités que nous allons retrouver dans le reste de la première. Un masque n'est rien d'autre qu' un outil qui me permet de créer une sélection spécifique dans l'image, dont l'effet sera appliqué dans tous les cas. Nous allons voir cela tout au long du cours, mais en gros, ces trois boutons me permettent de créer trois types de masques. Une circulaire, une carrée et une version personnalisable, dans laquelle je peux créer la forme que je souhaite. Par exemple, si je choisis la première option, le cercle, le masque sera un cercle. Comme je suis dans la capacité, qui est le paramètre qui contrôle la transparence de l'image, cet effet est automatiquement créé. Je peux évidemment modifier le type de cercle, mais j'ai aussi la deuxième option, la forme carrée. Ici, je peux également modifier la structure du carré, transformant en un polygone différent Eh bien, la troisième option serait celle qui nous permet de créer la forme en joignant points comme s'il s'agissait d'une constellation. Et c'est celui que j' utilise le plus car les masques ont presque toujours des formes irrégulières. Et il existe d'autres fonctionnalités que nous pouvons modifier pour que les bords soient adoucis et moins tranchants Par exemple, si je déplace la plume, nous pouvons effectivement brouiller les bords Nous pouvons également modifier l'opacité du masque. Je veux dire que le masque lui-même peut être transparent. Et nous pouvons également augmenter l' âge des masques pour en agrandir la taille. Quoi qu'il en soit, nous comprendrons mieux toutes ces fonctionnalités au fur et à mesure que nous progresserons dans le cours. Et même si nous n' allons pas parler principalement des masques dans cette leçon spécifique, il est important que vous les connaissiez déjà. Parce que je crois que le savoir, c'est pareil. Qu'il faut voir différents points de vue sur le même outil et surtout ne plus avoir peur d'utiliser les meilleurs outils. Parlons donc d'opacité . Qu'est-ce que l'opacité ? L'opacité est cette fonctionnalité qui nous permet de rendre une image transparente, rendre visible toute image située en dessous La chronologie de Top Premiere fonctionne couches, de la même manière que la boutique photo. C'est-à-dire que les clips vidéo qui se trouvent en haut seront ceux qui seront vus sur le moniteur. Vous pouvez en voir un exemple ici. J'ai mis une autre photo de l'univers au-dessus de celle que j'avais déjà. Je veux dire, j'ai superposé le clip et j'ai remarqué à quoi ressemble celui-ci en premier C'est prioritaire. Mais notez que si vous modifiez le pourcentage d'opacité dans le clip que je viens d'ajouter, l'image ci-dessous commence immédiatement à apparaître. Moins il y a de pourcentage, plus l' image ci-dessous sera visible. Mais ce que je veux vraiment vous montrer , c'est qu'une double première, comme Photoshop, me permet de modifier la nature de cette opacité Je veux dire que la façon dont cette transparence se mélange à l'image ci-dessous présente des caractéristiques spéciales et uniques. Ce mode b***d me permet non seulement d'utiliser une opacité normale, mais aussi toutes ces options que vous pouvez voir Mais ce qui est intéressant, c'est que lorsque vous utilisez l'un des modes b***d, même avec une valeur d'opacité 100 %, un type de transparence sera généré avec l' En fait, c'est un outil qui nous permet d'expérimenter avec les couches vidéo, car l'effet que nous allons voir sur le moniteur du programme est le sous-produit de ce mode b***d dans les caractéristiques spécifiques des images en termes de lumière et de couleurs Par exemple, nous pouvons voir ici que lorsque nous isolons le clip, je veux dire qu' n'y a aucun autre clip en dessous. Le mode b***d ne fonctionne pas. Cela ne fonctionnera que lorsque les images se chevauchent, lorsqu'il y en a une en dessous. Comme je vous le disais, l'opacité est importante car elle nous permettra de faire des transitions créatives et professionnelles Ce mode b***d existe pour améliorer les transitions entre un clip et un autre L'une des transitions les plus courantes est la dissolution lorsqu' une image se dissout pour que l'autre y apparaisse en mélangeant les deux Dans une leçon précédente, je parlais outil stylo dans l'automatisation de l' opacité Donc, si nous automatisons une sorte de fondu dans la ligne d'opacité au début d'un clip, qui à son tour en chevauche un autre, nous procéderons à une dissolution croisée Si en plus de cela nous utilisons différents modes b***d. Nous rendons cette transition plus spéciale car les images auront des caractéristiques visuelles qui s'adapteront esthétiquement à chacun de ces modes Si vous utilisez Photoshop, cela vous sera très familier car ces modes b***d existent également sur les calques d'image Par contre, il y a un élément important à prendre en compte lorsque nous effectuons ce type de transition. effet, étant donné que les modes b***d mélangent les images, même lorsque la valeur asit est de 100 % il est nécessaire qu' il y ait un fondu non seulement dans le clip ci-dessus, mais également dans le clip situé en dessous Il y a un fondu car sinon, vous remarquerez un changement brusque lorsque vous atteindrez la fin du clip ci-dessous. Par exemple, vous pouvez le remarquer ici lorsque je passe le curseur de la timeline, juste à la fin du clip ci-dessous, juste à la fin, vous remarquerez un changement transparence qui ne sera pas souple, mais comme lors d'une découpe, nous devons automatiser un fondu dans la ligne d'opacité du clip ci-dessous pour que cela ne soit pas perceptible Faites maintenant attention à ce que la transition se fasse en douceur. Une autre chose importante est que nous pouvons effectuer cette transition aussi longtemps que nous le souhaitons. Nous allons donner un autre exemple d'utilisation de la vidéo. Nous allons utiliser le même court métrage que celui sur lequel nous travaillions et je vais sélectionner une partie de la scène pour effectuer une transition vers une autre scène. Nous avons ici cette image de la jeune fille qui regarde en arrière. Et je vais le mélanger à la scène du personnage sur le radeau. Si nous voulons effectuer une transition spéciale entre ces deux scènes, il suffit de cliquer sur le clip vidéo ci-dessus et de choisir le mode b***d souhaité N'oubliez pas que pour activer le mode b***d, vous devez être juste au point où les deux clips vidéo Ensuite, vous pouvez essayer n'importe quel mode en utilisant la vidéo. Les images sont bien plus intéressantes parce qu'en fait, c'est la façon la plus cinématographique de résoudre les problèmes Par exemple, regardez à quel point ce mode est beau. Lumière douce. La première chose à faire est d'automatiser à l'aide d'un stylo le fondu dans le clip situé au-dessus du clip du personnage sur le radeau. Mais je dois aussi faire le fondu dans le clip ci-dessous où se trouve la fille. N'oubliez pas que si vous ne faites pas disparaître le clip ci-dessous, vous remarquerez un changement brusque dans le mode b***d La raison pour laquelle cette méthode est plus professionnelle est que la méthode originale de création des fondus lorsque le cinéma était analogique consistait à ajouter des filtres directement aux bobines de film dans l'éditeur analogique et à utiliser le mode b***d Ce n'est pas toujours aussi professionnel. Faites attention à quel point les couleurs sont mélangées de manière intéressante dans ce mode, cela a l'air très professionnel. Découvrez cet autre mode appelé assombrissement qui n' affecte que la plaque C'est une autre brûlure due à la lumière froide qui est intéressante. C'est une autre couleur appelée couleur claire, par exemple. Cette autre est appelée lumière dure. Cette autre lumière est appelée lumière vive. C'est très bien d'y prêter attention avec le mode sombre, par exemple. Avec ce mode, vous pouvez jouer avec un masque pour que la transparence n' affecte que la plaque. Nous pourrions utiliser un masque circulaire qui ne sélectionne que la plaque. Par exemple, nous essayons de faire en sorte que le cercle corresponde à la plaque, mais il n'est pas nécessaire que ce soit parfait, juste une approximation. Ensuite, nous modifions les bords avec le paramètre father, adoucissant les bords du masque Remarquez que l'opacité n'affecte désormais que la plaque. C'est une ressource très créative, vous savez, car elle vous permet vraiment de créer des effets et d'enrichir considérablement vos vidéos. L'important, c'est d'expérimenter pour découvrir des choses. N'oubliez pas que chaque vidéo possède des caractéristiques de couleur spécifiques qui se traduiront par un b***ding spécifique et unique avec les Mettez tout cela en pratique jusqu'à la prochaine leçon. 9. Panneau de commande des effets: Parfait. Nous allons maintenant aborder le dernier paramètre du panneau de commande Ax, qui est le mappage du temps et nous allons utiliser cet exemple pour l'expliquer Je vais sélectionner une partie de cette vidéo où il y a un plan au ralenti. En fait, c'est l'un de mes clips musicaux. Et bien, dans ce cas, cette prise de vue a été enregistrée à 60 images par seconde, ce qui signifie que nous pouvons la ralentir sans perdre la fluidité de la vidéo J'ai ajouté cette partie de la vidéo à la chronologie et nous pouvons la vérifier dans le moniteur du programme. Les prises de vue au ralenti sont très attrayantes. N'oubliez pas que plus vous vouliez paraître lent, le VD devrait avoir beaucoup plus d'images par seconde. Quoi qu'il en soit, ce que je veux faire maintenant , c'est vous apprendre à remapper le temps Si nous cliquons sur le clip vidéo et que nous accédons au panneau de configuration des correctifs, nous trouverons ce paramètre à la fin. C'est le dernier des paramètres fournis par défaut. Si vous vous souvenez, je vous avais dit que la ligne que vous voyez par défaut dans les clips vidéo appartient au paramètre d' opacité Grâce à l'outil stylo, nous pouvons automatiser avec précision l'opacité du clip Mais la vérité est que ce n' est pas le seul paramètre que nous pouvons automatiser directement sur le clip. Si nous voulions modifier ce paramètre, il y a deux moyens. La première consiste à cliquer sur le bouton droit de la souris et nous allons afficher les images clés du clip. Nous pouvons le changer, par exemple, remappage temporel, et nous cliquons sur la vitesse L'autre méthode consiste à cliquer sur cette petite case où l' on peut lire Effets Nous pouvons modifier les paramètres de cette ligne d'automatisation. Mais ce qu'est le remappage temporel pour ce paramètre me permet de modifier automatiquement la vitesse du clip vidéo Qu'est-ce que cela signifie ? Tout comme vous voyez l'image au ralenti en ce moment, vous pouvez l'accélérer à un moment précis ou la ralentir. Bien entendu, tout apparaîtra également automatisé dans le panneau de configuration Fx. Ce que nous devons faire est de sélectionner l'outil stylo et de dessiner sur la ligne les points où nous voulons qu'un changement de vitesse commence. En fin de compte, je veux dire que nous serons en mesure de changer, comme des intervalles de temps. Je vais dessiner le premier point et le deuxième point ici. Et je vais également dessiner un troisième point. Ces trois points ont généré quatre écarts différents dans lesquels je vais pouvoir accélérer et ralentir la vitesse du clip. Nous devons sélectionner à nouveau l'outil flèche. Le premier. Nous allons maintenant augmenter ou abaisser la limite que nous voulons atteindre en matière d'automatisation. Par exemple, si je remonte cette ligne spécifique, je vais accélérer à ce moment-là. Mais faites très attention à la façon dont le clip est interrogé. Parce que ce faisant, j' accélère le passage des cadres. Maintenant, regardez l'image, car c'est à ce moment-là que la vidéo augmente la vitesse. Je vais encore augmenter la vitesse. Vous pouvez donc le remarquer également de la même manière que vous pouvez déplacer les autres espaces, les autres lignes entre les points. Vous pouvez également le faire dans le sens inverse. Je vais ralentir la vidéo pour que vous puissiez voir à quoi elle ressemble. Évidemment, lorsque vous le ralentissez et que le clip vidéo s'agrandit. Évidemment, lorsque nous ralentissons l'image, les images par seconde commencent à être remarquées, évidemment, lorsqu'elles ne suffisent pas. D'autre part, faites attention à ce que ces mêmes points que j'ai soulevés dans la ligne d'automatisation aient également été créés automatiquement dans la chronologie des défauts. Sur le panneau de configuration ci-dessus, vous pouvez accélérer ou diminuer ainsi, à condition tenir compte du fait que le point médian de la ligne est la vitesse réelle de l' application Clip est plus rapide et la vitesse descendante est plus lente Si vous souhaitez effacer toute l'automatisation, accédez simplement au mappage temporel dans le panneau de contrôle des défauts et désactivez-le sur l'horloge bleue. Mais faites bien attention à cela. Lorsque vous faites cela, le clip sera complètement comprimé. Vous l'avez étiré à nouveau pour le rendre normal. Essayez de vous en souvenir car vous pourriez même penser que le clip était allumé. Mais il existe un autre moyen de modifier la vitesse du clip. Il suffit d'appuyer sur le bouton droit de la souris et d'accéder au paramètre vitesse-durée. Par exemple, dans ce premier pourcentage de fonctionnalité, si je le fixe à 200 % la vitesse du clip sera multipliée par deux Je veux dire, dans le cas de ce clip, il fonctionnera à la vitesse réelle car l'apparence de cette vidéo est le résultat du réglage de la vidéo enregistrée entre 60 images et 24 images Par contre, dans ce même outil, vous pouvez inverser la vitesse du clip. Je veux dire, fais-le revenir en arrière. C'est également très utile. vous suffit de sélectionner la case d'inversion de vitesse et le clip reviendra en arrière. D'autre part, vous devez porter une attention particulière dans cet outil au dernier paramètre, l'interpolation temporelle. Ce paramètre me permet de modifier la façon dont les images apparaîtront pendant l'affichage de la vidéo. Je vais désactiver l' inverse pour vous l'expliquer. Vous pouvez voir que cette vidéo est au ralenti, mais nous voulons peut-être qu'elle ralentisse. Nous allons dans l'outil de vitesse et sélectionnons, par exemple, 60 %. Mais lorsque vous faites cela, la vidéo s'étire et les images commencent à s'afficher, je veux dire, comme si l'image comportait quelques petits sauts Parce qu'en fait, c'est sauter d'une image à l'autre. Comme il n'y a pas assez de cadres pour rendre le mouvement fluide, trois options s'offrent à vous. Le premier échantillonnage d'images sélectionné par défaut vous permet d'afficher les images de la vidéo, qu' elle soit lente ou rapide. La deuxième option, frame b***ding, vous permet de mélanger un peu les cadres Je veux dire, lorsque vous ralentissez l'image, le mouvement est plus fluide. Mais la dernière option, le flux optique, créera plus d' images par seconde pour compenser ce manque d'images. Mais la vérité est que vous n'aurez jamais l' impression d'avoir une vidéo avec plus d'images. Je vous recommande vivement de ne pas faire un usage excessif de cet outil. Ne le forcez pas. Ce seraient les caractéristiques les plus importantes de ce paramètre de vitesse de cet outil de vitesse. Cette fonction ondulée est très simple, simplement parce que parfois le clip dont on modifie la vitesse se trouve à côté d'un autre clip Évidemment, parfois, lorsque nous modifions la vitesse, la vidéo est compressée. Cet outil me permet de créer le clip suivant attaché au clip. Nous changeons la vitesse du simple pour qu'il n'y ait pas de complication liée au match. Mais les fonctionnalités les plus importantes sont celles que j'ai mentionnées précédemment. Récapitulons. Donc, n'oubliez pas, nous passons à l'outil de vitesse et la première chose que nous trouverons est le pourcentage de vitesse que nous voulons donner au clip. La deuxième option est l'inverse, afin que la vidéo revienne en arrière. L'ondulation fait en sorte que les clips restent attachés les uns aux autres même lorsque nous changeons leur vitesse Je ne pense pas que vous l'utilisiez trop. Et celle que vous allez utiliser le plus est l'interpolation temporelle. C'est une façon dont les images apparaîtront pour rendre la vidéo plus fluide et plus fluide. N'oubliez pas qu'il existe trois options. Le premier qui montre exactement les images de la vidéo. Le second permet de mixer les images pour rendre la vidéo plus fluide et plus fluide. Et l'autre, le dernier, pour créer les cadres nécessaires pour le rendre plus fluide. Mais parlons de cette option qui est désactivée. Il est important de mentionner que lorsque la vidéo contient du son et que vous modifiez la vitesse, la vitesse du son sera également modifiée. Par conséquent, elle sera entendue plus bas lorsque le son est de plus en plus lent, comme une voix d'écureuil lorsqu'elle est plus rapide Mais cette option appelée Maintien du pitch audio est désactivée car la vidéo ne contient pas de son. Mais cela me permet que même si la vitesse du son change, la tonalité du son ne change pas. Je veux dire, les voix ne sonnent pas comme celles d'un écureuil ou sont très lentes Mais bon, vous savez déjà comment modifier la vitesse de n'importe quel clip. Et c'est la chose la plus importante liée à cette leçon jusqu'à la prochaine fois. 10. Barres d'outils de la timeline Barre verticale: Parfait. Nous en sommes à nouveau à la première adoptée. Dans cette leçon, nous allons apprendre à utiliser cette barre d'outils ici. Cette barre située à côté de la chronologie contient les principaux outils que nous utiliserons lors de l'édition. Je dirais que le but principal de cette leçon, l'objectif principal, est de vous donner un aperçu puissant ces boutons ici, les boutons de la barre d'outils. Nous allons rechercher la séquence que nous avons déjà créée dans les leçons précédentes. Et nous allons ajouter un fragment vidéo à la chronologie, c'est-à-dire à cette séquence. Ici, j'ai sélectionné un morceau de vidéo. N'oubliez pas que vous devez utiliser le I et pour définir le début et la fin de cette vidéo. Par exemple, le fragment vidéo peut être une application pour. Ici, nous appuyons pour sélectionner la fin, nous allons faire glisser la vidéo vers la chronologie. En maintenant le bouton droit de la souris enfoncé, nous plaçons la vidéo sur la chronologie et nous allons cliquer sur Conserver les paramètres existants. N'oubliez pas que c'est pour maintenir la configuration de la séquence. Nous avons déjà notre vidéo sur la chronologie. Mais avant de parcourir la barre d'outils de la chronologie, je voudrais aborder cette ligne jaune qui apparaît ici sur la chronologie. Cette ligne jaune indique que la carte vidéo dédiée de l'ordinateur, c' est-à-dire le GPU, génère des aperçus temporaires Nous pouvons donc voir ce que nous éditons sur le moniteur du programme. Cette ligne jaune représente un rendu partiel. Si vous avez un ordinateur puissant, l'aperçu sera suffisamment beau sur le moniteur du programme. Cependant, en fonction de la complexité de ce que nous éditons ou du poids des fichiers avec lesquels nous travaillons, nous devrons avancer dans le rendu, c' est-à-dire convertir cette ligne jaune en ligne verte. Je veux dire que l'ordinateur effectue un rendu complet de sorte que ce que nous voyons sur le moniteur du programme semble complètement continu, sans interruption, sans délai. Vous en aurez besoin, surtout si vous ne disposez pas d'un ordinateur suffisamment puissant. Ce que vous devez faire est de sélectionner l'entrée et la sortie de la section que vous souhaitez afficher en appuyant sur Et 0 sur le clavier. Une fois la section sélectionnée, vous allez accéder à l'onglet Séquence, puis vous allez cliquer sur Render In to Out. Et puis immédiatement, un rendu final de l'ensemble du montage de ce qui se trouve entre l'entrée et la sortie commencera à être réalisé. Bien sûr, vous devrez attendre un peu, surtout en fonction du nombre d'effets de chacun de ces clips vidéo. De plus, ce rendu sera également de meilleure qualité, que notre ordinateur soit puissant ou non. Si nous voulons voir ce que nous avons édité avec une meilleure qualité, nous devons effectuer ce rendu. Maintenant, regardez la ligne, elle est maintenant verte, ce qui indique que le rendu est terminé. R, ce gars-là, c'est très important quand il s'agit de monter des clips musicaux car nous sommes censés faire correspondre parfaitement la vidéo à la musique. Commençons donc le premier bouton de la barre d'outils, cette flèche ici. Cette flèche est outil le plus général qui me permet de sélectionner n'importe quoi dans le calendrier, en particulier dans la chronologie de ce que je veux. Comme dans tout logiciel, il s'agit de l' outil de sélection par défaut du logiciel. Il n'y a rien à confondre avec le maire. Il s'agit simplement des paramètres par défaut du programme pour déplacer la souris dans le logiciel et utiliser toutes les fonctions. Juste en dessous de l'outil flèche, nous trouverons l'outil Track Select Forward. Cet outil me permet de sélectionner tous les clips vidéo qui se trouvent devant ou derrière la position où je me trouve avec la souris. En gros, cela me permet de sélectionner plusieurs clips en même temps si nécessaire, ce qui nous facilite le travail. Si nous appuyons sur l'ancienne touche du clavier, nous pouvons changer le sens de la sélection. Enfin, si nous voulons qu'il soit avancé en arrière. Je vais vous donner un exemple. Je vais ajouter une partie de la vidéo du court métrage afin de superposer les clips. Je vais faire glisser la vidéo et la déposer juste ici. Je vais appuyer sur le bouton Track select forward assurer que c'est dans la bonne direction, est-à-dire vers l'avant. Lorsque cet outil est activé et que je clique sur la chronologie, il sélectionne tous les clips situés à droite, c' est-à-dire ceux qui sont en avant. Peu importe leur nombre, ils seront tous sélectionnés. Je vais le refaire et remarquer qu'il va même sélectionner les clips audio respectifs connectés à ces clips vidéo. Je vais maintenant appuyer sur l'ancienne touche du mot-clé pour inverser le sens de l'outil. Je veux dire, sélectionnez tout ce qui se trouve derrière le pointeur de la souris. Essayez de remarquer la différence. Faites attention au fait que lorsqu'il est activé, sélectionnez à l'envers et je clique sur la chronologie ici Comme il n'y a aucun clic derrière le pointeur de la souris, celui-ci ne sélectionnera rien car il n'y a rien à gauche qui soit en arrière Mais inversement, si je clique à droite des clips, les clips seront sur la gauche. L'outil les sélectionnera car ils se trouvent à l'arrière. L'outil est très simple, il suffit d'utiliser l'ancienne touche du clavier. Nous changeons le sens de la sélection lorsqu' il s'agit de sélectionner plusieurs clips en même temps. Passons maintenant au troisième bouton de la barre d'outils chronologique, qui est un peu plus compliqué, mais il y a un détail important à souligner avant de passer au troisième outil, que lorsque l'outil flèche est sélectionné, nous pouvons étirer et presser les clips. Je veux voyager dans ancienne extension du fichier vidéo original. Par exemple, bien que nous ajoutions cette partie du court métrage, si nous étirons le clip vidéo vers l'arrière, nous voyagerons en arrière dans le court métrage en ajoutant évidemment d'autres parties du court métrage Permettez-moi de vous expliquer cela, car le troisième bouton a à voir avec cela. Le troisième bouton est l'outil Ripple Edit, mais en appuyant sur Alt sur le clavier, nous avons l'outil Rolling Edit et l'outil Red Stretch Alors, quelle est la première option de l'outil d'édition Ripple ? Cette fonction me permet de déplacer la transition entre deux clips situés l'un à côté de l'autre. Par exemple, nous avons ici deux clips vidéo qui sont ensemble et j'ai activé cette fonction. Cela me permet que lorsque j' étire le clip vidéo ou l' affine, le clip vidéo suivant ne change pas. Son début ou sa sortie revient à pousser ou à tirer le clip suivant. Prêtez attention au clip. J'étire les extrémités directement sur le visage du personnage et le clip suivant commence immédiatement lorsque le personnage est sur le radeau, le dos visible. L'outil d'édition Ripple me permet d'étirer ce clip en appuyant sur le suivant sans changer le début du suivant C'est un outil très utile pour ne pas changer le début du clip suivant. La fonction suivante ce même troisième bouton est l'outil d'édition par roulement, à laquelle nous pouvons passer en appuyant dessus La fonction de l'outil d'édition par roulement me permet également d'étirer le clip, mais cette fois, il n'appuiera pas sur le suivant, il fera avancer son extension. C'est comme s'il mordait le clip suivant. Faites attention au fait que la partie où l'on voit le dos du personnage n'apparaît plus mais plutôt le clip avancé plus en avant. C'est comme si j'avais fait avancer la transition comme si j'avais fait une entaille dans les clips. Vous connaissez déjà la différence entre la première et la deuxième fonction. Le premier, l'outil d'édition ondulé, me permet d'étirer un clip en appuyant sur le suivant, je veux dire, sans changer son début. Dans la deuxième option, où nous passons, appuyer sur Alt sur le clavier me permet d'étirer un clip, mais cette fois je mords le clip suivant Je veux dire, le début du clip suivant n'est pas conservé. La troisième option de ce troisième bouton est l'outil d'étirement rouge. Cette option est liée à la vitesse du clip vidéo, ce que nous verrons plus tard. Mais en gros, cet outil me permet d'étirer, presser le clip vidéo en modifiant sa vitesse. En d'autres termes, lorsque je l'étire, je le ralentis. Et quand je le presse, je le fais plus vite. Regardez comment j'étire le clip, et maintenant la vidéo semble plus lente. Lorsque j'étire la vidéo, il est évident que les images se séparent et s'exécutent à une vitesse plus lente, ce qui ralentit le mouvement de la vidéo. C'est la fonction de cet outil d'étirement des taux. Je vais appuyer sur Contraste, qui se trouve en dessous pour remettre le clip comme avant et continuer à avancer dans les outils. L'outil suivant est l'outil Rasor. Le rasoir est l'outil que nous allons utiliser le plus Cela me permet de découper les clips comme je veux et où je veux. À l'aide de cet outil, je pourrai couper une partie de la vidéo de n'importe quel clip sur la chronologie pour pouvoir la déplacer où je le souhaite. N'oubliez pas que vous devez couper le début et la fin pour pouvoir le séparer du clip comme s'il s'agissait d'un gâteau. Je veux dire, pour couper un morceau de gâteau, il faut le faire pour le couper. Donc, comme je vous l'ai dit, c'est l'outil que nous allons utiliser le plus dans le montage et il n'est pas trop compliqué. Il suffit de le sélectionner et de le découper où je veux. Bien sûr, une fois que nous avons coupé pour déplacer la pièce que nous avons coupée, nous devons utiliser l'outil flèche. Bien entendu, vous pouvez également utiliser l'outil Razor dans les clips audio Passons maintenant au quatrième bouton, le quatrième outil. Cet outil est très utile. En fait, il dispose de deux options que nous pouvons modifier avec l'ancienne touche du clavier, l' glissement et l'outil de glissement. Passons en revue la première option. Cet outil me permet de modifier l'entrée et sortie d'un clip vidéo situé entre deux autres clips. Par exemple, lorsque vous cliquez sur cette petite partie de la vidéo, ces quatre écrans apparaîtront sur le moniteur du programme. L'image ci-dessus et à gauche appartient à la fin du clip qui la précède. Et l'image à droite et en haut appartient au début du clip qui la suit. Les deux images ci-dessous correspondent au début et à la fin du clip que nous avons sélectionné. Cet outil de saisie me permet de modifier l'entrée et la sortie du clip que j' ai sélectionné sans modifier la position du clip par rapport aux deux autres clips situés respectivement avant et après en maintenant le bouton gauche de la souris enfoncé, tout en le déplaçant vers la droite ou vers la gauche. Je change le début et la fin de ce clip. déplaçant dans le court-métrage, cela me permet de me déplacer là où je veux que ce petit clip commence et se termine sans avoir à me rendre sur le moniteur de référence modifier le clip séparément , puis à le placer directement là. C'est utile parce que parfois nous voulons changer de petites choses, mais il est difficile de remettre le clip là où il se trouve et de le remettre à sa place. La vérité, c'est que je ne m'en sers pas trop. Mais il est important de savoir que cet outil existe pour que le flux de travail soit le plus agréable possible. La deuxième option, qui serait un outil léger, fonctionne différemment. Cet outil me permet de déplacer la position que le clip aura par rapport aux deux autres clips. Je parle de celui qui est après et de celui qui est avant. Mais sans modifier le début et la fin du clip que j'ai sélectionné, faites attention à la chronologie. Notez que je déplace le clip et que sa position est maintenant déplacée par rapport aux deux autres clips. Regardez comment je déplace le clip à l'endroit où je veux. Maintenant, dans le moniteur du programme, les petites images ci-dessus appartiennent désormais au début et à la fin du clip que j'ai sélectionné. Les deux images ci-dessous appartiennent aux clips situés respectivement avant et après. C'est donc un outil très utile car il me permet de modifier des clips sans avoir à les séparer dans une autre partie de la chronologie, ce qui nous demanderait plus de travail. Passons donc au bouton suivant de l'outil, qui serait le stylo. L'outil Pen me permet de modifier la ligne d'automatisation sur les clips qui, par défaut, correspondent volume pour le son et à la capacité pour la vidéo. En définissant ces points sous le nom d'images clés, nous pouvons demander au logiciel de modifier automatiquement le volume et l' opacité au fur et à mesure que la chronologie avance Mais je ne veux pas entrer dans du sujet pour le moment, car il y aura une leçon séparée concernant montage audio et l'édition de l'opacité, ainsi qu'une leçon dans laquelle nous expliquerons ce qu'est une image clé L'important pour le moment est que vous sachiez que l'outil Pen me permet de modifier ces automatisations simplement en marquant des points sur lignes horizontales contenant la fois les clips audio et vidéo Le dernier bouton de la barre d'outils chronologique est l'outil texte, que nous verrons bien sûr également en détail dans une leçon spécifique à ce sujet. Parce que je dois évidemment expliquer les paramètres en détail et comment vous allez pouvoir utiliser les lettres, les placer et les déplacer sur la vidéo. Pour l'instant, il est important de savoir que lorsque cette option est sélectionnée, suffit de cliquer n'importe où sur le moniteur du programme. Et immédiatement, l' option d'écriture s'ouvre. Et en même temps, un clip graphique est créé sur la chronologie. Et je pourrai modifier ce clip comme je le souhaite, comme s'il s'agissait d' un autre clip vidéo. Je veux dire, je peux changer sa durée de vie et le déplacer exactement comme s'il s'agissait d'un clip vidéo. En fait, je peux vous en montrer un peu à la fois . Une fois que j'ai sélectionné ce clip graphique, le contrôle Fx ouvre tous les paramètres pour déplacer ce clip. Comme je vous l'ai dit, s'il s'agissait d' un clip vidéo de plus, nous pourrons évidemment également modifier les caractéristiques de la typographie Il existe de nombreuses fonctionnalités, mais comme je veux y aller étape par étape, je dois d'abord expliquer à quoi ressemble le contrôle des graisses avant d'aborder la manière modifier le texte dans la première. Tout tournerait autour des boutons de la barre d'outils chronologique. Vous avez déjà une idée générale de ces boutons qui vous seront très utiles à partir de maintenant. Essayez de revoir tout le contenu à nouveau, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 11. Barres d'outils de la timeline Barre horizontale: Parfait. Nous sommes de nouveau ici. se trouvent ici sont un autre élément important lié boutons qui se trouvent ici sont un autre élément important lié à cette barre d'outils. Je considère ces boutons comme une extension de cette barre d' outils et nous allons commencer par ce symbole magnétique accroché à la chronologie À quoi ça sert ? Cet aimant est directement connecté au rasoir car il est très difficile d'effectuer des coupes précises Parfois, nous avons besoin que la découpe corresponde à la ligne de guidage bleue. Lorsqu'il est activé, l'aimant nous aide à faire en sorte que la découpe colle à la ligne. Mais l'aimant colle non seulement la ligne de guidage, mais également les bordures des clips. Par exemple, lorsque nous avons besoin d'un clip pour nous rapprocher d'un autre clip, par exemple, je vais ajouter une coupe transversale de ce court métrage à la chronologie. Et je vais le rapprocher de l'autre clip qui se trouve dans la chronologie. Il se trouve que, comme nous avons l'habitude de résumer et de résumer la chronologie pour travailler confortablement, nous devons parfois joindre deux clips sans mordre aucun clip. Dans ces cas, l'aimant nous aide à faire en sorte que le clip colle à la bordure. Si ce n'était pas activé, nous sommes peut-être en train de mordre un peu l'autre clip. autre côté, lorsque nous devons déplacer le clip à l'endroit précis que nous voulons, par exemple, lorsque nous additionnons réellement la chronologie, il vaut mieux que cela ne soit pas activé. Vous savez déjà comment cela fonctionne. Ce n'est pas si compliqué et c'est l'un des outils les plus utiles pour nous. Vous savez que lorsqu'il est activé, l'aimant nous aide à respecter les directives, à suivre les ordres pour être plus précis et à améliorer le flux de travail. autre côté, il y a un détail important concernant les découpes et il est lié aux coupures de la section audio. Je vous ai déjà parlé du code temporel dans la chronologie, et j'en parlais lorsque j'ai créé la séquence. Et cela était lié à la façon dont l'heure sera affichée dans la chronologie. Et vous pouvez suivre le code temporel ou suivre le nombre d'images par seconde. Mais il arrive que lorsque vous additionnez complètement la chronologie et que vous déplacez le guide de la ligne bleue, cette ligne se déplace d' un cadre à l'autre. Et cela pose problème lorsqu'il s'agit de modifier du son, car le son lui-même est plus continu que le rythme des images. Je veux dire, vous pouvez remarquer les sauts audio ce qui est très difficile lorsqu'il s'agit de découper des clips Odeo Pour résoudre ce problème, vous devez cliquer sur la règle de la chronologie avec le bouton droit de la souris, puis sélectionner Afficher les unités de temps audio. Ce faisant, vous pouvez déplacer la ligne de guidage bleue, sans sauter d'une image à l'autre, mais en suivant le temps audio continu. Par conséquent, vous allez être plus précis lorsque vous coupez des clips ado, vous devez vous rappeler que le son est plus précis. Je veux dire, lorsque vous utilisez une résolution de 48 K, cela signifie qu'il y aura 48 000 enregistrements par seconde Vous pouvez le remarquer dans le temps qui affiche actuellement les échantillons audio. Je veux dire, chaque seconde compte 88 000 siennes. Mais comme vous le savez, vous pouvez également les convertir en millisecondes, mais c'est un bon rappel pour vous lorsqu'il s'agit de couper des clips audio Le bouton suivant, est-ce le bouton de sélection du lien ? Parfois, lorsque nous faisons glisser une section transversale d' une vidéo du moniteur de référence vers la timeline, nous enregistrons cette section avec son correspondant, comme dans ce cas. Par exemple, cette partie de ce court métrage. Lorsque nous activons la section lien, lorsque nous cliquons sur le clip vidéo, nous allons également sélectionner le clip audio. Je veux dire, quand il s'agit d'être TD, c'est important nous modifiions lorsque nous désactivons cet outil Si je clique sur le clip, je ne sélectionnerai que le clip vidéo. Aussi simple que cela, je vais le refaire. Je vais activer le bouton. Je vais sélectionner le clip vidéo. Et je sélectionne la vidéo et l'audio en même temps. Le bouton suivant est l' outil permettant d'insérer des séquences. Cet outil me permet de le faire de deux manières. Je vais utiliser comme exemple cette autre séquence que j'ai ici. Vous pouvez remarquer qu' à l'intérieur de cette séquence, j'ai sélectionné ce clip, mais en entrant et en sortant, nous revenons à la séquence sur laquelle nous travaillons. Et je vais faire glisser cette séquence dans celle-ci. Lorsque ce bouton est désactivé et que nous allons faire glisser une séquence dans celle-ci, il arrive que tous les fichiers cette séquence apparaissent dans la chronologie Je veux dire, comme si c'était le cas pour déplacer tous les clips de cette séquence vers la séquence avec laquelle nous travaillons. Bien entendu, nous déplaçons également le montage, mais avec les clips séparément. Mais d'un autre côté, si j'active ce bouton, il fonctionnera différemment. Je vais donc faire glisser à nouveau la séquence dans la séquence sur laquelle nous travaillons. Et vous pouvez remarquer que je déplace une sorte de clip imbriqué. Et ce clip imbriqué contient tout ce qui se trouve dans cette séquence, que vous ayez marqué une entrée ou une sortie. La séquence entière sera déplacée. C'est donc un outil très utile lorsqu'il s'agit de créer un projet de grande envergure. Par exemple, vous pouvez insérer autant de séquences que vous le souhaitez dans une séquence. Je vais donc rouvrir cette séquence. Vous pouvez remarquer qu'il y a une sélection inexistante. Je vais donc revenir à la séquence avec laquelle nous travaillons. Et je vais faire glisser l' autre séquence dans celle-ci. Lorsque le bouton est activé, la séquence complète est insérée. Et vous pouvez sélectionner la partie que vous souhaitez de cette séquence comme s' il s'agissait d'un autre clip. Et en fait, si vous cliquez sur ce clip, vous allez revenir à l'autre séquence. Je vais donc désactiver à nouveau le bouton et faire glisser la séquence dans celui-ci Et vous remarquerez que seule la sélection a été prise en compte. Je veux dire, tout ce qui se trouvait entre l'entrée et la sortie. De plus, je déplace les clips dans la séquence. Le bouton suivant est donc l'outil de marquage. Il s'agit essentiellement de rappels que vous pouvez ajouter à l'édition pour vous rappeler quelque chose d'important. Je veux dire, lorsque vous éditez un projet volumineux ou une séquence trop longue, vous risquez de rater des éléments lors du montage. Surtout, lorsque vous travaillez jour après jour, dos à dos, vous apportez nombreux changements dans le montage, dans les séquences. Ces rappels sont très utiles, vous pouvez donc ajouter des rappels, cliquer dessus et mettre un nom si vous le souhaitez. Et en fait, vous avez une section commune ci-dessous où vous pouvez taper des commentaires relatifs à la séquence ou aux modifications. Et vous pouvez également changer la couleur du marqueur. Je l'utilise beaucoup parce que grands projets nécessitent de nombreuses heures de travail. L'outil suivant est la clé ici. Et cet outil vous permet de sélectionner ce que vous souhaitez voir apparaître dans la chronologie. Je veux dire, la chronologie comporte plusieurs fonctionnalités et vous pouvez sélectionner celle que vous souhaitez afficher. Aussi simple que cela, vous pouvez désactiver, par exemple, pour afficher les ondes audio ou les images clés audio, par exemple, comme vous le souhaitez dans la chronologie Je voudrais souligner un point important lié aux raccourcis, car je n'ai jamais aimé les utiliser. Parce que la plupart des éditeurs que je connais qui utilisent des raccourcis ne sont pas très bons. Mais si vous voulez connaître les principaux raccourcis, allez dans l'onglet d'édition, puis sur les raccourcis clavier. Juste ici. Le logiciel vous fournit toutes les informations relatives aux raccourcis. Je n'aime pas du tout les raccourcis parce que le cerveau a des limites, le cerveau a des limites, et je n'ai pas envie de dépenser ma mémoire dans ce genre d'informations. Je veux dire, quand vous êtes monteur professionnel, quand vous êtes cinéaste professionnel, artiste professionnel, vous allez devoir rappeler beaucoup de choses liées à la culture générale, à l'art, à la philosophie , etc. Et vous êtes censé le faire pour faire ressortir le meilleur de vos références artistiques. Et c'est un processus compliqué dans votre esprit, dans votre cerveau. Je ne perds donc pas mon temps à rappeler que vous pouvez activer cet outil rasoir en appuyant sur C sur le clavier, par exemple Je veux dire, je clique simplement sur le rasoir et je vais utiliser le rasoir Quoi qu'il en soit, essayez de vous rappeler à quoi sert cet outil magnétique. Et aussi cet outil lié qui vous permet de sélectionner clip vidéo ou la publicité vidéo qui s'éclipsent ensemble N'oubliez pas cet outil d'insertion de séquences qui vous permet d'insérer un clip esthétique ou les clips séparément. Souvenez-vous également des marqueurs et de ce dernier sur la clé qui vous permet d' afficher les fonctionnalités de la chronologie Cette leçon est d'ici et jusqu'à la suivante. 12. Projecto vidéo pour skillshare: Nous allons parler d'un projet du cours. En tant que projet final, vous devez créer un montage en suivant l' exemple des leçons, du scénario et des ellipses, ainsi que du temps et de la contemplation Il suffit d'utiliser un smartphone ou un simple appareil photo. Vous devriez vous enregistrer dans votre chambre en train de vous préparer à quitter votre maison, ou simplement en train de vous lever de votre lit et de vous préparer à sortir. Dans les leçons que j'ai mentionnées, j'ai expliqué comment ordonner les images pour créer différents messages audiovisuels. Je veux transmettre différentes informations au public. C'est l'une des connaissances les plus précieuses du discours. Et je veux que vous l' appreniez vraiment afin pouvoir éditer des histoires dans n'importe quel logiciel de montage vidéo. Il est important de mentionner que vous pouvez ajouter votre voix à ce petit montage pour modifier davantage le message sous-jacent à votre montage lui-même. Bien entendu, vous apprendrez dans ce programme toutes les connaissances techniques nécessaires pour produire du son. Je te vois dans la première leçon. 13. Temps et la vue d'une photo cinématique: Bonjour, tout le monde. L'une des difficultés les plus importantes lorsqu'il s'agit de retoucher des films, ou de modifier toute autre œuvre visuelle, est de comprendre le véritable sens des images lorsqu'il s'agit de retoucher des films, ou de modifier toute autre œuvre visuelle, est de comprendre le véritable sens des Dans mon cours de réalisation cinématographique, j'en ai parlé dans ces leçons de sémiotique, où j'explique à quel point c' est important Le concept de figure et de base, je veux dire, ce concept qui nous dit que non seulement les personnages nous parlent de l'histoire, mais aussi de tout ce qui les entoure. Mais il y a un élément crucial lorsqu'il s'agit de comprendre cela. Cet élément est le temps, le temps et l'image, le temps et la contemplation. Le problème d'aujourd'hui sort du monde visuel, c'est que tout va trop vite. Nous voulons communiquer le plus rapidement possible. Et peut-être que sur certaines plateformes, cela fonctionne très bien. Par la nature même de ces plateformes, je veux dire Instagram, Youtube, Tiktok Le problème est que le cinéma fonctionne différemment, surtout lorsqu'il s'agit de faire du cinéma de qualité. Ce genre de films dans lesquels nous voulons raconter des choses profondes. Et pour pouvoir raconter des choses profondes, il est nécessaire que le processus de communication entre l'auteur et le public soit précis et correct. Nous devons toujours nous poser la question suivante. Le public comprend vraiment ce que signifie le script. En ce sens, le processus de montage est fondamental car dans ce processus, nous allons déterminer non seulement l'ordre, mais également la durée de chaque prise de vue. Dans l'histoire, j'utilise toujours comme exemple l'action de vérifier l'heure sur n'importe quelle horloge. Combien de temps vous faut-il pour vérifier l'heure sur n'importe quelle horloge ? Je veux dire, quand vous voyez l'heure sur votre horloge, je dirais qu'il ne faut pas plus de 3 secondes pour voir l'heure. Mais si nous voyons la même horloge, le même plan de l' horloge pendant plus longtemps, cela déclenche quelque chose d'autre dans notre esprit, nous commençons à remettre en question ce que nous voyons à l'écran ou à nous poser des questions sur le sens de ce que nous regardons à l'écran. C'est là que les choses commencent à se produire dans notre esprit. C'est là que nous commençons à utiliser l'image pour un autre type de lecture. Je veux dire, le temps qu'une image passe l'écran change le sens de l'image en elle-même. Étant donné que c'est à nous de déterminer la durée d' une image à l'écran , nous devons être prêts à comprendre quand cela est nécessaire ou non, quand cela est pratique ou non, d' étirer ou de comprimer une prise de vue. Je vais vous montrer un court métrage dans lequel je travaille dans mon école de cinéma. J'ai travaillé spécifiquement sur la musique, mais le fait est que cette œuvre pose des problèmes liés à la durée des prises de vue. Mais en même temps, il existe des clichés précieux, précisément en raison de leur durée. Permettez-moi donc de vous donner un petit contexte de l'histoire de ce court métrage. Cette histoire parle d'une fille actrice qui a été abusée sexuellement par quelqu'un, mais elle ne veut rien dire à sa mère. La fille se comporte bizarrement. Elle est toujours de mauvaise humeur. Mais à un moment donné de l'histoire, la mère de la fille trouve un pull contenant ses données taché de sang. Enfin, la mère comprend que la fille a subi une sorte de maltraitance et parvient à comprendre sa porte. À la fin de l'histoire. Ce court métrage présente des problèmes d' écriture scénaristique évidents, notamment le fait que, par exemple, si la jeune fille est actrice et spectatrice, le public ne sait pas qu'elle est réellement actrice, car le réalisateur et scénariste de cette œuvre utilise simplement un plan, le public ne sait pas qu'elle est réellement actrice, car le réalisateur et scénariste de cette œuvre utilise simplement un plan, avec un ca***dar, comme mécanisme pour informer le public que la fille tourne sur un pour informer le public que la date précise. Ce n'est pas une information suffisante pour comprendre qu' elle est actrice. Mais faites attention au cliché en premier lieu. Le cliché ne dure pas assez longtemps pour le voir en détail. Ensuite, le mot shooting, qui dans le ca***dar signifie que le rode en espagnol n'est pas assez serré pour être Un éditeur aurait parfaitement pu résoudre ce problème. Par exemple, si la photo avait été enregistrée avec une résolution suffisante, il aurait suffi de zoomer sur la photo pour lire le mot shooting, le mot « rode De plus, si la prise de vue ne dure pas assez longtemps, en prenant simplement une capture d'écran de la dernière image de la photo, nous pourrions ***gthen cette prise de vue en utilisant cette photo comme si elle faisait partie de la vidéo D'autre part, au début du tournage, un où l'on voit des fleurs avec des voitures sur une table. C'est le premier cliché après avoir vu la fille dans le bain au sommet. Je dois avouer que la première fois que j'ai vu cette photo, j'ai cru que c'était un cercueil surmonté de quelques fleurs Je veux dire, cet arrangement de fleurs commémoratives s'avère cadeau de félicitations pour la fille pour avoir joué dans une pièce Mais en fait, même le déplacement de la photo vers la gauche , et le fait que nous ne voyions pas le tableau en lui-même auparavant. La première chose qui vous vient à l' esprit, c'est qu'il s'agit d'un cercueil De plus, l'ordre des prises de vue dans l'assemblage échoue. Je veux dire, les courts métrages commencent avec la fille inquiète au début, comme si elle pensait profondément à quelque chose. Quand vous voyez l'image d' un objet en bois allongé surmonté de fleurs, qu'en pensez-vous ? Que pensez-vous avoir vous dû, en tant que rédacteur, pour vous rendre compte de ce genre de choses ? Parce que si les données contiennent une autre photo de la même table prise d'un point de vue plus éloigné, par exemple, où il est clair qu'il s'agit d'un tableau à l'œil nu, vous êtes censé choisir cette prise. Mmm, hum. Mais tout n' échoue pas dans ce court métrage. Par exemple, lors du dernier grand plan de la dernière scène où la mère entre dans la pièce, s'allonge devant ses proches et l'observe pendant un long moment, le réalisateur et le monteur ont pu prendre une autre décision, comme utiliser un autre plan ou faire des coupes pour résumer la scène, par exemple. Mais ils ne l'ont pas fait. Simplement, la scène est suffisamment longue pour nous permettre contempler longuement les deux personnages Pour nous immerger dans les émotions, dans leurs émotions d'une manière plus profonde. Essayez de prendre tout cela comme un exemple, car c'est comme le fait de contempler un tableau Utilisons-le comme exemple. Voici le tableau de Manet. Supposons que ce soit un shot. Si la durée de cette prise était de 4 secondes, par exemple, ce temps serait-il suffisant pour contempler l'arrière-plan ? Par exemple, remarquer qu'en arrière-plan il y a une autre femme qui est évidemment avec eux. C'est assez de temps, 4 secondes pour détailler qu'il y a même un petit bateau en bois en arrière-plan. C'est sûrement le moyen de transport par lequel ils sont arrivés à cet endroit. Sûrement un endroit magique où ils voulaient s'évader, être seuls. Celles pour amis avec leurs amants. Réalisez-vous que c'est le seul moyen d'approfondir le langage audiovisuel, essayer de contempler l'art, devenir un véritable artiste doué, jusqu'à la prochaine leçon 14. Le scénario et le montage du film Comment un scénario ressemble à l'écran: Parfait, nous assistons à la première de Dove. Dans cette leçon, nous allons apprendre à interpréter un script de film en matière de montage de film. Je veux dire à quoi ressemble un scénario à l'écran à son tour. À quoi ressemble également une page de script représentant 60 secondes dans un film. L'option est d'apprendre à interpréter le scénario d'un film lorsqu'il s'agit de le monter, ou du moins d'avoir une idée de ce que le script veut transmettre Je vais diviser un écran et je vais vous montrer cette scène dans ce plan large où tout va se passer en un seul plan. Et en même temps, je vais lire la page de script correspondant à cette scène. Vous devez également savoir que page de scénario représente 60 secondes à l'écran. Mais faites bien attention à cette leçon, car en fait, ce ne sera pas toujours comme ça. Et nous devons être conscients que même lorsqu'un scénario est mal écrit, tant que cinéastes ou monteurs, nous sommes censés savoir combien durent réellement les actions d'un scénario de film Commençons donc par une journée de spéléologie, bras Novecento est suspendu au-dessus du bord du lit Pendant qu'il dort, une valise ouverte repose sur le sol. Un livre de musique est dans la valise. Une lumière douce illumine la peau jeune du bras Navicent. Navicent dort paisiblement au pied d'une banque. Il porte une chemise verte et pantalon qui ne sont pas confortables pour dormir. Les draps et les oreillers sont très larges. Le bruit de quelques aigles se fait entendre au loin. Ils semblent se rapprocher, mais le sommeil du novecento ne semble pas être perturbé Le bruit des aigles augmente et se réveille. Novecento. Novecento s'essuie les yeux pour essayer de se réveiller Il semble vouloir se rendormir, mais il fait l'effort de le quitter des yeux. La lumière du matin indique qu'il doit se lever. Navicent se trouve sur le bord du lit. Il est toujours fatigué. Novecento s'essuie les yeux. Il semble un peu inquiet, mais il fait l' effort de maîtriser sa force pour finir debout. La lumière du matin entre par la petite fenêtre ronde, typique d'un navire du début du 20e siècle. Novecento finit de fermer sa valise, a déjà mis ses chaussures, puis marche lentement vers les fenêtres de la cabine Novecento s'approche des fenêtres de la cabine pendant qu'il répare ses bretelles Novecento regarde à travers l'une des fenêtres de la cabine. Il a l'air très attentionné. Il y a des découpes dans les murs de la cabine comme si quelqu'un y était depuis un certain temps. Les lumières de la cabine s'allument, indiquant que le navire est sur le point d'accoster au quai, Novecento se rend compte qu' il est temps de partir Il commence à regarder autour de lui pour voir s'il n'a plus rien dans la cabine. Novecento voit chaque détail et se tourne vers un banc où se trouvent des draps volants. Navicent observe les draps et réfléchit profondément. Navicent s'approche du banc et s'assoit. Il prend ensuite les draps et passe en revue les uns après les autres. Les draps semblent lui rappeler quelque chose. Novecento est nostalgique, il se transforme en infini, Évidemment, ce que nous voyons à l'écran est toujours l'interprétation d'un scénario de film. Une interprétation qui peut venir d' un scénariste ou du réalisateur lui-même. Dans ce contexte, une question se pose. Cette page de script appartient-elle vraiment à cette scène ? La vérité est qu'en termes généraux, c'est-à-dire lisant les unités d'actions, il semble que ce soit le script qui correspond à ce plan. Cependant, la première chose prendre en compte est que cette prise dure près de 2,5 minutes. Nous venons de lire une page de script qui ne représente que 60 secondes. Faites donc attention à l'importance de ces connaissances car nous pouvons déjà constater des lacunes dans la rédaction. Cette connaissance nous permet de connaître la durée réelle des actions qui se produisent dans la page de script. Cela nous permet de savoir combien durent les actions d'un personnage dans Cene. Ces connaissances sont inestimables et il n'est possible de les comprendre par la pratique, car en fait, nous lisons la scène Et le lire m'a pris plus ou moins de temps, soit 2,5 minutes. Mais imaginez que nous étions en train de monter un script de 90 pages présentant ce problème, alors le film ne durerait pas une heure et demie, mais 3 heures, dans la mesure où c' est vraiment un problème en termes de production. D'autre part, il y a un élément qui ressort surtout de cette version écrite du script. est-à-dire qu'un grand nombre de détails sont décrits, qu'il n'est pas possible de les représenter, ou du moins qu'il est difficile de les représenter du point de vue de cette prise, la prise de vue est une prise de vue, une sorte de plan ouvert Et qu'est-ce que cela signifie ? C'est ce que cela signifie en réalité. Le cliché que nous devons utiliser pour raconter ce qui se passe dans la grotte, dans nos odeurs, par exemple. Prêtez attention à cette ligne du script. Une lumière douce illumine la peau jeune du bras Novecento. Il n'est pas possible de voir ce détail au loin, tout comme le détail du livre sur la valise, la ligne où il est lu, le fait que Novecento s' inquiète de quelque chose au Il est également difficile de connaître les détails de la phase Novecento Ce que j'essaie de dire, c'est que tous ces détails sont essentiels pour pouvoir déterminer quels clichés nous allons utiliser à partir des données que l'équipe de production nous a fournies. À moins d'instructions spécifiques pour choisir les prises à utiliser, nous devrions pouvoir utiliser le script comme guide et le script suggère dans son écriture quelles sont les prises les plus appropriées. Par exemple, le détail du bras Novecento et le livre sur la valise qui peuvent se trouver dans un seul plan fermé, si les données dont nous disposons indiquent qu'il existe un plan qui représente ces lignes de la meilleure façon possible. Par exemple, ce plan fermé, nous sommes censés Ce que nous devons faire, c'est sélectionner la partie du clip vidéo. N'oubliez pas que je vous ai expliqué comment procéder plus tôt en utilisant le I, l' entrée et la sortie, et en faisant glisser le fragment vidéo sur la chronologie. Il est important de noter que nous développons toujours notre point de vue sur le script, mais nous sommes censés lire le script de manière professionnelle afin de le représenter au mieux. Faisons attention à la façon dont cette photo est lue. Mais ici, on ne remarque pas vraiment que le livre est en fait un livre de musique. Le livre y regarde de plus près, la même manière que la peau du bras de Novecento De plus, nous pouvons voir sur cette photo à quoi ressemblent les vêtements Novecento quel point il est profondément endormi Nous pouvons encore mieux remarquer la couleur blanche spécifique de l'oreiller. En fait, en combinant ce plan rapproché avec une photo de réunion de Novecento sur le lit, par exemple, sur cette photo, nous pouvons voir plus en détail comment Novecento N'oubliez pas que la description indique que Novecento porte des vêtements qui ne sont pas tout confortables De plus, nous pouvons voir plus en détail les découpes de papier collées au mur. Ce cliché est donc très utile. Nous pouvons donc sélectionner le fragment vidéo que nous voulons en utilisant le I et le 0, et l'ajouter à la chronologie. Il y a quelque chose de très important à prendre en compte lorsqu'il s'agit de mixer différents plans, différentes prises de la même action. Nous devons porter une attention particulière aux mesures de découpe. Les actions de découpe sont celles où nous allons passer d' une prise à l'autre pour donner l' impression que vous avez plusieurs caméras réglées pour donner l' impression que vous avez en même temps. Par exemple, ici le personnage se tourne vers la lumière. En fait, c'est la lumière dans le son des véhicules qui réveille Novecento Cette action est donc répétée sur différents plans et c'est parfait pour générer cette sensation dans le montage. Si nous ne respectons pas ces éléments consécutifs lorsqu'il s'agit de passer d' une prise à une autre, nous générerons un autre sens narratif. Dans le montage vidéo, nous allons créer une ellipse. Les points de suspension sont un saut narratif dans le temps lors du montage. Ces blocages temporels peuvent être courts ou longs. Dans tous les cas, nous verrons cet élément spécifique plus tard dans une autre leçon. Mais comme ce n'est pas le cas, nous devons trouver les actions coupantes qui me permettent de joindre correctement un tir à un autre. Je vais maintenant chercher une autre prise pour continuer à construire la scène. Dans ce cas, je vais utiliser l'action qui consiste à enfiler les bottes au fur et à mesure que je coupe pour pouvoir combiner correctement les deux prises. Comme je vous l'ai dit, nous allons sélectionner le fragment vidéo que nous voulons avec le I, puis faire glisser cette vidéo vers la chronologie. Regardez à quoi ressemble l'action de découpe, qui donne l'impression qu'il y a plusieurs caméras dans la scène. C'est très important. Autrement dit, dans la mesure où nous avançons dans l'édition d'un script spécifique, nous allons découvrir des choses à partir des données. Des choses qui, au final, nous permettront d' atteindre le montage. Par exemple, le script contient une description importante. La lumière du matin entre par de petites fenêtres rondes, typiques d'un navire du début du 20e siècle. Malgré le fait que ce détail soit visible dans le plan général du script qui est écrit séparément dans un petit paragraphe, suggère que ce plan est un plan spécifique pour ou que certains détails de cet élément doivent être vus. Je vais créer un espace entre les prises de vue que nous avons ajoutées à la chronologie pour essayer d'ajouter une photo des fenêtres. Prêtez attention à cela maintenant. Sur l'un des plans enregistrés, Novecento est assis et réfléchit partitions qu' il est Mais si l'on se rend compte qu'à la fin de la prise de vue, Novecento se lève et laisse pratiquement les fenêtres exposées comme s'il s' agissait d'une photo des Nous pouvons donc utiliser ces secondes pendant lesquelles navigateur ne voit pas cela comme s'il s'agissait d'une prise C'est ce que j'appelle prendre des photos des photos elles-mêmes. intéressant, c'est que cela nous oblige également à créer un lien avec les autres plans. Que nous devons également trouver une coupure en action qui nous aide à combiner le cliché avec les autres. Par exemple, il y a un moment où navigateur se tourne vers les fenêtres Cela pourrait être l'action de coupure. Parfaitement. Rappelez-vous que dans action naturelle du personnage, il se tourne vers la lumière car c' est la lumière qui marche vers le haut. En plus de cela, c'est le lien entre le personnage et l'extérieur. Cette capture détaillée de la fenêtre est cruciale. Cela me permet de décrire l'espace plus en détail. Il est nécessaire de comparer toutes les informations que nous percevons dans un plan fermé par rapport au premier plan général que nous avons vu au début. La lecture de la photo est très importante, et ce n'est qu'en les comparant que nous pouvons mieux sentir comment les informations nous parviennent. Faites attention au fait que même s'il s'agit de la même action, c' est-à-dire que les unités d'action sont contenues à la fois dans le plan fermé et dans le plan général, la lecture est différente. Il est très important d'en tenir compte lors de l'édition car certains détails ne peuvent pas être affichés dans un plan ouvert. Mais le plus important, c'est qu' il n'y a pas une seule façon de le faire, simplement que nous devons être ouverts à la recherche possibilités créées dans les données que l' équipe de production nous fournit. autant que beaucoup d'entre vous viennent de mon cours de scénarisation, et c'est un autre excellent exemple pour voir à quoi ressemble réellement un scénario sur un écran Je dirais que c'est l'un des défis les plus difficiles pour un scénariste chose la plus précieuse à propos ces connaissances est qu'ils nous proposent souvent des projets qui n'ont même pas de script officiellement écrit. Mais au lieu de cela, ils ont enregistré une histoire avec un sac, un guide. Et nous devons construire l' histoire au moment du montage. Nous serions donc pratiquement en train d'écrire l'histoire nous-mêmes. Eh bien, continuons avec cet exemple. Faisons attention au dernier paragraphe, où l'on lit ce qui suit. Novecento s'approche du banc et s'assoit. Il prend ensuite les draps et passe en revue les uns après les autres. La partition semble lui rappeler quelque chose. Novecento est nostalgique, il se transforme en infini, Donc, sur ce plan large, Novecento est vu en train de regarder les partitions Mais peut-on vraiment voir que Novecento réfléchit profondément à ce qu'il voit ? La vérité est qu' en plan ouvert nous ne voyons que le personnage lire les pages, mais nous ne voyons pas son visage en détail. Mais regardez maintenant cette photo. Ici, nous pouvons voir le visage suffisamment près pour représenter ce qui est écrit dans le script. Ici, nous voyons le visage de près, et il ne fait aucun doute que Novecento est attentionné et influencé par ce qu'il voit sur les pages Nous pouvons faire exactement la même chose. Nous allons sélectionner la vidéo transversale que nous voulons ajouter à la chronologie afin de mieux décrire cette émotion lue dans le script. De la même manière, nous devons trouver les actions de découpe qui ont l'air très bien mélangées à l'autre plan. Faites attention à chacun des mouvements de la performance, afin qu' aucune ellipse n'apparaisse lors du montage N'oubliez pas que les points de suspension sont quelque chose que nous verrons plus tard Par exemple, nous pouvons utiliser n'importe quel moment où naviguer ou se détendre, c'est la tête Au fur et à mesure que vous retouchez des œuvres de cette nature, vous développerez une sensibilité au montage, car votre cerveau lira automatiquement les plans de cette façon. Maintenant, nous pouvons remarquer que le personnage est en train de penser à quelque chose. Il laisse quelque chose parce que nous le voyons à l'écran. Ce qui n'apparaît pas à l' écran n'existe pas. Il s'agit d'un principe de base de l'écriture cinématographique. Si vous ne voyez pas ou n'entendez pas, quelque chose n'existe pas. Mais supposons que nous voulions représenter ce script avec un seul plan de séquence. La caméra devrait parcourir chacun des détails d'une sorte de voyage avec une caméra fixe qui nous permettrait de voir les détails écrits dans le script. Ce serait quelque chose de très différent de la photo générale que je vous ai montrée au début où nous ne pouvons pas voir les détails précis. Revoyons-le une fois de plus pour l'analyser. Vous vous êtes déjà rendu compte que, tout d' abord, les petits détails ne sont pas visibles. Ensuite, il est important que nous sachions à quoi ressemblerait un script appartenant à ce plan. Je veux dire, pour avoir choisi ce plan plutôt que la composition avec différents plans décrivant les détails, etc., le script devait avoir une autre nature Tout d'abord, la première chose est que les paragraphes seraient beaucoup plus longs. Lorsque les paragraphes sont longs, l'auteur nous suggère de faire quelques découpes autant que possible. autre côté, il n'y aurait évidemment pas de description détaillée des objets, mais une description générale des actions effectuées dans le temps. D'autre part, les scripts sont écrits dans l'unité d'actions. Chaque période en continu est une action différente ou un élément différent à décrire. De plus, bien que le passage d'un paragraphe à l'autre avec un point soit presque toujours sur les lèvres passage d'un paragraphe à l'autre avec un point , il n' y a pas toujours de sauts temporels entre points. Parfois, ces poses sont simplement conçues pour occuper des pages du script et indiquer à l'équipe de production que la scène dure un certain temps. Surtout quand ce sont des rédacteurs experts qui savent vraiment combien de temps durent les actions humaines. Tenez-en compte afin de savoir comment interpréter les scripts qui vous sont présentés. À moins que le réalisateur lui-même n'ait d'autres instructions, nous devons suivre ce que le script nous suggère. D'autre part, les réalisateurs créent généralement une nouvelle version du scénario, en particulier lorsque le réalisateur n'est pas le scénariste. Mais même si le même réalisateur est le scénariste, il y a toujours des modifications car les scripts sont toujours dans un processus constant d' amélioration jusqu'à la fin, jusqu'à la dernière étape du montage. Il est important d'être préparé pour qu'il y ait un processus de communication efficace entre le réalisateur et le monteur du film ou du court métrage. Je vais vous laisser les deux versions de ces scènes dans deux fichiers PDF afin que vous puissiez les consulter et savoir à quoi ressemble réellement une page de script de film . C'est pour cette leçon et jusqu'à la suivante. 15. Comment éditer des textes: Parfait ce que nous allons faire dans cette leçon. Nous allons apprendre à utiliser l'outil texte depuis la barre d'outils chronologique. Mais en plus, nous allons apprendre à souligner le texte, ce qui est très utile pour les vers de Youtube et pour les vidéos pour les réseaux sociaux, et même pour les titres de films et de courts métrages. D'autre part, vous allez embellir ces soulignements avec un élément essentiel qui, je sais, vous allez adorer, a. Il convient de noter que même si nous allons utiliser les éléments essentiels de l'action dans cette leçon, nous allons utiliser les éléments essentiels de l' action manière beaucoup plus détaillée plus tard Commençons par l'outil de texte. Il suffit de sélectionner l'outil texte dans la barre d'outils chronologique, puis d'accéder au moniteur du programme et de cliquer à l' endroit où nous voulons que le texte soit. Je vais tout taper immédiatement après avoir fini d'écrire le texte que nous voulons. Un clip graphique sera créé sur la chronologie. Nous pouvons étirer ou presser ce clip à notre guise. C'est exactement comme s'il s'agissait d'un clip vidéo. Évidemment, la seule chose visible dans ce clip est le texte. Et le texte sera affiché à l'écran. Tant qu'il est au-dessus d'un autre clip, nous pouvons cliquer dessus et les paramètres généraux s'ouvriront automatiquement dans le panneau de configuration Ax s'il s' agissait d'un autre clip vidéo. Et évidemment, nous pouvons ajouter les faits que nous voulons et ils n' affecteront que les textes que nous avons ici, mais faites attention. En réalité, le texte que nous avions écrit n' est pas le seul qui puisse figurer dans ce clip. Je veux dire, nous pourrions ajouter d'autres textes à l'intérieur ce clip graphique et les paramètres individuels de chaque texte apparaîtront dans le panneau de commande du fax. Le clip graphique serait un clip général pouvant contenir tous les textes que nous voulons. C'est très important car nous pouvons ajouter des effets au texte et au clip séparément. Par exemple, si je garde le clip graphique sélectionné et que le guide chronologique se trouve également sur le clip graphique. Si je sélectionne à nouveau l'outil de texte et que j'écris quoi que ce soit, un nouveau texte sera créé dans le même clip. Faites attention au fait que j'ai saisi mon nom et qu'aucun nouveau clip n'a été créé dans la chronologie Mais si nous examinons le clip graphique que nous avons déjà créé, nous trouverons l'onglet de configuration individuel de ce nouveau texte. Mais vous devez porter une attention particulière à un détail qui s'y rapporte. Vous devez faire attention car vous ne pouvez pas vous y perdre. Cela m'est arrivé au début. Si vous modifiez les paramètres de position du clip, cela affectera la position de tous les textes qu'il contient. Cela peut sembler logique, mais si vous ajoutez d'abord un texte et que vous donnez du mouvement au clip dans les paramètres du clip et non dans le texte, vous serez très confus lorsque vous ajouterez un autre texte . Regardez comment ces paramètres affectent les deux textes que j'ai dans le clip. Je vais supprimer cette automatisation que je viens de faire sur le clip. Si je voulais donner du mouvement à l' un des textes spécifiques, je devais accéder aux paramètres individuels du texte que je souhaite afin qu'il ne déplace que celui-ci. Nous pouvons vérifier les paramètres afin que vous puissiez le remarquer et vous rendre compte qu'ils sont exactement les mêmes. Évidemment, cela nous permet également de corriger des défauts qui n' affectent qu'un texte spécifique. Par exemple, nous allons déplacer ce texte. Tout cela, je vais faire exactement la même chose, une image clé au début et une autre un peu plus tard avec deux positions différentes respectivement. Vous pouvez maintenant voir comment seul le texte où il est lu, Ali, se déplace. De plus, comme vous pouvez le voir ici, vous pouvez modifier les paramètres de police. Vous trouverez tous les paramètres que vous modifiez habituellement. Le mot office ici, la séparation entre les lettres, que ce soit vieux ou non, et cetera, et cetera Évidemment, tous les critères des lettres sont déjà liés à votre style, au projet que vous voulez réaliser. D'autre part, vous pouvez activer ou désactiver le texte que vous avez dans le clip graphique Mais attention, c'est très important. Ce n'est pas la même chose que je redimensionne le texte en utilisant le paramètre clip. Je veux dire, si je veux résumer une lettre en particulier, par exemple, pour la faire paraître plus grande. Si je le fais avec les paramètres d'un clip, j'exposerai les pixels du texte et vous ne le remarquerez pas sur le moniteur du programme. Vous le remarquerez lorsque vous exporterez la séquence à la fin du montage. La bonne façon d'agrandir la lettre sans pixeliser consiste à augmenter la taille de police dans les paramètres du texte Je veux dire, faites-les assez grands pour que même en les approchant avec le paramètre du clip ou le texte lui-même, ne soient pas pixelisés Je recommande toujours de réduire au maximum la taille de la police et de l' additionner en utilisant l'échelle afin qu'elle ait toujours une résolution suffisante et qu'elle ne soit utilisant l'échelle afin qu'elle ait toujours pas pixelisée lorsque vous Par contre, il y a un effet très intéressant que je voulais vous montrer pour les lettres. Texte. Nous devons aller dans le dossier des défauts en V, puis générer puis choisir dégradé de quatre couleurs avec un défaut de chiffon Et placez-le avant le texte que nous voulons qu'il affecte. Attention, si je le mets en dessous du texte, cela ne l'affecte pas, il doit être au-dessus du texte. Cet effet me permet de modifier chacune des couleurs mélangées qui apparaissent dans le texte. existe quatre différentes, et le logiciel générera toute une gamme de couleurs. Je trouve cet effet très intéressant car vous pouvez automatiser tous ces changements et cela donne à notre texte un aspect moderne qui correspond aux arrière-plans. Nous allons maintenant passer au soulignement et à l'action essentielle pour souligner le texte de manière animée , comme je le fais habituellement. Nous devons créer une base solide. Plus tard, nous devons passer à l'état général, nous cliquons sur le bouton droit de la souris, nous allons sur Nouvel élément puis sur Color Matt, cette petite fenêtre s'ouvre qui nous indique la taille du clip qui sera créé par défaut. Il s'adapte toujours à la taille de la séquence dans laquelle nous travaillons. Nous cliquons donc sur OK, puis nous devons choisir la couleur que prendra la couleur mate. Nous cliquons à nouveau sur OK, et nous mettons un nom si nous le voulons. En fait, j'ai déjà créé un Color Matt, mais je voulais juste vous apprendre à le faire. Nous devons faire glisser ce clip vers la chronologie. Ce clip Color Matt sera comme n'importe quel autre clip vidéo. C'est comme une photo à la différence que nous pouvons changer la couleur de cette photo quand nous le voulons. La prochaine chose à faire est d'ajouter un effet de recadrage à ce clip pour tapis de couleur. Nous allons dans le dossier Transform, nous sélectionnons le recadrage et nous faisons glisser cet effet vers le clip. Une fois que nous avons ajouté un effet, nous devons essayer de créer une ligne en utilisant ces paramètres ici. Puisque nous voulons tracer une ligne horizontale, nous pouvons modifier les paramètres du haut et du bas, je veux dire jusqu'à ce que la ligne soit aussi épaisse que nous le souhaitons. Mais nous devons également modifier les paramètres de gauche et de droite pour les adapter au ***gth du texte Ce que je veux faire n'est pas une simple phrase. Ce que je veux faire, c'est faire apparaître une ligne comme si elle était dessinée à l'écran comme si elle était animée. Nous déplaçons le bon paramètre jusqu'à ce que la ligne disparaisse, puis nous ajoutons le premier image-clé. Nous devons maintenant choisir le moment ou le point où nous voulons que la ligne apparaisse. Maintenant, la ligne apparaît toute seule, entièrement animée. Et maintenant, nous pouvons changer si nous voulons qu'il apparaisse plus rapidement. Par exemple, il suffit de rapprocher la deuxième image clé de la première. Je veux dire que l'espace entre eux est plus court. En fait, vous pouvez jouer avec cela, la ligne peut être différente, ou vous pouvez faire apparaître ou disparaître des éléments dans la composition de cette manière. Mais ce que je voulais vraiment vous apprendre, c'est de combiner un élément essentiel de l'action avec ce soulignement. Mais qu'est-ce qu'une action essentielle ? Est-ce une vidéo enregistrée avec un écran vert, mais avec ce fond vert déjà supprimé de la vidéo. Je veux dire, il ne reste dans la vidéo que l'élément que nous voulons utiliser. Il existe des éléments essentiels à l'action de toutes sortes. Du feu, des étincelles, des pousses, du sang. En fait, Action Essentials est la marque. En fait, ce sont des vidéos perforées. Je vais donc ajouter, dans ce cas, cette étincelle que vous voyez en ce moment. Regardez donc à quoi ressemblent les étincelles sur la vidéo. Juste les étincelles comme s' il s'agissait d'un fichier PNG. Alors imaginez tout ce que vous pouvez faire en l'utilisant. En fait, plus tard, je vais vous apprendre à l'utiliser, sous forme de vidéo, comme effet visuel dans une leçon dédiée exclusivement à cela. Dans cet exemple, nous voulons faire apparaître l'étincelle en bout de ligne. Lorsque la ligne apparaît, la première chose à faire est d'adapter le ***gth de la pince à étincelles au moment où la ligne commence Nous devons maintenant modifier la taille de l'étincelle, puis automatiser son mouvement pour qu'elle suive le bout de la ligne jusqu'à la fin. On passe au début du clip et on modifie le échelle et le paramètre de position pour modifier ce que j'ai déjà mentionné. Ensuite, l'étincelle correspond à la ligne. Je veux dire, le plus important est d'avoir la position initiale. Une fois que nous avons la position initiale, il nous a fallu automatiser le mouvement horizontal de l'étincelle jusqu'à la fin de la ligne. Il y a quelque chose de très important à savoir concernant les images clés. Parfois, nous plaçons des images clés puis nous modifions la durée du clip. Je veux dire que nous sommes exquis. Et puis l' image clé est masquée dans la chronologie du panneau de contrôle des défauts. Ensuite, nous ne savons pas où il se trouve et nous devons supprimer toute automatisation pour repartir de zéro. Ce que nous devons faire, c'est étirer à nouveau le clip jusqu'à ce que l' image clé apparaisse à nouveau. Parfait. Notre Spark est déjà adapté à la ligne, mais nous pourrions également ajouter une image de fond pour tester à quoi ressemblerait tout avec un arrière-plan qui n'est pas noir. Nous pouvons sélectionner, par exemple, l'image de l'univers. Nous pouvons en assombrir l' univers. Nous pouvons le faire en modifiant le paramètre d'opacité. Par exemple, je vais faire un petit rendu d'aperçu. Eh bien, vous savez comment créer des soulignements animés et y ajouter un effet. Vous pouvez utiliser tout cela dans vos vidéos, pour des présentations, pour des films, pour des vidéos sur Youtube, pour tout ce que vous voulez, et cela aura l'air très professionnel. Pensez toujours à adapter les couleurs dégradantes des lettres aux couleurs de fond. Dans ce cas, ils ont combiné les couleurs des lettres sont dans la plage de l'arrière-plan et ça a l'air très bien. Quoi qu'il en soit, plus tard, nous approfondirons les éléments essentiels de l'action. Et je vais vous laisser quelques vidéos perforées à utiliser dans vos vidéos Je veux dire, des étincelles, du feu, etc. Cette leçon est donc d'ici et jusqu'à la suivante. 16. L'exportation: Parfait. Nous voilà de nouveau sur le point de terminer le module. Dans cette leçon, nous allons parler du processus d'exportation. Cette étape est assez simple, je dirais. C'est le plus simple de tous. Évidemment, depuis que vous êtes arrivé jusqu'ici, vous avez déjà constaté qu'il y a choses beaucoup plus compliquées en matière d'édition. La première chose à faire est donc de marquer les entrées et les sorties dans notre séquence. Vous savez déjà comment le faire, mais vous essayez de vous assurer que vous le faites correctement. L'étape suivante consiste à accéder à l'onglet Fichier, puis à Exporter. Ensuite, vous cliquez sur Médias. Et cette fenêtre sera affichée dans cette fenêtre. Vous pouvez modifier les paramètres d'exportation. Vous avez principalement deux manières d'exporter des fichiers. Je veux dire deux profils. Un profil compressé et un profil non compressé. Commençons par ce H 264. C'est le format le plus connu, le plus connu et le plus utilisé. Il s'agit d'un format compressé et vous aurez le choix entre deux profils principaux, le profil haut débit et le profil débit moyen. Le débit est la quantité d' informations par seconde que contiendra la vidéo. Même s'il existe ces deux options principales, vous aurez toutes ces options ici. Cette liste contient d'autres profils complètement adaptés aux différentes plateformes. Il existe des profils adaptés aux smartphones, à Youtube, voire aux profils Vimeo. Et en gros, ces profils aident la vidéo à avoir de meilleures performances pour les joueurs. Et le plus intéressant, c'est que, par exemple, dans ce profil mobile, le système adapte votre séquence à ce format. Ne pas gâcher la nature de votre vidéo en termes d'aspect radiophonique, par exemple Mais au fond, ces deux options principales sont les plus importantes de toutes. Mais il y a un facteur important en matière de sport, qui est la taille du fichier. Vous pouvez vérifier une taille de fichier estimée ici avec ce profil à 365 mégaoctets, et avec cet autre profil Mais en réalité, si nous vérifions les paramètres du profil, nous pouvons modifier le débit. C'est le plus important de tous. Nous aurons ces deux faders ici, des faders horizontaux. En déplaçant les curseurs, nous pouvons choisir la quantité d'informations par seconde que contiendra la vidéo Lorsque nous parlons de formats compressés, je vous recommande vivement de garder ces chiffres, ce débit binaire, en dessous de dix car vous créez un format compressé. Dans ce format, il est censé être d'une grande qualité. Mais vous voulez aussi qu'il soit léger et léger pour les joueurs. C'est pourquoi je vous recommande vivement de maintenir le débit inférieur à dix. Vous pouvez jouer avec cela, mais vous devez également savoir que la compression sera remarquée dans les zones sombres de l'image. De plus, en cochant ces cases ici, vous pouvez modifier tous les autres paramètres. Mais je sais que vous ne le modifierez pas car vous avez créé une séquence avec des paramètres spécifiques. Et ces paramètres ne sont pas censés être modifiés lors de l'exportation, mais vous pouvez modifier la qualité de l' annonce, par exemple. C'est très important car il existe également un débit lié à l'audio. Ensuite, une fois que vous avez fini de sélectionner les paramètres, vous devez cliquer sur un sport, et un fichier MP Four sera créé. Aussi simple que cela, ce n'est pas si compliqué, mais passons au format non compressé Je vais choisir le quick time, par exemple. Et dans ce cas, il s'agit de l'un des formats les plus connus pour l'exportation en haute résolution. Dans ce format, vous aurez donc tous ces préréglages. En fait, ils ne sont pas complètement décompressés car le processus même de création du fichier final implique une sorte de compression Dans une certaine mesure, je vais choisir cet Apple Progress 44, 44. C'est l'un des préréglages les plus utilisés. Dans les paramètres d'exportation, vous aurez presque les mêmes fonctionnalités que celles du format compressé, mais vous pourrez choisir des fonctionnalités comme celles-ci pour le rendu à une profondeur maximale. Et vous pouvez également modifier la profondeur en termes de couleur. Vous pouvez en choisir huit ou 16 qui sont de meilleure qualité. Mais parlons de cet espace colorimétrique d'exportation. Cette option est liée à la possibilité de transmettre des informations relatives à la couleur dans le format. De nos jours, les utilisateurs sont susceptibles de travailler avec des formats tels que K ou Six K, et les lecteurs vidéo des plateformes qui fonctionnent avec ces formats fonctionnent avec une autre technologie, une technologie spécifique adaptée à cette résolution. Les formats UHD, par exemple, fonctionnent non seulement avec plus de résolution, avec plus de pixels, mais également avec un autre type de technologie lié à la distribution des couleurs dans l'image Ici, vous aurez trois options liées à la transmission d' informations en termes de couleur. Le premier, le 79, est le profil le plus utilisé pour les vidéos HD, comme les séquences avec lesquelles nous avons travaillé sur ce cours. Mais les deux autres options concernent le travail dans le cadre de projets. Dans la touche set, huit touches de résolution. De plus, ces deux autres options vous permettent d'atteindre une plage dynamique plus élevée. Mais ne confondez pas avec cela une plage dynamique plus élevée. Lorsque vous utilisez un appareil photo haut de gamme, vous n'êtes pas en mesure de faire ressortir plus de couleurs que ce que le format d'un reflex numérique peut générer. Il est très important d'en tenir compte car les gens pensent que ces options sont comme une baguette magique. Je vous recommande vivement si vous avez un appareil photo reflex numérique, et je sais que la plupart d'entre vous sont plus susceptibles de s'offrir un appareil photo reflex Je vous recommande vivement de porter attention particulière aux leçons d'étalonnage et de correction des couleurs de ce cours Parce que si vous voulez donner à votre vidéo l'impression qu'elle a été enregistrée avec une caméra haut de gamme, vous devez commencer par modifier les couleurs de l'image, et vous êtes censé les modifier de manière créative Je veux dire, l'effet de plage dynamique élevée est une illusion d'optique, pas une déclaration. Essayez de vous assurer d'avoir une bonne cinématographie, un bon éclairage pour essayer de tirer le meilleur parti de vos vidéos De plus, je vous recommande de vérifier cette hypothèse : utiliser une qualité de rendu maximale En fait, cette option peut être utilisée à la fois pour le format M before et le format quicktime. C'est une autre option ici où il est écrit « Utiliser l'aperçu ». C'est très utile lorsqu'il s'agit de créer le fichier le plus rapidement possible car le système utilisera tous les fichiers de rendu que vous avez créés au cours de l'édition pour créer le fichier final, réduisant ainsi considérablement le temps d'exportation. Il y a un rappel amical que je peux vous donner en ce qui concerne l' exportation du fichier, et cela est lié au format compressé, le H 264, présent sur le matériel de votre ordinateur. Ici, vous pouvez choisir ce que vous souhaitez utiliser pour créer ce fichier, si vous souhaitez utiliser la carte intégrée de votre ordinateur ou si vous souhaitez utiliser le GPU. Et cela est très important car accidents sont susceptibles de se produire lors de l'exportation Si vous rencontrez de nombreux problèmes lors de l'exportation, je vous recommande vivement de choisir le codage logiciel, mais si ce n'est pas le cas, vous pouvez opter pour le codage matériel. Cela dépendra des performances de votre ordinateur. Un autre rappel important lié à ce format compressé est le codage du débit Ces options ici visent à vérifier que la codification du fichier là où il est lu pour passer signifie que le logiciel effectuera deux vérifications afin s'assurer que le fichier est correctement créé Cela prendra évidemment plus de temps, mais c'est plus sûr. De plus, les erreurs de codage ne sont pas très courantes, mais elles se produisent. Lorsque vous atteindrez cette étape, vous serez prêt à créer votre fichier en cliquant sur Expert. Ce serait le format le plus important et celui que vous devriez utiliser pour devenir un expert jusqu'à la prochaine leçon. 17. Rythme et découpes dans un vidéo musical: Bonjour, tout le monde. L'un des plus grands défis en matière de montage vidéo est l' espace dans vos séquences, en particulier lorsqu'il s'agit L'un des éléments les plus liés au rythme dans le montage sont les découpes. Je veux dire, déterminer à quel moment on passe d' une prise à l'autre, selon le rythme de la musique, ces coupures seront plus ou moins fréquentes. Mais ce n'est pas le seul facteur important à prendre en compte pour savoir où placer les découpes. Il s'avère que nous devons avoir certaines notions musicales du temps pour pouvoir le faire correctement, et c'est ce que nous allons voir dans cette leçon. Froid. Parfait. Je suis ici dans un logiciel appelé As. Cela ne veut pas dire que vous en aurez besoin, mais je suis en Ka parce que ce logiciel possède un outil qui fonctionnera pour moi pour vous expliquer ce que je veux vous expliquer. Tout d'abord, vous devez comprendre que dans les clips musicaux, les coupures vont se produire pour deux raisons. Par le temps ou par l'action. Commençons par le temps. Qu'est-ce qu' une coupure de temps signifie ? Cela signifie donc que nous devons effectuer les coupes dans différentes subdivisions temporelles selon le rythme de la chanson avec laquelle nous travaillons Je sais que cela peut sembler comme si vous deviez connaître la musique pour cela, mais ce n'est pas vraiment le cas parce que toute personne qui va à un concert peut suivre le rythme de la chanson qu'elle aime. Je veux dire, les gens savent danser. Les gens font beaucoup de choses qui impliquent de suivre un rythme. Suivre un rythme n'est pas une tâche que seul un musicien peut accomplir. Je vais donc utiliser mon clip vidéo comme exemple et je vais suivre le rythme avec mon marquage vocal 1.2. Par exemple, dans ce cas, ce serait 121-212-1212 et c'est le rythme que même le chronomètre de ce Les chiffres qui paraissent les plus grands sont ceux où je dis un, et ceux qui se situent entre les petits nombres sont ceux où je dis deux. Je vais activer le métronome du logiciel pour qu' il suive le rythme Faites attention à ce que ce soit pareil. 121212. Il faut donc savoir reconnaître l'heure et le rythme de la chanson pour pouvoir positionner les chats à la fois dans la marque un ou dans la marque deux, ou dans n'importe quelle marque musicale pouvant contenir le rythme de la chanson. Mais il n'est pas nécessaire que soit exact, mais qu'il s'agisse d'une approximation. En d'autres termes, vous êtes censé faire tout votre possible pour que cela corresponde. Mais il n'est pas nécessaire que 100 % des tirs correspondent. Faites donc attention, par exemple, à cette partie. Voyez comment cela change presque parfaitement d' un cliché à l'autre. Avez-vous remarqué que c' est presque parfait ? Un, et cetera, et cetera. Les découpes suivent le rythme. Faites attention aux chiffres que j'ai mentionnés dans la petite ligne qui appartient au numéro et au champ. Les découpes de l'assemblage font attention à ce qui n' est pas parfait. C'est toujours une approximation, surtout dans les parties importantes de la chanson en termes de rythme. Mais les coupes sont également irrégulières, mais elles suivent toujours le rythme. Par exemple, voici une réduction, mais la mise suivante continue, par exemple, ici, 12. Par contre, il se passe quelque chose d' intéressant ici, car bien que le refrain soit le plus important, et que l'on puisse dire que le cut doit correspondre exactement à la mesure, cela ne se produit pas ici Je veux dire, la première mise du refrain ne commence pas sur un, mais sur deux avant celui-ci Et cela se produit parce que l' action que je suis en train de faire là-bas est nécessaire pour qu'elle terminée et ce serait une réduction par action. Mais passons à un autre exemple, un autre clip vidéo. Je vais compter et suivre la musique, et tu vas faire attention aux découpes. 12121222. La plupart des coupes peuvent suivre cette marque, mais il peut même arriver que la musique soit plus forte à certains moments et que vous puissiez créer des mini-coupes rythmées, comme dans cet exemple Ces trois coupes ont donc parfaitement suivi l' arrangement rythmique de la musique, ce qui est également très utile Et attention au fait que le câlin de la fille correspond au rythme de la caisse claire, car c'est un geste visuellement important Mais les coupes dans les films ou les courts métrages fonctionnent différemment. Ils ne sont pas déterminés par le rythme de la musique, mais au moment où un plan doit être lu correctement, c'est la musique qui s'adapte au montage. Ce n'est que dans certaines sections, lorsqu'il s'agit d'une séquence très musicale, que nous avons pu essayer d'adapter les plans au rythme de la musique. Mais attention, c'est la preuve que la communication est le facteur le plus important lorsqu' il s'agit de copier-coller Dans cette scène, les découpes sont très rapides et la raison en est que la voix de Benjamin explique exactement tout ce qui se passe à l'écran. La communication de l'information est donc double visuelle et passe par la voix du personnage. Maintenant, un chauffeur de taxi avait déposé une foire plus tôt et celle-ci s'est arrêtée pour prendre une tasse de café. Et pendant toutes ces journées folles, il était chauffeur de taxi pour les répétitions. Il a déposé l'affaire précédente et s'est arrêté pour prendre une tasse de café Il a remarqué que la dame allait faire des courses et n'a pas pris le taxi précédent. Le taxi a dû s'arrêter pour un homme traversait la rue et qui était parti travailler 5 minutes plus tard que d'habitude parce qu'il avait oublié longtemps alors que cet homme retard traversait la rue Daisy avait terminé ses répétitions et prenait une douche Pendant que Daisy prenait une douche, le taxi attendait à l'extérieur de la boutique que la femme vienne chercher un colis qui n'avait pas encore été emballé Parce que la fille qui était censée l' emballer avait rompu avec son petit ami la veille et avait oublié. Lorsque le colis a été emballé, la femme qui était de retour dans la cabine a été bloquée par un camion de livraison. Pendant que Daisy s' habillait, le camion de livraison s'est arrêté et le taxi a pu se déplacer Pendant ce temps, Daisy, la dernière à être habillée, attendait le manque d'amis qui avaient cassé le lacet de la chaussure Alors que le taxi était arrêté attendant un feu de signalisation, Daisy et son amie sont sorties par l'arrière du théâtre Et si une seule chose s'était produite différemment, si le lacet ne s'était pas cassé camion de livraison avait déménagé quelques instants plus tôt, ou si le colis avait été emballé parce que la fille n'avait pas rompu avec petit ami ou que cet homme avait réglé son réveil et s'était levé 5 minutes plus tôt. Ce chauffeur de taxi, je ne m'étais pas arrêté pour prendre une tasse de café ou cette femme s'était souvenue de son manteau. Il a pris un taxi plus tôt. Daisy et son amie auraient traversé la rue et le taxi aurait fait 11 heures Donc, nous, la vie étant ce qu'elle est, une série de vies et d'incidents qui se croisent et échappent au contrôle de quiconque Ce taxi n'est pas passé et le chauffeur a été momentanément distrait. Ce taxi a percuté Daisy et lui a écrasé la jambe Il est important de noter que parfois, lorsque les compositeurs font l'acquisition, le montage s'adapte à la musique car il est impossible de modifier un arrangement musical pour l'adapter au montage. Dans ces cas-là, c'est l'éditeur qui est censé s'adapter à la musique à ces moments précis. Mais en règle générale, c'est le processus de communication et l'évolution des émotions dans le film qui déterminent le rythme du montage que vous allez effectuer. Eh bien, cette leçon dépend de là, et j'attends que vous passiez à la suivante. 18. Introduction Correction des couleurs dans une scène: Bonjour tout le monde. Dans ce modèle, nous allons travailler sur la correction des couleurs. abord, nous allons apprendre à créer des masques car en fait, les masques sont l'outil qui nous permettra non seulement de corriger les couleurs, mais également d'appliquer un effet à une image. Essaie d'être patient. Je veux dire, il y a plusieurs leçons et je vous explique tout étape par étape pour que vous puissiez le faire vous-même. Il y a un élément important à prendre en compte en termes de plage dynamique. La plage dynamique des couleurs d'une image est le nombre de tons et de dégradés de couleurs d'une image mentionnée dans une leçon précédente Une image avec une résolution plus élevée aura une plage dynamique plus importante. Mais n'oubliez pas que la résolution ne signifie pas nécessairement une plus grande taille d'image, mais une plus grande quantité d' informations pour chaque pixel. Il existe désormais des stratégies pour donner au spectateur l'impression qu' une image qu'il regarde à l' écran possède une plage dynamique plus étendue. Par exemple, si nous changeons la couleur de certains objets dans le cadre d' une image , nous allons créer un effet ou une sensation indiquant que l'appareil photo a pu détecter ces couleurs. Ces variations de couleurs, qui améliorent considérablement l' apparence de notre vidéo , amélioreront non seulement l'apparence de l'image en termes de plage dynamique, mais également en termes de cinématographie Je parle de la qualité esthétique d'une image elle-même. Regardez cet exemple, qui selon moi est excellent***t. En fait, je recommande vivement ce genre de film dont la cinématographie me qui selon moi est excellent***t. En fait, je recommande vivement ce genre de film dont la cinématographie me semble magnifique. Comme vous pouvez le constater, cette scène a été tournée sur une plage, ce qui est l'un des principaux facteurs qui rendent l'image belle, car la scène a été tournée au meilleur moment de la journée. Mais il arrive que même dans des conditions parfaites, l'écart pour enregistrer ne soit jamais trop long. Par conséquent, l' équipe de production priorisera les scènes nécessitant la présence de la lumière directe du coucher du soleil. Mais qu'en est-il des autres photos ? Celles qui sont nécessaires à la scène, mais dans lesquelles le ciel n'est pas directement visible ? Regardez cet exemple. Sur cette photo, l'Ur gravit une colline près de la plage, mais même lorsque le ciel n'est pas là, nous devons indiquer sur la photo que l' endroit est proche plage et que l'action se déroule au moment même du coucher du soleil. Comment pouvons-nous le faire ? Prêtez attention aux rochers du bas. Vous pouvez voir que les rochers du bas sont roses comme si la lumière du soir était projetée dessus. Mais la vérité est que sur la photo originale, la couleur rose n'était sûrement pas là. OK, vous pensez peut-être que c' est peut-être une grosse lampe rouge qui illumine les rochers, mais cela coûterait beaucoup plus cher aujourd'hui À notre époque, cela n'est plus nécessaire. Cette couleur rouge sur les rochers peut parfaitement être réalisée en correction des couleurs. En réalité, c'est beaucoup plus facile que vous ne pensez si le film a été enregistré en haute résolution. C'est encore beaucoup plus facile. Évidemment, dans le cas d'un film comme celui-ci, il est évident que tout a été enregistré dans une résolution maximale. Le plus difficile est ne pas changer la couleur des rochers. Le plus difficile est de savoir quand il faut changer la couleur des rochers pour qu'elle corresponde au coucher du soleil. Maintenant, pour pouvoir le savoir, il faut avoir une grande culture visuelle. Vous devez ressentir le besoin visuel d' ajouter quelque chose à une image pour la compléter. Je vous le dis, je vous raconte tout cela parce que l'éditeur d'aujourd'hui a plusieurs emplois. Vous êtes nombreux à suivre de nombreux cours parce que vous voulez apprendre à tout faire vous-même. Mais où est-ce que je veux en venir ? Par exemple, si vous donnez une donnée, je veux dire que les fichiers vidéo d' ASM ont enregistré une plage comme celle-ci Dans les données, il y a, par exemple, dix clichés, mais seulement trois d'entre eux montrent la lumière de l'après-midi. Vous devez être capable de modifier des éléments de l'image pour suggérer que toutes les prises ont été enregistrées en même temps. C'est ton travail. Même si vous êtes simplement quelqu'un qui corrige les couleurs, vous devez être prêt non vous devez être prêt non seulement à corriger l'image, mais aussi à savoir quand l'image doit être corrigée. J'insiste toujours là-dessus, essaie de regarder de bons films afin d'avoir bonnes références en matière de correction des couleurs. Commençons alors. 19. Correction des couleurs Partie 1 Lumetri donne l'exemple de couleurs fraîches de la piscine: Parfait Nous en sommes à la première leçon sur calibrage et la correction des couleurs Mais c'est la première chose que vous devez savoir pour avoir une idée précise de la correction des couleurs et de l'étalonnage des couleurs Tout d'abord, ce que je vais vous enseigner dans cette leçon, dans ce module, dans les leçons suivantes, c'est mon point de vue sur cette dernière étape de production. Je veux dire, chaque professeur que vous rencontrerez aura son propre point de vue sur l'étalonnage des couleurs, rencontrerez aura son propre point de vue sur l'étalonnage des la correction des couleurs, car en fait, ce point de vue est le sous-produit de leurs expériences Je dirais donc que c'est comme pour peindre ou dessiner, chacun est capable de développer son propre style. Et pourquoi je vous dis cela, c'est parce que je me concentre sur la création artistique, la création d'histoires. Je suis une artiste, c'est ce que j'aime faire, c'est ce à quoi je me consacre. Donc, de mon point de vue, il y a certains éléments techniques que nous ne devons pas suivre complètement ou que nous ne pouvons pas respecter intégralement. En d'autres termes, nous devons être capables d'enfreindre un peu les règles ou de les contourner un peu. Et je vais commencer par faire la différence entre la correction des couleurs et l'étalonnage des couleurs Quelle est la différence D' un point de vue technique, la correction des couleurs consiste à fixer les la vidéo ou les couleurs de l' image pour l'image corresponde à l'idée originale que le directeur de la photographie avait eue lors du tournage Je veux dire, le directeur de la photographie ou le directeur de la photographie effectuait ce travail pendant le tournage et il avait un but Je veux dire, il avait un objectif objectif en termes de couleur, d'éclairage et d'éclairage. Lorsque vous photographiez, vous êtes censé regarder les images sur le moniteur. Ce moniteur fournit des informations sur ce qui passe par le capteur de la caméra. Il est possible que le jour du tournage, en tant que directeur de la photographie, réalisateur ou vidéaste, vous soyez plutôt sûr de regarder sur l' écran de la caméra Mais il arrive qu'au moment de revoir le futage, vous revoir le futage, vous vous rendiez compte que le futage ne correspond pas à ce que vous regardiez sur le moniteur Ainsi, par exemple, dans cette image de cette fille dans la piscine, vous pouvez remarquer qu' il y a une sorte de voile, un voile blanc sur l'image. Mais il se trouve que ce voile que vous pouvez remarquer est une sorte de configuration que le fichier possède pour être modifié en termes de couleur. Il s'agit donc d'une sorte de configuration par défaut. Revenons donc à savoir ce qu' est la correction des couleurs. La correction des couleurs consisterait à redonner à cette image cet aspect, cette apparence que le directeur de la photographie regardait sur le moniteur de l' appareil photo ou le moniteur externe à la date du tournage Mais juste à ce moment-là, confusions apparaissent, car l'idée initiale du directeur de la photographie était peut-être la photographie de modifier la couleur de l'image, la couleur de la vidéo lors de la phase de production précédente Donc, dans ce sens, lorsque vous parlez de déformer les couleurs d'origine de l'image afin d'améliorer son apparence, vous parlez d'étalonnage des couleurs Il arrive donc que ces frontières entre la correction des couleurs et l'étalonnage des couleurs soient très fermées, croisées et mélangées Pour moi, tout est toujours un étalonnage des couleurs car votre but, votre objectif, est d' améliorer au mieux l'image Commençons donc. La première chose à faire est de passer au préréglage de couleur. Personnellement, j'utilise toujours le préréglage d'édition, non seulement parce qu'il est le plus efficace, mais aussi parce qu'il est meilleur en termes de performances et de ressources informatiques. Mais cette fois, vous devrez utiliser les oscilloscopes Lumetri dans ce Et que sont les oscilloscopes Lumetri à l'œil nu ? Cela semble très compliqué car vous observez une sorte de vagues de couleur étranges. Mais je vous assure vraiment que ce n'est pas si compliqué du tout. Les lumetri scopes sont un outil qui permet de s'assurer que votre image couvre l'ensemble du spectre des gammes de couleurs Vous pouvez remarquer que dans ce panneau, le côté gauche de ce panneau, il y a une règle, ou une sorte de matière allant 0 à 100. Et vous pouvez également remarquer cette vague de trois couleurs située dans une section spécifique de ce panneau Par exemple, faites attention à cette bande bleue. Pourquoi cette bande bleue est au-dessus. Il se trouve que la valeur 100 représente la quantité maximale de lumière dans l'image. D'autre part, le zéro représente la quantité minimale de lumière. Faites donc attention au moniteur du programme. Vous pouvez remarquer que la couleur bleue ressort du fait que la piscine est bleue et l'eau reçoit le maximum de lumière. D'autre part, la peau reçoit moins de lumière. Et vous pouvez remarquer au centre du panneau qu'il y a une sorte de pli en termes de lumière au centre de l'image. Dans ce pli se trouvent les cheveux, par exemple, du maillot de bain de la fille qui sont en fait noirs Mais le problème est qu'en ce moment, cette onde que vous observez sur le panneau ne ressent qu'une petite partie du spectre. Une section plus proche de la lumière que de l'ombre. Nous sommes donc censés étendre et étirer cette gamme de couleurs de l'image pour ressentir autant que possible ce spectre de couleurs. Mais attention à cela, car je ne veux pas dire qu'il est impératif de ressentir tout le spectre des couleurs. Parce que votre objectif artistique n'est peut-être pas de le faire. Et laissez-moi vous dire ceci, car votre objectif est peut-être d'obtenir un look suffisamment vintage dans la vidéo. Et ce look est inspiré d'une époque où il n'y avait pas de téléviseurs ou d'appareils photo aussi sophistiqués. Je veux dire, il y avait des appareils photo qui n'étaient pas capables de représenter une grande partie des couleurs et des gamuts Si vous souhaitez correspondre à ce look, peut-être que l'apparence que vous regardez en ce moment est la plus appropriée pour vous. Mais supposons que ce ne soit pas le cas. Supposons que vous souhaitiez en quelque sorte égaliser les couleurs de cette vidéo pour qu'elle sorte le plus rapidement possible Nous allons donc devoir ajouter des effets vidéo en termes de couleur. Nous devons donc aller dans le dossier des effets. Il est important de souligner qu'il existe de nombreux outils en termes de couleur, mais je vais vous montrer ceux que j'ai le plus utilisés. Nous allons dans le dossier des effets, nous allons dans les effets vidéo. Cette fois, nous allons ajouter niveaux car nous allons ajouter une couleur lumetri, ainsi qu'une balance des couleurs, ainsi qu'une balance des couleurs J'ai déjà ajouté ces effets, mais ils sont tous désactivés Je vais le faire à partir de zéro. L'effet des niveaux se trouve dans le dossier ajusté. Nous dirigeons l'effet vers le panneau de commande des effets, puis nous allons dans le dossier de correction des couleurs et nous choisissons l'effet de couleur Lumetri Enfin, l'équilibre des couleurs. Nous allons le trouver dans le dossier de contrôle d'image ici. À quoi servent les effets de niveau ? J'utilise généralement cet effet pour accentuer les tons noirs de l'image. Pour moi, c'est la première étape pour éliminer le voile par défaut de la séquence Dans les paramètres des niveaux, vous trouverez plusieurs correcteurs de couleur qui visent à ajouter plus de lumière ou à supprimer des lumières de l'image Modifiez soit l'ensemble de la gamme de couleurs, soit une plage de couleurs spécifique de l'image. C'est pourquoi vous pouvez voir différentes pistes en termes de plage, d'entrée noire ou d'entrée blanche, non seulement en termes de RGB, mais aussi pour le rouge, le vert ou le bleu séparément Je vous ai dit que j'utilise cet effet de niveau pour améliorer et renforcer les tons noirs de l'image. En déplaçant cette première piste, vous pouvez améliorer les tons noirs. Je vais déplacer ce paramètre vers la droite et vous allez remarquer la différence. Dans le moniteur du programme, vous pouvez remarquer la différence et vous pouvez remarquer comment l'image revient à son état d'origine. Nous allons maintenant revenir aux oscilloscopes Lumetri pour examiner le spectre Vous pouvez remarquer que la vague de couleur s' étend à la baisse du spectre Je vais désactiver l' effet pour que vous puissiez constater la différence Faites attention à l'endroit où ils se trouvent, aux tons rouges. Je vais l'activer à nouveau et faire attention aux lumetri Donc, en déplaçant ce premier paramètre, cette première piste, j'ajoute près de 20 points en termes de tons noirs à l'ensemble de l'image, augmentant ainsi considérablement sa gamme de couleurs. Et attention, puisque le maillot de bain Gears atteint complètement les tons noirs de l'héritier Vous pouvez également remarquer au centre du panneau que l'onde de couleur atteint zéro dans le spectre. Et vous savez que zéro représente la quantité minimale de lumière. Mais vous pouvez également modifier d' autres pistes des niveaux. Je veux dire, afin de corriger les tons et de redonner à l'apparence son état d'origine. Je veux dire, vous pouvez ajouter, par exemple, la lumière aux blancs, ce qui est parfois nécessaire parce que la vidéo manque peut-être de lumière. Et vous pouvez résoudre ce problème en déplaçant ce paramètre sur cette piste. Mais attention aux lumetri scopes en ce moment. Depuis que j'ai déplacé l'entrée blanche, l'onde de couleur atteint la quantité maximale de lumière. Mais en résumé, j' utilise cet effet, cet effet de niveau, pour égaliser les tons Il s'agit de la première étape en termes de correction des couleurs et d'étalonnage des couleurs Mais passons à l'effet suivant. C'est la couleur claire ici. Je vais ajouter un peu de contraste à l'ensemble de l'image. Et une autre chose très importante, la saturation. La première raison pour laquelle j'ajoute la saturation est que l'image est froide. Même si vous pouvez remarquer la lumière du soleil se reflète sur la piscine. Je veux dire, c'est un tournage en plein air. Il y avait des nuages dans le ciel et les nuages empêchaient la lumière d' atteindre directement les objets. Je veux dire, la lumière est filtrée par les nuages. Lorsque cela se produit, tout ce qui entoure perd immédiatement sa couleur. Mais je vais modifier un peu les surlignages afin de réduire un peu la quantité de surlignage. Et je vais égaliser les points forts avec les Blancs jusqu'à présent , juste ici. Vous allez maintenant retourner aux lumetri scopes pour examiner Vous pouvez maintenant remarquer que la bande rouge dans la vague de couleur atteint presque 30 dans le spectre. Mais faites bien attention à cela. Vous n'avez pas besoin que la vague de couleur atteigne le zéro ou le niveau 100, en fait, ce n'est pas une bonne chose. Tout comme c'est suffisant pour sortir une vidéo, cela dépend aussi de ce que vous voulez ou de votre style. Mais en plus, nous pouvons ajouter un autre effet, cet effet d'équilibre des couleurs. Balance des couleurs, RGV. Cet effet vous permet d'ajouter un voile de couleur supplémentaire qui couvre l'ensemble de l'image, sans en altérer la nature. Je parle de sa nature en termes de lumière et de tons. Vous pouvez donc remarquer que j'améliore les tons bleus et que je supprime également les tons rouges de l'image. En fait, ça a l'air très joli. Il semblerait que le tournage ait eu lieu dans une piscine intérieure dotée de fenêtres laissant passer la lumière. Et attention , je change l'image en bleu et vous pouvez remarquer ce voile bleu. Mais revenons aux lunettes Lumetri. Maintenant vous pouvez constater à quel point cette correction des couleurs était puissante Je veux dire, la vague de couleurs couvre presque tout le spectre. Mais dans ce cas, nous ne devrions pas laisser le bleu atteindre le niveau 100. Nous devons essayer de niveler les tons rouges et bleus, sans atteindre les limites. Atteindre les limites signifie que vous saturez l'image en termes de couleurs Je vais déplacer un peu la piste bleue et la piste rouge aussi. Faites maintenant attention au comportement des lunettes Lumetri. Vous pouvez remarquer maintenant que la bande bleue est proche de 100, mais elle n'atteint pas 100, ce qui signifie qu'elle ne sature pas bien. C'est ce que je fais habituellement en termes de correction des couleurs, les premières étapes Mais fais attention. Atteindre la limite ne signifie pas que l'image est exécutée. Peut-être que c'est votre objectif créatif , vos objectifs esthétiques. N'hésitez donc pas à expérimenter et à jouer avec ces paramètres et outils. Je vais donc vous laisser la photo en plein écran, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 20. Correction des couleurs de la partie 2 : exemple de couleurs chaudes: Parfait Nous sommes de nouveau ici. Cette fois, vous allez utiliser cet autre exemple. C'est le même décor de film avec la même actrice, mais cette fois, vous remarquerez que la lumière du soleil n'est pas filtrée. C'est un exemple parfait pour vous faire comprendre que même dans les mêmes conditions de production et de tournage, le simple fait que la lumière du soleil soit filtrée par les nuages apporte un autre aspect différent. Et cette caractéristique est perceptible dans les cheveux. Par exemple, vous pouvez remarquer que les reflets révèlent les tons bruns des cheveux. Par exemple, cette fois, je n'utilise pas les niveaux. J'utilise uniquement la couleur lumetri et la balance des couleurs, le Mais en plus, j' utilise un autre effet appelé netteté pour ajouter de la définition à l'image Nous allons aller dans les dossiers pour rechercher ces effets. Pour le faire à partir de zéro, nous allons bien sûr continuer à analyser les lumetri scopes tout en effectuant cette Passons aux télescopes Lumetri pour analyser le spectre. Ici, vous pouvez remarquer que la vague de couleur a un aspect différent. Je veux dire, différemment de la leçon précédente. La première chose que vous pouvez remarquer dans les oscilloscopes Lumetri est qu' une couleur blanche recouvre l' onde de couleur. Qu'est-ce que cela signifie ? Cela signifie que l' image est brûlée. Je veux dire, les images sont brûlées. Je veux dire que les réglages de l'appareil photo n'étaient pas les mieux adaptés à ces conditions d' éclairage. Et cela s' produit en raison des conditions météorologiques. Je veux dire, les nuages se déplaçaient rapidement. Je veux dire, la caméra était réglée pour fonctionner avec la lumière filtrée par les nuages, mais les conditions météorologiques n' étaient pas stables. Mais même si la vidéo est un peu brûlée, n' est pas du tout gâchée Mais il faut essayer d'adapter la correction des couleurs à ces conditions. Puisque la lumière du soleil atteint directement les objets, nous devons essayer de créer l' effet de la lumière de l'après-midi. Je déplace la température sur les tons chauds, tout en ajoutant du contraste à la vidéo. Dans ce cas, il faut essayer de se concentrer sur les tons noirs et ombres pour compenser cette surexposition à la lumière Attention, vous remarquerez que cette piste noire est presque exactement la même que la première piste dans l'effet des niveaux. Je veux dire, souvenez-vous que la première piste de l'effet de niveaux était la saisie en l'effet de niveaux était noir que vous êtes censé créer, les tons noirs de l'image pour atteindre complètement le niveau de noir. Surtout dans les tons du maillot de bain pour fille. D'autre part, vous devez faire la différence entre la haute lumière et le blanc, ou entre les ombres et le noir. Lorsque vous modifiez les reflets, vous modifiez les niveaux les plus élevés en termes de lumière, mais vous ne touchez pas les blancs dans le niveau de lumière le plus bas. Je veux dire, vous pouvez modifier certains objets illuminés mais qui ne sont pas du tout blancs. Mais lorsque vous modifiez le blanc, vous allez modifier toute la gamme des pierres blanches en termes de lumière, d'ombres et de noir. Cela fonctionne de la même manière. Attention, puisque je déplace la piste noire, seul le maillot de bain noir change Mais si vous modifiez les ombres, vous allez modifier l'ensemble des nuances de l'image. Une fois cette première étape effectuée, vous êtes prêt à passer à la balance des couleurs. Ce que nous allons faire, c'est supposé que la lumière du soleil atteint directement les objets. Je veux dire, comme la lumière de l'après-midi, je vais diminuer les tons bleus. Mais en plus, vous devez savoir que la lumière du soleil produit plus de saturation dans l'image et améliore la couleur des objets. Nous sommes censés augmenter la saturation des couleurs dans l'effet lumetri Nous revenons à la couleur lumetri et nous cherchons le dernier paramètre La correction de base est la saturation. Et nous augmentons les valeurs, faisant attention à la couleur des lèvres et aussi à la couleur des cheveux. Nous pouvons revenir à la balance des couleurs et essayer niveler la quantité de bleu et de supprimer le bleu, augmentant ainsi les tons rouges. Vous pouvez en ajouter plus ou moins comme vous le souhaitez. N'oubliez pas que cela dépend de votre créativité Nous allons maintenant revenir aux lumtroscopes pour revoir l' Tout d'abord, faites attention à la vague de couleur qui remplit tout le spectre. Mais en plus, vous pouvez remarquer que chaque bracelet de couleur est situé dans une section spécifique du spectre. Mais vous pouvez continuer à modifier les paramètres de couleur, je veux dire, pour ne pas atteindre les limites, mais même si vous atteignez les limites mais vous aimez ce que vous regardez pendant le suivi des programmes, essayez d'être sûr de cela. De plus, dans ce cas précis, je vous ai déjà dit que la vidéo avait été brûlée. Je veux dire, en termes d'éclairage. Quoi qu'il en soit, même si vous pouvez remarquer que l'image est très belle, la couleur est très belle. Vous pouvez augmenter les rouges. Par exemple, j'augmente les rouges en supprimant le bleu. Pour moi, la vidéo est plus belle. Et vous pouvez également remarquer que même en ajoutant plus de rouge à l'image, la vague de couleur ressemble davantage à ce spectre. Nous allons maintenant passer à l' effet suivant de cette leçon qui est l'affinement La netteté est utilisée pour ajouter plus de définition à l'image Vous pouvez ajouter autant de netteté que vous le souhaitez. La raison pour laquelle je l'utilise est que sur la plupart des plateformes, les utilisateurs vont regarder votre vidéo. L'utilisateur ordinaire utilisera le moins de résolution dans le lecteur. En ajoutant cet effet de netteté, nous pouvons créer cet effet d'amélioration de la résolution même si la vidéo est affichée dans un lecteur dont le réglage est faible résolution C'est donc une astuce très utile pour Youtube et ce genre de plateformes. Mais vous devez faire très attention au fait que lorsque vous travaillez avec des appareils photo haut de gamme, vous serez en mesure d'ajouter une plus grande netteté à l'image Je veux dire, la vidéo va atteindre une meilleure qualité d'image. C'est exponentiel en fait, et c'est aussi lié à la quantité d'informations par pixel. Mais d'un autre côté, si c'est le cas de la caméra DS LR, vous ne pouvez pas jouer avec elle de cette façon car vous remarquerez que vous forcez et que la netteté est parfaite Cette leçon dépend de là. N'oubliez pas de revoir tout le contenu pour mieux digérer toutes les informations. Je te vois dans la prochaine leçon. 21. Correction des couleurs Partie 3 Changer la couleur des éléments d'une prise de vue: Parfait. Nous sommes de nouveau ici. Nous allons travailler sur ces deux dernières prises. D'une part, nous allons travailler sur cette prise qui représente ce cheval au galop Permettez-moi de souligner que cette vidéo appartient à l'un de mes clips musicaux. D'un autre côté, nous allons travailler sur cette autre prise dans laquelle la même actrice sort de la voiture. Qu' allons-nous faire ? Nous allons commencer par ce cheval. Dans ce cas, nous allons changer la couleur du cheval. Nous pouvons changer la couleur de certains objets, sans utiliser Azure Effect ou Da Vinci, par exemple. Je veux dire, il n'est pas toujours nécessaire d'utiliser ces logiciels pour changer la couleur des objets. Mais en plus, nous allons utiliser d'autres effets. De plus, nous allons le dossier video fx pour rechercher les effets dont nous avons besoin changer l' effet de couleur se trouve dans le dossier de correction des couleurs ainsi que la luminosité et le contraste. Mais nous allons également utiliser la couleur lumetri. Nous pouvons vérifier les lumetri scopes pour revoir l'image. Pour examiner la vague de couleur, vous remarquerez que dans ce cas, l'onde est située dans la partie centrale du spectre, mais que la largeur de couleur est encore trop petite. Je veux dire, nous devons encore étendre la vague de couleurs à l'ensemble du spectre. Mais nous allons d'abord aborder le changement d'effet de couleur. Nous ouvrons l'effet et nous devons aller là où il se lit. Nous devons cliquer sur le compte-gouttes, et nous allons sélectionner à l' écran la couleur exacte que nous voulons changer Et nous allons sélectionner une couleur visible dans un plus grand nombre de sections du crin de cheval Ensuite, ici en deux, nous allons cliquer sur le compte-gouttes et sélectionner la couleur que nous voulons Vous pouvez remarquer que la couleur change automatiquement immédiatement. Mais nous devons essayer de niveler cela en modifiant ce paramètre. Je veux dire, à droite, il y a plus de couleurs et à gauche, c'est pour diminuer le niveau. Je vais changer la tonalité spécifique dans le paramètre frontal. Je veux dire, nous sommes censés sélectionner le ton spécifique avec précision. De plus, je vais mettre l'autre couleur plus rouge pour que le changement soit perceptible. Nous pouvons augmenter la teinte comme nous le voulons, mais je vais l'augmenter un peu plus, juste ici. Nous passons ensuite à la luminosité et au contraste. Ici, nous allons autoriser un peu la luminosité. L'effet suivant est la couleur lumetri. Et nous devons passer à la correction des couleurs de base. Ensuite, nous passons au paramètre de saturation. Nous allons augmenter considérablement la quantité de couleur. Nous pouvons déplacer le paramètre de température vers la couleur la plus chaude, mais vous pouvez également déplacer le contraste pour égaliser la quantité de tons noirs dans l'image. Nous pouvons également modifier un peu la piste noire pour faire ressortir tous ces tons noirs. Et maintenant, vous pouvez remarquer à quoi ressemble la couleur du crin de cheval. Il est complètement rouge. Et vous pouvez constater la différence en désactivant ces effets C'est l'original, reprenez le look original. Nous pouvons retourner aux lumetri scopes pour examiner le spectre Vous pouvez remarquer que l'onde de couleur est étendue jusqu'au spectre. Mais dans le cas de cette vidéo de cette prise, nous ne pouvons pas atteindre la plus grande quantité de lumière car cette prise est également brûlée. Je veux dire, un peu brûlé. Et c'est la raison pour laquelle. Plus la direction de la photographie est bonne, meilleure est la qualité de l'image. Parce que si l'image est gravée, la résolution de l'appareil photo n'a pas d'importance. Le capteur ne détecte pas toutes les couleurs de pliage du spectre. Vous ne pourrez pas étendre l'onde de couleur sur l' ensemble du spectre. Dans ce cas, je vais essayer de trouver le réglage spécifique pour essayer de remplir le spectre autant que possible. Je vais ajouter un effet de balance des couleurs. Je vais diminuer la plage bleue, augmentant ainsi les deux autres plages. Vous pouvez remarquer maintenant que la vague de couleur est plus étendue, mais cela reviendrait à changer de couleur. Sur certains objets de l'image, vous pouvez remarquer la différence et désactiver le changement, l'effet de couleur Vous pouvez remarquer le changement. Je pense que c'est très agréable. Mais passons à un autre exemple, celui la fille dans la voiture, qui est un cliché très intéressant car l'image de la fille est filtrée par la fenêtre. n'y a pas seulement un voile, qui est le sous-produit des paramètres de fichier de l'appareil photo, mais aussi un voile sur l'objet En termes de production, vous pouvez remarquer ce voile dans les lumetri Vous pouvez remarquer que même dans les tons les plus sombres du spectre, une large bande traverse le panneau. Mais cela ne veut pas dire que la cinématographie est plutôt bien gérée Je veux dire que c'est l' apparence d'une fenêtre dans de telles conditions. Parce que les taches que vous pouvez remarquer sur la fenêtre seraient sous-produit de l'époque et qu'il pourrait s'agir de poussière, par exemple, ou peut-être que la fenêtre n'est pas du tout propre Je vous dis cela pour ne pas forcer la caméra à détecter quelque chose qui n'est pas perceptible à l'œil nu. Motile à l'œil nu pour le site humain. Donc pour le moment, je vais utiliser une couleur lumetri pour corriger cette vidéo Nous allons dans le dossier des effets vidéo et nous allons Correction des couleurs et nous sélectionnons Lumetri Nous passons à la correction de base, et nous allons modifier uniquement les tons noirs, les tons d'ombre et le contraste pour faire ressortir le visage de la fille. Nous devons essayer de ne pas exagérer les tons noirs. Nous pouvons avoir comme point de référence le cadre noir de la fenêtre. Je parle des zones noires de la voiture. Nous pouvons jouer avec ces paramètres jusqu'à ce que nous obtenions le look qui nous plaît. Mais je vous recommande vivement d'expérimenter, de déplacer tous les paramètres avec beaucoup de patience. De plus, vous pouvez également remarquer que j'ai modifié la température en fonction des tons froids ainsi que de la saturation. Nous pouvons maintenant vérifier les lumetri scopes et vous pouvez remarquer à quel point la vague de couleur est De toute évidence, l'image n' atteint pas les tons les plus clairs car il fait froid et dégage également une ambiance sombre Je veux dire, il n'est pas nécessaire d'atteindre les sections les plus éclairées du spectre et nous pouvons constater la différence. Je vais désactiver les effets, c'est complètement différent, ça a l'air plus professionnel Pour moi, il s'agit d'un étalonnage des couleurs, car même si je n'ajoute pas de couleur supplémentaire à l'image, je modifie les paramètres de couleur lumetri pour obtenir un autre aspect. Mais je vous recommande vivement d' expérimenter avec vos futae et avec vos enregistrements afin d' avoir plus de chances de modifier les couleurs Je veux dire, si vous avez une meilleure cinématographie, vous aurez plus de chances d'obtenir un étalonnage des couleurs plus professionnel Cette leçon est d'ici et jusqu'à la suivante. 22. Étalonnage des couleurs Créer un masque: Parfait. Nous sommes de nouveau ici lors de la première d'Adobe. Mais dans cette leçon, nous allons apprendre à créer un masque pour corriger les couleurs d' un objet en mouvement Un masque avec suivi des mouvements et quel est ce mot ? Cela me permet de corriger la couleur d'un objet en mouvement ou de l'espace autour de cet objet. Je veux dire, je suis capable de corriger la couleur des deux éléments. Nous allons donc utiliser un exemple. C'est là que ce personnage se déplace dans cette pièce, la cabine du navire. Ce que je veux, c'est pouvoir corriger la couleur du personnage sans altérer la couleur de la pièce, ou vice versa. Pouvoir corriger la couleur de la pièce sans en altérer le caractère. Et pourquoi est-ce que je t'apprends avec un objet en mouvement ? Car une fois que vous aurez appris à le faire de cette façon, il sera plus facile de maîtriser le masque d' un élément statique sans le déplacer, ce qui est beaucoup plus facile. Évidemment, je trouve qu'il est beaucoup plus utile de vous apprendre à la dure immédiatement. Faites attention, car au début, cela peut sembler un peu délicat, mais en réalité ce n'est pas le cas. Commençons donc. Nous savons déjà que c'est notre scène et nous devons fabriquer un masque pour isoler le personnage du point où il marche jusqu'au moment où il ouvre la chaîne du court sur la fenêtre. La première chose que nous sommes censés faire est donc d'ajouter un effet de correction des couleurs provenant de la première ancienne banque au panneau de commande des défauts. Correspondant à ce clip, on clique sur ce petit onglet puis on clique sur Effets. Ensuite, il faut rechercher le dossier vidéo Fx puis le dossier de correction des couleurs. Une fois sur place, il faut cliquer sur l'effet color lumetri et le déplacer vers le panneau de commande du fax du clip dans lequel nous travaillons Une fois que vous aurez ajouté cet effet, ce sera comme s'il s'agissait d' un effet de plus que ceux qui apparaissent dans le panneau de commande de télécopie par défaut. Une fois que nous avons ajouté cet effet, nous devons faire attention aux boutons de masque que nous avons vus dans l'une des leçons précédentes. Si vous ne vous en souvenez pas, je vais vous le rappeler encore une fois. Rappelez-vous qu'il y a un cercle, un carré et qu'il y a aussi une plume Et ce dernier est utilisé pour créer des masques personnalisables. Voyons le premier, le cercle. N'oubliez pas que vous pouvez modifier la nature de ce cercle pour le rendre plus ou moins ovale. Toutes les modifications que vous apportez à cet effet affecteront tout ce qui se trouve à l'intérieur de ce cercle ou à l'extérieur de ce cercle. C'est ce que nous pourrons choisir. D'autre part, une fois que nous avons cliqué sur le cercle, par exemple, il crée automatiquement un premier masque que nous allons voir ici même dans le panneau de commande du fax. Notez que si je clique maintenant sur le carré, un deuxième masque est créé. Cette fois, nous pouvons modifier la nature de ce carré comme nous le souhaitons. Enfin, nous avons la troisième option personnalisable. Ici, nous pourrons créer la forme que nous voulons en joignant ces points comme s'il s'agissait d'une constellation. Et c'est une méthode que nous devons utiliser pour créer des masques pour des objets de forme irrégulière Nous devons simplement souligner autant de points que nous le jugeons nécessaires pour correspondre à la forme de l'objet que nous voulons isoler. Non seulement vous pourrez créer la forme que vous souhaitez, mais aussi faire pivoter le masque et modifier sa position. Je vais supprimer les trois masques que j'ai créés jusqu'à présent pour créer celui dont nous avons besoin à partir de zéro. Je vais essayer de mieux définir le fragment vidéo que je souhaite modifier. Je ne vais pas utiliser le clip en entier. Je vais utiliser à partir de maintenant jusqu'au moment où le personnage atteint la fenêtre. Je vais couper un peu de vidéo au début pour travailler plus confortablement. Une fois que nous avons défini le clip exact dans lequel nous allons travailler, nous revenons au panneau de commande du télécopieur et positionnons le curseur. Au début du clip, nous allons sélectionner automatiquement le masque personnalisable appelé Free Draw Baser Lorsque je clique sur cette petite plume, le masque est créé comme nous l'avons déjà vu Et il y a quelque chose de très important à prendre en compte avant de commencer à créer un masque. Et c'est qu'il faut dézoomer un peu sur le moniteur du programme. Deux nous permettent de faire valoir nos points librement. Je veux dire que c'est suffisamment éloigné pour que nous puissions même marquer des points en dehors du cadre du moniteur. J'utilise donc le moniteur à 25 % et je vais commencer à marquer des points. Ne vous inquiétez pas, c'est parfait, ce n'est qu'une approximation. Et rappelez-vous que vous pouvez sortir du cadre du moniteur. Je veux dire, le masque peut également être en dehors de l'écran. Évidemment, lorsque vous devez dessiner des points dans des zones plus petites, vous pouvez zoomer pour essayer d'être plus précis. Mais n'oubliez pas que, quelle que soit votre précision, une approximation est largement suffisante pour que le masque fonctionne. Nous sommes censés créer les points nécessaires pour créer un masque qui doit être fermé. Je veux dire, la forme que nous créons, un espace clos en masse. Peu importe que ce soit normal ou non, il faut fermer la forme. Après avoir fini de fermer la forme du masque, nous devons passer à ce paramètre qui se trouve ici, qui est le chemin du masque ici. Nous allons activer l'automatisation des masques. Lorsque je clique sur cette petite horloge, elle crée automatiquement un cadre correspondant au masque contenu dans ce cadre spécifique. Désormais, il ne nous reste plus qu'à déplacer le masque au fur et à mesure que la prise de vue avance. Évidemment, le masque appartient à la forme du personnage, mais le personnage va sortir du masque. Au fur et à mesure que la prise de vue avance, nous sommes censés changer la forme et la position du masque toutes les quelques secondes afin qu'il corresponde au personnage au fur et à mesure de la prise de vue. Mais permettez-moi de mentionner que ce processus, pour de nombreuses personnes, cause de l'anxiété, de la peur, elles pensent que c'est très compliqué. Mais la vérité est que ce n'est pas le cas. La seule chose que je peux vous dire , c'est que selon le cliché, cela peut prendre plus ou moins de temps. Mais essayez en fait de vous demander combien de temps cela peut prendre pour que cela soit vraiment impossible. Les tirs durent toujours quelques secondes. Donc, toutes les 2 secondes environ vous allez changer le masque pour qu'il corresponde au personnage. Vous devez le faire point par point, mais ne vous limitez pas à trop de détails. N'oubliez pas que le masque est toujours une approximation. Le masque suivra donc une trajectoire de changements, un type de déplacement où il s'adaptera d'une image clé à l'autre. Mais si, dans cet espace entre une image clé et une autre, il arrive un moment où le masque perd trop de la forme du personnage. Nous devons ajouter un cadre clé intermédiaire pour que le masque continue de correspondre au personnage. Par exemple, à cause du mouvement du bras, certains cadres, le masque perd la forme du personnage, laissant ainsi de l'espace supplémentaire. Ces moments doivent être corrigés car ils seront très visibles. Lorsque nous effectuons la correction des couleurs, nous positionnons la ligne entre les deux images clés et corrigeons le masque. Et automatiquement une autre image clé sera créée. Nous devons continuer comme ça. Je dirais d'ajouter un changement toutes les demi-secondes. En fait, je pense que c'est moins d'une demi-seconde. Mais en créant les images clés nécessaires pour que le masque suive au mieux le personnage. Vous devez tenir compte fait que vous avez la possibilité de créer plus de points autant que vous le souhaitez. Surtout pour les parties où il y a des courbes et des formes très irrégulières. D'autre part, n'oubliez pas que peu importe si le masque sort du cadre de l'écran, cela n'affectera pas l'image. Mais en plus, ce paramètre de trajectoire du masque nous donne la possibilité de suivre le mouvement. Je veux dire qu'en utilisant l'intelligence artificielle, le logiciel créera un masque approximativement adapté à la forme que nous créons dans chacun des cadres. Mais le problème est que cela n'est jamais exact, ce qui pose parfois des problèmes. Je recommande donc d' utiliser partiellement cet outil. En d'autres termes, nous appuyons sur Play dans l'outil de suivi et question du processus de création apparaît immédiatement . Nous ne devons donc pas laisser le processus se terminer. Mais dès que nous voyons la bande bleue commencer à avancer, nous l'arrêtons car tout le processus appartient à l'ensemble du clip. Mais ce dont nous avons besoin, c'est qu' il fasse le suivi à certains moments, mais pas dans l'ensemble du clip. Comme vous pouvez le constater, le logiciel a créé une image clé pour chaque image. Mais comme vous pouvez le constater, le masque n'est pas parfait, il faut donc le corriger quand même. Je recommande de l'utiliser, mais de supprimer toutes les images clés où le masque ne correspond pas. C'est la raison pour laquelle je ne l'utilise pas trop car cela demande beaucoup de travail. Je veux dire, j'ai dû supprimer les images clés qui ne sont pas correctes. Je dirais que cet outil est utile lorsque la forme du masque est régulière. Je veux dire, alors que tout au long du clip, la forme du masque ne changera pas grand-chose. Quoi qu'il en soit, je pense qu' en combinant les deux outils, je veux dire le suivre et le faire manuellement, serait une bonne option. Je vais laisser cette leçon ici. Je vais terminer le masque jusqu'à ce que le personnage atteigne la fenêtre. Dans la leçon suivante, nous allons commencer par la correction des couleurs. 23. Changer la couleur d'arrière-plan: Nous allons continuer à connaître les paramètres du masque. L'un des paramètres les plus importants est le bouton qui permet d'inverser la sélection effectuée par le masque Je veux dire, si nous voulons que le fait change ce qui est à l'intérieur ou à l'extérieur du masque, par défaut, le masque affectera ce qui est à l'intérieur. Mais si vous cochez cette case là où elle est inversée, vous pouvez changer cela Et maintenant, le masque affectera tout ce qui ne se trouve pas à l'intérieur d'un masque. Avant de continuer, permettez-moi de vous rappeler que vous pouvez créer un masque pour n'importe quel effet de premier ordre. Je veux dire, dans tous les effets qui se trouvent ici dans les dossiers, vous pouvez ajouter des masques. Par exemple, si je choisis la luminosité et le contraste, remarquez comment je peux également créer un masque pour cet effet. Il est important de le savoir car il y a évidemment des centaines d'effets. savoir que vous pouvez créer un masque Il est très important de savoir que vous pouvez créer un masque sur n'importe lequel d'entre eux. Continuons avec l'effet de couleur lumetri. Nous avions activé l'inversion de sélection lorsque nous faisions cela et modifiions, par exemple, l' exposition de l'image. Prêtez attention à ce qui se passe. Je vais masquer le masque pour que le guide bleu ne soit pas visible. Et nous pouvons voir plus clairement l'évolution de l'éclairage. Vous réalisez maintenant à quel point le masque est important. Regardez comment la lumière de la pièce a changé sans affecter le personnage. Vous pouvez alors imaginer tout ce que vous pourriez faire et changer avec cette procédure. Dans ce cas, je modifie l'exposition, ce qui me permet de modifier la plage de lumière de manière plus générale. L'exposition est un paramètre qui mélange la luminosité et le contraste à la fois. Faites attention au fait que le masque n'est pas parfait. Et les erreurs sont perceptibles et il faut bien sûr les corriger. Mais en général, après avoir créé le masque, nous devons essayer de brouiller les bords du masque Les faits semblent convaincants. C'est crucial lorsqu'il s'agit de créer des masques. Donc, une fois que nous avons créé le masque, nous devons modifier ce paramètre important, à savoir la plume Ce paramètre vous permet d' adoucir les bords du masque afin que celui-ci ne soit pas visible et qu'il soit davantage adapté à l'arrière-plan Attention, je vais masquer le guide bleu du masque pour que vous puissiez mieux voir comment il fonctionne. Faites attention à ce qu'un guide supplémentaire élargisse les bords du masque sur les bords C'est la zone la plus bleue. Nous sommes donc en train d' aiguiser les bords. Et c'est la raison pour laquelle nous n'avons pas besoin que le masque soit parfait. Parce que lorsque nous floutons les bords, cela adoucit toute la forme du masque, s'adaptant ainsi mieux à l'arrière-plan. Maintenant, les bords seront beaucoup moins visibles. Je vais à nouveau masquer le guide bleu et modifier l'exposition. Regarde à quel point c'est plus beau. Il est également important de ne pas exagérer. Je veux dire, nous devons développer une sensibilité à la lumière. Nous ne pouvons pas modifier l'éclairage de fond d'une manière qui ne soit pas convaincante. Nous devons être subtils et esthétiques. Il faut surtout noter que les modifications de l'éclairage sont convaincantes tout au long de la prise de vue , du début à la fin. Le paramètre suivant que nous pouvons modifier dans le masque est l'opacité Je veux dire, c'est comme si nous activions ou désactivions le masque, mais avec la transparence, ce paramètre n' a rien de compliqué Le paramètre suivant est l'expansion, qui est similaire à la plume Ce paramètre nous permet d'agrandir le masque et de le réduire. Ce n'est pas très compliqué non plus. Cela nous aide simplement à mieux associer le masque à l'arrière-plan Vous pouvez maintenant voir davantage la différence en termes d'éclairage dans la pièce à l'aide du masque. Cet outil est très utile pour affiner l'image. Une autre caractéristique très importante lorsqu'il s'agit de créer des masques est que nous pouvons copier et badigeonner le même masque et l' utiliser dans d'autres effets Par exemple, je peux ajouter un autre effet de couleur lumetri au clip Ensuite, je sélectionne un masque de la première couleur lumetri, puis on appuie sur la commande du clavier C, ou sur le clavier commun C. Ensuite, on passe à l'autre couleur lumetri et on appuie sur la commande Z. Ensuite, on aura, dans ce nouvel effet, le Mais par exemple, dans ce cas, nous pourrions désélectionner la case permettant d' inverser la Ce faisant, nous ne pouvons désormais corriger que la couleur à la lumière du personnage. Nous pouvons modifier, par exemple, la saturation. Vous pouvez donc voir plus ou moins comment les couleurs changent dans le personnage. La saturation sert à renforcer les couleurs d'une image. Faites attention à la façon dont la couleur de la peau change. Par exemple, il a l'air plus dix avec plus de couleurs. Chaque fois que vous apportez une modification, vous pouvez vérifier son apparence par rapport à la vidéo d'origine. En activant l'effet de, ou en cliquant simplement sur ce symbole d'effet, je vais modifier la température de couleur du personnage pour mieux remarquer la différence. De la même manière que nous pouvons changer la couleur du personnage et de l'arrière-plan, nous pouvons également modifier la couleur de cette fenêtre. Ça y est. Il suffit d'ajouter une autre couleur lumetri au clip Cette fois, comme la fenêtre se trouve à la fin du clip, nous passons à la dernière image du clip et nous allons créer un masque pour la fenêtre, mais dont l'automatisation va être créée dans le sens inverse, nous dessinons le masque. Cette fois, c'est plus facile car la fenêtre est un objet beaucoup plus régulier que les autres. Il est statique, il ne bouge pas. Une fois créé, nous activons l'automatisation dans le paramètre path. Ensuite, nous passons à la chronologie du panneau de contrôle des défauts et nous allons créer l'automatisation. Mais cette fois à reculons, je vais me cacher dans le guide bleu pour que cela soit visible . Prêtez attention. C'est beaucoup plus facile. Au fur et à mesure que nous reculons, nous devons faire en sorte que le masque reste toujours dans la fenêtre N'oubliez pas que peu importe si le masque quitte le cadre de l'écran, car la fenêtre quitte également le cadre , le masque doit également le faire. Nous sommes prêts à modifier la couleur de la fenêtre comme nous le souhaitons. Ensuite, nous revenons aux paramètres de la couleur lumetri. Il est important de souligner qu'il n'est pas nécessaire d'inverser la sélection car nous voulons modifier la fenêtre seule. Nous passons à la correction de base, puis nous passons, par exemple, à la température. Par exemple, nous pouvons refroidir la lumière, par exemple, si nous voulons que la lumière à l'extérieur du navire soit matinale ou qu'il fasse froid. Ici, nous avons déjà la fenêtre à éclairage froid, nous pouvons la comparer à la couleur d'origine de l'image. Il est important de toujours faire cette comparaison, pour voir la différence. Mais dans la mesure où nous modifions couleurs telles que celle de la fenêtre, nous devons être conscients que la lumière à cette température devrait affecter les objets qui se trouvent à l'intérieur de la pièce. Dans ce cas, nous sommes censés accéder au masque du personnage et modifier sa couleur et même le contraste afin qu' il soit également embelli avec des couleurs froides et aussi avec un type de contraste qui correspond tous les éclairages présents dans le lieu Attention, comme les couleurs sont plus froides et que nous avons assombri toute la pièce, le contraste convient très bien au personnage Nous pouvons faire la comparaison une fois de plus. Nous désactivons tous les effets lumitry et nous les activons un par un, pour que vous puissiez voir Regardez le premier lumetri pour l'arrière-plan, observez la différence Toute la pièce est plongée dans le noir. Ils peuvent maintenant regarder le deuxième point fort, celui du personnage C'est très bon. Cela le rend très bien adapté à l'éclairage de la cabine Et enfin, le lumetri de la fenêtre. Nous pouvons même exagérer la lumière froide provenant de la fenêtre pour qu' elle soit beaucoup plus visible Il est très important de voir de bons films et de bons tableaux bien éclairés pour nous inspirer et essayer de faire ce travail plus en détail. Notez qu'en fait, il semble qu'à l'intérieur de la cabine, il y ait une lumière chaude artificielle. Et la lumière froide du matin entre par la fenêtre, essayez de pratiquer des masques créatifs. Et nous allons continuer à étudier la correction des couleurs dans la prochaine leçon 24. Étape finale d'étalonnage des couleurs: Parfait. Nous passons maintenant à un processus plus détaillé d' étalonnage des couleurs, la correction des couleurs HL Cet outil permet de modifier la couleur de manière beaucoup plus précise au sein d'un même masque. Je veux dire que les modifications que nous apportons aux couleurs ne se produiront pas seulement dans le masque, mais aussi dans une gamme de couleurs spécifique du masque. Ce serait une étape plus professionnelle de ce même processus. Par exemple, vous voyez ici que le masque sélectionne le personnage et que nous allons maintenant corriger les couleurs ou la lumière de zones spécifiques du masque. Le résultat est beaucoup plus professionnel. C'est une étape de plus dans tout ce que nous faisions jusqu'à présent en termes d'étalonnage des couleurs Dans les leçons précédentes, nous avions créé un masque pour corriger différentes parties de l'image. Mais cette fois, nous allons nous concentrer sur le masque qui sélectionne le personnage. Car ce que nous allons corriger, c'est uniquement la peau et les zones éclairées du personnage. J'ai donc reçu tout ce que nous avons changé en termes de couleur et de lumière pour utiliser cette méthode. Commençons donc. Une fois que nous avons créé notre masque dans l'effet de couleur lumetri, nous devons passer au paramètre suivant, HSL Ce paramètre est donc situé un peu en dessous du paramètre de correction de base. À première vue, cela semble complexe, mais en réalité ce n'est pas le cas , car nous n'avons pas besoin d' utiliser tous les boutons. Je vais donc masquer le guide bleu avant de continuer. Une fois ce paramètre atteint, nous allons essayer de trouver un point neutre dans le clip vidéo pour corriger la peau. Je veux dire, vous êtes censé trouver le moment dans le clip où la peau du personnage est suffisamment visible pour la corriger Une fois cela fait, nous allons là où il se lit, définissons la couleur et nous cliquons sur le petit compte-gouttes qui s'y trouve Dans ce cas, je vais cliquer sur la joue, c' est-à-dire la zone que je souhaite corriger Ensuite, automatiquement, le défaut sélectionnera les gammes de couleurs de la joue Pour le vérifier, nous descendons ici dans le petit onglet et nous devons sélectionner le blanc, le noir. Ensuite, nous allons cocher la petite case qui indique Afficher le masque. Comme vous pouvez le constater, les logiciels ne sélectionnent que la zone qui semble blanche Mais à son tour, le paramètre de sélection ne prend en compte que tout ce qui se trouve à l'intérieur du masque que nous avons fait précédemment. Comme nous pouvons automatiser tous les paramètres de la première, nous pourrions également automatiser les plages de sélection à l'aide ces trois lignes de sélection qui appartiennent à la saturation de la lumière et à la plage de couleurs. Par exemple, n'oubliez pas que la lumière change au fur et à mesure que le personnage marche. La sélection pourrait donc également changer si nous l'automatisons. Par exemple, faites attention à la troisième ligne, la ligne d'éclairage. Observez l' évolution de la sélection lorsque le personnage sélectionne les zones éclairées du visage et de la chemise. C'est donc intéressant pour deux raisons. D'une part, nous nous rendons compte que la chemise et le visage ont des couleurs similaires, même si cela ne semble pas être le cas à l'œil nu. Et d'un autre côté, c'est intéressant parce qu'au final, c'est cette même lumière qui entre par la fenêtre qui éclaire le personnage tout entier Et c'est le genre de choses que vous devriez apprendre en termes d'éclairage, au-delà de savoir comment utiliser le logiciel ou non. Donc, une fois que nous avons fait la sélection, je veux dire que nous sommes sûrs que la sélection que nous avons faite est correcte. Nous décochons la case Afficher le masque et nous descendons un peu plus bas où nous allons trouver les outils pour effectuer le calibrage des couleurs Nous allons trouver, par exemple, les mêmes paramètres de la correction chromatique de base, tels que la température, le contraste, la saturation, etc. Mais il y a aussi cette molette qui est très utile car en déplaçant le point central de chaque côté, le logiciel changera la couleur des zones sélectionnées en couleurs présentes sur la roue. Et bien sûr, nous pouvons combiner les paramètres pour obtenir un meilleur résultat. Par exemple, je vais déplacer la température. Je vais l'augmenter suffisamment pour que vous remarquiez la différence. Regardez comment la lumière qui illumine le personnage a une couleur chaude En fait, si on revient dans le clip, on se rend compte qu'au fur et à mesure que le personnage avance, la lumière devient plus chaude. Si, par exemple, nous combinons cette technique avec ce que nous avons vu dans les leçons précédentes, le résultat est bien meilleur. Par exemple, nous pourrions modifier la température de cette lumière dans la fenêtre pour qu'elle corresponde à ce que nous venons de faire dans le personnage effectuant la correction des couleurs. De cette façon, l'apparence est bien meilleure car remarquez qu' il semble vraiment que la lumière provenant de la fenêtre éclaire le personnage pendant que nous effectuons une notation étalonnage des couleurs, mais comme je vous l'ai dit, ne suffit pas pour apprendre à utiliser le logiciel Nous devions être conscients du comportement de la lumière. Nous n'y parviendrons qu' en consommant de l'art de qualité. Je veux dire, vous êtes censé aller dans des galeries pour voir de bons tableaux, bonnes photographies, des expositions qualifiées et, bien sûr, de bons films. Je vais donc désactiver les effets afin que nous puissions faire la comparaison Et nous pouvons constater la différence par rapport à ce que nous avons fait jusqu'à présent. Voici donc à quoi ressemble l'image d'origine. Ensuite, nous, en arrière-plan foncé, puis la couche de couleur des personnages, puis la couche de fenêtre. À partir de là, nous pouvons ajouter une couche d'effet supplémentaire. Je veux dire une autre couleur lumetri. Et dans ce dernier effet, nous pouvons ajouter un contraste qui affecte l'ensemble des couches pour les combiner davantage et leur donner un aspect mieux intégré. Ce contraste est parfait car il renforce même les ombres projetées sur le mur Et il semble vraiment que la lumière qui passe par la fenêtre soit réelle. Nous pouvons faire une dernière comparaison pour voir la différence. Je vais à nouveau désactiver toutes les couches défectueuses. Faites donc attention à la nature de l'image d'origine. Je dirais qu'il existe une gamme de couleurs beaucoup plus constante. Maintenant, je vais réactiver toutes les couches , une par une. Je trouve que la différence est incroyable puisque la vidéo est de grande qualité. Parce que c'est un bon appareil photo. En fait, nous avons la chance que cela se passe très bien. D'autre part, nous devons faire attention à corriger les petits cadres où le masque général ne correspond pas au personnage. Parce que n'oubliez pas que le masque HSL fonctionne à l'intérieur de ce masque bleu. Il s'agit d'un étalonnage des couleurs possible, mais il pourrait être totalement différent de celui de l' étalonnage des couleurs d'origine du projet Mais il faut toujours tenir compte du fait que plus la résolution de l'appareil photo est bonne, plus il y a de possibilités de corriger l'éclairage et les couleurs de l'image. Passons à un autre exemple de la façon dont l'étalonnage des couleurs a été effectué dans la scène suivante de ce court métrage Faites attention au fait qu' un masque a principalement été utilisé pour éclairer le personnage la même manière que dans les exercices précédents Si la caméra a une bonne résolution et une bonne plage dynamique, cela sera possible sans problème. Mais attention à cette autre couche qui est presque imperceptible Ce masque ajoute une couleur matinale chaude au bouclier. N'oubliez pas que la qualité de l'étalonnage des couleurs est le sous-produit d' un ensemble de petits détails qui, à leur tour, améliorent l'apparence de l' image Dans ce cas, la lumière du matin est chaude, le bouclier doit s'y adapter autant que possible. Ici, nous pouvons voir la différence entre l'apparence avec le masque et sans les masques. Un autre détail important de cette prise de vue était l' éclairage du lieu. Ce détail est assez similaire à celui du film Portrait d'une dame en feu. Je veux dire, la couleur de certaines parties spécifiques de l'image a dû être modifiée pour que l'ensemble de l'image corresponde à une photo vue précédemment. Dans ce cas, ce sont les parties que vous regardez où vous pouvez voir la vallée en arrière-plan à travers les arbres Et ces pièces ont été amenées à correspondre à un tir précédent. Et cette prise de vue précédente était la suivante, cette photo ouverte qui nous indique que les actions se déroulent le matin. Ici, vous pouvez voir comment je désactive et active le masque afin que vous puissiez voir à quoi il ressemblait avant et à quoi il ressemble avec un défaut Tout cela utilisait exactement le même dégradé de couleurs que celui que nous avons vu avec le catacre dans la cabine Regardez cette autre photo ici. Nous avons dû faire plus ou moins la même chose pour sélectionner une partie du ciel, cette partie qui se détache des arbres. Nous avons dû changer de couleur pour donner l'impression que le soleil brillait à son paroxysme Nous avons donc créé un masque, puis nous avons sélectionné uniquement la zone éclairée avec le HSL secondaire. Ensuite, nous avons ajouté la couleur rouge pour que la couleur paraisse plus chaude et non plus froide. Ici, vous pouvez voir la différence entre la photo originale et celle prise avec le masque. Mais attention à l'autre exemple, plus avancé, ici. Comme vous pouvez le voir sur les différents plans de la forêt, la lumière du soleil parvient à traverser les arbres et à atteindre le sol. Comme sur cette photo par exemple. Le problème était que, comme les conditions du ciel ne sont jamais parfaites et stables, cela ne dure que très peu de temps. Il a donc fallu créer la lumière directement sur le sol en une seule prise. Parce qu'à ce moment précis du tournage, la lumière au sol avait presque disparu. Nous avons donc créé un masque sur la petite traînée de lumière qui était à peine visible sur la photo, et nous avons augmenté la lumière provenant de cette partie. Cet exemple est excellent***t car c'est précisément dans des cas comme celui-ci que la culture visuelle Je veux dire que vous connaissez la peinture, par exemple, faites attention à ce détail important. Le masque ne change pas de place, même la caméra avance. Parce que le déplacement de l'appareil photo n' a rien à voir avec la lumière du soleil. La lumière est censée être au même endroit. Nous avons donc automatisé le masque pour qu'il reste au même endroit sur le sol. Prendre n'importe quelle partie du sol comme point de référence. Vous pouvez voir ici à quoi ressemblait l'image avant l'image d'origine. Sans lumière au sol. Je trouve que la différence est fantastique. Cela prouve jusqu'où vous pouvez aller avec cette technique. Dans cet autre exemple, vous pouvez voir comment utiliser exactement la même technique pour améliorer la couleur d'un élément de l'image. Le sang que le personnage a sur le bras. Pendant le tournage, le sang sur le bras n'était pas complètement parfait. Je veux dire, il n'était pas assez rouge. Cela a dû être corrigé par un étalonnage des couleurs. Nous avons créé un masque qui sélectionne uniquement la couleur rouge à peine visible sur le t-shirt. Ensuite, nous avons amélioré cette couleur rouge. Ici, vous pouvez voir à quoi cela ressemblait avant. Ici, vous pouvez le voir plus en détail. Regardez comment la couleur change lorsque je la déplace dans la gamme Eh bien, mais vous devez faire très attention aux changements. Ça doit être en selle, sont des exemples de tout ce que vous pouvez faire en utilisant la technique d'étalonnage des couleurs que je vous enseigne dans ces leçons Mais comme je vous l'ai dit, vous devez vous entraîner et avoir bonnes références pour y parvenir jusqu'à la prochaine leçon. 25. Identifier les formats: Bonjour tout le monde. Dans cette leçon, nous allons parler des formats et des appareils photo. Mais surtout, je vais vous montrer à l'écran des vidéos enregistrées avec différentes caméras et différents ***ses Vous pouvez apprendre à reconnaître la différence lorsqu'il s'agit de voir la qualité d'une image. autre côté, bien que dans cette leçon je vais parler des aspects techniques, je vous recommande vivement de consommer des films avec une bonne cinématographie Vous pouvez reconnaître quand une image est meilleure qu' une autre en termes d' éclairage ou de cinématographie Et je vous dis cela parce que notre tâche est d'améliorer la qualité de l'image. Et il faut savoir quelles sont les faiblesses d'une image afin de les corriger et d'améliorer l' apparence d'une vidéo. Commençons alors. C' est le Soleil en X 5. Il s'agit d'un reflex numérique de moyenne et basse qualité avec également des ***ses de qualité moyenne L'image semble bonne parce que la cinématographie était bonne. Je veux dire, il a été enregistré au meilleur moment de la journée. Cependant, si nous figons l'image, nous pouvons nous rendre compte des faiblesses de ce format. Tout d'abord, tout est synthétisé dans des formes et des couleurs générales Peut-être que vous ne vous en rendez pas compte à l'œil nu, mais lorsque vous verrez une image de haute qualité, plus tard, vous verrez la différence. Cette synthèse concerne à la fois la plage dynamique du capteur et la résolution de la caméra. Et en plus du fait que le ***s ne permet pas à un grand nombre de points lumineux d'atteindre le capteur On le remarque dans les petits détails et notamment dans les zones sombres qui manquent d'informations car elles sont complètement compressées par le pli. Il s'agit d'une image typique dans laquelle la technique consistant à modifier les couleurs de certains objets ou éléments comme le ciel, par exemple, est l'un des meilleurs moyens d'améliorer l' expérience et la qualité. L'exemple suivant est un peu meilleur. Ici, un appareil photo Canon Five avec ***ses de la série L a été utilisé. De plus, les images aériennes appartiennent à un fantôme pour drone Cependant, de mon point de vue, même si elle est plus belle que la vidéo précédente, on peut tout de même remarquer des signes de compression dans l'image. Tout comme la compression, on peut le remarquer dans les détails des cheveux. Dans le cas des images prises par drone, il y a des scintillements dans les zones d'eau qui présentent des reflets complexes Ce scintillement peut souvent être éliminé à l' aide de cet outil dans le panneau de commande du télécopieur Mais le problème est qu'il ne supprime généralement pas complètement le scintillement Dans le cas du Canon five D, il fait exactement la même chose que l'appareil photo précédent. Je veux dire, ça compresse les couleurs qui sont apparemment plates. De plus, au bord des montagnes, vous pouvez remarquer le manque de détails capturés par la caméra et par les ***s. À mon avis, pour qu'une vidéo soit vraiment belle avec une caméra 5D, il est nécessaire d'utiliser ***ses très haut de gamme pour compenser le manque de dynamique du capteur Enfin, de la même manière, changer la couleur de certains éléments de l'image ou les améliorer contribuera à améliorer la qualité de l'image. Nous allons maintenant passer à l'exemple suivant, une touche Black Magic à quatre touches dotée de la série L ***ses de Canon Ici, l'apparence commence à paraître plus professionnelle. Je ne veux pas dire que les œuvres précédentes n'ont pas l'air professionnelles, je veux dire que l'image brute semble plus professionnelle. Faites attention aux cheveux de la fille, à son apparence, à la façon dont chaque mèche de cheveux est visible à l'écran. Cependant, même dans ces conditions, je veux dire que le capteur de magie noire est meilleur. Le type de flou en arrière-plan n'est pas le meilleur de tous car il synthétise trop de Dans l'exemple suivant, qui est en fait la même œuvre, nous avons utilisé un écarlate rouge avec un canon de la série L ***ses La différence la plus notable est la plage dynamique. C'est mieux que la magie noire. Faites attention à la couleur rugueuse, à la disposition du cou. C'est une sorte de blanc nacré que l' on ne peut remarquer qu'avec un bon capteur comme celui-ci De toute évidence, il y a également un excellent éclairage dans l'endroit. Mais même dans ces conditions, le rouge contribue à améliorer flou de l'arrière-plan pour lui donner un aspect vraiment professionnel Voici un autre exemple de magie noire, mais avec d'autres ***ses qui se balancent et ***ses que je n'aime pas tant que ça parce qu'ils ne sont pas très brillants Mais même si cela a l'air professionnel à cause de l'éclairage et de la correction des couleurs. Par exemple, la couleur verte que vous voyez dans l'herbe des branches ci-dessous a été modifiée lors la correction des couleurs pour lui donner un aspect plus vert que d'habitude De cette façon, il apparaît que la plage dynamique de l'image est plus élevée. Il en va de même pour ces faibles lumières bleues en arrière-plan. Ils n'étaient pas originaux comme ça, mais ils sont devenus bleus lors de la correction des couleurs. Sans oublier que la couleur du ciel a également été modifiée pour les faire ressembler à ça. Regardez cet autre exemple. Ici, la qualité de l'image devient totalement professionnelle. Mais ce n'est pas à cause de la qualité de l'appareil photo, mais parce que les ***ses utilisés étaient totalement professionnels Carl fait la taille d'un ***ses. Regardez la façon dont l' arrière-plan est flou. Regardez à quelle distance ces chevaux sont même flous. À cette distance, vous pouvez voir que ce sont des chevaux. Et non seulement cela, mais vous pouvez remarquer la force du poil du cheval. De plus, faites attention aux contours de toutes les formes. Ils ne ressemblent pas à ce contour des montagnes. Dans le premier exemple avec le Canon Five D, faites attention à ce cadre. Regardez les gouttes d'eau sur le bras de l'équipement et observez quel point l' arrière-plan flou est beau Dans ce dernier exemple, nous allons utiliser le travail que nous allons utiliser dans les leçons de correction des couleurs. Un autre appareil photo a été utilisé ici, qui possède la meilleure plage dynamique de tous ceux que je vous ai montrés jusqu'à présent. Néanmoins, les ***ses utilisés ici ne sont pas aussi bons que ceux du clip précédent Cependant, nous allons utiliser cette vidéo car c'est la caméra qui possède la meilleure plage dynamique. Il y a un élément important à prendre en compte lorsque vous essayez de découvrir comment quelque chose a été tourné ou quel a été le format utilisé dans un court métrage, un film ou un clip vidéo. Regardez l'exemple suivant, ce clip vidéo de Du Alias. Si vous y prêtez attention, vous pouvez le constater puisque la vidéo est tournée en France. À Paris. En France, il y a une obsession, une sorte d'obsession pour le look indépendant. Je veux dire ce look de film indépendant, la vidéo de Dulipa s'en inspire Ces images de Dualipa partageant une nuit avec une autre fille, une autre chanteuse, comme si elle était son amie Il semble qu'ils soient totalement spontanés. Aléatoire comme s'il s'agissait d'une simple caméra et ils enregistraient des moments aléatoires au cours d'une seule nuit. Mais il s'avère que malgré le fait que le clip vidéo représente presque une sorte de documentaire de cette nuit-là, la caméra qu'ils utilisent n'est pas aussi bon marché que la plupart d'entre vous le pensent. En fait, il suffit de dire qu'ils prennent des photos de nuit et les ***ses sont si bons qu'ils capturent les détails de l' Et je vous dis cela parce qu'il y a cinéastes et des vidéastes naïfs qui pensent qu'ils peuvent prendre n'importe quel appareil photo et enregistrer la même vidéo. Elle aura le même aspect et ne fonctionnera pas comme ça De même, certains éditeurs vidéo pensent qu'il existe un filtre enfichable capable de remplacer un ***s de la taille d'une voiture, par exemple Et je vous dis cela, non pas pour vous décourager, mais parce que l'une des choses les plus importantes en termes de production cinématographique est de noter et reconnaître la nature d'une production cinématographique Cela est nécessaire pour savoir jusqu'où la correction des couleurs peut aller pour obtenir résultat de qualité exigé un client dans une publicité, par exemple. Les films indépendants en Europe sont donc très chers. Pas aussi cher que ceux d'Hollywood, mais évidemment pas. Mais ils sont plus chers que ce que la plupart des gens pensent. Crois-moi ce que je te dis. J'ai étudié le cinéma ici et je vous le dis avec une certaine castration. va de même lorsque, dans une production, nous utilisons un appareil photo bon marché, mais avec un appareil très cher, très haut et ***ses Par exemple, cette vidéo de 30 secondes désespérées a cassé le son de cinq. De nombreuses personnes seront choquées d'apprendre que de nombreuses photos ont été enregistrées avec un appareil photo Canon à cinq reflex. Mais quelle est la raison pour laquelle l'image est si belle ? Parce qu'il est évident qu'ils ont utilisé ***s haut de gamme qui coûté des milliers et des milliers de dollars Quel que soit l'âge de la conserverie, l'image qui passe par les capteurs sera magnifique capteurs Essayez d'être conscient de tout cela. Et surtout, ne vous laissez pas berner par de supposés plugins censés donner à vos vidéos un aspect complètement cinématographique C'est possible ? Eh bien, merci beaucoup et à la prochaine leçon. 26. Flous cinématiques: Bonjour tout le monde. Dans une leçon précédente, je parlais des fonds noirs flous. Puisque cette fonctionnalité est liée à la qualité des ***ses, le scénario idéal serait évidemment de travailler avec les meilleurs Mais si ce n'est pas le cas, nous devons être en mesure d'améliorer cette fonctionnalité sur les vidéos lorsqu'il s'agit améliorer la qualité visuelle du projet. Commençons alors. Parfait. Nous sommes de nouveau ici pour le premier ministre. Qu'allons-nous faire cette fois-ci ? Tout d'abord, je veux que vous voyiez une comparaison entre une prise de vue enregistrée avec un iPhone et une prise de vue avec une caméra de cinéma. Il s'agit évidemment de photos du même objet dans les mêmes conditions. C'est un exercice. L'objectif de cette démonstration et celui de cette leçon sont donc qu' en utilisant l'effet bleu de la première caméra, nous puissions essayer de nous rapprocher l'aspect cinématographique d'une caméra vidéo Je vais donc commencer par vous montrer le cliché enregistré avec l'iPhone. Nous avons ici la photo de ce buste enregistrée avec un iphone 14. Je dirais qu'en utilisant un appareil photo reflex numérique avec des ***ses moyens, je veux dire, des ***ses normaux auraient plus ou moins la même apparence Bien entendu, ce qui est décevant , c'est que nous utilisions scènes ***ses avec un appareil photo reflex numérique, mais ce n'est pas Un reflex numérique moyen ressemble plus ou moins à un iPhone de dernière génération Quoi qu'il en soit, sur cette photo, vous pouvez remarquer des détails pertinents , comme par exemple un léger flou de l'arrière-plan Mais attention maintenant à une image enregistrée avec une caméra vidéo du même objet dans plus ou moins les mêmes conditions. OK ? De toute évidence, cela semble beaucoup mieux, surtout pour la plage dynamique. Je veux dire, la quantité de tons dans le blanc et le gris. Mais regardez la nature du flou en arrière-plan. Au fur et à mesure que je m'approche, l' arrière-plan change de façon plus cinématographique De toute évidence, le flou est plus flou que sur l'image précédente car les ***ses laissent entrer plus de lumière dans le capteur de l'appareil photo Et c'est l'une des raisons pour lesquelles j' ai toujours dit qu' il est très difficile d' essayer d'imiter cette qualité avec un effet plug in car cela ne se ressemblera jamais Néanmoins, nous pouvons nous rapprocher, nous pouvons nous rapprocher de ce look. Nous allons le faire en utilisant le flou, car ce paramètre, cette caractéristique nous renseignent sur la profondeur de champ des ***ses ainsi que sur leur sensibilité à la Nous allons cliquer sur notre clip et rechercher le dossier des défauts. Dans ce dossier, nous allons rechercher le flou et la netteté Ici, nous allons choisir le flou de l'appareil photo. Cet effet me permet d' imiter l'apparence d'un cinéma. Faites attention à ce que non seulement cela brouille l'image, mais qu'il l'étire légèrement jusqu'aux sites Nous devons passer aux paramètres du défaut et nous allons diminuer le zéro, le flou dans le paramètre de pourcentage de flou Nous allons maintenant chercher le milieu du clip. Je veux dire, ni au début ni à la fin, plus ou moins au milieu. Nous devons maintenant créer un masque pour sélectionner la région qui devrait être la plus ciblée. Et quelle serait la région ? Eh bien, toute la zone de la toile en arrière-plan et tout ce qui se trouve à cette distance. Nous avons choisi l'option de créer un masque personnalisable. Et nous créons un masque qui sélectionne tout cela avec beaucoup de soin et de patience. Comme toujours, nous le créons point par point. N'oubliez pas que le masque peut sortir du cadre et que rien ne se passe. Vous pouvez additionner ou décomposer le moniteur du programme comme vous le souhaitez. Parfait. Notre masque est déjà prêt. ne nous reste plus qu'à activer l'automatisation du masque pour que la première image clé soit créée, puis nous complétons le masque. Dans les autres parties du clip, il n'est pas nécessaire de créer de nombreuses images clés. Comme le mouvement vers l'avant du tir n'est pas très fort, le masque ne se déformera pas trop de la forme du buste. suffit donc d' adapter ce qui a changé, notamment dans le buste, dans la bougie de droite. Nous allons donc essayer de créer d'autres images-clés, mais il n'est pas nécessaire d'en créer trop Comme je vous l'ai dit, il suffit d'en faire quelques-unes tout au long du clip. Prêter attention, avant tout, aux principaux objets. Parfait, nous avons déjà fabriqué notre masque tout au long du clip. Il ne reste plus qu'à passer à l'effet de flou. Nous devons déterminer quelle touche convient à chaque partie du clip, car au début du clip, l' arrière-plan doit être moins flou Faites donc attention au fait qu'il suffit d' augmenter le paramètre de flou de trois points pour améliorer le flou et le rendre plus cinématographique . À ce stade du clip, nous pouvons voir à quoi cela ressemble avec et sans effet Ici, à la fin, vous pouvez remarquer la différence. Maintenant, il n'est pas activé. Je vais l'activer à nouveau et voir la différence. Comme le clip continue un peu plus loin, nous devons être conscients qu'à la fin, il doit être plus flou. Je pense qu'il serait bon de soulever trois points de flou supplémentaires atteindre six, il est important de noter que lorsqu'il s'agit d'améliorer les souffleurs, nous devons être très délicats et précis Je veux dire, il ne faut pas exagérer avec le flou parce que ça a l'air irréel Je veux dire, de légers changements sont parfaits. Pensez également à relever légèrement la plume pour adoucir les bords du masque Nous pouvons automatiser le pourcentage de flou. Maintenant, si nous savons déjà quel est le point final du flou maximal, c' est-à-dire au premier, au début, nous devrions être moins flous. Et c'est tout. Nous réduisons un peu le flou, juste ici. Et cela suffit. Nous effectuons maintenant le rendu du clip pour le voir plus couramment. Nous avons ici notre photo avec un arrière-plan flou. Cela semble plus cinématographique car au fur et à mesure que la prise de vue avance, l'arrière-plan devient plus flou Vous pouvez le remarquer à l'époque de cette toile, de cette toile. Ce cliché n' est évidemment qu'un exemple. Si vous travailliez sur un projet similaire avec une personne au milieu. Plus vous vous rapprochez de la personne, plus l' arrière-plan sera flou Évidemment, nous ne pouvons pas le flouter comme dans l'exemple avec une caméra vidéo Car bien qu' il existe différentes ***ses en termes de qualité, elles sont également différentes en termes de millimètres et de profondeur de champ Vous devez donc en tenir compte. Maintenant, faites attention à ce fond flou, nous pouvons le combiner avec un toboggan, souffler sur la partie avant du fauteuil, pour rendre ce souffleur visible Lorsque la caméra s'approche d'une chaise , il suffit d'ajouter un autre effet de flou à ce clip Évidemment, au début, vous devez réduire le pourcentage de flou à zéro Vous êtes censé créer un masque qui n'occupe que la partie avant du fauteuil, mais nous devons trouver le point d'approche maximal de la caméra vers le fauteuil. Nous devons créer le masque juste à ce moment-là. Maintenant, le masque est censé n'affecter que la partie avant du fauteuil, car c' est la partie la plus proche de la caméra. Nous pouvons créer un polygone qui se concentre uniquement sur cette partie de la chaise Il faut donc relever la plume pour adoucir les bords. Et puis on ajoute le Lar. Nous pouvons utiliser l'extension si nous le voulons, en essayant toujours de ne pas trop utiliser le défaut, en essayant de le concrétiser. À partir de maintenant, nous pouvons créer l'image clé. Je veux dire pour activer la ligne d'automatisation dans le blog, nous avons déjà l'image clé. Il suffit de créer la première image clé. Vous devez savoir qu'au début , le Bl ne devrait pas être perceptible. Je dirais qu' avant le début, simplement lorsque le fauteuil s'éloigne de l'appareil photo, vous ne devriez plus être flou. Je vais donc le rendre à nouveau. Vous avez déjà l'image avec plus de flou à la fois en arrière-plan et sur la partie avant du fauteuil Bien que cela ne ressemble pas à un film, il a l'air plus professionnel De plus, si nous travaillions avec deux appareils photo, par exemple, un appareil photo argentique dans un reflex numérique ou un appareil photo argentique dans un iPhone, nous pourrions combiner les deux formats dans le même travail et cela aurait une très belle apparence Mais évidemment, l'idée est également de connaître les différences entre les formats afin de comprendre pourquoi un format est plus beau que l'autre. Surtout quand il s'agit de travailler avec des ***ses légèrement meilleurs que les Et je pense que c'est la chose la plus difficile à prendre en compte. Bien entendu, dans cet exemple, je ne pense pas que la différence soit difficile à noter, c'est évident. Eh bien, vous savez comment brouiller les arrière-plans et passons à la leçon suivante 27. Créer une prise à partir d'une autre prise: Bonjour à tous, et qu' allons-nous faire dans cette leçon ? Dans cette leçon, nous allons apprendre à créer un plan à partir d'un autre plan. Parce qu'au final , il va falloir recadrer une prise de vue pour la corriger Je veux dire, en termes de cinématographie, le sous-produit de ce processus entraîne la création d' Cela vous arrivera lorsque vous n' aurez pas assez de séquences pour le montage. Pour moi, c'est quelque chose de très courant en termes de montage. Nous allons utiliser le piquet de la Camaro. Vous pouvez remarquer qu'il y a une correction de couleur. Une correction de couleur. Faisons un rapide examen. Il existe un niveau d'effet, limiteur, de couleur et de netteté Mais avant d'aborder la création d'un autre cliché, nous allons d'abord parler de quelque chose. Lorsque vous êtes éditeur, vous êtes censé être sensible aux modifications. Et ces changements peuvent concerner l'équilibre des couleurs, etc., par exemple Dans ce cliché, il y a une sorte de faiblesse en termes d'équilibre. Je veux dire, vous pouvez remarquer que lorsque la voiture s'approche de la caméra, il y a plus d'espace dans entre la voiture et le cadre sur le côté droit. Et nous devons essayer de corriger cela au niveau que nous consommons dans l'image, modifiant l'échelle, puis en déplaçant légèrement la prise vers la droite. Quand je parlais de sensibilité, je voulais dire être conscient que la prise doit être corrigée, en d'autres termes, vous êtes censé détecter ce déséquilibre. Vous devez également être conscient que ce déséquilibre peut être lié à un point précis de la prise. Il y a peut-être un mouvement itinérant. Par exemple, il y a ici une inclinaison vers le haut. Mais une fois que le cliché révèle le pare-brise, la prise semble trop se déplacer vers la gauche Pour résoudre ce problème, nous pouvons créer une automatisation K capable de résoudre ce problème. Dans cet exemple, le mouvement de la prise ne semble pas si compliqué car l'appareil photo est sur un trépied Il suffit d'automatiser le mouvement dans le paramètre de position pour résoudre ce problème Quoi qu'il en soit, comme je vous l'ai dit, vous devez avoir de nombreuses références pour savoir si un tir est équilibré ou non. Mais passons à la décoration de l'autre photo. Tout d'abord, il faut sélectionner un moment photographique dans la prise. Par exemple, ce moment peut être celui où la voiture s'arrête. Une fois que nous avons sélectionné ce moment, nous sommes prêts à nous concentrer sur un seul objet de l'image. Je vais expliquer ces changements ici dans l'automatisation. Par exemple, ce phare sur la droite, nous pouvons additionner l'image en déplaçant l'échelle afin de trouver cet équilibre, en tenant compte de ce phare, par exemple. Parce qu'en réalité, les voyageurs sont des constellations. Mais même s'il ne s'agit pas d'un voyage en soi, il y a un mouvement au fil du temps. Et ce mouvement comporte des moments où l'image, l'image, est équilibrée. J'en parle dans une leçon de mon cours de cinéma. C'est ce qu'on appelle le point d'ancrage. Vous pouvez remarquer qu'à partir du moment où la voiture s'arrête, je déplace la prise vers la gauche, droite à gauche pour créer un mouvement artificiel dans la prise. Je n'ai pas encore automatisé le mouvement. J'essaie de découvrir ces moments, ces points d'ancrage que je peux utiliser pour créer un mouvement complet. Revenons au premier point d'ancrage. Je veux dire, au début de la prise de vue. Une fois que nous avons trouvé ce moment, nous pouvons créer une image clé dans le paramètre de position. Nous devons créer un cadre clé pour que la balance puisse. Mais c'est juste là qu' arrive un problème. Et il arrive que lorsque la voiture s'arrête et que la caméra s'arrête, le mouvement créé par le montage soit également plus perceptible. Nous sommes censés placer l'image clé, cette image clé liée à la position juste avant que la caméra ne s'arrête. Je veux dire, de cette façon, vous créerez un effet qui fera bouger la caméra plus longtemps, car la prise sera en mouvement juste avant que la caméra ne s'arrête, trompant ainsi un peu le spectateur Voilà, vous avez une autre version de la prise originale. Cela a l'air génial car il semble que ce mouvement vers la gauche fasse partie de l'ensemble du mouvement de prise. Maintenant, je vais vous montrer comment vous n'êtes pas censé le faire. Prêtez attention à cela. Le mouvement de prise commence. Et juste ici, le mouvement créé dans le logiciel commence. Le public remarquera que le mouvement est étrange. Vous pouvez remarquer juste ici que le mouvement artificiel commence. Vous savez déjà quelle est la différence. Je vais vous montrer à nouveau la bonne vague. Vous pouvez remarquer qu'à ce moment précis, mouvement vers la gauche est plus doux. Et vous êtes censé placer l'image clé associée à la position juste avant que la caméra ne s'arrête. autre côté, je voulais mentionner quelque chose d'important lié à l'échelle. Et c'est le cas lorsque vous voulez créer cette sensation d' intérêt chez le public. Mais le cliché sur lequel vous travaillez est statique. Vous pouvez ajouter une légère somme ou additionner pour créer cet effet Mais en termes cinématographiques, la somme a deux fonctions Tout d'abord, lorsque vous avez une séquence qui comporte plusieurs plans et que la plupart des plans sont décalés. De plus, les tirs passent les uns après les autres très rapidement. Dans ces cas, ils vous recommandent d'ajouter une petite somme aux prises pour qu' correspondent au reste des prises Je veux dire, c'est un élément visuel, le public se sent à l'aise lorsqu'il regarde la séquence. Sur l'écran, vous pouvez voir un exemple. La prise de vue générale est légèrement zoomée. Et l'autre fonction est celle où vous voulez représenter l'intérêt que le personnage éprouve pour un objet ou quelque chose qu'il regarde attentivement. En termes généraux, cet intérêt est représenté en zoomant sur le visage du personnage pour représenter une réflexion profonde En général, il s'agit d'un ensemble, je veux dire avec une poupée par exemple. Mais en plus, vous devez également ajouter un léger zoom sur l'objet ou le paysage mince que le personnage regarde. Ici, à l'écran, vous pouvez voir un exemple. Le personnage regarde cette flèche sur l'arbre, mais il zoome sur la flèche, mais une somme artificielle est créée lors de l'édition Ce zoom indique que le personnage réfléchit profondément à la flèche qu'il regarde Il s'agit d'un autre exemple. Il y a un léger zoom sur le paysage parce que cette scène est un retour en arrière par rapport à la scène précédente, et il se souvenait quand il vu cette famille à la ferme ce jour-là Mais cela fonctionne également pour les scènes de dialogue. Pour terminer la leçon, je vais vous laisser une scène complète où deux personnages dialoguent. Et la somme des œuvres pour entrer dans les pensées, toutes les sommités subtiles de cette scène ont été créées lors du montage. Je vais donc vous laisser cette scène et jusqu'à la prochaine leçon où elle ne me dira pas quand et quand elle aura lieu. C'est, c'est mon look. 28. Stabiliser une photo: Parfait. Nous sommes de nouveau présents lors de la première. Ce que nous allons faire maintenant, stabiliser une image. Dans ce cas, une prise de vue est une séquence, mais je vais vous le raconter à partir de zéro, depuis le début. Une stabilisation n'est pas du tout magique. La stabilisation peut nous aider beaucoup à corriger une image fragile. Mais si la séquence est vraiment précaire, nous ne pourrons pas y remédier Si cela était possible, les camps stables ne continueraient pas d'être utilisés aujourd'hui. C'est aussi simple que ça. Je pense qu'avec cet exemple, vous allez apprendre à le faire et à comprendre l'outil de stabilisation. C'est la prise de vue que nous allons corriger . Elle a été prise avec une caméra fixe, mais en raison de la nature du sol où se trouvaient les systèmes, il était impossible que la prise de vue soit complètement stable. Juste au moment où la caméra s' approche lentement du personnage, elle tremble, gâchant la séquence La déstabilisation pourrait être encore plus importante, mais cet exemple est plutôt bon En fait, l'image tremble pendant toute la séquence. Nous allons réparer tout cela avec l'outil que le premier ministre nous donne. Je vais sélectionner une partie du plan de séquence pour y remédier. Je dirais que cette partie, où la caméra se rapproche du personnage, est la meilleure. Et je vais vous dire pourquoi. Je vais faire glisser la partie vidéo vers la chronologie, comme toujours. Et je vais ouvrir le moniteur des programmes ici. Nous avons déjà le point de vue sur la chronologie, le cliché. Le problème, c'est qu'en tant qu'éditeurs, nous devons parfois recadrer le cadre pour nous rapprocher du personnage. Nous allons devoir le faire soit par décision du réalisateur, soit par nous-mêmes, car nous pensons que la cinématographie est plus belle comme ça Mais faites attention maintenant à quel point la déstabilisation de la séquence est beaucoup plus perceptible Puisque beaucoup d'entre vous sont vidéastes ou cinéastes, je vais vous dire C'est la raison pour laquelle il n'est pas recommandé d'utiliser un ***s de plus de 50 millions de mètres sur une caméra esthétique Comme cela affecte l'image et que l' appareil photo reste encore loin de ce que nous capturons, chaque millimètre de mouvement sera beaucoup plus perceptible Mais de toute façon, il faut aller dans le dossier vidéo Fx, puis ouvrir le dossier stocké. Nous allons donc trouver le stabilisateur de rap, nous allons donc faire glisser cet effet vers notre clip, et c'est tout Alors maintenant, le logiciel commencera automatiquement à analyser la prise de vue image par image pour essayer de la réparer. Ici, nous pouvons voir dans le panneau de contrôle des défauts comment le processus d'analyse est affiché en fonction du ***gth de la prise de vue Cette analyse prendra plus ou moins de temps, mais le logiciel la fera automatiquement en arrière-plan. Une fois cela fait, le défaut stabilisera automatiquement le tir. Mais maintenant, nous devons porter une attention particulière à certains paramètres fondamentaux afin ne pas manquer de stabiliser les prises Tout d'abord, c'est la fluidité de la stabilisation. Nous pourrons le modifier avec ce pourcentage. Il peut être supérieur ou inférieur. Il est important de mentionner que le défaut n' analysera pas à nouveau l'image à moins que nous n'étirions ou ne comprimions le clip sur lequel nous travaillons. Mais juste en dessous, nous allons avoir le paramètre de méthode qui est de loin le plus important de tous dans cet effet. Nous allons trouver ici quatre méthodes : position, position, échelle et rotation, perspective et déformation. Il y a une chose que vous devez savoir dès le début. Je ne sais pas pourquoi ils existent pour la dernière fois. Perspective et déformation. À mon avis, ils ne devraient pas exister. Ils sont totalement inutiles lorsqu'il s'agit stabiliser un plan professionnel pour un film, une publicité ou un court métrage, car personne n'aimerait un plan fonctionne comme une gelée pour stabiliser ce plan Donc, si c'est un vrai Instagram ou Tiktok, c'est bon. Tu pourrais l'utiliser, mais je ne l'utiliserais pas de toute façon. De nos jours, même les téléphones intelligents stabilisent suffisamment l'image pour que vous n'ayez pas à utiliser ces deux options. Bien évidemment, ces deux dernières options sont souvent utilisées lorsque l' image est trop secouée. Mais si tel était le cas, le logiciel laisserait le personnage stabilisé, mais tout l'arrière-plan que nous voyons de cette forêt serait déformé comme une gelée, ce qui est vraiment terrible échelle de position et la rotation sont les meilleures options pour stabiliser cette option au lieu de déformer l'image, cela modifiera la rotation Ça va entrer et sortir, ça va changer de position, tout ça automatiquement jusqu'à ce que le tir soit stabilisé au mieux. Pour moi, c'est la meilleure option pour stabiliser sans altérer la nature du tir. Faites attention à ce à quoi cela ressemble. Le plus intéressant, c'est que je peux même résumer l'image beaucoup plus comme s'il s'agissait d'une prise de vue médiane et elle sera parfaite. Faisons une comparaison. Je vais le désactiver en effet pour revoir le cliché original Nous pouvons remarquer qu'il y avait suffisamment de vibrations pour gâcher la scène Je vais réactiver le défaut et nous allons vérifier à nouveau la prise. Faites attention ci-dessous Dans les paramètres du défaut, nous aurons la possibilité de faire une analyse détaillée. En d'autres termes, demandez au programme de faire tout son possible pour stabiliser la prise de vue, gâchant le moins possible l'image Dans ce cas, il n'est pas nécessaire de le faire, mais nous pouvons le faire. La seule chose qui se produira, c'est que cela consommera davantage de ressources informatiques. De plus, à son tour, cela recadrera probablement davantage l'image. Si nous cochons cette petite case, l' analyse recommencera, ce qui prendra un peu plus de temps. Juste en dessous, vous trouverez ce paramètre qui permet de faire des points entre deux options À droite, l' image sera plus stabilisée et à gauche moins stabilisée, mais le cadre sera moins recadré. Nous pouvons jouer avec ce paramètre comme bon nous semble. autre côté, je pense que cette question de stabilisation, en utilisant Premiere, n'est qu'un dernier recours. Pour résoudre ce problème, je veux dire qu'en tant que vidéastes ou cinéastes, nous devons faire tout notre possible pour ne pas avoir à stabiliser l'image Et cela commence par le choix des ***s les plus appropriés à enregistrer. Avec l'appareil photo en main et avec un steadicam, en général, ces ***s ne peuvent pas dépasser 35 millimètres si nous prenons des photos avec un appareil photo en main, encore moins, car en fait, même dans des conditions parfaites, nous devrons stabiliser Je veux dire, parfois nous utilisons une poupée, par exemple. Pour une raison quelconque, à un moment donné, l'image tremble à cause d'une petite erreur de l'opérateur, etc. Dans ces cas, ce stabilisateur est utilisé. Faites attention au temps qu'il a fallu pour effectuer davantage l'analyse détaillée. Mais le résultat sera le même car en réalité, la première analyse a largement suffi à réparer l'image. Je vais améliorer la rigueur du moniteur pour mieux voir la photo et augmenter résolution du moniteur. En résumé, vous pouvez utiliser le stabilisateur, mais souvenez-vous que si l' image ne peut pas être fixée avec les paramètres position, échelle et rotation, l'image ne peut pas être stabilisée par Tenez compte de tout cela et jusqu'à la prochaine leçon. 29. Effets VIsuels de présentation: Bonjour, tout le monde. Dans ce modèle, je vais vous montrer la technique que j'ai utilisée pour ajouter des effets visuels à mes dernières œuvres, à mes histoires. Effets tels que des étincelles, le feu, etc. Je l'ai essentiellement fait en utilisant des vidéos enregistrées sur écran vert. Cela consiste à enregistrer des vidéos dans un studio ou à l'extérieur présentant des éléments tels que du feu, des étincelles, du faux sang, etc., mais en utilisant un fond vert qui est ensuite supprimé à l'aide de l'outil clé Ado Fema Dans ce contexte, certains packs sont vendus sur Internet. Vidéos déjà enregistrées qui incluent ces éléments. Le pack Action Essential en est un bon exemple. Quel est l'avantage de ces packs ? Qu'ils facilitent notre travail lorsqu'il s'agit de créer un court métrage ou une vidéo pour vous. L'inconvénient, c'est que lorsqu'il s'agit produire un film dont l'objectif est d'être le meilleur film, ces packs ne seront pas assez bons pour vous faire gagner un prix pour les effets spéciaux, par exemple Non pas parce qu'ils ne sont pas assez beaux, mais parce qu'ils reconnaîtront que vous utilisez ces effets. Je vais utiliser deux vidéos très simples pour expliquer le fonctionnement de l'Action Essentials. Vous pourrez les utiliser à l'avenir dans les vidéos de votre choix. Les étincelles que nous avons utilisées dans la leçon sur l'ajout de lettres en sont un exemple nous avons utilisées dans la leçon sur l'ajout de lettres en sont un L'autre exemple plus professionnel serait la façon dont je l' utilise dans mon dernier court métrage, Pay attention. Ce n'est pas très complexe, mais vous devez faire très attention. D'autre part, je vais vous laisser quelques vidéos d'étincelles et d' incendies précédemment enregistrées avec écran vert Pour que vous puissiez les charger et les utiliser comme vous le souhaitez. Commençons alors. 30. Ajouter du feu à une prise de vue Automatisation: Parfait. Ce que nous allons faire maintenant dans Adobe Premiere, c'est apprendre à utiliser l'élément feu en utilisant Action Essentials. C'est un outil très utile pour réaliser des vidéos vraiment divertissantes. Mais en fait, c'est la même technique que j'ai utilisée pour créer des effets visuels pour mes courts métrages. Afin de vous apprendre à utiliser l'essentiel de l'action contre le feu. Nous allons commencer par cette vidéo. Dans cette vidéo, je suis censé mettre le feu à ma main. Nous allons donc ajouter l'action essentielle pour donner l'impression que j'ai réellement mis le feu à la main. La première chose que nous allons faire est donc de rechercher l' action anti-incendie la plus appropriée. Vidéo essentielle. Je veux dire, pour cette main, évidemment, l'un des facteurs qui influent sur le résultat est que la taille du feu ressemble à celle de la main. Ici, vous pouvez voir qu' il existe de nombreux types de feu et que vous pourrez utiliser ce que vous voulez pour les éditer selon le même principe que je vais vous enseigner en ce moment. Faites donc attention à ce qu' il y ait des incendies de différentes tailles et même avec des vents différents, ces incendies ont été enregistrés dans un type de studio avec un écran vert en arrière-plan. Je vais choisir celui-ci qui ressemble à une torche, et je dirais qu'il a une taille similaire à celle de la main, mais il n'y a pas beaucoup de types de feux de toute façon. Cela dépend également de votre propre créativité pour choisir le plus approprié. Je veux dire, il n'est pas nécessaire que ce soit exactement celui que je choisis, celui qui sera le plus beau. Cependant, je vais choisir celle-ci en particulier et je vais ajouter cette vidéo au-dessus du clip vidéo sur lequel nous travaillons. Attention, c'est une vidéo perforée. C'est comme s'il s'agissait d'un fichier PNG. Seul le feu est visible car le processus de suppression de l' arrière-plan a déjà été effectué. Je veux dire, cela a été enregistré sur un écran vert et l' arrière-plan a été supprimé. La première chose que nous sommes censés faire est donc de placer la vidéo du feu juste au moment où la bougie entre en contact avec la main. Et ce serait là la première étape . Il me semble que c'est bon. Donc, une fois cela fait, nous devons déplacer le feu jusqu'au point exact où se trouve la main. Pour cela, il faut cliquer sur le clip anti-feu, accéder au panneau de commande des faits et utiliser le paramètre de position pour le déplacer vers la main. Nous essayons simplement de mettre le feu sur la main au début, mais évidemment, une fois que nous avons trouvé le bon endroit, nous devons ajuster la taille du feu pour qu'elle corresponde vraiment à la taille de la main. Ensuite, nous devons utiliser l' échelle pour ajuster la taille. Et ici, nous pouvons continuer à ajuster le moment exact où la bougie entre en contact avec la main, afin que cela paraisse plus convaincant. Mais évidemment, cela ne suffit pas car la main aura un mouvement, une sorte de mouvement. Nous devons donc automatiser le mouvement du feu pour qu' il corresponde au mouvement de la main tout au long du clip vidéo. C'est intéressant car il est beaucoup plus facile d'allumer un feu dans une maison ou n'importe où. Il est plus compliqué de le placer dans un endroit qui bouge ou dans un objet en mouvement. C'est pourquoi je vous ai montré ce chemin. Nous sommes censés revenir au panneau de contrôle des défauts. On passe au paramètre de position, puis on passe au début du clip, et on active l'automatisation en cliquant sur la petite horloge. Comme vous le savez, la première image clé apparaîtra. Ce cadre clé appartient à la première position. Mais comme vous pouvez le constater, il y a un moment où la main commence à bouger. Je vais résumer un peu le moniteur du programme. Parfait. Nous allons maintenant chercher le moment exact avant que la main ne commence à bouger. Je dirais que c'est ici. Je crée un nouveau cadre clé. Lorsque la main se déplace vers la droite, je déplace la valeur horizontale du paramètre de position pour qu'elle suive la main. Bien évidemment, je le ferai un peu plus tard pour créer une nouvelle image clé. Bien sûr, faites attention au fait que j'ai également déplacé la position verticale. Faites attention au fait que dans l'espace entre les deux images clés, il y a un point où le feu ne correspond pas. Ensuite, nous devons également ajuster ce moment. Dans un autre cadre clé, il sera créé avec beaucoup de patience. Nous allons continuer à créer des images clés tout au long du clip. Les tapis ignifuges suivent tous les mouvements de la main, et tous ces mouvements doivent être automatisés. À ce stade, nous nous rendons compte que le clip est plus long que le feu. Nous devons dupliquer la pince anti-feu pour que le feu suive la main jusqu'au bout. Nous sélectionnons le clip et nous appuyons sur notre clavier, C commun ou sur le contrôle C. Ici, nous avons à nouveau le clip anti-feu, mais nous devons supprimer toute l' automatisation du nouveau, car nous devons créer une nouvelle automatisation. Mais nous sommes censés ne laisser que la dernière image-clé correspondant à la dernière position que le feu avait dans le clip précédent Nous allons déplacer cette image clé au début de ce nouveau clip. À partir de là, nous allons continuer à faire en sorte le feu corresponde au mouvement de la main d'une image clé à l'autre, petit à petit, de manière parfaite. Bien que le feu suive les mouvements de la main, il reste encore des choses à réparer. Nous devons fixer la perspective du feu, car lorsque je rapproche la main de mon corps, le feu doit s'éloigner un peu. plusieurs moments, le feu s'approche du corps. Sa taille doit changer à ces moments-là. Parce que même si le feu se rapproche un peu plus de mon corps, ces petits détails de perspective qui changent ce sont ces petits détails de perspective qui changent de perspective rendent l' effet visuel convaincant, ou du moins beau. Par conséquent, nous sommes censés revenir au panneau de commande des effets et passer au paramètre d' échelle. Dans ce paramètre, nous sommes censés activer la ligne d'automatisation. Mais nous devons faire très attention au fait que dans moments où nous changeons d'échelle, la position bougera également un peu. Nous devons continuer à corriger petit tous ces détails Par exemple, ici, nous pouvons activer la ligne d'automatisation en ajoutant une image clé, et nous pouvons ajouter une autre image clé juste avant que la main ne commence à s' approcher de mon corps. Nous pouvons créer un autre cadre clé lorsque la main a fini de s'approcher du corps. Ensuite, nous pouvons déplacer l' échelle dans les valeurs du paramètre d'échelle ou directement dans le moniteur du programme. Comme nous l'avons déjà appris, je vais masquer les guides bleus simplement lorsque nous désélectionnons le paramètre, les lignes de guidage disparaissent Regardez à quel point le feu est beau aujourd'hui en termes de perspective et de mouvement. Mais depuis que j'ai déplacé les côtés du feu, la position est toujours un peu déréglée. Nous devons donc corriger ces moments. attention qu'ici, le feu s' éloigne à nouveau de mon corps. Il est donc nécessaire d'augmenter encore un peu sa taille car elle est plus proche de l'appareil photo. Une fois que nous avons ajusté l' échelle et la position, nous pouvons voir ce que nous avons jusqu'à présent. Pour que cela paraisse réel , il faut aller de l'avant et de l'avant. Corriger ces petits détails avec beaucoup de patience. Cela nécessite de le voir plusieurs fois, plusieurs fois, jusqu'à ce que nous nous rendions compte que le mouvement semble réel. Je veux dire, si vous faites attention, il y a encore des détails à corriger pour que tout soit parfait. Par exemple, lorsque la main se lève, il y a des moments où le feu sort de la main. Mais je pense que le plus gros problème est la transition entre les deux clips anti-feu qui ne devrait pas être perceptible, ou du moins nous devrions essayer de nous cacher le plus possible. Nous pouvons corriger cette transition en effectuant une transition automatique entre les deux clips. En utilisant le paramètre d'opacité, nous superposons les clips anti-feu pour effectuer cette transition, comme nous l'avons appris dans une leçon précédente Ensuite, nous devons ajuster le mouvement du feu dans le reste du clip que nous avons déplacé, afin de pouvoir supprimer toutes les automatisations présentes dans le clip que nous avons déplacé, et recommencer après avoir superposé l'éclipse Parfait. Maintenant, tous nos feux sont configurés en termes de position et d'échelle. Nous allons passer à la leçon suivante, où nous allons faire en sorte que la couleur du feu ressemble à celle d'un vrai feu dans la leçon suivante. 31. Ajouter du feu à une photo Étapes finales et exemples professionnels: Parfait. Nous sommes de nouveau ici. Maintenant, le but est de faire en sorte que le feu dans ma main ressemble Cela a à voir avec la correction des couleurs. Je veux dire, en utilisant le feu d'une bougie comme référence, c'est clairement ce qu'il y a de mieux. Donc, la première chose que nous allons faire est d'emboîter les pinces anti-feu. Pour les réunir en un seul type de clip, nous devons tous les sélectionner. Nous cliquons sur le bouton droit de la souris, puis nous cliquons sur Nest. Nous avons dû taper un nom ici. Nous appuyons sur OK. Et ce type de clip sera automatiquement créé, qui contiendra les deux pinces anti-feu à l'intérieur. Maintenant, ce nouveau clip imbriqué sera cliquable et nous pourrons ajouter des effets comme n'importe quel autre clip vidéo Mais vous devez faire attention, car si vous cliquez sur le clip imbriqué, vous serez redirigé vers l'endroit où se trouveront les deux clips que nous avons imbriqués précédemment Ici, nous pouvons les vérifier, ils sont isolés, mais nous allons travailler sur le clip imbriqué Nous faisons un simple clic sur ce clip et nous allons ajouter une couleur lumetri à ce Cela va être très simple. Nous allons simplement passer à la correction de base. Si vous remarquez le feu de la bougie, vous pouvez vous rendre compte que la couleur est plus saturée. Je veux dire, il y a moins de couleur. Ensuite, il faut modifier la saturation du feu qui se trouve dans la main pour qu'elle corresponde au feu de la bougie. Nous pouvons également déplacer les autres paramètres liés à lumière et à la quantité de blanc pour nous rapprocher davantage. Il n'existe aucun critère pour déplacer chacun de ces paramètres. Je veux dire, ce qui fonctionne pour une image peut ne pas fonctionner pour une autre. Si quelqu'un vous dit que le paramètre blanc doit toujours être dans un seul sens, il se trompe, ce n' est pas possible. Nous devons développer notre sensibilité pour remarquer ce qui est nécessaire ou non. Vous pouvez déjà voir à quel point la couleur du feu est bien meilleure. Elle ressemble à celle de la bougie. Je vais ajouter un peu plus de saturation. Je pense que c'est mieux ainsi. Essayez toujours de prendre le temps de choisir la bonne couleur. Mais d'un autre côté, il existe un autre élément crucial pour que cet incendie ait une apparence réelle. Et c'est que nous devons faire ce feu interagisse d'une manière ou d'une autre avec l'environnement. Par exemple, lorsque je place le feu près de mon visage, le feu est censé illuminer mon visage. D'une manière ou d'une autre, ce type de détail passe au niveau suivant. Je veux dire, c'est la somme des facteurs visuels qui donne lieu à un bon effet visuel. La lumière du feu doit interagir avec le visage. Nous devons passer au clip vidéo ci-dessous et créer un masque qui illumine le visage Au moment précis où le feu s'approche de mon corps, il faut ajouter une couleur lumetri et créer un masque personnalisable Le masque est censé éclairer une partie du rythme et du torse Dans ce cas, il ne serait pas très difficile de l'automatiser car le visage ne bouge pratiquement pas ou très peu. Il suffit de vérifier si le visage bouge lorsque le feu est proche et d' ajuster la position du masque. Ici, vous pouvez voir le masque et vous pouvez remarquer qu' à ce moment, le visage s' éloigne du masque. Dans les cadres précédents, nous devons également vérifier que le masque est dans la bonne position. De plus, nous devons faire en sorte que le masque ne soit visible que lorsque le feu s'approche du visage. Ce que nous devons faire, c'est utiliser le paramètre de capacité. Pour y parvenir, nous devons automatiser la capacité de telle sorte que lorsque le feu approche des visages à 100 % juste au moment où le feu s'éloigne, elle soit à 0 %. À ce stade, nous avons la capacité à 100 %. Mais juste à ce moment-là, nous allons régler la capacité à 0 %. Mais il est nécessaire de le faire, non seulement avant, mais aussi après. Je vais régler à nouveau le paramètre d'opacité au niveau minimum Mais évidemment, comme ce que nous faisons est une lumière, nous devons modifier un peu le paramètre du père pour adoucir les bords du masque. À partir de là, nous pouvons modifier la température de couleur. Nous pourrions commencer par un autre paramètre, mais nous allons commencer par celui-ci, afin que vous puissiez constater la différence. Maintenant, la couleur du visage semble plus chaude. Nous pouvons regarder la vidéo complète, et vous pouvez voir que lorsque le feu se rapproche du visage, la couleur du visage change. J'ai aussi un peu augmenté mon exposition. Ici, la lumière est beaucoup plus visible, non ? Ça a l'air bien. Je vais exagérer un peu plus tous les paramètres, au cas où vous ne le remarqueriez pas Eh bien, je vais augmenter la température et aussi l'exposition. Et vérifions-le encore une fois, je pense que c'est un peu exagéré. Mais je le fais comme ça, vous pouvez remarquer la différence. Il s'agit d'un principe que vous devez utiliser lorsque créez des effets visuels avec Action Essentials. Le premier facteur est que l'action essentielle suit le mouvement que nous voulons. Deuxièmement, qu'il ait la bonne couleur. Et troisièmement, le défaut, dans ce cas, c'est le feu, interagit d'une manière ou d'une autre avec l'environnement Tout comme nous l'avons fait ici. Que le feu illumine mon visage à l'approche. Mais comme je vous le dis toujours, essayez d'expérimenter car dans cette expérimentation, nous pouvons améliorer tous ces effets visuels. En fait, vous pouvez combiner différents types de feu pour obtenir des réactions plus aléatoires ayant le même effet. Eh bien, puisque vous savez comment ajouter le feu en utilisant l'action essentielle, nous pouvons passer à cet autre exemple, plus professionnel. Et nous allons faire une dissection de ce que nous avons fait ici. Tout d'abord, vous remarquerez peut-être que la photo en elle-même présente un arrière-plan flou en raison de la nature des ***s. Nous étions donc censés égaler cet aspect en ajoutant un flou Le Sobre est en espagnol parce que c'est le projet original. Mais de toute façon, c'est le flou. Et vous pouvez remarquer que je désactive le flou. Et vous pouvez remarquer à quel point c'est différent. Mais ce flou est intéressant parce que le flou diffuse l'image, ce flou nous fait prendre le feu pour de vrai, parce que nous ne sommes pas capables de regarder le Cette stratégie est donc vraiment payante en termes de réalisation de films. Si vous êtes censé ajouter des effets visuels à vos prises de vue, tout ce qui empêche le public de détecter que ces effets sont artificiels ou non réels sera votre meilleur allié. Nous modifions également le paramètre de saturation et la couleur du lumetri pour que le feu corresponde à l'éclairage de la scène Parce que vous pouvez remarquer que la scène se passe presque dans la nuit et que les couleurs sont censées être saturées. C'est aussi la nature du look des courts métrages, mais vous pouvez également tenir compte du fait que pour qu' un effet passe pour de vrai, vous êtes censé ajouter des masques aux zones voisines. Je veux dire que ce sol, cette herbe sont censés être illuminés par le feu. Ce masque fonctionne pour cela. Vous pouvez remarquer que je désactive l'effet et vous pouvez remarquer la différence. C'est une caractéristique essentielle en termes d'éclairage. Rappelez-vous que nous l'avons fait dans l'exemple de la main avec le feu. Nous avons illuminé le visage lorsque le feu s'en est approché. Évidemment, cet effet, ce masque, se trouve sur le clip de la prise de vue. s'agit de la profondeur de l'étalonnage des couleurs et elle n'est pas liée à la puissance de votre ordinateur, mais plutôt à la sensibilité à ces modifications de la nature de l'éclairage, de la nature de l'image , D'autre part, vous devez également tenir compte du fait que lorsqu'il s'agit de créer des effets visuels, il est crucial de désactiver le feu pour vérifier l'étalonnage désactiver le feu pour des couleurs Je vais désactiver la couleur lumetri. Il existe plusieurs couches. Ils sont de couleur espagnole. Le lumetri, c'est la couleur du lumetri. Sur cette photo, nous avons appliqué tout ce que je vous ai appris jusqu'à présent dans chaque couche, c'est-à-dire un détail très subtil. Je recherche La couche la plus importante, selon moi , est la suivante. Fais attention à quel point ça a l'air différent. Il s'agit de l' aspect brut de l'image, l'éclairage original de la prise de vue. Mais en raison de la plage dynamique élevée de la caméra, nous avons pu modifier les couleurs de cette manière. Nous avons donc modifié l'exposition, nous avons lu l'exposition, c'est l'exposition en espagnol Et rien qu'en déplaçant ce paramètre, l'image semble tellement intéressante. Mais de toute évidence, l'éclairage du personnage diminue à. Dans cette autre couche, nous avons ajouté un autre masque qui compensait cette absence de lumière Je veux dire, nous avons suivi le même processus que lors de la leçon précédente dans la cabine du navire. Et vous devez faire très attention à ce que nous ayons non seulement modifié l'éclairage du personnage, mais également la température. Parce que comme la lumière était différente et qu'elle représentait une nuit froide, la température était censée correspondre à cela. Nous avons légèrement déplacé la température vers les tons froids. Vous remarquerez ici que j'exagère la température, mais c'est à vous de constater la différence Tout ça, c'était pour le personnage. De plus, nous avons également modifié la couleur du gazon. Je veux dire, afin de faire ressortir plus de couleurs de la photo, augmentant ainsi sa plage dynamique. Vous pouvez remarquer la différence lorsque je désactive le lumetri Je pense que ce n'est pas si subtil, mais cela augmente la couleur de l'ensemble de l'image. Je pense que ce détail rend l'image magnifique. Cela a été créé en utilisant l'effet secondaire HSL. Vous pouvez remarquer la sélection lorsque je coche la case, seule l'herbe est sélectionnée. Et comme le gazon est uniquement sélectionné, nous avons pu modifier la couleur du gazon en détail. Nous avons augmenté la température. En fait, je déplace la température vers des tons froids. Vous pouvez remarquer cet ensemble de détails qui permet de préparer la prise de vue aux effets visuels. La dernière couche de couleur lumetri était destinée à diminuer considérablement la lumière Vous pouvez remarquer que ça a l'air incroyable. Il a modifié tous ces paramètres que vous connaissez déjà pour atteindre ce type d'éclairage. Je vais réactiver la lumière produite par le feu. Vous pouvez les remarquer là-bas en arrière-plan. Je vais réactiver les feux. Je dirais que le plus important lorsqu'il s'agit de créer des effets visuels est l'éclairage. Parce que l'éclairage vous aide à tromper le public à tout moment, même si vous n'avez pas de nombreux effets visuels, même dans le cas où vous utilisez animations et des objets issus de traités, par exemple, l'éclairage est fondamental car vous êtes censé créer ces éléments b***d avec l'arrière-plan ou b***d avec le plan Le public est censé considérer ces éléments comme une partie supplémentaire de l' environnement et de la scène. Cette leçon dépend de là. J'espère que cela vous plaira et jusqu'à la prochaine leçon. 32. Ajouter des étincelles à une prise: Parfait Nous sommes de nouveau ici. Cette fois, nous allons utiliser une étincelle essentielle à cet objet, qui est en fait une épée. Ce que je veux faire, c'est créer l'effet d'une étincelle le long du ***gth de l'épée tout en aiguisant l'épée avec l'objet Nous allons à nouveau utiliser les étincelles. La dernière fois, nous l'avons utilisé avec les lettres, mais cette fois nous le ferons avec l'épée. Je vais chercher la vidéo de Spark. Je ne vais pas trop me concentrer là-dessus. Je vais juste en choisir un que j'avais déjà en tête, et je vais l'ajouter à la chronologie. C'est essentiellement la même étincelle que nous avons utilisée la dernière fois. Mais cette fois, nous devons examiner attentivement la nature de l'étincelle. Mais surtout, il faut voir dans la vidéo l'endroit d'où viennent les étincelles, dans la direction dans laquelle elles sortent Parce que nous avons dû faire en sorte que l' étincelle provienne du contact et que les étincelles partent vers le bas ou vers l'avant Mais j'insiste sur le fait que vous pouvez expérimenter. Il n'est pas nécessaire que ce soit exactement comme je te l'ai dit. Cela n'a peut-être aucun sens que les étincelles apparaissent comme ça, mais je pense que de cette façon, elles pourraient être belles pour l'exercice que nous faisons La première chose à faire est de placer l'étincelle au bon endroit sur la ligne de temps. Dans ce cas, l'étincelle devrait commencer juste moment où je commence à frotter l' objet contre l'épée. Ensuite, dans le panneau de commande des effets, nous devons modifier l'échelle de l'étincelle ainsi sa position pour qu'elle se trouve juste dans la zone de contact. Mais en plus, nous devons modifier la rotation car, comme nous le savons, l'étincelle part à l'origine vers la droite. Nous devons changer cela. Mais nous avons deux moyens de le faire. Nous avons la possibilité de modifier la rotation dans le panneau de commande des effets ou d' ajouter un effet de retournement horizontal. Cette fois, je vais utiliser l'effet. Nous allons dans le dossier Videox, puis dans le dossier de transformation, puis nous choisissons Flip Horizontal Nous ajoutons cet effet au clip à étincelles. Maintenant, l'étincelle sortira sur le côté gauche, mais comme la direction n'est pas complètement parfaite, nous allons modifier légèrement la rotation pour que l'étincelle aille exactement où nous le voulons. L'idée est que vous pouvez utiliser les deux outils, le retournement horizontal et la rotation Pour y parvenir, il suffit d'aller le panneau de commande des défauts et de modifier un peu la rotation. Que l'étincelle n'est pas complètement horizontale vers la gauche mais légèrement inclinée vers le bas Nous pouvons corriger à nouveau la position du point de départ. La prochaine étape consiste à déterminer jusqu'où l'étincelle sera visible dans le clip. Je veux couper la pince à étincelles lorsque l'objet aura fini de toucher l'épée. Je pense que c'est juste pour le moment. Puis, juste après, il disparaît. Mais tu sais que l' étincelle doit se déplacer vers le bout de l'épée. Petit à petit. Nous allons chercher un point sur le chemin où nous pouvons créer un autre cadre clé de cette automatisation. Nous continuons encore et encore. Et je pense qu' ici, c'est bon. Nous déplaçons le masque vers le bout, en le plaçant juste ici au début. Ce ne sera pas parfait. Nous devons continuer à le corriger. Ici, vous pouvez déjà voir l'étincelle bouger, mais elle se déplace plus vite que la main. Nous devons ajuster cela en créant d'autres images-clés entre les deux. N'oubliez pas que vous pouvez créer autant d'images-clés que nécessaire. Je pense donc que c'est prêt. Supprimons les guides bleus. Il arrive qu' raison de la position de l'épée, l'étincelle doive également être affectée par la perspective. Nous devons également corriger cela. Lorsque l'étincelle démarre près de la poignée, elle doit paraître légèrement plus petite dans ce cas Afin de ne pas exagérer la taille de l'étincelle, la meilleure option est de conserver la taille de l' À la fin du clip, nous réduisons simplement la taille de l'étincelle au début du clip. Près de la poignée, je vais réduire la taille de l'étincelle au début d' au moins trois points ou selon ce qui sera nécessaire fur et à mesure que nous modifierons l'échelle. Je pense que la position de l'étincelle était légèrement désalignée pendant le trajet, nous devons donc la corriger donc fallu être très patient et Il a donc fallu être très patient et tout corriger jusqu'à ce que tout soit parfait, mais il manque encore quelque chose d'autre. Et ce serait la correction des couleurs. Il faut donc ajouter la couleur lumetri au clip. Et ici, nous avons modifié la saturation des couleurs pour donner à une étincelle un aspect plus réel. Vous pouvez donc parfaitement combiner cet effet avec un effet sonore source faisant partie de ce processus. Le son donne également à l' image un aspect plus réel. Vous savez maintenant comment ajouter l'effet d' étincelle à une épée, et vous pouvez l' essayer dans d'autres contextes. Les armes ou les lettres que nous avons écrites dans les leçons précédentes. Merci beaucoup, et à la prochaine leçon. 33. Lettres cursives en mouvement: Pour cette leçon, j'ai utilisé une tablette de dessin numérique. Vous pourriez en obtenir un si vous voulez réaliser ce que j'ai fait dans cette leçon. Les tablettes à dessin numérique ne sont pas si chères. Mais le résultat de ce que je vais vous apprendre dans cette leçon en vaut vraiment la peine. Une fois que votre tablette à dessin est déjà connectée à l'ordinateur, il vous suffit d'enregistrer l'écran de l'ordinateur pendant que vous écrivez ce que vous voulez. Je veux dire, en particulier la phrase, la signature ou le titre que vous souhaitez voir apparaître dans votre vidéo. Ici, lors de la première, dans la vidéo où j'ai enregistré l'écran tout en écrivant sur la tablette, la seule chose qui peut être un peu difficile, c'est la calligraphie, l'écriture manuscrite Mais en fait, tu n'as pas besoin d'être celui qui écrit. Vous pouvez demander à quelqu'un qui a une bonne écriture de vous aider à écrire pour vous ce que vous voulez, ce dont vous avez besoin, ou simplement vous pouvez apposer votre signature Par exemple, toutes ces tablettes de dessin sont fournies avec un logiciel par défaut que vous pouvez utiliser. Mais il existe des graphistes qui utilisent des tablettes à dessin directement dans le magasin de photos. Je veux dire, ce n'est pas un problème car ces tablettes sont toutes bleues et jouent. J'ai donc enregistré l'écran et j'ai passé du temps à écrire. J'avoue que cela m'a coûté un peu parce qu'à chaque fois je me suis fait courir Mais depuis que l'écran était en cours d'enregistrement, j'ai enregistré toutes les tentatives. Mais parmi toutes ces tentatives, il évident que certaines d'entre elles se démarquent et fonctionnent J'étais dans un atelier d'écriture. très important de se est très important de se rappeler que dans les logiciels d' écriture, vous devez choisir des couleurs sombres pour le fond et blanc pour les lettres ou tout ce que vous écrivez ou dessinez. Essayez de faire en sorte que l'arrière-plan soit toujours noir, bleu ou vert. Mais le simple fait d'être noir ou foncé suffit. Notre partie vidéo est déjà inscrite à la chronologie. La partie où nous écrivons de notre mieux dans le temps. Ce que nous devons faire , c'est que le clip vidéo ne montre que ce que nous avons écrit. Nous devons commencer par recadrer les années 80 de tout cela, dans la partie supérieure des types de logiciels et également en dessous de l'endroit où se trouve la barre d'outils Il existe deux manières de le faire Le premier est le paramètre d' incapacité, nous fabriquons simplement un masque et voilà, nous avons recadré toute la section ci-dessus et ci-dessous Je pense que c'est la méthode la plus appropriée car vous pouvez recadrer comme vous le souhaitez. C'est de plus en plus simple. Tout dépend également de ce que vous avez écrit ou du fait qu'il s'agit d' un dessin ou d'une forme relativement irrégulière dans laquelle vous devez isoler cette forme irrégulière. Mais il existe également un autre moyen de le faire. Vous deviez accéder au dossier des défauts puis à l'effet vidéo, puis à la transformation. Et là, vous allez sélectionner le recadrage. Vous devez ajouter un défaut au clip. Je vais désactiver ce que nous avons fait pour l'opacité dans l'effet de recadrage Nous allons modifier, dans ce cas, les paramètres du haut et du bas. Je veux dire pouvoir découper toutes les sections dont je n'ai pas besoin dans l'image. Comme je vous l'ai dit, vous pouvez découper l'image comme vous le souhaitez. Tout dépend de ce dont vous avez besoin. Mais bon, l'outil d'opacité est plus gratuit, plus utile. Je pense qu'une fois que les bords de la vidéo ont été recadrés, l'étape suivante consiste à supprimer la couleur d'arrière-plan, dans ce cas, cette couleur grise Pour pouvoir le faire, il faut passer à l'effet chroma key. Nous allons dans le dossier vidéo, puis nous cliquons sur Dossier clé, puis nous choisissons l'effet des touches de couleur. Nous ajoutons un défaut au clip vidéo et le premier paramètre que vous allez trouver est la couleur de la clé. Vous trouverez ici ce petit compte-gouttes dans lequel vous allez sélectionner la couleur que nous voulons éliminer Dans ce cas, nous allons sélectionner le fond gris. En gros, c'est de la même manière que nous utilisons une touche chromatique dans laquelle nous supprimons les arrière-plans verts ou une personne habillée en vert pour percer la vidéo et montrer ce qu'il y a sous cette Ici, nous avons déjà la vidéo perforée. Je veux dire que la signature by Atia est la seule chose visible dans la vidéo. Maintenant, je peux ajouter cette signature au-dessus toute autre vidéo ou image et la mettre où je veux. C'est très utile si vous souhaitez créer une chaîne Youtube, ou si vous êtes éditeurs pour un tubercule ou une marque quelconque Vous pouvez beaucoup embellir les vidéos en utilisant cette technique. Je vais maintenant ajouter une image d' arrière-plan afin que vous puissiez voir à quoi ressemble la signature sur cet arrière-plan. Évidemment, au début, cela n'aura pas toujours l'air parfait, nous devons donc modifier ces paramètres ici et jouer avec eux, en particulier avec Thing Edge Feather Les deux paramètres me permettent d'adoucir le G ; dans le cas de la plume, c'est directement pour adoucir le thème c'est augmenter ou réduire la taille du Ge Fais attention à la façon dont je le déplace. Les bords sont plus visibles, je veux dire qu'ils sont évidemment plus visibles. L'objectif est de faire disparaître ces arêtes. Je vais maintenant faire attention à la façon dont les lettres apparaissent, comme s'il s' agissait d'une animation. Animation. En fait, faire une animation de lettres comme celle-ci est compliqué. Sans oublier que si vous vous procurez un logiciel qui crée des lettres animées de ce type, elles ne seront pas uniques. Et s'il y a quelque chose d'unique dans réseaux sociaux ou pour identifier une marque personnelle ou quoi que ce soit autre, c'est que cet élément soit unique. La seule façon de faire quelque chose unique est de le faire vous-même. Je veux dire, le dessiner ou l'écrire vous-même est le meilleur moyen. De plus, comme ces lettres sont également un clip supplémentaire, nous pouvons le déplacer comme nous le souhaitons augmenter le mouvement et améliorer son animation. Je vais également donner un exemple de ce à quoi cela ressemblerait si nous ajoutions du mouvement à ces lettres. Par exemple, nous pouvons faire en sorte que les lettres quittent l'écran une fois qu'elles ont fini d'apparaître. Dans le paramètre de position, nous mettons un cadre clé lorsque les lettres ont fini d'apparaître. Et peut-être une demi-seconde plus tard, nous avons mis une autre image clé dans laquelle nous changeons de position. Maintenant, regardez à quel point cela semble intéressant. Je veux dire, comme s'il s' agissait d'une animation réalisée dans un logiciel spécial. Pour cela, c'est vraiment très utile car c'est bon marché. Au final, il existe des tablettes de dessin très bon marché. De plus, vous n' avez pas besoin d'un logiciel avancé ou d'un ordinateur très puissant pour créer des animations. Je pense que la seule chose difficile est d'avoir la capacité de dessiner ou. Bien, mais en fait, je pense que les lettres n' ont pas besoin d'être belles, d'être uniques. Tout dépendra du style que vous avez. Tenez compte de tout cela, et jusqu'à la prochaine leçon. 34. Édition audio: Bonjour tout le monde. Dans ce modèle, nous allons travailler sur le design sonore. conception sonore est l'une des étapes les plus importantes du processus de montage, mais en même temps, c'est aussi l'une des étapes les plus sous-estimées pour une grande partie des cinéastes que j'ai rencontrés au cours de ma carrière Il semble qu'il ne soit pas important de créer avec détail et créativité la dimension sonore d' une histoire ou d'une œuvre audiovisuelle. Mais la vérité est que la moitié de ce que nous ressentons et des informations que nous recevons d'un film ou d'un court métrage nous parvient par les oreilles. De plus, dans de nombreux films actuels, la capacité immergée est liée à la conception sonore. D'autre part, de la même manière qu'il existe éditeurs vidéo qui se concentrent uniquement sur les aspects techniques, il existe également des ingénieurs du son et des concepteurs qui se concentrent uniquement sur les aspects techniques liés au mixage, par exemple, que nous verrons également dans ce modèle. Mais la vérité est qu' aujourd'hui, les outils nous offrent de nombreuses possibilités lorsqu'il s'agit de résoudre des problèmes techniques. Mais c'est précisément la partie créative que nous avons dû aborder, en particulier en général dans les projets sur lesquels vous travaillez. Au début, il n'y aura pas de bons designers sonores. Tu devais être capable de faire ce travail toi-même. Mais surtout, montrez au producteur ou au réalisateur du projet que vous êtes vraiment capable de faire ce travail en réduisant les coûts de production. Bien entendu, tout cela signifierait que vous êtes un professionnel digne de ce nom pour l'équipe de production. Je vais vous montrer un exemple de l'importance d' utiliser le design sonore de manière créative dans l'ASN Je vais vous montrer l'ASM du film Ici, dans cette scène, le personnage principal finit de divorcer de sa Mais la vérité est qu'au fond, il ne voulait pas divorcer. Ils partagent donc un dernier café où elle finit de signer ses papiers de divorce. Mais attention à la conception sonore de l'histoire, à la conception sonore de la scène. Bonjour, comment allez-vous ? Je ne peux pas avoir. Waouh, nous y voilà. Je suis content que nous ayons pu le faire en personne. Je sais que tu as beaucoup voyagé. Non, je suis vraiment contente que tu l'aies suggéré. J'ai signé tous les papiers pour qu'ils vous le fassent signer. Pourquoi cette précipitation ? Oui, je sais. Je suis un signataire très lent. Je me rends compte qu'il m'a fallu trois mois pour écrire la lettre de toute façon C'est indiqué ici en rouge où vous devez signer. Tu sais, tu ne le fais pas, tu n'es pas obligée de le faire pour le moment. Je peux juste, je peux juste m'en débarrasser. Ce sera plus facile. Saviez-vous à quel point le design sonore était important le design sonore était dans la structure émotionnelle de la scène ? En gros, dans la scène, ils nous montrent les souvenirs du protagoniste. Ces souvenirs du temps où il était heureux avec son ex-femme. Mais en réalité, la scène nous montre ces souvenirs sans aucun son, ne laissant que le son du restaurant, de la cafétéria Tout comme les souvenirs existent dans la vie réelle, nous voyons généralement les images dans notre esprit. Mais nous continuons d'entendre ce que nous entendons où que nous soyons. Même si nous nous souvenions du son, le son dont nous nous souvenons dans notre esprit n'est pas plus fort que celui que nous entendons en ce moment Cette décision n'a rien à voir avec des aspects techniques. C'est quelque chose de complètement créatif qui passe par savoir comment égaliser le mixage publicitaire ou d'ajouter des effets sonores au mixage C'est quelque chose qui sert de narration, c'est un élément narratif sonore Un autre élément important est la sélection musicale. Dans le cinéma, cette étape est effectuée par le monteur musical, mais le monteur musical est la personne qui travaille avec le compositeur et le réalisateur du film pour sélectionner les pièces musicales qui représentent le mieux l'idée que le réalisateur a en tête Pour savoir quelle est la musique la plus adaptée à notre travail, il faut se poser les bonnes questions. Tout d'abord, quel est le public cible de notre projet s'il s' agit d'un film commercial ou d'un film indépendant, par exemple, s'il s'agit d' un court métrage indépendant ou d'un film indépendant, vous devez savoir que vous devez utiliser le moins de musique possible. Parce que le public cible n' est pas constitué de gens ordinaires. C'est un groupe de critiques qui ont besoin de voir le langage cinématographique à son niveau le plus pur, sans que rien ne puisse tromper Je veux dire que selon eux, la musique fait souvent le travail que l'histoire ne peut pas faire, ce que je ne suis pas toujours d'accord avec cela. Mais bon, c'est la vision des critiques spécialisés dans le cinéma indépendant. D'autre part, s'il s'agit d'une publicité ou d'un commercial, le public cible est également important. Je veux dire, quel âge a le public cible ? C'est important de le savoir. S'il s'agit d'une vidéo pour Instagram, vous pourriez vous demander si la musique que vous écoutez est tendance ou non vous écoutez est tendance Essayez de prendre tout cela en compte et passons au travail sur le design sonore lors de la première. 35. conception sonore d'une scène Ajouter les sons d'une scène: Parfait. Nous sommes de nouveau ici à l'occasion de l'Adobe Premiere. Le but de cette leçon est de pouvoir faire du montage audio professionnel , que nous en soyons là ou non. Je veux dire un poste de travail audio numérique professionnel dans Adobe Premiere, nous pouvons le faire car en termes de montage audio, nous disposons de tous les outils pour le créer. Cette fois-ci, je vais utiliser un extrait de l'un de mes meilleurs courts métrages, donc l'idée est de reprendre le son du zen. Je veux dire, pour créer le design sonore, je vais commencer à choisir uniquement la vidéo de Zine pour l'ajouter à la chronologie. Regardons la scène sur le moniteur du programme. La scène commence ici. Le personnage court sur un très long chemin. Et en fait, dans cette partie, il n'y a pas de son mais une bande son. Mais nous allons créer le design sonore dès le moment où le personnage traverse la rivière. Puis il rampe et rampe jusqu'à ce qu'il tombe sur le cadavre d'un autre personnage de l' Nous sommes donc censés ajouter tous les effets sonores de cet environnement. Évidemment, la plupart des gens en ont très peur car nous sommes généralement cinéastes qui savent utiliser la caméra et nous nous intéressons au montage vidéo Mais en ce qui concerne le son, il semble que le monde soit complètement différent. Mais la vérité est que cette connaissance est très importante. Et comme les outils de sonorisation sont disponibles dès la première, il faut savoir comment s'y prendre. La chose suivante que nous devons savoir, c'est que nous avons besoin de certaines sources sonores. Je veux dire, nous devons trouver chacun des sons qui devraient être joués dans la scène et nous devons les trouver séparément. Il y a deux façons de les obtenir. La première méthode, et la plus difficile consiste à les enregistrer directement, soit sur le plateau à l'aide un appareil d'enregistrement portable d' un appareil d'enregistrement portable comme celui que vous voyez à l'écran, soit en recherchant les sons sur Internet. Ce dernier procédé serait donc le moins cher. Mais cela ne veut pas dire que c'est le pire, c'est simplement le moins cher. Je veux dire, il s' avère qu'il existe de nombreux effets sonores sur Internet. On peut les retrouver sur les pages sonores ou sur Youtube lui-même. Nous avons donc simplement mis le nom du son que nous recherchons dans le moteur de recherche Youtube et beaucoup d'entre eux apparaîtront. Ensuite, il suffit de les télécharger et de les utiliser lors de l'édition. Une autre chose importante à savoir est que nous allons devoir changer plusieurs fois la mise en page principale. Je parle de cette disposition prédéfinie pour l'audio, car nous allons devoir ajouter des effets aux pistes et les mixer. N'oubliez pas que le mixeur apparaîtra dans le préréglage audio, la console de mixage, qui correspond à chacune des pistes audio que nous avons sur la chronologie. N'oubliez pas que la chronologie est divisée en sections, une section pour les pistes vidéo ci-dessus et la section pour les pistes audio ci-dessous. Faites donc attention au fait que chacune des défaillances de la console de mixage est identifiée, les 123 et moins. Sur les pistes Audi, nous en voyons 1283. Bien entendu, il y a aussi un master track où sort le mix général. Le plus intéressant, c'est que nous allons devoir passer d'un percent à l'autre car en fait le pourcentage de montage est bien plus adapté pour créer la composition sonore Et nous n' utiliserons le Pset audio que lorsque nous passerons par la phase de mixage Tout dépendra également de votre degré de confort avec chaque pour cent. Mais personnellement, d'après mon expérience, le pourcentage audio consomme plus de ressources informatiques que le pourcentage de montage Je pense que c'est une variable importante lorsqu'il s'agit de choisir l'un ou l'autre. autre côté, pour en revenir à la question des sons, des sources sonores, il est important de créer une banque de sons, une casquette arrière à laquelle nous pouvons avoir recours lorsqu'il s'agit de créer du son. Par exemple, j'ai ici tous ces dossiers organisés pour différents types de sons. Il y a des environnements, des bruits de pas , des bruits d'eau, du feu , des sons, des coups de feu, etc. Et le plus important, c'est que certains sons ont été enregistrés par moi-même ou par mon équipe de production à l'aide d'un appareil d'enregistrement portable. Et d'autres ont été téléchargés sur Internet. Comme je vous l'ai dit sur Youtube ou sur d'autres pages. Sachant tout cela, de quoi avons-nous besoin pour cette scène ? De toute évidence, la scène se déroule près du ruisseau d'une petite rivière. Nous devons ajouter ce bruit de fond à l'ensemble de la séquence. Quoi qu'il en soit, il est important de savoir quand il s'agit d'enregistrer une rivière. Le son de cette rivière, par exemple, que nous enregistrons ne doit pas nécessairement être exactement cette rivière. Cela pourrait être un peu plus fort, par exemple. Cela n'a pas d'importance, car nous pouvons corriger cette imperfection dans la conception sonore Mais dans tous les cas, cette fois, je vais utiliser un son de rivière que j'ai téléchargé sur Internet. Vous pouvez vous convaincre que cela peut être fait avec des sons provenant d'Internet. Dans ce dossier, je vais choisir. Le son que j'ai ici appelé Distant River Ambience. Je vais faire glisser le fichier vers la première. De plus, comme il s'agissait d'un court métrage produit par mon équipe, j'ai le son de l'acteur qui était moi-même, mais ce son a été enregistré plus tard. Un doublage a été effectué pour avoir le jeu de la scène, car pendant le tournage de la scène, il était impossible d' enregistrer le son car la caméra fixe générait du bruit et celui-ci passait par le micro Nous avons donc dû doubler la performance par la suite. Mais de quoi d'autre avons-nous besoin en termes de son ? Nous avons besoin du son du contact des mains avec l' herbe, par exemple. Le bruit du fait de ramper sur le sol est également important, mais nous avons également besoin du son du contact avec les éclaboussures d'eau Ce son est important pour la scène, juste au moment où le personnage traverse la rivière. J'ai déjà ce son dans ma sauvegarde audio, donc je vais l'utiliser. Je vais intégrer ce son en une seule fois dans le projet lorsqu'il s'agira de sélectionner les sons pour en faire le design sonore du personnage rampant dans l'herbe Nous n'avons pas nécessairement besoin du son de quelques mains dans l'herbe. Nous pourrions utiliser d'autres sons qui pourraient représenter cela. Par exemple, je vais utiliser des bruits de pas sur la terre mouillée et aussi des pas sur le sable. Créez le bruit des mains sur l'herbe. Et je vous dis cela pour vous motiver à laisser libre cours à votre créativité lorsqu'il s'agit de créer des environnements sonores. En d'autres termes, ne laissez pas les limites vous empêcher de développer un projet de cette nature. Je suis toujours tombé sur ça. J'ai rencontré de bons cinéastes qui ont peur de se lancer dans le design sonore simplement parce qu'ils ne savent pas de quoi il s'agit réellement Je vais ajouter les sons que je vous ai dit avoir créés dans leurs dossiers respectifs. La première chose que je vais faire est d'ajouter le son de la rivière lointaine à la chronologie, ce qui ressemblerait au fond sonore. Je vais sélectionner un extrait audio de la rivière et le faire glisser sur la chronologie. Vous pouvez modifier le volume du clip sur cette ligne ici. Vous pouvez également automatiser ce volume sur cette ligne à l'aide du stylet de la barre d'outils. Je veux dire, vous pouvez automatiser le volume de la même manière que nous l'avons fait pour l'opacité dans les leçons précédentes Nous avons déjà ce lointain fleuve Sound à côté de l'image. Nous pouvons commencer à contempler l'image à côté du son pour voir si cela commence trop fort. Faites attention à ce qu'avec ce son ambiant, la scène commence à prendre vie. De toute évidence, le reste des sons est absent. Mais ce son ambiant m' aide à avoir un point de référence concernant les volumes que devrait avoir chacun des sons de la scène. Parce qu'il ne s'agit pas seulement de bien choisir les sons, mais aussi de connaître le volume exact, ils doivent avoir la réverbération exacte et le panoramique exacts Je vais donc commencer par ajouter le son d'éclaboussure pour créer le moment où le personnage sort de l'eau. Je vais donc chercher le son et sélectionner une éclaboussure d'eau, suffisante pour ce moment. Nous devons tenir compte du fait que le personnage arrive en courant. Je pense que cette partie semble intéressante. N'oubliez pas que non seulement le son d'éclaboussure est nécessaire, mais aussi ce qui vient après. Je parle d'un peu du mouvement de l'eau sorte que le son que nous choisissons doit avoir tout cela. Je vais le traîner jusqu'à la piste sous la rivière. Il faut maintenant le positionner au moment où le personnage sort de l'eau. Notez qu'ici j'ai automatisé le début du son avec le stylet. J'ai créé un fondu parce que le personnage traverse la rivière puis entre dans l'eau plus profonde. Un autre élément important de cette scène est que si vous regardez la scène, commence par une vue aérienne prise d'en haut, où le personnage semble très petit. Puis on voit un plan plus rapproché du personnage qui traverse la rivière. Cette différence visuelle devrait également être perceptible en termes de son. En fait, cela ne devrait pas seulement être noté en termes de bruit d'éclaboussure, mais nous devrions également augmenter le volume de la rivière lointaine. Cette différence se fait sentir. Vous pouvez également augmenter le volume que vous souhaitez. Essayez de remplir la scène jusqu'à ce que vous sentiez qu'elle correspond. Ces éléments sont trop importants. À première vue, il semble que c'est quelque chose que le public ne remarquera pas. Mais croyez-moi, ils le remarqueront. Ils auront le sentiment que la scène est plus réelle que la scène n'est meilleure. Mais faites bien attention à cela. Si vous regardez le bruit d'éclaboussure ici dans le coin, il y a un effet, un symbole. Si vous cliquez ici, vous pourrez remplacer la ligne d'automatisation par un autre paramètre. Comme par exemple, haleter. Dans ce dicton, le personnage se déplace de gauche à droite. Il vient de la gauche et cette sensation doit être créée dans la dimension sonore. Même si nous observons le personnage de face à l' écran, dans notre esprit, ses mouvements, ses déplacements sont compris à 360 degrés. Nous devons indiquer que le son d'éclaboussure doit également être émis depuis la gauche. Faites attention à ce que la caméra suive ensuite le mouvement du personnage et tourne précisément vers la droite pour créer cette sensation. Je recommande vivement de ne jamais haleter complètement d'un côté. Ceci est une recommandation tirée de mon expérience d'enregistrement avec mon groupe en studio. Je veux dire, si nous haletons complètement sur le côté, la sensation d'agitation du son disparaît. Parce que chaque clip audio doit toujours sonner des deux côtés Simplement, lorsque nous le déplaçons à l'endroit souhaité, l'Audioclip sonnera davantage de ce côté Parfait. Cette leçon dépend de là. Nous allons passer à la suivante, où nous allons passer. Le son produit par le contact des mains et du corps avec l'herbe. 36. conception sonore d'une scène Un autre son d'une scène et d'une performance d'acteur: Parfait. Nous sommes de nouveau ici. Nous allons suivre un régime. Le son du contact du personnage avec le sol, avec l'herbe. Nous allons utiliser le son qui coule sur le sable. Allons y jeter un œil. Mais nous allons également utiliser cette autre solution, pour marcher sur le sable. Le son est très intéressant car on sent un peu l'eau à chaque pas. Parfait. Nous allons commencer par le bruit d'une marche sur le sable. Nous allons couper une partie du son et le faire glisser jusqu'à la chronologie, ici. Tout d'abord, il faut niveler le volume. Nous allons augmenter le volume. Ensuite, nous allons zoomer sur la chronologie jusqu'à ce que nous voyions en détail ce son. Tu vas le faire. Faites attention à ce que je vais faire, je vais séparer chacune des étapes avec l'outil Sor 1234 pour avoir chaque étape séparément. De cette façon, nous pourrons placer chacune de ces coupes là où nous voulons créer cet effet de contact sur le gazon. C'est très important, croyez-moi. Je connais beaucoup de bons réalisateurs qui ne le savent pas. Et c'est vraiment utile et ce n'est pas aussi compliqué qu'il y paraît. Nous devons faire en sorte que chaque découpe corresponde au mouvement du personnage à l'écran. Si, pendant le montage, nous pensons que ces sons ont besoin de plus de volume, par exemple, il suffit de les sélectionner tous, puis de cliquer avec le bouton droit de la souris. Puis cliquez à nouveau sur tout et augmentez le gain des clips. Ici, nous pouvons augmenter le nombre de décibels que nous voulons pour un grand nombre de patients Petit à petit, nous allons placer chacune des découpes. Tenez compte du fait que si à certains moments nous constatons que certains mouvements des personnages sont plus forts que d'autres, nous pouvons augmenter le volume des clips à ce moment précis. Faites attention ici à la façon dont j'augmente le volume petit à petit jusqu'à ce qu'il corresponde à l'image. Personnellement, j'adore quand la scène commence à prendre vie, cela fait vraiment passer la scène à un niveau supérieur. De plus, n'oubliez pas que nous pouvons également déplacer chaque coupe que nous ajoutons ici. Je veux dire, de la même manière que la rivière, les sons du personnage viennent également de la gauche. chose la plus intéressante à ce sujet est que dans Vase ou Pro Tools par exemple, qui sont des logiciels de montage audio professionnels, cela se fait exactement de la même manière, mais faites attention à cela. Lorsque la caméra tourne vers la droite, le personnage franchit le cadre, mais ses pas doivent continuer à être entendus d'une manière ou d'une autre, car nous sommes toujours proches du personnage Je vais faire avancer ce travail un peu. Je vais ajouter le reste des sound cats, que la leçon soit de savoir si longtemps. Et nous poursuivons le processus de création du design sonore dans cette même leçon. Parfait. J'ai déjà fait en sorte que chacun des chats sonores corresponde aux mouvements de chacun des personnages. Et voici le résultat. Nous pouvons ajouter encore plus de volume à ces derniers pas du personnage car nous le voyons de beaucoup plus près. Ce que nous allons faire, c'est mélanger les sons des pas que nous avons déjà ajoutés avec l'autre effet sonore que nous avions, celui de courir sur le sable, car ce son est plus lent, le sous-produit de l'union des deux effets sonores sera de meilleure qualité Nous sélectionnons une partie de cet audio, puis nous la faisons glisser vers la chronologie. Mais attention, je n'ai plus de pistes audio dans la chronologie. Je peux ajouter une autre piste de deux manières. La première est que nous pouvons ajouter une piste en allant simplement dans l' onglet séquence, puis en ajoutant une piste. Mais il existe un autre moyen plus simple. Nous pouvons simplement faire glisser la partie audio vers l'espace situé sous la dernière séquence. Le logiciel créera automatiquement une nouvelle séquence. Je vais mettre le clip audio ici sur ce morceau que nous avons déjà. Faites attention au fait que si je le fais glisser vers l'espace ci-dessous, regardez comment la nouvelle séquence est créée. Ce que nous allons faire, c'est séparer chacune des chaleurs du son pour séparer le cut comme pour l'autre son Ensuite, nous les mettons là où se trouvent ceux que nous avons ajoutés précédemment, ils sont mélangés. Il est important que pendant tout ce processus, vous puissiez expérimenter avec les sons. Je veux dire, essayez-les. Je veux dire changer leur place pour voir comment ils sonnent , car parfois nous découvrons des choses aléatoires nous n'aurions jamais imaginé qu'elles sonneraient bien. Vous pouvez maintenant entendre à quel point chaque contact avec l'herbe a du corps en termes de son. Nous allons enfin ajouter le son des suppressions des acteurs, qui ont été enregistrés séparément. Nous le recherchons donc dans le dossier et le faisons glisser vers la chronologie. De la même manière que pour les autres sons. De toute évidence, les sons des expressions de l'acteur appartiennent à la partie où l'on le voit déjà de près. Il faut le faire correspondre à l' image du personnage. S'il est nécessaire d' augmenter l'ancien gain, nous le faisons simplement. Idéalement, chaque halètement doit correspondre à chaque mouvement des bras Nous pouvons même ajouter le halètement au halètement du personnage Nous pouvons créer une courbe. Je veux dire, au début, cela part de la gauche, et à certains moments, nous automatisons le changement vers le centre. On entend donc que le son bouge avec le personnage. Par exemple, le personnage entre ici dans le cadre. Encore une fois, nous pouvons déplacer le plateau vers le centre. Tu te rends compte à quel point tout sonne bien, non ? Nous allons donc mener cette leçon ici et passer à la suivante. 37. conception sonore de scène Ajouter de la réverbération et de la spatialité aux pistes: La première chose que nous sommes censés faire est de vérifier la réverbération de chaque piste Parce que nous devons émettre tous les sons, dirait qu'ils se trouvent au même endroit. Parfois, c'est quelque chose de presque imperceptible, mais ce sont ces petits détails qui font la différence Par exemple, nous pourrions commencer par reconnaître que le son de base ici est celui de la rivière. Je veux dire, le reste des sons devrait correspondre la réverbération de cette rivière. Commençons par le son d'éclaboussure. Non seulement elle doit correspondre à la réverbération de la rivière, mais l' action de collision avec l'eau se produit à une certaine distance de La réverbération peut générer cette distance pour nous. Nous sommes censés aller sur la console de mixage en haut des pistes. Nous allons trouver ce panneau ici. Nous allons pouvoir ajouter des défauts à chacune des pistes. Dans ce cas, le son d'éclaboussure est émis sur la deuxième piste. Faites attention à ce qu'une très fine ligne grise divise le panneau au-dessus de la ligne. Nous pourrons ajouter des défauts en dessous de la ligne. Nous pouvons rooter les pistes pour les jouer sur des pistes de groupe. Mais je dirais que le plus important est haut, où vous pouvez ajouter des défauts aux pistes. Nous devons cliquer sur ces petits tapotements et là nous chercherons l'effet de réverbération Vous pouvez remarquer qu'il existe trois types de réverbération Je vais sélectionner la réverbération Surround ici. Vous allez trouver plusieurs paramètres. Je sais que cela semble compliqué, mais c'est beaucoup plus facile que vous ne le pensez. Dans ce robinet, vous trouverez plusieurs préréglages. C'est comme le style de réverbération que nous allons utiliser, mais nous pourrons également modifier tous les paramètres pour personnaliser ces préréglages Par exemple, je vais utiliser les préréglages de cette cathédrale tous les paramètres que nous allons trouver ici Le plus important est celui-ci où l'on peut lire Mix. Cette erreur littérale indique qu'il est à 100 %. Le son sera complètement affecté par la réverbération, mais à mesure que nous réduirons le pourcentage, il sonnera comme le son d'origine sans réverbération sans C'est l'outil principal où vous allez ajouter plus ou moins de réverbération à la piste N'oubliez pas que cette réverbération sur la piste affectera tous les clips audio présents sur cette Mais il y a quelque chose d'important concerne la réverbération, c'est que lorsque nous ajoutons un défaut à tout défaut, le gain audio est perdu C'est la raison pour laquelle cet autre échec se trouve à côté où il est écrit « Gain ». Il est très important d'en tenir compte. Nous avons également un autre échec qui concerne le feedback et un autre qui concerne l'équilibre. Nous pouvons faire sonner l'inverse plus à droite ou à gauche. Il y a aussi le premier échec qui consiste à augmenter l' humidité de l'effet, ce qui est similaire à l'intensité En gros, ce sont les fonctionnalités les plus importantes de ce panneau de sortie. Mais attention, ici, il y a d'autres paramètres que vous pouvez modifier. Vous pouvez modifier, par exemple, la taille de la pièce. Vous pouvez modifier les rebonds de réverbération ici en prétemporisation ainsi que la largeur de la En fait, ces deux derniers paramètres visent à contrôler la manière dont la réverbération s'étend aux sites Mais je vous recommande vivement d'essayer les effets, d'essayer d'expérimenter. Je vous donne juste un aperçu des principaux paramètres de la réverbération Les éclaboussures commencent à mieux sonner. Je vais isoler la piste pour mieux tester la réverbération. Je vais ajouter encore plus d'inversion mais aussi augmenter le gain. N'oubliez pas comment procéder en augmentant le pourcentage et en augmentant également le gain père. Maintenant, cela sonne beaucoup mieux, car maintenant les éclaboussures peuvent être entendues à la distance suggérée par la scène, car il ne se passe évidemment rien à côté de la caméra. Je veux dire, il y en a des mètres. Écoutons comment cela sonne avec le reste des sons. Une fois que nous avons ajouté la réverbération aux morceaux, nous sommes presque prêts à passer à la musique Parce que cette scène est liée à la musique, je parle d'au moins une partie de la scène. De plus, l'ajout de musique me permettra de vous expliquer quelque chose d'important lié au montage audio. Pour ce faire, je vais utiliser deux fichiers. D'un côté, il y a un système audio qui contient la musique et le design sonore en même temps, mais vous savez que c'est nous qui nous occupons du design sonore. Par conséquent, il existe un autre fichier audio qui ne contient que la musique. Tout d'abord, je vais extraire une section du fichier contenant à la fois le design sonore et la musique. Une coupe transversale où ne joue que la musique. Et je vais essayer de mélanger cette partie audio avec l' autre audio qui ne contient que de la musique. C'est évidemment la même musique. Dans cette partie de la scène où il y a une prise de vue aérienne, seule la musique joue à l'origine. Je veux dire, c'était l'idée initiale, mais une fois que nous nous rapprochons du personnage, le design sonore commence à jouer. Ce que je fais ici, c'est essayer couper la partie où le design sonore commence à jouer. Évidemment, dans cette partie, je vais ajouter l'autre fichier qui ne contient que la musique. Je le fais parce que j'utilise le mix audio original du court métrage. Ce clip audio que je déplace en ce moment pour essayer de le rapprocher de l'Oder ne contient que de la musique Bien sûr, comme il s'agit de la même musique, j'essaie de trouver les bons points d'union. Le but de cet enseignement est de vous faire découvrir que vous pouvez ajouter tous les défauts aux clips ainsi que des transitions audio aux clips. Ce sont tous exactement les mêmes effets que nous pouvons ajouter aux pistes. Je veux dire ceux que nous pouvons ajouter aux pistes, il suffit d'aller dans le dossier des effets et de rechercher les publicités. Ce dossier contient tous les défauts que vous pouvez essayer. Par exemple, il y a l'amplitude et la compression. Il y a aussi la modulation du retard , le bruit, etc. Par exemple, la compression est très utile pour les voix. Par exemple, les expressions d'acteur que nous avons ajoutées à la conception sonore sonnent probablement mieux avec la compression. Mon objectif est également de vous encourager à perdre la peur d'utiliser ces anciens effets. Par exemple, vous devez savoir que pour les voix et les voix off , le compresseur monobande est le compresseur le plus adapté. Lorsque nous parlons d'une voix qui joue dans un monotric, par exemple Nous pouvons également ajouter des égaliseurs pour accentuer les fréquences les plus adaptées à un type de voix spécifique Mais cette fois pour la musique, nous allons utiliser les transitions audio lors de la première. Il existe trois types de transitions. Gain constant, puissance constante et destin exponentiel. Ils sont presque tous pareils. Je dirais que la seule différence réside dans le mode b***ding, mais cela dépend de la nature du son et de la nature de la partie spécifique du clip audio que vous souhaitez mixer avec un autre clip Je vais utiliser le gain constant qui est le plus neutre Vous avez remarqué qu'ils ont ajouté cette transition juste au sein du syndicat. Pour moi, cela semble parfait. Cette transition, je dois égaler cette chaleur qui résonne ici. Avec cette action de lever le visage. Bien sûr, cette chaleur reflétait l'impact d' une rencontre avec une fille de D. Je vais donc désactiver le morceau sur lequel le sound design diffuse le reste du son de la scène Je vais régler un peu le volume de la musique, et je vais réessayer. Je vais encore augmenter le volume. Maintenant, je vais ajouter ce compresseur dont j' ai déjà parlé à la performance des acteurs. Nous allons simplement dans le dossier of, nous le cherchons et nous cherchons le compresseur monobande. J'ai déjà mentionné que c' était le mieux adapté lorsque la voix joue en T. C'est par ici. Une fois que nous avons ajouté cet effet, nous pouvons accéder au panneau de configuration des défauts et nous allons trouver cet effet là-bas. Il faut cliquer sur Configuration personnalisée puis modifier les paramètres. La fenêtre s'ouvre. Vous pouvez remarquer que le panneau de commande des défauts fonctionne de la même manière pour l'audio. Selon le même principe, vous pouvez automatiser n'importe quelle fonctionnalité des clips audio. En fait, vous pouvez remarquer que depuis que j'ai automatisé le volume, la ligne d'automatisation du volume est activée. Mais continuons avec le compresseur. Dans l'onglet des préréglages, nous devons sélectionner la voix off ici, et vérifions-la. Et vous pouvez remarquer qu'il a plus de présence et plus de définition en général. Mais en réalité, nous pouvons améliorer cette qualité sonore en utilisant un égaliseur Nous allons donc dans l'ancien dossier de défauts et nous choisissons un écho graphique de 20 bandes N'oubliez pas que les écozers se trouvent toujours au-dessus des compresseurs Nous ouvrons la configuration personnalisée et comme il s'agit d'un mozo haletant, nous sommes censés surélever les zones moyennes à hautes de l' écoliseur zones moyennes à hautes de l' écoliseur C'est très important non seulement dans ce cas, mais également dans les dialogues par exemple. Mais n'exagérez pas avec ces changements. Vous êtes censé modifier subtilement les fréquences. Cela sonne tellement mieux en fait, et il n'était pas nécessaire d'augmenter le volume du clip ou du morceau, par exemple. Vous pouvez constater jusqu'où vous pouvez aller faisant de la conception sonore dans Adobe Premier, car Adobe Premier fournit tous les outils nécessaires pour créer un design sonore, créer un mix professionnel, sans utiliser Pro Tools même si j' ai un autre cours sur le design sonore axé sur l' utilisation professionnelle. Mais je pourrais dire que c'est presque le même processus. Essayez de vous souvenir de tout, des transitions, des égaliseurs, de la source de compression Vous devez également tenir compte du fait qu' concerne le mixage audio dans la piste finale, dans la piste générale, vous pouvez également ajouter des effets. Je veux dire, vous pouvez ajouter des compresseurs multibandes et des égaliseurs pour créer cet effet Pour rappel, vous devez également tenir compte du fait que lors de l'ajout de pistes, vous pouvez ajouter autant de pistes vidéo que vous le souhaitez et de pistes audio que vous le souhaitez. Vous pouvez sélectionner l' emplacement où vous le souhaitez, la piste est située, ainsi que la configuration de la piste. S'il est mono, par exemple, ce petit symbole apparaîtra sur la piste mono. C'est un très petit haut-parleur que vous pouvez remarquer ici. Si vous utilisez une interface audio, le microphone sera connecté à une seule ligne, une seule ligne d'entrée. La piste sur laquelle vous êtes censé enregistrer cette voix ou où vous le souhaitez doit également comporter une piste. Il suffit de cliquer sur le symbole du microphone démarrer l'enregistrement. C'est aussi simple que ça. Je ne suis pas en mesure d'enregistrer quoi que ce soit pour le moment car le logiciel est connecté à un autre logiciel pour enregistrer la leçon. Mon interface est connectée à ça, à un autre logiciel. Cela ne fonctionne donc pas pour le moment. Mais comme vous n'allez pas enregistrer de leçon, vous pourrez enregistrer la voix comme vous le souhaitez jusqu'à présent. Bien, je vous recommande vivement de suivre un autre cours de design sonore car je vous y apprends vraiment à maîtriser un mixage audio. Je parle du mixage rond sur de nombreux sujets liés au design sonore. Surtout, toujours du point de vue du cinéaste, c'est le plus important de tous, car la plupart des cours liés à la conception sonore portent sur le mixage sonore plutôt que sur le processus créatif qui sous-tend l'élaboration d'une conception sonore Cette leçon est d'ici, et jusqu'à la prochaine leçon. 38. Conception sonore d'une scène Ajouter des effets à des clips audio Compresseurs et égaliseursconception sonore d'une sc: Parfait. Après avoir appris le sujet de la réverbération, je souhaite vous apprendre à ajouter effets et des transitions à l'éclipse audio Parce que non seulement nous allons pouvoir ajouter des effets aux pistes comme dans la leçon précédente, mais nous allons également pouvoir les ajouter à chacun des clips que nous utilisons. Après tout, ils fonctionnent comme des clips vidéo dans lesquels on peut ajouter des effets. Je vais commencer par expliquer cela en y ajoutant de la musique et la particularité de ce fichier Ode que je vais utiliser, qui est en fait la musique originale de la scène, est que cet audio contient non seulement la musique, mais également la conception sonore originale du court métrage Je dois donc extraire de cet audio uniquement la partie où la musique sonne seule, c'est-à-dire la partie où l'on voit le personnage courir depuis le plan au-dessus de moi. Mais comme j'ai également un autre fichier contenant uniquement la musique, je vais le mixer avec cet audio pour que seule la musique sonne complètement. Parce que nous avons déjà fait le son de la scène ici. J'essaie de joindre les deux clips ado juste au moment où les sons de la scène commencent à se faire entendre. Et évidemment, je dois faire correspondre la même partie de la musique dans les deux Audioclip Ici, nous sommes presque en train de faire correspondre les deux clips audio. Mais ce n'est évidemment pas parfait. Je veux dire, il est évident qu'il y a une coupure et nous devons la supprimer. Nous devons faciliter la transition entre un clip et l' autre en l'utilisant. À ce stade, nous le savons déjà, nous allons dans le dossier Premier Effects. Ici, nous pourrons ajouter à l'Audioclip les mêmes effets que nous pouvons ajouter aux pistes Ce sera exactement la même chose que lorsque nous ajoutons un effet à un clip vidéo. Par exemple, il existe ici des réducteurs de bruit très utiles pour nettoyer les voix Vous pouvez également ajouter un compresseur aux voix. Ils sonnent plus clairement sur le reste du mix. En fait, il y en a un très utile dans ce dossier, savoir le compresseur à bande unique, qui fonctionne juste pour cela. Il existe également des égaliseurs qui sont également très utiles, mais ce dont nous avons besoin pour le moment, ce sont des transitions audio Dans ce dossier, nous trouverons trois types de transitions, la puissance de jeu et la transition exponentielle en réalité, bien plus qu'un simple problème technique Pour choisir le bon, il suffit de l'écouter. Et écoutez celui qui ressemble le plus à ce dont vous avez besoin. Je vais choisir la transition du jeu. J'utilise la sélection et je la fais glisser vers la jonction des deux clips. Cela me permet de lisser ce changement d'un clip à autre afin que vous ne remarquiez pas le découpage que nous avons fait. Maintenant, on dirait que la musique originale complète sans les sons de la scène. Je vais déplacer un peu la musique parce que lorsque ce bit bas joue dans la musique, le personnage est censé être tourné vers l'avant. Maintenant, faites attention à la façon dont tout cela sonne ensemble. Je vais désactiver le reste du son de la scène pour l'écouter Avec la musique et en ressentant la magie, nous pouvons augmenter les avantages de la musique en général. Je crois que je l'exagère un peu. Je vais le baisser un peu. Parfait. Nous pouvons maintenant ajouter un compresseur et un égaliseur à la voix Je parle de la performance pour améliorer son son. En fait, nous pourrions l'ajouter directement à la piste où joue la voix. Mais je veux vous le montrer directement dans le clip. Nous allons dans le dossier des effets audio et cherchons le compresseur monobande. Nous le sélectionnons et le faisons glisser vers le clip audio vocal. Maintenant, lorsque vous cliquez sur le clip audio, il apparaît dans le contrôle des effets ici. Nous allons pouvoir modifier ses paramètres. Ensuite, nous cliquons sur Modifier, et le panneau des paramètres du compresseur s'ouvre. Prêtez attention à ce détail important. Je l'oublie presque. Notez qu'ici, les paramètres de volume et de panoramique ont activé l' horloge automatique, précisément parce que nous avions modifié la ligne d'automatisation dans les clips Je veux dire, je vous dis ceci, que vous pouvez voir que cela fonctionne de la même manière qu' avec les clips vidéo. Revenons donc au compresseur ici dans ce petit onglet. Nous devons sélectionner le préréglage que le compresseur aura. Dans ce cas, nous allons sélectionner la voix off. Écoutez le son de la voix du personnage maintenant avec plus de présence. Mais nous pouvons même améliorer la voix avec un égaliseur. Nous pouvons ajouter un égaliseur à 20 bandes. Vous devez toujours faire attention à ce que l'égaliseur passe toujours avant le compresseur Il doit en être ainsi car le compresseur doit travailler sur les fréquences que nous allons renforcer avec l'égaliseur Nous l'ajoutons et nous cliquons pour le modifier. Et nous devons augmenter les fréquences là où la voix joue. Par exemple, cet écart, 1000-5 mille le sien. C'est généralement là que résonnent ces voix. Tu écoutes le son de la voix. Maintenant, avec plus de clarté et de présence, je n'augmente pas le volume de la voix, mais j'améliore simplement son égalisation En gros, c'est en cela que consiste la création d'un design sonore. La même chose que j'ai faite pour la voix, par exemple, vous pourriez le faire dans la piste de sortie générale de la console de mixage. Je veux dire, vous pouvez ajouter un égaliseur puis, par exemple, un compresseur multibande pour donner plus de volume à l' ensemble du design sonore D'autre part, n'oubliez pas que vous pouvez télécharger un son sur Internet et créer un design sonore totalement professionnel sans aucun problème. N'oubliez pas non plus le problème des transitions : en fait , vous devrez beaucoup l' utiliser , en particulier avec les voix. D'autre part, il existe un autre outil très utile et important matière de conception sonore, à savoir que vous pouvez enregistrer directement sur la timeline, enregistrer du son si vous passez à la séquence. Et puis ajoutez une piste. vous ajoutez une piste mono, par exemple. En fait, dans ce panneau, vous pouvez également ajouter une piste vidéo ou une piste audio de toute nature. Je veux dire, si vous voulez que ce soit stéréo ou mono, si nous ajoutons une piste mono, nous pourrons enregistrer ce qui entre par la ligne d'entrée où le microphone est connecté à votre interface, dans le cas vous utilisez une interface audio, bien sûr. Ce petit point blanc que vous voyez ici est donc ce qui identifie les pistes mono sur la timeline. Et c'est sur ces pistes mono que vous devez enregistrer lorsque vous utilisez un microphone avec l'interface. C'est génial car nous n'avons besoin d' aucun logiciel de montage audio pour enregistrer quoi que ce soit. Quoi qu'il en soit, vous devez enregistrer sur les pistes mono car l'entrée audio est également mono. Si vous le faisiez sur la piste stéréo, il serait mal enregistré d'un côté. Je veux dire, ça n'aurait aucun sens. Il vous suffit d'appuyer sur ce petit micro qui se trouve ici et le logiciel commencera à enregistrer immédiatement. En ce moment, je peux tout enregistrer car tout est connecté au logiciel qui me permet d'enregistrer la leçon. Mais ce n'est pas trop compliqué. Il suffit d'appuyer dessus pour enregistrer. Eh bien, je pense que le plus important est que vous perdiez votre peur du montage audio. Ne vous limitez pas. Ce n'est pas aussi compliqué qu'il y paraît. Essayez-le. C'est très utile pour les vidéos sur Youtube et évidemment pour créer des projets de fiction, des courts métrages, des films, etc. Mais je pense qu'aujourd'hui est utile pour tout, y compris pour certaines vidéos documentaires. Vous pouvez améliorer le son en utilisant toute cette procédure. N'oubliez pas ce détail important des réverbérations qui fonctionnent très bien pour créer des paysages sonores Eh bien, cette leçon est d' ici et jusqu'à la suivante. 39. FIN: Eh bien, ce cours de montage vidéo s'adresse à vous. Le plus important, c'est que je vais éventuellement le mettre à jour avec des leçons de morale, notamment en ce qui concerne la compréhension du langage cinématographique Je pense que c'est essentiel pour devenir de meilleurs monteurs, de meilleurs cinéastes, de meilleurs vidéastes Alors mettez tout en pratique. Comme je vous l'ai dit, consommez de l'art de qualité, développez votre propre sensibilité aux images animées, ainsi qu'à la dimension sonore. Eh bien, si vous aimez ce cours, vous pouvez me laisser un avis, car il m'aidera beaucoup à créer des cours encore meilleurs que celui-ci, jusqu'à la prochaine fois.