Réalisations et production vidéo Deluxe Edition Volume 1

1. Cours de création et de production vidéo Deluxe Editon Volume I: Avez-vous déjà rêvé de porter vos idées sur grand écran ? Mais vous voulez découvrir les secrets de la création d'un son percutant. Donc des projets. Bienvenue dans ce premier volume de la nouvelle production cinématographique et vidéo, le cours de l'édition Luks Je m'appelle Aldliovez et je suis réalisateur, acteur et chanteur depuis plus de 15 ans Je suis diplômé de la meilleure école de cinéma d'Espagne et je suis là pour partager toutes mes connaissances avec vous. J'ai conçu ce cours autour de deux clips musicaux cinématographiques, créé une partie spécifique, cette plateforme grâce à laquelle vous apprendrez étape par étape comment transformer vos idées en véritables projets audiovisuels De l'élaboration d'une idée à la direction de la production rapide de votre projet. Vous pouvez voir à l' écran la qualité des productions avec lesquelles nous travaillerons. À la fin de ce cours, vous serez en mesure d' aborder n'importe quel projet Audiviso à partir de zéro, équipé des outils nécessaires pour le diriger et développer aux côtés d'une équipe de production professionnelle, en particulier pour les projets limités Ce cours s'adresse à tous ceux qui veulent vraiment devenir réalisateurs de films et veulent briser la barrière de la peur qui les empêche d'y parvenir. Le savoir est le seul moyen. Passons maintenant au contenu de ce premier volume de l'édition de luxe consacré à la production de films et de vidéos Dans ce cours, nous aborderons l'ensemble de la phase de préproduction et de production Comment une idée se développe de manière simple, réelle et naturelle. Vous apprendrez à sélectionner le bon équipement pour vos projets afin de planifier des journées de tournage réussies. Vous apprendrez à faire face à circonstances imprévues pendant le tournage et vous apprendrez l' aide d'exemples à l'écran comment réaliser une cinématographie appropriée dans Nous démystifierons les mythes sur la viabilité des projets et les mythes liés à l'utilisation des objectifs des appareils photo Et vous apprendrez d'excellentes stratégies de réalisation pour faire passer vos vidéos au niveau supérieur en matière de montage. Et surtout, sachant tout cela, vous apprendrez comment présenter votre projet à programme de financement ou à un distributeur. Création de votre page d'exécution qui fera partie de votre projet de cours. Ne manquez pas l'occasion d'acquérir des connaissances qui ne sont pas accessibles à tous. J'ai créé ce cours afin que vous puissiez avoir la chance d'apprendre le vrai projet à l'aide d'outils que quelqu'un comme vous aurait à sa disposition. Vous avez toujours été formé à la réalisation films et vous souhaitez devenir un vrai réalisateur. Ce cours est fait pour vous. Je m'appelle Video Pz et voici mon nouvel atelier payant de réalisation de films et de production vidéo, le cours Lux Edition Je te vois dans la première leçon. 2. CETTE idée: La clarté d'une idée sert base à tout projet audiovisuel. Il fait référence à la capacité d'exprimer de manière précise et compréhensible la prémisse ou le concept central qui sous-tend le projet. Cela souligne l'importance du slogan et du concept haut de gamme, comme je l'ai souligné dans mon cours d'art , mais clarifier une idée n'est pas une tâche facile Cela implique de s'assurer que l'idée est facile à comprendre et à communiquer, tant pour l' équipe de production que pour le public. Mais comment le pucez-vous ? abord, vous devez définir les objectifs et comprendre d'où ils viennent. Utilisons le clip vidéo que nous avons créé, et Mucha Temps en est un exemple Et comment est-ce que tout a commencé ? Tout a commencé par des questions très simples. Où puis-je tourner un clip vidéo qui a un impact visuel Où puis-je le faire près de chez moi ? Puisque vous savez que vous êtes censé rechercher des lieux, gardez à l'esprit que leur emplacement fait partie des ressources dont vous disposerez. Vous choisissez celui qui vous semble le plus attractif et le plus accessible. Au cours de cette recherche, le désert du Delta du Lebro ici en Catalogne, en Espagne, où je vis, est devenu un lieu potentiel L'idée tournait initialement autour de la possibilité de réaliser un clip vidéo dans le seul désert de Catalogne Cependant, cela ne signifie pas que c'est devenu l'idée principale. Ce n'était que le point de départ, la graine. Nous avons déjà fait la première étape pour trouver l'idée centrale. Tout d'abord, la vidéo doit être tournée dans ce désert. Ensuite, nous passons à la question suivante. Quelles sont les possibilités qu' offre le désert pour raconter une histoire importante ? Plusieurs possibilités se dégagent de cette question. Tout d'abord, une simple chanson ou une vidéo d'amour qui se déroule dans le désert Tout simplement parce que l'emplacement est visuellement attrayant, l'endroit est vraiment impressionnant. En fait, il y a un phare spectaculaire au milieu des dunes. Et si un désert est en contact avec la mer, c'est un endroit vraiment magnifique, comme vous pouvez le voir à l'écran. Comme le désert est un parc national en Espagne, nous pourrions peut-être mettre en valeur la beauté du lieu dans la vidéo la beauté des paysages naturels de mon pays d' origine, le Venezuela. En fait, je voulais créer une chanson romantique qui parle la nostalgie du souvenir de votre pays d'origine depuis le nouveau lieu où vous vivez en tant qu'immigrant Je veux dire, du point de vue du peuple vénézuélien, ce thème était pertinent car des millions de Vénézuéliens dans le monde entier en font l'expérience L'idée était donc de faire une vidéo chantant à côté du phare, comme si j'étais moi-même le phare en train de regarder mon passé au loin. En fait, cette idée était belle, romantique, mais il y avait un problème. La dernière idée, qui était la plus séduisante jusque-là, provenait uniquement de la possibilité de photographier dans ce désert avec ce phare Cependant, les ressources dont vous disposez ne se limitent pas au désert. Je veux dire, vous avez peut-être toutes les ressources qui vous permettent de faire plus qu'une simple histoire d'amour et de nostalgie n'y a pas de ressource plus précieuse que l'expérience que vous pourriez avoir jusqu'à présent. Si j'ai eu l'occasion d'utiliser des effets visuels dans des œuvres précédentes, pourquoi ne pas les utiliser dans cette idée ? autre côté, une autre ressource, une autre stratégie que j'ai utilisée dans les histoires était d'inclure peu de personnages et d'élaborer des costumes Pourquoi ne pas utiliser la même stratégie dans ce désert ? À partir de là, notre sensibilité change et nous commençons à chercher de nouvelles possibilités. Quelle était cette possibilité ? Si vous avez déjà réalisé une œuvre avec peu de personnages, créé des costumes fantastiques et dépeint une histoire du XVIIe siècle dans une montagne, qu'est-ce qui vous empêche de le refaire ? Puis je me suis dit : « Eh bien, je ne voulais pas raconter un autre mot du passé parce qu'en fait, même s'il n'y avait pas beaucoup de personnages, m'en faudrait pas mal Est-ce que je peux m'offrir ces personnages ? Je ne peux pas me le permettre et je ne peux pas créer un mot du passé. Qu'en est-il d'un mot venu d'un futur lointain ? Puis-je m'offrir un futur costume ? Comment puis-je obtenir d'autres personnages du futur par exemple ? Telles sont les questions. Je ne peux pas me les procurer, mais je n'en avais pas les moyens à l' époque. Que puis-je faire alors ? Comment puis-je réaliser un clip vidéo et un clip vidéo spectaculaire ? Il s'avère que de nombreuses plateformes en ligne vendent des vidéos avec des effets visuels et même des vidéos contenant les éléments dont vous avez besoin pour votre propre production. Mais évidemment, la plupart de ces vidéos intègrent des éléments actuels de notre époque. Cette possibilité s'est présentée, peut-être que je ne peux pas décrire un futur lointain, ou un passé autre que le présent. Utiliser la stratégie consistant à mélanger le désert avec peu de personnages, une bonne direction artistique, une bonne cinématographie et des effets visuels dans ces vidéos d'archives était formidable et fantastique Le concept haut de gamme commence donc à prendre forme à partir de là. Des idées plus claires se dégagent de son développement, Acharacture in the desert in the present time Effets visuels et vidéos d' archives offrant ces possibilités. Vous commencez à regarder plus en profondeur autour de vous et vous pouvez réfléchir à des messages importants pour l'humanité Par exemple, vous pouvez parler des souffrances causées par la guerre. Ou vous pourriez parler d'une éventuelle guerre nucléaire. C'est là que l'idée est née. Pouvez-vous décrire une guerre contemporaine ou une guerre dans un futur proche avec les éléments dont je dispose ? Oui, je peux tout à fait, et c'est ce qui s'est passé. Le High Concept a donc déjà été créé, une vidéo d'un soldat dans le désert face à une armée construite avec une vidéo stock et des effets visuels. C'est simple. Ce concept ambitieux me permet de visualiser les objectifs de production et destination des ressources, car je peux me permettre d'acheter les droits d'auteur de ces vidéos d'archives. Ensuite, je pourrai me concentrer sur le reste, qui porterait sur le point de vue du soldat dans le désert ainsi que sur les effets visuels de la guerre. Puisqu'il s'agit d'un seul personnage. Visuellement, c'est simple. Ce n'est pas qu'il n'y ait pas d'autres personnages. Mais la force antagoniste de l'histoire de la vidéo réside dans l'armée à laquelle il fait face Ensuite, la ligne de mire émerge également un soldat rebelle dans un désert sur le point de connaître une guerre nucléaire Ici, nous avons déjà une idée et une histoire possible qui sont pertinentes pour le contexte actuel, pour le public actuel. Avec de réelles possibilités de production. Tout ce que j'ai vécu jusqu' ici est contenu dans cette idée. Une idée claire constitue donc une base solide pour fixer des objectifs dès le début. Je veux dire, les objectifs d'un projet audiovisuel découlent directement de l'idée centrale de l'histoire Cela inclut les objectifs liés au message à transmettre au public. À portée de main. Par exemple, quel est le public que je souhaite atteindre tous ceux qui aiment la musique en espagnol et qui sont préoccupés par la guerre. En effet, si vous n' aimez pas la musique simplement en regardant la vidéo, le message peut vous intéresser ou intéresser toute personne susceptible de sensibiliser le public aux dangers d'une guerre nucléaire. La clarté d'une idée permet donc définir les objectifs de manière spécifique et active. Cela est crucial pour la planification et l'exécution du projet, car il fournit un guide clair de ce qui doit être réalisé. Et dans ce projet, tout était parfaitement clair dès le début. Les contraintes sont également un élément essentiel de la planification d'un projet audiovisuel. Ils peuvent inclure les contraintes liées au backjet, les limites de temps, la disponibilité des ressources techniques en matière de relocalisation , entre autres. Une idée claire permet d'identifier chaque année les contraintes fondamentales susceptibles d' contraintes fondamentales susceptibles affecter la réalisation du projet. Cela est important pour prendre des décisions éclairées et ajuster la planification en fonction de ces contraintes. De plus, la clarté d'une idée permet déterminer comment répondre efficacement à ces contraintes. Par exemple, si l' objet est limité, l'idée centrale peut servir de guide pour hiérarchiser les éléments clés d'un projet et garantir la cohérence Une idée solide oriente non seulement l'orientation du projet, mais facilite également la prise de décision à chaque étape de la production. Heureusement, tout au long de ce cours, de nombreux exemples extraordinaires liés à la prise de décision, même pendant le tournage, seront fournis. Un autre élément important de l'idée est que si nous voulons l'idée se développe et qu'elle s'étende à d'autres histoires, est-à-dire à d'autres vidéos, par exemple, procureur doit laisser ce que l' on appelle la porte ouverte. Ce qui, dans l'écriture d'un scénario , est la possibilité narrative de passer à d'autres histoires Mais ne vous inquiétez pas, car tout cela sera abordé dans les prochaines leçons jusqu'à la prochaine leçon. 3. L'histoire : Le clip vidéo, Noi Mucha Tempo a commencé par une phrase. Vous vous souvenez de ce que j'ai mentionné à propos de la ligne directrice de mon cours sur l'art du cinéma ? La ligne directrice est une phrase qui résume ce que le public est censé voir à l' écran Dans ce cas, le slogan était un soldat rebelle dans un désert sur le point de connaître une guerre nucléaire Mais que pourrions-nous transmettre dans une vidéo de trois ou quatre minutes suffisamment cohérente pour la durée des clips musicaux ? De plus, ce thème devait laisser une porte ouverte à la narration Dans le premier clip vidéo de quatre minutes, je n'ai pas eu le temps de trop expliquer, car il n'était pas possible de créer plus de personnages en raison des contraintes liées au back jet. Par exemple, l' histoire devait être menée par un seul personnage, le soldat rebelle. En général, dans les récits de guerre, il est nécessaire d'expliquer pourquoi la guerre existe, ou du moins pourquoi il existe un conflit entre les parties impliquées. Comme cela n'a pas été possible en raison de la durée du clip vidéo, l'histoire a dû être encore plus simple. L'histoire du pilote rebelle était plus appropriée. Alors que le Soleil parle d'un soldat rouge qui ne veut pas continuer à tuer des innocents. Le message consiste également à regarder en nous-mêmes pour résoudre les problèmes qui nous mènent à la guerre. En gros, la soudure peut être de n'importe quelle époque. C'est un thème universel puisque les paroles de la chanson sont un élément crucial pour raconter l'histoire, nous avons dû approfondir les éléments sémiotiques de la Autrement dit, allez au cœur du message de la chanson. Je pense que le message le plus important dans ce cas est de montrer au spectateur notre capacité à nous détruire les uns les autres. Mais que doit-il se passer avec ce pilote de combat rebelle ? Que doit-il se passer dans la vidéo pour que le spectateur se voie reflété dans l'histoire ? Le seul moyen était que le soldat fasse quelque chose d'inattendu, quelque chose que nous n'aurions pas prévu. De cette façon, nous pouvons engager émotionnellement le spectateur et lui faire comprendre que c' produit la guerre avec ses actions, décisions, ses préjugés et ses ténèbres en chacun de nous. C'est ce que représente ce soldat en déclenchant une guerre nucléaire alors que personne ne s'y attend. Cet élément est un moyen de créer une ironie dramatique. Un exemple parfait, j'en parle dans mon cours sur l'art du cinéma Ici, nous pouvons le comprendre beaucoup mieux. L'ironie dramatique est un outil négatif qui peut être utilisé efficacement dans une histoire pour créer un humour surprenant avec une tournure inattendue Dans la narration visuelle, cela implique une situation dans laquelle le spectateur ou le personnage de l'histoire a une compréhension opposée de ce qui se passe à l'écran Créer un écart entre les connaissances du spectateur et celles du personnage. D'autre part, il peut s'agir d'un outil efficace pour transmettre un message, créer un impact émotionnel ou simplement divertir le spectateur pendant le clip vidéo Tout cela fait partie du processus de diffusion de l' information et de communication inhérent à la production audiovisuelle. Un récit audiovisuel efficace doit intégrer plusieurs éléments clés pour captiver le public et transmettre son message de manière cohérente et puissante Les éléments les plus importants qui devraient être présents dans un récit audiovisuel sont, tout d' abord, un récit solide. L'histoire doit avoir une structure narrative claire qui inclut des éléments tels que l'introduction, le développement et la résolution. Il doit y avoir un conflit central ou une intrigue qui suscite l' intérêt et l'engagement du public. Dans le clip Y mucha tempo, nous n'avions pas beaucoup de temps. Une introduction fournit le contexte de l'histoire. C'est un futur proche marqué la pauvreté et une grande guerre, tout comme dans notre réalité actuelle. Cette introduction présente également le personnage qui présente le pilote de combat en ce moment, celui-ci devient rebelle et est arrêté par son Ensuite, dans la vidéo, il y a un développement où l'on voit le personnage lutter pour survivre dans le désert jusqu'à atteindre un point où il est acculé. Tout au long de cette période, il y a un conflit. Le personnage regrette d'avoir été soldat. Mais il existe également un conflit caché qui suggère que le personnage pourrait être déçu par l'humanité. Enfin, il y a une solution lorsque nous voyons le personnage déclencher la fin du monde en lançant la bombe nucléaire au kilomètre nucléaire Mais cette histoire ne s' arrête pas là dans cette première vidéo. Mais a été créé pour devenir une suite similaire à la façon dont un film peut avoir une deuxième partie ou une série télévisée, une série de plateformes. Pour y parvenir, il doit y avoir mécanisme actuel dans l'un de ces appareils d'écriture le public ouvert . La porte ouverte consiste en des scènes ou des moments d'un film où il peut y avoir une lacune ou une opportunité de développer une autre histoire différente ou une histoire supplémentaire. Ces moments peuvent être créés délibérément ou simplement sélectionnés notre histoire car ils ont la nature nécessaire pour devenir une porte ouverte. Par exemple, dans le film Terminator One, la scène finale est totalement ouverte, car c'est précisément le fait que les restes du robot et les restes du code sont laissés dans cette usine informatique C'est la raison pour laquelle nous avons développé la technologie de chiffrement dans Terminator 2. Bien qu'il existe un paradoxe temporel, celui-ci présente des cors narratifs complexes car un événement entraîne l'autre En d'autres termes, la société de chiffrement vue dans Terminator 2 a développé des algorithmes à partir des restes du premier terminateur laissé dans son usine dans le premier film des années plus Mais en ce qui concerne la vidéo que nous avons créée par Mucho Tiempo pour créer la porte ouverte Le moment où le personnage est sur le point de faire exploser la bombe nucléaire a été utilisée est un moment de réflexion où nous voyons le personnage dans les dernières secondes avant de faire exploser Dans la première vidéo, nous montrons le personnage simplement en train d'activer le missile et de faire quelques pas dans le désert. Mais nous ne savons pas ce qui passe par la tête du personnage, bien sûr Après avoir vu la vidéo et entendu le soleil, nous pouvons imaginer qu'il y a de la frustration et de la tristesse dans le sourire, mais nous ne le voyons jamais à l'écran. Cela fait donc toujours partie de ce que le récit ressent chez le spectateur lorsque la scène suggère des choses Mais juste dans cette scène, le deuxième clip vidéo commence à nous montrer que le personnage pensait précisément l'endroit où il aimerait être après sa mort. Se souvenir de la personne qu'il aime, comme chacun d'entre nous pourrait le faire. C'est la même scène mais d' un point de vue différent. Toute l'histoire est racontée à partir du moment présent. C'est le clip vidéo. Saldanhl You Falls est basé sur les désirs et les souvenirs que le personnage éprouve juste avant de faire exploser C'est un monde entièrement fictif. Un mélange de souvenirs et d' envies de voyage dans l'esprit du personnage alors qu'il est sur le point de mourir. Mais les histoires ont besoin de personnages mémorables. Des personnages bien développés et charismatiques sont essentiels pour que le public puisse s'identifier à l'histoire et s'y intéresser émotionnellement Les personnages doivent avoir des objectifs, des conflits et développer des arcs. Ce point doit donc être compris. Eh bien, il ne s'agit pas de savoir si le personnage est bon, mais s'il fait quelque chose d'important dans l'histoire, que ce soit en bien ou en mal. Dans le film Honeivaljoker, par exemple, les personnages sont méchants, sont des méchants Mais ils font des choses importantes, des choses percutantes que tout le monde n'oserait pas faire L'histoire doit également comporter un dialogue significatif. Le dialogue d'une histoire audiovisuelle doit être réaliste et pertinent. Il devrait servir à développer l' intrigue avancée des personnages et à transmettre des informations importantes. Dans le cas du clip vidéo, le dialogue est représenté à la fois par la voix du soldat et par son classement. Certaines choses au début, en expliquant le contexte et les voix lors la bataille aérienne lorsque le personnage est abattu sur les plans. Plus important encore, les paroles de la chanson représentent le dialogue. Ce dernier élément est le plus crucial dans un clip musical lorsqu'il s'agit de dialogues. Maintenant, comme indiqué, un autre élément important est l'environnement et le cadre. Le monde dans lequel se déroule l'histoire doit être cohérent et bien défini. Les détails de l' environnement, de l'heure et du lieu contribuent à l' audience et à l'immersion. Qu'y a-t-il de plus important que le désert, un lieu où des milliers de mots sont apparus tout au long de l'histoire de l'humanité ? Un autre élément important serait le ton et le style visuel. L'histoire. Le ton doit être conforme à son contenu et à son message. Le style visuel et la direction artistique de la cinématographie doivent compléter le récit et évoquer les émotions souhaitées . C'est important. Il doit y avoir de la certitude dans les éléments qui décrivent l'histoire et sa relation avec le ton du produit Si mon film est une comédie, par exemple, il les éléments que j'ai utilisés pour décrire la guerre soient pas nécessaire que les éléments que j'ai utilisés pour décrire la guerre soient totalement fidèles à la réalité Ou les actions qui se produisent dans l'histoire ne doivent pas nécessairement être totalement courtoises et réelles. Certaines choses sont autorisées dans certains genres. La comédie est très ouverte en ce sens. En revanche, si notre film a un ton émotionnel sérieux, par exemple, le défi est plus important. Et les éléments que nous utilisons doivent être capables de décrire la réalité telle qu'elle est Et les choses qui se passent dans l'histoire doivent avoir une cohérence absolue, ce qui est très important Et je peux donner un exemple dans Glorious Asters, par exemple, ce grand film de Tarantino cinéma, il se passe des choses moment où Hitler est à l'intérieur du invraisemblables mais qui fonctionnent parce que les Genera l'autorisent Parce que le genre essaie de décrire les décisions insensées que les Enfin, notre travail doit avoir un impact émotionnel. Un bon récit audiovisuel doit pouvoir émouvoir et laisser une impression durable sur le public. Le public doit se souvenir de l'histoire et de ses personnages longtemps après l'avoir vue. À cet égard, la fin est essentielle. La façon dont la vidéo suscite une réflexion sur le destin de l'humanité sur le visage des enfants est essentielle pour atteindre cet objectif. Tous ces éléments fonctionnent ensemble pour créer une histoire audiovisuelle efficace. Bien entendu, dans ce cas, si vous voulez apprendre à écrire un scénario directement, vous pouvez suivre mon autre cours, consacré à réalisation de films, qui est également disponible pour Je te vois dans la prochaine leçon. 4. Sélection de l'équipement La caméra et les objectifs: L'importance du choix de l'équipement dans la production cinématographique et cinématographique Dans cette leçon, nous verrons comment le choix approprié de l'équipement peut influencer de manière significative la qualité et le succès d'une production cinématographique Des caméras aux lumières en passant par le son. Chaque choix d'équipement a un impact profond sur le résultat final d'un film. Il est important de noter que je vais utiliser l'exemple du projet de vidéoclip Noi Mucho Tiempo et Salto Angel Angel Falls illustrer pourquoi nous avons choisi l'équipement pour les deux tournages. Où commence le processus de sélection de l' Trois facteurs fondamentaux entrent en ligne de compte lorsqu'il s' agit de choisir l'équipement le plus approprié. Et quel est le premier ? La première consiste à savoir quel type de projet je souhaite créer et quel type de fonds notre projet cible. À partir de là, nous devons déterminer la qualité d'image requise par le projet. S'il s'agit d'une publicité pour une marque de vin par exemple, vous avez probablement besoin d' une caméra de cinéma avec des objectifs de haute qualité qui représentent l' exclusivité de la marque autre côté, si vous devez produire une vidéo pour les réseaux sociaux dans laquelle l'accent est mis sur la description ou la documentation du parcours d'un influenceur, par exemple, un reflex numérique doit être largement suffisant N'oubliez pas que les caméras de cinéma sont spécialement conçues pour l'enregistrement cinématographique Ils offrent une meilleure qualité d'image, meilleures options de personnalisation et des capacités d'enregistrement. Dans des formats haute résolution tels que le 4 K ou même le 8 K, ils sont souvent utilisés dans les productions de films à grande échelle. D'autre part, la plupart des appareils photo reflex permettent d'enregistrer des vidéos en haute définition, et dans certains cas même en quatre ou six K. Dans le cas de la vidéo Noi Mucho tempo, nous avions une idée précise du public et du type de produit dont il s'agissait Il s'agissait d'un clip vidéo destiné à Ajn et à un public adulte qui devait être attiré par le sérieux de la vidéo qui dépeint une guerre À partir de là, nous avons su que ce devait être un bon appareil photo avec de bons objectifs. Cependant, il y avait d'autres facteurs importants. Tout d'abord, le budget n'étant pas élevé, nous n'avions pas les moyens d'acheter la meilleure caméra de cinéma ou les meilleurs objectifs. L'autre facteur était la logistique de production. Si nous savions que nous devions parcourir près de 4 kilomètres à pied entre près de 4 kilomètres point de dépôt et le lieu de tournage, nous ne pourrions pas choisir la caméra de cinéma la plus lourde ou un trop grand nombre d'accessoires et d'équipements D'autre part, le quatrième facteur est bon fonctionnement de l' équipement sur le plateau Je veux dire, il n'y avait que quatre ou cinq personnes sur le plateau car c'était un projet à faible coût. Il s'agissait du directeur de la photographie, de l'assistant réalisateur, de la maquilleuse et de l'expert en parachutisme, et moi non plus, personne d'autre. Les personnes l'assistant réalisateur, de la maquilleuse et de l'expert en parachutisme, et moi non plus, personne d'autre qui utilisaient réellement l'équipement d'enregistrement étaient deux personnes, le directeur de la photographie et son assistant. Nous ne pouvions pas avoir trop d' équipements ni d'équipements complexes ou difficiles à utiliser. Passons en revue l'équipement , puis commençons par la caméra. En ce qui concerne la caméra, nous utilisons caméra de cinéma, pas trop chère. Le Sony X Six, qui enregistre jusqu'à quatre K et a même la capacité de faire un ralenti. Il y avait d'autres options comme le Red Dragon et le R, qui sont de meilleure qualité car leurs capteurs sont plus avancés, offrant ainsi une plage dynamique plus élevée lors de l'enregistrement. Le problème était que ces caméras nécessitaient plus d'accessoires, elles étaient donc plus lourdes. Ici, vous pouvez facilement remarquer la différence sur la gauche et vous pouvez le réinitialiser à partir de l'une des versions les plus petites, et sur la droite dans le Sony X six De plus, ces caméras étaient plus chères. Bien entendu, nous préférons utiliser le Sony FX six, qui était suffisamment bon pour ce dont nous avions besoin et était abordable. Il est important de mentionner que le FX six possède filtres ND internes qui me permettent de filtrer la lumière sur le désert. Cette caméra répond vraiment toutes les exigences minimales pour tourner la vidéo, en fait, dans le cadre de mon cours, Art ou réalisation de films, qui est disponible sur cette plateforme J'ai également expliqué un peu cet appareil photo. Mais je pense que l'une des caractéristiques les plus importantes de cet appareil photo est sa capacité à fonctionner dans des conditions d'obscurité. Les appareils photo Sony Alpha sont conçus pour filmer de nuit. Ici, à l'écran, vous pouvez remarquer un exemple. Une fois le tournage terminé, le directeur de la photographie a gardé l'appareil photo allumé pendant que nous revenions à la camionnette. Quelle que soit la qualité ou la mauvaise qualité d'un appareil photo, les appareils de la série Sony Alpha sont conçus pour fonctionner dans des conditions de disque côté objectif, qui, en termes d'équipement, ce qui, en termes d'équipement, a le plus d'impact sur la qualité d'image. N'oubliez pas qu'il existe deux types d'objectifs pour la photographie ou que certains objectifs sont adaptés aux conditions qu'un photographe peut rencontrer au cours de son travail. Et vous pouvez modifier la distance focale. Parfois, ils ont une mise au point automatique, le tout sans changer d'objectif. D'autre part, il existe des objectifs de cinéma à focale fixe qui ont tendance à être plus nets et plus lumineux que certains objectifs Pour nous, il fallait avoir de bons objectifs. Objectifs de cinéma. Mais il s'avère que la location d'une valise d'objectifs de haut de gamme entièrement professionnels cinéma haut de gamme entièrement professionnels coûte beaucoup plus cher que de louer l'appareil photo lui-même avec tous ses accessoires puisqu' il s'agissait d'un objet correspondant Nous avons pris la décision de louer un seul objectif de cinéma, l'objectif relogé de 45 milli de canons Il s'agit d'un objectif canon modifié et amélioré pour mieux capter la lumière. Nous avons eu le défi de réaliser toutes les prises de vue avec un seul objectif. Quelque chose dont je n'étais pas tout à fait sûr au début, mais la direction de la photographie était qu'il avait cette capacité. De plus, l'enregistrement avec un seul objectif signifie que nous n' aurons pas à changer d'objectif. Ce serait formidable car chaque fois que vous changez d'objectif sur le plateau, vous perdez pas mal de temps en termes de son. Nous n'avions pas besoin d' enregistrer des dialogues ou quoi que ce soit d'autre, il suffisait d'enregistrer des références. Son de moi chantant devant la caméra pour le synchroniser avec la chanson. C'est quelque chose que la caméra Sony FX six pourrait faire. Il est important de noter que de nombreux modèles de caméras de cinéma professionnelles ne disposent pas de cette fonctionnalité. Parce que l'on suppose que vous allez photographier avec de nombreux assistants et équipements. Mais en ce qui concerne les projets sur lesquels nous travaillons, dans le cas de la vidéo de Saltan, il y avait un petit dialogue dans l'introduction Lorsqu'il s'agit d'un petit dialogue de cette nature, il n'est pas nécessaire de s'inquiéter des gros appareils utilisés pour l'enregistrement. Si c'est le cas, comme dans cette vidéo, vous pouvez utiliser n'importe quel niveau, micro pour enregistrer du contenu sur smartphone. Comme le microphone que j' utilise dans cette leçon, lorsque je parle à la caméra. Ce microphone est largement suffisant pour enregistrer le son d'un acteur. Lorsqu'il s'agit d'une œuvre où la qualité de l'enregistrement des voix de l'acteur n'est pas requise pour être très élevée. Donc, Baca, ni le public ne se souviendront que si vous voulez en savoir plus sur la phase d'enregistrement du design sonore, vous pouvez suivre mon cours de design sonore qui est également disponible sur cette plateforme Mais passons maintenant au cas du clip vidéo El Saltan Angel Falls Parce qu'ici, les conditions et les règles changent. Même si le tempo de la vidéo no mucha peut être considéré comme louckjet Il est toujours possible d'avoir un godet encore plus bas. Cette fois, il n'y avait aucune ressource pour louer l'objectif que nous avons utilisé dans la vidéo de Nimuchatempo La stratégie devait être différente. Voyons le graphique suivant en arrière. La qualité du produit audiovisuel est étroitement liée à ces trois éléments. Supposons que le niveau de qualité soit compris entre 0 et 30, 30 étant la qualité maximale Mais ce chiffre ou cette valeur est composé de trois variables. La qualité de l' équipement que vous utilisez, qui est de huit points. La direction de la photographie, qui représente 14 points supplémentaires dans ce que vous capturez avec l' appareil photo, 8 points supplémentaires. Qu'est-ce que je veux dire par là ? pratique, si vous avez une bonne direction de la photographie dans ce que vous enregistrez, c'est vraiment intéressant. Le lieu, la scène, les actions. Vous avez 22 points sur 30. Cela signifie que dans des conditions où la qualité de l'appareil photo est vraiment médiocre, vous avez atteint 22 points sur 30 simplement en suivant le sens de la photographie et en saisissant ce que vous capturez avec l'appareil photo. Cette fois, nous avions la caméra sœur du X six. Nous utilisons le X Three , un appareil photo plus petit doté exactement du même capteur. À la différence près qu' il n'a pas de filtres ND intégrés à l'intérieur du boîtier de l'appareil photo. Bien sûr, beaucoup moins de fonctions pour faciliter le travail pendant les enregistrements. Mais en gros, c'est presque le même appareil photo avec une taille plus pratique. Mais cet appareil photo, le X three, présente un grand avantage car tout ne peut pas être une limite dans la vie. Le FX Stream est une caméra spécialement conçue pour les documentaires. La caméra possède deux fonctionnalités qui permettent d'enregistrer dans des conditions dans lesquelles se trouverait un documentariste abord, il possède un stabilisateur intégré et interne, même le Black Magic S K n'en possède pas. Cela signifie qu'il est conçu de telle sorte que même en enregistrant à la main, vous pouvez avoir une certaine stabilité dans les prises , les superposer, les traiter lors du montage et les rendre parfaites ou du moins assez décentes L'autre caractéristique de cet appareil photo est sa capacité à enregistrer de nuit. Il possède une sensibilité ISO qui permet de capturer de bonnes images dans des conditions de faible luminosité. La caméra Black Magic n'a pas non plus cette capacité. Cela ne veut pas dire que je parle mal de magie noire, mais pour autant que je sache, la magie noire, dans ses versions de poche, est destinée aux productions pratiques et peu coûteuses, aux tournages au jet low bock Si nous savons déjà qu' en termes d'équipement, l'objectif est l'aspect principal de la qualité d'image. À mon avis, ces appareils photo Sony de la série X sont meilleurs car ils sont plus pratiques, plus légers et plus faciles à utiliser. Mais pour en revenir à la prise de vue, la différence la plus notable était l'objectif. Dans ce cas, nous avons utilisé un objectif Sonny de la série D avec mise au point automatique Il s'agit d'un objectif photographique qui, même si la qualité n'était pas la même que les autres, disons qu'il s'agissait d'un objectif de milieu de gamme, assez moyen. J'oserais même dire que c'était une fourchette moyenne-basse. Mais il a réussi à capturer décemment ce que nous voulions enregistrer Mais alors, que devons-nous faire ? Occupe-toi du reste des points. Qu'est-ce que cela signifie ? Que pour travailler avec cet équipement, nous avons dû prendre très soin de la direction de la photographie. En revanche, quoi de plus incroyable que de tourner à Manhattan ? New York. Dans un gratte-ciel de Manhattan ? Ce que je veux dire, c'est que vous pourriez également trouver un endroit incroyable dans vos pays et en tirer le meilleur parti. Bien entendu, vous devez évaluer toutes les variables que j'ai mentionnées précédemment au moment de choisir équipement le plus approprié pour votre production. C'est le secret. Parfois au moins, j'ai vu des cas où de l'argent est investi dans des choses qui ne sont pas vraiment importantes pour la production. Limiter la possibilité d' atteindre les objectifs du projet et le choix de l'équipement devraient nous amener à les atteindre jusqu'à la prochaine leçon. 5. Sélection de l'équipement Steadycam et Follow Focus: Parfait. Nous continuons à examiner le matériel que nous avions utilisé. Sachant cela, j'avais une exigence visuelle. Tout d'abord, comme je l'ai dit, j'avais besoin d'un bon appareil photo avec de bons objectifs, mais j'avais aussi besoin d'un steadicam ou d'un appareil similaire. Je veux dire, nous avons dû enregistrer des scènes où le soldat se déplaçait dans le désert afin créer cette sensation de présence avec le personnage, il était nécessaire de suivre ses mouvements. esthétique était plus appropriée en utilisant une caméra fixe sur un trépied Mais de quel type d' esthétique avions-nous besoin ? Il existe plusieurs types d'esthétique, mais tout dépend de l'opérabilité et du nombre d'assistance dont dispose le projet Comme je vous l'ai dit, il existe plusieurs types de caméra esthétique, les plus courants étant la caméra glissante et la Gimble La caméra coulissante est une barre sur laquelle repose la caméra, mais son fonctionnement est entièrement mécanique Il est généralement utilisé pour obtenir un résultat stabilisé, mais pas nécessairement parfait. Bien entendu, puisque vous devez porter la caméra coulissante avec vos bras, vous portez un gilet spécial qui vous aide à tenir l'appareil photo pendant que vous dirigez la prise Quels sont les avantages de cet outil ? Tout d'abord, une personne peut parfaitement le faire fonctionner. Vous n'avez pas besoin de le configurer car il est mécanique et il ne donne pas un résultat totalement parfait, ce qui peut parfois améliorer le langage cinématographique, mais nous verrons cela plus tard Mais quel est son inconvénient ? Si vous utilisez un reflex numérique, le transport du planeur ne sera peut-être pas un problème majeur, mais si vous utilisez une caméra de cinéma, croyez-moi, ce Vous ne supporterez pas de transporter une caméra de cinéma avec un objectif professionnel pendant longtemps. Si votre journée de travail est longue, l'opérateur ne la supportera pas à moins qu'il n'y ait plusieurs caméramans. Mais d'un autre côté, Kimball Static peut le faire. Cet appareil est exactement comme le glide can, mais possède également un axe motorisé qui aide à stabiliser encore plus l'image En d'autres termes, la caméra n'est pas directement connectée à la barre mais à un axe configuré au préalable. Il existe en fait une autre version légèrement plus avancée appelée course à pied, qui est une roue carrée ou métallique que vous pouvez transporter plus confortablement, mais qui possède un axe motorisé sur lequel repose la caméra Et quels en sont les avantages ? La première est que l'image est beaucoup plus stabilisée puisque l'axe motorisé finit de stabiliser la caméra Cependant, vous avez plusieurs inconvénients lorsqu'il s'agit d'un projet d'objet verrouillé. Tout d'abord, avec la Glad Cam, l'opérateur en aura assez de tenir le Kimball C'est trop lourd pour une seule personne. Sans parler de la course à pied, qui pèse encore plus. Les deux sont des équipements excellents mais lourds. À moins que vous n'ayez un gilet pour vous aider à le tenir, une seule personne ne pourra pas le faire fonctionner. De plus, même avec le meilleur, il ne peut pas être utilisé par une seule personne. Vous avez besoin de quelqu'un pour étalonner le système motorisé, si tout le monde n'est pas capable de le calibrer Lors de mon dernier shooting historique, une personne se consacrait exclusivement au calibrage du running L'autre facteur important est que le Kimball stabilise presque complètement l'image, ce qui n'est pas toujours nécessaire Peut-être que dans la publicité ou dans certaines scènes de films, cela peut être parfait encore au cinéma, ce n'est pas toujours le plus approprié. La vibration de la caméra est parfois un signe cinématographique qui nous aide à nous sentir proches du personnage Bien que l' image ait besoin d'être stabilisée, une légère vibration peut être nécessaire. L'histoire de ce clip parle de guerre. Le soldat court assoiffé dans des conditions hostiles Nous avions donc besoin d'un appareil qui nous aiderait à transmettre cela. Donc, si vous avez vu de bons films, vous remarquerez que toutes les images ne sont pas complètement stabilisées. Et je vous le dis parce que la plupart des tutoriels que vous pouvez trouver sur Youtube ou Internet vont vous amener à créer une vidéo complètement stabilisée. Et ce n'est pas toujours le cas Vous devez donc savoir quand l'image doit être complètement stabilisée ou secouée en tant que signifiant cinématographique Dans ce sens, il existe un autre type de steadicam appelé sic Cet appareil me permet de suspendre la caméra à un levier extensible relié à un gilet. La caméra est complètement suspendue dans les airs. Lorsqu'un opérateur l'utilise, le résultat sera comme s' il s'agissait d'une prise de vue prise à la main, mais avec un mouvement suffisamment subtil pour ne pas gêner les yeux du spectateur. L'avantage de cet appareil est que le Easy Rig lui-même est le meilleur, vous n'avez donc pas à en chercher un autre. De plus, il n'est pas nécessaire de le calibrer. C'est un outil simple à utiliser pour le directeur de la photographie qui était également le principal caméraman. C'était la meilleure option lorsque nous utilisions des caméras esthétiques et des objectifs de cinéma. Il est important de se rappeler que les objectifs de cinéma ne sont pas dotés de la mise au point automatique. Vous vous souvenez de la différence entre un objectif de cinéma et un objectif de photographie ? Certains objectifs photographiques sont focalisés pour faciliter le travail de photographie. Ces objectifs sont souvent utilisés en vidéo ou au cinéma pour des raisons pratiques, notamment pour le cinéma documentaire D'autre part, dans l'objectif cinéma, la mise au point est contrôlée manuellement par une mise au point continue. La mise au point suivante est l'appareil qui me permet de contrôler la mise au point de l'image manuellement en déplaçant une molette à côté de l'objectif. Lors d'un tournage, il est habituel qu' seule personne se consacre à la mise au point, mais cela n'est pas toujours possible. En général, dans les prises de vue à faible encombrement, la même personne qui utilise l'appareil photo gère également la mise au point Mais même si votre projet est un projet à faible objectif, vous aurez peut-être besoin d'un focus polar Et c'était notre cas. Je vous avais dit que nous devions utiliser des objectifs de bonne qualité Nous savions donc que nous devions utiliser des objectifs de cinéma. C'était donc une exigence du directeur de la photographie de garantir une bonne image finale. Si nous avions besoin d' une caméra fixe et d'objectifs de cinéma, le capteur de mise au point était essentiel De plus, le Focus Poller devait disposer d'un système de suivi de mise au point sans fil Lorsque l'appareil photo est fixé sur un trépied. Le système n'a pas d' importance car le trépied maintient l' appareil photo entièrement en acier Mais si l'appareil photo est en mouvement, le système de suivi de mise au point ne peut pas être manuel car il est nécessaire l'extracteur de mise au point touche l'appareil photo, ce qui serait un véritable désastre Comme vous pouvez le voir à l'écran, nous avons utilisé un système de suivi de mise au point sans fil afin que l'extracteur de mise au point puisse fonctionner confortablement sans toucher l'appareil photo ou l'opérateur principal Cet appareil nécessite également un moniteur externe afin que le pouvoir de mise au point puisse garantir une mise au point correcte de l'image Bien enregistré. Parfait. Jusqu'ici, tout va bien. C'est là que tous les équipements que nous avons utilisés dans les projets tiennent compte tout ce qui est mentionné dans ces deux leçons à propos l'équipement et jusqu'à la prochaine leçon. 6. Le jour du tournage d Planification, développement et problèmes inattendus: Le déploiement de la production sur une cassette de tournage peut varier en fonction du type de projet, son ampleur et de l' équipe impliquée. Cependant, ce qui suit donne un aperçu de la manière dont le déploiement de la production doit se faire sur une cassette avant la prise de vue du jour du tournage, planification doit être effectuée, y compris la planification du tournage, les heures d'arrivée sur les lieux, la planification des heures d'arrivée réelles sur et l'organisation du transport de tout le personnel et de l'équipement vers le plateau de tournage. Cette planification est essentielle au succès, surtout compte tenu du temps limité disponible ou du tournage requis. J'ai filmé pendant quatre heures consécutives dans le désert du delta de l'Avro, environ 2 heures de Barcelone, mon lieu de résidence Il était nécessaire de décrire le passage du temps lorsque le soldat traverse le désert compter sur la lumière du soleil et Il faudrait compter sur la lumière du soleil et les 4 dernières heures de la journée. Absolument nécessaire. Dans les régions à quatre saisons, coucher du soleil en été a tendance à être plus lent. Sachant que le soleil se couchait à 21 h, nous devions être sur place avant 16 h. Il fallait environ 4 minutes à une heure de marche pour se rendre du point de dépôt au lieu de tournage exact De là, nous avons eu 4 heures pour filmer tout ce qui était prévu jusqu'au coucher du soleil. Afin d'atteindre tous ces objectifs. La première étape consiste à déterminer le jour du tournage. Si vous filmez en studio, il se peut qu'il n'y ait pas de problèmes majeurs. Cependant. Pour les autres tournages, une attention particulière est requise. Les producteurs doivent analyser les prévisions météorologiques et les précipitations potentielles le jour du tournage. Des plans d'urgence en cas de pluie devraient également être établis. Si vous tournez dans une région pluvieuse, risque est important. À moins que la pluie ne soit incorporée dans le script, le matériel nécessaire pour filmer sous la pluie doit être disponible. Il est également conseillé d'avoir la possibilité de filmer sur deux jours, de filmer sur deux jours, que ce soit pour l'un d' entre eux. Dans notre cas, nous n'avons pu tourner qu'une seule journée. Le choix du jour du tournage a été crucial pour réussir. Le transport était essentiel pour ce tournage. Même pour les projets extérieurs avec un objet bas, il est essentiel d' avoir un véhicule. Dans mes premiers projets, j'utilisais ma propre voiture. Dans les écoles de cinéma, les étudiants avaient souvent quelqu'un dans la pièce qui leur fournissait leur voiture. Si ce n'est pas possible, pensez à payer un ami pour qu'il soit votre coureur. Mais ce que je veux dire, c'est que si vous aviez un peu plus de budget, louer un véhicule exclusivement cette fin pourrait améliorer l' apparence générale de la production, qui est un groupe pour le tournage. Il nous transporterait d'un point de rendez-vous au lieu de tournage sur une distance de plus de 140 kilomètres. Le fourgon sert non seulement au transport, mais également au transport du matériel loué du lieu de location au point de rendez-vous, par exemple. De plus, offrir du confort est essentiel pour le leadership. Lorsque nous avons dû travailler dur avant de partir, nous avons pris un déjeuner copieux dans un restaurant voisin pour nous préparer pour le tournage. Les déplacements peuvent être épuisants fait d'être dans une camionnette permet donc à l'équipe de production de se détendre et de se sentir fraîche pour un tournage intense. Investir dans des moyens de transport confortables, même pour les projets d'avions à faible altitude, peut améliorer considérablement l'expérience de l'équipe Un autre aspect important est l' arrivée sur le lieu de tournage. Nous avons dû résoudre les scènes initiales de l'histoire. Nous avons donc commencé par les scènes de Parches avec l' aide d'un parachtiste expérimenté Il est très important d'avoir des professionnels pour ce type d'actions, sinon nos idées peuvent être très coûteuses et dangereuses. Le pilote n'avait pas vraiment besoin de sauter en parachute. Nous avons créé une illusion avec les images d' archives et le montage, mais nous avons dû faire face à plusieurs défis inattendus dans cette scène Nous avons même dû profiter du trajet jusqu'au site principal, qui se trouvait à côté du phare que vous avez déjà vu. Pourquoi ? Parce que la personne qui devait nous aider à résoudre le problème du parachute n'avait pas à marcher 40 minutes pour se rendre au phare Nous avons décidé d'enregistrer la scène du parachute au début du parcours, ce qui nous a permis d'économiser du temps et des efforts, tout d'économiser du temps et des efforts, tout en ajoutant un lieu supplémentaire à la production Mais je vais souligner quelque chose important qui s'est produit dans cette partie du tournage. Je vous avais parlé des limites ou des problèmes inattendus qui peuvent survenir lors d'un tournage, des contraintes, etc. Le plan de cette ascension était d'enregistrer le moment où le pilote atterrit avec le parachute Pour conserver cela, il a donc fallu lever au moins un miroir en l'air puis tomber avec le parachute Le problème était qu'en raison de la période de l'année, la saison, le vent était trop fort. Et en m' élevant dans les airs, le parapente qui faisait office parachute m' emmenait en fait vers la mer, ce qui était très dangereux et incontrôlable Cette quantité de vent n'était pas prévue ou plutôt n' était pas prévue. Et là, vous pouvez vous rendre compte de l'importance de choisir le bon jour pour le tournage. Nous avons donc d'abord dû improviser une stratégie, pour ne pas enregistrer le pilote flottant dans les airs à aucun moment Mais uniquement pour enregistrer quand il entre déjà en contact avec le sol. Et d'autre part, profiter du vent. Si vous pouvez le remarquer, il y a une scène où le pilote lutte contre le vent pour fermer le parachute Et ce n'était pas prévu. C'est simplement tirer parti de cette limitation inattendue et en faire un autre matériau pour la vidéo qui est très important. Et c'est une sorte d' intuition que nous devons développer en tant que réalisateurs. Les scènes ont été tournées dans l' ordre chronologique. Le pilote arrive en parachute, s'enfuit à travers le désert et atteint la mer où il est acculé et épuisé finalement décider d' activer la bombe nucléaire Mais ça, je n'ai pas eu le temps de faire des pauses. Nous avons apporté des chocolats hydratants et protéinés pour résister aux 4 heures d'affilée. Nous sommes donc passés aux scènes où le pilote s'enfuyait des avions et où les soldats luttaient contre les intempéries et s'enfuyaient du point de départ afin de gagner du temps ou plutôt de profiter du Dans cette partie du tournage, nous avons laissé la caméra allumée et avons continué à jouer. Marcher dans le désert, interagir avec l'espace et avec la situation des personnages. Ensuite, dans le processus de montage, prenez le meilleur parti pour les ajouter au montage final. C'est une excellente stratégie pour tirer le meilleur parti d'une performance d' acteur. C'est l'une des raisons pour lesquelles le Steady Cam ou le Easy Rig étaient si nécessaires. Au fur et à mesure que les personnages accumulent du sable ou entraînent ceux qui le souhaitent, ils deviennent plus efficaces devant la caméra C'est pourquoi il est si important de maintenir le bon ordre lors de l'enregistrement des scènes, en particulier lorsque nous n'avons pas plusieurs options disponibles. Les scènes de chant ont été tournées en contraste avec les scènes du désert. Le directeur de la photographie a proposé d'utiliser des prises de vue en faible angle pour capturer les personnages défiant les avions montrant le ciel derrière eux. De plus, certaines scènes de chant devaient être tournées au ralenti. Pour ce faire, la chanson a été jouée à Doval ou Triple Speed pendant le tournage, la caméra étant réglée à 60 images par seconde Lors du montage, l'espace de l'éclipse a été maintenu synchronisé avec le son d'origine, tout en donnant à la séquence une apparence flottante au ralenti autre côté, il est important de souligner un autre problème inattendu qui s'est posé lorsque nous allons enregistrer les scènes de chant. C'est pourquoi il est important d'établir très clairement les objectifs du projet et l'histoire. Il s'avère que le plan était de m' enregistrer, de m'enregistrer en train de chanter à côté du phare car l'endroit avec le phare en arrière-plan me semble très intéressant, du moins visuellement. Mais il s'avère que lorsque nous sommes arrivés sur place, il y avait un grand nombre de touristes sur place. Je veux dire, même si nous demandons la permission au parc national pour y filmer, les touristes n'ont pas besoin de permis pour se rendre à cet endroit. Il était donc impossible de filmer à côté du phare. Donc, à première vue, vous pourriez penser que le plan que nous avions a été détruit Mais si vous revenez aux objectifs du projet, concept de hauteur et à la voie tactile, vous vous rendez compte que le phare n'est pas nécessaire Il n'apporte rien de précieux à l'histoire ou à la vidéo Le retrait du phare de l'usine n'était donc pas un problème. Nous avons donc décidé d' enregistrer sans inclure le phare en arrière-plan et absolument rien n' est arrivé au projet. Il n'a pas perdu de valeur ou quoi que ce soit d'autre. D'autre part, le groupe historique qui sera impliqué tout au long du tournage En fait, au début, je n'avais pas vraiment confiance en cet appareil, mais le directeur de la photographie m'a convaincu. C'est pourquoi je tiens à vous dire quelque chose d'important à ce sujet. Dans mon cas, je suis acteur et réalisateur. Et pour y parvenir, la confiance est nécessaire. Je veux dire que vous avez confiance en votre travail, en une équipe. Je veux dire, si vous fréquentez des écoles de cinéma ou si vous essayez de constituer une équipe pour développer des projets. La confiance est très importante lorsqu' il s'agit de réaliser un film, afin que chacun de vous puisse se concentrer sur une partie du projet Dans mon cas, j'avais besoin d'un bon directeur de la photographie capable de me faire oublier l'appareil photo lorsque la section était réglée. Et c'est important dans tous les aspects d'un tournage. Le directeur de la photographie a été le meilleur pendant les 4 heures complètes. Maintenir l'appareil photo sans avoir à changer d'objectif. Après avoir tout capturé au coucher du soleil, il nous suffit de tout emballer et retourner à pied à l'endroit où une voiture nous attendait. Lors de la planification d'un tournage, les circonstances imprévues doivent être prises en compte Dans ce cas, il y a eu du trafic imprévu sur le trajet de retour, ce qui a entraîné un retard. Heureusement, le temps supplémentaire avait été pris en compte dans le scandale des sociétés de transport Ces considérations sont cruciales, en particulier lorsque le budget est limité, car les imprévus font partie du processus de planification. En résumé, le déploiement de la production le jour du tournage est une opération coordonnée impliquant la planification, la préparation, le tournage, l'équipement et le dépannage personnel. L'efficacité et l'organisation sont essentielles pour tirer le meilleur parti du temps de tournage et obtenir les résultats souhaités. L'une de mes principales recommandations est de planifier minutieusement pour éliminer la peur Parfois, il y a une certaine appréhension à l'idée de prendre des photos de cette nature Ils ne sont abordables que pour une grande équipe de production. Cependant, le courage d'un réalisateur réside dans l'évaluation logique de la possibilité d'un projet, comme c' était le cas ici jusqu'à la leçon suivante 7. Verres et visages de faible qualité: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous verrons comment l'utilisation d'objectifs de faible millimètre et de faible qualité peut avoir un impact négatif sur la représentation du visage d' un acteur dans une production cinématographique Il est important de comprendre comment le choix de l' équipement cinématographique peut affecter la représentation visuelle des acteurs à l'écran et comment cela peut influencer la perception du public. Les verres à faible millimètre ont tendance à subir plus de distorsion sur les bords de la monture que les verres millimétriques supérieurs. Cette distorsion peut se traduire par une déformation indésirable du visage de l'acteur, en particulier sur les bords du cadre. Par exemple, cela peut donner l'impression que les lignes droites sont incurvées ou que les traits du visage sont exagérés. Cette distorsion peut être particulièrement visible dans les gros plans, où toute déformation du visage de l' acteur peut être plus évidente et nuire à la perception du public. Jetons un coup d' œil à cet exemple. Dans cette scène, la jeune fille est filmée avec un objectif réglé à 17 millimètres, ce qui était la meilleure option car cet objectif de qualité répond mieux à la formation. Vous pouvez voir qu'elle a l'air très bien proportionnée. Et même en sachant que la fille n'est pas complètement mince, cette lentille convenait le mieux à son visage à ce moment-là. Mais le même tir a également été tenté en 24 millimètres. Regardez le résultat. C'est terrible. La déformation n'est pas professionnelle Tout d'abord, regardez comment l'image s'est déformée sur les bords. Et la tête de la fille semble beaucoup plus grosse que son corps, elle est affreuse. Le problème, c'est que certains cinéastes deviennent obsédés par ce millimètre Il s'avère que tous les objectifs ne se déforment pas de la même manière. Regardons cet exemple dans le film féminin danois. Voici un aperçu de cette photo du peintre Guy Einar. Ici, ils utilisent une lentille d'environ 35 ou 24 millimètres, additionnée intentionnellement sur le visage, représentant le dilemme psychologique du moment Cependant, la distorsion est totalement artistique. En fait, la distorsion sur les bords est beaucoup plus esthétique que la photo de la fille dans le clip vidéo Salt. De toute évidence, il s'agit d'un objectif ultra fixe, il n'y a aucune comparaison. Mais c'est à vous de vous rendre compte de ce qui peut se passer pendant le tournage. Mais je n'essaie pas de dire que vous ne pouvez pas utiliser d' objectifs de faible millimètre. Notez que de la même manière, l'objectif a déformé négativement le visage de la fille. l'exemple précédent, regardez cet autre exemple où elle a l'air parfaite. Mais il s'avère que l'objectif de ce point de vue fonctionne encore mieux même lorsqu'il est configuré à 35 ou 24 millimètres. D'autre part, il est important de tenir compte du fait que les objectifs de faible qualité manquent souvent netteté nécessaire pour capturer avec précision les expressions faciales subtiles et la texture de la peau de l'acteur Le manque de netteté peut se traduire par une image floue et indéfinie, ce qui rend difficile pour le spectateur d'apprécier pleinement les émotions des acteurs et les émotions des acteurs De plus, le manque de détails peut donner l'image une apparence plate et dynamique, ce qui nuit à l'immersion du spectateur dans l'histoire et à son lien affectif avec les personnages. Et c'est très important, surtout lorsque la scène que nous allons tourner a une importance émotionnelle qui sera représentée par les esters de l'acteur. Les larmes sont difficiles à voir avec un objectif de faible millimètre, surtout s'il est de mauvaise qualité Ce n'est pas seulement la question des objectifs qui est importante, mais aussi la façon dont nous déplaçons l'appareil photo avec l'objectif correspondant. Et pas seulement cela, mais aussi la position de l'acteur et de l'actrice par rapport à la caméra. Remarquez par exemple, dans cette séquence qui n'est jamais sortie. Bien que j'utilise un objectif de 17 millimètres, cela ne me convient pas parce que je suis complètement face à elle et très près de son visage. Son visage paraît donc plus large que d'habitude. Il est donc important de faire preuve de sensibilité à ces détails ici. Dans cet autre cliché, la même chose se produit et son visage ne semble pas immobile. Ce n'est pas sa faute. Nous devons être capables de représenter les acteurs de la meilleure façon possible Regardez cette autre séquence, elle semble bien meilleure parce que même si je suis également face à elle, la caméra n'est pas complètement proche de son visage. C'est à la distance idéale pour que son visage soit vu de près sans déformation exagérée D'autre part, l'utilisation d'objectifs de faible qualité peut avoir un impact significatif sur l' expérience physique du spectateur et sur sa capacité à établir un lien émotionnel avec les personnages à l'écran Une image déformée, floue et indéfinie peut distraire le spectateur et diminuer son immersion dans l'histoire, affectant négativement la affectant négativement qualité globale de la cinématique et la perception qu'a le public de la performance de De plus, comme je vous l'ai déjà dit, un manque de netteté dans les détails peut rendre l'image peu professionnelle et peu attrayante, ce qui peut affecter la réputation du projet et la volonté du public de profiter du film dans En conclusion, il est essentiel de prendre compte l'impact que l'équipement cinématographique peut avoir sur la représentation visuelle des acteurs dans sa production cinématographique L'utilisation d'objectifs de faible millimètre et de faible qualité peut donner une image peu flatteuse et irréaliste du visage des acteurs nuit à la qualité globale et à l'expérience du et Il est important de sélectionner avec soin les objectifs appropriés à les objectifs appropriés chaque situation de tournage et de veiller à ce qu' un équipement de haute qualité soit utilisé pour obtenir les meilleurs résultats visuels possibles et offrir une expérience cinématographique mémorable expérience cinématographique au public jusqu'à la prochaine leçon 8. Cinématographie Lumière naturelle: La cinématographie est un art qui repose sur manipulation de la lumière pour raconter des histoires visuellement captivantes L'une des ressources les plus puissantes disposent les cinéastes est la lumière naturelle, qui peut créer des atmosphères uniques et des rentes émotionnelles dans un film Dans cette leçon, nous verrons comment utiliser efficacement la lumière naturelle en cinématographie Utilisation de divers exemples de films pour illustrer différentes techniques et approches. Avant d'aborder l'utilisation de la lumière naturelle en cinématographie, il est essentiel de comprendre ses caractéristiques et son impact sur l'image à l'écran lumière naturelle peuvent varier L'intensité, la direction, la couleur et température de la lumière naturelle peuvent varier en fonction de l'heure de la journée, météo et de la situation géographique. Par exemple, la lumière du soleil au lever ou au coucher du soleil a tendance à être plus douce et chaude, tandis que la lumière du midi peut être plus intense et plus fraîche Permettez-moi de vous donner un exemple. Dans le film Days of Heaven, réalisé par Terrence Malik, lumière naturelle est utilisée de main de maître pour capturer la beauté de la nature et de la vie à campagne, comme le chant se lit au coucher du soleil, lumière douce et dorée qui imprègne avec une lumière douce et dorée qui imprègne chaque image d'un sentiment Mais ce n'est pas une tâche facile avant le tournage Avec la lumière naturelle, une planification minutieuse est essentielle. Cela inclut la sélection d'emplacements qui tirent le meilleur parti de la lumière disponible, ainsi que la planification des prises de vue pour qu'elles coïncident avec les moments de la journée offrant l'éclairage souhaité. De plus, il est important d' anticiper l' évolution de la lumière naturelle pendant le tournage et être prêt à s'adapter à ces variations. Par exemple, vous savez que si le coucher et le lever du soleil ne durent que peu de temps, vous devez tout planifier pour être le efficace possible pendant cette période. Un autre facteur important est la question des références, mais pas des préférences concernant l'œuvre en général, mais des références picturales J'insiste trop là-dessus et même parmi mes collègues, la majorité n'y prête pas attention. Je ne sais pas pourquoi cela arrive. C'est peut-être de la paresse, mais le fait est qu' ils trouvent ennuyeux d' aller au musée et de voir des expositions de peinture Mais il s'avère que ces peintres n'ont pas vécu dans les conditions dans lesquelles nous vivons avec les téléphones portables, avec autant de distractions. Et ces gens passent des heures et des heures à contempler les paysages, à contempler la lumière Par conséquent, leur façon de représenter la lumière dans les peintures était très précise et artistique Quelque chose que même la majorité des cinéastes oublient , car ils sont impatients de car ils sont impatients découvrir quel est le meilleur modèle d'appareil photo, quelle est la configuration de la caméra, quelles sont les absurdités liées à l' équipement, qui ne donnent pas une bonne image Et je peux vous assurer que certains d'entre vous attendent que quelqu'un vous dise comment positionner la caméra, comment placer la caméra ou comment positionner la mouche d'eau. Cela ressemble donc à Days of Heaven dans ce film. Mais en fin de compte, le meilleur exercice pour que vos prises de vue ressemblent à celles de ce film, Days of Heaven, est d'avoir de si bonnes références dans votre esprit que lorsque vous essayez de trouver le meilleur angle de caméra et le moment exact de la lumière à enregistrer, votre esprit se souvient inconsciemment de ces peintures Et puis vous dites : c'est le moment, c'est là que passe la caméra. Sans que personne ne vous ait appris quoi que ce soit, il est important de tirer parti des changements climatiques extérieurs comme ressource narrative dans le domaine de la cinématographie Je veux dire que lorsque le temps change soudainement, exemple lorsque le ciel est couvert de nuages ou que la pluie commence à tomber, cela peut ajouter une touche de drame et de tension à l'histoire. Les cinéastes peuvent tirer parti de ces changements climatiques pour ajouter une couche supplémentaire de sens et d'émotion au récit Par exemple, un brainstorming soudain peut symboliser un changement émotionnel chez les personnages ou ajouter des obstacles inattendus à leur voyage De même, la circulation soudaine en tant que lieu extérieur peut créer des conflits défis pour les personnages l'intrigue dans une direction inattendue. La possibilité d'adapter et de modifier l'histoire en fonction de la météo permet aux cinéastes de tirer le meilleur parti de l'environnement naturel et créer des films mémorables et passionnants Mec, aimerais-tu venir rouler avec moi en cette belle soirée ? Et que tu es ton esprit. Oh, c'est bon. La météo écossaise, madame. La pluie tombe légèrement sur la ligne de touche. Elle ne peut pas y aller avec Non. Oh, non. Le présent. Bref. Non, maintenant. Non, maintenant. Nous vous verrons plus tard. Il fait très beau. Il pleut bien Vous savez ce que j'ai dit : un autre exemple serait le projet de Floride. Dans le projet Florida réalisé par Sean Baker et dont le directeur de la photographie était Alexis planification méticuleuse des scènes pour tirer parti de la lumière naturelle est évidente dans chaque image du film pendant l'été à Orlando, en Floride La lumière du soleil est utilisée pour mettre en valeur les différentes couleurs et énergies de l'environnement. Si la lumière naturelle peut être belle et évocatrice, elle peut également être imprévisible et difficile à contrôler Les cinéastes utilisent souvent des techniques pour contrôler et modifier la lumière naturelle afin de façonner l'image en fonction de leurs besoins créatifs Cela peut inclure l'utilisation de réflecteurs, par exemple diffuseurs et du lin, pour diriger, adoucir et bloquer la lumière naturelle selon les Par exemple, dans cette scène, nous avons utilisé un vol d'eau pour filtrer la lumière directe qui brillait dans cette scène. Parce qu'en fait, nous l' avons enregistré presque vers midi. Vous pouvez voir que cela ressemble à un coucher de soleil. Mais je veux dire, juste au crépuscule où la chanson ne brille plus directement mais est recouverte de nuages, etc. Mais je vous recommande vivement d'enregistrer au moment de la journée où vous avez besoin de la lumière. Dans le mode de déplacement défini par Es, des techniques de contrôle de la lumière naturelle sont utilisées pour mettre en évidence la brutalité de la beauté qui caractérise la vie dans les zones rurales du sud des États-Unis Le film présente une variété de paysages, des champs ouverts aux intérieurs sombres, exposés à lumière naturelle adaptée pour capturer l'atmosphère unique de chaque décor. Mais j'insiste sur le fait que l'un des plus grands défis du tournage en lumière naturelle est de s'adapter aux conditions environnementales changeantes. Cela peut inclure des changements intensité lumineuse dus aux nuages, changements de direction de la lumière dus aux sons, mouvements et des changements de température de couleur en fonction de l'heure de la journée. Les cinéastes doivent être prêts à adapter leur approche en fonction de ces variations et à tirer le meilleur parti des opportunités qui se présentent Par exemple, dans le film Best of the Southern Wild, réalisé par Ben Settling, la capacité à s'adapter aux conditions changeantes de la lumière naturelle est évidente tout au long du film. Tourné dans les marais de Luan, le film capture la magie et la rudesse de l'environnement dans diverses conditions d' éclairage, du lever du soleil éclatant aux orages Mais d'un autre côté, dans la cinématographie, la couleur des costumes joue un rôle crucial dans la transmission des émotions, définition des personnages et l' atmosphère du Je veux dire, il sert non seulement à compléter la palette de couleurs globale du film, mais aussi à constituer un outil puissant pour communiquer des thèmes et des concepts sous-jacents. Kirk est un excellent exemple d'utilisation efficace de couleurs personnalisées en film Kirk est un excellent exemple d'utilisation efficace de couleurs personnalisées en cinématographie Ce film réalisé par Christopher Nollm, photographié par Halpanyema Dunkerque, utilise la couleur des costumes pour représenter visuellement le conflit et le chaos de la Seconde Guerre mondiale La palette de couleurs reste dans les tons de vert, de brun et de gris, reflétant la dureté et la gravité de l'environnement militaire Je veux dire, les uniformes militaires, principalement dans les tons verts et bruns, sont utilisés pour identifier clairement les soldats et différencier les différentes factions du film, telles que l'armée britannique et les soldats allemands De plus, les couleurs des costumes sont également utilisées pour mettre en évidence contraste entre les personnages et leur environnement. Par exemple, les soldats britanniques sont représentés dans uniformes verts et bruns qui se fondent dans le paysage naturel Où les personnages civils que les sauveteurs peuvent porter des vêtements plus clairs et des couleurs plus vives pour souligner leur humanité et leur bravoure au milieu Donc, en termes de narration, la couleur du costume en danger a contribué à donner aux personnages le sentiment d' danger imminent et d'une lutte pour la survie Les tons sombres et sourds reflètent la tension et l'incertitude de la situation, tandis que les éclats de couleur peuvent mettre en évidence des moments d'espoir en plein En fait, ce film a été ma référence pour développer la couleur du clip vidéo. Pas beaucoup de tempo. Bien que la couleur ne soit pas exactement la même, les tons verts de l'uniforme, ainsi que ceux de la végétation, ont été pris en compte pour créer une atmosphère militaire dans la couleur. D'autre part, pour ce problème de couleur, non seulement le design personnalisé est important, mais également la correction des couleurs en post-production Par exemple, dans ce clip, beaucoup de tempo. Vous pouvez remarquer à quel point les couleurs du ciel sont modifiées pour qu'elles aient un ton vers l'écran la même manière que cela se faisait à Dunkerque, avec la couleur du ciel et de la mer En résumé, la couleur des costumes joue un rôle crucial dans la cinématographie l'atmosphère, en définissant les personnages et en communiquant les thèmes sous-jacents Bien que Dunkerque en soit un exemple remarquable, ce principe s'applique à un large éventail de films où l' utilisation stratégique de la couleur des costumes renforce l'impact spécial et émotionnel, enrichissant ainsi l' expérience narrative du Par exemple, dans le faux clip d'Angels chez Salt, nous choisissons la couleur de la personnalisation en fonction de la couleur de l'architecture new-yorkaise. La couleur des bâtiments est une sorte de couleur brune. Et même le Bray en bleu correspond à la couleur du ciel, créant un contraste visuel intéressant En conclusion, la lumière naturelle est une ressource insoluble dans la cinématographie qui peut adapter texture et l'émotion à un film en comprenant comment exploiter la lumière naturelle de manière défectueuse En utilisant des exemples tirés de films pour illustrer différentes techniques et approches, les cinéastes peuvent créer des images visuellement saisissantes qui peuvent captiver public et raconter des histoires puissantes et évocatrices jusqu'à 9. Cinématographie qui rompt les mythes sur les prises de vue à main et la sélection d'équipements: La qualité optique des objectifs joue un rôle essentiel dans la cinématographie, particulier dans le contexte des tournages avec caméra portative Les objectifs de haute qualité offrent une reproduction précise des couleurs, une netteté exceptionnelle et un contraste amélioré Ces caractéristiques contribuent non seulement à l'esthétique visuelle globale du film, mais influencent également la perception émotionnelle et psychologique du spectateur. Les objectifs de haute qualité sont capables de capturer une gamme plus large de couleurs et de tons, ce qui permet une représentation plus fidèle de la réalité. Cela est particulièrement important dans les genres cinématographiques où l'atmosphère et palette de couleurs sont cruciales pour transmettre les émotions et donner le ton au Par exemple, dans le film indépendant Moonlight, réalisé par Barry Hankins et tourné par James Laxton, le rôle des objectifs de haute qualité dans la représentation précise et évocatrice réalisé par Barry Hankins et tourné par James Laxton, le rôle des objectifs de haute qualité dans la représentation précise et évocatrice des couleurs est mis en évidence. Le film suit la vie d' un jeune homme afro-américain nommé Sharon à trois étapes différentes de sa vie. explore les thèmes de l'identité, la masculinité et de l'amour dans le contexte de sa communauté de Miami James Laxton a choisi d'utiliser des objectifs de haute qualité pour capturer la riche palette de couleurs de Miami et transmettre l'atmosphère unique de chaque décor du film Dans les quartiers de la ville, les différentes couleurs des rues, les peintures murales, les façades des maisons Les vêtements sont présentés avec une intensité et clarté qui évoquent la vie et l'énergie de la communauté En fait, même dans les scènes les plus intimes et les plus sombres, comme celles qui se déroulent à l'intérieur ou pendant la nuit, verres de haute qualité permettent aux couleurs de rester fidèles et expressives Les tons chauds et doux de l'éclairage artificiel et clair de lune sont représentés avec une beauté subtile mais saisissante, ajoutant une profondeur émotionnelle au récit du film Les exemples montrent à quel point les objectifs de haute qualité peuvent être un outil inestimable, même dans les productions indépendantes où les faits sont limités, en capturant la richesse et la diversité des couleurs sur un écran de manière précise et évocatrice Ces objectifs améliorent non seulement l' esthétique visuelle d'un film, mais enrichissent également le récit en immergeant le spectateur dans un monde visuel captivant et émotionnellement résonnant Ce serait donc le premier mythe selon lequel vous pouvez obtenir cette qualité de couleurs avec un objectif bas de gamme ? Non, tu ne peux pas. Si vous le pouviez, les verres haut de gamme n'existeraient pas. Nous pouvons aborder cela avec la post-production. Je veux dire, modifier les couleurs pour essayer de se rapprocher. quelque chose que nous allons voir dans le deuxième volume de ce cours, mais nous n' arriverons jamais à l'égaler. Et ils vous disent cela, non pas pour vous décourager, mais pour que vous ne créiez pas de fausses attentes Et vous savez, dans quoi vous allez investir l'argent de production. Parce que j'ai vu des cas où des personnes dépensent l'argent de production pour nourrir 20 personnes pour tourner un court métrage qui ne nécessite que six ou sept personnes qui travaillent. Et cet argent supplémentaire aurait pu être investi dans la location d'un bon objectif. Nous allons en voir des exemples avec les vidéos No Mucho Tiempo et Mais nous allons d' abord continuer à revoir les méthodes en ce qui concerne la netteté et Les objectifs de haute qualité offrent une netteté exceptionnelle sur l'ensemble de l'image, du centre aux bords du Cela garantit que les détails fins et les textures sont clairement visibles pour améliorer l'expérience visuelle du spectateur et créer un sentiment d'immersion plus profond. De plus, les objectifs de haute qualité présentent souvent un contraste amélioré, ce qui contribue à une séparation créative entre les lumières et les ombres dans une image de référence plus dynamique . illustre Le film Plate Runner 2049, réalisé par Dennis Llano, illustre parfaitement l'importance de la netteté et du contraste dans le cinéma . Le directeur de la photographie Roger Tckens a utilisé des objectifs de haute qualité pour créer des images visuellement époustouflantes et évocatrices qui complétaient le riche récit de science-fiction du film. le cinéma réalisé par Dennis Llano photographie Roger Tckens utilisé des objectifs de haute qualité pour créer des images visuellement époustouflantes et évocatrices qui complétaient visuellement époustouflantes et évocatrices . Le directeur de la photographie Roger Tckens a utilisé des objectifs de haute qualité pour créer des images visuellement époustouflantes et évocatrices qui complétaient le riche récit de science-fiction du film. . Le directeur de la photographie Roger Tckens a utilisé des objectifs de haute qualité pour créer des images visuellement époustouflantes et évocatrices qui complétaient le riche récit de science-fiction du film. En résumé, la qualité optique des objectifs non seulement sur l' esthétique visuelle d'un film, influe non seulement sur l' esthétique visuelle d'un film, mais également sur la façon dont l'histoire est perçue et vécue par le spectateur. En investissant dans des objectifs de haute qualité, Filmmaker peut élever le niveau de ses productions Et créez des œuvres cinématographiques qui perdurent dans le temps et laissent une impression durable sur le public. L'une des erreurs les plus courantes chez les étudiants en cinéma est d'opter pour des objectifs peu coûteux et de faible millimètre afin de reproduire l'apparence visuelle de productions professionnelles avec un Ces objectifs, souvent fabriqués avec des matériaux de qualité inférieure et des optiques moins précises, peuvent donner des résultats décevants et avoir un impact négatif sur la qualité visuelle des productions. Cela est dû à des attentes irréalistes. Il est fréquent que les étudiants sous-estiment l'importance de la qualité des verres et surestiment la capacité d'un équipement moins coûteux à produire des résultats similaires à ceux des grandes productions . Je pense que cette erreur peut être due au manque d'expérience et de connaissances sur les différences significatives entre les verres de haute et de faible qualité. Ainsi que la croyance erronée selon laquelle la qualité de l'image dépend uniquement des compétences du cinéaste L'utilisation d' objectifs de faible qualité peut donc entraîner images floues, un manque de netteté, aberrations chromatiques et d'autres défauts optiques qui affectent négativement qualité visuelle de la production cinématographique Mais attention à cela. Ces problèmes sont particulièrement visibles dans les prises de vue prises avec des appareils photo portatifs, où le manque de stabilité peut encore accentuer les défauts des objectifs de faible qualité Pour illustrer ce point, nous pouvons analyser deux cas spécifiques. Tout d'abord, nous pourrions examiner le clip vidéo Nima Tempo, qui utilise des prises de vue prises avec un appareil photo portatif avec un objectif de haute qualité Dans ce cas, nous pouvons apprécier à quel point l'utilisation d' objectif aigu contribue à une netteté des images, à couleurs et à un contraste bien défini, même dans des conditions de tournage difficiles. Par exemple, dans la vidéo Noi mucho Tiempo, vous pouvez remarquer qu'il s'agit d'une séquence pratiquement avec une caméra à la main, évidemment aidée par Mais vous pouvez remarquer que l'image est belle, intéressante, professionnelle, comme dans un film, vous vous rendez compte que même en ajoutant du contraste à l'image, elle ne perd pas la dynamique des couleurs. Je veux dire, même si les noirs sont aussi imbriqués, la dégradation entre les noirs et les blancs existe toujours, ce qui est plus difficile avec un objectif de qualité inférieure Vous pouvez même remarquer à quel point la déformation du casque à l'approche de la caméra semble intéressante. Ainsi, même s'il s'agit d'une photo prise à main levée, l'image est tellement belle qu'elle n'a pas d'importance Vous oubliez qu'il s'agit d'un appareil photo portatif et vous pensez que c'est fait exprès Cela ne se produit pas lorsque vous voyez un objectif de mauvaise qualité et que vous observez la différence entre ces deux nuages. Regardez la quantité de détails que l'on voir avec un objectif de haute qualité et regardez l'autre image de la fille avec un objectif de qualité inférieure qui, bien qu'elle soit belle, les détails capturés par l' objectif de haute qualité ne sont pas là. Par exemple, les détails de la zone sombre des cheveux. L'objectif simplifie simplement le tout pour créer un point sombre. D'autre part, la zone de mise au point automatique de l'arrière-plan, qui n'est pas aussi riche en formes détails et en gamme de couleurs. Prêtez attention à cet autre exemple. Ce sont des scènes qui appartiennent à la vidéo de Salt, des scènes qui n'ont pas été ajoutées au montage final. Ce sont des scènes enregistrées à la main. Elles n'ont pas l'air mal, mais elles ne ressemblent pas aux scènes enregistrées dans l'autre vidéo. Ils n'ont pas l'air aussi professionnels car l'objectif n'est pas de la même qualité. Cela ne ressemble donc pas à une caméra délibérément prise en main, mais cela a plutôt révélé le manque de ressources dans la production. Donc, si j'avais créé la même scène avec l'autre objectif, cela aurait été incroyable. Donc, à moins d'avoir de très belles conditions d'éclairage naturel, cet appareil photo portatif n'aurait pas un aspect totalement professionnel Le problème, c'est que les élèves regardent un film comme Perineum et qu'ils pensent que s'ils ont un objectif de 50 millimètres de faible qualité et qu'ils font la même chose, apparence serait Cela ne se passerait pas comme ça. Cela se produit parce que nous voyons des films, par exemple, sur la plateforme de tournage, où nous pouvons trouver des films polonais et des films espagnols, des films fantastiques en fait. Mais comme les réalisateurs de ces films veulent aussi se faire passer pour des génies, beaucoup d'entre eux sont sans aucun doute très talentueux Mais ils se montrent train de tourner les films peut-être ensemble devant quatre personnes avec un budget assez limité, une production limitée. Mais ce qu'ils ne vous disent pas c'est que l'objectif installé dans l'appareil photo vaut 50 000 euros et vous ne pouvez pas le savoir. Je veux dire, comment pouvez-vous savoir de quel type d'objectif il s'agit si vous voyez en cours de fabrication quatre caméramans dans une production assez limitée. C'est là que je veux que vous soyez prudents et que vous ne commettiez pas d'erreur. Mais d'un autre côté, dans le cas du clip vidéo Salt Gels Falls, il a été décidé de limiter l'utilisation de prises de vue portatives afin d' atténuer les effets des objectifs bon marché sur la qualité visuelle L'accent a plutôt été mis sur la direction, spécialement conçue pour fonctionner avec des objectifs de cette qualité. Une attention méticuleuse a été portée à l'éclairage et à la composition des prises de vue statiques afin de compenser les limites des objectifs et de garantir un résultat visuel époustouflant Par exemple, les scènes du gratte-ciel ont été soigneusement enregistrées au moment précis où le son augmentait , le côté gilet de l'appartement a été choisi, là où le soleil ne se couchait pas directement, afin que l'image ne soit pas vue en contre-jour, ce qui produirait des ombres sur le personnage, par exemple. Au lieu de cela, on a utilisé un endroit où l'on pouvait voir le lever du soleil avec sa lumière réfléchie sur les bâtiments. Mais même dans les autres scènes de la ville, l'équilibre a été soigneusement pris en compte. Et il était nécessaire de préserver la valence pour garantir la qualité tout au long de la vidéo. Bien que la décision d'utiliser verres de qualité inférieure ait été prise, des mesures ont été prises pour optimiser qualité visuelle dans le respect de ces contraintes techniques, démontrant ainsi l' importance de s'adapter de manière créative aux ressources disponibles dans chaque production Ces exemples mettent en évidence l'importance cruciale de sélectionner des objectifs de haute qualité dans le domaine de la cinématographie portative Parce qu'ils peuvent faire la différence entre une production visuellement époustouflante et une production qui ne parvient pas à atteindre son potentiel artistique et narratif en raison de limites techniques. En résumé, il est essentiel que les étudiants en cinéma comprennent que la qualité de l'objectif est un aspect fondamental de la cinématographie et qu'elle ne peut être compensée par des compétences techniques ou par la post-production En investissant dans des objectifs de haute qualité, les élèves peuvent améliorer considérablement la qualité visuelle de leurs productions. Et développez un œil critique pour sélectionner l'équipement qui répond à leurs besoins créatifs et esthétiques jusqu'à la prochaine leçon. 10. Technique de prise de vue à faible angle: Bonjour, tout le monde. Cette leçon était initialement prévue pour le deuxième volume de post-production axé sur la stabilisation des prises de vue. Cependant, je pense qu'il n'est pas logique de créer une leçon complète pour expliquer quelque chose d'aussi simple que d'utiliser stabilisateurs Premiere Plug-in Wrap, qui sont déjà abordés dans le cours de montage de films sur Adobe Premiere Examinons plutôt l' importance de planifier et d' anticiper des scénarios afin de minimiser le besoin de stabilisation de la production de St Passons en revue quelques plans et scènes du clip vidéo de Saldanhl Angel Falls, où vue prises avec des caméras portatives ont été utilisées puis stabilisées L'idée est de comprendre les stratégies appropriées pour maintenir l'esthétique, même dans des conditions où nous ne prenons pas les engagements nécessaires. Jetons donc un coup d'œil. La première chose à considérer est que pour minimiser l'impact de la déstabilisation, la cinématographie C'est pourquoi il a été décidé d'utiliser prises de vue en faible angle dans les moments où le personnage se promène dans les rues en chantant. L'utilisation de prises de vue en faible angle dans le suivi des prises de vue joue un rôle crucial dans la narration cinématographique en offrant une perspective unique et puissante Cet angle de caméra, qui capture le sujet par le bas, confère un sentiment de domination, autorité et de vulnérabilité. Selon le contexte narratif d' un plan de suivi où l'action se déroule en temps réel sans coupures apparentes, le plan en faible angle peut souligner la présence imposante d' un personnage principal ou créer un sentiment de défi émotionnel entre les Cela devient particulièrement important dans les environnements urbains peuplés où la présence d'immeubles de grande hauteur ajoute une autre dimension visuelle. Dans ce contexte, la prise de vue en faible angle nous permet d' apprécier la grandeur architecturale des bâtiments, en mettant en valeur leurs têtes et magistère d'un point de vue unique Cette technique apporte non seulement une impression de grandeur et de verticalité à l'image, mais permet également de contextualiser l'environnement urbain et mettre en évidence l' interaction entre les personnages et leur De plus, en capturant la ville de bas en haut, la prise de vue en faible angle met en valeur l' échelle monumentale des bâtiments, soulignant ainsi la relative insignifiance de l'individu dans le paysage urbain l'ensemble, les prises de vue en angle faible dans les plans de suivi offrent un puissant outil visuel narratif qui amplifie l' impact émotionnel et thématique du film, enrichissant ainsi sa résonance artistique et sa capacité à engager D'autre part, bien qu'il n'y ait pas lien direct entre ce type de prise de vue et la stabilisation d'une prise de vue, la décision de portage permet de donner le meilleur rendu possible au cadrage de chaque prise de vue, minimisant ainsi l'impact de tout mouvement indésirable autre côté, lorsque nous utilisons un appareil photo tel que le Sony Extreme, nous devons nous concentrer sur la capture bons moments plutôt que perfection de l' ensemble de la prise N'oubliez pas que si vous capturez des moments qui durent plus de 5 secondes, par exemple, vous aurez suffisamment de matériel pour votre montage car vous pourrez mélanger une photo avec une autre pendant le processus de montage. stabilité du tournage dans des plans fluides est essentielle à la qualité visuelle et narrative de la production cinématographique. Je veux dire que la stabilité de l'image offre non seulement une expérience plus agréable au spectateur en évitant les distractions inutiles, mais contribue également à une plus grande immersion dans l'histoire. De plus, cela minimise le besoin de stabilisation lors de la production d'autobus Rationalisation de l' écoulement des roches et réduction des coûts. D'autre part, la constance dans tournage technique témoigne du professionnalisme et compétence du film et de l'équipe, garantissant une présentation visuellement actuelle et stylistiquement solide à l'écran jusqu'à la prochaine leçon 11. Le processus de communication et attention: Pour créer l'histoire d'une publicité, vidéo musicale ou d'un film, nous devons comprendre mesurer dès le début et mesurer dès le début la quantité d'informations que le spectateur recevra pendant la période de montage final. Voyons comment cela se passe dans les différents types d'œuvres audiovisuelles. Dans les vidéos musicales, par exemple, vidéos musicales contiennent généralement une quantité limitée d'informations narratives. Souvent, le récit est subordonné à la musique. L'histoire peut être minimaliste et se concentrer principalement sur la représentation visuelle de la chanson. La plupart des vidéoclips sont centrés sur l'esthétique visuelle, la performance des artistes créant une atmosphère émotionnelle. Le récit peut être simple et symbolique, conçu pour compléter la musique. Cependant, dans certains cas, il peut y avoir une histoire, mais elle doit être suffisamment simple pour le spectateur puisse la comprendre en trois ou quatre minutes. revanche, dans le cas des courts métrages, la quantité d' informations narratives peut varier considérablement. Certains peuvent prendre des histoires complexes et détaillées, tandis que d'autres peuvent opter pour des récits plus simples La durée du court-métrage est souvent un facteur limitant en termes de profondeur de l'histoire. courts métrages sont utilisés pour raconter histoires plus concentrées et artistiques, abordant des thèmes profonds et offrant un meilleur développement des personnages que les vidéoclips. Mais dans le cas des publicités, publicités ont généralement un temps limité pour raconter une histoire, qui limite la profondeur des récits Ils se concentrent sur la transmission d'un message ou d'une idée de manière efficace et commémorative À l'instar des vidéos musicales, publicités privilégient souvent la persuasion et la promotion d' un produit ou d'un service Le récit est un moyen d'atteindre cet objectif, un objectif commercial spécifique, adaptant l'histoire à un format court. Enfin, dans le cas des films, ils peuvent contenir une grande quantité d'informations narratives, ce qui permet de disposer de plus de temps pour développer des personnages, des intrigues secondaires et des thèmes complexes Les films peuvent offrir une narration riche et détaillée simplement parce qu'ils sont plus longs. Ils ont généralement un récit plus élaboré qui engage le spectateur dans une expérience plus approfondie explorant plusieurs intrigues secondaires et personnages. Je vais expliquer cela plus en détail à l'aide de ce film, Shashank C'est un excellent film en termes de narration, c'est pourquoi je l'ai recommandé, j' ai vu dans les écoles de cinéma que le même problème se pose toujours Presque tous les étudiants qui veulent devenir réalisateurs veulent raconter une histoire de film dans un court métrage de 15 minutes. Et cela n'est pas possible. Et je veux vous donner un exemple rapide afin que vous ne perdiez pas de temps et d'efforts. Ce que vous regardez à l'écran est l'interphone de ce film où nous découvrons le personnage et le cadre. Il participe à un procès au terme duquel il sera condamné à tort à la réclusion à perpétuité Toute cette scène dure donc près de 7 minutes jusqu'au moment où il est condamné. C'est pratiquement la moitié de la durée d'un court-métrage d'Avart Seulement 7 minutes pour présenter le personnage et le problème qu'il rencontre. Pourquoi est-ce que ça dure 7 minutes ? Parce que s'il y a quelque chose de difficile à gérer avec les gens, c'est bien l'attention. Ainsi, lorsque les gens regardent un film ou un produit audiovisuel, même s'ils sont concentrés, disons, dans les conditions d'une salle de cinéma, quelle est la situation à laquelle ils accordent le plus d' attention ? Les gens ne sont pas concentrés à 100 %. Une partie de l'esprit se concentre sur les courses, le pop-corn, le soda, la température ambiante, le confort du siège ou tout simplement le fait de penser aux problèmes de Ron Ou peut-être parle-t-elle à la personne à côté d'elle. C'est pourquoi il reste 7 minutes pour présenter précisément cette situation. Ainsi, par exemple, si vous manquez 2 minutes de cette scène, vous la comprenez toujours car 7 minutes y sont consacrées. C'est-à-dire que tout problème stupide que vous aurez à ce moment-là ne vous empêchera pas de comprendre la scène Donc, si vous voulez faire un court métrage qui, pour le comprendre, vous devez faire attention à 100 % dans les 2 premières minutes, par exemple, pour raconter plus ou moins quelque chose sur le personnage. Il n'y aura jamais de compréhension naturelle de l'histoire. Dans le cas de ces 7 minutes, une scène est plus longue que la durée moyenne du clip vidéo. Sept fois la durée d'une publicité et la moitié de la durée d'un court métrage. Il est important d'être clair à ce sujet dès le début et de ne pas le sous-estimer Que M. Dufran, cela montre mon sang, rien que pour vous regarder, en vertu du pouvoir que m' a conféré l'État du Maine, je vous ordonne de purger deux peines de prison à perpétuité consécutives, une pour chacune de vos victimes En résumé, la quantité d' informations narratives et l'importance accordée à narration varient considérablement selon les différents formats audiovisuels. Les vidéos musicales ont tendance à être plus courtes et mettent l'accent sur l'esthétique musicale, tandis que les films offrent une narration plus complète et plus riche. Les courts métrages peuvent se situer quelque part entre les deux. Et les publicités privilégient l'efficacité narrative et le temps limité avec un objectif commercial spécifique. 12. La viabilité: La viabilité d'un projet de film n'est pas toujours déterminée par la simplicité des prémisses. Contrairement à l'intuition initiale, des idées plus élaborées peuvent s'avérer plus rentables à produire que celles qui semblent plus simples à première vue. Lors de l'évaluation de la viabilité d'un projet en termes de production, il est essentiel de prendre en compte divers facteurs. Y compris les coûts associés aux lieux, essence, aux effets spéciaux et aux aspects logistiques généraux du tournage. Pour comprendre ce concept, considérons deux scénarios contrastés. Supposons que l'une des options soit de réaliser un court métrage similaire à ce clip vidéo. Pas trop de rythme. Imaginez un court métrage de science-fiction déroulant dans un désert où la guerre contre des robots géants est le principal objectif. Comparons maintenant cette idée, cette option avec une autre histoire quotidienne se déroulant dans une ville ou une école. Tout d'abord, analysons l' histoire de science-fiction qui se déroule dans le désert. Bien que cette idée implique des effets visuels élaborés pour recréer la guerre contre les robots géants, elle peut étonnamment être plus économique à produire que cette histoire se déroulant dans un environnement urbain Dans un scénario désertique, les éléments de production peuvent être minimisés. Je veux dire en limitant le casting à quelques personnages principaux et en éliminant le besoin de lieux urbains et de foules. La logistique de production est simplifiée, comme dans le clip Noi mucho Tempo De plus, les effets visuels, bien que complexes, peuvent être plus économiques à mettre en œuvre dans un désert que dans des environnements urbains, où des ajustements approfondis peuvent être nécessaires pour obtenir l'atmosphère souhaitée. En revanche, une histoire se déroulant dans une école ou une ville peut nécessiter une logistique plus élaborée. Cela implique d'obtenir des autorisations pour tourner dans des lieux publics, coordonner les horaires avec les acteurs sportifs, gérer un plus grand nombre d'éléments de production, tels que les accessoires de guerre, et de rassembler tous les acteurs concernés Plus il y a d'acteurs, plus vous avez besoin d'une équipe de maquillage, etc. Bien que les prémisses de l'histoire puissent sembler plus simples que celles de la science-fiction dans le désert, les coûts de production peuvent être nettement plus élevés en raison de la nécessité de recréer un environnement urbain authentique en présence d'une distribution plus nombreuse et plus diversifiée Il est donc essentiel d'adopter une approche holistique lorsqu' déterminer la viabilité d'un projet de film. En termes de production, il ne s'agit pas seulement de la simplicité des prémisses, mais aussi de la prise en compte de tous les aspects de la production, des lieux et du casting aux effets spéciaux et à la logistique globale. Ce faisant, les cinéastes peuvent identifier les opportunités de maximiser l'efficacité et de minimiser les coûts quelle que soit la complexité apparente des prémisses Un autre élément très important pour évaluer la viabilité d'un projet est votre capacité à raconter une histoire dans un langage minimaliste. mais à plus grande échelle film X Machina, réalisé par Alice German, en est un exemple, réalisé par Alice German Ce film met en lumière plusieurs aspects essentiels du minimalisme. Tout d'abord, la réduction des coûts. Le film se concentre sur trois personnages principaux, et Primly fait l'objet d'une mention isolée En limitant le casting et le nombre de sites, X machine a pu minimiser les dépenses de production. De plus, ce projet était flexible et agile. La majeure partie de l'action se déroule dans le manoir, ce qui permet à l' équipe de production de s'adapter rapidement à l'évolution du scénario et aux besoins du tournage. Cette flexibilité a contribué à un processus de tournage plus efficient et efficace. Mais surtout, dans le même scénario, le cinéaste justifie l'utilisation du manoir afin de ne pas avoir à construire un bâtiment avec 1 000 câbles et des équipements de pointe, etc. Je veux décrire la technologie. Par exemple, il y a une scène au début où le personnage Nathan raconte à Caleb que le manoir est en fait un centre de recherche et que tous les câbles du centre sont cachés dans les murs Le scénario justifie ainsi de manière totalement cinématographique l'utilisation d'éléments minimalistes Je veux dire, la maison située sur le manoir, ils n'ont pas eu à construire un ensemble complexe, simplement loué un manoir pour les jours que durait le tournage. Savez-vous ce qu'est le test de Turing ? Oui, je sais ce qu'est le test de rotation. C'est lorsqu'un humain interagit avec un ordinateur. Et si l'humain ne sait pas qu'il interagit avec un ordinateur, le test est réussi. Et qu'est-ce que ça passe ? Dites-nous que l'ordinateur possède une intelligence artificielle. Êtes-vous en train de créer une IA ? J'en ai déjà construit un. Un autre élément important de ce film est accent sur la créativité et l'innovation. Le principe du X making, qui implique l'interaction entre un humain et un cybernétique, met l'équipe de production au défi de trouver des solutions créatives pour réaliser le film. La technologie avancée représentée par le cyberportrait Alicia Candor est suggérée plutôt que montrée, permettant au spectateur de combler les lacunes de son imagination Malgré son approche minimaliste, X crée et parvient à maximiser visuel et narratif La mention, avec son design moderne et minimaliste, sert de toile de fond époustouflante à l'histoire Mais les éléments visuels sont utilisés efficacement pour donner vie au cyberespace et créer une atmosphère futuriste envoûtante En résumé, X Machina est un exemple exceptionnel de la façon dont la minimisation de la production cinématographique peut traduire par une expérience cinématographique mémorable et distinctive En réduisant les coûts, en augmentant la flexibilité et l'agilité. Mettre l'accent sur la créativité et l'innovation. Toujours en maximisant l'impact narratif visuel, l'équipe à l'origine du X Machina a réussi à créer un chef-d'œuvre du cinéma moderne qui continue d'être admiré par les critiques comme par les alvins D'autre part, le clip vidéo, sel et les chutes de moteur pourraient également servir d' exemple de minimalisme Je veux dire, ça pourrait être une adaptation parfaite d'un court métrage. Par exemple, dans cette histoire, deux personnes vont prolonger leur dernière journée à New York parce qu'un astéroïde va percuter la Terre, mais l'astéroïde n'est pas assez gros pour être détecté Les personnages ne le savent pas, ce sera leur dernier jour. Vous pouvez terminer toute votre histoire à New York, qui est une ville très permissive matière de réalisation de films autre côté, vous n' avez pas à mettre la NASA en danger ou à effrayer les gens qui parcourent la ville cause d'une méchante Audi qui arrive. La métaphore et le concept du film pourraient être la façon dont les humains évaluent le temps, ce qui est assez poétique Un exemple de film avec ce type d'histoire serait Before Sunrise. Ce film est un excellent exemple de minimalisme narratif dans la production cinématographique Je veux dire, ce film avant le lever du soleil se concentre principalement sur les conversations entre deux personnages alors qu'ils se promènent dans les rues de Vienne. Cette limitation des emplacements permet de réduire les coûts de production en minimisant le besoin de construire plusieurs ensembles ou de réserver différents emplacements. En outre, grâce à la réduction des acteurs principaux , les coûts de recrutement des talents sont également maîtrisés avant lever du soleil en temps réel pendant une seule journée, ce qui permet une plus grande flexibilité et agilité lors du tournage Le film met l'accent sur les interactions et les conversations spontanées entre deux personnages, offrant à l'équipe de production la liberté d'explorer différents aspects de leur personnalité et de leurs relations manière naturelle et authentique Un autre aspect important de ce film est que, malgré les limites imposées par son décor minimaliste, avant le lever du soleil, il parvient à captiver le spectateur grâce subtile et émotionnellement résonnante Le film s'appuie sur les talents d'acteur d'Aden Hockey et Julia Tilt ainsi que scénario intelligent pour transmettre le lien profond entre les personnages et explorer des thèmes universels tels que l'amour, l'identité et le destin d'une manière intime et émouvante. En conclusion, Before Sun donne un exemple remarquable de la manière dont le minimalisme peut être utilisé efficacement dans la production cinématographique En limitant les problèmes de production à l' essentiel et en se concentrant sur les interactions humaines, ce film crée une expérience cinématographique authentique et mémorable qui trouve un écho auprès Comme vous pouvez le constater, la viabilité de votre projet de film en termes de production dépend de nombreux facteurs. La simplicité du principe ne se traduit pas toujours par une réduction des coûts. évaluant soigneusement tous les aspects de la production, les cinéastes peuvent prendre des décisions éclairées et maximiser le potentiel créatif et commercial de leur travail Il est important de prendre en compte l'histoire, minimalisme, les possibilités et les outils Nous avons une chance de développer un projet jusqu'à la prochaine leçon 13. Les références: Dans le vaste monde de l'œuvre audiovisuelle, de la cinématographie à la musique, références de production vidéo jouent un rôle fondamental Ce sont des bacons qui guident les créateurs à travers l'océan des possibilités stylistiques et narratives Fournir une inspiration, une orientation et une base solide pour l'exécution créative. Dans cette leçon, nous allons explorer en profondeur l'importance d'avoir de bonnes références et comment elles peuvent influencer le succès d' un projet audiovisuel. Les références sont comme le Nord sur une carte. points de référence qui orientent les créatifs dans leur quête d' une vision parfaite pour leur projet Il peut s'agir de films emblématiques, photographies inspirantes, d'œuvres d'art percutantes ou même d'extraits de clips musicaux qui résonnent avec le ton esthétique ou émotionnel souhaité. Ces références sont non seulement des sources d'inspiration, mais également des outils pratiques pour communiquer la vision créative aux autres membres de l' équipe et pour maintenir les courants stylistiques tout au long du projet C'est pourquoi la qualité des références sélectionnées peut faire la différence entre un projet médiocre et un projet exceptionnel Voici quelques raisons principales pour lesquelles bonnes références sont essentielles dans le domaine de l'audiovisuel. Tout d'abord, les bonnes préférences stimulent l'imagination et éveillent la créativité en étudiant le travail d'autres artistes et cinéastes Les créatifs peuvent découvrir de nouvelles approches et techniques innovantes et créer des solutions qui peuvent être appliquées à leur propre travail Mais voyons-les en pratique. Nous allons utiliser le clip de Del Salto Angel comme exemple Pour créer cette vidéo, nous avions besoin de savoir s'il était possible de créer une vidéo de haute qualité avec les ressources dont nous disposions. Nous avons donc dû rechercher une œuvre similaire réalisée avec ressources similaires dans laquelle techniques cinématographiques avaient été utilisées et qui avaient donné de bons résultats Ainsi, parmi de nombreux exemples, nous avons trouvé le clip vidéo Kings and Queens de 30 secondes avant la marche. Il s'agit d'un clip vidéo réalisé avec un objet bruyant, excellente cinématographie, et la plupart des prises de vue sont réalisées sur De plus, si vous remarquez que les photos où Jada Letog chante sont prises au lever ou au coucher du soleil, cette référence nous a montré qu'il était possible d' obtenir ce résultat C'était plausible. C'était très important d'avoir cette référence, principalement parce qu'elle nous fait perdre notre peur. Parce que tu gagnes en confiance. Parce que vous savez qu'en suivant ces étapes, vous pouvez obtenir une vidéo de qualité similaire. Je ne veux pas dire qu'il n'y avait pas ressources ou de backjets dans une vidéo Lets datée, mais vous pouvez voir à l' écran qu'elle a été enregistrée avec un appareil photo reflex numérique. Ils ont probablement utilisé un bon objectif, mais ce qui ressort vraiment, c'est une cinématographie et une créativité exceptionnelles C'est pourquoi nous avons utilisé cette référence. Vous pouvez voir que la vidéo Saltan se trouve dans une ville. Nous utilisons beaucoup le coucher et le lever du et nous prenons même des photos avec des objectifs millimétriques, en gardant l'appareil photo sur le trépied autant que possible N'oubliez pas que nous avons utilisé un objectif Um, un objectif photographique qui nous a permis d'atteindre 70 millimètres. D'autre part, les références constituent un outil inestimable pour communiquer la vision créative aux autres membres de l'équipe. En partageant des références spécifiques lors de la reproduction et de la production, cela garantit que tout le monde est aligné sur la vision du projet et travaille vers un objectif commun. De plus, les références aident à établir un cadre stylistique et narratif pour le projet en sélectionnant des références qui reflètent le ton statique et émotionnel souhaité de l'histoire Un guide visuel cohérent est fourni pour la production. Regardez l'autre exemple que nous avons utilisé comme source d'inspiration la représentation subjective de l'histoire de l'amant d'Adèle Dans la vidéo, si vous pouvez le voir, le garçon parle à la caméra comme si nous étions Adèle en train de nous souvenir de ces moments On le voit parler pendant qu'elle chante dans le refrain. Dans le clip vidéo Salto Angle nous avons créé cette représentation objective La jeune fille parle à la caméra comme s'il s'agissait d'un souvenir du personnage. Les références vocales peuvent aider à planifier et à exécuter tous les aspects du projet, de la sélection du lieu à création du storyboard, en passant par la direction artistique En étudiant attentivement les références, les créatifs peuvent identifier des techniques et des approches spécifiques qui peuvent être appliquées efficacement à leur propre travail Regardons ceci, un autre exemple, cette dernière séquence de cette vidéo de Robbie Williams, Angels Nous voyons ici une prise de vue en angle faible qui entoure les deux personnages alors qu' ils s'embrassent à la fin de la vidéo C'était donc la référence pour créer la dernière séquence de la vidéo de Saltan C'est assez similaire aux bâtiments qui entourent les personnages, mais ce que je veux dire, c'est que vous êtes censé transférer les références dans un autre contexte, car bien que cette vidéo soit une histoire d'amour, elle raconte une autre histoire. La référence ne ressemble donc pas une copie mais plutôt à une source d'inspiration. Maintenant que nous comprenons l' importance des références, il est essentiel de savoir comment les utiliser efficacement. Tout d'abord, faites des recherches approfondies, prenez le temps de faire des recherches et de recueillir une grande variété de références pertinentes pour votre projet. Explorez des films, des photographies, des peintures et tout autre média susceptible de vous inspirer. Ne vous limitez pas à un seul genre de style. Gardez l'esprit ouvert et inspirez-vous de diverses sources. De plus, étudiez attentivement chaque référence. Prêter attention aux éléments tels que la composition de l'image, l'éclairage, la couleur et le cadrage Réfléchissez à la manière dont ces éléments contribuent au ton et atmosphère de la référence et manière dont ils peuvent être appliqués à votre propre travail. Privilégiez la qualité à la quantité, et choisissez les références qui vous intéressent vraiment au sein de votre équipe autre côté, il y a quelque chose d'important à mentionner. Les références peuvent également être conceptuelles, pas nécessairement statiques. Par exemple, les vidéos de Michael Jackson ont inspiré conceptuellement la vidéo Noi Mucha Tiempo Ils ne se soucient pas vraiment de nous dans Earth Sun. Dans cette vidéo, le personnage est montré en train de déposer une plainte sociale, se plaindre de quelque chose qui passe par le soleil et de quelque chose que nous pouvons voir d'une certaine manière dans le clip pendant que le personnage principal chante. Ainsi, même si les vidéos ne se ressemblent pas, l' origine conceptuelle est la même. Nous pouvons donc nous en servir comme source d'inspiration, comme point de référence pour créer un guide pour votre travail. En conclusion, il est essentiel de disposer de bonnes références pour le succès de tout autre projet Visio Les références inspirent la créativité, établissent un cadre stylistique, facilitent la communication, aident à la planification et à l'exécution et garantissent la cohérence visuelle. En utilisant les références de manière efficace, les créatifs peuvent élever leur travail au niveau supérieur et créer des œuvres Adi Visio visuellement percutantes, narratives, cohérentes et émotionnellement 14. Décisions à prendre en compte pour le montage et la postproduction Stratégie de vidéos: Bonjour tout le monde Dans cette leçon, nous allons voir comment les décisions que nous prenons lors du tournage peuvent avoir un impact significatif sur le processus de montage et, en fin de compte décisions que nous prenons lors du tournage peuvent impact significatif sur le processus de montage , sur la qualité de notre terrain Quand Un l'a dit, il est crucial de ne pas se limiter à un seul type de shot Nous devons nous efforcer de capturer une grande variété de clichés qui nous permettent de raconter visuellement notre histoire manière engageante et dynamique. Cela implique d'explorer différents angles, distances focales et compositions afin de fournir à l'éditeur une gamme d'options avec lesquelles travailler lors de l'édition. Par exemple, nous pouvons utiliser un plan large pour établir le cadre et le contexte. Puis les gros plans pour révéler les émotions dans les moindres détails. Et des photos de réunions pour montrer l'interaction entre les personnages. Chaque type de prise de vue offre une nouvelle perspective et permet de créer un récit immersif à portée visuelle. Par exemple, voici deux exemples de ce que j' essaie de vous enseigner. Il s'agit de la même scène tournée avec un point de vue différent. Cela me permet de rencontrer deux grandes choses. D'une part, avoir deux versions de la performance du même acteur. Je veux dire, même si c'est similaire, il y a des nuances et de petites actions qui sont différentes. Par exemple, sur l'un des plans, le personnage s'accroupit complètement sur la plage et on peut voir près les vagues dans ses mains, et comme la caméra est fermée, on voit davantage son visage à ce moment-là autre côté, le fait d' avoir deux versions de la même performance me permet de faire des coupes pour retirer les parties que je n'aime pas de cette performance. Et cela est vraiment utile et améliore même considérablement les performances de l' acteur. De plus, le fait d'avoir deux versions d'une même scène, notamment de cette façon, c' est-à-dire une version rapprochée dans une autre, pour une version plus ou moins panoramique, me permet de jouer ultérieurement au montage afin de ne pas perdre la position du personnage par rapport à l'espace qui l'entoure. Vous savez, parce que voir l'immensité de la plage ce moment-là semble également être important D'autre part, la flexibilité et le paramétrage nous permettent de nous adapter aux changements inattendus et nouvelles opportunités créatives au fur et à mesure qu'elles se présentent. Cela signifie qu'il faut être ouvert à expérimentation de différentes approches, même si cela implique de s'écarter légèrement du plan initial Si une nouvelle idée créative émerge pendant le tournage, n' hésitons pas à l' essayer et à voir comment elle fonctionne. Parfois, les meilleures idées viennent sur le moment. En étant prêts à expérimenter, nous pouvons découvrir de nouvelles façons passionnantes de raconter notre histoire et d'enrichir la qualité visuelle de notre domaine. Par exemple, dans cette scène, vous pouvez voir le pilote faire quelques pas, crocheter un instant puis se rendre compte que le jet approche C'est l'histoire originale, mais pendant le tournage, le directeur de la photographie a proposé au pilote, avant de se rendre compte que le jet se dirigeait vers lui, se tourner pour voir d'autres avions, d'autres jets passer autour de lui. Mais au final je n'ai pas utilisé cette action. Cela m'a même donné la possibilité de modifier les unités d'actions. C'est le déroulement des actions dans cette scène. Vous pouvez y voir comment le pilote s'est tourné vers la gauche avant se rendre compte que l'autre avion arrivait juste devant. D'autre part, de la même manière que dans l'exemple précédent, nous avons également utilisé deux points de vue différents sur la même action. C'était non seulement pour avoir plus de possibilités au moment du montage, mais aussi pour inclure, d'un point de vue, de l'espace lors du travail avec les images de stock à intégrer dans notre montage. Il est essentiel de prendre en compte certains aspects lors du tournage afin de garantir une continuité visuelle et narrative dans notre montage final Tout d'abord, nous devons consacrer du temps à prévisualiser et à sélectionner les images de stock que nous voulons intégrer à notre projet. Cela nous permet d'avoir une idée précise de la manière dont nous voulons utiliser ces images par rapport aux scènes tournées sur le plateau. C'est du stock, c'est l'un des formulaires de planches que j'ai utilisés pour trouver ces vidéos. Les images d'archives sont très simples à utiliser. vous suffit de sélectionner le format et la nature du fichier. Sur ce navigateur, vous allez taper le nom de la nature, vous allez décrire votre image. Par exemple, ici, la bombe nucléaire et le moteur de recherche vont vous fournir plusieurs centaines d'échantillons, des centaines de vidéos que vous pourrez utiliser. Si je tape ici Manhattan, le moteur de recherche affichera toutes les vidéos que vous pourrez utiliser. Dans ce cas, une grande partie d'entre elles sont des vidéos de drones, mais vous en avez tenu compte lors de l'achat de ces droits. Vous avez le droit d'utiliser les vidéos comme vous le souhaitez, mais vous n'en avez pas l'exclusivité. C'est-à-dire que d'autres personnes pourraient les utiliser dans leur travail comme elles l'ont payé. Une fois que vous avez choisi la vidéo qui vous semble appropriée, vous pouvez télécharger un aperçu ici et essayer dans votre montage pour voir si elle est parfaite ou non. C'est pourquoi il est important de planifier cela. De plus, cela nous aide à déterminer si la stratégie de production que nous appliquons peut être couronnée de succès ou non. Par exemple, dans le clip vidéo et le sel la stratégie de montage a été conçue à l'avance avant l' enregistrement pour le tournage. Dans le cas des scènes de gratte-ciel, nous savions que nous pouvions filmer dans cette cloche Nous avons dû trouver des images prises par drone représentant une ville située à proximité du Je sais que vous vous demandez peut-être pourquoi ne pas utiliser directement une vidéo du gratte-ciel représentant le bâtiment où le chanteur chante En fait, nous avons utilisé des images de référence de la ville, sur les bâtiments, par exemple. Cependant, comme cela a été fait, nous n'avons pas pu utiliser un seul gratte-ciel représentant l' endroit où le chanteur est censé Pour la simple raison qu' il était censé voir le chanteur, ou du moins sa silhouette, dans une certaine partie du gratte-ciel, du moins de loin, pour que tout Mais cela n'a pas été possible. Dans ces conditions, il était nécessaire de créer une sorte de montage dans lequel les points de référence de l'espace étaient utilisés pour unir les plans dessinés aux plans du gratte-ciel Dans ce cas, nous utilisons l'Empire State comme point de référence. Si l'Empire State était vu par la caméra, des photos montrant le même bâtiment sur les images dessinées compléteraient la sensation d' espace dans le lieu. Il s'agit d'une excellente stratégie pour utiliser des images dessinées dans les villes. En outre, il est essentiel de sélectionner des images d' archives qui correspondent au style visuel et l'atmosphère générale du film. Gardons l'esprit ouvert pendant prise de vue et soyons prêts à ajuster notre orientation en fonction images de stock que nous sélectionnons, et inversement. Nous pouvions tirer parti des palmes et du tournage qui s'est produit pendant le tournage pour en faire des scènes vraiment attrayantes. Dans le montage, par exemple, dans l'autre scène, nous transformons le geste que la fille a fait en sortant de la voiture en une possibilité. À partir de ce testeur, nous avons ajouté une vidéo d'archives, comme si elle voyait cette image du métro qui passait au bout de cette rue . Et cela ajoute une meilleure sensation d'espace au moment présent. La communication avec l'équipe de rédaction est également importante. Maintenir une communication ouverte et constante avec notre équipe de montage pour discuter de la manière dont nous prévoyons d'utiliser les images de stock dans le film et de la manière dont nous pouvons diriger les scènes et décor afin de faciliter leur intégration dans le montage. Cela nous permettra de garantir que nos décisions de mise en scène sont prises pendant le film , de soutenir le processus de montage et de contribuer à la compilation visuelle et narrative du film final. D'autre part, n'oubliez pas qu'il est essentiel de maintenir continuité visuelle tout au long du tournage une continuité visuelle tout au long du tournage pour que nos péchés se mélangent harmonieusement dans le montage final et le montage final. Cela implique de prêter attention aux détails tels que la position des objets sur l'éclairage défini et la composition de chaque prise de vue. Par exemple, si dans un plan un personnage a une casquette en main, assurons-nous qu'il l'ait dans le plan suivant pour maintenir la cohérence. Maintenons également une palette de couleurs cohérente et esthétique visuelle qui renforcent l'atmosphère et le ton du film En tenant compte de cet aspect, lorsque nous réalisons un sensunset, nous pouvons créer une base solide pour intégrer efficacement images de stock dans notre montage et enrichir l' expérience visuelle d'un Essayez de mettre tout cela en pratique jusqu'à la prochaine leçon. 15. La présentation: Bonjour à tous. Dans cette leçon, nous aborderons le monde fascinant du pitching dans l'industrie audiovisuelle Le pitch, loin d'être une simple présentation, est l'art de vendre notre vision cinématographique avec passion et persuasion Tout au long de cette leçon, nous allons découvrir ce qu' implique un pitch et ce qui est essentiel pour en créer un qui laisse une empreinte indéveloppée sur vos auditeurs Mais qu'est-ce qu'un pitch ? Un pitch n'est pas simplement une présentation de votre projet audiovisuel. C'est une occasion unique de captiver votre public et de le convaincre de la grandeur de votre vision. Il s'agit d'une présentation convaincante conçue pour vendre votre produit à des investisseurs, producteurs, réalisateurs ou distributeurs potentiels producteurs, réalisateurs ou distributeurs En d'autres termes, c'est le moment de briller et susciter l'enthousiasme de votre public pour votre projet Découvrons maintenant un par un, quels sont les éléments essentiels qu'une plage doit avoir ? Tout d'abord, le concept central. Le concept central est le cœur de votre projet cinématographique C'est l'essence même de votre histoire, résumée dans une déclaration brève mais puissante qui suscite la curiosité et l' intérêt de votre public Lorsque vous élaborez le concept central de votre page, vous devez vous concentrer sur le principe fondamental de votre film, visibilité crédible, cohérente et attrayante Bien entendu, pour développer un concept central efficace, il est essentiel d' identifier le thème principal de la prémisse unique qui définit votre histoire. Quel est le cœur émotionnel de ? En répondant à ces questions, vous pouvez articuler le concept central de votre présentation de manière à ce qu'il trouve un écho profond auprès de votre public motiver à vouloir en savoir Par exemple, imaginez que vous développez un argumentaire pour votre film sur un artiste de John Street qui peine à trouver sa voix face à l'adversité urbaine Par exemple, le concept central de votre présentation pourrait être une exploration négative de la créativité et de la résonance dans les coins oubliés de la ville où les talents émergents ont du mal à trouver leur voix Et au milieu des ombres et des graffitis du monde urbain. Par exemple, dans cette brève déclaration, vous avez saisi le sens émotionnel et thématique de votre film. Invitez votre public à s'immerger dans le parcours du protagoniste et découvrir la beauté et le pouvoir de l'art. N'oubliez pas que le concept central de votre présentation est l'opportunité de faire briller votre histoire et de vous démarquer de la foule. Assurez-vous donc que c'est clair, convaincant et passionnant. Un autre conseil pourrait être d'utiliser le scénario, qui pourrait parfaitement fonctionner N'oubliez pas que si vous voulez en savoir plus sur la méthodologie et sur d'autres éléments et sujets d' écriture, vous pouvez suivre mon cours de réalisation de films d'art, qui est disponible sur cette plateforme Le public cible est également un autre élément important. Le public cible est le groupe démographique. objectifs de votre projet cinématographique et l'attention des personnes que vous souhaitez capter sont essentiels pour comprendre à qui s'adresse votre film Pourquoi est-ce pertinent pour ce public spécifique ? Mais lorsque vous décrivez votre public cible, vous devez identifier les caractéristiques démographiques, psychographiques et comportementales afin d'adapter efficacement votre présentation Par exemple, si vous développez un argumentaire pour un film destiné aux adolescents ou aux jeunes adultes intéressés par la musique et la culture européenne, votre public cible pourrait être composé de jeunes âgés de 18 Par exemple, passionnés par la musique, street art et les expressions créatives, ils recherchent des histoires authentiques et passionnantes qui reflètent leur expérience de vie et leurs valeurs. Ainsi, en décrivant votre public cible, assurez-vous clairement de souligner pourquoi votre film est pertinent et passionnant pour lui. Quel aspect de votre histoire correspondra à leurs intérêts, à leurs valeurs et à leurs expériences de vie ? En répondant à ces questions, vous pouvez adapter votre présentation pour vous connecter plus efficacement à votre public cible. Pour les convaincre que votre projet est quelque chose qu'ils ne peuvent pas manquer, l'élément suivant est la structure narrative La structure narrative est le squelette de votre histoire. Organiser et façonner les événements qui se produisent dans l'ensemble de votre domaine. Il est essentiel de résumer les personnages principaux de l'intrigue, arts et la résolution potentielle de manière cohérente, mais de manière passionnante pendant votre présentation Une structure narrative efficace, par exemple, peut suivre le schéma classique en trois actes : introduction, développement et conclusion. Dans l'introduction, le décor est planté et les personnages principaux du conflit central sont présentés dans le développement Le conflit s'intensifie et les personnages font face à des défis de plus Enfin, dans la conclusion, le conflit est résolu, fournissant une conclusion émotionnellement résonnante à l'histoire Par exemple, si vous développez un argumentaire pour un film sur le métier, les artistes de rue ont du mal à trouver leur voix. Votre structure narrative pourrait être, par exemple, la présentation introductive de leurs protagonistes et de leur environnement urbain. Ainsi que le conflit central auquel ils sont confrontés lorsqu'ils tentent de s'exprimer à travers l'art. Au fil du développement, le protagoniste fait face à des obstacles et à des défis tout en s'efforçant trouver son identité artistique. Et en conclusion, le protagoniste surmonte les doutes et les peurs, trouve sa voix unique et laisse une marque indélébile dans le monde du street art. Lorsque vous décrivez la structure narrative de votre film pendant votre pitch, veillez à mettre en évidence les éléments clés de l'intrigue dans le déroulement de l'histoire du film Cela aidera votre public visualiser le récit du film et à comprendre son potentiel émotionnel et cinématographique C'est très important. Les éléments suivants concernent les éléments visuels et le style. Décrivez le style visuel et esthétique de votre projet dans les moindres détails. À quoi ressemblera votre film à l'écran ? Quels éléments visuels le rendront unique et émerveillera ? Il est essentiel de brosser un tableau saisissant de l' esthétique visuelle de votre projet et de mettre en évidence les aspects qui le distingueront de la concurrence. Je vais vous donner un exemple comme si je imaginais pas trop le clip vidéo Dans ce projet de vidéoclip, nous nous lançons dans un voyage visuel le désert dans l'esprit d'un pilote abandonné Nous utiliserons une variété d'éléments visuels pour capturer l'intensité et l'émotion de cette histoire unique. En commençant par des compositions visuelles, nous voulons créer des images qui soient non seulement visuellement époustouflantes, mais aussi émotionnellement évocatrices Nous utiliserons des angles de caméra dynamiques et des cadrages évocateurs pour immerger les spectateurs dans l'action et la tension du récit En ce qui concerne les effets visuels, nous nous engageons à créer avec précision les moments clés, qu'il s'agisse de scènes de combat de zone ou fuite désespérée du pilote pour le compte de l'utilisateur. Nous utiliserons des effets spéciaux pour donner vie à l'action et rendre chaque moment aussi réaliste que possible. Mais il ne s'agit pas uniquement d'action et d'effets spéciaux. Nous utiliserons également le symbolisme visuel pour approfondir le récit et transmettre des thèmes plus profonds. Les images du désert représenteront la solitude et la lutte intérieure du pilote, tandis que les images de guerre symboliseront le conflit extérieur en Enfin, nous arrivons à la scène finale, un moment qui laissera une impression durable sur nos spectateurs. Avec des effets visuels époustouflants, une composition visuelle saisissante, nous transmettrons le pouvoir destructeur de la bombe nucléaire et l'impact émotionnel de la décision du pilote. Cette scène sera non seulement visuellement saisissante, mais aussi émotionnellement puissante. En résumé, les éléments visuels de ce clip vidéo sont essentiels pour créer une expérience cinématographique inoubliable, de composition visuelle aux effets spéciaux. Dans le symbolisme visuel, chaque élément est conçu pour transporter les spectateurs dans un monde d' action, d'émotions et de drame Nous espérons donc que vous apprécierez le voyage visuel autant que nous aimons le créer. L'élément clé suivant est le potentiel du marché. Vous devez démontrer que vous comprenez le marché dans lequel vous entrez et que vous avez un plan solennel pour y réussir. Fournissez des informations complètes sur vos stratégies de distribution sur le marché cible potentiel et sur la concurrence sur le marché actuel. Votre objectif est de montrer que vous êtes prêt à relever les défis du marché et à saisir les opportunités qui se présentent. Imaginons par exemple que je parle du marché potentiel du clip vidéo, No, mucha timo Notre projet a un large potentiel commercial car il aborde des thèmes universels et attrayants qui trouvent un écho auprès d'un large éventail de spectateurs, amateurs de musique et de films aux passionnés d'histoire et de narration visuelle Notre clip vidéo a quelque chose à offrir à tout le monde. L'un des principaux marchés cibles notre projet est celui des amateurs de vidéoclips. La musique faisant partie intégrante de notre récit, nous sommes convaincus de pouvoir capter l'attention de ceux qui recherchent des expériences visuelles passionnantes et simulées De plus, l'accent que nous mettons sur la narration visuelle, la cinématographie de haute qualité, nous permet d'atteindre un marché plus large de films destinés aux passionnés de médias visuels Ceux qui recherchent une expérience cinématographique immersive et passionnante trouveront beaucoup de plaisir dans notre projet En termes de distribution, nous prévoyons de tirer parti de diverses plateformes pour atteindre nos objectifs, qu'il s' agisse de plateformes de diffusion en ligne, de festivals de films ou de réseaux sociaux. Nous avons l'intention de maximiser notre visibilité et notre portée. De plus, nous explorons les opportunités de collaboration avec des marques et des sponsors qui partagent nos valeurs et créent une vision. Ces partenariats peuvent donc accroître la visibilité et le soutien financier de notre projet, nous aidant ainsi à atteindre notre plein potentiel. En conclusion, notre projet de vidéoclips a un large potentiel de marché et est bien placé pour capter l' attention d'un large public En mettant l'accent sur la musique, récit visuel et la distribution stratégique. Nous sommes convaincus que nous pouvons réussir et laisser une impression durable dans le monde du divertissement. Ce serait une sorte de discours, tu sais. autre côté, il est important de parler également de l'équipe créative. Lorsque vous présentez l'équipe créative à l' origine de votre projet de vidéo musicale ou de tout autre projet, il est important de souligner compétences et l' expérience de chaque membre de manière claire et convaincante Voici quelques directives sur la manière de procéder à cette introduction du rôle de réalisateur et de créateur. Commencez par présenter le réalisateur du projet et mettez en avant son expérience unique en matière de vision dans la direction de votre projet Décrivez comment leur créativité a façonné tous les aspects du projet et comment leur leadership guidera l'équipe vers le succès. Voici la description de l'équipe de production. Présentez ensuite l'équipe de production, y compris un producteur exécutif et d'autres membres clés, mettez en valeur leur expérience en matière de coordination projets à grande échelle leur engagement envers l'excellence dans l'exécution. Mentionnez, par exemple, les réalisations remarquables de projets précédents qui démontrent leur capacité à gérer des projets similaires avec succès. L'étape suivante met en évidence l'équipe de cinématographie présente l'équipe de cinématographie dirigée par le directeur de la photographie décrit sa capacité à créer des photographie décrit sa capacité à créer Par exemple, dans le cadre de la maîtrise de la technique cinématographique, essayez de mentionner les mots ou la reconnaissance qu'ils ont reçus pour le travail précédent pour étayer leur expérience et leurs compétences Enfin, présentez l'équipe de montage et de post-production, y compris le monteur en chef, soulignez leur capacité à donner vie à la vision du réalisateur dans la salle de montage et leur expérience à raconter des histoires manière passionnante grâce au montage et à la post-production Si vous avez déjà travaillé, vous pouvez mentionner que cela peut également renforcer leur présentation en présentant le thème créatif de votre projet de cette manière et en convaincante leur talent et leur expérience, ce qui contribuera à renforcer la confiance du public et des investisseurs ou collaborateurs potentiels élaboration d'un argumentaire efficace implique de la pratique, préparation méticuleuse et de l'adaptabilité Il est essentiel de maîtriser la présentation de votre projet de manière claire et convaincante Souligner les aspects les plus intéressants de votre histoire, du concept central au potentiel du marché. Pratiquer devant différents publics vous aidera à affiner votre présentation et à l'adapter aux besoins et aux attentes spécifiques de chaque auditeur Enfin, vous devez vous assurer que votre patience pour le projet transparaît dans chaque mot et chaque geste pendant la présentation Cela créera un impact plus important et laissera une impression durable sur votre public jusqu'à la prochaine leçon. 16. Fin de la production cinématographique et vidéo: Bonjour tout le monde Nous avons atteint la fin de ce cours. J'espère que cela vous a beaucoup plu. Vraiment beaucoup. N'oubliez pas que dans le prochain volume, le volume deux, nous verrons étape par étape comment tous les documents filmés dans ce premier volume ont été édités. C'est un cours très intéressant car tu pourras le suivre avec moi. autre côté, si vous souhaitez approfondir le sujet du cinéma, vous pouvez consulter mon autre cours, Arts of Filmmaking, disponible sur D'un autre côté, je voulais te demander quelque chose d'important. Si vous êtes parvenu à la fin de ce cours et que vous l' avez aimé, sachez qu'il a été fait avec beaucoup d' efforts pour essayer de partager le meilleur avec vous. J'adorerais continuer à créer un cours pour chacune de mes productions. J'adorerais ça, mais ça dépend de toi. Il existe d'autres cours sur cette plateforme. Et pour que je puisse continuer dans cette voie, mon cours doit être très apprécié si vous pensez que mon cours est bon. Et comme je l'ai mentionné, vous adoreriez voir d'autres cours sur d'autres productions. Par exemple, un dans un espace intérieur, etc. J'ai besoin d'une très bonne critique, mais tout dépend de vous. C'est vous qui avez le plus évalué mon cours. Merci beaucoup d'être arrivé jusqu'ici et je t'aime beaucoup jusqu'à la prochaine fois.